title: Glühlampe

text: Die Glühlampenverbote stießen teilweise auf Kritik in Bevölkerung und Industrie. Unter anderem wurde bemängelt, dass Ersatz für Glühlampen wie LEDs oder Energiesparlampen teurer in der Anschaffung seien; die Lebenszykluskosten über den gesamten Nutzungszeitraum sind jedoch geringer. Bei Leuchtstofflampen kann es bei unsachgemäßer Entsorgung bzw. Bruch zudem zu Quecksilberemissionen kommen, während hingegen LEDs frei von Quecksilber sind.


title: Glühlampe

text: Zudem eignen sich Glühlampenverbote nach Meinung mancher Kritiker nicht zur CO-Einsparung, da nur der Emissionshandel letztlich den Kohlendioxidausstoß mit Kosten belege. Die durch das Glühlampenverbot eingesparten Energiemengen können daher anderweitig verkauft werden, ohne dass zusätzliche Emissionszertifikate erworben werden müssten. Alternativ können auch die nicht benötigten Zertifikate von den Energieerzeugern an andere Industrien verkauft werden. Die Wirkung eines Glühlampenverbotes auf den CO-Ausstoß sei daher allenfalls mittelbar wirksam. Ein sinnvolleres Steuerinstrument zur Erreichung der umstrittenen Klimaziele sei daher die direkte Begrenzung der Emissionsmenge von Kohlendioxid.


title: Glühlampe

text: Aktuell angewandte oder untersuchte Verfahren der Steigerung der Lichtausbeute der Glühlampe sind neben dem Halogenverfahren u. a. folgende:


title: Glühlampe

text: Praxistauglich sind bisher nur die Infrarot reflektierende Beschichtung des Glaskolbens und die Füllung mit Krypton oder Xenon.


title: Glühlampe

text: Lichtquellen mit besseren Wirkungsgraden oder einer höheren Lichtausbeute sind zum Beispiel Gasentladungslampen (Leuchtstofflampen, Quecksilberdampflampen, Natriumdampflampen, Halogenmetalldampflampen). Diese haben zwar ebenfalls häufig Edisonsockel, benötigen jedoch Vorschaltgeräte zum Betrieb und sind daher nicht direkt im Austausch gegen Glühlampen verwendbar.


title: Glühlampe

text: Als direkter Ersatz für (Haushalts-)Glühlampen bieten sich Kompaktleuchtstofflampen mit im Sockel integriertem (elektronischem) Vorschaltgerät an. Sie werden im Handel als Energiesparlampen bezeichnet.


title: Glühlampe

text: Für die meisten Anwendungsbereiche sind bereits Lichtquellen mit hoher Lichtausbeute auf Basis von Leuchtdioden (LED-Lampen) verfügbar. Sie bieten hohe Wartungsfreiheit, lange Lebensdauer und geringen Energieverbrauch. Weiße LED-Leuchtmittel weisen mit 61–140 lm/W eine um ein Vielfaches höhere Effizienz auf als Glühlampen mit ca. 10–22 lm/W.


title: Glühlampe

text: Fahrradbeleuchtung hat bei Einsatz von LED statt Glühlampen den Vorteil höheren Lichtstromes bei gleicher elektrischer Leistung. Die Lebensdauer und die Zuverlässigkeit sind höher. Der Lichtstrom fällt bei geringerer Fahrgeschwindigkeit bei Stromversorgung aus einem Dynamo nicht so steil ab wie bei Glühlampen. Ähnliches gilt für batteriegespeiste Leuchten, auch für solche, die in Mobiltelefone integriert sind.


title: Glühlampe

text: Nichtelektrische Lichtquellen sind nur dann eine Alternative zu Glühlampen, wenn kein Stromanschluss zur Verfügung steht. Lichtquellen von geringer Lebensdauer und Helligkeit, jedoch ohne externe Energiequelle sind die sogenannten Knicklichter, die auf Chemolumineszenz beruhen. Tritiumgaslichtquellen haben eine Lebensdauer von einigen Jahren und benötigen wie die Knicklichter ebenfalls keine externe Energiequelle. Sie werden hauptsächlich als Notfallbeleuchtung eingesetzt und beruhen wie Leuchtstofflampen auf Fluoreszenz, angeregt jedoch durch die Betastrahlung des radioaktiven Tritiums. Durch ihre geringe Lichtleistung eignen sie sich nur als Orientierungshilfen bei Dunkelheit; so z. B. in Uhrzeigern oder Pistolenvisieren.


title: Glühlampe

text: Gaslaternen haben hauptsächlich historische Bedeutung, obzwar ihre Energieeffizienz mit Langlebensdauerglühlampen vergleichbar ist. Wie auch bei Camping-Gasleuchten wird das Verbrennen von Gas als Energiequelle genutzt, ein anderes Beispiel sind die mit Petroleum oder Petroleumdampf betriebenen Starklichtlampen. Diese erreichen durch einen Glühstrumpf gegenüber Petroleumlampen eine wesentlich höhere Leuchtkraft.


title: Angelman-Syndrom

text: Das Angelman-Syndrom ist die Folge einer seltenen genetischen Veränderung auf Chromosom 15 (Mikrodeletion auf dem mütterlichen Chromosom oder uniparentale Disomie 15q11-13). Sie geht oft einher mit Entwicklungsverzögerungen, kognitiver Behinderung, überdurchschnittlicher Fröhlichkeit und einer stark reduzierten Lautsprachentwicklung.


title: Angelman-Syndrom

text: Der britische Kinderarzt Harry Angelman (1915–1996) beschrieb im Jahr 1965 das später nach ihm benannte Syndrom erstmals unter wissenschaftlichen Gesichtspunkten. Er nannte es aufgrund des auffälligen Bewegungsmusters und des häufigen Lachens der Kinder, die er damals betreute, "Happy-Puppet-Syndrom" (engl. "happy" ‚glücklich‘ und "puppet" ‚Puppe‘).


title: Angelman-Syndrom

text: Sowohl Jungen als auch Mädchen können vom Angelman-Syndrom betroffen sein. Im Jahr 1965 beschrieb Angelman 150 Fallbeispiele; 2005 waren weltweit über 800 bekannt. Das Syndrom tritt mit einer durchschnittlichen Häufigkeit von 1 : 15.000 bis 1 : 20.000 auf.


title: Angelman-Syndrom

text: Im Laufe der Zeit sind vielfältige Merkmale dokumentiert worden, die häufig bei Menschen mit Angelman-Syndrom vorkommen. Nicht alle Betroffenen weisen alle Merkmale auf und die vorhandenen Merkmale treten auch nicht bei allen in gleich starker Ausprägung auf:


title: Angelman-Syndrom

text: Menschen mit Angelman-Syndrom fallen oft durch eine intensive Suche nach Körperkontakt auf. Sie haben meist viel Sinn für Humor, sind häufig sehr sozial, gewöhnlich in der Grundhaltung freundlich und sie lachen sehr viel, wenngleich oft objektiv grundlos und oft bei Aufregung.


title: Angelman-Syndrom

text: Hyperaktivität ist ein auffälliges Merkmal des Syndroms und insbesondere im Kindesalter (oft aber auch darüber hinaus) sind zum Teil extreme Schlafstörungen häufig. Diese werden durch einen Hormonmangel verursacht und sind nicht pädagogisch zu regulieren. Viele Kinder mit Angelman-Syndrom müssen nachts fixiert werden, z. B. mittels eines Schulter-Bauch-Gurtes, damit sie zur Ruhe kommen.


title: Angelman-Syndrom

text: Trotz des Unvermögens, regelgerechtes Sprechen zu lernen (im Schnitt können sechs Wörter lautsprachlich verständlich artikuliert werden), sind Menschen mit dem Angelman-Syndrom meist fähig, einfache, teils sehr subjektiv gehaltene Gebärden, z. B. nach dem Prinzip der Gebärden-unterstützten Kommunikation (GuK) zu erlernen, Bilder zur Kommunikation zu verwenden oder Gesten zur Verständigung einzusetzen.


title: Angelman-Syndrom

text: Menschen mit Angelman-Syndrom bleiben lebenslang auf die Hilfe anderer angewiesen. Sie sind in unterschiedlichem, aber meist sehr begrenztem Maße intellektuell bildbar, benötigen meist spezielle Hilfen und vor allem dauerhaft personelle Unterstützung beim Lernen und bei der lebenspraktischen Bewältigung des Alltags.


title: Angelman-Syndrom

text: Viele Menschen mit Angelman-Syndrom haben eine besondere Vorliebe für Wasser. Sie gehen gerne schwimmen, spielen gern mit Wasser und sind fasziniert durch Spiegelungen auf Wasser- oder z. B. auch auf Glasflächen. Auch Plastik, insbesondere stark knisterndes Material wie etwa Plastiktüten oder Verpackungen, übt auf die meisten eine starke Faszination aus.


title: Angelman-Syndrom

text: Oft betrachten Menschen mit Angelman-Syndrom sehr gerne Bilder von sich selbst und nahen Bezugspersonen.


title: Angelman-Syndrom

text: Das Angelman-Syndrom wird durch fehlende Expression des "UBE3A"-Gens im Gehirn verursacht. Der Chromosomenabschnitt 15q11-q13 auf Chromosom 15, auf dem dieses Gen liegt, unterliegt sogenanntem Imprinting. Das bedeutet, dass bestimmte Gene auf diesem Abschnitt ausschließlich auf dem vom Vater stammenden und andere nur auf dem von der Mutter stammenden Chromosom aktiv sind. Beim Angelman-Syndrom ist der mütterliche Chromosomenabschnitt nicht funktionstüchtig und das "UBE3A"-Gen auf dem väterlichen Chromosom ist durch Imprinting stillgelegt; somit fehlt das Genprodukt komplett.


title: Angelman-Syndrom

text: Ist nicht der mütterliche, sondern der väterliche Chromosomenabschnitt fehlerhaft, führt dies zum Prader-Willi-Syndrom.


title: Angelman-Syndrom

text: Bei 50 bis 80 von 100 Menschen mit Angelman-Syndrom liegt die Ursache der Besonderheit in einer Deletion (= Stückverlust) des mütterlichen (= maternalen) Chromosoms 15 im Bereich 15q11-q13 (zum Teil mit Translokation).


title: Angelman-Syndrom

text: Bei zwei bis fünf von 100 Personen liegt eine uniparentale Disomie (UPD) 15 vor. Im Fall des Angelman-Syndroms hat das Kind beide Chromosomen 15 vom väterlichen Elternteil geerbt (paternale Disomie) und keines von der Mutter.


title: Angelman-Syndrom

text: Bei acht bis elf von 100 Menschen mit Angelman-Syndrom findet sich eine Genmutation im "UBE3A"-Gen auf dem maternalen Chromosom.


title: Angelman-Syndrom

text: Ein Fehler im Imprinting ist bei etwa fünf von 100 Personen nachweisbar. Dies kann aufgrund einer durch Epigenetik bedingten Mutation oder aufgrund einer Mutation oder Deletion des Imprinting-Centers der Fall sein. Dieses ist ein DNA-Abschnitt, der die differentielle epigenetische Modifizierung (wie DNA-Methylierung) von sieben Genen auf dem paternalen und maternalen Chromosom kontrolliert. Dies führt jeweils zu einer Aktivierung oder Inaktivierung des Gens. Das Imprinting hat zur Folge, dass auf dem maternalen Chromosom das Gen "UBE3A" aktiv ist und exprimiert wird, "UBE3A" auf dem paternalen Chromosom jedoch inaktiviert ist. Ist die Funktion des Imprinting-Centers gestört, hat dies ein fehlendes oder fehlerhaftes Methylierungsmuster zur Folge, was unter anderem das Angelman-Syndrom zur Folge haben kann.


title: Angelman-Syndrom

text: Das Angelman-Syndrom kann eine erbliche Komponente haben. Die Eltern sind dabei nicht betroffen, haben aber bestimmte Chromosomenbesonderheiten, die die Wahrscheinlichkeit erhöhen, ein Kind mit Angelman-Syndrom zu zeugen. Dies zeigt sich in der auffallenden Häufigkeit von gleichsam betroffenen Geschwistern. Eine Mutation im "UBE3A"-Gen etwa kann über die männliche Seite einer Familie über Generationen still weitergegeben werden. Trägt der Großvater eine Mutation, die er an seine Tochter weitergibt, macht diese sich auch in der Tochter noch nicht bemerkbar, da die Mutation sich auf dem väterlichen Chromosom befindet. Die Tochter hat dann aber ein Risiko von 50 %, ein Kind mit Angelman-Syndrom zur Welt zu bringen.


title: Angelman-Syndrom

text: Die Diagnose wird im Schnitt zwischen dem dritten und siebten Lebensjahr durch Kinderneurologen (anhand auffälliger EEG-Werte, unabhängig von Epilepsie, auch im Schlaf bestehend) oder durch Genetiker (anhand einer zytogenetischen oder molekulargenetischen Untersuchung) gestellt:


title: Angelman-Syndrom

text: Es ist möglich, das Angelman-Syndrom bei einem Teil der betroffenen Kinder durch einen Gentest festzustellen, jedoch nicht bei allen, bei denen man von der klinischen Symptomatik her vom Vorliegen des Syndroms ausgeht. Ein positiver Gentest kann also das Angelman-Syndrom mit Gewissheit feststellen, jedoch schließt ein negativer Test es nicht aus.


title: Angelman-Syndrom

text: Vielfach wenden sich die Eltern des Kindes mit dem Verdacht auf das Angelman-Syndrom an ihren Kinderarzt, da sie sich aufgrund bestimmter typischer Auffälligkeiten bereits im Vorfeld informiert haben, um eine Erklärung für Besonderheiten ihres Kindes zu finden. So kann die Beobachtung des Verhaltens und Aussehens des Kindes bei der Diagnostik eine wesentliche Hilfe sein.


title: Angelman-Syndrom

text: Differentialdiagnostisch sind unter anderem das ATR-X-Syndrom, das Christianson-Syndrom, das Mowat-Wilson-Syndrom und das Mikrodeletionssyndrom 2q23.1 abzugrenzen.


title: Angelman-Syndrom

text: Ein Angelman-Syndrom ist noch nicht ursächlich heilbar. Medizinisch relevant ist die adäquate Behandlung der vielfach auftretenden Epilepsie, des Schielens (Strabismus) und der Wirbelsäulenverkrümmung (Skoliose).


title: Angelman-Syndrom

text: Ansonsten sind die gängigsten Fördermethoden, die sich positiv auf die Entwicklung von Kindern mit Angelman-Syndrom auswirken, heilpädagogische Frühförderung, Mototherapie, Physiotherapie, Ergotherapie, Logopädie, sensorische Integrationstherapie und therapeutisches Reiten. Die besondere Vorliebe für Wasser kann ebenfalls therapeutisch genutzt werden.


title: Jane Birkin

text: Jane Mallory Birkin OBE (* 14. Dezember 1946 in Marylebone, London) ist eine englisch-französische Schauspielerin und Sängerin. Sie lebt seit Ende der 1960er Jahre in Frankreich, u. a. in Paris und der Bretagne (in der Nähe von Saint-Pabu).


title: Jane Birkin

text: Jane Birkin wurde als mittleres von drei Kindern des Lieutenant-Commander der Royal Navy David Birkin und der Schauspielerin Judy Campbell geboren. Zusammen mit ihrer jüngeren Schwester Linda und ihrem älteren Bruder Andrew wuchs sie in Chelsea auf.


title: Jane Birkin

text: Ihren internationalen Durchbruch hatte Jane Birkin in der Rolle eines Fotomodells in Michelangelo Antonionis Film "Blow Up", der 1967 bei den Filmfestspielen in Cannes die Goldene Palme erhielt. 1968 spielte sie an der Seite von Romy Schneider und Alain Delon eine Nebenrolle in "Der Swimmingpool" ("La Piscine").


title: Jane Birkin

text: Während der Dreharbeiten zu "Slogan" lernte sie den französischen Musiker und Schauspieler Serge Gainsbourg kennen. Mit ihm nahm sie 1969 den von Gainsbourg verfassten Song "Je t’aime … moi non plus" auf, den dieser ursprünglich mit Brigitte Bardot eingesungen, aber auf deren Bitte nicht veröffentlicht hatte. Das Lied stand bei zahlreichen Rundfunksendern auf der Schwarzen Liste, da es als anstößig galt. Die Schallplatte verkaufte sich vermutlich gerade deshalb in wenigen Monaten mehr als eine Million Mal und machte das Paar Birkin-Gainsbourg international bekannt. Birkin hatte in den frühen Jahren ihrer Laufbahn ein Lolita-Image.


title: Jane Birkin

text: Gainsbourg und Birkin produzierten anschließend zwölf Jahre lang teils solo, teils gemeinsam Musik. So wirkte sie an seiner Langspielplatte "L’histoire de Melody Nelson" (1971) und deren surrealer Verfilmung mit. Birkin spielte zudem in zahlreichen, oft seichten Kinofilmen mit.


title: Jane Birkin

text: 1980 trennten sich Birkin und Gainsbourg. Mit Rollen in den Filmen ihres neuen Lebenspartners, des Regisseurs Jacques Doillon, gelang es Birkin, als Schauspielerin ins Charakterfach zu wechseln. Gainsbourg widmete ihr 1990 sein letztes Album, "Amours des feintes". Nach seinem Tod im Jahr 1991 beschloss sie, ihre musikalische Karriere zu beenden. Seit 1998 veröffentlichte sie jedoch wieder eigene Musikaufnahmen, teilweise mit bekannten Künstlern wie dem Geiger Djamel Benyelles, Manu Chao, Brian Molko, Bryan Ferry und Beth Gibbons.


title: Jane Birkin

text: Birkin war Ehrengast der Viennale 2005. Ihr zu Ehren wurden während des Festivals einige ihrer Filme aufgeführt, so z. B. "Je t’aime", "La Pirate" und "Daddy Nostalgie".


title: Jane Birkin

text: Im März 2006 erschien ihr Album "Fictions", auf dem sie erneut mit zeitgenössischen Musikern wie Beth Gibbons, Johnny Marr oder Rufus Wainwright zusammenarbeitete. Auf dem Album finden sich Coverversionen von Liedern von Tom Waits, Neil Young und Kate Bush.


title: Jane Birkin

text: 2017 ging sie mit ihrem neuen Album, "Birkin/Gainsbourg le symphonique", auf Tournee. In Deutschland war sie auf den Ruhrfestspielen zu Gast. Sie wurde von einem Symphonieorchester aus rund 80 Musikern unter der Leitung des japanischen Komponisten und Pianisten Nobuyuki Nakajima begleitet.


title: Jane Birkin

text: Birkin war von 1965 bis 1968 mit dem Komponisten John Barry verheiratet, von 1969 bis 1980 war sie mit dem Sänger Serge Gainsbourg liiert und danach bis in die 1990er Jahre mit dem Regisseur Jacques Doillon. Ihre Töchter Kate Barry (1967–2013), Charlotte Gainsbourg (* 1971) und Lou Doillon (* 1982) entstammen diesen Beziehungen.


title: Jane Birkin

text: Das Pariser Modehaus Hermès benannte 1984 eine für Birkin entworfene Handtasche nach ihr, die Birkin Bag.


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: „Ich weiß, dass ich nichts weiß“ ist ein geflügeltes Wort antiken Ursprungs: „Denn von mir selbst wusste ich, dass ich gar nichts weiß ...“ (Platon: Apologie des Sokrates 22d). Es ist in der Fassung „“ auch bei Cicero bezeugt, der in seinem 45 v. Chr. verfassten literarischen Dialog "Academici libri" den Gesprächspartner Marcus Terentius Varro feststellen lässt, es handle sich um eine bekannte Aussage des griechischen Philosophen Sokrates. Dies sei den Schriften der Sokratiker, der Schüler des Sokrates, zu entnehmen. Cicero bezieht sich dabei in erster Linie auf Platons "Apologie", eine literarische Version der Verteidigungsrede, die Sokrates als Angeklagter im Jahr 399 v. Chr. vor dem athenischen Volksgericht hielt. Allerdings lässt ihn Platon in einer anderen Textstelle der Apologie wörtlich sagen: „ – allein dieser doch meint zu wissen, da er nicht weiß, ich aber, wie ich eben nicht weiß, so meine ich es auch nicht.“


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: In Platons "Apologie" thematisiert Sokrates an fünf Textstellen ausdrücklich sein Nichtwissen oder seinen Mangel an Weisheit. Er behauptet jedoch nicht, wie Ciceros ungenaue lateinische Wiedergabe seiner Auffassung annehmen lässt, dass die Kenntnis seiner eigenen Unwissenheit ein echtes, gesichertes Wissen sei und damit die einzige Ausnahme von der Unwissenheit darstelle. Vielmehr besagen Platons Textstellen nur, dass Sokrates sich des Umstands bewusst sei, dass ihm Weisheit oder ein wirkliches, über jeden Zweifel erhabenes Wissen fehle. Nur der delphische Gott Apollon sei wahrhaft weise, die menschliche Weisheit sei sehr wenig wert oder gar nichts (Platon, Apologie 23a). Zudem geht es Sokrates nicht um technisches Fachwissen, sondern um Bestimmungen im Bereich der Tugenden und um die Frage nach dem Guten. Was ist Besonnenheit? Was ist Tapferkeit? Was ist Frömmigkeit? Was ist Gerechtigkeit? Die wahre menschliche Weisheit ist es, sich des Nichtwissens im Wissenmüssen des Guten bewusst zu sein. Wie der historische Sokrates sein Nichtwissen und die prinzipielle Möglichkeit oder Unmöglichkeit menschlichen Wissensbesitzes beurteilt hat, ist in der altertumswissenschaftlichen Forschung umstritten.


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Die Vorgeschichte stellt Sokrates nach Platons Version seiner Verteidigungsrede so dar: Sein Freund Chairephon habe die Kühnheit besessen, das Orakel von Delphi zu fragen, ob jemand weiser sei als Sokrates. Darauf habe die Pythia, die weissagende Priesterin, geantwortet, dies sei nicht der Fall. Dieser Ausspruch sei ihm, Sokrates, mitgeteilt worden. Dadurch sei er in Verwirrung geraten, da er sich über seine Unwissenheit im Klaren gewesen sei. Um die Behauptung der Pythia zu überprüfen, habe er als weise oder kundig geltende Männer – Politiker und Dichter, aber auch Handwerker – befragt, denn er habe herausfinden wollen, was es mit deren Wissen auf sich habe. Dabei habe sich herausgestellt, dass er trotz seines sehr bescheidenen Erkenntnisstands die vermeintlich Weisen übertreffe, denn er habe ihre Irrtümer aufdecken können:


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Mit seiner Aussage hinterfragt Sokrates das, was man zu wissen meint. Denn dieses vermeintliche Wissen ist nur ein beweisloses Für-selbstverständlich-Halten, das sich bei näherer Untersuchung als unhaltbares Scheinwissen entpuppt. Ein sicheres Wissen findet man bei den Menschen grundsätzlich nicht, deshalb kann man von seinen Ansichten nur vorläufig überzeugt sein. Die Aussage birgt vordergründig das Paradoxon, dass auch das Wissen über das „Nichtwissen“ ein Wissen ist, von dem man nicht sicher wissen kann. Es wird in den platonischen Dialogen von dem Protagonisten Sokrates selbst nicht aufgelöst. Vielmehr enden Platons frühe aporetische Dialoge häufig in Ratlosigkeit.


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Sokrates führt mit seinem Wissen um das Nichtwissen die Gedankengänge des Xenophanes weiter, der nur vom Scheinwissen ausgeht: „ – Und ein Scheinwissen ist auf allem bereitet.“ Trügerischer Schein in der Außenwelt und falsches Meinen der Menschen entsprechen sich. Das Meinen nimmt den Schein auf.


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Sokrates beschäftigt sich mit diesem Thema auch in Platons Dialog "Menon," in dem er zu ihm sagt: „[…] du freilich wusstest vielleicht früher, bevor du mit mir in Kontakt getreten bist, jetzt freilich bist du ähnlich einem Nicht-Wissenden.“ Auch hier spielt Sokrates auf das Ändern der Meinung Menons an, der von seiner Meinung überzeugt war und dessen „Wissen“ durch Sokrates zuvor widerlegt wurde. Ähnlich erging es Protagoras, der nach Einwänden von Sokrates die gegenteilige Meinung zum zuvor Gesagten einnahm. Weisheit beginnt also auch für Sokrates mit der Entlarvung des Scheinwissens. Das Mittel dazu war sein stetiges, bohrendes Bemühen, den Dingen auf den Grund zu gehen und sich nicht mit dem Vordergründigen zufriedenzugeben. Er wollte den „besten Logos“ zur Sprache bringen, das von Zeit und Örtlichkeit unabhängige, sich gleichbleibende Wesen der Sache. Sokratische Philosophie bedeutet eine innere Bewegtheit, eine Haltung, die Denken und Dasein bestimmt, was sich in der Übersetzung des Wortes Philosophie als „Liebe zur Weisheit“ ausdrückt: Die Liebe sei das einzige, wovon er etwas verstehe.


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Das Wissen des Sokrates um sein Nichtwissen wird von ihm negativ ausgedrückt. Es ist nicht eindeutig, weil zuerst von Wissen im Sinne von Gewissheit oder Bewusstsein überhaupt gesprochen wird, dann im intentionalen Sinn als Bewusstsein von etwas, hier des denkenden Ich. Wie im Skeptizismus unterscheidet Sokrates zwischen Wahrheit und Gewissheit, die Wahrheit wird zuletzt der Gewissheit untergeordnet. Aber die sokratische Skepsis berührt nicht das Alltagsbewusstsein, sie ist nicht umfassend. Sie bezieht sich auf das Wissen um das Wesen, insbesondere das moralische Wissen von der Seele. Ihn interessieren nicht naturwissenschaftliche oder mathematische Erkenntnisse, sondern das Wissen um Gut und Böse. Neben der Problematik, eine allgemein gültige Definition zu erlangen, stellt sich die Frage, welche Gewissheit über das Wesen der Tugend möglich ist. Die moralische Wahrheit ist subjektiv, und in der Subjektivität liegt für Sokrates der einzig mögliche Zugang zum Gutsein. Die Negation eines sicheren Wissens um die Werte durch Sokrates ist aber nicht destruktiv. Sie leitet zu einer bewussten Gestaltung der Zukunft an und befreit von unreflektiert übernommenen traditionellen Lebensformen. Gernot Böhme hat den „Typ Sokrates“, den Typus des auf solche Weise innerlich unabhängigen Menschen, als „ortlos“ beschrieben:


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Die besondere Weisheit des Sokrates besteht in der ständigen Bereitschaft, die erkenntnistheoretischen und logischen Grundlagen des menschlichen Wissens über die Tugenden und das Gute zu überprüfen. Dabei wird er sich immer wieder der Grenzen des menschlichen Wissens bewusst. Die Philosophie wird bei ihm zu einem Ereignis, in dem die Einheit von Person und Wissen zum Ausdruck kommt. Der entscheidende Wesenszug des sokratischen Philosophierens findet deshalb seinen adäquaten Ausdruck im Dialog.


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Sokrates nennt in seiner Verteidigungsrede den Gott Apollon von Delphi als Garanten für die Wahrhaftigkeit seines Philosophierens. Apollon ist der Gott des Lichts und der ewigen Gegenwart. Er führt einen ständigen Kampf gegen alles Dunkle. Für ihn ist alles gegenwärtig und unverborgen. Er erhellt das Dunkle, das was nicht offenbar ist und im Verborgenen liegt. Er ist daher gleichzeitig der Gott der Wahrheit. Von diesem Gott wurde Sokrates zur Weisheit berufen und nicht als Weiser bezeichnet – so deutete er das Orakel. Er befragte deshalb andere, die als weise galten, um von ihnen zu lernen. So kam es zu den Streitgesprächen mit den Sophisten, den Weisen seiner Zeit, den in öffentlichen Ämtern stehenden Athenern, Bekannten und Freunden. Im Gegensatz zu den Sophisten ließ er sich nicht für seine Lehrtätigkeit bezahlen. Für ihn war es wichtig, ein sicheres Fundament für menschliche Erkenntnisse zu finden. Er glaubte, dieses Fundament liege in der Vernunft. Er war der Ansicht, dass der, der wisse, was gut ist, auch das Gute tun werde. Er glaubte, die richtige Erkenntnis führe zum richtigen Handeln. Und nur wer das Richtige tue, werde zum richtigen Menschen. Wenn ein Mensch falsch handelt, so tut er das aus Sokrates’ Sicht nur, weil er es nicht besser weiß. Deshalb sei es so wichtig, die Weisheit zu vermehren. Dazu diente das von Sokrates eingeführte induktive Verfahren, in einem ergebnisoffenen Prozess in Form von Frage und Antwort zu lehren:


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Diese Gesprächsform war für ihn die Urform des philosophischen Denkens und der einzige Weg zur Verständigung mit anderen. Mahnung "(protreptikos)" und Prüfung "(elenchos)" bewegten sich bei ihm in der Frageform. Ein Beispiel dafür bietet seine Verteidigungsrede:


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Um Klarheit herzustellen, bediente sich Sokrates einer eigenen Methode, die als "Mäeutik" – eine Art „geistige Geburtshilfe“ – bezeichnet wird: Durch Fragen – und nicht durch Belehren des Gesprächspartners, wie es die Sophisten gegenüber ihren Schülern praktizierten – sollte die eigene Einsichtsfähigkeit schließlich das Wissen um das Gute ("agathón") und Edle ("kalón") selbst „gebären“ bzw. hervorbringen. Dieses Ziel war jedoch nicht ohne Einsicht in die Fragwürdigkeit des eigenen Wissens erreichbar.


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Sokrates’ Ironie war nicht darauf angelegt, den anderen lächerlich zu machen, sondern sollte ihm seine Unzulänglichkeit als etwas zu erkennen geben, worüber derjenige selbst lachen konnte, anstatt zerknirscht zu sein. Wie schwer, ja oft unmöglich das vielen seiner Gesprächspartner wurde, zeigen die platonischen Dialoge. Als wenig hilfreich empfanden die Angesprochenen es im Zweifel auch, in der Öffentlichkeit der Agora auf diese Weise demontiert zu werden, zumal auch Sokrates’ Schüler sich in dieser Form des Dialogs übten. Das Ziel war nicht Bücherwissen, sondern Weisheit. Sokrates verkündete die Selbstbefreiung, Selbstherrschaft und Selbstgenügsamkeit der sittlichen Persönlichkeit. Zu den von Sokrates erzielten Ergebnissen gehörte, dass richtiges Handeln aus der richtigen Einsicht folgt und dass Gerechtigkeit Grundbedingung des Seelenheils ist.


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Die Untersuchungen des Sokrates kreisten deshalb meist um Fragen der Ethik: Was ist Frömmigkeit? Was ist Selbstbeherrschung (Enkratie)? Was ist Besonnenheit? Was ist Tapferkeit? Was ist Gerechtigkeit? Diese Tugenden (Aretai) verstand Sokrates als Vortrefflichkeiten der Seele, so wie Kraft, Gesundheit und Schönheit Tugenden des Körpers sind. Körperliche und seelische Tugend ist eine Symmetrie der Teile, auf deren Zusammenwirken Körper und Seele beruhen. Die wahre Tugend ist unteilbar und eins, man kann nicht einen Teil von ihr haben und den anderen nicht. Im Guten erkannte Sokrates das wahrhaft Nützliche, Heilsame und Glückbringende, weil es die Natur des Menschen zur Erfüllung seines Wesens führt. Das Ethische ist der Ausdruck der richtig verstandenen menschlichen Natur. Frei ist der Mensch nur, wenn er nicht der Sklave seiner eigenen Begierden ist. So lässt Xenophon seinen Protagonisten Sokrates sagen:


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Der Mensch erreicht den Einklang mit dem Weltganzen nicht durch die Befriedigung seiner sinnlichen Bedürfnisse, sondern „nur durch die vollendete Herrschaft über sich selbst nach dem Gesetz, das er in seiner eigenen Seele durch Forschen findet.“ Das wahre Ziel des Lebens ist die Schau des Guten. Den dafür notwendigen Aufstieg zur Wahrheit des Absoluten beschreibt Platon mit dem Sonnengleichnis, dem Liniengleichnis und dem Höhlengleichnis. Das sokratische Wissen um das Nichtwissen initiiert damit einen dialektischen Weg, der zum wissenden Nichtwissen der absoluten Transzendenz führt.


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Johann Georg Hamann verfasste 1759 die "Sokratischen Denkwürdigkeiten". Er verwendet zahlreiche Metaphern und eine teilweise dunkle Sprache. Er verknüpft das Motto des Orakels von Delphi „Erkenne dich selbst!“ mit der Maxime des Sokrates „Ich weiß, dass ich nichts weiß!“. Die Inschrift über dem Apollo-Tempel in Delphi fordere dazu auf, sich selbst zu erkennen. Man kenne das Wort auswendig, ohne es aber verstanden zu haben. Man trage es also nur vor der Stirn und nicht im Herzen. Apollo müsse über die Frage, wer der weiseste aller Menschen sei, gelacht haben. Nur Sokrates habe erkannt, dass er wirklich nichts wisse. Nach Hamann versteht man die Unwissenheit erst dann, wenn man sie wie Sokrates an sich selbst erfahren hat. Das Nichtwissen könne nicht wie ein Lehrsatz behandelt werden. Hamann wendet sich gegen die Aufklärung, die von der unveränderlichen Vernunft überzeugt war. Vernunft darf ihre Abhängigkeit und Endlichkeit nicht verleugnen. Vernunft ist durch Erziehung, Erfahrung und die Sinne vermittelt und damit letztlich geschichtlich. Deshalb wird sie auch von Neigungen und Abneigungen beeinflusst.


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Nach Hamann beruht jede Erkenntnis auf Überzeugungen, die selbst nicht mit der Vernunft begründet oder widerlegt werden können. Jeder, der über etwas nachdenkt und dabei etwas versteht, bringt dabei seine eigenen Voraussetzungen ein. Das prägt dann auch seine Erkenntnisse. Den aufgeklärten Weltweisen fehle die Gottesfurcht, die aller Weisheit Anfang sei. Der Glaube gehört für Hamann zu den „natürlichen Erkenntniskräften und zu den Grundtrieben unserer Seele“. Man könne Wahrheiten beweisen, ohne sie zu glauben. Die Unwissenheit sei als Empfindung zu erfahren und erst der Glaube mache sie zur lebendigen Wahrheit. Für Hamann geht es dabei um eine existenzielle Überzeugung, um persönliche Betroffenheit und nicht nur um objektive Einsicht. Die Kehrseite der Unwissenheit des Sokrates ist sein Daimonion. Sokrates kann sein Daimonion nicht beschreiben. Er ist begnadet, hat aber seine Schöpferkraft nicht unter Kontrolle. Er verführt seine Mitbürger zu einer verborgenen Wahrheit. Sokrates respektiert sein Daimonion als kritische Instanz und betrachtet es mit Gottesfurcht.


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Um durch Gott erkannt zu werden, muss nach Hamann die eigene existentielle Unwissenheit erfahren werden. Er beruft sich dabei auf den Brief des Paulus an die Korinther . Wenn jemand Gott liebe, so werde er von ihm erkannt. Es gelte, wieder wie ein Kind zu werden, das sich mit Wahrheit beschenken lasse. Wahre Selbsterkenntnis und Gotteserkenntnis seien nicht voneinander zu lösen.


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Søren Kierkegaard wurde 1841 mit der Dissertation "Über den Begriff der Ironie mit ständiger Rücksicht auf Sokrates" promoviert. Er deutete die sokratische Ironie als einen Standpunkt der Subjektivität, der nur bis zur Grenze der Idee gelangt sei. Sie sei die Negativität, die noch keine Positivität hervorgebracht habe. Sie besitze noch nicht das Kränkliche und Egoistische späterer Zeiten. In der sokratischen Ironie zeige sich die Subjektivität, die zum ersten Mal in der Weltgeschichte ihr Recht geltend mache. Sokrates habe die Subjektivität zum Universalen erhoben, damit sei er zum Stifter der Moral geworden. Die Ironie als unendliche absolute Negativität sei dem Standpunkt des Propheten entgegengesetzt. Ironie als Redeweise hebe sich entweder selbst auf oder sei eine Gestalt der Eitelkeit. Sie dürfe nicht mit der Ironie als Standpunkt verwechselt werden. Wer wie Georg Wilhelm Friedrich Hegel Ironie als bloße „Manier der Konversation“ deute, habe den Standpunkt des Sokrates missverstanden. Der Hinweis Hegels, dass Sokrates darum bemüht gewesen sei, abstrakte Vorstellungen konkret zu machen, sei so modern, dass er kaum noch an Sokrates erinnere. Bei Sokrates ist nach Kierkegaard Ironie nicht nur ein Mittel, sondern sie hat einen Bezug zur Existenz. Sie setzt das Wissen über das Nichtwissen um und ist die Ausdrucksform dieser Einsicht. Damit wird sie zu einem angemessenen Ausdruck der Existenz. Das sokratische Nichtwissen steht beispielhaft dafür, die Existenz zu denken. Das objektive Denken ist gegen das Subjekt und dessen Existenz gleichgültig. Der subjektive Denker als Existierender ist an seinem Denken interessiert, denn er existiert darin. Nur das Erkennen, das sich wesentlich zur Existenz verhält, ist wesentliches Erkennen. Das Erkennen, das nicht nach innen in der Reflexion der Innerlichkeit die Existenz betrifft, ist wesentlich betrachtet gleichgültig. Die Ironie wird zu einem Ausdruck der Existenz als kategoriales Nichtwissen und leitet zur Selbstreflexion an. Die menschliche Existenz wird als Existenzform wissender Unwissenheit gekennzeichnet.


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Die Ironie kehrt die Bedeutungslosigkeit der Dinge für das Selbst hervor. Sokrates lässt den Spalt zwischen Wissen und Nichtwissen, Endlichkeit und Unendlichkeit offen. Gerade dies macht das Eigentümliche der Existenz aus. Das sokratische Daimonion verlegt den Widerspruch zwischen Endlichkeit und Unendlichkeit in das Innere und wird zu einem Stellvertreter des unendlichen Anspruchs an das endliche Selbst. Das Daimonion steht damit für den Bezug zum Transzendenten bzw. zu derjenigen Grenze, die das grundlegende Unwissen aufzeigt. Nach Kierkegaard bietet aber erst das Christentum mit der Kategorie des Sprungs einen Haltepunkt. Aus der Erkenntnis der eigenen Begrenztheit eröffne sich die Möglichkeit des Glaubens. Der Mensch könne den Sprung über die Grenzen des Wissens in den Glauben wagen. Die paradoxe Situation sei anzunehmen und im Sprung sei die eigene Identität aufzugeben, um die wahre Identität überhaupt erst zu gewinnen.


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Karl Popper bezog sich sein ganzes wissenschaftliches Leben lang auf Sokrates. Insbesondere Platons "Apologie des Sokrates" zählt zu den philosophischen Werken, die er am meisten bewunderte. Popper geht davon aus, dass die Apologie historisch echt sei. Sie sei ein getreuer Bericht von dem, was Sokrates vor dem Gerichtshof in Athen gesagt habe. Sokrates betone, dass er sich seiner intellektuellen Grenzen bewusst sei. Er sei selbstkritisch und ein Kritiker jedes Jargons. Popper geht deshalb davon aus, dass Sokrates wie er selbst ein Falsifikationist gewesen sei. Nach dem Falsifikationismus unterliegt jede Theorie der möglichen Fehlerhaftigkeit. Es sei unmöglich, auf dem Gebiet der empirischen Wissenschaften die Wahrheit einer Theorie zu beweisen. Die Fehlbarkeit allen Wissens sei anzuerkennen. Wenn man den Beruf des Philosophen ergreife, solle man so sein wie Sokrates. Platon als der genialste Schüler des Sokrates habe seinen Lehrer verraten. Während Sokrates die Weisheit des Staatsmanns gerade darin erkannt habe, dass er in seinen Ansprüchen äußerst bescheiden sei, habe Platon diese Auffassung auf den Kopf gestellt: Dass der Staatsmann weise sein müsse, bedeute für Platon einen Herrschaftsanspruch. Damit werde Platon zu einem geistigen Wegbereiter des politischen Totalitarismus. Folge man Sokrates, so müsse man Politik nach dem Prinzip von Versuch und Irrtum betreiben. Es handele sich dann um eine Stückwerk-Technik:


title: Ich weiß, dass ich nichts weiß

text: Die Weisheit des Sokrates ist nach Popper demnach kein positives Wissen, sondern ein Zustand der Bewusstheit. Ob der von Popper gezeichnete Gegensatz zwischen den beiden Philosophen tatsächlich in dieser Schärfe besteht, ist allerdings zweifelhaft. Zum einen begegnet uns Sokrates in den Werken Platons gerade als dessen Protagonist und Lehrer. Schon Sokrates hatte an die Sonne gebetet und damit dem höchsten Guten in der intelligiblen Welt die Würde eines göttlichen Prinzips beigemessen, das Platon dann im Sonnengleichnis näher beschrieb. Zum anderen ist der Ausgangspunkt des Sokrates nicht unbedingt ein absolutes Nichtwissen, sondern die konsequente Anwendung einer dialektischen Beweisführung mit dem Ziel, zum Wesen der Sache durchzudringen. Die von Sokrates angestrebte Wahrheit ist allein auf dem Weg des vernünftigen Denkens erreichbar und vom einzelnen Individuum unabhängig. Platon hat diesen Gedanken dann weiterentwickelt: Die Weisheit liegt gerade darin, dass der Philosoph in den Ideen das wahre Wissen über das Wesen der Dinge erlangt. Von der Idee des Guten her vermag er den Wissenschaften eine Begründung zu geben.


title: Max Ernst

text: Max Ernst (* 2. April 1891 in Brühl (Rheinland); † 1. April 1976 in Paris, Frankreich), eigentlich "Maximilian Maria Ernst", war ein bedeutender Maler, Grafiker und Bildhauer deutscher Herkunft, dem 1948 die amerikanische und 1958 die französische Staatsbürgerschaft verliehen wurde.


title: Max Ernst

text: Nach dem Militärdienst im Ersten Weltkrieg gründete er 1919 zusammen mit Johannes Baargeld und Hans Arp die Kölner Dada-Gruppe. 1922 ließ er seine Familie zurück und zog nach Paris, wo er sich dem Kreis der Surrealisten um André Breton anschloss und zu einem der wichtigsten Mitglieder im künstlerischen Bereich der surrealistischen Bewegung wurde. Zu Beginn des Zweiten Weltkriegs wurde er ab 1939 mehrmals in Frankreich interniert, konnte zusammen mit der Kunstmäzenin Peggy Guggenheim, seiner späteren dritten Ehefrau, fliehen und wählte, wie viele andere europäische Künstler, 1941 als Exil die USA. 1953 kehrte er mit seiner vierten Ehefrau, der Malerin Dorothea Tanning, nach Frankreich zurück.


title: Max Ernst

text: Mit seinen Gemälden, Collagen und Skulpturen schuf der Künstler rätselhafte Bildkombinationen, bizarre Wesen, die häufig Vögel darstellen, und phantastische Landschaften. Neben seinem künstlerischen Werk verfasste Max Ernst Gedichte und autobiografische sowie kunsttheoretische Schriften. Künstlerbücher nehmen einen breiten Raum in seinem Schaffen ein. Die Techniken Frottage, Grattage und Drip Painting, als "Oszillation" entwickelt, gehen auf ihn zurück. Angewendet durch Jackson Pollock wurde Drip Painting zu einem Bestandteil des amerikanischen abstrakten Expressionismus.


title: Max Ernst

text: Max Ernst wurde als drittes von insgesamt neun Kindern des Taubstummenlehrers und Laienmalers Philipp Ernst (1862–1942) und seiner Frau Luise, geb. Kopp (1865–1949) geboren. Ersten Kontakt mit Malerei bekam er durch seinen Vater. Dieser malte seinen fünf Jahre alten Sohn 1896 als Jesuskind.


title: Max Ernst

text: Max Ernst veröffentlichte 1942 im amerikanischen Exil im Kunstmagazin "View" einen autobiografischen Text, in dem er seine magische Beziehung zu Vögeln beschreibt: seine Geburt aus einem Vogelei, das seine Mutter in ein Adlernest gelegt hatte, und die Verbindung zwischen dem Tod seines Lieblingsvogels, des rosa Kakadus Hornebom, und der als gleichzeitig erlebten Geburt seiner jüngsten Schwester Apollonia (genannt Loni) im Jahr 1906. Max Ernsts Schilderung des Zusammentreffens beider Ereignisse ist fiktiv, der Kakadu lebte nach der Geburt der Schwester einige Zeit weiter. Max Ernst entwickelte, von diesen Vorstellungen geprägt, in seinem Werk als Alter Ego den „Vogelobren Hornebom“ und „Loplop“. Im Spätwerk taucht der Künstler als „Schnabelmax“ auf. Vogelähnliche Geschöpfe erscheinen in vielen seiner Bilder, besonders in der Werkreihe "Loplop präsentiert" aus den 1930er Jahren.


title: Max Ernst

text: Nach dem Abitur in Brühl studierte er von 1910 bis 1914 an der Universität Bonn zunächst Altphilologie, Philosophie, Psychologie und Kunstgeschichte. Philosophen, die der Student Ernst schätzte, waren Novalis, Hegel und die „großen Kritiker des eindimensional gewordenen Denkens des 19. Jahrhunderts, Max Stirner und Friedrich Nietzsche“. Durch das Studium der Psychologie kam er mit den Schriften Sigmund Freuds in Berührung und beschäftigte sich mit der Kunst der Geisteskranken.


title: Max Ernst

text: Max Ernst besuchte oft das Museum in Köln und interessierte sich für die flämischen Meister Hieronymus Bosch und Pieter Bruegel sowie für die deutsche Romantik, besonders für Caspar David Friedrich. Aus dem Jahr 1909 sind zwei Landschaften erhalten, die seine Bewunderung für Vincent van Gogh zeigen. 1911 befreundete er sich mit August Macke und beschloss im folgenden Jahr, ermutigt durch die Anerkennung und Förderung durch Mackes Freundeskreis, als Autodidakt Maler zu werden.


title: Max Ernst

text: Seine erste Ausstellung hatte Max Ernst 1912 in der Galerie Feldmann in Köln. Auf der Internationalen Kunstausstellung des Sonderbundes Westdeutscher Kunstfreunde und Künstler zu Cöln im selben Jahr sah er Werke bedeutender Künstler wie Paul Cézanne, Pablo Picasso, Henri Matisse und Edvard Munch.


title: Max Ernst

text: 1912/1913 schrieb Max Ernst Kunst- und Theaterkritiken für den Bonner "Volksmund" und beteiligte sich 1913 an der Ausstellung Rheinische Expressionisten in Bonn. Während einer Reise nach Paris im selben Jahr lernte er Guillaume Apollinaire und Robert Delaunay kennen sowie 1914 Hans Arp, mit dem ihn eine lebenslange Freundschaft verband. Ebenfalls 1913 war Max Ernst mit zwei Werken (Nr. 129: "Sturm"; Nr. 130: "Promenade") am Ersten Deutschen Herbstsalon in der Berliner Galerie „Der Sturm“ von Herwarth Walden vertreten, in dessen Galerie im März 1916 eine zweite Ausstellung seiner Werke stattfand, 1917 folgte die ebenfalls von Walden organisierte Ausstellung in der Zürcher „Galerie Dada“.


title: Max Ernst

text: Von August 1914 bis November 1918 war Ernst im Ersten Weltkrieg in Frankreich und Polen im Einsatz. 1918 wurde er gegen seinen Willen zum Leutnant befördert. Am 7. Oktober 1918, kurz vor dem Ende des Kriegs, heiratete er in einer Kriegstrauung seine Studienfreundin, die promovierte Kunsthistorikerin Luise Straus, die Tochter des jüdischen Hutfabrikanten Jacob Straus, in Köln. Der gemeinsame Sohn Hans-Ulrich, der später unter dem Namen Jimmy Ernst in den USA als surrealistischer Maler bekannt wurde, kam 1920 zur Welt.


title: Max Ernst

text: Angeekelt von der „großen Schweinerei dieses blödsinnigen Krieges“, gründete Max Ernst 1919 mit dem selbst erfundenen Beinamen „minimax dadamax“ gemeinsam mit Johannes Theodor Baargeld, dem „Zentrodada“, und Hans Arp die Kölner Dada-Gruppe, an der seine Ehefrau Luise Straus-Ernst beteiligt war. Bereits im Februar und März des Jahres waren nach einer Doppelnummer fünf weitere Ausgaben der Wochenschrift "Der Ventilator", herausgegeben von Baargeld unter Mitarbeit von Max Ernst, erschienen. Weitere Ausgaben wurden verboten.


title: Max Ernst

text: Im Sommer 1919 fuhr Ernst zusammen mit Baargeld nach München und besuchte dort Paul Klee. In der Münchner Buch- und Kunsthandlung von Hans Goltz entdeckte er in der Zeitschrift "Valori Plastici" Werke von Giorgio de Chirico, die ihn so sehr beeindruckten, dass er die Grafik-Mappe "Fiat modes – pereat ars" mit den Mitteln einer finanziellen Unterstützung für arbeitslose Künstler in Heinrich Hoerles Schloemilch-Verlag herausbrachte. Ebenfalls 1919 wurde in Düsseldorf die Künstlervereinigung Das Junge Rheinland gegründet, zu deren Mitgliedern er zählte. Ihr Mittelpunkt war die Galerie von Johanna Ey, die das Werk von Ernst durch Ausstellungen unterstützte. Im November des Jahres fand eine Ausstellung der Dadaisten in den Räumen des Kölnischen Kunstvereins statt, die von der britischen Militärregierung, unter der das Rheinland nach dem Ersten Weltkrieg stand, geschlossen wurde.


title: Max Ernst

text: 1920 wurde die „Zentrale W/3“ gegründet, die „Weststupidien 3“ waren Arp, Baargeld und Ernst, die im Februar die Zeitschrift "die schammade.(dilettanten erhebt euch!)" veröffentlichten. Zu den französischen Mitarbeitern gehörten André Breton, Paul Éluard und Louis Aragon. Die zweite Kölner Dada-Ausstellung wurde im April 1920 unter dem Titel "Dada-Vorfrühling" im Brauhaus Winter gezeigt. Gemeinsam mit Hans Arp schuf er hierfür die "Collages collectifs", scherzhaft "Fatagaga" (Fabrication de tableaux garantis gazometriques) genannt. Die Ausstellung erregte Unmut in der Öffentlichkeit, wurde zeitweise von der Polizei geschlossen und führte zum Bruch mit Ernsts Vater. Ab Ende Juni 1920 war der Künstler wie auch Baargeld mit Werken an der Ersten Internationalen Dada-Messe in Berlin vertreten. Ein Jahr später traf er sich während eines Urlaubs in Tarrenz, Tirol, unter anderem mit Tristan Tzara, Hans Arp, Sophie Taeuber und André Breton. Auf Einladung Bretons hatte er im Mai/Juni 1921 eine erste Ausstellung in der Pariser Galerie Au Sans Pareil, auf der er jedoch nicht anwesend war. Der Katalog verzeichnete unter anderem die Collage "Der Hut macht den Mann". Im Herbst 1921 waren der Schriftsteller Paul Éluard und seine Frau Gala für eine Woche bei Max Ernst in Köln zu Gast. Éluard erwarb von ihm spontan die frühsurrealistischen Gemälde "Celebes" und "Oedipus Rex".


title: Max Ernst

text: Im August 1922 zog der Künstler nach einem zweiten Aufenthalt in Tarrenz endgültig nach Paris und verließ seine Familie. Éluard hatte ihm seinen eigenen Pass geschickt, da Ernst kein Visum bekommen hatte, und Max Ernst wohnte beim Ehepaar Éluard. Fast zwei Jahre lang musste er Gelegenheitsarbeiten verrichten, da er von seiner Malerei nicht leben konnte. Sein Werk "Das Rendezvous der Freunde" aus dem Jahr 1922 wurde im folgenden Jahr im „Salon des Indépendants“ präsentiert. 1923 zog das Ehepaar Éluard in ein Haus in Eaubonne nahe Paris, wo Ernst einen Zyklus von 15 Bildern mit grotesken Fabelwesen und paradiesischen Gärten an die Türen malte. Sie wurden von den Nachbewohnern überklebt, 1969 wiederentdeckt, vom Künstler selbst restauriert und auf Leinwand übertragen. Darunter befand sich das Wandbild "Beim ersten klaren Wort", das heute zur Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen gehört. Ernst hatte sich in Gala verliebt, und Éluard, der die Liaison zunächst geduldet hatte, entfloh der ménage à trois 1924 nach Saigon. Gala und Max Ernst folgten ihm. Das Geld für die Reise stellte er durch Verkäufe seiner Pariser Bilder an Johanna Ey sicher. Während die Éluards nach Paris zurückkehrten, trat Ernst erst drei Monate später die Rückreise an. Gala heiratete später Salvador Dalí.


title: Max Ernst

text: Ab 1924 war Ernst bereits eines der wichtigsten Mitglieder der surrealistischen Gruppe um André Breton. In diesem Jahr verfasste Breton das "Manifeste du Surréalisme", in dem er Surrealismus als einen „reinen psychischen Automatismus“ definierte. Organ der Gruppe war die Zeitschrift "La Révolution surréaliste", in die Werke von Ernst aufgenommen wurden.


title: Max Ernst

text: 1925 bezog Ernst sein erstes Atelier in Les Fusains in der 22, rue Tourlaque, Paris. Ein in diesem Jahr abgeschlossener Vertrag mit dem Sammler Jacques Viot sicherte ihm ein regelmäßiges Einkommen, Ausstellungen in Pariser Galerien folgten. Ab 1925 fertigte er seine ersten Werke in der von ihm erfundenen Frottagetechnik an, die in seinem Buch "Histoire naturelle" 1926 veröffentlicht wurden, und entwickelte die Maltechnik der Grattage. Diese Techniken bestimmten nun den für ihn typischen Stil. Er arbeitete zusammen mit Joan Miró am Bühnenbild und an den Kostümen für Djagilews Ballett "Romeo and Juliet", Musik von Constant Lambert, das von den Ballets Russes aufgeführt wurde. Diese Mitarbeit rief den Protest der Surrealistengruppe hervor. Auf starken Widerstand, dieses Mal bei klerikalen Kreisen, stieß sein 1926 entstandenes Gemälde "", das im Salon des Indépendants und darauf im Kölnischen Kunstverein ausgestellt wurde, wo es entfernt werden sollte.


title: Max Ernst

text: Nach der Scheidung im Jahr 1926 von Luise Straus-Ernst heiratete Ernst im folgenden Jahr die wesentlich jüngere Marie-Berthe Aurenche, die Schwester des Drehbuchautors Jean Aurenche. Ab den frühen 1930er Jahren bezog das Paar eine Wohnung im Quartier Montparnasse in der 26, rue des Plantes, wo sie Nachbarn von Alberto Giacometti waren, der gelegentlich Skulpturen auf der Terrasse der Ernsts lagern durfte. 1930 übernahm Max Ernst die Rolle eines Räuberhauptmanns in dem umstrittenen surrealistischen Film "Das goldene Zeitalter (L’Âge d’Or)" von Luis Buñuel und Salvador Dalí. Im Herbst 1933 lernte er die zwanzigjährige Künstlerin Meret Oppenheim kennen, mit der er eine bis ins nächste Jahr andauernde Liebesbeziehung hatte.


title: Max Ernst

text: Den Sommer 1934 verbrachte Max Ernst bei Alberto Giacometti in dessen Sommeratelier in Maloja; beide Künstler transportierten in einem Flussbett vorgefundene, vom Wasser rundgewaschene Granitblöcke vor Giacomettis Haus. Ernst bearbeitete diese Blöcke als erste bildhauerische Versuche, schuf auf ihnen flache Reliefs, die Darstellungen von Blumen, Vögeln und Figuren boten, deren Form er später jedoch nicht fortsetzte. 1936 erfolgte die Scheidung von Marie-Berthe Aurenche.


title: Max Ernst

text: Unter dem NS-Regime in Deutschland wurden Max Ernsts Werke diffamiert, er selbst wurde geächtet und seine Kunst 1933 als „entartet“ eingestuft. 1937 wurden zwei seiner Bilder in der Münchner Ausstellung "Entartete Kunst" gezeigt. Das Gemälde "Die Schöne Gärtnerin" (1923), in einem Raum unter dem Motto „Verhöhnung der deutschen Frau“ ausgestellt, gilt seitdem als verschollen. In diesem Jahr entstand unter dem Eindruck des Spanischen Bürgerkriegs das Gemälde "Der Hausengel" "(L’Ange du foyer)" in drei Variationen, auf dem ein Ungeheuer mit gefletschten Zähnen und ausgefahrenen Krallen die Erde bedroht. Ebenfalls in diesem Jahr entstanden Bühnenbilder zu Alfred Jarrys Drama "Ubu enchainé", das 30 Jahre nach dem Tod des Autors in der Comédie des Champs-Elysées am 22. September 1937 erstmals aufgeführt wurde.


title: Max Ernst

text: 1938 war er Teilnehmer an der richtungweisenden Exposition Internationale du Surréalisme in der Galerie Beaux-Arts in Paris; zusammen mit Salvador Dalí war er als technischer Beirat tätig und stellte 14 Gemälde aus, dazu eine Puppe als Kunstobjekt. Die Ausstellung erwies sich jedoch als Abschlussmanifestation der surrealistischen Bewegung. Die politischen Umstände sowie die persönlichen, politisch motivierten Differenzen – zwischen André Breton und Paul Éluard, der sich dem Stalinismus angenähert hatte – veranlassten Éluard, im selben Jahr aus der Surrealistengruppe auszutreten. Max Ernst und Man Ray schlossen sich ihm solidarisch an.


title: Max Ernst

text: Der Zweite Weltkrieg beeinflusste das Leben des Künstlers nachhaltig: Ernst wurde 1939 als „verfeindeter Deutscher“ in Frankreich zunächst im ehemaligen Gefängnis von Largentière, anschließend im Lager Les Milles interniert, wo er auf Hans Bellmer traf. Dort entstand das gemeinsame Wandbild "Schöpfungen, die Geschöpfe der Einbildungskraft", und Bellmer schuf ein Porträt Max Ernsts, das aus gemalten Ziegelsteinen zusammengesetzt war als Hinweis auf die Mauern des Lagers. Durch Vermittlung Éluards wurde er zu Weihnachten wieder freigelassen. Im darauffolgenden Jahr wurde er erneut inhaftiert, dieses Mal von der Gestapo, doch gelang ihm die Flucht. In seinem Haus konnte er nicht bleiben, denn seine Geliebte Leonora Carrington, mit der er seit 1938 in Saint-Martin-d’Ardèche zusammengelebt hatte, war geflüchtet und hatte es für eine Flasche Cognac an einen Nachbarn „verkauft“, um es vor der Beschlagnahme zu retten.


title: Max Ernst

text: Ernst floh mit der Kunstsammlerin Peggy Guggenheim, die ihn finanziell unterstützte, 1941 über Spanien und Portugal in die USA. Fluchthelfer war Varian Fry, der Leiter des Emergency Rescue Committee. Sie erreichten am 14. Juli 1941 den New Yorker Flughafen La Guardia, wo sie von Jimmy Ernst und alten Bekannten begrüßt wurden. Max Ernst wurde zunächst als „feindlicher Ausländer“ von Beamten der Einwanderungsbehörde in der Festung auf Ellis Island interniert, aber nach drei Tagen entlassen. Im Dezember des Jahres – nach dem Eintritt der Vereinigten Staaten in den Krieg – heirateten Max Ernst und Peggy Guggenheim in New York.


title: Max Ernst

text: Im März des Jahres 1942 nahm Ernst an der Gemeinschaftsausstellung "Artists in Exile" in der Gallery Pierre Matisse teil. Ein Foto zeigt ihn neben 13 weiteren Künstlern wie Marc Chagall, Fernand Léger, Roberto Matta, Piet Mondrian, Kurt Seligmann, Yves Tanguy und dem Schriftsteller André Breton. Im Mai erschien der Katalog mit einem Umschlagbild von Ernst für Peggy Guggenheims Galerie Art of This Century, die im Oktober 1942 eröffnet wurde. Im selben Jahr wurde er mit David Hare, Marcel Duchamp und André Breton Herausgeber der Zeitschrift "VVV", die eine wichtige Rolle bei der Verbreitung des Surrealismus in den Vereinigten Staaten spielte. Ebenfalls im Jahr 1942 nahm Ernst an der Ausstellung First Papers of Surrealism in New York teil und begann verstärkt als Bildhauer zu arbeiten.


title: Max Ernst

text: In der New Yorker Buchhandlung Wakefield zeigte Betty Parsons in einer Gruppenausstellung ein in neuer Technik gemaltes Bild Ernsts, damals nannte er es "abstrakte Kunst, konkrete Kunst", später "Junger Mann, neugierig den Flug einer nicht-euklidischen Fliege beobachtend". Die Technik – Drip Painting oder Oszillation genannt – erregte die Aufmerksamkeit einiger junger amerikanischer Maler wie Jackson Pollock.


title: Max Ernst

text: Ernst lernte Ende 1942 die junge amerikanische Malerin Dorothea Tanning kennen, die in Guggenheims Galerie Art of This Century in der Ausstellung "Exhibition by 31 Women" vertreten war, und trennte sich daraufhin von Peggy Guggenheim. 1945/46 fand die Ausschreibung zum Bel-Ami-Wettbewerb statt, den Ernst mit seinem Gemälde "Die Versuchung des heiligen Antonius" gewann.


title: Max Ernst

text: 1946 wurde Doppelhochzeit gefeiert: Max Ernst und Dorothea Tanning sowie Man Ray und Juliet Browner ließen sich in Beverly Hills trauen. Anschließend brach das Ehepaar nach Sedona in der Wüste von Arizona auf und erbaute dort ein kleines, einsam gelegenes Haus, das Capricorn Hill genannt wurde. Dort entstand 1948 die Zementplastik "Capricorn". Im selben Jahr erlangte Max Ernst die amerikanische Staatsbürgerschaft. Er kam in Kontakt mit den Ureinwohnern, den Hopi, und befasste sich mit ihrer Kunst. Sein Interesse galt besonders den Kachinapuppen und den Zeremonienmasken. Die geometrisch stilisierten Formen und die Bemalung der Kachinas spiegeln sich in seinem Werk wider.


title: Max Ernst

text: Anlässlich des 60. Geburtstags von Ernst veranstaltete seine Heimatstadt Brühl 1951 eine erste große deutsche Retrospektive im Brühler Schloss Augustusburg, die gut besucht war, jedoch mit einem finanziellen Defizit endete. Die Kölner Galerie Der Spiegel beteiligte sich an der Ausstellung, woraus sich ab 1953 eine lebenslange Geschäfts- und Freundschaftbeziehung zwischen der Galerie und Max Ernst sowie Dorothea Tanning entwickelte. So bat Ernst seinen Kölner Galeristen Hein Stünke, den Inhaber der Galerie Der Spiegel, um Mithilfe bei der Auffindung seiner während der Wirren des Zweiten Weltkriegs verloren gegangenen Scheidungspapiere seiner zweiten Ehe mit Marie-Berthe Aurenche, die den Künstler durch ihre Pariser Anwälte aufgefordert hatte, den ehelichen Verkehr und Unterhalt wieder aufzunehmen. Hein Stünke beauftragte den Kunstsammler und Juristen Josef Haubrich mit der Recherche, der darin erfolgreich war. 1952 wurde Ernst Mitglied des Collège de ’Pataphysique, das nach dem Zweiten Weltkrieg zu Ehren von Alfred Jarry und Jarrys ’Pataphysik, der Wissenschaft von den imaginären Lösungen, gegründet worden war. Im Sommer des Jahres hielt er 30 Gastvorlesungen zum Thema „Fünfzig Jahre moderne Kunst“ an der Universität von Hawaii in Honolulu.


title: Max Ernst

text: 1953 kehrten Max Ernst und Dorothea Tanning nach Paris zurück, wo sie ihre zwei Mansardenzimmer am Quai St. Michel wieder bezogen. Er arbeitete als Nachbar von Constantin Brâncuși in einem Atelier auf der Impasse Ronsin Nr. 11, das ihm der US-amerikanische Maler William Copley zur Verfügung gestellt hatte. Das Collège de ’Pataphysique in Paris verlieh ihm im selben Jahr den Titel „Satrap“.


title: Max Ernst

text: Auf der 27. Biennale von Venedig 1954 wurde Max Ernst mit dem großen Preis für Malerei geehrt, was zum endgültigen Ausschluss aus der Surrealistengruppe führte. Den großen Preis für Grafik in diesem Jahr erhielt Joan Miró, den für Plastik Hans Arp. Die Preisverleihung führte zu internationaler Bekanntheit und weiteren Ehrungen.


title: Max Ernst

text: 1955 zog das Ehepaar nach Huismes und wohnte im Haus „Le pin perdu“, das seit 2009 als „Maison Max Ernst“ zu besichtigen ist. Er behielt diesen Landsitz sowie die Wohnung in Paris, hielt sich jedoch seit 1964 aus gesundheitlichen Gründen mit seiner Frau oft im Süden Frankreichs in Seillans im Département Var in der Provence auf. 1958 wurde er französischer Staatsbürger.


title: Max Ernst

text: Die Ehrenbürgerschaft, die Ernsts Geburtsstadt Brühl ihm im Jahr 1966 zum 75. Lebensjahr anbot, lehnte er nachtragend ab, da die Stadt sein geschenktes Bild "Die Geburt der Komödie" (1947) im Jahr 1951 für 800 Dollar verkauft hatte. Zudem spielte die schlechte Behandlung von Karl Seibt, dem städtischen Mitveranstalter der finanziell defizitären Max-Ernst-Ausstellung von 1951, durch die Stadt eine Rolle. Im Zusammenhang mit seiner Ablehnung machten ihm der "Kölner Stadt-Anzeiger" sowie private Bekannte den Vorwurf, er hätte seine erste Frau, Luise Straus-Ernst, die Jüdin war und 1944 in Auschwitz ermordet wurde, retten können; Ernst habe es aber abgelehnt, sie ins amerikanische Exil mitzunehmen. Der Künstler bezog daraufhin im "Stadtanzeiger" mit einem Brief Stellung und stellte klar, dass seine erste Frau die ihr angebotene Wiederheirat abgelehnt habe, obwohl sie die Möglichkeit eröffnet hätte, sie mitzunehmen.


title: Max Ernst

text: 1967 schuf er einen Brunnen für die Stadt Amboise, der 1968 als „Fontaine Max Ernst“ eingeweiht wurde. Der Streit zwischen dem Künstler und seiner Heimatstadt Brühl wurde 1971 beendet. Die Stadt vergibt seit diesem Jahr den Kunstpreis „Max Ernst Stipendium“ für junge, noch in der Ausbildung befindliche Künstler, und Ernst stiftete die Figuren für den Brunnen, der vor dem Brühler Rathaus steht.


title: Max Ernst

text: Im Jahr 1975 hielt Max Ernst sich nach einem Schlaganfall wieder in Paris auf. Er starb einen Tag vor seinem 85. Geburtstag, am 1. April 1976 in Paris und wurde nach seiner Einäscherung im Kolumbarium des Friedhofs Père Lachaise begraben. Seine Frau Dorothea Tanning überlebte ihn um mehr als drei Jahrzehnte. Sie starb im Januar 2012 im Alter von 101 Jahren in New York. Der Sohn aus erster Ehe, Jimmy Ernst, starb am 6. Februar 1984 in New York. Seine Memoiren, "A Not-So-Still Life" (deutsch: "Nicht gerade ein Stilleben. Erinnerungen an meinen Vater Max Ernst"), wurden kurz vor seinem Tod veröffentlicht.


title: Max Ernst

text: 1946 gewann Max Ernst den Bel-Ami-Wettbewerb mit seinem Gemälde "Die Versuchung des Heiligen Antonius", und 1954 auf der 27. Biennale von Venedig erhielt er den großen Preis für Malerei. 1958 wurde er Mitglied der Akademie der Künste in Berlin, und 1961 veranstaltete das New Yorker Museum of Modern Art eine Max-Ernst-Retrospektive. Im selben Jahr erhielt er die Stefan-Lochner-Medaille der Stadt Köln. 1964 verlieh die Regierung Nordrhein-Westfalens ihm die Ehrenprofessur, und in Hamburg wurde er mit dem Lichtwark-Preis geehrt.


title: Max Ernst

text: 1966, im 75. Lebensjahr, folgte die Ernennung zum Offizier der Ehrenlegion. 1972 wurde ihm die Ehrendoktorwürde der Universität Bonn verliehen. Im Alter von 84 Jahren reiste Ernst 1975 zur Eröffnung der Max-Ernst-Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum in New York. Im selben Jahr öffnete die Retrospektive im Grand Palais in Paris ihre Türen. 1976 wurde ihm postum der Goslarer Kaiserring verliehen, einer der international bedeutendsten Kunstpreise. 1974 wurde er als auswärtiges Ehrenmitglied in die American Academy of Arts and Letters gewählt.


title: Max Ernst

text: In der Bundesrepublik Deutschland gibt es einige Straßen, die nach Max Ernst benannt sind, beispielsweise in Köln und Bonn. Seine Heimatstadt Brühl hat ihm die Max-Ernst-Allee gewidmet. Die Stadt Paris benannte im Jahr 1990 die rue Max Ernst nach ihm, sie liegt im 20. Arrondissement im Quartier du Père-Lachaise.


title: Max Ernst

text: Max Ernst erneuerte die Sprache der Malerei des 20. Jahrhunderts auf revolutionäre Weise. Als Autodidakt ohne akademische Ausbildung wandte er sich gegen die alte Auffassung von „Talent“ und lobte den Surrealismus, der das „Märchen vom Schöpfertum“ angegriffen und vernichtet habe. Der von ihm sehr geschätzte Maler der Romantik, Caspar David Friedrich, hatte seine malerischen Zeitgenossen aufgerufen: „Schließe dein leibliches Auge, damit du mit dem geistigen Auge zuerst sehest dein Bild, Dann fördere zutage, was du im Dunkeln gesehen, dass es zurückwirke auf Andere, von außen nach innen.“ Max Ernst formulierte es ähnlich: „Die Rolle des Malers besteht darin, einzukreisen und zu projizieren, was er in sich selbst sieht.“


title: Max Ernst

text: Ernsts Frühwerk ist durch vielfältige Einflüsse geprägt. So orientierte er sich bereits 1909 an Vincent van Gogh (Beispiel: "Landschaft mit Sonne") und war beeindruckt von Georges Seurat, Henri Matisse, August Macke, Wassily Kandinsky sowie vom Futurismus. Kriegserfahrungen verarbeitete er in starkfarbigen Aquarellen. Das Ziel des stilistischen Wechselspiels war die bewusste Synthese der unterschiedlichen Gattungen, Richtungen und Epochen: Kombinatorik wurde zu seinem Gestaltungsprinzip. Doch ließ er sich nicht nur von Werken der Avantgarde und alter Meister, sondern auch von Volkskunst und Bauernmalerei inspirieren.


title: Max Ernst

text: Mit der Verwendung der Collage schuf Ernst bereits in seiner dadaistischen Phase nach dem Ersten Weltkrieg von 1919 bis 1921 neben einigen Materialcollagen eine große Anzahl von Werken aus Druckmaterialien, in denen er fremdes Material, beispielsweise Zeichnungen aus Katalogen, aus Lehrbüchern aller Wissenschaftsbereiche oder Häkelvorlagen ausschnitt, verwirrend kombinierte und neu zusammenklebte oder übermalte.


title: Max Ernst

text: Der Künstler übernahm von Giorgio de Chirico, dem Hauptvertreter der Pittura metafisica, frühzeitig die Idee, in der Malerei Bildmotive in rätselhaften Kombinationen zusammenzustellen; diese Idee wurde später von den Surrealisten übernommen. Sie entsprach der freien Assoziation, die Sigmund Freud anwendete, um das Unbewusste in den Gedanken seiner Patienten, das sich in Träumen äußerte, freizulegen. 1919 entstand, angelehnt an die Pittura metafisica, das Gemälde "Aquis submersus". Der Titel orientiert sich an Theodor Storms gleichnamiger Novelle. Eine der bekanntesten Collagen aus der Kölner Zeit ist "Der Hut macht den Mann" aus dem Jahr 1920, bei dem es sich ursprünglich um eine Druckvorlage für einen Werbekatalog seines Schwiegervaters handelte, der eine Hutfabrik besaß. "Celebes", geschaffen 1921 in Köln, gehört als erstes Werk zur Gruppe der Gemälde, die Max Ernst zwischen 1921 und 1924 in der Zeit des Übergangs zwischen Dada und Surrealismus malte. Das Gruppenporträt "Das Rendezvous der Freunde" entstand 1922 nach Ernsts Übersiedlung nach Paris.


title: Max Ernst

text: André Breton veröffentlichte 1924 sein erstes surrealistisches Manifest in Paris. Es galt als Beginn der Bewegung. Der von den Surrealisten oft zitierte Satz „Schön wie die zufällige Begegnung einer Nähmaschine und eines Regenschirms auf dem Seziertisch“ entstammt den "Gesängen des Maldoror" (1868/69) von Lautréamont. Max Ernst variierte ihn:


title: Max Ernst

text: Die provokante Darstellung des Gemäldes "" aus dem Jahr 1926 soll durch André Breton inspiriert worden sein. Ab 1925 begann Max Ernst mit den künstlerischen Techniken der Frottage für Grafiken und der Grattage für Gemälde zu arbeiten. Die Techniken und Werkbeispiele werden in dem Abschnitt „Max Ernsts Erfindungen“ näher beschrieben. Ab 1927 entstanden erste Bildserien seiner Vogel- und Waldmotive, die sein ganzes Werk durchziehen. Sein erster Collageroman "La femme 100 têtes" nach Illustrationen aus Trivialromanen des 19. Jahrhunderts mit einer Einleitung von Breton erschien im Jahr 1929 bei den Éditions du Carrefour in Paris.


title: Max Ernst

text: Ernsts Alter Ego, der Vogel "Loplop", zieht sich in unterschiedlichen Techniken und Varianten durch sein Werk. Er stellte sich selbst in verschiedenen anthropomorphen Formationen dar, immer auf zwei Beinen stehend, und der Rumpf dient wie eine Staffelei als Präsentationsfläche für die Darstellung unterschiedlicher Motive. Er kombiniert verschiedene malerische Techniken mit der Collage. Ein Beispiel ist "Loplop stellt Loplop vor" aus dem Jahr 1930. In der Reihe "Loplop présente …" ab den 1930er Jahren wie "Loplop présente la belle saison", "Loplop présente deux fleurs" oder "Loplop présente le portrait de Marie-Berthe" entstanden überwiegend Bleistiftfrottagen.


title: Max Ernst

text: Ab 1935 entstand ein Hauptwerk in der Technik der Grattage, "Die ganze Stadt": Es zeigt rätselhafte, ruinenartige, an Festungen oder Tempelanlagen erinnernde Gebäude als versteinerte Stadt, in der kein Leben mehr zu erkennen ist. Der Künstler begann ab 1937 mit der Technik der Décalcomanie zu arbeiten. "Die Einkleidung der Braut" aus dem Jahr 1940 zeigt eine halbnackte Frau mit Vogelkopf in einem roten bodenlangen Umhang. Der Vogel zur Linken, eine Speerspitze haltend, kann als Verkörperung des Künstlers gesehen werden, während die Braut seine Geliebte Leonora Carrington darstellen könnte. 1940/41 entstand ebenfalls "Marlene"; die abgebildete Frau, umgeben von Vogelwesen, hat die Gesichtszüge von Marlene Dietrich, die 1937 in die USA ausgewandert war, und als Sujet vermutlich auf seine eigene Flucht hinweist. Das Bild "Europa nach dem Regen II" als ein Höhepunkt des Arbeitens in dieser Technik begann er 1940 in Frankreich und vollendete es nach der Emigration 1942 in New York. Es zeigt eine Landschaft, die von Verwüstung und Tod geprägt ist und dessen Titel Gedanken an die materiellen und geistigen Vernichtungen des Krieges hervorruft. In dem Gemälde "Napoleon in the Wilderness" (1941, MoMA, New York), das Max Ernst in Santa Monica vollendete, verarbeitete der Künstler seine Erfahrungen der Flucht und des Exils, aber auch seine unglückliche Beziehung zu Leonora Carrington. 1942 entwickelte er die Technik des Drip Painting oder Oszillation, mit der er nur wenige Bilder wie beispielsweise "Der verwirrte Planet" schuf. Der Automatismus, den die Oszillation bot, regte junge amerikanische Künstler zur Nachahmung an, und besonders Jackson Pollock widmete sich dem Ausbau und der Verfeinerung dieser Technik. Ernst erklärte, sie sei ein Kinderspiel:


title: Max Ernst

text: Die erneuerte Verbindung zur surrealistischen Gruppe dokumentiert eines seiner Hauptwerke, das Gemälde "Le Surréalisme et la peinture" ("Der Surrealismus und die Malerei", 1942), dessen Titel von Bretons gleichnamigem Essay aus dem Jahr 1928 stammt. Eine Art Vogelgestalt, dargestellt mit ihrer Brut, malt an einem auf der Staffelei stehenden Bild, das in Oszillationstechnik angelegt ist.


title: Max Ernst

text: Im Jahr 1943 schuf Ernst "Vox Angelica"; das Gemälde ist 152 × 205 cm groß und aus 51 größeren und kleineren Einzelbildern zusammengesetzt. Er malte es in den verschiedenen von ihm benutzten Techniken. Viele Experten sehen in diesem Werk einen Wendepunkt in seinem Schaffen, von dem aus sich eine hellere und einfachere Bildsprache durchsetzte. 1945 entstand als Höhepunkt der New Yorker Zeit "Die Versuchung des heiligen Antonius" sowie ein mathematisches Thema, das Porträt des "Euklid". 1948 schuf er das "Festmahl der Götter", und um 1948 malte er "Arizona desert after Rain", das die Umgebung des Hauses in Sedona zeigt, wo er seine Großplastik "Capricorn" herstellte.


title: Max Ernst

text: 1953 kehrte Max Ernst aus den USA nach Frankreich zurück. Die Rückkehr markiert zugleich den Anstieg seiner grafischen Produktion. Sie wurde in einer Ausstellung im Sprengel Museum, Hannover im Jahr 2012 unter dem Titel "Max Ernst. Lorbeeren und Erdbeeren" gezeigt. Illustrationen aus den 1960er Jahren folgten Plakate aus den 1970er Jahren. Ausschnitte aus seinem Collagenroman "Lieux communs: Onze poèmes et douze collages" aus dem Jahr 1971 waren als Siebdrucke präsent. Die asiatisch anmutende Lithografie "Grand Palais" entstand 1975, ein Jahr vor Ernsts Tod.


title: Max Ernst

text: An Gemälden entstanden etwa "Das Floß der Medusa" (1955), "Der Garten Frankreichs" (1962) und "Rückkehr der schönen Gärtnerin" (1967), letzteres als Reminiszenz an das verschollene Bild "Die schöne Gärtnerin" von 1923, sowie "Nichts geht mehr" (1973). Im Gemälde "Der Garten Frankreichs" "(Le jardin de la France)" hatte der Künstler eine Kopie der "Geburt der Venus" von Alexandre Cabanel so übermalt, dass die erotischen Zonen des Körpers einer kopflosen Frau – zwischen zwei Flussläufen dargestellt – dominieren.


title: Max Ernst

text: Ernsts Werk widmete sich auch in den späten Jahren nicht der Gegenstandslosigkeit, wie der Informellen Kunst, die in dieser Zeit häufig vertreten war. Er kommentierte diese Tendenzen mit: „Totale Ablehnung, wie ein Tachist zu leben.“


title: Max Ernst

text: Max Ernst erfand und benutzte verschiedene halbautomatische Techniken, mit denen er Strukturen erzeugte, die seine Imaginationskraft beflügelten.


title: Max Ernst

text: Zu jedem Geburtstag seiner vierten Ehefrau Dorothea Tanning hatte Max Ernst eine Liebeserklärung geschaffen, um seine Verbundenheit mit ihr zu bezeugen. Die 36 "D-Paintings" zu Geburtstagen und zusätzlich zur Hochzeit und Silberhochzeit sind seit 2005 Bestandteil des Max-Ernst-Museums in Brühl. In jedem Werk ist der Buchstabe „D“ enthalten.


title: Max Ernst

text: Max Ernst illustrierte einige Werke Lewis Carrolls: "La chasse au snark" (1950, 8 Illustrationen), "Logique sans peine" (1966), "The Hunting of the Snark (Die Jagd nach dem Snark)" (1968, 32 Farblithografien) und "Lewis Carrolls Wunderhorn" (1970, eine Anthologie, ausgewählt von Max Ernst und Werner Spies mit 36 Farblithografien). Unter den Surrealisten fühlten sich besonders Ernst und Salvador Dalí durch Carrolls Kinderbuch "Alice im Wunderland" in ihrer Suche nach dem Phantastischen bestärkt. Die Hamburger Kunsthalle zeigte ab Juni 2012 die Ausstellung "Alice im Wunderland der Kunst". Ernsts Gemälde "Alice in 1941" war Bestandteil der Ausstellung.


title: Max Ernst

text: Max Ernst schuf drei sogenannte „Collageromane“. Der erste war "La femme 100 têtes," erschienen Ende 1929 mit einem Vorwort von André Breton. 1930 folgte "Rêve d’une petite fille qui voulut entrer au Carmel" und 1934 "Une semaine de bonté." Die Collageromane, die teilweise mit Textteilen versehen sind, basieren auf Holzstichen des 19. Jahrhunderts, unter anderem von Gustave Doré. Vor allem die beiden ersten Romane sind vielfach interpretierbar, sie suggerieren durch Bildfolge und -legenden einen zusammenhanglosen Handlungsablauf. Inhaltlich wird durch die Wiederholung bestimmter Motive in Text und Bild die durch die Visionen des Surrealismus ermöglichte Befreiung aus gesellschaftlicher, staatlicher oder kirchlicher Unterdrückung angedeutet. Die Collagenbilder aus "Une semaine de bonté" wurden erstmals nach 1936 im Jahr 2008 in der Albertina in Wien gezeigt. Die Ausstellung wurde anschließend vom Max-Ernst-Museum in Brühl und der Hamburger Kunsthalle übernommen.


title: Max Ernst

text: 1922 erschien das Malerbuch "Les malheurs des immortels" in der Librairie Six (Paris) mit Gedichten von Paul Éluard und Max Ernst sowie 21 Illustrationen Ernsts. 1926 folgte "Histoire naturelle" mit 34 Frottagen und einem Vorwort von Hans Arp, veröffentlicht in der Galerie Jeanne Bucher, Paris. Es enthielt die ersten Frottagen des Künstlers. Ernst berief sich zu ihrer Entstehung ausdrücklich auf Leonardo da Vinci, in dessen "Traktat über die Malerei" stand, man „könne den Geist zu mannigfaltigen Erfindungen anregen, indem man sich in fleckiges Gemäuer hineinsähe, es ließen sich darin womöglich Landschaften, Schlachten und seltsame Gestalten ausmachen“. Ernst bemerkte dazu:


title: Max Ernst

text: 1953 erschien "Das Schnabelpaar. Acht Radierungen in Farben und ein Gedicht von Max Ernst" im Verlag Ernst Beyeler. Originalausgabe als Kassette, gedruckt bei Lacourière in Paris, Umschlag aus bedrucktem Pergament.


title: Max Ernst

text: Das Buch aus dem Jahr 1964, "Maximiliana ou l’exercice illégal de l’Astronomie," gilt als Hauptwerk der späten druckgrafischen Arbeiten des Künstlers. Der Name geht auf den Lithographen und lange verkannten autodidaktischen Astronomen Ernst Leberecht Tempel (1821–1889) zurück, der 1861 den Asteroiden (65) Cybele entdeckte und ihn "Maximiliana" nannte. Ernsts und Tempels Lebenswege zeigen viele Gemeinsamkeiten auf, so wie Ernst besaß der Hobby-Astronom „kein Diplom“. Der Vorname des Astronomen war wie der Nachname des Künstlers „Ernst“, und „Maximilian“ war Ernsts Taufname. Das Werk enthält lose Doppelblätter mit 34 Radierungen und 14 „Schrift-Blätter“ von Max Ernst, teilweise farbig und mit Aquatinta ausgeführt. Die Radierungen sind mit typographisch gestaltetem Text nach Ernst Leberecht Tempel und der „Geheimschrift“ von Ernst ergänzt. Das Format beträgt 43 × 32 × 3 cm. Die Typographie stammt von Iliazd, der das Buch in Paris verlegte. 1967 folgte ein Film über das Thema von Peter Schamoni unter Mitwirkung von Ernst (Siehe Rezeptionsteil).


title: Max Ernst

text: Max Ernst erläuterte sein Verhältnis zur Bildhauerei gegenüber seinem frühen Biografen Patrick Waldberg:


title: Max Ernst

text: Max Ernst begann 1934 anlässlich seines Besuchs bei Alberto Giacometti in Maloja, sich mit Bildhauerei zu befassen. Doch blieb er vor dem Zweiten Weltkrieg lange der einzige surrealistische Bildhauer, da sich Giacometti bereits ein Jahr später zur Rückkehr zum Modell entschieden hatte und Hans Arp trotz seiner Beteiligung an Dada zur Abstraktion und den Ideen Brâncușis neigte. Ernst benutzte wie bei der Malerei improvisierte Techniken: "Oedipus" (1934 in zwei Fassungen) entstand zum Beispiel mit seinen zwei phallischen Formen aus Gussformen von Sandeimern, die in verschiedenen Kombinationen übereinander platziert wurden. Ein weiteres frühes Werk ist "Habakuk" (1934), das trotz einer ursprünglich geplanten Edition von zehn Fassungen nur in vier Bronzegüssen existiert: im Skulpturenmuseum Glaskasten in Marl, vor der Kunsthalle Düsseldorf, auf dem Campus der Universität Yale in New Haven an dem Weg zwischen Sterling Bibliothek und Beinecke Bibliothek, in den Außenanlagen der National Gallery of Australia in Canberra.


title: Max Ernst

text: Sein Hauptwerk ist die Zementplastik "Capricorn", geschaffen 1948 in Sedona, von der nur noch Fragmente vorhanden sind. Das Gipsmodell ist in der Nationalgalerie Berlin zu sehen, mehrere Bronzegüsse erfolgten ab den 1960er Jahren. Neben Skulpturengruppen wie "Corps enseignant pour une école de tueurs" (1967) fassen die Figurenkonstellationen für die Brunnen in Amboise (1968) und Brühl (1971) das plastische Spätwerk zusammen. Eine Besonderheit entstand 1966: Der passionierte Schachspieler schuf ein Schachspiel aus Glas, das er "Immortel" nannte.


title: Max Ernst

text: Reliefs und Plastiken entstanden an seinen Häusern in Saint-Martin-d’Ardèche, Sedona, Huismes und Seillans.


title: Max Ernst

text: Neben kunsttheoretischen Schriften wie "Was ist Surrealismus" aus dem Jahr 1934 und "Au-delà de la peinture" von 1937 verfasste Max Ernst auch autobiografische Texte. 1948 erschien "Some Data on the Youth of Max Ernst" in dem Sammelband "Beyond Painting", 1962 seine Autobiografie "Biographische Notizen (Wahrheitsgewebe und Lügengewebe)" als Bestandteil des Ausstellungskatalogs der Retrospektive im Kölner Wallraf-Richartz-Museum. Der Untertitel „Wahrheitsgewebe und Lügengewebe“ ist offensichtlich eine Anspielung auf Goethes Autobiografie "Dichtung und Wahrheit". Ernst variierte und ergänzte den Text später mehrfach. Er verfasste seinen Lebenslauf, in dem er von sich in der 3. Person spricht, nach surrealistischen Maßstäben und lenkt die Aufmerksamkeit auf seine frühe Kindheit, Mythen und Märchen, religiöse Begegnungen und psychische Besonderheiten. Mit dem Untertitel „Lügengewebe“ verweist der Künstler darauf, gelegentlich poetische Auslegungen und Koppelungen von Ereignissen mit seinen Bildern hinzugefügt zu haben, die auch chronologisch nicht stimmen. Möglicherweise wollte er mit seinen Aufzeichnungen die Selbstdarstellungen großer Männer ironisieren oder das Publikum, das sich durch seine Bilder beunruhigt fühlte, besänftigen.


title: Max Ernst

text: André Breton schrieb 1928 in "Le Surréalisme et la Peinture", Max Ernst sei „nie abgewichen von dem gebieterischen Bedürfnis, wie es Baudelaire forderte: unaufhörlich ‚Neues zu finden‘. Von ständig wachsender Kraft in diesen letzten zwanzig Jahren, findet sein Werk, was einen solchen Willen anlangt, nicht seinesgleichen“.


title: Max Ernst

text: Max Ernsts Freund, der Schriftsteller Paul Éluard, wies 1948 in "A L’Intérieur de la vue" darauf hin, dass der Künstler sich selbst identifiziert, mit dem, was er zeigt. „Indem er seine Vision über diese grobe, gefühllose Wirklichkeit, die wir gelassen hinnehmen sollen, hinausprojiziert, führt er uns in eine befreite Welt, wo wir allem zustimmen, wo nichts mehr unverständlich ist.“ In Bezug auf Ernsts Alter Ego schrieb er poetisch: „Von Federn verschlungen und dem Meer überlassen, hat er seinen Schatten in Flug übersetzt, in den Flug der Vögel der Freiheit.“


title: Max Ernst

text: In den 1940er Jahren kam es in den Vereinigten Staaten zu einem künstlerischen Umschwung, der nach Jahren des sozialkritischen Amerikanischen Realismus zu einem Neubeginn – „dem Wunsch, bei Null anzufangen“ (Barnett Newman) – führte, dem abstrakten Expressionismus. Künstler wie Barnett Newman, Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still und Franz Kline fanden ihre Vorbilder in Miró, Masson und Max Ernst, in deren kontrolliertem psychischen Automatismus, beim gelenkten Zufall, nicht unbedingt in deren Techniken. Pollock übernahm von Max Ernst die Technik der „Oszillation“ als Drip Painting, baute sie aus und wurde durch diese Technik bekannt. Er erhielt daraufhin den Spitznamen „Jack the Dripper“.


title: Max Ernst

text: Der Kunsthistoriker Werner Spies, der Max Ernst 1966 kennengelernt hatte, zahlreiche Schriften über ihn verfasste und den Werkkatalog herausgab, äußerte 2005 in einem Interview: „Man kann sagen, dass es den Surrealismus ohne Max Ernst in dieser Form überhaupt nicht gegeben hätte. Und der ganze poetische und ikonografische Fundus, den das Werk von Max Ernst beinhaltete, basierte sehr stark auf der deutschen Romantik, sowohl was die literarische Tradition angeht, als auch die der bildenden Kunst“. Er fuhr fort, indem er an die Feindseligkeit erinnerte, die nach dem Ersten Weltkrieg zwischen Deutschen und Franzosen entstanden war. In dieser Situation habe Max Ernst das Glück gehabt, in Paris in den 1920er Jahren mit Bréton, Éluard, Aragon und Tzara Künstler getroffen zu haben, die sich nicht für die nationale Herkunft eines Menschen interessiert hätten. Éluard etwa habe zu jenen gehört, die den Deutschen noch kurz zuvor im Schützengraben von Verdun gegenübergelegen hätten. Die Pariser Künstler hätten in Max Ernst einen wirklichen Geistesverwandten entdeckt, vereint durch die Poesie, die Sucht nach der Überwindung der Kausalität und des Pragmatischen.


title: Max Ernst

text: Max Ernst war in seinem Leben häufig mit Filmen befasst, so 1930 als Darsteller in "L'Âge d'Or"; weitere Filme sind unter Filmografie aufgelistet. Der Regisseur Peter Schamoni drehte 1963 in Huismes, wo Ernst seit 1955 lebte, einen Film zu Ehren des Künstlers mit dem Titel "Max Ernst – Entdeckungsfahrten ins Unbewusste". 1967 folgte ein weiterer Kurzfilm von Schamoni, der in Seillans gedreht wurde. Er trägt den Titel "Die widerrechtliche Ausübung der Astronomie", ist Max Ernst gewidmet, der nicht nur das Drehbuch über das Schicksal des Amateurastronomen Ernst Wilhelm Leberecht Tempel (1821–1889) mitschrieb, sondern auch als Sprecher im Film fungierte. „Er hatte Genie, aber kein Diplom“, so fasste es Ernst zusammen, eine Affinität zu seinem eigenen Leben. Zum 100. Geburtstag des Künstlers drehte Schamoni 1991 einen weiteren Film, "", der sich mit Ernsts Leben und Werk befasst.


title: Max Ernst

text: Schon seit 1971, fünf Jahre vor seinem Tod, vergibt die Stadt Brühl mit damaliger Zustimmung des Künstlers, das Max-Ernst-Stipendium zur Förderung junger Künstlerinnen und Künstler.


title: Max Ernst

text: 1981, fünf Jahre nach seinem Tod, wurde das Städtische Gymnasium in seiner Geburtsstadt Brühl in Max-Ernst-Gymnasium umbenannt. In Köln trägt die Max-Ernst-Gesamtschule ebenfalls seit 1981 seinen Namen. Im Jahr 2000 wurde die Max Ernst Gesellschaft gegründet.


title: Max Ernst

text: 2005 eröffnete das Max Ernst Museum in Brühl. Vorsitzender des Stiftungsrates und des Kuratoriums der Stiftung Max Ernst war Werner Spies. In Ernsts nahe gelegenem Geburtshaus, das 2008 von einer Immobiliengesellschaft erworben, renoviert und dem Museum zur Verfügung gestellt wurde, eröffnete im Juli 2012 ein dem Museum angeschlossenes "Fantasie Labor" mit einem angrenzenden Erweiterungsbau, das der Allgemeinheit und Schulen zur Verfügung steht.


title: Max Ernst

text: Die Verbreitung des Werks von Max Ernst in den USA wurde maßgeblich von dem Galeristen Alexander Iolas gefördert, der ab den 1930er/1940er Jahren auf surrealistische Kunst setzte und neben Ernst auch René Magritte führte.


title: Max Ernst

text: Das Auktionshaus Christie’s in New York erzielte im November 2011 einen Weltrekord für ein Werk Max Ernsts. Statt geschätzter vier bis sechs Millionen Dollar fiel der Hammer für "The Stolen Mirror" aus dem Jahr 1941 bei 16,3 Millionen Dollar. Ein anonymer Käufer aus Europa ersteigerte das nur 65 × 81 cm große Ölgemälde. Es kombiniert eine wie im Traum gemalte Landschaft mit statuenhaften Frauenakten, umhüllt von Tieren und Pflanzen. "The Stolen Mirror" gehörte zunächst dem Surrealismus-Sammler Edward James. Dann kaufte es Ernsts Sohn Jimmy Ernst zurück, und es verblieb in der Familie. Die gesicherte Provenienz ist bedeutungsvoll, da es um den ebenfalls Max Ernst betreffenden Fälschungsskandal der fingierten Sammlung Werner Jägers negative Berichte gab. Zwischen 1999 und 2004 wurden sieben von Werner Spies für echt erklärte Bilder im Jahr 2011 in einem Prozess als Fälschungen Wolfgang Beltracchis entlarvt, darunter "La Mer" und "La Forêt II". Möglicherweise gibt es noch mehr gefälschte Werke von Max Ernst.


title: Echte Feige

text: Die Echte Feige ("Ficus carica"), auch Feigenbaum und kurz auch Feige (von gleichbedeutend mittelhochdeutsch "vīge") genannt, ist eine Pflanzenart aus der Gattung der Feigen ("Ficus"). Sie zählt zu den ältesten domestizierten Nutzpflanzen und wird vor allem im Mittelmeerraum angebaut. Sie hat wie alle Feigen eine komplexe Bestäubungsökologie.


title: Echte Feige

text: Die Feige wächst als sommergrüner und laubwerfender Strauch oder kleiner Baum mit Wuchshöhen von drei bis zu zehn Metern. In Deutschland werden Feigenbäume kaum über 5 oder 6 Meter hoch. Größe und Wuchsform sind stark von der jeweiligen Feigensorte abhängig. Die Krone ist bei alten Individuen meist sehr breit und ausladend, jedoch unregelmäßig und niedrig. Der Stamm ist oft knorrig, gedreht oder gebogen. Die meist reiche Verzweigung beginnt schon in geringer Höhe. Die Zweige sind relativ dick und gerade. Die gräulich-braune Borke besitzt deutlich erkennbare Lentizellen. Die Rinde ist glatt und hellgrau. Die ganze Pflanze führt Milchsaft, der in Zusammenhang mit Sonnenlicht nach Berührung zu einer Photodermatitis führen kann, die sich durch Entzündung der Haut und Bläschenbildung äußert.


title: Echte Feige

text: Die Laubblätter sind wechselständig an den Zweigen angeordnet. Der kräftige Blattstiel ist zwei bis acht Zentimeter lang. Die Blattform ist stark von der jeweiligen Feigensorte abhängig, was sie zu einem wichtigen Faktor bei der Sortenbestimmung macht. Die feste, steife und fast ledrige Blattspreite ist bei einer Länge und Breite von 10 bis 20 Zentimeter breit-eiförmig und drei- bis siebenlappig, wobei die Blattlappen ei- bis fingerförmig sind und die Spreitenbasis mehr oder weniger herzförmig ist. Der Blattrand ist meist unregelmäßig gezähnt. Die dunkelgrüne Blattoberseite ist bei manchen Sorten rauhaarig. Die hellere Blattunterseite ist mehr oder minder dicht mit kleinen Zystolithen und kurzen, flaumigen Haaren bedeckt. Es sind zwei bis vier Basalnerven und fünf bis sieben Seitennerven auf jeder Seite des Mittelnervs vorhanden. Die Nebenblätter sind manchmal rötlich und bei einer Länge von etwa 1 cm eiförmig-lanzettlich.


title: Echte Feige

text: Die achselständig und einzeln stehenden Blütenstände sind bei einem Durchmesser von drei bis fünf Zentimetern birnen- beziehungsweise flaschenförmig. Die Blütenstände sind grün und unauffällig und sehen aus wie kleine unreife Feigen. Sie entstehen, indem die Blütenstandsachse krugförmig nach oben wächst und mehrere hundert Einzelblüten dabei nach innen verlagert werden. An der Spitze des Blütenstandes bleibt eine enge, konkave Öffnung (Ostiolum) frei, die durch schuppenartige, eiförmige Hochblätter fast völlig geschlossen ist.


title: Echte Feige

text: Kulturfeigen sind gynodiözisch, aber funktionell diözisch (zweihäusig getrenntgeschlechtig), d. h., es gibt männliche und weibliche Pflanzen. Es kommen bei den männlichen Pflanzen in gemischten Blütenständen sterile weibliche und männliche Blüten (zwittrig, aber funktionell männlich), bei den weiblichen Pflanzen (nur fertil weibliche) Blüten in unisexuellen Blütenständen jeweils in drei Generationen im Jahr vor. Bei den männlichen Pflanzen sind drei Formen in den verschiedenen Generationen möglich (Vorfeigen: Profichi oder Breba, Sommerfeigen: Fichi, Mammoni, Nachfeigen: Mamme).


title: Echte Feige

text: Die männlichen Blüten besitzen vier oder fünf Kelchzähne und meist drei, selten ein, vier oder fünf Staubblätter. Bei den weiblichen Blüten gibt es wieder zwei Formen: Die sogenannte „Gallblüte“ mit kurzem Griffel, sie ist steril. Die fertile weibliche Blüte besitzt vier oder fünf Kelchzähne, einen eiförmigen, glatten Fruchtknoten sowie seitlich einen langen Griffel, der in zwei linealen Griffelästen endet. Die zwei unterschiedlichen weiblichen Blüten unterscheiden sich nur durch die Griffellänge und die Narbenform. Diese drei Blütenformen sind auf zwei Formen der Kulturfeige verteilt, die klassisch als Varietäten eingestuft werden (siehe jedoch unten):


title: Echte Feige

text: Nach der Bestäubung entwickelt sich der Blütenstand in drei bis fünf Monaten zur bekannten Feige, einem Fruchtverband (Achänenfruchtverband), genauer einem "Sykonium" oder "Hypanthodium," da die weiblichen Blüten sich zu Achänen entwickeln und in den Blütenboden integriert sind. Beim Essen bemerkt man die kleinen Kerne sehr gut. Die Form ist kugelig bis birnenförmig. Je nach Sorte ist die Farbe grün bis dunkelviolett. Das Innere der Scheinfrucht besteht aus den Achänen und dem ebenfalls fleischig gewordenen Blütenboden der Einzelblüten und ist rot gefärbt. Die Schalendicke variiert ebenfalls nach Sorte: Im Hauptanbaugebiet Türkei sind die Feigen eher dünnschalig, in Griechenland eher dickschalig.


title: Echte Feige

text: Bis zu dreimal jährlich kann der Feigenbaum Früchte tragen: im Frühjahr diejenigen aus den Knospen des letzten Herbstes, die über den Winter gereift sind, am Ende des Sommers die aus den Knospen des Frühlings und in sehr warmen Gebieten mit langen Sommern sogar Ende Herbst nochmals Spätfeigen aus den Knospen des Sommers.


title: Echte Feige

text: Die Früchte der Bocksfeige sind meistens holzig, hart, trocken und ungenießbar. Die Bocksfeigensorte White Marseille liefert jedoch essbare Früchte, die süß sind mit leichtem Bananen- oder Melonenaroma.


title: Echte Feige

text: In der Wirtschaft werden Feigen als Essbare Früchte der Position 0804 20 des Harmonisierten Systems behandelt. Sie gehören typischerweise zum Trockenobst bzw. den Trockenfrüchten.


title: Echte Feige

text: Neben 80 % Wasser enthalten die reifen Früchte etwa 1,3 % Protein, 0,5 % Fett, 12,9 % Kohlenhydrate, etwa 4,5 % Ballaststoffe und 0,7 % Mineralstoffe, besonders Kalzium, Phosphor und Eisen. Daneben ist die Frucht auch reich an Vitamin B.


title: Echte Feige

text: Die Blütenökologie ist bei der Echten Feige noch komplizierter als bei der Gattung Feigen generell, da hier nicht nur Feige und Feigenwespen interagieren, sondern zusätzlich zwei Feigenvarietäten zusammenspielen müssen. Wie bei allen Feigen werden die Blüten durch eine zwei bis drei Millimeter große Feigenwespenart, hier die Feigengallwespe ("Blastophaga psenes"), bestäubt. Allerdings ist dies bei der Bocks-Feige noch komplizierter, da diese drei Generationen von Blütenständen entwickelt (Vor-, Sommer- und Nachfeigen).


title: Echte Feige

text: Die Feigengallwespen entwickeln sich in den kurzgriffligen sterilen weiblichen Blüten (Gallblüten) der "Bocks-Feige". Die Imagines schlüpfen in den reifenden Blütenständen. Die nicht flugfähigen, fast blinden Männchen begatten die Weibchen noch innerhalb der Feige. Vor dem Verlassen der Feige durch das "Ostiolum" sammeln die Weibchen an den männlichen Blüten, falls vorhanden, den Pollen. Die befruchteten und teilweise pollenbeladenen Weibchen suchen dann blühende Feigen. Es gibt nun zwei Möglichkeiten:


title: Echte Feige

text: In den Bocks-Feigen entwickelt sich die nächste Wespengeneration, bei den Ess-Feigen entwickeln sich, wenn sie bestäubt wurden, die essbaren Früchte mit den Samen.


title: Echte Feige

text: Um in Feigenkulturen die Bestäubung sicherzustellen, werden blühende Bocks-Feigenzweige in die Ess-Feigenbäume gehängt („Caprifikation“).


title: Echte Feige

text: Beide Varietäten der Kultur-Feige bringen jährlich bis zu drei Generationen hervor: Februar/März, Mai/Juni, August/September. Feigen blühen nicht im herkömmlichen Sinne, sondern haben Blütenstände, die von außen nicht als solche erkennbar sind. Bei der Bocks-Feige sind die Feigengenerationen auf der gleichen Pflanze jeweils verschieden angelegt, als Vorfeigen, Sommerfeigen und Nachfeigen. Nur die Vorfeigen enthalten viel Pollen, die Sommerfeigen wenig und die Nachfeigen keinen, weil bei den Sommer- und Nachfeigen die männlichen Blüten mehr oder weniger degeneriert sind.


title: Echte Feige

text: Die Larven der Wespen, die sich in den Nachfeigen entwickeln und überwintern, schlüpfen dort im März/April, und die Männchen begatten dann die Weibchen noch in der Feige. Die Männchen sterben danach, die Weibchen fliegen aus und dringen in die 1. Generation (Vorfeigen) der Bocks- und Ess-Feigen ein, bestäuben diese aber nicht, da die Nachfeigen, aus denen die Weibchen kommen, keine männlichen Blüten enthalten. Daher fällt die 1. Generation der Essfeigen meist vor der Reife ab. In den Bocks-Feigen der gleichen Generation stechen die Weibchen die Gallblüten an und legen ihre Eier ab.


title: Echte Feige

text: Die 2. Generation der Wespen verlässt nach der Begattung die Vorfeigen: die Wespen sind dann mit dem Pollen der dort vorhandenen männlichen Blüten beladen, den sie nun auf den Narben der 2. Generation der Ess-Feigen abladen. Da die Griffel der ausschließlich langgriffligen fertilen weiblichen Blüten der Ess-Feigen länger sind als der Legestachel der Wespen, unterbleibt bei ihnen eine Eiablage. Diese erfolgt wiederum in den Sommerfeigen der Bocks-Feigen, wo die 3. Generation der Wespen dann heranwächst. Diese Wespen fliegen dann zu der 3. Generation der Ess-Feigen, können diese aber mangels Pollen nicht bestäuben, und zu den Bocks-Feigen (Nachfeigen), stechen die Gallblüten an und legen Eier, woraus sich wieder die Larven entwickeln. Diese überwintern, um dann wieder im Frühjahr zu schlüpfen und den Kreis schließen.


title: Echte Feige

text: Es kann manchmal vorkommen, dass die männlichen Blüten in den Vorfeigen der Bocks-Feigen mit ihren pollenbeladenen Antheren das Ostiulum versperren, so dass die Wespen gar nicht ausfliegen können.


title: Echte Feige

text: Es entwickeln sich also nur die Ess-Feigen der 2. Generation durch die "Caprifikation" zu Früchten, weil bei der 1. und 3. Generation ja kein Pollen zur Befruchtung vorhanden ist.


title: Echte Feige

text: Jungfernfrüchtige (parthenokarpe) Feigensorten bilden ihre Früchte auch ohne Bestäubung aus und ermöglichen es, dass nur Einzelbäume angepflanzt werden müssen. Je nach den Voraussetzungen für die Fruchtbildung unterscheidet man drei Gruppen von Feigensorten:


title: Echte Feige

text: Ob sich ein Samen zu einer Ess- oder einer Bocks-Feige entwickelt, dürfte durch zwei dominant-rezessive Genpaare bestimmt werden, die jedoch noch nicht näher erforscht sind. Man spricht auch von Geschlechtsbestimmung, da die Bocks-Feige funktionell männlich ist, während die Ess-Feige als die weibliche Form angesehen wird. Ess-Feigen entstehen nur, wenn beide Gene homozygot in der rezessiven Form vorliegen, alle anderen Kombinationen ergeben Bocks-Feigen.


title: Echte Feige

text: Der Name "Ficus carica" wurde von Linné vergeben. Die Erstveröffentlichung erfolgte bereits 1753 in seinen "Species plantarum." 2, S. 1059.


title: Echte Feige

text: Das Artepitheton "carica" bedeutet "aus Karien" und verweist auf eine antike Landschaft in Kleinasien. Von hier kamen in der Antike getrocknete Feigen (lateinisch früher "caricae" oder "ficus siccae" genannt von ausgesuchter Qualität verpackt in den Handel.


title: Echte Feige

text: Eng mit "Ficus carica" ist die Punjab-Feige ("Ficus palmata") verwandt, die zwar sehr kleine, jedoch essbare und gutschmeckende Früchte hervorbringt. "Ficus carica" und "Ficus palmata" lassen sich problemlos kreuzen und bringen fruchtbare Nachkommen hervor.


title: Echte Feige

text: Die Heimat und die Wildform der Echten Feige sind nicht bekannt. Die Heimat wird in Südwestasien (am Kaspischen Meer, Pontisches Gebirge) vermutet, jedoch wird die Art seit der Antike im gesamten Mittelmeerraum kultiviert, wo sie auch vielfach verwildert ist. Genetische Untersuchungen mittels RFLP-Analyse der mitochondrialen DNA lassen jedoch vermuten, dass die Echte Feige im gesamten Mittelmeergebiet heimisch ist.


title: Echte Feige

text: In wintermilden Regionen kann sie auch weitab ihrer Heimat gedeihen; so gibt es Exemplare etwa auf den dänischen Ostseeinseln und in Südengland.


title: Echte Feige

text: Nördlich der Alpen, beispielsweise in den Schweizer Gemeinden Sisikon, Weggis oder Gersau, können Feigenbäume in Gegenden mit Weinbauklima an gut geschützten Stellen, wie etwa an Hauswänden und in hellen Innenhöfen, gedeihen und fruchten. Vielerorts sind Feigen in Mitteleuropa auch frosthart bis zu minus 15 Grad Celsius, wenn der Standort geeignet ist und die Pflanze ein gewisses Alter erreicht hat. In Deutschland gedeiht die Echte Feige im Weinanbaugebiet Pfalz an der Deutschen Weinstraße, ferner an der Bergstraße, entlang des Mains, im Breisgau (Oberrheingraben) sowie an der Mosel (Mittelmosel), am Niederrhein (Rheinaue) und im Ruhrgebiet. Auch im Dresdner Elbtal und auf Helgoland ist sie vertreten. In diesen Breiten bilden Feigen aber meist nur einmal reife Scheinfrüchte, die sogenannten „Brebas“, die meist zu Beginn des Hochsommers reifen, die Herbstfrüchte gelangen fast nie zur Reife.


title: Echte Feige

text: Der Feigenbaum stellt geringe Ansprüche an den Boden; dieser sollte für einen ertragreichen, erwerbsmäßigen Anbau jedoch einigermaßen tiefgründig sein, allerdings gedeihen Feigen auch in Mauerresten und in felsigen Regionen. Der Baum gedeiht auch in sehr niederschlagsarmen Gebieten, gegen Staunässe und übermäßige Feuchte besonders zur Fruchtreife ist er allerdings empfindlich. Er gilt als relativ salzverträglich.


title: Echte Feige

text: Der Feigenbaum braucht warme Sommer und milde Winter. In laublosem Zustand ist er zwar einigermaßen frostresistent, aber er ist sehr empfindlich gegen Kahlfrost und Spätfröste, sobald der Knospenaufbruch begonnen hat. Die Frosthärte ist stark von der jeweiligen Feigensorte abhängig. Beliebte, für Deutschland relativ winterharte Sorten sind beispielsweise Ronde de Bordeaux, Brown Turkey und Brunswick, die Temperaturen bis etwa −15 °C gut vertragen. Nur Sorten, die ohne Bestäubung fruchten, sind für Deutschland geeignet, weil die dazu notwendige Feigengallwespe in Deutschland fehlt.


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text: Der kommerzielle Anbau von Feigen konzentriert sich auf den Mittelmeerraum, findet jedoch auch im Iran, in den USA und in Brasilien statt. Die Ernte im Jahr 2018 betrug rund 1,1 Millionen Tonnen Frischfeigen. In weniger großem Stil werden Feigen auch in Südafrika, Australien, Neuseeland, Indien, China, Japan, Chile und Mexiko angebaut. Anbau im Wesentlichen zum Eigenverzehr findet jedoch auch in weiteren Mittel- und Südamerikanischen Ländern, in West-, Zentral- und Südostasien und in Westmitteleuropa statt.


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text: Feigenanbau ist zwar auch in Deutschland im Freiland in geschützten Lagen in Weinbaugebieten möglich, der Anbau erfolgt jedoch nur durch Liebhaber, normalerweise in Hausgärten und nirgendwo kommerziell.


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text: In Kultur wird die Echte Feige über Stecklinge aus ein- oder zweijährigen verholzten Trieben vermehrt. Diese Methode liefert rasch widerstandsfähige und ansehnliche Pflanzen. Es lassen sich jedoch auch weit ältere Ast- und Stammstücke erfolgreich bewurzeln. Gewebekultur wird auch zur Vermehrung eingesetzt, vor allem um seltene Klone zahlreich zu vermehren.


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text: Die Bäume werden je nach Sorte, Boden und Niederschlag in Dichten von 80 bis 1200 Bäumen je Hektar gepflanzt. In niederschlagsarmen Gebieten sind die Pflanzungen nicht so dicht. Die Wuchshöhe der Bäume in Kultur wird zur Erleichterung der Bearbeitung meist deutlich unter der potentiell möglichen Größe gehalten. Ohne Pflegeschnitt kann die Echte Feige rund zehn Meter hoch werden, im typisch hochmediterranen Klimaten bleibt sie aber meist deutlich niedriger. In Mitteleuropa werden auch die am stärksten wüchsigen Feigenbäume kaum höher als sechs Meter.


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text: Die Feigenkulturen benötigen nur geringe Düngung. Für die Qualität der Früchte ist ein hohes Stickstoffangebot eher ungünstig, vor allem kurz vor der Fruchtreife. Die Pflege ist recht einfach und beschränkt sich in der Regel auf einen Rückschnitt vor dem Frühjahrsaustrieb und das Entspitzen der Fruchttriebe. Letzteres führt zu einer früheren und einheitlicheren Fruchtreife.


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text: 2020 wurden laut der Ernährungs- und Landwirtschaftsorganisation FAO weltweit 1.264.943 t Feigen geerntet.


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text: Folgende Tabelle gibt eine Übersicht über die zehn größten Produzenten weltweit, die insgesamt 84,2 % der Erntemenge produzierten.


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text: Die Bäume können bereits im Pflanzjahr Früchte tragen. Vollertrag tritt meist nach fünf bis acht Jahren ein und hält rund 50 Jahre an. Auf guten Standorten beträgt der Jahresertrag 15 bis 20 Tonnen Frischfrucht pro Jahr und Hektar, was rund fünf bis sieben Tonnen Trockenfrüchte ergibt. Ein ausgewachsener Einzelbaum einer ertragreichen Sorte wie Brown Turkey kann im Jahr bis zu 100 Kilogramm frischer Feigen tragen.