title: Gilda (Film)

text: 1953 kopierte William Travilla, Designer bei 20th Century Fox, dieses Kleid für Marilyn Monroe, die darin ihre berühmte Showeinlage zu "Diamonds Are a Girl’s Best Friend" in "Blondinen bevorzugt" vorführte. Travilla änderte dabei lediglich die Farbe vom für den Film noir typischen Schwarz in knalliges Pink.


title: Gilda (Film)

text: Ursprünglich sollte die Handlung des Films in den Vereinigten Staaten spielen. Doch wie bei Alfred Hitchcocks "Berüchtigt" (1946) wurde auch für "Gilda" letztlich Südamerika als Schauplatz ausgewählt, der dem Drehbuch im Bezug auf die Kriminalhandlung und die erotischen Aspekte mehr Freiraum ließ. Während "Berüchtigt" in Rio de Janeiro spielt, dienen in "Gilda" gleich zwei lateinamerikanische Metropolen als exotische Kulissen, wo aus nordamerikanischer Sicht in ihrer „Dekadenz die üblichen Moralvorstellungen nicht gelten“. Während sich der Hauptteil der Handlung in Buenos Aires vollzieht, wechselt für wenige Minuten der Schauplatz nach Montevideo, wo Gilda als Sängerin und Tänzerin in einem Nachtclub auftritt. Wie bereits in "Casablanca" (1942) finden die meisten Szenen von "Gilda" in einem illegalen Spielcasino statt, das als traditioneller Standort krimineller Machenschaften eine verkommene Form des Kapitalismus darstellt und das neben dem stattfindenden Karneval der Zensur zum Trotz einmal mehr Anlass bietet, dem Zuschauer unmoralische Ausschweifungen zu präsentieren.


title: Gilda (Film)

text: Auch der Zeitraum der Handlung mit seinen wirren Verhältnissen – der Zweite Weltkrieg war soeben zu Ende und weltweit stationierte Soldaten kehren heim – erlaubt den Akteuren ein kurzzeitiges Aufblühen bisher unterdrückter Begierden und lasterhafter Sehnsüchte.


title: Gilda (Film)

text: Johnny Farrell wird in der Eingangsszene als Protagonist und Erzähler des Films vorgestellt. Mit Ballin Mundson, durch den er vom armen Würfelspieler zum Manager des Casinos aufsteigt und den er zunehmend zu imitieren versucht, teilt er die Auffassung, dass Glücksspiele und Frauen nicht zusammengehören. Für ihn, den Zyniker und Pessimisten, sind vor allem attraktive Frauen wie Gilda verlogen, geldgierig und untreu. Seine offenkundige Frauenfeindlichkeit äußert sich unter anderem mit Sätzen wie „Laut Statistik gibt es auf der Welt mehr Frauen als alles andere – ausgenommen Insekten.“ ()


title: Gilda (Film)

text: Doch obwohl der Film von ihm erzählt wird und er durch seine jugendliche Tatkraft anfänglich zum Noir-Helden avanciert, entpuppt er sich letztlich als fehlgeleiteter und eifersüchtiger Sadist, den die Szenen einer verletzlichen Gilda Lügen strafen. Dadurch, dass er aus seiner sexuellen Frustration heraus Gildas Verhalten falsch interpretiert, verliert er jegliche Autorität als Erzähler.


title: Gilda (Film)

text: Durch ihr offenes Haar, nackte Schultern, sinnlich geschminkte Lippen, lange Wimpern und durch die obligatorische Zigarette zwischen den lackierten Fingernägeln wird Gilda äußerlich bereits in ihrer ersten Szene als verführerische Frau gekennzeichnet. Schuhe mit Plateausohlen und Fesselriemchen veranschaulichen an anderer Stelle zudem ihre passiv masochistische Art. Doch obwohl Gilda zumeist als ikonische Femme fatale beschrieben wird, entspricht sie vielmehr einem „Bad Good Girl“, das zunächst als gefährlicher Vamp erscheint, sich aber letztlich als gut- und treuherzig erweist.


title: Gilda (Film)

text: Gilda, die auf Johnnys Zynismus mit spöttisch hochgezogenen Augenbrauen reagiert, ist eine sexuell emanzipierte Frau, die durch Johnnys Kränkung und aus sexueller Frustration lediglich vorgibt, eine untreue, männermordende Femme fatale zu sein. Ihre „Macht, die sich mit der selbständigen Entfaltung der weiblichen Sexualität offenbart“, wird dabei als „destruktiv und zerstörerisch gebrandmarkt“. Doch „Tänzerinnen sind im allgemeinen keine echten Bad Girls“, was „bereits körperlich dem statischen, passiven Darstellungsstil des Film noir“ widerspricht. Gildas Striptease zu "Put the Blame on Mame" stellt zunächst die „ultimative, visuelle Inkarnation des verführerischen, sexuell verfügbaren Bad Girls“ dar, offenbart sich jedoch als ironisches Klagelied, mit dem sie sich als missverstandene und eigentliche Heldin des Films zu erkennen gibt.


title: Gilda (Film)

text: Ballin Mundson erscheint als wohlhabender, stets elegant gekleideter Geschäftsmann im Stil eines Dandys. Er betreibt ein illegales Spielcasino und steht an der Spitze eines Wolframkartells, mit dem er die Welt kontrollieren will, ebenso wie er sein Casino von seinem Büro aus durch Jalousien beobachten und über Schaltvorrichtungen kontrollieren kann. Er tritt humorlos, diktatorisch und kaltherzig auf. Für Johnny, aber auch für Gilda stellt er eine autoritäre Vaterfigur dar, der es zu gefallen gilt und deren Zorn bei Ungehorsam zu befürchten ist. Für ihn selbst ist Gilda eine Trophäe, die ihm neben seinen Weltmachtsbestrebungen und seinem „kleinen Freund“, dem Gehstock mit hervorspringender Messerklinge, als Kompensation für seine angedeutete Impotenz dient. Für seinen Machterhalt schreckt er weder vor Mord noch vor seinem eigens inszenierten Selbstmord zurück.


title: Gilda (Film)

text: Den drei Hauptakteuren stehen zwei Nebenfiguren gegenüber, die vor allem im Kontrast zu Johnny die Situation besser überschauen bzw. Gilda richtig einschätzen können und damit die Perspektive des Zuschauers übernehmen. Der kleinwüchsige Onkel Pio, der als Angestellter im Waschraum den an sich niedrigsten Rang im Film innehat, ist durch seine Nähe zur Gerüchteküche den anderen Figuren stets überlegen und einen Schritt voraus. Mit den Worten „Der Blick aus der Wurmperspektive ist oft der einzig wahre.“ () bringt er es selbst auf den Punkt. Zudem sorgt er als Stimme des Volkes angesichts der melodramatischen Handlung mit seinen philosophischen und spöttischen Kommentaren für komödiantischen Ausgleich. Er verhindert gar eine Tragödie, indem er Ballin mit dessen Gehstock ersticht, bevor dieser Gilda und Johnny töten kann.


title: Gilda (Film)

text: Der dagegen großgewachsene Detective Obregon übernimmt die Rolle des ernsten und ebenso scharfsinnigen Gesetzeshüters, der mit seinen Ermittlungen gegen das Kartell und durch die Schließung des Casinos Recht und Ordnung wiederherstellt. Er ist es auch, dem es mit seiner Autorität als Einzigem gelingt, Johnny zu überzeugen, dass Gilda die Femme fatale nur gespielt hat. Er erweist sich für Johnny im Vergleich zu Ballin als vorbildliche und wahrhaftige Vaterfigur.


title: Gilda (Film)

text: Um den Film an den prüden und strengen Richtlinien des Production Codes vorbeizuschleusen, musste jedwedes erotische Thema wie sexuelle Begierde, Homosexualität, Voyeurismus und Sadomasochismus mit doppeldeutigen Dialogen und verschlüsselten Symbolen verschleiert werden. Als der Film gedreht wurde, hatte sich in Hollywood bereits ein System von Codes entwickelt, um die Zensur zu umgehen. "Gilda" greife „dies augenzwinkernd auf“ und erweise „sich dadurch als ironischer Kommentar zur grotesken Selbstzensur der Filmindustrie“. Dies äußere „sich in Gildas Tanz ebenso deutlich wie im augenscheinlichen Vergnügen der Filmemacher an der Trivialisierung Freudscher Symbolik“.


title: Gilda (Film)

text: Aufgrund der Abwesenheit von Frauen deuten sich zu Beginn des Films durch intensive Blicke und gegenseitiges Zigarettenanzünden homoerotische Spannungen zwischen Johnny Farrell und Ballin Mundson an, was die Situation der Soldaten während des Zweiten Weltkriegs widerspiegelt, als sexuelle Kontakte zum weiblichen Geschlecht selten waren. Doch jedwede Verwirrung über die eigene Sexualität der beiden Männer verflüchtigt sich, als sich in Gestalt von Gilda eine ausgesprochen feminine und verführerische Frau zwischen sie drängt. Es entwickelt sich eine ménage à trois, die auf Ernst Lubitschs Filmkomödie "Serenade zu dritt" (1933) verweist, in der die weibliche Hauptfigur bezeichnenderweise Gilda Farrell hieß.


title: Gilda (Film)

text: In dieser Dreiecksbeziehung verkörpert Johnny den jungen und starken Mann, der sich in einer Szene entscheiden muss, ob er seinem Verlangen nach Gilda nachgeben und als potenter Stier beim Karneval erscheinen will oder – aus Loyalität zu seinem Arbeitgeber und Freund – als Narr endet. Ihm wird der ältere und impotente Ballin gegenübergestellt, der seine fehlende Männlichkeit und Asexualität mit seinem Gehstock inklusive hervorspringender Messerspitze als phallischem Symbol zu kompensieren versucht. Gilda, die für Ballin eine Trophäe darstellt, versinnbildlicht Schönheit, Liebe und Erotik als moderne Version der Aphrodite. Vor Ballins Büro im Casino steht in einer Nische eine schwarze Statue der Liebesgöttin nach griechischem Vorbild, die ohne Arme passiv dargestellt ist. In ihrer Tanzeinlage zu "Put the Blame on Mame", in der Gilda lange schwarze Handschuhe trägt, die sie wie einen armlosen Torso vor dem schwarzen Hintergrund erscheinen lassen, wandelt sich Gilda jedoch vom passiven Objekt der Begierde in ein aktives Subjekt und „erobert optisch ihre körperliche Unversehrtheit zurück“, indem sie sich ihrer Handschuhe „entledigt und so ihre Arme beim Tanzen nach und nach entblößt“. Gildas Vorstellung bediene daher „nicht allein den männlichen Voyeurismus“, der sich vor allem im Blick durch die stählernen Jalousien im Casino manifestiert, „sondern zeigt sie zugleich als Frau, die sich gerade nicht zum Objekt reduzieren lässt“.


title: Gilda (Film)

text: Der Tanz dient dabei als traditionsreiche Allegorie für den Geschlechtsakt. In der Karnevalszene, als sich Gilda und Johnny Arm in Arm zum Takt der Musik bewegen, redet Gilda über das Tanzen. Sie spielt dabei jedoch eigentlich auf ihre einstigen Liebesnächte mit Johnny an, wobei sie gesteht, dass niemand so „tanzen“ könne wie er und dass sie ihm dabei helfen möchte, wieder in Übung zu kommen bzw. sexuell wieder aktiv zu werden. Dadurch, dass Gilda ihre Sexualität selbstbewusst zur Schau stellt und ihre intimen Sehnsüchte mit ihrer vermeintlichen Promiskuität offenbart, „wird sie für die Männer zum Problem“, besonders für Johnny, „dessen [eigene] Frustrationen in seiner Schroffheit klar hervortreten“. Sein daraus resultierendes sadistisches Verhalten zeigt sich sowohl physisch in Form von Ohrfeigen als auch psychologisch, als er Gilda die Hochzeitsnacht verwehrt und sie von der Außenwelt isoliert. Johnnys Missmut und Eifersucht werden dabei nicht nur von seiner Rivalität, sondern auch von seiner Männerfreundschaft zu Ballin geprägt. Dieser macht in seinem Auftreten als Vaterfigur die Dreiecksbeziehung auch zu einer Variation des Ödipuskonflikts im Sinne der Psychoanalyse.


title: Gilda (Film)

text: Vor allem Gilda macht mit ihren Dialogzeilen häufig auf die Lehren Sigmund Freuds aufmerksam, wenn sie Sätze sagt wie: „Jeder Psychiater würde dir sagen, dass deine Gedankenassoziationen sehr aufschlussreich sind. Jeder Psychiater würde dir sagen, dass das etwas zu bedeuten hat.“ () oder „Ich krieg’ nie einen Reißverschluss zu. Das bedeutet vielleicht was. Meinst du nicht auch?“ () Ebenso wie der Reißverschluss verbildlicht auch das Fenster in Gildas Schlafzimmer den Zugang zum weiblichen Schoß. Als in den Straßen von Buenos Aires Karneval gefeiert wird, fordert Ballin Gilda auf, es zu schließen: „Siehst du, wie still es jetzt ist? So leicht kann man die Erregung aussperren, nur indem man ein Fenster schließt.“ () Die Peitsche, die Gilda anschließend zu ihrem Kostüm trägt, spielt zusammen mit ihrer Augenmaske einmal mehr an ihre von Sadomasochismus geprägte Beziehung zu Johnny an. Neben Ballins Gehstock dient auch die Zigarette als phallisches Symbol, vor allem in einer Szene, als sich Gilda von Johnny eine Zigarette anzünden lassen möchte und von ihm gezwungen wird, sich nach unten zu beugen, indem er das Feuerzeug auf der Höhe seiner Hüfte hält. Das häufige Rauchen der beiden veranschaulicht zudem ihre jeweilige sexuelle Frustration.


title: Gilda (Film)

text: In dem Moment, da Johnny und Gilda im Film erstmals aufeinandertreffen, offenbaren ihre überraschten Gesichter, dass sie sich bereits kennen. Ihre darauffolgenden Dialoge machen umgehend ihre gegenseitige Abneigung füreinander deutlich. Kurz darauf stellt sich heraus, dass beide einst eine Liebesbeziehung führten, diese jedoch in einer Trennung endete, da Johnny offenbar bereits in der Vergangenheit Gildas Treue bezweifelte und sie deshalb verließ. Während Johnny Gilda weiterhin für eine treulose Frau hält und sie dafür verachtet, zeigt sich diese durch seine erneute Zurückweisung zutiefst gekränkt. Dennoch fühlen sie sich weiterhin zueinander hingezogen mit der Folge, dass Johnny für Gilda als Frau seines Freundes und somit als verbotenes Objekt der Begierde zunehmend Feindseligkeit empfindet: „Ich hasste sie so sehr, dass sie mir keine Minute aus dem Kopf ging.“ ()


title: Gilda (Film)

text: Gilda wiederum möchte sich an ihm rächen, auch wenn es ihr selbst schaden sollte: „Ich hasse dich so ungemein, dass ich sogar mich selbst zerstören würde, um dich kaputt zu machen.“ () Dabei setzt Gilda ihren Hass nicht in Mord um. Stattdessen lebt sie ihre verletzten Liebesgefühle aus und genießt es, Johnny eifersüchtig zu machen und ihn mit ihrer sexuellen Nichtverfügbarkeit zu quälen. Später ist es Johnny, der sich sexuell unerreichbar macht. Dies entspricht einem „Spiel aus Unterwerfung und Dominanz“, bei dem „weibliche Sexualität und männliches Begehren aufeinanderprallen“ und sich auch in sadomasochistischen Handlungen wie gegenseitigen Demütigungen und Ohrfeigen widerspiegeln.


title: Gilda (Film)

text: Auch Ballin bemerkt die Spannungen zwischen seinem Stellvertreter und seiner Ehefrau, was ihn dazu veranlasst, gegenüber Gilda zu gestehen: „Hass kann ein sehr erregendes Gefühl sein. Es liegt eine Leidenschaft darin, die man fühlen kann. Hass ist das Einzige, das mich jemals erwärmt hat.“ (). Der Hass und die Liebe bzw. die sexuelle Anziehung stehen sich demnach auf gleicher Höhe gegenüber und entwickeln sich in ihrer Gegensätzlichkeit zu ein und derselben Leidenschaft, die Johnny und Gilda umso mehr stimuliert, bis es Gilda nicht länger erträgt und Johnny gegenüber Ballins Worte aufgreift: „Hass ist wirklich ein aufregendes Gefühl. Ist dir das noch nicht aufgefallen? Sehr aufregend. Ich hasse dich auch, Johnny. So unbeschreiblich. Ich glaube, dass ich daran sterben muss.“ () Darauf folgt ein leidenschaftlicher Kuss, mit dem sich kurzzeitig sowohl ihre angestaute Begierde als auch ihr Hass füreinander entladen.


title: Gilda (Film)

text: Ballins vermeintlicher Selbstmord, für den Johnny anschließend Gilda die Schuld gibt, entflammt ihre gegenseitige Aversion jedoch erneut. Detective Obregon bringt dieses Thema kurz vor Schluss noch einmal offen zur Sprache, als er Johnny gegenüber meint: „Es ist die seltsamste Hassliebe, die mit anzusehen ich jemals den Vorzug hatte.“ ()


title: Gilda (Film)

text: Die Schlussszene, in der sich Gilda und Johnny miteinander versöhnen und gemeinsam in die Vereinigten Staaten zurückkehren wollen, entspricht einer „Umkehrung des üblichen Noir-Endes“. Während die männlichen und weiblichen Protagonisten in Film noirs wie "Frau ohne Gewissen" (1944) und "Im Netz der Leidenschaften" (1946) für ihre sexuellen Begierden und Sünden mit dem Tod bestraft werden, retten sich Johnny und Gilda als unreife Kinder ins Happy End. Die Ehe und die Vereinigten Staaten stellen dabei den sicheren Hafen dar. Doch erst Ballins plötzliche Rückkehr, seine nun auch für Johnny offensichtliche Boshaftigkeit und sein darauffolgender Tod durch seine eigene Waffe machen ein glückliches Ende für die beiden Liebenden möglich.


title: Gilda (Film)

text: Dass Johnny Gilda für sein Misstrauen und sein abweisendes Verhalten reuevoll und demütig um Verzeihung bittet und diese sich als gezähmte Frau mit dem gemeinsamen Eheleben begnügen will, wurde von Kritikern häufig als unglaubwürdig und aufgesetzt im Sinne eines Zugeständnisses an die Zensur empfunden. Im Kontext der Zeit ist das Happy End nach der kriegsbedingten Entfremdung der Geschlechter jedoch vielmehr als positives Signal an US-amerikanische GIs zu werten, die nach dem Zweiten Weltkrieg zu ihren Ehefrauen zurückkehrten und ähnlich wie Johnny die Treue der Frauen bezweifelten.


title: Gilda (Film)

text: Der Großteil der Handlung wird von Johnny Farrell im für den Film noir typischen Voice-over als Rückblende und daher aus seiner Perspektive erzählt. Da er jedoch nicht in jeder Szene anwesend ist, erweist sich seine Sicht der Dinge als beschränkt bzw. subjektiv und daher als unzuverlässig. Szenen, in denen Ballins Skrupellosigkeit und wahre Absichten dem Zuschauer offenbart werden, oder Momente, in denen deutlich wird, dass Gilda die promiskuitive Frau lediglich spielt, entgehen Johnnys Aufmerksamkeit. Sie beeinflussen jedoch den Zuschauer mit dem Fortschritt der Handlung mehr als Johnnys Worte aus dem Off, mit denen er zumeist seine Loyalität zu Ballin und seinen Hass auf Gilda ausdrückt. Daraus entsteht eine Spannung für den Zuschauer, der sich entscheiden muss, ob er Johnnys Äußerungen oder den gezeigten Bildern Glauben schenken soll. Diese Entscheidung wird dem Betrachter durch die Konventionen der Filmsprache erleichtert, denen gemäß Worte falsch sein können, Bilder jedoch nicht lügen. Die Aufnahmen, die Johnnys Ausführungen widersprechen, werden zudem von zwei außenstehenden Figuren – Onkel Pio und Detective Obregon – mit ihren jeweiligen Kommentaren bestätigt und somit legitimiert.


title: Gilda (Film)

text: Johnnys Rückblende endet vorzeitig, als Gilda von Thomas Langford zu ihm nach Buenos Aires zurückgebracht wird. Darauf folgt mit Gildas Auftritt zu "Put the Blame on Mame" der Höhepunkt des Films. Der Striptease, bei dem Gilda zwar nur ihre armlangen Handschuhe und ihr Diamantcollier ablegt, versinnbildlicht dabei die Erzählstruktur des Films, indem Schicht für Schicht Gildas wahres gutherziges Wesen unter dem Kostüm der Femme fatale enthüllt wird.


title: Gilda (Film)

text: Laut Gerald Peary sei es Regisseur Charles Vidor in "Gilda" gelungen, „die rauchverhangenen, verschleierten Szenen“ von Josef von Sternbergs "Der Teufel ist eine Frau" (1935) „mit der brillant bewegten Kamera und den fotografischen Einstellungswinkeln“ von Michael Curtiz’ "Casablanca" zu verbinden. François Truffaut meinte dagegen, dass die visuelle Qualität des Films nicht Vidors Regie, sondern einzig Rudolph Matés Leistung als Kameramann zu verdanken sei.


title: Gilda (Film)

text: Ganz im Stil des Film noir ist "Gilda" optisch vor allem vom Spiel von Licht und Schatten geprägt. In den Szenen im Casino dominiert zumeist eine starke High-Key-Lichtsetzung, wohingegen die Low-Key-Ausleuchtung dem Hafen oder Gildas Schlafzimmer eine zwielichtige bzw. geheimnisvolle Atmosphäre verleiht. In der Darstellung von Ballin Mundson schwankt die Lichtsetzung bisweilen stark. Er ist oftmals besonders hell beleuchtet, sodass er sehr bleich und eisig wirkt. An anderer Stelle wird er wiederum in dunkle Schatten gehüllt oder nur seine schwarze, mysteriös wirkende Silhouette gezeigt. Bei Gildas Tanzeinlagen zu "Amado Mio" und "Put the Blame on Mame" ist ihre in Dunkelheit getauchte Umgebung im Nachtclub bzw. im Casino samt Orchester und Publikum kaum zu erkennen, während Gilda selbst hell ausgeleuchtet und dem männlichen Blick entsprechend vom frontalen Scheinwerferlicht bei ihren Bewegungen verfolgt wird. Dadurch, dass sie dabei auch von hinten beleuchtet wird, entsteht um ihr Haar ein Lichtkranz, der ihre göttinnengleiche Aura zusätzlich hervorhebt. Daneben markieren auch der Schnitt, die Kameraführung und die Mise-en-scène Gilda als eindeutiges Objekt der Begierde sowohl für die männlichen Protagonisten als auch für das männliche Publikum.


title: Gilda (Film)

text: Für gewöhnlich werden wichtige Akteure eines Films in ihrer ersten Nahaufnahme unbewegt in Szene gesetzt. Doch durch Bewegung werden die Jugendlichkeit und Vitalität von Johnny und Gilda bereits in ihren ersten Szenen veranschaulicht. Johnny Farrell wird am Anfang des Films gezeigt, wie er zwei Würfel in Richtung Kamera wirft, die sich dabei aus der Froschperspektive nach oben bewegt. Gildas erster Auftritt, der erst nach 17 Minuten Laufzeit erfolgt und durch ihr Summen zur Melodie von "Put the Blame on Mame" angekündigt wird, ist noch stärker von Bewegung geprägt, obwohl die Kamera in diesem Fall stillsteht. Als Ballin sie fragt: „Gilda, bist du angezogen?“ (), folgt ein Schnitt in den leeren Raum, worauf Gilda, in naher Einstellung und im Halbprofil, von unten nach oben ihr üppiges Haar schwungvoll in den Nacken wirft und antwortet: „Ich? Natürlich bin ich angezogen.“ ()


title: Gilda (Film)

text: Auffällig ist zudem, dass alle männlichen Darsteller in ihren Close-ups in scharfer Bildqualität gezeigt werden, sodass ihre Narben und andere äußerliche Defizite klar hervortreten, während Hayworth stets mit Weichzeichner als makellose Schönheit präsentiert wird.


title: Gilda (Film)

text: Die Weltpremiere von "Gilda" fand am 14. März 1946 in New Yorks renommierter Radio City Music Hall statt, wo der Film drei Wochen lang gezeigt wurde. Am 25. April desselben Jahres kam er in den allgemeinen US-amerikanischen Verleih. Die zeitgenössischen Kritiken waren teils vernichtend oder zumindest durchwachsen. Das Einspielergebnis belief sich dennoch auf stolze 3,8 Millionen Dollar und machte den Film damit in den USA zu einem der 20 erfolgreichsten Filme des Jahres und zum zweitgrößten Hit von 1946 für Columbia Pictures. Der Film, der bei Männern und Frauen gleichermaßen beliebt war,<ref name="Epstein/Morella">Edward Z. Epstein, Joe Morella: "Rita. The Life of Rita Hayworth". Comet, 1984, S. 107–108.</ref> festigte Rita Hayworths Ruf als Leinwandgöttin der 1940er Jahre und machte gleichzeitig auch Glenn Ford zum Star. Der gefürchtete Kritiker der "New York Times", Bosley Crowther, der dem Film und den schauspielerischen Qualitäten der Hauptdarstellerin ansonsten nichts abgewinnen konnte, attestierte Hayworth gar den Titel „Superstar“, nachdem er sie als Gilda gesehen hatte.


title: Gilda (Film)

text: Da Hayworth als Pin-up-Girl besonders beliebt bei den heimkehrenden GIs war und Columbia den Film auch in Anspielung auf ihren Status als „Sexbombe“ mit Slogans wie „Beautiful, Deadly … Using all a woman’s weapons …“ (dt.: „Schön, tödlich … Mit allen Waffen einer Frau …“) im Kinotrailer umwarb, wurde die erste Atombombe, die am 30. Juni 1946 im Rahmen der „Operation Crossroads“ zu Testzwecken auf dem Bikini-Atoll gezündet wurde, auf den Namen „Gilda“ getauft und mit einem Foto von Hayworth verziert, worauf die Schauspielerin jedoch mit Bestürzung reagierte.


title: Gilda (Film)

text: Später beklagte sich Hayworth, dass die Rolle der Gilda unwiderrufbare Auswirkungen auf ihr Privatleben gehabt habe. Virginia Van Upp gegenüber soll sie die berühmten Worte geäußert haben: „Every man I’ve known has fallen in love with Gilda and wakened with me.“ (dt.: „Jeder Mann, den ich kannte, verliebte sich in Gilda, aber wachte mit mir auf.“) Fortan auf den Typ der sinnlichen Göttin festgelegt, fiel es Hayworth mit zunehmendem Alter schwer, sich auch als Charakterdarstellerin zu beweisen. Vor allem Columbias Chef Harry Cohn wollte stets an ihrem "Gilda"-Image festhalten, um an der Kinokasse größtmögliche Gewinne zu erzielen. Als Hayworth 1951 nach einer mehrjährigen Filmpause durch ihre Ehe mit Prinz Aly Khan nach Hollywood zurückkehrte und ein Comeback anstrebte, setzte Cohn erneut auf das Erfolgskonzept von "Gilda". Für den daraus resultierenden Film "Affäre in Trinidad" (1952) wurde Van Upp ein weiteres Mal als Produzentin verpflichtet, Glenn Ford als Hayworths Co-Star eingesetzt und auch Onkel Pio bzw. Steven Geray war erneut in einer Nebenrolle zu sehen. Vor allem die Kriminalhandlung und Hayworths Tanzeinlagen, aber auch der exotische Schauplatz machten starke Anleihen bei "Gilda", was weder den Kritikern noch dem Publikum entging. 1957 erhielt Hayworth schließlich die Gelegenheit, ihr "Gilda"-Image zu parodieren, als sie in der Broadway-Verfilmung "Pal Joey" als reiche Witwe mit Vergangenheit auf ironische Weise einen Handschuh-Striptease vollführt.


title: Gilda (Film)

text: In Europa wurde der Film erstmals im September 1946 bei den Internationalen Filmfestspielen von Cannes gezeigt, wo der Film am Wettbewerb um den Grand Prix des Festivals teilnahm. Für die Europäer verkörperte "Gilda" als Film und als Rolle realitätsfernen Hollywood-Glamour, der vom nüchternen Nachkriegsalltag abzulenken vermochte. In Italien begründete die Rolle der erotischen, jedoch unschuldigen Gilda einen enormen Starkult um Hayworth. Im Herzen Roms wurde eine Edel-Disko „Gilda“ genannt, die sich auch heute noch größerer Beliebtheit erfreut.


title: Gilda (Film)

text: In Spanien löste der Film 1947 dagegen einen Skandal aus, als Falangisten des Franco-Regimes in Madrid "Gilda"-Filmposter mit Farbe beschmierten und Kirchenmänner jedem Zuschauer aufgrund der in ihren Augen unmoralischen Darstellungen des Films mit Verdammnis drohten. Durch diesen Skandal wurde der Filmtitel auf der iberischen Halbinsel zu einem Synonym für die Repression, die die spanische Bevölkerung unter der Diktatur besonders während der 1940er Jahre erleiden musste. Vor allem der Protest der katholischen Kirche verlieh "Gilda" für die Spanier eine derart erotische Aura, dass sie überzeugt waren, dass sich Hayworth nach "Put the Blame on Mame" komplett auszog, diese Szene jedoch herausgeschnitten wurde. Daraufhin waren in Spanien Fotomontagen im Umlauf, die Hayworths Gesicht auf einem nackten Frauenkörper zeigten.


title: Gilda (Film)

text: In Deutschland kam "Gilda" zum ersten Mal am 29. Dezember 1949 in die Kinos. Am 21. Juli 1988 wurde das Filmdrama in einer zweiten, originalgetreueren Synchronfassung erneut in den deutschen Lichtspielhäusern gezeigt. Im Jahr 1999 erschien der Film auf DVD. 2014 folgte eine Veröffentlichung auf Blu-ray.


title: Gilda (Film)

text: Das Urteil von Bosley Crowther, dem Kritiker der "New York Times", fiel seinerzeit vernichtend aus. Rita Hayworth zeige in ihrer ersten wirklich dramatischen Rolle „nur wenig Talent, das gelobt oder gefördert werden sollte“. Trotz einer Vielzahl von glitzernden Roben und der glamourösen Weise, wie sie ihr Haar zurückwerfe, sei „ihre Art, eine Dame von Welt zu spielen, eindeutig auf dem Niveau eines Groschenromans“. Ihr Leinwandpartner Glenn Ford beweise „immerhin ein gewisses Stehvermögen“. Der Regisseur Charles Vidor, Columbias Produzentin Virginia Van Upp und die Autoren hätten laut Crowther keinerlei Erwähnung verdient. Gemeinsam hätten sie aus "Gilda" „einen langsamen, opernartigen und nicht sehr fesselnden Film“ gemacht. Auch "Time" zeigte sich nicht überzeugt von der Schauspielleistung der Hauptdarstellerin. Der Film sei „das Resultat einer Sehnsucht der himmlischen Rita Hayworth, zu beweisen, dass sie schauspielern kann“. Bewiesen habe sie jedoch, „dass sie ein derartiger Hingucker ist, dass alles andere kaum zählt“.


title: Gilda (Film)

text: Versöhnlicher urteilte das Branchenblatt "Variety". Hayworth sei „herrlich in Szene gesetzt“. Die Macher des Films seien „alles andere als subtil in der Projektion ihres Sex Appeals“ gewesen. Die Regie sei zwar „statisch“, aber das sei mehr dem Drehbuch geschuldet. Auch Kate Cameron von der "New York Daily News" stand dem Film wohlwollender gegenüber. Die Figuren seien „interessant und gut genug gespielt“. Obwohl die Handlung „alle Elemente von hochklassigem Kitsch“ aufweise, hätten ihr der Regisseur und seine erfahrene Besetzung „eine beachtliche, magnetische Kraft“ verliehen, indem das Publikum „von einer dramatischen Wendung zur anderen“ in Atem gehalten werde.


title: Gilda (Film)

text: Rückblickend konstatierte Kim Newman, dass Rita Hayworth und Glenn Ford „begrenzte, aber anziehende und fotogene Schauspieler“ seien, die in "Gilda" dem Zuschauer „absolut überzeugende Darstellungen“ geboten hätten, während auch Macready „als der komplexe Bösewicht“ glänze. Leonard Maltin gab dem Film drei von vier Sternen und nannte ihn eine „höchst aufgeladene Geschichte einer Dreiecksbeziehung“, die „mit einer albernen Auflösung“ letztlich einen Rückzieher mache. Hayworth sei jedoch „nie sexyer“ gewesen. Lucia Bozzola vom All Movie Guide fand, dass Hayworths Striptease den Film zu „einem bemerkenswerten Beispiel der erotisch aufgeladenen Film noirs“ gemacht habe – „trotz des zensurfreundlichen Good-Girl-Endes“.


title: Gilda (Film)

text: Der britische Filmkritiker Philip French lobte im "Observer" die Kameraarbeit von Rudolph Maté und bezeichnete den Film als „wunderbar perversen Noir-Klassiker, der als Mischung aus "Casablanca" […] und Hitchcocks "Berüchtigt" daherkommt“. Der "Guardian" gab dem Film vier von fünf Sternen und nannte ihn einen „klassischen Melo-Noir“, der wie der „verrückte, böse Zwilling von Michael Curtiz’ "Casablanca"“ wirke. Es handle sich um „einen echten Leckerbissen aus dem Hollywood der 1940er“.


title: Gilda (Film)

text: Anlässlich einer Wiederaufführung des Films in den deutschen Kinos schrieb Andreas Kilb 1988 für "Die Zeit", dass "Gilda" „kein Film zum Nachschmecken und Räsonieren“ sei, „sondern einer zum Hassen und Lieben, zum Heulen und Zähneklappern“. Geboten werde dem Zuschauer „Gefühlskino im Superlativ“. Die Handlung sei zwar „absurd“, aber auch „so bewegend wie die größten Tragödien des Kinos“. Abschließend resümierte Kilb: „Nie hat Charles Vidor einen besseren Film gedreht als diesen schlechten. Und nie war Rita Hayworth schöner als in "Gilda".“ "Der Spiegel" beschrieb die Columbia-Produktion im selben Jahr als „Film von so pervertierter Unschuld“, dass Hayworths bloßes Ausziehen der armlangen Handschuhe „zum obszönen Striptease wird“.


title: Gilda (Film)

text: Für das "Lexikon des internationalen Films" war "Gilda" „[e]in hervorragend gespielter und inszenierter Klassiker“ des Film noir, „der jenseits der klischeehaften Kriminalhandlung von den Gefühlen zwischen Mann und Frau handelt und die Genre-Elemente zu einem beinahe philosophischen Essay über Liebe und die darin verkörperte Lebensutopie verbindet“. "Prisma" nannte Hayworths Striptease zu "Put the Blame on Mame" eine „legendäre Szene“ und sah darin den unangefochtenen Höhepunkt des Films. Entstanden sei „effektvolle Unterhaltung“, die Hayworths Beliebtheit als verführerischer Filmstar noch gesteigert habe. Mit dem Fazit „[s]pannend, sexy und hundsgemein“ fasste "Cinema" den Film zusammen.


title: Gilda (Film)

text: Bei den ersten Internationalen Filmfestspielen von Cannes nahm "Gilda" 1946 neben Filmen wie Alfred Hitchcocks "Berüchtigt" und Billy Wilders "Das verlorene Wochenende" am Wettbewerb um den Grand Prix teil, der von der Jury des Festivals für herausragende Filme verliehen wurde, bevor ihn die Goldene Palme 1955 als wichtigste Auszeichnung ablöste. "Gilda" konnte sich jedoch nicht gegen die vor allem europäische Konkurrenz durchsetzen. Das American Film Institute wählte im Jahr 2003 das US-amerikanische Filmposter der Erstaufführung von "Gilda" auf Platz 1 der besten klassischen Filmposter. Es zeigt Rita Hayworth in einem hellblauen seidenen Abendkleid mit einer Zigarette in der einen Hand und einer Nerzstola in der anderen vor einem schwarzen Hintergrund, auf dem der Slogan „There NEVER was a woman like Gilda!“ (dt.: „NIE gab es eine Frau wie Gilda!“) zu lesen ist. Ein Jahr darauf wurde "Put the Blame on Mame" auf Platz 84 in der AFI-Liste der besten US-amerikanischen Filmsongs gewählt. Im Jahr 2013 erfolgte die Aufnahme in das National Film Registry.


title: Gilda (Film)

text: In einem der ersten Aufsätze zum Film noir schrieben die beiden Franzosen Raymond Borde und Étienne Chaumeton bereits 1955, dass "Gilda" als „ein fast undefinierbarer Film, in dem die Erotik über Gewalt und Fremdartigkeit triumphiert“, innerhalb der „Schwarzen Serie“ neben "Tote schlafen fest" (1946) und "Die Lady von Shanghai" (1947) zu den „herausragenden Filmen der Kinogeschichte“ gehöre. Ein Jahr später war der französische Filmkritiker Jacques Siclier der Auffassung, dass "Gilda" „die Komplexe und Verdrängungen einer Gesellschaft“ enthülle, „in der enorme emotionale und sexuelle Verwirrungen herrschen“. Noch vor "Endstation Sehnsucht" (1951) zeichne "Gilda", „eingebettet in eine harmlose Geld- und Machtgeschichte, das Porträt der unbefriedigten Frau“. Sicliers Meinung nach sei der Film „soziologisch gesehen ein Schlüsselfilm von größter Bedeutung“, der 1946 auf dem „Höhepunkt des Geschlechterkampfs auf der Leinwand“ durch die Psychoanalyse „seine moralische Folgerichtigkeit“ erhalte.


title: Gilda (Film)

text: Geoff Mayer kam zu dem Schluss, dass "Gilda" in Anbetracht der damals strengen Zensur „ein sexuell provokativer Film“ sei, in dem anzügliche Themen wie Sadomasochismus und homosexuelle Neigungen kaum versteckt würden. Der Filme setze daher den Trend von Film noirs wie "Frau ohne Gewissen" (1944) fort, die bereits zuvor sexuelle Begierde als Triebkraft der Handlungen thematisierten. Doch im Gegensatz zu "Frau ohne Gewissen" oder "Im Netz der Leidenschaften" (1946) weise "Gilda" Frank Krutnik zufolge „mehrere bedeutsame Unterschiede im Bezug auf die Darstellung der Frau als erotisches Subjekt“ auf. Ferner bezeichnete Krutnik "Gilda" als das „beste Beispiel für die Verdrängung des männlichen Dramas durch das Drama um weibliche Identität“.


title: Gilda (Film)

text: Auch Sabine Reichel fand, dass „"Gilda" durch Rita ein aus der Reihe tanzender Kult-Klassiker“ sei, in dem die verführerische Frau, untypisch für einen Film noir, nicht länger nur als Objekt in den Augen eines Mannes erscheine, sondern auch Gelegenheit erhalte, ihre Verletzlichkeit zu zeigen, die sie menschlich und sympathisch auftreten lasse. Durch diesen Wandel vom Objekt zum Subjekt könnten sich Frauen mit Gilda bzw. Hayworth identifizieren und Verständnis für ihr Handeln aufbringen, was laut Edward Z. Epstein und Joe Morella einen grundlegenden Faktor ihrer Anziehungskraft ausmache. Auch Adolf Heinzlmeier meinte: „Trotz des negativen Lichts, das in "Gilda" erstmals auf das Hayworth-Image fällt, gerät der Film zu Ritas größten Hit; nicht zuletzt deshalb, weil er, facettenreich und überraschend, über das Südsee-pin-up hinausweist und Rita in der Rolle des good-bad-girl doch noch im Happy-End bestätigt.“ Dadurch, dass sich Gilda innerhalb eines männlichen Milieus entgegen dem gewöhnlichen Muster des Film noir als die eigentliche Heldin des Films erweise, würden laut Philip Green auch Männer dazu gezwungen, sich mit ihr zu identifizieren, was durch die gleichzeitig empfundene Lust für Gilda zu „sexuellem Unbehagen“ beim männlichen Publikum führe.


title: Gilda (Film)

text: Marli Feldvoß zufolge entfalte das „erotische Signal Rita Hayworth bis heute unverändert seine Wirkung, wenn Gilda mit jener unnachahmlichen Kopfbewegung und mit einem vielsagenden Blick über die Schulter auf der Leinwand erscheint“, weshalb Hayworth „allein der Grund“ sei, „warum "Gilda" heute ein Kultfilm ist“.


title: Gilda (Film)

text: Bereits zwei Jahre nach der Uraufführung spielte "Gilda" in einem anderen Film eine Rolle. In Vittorio De Sicas neorealistischem Meisterwerk "Fahrraddiebe" (1948) erhält der Tagelöhner Antonio Ricci endlich eine feste Arbeit als Plakatkleber, wozu er ein Fahrrad benötigt. Als er jedoch sein erstes Plakat, ein italienisches Filmposter mit Rita Hayworth in einer verführerischen Pose als Gilda, an eine Mauer klebt, wird ihm sein Fahrrad gestohlen. Dieser Augenblick, in dem Antonio fasziniert von Gilda sein Fahrrad verhängnisvollerweise außer Acht lässt, wird zum Schlüsselmoment des Films. De Sica veranschaulichte dabei auch, wie sehr Italien nach dem Krieg vom US-amerikanischen Hollywood-Film geprägt wurde und dieser mit seinem zum Eskapismus neigenden Glamour im starken Kontrast zum dokumentarisch analytischen Stil der jungen italienischen Regisseure stand.


title: Gilda (Film)

text: Auch in der italienischen Filmkomödie "Die Puppe des Gangsters" (1975) wird Hayworth als Gilda dem Protagonisten, gespielt von Marcello Mastroianni, letztlich zum Verhängnis. Mastroianni spielt Charlie, einen Gangster, der sich in seinem Stil an US-amerikanischen Kriminalfilmen orientiert und seit seiner Kindheit von Hayworth als Gilda besessen ist. Als er die Prostituierte Pupa, gespielt von Sophia Loren, kennenlernt, will er sie unbedingt in eine Hayworth-Kopie verwandeln, worauf sich Pupa notgedrungen einlässt. Doch als Charlie zu seinem Geburtstag in einer riesigen Torte ein Mädchen namens Anna geschenkt bekommt, das Hayworth noch viel ähnlicher sieht, lässt er Pupa fortan links liegen. Als er Anna aus Eifersucht erschießt, sorgt Pupa dafür, dass er von der Polizei festgenommen wird.


title: Gilda (Film)

text: In Frank Darabonts berühmtem Gefängnisfilm "Die Verurteilten" (1994), basierend auf Stephen Kings Novelle "" (1982), beschert Hayworth als Gilda Tim Robbins dagegen Hoffnung, nachdem er als Andy Dufresne unschuldig wegen Mordes an seiner Frau zu lebenslanger Haft verurteilt wurde. Gemeinsam mit anderen Insassen schaut sich Andy im Gefängnis Hayworths erste Szene des Films an. Während die anderen wild pfeifen und jubeln, fragt Andy seinen Freund Red, gespielt von Morgan Freeman, ob er ihm Rita Hayworth beschaffen könne, die er von Red kurze Zeit später in Form eines Pin-up-Posters erhält. Dieses Poster wird daraufhin zum Sinnbild der Erlösung, indem es Andys über Jahre angefertigten Fluchttunnel verbirgt.


title: Gilda (Film)

text: Auch in David Lynchs surrealem Thriller "Mulholland Drive – Straße der Finsternis" (2001) kommt ein Hayworth- bzw. "Gilda"-Poster prominent zum Einsatz, als sich eine an Amnesie leidende geheimnisvolle Frau „Rita“ nennt, nachdem sie Hayworths Namen auf ebendiesem Plakat im Spiegel eines Badezimmers gelesen hat. In dem traumartigen Film, der sich in einen Albtraum verwandelt, symbolisiert die Figur der Gilda den Archetyp der mysteriösen Femme fatale, in deren Rolle die Rita des Films daraufhin schlüpft.


title: Gilda (Film)

text: In der romantischen Filmkomödie "Notting Hill" (1999) zitiert Julia Roberts in ihrer Rolle als Filmstar Rita Hayworth mit leicht veränderten Worten – „They go to bed with Gilda, they wake up with me.“ (dt.: „Sie gehen mit Gilda ins Bett, sie wachen mit mir auf.“) – und beschreibt damit sowohl das Dilemma Hayworths als auch das ihrer Rolle der berühmten Schauspielerin, auf die vor allem Männer Illusionen projizieren, die nicht mit der Realität übereinstimmen.


title: Gilda (Film)

text: In der starbesetzten französischen Krimikomödie "8 Frauen" (2002) zollen gleich zwei Schauspielerinnen Gilda bzw. Hayworth Tribut. Kurz nach ihrem Erscheinen vollführt Fanny Ardant als Pierrette einen Striptease, bei dem sie wie Hayworth suggestiv ihre schwarzen Handschuhe abstreift. Isabelle Huppert kommt zunächst als unscheinbare Augustine daher, ehe sie sich in eine Schönheit verwandelt, die ihr rotes Haar offen und gelockt wie Hayworth trägt und dabei in eine glamouröse schulterfreie Robe mit großer Schleife gekleidet ist.


title: Gilda (Film)

text: 2009 fand "Gilda" auch in "Michael Jackson’s This Is It" Verwendung. Als Michael Jackson in einem Video zu seinem Song "Smooth Criminal" durch Montage einen Handschuh auffängt, den Hayworth als Gilda nach "Put the Blame on Mame" ins Publikum wirft, setzt eine Verfolgungsjagd ein.


title: Gilda (Film)

text: Bei der ersten deutschen Synchronfassung von 1949, die nach dem Dialogbuch von Isolde Lange-Frohloff und unter der Synchronregie von Alfred Vohrer bei der Ultra Film Synchron in München entstand, wurde Gilda von Til Klokow gesprochen, die Rita Hayworth später auch in "Die Lady von Shanghai" (1947) und "König der Toreros" (1942) synchronisierte. Diese Fassung gilt jedoch als verschollen. 1979 wurde bei der Bavaria Film eine Neusynchronisation für die Ausstrahlung im deutschen Fernsehen in Auftrag gegeben, die sich stärker an der US-amerikanischen Originalfassung orientierte. Hayworth wurde dabei von "Marienhof"-Star Viktoria Brams gesprochen. Diese Version wurde auch für die bisherigen DVD-Veröffentlichungen des Films verwendet. Im Vergleich mit der Originalversion wird allerdings deutlich, dass die Dialogszenen der deutschen Fassung von 1979 mit einer anderen Musik unterlegt sind. Dies ist möglicherweise darauf zurückzuführen, dass das International-Tape, das alle Geräusche und auch die Hintergrundmusik des Originalfilms enthält, seinerzeit nicht mehr zur Verfügung stand. Bei der Neu- und Erstsynchronisation älterer Filme für das Fernsehen ist dies die Regel.


title: Degressive Proportionalität

text: Der Begriff degressive oder fallende Proportionalität beschreibt die Beziehung zwischen zwei Größen, wenn beim Steigen der einen Größe die andere Größe ebenfalls steigt, dies jedoch mit zunehmender Größe immer weniger.


title: Degressive Proportionalität

text: Von Bedeutung ist das Konzept im Zusammenhang mit der Verteilung der Sitze im Europäischen Parlament auf die Abgeordneten der einzelnen EU-Mitgliedstaaten. Es beschreibt in Abs. 2 EU-Vertrag den Grundsatz, dass bevölkerungsreichere Staaten grundsätzlich mehr Sitze im Parlament erhalten als bevölkerungsärmere, bevölkerungsärmere jedoch mehr Sitze "pro Einwohner" als bevölkerungsreichere. Der Unterschied des Einwohner-Abgeordneten-Verhältnisses zwischen zwei Ländern wird als "Disproportionalitätsfaktor" bezeichnet.


title: Degressive Proportionalität

text: Auch einige andere politische Systeme bedienen sich de facto des Prinzips der degressiven Proportionalität, auch wenn der Begriff hier üblicherweise nicht gebraucht wird:


title: Degressive Proportionalität

text: Das Prinzip der degressiven Proportionalität wird meist dann angewandt, wenn politische Einheiten (Mitgliedstaaten) von sehr unterschiedlicher Größe in eine einzelne Institution integriert werden sollen. Es soll eine angemessene Repräsentation der kleineren Mitgliedstaaten ermöglichen, ohne dass dadurch die gemeinsame Institution eine nicht mehr arbeitsfähige Größe annimmt. So würden im Europäischen Parlament mit seinen 751 Abgeordneten Malta oder Luxemburg bei einer Sitzverteilung in direkter Proportionalität zur Einwohnerzahl selbst aufgerundet höchstens einen Abgeordneten stellen können. Umgekehrt würde das Parlament jedoch aus mehreren Tausend Abgeordneten bestehen, wenn die Zahl der Parlamentarier aus den kleinen Ländern beibehalten und die aus den großen Ländern bis zur direkten Proportionalität aufgestockt würde.


title: Degressive Proportionalität

text: Als Kompromiss zwischen diesen beiden Möglichkeiten wurde daher für das Europäische Parlament eine Mindestgröße der nationalen Delegationen festgelegt, die gewährleisten soll, dass auch die Parteienvielfalt der kleineren Staaten repräsentiert werden kann. Zugleich wurde eine Maximalzahl benannt, durch die auch die Zahl der Abgeordneten einwohnerreicherer Länder nicht beliebige Größe annehmen kann.


title: Degressive Proportionalität

text: Allerdings widerspricht das Prinzip der degressiven Proportionalität der demokratischen Grundregel, nach der grundsätzlich jede Wählerstimme das gleiche Gewicht haben soll. Auch das deutsche Bundesverfassungsgericht stellte in seinem Lissabon-Urteil 2009 fest, dass das Europäische Parlament entgegen dem Anspruch von EU-Vertrag "kein" demokratisches Repräsentationsorgan eines souveränen europäischen Volkes sei, da die Gleichheit aller Staatsbürger bei der Ausübung des Wahlrechts eine der wesentlichen Grundlagen einer freiheitlich-demokratischen Staatsordnung darstelle. Dieser Zustand ist Teil der Kritik am institutionellen Demokratiedefizit der Europäischen Union.


title: Degressive Proportionalität

text: Daher wurden immer wieder Alternativvorschläge für das Europawahlrecht diskutiert, insbesondere die Einführung europaweiter Parteilisten, durch die die Sitzverteilung nach Ländern entfallen würde. Für eine solche Reform wäre allerdings eine Änderung der EU-Verträge notwendig, für die es bislang keinen Konsens unter den nationalen Regierungen gibt.


title: Degressive Proportionalität

text: Die genaue Sitzzahl der einzelnen EU-Mitgliedstaaten wurde politisch ausgehandelt und lässt sich "nicht" eindeutig in einer mathematischen Funktion beschreiben. Im Allgemeinen orientiert sich die Sitzzuordnung seit dem Vertrag von Lissabon an folgendem Modus:


title: Degressive Proportionalität

text: Nach diesem Schlüssel bilden Deutschland als das bevölkerungsreichste und Malta als das bevölkerungsärmste Land der EU die Extremfälle: auf Deutschland (82,5 Mio. Einwohner) entfallen 96 Sitze, d. h. ein Sitz auf 859.000 Einwohner, auf Malta (0,4 Mio. Einwohner) 6 Sitze, d. h. ein Sitz auf 67.000 Einwohner. Im Durchschnitt kommt europaweit ein Sitz auf rund 665.000 Einwohner.


title: Degressive Proportionalität

text: Diese Rechnung umfasst jedoch sämtliche Einwohner des Landes, also auch Nicht-EU-Ausländer, die bei Europawahlen kein Stimmrecht besitzen. Zudem werden die Sitzzahlen nicht automatisch an veränderte Bevölkerungszahlen angepasst; aufgrund des unterschiedlichen Bevölkerungswachstums der einzelnen Mitgliedstaaten können sich die Relationen daher im Lauf der Zeit verändern.


title: Degressive Proportionalität

text: Bei der Europawahl 2009, die noch nach dem im Jahr 2000 ausgehandelten Schlüssel des Vertrags von Nizza erfolgte, waren Spanien (50 Sitze auf 46 Mio. Einwohner, d. h. 917.000 Einwohner pro Sitz) und Luxemburg (6 Sitze auf 0,5 Mio. Einwohner, 82.000 Einwohner pro Sitz) die beiden Extreme; durchschnittlich kam ein Sitz auf 679.000 Einwohner.


title: Degressive Proportionalität

text: Die folgende Tabelle zeigt die Einwohner-Abgeordneten-Verhältnisse nach dem Vertrag von Lissabon. Angegeben ist bei den Verträgen das Datum des Inkrafttretens.


title: Degressive Proportionalität

text: Die Werte in der mit (0) indizierten Spalte stammen aus der obigen Tabelle und damit wohl aus 2008, Kroatiens Einwohnerzahl jedoch aus 2016.


title: Degressive Proportionalität

text: Die Werte in den mit (2) indizierten Spalten stammen aus von der Webseite der Europäischen Bürgerinitiative


title: Jason Derulo/Diskografie

text: Diese Diskografie ist eine Übersicht über die musikalischen Werke des US-amerikanischen Popsängers Jason Derulo. Den Quellenangaben zufolge hat er bisher mehr als 86,4 Millionen Tonträger verkauft, davon alleine in seiner Heimat über 48,4 Millionen. In Deutschland zählt er mit über 5,5 Millionen verkauften Tonträgern zu den Interpreten mit den meisten Tonträgerverkäufen des Landes. Seine erfolgreichste Veröffentlichung ist die Single "Want to Want Me" mit über 7,6 Millionen verkauften Einheiten.


Die Bayerische Verwaltung der staatlichen Schlösser, Gärten und Seen (kurz: Bayerische Schlösserverwaltung) ist eine unmittelbar dem Bayerischen Staatsministerium der Finanzen und für Heimat (Referat 86) nachgeordnete Verwaltungseinrichtung, die unter Wahrung kultureller und denkmalpflegerischer Belange die Schlösser, Burgen, Residenzen, Parkanlagen und Seen betreut, die zum Staatsvermögen gehören. Sitz der Behörde ist München (Schloss Nymphenburg). Die Bayerische Verwaltung der staatlichen Schlösser, Gärten und Seen ist der größte staatliche Museumsträger in Deutschland.


title: Bayerische Verwaltung der staatlichen Schlösser, Gärten und Seen

text: Die Ursprünge der Verwaltungseinrichtung liegen im Obersthofmeisterstab der Kurfürstlichen Hofverwaltung. Die heutige Grundstruktur wurde ihr nach dem Ende der Monarchie am 20. November 1918 als "Verwaltung des ehemaligen Kronguts" (umgangssprachlich Krongutsverwaltung) gegeben. Bereits 1932 erhielt sie die jetzige Bezeichnung.


text: Derzeit betreut die Verwaltung ca. 60 Denkmalanlagen, darunter Residenzen, Anlagen mit Villen- oder schlossartigem Charakter und Anlagen mit wehrhaft-burgartigem Charakter an mehr als 30 Orten in Bayern, die früher vorwiegend im Besitz des Hauses Wittelsbach waren. Dazu gehören auch die über 100.000 Einzelkunstwerke und mehr als 6000 wertvolle Möbel, die sich in den Objekten befinden.


text: Andere bayerische Seen, wie z. B. der Walchensee, werden durch die Bayerischen Staatsforsten oder andere Organisationen und Privatpersonen verwaltet.


text: Seit 1949 gehörte auch die Pflege der KZ-Friedhöfe in Bayern zu den Aufgaben der Schlösserverwaltung. 2013 wurde die Verantwortung hierfür der Stiftung Bayerische Gedenkstätten übertragen.


text: Die Schlösser, Burgen und Residenzen werden jährlich von etwa fünf Millionen Personen besucht. Sie sind daher wichtiger Bestandteil des Tourismus in Bayern und stellen einen bedeutenden Wirtschaftsfaktor dar.


text: Der Schlösserverwaltung nachgeordnet sind 17 Außenverwaltungen und vier Außenstellen (Ammersee, Chiemsee, Starnberger See, Kempten).


text: Außenverwaltungen sind: Schloss- und Gartenverwaltung Ansbach, Schloss- und Gartenverwaltung Aschaffenburg, Schloss- und Gartenverwaltung Bamberg, Schloss- und Gartenverwaltung Bayreuth-Eremitage, Schloss- und Gartenverwaltung Coburg, Schloss- und Gartenverwaltung Herrenchiemsee, Verwaltung der Befreiungshalle Kelheim, Burgverwaltung Landshut, Schloss- und Gartenverwaltung Linderhof, Verwaltung des Englischen Gartens München, Verwaltung der Residenz München, Schlossverwaltung Neuburg [an der Donau], Schlossverwaltung Neuschwanstein, Burgverwaltung Nürnberg, Schloss- und Gartenverwaltung Nymphenburg [München], Schloss- und Gartenverwaltung Schleißheim und Schloss- und Gartenverwaltung Würzburg


text: Präsident der Schlösserverwaltung ist Bernd Schreiber. Er wurde Nachfolger von Johannes Erichsen, der im November 2011 in den Ruhestand verabschiedet wurde. Die Verwaltung beschäftigt rund 850 Mitarbeiter.


text: Der Bayerische Oberste Rechnungshof hat 2015 festgestellt, dass die Schlösserverwaltung die Kosten- und Leistungsrechnung eingestellt hat und deshalb keine zuverlässigen Informationen über Kosten und Leistungen und die Nutzung ihrer Gebäude habe. Sie könne deshalb keine Aussagen zur Wirtschaftlichkeit ihres Betriebes machen. Dieser Mangel wurde dem Bayerischen Staatsministerium der Finanzen und für Heimat als oberstem Dienstherrn der Schlösserverwaltung entsprechend mitgeteilt. Finanzminister zu diesem Zeitpunkt 2015 war Markus Söder.


title: Hovedstadsområdet

text: Hovedstadsområdet (: "Das Hauptstadtgebiet") ist die zusammenhängende Besiedlung (dän.: "byområde") rund um und einschließlich der Gemeinde Kopenhagen, der Hauptstadt Dänemarks. Sie ist bei weitem die größte Stadt (dän.: "by") der über 1400 Städte Dänemarks. Ihr Gebiet umfasst rund 400 km². Wie alle Städte in Dänemark macht sie keine Verwaltungseinheit aus, sondern ist nur ein statistischer Begriff. Seit der Verwaltungsgebietsreform 2007 liegt das Hauptstadtgebiet fast vollständig in der größeren Region Hovedstaden; einzig die Kommune Greve liegt in der Region Sjælland.


title: Hovedstadsområdet

text: Historisch wurde Hovedstadsområdet zunächst von Danmarks Statistik als Gesamtheit mehrerer kompletter Kommunen betrachtet, die in Abständen neu definiert wurde. So umfasste das Gebiet bis 1979 neben "Hovedstaden" (Københavns Kommune, Frederiksberg Kommune und Gentofte Kommune) die folgenden 18 Kommunen komplett: Albertslund, Ballerup, Birkerød, Brøndby, Dragør, Farum, Gladsaxe, Glostrup, Herlev, Hvidovre, Høje-Taastrup, Hørsholm, Lyngby-Tårbæk, Rødovre, Søllerød, Tårnby, Vallensbæk und Værløse. Zum 1. Januar 1980 kamen folgende sieben Kommunen hinzu: Allerød, Fredensborg-Humlebæk, Greve, Ishøj, Karlebo, Ledøje-Smørum und Solrød.


title: Hovedstadsområdet

text: Zum 1. Januar 1999 wurde die Definition von Hovedstadsområdet an die für alle übrigen "byområder" im Lande gültige angepasst. Damit verringerte sich die Einwohnerzahl von Hovedstadsområdet von 1.379.413 am 1. Januar 1998 auf 1.069.813 am 1. Januar 1999 und es entstanden 40 neue "byområder", davon 12 mit über 10.000 Einwohnern. Die Kommunen Allerød, Birkerød, Dragør, Farum, Fredensborg-Humlebæk, Greve, Horsholm, Høje-Taastrup, Ishøj, Karlebo und Værløse fielen dabei völlig aus Hovedstadsområdet heraus, Ballerup und Søllerød teilweise.


title: Hovedstadsområdet

text: Mit Stand vom 1. Januar 2020 gehören die Kommunen København, Frederiksberg, Albertslund, Brøndby, Gentofte, Gladsaxe, Glostrup, Herlev, Hvidovre, Lyngby-Taarbæk, Rødovre, Tårnby und Vallensbæk komplett zu Hovedstadsområdet, dazu Teile der Kommunen Ballerup, Rudersdal und Furesø sowie die Ortschaften Ishøj By und Greve Strand By.


title: Hovedstadsområdet

text: Das dänische Umweltministerium arbeitet im Fingerplanen für ein Planungsgebiet, das ebenfalls Hovedstadsområdet genannt wird, mit einer wesentlich umfassenderen Definition, die die gesamte Region Hovedstaden (ohne Bornholm) nebst den Kommunen Greve, Køge, Lejre, Roskilde, Solrød und Stevns umfasst.


title: Stephan Hertz

text: Stephan Hertz (* 19. Juli 1967 in Hamburg) ist ein deutscher Unternehmer und Mitgründer der Modelleisenbahnanlage Miniatur Wunderland.


title: Stephan Hertz

text: Stephan Hertz wurde 1967 in Hamburg geboren. Er stammt als Sohn von Brigitte Hertz-Jirka (geb. Leinisch) und Carl Joachim Hertz aus einer alten Hamburger Kaufmannsfamilie. Der älteste nachgewiesene Vorfahr ist Adolph Jacob Hertz (geb. 1800). Stephan Hertz hat eine jüngere Schwester (Corinna Hertz) und einen jüngeren Bruder (Sebastian Hertz).


title: Stephan Hertz

text: Im Jahr 1990 übernahm er mit seinen Geschäftspartnern Frederik Braun und Gerrit Braun die Diskothek "Voila" und 1996 das Techno- und Trance-Label "EDM Records". "EDM Records" feierte in den Folgejahren mehrere Charterfolge.


title: Stephan Hertz

text: Im Jahr 2000 gründeten die drei zusammen mit Jochen W. Braun, dem Vater von Frederik und Gerrit Braun, das Miniatur Wunderland. Stephan Hertz betreut als Geschäftsführer bis heute den kompletten Internetauftritt des Unternehmens. Wegen des hohen sozialen Engagements der drei Geschäftsführer wurden sie 2010 mit dem Bundesverdienstkreuz ausgezeichnet.


title: Chögyam Trungpa

text: Chögyam Trungpa (Wylie: "Chos rgyam Drung pa"; 28. Februar 1939 – 4. April 1987) war ein Linienhalter und Tertön der Kagyü- und Nyingma-Traditionen des tibetischen Buddhismus, sowie der von ihm begründeten "Shambhala-Übermittlung". Er wurde vom XVI. Gyalwa Karmapa als XI. "Trungpa Tulku" erkannt und erhielt von Kind auf eine traditionelle Ausbildung, wie es für den höchsten Abt der Surmang Klöster üblich war. Er begründete in Nordamerika die Organisation Vajradhatu mit zahlreichen Meditationszentren, "Shambhala-Training" und die Naropa University.


title: Chögyam Trungpa

text: Chögyam Trungpa wurde 1939 in der damaligen tibetischen Provinz Kham (der heutigen Provinz Qinghai) als Kind einer Nomadenfamilie geboren. Er wurde vom 16. Karmapa Rangjung Rigpe Dorje als elfter Trungpa-Tulku anerkannt und als oberster Abt der Surmang-Klöster und Gouverneur des Surmang-Distrikts inthronisiert. Chögyam Trungpa war Linienhalter der Kagyü- und der Nyingma-Tradition des tibetischen Buddhismus. Nach seiner Anerkennung als Tulku erhielt er eine umfassende Ausbildung in Theorie und Praxis der buddhistischen Lehren und wurde 1948 als Mönchsnovize ordiniert. 1958 bekam er im Alter von 18 Jahren die volle Mönchsordination und zum Abschluss seiner Ausbildung die Titel Kyörpön (Abschluss des Studiums) und Khenpo (Meister der Gelehrsamkeit). Im Jahr darauf, nach dem Aufstand von 1959, floh er über den Himalaya zu Fuß nach Indien. Hier übertrug ihm der 14. Dalai Lama, Tendzin Gyatsho, sehr bald das Amt des geistigen Beraters der "Young Lamas Home School" in Dalhousie in Südindien. Chögyam Trungpa bekleidete dieses Amt von 1959 bis 1963, bis er ein Spoulding-Stipendium für ein Studium in Großbritannien erhielt, das ihm erlaubte, von 1963 bis 1967 an der University of Oxford vergleichende Religionswissenschaften, Philosophie und Kunst zu studieren.


title: Chögyam Trungpa

text: Schon in England begann er, als Lehrer tätig zu werden. Zusammen mit Akong Rinpoche gründete er 1967 das nach Samye-Ling benannte Meditationszentrum in Dumfriesshire in Schottland. 1969 gab er nach einem Autounfall seine Mönchsgelübde auf. Er heiratete die Engländerin Diana Judith Pybus (Lady Diana Mukpo; auch: "Sakyong Wangmo") und siedelte mit ihr, der Einladung vieler seiner Schüler folgend, in die Vereinigten Staaten von Amerika über.


title: Chögyam Trungpa

text: 1974 gründete Trungpa Rinpoche in Boulder (Colorado) das Naropa Institut, die einzige staatlich anerkannte Universität auf der Grundlage buddhistischer Prinzipien, und begann von 1976 an, sein "Shambhala Training" zu vermitteln. 1986 etablierte er – bereits durch seine jahrelange Alkoholkrankheit gesundheitlich angeschlagen – sein Hauptquartier in der kanadischen Provinz Nova Scotia, wo er kurze Zeit später an einem Herzinfarkt starb.


title: Chögyam Trungpa

text: Zu seinem Stellvertreter machte Trungpa Rinpoche Ende im Jahre 1976 den Italo-Amerikaner Thomas Rich, der von ihm den Namen "Ösel Tenzin" erhielt. Mit ihm wurde der erste „Westler“ zu einem Linienhalter der Kagyü-Tradition und vermutlich der Vajrayanatradition überhaupt. Nach einer HIV-Infektion verstarb Ösel Tenzin 1990 an den Folgen von AIDS.


title: Chögyam Trungpa

text: Die von Trungpa Rinpoche gegründete Shambhala-Organisation wird heute von seinem Sohn Sakyong Mipham Rinpoche geleitet, der seinen Lehrauftrag weiterführt.


title: Chögyam Trungpa

text: Die bekanntesten Schüler von Rinpoche sind unter anderen Allen Ginsberg, Pema Chödrön, Francisco Varela und Samuel Bercholz. "Allen Ginsberg", einer der bekanntesten Schriftsteller und Poeten der USA, war bis zu seinem Tod 1997 Lehrer an der Naropa University. "Pema Chödrön" ist Autorin und Herausgeberin von mehreren Büchern über Meditation und Lebensführung, die weit über buddhistische Kreise hinaus bekannt und geschätzt sind. "Samuel Berchholz" ist Begründer und Miteigentümer des Shambhala-Verlages. Er beteiligte sich in der Naropa University an vielen bedeutenden Übersetzungen und Publikationen. In Europa ist einer seiner bekanntesten Schüler "Han de Wit," Autor von Büchern über Buddhismus und Psychologie, u. a. „Kontemplative Psychologie“ und „Die verborgene Blüte“.


title: Chögyam Trungpa

text: Chögyam Trungpa wurde dafür kritisiert, dass er seine Ordination als Mönch ablegte und danach ein recht freizügiges weltliches Leben führte. Obwohl er in seiner Lehre von Shambhala auch eine säkulare Form von spiritueller Praxis lehrte, hatte er dennoch die monastische Tradition des Buddhismus nie in Frage gestellt. Darüber hinaus gründete er u. a. in Kanada 1984 das Kloster Gampo Abbey, das heute von Thrangu Rinpoche und Pema Chödrön geführt wird.


title: Liebe hat zwei Gesichter

text: Liebe hat zwei Gesichter (Originaltitel: "The Mirror Has Two Faces") ist eine US-amerikanische Liebeskomödie von Barbra Streisand aus dem Jahr 1996. Es ist eine Neuverfilmung des französischen Films "Le Miroir a deux faces" von André Cayatte aus dem Jahr 1958.


title: Liebe hat zwei Gesichter

text: Rose Morgan und Gregory Larkin, zwei Professoren an der Columbia University, haben einige gescheiterte Beziehungen hinter sich. Roses Freund Alex heiratete später ihre Schwester Claire. Gregory gibt eine Bekanntschaftsanzeige auf, die Claire heimlich für Rose beantwortet. Gregory besucht eine Vorlesung von Rose, während der sie abschätzig über die Rolle von Sex in der Beziehung spricht. Er verlässt die Vorlesung, bevor Rose ihren Vortrag beendet hat, was der Hauptgrund für die nachfolgenden Missverständnisse ist, denn Rose lehnt Sex keineswegs grundsätzlich ab.


title: Liebe hat zwei Gesichter

text: Rose und Gregory lernen sich näher kennen und beschließen, eine platonische Beziehung zu führen. Später heiraten sie. Als Rose eines Tages Sex haben will, ist Gregory verunsichert und lehnt schließlich ab. Gregory fährt für einige Monate nach Europa. Rose beschließt nach einigen aufbauenden Worten ihrer Mutter, eine Kompletterneuerung durchzuführen, so dass sie sich selbst gefällt. Als Gregory aus Europa zurückkehrt, ist er entsetzt über die Veränderung von Rose. Diese legt ihm nahe, dass sie das Bedürfnis nach Leidenschaft habe und ihn somit verlassen werde.


title: Liebe hat zwei Gesichter

text: Alex wird von Claire verlassen. Nun, da Rose zu einer hinreißenden und attraktiven Frau geworden ist, hat er durchaus Interesse an ihr. Rose wird jedoch klar, dass sie nichts mehr für Alex empfindet. Gregory, der schon lange nicht mehr ohne Rose klarkommt, beschließt in seiner Eifersucht, Rose zu beichten, dass er nicht mehr ohne sie leben kann.


title: Liebe hat zwei Gesichter

text: Roger Ebert von der "Chicago Sun-Times" verglich den Film mit einem Theaterstück von George Bernard Shaw. Er behandle die Themen der Sexualität und der Liebe auf eine intelligente Weise.


title: Liebe hat zwei Gesichter

text: Das "Lexikon des internationalen Films" beschreibt "Liebe hat zwei Gesichter" als „[e]ine romantische Beziehungskomödie um das komplizierte Verhältnis von Verstand und Gefühl sowie die vermeintliche Unvereinbarkeit von körperlicher und seelischer Liebe“. Der Film sei „[m]it viel pointenreichem Sprachwitz amüsant inszeniert“ und besonders „in den Frauenrollen auch nuancenreich und einfühlsam“.


title: Liebe hat zwei Gesichter

text: Lauren Bacall und der von Barbra Streisand und Bryan Adams gesungene Song zum Film "I’ve Finally Found Someone" waren 1997 für den Oscar nominiert. Bacall gewann im selben Jahr den Golden Globe Award als Beste Nebendarstellerin. Nominiert für den Golden Globe waren zudem Barbra Streisand als Beste Darstellerin, der Song "I’ve Finally Found Someone" und die Filmmusik von Marvin Hamlisch. Gewinnen konnte Bacall 1996 auch den San Diego Film Critics Society Award und 1997 den Screen Actors Guild Award; sie war 1997 zudem für den Golden Satellite Award nominiert.


title: Universalgrammatik

text: Die Universalgrammatik (UG) ist eine in manchen Theorien der Linguistik zugrundegelegte Annahme, wonach alle (menschlichen) Sprachen gemeinsamen grammatischen Prinzipien folgen und diese Prinzipien allen Menschen angeboren seien. Noam Chomsky ist einer der Begründer und berühmtesten Vertreter dieser Version einer Universalgrammatik. Die Bezeichnung Universalgrammatik ist daher ein feststehender Begriff in der Schule der Generativen Grammatik und wird in anderen Traditionslinien, die sich mit Sprachuniversalien beschäftigen, etwa der Sprachtypologie, eher nicht verwendet.


title: Universalgrammatik

text: Im Rahmen der Generativen Grammatik ging man lange Zeit davon aus, dass die Universalgrammatik lediglich aus einer Reihe von Regeln bestehe, die es Kindern ermöglichten, während des Spracherwerbs anhand des ihnen zur Verfügung stehenden sprachlichen Inputs Hypothesen über mögliche zugrunde liegende Grammatiken zu entwerfen und diese zu evaluieren (siehe auch Language Acquisition Device). Diese Sichtweise wurde aber im Zuge der Entwicklung der sogenannten Prinzipien-und-Parameter-Theorie aufgegeben; deren Grundannahme ist im Wesentlichen, dass allen natürlichen Sprachen dasselbe grammatische System zugrunde liege. Im Spracherwerb müssen so nicht mehr die in einer Sprache enthaltenen grammatischen Prinzipien selbst erlernt werden (denn die sind immer gleich und das Wissen darüber ist angeboren), sondern es muss nur noch die Ausprägung bestimmter sprachlicher "Parameter" (z. B. "Head-first" versus "Head-last") erkannt werden. Darüber hinaus wurde vorgeschlagen, dass sprachliche Variation komplett auf das Lexikon beschränkt sei – grammatische Parameter betreffen also nur die Eigenschaften funktionaler lexikalischer Elemente, und Spracherwerb insgesamt kann auf Lexikonerwerb reduziert werden. Chomsky spricht nun auch davon, dass der Kern der menschlichen Sprachfähigkeit nur die Rekursivität enthalte, da dies die einzige (mit Sprache verbundene) Fähigkeit sei, die nur der Mensch besitze (Sprachfähigkeit im engeren Sinne). Die Sprachfähigkeit im weiteren Sinne umfasst dann z. B. das sensorisch-motorische System, das unter anderem den Sprechapparat umfasst.


title: Universalgrammatik

text: Von grundlegender Bedeutung ist die Universalgrammatik in der Optimalitätstheorie. Alle dort postulierten Beschränkungen sind als Teil der Universalgrammatik zu betrachten. Sprachliche Unterschiede ergeben sich per Annahme aus der Gewichtung der einzelnen Beschränkungen.


title: Universalgrammatik

text: Die Neuropsychologin Angela Friederici hat 2018 erste empirische Hinweise für das Vorhandensein eines Organs vorgelegt, das für die Universalgrammatik zuständig ist. Dabei handle es sich um ein Faserbündel im Gehirn zwischen dem Broca-Areal und dem Wernicke-Areal.


title: Universalgrammatik

text: Kritik am Konzept der Universalgrammatik kommt u. a. von behavioristischer Seite. Strittig ist dabei nicht, ob sprachliches Verhalten sowohl ontogenetische als auch phylogenetische Voraussetzungen hat, sondern ob es einen angeborenen Mechanismus geben muss, der die Anordnung elementaren sprachlichen Verhaltens beschränkt. Alle Argumente, die für eine angeborene Grammatik ins Feld geführt würden, bestätigten lediglich, dass die Fähigkeit zu sprechen für das Individuum nützlich (das heißt ein Überlebensvorteil) ist. Sie rechtfertigten nicht eine Universalgrammatik und sie erklärten nicht, warum ein Organismus ohne diese einen Nachteil im Kampf ums Überleben hätte. Zudem scheinen auch Tiere (Stare) über Fähigkeiten zu verfügen, die bislang als universelles Merkmal nur menschlichen Sprachvermögens galten.


title: Universalgrammatik

text: Stephen C. Levinson und Nicholas Evans kritisieren, dass in der Generativen Linguistik sehr viele unterschiedliche Modelle der Universalgrammatik benutzt würden und ihre Verteidiger sich aus diesen verschiedenen Modellen und Ansätzen jeweils die für ihren Standpunkt benötigten Teile herauspickten. Somit sei es nicht möglich, eine kohärente Gegenhypothese zu formulieren und zu testen.


title: Universalgrammatik

text: Michael Tomasello vertritt die Ansicht, dass die Annahme einer Universalgrammatik unnötig sei, da sich der Spracherwerb durch allgemeinere Lernprozesse und die Entwicklung sozial-kognitiver Fähigkeiten (wie zum Beispiel das Etablieren gemeinsamer Aufmerksamkeit, um auf ein Objekt zu referieren, oder die Fähigkeiten, Intentionen der anderen Akteure zu erfassen) erklären lasse. Er kritisiert auch, dass es keine Einigkeit darüber gebe, was die Universalgrammatik enthalten soll.


title: Universalgrammatik

text: Mit seiner Behauptung, dass die Sprache Pirahã ein Gegenbeispiel zur chomskyschen Universalgrammatik darstelle, da es in ihr keine Rekursion (und somit auch keine eingebetteten Sätze) gebe, hat der Linguist Daniel Everett einige Aufmerksamkeit erregt. Er begründet dies vor allem mit der Beschaffenheit der Kultur der Pirahã, die ausschließlich auf die Gegenwart fixiert ist: Die Pirahã haben keine Schöpfungsmythen, erzählen sich keine Geschichten und erinnern sich meist nicht an Verstorbene. Seine Aussagen wurden jedoch stark kritisiert und ihm wurde eine Fehlanalyse der Sprachdaten vorgeworfen. Somit ist dies zwar ein berühmtes, aber auch sehr umstrittenes Gegenbeispiel.


title: Universalgrammatik

text: Christiansen und Chater (2008) haben argumentiert, dass eine biologisch, das heißt genetisch, determinierte Universalgrammatik evolutionär unplausibel sei, da Sprachwandel wesentlich schneller voranschreite als genetischer Wandel. Sprache stellt also ein „bewegtes Ziel“ dar und bietet keine stabile Entwicklungsumgebung für potentielle Sprachgene. Die Ursprache muss zu Beginn ein kulturelles Produkt mit hoher Variabilität gewesen sein, und es ist durch evolutionäre Mechanismen nicht erklärbar, wie dies genetisch fixiert worden sein soll. Das menschliche Gehirn ist also nicht an Sprache angepasst, (wie es in der chomskyschen Tradition angenommen wird): Die UG-Prinzipien sind arbiträr, d. h., sie stehen in keiner Verbindung zu kognitiven Prinzipien oder Lernmechanismen, sondern "Sprache ist an das Gehirn angepasst"; sie wird durch generelle Lernmechanismen und Verarbeitungspräferenzen geformt, die adaptive Zwänge auf Sprache ausüben. Sprache wird als „Organismus“ angesehen, der sich im Laufe der Evolution immer besser an seine Umwelt, hier das menschliche Gehirn, anpasst. Mit dieser Sichtweise ist es leichter zu erklären, warum sprachliche Strukturen so komplex und trotzdem erlernbar sind: Sprache folgt allgemeinen kognitiven Prinzipien und ist so geformt, dass sie möglichst leicht verarbeitbar ist. Christiansen und Chater schließen nicht aus, dass Sprache einen Einfluss auf die Evolution der Hominiden hatte (gute Sprachfähigkeiten könnten den Reproduktionserfolg gesteigert haben), betonen aber, dass der Zwang für Sprache, sich ans menschliche Gehirn anzupassen, ungleich größer sei als die Zwänge auf Menschen, Sprache zu benutzen. Sprachverwendung ist nur einer von vielen adaptiven Zwängen, die auf Menschen einwirken, während für Sprache der einzige adaptive Zwang die (möglichst leichte) Lern- und Verarbeitbarkeit durch das menschliche Gehirn ist.


title: Eric Liddell

text: Eric Henry Liddell (* 16. Januar 1902 in Tianjin; † 21. Februar 1945 in Weixian; chin. Name 李爱锐, "Li Airui") war ein schottischer Leichtathlet und Missionar, der 1924 Olympiasieger über 400 Meter wurde. Außerdem war er Rugby-Union-Nationalspieler für Schottland. Nach Ende seiner Sportkarriere war er in China als protestantischer Missionar tätig. Sein Leben wurde teilweise in den Spielfilmen "Die Stunde des Siegers" und "On Wings of Eagles" verarbeitet.


title: Eric Liddell

text: Liddell wurde in China als zweiter Sohn von James Dunlop Liddell geboren, der für die schottische Kirche tätig war. 1908 schickten ihn seine Eltern auf das Eltham College, ein Internat für Kinder von Missionaren in London. In ihrer Zeit auf diesem Internat sahen Liddell und sein Bruder ihre Eltern und die später geborene Schwester nur zwei- oder dreimal, wenn ihre Eltern auf Heimaturlaub waren. Bei diesen Gelegenheiten lebte die Familie meist gemeinsam in Edinburgh.


title: Eric Liddell

text: Im Internat wurde Liddell bald Kapitän der Cricket- und der Rugbymannschaft. Auch in der Leichtathletik erwies er sich als talentiert und galt bald als schnellster Läufer Schottlands. Noch während seiner Schulzeit erschienen mehrere Zeitungsartikel, die ihn als zukünftigen Olympiasieger bezeichneten. In Anlehnung an die Dampflokomotive Flying Scotsman, die mehrere Geschwindigkeitsrekorde aufstellte, wurde er öfters als „fliegender Schotte“ bezeichnet.


title: Eric Liddell

text: 1920 schrieb sich Liddell an der Universität Edinburgh ein, wo er Wissenschaftstheorie studierte. Während des Studiums spielte der Sport eine wichtige Rolle in seinem Leben. Für die Universitätsmannschaft lief er Sprintrennen und spielte Rugby. 1922 und 1923 absolvierte er im Rahmen des Five-Nations-Turniers sieben Länderspiele für die schottische Nationalmannschaft. 1924 wurde Liddell britischer Meister über 100 und 220 Yards; die Zeit von 9,7 Sekunden über 100 Yards wurde 35 Jahre lang nicht mehr unterboten.


title: Eric Liddell

text: Mit diesen Leistungen qualifizierte sich Liddell für die Olympischen Spiele 1924 in Paris. Der tiefgläubige Christ weigerte sich, zum Vorlauf des 100-Meter-Rennens anzutreten, da dieser an einem Sonntag stattfand. Anstatt am Rennen teilzunehmen, predigte er in Paris in einer schottischen kirchlichen Gemeinschaft. Sein Sieg über 400 Meter (Vorläufe und Finale fanden an Werktagen statt) kam allerdings eher überraschend, da seine Spezialdisziplin eigentlich die 100-Meter-Strecke war. Mit 47,6 Sekunden lief er sogar neuen Weltrekord. Zwei Tage zuvor war er Dritter über 200 Meter geworden. Aufgrund seines Glaubens wurde er nach seinem Erfolg bei den Olympischen Spielen 1924 auch „der fliegende Pastor“ genannt. Die Erlebnisse Liddells und des 100-Meter-Olympiasiegers Harold Abrahams wurden 1981 in "Die Stunde des Siegers" (engl. "Chariots of Fire") verfilmt. Liddell wurde von Ian Charleson dargestellt. Im Jahr 1930 lief Liddell sein letztes Rennen, mit dem er die nordchinesische Meisterschaft gewann. Mit Fortlauf seines Lebens widmete er sich vor allem kirchlichen Aufgaben.


title: Eric Liddell

text: Nach seinem Studienabschluss 1925 kehrte Liddell nach China zurück, um wie seine Eltern in Tianjin als Missionar zu wirken. Er war dort für die London Missionary Society tätig. 1932 wurde er zum Pfarrer ordiniert, 1934 heiratete er die kanadische Missionarin Florence Mackenzie, mit der er drei Töchter hatte. Während seiner Zeit in Tianjin war Liddell an der Gestaltung des MinYuan Stadions beteiligt, das sich daher an das englische Stadion Stamford Bridge anlehnt.


title: Eric Liddell

text: Nach dem Ausbruch des zweiten Japanisch-Chinesischen Krieges im Jahre 1937 wurde die Lage für Ausländer in China immer gefährlicher. 1941 riet die britische Regierung ihren Bürgern, das Land zu verlassen. Liddell blieb in China, während seine Frau und seine drei Töchter nach Kanada zogen.


title: Eric Liddell

text: 1943 wurde Liddell gemeinsam mit anderen Briten in Tianjin von der japanischen Armee in ein Konzentrationslager gebracht. Im Internierungslager von Weixian erkrankte er später an einem Hirntumor und starb 1945 im Alter von 43 Jahren. Sein Mithäftling Norman Cliff beschreibt Liddell als beliebt im Lager, wo er auch als Lehrer tätig war und Sportevents für die Jugendlichen im Lager organisiert haben soll. Er wurde in Shijiazhuang beigesetzt. Erst 1989 wurde die genaue Stelle seines Grabes eruiert und 1991 mit einem Granitgrabmal gekennzeichnet. Die Geschichte seiner letzten Lebensjahre und seines Todes wurde 2016 im Spielfilm "On Wings of Eagles" aufgegriffen. Der Film war weder finanziell noch bei Kritikern ein Erfolg.


title: Eric Liddell

text: Mit der Person Eric Lidells ist insbesondere das Lied "Be still my soul" verknüpft, das auf die deutsche Dichterin Catharina von Schlegel zurückgeht ("Stille, mein Herz"). Es heißt, er habe dieses Lied besonders geliebt und auch seinen Mithäftlingen damit Mut zugesprochen. Noch an seinem Sterbelager spielte eine Blaskapelle auf seinen Wunsch hin "Be still my soul".


title: Eric Liddell

text: Von 1945 bis 1958 bestand ein Erinnerungsfonds, der einen nach Liddell benannten Preis für junge Athleten vergab und finanziell für die Kinder Liddells sorgte.


title: Eric Liddell

text: Als Allan Wells, ebenfalls ein Schotte, im Jahr 1980 das olympische 100-Meter-Rennen in Moskau gewann, widmete er Liddell den Sieg. Auch die erste Goldmedaillen-Gewinnerin im olympischen Fünfkampf Stephanie Cook nannte Liddell eine Inspiration für ihre Karriere in der Leichtathletik.


title: Eric Liddell

text: 1987 wurde ein kirchliches Demenz- und Nachbarschaftszentrum in Edinburgh nach Eric Liddell benannt. Er gab in einer der vier involvierten Kirchen einst Bibelunterricht. Im dortigen "Gold-Medal Café" sind Fotos und Informationen zu Liddells Leben ausgestellt.


title: Eric Liddell

text: 2002 wurde Liddell in die Scottish Sports Hall of Fame aufgenommen, nachdem er bei einem Publikumsvoting zum beliebtesten Sportler Schottlands gewählt worden war.


title: Eric Liddell

text: Seit 2016 besteht in Liddells Alma Mater, der Universität Edinburgh, erneut ein Stipendium für junge Athleten. Zudem bewahrt die Universität die Medaillen Liddells als Dauerleihgabe auf.


title: Schlacht bei Artemision

text: Die Schlacht bei Artemision (auch Seeschlacht bei Kap Artemision) fand im August 480 v. Chr., zeitgleich zur Schlacht bei den Thermopylen, während der Perserkriege, am Kap Artemision der griechischen Insel Euböa, zwischen der persischen und einer griechischen Flotte statt. Sie gilt als eine der ersten genauer bekannten Seeschlachten.


title: Schlacht bei Artemision

text: Durch den Perserzug Xerxes I. stand Griechenland, mit einem zahlenmäßig weit unterlegenen Landheer, teilweise uneinig bezüglich der Strategie, vor einer schwierigen Aufgabe. Die Entscheidung für Griechenland konnte nur zur See fallen, da Themistokles eine starke Flotte aufgebaut und eine Strategie zur Seeverteidigung entwickelt hatte.


title: Schlacht bei Artemision

text: Wie beim ersten Perserzug nahm das persische Heer den Landweg über den Hellespont; eine aus 1200 Schiffen bestehende Kriegsflotte folgte über See. Gemäß den Historien des Herodot soll es sich um etwa 180.000 Matrosen und Seesoldaten gehandelt haben. Die Flotte bestand teilweise aus neuen Trieren, der Rest aus Pentekonteren. Der Großteil kam aus folgenden Ländern:


title: Schlacht bei Artemision

text: Die von Themistokles angeführte griechische Flotte bestand aus 324 Schiffen, welche größtenteils Trieren waren und von folgenden Städten gestellt wurden:


title: Schlacht bei Artemision

text: Die persische Flotte, die sich während des Anmarsches an der makedonischen Küste orientierte, geriet vor Magnisia in einen schweren Sommersturm. Dabei ging rund ein Drittel der 1200 Schiffe umfassenden Flotte unter.


title: Schlacht bei Artemision

text: Während die Spartaner unter Leonidas am Thermopylenpass Aufstellung nahmen, sammelte sich die griechische Flotte in der Straße von Artemision, um das Landheer zu decken. Um zu verhindern, dass die zahlenmäßig übermächtige persische Flotte zur vollen Entfaltung kam, formierten sich die Griechen in einer Meerenge, die im Westen vom Festland und im Osten von der Insel Euböa gedeckt war. Die Perser versuchten daraufhin, mit einem aus 200 Schiffen bestehenden Umgehungsgeschwader die Insel Euböa zu umfahren und die Griechen von zwei Seiten anzugreifen. Die Griechen schickten diesem ihrerseits ein Teilgeschwader von 53 Schiffen entgegen. Das persische Umgehungsgeschwader wurde jedoch durch einen Sturm fast restlos vernichtet. Der gleiche Sturm brachte auch mehrere Dutzend Schiffe der persischen Hauptflotte beim Einlaufen in die Meerenge zum Kentern. Daraufhin starteten die Griechen einen erfolgreichen Vorstoß und konnten mehrere versprengte Schiffe in ihre Gewalt bringen.


title: Schlacht bei Artemision

text: Nach zwei Tagen griffen die Perser erneut an. Für diesen Hauptkampf kehrten die 53 von den Griechen gegen das persische Umgehungsgeschwader entsandten Schiffe rechtzeitig zurück und leisteten eine wichtige Unterstützung bei den schweren Kämpfen. Obwohl die Griechen das Schlachtfeld behaupten konnten, mussten sie sich nach der Niederlage bei der Schlacht an den Thermopylen zurückziehen.


title: Schlacht bei Artemision

text: Die Schlacht endete unentschieden. Obwohl der anschließende Rückzug der Griechen bedeutete, dass große Teile Griechenlands damit den Persern schutzlos ausgesetzt waren und Athen auf den Rat von Themistokles geräumt wurde, ermöglichte dies schließlich den griechischen Sieg bei der im darauffolgenden Monat stattfindenden entscheidenden Seeschlacht von Salamis.


title: Schlacht bei Artemision

text: Während meistens der Angabe Herodots gefolgt wird, die persische Flotte sei an Zahl den Griechen doppelt überlegen gewesen, verweist Hans Delbrück auf den Widerspruch, dass es den Persern trotz dieser angegebenen Übermacht nicht gelang, die griechische Flotte zu besiegen und dann den Griechen bei den Thermopylen in den Rücken zu fallen. Es gibt den Versuch, diesen Umstand damit zu klären, dass die persischen Schiffe durch ihre Größe und schlecht ausgebildeten Besatzungen ihren Vorteil nicht auszuspielen verstanden. Es ist jedoch bekannt, dass die persischen Seeleute griechische und phönizische Söldner waren, die als die besten Seeleute und Schiffbauer der damaligen Welt galten. Daraus schließt Delbrück, dass die Flotten sich an Zahl ebenbürtig gewesen sein müssen. Herodot berichtet, dass die Griechen weitere Unterstützung erwarteten, die jedoch zu weit weg waren, um noch bei Artemision einzugreifen. Dies ist ein weiterer Hinweis darauf, dass die Griechen allen Grund hatten, sich vom Gegner abzusetzen und die Entscheidung auf die nächste Schlacht zu vertagen. Einige Historiker gehen davon aus, dass die Perser nicht mehr als 600 Schiffe in die Ägäis sandten.


title: Wasserkunst

text: Eine Wasserkunst ist ein System zur Förderung, Hebung und Führung von Wasser, meist hergestellt oder überwacht von einem Kunstmeister.


title: Wasserkunst

text: Die Verwendung solcher Systeme vor allem bei der Entwässerung und Wasserversorgung ist seit mehreren tausend Jahren belegt. Die Römer setzten Wasserräder und Archimedische Schrauben zu vielen Zwecken ein, unter anderem auch in Bergwerken. Ihre Funktion zur Hebung von Wasser wurde zum Beispiel in Vitruvs Werk "De architectura" oder von Plinius dem Älteren in seiner "Naturalis historia" beschrieben. Wasserkünste wurden im Spätmittelalter bei der Wasserversorgung von Städten und Burgen eingesetzt und fanden im Bergbau weit verbreitet Verwendung bei der Wasserhaltung und anderen Einsatzgebieten. Georgius Agricola beschreibt in seinem 1556 erschienenen Hauptwerk "De re metallica libri XII" die Verwendung unter Tage. Wasserkünste dienten auch dem Betrieb von Springbrunnen und Fontänen etwa in Parks und auf öffentlichen Plätzen.


title: Wasserkunst

text: Der österreichische Ingenieur Hermann Waldhauser baute auf Grund von Hinweisen bei Herodot die Cheopspyramide funktionstüchtig als Wasserhebewerk nach. Diese Deutung der Pyramide ist jedoch in der Archäologie nicht anerkannt.


title: Wasserkunst

text: Zunächst bezeichnete der Begriff "Wasserkunst" nur die Einheit aus Pumpwerk und Wasserbehälter, später wurde der Begriff auch für die Gesamtanlage des Röhrensystems verwendet. Die ersten Wasserkünste wurden aus Holz erbaut, später aus Stein. Sie bestanden aus einem Pumpwerk und dem antreibenden Wasserrad sowie aus einem Hochbehälter, in dem das Wasser gespeichert wurde. Durch ein Röhrensystem, meistens in Form ausgehöhlter Baumstämme – den Deicheln –, wurde das Wasser an die Verbrauchsorte (Wasserbütten, Steintröge) geleitet, um eine Wasserversorgung der höher gelegenen Wohnhäuser zu gewährleisten. Ein frühes Beispiel für ein solches System ist die Alte Wasserkunst in Bautzen, deren hölzerne Ausführung erstmals im Jahre 1495 erbaut wurde.


title: Wasserkunst

text: Auch im Bergbau fanden Wasserkünste Anwendung. Zweck war hier nicht nur die Entwässerung des Grubengebäudes bei der Wasserhaltung. Wasserkünste kamen zum Beispiel auch zur Förderung von Lasten und Personen (Fahrkunst), bei der Grubenbewetterung oder bei der Zerkleinerung von Gesteinen in Pochwerken zum Einsatz. Auch andere Vorrichtungen wurden im Bergbau mit der Bezeichnung "Kunst" im Sinne von Maschine belegt. Zusammen mit der Wasserkunst bildeten sie die Bergmännischen Künste. Georgius Agricola beschrieb in mehreren Veröffentlichungen in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts und vor allem in seinem grundlegenden Werk "De re metallica libri XII", das 1556 ein Jahr nach seinem Tod erschien, zusammen mit den anderen Bergmannskünsten zahlreiche Arten der Wasserkunst im Bergbau.


title: Wasserkunst

text: Die erste mittelalterliche Verwendung von Wasserkünsten im Bergbau fand im sächsisch-böhmischen Erzbergbau statt, hier wurden sogenannte Bulgenkünste verwendet. Im Harz wurde danach die so genannte Heinzenkunst um 1435 das erste Mal im Bergwerk Rammelsberg eingesetzt, flächig wurde sie hier um 1536 eingeführt. Seit 1564 kam im Rammelsberg auch die „Kunst am krummen Zapfen“ zum Einsatz, bei der ein Pleuel an einem Kunstrad über ein Kunstgestänge eine Pumpe antrieb. Wasserkünste kamen später verbreitet zum Einsatz, so im Silberbergbau in Tirol, im Kupferbergbau des Mansfelder Reviers oder im Kohlebergbau im Aachener Revier und im Ruhrgebiet.


title: Wasserkunst

text: Ein Beispiel für eine alte Wasserkunst im Bergbau ist die des Rammelsbergs im Harz. Darüber hinaus ist der Harz reich an bergbaulichen Wasserhaltungen und hydraulisch angetriebenen Künsten, so etwa die des Polsterberger Hubhauses.


title: Wasserkunst

text: Im Schwazer Bergbau in Tirol wurde seit 1515 das Grubenwasser von Wasserknechten gehoben. Da es zunehmend zu personellen und finanziellen Schwierigkeiten mit ihnen kam, wurde 1556 unter Tage ein Wasserrad eingebaut, um die Grubenwässer zu heben. Das benötigte Aufschlagwasser wurde über Tage einem Bach entnommen und durch eine vier Kilometer lange Aufschlagrösche herangeleitet. Verbesserungen an dieser Anlage wurden 1650 und 1755 durchgeführt.


title: Wasserkunst

text: Im Eschweiler Stadtteil Pumpe im Aachener Revier entstand vermutlich um 1632 eine aus zwei großen Wasserrädern bestehende Pumpenanlage, „Herrenkunst“ genannt, welche das Aufschlagwasser von der Inde ableitete und in Verbindung mit zwei abgeteuften Schächten der Wasserhaltung im Eschweiler Kohlberg diente. Der Name „Herrenkunst“ kommt daher, dass die Wasserhaltung auf Rechnung des Territorialherren, dem Grafen von Jülich erfolgte. Die Pumpenanlage blieb bis 1891 in Betrieb.


title: Wasserkunst

text: Um die meist unterirdisch in einer Radstube betriebenen Wasserräder betreiben zu können wurden weitere Anlagen benötigt:


title: Wasserkunst

text: Im Zeitalter der Renaissance und des Barock wurden unter dem Begriff "Wasserkunst" auch künstlerisch ausgestaltete Anlagen mit Springbrunnen, Wasserspeiern, künstlichen Kaskaden und dergleichen verstanden, deren Veränderlichkeit durch die Inszenierung des Wassers als Element zur Darstellung von Wert und Reichtum der epochalen Phase entsprechend architektonisch und künstlerisch umgesetzt wurde. Dabei wurde neben der ursprünglichen Notwendigkeit der Förderung von Wasser als lebenserhaltendes Gut während des Mittelalters, der Brunnen als prospektives Merkmal des verklärenden Reichtums weltlicher und klerikaler Herrschaft. Dem Stand der jeweiligen Technik entsprechend, wurde sowohl der natürliche Druck der Schwerkraft als, insbesondere später seit der Entstehung dezentraler Wasserversorgung als System, der durch Pumpen erzeugte Wasserdruck genutzt, um Fontänen zu betreiben. Diese fanden sich als Teil von Schloss- und Gartengestaltungen und werden heute oft als "Wasserspiele" bezeichnet. Neben ihrer präsentativen Hervorhebung bekamen sie mit Ende des Barock im Übergang zum Absolutismus repräsentativen Ausdruck nationalen und militärischen Souveränität. Als Schmuckelement im öffentlichen Raum bekamen Brunnen im Übergang der Stadt des Frühindustrialismus und der Stände zur industriell-bürgerlichen Stadt der Vormoderne ab dem Ende des 19. Jahrhunderts, Brunnen den Zweck des dekorativen Nutzens. Hierin unterscheidet sich das Verständnis europäischer Stadt- und Gartenanlagen als Resultat aus dem Herrschaftsprinzip der jeweiligen Zeit. Das spätbarocke Paris Napoleons III. wurde durch Georges-Eugène Haussmann ganz anders überformt als, zeitlich versetzt, das spätpreußische Berlin des Hobrecht-Plans durch Josef Stübben. (vgl.: Städtebau). Die italienischen Renaissance-Städte und die Kulturen des Mittelmeerraums haben einen eigenen historischen Umgang mit dem Element in die Konzeption und Anlage ihrer Städte und Gebäude aufgrund der differenten Klimatik einfließen lassen.


title: Wasserkunst

text: Das sächsische Schloss Augustusburg wurde ehemals von einer Röhrenwasserleitung und einer Wasserkunst mit Wasser versorgt, da der Brunnen nicht ergiebig genug war. Ebenso besaß Festung Stolpen eine Wasserkunst mit Röhrenwasserleitung zusätzlich zum Burgbrunnen. Beide Anlagen sind nicht erhalten geblieben.


title: Wasserkunst

text: Vor dem Felsen mit der Ruine der Festung Wendelstein im Unstruttal hat sich die Ruine einer turmartigen Wasserkunst erhalten, mit der die Festungsanlage einst aus der Unstrut mit Wasser versorgt wurde. In unmittelbarer Nähe befindet sich am Fluss noch ein Mühlengebäude.


title: Wasserkunst

text: Schloss Friedenstein in Thüringen wurde früher über die Wasserkunst Gotha, ein Pumpwerk mit hölzernen Leitungen, mit Wasser versorgt.


title: Wasserkunst

text: Einzigartig in ganz Europa soll heute die funktionsfähig erhaltene Wasserkunst (ab 1763) des Gradierwerkes in Bad Kösen, in Sachsen-Anhalt, sein. Ein unterschlächtiges Wasserrad in einem Fachwerkgebäude im Tal der Saale auf der „Radinsel“ treibt dabei zwei Holzgestänge an, die eine Pendelbewegung ausführen. Das mehrere hundert Meter lange Gestänge überträgt die Energie des Wasserrades den Saaletalhang hinauf bis zu den Pumpen in einem Schacht (Borlachschacht im Borlachhaus) der Solequelle (Borlachquelle) sowie bis zum 325 m langen Gradierwerk, das auf dem Hang des Saaletales steht.


title: Wasserkunst

text: Das Kunstgestänge durchläuft dabei das Borlachhaus und die weitgehend horizontale Pendelbewegung wird im Gebäude durch ein Kunstkreuz in eine vertikale Pendelbewegung umgeformt, die ursprünglich auch die Pumpen im Schacht antrieb (heute sollen diese elektrisch betrieben sein). Das aus dem Borlachhaus austretende Gestänge reicht noch bis zum Gradierwerk hinauf. Die Anlage ist nach Hochwasserschäden seit 2018 in Restauration und soll Mitte 2019 wieder voll funktionstüchtig sein. Am Gradierwerk selbst werden/wurden (?) ehemals noch Pumpen durch das Pendel-Gestänge betrieben, die die aufkonzentrierte Salzsole im Trog unter dem Gradierwerk bis auf den Kopf des Gradierwerkes pumpten.


title: Wasserkunst

text: Die durch Tropfen-Verdunstung aufkonzentrierte Salzlösung (Sole) des Gradierwerkes wurde seinerzeit schließlich durch Verdampfen des Wassers (in Pfannen?) zu verkaufsfähigem Kochsalz gemacht.


title: David Hanselmann

text: Hanselmann ließ sich ursprünglich zum Einzelhandelskaufmann ausbilden. Als 13-Jähriger hatte er erste Auftritte in Clubs der in Deutschland stationierten US-Amerikaner. 1967 gründete er seine erste Band, The Mayors, und ging in den folgenden Jahren als Gastmusiker mit mehreren bekannten Bands und Musikern auf Tournee, z. B. 1970 mit UFO und Country Joe McDonald sowie 1974 mit Hardin & York. 1975 lud ihn der britische Schlagzeuger Jon Hiseman ein, bei der Neuformation der Band Colosseum als Sänger einzusteigen. Es folgten Proben mit Gary Moore, Don Airey und Neil Murray sowie eine Tournee mit Colosseum II und Canned Heat.


title: David Hanselmann

text: In den folgenden Jahren war er Mitglied mehrerer deutscher Bands. 1977 produzierte er mit Message das Album "Using the Head" und gründete noch im gleichen Jahr in Stuttgart die Maximum Party Band. 1978 entstand mit der österreichischen Rockband Eela Craig das Album "Hats of Glass" und mit Hanselmann als Gastsänger von Triumvirat das Album "A la Carte". Gemeinsam mit Peter Herbolzheimers Rhythm Combination & Brass trat er in der ARD-Sendung "Bio’s Bahnhof" auf.


title: David Hanselmann

text: Für Werner Böhms Bühnenfigur Gottlieb Wendehals schrieb Hanselmann 1979 den Titel "Herbert", der sich zum ersten großen Hit für Böhm entwickelte. 1979 kam es auch zu einer Zusammenarbeit mit der Reutlinger Progressive Rock Band Zomby Woof bei den Aufnahmen zu deren zweitem Album "No Hero" welches allerdings erst 2009 auf Casino Records veröffentlicht wurde. Danach wandte er sich wieder experimentelleren Arrangements zu und veröffentlichte 1980 und 1981 zusammen mit dem Keyboarder Chris Evans die Konzeptalben "Stonehenge" und "Symbols Of The Seven Sacred Sounds". Für ihr Debüt wurden die beiden Musiker 1980 auf dem Montreux Jazz Festival für das beste Konzeptalbum mit dem Grand Prix du Disque ausgezeichnet. Das Album "Stonehenge" ist 2013 in einer überarbeiteten Neuauflage mit zusätzlichem Material erschienen.


title: David Hanselmann

text: 1982 versuchte er mit dem Titel "Lady," im Duett mit Mary Roos, am Eurovision Song Contest teilzunehmen, gelangte im Vorentscheid allerdings nur auf Platz sechs. Aber es war nach Nicoles "Ein bißchen Frieden" der zweiterfolgreichste Titel aus dem Vorentscheid mit vielen Fernsehshows und verkauften Singles.


title: David Hanselmann

text: Seinen größten Charterfolg verbuchte Hanselmann während der Fußball-Weltmeisterschaft 1990 in Italien, als sein Titel "Go Get the Cup" – begünstigt durch den Titelgewinn der deutschen Nationalmannschaft – unter die Top 10 der deutschen Singlecharts kam. Ein Jahr später veröffentlichte er das offizielle Vereinslied des VfB Stuttgart "Olè VfB". 1994 setzte er seine Fußballzusammenarbeit fort und schrieb das Vereinslied des Hamburger SV "HSV Forever", welches bis heute als Einlaufmusik bei Heimspielen dient. Der Titel „The Race is On“ wurde 1993 zur Erkennungsmelodie der Deutschen Tourenwagenmeisterschaft (DTM) erkoren. Von 1993 bis 2004 war Hanselmann als Tourmusiker mit Pur unterwegs.


title: David Hanselmann

text: Hanselmann war jahrelang erfolgreich mit seiner Band 'David Hanselmann and the Dudes' unterwegs, mit der er eine Live-CD veröffentlichte. Er spielte mit den Bee Gees, Lionel Richie und 1990 beim Rock am Ring Festival, weil Marek Lieberberg, total begeistert von ihm, ihn dazu einlud. Mit 'The Union' war er auf Tour, zusammen haben sie sechs CDs veröffentlicht. Mit seiner eigenen Band 'David Hanselmann Band' gastiert er in vielen Clubs in Deutschland. Mit der Band 'Men Go Crazy' trat er bei Annette Humpes Geburtstag in Berlin zusammen mit den Prinzen und Ich + Ich auf. Das Duo 'Blue Eyed Soul', das er mit Berti Kiolbassa (Keyboards) im Jahre 2009 gründete, hat sich Soul und R&B verschworen und tritt bei Events großer Firmen im In- und Ausland auf. Ein weiteres Projekt ist die Band MCM, die die Musik von Chicago und Blood, Sweat & Tears wieder aufleben lässt. Dort singt er mit Andy Laycock von den Flying Pickets zusammen.


title: David Hanselmann

text: 2013 nahm Hanselmann an der dritten Staffel der Gesangs-Castingshow The Voice of Germany teil und kam unter die besten 48 Kandidaten.


title: David Hanselmann

text: Am 1. Juni 2015 fand anlässlich seiner Krebserkrankung ein Benefizkonzert unter dem Titel „For David“ in Ludwigsburg statt. Zu den Gästen gehörten unter anderem Fools Garden und Pur. Aus den Einnahmen sollte seine Behandlung finanziert werden.


title: David Hanselmann

text: Hanselmann tritt weiterhin bei Konzerten auf. So gab er 2018 ein Konzert in Markgröningen sowie 2020 in Crailsheim, 2022 in Winnenden. Im September 2019 veröffentlichte Hanselmann zusammen mit der Spacek-Schölch-Gruppe eine CD mit dem Titel „Thank You“. Er wohnt in Beilstein.


title: Bulawayo

text: Bulawayo ist eine Stadt im Südwesten des Landes Simbabwe. Sie ist gleichzeitig die Hauptstadt der Provinz Bulawayo Province, die jedoch von einem Gouverneur geleitet wird. Mit rund 653.000 Einwohnern (Volkszählung 2012) ist sie nach Harare die zweitgrößte Stadt des Landes.


title: Bulawayo

text: Bulawayo wurde 1893 von Cecil John Rhodes nach dem britischen Sieg über den König der Matabele Lobengula an der Stelle des in der Mitte des 18. Jahrhunderts entstandenen Kraals Gubulawayo neu gegründet und 1894 an ihren heutigen, etwas südlich gelegenen, Platz verlegt. Bereits drei Jahre später wurde sie an das Eisenbahnnetz angeschlossen. Seit 1943 ist der Ort eine Stadt. Der Name "Bulawayo" stammt aus der Ndebele-Sprache und heißt "Ort des Schlachtens".


title: Bulawayo

text: Die folgende Übersicht zeigt die Einwohnerzahlen nach dem jeweiligen Gebietsstand seit der Volkszählung 1982.


title: Bulawayo

text: An Betrieben gibt es Textil-, Metallwaren- und Reifenindustrie sowie Brauereien, Druckereien und Verlage. Die Stadt ist ein Handelszentrum für die landwirtschaftlichen Produkte des Umlands. Sie ist Bahnknotenpunkt mit Strecken nach Victoria Falls / Livingstone, Plumtree / Gaborone, Harare sowie Beitbridge an der Grenze zu Südafrika. Außerdem gibt es 20 km nordöstlich der Stadt einen internationalen Flughafen.


title: Bulawayo

text: Seit 1927 besteht die heutige Technische Universität ("National University of Science and Technology").


title: Bulawayo

text: Für das Stadtbild charakteristisch sind die breiten, von Bäumen flankierten Straßen mit ihren vielen noch erhaltenen viktorianisch geprägten Häuserfronten.


title: Bulawayo

text: Bulawayo ist Sitz des 1901 begründeten Nationalmuseums. Im "Douslin House" aus dem Jahre 1900 ist heute die "National Art Gallery" untergebracht. Das Naturhistorische Museum wurde 1964 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Es besitzt mit über 75.000 Exponaten die größte Säugetier-Sammlung auf dem afrikanischen Kontinent, Schaukästen zur Geschichte und Geologie und Exponate von Vögeln und Insekten.


title: Bulawayo

text: Das nationale Eisenbahnmuseum wurde 1972 geöffnet. Es zeigt eine umfangreiche Fahrzeugsammlung. Neben Lokomotiven und Wagen ist besonders der Salonwagen von Cecil John Rhodes sehenswert, in dem ein stilvoll gedeckter Abendtisch die historische Atmosphäre vermittelt. Das Museum bietet darüber hinaus Informationen zur Geschichte der Eisenbahn Rhodesiens und Simbabwes. Nördlich des Bahnhofs liegt die Kathedralbasilika Maria Immaculata.


title: Bulawayo

text: 35 km südlich von Bulawayo, im Matobo-Nationalpark, befindet sich das Grab von Cecil John Rhodes, am sogenannten "World’s View". Die "Matobo Hills" gehören ebenfalls zum UNESCO-Weltkulturerbe.


title: Bulawayo

text: Die Flagge der Stadt beinhaltet einen Elefanten und drei Klippschliefer als Wappentiere. Weiterhin zeigt sie ein rotes Kreuz auf weißem Grund und den Wahlspruch „Si Ye Pambili“ (Sindebele für „Lasst uns nach vorne schreiten“). Klippschliefer standen für die königliche Familie des Matabelestammes. Das Kreuz steht für den Einfluss der Missionare und der Elefant für Lobengula, den letzten Chef der Matabele.


title: Bulawayo

text: Bulawayo ist ein großer Transitknotenpunkt mit sternförmig angelegten Straßen. So treffen sich die Fernstraßen A5, A6, A7 und A8 in Bulawayo. Die Hauptstraßen sind meist asphaltiert und in verhältnismäßig gutem Zustand.


title: Bulawayo

text: Bulawayo besitzt als Hauptbahnhof einen Kopfbahnhof, der regelmäßig bedient wird. Hier treffen sich die Strecke nach Harare (Beira-Bulawayo-Eisenbahn), ins Nachbarland Botswana und die Strecke Richtung Victoria Falls, an der Grenze zu Sambia.


title: Bulawayo

text: Die Stadt besitzt einen kleinen Flughafen (IATA-Code BUQ), welcher eine 2550 Meter lange Start- und Landebahn besitzt. Der Flughafen wird nur für regionale Verbindungen und privaten Flugverkehr benutzt.


title: Bulawayo

text: Der Queens Sports Club ist eines von drei Test-Cricket-Stadien Simbabwes und eines der Heimstadien der simbabwischen Cricket-Nationalmannschaft. Das Stadion war auch einer der Austragungsorte des Cricket World Cup 2003. Mit dem Bulawayo Athletic Club befindet sich ein zweites Cricket-Stadion in Bulawayo, das jedoch nicht mehr für Test Cricket benutzt wird.


title: Bulawayo

text: Zwischen 1886 und 1904 untersuchte Robert Koch im Matabeleland die Rinderpest. Im Dezember 1903 beantragte er von Bulawayo aus, wo er seinen 60. Geburtstag feierte, seine Emeritierung.


title: Bulawayo

text: In den 1940er Jahren bis 1963 arbeitete hier die deutsche jüdische Abgeordnete des preußischen Landtags Berta Jourdan als Lehrerin für Jugendliche mit Erziehungsschwierigkeiten.


title: Bulawayo

text: Die Band "Liyana" um Sängerin Prudence Mabhena, von der der Oscar-prämierte Film "Music by Prudence" aus dem Jahr 2010 handelt, wurde im Rahmen eines Schulprojektes der "King George VI School & Centre for Children with Physical Disabilities" in Bulawayo gegründet.


title: Amiga 600

text: Seine Leistungsdaten entsprachen weitgehend dem des Amiga 500 Plus, er wurde wie dieser mit dem neuen „Enhanced Chip Set“ des Amiga 3000 ausgerüstet, besaß mit 1 MB RAM doppelt so viel Arbeitsspeicher wie die ursprüngliche Variante des Amiga 500, eine PCMCIA-Schnittstelle und einen ATA-Controller für eine 2,5-Zoll-Festplatte; der externe Zorro I-Bus und der Ziffernblock auf der Tastatur wurden eingespart. Wie auch der Amiga 500 besaß er kein Tower-Gehäuse, sondern war in einem kompakten Tastaturgehäuse ähnlich dem Commodore 64 eingebaut.