title: Madama Butterfly

text: Eine Nacht ist wachend vergangen, Pinkerton ist noch nicht erschienen. Butterfly zieht sich mit dem Kind zurück, um etwas Ruhe zu finden. Suzuki verspricht, sie zu holen, falls Pinkerton auftauchen sollte. Kurz darauf wird Suzuki von Sharpless und Pinkerton überrascht. Vor dem Haus wartet Kate, Pinkertons Frau. Sie kommen, um das Kind in eine gesicherte Zukunft – nach Amerika – zu holen. Pinkerton bittet Suzuki, Butterfly noch nicht zu wecken, weil er sie um Hilfe bei der Übergabe bitten will. Er denkt reumütig an die Vergangenheit zurück (Terzett Sharpless/Suzuki/Pinkerton: „Io so che alle sue pene“). Da er es nicht ertragen kann, Butterfly wiederzusehen, flieht er jedoch aus dem Haus[, nachdem er Sharpless etwas Geld für sie gegeben hat] (Pinkerton: „Addio fiorito asil“). Suzuki verspricht Kate, Butterfly zu überreden, ihr das Kind zu überlassen. Als Butterfly nach ihrer Rückkehr den Konsul und die noch immer draußen wartende Kate erblickt, erkennt sie die Wahrheit. [Kate bittet sie um das Kind.] Butterfly schickt alle fort und erklärt, dass sie das Kind nur Pinkerton persönlich übergeben wolle. [Das ihr von Sharpless angebotene Geld weist sie zurück.] Sie bittet Suzuki, sich um das Kind zu kümmern und sie allein zu lassen. [Sie singt ein Lied über den Tod.] Dann zündet sie ein Licht vor einem Schrein an, kniet nieder, nimmt den Dolch ihres Vaters und liest den darauf geschriebenen Samurai-Wahlspruch: „Ehrenvoll sterbe, wer nicht länger mehr leben kann in Ehren.“ Als sie sich das Messer an die Kehle setzt, kommt ihr Sohn hereingelaufen. Sie lässt den Dolch fallen, umarmt und küsst ihn leidenschaftlich (Butterfly: „Tu, tu piccolo iddio“), bevor sie ihn auf eine Matte setzt, ihm eine kleine amerikanische Fahne gibt und ihm die Augen verbindet. Anschließend tritt sie hinter einen Wandschirm. Man hört das Messer fallen, und sie stürzt zu Boden. Von draußen ruft Pinkerton nach ihr. Sie schleppt sich mit letzter Kraft zu dem Kind. Pinkerton und Sharpless finden sie sterbend neben ihm.


title: Madama Butterfly

text: Wesentlich für das Werk ist der Gegensatz zwischen dem westlichen und dem fernöstlichen Lebensstil, den Puccini von Anfang an auch musikalisch ausdrückt. Die Oper beginnt mit einer Fuge, in der Puccini ein exotisches musikalisches Thema auf typisch westliche Weise verarbeitet. Pinkertons Bekenntnis „Dovunque al mondo“ enthält bereits die beiden westlichen Hauptthemen der Oper. Umrahmt wird diese Arie durch ein Zitat der damaligen Marinehymne (ab 1931 die amerikanische Nationalhymne „The Star-Spangled Banner“) in den Bläsern. Nach Pinkertons Duett mit dem Konsul Sharpless wird das westliche Kolorit durch ein japanisches abgelöst, als der Heiratsvermittler Goro mit den Frauen eintrifft.


title: Madama Butterfly

text: Puccini bemühte sich intensiv, eine glaubhafte „japanische Färbung“ zu erreichen. Zur Inspiration dafür nutzte er unterschiedliche Quellen: Er besuchte eine Aufführung der als Geisha ausgebildeten Schauspielerin und Tänzerin Kawakami Sadayakko während ihrer Welttournee im März und April 1902. Die Gattin des japanischen Botschafters in Rom, Hisako Oyama, sang ihm traditionelle Volkslieder vor und half ihm bei den japanischen Namen. Außerdem erhielt er Hinweise des belgischen Musikwissenschaftlers und Asien-Experten Gaston Knosp. Er konnte auf europäische Notensammlungen transkribierter japanischer Melodien zurückgreifen und bat im Januar 1903 Alfred Michaelis von der Gramophone Company um Schallplatten mit japanischer Volksmusik. Letztere trafen allerdings vielleicht zu spät ein. Beim Auftritt des kaiserlichen Kommissars erklingt ein Ausschnitt der japanischen Nationalhymne Kimi Ga Yo. Zwei Motive der Cio-Cio-San sind auf chinesische Volksmusik zurückzuführen. Erst 2012 wies der Musikwissenschaftler W. Anthony Sheppard nach, dass Puccini diese einer in der Schweiz hergestellten Musik-Box mit westlich assimilierten chinesischen Melodien entnahm. Bei diesem Instrument handelte es sich um eine „Harmoniphōne“ genannte Kombination eines Carillons mit einem Harmonium. Die erste dieser Melodien ist besonders eng mit der Figur der Butterfly verbunden. Im ursprünglichen chinesischen Text schildert ein Mann auf erotische Weise den ganzen Körper einer Frau. In der Oper taucht die Melodie erstmals vollständig im ersten Akt zu den Worten „Io seguo il mio destino“ auf, in denen Cio-Cio-San Pinkerton beschreibt, was sie seinetwegen alles aufgegeben hat. Der mechanische Klang der Musik-Box, die naturgemäß einige Eigenheiten fernöstlicher Musik wie die typischen Glissandi oder die originale Klangfarbe der Instrumente nicht wiedergeben konnte, beeinflusste außerdem Puccinis Instrumentation der japanisch gefärbten Passagen.


title: Madama Butterfly

text: Das Ergebnis von Puccinis Studien sind äußerst ungewöhnliche Klangfarben, die er mit Instrumenten wie Tamtam, japanischen Schellentrommeln, japanischem Klaviaturglockenspiel oder Röhrenglocken erzielt. Die Kommentare der japanischen Verwandten Cio-Cio-Sans bei der Hochzeitsfeier erklingen über einem pentatonischen Ostinato. Auch der Satz der Begleitstimmen wirkt vielfach exotisch. Puccini erreicht dies durch für ihn ansonsten untypische Methoden wie unisono mit der Gesangsstimme geführten Instrumenten oder leere Quinten. Außerdem setzt er Orgelpunkte, Bass-Ostinati, Klangwechsel, Ganztonfolgen und übermäßige Dreiklänge ein. All diese Techniken nutzt Puccini vorwiegend für die Nebenfiguren. Die Partie des Pinkerton entspricht dagegen ganz seinem typischen lyrischen Idiom. Amerikanische Besonderheiten sind lediglich bestimmte englische Ausdrücke oder das Zitat der späteren amerikanischen Nationalhymne. Die Musik der Cio-Cio-San verbindet fernöstliche und europäische Charakteristiken.


title: Madama Butterfly

text: Richard Erkens wies darauf hin, dass Puccini die Titelfigur mit drei unterschiedlichen „Dimensionen“ ausstattete. Zu Beginn gehört sie der japanischen „Weiberschar“ an. Während sie mit den anderen Frauen auf den Hügel steigt, erklingt gesummt eine originale japanische Melodie, das Tanz-Motiv der „aufgehenden Sonne“ aus dem Kabuki-Theater, begleitet von Fagott und Streicher-Pizzicati, deren Klänge an die japanischen Instrumente Koto und Shamisen denken lassen. Gleichzeitig orientiert sich Cio-Cio-San am Westen. Die hinter der Bühne gesungene verführerische Largo-Melodie basiert vollständig auf westlicher Harmonik. Der dritte Aspekt zeigt sie als Verbindung östlicher und westlicher Elemente. Am Schluss ihrer Auftrittsszene fordert sie die anderen Frauen auf, sie nachzuahmen und vor Pinkerton auf die Knie zu fallen. Zu dieser Pantomime erklingt eine pentatonische Melodie, das chinesische „Shiba mo“ aus dem „Harmoniphōne“, die aber von westlichen Instrumenten mit ebenso westlichen Harmonien begleitet wird. Das Niederknien des Ostens vor dem Westen erfolgt somit nicht nur szenisch, sondern auch in der Musik.


title: Madama Butterfly

text: Dieses Liebesduett beendet den ersten Akt. Es wird dominiert durch Butterflys innigen Gesang. Pinkerton ist eigentlich nicht an einer langfristigen Beziehung mit Butterfly interessiert. Trotzdem fühlt er sich zu ihr hingezogen und er begehrt sie. Sie glaubt, mit der Heirat eine gute Partie gemacht zu haben, und wünscht sich, dass er sie auch ein bisschen liebt.


title: Madama Butterfly

text: Die Arie ist der musikalische Höhepunkt des zweiten Aktes. Butterfly wartet schon seit drei Jahren auf die Rückkehr ihres Ehemannes. Sie ist verarmt und gesellschaftlich verachtet. Sie gilt als geschieden, weil ihr Mann sie verstoßen hat, doch sie hält an ihrem Glauben fest, dass er zurückkommen wird. In der Arie malt sie sich aus, wie er zurückkommt und wie sie dann triumphieren wird.


title: Madama Butterfly

text: Dies ist Pinkertons einzige Arie. Nachdem er in Cio-Cio-Sans Haus zurückgekehrt ist und mit Suzuki darüber gesprochen hat, dass es für Cio-Cio-San zu schmerzhaft wäre, wenn er sich persönlich von ihr verabschieden würde, beschwört er die glücklichen gemeinsamen Stunden und bekennt seine Feigheit.


title: Madama Butterfly

text: Dies ist die Todes- und Schlussarie der Oper. Butterfly kniet nieder, um sich mit dem Messer ihres Vaters zu töten. Plötzlich kommt ihr Kind herein. Sie nimmt Abschied. Das Kind verlässt die Szene und Butterfly tötet sich. Danach wird die Musik noch einmal dramatisch. Pinkerton ruft dreimal „Butterfly“. Das Orchester hat das letzte Wort und scheint zunächst traditionell in der Tonika (und zwar hier h-Moll) zu schließen, ehe es überraschend den Sextakkord der Submediante (G-Dur) anfügt (vom Individualpsychologen und Suizidforscher Erwin Ringel im Hinblick auf den offenen Charakter dieses Opernschlusses mit der Phantasie Butterflys über den eigenen Tod hinaus gedeutet).


title: Madama Butterfly

text: Das Libretto zu "Madama Butterfly" stammt wie die Texte zu Puccinis vorausgegangenen Opern "La Bohème" und "Tosca" von Giuseppe Giacosa und Luigi Illica. Alle drei Opern entstanden unter der „Supervision“ des Verlegers Giulio Ricordi. Der Text basiert auf der Erzählung "Madame Butterfly" (1898) von John Luther Long und der daraus entwickelten einaktigen Tragödie "Madame Butterfly. A Tragedy of Japan" (1900) von David Belasco.


title: Madama Butterfly

text: Puccinis erste Berührung mit dem Stoff war ein Besuch im Duke of York’s Theatre in London am 21. Juni 1900, wo David Belascos Tragödien-Einakter "Madame Butterfly" gespielt wurde. Obwohl er den englischen Text vermutlich nicht vollständig verstehen konnte, behielt er das Thema von da an als mögliches Opernsujet im Auge. Zu Beginn faszinierte ihn der Kontrast zwischen amerikanischem und japanischem Milieu. Schon bald konnte sein Verleger Ricordi bzw. dessen Vertreter George Maxwell von Belasco die Rechte erlangen. Im März 1901 erhielt Puccini eine Übersetzung von John Luther Longs auf dem Drama basierender Erzählung "Madame Butterfly," die 1898 im "Century Illustrated Monthly Magazine" herausgegeben worden war.


title: Madama Butterfly

text: Anhand der Erzählung Longs begann Luigi Illica sofort mit dem Entwurf eines Librettos, in dem er mehrere unterschiedliche Schauplätze vorsah, um den Gegensatz zwischen amerikanischer und japanischer Kultur hervorzuheben. Für das japanische Lokalkolorit ließ er sich dabei durch Pierre Lotis Novelle "Madame Chrysanthème" (1887) inspirieren. Das Werk war ursprünglich als Zweiakter konzipiert. Analog zum Anfang von "La Bohème", wo sich das Hauptpaar kennenlernt, handelt der erste Teil von der Hochzeit Cio-Cio-Sans mit dem amerikanischen Marineleutnant bis zum daran anschließenden Liebesduett. Der zweite Teil sollte aus drei durch erzählende sinfonische Intermezzi miteinander verbundenen Szenen bestehen. Die beiden Rahmenszenen sollten im Wohnhaus Cio-Cio-Sans spielen, der Mittelteil dagegen im amerikanischen Konsulat von Nagasaki. Nach Pinkertons Rückkehr sollte dieser einen längeren Dialog mit dem Konsul führen. Außerdem war ein unvermutetes Zusammentreffen Cio-Cio-Sans mit der neuen Ehefrau Pinkertons vorgesehen. Das Schauspiel Belascos berücksichtigte Illica erst ab Mai/Juni 1901. Anders als Puccini hielten er und Giacosa, der für die Verse zuständig war, es für weniger bühnenwirksam als die Erzählung Longs. Ende 1901 war das Libretto weit fortgeschritten. Puccini hatte zu dieser Zeit bereits mit der Komposition des ersten Akts begonnen und führte eine briefliche Korrespondenz mit Illica über die Musik des zweiten Teils.


title: Madama Butterfly

text: Im Juni 1902 war die Arbeit am Libretto abgeschlossen, und am 7. September vollendete Puccini die „Klavierverlaufsskizze“ des ersten Akts. Während der folgenden Komposition des zweiten Akts entschied er sich für größere Änderungen am Szenenablauf. Die Konsulatsszene fiel weg, und der ganze Akt sollte sich nun direkt am Schauspiel Belascos orientieren. Die Einwände der Librettisten waren vergeblich. In der neuen Struktur fiel der Schauplatzwechsel weg, und die Charaktere Pinkertons und seiner Frau wirkten nurmehr eindimensional. Der dramatische Schwerpunkt konzentriert sich stattdessen auf das Gefühlsleben der Titelheldin. Außerdem konnte Puccini das von ihm bewunderte Bild der „sehnsüchtig durchwachten Nacht“ von Belascos Schauspiel in seine Oper übertragen. Nach einem Autounfall am 25. Februar 1903 musste Puccini die Arbeit für mehrere Monate unterbrechen. Am 15. September war der erste Akt fertig instrumentiert, und am 27. Dezember 1903 konnte er die Komposition abschließen. Zu diesem Zeitpunkt hatten die Uraufführungsproben möglicherweise bereits begonnen. Erst Ende Januar 1904 waren die Orchesternoten verfügbar. Puccini war bei den Proben anwesend. Ansonsten wurde das Publikum weitgehend ausgeschlossen.


title: Madama Butterfly

text: Die zweiaktige Erstfassung der Oper wurde am 17. Februar 1904 am Teatro alla Scala uraufgeführt. Die Kostüme stammten von Giuseppe Palanti und das Bühnenbild von Vittorio Rota und Carlo Songa (bzw. laut "Pipers Enzyklopädie des Musiktheaters" von Lucien Jusseaume). Die Sopranistin Rosina Storchio sang die Titelpartie. Weitere Sänger waren Giuseppina Giaconia (Suzuki), Giovanni Zenatello (B. F. Pinkerton), Giuseppe De Luca (Sharpless), Gaetano Pini-Corsi (Goro), Paolo Wulmann (Bonze) und Emilio Venturini (kaiserlicher Kommissar). Die musikalische Leitung hatte Cleofonte Campanini.


title: Madama Butterfly

text: Die Uraufführung wurde ein Fiasko, wie es Puccini sonst nie erlebte. Er zog die Partitur noch am selben Tag zurück. Die geplante römische Erstaufführung wurde abgesagt. Als Gründe für den Misserfolg werden in der Fachliteratur außer Kritik an Teilaspekten des Werks die aktuelle antijapanische Stimmung nach dem am 8. Februar ausgebrochenen Russisch-Japanischen Krieg sowie Störungen durch Anhänger der konkurrierenden Verlagshäuser Ricordi und Sonzogno genannt.


title: Madama Butterfly

text: Puccini begann direkt nach der Uraufführung mit der Überarbeitung des Werks. Er nahm einige Kürzungen und kleinere Änderungen vor. Die wesentliche Änderung war die Teilung des als zu lang empfundenen zweiten Akts zwischen dem Summchor und dem "intermezzo sinfonico." Der Charakter des Pinkerton wies in der Erstfassung starke Merkmale des „ugly American“ auf und enthielt zudem komische Elemente. In den späteren Fassungen entschärfte Puccini dies. Beispielsweise strich er einige herablassende Bemerkungen Pinkertons über Japaner. Außerdem erhielt Pinkerton in der letzten Szene eine neue Arie („Addio fiorito asil“), in der er Reue über sein Verhalten zeigt. Im ersten Akt wurden außerdem Szenen mit dem betrunkenen Yakusidé und den schmarotzenden Verwandten Butterflys gestrichen, und im zweiten Akt eine Stelle, in der Konsul Sharpless Butterfly im Auftrag Pinkertons Geld anbietet. Im dritten Akt verlangt nun Pinkerton selbst anstelle seiner Frau das Kind. Außerdem nahm Puccini einige kleinere Änderungen an der Musik vor. So vertauschte er in Butterflys Hauptthema den zweiten und dritten Ton und vergrößerte ihren Stimmumfang bei „O a me sceso dal trone“ im dritten Akt.


title: Madama Butterfly

text: Die zweite Fassung war bereits am 24. März fertiggestellt und wurde am 28. Mai 1904 in Brescia uraufgeführt. Die musikalische Leitung hatte erneut Cleofonte Campanini. Giovanni Zenatello (Pinkerton) und Gaetano Pini-Corsi (Goro), die bereits in Mailand gesungen hatten, wirkten auch hier mit. Zu den weiteren Ausführenden zählten Salomea Krusceniski (Butterfly), Giovanna Lucacevska (Suzuki) und Virgilio Bellatti (Sharpless). Die Aufführung wurde ein großer Erfolg, der den anschließenden internationalen Siegeszug der Oper begründete.


title: Madama Butterfly

text: In den nächsten Jahren überarbeitete Puccini das Werk noch mehrfach – immer dann, wenn er an Aufführungsproben teilnehmen konnte. Zu nennen sind hier die Fassungen für die Opéra-Comique in Paris (28. Dezember 1906), für die Metropolitan Opera New York (11. Februar 1907) und für das Teatro Carcano in Mailand (9. Dezember 1920). Die in diesen Jahren gedruckten Ausgaben unterscheiden sich außerdem vom jeweiligen Aufführungsmaterial, so dass die Geschichte der verschiedenen Fassungen nicht mehr vollständig im Detail nachzuvollziehen ist. In einigen Klavierauszügen wurde der Name „B. F. Pinkerton“ in „Sir Francis Blummy“ geändert, um mögliche Assoziationen an den englischen Ausdruck „bloody fool“ („b. f.“) oder das deutsche Wort „pinkeln“ zu vermeiden. Puccini hat fast bis zu seinem Tod immer wieder an dem Werk gearbeitet. Eine definitive finale Fassung lässt sich nicht nachweisen. Als „kanonisch“ galt für lange Zeit eine auf Basis der Pariser Fassung von 1906 erstellte Partitur, die Mitte 1907 im Druck erschien und auch einige der New Yorker Änderungen enthält.


title: Madama Butterfly

text: Die Oper wurde seither unzählige Male gespielt. "Pipers Enzyklopädie des Musiktheaters" hebt die folgenden Produktionen hervor:


title: Madama Butterfly

text: "Madama Butterfly" ist vielfach auf Tonträger erschienen. Operadis nennt 136 Aufnahmen im Zeitraum von 1909 bis 2008. Daher werden im Folgenden nur die in Fachzeitschriften, Opernführern oder Ähnlichem besonders ausgezeichneten oder aus anderen Gründen nachvollziehbar erwähnenswerten Aufnahmen aufgeführt.


title: Edvard Munch

text: Edvard Munch (* 12. Dezember 1863 in Løten, Hedmark, Norwegen; † 23. Januar 1944 auf Ekely in Oslo) war ein norwegischer Maler und Grafiker. Neben über 1700 Gemälden (siehe die Liste der Gemälde von Edvard Munch) fertigte er zahlreiche Grafiken und Zeichnungen an. Munch gilt als Bahnbrecher für die expressionistische Richtung in der Malerei der Moderne. Seine erste Ausstellung in Deutschland sorgte für einen Skandal („Fall Munch“). In der Folge genoss er in Mitteleuropa früh den Ruf eines epochemachenden Neuschöpfers. Heute sind seine Eigenart und sein Status auch im übrigen Europa und in der Welt anerkannt.


title: Edvard Munch

text: Munchs Bilder stellen den Menschen und seine wesentlichen emotionalen Erfahrungen von der Liebe bis zu Trauer und Tod in den Mittelpunkt. In ihnen verarbeitete Munch vor allem autobiografische Erfahrungen und Erlebnisse. Wichtige Motive malte der Künstler immer wieder neu in unterschiedlichen Versionen, so auch viele seiner im so genannten Lebensfries zusammengefassten Hauptwerke, darunter "Der Schrei", "Madonna", "Vampir", "Melancholie", "Der Tod im Krankenzimmer" oder "Der Tanz des Lebens".


title: Edvard Munch

text: Edvard Munch wuchs in der norwegischen Hauptstadt Oslo auf, die zu dieser Zeit "Christiania" (ab 1877 "Kristiania") hieß. Sein Vater Christian Munch war ein tief religiöser Militärarzt mit bescheidenem Einkommen. Der Historiker Peter Andreas Munch war Edvard Munchs Onkel.


title: Edvard Munch

text: Munchs Vater Christian heiratete mit 44 Jahren die zwanzig Jahre jüngere Kaufmannstochter Laura Catherine Bjølstad. Die junge Ehefrau gebar ihren Sohn Edvard mit 27 Jahren und starb mit 33 Jahren an Tuberkulose, als Edvard fünf Jahre alt war. Edvard selbst war von schwacher Gesundheit, aber nicht er, sondern seine ältere Schwester Sophie war das nächste Opfer der Schwindsucht. Seine jüngere Schwester Laura war wegen „Melancholie“ (nach heutiger Klassifikation Depression) in ärztlicher Behandlung. Postum stellten Mediziner auch bezüglich Edvard Munch die Hypothese einer Borderline-Persönlichkeitsstörung (emotional instabile Persönlichkeitsstörung) auf, zum Teil in Verbindung mit einer bipolaren Störung (manisch-depressive Erkrankung). Von den fünf Geschwistern (Edvard eingeschlossen) heiratete nur sein Bruder Andreas, starb aber schon wenige Monate nach der Hochzeit.


title: Edvard Munch

text: Das Elternhaus war kulturell anregend – es waren jedoch die Eindrücke von Krankheit, Tod und Trauer, zu denen Munch in seiner Kunst hauptsächlich zurückkehrte.


title: Edvard Munch

text: Auf Wunsch des Vaters durchlief Munch ein Jahr auf der technischen Schule und wandte sich dann, unterstützt von seiner Tante Karen, mit großem Ernst der Kunst zu. Er studierte die Alten Meister, folgte dem Unterricht in Aktzeichnen an der königlichen Zeichenschule und erhielt eine Zeit lang Korrektur vom führenden Naturalisten Norwegens, Christian Krohg. Seine frühen Arbeiten prägte ein vom französischen inspirierter Realismus, und bald schon fiel er als großes Talent auf.


title: Edvard Munch

text: 1885 war Munch während eines kurzen Studienaufenthaltes in Paris. Im selben Jahr begann er die Arbeit an seinem entscheidenden Werk "Das kranke Kind". Hier brach er radikal mit dem Realismus, in dem etwa Christian Krohg fünf Jahre zuvor ein ähnliches Motiv gemalt hatte. Munch arbeitete lange an dem Gemälde auf der Suche nach dem ersten Eindruck und einem gültigen malerischen Ausdruck für ein schmerzliches persönliches Erlebnis, dem Tod seiner Schwester Sophie. Er verzichtete auf Raum und plastische Form und stieß zu einer ikonenartigen Komposition vor. Die grobe Stofflichkeit der Oberfläche wies Spuren des mühsamen schöpferischen Prozesses auf. Die Kritik war sehr negativ. Munch griff dieses Motiv trotzdem zeit seines Lebens immer wieder auf.


title: Edvard Munch

text: Die Hauptwerke der folgenden Jahre sind von der Form her weniger provozierend. "Inger am Strand" aus dem Jahr 1889 zeugt von Munchs Fähigkeit zur lyrischen Stimmungsschilderung im Einklang mit der neoromantischen Strömung jener Zeit. Dieses Bild malte er in Åsgårdstrand, einer kleinen Küstenstadt in der Nähe von Horten. Die für diese Gegend so charakteristische, an Windungen reiche Küstenlinie findet sich als sinntragendes Leitmotiv in vielen Kompositionen von Munch.


title: Edvard Munch

text: 1889 malte Munch außerdem ein Porträt des Kopfes der Bohème von Kristiania, Hans Jæger. Munchs Umgang mit Jæger und seinem Kreis von radikalen Anarchisten in der zweiten Hälfte der 1880er Jahre wurde zum entscheidenden Wendepunkt in seinem Leben und zur Quelle einer inneren Gärung und eines inneren Konflikts. Zu dieser Zeit begann seine umfassende biografisch-literarische Produktion, die er in verschiedenen Phasen seines Lebens immer wieder aufnahm. Diese frühen Aufzeichnungen fungierten als „Nachschlagewerk“ zu mehreren der zentralen Motive aus den 1890er Jahren. Im Einklang mit Jægers Ideen wollte er wahrheitsgetreue „Nahaufnahmen“ von den Sehnsüchten und Qualen des modernen Lebens vermitteln – er wollte „sein Leben malen“.


title: Edvard Munch

text: Im Herbst 1889 hatte Munch eine große Einzelausstellung in Kristiania, woraufhin ihm der Staat für drei aufeinanderfolgende Jahre ein Künstlerstipendium gewährte. Paris war das natürliche Ziel, wo er für kurze Zeit – gemeinsam mit seinem Freund Kalle Løchen – Schüler von Léon Bonnat war. Die wichtigeren Impulse aber empfing er, indem er sich am künstlerischen Leben der Stadt orientierte. Hier fand zu jener Zeit ein postimpressionistischer Durchbruch mit verschiedenen antinaturalistischen Experimenten statt, die auf Munch befreiend wirkten.


title: Edvard Munch

text: Kurz nachdem Munch in diesem ersten Herbst nach Frankreich gekommen war, erreichte ihn die Nachricht vom Tod seines Vaters. Die Einsamkeit und die Melancholie in seinem Bild "Nacht in Saint-Cloud" (1890) werden oft vor diesem Hintergrund gesehen. Das dunkle Interieur mit der einsamen Gestalt am Fenster ist völlig von Blautönen beherrscht – eine Valeurmalerei, die an Whistlers nächtliche Farbenakkorde erinnert, aber auch auf eine eigenständige, moderne Art die „Dekadenz“ des letzten Jahrzehnts des 19. Jahrhunderts einfängt.


title: Edvard Munch

text: Auf der Herbstausstellung 1891 in Kristiania zeigte Munch unter anderem "Melancholie". Hier dominieren große, geschwungene Linien und homogenere Farbflächen – eine mit Paul Gauguin und französischen Synthetisten verwandte Vereinfachung und Stilisierung des Motivs. „Symbolismus – die Natur wird von einer Gemütsstimmung geformt“, schrieb Munch dazu.


title: Edvard Munch

text: Zu dieser Zeit fertigte er die ersten Skizzen zu seinem bekanntesten Werk "Der Schrei" an. Auch malte er eine Reihe von Bildern in einem impressionistischen und nahezu pointillistischen Stil, mit Motiven von der Seine, Pariser Straßenzügen und der Paradestraße Kristianias Karl Johans gate. Hauptinteresse Munchs waren jedoch die Eindrücke der Seele und nicht die des Auges.


title: Edvard Munch

text: Im Herbst 1892 stellte Munch in Kristiania die Ergebnisse seiner Frankreichaufenthalte vor. Der norwegische Landschaftsmaler Adelsteen Normann sah diese Ausstellung und verhalf dem damals noch unbekannten Munch zu einer Einladung des Berliner Kunstvereins. Munchs erste Ausstellung in Berlin fand im „Architektenhaus“ in der Wilhelmstraße 92 statt. Sie wurde mit 55 Bildern am 5. November 1892 eröffnet und endete mit einem großen Skandal. Das Publikum und die älteren Maler fassten Munchs Bilder als anarchistische Provokation auf, und die Ausstellung wurde auf Betreiben von Anton von Werner, dem Direktor der Königlichen Hochschule der bildenden Künste, schon am 12. November 1892 im Protest geschlossen.


title: Edvard Munch

text: Dadurch wurde Munchs Name plötzlich in Berlin bekannt und er entschloss sich, in der Stadt zu bleiben. Er kam in einen Kreis von Literaten, Künstlern und Intellektuellen, in dem Skandinavier stark vertreten waren. Zu dem Kreis gehörten unter anderem der schwedische Dramatiker August Strindberg, der polnische Dichter Stanisław Przybyszewski, der norwegische Bildhauer Gustav Vigeland, der dänische Schriftsteller Holger Drachmann und der deutsche Kunsthistoriker Julius Meier-Graefe. Man traf sich im Gasthaus "Zum schwarzen Ferkel" Unter den Linden/Ecke Neue Wilhelmstraße und diskutierte Friedrich Nietzsches Philosophie, Okkultismus, Psychologie und die dunklen Seiten der Sexualität.


title: Edvard Munch

text: Im Dezember 1893 stellte Munch Unter den Linden aus und zeigte unter anderem sechs Gemälde unter der Überschrift "Studie zu einer Serie: Die Liebe". Das war der Anfang zu dem, was sich später zum "Lebensfries" entwickelte, „ein Gedicht über das Leben, die Liebe, den Tod“. In diesem Bilderzyklus finden sich stimmungsgesättigte Motive wie "Der Sturm", "Mondschein" und "Sternennacht", wo man eine Beeinflussung durch den schweizerisch-deutschen Arnold Böcklin ahnen kann. Andere Motive wie "Rose und Amalie" oder "Vampir" beleuchten die Nachtseite der Liebe. Mehrere Bilder haben den Tod zum Thema, und am meisten Aufmerksamkeit erregte "Der Tod im Krankenzimmer", eine Komposition, die besonders die Einflüsse durch den französischen Synthetismus und Symbolismus aufzeigt. In grellen und gleichzeitig fahlen Farben zeigt das Bild eine festgefrorene Szene, vergleichbar einem tragischen Schlusstableau in einem Ibsen-Schauspiel. Auch dieses Motiv geht auf die Erinnerung an den Tod der Schwester Sophie zurück und zeigt Munchs gesamte Familie. Die im Stuhl sitzende Sterbende kehrt dem Betrachter den Rücken zu, wird aber von der Gestalt, die Munch selbst darstellt, in den Blick gerückt. Im Jahr darauf erweiterte Munch den Fries um Motive wie "Angst", "Asche", "Madonna" und "Sphinx (Die Frau in drei Stadien)". Letzteres ist ein vollständig im Geiste des Symbolismus gehaltenes, monumentales Motiv.


title: Edvard Munch

text: Gemeinsam mit Meier-Graefe gab neben anderen Przybyszewski 1894 die erste Publikation über Munchs Kunst heraus. Er charakterisierte sie als „psychischen Realismus“.


title: Edvard Munch

text: Munch verließ Berlin 1896 und ließ sich in Paris nieder, wo sich unter anderen Strindberg und Meier-Graefe aufhielten. Hier widmete er grafischen Mitteln immer mehr Aufmerksamkeit. Schon in Berlin hatte er mit Radierung und Lithografie begonnen, jetzt schuf er in Zusammenarbeit mit dem berühmten Drucker Auguste Clot erlesene Farblithografien und seine ersten Holzschnitte. Auch plante Munch die Herausgabe einer Mappe mit dem Titel „Der Spiegel“, ein grafischer „Fries“. Dank seiner souveränen Beherrschung der Mittel und seiner großen künstlerischen Originalität genießt Munch in unserer Zeit den Ruf eines Klassikers der Grafik.


title: Edvard Munch

text: In Paris fertigte er auch Programmplakate für zwei Ibsen-Vorstellungen des Théâtre de L'Œuvre an, während der Auftrag, Baudelaires "Les Fleurs du Mal" zu illustrieren, in den Anfängen stecken blieb.


title: Edvard Munch

text: 1898 nach Norwegen zurückgekehrt, schuf Munch die Illustrationen zu einer Spezialausgabe der deutschen Zeitschrift Quickborn zu Texten von August Strindberg.


title: Edvard Munch

text: Um die Jahrhundertwende versuchte Munch, den Fries zu vollenden. Er malte eine Reihe von neuen Bildern, einige in größerem Format und teils geprägt von der Jugendstilästhetik. Zu dem großen Bild "Stoffwechsel/Metabolismus" (1898) stellte er einen Holzrahmen mit geschnitzten Reliefs her. Es bekam zunächst den Titel "Adam und Eva" und enthüllt den zentralen Platz, den der Sündenfallmythos in Munchs pessimistischer Liebesphilosophie einnahm. Motive wie "Das leere Kreuz" und "Golgatha" (beide um 1900) spiegeln eine metaphysische Orientierung in Munchs eigener Zeit wider und sind außerdem ein Echo von Munchs Kindheit und Jugend in einem pietistischen Milieu.


title: Edvard Munch

text: Eine aufreibende Liebesbeziehung zu Tulla Larssen in jener Zeit bestärkte Munch, die Kunst als Berufung zu erleben.


title: Edvard Munch

text: Die Zeit um die Jahrhundertwende war eine Phase rastlosen Experimentierens. Ein farbenfroher und dekorativer Stil manifestierte sich, beeinflusst von der Kunst der Nabis und besonders eines Maurice Denis. 1899 malte Munch "Der Tanz des Lebens", das als kühne und persönliche Monumentalisierung dieses dekorativen Flächenstils aufgefasst werden kann.


title: Edvard Munch

text: Eine Serie von Landschaftsbildern haben den Kristiania-Fjord zum Thema. Diese dekorativen und feinfühligen Naturstudien werden als Höhepunkte des nordischen Symbolismus betrachtet. Das klassische stimmungsgeladene Gemälde "Die Mädchen auf der Brücke" entstand im Sommer 1901 in Åsgårdstrand.


title: Edvard Munch

text: Anfang des neuen Jahrhunderts nahm Munchs Künstlerkarriere einen weiteren Aufschwung. 1902 zeigte er auf der Ausstellung der Berliner Secession zum ersten Mal den ganzen Fries. Eine Munch-Ausstellung in Prag bekam Bedeutung für mehrere tschechische Künstler. Porträts, häufig in Ganzfigur, wurden nach und nach zu einem wichtigen Bestandteil seines Werks. Das Gruppenporträt "Die vier Söhne des Dr. Max Linde" (1903, Museum Behnhaus, Lübeck) wird als ein Hauptwerk der modernen Porträtmalerei eingestuft. Erholung suchte er zu dieser Zeit oft in Travemünde und schenkte dem Behnhaus das gleichnamige Gemälde aus Verbundenheit.


title: Edvard Munch

text: Die Fauvisten mit Matisse an der Spitze teilten mit Munch zahlreiche seiner künstlerischen Bestrebungen. Die Künstlergruppe "Brücke" in Dresden zeigte Interesse für Munch, aber es gelang ihr nicht, ihn für ihre Ausstellungen zu gewinnen.


title: Edvard Munch

text: Der künstlerische Erfolg war von Konflikten auf persönlicher Ebene begleitet. Der Alkohol war zum Problem geworden, und Munch war psychisch im Ungleichgewicht. Er quälte sich mit Erinnerungen an seine tragische Liebesgeschichte. Die Beziehung zu Tulla hatte 1902 mit einer Revolverszene geendet, bei der Munchs linke Hand angeschossen worden war. Zwar sollte er die Schmach nie verwinden; in diesen Jahren aber wurde sie zur Besessenheit. Tullas Züge lassen sich unter anderem in "Marats Tod" aufspüren (zwei Versionen von 1907), ein Motiv, von dem sich allgemeiner sagen lässt, es schildere „den Kampf zwischen Mann und Frau, den man Liebe nennen kann“.


title: Edvard Munch

text: Im Mai 1906 starb Henrik Ibsen, und im Herbst fertigte Munch Bühnenbildentwürfe für Max Reinhardts Aufführung der "Gespenster" im kleinen Saal des Deutschen Theaters Berlin an. Für das Foyer des Theaters schuf er auch eine neue Fassung seines Lebensfrieses, den Reinhardt-Fries, der heute in der Berliner Nationalgalerie zu sehen ist. Seither nahm Ibsen in Munchs Bewusstsein einen immer größeren Raum ein: das "Selbstbildnis mit Weinflasche" von 1906 zeigt eine kraftlos zusammengesunkene Gestalt, allein an einem Tisch in einem klaustrophobisch anmutenden Café sitzend; eine tragische Erscheinung, geistig eng verwandt mit Oswald in Ibsens Drama.


title: Edvard Munch

text: Auf Bestellung führte Munch ein monumentales Phantasieporträt von Friedrich Nietzsche aus, und während mehrerer Besuche in Weimar porträtierte er die Schwester des verstorbenen Philosophen, Elisabeth Förster-Nietzsche. Das Nietzsche-Porträt war das einzige Bildnis, das Munch nach einer Fotografie und nicht nach lebendem Modell schuf. In dieser Zeit porträtierte Munch auch Harry Graf Kessler und Henry van de Velde.


title: Edvard Munch

text: Zwischen 1902 und 1908 hielt sich Munch überwiegend in Deutschland auf. Malaufträge führten ihn mehrfach nach Berlin, Lübeck (1903), Weimar (1904) und Chemnitz (1905). Danach wurden Thüringen mit Elgersburg, Weimar, Ilmenau und Bad Kösen (1905/1906) und schließlich Warnemünde (1907/1908) seine festeren Domizile. Warnemünde sollte die letzte Station des selbst gewählten deutschen Exils sein und bot dem Künstler für kurze Zeit die gesuchte körperliche und seelische Erholung.


title: Edvard Munch

text: Neue Motive zeugen von einer extravertierteren Orientierung. "Badende Männer" (1907/1908) huldigt auf muntere Weise vitaler Männlichkeit. Alkohol- und Nervenprobleme erreichten dennoch einen kritischen Punkt, und Munch entschied sich für einen achtmonatigen Aufenthalt in einer Kopenhagener Nervenklinik unter der Betreuung von Daniel Jacobson. In Norwegen erkannte man endlich seine künstlerische Leistung, und während er sich in der Klinik befand, wurde ihm der norwegische Sankt-Olav-Orden verliehen.


title: Edvard Munch

text: Von 1909 bis zu seinem Lebensende lebte Munch in Norwegen. Zunächst ließ er sich in Kragerø nieder, einer Küstenstadt im Süden des Landes. Hier malte er unter anderem mehrere klassische Winterlandschaften und stürzte sich mit Eifer in den Wettbewerb um die Ausschmückung des neuen Festsaals der Osloer Universität, der Aula.


title: Edvard Munch

text: 1912 räumte man Munch auf der großen Sonderbund-Ausstellung in Köln unter den Pionieren der modernen Kunst einen bedeutenden Platz ein.


title: Edvard Munch

text: In Kragerø ließ er geräumige Außenateliers bauen, wo er mehrere Jahre lang an den Entwürfen für die Universitätsaula arbeitete. Nach langwierigen Auseinandersetzungen wurde Munch schließlich angenommen und sein Werk 1916 an Ort und Stelle montiert.


title: Edvard Munch

text: Mit Munchs eigenen Worten huldigen die Motive „den ewigen Kräften des Lebens“. Das Hintergrundmotiv, genannt "Die Sonne", ist ein Sonnenaufgang über dem Fjord, inspiriert von der Aussicht, die Munch von seinem in Kragerø gemieteten Besitz hatte. Gleichzeitig nutzte er hier das symbolische Potential des Lichts. Pendants in der Aula sind die großen Leinwände "Die Geschichte" und "Alma Mater". Unter einer mächtigen Eiche in einer kargen, rauen Landschaft sitzt ein alter Mann und erzählt einem kleinen Jungen die Sage von den Menschen. In einer wilden, üppigen Landschaft sitzt eine Frau mit einem Säugling am Strand, während größere Kinder die Natur auskundschaften. Abgesehen davon, dass die beiden „archetypischen“ Motive auf Geisteswissenschaft und Naturwissenschaft anspielen, sind sie Ausdruck des männlichen und weiblichen Prinzips, das in Munchs Bilderwelt einen zentralen Gegensatz darstellt.


title: Edvard Munch

text: Der aufkommenden Arbeiterbewegung widmete sich Munch in mehreren Motiven aus jener Zeit, teils in monumentaler Form. Das Bild "Arbeiter auf dem Heimweg" (1913–15) ist darüber hinaus eine dynamische Studie in Perspektive und Bewegung. 1916 erwarb Munch den Besitz Ekely bei Kristiania. Landschaft, Menschen im Einklang mit der Natur, pflügende Pferde sind Motive, die jetzt in klaren, kräftigen Farben geschildert werden. Eine frische, spontane Pinselführung vermittelt den Eindruck einer sinnlichen Huldigung an Sonne, Luft und Erde.


title: Edvard Munch

text: Auf Ekely lebte Munch in zunehmend selbst gewählter Isolation, spartanisch, nur von seinen Bildern umgeben. Er war überaus produktiv. Obwohl er sich nur widerwillig von „seinen Kindern“ trennte, wurden die Bilder einer Reihe von Ausstellungen im In- und Ausland ausgeliehen.


title: Edvard Munch

text: In späteren Jahren malte Munch häufig Studien und Kompositionen nach Modell. Unter ihnen gibt es einige, die lebhafter und lebensbejahender sind als frühere Werke. Und doch widmete er sich auch jetzt noch der Erforschung der konfliktgeladenen Themen aus den 1890er Jahren. Seine grafische Produktion war weiterhin beachtlich, darunter eine Reihe von lithografischen Porträts. Edvard Munch starb im Januar 1944.


title: Edvard Munch

text: Munch wird – oft in Verbindung mit van Gogh, Gauguin, Ensor oder Hodler – zu den „Frühexpressionisten“ gerechnet, den Vorläufern des Fauvismus und des Expressionismus. Gemeinsam ist ihnen eine „Ausdruckskunst“ und die große Farbigkeit ihrer Werke, aber auch ihr Einzelgängertum. Ohne oder mit geringer akademischer Ausbildung und ebenso ohne nachfolgende Schüler kündet ihr Werk vor allem von einer starken Subjektivität und dem Bezug auf die eigene Biografie. So haben alle genannten Künstler auch bedeutende Selbstbildnisse geschaffen.


title: Edvard Munch

text: Munchs frühe Werke standen noch in der Tradition des norwegischen Naturalismus und des Realismus. In Paris lernte er den Pointillismus und Synthetismus kennen. Sein malerisches Temperament und die Freizügigkeit seiner Technik blieben von diesen Stilrichtungen jedoch weitgehend unbeeinflusst. Laut Tone Skedsmo experimentierte Munch lediglich mit den technischen Möglichkeiten, die ihm etwa der Impressionismus bot, und verwarf alles, was ihn auf der Suche nach einer ihm gemäßen Ausdrucksform nicht weiterbrachte. Auch als sich im 20. Jahrhundert mit Kubismus, Futurismus und Konstruktivismus neue avantgardistische Stilrichtungen herausbildeten, hielt Munch in seinem Alterswerk an der gegenständlichen, figurativen Malerei fest und grenzte sich bewusst vom „modernen Stil“ der abstrakten Malerei ab.


title: Edvard Munch

text: Munch malte aus dem Arm heraus mit großer Impulsivität. Er kämpfte häufig regelrecht mit der Leinwand, attackierte sie wie einen Widersacher, kratzte, schabte, stach und schnitt, arbeitete mit Übermalungen und transparenter Durchlässigkeit. Auch vor der Einbeziehung von Naturelementen – „Rosskur“ genannt – scheute er nicht zurück, um den natürlichen Zerfall zu forcieren – unter dem Risiko der völligen Zerstörung der Werke. Munchs Zeitgenosse Rolf Stenersen beschrieb eine solche Begegnung: „Es kam vor, daß Munch einfach mit den Bildern kämpfte, er griff sie wütend an, zerriß sie und trat sie mit den Füßen. ‚Das verfluchte Bild geht mir auf die Nerven, jetzt hat es eine Roßkur nach der anderen durchgemacht und wird nur immer schlechter. Bitte seien Sie so gut und tragen Sie es auf den Boden hinauf, werfen Sie es nur hinein, so weit wie möglich.‘“


title: Edvard Munch

text: Laut Arne Eggum stellte Munch den Menschen und sein Lebensgefühl in den Mittelpunkt seiner Kunst. Dabei griff er auf eigene Erlebnisse und traumatische Erfahrungen zurück und verwandelte diese zu archetypischen Bildern, die sich aus seiner privaten Symbolik zusammensetzten. Der Expressionismus, wie Munch ihn verstand, sei somit „eine extrem subjektive Kunst unter Beibehaltung von etwas Ursprünglichem und Primitiven“. Wo etwa Gauguin in Tahiti das Primitive in der menschlichen Natur erforschte, fand Munch „sein eigenes Tahiti in sich“. Munch griff damit Positionen des Subjektivismus auf, die sich in Skandinavien zu seiner Zeit in den literarischen Werken Ibsens und Strindbergs sowie in der Philosophie Kierkegaards manifestierten.


title: Edvard Munch

text: Munch strebte kein Abbild der Natur an, sondern ein Sinnbild seiner Gemütsverfassung. Er beschrieb: „Ich male nicht nach der Natur – ich nehme meine Motive aus ihr – oder schöpfe aus ihrer Fülle. Ich male nicht das, was ich sehe, sondern das, was ich sah. Der Fotoapparat kann nicht mit Pinsel und Palette konkurrieren – so lange er nicht in der Hölle oder im Himmel benutzt werden kann.“ Dabei schloss Munch bewusst auch die „Hölle“ eigener traumatischer Erlebnisse ein. Über seine sowohl in physischer als auch in psychischer Hinsicht labile Verfassung schrieb er: „Ich möchte meine Krankheit nicht ablehnen, denn meine Kunst schuldet ihr viel.“ Er zog sogar den Vergleich: „Malen ist für mich eine Krankheit, ein Rausch. Eine Krankheit, die ich nicht loswerden will. Ein Rausch, den ich brauche.“


title: Edvard Munch

text: Die Kunst bot Munch die Möglichkeit der Auseinandersetzung mit sich selbst aber auch der Vermittlung seiner Erfahrungen an andere: „Durch meine Kunst habe ich probiert, mir das Leben und seine Bedeutung zu erklären. Dabei wollte ich auch anderen helfen, sich mit dem Leben auseinanderzusetzen.“ Weiter schrieb er: „Meine Kunst hatte ihre Wurzel in der Reflexion, in der ich nach der Erklärung dieses Mißverhältnisses zum Leben suchte – Warum war ich nicht wie die anderen? Warum geboren – etwas, um das ich nicht gebeten hatte. Der Fluch und die Reflexion darüber wurde der Unterton in meiner Kunst. Ihr stärkster Unterton, und ohne ihn wäre meine Kunst eine andere – Aber in der Reflexion darüber und in der Auslösung in meiner Kunst lag ein Drang und der Wunsch danach, daß meine Kunst mir Licht – Dunkelheit und auch Licht für die Menschen bringe.“


title: Edvard Munch

text: Seine wichtigsten Werke der frühen Schaffensperiode – Bilder wie "Der Schrei", "Madonna", "Vampir", "Melancholie", "Der Tod im Krankenzimmer" oder "Der Tanz des Lebens" – stellte Munch im so genannten Lebensfries zusammen, den er definierte als: „Der Fries ist eine Dichtung über Leben, Liebe und Tod.“ Munchs Kunst wurde vor allem in Frankreich häufig als „literarisch“ bezeichnet. Der Maler selbst wies diesen Begriff, den er als Vorwurf verstand, von sich, ebenso wie er sich gegen das abschätzige Etikett „Gedankenmalerei“ verwahrte. Kunst war für ihn aber auch nie bloß dekorativ. So zog er etwa einen Vergleich mit Cézanne: „Ich habe ein Stilleben genauso gemalt wie Cézanne, nur daß ich im Hintergrund eine Mörderin und ihr Opfer malte.“ An anderer Stelle verglich er sich mit da Vinci: „So wie Leonardo da Vinci das Innere des menschlichen Körpers studierte und Leichen sezierte – so versuche ich, die Seele zu sezieren.“ Während zu da Vincis Zeiten die Obduktion von Leichen strafbar gewesen sei, wären es in Munchs Gegenwart „die seelischen Phänomene, die zu sezieren beinahe als unsittlich und leichtfertig gilt.“


title: Edvard Munch

text: Der Lebensfries griff die von anderen zeitgenössischen Künstlern wie Van Gogh, Klinger oder Klimt vertretene Idee eines Bilderzyklus auf. Er war jedoch auch Munchs Versuch, aus den Einzelaspekten seiner Kunst einen künstlerischen Gesamtentwurf „des modernen Seelenlebens“, wie er es ausdrückte, zu schaffen und damit seine persönliche Erinnerungsarbeit zu transzendieren und künstlerische Autonomie zu erlangen. Auch in seinem späteren Werk hielt er an der Idee eines Bilderzyklus fest und schuf als Auftragsarbeiten den "Linde-Fries" (1904 für Max Linde), den "Reinhardt-Fries" (1907 für Max Reinhardt), den "Freia-Fries" (1922 für die Freia-Schokoladenfabrik) sowie die 1916 enthüllte Dekoration der Aula der Universität von Kristiania mit ihrem zentralen Kopfbild "Die Sonne".


title: Edvard Munch

text: Gemeinsam mit Monet ist Munch auch ein Begründer der seriellen Kunst. Monet ging es hierbei um den äußeren Eindruck eines Motivs, den er in unterschiedlichen Darstellungen einfing, Munch um die wiederholte Beschäftigung mit grundlegenden Erinnerungen und Erfahrungen. Viele seiner zentralen Bildmotive setzte Munch in mehreren Gemälden oder Druckgrafiken um, er rang oft über viele Jahre mit ein- und demselben Motiv, für das er immer neue, gültigere Darstellungen suchte. Sein letztliches Scheitern an der abschließenden Vollendung eines Motivs weist auf ein Paradigma der modernen Kunst voraus: die Abkehr vom Ideal eines gültigen Unikats.


title: Edvard Munch

text: Ein wichtiger Schritt hin zur Serialität war Munchs im Jahr 1894 einsetzende Beschäftigung mit der Grafik, die in diesem Jahrzehnt in Frankreich zu neuer Popularität gelangte. Sie nahm bald neben der Malerei einen wichtigen Platz in Munchs Œuvre ein. Munch probierte sich in den unterschiedlichsten Techniken von der Kaltnadelradierung zur Lithografie und dem Holzschnitt. Dabei ähnelte sein Umgang mit dem neuen Medium dem mit der Leinwand: Er bearbeitete die Druckplatten intensiv, änderte sie immer wieder ab, fügte neue Elemente hinzu, schliff andere Partien ab und kolorierte die Drucke in unterschiedlichen Variationen von Hand nach. Laut Hans Dieter Huber behandelte Munch die Druckplatte „wie eine Art Skizzenpapier“ und suchte wie in seinen Gemälden und Notizbüchern nach immer wieder neuen Ausdrucksmöglichkeiten desselben Motivs.


title: Edvard Munch

text: Nicht nur in seiner Malerei und seinen grafischen Arbeiten war das Experiment mit unsicherem Ausgang ein künstlerisches Konzept Munchs. Er übertrat laut Dieter Buchhart auch regelmäßig die konventionellen Grenzen zwischen den künstlerischen Techniken Malerei, Grafik, Zeichnung, Fotografie oder Film. Im Jahr 1902 erwarb Munch seinen ersten Fotoapparat und erkundete auch in der neuen Technik bildgestalterische Problemstellungen, etwa das Zusammenwirken mehrerer Bildschichten und die Gestaltung von Formen, Schatten und Leerstellen. Gegenstand seiner Fotografien war er häufig selbst, so dass die zu Munchs Lebzeiten nie ausgestellten Arbeiten in neuer Zeit als künstlerische Frühform von Selfies präsentiert werden.


title: Edvard Munch

text: In seinem Testament vermachte Munch seine umfangreiche Sammlung von Bildern und nicht systematisierten biografisch-literarischen Aufzeichnungen der Stadt Oslo. Das 1963 feierlich eröffnete Munch-Museum ("Munchmuseet" ) hat folglich heute eine einzigartige Sammlung von Munchs Kunst und sonstigem Material, die sämtliche Phasen des künstlerischen Schaffensprozesses beleuchten.


title: Edvard Munch

text: Die Nationalgalerie ("Nasjonalgalleriet") in Oslo hat ebenfalls eine erlesene, besonders an zentralen frühen Gemälden reiche Munch-Sammlung. Hauptwerke befinden sich außerdem in der "Bergen Billedgalleri" in Bergen.


title: Edvard Munch

text: Im Jahr 1964 wurden Arbeiten von ihm auf der documenta III in Kassel in der berühmten Abteilung "Handzeichnungen" gezeigt. Munch war seit 1906 Mitglied im Deutschen Künstlerbund.


title: Edvard Munch

text: Im Sommer 2004 wurden die Gemälde "Der Schrei" und "Madonna" aus dem Munch-Museum in Oslo gestohlen. Zunächst ging die Polizei davon aus, dass vermutlich zwei bis fünf Personen an dem Diebstahl beteiligt waren. Später erhob die Polizei Anklage gegen mehrere Verdächtige, jedoch blieben die Bilder weiterhin verschwunden. Man vermutete, dass sie im Ausland versteckt wurden. Da die Werke am helllichten Tag gestohlen wurden, entwickelte sich im Anschluss an den Raub eine Diskussion um die richtige Sicherung wertvoller Kunstobjekte, die trotzdem einem breiten Publikum zugänglich bleiben sollten. Am 31. August 2006 wurden die beiden Bilder – aus den Rahmen gerissen – von der norwegischen Polizei sichergestellt. Die restaurierten Bilder wurden der Öffentlichkeit am 23. Mai 2008 im Rahmen einer Sonderausstellung wieder präsentiert, wobei auch ein komplett neues Werkverzeichnis Munchs vorgelegt und die Entstehungszeit des "Schreis" auf 1910 korrigiert wurde.


title: Edvard Munch

text: Ein weiterer Diebstahl von Werken des Malers fand am 6. März 2005 aus einem Hotel im norwegischen Moss statt. Die Täter nahmen zwei Lithografien, die Munch selbst und den Schriftsteller August Strindberg darstellten, sowie ein Aquarell mit dem Titel "Das Blaue Kleid" mit. Einen Tag später glückte der Polizei die Festnahme der Täter.


title: Edvard Munch

text: Im Jahr 2012 wurde eine der vier Variationen des Gemäldes "Der Schrei" in New York für 119,9 Mio. Dollar versteigert. Es löste damit das Gemälde "Akt mit grünen Blättern und Büste" des spanischen Malers Pablo Picasso als das zu diesem Zeitpunkt teuerste bei einer Auktion versteigerte Gemälde der Welt ab.


title: August Wittgenstein

text: August-Frederik Prinz zu Sayn-Wittgenstein-Berleburg (* 22. Januar 1981 in Siegen), genannt August Wittgenstein, ist ein deutsch-schwedischer Schauspieler.


title: August Wittgenstein

text: Wittgenstein entstammt der Linie „Sayn-Wittgenstein-Berleburg“ des Adelsgeschlechts Sayn-Wittgenstein und wurde als Sohn eines deutschen Vaters und einer schwedischen Mutter geboren. Sein Vater ist Ludwig Ferdinand Prinz zu Sayn-Wittgenstein-Berleburg (* 1942); seine Mutter ist Yvonne, geborene Gräfin Wachtmeister af Johannishus (* 1951), sie kam im schwedischen Bärbo, Gemeinde Nyköping, zur Welt. Er wuchs mit seinem älteren Bruder Carl-Albrecht (* 1976), seiner älteren Schwester Anna (* 1978; verheiratete Prinzessin von Bayern) und seiner jüngeren Schwester Theodora (* 1986) zweisprachig mit Deutsch und Schwedisch als Muttersprachen in Bad Laasphe im Wittgensteiner Land auf. Bereits in der Grundschule interessierte er sich für die Schauspielerei. Mit 15 Jahren zog er aus dem Elternhaus aus und besuchte ein Internat in Schweden. Nach dem Abitur in Großbritannien folgten verschiedene Praktika in Paris und ein Aufenthalt in Australien. Nach seiner Rückkehr entschloss er sich zu einer professionellen Schauspielausbildung. Auf Wunsch der Eltern studierte er zunächst an der Georgetown University in Washington, D.C. und erwarb einen Bachelor-Abschluss im Fach Geschichte.


title: August Wittgenstein

text: Seine Schauspielausbildung absolvierte er in den Vereinigten Staaten, u. a. von August 2005 bis Mai 2007 an der American Academy of Dramatic Arts in New York City, später an den "The Berg Studios" in Los Angeles. Seine Filmkarriere begann 2008/2009 mit der Mitwirkung in einigen Kurzfilmen. In Hollywood hatte er Nebenrollen in den Kinofilmen "Illuminati" (2009; als Soldat der Schweizergarde), und, neben Robin Wright, in dem Science-Fiction-Drama "The Congress" (2013; als Travis).


title: August Wittgenstein

text: 2011 hatte er als Michel eine Nebenrolle in dem schwedischen Thriller "Avalon", dem Debütfilm des schwedischen Regisseurs Axel Petersén (* 1979). Im deutschen Historienfilm "Ludwig II." verkörperte er die historische Figur des Ludwig-Vertrauten Alfred Graf Eckbrecht von Dürckheim-Montmartin (1850–1912). Seinen Durchbruch im deutschen Fernsehen hatte Wittgenstein 2013 mit seiner ersten Hauptrolle in dem Road-Movie "Wüstenherz – Der Trip meines Lebens". In dem in Marokko in englischer Sprache gedrehten Film spielte er, an der Seite von Jennifer Ulrich, den attraktiven Aussteiger, Abenteurer und Einzelgänger Ben. Für die deutsche Fassung wurde Wittgensteins Stimme durch den Synchronsprecher Sascha Rotermund nachsynchronisiert, da er selbst für die Synchronarbeiten aus Termingründen nicht zur Verfügung stand. In dem tragikomischen Fernsehfilm "Die Schlikkerfrauen" (2014) spielte er, neben Sky Du Mont und Catherine Flemming als Elternpaar, den Sohn des Drogerieketten-Inhabers Theo Schlikker.


title: August Wittgenstein

text: Wittgenstein hatte auch Episodenrollen in einigen Fernsehserien, u. a. in den Serien "SOKO Leipzig" (2013, als Freund des Opfers) und "Josephine Klick – Allein unter Cops" (2014; als Mitglied einer Studentenverbindung). Im Februar 2015 war er in der Folge "Sein oder Nichtsein" erneut in der Krimiserie "SOKO Leipzig" zu sehen, diesmal in einer Episodenhauptrolle als charismatischer Regisseur und Schauspielcoach Ivo Novack. In der Krimiserie "SOKO Köln" (Dezember 2015) spielte er in der Folge "Alte Wunden" den Enkel des Opfers. Im Februar 2016 folgte eine Episodenrolle in der ZDF-Krimiserie "SOKO München", in der er einen ehemaligen Abi-Kollegen des SOKO-Ermittlers Dominik Morgenstern (Joscha Kiefer) verkörperte.


title: August Wittgenstein

text: In den drei Staffeln der ZDF-„Ku’damm“-Familiensaga mit den Dreiteilern "Ku’damm 56" (Erstausstrahlung: März 2016), "Ku’damm 59" (Erstausstrahlung: März 2018) und "Ku’damm 63" (Erstausstrahlung: März 2021) war Wittgenstein jeweils in einer der Hauptrollen als junger homosexueller Staatsanwalt Wolfgang von Boost zu sehen.


title: August Wittgenstein

text: In der Krimiserie "Alles Klara" (Erstausstrahlung: März 2016) hatte er eine Episodenhauptrolle als querschnittgelähmter Eric Simon, der gemeinsam mit seinem später ermordeten Bruder eine Flugschule im Harz betreibt. In dem Fernsehfilm "Ein Lächeln nachts um vier", der im Dezember 2017 im Rahmen der „ZDF-Herzkino-Reihe“ erstausgestrahlt wurde, spielte er die männliche Hauptrolle, den „charmanten“ Schauspieler Max Severin, der das Leben der weiblichen Hauptfigur Jule (Natalia Belitski) durcheinanderbringt. In der RTL-Fernsehserie "Jenny – echt gerecht" (Erstausstrahlung ab April 2018) übernahm Wittgenstein, an der Seite von Birte Hanusrichter als ungelernte Rechtsanwaltsgehilfin, die Rolle des Rechtsanwalts Maximilian Mertens. In der Fernsehserie "Das Boot" (2018) spielte Wittgenstein die als „Fiesling“ und Bösewicht angelegte Rolle des Oberleutnants zur See Karl Tennstedt. In dem ARD-Dreiteiler "Das Geheimnis des Totenwaldes" (2020) verkörperte Wittgenstein den ermittelnden Kriminalobermeister Jan Gerke. Im Münsteraner "" (2021) spielte Wittgenstein den tatverdächtigen, verheirateten Kriminalkommissar und Polizeipressesprecher Johannes Hagen, der mit einem tot aufgefundenen männlichen Aktmodell und Verfechter der freien Liebe eine polyamore Beziehung führte. In der ZDF-Serie "Der Palast" (2021) spielte Wittgenstein den jungen, freiheitsliebenden Ost-Berliner Arzt Georg Weiss, der einen Ausreiseantrag stellt und in den Westen geht.


title: August Wittgenstein

text: In der SWR-Crime- und Thriller-Serie "Höllgrund" (2022) verkörperte er den jungen und charmanten Landarzt Fabian Lambert, der in eine rätselhafte Mordserie in einem kleinen Dorf im Schwarzwald verwickelt ist. In der 8-teiligen internationalen Fernsehserie "Das Netz – Prometheus" (2022) war er in einer durchgehenden Serienrolle als ehemaliger deutscher Elitesoldat und schweigsamer Auftragsmörder Hans Maurer zu sehen.


title: August Wittgenstein

text: Wittgenstein besitzt eine doppelte Staatsbürgerschaft; er ist deutscher und schwedischer Staatsbürger. Seit Frühjahr 2011 lebt er in Berlin-Mitte. Wittgenstein ist seit dem 2. September 2022 mit der aus Österreich stammenden Psychologin Mia Rohla verheiratet.


title: Christian Kohlund

text: Christian Kohlund (* 17. August 1950 in Basel) ist ein Schweizer Schauspieler. Einem breiten Publikum ist er durch die Fernsehserien "Die Schwarzwaldklinik", "Die Insel", "Das Traumhotel" und "Der Zürich-Krimi" bekannt.


title: Christian Kohlund

text: Christian Kohlund ist der Sohn der Schauspieler Erwin Kohlund und Margrit Winter, seine Schwester Franziska Kohlund war Schauspielerin und Regisseurin. Er absolvierte von 1970 bis 1972 eine Ausbildung am Wiener Max-Reinhardt-Seminar und war anschliessend an vielen Theatern engagiert. Stationen seiner Karriere waren das Münchner Residenztheater, das Theater in der Josefstadt in Wien, die Freie Volksbühne in Berlin, das Schauspielhaus Zürich und das Ernst Deutsch Theater in Hamburg. Nebenher studierte er in der englischen Universitätsstadt Cambridge.


title: Christian Kohlund

text: Neben zahlreichen Theatertourneen war Kohlund auch im Filmverleih tätig. Er arbeitete als Produzent, Regisseur und Kameramann. Während der 1970er Jahre begann er seine Laufbahn als Fernsehschauspieler. Zu Beginn seiner Filmkarriere drehte Kohlund einige Kinofilme wie "Der Fußgänger" mit Maximilian Schell (1973) oder "Die Brücke von Zupanja" (1975) und war im Film "Das chinesische Wunder" aus dem Jahre 1977 an der Seite von Heinz Rühmann und Senta Berger zu sehen. 1983 spielte er nach einer wahren Begebenheit in der deutsch-deutschen Tragikomödie "Einmal Ku’damm und zurück" den Chefkoch Peter Gross der Schweizer Botschaft, der sich in eine DDR-Bürgerin verliebt und sie nach West-Berlin schmuggeln wollte.


title: Christian Kohlund

text: Kohlund ist vor allem im leichten Genre beheimatet: Neben Krimis und Fernsehfilmen war er häufig in Unterhaltungsserien zu sehen, unter anderem als "Professor Vollmers" in der ZDF-Serie "Die Schwarzwaldklinik". 1987 spielte er in der sechsteiligen Mysteryserie "Die Insel" die Rolle eines Geschäftsmannes mit ominöser Erkrankung. Diese Rollen brachten ihm eine hohe Bekanntheit ein.


title: Christian Kohlund

text: In den folgenden Jahren wirkte er als Darsteller in zahlreichen Fernsehproduktionen mit, unter anderem in Komödien wie "Fröhliche Chaoten" oder Filmreihen wie "Klinik unter Palmen". Aber auch in Thrillern wie "Teneriffa – Tag der Rache" oder "Um jeden Preis" spielte er mit. Ausserdem wirkte er an Fernsehfilmen wie "Wettlauf nach Bombay" (1981), "Tödliches Geld" (1995), "Verwirrung des Herzens" (1997), "Das Mädchen aus der Fremde" (1999), "Julius Caesar" (2002), "Liebe, Lügen, Leidenschaften" (2002) oder "Von ganzem Herzen" (2009) mit.


title: Christian Kohlund

text: Kohlund wirkte immer wieder in Serien, Filmreihen und Mehrteilern mit, unter anderem in "Anna Maria – Eine Frau geht ihren Weg", "Unter weißen Segeln", "Anwalt Abel", "Das Traumhotel", "Die Alpenklinik", " Insel der Träume" oder in Rosamunde-Pilcher-Verfilmungen. Zudem übernahm er laufend Gastrollen in bekannten deutschen Krimiserien wie "Derrick" oder "Ein Fall für zwei". Seit 2016 spielt er die Hauptrolle des Anwalts Thomas Borchert in der ARD-Krimireihe "Der Zürich-Krimi".


title: Christian Kohlund

text: Kohlund war mit der österreichischen Schauspielerin Christine Buchegger verheiratet, danach vier Jahre mit Sylvana Henriques. Seine dritte Ehe ging er 1982 mit der ehemaligen Schlagersängerin Elke Best ein, mit der er zwei Kinder hat.


title: Lauren German

text: Lauren Christine German (* 29. November 1978 in Huntington Beach, Kalifornien) ist eine US-amerikanische Schauspielerin.


title: Lauren German

text: Lauren German besuchte die "Orange County High School of the Performing Arts" in Südkalifornien, in der sie als Tänzerin ausgebildet wurde. Des Weiteren nahm sie Stunden in der prominenten Institution The Actors Studio in Huntington Beach. Sie studierte Anthropologie und Politikwissenschaft an der University of Southern California. Dieses Studium brach sie kurz vor dem letzten Jahr ab, um ihrer Karriere als Schauspielerin nachzugehen.


title: Lauren German

text: German hatte ihre erste Rolle 1999 als "Kimmy" in der Fernsehserie "Undressed – Wer mit wem?". Ein Jahr später spielte sie ihre erste Filmrolle in "Den Einen oder keinen". 2001 hatte sie – als "Beth" – ihren ersten Fernsehauftritt in der Sendung "Shotgun Love Dolls". 2002 spielte sie gleich in drei Filmen mit; als "Belinda" in "Nur mit Dir – A Walk to Remember", als "Darcy Peters" in "Dead Above" und als "Elena" in "A Midsummer Night’s Rave". 2003 spielte sie sowohl in dem Fernsehfilm "The Lone Ranger" als "Emily Landry" mit, sowie ebenfalls als die "Anhalterin" in "Michael Bay’s Texas Chainsaw Massacre". 2004 spielte sie als "Gertle" in "Piggy Banks" mit. 2005 spielte sie in den Filmen "Simple Lies" als "Melissa", "Standing still – Blick zurück nach vorn" als "Jennifer" und in der Fernsehserie "Sex, Love & Secrets" als "Rose" mit. 2006 spielte sie sowohl in dem Fernsehfilm "Surrender Dorothy" als "Maddy", als auch in "You Are Here" als "Cassie mit", gefolgt von Rollen in "It Is Fine. Everything Is Fine!", "Hostel 2", "What We Do Is Secret" sowie "Love and Mary" und "Killer Moves". 2011 wurde sie für die zweite Staffel der Serie "Hawaii Five-0" als neue Hauptdarstellerin verpflichtet. Nach der Hälfte der Staffel verließ sie die Serie um eine Hauptrolle bei "Chicago Fire" anzunehmen. Von 2016 bis 2021 spielte sie die weibliche Hauptrolle in der Serie "Lucifer".


title: Lauren German

text: 2002 wurde German zur Nummer 47 in der – von der "Maxim" veröffentlichten – Liste der "Hot 100 of 2002" gewählt.


title: The Last of Us

text: The Last of Us ist ein Action-Adventure und Survival-Horror-Computerspiel entwickelt von Naughty Dog und publiziert von Sony Interactive Entertainment, das am 14. Juni 2013 exklusiv für Sonys PlayStation 3 veröffentlicht wurde. Offiziell vorgestellt wurde das Spiel bei den Spike Video Game Awards am 10. Dezember 2011. Im Juli 2014 erschien eine Remastered-Version für PlayStation 4. Im September 2022 wurde ein Remake für die PlayStation 5 veröffentlicht.


title: The Last of Us

text: Das Spiel handelt von zwei Überlebenden: dem erwachsenen Texaner Joel (im Englischen gesprochen von Troy Baker) und der jungen Ellie (Ashley Johnson), die zusammen durch die postapokalyptischen Vereinigten Staaten ziehen. Die meisten Menschen sind in diesem Szenario einer Infektion mit einem Pilz ähnlich dem "Ophiocordyceps unilateralis" erlegen, der ihre Gehirne befällt und sie in aggressive Mutanten verwandelt, deren Körper mit fortschreitender Infektion zunehmend verfällt.


title: The Last of Us

text: Innerhalb von drei Wochen wurden weltweit 3,4 Millionen Exemplare des Spiels verkauft. 2016 wurde der Nachfolger "The Last of Us Part II" angekündigt. Diese Fortsetzung erschien schließlich am 19. Juni 2020.


title: The Last of Us

text: "The Last of Us" nutzt eine Third-Person-Perspektive und lässt den Spieler vorwiegend Joel und teilweise Ellie kontrollieren, während etwaige Begleiter des jeweiligen Charakters von der KI gesteuert werden. Das Spiel beinhaltet sowohl Kämpfe mit Schusswaffen als auch Nahkämpfe und ein Deckungssystem. Der Spieler muss sowohl Infizierte – durch den mutierten Ophiocordyceps-unilateralis-Pilz infizierte Menschen – als auch Überlebende – Menschen, die nicht infiziert sind, anderen aber in den meisten Fällen feindlich gegenüberstehen – versuchen abzuwehren. Das Spiel soll somit den Eindruck vermitteln, wozu Menschen im Angesicht einer zusammenfallenden Zivilisation ohne Ordnung und geregelte Versorgung, mit dem reinen Drang zu überleben, imstande sind. "The Last of Us" ist kein Open-World-Spiel, bietet jedoch großzügige Level, welche teilweise diesen Eindruck vermitteln.


title: The Last of Us

text: Ein wichtiger Teil des Spielprinzips ist das Herstellen von Medikits und Waffen. Dazu werden unterschiedliche Gegenstände eingesammelt und später miteinander kombiniert. So können beispielsweise aus Lumpen und Alkohol sowohl Molotowcocktails als auch Erste-Hilfe-Verbände hergestellt werden.


title: The Last of Us

text: Die gesamte Spielzeit des Einzelspielermodus beläuft sich laut Angaben des Entwicklers auf 12 bis 16 Stunden.


title: The Last of Us

text: Im Mehrspielermodus baut "The Last of Us" auf eine Metageschichte aus dem Universum der Kampagne mit den spielbaren Fraktionen "Fireflies" und "Hunter", wobei das Spielprinzip prinzipiell dem des Einzelspielermodus entspricht. Mit vier-gegen-vier-Gefechten und vergleichsweise kleinen Karten grenzt es sich klar gegen andere Multiplayer-Modi ab, bei denen maximal bis zu 64 Spieler involviert sein können.


title: The Last of Us

text: Infizierte sind vom Cordyceps-Pilz befallen. Infizieren kann man sich leicht, indem man die Sporen des Pilzes einatmet oder von einem Infizierten gebissen wird.


title: The Last of Us

text: 1. Stufe: Als "Runner" bezeichnet man frisch Infizierte nach der zweitägigen Inkubationszeit. Die Infizierten verlieren ihr Bewusstsein und wandeln sich in aggressive „Zombies“, die empfindlich auf Geräusche reagieren und Menschen jagen. Runner sind schnell und sie treten meist in Gruppen auf.


title: The Last of Us

text: 2. Stufe: "Stalker" sind Einzelgänger, die ahnungslosen Leuten geräuschlos auflauern. Stalker haben aufgrund der Infektion, die sich im Gehirn absetzt, bereits Pilz-Auswucherungen an Kopf und Körper und sind aufgrund der Infektion auch stärker als Runner.


title: The Last of Us

text: 3. Stufe: "Clicker" sind herumirrende Infizierte, deren Sinnesorgane bereits vollständig durch den Pilz überwuchert wurden. Sie orientieren sich mit Echoortung ähnlich wie Fledermäuse. Durch die Echoortung entsteht ein lautes Klicken von den äußerst geräuschempfindlichen Kreaturen. Sie sind viel stärker als Runner, was offenbar auf die Infektion zurückzuführen ist. Diese Stufe der Infektion erlangen Infizierte nach langen Jahren der Infektion.


title: The Last of Us

text: 4. Stufe: "Bloater" sind seit dem Ausbruch infiziert und kommen daher seltener vor. Ihr Körper ist vollständig mit riesigen Pilzplatten überzogen, die sie hervorragend vor Verletzungen schützen, aber auch schwer sind, weshalb sie eher langsam sind. Sie schießen mit explodierenden Sporen-Geschossen um sich und reißen den Kiefer ihrer Opfer auf, wenn man ihnen zu nahe kommt, anstatt sie zu beißen.


title: The Last of Us

text: Die Menschen sind zerstritten, es geht fast eine größere Bedrohung von ihnen aus als von den vergleichsweise berechenbaren Infizierten.


title: The Last of Us

text: Die Handlung von "The Last of Us" spielt hauptsächlich im Jahr 2033, zwei Jahrzehnte nachdem ein mutierter Cordyceps-Pilz 60 Prozent der Weltbevölkerung infiziert und in wandelnde, zombieartige Kannibalen verwandelt hat. Nach dem Zusammenbruch der Regierung kontrolliert das US-Militär die von den meisten Überlebenden bewohnten Quarantänezonen. Die Gruppierung der "Fireflies" lehnt den gewaltsamen und totalitären Polizeistaat ab und führt einen Guerillakampf gegen das Militär.


title: The Last of Us

text: Joel, der beim Ausbruch der Infektion seine 12-jährige Tochter Sarah durch einen Schuss eines Soldaten des Militärs verloren hat, ist Schwarzhändler in der Quarantänezone von Boston. Er gerät durch Zufall an die Anführerin der Fireflies, die ihn und seine Gefährtin Tess bittet, die 14-jährige Ellie aus der Quarantänezone zu schmuggeln und in ein Versteck der Fireflies zu bringen. Auf der Flucht werden sie von Soldaten aufgeschnappt und es stellt sich heraus, dass Ellie infiziert ist. In letzter Sekunde gelingt es ihnen, die Soldaten zu überwältigen. Ellie erklärt, dass der Biss an ihrem Arm drei Wochen alt sei und sie eine Immunität entwickelt habe. Nur die Fireflies können möglicherweise ein Heilmittel herstellen. Joel wird daraufhin von Tess überzeugt, ihren Auftrag um jeden Preis zu erfüllen. Als sie jedoch am Firefly-Stützpunkt ankommen, wurden dort bereits alle Fireflies vom Militär ermordet. Tess, die kurz zuvor von einem Infizierten gebissen wurde, ermöglicht Joel und Ellie die Flucht, indem sie sich im Kampf mit den Soldaten opfert.


title: The Last of Us

text: Joel und Ellie folgen nun den Hinweisen nach dem Verbleib der übrigen Fireflies, die jedoch allem Anschein nach tot sind. Auf ihrer Reise quer durch die USA kommt es immer wieder zu gefährlichen Auseinandersetzungen mit Huntern und Infizierten, bei der Joel schließlich lebensgefährlich verletzt wird und von Ellie nur knapp in Sicherheit gebracht werden kann. In den Wintermonaten muss Ellie sich nun allein auf die Suche nach Nahrung und Medizin begeben. Als sie einen Hirsch jagt, stößt sie auf einen Hunter. Beide geraten in einen Hinterhalt und können nur gemeinsam im Kampf gegen Infizierte bestehen. Es gelingt ihr, Medizin für den verletzen Joel zu besorgen. Der Hunter jedoch erkannte Ellie wieder, da sie zuvor gemeinsam mit Joel zahlreiche Hunter in einer nahe gelegenen Stadt umgebracht hat. Sie überfallen das Versteck der beiden. Beim Versuch, die Angreifer wegzulocken, wird Ellie gefangen genommen. Der durch die Medikamente mittlerweile genesene Joel kann die Verfolgung aufnehmen und Ellie befreien.


title: The Last of Us

text: Im Frühjahr des Jahres 2034 treffen Ellie und Joel schließlich auf die Fireflies, die sich in einem Krankenhaus in Salt Lake City verschanzt haben. Da der Pilz im Gehirn des Wirts heranwächst, würde Ellie die notwendige Operation, die zur Untersuchung ihrer Immunität nötig wäre, nicht überleben. Joel entschließt sich, Ellie aus dem Operationssaal zu befreien und erschießt auf der Flucht die Anführerin der Fireflies.


title: The Last of Us

text: Beiden gelingt die Flucht aus dem Krankenhaus. Auf dem Weg aus der Stadt fragt Ellie, die unter Narkose nichts mitbekommen hat, warum die Fireflies die beiden gehen ließen. Joel belügt Ellie und behauptet, dass es viele immune Infektionsträger gäbe, aber die Herstellung eines Wirkstoffes nicht möglich sei. Das Hauptspiel endet mit der Ankunft in Jackson, wo Joels Bruder in einer relativ sicheren Gemeinschaft lebt.


title: The Last of Us

text: Während der Kampagne findet der Spieler verschiedene Briefe, Fotos, Audioaufnahmen und Zeitungsartikel, die eine ausführlichere Hintergrundgeschichte erzählen.


title: The Last of Us

text: In der Erweiterung wird die Vorgeschichte zum Hauptspiel und das Überleben Ellies sowie des verletzten Joels im Winter erzählt. Beide Erzählstränge wechseln sich in kurzen Episoden ab.


title: The Last of Us

text: Ellie wird eines Nachts von ihrer Freundin Riley geweckt, die zuvor längere Zeit verschwunden war und sich inzwischen den Fireflies angeschlossen hat. Riley führt Ellie zu einem verlassenen Einkaufszentrum, um mit ihr ein noch funktionstüchtiges Stromaggregat in Betrieb zu setzen. Nachdem sie einen Kostümladen durchstöbert haben, stoßen sie auf das Aggregat und können den Strom für das gesamte Einkaufszentrum aktivieren. Zu ihrer Verwunderung sind ein altes Kinderkarussell und eine Fotomaschine weiterhin funktionsfähig. Der Versuch, auch einen Spielautomaten in Gang zu setzen, schlägt fehl, sodass Riley mit ihrer Beschreibung eines Prügelspiels Ellies Phantasie anregt. Als die beiden über den drohenden Abschied sprechen, kommt es zum Streit. Riley läuft von Ellie weg und Ellie läuft ihr hinterher. Nachdem sie sich erneut vertragen, bittet Ellie Riley, zu bleiben. Riley stimmt zu und beide küssen sich. Als sie vor Freude zu lauter Musik tanzen, werden sie von Infizierten überrascht und müssen fliehen. Auf der Flucht werden sowohl Ellie als auch Riley von Infizierten gebissen. Daraufhin sehen sie sich zwei Optionen gegenübergestellt: Selbstmord durch den Revolver oder Abwarten bis zum Eintritt der Infizierung. Nachdem Ellie verzweifelt nach einer möglichen dritten Option fragt, entscheiden sie sich für die Zweite.


title: The Last of Us

text: Im zweiten Teil der Handlung durchsucht Ellie ein Einkaufszentrum, in dem Joel in einem der Läden bewegungsunfähig liegt. Zuvor wurde er im Verlauf des Hauptspiels in der Nähe schwer verletzt. Ellies Versuch, in einer Apotheke einen Verbandkasten zu finden, endet erfolglos. Ihr Weg führt sie durch überschwemmte Keller, die von Infizierten bevölkert werden. In einem abgestürzten Sanitätshelikopter des Militärs hat sie hingegen mehr Glück. Als sie mit dem Sanitätskoffer zu Joel zurückkehren will, wird sie von Huntern gestellt und muss sich durchkämpfen. Dabei kann sie heraneilende Infizierte zu ihren Gunsten einsetzen. Als sie schließlich die Tür zu Joels Versteck öffnen will, wird sie erneut überfallen und muss sich ein weiteres Mal verteidigen. Dieser Teil der Geschichte endet damit, dass sie auf ihr Pferd steigt und Joel auf einer Trage hinter sich her zieht.


title: The Last of Us

text: Die erste Erwähnung des Spiels geschah in Form einer Plakatwand am Times Square, vor den Spike Video Game Awards am 29. November 2011, mit dem Slogan „a [PlayStation 3] exclusive you won’t believe“. Erste Teaser zeigten ein postapokalyptisches Ereignis, Aufstände, eine Epidemie, Quarantäne und Gewalt, sowie einen Ausschnitt aus der BBC-Fernsehserie "Planet Erde". Dieser zeigt eine Ameise mit einer "Ophiocordyceps unilateralis"-Infektion, einem pilzartigen Parasiten, der gewöhnlicherweise Insekten befällt und tötet. Am 9. Dezember 2011 entdeckten Spieler von "" ein verstecktes "Easter Egg" als Zeitungsüberschrift „Scientists are still struggling to understand deadly fungus“ einen Verweis zu dem besagten Teaser. Bei den Spike Video Game Awards enthüllte Sony offiziell "The Last of Us", ein neues Spiel von Naughty Dog, entwickelt von einem vorher nicht bekannten 80-köpfigen Team. Ein Trailer aus Spielszenen zeigte einen Mann und ein jugendliches Mädchen, welche andere Überlebende sowie von Pilzen überwucherte Wesen abwehren.


title: The Last of Us

text: Kurz nach der Vorstellung veröffentlichte der Co-Präsident von Naughty Dog, Evan Wells, weitere Informationen zu "The Last of Us" im offiziellen "PlayStation Blog":


title: The Last of Us

text: Die Ankündigung bestätigte, dass das neue Projekt vom Studio Game Director Bruce Straley geleitet würde. Der ehemalige Lead Designer von "", Mark Richard Davies, hat zusätzlich für Naughty Dog an dem Spiel gearbeitet. Nach der Veröffentlichung von "" im Jahr 2009, bildeten einige des Entwicklungsteams ein neues Team für "The Last of Us", während die anderen an "Uncharted 3: Drake’s Deception" arbeiteten. Zum ersten Mal wurden zwei verschiedene Spiele von Naughty Dog gleichzeitig produziert.


title: The Last of Us

text: Bei den Spike Video Game Awards 2012 wurde offiziell bekanntgegeben, dass "The Last of Us" am 7. Mai 2013 erschiene. Der Termin wurde jedoch später von Sony und Naughty Dog auf den 14. Juni 2013 verschoben, um den Entwicklern mehr Zeit zu lassen. Am 31. Mai wurde Käufern von "" eine Demo des Spiels bereitgestellt.


title: The Last of Us

text: Am 9. April 2014 kündigte Sony eine Remastered-Version für die hauseigene Spielekonsole PlayStation 4 an. Die um das "Left-Behind"-DLC erweiterte Version erschien Ende Juli 2014.


title: The Last of Us

text: Das Konzept von "The Last of Us" entstand nach einem Ausschnitt der BBC-Naturdokumentationsserie "Planet Erde", welcher eine Ameise zeigte, die von einem "Cordyceps"-Pilz infiziert wurde. Hierbei übernimmt der Pilz alle Handlungen des Insekts und produziert Geschwülste auf seinem Kopf. Die Idee, dass der Pilz Menschen befallen könne, war die Initialidee des Spiels. Künstlerische Inspirationen kamen von den Romanen "Stadt der Diebe", "Ich bin Legende", "Kein Land für alte Männer", "Die Straße", "Unterwegs", der Comicserie "The Walking Dead" und deren Adaptionen. Die Computerspielwebsite "GamesRadar" betonte die Inspiration von den Filmadaptionen "I Am Legend" und "The Road", sowie der Fernsehserie von "The Walking Dead" und den Filmen "28 Days Later", "Children of Men" und "Blumen des Schreckens".


title: The Last of Us

text: Obwohl die Pilzepidemie den Haupthintergrund des Spiels darstellt, ist "The Last of Us" „kein Zombiespiel“, sondern „eine Geschichte über eine Vater-Tochter-ähnliche Beziehung“, beeinflusst in Teilen von den Interaktionen zwischen Nathan Drake und Victor Sullivan, seinem Mentor und Vaterfigur in Naughty Dogs "Uncharted"-Reihe. Joel ist ein Überlebender und Antiheld, während Ellie ein 14-jähriges Mädchen ohne Erfahrung in der Welt vor der Apokalypse ist. Komponist ist der zweimalige Oscargewinner Gustavo Santaolalla. Der Soundtrack bezieht sich hauptsächlich auf die Emotionen der Figuren und nicht den sonst üblichen Horror im Spiel.


title: The Last of Us

text: Nach der Veröffentlichung des ersten Trailers für das Computerspiel "Dead Island" war das Team besorgt, dass die beiden Spiele sehr ähnlich sein würden und sich mit der menschlichen oder emotionalen Seite eines postapokalyptischen Ereignisses beschäftigten. Nach der Veröffentlichung von "Dead Island" stellte sich jedoch heraus, dass das Spielprinzip deutlich abwich. Im Gegensatz dazu machte Creative Director Neil Druckmann deutlich, dass die Trailer zu "The Last of Us" sehr wohl das Spielgefühl wiedergäben. Er gab außerdem an, dass die Handlung von "The Last of Us" die Latte für andere Entwickler höher legen solle, da der aktuelle Standard vom Erzählen von Geschichten in der Branche nicht so gut sei, wie er eigentlich sein könnte. Naughty Dog zeigte einen langen Trailer mit Spielszenen auf Sonys Pressekonferenz während der Electronic Entertainment Expo 2012.


title: The Last of Us

text: Im Oktober 2013 erschien der Multiplayer-DLC "Verlassene Gebiete" mit vier zusätzlichen Spielarealen.


title: The Last of Us

text: Am 14. Februar 2014 erschien der DLC "Left Behind" im PlayStation Network: die etwa zwei Stunden dauernde Geschichte erzählt von Ellie, bevor sie auf Joel trifft. Außerdem füllt sie das erzählerische Loch aus der winterlichen Haupthandlung, als Joel schwerverletzt ist.


title: The Last of Us

text: Am 30. Juli 2014 erschien "The Last of Us Remastered" für die PlayStation 4. Diese Neuauflage bietet eine verbesserte Grafik mit hochaufgelösten Texturen. Die Performance der PS4-Fassung liegt bei recht konstanten 60 FPS, es ist aber auch ein optionaler 30-FPS-Modus enthalten. Die Steuerung wurde ebenfalls an den neuen DualShock-4-Controller angepasst und macht auch von dessen Features wie der "Light Bar", dem Touchpad sowie dem Lautsprecher Gebrauch. Als Extras sind auch alle bisher erschienen DLCs und ein Audio-Kommentar von Creative Director Neil Druckmann, Ashley Johnson (Ellie) und Troy Baker (Joel) enthalten. Mit dem Patch 1.07, der im November 2016 veröffentlicht wurde, profitiert "The Last of Us Remastered" auch von der verbesserten Hardware der PlayStation 4 Pro und unterstützt UHD-Auflösung und HDR.


title: The Last of Us

text: Am 2. September 2022 erschien "The Last of Us Part I" als Remake für die PlayStation 5. Enthalten sind die unveränderte Einzelspieler-Story von The Last of Us sowie das Prologkapitel Left Behind. Das Remake wurde grafisch vollständig überarbeitet, die KI der Gegner verbessert und nutzt nun 3D-Audio mittels der Tempest 3D AudioTech. Die Steuerung wurde an die neuen Funktionen des DualSense-Controllers, wie haptisches Feedback sowie adaptive Trigger, angepasst und das Spiel mit erweiterten Barrierefreiheitsfunktionen versehen. Bei dem Aggregator Metacritic, welcher Pressekritiken sammelt, erhielt "The Last of Us Part I" von 106 Kritiken 89 von 100 möglichen Punkten.


title: The Last of Us

text: Die ersten Rezensionen des Spiels waren durchweg positiv. Das britische Filmmagazin "Empire" vergab fünf von fünf Punkten und schrieb: „"The Last of Us" ist nicht nur das beste Spiel, das Naughty Dog bis jetzt gemacht hat, und ein naheliegender Anwärter auf das beste Spiel dieser Konsolengeneration, es könnte sich auch als "Citizen-Kane"-Moment für Computerspiele beweisen. Ein Meisterwerk, auf das noch nach Jahrzehnten wohlwollend zurückgeblickt wird.“ Das offizielle britische PlayStation-Magazin schrieb ebenfalls eine positive Kritik, vergab mit zehn Punkten die Höchstpunktzahl und nannte es „ein Kunstwerk, in welchem beeindruckende Ausblicke und Klänge ein emotional aufzehrendes, durchgängig fesselndes Endzeitabenteuer vorantreiben“. Einige Kritiker zogen Parallelen zu Cormac McCarthy und nannten es eine teils interaktive Version von "Die Straße", seinem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Endzeitroman über einen Vater und seinen Sohn, die durch die Vereinigten Staaten ziehen. Teilweise wurde jedoch das Kampfsystem kritisiert. Bei dem Aggregator Metacritic, welcher Pressekritiken sammelt, erhielt "The Last of Us" von 98 Kritiken 95 von 100 möglichen Punkten und rangiert damit bei Veröffentlichung auf Platz vier der bestbewerteten PlayStation-3-Spiele aller Zeiten.


title: The Last of Us

text: Im Mai 2014 wurde das Spiel von IGN auf den 3. Platz bei den besten Spielen für die letzte Konsolen-Generation (PS3, Xbox 360 und Wii) gewählt.


title: The Last of Us

text: Eine vierteilige Comicreihe mit dem Titel "The Last of Us: American Dreams" wurde von Dark Horse Comics produziert. Sie wurde von Neil Druckmann, Naughty Dogs Creative Director, und Faith Erin Hicks geschrieben. Die Comics dienen als Prequel und spielen ein Jahr vor den Ereignissen im Videospiel. Sie handeln von Ellie und deren besten Freundin namens Riley. Die erste Ausgabe erschien am 3. April 2013. Das erste Comic war schnell ausverkauft und ein Nachdruck wurde, zusammen mit der zweiten Ausgabe, am 29. Mai 2013 veröffentlicht. Die vierte und letzte Ausgabe erschien am 31. Juli 2013.


title: The Last of Us

text: Im März 2014 hatten Screen Gems und Sony Pictures Entertainment bestätigt, dass eine Filmadaption zum Videospiel produziert werden soll. Als Regisseur sollte Sam Raimi fungieren, das Drehbuch vom Creative Director des Spiels, Neil Druckmann, verfasst werden. Maisie Williams stand im Gespräch, die Hauptrolle Ellie zu übernehmen. Der Film sollte sich an dem Videospiel orientieren, obgleich es einige größere Veränderungen geben sollte, welche sich auf den Storyverlauf beziehen. Im April 2016 äußerte sich Druckmann jedoch skeptisch über den Stand der Entwicklung: „Nun ist es sozusagen in der Entwicklungshölle gelandet […]. Es wurde seit über eineinhalb Jahren nicht mehr daran gearbeitet.“


title: The Last of Us

text: Am 5. März 2020 wurde jedoch bestätigt, dass die Spielhandlung für HBO als Serie adaptiert werde. Craig Mazin, der schon "Chernobyl" für HBO erschuf und schrieb, wird zusammen mit Neil Druckmann an der Serie arbeiten. Die Handlung orientiert sich an dem des Originalspiels, wobei anhand der Spiel-Fortsetzung "The Last of Us Part II" noch Inhalte ergänzt werden könnten. Für die Pilot-Folge soll Johan Renck als Regisseur fungieren, der neben Mazin an der Serie "Chernobyl" als Regisseur mitwirkte.


title: Elastizitätsmodul

text: Der Elastizitätsmodul, auch E-Modul, Zugmodul, Elastizitätskoeffizient, Dehnungsmodul oder Youngscher Modul, ist ein Materialkennwert aus der Werkstofftechnik, der bei linear-elastischem Verhalten den proportionalen Zusammenhang zwischen Spannung und Dehnung bei der Verformung eines festen Körpers beschreibt. Liegt eine uniaxiale Belastung vor, so ist der Elastizitätsmodul die Proportionalitätskonstante im Hookeschen Gesetz. Er besitzt somit fundamentale Bedeutung innerhalb der Elastizitätstheorie.


title: Elastizitätsmodul

text: Die Größenart des Elastizitätsmoduls ist die mechanische Spannung. Als Formelzeichen ist formula_1 üblich.


title: Elastizitätsmodul

text: Der Elastizitätsmodul wächst mit dem Widerstand, den ein Material seiner elastischen Verformung entgegensetzt. Ein Bauteil aus einem Material mit hohem Elastizitätsmodul wie Stahl ist somit steifer als das gleiche Bauteil aus einem Material mit niedrigem Elastizitätsmodul wie Gummi.


title: Elastizitätsmodul

text: Gemäß der Kontinuumsmechanik dient allgemein der Elastizitätstensor zur Beschreibung des elastischen Verformungsverhaltens von Festkörpern. Je nach dem Grad der Anisotropie können dessen Komponenten mittels 2 bis 21 unabhängiger Elastizitätskonstanten dargestellt werden.


title: Elastizitätsmodul

text: Der Elastizitätsmodul ist als Steigung des linear-elastischen Bereiches im Graphen des Spannungs-Dehnungs-Diagramms definiert, wie es sich z. B. bei uniaxialer Belastung im Zugversuch ergibt. Dieses Dehnungsintervall ist für viele metallische und polymere Materialien im Vergleich zur maximal möglichen Gesamtverformung (elastische Dehnung plus Bruchdehnung) klein und wird auch als "Hookescher Bereich" bezeichnet.


title: Elastizitätsmodul

text: Dabei bezeichnet formula_3 die mechanische Spannung (Normalspannung, nicht Schubspannung), also das Verhältnis Kraft pro Fläche, und formula_4 die Dehnung. Letztere ist das Verhältnis von Längenänderung formula_5 bezogen auf die ursprüngliche Länge formula_6.


title: Elastizitätsmodul

text: Der Elastizitätsmodul ist als mechanische Materialkonstante Bestandteil von Elastizitätsgesetzen. Er kann abhängig von weiteren physikalischen Größen wie der Temperatur, der Porosität oder der Dehnung sein.


title: Elastizitätsmodul

text: Bei linear-elastischem Verhalten ergibt sich die Federkonstante formula_9 eines geraden Stabes als Quotient von Normalkraft formula_10 und Längenänderung formula_11. Eine Normierung beider Größen auf die (konstante) Querschnittsfläche formula_12 bzw. die Stablänge im unbelasteten Zustand (formula_6) führt auf den E-Modul als geometrieunabhängigen Materialkennwert:


title: Elastizitätsmodul

text: Neben dem Elastizitätsmodul werden weitere elastische Materialkonstanten wie z. B. Schubmodul formula_15, Poissonzahl formula_16 und Kompressionsmodul formula_17 definiert, zwischen denen abhängig vom Grad der Anisotropie elastische Beziehungen bestehen.


title: Elastizitätsmodul

text: Da für nicht-auxetische, isotrope Materialien die Poissonzahl nur Werte zwischen 0 (maximale Volumenänderung) und 0,5 (Volumenkonstanz) annehmen kann, liegt das Niveau des Schubmoduls dieser Festkörper zwischen 33 und 50 Prozent des E-Modul-Wertes.


title: Elastizitätsmodul

text: Sehr weiche Materialien wie Gele oder Polymer-Schmelzen können sich unter ihrem Eigengewicht verformen und daher nur schwer einer uniaxialen Zug- oder Druckbelastung ausgesetzt werden. Aus diesem Grund wird hier experimentell der Schubmodul bestimmt.


title: Elastizitätsmodul

text: Der E-Modul hat keinen strengen Bezug zur Härte sowie zu den Festigkeitskennwerten Streckgrenze formula_19 und Zugfestigkeit formula_20 metallischer Werkstoffe (z. B. einfacher Baustahl und hochfester Sonderstahl).


title: Elastizitätsmodul

text: Der E-Modul eines Metalls steigt mit seiner Schmelztemperatur. Zudem besitzen kubisch raumzentrierte Metalle bei vergleichbarer Schmelztemperatur einen höheren E-Modul als kubisch flächenzentrierte. Der Zusammenhang auf atomarer Ebene ergibt sich aus der Bindungsstärke der Atome im Kristallgitter.


title: Elastizitätsmodul

text: In statisch bestimmten Systemen ergeben sich die mechanischen Spannungen im linear-elastischen Bereich aus der Last (einwirkende Kräfte) und der Geometrie, während die Dehnungen vom E-Modul der Werkstoffe abhängen. Verformt sich das Material plastisch, so werden Spannungen dadurch begrenzt.


title: Elastizitätsmodul

text: In Fällen statischer Unbestimmtheit (z. B. Durchlaufträger, behinderte Wärmedehnung, Schiffsrumpf im Wellengang oder im Tidenhub) sind die wirkenden Kräfte und induzierten Spannungen abhängig von der Steifigkeit des statischen Systems. In solchen Fällen können Bauteile aus nachgiebigeren Werkstoffen mit niedrigerem Elastizitätsmodul bewirken, dass Spannungen geringer ausfallen. Die Bauteile passen sich flexibler den Gegebenheiten an. Steifere Werkstoffe hingegen widersetzen sich in höherem Maße der elastischen Verformung, wodurch sich größere Spannungen aufbauen.


title: Elastizitätsmodul

text: Der Begriff Steifigkeit im Sinne der Technischen Mechanik beschreibt allgemein den Widerstand von Körpern oder Baugruppen gegen elastische Verformung durch mechanische Kräfte oder Momente. Ihr Wert ergibt sich somit nicht allein aus den elastischen Eigenschaften der verwendeten Materialien, sondern wird ebenfalls durch die jeweilige Körpergeometrie bzw. Konstruktion (z. B. Maschinensteifigkeit) bestimmt. Im Falle des Zugversuches ist die Zug- bzw. Dehnsteifigkeit der Probe das Produkt aus deren (effektiven) E-Modul formula_1 sowie der kleinsten orthogonal belasteten Querschnittsfläche formula_12:


title: Elastizitätsmodul

text: Der Begriff "Steifigkeit" im Sinne einer Werkstoffeigenschaft bezieht sich auf das Deformationsverhalten des Werkstoffes im elastischen Bereich. Hier entfällt die Geometrieabhängigkeit, weshalb allein die elastischen Materialkennwerte, z. B. E-Modul und Schubmodul zur Charakterisierung herangezogen werden.


title: Elastizitätsmodul

text: Die Beziehung formula_24 in skalarer Schreibweise gilt nur für querdehnungsfreie Materialien oder für den einachsigen Spannungszustand (z. B. einachsiger Zug). Im mehrachsigen Spannungszustand muss das Hookesche Gesetz abhängig vom Grad der elastischen Anisotropie in seiner allgemeinen Form angewendet werden. So gilt beispielsweise für die laterale Verformung dünner isotroper Platten (ebener Spannungszustand)


title: Elastizitätsmodul

text: Beim Übergang vom einachsigen (uniaxialen) in den zweiachsigen (biaxialen) Spannungszustand können für Bauteile und Schichten aus homogenem, isotropem Material zwei einfache Sonderfälle unterschieden werden. Dabei wird aufgrund der Beeinflussung der Querkontraktion für nicht-auxetische Materialien mit einer Poissonzahl echt größer Null stets ein höherer Modul in der Belastungsrichtung gemessen.


title: Elastizitätsmodul

text: Liegt in Quer- bzw. y-Richtung zusätzlich eine Belastung in der Höhe σ = σ vor, so ist der „biaxiale E-Modul“


title: Elastizitätsmodul

text: Letzterer hat z. B. Bedeutung für die laterale Steifigkeit haftender Schichten, etwa bei Unterschieden im thermischen Ausdehnungsverhalten zwischen Schicht und Substrat. Der Erstgenannte kommt in dickwandigen Bauteilen oder sehr breiten Balken zum Tragen. Die beiden abgeleiteten Größen sind jedoch keine Werkstoffkonstanten im ursprünglichen Sinn.


title: Hyaluronsäure

text: Hyaluronsäure (nach neuerer Nomenklatur Hyaluronan, Abkürzung HA) ist ein Glycosaminoglycan, das einen wichtigen Bestandteil des Bindegewebes darstellt und auch eine Rolle bei der Zellproliferation, Zellmigration und Metastasenbildung bei einigen Krebserkrankungen spielt. Die Hyaluronsäure wurde erstmals in den 1930er Jahren von dem deutschen Mediziner Karl Meyer entdeckt. Der Begriff Hyaluronsäure setzt sich zusammen aus dem altgriechischen Wort und "Uron", einer Abkürzung der Uronsäuren. Meyer hatte den Stoff bei Untersuchungen des Glaskörpers entdeckt.


title: Hyaluronsäure

text: Hyaluronsäure ist ein Bestandteil der extrazellulären Matrix (EZM oder ECM) von Wirbeltieren. Sie liegt in vielerlei Geweben als langkettiges, lineares Polysaccharid vor und erfüllt viele Funktionen, die auch auf ihren besonderen chemischen Eigenschaften beruhen, etwa der Eigenschaft, sehr viel Wasser zu binden. Nicht selten erreichen die einzelnen Ketten eine molare Masse von mehreren Millionen atomaren Masseneinheiten.


title: Hyaluronsäure

text: Die Hyaluronsäure besitzt die Fähigkeit, relativ zu ihrer Masse sehr große Mengen an Wasser zu binden (bis zu sechs Liter Wasser pro Gramm). Der Glaskörper des menschlichen Auges z. B. besteht zu 98 Prozent aus Wasser, das an nur zwei Prozent Hyaluronsäure gebunden ist.


title: Hyaluronsäure

text: Wasser ist kaum komprimierbar, und diese Eigenschaft bleibt auch in hyaluronsäurehaltigem Gewebe gültig, in dem sehr viel Wasser gebunden werden kann. Dies gilt allgemein für große Teile des Bindegewebes. Eine besondere Bedeutung hat diese Tatsache während der Embryonalentwicklung, wenn feste Strukturen noch nicht entwickelt sind. Ein weiteres bekanntes Beispiel ist der "Nucleus pulposus", der Gallertkern der Bandscheiben, der deshalb große Teile des Körpergewichts tragen kann.


title: Hyaluronsäure

text: Die Hyaluronsäure ist Hauptbestandteil der Synovia (Gelenkflüssigkeit) und wirkt als Schmiermittel bei allen Gelenkbewegungen. Sie zeichnet sich hier zusätzlich durch strukturviskose Eigenschaften aus; ihre Viskosität verändert sich mit einwirkenden mechanischen Kräften, genauer: Sie nimmt ab, je stärker die Scherkräfte werden. Zudem ist sie zwar flüssig, aber durch ihre hochmolekulare Gestalt so viskos, dass sie nicht wie Wasser aus dem Gelenk herausgepresst wird. Durch chemische Wechselwirkungen und die äußere Form „haftet“ sie besonders gut am Knorpel des Gelenks.


title: Hyaluronsäure

text: Wirken nun im Anfang einer Bewegung, zum Beispiel im Kniegelenk bei Absprung oder beim Stehen, starke Druckkräfte auf ein Gelenk, knäueln sich die Moleküle zu Kugeln zusammen und hängen wie in einem Kugellager an der Knorpeloberfläche. Wenn aber eine schnelle Scherbewegung nötig ist, so zum Beispiel beim Lauf, wird die Zähigkeit der Hyaluronsäure wegen ihrer Strukturviskosität herabgesetzt und die Reibung verringert.


title: Hyaluronsäure

text: Für wandernde Zellen hält die Hyaluronsäure die „Verkehrswege“ frei. Durch Erweiterung der Zellzwischenräume (Abstände zwischen den Zellen) wird die Migration (Wanderung) der Zellen unterstützt.


title: Hyaluronsäure

text: Während sich die bisher genannten Funktionen auf frei vorliegende Hyaluronsäure beziehen, ist sie auch an der Bildung weiterer, noch größerer Riesenmoleküle beteiligt, den Proteoglycanen. Insbesondere verknüpft sie bestimmte Proteoglycane (Aggrecan im hyalinen Knorpel) zu riesigen Proteoglycan-Aggregaten.


title: Hyaluronsäure

text: Neben wichtiger Strukturfunktion im Gehirn konnte gezeigt werden, dass Hyaluronan den Wiederaufbau von Markscheiden um Axone "(Remyelinisierung)" beeinflussen kann. Eine weitere inhibitorische Funktion scheint vor allem bei der Multiplen Sklerose eine Rolle zu spielen.


title: Hyaluronsäure

text: Eine Reihe von Zelloberflächenrezeptoren interagieren mit Hyaluronsäure und lösen bestimmte Reaktionen der Zelle aus, vor allem die Zellteilung und die Wanderung. In der Embryonalentwicklung sind diese Stimulationen notwendig, bei Kontakt mit Tumorzellen können sie allerdings auch entsprechend für den Organismus nachteilige Auswirkungen haben.


title: Hyaluronsäure

text: Nacktmulle werden bis zu 30 Jahre alt und entwickeln praktisch keine Tumoren. Langkettige Hyaluronsäure ist als Ursache erkannt worden. Es wird angenommen, dass die Tiere diese zur Pflege ihrer Haut bilden sowie dass die krebsverhindernde Eigenschaft ein Nebeneffekt sei. Die normale, kürzere Version der Hyaluronsäure wird am Menschen angewendet und ist gut verträglich. Die langkettige ist nicht erprobt.


title: Hyaluronsäure

text: Die Hyaluronsäure ist eine makromolekulare Kette aus Disacchariden, die wiederum aus je zwei Glucosederivaten bestehen: -Glucuronsäure und "N"-Acetyl--glucosamin. Beide unterscheiden sich von der β--Glucose nur durch eine Substitution am sechsten beziehungsweise am zweiten Kohlenstoffatom. Im Disaccharid wird die Glucuronsäure glycosidisch β(1→3) an das "N"-Acetyl--glucosamin geknüpft, das wiederum mit der nächsten Glucuronsäure in der polymeren Kette glycosidisch β(1→4) verbunden ist. Eine Kette besteht typischerweise aus 250 bis 50.000 Disaccharideinheiten.


title: Hyaluronsäure

text: In neutraler wässriger Lösung bilden sich Wasserstoffbrückenbindungen hauptsächlich zwischen den Carboxyl- und den "N"-Acetylgruppen aus.


title: Hyaluronsäure

text: Im Gegensatz zu allen anderen Glycosaminoglycanen wird die Hyaluronsäure nicht im endoplasmatischen Retikulum oder Golgi-Apparat zusammengesetzt, sondern von integralen Membranproteinen. Von diesen "HA-Synthasen" besitzen Wirbeltiere drei Typen: HAS1, HAS2 und HAS3. Diese Enzyme übertragen in der Zelle die wachsende Kette auf immer neue Monosaccharidbausteine, die so immer länger wird und durch ABC-Transporter durch die Membran aus der Zelle heraustransportiert wird. Dies gilt nicht für alle HA-Synthasen.


title: Hyaluronsäure

text: Medizinisch verwendet wird das Natrium-Salz der Hyaluronsäure ("Natriumhyaluronat" oder "Sodium Hyaluronate"). Hyaluronsäure wird aus tierischem Ausgangsmaterial (z. B. Hahnenkamm) oder biotechnologisch aus Streptokokken-Kulturen gewonnen. Eine spezielle Modifikation stellen stabilisierte Hyaluronsäuren – beispielsweise mittels der sogenannten NASHA-Technologie (NASHA steht für „Nicht-animalische stabilisierte Hyaluronsäure“) – dar, die je nach Hersteller zwischen weniger als ein Prozent und bis zu ca. 20 bis 30 Prozent verändert werden. Für die Haltbarkeit der Produkte spielt der Prozentsatz der Stabilisierung keine große Rolle, wichtig ist die Art der Stabilisierung. Bei aus Hahnenkämmen gewonnenen Hyaluronsäureprodukten kann es zu allergischen Reaktionen kommen, wenn eine Allergie gegen Vogelproteine besteht.


title: Hyaluronsäure

text: Hyaluronsäurepräparate werden in arthrosegeschädigte Gelenke gespritzt, um das Gelenk zu schmieren und als „Stoßdämpfer“ zu wirken (sogenannte "Viscosupplementation"). Die Halbwertszeit von Hyaluronsäure-Produkten ist abhängig von der molaren Masse und liegt zwischen 17 und 60 Stunden. Derzeit verfügbare Hyaluronsäuren unterscheiden sich in der Anzahl der notwendigen Injektionen – je nach Produkt 1, 3 oder 5 Injektionen. Ein direkter Zusammenhang zwischen der Anzahl der Injektionen und der Wirksamkeit besteht dabei nicht, so können Produkte mit weniger Injektionen durchaus wirksamer sein als Produkte mit mehr Injektionen. Sie wirken vergleichbar wie NSAR-Einnahme oder Cortison-Injektionen, jedoch war die Wirksamkeit in verschiedenen Studien unterschiedlich, oft war die Nutzen-Schaden-Bilanz negativ. Ein therapeutischer Stellenwert bei Arthrose ist nach dem Stand der Metaanalyse 2003/04 nicht belegt. Dem widerspricht eine Studie über die Behandlung der Facettengelenksarthrose mit Hyaluronsäure aus dem Beobachtungszeitraum Oktober 2007 bis Juli 2009. Die gesetzlichen Krankenkassen übernehmen die Behandlungskosten in der Regel nicht. Der Medizinische Dienst des Spitzenverbandes der Krankenkassen (IGeL-Monitor) bewertete 2014 nach einer Sichtung der verfügbaren Studien eine Hyaluronsäure-Injektion bei Kniearthrose als „tendenziell negativ“. Im Vergleich zu Placebo und keinen Injektionen habe sich gezeigt, dass sich zwar Schmerzen damit etwas reduzieren lassen und sich die Funktion des Gelenks leicht verbessert. Jedoch treten nach einer Hyaluronsäure-Injektion häufig leichte unerwünschte Ereignisse an der Injektionsstelle auf. Auch schwerwiegende Nebenwirkungen kämen vor – deren Häufigkeit sei wegen einer mangelhaften Berichterstattung in den Studien unklar.


title: Hyaluronsäure

text: Eine Verwendung von Hyaluronsäure in Hydrogelen zur Wundversorgung und in der Behandlung von chronischen Lungenerkrankungen wird untersucht.


title: Hyaluronsäure

text: Hyaluronsäure wird auch in Kombination mit Chondroitinsulfat und Poloxamer 407 in der Behandlung von Sodbrennen eingesetzt, wobei ausgenutzt wird, dass bei Körpertemperatur dieses vom flüssigen zu einem semi-festen Hydrogel wird und eine physikalische Barriere bildet, das sich an der Speiseröhrenschleimhaut festsetzt und sie vor Schäden durch Magensäure und Pepsin schützt. Hyaluronsäure und Chondroitinsulfat sorgen für eine rasche Linderung der Reflux-Beschwerden und tragen auch zur Regeneration und Wundheilung der beschädigten Schleimhaut bei.


title: Hyaluronsäure

text: Einige Nasensprays enthalten Hyaluronsäure, um der Austrocknung der Nasenschleimhäute entgegenzuwirken. Hyaluronsäure wird in Halstabletten zum Schutz der Mund- und Rachenschleimhaut eingesetzt. Auch in Augentropfen zur Behandlung des „trockenen Auges“ findet die Hyaluronsäure Verwendung. Die viskoelastische Eigenschaft der Hyaluronsäure sorgt für einen stabilen und langanhaltenden Tränenfilm ohne Beeinträchtigung des Sehens. Daher wird Hyaluron auch in Reinigungs- und Pflegelösungen für Kontaktlinsen verwendet. Sie soll das Auge auch bei längerem Tragen formstabiler und weicher Linsen vor dem Austrocknen bewahren, was den Tragekomfort erhöhen soll. In der Ophthalmochirurgie werden viskoelastische Natriumhyaluronat-Lösungen zur Auffüllung des Glaskörpers sowie zur Stabilisierung der Vorderkammer und zum Schutz der hochsensiblen Endothelzellschicht der Hornhaut während einer Operation an den vorderen Augenabschnitten, vor allem der Operation der Katarakt (Grauer Star), verwendet.


title: Hyaluronsäure

text: Seit einigen Jahren sind Produkte auf dem Markt, die Patienten mit Belastungsharninkontinenz eine Behandlung mit stabilisierter Hyaluronsäure ermöglichen. Hier werden vier Hyaluronsäure-Depots um die Harnröhre injiziert. Die Prozedur führt innerhalb des ersten Jahres bei etwa der Hälfte der Patienten zu einer Verbesserung, der Langzeiterfolg dieser Behandlung ist allerdings gering und die Komplikationsrate hoch.