title: Marcelo Gallardo

text: Marcelo Daniel Gallardo (Merlo, 18 de enero de 1976) es un exfutbolista y entrenador argentino que jugaba de enganche. Actualmente se encuentra sin dirigir tras su paso por River Plate, club en el que, tras su salida en 2022, selló una memorable etapa como entrenador al conseguir catorce títulos, convirtiéndolo en el técnico más laureado del club, y compartiendo el honor con Ángel Labruna de ser la persona con más títulos en la institución, sumando su etapa como jugador, con veintidós.


title: Marcelo Gallardo

text: En AS Mónaco fue elegido mejor jugador de la Liga Francesa en 2000. Con la selección argentina disputó 46 partidos, anotó 14 goles y fue convocado a los Mundiales disputados en Francia 1998 y Corea del Sur/Japón 2002.


title: Marcelo Gallardo

text: Dirigió a Nacional de Uruguay, con el cuál conquistó el Campeonato de Primera División 2011-12, siendo este el primer título de su carrera como entrenador de fútbol.


title: Marcelo Gallardo

text: Como director técnico de River Plate obtuvo siete títulos nacionales: un Campeonato de Primera División, tres Copas Argentina, dos Supercopas Argentina y un Trofeo de Campeones. En el plano internacional obtuvo siete títulos: dos Copas Libertadores, una Copa Sudamericana, tres Recopas Sudamericanas y una Suruga Bank. Con un total de catorce títulos se convirtió en el entrenador más exitoso del club «Millonario», superando a Ramón Díaz como anterior poseedor del récord con 9 conquistas. Además, es el único entrenador de River Plate en ganar la Copa Libertadores en dos ocasiones y también el único en ganar la Copa Libertadores como jugador y como director técnico.


title: Marcelo Gallardo

text: Sumando sus conquistas como jugador y director técnico en River Plate, Marcelo Gallardo y Ángel Labruna comparten el récord de ser los más ganadores de la historia del club con 22 títulos. Como dato adicional, River Plate alcanzó, con Marcelo Gallardo como director técnico, la suma de 32 partidos invicto el día 6 de octubre de 2018. Con este hito, superó su propio récord de 31 partidos invicto que había conseguido en 2014, en conjunto con Ramón Díaz.


title: Marcelo Gallardo

text: Otros de sus logros más destacados fue eliminar al clásico rival de River Plate, Boca Juniors, en cinco duelos directos consecutivos (Sudamericana en 2014, Supercopa Argentina 2017, Libertadores en 2015, 2018, 2019), de los cuales terminaría siendo campeón en cuatro de los torneos.


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text: En 2015, según una clasificación de la IFFHS, fue elegido como el 5.º mejor entrenador del mundo con 33puntos, solamente superado por Luis Enrique, Pep Guardiola, Massimiliano Allegri y Unai Emery. También en el año 2015 recibió el Premio Toyota al mejor entrenador de la Copa Libertadores. También fue premiado por el diario El País de Uruguay, como mejor entrenador sudamericano durante tres años seguidos, siendo estos 2018, 2019 y 2020. En 2019, según Club World Rankings alcanzó el primer puesto como mejor entrenador del mundo superando a Ernesto Valverde.


title: Marcelo Gallardo

text: Gallardo debutó en la prenovena de River Plate a los doce años, en 1988, y tres años después en la reserva. El 18 de abril de 1993 debutó en la Primera División en un partido contra Newell's Old Boys que finalizó en una victoria por 2-0. El 11 de diciembre de 1994, Gallardo le anotó su primer gol a Boca Juniors, mediante un penal al minuto 25 del segundo tiempo. El encuentro acabó 3:0 a favor de River.


title: Marcelo Gallardo

text: Allí permanecería durante 6 años, la cual fue su primera etapa en el club. Gallardo tuvo otras dos etapas en el club «Millonario» las cuales fueron en 2003-06 y 2009-10 respectivamente. En River se consagró campeón en múltiples ocasiones, sumando en total ocho títulos. Estos fueron los Torneos Apertura de , (campeón invicto), y , los Torneo Clausura de 1997 y , la Copa Libertadores de 1996 y la Supercopa Sudamericana de 1997. Se convirtió en uno de los jugadores más queridos por la hinchada riverplatense, destacando por ser figura en varios de los títulos que supo conseguir. Además de ser capitán y referente en varios de los planteles que integró.


title: Marcelo Gallardo

text: En 1999, tras consagrarse campeón de diversos torneos con River, Gallardo fichó por el A. S. Mónaco de Francia, donde rápidamente se convirtió en una de las figuras del equipo. En su estancia en el conjunto francés, el futbolista ganó el título de liga, la Supercopa de Francia y la Copa de la Liga. En agosto de 2003, ya enterado de que el entrenador Didier Deschamps no lo tendría en cuenta, Gallardo regresó a River Plate. En su segunda etapa en el club argentino, Gallardo ganó el de 2004, donde en el partido definitorio contra Atlético Rafaela anotó un gol.


title: Marcelo Gallardo

text: En 2006 comenzó a perder titularidad en el equipo, debido a la preferencia del entrenador Daniel Passarella por el centrocampista Fernando Belluschi. En diciembre de ese año, después de que clubes como Olympique de Marsella y París Saint-Germain mostraran interés en él, Gallardo decidió fichar por este último. Su debut en el conjunto francés ocurrió el 7 de enero de 2007, en la goleada por 3:0 frente al Nîmes. Gallardo mostró un buen rendimiento a lo largo del encuentro, válido por los treintaidosavos de final de la Copa de Francia. A pesar de ser pretendido por San Lorenzo, en ese momento dirigido por Ramón Díaz, en enero de 2008 fue transferido al D. C. United de la Major League Soccer. Marcó su primer gol en el club estadounidense el 5 de abril, en la victoria por 4:1 al Toronto F. C.


title: Marcelo Gallardo

text: Tras su paso mediocre por el fútbol estadounidense y europeo , en enero de 2009 se confirmó su retorno a River Plate, a pesar de que el club Estudiantes de La Plata estaba interesado en él. Gallardo se convirtió en la primera incorporación al plantel conducido por Néstor Gorosito. El 8 de marzo, ingresó en el segundo tiempo de la victoria por 3:1 a Arsenal y anotó dos goles. El 15 de mayo de 2010 jugó su último partido en River, en la derrota por 5:1 frente a Tigre que Gallardo vio desde el banco de suplentes.


title: Marcelo Gallardo

text: El 13 de agosto de 2010 llegó a Montevideo para firmar contrato con el Club Nacional de Football de esa ciudad. El presidente del club expresó que su pase no solo pretendía considerarlo un referente futbolístico sino también un modelo a seguir para los más jóvenes futbolistas de la institución. En su primer partido como titular, Gallardo sufrió una rotura del tendón rotuliano. Volvió a jugar recién cinco meses después, el 27 de febrero de 2011, en una victoria por 1:0 contra Bella Vista. El futbolista entró al campo de juego al minuto 77. El 6 de marzo convirtió un gol después de un año, en un encuentro en el que Nacional venció a Miramar Misiones por 3:1.


title: Marcelo Gallardo

text: El 10 de junio de 2011 anunció su retiro concluido el campeonato uruguayo por motivos personales. Su último partido fue el 12 de junio contra Defensor Sporting en el Estadio Centenario. Gallardo ingresó al campo de juego al minuto 66 en lugar de Richard Porta y Nacional ganó 1-0, consagrándose así campeón.


title: Marcelo Gallardo

text: En sus últimos años como jugador decidió comenzar a estudiar para hacerse entrenador de fútbol en la Escuela de Técnicos de Vicente López, donde coincidió como compañero de cursada con Matías Biscay, Rodolfo Arruabarrena y Diego Markic.


title: Marcelo Gallardo

text: Pocos días después de su retiro, Nacional anunció que el exfutbolista asumiría como nuevo director técnico del equipo, con Pablo Rodríguez como asistente y Marcelo Tulbovitz como preparador físico.


title: Marcelo Gallardo

text: En su primer semestre obtuvo el torneo apertura que clasificó al equipo a la definición del campeonato a disputarse a mitad del año 2012. El 16 de junio del mismo año se consagra campeón Uruguayo 2011-2012 con el Club Nacional de Football, siendo bicampeón con el club uruguayo, como jugador y técnico.


title: Marcelo Gallardo

text: A pesar del éxito en el plano local, Nacional quedó eliminado de la Copa Sudamericana 2011 en segunda fase, y en la Copa Libertadores 2012 cayó eliminado en fase de grupos.


title: Marcelo Gallardo

text: El 30 de mayo de 2014, tras la abrupta renuncia de Ramón Díaz, el secretario técnico de River Plate, Enzo Francescoli, confirmó a Gallardo como nuevo entrenador del club, quien en conferencia de prensa el 6 de junio asumió la conducción técnica y dirigió al club desde el segundo semestre del año.


title: Marcelo Gallardo

text: Los jugadores que solicitó para su primer semestre como entrenador del equipo fueron Julio Chiarini (Instituto), Leonardo Pisculichi (Argentinos Juniors), y la continuidad en el plantel de Carlos Sánchez (Puebla) y Rodrigo Mora (Universidad de Chile) que se encontraban a préstamo pero todavía ligados al club. Su debut como DT de River Plate fue el 27/07/2014 por la Copa Argentina ante Ferro Carril Oeste logrando una victoria de 6-5 en serie de penales en el Estadio Martearena en la provincia de Salta, tras igualar 0 a 0. En su primer semestre disputó también, la Copa Sudamericana y el Campeonato de Primera División, Copa Argentina, pero quedó eliminado en los cuartos de final por penales frente a Rosario Central. En la Supercopa Argentina perdieron contra Huracán por 1:0.


title: Marcelo Gallardo

text: En cuanto a la Copa Sudamericana, ganó el certamen de manera invicta, eliminando a Godoy Cruz en la segunda fase, Libertad en los octavos de final, Estudiantes de La Plata en los cuartos de final y en las semifinales el rival clásico Boca Juniors. La ida de la semifinal se jugó en el Estadio Alberto J. Armando, donde el encuentro finalizó empatado sin goles. En la vuelta, River ganó 1:0 y avanzó a la final del torneo, donde derrotó a Atlético Nacional y se coronó campeón en el Estadio Monumental. Este fue el primer título internacional de Gallardo como entrenador y la primera Copa Sudamericana para el club. En el plano nacional, River terminó en el segundo lugar en la tabla de posiciones del Campeonato de Primera División, con treinta y nueve puntos.


title: Marcelo Gallardo

text: En 2015, luego de una temporada de verano que dejó dudas en lo futbolístico, River ganó por primera vez el título de Recopa Sudamericana, derrotando a San Lorenzo por 1:0 tanto en la ida como en la vuelta. Después de ganar dicho torneo, comenzaron los encuentros por la Copa Libertadores. River no empezó de la mejor manera en la competición, perdió el primer partido de la fase de grupos y empató los siguientes cuatro. En la última fecha, para clasificar a la siguiente fase, River y Tigres debían ganar sus respectivos partidos. Finalmente, River le ganó 3:0 a San José y Tigres derrotaron 5:4 a Juan Aurich. En los octavos de final, el equipo de Gallardo eliminó a Boca Juniors, al cual derrotó en la ida por 1:0 con gol de penal de Carlos Sánchez. En la vuelta, cuando los jugadores salían al campo de juego para disputar el segundo tiempo, un hincha de Boca arrojó gas pimienta a varios jugadores de River. Después de setenta minutos, el encuentro fue suspendido. Más tarde, el partido se lo dio como ganado para River Plate. En los cuartos de final, se enfrentaron a Cruzeiro, que los derrotó por 1:0 en el Estadio Monumental. Sin embargo, en la vuelta, River ganó por 3:0 y pasó a las semifinales.


title: Marcelo Gallardo

text: Durante la Copa América 2015, Gallardo contrató a seis jugadores: Milton Casco, Nicolás Bertolo, Luis González, Javier Saviola, Lucas Alario y Tabaré Viudez, estos dos últimos fueron de gran importancia en las semifinales de la Copa Libertadores, donde se enfrentaron a Guaraní. Luego de la Copa América, se disputó la primera semifinal en el Monumental, donde River ganó por 2:0. En la vuelta, el equipo paraguayo ganaba por 1:0 pero Alario empató el encuentro tras un pase de Viudez.


title: Marcelo Gallardo

text: En la final, se enfrentaron nuevamente con Tigres. La ida, en México, terminó empatada 0:0. En la vuelta, River se coronó campeón venciendo 3-0 con goles de Lucas Alario, Carlos Sánchez y Ramiro Funes Mori, tras diecinueve años de no haber estado en una final de este certamen. Así, Gallardo se convirtió en el primer jugador y técnico de River en ser campeón de la Libertadores tanto como futbolista como entrenador. Seis días después de la consagración en la Libertadores, River jugó la Copa Suruga Bank, campeonato al cual accedió porque ganó la Copa Sudamericana. River goleó 3:0 al Gamba Osaka, y como el torneo es a partido único, ganó la copa. En la Copa Mundial de Clubes, el equipo dirigido por Gallardo le ganó 1:0 al Sanfrecce Hiroshima en su primer encuentro y accedió al último encuentro del torneo. En la final, perdieron 3:0 ante el F. C. Barcelona.


title: Marcelo Gallardo

text: También se consagró en la Recopa Sudamericana 2016 venciendo a Santa Fe por 2:1, con goles de Sebastián Driussi y Lucas Alario. Finalizado el encuentro, Gallardo dijo: "Es impresionante. Uno no se detiene a pensar, pero fueron dos años muy intensos". La siguiente final que River disputó fue la de la Copa Argentina 2015-16, donde se impuso ante Rosario Central por 4:3, con tres goles de Alario y uno de Iván Alonso. Previamente, había eliminado a Rivadavia, Estudiantes de San Luis, Arsenal, Unión y Gimnasia. Con este triunfo, el equipo de Gallardo consiguió clasificar a la Copa Libertadores. El 4 de febrero de 2017 perdieron la Supercopa Argentina 2016 contra Lanús por 3:0.


title: Marcelo Gallardo

text: En la Copa Libertadores del año 2017, River quedó primero en su grupo tras ganar cuatro de sus seis partidos, aunque el último encuentro por la primera ronda lo perdió de local contra Independiente Medellín. El 8 de agosto, derrotó a Guaraní por 3:1 en el global y avanzaron a los cuartos de final, donde fue derrotado por 3:0 ante Jorge Wilstermann en la ida. Sin embargo, en la vuelta golearon 8:0 al conjunto boliviano. Finalizado el encuentro, el entonces entrenador de Jorge Wilstermann Roberto Mosquera Vera, dijo: "Lo mejor que tiene River es Gallardo. Es un súper entrenador". En la ida de la semifinal, contra Lanús, River ganó por 1:0 de local. No obstante, en la vuelta, a pesar de ir ganando 2:0, fue derrotado por 4:2 de manera polémica y eliminado de la competición. El 9 de diciembre, River ganó por segunda vez la Copa Argentina, esta vez por 2:1 a Atlético Tucumán. El 3 de enero de 2018, en una conferencia de prensa junto al presidente de River Rodolfo D'Onofrio, Gallardo anunció su continuidad como entrenador del club por cuatro años más. El 14 de marzo el equipo de Marcelo Gallardo derrotó otra vez a Boca en este caso en una final por la Supercopa Argentina 2017, consagrándose así campeón frente a su eterno rival.


title: Marcelo Gallardo

text: Su equipo se clasificaría a la Copa Libertadores 2018 como primero en su grupo, donde en octavos de final enfrentaría a Racing Club. El encuentro de ida sería 0-0, la vuelta jugada en el Monumental terminaría con goleada 3-0 de River y pasaje a cuartos de final. En la siguiente instancia River enfrentaría a Independiente. La ida en Avellaneda resultaría 0-0 y en el Monumental River se llevó la clasificación con victoria 3-1. En semifinales River jugaría con el campeón vigente de la Copa Libertadores; Grêmio, los dirigidos por Renato Portaluppi ganarían 1-0 en el Monumental, pero en la vuelta el equipo de Gallardo se clasificó al derrotarlo agónicamente con un 2-1 que lo llevaría a jugar la final soñada con Boca Juniors.


title: Marcelo Gallardo

text: A finales de 2018 se disputó la final más esperada por el fútbol argentino: River vs Boca, en dónde por primera vez se enfrentaban estos dos eternos rivales en una final continental. River, sin Marcelo Gallardo en el banco de suplentes (suspendido) empataría el primer encuentro en La Bombonera solo con público de Boca (2-2). El segundo encuentro se disputaría en el Estadio Santiago Bernabéu el 9 de diciembre de 2018 con público de ambas parcialidades, debido a la suspensión del estadio Monumental por piedrazos de un pequeño grupo de la parcialidad de River hacia el ómnibus que transportaba a los jugadores de Boca, a 700 metros del estadio. A pesar de tener la desventaja deportiva de no jugar en su estadio y con su gente como estaba estipulado en un principio, River luego de empatar 1-1 en los 90 minutos se impondría con un contundente 3-1 en el tiempo suplementario consagrándose campeón de Copa Libertadores 2018. se convirtió en el técnico más exitoso de su club, al ganar la Recopa Sudamericana con un 3-0 sobre Athletico Paranaense en el Estadio Monumental (había perdido 1-0 en Brasil) con goles de Nacho Fernández, Lucas Pratto (de gran faena en todo el partido) y Matías Suárez.


title: Marcelo Gallardo

text: A finales de ese año finaliza subcampeón de la Copa Libertadores, luego de vencer en semifinales a Boca Juniors y perder la final con Clube de Regatas do Flamengo; y obtiene la Copa Argentina al vencer a Central Córdoba de Santiago del Estero. En el 2021, salió campeón del Campeonato de Primera División 2021, obteniendo 54 puntos, 7puntos más que el segundo Club Social y Deportivo Defensa y Justicia. Además en este torneo el goleador fue Julián Álvarez, clave para la obtención del campeonato. Al ser el campeón, clasificó al Trofeo de Campeones de la Superliga Argentina en el cual venció a Colón por 4-0 quien era defensor de la Copa de la Liga 2021 y sumó un nuevo título a su palmarés.


title: Marcelo Gallardo

text: El 13 de octubre de 2022 en una conferencia de prensa dada acompañado de varios directivos manifestaría que no va a continuar en el club millonario, diciendo que hará una breve pausa en su carrera de entrenador, tras finalizar su contrato en diciembre de ese año.


title: Marcelo Gallardo

text: El día domingo 24 de octubre de 2022, River Plate se enfrentaba a Racing Club en la fecha 27 de la Liga Profesional. Además de ser el último partido profesional de Marcelo Gallardo como entrenador de River Plate, también fue definitorio para la resolución del torneo local, ya que se jugaba en simultaneidad con Boca Juniors-Independiente. Boca Juniors (51 puntos) y Racing Club (50 puntos) se encontraban cabeza a cabeza en la definición por el título y en caso de que Boca empatase o pierda con su rival, Racing Club podía levantar el trofeo si vencía al equipo de Marcelo Gallardo. Ese día, River Plate venció a Racing Club por un 2 a 1 y permitió que su clásico rival se haga con el liderazgo de la Liga Profesional y consiga su 29avo torneo local, pese a que Boca había empatado con Independiente 2 a 2 y la coronación podía ser evitada si Racing se llevaba el triunfo en la Fecha 27. Marcelo Gallardo manifestó que priorizó la integridad y la dignidad de la institución por sobre evitar la coronación de su clásico rival.


title: Marcelo Gallardo

text: Gallardo jugó su primer partido en el seleccionado nacional argentino a los diecisiete años e integró los procesos de Daniel Passarella (Juegos Panamericanos 1995 y ) y Marcelo Bielsa (1998-2002), por lo que participó de los mundiales de Francia '98 y Corea-Japón 2002, aunque llegó lesionado al comienzo de ambos torneos. En el Mundial de Francia pudo jugar en las victorias argentinas frente a Jamaica, Croacia e Inglaterra por penales.


title: Jazz

text: El jazz (pron. en inglés, en español) es un género musical nacido a finales del siglo XIX en los Estados Unidos, que se expandió de forma global a lo largo del siglo XX.


title: Jazz

text: La identidad musical del "jazz" es compleja y no puede ser delimitada con facilidad. En primer lugar, aunque a menudo el término se use para hacer referencia a un idioma musical (tal como se hace, por ejemplo, cuando se habla de "música clásica"), el "jazz" es en realidad una familia de géneros musicales que comparten características comunes, pero no representan individualmente la complejidad de género como un todo; en segundo lugar, sus diversas "funciones sociales" (el "jazz" puede servir como música de fondo para reuniones o como música de baile, pero ciertos tipos de "jazz" exigen una escucha atenta y concentrada) requieren un ángulo de estudio diferente; y en tercer lugar, el tema racial siempre ha generado un profundo debate sobre el "jazz", moldeando su recepción por parte del público. Si bien el "jazz" es un producto de la cultura afroamericana, siempre ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales variando con la mezcla de culturas, y ya desde la década de 1920 ha sido ejecutado por músicos de diversas partes del mundo con un trasfondo muy diferente. En ocasiones se ha mostrado como paradigma del "jazz" la obra de músicos con más éxito comercial, que los aficionados y la crítica han considerado subproductos alejados de la tradición, entendiendo por el contrario, que el "jazz" es una forma de música negra, en la que los afroamericanos han sido sus mayores innovadores y sus más notables representantes.


title: Jazz

text: Entre los muchos intentos de delimitar y describir el complejo fenómeno del "jazz", el crítico y estudioso alemán Joachim-Ernst Berendt, en su obra clásica "El jazz: de Nueva Orleans al jazz rock", señala:


title: Jazz

text: El mismo autor continúa describiendo tres elementos básicos que distinguen el "jazz" de la música clásica europea:


title: Jazz

text: A lo largo de su historia, el "jazz" ha pasado de ser una simple música de baile popular a una forma de arte reconocida en todo el mundo. Paralelamente a dicho progreso, han cambiado también las actitudes hacia esta música: en 1924 un periodista del "New York Times" se refería a ella como «el retorno de la música de los "salvajes"», mientras que en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de América declaraba al "jazz" como un «destacado modelo de expresión» y como un «excepcional tesoro nacional». Se ha señalado que el motor de dicho progreso ha sido la innovación, una particularidad que siempre ha estado presente en la historia de esta música, dirigiendo su evolución y caracterizando la obra de sus artistas más destacados al lado de una rama más tradicionalista. Paralelamente a esta dicotomía entre la innovación y la tradición, el "jazz" se ha movido entre la obra de unos artistas que solo han buscado el reconocimiento de una pequeña pero selecta audiencia y otros que han dirigido sus esfuerzos a una audiencia más amplia.


title: Jazz

text: Aunque no parece existir un acuerdo definitivo en cuanto al origen y significado exactos del término "jazz", algunos historiadores sitúan su origen alrededor de 1912, e indican que procede de la jerga de los periodistas deportivos de la Costa Oeste de los Estados Unidos, quienes utilizaban el término en sus comentarios dedicados a la Pacific Coast League, una liga menor de baseball, para referirse a la energía y vitalidad de los jugadores del San Francisco Seals. El ejemplo más antiguo de este uso del término, encontrado por el bibliotecario de la Universidad de Nueva York George A. Thompson, Jr. en 2003, apareció en "Los Angeles Times" el 2 de abril de 1912, en una referencia al "pitcher" de Portland Beavers, Ben Henderson, donde este afirmaba:


title: Jazz

text: A partir de 1913, en una serie de artículos de E. T. "Scoop" Gleeson para el "San Francisco Bulletin", aparece ya el término "jazz" de forma más habitual, aplicado a la música. La referencia más antigua de su uso musical, corresponde al 3 de marzo de 1913 y en ella el término se utilizaba con un sentido negativo. Tres días más tarde, el 6 de marzo, Gleeson usó el término de forma más exhaustiva cuando al reseñar el tipo de música ejecutada por una orquesta del ejército, señaló que sus integrantes entrenaban a ritmo de "ragtime" y "jazz".


title: Jazz

text: Sin embargo, no fue hasta 1915, en Chicago, que el término comenzó a usarse completamente para definir un tipo de música. Para finales de 1916 y principios de 1917 el uso del término estaba ya bastante extendido. La primera vez que se utilizó la palabra "jazz" en Nueva Orleans (también escrita "jas" o "jass" en los comienzos) fue en el "Times-Picayune" el 14 de noviembre de 1916, un hecho que fue descubierto por el lexicógrafo Benjamin Zimmer, en 2009.


title: Jazz

text: No obstante, muchos estudiosos creen que el término tiene una raíz fanti (África occidental) y se refiere al acto sexual o relativo al amor.


title: Jazz

text: Medio siglo después de la fundación de la ciudad de Nueva Orleans, en 1764, Francia la cedió a España para recuperarla nuevamente en 1801. Dos años más tarde, en 1803, pasó a ser parte de Estados Unidos como consecuencia de la compra de la Luisiana. Por ello, los franceses y españoles, junto a alemanes, italianos, ingleses, irlandeses y escoceses contribuyeron en la formación de la escena cultural de la ciudad. La procedencia de los habitantes de raza negra era diversa, siendo mayoritariamente de la zona occidental de África o del Caribe. Es en este heterogéneo contexto cultural donde tuvo su origen la aparición de estilos musicales tan diversos como el "jazz", la música "cajun", el "zydeco" o el "blues".


title: Jazz

text: En muchas áreas del Sur de Estados Unidos el batir de tambores estaba prohibido por la ley y en zonas como Georgia se prohibió el uso de cualquier instrumento musical por parte de los esclavos. Sin embargo a comienzos del siglo XIX los festivales con música de tambores y danzas africanas se organizaban con frecuencia tanto en Nueva Orleans, en la Plaza del Congo, como en Memphis, Kansas, Dallas o San Luis. Se usaban instrumentos de percusión y de cuerda similares a los utilizados en la música africana indígena. Los esclavos solían tener el domingo libre y organizaban fiestas en la Plaza del Congo que se prolongaron aproximadamente hasta 1885, coincidiendo con el surgimiento de las primeras bandas de "jazz". Las canciones y danzas interpretadas eran en gran medida funcionales, ya fuese para el trabajo con canciones o gritos de campo, o para rituales. La característica principal era su gran riqueza rítmica. La tradición africana hacía uso de melodías simples y de técnicas de música de llamada y respuesta. Estos elementos no tardaron en combinarse con conceptos armónicos procedentes de la música europea. Los ritmos reflejaban patrones africanos y de las escalas pentatónicas surgieron las notas del blues, utilizadas posteriormente para sentar las bases del "blues" y el "jazz".


title: Jazz

text: Los estamentos eclesiásticos intentaron controlar la música de los esclavos obligando a las personas de raza negra a que cantasen salmos e himnos para «convertirles» a estilos musicales más europeos. En muchos casos, el efecto fue contrario. Alan Lomax, erudito de la música afroamericana, comentó: «Los negros habían africanizado los salmos a tal nivel que muchos observadores describieron los himnos de los negros como misteriosa música africana. En vez de actuar de forma individual, fusionaban las distintas voces, obteniendo increíbles armonías, en las que cada cantante hacía variaciones de la misma melodía. El resultado fue una música potente y original como el "jazz", pero profundamente melancólica, ya que la cantaba gente muy presionada».


title: Jazz

text: El "blues" es un género musical que apareció en la segunda mitad del siglo XIX en las ciudades del sur de Estados Unidos, directamente derivado de los "hollers" o "shouts" y las "work songs" de las plantaciones de algodón. Es una música, pues, de origen africano y carácter social. Al contrario que las antiguas canciones de trabajo o gritos de campo llenos de ritmo y disciplina, representaba el desahogo del intérprete, a quien permitía mostrar su dolor, opresión, deseos, etc. Ello ha llevado a algunos autores a considerar al "blues" como la primera música de origen africano plenamente americana.


title: Jazz

text: El etnomusicólogo Gerhard Kubik afirma que ciertos elementos del "blues" tienen sus raíces en la música de los países islámicos de la parte central y occidental de África:


title: Jazz

text: El "blues", como estructura musical, adoptó un formato de doce compases que depende de armonías tónicas y acordes dominantes y subdominantes, además de la utilización de la llamada nota de blues. Este formato era extraño para los músicos de tradición europea, sobre todo por la longitud del mismo. Pero los músicos de "blues", con sus raíces en las canciones de trabajo y otras músicas del tipo "call and response", estaban acostumbrados a estos patrones asimétricos.


title: Jazz

text: El papel del "blues" en la historia del "jazz" es esencial, conformándose como la «espina dorsal» de este. Como género desarrolló su propia historia y sus propios estilos, en ocasiones fusionados con el mismo "jazz", pero como «estructura compositiva» ha integrado el repertorio básico de todos los estilos de "jazz" que han existido.


title: Jazz

text: Los primeros músicos reconocidos de "blues" fueron Charlie Patton, Blind Lemon Jefferson, Son House, Robert Johnson o Leadbelly, entre otros. Robert Johnson sigue siendo el más conocido de los cantantes de "delta blues" del Misisipi, a pesar de que no llegó a vender muchos discos hasta su muerte en 1938.


title: Jazz

text: En el último tercio del siglo XIX, y debido a una serie de factores de tipo social y económico muy similares a los que darían lugar al nacimiento del "jazz" en Nueva Orleans, se desarrolló en la ciudad de San Luis, Misuri, un estilo musical, usualmente considerado como pianístico, que se conoció como "jig piano style" y, más tarde, a partir de 1879, "ragtime", es decir, "ritmo roto" o sincopado. Su consideración como música para piano deriva de las partituras publicadas a partir de 1897, que se editaban para ese instrumento, y del hecho de que, en una época en que no se realizaban aún grabaciones, los rollos de pianola permitían recoger las interpretaciones pianísticas. Pero, en realidad, se trató de un género ampliamente utilizado como música de orquesta. Respecto a su papel en la formación del "jazz" primigenio, suele considerarse como fundamental. El estilo pianístico se caracterizaba por el rígido y sólido marcaje del ritmo con la mano izquierda, mientras la derecha marcaba la melodía, de forma muy sincopada, con influencias de los ritmos de banjo de las plantaciones del sur de Estados Unidos Se trataba de una música "compuesta", esto es, no improvisada, y se nutría de formas clásicas como el minueto o el vals, organizadas en varias partes o secciones de 16 compases, cuya temática melódica podía ser totalmente independiente. Esto ha llevado a muchos autores a considerar que el "ragtime" es uno de los primeros ejemplos de música específicamente americana.


title: Jazz

text: La primera partitura de "ragtime" se publicó en 1897 y su autor era el músico blanco William H. Krell, aunque ya desde mucho antes se tocaban "rags" en los espectáculos de "minstrel", confundidos con frecuencia con los "cakewalks". Aunque en algunas ocasiones se incluye al "ragtime" en la línea directa del "jazz" como primera manifestación del mismo, «fue más bien una actividad complementaria que acabó siendo absorbida por el "jazz" según ambas músicas fueron desarrollándose». La gran figura del "rag" fue Scott Joplin, cuya forma de tocar se conoce por haber sido profusamente trasladada a rollos de pianola, aunque tocaba frecuentemente con bandas. Además de Joplin, pianistas de "ragtime" clásicos fueron Tom Turpin, James Scott, Louis Chauvin o Eubie Blake.


title: Jazz

text: Aunque en el periodo que va desde el final de la Guerra de Secesión hasta el fin del siglo XIX, ya existían algunas bandas que tocaban un "jazz" rudimentario, como las de los cornetistas Sam Thomas, Louis Ned, James L. Harris o Robert Baker o la banda que usualmente tocaba en el Kelly's Stables de Nueva Orleans, suele considerarse a Buddy Bolden como la primera gran figura y el iniciador del primer estilo definido de "jazz".


title: Jazz

text: Convencionalmente se denomina «estilo Nueva Orleans» a esta forma inicial del "jazz". Aún no se había desprendido de las influencias del "minstrel" y contenía todas las características propias del "hot". Las improvisaciones, en el sentido que hoy las conocemos, no existían. De hecho los solistas elaboraban largas variaciones melódicas sobre el tema principal (usualmente integrado por dos canciones diferentes), en tempos muy lentos o medios, nunca rápidos. Las bandas eran ambulantes y solían preferir interpretar espirituales, "ragtimes", marchas y cantos de origen afrocubano. El peso sonoro y conceptual de la música recaía en la corneta que era quien desarrollaba las melodías, apoyada por el trombón y el clarinete, que elaboraban variaciones improvisadas sobre la melodía base. Es lo que Peter Clayton llama «la Santísima Trinidad del "jazz" de Nueva Orleans». El resto de los instrumentos (usualmente banjo, tuba, caja y bombo, aunque paulatinamente fueron introduciéndose el contrabajo, el piano y la batería) tenían una función meramente rítmica. En ocasiones se usaba el violín como complemento en la sección de metales.


title: Jazz

text: Fue una escuela de bandas célebres, como la de Johnny Schenk (1893), la de John Robechaux (1895), la del cornetista Freddie Keppard (1900-1909), y otras de renombre histórico como la Onward Brass Band, la Eagle Band o la Tuxedo Brass Band del trompetista Papa Celestin, esta anterior al cambio de siglo. También estaban las bandas del cornetista Papa Mutt Carey, que se considera como el introductor de la sordina de «desatascador» ("plunger") y su típico efecto de "wah-wah", y que tenía a Sidney Bechet en el clarinete; la banda de Lorenzo Tio, o la Original Creole Orchestra, etc.


title: Jazz

text: A poco de comenzar el siglo XX, los blancos y criollos pobres del Delta del Misisipi comenzaron a interesarse por el "Hot" y su influencia produjo algunas variaciones en la forma de tocar de las bandas de Nueva Orleans: se desarrollaron más las improvisaciones, se agilizaron los tempos y se buscaron estructuras rítmicas menos "africanas". El nuevo estilo era "menos expresivo, pero con mayores recursos técnicos", con melodías más pulidas y armonías "limpias". Además, se introdujeron el piano y el saxofón, y se desarrollaron técnicas instrumentales nuevas, como el estilo "tailgate" de los trombonistas.


title: Jazz

text: Sus principales figuras fueron, en una primera época, el baterista Papa Jack Laine, que se reputa como el «padre del "Dixieland"»; el trompetista Nick La Rocca y sus Original Dixieland Jass Band; los Louisiana Five de Anton Lada; el trombonista Edward "Kid" Ory; o los "New Orleans Rhythm Kings" del cornetista Paul Mares. En la década de los 40, el Dixieland disfrutó de un poderoso "revival", obteniendo éxito mundial grupos como los Dukes of Dixieland, de los hermanos Frank y Fred Assunto, y aun hoy en día existen bandas con nombres como Tuxedo Jass Band u Onward Jazz Band.


title: Jazz

text: El cierre por las autoridades de Nueva Orleans del barrio de Storyville en 1917, supuso un importante contratiempo para la mayor parte de los músicos de "jazz" de la zona, pues en este distrito de ocio se concentraban casi todos los locales de música en vivo. Este hecho inició la gran migración de los músicos de "jazz" hacia las ciudades del norte, y especialmente hacia Chicago, que gozaba por entonces de una agitada vida nocturna, con una poderosa escena de "blues" y "ragtime", desde una década antes. King Oliver, Louis Armstrong, Sidney Bechet, Jelly Roll Morton o Johnny Dodds, entre otros muchos, se trasladaron a la «ciudad del viento» y grabaron allí sus primeros discos, a comienzos de la década de 1920.


title: Jazz

text: En Chicago se desarrolló un estilo más crudo y dinámico, con un lenguaje escueto y lacónico, desbrozado de adornos, económico en recursos, bañado «en una atmósfera exasperada, de un dinamismo acalorado, de una rígida tensión "hot"». El sonido perdió plasticidad al ajustarse la afinación por influencia de los músicos blancos y abandonarse la desincronización propia de la rítmica africana pero, por el contrario, se desarrolló enormemente el concepto de improvisación individual y las melodías paralelas, dejando los pasajes polifónicos para el ciclo final ("sock chorus"). El material temático tendió hacia un abandono de los "rags" y "stomps" y su sustitución por "blues" y canciones de influencia europea, con arreglos musicales escritos. De hecho, esta época es la de la explosión del llamado «blues clásico», con artistas como Bessie Smith, que se rodeaban de bandas de "jazz" en sustitución del tradicional acompañamiento de guitarra o piano solo.


title: Jazz

text: El estilo de Chicago se desarrolló como consecuencia de la conjunción de los músicos negros de Nueva Orleans y de jóvenes estudiantes y aficionados blancos que imitaban a aquellos, y supuso algunos cambios importantes incluso en la instrumentación típica, al comenzar a asentarse el saxofón. Un buen número de músicos de gran relevancia son representativos del estilo: Erskine Tate, Eddie Condon, Muggsy Spanier, Wingy Manone, Pee Wee Russell o, como figura más relevante, Bix Beiderbecke.


title: Jazz

text: Desde muy temprano, el "jazz" se introdujo también en Nueva York, inicialmente a través de los pianistas que tocaban "ragtime" y "boogie woogie" en los "honky tonks", como James P. Johnson, Willie "The Lion" Smith o Luckey Roberts, pero también gracias a bandas, como la de Jimmy Reese Europe o "The Memphis Students", dirigida por Will Dixon y Will Marion Cook, en época tan temprana como 1905. Algunos autores destacan también el papel que músicos como Nick La Rocca o el baterista Louis Mitchell, originario de Filadelfia, tuvieron en la extensión del "jazz" en la ciudad. Sin embargo, el verdadero estilo de Nueva York, o "High brow", como se le denominó en su momento, comenzó con la orquesta de Fletcher Henderson, en la que tocaron todas las grandes figuras del "jazz" de los años 1920. Sería precisamente Henderson quien mejor representó la nueva forma de tocar un tipo de "jazz" estilizado, menos localizado y más universal, «realizado sobre la base de una fórmula de transacción que estriba en orquestaciones preparadas de antemano y escritas para conjuntos cuyo número de instrumentos no hacía posible la polifonía "hot"». Pero la escuela de Nueva York dio un nombre de mayor proyección aún, Duke Ellington, procedente de Washington D. C., que alcanzó gran fama con sus sesiones en el Cotton Club de Harlem. Otros referentes importantes del estilo fueron Red Nichols y sus "Five Pennies", los McKinney's Cotton Pickers de William McKinney y Don Redman, así como la banda del pianista Sam Wooding o la del panameño de nacimiento, Luis Russell.


title: Jazz

text: El estilo de Nueva York, con el impulso que supuso a las "big bands", fue la corriente principal de desarrollo del "jazz" a finales de la década de 1920, desembocando en el "swing".


title: Jazz

text: En el último tercio de la década de 1920, los estilos de "two beat" habían agotado sus posibilidades de desarrollo, mientras que en Nueva York se estaba desarrollando una nueva forma de hacer "jazz", que se consolidó sobre todo como resultado de la migración masiva de músicos de Chicago hacia la "ciudad de los rascacielos". Las bandas de Fletcher Henderson, Duke Ellington, Jimmie Lunceford y Chick Webb, fueron las que marcaron el rumbo de este nuevo estilo cuya principal característica fue la formación de grandes orquestas, las "big bands". Además, aportaron elementos novedosos respecto de la tradición "hot": la conversión de los ritmos de dos tiempos ("two beat") a ritmos regulares de cuatro acentos rítmicos por compás; la utilización como recurso de tensión del "riff", frase corta repetida con crescendo final; la predominancia de pasajes melódicos interpretados "straight", es decir, conforme a partitura; la extensión del fenómeno del "solista"; la revalorización del "blues"; etc. Este proceso no se desarrolló exclusivamente en Nueva York, puesto que en otros lugares, como Kansas City tuvo lugar una evolución similar en "big bands" como las de Bennie Moten o Count Basie.


title: Jazz

text: El estilo toma su nombre de una de las características del nuevo "jazz": el "swing" como elemento rítmico. Se trató de una operación comercial de los agentes de Benny Goodman, que dirigía una de las bandas más populares de la época, al designarlo como "Rey del swing". Esto llevó al público, pero también a muchos críticos, a creer que "swing" era el tipo de música que hacía esta banda, consolidándose el nombre. Algunas de las bandas de la época alcanzaron un enorme éxito popular y de ventas, generando un subestilo comercial que, a la larga, acabaría por lastrar las posibilidades de desarrollo del "swing": Artie Shaw, Harry James, Glenn Miller, Tommy Dorsey... Sin embargo, no todas derivaron hacia ese camino, y algunas de ellas establecieron las bases de los grandes cambios conceptuales del "jazz" de la década de 1940: Woody Herman, Stan Kenton, Lionel Hampton o Jay McShann. En algunos casos, se desarrollaron escenas regionales con gran proyección y personalidad diferenciada, como es el caso del "Western swing" (que fusionó músicas de origen folclórico) y, en Europa, del llamado "jazz manouche", impulsado por Django Reinhardt.


title: Jazz

text: El "swing" fue, además, un estilo rico en grandes improvisadores, muchos de los cuales establecieron verdaderos cánones en sus respectivos instrumentos: Coleman Hawkins, Art Tatum, Chu Berry, Gene Krupa, Teddy Wilson, Fats Waller, Johnny Hodges, Benny Carter, Rex Stewart, Harry Edison y muchos otros. Fue también, paralelamente, un estilo que favoreció la proyección de los cantantes, especialmente de las cantantes femeninas: Ella Fitzgerald, Ivy Anderson (que permaneció casi doce años en la banda de Ellington, a partir de 1932), Billie Holiday, June Christy, Anita O'Day, Lena Horne o Peggy Lee. Algunos de estos instrumentistas fueron determinantes en el proceso de evolución que llevó desde el "swing" al "be bop" y al "cool", destacando entre ellos el trompetista Roy Eldridge y el saxofonista Lester Young.


title: Jazz

text: Tras la era del "swing", el "jazz" era conocido y apreciado en todo el mundo, reconocido incluso por compositores clásicos de la talla de Stravinsky. Sin embargo, el término "swing" gozaba de mala reputación entre los músicos: se consideraba que solo los profesionales de menor talento se dedicaban a este tipo de música comercial, de modo que los músicos más «serios» —como Duke Ellington— se estaban alejando del estilo. El declive de las "big bands" de "swing" dio lugar a un nuevo tipo de música radicalmente diferente, cuyos únicos rasgos en común consistían en una instrumentación similar y en el interés por la improvisación. Todo esto transcurrió en medio de notables protestas iniciales. Tommy Dorsey, por ejemplo, declaró que el Bebop había hecho retroceder veinte años a la música y Louis Armstrong, quien rara vez tomaba partido en polémicas de este tipo, llegó a decir que se trataba de acordes disonantes.


title: Jazz

text: Los músicos "bebop" ponían el acento en el papel del solista, cuyo papel ya no era el de "entertainer" de épocas pasadas, sino un artista creador al servicio solo de su propia música. La síncopa característica del "swing" quedaba destinada a favorecer la interpretación de las melodías; la sección rítmica se simplificaba, relegándola únicamente al contrabajo —que crecía en importancia— y a la batería, —que dejaba a un lado su antiguo papel de mero metrónomo—, incrementando con ello la libertad de bajistas y bateristas; se introdujeron disonancias, polirritmos, nuevas paletas tonales y fraseos más irregulares; se abandonó la melodía en favor de la improvisación, y el formato de "big band" por el de combo, formado por muy pocos músicos; y se adoptó, incluso un "look" característico en el que no podía faltar sombrero, gafas de sol y perilla.


title: Jazz

text: El nacimiento del estilo tuvo lugar en 1941 cuando Dizzy Gillespie, Milt Hinton, Charlie Parker, Thelonious Monk y Kenny Clarke se reunieron en el Minton's Playhouse de Nueva York para una serie de conciertos informales. Dizzy Gillespie fue uno de los líderes del movimiento, con un estilo trompetístico que resumía perfectamente las características de la nueva música y una serie de temas que entraron a formar parte enseguida del repertorio básico de los músicos "bop", como «A Night In Tunisia» o «Salt Peanuts». Charlie Parker fue el otro gran padre del "bebop" introduciendo un nuevo lenguaje de improvisación, extendiendo el aspecto melódico y el rango rítmico del "jazz" hasta ese momento, y con un estilo emocional y sorprendente que quedó inmortalizado en clásicos como «Yardbird Suite», «Ornithology», «Donna Lee», «Billie's Bounce» o «Anthropology», entre otros muchos.


title: Jazz

text: Otros músicos de importancia dentro del estilo fueron los saxofonistas Dexter Gordon, quien adaptó el estilo de Parker con el alto al saxo tenor, y Sonny Stitt; el trompetista Fats Navarro; los trombonistas J. J. Johnson —quien adaptó el lenguaje "bop" al trombón—, Benny Green o Kai Winding; los pianistas Bud Powell, Thelonious Monk, Lennie Tristano, Oscar Peterson, Ahmad Jamal, George Shearing, Erroll Garner, Herbie Nichols o Tommy Flanagan; los bajistas Oscar Pettiford o Paul Chambers; los bateristas Kenny Clarke o Max Roach; o la cantante Sarah Vaughan. En el campo de las "big bands", algunas de ellas, como las de Charlie Barnett, Woody Herman, Lionel Hampton o Stan Kenton, supieron adaptar su sonoridad a las nuevas exigencias, y otras, como la de Earl Hines establecieron puentes entre el viejo y el nuevo sonido. Solo algunas lograron convertirse en verdaderas "big bands" de "be-bop", como es el caso de las orquestas de Boyd Raeburn, Billy Eckstine y Dizzy Gillespie.


title: Jazz

text: El nacimiento formal del movimiento "cool" tuvo lugar en 1948 con la grabación del álbum "Birth of the Cool" de Miles Davis (no publicado hasta 1954), todo un manifiesto autodefinitorio y una de las grabaciones más influyentes de la historia. El nuevo estilo se derivaba directamente del "bebop", pero resultaba una música más cerebral, que tenía como principal objetivo el establecimiento de una atmósfera "calma" y "meditativa". El "cool jazz" resultó particularmente popular entre músicos blancos como Lennie Tristano, en parte por su alejamiento de las raíces africanas del "jazz", pero también encontró un hueco entre las preferencias de músicos negros que estaban pasando de ser simples "entertainers" a adoptar un papel más activo y serio en la búsqueda de su identidad musical.


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text: Miles Davis, quien había comenzado su carrera con Charlie Parker, dio inicio al movimiento con "Birth of the Cool" (1948), el primero de una serie de álbumes —"Walkin" (1954), "Miles" (1955), "Cookin"', "Relaxing", "Working" o "Steaming", todos de (1956), "Milestones" (1958)— que sentaban las bases del estilo, hasta la edición del legendario "Kind of Blue" (1959), considerado una obra maestra del género y que ha sido el disco más vendido de la historia del jazz. The Modern Jazz Quartet —originalmente la sección rítmica de Dizzy Gillespie, integrada por Milt Jackson, John Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke— publicó "Modern Jazz Quartet with Milt Jackson" (1953), "Modern Jazz Quartet Volume 2" (1953), y "Django" (1956), donde presentaban sus elegantes composiciones, en el límite entre lo barroco y lo jazzístico. Gunther Schuller fue el iniciador oficial del "third stream", una corriente que establecía un puente entre la música clásica y el "jazz", que tiene como ejemplo paradigmático su "Jazz Abstractions" (1959), y que cuenta también entre sus principales representantes a Bob Graettinger. Gil Evans produjo "Gil Evans and Ten" (1957), "Out of the Cool" (1959), o "Into The Hot" (1961), Bill Evans —junto a Scott LaFaro y Paul Motian— introdujo un nuevo sonido en el trío de "jazz" influenciado por la música clásica europea, y George Russell sobresalió como intérprete de temas modales. Otras figuras destacables fueron el vibrafonista Teddy Charles, el pianista Ran Blake o la imaginativa cantante Betty Carter.


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text: En esa misma época, en la Costa Oeste, la evolución del "jazz" se desarrolló por caminos menos influenciados por los músicos neoyorquinos de "bebop", directamente herederos de Lester Young y de la evolución que habían tenido "big bands" como las de Woody Herman, Conrad Gozzo, Stan Kenton o Wardell Gray. El nuevo estilo, que acabaría conformándose como la línea principal de desarrollo del "cool", fue impulsado especialmente por músicos como Howard Rumsey, Shorty Rogers o Shelly Manne, y generó obras que tuvieron una enorme repercusión comercial, como es el caso de "Time Out", de Dave Brubeck y Paul Desmond, que se convirtió en el primer disco de "jazz" en vender más de un millón de copias, gracias al tema «Take Five». También obtuvo un importante éxito comercial Stan Getz, otro de los líderes del movimiento "cool", que procedía de las orquestas de Stan Kenton, Benny Goodman y Woody Herman y que terminaría popularizando la "bossa nova", con sus discos "West Coast Jazz", "Early Autumn" (1948) y "Quartets" (1950), mientras que Lee Konitz es considerado por algunos críticos como la quintaesencia del músico "cool". Gerry Mulligan, otro de los principales representantes de esta corriente, editó "Mulligan Plays Mulligan" (1951), "Gerry Mulligan Quartet" (1952), y "Mulligan Quartet" (1952); Art Pepper grabó "Discoveries" (1954), "Art Pepper Quartet" (1956), "Meets the Rhythm Section" (1957) y "Omega Alpha" (1957); Jimmy Giuffre lanzó "Jimmy Giuffre 3" (1956) o "Western Suite" (1958); Chet Baker publicó "Grey December" (1953), "Chet Baker & Strings" (1954) o "Chet Baker Sextet" (1954); Chico Hamilton grabó "Spectacular" (1955), "Quintet In Hi Fi" (1956) o "Mr Jo Jones on Quintet" (1956); Jim Hall, por último, destacó por un sonido limpio y tranquilo —justo la antítesis de Charlie Christian— que anticipaba la llegada de un tipo de "jazz" más suave y relajado.


title: Jazz

text: Como reacción ante el intelectualismo del "bebop", los músicos del "hard bop" reivindicaron el retorno del "jazz" a sus orígenes, con especial acento en la energía y la espontaneidad de la música. El elemento rítmico quedaba reforzado, y los solos, derivados del lenguaje de los músicos "bebop", adquirieron más fuerza y vitalidad, conformando una música agresiva e intensa. De hecho, el adjetivo "hard" («duro») tiene en esta expresión la connotación de «intenso». Tuvo especial incidencia entre los músicos de la Costa Este, y está especialmente vinculado a los músicos negros de las ciudades de los Grandes Lagos, como Chicago o Detroit. A ellos, "les gustaban las improvisaciones a pleno pulmón, los sonidos cálidos, las frases de ángulos puros, los ritmos explosivos". Para muchos autores, el "hard bop" fue una relectura del "bebop" "en pro de una vía que se abría a la prosecución de una tradición ininterrumpida en la que las raíces más profundas seguían teniendo un peso específico importante".


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text: Max Roach fue uno de los iniciadores del movimiento, junto a Art Blakey o Sonny Rollins. Destacaron asimismo los saxofonistas Cannonball Adderley, Phil Woods, Tina Brooks, Hank Mobley, Joe Henderson, Pepper Adams, Benny Golson o Jackie McLean; los trompetistas Woody Shaw, Lee Morgan, Freddie Hubbard, Donald Byrd, Blue Mitchell, Art Farmer o Clark Terry; los pianistas Mal Waldron, Bobby Timmons, Horace Parlan o Duke Pearson; la vocalista Abbey Lincoln; el guitarrista Kenny Burrell; los contrabajistas Reginald Workman, Paul Chambers y Charles Mingus; el batería Pete La Roca; o las "big bands" de Thad Jones o Maynard Ferguson.


title: Jazz

text: Íntimamente relacionado con el "hard bop", se desarrolló un estilo de tocar el "jazz" basado en la utilización de estructuras "blues" en tempo lento o medio, con un "beat" firme y sostenido, con emoción interpretativa, que se llamó inicialmente "funky" y, después, "soul jazz". Un subgénero que exhibía al Hammond B3 y a sus pioneros (Wild Bill Davis, Jimmy Smith o Jimmy McGriff) como protagonistas, y que hundía sus raíces en los trabajos de músicos como Horace Silver, Junior Mance, Les McCann, Gene Harris, Ramsey Lewis o Ray Charles.


title: Jazz

text: Otras figuras destacables del género fueron los organistas Brother Jack McDuff, Shirley Scott, Charles Earland, Larry Young o Richard "Groove" Holmes; los guitarristas Wes Montgomery y Grant Green; o los saxofonistas Stanley Turrentine, Willis "Gator" Jackson, Eddie "Lockjaw" Davis, David "Fathead" Newman, Gene Ammons, Houston Person, Jimmy Forrest, King Curtis, Red Holloway, Eddie Harris y Hank Crawford.


title: Jazz

text: En los primeros años de la década de 1970, sellos como CTI Records, hicieron de este estilo, ya muy evolucionado, seña de identidad propia, consiguiendo importantes ventas con algunos de sus artistas, como George Benson, Grover Washington, Jr., Eumir Deodato o Johnny Hammond, que abrieron el camino a fusiones más comerciales que desembocaron en el "smooth jazz".


title: Jazz

text: El "bop" evolucionó muy rápidamente durante la década de los cincuenta y algunos músicos (George Russell o Charles Mingus entre ellos) desarrollaron, a partir de los conceptos de intuición y digresión que había anunciado la música de Lennie Tristano, formulaciones similares a las que ya se habían dado en la música clásica en los años veinte, con la irrupción, por ejemplo, de la atonalidad en el "jazz" de los años sesenta. Está generalmente aceptado por la crítica que, al margen de los antecedentes ya citados, el "free jazz" toma carta de naturaleza en 1960, con la publicación del disco homónimo de Ornette Coleman y su doble cuarteto, que supone una revolución estilística en el "jazz", pero «no solamente eso, sino una puesta en crisis, una relectura y una superación virtual de todo lo que había sido el "jazz", cuestionando los fundamentos socio-culturales tanto como su desarrollo histórico». Coleman había ya editado anteriormente algunos discos que anticipaban esta explosión, como "The Shape of Jazz to Come" o "This Is Our Music", ambos para Atlantic Records.


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text: El "free jazz" prescindió de elementos hasta entonces esenciales en el "jazz", como el "swing", el fraseo o la entonación, abriéndose además a influencias de músicas del mundo y politizándose de forma muy ostensible. En los primeros años sesenta se asistió a una, aparentemente, irresistible ascensión del "free jazz" que, paralelamente, recibió una ingente cantidad de rechazos resumibles en una sola frase: «Esto no es música». Críticas que, por otra parte, provinieron no solo del público o de periodistas especializados, sino de músicos de jazz, como Roy Eldridge o Quincy Jones. A mediados de la década, prácticamente todos los músicos jóvenes de "jazz" estaban influidos por el "free". Cecil Taylor, Eric Dolphy y Don Cherry fueron los principales iniciadores de esta línea, pero a ellos se sumaron Carla Bley, Mike Mantler, Muhal Richard Abrams, Dollar Brand, Anthony Braxton, Marion Brown, Jimmy Giuffre, Eddie Gomez, Charlie Haden, Steve Lacy, Yusef Lateef, Gary Peacock, Sun Ra, Archie Shepp, Sonny Sharrock, Manfred Schoof y John Surman, entre otros. A mediados de la década, el "free jazz" se había convertido en una manera de expresión ricamente articulada que abarcaba todas las temáticas y comandaba todas las vías de desarrollo del "jazz". Sin embargo, a partir de 1967 comenzó a apreciarse una clara recesión del favor del público respecto del "free jazz".


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text: Un cierto número de músicos de "bop" habían desarrollado conceptos de improvisación más avanzados a finales de los años 1950, realizando un «"jazz" modal» directamente impulsado por figuras como Miles Davis o, muy especialmente, John Coltrane ya a comienzos de la década de 1960. Sus «sábanas de sonido», según bautizó el crítico Ira Gitler al sonido del cuarteto del saxofonista, abrieron el camino a un estilo que se ha dado en llamar "post-bop". Este adaptó a las experiencias "hard bop" un buen número de las innovaciones que había traído el "free jazz", convirtiéndose en la línea de desarrollo principal ("mainstream") del "jazz" moderno, hilo conductor hasta llegar al "neo bop" o "neo-tradicionalismo" de los años 1980, encabezado por Wynton Marsalis. Salvo excepciones, como Bill Evans, el sello discográfico Blue Note recogió a los principales músicos del estilo: Wayne Shorter, McCoy Tyner, Herbie Hancock o Lee Morgan.


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text: El lanzamiento en 1970 de "Bitches Brew", un álbum de Miles Davis que contaba con Tony Williams, Ron Carter, Herbie Hancock, Wayne Shorter o John McLaughlin, entre otros, supuso una nueva revolución en el sonido del "jazz", introduciendo una instrumentación y unos esquemas rítmicos más cercanos al "rock" y marcando el inicio de un nuevo género que recibiría posteriormente la denominación de "jazz fusion". La influencia de los grupos de "rock" que estaban experimentando con el "jazz" en la época (Soft Machine, Blood, Sweat & Tears, Colosseum, Caravan, Nucleus, Chicago y, sobre todos ellos, las distintas formaciones de Frank Zappa), terminó de perfilar un género que daría lugar posteriormente a otros muchos subestilos, siendo particularmente evidente en aspectos como la instrumentación de las nuevas bandas de "jazz rock" —que reemplazaron el contrabajo por el bajo eléctrico y donde la guitarra o el órgano abandonaban la sección rítmica para situarse como instrumentos solistas de pleno derecho— o en la mayor importancia de los grupos respecto a sus miembros, otra característica heredada del mundo del "rock".


title: Jazz

text: Uno de los primeros representantes de la nueva corriente del "jazz rock" fue Gary Burton, quien, con la ayuda de Steve Swallow, Larry Coryell y Roy Haynes, había empezado a experimentar con ritmos de "rock" en "The Time Machine" (1966), y había introducido elementos "country" en "Tennessee Firebird", editado ese mismo año. Tony Williams, quien se había hecho famoso en el quinteto de Miles Davis, ya había editado bajo su nombre "Life Time" (1964) y "Spring" (1965) antes de poner en marcha su Lifetime, una banda que contaba originalmente con Larry Young y John McLaughlin y que se convertiría en uno de los grupos más relevantes del género. Herbie Hancock no tardó en erigirse como uno de los máximos representantes del género a la cabeza de su grupo The Headhunters —una banda que, inspirada en los ritmos "funky"-psicodélicos de Sly Stone, logró el mayor éxito de ventas de la historia del "jazz" con su álbum homónimo editado en 1973—, mientras que Chick Corea hizo lo propio con sus Return To Forever, originalmente con Flora Purim, Joe Farrell, Stanley Clarke y Airto Moreira. Keith Jarrett publicó "Gary Burton & Keith Jarrett" en 1970, e hizo incursiones en el latin jazz en "Expectations" (1971), mientras que McCoy Tyner colaboró con músicos como Bennie Maupin, Bobby Hutcherson, Gary Bartz, Wayne Shorter, Alice Coltrane o Ron Carter en "Expansions" (1968), "Cosmos" o "Extensions", ambos de 1970. Desde el área del "free jazz", músicos como Charlie Haden, Carla Bley, Michael Mantler o Paul Motian se encontraban elaborando una música compleja y personal, con raíces muy diversas e influencias muy heterogénas.


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text: El guitarrista Larry Coryell fue otro de los pioneros del "jazz rock", con su participación en el álbum de 1966 "Out of Sight And Sound", del grupo "Free Spirits". El álbum marcó el inicio de una serie de grabaciones bajo su nombre que culminarían en "Introducing The Eleventh House" (1974), primer disco de una banda —The Eleventh House— que se situaría entre las más famosas de los grupos de "jazz rock" de la década de 1970. Weather Report, formado originalmente por Joe Zawinul, Wayne Shorter, Miroslav Vitous, Airto Moreira y Alphonso Mouzon no solo se convirtió en el grupo más importante del movimiento, sino —según Piero Scaruffi— en uno de los dos grupos más importantes de la historia del "jazz". La banda obtuvo un considerable éxito desde sus inicios, pero la llegada del bajista Jaco Pastorius en 1976 supuso un nuevo empuje para la agrupación, que con álbumes como "Black Market" (1976) o "Heavy Weather" (1977) alcanzó un notable éxito comercial. John McLaughlin recogió el testigo del "revival" del blues que había tenido lugar en el Reino Unido con grupos como The Rolling Stones o Cream, pero tras editar un primer álbum bajo su nombre ("Extrapolation", 1969) con John Surman y Tony Oxley, fue convocado por Miles Davis para la grabación de "Bitches Brew". Su "My Goal's Beyond", de 1971 muestra ya abiertamente la pasión del músico por la música hindú, un interés que desarrollará con la Mahavishnu Orchestra a lo largo de la década en álbumes como "The Inner Mountain Flame" (1971) o "Birds of Fire" (1972), y, especialmente con Shakti, una banda que contaba con la participación de músicos hindúes.


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text: El baterista y pianista Jack DeJohnette es otra figura clave del movimiento, con una serie de álbumes —"Have You Ever Heard" (1970), "Collect" (1974), "Untitled" (1977)...— con los que quiso efectuar una nueva lectura de los clichés del "jazz rock" y en los que participaron músicos como John Abercrombie o David Murray. Gary Bartz había debutado con "Libra" (1967), un álbum en el que mostraba su estilo enraizado en la tradición del "bebop" y sus cualidades como compositor, pero tras reemplazar a Wayne Shorter en el grupo de Miles Davis, formó sus "NTU Troop" en 1970, para publicar un disco ("Harlem Bush Music - Taifa", de 1970) en el que presentaba una música enérgica, con elementos del "soul", del "funk", del "jazz" y del "rock". Billy Cobham —que había participado en Dreams junto a Randy y Michael Brecker y a John Abercrombie, y que también había pasado brevemente por el grupo de Miles Davis— editó "Spectrum" y "Crosswinds" en 1973, y "Total Eclipse" en 1974, todos ellos álbumes importantes en la historia del subgénero. John Abercrombie debutó discográficamente en 1974 con "Timeless", con Jack DeJohnette y Jan Hammer para seguir editando álbumes en la misma línea con músicos como Marc Johnson, Peter Erskine, o Dave Holland. Los hermanos Randy y Michael Brecker formaron en 1975 The Brecker Brothers, para editar una música de gran complejidad a medio camino entre el "hard bop" y el "funky" antes de emprender sus respectivas carreras en solitario.


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text: Oregon publicó en 1972 un primer álbum —"Music of Another Present Era"— que mostraba una sofisticada combinación de "jazz", música clásica, improvisación, complejidad compositiva y elementos étnicos. Lonnie Liston Smith editó en 1973 su "Astral Travelling", primer disco de una banda —The Cosmic Echoes— que pronto derivaría hacia el "funky soul" con álbumes como "Expansions" (1974). Steps Ahead, un supergrupo de virtuosos con Mike Mainieri a la cabeza publicó su primer trabajo —"Step By Step"— en 1980, el mismo año que Ronald Shannon Jackson publicó "Eye on You" con su grupo Decoding Society; o que Joseph Bowie, hermano de Lester, publicó ""Defunkt"" primer álbum de su banda homónima.


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text: Jean Luc Ponty fue el responsable de llevar el violín a la era de la electrónica, desde el comienzo de su carrera al lado de Frank Zappa en fecha tan temprana como 1968, pasando por sus colaboraciones con John McLaughlin y culminando en su carrera en solitario con álbumes como "Upon The Wings Of Music", de 1975. El bajista y violonchelista Ron Carter había publicado "Uptown Conversation" (1969) con el contrabajo como protagonista, antes de editar "Piccolo" (1977), un álbum en el que empleaba el bajo piccolo, un híbrido entre el contrabajo y el chelo. El virtuoso checo Miroslav Vitous destacó también en el contrabajo en álbumes como "Infinite Search" (1969), o "Purple" (1970), pero fue Stanley Clarke el encargado de poner el bajo eléctrico en el punto de mira de los aficionados, con "Stanley Clarke" (1974) y "School Days" (1976). Jaco Pastorius fue, sin embargo el gran revolucionario de ese instrumento, tanto en sus tempranas colaboraciones con Pat Metheny ("Bright Size Life", 1976) o Weather Report ("Heavy Weather", 1977) como, sobre todo, con su debut en solitario que, lanzado en 1976 con el título de "Jaco Pastorius", fue el disco que, no solo popularizó el bajo "fretless", sino que lo situó como uno de los instrumentos más expresivos del jazz fusión. Destaca igualmente, en una línea muy "funky", el bajista Jamaaladeen Tacuma ("Show Stopper", 1983). Otras figuras importantes, dentro de un estilo de fusión que proviene del "free jazz" e incorpora elementos de la música "third stream", fueron el contrabajista David Friesen ("Color Pool", 1975), Collin Walcott (percusionista de Oregon y uno de los músicos más innovadores en su instrumento), el saxofonista John Klemmer ("Touch", 1975), los pianistas Art Lande ("Red Lanta", 1973), y Steve Kuhn ("Ecstasy", 1974), y el bajista Steve Swallow ("Swallow", 1991).


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text: Tras la gran influencia de guitarristas de "jazz" más "mainstream" de las décadas de 1950 y 1960, como Joe Pass, Wes Montgomery y Barney Kessel, entre otros, la guitarra eléctrica había alcanzado gracias a la influencia del "rock" una popularidad sin precedentes, que no tardó en verse reflejada en el mundo del jazz fusión con la aparición de un buen número de músicos, que la veían como el instrumento dominante en la escena del "jazz", tal y como el saxofón lo había sido en épocas anteriores. Sonny Sharrock ("Black Woman", 1969; "Monkie-Pockie-Boo", 1970) o James Blood Ulmer ("Revealing", 1977) se encuentran entre los primeros representantes de esta corriente, al igual que Ralph Towner ("Diary", 1973), el guitarrista de la banda Oregon. Hacia mediados de la década de 1970, el guitarrista de The Crusaders, Larry Carlton, aportó el sonido de la guitarra "rock" más duro a una banda original y esencialmente jazzística, y Pat Metheny había publicado en 1976 su "Bright Size Life" con Jaco Pastorius y Bob Moses, un disco que tenía a la guitarra eléctrica como principal protagonista pero que, también, introducía el bajo eléctrico en el sonido del "jazz", y mostraba el estilo naturalista y original, típicamente «blanco», al igual que Carlton, que Metheny desarrollaría en posteriores álbumes ya con su banda Pat Metheny Group ("Group" 1978; "American Garage", 1979). El japonés Kazumi Watanabe grabó una serie de afamados discos, que se inició con "Endless Way" (1975), mientras que John Scofield, que había colaborado con Billy Cobham y Charles Mingus, editó su primer trabajo en solitario en 1977, con el título "East Meets West". El virtuoso Al DiMeola, publicó también sus primeros trabajos a mediados de la década ("Land Of The Midnight Sun", 1976; "Elegant Gipsy", 1977), al igual que Steve Tibbetts ("Steve Tibbets", 1976; "Yr", 1980), Steve Khan ("Tightrope", 1977; "The Blue Man", 1978) y Mike Stern, que asentaría su carrera a comienzos de la década siguiente, al lado de Billy Cobham y de Miles Davis (1981-1983).


title: Jazz

text: En el ámbito europeo destacaron los británicos Neil Ardley, Mike Westbrook, Mike Gibbs, Kenny Wheeler, John Surman, Keith Tippett, Elton Dean, Basil Kirchin o el grupo Nucleus; los noruegos Jan Garbarek y Terje Rypdal; el danés Niels-Henning Orsted-Pedersen; los alemanes Wolfgang Dauner, Joachim Kühn y Eberhard Weber; el italiano Enrico Rava; el polaco Michal Urbaniak; o el ruso Serguéi Kuriokhin.


title: Jazz

text: En los primeros tiempos del "jazz" ya se produjo una temprana incorporación de elementos latinos a la música "hot". De hecho, los ritmos de habanera, calinda, contradanza o fandango eran usuales en la música de Nueva Orleans. La presencia de elementos latinos se mantuvo en el "jazz" de los años 20 y 30, aunque sin la intensidad necesaria para gestar una verdadera fusión. Sin embargo, a mitad de los años 1940, la influencia cubana sobre el "bop" generó un estilo de fusión cuyo mejor exponente fueron la big band de Machito, y los trabajos de Dizzy Gillespie, que integraban elementos característicos del "bebop" con ritmos afrocubanos. De todos los estilos que surgieron tras la era del "swing", el latin jazz ha sido uno de los que ha disfrutado de mayor popularidad, y sus esquemas básicos no han cambiado demasiado a lo largo de su historia, a través del trabajo —por citar solo a tres de las más importantes— de las orquestas de Tito Puente, Poncho Sánchez o Mario Bauzá.


title: Jazz

text: A partir de mediados la década de 1960 y, especialmente, durante los años 1970, este estilo de fusión con músicas latinas, se asentó de forma definitiva en la escena del "jazz". Dentro de la amplia denominación de "jazz latino", suelen incluirse músicas tan diferentes como las de origen brasileño ("bossa nova", especialmente), las de origen cubano y otras de fusión con otras músicas de carácter latino (y de forma especial, el tango). Entre los muchos artistas que han desarrollado su obra en las distintas variantes de este género, cabe citar, dentro del "jazz" de fusión de origen brasileño, a Flora Purim, Airto Moreira, Charlie Byrd, Antonio Carlos Jobim, Joao Gilberto, Baden Powell, Hermeto Pascoal, Dom Um Romão, Egberto Gismonti o Claudio Roditi. Y, en el entorno de la fusión de "jazz" con la música afro-cubana y portorriqueña, encontramos a Irakere, Arturo Sandoval, Ray Barretto, Emiliano Salvador, Cal Tjader, Chico O'Farrill, Mongo Santamaría, Cándido, Sabú Martínez, Chano Pozo, Chucho Valdés, Steve Turre o Paquito D'Rivera, además de pianistas como Hilton Ruiz, Gonzalo Rubalcaba y Michel Camilo, en los que el elemento latino se incorpora de forma indistinguible a su origen "post-bop".


title: Jazz

text: Mucho más apegados a los estilos tradicionales cubanos, incluso a la salsa, encontramos a músicos como Willie Bobo, Cachao, Carlos "Patato" Valdes, Tata Güines, Willie Colón, Jesús Alemany o Francisco Aguabella, además de orquestas que históricamente tuvieron una gran proyección comercial, como las de Xavier Cugat y Pérez Prado. Fuera del mundo antillano, destacan músicos que han desarrollado trabajos de acercamiento entre el "jazz" y músicas tradicionales de otros lugares de América latina: Astor Piazzolla (con sus discos en solitario o con Gerry Mulligan), Gato Barbieri, Osvaldo Tarantino, Alex Acuña..


title: Jazz

text: El estilo ha dado origen a lo largo de los años a toda una serie de subgéneros relacionados entre los que se encuentran el "boogaloo", el "jazz" cubano, el "jazz" brasileño y, por encima de todos en popularidad y proyección, la "bossa nova".


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text: A mediados de la década de 1970 el "soul jazz" y el jazz de fusión experimentaron un viraje hacia terrenos más comerciales que tuvo como protagonistas a destacados músicos de "jazz" como George Benson. Benson había iniciado su carrera como guitarrista al lado del organista Jack McDuff, en 1964, y tras haber registrado una serie de aclamados discos en la tradición "bop" se situó, desde mediados de la década de 1970, como un fenómeno comercial con álbumes como "Breezin" (1976) o "Give me the Night" (1980), en los que primaba su faceta como cantante. Chuck Mangione, desde una perspectiva similar, se especializó en baladas orquestales que integraban a partes iguales elementos "bebop" con melodías ligeras inspiradas en el pop más comercial, inaugurando en discos como "Bellavia" o "Chase the Clouds Away" (1975) el sonido característico de lo que luego se conocería como "smooth jazz". Al Jarreau había comenzado una prometedora carrera como cantante de "jazz" con "We Got By" (1975), pero pronto derivó hacia la interpretación de baladas "soul" y "jazz"-pop de índole más comercial ("Jarreau", 1983). The Yellowjackets, por su parte, exhibía un sonido a medio camino entre el "jazz" fusión más experimental de Weather Report y el pop-"soul" más comercial ("Mirage a Trois" [1982], "Samurai Samba" [1983]). También ya en los años 1980, la banda Spyro Gyra obtuvo un éxito comercial sin precedentes con una música que mezclaba elementos del pop ligero, el "soul" y el jazz fusión, jugando un papel importante al familiarizar al público no aficionado con los sonidos del "jazz".


title: Jazz

text: El "smooth jazz" se desarrolló a partir de una reelaboración más comercial del legado que habían dejado los músicos de "fusión", caracterizándose por el uso frecuente de sintetizadores; por un ritmo ligero y sin pretensiones, de bases "funky"; por un sonido elegante y alejado de la racionalidad del "bebop" o de la energía del "soul jazz" o del "funk"; y donde el aporte general de la banda importaba más que cada uno de sus elementos por separado. Entre otros artistas que han trabajado en el género cabe destacar a David Sanborn, Russ Freeman, Bob James, Ben Sidran, Larry Carlton, Najee, Eric Marienthal, Jeff Lorber, Candy Dulfer o Fattburger.


title: Jazz

text: El "jazz" flamenco tiene su origen a finales de la década de 1950, de cuando datan los primeros experimentos, como el "Hamp's Flamenco", de Lionel Hampton (1957) o los que Charles Mingus grabara en 1957 en su "Tijuana Moods" (aunque no vería la luz hasta 1962). A partir de la década de 1960 surgieron otras propuestas de fusión con el flamenco de parte de artistas como Miles Davis ("Sketches of Spain", 1960; "Flamenco Sketches", incluido en "Kind of Blue", 1959) o John Coltrane ("Olé", 1961). Sin embargo, en España hubo de esperar hasta 1967, año en que el saxofonista Pedro Iturralde editó su "Jazz Flamenco" (MPS), un disco que contaba con la colaboración de Paco de Lucía y que se considera usualmente como la obra fundacional del género. Discos como "My Spanish Heart" de Chick Corea (1976) o "Friday Night in San Francisco", una grabación de 1980, en trío, de los guitarristas Al DiMeola, John McLaughlin y Paco de Lucía, abundaban en la idea de la fusión de ambos géneros, dentro de una corriente de renovación en el flamenco, que después se denominó nuevo flamenco, un concepto que De Lucía reelaboró en sus trabajos con el sexteto integrado por él mismo, su hermano Pepe de Lucía, Ramón de Algeciras, Carles Benavent, Rubem Dantas y Jorge Pardo ("Live... One Summer Night", 1984). A partir de mediados de esa década, Benavent, Dantas y Pardo iniciaron sus carreras en solitario, ayudando a consolidar un estilo donde no tardaron en aparecer trabajos de figuras del jazz español y el flamenco, como Joan Albert Amargós, El Potito, Antonio Carmona, Chano Domínguez, Ángel Rubio, Guillermo McGill, Gerardo Núñez, Jerry González, Juan Manuel Cañizares, Agustín Carbonell "El Bola", Perico Sambeat o Javier Colina, artistas que continúan explorando el camino abierto por Davis, Coltrane, Iturralde y Paco de Lucía más de medio siglo atrás.


title: Jazz

text: En el resto del mundo distintos músicos de tradiciones muy diversas continúan elaborando fusiones estilísticas que a menudo tienen al "jazz" como coprotagonista. Esta orientación parte en la década de 1950, con artistas como Dizzy Gillespie, Dollar Brand, Sun Ra o Yusef Lateef, y se afianza, más tarde, a finales de los años 1960 y en la década de 1970, cuando Don Cherry, John McLaughlin, Don Ellis o Andy Narell comenzaron a fusionar elementos étnicos tales como instrumentación, armonías o ritmos, de distintas procedencias (África, la India, Bulgaria, Francia, Brasil, Japón, la Polinesia, Marruecos, el Caribe...), en trabajos donde la improvisación característica del "jazz" tenía un lugar importante.


title: Jazz

text: Esta familia de géneros de «fusión étnica», cuya cercanía al "jazz" varía de un artista a otro, suele agruparse dentro del término generalista "world music", denominación que incluye además otros estilos poco o nada relacionados con el jazz. Entre los artistas que han desarrollado su trabajo en esta línea, además de los citados, se encuentran Shakti, Babatunde Olatunji, Zakir Hussain, Paul Winter, David Amram, Rabih Abou-Khalil, Anouar Brahem, Paul Horn, Lou Harrison, Codona, Harry Partch, Trilok Gurtu, Manu Dibango, Lakshminarayanan Shankar, Alpha Blondy, Strunz & Farah, Toshinori Kondo, M'Lumbo, Elek Bacsik, Najma Akhtar, Richard Bona o Hugh Masekela.


title: Jazz

text: El auge del «neo-tradicionalismo» que tuvo lugar con la llegada de la década de 1980 marcó el punto más alto de la crisis que había afectado al "jazz" desde la popularización masiva del "rock", en la década de 1960. El "jazz" representaba para los negros norteamericanos la alternativa popular a la música clásica, pero en el momento en que comenzó a derivar, primero hacia el "free jazz" y luego hacia las distintas fusiones que tuvieron lugar en la década de 1970, fue alejándose cada vez más de sus orígenes, entrando en una crisis de identidad que a finales de esa década aún no había sido resuelta. En ese período el término "jazz" se solía identificar simplemente con la música instrumental, los músicos blancos estaban logrando más éxito que los negros y el panorama creativo en general era bastante desalentador. Sin embargo, la llegada de los neo-tradicionalistas cambió el orden de las cosas: en lugar de abanderar una nueva revolución en el género, reivindicaron una vuelta a sus orígenes trasladando los términos del debate desde la dicotomía "free jazz"/jazz fusión al debate entre los defensores de la pureza del estilo (neo tradicionalismo) y los partidarios de su evolución.


title: Jazz

text: Scott Hamilton, con su "A Is a Good Wind Who Is Blowing Us No Ill" (1977) inauguró el "revival" del "jazz" clásico, el mismo año en que se publicó el primer disco del quinteto V.S.O.P., liderado por Herbie Hancock. Una vuelta a los principios del "bop", que se vio continuada en la obra de los pianistas Kenny Barron, Joanne Brackeen, Jessica Williams, Mulgrew Miller, Fred Hersch, Marcus Roberts o Brad Mehldau; de los saxofonistas Ernie Krivda, Joe Lovano, Bobby Watson, Dave Liebman, Joshua Redman, James Carter o Courtney Pine; de los trompetistas Jack Walrath, Tom Harrell, Terence Blanchard, y Roy Hargrove; o del trombonista Steve Turre.


title: Jazz

text: Mención aparte merece Wynton Marsalis, el principal representante de una saga familiar de Nueva Orleans que se inicia en la obra de Ellis Marsalis, padre del anterior (y de Brandford, Delfeayo y Jason, todos ellos destacados músicos de "jazz"), y un importante educador que tuvo entre sus alumnos más destacados a Terence Blanchard, Donald Harrison, Harry Connick, Jr., Nicholas Payton, o a Kent y Marlon Jordan, entre otros. La llegada a la escena de Wynton Marsalis, considerado por la crítica como el músico de "jazz" más famoso desde 1980, supuso la inauguración del movimiento de los "Young Lions" (jóvenes leones), un movimiento que tuvo como resultado la contratación por parte de las grandes compañías discográficas —incluso de aquellas que nunca habían mostrado interés alguno en este tipo de música— de los jóvenes talentos del "jazz". Con un conocimiento enciclopédico de la tradición de su instrumento, Marsalis ha sido criticado por su papel conservador como director de la Lincoln Center Jazz Orchestra, una banda dedicada a preservar la identidad musical del "jazz" de los afroamericanos, pero también ha destacado por su papel de divulgador de la cultura del "jazz", y como introductor de nuevos talentos.


title: Jazz

text: A mediados de la década de 1980 surgió en Nueva York el colectivo M-Base, un grupo de músicos inspirados por las ideas armónicas de Ornette Coleman cuyas obras giraban en torno al "free jazz" y al "funk", con elementos procedentes de la música, la filosofía y la espiritualidad del África Occidental. Entre los representantes más destacados del colectivo se encuentran los saxofonistas Steve Coleman, Gary Thomas y Greg Osby; el trompetista Graham Haynes; el trombonista Robin Eubanks; el guitarrista Jean-Paul Bourelly; los pianistas Geri Allen y Jason Moran; la bajista Meshell Ndegeocello; o la cantante Cassandra Wilson.


title: Jazz

text: En 1988 aparece, de la mano del DJ británico Gilles Peterson (dedicado en esa época a editar remezclas de clásicos del "jazz" con bases "hip hop") el término "acid jazz", aplicado a un nuevo estilo musical que integraba elementos del "jazz", del "funk" y del "hip hop". El término pasó a ser el nombre de una discográfica creada por el mismo Peterson para dar salida a grupos del estilo y, finalmente, se impuso como denominación del propio género. Entre sus primeros representantes se encuentran el guitarrista Charlie Hunter o el trío Medeski Martin & Wood, pero no tardaron en surgir derivaciones más enfocadas a las pistas de baile como Stereo MCs, James Taylor Quartet, Brand New Heavies, Groove Collective, Galliano, Incógnito o el exitoso Jamiroquai. Otras bandas importantes del movimiento fueron Mondo Grosso, United Future Organization, The Jazz Warriors, Count Basic, o el guitarrista Ronny Jordan, que desarrollaron el grueso de su discografía ya entrada la década de 1990.


title: Jazz

text: En 1975 el guitarrista norteamericano William Ackerman había acuñado el término "new age" para definir un estilo de música instrumental de corte atmosférico, cuyo origen se podía rastrear en las fronteras del "jazz" con la música clásica, el "folk", e incluso con la música psicodélica, la electrónica y las filosofías orientales. La nueva música, dirigida a un público acomodado y urbano, era una música genuinamente blanca, cuyo centro neurálgico se situaba en la Costa Oeste de los Estados Unidos.


title: Jazz

text: Ya Tony Scott con su "Music For Zen Meditation" (1964) y Paul Horn ("In India", 1967), entre otros, habían experimentado con la fusión del "jazz" con las tradiciones musicales de oriente, pero el género tuvo que esperar hasta mediados de la década de 1970 para que músicos como Mark Isham o David Darling comenzaran a trazar sus líneas definitivas, que quedaron bien establecidas a lo largo de toda la década siguiente en la obra de George Winston, Michael Hedges, Daniel Kobialka, Michael Jones, David Lanz, Liz Story, Mark Nauseef, Glen Vélez, Rob Wasserman o el grupo Shadowfax.


title: Jazz

text: Desde mediados de la década de 1970 la ciudad de Nueva York estaba experimentando una "nueva ola" de creatividad musical, tanto en el mundo del "rock" como en el mundo del "jazz" y la música de vanguardia. La revolución neoyorquina nacía de diversas raíces, y la cuestión racial era una de ellas: los músicos blancos lideraban el movimiento, y los músicos negros habían sido apartados "de facto" tanto de la escena de la música "rock" como de la clásica. El "jazz" se había cruzado anteriormente con otras músicas negras —el "blues", el "funk", el "soul"...—, pero hasta entonces no lo había hecho con estilos como el "rock" o la música clásica de vanguardia, tradicionalmente dominadas por músicos blancos. La revolución neoyorquina cambió el orden de las cosas.


title: Jazz

text: Entre los primeros músicos en catalizar toda esta serie de elementos estuvieron el saxofonista John Zorn; el guitarrista Elliott Sharp, cuyas composiciones son un ejemplo de síntesis de disonancia, repetición e improvisación; Eugene Chadbourne, que integraba elementos del "jazz" de vanguardia con la música blanca de origen rural; el guitarrista Henry Kaiser ; el violoncelista Tom Cora; el guitarrista irlandés Christy Doran; el baterista Joey Baron; y otros muchos músicos de la misma generación.


title: Jazz

text: La revolución neoyorquina se dejó sentir tanto en el tipo de material en el que los músicos se estaban embarcando como en el tipo de técnicas que empleaban para improvisar, recogiendo influencias de todo tipo y fusionándolas sin limitaciones conceptuales. Así, el saxofonista Ned Rothenberg se estableció entre la primera línea de las nuevas generaciones de improvisadores. Otros músicos, como el trombonista Jim Staley, o Tom Varner, un virtuoso del corno francés, se situaron entre los más originales de su generación. Mucho más conocido, el guitarrista Bill Frisell asimiló en su obra influencias del "jazz" y del "rock", pero también del "folk", de la música de las "marching bands" o incluso de la música eclesiástica. Solistas como el violonchelista Hank Roberts, o Mike Shrieve (exbaterista de Santana) pusieron también su capacidad integradora en primera línea.


title: Jazz

text: La segunda mitad de la década de 1990 conoció un "revival" de la música para las "big bands", una tendencia que se había originado en la década anterior, en la obra de músicos como el bajista Saheb Sarbib o el cornetista Butch Morris. El teclista Wayne Horvitz desarrolló su idea del «"jazz" progresivo de cámara», mientras que el veterano multinstrumentista Marty Ehrlich recogía la influencia del "jazz" tradicional, la improvisación, la música ligera y la música clásica de vanguardia, y la estadounidense María Schneider, alumna de Gil Evans, resucitó el estilo de su maestro en diversos álbumes para orquesta.


title: Jazz

text: Durante la década de 1990 la ciudad de Chicago se convirtió en un foco de creatividad musical donde surgieron figuras de interés como la pianista Myra Melford, que había debutado en 1984. El saxofonista Ken Vandermark ofreció "Big Head Heddie" en honor a Thelonious Monk y al gurú del "funk" George Clinton, antes de embarcarse en una carrera singular en la que experimentaría con distintos formatos y aproximaciones. El violonchelista Fred Lonberg-Holm, pupilo de Anthony Braxton se unió a la nueva ola de improvisadores creativos, mientras que el saxofonista/clarinetista Scott Rosenberg, otro alumno de Braxton, expandió el vocabulario del "jazz" con una cierta anarquía polifónica, ya en los albores del siglo XXI.


title: Jazz

text: Antes de finalizar la última década del siglo XX, apareció en la escena de Nueva York una nueva generación de jóvenes músicos que encontraron en la improvisación el elemento clave de su música: la arpista Zeena Parkins, el flautista Robert Dick, el trompetista Toshinori Kondo, o el guitarrista Alan Licht. Otros, como el pianista Uri Caine o el trompetista Dave Douglas, exploraron la relación entre el "hard bop", el "free jazz" y la música clásica.


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text: A finales del siglo XX el legado del "free jazz" era muy visible entre la comunidad negra de músicos de "jazz", particularmente en la escena de Nueva York, donde destacaban nombres como el saxofonista David Ware, el irreverente trombonista Craig Harris, o el pianista Matthew Shipp, quien coqueteaba con el "hip hop". El clarinetista de formación clásica Don Byron había hecho su aparición en la escena neoyorquina a principios de la década de 1990, al igual que el saxofonista Roy Nathanson o el trombonista Curtis Fowlkes, ambos exmiembros de Jazz Passengers. Por último, el grupo B Sharp Jazz Quartet insertó su obra entre el "hard bop" y el "free jazz".


title: Jazz

text: Más allá de las fronteras de Nueva York, continuaban apareciendo en los últimos años del siglo pasado una serie de artistas, que desarrollarían el grueso de su trabajo —en el que reelaboraban los conceptos establecidos por generaciones de "jazzistas" anteriores de múltiples y creativas maneras— ya en el nuevo siglo. Por ejemplo, el bajista Michael Formanek había debutado en 1990, y el argentino Guillermo Gregorio o el canadiense Paul Plimley, ya habían editado discos a mediados de la misma década. El yugoslavo Stevan Tickmayer, por su parte, colideró The Science Group, un intento de fusionar la música de cámara con la improvisada. Otros músicos destacados de esta primera generación del nuevo siglo, son Greg Kelley, y el violinista canadiense Eyvind Kang, uno de los más eclécticos músicos de su generación También a comienzos de los años 2000, aparecieron los discos de confirmación de músicos como el trombonista Josh Roseman, el contrabajista Ben Allison, el saxofonista David Binney, o el pianista Jason Lindner, todos ellos norteamericanos. Destacan también los trabajos del francés Erik Truffaz y del trompetista israelí Avishai Cohen.


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text: La revolución que había traído consigo la música electrónica ejerció también su influencia en el desarrollo del "jazz", que asistió al surgimiento de una nueva generación de improvisadores, que venían de la tradición del "free jazz" pero que recogían la influencia de la vanguardia clásica y de la electrónica: Ben Neill, el guitarrista y teclista Kevin Drumm, el percusionista suizo Günter Müller, o Miya Masaoka, de origen japonés pero nacida en Washington D. C.. Otros creadores, como Tyondai Braxton, o el trompetista noruego Nils Petter Molvær, experimentaron con la manipulación de "loops" orquestales y, caso también de Greg Headley, manipularon electrónicamente los sonidos de sus instrumentos mientras que, por último, grupos como Triosk efectuaron contribuciones importantes en la misma dirección.


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text: En el campo del jazz rap, que ya se había desarrollado bastante en las últimas décadas del siglo XX, y comienzos del XXI, se produce una gran cantidad de obras, por parte de grupos y músicos provenientes del hip hop, como Kanye West, Crown City Rockers, Nujabes, A Tribe Called Quest, Madlib, el dúo inglés The Herbaliser, o los franceses Hocus Pocus, entre otros.


title: Jazz

text: Una de las mayores diferencias entre el "jazz" y la música clásica europea tiene que ver con la formación del tono: mientras que los distintos integrantes de una sección de instrumentos en la orquesta clásica aspiran a obtener el mismo sonido de sus instrumentos, de forma tal que puedan ejecutar los pasajes del modo más homogéneo posible, los músicos de "jazz" aspiran a lograr un sonido propio que los distinga del resto. El criterio no es ya la «pureza» de sonido que buscan los músicos clásicos, sino lograr expresividad con el instrumento, y así se puede decir que en el "jazz" la expresión está por encima de la estética. Esta característica explica que muchos aficionados al "jazz" sean capaces de distinguir quién está tocando tras las primeras notas, un fenómeno que suele asombrar a los no iniciados.


title: Jazz

text: El fraseo de "jazz" tiene sus particularidades: Kid Ory, por ejemplo, solía tocar melodías circenses y de marchas militares, pero su característico sonido convertía su música en "jazz", mientras que Stan Getz poseía un sonido similar al de los saxofonistas clásicos, pero su fraseo y el tipo de melodías que solía ejecutar hacían de él un músico de "jazz". El fraseo en el "jazz" tiene su origen en la música de los esclavos africanos en los campos de trabajo, caracterizada por el esquema básico de "call-and-response" («pregunta-respuesta»), y también en el modo que los negros americanos tenían de tocar los instrumentos clásicos europeos.


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text: Por otra parte, se ha discutido con frecuencia sobre la cuestión racial en el "jazz". Roy Eldridge, por ejemplo, afirmó poder distinguir a los músicos blancos de los negros, pero en una prueba a ciegas a la que fue sometido falló constantemente. Con independencia de cualesquier consideraciones, lo cierto es que músicos negros y los blancos han colaborado a menudo con resultados muy positivos (Fletcher Henderson y Benny Goodman; Neal Hefti y Count Basie), que algunos músicos negros como Charlie Mingus han estado al frente de la vanguardia experimental reservada comúnmente a los músicos blancos, y que algunos músicos blancos, como Gerry Mulligan o Al Cohn han señalado constantemente la importancia de elementos típicamente negros como el "swing" o el "blues".


title: Jazz

text: La improvisación es una de las características definitorias del "jazz". Se trata de un concepto muy antiguo, que se remonta a la obra de grandes compositores clásicos como Johann Sebastian Bach, quien improvisaba a menudo sobre las armonías de sus obras. Aunque los primeros ejecutantes de "jazz" no sabían nada acerca de los compositores clásicos, el "jazz" adoptó rápidamente la idea, convirtiéndose desde su nacimiento en una música esencialmente improvisada, donde los músicos parten de unos esquemas previos y de sus conocimientos y habilidades adquiridas a través de sus años de estudios para ejecutar solos improvisados sobre la estructura armónica de los temas. Un solo es, por definición, una pieza musical ejecutada por un instrumentista con o sin acompañamiento, y en algunas obras didácticas se dice que la habilidad para ejecutar un buen solo se asemeja a la habilidad para contar una historia, donde no importa solo «lo que se dice», sino también «cómo» se dice. Para crear un solo, los músicos necesitan conocer algunos elementos básicos, como la estructura de acordes del tema sobre el que están ejecutando el solo, la función que cada acorde juega dentro de la estructura armónica del tema o las escalas que se derivan de cada uno de los acordes que componen el tema, y luego deben integrar todos esos elementos con la melodía, que servirá en muchos casos como "guía" para el solista. Además deben disponer de los conocimientos y la experiencia necesarios para poder interpretar toda esa información, lo que en la práctica significa conocer a fondo el lenguaje del "jazz" y de sus distintos dialectos: "jazz" tradicional, "swing", "bebop", "hard bop" y las innovaciones rítmicas y armónicas que tuvieron lugar después.


title: Jazz

text: La mayoría de los temas de "jazz" desde la era del "bebop" en adelante están basados estructuralmente en la forma de alegro de sonata de la teoría clásica: una introducción opcional, la exposición del tema (que a veces se repite), una sección de desarrollo y el final, seguido opcionalmente por una coda. En la terminología del "jazz", tales secciones reciben comúnmente los siguientes nombres:


title: Jazz

text: Aunque no todos los temas de "jazz" se ajustan a esta forma, la inmensa mayoría de ellos sí lo hacen. Durante la sección de solos, la sección rítmica (comúnmente formada por piano, contrabajo y batería) continúa tocando los acordes de la progresión armónica del tema para que los solistas improvisen por turnos sobre ella. Cada vez que se llega al último de los acordes se vuelve de nuevo al primero, para iniciar una nueva "rueda" de acordes ("chorus", en inglés) que será aprovechada por el mismo solista para ampliar su solo, o por otro distinto para tomar su turno.


title: Jazz

text: Dentro de este esquema básico, las dos estructuras más comunes entre los "standards" de "jazz" son el "blues" y el esquema AABA. La mayoría de los temas de "blues" son variaciones del esquema básico de "blues" de doce compases, mientras que el esquema AABA, muy popular no solo entre los temas de "jazz" sino también en todo tipo de música popular desde principios del siglo XX hasta la llegada del "rock'n'roll", consiste en dos secciones:


title: Jazz

text: Estas estructuras son solo dos de las más conocidas y empleadas por los músicos de "jazz", que suelen utilizarlas como guía para la improvisación. No obstante, a lo largo de la historia, distintos músicos "free" como Cecil Taylor han demostrado que es posible crear "jazz" sin necesidad de atenerse a este tipo de estructuras formales.


title: Jazz

text: Puede parecer que el arreglo y la improvisación son dos aspectos contradictorios, pero en realidad los arreglos se han estado utilizando en el "jazz" desde la época de Nueva Orleans, no como un obstáculo a la improvisación, sino como una ayuda a la creatividad. Cuando existen arreglos, el músico solista sabe a qué atenerse, y de hecho, algunos de los más grandes improvisadores de la historia, como Louis Armstrong, exigían tocar siempre con arreglos. Por otra parte, Fletcher Henderson, el primer gran arreglista de "jazz" de la historia, concedía gran importancia a la improvisación en su orquesta, así como Jelly Roll Morton o Duke Ellington, otro de los más grandes arreglistas del "jazz". Los arreglos en el "jazz" estuvieron presentes ya desde su surgimiento, en la obra de artistas como King Oliver, Clarence Williams o los ya citados Louis Armstrong y Jelly Roll Morton, así como en otras agrupaciones de Nueva Orleans y de "dixieland".


title: Jazz

text: A diferencia de la música clásica europea, en el "jazz" el arreglo no está siempre escrito, y muchos arreglistas y directores musicales tienen la costumbre de discutir oralmente con sus músicos los arreglos antes de la ejecución de la banda. El "head arrangement", un término que se utiliza desde la década de 1930, se refiere a este fenómeno, y conceptualmente se sitúa entre la improvisación y el arreglo escrito propiamente dicho. A lo largo de la historia del "jazz" el arreglo —como la improvisación— ha sufrido una serie de transformaciones que lo han llevado desde la música de Charlie Parker o Miles Davis hasta las complejidades del "free jazz", con su énfasis en el carácter improvisado de la música. Las distintas tomas del mismo tema que Parker registraba en el estudio eran tan diferentes entre sí que podían considerarse piezas nuevas, y John Lewis, del Modern Jazz Quartet subrayaba la conexión entre el trabajo de un arreglista y el de un compositor de "jazz", conexión sobre la que se extiende Berendt:


title: Jazz

text: Para poder tocar su música, el intérprete de "jazz" necesita disponer de una serie de conocimientos teóricos y armónicos que son fruto a menudo de un largo período de formación —sea autodidacta, sea en escuelas de "jazz"—, o de la experiencia práctica adquirida en "jam sessions". La teoría básica en el "jazz" comienza con la teoría de intervalos y la formación de tríadas y cuatríadas que se deriva de ella, así como sus inversiones. La escala mayor y sus siete modos —el jónico, el dórico, el frigio, el lidio, el mixolidio, el eólico y el locrio— forman parte también de la teoría básica que debe dominar por completo un músico de "jazz", al igual que el círculo de quintas. Entre las progresiones armónicas más comunes en el "jazz" se encuentran:


title: Jazz

text: Otro aspecto importante en la teoría del "jazz" es la relación acorde-escala, es decir, la correspondencia que se establece entre los acordes que componen la progresión armónica de un tema y las escalas que el músico emplea para improvisar sobre ellos. En este sentido, las cuatro escalas más importantes, de las que se derivan la mayoría de las armonías utilizadas por los compositores de "jazz" son la escala mayor, la escala melódica menor, la escala disminuida y la escala de tonos enteros, y el conocimiento de todas ellas, así como de sus modos es una parte importante del aprendizaje de todo músico de "jazz". Otras aportaciones importantes son las escalas "bebop" —modos jónicos, dóricos y mixolodios de la escala mayor y la escala melódica menor con una nota de paso añadida—, las escalas pentatónicas mayores y menores, las distintas variaciones armónicas del "blues" y, por último, los "rhythm changes", un esquema armónico estándar basado en la progresión armónica del clásico «I Got Rhythm», de George Gershwin.


title: Jazz

text: La rearmonización, por otro lado, es una técnica que los músicos de "jazz" emplean frecuentemente para reinterpretar un tema, dándole un toque más interesante y personal. Consiste, básicamente, en cambiar los acordes del tema que se está ejecutando, sustituyéndolos por otros distintos sin alterar en exceso la melodía y el espíritu original del tema. Para rearmonizar un tema pueden seguirse distintas estrategias:


title: Jazz

text: En la práctica, dos de las técnicas más comunes para ello son la rearmonización de un acorde dominante por una progresión II-V, y la sustitución por tritono