title: Eishockey-Oberliga

text: Für die Saison 2015/16 konnten sich die bisherigen Clubs der Gruppen Nord, Ost und West für die neue Oberliga Nord bewerben. Die Gruppe Nord startete mit 18 Mannschaften und sollte ab der Saison 2016/17 auf 16 Mannschaften verkleinert werden. Der niederländische Rekordmeister Tilburg Trappers wechselte von der Eredivisie in die Oberliga Nord. Der EHV Schönheide 09 wurde aus dem Osten in den Süden umgruppiert. Die Gruppe Süd umfasste 11 Mannschaften.


title: Eishockey-Oberliga

text: Seit der Saison 2016/17 wurde die Oberliga Süd mit der Bayernliga über die Verzahnungsrunde zur Relegation verknüpft. Während in der Saison 2016/17 in der Oberliga Nord noch 16 Vereine und in der Oberliga Süd noch 12 Vereine die Saison bestritten, waren es in der darauf folgenden Saison 2017/18 im Norden nur noch 14 der angestrebten 16 Vereine, da die zum Aufstieg berechtigten Vereine aus den Regionalligen aufgrund finanzieller Gründe auf den Aufstieg verzichteten.


title: Eishockey-Oberliga

text: Seitdem sind für die Oberliga Nord aufstiegsberechtigt – die Meister der Regionalligen West, Nord und Ost (für den Fall, dass der Meister der Regionalliga Ost "aufgrund seiner geographischen Lage" nicht in die Oberliga Süd aufgenommen wird). Für die Oberliga Süd sind der Meister der Regionalliga Südwest und die ersten zwei Mannschaften aus der Verzahnungsrunde der Bayernliga aufstiegsberechtigt.


title: Eishockey-Oberliga

text: Zur Saison 2018/19 waren es mangels Teilnehmer in der Oberliga Nord – inklusive Tilburg – nur noch 13 und in der Oberliga Süd weiterhin 12 Vereine, die zur Meisterschaft antraten.


title: Ännchen von Tharau

text: Ännchen von Tharau, samländisch-niederdeutsch "Anke van Tharaw", ist der Titel eines volkstümlichen Lieds von Simon Dach. Es stammt aus dem Ostpreußen des 17. Jahrhunderts und besingt in 17 Strophen Anna Neander, die Tochter des Tharauer Pfarrers.


title: Ännchen von Tharau

text: Anna Neander (* 1615 in Tharau; † 28. September 1689 in Insterburg) wuchs in einem evangelischen Pfarrhaus auf. Ihr Vater war Martin Neander. Sie verlor 1629 während des Dreißigjährigen Krieges sowohl Mutter als auch Vater und verbrachte ihre weitere Jugend bei ihrem Onkel und Paten Stolzenberg in Königsberg.


title: Ännchen von Tharau

text: Anna heiratete 1636 den Pfarrer Johannes Portatius, der zunächst eine Pfarrstelle in Trempen (heute russisch: Nowostrojewo) im Landkreis Darkehmen bezog. Im Jahre 1641 wechselte er an die Kirche in Laukischken (Saranskoje) im Landkreis Labiau, wo Anna etwa 35 Jahre lang leben sollte. Ihr erster Mann starb allerdings schon 1646.


title: Ännchen von Tharau

text: Nach seinem Tod heiratete sie den Pfarrer Christoph Grube, dessen Nachfolger im Amt. Dieser starb bereits nach sechs Ehejahren und Anna heiratete den nächsten Amtsnachfolger, Pastor Johann Melchior Beilstein. Heiraten dieser Art entsprachen der seinerzeit üblichen Pfarrwitwenversorgung. In den drei Ehen gebar Anna insgesamt elf Kinder.


title: Ännchen von Tharau

text: Nachdem Anna auch ihren dritten Mann überlebt hatte, zog sie 1676 zu ihrem ältesten Sohn Friedrich Portatius, der Pfarrer an der Lutherkirche war, nach Insterburg. Die Pfarrstelle in Laukischken übernahm ihr jüngster Sohn aus der dritten Ehe. Anna starb in Insterburg und wurde auf dem dortigen Friedhof beigesetzt. Heute erinnert ein Gedenkstein in einem Insterburger Park mit der Inschrift „Ännchen v. Tharau zum Gedenken“ in deutscher Sprache an sie.


title: Ännchen von Tharau

text: Die ursprünglich in samländischem Niederdeutsch geschriebenen Verse "Anke van Tharaw" wurden anlässlich Anna Neanders erster Hochzeit mit dem Pfarrer Johannes Portatius im Dezember des Jahres 1636 verfasst. Als Verfasser des Textes gilt Simon Dach, zwischenzeitliche Zweifel an dieser Autorschaft gelten als widerlegt. Eine 1642 veröffentlichte erste Vertonung stammt von Heinrich Albert und basiert auf verschiedenen Versionen des Reigens "Ännerlein von Torgen" von 1590 eines unbekannten Komponisten. Das Gedicht wurde von Ankes Landsmann Johann Gottfried Herder in die damalige Form des Standarddeutschen übertragen und 1778 in "Volkslieder" (2º postum 1807 als "Stimmen der Völker in Liedern") unter dem Titel "Annchen von Tharau" (2º "Aennchen von Tharau") veröffentlicht. 1827 unterlegte Friedrich Silcher diesen Text mit einer neuen, heute allgemein bekannten Melodie. 1845 übersetzte Henry Wadsworth Longfellow das Gedicht ins Englische ("Annie of Tharaw").


title: Ännchen von Tharau

text: Heute steht im litauischen Klaipėda (früher: Memel) der Simon-Dach-Brunnen, der auch das Ännchen von Tharau darstellt.


title: Ännchen von Tharau

text: 1878 wurde die Oper "Ännchen von Tharau" am Stadttheater Hamburg uraufgeführt. Das Libretto stammte von Roderich Fels, die Komposition von Heinrich Hofmann. Die Oper wurde in Riga, Brünn, Graz, Rotterdam und Basel nachgespielt und schließlich in zwei Berliner Opernhäusern vorgestellt, 1886 in der Krolloper, 1889 in der Hofoper. Das Werk verschwand in der Folge von den Spielplänen. Ferner schuf der Komponist Heinrich Strecker eine gleichnamige, 1933 in Breslau uraufgeführte Operette. Das Libretto von Bruno Hardt-Warden und Hans Spirk hat mit der Überlieferung kaum Ähnlichkeit und endet mit einem Happy End für Simon Dach und Ännchen.


title: Ännchen von Tharau

text: 1954 wurde nach Motiven aus dem Leben des historischen Ännchens ein Heimatfilm unter Regie von Wolfgang Schleif mit dem Titel "Ännchen von Tharau" gedreht. Zudem ist eine Rosensorte als "Ännchen von Tharau" benannt.


title: Mowag Duro

text: Der Mowag Duro ist ein geländegängiges, ungepanzertes oder geschütztes militärisches Fahrzeug des Schweizer Herstellers Mowag.


title: Mowag Duro

text: Der Duro wurde auf eine Ausschreibung der Schweizer Armee von der Bucher-Guyer AG entwickelt und konnte sich auch gegen einen konkurrierenden Entwurf von Mowag durchsetzen. Im Zuge einer Umstrukturierung bei Bucher-Guyer wurde die Duro-Fertigung an Mowag übergeben. Dies war auch im Interesse der Schweizer Armee, die ohnehin schon Fahrzeuge von Mowag bezog und die Konzentration der Fahrzeugbeschaffung auf wenige Hersteller bevorzugt.


title: Mowag Duro

text: Der Name Duro steht für "DU"rable (dauerhaft) und "RO"bust. Das Fahrzeug wird verwendet als Mannschaftstransporter, Kommandofahrzeug, Logistik-, Ambulanz-, Gerätefahrzeug und als Startfahrzeug für die Drohne ADS 95. Die Duros werden von der Schweizer Armee, der OSZE und dem britischen Heer eingesetzt.


title: Mowag Duro

text: Aufgrund des Swisscoy-Einsatzes forderte die Schweizer Armee geschützte Duros. Diese wurden wiederum in der Version 4×4 und 6×6 angeboten, wahlweise mit einem Wechselaufbau, einer Ladepritsche oder einem festen gepanzerten Aufbau. Die Schweizer Armee kaufte geschützte Duros in der 6×6-Version als Mannschaftstransporter und als Ambulanzfahrzeug, aus dieser Vorgabe wurde zudem eine Version als Wertsachentransporter abgeleitet. Unter dem Namen Rheinmetall YAK ist das Fahrzeug bei der Bundeswehr als Truppentransporter, Feldjägerfahrzeug (Militärpolizei) und Ambulanz vornehmlich in Afghanistan im Einsatz.


title: Mowag Duro

text: In der geschützten Ausführung bietet er ballistischen Schutz und integrierten Minen- sowie ABC-Schutz. Der Duro ist als Zweiachser (4×4) und Dreiachser (6×6) mit höherer Nutzlast erhältlich. In der zweiachsigen Variante bietet er Platz für bis zu 20 Besatzungsmitglieder.


title: Mowag Duro

text: Der Duro IIIP ist eine gepanzerte 6×6-Version des Duros, die in der Schweizer Armee auch als DURO GMTF bezeichnet wird und wahlweise mit einem ferngelenkten Maschinengewehr und Nebelwerfer ausgerüstet werden kann. In der Schweizer Armee ist der Duro IIIP als gepanzerter Truppentransporter und als ABC-Nachweisfahrzeug im Einsatz.


title: Mowag Duro

text: Weiter gibt es die Variante GSANF als gepanzertes Sanitätsfahrzeug, welche seit 2015 im Truppeneinsatz stehen, die Schweizer Armee besitzt 4 Stück davon.


title: Mowag Duro

text: Die deutsche Bundeswehr beschaffte im Jahre 2004 zunächst 30 der dreiachsigen geschützten Mehrzweckfahrzeuge und führt diese unter der Bezeichnung DURO 3. Neben 12 Fahrzeugen für den Zentralen Sanitätsdienst, vier Feldjägerfahrzeugen und vier Fahrzeugen als Bodenkontrolle sowie Start/Landetruppfahrzeug für die Luna-Aufklärungsdrohnen wurden dem Einsatzverband in Afghanistan zehn Transporter für die Kampfmittelbeseitigung (EOD) durch den deutschen Generalunternehmer Rheinmetall Landsysteme GmbH übergeben. Darüber hinaus wurden im Jahr 2005 weitere 100 Fahrzeuge als Transportfahrzeuge mit weitreichenden baulichen Veränderungen bestellt. Die Einheiten des zweiten Bauloses verfügen über einen verbesserten ballistischen Schutz, integrierten Schutz gegen Minen bzw. IED, ABC-Schutz und haben Platz für bis zu zehn Personen. Die Auslieferung dieser unter dem Namen YAK eingeführten Fahrzeuge erfolgte in den Jahren 2006 bis 2009.


title: Mowag Duro

text: Von diesen 175 Fahrzeugen wurden 12 YAK zu mobilen geschützten Fernmeldeaufklärungsfahrzeugen (MoGeFA) umgerüstet. MoGeFA wird in Trupps zu drei Fahrzeugen in den vier Bataillonen für Elektronische Kampfführung des Kommando Strategische Aufklärung eingesetzt, um das gesamte elektronische Spektrum zu erfassen. MoGeFA erfüllt am Boden eine ähnliche Aufgabe wie das geplante luftgestützte Systeme ISIS (Integrated SIGINT System). Die Auslieferung erfolgte bis April 2021.


title: Mowag Duro

text: Diese Fahrzeuge sind bei verschiedenen Feuerwehreinheiten in der Schweiz im Einsatz, so z. B. bei der Feuerwehr Bern.


title: Mowag Duro

text: In den 1990er Jahren wurden Überlegungen angestellt, den Duro bei den Feuerwehren im Gebiet der ehemaligen DDR als Ersatz für den Robur LO einzuführen. Robur und Duro haben vergleichbare Aussenabmessungen, so dass an den vorhandenen Feuerwehrhäusern keine bauliche Massnahmen für neue Fahrzeuge erforderlich wären. Die Umsetzung scheiterte jedoch am Anschaffungspreis des Duro, der die Finanzkraft der Feuerwehren überstieg.


title: Mowag Duro

text: Der 4×4 Duro wurde auch als Nutzfahrzeug für die Kommunen und Gemeinden angeboten, als Kipplader oder mit festem Aluminiumaufbau als Servicewagen, jedoch kam es zu keinen nennenswerten Verkäufen. Auch in der Konfiguration als ziviler Krankenwagen kam es zu keinen Erfolgen.


title: Mowag Duro

text: Eine geringe Anzahl Fahrzeuge befindet sich, meist als Expeditionsfahrzeug ausgestattet, in Privatbesitz. Sie wurden von zivilen Unternehmen oder Privatpersonen als Offroadwohnmobile, Expeditionsreisebus und Expeditionsfahrzeug auf der Basis von 4×4 und 6×6 Duros umgebaut.


title: Fafnir

text: Fáfnir (auch Fafner, dt. "der Umarmer", "der Greif") ist eine Drachenfigur der nordischen Mythologie, die im Heldenlied Fáfnismál der Liederedda und in der Völsunga saga überliefert ist. Als Fafner taucht die Figur auch in Richard Wagners "Der Ring des Nibelungen" auf.


title: Fafnir

text: Fafnir ist gemäß der isländischen Völsunga saga der Sohn des Zwergenkönigs Hreidmar. Seine Brüder heißen Otr (auch "Otur") und Reginn. Fafnir wird als begabter Zwerg beschrieben, der mithilfe einer mächtigen Waffe und seines furchtlosen Gemüts das mit Edelsteinen verzierte und golden glänzende Haus seines Vaters hütet. Er ist der stärkste und aggressivste der drei Brüder.


title: Fafnir

text: Reginn berichtet Sigurd, wie die Asengötter Odin, Loki und Hönir (Hœnir) auf einer ihrer Reisen beim Fischen auf seinen Bruder Ótr treffen, der tagsüber einem Otter gleicht. Loki tötet den Otter mit einem Stein, und die drei Asen (Æsir) häuten ihren Fang. Die Götter gelangen am Abend zu Hreidmars Wohnstatt und freuen sich, mit dem Otterfell angeben zu können. Hreidmar und seine beiden anwesenden Söhne packen sofort die Götter, als sie die Überreste ihres Bruders erkennen. Sie halten Odin und Hönir gefangen, während Loki das Wergeld, eine Art Lösegeld, herbeischaffen soll. Das Gold soll den Balg des Otters ausfüllen und seine Haut soll mit Rotgold überzogen werden. Loki erfüllt die Aufgabe, indem er das verfluchte Gold des Zwerges Andvari sowie den Ring Andvaranaut beschafft, obwohl Loki anvertraut wurde, dass sowohl das Gold als auch der Ring seinem unrechtmäßigen Besitzer den Tod brächten. Aus Gier, weil Hreidmar seinen beiden Söhnen nichts vom Wergeld abgeben möchte, tötet Fafnir seinen Vater, um alles Gold an sich zu reißen. Reginn flieht und wird später zum Mentor seines Ziehsohns Sigurd. Fafnir zieht sich in eine Höhle in der Wildnis auf der Gnitaheide zurück, wo er auf seinem Golde liegt, um es zu bewachen. Allmählich nimmt er die Gestalt eines Lindwurmes an, wobei der Oegishjalmr – ein Schreckenshelm, der das Aussehen verändert – sein Antlitz noch entsetzlicher macht.


title: Fafnir

text: Reginn schwört seinem Bruder Ótr Rache und ermutigt seinen Ziehsohn Sigurd Fåvnesbane, den Drachen zu vernichten. Reginn rät Sigurd, eine Grube unter Fafnirs Schwanz auszuheben, um dort zu warten. Wenn Fafnir darüber gleitet, um an einem Strom Wasser zu trinken, würde er sein Schwert, Gram, in Fafnirs Herz stoßen können. Reginn verschwindet daraufhin und lässt Sigurd die Tat ausführen. Als Sigurd die Grube ausgehoben hat, erscheint Odin in Form eines alten Mannes mit einem langen Bart und rät ihm, mehr Gräben anzulegen, damit Fafnirs Blut abrinnen kann. Er will Sigurd davor schützen, im Drachenblut zu ertrinken. Die Erde erzittert, als Fafnir erscheint, Gift verspritzend, als er zum Wasser schlängelt. Sigurd, unbeeindruckt, sticht Fafnir mit seinem Schwert Gram ins Herz, als dieser über die Grube kriecht, und verwundet den Lindwurm so tödlich.


title: Fafnir

text: Der sterbende Drache spricht zu Sigurd und will seinen Namen wissen, ebenso die Namen seines Vaters und seiner Mutter. Er will weiterhin erfahren, wer den Helden sandte, um einen solch schrecklichen Drachen wie ihn zu töten. Fafnir erkennt, dass sein eigener Bruder Reginn hinter der Verschwörung steckt und sagt voraus, dass Reginn auch Sigurds Tod verursachen wird. Sigurd teilt Fafnir mit, dass er zurück in die Höhle des Untieres gehen wird, um den Schatz zu nehmen. Fafnir warnt Sigurd, dass jeder, der das Gold besitzt, verurteilt ist zu sterben. Sigurd antwortet jedoch, dass alle Menschen einmal sterben müssen und es der Traum vieler Menschen sei, bis zu ihrem Tod reich zu sein, weshalb er das Gold ohne Furcht nehmen wird.


title: Fafnir

text: Reginn kehrt zu Sigurd zurück, nachdem dieser den Drachen erschlagen hat. Voller Gier plant Reginn, Sigurd zu töten, nachdem dieser das Herz Fafnirs für ihn gekocht hat. Aus Versehen gelangt Fafnirs Blut an Sigurds Lippen, als dieser kosten will, ob das Herz gar ist, wodurch er die Gabe erhält, die Sprache der Vögel zu verstehen. Er erfährt von den Vögeln Odins über Reginns bevorstehenden Plan, ihn zu töten und köpft daraufhin Reginn, verspeist Fafnirs Herz und trinkt Reginns Blut.


title: Fafnir

text: In einigen Versionen nimmt Sigurd nicht nur den Schatz, sondern auch die Schwerter Ridill und Hrotti, den Schreckenshelm Oegishjalmr sowie den goldenen Tarnmantel.


title: Fafnir

text: In Richard Wagners Adaption des Stoffes mit dem Opernzyklus "Der Ring des Nibelungen" spielt sich die ganze Geschichte recht ähnlich, wenn auch leicht modifiziert ab.


title: Fafnir

text: Hreidmar entfällt, Fafnir heißt jetzt Fafner, sein Bruder Fasolt. Der Hort (Schatz) ist die fällige Bezahlung der Riesenbrüder für den Bau von Walhall, und das Ganze ist mit der Geschichte des Rheingoldes verbunden. Der verfluchte Ring wird wie in manchen Versionen der Edda und des Nibelungenliedes auch in Wagners Opernzyklus zum zentralen Handlungsgegenstand. Bei Wagner heißt Sigurd Siegfried, und Oegishjalmr ist kein Schreckenshelm, sondern eine „Tarnhelm“ genannte Tarnkappe, mit deren Hilfe der Träger jede beliebige Gestalt annehmen, sich insbesondere auch unsichtbar machen kann.


title: Fafnir

text: Die schwedische Metal-Band Amon Amarth erzählt in ihrem Lied "Fafner's Gold" auf dem Album Berserker (Album) die Geschichte des Zwergs Reginn und des Drachen Fafnir.


title: Isebel

text: Isebel ist in der Bibel der Name zweier Frauen, einer Frau aus dem Alten Testament und einer aus dem Neuen Testament.


title: Isebel

text: Der hebräische feminine Personenname ist vermutlich ein Fragesatz, bestehend aus dem Fragewort und dem Substantiv und lässt sich mit „Wo ist Hoheit?“ übersetzen. Damit ähnelt dieser Name seiner Struktur nach den Namen Ehud (), Ijob (), Ikabod () und Iëser (). Vergleichen lassen sich ferner der inschriftlich überlieferte Name "YZBL" und der punische Name בעלאזבל "b‘l’zbl".


title: Isebel

text: Bekannteste Namensvertreterin ist die phönizische Prinzessin Isebel im 9. Jahrhundert v. Chr. und Tochter des Königs Etbaal von Sidon oder nach neuerer Forschung von Tyros in Phönizien.


title: Isebel

text: Isebel heiratete König Ahab von Israel, den sie der biblischen Erzählung in zufolge dazu brachte, sich von JHWH ab- und ihren phönizischen Göttern zuzuwenden. Die dadurch durchweg negative Aufnahme Isebels in die Schriften des Alten Testaments dürfte schon älter sein als das Deuteronomistische Geschichtswerk.


title: Isebel

text: Im Alten Testament wird Isebel die Verantwortung für Ahabs Missetaten gegeben. Ihr wird vorgeworfen, für die Ermordung zahlreicher JHWH-Propheten verantwortlich zu sein, so dass sie zur Feindin Elijas wird. Als Elija durch ein „Gottesurteil“ klären will, wer eine mehr als drei Jahre anhaltende Dürre verschuldet hat bzw. beenden kann, lässt er durch Ahab die Propheten verschiedener Glaubensrichtungen auf dem Berg Karmel versammeln. Elija spricht zu Ahab:


title: Isebel

text: Isebels Charakter wird auch durch die Erzählung von Naboths Weinberg in verdeutlicht, wonach zunächst König Ahab dem Naboth vergeblich einen Weinberg abzukaufen versuchte, woraufhin Isebel eingriff, dem Naboth vorwarf, er habe Gott und König gelästert, und ihn steinigen ließ. Auch nach dem Tod König Ahabs verfügte sie über starken Einfluss, da ihre Söhne Ahasja und Joram Könige in Israel wurden. Ebenso wie ihre Söhne kam allerdings auch Isebel gewaltsam ums Leben. Nach wurde sie auf Veranlassung von Jehu aus dem Fenster geworfen. Ihre Leiche wurde zum Fraß von Hunden, wie es ihr von Elija prophezeit worden war.


title: Isebel

text: Marjo Korpel von der Universität Utrecht konnte 2007 das im Israel Museum in Jerusalem aufbewahrte phönikische Siegel der Königin Isebel identifizieren.


title: Isebel

text: Der Legende nach gilt Isebel als Großtante von Dido, der Gründerin Karthagos. Der biblische Bericht hat dazu beigetragen, dass der Name Isebel zum Synonym für eine hinterhältige, boshafte Frau geworden ist.


title: Isebel

text: Auch in tritt eine Isebel auf; diese Isebel ist eine Prophetin in der Stadt Thyatira. Ihr wird vorgeworfen, sie verführe Christen zu Unzucht und dazu, Götzenopfer zu essen. Möglicherweise verwendet der Autor der Offenbarung hier den Namen Isebel, um Assoziationen des alttestamentlichen Vorbilds zu wecken.


title: Panzersperre

text: Eine Panzersperre ist ein Bauwerk oder eine mobile Vorrichtung mit dem Zweck, Panzer auf ihrem Vorstoß zu behindern. Die Sperre zwingt den Panzer zum Anhalten oder zumindest zur langsamen Fahrt. An der Sperre, die grundsätzlich von eigenen Kräften zumeist aus Stellungen heraus überwacht wird, werden die feindlichen Kräfte von eigenen Kräften mit zur Verfügung stehenden Mitteln wie etwa eigenen gepanzerten Kräften, aber auch mit Joint Fire Support Teams, infanteristischen Panzerabwehrwaffen oder notfalls Panzernahkampfmitteln bekämpft. Wird eine Sperre nicht überwacht, handelt es sich um ein Hindernis.


title: Totenbeschwörung

text: Die Totenbeschwörung, auch Nekromantie und Totenorakel genannt, ist eine weltweit verbreitete Form des Spiritismus, die von der Annahme einer Existenz der Verstorbenen oder ihrer Seelen nach deren Tod ausgeht und durch Rituale und direkte Beschwörung Verstorbener deren Wiederbelebung und die Begegnung mit Geistern Verstorbener anstrebt, was Einblicke in die jenseitige Welt, Problemlösungen oder Einsichten in zukünftige Ereignisse bringen soll (Mantik). Die wissenschaftliche, literarische oder künstlerische Beschäftigung damit bezeichnet man als Nekromantik. Die Totenbeschwörung kommt in ethnischen Religionen vor, in denen es neben einem Ahnenkult auch die Vorstellung gibt, dass die Vorfahren zeitweilig unter den Lebenden präsent sind. Totenbeschwörungen sind beispielsweise ein wichtiger Teil der Yoruba-Religionen (z. B. des Voodoo) und können auch Teil von Krisenkulten sein. Zwecks Kontaktaufnahme können Methoden wie z. B. das Gläserrücken und das Pendeln Anwendung finden, wie auch die Verwendung eines Ouija oder einer Planchette.


title: Totenbeschwörung

text: Das Wort "Nekromantie" leitet sich ab vom altgriech. "nekros" "(Leiche)" und von "mantis" "(Weissager)." Seit dem 13. Jahrhundert wird Nekromantie mit Nigromantie gleichgesetzt und mit der "Schwarzen Magie" assoziiert. Bei Paracelsus bedeutet Nigromantie die Beschwörung der Gestirngeister. Das Wort "Nigromantie" bezeichnet aber lediglich die mittelalterliche Wortneubildung für "Nekromantie." Das Wort entstand aus einer Verschmelzung des alten griech.-lat. Begriffs "Nekromantie" mit lat. "niger:" „schwarz“. Im Mittelalter war das Wort "niger" gleichbedeutend mit „schlecht“ oder „schrecklich“, war unheilbringend oder ein Begriff der schwarzen Künste (vgl. Schwarze Magie, Schwarzer Tod).


title: Totenbeschwörung

text: Die im Mittelalter von den "Nekromanten" ausgeübten Beschwörungs- und Weissagungspraktiken, die vor allem in Grimoires beschrieben wurden, waren von der christlichen Glaubenslehre als "superstitiös" (abergläubisch) untersagt.


title: Totenbeschwörung

text: Bekannte Beispiele für Totenbeschwörungen sind König Saul, der den Schatten Samuels durch die Totenbeschwörerin von Endor aus dem Scheol heraufbeschwören ließ (1. Sam. 28, 7 ff.), oder Odysseus, der im 11. Buch der „Odyssee“ den Geist des Sehers Teiresias durch das Nekromanteion aus der Unterwelt heraufbeschwört. Herodot erwähnt dieses Nekromanteion im Zusammenhang mit Periander, dem Tyrannen von Korinth, der Gesandte schickte, die im Orakel mit seiner toten Ehefrau Melissa in Kontakt treten sollten. Auch die Tat des Ödipus wurde durch Nekromantie aufgedeckt, da Teiresias den toten Laios beschwor, um den Namen dessen Mörders zu erfahren. In den "Persern" des Aischylos wird der Geist des toten Großkönigs Dareios von seiner Witwe Atossa und dem Chor der Alten heraufbeschworen. Vor allem Orte wie Schluchten in vulkanischen Gegenden, die als Eingänge in die Unterwelt galten und bei denen man die Tempel des Hades und der Persephone errichtete, waren für die Totenorakel vorgesehen. Bei diesem Kult sollten die Schatten von dem Blut der Tieropfer trinken, um dadurch die Kraft zu erhalten, die Fragen der Zukunft zu beantworten. Nekromantie hieß bei den Griechen auch das zu diesem Zweck vollzogene Totenopfer. Im 15. Jahrhundert behandelte der Arzt Johannes Hartlieb in seinem "„Buch aller verbotenen Künste“" (1455/56) die "nigramancia" als eine von sieben mantischen Künsten. Vielen Gelehrten, die sich mit Mathematik, Astronomie, Ingenieurskunst, Alchemie, Medizin u. Ä. beschäftigten, heftete ihre Umwelt das Etikett des Zauberers an (z. B. Gerbert von Reims). Sogar dem Dichter Vergil wurden seit dem 12. Jahrhundert technische Wunderwerke zugeschrieben, die ihn zum "Nekromanten" stempelten. Auch Faust, Trithemius und John Dee waren unter Verdacht, Nekromantie zu betreiben.


title: Totenbeschwörung

text: Vorgebliche Nekromanten gibt es auch in manchen christlichen Bewegungen. David Miranda, Gründer der pflingstlerisch-fundamentalistischen Sekte Deus é Amor, die vor allem in Brasilien zahlreiche Anhänger hat, erweckte in seinen Veranstaltungen scheinbar Tote wieder zum Leben:


title: Kate Barry

text: Kate Barry war die Tochter der Schauspielerin und Sängerin Jane Birkin und des Komponisten John Barry. Sie war die älteste der drei Birkin-Töchter, Halbschwester von Charlotte Gainsbourg und Lou Doillon. Ihre Großmutter mütterlicherseits war die Schauspielerin Judy Campbell. Nachdem sich ihre Eltern 1967 getrennt hatten, wuchs sie unter der Fürsorge ihrer Mutter und deren Lebensgefährten Serge Gainsbourg auf, bis diese sich ihrerseits voneinander trennten.


title: Kate Barry

text: Zunächst strebte sie den Beruf der Modeschöpferin an und begann ein Studium an der École de la chambre syndicale de la couture parisienne. Sie erkrankte jedoch an Alkohol- und Drogensucht. Nach der Geburt ihres Sohnes Roman befreite sie sich in einer Londoner Spezialklinik von ihrer Abhängigkeit. Dem Vorbild der Anonymen Alkoholiker folgend, gründete sie 1993 die Organisation "Apte" ("Aide et prévention des toxico-dépendances par l′entraide").


title: Kate Barry

text: Im Alter von 28 Jahren wandte sie sich der Fotografie zu. Sie porträtierte zahlreiche Schauspielerinnen und Schauspieler, darunter ihre Schwester Charlotte, Elsa Zylberstein, Audrey Tautou und Catherine Deneuve. Für Modezeitschriften und Zeitungen, beispielsweise Vogue, Elle, Paris Match, Le Figaro Madame schuf sie Porträts und Modefotografien. Darüber hinaus fotografierte für Werbekampagnen. Aufnahmen von ihr zieren die Cover von CDs von Calogero und Carla Bruni. Sie fotografierte aber auch außerhalb der Modewelt, porträtierte beispielsweise Landschaften und die Gesichter der Arbeitenden auf dem Markt von Rungis.


title: Kate Barry

text: Kate Barry nahm nie die französische Staatsbürgerschaft an. Gemeinsam mit Jean Rolin schrieb sie ein autobiografisches Buch über die Stadt Dinard: "Dinard. Essai d′autobiographie immobilière".


title: Kate Barry

text: Im September 2013 eröffnete die "Galerie Cinéma" in Paris mit der Ausstellung "Point of View", die alle Facetten der Arbeit von Kate Barry zeigte. Die Galeristin Anne-Dominique Toussaint hatte Kate Barry bei den Drehaufnahmen für den Film "Jacky ou le royaume des filles" von Riad Sattouf kennengelernt, wo Barry auf dem Set fotografiert hatte. Toussaint schrieb über Barry:


title: Kate Barry

text: Am 11. Dezember 2013 starb Kate Barry durch einen Sturz aus dem Fenster ihrer Pariser Wohnung im 4. Stockwerk. Die Wohnung war von innen verschlossen, und sie war allein.


title: Transliteration

text: Transliteration (von „hinüber“ und [auch ] „Buchstabe“) bezeichnet in der angewandten Linguistik die buchstabengetreue Übertragung von Wörtern aus einer Schrift in eine andere (z. B. griechisch als "ph," runisch ᛜ als "ng"). Dabei werden gegebenenfalls diakritische Zeichen eingesetzt, so dass eine eindeutige Rückübertragung möglich wird.


title: Transliteration

text: Um transliterierte Wörter korrekt aussprechen zu können, ist die Kenntnis der Ausspracheregeln der Ursprungssprache notwendig. Transliteration ist aber für die einheitliche Sortierung von Verfassern und Sachtiteln oder anderen Listenelementen aus Sprachen mit nichtlateinischen Buchstaben nützlich, beziehungsweise unerlässlich, zum Beispiel im Bibliothekswesen.


title: Transliteration

text: Transliteration darf nicht mit Transkription verwechselt werden. In der Ägyptologie werden jedoch die beiden Begriffe miteinander vertauscht verwendet.


title: Transliteration

text: Beispiele für Transliterationssysteme bestehen für Arabisch, Armenisch, Bulgarisch, Griechisch, Hebräisch, Koreanisch, Mazedonisch, Persisch, Russisch, Sanskrit, Serbisch, Thailändisch (Thai), Ukrainisch und Weißrussisch.


title: Transliteration

text: Keine Transliterationssysteme, sondern nur Transkriptionssysteme gibt es für komplexe Schriften wie Chinesisch.


title: Transliteration

text: Dieses Beispiel eines persischen Zweizeilers verdeutlicht die Unterscheidung zwischen Transliteration und Transkription nach den Vorgaben der Deutschen Morgenländischen Gesellschaft (DMG):


title: Robert Gernhardt

text: Robert Johann Arthur Gernhardt (* 13. Dezember 1937 in Tallinn, Estland; † 30. Juni 2006 in Frankfurt am Main) war ein deutscher Schriftsteller, Dichter, Zeichner und Maler, der vor allem durch seine Satiren und seine komischen Gedichte und Zeichnungen in der Tradition Wilhelm Buschs bekannt wurde. Er war Redakteur der Zeitschrift Pardon sowie Mitbegründer der Neuen Frankfurter Schule und des Satiremagazins Titanic.


title: Robert Gernhardt

text: Robert Gernhardts Vater war Richter. Die Familie Gernhardt gehörte in Estland zur Minderheit der Deutsch-Balten und musste 1939 nach Posen übersiedeln.


title: Robert Gernhardt

text: 1945 fiel der Vater als Soldat im Zweiten Weltkrieg. Nach Kriegsende floh die Mutter mit den Söhnen Robert, Per und Andreas über Thüringen nach Bissendorf. 1946 kam die Familie nach Göttingen. Nach Abschluss seiner Schulausbildung 1956 studierte Gernhardt Malerei an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart und der Akademie der Künste in Berlin sowie Germanistik an der FU Berlin. Seit 1964 lebte er als freiberuflicher Maler, Zeichner, Karikaturist und Schriftsteller in Frankfurt am Main. 1972 kaufte er in der Gegend von Arezzo in der Toskana ein altes Gebäude, wo er fortan viel Zeit verbrachte. 1965 heiratete er die Malerin Almut Ullrich (1940–1989). 1990 ging Gernhardt eine zweite Ehe mit Almut Gehebe ein. 1996 musste er sich einer schweren Herzoperation unterziehen.


title: Robert Gernhardt

text: Gernhardt war 1999/2000 Stipendiat am Wissenschaftskolleg Berlin und verbrachte 2006 kurze Zeit als residenter Autor an der University of Warwick in England. Am 30. Juni 2006 erlag er in Frankfurt einer Darmkrebserkrankung, von der er seit Juli 2002 Kenntnis hatte. Er wurde auf dem Frankfurter Hauptfriedhof beigesetzt.


title: Robert Gernhardt

text: Von April 1964 bis Dezember 1965 war Gernhardt Redakteur der Satirezeitschrift Pardon, bei der er 1964 einer der Mitbegründer der Nonsensbeilage "Welt im Spiegel" war, die bis 1976 erschien und die neuere humoristische Literatur erheblich und maßgeblich beeinflusste. Gernhardt hatte eine Reihe von Ausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen unter anderem in Berlin, Frankfurt am Main, Basel und Regensburg. Er war Mitglied des Deutschen Künstlerbundes. Zusammen mit F. W. Bernstein, F. K. Waechter, Chlodwig Poth, Eckhard Henscheid, Bernd Eilert, Peter Knorr und Hans Traxler war er Mitbegründer der Neuen Frankfurter Schule, deren Publikationsorgan nach der Zeitschrift pardon das Satiremagazin Titanic wurde. 1974 liefen im Hessischen Rundfunk sechs Folgen der Radiosendung "HELP, ein satirisches Aushilfsmagazin", das in Zusammenarbeit mit Peter Knorr entstand. Von 1975 bis 1978 wurden 8 Folgen der Fernsehsendung "Dr. Muffels Telebrause" produziert, einer Comedyshow von Robert Gernhardt, Bernd Eilert und Peter Knorr. In den 1980er Jahren war Gernhardt gemeinsam mit Eilert und Knorr unter dem Kürzel GEK-Gruppe Co-Autor diverser "Otto-Shows". Er gab auch Bücher von Otto Waalkes heraus und war am Drehbuch von vier „Otto-Filmen“ beteiligt.


title: Robert Gernhardt

text: Mit "Glück Glanz Ruhm" (1983), "Gedanken zum Gedicht" (1990) und "Der letzte Zeichner" (1999) trat Gernhardt als Essayist hervor.


title: Robert Gernhardt

text: Schon seit Beginn der 1980er Jahre veröffentlichte Gernhardt Gedichte ("Wörtersee", 1981) und wurde im Laufe der 1990er Jahre zunehmend auch von der Kritik als bedeutender Lyriker anerkannt. Zu nennen sind vor allem die Gedichtbände "Weiche Ziele" (1994), "Herz in Not" (1996), "Lichte Gedichte" (1997), "Die K-Gedichte" (2004) und "Später Spagat" (2006 posthum erschienen).


title: Robert Gernhardt

text: Er gilt heute als einer der wichtigsten zeitgenössischen Dichter deutscher Sprache. Sein Werk hat sich dabei von den Nonsense-Versen und den humoristischen Formen der 1960er und 1970er Jahre zu einer vielseitigen Lyrik weiterentwickelt, die Gernhardt auch stets um neue Töne erweiterte. So parodierte er lyrisch verschiedene Textsorten, das berühmteste Beispiel ist das Sonett "Materialien zu einer Kritik der bekanntesten Gedichtform italienischen Ursprungs", eine scheinbar wütende Invektive gegen eben diese Gedichtform und deren Verfasser. Die Begleitumstände seiner Herzoperation verarbeitete Gernhardt in dem aus 100 reimlosen Siebenzeilern bestehenden Gedichtzyklus "Herz in Not". Auch über seinen Kampf mit dem Krebs ab 2002 verfasste er mehrere Gedichte, die den ersten Teil der "K-Gedichte" darstellen. Seit 2003 las er in der Sendung "Druckfrisch" in der ARD regelmäßig ein zeitkritisches Sonett. Im Wintersemester 2005/2006 hielt er als Heine-Gastprofessor dieselben Vorlesungen über Lyrik an der Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf, die er fünf Jahre zuvor auch im Rahmen der Frankfurter Poetik-Vorlesungen gehalten hatte.


title: Robert Gernhardt

text: Gernhardts Nachlass liegt im Deutschen Literaturarchiv Marbach. Aus den rund 40.000 Seiten umfassenden Aufzeichnungen in den sogenannten „Brunnen“-Heften wurde 2011 der Band "Toscana mia" herausgegeben, der eine Auswahl aus Gernhardts Notizen, Versen und Zeichnungen enthält, die er während der Jahre 1979 bis 2005 in seinem Haus in der Toskana zu Papier brachte.


title: Robert Gernhardt

text: Teile des Nachlasses sind im Literaturmuseum der Moderne in Marbach in der Dauerausstellung zu sehen.


title: Robert Gernhardt

text: Robert Gernhardt kommentierte später seine Verwendung von Pseudonymen während der Arbeit an "Welt im Spiegel" (WimS):


title: Robert Gernhardt

text: Die Erzähler in seinen Geschichten haben oft Namen wie G oder Norbert Gamsbart und sind augenscheinlich an den Namen des Autors angelehnt. Mit ihrer Hilfe konnte Gernhardt Ansichten verbreiten, die im Wesentlichen die eigenen waren, aber von denen er sich jederzeit distanzieren konnte mit dem Hinweis, nicht er, sondern seine Kunstfigur habe sie geäußert.


title: Robert Gernhardt

text: Hans Mentz ist ein Sammelpseudonym, unter dem in der Satirezeitschrift Titanic verschiedene Autoren die Rubrik "Humorkritik" verfassen.


title: Robert Gernhardt

text: Im Dezember 2008 stiftete die Landesbank Hessen-Thüringen im Andenken an Robert Gernhardt den beim Hessischen Ministerium für Wissenschaft und Kunst angesiedelten Robert-Gernhardt-Förderpreis (heute: Robert-Gernhardt-Preis). Er wird seit 2009 jährlich an je zwei hessische Autoren vergeben, um sie darin zu unterstützen, ein besonderes literarisches Projekt zu verwirklichen. Das Preisgeld beträgt für jeden Preisträger jeweils 12.000 Euro.


title: Onan

text: Onan (, , „Kraft, Vermögen, Zeugungskraft“) ist eine biblische Gestalt, deren Geschichte in erzählt wird.


title: Onan

text: Onan war der zweite Sohn des Erzvaters Juda mit der Kanaaniterin Schua. Nach dem Tod seines älteren Bruders Er musste Onan dessen Witwe Tamar heiraten. Ers Tod war laut von Gott bewirkt, da ihm Ers Handeln missfiel.


title: Onan

text: Judas Aufforderung beruht auf dem jüdischen Brauch des Levirats. Die demnach von Gott angeordnete Schwagerehe verpflichtete einen Bruder, seinem verstorbenen Verwandten einen männlichen Nachkommen zu schaffen, sofern jener nicht selbst dazu kam ().


title: Onan

text: Onan starb aufgrund der Hinterlist – manche Ausleger sprechen auch von „Lieblosigkeit“ gegenüber Er oder „Gier nach dem Erbe des Bruders“ –, mit der er sich gegen die Leviratsehe auflehnte.


title: Onan

text: Nachdem Juda ihr die Leviratsehe mit seinem jüngsten Sohn unter Vertröstungen verweigert, lässt Tamar sich, als Prostituierte verkleidet, von ihrem Schwiegervater schwängern und wird so zu einer Stammmutter Jesu .


title: Onan

text: Da nach öffentliche Missachtung und nicht der Tod als Strafe auf die Verweigerung der Leviratsehe folgt, sticht die Härte des göttlichen Urteils heraus.


title: Onan

text: In der jüdisch-christlichen Tradition wurde in den Tod Onans ein göttliches Verbot des Coitus interruptus interpretiert. In der Forschung werden verschiedene Gründe für die göttliche Todesstrafe an Onan diskutiert: William Albright geht davon aus, dass eine stammesgeschichtliche Erinnerung bewahrt wird (vgl. auch ), während die neuere Forschung versucht, den Tod Onans mit dem literarischen Zusammenhang der Juda-Tamar-Erzählung zu erklären. Diese läuft auf die Söhne Judas und Tamars zu, die einerseits Tamar davor bewahren, als kinderlose Witwe zu sterben und andererseits für Juda als Ersatz für die beiden verstorbenen Söhne gelten.


title: Onan

text: Obwohl Onan keine Selbstbefriedigung, sondern einen Coitus interruptus vollzog, wurde aufgrund dieser Erzählung der Begriff "Onanie" als Synonym für Masturbation gebildet.


title: Breel Embolo

text: Breel Donald Embolo (* 14. Februar 1997 in Yaoundé, Kamerun) ist ein schweizerisch-kamerunischer Fussballspieler. Der Stürmer steht bei der AS Monaco unter Vertrag und spielt für die Schweizer Nationalmannschaft.


title: Breel Embolo

text: Embolo wurde 1997 in der kamerunischen Hauptstadt Yaoundé geboren. Seine Mutter liess sich mit ihren beiden Söhnen in Basel nieder, da die Familie in Kamerun keine Perspektive sah. Im Dezember 2014, zwei Monate vor seinem 18. Geburtstag, erhielt Embolo per Einbürgerung das Schweizer Bürgerrecht. Ende Juni 2018 wurde er Vater einer Tochter.


title: Breel Embolo

text: Embolo begann seine Fussballkarriere 2006 beim Basler Quartierverein Nordstern und wechselte 2008 zu den BSC Old Boys Basel. 2010 schloss er sich dem FC Basel an und spielte dort im zweiten Nachwuchsteam der U-18, bis er aufgrund diverser verletzungsbedingter Ausfälle im Stammkader am 13. März 2014 im Europa League-Spiel gegen den FC Red Bull Salzburg erstmals bei einem Profispiel eingewechselt wurde. Wenige Tage später, am 16. März 2014, gab er sein Ligadebüt in der ersten Mannschaft, als er beim Heimspiel im St. Jakob-Park gegen den FC Aarau in der 85. Minute ins Spiel kam. Nur vier Minuten nach seiner Einwechslung erzielte er sein erstes Tor zum 5:0-Endstand.


title: Breel Embolo

text: Für Embolo und den FC Basel war die Spielzeit 2014/15 sehr erfolgreich. Das Team beendete die Schweizer Meisterschaft 2014/15 zum 18. Mal als Meister mit zwölf Punkten Vorsprung auf den Zweitplatzierten BSC Young Boys und 25 Punkten Vorsprung auf den Drittplatzierten FC Zürich. Basel stand im Final des Schweizer Cups 2014/15, welches gegen den FC Sion mit 0:3 verloren wurde. Embolo war aufgrund zwei gelber Karten gesperrt. In der Champions-League-Saison 2014/15 avancierte Basel bis in den Achtelfinal. Während der Spielzeit 2014/15 bestritt der FC Basel insgesamt 65 Partien (36 Meisterschafts-, sechs Cup-, acht Champions-League- und 15 Testspiele). Unter Trainer Paulo Sousa hatte Embolo insgesamt 54 Einsätze, davon 27 in der Super League, fünf im Cup, acht in der Champions League sowie 14 in Testspielen. Er schoss dabei 18 Tore, davon fünf in der Super League, sechs im Cup sowie je eines in der Champions League und in den Testspielen.


title: Breel Embolo

text: Embolos Vertrag wurde an seinem 18. Geburtstag bis zum 30. Juni 2019 verlängert. Unter Trainer Urs Fischer gewann Embolo in der Saison 2015/16 zum dritten Mal den Meistertitel mit dem FCB. Für den Club war es der siebte Titel in Serie und der insgesamt 19. Titel der Vereinsgeschichte.


title: Breel Embolo

text: Zur Saison 2016/17 wechselte Embolo in die Bundesliga zum FC Schalke 04, bei dem er einen bis zum 30. Juni 2021 datierten Fünfjahresvertrag erhielt. Über die Ablösesumme wurde Stillschweigen vereinbart, Embolo gilt jedoch als teuerster Einkauf der Schalker Vereinsgeschichte – entsprechend gross waren die in ihn gesetzten Erwartungen. In seinem ersten Pflichtspiel für Schalke 04, dem DFB-Pokalspiel am 20. August 2016 gegen den FC 08 Villingen, erzielte er einen Treffer zum 4:1-Sieg. Am 6. Spieltag der Bundesliga erzielte er beim 4:0-Sieg gegen Borussia Mönchengladbach seine ersten beiden Bundesligatore und trug damit zu den ersten drei Punkten der Saison für Schalke bei. Im darauf folgenden Spiel beim FC Augsburg zog er sich durch ein rüdes Foul des Verteidigers Konstantinos Stafylidis eine komplizierte Fraktur des Sprunggelenks und einen Wadenbeinbruch zu. Ein Knochenödem verlängerte seine Ausfallzeit zusätzlich. Dadurch fiel er die gesamte restliche Saison aus. Es wurde sogar befürchtet, dass Embolo seine Karriere überhaupt nicht mehr fortsetzen könnte – dies wurde jedoch erst nach seinem Comeback in der Öffentlichkeit thematisiert.


title: Breel Embolo

text: Während der Vorbereitung auf die Saison 2017/18 gab Embolo sein Comeback, als er in einem Testspiel gegen Neftchi Baku eingewechselt wurde. Da sein Trainer Domenico Tedesco ihm noch keine Bundesligaeinsätze zutraute, absolvierte Embolo auf eigenen Wunsch zwei Spiele für die U23-Mannschaft. Somit gab er am 20. August 2017 beim Oberligaspiel sein Pflichtspielcomeback in der Oberliga gegen den SV Lippstadt 08. In der Bundesliga wurde er am 16. September 2017 (4. Spieltag) beim Gastspiel in Bremen zum ersten Mal nach seiner Verletzung eingesetzt. Die Saison beendete Embolo mit 21 Einsätzen, wovon viele nicht über die volle Distanz gingen. Er erzielte dabei drei Tore.


title: Breel Embolo

text: Obwohl er aufgrund eines Fussbruches in der darauffolgenden Saison 2018/19 zwölf Spiele verpasste, absolvierte er 20 Partien und erzielte dabei fünf Tore. Auch in der Champions League stand er fünfmal auf dem Platz, wobei ihm ein Tor gelang.


title: Breel Embolo

text: Trotz der für ihn recht erfolgreichen Saison 2018/19 suchte Breel Embolo nach einem Neuanfang und wechselte zur Saison 2019/20 innerhalb der Bundesliga zu Borussia Mönchengladbach, wo er einen Vertrag bis 2023 unterschrieb. Sein erstes Spiel für den neuen Verein absolvierte er in der ersten Runde des DFB-Pokals gegen den SV Sandhausen, als er zur Halbzeit eingewechselt wurde. Auch in der Bundesliga konnte er sich direkt zeigen und absolvierte alle Spiele, bis er sich am neunten Spieltag eine Muskelverletzung zuzog, die ihn für zwei Spiele ausbremste. Sein erstes Tor für Borussia Mönchengladbach erzielte Embolo schon am zweiten Spieltag beim 3:1-Sieg gegen den 1. FSV Mainz 05.


title: Breel Embolo

text: Im Oktober 2021 war Embolo beim historischen 5:0-Sieg der deutschen 2. Cuprunde über den FC Bayern München an allen Toren direkt und indirekt beteiligt, indem er eins direkt durch einen Assist beitrug. Die nächsten zwei Tore bereitete Embolo indirekt vor, indem er entscheidend einen Flachpass in den gegnerischen Strafraum spielte und im weiteren Spielverlauf wurde er im gleichen Strafraum gefoult und dies führte zu einem erfolgreich abgeschlossenen Penalty. Die letzten beide Tore erzielte er selbst. Damit versetzte Embolo der Bayern-München-Historie die höchste Niederlage seit 43 Jahren und darüber hinaus die höchste Niederlage im deutschen Cupwettbewerb.


title: Breel Embolo

text: Embolo kam 2012, als er noch keine Schweizer Staatsbürgerschaft besass, auf vier Einsätze für die U-16-Auswahl des Schweizerischen Fussballverbands und erzielte dabei einen Treffer. Am 22. Mai 2014 kam er beim 2:0-Sieg gegen Dänemark zu seinem ersten Einsatz für die U-21. Am 4. September 2014 debütierte er in der U-20-Auswahl bei einem Freundschaftsspiel gegen Polen, das 1:1 ausging.


title: Breel Embolo

text: Bis zu der im Dezember 2014 erfolgten Einbürgerung konnte Embolo nur in Freundschaftsspielen eingesetzt werden. Am 15. Dezember 2014 entschied er sich für die Schweizer Fussballnationalmannschaft, nachdem auch der kamerunische Nationalverband um den Trainer Volker Finke um ihn geworben hatte. Am 9. Oktober 2015 schoss er für die Schweizer Fussballnationalmannschaft beim EM-Qualifikationsspiel gegen San Marino sein erstes Länderspieltor. Bei der Fussball-Europameisterschaft 2016 in Frankreich wurde er als jüngster Spieler eines Landes in das Aufgebot der Schweiz aufgenommen. In den ersten beiden Begegnungen (gegen Albanien und Rumänien) wurde er jeweils im Schlussdrittel eingewechselt, gegen Frankreich stand er erstmals in der Startaufstellung. Bei der Achtelfinalpartie gegen Polen wurde er in der 58. Minute eingewechselt. Das Team verlor im Penaltyschiessen und schied aus.


title: Breel Embolo

text: Bei der Weltmeisterschaft 2018 in Russland gehörte er zum Aufgebot der Schweiz. Er wurde in allen Spielen eingesetzt und schied mit der Mannschaft im Achtelfinal aus. Auch nach der Weltmeisterschaft gehörte Embolo zum Aufgebot der Nationalmannschaft, wenn er nicht verletzt war. So absolvierte er in der erfolgreichen Qualifikation zur Fussball-Europameisterschaft 2021 sechs Spiele von Beginn an. Die beiden letzten Partien verpasste er wegen einer Muskelverletzung. Für die Endrunde der Europameisterschaft 2021 wurde er von Trainer Vladimir Petković in das schweizerische Kader nominiert und schoss beim 1:1 gegen Wales den zwischenzeitlichen Führungstreffer für die Schweizer. Im weiteren Turnierverlauf erreichte er als Stammspieler mit der Mannschaft den Viertelfinal.


title: Breel Embolo

text: Internationale Aufmerksamkeit erhielt er durch die Teilnahme an einer illegalen Corona-Party mit 23 Teilnehmern am Baldeneysee in Essen. Nachdem er seine Teilnahme vehement dementiert hatte, wurde durch die Polizei Essen bekannt, dass der Spieler über das Dach der Gaststätte in eine naheliegende Wohnung geflüchtet war, wo die Polizei ihn alleine antraf. Darauf wurde eine «hohe Geldstrafe» durch Borussia Mönchengladbach verhängt. Als Versuch, den Vorfall aus der Welt zu schaffen, erfolgte aus «dem befreundeten Umfeld von Breel Embolo» eine «Kontaktaufnahme» zum Essener Oberbürgermeister Thomas Kufen (CDU). Die Stadt Essen verhängte schliesslich wegen Teilnahme an einer illegalen Party und Verstoss gegen die Maskenpflicht ein Bussgeld von 8400 Euro.


title: Groucho Marx

text: Groucho Marx (geboren 2. Oktober 1890 als "Julius Henry Marx" in New York; gestorben 19. August 1977 in Los Angeles) war ein US-amerikanischer Schauspieler und Entertainer. Als geistreicher Wortführer der Marx Brothers wurde er zu einem der erfolgreichsten englischsprachigen Komiker.


title: Groucho Marx

text: Die Gebrüder Marx wuchsen in Yorkville in der Upper East Side von Manhattan in einem kleinen, jüdisch geprägten Viertel zwischen größeren deutsch-irischen Gemeinden auf. Vater Simon kam aus dem Elsass und wurde daher „Frenchie“ genannt. Mutter Minnie stammte aus Dornum in Ostfriesland und hatte einen Bruder, Al Shean (eigentlich Albert Schönberg), der mit seinem Partner Edward Gallagher von 1910 bis 1920 ein bekanntes Varietéduo bildete. Er wurde von den Brüdern bewundert und sollte einige Sketche für sie schreiben. Minnie träumte davon, dass ihre Söhne wie ihr Bruder ins Showgeschäft einsteigen.


title: Groucho Marx

text: Der älteste Sohn Leonard (Chico) nahm Klavierunterricht, während Julius eine angenehme Sopranstimme hatte und den Ton halten konnte. Eigentlich wollte er Arzt werden, doch er sollte für die Familie Geld verdienen und musste mit zwölf Jahren die Schule verlassen. Zu dieser Zeit hat Groucho Bücher (besonders Horatio Alger, Autor von billigen Romanen) geradezu verschlungen und zeitlebens nutzte er sein angelesenes Wissen, um die „verpasste“ formelle Schulbildung auszugleichen.


title: Groucho Marx

text: Nach einigen Versuchen, mit Bürojobs und anderen altersgemäßen Tätigkeiten Fuß zu fassen, ging er 1905 als Sänger auf die Bühne. Seine Behauptung, er sei in der Varietéwelt nur mäßig erfolgreich, dafür aber hoffnungslos mittelmäßig gewesen, hat sich später als alberne Witzelei erwiesen. 1909 hatte Minnie es geschafft, ihre Söhne in einen zweitklassigen "Varieté Act" zu managen. Unter dem Namen „The Four Nightingales“ (Die vier Nachtigallen) traten Groucho, Gummo, Harpo und ein weiterer Junge namens Lou Levy ohne sonderlichen Erfolg in verschiedenen Varietés auf.


title: Groucho Marx

text: Danach zogen sie nach La Grange in Illinois, um den Mittleren Westen zu bespielen. Nach einem besonders trostlosen Auftritt in Nacogdoches, Texas, begannen Groucho, Gummo und Harpo sich auf der Bühne mit Witzen zu unterhalten und zu ihrem großen Erstaunen mochte das Publikum sie als Komiker wesentlich lieber denn als Musiker. Sie schrieben ein damals populäres Stück von Gus Edwards, "School Days," um und nannten es "Fun In Hi Skule". Mit Variationen dieses Programms tourten sie über sieben Jahre lang durchs Land.


title: Groucho Marx

text: In ihrer Zeit im Varieté traten die Brüder mit verschiedenen sprachlichen Akzenten auf. Chico entwickelte einen italienischen Akzent, den er benutzte, um ein paar Schlägern weiszumachen, er sei Italiener und nicht Jude. Grouchos Figur in "Hi Skule" war ein Deutscher, so dass er diese natürlich mit deutschem Akzent spielte. Dies änderte sich, als die Stimmung nach der Torpedierung der RMS Lusitania 1915 umschlug und sich gegen Deutschland richtete. Daraufhin entwickelte er den schnell sprechenden "Schlaumeier," mit dem er berühmt werden sollte.


title: Groucho Marx

text: Bald wurden die Marx Brothers zu gefeierten Stars des Palace Theatre, dem selbsternannten „Walhalla des Varieté“. Chicos Geschäftstüchtigkeit führte zu drei erfolgreichen Bühnenstücken und die Brüder avancierten noch vor ihrer Hollywood-Ära zur Broadway-Sensation.


title: Groucho Marx

text: Groucho und seine Brüder traten in einer Reihe von äußerst populären Bühnenshows auf, oft mit Stegreifdialogen. In den Kinofilmen kultivierte Groucho seine Rolle als zungenfertiger Herr, der seine Gegner überrumpelte und die Zuneigung seiner Verehrerinnen (meist verkörpert von Margaret Dumont) abwechselnd anzufachen und abzuwehren wusste. Sein charakteristischer Gang mit den raumgreifenden Schritten und einer Hand auf dem Rücken parodierte das modische Promenieren der amerikanischen Oberklasse zur Jahrhundertwende. Schnurrbart und Augenbrauen wurden zunächst mit Schmierfett fabriziert, angeblich um rasche Kostümwechsel bei Varieté-Auftritten ohne lästiges Bartankleben möglich zu machen. Nach eigenen Angaben hatte er schlicht keine Lust mehr, sich mit dem Bartkleber allabendlich einen Teil der Haut mit abzureißen. Die Absurdität der geschminkten Manneszier kam auf der Bühne oder im Film nie zur Sprache, doch gibt es in "Duck Soup (Die Marx Brothers im Krieg)" eine Szene, in der sich sowohl Chico als auch Harpo als Groucho verkleiden, und eine, in der kurz zu sehen ist, wie sie sich schminken.


title: Groucho Marx

text: In den 1930er und 1940er Jahren arbeitete Groucho auch beim Radio als Komiker und Gastgeber eigener Shows, von der eine unter dem Titel "Flywheel, Shyster & Flywheel" nach kurzem Lauf 1932 eingestellt wurde. Neben Groucho trat hier nur Chico mit auf. Die meisten der Aufnahmen wurden danach zerstört, mit Ausnahme der letzten Sendung. Allerdings wurden 1988 von insgesamt 21 Folgen die Originale der von Nat Perrin und Arthur Sheekman verfassten Drehbücher im Archiv der Library of Congress wiederentdeckt. 1947 wurde Groucho als Gastgeber für das Radio Quiz "You Bet Your Life" ausgewählt, mit dem er von 1950 bis 1961 auch im Fernsehen auftreten sollte. Die Show bestand aus einem größtenteils improvisierten Gespräch mit den Teilnehmern und einem kurzen Quiz. In dieser Show wurde der Ausdruck , geprägt. Kandidaten, mit denen Groucho Mitleid hatte, da sie noch nichts gewonnen hatten, stellte er Fragen wie „Wer ist in Grants Grab beerdigt?“ oder „Welche Farbe hat das Weiße Haus?“. Die Sendung lief elf Jahre lang im Fernsehen.


title: Groucho Marx

text: Eine der geistreichen Bemerkungen betraf den Regisseur Sam Wood, der den Film "A Night at the Opera (Skandal in der Oper)" mit ihnen drehte und wegen ihrer ständigen Improvisationen wütend auf die Brüder war. In Anspielung auf die Schaffung des Menschen durch Gott in der Bibel rief er aus: , worauf Groucho ohne Zögern antwortete


title: Groucho Marx

text: Oft zitiert, wenn auch nicht belegt, ist der Dialog mit einer Kandidatin, die 19 Kinder hatte. Auf Grouchos Frage, warum so viele, antwortete sie: Groucho gab daraufhin zurück:


title: Groucho Marx

text: Wie populär er in den 1960er Jahren war, belegt eine Szene aus der Fernsehserie "Bezaubernde Jeannie", in der sich "Roger Healey" wünscht, der witzigste Mann der Welt zu sein. Jeannie verwandelt ihn daraufhin in Groucho. Und Groucho Marx spielt sich selbst.


title: Groucho Marx

text: Während der Pariser Mai-Unruhen im Jahr 1968 hatte ein anonymer Sprayer den Spruch an Mauern und Hauswände gesprüht. Er dokumentierte damit die Beliebtheit der Marx Brothers, die als Kultfiguren der fantasiereichen und widerspenstigen 68er-Generation galten, der das Kommunistische Manifest als zu ernst erschien: ab Ende der 1960er Jahre ging das Gespenst des Marxismus feixend in Europa um. In "Horse Feathers (Blühender Blödsinn)" aus dem Jahr 1932 verkündete Groucho als frisch gewählter Universitätspräsident Professor Wagstaff in einem Song den Honoratioren: und traf damit genau den Nerv der protestierenden Studenten.


title: Groucho Marx

text: Frank Sinatra scherzte einst, das einzige, was er besser könne als Groucho, sei Singen. Er drehte mit ihm und Jane Russell 1951 den Film "Double Dynamite".


title: Groucho Marx

text: Der spanische Karikaturist Ventura nahm Groucho Marx als Vorbild für seine Figur Julio in der Comicserie „Grouñidos en el desierto“ des Satiremagazins "El Jueves".


title: Groucho Marx

text: Mitte der 1940er Jahre, als seine Karriere einen Tiefpunkt erreicht hatte, sollte Groucho in einer Radioshow mit Bob Hope auftreten. Nachdem er 40 Minuten im Wartezimmer gesessen hatte, kam er etwas gereizt auf die Bühne und gab auf Hopes „Ah, das ist ja Groucho Marx, verehrte Damen und Herren. (Applaus) Groucho, was bringt Dich denn aus der heißen Wüste hierher?“ zurück „Hat sich was mit heiße Wüste. Ich saß 40 Minuten im kalten Wartezimmer.“ Groucho fuhr damit fort, das Skript zu ignorieren, und obwohl Hope auf seine Art auch ein brillanter Improvisationskünstler war, war er Groucho doch unterlegen; dieser streckte die ganze Szene, mit einem wahren Wirbelsturm von Blödeleien, weit über den geplanten Timeslot hinaus.


title: Groucho Marx

text: John Guedel hatte bei der Show zugehört und einen Geistesblitz. Er trat an Groucho heran mit der Frage, ob er daran interessiert sei, eine Quiz-Show zu moderieren. „Nur Schauspieler, die wirklich am Ende sind, machen Quizshows“, war seine Antwort. Guedel blieb hartnäckig und erklärte, dass es ihm weniger um das Quiz als um die Gespräche mit den Kandidaten ginge. Und Groucho sagte schließlich zu. "You Bet Your Life" lief von 1947 bis 1951 im Radio und wechselte 1951 ins Fernsehen. Auf NBC lief die Sendung noch weitere elf Jahre lang und wurde eine der erfolgreichsten Shows im US-amerikanischen Radio und Fernsehen.


title: Groucho Marx

text: Mit George Fenneman als Ansager und Gegenpart überraschte Groucho sein Publikum mit außergewöhnlichen Gesprächen. Die Show war so gut, dass die "Lowell Toy Manufacturing Corporation of New York" davon eine Brettspielversion herstellte, welche die Kandidaten als persönliche Erinnerung an Groucho mit nach Hause nehmen durften.


title: Groucho Marx

text: Grouchos Konkurrenz brachte Gerüchte in die Welt, dass "You Bet Your Life" komplett vorformuliert sei und Groucho keineswegs improvisiere. Sie fühlten sich bestätigt, als ein Foto aufgetaucht war, auf dem man sehen konnte, dass Groucho auf einen transparenten Bildschirm blickt. In Wahrheit gab es nur ein minimales Script, das eher den Gästen als Groucho helfen sollte. Groucho begegnete seinen Gästen (außer den ihm bekannten) erst in der Show, es gab keine Proben. Die Mitarbeiter der Sendung stellten zwar einen Katalog mit Fragen auf, doch Groucho wusste nie eine Antwort im Voraus. Allerdings gab es zwei Autoren, deren Gags Groucho gelegentlich in den Dialog einbaute.


title: Groucho Marx

text: Groucho war dreimal verheiratet und wurde dreimal geschieden: „Alimente zahlen ist wie ein totes Pferd mit Heu füttern.“ (Groucho Marx)


title: Groucho Marx

text: Abseits der Bühne war Groucho ein Büchernarr. Er bedauerte stets, nur eine mittlere Schulbildung genossen zu haben. Um dies zu kompensieren, las er alles, was ihm in die Hände fiel. Seine Belesenheit war außerordentlich, doch er sprach nur sehr zurückhaltend darüber: „Ich denke, Fernsehen bildet“, sagte er einmal. „Jedes Mal, wenn jemand den Fernseher einschaltet, gehe ich nach nebenan und lese.“ Er schrieb auch selbst Bücher, darunter die Autobiografie "Groucho and Me" und "Memoirs of a Mangy Lover". Zu seinen Freunden zählten die Schriftsteller T. S. Eliot und Carl Sandburg. Viele seiner privaten und geschäftlichen Briefwechsel veröffentlichte er in "The Groucho Letters".


title: Groucho Marx

text: Beim Börsencrash im Oktober 1929 verlor Groucho Marx einen Großteil seiner Anlagen. In seinem Testament von 1974 wurde sein Vermögen mit zwei bis sechs Millionen Dollar veranschlagt; Hauptbegünstigte waren seine drei Kinder.


title: Groucho Marx

text: Etwa 1951 ließ sich Groucho einen echten Schnurrbart stehen, dessen Fehlen bislang eine gute Möglichkeit war, sich vor den Fans zu verbergen. In den 1970ern hatte er ein kleines Comeback, zum einen mit einer One-Man-Show, die er live aufführte, unter anderem 1972 in der Carnegie Hall (1972 als Doppelalbum unter dem Titel "An Evening with Groucho" bei A&M Records erschienen), zum anderen 1973 mit einem Auftritt in einer Show, die von Bill Cosby, der ihn verehrte, moderiert wurde.


title: Groucho Marx

text: Zu dieser Zeit entwickelten sich gute Freundschaften mit dem Rockstar Alice Cooper – die beiden wurden zusammen für den Rolling Stone fotografiert – und mit Dick Cavett, in dessen Talkshow er regelmäßig auftrat. Seine früheren Arbeiten kamen wieder zum Vorschein in Begleitung neuer Bücher mit Interviews und Gesprächen von Richard J. Anobile und Charlotte Chandler. Seinen letzten großen Auftritt hatte er bei der Oscarverleihung 1974, bei der er stellvertretend für alle Marx Brothers einen Ehren-Oscar entgegennahm.


title: Groucho Marx

text: Zu diesem Zeitpunkt war Groucho bereits durch sein Alter geschwächt und seine letzten Jahre wurden von einer stärker werdenden Demenzerkrankung begleitet. Zudem kamen Diskussionen um sein Erbe auf, da er eine umstrittene Beziehung zu der Schauspielerin Erin Fleming aufbaute. Besonders sein Sohn Arthur spürte, dass Fleming seinen Vater weit über seine Belastbarkeit hinaus strapazierte.


title: Groucho Marx

text: Groucho Marx starb 1977 an einer Lungenentzündung. Die offizielle Trauerfeier fand in der Synagoge Beth-El in Hollywood statt. Er wurde eingeäschert und auf dem "Eden Memorial Park Cemetery" von Mission Hills in Los Angeles beigesetzt. Er hatte in einem Interview im Scherz gesagt, er wolle über Marilyn Monroe beerdigt werden und auf seinem Grab solle stehen “Excuse me, I can’t stand up”. Schlussendlich wurden lediglich sein Künstlername und seine Geburts- und Sterbedaten darauf festgehalten. Zum Zeitpunkt seines Todes war er mit 86 Jahren der älteste der Marx Brothers, Zeppo starb zwei Jahre nach ihm.


title: Groucho Marx

text: Groucho wurde mit zwei Sternen auf dem Hollywood Walk of Fame geehrt, und zwar bei der Adresse "1751 Vine Street".


title: Operette

text: Die Operette (ital., wörtlich: „kleine Oper“) ist ein musikalisches Bühnenwerk. Die Bezeichnung gibt es seit dem 18. Jahrhundert. Bis zum 20. Jahrhundert hat sie einen erheblichen Bedeutungswandel erfahren. Die Operette seit dem 19. Jahrhundert hat eher leichte, eingängige Musik, eine heitere oder sentimentale Handlung und gesprochene Dialoge zwischen den Musiknummern.


title: Operette

text: Im 18. Jahrhundert bedeutete Operette die „kleine“ Oper, entweder weil sie kürzer war als andere Werke (vor allem Einakter wurden als „Operette“ bezeichnet), weil sie „bloß“ eine Komödienhandlung hatte im Unterschied zu Opera seria oder Tragédie lyrique, oder weil nur wenige Figuren ohne Chor in ihr auftraten. Außerdem wurden manche musikalischen Theaterwerke „Operette“ genannt, weil sie keine Gesangsvirtuosen erforderten, sondern von singenden Schauspielern ausgeführt werden konnten. Eine einfachere Struktur der Gesangseinlagen konnte ebenfalls den Ausschlag für diese Bezeichnung geben: In die Vaudeville-Komödien der Pariser Jahrmarktstheater wurden bekannte Melodien mit neuen Texten eingelegt, was sich in der spanischen Operette (Zarzuela) bis ins 20. Jahrhundert erhalten hat.


title: Operette

text: Deutschsprachige, auch anspruchsvollere Opern wurden manchmal deshalb „Operetten“ genannt, weil sie gegenüber den italienischen und französischen Opern einen geringeren Stellenwert hatten. Das Deutsche wurde gegenüber dem Französischen, der internationalen Sprache der Aristokratie, noch gering geschätzt. Deutschsprachige Opern hatten zumeist eine Komödienhandlung und damit sozial niedrig stehende Figuren (siehe Ständeklausel, Rührende Komödie).


title: Operette

text: Der Ruf der deutschsprachigen Operette als „bürgerliche deutscher Oper“, die endlich eine Aufwertung verdient hätte, kam Ende des 19. Jahrhunderts in Wien auf, wobei die damit gemeinten Wiener Werke von Johann Strauss (Sohn) oder Millöcker als bewusster Gegenentwurf zu den Pariser Werken Jacques Offenbachs gesehen wurden, die als grotesk-frivol galten; nationalistische und antisemitische Tendenzen spielen dabei eine Rolle.


title: Operette

text: In gewissem Maß spiegelt der Gegensatz zwischen Oper und Operette auch die Konkurrenz zwischen den subventionierten Hoftheatern und den privatwirtschaftlichen Theatern beziehungsweise den Wandertruppen wider.


title: Operette

text: Dieser Gegensatz wurde oft durch „Reformen von oben“ abzuschwächen versucht, wie durch die Errichtung eines "Nationalsingspiels" 1777 im Wiener Burgtheater durch Joseph II.


title: Operette

text: Ende des 18. Jahrhunderts wurden Stücke, die aus der französischen Opéra comique hervorgegangen waren, als Operetten bezeichnet, also Opern, die gesprochene Dialoge anstelle gesungener Rezitative enthielten und vom Pariser Jahrmarktstheater stammten statt von den Hofbühnen. So galt etwa Mozarts "Die Entführung aus dem Serail" als Operette.


title: Operette

text: Das Genre, das heute im engeren Sinn als Operette bezeichnet wird, entstand als eigenständige Kunstform um 1848 in Paris, wurde damals jedoch nicht „Operette“ genannt, sondern „opérette bouffe“ (im Fall von Einaktern, daher das Diminutiv) und „opéra bouffe“ (für Mehrakter), „bouffonnerie musicale“ oder „folie musicale“. Direktes Vorbild war die Opéra comique der 1830er- und 40er-Jahre wie etwa François Aubers "Le Cheval de bronze" (1835). Die ersten „Operetten“ waren ursprünglich kurze Werke mit grotesk-frivolem Inhalt. Zu den ersten Komponisten gehörte Florimond Ronger, genannt Hervé (1825–1892), zu dessen bekanntesten Stücken "Don Quichotte et Sancho Pança" (1848), "Le Petit Faust" (1869) und "Mam’zelle Nitouche" (1883) zählen.


title: Operette

text: Berühmt wurde aber ein anderer Komponist mit dieser Art Musiktheater. Der Cellist Jacques Offenbach, der Kapellmeister an der Comédie-Française gewesen war, eröffnete anlässlich der Weltausstellung von 1855 in Paris ein Theater, das Théâtre des Bouffes-Parisiens, das ausschließlich dieser Gattung gewidmet war. "Entrez Messieurs, Mesdames" bildete zusammen mit "Les Deux Aveugles" und "Une nuit blanche" am 7. Juli 1855 den Auftakt. Bald folgten so berühmte Werke wie "Le Violoneux", die "Chinoiserie musicale" "Ba-ta-clan" (beide 1855), die Kreuzritter-Persiflage "Croquefer, ou le dernier des Paladins", die bukolische Komödie "Le Mariage aux lanternes" (beide 1857) und die übersprudelnden Marktweiber in "Mesdames de la Halle" (1858), die das Genre poissard der Jahrmärkte neu belebten. Genau wie Hervés frühe Werke waren auch Offenbachs frühe Farcen dem Vaudeville verpflichtet und teils eher Schauspiele mit Musik, beziehungsweise – wie "Meyers Konversations-Lexikon" 1877 bemerkte – „eine Art von Posse, die man mit dem Namen des höheren Blödsinns zu bezeichnen pflegt, auf das musikalische Gebiet übertragen“.


title: Operette

text: Bereits in den frühen Einaktern parodiert Offenbach wiederholt die Belcanto-Oper sowie die Grand opéra à la Meyerbeer. Deren Stilmittel, die Offenbach gut beherrschte, wirkten im kleinen Theaterrahmen lächerlich. Um Kritikern den Wind aus den Segeln zu nehmen, erklärte Offenbach in einer 1856 veröffentlichten Abhandlung, dass er mit seinen Werken die alte "Opéra comique" des 18. Jahrhunderts wiederbeleben wolle. Jedoch liefen Offenbachs Stücke (von wenigen Ausnahmen wie "Barkouf" und "Vert-Vert" abgesehen) nicht im bürgerlich-respektablen Rahmen der "Opéra-Comique", sondern vor dem Halbweltpublikum der Pariser Operettenbühnen. Zu diesem Publikum gehörte der Jockey Club, aber auch Mitglieder der Kaiserfamilie, wie Charles de Morny, der nicht nur Patenonkel von Offenbachs Sohn war, sondern unter einem Pseudonym auch Libretti für Offenbach schrieb ("M. Choufleuri restera chez lui le..."). In "Meyers Konversations-Lexikon" heißt es 1877, Offenbachs Werke seien „so vom Geiste der Demi-monde durchsetzt, daß sie mit ihren schlüpfrigen Stoffen und sinnlichen, zumeist trivialen Tonweisen eine entschieden entsittlichende Wirkung auf das größere Publikum ausüben müssen“. Ähnliche Äußerungen finden sich in beinahe allen zeitgenössischen Kritiken, auch in England, Deutschland und Österreich. Sie wirkten aber eher erfolgsfördernd als negativ auf die Rezeption der offenbachschen Werke. Allerdings erklärt sich vor diesem Hintergrund, warum Offenbachs Operetten lange nicht in den etablierten Hoftheatern und an den bürgerlichen Bühnen liefen, sondern vielfach in Spezialetablissements, die von Großteilen der Öffentlichkeit skeptisch beäugt wurden. In London, und später auch in Paris und Wien, brach ab 1850 die Zeit der preisgünstigen Kleintheater an, die als Music Hall in großer Zahl eröffnet wurden und einen subbürgerlichen Teil des Publikums von einem großbürgerlichen trennte, der nach wie vor die etablierten Theater besuchte.


title: Operette

text: Ein wesentliches Gestaltungsmerkmal aller Offenbach-Operetten war die Groteske, die ins Lächerliche verzerrte Abbildung der Realität, oft nur leicht verkleidet in Kostüme der Antike, des Mittelalters, der Arbeiterwelt (wie bei "Mesdames de la Halle") oder des Landlebens (wie in "Mariage aux lanternes"). Die Stücke sind damit teils Vorbilder des Dadaismus der 1920er und des Absurden Theaters der 1950er Jahre, werden jedoch in den meisten literaturgeschichtlichen Abhandlungen in dieser Eigenschaft übergangen. Dieses Konzept der Operette erlaubte ein auffallend freizügiges Ausspielen von Erotik auf der Bühne, was unter normalen oder realistischen Umständen von der Zensur in Paris niemals erlaubt worden wäre, aber unter dem Deckmantel der Parodie möglich war. Im deutschen Sprachgebiet war man solche Freizügigkeit auf der Bühne noch weniger gewohnt. Hier sprach die Presse von „der ungeheuren Frivolität der […] offenbach’schen musikalischen Farcen“, von der „Liederlichkeit […] des ganzen Genres“ und urteilte mit „Besorgnis über den sittengefährdenden Komponisten“ Offenbach, dessen Werke die „Negation aller sittlichen u. rechtlichen Ordnung“ darstellten.


title: Operette

text: Da die Einakter oft in Kombination gespielt wurden, bildeten sich verschiedene Formen der Operette heraus, die kontrastierend gegeneinander gesetzt wurden. Im Fall Offenbachs sind die beiden Haupttypen entweder „ländliche Komödien“ wie "Le Mariage aux lanternes" (in Wien ein Sensationserfolg unter dem Titel "Die Hochzeit beim Laternenschein", mit drei Damen im eng geschnürten Dirndl als Milchmädchen, die „melkend“ durch die Handlung stolpern und einen reichen Mann fürs Leben suchen) oder überdrehte Farcen wie "Croquefer" oder "Ba-ta-clan", die eine neue Dimension des Slapstick auf die Bühne bringen. All diese Werke werden durch drei Merkmale gekennzeichnet, die unterschiedlich stark im Vordergrund stehen: Groteske, Frivolität und Sentimentalität.


title: Operette

text: 1858 wurde Offenbachs erste mehr-aktige Operette mit Chor und erweiterter Solistenbesetzung, "Orphée aux enfers" (Textbuch von Hector Crémieux und Ludovic Halévy), in Paris uraufgeführt und trat einen Siegeszug um die Welt an. Zusammen mit "La Belle Hélène" (1864) und "La Grande-Duchesse de Gérolstein" (1867) – beide mit Textbüchern von Henri Meilhac und Halévy – ist das Stück noch Teil des heutigen Operettenrepertoires. Seit dem Höllengalopp aus "Orpheus" ist der „Skandaltanz“ Cancan eng mit der Operette verbunden.


title: Operette

text: Aber auch andere französische Komponisten wie Charles Lecocq, Hervé oder Robert Planquette konnten sich mit dem neuen Genre profilieren und entwickelten Offenbachs Modell der frivolen Grotesk-Operette weiter.


title: Operette

text: Mit dem Deutsch-Französischen Krieg 1870/71 verblasste Offenbachs Ruhm in Frankreich. Die aberwitzigen Satiren des „deutschen“ Komponisten wurden nach der französischen Niederlage weniger geschätzt. Das für das Zweite Kaiserreich typische Halbwelt-Publikum Offenbachs verlagerte sich in die vielen neu entstehenden Music-Halls mit ihren Varieté-Programmen, und das bürgerliche Publikum der „richtigen“ Theater wollte weniger groteske und frivole Stücke sehen. Fortan widmete Offenbach sich ausladenden Ausstattungsstücken, die aber in vielen Fällen noch Merkmale der typischen Offenbachiade aufweisen, zum Beispiel wenn in "Le Voyage dans la lune" (1875) die Mondbewohner mit Hilfe eines verbotenen Apfels zum Sündenfall verleitet werden.


title: Operette

text: In den 1870er-Jahren waren auch Emmanuel Chabrier und später André Messager mit Operetten erfolgreich, ersterer mit stark an Offenbach orientierten aberwitzigen Slapstick-Komödien wie "L’étoile" (1877), die dem neuen Typ des Schwanks entsprachen, letzterer mit sentimentaleren Stücken wie "Véronique" (1898). Aufgrund der starken antifranzösischen Ressentiments blieben zahlreiche französische Werke im deutschsprachigen Raum nach 1871 unbeachtet. "La fille de Madame Angot" (1873) und "Giroflé-Girofla" (1874) von Lecocq sowie "Mam’zelle Nitouche" (1883) von Hervé gehören zu den weltweit erfolgreichsten Operetten, sind aber im deutschen Sprachgebiet fast unbekannt geblieben. Besser funktionierte die Kommunikation zwischen Paris und London – und mehr und mehr auch mit New York.


title: Operette

text: Im Bestreben, den Erfolg der von Karl Treumann (1823–1877) und Johann Nepomuk Nestroy (1801–1862) nach Wien importierten (und übersetzten) Offenbach-Operetten zu kopieren, entstanden ab 1860 eigenständige Wiener Werke nach Pariser Vorbild. Den Auftakt machte Franz von Suppè mit dem Einakter "Das Pensionat", bald folgten weitere Komponisten, von denen Johann Strauss, Karl Millöcker und Carl Zeller die bekanntesten und einflussreichsten sind.


title: Operette

text: Die frühen Wiener Operetten wurden in den traditionellen Wiener Vorstadttheatern gespielt, die sich nicht mehr dem Handwerkerpublikum widmen wollten, für das die „Posse mit Gesang“ einst gedacht war, sondern sich nun um ein zahlungskräftiges Geldbürgertum bemühten. Zum Carl-Theater und dem Theater an der Wien gesellten sich neue Spielstätten wie das Theater am Franz-Josefs-Kai, und das Strampfer-Theater. Allein schon auf Grund der Preispolitik war es der breiten Bevölkerung nicht möglich, diese Theater zu besuchen. Es versammelten sich dort neben den Mitgliedern der kaiserlichen Familie jene Zirkel, die sich nach den Aufständen von 1848 neu etabliert hatten: „Die Finanzwelt, der wohlhabende Mittelstand, die im Sonnenschein des volkswirthschaftlichen Aufschwungs sich pilzartig vermehrenden Parvenus der Börse und die üppig in die Halme schießende Halbwelt, welche ihren Luxus in der vanity fair der (Prater-)Hauptallee zur Schau stellten“, wie die "Illustrirte Zeitung" bemerkte (21. Mai 1881). Die Wiener Operette war stark geprägt vom Wiener Walzer, der bis weit ins 20. Jahrhundert hinein zu einem besonderen Erkennungsmerkmal des Genres in seiner österreichischen Variante werden sollte.


title: Operette

text: Wegweisende Werke der frühen, stark an Offenbach orientierten Wiener Operette waren Franz von Suppès moderat frivole Farcen "Das Pensionat" (1860), "Zehn Mädchen und kein Mann" (1862, wegen des großen Erfolgs erweitert zu "Fünfundzwanzig Mädchen und kein Mann"), "Die schöne Galathée" (1865), beziehungsweise Mehrakter wie "Boccaccio" (nach dem "Decamerone", 1879) so wie die Erfolgstitel von Johann Strauß, allen voran "Die Fledermaus" (in der jeder fremdgehen will, 1874), "Das Spitzentuch der Königin" (über die Eheprobleme des Königs von Portugal, 1880) und "Eine Nacht in Venedig" (über eine erotisch verwirrte Karnevalsnacht, 1883). Diese Operetten waren opernhafter und auch im Orchester „vollklingender“ als die französischen Vorbilder. Das Theater an der Wien hatte andere Traditionen und war wesentlich größer als Offenbachs „Bouffes“. Suppès Operettenpartituren unterschieden sich nicht erheblich von den Spielopern, die er als Hauskomponist seit Jahren für dieses Theater schreiben musste, und wurden von der Kritik auch nicht als neues Genre wahrgenommen.


title: Operette

text: Aufgrund der Popularität des neuen Genres wurden neue Publikumsschichten erschlossen, die oft weniger liberale Moralvorstellungen hatten als das Urpublikum der Operette. Auch der Deutsch-Französische Krieg 1870/71 dämpfte die Frivolitäten. Damit verschob sich der Akzent der Operette weg vom Frivol-Grotesken hin zum Sentimentalen und Rührseligen. Außerdem diente der Unterschied zwischen Moralischem und Amoralischem einem „national“ gestimmten Publikum als Gegensatz zwischen Deutschem und Französischem. Dieses Publikum wollte den „blödsinnigen“ und „irrwitzigen“ französischen Operetten das „vernünftige“ Wienerische entgegenhalten, dem „Lasziven“ das „Volkstümliche“ und in letzter Konsequenz dem „Fremden“ das „Vaterländische“. „Die politischen Implikationen wurden unübersehbar: Die Forderungen an den Operettenspielplan waren vom Umsichgreifen des Nationalismus und Antisemitismus nicht mehr zu trennen.“ So wurden die französischen Werke, beziehungsweise nach französischem Muster geschaffenen Operetten, zunehmend verdrängt von einer „altdeutschen Mode“, für die Millöckers Volksoper "Die sieben Schwaben" (1887) als Paradebeispiel gelten kann. Der Journalist und spätere Begründer des Zionismus Theodor Herzl schuf zusammen mit Adolf Müller junior die Operette "Des Teufels Weib" (1890), während der Wiener Kulturpolitiker und Theatergründer Adam Müller-Guttenbrunn gegen den „jüdischen Journalismus“ im Theaterleben zu Felde zog.


title: Operette

text: Fortan strebte die Wiener Operette zunehmend in Richtung Spieloper – mit "Der Zigeunerbaron" (1885) als bis heute berühmtesten Beispiel – und nach Seriosität. Es traten in den Stücken plötzlich „Helden mit Vorbildcharakter“ fürs Publikum auf, wie der Barinkay im "Zigeunerbaron", Symon in "Der Bettelstudent" (1882) oder Conte Erminio in "Gasparone" (1884). Auch Johann Strauß’ "Simplicius" (1887) ist eine Art nationale Volksoper mit durchaus ernsthaften Momenten. Das war das Gegenteil dessen, was den individuellen Reiz der Gattung einmal ausgemacht hatte. Oscar Bie fasst dies 1914 wie folgt zusammen: „Die ideale Forderung [der Operette] bleibt immer, daß sie keinen Sinn hat. Sinn haben wir genug im Leben, hier wollen wir den Unsinn krönen. […] Inzwischen ist die Pariser Operette wieder zur komischen Oper zurückgekehrt und die Opernallüren der Wiener ist bewußter geworden. Die Operette ist dadurch verloren. Sie wird eine einfachere Opern, aber von dem Glanze ihrer Eigenart hat sie kaum noch eine Ahnung. Ein falscher Ehrgeiz ist über sie gekommen, den sie in ihren besten Zeiten selbst so herrlich verlacht hätte.“ Dennoch waren die neu entstandenen Wiener Operetten der Epoche sehr erfolgreich und wurden auch im Ausland (bis hin nach Amerika) vielfach nachgespielt.


title: Operette

text: Die erste Glanzzeit der spezifisch Wienerischen Operette dauerte bis zur Jahrhundertwende, mit Richard Heubergers "Der Opernball" (1898) als Schlusspunkt. Nach dem sensationellen Erfolg von Franz Lehárs "Die lustige Witwe" (1905) wurde eine zweite Glanzzeit eingeläutet, in der fast alle deutschsprachigen Operetten dem Handlungsmodell der "Witwe" folgten, mit jeweils ähnlicher Figurenkonstellation, aber unterschiedlichen Kostümen. „Die Operette […] hat sich eigentlich überlebt, weil sie seit der "Lustigen Witwe" immer dieselben Bücher hat“, schrieb Karl Farkas.


title: Operette

text: Nach dem Ersten Weltkrieg begann für die Kunstform eine dezidiert neue Ära, auch im eher traditionsbewussten Wien; die dabei entstandenen Stücke nennt man oft Silberne Operetten (im Gegensatz zur sogenannten Goldenen Operetten des 19. Jahrhunderts), obwohl diese Terminologie ideologisch problematisch ist. Die Operette wurde zunehmend von der Revue, dem Kabarett und dem Kino verdrängt beziehungsweise ging kreative Mischformen mit diesen Genres ein. Jedoch konnten auch in den 1920er-Jahren und bis nach dem Zweiten Weltkrieg noch gigantische weltweite Operetten-Erfolge erzielt werden. Modernere Formen der Tanz- und Unterhaltungsmusik gewannen neben traditionellen Walzer-, Polka- oder Marsch-Motiven stark an Einfluss, etwa Shimmy und Foxtrott. Schlager begannen ihren Siegeszug nicht mehr unbedingt auf der Bühne, sondern konnten von den neueren Medien Grammophon, Hörfunk und später dem Tonfilm ausgehen und von dort aus auf die Bühne zurückwirken. Seit den 1930er-Jahren gab es originale Filmoperetten (zum Beispiel "Die drei von der Tankstelle"), bei denen der Übergang zum Filmmusical (wie man es aus Hollywood kennt) fließend ist.


title: Operette

text: Kompositionen nach dem Ersten Weltkrieg vermieden oft die Bezeichnung Operette und die entsprechenden Werke erschienen als Singspiel, „musikalische Komödie“ oder „musikalisches Lustspiel“ auf dem Programm (zum Beispiel "Der Vetter aus Dingsda, Im weißen Rößl"). In den 1920er Jahren rückte der Operette zunehmend das Broadway- oder West End-Musical zur Seite, die für Wiener und Berliner Operettenkomponisten oft Vorbildcharakter hatten und deren typische Charakteristika in deutschsprachige Operetten eingebaut wurden (zum Beispiel in Emmerich Kálmáns Charleston-Operette "Die Herzogin von Chicago", 1928).


title: Operette

text: Franz Lehár hingegen näherte sich in seinen späteren Operetten immer mehr dem Genre der Oper, so ganz besonders in "Giuditta", seinem letzten Werk, das 1934 an der Wiener Staatsoper mit Jarmila Novotná und Richard Tauber unter Lehárs Leitung uraufgeführt wurde. Lehár war ein großer Bewunderer Puccinis – die Wertschätzung war gegenseitig –, der eine Operette für das Wiener Carltheater schreiben wollte. Infolge des Ersten Weltkriegs kam es aber nicht zur Uraufführung in Wien, das für Wien gedachte Werk "La rondine" erlebte seine Uraufführung in italienischer Sprache in der Oper von Monte Carlo.


title: Operette

text: Einige spätere Musicals waren moderne Weiterentwicklungen der Operette, zum Beispiel "My Fair Lady", und eigneten sich deshalb besonders zur Aufnahme in das Repertoire der deutschsprachigen Stadttheater. Die deutsche Fassung von "My Fair Lady" wurde von Robert Gilbert erstellt, der zuvor mit seinen Liedtexten zum "Weißen Rössl" große Bekanntheit erlangt hatte. Komponist Frederick Loewe wiederum war der Sohn eines österreichischen Operetten-Buffo und wuchs mit der Tradition der grotesk-sentimentalen Wiener- und Berliner Operette auf, was man allen seinen Werken anhört (speziell in den süßlichen Liebesliedern).


title: Operette

text: Die nach zirka 1920 geschaffenen deutschsprachigen Werke verzichteten oft auf die alten Walzer-, Polka- und Marschklänge, die Komponisten orientierten sich stattdessen an den neuen Unterhaltungsklängen aus den USA (Shimmy, Foxtrott, Charleston). So entstanden für Wiener Bühnen radikal moderne, transatlantische Stücke wie Emmerich Kálmáns "Die Bajadere" (mit „Fräulein, bitte woll’n Sie Shimmy tanzen“), oder Bruno Granichstaedtens "Der Orlow" und "Reclame". Konservative Wiener Operettenfans reagierten entsetzt auf die neuartigen Klänge. Als Gegenreaktion begann Erich Wolfgang Korngold eine Renaissance der Strauß-Operette, die in seinen Bearbeitungen (vor allem "Eine Nacht in Venedig", 1923) neu zur Diskussion gestellt und insbesondere von der konservativen Wiener Presse (z. B. Neue Freie Presse) gefeiert wurden.


title: Operette

text: Diese walzerseligen Stücke (z. B. Korngolds Strauß-Pasticcio "Walzer aus Wien", 1930) konnten die Vorliebe eines Großteils des Publikums für moderne Klänge jedoch nicht ersetzen. So erzielte beispielsweise Ralph Benatzky noch 1936 mit der jazzigen Hollywood-Operette "Axel an der Himmelstür" im Theater an der Wien einen richtungsweisenden Erfolg (mit Max Hansen und Zarah Leander in den Hauptrollen). Auch Paul Abraham schrieb nach 1933 seine neuen Stücke für Wien, z. B. die frivole Fußball-Operette "Roxy und ihr Wunderteam", 1937 voller Blackwalks und Foxtrotts, 1938 verfilmt mit Rosy Barsony und Oscar Denes.


title: Operette

text: Nach dem Anschluss Österreichs 1938 verschwanden die nunmehr als „entartet“ abgestempelten Jazz-Werke von den Spielplänen der Wiener Theater; sie wurden ersetzt von sogenannten Klassikern des 19. Jahrhunderts und Kompositionen, die sie imitierten.


title: Operette

text: Als Novitäten-Gattung behielt die Wiener Operette über die letzten Werke von Robert Stolz ("Frühjahrsparade"), Ludwig Schmidseder ("Abschiedswalzer") und Gerhard Winkler in der zweiten Jahrhunderthälfte hinaus ungebrochene Kontinuität. Im Fernsehen wurde die Wiener Operette von Sängern wie Rudolf Schock oder Anneliese Rothenberger gefördert.


title: Operette

text: Bis in die 1970er-Jahre entstanden noch Operetten des Linzer Komponisten Igo Hofstetter, wie etwa "Roulette der Herzen", "Alles spricht von Charpillon" und "Schach dem Boss", die in mehrere Fremdsprachen übersetzt wurden und in verschiedenen Theatern mehrere Jahre auf den Spielplänen waren.


title: Operette

text: Auch in Berlin hatten die Pariser und Wiener Operettentitel Erfolg und bald machten sich lokale Komponisten wie Paul Lincke, Jean Gilbert und Walter Kollo daran, einen typisch berlinerischen Tonfall in der Operette einzuführen. Beispiele für die frühe „Berliner Operette“ sind Paul Linckes "Frau Luna" und "Im Reiche des Indra" (beide 1899), Walter Kollos "Drei alte Schachteln" (1917) und Jean Gilberts "Die keusche Susanne" (1910) oder "Die Kinokönigin" (1913). Kennzeichnend für den „Berliner Stil“ ist die Bevorzugung von zackiger Marschmusik (berühmtestes Beispiel ist Linckes „Das ist die Berliner Luft, Luft, Luft“).


title: Operette

text: Schon im 19. Jahrhundert dienten Berliner Theater wie das Woltersdorff-Theater der Wiener Operette für Tryout-Aufführungen. Nach dem Ende des Ersten Weltkriegs entwickelte sich Berlin zunehmend zum Zentrum der deutschsprachigen Operette, und viele Wiener Komponisten vergaben Uraufführungen ihrer Werke in die deutsche Hauptstadt (berühmtestes Beispiel: Lehárs "Das Land des Lächelns", 1929 mit Richard Tauber im Metropol-Theater uraufgeführt) oder siedelten ganz an die Spree um (Ralph Benatzky, Oscar Straus usw.). Mit Beginn der Zwanziger Jahre setzte sich in Berlin auch ein radikal neuer Ton für Operetten durch, stark orientiert an den synkopierten Tänzen aus den USA. Stärker als in Wien wurde der transatlantische Sound ein Markenzeichen der Berliner Operetten. Dabei entstanden Klassiker wie Eduard Künnekes "Der Vetter aus Dingsda" (1920) mit dem „Batavia Foxtrott“, Erik Charells am Broadway orientierte Revueoperetten "Casanova" (1928), "Drei Musketiere" (1929) und "Im weißen Rössl" (1930), für die Ralph Benatzky musikalisch verantwortlich war, sowie als krönender Höhepunkt Paul Abrahams wirbelwindartige Hits "Viktoria und ihr Husar" (1930), "Die Blume von Hawaii" (1931) sowie "Ball im Savoy" (1932). Die "Blume von Hawaii" war das erfolgreichste Bühnenwerk der Weimarer Ära.


title: Operette

text: Mit dem Aufkommen des Tonfilms Ende der 1920er Jahre entwickelte sich die fürs neue Medium geschaffene „Tonfilmoperette“ als eigenständiges Genre, besonders bei der Berliner Filmfirma UFA, als deren Hauptvertreter Werner Richard Heymann gelten kann, mit Film-Klassikern wie "Die Drei von der Tankstelle (1930)" oder "Der Kongreß tanzt" (1931, Regie: Erik Charell).


title: Operette

text: Neben den opulenten Produktionen für Bühne und Film entwickelte sich speziell in Berlin das Genre der satirisch angehauchten, intimen Kabarett-Operette, repräsentiert durch Stücke wie Mischa Spolianskys "Wie werde ich reich und glücklich?" (1930).


title: Operette

text: Nach 1933 wurde der internationale, an den USA ausgerichtete Jazz-Stil der deutschsprachigen Operette (in Berlin und Wien) ersetzt von einem – mit wenigen Ausnahmen – biederen Sound, kreiert von „arischen“ Komponisten wie Nico Dostal, Fred Raymond, Ludwig Schmidseder und Friedrich Schröder, die unter anderem Remakes oder sogar Plagiate der nunmehr verbotenen „jüdischen“ Werke schufen ("Saison in Salzburg" für "Im weißen Rössl", "Die ungarische Hochzeit" für "Gräfin Mariza" usw.). Eine Ausnahme stellen Ludwig Schmidseders Operetten dar, bei denen „entartete Tendenzen“, wie jazzige Rhythmen, in seiner Musik deutlich zu hören sind. Die betont unpolitische Haltung der Operette bewahrte ihren Werken noch nach dem Zweiten Weltkrieg eine jahrzehntelange Wirkung wie bei "Maske in Blau" (1937, als Ersatz für Ábraháms "Ball im Savoy") oder "Hochzeitsnacht im Paradies" (1942).


title: Operette

text: Ferner wurden von den Nationalsozialisten die Wiener Werke von Suppè, Strauß, Millöcker und Zeller auf die Bühne zurückgeholt, als Beispiele für „arische“ und nicht „entartete“ Operetten (meist ohne Nennung der jüdischen Textdichter). Dass die wertende Unterteilung in Goldene und Silberne Operette auf die Kulturpolitik der Nazis zurückgehe, ist auch heute noch häufig zu finden, tatsächlich entstanden die Begriffe erst nach 1945.


title: Operette

text: Nach dem Zweiten Weltkrieg schufen in der DDR Komponisten wie Gerd Natschinski, Conny Odd, Herbert Kawan, Eberhard Schmidt, Gerhard Kneifel und Guido Masanetz neue Operetten (siehe Heiteres Musiktheater (DDR)).


title: Operette

text: In England sind die klanglich üppigen Savoy Operas von Gilbert und Sullivan beliebt geworden, und in Spanien erlebte die musikalisch schlankere Zarzuela nach der Wende zum 20. Jahrhundert eine Blütezeit, zum Beispiel von Enrique Granados oder Amadeo Vives.


title: Operette

text: Seit den 1910er-Jahren konnte sich auf der New Yorker Broadway-Bühne eine eigene Operettentradition etablieren, die etwa von Victor Herbert ("Babes in Toyland", 1903, "Mlle Modiste", 1905, "The Red Mill", 1906, "Naughty Marietta", 1910, "Sweethearts", 1913, "Eileen", 1917, "Orange Blossoms", 1922), Sigmund Romberg ("The Student Prince", 1924) und Rudolf Friml ("The Vagabond King", 1925) vertreten wurde und teils auch in Europa, speziell Großbritannien, sehr erfolgreich war. Auch wenn diese US-Operetten vielfach europäischen, vor allem Wiener Vorbildern folgten, behandelten sie doch oft Stoffe, die nicht von adligen Personen handelten und amerikanische Geschichten erzählten (wie die Kolonialoperette "Naughty Marietta" oder die in Kanada spielende Friml-Operette "Rose-Marie").


title: Operette

text: Auch wenn US-Komponisten vielfach Lieder im Walzertakt schrieben, war der Dreivierteltakt in Amerika nicht das kennzeichnende Merkmal der Operette wie in Wien. Stattdessen wurden speziell Marschnummern (wie „Stouthearted Men“) und Vaudeville-Nummern populär und zum Vorläufer und Vorbild späterer Musicalsongs von Jerome Kern oder George Gershwin. Deren Werke (wie "Show Boat", 1927) entstanden teils parallel zu den Broadwayoperetten und sind mit diesen inhaltlich und musikalisch eng verwandt. Auch die Musical Plays nach den Textbüchern von Oscar Hammerstein II wie "Oklahoma!" (1943) oder "The Sound of Music" (1959) werden bisweilen zur Operette gezählt.


title: Operette

text: Der Regisseur und Produzent Erik Charell konnte in München 1950 mit einer Revue-Version der Schweizer Operette "Feuerwerk" von Paul Burkhard noch einen Erfolg feiern. Darauf wurden die Uraufführungen im großen Rahmen seltener.


title: Operette

text: In neuester Zeit sind wieder Operetten-Uraufführungen bzw. eine Annäherung des Musicals an die Operette zu beobachten. Darunter etwa "The Beastly Bombing: A Terrible Tale of Terrorists Tamed by the Tangles of True Love" (Los Angeles 2006) von Julian Nitzberg (Libretto) und Roger Neill (Musik), im Stil von Gilbert & Sullivans grotesken Polit-Satiren.


title: Operette

text: Nach der Machtübernahme der NSDAP 1933 erfuhr das Genre Operette eine radikale Umdefinierung. Fast alle an den USA orientierten Jazz- und Revueoperetten der 1920er Jahre wurden von den Spielplänen entfernt, wegen des angeblich skandalösen Einflusses sogenannter „Niggermusik“, vor allem aber wegen der überwiegend jüdischen Autoren. Wegen seiner jüdischen Glaubenszugehörigkeit wurde speziell auch das Œuvre Jacques Offenbachs vollständig von deutschsprachigen Bühnen verbannt.


title: Operette

text: Da Jazzmusik und somit auch Jazz-Operetten unerwünscht waren, da als „typisch jüdisch“ angesehen, und da Frivolität und gesellschaftspolitische Aktualität ebenso unwillkommen waren, musste nach 1933 Ersatz für die vielen Erfolgsstücke der Weimarer Republik gefunden werden. Kevin Clarke beschreibt im Rahmen des Ausstellungskatalogs "Das verdächtige Saxophon: ‚Entartete Musik‘ im NS-Staat" drei Ebenen, auf denen die Nationalsozialisten Entwicklungen der „Verfallszeit“ vor 1933 aufgriffen, diese aber mit neuen Inhalten füllten. Wenn man von „Operette“ im Nationalsozialismus spricht, dann laut Clarke von folgenden Varianten:


title: Operette

text: Da die Titel der 1920er Jahre und überhaupt die Unterhaltungstheaterkultur der Weimarer Republik als „entartet“ und als „Verwesungserscheinung“ betrachtet wurde, und weil selbst bei Lehárs Opern-Operetten "Land des Lächelns" und "Giuditta" die Textbücher von jüdischen Autoren wie Fritz Löhner-Beda („Ausgerechnet Bananen“) stammten, empfahl die Reichsdramaturgie die ‚klassischen‘ Walzer-Operetten des 19. Jahrhunderts zu spielen. Denn: „Das Wiener Singspiel und damit die Wiener Operette ist aus unserer heimischen volkhaften Überlieferung erwachsen, in ihrem Wesen nur aus dieser zu erfassen und bleibt auch ständig mit unserem Volkstum verbunden“, heißt es 1942 in den Worten des Wiener Musikprofessors Alfred Orel in dem Aufsatz „Die Operette – wertvolles Kulturgut unserer Heimat“.


title: Operette

text: Bereits davor hieß es von offizieller Seite, dass die Wiener Operette als Vorbild und Klassiker gelte, so etwa 1939 in "Reclams Operettenführer", wo Herausgeber Walter Mnilk auch in Bezug auf Offenbach formulierte: „[Die Operette] erlebte […] in Frankreich ihre erste Blüte und in rascher Folge schon ihre Verfallszeit. Wien wurde dann ihre klassische Stätte.“


title: Operette

text: In seinem Artikel "Die Operette ist tot!" hatte Hans Herbert Pudor 1937 klargestellt: „Tot ist "die" Operette, die, substanzlos am seidenen Faden einer Revue-Handlung baumelnd, nur Mittel zum Zweck einer grandiosen Ausstattung, gepaart mit der Zurschaustellung mehr oder weniger pikanter weiblicher Reize war. Gestorben und endgültig in den Hades hinabgesunken, ist jene Art von ‚Operetten‘ […] mit mehr als platten Albernheiten, mehr als zweideutigem Auch-Humor und schwüler Erotik, im schönen Verein mit süß-kitschigen Liebesliedern“.


title: Operette

text: Durch diese Betonung einer klassischen und entkitschten Operette aus dem Wien des 19. Jahrhunderts erlebten plötzlich lange vergessene Werke wie "Prinz Methusalem", "Spitzentuch der Königin", "Tausendundeine Nacht", "Der Obersteiger", "Das Heiratsnest", "Der Landstreicher", "Der Fremdenführer", "Der Kellermeister", "Der arme Jonathan", "Das Pensionat" usw. Revivals. Sie wurden mit den besten damals verfügbaren Opernsängern und Orchestern eingespielt, darunter die Berliner und Wiener Philharmoniker, als moderne „Spielopern“, wie Hans Severus Ziegler in seinem Geleitwort zu "Reclams Operettenführer" 1939 darlegt:


title: Operette

text: Diese geschmacksbildende ‚Niveau-Hebung‘ der Operette in Richtung Singspiel war auch deshalb wichtig, weil Privattheater im Nationalsozialismus bald völlig verschwanden und Operetten entsprechend an staatlichen Bühnen gespielt wurden, mit Ensemblesängern, deren Talente auf anderen Gebieten lagen als bei den hochspezialisierten Operettenstars der 1920er Jahre.


title: Operette

text: Zum „Singspiel“ umfunktioniert, dominierten die Werke von Strauß und Zeitgenossen, aber auch etliche Lehár-Operetten fortan (bis heute) den Spielplan, teils unter Weglassung des Namens der Textdichter.


title: Operette

text: Auch in Filmen wie Willi Forsts "Operette" (1940) und "Wiener Mädeln" (1944/1949) ist diese Ideologie in Bezug auf Johann Strauss bzw. Carl Michael Ziehrer omnipräsent und wurde über das Kino verbreitet. Zum Teil wird diese Ideologie bis heute unkommentiert gelassen bei Ausstrahlung der Forst-Filme im Fernsehen.


title: Operette

text: Auch die wenigen „arischen“ Komponisten, die vor 1933 Karriere im Jazzbereich gemacht hatten, wie Eduard Künneke, schrieben fortan opernhafte Werke für Opernsänger, etwa "Die große Sünderin", die 1935 an der Berliner Staatsoper Unter den Linden herauskam, mit der Wagner-Diva Tiana Lemnitz und dem Verdi-Tenor Helge Roswaenge in den Hauptrollen. Mit diesem Ansatz der ‚Veredelung‘ und ‚Veroperung‘ der Operette und dem Zerstören privater Theater zerstörte man nicht nur eine blühende Unterhaltungsindustrie in Deutschland, die vergleichbar war mit dem, was man heute noch vom Broadway oder Londoner West End kennt. Man vernichtete so die kommerzielle Kunstform Operette und machte sie zu einem Staatsakt, von Kammersängern vorgetragen und Staatsorchestern begleitet.


title: Operette

text: Erstmals umfassend behandelt wurde das Thema in der von der Staatsoperette Dresden unter Intendant Wolfgang Schaller organisierten Konferenz "Operette unterm Hakenkreuz", die im Jahr 2005 der Musikwissenschaftler Kevin Clarke zusammen mit der Dramaturgin Carin Marquardt konzipierte und durchführte. Die Beiträge wurden 2007 unter dem Titel "Operette unterm Hakenkreuz: Zwischen hoffähiger Kunst und ‚Entartung"‘ veröffentlicht. Es erschienen im Anschluss mehrere umfangreiche Studien, so etwa Boris von Hakens "Der „Reichsdramaturg“: Rainer Schlösser und die Musiktheater-Politik in der NS-Zeit" und die Übersichtsdarstellung "Operette im ‚Dritten Reich‘: Musikalisches Unterhaltungstheater zwischen 1933 und 1945" von Matthias Kauffmann.


title: Operette

text: Kauffmann weist als einer der Ersten auf die teils schizophrene Situation für die Operette im NS-Staat hin, die einerseits die sexuell freizügige Aufführungspraxis der Jahre vor 1933 geißelte und durch Klassikerpflege zu ersetzen suchte, andererseits jedoch erotisch freizügige Produktionen wie "Die lustige Witwe" 1940 im Berliner Admiralspalast mit Johannes Heesters (Regie: Georg Jacoby) mit dem männlichen Nackttänzer Alberto Spadolini zuließ, unter dem Beifall von Goebbels und Hitler. In "Hochzeitsnacht im Paradies" lobte die Kritik 1942 „zwei Männer von adamhafter Impression“ die „mit nacktem Oberkörper“ als Boxer auf die Bühne des Metropltheaters Berlin drängten: „Wozu? Warum? Heinz Hentschke strahlt über diese außergewöhnlichen Muskelmenschen, die er einem Ensemble einverleibt hat, dem es eigentlich mehr auf Kehlkopf als auf Bizeps ankommen müßte.“


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text: In anderen Produktionen des Gärtnerplatztheaters München oder Metropoltheaters Berlin konnte man Nackttänzerinnen bestaunen, die vom Metropoltheater-Intendanten Heinz Hentschke im Zusammenhang mit seiner Produktion von "Frauen im Metropol" (1941) als „hocherotisch und adrett“ angepriesen wurden.


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text: Nach 1945 war es nicht mehr passend, von „arischen“ und „entarteten“ Operetten zu sprechen. Franz Hadamowsky und Heinz Otte führten daher 1947 die Begriffe „goldene“ und „silberne“ Operette mit ihrem Buch "Die Wiener Operette: Ihre Theater- und Wirkungsgeschichte" ein. Das war eine Terminologie, die zuvor weder von den Nationalsozialisten verwendet wurde, noch von Karl Westermeyer 1931 in seinem Buch "Die Operette im Wandel des Zeitgeistes: von Offenbach bis zur Gegenwart". Westermeyer unterscheidet stattdessen zwischen der „klassischen Operette“ Offenbachs, der „romantischen Operette“ („Die Operette unter der Herrschaft des Wiener Walzers“) in Bezug auf sowohl Johann Strauss als auch Leo Fall und Franz Lehár, und spricht später von der „jüngeren Wiener und Berliner Operette“ sowie mit Blick auf die 1920er-Jahre von „Jazz-Operette“ und später von der „Tonfilm-Operette“ als jeweils unterschiedlichen Weiterentwicklungen.


title: Operette

text: Trotz der versteckten antisemitischen Auf- bzw. Abwertung hat sich das Begriffspaar Goldene und Silberne (Wiener) Operette fest in der Literatur und im Sprachgebrauch etabliert und wird auch 2020 von den Herausgebern Derek B. Scott und Anastasia Belina in "The Cambridge Companion to Operetta" (Cambridge University Press) völlig unkommentiert verwendet.


title: Operette

text: Nach dem Zweiten Weltkrieg entwickelte sich die Operette in Ost- und Westdeutschland unterschiedlich. In der BRD scheiterten die Versuche einer Weiterführung des Genres mit neukomponierten Stücken, das betraf sowohl die Werke von Komponisten, die in Nazi-Deutschland erfolgreich waren (Friedrich Schröder, Rudolf Kattnigg, Nico Dostal, Peter Kreuder, Fred Raymond, August Pepöck), als auch Werke von Remigranten wie Emmerich Kálmán ("Arizona Lady", uraufgeführt vom Bayerischen Rundfunk 1954), Oscar Straus, Werner Richard Heymann, Friedrich Hollaender oder Ralph Benatzky. Einzig Erik Charell gelang 1950 mit "Feuerwerk" (Musik: Paul Burkhard) ein durchschlagender Erfolg, der sich im Repertoire etablieren konnte und 1954 erfolgreich verfilmt wurde mit Lilli Palmer, Karl Schönböck und Romy Schneider.


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text: Zunehmend konzentrierte sich die Operettenpflege in der BRD auf die sogenannten Klassiker, auch solche, die während der NS-Zeit wegen der jüdischstämmigen Autoren als „entartet“ von den Spielplänen entfernt worden waren. Dies führte im Laufe der Jahre zu einer immer stärker werdenden Einengung des Repertoires auf wenige Einzeltitel wie u. a. "Die Fledermaus", "Die lustige Witwe", "Csardasfürstin", "Land des Lächelns", "Wiener Blut" oder "Das weiße Rössl". Diese wurden nun nicht mehr im Rahmen eines kommerziellen Theaterbetriebs gespielt, sondern seit 1933 in staatlich subventionierten Theatern, ein System, das in der BRD weitergeführt wurde. „Für das unterhaltende Musiktheater jedoch erwies sich die verstaatlichte Theaterlandschaft als Desaster, anders lassen sich die Konsequenzen kaum formulieren“, bemerkte Wolfgang Jansen zur Situation nach 1945.


title: Operette

text: Die Wahl der Stücktitel musste im Rahmen der „Ewigkeitswerte“ deutscher Kultur und der Rechtfertigung von Kultursubventionen in der BRD begründet werden. Es setzte eine „Veredelungsstrategie“ ein, mit der versucht wurde, Operetten aufzuwerten in Richtung Oper und Singspiel. Noch in den 1990er Jahren ging es darum, „das Genre Operette grundsätzlich zu rehabilitieren“, schreibt Stefan Frey in seiner Franz-Lehár-Biografie von 2020, stellt aber rückblickend fest: „Die gängigen Antinomien von Kitsch und Kunst, goldener und silberner Ära oder guter und schlechter Operette, wie sie besonders Volker Klotz in seiner damals bahnbrechenden Enzyklopädie betrieben hatte, haben sich überholt und greifen […] zu kurz.“