title: Katharine Hepburn

text: Ambos aparecieron en pantalla por tercer año consecutivo en 1949 en "La costilla de Adán". Al igual que "La mujer del año", fue una comedia de «batalla de los sexos» y fue escrita específicamente para el dúo por sus amigos Garson Kanin y Ruth Gordon. Era una historia de abogados casados que se oponen entre sí en la corte y Hepburn la describió como «perfecta para [Tracy] y para mí». Aunque sus puntos de vista políticos continuaban impulsando piquetes en los teatros de todo el país, "La costilla de Adán" fue un éxito y una de las películas de Tracy-Hepburn más rentables hasta ese momento. Un crítico del "New York Times", Bosley Crowther, tuvo palabras de elogio para con la película y destacó «la perfecta compatibilidad» del dúo.


title: Katharine Hepburn

text: La década de 1950 vio a Hepburn asumir una serie de retos profesionales y se exigió más que en cualquier otro momento de su vida a una edad en que la mayoría de las actrices de su generación comenzaban a retirarse. Berg describió esa década como «el centro de su vasto legado» y «el período en el que realmente fue hacia sí misma». En enero de 1950, Hepburn se atrevió a interpretar a Shakespeare cuando fue convocada para encarnar a Rosalind en "As You Like It". Quería demostrar que podía llevar a cabo papeles clásicos y destacó: «Es mejor probar algo difícil y fracasar que actuar segura todo el tiempo». Fue estrenada en el Teatro Cort en Nueva York para una audiencia y sus entradas prácticamente quedaron agotadas por 148 espectáculos. La producción realizó una gira y las opiniones acerca de Hepburn fueron variadas, pero la actriz se consideraba como la única estrella en Hollywood que realizaba material de alto calibre en el escenario.


title: Katharine Hepburn

text: En 1951, Hepburn filmó "The African Queen", su primera película en Technicolor, donde recreó a Rose Sayer, una misionera soltera y remilgada que vivía en África Oriental Alemana al momento de estallar la Primera Guerra Mundial. Fue coprotagonizada por Humphrey Bogart y se rodó principalmente en la zona del Congo Belga, una oportunidad que Hepburn aceptó. Sin embargo, resultó ser una experiencia difícil ya que enfermó de disentería durante el rodaje. Más tarde, publicó un libro de memorias sobre el viaje. El filme fue lanzado a finales de 1951 con el apoyo popular y la aclamación de la crítica, y le dio a Hepburn su quinta nominación a mejor actriz en los premios de la Academia. "The African Queen" significó su primer filme fructífero sin compañía de Tracy desde "The Philadelphia Story" en la década anterior, lo que demostró que podía ser exitosa sin él y le permitió restablecer su popularidad completamente.


title: Katharine Hepburn

text: Hepburn pasó a rodar la comedia romántica "Pat and Mike" (1952), la segunda película estructurada puntualmente como un producto Tracy-Hepburn por Kanin y Gordon. La actriz era una deportista activa en la vida real y Kanin describió luego que esa fue su inspiración para el filme: «Mientras miraba a Kate jugando al tenis un día... se me ocurrió que su público se estaba perdiendo un placer». Hepburn se sentía presionada por tener que realizar varios deportes de alto rendimiento, muchos de los cuales no fueron incluidos en la proyección. "Pat and Mike" fue una de las producciones del dúo más populares y aclamadas por la crítica, y también fue la favorita de Hepburn de las nueve que realizó con Tracy. Su actuación le valió una nominación para el Globo de Oro a la mejor actriz - Comedia o musical.


title: Katharine Hepburn

text: En el verano de 1952, Hepburn viajó al West End, Londres para actuar durante una temporada de diez semanas en la obra "The Millionairess" de George Bernard Shaw. Sus padres le habían leído a Shaw cuando era una niña, lo que convirtió a la obra en una experiencia especial para la actriz. Sin embargo, los dos años de intenso trabajo la habían dejado exhausta y su amiga Constance Collier escribió que Hepburn estaba «al borde de un ataque de nervios». "The Millionairess" fue llevada a Broadway luego de ser ampliamente aclamada y en octubre de 1952 fue presentada en el Teatro Shubert donde, a pesar de una respuesta poco entusiasta por parte de la crítica, las entradas se agotaron por diez semanas. Hepburn trató de que la obra fuera adaptada para una película: Preston Sturges escribió un guion y la actriz se ofreció a trabajar gratis y pagarle por su cuenta a la directora, pero ningún estudio quiso tomar el proyecto. Más tarde se refirió a ese episodio como la mayor decepción de su carrera.


title: Katharine Hepburn

text: "Pat and Mike" fue la última película con la que Hepburn completó su contrato con MGM, con la libertad de escoger sus propios proyectos. Se tomó dos años de descanso y viajes antes de involucrarse en el drama romántico de David Lean, "Summertime" (1955). La película fue filmada en Venecia y Hepburn interpretó a una solterona solitaria que tiene una historia de amor apasionada. La actriz describió eso como «una parte muy emotiva» y halló fascinante trabajar con Lean. Durante las grabaciones, Hepburn sufrió una caída en un canal y desarrolló una infección crónica en un ojo como consecuencia de ello. Su papel le proporcionó otra nominación al premio de la Academia y ha sido citado por algunos como uno de sus mejores trabajos. Lead señaló que fue la película favorita de todas las que hizo y que Hepburn era su actriz preferida. Al año siguiente, la actriz pasó seis meses recorriendo Australia con la compañía de teatro de Old Vic, con la que recreó a Portia en "The Merchant of Venice", a Kate en "The Taming of the Shrew" y a Isabella en "Measure for Measure". La gira fue un éxito y Hepburn obtuvo aplausos significativos por su desempeño.


title: Katharine Hepburn

text: Hepburn recibió una nominación al premio de la Academia por segundo año consecutivo por su trabajo junto a Burt Lancaster en "The Rainmaker" (1956). De nuevo interpretó ahí a una mujer solitaria apoderada por una historia de amor y se hizo evidente que Hepburn había encontrado un lugar propio interpretando a «solteronas necesitadas de amor» que la crítica y el público disfrutaban. Hepburn dijo acerca de estos papeles: «Con Lizzie Curry ["The Rainmaker"] y Jane Hudson ["Holiday"] y Rosie Sayer ["The Queen of Africa"]... me estaba interpretando a mí misma. No fue difícil para mí recrear a esas mujeres porque yo soy la tía soltera». "The Iron Petticoat" (1956), una adaptación de la comedia clásica "Ninotchka" con Bob Hope, tuvo un éxito menor ese año. Hepburn representó a una aviadora soviética de corazón frío en una actuación que Bosley Crowther denominó «horrible». Fue un fracaso de crítica y público, y Hepburn la consideró la peor película de su vida.


title: Katharine Hepburn

text: Tracy y Hepburn se aliaron en pantalla por primera vez en cinco años para la comedia "Desk Set" (1957). Berg señaló que el filme funcionó como un híbrido entre los primeros éxitos de comedia romántica y el personaje de solterona de Hepburn, pero tuvo un éxito regular. Ese verano, Hepburn regresó a los papeles de Shakespeare y apareció en el American Shakespeare Theatre de Stratford, Connecticut, donde repitió su Portia en "The Merchant of Venice" e interpretó a Beatrice en "Much Ado About Nothing", espectáculos que tuvieron una recepción positiva.


title: Katharine Hepburn

text: Después de dos años alejada de la pantalla, Hepburn protagonizó una adaptación cinematográfica de la controvertida obra de Tennessee Williams "Suddenly, Last Summer" (1959), con Elizabeth Taylor y Montgomery Clift. La película se rodó en Londres y fue «una experiencia completamente amarga» para la actriz. Tuvo un enfrentamiento con el director Joseph L. Mankiewicz durante el rodaje que culminó en un escupitajo de Hepburn hacia él en señal de disgusto. La película fue un éxito a nivel financiero y su trabajo como la tía espeluznante Violet Venable le dio su octava nominación al Óscar. Williams se mostró satisfecho con el desempeño y escribió que «Kate hace que el diálogo suene mejor de lo que es por la incomparable claridad y belleza de su dicción y por una fineza de inteligencia y sensibilidad que ilumina cada matiz de las frases que pronuncia». Williams escribió el guion de "The Night of the Iguana" (1961) con Hepburn en mente pero la actriz, aunque halagada, sintió que la obra no le era acorde y declinó el papel, que fue destinado a Bette Davis.


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text: Hepburn regresó a Stratford en el verano de 1960 para representar a Viola en "Twelfth Night" y a Cleopatra en "Antony and Cleopatra". "The New York Post" escribió acerca de su caracterización: «Hepburn ofrece una actuación muy versátil... una o dos veces se va por sus famosos gestos y siempre es fascinante de ver». Estaba orgullosa de su papel y su repertorio fue perfeccionado cuando apareció en la versión cinematográfica de Sidney Lumet de la obra de Eugene O'Neill, "Long Day's Journey Into Night" (1962), una producción de bajo presupuesto en la que intervino por una décima parte del salario establecido. Hepburn denominó al filme como «la más grande [obra] que este país haya producido jamás» y al personaje de la adicta a la morfina Mary Tyrone como «el papel femenino más desafiante en el drama estadounidense», además de percibir que su actuación fue el mejor trabajo en cine de su carrera. "Long Day's Journey Into Night" continúa siendo una de sus actuaciones más elogiadas y le otorgó a Hepburn una nueva nominación al Óscar y el en el Festival de Cine de Cannes.


title: Katharine Hepburn

text: Tras la finalización de "Long Day's Journey Into Night", Hepburn se tomó un descanso en su carrera para cuidar de Spencer Tracy, que atravesaba un período de mala salud. No volvió a trabajar hasta 1967 cuando protagonizó "Guess Who's Coming to Dinner", su novena película con él. La película aborda el tema del matrimonio interracial con la sobrina de Hepburn, Katharine Houghton, en el papel de su hija. Por otro lado, la salud de Tracy se fue deteriorando cada vez más a causa de una enfermedad cardíaca y Houghton comentó más adelante que su tía estuvo «extremadamente tensa» durante la producción. El actor murió 17 días después de la filmación de la última escena pero "Guess Who's Coming to Dinner" fue un regreso triunfal para Hepburn y significó su película más exitosa a nivel comercial hasta ese momento. Obtuvo su segundo premio a la mejor actriz en los Óscar, 34 años después de ganar el primero, y sintió que el galardón no solo fue para ella sino que también lo recibía en honor a Tracy.


title: Katharine Hepburn

text: Regresó rápidamente a la actuación después de su muerte y eligió preocuparse por sí misma como una salida contra el dolor. Recibió numerosos guiones y optó por interpretar a Leonor de Aquitania en "The Lion in Winter" (1968), una pieza que calificó como «fascinante». Hepburn leyó ampliamente en preparación para el papel en el que actuó junto a Peter O'Toole. El rodaje tuvo lugar en la Abadía de Montmajour en el sur de Francia, una experiencia que le encantó a pesar de ser —según el director Anthony Harvey— «extremadamente vulnerable» en todo. John Russell Taylor de "The Times" sugirió que Leonor era «la actuación de su... carrera» y demostró que era «una actriz sorprendente, en crecimiento, en pleno desarrollo». La película fue nominada en todas las categorías principales de los premios de la Academia y, por segundo año consecutivo, Hepburn ganó el Óscar a la mejor actriz —compartido con Barbra Streisand por "Funny Girl"—. Su papel, en conjunto con su actuación en "Long Day's Journey Into Night", también recibieron un premio de la Academia de Cine Británica (BAFTA) a la mejor actriz. La siguiente aparición de Hepburn fue en "The Madwoman of Chaillot" (1969), que filmó en Niza inmediatamente después de acabar "The Lion in Winter". El filme fue un fracaso crítica y financieramente, y los comentarios apuntaron a Hepburn por ofrecer un desempeño errado.


title: Katharine Hepburn

text: Desde diciembre de 1969 a agosto de 1970, protagonizó el musical de Broadway "Coco" sobre la vida de Coco Chanel y admitió que antes del espectáculo, nunca había pasado por un musical teatral. No era una cantante fuerte pero halló irresistible la oferta y, de acuerdo con la cita de Berg, «lo que carecía en eufonía lo compensaba en agallas». La actriz tomó clases de canto seis veces a la semana a modo de preparación para el espectáculo, estuvo nerviosa en cada actuación y recordó que empezó a preguntarse «qué demonios estaba haciendo ahí». Las críticas acerca de la producción fueron mediocres pero Hepburn se elogió a sí misma y "Coco" tuvo éxito en el público, gracias al cual la temporada fue extendida en dos ocasiones. Más tarde, dijo que en la obra fue la primera vez que aceptó que el público no estaba en su contra, sino que en realidad parecía amarla. Su trabajo le valió una nominación al premio Tony a la mejor actriz de musical.


title: Katharine Hepburn

text: Hepburn se mantuvo activa durante toda la década de 1970 y se centró en roles descritos por Andrew Britton como «desde una madre acuciante a una anciana chiflada que vive [sola]». Inicialmente viajó a España para filmar la versión cinematográfica de "Las Troyanas" de Eurípides: "The Trojan Women" (1971) dirigida por Michael Cacoyannis, junto a Irene Papas, Vanessa Redgrave y Geneviève Bujold. Cuando se le preguntó por qué había aceptado el papel, respondió que quería ampliar su gama y probar de todo mientras continuara teniendo tiempo. La película fue mal recibida pero el Kansas City Film Critics Circle designó la actuación de Hepburn como la mejor del año. En 1971 firmó un contrato para protagonizar una adaptación de "Travels with My Aunt" de Graham Greene, pero no estaba satisfecha con las primeras versiones del guion y se decidió a reescribirlo por su cuenta. Al estudio le desagradaron sus cambios, por lo que Hepburn abandonó el proyecto y fue reemplazada por Maggie Smith. Su siguiente película, una adaptación de "A Delicate Balance" de Edward Albee (1973) dirigida por Tony Richardson, tuvo un pequeño estreno y recibió críticas generalmente desfavorables.


title: Katharine Hepburn

text: En 1973, Hepburn se aventuró en la televisión por primera vez cuando fue protagonista de una producción de Tennessee Williams, "The Glass Menagerie". Había sido cautelosa del medio pero resultó ser uno de los principales eventos televisivos del año y generó altas clasificaciones en los Nielsen Ratings. Hepburn recibió una nominación al premio Emmy por interpretar a la madre nostálgica Amanda Wingfield, que abrió su mente para futuros trabajos en la pantalla chica. Su siguiente proyecto fue la película de televisión "Love Among the Ruins" (1975), un drama de la Inglaterra eduardiana con su amigo Laurence Olivier, que recibió críticas positivas y altos índices de audiencia, y le valió a Hepburn su único premio Emmy.


title: Katharine Hepburn

text: Hepburn hizo su única aparición en los premios de la Academia en 1974 para presentar el a Lawrence Weingarten. Recibió una ovación de pie y bromeó con el público: «Estoy muy contenta de no haber escuchado a nadie gritar "Ya era hora"». Al año siguiente fue convocada con John Wayne en la película del oeste "Rooster Cogburn", una secuela de su filme ganador del Óscar, "True Grit". Haciéndose eco de su personaje de "The African Queen", Hepburn volvió a interpretar a una solterona profundamente religiosa que forma equipo con un hombre también soltero para vengar la muerte de un familiar. La película recibió críticas mediocres y, aunque su elenco fue suficiente para atraer al público a la taquilla, no cumplió con las expectativas del estudio y solo tuvo un éxito moderado.


title: Katharine Hepburn

text: En 1976, Hepburn regresó a Broadway para una temporada de tres meses en la obra de Enid Bagnold "A Matter of Gravity". El papel de la excéntrica Sra. Basil fue considerado un escaparate perfecto para la actriz y la obra fue popular a pesar de las críticas negativas; de hecho, más tarde se realizó una gira nacional con éxito. Durante una estancia en Los Ángeles, Hepburn se fracturó la cadera pero optó por continuar la gira actuando en una silla de ruedas. Ese año fue elegida como la «mejor actriz de películas cinematográficas» por el People's Choice Awards. Después de tres años de alejamiento del cine, Hepburn protagonizó en el 1978 la película "Olly Olly Oxen Free". La comedia de aventuras fue uno de los mayores fracasos de su carrera —el guionista James Prideaux, que trabajó con Hepburn, escribió más tarde que el filme «murió en el momento del estreno» y se refirió a este como su «película perdida»—. Hepburn alegó que la razón principal por la que había aceptado el papel fue por la oportunidad de montar en un globo de aire caliente en la filmación. Volvió a actuar con la película para televisión "The Corn Is Green" (1979), filmada en Gales, que fue la última de las diez producciones que Hepburn hizo con George Cukor y por la que obtuvo una tercera nominación al Emmy.


title: Katharine Hepburn

text: Por la década de 1980, Hepburn había desarrollado un temblor perceptible que le generaba movimientos involuntarios de cabeza en forma permanente. No trabajó durante dos años pero durante ese período vio la producción de Broadway "On Golden Pond" y quedó impresionada por la representación de un matrimonio de ancianos que lucha frente a las dificultades de la vejez. Jane Fonda había comprado los derechos de los guiones de su padre, el actor Henry Fonda, y Hepburn solicitó interpretar con él el papel de la extravagante Ethel Thayer. "On Golden Pond" fue un éxito y se convirtió en la segunda película más taquillera de 1981. El filme demostró cuán enérgica era Hepburn con 74 años cuando se sumergió completamente vestida en Squam Lake y ofreció una vital actuación de canto. Su papel le valió un segundo premio BAFTA y un cuarto premio de la Academia —un récord que no ha sido superado—. Homer Dickens, en su libro sobre Hepburn, señaló que fue ampliamente considerado como una victoria sentimental, «un homenaje a su carrera duradera».


title: Katharine Hepburn

text: Hepburn también volvió a los escenarios en 1981 y recibió una segunda nominación al Tony por su interpretación de una viuda septuagenaria con alegría de vivir en "The West Side Waltz". "Variety" observó que el papel era «una versión obvia y totalmente aceptable de la propia imagen pública [de Hepburn]». Walter Kerr, de "The New York Times", escribió sobre su actuación: «Una cosa misteriosa que incuestionablemente ha aprendido a hacer es a respirar vida en líneas que no la tienen». Esperaba hacer la versión cinematográfica de la producción pero nadie compró los derechos. La reputación de Hepburn como uno de los mejores y más queridos actores de Estados Unidos se consolidó firmemente en ese momento, de hecho fue nombrada «la actriz de cine favorita» en una encuesta realizada por la revista "People" y de nuevo ganó el premio de la popularidad del People's Choice.


title: Katharine Hepburn

text: En 1984 fue protagonista de la comedia oscura "Grace Quigley", la historia de una anciana que consigue un asesino a sueldo (Nick Nolte) para ser asesinada por voluntad propia. Hepburn encontró humor en el tema morboso pero las críticas fueron negativas y tampoco tuvo repercusión pública. En 1985 presentó un documental de televisión sobre la vida y carrera de Spencer Tracy. La mayoría de sus papeles en esa época fueron en películas de televisión que no recibieron la aclamación de la crítica como sus primeros trabajos en el medio pero continuaron siendo aceptados por el público. En cada estreno, Hepburn anunciaba que sería su última aparición en la pantalla pero seguía encarando nuevos roles. Recibió una nominación al Emmy en 1986 por su papel en "Mrs. Delafield Wants to Marry" y volvió a actuar dos años más tarde en la comedia "Laura Lansing Slept Here", que le permitió actuar con su sobrina nieta, Schuyler Grant.


title: Katharine Hepburn

text: En 1991 lanzó su autobiografía, "Me: Stories of My Life" —"Yo: Historias de mi vida", en español—, que encabezó las listas de "best-seller" durante más de un año. Hepburn retornó a las pantallas de televisión en 1992 con "The Man Upstairs", coprotagonizada por Ryan O'Neal, por la cual recibió una nominación al Globo de Oro. En 1994 trabajó junto a Anthony Quinn en "This Can't Be Love", que estaba basada ampliamente en la vida de la propia Hepburn, con numerosas referencias a su personalidad y su carrera. Esos roles posteriores fueron descritos como «una versión ficticia del personaje típicamente luchador de Kate Hepburn» y los críticos señalaron que se estuvo interpretando básicamente a sí misma.


title: Katharine Hepburn

text: Su última aparición en una película —también la primera desde su actuación en "Grace Quigley" diez años antes— fue en "Love Affair" (1994). La actriz de 86 años jugó un papel secundario junto a Annette Bening y Warren Beatty. Fue la única película de su carrera, excepto por el cameo de "Stage Door Canteen", en la que no realizó un papel protagonista. Roger Ebert señaló que fue la primera vez que parecía estar frágil pero que el «magnífico espíritu» todavía estaba ahí, además de que sus escenas «se roban el espectáculo». "The New York Times" hizo observaciones similares ya que puso de manifiesto en la última aparición en la pantalla grande de la actriz que «si se movía más despacio que antes, en actitud estaba como siempre y moderna como no lo había estado nunca». Hepburn filmó un último papel en la película para televisión "One Christmas" (1994), por el que recibió una nominación al premio del Sindicato de Actores a los 87 años de edad.


title: Katharine Hepburn

text: Hepburn indicó, pasados los ochenta: «No le temo a la muerte. Debe de ser maravillosa, como un largo sueño». Su salud comenzó a deteriorarse poco después de su última actuación en televisión y en el invierno de 1996, debió ser hospitalizada a causa de una neumonía. En 1997 se encontraba muy débil; hablaba y comía muy poco, y se temía que muriera. Mostró signos de demencia senil en sus últimos años. En mayo de 2003 fue diagnosticada de un tumor maligno en su garganta. Se decidió no someterla a tratamiento y falleció a la edad de 96 años el 29 de junio de 2003 en la residencia de la familia Hepburn en Fenwick, Connecticut. Sus restos fueron inhumados en el Cedar Hill Cemetery en Hartford junto a los de su hermano Tom y, de acuerdo con sus deseos, no se hizo ceremonia religiosa.


title: Katharine Hepburn

text: La muerte de Hepburn recibió una considerable atención pública. Se celebraron muchos homenajes en la televisión y los medios gráficos dedicaron publicaciones a la actriz. El presidente estadounidense George W. Bush dijo que Hepburn «será recordada como uno de los tesoros artísticos de la nación». En honor a su extenso trabajo en teatro, las luces de Broadway se apagaron durante la noche del 1 de julio de 2003. En 2004, de acuerdo con los deseos de Hepburn, sus pertenencias fueron puestas a subasta con la agencia Sotheby's en Nueva York. El evento recaudó 5,8 millones USD que la actriz legó a su familia.


title: Katharine Hepburn

text: Hepburn, conocida por resguardar ferozmente su privacidad, se negó a dar entrevistas o charlas a sus seguidores durante gran parte de su carrera. Así se distanció de la forma de vida tradicional de las celebridades y se desinteresó del ámbito social al que veía como tedioso y superficial. Utilizaba ropa casual que iba fuertemente contra las convenciones en una era de glamur. Rara vez aparecía en público, siempre evitaba los restaurantes, y una vez arrancó una cámara de la mano de un fotógrafo cuando este le tomó una foto sin preguntarle. A pesar de su celo por la privacidad, disfrutó de su fama y más tarde dijo que no le habría gustado que la prensa la ignorara por completo. Su actitud defensiva cedió conforme fue envejeciendo; luego de una entrevista de dos horas de duración en "The Dick Cavett Show" en 1973, Hepburn se abrió cada vez más al público.


title: Katharine Hepburn

text: La incesante energía y entusiasmo de Hepburn por la vida fueron citados a menudo en sus biografías, mientras que su decidida independencia se convirtió en la clave para su estatus de celebridad. Esa confianza en sí misma significaba que podía ser controladora y difícil; su amiga Garson Kanin la comparó con una maestra y señaló que era famosa por ser terminante y sincera. Katharine Houghton comentó que su tía podía llegar a ser «enloquecedoramente moralista y mandona». Hepburn confesó ser, especialmente al comienzo de su vida, una «persona "yo yo yo"» y se veía a sí misma como poseedora de un carácter alegre, de hecho manifestó: «Me gusta la vida y he sido muy afortunada, ¿por qué no habría de ser feliz?». A. Scott Berg conoció bien a Hepburn en sus últimos años y apuntó que si bien era exigente, conservaba el sentido de humildad y humanidad.


title: Katharine Hepburn

text: La actriz llevaba una vida privada activa, nadaba regularmente y jugaba al tenis todas las mañanas. A sus ochenta, continuaba practicando tenis con regularidad, como se muestra en el documental "All About Me" de 1993. También disfrutaba de la pintura, que se convirtió en una pasión hacia el final de su vida. Cuando se le preguntó acerca de la política, Hepburn dijo en una entrevista: «Siempre digo que estoy a favor de las minorías y del lado liberal. No soy una persona "no"». La histeria anticomunista en el Hollywood de 1940 la impulsó a la actividad política y su nombre fue mencionado en las audiencias del Comité de Actividades Antiestadounidenses aunque Hepburn negó ser una simpatizante comunista. En su adultez, promovió abiertamente el control de la natalidad y apoyó el aborto. Practicaba la teoría de «Reverencia por la vida» de Albert Schweitzer pero no creía en la religión o en el más allá. En 1991, Hepburn le espetó a un periodista: «Yo soy atea y eso es todo. Creo que no hay nada que podamos saber excepto que debemos ser amables con los demás y hacer lo que podamos por otras personas». A raíz de las declaraciones públicas de estas creencias, la Asociación Humanista Estadounidense le otorgó el premio Humanist Arts en 1985.


title: Katharine Hepburn

text: El único esposo de Hepburn fue Ludlow Ogden Smith, hombre de negocios de la clase alta de Filadelfia, al que había conocido mientras estudiaba en el Bryn Mawr. La pareja se casó el 12 de diciembre de 1928, cuando ella tenía 21 y él 29. Hepburn había cambiado el nombre de su marido a S. Ogden Ludlow para no ser llamada «Kate Smith», que le parecía demasiado común. Nunca se dedicó plenamente al matrimonio y priorizó su carrera. Su traslado a Hollywood en 1932 fomentó el distanciamiento de la pareja y en 1934, viajó a México para conseguir un divorcio exprés. Hepburn siempre expresó su gratitud hacia Smith por su apoyo moral y espiritual en los primeros días de su carrera, y en su autobiografía se calificó a sí misma como «un terrible cerdo» por haber explotado su amor de ese modo. Ambos permanecieron como amigos hasta su muerte en 1979.


title: Katharine Hepburn

text: Poco después de su traslado a California, Hepburn comenzó una relación con su representante Leland Hayward a pesar de que ambos estaban casados. Hayward le propuso a la actriz en una ocasión que se divorciaran cada uno por su parte pero rehusó, en palabras de Hepburn, «me agradaba la idea de ser una personalidad autónoma». Ambos mantuvieron ese vínculo por cuatro años. En 1936, mientras se hallaba de gira con "Jane Eyre", inició una relación sentimental con el empresario Howard Hughes, al que había conocido mientras filmaba "Sylvia Scarlett" luego de que un amigo en común, Cary Grant, los presentara. Hughes deseaba casarse con ella y la prensa amarilla anunció una boda inminente pero en ese momento Hepburn estaba demasiado focalizada en restablecer su carrera. Se separaron en 1938 cuando la actriz abandonó Hollywood tras ser etiquetada como «veneno de taquilla».


title: Katharine Hepburn

text: Hepburn se aferró a su decisión de no volver a casarse y optó por no tener hijos. Creía que la maternidad debía ser una entrega de tiempo completo y eso era algo que no estaba dispuesta a hacer. «Habría sido una madre terrible», le confesó a Berg, «básicamente porque soy un ser humano muy egoísta». Sintió que había experimentado parcialmente la maternidad a través de sus hermanos más jóvenes, lo que satisfizo cualquier necesidad de tener hijos propios. Los rumores acerca de su lesbianismo y bisexualidad han existido desde los años de 1930 y a menudo bromeaba con ellos. En 2007, William J. Mann lanzó una biografía de Hepburn en la que argumentó acerca del caso. En respuesta a esas especulaciones sobre su tía, Katharine Houghton dijo: «Nunca descubrí ninguna evidencia en absoluto de que fuese lesbiana». Pero las revelaciones del alcahuete de Hollywood Scotty Bowers en sus acreditadas memorias "Servicio completo" (2013) y en el documental de Matt Tyrnauer "Scotty and the Secret Life of Hollywood" (2017) parecen definitivas en ese sentido. Su relación, meramente de amistad, con Spencer Tracy, fue un montaje que convenía a ambos; servía para disimular la falta de compromisos masculinos matrimoniales de ella y la homosexualidad reprimida de él y mantenerlos a ambos en un cómodo armario.


title: Katharine Hepburn

text: La relación más significativa de su vida fue con el actor Spencer Tracy y, acerca de la misma, en su autobiografía escribió: «Fue un sentimiento único el que tuve por [Tracy]. Habría hecho cualquier cosa por él». Lauren Bacall, una amiga cercana, señaló más tarde que Hepburn estaba «ciegamente» enamorada del actor. La relación recibió mucha publicidad posteriormente y es citada a menudo como uno de los amoríos legendarios de Hollywood. Se conocieron cuando ella tenía 34 y él 41; Tracy desconfió inicialmente de Hepburn; le impresionaron sus uñas sucias y sospechaba que era lesbiana, en cambio la actriz dijo que «supe enseguida que me parecía irresistible». Tracy permaneció casado durante toda la relación; aunque él y su esposa Louise vivían de forma separada desde 1930, nunca hubo una separación oficial y ninguna de las partes reclamó un divorcio. Hepburn no interfirió y nunca buscó casarse con él.


title: Katharine Hepburn

text: Debido a que Tracy estaba decidido a ocultar la relación con la actriz a su esposa, la misma se mantuvo en privado, se cuidaban de ser vistos juntos en público y vivían en residencias separadas. Tracy era alcohólico y frecuentemente se deprimía; Hepburn lo describió como un «torturado» y se dedicó a hacer su vida más fácil. Los relatos de personas que los vieron juntos narran cómo Hepburn cambió su actitud completamente al rodearse de Tracy. Le obedecía y lo cuidaba como si fuese una madre, al mismo tiempo que Tracy se hizo muy dependiente de ella. Pasaron períodos de tiempo en los que frecuentemente estaban separados debido a su trabajo, sobre todo en la década de 1950 cuando Hepburn estuvo en gran parte en el extranjero por compromisos profesionales.


title: Katharine Hepburn

text: La salud de Tracy declinó significativamente en la década de 1960 y Hepburn se tomó un alto de cinco años en su carrera para cuidarlo. Se mudó a la casa del actor en ese período y estuvo con él cuando murió el 10 de junio de 1967, aunque por consideración a su esposa, no asistió a su funeral. No fue sino hasta después de la muerte de Louise Tracy en 1983 que comenzó a hablar públicamente sobre sus sentimientos hacia su frecuente compañero de reparto. En respuesta a la pregunta de por qué se quedó con Tracy durante tanto tiempo a pesar de la naturaleza de su relación, dijo: «Honestamente, no lo sé. Solo puedo decir que nunca podría haberlo dejado». Afirmó no saber lo que él sentía por ella y que «solo pasamos veintisiete años [sic] juntos que fueron para mí la felicidad absoluta».


title: Katharine Hepburn

text: Muchos coinciden en que Hepburn no era una actriz instintiva. Le gustaba estudiar el texto y el personaje cuidadosamente de antemano, asegurándose de que los conocía por completo, luego los ensayaba tanto como le fuera posible y filmaba múltiples tomas de una misma escena. Su auténtica pasión por la industria hizo que se comprometiera fuertemente con cada rol e insistiera en el aprendizaje de las habilidades necesarias y la realización de acrobacias por su cuenta. No solo era conocida por aprender sus propias líneas sino también las de sus compañeros de reparto. Al comentar sobre su entusiasmo, Stanley Kramer dijo: «Trabajo, trabajo, trabajo. Puede trabajar hasta que todos caigan rendidos». Hepburn se involucró en la producción de cada una de sus películas mediante sugerencias para el guion o manifestando su opinión acerca de todo, desde el vestuario a la iluminación o la fotografía.


title: Katharine Hepburn

text: Los personajes que interpretaba eran, salvo contadas excepciones, ricos e inteligentes, y con frecuencia fuertes e independientes. Esos personajes rudos tendían a ser humillados en alguna forma y revelaban tener una debilidad oculta. Garson Kanin describió lo que él llamó «la fórmula para el éxito de Hepburn»: una chica... de alta posición social, o engreída, es bajada a la tierra por una más terrenal, o una de poca cultura... o una situación catastrófica. Parece haber funcionado una y otra vez». Debido a la repetición de ese prototipo de personajes, Britton ve a Hepburn tan envuelta en las «contradicciones» de la «naturaleza y el estatus» de la mujer como las mujeres fuertes que interpreta que finalmente «se restablecen en una posición segura dentro del statu quo». El crítico de cine Molly Haskell comentó la importancia de eso para la carrera de Hepburn: por su presencia intimidante, era necesario que sus personajes «hicieran algo que los rebajara un poco para permanecer en el lado bueno de la audiencia».


title: Katharine Hepburn

text: Hepburn es una de las actrices más célebres de Estados Unidos, pero también ha sido criticada por su falta de versatilidad. Su actuación en pantalla coincidía estrechamente con su personalidad de la vida cotidiana, algo que admitió por sí misma. En 1991 le aclaró a un periodista: «Creo que soy siempre la misma. Tenía una personalidad muy definida y me gustaba el material que mostrara esa personalidad». El dramaturgo y autor David Macaray señaló: «Observas a Katharine Hepburn en cada película que protagonizó y te preguntas a ti mismo si no está actuando, naturalmente, el mismo papel una y otra vez... Emblema o no, no confundamos una mujer única y realmente fascinante con una actriz de primera calidad». Otra crítica mencionada a menudo es con respecto a su conducta demasiado fría.


title: Katharine Hepburn

text: Hepburn es considerada una figura cultural importante e influyente. Ros Horton y Sally Simmons la incluyeron en su libro "Mujeres que cambiaron el mundo", que honra a cincuenta mujeres que ayudaron a formar la historia y la cultura del mundo. También es nombrada en la lista de las «300 mujeres que cambiaron el mundo» de la "Encyclopædia Britannica", en el libro "Las 100 mujeres más importantes del siglo XX" del "Ladies Home Journal", en los «100 íconos del siglo» de la revista "Variety" y ocupa el puesto 84 en la lista de los «200 mayores íconos de la cultura pop de todos los tiempos» de VH1. En 1999, el American Film Institute nombró a Hepburn como la .


title: Katharine Hepburn

text: En cuanto al legado cinematográfico de Hepburn, el locutor Sheridan Morley dijo que «rompió el molde» para las mujeres en Hollywood, trayendo una nueva generación de mujeres resueltas a la pantalla. El académico de cine Andrew Britton escribió una monografía en la que estudió «su presencia clave dentro del Hollywood clásico, una alteración coherente, potencialmente radical» y señaló su influencia «central» en llevar cuestiones feministas a la pantalla. Maryann Pasda DiEdwardo alegó que las actuaciones de Hepburn fomentaron una «determinación hacia una nueva visión de las mujeres».


title: Katharine Hepburn

text: Fuera de la pantalla, Hepburn vivió de manera adelantada a su tiempo; de ese modo llegó a simbolizar a la «mujer moderna» y jugó un papel importante en el cambio de actitud hacia el género femenino. Horton y Simmons escribieron «Segura de sí misma, inteligente e ingeniosa, ganadora de un Óscar en cuatro ocasiones, Katharine Hepburn desafió las convenciones a lo largo de su vida profesional y personal... Hepburn proporciona una imagen de una mujer asertiva de la que las [mujeres] puedan aprender y observar». Después de la muerte de Hepburn, la historiadora de cine Jeanine Basinger declaró: «Lo que nos trajo fue un nuevo tipo de heroína —moderna e independiente—. Era hermosa, pero no se fio de eso». Maria McNamara, una periodista de espectáculos y crítica de "Los Angeles Times", escribió que «más que una estrella de cine, Katharine Hepburn fue la santa patrona de las mujeres estadounidenses independientes». Sin embargo, no fue venerada universalmente por las feministas, que estaban enfadadas por sus declaraciones públicas acerca de que la mujer «no puede tenerlo todo» en referencia a la carrera profesional y la familia.


title: Katharine Hepburn

text: El legado de Hepburn se extiende al ámbito de la moda, en el que fue pionera por llevar pantalones en un momento en que era revolucionario para una mujer. Contribuyó a la fabricación de pantalones adecuados para las mujeres al mismo tiempo que las fanes comenzaron a imitar su vestuario. En 1986 recibió un premio por su trayectoria en el Concejo de Diseñadores de Moda de Estados Unidos, en reconocimiento a la influencia que tuvo en la moda femenina.


title: Katharine Hepburn

text: Una serie de películas de Hepburn se convirtieron en clásicos del cine estadounidense y, de hecho, cuatro de sus filmes —"The African Queen", "The Philadelphia Story", "Bringing Up Baby" y "Guess Who's Coming to Dinner"— figuran en la lista de las del American Film Institute. "Adam's Rib" y "Woman of the Year" fueron incluidas en la lista de las 100 mejores comedias estadounidenses de todos los tiempos según el AFI. Su voz aristocrática entrecortada es considerada una de las más distintivas en la historia del cine.[]


title: Katharine Hepburn

text: Hepburn fue honrada con varios monumentos. La comunidad de Turtle Bay en Manhattan, Nueva York, donde tuvo una residencia por más de 60 años, designó un parque con su nombre en 1997 y, luego de su muerte en 2003, la intersección de la East 49th Street y la 2.ª Avenida fue renombrada a «Lugar Katharine Hepburn». Tres años después, el Bryn Mawr College —el alma máter de Hepburn— creó el Centro Katharine Houghton Hepburn en dedicación a la actriz y a su madre, que alienta a las mujeres a pronunciarse sobre cuestiones importantes que afecten a su género. El centro entrega la medalla anual Katharine Hepburn que «reconoce a las mujeres cuyas vidas, trabajo y contribuciones encarnen la inteligencia, el manejo y la independencia de la actriz ganadora de cuatro premios Óscar». El Centro de Artes Culturales Katharine Hepburn, que incluye un espacio de actuación y un museo con su nombre, fue inaugurado en 2009 en Old Saybrook, Connecticut, donde su familia poseía una casa de playa que la actriz amaba y que más tarde adquirió.


title: Katharine Hepburn

text: La Biblioteca de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas y la Biblioteca Pública de Nueva York mantienen colecciones de documentos personales de Hepburn. Una parte de la colección de Nueva York, que documenta su carrera teatral, fue presentada en una exposición de cinco meses, "Katharine Hepburn: In Her Own Files", en 2009. Se celebraron otras exhibiciones para enseñar su carrera; "One Life: Kate, A Centennial Celebration" se llevó a cabo en la Galería Nacional de Retratos en Washington desde noviembre de 2007 hasta septiembre de 2008 con ocasión de su centenario. La Universidad de Kent exhibió parte de sus películas y vestuario teatral desde octubre de 2010 hasta septiembre de 2011 en "Katharine Hepburn: Dressed for Stage and Screen". Hepburn también fue honrada con un sello postal propio como parte de la serie de estampillas «Leyendas de Hollywood» y en 2015, el British Film Institute realizó una retrospectiva de dos meses con sus trabajos.


title: Katharine Hepburn

text: Hepburn fue el tema principal de una obra de monólogos, "Tea at Five", escrita por Matthew Lombardo y estrenada en 2002 en el Hartford Stage. El primer acto mostraba a Hepburn en 1938 luego de ser calificada como «veneno de taquilla» y el segundo en 1983, donde reflexionaba sobre su vida y su carrera. Fue recreada también en "Tea at Five" por Kate Mulgrew, Tovah Feldshuh, Stephanie Zimbalist y Charles Busch. Feldshuh también apareció como Hepburn en "The Amazing Howard Hughes", una película para televisión de 1977, mientras que Mearle Ann Taylor la interpretó más tarde en "The Scarlett O'Hara War" (1980). En la película biográfica de Martin Scorsese sobre Howard Hughes, "El aviador" (2004), fue retratada por Cate Blanchett, que ganó el por su actuación. Fue el primer caso donde el papel de una actriz ganadora de un Óscar —en este caso Hepburn— se convirtió en el ganador de un premio de la Academia. En 2014 se anunció el desarrollo de dos filmes biográficos sobre Hepburn, uno basado en su relación con Spencer Tracy y otro que abarca sus primeros años en Hollywood con base en el relato de William Mann.


title: Katharine Hepburn

text: Hepburn obtuvo cuatro premios de la Academia, un número récord para cualquier intérprete y un total de doce nominaciones al , una cifra solo superada por Meryl Streep. También posee el récord del período de tiempo más largo entre la primera y última nominación al Óscar —48 años—. También poseyó el récord de haber sido nominada durante más décadas —cinco— en alguna categoría interpretativa, cifra igualada más tarde por Paul Newman, Laurence Olivier, Jack Nicholson , Michael Caine y Meryl Streep.A lo largo de su vida, recibió dos premios y cinco nominaciones de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión (BAFTA), un premio y seis nominaciones en los Emmy, ocho nominaciones a los Globos de Oro, dos nominaciones a los premios Tony, reconocimientos del Festival de Cine de Cannes y del Festival de Cine de Venecia, el New York Film Critics Circle Award, el People's Choice Awards, entre otros. Hepburn fue incluida en el salón de la fama del American Theatre en 1979 y fue galardonada con un premio a la Trayectoria del Sindicato de Actores ese mismo año. Además, recibió el premio Kennedy en 1990 en reconocimiento a los logros de una vida en las artes.


title: Katharine Hepburn

text: Durante sus 66 años de carrera, Hepburn apareció en 44 películas, 8 películas para televisión y 33 obras de teatro. Su carrera en cine abarcó una variedad de géneros, incluyendo comedias alocadas, dramas de época y adaptaciones de obras de los principales dramaturgos de Estados Unidos. Actuó en el escenario desde la década de 1920 a la de 1980 en piezas teatrales de Shakespeare y Shaw, y musicales de Broadway.


title: XXX: reactivado

text: xXx: Return of Xander Cage (alternativamente conocida como xXx: Reactivated y pronunciada «Triple X») es una película estadounidense de acción y aventuras dirigida por D.J. Caruso, producida por Vin Diesel, Neal H. Moritz, Joe Roth, Jeff Kirschenbaum y Samantha Vincent y escrita por F. Scott Frazier y Chad St. John. Está protagonizada por Vin Diesel, Deepika Padukone, Donnie Yen, Samuel L. Jackson, Tony Jaa, Nina Dobrev, Ruby Rose, Rory McCann y Kris Wu. Es la tercera cinta en la franquicia "xXx" y por lo tanto una secuela tanto de la película de 2002 "xXx", como de la de 2005 "", aunque más directamente de la primera. Asimismo, esta película reunió también a los protagonistas de las dos entregas anteriores (Diesel y Ice Cube), a la vez de revelar la existencia de otros agentes xXx anteriores a la aparición de Cage. A diferencia de las películas anteriores, que se distribuyeron por Columbia Pictures, "Return of Xander Cage" fue estrenada por Paramount Pictures el 20 de enero de 2017 en 2D, RealD 3D e IMAX 3D.


title: XXX: reactivado

text: El filme también es el primero en ser producido por Revolution Studios en casi diez años desde la cinta de 2007 "".


title: XXX: reactivado

text: El atleta extremo que se volvió agente del gobierno, Xander Cage, que se cree muerto hace mucho tiempo, sale de un exilio autoimpuesto como reclutado por la CIA para enfrentar al villano Xiang, para recuperar un arma poderosa conocida como "La Caja de Pandora ", que puede controlar los satélites militares que podrían causar daños catastróficos. Tras la contratación de un grupo de compañeros en busca de emociones (un francotirador y un hacker), Xander se ve envuelto en una conspiración mortal de la corrupción de los gobiernos del mundo, incluyendo los iniciados en el gobierno de su propio país.


title: XXX: reactivado

text: Aunque el personaje de Xander Cage fue supuestamente muerto en la secuela para explicar su ausencia, Vin Diesel había anunciado en 2006 que iba a regresar como Xander Cage en una segunda secuela, titulada "xXx: The Return of Xander Cage". Inicialmente no sólo Diesel regresaría, sino también el director de "xXx", Rob Cohen. Diesel había dicho que el estilo y la música también serían similares a la de la película original, más de lo que los fanes quieren, con énfasis en acrobacias extremas y con una banda sonora de heavy metal. Joe Roth estaba en conversaciones para producirla. Durante una entrevista en diciembre de 2008, Cohen había dicho: «ahora estamos escribiendo un guión con los chicos que escribieron "" y "Terminator Salvation". Así que vamos a hacer otro Xander Cage XXX. Vamos a hacerlo acelerar un poco y traer de vuelta al tipo de deportes extremos que ha sido readaptado para ser un espía». El 10 de junio de 2009 Cohen se retiró de la producción, para así poder dirigir la película de acción "Medieval". El 26 de agosto de 2009 SlashFilm anunció que Ericson Core sería el director y que la producción comenzaría a principios de 2010.


title: XXX: reactivado

text: En abril de 2010 se reveló que la tercera película sería financiada por Paramount Pictures en lugar de Sony y que se rodaría en 3D. Mientras tanto, Rob Cohen había regresado como director. Vin Diesel sería productor, junto a otros, mientras que Gloria S. Borders, Scott Hemming, Ric Kidney y Vince Totino servirían como productores ejecutivos.


title: XXX: reactivado

text: En enero de 2014 Vin Diesel confirmó que trabajaría en una secuela tentativamente titulada "xXx: The Return of Xander Cage". El 23 de agosto de 2015 Vin Diesel anunció en su página de Instagram que había llegado el momento de regresar y que el rodaje comenzaría en diciembre. El 10 de octubre de 2015 se informó que el director D.J. Caruso dirigiría la cinta. Diesel anunció que el luchador de UFC Conor McGregor fue incluido en un papel y que Jackson repetiría su papel como Gibbons. El 1 de enero de 2016 "Twitch" reportó que Tony Jaa, Donnie Yen y Deepika Padukone interpretarían papeles en la cinta. Una semana después, Nina Dobrev y Ruby Rose también fueron incluidos al elenco. Dobrev interpreta a una ingeniosa y sarcástica aficionada a la tecnología, mientras que Padukone interpreta a una antigua amante de Cage que pasa a ser cazadora. Rose interpreta a una francotiradora.


title: Orson Welles

text: George Orson Welles, más conocido como Orson Welles, (Kenosha, Wisconsin, 6 de mayo de 1915-Los Ángeles, California, 10 de octubre de 1985) fue un actor, director, guionista, productor y locutor de radio estadounidense.


title: Orson Welles

text: Considerado uno de los artistas más versátiles del en el campo del teatro, la radio y el cine, alcanzó el éxito a los veintitrés años gracias a la obra radiofónica "La guerra de los mundos", que causó conmoción en los Estados Unidos cuando muchos oyentes del programa pensaron que se trataba de una retransmisión verdadera de una invasión extraterrestre. Este sensacional debut le valió un contrato para tres películas con el estudio cinematográfico RKO, que le otorgó libertad absoluta en sus realizaciones. A pesar de estos beneficios, solo uno de sus proyectos previstos pudo ver la luz: "Citizen Kane" (1941), su película más exitosa.


title: Orson Welles

text: En 1946, bajo la sospecha de ser comunista, su carrera en Hollywood se estancó y se vio obligado a trasladarse a Europa, donde trabajó como actor para financiar sus producciones, algo característico del período del macartismo, durante el cual numerosos personajes de la vida pública fueron acusados de pertenecer a esta corriente ideológica y, con ello, ser enemigos de los Estados Unidos. Sobre la época, el mismo Welles escribió: «Lo malo de la izquierda estadounidense es que traicionó para salvar sus piscinas. Y no hubo unas derechas estadounidenses en mi generación. No existían intelectualmente. Solo había izquierdas y estas se traicionaron. Porque las izquierdas no fueron destruidas por McCarthy; fueron ellas mismas las que se demolieron dando paso a una nueva generación de nihilistas». Pese a su persecución y debido a su triunfo en Europa, en 1958 Welles pudo volver a Hollywood para el rodaje de su película "Touch of Evil" entre otros títulos de capital relevancia en su carrera.


title: Orson Welles

text: Entre sus otros muchos proyectos destaca la producción y dirección de películas como "Macbeth" (1948), "Otelo" (1952) -adaptaciones de obras teatrales de William Shakespeare-, "El proceso" (1962) -adaptada del libro homónimo de Franz Kafka- y "F for Fake" (1973), entre otros. Su última aparición fue en televisión, haciendo un cameo en la teleserie "Luz de luna"; murió cinco días antes de la emisión del capítulo. Su fama creció tras su muerte en 1985 y ahora se le considera uno de los más grandes directores de cine y teatro del . En 2002 fue elegido por el British Film Institute como el mejor director de la historia del cine.


title: Orson Welles

text: Orson Welles nació en Kenosha, Wisconsin, segundo hijo de Beatrice Ives, una pianista y sufragista que había cumplido una condena por sus opiniones políticas fuertemente radicales, y Richard Welles, propietario de una cadena de fábricas de camionetas e inventor aficionado proveniente de una familia rica de Virginia. Desde su nacimiento, Welles recibió una educación poco convencional de parte de sus eclécticos y adinerados padres, lo trataron como el prodigio de la familia y dirigieron su precoz talento hacia las diferentes formas de arte. El pequeño Orson aprendió rápidamente las enseñanzas de su madre y pronto se inició en la pintura.


title: Orson Welles

text: Welles hizo su primera aparición en el escenario a los tres años en una representación de la obra "Sansón y Dalila", en la Ópera de Chicago. En 1919 sus padres se separaron y Orson pasó a residir con su madre en Chicago, donde comenzó a introducirse en los círculos artísticos e intelectuales. El 10 de mayo de 1924, Beatrice Welles murió repentinamente de ictericia a la edad de cuarenta y tres. Tras la pérdida de su madre Welles vuelve a vivir con su padre y abandona para siempre su carrera musical.


title: Orson Welles

text: El Dr. Maurice Bernstein, un viejo amigo de la familia Welles y ex pretendiente de su difunta madre, estimuló en el infante el amor por el teatro, dándole una linterna mágica, un cuadro de pintura y un teatro de marionetas. A la edad de diez años, mientras estudiaba su primaria en Madison (Wisconsin), Welles se dedicó a ofrecer presentaciones escolares y dirigió y protagonizó su primera representación teatral, "El extraño caso del doctor Jekyll y míster Hyde". Al poco tiempo ingresó en la Todd School de Illinois, una escuela de vanguardia dirigida por el profesor Roger Hill, que en numerosas ocasiones Welles citó como su mentor y la persona que le suministró las ideas artísticas y literarias en las que fundamentó toda su obra futura.


title: Orson Welles

text: Pronto se trasladó a Nueva York, donde debutó al año siguiente en Broadway con la representación de "Romeo y Julieta". De 1936 a 1938 Welles dirigió producciones teatrales de alto perfil para el Proyecto de Teatro Federal, incluida una adaptación de "Macbeth" con un elenco totalmente afroamericano que habría de ser denominada “Voodoo Macbeth” por su ambientación en Haití y la substitución de las brujas de la obra de Shakespeare por hechiceras vudú.


title: Orson Welles

text: Fundó posteriormente la compañía de teatro Mercury Theatre, con la que obtuvo gran éxito. En 1938, junto con varios colegas de su compañía, representó por radio, en la cadena CBS, una adaptación de la obra de H. G. Wells "La guerra de los mundos". El realismo fue tal que la emisión causó auténtico pánico en Nueva Jersey, donde, según la obra, estaba teniendo lugar la invasión de los extraterrestres. Este episodio le dio fama mundial, lo que llevó a la RKO Pictures a contratarle en 1939 con plena libertad para escribir, producir y dirigir dos películas.


title: Orson Welles

text: El contexto internacional del año 1939 —inestabilidad en Europa, inicio de la Segunda Guerra Mundial— también contribuyeron a potenciar el efecto que la representación de Welles tuvo en una audiencia muy sensibilizada por esos acontecimientos.


title: Orson Welles

text: Hasta ese momento la experiencia de Welles como realizador cinematográfico había sido casi nula, por lo que comenzó a interiorizarse de la técnica y del lenguaje del cine, contribuyendo además con un estilo visual propio, inédito para la época, como el uso del "documental" dentro de la propia historia. Tenía 24 años cuando convenció al guionista Herman J. Mankiewicz para escribir una historia basada en la vida de William Randolph Hearst, magnate de la prensa, propietario de dos importantes periódicos. Tras unos retoques que él mismo realizó en el guion, Welles dirigió la película bajo el título de "Citizen Kane". Hearst intentó prohibir la proyección, pero se estrenó en 1941 con gran éxito de crítica, aunque no de taquilla, debido a las trabas que tuvo en la distribución, promovidas por Hearst.


title: Orson Welles

text: Para el guion de su segunda película, "The Magnificent Ambersons" (1942), Welles se basó en la novela "The magnificent Ambersons" de Booth Tarkington (Premio Pulitzer en 1919). La película reflejaba la vida de una familia norteamericana a principios del . El montaje final de Welles fue alterado por la RKO hasta tal punto que el cineasta dijo que habían arruinado su obra. No obstante la película conserva el vigor creativo de "Ciudadano Kane".


title: Orson Welles

text: Con "El extraño" (1946) Welles se puso al frente de un proyecto en el que, como él mismo reconoció, su implicación personal fue mínima. A pesar de todo, demostró que también sabía ser un eficaz artesano.


title: Orson Welles

text: "La dama de Shanghái" (1948), con su apariencia de thriller al uso, y similar en varios aspectos al filme "Vértigo" de Hitchcock (1958) —la ciudad de San Francisco, California, el teñido del cabello de Rita Hayworth, el traje sastre gris— trascendió los límites del género y de un enrevesado argumento, para convertirse en una tela de araña que atrapa al espectador con una rara fascinación. Se recuerda especialmente la escena en la galería de los espejos.


title: Orson Welles

text: "Mr. Arkadin" (1954) se resintió de un argumento que parecía querer aprovechar muchas de las premisas de "Citizen Kane", así como de un reparto poco adecuado si exceptuamos la interpretación del propio Welles en su papel protagonista.


title: Orson Welles

text: "Sed de mal" ("Touch of Evil", 1958) es su segunda obra maestra después de "Citizen Kane". En este subyugante thriller, Welles se reservó el papel de un obeso inspector de policía que utilizaba métodos de una ética más que dudosa hasta llegar al asesinato. La película recorre un mundo onírico y de ambientes enfermizos que tiene ecos de drama shakespeariano. El filme fue muy tocado en el montaje, e incluso se añadieron planos y escenas breves; hoy se ha repuesto dentro de lo posible con el plan de Welles (que expuso en una memoria de más de 50 pp. su crítica concreta a esa manipulación).


title: Orson Welles

text: En "El proceso" (1962) Welles intentó adaptar la novela de Franz Kafka sirviéndose de su particular estilo cinematográfico. El resultado global fue desigual, aunque sobresaliente en muchas escenas, por su capacidad de crear un mundo paralelo al de Kafka.


title: Orson Welles

text: Welles ofreció una personalísima y muy intensa visión del mundo de Shakespeare en tres películas aceptadas por todos como obras maestras: "Macbeth" (1948), "Otelo" (1952) y "Campanadas a medianoche" (1966). Esta última, inspirada en diversas obras del dramaturgo inglés, es un monumento de inventiva visual y maestría interpretativa. La película tiene como hilo conductor a Sir John Falstaff, interpretado por el propio Welles.


title: Orson Welles

text: En 1970, Welles comenzó a filmar "El otro lado del viento". La película relata los esfuerzos de un director de cine (interpretado por John Huston) para completar su última película de Hollywood y está ambientada en una gran fiesta. En 1972, Welles informó que la filmación estaba en un 96% completa, aunque en 1979 Welles solo había editado aproximadamente 40 minutos de la película. En ese año, las complicaciones legales de la propiedad de la película pusieron los negativos en una bóveda de París. En 2004, el director Peter Bogdanovich, quien actuó en la película, anunció su intención de completar la producción.


title: Orson Welles

text: El 28 de octubre de 2014, la compañía de producción con sede en Los Ángeles Royal Road Entertainment anunció que había negociado un acuerdo, con la ayuda del productor Frank Marshall , y que compraría los derechos para completar y lanzar "The Other Side of the Wind". Bogdanovich y Marshall planeaban completar la película casi terminada de Welles en Los Ángeles, con el objetivo de tenerla lista para su presentación el 6 de mayo de 2015, el centenario del nacimiento de Welles. Royal Road Entertainment y el productor alemán Jens Koethner Kaul adquirieron los derechos de Les Films de l'Astrophore y el fallecido Mehdi Boushehri. Llegaron a un acuerdo con Oja Kodar, quien heredó la propiedad de Welles de la película, y Beatrice Welles, gerente de la finca de Welles, pero a fines de 2015, los esfuerzos para completar la película se encontraban en un punto muerto.


title: Orson Welles

text: En marzo de 2017, Netflix adquirió los derechos de distribución de la película. Ese mes, el negativo original, los diarios y otras imágenes llegaron a Los Ángeles para la postproducción; la película se terminó en 2018 y se estrenó en el 75.º Festival Internacional de Cine de Venecia el 31 de agosto de 2018.


title: Orson Welles

text: El 2 de noviembre de 2018, la película debutó en teatros selectos y en Netflix, cuarenta y ocho años después de que comenzara el rodaje.


title: Orson Welles

text: Algunas imágenes están incluidas en los documentales "Trabajando con Orson Welles" (1993), "Orson Welles: One Man Band" (1995), y más ampliamente "Me amarán cuando esté muerto" (2018).


title: Orson Welles

text: En 1973, Welles estrena "F de Falso" (en España, "Fraude"), una película de corte experimental planteada como un falso documental que se anticipa a algunas propuestas del cine postmoderno y que fue reconocida como influyente por realizadores como Jean-Luc Godard. En la película aparecen Picasso y Oja Kodar.


title: Orson Welles

text: En 1976, graba su voz recitando a Edgar Allan Poe para el famoso disco "Tales of Mystery and Imagination", de Alan Parsons Project. Curiosamente jamás tuvo contacto con ningún miembro del grupo (nunca conoció en persona a Parsons), que mientras estos trabajaban en la obra en Inglaterra, Welles lo hizo en unos estudios en Estados Unidos. Por problemas técnicos de la época su participación no se incluyó en las primeras ediciones del trabajo (Alan era muy exigente y esto supuso un problema tecnológico que provocó la anulación de varias pistas de sonido en la grabación final, incluida la voz de Welles). En 2007, el álbum fue remasterizado y gracias a las mejoras técnicas actuales se incluyeron todas las pistas anuladas, recuperando la voz profunda de Welles y su magnífica forma de recitar.


title: Orson Welles

text: En 1979, hizo la narración de la versión en inglés de, "A Step Away", película oficial de los VIII Juegos Panamericanos, celebrados en Puerto Rico en 1979. Esta narración fue la última que hizo para un largometraje. La película "A Step Away", se restauró en 2010 en audio y video. El audio de la voz de Orson Welles, se sacó de la grabación de un LP original del soundtrack de la película.


title: Orson Welles

text: Su última aparición fue en octubre de 1985, en la serie de televisión "Luz de luna", donde hacía un cameo e introducía el capítulo 4 de la segunda temporada «The Dream Sequence Always Rings Twice», homenaje al cine negro de los años 40.


title: Orson Welles

text: Su último trabajo fue en la película "" de 1986, donde doblaba al malvado planeta transformer devorador de mundos Unicron. Parece que falleció unos pocos días antes de completar el trabajo y los rumores dicen que Leonard Nimoy (Galvatron) lo hizo por él, aunque el director de doblaje Wally Burr y la actriz Susan Blu (Arcee) lo han negado.


title: Orson Welles

text: Actor prolífico, Welles a menudo usaba su trabajo de actor para financiar sus proyectos como director. Fue uno de los directores de mayor talento de la historia del cine. "Citizen Kane", en su momento y ahora, representó (y representa) un prodigio de la técnica y narrativa cinematográfica. El plano secuencia inicial de "Touch of Evil" (una toma ininterrumpida de varios minutos) demuestra un dominio de la puesta en escena y organización de los movimientos como sólo un cineasta de su categoría podía conseguir, si bien él no apreciaba esos planos en exceso. Incluso obras en apariencia menores, como "The Stranger", presentan rastros de su gran talento.


title: Orson Welles

text: En ocasiones es difícil establecer la cronología exacta de su filmografía debido a las películas que inició y no pudo finalizar por falta de financiación.


title: Orson Welles

text: Orson Welles ha llamado siempre a William Shakespeare “el báculo de la vida” o a lo mejor siempre quiso decir el báculo de su propia existencia. En su infancia, el pequeño Welles gustaba leer las obras del magnánimo Shakespeare. Y como es propio de su edad, quiso jugar y divertirse con esas fantásticas historias. Sin embargo, lo hizo de una manera poco convencional y admirable para sus contemporáneos: A sus cortos diez veranos ya adaptaba dramas de su autor favorito. Más adelante,  un adolescente Welles representaba papeles "shakesperianos" en las actuaciones de la escuela. Lear, Otelo, Macbeth, Falstaff, Bruto, Claudio; todo ellos fueron transformados por él en algo más que figuras tradicionales elaboradas a través de los siglos. Con apenas 20 años, gracias a la Mercury Theatre, monta dos versiones novedosas de Shakespeare: un "Macbeth", interpretado por negros y ubicado en Haití y un "Julio César" ambientado en la estética de concentraciones de masas. Es así, como Orson Welles va  preparando el terreno cinematográfico y realiza el bosquejo de lo que, a futuro, producirá un Welles-Cineasta.


title: Orson Welles

text: «En su instituto realiza varias puestas en escena de Shakespeare, el autor al que nunca abandonará en su carrera, tanto por los textos representados como por el espíritu que anima sus creaciones propias».


title: Orson Welles

text: El mundo de Shakespeare está presente tanto en las adaptaciones "Macbeth" (1948) como en "Otelo" (1952), que rueda como inédita convicción de teatro cinematográfico, como en "Campanadas a media noche" (1966), donde se apropia de los personajes del dramaturgo para desarrollar los temas del poder, la ambición y la impostura, también presentes en dos oas que formalmente pertenecen al cine negro o policial: "La dama de Shangái" (1948)  y "Touch of Evil" (1958). Al utilizar las fuentes isabelinas en sus películas, Welles permite descubrir los antecedentes de gran parte de su obra contemporánea. En muchos aspectos gusta de los mismos temas que prefería Shakespeare como: la caída de una figura grandiosa, la pasión regida por una mala estrella, las numerosas facetas de camaradería. Sin embargo, ni en Macbeth ni en Otelo ha mostrado estricta fidelidad por la letra de las obras. Para los aficionados a los versos de Shakespeare, estas dos películas carecen de atractivo. No obstante, cinematográficamente, tiene una enorme fuerza bárbara. Si parecen melodramáticas, se debe a la firme creencia de Welles de que “Shakespeare nunca escribió una tragedia pura: no podía hacerlo.  Escribió melodramas que tenían estatura trágica pero que a pesar de todo eran todas historias melodramáticas”.


title: Orson Welles

text: Sobre la filmación de las obras de Shakespeare, Welles comenta: «Un método para alejarse de la trivialidad es volver a nuestros clásicos y por esta razón que vemos a los cineastas experimentar con Shakespeare, algunos desastrosamente y otros de otra manera». Como el teatro isabelino al que tanto ama, su propio universo, cine, está lleno, hasta la abundancia, de una rica selección de personajes, de bufones mezclados con reyes y de villanos mezclados con hombres inocentes.


title: Orson Welles

text: Welles vivió un tórrido romance entre 1938 y 1942 con la actriz mexicana Dolores del Río. Según su hija, Rebecca Welles, Dolores fue el amor de su vida. Welles estuvo casado con la actriz Rita Hayworth.


title: Orson Welles

text: Era conocido su amor por España por lo que rodó varias de sus películas en tierras españolas, en especial por Ávila, en una entrevista confesó que le gustaría retirarse allí, además cultivó la amistad de figuras conocidas del mundo de los toros de la época, como Antonio Ordóñez o Luis Miguel Dominguín.


title: Orson Welles

text: Durante toda su vida tuvo un elevado ritmo de trabajo y muchos pleitos financieros, lo que a la larga le acarrearía la muerte. Welles murió de un ataque cardíaco en Los Ángeles en 1985. Sus cenizas fueron depositadas en el municipio malagueño de Ronda, en la finca de recreo de San Cayetano, propiedad de su amigo el matador de toros Antonio Ordóñez, según tal y como había expresado.


title: Orson Welles

text: Sin embargo hay otras versiones en las cuales se dice que Orson Welles no dejó testamento alguno donde expresara sus deseos luego de su muerte, por lo cual tanto su hija como su esposa acordaron que sus cenizas fuesen esparcidas en España, ya que concordaron que ese fue el lugar donde Welles se sintió más feliz en el transcurso de su vida.


title: Vacuna

text: Una vacuna es una preparación destinada a generar inmunidad adquirida contra una enfermedad, mediante la estimulación de la producción de anticuerpos. Normalmente una vacuna contiene un agente que se asemeja a un microorganismo causante de la patología y a menudo se hace a partir de formas debilitadas o muertas del microbio, sus toxinas o una de sus proteínas de superficie. El agente estimula el sistema inmunológico del cuerpo a reconocer al agente como una amenaza, destruirla y guardar un registro de este, de modo que el sistema inmune puede reconocer y destruir más fácilmente cualquiera de estos microorganismos que encuentre más adelante.


title: Vacuna

text: La administración de una vacuna se llama vacunación. La efectividad de las vacunaciones ha sido ampliamente estudiada y confirmada; por ejemplo, la vacuna contra la gripe, la vacuna contra el VPH y la . La vacunación es el método más eficaz de prevenir las enfermedades infecciosas; la inmunidad generalizada debido a la vacunación es en gran parte responsable de la erradicación mundial de la viruela y la restricción de enfermedades como la poliomielitis, el sarampión y el tétanos en la mayor parte del mundo. La Organización Mundial de la Salud (OMS) informa que las vacunas autorizadas están disponibles actualmente para prevenir o contribuir a la prevención y control de veinticinco infecciones.


title: Vacuna

text: Los términos "vacuna" y "vacunación" derivan de "variolae vaccinae" (viruela de la vaca), término acuñado por Edward Jenner para denotar la viruela bovina. Lo utilizó en 1798 en su obra "Una investigación sobre las causas y los efectos de las variolae vaccinae (viruela bovina)", en la que describió el efecto protector de la viruela bovina contra la viruela humana. En 1881, en honor a Jenner, Louis Pasteur propuso que los términos deben ampliarse para cubrir las nuevas inoculaciones de protección que entonces se estaban desarrollando.


title: Vacuna

text: Las vacunas pueden estar compuestas de bacterias —que se las suele llamar bacterianas— o de virus que han sido criados con tal fin, ya sea atenuándolos o inactivándolos. También pueden crearse a partir de las toxinas que producen esas bacterias o virus, o con partes de ellos que sirven para que el cuerpo las identifique sin causarle daño. Existen cuatro tipos de vacunas principales:


title: Vacuna

text: El sistema inmunitario reconoce los agentes de la vacuna como extraños, destruyéndolos y recordándolos. Cuando una versión realmente nociva de la infección llega al organismo, el sistema inmunitario está ya preparado para responder:


title: Vacuna

text: Las vacunas han contribuido a la erradicación de la viruela, una de las enfermedades más contagiosas y mortíferas que ha conocido la humanidad. Otras como la rubéola, la polio, el sarampión, las paperas, la varicela-zóster (virus que puede producir la varicela común y el herpes zóster) y la fiebre tifoidea no son tan comunes como hace un siglo. Dado que la gran mayoría de la gente está vacunada, es muy difícil que surja un brote y se extienda con facilidad. Este fenómeno es conocido como «inmunidad colectiva». La polio, que se transmite sólo entre humanos, ha sido el objetivo de una extensa campaña de erradicación que ha visto restringida la polio endémica, quedando reducida a ciertas partes de tres países (Nigeria, Pakistán y Afganistán). La dificultad de hacer llegar la vacuna a los niños ha provocado que la fecha de la erradicación se haya prolongado hasta la actualidad.


title: Vacuna

text: Recientemente (25/08/2020) la OMS (Organización Mundial de la Salud) declaró oficialmente al continente africano "Libre de la Polio". Nigeria, que registraba más de la mitad de los casos del mundo, ha sido el último territorio declarado libre del virus gracias a las campañas de vacunación masivas.


title: Vacuna

text: Antes de la introducción de la vacunación con viruela bovina (inmunización hetero típica), la viruela era prevenida por inoculación deliberada de cepas débiles del virus de la viruela humana obtenidas de epidemias con baja mortalidad. Estas inoculaciones desarrollaban la enfermedad con un riesgo de muerte bajo en comparación con las muertes causadas por epidemias de cepas más agresivas, proporcionando inmunidad frente a estas epidemias de viruela. Los primeros indicios de la práctica de la inoculación con viruela se registran en China durante el sigloX, mientras que la primera práctica documentada se remonta al sigloXV. Esta práctica consistía en una insuflación nasal de un polvo constituido por fragmentos de pústulas secas molidas, a fin de lograr la inmunización de pacientes que sufrían tipos leves de viruela. Se registra asimismo el uso de otras técnicas de insuflación en China durante los siglosXVI y XVII.


title: Vacuna

text: En 1718, Lady Mary Wortley Montagu informó que los turcos tenían la costumbre de inocularse con pus tomado de enfermos de viruela humana, lo que les enfermaba levemente. Lady Montagu inoculó a sus propios hijos de esta manera.


title: Vacuna

text: En 1796, durante el momento de mayor extensión del virus de la viruela en Europa, un médico rural de Inglaterra, Edward Jenner, observó que las recolectoras de leche adquirían ocasionalmente una especie de viruela bovina por el contacto continuado con estos animales, y que luego quedaban a salvo de enfermar de viruela común. Efectivamente se ha comprobado que esta viruela bovina es una variante leve de la mortífera viruela «humana». Trabajando sobre este caso de inoculación, Jenner tomó viruela bovina de la mano de la granjera Sarah Nelmes e inoculó este fluido a través de inyección en el brazo de un niño de ocho años, James Phipps. El pequeño mostró síntomas de la infección de viruela bovina. Cuarenta y ocho días más tarde, después de que Phipps se hubiera recuperado completamente de la enfermedad, el doctor Jenner le inyectó al niño infección de viruela humana, pero esta vez no mostró ningún síntoma o signo de enfermedad. Como la inoculación con la variante bovina era mucho más segura que la inoculación con viruela humana por insuflación, se prohibió esta última en Inglaterra en el año 1840. Desde entonces este procedimiento de vacunación fue extendiéndose por toda Europa y América, aunque no sin alguna oposición de algunos sectores (en el , un destacado reverendo cristiano de Londres, Edmund Massey, ante los progresos que acabarían desembocando en la vacuna de Jenner, atacó las medidas sanitarias preventivas, porque a su juicio se oponían a los designios de Dios; y estos argumentos se han reproducido incluso modernamente).


title: Vacuna

text: La segunda generación de vacunas fue introducida en la década de 1880 por Louis Pasteur, quien desarrolló vacunas para el cólera aviar y el ántrax. Para comprobar la efectividad de la vacuna antiantráxica lleva a cabo un audaz y brillante experimento público en la granja de Pouilly-le-Fort. El desarrollo del experimento fue como sigue:


title: Vacuna

text: Al comunicar estos resultados, Pasteur introdujo los términos de vacuna y vacunación, que provienen de la palabra latina vacca. Mediante la elección de dicho término rinde homenaje a Edward Jenner, su ilustre predecesor, quien había sido pionero en esta práctica al inocular el virus de la viruela de la vaca.


title: Vacuna

text: Hacia fines del sigloXIX, el desarrollo y la adopción de vacunas se consideraron motivo de orgullo nacional y se aprobaron varias leyes de vacunación obligatoria.


title: Vacuna

text: Durante el sigloXX se introdujeron varias vacunas de forma exitosa, incluyendo aquellas contra la difteria, sarampión, parotiditis (papera) y rubeola.


title: Vacuna

text: El 30 de noviembre de 1803, la corbeta María Pita, salió de España hacia las Américas, en lo que es conocida como la Real Expedición Filantrópica de la Vacuna. El Rey Carlos IV quiso proteger a la población del Virreinato de Nueva España, y se aprobó usar esta mencionada tecnología de la inoculación con pus de las ampollas del virus de la viruela bovina, el cual provocaría una pequeña enfermedad pero que creaba inmunidad contra la viruela. La viruela había matado a millones de personas, incluyendo a la querida hija del Rey, hacía una década. Francisco Balmis fue el hombre responsable de la complicada operación. Su solución fue llevar a bordo a 22 niños de un orfanato español, que ya estaban infectados. Durante el viaje, la infección fue transmitida de niño a niño, y durante los siguientes cuatro años, el virus fue transportado para inocular a cientos de miles de personas desde Perú a las Filipinas (se usaron huérfanos de México para llevarlo a las Filipinas).


title: Vacuna

text: 2005: Primera vacuna para el virus del papiloma humano (principal factor de riesgo del cáncer de cérvix).


title: Vacuna

text: 2020: Primera vacuna para la COVID-19 aprobada, que también es la primera vacuna de ARN en ser aprobada (BNT162b2).


title: Vacuna

text: En cada país se recomienda que los niños sean vacunados tan pronto su sistema inmunitario sea capaz de responder a la inmunización artificial, con las dosis de refuerzo posteriores que sean necesarias, para conseguir la mejor protección sanitaria. Además, también existen unas recomendaciones internacionales de la Organización Mundial de la Salud (OMS).


title: Vacuna

text: Al margen del calendario de vacunaciones infantiles y de situaciones de viaje, algunas vacunas son recomendadas durante toda la vida (dosis de recuerdo) como el tétanos, gripe, neumonía, etc. Las mujeres embarazadas son a menudo examinadas para comprobar su resistencia a la rubéola. Para las personas de edad avanzada se recomiendan especialmente las vacunas contra la neumonía y la gripe, enfermedades que a partir de cierta edad son aún más peligrosas.


title: Vacuna

text: La cadena de frío debe ser utilizada en el suministro de vacunas, hasta lugares distantes en climas cálidos, atendidos por redes de transporte poco desarrolladas.


title: Vacuna

text: La interrupción de una cadena de frío produce consecuencias similares a los históricos brotes de viruela en Filipinas durante la Guerra Hispanoamericana, durante la cual las vacunas distribuidas quedaron inertes por falta de control de temperatura en el transporte.


title: Vacuna

text: Para las vacunas en particular, existen diferentes tipos de cadenas de frío en 2020. Existe una cadena de frío "ultrabaja o ultracongelada" para las vacunas que requieren -70°C. Las vacunas contra el Ébola y contra la COVID-19 requieren este nivel, al igual que algunas vacunas para animales, como las de pollos.


title: Vacuna

text: El siguiente escalón, es la "cadena congelada" requiere -20°C. Las vacunas contra la varicela y el herpes zóster requieren este nivel de frío.


title: Vacuna

text: El escalón más bajo, la "cadena refrigerada", requiere temperaturas entre dos y ocho (2-8) grados centígrados. La mayoría de las vacunas contra la gripe solo requieren refrigeración.


title: Vacuna

text: En 2020, durante la pandemia de COVID-19, las vacunas que se desarrollaron necesitaban temperaturas de almacenamiento y transporte " ultrafrías" tan bajas como , requiriendo lo que se ha denominado una infraestructura de "cadena más fría". Esto creó problemas de distribución de la vacuna Pfizer. Se estimaba a diciembre de 2020, que solo de 25 a 30 países en el mundo, tenían la infraestructura para la cadena de frío " ultrafrío" requerida.


title: Vacuna

text: La economía es uno de los mayores retos de las vacunas. Muchas de las enfermedades que más demandan una vacuna incluyendo el sida, la malaria o la tuberculosis afectan a la población de países pobres. Por diversas razones, entre ellas las bajas expectativas de beneficios las empresas farmacéuticas y compañías de biotecnología no se sienten motivadas a desarrollarlas o ponerlas a disposición de estos países. Aunque el número de vacunas realmente administradas ha aumentado en las últimas décadas, especialmente aquellas suministradas a los niños en los primeros años de vida, esto se debe más a medidas gubernamentales que a incentivos económicos. La mayoría del desarrollo de vacunas hasta la fecha se ha debido a impulsos de gobiernos y ONG, agencias internacionales, universidades, etc.


title: Vacuna

text: Muchos investigadores y políticos hacen un llamamiento para unir y motivar dicha industria, usando mecanismos de presión como los precios, impuestos o compromisos empresariales que puedan asegurar la retribución a las empresas que exitosamente consigan una vacuna contra el VIH (causante del sida).


title: Vacuna

text: El tiomersal (tiomersal o timerosal) es un agente antiséptico y antifúngico derivado del mercurio que ha sido usado como conservante en vacunas desde la década de 1930. Aunque actualmente la mayoría de las vacunas usadas en Estados Unidos y Europa ya no usan tiomersal, diversos movimientos antivacunas achacan a este compuesto un supuesto aumento de trastornos del desarrollo como retrasos en el lenguaje, autismo e hiperactividad. El principal trabajo científico que apoyaba un vínculo entre la vacuna triple vírica y el autismo y enfermedades gastroentestinales desató una gran controversia. En 2010, una investigación del Consejo Médico General del Reino Unido determinó que el autor de dicho estudio, Andrew Wakefield, había violado protocolos éticos, no informó de serios conflictos de intereses y falsificó datos. El Consejo decidió suspenderlo del ejercicio de la práctica médica en el Reino Unido.


title: Vacuna

text: A la vista de dicho informe, la revista "The Lancet" decidió retractarse y retirar el artículo de Wakefield.


title: Vacuna

text: Durante el desarrollo de la controversia, algunos estamentos médicos oficiales estadounidenses y europeos aconsejaron una reducción del uso de tiomersal en vacunas infantiles como respuesta a la creciente preocupación de algunos padres a pesar de reconocer que no existen evidencias de que sea responsable de ningún trastorno.


title: Vacuna

text: No obstante, tras examinar el perfil actual del tiomersal, el Comité Consultivo Mundial sobre Seguridad de las Vacunas concluyó que no hay evidencia de toxicidad por mercurio en lactantes, niños o adultos expuestos al tiomersal en las vacunas. Aunque algunas autoridades nacionales de salud pública están tratando de sustituir las vacunas que lo contienen en respuesta a miedos populares, no existe evidencia científica contrastada de toxicidad derivada del tiomersal.


title: Vacuna

text: En 2019, la Organización Mundial de la Salud catalogó a los movimientos anti-vacunas como una de las principales amenazas a la salud mundial.


title: Vacuna

text: En el continente americano, el sarampión fue eliminado en 2002. En mayo de 2011 hubo un brote de sarampión en Francia. Como ya no se veían casos de sarampión, la gente pensó que no había necesidad de inmunizar a sus niños. El alto número de casos se debió a un exceso de confianza.


title: Vacuna

text: Crear una vacuna para su aplicación sobre la población es un proceso que dura varios años, y en occidente se normalizaron (mediante protocolo) las formas de crear, probar y regular vacunas en el sigloXX.


title: Vacuna

text: La Agencia Europea de Medicamentos se encarga desde 1993 de la evaluación de las solicitudes de autorización de comercialización de medicamentos en la Asociación Europea de Libre Comercio y su supervisión.


title: Vacuna

text: La Administración de Medicamentos y Alimentos (Food and Drug Administration, FDA) es la agencia del gobierno de los Estados Unidos responsable de la regulación.


title: Courteney Cox

text: Courteney Bass Cox (Birmingham, Alabama, 15 de junio de 1964) es una actriz, modelo, productora de televisión y directora de cine estadounidense, célebre por su interpretación de Monica Geller en la popular serie de televisión "Friends" y por interpretar a Gale Weathers en la saga de películas de "Scream". Estuvo nominada a un Globo de Oro como mejor actriz por la serie televisiva "Cougar Town" en 2010.


title: Courteney Cox

text: Cox nació y se crio en Birmingham, Alabama, un suburbio de Mountain Brook, hija del empresario Richard Lewis Cox y de su esposa Courteney (nacida como Bass, luego, Copeland). Tiene dos hermanas mayores, Virginia y Dottie, y un hermano mayor, Richard. Tiene ascendencia irlandesa. Sus padres se divorciaron en 1974 y su madre se casó de nuevo con un empresario llamado Hunter Copeland. Después de graduarse en el instituto de Mountain Brook, Cox ingresó en la universidad Mount Vernon College en Washington D.C. pero no completó su carrera en arquitectura, optando, en su lugar, por seguir una carrera en el modelaje y la actuación.


title: Courteney Cox

text: Cox estudió arquitectura en la universidad Mount Vernon para Mujeres en Washington D.C., que ahora es parte de la universidad George Washington, antes de que se fuera. Salió por primera vez en prominencia en un vídeo musical para Bruce Springsteen, "Dancing in the Dark" (en el que ella era la chica que fue sacada al escenario para bailar con Springsteen). Cox es notable por ser la primera persona en usar la palabra "período" en la televisión de Estados Unidos para referirse a la menstruación en una campaña publicitaria de 1985 para los tampones Tampax. Sus primeros papeles en el cine incluyen "Masters of the Universe" (1987) y "" (1988). Sus primeros trabajos en televisión incluyen un papel protagonista en la serie "Misfits of Science" (1985), y luego un papel recurrente (1987-89) en la serie "Family Ties" como Lauren Miller, la novia de Alex P. Keaton (Michael J. Fox). Tuvo un papel secundario como Jewel, una asistente de uñas para el personaje de James Belushi, en la película de fantasía de 1990 "Mr. Destiny". En 1994, después de su debut de la comedia "Friends", Cox apareció con Jim Carrey en la película "" y en "Seinfeld", en el episodio "The Wife", como la novia de Jerry llamada Meryl.


title: Courteney Cox

text: Más tarde, en 1994, a Cox se le invitó a una audición para el papel de Rachel Green, pero Cox optó por el papel de Monica Geller en la nueva serie de comedia llamada "Friends". Al principio era el miembro más famoso de la nueva serie. Cox se unió con sus compañeros de reparto Jennifer Aniston (Rachel Green), Lisa Kudrow (Phoebe Buffay), Matt LeBlanc (Joey Tribbiani), Matthew Perry (Chandler Bing) y David Schwimmer (Ross Geller) para lo que se convertiría en su papel más famoso, durando en 10 temporadas hasta 2004. De acuerdo con el Libro Guinness (2005), Cox (junto con sus coprotagonistas femeninas) se convirtieron en las actrices mejor pagadas de la televisión de todos los tiempos, cobrando 1 millón de dólares por episodio durante las dos últimas temporadas de "Friends".


title: Courteney Cox

text: Entre las temporadas quinta y sexta, Cox se casó con David Arquette y como consecuencia cambió su apellido por el de Cox-Arquette. Así, como guiño, los productores, en los créditos de apertura del episodio "The One After Vegas", añadieron al resto del elenco y los productores ejecutivos el apellido "Arquette" a sus nombres. La dedicatoria: "Para Courteney y David, que sí se casaron" hace referencia a la decisión de Monica y Chandler de no casarse y, al final del episodio se indica en referencia al segundo nombre "Cox", "Scrubs", "My Saving Grace", en que el personaje Taylor Maddox describe al nombre de Cox como "ridículo."


title: Courteney Cox

text: Durante su tiempo en "Friends", Cox apareció en las películas de Hollywood "Scream" (1996), "Scream 2" (1997) y "Scream 3" (2000) como la decidida reportera Gale Weathers. Ella conoce a su futuro marido, David Arquette, quien representa a su pareja en la pantalla, Dewey Riley, mientras rodaba la primera película de la saga. Cox y David retomaron sus papeles en la trilogía en el 2011, con "Scream 4". La película fue lanzada a los cines el 15 de abril de ese año.


title: Courteney Cox

text: Sus otras películas incluyen "The Runner", "3000 Miles to Graceland" y "The Shrink Is In". A finales del 2003, Cox y Arquette produjeron una temporada del reality de televisión "Mix It Up". El estilo de vida del show, luchó con bajas calificaciones y no fue renovado para una segunda temporada. Ella también apareció como Wendy Bronson, junto a Adam Sandler en "Bedtime Stories".


title: Courteney Cox

text: Después del papel en "Friends", Cox fue la primera opción del productor Marc Cherry para un papel estelar como Susan Mayer en "Desperate Housewives". Sin embargo, Cox no estaba disponible debido a su embarazo y el papel fue dado a Teri Hatcher. Un par de años después, Cox firmó un contrato con ABC Studios para protagonizar su propia serie. Desde "Friends", Cox se ha concentrado en su familia pero protagonizó la película independiente "November" (2005); que tuvo un lanzamiento limitado en cines, con Tim Allen en "Zoom;" y en la nueva versión de "The Longest Yard" como la novia del personaje de Adam Sandler. Ella ofreció su voz para la película animada "Barnyard". Se rumoreó acerca de una película de "Friends" en producción; seguido del éxito de "Sex and the City", pero fue negado por Warner Bros y otras productoras.


title: Courteney Cox

text: En 2007, Cox interpretó el papel de Lucy Spiller, una editora de prensa, en "Dirt", un drama de televisión de "FX". Cox y su esposo David Arquette fueron los productores ejecutivos de la serie. De acuerdo con Cox, la serie fue cancelada después de una segunda temporada en 2008. En julio de 2008, "Entertainment Weekly" anunció que Cox había firmado un contrato para grabar tres episodios para la serie "Scrubs". En su tercer episodio, ella le dijo al Dr. Cox que Cox era "un nombre ridículo", en referencia al suyo. En agosto de 2008, se anunció que habría una cuarta película de la saga "Scream", y que querían a los actores originales para representar sus papeles. El 30 de octubre de 2008, "TV Guide" anunció que Cox estaría protagonizando un episodio piloto para su nueva comedia en ABC llamada "Cougar Town" de Bill Lawrence. Cox interpreta a una soltera de 40 años de edad, madre, y en busca de nuevas experiencias. Sus co-estrellas son Busy Philipps y Christa Miller. Se reúne con Scott Foley, 10 años después de que hicieran "Scream 3" juntos. Cox grabó el piloto el 19 de marzo de 2009. En el 2011, formó parte de la nueva película de Scream 4.


title: Courteney Cox

text: Courteney Cox fue pareja de Michael Keaton entre 1989 y 1995. Contrajo matrimonio el 12 de junio de 1999 con el actor David Arquette, a quien conoció durante el rodaje de "Scream". La pareja tuvo una hija, Coco Arquette, nacida en junio de 2004, su excompañera de "Friends" y mejor amiga Jennifer Aniston, fue su madrina. En ese mismo mes Cox y Arquette fundaron la compañía productora de televisión denominada Coquette. El 13 de octubre de 2010 anuncian su separación tras 11 años de matrimonio. Él reconoce haberle sido infiel en un programa de radio con Jasmine Waltz. En junio de 2012 Arquette solicitó el divorcio después de casi dos años separados.


title: Courteney Cox

text: Hasta el 2015 fue la estrella de comedia de situación "Cougar Town", actuación que le valió una nominación para los Globos de Oro por su papel de una disparatada divorciada quien debía reacostumbrarse a su vida de soltera en medio de fugaces pretendientes y un hijo adolescente. En esta, también estuvieron como invitados los actores de "Friends", Lisa Kudrow, Jennifer Aniston y Matthew Perry.


title: Obsolescencia programada

text: La obsolescencia programada u obsolescencia planificada es la determinación o programación del fin de la vida útil de un producto, de modo que, tras un período de tiempo calculado de antemano por el fabricante o por la empresa durante la fase de diseño del mismo, éste se torne obsoleto, no funcional, inútil o inservible por diversos procedimientos, por ejemplo por falta de repuestos, induciendo a los consumidores a la compra de un nuevo producto que lo sustituya. Su función es generar mayores ingresos debido a compras más frecuentes, que redundan en beneficios económicos continuos por periodos de tiempo más largos para empresas o fabricantes.


title: Obsolescencia programada

text: El objetivo de la obsolescencia no es crear productos de calidad, sino exclusivamente el lucro económico, no teniéndose en cuenta las necesidades de los consumidores, ni las repercusiones medioambientales en la producción y mucho menos las consecuencias que se generan desde el punto de vista de la acumulación de residuos y la contaminación que conllevan. Para la industria, esta actitud estimula positivamente la demanda al alentar a los consumidores a comprar nuevos productos de un modo artificialmente acelerado si desean seguir utilizándolos. La obsolescencia programada se utiliza en gran diversidad de productos.


title: Obsolescencia programada

text: El primer producto afectado por la obsolescencia programada fue la lámpara incandescente. Uno de los primeros prototipos lleva funcionando desde el año 1901. Thomas Alva Edison, creó un prototipo de duración de horas. El éxito fue rotundo y aparecieron varias compañías dedicadas a su fabricación. Al principio el objetivo era crear bombillas más durables; sin embargo, todo cambió cuando se aliaron para crear el Cártel Phoebus, que estableció una duración máxima de horas de uso y penalizaba a los fabricantes que violaran la nueva norma. En aquel entonces la conciencia ecológica y de derechos de consumidores eran prácticamente inexistentes entre la población y las empresas, por lo que la sociedad de entonces terminó tolerando esta práctica.


title: Obsolescencia programada

text: La etapa inicial de la obsolescencia programada se desarrolló entre 1920 y 1930, cuando la producción en masa empieza a forjar un nuevo modelo de mercado en el cual el análisis detallado de cada sector deviene en el factor fundamental para lograr éxito. Se cree que el origen se remonta a 1932, cuando Bernard London proponía terminar con la Gran Depresión a través de la obsolescencia planificada y obligada por ley (aunque nunca se llevase a cabo). Sin embargo, el término fue popularizado por primera vez en 1954 por el diseñador industrial estadounidense Brooks Stevens. Stevens tenía previsto dar una charla en una conferencia de publicidad en Minneapolis en 1954. Sin pensarlo mucho, utilizó el término como título para su charla.


title: Obsolescencia programada

text: Otro producto que fue afectado fue el Nailon. En su introducción en 1938 era presentado como una fibra fuerte y prácticamente indestructible. Pero posteriormente las ventas cayeron debido a que nadie necesitaba reemplazar las medias, por lo que DuPont fue obligado a rediseñar el material para hacerlo más frágil y conservar las ventas...


title: Obsolescencia programada

text: Posteriormente en los años sesenta se idearon nuevas técnicas de diseño y publicidad para impulsar el consumo de nuevos productos. Así las personas no eran obligadas, sino convencidas con diseños vanguardistas, características novedosas y nuevas tecnologías. Gradualmente el concepto de obsolescencia programada fue extendiéndose entre los fabricantes, lo que fue afectando la calidad y durabilidad de los productos desde entonces.


title: Obsolescencia programada

text: Otro escándalo notable implicó al Reproductor de audio digital iPod fabricado por Apple Computer. En su introducción, su batería había sido diseñada para que durara solo 18 meses, suficiente tiempo para que los consumidores lo reemplazaran por el próximo modelo fabricado por la empresa. Un par de consumidores Casey Neistat y su hermano decidieron crear un video que lo explicaba de forma atractiva para la población en general.


title: Obsolescencia programada

text: El video recibió la atención de medios nacionales y dirigió el foco a la falta de políticas de reemplazo de baterías por parte de Apple. El videoclip inicia con una llamada al Soporte Técnico de Apple y una conversación entre Casey y el operador, llamado Ryan. Casey explica que tras 18 meses de uso, la batería de su iPod murió. Ryan sugiere que por el costo de enviar y reemplazar la batería es mejor adquirir un iPod nuevo. Con la canción "Express Yourself" de N.W.A., los hermanos comenzaron una campaña de «anuncio público» para informar a los consumidores acerca de las baterías. Usando carteles de stencils que decían «La batería irremplazable del iPod solo dura 18 meses» pintaron la advertencia sobre las publicidades del iPod en las calles de Manhattan. La película fue publicada en Internet el 20 de septiembre de 2003 y en seis días fue vista más de un millón de veces. La misma atrajo la atención de los medios rápidamente y la controversia fue cubierta mundialmente por más de 130 medios, incluyendo "The Washington Post", "Rolling Stone", Fox News, CBS News y BBC News.


title: Obsolescencia programada

text: Apple anunció oficialmente una política de reemplazo de baterías el 14 de noviembre de 2003 y también una extensión de la garantía el 21 de noviembre. "The Washington Post" declaró erróneamente que ambos programas fueron anunciados días después de que la película se volvió pública. Fox News estableció la fecha de la política dos semanas después del video y Neil Cavuto lo llamó una "historia de David y Goliath" en el programa Your World. La vocera de Apple, Natalie Sequeira negó conexión alguna entre el video y la nueva política, declarando que la revisión de la misma se venía trabajando durante varios meses antes de que la película se publicara.


title: Obsolescencia programada

text: El 8 de enero de 2018, la Fiscalía de Francia inició una investigación contra Apple por presunta obsolescencia programada de ciertos iPhones antiguos, sometidos a las actualizaciones periódicas del sistema operativo iOS. La actuación judicial tuvo su origen en una denuncia de la organización de usuarios y consumidores "Alto a la ralentización programada".


title: Obsolescencia programada

text: Dos documentales de Cosima Dannoritzer han reflejado en español los aspectos derivados de la obsolescencia programada: "Comprar, tirar, comprar" (2010) y "La tragedia electrónica" (2014).


title: Obsolescencia programada

text: Compañías como Monsanto han creado semillas genéticamente modificadas que se vuelven estériles una vez que han dado la primera o segunda cosecha, las llamadas semillas Terminator producidas mediante la tecnología GURT (acrónimo inglés de Grupo de Tecnologías de Restricción de Uso), encontrando un rechazo por parte de autoridades y agricultores, por ser un tipo de contrato obligado haciendo completamente dependiente a los agricultores de la empresa para volver a sembrar, y también por los peligros ya que las semillas estériles en la segunda generación podrían contaminar a otras plantas al mezclarse y la siguiente generación serían plantas híbridas completamente estériles, algo que podría ser usado como bioterrorismo.


title: Obsolescencia programada

text: Por otra parte, las compañías aseguradoras y de asistencia sanitaria manejan datos sobre los genes de los trabajadores que sirven para dictar la conveniencia o duración de su contratación laboral y retirarle a algunos la posibilidad de un seguro de vida, la llamada discriminación genética.


title: Obsolescencia programada

text: La mayoría de medicamentos contiene componentes químicos cuya vida útil es limitada; sin embargo, algunos laboratorios reducen la fecha de caducidad de los fármacos que producen con el fin de obtener mayores ganancias en el negocio de la salud, ocasionando que los pacientes desechen los medicamentos supuestamente vencidos para adquirir otros nuevos.


title: Obsolescencia programada

text: Algunos productos portátiles en los que se confiaba mucho en la era posterior a las computadoras personales, tales como los teléfonos móviles, las computadoras portátiles y los cepillos de dientes eléctricos, están diseñados de una manera que niega a los usuarios finales la capacidad de reemplazar sus baterías después de que se hayan gastado, por lo que se ven obligados a usar una batería desgastada dentro del dispositivo, lo que limita la vida útil del producto a su componente de vida más corta.


title: Obsolescencia programada

text: El procedimiento suele ser el siguiente: uno de los aparatos electrónicos de uso habitual falla. Cuando el dueño lo lleva a reparar, en el servicio técnico le dicen que resulta más rentable comprar uno nuevo que arreglarlo. Ocasionalmente el precio de la mano de obra, las piezas estropeadas y el montaje suelen costar un poco más que adquirir uno nuevo. Por ello normalmente el usuario suele desechar el producto averiado y comprar uno nuevo. Esto ocurre en algunos componentes digitales de la computadora tales como la impresora, las unidades de disco óptico, los monitores LCD o LED, la tarjeta madre o el mismo microprocesador.