title: Große Klette

text: Stängel der Blätter und des Blütentriebes werden als Gemüse verwendet. Das Mark schmeckt ähnlich wie die verwandte Artischocke, die zu derselben Tribus Cynareae innerhalb der Pflanzenfamilie der Korbblütler gehört.


title: Große Klette

text: Die Große Klette (lateinisch "Bardana") wurde als Volksarzneipflanze verwendet, die Wurzeln werden zur Droge „Radix Bardanae“ verarbeitet. Klettenwurzelöl findet in der Kosmetik Anwendung. Ein wasserlösliches Polysaccharid, ein sogenanntes Fructan, der Großen Klette zeigt in vitro und in vivo hohe antioxidative Wirkungen und könnte in der Herstellung von Pharmazeutika oder Nahrungsmitteln in Zukunft eine Rolle spielen. Für Arctigenin, ein Aglykon von Arctiin und typisches Lignan von "Arctium lappa", konnten antivirale und antitumorale Wirkungen beobachtet werden. Arctigenin zeigt phytoöstrogene Eigenschaften und vermochte im Versuch, die Apoptose von östrogenrezeptornegativen Brustkrebszellen zu forcieren. Unter den volkstümlichen Verwendungen der Klettenwurzel als Heilpflanze finden sich Hauterkrankungen, Leberleiden, Haarausfall und rheumatische Erkrankungen.


title: Große Klette

text: Laut David Hoffmann sind Anwendungsgebiete der Großen Klette Hautleiden, die zu Trockenheit und Hautschuppen führen; sowie, über längere Zeit angewendet, Schuppenflechte und Ekzeme. Sie sei bei Rheuma hilfreich, das mit Schuppenflechte einhergeht. Die Wirkung beruhe zum Großteil auf Anregung der Verdauungssäfte, in erster Linie der Galle. Dadurch fördere sie die Verdauung und helfe bei Anorexia nervosa (Magersucht), stärke die Funktion der Nieren und könne Zystitis (Harnblasenentzündung) ausheilen. Äußere Anwendung als Umschlag beschleunige die Heilung von Wunden und Ulcera (Geschwüre). Ekzeme und Schuppenflechte könnten zusätzlich zur inneren Anwendung äußerlich behandelt werden.


title: Rudiment

text: Als Rudiment (lat. "rudimentum" „Anfang“, „erster Versuch“, „Probestück“) wird in der Biologie ein in der Stammesentwicklung (Phylogenese) teilweise oder gänzlich funktionslos gewordenes rückgebildetes, aber noch vorhandenes Merkmal (Organ, Organteil, Organstruktur oder auch Verhalten) bezeichnet. Rudimente treten im Gegensatz zu Atavismen, die nur bei einzelnen Individuen auftreten, bei vielen oder allen Individuen einer Art auf. Rudimente können grundsätzlich bei allen Organismen auftreten und gelten als klassische Evolutionsbelege.


title: Rudiment

text: Der Rückbildungsvorgang ist die "Rudimentation". Sie ging von einem funktionsfähigen Stadium des Merkmals aus.


title: Rudiment

text: Einige Rudimentationen sind auch mit einem Funktionswechsel verbunden, wie am Beispiel Blinddarm/Wurmfortsatz beschrieben wird.


title: Rudiment

text: Die Rudimentation wird dadurch verursacht, dass sich an Stellen der DNA, die keinem positiven Selektionsdruck unterworfen sind, Mutationen ansammeln können ohne die Fitness des Organismus negativ zu beeinflussen. Dies kann auf lange Sicht zur Verkümmerung des entsprechenden Merkmals in einer Population führen. Das entsprechende Phänomen nennt man regressive Evolution.


title: Rudiment

text: Die zurückgebildeten Organe verlieren im Laufe der Stammesgeschichte der Lebewesen im Zusammenhang mit der Veränderung der Lebensweise ihre ursprünglichen Funktionen, sie können aber dennoch Aufgaben haben (zum Beispiel lymphatische Funktion im menschlichen Wurmfortsatz des Blinddarms). Rudimente können mitunter auch gesundheitliche Beschwerden verursachen. Beim Menschen sind das die Weisheitszähne (heute: Fehlstellung, Entzündungen) oder Wurmfortsatz (heute: „Blinddarmentzündung“).


title: Rudiment

text: Ein Beispiel für teilweisen Funktionsverlust ist bei Säugetieren einschließlich des Menschen die Zirbeldrüse. In früheren Entwicklungsstufen war sie bedeutungsvoll als lichtsensitives Scheitelauge (auch: Parietalorgan, „drittes Auge“) direkt durch die Haut hindurch, wie heute noch bei einigen Amphibien, Vögeln und Reptilien. Bei Säugetieren ist sie für die Melatonin-Ausschüttung und den Tag-Nacht-Wechsel wichtig.


title: Rudiment

text: Ein Beispiel ist hier die "Rudimentation" der Staubblätter bei den Rachenblütlern (Scrophulariacea). Bei diesen nimmt innerhalb einer Progressionsreihe die Zahl der Staubblätter von ursprünglich Fünf bei Verbascum über Vier bei Digitalis zu Zwei bei Veronica officinalis ab, aber die funktionslosen Anlagen der restlichen Staubblätter werden dennoch ausgebildet.


title: Rudiment

text: Etliche der Reflexe von menschlichen Säuglingen stellen rudimentäres Verhalten dar, das früher in der stammesgeschichtlichen Entwicklung überlebenswichtig war. Dies gilt beispielsweise für den Greifreflex. Bei Affenbabys ermöglicht er das Festkrallen des Neugeborenen im Fell seiner Mutter, während diese sich von Ast zu Ast hangelt oder sich auf allen vieren auf dem Boden bewegt. Bei menschlichen Babys ist der Greifreflex für das Festhalten am weitgehend haarlosen Körper seiner Mutter nutzlos, die sich zudem nicht mehr auf vier, sondern auf zwei Beinen fortbewegt und den Säugling ohnedies im Arm trägt. Der menschliche Greifreflex ist schon ab der 32. Schwangerschaftswoche ausgebildet, im Mutterleib erscheint seine Funktion noch abwegiger. Der Eintrittszeitpunkt des Reflexes entspricht allerdings der Trächtigkeitsdauer der menschenverwandten Arten (zum Beispiel Bonobos von 220 bis 250 Tagen), das heißt, er wird bis heute zu jenem Entwicklungszeitpunkt ausgebildet, ab dem er bei den Vorfahren überlebenswichtig war.


title: Dakien

text: Dakien, manchmal auch Dazien, () war seit den von Marcus Vipsanius Agrippa verfassten geographischen Werken nach römischer Auffassung eine von den Dakern bewohnte Landschaft. Von 106 bis in die frühen 270er Jahre waren auf dem Siedlungsgebiet im engeren Sinne Provinzen des Römischen Reiches im Norden der unteren Donau eingerichtet.


title: Dakien

text: Der Name der Provinz Dakien beruht auf dem dort wohnhaften Volk der Daker, das zusammen mit den Geten das Gebiet der Provinz besiedelte.


title: Dakien

text: Nach der Eroberung im Zuge der Dakerkriege durch Trajan im Jahr 106 wurde dem neu eroberten Gebiet die offizielle Bezeichnung "Dacia" verliehen. Kaiser Hadrian unterteilte sie um 118 in zwei Teile: Dacia superior und Dacia inferior. Fünf Jahre später ließ Hadrian erneut eine Teilung vornehmen und trennte von "Dacia superior" ein Gebiet ab, das als "Dacia Porolissensis" bezeichnet wurde. Von 167 bis 169 strukturierte Mark Aurel die Provinz wieder neu: Es gab nun "Dacia Apulensis, Dacia Porolissensis" und "Dacia Malvensis." Diese Struktur blieb bis zum römischen Rückzug unter Aurelian bestehen. Hauptstadt war "Colonia Ulpia Traiana Augusta Dacica Sarmizegetusa."


title: Dakien

text: Begrenzt wurde die Provinz an allen Grenzen durch das Barbaricum. Nur im Süden grenzte die Provinz an "Moesia." In späterer Zeit gab es auch eine kleine gemeinsame Grenze mit "Pannonia." Die Grenzziehungen wurden meist durch Flussverläufe bestimmt: Im Süden die Donau, im Westen Tisa, Mureș und Criș. Insgesamt bestand Dakien größtenteils aus dem Gebiet des heutigen Rumäniens und Ungarns.


title: Dakien

text: Die Daker hatten bereits vor Christi Geburt die Schwelle einer traditionellen Kultur von Ackerbauern und Viehzüchtern überschritten. Neben einem hochentwickelten Kunsthandwerk, im Speziellen bemalte Keramik, hatten sich die Menschen auch auf Eisen-, Silber- und Goldverarbeitung spezialisiert. Die Menge an Münzfunden und Münzprägungen sowie die Aneignung zunächst der griechischen und später auch lateinischen Sprache lassen auf teilweise enge Kontakte mit den damals dominanten Kulturen Europas schließen. Bereits früh hatte sich im Bergland von Siebenbürgen bei Broos ein Machtzentrum gebildet, das starken Einfluss auf das Land besessen haben muss. Inwieweit Strukturen staatlicher Ordnung jedoch wirklich bestanden, ist in der Fachwelt umstritten. Zu Caesars Zeiten hatte der dakische König Burebista eine erste wirkliche Machtdemonstration gezeigt, als er seinen Einflussbereich zeitweise über die Nachbarstämme der Geten und Thraker ausdehnen konnte. Obwohl diese Expansion nach Burebistas Tod keinen Bestand hatte, erschienen die dakischen Möglichkeiten den Verantwortlichen des in unmittelbarer Nachbarschaft, am Südufer der Donau, angrenzenden Römischen Reiches als derart bedrohlich, dass wiederholt eine präventive militärische Zerschlagung der dakischen Machtstrukturen anvisiert wurde.


title: Dakien

text: Nach Burebista konnte über einen längeren Zeitraum nicht mehr von einem zentral regierten Dakien gesprochen werden. Verselbständigte größere dako-getische Gruppen fielen immer wieder zu Plünderungen und Zerstörungen in die Grenzräume der mösischen Provinzen ein und die römischen Truppen waren gezwungen, in stellenweise massiven Gegenstößen die Ordnung wiederherzustellen. Eine Reaktion der dakischen Herrschaftsschicht auf die römische Präsenz war der umfangreiche militärstrategische Ausbau der Residenz Sarmizegetusa Regia mit dem dazugehörigen religiösen Zentrum im Bergland zwischen den Siebenbürger Westkarpaten und den Südkarpaten. Auch die Römer waren um Sicherungsmaßnahmen bemüht, so waren um 20 n. Chr. die Ansiedlung der einwandernden sarmatischen Reiterkrieger der Jazygen im östlichen und nördlich der Donau liegenden "Barbaricum" des pannonischen Beckens gefördert worden, um die Ostflanke der Provinz Pannonien zu entlasten. Die Römer hatten die Hoffnung, dass die Jazygen und später auch die im Banater Großraum siedelnden sarmatischen Roxolanen als östliche Nachbarn der Daker deren eventuelle Expansionswünsche und Übergriffe vor den Provinzgrenzen abfangen sollten. Doch die Sarmaten waren sehr unzuverlässige Bündnispartner, die zeitweilig nicht nur zu den erbittertsten Gegnern Roms zählten, sondern auch teilweise mit den Dakern paktierten. Weitere Umsiedlungen von "Transdanuviern" im Zuge der römischen Strategie folgten. Kaiser Vespasian (69–79) verstärkte die Truppen Mösiens und ließ eine Donauflotte aufbauen.


title: Dakien

text: Im Winter 85/86 drangen starke dakische Kriegerhorden in Mösien ein und trafen die Römer völlig unerwartet. Ihr Statthalter, Gaius Oppius Sabinus, fiel im Kampf und die Angreifer konnten fast zügellos plündern und brandschatzen. Offensichtlich war für den regierenden Kaiser Domitian (81–96) nun der Zeitpunkt gekommen, zunächst den Gegner aus dem Land zu werfen und anschließend eine Strafexpedition auszusenden. Domitian begab sich selbst mit frischen Kräften nach Mösien, doch dauerten die Kämpfe gegen den hartnäckigen Gegner das ganze Jahr 86. Da der alte regierende dakische König Diupaneus die Folgen des römischen Einmarsches fürchtete, trat er zugunsten seines Neffen Decebalus zurück. Mit diesem Mann kam eine politisch und militärisch hoch qualifizierte Persönlichkeit auf den Thron, die großes Verhandlungsgeschick und charismatische Züge trug. In der Zwischenzeit hatte auf römischer Seite der Prätorianerpräfekt Cornelius Fuscus die Leitung der Operationen übernommen. Seine Armee wurde von Decebalus jedoch vernichtend geschlagen. Ein Jahr später versuchte der Legat Tettius Julianus vom Banat aus nach Sarmizegetusa vorzustoßen, musste jedoch aufgrund von zu hohen Verlusten die Offensive abbrechen. Auch die Versuche des nachfolgenden Kaisers Nerva (96–98) Decebalus in die Knie zu zwingen, blieben erfolglos.


title: Dakien

text: Erst der römische Kaiser Trajan (98–117) konnte nach einem blutigen Krieg (101–102) die dakischen Kräfte zerschlagen. Der bereits von Trajan, bedingt durch die dakischen Niederlagen von 98 zum Klientelkönig gemachte Decebalus versuchte, seine Getreuen zu einem Racheschlag zu sammeln. Trajan reagierte mit einem heftigen Angriff (105–106), an dessen Ende der auf der Flucht befindliche Decebalus Selbstmord beging und die Eroberung der dakischen Gebiete stand (siehe Dakerkriege). In einem auf den 11. August 106 datierten Militärdiplom (in Porolissum gefunden) wird Dacia als römische Provinz genannt. Die von Trajan nach Rom geschleppte Kriegsbeute soll 331 Tonnen Silber und 165 Tonnen Gold betragen haben, eine höchst willkommene Finanzspritze, die unter anderem für den Bau des Trajansforums genutzt wurde.


title: Dakien

text: Mit Ausnahme der Markomannenkriege des Mark Aurel blieb die Provinz weitestgehend friedlich, bis ab den 230er Jahren während der sogenannten Reichskrise des 3. Jahrhunderts die außenpolitische Situation des Römischen Reiches wieder schlechter wurde und einige feindliche Angriffe auch die Provinz Dakien betrafen. Schließlich gab die römische Reichsverwaltung die dakischen Provinzen auf und zog das Verwaltungspersonal sowie die Truppen auf die Donaugrenze zurück. Diese Maßnahme wird in einigen antiken Quellen Kaiser Gallienus (regierte 260–268), in anderen Kaiser Aurelian (regierte 270–275) und in wieder anderen beiden Herrschern zugleich zugeschrieben. In der modernen Forschung ist umstritten, welcher Version der Vorzug gegeben werden sollte. Vor dem Hintergrund der tiefgreifenden Neustrukturierung der römischen Armee unter Gallienus wäre es denkbar, dass dieser zumindest Teile des dakischen Limes aufgab, um eine tiefer gestaffelte Grenzverteidigung mit mobileren Heeresverbänden aufbauen zu können. Aurelian dürfte diese Politik dann konsequent fortgesetzt und die römischen Soldaten und Beamten komplett aus den Gebieten nördlich der Donau abgezogen haben. Da Aurelian und sein Vorgänger Claudius Gothicus zuvor einige Siege über die Goten, die hauptsächliche Bedrohung der römischen Donauprovinzen in dieser Zeit, errungen hatten, konnte der Kaiser die Räumung aus einer Position der relativen Stärke anordnen. Vermutlich erfolgte sie vor dem Hintergrund, dass die lange Landgrenze Dakiens die in dieser Zeit stärker beanspruchten militärischen Ressourcen Roms unnötig band, während die Donaugrenze eine leicht zu handhabende starke natürliche Grenze bildete. Um den Verzicht auf die dakischen Provinzen weniger offensichtlich zu machen, entstanden stattdessen bis spätestens 283 zwei neue Provinzen südlich der Donau, die den Namen "Dacia" trugen.


title: Dakien

text: Mit dem Rückzug auf die Donaugrenze wurde von den Römern auch die Trajansbrücke zerstört, die zuvor die längste Brücke der antiken Welt gewesen war. Stark umstritten ist, ob die römisch geprägte und Latein sprechende Zivilbevölkerung der Provinz ebenfalls mehrheitlich das Provinzgebiet verließ. Während der Wortlaut der antiken Quellen für diese Annahme spricht, ist insbesondere die rumänische Forschung der Ansicht, dass die „Romanen“ auch nach den 270er Jahren in Dakien verblieben und die direkten Vorfahren der später dort siedelnden Rumänen darstellen (sogenannte Dako-romanische Kontinuitätstheorie).


title: Dakien

text: Unter Konstantin I. (regierte 306–337) wurden Teile Dakiens zeitweilig wieder zurückerobert; diese gingen jedoch bald wieder verloren bzw. man kehrte zu Aurelians Taktik zurück, das militärisch unhaltbare Gebiet lieber als Pufferzone zu belassen. Dennoch gab es auch später noch Provinzen mit Namen Dakien (beispielsweise "Dacia Mediterranea" und "Dacia Ripensis"), die aber allesamt südlich der Donau lagen. Auch die Dioecesis Daciae, eine mittlere Verwaltungseinheit Ostroms, umfasste nur noch geringe Teile der ursprünglichen Provinz.


title: Dakien

text: Nach der Beendigung des ersten trajanischen Dakerkrieges 102 wurden die eroberten Gebiete zunächst militärisch verwaltet; ab 106 wurde Dakien als kaiserliche Provinz anerkannt. Dies bedeutete, dass der Kaiser selbst die Statthalter aus den Reihen des Senats rekrutierte. Die in Dakien stationierten Truppen unterstanden sowohl dem Befehl des Kaisers als auch dem des Statthalters.


title: Dakien

text: Während des Barbarenansturms der Jahre 117 und 118 wurde in Rom erwogen, Dakien aufzugeben und sich wieder hinter die besser zu verteidigende Donau zurückzuziehen. Hadrian entschied sich allerdings dagegen, da er die dakischen Bodenschätze sowie die strategische Bedeutung der Provinz für zu wichtig erachtete. Als Reaktion auf die Kämpfe leitete er jedoch eine Neuorganisierung der Provinzverwaltung ein, da die bisherige Strukturierung den heftigen Kämpfen nicht gewachsen war: Die südlich der Donau gelegenen Länder wurden in der Provinz "Dacia inferior" (Niederdakien) zusammengefasst, wohingegen die eigentlich dakischen Gebiete zu "Dacia superior" (Oberdakien) wurden. Als später auch noch "Dacia Porolissensis" entstand, existierten nun drei voneinander unabhängige Provinzen mit Oberdakien als der höchstrangigen, die jedoch militärisch eng kooperierten.


title: Dakien

text: Als Dakien 168 erneut unter einem heftigen Ansturm germanischer Stämme zu leiden hatte, erkannte Kaiser Mark Aurel, dass ein einheitliches Kommando dringend benötigt wurde. Also ließ er die Grenzen neu ziehen (in "Dacia Apulensis, Dacia Porolissensis" und "Dacia Malvensis)." Die neuen Gebiete wurden einheitlich wieder in der Provinz "tres Daciae" unter einem einzigen Statthalter zusammengefasst; die einzelnen Provinzteile spielten hauptsächlich steuertechnisch eine Rolle.


title: Dakien

text: Militärisch wurde Dakien durch zwei Legionen, der V Macedonica (Sitz: Potaissa, das heutige Turda), sowie der "XIII Gemina" (Sitz: Apulum, das heutige Alba Iulia) abgesichert. Zusätzlich standen zahlreiche Hilfstruppen an den Grenzen zu den barbarischen Gebieten. Insgesamt wird die Anzahl der in Dakien stationierten Soldaten auf etwa 30.000 geschätzt.


title: Dakien

text: Während seiner Besatzung war Dakien für die Römer stets ein wichtiger wirtschaftlicher Standort. Dies begründete sich vor allem auf zahlreiche Bodenschätze sowie eine florierende Landwirtschaft. Aus unzähligen Bergwerken bezogen die Römer neben großen Mengen an Gold und Silber – die später äußerst wichtig für die römische Münzprägung wurden – Blei, Kupfer, Eisen, Marmor und Salz. Ein weiterer wichtiger Posten war die florierende dakische Land- und Forstwirtschaft; so wurde viel Holz, Wolle, Vieh, Häute etc. exportiert. Importe dürften hauptsächlich Olivenöl, Wein, Luxuswaren und ähnliches gewesen sein. Der florierende Handel, der meist über die Donau abgewickelt wurde, lag vermutlich größtenteils in der Hand von Kaufleuten aus dem Orient. Doch vor allem die Produktion an Edelmetallen machte die Provinz sehr wichtig auch für die Politik. So ist zu vermuten, dass beim römischen Rückzug in den 270er Jahren der Großteil der Ressourcen bereits erschöpft war, da anderenfalls Aurelian diese niemals aufgegeben hätte.


title: Artur Rubinstein

text: Artur Rubinstein, auch Arthur Rubinstein geschrieben (geboren am 28. Januar 1887 in Łódź, damals Russisches Kaiserreich; gestorben am 20. Dezember 1982 in Genf), war ein jüdischer Pianist, der als Exilpole im Alter von 60 Jahren die US-amerikanische Staatsbürgerschaft annahm. Er gilt als einer der großen Universal-Pianisten des 20. Jahrhunderts. Besondere Bedeutung erlangte er als Interpret der Werke Frédéric Chopins.


title: Artur Rubinstein

text: Die polnische Schreibweise des Vornamens ist "Artur". Rubinstein bekam diesen Vornamen, weil eines seiner Geschwister einen Cellisten namens Artur kannte und darum seinen Eltern zu dieser Namenswahl riet.


title: Artur Rubinstein

text: In englischsprachigen Ländern ist die Schreibweise "Arthur" üblich. Diese ist auch auf seiner Grabplatte zu lesen. Rubinsteins Manager in den USA, Sol Hurok, verwendete in der Öffentlichkeitsarbeit allerdings die Schreibweise "Artur". In deutschsprachigen Ländern wird der Name überwiegend mit "Arthur" geschrieben, zum Beispiel steht auf der Titelseite der deutschen Ausgaben seiner Autobiografien "Arthur Rubinstein". Auf Platten und CDs findet sich überwiegend die Schreibweise "Arthur".


title: Artur Rubinstein

text: Artur Rubinstein wurde als siebtes Kind von Izaac und Felicja Rubinstein, einer jüdischen Handweberfamilie, geboren. Seine ältere Schwester bekam Klavierunterricht, nahm den allerdings nicht besonders ernst. Der junge Artur hingegen lauschte jedem Wort der Klavierlehrerin und suchte sich gerne bekannte Melodien auf den Tasten zusammen. Mit zwei oder drei Jahren begann er, Klavier zu spielen. Er hatte mit Widerständen zu kämpfen, denn sein Vater kritisierte seinen Hang zum Klavier. Klavierspielen wäre etwas für Mädchen und junge Frauen. Jungen hingegen würden Geige spielen. Der Vater schenkte ihm eine Geige. Nach einem ersten Versuch, Geige zu spielen, zertrümmerte er die Geige und beharrte darauf, Klavier zu spielen. Seine Begabung wurde bald erkannt, und man brachte ihn zu Aleksander Różycki, einem angesehenen polnischen Klavierpädagogen. Der konnte mit dem Jungen jedoch nichts anfangen, da Rubinstein einschlief, sobald er irgendwelche Übungen spielen sollte. Im Alter von sieben Jahren gab Rubinstein ein Mozart-Konzert in Łódź mit der dortigen Philharmonie. Im gleichen Zeitraum wurde Rubinstein Zeuge eines Pogroms.


title: Artur Rubinstein

text: Rubinsteins Mutter brachte den Zehnjährigen im Herbst 1897 nach Berlin, damals die Heimat berühmter Musiker und europäisches Zentrum der Klaviermusik. Hier verschaffte Joseph Joachim dem jungen Rubinstein reiche Förderer und empfahl ihn dem strengen Klavierpädagogen Karl Heinrich Barth. Hier lernte er in einem anstrengenden Studium von sieben Jahren vieles, was er als Klaviervirtuose brauchte. Rubinstein wurde auf Deutsch unterrichtet. Er sprach acht Sprachen: Polnisch, Französisch, Englisch, Deutsch, Russisch, Italienisch, Spanisch und Portugiesisch.


title: Artur Rubinstein

text: Mit einem adligen polnischen Freund reiste Rubinstein nach Warschau und gab mehrere Konzerte. Er wurde durch seine charmante Art, seine guten Manieren und durch sein hochvirtuoses Klavierspiel der Liebling in den Warschauer Salons.


title: Artur Rubinstein

text: 1904, im Alter von siebzehn Jahren, zog es ihn nach Paris. Dort begann er ernsthaft an seiner Karriere zu arbeiten. Innerhalb weniger Monate wurde er zum Liebling der Pariser Bohème. 1907 spielte er die Oper Salome auswendig; er führte in den Salons den zweiten Akt von Carmen Ton für Ton, sämtliche Arien mitsingend, auf dem Klavier vor. Er lernte Marcel Proust, die Rothschilds, Maurice Ravel und Paul Dukas kennen. Das 2. Klavierkonzert von Camille Saint-Saëns spielte er in Anwesenheit des Komponisten.


title: Artur Rubinstein

text: 1906 trat er zum ersten Mal in der Carnegie Hall in New York auf und bereiste anschließend die USA, Österreich, Italien und Russland. Zurück in Paris, musste er seinem Impresario gegenüber einräumen, dass seine Tournee nicht den erhofften Erfolg gebracht hatte und er für das nächste Jahr nicht wieder engagiert worden sei. Der junge Graf Armand de Gontaut-Biron bot ihm an, mit in seine Luxuswohnung an der Place Vendôme zu ziehen und konnte Rubinstein leicht überreden, seine billige Pension zu verlassen.


title: Artur Rubinstein

text: 1912 gab er sein Debüt in London, wo er Igor Strawinski, Jacques Thibaud, Pablo Casals, Pierre Monteux und anderen Musikern begegnete. Bei Beginn des Ersten Weltkriegs blieb er in London, wo er Klavierabende gab und den Violinisten Eugène Ysaÿe begleitete.


title: Artur Rubinstein

text: 1916 besuchte er zum ersten Mal Spanien. Vier Klavierabende waren geplant, aber er trat schließlich nicht weniger als 120 Mal auf und wurde ein Freund des Königshauses. König Alfons von Spanien stellte ihm einen Pass des freien Polens aus, noch bevor Polen eine Botschaft in dem iberischen Land unterhielt. Alle spanisch sprechenden Länder erklärten ihn bald zu ihrem Adoptivsohn, und er zählt seitdem zu den bedeutendsten Interpreten ihrer Musik. Auf dieser Tournee entdeckte er begeistert die Werke von Enrique Granados, Isaac Albéniz, Manuel de Falla und Heitor Villa-Lobos. Villa-Lobos widmete ihm sein Klaviersolo "Rudepoêma" und Strawinski eine dreisätzige Klavierbearbeitung des Balletts "Petruschka".


title: Artur Rubinstein

text: 1937 unternahm Rubinstein eine große Konzerttournee durch die USA, die er mit 17 Konzerten im Sturm eroberte. Während des Zweiten Weltkriegs verlegte er seinen Wohnsitz von Paris nach Hollywood, wo er 1946 die Staatsbürgerschaft der USA erhielt. 1944 wirkte er in dem Musicalfilm "Follow the Boys" mit.


title: Artur Rubinstein

text: 1947 spielte er erstmals wieder in Europa. In mehr als 35 ausverkauften Konzerten bejubelte man ihn. Seine vier Pariser Konzerte brachten eine Summe von 5 Millionen Francs (1,6 Mio. DM), die er den Kriegsopfern spendete. 1954 bezog er wieder seinen Pariser Wohnsitz, nur wenige Meter von Debussys letztem Haus entfernt.


title: Artur Rubinstein

text: 1964, auf dem Höhepunkt des Kalten Krieges, gab er in Moskau ein legendäres Konzert mit Werken von Chopin, Schumann, Debussy und Villa-Lobos.


title: Artur Rubinstein

text: 1974 wurde die Arthur Rubinstein International Piano Master Competition in Tel Aviv geschaffen, die seitdem alle drei Jahre stattfindet. Rubinstein war bei den ersten beiden Wettbewerben zugegen.


title: Artur Rubinstein

text: Im April 1975, als Rubinstein schon allmählich erblindete, entstand in der Londoner Fairfield Hall eine legendäre Konzertaufzeichnung ganz ohne Publikum. Nur für die Kameras spielte er, 88-jährig, mit dem London Symphony Orchestra unter André Previn Chopins zweites Klavierkonzert, das ihn durch sein ganzes Leben begleitet hatte. Sein letztes Konzert fand im Mai 1976 in der Wigmore Hall in London statt.


title: Artur Rubinstein

text: Rubinstein war ein Frauenheld und machte keinen Hehl daraus. So beschrieb er seine Jugend einmal mit dieser schelmischen Formel: „Man sagt über mich, dass ich in meiner Jugend meine Zeit zwischen Wein, Frauen und Musik aufgeteilt habe. Dies bestreite ich kategorisch. Neunzig Prozent meines Interesses war Frauen gewidmet.“


title: Artur Rubinstein

text: 1932 heiratete Rubinstein 45-jährig die 24-jährige Tänzerin Nela (Aniela) Młynarski (1908–2001), Tochter des Dirigenten Emil Młynarski, unter dessen Leitung er schon als Fünfzehnjähriger konzertiert hatte. Er hatte mit ihr fünf Kinder, darunter den Komponisten und Schauspieler John Rubinstein, die Tochter Eva, eine Fotografin, die William Sloane Coffin heiratete sowie Alina, die Psychiaterin in New York wurde, und den Schriftsteller Paul. Ein Kind verstarb sehr früh. Ihm werden ferner zwei uneheliche Kinder zugeschrieben, Luli Oswald, aus seiner Beziehung mit Paola Medici del Vascello und Raimund Sanders Draper aus der Beziehung mit Muriel Draper, zwei von unzähligen Liebesaffairen, die er während seines Lebens hatte. Er meinte hierzu: „Bei den Damen kommt man mit Chopin weiter als mit Mozart“.


title: Artur Rubinstein

text: Obwohl sich Arthur und Nela nie offiziell scheiden ließen, verließ sie der Pianist 1977 im Alter von 90 Jahren, um mit Annabelle Whitestone (damals 33 Jahre alt) zusammen zu leben.


title: Artur Rubinstein

text: Whitestone, eine Konzertmanagerin, unterstützte ihn beim Verfassen seiner Biographie, worauf er ihr den zweiten Band widmete.


title: Artur Rubinstein

text: Rubinstein starb 95-jährig in Genf. Ein Jahr später wurde die Urne mit seiner Asche – seinem Wunsch entsprechend – in Jerusalem in einem nach ihm benannten Wald beigesetzt.


title: Artur Rubinstein

text: Seine große Begabung und Musikalität gaben Rubinstein zunächst die Überzeugung, nicht so viel üben zu müssen. Sein musikalisches Gedächtnis war außergewöhnlich. Wenn Freunde es spielerisch testeten, indem sie ihm irgendeine Stelle in einem Musikstück als Stichwort gaben, konnte er die Stelle fast immer sogleich spielen. Der Dirigent Edouard van Remoortel drückte es so aus: „Rubinstein ist der einzige Pianist, den Sie um Mitternacht aufwecken und auffordern können, jedes beliebige der 38 großen Klavierkonzerte zu spielen.“


title: Artur Rubinstein

text: Über lange Zeit war Ignacy Jan Paderewski (1860–1941) – insbesondere in Polen – das Maß aller Dinge, wenn es um die Interpretation von Chopin ging. Rubinstein wurde durch seine Interpretation zu einem Kontrapunkt zu Paderewski. Dessen romantischen Überdehnungen und bizarren Akzente riefen bei Kennern auch Befremden hervor. Bei aller Bewunderung – der Pianist Arthur Rubinstein ging mit seinem älteren Landsmann Paderewski streng ins Gericht. Chopin war für Rubinstein kein Romantiker, er habe nur in der Zeit der Musik der Romantik gelebt.


title: Artur Rubinstein

text: Laut "New York Times" begünstigten auch seine langen Arme und die Spannweite seiner Hände sein Spiel. Er konnte eine Spanne von 12 Klaviertasten greifen, vom C bis zum G der nächsten Oktave.


title: Artur Rubinstein

text: Arthur Rubinstein hat sich im Laufe seiner langen und produktiven Karriere für viele Komponisten interessiert und weitete sein Repertoire aus. Er weigert sich, sich als „Spezialist“ eines bestimmten Komponisten oder eines Repertoires zu bezeichnen. Er gilt trotzdem als einer der größten Interpreten von Chopins Musik. Dabei interessierte sich Rubinstein noch nicht für Chopin, als er als Kind mit dem Klavier vertraut wurde. Viel später erklärt er dies mit der Reife, die für die Interpretation dieses Komponisten erforderlich ist. Er entdeckte diesen Komponisten erst im Alter von 17 Jahren, als er einen Einblick in die künstlerische Praxis des Klaviers bekam – unbeeinflusst durch eine Schule oder einen Lehrer.


title: Artur Rubinstein

text: In seiner Jugend spielte er vor allem Beethoven, Schumann und Brahms. Rubinstein hat zwar nur sehr wenige Aufnahmen von Mozarts Werken hinterlassen (einige Konzerte aus Nr. 17, Quartette und Rondo in a-Moll) und nur eine Handvoll Mozartwerke in seinen Konzerten gespielt, dennoch hatte Mozart eine große Bedeutung im Leben Rubinsteins – sogar mehr als beispielsweise Beethoven. Zur Begründung, warum er so wenig Mozart gespielt hat, zitierte er einen Satz von Artur Schnabel, wonach „Mozart für Anfänger zu leicht und für versierte Pianisten zu schwer sei“. Rubinstein lebte einen großen Teil seines Lebens in Paris und lernte ab September 1904 mehrere französische Komponisten kennen, darunter Maurice Ravel, Paul Dukas, Camille Saint-Saëns, denen er vorspielte. Er freundete sich mit Ravel an und sah ihn regelmäßig, um mit ihm Stücke für vier Hände zu spielen; Dadurch entdeckt Rubinstein sowohl die Stücke dieses Komponisten als auch die von Claude Debussy. Dann lernte er in den 1920er Jahren französische Pianisten der neuen Generation wie Francis Poulenc oder Darius Milhaud kennen, mit denen er sich anfreundete.


title: Artur Rubinstein

text: Von Beethoven nahm er nur einige der berühmtesten Sonaten sowie die Konzerte Nr. 3 und 4 in sein Repertoire auf; seine erste Aufnahme eines Werkes von Beethoven – die Sonate op. 81a „Lebewohl“ – entstand erst Ende 1940. Eine deutliche Veränderung trat ein, als er 1956 die Konzerte Nr. 1 bis Nr. 5 einspielte: Von da an nahmen Beethovens Werke einen immer wichtigeren Platz in den Aufführungen und Aufnahmen des Pianisten ein. Neben diesen Klavierkonzerten hat Rubinstein nur sieben der 32 von Beethoven komponierten Sonaten aufgenommen, zuletzt die Sonate 18, op. 31 Nr. 3 im April 1976 im Studio des RCA. Auf 11 CDs enthält eine Edition von RCA alle Aufnahmen von Werken Frédéric Chopins, die Arthur Rubinstein von 1946 bis 1967 veröffentlichte.


title: Artur Rubinstein

text: Der Pianist wählte nicht immer im Voraus die Stücke aus, die er während eines Konzerts zu spielen beabsichtigte. Manchmal zog er es vor, sie nach seiner aktuellen Stimmung auszuwählen und sie dann dem Publikum vor dem Spielen anzukündigen. Bei den Zugaben ging er genauso vor. Er hat sich auch bei seinen Auftritten selbst in Szene gesetzt, um die musikalische Wirkung seiner Interpretationen zu steigern. Wenn er zum Beispiel die letzten Akkorde von El amor brujo von Manuel de Falla oder das Ende von Chopins Polonaise-Fantaisie op. 61 spielte, hatte er die Angewohnheit, sich allmählich von seinem Sitz zu erheben, bis er schließlich fast stand, bevor das Stück endete und unmittelbar nach Beendigung des Stückes die Bühne verließ. Die Wirkung war verblüffend, denn das Publikum spielte dabei jedes Mal verrückt.


title: Artur Rubinstein

text: Rubinstein wurde zwar hauptsächlich durch seine Solokonzerte bekannt, genoss jedoch auch einen hervorragenden Ruf als Kammermusiker, der zusammen mit Berühmtheiten wie Henryk Szeryng, Jascha Heifetz, Pablo Casals, Gregor Piatigorsky und dem Guarneri-Quartett auftrat.


title: Artur Rubinstein

text: Rubinstein vermied während seines Spiels jegliches Pathos. Er spielte in aufrechter, fast unbeweglicher Körperhaltung, auch sein Gesicht zeigte kaum eine Regung. Dennoch vermittelte er beim Spielen Lebensfreude und Charme, mit seiner Hingabe an die Musik verzauberte er das Publikum. Die "New York Times" beschrieb seinen Stil als natürlich, ungezwungen und frei von Nervosität.


title: Artur Rubinstein

text: Daniel Barenboim sagte, dass Pianisten vor Rubinstein Chopin mit einer „rhythmischen Anarchie“ spielten, sich also viel Freiraum bei der Gestaltung des Rhythmus ließen. Rubinstein habe dies aufgrund seiner Auffassung von der Aufgabe eines Interpreten vermieden.


title: Artur Rubinstein

text: Joachim Kaiser schrieb: „Wunderbar, erstaunlich, unbegreiflich aber mutet nicht bloß die technische Klarheit seines Spiels an, die rührende, in langsamen Sätzen herzbewegende Erlauchtheit seiner Phrasierung, das stürmische Temperament seiner Ausbrüche. Das alles wiegt viel, will erobern, bewahren und lebendig gehalten sein.“


title: Artur Rubinstein

text: Zu Beginn seiner Karriere weigerte sich Rubinstein zu unterrichten. Erst in den 1950er Jahren entwickelte er eine pädagogische Tätigkeit. Er wurde unter anderem Lehrer von François-René Duchâble, Avi Schönfeld, Ann Schein Carlyss, Eugen Indjic, Dean Kramer und Marc Laforêt. Er hielt nur wenige Konzertklassen ab.


title: Artur Rubinstein

text: Artur Rubinstein riet seinen jungen Schülern dazu, höchstens drei Stunden am Tag zu üben. Als Gründe dafür gab er an, dass ein Übungsplan von z. B. sieben Stunden täglich dazu führe, dass Klavierschüler nicht genug Kultur kennenlernen können. Das Gehirn könne auch nur etwa drei Stunden lang klug und nachdenkend üben. Längeres Üben führe zu einem rein mechanischen Spielen, das er ablehne.


title: Artur Rubinstein

text: Rubinstein liebte das Leben. Er selbst hielt sich für den glücklichsten Menschen in seinem Bekanntenkreis. Thomas Mann nannte ihn einen „glückhaften Virtuosen“. In seiner Autobiografie beschrieb er sein gesellschaftliches Leben als Kosmopolit im großen Stil. Er liebte gute Weine, gutes Essen und nicht zuletzt Frauen. Er war gebildet und sehr belesen. Dabei mokierte er sich über andere Pianisten, „die wohl nur ein Telefonbuch besitzen würden“.


title: Artur Rubinstein

text: Rubinstein stand dem Gedanken, dass es in der Kunst einen „Besten“ geben könnte, ablehnend gegenüber. Er glaubte aber, dass ein Künstler über eine unverwechselbare Persönlichkeit verfügen müsse. Seine Tochter Eva sagte, er habe auf seine Weise am Leben teilnehmen müssen, um so spielen zu können, wie er spielen wollte.


title: Artur Rubinstein

text: Rubinstein bezeichnete sich als stolzen Juden seit seiner Kindheit. Er bewunderte den Mut der Juden während 2000 Jahren Exil, sowie dass sie sich häufig nicht anpassten, sondern die Zugehörigkeit zu ihrer Religion und Kultur bewahrten.


title: Artur Rubinstein

text: Laut dem Chirurgen und Pianisten Ernst Kern schwor er bereits 1914, nie mehr in Deutschland zu spielen. 1914 hatte er von Gräueltaten deutscher Soldaten gehört und beschlossen, nie wieder in diesem Land zu gastieren. Später, nachdem ein großer Teil seiner jüdischen Familie von den Nazis ermordet worden war, hatte er diesen Schwur erneuert und bis zu seinem Tod am 20. Dezember 1982 nicht gebrochen. Er trat aber zum Beispiel in der Schweiz und in Holland auf, wo viele seiner deutschen Bewunderer seine Konzerte besuchten. 1973 besuchte er Frankfurt, aber nicht als Pianist, sondern um auf der Frankfurter Buchmesse für seine Memoiren zu werben. Dabei sagte er in einem Interview: „Wenn ich jetzt in Frankfurt ein Konzert geben würde, dann säße da vielleicht ein Sechzigjähriger, der für Hitler gestimmt hat. Das würde ich sofort sehen und könnte nicht spielen, aus, vorbei. Ein einziger Nazi und Schluß! Deshalb werde ich auch nie Herbert von Karajan die Hand geben!“ Zeitlebens unterstützte er den Staat Israel.


title: Artur Rubinstein

text: Rubinstein bezeichnete sich als gläubigen Menschen. Allerdings glaubte er, dass Glauben auf „Zeichen“ basieren müsse, die eine Grundlage für diesen liefern, indem sie Hinweise darauf geben, was und warum geglaubt werden müsse. Er glaube nicht an ein Leben nach dem Tod, aber wäre entzückt, wenn es tatsächlich eines geben sollte.


title: Artur Rubinstein

text: 1945 spielte Rubinstein bei der Eröffnungszeremonie der Vereinten Nationen in San Francisco die polnische Nationalhymne. Es war eine politische Demonstration, denn Vertreter des polnischen Staats waren bei der Gründung der UNO nicht anwesend, weil niemand wußte, was für eine Regierung in Polen die Regierung übernehmen wird. Er hatte sich in dem großen Saal umgesehen, der mit einer Vielzahl von Fahnen übersät war und erklärte mit lauter Stimme, dass er sein Konzert mit der polnischen Nationalhymne beginnen würde, da er unter all den Fahnen die polnische Fahne nicht entdecken konnte. Nachdem er Stars and Stripes gespielt hatte, stand er auf und sagte mit lauter, wütender Stimme: „In dieser Halle, in der sich die großen Nationen versammeln, um eine bessere Welt zu schaffen, vermisse ich die Flagge Polens, mit dem dieser grausame Krieg geführt wurde. Ich werde die polnische Nationalhymne spielen.“ Dann spielte er die polnische Hymne, nicht wie bei einer Mazurka üblich, sondern sehr langsam und majestätisch, wobei er den letzten Satz in einem schallenden Forte wiederholte. Das Publikum – 3000 Teilnehmer – hatte sich zur Hymne erhoben und bejubelte ihn anschließend mit stehendem Applaus.


title: Artur Rubinstein

text: 2003 wurde ihm zu Ehren eine Skulptur von W.W. Badynab vor dem Saal der Generalversammlung der Vereinten Nationen in New York enthüllt, eine Spende des polnischen Staates. Bei der Enthüllung sagte der stellvertretende Generalsekretär: „Mit dieser Skulptur hat Polen einen Moment verewigt, der unsere gemeinsame Geschichte im Herzen bewegt: den Tag, an dem einer der begabtesten Söhne Polens bei der Geburt der Vereinten Nationen seine Musik für Polen sprechen ließ“.


title: Artur Rubinstein

text: 1910 machte ein Schallplattenlabel namens Favorit(e?) mit Rubinstein eine Einspielung der Ungarischen Rhapsodie Nr. 10 von Franz Liszt. Rubinstein fand den Klang der Aufnahme schlecht (er sagte, das Klavier klinge wie ein Banjo) und machte keine Aufnahmen mehr, bis es das elektrische Aufnahmeverfahren gab.


title: Artur Rubinstein

text: In den 1920er Jahren bespielte er einige Player-Piano-Musikrollen für das Aeolian-Duo-Art-System und für die American Piano Company (AMPICO).


title: Artur Rubinstein

text: Nach und nach spielte er große Teile seines Repertoires auf Schallplatten ein. Diese sind die Grundlagen der später erschienenen CDs, zum Beispiel sind Chopin-Einspielungen aus den Jahren 1936 bis 1958 auf 6 CDs erhältlich. 2011 erschien eine Sammlung mit 142 CDs, zwei DVDs und einem Begleitbuch.


title: Artur Rubinstein

text: Die Kollektion "RCA Living Stereo Vol. 1" (2012) mit 55 legendären Einspielungen aus den Jahren 1953–1963 präsentiert verschiedene Musikstile und zahlreiche Künstler auf 60 CDs, darunter Rubinstein auf 5 CDs.


title: Artur Rubinstein

text: In Rubinsteins Heimatstadt Łódź wurde an dem Gebäude, in dem er aufwuchs, eine Gedenkplatte angebracht. Vor dem Gebäude befindet sich ein Rubinstein-Denkmal, das ihn an einem Flügel spielend darstellt.


title: Artur Rubinstein

text: Im Stadtmuseum von Łódź (dem ehemaligen Palais von Izrael Poznański) ist seit 1990 eine „Artur-Rubinstein-Musikgalerie“ eingerichtet, nach eigenen Angaben ist es die größte Rubinstein gewidmete Sammlung. In der Dauerausstellung sind in zwei Räumen unter anderem Verdienstorden, Bilder, Urkunden, zwei Flügel und ein Modell seiner Hände zu sehen.


title: Lippenbär

text: Der Lippenbär ("Melursus ursinus") ist eine Raubtierart aus der Familie der Bären (Ursidae). Er weist im Bau der Schnauze einige Anpassungen an eine vorwiegend aus Insekten bestehende Nahrung auf und ist in Südasien beheimatet.


title: Lippenbär

text: Lippenbären sehen äußerlich den Kragenbären ähnlich, sind aber mit diesen nicht nahe verwandt. Sie weisen insbesondere im Gesicht einige Merkmale auf, die sie von allen anderen Bären unterscheiden. Die unbehaarten Lippen sind verlängert, sehr beweglich und können ausgefahren werden. Ebenfalls verlängert ist die schmale Zunge, die weit herausgestreckt werden kann. Die Nasenlöcher können bei Bedarf geschlossen werden. Dies sind alles Anpassungen an die Ernährungsgewohnheiten. Auch die Zähne sind einzigartig innerhalb der Bären: das innerste Paar der oberen Schneidezähne fehlt, wodurch eine Lücke entsteht, die Backenzähne sind außergewöhnlich breit und flach.


title: Lippenbär

text: Das Fell der Lippenbären ist lang und zottelig, am längsten sind die Haare im Nackenbereich. Es ist meist schwarz gefärbt und oft mit braunen oder grauen Haaren durchsetzt; es gibt aber auch rotbraune Exemplare. Auf der Brust haben sie eine helle, meist weiß oder gelb gefärbte Zeichnung in Form eines Y oder V. Eine Unterwolle besitzt der Lippenbär als Tier tropischer Klimate nicht. Die Füße sind groß und tragen außerordentlich lange, sichelförmige Krallen. Sie erinnern an die Krallen eines Faultiers und haben diesem Bären neben den fehlenden Schneidezähnen und dem zotteligen Fell im Englischen den Namen "Sloth Bear" („Faultierbär“) eingebracht. Die Fußsohlen sind unbehaart.


title: Lippenbär

text: Lippenbären erreichen eine Kopf-Rumpf-Länge von 140 bis 180 Zentimetern und eine Schulterhöhe von 61 bis 91 Zentimetern. Der Schwanz ist wie bei allen Bären ein Stummel von 10 bis 12 Zentimeter Länge. Weibchen erreichen ein Gewicht von 55 bis 95 Kilogramm während Männchen deutlich schwerer sind und zwischen 80 und 145 Kilogramm wiegen.


title: Lippenbär

text: Lippenbären leben in Indien und Sri Lanka sowie vereinzelt in Bangladesch, Bhutan und Nepal. Sie bewohnen eine Vielzahl von Lebensräumen zwischen tropischen Feuchtwäldern und Grasländern, finden sich aber am häufigsten in feuchten Grasländern und feuchten und trockenen Laubwäldern. Im Gebirge steigen sie selten bis in Höhenlagen von über 1500 m empor. In den Wäldern der Westghats in Indien findet man sie allerdings auch bis etwa 2000 m über dem Meeresspiegel. In Sri Lanka bevorzugen Lippenbären Monsunwälder unterhalb von 300 m.


title: Lippenbär

text: Die Tiere können zu jeder Tageszeit aktiv sein, meist jedoch in der Nacht. Tagsüber verbergen sie sich in Höhlen oder in dichter Vegetation. Im Gegensatz zu vielen anderen Bären halten sie keine Winterruhe, fallen aber während der Regenzeit in eine Phase verhältnismäßiger Inaktivität. Lippenbären leben wie alle Bären einzelgängerisch. Ihre Streifgebiete können sich jedoch zum Teil erheblich überlappen.


title: Lippenbär

text: Lippenbären sind spezialisiert auf Insektennahrung, wobei Termiten den Hauptbestandteil ausmachen. Um an ihre Beute zu gelangen, reißen sie den Termitenhügel mit den kräftigen Krallen auf, blasen den Staub weg und stecken die Schnauze hinein. Durch kräftiges Einziehen der Luft saugen sie ähnlich einem Staubsauger ihre Beutetiere heraus. Auch die lange Zunge hilft ihnen beim Auflecken ihrer Nahrung.


title: Lippenbär

text: Daneben fressen Lippenbären auch andere Insekten wie Ameisen und Bienen, außerdem stehen Früchte, Blüten und Honig, bisweilen auch Aas auf ihrem Speiseplan, sehr selten kleine bis mittelgroße Wirbeltiere. Um ihrer Nahrung habhaft zu werden, steigen sie auch in Bäume hinauf.


title: Lippenbär

text: Früchte machen zu bestimmten Jahreszeiten zwischen 40 und 70 % der Gesamtnahrung aus, während in fruchtarmen Perioden der Anteil der Insekten auf bis zu 95 % ansteigen kann. In stark beeinträchtigten Lebensräumen gehen Lippenbären häufig an Feldfrüchte.


title: Lippenbär

text: In Indien erfolgt die Paarung hauptsächlich in den Monaten Mai bis Juli, während sie in Sri Lanka das ganze Jahr über stattfinden kann. Um sich fortzupflanzen, finden sich die sonst einzelgängerischen Tiere zu Paaren zusammen. Sie bleiben für ein paar Tage beieinander und paaren sich in dieser Zeit häufig, was als sehr laut beschrieben wird. Zwischen Fortpflanzung und Geburt vergehen rund sechs bis sieben Monate, vermutlich kommt es aber bei ihnen wie bei anderen Bären auch zu einer verzögerten Einnistung der befruchteten Eizelle in den Uterus der Mutter.


title: Lippenbär

text: Die ein bis zwei, selten drei Jungtiere kommen in einer Erdhöhle zur Welt. Sie sind blind und hilflos, die Augen öffnen sich nach rund drei Wochen. Nach vier bis fünf weiteren Wochen verlassen sie erstmals den Geburtsbau, oft sieht man sie auf dem Rücken der Mutter reiten. Sie bleiben bei ihr, bis sie zwei oder drei Jahre alt und ausgewachsen sind. Im Zoo gehaltene Lippenbären erreichten Höchstalter zwischen 27 und 32 Jahren.


title: Lippenbär

text: Obwohl Lippenbären eher scheue Tiere sind, gelten sie manchmal als aggressiv. Das rührt daher, dass sie aufgrund ihres sehr schlechten Gesichts- und Gehörsinnes einen näher kommenden Menschen erst im letzten Moment bemerken und dann erschrocken reagieren. Zur Verteidigung bringen sie dann vor allem ihre langen Krallen zum Einsatz. Manchmal verwüsten sie auch Plantagen und werden deswegen verfolgt. Ein weiterer Grund für die Bejagung ist die Verwendung ihrer Körperteile als Nahrung oder zu medizinischen Zwecken. Der Gallenflüssigkeit werden ähnliche heilende Kräfte zugeschrieben wie der des Kragenbären. Die Tiere werden in einigen Regionen Indiens auch als Jungtiere lebend gefangen, um sie später als Tanzbären einsetzen zu können.


title: Lippenbär

text: Hauptbedrohung ist aber heute die Zerstörung ihres Lebensraums durch Waldrodungen; durch die Einebnung von Termitenhügeln werden sie zusätzlich ihrer Nahrung beraubt.


title: Lippenbär

text: Die Weltnaturschutzunion IUCN listet sie in ihrer Roten Liste gefährdeter Arten als gefährdet („vulnerable“).


title: Lippenbär

text: Die höchsten Bestandsschätzungen gehen von 20.000 Tieren aus. Etwa ein Drittel bis die Hälfte der indischen Populationen leben heute in geschützten Gebieten, wo die Tiere vor Nachstellungen und Lebensraumzerstörung relativ sicher sind. In Sri Lanka ist etwa die Hälfte der Lebensräume geschützt.


title: Lippenbär

text: Der Lippenbär wird manchmal in einer eigenen Gattung "Melursus" eingeordnet, dann wieder in der Gattung "Ursus". Molekulargenetische Analysen sprechen für die Einordnung in "Ursus"; zudem gibt es fortpflanzungsfähige Nachkommen bei Kreuzungen zwischen Lippenbären und Braunbären. Allerdings hielten Wilson und Reeder 1993 die anatomischen Unterschiede zwischen "Melursus" und "Ursus" für gravierend genug, die Eigenständigkeit des Lippenbären fortzuführen.


title: Lippenbär

text: Es werden zwei Unterarten des Lippenbären unterschieden: "Melursus ursinus ursinus" auf dem Indischen Subkontinent und "Melursus ursinus inornatus" auf Sri Lanka. Die Form aus Sri Lanka ist dabei etwas kleiner und zeichnet sich durch ein weniger zotteliges Fell aus.


title: Lippenbär

text: Der Hindi-Name des Bären, "bhālū", inspirierte Rudyard Kipling zu dem Charakter Baloo in seinem Buch „Das Dschungelbuch“.


title: Bregenwurst (Wurst)

text: Bregenwurst oder Brägenwurst (auch "Kohlwurst") ist eine rohe oder leicht geräucherte Mettwurst aus magerem Schweinefleisch, Schweinebauch, Zwiebeln, Salz und Pfeffer. Sie ist eine Spezialität in Niedersachsen und Sachsen-Anhalt und wird meist zu Grünkohl serviert, der regional und insbesondere in Braunschweig als Braunkohl bezeichnet wird. Die Bregenwurst wird dabei meist anstelle der vor allem in Nordwestdeutschland bei Grünkohlgerichten üblichen Pinkelwurst ("Grünkohl und Pinkel" bzw. "Braunkohl und Pinkel") verwendet und man lässt sie wie diese eine Weile zusammen mit dem Kohl garen.


title: Bregenwurst (Wurst)

text: Ihren Namen hat die Bregenwurst vom früher zugegebenen Schweinehirn: Plattdeutsch steht "Bregen" oder "Brägen" für "Hirn"; heute darf Hirn nicht mehr verarbeitet werden.


title: Bregenwurst (Wurst)

text: Die in Niedersachsen und Sachsen-Anhalt als "Bregenwurst" oder "Brägenwurst" bezeichnete Mettwurstsorte ist nicht zu verwechseln mit der Brühwurstsorte "Gelbwurst", die in Norddeutschland, vor allem in Niedersachsen in den Städten und Regionen Braunschweig und Hannover, ebenfalls als „Bregenwurst“ oder „Brägenwurst“ bezeichnet wird.


title: Aiguille du Midi

text: Die Aiguille du Midi () ist ein felsiger Vorposten im Mont-Blanc-Massiv südlich von Chamonix und überragt die Stadtmitte um 2800 m. Der Gipfelbereich ist durch eine Seilbahn für den Tourismus erschlossen, stellt einen der beliebtesten Aussichtspunkte auf dem höchsten Gebirgszug der Alpen dar und ist Ausgangspunkt für alpine Berg- und Skitouren.


title: Aiguille du Midi

text: 1955 wurde die Seilbahn "Télépherique de l’Aiguille du Midi" eröffnet. Sie führt von Chamonix in zwei Sektionen auf die Felsspitze. Von der Mittelstation auf der Plan de l’Aiguille () hängt das Seil ohne Zwischenstützen kilometerlang und 1467 Meter hoch bis zur Bergstation. Dabei fährt die Bahn zunächst hoch über den Gletscher "Les Pelerins", bevor es entlang der Nordseite der Aiguille du Midi aufwärtsgeht. Bei der Eröffnung galt sie als die höchste Seilbahn der Welt (Höhe der Bergstation: ). Diesen Titel hat die Bahn inzwischen verloren, ist aber nach wie vor die zweithöchste Seilbahn Europas nach der Bahn auf das Klein Matterhorn in Zermatt. Die Bergstation und die dazugehörige Panoramaterrasse, Restaurant und Café gehören zu den meistbesuchten touristischen Attraktionen von Chamonix.


title: Aiguille du Midi

text: Die schnelle Auffahrt führt bei empfindlichen Personen oft zu Kopfschmerzen und anderen Symptomen der Höhenkrankheit.


title: Aiguille du Midi

text: Die ersten konkreten Überlegungen zum Bau einer Seilbahn auf die Aiguille du Midi stammen von zwei Schweizer Ingenieuren aus dem Jahr 1905. Sie planten, den Weiler "Les Pelerins" mit dem Gipfel der Aiguille du Midi zu verbinden. Das Projekt stieß auf damals unüberwindliche technische Realisierungsschwierigkeiten und wurde aus diesem Grund abgebrochen.


title: Aiguille du Midi

text: Vier Jahre später versuchten sich erneut Menschen an der Herausforderung, diesmal handelte es sich um die französische Gesellschaft "Funicular Railways". Ein Teilerfolg war die Eröffnung der ersten Seilbahnsektion "Les Pelerins – La Para" im Jahr 1924.


title: Aiguille du Midi

text: Die zweite Sektion "La Para – Les Glaciers" wurde drei Jahre später fertiggestellt. Die weiteren Planungen umschlossen zuerst eine dritte Sektion – deren wegen ihrer Form auch „Kaffeemühlen“ oder auch „Bügeleisen“ genannte Talstation heute noch auf 2400 m als Bauruine über Chamonix thront – auf die Aiguille di Midi, die aber aufgrund geologischer Probleme zuerst zum etwas niedriger gelegenen Col du Midi umgeplant wurde und schließlich ganz aufgegeben wurde. Von der Eröffnung der zweiten Sektion 1927 an trug die Seilbahn den ehrenvollen Titel "Seilbahn mit der höchsten Bergstation der Welt". Das war jedoch zu keiner Zeit zutreffend, denn die höchste Seilbahn der Welt war seinerzeit die 1926 in Betrieb gegangene Zugspitzbahn (2805 m). Die 1955 neu erbaute Seilbahn auf den Gipfel der Aiguille du Midi trug den Titel danach zu Recht, bis er an die 1979 errichtete Bahn auf das Klein Matterhorn in Zermatt ging.


title: Aiguille du Midi

text: Mit dem Ausbruch des Zweiten Weltkrieges und der Errichtung der Seilbahn "Planpraz – Brévent" wurde die Popularität der Seilbahn immer geringer und der Betrieb im Jahr 1951 eingestellt.


title: Aiguille du Midi

text: Der italienische Ingenieur Graf Dino Lora Totino, der zuvor eine Seilbahn zum Gipfel des Matterhorns geplant hatte, plante die Neuerrichtung der Seilbahn auf die Aiguille du Midi auf anderer Trasse mit einer nach links versetzten Talstation und neuer Mittelstation beim Plan du Midi. Nach vier Jahren intensiver Bauarbeiten war die Errichtung der beiden Sektionen der neuen Seilbahn "Telepherique de l’Aiguille du Midi" durch die deutsche Firma Heckel abgeschlossen, deren zweite Sektion noch heute den größten Höhenunterschied einer stützenlosen Seilbahn überwindet.


title: Aiguille du Midi

text: Hier findet man neben einem Souvenirshop, einer Snackbar und einer Cafeteria auch ein Gourmet-Restaurant, passend zur Höhenlage "3842" genannt. Der Souvenirshop bietet in seinem Verkaufsangebot eine Sonderauflage von Briefmarken an, auf denen die Aiguille du Midi abgebildet ist. Die Ansichtskarten können direkt vor Ort am Berg in einen Postkasten eingeworfen werden.


title: Aiguille du Midi

text: Daran befindet sich auch die Touristenattraktion "Step into the Void". Sie wurde am 21. Dezember 2013 eröffnet. "Step into the Void" ist ein verglaster Raum mit Glasboden, der sich auf 3842 Metern Höhe vor der obersten Terrasse des Gebäudes befindet. Laut eigener Angabe soll der Skywalk die höchste Touristenattraktion in Europa sein.


title: Aiguille du Midi

text: Auf der Gipfelspitze steht zudem eine relativ schwache Radio- und Fernseh-Sendeanlage, die aber unter Verwendung einer Richtantenne einige hundert Kilometer weit empfangbar ist.


title: Aiguille du Midi

text: Von der Aiguille du Midi führt die technisch einzigartige Kleinkabinenbahn Vallée Blanche über den Glacier du Géant zur Pointe Helbronner (Italien) auf . Die Hin- und Rückfahrt dauert mit Ausgangspunkt Aiguille du Midi rund zwei Stunden, vom Talort Chamonix-Mont-Blanc aus zwischen vier und fünf Stunden. Die Pointe Helbronner wird von La Palud bei Courmayeur im Aostatal über das Rifugio Torino auf ebenfalls mit einer Seilbahn erreicht. Somit überspannt ein System von mehreren Seilbahnen das gesamte Mont-Blanc-Massiv. Wegen der häufigen starken Winde über dem Glacier de Géant verkehrt die Seilbahn zur Pointe Helbronner allerdings nur unregelmäßig.


title: Aiguille du Midi

text: Die Erstbesteigung des niedrigeren Nordgipfels erfolgte am 4. August 1818 durch den Polen Antoni Malczewski und sechs Führer. Am 5. August 1856 wurde auch der Südgipfel im Rahmen einer vom Grafen Ferdinand de Bouillé organisierten Expedition von J. Alexandre Devouassoud sowie A. und J. Simond erstmals bestiegen. Durch den Bau der Seilbahn gerieten die Normalwege auf die Aiguille du Midi allerdings in Vergessenheit.


title: Aiguille du Midi

text: Durch die Südwand führt eine Vielzahl an Sportkletterrouten; trotz der Nähe zur Seilbahn sollte man die große Höhe und die durchaus alpine Umgebung nicht außer Acht lassen. Bekannt wurde die Südwand durch die Route von Maurice Baquet und Gaston Rébuffat, welche die beiden am 13. Juli 1956 eröffneten und die heute nach dem Erstbegeher Rébuffatführe (VI+) heißt.


title: Aiguille du Midi

text: Von der Bergstation beginnt ein Anstieg auf den Mont Blanc (über die Schutzhütte Refuge des Cosmiques und Überschreitung des Mont Maudit).


title: Aiguille du Midi

text: Im Frühjahr ist die Aiguille du Midi der Ausgangspunkt für die hochalpine Skiroute Vallée Blanche, die über den Glacier de Géant und das Mer de Glace bis nach Montenvers bzw. bis Chamonix führt. Mit einer Länge von ca. 20 km und einem Höhenunterschied von 2800 m gilt sie als die längste mit Aufstiegshilfen zu erreichende Skiroute der Alpen.


title: Sowjetisches Ehrenmal (Tiergarten)

text: Das Sowjetische Ehrenmal im Tiergarten befindet sich im Großen Tiergarten im Berliner Ortsteil Tiergarten (Bezirk Mitte) an der Straße des 17. Juni. Die Anlage wurde 1945 errichtet, um die im Zweiten Weltkrieg gefallenen Soldaten der Roten Armee zu ehren.


title: Sowjetisches Ehrenmal (Tiergarten)

text: Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs wurden von der Roten Armee im Stadtgebiet von Berlin vier sowjetische Ehrenmale angelegt. Sie sollten an die getöteten Rotarmisten erinnern, insbesondere an die etwa 80.000 Soldaten, die bei der Schlacht um Berlin gefallen waren. Diese Ehrenmale sind nicht nur Denkmale an den Sieg, sondern zugleich Gedenkstätten in Verbund mit Soldatenfriedhöfen und somit sowjetische Kriegsgräberstätten in Deutschland. Das zentrale Ehrenmal ist die große Anlage im Treptower Park (Treptower Park). Daneben entstand das Ehrenmal im Großen Tiergarten, das Ehrenmal in der Schönholzer Heide (Schönholzer Heide) und das Ehrenmal im Bucher Schlosspark (Berlin-Buch). Die beiden letztgenannten befinden sich im Bezirk Pankow.


title: Sowjetisches Ehrenmal (Tiergarten)

text: Das Ehrenmal wurde aufgrund eines Beschlusses des Kriegsrats der 1. Weißrussischen Front von den Bildhauern Lew Kerbel und Wladimir Zigal gemeinsam mit dem Architekten Nikolai Sergijewski entworfen und an der Kreuzung der Siegesallee mit der damaligen "Charlottenburger Chaussee" (heute: Straße des 17. Juni) errichtet. Es wurde als Riegel errichtet, quer zu der damals existierenden wilhelminischen Siegesallee (erbaut in den Jahren 1895 bis 1901). Dieses Ehrenmal ist das letzte auf dem Kampfweg der 1. Weißrussischen Front von Küstrin über Seelow bis Berlin. Am 11. November 1945 wurde das Ehrenmal mit einer Parade der alliierten Truppen eingeweiht.


title: Sowjetisches Ehrenmal (Tiergarten)

text: Das Ehrenmal lag auf dem Territorium des Britischen Sektors von Berlin. Der Viermächtestatus Berlins erlaubte jedoch die Bewachung durch sowjetische Soldaten. Nach dem Bau der Mauer im Jahr 1961 wurde es durch die britische Besatzungsmacht abgeriegelt und gesichert.


title: Sowjetisches Ehrenmal (Tiergarten)

text: 1970 schoss der West-Berliner Hilfspfleger Ekkehard Weil auf einen am Ehrenmal aufgestellten sowjetischen Wachsoldaten, der bei dem Anschlag von zwei Kugeln getroffen wurde und überlebte. Der Attentäter hatte die Tat für den 7. November, den 53. Jahrestag der Oktoberrevolution, geplant, und zuvor mit roter Farbe Parolen in den Tiergarten gemalt. Weil verübte später weitere rechtsterroristische Anschläge.


title: Sowjetisches Ehrenmal (Tiergarten)

text: Bis zum 22. Dezember 1990 waren Ehrenwachen der Sowjetarmee am Ehrenmal stationiert. Danach wurde die Anlage an die Stadt Berlin übergeben. Es existieren bilaterale Vereinbarungen zwischen Deutschland und der Russischen Föderation, gemäß denen sich Deutschland verpflichtet hat, diese und andere Kriegsgräberstätten zu erhalten. Umfangreiche Instandsetzungen fanden Mitte der 1990er Jahre und 2014 im Vorfeld des 70. Jahrestages des Kriegsendes statt. Unter anderem wurden die Bronzeskulptur des Rotarmisten neu verankert, die Geschütze und Panzer grundsaniert sowie die Inschriften und Embleme neu vergoldet.


title: Sowjetisches Ehrenmal (Tiergarten)

text: Im rückwärtigen – gärtnerisch gestalteten – Teil der Anlage liegen die Gräber sowjetischer Soldaten. Ihre genaue Zahl ist nicht bekannt, die Angaben hierzu bewegen sich zwischen 2000 und 2500 gefallener Rotarmisten. Hier ruhen im April und Mai 1945 bei den Kämpfen um Berlin gefallene sowjetische Soldaten. Auf den zwei großen Grasflächen hinter dem Ehrenmal befinden sich keine Grabsteine mit den Namen der Verstorbenen. Auf den Säulen des Ehrenmals sind auf Vorder- und Rückseite Namen verzeichnet.


title: Sowjetisches Ehrenmal (Tiergarten)

text: Das Zentrum des Ehrenmals besteht aus einer – zur Straße hin – nach innen gewölbt angeordneten Pfeilerreihe mit einem zentralen, größeren Pfeiler als Sockel für eine acht Meter hohe Bronzestatue. Die Plastik zeigt einen Rotarmisten mit geschultertem Gewehr – ein Hinweis auf das Kriegsende. Die russische Inschrift bedeutet: „Ewiger Ruhm den Helden, die für die Freiheit und Unabhängigkeit der Sowjetunion im Kampf gegen die faschistischen deutschen Eindringlinge gefallen sind. 1941–1945.“ An den Pfeilern finden sich Texte, die auf die unterschiedlichen Waffengattungen verweisen, sowie die Namen von gefallenen Soldaten. Den Zugang zum Ehrenmal flankieren zwei T-34/76-Panzer und zwei Kanonen, die in der Schlacht um Berlin im Einsatz waren. Rechts und links vom Hauptweg stehen zwei Sarkophage mit den Namen gefallener Offiziere.


title: Sowjetisches Ehrenmal (Tiergarten)

text: Es gibt zahlreiche Vermutungen, dass Teile der abgerissenen Neuen Reichskanzlei als Baumaterial für verschiedene Ehrenmäler gedient haben. Der Kunsthistoriker Hans-Ernst Mittig gibt an, dass für das Ehrenmal in Tiergarten lediglich Kalkstein von den Außenwänden des Gebäudes verwendet worden sein kann, da es nicht aus Marmor besteht.


title: Sowjetisches Ehrenmal (Tiergarten)

text: Die CDU-Abgeordnete im Berliner Abgeordnetenhaus, Stefanie Bung, forderte 2022 angesichts des Ukraine-Kriegs, die Geschütze und Panzer des sowjetischen Ehrenmals in Berlin-Tiergarten zu entfernen. Bung sieht durch den Angriffskrieg auf die Ukraine die Grundlage für das Mahnmal in dieser Form zerstört. Zwar stehe Deutschland in der Verantwortung, der Toten der Weltkriege zu gedenken, allerdings sehe die Lage jetzt anders aus, sagte sie im Spiegel. »Heute steht der Panzer in Tiergarten nicht mehr nur für die Befreiung Deutschlands vom Nazi-Faschismus, sondern für die aggressive, territoriale Grenzen und Menschenleben missachtende Kriegsführung des Putin-Regimes.« Deshalb sollten diese »Symbole der Aggression und Kriegsverbrechen« aus dem Berliner Stadtbild verschwinden, so Bung. »Längst rollen russische Panzer in Europa – in der Ukraine – dem Land, aus dem viele der im Tiergarten beigesetzten Soldaten ursprünglich stammten«, begründet Bung ihre Forderung, die bald im Berliner Abgeordnetenhaus auch diskutiert werden soll. Deshalb hätten die T-34-Panzer keinen Platz und müssten weichen, so Bung. Im Kontext der Debatte kam es darüber hinaus auch zu einer Verhüllung der beiden Panzer mit Fahnen in den Nationalfarben der Ukraine und zu einer entsprechenden Protestnote der russischen Botschaft gegen den Vorgang.


title: Drude

text: Eine Drude (auch "Drud, Trut", männlich "Drudner" oder "Trutner") ist ein Wesen des Volksglaubens, das sich nachts auf die Brust von Schlafenden setzt und Albträume, Beklemmungen und Atemnot verursacht. Im gesamten deutschsprachigen Gebiet und vielen Teilen Europas gibt es die Vorstellung von Druckgeistern – je nach Region mit unterschiedlichen Bezeichnungen und Ausprägungen. Als Druden sind sie in Süddeutschland und Österreich verbreitet. Hier sind es Personen (überwiegend Frauen), die dazu verdammt sind, sich jede Nacht ein Opfer zum Drücken suchen zu müssen: Erwachsene, Kinder und Haustiere werden heimgesucht, aber auch Bäume und Steine. Dazu löst sich ihre Seele vom Körper, kann als Geist durch kleinste Spalte und Schlüssellöcher in ein Zimmer dringen und dann in verschiedener Gestalt erscheinen (z. B. als Katze, Strohhalm oder Feder).


title: Drude

text: Zu den regionalen Bezeichnungen für Druden gehören "Schrättele, Schratt" im schwäbischen und alemannischen Raum sowie "Walrider, Walriderske" im oldenburgischen Raum.


title: Drude

text: Eine Frau, die diesen Drudenfluch ausüben muss, weiß davon, verheimlicht dies aber vor ihren Mitmenschen. Eine mit dem Drudenfluch belastete Frau kann sich von diesem nur befreien, wenn ihr jemand ein sehr zahmes und wichtiges Haustier zur Verfügung stellt, das diese dann besitzen kann, so dass dieses zu Tode kommt.


title: Drude

text: Zur Abwehr und Enttarnung von Druden existiert eine Vielzahl an Mitteln und Methoden, die zum Teil nur regional verbreitet sind:


title: Drude

text: Früher gab es auch den Glauben, dass unter sieben Töchtern eine Drude sein müsse, genauso wie unter sieben Söhnen einer ein Werwolf sei.


title: Drude

text: Der Begriff Drude geht auf das mittelhochdeutsche "Trute" oder das gotische "Trudan" zurück, was so viel heißt wie „treten“ oder „stoßen“. Im Alpenraum wurde deswegen aus der Trude die "Stampfe" oder romanisiert "Stampa". Das bairische Wort "Truderer" für einen Zauberer gehört etymologisch ebenfalls hierher.


title: Elie Wiesel

text: Elie Wiesel ([]; geboren am 30. September 1928 in Sighetu Marmației, Königreich Rumänien; gestorben am 2. Juli 2016 in New York City, Vereinigte Staaten) war ein rumänisch-US-amerikanischer Schriftsteller, Hochschullehrer und Publizist. Als Überlebender des Holocausts verfasste er zahlreiche Romane und sonstige Publikationen zu diesem Thema und erhielt 1986 den Friedensnobelpreis für seine Vorbildfunktion im Kampf gegen Gewalt, Unterdrückung und Rassismus.


title: Elie Wiesel

text: Wiesel war Sohn des rumänischen Kaufmanns Shlomo Wiesel mit jüdischem Hintergrund und dessen Frau Sarah, geb. Feig. Sein Großvater mütterlicherseits, Reb Dodye Feig, war ein tief religiöser Chassid. Wiesel wuchs in einem stark von orthodoxen Juden beeinflussten Umfeld auf. Er besuchte die Schule in seinem Heimatort und wurde 1944, unter ungarischer Herrschaft, von den deutschen Nationalsozialisten gemeinsam mit seiner Familie in das Stammlager des Konzentrationslagers Auschwitz deportiert. Nach drei Wochen wurde er mit seinem Vater in das Lager Auschwitz-Monowitz verlegt. Später kam er in das Konzentrationslager Buchenwald, aus dem er am 11. April 1945 von US-amerikanischen Truppen befreit wurde.


title: Elie Wiesel

text: Nach dem Zweiten Weltkrieg ging Wiesel nach Straßburg und lernte Französisch. Von dort ging er zum Studium an die Sorbonne in Paris. Neben anderen Einflüssen spiegelt Wiesels Denken auch sein eingehendes jahrzehntelanges Talmudstudium, unter anderem bei den Rabbinern Mordechai Schuschani (Paris) und Saul Lieberman (New York), wider.


title: Elie Wiesel

text: 1948 bereiste er Israel und berichtete für die französische Zeitung "L’Arche" über die israelische Staatsgründung. Ab 1952 war er Korrespondent in Paris für die Zeitung "Jedi’ot Acharonot", die in Tel Aviv erschien. Für dieselbe Zeitung ging er 1956 nach New York City und arbeitete als Berichterstatter bei den Vereinten Nationen. Im Jahr 1963 siedelte er vollständig in die USA über und wurde amerikanischer Staatsbürger.


title: Elie Wiesel

text: Wiesel verarbeitet in seinen Büchern vor allem die erlebten Geschehnisse während des Holocaust, um ein Vergessen oder eine Gleichgültigkeit gegenüber dieser Zeit zu verhindern. Zugleich kritisiert er die politischen Führer jener Zeit, die durch öffentlichen Protest gegen Deutschland die Lage hätten ändern können, es jedoch nicht getan haben. Seine schriftstellerische Laufbahn war dabei vor allem zu Beginn durch den Zuspruch von François Mauriac geprägt. Dieser motivierte ihn, seine Erfahrungen literarisch aufzuarbeiten. Wiesel schrieb überwiegend auf Französisch.


title: Elie Wiesel

text: Im Jahr 1958 erschien sein erstes autobiografisches Buch unter dem ursprünglichen französischen Titel "La Nuit" (In Deutschland 1962 unter dem Titel "Die Nacht"). Dieses wurde von ihm ursprünglich als Buch in jiddischer Sprache mit einem Umfang von etwa 800 Seiten geschrieben. Erst als er es auf 127 Seiten kürzte, wurde es veröffentlicht. In dem Buch stellt er seine eigenen Erfahrungen dar, indem er sie über die Hauptperson „Elischa“ vermittelte. Es stellte den ersten Band einer Romantrilogie dar, die er als "Die Nacht zu begraben, Elischa" benannte. Dieser erste Band schließt ab mit seinem sogenannten „Spiegelerlebnis“ im April des Jahres 1945, in dem Wiesel sich nach seiner KZ-Befreiung zum ersten Mal wieder in einem Spiegel betrachtet, und als letzte Zeile schreibt:


title: Elie Wiesel

text: Die nachfolgenden Bände "Morgendämmerung" (1960) und "Tag" (1961) schildern das anschließende Leben des Elischa, zuerst als Terrorist in Palästina, später bei seinen Versuchen, einen normalen Anschluss an das Leben und die Gesellschaft zu finden.


title: Elie Wiesel

text: 1962 erschien "Gezeiten des Schweigens", in dem Wiesel die heimliche Rückkehr eines Juden in seine Heimat Ungarn nach dem Krieg thematisierte. Der Roman "Gesang der Toten" (1967) schildert das Leben der Gefangenen in den deutschen Vernichtungslagern und stellt zugleich eine autobiographische Skizze dar.


title: Elie Wiesel

text: Der Roman "Morgendämmerung" wurde zweimal verfilmt: "Das Morgengrauen" (1985) von Miklós Jancsó und "Dawn" (2014) von Romed Wyder.


title: Elie Wiesel

text: Das Leben als Jude während des Sechstagekrieges schildert er in dem Roman "Der Bettler von Jerusalem" (1968), in dem er einen Juden darstellt, der Schwierigkeiten hat, seine reale Lebensweise mit den Gesetzen des Talmud in Einklang zu bringen. In "Zalmen" (1968) und "Das Testament eines ermordeten jüdischen Dichters" (1980) geht es um das Leben der Juden unter der Regierung Stalins in der Sowjetunion.


title: Elie Wiesel

text: Wiesel schrieb das Vorwort zur deutschen Ausgabe der Lebensgeschichte von Jan Karski "(Jan Karski. Einer gegen den Holocaust. Als Kurier in geheimer Mission)". In vielen weiteren Werken und auch in wissenschaftlichen Studien stellte Wiesel die Lebensweise der Juden weltweit dar, machte jedoch auch auf gesellschaftliche Probleme aufmerksam, etwa auf die Hungernden in den afrikanischen Staaten oder die Flüchtlingslager in Kambodscha.


title: Elie Wiesel

text: Er erhielt 1972 eine Professur an der City University of New York und lehrte Philosophie, Judaistik und Literatur.


title: Elie Wiesel

text: 2003 wurde Wiesel zum Vorsitzenden der "Internationalen Kommission zur Erforschung des Holocaust in Rumänien", kurz Wiesel-Kommission, berufen. 2005 erhielt er den Dignitas Humana Award.


title: Elie Wiesel

text: 1979 bis 1986 war er Vorsitzender des "U.S. Holocaust Memorial Councils". 1978 bis 1979 war er auch Vorsitzender des Vorgängers "President’s Commission on the Holocaust", welches von Jimmy Carter zur Errichtung des United States Holocaust Memorial Museum initiiert wurde. Eine Kontroverse entstand in der Kommission unter seiner Führung darüber, welcher Opfer im Museum gedacht werden soll. Wiesel forderte eine ausschließliche Konzentration auf Juden in der Gedenkstätte zum Holocaust und setzte sich dabei weitgehend unter anderem gegen Simon Wiesenthal durch, der den Begriff „Holocaust“ weiter fasste und auch nicht-jüdischer Holocaust-Opfer gedenken wollte. Der Historiker Howard Zinn bezeichnete Wiesels Position zum Holocaust-Museum als höchst beschämend. Wiesel schrieb unter anderem: „Auschwitz kann weder erklärt werden noch kann man es sich vorstellen […] Der Holocaust steht außerhalb der Geschichte“. Norman Finkelstein wirft Wiesel vor, den Holocaust somit zu mystifizieren, und kritisiert Wiesels Thesen zur „Einzigartigkeit des Holocausts“. Eric Hunt kritisierte Wiesels Holocaust-Buch "Die Nacht" als fiktional und zerrte ihn am 1. Februar 2007 in San Francisco aus einem Fahrstuhl, um ihm ein entsprechendes Geständnis abzunötigen. Er ließ sich aber von Wiesels Schreien in die Flucht schlagen und wurde später gefasst, angeklagt und zu einer Freiheitsstrafe verurteilt.


title: Elie Wiesel

text: Kurz nachdem ihm 1986 der Friedensnobelpreis verliehen worden war, gründete Wiesel mit seiner Frau die Elie-Wiesel-Stiftung, deren Zweck der Kampf gegen Intoleranz und Ungerechtigkeit in der Welt ist. 2008 verlor sie in der Investoren-Affäre um Bernard L. Madoff 15,2 Millionen US-Dollar, was fast ihrem gesamten Vermögen entsprach.


title: Elie Wiesel

text: Im Jahr 2000 sprach Wiesel anlässlich der Gedenkstunde zum Tag des Gedenkens an die Opfer des Nationalsozialismus vor dem Deutschen Bundestag.


title: Elie Wiesel

text: Über die Judenverfolgung wurde in Rumänien lange Zeit, vor allem während der kommunistischen Herrschaft, nicht offiziell gesprochen. Seit dem Jahr 2003 wurde mit der Aufarbeitung begonnen. Der damalige Präsident Ion Iliescu berief die "Internationale Kommission zur Erforschung des Holocaust in Rumänien" unter der Leitung Wiesels ein. Die Wiesel-Kommission legte ihren Abschlussbericht Ende 2004 vor. Sie bestätigte die spezifische Form der rumänischen Judenvernichtung; ein Elie-Wiesel-Institut wurde gegründet und der 9. Oktober als nationaler Holocaust-Gedenktag (rumänisch: "Ziua Naţională de Comemorare a Holocaustului") festgelegt.


title: Elie Wiesel

text: Wiesel begleitete den amerikanischen Präsidenten Barack Obama bei dessen Besuch im Konzentrationslager Buchenwald am 6. Juni 2009. In seiner Rede anlässlich dieses Besuches sagte Wiesel, die Welt habe nichts gelernt aus den Schrecken von Buchenwald: „Wie kann es sonst ein Darfur, ein Ruanda und ein Bosnien geben?“


title: Elie Wiesel

text: Bei einem gemeinsamen Auftritt mit Obama im Washingtoner Holocaust-Museum sagte er angesichts des andauernden Bürgerkriegs in Syrien: „An diesem Ort müssen wir uns fragen: Haben wir denn nichts gelernt? Wie kann es sein, dass (Präsident) Assad noch immer an der Macht ist?“


title: Elie Wiesel

text: 1969 heiratete Wiesel die in Österreich geborene Autorin Marion Erster Rose, ebenfalls eine Überlebende des Holocausts. 1972 wurde ihr Sohn Shlomo Elisha Wiesel geboren, der für 25 Jahre bis 2019 in leitender Position bei Goldman Sachs tätig war.


title: Orfeo ed Euridice

text: Orfeo ed Euridice (französisch Orphée et Euridice, deutsch Orpheus und Eurydike) ist eine Oper (Originalbezeichnung: „Azione teatrale per musica“ bzw. „Tragédie-opéra“) in drei Akten, die die Geschichte des thrakischen Sängers Orpheus erzählt. Die Musik stammt von Christoph Willibald Gluck, das Libretto von Ranieri de’ Calzabigi. Die Uraufführung der italienischen Erstfassung fand am 5. Oktober 1762 im Wiener Burgtheater, die der französischen Fassung am 2. August 1774 in der Académie Royale de Musique in Paris statt.


title: Orfeo ed Euridice

text: Der griechische Orpheus-Mythos spielte ursprünglich in Thrakien. Um die Einheit des Orts zu gewährleisten, verlegte sie der Librettist Calzabigi an den Averner See, der im alten Rom als Eingang zur Unterwelt angesehen wurde.


title: Orfeo ed Euridice

text: Die Szenenaufteilung der folgenden Inhaltsangabe bezieht sich auf die italienische (Wiener) Fassung von 1762. Die Szenennummern und die in der französischen (Pariser) Fassung von 1774 ergänzten Stücke sind in eckigen Klammern angegeben.


title: Orfeo ed Euridice

text: Hübscher, aber einsamer Lorbeer- und Zypressenhain, der in einer künstlichen Lichtung auf einer kleinen Ebene das Grabmal der Eurydike umgibt


title: Orfeo ed Euridice

text: "Szene 1 [1–2]." Gemeinsam mit Hirten und Hirtinnen beweint Orpheus am Grab der Eurydike deren Verlust (Chor: „Ah! se intorno a quest’urna funesta“/„Ah! Dans ce bois“). Auf seine Bitte lassen ihn die Freunde allein, damit er sich seiner Trauer widmen kann (Arie: „Chiamo il mio ben così“/„Objet de mon amour!“). In seiner Verzweiflung fordert er die Götter auf, ihm seine Gefährtin zurückzugeben. Sonst werde er selbst in die Unterwelt steigen und sie ihnen entreißen.


title: Orfeo ed Euridice

text: "Szene 2 [3–4]." Der Liebesgott Amor erscheint mit der Nachricht, dass Zeus (Jupiter) dem Sänger den Abstieg zum Hades erlaube: Wenn es ihm gelingt, die Furien dort mit seinem Gesang zu rühren, darf er Eurydike wieder zu den Lebenden zurückführen [Arie: „Si les doux accords de ta lyre“], unter der Bedingung, dass er sich beim Rückweg nicht zu ihr umsieht (Arie: „Gli sguardi trattieni“/„Soumis au silence“). Orpheus nimmt all seinen Mut zusammen [Arie: „L’espoir renaît dans mon âme“]. Unter Blitz und Donner macht er sich mit seiner Leier auf den Weg.


title: Orfeo ed Euridice

text: Schaurige Höhlengegend am Ufer des Flusses Kokytos, in der Ferne durch einen dunklen, von Flammen durchloderten Rauch vernebelt


title: Orfeo ed Euridice

text: "Szene 1 [1]." Die Wächter des Hades weisen Orpheus zunächst zurück (Ballett – Chor: „Chi mai dell’Erebo“/„Quel est l’audacieux“). Furien und Geister umkreisen ihn wirbelnd, um ihn zu verschrecken. Schließlich gelingt es ihm durch hartnäckiges Spielen und Singen (Orfeo: „Deh placatevi con me“/„Laissez vous toucher“), sie zu besänftigen (Chor: „Misero giovane, che vuoi, che mediti“/„Qui t’amène en ces lieux“), bis sie ihn einlassen (Chor: „Ah, quale incognito affetto flebile“/„Quels chants doux et touchants!“). Die Furien und Ungeheuer ziehen sich zurück ["Air des Furies"].


title: Orfeo ed Euridice

text: "Szene 2 [2–3]." Orpheus betritt das Elysium, die Heiterkeit der seligen Geister umfängt ihn (["Ballet des Ombres heureuses" – Arie Euridice: „Cet asile aimable“] – Arioso: „Che puro ciel“/„Quel nouveau ciel“ – Chor: „Vieni a’ regni del riposo“/„Viens dans ce séjour paisible“), doch er kann seine Unruhe erst ablegen, als seine Gattin, von den Klängen seiner Leier angelockt, erscheint (Chor: „Torna, o bella, al tuo consorte“/„Près du tendre objet qu’on aime“). Er nimmt sie an der Hand und führt sie eilig hinaus, ohne sie anzusehen.


title: Orfeo ed Euridice

text: Düstere, labyrinthisch gewundene Grotte, eingefasst von aus dem Felsen gehauenen und vollständig von Gestrüpp und wilden Pflanzen bedeckten Steinblöcken


title: Orfeo ed Euridice

text: "Szene 1." Als sie bereits fast ans Tageslicht treten (Duett: „Vieni appaga il tuo consorte“/„Viens, suis un époux“), klagt Eurydike, dass ihr Mann sie nicht ansehe, also nicht mehr liebe und sie lieber in die Unterwelt zurückkehren wolle. Orpheus kann sie nicht beruhigen, und sie gerät in Panik (Arie Euridice: „Che fiero momento“/„Fortune ennemie“). Orpheus kommt nicht umhin, sich nach ihr umzudrehen. In diesem Moment bricht sie zusammen und stirbt. Erneut beklagt er sein Leid (Arie: „Che farò senza Euridice?“/„J’ai perdu mon Euridice“) und will sich erstechen.


title: Orfeo ed Euridice

text: "Szene 3." Amor, Orpheus, Eurydike und die Hirten und Schäferinnen feiern ihre Rückkehr mit fröhlichen Tänzen und preisen Amor (Chor: „Trionfi Amore“/„L’Amour triomphe“).


title: Orfeo ed Euridice

text: Durch Vermittlung des Grafen Giacomo Durazzo, des Intendanten des Wiener Hoftheaters, lernte Christoph Willibald Gluck im Februar 1761 den gerade aus Paris in Wien eingetroffenen italienischen Dichter Ranieri de’ Calzabigi kennen, mit dem er in der Folge mehrfach zusammenarbeitete. Anlass und erstes gemeinsames Projekt war das noch im selben Jahr uraufgeführte Tanzdrama "Don Juan," eine experimentelle pantomimische Produktion „dans le goût des Anciens“ mit dem Tänzer und Choreografen Gasparo Angiolini und dem Architekten und Bühnenbildner Giovanni Maria Quaglio. Das Ballett benötigte zwar kein Libretto, doch es wird angenommen, dass Calzabigi Mitverfasser des im Programm enthaltenen ästhetischen Essays über die Tanzkunst war.


title: Orfeo ed Euridice

text: Der "Orfeo" ist die erste der drei Reformopern von Gluck und Calzabigi. Es folgten "Alceste" und "Paride ed Elena." Eine Fassung des Librettos hatte Calzabigi vermutlich bereits bei seiner Ankunft in Wien dabei. Es basiert auf einer Fabel aus den "Metamorphosen" des Ovid, der Calzabigi dem Zeitgeschmack gemäß ein glückliches Ende verpasste. Auch bei diesem Projekt ging es um eine Erneuerung einer Kunstform nach dem Vorbild des antiken Theaters, da die in Wien von Pietro Metastasio verteidigte italienische Opera seria in schematischen Konventionen erstarrt war. Gluck begann mit der Vertonung wahrscheinlich erst nach der Uraufführung seiner Vorgängeroper "Le cadi dupé" im Dezember 1761. Er komponierte fast alle Stücke neu. Die intensive Zusammenarbeit stellte Calzabigi selbst in einem Brief vom 26. Juni 1784 an den "Mercure de France" heraus und betonte dabei (wohl übertrieben) seinen eigenen Anteil auch an der Komposition.


title: Orfeo ed Euridice

text: Die Oper wurde am 5. Oktober 1762 zum Namenstag von Kaiser Franz I. in Wien in Gegenwart des gesamten Hofstaats unter der Leitung des Komponisten uraufgeführt. Es sangen der Altkastrat Gaetano Guadagni (Orpheus), Marianna Bianchi (Euridice) und Lucie Clavareau (Amore). Wie beim "Don Juan" stammten die Choreografie von Gasparo Angiolini und die Ausstattung von Giovanni Maria Quaglio. Das Werk war beim Publikum nicht besonders erfolgreich, wurde aber von der Fachwelt intensiv diskutiert. Übersetzungen ins Deutsche und Französische erschienen noch im selben Jahr.


title: Orfeo ed Euridice

text: Obwohl Durazzo 1764 ungewöhnlicher Weise auf eigene Kosten in Paris eine Partitur herausgeben ließ, verbreitete sich das Werk vorwiegend durch Sänger der Partie des Orfeo, die es an ihre jeweiligen Aufführungsorte mitbrachten. Auch als höfische Festoper (Serenata) wurde es eingesetzt, beispielsweise 1765 aus Anlass Kaiserkrönung Josephs II. in Frankfurt. Aufgrund der Kürze wurde es oft als Pasticcio um Stücke anderer Komponisten ergänzt oder zusammen mit einem Ballett oder Theaterstück aufgeführt. Auch konzertante Aufführungen waren beliebt. Orfeos Arie „Che farò senza Euridice?“ (III:1) wurde mit geistlichem Text in österreichischen und böhmischen Klöstern gesungen, und auch andere Nummern wurden als Einzelstücke gegeben.


title: Orfeo ed Euridice

text: 1769 nutzte Gluck eine bearbeitete Fassung mit dem Titel "Atto d’Orfeo" als einen der vier Teile seines für die Hochzeit der Erzherzogin Maria Amalia mit dem Infanten Ferdinand von Spanien in Parma komponierten Werks "Le feste d’Apollo." Die Abfolge der Musiknummern behielt Gluck abgesehen vom hier gestrichenen Schlussballett bei. Das Werk wurde erstmals am 24. August 1769 gespielt. Die Titelpartie passte Gluck für den Soprankastraten Giuseppe Millico an. Diese Sopranfassung wurde in den folgenden Jahrzehnten auch in vielen anderen Ländern gespielt.


title: Orfeo ed Euridice

text: 1774 überarbeitete Gluck seine Oper in Paris als „Tragédie-opéra“ mit dem Titel "Orphée et Euridice" grundlegend. Das französischsprachige Libretto erstellte Pierre Louis Moline nach Calzabigis Vorlage. Es handelte sich nach der im selben Jahr uraufgeführten "Iphigénie en Aulide" um seine zweite französische Reformoper. Die Arien, Chöre und Tänze wurden weitgehend übernommen; die französische Sprache machte es aber erforderlich, die Rezitative vollständig neu zu komponieren. Da das Werk nicht abendfüllend war, wurden einige zusätzliche Stücke eingefügt, deren Musik teilweise aus früheren Werken Glucks stammt. Hierzu zählen Orphées Arie „L’espoir renaît dans mon âme“ (I:4) und die Tänze der Furien und der seligen Geister sowie Euridices Szene „Cet asile aimable“ im zweiten Akt. Für den Geschmack des Pariser Publikums ergänzte Gluck am Schluss ein Ballett nach der Tradition der Tragédie lyrique. Außerdem transponierte er die Partie des Orpheus für den Sänger Joseph Legros in eine hohe Tenorlage (Haute-Contre). Dadurch wurden weitergehende Anpassungen an der Disposition der Tonarten notwendig. Auch die Instrumentierung der beiden Fassungen unterscheidet sich. Die Zinken, Chalumeaux und Englischhörner ersetzte Gluck durch Klarinetten und Oboen. Auch das Cembalo kam nicht mehr zum Einsatz. Stattdessen gestaltete er für das Bassfundament die Partien der tiefen Streicher differenzierter. Die Gründe, warum Gluck hierfür kein Originalwerk schuf, sondern eine italienische Oper überarbeitete, sind nicht bekannt. Da die Zeit zwischen den Premieren der "Iphigénie" und des "Orphée" knapp war, standen die Autoren unter Zeitdruck, aber auch programmatische Gründe sind vorstellbar. Wie Diskrepanzen zwischen den Druckfassungen von Libretto und Partitur zeigen, arbeiteten sie offenbar noch während der Probenphase weiter an dem Werk. Wegen der Trauerzeit nach dem Tod von König Ludwig XV. mussten die Proben zwischen dem 1. Mai und dem 15. Juni ausgesetzt werden.


title: Orfeo ed Euridice

text: Die Premiere dieser französischen Fassung war am 2. August 1774 in der Académie Royale de Musique in Paris mit Joseph Legros als Orphée, Sophie Arnould als Euridice und Rosalie Levasseur als L’Amour. Wie bei der vorangegangenen "Iphigénie" gab es bereits im Vorfeld viele Diskussionen über das Werk. Die Produktion war sowohl beim Publikum wie auch bei den Kritikern ein großer Erfolg. Bis zum November gab es 47 Aufführungen. Anschließend hielt sich das Werk bis 1800 nahezu durchgängig im Programm der Pariser Oper, wobei immer wieder Änderungen und Umbesetzungen vorgenommen wurden. Die Marie-Antoinette gewidmete Partitur erschien unmittelbar nach der Premiere im Druck. Bei einer zweiten, weniger erfolgreichen Aufführungsreihe zwischen 1809 und 1817 sang Louis Nourrit die für ihn etwas vereinfachte Partie des Orphée. Im Februar 1824 sang dessen Sohn Adolphe die Partie in einer Aufführungsserie, welche vorerst die letzte Aufführungsserie an der Opéra bleiben sollte.


title: Orfeo ed Euridice

text: Im 19. Jahrhundert war das Werk zunächst wenig populär, bis es durch Bemühungen von Richard Wagner, Aufführungen von Franz Liszt in Weimar 1854 und eine Neufassung von Hector Berlioz für die Altistin Pauline Viardot-García in der Titelrolle zur Wiederbelebung kam. Letztere wurde 1859 im Pariser Théâtre-Lyrique mit Marie-Constance Sass als Euridice erstmals gezeigt. Pauline Viardot-Garcías Ehemann Louis Viardot überarbeitete das Libretto anhand von Molines französischer Vorlage. Auch Berlioz nahm im Wesentlichen die französische Partitur als Basis, griff aber bei einzelnen Stücken (vor allem bei den Solostücken des Orpheus) auf die italienische Fassung zurück, wenn er sie für musikalisch oder dramaturgisch gelungener hielt. Außerdem unterteilte er das Werk in vier Akte (die Szenen in der Unterwelt und im Gefilde der Seligen bilden hier zwei separate Akte), strich etliche Nummern (darunter den dritten Vers von Orpheus’ „Objet de mon amour“, das Terzett im dritten Akt und das Schlussballett) und ersetzte den Schlusschor durch den von Glucks Oper "Echo et Narcisse" („Le Dieu de Paphos et de Gnide“). Beim Tonartenschema und an einigen Stellen der Instrumentation orientierte er sich an der Urfassung. Eine weitere Mischfassung stammt vom deutschen Musikverleger Alfred Dörffel.


title: Orfeo ed Euridice

text: Bis weit ins 20. Jahrhundert hinein beherrschten die verschiedenen Mischfassungen die Aufführungspraxis, obwohl sie „musikalisch und dramaturgisch Verbrechen an Gluck und Calzabigi“ darstellen. Häufig handelte es sich um italienisierte dreiaktige Fassungen von Berlioz’ Bearbeitung, manchmal ergänzt um die von Berlioz gestrichenen Nummern. Die Titelpartie wurde meist von Sängerinnen übernommen. Eine Fassung für Bariton sangen Dietrich Fischer-Dieskau und Hermann Prey. In jüngerer Zeit wurde auch die Erstfassung wieder häufiger aufgeführt, oft mit Countertenören in der Partie des Orfeo. Die extremen Höhen der für Legros komponierten französischen Fassung können nur von wenigen Tenören gemeistert werden. Durch eine Transposition der Partitur um einen Ton nach unten ist es jedoch möglich, ihrer Originalgestalt nahe zu kommen.


title: Orfeo ed Euridice

text: Calzabigis Libretto ist eine deutliche Abkehr vom bisherigen Format der Opera seria. Die Neuerungen gehen weit über frühere Reformversuche hinaus. Der Text hat eine mythologische anstelle einer historischen Handlung und verzichtet auf komplexe politische und amouröse Verstrickungen. Die Anzahl der Charaktere wurde von den üblichen sechs auf nur noch drei reduziert. Im Gegenzug erhielt analog zur französischen Oper der Chor eine größere Bedeutung. Er und das Ballett sind in die Handlung einbezogen. Anstelle des traditionellen Wechsels von handlungstragendem Rezitativ und darauffolgender reflektierender Arie gibt es große zusammenhängende Szenen. Die hochemotionale Sprache ist beinahe schmucklos. Euridices „Che fiero momento“ (III:1) ist die einzige traditionelle Da-capo-Arie, doch auch deren Form wird am Ende aufgelöst. Beibehalten wurden hingegen die Aufteilung in drei Akte, die Besetzung des Protagonisten mit einem Kastraten und das glückliche Ende, das hier der Gott Amor herbeiführt. Dieser ist allerdings bereits im ersten Akt Bestandteil der Handlung und somit nicht nur ein "Deus ex machina" wie in der Opera seria.


title: Orfeo ed Euridice

text: Die von Calzabigi vorgelegten Reformen führte Gluck in seiner Musik weiter. Der virtuose Koloraturstil der seria-Arien wurde durch einen natürlichere und schlichtere Singweise abgelöst. Anstelle von großen Arien gibt es einfache Liedformen und Chöre, die mit Hilfe eines durchdachten Tonarten-Schemas zu zusammenhängenden Szenenblöcken verbunden sind. Ausdrucksstarke durchkomponierte Accompagnatos lösen die Secco-Rezitative der Opera seria ab. Die Ouvertüre stellt auf stilisierte Weise das Hochzeitsfest von Orpheus und Eurydike dar und ist somit wie die Chöre und Tänze in die Handlung integriert.


title: Orfeo ed Euridice

text: In der Pariser Fassung von 1774 passten Gluck und Moline das Werk an die Gepflogenheiten der französischen Tragédie lyrique an und entwickelten diese im Gegenzug weiter. Die neukomponierten Rezitative entsprechen weder dem italienischen Stil noch dem französischen „Récitatif mesuré“, sondern haben einen eigenen Tonfall. Im Vergleich mit den ursprünglichen Rezitativen der Fassung von 1762 sind sie straffer gefasst und zugleich dramatischer und nuancenreicher. Der Gegensatz zwischen den statischen und den bewegten Szenen des Werks hoben die Autoren noch stärker hervor. Erstere wurden durch einige zusätzliche Stücke erweitert. Die für Legros ergänzte Arie „L’espoir renaît dans mon âme“ (I:4) ist hingegen eine traditionelle virtuose Abgangsarie.


title: Orfeo ed Euridice

text: Die Wiener Fassung von 1762 enthält die folgenden Musikstücke (deutsche Textanfänge nach der Übersetzung bei Opera-Guide):


title: Orfeo ed Euridice

text: Zu den bedeutendsten Stücken der Oper gehören die Trauerpantomime und Chöre im ersten Akt, die Beschwörung der Furien, der „Reigen der seligen Geister“ und das Erstaunen Orpheus’ beim Eintritt in das Elysium im zweiten Akt sowie Orpheus’ Arie nach dem erneuten Verlust Eurydikes im dritten Akt.


title: Orfeo ed Euridice

text: "Orfeo ed Euridice" ist vielfach auf Tonträger erschienen. Operadis nennt 58 Aufnahmen der italienischen Fassung im Zeitraum von 1940 bis 2009 und 23 Aufnahmen der französischen Fassung im Zeitraum von 1935 bis 2008. Daher werden im Folgenden nur die in Fachzeitschriften, Opernführern oder Ähnlichem besonders ausgezeichneten oder aus anderen Gründen nachvollziehbar erwähnenswerten Aufnahmen aufgeführt.


title: El (Gott)

text: El war der Name des höchsten Gottes der Ugariter im 2. vorchristlichen Jahrtausend. Sein Name wurde durch die Israeliten übernommen und mit JHWH (יהוה), ihrem einzigen Gott im Tanach, identifiziert (z. B. ). Häufiger wird allerdings der ähnlich klingende hebräische Plural von "Eloah" (אֱלֹהַ), "Elohim", als Alternativbezeichnung für JHWH verwendet, z. B. in יְהוָה צְבָאוֹת אֱלֹהֵי יִשְׂרָאֵל „JHWH Zebaoth Gott Israels“.


title: El (Gott)

text: Davon ausgehend entwickelte sich der Name el zu einen Gattungsbegriff für „Gott“, „göttliches Wesen“ oder „göttliche Natur“ in vielen semitischen Sprachen (daher stammt der arabische Gottestitel "Allah", „der Gott“); außerdem wurde er zu einem theophoren Namen, d. h. einem „gott-tragenden“ Bestandteil von Personennamen, Ortsnamen oder Eigenschaften im Tanach, der auf JHWH hinweist.


title: El (Gott)

text: Zum ersten Mal tauchte die Bezeichnung "El" um 1400 v. Chr. in den Keilschrifttexten von Ugarit auf. Je nach Zusammenhang bedeutet das Wort den Eigennamen des Gottes oder den Gattungsbegriff. In der ugaritischen Mythologie wird "ʿEl" mit der Umschrift aus dem Ugaritischen "l", Plural oder Dual "lm" als der „Erbauer des Erbauten“, „Vater der Menschheit“ oder „Schöpfer der Schöpfung“ "(bny bnwt)" umschrieben. Das Wort "lm" kommt in großen mythologischen Texten vor, wo es in einigen Wortverbindungen meist den Plural des Gattungsnamens bedeutet. So trägt die Sonnengöttin Šapšu das Prädikat "nrt lm", „Leuchte der Götter“. Auch in den kleinen Texten von Ugarit bezeichnet der Plural überwiegend den allgemeinen Begriff Gott. Dagegen bezeichnet der Singular "l" überwiegend den Eigennamen.


title: El (Gott)

text: El besaß zeitweise für einen Teil der ugaritischen Bevölkerung die Stellung des obersten Gottes. Ihm wurden die Beinamen „König“, „der Freundliche“ oder „Stier“ verliehen. Der Anruf „Stier-El“ soll seine herausragende Stärke und Macht betonen und legt nahe, dass der Stier sein Symbol war.


title: El (Gott)

text: El wird in der ugaritischen Mythologie als Schöpfer der Erde dargestellt. Seine Wohnung sei die Quelle der beiden Ströme der unterirdischen Tiefe. Eine Keilschrifttafel (der „Mythos der freundlichen und schönen Götter“) erzählt: El habe die Göttinnen (Athirat und Šapšu) an einem Brunnen überrascht und geschwängert, dadurch zuerst Šahar, die Gottheit der Morgendämmerung, und ihren Bruder Šalim, den Gott der Abenddämmerung, gezeugt, später anonyme Dämonen. Die Gesamtheit aller so gezeugten Götter wird als "Banu Elima" („El-Söhne“) bezeichnet.


title: El (Gott)

text: Der Name von Els Erstgemahlin Athirat, der Göttermutter, liegt in verschiedenen Umschreibungen wie Athirat, Elat und Qudšu vor, die in der Übersetzung „die weibliche Gottheit“ oder „die Heilige“ bedeuten. Sie wird auch „Herrin Athirat des Meeres“ genannt. Sie hat in den Quellen einen eigenen Wohnort abseits von El und trifft auch allein Entscheidungen. Siebzig Götter und Göttinnen gelten als ihre und Els gemeinsame Kinder, weitere als Kinder von Els Zweitfrau Šapsu.


title: El (Gott)

text: Die Göttergesellschaft erscheint in regelmäßigen Abständen vor El auf einem hohen Berg. Dort wird über zu erfolgende Handlungen entschieden, da jeder untergeordnete Gott den Weisungen Els zu folgen hat. So hat Ba’al zum Beispiel erst um Erlaubnis zu fragen, bevor er den Meeresgott Yam töten kann. Ba’als Schwester, die Mondgöttin Anat, erreicht Els Zustimmung für Baals Vorhaben erst, nachdem sie mit Gewalt droht.


title: El (Gott)

text: El wird in Menschengestalt und in königlichen Gewändern dargestellt. Auf Abbildungen ist er zum Zeichen seines hohen Alters mit grauen Haaren zu sehen. Eine 13 Zentimeter hohe Bronzeskulptur zeigt einen sitzenden Gott mit einem Bart und einer ägyptischen Atef-Krone. Er trägt einen langen Mantel mit syrischem Wulstsaum und Sandalen. Die rechte Hand ist in einer segnenden Geste erhoben. Die Stierhörner, ein Gegenstand in seiner linken Hand und der Thron, auf dem die nicht eindeutig mit El identifizierte Figur saß, sind verschwunden. Auf der 47 Zentimeter hohen sogenannten „El-Stele“ aus Serpentin sitzt rechts ein bärtiger Gott mit einem langen Mantel und Hörnerkrone, seine Füße ruhen auf einem Schemel. Ihm gegenüber steht als Beter der König mit einer Krone auf dem Kopf, in den Händen hält er ein Szepter und einen Krug mit Opfergaben.


title: El (Gott)

text: Die Texte aus Ugarit aus der 2. Hälfte des 2. Jahrtausends v. Chr. stellen die wichtigsten Zeugnisse über El dar. Ein typisches Gebet an El lautet:


title: El (Gott)

text: Oh El! Oh Söhne Els!Oh Versammlung der Söhne Els!Oh Zusammenkunft der Söhne Els…Oh El und AschiratSei gnädig, oh ElSei Stütze, oh ElEl, eile, El, komm schnellZur Hilfe Zaphons,Zur Hilfe UgaritsMit der Lanze, oh El,mit der erhobenen, oh El.Mit der Streitaxt, oh El,mit der zerschmetternden, oh El.


title: El (Gott)

text: Mit dem Eindringen der sogenannten Seevölker um 1200 v. Chr. begann eine plötzliche Wandlung der Rolle Els in Ugarit. Die Stadt selbst wurde von den Seevölkern zerstört. El verlor innerhalb der nächsten zweihundert Jahre in dieser Region immer mehr an Bedeutung. Ab ca. 1000 v. Chr. erscheint der Name Athirat, seine erste Gemahlin, nicht mehr. Ein neuer Gott, "Ba'alšamen" (phönikisch) bzw. "Be'elšamen" (aramäisch) löste ab ca. 1000 v. Chr. El in Ugarit endgültig ab.


title: El (Gott)

text: Mit dem Vordringen der Seevölker kamen neue Namen auf. Die Bibel nennt die Philister als Bewohner der Küstenregion Palästinas und frühe Feinde der Israeliten in vorstaatlicher Zeit. Sie werden als verwandt mit den Phöniziern erachtet, die hauptsächlich im Küstenbereich in der Region des zerstörten Ugarits bis Sidon siedelten.


title: El (Gott)

text: El verlor in diesen Regionen an Bedeutung. Athirat wurde nur noch bei den Philistern erwähnt. Ebenso wie in der Region des zerstörten Ugarit erhielt der neue Gott Ba'alšamen/Be'elšamen nun den Vorzug vor ʿEl.


title: El (Gott)

text: Bei Philon von Byblos beginnt der Stammbaum phönikischer Gottheiten mit Eliun und seiner Frau Beruth, deren Nachkommen Uranos und Ge zusammen einen Stammbaum aus insgesamt sieben Generationen mit über 40 Gottheiten zeugten. Darunter war El (Kronos), der, nachdem er erwachsen geworden war, seinen Vater Uranos besiegte und sich an seiner Stelle zum Herrscher machte.


title: El (Gott)

text: Im 1. Buch Mose wird "El" mit den Namen der halbnomadischen Sippenhäupter kombiniert, denen er zuerst erschienen ist. Dadurch wird "El" wie ein Name gebraucht:


title: El (Gott)

text: Die Kombination „Gott meines Vaters“ bezog sich wohl ursprünglich nur auf den eigenen Familienvater (; ), so dass dessen Gott sich von anderen Familiengöttern unterschied. Dies zeigen alte Vätergeschichten wie die Begegnung Jakobs mit seinem Verwandten, dem Aramäer Laban . Auch in der Josephsgeschichte heißt es distanzierend und singularisch: „Euer Gott und eures Vaters Gott hat euch einen Schatz gegeben …“ In heißt es deutlich: „Der Gott Abrahams und der Gott Nahors – der Gott ihres Vaters! – sei Richter zwischen uns.“ Erst nachdem mehrere Sippen zu einem Stamm verschmolzen, wurde aus dem „Gott meines (deines, eures, ihres) Vaters“ der „Gott unserer (eurer, ihrer) Väter“.


title: El (Gott)

text: Die Kombination Els mit Personennamen gilt oft als frühe Stufe eines altorientalischen Monotheismus, bei dem Gott noch namenlos war. Umstritten ist, ob die Namen fiktive Stammväter von Sippen und Stämmen oder reale Personen bezeichneten. Aus den Funden von Tontafeln aus der mesopotamischen Stadt Mari von etwa 1900 v. Chr. kennt man Namen wie Abram, Isaak und Jakob, die individuelle aramäische Personen bezeichneten.


title: El (Gott)

text: Im Zuge einer vermuteten zweiten aramäischen Wanderungswelle (um 1500 v. Chr.) kamen Gruppen von Halbnomaden aus Mesopotamien und Syrien oder von der Sinai-Halbinsel beim saisonalen Weidewechsel auch in das fruchtbare Kulturland Kanaan, wo sie einander begegneten und ihre Geschichten austauschten. Dabei wurden ihre Gottheiten wahrscheinlich schon miteinander identifiziert, so dass Reihungen wie „Gott Abrahams, Isaaks und Jakobs“ entstehen und als „Gott unserer (eurer) Väter“ zusammengefasst werden konnten .


title: El (Gott)

text: Aufgrund solcher Beobachtungen stellte der Alttestamentler Albrecht Alt 1929 die einflussreiche These vom „Gott der Väter“ als Vorstufe der JHWH-Religion auf. Für ihn sei „nicht die feste Bindung an einen Ort, sondern die ständige Beziehung zu einer Menschengruppe das entscheidende Merkmal“. Wie im späteren gesamtisraelitischen JHWH-Glauben betonte die Väterreligion das Verhältnis zwischen Gott und Mensch, Gott und sozialer Gruppe. Die fehlende Ortsbindung machte sie laut Alt „umso bewegungsfähiger im Eingehen auf alle Veränderungen des Schicksals der Verehrerkreise“.


title: El (Gott)

text: Die Vätergötter bedurften keiner Wallfahrt zu einem festen Heiligtum und keiner Vermittlung durch Priester, deren Aufgaben der Familienvater übernahm. Sie waren ihren Menschen stets gegenwärtig und wurden wohl ohne Abbild verehrt. Erst im Kulturland wurden ihnen Opfer dargebracht (; ). Ihre Aufgabe war, die Sippe unterwegs vor allerlei Gefahren zu schützen (; , ; ), mit ihnen zu ziehen und für ihr Lebensrecht zu sorgen. Als Schutzgötter einer Sippe waren sie besonders für die Gaben verantwortlich, von denen die Zukunft aller abhing: Land, Nachkommen und Frieden mit den Nachbarvölkern .