title: Mötley Crüe

text: 24 canciones son grabadas en demos, incluyendo un rap-metal «Monsterous» que se rumoreó saldría en la banda sonora de «Ghostbusters II» (finalmente fue editada 10 años después en "Supersonic & Demonic Relics") y cuyo coro se inspiró en «El Mago de Oz», melodía que se le pegó a Nikki durante semanas; otros rumores decían que el álbum se llamaría «Sex, Sex, and Rock 'n' Roll». Un demo de casi 10 minutos llamado «Say Yeah» fue inspirado en un extraño caso de suplantación de Nikki por parte de un tal Matthew Trippe. Una pieza instrumental de Mick que incluía piano, chelo, flauta, guitarra y batería también fue tanteada para ser incluida en el álbum. Otros títulos hechos demo fueron «Stop Pulling My Chain», «Brotherhood», «Too Hot to Handle», «Rodeo» y la bluesy «Get It For Free», esta última inspirada en la historia de una chica que supuestamente vendía biblias de puerta en puerta, pero al final ella era la mercancía.


title: Mötley Crüe

text: Un día Nikki llama a los Skid Row que estaban de gira por la ciudad para preguntarles que hacían. Como le respondieron que solo estaban viendo televisión, Nikki los invitó al estudio a cantar una canción, «Time For Change». También hicieron alguna jam session con Cheap Trick en un show local y acabaron también por invitarlos a grabar con ellos. Una noche tranquila donde Nikki, Tommy y Bob van a cenar termina en un altercado en el restaurante, marco perfecto para escaparse y que Nikki llamara a su dealer. Lo que Nikki y Tommy planearon como una noche loca de sexo, drogas y libertinaje termina cuando Bob Rock se los lleva a la fuerza al estudio.


title: Mötley Crüe

text: Con una buena cantidad de temas grabados, los «Crüe» piensan en editar dos álbumes consecutivos, ya que estaban prohibidos por Elektra de lanzar un doble álbum. Nikki incluso pensaba llamar al segundo volumen «"The Ballads"», aunque su lanzamiento dependería finalmente del éxito o fracaso de su primer volumen.


title: Mötley Crüe

text: En agosto, Doc McGhee consigue colocar a Mötley Crüe dentro del Moscow Music Peace Festival, organizado por Make a Difference Foundation, una entidad destinada a combatir la drogadicción y el alcoholismo entre los jóvenes, y que sirve de marco además para conmemorar los 20 años de Woodstock. Scorpions, Bon Jovi, Skid Row, Ozzy Osbourne, Cinderella y Gorky Park se unen al festival. Aunque se suponía que el concierto era «Anti-Drogas», todas las bandas participantes excepto Mötley Crüe (en aquel entonces recién rehabilitados) las consumían. Esta fue una dura tortura para los «Crüe» recién salidos de rehabilitación, ellos no tomaban una sola gota de alcohol y no debían hacerlo, pero el avión que llevaba a todas las bandas a Moscú, el famoso «Magic Bus», parecía un bar con alas.


title: Mötley Crüe

text: El 12 de agosto, en el Estadio Olímpico Lenin de Moscú, se presenta Mötley Crüe ante 141,000 personas en su primera presentación pública en sobriedad y su primer concierto en casi 20 meses. Su arrollador set de 30 minutos se ve ligeramente opacado por los pleitos tras bambalinas. Mötley Crüe se niega primero a tocar antes que Bon Jovi, quienes harían un set de 95 minutos, pero acceden debido a la inmensa popularidad de Bon Jovi en aquel entonces en la ex-URSS. Ozzy Osbourne armó un berrinche similar e incluso estuvo a punto de retirarse a escasos minutos de subir a escena. Él tocaba incluso antes que Mötley Crüe, solo por encima de Gorky Park y Skid Row. Afortunadamente el «Madman» fue convencido y movido de posición en el cartel en el segundo día; esta vez tocó después de Mötley quienes a su vez fueron favorecidos con un set de 45 minutos para el concierto del día 13. Al final de este concierto, Skid Row junto con Mötley Crüe y Jason Bonham (hijo del fallecido John Bonham, baterista de Led Zeppelin), interpretaron la clásica canción «Rock and Roll» de la legendaria banda Led Zeppelin. Durante este tiempo los «Crüe» eran reconocidos mundialmente como grandes músicos. En especial Nikki y Tommy, quienes año tras año ganaban los premios de revistas reconocidas como "Circus Magazine" y "Hit Parader".


title: Mötley Crüe

text: Los problemas no terminaron ahí. El acuerdo de todas las bandas fue que no hubiera pirotecnia en ninguno de los dos días del festival, pero sí lo hubo, Bon Jovi la usó al final del segundo día. Tommy Lee se enardeció y golpeó a McGhee reclamándole esa preferencia para sus nuevos representados Bon Jovi. La cosa es que al regresar a Los Ángeles, McGhee es despedido y reemplazado por Doug Thaler como nuevo mánager.


title: Mötley Crüe

text: El 28 de agosto el primer título sencillo del nuevo álbum «Dr. Feelgood» es editado con «Sticky Sweet» como lado B. Este tema se convierte en el primer sencillo de Mötley Crüe en entrar en el Top Ten, llegando al puesto 6, permaneciendo por 16 semanas en el ranking, la permanencia más larga hasta entonces de un sencillo de Mötley. Su respectivo videoclip fue filmado en un gigantesco hangar en Pomona, California, en un ambiente similar a la película "Scarface". «Sticky Sweet» fue la última canción grabada para el álbum, siendo su letra supuestamente escrita en el estudio en menos de un minuto.


title: Mötley Crüe

text: Finalmente, el 1 de septiembre de 1989 es editado el álbum "Dr. Feelgood", donde Mötley Crüe alcanzó su máxima popularidad. Con un costo de aproximadamente 600 mil dólares, cuenta con la participación de Skid Row, Cheap Trick, Aerosmith, Jack Blades (Night Ranger) y Bryan Adams, a quien Tommy conoció en un strip club mientras grababan el disco. El diseño de la portada iba a tener a la mascota del grupo Allister Fiend dibujado como un doctor loco sosteniendo una jeringuilla gigante. El diseño final de la daga y la serpiente enroscada fue hecho por el artista del tatuaje de Sunset Strip Kevin Brady, quien también diseñó el nuevo logo del grupo. La introducción del disco «T.n'.T. (Terror n' Tinseltown)», se hizo grabando a algunos oficiales de ambulancia hablando por sus «walkie-talkies», y conduciendo sus ambulancias hacia adelante y hacia atrás en el estacionamiento del estudio de grabación.


title: Mötley Crüe

text: Para el cumpleaños número 27 de Tommy, el 3 de octubre, este recibe una llamada telefónica de Ray DiMano del sello Elektra diciéndole que "Dr. Feelgood" había alcanzado el número 1 en el chart de álbumes. Dos días después tocan en un concierto de calentamiento para su próximo tour europeo de 150 minutos en el Whisky A Go Go, bajo el seudónimo de «Foreskins», que también es usado para la filmación de su siguiente vídeo «Kickstart My Heart». Llegaron al lugar en una vieja ambulancia conducida por el cómico Sam Kinison, ahí tocaron su primer concierto en club después de varios años.


title: Mötley Crüe

text: El 14 de octubre de ese año se convirtió en su único álbum No. 1 y se mantuvo en el Top 100 de "Billboard" por 109 semanas después de su lanzamiento y se vendieron más de 6 millones de copias en Estados Unidos. Con la salida al mercado de "Dr. Feelgood", los miembros de la banda dieron total rienda suelta a su amor por los tatuajes. Nikki Sixx se decoró un brazo y mitad del otro, de igual manera los demás miembros se hicieron famosos por sus legendarios tatuajes. Un ejemplo de ello es el famoso escorpión en la mano derecha de Mick Mars, el cual, según el guitarrista, le ayuda a ejecutar los ritmos más electrizantes en la guitarra.


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text: El esperado y pospuesto Tour europeo desde 1987 arrancó el 14 de octubre de 1989 en Essen, Alemania, con Skid Row de teloneros. Pocos días antes que este culminara en Escocia reciben otra grata noticia, el sencillo alcanzó el estatus de disco de oro y el álbum de doble disco de platino por vender 2 millones de copias sólo en los Estados Unidos.


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text: De este álbum se extrajeron 5 grandiosos y exitosos sencillos, «Dr. Feelgood», «Kickstart My Heart», «Without You», «Same Ol' Situation (S.O.S.)» y «Don't Go Away Mad (Just Go Away)». De esta manera la banda produjo varios álbumes exitosos durante los años 1980, incluyendo "Shout at the Devil" en 1983, "Theatre of Pain" en 1985, "Girls, Girls, Girls" en 1987 y "Dr. Feelgood" en 1989, esto significó la mejor década para Mötley Crüe en cuanto a éxito y ventas.


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text: Las canciones «Dr. Feelgood» y «Kickstart My Heart» fueron nominadas para el Grammy en la categoría de «Mejor interpretación de hard rock». La banda encontró un cierto éxito en los American Music Awards. El álbum "Dr. Feelgood" fue nominado dos veces en la categoría de «Álbum Favorito de Heavy Metal/Hard Rock», perdiendo contra "Appetite for Destruction" de Guns N' Roses, pero ganó el año siguiente, venciendo al álbum "Pump" de Aerosmith y a "Flesh & Blood" de Poison. Mötley Crüe fue nominado dos veces en la categoría «Artista Favorito de Hard Rock/Metal», pero en ninguna ocasión lograron ganar.


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text: En 1990, Mötley Crüe lanzó un VHS titulado "", que contenía los 5 vídeos que se habían lanzado como sencillos del álbum "Dr. Feelgood". Contaba con los vídeos «Dr. Feelgood», «Kickstart My Heart», «Without You», «Don't Go Away Mad (Just Go Away)» y «Same Ol' Situation (S.O.S.)».


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text: El 19 de octubre de 1991, la banda lanzó su primer álbum recopilatorio titulado "Decade of Decadence", que a pesar del poco apoyo de la disquera, vendió 2.5 millones de copias y llegó al puesto #2 del Billboard. En este álbum, la banda grabó e incluyó un nuevo tema al realizar un cover de la clásica canción «Anarchy in the U.K.» de los Sex Pistols. El álbum era algo que darle a los fanes mientras trabajaban en su nuevo disco.


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text: Sin embargo, Vince abandonó la banda en febrero de 1992, en un tiempo en que otras bandas de la escena del glam metal de la década de 1980 como (Ratt, Stryper, White Lion, Winger, Europe y Britny Fox) también cayeron debido al aumento de la popularidad del grunge. Actualmente existe controversia sobre si Vince renunció o si fue despedido. Nikki Sixx sostiene que Vince renunció, mientras que Vince dice que fue despedido. Vince fue reemplazado por John Corabi (antes de Angora y The Scream). El éxito comercial durante los años 1990 se tambaleó, aunque el álbum "Mötley Crüe" de 1994 logró llegar al número 7 en EE. UU. Doug Thaler continuó como mánager hasta 1994, cuando la banda hizo un gran número de despidos porque su álbum no logró el éxito esperado.


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text: La banda se reunió en 1997, después de que su actual representante Allen Kovac y Bert Stein, mánager de Neil, arreglaran una reunión entre Vince, Tommy y Nikki. La banda lanzó un nuevo álbum, "Generation Swine", que debutó en la posición #4 en el Billboard. A pesar de que la banda participó en los "American Music Awards", el álbum fue otro fracaso comercial, principalmente por la falta de apoyo de Elektra Records. La banda decidió dejar Elektra y crear su propio sello, Mötley Records.


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text: En los años 1990, Mötley Crüe también era más conocido por las mujeres con las que sus miembros estaban casados. Tommy y Nikki se habían casado con estrellas de playboy y actrices de la serie de televisión "Baywatch" (Vigilantes de la playa). Tommy estaba casado con Pamela Anderson y Nikki con la modelo Brandi Brandt entre 1989 y 1996. Al finalizar la relación, ese mismo año se casaba con la también playmate Donna D’Errico. Además, Vince se había casado con la modelo playboy Heidi Mark. Los matrimonios de Tommy y de Vince terminaron en divorcios, y D’Errico solicitó divorciarse de Nikki a principios de 2006.


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text: En 1994, la hija de Vince, Skylar Neil, murió de cáncer. Vince y su exesposa Sharise Ruddell después demandaron a la compañía Rocketdyne por disponer de desechos causantes de cáncer cerca de su hogar en Simi Valley. Tommy después iría a prisión después de ser acusado de abusar de su esposa Pamela Anderson.


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text: En 1998, el contrato de Mötley Crüe con Elektra expiró, dándole a la banda el control total de su futuro. Esto incluía los derechos de todos los álbumes de la banda. En este mismo año la banda lanzó un nuevo álbum recopilatorio titulado "Greatest Hits", que incluía canciones desde el inicio de la banda hasta la fecha en que se lanzó el álbum. En 1999 la banda volvió a lanzar todos sus discos, en una versión limitada y digitalizada que incluía demos y canciones antes no incluidas.


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text: En 1999, la banda lanzó su tercer álbum recopilatorio titulado Supersonic and Demonic Relics. Ese mismo año Tommy dejó la banda para buscar una carrera como solista, debido a la tensión creciente entre él y Vince. Fue reemplazado por Randy Castillo, que había trabajado antes en varios discos de Ozzy Osbourne. Randy murió de cáncer el 26 de marzo de 2002. No se nombró ningún reemplazo, lo que dejó a la banda en pausa después de un tour en el 2000 para promocionar su disco "New Tattoo". "New Tattoo" llegó a la posición #41 en el Billboard y vendió menos de 150 mil copias. Samantha Maloney fue la baterista durante el tour para este álbum. Maloney es conocida por su trabajo con Hole en 1998. En el 2004 Maloney regresó a trabajar con Love para la promoción del álbum "America's Sweetheart". Mötley Crüe lanzó el DVD "Lewd, Crüed & Tattooed", después de una aparición en Salt Lake City.


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text: En los años siguientes, Nikki tocó en las bandas 58 y Brides of Destruction, mientras que Tommy formó Methods of Mayhem y mantuvo su carrera como solista. Vince continuó de tour, cantando principalmente canciones de Mötley Crüe. Mick, que sufre espondilitis anquilosante, se mantuvo en aislamiento desde el 2001.


title: Mötley Crüe

text: En el 2001, los miembros originales de la banda escribieron y publicaron una autobiografía titulada "The Dirt", en este libro contaban —cada uno a su manera— la historia de la banda desde sus inicios. El libro llegó al los diez primeros de la lista los más vendidos del New York Times, y se mantuvo 10 semanas en esa posición. También presentó a la banda a una nueva generación de fanáticos. The Dirt se ha convertido en un «libro sagrado» y «Biblia» para roqueros de todo el mundo y se planea convertirlo en una película a través de Paramount Pictures y MTV Films gastando más de 5 millones de dólares. En España fue publicado en 2009 por la editorial «Es pop».


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text: Además también algunos críticos y editores de revistas famosas dieron sus reseñas y sus críticas sobre el libro.


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text: Un promotor en Inglaterra, Mags Revell, comenzó la promoción para que Mötley Crüe se reuniera, mostrando que tanto querían los fanáticos que eso sucediera. Después de varias reuniones con los mánagers, en septiembre de 2004, Nikki anunció que el y Vince estaban de regreso en el estudio trabajando con nuevo material. En diciembre de 2004, los cuatro miembros originales anunciaron un tour de reunión que comenzó el 14 de febrero de 2005 en San Juan, Puerto Rico. La última recopilación de la banda, "Red, White & Crüe", fue lanzada en ese mismo mes. Este álbum doble incluye las canciones originales favoritas de los miembros junto con tres canciones nuevas: «If I Die Tomorrow» (compuesta originalmente por la banda canadiense de punk rock Simple Plan), «Sick Love Song» y un cóver de los Rolling Stones, «Street Fighting Man». Hubo una controversia en la que se rumoraba que ni Tommy Lee ni Mick Mars tocaban en las nuevas canciones. Sin embargo, un documental de VH1 mostró lo contrario. El disco incluye una canción adicional en su lanzamiento en Japón, la canción es «I'm a Liar (and That's the Truth)». "Red, White & Crüe" llegó a la posición #6 en el Billboard y está certificado como disco de platino.


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text: En el 2006, Mötley Crüe estuvo en el "Route Of All Evil Tour", encabezando junto con Aerosmith y tomando artistas de "Lucent Dossier Experience" en el camino con ellos. Este fue otro bien atendido tour después del "Carnival of Sins Tour" de 2005. En junio de 2007, Mötley Crüe estableció una pequeña gira europea. Una demanda fue presentada por Neil, Sixx y Mars contra Carl Stubner, mánager de Lee. Los tres lo demandaron por la contratación de Lee para aparecer en dos fracasados reality shows, reclamando la banda que dañaba la imagen de ellos y la de Lee como miembro de la banda. Se informó en "Motley.com" que la demanda ha sido resuelta.


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text: En el año 2006 Mötley Crüe recibió un reconocimiento y fueron introducidos en el Hollywood Walk of Fame y recibieron una estrella.


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text: En el año 2007, el bajista Nikki Sixx, junto con James Michael y DJ Ashba formaron la banda . Sixx:A.M. es una combinación de los nombres de los miembros (Sixx, Ashba, Michael). La banda lanzó ese mismo año su álbum debut titulado "The Heroin Diaries Soundtrack", que está basado en el libro autobiográfico de Nikki Sixx, "The Heroin Diaries: A Year in the Life of a Shattered Rock Star".


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text: La banda hizo su debut en vivo en Crash Mansion el 16 de julio de 2007. Ellos presentaron cinco canciones del álbum "The Heroin Diaries Soundtrack". El álbum no tiene baterista, porque el cantante y guitarrista rítmico James Michael programó la batería. Debido a esto, había cierta curiosidad sobre quién tocaría la batería en vivo. El antiguo baterista de Beautiful Creatures, Glen Sobel terminó tocando en la gira con la banda.


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text: En abril de 2009, Michael y Sixx confirmaron que la banda ya estaba en el estudio, grabando nuevo material, Sixx agregró que el nuevo material es «inspirador, se siente como que nos hemos superado en este álbum, no podemos esperar a que escuchen como suena».


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text: Finalmente, el 3 de mayo de 2011, la banda lanzó su segundo álbum titulado "This Is Gonna Hurt", llegando a la posición #10 en el Billboard 200.


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text: La reunión de la banda fue tan exitosa que llevó a Nikki Sixx a empezar a componer nuevos temas, que después formarían parte del álbum "Saints of Los Angeles", lanzado en junio de 2008 y llegó a la posición #4 en el Billboard. Este fue el primer álbum del grupo en ser editado con su formación original desde 1997. Inicialmente iba a llamarse "The Dirt" como su biografía pero al final decidieron cambiarlo por el título final "Saints of Los Angeles". De este álbum se lanzaron 3 sencillos, «Saints of Los Angeles», «Motherfucker of the Year» y «White Trash Circus». Con nuevo álbum a cuestas se lanzaron a promocionarlo montando su propio festival: «Crüe Fest». Junto a bandas como Trapt, , Buckcherry y Papa Roach recorrieron todo Norteamérica. A finales de ese año viajaron a México y Argentina, siendo esta última su primera y exitosísima presentación en Sudamérica, para finalizar ese año con conciertos en Singapur y Japón. La canción «Saints of Los Angeles» fue añadida como contenido descargable en las series del videojuego "Rock Band", el mismo día que fue lanzada como sencillo. El 14 de octubre de 2008, el álbum "Dr. Feelgood", menos la canción de apertura «TNT (Terror N' Tinseltown)» (debido a su longitud y capacidad de ejecución), se convirtió en contenido descargable para la serie de videojuegos "Rock Band".


title: Mötley Crüe

text: La banda tocó en el Download Festival en Donington Park (12 a 14 de junio de 2009), presentándose en el segundo escenario el viernes en la noche. La banda hizo una aparición especial en el final de temporada de «Bones», el 14 de mayo de 2009, en el capítulo titulado «The End In The Beginning», interpretando la clásica canción «Dr. Feelgood».


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text: Iniciado el año 2009, Mötley Crüe siguió de gira en los EE. UU. antes de recorrer Europa, encabezando importantes festivales como Download, Gods Of Metal, Kobetasonik o Hell Fest. Como parte del tour europeo se presentaron en Moscú, donde no tocaban desde 1989. Actualmente se encuentran nuevamente en EE. UU. encabezando la segunda versión del Crüe Fest, esta vez con Godsmack, Theory of a Deadman, Drowning Pool y Charm City Devils. Lo más destacado de este Crüe Fest 2 es la interpretación, por primera vez, de todo el álbum "Dr. Feelgood" que cumple su vigésimo aniversario.


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text: En 2010, Tommy Lee anunció que no habría un "Crüe Fest 3" en el verano de 2010, sino que la banda trabajaría en nuevo material y se espera que la gira Crüe Fest 3 sea en el verano de 2011. Mötley Crüe encabezaron el Ozzfest en 2010, junto con Ozzy Osbourne y Rob Halford.


title: Mötley Crüe

text: Se ha anunciado que se realizará una gira de Mötley Crüe con Poison e invitados especiales de New York Dolls en el 2011 para el 30º aniversario de Mötley Crüe y el 25º aniversario de Poison.


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text: Se preguntó en julio de 2011 a Mötley Crüe si han comenzado a escribir nuevo material, Lee respondió:


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text: Respecto al nuevo disco, Tommy Lee se mostró pragmático y partidario de un EP, más que de un «larga duración». Consultado si era cierto que consideraba que no valía la pena grabar un LP, el percusionista señaló:


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text: Nikki Sixx, bajista de Mötley Crüe, concedió una entrevista radial a la emisora 98,7 FM, en Los Ángeles, Estados Unidos. En ella se refirió a una noticia largamente esperada por los fanáticos y seguidores de la banda: el nuevo disco de los Crüe.


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text: El 30 de agosto de 2011, Mötley Crüe, junto con los co-encabezadores Def Leppard y los invitados especiales Steel Panther, anunciaron una gira por Reino Unido, que comenzara en diciembre de 2011.


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text: El 21 de marzo de 2012, Mötley Crüe anunció un tour con Kiss. El tour empezó el 20 de julio en Bristow, Virginia, y terminó el 23 de septiembre de ese año.


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text: La banda ha aparecido varias veces en diversos festivales de rock; uno de sus primeros conciertos en un festival fue en 1989 en el Moscow Music Peace Festival, en Rusia, donde aparecieron junto a muchas grandes bandas de los años 1980. En este festival tocaron junto a Cinderella, Scorpions, Skid Row, Ozzy Osbourne y Bon Jovi, como invitado especial estuvo Jason Bonham, hijo del fallecido baterista de Led Zeppelin John Bonham. Mötley Crüe tocó la canción «Rock and Roll» junto a Skid Row e integrantes de las otras bandas que tocaron en el festival, con Jason Bonham en la batería.


title: Mötley Crüe

text: En el año 2005, tocaron en el festival Gods of Metal, en Italia, que se llevó a cabo de 11 a 12 de junio. En el 2007, volvieron a tocar en este mismo festival, junto con bandas como Scorpions, Velvet Revolver y Thin Lizzy. En el 2009, nuevamente volvieron a tocar en el «R Stage», con bandas como Backyard Babies y Lita Ford.


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text: También tocaron en el Download Festival en el 2007 que se celebró del 8 a 10 de junio, en Donington Park, Inglaterra, en el «Dimebag Darrell Stage». También tocaron en la versión de este del año 2009.


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text: En el año 2008, la banda decidió crear su propio festival, llamado «Crüe Fest», además les sirvió para promocionar su nuevo álbum en ese entonces, "Saints of Los Angeles". En este festival estuvieron las bandas (banda de Nikki Sixx), Buckcherry, Trapt y Papa Roach. El «Crüe Fest», tuvo alrededor de 40 shows, que fueron solamente en Estados Unidos. El 24 de marzo de 2009, un DVD del "Crüe Fest", contenía 2 discos con la actuación de todas las bandas.


title: Mötley Crüe

text: En el año 2009, una segunda versión del "Crüe Fest" se llevó a cabo nuevamente en Estados Unidos, esta vez con Godsmack, Theory of a Deadman, Drowning Pool y Charm City Devils. Lo más destacado de este "Crüe Fest", fue que tocaron por primera vez todas las canciones del exitoso álbum de 1989 "Dr. Feelgood".


title: Mötley Crüe

text: En 2010, Tommy Lee anunció que no habría un Crüe Fest 3 en el verano de 2010, porque la banda trabajaría en nuevo material y se esperaba que la gira "Crüe Fest 3" fuera en el verano de 2011.


title: Mötley Crüe

text: En 1981, la banda lanzó su álbum debut titulado "Too Fast For Love", donde la portada era muy semejante a la del álbum "Sticky Fingers" de The Rolling Stones. En la portada de "Too Fast For Love" se veía una persona con una mano en la cintura y la otra mano en una pierna en blanco y negro, y en la portada de "Sticky Fingers", solo era la cintura de la persona también en blanco y negro. Este fue un tributo de Mötley Crüe a The Rolling Stones, ya que los citan como una gran influencia.


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text: En 1983, la banda lanzó su segundo álbum de estudio titulado "Shout at the Devil". La portada original mostraba un pentagrama invertido dentro de un círculo en realce negro sobre un fondo negro mate. Fue muy bien recibida entre los fanes de la banda, sobre todo por la temática principal del álbum. Ésta portada tenía un doble forro que, al abrirlo, se apreciaba a los 4 miembros de la banda con el vestuario y escenografías utilizados en sus videoclips "Too Young to Fall in Love" y "Looks that Kill". Sin embargo, las regulaciones de contenido en los Estados Unidos solicitaron el cambio de dicha portada por motivar el culto a lo oscuro y/o satánico. Así pues, Elektra decide cambiar el formato de la portada por aquella donde se ven cuatro cuadros y en cada uno salía una foto de cada miembro. Arriba salían Nikki Sixx y Vince Neil, y abajo Mick Mars y Tommy Lee, mientras que lo demás estaba solo en negro. El formato de la portada interior desaparece (ya que ahora las fotos se encuentran en la carátula). La portada era muy semejante a la del álbum Let It Be de The Beatles, en esta salía arriba John Lennon y Paul McCartney, y abajo Ringo Starr y George Harrison. También fue un tributo a The Beatles, ya que la banda también los citan como una influencia para ellos.


title: Mötley Crüe

text: En 1987, la banda lanzó su cuarto álbum de estudio titulado "Girls, Girls, Girls", donde se miraba que en la portada los miembros salían en motocicletas. Esto era porque demostraban su amor a las motos, al igual que en el video de la canción «Girls, Girls, Girls», se ve que van en sus motos por la calle de noche, y paran en varios clubes nudistas que son mencionados en la canción (también demostrando su amor por estos).


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text: En 2005, la banda lanzó un álbum recopilatorio titulado "Red, White & Crüe", en la portada se puede ver la bandera de Estados Unidos y una mujer semidesnuda en ella, aquí la banda está demostrando su amor por su nación.


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text: En muchas películas hay referencias sobre el mundo de Mötley Crüe. Desde las imágenes de los álbumes, pósteres utilizados como accesorios, las referencias a miembros de la banda, música de Mötley de fondo, hasta incluso las apariciones de miembros de la banda.


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text: El videojuego de pinball "Crüe Ball" creado por el estudio estadounidense NuFX y publicado por Electronic Arts para la consola Sega Genesis, el cual solo presenta temática sobre la banda, además se presentan los temas: "Dr. Feelgood", "Live Wire" y "Home Sweet Home", además el videojuego ganó el "Sega Seal of Quality Awards


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text: En la película «"Demons"» de 1985, se escucha la canción «Save Our Souls» del álbum "Theatre Of Pain", como la apertura de una película de terror en el Teatro Metropol.


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text: En la película «"Tuff Turf"» de 1985, se ve un póster de "Shout at the Devil", así como también se escucha la canción de fondo del mismo álbum.


title: Mötley Crüe

text: En la película «"The Stuff"» de 1985, se ve un póster de "Shout at the Devil" en el fondo durante la escena del baño donde 'las cosas (The Stuff")' se tiran por el inodoro.


title: Mötley Crüe

text: En la película «"That Was Then... This Is Now"» de 1985, durante la película, se ve a un niño, sentado en un coche en la vuelta de un hombre, en el camino al hospital. El niño trae una camisa de Mötley Crüe.


title: Mötley Crüe

text: En la película "El mundo según Wayne", de 1992, el personaje Garth Alga (interpretado por el actor Dana Carvey) lleva una camiseta de la banda con la carátula del disco Dr. Feelgood cuando activa un wurlitzer.


title: Mötley Crüe

text: En la película «"The New Guy"» de 2002, aparece el baterista Tommy Lee haciendo un cameo, al igual que otros artistas como Gene Simmons (Kiss), Vanilla Ice y Tony Hawk.


title: Mötley Crüe

text: En la película «"The Longest Yard"» de 2005, aparece Adam Sandler como el actor principal con el nombre de «Paul 'Wrecking' Crewe», y en una parte de la película lo mencionan como «Paul 'Motley' Crewe».


title: Mötley Crüe

text: En la película «"Hot Tub Time Machine"» vemos al principio al personaje de Lou Rob Corddry cantando "Home Sweet Home", y también al final, después de que este se quedara en el pasado, se muestra una secuencia en donde lo vemos a él como miembro de la banda cantando la misma canción, inclusive vemos que el nombre de la banda cambió por "Mötley Lou"


title: Mötley Crüe

text: En el videojuego "GTA Vice City", se puede sintonizar la radio V Rock, donde aparece (entre otros varios temas de rock) la canción "Too Young to Fall in Love".


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text: En el videojuego "" en la emisora The Mix 107.77 se pueden oír dos canciones suyas, siendo estas "Live Wire" y "Shout at the Devil"


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text: También, en el videojuego de 2009 "" se puede oír el tema "Wild Side" en la emisora ficticia Liberty Rock Radio y en el segundo Tráiler del juego.


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text: En la película «"The Wrestler"» de 2008, en la escena del bar, Randy y Cassidy discuten la grandeza de Guns N' Roses y Mötley Crüe. También Marisa Tomei interpreta a una estríper y trae puesta una camisa roja del concierto de "Shout at the Devil" de regreso en '83-'84.


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text: En un capítulo de la serie Stranger Things (S02E02) durante la fiesta de Halloween se puede escuchar la canción "Shout at the Devil" de fondo.


title: Mötley Crüe

text: En la serie "Californication" en la temporada cuarta, sale Tommy Lee interpretando Home Sweet Home a piano. También, en la segunda temporada de esta misma serie Hank Moody lleva en alguna ocasión la camiseta del disco «Shout at the devil».


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text: En las transmisiones de Lucha Libre AAA desde 2001 a 2004 se escucha de entrada la canción «Keep Your Eye On The Money» en su versión demo.


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text: En el año 2019 Netflix presentó "The Dirt", una película biográfica de la banda Mötley Crüe, basada en el libro autobiográfico del mismo nombre.


title: Mötley Crüe

text: En un episodio de VH1 Behind the Music dedicado a la banda, los integrantes confesaron cómo nació el nombre del grupo. Nikki Sixx y Mick Mars dicen que pensaron en "Christmas" (Navidad) antes de escoger Mötley Crüe. Nikki quería un nombre con la palabra «Christ» (Cristo). Según Nikki Sixx, "Christmas" fue sugerencia suya, pensando que un nombre familiar y popular atraería a los fanes por sí solo. Vince Neil dijo que Mick Mars sugirió bautizarla «Motley Crew» (expresión inglesa que significa "grupo diverso y desordenado", una "mezcla inusual de distintos tipos de personajes"). Al resto de la banda le pareció buen nombre, pero sentían que había que darle un toque singular. De esta forma Vince recordó la cerveza «Löwenbräu», que bebían en esa época, y que terminó de consolidar el nombre del grupo: añadiendo una «UE» en «Crew», transformándolo en «Crue», y luego agregando una diéresis como en «Löwenbräu» el nombre resultante, Mötley Crüe, se vería bien. Y así nació "Mötley Crüe".


title: Mötley Crüe

text: Papa Roach, Korn, Buckcherry, Black Veil Brides, Tommy Krash, Adelitas Way, Linkin Park, Marilyn Manson, Nine Inch Nails, Moby, Murderdolls, Backyard Babies, Private Line, Slipknot, The Living End, Belladonna, Maná, Escape the Fate, y Hardcore Superstar, han citado a Mötley Crüe como una influencia en los últimos años, sobre todo para "Too Fast for Love" y "Shout at the Devil". El baterista Mike Wengren de Disturbed también ha citado a Tommy Lee como su influencia en la batería. El look en los primeros videos de Mötley Crüe también han sido parodiados por varios artistas como Bowling for Soup, Beck, Red Hot Chili Peppers, New Order, y los Backstreet Boys. Además musicalmente como en los casos de Papa Roach, Murderdolls, Buckcherry o Crashdïet, en el disco de estos últimos incluso Mick Mars participa en dos canciones y en la composición de una de ellas. Mick también participó en canciones del álbum "Women and Children Last" de Murderdolls.


title: Mötley Crüe

text: La banda apareció en un programa de cuenta regresiva en el canal VH1, «Dr. Feelgood» fue clasificada como #7 en «Greatest Air Guitar Song», «Live Wire» fue clasificada como #17 en «Mejor canción de metal de todos los tiempos», y «Home Sweet Home» fue clasificada como #12 en «Mejor power ballad de todos los tiempos». Mötley Crüe se presentó varias veces en «VH1's 100 Most Metal Moments», su punto más alto fue el #3. VH1 incluyó la cinta de Tommy Lee teniendo relaciones sexuales, "The Dirt", y la orina de Ozzy Osbourne y Nikki Sixx. Todos aparecen en la cuenta regresiva. Mötley Crüe ha sido una de las muchas bandas que han aparecido en VH1 Behind the Music. La banda también se clasificó #29 en la lista de VH1 de las «Greatest Hard Rock Bands». Mötley Crüe también se clasificó como décimo en la lista de MTV «Top 10 de bandas de heavy metal de todos los tiempos».


title: Mötley Crüe

text: La banda incluso tiene una versión totalmente femenina de la ciudad de Nueva York, "Girls Girls Girls", que cubren todas las épocas de la música de la banda sin emular el aspecto de cualquier época.


title: Mötley Crüe

text: Mötley Crüe ha citado a varias bandas y músicos de los años 60s y 70's como sus grandes influencias. Algunas son: The Beatles, Sweet, The Misfits, Black Sabbath, Alice Cooper, David Bowie, Judas Priest, Blue Oyster Cult, Kiss, Nazareth, Van Halen, Sex Pistols, Slade, Venom, Brownsville Station, Iron Maiden, Kix, Praying Mantis, Black Flag, New York Dolls, Heavy Load, ZZ Top,Budgie, Dead Kennedys, London, Sir Lord Baltimore, Anvil, Tygers of Pan Tang, Lucifer's Friend, Y&T, Buffalo, Blue Cheer, Saxon, Accept y Zoot. Incluso la banda ha hecho "covers" de algunas canciones de las bandas citadas, como «Helter Skelter» de The Beatles, «Smokin' in the Boys Room» de Brownsville Station, Welcome To Hell» de Venom y «Losers and Winners» de Accept.


title: Mötley Crüe

text: El estilo de la banda en sus inicios era glam metal pero con toques de speed metal, pero poco a poco fueron cambiando a speed metal y un poco de heavy metal, debido a la caída que sufrió el glam metal por la popularidad del grunge a inicios de la década de 1990, por eso la banda empezó a experimentar más en el hard rock.


title: Mötley Crüe

text: La banda también experimentó creando canciones del género «"power ballad"», que con ellas han tenido mucho éxito ya que la mayoría ha logrado entrar en la lista de Billboard Hot 100. Algunos ejemplos de estas son «Home Sweet Home» del álbum "Theatre of Pain" de 1985, «You're All I Need» del álbum "Girls, Girls, Girls" de 1987 y «Without You» de "Dr. Feelgood" de 1989.


title: Mötley Crüe

text: Varias bandas han citado su influencia como banda, siendo influyentes para géneros como el speed metal, glam metal o hasta en el black metal.


title: Mötley Crüe

text: Entre las bandas que más mencionan su influencia están Winger, Opeth, Tesla, Babylon A.D. , Emperor, Linkin Park, Stryper, Black Veil Brides, Fozzy, Therion, Testament, Stratovarius, Ghost, Cathedral y Slipknot.


title: Mötley Crüe

text: El primer miembro de Mötley Crüe en iniciar su carrera como solista fue el vocalista Vince Neil, en 1992 cuando salió de la banda. Algunos de los músicos que Neil reclutó después de su despido fueron Steve Stevens (antes guitarrista de Billy Idol y fundador de Atomic Playboys), Dave Marshall, Robbie Crane y Vik Foxx. A mediados de 1993, su álbum debut como solista, "Exposed", fue lanzado. Vendió sólo alrededor de 300.000 copias en EE. UU., casi la misma cantidad que vendió el álbum "Mötley Crüe" en 1994, el cual la banda grabó con el vocalista John Corabi (antes de The Scream).


title: Mötley Crüe

text: En 1995, Neil lanzó el álbum "Carved in Stone", un álbum con un sonido industrial/glam metal producido por los Dust Brothers. El álbum vendió menos de 100,000 copias en EE. UU. y el contrato de Neil con Warner Bros. eventualmente llegó a su fin. Algunas versiones del álbum incluyen la canción «Skylar's Song», escrita únicamente por Neil cuando murió su hija Skylar Neil.


title: Mötley Crüe

text: En 2003, lanzó "", un álbum en vivo grabado en el Whisky a Go Go, donde sólo interpretó canciones de Mötley Crüe.


title: Mötley Crüe

text: En 2010, lanzó su último álbum de estudio hasta la fecha titulado "Tattoos & Tequila". El álbum está compuesto en su mayoría por covers de canciones de rock de los 70, con solo un par de temas originales: «Tattoos & Tequila» (escrita por Marti Frederiksen) que fue lanzada como primer sencillo, y «Another Bad Day» (escrita por Nikki Sixx, James Michael y Tracii Guns). El álbum ha sido grabado con los miembros de Slaughter, Jeff Blando (Guitarra) y Dana Strum (Bajo) y el baterista Zoltan Chaney. Cada canción del álbum corresponde con un capítulo del libro de Vince. Neil comentó: «Este álbum no tiene nada que ver con Mötley Crüe, Tattoos & Tequila es básicamente mi vida».


title: Mötley Crüe

text: El segundo miembro en iniciar su carrera como solista fue el baterista Tommy Lee, formando Methods of Mayhem en 1999 cuando abandonó la banda. En la banda aparecen colaboraciones de Fred Durst, The Crystal Method, Kid Rock, Snoop Dogg, Lil' Kim, George Clinton y Mix Master Mike. Su álbum debut homónimo fue lanzado a finales de 1999 y obtuvo la certificación de oro.


title: Mötley Crüe

text: En 2002, lanzó su primer álbum en solitario titulado "Never a Dull Moment", como con un sonido rap metal y electrónico.


title: Mötley Crüe

text: En 2005, publicó su segundo álbum en solitario "Tommyland: The Ride". El álbum fue publicado en conjunto con su libro del mismo nombre, así como con su reality de televisión "Tommy Lee Goes to College". El álbum incluye el sencillo «Good Times», que es el tema de "Tommy Lee Goes to College".


title: Mötley Crüe

text: En 2010, publicó su segundo álbum con Methods of Mayhem titulado "A Public Disservice Announcement", y fue producido por Scott Humphrey.


title: Mötley Crüe

text: En 2007, Nikki Sixx, quien ya había participado antes en otras bandas, formó junto con James Michael y DJ Ashba la banda . El nombre «Sixx:A.M.» es una combinación de los segundos nombres de los miembros (Sixx, Ashba, Michael). Este mismo año lanzaron el álbum "The Heroin Diaries Soundtrack", que sirve como acompañante de la banda sonora de la autobiografía de Sixx, "The Heroin Diaries: A Year in the Life of a Shattered Rock Star", que trata acerca de la grave adicción de Sixx a la heroína en 1987. De este álbum lanzaron 4 sencillos, «Life Is Beautiful», «Pray for Me», «» y «Accidents Can Happen».


title: Mötley Crüe

text: En 2011 lanzaron su segundo álbum titulado "This Is Gonna Hurt", al igual que el primer álbum, este también es el acompañante del segundo libro de Nikki Sixx del mismo nombre. El álbum debutó en el puesto número 10 en el Billboard 200, vendiendo 30.000 copias en su primera semana de lanzamiento.


title: Mötley Crüe

text: Nikki Sixx ha compuesto la mayor parte de las canciones de la banda, ayudado por algún otro miembro. Para escribir estas canciones, se basa en su estilo de vida y en diversas cosas que les han pasado a lo largo de su vida y en su carrera, un ejemplo de esto es «Kickstart My Heart», que Nikki escribió después de haber sufrido una sobredosis que lo llevó a la muerte en 1987 y que después de este hecho resucitó horas más tarde, gracias a un médico que le dio dos inyecciones de adrenalina al corazón. Otro claro ejemplo de esto, se puede notar en el video de la canción «If I Die Tomorrow», en el que cada miembro de la banda aparece «recreando» un momento terrible en el pasado de su vida. En la escena de Neil, aparece chocando en su auto con su compañero de al lado, como sucedió en 1984 con Nicholas Dingley; Lee aparece como si estuviera en la cárcel; Mars aparece luchando con su terrible enfermedad «espondilitis anquilosante»; y por último aparece Sixx con una inyección de heroína.


title: Mötley Crüe

text: En el EP Quaternary de 1994, cada miembro de la banda compuso una canción por ellos mismos, excepto la canción «Babykills», que la compusieron entre todos los miembros.


title: Mötley Crüe

text: Al igual que algunos miembros de la banda han colaborado junto con otras bandas como Papa Roach y Crashdïet, desde el álbum "New Tattoo" de 2000, James Michael (vocalista de ) ha colaborado en canciones de la banda como en la canción «New Tattoo» y «She Needs Rock & Roll».


title: Mötley Crüe

text: En el álbum de la banda "Saints of Los Angeles" de 2008, la mayoría de las canciones fueron compuestas por Nikki Sixx, James Michael, DJ Ashba (miembros de Sixx:A.M.) y Marti Frederiksen, solo en algunas participaron otros miembros de la banda, como en la canción «Mutherfucker of the Year» colaboró Mick Mars y en «This Ain't a Love Song» colaboró Tommy Lee. En este álbum el productor fue el vocalista de Sixx:A.M. James Michael.


title: Mötley Crüe

text: Después de que el contrato de la banda terminó con Elektra Records, la banda decidió crear su propio sello llamado Mötley Records. Más tarde la bando volvió a lanzar todos sus álbumes incluyendo canciones adicionales inéditas y demos que no habían sido incluidos de la era específica de cada álbum. En estos re-lanzamientos, los álbumes contenían de 3 a 7 canciones adicionales, y algunos incluían vídeos e instrumentales.


title: Tokyo Revengers

text: Dentro de la historia, hay un uso frecuente de «desarrollo de personaje» a través de muertes, por lo que en unas tantas escenas son representadas la frustración, la depresión y la desesperación contando éstas como indicaciones de que la franquicia tiene cierta psicología.


title: Tokyo Revengers

text: Takemichi Hanagaki, un joven de 26 años sin grandes objetivos en su vida, descubre un día que su exnovia de la adolescencia, Hinata Tachibana, así como su hermano menor Naoto, son asesinados por la Tokyo Manji. Cuando Takemichi es empujado hacia las vías de un tren, viaja en el tiempo hasta hace exactamente 12 años, en 2005. Takemichi regresa a sus años de secundaria, y después de revelarle a Naoto que Hinata va a morir, Takemichi es transportado repentinamente al presente, creando una paradoja temporal en la que Naoto sobrevive y ahora es un detective. Naoto deduce que Takemichi puede viajar 12 años al pasado cuando se toman de la mano, y usando sus nuevos conocimientos, Takemichi decide cambiar el futuro para salvar la vida de Hinata y sus amigos.


title: Tokyo Revengers

text: "Nota: En este listado solo se albergarán a los personajes principales de la serie. Para los demás personajes véase el respectivo anexo."


title: Tokyo Revengers

text: Escrito e ilustrado por Ken Wakui, "Tokyo Revengers" comenzó su seriealización en la "Shūkan Shōnen Magazine" de Kōdansha el 1 de marzo de 2017. En mayo de 2021, se anunció que la serie entró en su arco final. Kōdansha ha recopilado sus capítulos individuales en volúmenes de "tankōbon". El primer volumen se publicó el 17 de mayo de 2017. Al 17 de noviembre de 2022, se han publicado treinta volúmenes. En América del Norte, Kōdansha USA inició el lanzamiento digital del manga en 2018. Seven Seas Entertainment lanzará el manga en una edición impresa omnibus.


title: Tokyo Revengers

text: El 28 de octubre de 2021, se anunció un manga parodia derivado del original escrito e ilustrado por Shinpei Funatsu titulado "Tōdai Revengers". Comenzó su serialización en la "Magazine Pocket" de Kōdansha el 3 de noviembre de 2021.


title: Tokyo Revengers

text: La historia esta inspirada en la propia vida del autor Ken Wakui, el cual perteneció a una pandilla real llamada Black Emperor, la cual también utilizaba la manji 卍 (まんじ) como logo. El propio autor cuenta que su obra va de viajes en el tiempo puesto que él desconoce como funcionan las pandillas en la actualidad, y prefiere hablar de las de principios de los años dos mil.


title: Tokyo Revengers

text: La adaptación a serie de anime fue anunciada en junio de 2020. La serie es producida por Liden Films y dirigida por Koichi Hatsumi. La serie presenta guiones de Yasuyuki Mutō, diseños de personajes de Keiko Ōta, dirección de sonido de Satoki Iida y música compuesta por Hiroaki Tsutsumi. Se estrenó en MBS y otros canales el 11 de abril de 2021. Official Hige Dandism interpretó el tema de apertura, "Cry Baby", mientras que eill interpretó el tema de cierre de la serie . El segundo tema de cierre es "Tokyo Wonder" interpretado por Nakimushi. Crunchyroll obtuvo la licencia de la serie fuera de Asia. Muse Communication obtuvo la licencia de la serie en el sudeste asiático y el sur de Asia y la transmitió en su canal de YouTube y Bilibili.


title: Tokyo Revengers

text: El 24 de septiembre de 2022, Crunchyroll anunció que la serie recibiría un doblaje al castellano, que se estrenará el 17 de octubre de 2022.


title: Tokyo Revengers

text: Una serie de cortos de anime producidos por Studio Puyukai con versiones chibi de los personajes, titulada , se lanzó en YouTube del 12 de abril al 20 de septiembre de 2021.


title: Tokyo Revengers

text: El 18 de diciembre de 2021, en un evento del manga, se anunció que el arco "Seiya Kessen" ("Christmas Showdown") sería adaptado al anime. Se estrenará en enero de 2023.Disney+ transmitirá la segunda temporada en todo el mundo, excepto China.


title: Tokyo Revengers

text: El 26 de diciembre de 2021, se anunció que el actor de voz Tatsuhisa Suzuki había sido retirado del elenco de voces como la voz de Ken Ryuguji "Draken". El 18 de junio de 2022, se anunció a Masaya Fukunishi como su sustituto.


title: Tokyo Revengers

text: En febrero de 2020 se anunció una adaptación de la serie a película de acción real. La película está dirigida por Tsutomu Hanabusa , con guiones de Izumi Takahashi y música de Yutaka Yamada. El elenco incluye a Takumi Kitamura, Yūki Yamada, Yosuke Sugino, Nobuyuki Suzuki, Hayato Isomura, Shotaro Mamiya, Ryo Yoshizawa y Mio Imada. El tema principal de la película es interpretado por Super Beaver. En abril de 2020, se anunció que el equipo de filmación detuvo el rodaje debido a la pandemia de COVID-19. La película estaba originalmente programada para estrenarse en Japón el 9 de octubre de 2020, pero en junio de 2020, la película se retrasó debido a los efectos continuos de COVID-19. En marzo de 2021, se anunció que la película había sido reprogramada para estrenarse el 9 de julio de 2021.


title: Tokyo Revengers

text: Una adaptación de la serie a obra de teatro producida por Office Endless se presentó del 6 al 22 de agosto de 2021, con espectáculos en Tokio, Osaka y Kanagawa. Fue dirigida por Naohiro Ise.


title: Tokyo Revengers

text: En 2021, "Tokyo Revengers" ganó en la categoría de anime de los Yahoo! Japan Search Awards, según el número de búsquedas de un término en particular en comparación con el año anterior. La serie encabezó la lista de "Rankings de Tendencias Seleccionados por Adolescentes en 2021" por Mynavi Teens Lab de Mynavi Corporation, que realiza investigación y marketing para adolescentes. La serie de anime fue destacada por Nikkei Entertainment como uno de los mayores éxitos de 2021, clasificada como el programa de transmisión más visto para el público masculino y femenino.


title: Tokyo Revengers

text: En 2020 el manga ganó el Premio de Manga Kōdansha en la categoría "shōnen". La serie ocupó el noveno lugar en la lista de "Libro del año" de 2021 de la revista "Da Vinci".


title: Tokyo Revengers

text: En 2021, las versiones occidentales localizadas del anime censuraron el símbolo budista de la esvástica manji (卍) utilizado por la Tokyo Manji Gang, para evitar una posible controversia que pueda surgir de la confusión con el símbolo de la esvástica nazi (卐) de aspecto similar. La eliminación, llevada a cabo por los licenciantes japoneses y que afecta a todas las versiones del anime distribuidas oficialmente fuera de Japón, ha demostrado ser controvertida, ya que algunos fanáticos han criticado la versión resultante tanto por motivos técnicos como de libertad de expresión. Sin embargo, los lanzamientos oficiales del sudeste asiático y del sur de Asia de la serie por Muse Communication comenzaron a lanzar las versiones sin censura más adelante, dejando a Crunchyroll como el único sitio oficial de transmisión fuera de Japón que tiene el anime censurado.


title: Especie

text: En taxonomía, se denomina especie (del latín "species") a la unidad básica de clasificación biológica. Una especie es un conjunto de organismos o poblaciones naturales capaces de entrecruzarse y producir descendencia fértil, aunque —en principio— no con miembros de poblaciones pertenecientes a otras especies. En muchos casos los individuos que se separan de la población original y se aíslan del resto pueden alcanzar una diferenciación suficiente como para convertirse en una nueva especie, por lo tanto, el aislamiento reproductivo respecto de otras poblaciones es crucial. En definitiva, una especie es un grupo de organismos reproductivamente homogéneo, aunque muy cambiante a lo largo del tiempo y del espacio.


title: Especie

text: Mientras que en muchos casos esta definición es adecuada, es a menudo difícil demostrar si dos poblaciones pueden cruzarse y dar descendientes fértiles (por ejemplo, muchos organismos no pueden mantenerse en laboratorio suficiente tiempo). Además de que es imposible aplicarla a organismos que no se reproducen sexualmente (como las bacterias u organismos extintos conocidos solo por sus fósiles). En la actualidad suelen aplicarse técnicas moleculares, como las basadas en la semejanza del ADN.


title: Especie

text: Los nombres comunes de las plantas y los animales corresponden algunas veces con su respectiva especie biológica (por ejemplo, «león», «morsa» y «árbol del alcanfor»), pero con mucha frecuencia no es así: por ejemplo, la palabra "pato" se refiere a una veintena de especies de diversos géneros, como el pato doméstico. Por ello, para la denominación de las especies se utiliza la nomenclatura binomial, mediante la cual cada especie queda inequívocamente definida con dos palabras —por ejemplo "Homo sapiens", la especie humana—. En esta nomenclatura, el primer término corresponde al género: el rango taxonómico superior en el que se pueden agrupar las especies.


title: Especie

text: La determinación de los límites de una especie es puramente subjetiva y, por tanto, expuesta a la interpretación personal. Algunos conceptos usuales son antiquísimos, muy anteriores al establecimiento científico de esta categoría taxonómica. Por el contrario, existen otros de límites muy vagos, en los cuales los sistemáticos están en completo desacuerdo. Si las especies fueran inmutables, se podría definir fácilmente cada una de ellas diciendo que es el conjunto de individuos (que fueron, que son y que serán, de no extinguirse) de caracteres cualitativamente idénticos. Una entidad así determinada no es realmente una especie, sino lo que usualmente se llama una línea pura o un clon.


title: Especie

text: La delimitación de especies afecta directamente a aspectos tan importantes y actuales como la Biología de la conservación, o a campos aplicados como la modelización de distribuciones, de las que se puede obtener información muy valiosa.


title: Especie

text: El número de especies presentes en algún territorio es una forma de estimar la riqueza, complejidad y aportación al patrimonio natural de sus habitantes.


title: Especie

text: El término "especie" se refiere a tres conceptos distintos, aunque relacionados. El "rango especie", que es el nivel más básico de la taxonomía de Linneo; los "taxones especie", que son un grupo de organismos descritos y asignados a la categoría especie, y las "especies biológicas," que son entes capaces de evolucionar. Respecto a esto, debemos decir que la idea de "evolución" ya se encontraba en la antigüedad clásica. Anaximandro afirmó que las primeras criaturas habían surgido del agua para pasar a tierra; mientras que Empédocles aseguró que eran partes separadas que, en un momento dado, llegaron a juntarse, lo que nos recuerda la teoría de la simbiogénesis. Cicerón escogió el término latino "species," 'aspecto característico, forma"'," para traducir el término griego "ἰδέα" ("idéa") 'aspecto, apariencia, forma', relacionado con "εῖδος", ("eîdos)" ‘vista, visión, aspecto’, término platónico cargado de connotaciones dialécticas y lógicas.


title: Especie

text: Para el biólogo Ernst Mayr, Platón fue "el gran antihéroe del evolucionismo" por causa de su creencia en el Mundo de las ideas. Aristóteles, en cambio, se mantuvo en una posición ambigua: aportó lo que él consideraba "pruebas" de una generación espontánea, pero habló de una "causa final" de toda especie, su entelequia, y rechazó explícitamente la idea de Empédocles que decía que las criaturas vivientes se habrían originado por casualidad. Zenón de Citio, según Cicerón, siguió en esta línea.


title: Especie

text: De los datos que nos aporta Lucrecio, extraemos que Epicuro se anticipó a la ley de la selección natural. El degradacionista Agustín de Hipona dice, en cambio, que el "Génesis" debe interpretarse y que no hemos de suponer que Dios creara las especies que vemos ahora con sus imperfecciones. Este hecho y el proceso contra Galileo fue clave, siglos más tarde, para la rápida aceptación por la Iglesia católica de la teoría de la evolución. Durante la Edad Media, en una época de indeterminación fomentada por la inestabilidad política, se confundieron frecuentemente los términos "especie" y "género". Esto podría justificarse con base en el texto de la Vulgata:


title: Especie

text: Se dejó abierta la posibilidad de que hubiera especies y géneros no creados por Dios o no descubiertos por el hombre europeo. El nominalismo tuvo sus raíces en el siglo XIV con Guillermo de Ockham. Esta doctrina señalaba que no existía ninguna entidad entre el término y los individuos a los que este se refería, es decir, solo existían los individuos. Según esta doctrina, las especies son fruto de nuestra razón y el concepto "especie" se utiliza solo con el fin de agruparlos por su parecido y darles un nombre. En pocas palabras, el nominalismo no reconoce a las especies como entidades reales.


title: Especie

text: Linneo y John Ray, por su parte, afianzaron la idea del carácter discreto y de la posesión de atributos objetivos de las especies que permitían su delimitación; es decir, la realidad de las especies. A partir de la publicación de "El origen de las especies" de Charles Darwin en 1859, se comenzó a considerar a la especie como un agregado de poblaciones morfológicamente variables y con la capacidad de evolucionar. El concepto aristotélico-linneano fue gradualmente reemplazado por una concepción evolutiva basada en la selección natural y en el aislamiento reproductivo.


title: Especie

text: John Ray definió a la especie como un grupo de individuos semejantes, con antepasados comunes. Igualmente, expresó que "una especie nunca nace de la semilla de otra especie", es decir, los conejos no nacen de monos, ni las arvejas dan rosas.


title: Especie

text: A mediados del siglo XX se plantearon dos posturas respecto a las especies: el realismo evolutivo y el nominalismo. El último sostuvo que en la naturaleza solo existen los organismos individuales y, según los taxónomos evolutivos, las especies son entidades reales de la naturaleza y constituyen unidades de evolución. A partir de la década de 1980, se afianzó la postura realista con respecto a las especies biológicas, conjuntamente con el enfoque filogenético de la clasificación.


title: Especie

text: De acuerdo con Häuser (1987), los atributos generales del concepto especie deben ser universalidad, aplicabilidad práctica y criterio decisivo. La mayoría de los biólogos que se ocupan de la sistemática de plantas y animales usan el CBE en conjunto con la descripción de la morfoespecie (King, 1993).


title: Especie

text: Los nombres de las especies son binominales, es decir, formados por dos palabras, que deben escribirse en un tipo de letra distinto del texto general (usualmente en cursiva; de las dos palabras citadas, la primera corresponde al nombre del género al que pertenece y se escribe siempre con la inicial en mayúscula; la segunda palabra es el epíteto específico o nombre específico y debe escribirse enteramente en minúscula y debe concordar gramaticalmente con el nombre genérico). Así, en "Mantis religiosa", "Mantis" es el nombre genérico, "religiosa" el nombre específico y el binomio "Mantis religiosa" designa esta especie de insecto.


title: Especie

text: En el nombre científico asignado a las especies, el nombre específico nunca debe ir aislado del genérico ya que carece de identidad propia y puede coincidir en especies diferentes. Si se ha citado previamente el nombre completo y no cabe ninguna duda de a qué género se refiere, el nombre del género puede abreviarse a su inicial ("M. religiosa").


title: Especie

text: En los libros y artículos académicos, a veces, no se identifican intencionalmente las especies plenamente y se recurre a utilizar la abreviatura "sp." en singular o "spp." en plural, en lugar del epíteto específico, por ejemplo: "Canis" sp. La abreviatura plural "spp." se utiliza generalmente para referirse a todas las especies individuales dentro de un género. Para una especie concreta cuyo epíteto específico es desconocido o carece de importancia se utiliza "sp.".


title: Especie

text: En los libros y artículos, los nombres de géneros y especies generalmente se imprimen en letra cursiva. Las abreviaciones como «sp.», «spp.», «subsp.», etc., no deben estar en cursivas.


title: Especie

text: El número real de especies es muy impreciso y varía notablemente según las fuentes. Algunas estimaciones abarcaban un total de entre 1,5 y 2 millones de especies, aunque un estudio de 2011 aumenta esa cifra hasta una horquilla entre los 7,5 y los 10 millones. Las especies colocadas en la siguiente lista son especies conocidas y existentes actualmente. No se han incluido fósiles (pues se podría añadir gran número, principalmente de artrópodos, invertebrados menores, peces y reptiles).


title: Especie

text: Cada año se describen alrededor de 10000 nuevas especies, de las cuales, solo una decena son vertebrados, y, estadísticamente, solo 0,4 anuales son mamíferos.


title: Líneas de Nazca

text: Las líneas de Nazca y geoglifos de pampas de Jumana o simplemente líneas de Nazca son antiguos geoglifos que se encuentran en las pampas de Jumana, en el desierto de Nazca, entre las poblaciones de Nazca y Palpa, en el departamento de Ica (Perú). Fueron trazadas por la cultura nazca y están compuestas por varios cientos de figuras que abarcan desde diseños tan simples como líneas, hasta complejas figuras zoomorfas, fitomorfas y geométricas que aparecen trazadas sobre la superficie terrestre. Desde 1994, el Comité de la Unesco ha inscrito "Las líneas y geoglifos de Nazca y de Pampas de Jumana" como Patrimonio de la Humanidad. Sin embargo, en los últimos años han sufrido graves daños por la construcción de la carretera panamericana y las rodadas de todoterrenos.


title: Líneas de Nazca

text: La cultura nazca, con semejantes coordenadas de desarrollo que la de Paracas que había florecido entre los años 700 a. C. y 200 d. C., abarca un marco temporal entre los años 100 d. C. y 600 d. C.


title: Líneas de Nazca

text: En el Perú, a 450 kilómetros al sur de Lima y cerca del océano Pacífico, se encuentran las pampas de Ingenio, Nazca, Palpa y Socos. Entre Palpa y Nazca, en la pampa de Socos, se ubican estas líneas trazadas en el suelo, cuyo ancho oscila entre los 40 y los 210 centímetros.


title: Líneas de Nazca

text: Es una tierra entre negruzca y rojiza que se torna violácea al anochecer. Un semicírculo de cerros en la lejanía conforman un gigantesco anfiteatro natural abierto hacia el poniente.


title: Líneas de Nazca

text: En esta región miles de líneas se extienden por 520 km², y algunas incluso se prolongan hasta un área de 800 km².


title: Líneas de Nazca

text: Técnicamente las líneas de Nazca tienen una desviación pequeña. Probablemente, los nazcas usaron cuerdas para no desviarse en el trazo de las cerca de 1000 rectas (algunas de varios kilómetros de largo) y dibujaron las cerca de 800 figuras animales mediante la traslación de modelos realizados a escala a grandes cuadrículas hechas con estacas y cordeles. Luego, el excepcional clima de la región (donde prácticamente no llueve) premió el ingenio de aquellos humanos preservando su obra.


title: Líneas de Nazca

text: Las pampas de Jumana están situadas a una altura de 330 msnm y mantienen una temperatura media anual de 25 grados centígrados en una de las zonas más secas del planeta, lo que ayuda a conservar los dibujos. El aire caliente actúa como un "colchón" que impide que las líneas se borren porque obliga al viento a cambiar su dirección.


title: Líneas de Nazca

text: Contrariamente a la creencia popular, las líneas de Nazca no son apreciables solo desde el aire, sino que pueden ser fácilmente vistas desde las colinas circundantes. De hecho fueron descubiertas por el arqueólogo peruano Toribio Mejía Xesspe, que las divisó mientras hacía senderismo en la zona en 1927. Los vuelos sobre las Líneas de Nazca han sufrido algunas emergencias a lo largo del tiempo, siendo algunas de ellas fatales; sin embargo las aeronaves cuentan con un riguroso programa de mantenimiento supervisado en todo momento por la Autoridad Aeronáutica Peruana (Dirección General de Aviación Civil).


title: Líneas de Nazca

text: La primera referencia a dichas figuras pertenece al conquistador Pedro Cieza de León en 1547. Este vio “señales en algunas partes del desierto que circunda Nazca”. Después de que Cieza de León observara “señales” sobre la llanura desértica, el corregidor Luis Monzón quiso darles un sentido y escribió en 1568 que las líneas eran carreteras.


title: Líneas de Nazca

text: Aunque pueden ser vistas parcialmente desde las colinas próximas, los primeros en distinguirlas fueron pilotos militares y civiles peruanos. En 1932 los arqueólogos Julio César Tello y Toribio Mejía Xesspe realizaron la primera investigación científica sobre las líneas. Tello conjeturaba que se trataba de simples caminos. En 1942 prosigue sus investigaciones el historiador estadounidense John Rowe, quien las considera “centros de adoración”. Este enigma le entusiasmará hasta su muerte en 1969. Su discípulo, el matemático Max Uhle, que dedicó 60 años al estudio de los geoglifos, aventuró la hipótesis de que dichos dibujos tenían un significado esencial, podía tratarse de un gigantesco calendario.


title: Líneas de Nazca

text: Paul Kosok, antropólogo estadounidense que investigó las líneas de Nazca desde la década de 1930 hasta fines de los 50, determinó mediante la técnica del Carbono-14 su antigüedad en 550 años d. C. y en 1941 propuso la hipótesis que las líneas eran signos calendáricos y astronómicos. Llamó a las líneas “El calendario de mayor escala en el mundo”. Después que regresó a su país en 1949, su compañera la alemana María Reiche siguió sus investigaciones sobre las líneas de Nazca, esta dedicó el resto de su vida al estudio, conservación y difusión de este legado de la cultura nazca. Kosok y Reiche adelantaron una de las primeras explicaciones dadas sobre las líneas de Nazca, que estas tuvieron como propósito apuntar al sol y a los cuerpos celestes en el lejano horizonte. Henri Stierlin en su libro "Nazca. La solución de un enigma arqueológico" (1983) plantea que las rectas funcionaban como telares y las figuras tenían un carácter protector. Aunque la hipótesis no ha sido demostrada, la obra es una aproximación sensata al enigma de nazca.


title: Líneas de Nazca

text: El primer estudio de campo sistemático sobre estos dibujos se debe, tras cinco temporadas de trabajo de campo, al equipo arqueológico de la Fundación Suiza Liechtenstein para las Investigaciones Arqueológicas en el Exterior, encabezado por los arqueólogos Markus Reindel y Johny Isla Cuadrado desde 1996. Han documentado y excavado más de 650 yacimientos y han conseguido trazar la historia de la cultura que generó estos dibujos, además de darles un sentido científico.


title: Líneas de Nazca

text: Vistas de cerca, estas líneas se convierten en simples surcos en el suelo. Las características geológicas de la pampa propician que no sea necesario mucho más para obtener un resultado visible. La superficie está compuesta por una capa de guijarros de un color rojizo oscuro causado por la oxidación, que cubre otra de un color amarillento claro. La coincidencia de los motivos de la cerámica nazca con las figuras dibujadas en la llanura ha llevado a los arqueólogos a concluir que las líneas fueron hechas entre 200 y 600 a. C. Los nazcas se limitaron a retirar las piedras superiores siguiendo un trazado que previamente habían señalado con estacas, unidas por cordeles, a partir de un modelo a escala menor y unas dosis de geometría. Las piedras eliminadas eran acumuladas en pequeños túmulos que todavía se conservan. El método de trabajo ha sido completamente reconstruido a partir de las pruebas recogidas por las expediciones arqueológicas.


title: Líneas de Nazca

text: El aprovisionamiento de agua jugó un importante papel en la región. Las excavaciones han sacado a la luz pequeñas cavidades en los geoglifos en las que se han encontrado ofrendas religiosas de productos agrícolas y animales, sobre todo marinos. Los dibujos formaban un paisaje ritual cuyo fin debió ser propiciar la invocación del agua. Además se han encontrado estacas, cordeles y ensayos de figuras. De estos elementos tan simples se sirvieron los antiguos pobladores de Nazca para trazar los dibujos. Asimismo, hay que recordar que es una de las zonas más secas del mundo, lo que favorece la conservación de los dibujos.


title: Líneas de Nazca

text: Una investigación realizada por Nicola Masini y Giuseppe Orefici en Pampa de Atarco, cerca del centro ceremonial de Cahuachi, ha puesto de relieve una relación espacial, funcional y religiosa entre los geoglifos y los templos de Cahuachi. Con la ayuda de técnicas de detección remota satelital, los investigadores italianos han detectado y analizado cinco grupos de geoglifos, cada uno caracterizado por distintos motivos, patrones y funciones. El más importante se caracteriza por motivos serpenteantes o en zigzag con una clara función ceremonial, trapecios y líneas que convergen hacia las pirámides de Cahuachi.


title: Líneas de Nazca

text: Una reciente investigación publicada en 2021 en el "Journal of Tourism and Heritage Research" determina que las líneas de Nazca son un complejo sistema de gestión de agua, un uso muy perfeccionado de la ya conocida técnica pre-inca llamada "cosechas de agua", basados en la obra del informático peruano Luis H. Cabrejo, en la cual el autor describe en 2010 el funcionamiento de los sistemas de control, transporte y gestión del agua ante cambios climáticos para fines agrícolas.


title: Líneas de Nazca

text: Son numerosas las figuras que se hallan en Nazca, particularmente en la Pampa de San José: figuras geométricas, meandros, representaciones animales, vegetales y humanas, laberintos, y otros dibujos geométricos.


title: Líneas de Nazca

text: Lo más representativo son los dibujos de animales: aves de entre 259 y 275 metros de largo (colibríes gigantes, cóndores, la garza, la grulla, el pelícano, la gaviota, el loro y otras), un mono, una araña, un caracol, una ballena de 27 metros, un perro con patas y cola larga, una figura antropomorfa, dos llamas, etc. En la categoría de reptiles, un lagarto, que fue cortado al construirse la carretera Panamericana Sur, una iguana, una lagartija, y una serpiente. Muchos de los dibujos se encuentran mezclados con líneas y espirales.


title: Líneas de Nazca

text: Casi todos los dibujos fueron hechos en la superficie llana; solo hay unos pocos en las laderas de las colinas. Casi todas las figuras que se sitúan en las laderas representan hombres. Algunos están coronados por tres o cuatro líneas verticales que quizás representen las plumas de un tocado ceremonial (algunas momias peruanas llevaban tocados de oro y plumas).


title: Líneas de Nazca

text: Las figuras de las laderas aparecen menos definidas que las del desierto quizás porque las piedras que han rodado por la ladera han borrado los detalles.


title: Líneas de Nazca

text: Con los últimos estudios realizados por la universidad Yamagata de Japón son más de 150 los geoglifos hasta hoy encontrados en las Pampas de Nazca, los cuales fueron descubiertos mediante una inteligencia artificial especializada en identificar dichas figuras.


title: Líneas de Nazca

text: Los dibujos son menores en cantidad comparados con los diseños geométricos que consisten en cientos y cientos de líneas, triángulos y cuadrángulos que ocupan grandes extensiones de terreno. Su técnica de construcción fue cuidadosa mediante la que los topógrafos del pasado llevaron las líneas a cerros y barrancos sin desviarse de su dirección original.


title: Líneas de Nazca

text: La profundidad de las líneas nunca excede 30 cm y algunas son simples rasguños en la superficie, pero aun así pueden ser reconocidas cuando el sol está bajo y el relieve se acentúa.


title: Líneas de Nazca

text: El escritor suizo Erich von Däniken las dio a conocer en 1968 en "Recuerdos del Futuro" ("¿Carrozas de los Dioses?" en ediciones posteriores), libro del cual vendió millones de ejemplares. Las consideraba una de las pruebas de que las sociedades del pasado habían recibido la visita de extraterrestres que habían influido en la Historia. Según esta particular visión, Nazca era un complejo para el aterrizaje de las naves de unos visitantes que el ser humano había después convertido en dioses. La idea fue pronto refutada, ya que no cuadraba que unos prodigiosos visitantes volasen en unas naves que necesitaran de largas pistas, algo propio de los sencillos aviones terrestres. Además parece bastante difícil presentar como una pista de aterrizaje la espiral de la cola de un mono, por mucho que el simio mida 135 metros, o el zigzagueante cuello de un gigantesco pájaro de 300 metros. Tras demostrarse lo descabellado de su idea, pasó a defender que se trataba de una obra indígena concebida con el objeto de propiciar la vuelta de los dioses extraterrestres. Curiosamente, a pesar de lo que afirma Von Däniken, los arqueólogos descartaron desde el principio que se tratara de carreteras y que fueran incas nunca lo han contemplado, porque los incas todavía no existían cuando fueron hechas. Es posible que los nazcas solo quisieran que su obra se viera desde el cielo porque consideraban las alturas el lugar donde está la morada de los dioses, idea que han compartido muchas civilizaciones a lo largo de la historia.


title: Líneas de Nazca

text: Gran parte de los grandes daños son producidos por causas humanas como las invasiones, la minería informal y los saqueos, asimismo, las condiciones ambientales como el tiempo atmosférico y la erosión.


title: Héctor Lavoe

text: Héctor Juan Pérez Martínez (Ponce, Puerto Rico, 30 de septiembre de 1946 - Queens, Estados Unidos, 29 de junio de 1993), conocido por su nombre artístico Héctor Lavoe, fue un cantautor y productor musical de salsa puertorriqueño-estadounidense. Fue cantante e intérprete en la historia de la salsa; ayudó a establecer la popularidad de dicho género musical a nivel mundial en las décadas de 1960, 1970 y 1980 y principios de los 1990. .


title: Héctor Lavoe

text: Desde 1967 hasta 1974, estuvo integrado en la orquesta de Willie Colón, con la que logró el reconocimiento con canciones como «Aguanile», «Che che colé», «La murga», «Juana Peña», «Calle Luna, calle Sol», «Barrunto», «Timbalero», «Abuelita» entre otras.


title: Héctor Lavoe

text: También formó parte del elenco de la orquesta salsera Fania All Stars desde su creación en 1968 hasta sus últimos años de vida. Lavoe fue uno de los artistas principales del sello Fania Records, así como de la Fania All Stars. Con ellos grabó varias canciones, tales como «Mi gente», «El rey de la puntualidad», «Ublabadú», «Siento» y más temas que salieron en el disco recopilatorio "Fania All-Stars with Hector Lavoe" en 1997.


title: Héctor Lavoe

text: Tras su separación de Willie Colón, inició su carrera como solista y publicó su primer álbum, "La voz", con el que recibió un disco de oro y obtuvo, por parte de la revista "Latin NY", el premio a mejor vocalista masculino y mejor conjunto de 1976. Posteriormente lanzó otros álbumes como "De ti depende", "Comedia", "El sabio", "¡Qué sentimiento!", "Reventó" y entre otros. Su último álbum "Strikes Back", lanzado en 1987, fue nominado a los Premios Grammy de 1988 en la categoría , el cual no ganó. A lo largo de su carrera como solista, obtuvo varios éxitos musicales como «El cantante», «Rompe saragüey», «Periódico de ayer», «Juanito Alimaña» y «Plato de segunda mesa», por sólo mencionar algunos.


title: Héctor Lavoe

text: Además de haber tocado con Willie Colón y la Fania All Stars, Lavoe compartió escenario con diversos artistas de varios géneros como Andy Montañez, El Gran Combo, Raphael, John Lennon, Frankie Ruiz, Santos Colón, Oscar D' León, Tito Nieves, José José, Ismael Rivera, Celia Cruz y otros cantantes. También grabó canciones al lado de Daniel Santos, Tito Puente y Richie Ray.


title: Héctor Lavoe

text: En 1968 nació su primer hijo, José Alberto Pérez, con Carmen Castro. Su segundo hijo, Héctor Pérez Jr., fruto de su relación con Nilda «Puchi» Román (con quien se casaría posteriormente), nació en 1969 y falleció en 1987 al manipular un arma de fuego. En junio de 1993 Lavoe falleció a los cuarenta y seis años de edad luego de sufrir un paro cardíaco causado por complicaciones del sida que contrajo a mediados de los años 80 tras inyectarse una aguja infectada. Su cuerpo descansa en el Cementerio Civil de Ponce, Puerto Rico, al lado de su hijo Héctor Pérez Jr. y su esposa Nilda «Puchi» Román, fallecida en 2002.


title: Héctor Lavoe

text: Nació en el seno de una familia humilde con el nombre de Héctor Juan Pérez Martínez, el 30 de septiembre de 1946, en el barrio Machuelo Abajo de la Cantera de Ponce, Puerto Rico. Fue uno de los ocho hijos de Francisca Martínez (Panchita) y Luis Pérez (Lucho). A los tres años de edad perdió a su madre; sería el primero de muchos golpes emocionales en la vida del cantante. Su padre, quien tocaba la guitarra con tríos y orquestas locales dio instrucción musical a su hijo, le matriculó en la Escuela de Música Juan Morel Campos, donde interpretó la canción «Campanitas de Cristal», bolero compuesto por Rafael Hernández Marín, en una fiesta escolar. Su padre tenía el sueño de ver a Héctor convertido en un gran saxofonista. Aunque Lavoe aprendió los fundamentos de la música, pronto perdió interés en dicho instrumento. Sentía que lo suyo era el canto.


title: Héctor Lavoe

text: Héctor pasó gran parte de su tiempo escuchando música jíbara y popular. Sus cantantes favoritos eran Jesús Sánchez Erazo, más conocido como «Chuito el de Bayamón», Odilio González, Roberto Faz y Daniel Santos, cuyas voces y estilos imitó durante sus inicios en la música. Otros cantantes que influyeron enormemente en Héctor fueron: Cheo Feliciano, Ismael Rivera e Ismael Quintana.


title: Héctor Lavoe

text: A la edad de 14 años se convirtió en el cantante de un grupo de Puerto Rico con el que recibía dieciocho dólares por noche, lo que en esos años, era un buen sueldo para una persona de su edad. Durante su adolescencia, Héctor frecuentó diversos clubes musicales donde cantó acompañado de sus amigos de la infancia José Febles y Roberto García.


title: Héctor Lavoe

text: Héctor tenía el sueño de cantar en Nueva York con el fin de hacer fama y fortuna. Su padre estaba totalmente en contra de la idea ya que el hermano mayor de Héctor, que había migrado a esa ciudad, había muerto en un accidente. A pesar de la negativa de su padre, Héctor partió a Nueva York a la que arribó el 3 de mayo de 1963 a la edad de 16 años, donde fue a vivir con su hermana mayor Priscilla. Su primera impresión de la ciudad, la cual consideraba que debía ser un lugar espléndido en la Tierra, fue decepcionante, al ver descuidados y llenos de basura los edificios y las calles de los barrios latinos.


title: Héctor Lavoe

text: Lo primero que hizo Héctor al llegar a Nueva York fue buscar trabajo. Consiguió empleos como pintor, limpiavidrios, maletero, mensajero, mesero y conserje, por mencionar algunos, hasta que un día se reencontró con su amigo de la infancia, Roberto García, quien lo empezó a llevar a los salones de baile y clubes de música latina del Barrio Latino, el Bronx y el Bajo Manhattan. Después de un tiempo, García invitó a Héctor al ensayo de un sexteto musical que se estaba formando.


title: Héctor Lavoe

text: El vocalista cantaba el bolero «Tus ojos» y no estaba haciendo un buen trabajo, así que como gesto de buena voluntad, Héctor le sugirió que lo intentara de otro modo, e hizo una interpretación a su estilo. Como resultado de ese acto desinteresado, el grupo le ofreció el puesto de vocalista, que posteriormente aceptó. En noviembre de 1964, Héctor asistió a un club en la avenida Prospect, del barrio de Brooklyn, donde conoció al pianista Rusell Cohen, director de la orquesta "New Yorker Band". Allí, Héctor le cantó unas líneas del bolero «Plazos traicioneros» con el fin de pertenecer a su orquesta, siendo aceptado como uno de los cantantes y coristas de este grupo musical. Al año siguiente (1965). Así grabó su primer sencillo al lado de la "New Yorker Band" en 45 RPM llamado: «Mi china me botó» de la producción "Está de Bala" para el sello SMC; el autor de este tema es Arsenio Rodríguez con los arreglos de Alfredito Valdés Jr. Héctor permaneció con este grupo por un tiempo más haciendo coros y tocando las maracas, mientras que la voz líder era Rafael “Chivirico” Dávila.


title: Héctor Lavoe

text: Para 1966, al mismo tiempo que era integrante de la "New Yorker Band," formó parte de diferentes bandas como la "Orquesta Nueva York", "Alegre All Stars" y "Francisco "Kako" Bastar y su orquesta." En esta última conoció a su padrino artístico, Johnny Pacheco, quien le ofreció grabar con un joven músico llamado Willie Colón.


title: Héctor Lavoe

text: Desde sus inicios en la música, Héctor Lavoe grabó un total de once discos al lado de Willie Colón, incluyendo los dos últimos álbumes, "The Good, The Bad, And The Ugly" (1975) y "Vigilante" (1983).


title: Héctor Lavoe

text: En 1967, Willie tenía lista la mitad de su primer álbum para el sello Alegre Records y Futura Records, pero estas disqueras quebraron y el material fue confiscado, aunque luego el ingeniero de sonido Irv Greenbaum los obtuvo y se los llevó a Jerry Masucci, fundador del emblemático sello discográfico Fania. Posteriormente el sello Fania Records le ofrece a Willie Colón grabar para este sello con la condición de cambiar al cantante Tony Vásquez; fue entonces cuando Johnny Pacheco propuso a Héctor Lavoe como nuevo vocalista de la orquesta de Colón, Pacheco ya estaba al tanto de su voz, su enunciación impecable y sus habilidades estilísticas. Para aquel entonces Colón era considerado un joven músico con propuestas interesantes pero con un sonido que no estaba a la altura de las mismas.


title: Héctor Lavoe

text: En una de las presentaciones que daba la orquesta de Willie en los locales latinos de Nueva York, coincidió con The New Yorkers, la orquesta donde cantaba Héctor Lavoe. Pacheco y Colón fueron a ofrecerle a Lavoe que terminara de grabar aquel álbum, pero en un principio les dio una respuesta negativa, aunque luego aceptó concluir el LP.


title: Héctor Lavoe

text: En el verano de 1967 salió al mercado su primer trabajo discográfico, llamado "El Malo", en donde Héctor, quien ya era conocido como ""La Voz"" (LaVoe), aparece como vocalista líder cantando los temas «Borinquen», «El Malo», «Chonqui» y «Quimbombo». Las otras canciones de este álbum fueron interpretadas por Yayo El Indio y Elliot Romero, quienes ya habían grabado algunos temas antes de que Willie Colón firmara con Fania Records.


title: Héctor Lavoe

text: Lavoe mencionó haber ingresado a la orquesta de Willie en condición de invitado, sin algún tipo de contrato:


title: Héctor Lavoe

text: Al año siguiente, en 1968, se publica "The Hustler" el segundo álbum de Lavoe al lado de Colón. Para aquel entonces, Héctor no cantaba en inglés por lo que se convirtió en el vínculo de la orquesta de Colón con lo caribeño; el trombonista decidió aprovechar el potencial que brindaba el cantante para decantarse definitivamente hacia la música latina afroantillana. En este LP destacaron los temas «Qué Lío», «Se Acaba Este Mundo» y «Eso Se Baila Así». Durante ese año (1968), Lavoe inició una relación sentimental con Carmen Castro, quien quedó embarazada, pero se negó a casarse con él porque lo consideraba un mujeriego. El primer hijo de Lavoe, José Alberto Pérez nació el 30 de octubre de 1968. En el bautizo de José, Héctor recibió una llamada telefónica informándole de que Nilda "Puchi" Román (con quien también tenía una relación) estaba embarazada. El segundo hijo de Lavoe, Héctor Jr. nació el 25 de septiembre de 1969. Después de esto, la pareja se casó, y como resultado de una petición de su esposa, Héctor se mantuvo alejado de su primer hijo y la madre de éste. Para ese tiempo, el sello Fania decide crear una orquesta con los artistas más conocidos e importantes que albergaban, a menudo, reforzados por estrellas invitadas procedentes de otros sellos de música latina y de otros estilos. Esta orquesta recibió el nombre de Fania All Stars.


title: Héctor Lavoe

text: El primer concierto de Lavoe con la Fania All Stars se dio en el "Red Garter Club" en Greenwich Village del cual se editaron dos volúmenes: "Live at the Red Garter, Vol. 1" en 1968 y "Live at the Red Garter, Vol. 2" en 1969 . Este concierto contó con temas más instrumentales y la mayoría de las canciones fueron en inglés. Una de las pocas canciones cantadas en español fue «Noche» con las voces de Pete "El Conde" Rodríguez, Ismael Miranda, Adalberto Santiago y Héctor Lavoe.


title: Héctor Lavoe

text: En 1969 se lanza el álbum "Guisando (Doing A Job)", el primer disco en donde Lavoe comparte créditos con Colón y aparece en la portada. Ésta sería la primera vez que el binomio Colón-Lavoe mostraría sonidos más cercanos a la guaracha, el son, la guajira y el guaguancó con fusiones atrevidas e ingeniosas proponiendo un estilo agresivo e irreverente de hacer música. De este álbum destacan los temas «Guisando», «No Me Den Candela» y «Te Están Buscando».


title: Héctor Lavoe

text: Para fines de 1969, se publicó el álbum "Cosa Nuestra (Our Thing)" en donde se nota la consolidación de la dupla salsera en una de las mejores bandas de la escena latina de Nueva York, el disco al igual que los anteriores cosecharía éxito entre el público latino y gran parte del mundo salsero. Canciones como «Che Che Colé», «Juana Peña», «Te Conozco» y el bolero «Ausencia» son solo algunos de los temas presentes en este álbum que se convirtieron en éxito inmediato. Su música comenzaba a pasar fronteras y ya se oía con fuerza en países como Panamá, Perú, Venezuela, Colombia, algunos países del Caribe, Europa y América Latina.


title: Héctor Lavoe

text: La carrera artística de Héctor Lavoe continuó con la publicación de su quinto trabajo al lado de Willie Colón, "La Gran Fuga (The Big Break)", de donde se desprendieron temas como «Ghana' E», «Sigue Feliz», «Barrunto» y «Panameña», siendo esta última, un pequeño homenaje de la dupla salsera a Panamá, país que siempre los recibía con mucho cariño. Este álbum fue lanzado al mercado en octubre de 1970.


title: Héctor Lavoe

text: Su éxito era tal que constantemente eran contratados en varios países de Latinoamérica para presentarse ante públicos multitudinarios."Asalto Navideño" sería el siguiente álbum de Lavoe y Colón, grabado en la primera semana de diciembre de 1970 con el objetivo de ser lanzado y promovido durante la Navidad de ese año. La fusión musical que logró Willie al experimentar con los sonidos típicos de Puerto Rico, en especial con el aguinaldo, la bomba y la plena, junto al cuatro de Yomo Toro y la interpretación de Lavoe, hizo que el álbum se convirtiera sin lugar a dudas, en el mejor disco navideño grabado por orquesta alguna de música latina-caribeña hasta la fecha. Los temas que destacaron de este álbum son «La Murga», «Traigo La Salsa» y «Canto A Borinquen» tema dedicado al país natal de Lavoe; Puerto Rico. Desde el momento que salió a la venta, este se convirtió en uno de los álbumes más importantes de la dupla.


title: Héctor Lavoe

text: El éxito de estos álbumes, transformó significativamente las vidas de Colón y de Lavoe. La banda de Colón ofreció un crudo y agresivo sonido de trombones que fue bien recibido por los fanáticos de la salsa y Lavoe complementó el estilo, con su voz articulada, talento para la improvisación y sentido del humor. Héctor recibió un reconocimiento inmediato, trabajo estable, y el dinero suficiente para proporcionarse un cómodo estilo de vida.


title: Héctor Lavoe

text: Según el propio Lavoe, todo ocurrió cpon tal velocidad que no sabía cómo lidiar con el éxito repentino.


title: Héctor Lavoe

text: El año 1971 se caracterizó por una serie de presentaciones en donde la voz y carisma de Lavoe atraían público al igual que los trombones de Colón, que se volvieron uno de los instrumentos más típicos de la salsa, algo que funcionó muy bien para este binomio salsero. Sin embargo, Lavoe comenzó a consumir drogas, a llegar tarde a los conciertos y a llevar una vida de excesos que comenzó a hacer mella en su indiscutible talento por lo que tuvo que someterse a varias rehabilitaciones. En agosto de ese año (1971), la Fania All-Stars, reestructurada y con artistas de su propio sello, se presentó en el neoyorquino "Club Nocturno Cheetah" ubicado en la esquina sudoeste de la calle 52 y la avenida 8. Este club que Ralph Mercado ayudaba a administrar en los años 1960 había presentado a artistas de "rock" y "R&B" como Jimmy Hendrix, James Brown y Aretha Franklin. En esta presentación, con todos los cantantes de Fania, Lavoe interpretó los temas «Quítate Tú», «Estrellas de Fania» y «Qué Barbaridad», este último al lado de Ismael Miranda. El concierto dio origen a dos álbumes: "Live at the Cheetah, Vol. 1" y "Live at the Cheetah, Vol. 2", ambos publicados el año siguiente, 1972.


title: Héctor Lavoe

text: Ya en 1972 y luego de seis producciones para el sello Fania, Lavoe junto a Colón, lanzaron al mercado "El Juicio" de donde se desprenden los éxitos inmediatos «Ah-Ah/O-No», «Piraña», «Soñando Despierto» y el bolero «Seguiré Sin Ti».


title: Héctor Lavoe

text: Para 1973, se publicó "Asalto Navideño, Vol. 2", álbum que si bien no tuvo la misma acogida del primer volumen pudo vender muchos ejemplares, acá volvió a participar Yomo Toro en el cuatro. Algunos temas destacados son «La Banda», «Pescao (Potpurrí Sambao)», «Arbolito» y «Pa´ los Pueblos».


title: Héctor Lavoe

text: En ese mismo año se lanzó al mercado, "Lo Mato", que fue el trabajo culminante de Colón y Lavoe, aun cuando ambos se encontraban en la plenitud de sus facultades creativas. Temas como «El Día De Mi Suerte», «Todo Tiene Su Final» y «Calle Luna, Calle Sol» se convirtieron con el tiempo en clásicos musicales de la salsa. Una vez más, Héctor demostraba su voz llena de alma y poesía, demostrando su impecable fraseo y contagioso sentido del humor. Este álbum cuenta la historia de dos jóvenes artistas que estaban más que preparados para conquistar el mundo musical.


title: Héctor Lavoe

text: Para el 24 de agosto de ese año, Lavoe se presenta como integrante de las estrellas de Fania en el Yankee Stadium de Nueva York como parte del concierto "Live At Yankee Stadium". En este show, Lavoe no cantó tema alguno, solo hizo coros; el concierto se suspendió luego de que el público volcó las vallas de seguridad. La Fania All Stars se presentó esa noche con: Nicky Marrero, Ray Barreto, Mongo Santamaría, Larry Harlow, Roberto Roena, Richie Ray y Bobby Valentín, los cantantes Cheo Feliciano, Bobby Cruz, Justo Betancourt, Héctor Lavoe, Ismael Miranda, Ismael Quintana, Santitos Colón y Pete "El Conde" Rodríguez, Yomo Toro en el cuatro, los trompetistas Roberto Rodríguez, Ray Maldonado y Víctor Paz y los trombonistas Barry Rogers, Willie Colón y Lewis Kahn.


title: Héctor Lavoe

text: El 17 de noviembre de ese año, la Fania All Stars se presentó en el concierto de inauguración del Coliseo Roberto Clemente en San Juan, Puerto Rico. Al lugar asistieron aproximadamente 11000 personas, a pesar de que el coliseo solo tenía capacidad para 10000 y 2000 personas quedaron fuera del recinto. El espectáculo contó por primera vez con las actuaciones en solitario de los artistas vocales de la Fania. Ésta fue la primera vez que Héctor Lavoe cantó su primer éxito en solitario, «Mi Gente», tema escrito por Johnny Pacheco que con el tiempo se convirtió en uno de los temas emblema de Lavoe; aquí también cantó al lado de Cheo Feliciano el tema «Congo Bongó». Estos conciertos con las estrellas de Fania dieron origen a los álbumes: "Latin-Soul-Rock", "Live At Yankee Stadium Vol. I", "Live At Yankee Stadium Vol. II" y "San Juan 73" que no se publicaron sino hasta 1974, 1975, 1976 y 2009 respectivamente.


title: Héctor Lavoe

text: Para 1974, Willie Colón quería incursionar en el canto y a la vez hacer un alto a los problemas de drogas que sufría Lavoe que ocasionaban tardanza en sus presentaciones (en ocasiones no se presentaba). En ese año, Willie comenzó a grabar su primer disco como cantante solista en Nueva York, mientras que la Fania All Stars, con Héctor entre sus filas, se encontraba en África para brindar un concierto en septiembre, cuando el representante de las estrellas del boxeo, Don King, planeó organizar una pelea entre Muhammad Alí y George Foreman, en Zaire (hoy conocida como República Democrática del Congo). Para este evento llamado "Zaire 74'" se organizó un festival musical con un mes de anticipación, en donde participaron grandes artistas como James Brown, Bill Withers, BB King, y Las Hilanderas, además de la Fania que fue la primera orquesta tropical en pisar suelo africano. Aquí Lavoe cantó los temas «Mi Gente» y «Guantanamera» al lado de Ismael Quintana, Ismael Miranda, Santos Colón y Johnny Pacheco.


title: Héctor Lavoe

text: El álbum que preparaba Willie se llamó "The Good, The Bad, And The Ugly", aquí Lavoe participa interpretando los temas «Potpourrí III» y «Qué bien te ves». La segunda mitad del disco sería originalmente parte de un tercer "Asalto Navideño" que nunca se llegó a grabar. El instrumental «Doña Toña», «Guaracha» junto a las canciones cantadas por Lavoe marcarían el cierre formal del binomio Colón-Lavoe.


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text: En un principio Lavoe se sintió traicionado y no comprendió las razones de la separación, más aún cuando estaban en el cenit de sus carreras. Lavoe dependía mucho de Colón y la retirada de su amigo le causó inseguridades y una sensación de abandono. Sin embargo, años más tarde, se dio cuenta de que separar sus carreras había resultado un acierto y el sello Fania se benefició de los resultados posteriores ya que sus futuras producciones resultaron muy exitosas. A pesar de esta separación, Lavoe siguió contando con la colaboración de Willie Colón en la producción de varios de sus álbumes como solista.


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text: Luego de separarse musicalmente de Willie Colón, Lavoe inició su carrera como cantante solista aunque siguió recibiendo el apoyo de Colón quien comenzó a producir algunos de sus álbumes, a lo largo de su carrera. También recibió el apoyo de su casa discográfica, el sello Fania, quien decidió lanzar a sus cantantes más exitosos como solistas.


title: Héctor Lavoe

text: La orquesta que acompañó a Héctor Lavoe en su etapa como solista, estuvo conformada por casi los mismos integrantes que tocaron a su lado en años anteriores, en su etapa junto a Willie Colón. A esta orquesta, que solo contaba con dos trombones (Ray Maldonado y Héctor Zarzuela) en la sección de vientos, se le agregaron dos trompetas (Tom Malon y José Rodríguez). El pianista era Mark Dimond, mientras que en el bajo estaba Eddie “Guagua” Rivera. En los bongos, congas y timbales estuvieron José Mangual Jr., Milton Cardona y Nicky Marrero respectivamente. Ellos participaron en el álbum debut de Héctor Lavoe.


title: Héctor Lavoe

text: A lo largo de su carrera como solista, la orquesta de Lavoe estuvo conformada por reconocidos músicos tales como Ray Maldonado, Reynaldo Jorge, Ray Vega, Leopoldo Pineda, Orlando Peña, Chris Anderson, Lewis Khan, José Febles, Luis "Perico" Ortiz, Víctor Pérez, Pablo “El Chino” Nuñez, José Mangual Jr., Milton Cardona, Johnny Almendra, Eddie Montalvo, "El Profesor" Joe Torres, Gilberto "El Pulpo" Colón Jr., Salvador Cuevas, Johnny Torres y muchos más.


title: Héctor Lavoe

text: Héctor Lavoe comenzó a presentarse como solista en algunas presentaciones desde finales de 1974 y es en 1975 cuando publicó su primer álbum en solitario llamado "La Voz", de acá destacaron los temas «Rompe Saragüey», «Emborrachame de Amor», «Un Amor de la Calle», «Paraíso de Dulzura», «El Todopoderoso», el bolero «Tus Ojos» y «Mi Gente», que fue un tema insignia en los conciertos que realizó Lavoe cuando se presentaba como solista o con la Fania All Stars. El álbum, que fue producido por Willie Colón, se convirtió rápidamente en un éxito y sus ventas alcanzaron el disco de oro en muy poco tiempo.


title: Héctor Lavoe

text: En mayo del siguiente año, Héctor ganó el premio de la revista Latin NY como "Mejor Vocalista Masculino", mientras que su orquesta obtuvo el premio a "Mejor Conjunto".


title: Héctor Lavoe

text: Para 1976, grabó con la Fania All Stars los temas «Cuando, Cuando, Cuando» y «Vuela La Paloma», este último junto a Santos Colón, Ismael Quintana, Ismael Miranda, Justo Betancourt, Bobby Cruz, Pete "El Conde" Rodríguez y Cheo Feliciano para el álbum "Tribute To Tito Rodríguez". En ese año y luego del éxito alcanzado en su álbum debut, el sello Fania lanzó al mercado el segundo álbum de Lavoe llamado "De Ti Depende (It's Up to You)", otra vez bajo la producción de Willie Colón. En este álbum, Lavoe vuelve a apostar por los boleros como parte importante del repertorio, al punto que el álbum toma el nombre de uno de ellos, «De Ti Depende», además interpreta los temas «Consejo de Oro» y «Tanto Como Ayer». Los temas que sobresalieron fueron «Vamos a Reír Un Poco», composición del cantante venezolano Perucho Torcat, en donde Lavoe muestra su destreza como sonero de primera categoría. En «Hacha Y Machete», Lavoe canta “"Lo nuestro no fue un golpe de suerte, somos hacha y machete, y esta es la verdad"” haciendo referencia a la relación musical que tuvo con Willie Colón en años anteriores. Por último, «Periódico De Ayer» se convirtió en un afamado clásico que se ha mantenido vigente hasta el presente. El tema escrito por Tite Curet Alonso se convirtió en un éxito radial y fue uno de los más solicitados en los conciertos que ofreció Lavoe durante toda su carrera.


title: Héctor Lavoe

text: Para esa época, las presentaciones en vivo de Lavoe no obteníanlos resultados esperados, no sólo por sus problemas conel consumo de drogas que le impedían cumplir con responsabilidad las fechas y horas previstas, sino porque los números bailables, que por lo general eran canciones que sobrepasaban los seis minutos, tenían un carácter extenuante. Todo esto causó el desgaste y la sobreexposición del artista. Para 1977, Lavoe sufrió un fuerte ataque de depresión que lo alejó de los escenarios y lo obligó a acortar una gira y a someterse a un tratamiento por su adicción a estupefacientes. Luego de superar ese momento, volvió para presentarse en Colombia, Panamá, Estados Unidos, México y otros países.


title: Héctor Lavoe

text: En 1978 Héctor Lavoe regresó a las emisoras radiales con su nuevo álbum titulado "Comedia". El productor fue nuevamente Willie Colón y éste buscó algo especial para Lavoe por lo que se contactó con Rubén Blades quien se encontraba trabajando en una composición para sí mismo pero ante el pedido de Colón quien notó que la letra estaba más hecha para lo que hasta ese entonces era la vida y trayectoria de Lavoe, aceptó cederla. «El Cantante» se convirtió en el tema emblema de Lavoe y fue una de las canciones que cantó hasta sus últimas presentaciones. En este álbum también tuvieron gran repercusión los temas «Bandolera», una equilibrada mezcla entre la experiencia vocal de Lavoe y un arreglo orquestal con el solo de piano de Gilberto Colón Jr. que personifica la vieja escuela de la salsa, y «Sóngoro cosongo», un son montuno que pinta una danza tribal en la barriada, con letra de un poema del cubano Nicolás Guillén. Lavoe continúa introduciendo boleros como «¿Por Qué Te Conocí?» y «Comedia», además de «La Verdad» y «Tiempos Pasados». En ese mismo año se presenta junto a la Fania All Stars en el Madison Square Garden, interpretando la canción «Saca Tu Mujer» con Ismael Quintana, Santos Colón, Ismael Miranda, Cheo Feliciano, Celia Cruz y Justo Betancourt.


title: Héctor Lavoe

text: En 1979, Lavoe participa como artista invitado en el álbum realizado por Tito Puente, "Homenaje a Beny Moré Vol. 2", interpretando el tema «Dónde Estabas Tú». Lavoe se presentó al lado de "El Rey del Timbal" a lo largo de ese año, con el fin de promocionar dicho álbum.


title: Héctor Lavoe

text: En ese mismo año, la Fania All Stars publicó "Habana Jam", concierto grabado el 3 de marzo de 1979 en el Teatro Karl Marx en La Habana, Cuba. En este concierto, Héctor cantó al lado de Wilfrido Vargas el "medley" «Mi Gente/Barbarazo».


title: Héctor Lavoe

text: Siguiendo con su carrera como solista, se publicó el álbum "Recordando a Felipe Pirela" compuesto por canciones que hicieron famoso al cantante venezolano. En esa época el sello Fania comenzaba a sufrir los embates de la crisis de la salsa y en lugar de otorgarle a Lavoe temas inéditos, se deslizaron por un camino seguro, haciendo versiones de boleros ya populares. Entre los temas escogidos pueden mencionarse: «Vieja Carta», «El Retrato de Mamá». «Pobre del Pobre» y «Sombras Nada Más».


title: Héctor Lavoe

text: Para finales de ese año, se edita y se vende el tercer disco navideño de Héctor Lavoe, "Feliz Navidad" que contó con la participación de Daniel Santos y Yomo Toro. Este álbum se grabó con el fin de ser vendido en esas fechas, de acá se escuchan temas como «Joven Contra Viejo» (grabada con Daniel Santos), «Una Pena en Navidad», «Dame un Chance» y otros más.