title: Marina Weisband

text: Marina Weisband ist seit 2020 an dem chronischen Erschöpfungssyndrom (ME/CFS) erkrankt und setzt seit Herbst 2021 ihre privilegierte Stellung dafür ein, um über diese neurologische Krankheit aufzuklären.


title: Marina Weisband

text: Anlässlich des Programmparteitages der Piratenpartei im Dezember 2011 in Offenbach schrieb "Spiegel Online": „In Offenbach zeigt sich auch, wer der neue Star der Partei ist: Marina Weisband. […] und in Offenbach zeigt sich, wie wichtig Marina Weisband für den Zusammenhalt der Partei ist.“ "Focus Online" kommt zu dem Schluss: „Sie ist diejenige, auf die sich alle im Saal einigen können.“


title: Marina Weisband

text: Die "Frankfurter Allgemeine Zeitung" schrieb zum Abschied von Marina Weisband im April 2012: „Sie hat für die Piraten weit über die Parteifreunde hinaus mehr soziales Kapital eingeworben als wahrscheinlich irgendein anderer Parteipolitiker der vergangenen Jahre.“


title: Marina Weisband

text: Im März 2013 wurde ihr erstes Buch "Wir nennen es Politik" auf der Leipziger Buchmesse vorgestellt. Zwei Wochen vorher wurde eine unredigierte Fassung zum kostenlosen Abruf bereitgestellt. Der Klett-Cotta Verlag gab an, zwar nicht erfreut zu sein, gegen die Veröffentlichung aber nicht vorgehen zu wollen. Der Verkauf des E-Books war ohnehin ohne Kopierschutz vorgesehen. Weisband beabsichtigt, dass jeder Käufer ihres Buches es auch ohne Einschränkungen im Netz weiterverbreiten dürfe.


title: Haiku

text: Haiku (; Plural: Haiku, auch: Haikus) ist eine traditionelle japanische Gedichtform, die heute weltweit verbreitet ist. Das (oder der) Haiku gilt als die kürzeste Gedichtform der Welt.


title: Haiku

text: Zu den bedeutendsten Haiku-Dichtern zählen Matsuo Bashō (1644–1694), Yosa Buson (1716–1783), Kobayashi Issa (1763–1827) und Masaoka Shiki (1867–1902). Bashō erneuerte mit seinen Schülern die Haikai-Dichtung und ermöglichte ihr die Anerkennung als ernsthafte Literatur. Shiki gilt als Begründer des modernen Haiku. Er war es, der den Begriff "Haiku" prägte (gegenüber dem älteren Haikai oder Hokku).


title: Haiku

text: Japanische Haiku bestehen meistens aus drei Wortgruppen von 5 – 7 – 5 Silben (genauer: Moren), wobei die Wörter in den Wortgruppen vertikal aneinandergereiht werden. Es gibt jedoch kritische Stimmen über die Verteilung von Silben wie Vicente Haya oder Jaime Lorente. Unverzichtbarer Bestandteil von Haiku sind Konkretheit und der Bezug auf die Gegenwart. Vor allem traditionelle Haiku deuten mit dem Kigo eine Jahreszeit an. Als Wesensmerkmal gelten auch die nicht abgeschlossenen, offenen Texte, die sich erst im Erleben des Lesers vervollständigen. Im Text wird nicht alles gesagt, Gefühle werden nur selten benannt. Sie sollen sich erst durch die aufgeführten konkreten Dinge und den Zusammenhang erschließen.


title: Haiku

text: Von einem Teil der Haijin (Haiku-Autoren) wird das Haiku vom Senryū unterschieden. Der andere Teil sieht in Haiku den Oberbegriff. Formal sind beide identisch, da ihre Kennzeichen jeweils Kürze, Konkretheit, Gegenwärtigkeit und Offenheit sind. Als Senryū werden demnach die Haiku bezeichnet, die sich mehr dem Persönlichen und dem Emotionalen zuwenden.


title: Haiku

text: Im Deutschen werden Haiku meist dreizeilig geschrieben. Bis um die Jahrtausendwende galt zudem die Vorgabe von 5-7-5 Silben. Davon haben sich allerdings die meisten deutschsprachigen Haijin entfernt. Sie weisen darauf hin, dass japanische Lauteinheiten alle gleich lang sind und weniger Information tragen als Silben in europäischen Sprachen. So hat „Stockholm“ zwei Silben, aber sechs Moren. 17 japanische Lauteinheiten entsprechen etwa dem Informationsgehalt von 10–14 deutschen Silben. Deshalb hat es sich mittlerweile unter vielen Haiku-Schreibern europäischer Sprachen eingebürgert, ohne Verlust des inhaltlichen Gedankengangs oder des gezeigten Bildes mit weniger als 17 Silben auszukommen.


title: Haiku

text: Moderne Haiku-Schulen hinterfragen weltweit zudem nicht nur die traditionellen Formen, sondern auch manche Regeln der Textgestaltung, und versuchen neue Wege zu gehen.


title: Haiku

text: Die japanische Dichtung ist nicht silbenzählend, sondern quantitierend. Ein Haiku nach traditionellem Vorbild besteht aus einem Vers zu drei Wortgruppen mit fünf, sieben und fünf japanischen Moren: 5-7-5. In Übertragungen oder Nachbildungen in europäischen Sprachen erscheint das Haiku diesen Wortgruppen entsprechend als Dreizeiler.


title: Haiku

text: Eine japanische Silbe trägt eine Mora, wenn der Vokal kurz ist und die Silbe offen auslautet. Ein langer Vokal trägt zwei Moren. Ein "n" am Schluss einer Silbe oder ein verdoppelter Konsonant (Sokuon, wörtlich „gespannter Laut“) trägt ebenfalls eine Mora. Die meisten rein japanischen Wörter bestehen aus Silben mit einer Mora. Silben mit mehreren Moren sind meist sinojapanischen Ursprungs.


title: Haiku

text: Aus dem Vorwort des Kokinshu (Sammlung alter und neuer Gedichte) aus dem Jahre 905 stammt folgendes Zitat:


title: Haiku

text: Dietrich Krusche nennt Prinzipien, die im Regelfall für das traditionelle Haiku gelten: Ein Haiku ist konkret. Gegenstand des Haiku ist ein Naturgegenstand außerhalb der menschlichen Natur. Abgebildet wird eine einmalige Situation oder ein einmaliges Ereignis. Diese Situation oder dieses Ereignis wird als gegenwärtig dargestellt. Im Haiku findet sich ein Bezug zu den Jahreszeiten.


title: Haiku

text: Dem Bezug auf die Jahreszeit dienen Kigo, spezielle Wörter oder Phrasen, die in Japan allgemein mit einer bestimmten Jahreszeit in Verbindung gebracht werden.


title: Haiku

text: Die dargestellten Dinge sind Repräsentanten erlebter Momente und der damit verbundenen Gefühle. Die Natur spiegelt die Seele. Objekte werden stellvertretend und symbolhaft benutzt. Ein Bild als Beispiel: Fallende Blätter, Assoziation: Herbst, Gefühl: Melancholie. Darüber hinaus verweisen einige Autoren der betrachtenden Literatur auf eine weitergehende, noch kulturspezifischere Symbolik. Bestimmte Objekte stehen ihrer Meinung nach stellvertretend für religiöse, gesellschaftliche und philosophische Themen. So nennt Bodmershof beispielhaft den herabstürzenden Regen als Symbol des Todes und das Haus als Symbol des irdischen Körpers.


title: Haiku

text: Japanische Samurai und Zen-Mönche schrieben Todesgedichte ("jisei no ku"), teils auch in der Form des Haiku.


title: Haiku

text: Viele Haiku sind in kalligraphischer Form dargestellt. Die Morenzahl ergibt im Japanischen einen Sprechtakt, der einen ähnlichen Erinnerungswert bietet wie im Deutschen die Reime.


title: Haiku

text: Verwandte des Haiku sind das fünfteilige Tanka mit traditionell 5-7-5-7-7 Moren und das Renga als eine Kette von Tanka. Ursprünglich verfassten mehrere Dichter Tanka bei geselligen Anlässen in gemeinsamer Improvisation. Der erste Dichter schuf das Hokku (Oberstollen, 5-7-5), der zweite das Matsuku (Unterstollen, 7-7). Diese Form des gemeinsamen Dichtens war auch als Waka (Antwortgedicht) bekannt. Später entstanden in größeren Gesellschaften ganze Kettengedichte, beispielsweise das 36-strophige Kasen. Es war geprägt von klaren Vorgaben für die Inhalte einzelner Verse.


title: Haiku

text: Aus dem 13. Jahrhundert finden sich die ersten belegten Herauslösungen des Hokku als eigenständige lyrische Form. In der folgenden Zeit war das Hokku als Scherz- und Witzgedicht bei Hofleuten und Samurai beliebt. Ab dem 15. Jahrhundert begann sich das Hokku neben dem Tanka als eigenständige Versform zu etablieren. Noch ging es vorrangig um das Spiel mit Worten und Bildern.


title: Haiku

text: Im 16. Jahrhundert mit Beginn der Edo-Periode entstand die Form, die wir heute als klassisches Haiku bezeichnen. Voraussetzung dafür waren einige Besonderheiten der Edo-Periode. Die Gesellschaft war geprägt durch ein feudalistisches Klassen- und Ständesystem. Zudem schottete sich Japan fast vollständig nach außen ab. So entstand eine in sich geschlossene, scheinbar unveränderliche Welt. Durch dieses genau definierte Werte- und Symbolsystem hatten Dichter und Rezipienten über Jahrhunderte einen gemeinsamen, klar abgegrenzten Verstehenshintergrund. Veränderungen fanden nur im Detail statt.


title: Haiku

text: Heute gilt Matsuo Bashō (1644–1694) als der erste große Haiku-Dichter. Sein Frosch-Haiku ist wohl das meistzitierte Haiku der Welt.


title: Haiku

text: Große Haiku-Dichter waren zudem Buson und Kobayashi Issa. Issa brach zuweilen mit der konventionellen 5-7-5-Form. Seinen Werken, die der zunehmenden Sophistizierung der Haiku eine Absage erteilten, scheint eine tiefe Liebe zu Mensch und Kreatur zugrunde zu liegen, die oft mit Humor gewürzt war:


title: Haiku

text: Wann der Begriff "haiku" genau geprägt wurde, ist ungeklärt. Er ist wahrscheinlich aus dem "hai" von "Haikai no Renga" und dem "ku" des Begriffs "hokku" gebildet worden. Allgemeine Verbreitung erhielt er durch den Erneuerer der Haiku-Dichtung, Masaoka Shiki (1867–1902).


title: Haiku

text: Nach Masaoka Shiki spaltete sich die Haiku-Dichtung in zwei Richtungen. Seine beiden bedeutendsten Schüler, Takahama Kyoshi (1874–1959) und Kawahigashi Hekigotō (1873–1937), gaben dem japanischen Haiku divergierende Impulse, die bis heute nachwirken. Hekigotō setzte die Reformen Shikis weiter fort und experimentierte mit der Form. Kyoshi erfand als Gegenbewegung gegen diese Experimente das „traditionelle Haiku“. Der beachtliche Einfluss Kyoshis zeigt sich heute noch an der weiten Verbreitung des „traditionellen Haiku“ in Japan. Seiner Schule entwuchsen viele angesehene Dichter, (Mizuhara Shuōshi (1892–1981)). Aus Hekigotōs Bewegung entwickelte sich die freie Form des Haiku. Bedeutende Haiku-Dichter wie Ippekirō Nakatsuka (1887–1946), Ogiwara Seisensui (1884–1976), Ozaki Hōsai (1885–1926) und vor allem Taneda Santōka (1882–1940), der zu den meistgelesenen Haiku-Autoren in Japan gehört, entstammen dieser Linie.


title: Haiku

text: Auch das zeitgenössische ("gendai") japanische Haiku hat hier eine seiner Wurzeln. Es entstand nach dem Zweiten Weltkrieg als liberale Haiku-Bewegung, aufgrund der Erfahrungen während des japanischen Ultranationalismus. Die Haiku-Dichter der "shinkō haiku undō" (Neuentstandene Haiku-Bewegung), die sich nicht mehr an die Vorgaben des „traditionellen Haiku“ nach Takahama Kyoshi hielten, wurden verfolgt, verhaftet und gefoltert, ihre Zeitschriften verboten. Takahama Kyoshi selbst wurde nach dem Krieg als Hauptverantwortlicher angesehen. Er war Präsident der Haiku-Abteilung der „Patriotischen Gesellschaft für japanische Literatur“ ("Nihon bungaku hōkoku kai"), eine dem Nachrichtendienst unterstellte staatliche Propaganda-Organisation zur Kontrolle kultureller Aktivitäten.


title: Haiku

text: In der heutigen Gendai Haiku-Bewegung finden sich unterschiedliche poetische Positionen, die sich gegenseitig tolerieren. Manche Dichter halten am 5-7-5-Muster fest, andere lediglich am Jahreszeitenwort, wieder andere lehnen beides ab.


title: Haiku

text: Der von China nach Japan gekommene Chan-Buddhismus (in Japan Zen-Buddhismus) beeinflusste auch die Haiku-Dichtung. Einige Haiku, die auf den ersten Blick nur Natur- oder Alltagsereignisse zu beschreiben scheinen, offenbaren auf den zweiten Blick auch eine religiöse Bedeutung. Ein Haiku von Ryōkan verweist z. B. neben dem Erlebnis einer Vollmondnacht auch auf den Zen-Buddhismus:


title: Haiku

text: Dabei steht der Mond (als Vollmond) symbolisch als leerer Kreis (Ensō) für den Zen-Buddhismus und das "Verweilen ohne Haus unter freiem Himmel" deutet den sogenannten "hauslosen Stand" eines buddhistischen Mönchs an.


title: Haiku

text: Deutlich wird auch der Einfluss von Gedichten Wang Weis, der sich dem Chan-Buddhismus zugewandt hatte, als Vorbild für ein Haiku von Joseki.


title: Haiku

text: Mit ist eine große, dreizehn-saitige japanische Zither, genannt "Koto", gemeint. Hier steht der Mond wieder als Symbol für den Zen-Buddhismus, wobei das "allein sein" als Sitzen in Meditation (Zazen) steht. Es existiert ein sehr ähnliches Gedicht von Wang Wei mit gleicher Bedeutung:


title: Haiku

text: Das Spielen der Zither hat für chinesische Künstler eine meditative Bedeutung und bietet eine Möglichkeit der Versenkung und Einswerdung mit dem Dao.


title: Haiku

text: Vor allem in der US-amerikanischen Haiku-Szene der 1970er-Jahre wurden Haiku und Zen häufig in untrennbarem Zusammenhang gesehen. Richard Gilbert sagt dazu in einem Interview mit Udo Wenzel:


title: Haiku

text: Japanische Haiku werden gelegentlich in Hiragana geschrieben, das heißt in einer reinen Lautschrift ohne die Bedeutung spezifizierender Wortzeichen. Ein berühmtes Haiku von Kobayashi Issa lautet beispielsweise:


title: Haiku

text: Außerdem werden Haiku im Japanischen in der Regel nicht in mehrere Zeilen gesetzt, so dass dieses Haiku schlicht so geschrieben wird:


title: Haiku

text: Aufgrund der hohen Zahl von Homonymen im Japanischen lässt sich dieses Gedicht auf zwei völlig unterschiedliche Weisen verstehen, die in einer im Folgenden demonstrierten Schreibung mit Kanji festgelegt wären, aber üblicherweise durch den Verzicht darauf bewusst offen gelassen werden:


title: Haiku

text: Der Reiz solcher Mehrdeutigkeiten lässt sich fast nur in der japanischen Sprache wiedergeben, eine adäquate Nachdichtung ist kaum möglich.


title: Haiku

text: Roland Barthes unterscheidet die unterschiedlichen Möglichkeiten des Haikulesens. Eine westliche Lesart des Haiku, die es symbolisch interpretiert und dabei einen zum Metaphysischen tendierenden Sinn unterstellt, hält er für unangemessen eurozentristisch. Eine solche Leseweise widerspräche der Intention des Haiku, das „Wort und Ding in eins fallen“ lasse. Barthes vergleicht das Haiku mit dem Satori des Zen-Buddhismus und sieht eine wesentliche Analogie darin, eine Wahrheit lediglich aufblitzen zu lassen:


title: Haiku

text: Interpretationsversuche westlicher Art, Dagegen gehe es vielmehr darum, den Sinn „zu erschüttern und ausfallen zu lassen wie den Zahn des Absurditätenbeißers, welcher der Zen-Schüler angesichts eines "Koan" sein soll.“


title: Haiku

text: Die Charakterisierung von Barthes bezieht sich allerdings allenfalls auf eine von vielen Strömungen innerhalb der Haiku-Dichtung. Insbesondere ihre Zen-Orientierung wird kritisch gesehen.


title: Haiku

text: Erst Anfang des 20. Jahrhunderts erlangte das Haiku auch in der westlichen Welt Bedeutung. Zunächst verbreitete es sich in Frankreich und im englischen Sprachraum. Ein wichtiger Wegbereiter war der Engländer Reginald Horace Blyth, der zeitweise als Lehrer am japanischen Hof arbeitete und von 1949 bis 1952 eine vierbändige Anthologie mit dem Titel „Haiku“ veröffentlichte.


title: Haiku

text: Im deutschsprachigen Raum hat das Haiku seit den 1920er Jahren Fuß gefasst. Hier seien Rainer Maria Rilke, Franz Blei, Yvan Goll, Peter Altenberg, Alfred Mombert und Arno Holz genannt. Großen Einfluss hatten ab den späten 1930er Jahren die Haiku-Sammlung "Ihr gelben Chrysanthemen!" von Anna von Rottauscher und die Haiku von Imma von Bodmershof.


title: Haiku

text: Der Nürnberger Schriftsteller Fitzgerald Kusz hat zahlreiche Haikus in mittelfränkischer Mundart verfasst.


title: Haiku

text: Die bis Anfang des 21. Jahrhunderts von der Deutschen Haiku-Gesellschaft vertretene Ansicht, Haiku seien reine Naturgedichte, ist mittlerweile überholt. Andreas Wittbrodt führt das Zustandekommen dieser weit verbreiteten Ausrichtung darauf zurück, dass Autoren und Übersetzer der Inneren Emigration stilbildend für deutschsprachige Haijin waren.


title: Haiku

text: In der Mitte des 20. Jahrhunderts wurde meist das Silbenmuster 5-7-5, verteilt auf drei Zeilen, verwendet. Es wird immer noch mit schulgerecht oder traditionell beschrieben, ist allerdings umstritten. Viele Autoren schreiben mittlerweile im sogenannten freien Stil, unter anderem weil Silben in der deutschen Sprache viel freier gebildet werden können als Moren im Japanischen und daher nicht zwangsläufig einen Rhythmus ergeben.


title: Haiku

text: Das moderne deutschsprachige Haiku bleibt eine Momentaufnahme. Ein Geschehen wird genau beobachtet und eine Stimmung zum Ausdruck gebracht. Oft ergibt sich ein Gedankensprung oder eine neue Ebene beim Lesen des Haiku.


title: Haiku

text: Lange Zeit auf eine kleine Gemeinde von Haikuschreibenden beschränkt, hat sich in den letzten Jahren eine lebendige Szene entwickelt. Zum Teil ist sie in der Deutschen Haiku-Gesellschaft vertreten, auf deren Website sich eine Seite mit aktuellen Autoren findet. Die Vierteljahresschrift der DHG heißt "Sommergras".


title: Haiku

text: Unter anderem von Ian Fleming wird ein Haiku zum zentralen titelgebenden Element in dem Roman Du lebst nur zweimal.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens ist ein deutscher Spielfilm aus dem Jahr 1922 von Friedrich Wilhelm Murnau in fünf Akten. Der Stummfilm ist eine – nicht autorisierte – Adaption von Bram Stokers Roman "Dracula" und erzählt die Geschichte des Grafen Orlok (Nosferatu), eines Vampirs aus den Karpaten, der in Liebe zur schönen Ellen entbrennt und Schrecken über ihre Heimatstadt Wisborg bringt. "Nosferatu" gilt als einer der ersten Vertreter des Horrorfilms und übte mit seiner visuellen Gestaltung einen großen Einfluss auf das Genre aus. Zugleich gilt das Werk mit seiner dämonischen Hauptfigur und seiner traumartigen, gequälte Seelenzustände spiegelnden Inszenierung als eines der wichtigsten Werke des Kinos der Weimarer Republik. Der Film sollte nach einem verlorenen Urheberrechtsstreit 1925 vernichtet werden, überlebte aber in unzähligen Schnittversionen und ist heute in mehreren restaurierten Fassungen verfügbar.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Ein Chronist berichtet, wie im Jahr 1838 die Pest in die Hafenstadt Wisborg kam: Der Häusermakler "Knock" bekommt von einem Grafen namens "Orlok" aus den Karpaten den schriftlichen Auftrag, für ihn ein Haus in Wisborg zu suchen. Der Makler, augenscheinlich begeistert von der Anfrage des Grafen, beauftragt seinen jungen Mitarbeiter "Thomas Hutter" damit, zu Orlok zu reisen und ihm das halbverfallene Haus gegenüber der Wohnung der Hutters anzubieten. Thomas ist voller Tatendrang und freut sich sehr auf die Reise. Seine junge Frau "Ellen" hingegen reagiert voll Sorge und mit dunklen Vorahnungen auf die Reisepläne ihres Mannes. Thomas gibt seine Frau in die Obhut seines Freundes, des Reeders "Harding", und macht sich auf den Weg. Unterwegs macht er Rast in einem Gasthaus. Die Einheimischen fürchten sich offenbar sehr vor Orlok und warnen den jungen Mann eindringlich davor, weiterzureisen. Das „Buch der Vampyre“, ein Kompendium über Blutsauger, das Thomas schon bei seiner Abreise aus Wisborg mitgenommen hatte, hätte ihm als Warnung dienen können. Doch er schlägt alle Warnungen und Mahnungen in den Wind und setzt seine Reise fort.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Als ihn schließlich seine Reiseführer an einer Brücke vor dem letzten Aufweg zur Burg voller Angst verlassen, muss Thomas zerknirscht allein weiterreisen. Wenige Meilen vor dem Ziel wird er in einem dunklen Wald von der unheimlichen Kutsche des Grafen abgeholt und erreicht Orloks düsteres Schloss. Im Hof angekommen, ist niemand zu sehen. Thomas wundert sich, wo denn all die Bediensteten des Schlosses bleiben, doch dann wird er vom Burgherrn persönlich empfangen. Graf Orlok ist nicht minder unheimlich als seine Behausung: eine hagere, kahlköpfige Gestalt mit großen Augenbrauen, großer Hakennase und unnatürlich spitzen Ohren. Ein Nachtmahl ist für Thomas bereitet. Als er sich versehentlich mit einem Messer am Daumen verletzt, will sich Orlok gierig über das Blut hermachen, lässt dann aber doch von Thomas ab. Der Graf bittet den jungen Mann zu verweilen. Nach einer Nacht in schwerem Schlaf erwacht Thomas mit zwei Bissmalen an seinem Hals. Er interpretiert sie jedoch naiverweise als Mückenstiche und schreibt seiner Frau einen Schmachtbrief. Als Graf Orlok am folgenden Abend zufällig das Bildnis von Ellen in einem Medaillon erblickt, nimmt er sofort Thomas' Angebot an und unterschreibt unbesehen den Kaufvertrag. Thomas ahnt, dass er damit das Verhängnis in seine Heimatstadt eingeladen hat. Orlok nähert sich in dieser Nacht dem schlafenden Thomas, um sein Blut zu saugen, doch in weiter Ferne erwacht Ellen in Wisborg schreiend und streckt flehend ihre Hände aus. Der Graf lässt von seinem Opfer ab.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Ellen fällt in einen tranceähnlichen Zustand und beginnt zu schlafwandeln. Währenddessen erforscht Thomas tagsüber Orloks Schloss und findet den Grafen in todesähnlichem Schlaf in einem Sarg liegen. Am Abend darauf wird er Zeuge, wie der Graf eilends mit Erde gefüllte Särge auf einen Wagen verlädt. Kaum hat sich Orlok in den letzten, leeren, Sarg gelegt und dessen Deckel über sich gezogen, rast der unheimliche Karren davon. Thomas flieht aus dem Schloss, wird ohnmächtig und von Einheimischen gerettet, die den Fiebernden in einem Hospital gesund pflegen. Orlok hat unterdessen veranlasst, dass die Särge mit einem Floß nach Warna transportiert und auf ein Segelschiff verladen werden. Die "Empusa" macht sich mit Orlok an Bord auf den Weg nach Wisborg, während Thomas, wieder genesen, auf dem Landweg nach Hause eilt. An Bord der Empusa sterben die Besatzungsmitglieder, einer nach dem anderen, an einer mysteriösen Krankheit. Als die Matrosen nachforschen und einen der Särge öffnen, entweicht ihm eine Horde Ratten. Als schließlich nur noch der Kapitän und sein erster Maat am Leben sind, entsteigt der Graf des Nachts seinem Sarg. Der Maat springt von Bord und der Kapitän bindet sich am Ruder fest. Die "Empusa" fährt, einem Geisterschiff gleich, in den Hafen von Wisborg ein, wo die Hafenarbeiter nur noch den toten Kapitän auf dem Schiff finden.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Knock, inzwischen wegen seines Appetits auf lebende Fliegen im Irrenhaus gelandet, frohlockt, der „Meister“ sei endlich hier. Der Graf, einen Sarg und die Ratten im Schlepptau, verlässt das Schiff und wandelt durch die nächtliche Stadt. Der Reeder Harding findet auf der verwaisten "Empusa" das Logbuch, das von der tödlichen Krankheit berichtet. Die Stadt ruft den Notstand aus, doch es ist zu spät: Die Pest breitet sich in Wisborg aus und fordert unzählige Opfer. Selbst der „Paracelsianer“ Professor Bulwer, ein Experte für epidemische Krankheiten, findet kein Gegenmittel gegen die Seuche. Knock ist aus der Anstalt entflohen und wird von einer Meute verfolgt, die ihm die Schuld an der Plage gibt, doch er kann entkommen und sich außerhalb der Stadt verstecken.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Auch Thomas ist es gelungen, Wisborg zu erreichen. Er bringt das „Buch der Vampyre“ mit sich, in dem Ellen liest, nur eine Frau reinen Herzens könne „den Vampyr“ aufhalten, indem sie ihm aus freiem Willen ihr Blut zu trinken gibt und ihn so „den Hahnenschrey vergessen“ macht. Unterdessen ist Orlok in das öde Haus gegenüber den Hutters eingezogen. Sehnsuchtsvoll und beschwörend blickt er aus dem Fenster in Ellens Zimmer. Die junge Frau spielt vor, beinahe zu kollabieren, und schickt Thomas weg, um einen Arzt zu holen. Nun kann sie sich dem Vampir ungestört opfern, so wie sie es im Buch gelesen hatte. Orlok, nichts ahnend, wähnt sich der Erfüllung seiner Wünsche nahe, schleicht in ihr Zimmer und nähert sich Ellen, um ihr Blut zu trinken. Als er sich an ihr labt, schreckt er plötzlich hoch: Der erste Hahnenschrei ist zu hören, Nosferatu hat über seine Lust die Zeit vergessen. Das Morgengrauen ist bereits da, und mit dem ersten Strahl der Sonne vergeht der Vampir zu Rauch. Thomas erreicht mit dem Doktor Ellens Zimmer und schließt sie in die Arme, aber es ist zu spät – Ellen ist tot. Doch wie von Ellen gehofft, ist mit dem Ende des Vampirs auch die Pest besiegt.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: "Nosferatu" war die einzige Filmproduktion der 1921 von Enrico Dieckmann und Albin Grau gegründeten "Prana-Film". Grau hatte die Idee, einen Vampirfilm zu drehen. Die Inspiration dazu stammt aus einem Kriegserlebnis von ihm: Im Winter 1916 erzählte ihm ein serbischer Bauer, sein Vater sei ein Vampir und Untoter gewesen. Dieckmann und Grau gaben bei Henrik Galeen ein Drehbuch in Auftrag, das sich an Bram Stokers Roman "Dracula" aus dem Jahr 1897 anlehnen sollte, obwohl die Filmrechte an Stokers Buch nicht von der "Prana-Film" erworben wurden. Galeen galt als ausgewiesener Fachmann für schauerromantische Stoffe; er hatte bereits an "Der Student von Prag" (1913) mitgewirkt und das Drehbuch zu "Der Golem, wie er in die Welt kam" (1920) geschrieben. Der Drehbuchautor verlegte die Romanhandlung von London (bzw. Whitby) in eine fiktive norddeutsche Hafenstadt namens Wisborg und veränderte die Namen der Figuren. Dazu brachte er den Aspekt in die Geschichte ein, dass der Vampir die von den Ratten übertragene Pest nach Wisborg bringt. Auf die Figur des Vampirjägers Van Helsing verzichtete er. Galeens Drehbuch war gedichtähnlich rhythmisiert, ohne jedoch so zergliedert und abgehackt zu sein wie beispielsweise die Bücher des stark vom Expressionismus beeinflussten Autors Carl Mayer. Lotte H. Eisner nennt Galeens Drehbuch „voll Poesie, voll Rhythmus“.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Dieckmann und Grau gewannen für die Regie Friedrich Wilhelm Murnau, der erst seit 1919 Filme drehte, sich aber mit seinen ersten sieben Produktionen einen Namen als talentierter Filmemacher gemacht hatte. Grau, der an der Kunstakademie Dresden studiert hatte, übernahm die künstlerische Leitung und entwarf Dekorationen und Kostüme. Für die Filmmusik zeichnete der musikalische Leiter der "Prana-Film" Hans Erdmann verantwortlich. Der unbekannte Theaterschauspieler Max Schreck aus München wurde für die Titelrolle verpflichtet. Weitere Rollen übernahmen am expressionistischen Theater Max Reinhardts geschulte Schauspieler wie Greta Schröder, Gustav von Wangenheim, John Gottowt und Alexander Granach, ein ehemaliger Schulkamerad Murnaus an Reinhardts Schauspielschule des Deutschen Theaters.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Die Dreharbeiten zu "Nosferatu" begannen im Juli 1921 mit Außenaufnahmen in Wismar. Eine Aufnahme vom Turm der Marienkirche über den Wismarer Marktplatz mit der Wasserkunst diente als Eröffnungsszene für den Schauplatz Wisborg. Weitere Drehorte waren das Wassertor, die Westseite der Georgenkirche, der Hof der Heiligen-Geist-Kirche und der Hafen. In Lübeck wurden die aufgelassenen Gebäude der Salzspeicher als Drehort für Nosferatus neues Domizil in Wisborg genutzt, auf der Depenau wurden die Särge herabgetragen, der Aegidienkirchhof, die Israelsdorfer Eiche sowie noch andere Orte der Stadt dienten ebenfalls als Kulisse. Weitere Außenaufnahmen folgten in Lauenburg, in Rostock und auf Sylt. Im Anschluss reiste das Filmteam in die Karpaten, wo die Arwaburg und zum Ende des Films die Burgruine Starý hrad als Kulisse für Orloks Schloss dienten. Weitere Drehorte fanden sich in unmittelbarer Nähe; so entstanden die Aufnahmen von Hutters Rast in Dolný Kubín, die Floßfahrt mit den Särgen wurde auf der Waag gedreht. Für die Gebirgsaufnahmen nutzte das Filmteam das Panorama der Hohen Tatra. Von Oktober bis Dezember 1921 entstanden dann die Innenaufnahmen im JOFA-Atelier in Berlin-Johannisthal, einige weitere Außenaufnahmen wurden im Tegeler Forst gedreht.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Dem lichtsetzenden Kameramann Fritz Arno Wagner stand für die Dreharbeiten aus Kostengründen nur eine einzige Kamera zur Verfügung, daher existierte nur ein einziges originales Filmnegativ. Der Regisseur folgte Galeens Drehbuch sehr exakt und fügte lediglich handschriftliche Anweisungen und Notizen bezüglich Kamerapositionierung, Lichtsetzung und ähnlichem hinzu. Zwölf Seiten des Skripts wurden allerdings von Murnau neu geschrieben, die entsprechenden Texte Galeens fehlen im Arbeitsexemplar des Regisseurs. Hierbei handelt es sich um die letzten Szenen des Films, in denen Ellen sich opfert und der Vampir durch den ersten Sonnenstrahl stirbt. Murnau arbeitete mit akribischer Vorbereitung; es gab zu jeder Szene künstlerische Vorzeichnungen, die genau dem späteren Filmbild entsprechen sollten. Um das Spiel der Darsteller zu rhythmisieren, setzte er ein Metronom ein.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Im Vorfeld der Veröffentlichung wurde der Film mit großem Aufwand beworben. Kurz vor der Uraufführung schalteten die Verantwortlichen in der Zeitschrift "Bühne und Film" Nr. 21/1922 eine Werbestrecke mit Inhaltsangabe, Szenen- und Werkfotos, Produktionsberichten und Essays, unter anderem einer Abhandlung Graus über den Vampirismus. Die Premiere von "Nosferatu" fand am 4. März 1922 im Marmorsaal des Zoologischen Gartens Berlin statt. Zu dieser als großer Gesellschaftsabend geplanten Veranstaltung wurde unter dem Titel „Das Fest des Nosferatu“ geladen, wobei das Erscheinen der Gäste in Biedermeierkostümen erwünscht war. Ein von Kurt Alexander geschriebener und nach dem Vorbild von Goethes "Vorspiel auf dem Theater" gestalteter Prolog eröffnete die Filmvorführung, während der die Kapelle Otto Kermbach unter der Leitung des Komponisten die Filmmusik spielte. An die Aufführung von "Nosferatu" schloss sich ein von Erdmann geschriebenes Tanzspiel „Die Serenade“ an, dargeboten von einer Solotänzerin der Staatsoper. Der darauf folgende Kostümball zog viele prominente Filmschaffende Berlins an, unter anderem Ernst Lubitsch, Richard Oswald, Hanns Kräly, Johannes Riemann und Heinz Schall. Der Kinostart von "Nosferatu" erfolgte schließlich am 15. März 1922 im Primus-Palast. Im deutschen Fernsehen war der Film erstmals am 23. Juni 1969 in der ARD zu sehen.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: "Nosferatu" brachte den Regisseur Murnau verstärkt ins Blickfeld der Öffentlichkeit, zumal sein Film "Der brennende Acker" nur wenige Tage später veröffentlicht wurde. Die Presse berichtete ausführlich über "Nosferatu" und seine Premiere, wobei die lobenden Stimmen überwogen und gelegentlich kritisiert wurde, dass die technische Perfektion und Klarheit der Bilder nicht zum Gruselthema passe. Der "Filmkurier" vom 6. März 1922 kritisierte, der Vampir sei im Film zu körperhaft und zu hell ausgeleuchtet, um wirklich schaurig zu wirken: „Was bei […] wirklichkeitstreuen Filmen ein Vorteil ist, muß bei einem Werk aus der Unwirklichkeit gegenteilig bewertet werden. Hier muß die künstlerische Unklarheit der Schattierungen vorherrschen. […] Denn mit der steigenden Helligkeit verliert nun einmal jedes Schreckgespenst seine Schrecken.“ Auch "Der Film" vom 12. März 1922 notierte, die Vampirgestalt hätte eine größere Wirkung gehabt, „wenn die Menschen der Handlung mehr in den Vordergrund und er mehr als Schemen unter sie käme“.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Hans Wollenberg bezeichnete den Film in "Lichtbild-Bühne" Nr. 11 vom 11. März 1922 als „Sensation“ und lobte Murnaus Naturaufnahmen als „Stimmung schaffende Elemente“. Die Inszenierung sei eine „Meisterleistung“, das Drehbuch „von wirkungsvollstem, ausgewogenstem Aufbau“. In der "Vossischen Zeitung" vom 7. März 1922 wird "Nosferatu" eine spezifisch filmische Qualität zugesprochen, die Inszenierung sei „sprechrampenfremd, buchfeindlich; ein eigener Film-Stil“. Auch "Der Film" vom 12. März 1922 lobt die Bilderauswahl, die „mit einem hervorragend feinen malerischen Sinne“ getroffen sei.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Roland Schacht urteilte am 15. April 1922 in "Das blaue Heft", "Nosferatu" sei nur „mäßiger Durchschnitt“ und eine Kopie von "Das Cabinet des Dr. Caligari" (1920, Regie: Robert Wiene). Er spottete: „Dazu dann dieser Vampir, der egal mit einem Sarg herumschleppt, wie jemand, der kurz vor Sieben, wenn die Postämter schließen, noch ein Weihnachtspaket aufgeben will und nicht recht weiß, wo er’s probieren soll.“ Auch Alfred Rosenthal beschäftigte sich im "Berliner Lokal-Anzeiger" vom 6. März 1922 mit der Vampirfigur: „Die unsympathische Hauptrolle übernahm Max Schreck aus München. Er stand vor einer schwierigen Aufgabe. Vom Erhabenen zum Lächerlichen war bei diesem blutsaugenden Gespenst nur ein kleiner Schritt.“ Letztendlich fand er lobende Worte: „Ich sah selten ein Werk, bei dem die Stimmung des Manuskripts sich so vollendet in der Landschaft widerspiegelt, wo das Zusammenspiel der Darsteller so gut abgetönt ist, und wo von Gestalten, die auf der Scheide zwischen Komik und Tragik fünf Akte lang wandelten, die verhängnisvolle Klippe so sicher überwunden wurde.“ Béla Balázs lobte die Fokussierung des Films auf die Natur und urteilte in "Der Tag" vom 9. März 1923, der Film sei deswegen so wirkungsmächtig, „weil die stärkste Ahnung des Übernatürlichen gerade aus der Natur zu holen ist“. Nur das Medium Film könne dies wirkungsvoll leisten, denn Sprache sei für die Darstellung des Phantastischen zu rational.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: "Nosferatu" wurde ein finanzieller Misserfolg. Die UFA weigerte sich, den Film in das Programm ihrer großen Lichtspielhäuser aufzunehmen, und so lief "Nosferatu" nur in wenigen kleineren, vom Marktführer unabhängigen Kinos. Bereits im April 1922 kamen Gerüchte auf, die Prana-Film habe sich finanziell übernommen. Die mehreren Millionen Mark, die die Prana als Startkapital von im Filmgeschäft unerfahrenen Geldgebern aus Schlesien erhalten hatte, waren aufgebraucht, was einerseits der großangelegten Werbekampagne für den Film, andererseits dem verschwenderischen Ausgabeverhalten Dieckmanns und Graus zugeschrieben wird. Murnau hatte für seine Regiearbeit 25.000 Mark erhalten, und noch zu Weihnachten 1921 hatten ihm die Prana-Chefs zusätzlich eine prozentuale Beteiligung am Einspielergebnis des Films angeboten. Im August 1922 wurde das Konkursverfahren gegen die Prana eröffnet und der Film wurde gepfändet.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Noch im Jahr der Uraufführung bemühte sich Bram Stokers Witwe Florence Stoker, gegen die durch die Prana begangene Urheberrechtsverletzung vorzugehen. Sie trat der "British Incorporate Society of Authors" bei und klagte über einen Anwalt in Berlin gegen die Rechtsnachfolger der Prana. Ein Vergleich, in dem Stoker 5000 Pfund für die Rechte forderte, kam nicht zustande. Im Juli 1925 entschied das Berliner Gericht letztinstanzlich, dass das komplette Filmmaterial inklusive aller Kopien von "Nosferatu" zu vernichten seien. Die Film Society in London plante trotz dieser Gerichtsentscheidung die Aufführung einer in England befindlichen Kopie, wogegen Florence Stoker einschritt. Es gelang jedoch, die Kopie vor der Vernichtung zu verbergen. Als vier Jahre später die "Film Society" erneut einen Anlauf unternahm, den Film zu zeigen, setzte sich Florence Stoker durch und die Kopie wurde vernichtet. Unterdessen hatte Stoker Verhandlungen mit Universal über die Filmrechte an "Dracula" aufgenommen. Das Filmstudio erwarb die Rechte für 40.000 Dollar und produzierte 1931 die erste autorisierte Filmadaption, Tod Brownings "Dracula".


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text: Trotz Florence Stokers Bemühungen, die vorhandenen Kopien des Films vernichten zu lassen, blieben viele unversehrt. Der Film war bereits ins Ausland verkauft, und es existierten bereits in vielen Ländern Versionen, die sich in Schnitt und Zwischentitelung unterschieden. In den späten 1920er Jahren wurde eine französische Schnittfassung, die im Unterschied zur deutschen Version nur 31 Zwischentitel enthielt, unter den Surrealisten um André Breton sehr populär. Diese französische Version gelangte schließlich in die Vereinigten Staaten und wurde mit englischen Zwischentiteln versehen. Die Filmfiguren hießen nun wieder nach Stokers Roman Jonathan und Mina Harker, Dracula, Renfield und so weiter. Aus dem Handlungsort Wisborg wurde Bremen.


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text: 1930 erschien unter dem Titel "Die zwölfte Stunde" eine durch die Deutsch-Film-Produktion nachträglich vertonte Version des Films, ohne Murnaus Autorisierung und ohne Regisseurnennung. Waldemar Roger als künstlerischer Bearbeiter hatte von Albin Grau zusätzliches Filmmaterial unter der Maßgabe erhalten, das Material durch Schnitt und Ton so zu verfremden, dass eine weitere Rechteverletzung nicht zu erkennen sei. Roger änderte die Namen der Protagonisten; aus Orlok wurde Wolkoff, aus Knock wurde Karsten, Hutter hieß Kundberg, Ellen bekam den Namen Margitta, und aus Harding wurde Hartung. Eine Szene mit dem glücklichen Paar Hutter und Ellen, die sich in Murnaus Version im ersten Akt befand, setzte Roger als Happy End an den Schluss des Films. Zusätzlich drehte er weitere Szenen, unter anderem eine Totenmesse mit Hans Behal als Priester, die der Zensur zum Opfer fiel. Einige eingeschnittene bäuerlich-folkloristische Szenen entstammten Kulturfilmen. Die neue Filmmusik für den Nadelton des Films stammte von Georg Fiebiger.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Aufgrund der ursprünglichen Urheberrechtsverletzung durch die "Prana" und da weder sie noch das rechtsnachfolgende Unternehmen das Copyright für "Nosferatu" in den USA beantragt hatten, galt der Film dort als Public Domain. Bekanntheit erlangte er, als er in den 1960er Jahren in einer stark verkürzten Fassung in der Reihe "Silents Please!" im US-Fernsehen gesendet wurde. Viele Unternehmen, die Videos produzierten, machten sich den Umstand der Copyright-Freiheit zu Nutze und vertrieben den Film unter verschiedenen Namen wie "Dracula", "Terror of Dracula", und "Nosferatu the Vampire" und in Versionen unterschiedlicher Qualität, viele davon Derivationen einer Ausgabe von "Blackhawk Films" aus den frühen 1970ern.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Ab 1981 wurde "Nosferatu" auf Initiative des Filmmuseums München erstmals rekonstruiert und restauriert. Als Grundlage dienten deutsche, französische und spanische Schnittversionen, einschließlich einer sich in der Cinémathèque française befindlichen Kopie von "Die zwölfte Stunde". Allerdings war diese Fassung nicht wie Murnaus Urfassung viragiert, sondern in schwarz-weiß. Die Zwischentitel wurden anhand einer im Staatlichen Filmarchiv der DDR befindlichen Filmkopie rekonstruiert. Eine eingefärbte Version dieser Restaurierung – die Viragierungen wurden durch Umkopieren durch einen Filter erzeugt – hatte seine Uraufführung anlässlich der Internationalen Filmfestspiele Berlin am 20. Februar 1984, wo der Film zu Ehren Lotte H. Eisners gezeigt wurde. Ein Salonorchester spielte dazu Erdmanns Originalmusik. Eine auf dieser Version basierende, aber von Enno Patalas ergänzte und in den Viragen korrigierte Fassung wurde vom 1. Februar bis zum 5. Februar 1987 im Carl-Orff-Saal im Münchner Gasteig gezeigt. Unter der Leitung von Berndt Heller spielte das Symphonie-Orchester Graunke Erdmanns originale Filmmusik. Diese Fassung wurde am 29. Dezember 1988 auch im ZDF ausgestrahlt, wobei Farbe und Kontraste durch Videotechnik nachbearbeitet wurden und die Vorführgeschwindigkeit auf 18 Bilder pro Sekunde herabgesetzt wurde. Die Musik zu dieser Fernsehfassung schrieb Hans Posegga.


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text: Ein weiterer Anlauf zur Restaurierung wurde 1995 durch das "Projekt Lumière" unternommen. Anhand einer vom Murnau-Fachmann Luciano Berriatúa in der Cinémathèque française neu aufgefundenen Nitratkopie des Films aus erster Generation erfolgte eine Überarbeitung unter Federführung der Cineteca di Bologna und wiederum des Filmmuseums München unter Enno Patalas. Diese besonders in den Farbgebungen anhand der frühen Kopie nochmals überarbeitete Version kam auf verschiedenen Filmfestivals zur Aufführung, so etwa in Cannes, Bologna und London.


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text: 2005 bis 2006 schufen Luciano Berriatúa und die Friedrich-Wilhelm-Murnau-Stiftung eine Überarbeitung, bei der der Film komplett digitalisiert und jedes Einzelbild bearbeitet wurde, um es zu säubern, von Altersschäden zu befreien, Klebungen zu retuschieren und den Bildlauf zu stabilisieren. Das verwendete Filmmaterial stammte aus einer viragierten, französischen Kopie. Fehlende Szenen wurden von zwei Sicherungskopien des Filmarchivs des Bundesarchivs aus den Jahren 1939 und 1962 ergänzt, die wiederum auf einer tschechischen Version aus den 1920ern beruhten. Auch hier benutzte man wieder eine Kopie von „Die zwölfte Stunde“. Die originalen, deutschen Zwischentitel wurden aus einer Sicherungskopie des Bundesarchiv-Filmarchivs in die restaurierte Fassung eingefügt. Fehlende Zwischentitel wurden nachgestaltet und der Original-Typographie angepasst. Diese Version, unterlegt mit Erdmanns Musik, wurde von Transit Film in Deutschland auf DVD veröffentlicht.


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text: Von "Nosferatu" existiert auf dem westlichen Markt etwa ein Dutzend unterschiedlicher DVD-Fassungen (Stand 2007). Zu dieser Vielzahl wesentlich beigetragen hat, dass vor 1923 veröffentlichte Werke und damit auch "Nosferatu" in den USA als Public domain gelten. Die Spannweite der DVDs reicht dabei von Billigpressungen bis zu mehr oder weniger aufwendigen Restaurierungen. Erhältlich sind sowohl viragierte als auch Schwarzweiß-Fassungen mit Zwischentiteln in unterschiedlichen Sprachen und diversen Filmmusiken.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Ungewöhnlich für einen deutschen Film dieser Zeit war die große Anzahl an Außenaufnahmen und die intensive Nutzung real existierender Drehorte. Der Regisseur verweigert sich damit den Kunstwelten des expressionistischen Films, wie sie mit Filmen wie "Das Cabinet des Dr. Caligari" (Robert Wiene, 1920) und "Der Golem, wie er in die Welt kam" (Paul Wegener und Carl Boese, 1920) in Mode waren. Im Gegensatz dazu waren Murnaus Aufnahmen naturalistisch und enthielten nach Eisner „etwas von dem fast Dokumentarischen gewisser Filme Dowshenkos“. Damit erzielt der Film seine Schauerwirkung durch den Einbruch des Unheimlichen in den Alltag, durch die Bedeutungsumkehrung idyllischer, naturalistisch gefilmter Schauplätze. Gehler und Kasten merken an: „Das Grauen erwächst aus dem Vertrauten, nicht aus dem Abartigen.“ Durch die Mittel der szenischen Gestaltung, der Kamera und der Cadrage gelingt es Murnau trotz seiner passiven, lediglich dokumentierenden Haltung gegenüber der abgebildeten Welt, expressiven Ausdruck zu schaffen. Lotte Eisner bezieht sich auf die Szene, in der schwarzgekleidete Sargträger in einer langen Prozession eine schmale Gasse herunterkommen, wenn sie feststellt: „Die ‚expressivste Expression‘, wie sie die Expressionisten fordern, ist hier ohne künstliche Mittel erreicht.“


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text: Insbesondere im Zusammenspiel von Filmfigur und Architektur erschafft Murnau diese Ausdrucksstärke: Der Vampir steht oft vor verwinkelten Eingängen, unter Torbögen oder vor sargähnlichen Öffnungen. Seine Gestalt mit der krummen Nase und dem Buckel wird in Verbindung zu architektonischen Wölbungen und Bögen gebracht. Frieda Grafe sieht eine „Parallelisierung von Körper und Bau“, die sich ins Metaphorische fortsetzt: sowohl Orloks Karpatenschloss als auch sein neues Haus von Wisborg sind öde und ruinös, korrespondierend zu seiner Einsamkeit und seiner Stellung zwischen Leben und Tod.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Die Lichtsetzung in "Nosferatu" ist besonders in den spukhaften Szenen im Low-Key-Stil gestaltet. Nur einzelne Figuren oder Bildbereiche sind gerichtet ausgeleuchtet, während der Rest des Bildes im Dämmerlicht oder im Dunklen bleibt. Dadurch entstehen plastische Schatteneffekte, insbesondere der Körperschatten des Vampirs, der ihm „wie ein böses Omen“ vorauseilt und den szenischen Raum damit ins Off erweitert. Der kunstgeschichtlich geschulte Murnau bezieht sich in seiner Lichtgestaltung nach Silke Beckmanns Meinung auf Vorbilder in der Malerei, namentlich auf Rembrandt, Vermeer, Hendrick ter Brugghen und Frans Hals. Bei den Farbgebungscodes der Viragierung hielt sich Murnau an die Konventionen der damaligen Zeit: die Nachtszenen waren blau eingefärbt, die Innenräume tagsüber sepiabraun und nachts gelborange. Eine Einfärbung in Rosa wählte Murnau für die Szenen bei Morgengrauen.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Da die Kamera in "Nosferatu" zumeist statisch und unbewegt bleibt, arbeitet Murnau mit Bewegung und Staffelung innerhalb des starren Kaders, um das Geschehen zu dynamisieren. Als Orloks Schiff langsam von rechts nach links das Filmbild durchfährt, nutzt Murnau den, so Eisner, „wirkungsmächtige[n] Eindruck der transversalen Bewegung“ zur Spannungsbildung. Dem gleichen Zweck dienen Subjektivierungen des Kamerablicks, etwa wenn der Vampir auf dem Schiff aus der Froschperspektive gefilmt wird oder beim Blick aus Fenstern Teile des Rahmens und der Sprossen ins Bild ragen. Höhepunkt des subjektivierten Blicks sind die Szenen, in denen sich die Vampirfigur – direkt in die Kamera blickend – dem Zuschauer zuwendet und somit die vierte Wand durchbrochen wird: „Der Vampir scheint durch seine Riesenhaftigkeit die Dimensionen der Leinwand zu sprengen und den Zuschauer direkt zu bedrohen.“ Andere Elemente in Murnaus Kamerasprache sind Versuche, mit Schärfentiefe zu arbeiten; so wird etwa der schlafende Hutter mit dem hinter ihm im Türrahmen auftauchenden Vampir in Art einer Inneren Montage in Verbindung gebracht.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Murnau setzt in "Nosferatu" Filmtricks ein, um den Übergang Hutters in die Welt des Grafen zu markieren. Durch Einzelbildschaltung der Kamera entsteht bei der Kutschfahrt Hutters ein ruckartiger Zeitraffereffekt. Indem der Regisseur in einer weiteren Szene Negativbilder verwendet und damit die Tonwerte umkehrt, entsteht der Eindruck, die Kutsche fahre durch einen weißen Geisterwald. Durch Doppelbelichtung entstehen in einigen Szenen mit dem Vampir Überblendungseffekte, die ihn geisterhaft-körperlos durch geschlossene Türen gehen lassen können. Thomas Koebner spricht diesen Effekten jede verstörende Wirkung ab und nennt sie „heitere Bildwitze aus der Zeit der Laterna magica“. Auch Siegfried Kracauer ist der Ansicht, dass die Durchschaubarkeit der Tricks deren nachhaltige Wirkung auf den Zuschauer verhindern würden: „Es versteht sich, dass Filmsensationen dieser Art sich schnell erschöpfen.“


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Vordergründig ist "Nosferatu" eine schlichte, volksmärchenartige Erzählung, die linear auf ein Ende von unvermeidlicher Konsequenz zusteuert. Ein ähnlicher Erzählaufbau findet sich in Murnaus "Der letzte Mann" (1924) und "Faust – eine deutsche Volkssage" (1926). Bei näherer Betrachtung fallen jedoch die vielen unterschiedlichen Erzählinstanzen auf, durch die die Geschichte aus den verschiedensten Blickwinkeln beleuchtet wird: der Chronist der Seuche, Hutters Chef, die abergläubischen Dorfbewohner, das „Buch der Vampyre“, sowie weitere schriftliche Erzählzeugen wie das Schiffslogbuch, Tagebuchtexte, Briefe und Zeitungsausschnitte. Der Zuschauer bleibt über den Wahrheitsgehalt und die Zuverlässigkeit der einzelnen Quellen im Unklaren, zumal die Erzählpositionen oft vage und wenig definiert sind. So merkt etwa Frieda Grafe an, der Bericht des Chronisten sei „für eine Chronik zu persönlich, für ein Tagebuch zu fiktiv.“ Für Michael Töteberg ist "Nosferatu" somit „ein Versuch, die Möglichkeiten des Films zu erkunden“, ein Experimentierfeld für den Gehalt an Wahrheit in der Abbildung und ein Ausloten der Stellung des Films als erzählender Autorität.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Eine wichtige narrative Funktion nehmen dabei die Zwischentitel ein. Ihre Anzahl ist mit 115 ungewöhnlich hoch. Die von Albin Grau kalligraphierten Titel zeigen beim Bericht des Chronisten eine stilisierte lateinische Schreibschrift auf papierartigem Untergrund, bei den Dialogen eine grell eingefärbte, modernere Schrift und bei Briefen eine deutsche Kurrentschrift. Seiten aus dem „Buch der Vampyre“ erscheinen in einer gebrochenen Druckschrift. Die Zwischentitel wirken wie filmische Einstellungen: Auf- und Abblenden umrahmen sie, die Kamera fährt auf sie zu oder entfernt sich von ihnen, Seiten werden umgeschlagen.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Mit über 540 Einstellungen ist "Nosferatu" ein für die damalige Zeit sehr schnell geschnittener Film. Der Einfluss von David Wark Griffiths revolutionärer Schnittarbeit in "Intoleranz" (1916) wird deutlich. Gemäß Thomas Elsaesser wird der Tempoeindruck des Zuschauers jedoch dadurch verlangsamt, dass die einzelnen Szenen monolithische Einheiten für sich sind und Murnau keine harmonischen, den Handlungsfluss beschleunigenden Anschlüsse einfügt, also nicht nach den Kriterien der Kontinuitätsmontage schneidet. Der Regisseur weist den Geschehnissen keine eindeutige zeitliche Abfolge zu und vernetzt sie nicht nach Kriterien der Kausalität. Der für den Zuschauer entstehende Eindruck ist der einer „Traum-Logik“, in der Ursache-Wirkungs-Mechanismen außer Kraft gesetzt sind und die Nachvollziehbarkeit der Ereignisse für eine eher psychologisch wirkende Darstellung gegenseitiger Abhängigkeiten und Anziehungen der Figuren in den Hintergrund tritt. Seeßlen und Jung bezeichnen den Film deshalb als „großartiges Stimmungsbild viel mehr denn als Film-‚Erzählung‘“.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Diese Filmgestaltung nach Art eines Traums, der sich nie völlig erschließt, führt zu offensichtlichen logischen Brüchen. So bleibt unklar, warum der Graf sich für das Ruinenhaus in Wisborg interessiert, bevor seine Liebe zu Ellen überhaupt entbrannt ist, oder warum Ellen am Strand auf Hutter wartet, wo sie ihn doch eigentlich auf dem Landweg zurückerwarten müsste. Diese und weitere „Fehler“ in Zeit und Raum kulminieren in einer Montage, in der der Vampir und Ellen zueinander in Verbindung gebracht werden, obwohl sie Hunderte Kilometer voneinander entfernt sind: Der Graf, sich noch in seinem Karpatenschloss befindend, blickt ins rechte Off, gefolgt von einer Einstellung, in der Ellen, in Wisborg weilend, ihre Hände flehend ins linke Off streckt. Die Blickachse der beiden Figuren wird verbunden und die räumliche Distanz damit überwunden. Die Szene evoziere „nicht den Eindruck einer räumlichen Beziehung, sondern der einer Ahnung oder seherischen Gabe der Figuren“, stellt Khouloki fest.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Elsaesser nennt diese Brüche in Raum und Zeit die „Logik des imaginären Raumes“, dazu geeignet, die Abhängigkeiten und Manipulationen der Protagonisten anzudeuten: Orlok manipuliert Knock, Knock manipuliert Hutter, Ellen manipuliert Orlok, um Hutter manipulieren zu können. Die gegenseitigen „Kraftströme der Anziehung und Abstoßung“ zeigten eine „geheime Verwandtschaft“ unter den Figuren auf: alle seien sie „sowohl aktiv als auch passiv, Initiator und Opfer, Rufender und Verrufener“.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Hans Erdmann betitelte seine Filmmusik zu "Nosferatu" als „Fantastisch-romantische Suite“; der Titel offenbare, so Berndt Heller, ein „gängiges Mißverständnis“. Anders als der Filmuntertitel "Symphonie des Grauens" vermuten lasse, setze Erdmann weniger auf mit dem Vampirstoff allgemein verbundene Elemente wie Grauen, Schauer und Schock als auf zur Intention des Regisseurs korrespondierende Stimmungsbilder, in denen sich die Verklärung der Natur und der märchenhaft-volkssagenartige Charakter des Films widerspiegeln. Wie Murnau verdeutliche Erdmann in seiner Musik „die Verstrickung der Dämonie ins Sagen-, Märchen- und Naturhafte“.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Erdmanns Partitur erschien in Ausgaben für großes Orchester und für Salonorchester beim Verlag "Bote & Bock". Die zehn Einzelstücke tragen auf Wiederverwendbarkeit angelegte, typische Kinothekentitel: "Idyllisch", "Lyrisch", "Spukhaft", "Stürmisch", "Vernichtet", "Wohlauf", "Seltsam", "Grotesk", "Entfesselt" und "Verstört". Da die Gesamtspieldauer des Werkes nur etwa 40 Minuten beträgt, vermutet Berndt Heller, dass für die Aufführungen einzelne Teile wiederholt wurden, etwa um die Figuren immer wieder leitmotivisch zu begleiten. Auch den wiederholten Einsatz einzelner Sätze für neue szenische Situationen durch Abwandlung des Stückcharakters, etwa durch veränderte Vortragsangaben in den Tempi und in der Dynamik hält Heller für möglich.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: 2003 schrieb der Spanier José María Sánchez-Verdú eine neue Filmmusik zu Murnaus Werk, die den Film in einer modernen, stimmigen Weise kommentiert und sehr erfolgreich in Spanien und Deutschland bei Vorführungen des Films live gespielt wurde.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: 2015 wurde Murnaus Film "Nosferatu" mit der Filmmusik von Matthew Aucoin unter Mitwirkung des Los Angeles Opera Orchestra und unter Leitung des Komponisten im Theatre at Ace Hotel in Los Angeles gezeigt.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: 2018 rekonstruierten Hans Brandner und Marcelo Falcão die komplette „Fantastisch-romantische Suite“ von Hans Erdmann und veröffentlichten zugleich Filmpartituren auf dieser Grundlage für Klavier, Ensemble, Salonorchester und großes Orchester. 2018 führten sie die Musik erstmals in Brasilien auf und "Nosferatu" wird seit 2018 regelmäßig im Kino Babylon in Berlin mit ihrer Musikfassung gezeigt.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Eine seltene Version des Filmes beinhaltet die musikalische Umrahmung nach Motiven von Johann Sebastian Bach, aufgeführt durch 17 Musiker des Radio-Sinfonieorchesters Basel unter Leitung von Armin Brunner.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Der Film wurde auch mehrmals Grundlage für Improvisationskonzerte, beispielsweise 2013 mit Mathias Rehfeldt an der Konzertorgel in Edmonton oder 2014 mit Gabriela Montero am Klavier in Berlin.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Zusammen mit seinem Lebensgefährten und Assistenten Walter Spies ist Murnau auch in einem Cameo-Auftritt in "Nosferatu" zu sehen. In einer Szene gegen Ende des Films lauschen sie entsetzt dem Bericht einer alten Frau, die ihnen vom Bösewicht Knock erzählt, der den Gefängniswärter erwürgte.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Der Regisseur präsentiert neben den Landschaftsaufnahmen ein Panoptikum der Tier- und Pflanzenwelt: Von der mikroskopischen Aufnahme eines Polypen über eine Venusfliegenfalle, eine für einen Werwolf einstehende Streifenhyäne bis hin zu scheuenden Pferden reicht der Bogen der verwendeten Naturaufnahmen. Murnau symbolisiere damit eine „fatale Beziehungskette vom Fressen und Gefressen-Werden“, merkt Elsaesser an. Seeßlen und Jung kommentieren: „Die Natur in allen ihren verschlingenden und saugenden Aspekten verlangt ihr Recht.“ Die überwiegend Kulturfilmen entspringenden Szenen haben laut Frieda Grafe die Funktion, „den Vampir zu naturalisieren“, ihn als Bestandteil der Natur in diese einzubetten, um seine Wirkungsmacht noch unheimlicher, da naturgegeben und somit unumstößlich erscheinen zu lassen. Als ein „Untoter“ sei er „jenseits der Kategorien von Schuld und Reue“, wie Hans Günther Pflaum anmerkt.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Der Vampir selbst wird neben seinen menschlich-rationalen und tierisch-animalischen Eigenschaften durch seine Starrheit und seine ruckartigen Bewegungen auch noch mit einer mechanischen Komponente charakterisiert. Die Figur sprengt damit alle Kategorisierungsversuche; ein Aspekt der Zuschauerverunsicherung: „All unsere Sicherheiten, die sich auf klare Grenzen, Ordnung, Klassifikationen gründen, werden schwankend.“ Andererseits ist die starke Verbindung zwischen dem Vampir und der Natur Anlass für den Zuschauer, mit der Figur mitzufühlen: „Wenn die erschreckende Gestalt als Teil der Natur identifiziert wird, ist es nicht länger möglich, sich allen Gefühlen des Mitleids zu entziehen.“ Besonders deutlich wird dies in der Sterbeszene Orloks; der Hahnenschrei evoziert Ahnungen von Verrat, das abstoßende Wesen wird im Todeskampf menschlich.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: In der umfassenden Vereinnahmung aller Erscheinungsformen der Natur sehen Seeßlen und Jung pantheistische Aspekte: es besteht eine göttliche Verbindung zwischen allen Dingen, die nach Harmonie und Vollkommenheit strebt, doch ihnen wohnt auch eine latente dämonische Gefahr inne. Der Instinkt der Tiere (im Film die scheuenden Pferde) nimmt diese Bedrohung als erster wahr. In diesem Zusammenhang verweisen Gehler und Kasten auch auf Murnaus Künstlerfreund Franz Marc und seine metaphysischen Tierdarstellungen, insbesondere auf das Bild "Tierschicksale" aus dem Jahr 1913, das die Kreaturen im Kampf um die ursprüngliche Harmonie des Paradieses darstellt.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Murnau folgt mit der Ansiedlung seiner Geschichte im frühen 19. Jahrhundert und seiner Naturbetontheit einem Trend der 1920er Jahre, eine verklärende und romantisierende Sicht auf vorindustrielle Zeiten zu suchen. Wie etwa auch bei Fritz Lang mit Filmen wie "Der müde Tod" (1921) ist ein eskapistischer Hang zum „altdeutschen“, biedermeierlichen Sujet zu erkennen, der als Angst vor der Modernität und den Umbrüchen der Nachkriegsgesellschaft gedeutet werden kann. Andererseits nutzten diese Regisseure für ihren Blick zurück die modernsten Produktionstechniken und Organisationsformen der Zeit. Klaus Kreimeier hält Murnau deshalb nicht für einen reaktionären Künstler: „Die Technizität, das Geometrie-Bewusstsein seiner Filmarbeiten weisen ihn […] als dezidierten Modernen aus.“


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Erkennbar greift Murnau jedoch in seinen Naturdarstellungen und Bildkompositionen auf sehnsuchtsvolle und verklärende Elemente der Romantik zurück, am offensichtlichsten auf Bildmotive von Caspar David Friedrich, dessen Vergegenständlichungen transzendenter Zustände für viele szenische Aufbauten Murnaus Pate gestanden zu haben scheinen. Grafe erkennt besonders in den Szenen mit Ellen etliche Verweise auf Werke Friedrichs, etwa auf "Frau am Fenster" oder auf Friedrichs Strandbilder. Ellen sei in diesen artifiziell gestalteten Filmbildern „die verkörperte Melancholie, die Freud als eine Blutung des Innenlebens bezeichnete“, merkt Grafe an. Andere Topoi der Romantik wie die Beseeltheit der Natur und die Wirkungsmacht des Schicksals werden früh im Film eingeführt: Ellen fragt ihren Ehemann, der ihr einen Blumenstrauß bringt: „Warum tötest du die schönen Blumen?“; ein Passant warnt Hutter beiläufig: „Niemand entflieht seinem Schicksal.“


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Siegfried Kracauer stellt in seinem Buch "Von Caligari zu Hitler" (1947) das Kino der Weimarer Zeit in einen Zusammenhang mit dem Aufkommen der Diktatur in Deutschland und nennt die Figur des Vampirs „gleich Attila […] eine ‚Geißel Gottes‘, […] eine blutrünstige, aussaugerische Tyrannenfigur.“ Zu diesem Tyrannen stehe das Volk in einer Art „Hassliebe“: einerseits verabscheue es die Gewaltherrschaft des Despoten, andererseits sei es getrieben von einer antiaufklärerischen Sehnsucht nach Erlösung und Erhöhung durch eine unergründliche Macht. Kracauers Sicht folgen etwa Christiane Mückenberger, die den Film „eine der klassischen Tyrannengeschichten“ nennt, sowie Fred Gehler und Ullrich Kasten, die "Nosferatu" ebenfalls als „Tyrannenfilm“ einordnen. Auch Seeßlen und Jung sehen den Vampir als „das metaphysische Sinnbild politischer Diktatur“. Wie viele ähnliche Figuren in den Stummfilmen dieser Zeit sei er nur deswegen tyrannisch, weil er das Gefühl habe, nicht geliebt zu werden; er könne nur durch die Liebe bezwungen werden.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Dass "Nosferatu" unmittelbar die Geschehnisse des Ersten Weltkriegs und die Wirren der Nachkriegszeit reflektieren sollte, bestätigt Albin Grau. Der Film beziehe sich auf das Erlebnis des Krieges und sei „ein Hilfsmittel zu begreifen, wenn auch oft nur unbewusst, was hinter diesem ungeheuren Geschehnis liegt, das daherbrauste wie ein kosmischer Vampir“. Auch Gehler und Kasten beziehen sich auf die gesellschaftliche und politische Instabilität der Zeit und sehen die Vampirfigur als Manifestation kollektiver Ängste. Nosferatus Schatten stehe „über einer vielfach gefährdeten, instabilen, von dunklen Ängsten gepeinigten Gesellschaft. Er kommt in ein Universum, das anfällig geworden ist gegenüber Gewalt und Terror.“ Koebner mutmaßt, die Pestepidemie könnte eine Repräsentation der gerade erst überstandenen Pandemie der Spanischen Grippe sein und weist darauf hin, dass in "Nosferatu" die Figur des Van Helsing, des Vampirbezwingers, keine Entsprechung hat. Statt sich aktiv gegen das Verderben zu wehren, blieben die Figuren passiv und wie erstarrt; sie reihten sich damit ein in die Tradition des Weimarer Films und hätten „Anteil am zeitgenössischen Pandämonium der reduzierten Existenzen, die aus ihren Alpträumen nicht zu erwachen scheinen.“


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Anton Kaes sieht in der Repräsentation angsterregender Fremdheit in der Figur des Orlok „antisemitische Strukturen und Motive“: Wie die migrierenden „Ostjuden“ zu Ende des 19. Jahrhunderts komme der Graf aus Osteuropa. Die Charakterisierung als „Blutsauger“ und die Bilder der die Pest verbreitenden Ratten wecken in Kaes die Assoziation an antisemitische Stereotype, wie sie etwa in Fritz Hipplers Propagandafilm "Der ewige Jude" (1940) eingesetzt werden. Thomas Koebner hält diese Meinung allerdings für abwegig; es sei zu plump, die Instrumentalisierung dieser Motive aus der Zeit des Nationalsozialismus auf Murnaus Film zu übertragen.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Die im Schnitt des Films angelegte Abhängigkeit und Manipulation der Figuren untereinander lässt sich auch auf den Bereich der Sexualität übertragen. Gunter E. Grimm bezeichnet "Nosferatu" als „die traumatische Kompensation der in der bürgerlichen Gesellschaft untersagten Sexualität“. Als Ellen dem Vampir schlussendlich Einlass in ihr Schlafzimmer gewährt, kann dies als Repräsentation des alten Volksglaubens gelesen werden, eine unschuldige Jungfrau könne eine Stadt vor der Pest retten. Andererseits ist auch eine Wertung naheliegend, dass die junge Frau mit ihrer Tat gegen die Zwangsinstitution Ehe rebelliert und versucht, die sexuelle Frustration ihrer Beziehung zu Hutter zu überwinden. Entgegen dem asexuell gezeichneten Hutter ist der Vampir „die unterdrückte Sexualität, die in das idyllische Leben der Neuvermählten einbricht“, wie Kaes anmerkt.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Für Koebner ist "Nosferatu" somit eine „merkwürdige, nur halb verschlüsselte Dreiecksgeschichte“ und der animalische Graf „die puritanische Verschlüsselung sexuellen Appetits“. Die zügellose Triebhaftigkeit, der sich Ellen und Orlok anheimgeben, bleibt im Film nicht ungesühnt: Sowohl der Graf als auch Ellen sterben, und Hutter ist erst wieder frei, nachdem sich seine Frau in fataler, tödlicher Weise mit dem Monster vereinigt hat. Elsaesser wertet die sexuelle Konnotation des Films auch biografisch: der homosexuelle Murnau thematisiere in der Figur des Orlok „die Verschiebung und Verdrängung des eigenen homosexuellen Verlangens auf potente Doppelgänger, die die dunkle Seite der eigenen Sexualität spiegeln.“. Auch Stan Brakhage nimmt einen biografischen Hintergrund an. Die Figurenkonstellation verweise auf Murnaus „eigene[n] persönlichste[n] Kindheits-Terror“; Hutter werde auf das furchtsame Kind reduziert, das dem „Vater“ Nosferatu ohnmächtig ausgeliefert ist. Ellen sei die Mutterfigur, die durch ihr Wesen und ihre Tat das Kind rettet.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Die realistische Inszenierung des Films erweckt den Eindruck, dass übersinnliche Vorgänge wie selbstverständlich in der realen Welt verankert sind. In der Zeichnung des Vampirs als magische und trotzdem reale Figur, die in elitär-gelehrter Weise mit Geheimwissen ausgestattet ist, wird der Einfluss Graus, der in okkulten Kreisen verkehrte, auf den Film deutlich. Sichtbar wird dieser Einfluss vor allem in der Gestaltung des Briefes, den Knock zu Beginn des Films von Nosferatu erhält. In zwei kurzen Einstellungen, die zusammen nur wenige Sekunden dauern, sieht man einen kabbalistisch anmutenden Geheimtext, dessen Code Sylvain Exertier für durchaus interpretierbar hält. Neben Zeichen wie dem Malteserkreuz und einer Swastika sind Buchstaben aus dem hebräischen Alphabet sowie astrologische Symbole zu erkennen. Sylvain Exertier interpretiert den Text als Ankündigung von Orloks – auch spiritueller – Reise im Spannungsfeld zwischen dem männlichen Prinzip, vertreten durch den Jupiter, dem Weiblichen, symbolisiert durch die Venus, und dem Tod, für den der Saturn steht. Hinzu kommen dekorative Zeichnungen eines Totenkopfs, einer Schlange und eines Drachen, die Exertier für „eher spektakulär als authentisch“ hält. Es bleibe offen, ob es sich bei dem Brief um eine „Koketterie des Regisseurs oder ein[en] Augenwink für die Okkultisten“ handle.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Ulrich Gregor und Enno Patalas werten "Nosferatu" als Quantensprung in Murnaus filmischer Arbeit, Murnaus Talent werde hier „zum ersten Mal in jeder Einstellung sichtbar“. Die Innovation liege in der revolutionären Gestaltung des Vampirs, merkt Lars Penning an, dieser sei „die zweifellos grauenerregendste Figur, die das Kino bis dato kannte“. Für Gunter E. Grimm ist der Film „ohne Zweifel der wirkungsmächtigste der alten Vampirfilme, der bis heute auch auf moderne Filmemacher kaum etwas von seiner Faszination verloren hat“.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Thomas Elsaesser betont den Reiz des Films aus dem Widerstreit zwischen technischer Perfektion und seiner hauptsächlich psychologisch wirkenden Thematik: „Murnaus Poesie war das Ergebnis einer distanzierten, fast schon klinischen Anwendung der technischen Meisterschaft deutscher Photo- und Kameraarbeit auf emotional aufgeladene, mit tiefsitzenden Ängsten und Gefühlen verknüpfte Themen.“ Die traumartige, das Unterbewusstsein ansprechende Inszenierung gebe dem Filme eine „nur schattenhaft entschlüsselbare, verborgene Logik“, diese bewahre dem Film „bis heute starken Appellcharakter“, urteilt Thomas Koebner. Auch Klaus Kreimeier hebt auf diese Filmwirkung ab und bescheinigt "Nosferatu" eine „Authentizität des Traums – und den fiktiven (das heißt: auf Konventionen beruhenden) Charakter dessen, was wir Wirklichkeit nennen“.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: William K. Everson urteilt, der Film leide „unter dem extrovertierten und reichlich überzogenen Spiel von Alexander Granach […] sowie praktisch allen anderen Mitgliedern der Besetzung außer Schreck“. Auch Lotte H. Eisner bemängelt das schwerfällige Spiel, die Darstellerleistungen seien „keineswegs bedeutend“, was sie dem Umstand zurechnet, dass Murnau zu dieser Zeit in der Schauspielerführung noch nicht erfahren genug gewesen sei.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Lars Penning bezieht sich auf "Nosferatu" und auf "Caligari" und "Golem", wenn er feststellt: „Der amerikanische Horrorfilm der 1930er Jahre ist ohne das fantastische deutsche Stummfilmkino nicht denkbar.“ Jörg Buttgereit sieht mit diesem Film Deutschland gar als „einen Geburtsort des seither arg geschmähten Horrorfilm-Genres.“ Nachhaltige Wirkung auf das Genre zeigte Nosferatu vor allem bei Filmen, die auf den Schrecken sublimer Imagination anstatt auf vordergründige, grauenerregende Effekte bauten, etwa auf Carl Theodor Dreyers "Vampyr – Der Traum des Allan Grey" (1931) und auf die Filme Val Lewtons für RKO in den 1940er Jahren. Besonders die Gestaltung der Rolle durch Max Schreck, die den relativ unbekannten Schauspieler in der öffentlichen Wahrnehmung mitunter mit der Film-Persona verschmelzen ließ, und die Konzeption der Maske mit kahlem Schädel, spitzen Ohren, den beiden mittig sitzenden Beißzähnen und verlängerten Extremitäten gingen in den Kanon populärkultureller Standards ein. So stellt Buttgereit fest, der Vampir aus Tobe Hoopers "Brennen muss Salem" (1979) sei zum Beispiel eine „exakte Nosferatu-Kopie“, und auch die fliegenden Vampire in Tim Burtons" Nightmare Before Christmas" (1993) seien nach Nosferatus Vorbild gestaltet.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Die US-amerikanische Rockband Blue Öyster Cult verarbeitete den Nosferatu-Stoff in dem gleichnamigen Song, erschienen 1977 auf dem Album "Spectres". 1989 veröffentlichte die Metal-Band Helstar ein Album namens "Nosferatu".


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: E. Elias Merhiges Film "Shadow of the Vampire" (2000) beschäftigt sich auf fiktive Weise mit den Dreharbeiten zu "Nosferatu" und geht von der Prämisse aus, Max Schreck, gespielt von Willem Dafoe, sei ein echter Vampir gewesen. Der Film beschäftigt sich mit dem ausbeuterischen, vampirischen Qualitäten des Filmemachens an sich und bedient sich in postmoderner Weise am Repertoire von Murnaus Stilmitteln.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Am 4. März 2022 – auf den Tag genau 100 Jahre nach der Filmpremiere in Berlin – fand die Uraufführung der Theatercollage "Nosferatu – ein Menuett der Schatten" statt (Buch und Regie: Gisbert Franken, Hauptdarsteller: Gerd J. Pohl).


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Im Jahr 1979 drehte Werner Herzog unter dem Titel "Nosferatu – Phantom der Nacht" eine Hommage an "Nosferatu". Herzogs Film mit Klaus Kinski in der Rolle des Vampirs ist über weite Strecken ein Remake und kopiert Murnaus Einstellungen zum Teil detailliert. Er versah sein Werk mit einem pessimistischeren Ende (Hutter/Harker wird nach dem Tod des Grafen der neue Vampir) und gestaltete ihn mit umfangreichen Dialogen, die die Einsamkeit und Verlorenheit des Vampirs herausstellen. Everson bewertet den Film als „Fehlschlag“, da dem populären Kinski „das Anonyme, Unfassbare und Überirdische“ von Murnaus Figur abgehe.


title: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

text: Anlässlich des 100-jährigen Bestehens des Films strahlte der Fernsehsender Arte den 75-minütigen Dokumentarfilm "Nosferatu – Ein Film wie ein Vampir" aus. Regie führte Eric Brinkmann, Mitwirkende waren u. a. Rolf Giesen (Filmhistoriker), Mark Benecke (Forensiker und Vorsitzender der Deutschen Dracula-Gesellschaft), Gerd J. Pohl (Schauspieler), Werner Herzog (Filmregisseur) und Ovidie (Schriftstellerin und Filmemacherin). Schauspieler Rainer Kühn führte als Nosferatu durch den Dokumentarfilm und an die Drehorte des Murnau-Stummfilms.


title: Kanton Tessin

text: Das Tessin [], ( TI; [], [], , ), amtlich italienisch (Republik und Kanton Tessin), ist ein Kanton im südlichen Teil der Schweiz. Der Hauptort ist Bellinzona, die bevölkerungsreichste Stadt Lugano. Bei Chiasso befindet sich der südlichste Punkt der Schweiz. Der südliche Teil des Kantons zählt zur grenzüberschreitenden schweizerisch-italienischen Metropolregion Tessin.


title: Kanton Tessin

text: Im Tessin wird Italienisch und Lombardisch (Ticinese im Sopraceneri und Comasco-Lecchese im Sottoceneri) gesprochen; in der Gemeinde Bosco/Gurin ist Deutsch (Walserdeutsch) die altherkommene Sprache. Das Tessin ist – neben Graubünden – einer der beiden Schweizer Kantone mit Italienisch als Amtssprache.


title: Kanton Tessin

text: Höchste Erhebung ist mit das Rheinwaldhorn (italienisch "Adula"); der tiefste Punkt liegt mit am Lago Maggiore und ist zugleich der tiefste Punkt der Schweiz.


title: Kanton Tessin

text: Zusammen mit den vier Bündner Südtälern Bergell "(Val Bregaglia)," Calancatal "(Val Calanca)," Misox "(Val Mesolcina)" und Puschlav "(Val Poschiavo)" bildet es die italienisch(sprachig)e Schweiz "(Svizzera italiana)".


title: Kanton Tessin

text: Das Tessin macht den grössten Teil der italienischen Schweiz aus. Es liegt auf der Alpensüdseite und ist weitgehend von Italien umgeben; im Norden und Nordosten grenzt es an die Schweizer Kantone Graubünden, Wallis und Uri. Campione d’Italia bildet eine Enklave. Die Fläche beträgt 2812 Quadratkilometer, was 7 % der Gesamtfläche der Schweiz entspricht. Etwa ein Viertel des Gebiets gilt als unproduktiv, und ein Drittel ist bewaldet. Wichtige Akzente setzen die beiden grossen Seen Langensee ("Lago Maggiore" oder "Verbano") und Luganersee ("Lago di Lugano" oder "Ceresio").


title: Kanton Tessin

text: Seinen Namen hat der Kanton vom Fluss Tessin "(Ticino)," der auf der Südseite des Gotthardmassivs am Nufenenpass entspringt, das Bedrettotal "(Val Bedretto)" und die Leventina "(Valle Leventina)" in Richtung Südost durchfliesst, um dann, ab der Kantonshauptstadt Bellinzona nach Westen durch die Magadinoebene fliessend, in den Langensee zu münden.


title: Kanton Tessin

text: Hauptzuflüsse auf diesem Weg sind der Brenno aus dem Bleniotal "(Valle di Blenio)" und die Moësa aus dem bündnerischen Misox. Auch der übrige Teil des nördlich des Monte Ceneri gelegenen Kantonsteils "(Sopraceneri)" wird in den Lago Maggiore entwässert, nämlich durch die Flüsse Maggia und Verzasca. Der südliche Kantonsteil "(Sottoceneri)" entwässert grösstenteils in den Luganersee und von dort über die Tresa ebenfalls in den Langensee, dessen Abfluss – wiederum «Ticino» genannt – wenig unterhalb der Stadt Pavia in den Po mündet.


title: Kanton Tessin

text: Teile des südlichsten «Zipfels» der Schweiz, des Mendrisiotto, entwässern zwar ebenfalls letztlich in den Po, aber nicht über den Tessin. Aus dem Muggiotal kommend durchfliesst die Breggia den Talkessel von Chiasso und vereinigt sich im Comer See mit dem Wasser der Adda. Das westliche Mendrisiotto wird vom Flüsschen Gaggiolo durchflossen, das unter dem Namen «Rio Ranza» (auch «Rio Ranzo» oder «Rio Lanza») bei Malnate in der italienischen Provinz Varese in die Olona mündet, ebenfalls ein Nebenfluss des Po.


title: Kanton Tessin

text: Unter der reichhaltigen Flora erwähnenswert sind die ausgedehnten Wälder von Edelkastanien. Sie gibt es sonst nur noch in wenigen Weltgegenden in dieser Reinheit und Fläche. Zudem gedeihen im Tessin Palmen, Zypressen und andere Mittelmeerpflanzen. Daher wird der Kanton als «Sonnenstube der Schweiz» bezeichnet.


title: Kanton Tessin

text: Die Tessiner Bevölkerung fühlt sich mit ihrem Nachbarn Italien kulturell stark verbunden. Per betrug die Einwohnerzahl des Kantons Tessin . Die Bevölkerungsdichte liegt mit /2812 round 0 Einwohnern pro Quadratkilometer unter dem Schweizer Durchschnitt (/41285 round 0 Einwohner pro Quadratkilometer). Der Ausländeranteil (gemeldete Einwohner ohne Schweizer Bürgerrecht) bezifferte sich am auf  Prozent, während landesweit  Prozent Ausländer registriert waren. Per betrug die Arbeitslosenquote  Prozent gegenüber  Prozent auf eidgenössischer Ebene.


title: Kanton Tessin

text: Im Tessin ist Italienisch die Amtssprache. 87,7 Prozent haben Italienisch als Hauptsprache, 10,8 Prozent Deutsch, 5,1 Prozent Französisch (Mehrfachangabe war möglich). Im Weiteren war Englisch mit 3,1 Prozent vertreten.


title: Kanton Tessin

text: Ein grosser, allerdings im Abnehmen begriffener Teil der Bevölkerung spricht lokale Dialekte, die zum Lombardischen gehören («Ticinés»). Nach der Volkszählung von 2000 sprachen im Tessiner Alltag 14 Prozent ausschliesslich Lombardisch und 40 Prozent sowohl Lombardisch als auch Standarditalienisch. Da die norditalienischen Dialekte der Lombardei (inklusive italienischsprachiger Schweiz), des Piemonts, Liguriens und der Emilia-Romagna einen galloromanischen Hintergrund besitzen, ähneln sehr viele Ausdrücke dem Französischen, auch nasale Laute sowie palatale «ö» und «ü» sind häufig. Im Tessiner Dialekt heisst es zum Beispiel:


title: Kanton Tessin

text: «un om al gheva dü fiöö» , auf Standard-Italienisch würde man sagen: «un uomo aveva due figli» (ein Mann hatte zwei Söhne). «Herz» heisst im Dialekt «cör» , ähnlich wie das französische «cœur» und nicht wie italienisch «cuore» . Und «500 Schweine» (cinquecento maiali) heisst auf Tessinerisch «cinc-cent ciügn» .


title: Kanton Tessin

text: Der dialektale Wortschatz und die Volkskultur des Tessins und Südbündens werden vom Vocabolario dei dialetti della Svizzera italiana dokumentiert.


title: Kanton Tessin

text: Eine Besonderheit stellt die Walsergemeinde Bosco/Gurin dar, in der Deutsch die herkömmliche Sprache ist (nicht zu verwechseln mit Amtssprache).


title: Kanton Tessin

text: Im Kanton Tessin wird die "Tessiner Gebärdensprache" verwendet, die Lingua dei segni della Svizzera italiana (LIS-SI). Sie ist ein Dialekt der Lingua dei Segni Italiana (LIS). LIS-SI gehört wie die Deutschschweizer Gebärdensprache und die Westschweizer Gebärdensprache zur Familie der französischen Gebärdensprachen. Die Tessiner Gebärdensprache kennt zwei Varietäten (Bellinzona und Lugano).


title: Kanton Tessin

text: Das Tessin ist stark katholisch geprägt. Noch heute ist die Mehrheit der Tessiner Bevölkerung Mitglied der römisch-katholischen Kirche (70,0 Prozent der Wohnbevölkerung 2019), die im Bistum Lugano organisiert ist.


title: Kanton Tessin

text: Gemäss einer schweizweiten Umfrage des Bundesamtes für Statistik (BFS) bei 200'000 Personen ab 15 Jahren gaben 2012 69,6 Prozent der Befragten im Tessin an, römisch-katholisch zu sein, 4,4 Prozent waren evangelisch-reformiert und 5,3 Prozent gehörten anderen christlichen Kirchen an. Weitere 2,0 Prozent bekannten sich zu einer islamischen Gemeinschaft, 0,1 Prozent zum Judentum und 0,5 Prozent zu weiteren Religionsgemeinschaften. 16,2 Prozent bezeichneten sich als konfessionslos. Seit 1980 hat das Tessin auch eine lebendige Syrisch-Orthodoxe Gemeinde, ihre Zahl beziffert sich auf ca. 420 Familien. Hierbei handelt es sich um Assyrer, die bis heute Aramäisch als Muttersprache pflegen. Diese orientalischen Christen stammen hauptsächlich aus dem Tur-Abdin (Südosttürkei) sowie aus Syrien und dem Libanon.


title: Kanton Tessin

text: Bis Anfang des 20. Jahrhunderts war das Tessin ein ländlich geprägter Kanton. Mitte des 19. Jahrhunderts lebte ein Drittel der Bevölkerung in Dörfern über 600 m, heute sind es 7 Prozent.


title: Kanton Tessin

text: Gesetzgebendes Organ (Legislative) ist der Grosse Rat "()," wie das Kantonsparlament im Tessin heisst. Er umfasst 90 Mitglieder, die alle vier Jahre in einem einzigen Wahlkreis nach dem Proporzwahlrecht (Verhältniswahl) gewählt werden.


title: Kanton Tessin

text: Verfassungsänderungen unterliegen dem obligatorischen Referendum und sind damit zwingend der Volksabstimmung zu unterbreiten (Art. 82 KV). Dem fakultativen Referendum unterliegen Gesetzeserlasse bzw. -änderungen, rechtsetzende Dekrete mit allgemeinverbindlichem Charakter, Ausgabenbeschlüsse über einmalige Ausgaben von mehr als einer Million Franken bzw. jährlich wiederkehrende Ausgaben von mehr als 250'000 Schweizer Franken sowie rechtsetzende Staatsverträge, wenn dies innert 60 Tagen nach der Veröffentlichung des Begehrens im Amtsblatt von mindestens 7000 Stimmberechtigten oder von einem Fünftel der Gemeinden verlangt wird (Art. 42 ff. KV).


title: Kanton Tessin

text: Das Volk kann in Form einer Gesetzesinitiative selbst Gesetze und Gesetzesänderungen vorschlagen, wenn 7000 Stimmberechtigte innert 100 Tagen nach Veröffentlichung des Begehrens im Amtsblatt einen dahingehenden Vorschlag unterstützen (Art. 37 ff. KV). Initiativen auf Verfassungsänderungen bedürfen der Unterstützung von 10'000 Stimmberechtigten; auch hierzu müssen die Unterschriften innert 100 Tagen nach Veröffentlichung des Initiativbegehrens im Amtsblatt gesammelt werden (Art. 82 ff. KV).


title: Kanton Tessin

text: Oberstes vollziehendes bzw. ausführendes Organ (Exekutive) ist der Staatsrat "()," wie die Kantonsregierung im Tessin heisst. Er besteht aus fünf Mitgliedern, die alle vier Jahre in einem einzigen Wahlkreis vom Volk direkt nach dem Proporzwahlrecht gewählt werden. Aus ihren Reihen wählen die Mitglieder des Staatsrates jeweils für ein Jahr den Präsidenten.


title: Kanton Tessin

text: 15'000 Stimmberechtigte können verlangen, dass eine Volksabstimmung über die Absetzung des Staatsrats stattfindet. Der Grosse Rat kann ein Mitglied des Staatsrates mit der absoluten Mehrheit seiner Stimmen abberufen.


title: Kanton Tessin

text: Die Zivilgerichtsbarkeit wird durch die Friedensrichter (";" Schlichtungsbehörde), die ' (in erster Instanz) und das Appellationsgericht (";" in zweiter Instanz) ausgeübt, die Strafgerichtsbarkeit durch das Strafgericht "()" und die ' (beide in erster Instanz), das Appellationsgericht (";" in zweiter Instanz) und den Jugendrichter. Das Geschworenengericht wurde 2011/2012 nach Inkrafttreten der schweizerischen Strafprozessordnung, die keine Prozesse nach dem Unmittelbarkeitsprinzip mehr vorsieht, in eine aus Strafrichtern und Laien zusammengesetzte und über Akteneinsicht verfügende Kammer des Strafgerichts umgewandelt.


title: Kanton Tessin

text: Die Verwaltungsgerichtsbarkeit wird durch drei besondere Kammern des Appellationsgerichts, die als Verwaltungsgericht "()," Versicherungsgericht "()" und als Steuergericht "()" fungieren, sowie durch das Enteignungsgericht "()" ausgeübt.


title: Kanton Tessin

text: Die Richter werden mit Ausnahme der vom Volk gewählten Friedensrichter vom Grossen Rat gewählt; ihre Amtszeit beträgt jeweils zehn Jahre. Die Aufsicht über die Richter wird durch den Richterrat "()" ausgeübt, der sich aus vier vom Grossen Rat und drei von den vollamtlichen Richtern gewählten Personen zusammensetzt.


title: Kanton Tessin

text: Die politischen Gemeinden (";" siehe Gemeinden des Kantons Tessin) sind im Rahmen des kantonalen Staats- und Verwaltungsrechts autonom. Sie erfüllen die allgemeinen öffentlichen Aufgaben auf lokaler Ebene. Die Bürgergemeinden "()" und die römisch-katholischen sowie evangelisch-reformierten Kirchgemeinden sind ebenfalls öffentlich-rechtlich anerkannt und je für Angelegenheiten der Ortsbürger bzw. der Kirchenmitglieder zuständig.


title: Kanton Tessin

text: Die Kreise "()" sind heute lediglich noch Friedensrichtersprengel. Im Rahmen der Verwaltung spielen sie keine Rolle mehr und werden dementsprechend in der Kantonsverfassung von 1997 nicht mehr erwähnt.


title: Kanton Tessin

text: Die Bezirke "()," die weitgehend mit den verschiedenen Land- und Talschaften des Tessins identisch sind, dienen laut Verfassung der Verwaltungsdezentralisation. In der Praxis spielen sie aber nur eine ganz marginale Rolle und haben deshalb in erster Linie identitätsstiftende Funktion.


title: Kanton Tessin

text: 2011 betrug das Bruttoinlandsprodukt (BIP) pro Einwohner 80'400 Schweizer Franken. 2012 wurden 212'679 Beschäftigte im Kanton Tessin gezählt, wovon 3'397 auf den primären (Urproduktion), 51'394 auf den sekundären (Industrie) und 157'888 auf den tertiären Sektor (Dienstleistung) entfielen. 33'311 Arbeitsstätten wurden 2012 im Kanton gezählt (davon 1'263 im primären, 5'009 im sekundären und 27'039 im tertiären Sektor). Die Arbeitslosenquote bezifferte sich per auf  Prozent gegenüber  Prozent auf eidgenössischer Ebene.


title: Kanton Tessin

text: Viele Besucher, vor allem aus der Deutschschweiz und aus Deutschland, kommen in das Tessin, um die schöne Landschaft, das mediterrane Klima und das italienische Flair, kombiniert mit schweizerischen Sekundärtugenden wie Zuverlässigkeit und Qualitätsbewusstsein zu geniessen. 2012 kamen 21,3 Millionen Gäste, davon waren 58 Prozent Übernachtungsgäste, 20 Prozent Tagesgäste und 22 Prozent andere Personen (Shopping, Casino, Transit). In Ferienwohnungen, Ferienhäusern und Rustici (Zweitwohnungen) werden 36 Prozent der Übernachtungen generiert, was für die lokale Wirtschaft jeweils von Bedeutung ist.


title: Kanton Tessin

text: Der Kanton, besonders im ländlichen Raum, ist relativ stark vom Tourismus abhängig, 12 Prozent der Beschäftigten in 183'500 Vollzeitstellen arbeiteten in diesem Sektor und erwirtschafteten 2012 2'725 Milliarden Schweizer Franken, was 9,6 Prozent des kantonalen Bruttoinlandsproduktes entsprach; schweizweit waren es nur 2,6 Prozent. 2017 gab es im Kanton südlich der Alpen 1802 Restaurants und 425 Hotels, die 2'455'099 Übernachtungen generierten. Die Anzahl der Hotelübernachtungen sind seit 2016 erstmals wieder leicht angestiegen, nachdem sie 1987 noch 3'367'802 Übernachtungen betragen hatten. Zur Erholung und Verbesserung der Tourismuszahlen haben vor allem die Reform der lokalen und kantonalen Tourismusorganisationen, die Einführung des Ticinotickets für Hotelgäste und die Eröffnung des Gotthard-Basistunnels beigetragen.


title: Kanton Tessin

text: Der Lago Maggiore, der Luganersee, die Städte Bellinzona, Locarno, Ascona und Lugano zählen zu den wichtigsten touristischen Zentren. Hinzu kommen viele Berge, Täler, Dörfer und Weiler, die meist noch nicht von Touristen überrannt sind und viel von ihrem ursprünglichen Charme mit einfacher Bauweise und ländlicher, ruhigerer Lebensart erhalten haben.


title: Kanton Tessin

text: Das Foxtown, ein Ladenzentrum mit 160 Läden und 250 Marken, das sieben Tage pro Woche geöffnet hat und nördlich von Mendrisio liegt, zieht Shoppingtouristen aus nah und fern an. Am Luganersee liegt die italienische Exklave Campione d’Italia, die für ihr Spielkasino bekannt ist, das weitherum sichtbar ist und vom Tessiner Architekten Mario Botta geplant und 2007 neu gebaut wurde. Im Juli 2018 ging dieses Casino in Konkurs.


title: Kanton Tessin

text: Der Kanton führte seit seiner Gründung einen «Kampf» gegen die geographische Isolierung vom Rest des Landes und brachte enorme finanzielle Opfer für den Ausbau der Passstrassen; dabei blieb er lange machtlos gegen die witterungsbedingten Schliessungen der Alpenübergänge während der Winterzeit.


title: Kanton Tessin

text: Mit der Eröffnung des Gotthard-Bahntunnels 1882 wurde erstmals eine ganzjährige Verbindung des Kantons mit der restlichen Schweiz geschaffen. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts folgten zwei schneefreie Strassenverbindungen, nämlich der am 1. Dezember 1967 eröffnete San-Bernardino-Strassentunnel im Nachbarkanton Graubünden und der am 5. September 1980 dem Verkehr übergebene Gotthard-Strassentunnel.


title: Kanton Tessin

text: Seit 2016 befindet sich der 57 km lange Gotthard-Eisenbahn-Basistunnel im Betrieb, der die Fahrtzeit von Zürich nach Mailand um ca. eine Stunde auf 2 h 40 min verkürzt und damit eine konkurrenzfähige Alternative zum Flugzeug und zum Auto geworden ist. Seit seiner Fertigstellung 2016 ist er der längste Eisenbahntunnel der Welt und soll die mit dem wachsenden Güter- und Personenverkehr überforderten Gotthard-Strassentunnel und Gotthard-Bahntunnel entlasten.


title: Kanton Tessin

text: Die Böden und klimatischen Bedingungen sind im Tessin in zwei Teile zu trennen, zwischen denen der Monte Ceneri steht. Nördlich und südlich des über 500 Meter hohen Passes gibt es Unterschiede in den Luftströmungen und den Geländebeschaffenheiten. Im Norden sind die Böden leicht, sandig und wasserdurchlässig. Im Süden dagegen ist der Boden schwerer und fruchtbarer. Beide enthalten jedoch die für die Mineralienversorgung der Trauben wichtigen kalkhaltigen Sedimente. Das Tessin ist zu Recht eines der bekanntesten und trotz seiner geringen Grösse wichtigen Weinbaugebiete Europas.


title: Kanton Tessin

text: In den 1980er Jahren erlebte der Weinbau im Tessin einen grossen Aufschwung, zu verdanken vor allem einigen fortschrittlichen Winzern, die für Qualität mit beschränkter Anbaumenge eintraten und innovative Weinbaumethoden publizierten. Ein kleiner Teil der Anbaufläche wird noch für Amerikaner-Reben genutzt, aus denen Traubensaft und Grappa hergestellt werden.


title: Kanton Tessin

text: Im Jahr 2020 wurde in der gesamten Landwirtschaft des Kantons 24,1 Prozent der landwirtschaftlichen Nutzfläche durch 167 Betriebe biologisch bewirtschaftet.


title: Kanton Tessin

text: Die Verfassung des Kantons bestimmt in Titel I, Art. 1, Satz 1: «Der Kanton Tessin ist eine demokratische Republik italienischer Kultur und Sprache.»


title: Kanton Tessin

text: Im Kanton Tessin sind neun Schuljahre Pflicht. Das durchschnittliche Einschulungsalter liegt bei sechs Jahren. Die Schulzeit teilt sich in fünf Jahre "scuola elementare" (Primarschule) und vier Jahre "scuola media" (Mittelschule) auf. Hat ein Schüler diese neun Schuljahre absolviert, kann er freiwillig das "liceo," das dem Gymnasium entspricht, oder ähnliche Schularten besuchen. Ab dem 15. Lebensalter darf eine Person eine Arbeit suchen.


title: Kanton Tessin

text: Das Tessin besitzt eine Universität, die allerdings nicht als Volluniversität ausgestaltet ist, mit drei Fakultäten der Kommunikations-, Wirtschaftswissenschaften und Informatik in Lugano sowie einer Architekturfakultät in Mendrisio. Die Universität der italienischen Schweiz (USI) hat etwa 3000 Studierende. Ferner werden Fachhochschulstudien an der "Scuola universitaria professionale della Svizzera italiana" (SUPSI) angeboten.


title: Kanton Tessin

text: Seit 1985 findet Ende Juni das zehntägige "New Orleans Jazzfestival" in Ascona statt, das nun den Namen "JazzAscona" trägt. Mitte Juli finden Grosskonzerte unter dem Namen "Moon&Stars" auf der Piazza Grande von Locarno statt, die mehrere tausend Personen anziehen. Jeweils im August findet seit 1946 das zehntägige "Locarno Festival" statt, auf dem der «Goldene Leopard» auf der Piazza Grande verliehen wird.


title: Kanton Tessin

text: Im Mittelalter wurde das Gebiet des heutigen Kantons Tessin von den Herzögen von Mailand beherrscht (→ Geschichte Mailands). Die Eidgenossen errangen ihre Vorherrschaft in den südlichen Alpentälern während der sog. Ennetbirgischen Feldzüge zwischen 1403 und 1515, die Gebiete ausser Livinen "(Leventina)," das Uri untertan war, wurden Gemeine Herrschaften der gesamten Alten Eidgenossenschaft (ausser Appenzell).


title: Kanton Tessin

text: Mit dem Einrücken französischer Revolutionstruppen 1798 ins Gebiet der Eidgenossenschaft endete der Untertanen-Status des Tessins. Von Napoleon Bonaparte vor die Wahl gestellt, zur Lombardei oder zur «Helvetischen Republik» zu gehören, schufen die Tessiner die Parole "liberi e svizzeri". Das Tessin wurde zur Mediationszeit 1803 zum vollwertigen Schweizer Kanton aufgewertet, es löste die 1798 gegründeten helvetischen Kantone Bellinzona und Lugano ab.


title: Kanton Tessin

text: Die innere Geschichte des damals jungen Kantons blieb jedoch infolge des Gegensatzes zwischen den Klerikalen, die im Sopraceneri, und den Liberalen, die im Sottoceneri die entschiedene Mehrheit besassen, bewegt. Durch innere Auseinandersetzungen und Vermittlung oder Einschreiten der Bundesbehörden mussten im Verlauf des 19. Jahrhunderts diverse Konflikte zwischen beiden Gruppen gelöst werden (vgl. Kulturkampf in der Schweiz).


title: Kanton Tessin

text: Der Kanton Tessin umfasst 108 politische Gemeinden (Stand 8. Juli 2021). Der Tessiner Staatsrat beabsichtigte ursprünglich, die Anzahl der Gemeinden bis 2020 von 135 auf 23 zu reduzieren (vergleichbar mit der Glarner Gemeindereform).


title: Kanton Tessin

text: Nachfolgend aufgelistet sind bevölkerungsreichsten politischen Gemeinden des Tessins mit über 5'000 Einwohnern per :


title: Kanton Tessin

text: Zur Bundestagswahl 1972 produzierte der politische Grafiker Klaus Staeck sein ironisches politisches Plakat "Deutsche Arbeiter! Die SPD will euch eure Villen im Tessin wegnehmen". Das Plakat erreichte eine Druckauflage von 75.000 Exemplaren und ist das bekannteste von Staecks Motiven.


title: Fran Drescher

text: Francine Joy „Fran“ Drescher (* 30. September 1957 in New York City) ist eine US-amerikanische Schauspielerin, Produzentin und Autorin.


title: Fran Drescher

text: Sie ist die jüngere von zwei Töchtern von Morty und Sylvia Drescher. Ihre Eltern sind rumänisch-jüdischer Herkunft, ihre Urgroßmutter wurde in Focșani geboren. Drescher wuchs in Flushing auf und besuchte dort die Hillcrest Highschool, wo sie auch ihren Freund und späteren Ehemann Peter Marc Jacobson kennenlernte. 1975 machte sie ihren Abschluss und studierte anschließend am Queens College Schauspiel, nebenher absolvierte sie mit Erfolg eine Kosmetikschule.


title: Fran Drescher

text: Ihre erste kleine Rolle bekam Drescher 1977 in "Saturday Night Fever". Aufgrund eines weiteren Rollenangebotes "(American Hot Wax)" und der Hoffnung, dass sich weitere anschließen würden, zog sie nach Los Angeles. Im selben Jahr heiratete sie am 4. November ihren Jugendfreund, der eine Karriere als Produzent anstrebte. Durch ihr Mitwirken in dem Film "This Is Spinal Tap" (1984) wurde Drescher schließlich bekannt.


title: Fran Drescher

text: Von 1993 bis 1999 lief die CBS-Serie "Die Nanny" mit großem Erfolg in den USA und in Europa. Drescher spielte nicht nur die Hauptrolle, sondern war auch als Autorin und Produzentin für die Serie tätig. "Die Nanny" war im Laufe der Jahre für mehrere Fernsehpreise (Emmy und Golden Globe) nominiert. Gleichzeitig avancierte Drescher zum Dauergast in Talkshows. 1999 wurde die Sitcom nach insgesamt 146 Folgen eingestellt.


title: Fran Drescher

text: Im Juni 2000 diagnostizierten Ärzte bei ihr einen Tumor in der Gebärmutter. Sie wurde in einer Klinik in Los Angeles erfolgreich operiert und benötigte keine Chemotherapie. Über diese Erfahrung und ihr Leben nach der ersten Biografie schrieb sie das Buch "Cancer Schmancer". 2007 gründete sie das „Cancer Schmancer Movement“, bei dem es vorrangig um die Krebsfrüherkennung bei Frauen geht; seitdem widmet sie sich hauptsächlich dieser Organisation.


title: Fran Drescher

text: Ab April 2005 lief auf dem US-Fernsehsender The WB die Serie "Living with Fran," in der sie die Hauptrolle spielte und auch wieder als Produzentin tätig war. Die Serie wurde nach zwei Staffeln am 17. Mai 2006 eingestellt.


title: Fran Drescher

text: Drescher werden schon seit längerem Ambitionen auf einen Sitz im Kongress der Vereinigten Staaten nachgesagt. 2008 unterstützte sie die Präsidentschaftskandidatur der New Yorker Senatorin Hillary Clinton. Als diese ihren Sitz im Senat aufgrund ihrer Ernennung zur US-Außenministerin im Kabinett Obama hatte aufgeben müssen, meldete Drescher ihr Interesse an.


title: Fran Drescher

text: Im September 2009 veröffentlichte Drescher ihren ersten Song, "Eye For An Eye," der seitdem exklusiv über iTunes erhältlich ist.


title: Fran Drescher

text: Ende 2010 hatte sie eine eigene Talkshow, "The Fran Drescher Show," die von Montag bis Freitag ausgestrahlt wurde. Nach dem dreiwöchigen Testlauf wurde die Show jedoch wieder abgesetzt.


title: Fran Drescher

text: Zeitgleich begann Drescher mit Ex-Mann Jacobson die Sitcom "Happily Divorced" zu entwickeln. Sie lief ab dem 15. Juni 2011 auf dem Sender "TV Land". Fran Drescher selbst spielte die Hauptrolle der Floristin Fran, die nach 18 Jahren Ehe erfährt, dass ihr Mann homosexuell ist und sich scheiden lässt. Da sie es sich nicht leisten können auszuziehen, wohnen sie jedoch weiterhin unter einem Dach. Die Serie wurde nach der zweiten Staffel im August 2013 eingestellt.


title: Fran Drescher

text: Am 5. Januar 1985 brachen zwei bewaffnete Männer in ihr Appartement ein, wobei einer von ihnen sie vergewaltigte, während ihr Ehemann mit einer Pistole bedroht wurde und ihr nicht helfen konnte. Nach einer Therapie entschied sich Drescher, weiterhin als Schauspielerin zu arbeiten. Der Vergewaltiger wurde zu einer Gefängnisstrafe verurteilt. Von der Vergewaltigung und der Notwendigkeit, aus solch traumatischen Erlebnissen gestärkt hervorzugehen, handelt Dreschers erste Autobiografie.


title: Fran Drescher

text: Im Jahr 1996 trennte sich Drescher nach 23 Jahren von ihrem Ehemann, 1999 folgte die Scheidung. Die Ehe war kinderlos; ihr Ex-Mann bekannte sich wenig später öffentlich zu seiner Homosexualität. Beide blieben beruflich und freundschaftlich miteinander verbunden.


title: Fran Drescher

text: Ab Anfang 2014 war Drescher in einer Beziehung mit Shiva Ayyadurai. Im September 2014 twitterten beide, sie hätten geheiratet. Wenige Monate später erklärt Ayyadurai in einem Interview allerdings, es habe keine „formelle Eheschließung“, sondern lediglich eine „spirituelle Zeremonie mit engen Freunden und ihrer Familie“ gegeben. 2016 trennte sich das Paar wieder.


title: Rothirsch

text: Der Rothirsch ("Cervus elaphus"), jägersprachlich Rotwild und seltener auch Edelhirsch genannt, ist eine Art der Echten Hirsche. Unter den Hirscharten zeichnet sich der Rothirsch, kurz auch Hirsch (von mittelhochdeutsch "hirz") und in alten lateinischen Texten "cervus" genannt, durch ein besonders großes und weitverzweigtes Geweih aus. Dieses als Jagdtrophäe begehrte Geweih wird nur von männlichen Tieren entwickelt. Die weiblichen Tiere (Alttiere) entwickeln kein Geweih und werden daher als Kahlwild bezeichnet. Im mitteleuropäischen Raum ist der Rothirsch eines der größten freilebenden Wildtiere. Er kommt hier fast nur noch in Waldbiotopen vor. Ursprünglich handelt es sich beim Rothirsch jedoch um eine Tierart offener und halboffener Landschaften.


title: Rothirsch

text: Rothirsche sind in mehreren Unterarten in Eurasien verbreitet. Die nordamerikanischen Wapiti wurden lange als Unterart des Rothirsches eingeordnet, werden heute aber zusammen mit ostasiatischen Rothirschen als eigenständige Art geführt.


title: Rothirsch

text: Da der Rothirsch oder allgemein das Rotwild zu den häufig bejagten Tierarten gehört, hat sich eine umfangreiche jagdliche Fachsprache, die Jägersprache ausgebildet, die teilweise durch die Jahrhunderte dauernde Praxis sowie durch die Belletristik Eingang in die allgemeine Sprache gefunden hat. Im Nachfolgenden werden einige der gängigsten Begriffe erläutert.


title: Rothirsch

text: Weibliche Tiere werden als "Hirschkuh", poetisch veraltet "Hinde" oder "Hindin", jagdlich aber als "Tier" oder "Kahlwild" (nur im Plural), und das Jungtier als "Kalb" bezeichnet. Ein Weibchen, das bereits ein Kalb geworfen oder fachsprachlich "gesetzt" hat, wird als "Alttier" bezeichnet. Ein "führendes Alttier" ist ein Alttier, das von einem diesjährigen Kalb begleitet wird. Weibliche Rothirsche im zweiten Lebensjahr, die nicht tragend sind und keinen Nachwuchs haben, werden "Schmaltiere" genannt. Unfruchtbare oder alte, nicht mehr setzende Hirschkühe nennt man "Gelttiere".