text: Siguiendo uno de los preceptos aprobados por el Concilio de Trento referente a la veneración de los santos, Felipe II dotó al Monasterio de una de las mayores colecciones de reliquias del mundo católico. La colección se compone de unas 7500 reliquias, que se guardan en 507 cajas o relicarios escultóricos trazados por Juan de Herrera y la mayoría construidos, por el platero Juan de Arfe y Villafañe. Estos relicarios adoptan las más variadas formas: cabezas, brazos, estuches piramidales, arquetas etc. Las reliquias fueron distribuidas por todo el Monasterio concentrándose las más importantes en la Basílica. En el lado del Evangelio, bajo la protección del Misterio de la Anunciación de María, se guardan todos los huesos de los santos y mártires. En el lado opuesto, en el Altar de San Jerónimo, se sitúan los restos de los santos y mártires. Los restos sagrados se guardan en dos grandes armarios, decorados por Federico Zuccaro, que se encuentran divididos en dos cuerpos; se pueden abrir por delante, para ser expuestos al culto, y por detrás, para poder acceder a las reliquias. En la actualidad permanecen cerrados exponiéndose únicamente el día de Todos los Santos.


title: Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

text: El monasterio propiamente dicho ocupa todo el tercio sur del edificio. Fue ocupado originalmente por monjes jerónimos en 1567, aunque desde 1885 está habitado por los padres Agustinos, de clausura. El recinto se organiza en torno al gran claustro principal, el Patio de los Evangelistas, obra maestra diseñada por Juan Bautista de Toledo y que constituye una de las mejores páginas de arquitectura del Monasterio. Sus dos pisos están comunicados por la espectacular escalera principal, con las bóvedas decoradas por frescos de Luca Giordano. El ambicioso programa pictórico de sus soportales fue iniciado por Luca Cambiaso y continuado por Pellegrino Tibaldi. En el centro del claustro se levanta un hermoso templete realizado en granito, mármoles y jaspes de diferentes colores sobre traza de Juan de Herrera, influido por el "tempietto" de San Pietro in Montorio de Bramante. Las esculturas de los cuatro evangelistas fueron cinceladas por Juan Bautista Monegro de un solo bloque de mármol y sujetan un libro abierto con un fragmento de su Evangelio en la lengua en que fueron escritos.


text: Junto a las Salas Capitulares, destaca también la Celda Prioral Baja, con un fresco en el techo sobre "El Juicio de Salomón" de Francesco da Urbino, recordando al prior la necesidad de un gobierno justo al frente del Monasterio. La sacristía, aún en uso, con la "Adoración de la Sagrada Forma" de Claudio Coello. En la Iglesia Vieja o de Prestado se conserva "El Martirio de San Lorenzo" de Tiziano, una de las obras maestras del renacimiento italiano, que Felipe II encargó para el retablo principal de la Basílica pero que descartó por su oscuro colorido, poco visible a cierta distancia.


text: Sigue la típica tradición española de escalera imperial con un tramo principal dividido en dos a los lados a partir de la primera meseta, manteniendo el eje de simetría del convento y compatibilizando los tres pisos del Patio de los Evangelistas con los tres del convento mediante puertas discretas que permiten el paso a la zona más recogida y doméstica. Se suele atribuir a Bergamasco, aunque su proyecto fue modificado y desarrollado por Juan de Herrera. Su altura es de 23 metros, 8 de anchura y se forma por 52 peldaños de granito de una sola pieza de 4,40 metros de largo; cuenta con una cubierta propia que cubre la gran bóveda esquifada que ilumina desde arriba sus magníficos frescos.


text: Su decoración de pinturas al fresco es notable; la caja de la escalera presenta 14 arcos a la altura del piso superior. Cinco de ellos están cerrados y muestran paneles pintados que continúan loa asuntos de la Vida de Jesucristo del claustro bajo; dos son de mano de Luca Cambiaso "(San Pedro y San Juan junto al sepulcro del Señor" y "Aparición de Jesús a los Apóstoles en el Cenáculo") y tres de Pellegrino Tibaldi ("Aparición del Señor a la Magdalena"; "Aparición a las Santas Mujeres" y "Aparición a los discípulos de Emaús"). Pero la obra más considerable corresponde a Luca Giordano, que en por orden de Carlos II de fecha 31 de agosto de 1692 pintó el gran friso y la grandiosa bóveda con su estilo grandilocuente y brioso, realizando una obra de extraordinaria belleza y técnica insuperable en el increíble tiempo de siete meses. En el friso destaca las escenas de "La batalla de San Quintín" y la "Fundación de El Escorial", en la que aparece Felipe II discutiendo las trazas del Monasterio con Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera, junto al Obrero Mayor, el jerónimo Fray Antonio de Villacastín. La bóveda es una obra maestra donde se representan escenas de la Santísima Trinidad, Virgen con ángeles llevando los emblemas de la Pasión, numerosos santos españoles o las Virtudes cardinales. En el lado occidental se representa una balaustrada a la que se asoma Carlos II, quien explica a su esposa Mariana de Neoburgo y a su madre Mariana de Austria el significado de la pintura que había ordenado realizar.


text: Ocupa una gran sala abovedada, con unas dimensiones de 30x9 metros y casi 11 de altura. Se encuentra situada en la zona Este del claustro bajo del Patio de los Evangelistas, y de él recibe luz por cinco ventanas a nivel del suelo. En el centro está colocado un hermoso espejo de barroco marco de plata y adornos de cristal de roca, regalo de la Reina Doña Mariana de Austria (madre de Carlos II), y a sus lados, hay otros seis menores convenientemente distanciados, con marcos de chapa de plata finamente trabajada. La bóveda está pintada de grutescos, fugurando grandes casetones con adornos diversos entre fajas resaltadas, obra de Niccolò Granello y Fabrizio Castello; el pavimento es de mármoles blanco y gris.


text: En ella se exhibe una excelente colección pictórica, entre las que destacan obras de Luca Giordano ("Noé embriagado y sus hijos"; "La Oración del Huerto"; "El falso profeta Balaán"; "El santo Job"; "La heroína Jael y Sísara"), Tiziano ("Cristo crucificado"), José de Ribera ("San Pedro en la prisión"), Michel Coxcie ("La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana que le ofrece una fruta") o Herrera Barnuevo ("San Juan Bautista). A"unque entre todas ellas, brilla con luz propia "La adoración de la Sagrada Forma", obra maestra del madrileño Claudio Coello, representando en ella la función religiosa que se celebró el 19 de octubre de 1680 para el solemne traslado de la Santa Forma desde otro lugar del Monasterio a su nueva Capilla de la sacristía, admirablemente compuesto tanto en perspectiva como en la maestría de los personajes retratados: Carlos II arrodillado; Francisco de los Santos, prior del Monasterio; Padre Fray Marcos de Herrera; los Duques de Medinaceli y Pastrana; el Conde Baños; el Marqués de la Puebla y el primogénito del Duque de Alba; la Comunidad de jerónimos religiosos cantando e, incluso, el propio pintor incluyó un autorretrato suyo en el persona situado más a la izquierda de la obra.


text: El altar queda completamente cubierto con el cuadro de Coello, que sirve de velo o transparente al Santísimo y que sólo se descorre una vez al año (último domingo de septiembre). Es entonces cuandro el cuadro se desplaza inferiormente y queda bajo el pavimento, descubriéndose entonces el magnífico crucifijo con la figura de Cristo bellamente modelada y fundida en bronce dorado a fuego, obra de Pietro Tacca, así como un gran templete también dorado a fuego, de estilo gótico-germánico de 1,60 metros de alto, dibujado por Vicente López, comenzado en 1829 por Ignacio Millán y terminado en 1834. Contiene diversas reliquias y se adorna con cuarenta estatuillas y diez bustos. La riquísima custodia de Isabel II, regalo de esta reina en 1852, es obra hecha en Madrid por Carlos Pizzala, con admirable trabajo de orfebre y cuajada de pedrería, es -lamentablemente- una de las joyas desaparecidas en 1936. El camerín de la Sacristía, detrás del retablo cubierto de mármoles y adornos de bronce, es obra de Francisco Rizi, José del Olmo y Francisco Filippi.


text: Destinadas actualmente a pinturas, eran las salas donde los monjes celebraban sus capítulos, especie de confesiones mutuas para mantener la pureza de la congregación. Desde tiempos de Velázquez, que intervino en su decoración, albergaron importantes pinturas. A pesar del traslado de muchas al Museo del Prado, actualmente se exhiben varias tan importantes como "La Última Cena" y un "San Jerónimo" de Tiziano y "La túnica de José" de Velázquez. En febrero de 2009 se volvió a colgar en sus paredes el "Martirio de San Sebastián" de Van Dyck, recuperado (tras su adquisición por Patrimonio Nacional) dos siglos después de su sustracción durante la invasión napoleónica.


text: Sus bóvedas están bellamente pintadas al fresco en estilo renacentista de grutescos y con figuras bíblicas y de santos, realizadas por los hijos del Bergamasco (Niccolò Granello y Fabrizio Castello) en las propias Salas y por Francisco de Urbino en la celda prioral baja, con un hermoso efecto decorativo.


text: En el centro del vestíbulo se expone un "Ángel" algo mayor del natural, sobre pedestal y que sostiene un atril que hacía de oficio de facistol; es de bronce dorado y fue hecho en Amberes por el flamenco Juan Simón en 1571. En el testero menor de la Sala Capitular derecha se muestra un curioso "Altar portátil del Emperador", que se supone que llevaba Carlos I en sus campañas, realizado a base de bronce y plata con esmaltes.


text: La espléndida pinacoteca de las Salas Capitulares está formada por obras de las escuelas alemana, flamenca, veneciana, italiana y española, de los siglos XV, XVI y XVII. Incluye diversas obras de algunos de los pintores predilectos de Felipe II como El Bosco, Pieter Coecke o Michel Coxcie, junto a obras de artistas como Navarrete "el Mudo", Tintoretto" (Adoración de los pastores)", Federico Barocci, Paolo Veronese, Luca Giordano, Francesco Guercino, José de Ribera, Zurbarán, Alonso Cano, Mario de Fiori, Vicente Carducho, Andrea Vaccaro, Pablo Matteis, Daniel Seghers o Francisco Rizi, así como una copia del "Retrato de Inocencio X" de Velázquez debida a Pietro Martire Neri y dos obras del estilo del Veronés ("Adoración de los Pastores" y "Adoración de los Reyes").


text: Se trata de una galería de 60 x 6 metros, con 8 metros de altura, situada en la zona de los aposentos reales. En sus muros se representan pintadas al fresco algunas batallas ganadas por los ejércitos españoles. En el muro sur, solo interrumpido por dos puertas, se pintó de forma continua la batalla de La Higueruela, donde el ejército castellano venció a los moros granadinos en Sierra Elvira (1431). Por el contrario, el muro norte aparece dividido por nueve ventanas creándose nueve espacios en los que se representaron otras tantas escenas de la guerra contra Francia (1557-1558), con el acento puesto en la batalla de San Quintín, vinculada a la fundación del propio monasterio. Por último, en los extremos se representaron dos escenas de una de las más recientes victorias de las tropas españolas: la batalla de la Isla Terceira librada entre la armada española dirigida por Álvaro de Bazán y la armada francesa (1582-1583). De la pintura se encargaron Niccolò Granello y su medio hermano Fabrizio Castello, Lazzaro Tavarone y Orazio Cambiaso, que abandonó pronto. Lo primero que se pintó fueron los grutescos de la bóveda, por los que los artistas cobraron ya en enero de 1585 y se dieron por terminados seis meses más tarde.


text: En enero de 1587 se firmó el contrato para la pintura de la batalla de La Higueruela, que no se terminó hasta septiembre de 1589. El padre Sigüenza explica que se eligió representar esta batalla de la guerra de Granada por haberse hallado en el Alcázar de Segovia en un viejo arcón un lienzo de 130 pies en el que aparecía pintada la misma batalla en grisalla y que, habiendo gustado al rey, ordenó copiarla.


text: Algunos meses después de acabada la pintura de la batalla de la Higueruela se resolvió completar la decoración de la sala, firmándose un nuevo contrato con Castello, Granello y Tavarone en febrero de 1590. Las batallas elegidas eran, por una parte, las de la guerra contra los franceses de 1557 y 1558, las únicas batallas a las que Felipe II había acudido en persona, y la toma de la isla Tercera en las Azores, con la que se completaba la incorporación de Portugal a la corona española. Para asegurar la veracidad histórica, a los pintores se les entregaron modelos de la formación de las escuadras y de sus uniformes proporcionados por Rodrigo de Holanda, yerno de Antonio de las Viñas.


text: En 1890 fue colocada la barandilla de hierro que protege los frescos, dibujo del arquitecto José de Lema.


text: La extraordinaria pinacoteca que alberga el Monasterio fue reorganizada en la segunda mitad del para la adecuada instalación de la colección, ya que las obras se exhibían deficientemente desde antiguo en las Salas Capitulares y en la Sacristía, en las que la luz, escasa y nada conveniente, así como la falta de espacio, perjudicaban no sólo la contemplación de los cuadros, sino que menoscababan calidades excelsas de colorido, de luz y de composición de las obras maestras expuestas, tapizando por completo los muros, todavía con un criterio de la época barroca.


text: En este sentido, el principal esfuerzo fue encaminado a dar el mayor relieve y eficacia a la celebración del cuarto Centenario de la construcción del Monasterio. Las obras de restauración del Palacio de Verano de Felipe II fueron una de las más destacables, pues el palacio se hallaba en completo abandono y franca ruina, sin carpintería, sin soldados y destrozados los revocos. Estas dependencias se hallan en la planta baja, al nivel del Jardín de los Frailes, y comprenden todos los salones y cámaras con sus saletas, que coinciden absolutamente con las del piso superior o Palacio de Felipe II y que rodean al Patio de los Mascarones; en estas salas se han instalado las pinturas de escuelas flamenca, alemana, italiana y española. A este conjunto se le agregaron también salones, habitaciones principales y de recepción en la época del fundador, pero divididos en su altura y abundantemente tabicados en la época de Carlos IV; derribados todos los añadidos y con una labor de restauración de la estructura original, volvieron a contemplarse estos aposentos como fueron proyectados, con dimensiones y aspecto semejante a las Salas Capitulares. En total, diez salas que han dotado a Madrid de otra pinacoteca de importancia internacional.


text: La "Sala I" reúne pinturas de los siglos XV y XVI de la escuela flamenca y alemana. En ella, las obras capitales son el "Paisaje con San Cristóbal" de Patinir, "Los Improperios (Ecce Homo)" y un fragmento de la "Creación", réplica de "El Jardín de las Delicias", del taller de El Bosco, los "Estudios de Historia Natural" de Durero y un "Tríptico" de Gerard David con "La Piedad" (centro), "San Juan Bautista" (izquierda) y "San Francisco recibiendo los estigmas" (derecha). Otras pinturas destacables son "El cambista y su mujer" de Marinus Reymerswaele, "Descanso en la huida a Egipto", atribuido a Quentin Massys, "Las tentaciones de San Antonio" de la escuela de El Bosco y un gran paño gótico del "Calvario" del , con técnica "de trepas o de repostero", pero pintadas en vez de bordadas.


text: La "Sala II" muestra obras del flamenco Michel Coxcie: "Tríptico de San Felipe"; "Anunciación"; "La Virgen con el Niño, San Joaquín y Santa Ana"; "La Virgen y San José postrados adorando al Niño"; "Ofrenda al Niño Jesús" y "Sagrada Cena".


text: La "Sala III" contiene obras de gran valor de Tiziano: "Entierro de Cristo"; "Cristo crucificado cuya sangre redentora es recogida por tres ángeles"; "Cristo mostrado al pueblo por Pilatos (Ecce Homo)"; "La Oración del Huerto" y "San Jerónimo en oración". También se exponen el "Descanso en la huida a Egipto" y "La Adoración de los Reyes" de Francesco Bassano y "Noli me tángere", copia del Veronés por Luca Giordano.


text: La gran "Sala IV" (que corresponde al Salón del Trono de la planta principal) expone, entre otras, obras de Tiziano ("La Última Cena" y "San Juan Bautista"), una excelente serie de Tintoretto ("La Magdalena ungiendo los pies del Señor en casa del fariseo"; "Magdalena penitente"; "Entierro de Cristo"; "Desmayo de la reina Esther ante Asuero" y "Nacimiento con la adoración de los pastores", así como un "Ecce Homo" atribuido), Veronés ("Anunciación"; "La Aparición de Cristo a su madre acompañado de los padres del Limbo" y "El Padre y el Espíritu Santo", atribuido), Andrea Vaccaro ("Lot y su familia saliendo de Sodoma guiados por un ángel"), Jacopo Bassano ("Partida de Abraham" y "La Cena de Emaús"), Guido Reni ("Cristo cargando con la cruz") y Federico Zuccaro ("Adoración de los Reyes" y "Adoración de los pastores").


text: La "Sala V" está dedicada a las obras de José de Ribera, entre las que se encuentran tres "San Jerónimo Penitente"; "San Antonio"; "José apacentando los ganados de Labán"; "San Francisco"; "Entierro de Cristo"; "Rey Ermitaño"; "San Pablo"; "El filósofo Crisipo"; "San Juan Bautista niño" y "Esopo".


text: Entre las salas V y VI, en una alacena diáfana por dos lados, bajo cristales, se muestran diversos modelos de cerámica de Talavera, producida para las necesidades del Monasterio: tinteros, jarras, platos, tazones, fuentes, hondas, barreños, azulejos para zócalos y estantes y superficies en ángulo.


text: La "Sala VI", que corresponde en el piso superior a las habitaciones de Felipe II, comprende obras de la escuela española del , donde brilla con luz propia "La Túnica de José" de Velázquez, pintada durante la estancia del sevillano en Roma en 1630 (como "La Fragua de Vulcano"). Otras obras de interés son del taller de Zurbarán ("Presentación de la Virgen en el Templo"), Valdés Leal ("Nacimiento de la Virgen"), Alonso Cano ("Virgen con Niño", atribuida), Juan Bautista del Mazo ("Vista del palacio de Aceca") y un "Retrato de Carlos II niño", del taller de Carreño de Miranda


text: La Sala "VII" reúne pinturas de escuela italiana, algunas muy notables como "El profeta Isaías" y la "Sibila Eritrea" (obras maestras de Alessandro Bonvicino "Moretto"), "Asunto Místico" de Mariotto Albertinelli, dos grisallas anónimas ("Bajada de Cristo al Limbo y Resurrección" y "Virgen con Niño") y "San Juanito", copia de Rafael por Nicolas Poussin.


text: También la "Sala VIII" muestra obras de escuela italiana: "Descendimiento" de la escuela del Veronés; "Lot embriagado por sus hijas" del Guercino; "Virgen con el Niño y San Juanito (La Virgen del Roble)", atribuida al Pordenone y un "Ecce Homo" de Giovanni Battista Crespi.


text: La "Sala IX" contiene diversas obras tanto de escuela italiana como flamenca y holandesa. Entre ellas destacan las de Jan Davidsz de Heem ("Bodegón con granadas, peras y uvas" y "Bodegón con uvas, peras, ciruelas y manzanas que unos pájaros están picando"), Daniel Seghers (dos "Floreros en hornacina"), escuela de Van Dyck ("Virgen con el Niño") y Rubens ("La Cena de Emaús", boceto del cuadro conservado en el Prado).


text: En dos grandes salones abovedados contiguos a esta sala se expone un conjunto de obras de importancia extraordinaria: "Martirio de San Mauricio y la Legión Tebana" (El Greco), "El Calvario" (Van der Weyden), una magnífica copia del "Descendimiento" del anterior artista, realizada por Michel Coxcie (el original se expone en el Prado) y un espectacular tapiz de la serie de "La Conquista de Túnez", obra capital del maestro bruselés Willem Pannemaker realizada a mediados del .


text: Por último, la "Sala X" es conocida como la "Sala de los Grecos", donde se exhiben obras del pintor cretense como "La Adoración en Nombre de Jesús" (también conocida como "El sueño de Felipe II"), "San Eugenio" o "San Pedro". También se exponen dos obras de Carletto Veronese ("La Adoración de los Reyes" ambas) y un hermoso tapiz flamenco de la serie "Las Esferas", del .


text: Estaba situado en los sótanos del edificio, en la llamada por Juan de Herrera "Planta de Bóvedas", y fue creado en el año 1963 como parte de las exposiciones del "IV centenario de la colocación de la primera piedra". En sus once salas se mostraban las herramientas, grúas y demás material empleado en la construcción del monumento, así como reproducciones de planos, maquetas y documentos relativos a las obras, con datos muy interesantes que explicaban la "idea" y gestación del edificio. Estas salas fueron cerradas definitivamente en 2015.


text: Mandados construir por Felipe II, que era un amante de la naturaleza, constituyen un lugar ideal para el reposo y la meditación. Manuel Azaña, que estudió en el colegio de los frailes agustinos de este monasterio, lo cita en sus "Memorias" y en su obra "El jardín de los frailes". Es lugar de entretenimiento y estudio de los alumnos. El rey concebía sus jardines como un espacio productivo donde cultivar hortalizas y plantas medicinales, pero también los veía como una fuente de placer, con fuentes y flores. El monarca recopiló planos de jardines de Francia, Italia, Inglaterra y los Países Bajos, contratando a los mejores jardineros, tanto extranjeros como españoles. Este hoy austero jardín estaba originalmente repleto de flores, formando una especie de tapiz, por lo que fue comparado con las alfombras que se traían de Turquía o Damasco. También era un auténtico jardín botánico, con hasta 68 variedades diferentes de flores, muchas medicinales, y unas 400 plantas que se trajeron del Nuevo Mundo.


text: Al sudoeste del jardín se encuentra la "Galería de Convalecientes" o "Corredor del Sol", un espacio amplio, aireado y lleno de luz diseñado para el reposo de los enfermos. Se "apoya" con una articulación arquitectónica poco conseguida en la Torre de la Botica, tal vez por la necesidad de garantizar la clausura a los monjes. Su sobria fachada hacia la lonja Oeste contrasta con la más abierta hacia los jardines, donde la solución arquitrabada con arcos sobre columnatas jónicas es única en el monasterio.


text: El 2 de noviembre de 1984, en coincidencia con la celebración del cuarto centenario de la colocación de la última piedra, el Comité del Patrimonio Mundial de la Unesco, reunido en la ciudad argentina de Buenos Aires, inscribió el Monasterio en la Lista del Patrimonio de la Humanidad, como "El Escorial: Monasterio y Sitio". Esta figura incluye el Monasterio y otros enclaves de realengo, la Casita del Príncipe y la Casita del Infante, ambas diseñadas por Juan de Villanueva en tiempos de Carlos III.


text: En 2013, y dentro de la colección de Edificios Patrimonio de la Humanidad, el Banco de España emitió una moneda conmemorativa de 2€ en la que aparecía el Monasterio.


title: Robert Redford

text: Su padre fue Charles Robert Redford Sr. (1914-1991), contable católico de origen irlandés, y su madre Martha Hart (1914-1955), ama de casa.


title: Robert Redford

text: Se crio en el barrio oeste de Los Ángeles. En los años 50, su padre trabajó de contable en la "Standard Oil" y se trasladaron a un suburbio de clase media en el valle de San Fernando. A su madre se le diagnosticó un cáncer y Redford atravesaba entonces una época de rebeldía, pero le gustaba contar historias y dibujar. Una excursión al parque nacional de Yosemite le imprimió un intenso amor por la naturaleza, que influiría en muchas de sus películas.


title: Robert Redford

text: En 1955 su madre murió a los 41 años de edad. Él abandonó los estudios en 1956 y se fue como artista itinerante a Italia y Francia para probar la vida bohemia de un artista, regresó desilusionado en 1957 y comenzó una vida de rebeldía juvenil sumida en el alcoholismo, asociada a la pérdida de su madre.


title: Robert Redford

text: En ese mismo año conoció a Lola van Wagenen, una universitaria de clase media acomodada, también miembro de La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días de Utah, con la que inició una larga y estable relación que tuvo una influencia positiva para Redford. Dejó de beber y en 1958 se matriculó en el Pratt Institute de Nueva York para estudiar arte. Le interesaba el diseño de escenarios y siguió el consejo de estudiar interpretación para aprender más sobre el teatro. Nunca le había atraído el trabajo de actor, pero le agradó la experiencia.


title: Robert Redford

text: En 1958 se casó con Lola y al año siguiente nació su hijo Scott, que falleció pocos meses después por muerte súbita. En ese mismo año uno de sus profesores le consiguió su primer papel en Broadway. En 1960 comenzó a trabajar en la televisión, en la serie "Playhouse 90", y a continuación en "Perry Mason", "Alfred Hitchcock presenta" y "La dimensión desconocida". A raíz de ello, su padre le llegó a decir: «¿Por qué no te buscas un trabajo de verdad?».


title: Robert Redford

text: En 1960 Redford y su esposa tuvieron una hija, Shawna, y en 1962 nuevamente un hijo, David James. En esos años compraron una parcela agraria en Utah, donde construyeron una vivienda diseñada por el mismo Redford. Su hija Amy nació en 1970. En 1961 triunfó en Broadway con la obra "Sunday in New York".


title: Robert Redford

text: En 1962 consiguió su primer papel en un largometraje de cine, "War Hunt", de Denis Sanders. A continuación volvió a actuar en Broadway, en la obra "Descalzos por el parque", dirigida por Mike Nichols, quien impuso la participación de Redford, a quien había visto en la televisión. Esta obra de teatro le convirtió en estrella de Broadway y fue el trampolín perfecto hacia Hollywood, donde fue contratado en 1964.


title: Robert Redford

text: En sus cuatro primeras películas hizo papeles secundarios y no le proporcionaron un éxito digno de mención. Estas películas fueron "La rebelde" (protagonizada por Natalie Wood), "La jauría humana" (ambicioso filme de denuncia de Arthur Penn, con un extenso reparto que incluye a Marlon Brando y Angie Dickinson), "Situación desesperada" y "Propiedad condenada".


title: Robert Redford

text: En 1966 se trasladó a España para comenzar una vida bohemia, sin embargo, ese mismo año le ofrecieron un papel como protagonista en la versión cinematográfica de "Descalzos por el parque" (1967), junto a Jane Fonda, que fue un gran éxito.


title: Robert Redford

text: En los años siguientes intervino en varias películas que le consolidaron como actor de prestigio y también como estrella de Hollywood; la primera de ellas en 1969, "Butch Cassidy and the Sundance Kid" con Paul Newman, con quien congenió rápidamente y se convirtieron en una de las parejas cinematográficas más importantes de la historia del cine. Otras películas de éxito fueron: "El candidato" (1972), dos filmes dirigidos por Sydney Pollack (el hoy filme de culto "Las aventuras de Jeremiah Johnson" de 1972, y la romántica y taquillera "Tal como éramos" de 1973, coprotagonizada por Barbra Streisand), y "El golpe" (1973), nuevamente con su amigo Newman. Este filme obtuvo siete Óscar y por él recibió Redford su primera nominación, como actor principal. En 1974 rodó "El gran Gatsby" con Mia Farrow; una producción de ambientación muy cuidada, pero que recibió malas críticas.


title: Robert Redford

text: Redford creó también su propia productora independiente, Wildwood Enterprises, cuya primera película fue "Downhill Racer" en 1969 (en castellano, "El descenso de la muerte"), dirigida por Michael Ritchie.


title: Robert Redford

text: En 1976 actuó en "Todos los hombres del presidente", sobre el caso Watergate, junto a Dustin Hoffman. La película consiguió seis nominaciones a los Óscar, incluida la de mejor película. En 1979, protagonizó "El jinete eléctrico" junto a Jane Fonda, donde una vez más aparece el amor hacia los caballos que Redford profesa.


title: Robert Redford

text: Siguió siendo una estrella con tirón comercial en la década de 1980, donde destacan dos películas: "Memorias de África", con Meryl Streep, filme que cosechó siete premios Óscar, entre ellos el de mejor película; y "Peligrosamente juntos" (1986) con Debra Winger y Daryl Hannah. En 1985 se separó de su esposa Lola tras 27 años de matrimonio y ese mismo año comenzó una larga relación de 7 años con la actriz brasileña Sonia Braga.


title: Robert Redford

text: Como director, Redford ya tiene una trayectoria importante, con películas que le valieron el reconocimiento de la profesión y del público. En 1980 se inicia como director con "Ordinary People", filme protagonizado por Donald Sutherland y Mary Tyler Moore que obtuvo muy buenas críticas y éxito de taquilla, y que le supuso el Oscar al mejor director.


title: Robert Redford

text: Redford dirigió en 1988 "Un lugar llamado Milagro", una película bucólica y de fantasía en la que se refleja su amor por la naturaleza y la vida rústica, pero que no tuvo un éxito significativo.


title: Robert Redford

text: En 1992 dirige "El río de la vida", con Brad Pitt y Tom Skerritt, donde trata de la comunicación entre padres e hijos, un tema recurrente en su vida.


title: Robert Redford

text: Posteriormente dirigió "", que obtuvo buenas críticas, aunque escasa aceptación en taquilla, y que supuso su segunda nominación a los Óscar como director. Esta cinta fue igualmente nominada al premio como mejor película, pero finalmente resultó derrotada en ambas categorías.


title: Robert Redford

text: En 1998 dirigió "El hombre que susurraba a los caballos", basada en la novela de Nicholas Evans, en 2000 "La leyenda de Bagger Vance", y en 2012 "The Company You Keep" ("Pacto de silencio").


title: Robert Redford

text: Redford creó en 1980 un centro de enseñanza para jóvenes cineastas, el Instituto Sundance que funciona como Festival en los veranos y como centro de esquí exclusivo en invierno, en sus terrenos de Utah. Llevó adelante esta empresa a costo propio a pesar de no encontrar apoyos. Su instituto subvenciona a nuevas promesas con todos los gastos pagados durante cuatro semanas, proporciona profesores, material técnico y el asesoramiento de grandes profesionales.


title: Robert Redford

text: Viendo la calidad de los trabajos decidió crear un festival de cine paralelo para exponer los trabajos de los estudiantes que hoy se ha convertido en el festival de cine independiente más importante del mundo: el Festival de Cine de Sundance, que se celebra todos los eneros desde 1983 en Park City, Utah. Es curioso porque el nombre de la escuela y el festival viene de la película que protagonizó en 1969 con Paul Newman: "Dos hombres y un destino", en la que él se llamaba "The Sundance Kid". Más tarde adquirió un rancho en Provo donde se aficionó a la crianza de caballos de pura sangre.


title: Robert Redford

text: A partir de la década de 1990, Robert Redford fue espaciando sus trabajos como actor de cine, si bien siguió participando en varias producciones de prestigio por director y/o reparto. Entre ellas destacan las películas románticas "Habana" (1990) de Sydney Pollack (con Lena Olin) e "Íntimo y personal" (1996) con Michelle Pfeiffer. Pero tuvo más repercusión comercial otra película de calidad y argumento más discutibles: "Una proposición indecente" (1993), con Demi Moore.


title: Robert Redford

text: Posteriormente rodó tres grandes filmes "The Last Castle" (2001), "Spy Game" (2001) con Brad Pitt y "La sombra de un secuestro" (2004) con Helen Mirren.


title: Robert Redford

text: En 2005, rodó con Jennifer Lopez "Una vida por delante", y en 2007 respaldó al entonces criticado Tom Cruise interpretando un papel en su producción "Leones por corderos", junto al mismo Cruise y Meryl Streep.


title: Robert Redford

text: En 2013, rodó como único protagonista "Cuando todo está perdido", un filme sobre la supervivencia en alta mar dirigido por J.C. Chandor. Aquí Redford interpreta a un patrón de yate que ha de evitar el naufragio de la embarcación. Es un trabajo actoral muy exigente, sin más personajes que él mismo, que ha recibido muy buena crítica y permite decir con propiedad que sigue muy activo en el cine.


title: Robert Redford

text: En 2014, rodó "", bajo la dirección de Anthony Russo y Joe Russo, interpretando al agente de alto rango de S.H.I.E.L.D., Alexander Pierce; dicho papel lo retomó en , de 2019.


title: Robert Redford

text: Para la elección presidencial de 1976, Redford preparó al Presidente Carter para el debate presidencial, obteniendo óptimos resultados, ya que Carter ganó el debate y Ford cometió varios errores. Jimmy Carter obtuvo en la elección un 50,1 % contra un 48 % de Ford.


title: Robert Redford

text: A pesar de estar casado por 27 años con Lola van Wagenen, su primera esposa quien es mormona conversa, Redford declaró ser afín al budismo.


title: Robert Redford

text: En 1977 Redford escribió un libro de denuncia sobre la expansión estadounidense hacia el oeste, "The Outlaw Trail". Luchó con éxito contra la construcción de una central eléctrica en Utah, lo que le valió numerosas amenazas.


title: Robert Redford

text: El 11 de julio de 2009 se casó con su pareja desde hacía años Sibylle Szaggars, pintora alemana. La ceremonia tuvo lugar en Hamburgo en la intimidad de la familia y amigos más próximos.


title: Robert Redford

text: El 17 de octubre de 2020 se confirmó el fallecimiento de su hijo James Redford, confirmado por su mujer.


title: Robert Redford

text: En Estados Unidos ha recibido la Medalla Nacional de las Artes en 1996 y en Francia las insignias de caballero de la Orden de la Legión de Honor en 2010 por sus méritos civiles.


title: Robert Redford

text: En 2016 recibió en Estados Unidos la Medalla Presidencial de la Libertad por Barack Obama, junto a Michael Jordan, Tom Hanks, Robert de Niro, Diana Ross y Bruce Springsteen, entre otros.


title: Robert Redford

text: Redford anunció a los medios en agosto de 2018 que actuaría en un par de películas más y que se retiraría de la vida de actor a sus 81 años, sin indicar si continuaría como director.


title: Robert Redford

text: Su última película protagónica fue The Old man & The Gun interpretando al ladrón de bancos y formando parte en el elenco con Sissy Spacek y Cassey Affleck.


title: Robert Redford

text: En 2010, el presidente de Francia Nicolás Sarkozy lo condecoró con la Legión de Honor por toda su amplia y reconocida trayectoria en el mundo del cine.


title: Robert Redford

text: En España una iniciativa ciudadana solicitó que se le concediera a Robert Redford el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2016.


title: Plegaria de la Serenidad

text: La plegaria de la Serenidad, también conocida como oración de la Serenidad, es el conocido comienzo de una oración atribuida al teólogo, filósofo y escritor estadounidense de origen alemán Reinhold Niebuhr y cuya versión más conocida dice así:


title: Plegaria de la Serenidad

text: Durante la segunda mitad del siglo  y principios del se había dado por seguro que el autor de la oración era el teólogo protestante nacido en Misuri (Estados Unidos) Reinhold Niebuhr, y él mismo, dentro de su humildad, así lo sugería; su esposa, Ursula, también teóloga, fijaba además el año: 1940; y la hija de ambos, Elisabeth Sifton, editora y publicista, que en 2003 publicó un libro sobre la cuestión, precisaba que se entonó por primera vez algo más tarde, en el año 1943, durante un servicio religioso dominical en la bucólica villa de Heath, en Massachusetts, donde la familia solía pasar los veranos.


title: Plegaria de la Serenidad

text: Sin embargo, Fred R. Shapiro, editor del libro de citas y aforismos "The Yale Book of Quotations" y especialista en investigar el origen de citas erróneamente atribuidas, sugería en 2008 que Niebuhr —al que, por otra parte, consideraba una persona honrada y de talante modesto— la habría adaptado de manera inconsciente a partir de frases llegadas a sus oídos o leídas por él en alguna de sus múltiples investigaciones teológicas. Aun sin dejar de reconocer la influencia de esos versos sobre la vida de tantas personas a lo largo del tiempo, para Shapiro lo que se formula allí «no es muy sofisticado desde el punto de vista intelectual», y alguien lo habría expresado de algún modo tarde o temprano.


title: Plegaria de la Serenidad

text: De la extensa –y posiblemente exagerada– nómina de supuestos autores cabe citar a Epícteto, Aristóteles, Cicerón, Marco Aurelio, San Agustín, Boecio, Francisco de Asís, Santo Tomás de Aquino, Baruch Spinoza, Friedrich Schiller, el obispo coadjutor Oliver J. Hart y diversos líderes militares de la Segunda Guerra Mundial, así como innumerables fuentes anónimas que se remontan hasta el Antiguo Egipto. Otro intelectual al que se le atribuyó por error fue el teólogo alemán del siglo  Friedrich Christoph Oetinger. La confusión se produjo a raíz de que un profesor de la Universidad de Kiel, Theodor Wilhelm, publicó a principios de la década de 1950, bajo el seudónimo de «Friedrich Oetinger», un libro que reproducía la plegaria. En la revista "Grapevine", de la asociación Alcohólicos Anónimos, se llegó a decir, no sin ironía, que a lo largo de la historia había sido atribuida «a casi todos los teólogos, filósofos y santos que en el mundo han sido». Finalmente, otras fuentes la consideraban simplemente un proverbio anónimo transmitido gracias a la tradición oral.


title: Plegaria de la Serenidad

text: En su artículo de 2008, Shapiro aporta documentos de antes de 1942 que citan la plegaria, a veces con variaciones y sin aludir en ningún momento al teólogo de Misuri. Los documentos proceden de diversas bases de datos en Internet como NewspaperArchive.com, ProQuest o Google Books. Es precisamente en este enfoque de la investigación, orientada en exclusiva hacia los motores de búsqueda de información digital, donde la hija del teólogo Sifton encuentra las mayores fisuras en las tesis de Shapiro:


title: Plegaria de la Serenidad

text: Un año después, otro investigador del origen de dichos y frases célebres, Stephen Goranson, daba un giro a los postulados de Shapiro al hallar una carta fechada en 1937 que atribuía a Niebuhr la autoría de la plegaria. En esta carta, publicada en una revista de orientación cristiana ("The Intercollegian and Far Horizons"), la frase que aludía a la fortaleza ("courage") aparecía en primer lugar, antes que la referida a la serenidad:


title: Plegaria de la Serenidad

text: Ese hecho precisamente vendría a corroborar la hipótesis de que pertenecía a Neibuhr. Shapiro reconoció la validez de las nuevas pruebas y declaró que en la siguiente edición de "The Yale Book of Quotations" incluiría la plegaria de la Serenidad en la entrada correspondiente a Niebuhr.


title: Plegaria de la Serenidad

text: En 1944, Howard Chandler Robbins, un diácono episcopal vecino y amigo de Niebuhr, que había asistido a un oficio religioso de este en Heath, solicitó permiso al oficiante para reproducir la oración en un folleto dirigido a las fuerzas armadas, y ese fue el origen de su amplia difusión. Desde entonces, ha sido ampliamente adoptada tanto por personas de creencias religiosas como por no creyentes, y su popularidad se ha extendido tanto que se ha grabado en placas urbanas, joyas y epitafios; figura en esquelas, obras de autoayuda e impresos diversos; y se comercializa en objetos promocionales de todo tipo.


title: Plegaria de la Serenidad

text: La oración ha llegado también al ámbito de la música rock: en 1981, el cantante canadiense Neil Young incluyó una versión en latín en la contraportada de su LP Re-ac-tor. Textualmente dice así:


title: Plegaria de la Serenidad

text: Además, la canción "Know The Difference", del grupo finlandés de power metal melódico Stratovarius , en su álbum doble "Elements Pt. 1 & 2" contiene también partes literales de la plegaria en su versión en inglés, que son complementadas con versos de la autoría de la propia banda, ampliando y potenciando así la idea original de la plegaria.


title: Plegaria de la Serenidad

text: Entre sus adaptaciones más conocidas destaca la del programa de los Doce Pasos de la asociación Alcohólicos Anónimos (AA). De hecho, en los años cuarenta del siglo  se la conocía como «la plegaria de AA».


title: Plegaria de la Serenidad

text: En la película animada de superhéroes la madre de Barry Allen le enseña la oración en su niñez a lo que éste responde que no la entiende y ella le dice que con el tiempo lo hará.


title: Plegaria de la Serenidad

text: En Feel So diferent del álbum I Do Not Want What I Haven't Got (1990), Sinead O'Connor incluye la oración.


title: Plegaria de la Serenidad

text: David Bowie reconoció en el programa The Arsenio Hall Show (1993) que la oración le ayudó a recuperarse de sus adicciones. El cantante se tatuó una versión japonesa de la plegaria en 1992.


title: Plegaria de la Serenidad

text: En Dark, serie alemana de la plataforma Netflix, un personaje (Peter) aparece en varias escenas recitando esta oración, cuyo significado se relaciona con la trama de la serie.


title: Plegaria de la Serenidad

text: En la miniserie estadounidense de Mike Flanagan "Misa de Medianoche" es recitada por múltiples personajes en varias escenas.


title: Plegaria de la Serenidad

text: Nuevamente aparece varias veces la frase en la película Mr. Brooks, con el actor Kevin Costner, película del año 2007, de suspenso psicológico.


title: Merengue (género musical)

text: El merengue es un género musical bailable originado en la República Dominicana a finales del siglo XIX. Es muy popular en todo el continente americano, donde es considerado, junto con la salsa, como uno de los grandes géneros musicales bailables que identifican al hispanoamericano.


title: Merengue (género musical)

text: En sus orígenes, el merengue dominicano era interpretado con instrumentos de cuerda (bandurria y/o guitarra). Años más tarde, los instrumentos de cuerda fueron sustituidos por el acordeón, conformándose así, junto con la güira y la tambora, la estructura instrumental del conjunto de merengue típico. Este conjunto, con sus tres instrumentos, representa la sinfonía de las tres culturas que conformaron la idiosincrasia de la cultura dominicana. La influencia europea viene a estar representada por el acordeón, la africana por la tambora dominicana, que es un tambor de dos parches, y la taína o aborigen por la güira.


title: Merengue (género musical)

text: Aunque en algunas zonas de la República Dominicana, en especial en el Cibao y en la sub región Noroeste, hay todavía conjuntos típicos con características similares a aquellos pioneros, este ritmo fue evolucionando durante todo el siglo XX. Primero, con la introducción de nuevos instrumentos.


title: Merengue (género musical)

text: La evolución del merengue de letra decente para amenizar una de sus fiestas. A partir de entonces, se diseminó muy rápidamente por todo el país. En 1875 el presidente Ulises Francisco Espaillat (conocido por sus escritos contra el merengue) inició una campaña contra el merengue por sus bailes y letras explícitas, pero fue totalmente inútil, pues ya el baile se había adueñado del Cibao, donde se hizo fuerte a tal punto que se asocia hoy a esta región como la cuna del merengue.


title: Merengue (género musical)

text: Como fueron músicos cultos los que fijaron la manera musical del nuevo merengue, los músicos populares trataron de imitar y seguir este modelo, mientras que el hombre de campo continuó tocando el merengue en su manera original. Esto dio origen a dos tipos de merengue: el merengue folclórico o típico, que aún se encuentra en los campos, y el merengue de salón, propio de los centros urbanos. De esta manera, desplazó a algunos otros bailes típicos como la tumba, que requería gran esfuerzo físico y mental, mientras que la coreografía del merengue, en la que el hombre y la mujer no se sueltan nunca, era bastante simple, aunque poco a poco fueron desarrollándose muchas diversas figuras para este baile de salón con las personas. Hoy en día existe un gran repertorio de este género musical en el cual se ha destacado el llamado "merengue callejero".


title: Merengue (género musical)

text: El merengue de cuerdas (guitarra, acordeón, güira y tambora) es la primera manifestación del ritmo, en su fase primitiva, pero con la llegada del acordeón por la costa norte desde Alemania, este instrumento novedoso entonces y de mayor sonoridad que la guitarra, poco a poco la sustituiría, dando paso al formato que, en la zona norte, adquiriría el nombre de "Perico Ripiao". Dicho nombre surge en un lugar de Santiago (capital del Cibao, al norte de la isla), donde pernoctaban los campesinos que se trasladaban a la ciudad a vender sus productos, llamado "El Hospedaje". Allí existían centros de diversión donde fundamentalmente se presentaban los grupos que ejecutaban el merengue de acordeón. Entre estos centros el más popular era uno llamado "Perico Ripiao". De esta manera, estos grupos adquirieron el nombre de "Perico Ripiao". El Perico Ripiao (también es conocido como el merengue típico) fue una de las primeras formas de merengue y su origen está en los campos del Cibao y la Línea Noroeste, se toca con güira, tambora y acordeón. Los cantos del Perico Ripiao son diferentes al merengue de orquesta o de banda. Los versos simples con frases poéticas toman a veces forma de décimas o de cuartetas, donde los versos tercero y cuarto son repetidos pero en orden inverso (el verso tercero se convierte en sexto y el cuarto en quinto; ABCDDC). El Perico Ripiao tiene un ritmo rápido y es mucho más popular en el Cibao (en los campos cibaeños) que en Santo Domingo, la capital dominicana.


title: Merengue (género musical)

text: El desarrollo musical del merengue se dio principalmente luego de ser admitido por la élite social de República Dominicana. Dicha admisión se dio fundamentalmente con la llegada al poder de un amante del ritmo, el dictador Rafael Leónidas Trujillo (Régimen establecido desde 1930 hasta 1961). Trujillo, de origen humilde y conocedor del género, empleó el merengue como parte de la estrategia de promoción de su gobierno a nivel nacional y lo convirtió en la Música Nacional obligada en los actos sociales y oficiales.


title: Merengue (género musical)

text: Para lograr esta introducción en las clase de la intelectualidad y poder económico, utilizó la creatividad de músicos excepcionales de la talla de Julio Alberto Hernández quien, junto a otros músicos de alta formación y conocedores del movimiento musical internacional, transformaron el merengue rural o "Perico Ripiao" en un merengue de salón estructurado sobre la base de una gran orquesta al estilo "Big Band", pero manteniendo la base rítmica original. En este tipo de merengue se destacan las Orquestas Santa Cecilia y San José, como las principales de la época. En los 40´s y 50´s, el maestro dominicano Luis María Frómeta Pereira (Billo Frómeta) contribuyó a popularizar el ritmo en Venezuela y Colombia.


title: Merengue (género musical)

text: Con la caída del régimen de Trujillo, llegan los procesos de influencia de la música anglosajona que ponen al merengue en la obligación de transformarse en una música más cercana a la juventud. Es cuando surgen dos jóvenes músicos inquietos, uno de academia y otro de las entrañas mismas del pueblo: Félix del Rosario y Johnny Ventura. El primero un músico militar, gran conocedor del jazz, y el otro un carismático creativo y músico innato. Ambos se encargan de hacer el merengue menos sofisticado y adaptado a lo que pedía la juventud de los años 1960. Esta es la etapa donde surge el combo: Orquesta de unos 14 músicos con un frente de bailadores y coristas. El merengue se convierte de esta manera en el baile nacional de la República Dominicana. El merengue echó sus raíces en el campo en el siglo XIX, pero ahora su popularidad se ha extendido a través de las clases sociales. Durante toda su historia, era un método para expresar opiniones sociales y políticas. El merengue usa instrumentos como la tambora, la güira, el acordeón y la guitarra. Tradicionalmente tiene dos segmentos: el paseo y el jaleo. Las estrofas que acompañan al merengue pueden ser de tipo copla, seguidilla, décima o, con menos frecuencia, pareados. La coreografía de la danza es simple y es muy popular por esta razón.


title: Merengue (género musical)

text: El merengue tradicional sobrevive en el campo y las regiones rurales. Hay variaciones del merengue que desarrollaron en las ciudades y otras zonas diferentes. El pambiche, según la leyenda, es el nombre del jaleo de merengue lento que a los marinos estadounidenses les gustaron porque no pudieron bailar el merengue rápido auténtico mientras estaban estacionados en el país. El merengue cibaeño, del región Cibao, usa el acordeón para reemplazar la guitarra que se oye en el merengue del región sud-este del país. El perico ripiao o el merengue típico es el nombre que los ricos le dan al merengue rural tradicional. Se usa el nombre "merengue" para significar el merengue urbano o el merengue de salón que las orquestas tocaban.


title: Merengue (género musical)

text: Uno de las personas más importante en el desarrollo del merengue fue el dictador Rafael Leónidas Trujillo. Antes del reinado de Trujillo, el merengue fue asociado con las personas del campo y los regiones rurales. Juan Francisco García trató de ampliar la popularidad del merengue en las clases altas publicando en 1918 el primer arreglo del merengue y en 1922, el merengue fue tocado en un club social; en ambos casos, la población alta rechazó el merengue. En el caso del club, muchas personas salieron porque se fueron enojadas porque la "música grosera", como la catalogaban, no debió estar en su lugar elegante. Cuando Trujillo llegó al poder en 1930, el merengue todavía fue de estatua de la clase baja. Trujillo vino de una familia campesina y le encantaba el merengue. Durante todas de las fiestas de sus campañas tenía una orquesta para tocar el merengue. Trujillo trató de forzar la élite a escuchar al merengue y esta le cobró aversión a Trujillo por su origen pobre, su música grosera y su régimen. Él quiso dar la impresión de que era refinado y culturado y para esto necesitó el apoyo de las clases altas. Quiso cambiar el merengue a música refinada para la élite. Ajustó la banda respetable de Luis Albertí, Lira de Yaque, en 1932 a fin de popularizar el merengue. Albertí añadió la güira y la tambora a su orquesta de jazz e incluyó el merengue en su colección de canciones. Convirtió el merengue al baile nacional de la República Dominicana. La élite aprobó a esta música culturada de Luis Albertí y además el merengue.


title: Merengue (género musical)

text: Trujillo influyó la música entre los años 1930 a 1960 con su poder político. Él fue responsable en el desarrollo de la música dominicana. Fundó orquestas regionales y escuelas donde se enseñó el merengue y otra música trujillista. Por otra parte, él rechazó y suprimió la música africana y haitiana aunque el merengue tenía aspectos de las dos. Trujillo causó una división entre las clases de merengue, el rural y el urbano y por consiguiente entre las clases sociales. Si un músico quería ser aceptado en la RD, debía componer canciones para elogiar a Trujillo y su régimen. Los músicos que escribieron canciones que criticaron a Trujillo fueron encarcelados. El merengue perdió su voz social y política. Los vendedores de música tuvieron los merengues trujillistas en su tiendas y todas las personas tuvieron que poseer los discos de la música del régimen. Esta época produjo milles de merengues sobre Trujillo.


title: Merengue (género musical)

text: Después del asesinato de Trujillo en 1961, el merengue logró una apertura política y cultural. El merengue continuaba siendo el baile nacional y la población amaba todavía los música del régimen, pero fue prohibido tocar los merengues trujillistas. Después de 1961, las influencias internacionales, que fueron prohibidas durante el régimen de Trujillo, eran responsables por la modernización e internacionalización del merengue. Uno de las personas famosas para el modernización del merengue fue Johnny Ventura con sus influencias de rock’n’roll estadounidenses. Ahora, personas como Juan Luis Guerra escriben merengues radicales con guitarras y teclados eléctricos con contenido político que no eran posibles durante la dictadura. El merengue después de la época Trujillo es caracterizado por ser rápido y descarado con líricos satíricos. Volvió a ser un método para expresar opiniones sociales y políticas.


title: Merengue (género musical)

text: Su historia dominicana cuenta de su senda al presente. Personas como Rafael Trujillo, Luis Alberti, Joseíto Mateo, Johnny Ventura y Juan Luis Guerra tenían una gran influencia en el desarrollo del merengue. Durante toda su historia, el merengue tenía un lugar en la política, como tener el apoyo del dictador Trujillo o para ser una voz de la población.


title: Merengue (género musical)

text: El merengue es el baile nacional de la República Dominicana. El merengue echó sus raíces en el campo en el siglo XIX, pero ahora su popularidad ha extendido al través de las clases sociales. Durante todo su historia, era un método para expresar opiniones sociales y políticas. El merengue usa instrumentos como la tambora, la güira, el acordeón y la guitarra. Tradicionalmente tiene dos segmentos: el paseo y el jaleo. Las estrofas que acompañan al merengue pueden ser de tipo copla, seguidilla, décima o, con menos frecuencia, pareados. La coreografía de la danza es simple y es muy popular por esta razón.


title: Merengue (género musical)

text: El merengue tradicional sobrevive en el campo y las regiones rurales. Hay variaciones del merengue que desarrollaron en las ciudades y otras zonas diferentes. El pambiche, según la leyenda, es el nombre del jaleo de merengue lento que a los marinos estadounidenses les gustaron porque no pudieron bailar el merengue rápido auténtico mientras estaban estacionando el país. El merengue cibaeño, del región Cibao, usa el acordeón para reemplazar la guitarra que se oye en el merengue del región sudeste del país. El perico ripiao o el merengue típico es el nombre que los ricos le dan al merengue rural tradicional. Se usa el nombre "merengue" para significar el merengue urbano o el merengue de salón que las orquestas tocan.


title: Merengue (género musical)

text: Una de las personas más importante en el desarrollo del merengue fue el dictador Rafael Leónidas Trujillo. Antes del reinado de Trujillo, el merengue fue asociado con las personas del campo y los regiones rurales. Juan Francisca García trató de ampliar la popularidad del merengue en las clases altas. En 1918, publicó el primero arreglo del merengue. En 1922, el merengue fue tocado en un club social. Pero en ambos casos, la población alta rechazó el merengue. En el caso del club, muchas personas salieron porque fueron enojados que la música grosera no debió estar en su lugar elegante. Cuando Trujillo llegó al poder en 1930, el merengue todavía fue de estatua de la clase baja. Trujillo vino de una familia campesina y le encantaba el merengue. Durante todas de las fiestas de sus campañas tenía una orquesta para tocar el merengue. Trujillo trató de forzar la élite a escuchar al merengue, y la élite cobró aversión a Trujillo por su origen pobre, su música grosera y su régimen. Él quiso dar la impresión de que era refinado y culturado y para esto necesitó el apoyo de las clases altas. Para convertir el merengue en música refinada para la élite, ajustó la banda de Luis Albertí (músico respetado por la élite dominicana de ese momento) en 1932 para que tocara merengue, a fin de popularizarlo. Albertí añadió la güira y la tambora a su orquesta de jazz e incluyó el merengue en su colección de canciones, convirtiendo al merengue en el baile nacional de la República Dominicana. La élite aprobó a esta música culturada de Luis Albertí y al merengue.


title: Merengue (género musical)

text: Trujillo influyó la música entre los años 1930 a 1960 con su poder político. Él fue responsable para el desarrollo de la música dominicana. Fundó orquestas regionales y escuelas donde enseñar el merengue y otra música trujillista. Por otra parte, él rechazó y suprimió la música africana y haitiana, aunque el merengue tenía unos aspectos de los dos. El causó una división entre las dos clases de merengue, el rural y el urbano; por consiguiente, también entre las clases sociales. Si un músico quería ser aceptado en la RD, necesitó escribir canciones de merengue que elogiar a Trujillo y su régimen. Los músicos que escribaron canciones que criticaron Trujillo fueron encarcelados. El merengue perdió su voz social y política. Todos los vendedores de música necesitaron tener los merengues Trujillistas en su tienda y todas las personas tuvieron que poseer los discos de la música del régimen. Esta época produjo miles de merengues sobre Trujillo.


title: Merengue (género musical)

text: Después del asesinato de Trujillo en 1961, el merengue fue abierto políticamente y culturalmente. El merengue continuaba siendo el baile nacional y la población amaba todavía a los músicos del régimen, pero fue prohibido tocar los merengues trujillistas. Después de 1961 las influencias internacionales, que fueron prohibidos durante el reinado de Trujillo, eran responsables de la modernización e internacionalización del merengue. Uno de las personas famosas para la modernización del merengue fue Johnny Ventura con sus influencia del rock and roll estadounidense. Ahora, personas como Juan Luis Guerra escriben merengues radicales con guitarras y teclados eléctricos con corte político que no eran posible durante la dictadura. El merengue, después de la época de Trujillo, es caracterizado por ser rápido y descarado con líricos satíricos. Volvió a ser un método para expresar opiniones sociales y políticas.


title: Merengue (género musical)

text: En la década de los 50, el merengue comienza a ser un género organizado, tal y como demandaba la música a nivel internacional.


title: Merengue (género musical)

text: Joseíto Mateo hizo su debut en la industria musical en tiempos muy convulsos. Una época difícil en la que todas las libertades públicas estaban limitadas en la República Dominicana. Sin embargo, su carisma natural y su característico estilo a la hora de cantar fueron determinantes para convertirse en una leyenda.


title: Merengue (género musical)

text: El ‘diablo Mateo’ o ‘El rey del merengue’, son motes con los que se le conoció a su paso por los más importantes escenarios. Inició su vida artística en la era del dictador Rafael Leónidas Trujillo, conectando inmediatamente con el público dominicano que no paraba de bailar sus contagiosos merengues. Lo hizo en el cabaret El Tocón, ubicado a la orilla del Río Nigua, en San Cristóbal.


title: Merengue (género musical)

text: Tiempo después decidió expandir su música a niveles internacionales, en parte por la opresión que se vivía, por lo que se estableció en Cuba, donde perteneció a la “Sonora Matancera” y cantó junto a Celia Cruz. Después del asesinato de Rafael Trujillo el 30 de mayo de 1961 y el fin de su dictadura, Joseíto decidió irse a probar suerte en Puerto Rico.


title: Merengue (género musical)

text: En 1962, Joseíto participó como vocalista en la primera gira del “Gran Combo” a Panamá, para promocionar el disco “El Gran Combo con Joseíto Mateo”. Allí conoció a los jóvenes cantantes Pellín Rodríguez y Andy Montañez, quienes terminaron por sustituirlo en la agrupación puertorriqueña. Viajó además por Venezuela, Curazao y Haití, entre otros países de Latinoamérica.


title: Merengue (género musical)

text: Mateo tuvo que regresar al país a “limpiar su nombre” como dijo en una entrevista de la época. “El Gran Combo estaba muy bien conmigo, me adapté a cantar plena, bomba, guaracha, boleros, pero después me tuve que regresar a Santo Domingo a limpiar mi nombre. Le estaban cayendo atrás a todos los que estuvieron con Trujillo, y en la República decían que yo era un espía y andaba huyendo”, dijo en esa época.


title: Merengue (género musical)

text: El primero en revolucionar el género fue Johnny Ventura, quien fuera parte de la orquesta de Joseíto Mateo como guirero; con la formación en los inicios de los años 1960 de El Combo Show, impregnando nuevos colores al ritmo y modernizando el género en todos los aspectos. Esto se verifica principalmente con el surgimiento de la orquesta de "Wilfrido Vargas y Los Beduinos", de la mano de su productor Bienvenido Rodríguez.


title: Merengue (género musical)

text: Con el nivel profesional del personal humano de la estructura formada por este productor, se pudo popularizar el género entre la juventud latina de la época, que vivía el boom de la Fania All Star en Nueva York y La Dimensión Latina de Venezuela. Cabe destacar el estelar aporte musical que recibió el género por parte de los armadores musicales del movimiento Beduino: Jorge Taveras, Sony Ovalle, Wilfrido Vargas y Juancho Viloria. Esta estructura, bajo el sello de Karen Records, se convirtió en el laboratorio de lo que sería la Época Dorada del Merengue: Los años 1980. En esta fábrica de talentos se descubrieron los líderes futuros del merengue, ya que tanto Wilfrido como Bienvenido se dedicaron a captar talentos y a construir agrupaciones satélites a Los Beduinos; tal es el caso de Fernando Villalona, Bonny Cepeda y Los Kenton, este último surgido del grupo "Los Hijos del Rey". Es en esta época que el merengue llega a su punto más alto, caracterizado por la aparición de nuevas agrupaciones, sonidos y caracteres que llamaron la atención gracias a sus melodiosas canciones.


title: Merengue (género musical)

text: Este movimiento se empezó a forjar en toda Quisqueya; al tiempo que se formaba en Santo Domingo Wilfrido Vargas y Los Beduinos, en Puerto Rico, un grupo de jóvenes, liderados por cuatro universitarios, formaron un pequeño grupo conocido como "El Conjunto Quisqueya", el cual tuvo un éxito rotundo por el estilo picaresco de su grupo de cantantes y sus arreglos sumamente modernos para su época.


title: Merengue (género musical)

text: Mientras República Dominicana veía la "guerra" que se desarrollaba entre dos grandes intérpretes del Merengue como lo eran en ese momento Wilfrido Vargas y Johnny Ventura, surgió un nuevo gigante del género, el maestro Cuco Valoy que venía de hacer en los años 1960 y 70 son montuno, guaracha y luego internacionalizó la Salsa Dominicana a lugares insospechados.


title: Merengue (género musical)

text: La década de los 80 inicia con una efervescencia nacional del merengue, toda la República Dominicana estaba inundada de orquestas de merengue y el movimiento se expandió con fuerza a los residentes dominicanos en Nueva York, donde también se formaron agrupaciones de primera línea que influyeron bastante en el ritmo por sus fusiones con ritmos caribeños tales como La Gran Manzana y The New York Band.


title: Merengue (género musical)

text: El crecimiento de la orquesta de Cuco Valoy (los virtuosos), presentó a una joven promesa y quien definiría el nuevo camino del merengue y le daría el impulso al boom del género en los mediados de los 80. El Maestro Ramón Orlando Valoy, forjado en el conservatorio, se convirtió en el principal arreglista y compositor del género, así como uno de sus más nobles intérpretes con su Orquesta Internacional, que reunía lo más excelso del ideario musical dominicano.


title: Merengue (género musical)

text: En esta época de gloria del merengue otros dos arreglistas jóvenes que marcaron la modernización del género: Bonny Cepeda, creativo egresado del conservatorio y Manuel Tejada también con una fuerte preparación académica, dominaron con su estilo toda la época dorada y fueron los productores musicales de las principales orquestas de merengues dominicanas y extranjeras.


title: Merengue (género musical)

text: En el último tercio de la década dorada, la base rítmica del merengue sufre un cambio de la mano de Ramón Orlando quien lo simplifica musicalmente (lo bautiza, "merengue a lo maco", siendo popularizado por "Los Hermanos Rosario") y es cuando surge la Coco Band que, con un merengue rítmicamente más rico y de una estructura musical sencilla, logra un auge extraordinario en la juventud dominicana que demandaba un nuevo esquema musical del género, que se había caracterizado por llevar, mediante adaptaciones, baladas populares internacionalmente, a ritmo de merengue. Este nuevo estilo de merengue al estilo Coco Band se caracterizó por presentar una lírica fundamentada en los refranes populares dominicanos, por lo que su expansión externa fue limitada. Paralelamente, y bajo el auspicio o por la influencia de creativos como Jossie Esteban (con su orquesta La Patrulla 15) y Ringo Martínez, surgieron agrupaciones en Puerto Rico que generaron en la isla una fiebre que desplazó en gran medida el merengue dominicano, ya que presentaban un estilo de lírica más comercial e internacional como Caña Brava, Zona Roja, Las Nenas de Ringo y Jossie, Chantelle, Los Sabrosos del Merengue, Manny Manuel y el Grupo Manía; de este último, surgió la figura internacional del género Elvis Crespo.


title: Merengue (género musical)

text: Algunos de los artistas más destacados del género son: Johnny Ventura, Juan Luis Guerra y 440, Milly, Jocelyn y Los Vecinos, Cuco Valoy, Wilfrido Vargas, Fernando Villalona, Sergio Vargas, Aramís Camilo, Los Hermanos Rosario, Carlos Alfredo, Toño Rosario, Orquesta Internacional, Conjunto Quisqueya, La Gran Manzana, Benny Sadel "El Cacique", Dionis Fernández & El Equipo, El Zafiro, Bonny Cepeda, Pochy Familia & su Coco Band, Eddy Herrera, Los Kenton, Héctor Acosta, José Peña Suazo y La Banda Gorda, Rubby Pérez, Sandy Reyes, Kinito Méndez, Rikarena, Oro Sólido, The New York Band, Limit-21, Sin Fronteras, Klibre, Jossie Esteban & la Patrulla 15, Grupo Manía, Elvis Crespo, La Mákina, Olga Tañón y Milly Quezada esta última conocida como la reina del Merengue, siendo ellas las mujeres con más proyección internacional de este género a partir de la década de los 90 y principios de 2000.


title: Merengue (género musical)

text: Por otra parte pero no menos importante encontramos también el merengue hip-hop, el cual se inició en la década de los años noventa. Este subgénero nacido a partir del merengue tuvo una gran oleada de fanáticos y seguidores, la mayoría de ellos jóvenes. El merengue hip-hop tuvo como principales protagonistas a las agrupaciones “Ilegales”, “Sandy y Papo” y “Proyecto Uno”, entre otras. Estos nuevos colores musicales fueron introducidos bajo la conceptualización musical de los maestros Víctor Waill y Manuel Tejada, los principales ideólogos de esta evolución que aún se mantiene viva en algunas partes del mundo.


title: Merengue (género musical)

text: A partir del año 2000 Toño Rosario (anterior líder de la agrupación Hermanos Rosario) protagoniza otro cambio en la estructura rítmica del merengue creando la bases para el nacimiento del merengue de Calle, Urbano, pakipá O Mambo. Esto ocurrió al popularizarse un intro de sus fiestas en vivo llamado Alegría. Esta variante consiste en la simplificación de los acordes y patrones del piano (tumbao), característicos en el merengue tradicional. Con esta simplificación del ritmo, Con la expansión de la música digital y de los programas de computación para música, surgen unos exponentes de un merengue electrónico en los barrios marginados de Santo Domingo que aceleraron el ritmo asemejándolo al ritmo de las comparsas del carnaval de los barrios llamado Alibabá. En esta fase lideraron el movimiento dos exponentes de este merengue barrial: Moreno Negrón y Omega. Al final, se destaca principalmente Omega como Líder Indiscutible. El surgimiento de Omega constituye la expresión más básica y simple de la evolución musical del género, lo que muchos llamarían involución; ya que llevó la lírica a un nivel de expresión violenta y sin filtro, imponiendo un estilo de grabación en vivo, sin los elementos fundamentales de sonido, requeridos para una grabación comercial. Otros que también surgieron durante la época, se mencionan "Amarfis, Juliana O'Neal, Julian Oro Duro, Tulile y El Capitán Ortiz. Esta situación, combinada con la crisis del Disco por las quiebras de las casas disqueras con la aparición de la música digital; el auge del género reguetón, el acomodamiento de los líderes tradicionales del ritmo, fue sacando del mercado internacional y del gusto de los jóvenes al merengue.


title: Merengue (género musical)

text: Paralelamente, en el último tercio de la década del 2000, en Puerto Rico y Venezuela surgen exponentes jóvenes que apuestan el merengue de letras románticas con fusiones del tipo Meren-house similares a las realizadas por grupos como Ilegales en los 90: Rakin & Ken Y, Chino y Nacho, algunos apoyados en arreglistas dominicanos como Richy Peña. Estos exponentes, que fusionaron el ritmo con géneros urbanos,junto a la constante labor musical de Juan Luis Guerra, mantuvieron el merengue presente en el mercado internacional.


title: Merengue (género musical)

text: El merengue se logró adaptar a la cultura de otros países como Argentina -donde se fusionó con el cuarteto, creando un subgénero llamado El Merenteto (merengueto o Cuarterengue). Hay dos teorías de como este sub-género se creó: algunos apuntan a la introducción de los instrumentos de viento por parte del grupo cuartetero Chébere; la otra se le atribuye al cantante Jean Carlos de origen dominicano, peró la mayoría de los grupos cuarteteros siguen tocándolo ya sea de forma conjunta con cuarteto tradicional como Carlitos "La Mona" Jiménez o Damian Córdoba, o grupos que solo cantan Merenteto o simplemente Merengue como la Banda XXI, siendo populares en Argentina sobre todo en la Provincia de Córdoba. También en Honduras, Colombia, Venezuela y España (especialmente en la Islas Canarias) existen agrupaciones musicales con repertorio de merengue.


title: Merengue (género musical)

text: Otro país que adoptó el merengue dominicano a su estilo fue Chile, en este país el merengue se comenzó a popularizar a mediados de los años 1980 gracias primero a la visita de Johnny Ventura al festival de Viña 1984 logrando una gran recepción por parte del público, a esto se sumarían las versiones realizadas por la orquesta Pachuco y la Cubanacan de merengues que eran éxito en el extranjero, esta orquesta ralentizó el ritmo para lograr un ritmo más cercano al pueblo chileno, llegó a tal la popularidad de esta banda que en 1986 fueron invitados al Festival de Viña, a fines de dicha década la llegada de éxitos merengueros de Wilfrido Vargas y Juan Luis Guerra consolidan este ritmo en ese país.


title: Merengue (género musical)

text: En la cuna del Merengue, República Dominicana, actualmente existe un nuevo resurgir del ritmo, de la mano de un exponente joven llamado Alajazá, que ha logrado fusionar el Merengue Urbano, el Merengue Tradicional y el Trap, llamándolo Mamwalli. Esta modalidad consiste en reducir la velocidad del merengue urbano (Popularizado por Omega), enriquecer la participación del piano y el bajo con improvisaciones, incluir un patrón de güira similar el patrón rítmico del Trap, utilizar letras románticas, bien elaboradas y con buena interpretación. Esta variable ha alcanzado fama luego de la adaptación de un trap al merengue: "Mi forma de Ser" del exponente de trap y reguetón Farruko, quien apoyó la versión realizando un remix junto al merenguero. Dicha versión se ha convertido, a la fecha, en el merengue que, en el menor tiempo, ha tenido la mayor difusión a nivel mundial.


title: Merengue (género musical)

text: Mención aparte merece el tecnomerengue, fusión de merengue con sonidos caribeños y electrónicos creado en Venezuela en la década de los años ochenta y que se popularizó en América Latina en la década de los noventa y aún, en pleno siglo XXI, es muy escuchado en países latinoamericanos.


title: Merengue (género musical)

text: Internacionalmente, en la actualidad, el merengue es el ritmo latino que más se fusiona y se adapta a las nuevas tendencias rítmicas juveniles ya que, usando como patrón el merengue hip hop y el tecnomerengue, ambos subgéneros de los años 90´s, se le ha impregnado vitalidad y nuevos matices que aseguran su propia vigencia generación tras generación. También está llegando a diferentes países no americanos como España o Japón.


title: Ropa

text: El término ropa , vestimenta o indumentaria es la denominación genérica que reciben las prendas y accesorios confeccionados a partir de tejidos textiles y de tejidos animales que los humanos usan para abrigar, cubrir, adornar, proteger y, en general, vestir el cuerpo. Las prendas no tienen que ser necesariamente visibles, caso de la ropa interior.


title: Ropa

text: La ropa cumple variedad de propósitos: Proteger el cuerpo contra el exterior y contra factores que le puedan causar daño como los climas extremos, para hacer más cómodas actividades como el deporte, y muchos otros ("para ver todas las utilidades de la ropa ver abajo)." Todo tipo de complemento y accesorio también se considerada «ropa», puesto que son prendas que se usan en el cuerpo y cumplen alguna de las funciones anteriormente descritas.


title: Ropa

text: El uso de la ropa se limita a los humanos, aunque exista ropa para mascotas estos no la usan ni consciente ni voluntariamente, y el uso de vestimenta es una característica de todas las sociedades en el mundo. El contexto social y geográfico, el género con el que se identifican las personas y el tipo de cuerpo son los estamentos que generalmente dictaminan cuánta y qué tipo de ropa vestir. Igualmente la ropa es una norma social, y ser privado de ropa en público puede llegar a ser motivo de vergüenza para la gran mayoría de personas. En muchas partes del mundo no tapar con ropa los genitales, los glúteos y los senos en público se considera una exposición indecente y pueda llegar a ser penalizado (aunque existen muchas discordancias y excepciones).


title: Ropa

text: De acuerdo con arqueólogos y antropólogos, la ropa se origina por la necesidad de cubrir y proteger el cuerpo de elementos de la naturaleza como los climas helados que enfrentaron los primeros homínidos en eras glaciares. Es realmente difícil precisar en qué momento exacto de la historia el humano empieza a usar ropa, puesto que las primeras prendas de vestir se elaboraban a partir de materiales de muy rápida descomposición como lo son los tejidos de origen animal y el follaje por estos motivos no existe una evidencia 100 % verídica que indique en qué momento exacto de la historia se crea la ropa. Por tanto las estimaciones históricas acerca del origen de la ropa se hace por suposiciones lógico-científicas basadas en otras investigaciones y descubrimientos arqueológicos: Las primeras agujas ya existían hace 40 000 años, y ya eran usadas para la elaboración de ropa con un alto grado de complejidad, por tanto se saca la conclusión de que ya mucho antes se usaba ropa de elaboración más sencilla. La fecha aproximada del origen de la ropa es de hace 170 000 años. Esta suposición se basa en estudios realizados a los piojos del humano, los cuáles evolucionaron y se adaptaron para poder vivir en la ropa. El estudio de la cadena genética del piojo indicó que hace unos 70 000 años el piojo pasó de vivir en la piel para vivir en la ropa. Estas opiniones e investigaciones son muy debatidas y ninguna es mundialmente aceptada.


title: Ropa

text: Al término de la última glaciación aproximadamente en el 10000 a. C, el hombre tuvo muchos más espacios para habitar y comenzó a establecerse en poblaciones y asentamientos fijos. Debido a esto se vio un incremento de la densidad de población y por tanto los alimentos y productos derivados de la caza animal se vieron fuertemente agotados y debido a la necesidad de satisfacer la demanda alimenticia se inicia la práctica de la agricultura y la ganadería, la cual conllevó eventualmente a la adopción de prácticas textiles como el cultivo del algodón y la esquila de ovinos para la obtención de lana. Estas serían las primeras bases de la técnica textil. Dependiendo de la ubicación geográfica las diversas poblaciones usaban distintas fibras textiles para la fabricación de sus vestimentas, sobre esto Rafael Ballester en "Historia de la humanidad," escribió:


title: Ropa

text: Los diferentes pueblos y civilizaciones ya establecidos empezaron a desarrollar su particular forma de vestir, y se empieza a usar la ropa con un carácter religioso y cultural. El periodo de transición conocido como neolítico fue una época de gran desarrollo textil, con la introducción de elementos como la técnica textil y el descubrimiento de nuevos procesos como el trabajo del cobre muchas de las culturas existentes hasta entonces mostraron un gran avance en la fabricación de ropa.


title: Ropa

text: La ropa fue de uso primordial en las clases altas del Egipto antiguo. Elaborada exclusivamente de fibras vegetales como el lino, junco, caña, palma y papiro, pero principalmente el lino. Las personas de condición modesta solían usar taparrabos de lino. La principal prenda de vestir masculina era el "shenti", un estilo de falda pequeña de lino que rodeaba la cadera y se sujetaba a la misma con un cinturón. Hacia el 1580 a. C aparece la túnica la cual llamaban "culasaris" que junto al "sush" o manto se consideraba ropa exclusiva de faraones y de altos mandatarios. El vestido femenino consistía en una larga túnica, iba ceñida al cuerpo, la llamaban "blusa". Las "blusas" de color blanco eran para mujeres del pueblo común, y las "blusas"


title: Ropa

text: rojizas para las mujeres con algún grado de importancia, normalmente las "blusas" se decoraban con abundantes lazos de múltiples colores que pendían de la cintura. Posteriormente se añadieron nuevos estilos de ropa para las mujeres. Los faraones, reinas y altos mandatarios usaban los cubrecabezas a manera de distinción social, destaca el "claft" para los hombres. El "claft" del faraón era mucho más distintivo puesto que en la frente llevaba grabados los símbolos sagrados de la serpiente y el gavilán. La ropa militar egipcia no suponía grandes cambios con la ropa civil, durante mucho tiempo se componía del "shenti" adicionando un tipo de paño que colgaba de este. Más adelante en el Imperio Medio se refuerza con una especie de delantal fabricado con cuero.


title: Ropa

text: El registro arqueológico más antiguo que se tiene de una prenda tejida es precisamente egipcia. Se trata del vestido de Tarkhan. Una prenda de vestir descubierta en el yacimiento arqueológico de Tarkhan por el egiptólogo William Flinders en el año 1912. Las últimas pruebas de radiocarbono realizadas a una muestra de esta vestimenta en la Universidad de Oxford establecieron que el vestido fue elaborado hace más de 5000 años, con una exactitud del 95% se estima que la prenda fue manufacturada aproximadamente entre los años 3482 y 3102 a. C. Este hallazgo posee una riqueza arqueológica incomparable, puesto que la gran mayoría de prendas antiguas elaboradas a partir de fibras vegetales no sobreviven al paso del tiempo ni a la descomposición.


title: Ropa

text: La ropa prehelénica se fabricaba en su mayoría de lino y lana. Las vestimentas griegas eran sencillas pero con su particular manera de fabricarlas lograron crear ropa bastante linda y llamativa. La ropa griega tenía la curiosidad de no presentar costuras, eran simples rectángulos de tela que se ataban a los hombros y se adherían a la cintura con un cinturón en especie de túnica. Usualmente el torso masculino iba descubierto, menos en rituales o actos sagrados donde en ocasiones se usaban abrigos de piel de animal, y al igual que el torso la cabeza iba al desnudo, pero algunas personas solían usar un gorro de piel llamado "pileo" o un sombrero con las denominado "petaso". La prenda de vestir típica, tanto masculina como femenina era el "quitón", que consistía en una especie de tubo rectangular el cual se sujetaba a los hombros y a la parte superior de los brazos, los "quitones" caían hasta los tobillos, pero algunos pocos estilos más cortos eran usados por atletas y deportistas.


title: Ropa

text: La ropa femenina, aparte del "quitón", consistía en una falda de volantes sostenida por un cinturón y ajustada a la cadera, acompañada con un elegante y bello delantal. No se usaba ropa interior pero las mujeres utilizaban una faja o corpiño de tela para sujetar el pecho. Las vestiduras femeninas solían ser mucho más finas y delicadas en comparación a las masculinas, pero los verdaderos lujos de las mujeres consistían en sus joyas y peinados, inclusive usaban peines y hasta cabello postizo.


title: Ropa

text: El uso de calzado era muy común, pero se solía usar solo fuera de casa. Este calzado denominado "carbatine" eran unas sandalias de cuero, que consistía en una simple pieza de cuero sujetada al pie con cordones. El uso de este calzado perduró hasta el 1000 d C.


title: Ropa

text: La ropa militar era mucho más resistente y de materiales más fuertes, como corazas de cuero, escamas metálicas, cascos y polainas de bronce. Igualmente los militares no dejaban de lado el uso de las vestimentas típicas como el "himation", incluso se dice que los militares llevaban a la guerra sus mejores prendas de vestir porque cabía la posibilidad de que murieran en batalla, por tanto llevaban lo más preciado que tenía en símbolo de buena suerte y fortuna.


title: Ropa

text: Fabricada de lino y mayormente de lana, la ropa de la antigua Roma era peculiarmente sencilla. La prenda típica tanto para hombres como mujeres era la túnica. En la antigua Roma la ropa se clasificaba en dos tipos; la ropa interior llamada "indumenta"; y la exterior llamada "amictus". Como prendas interiores se usaban vendas o paños para proteger el cuerpo del frío.


title: Ropa

text: Hay muchos materiales con los cuales se pueden confeccionar prendas de ropa. Se distingue entre materiales de origen natural y materiales sintéticos.


title: Ropa

text: Entre los naturales se encuentran los de origen animal, como la seda, la lana (en especial para ropa estampada) o el cuero. Y de origen vegetal como el algodón y el lino.


title: Ropa

text: La entrada de los pueblos germánicos en el Imperio romano transformó la vestimenta. Los jefes militares vestían a la romana cuando pasaban el pomoerium. Al guiar las tropas —en su mayoría, germanos— vestían bragas, a la manera de estos pueblos. Hubo adaptación de prendas de uno y otro lado, así los bárbaros usaron la túnica más corta que la romana para favorecer los movimientos. A través de escritos de Paulo Diácono, se sabe que la vestimenta de los lombardos era suelta y generalmente de lino, como solían llevarla los anglosajones, decorada con amplias orlas de tejido de diversos colores. Los zapatos eran abiertos casi hasta la extremidad del dedo mayor, sostenidos por medio de correas entrelazadas.


title: Ropa

text: Generalmente, se conoce mejor la ropa usada por los príncipes. Así por ejemplo, de la apariencia de Carlomagno, su biógrafo Eginardo contaba que aquel llevaba la vestimenta nacional de los francos. Sobre el cuerpo, una camisa y un calzoncillo de tela de lino. Encima, una túnica bordada de seda y un pantalón corto, bandas alrededor de las piernas y los pies, y un chaleco de piel de nutria o de rata, protegiéndole las espaldas y el pecho. Solo en días de grandes fiestas se utilizaban piedras para adornarse como, por ejemplo, en accesorios como una espada. Los reyes bárbaros fueron llamados "reges pelliti" (reyes con pieles) ya que acostumbraban a usarlas. Tal vez, inicialmente fue por una cuestión climática y luego constituyó lujo y adorno. Poco después se empiezan a utilizar vestidos de cuero. Pablo Diácomo menciona una vestimenta de piel de reno "en forma de túnica larga hasta las rodillas". El vestido femenino consistía, de ordinario, también en una túnica larga hasta los pies, sobre ésta se colocaba la "stola", y para salir se usaba la "palla", gran sobreveste con borde con la cual se podía cubrir la cabeza.


title: Ropa

text: Los mantos se tomaban con fíbulas de metales preciosos que llevaban piedras incrustadas. Debajo de la ropa exterior, las mujeres llevaban una túnica de lino y la "fascia", una especie de venda para sostener el pecho. En el , el vestido femenino era amplio en el pecho para mostrar la mayor parte de su cuerpo y muy estrecho en la cintura. Se usaban mangas de formas diferentes y largas colas que se arrastraban por tierra. Los zapatos, a veces adornados con armiño eran en su mayoría de punta cortada y aún se utilizaban sandalias sólo para calzar la planta del pie. Los collares, broches y anillos se volvieron más extravagantes, curiosos y preciosos. Debido a la ostentación y gasto exagerados, las autoridades intentaron poner freno a la situación.


title: Ropa

text: En 1365, Bolonia compiló un estatuto por el cual ciertos elementos de lujo solo podían ser llevados por personas de una determinada condición. Así por ejemplo en Venecia, solo la dogaresa y sus hijas podían usar perlas, uso limitado al período en que el dogo ejerciera el cargo. El uso de pieles también fue pautado, en particular pieles caras. Sin duda en todo lo referente a la vestimenta, la moda y las actividades de producción de determinados lugares, tuvieron gran importancia. La importación o la producción local representaron factores esenciales en determinadas vestimentas, así como la pretensión de distinguirse de los demás, la necesidad de acercarse a grupos superiores dentro de la escala social o la influencia en centros de poder.


title: Ropa

text: La industria textil estaba fuertemente ligada a la burguesía, por lo que desde ese momento existió una moda exclusiva para las clases medias.


title: Ropa

text: El pañuelo fue el objeto que delimitó las clases sociales de la época. El único sector que podía usarlo por ley era la nobleza.


title: Ropa

text: La moda empezó a adquirir mayor importancia, y llegó a ser una preocupación de la adinerada burguesía. Las prendas empezaron a considerarse una inversión, por lo que se dedicó tiempo a su mantenimiento y reparación. El uso de camisa, jubón y justillo, por parte de los hombres, y el uso de vestidos o faldas, por parte de las mujeres, se volvió una constante hasta el .


title: Ropa

text: La moda inició en esta época pues la vestimenta pierde su carácter universal y cada nación quiso diferenciarse del resto, así que se ingeniaron detalles únicos y diferentes, al mismo tiempo que la vestimenta se volvió el símbolo de la riqueza y de poder. La ropa de esta época se puede caracterizar bajo la influencia de los países como Francia, Italia, España e Inglaterra.


title: Ropa

text: El vestido en el posee el mismo corte; se llevaba encima de una camisa y corsé, el cual sufre una transformación y se abría en forma de triángulo mostrando la camisa. Se llevaba un velo elaborado con terciopelo o seda el cual era adornado con orfebrería y bordados, este velo recibió el nombre de "touret".


title: Ropa

text: El escote en ese momento siguió siendo cuadrado, el mismo que fue cubierto a mediados del con una «gorguera» adornada con tejidos de perlas. A la gorguera se le sumó el cuello alzado, adornado con encajes voluminosos, a este tipo de cuello más adelante se le llamó «Médicis». Las pieles son de uso frecuente como forro. La influencia de las modas italianas con las francesas fue resultado de la influencia de Carlos VIII y Francisco I en la corte.


title: Ropa

text: La moda española tuvo su auge a partir de 1525 después de Francisco I y bajo el reinado de Enrique II en Francia.


title: Ropa

text: La forma del busto en esta época fue robusta, escotada y abrochada: lo que provoca que las mangas se confundan con la forma de un jubón masculino. El vestido tuvo una forma extendida desde abajo hasta arriba, con las mangas voluminosas que se cerraban en la parte de la muñeca. En la parte inferior la mujer llevaba un verdugado muy parecido al francés pero tan abundante y ancho que se tuvieron que crear sillas especiales para que la mujer pudiese sentarse.


title: Ropa

text: A partir del en toda Europa Occidental como en Inglaterra, el modo de la vestimenta siguió vigente como se llevaba en la edad media, pero con algunos cambios que se asemejaban al traje moderno.


title: Ropa

text: Las mujeres inglesas vistieron bajo esta influencia, sobre todo con el reinado de las primeras dos Tudor; María I e Isabel I, sin embargo, gracias al crecimiento de la industria textil, estos vestidos adquirieron influencias extranjeras; el vestido presentó un escote cuadrado con mangas largas estrechas, que se complementa con un tocado.


title: Ropa

text: En los tiempos de Isabel I y Jaime I los vestidos se convirtieron a colores más sobrios y menos henchidos; una tendencia hacia la rigidez y hacia lo ceremonismo. Acostumbraron a usar cuellos largos rizados. La variedad de estos diseños de cuello fue mucho mayor en Inglaterra. Después los cuellos elegantes caídos sustituyeron a los cuellos rizados a finales del .


title: Ropa

text: La moda italiana en el fue influenciada por la moda española. No se permitieron los escotes exagerados en los vestidos.


title: Carlos Andrés Pérez

text: Carlos Andrés Pérez Rodríguez (Rubio, 27 de octubre de 1922 - Miami, 25 de diciembre de 2010), también conocido como CAP por las siglas de su nombre, fue un político venezolano perteneciente al partido Acción Democrática (AD), que ejerció el cargo de presidente de la República en dos períodos (1974-1979 y 1989-1993).


title: Carlos Andrés Pérez

text: Su primer mandato es conocido como la etapa de la «Venezuela Saudita» debido al flujo de petrodólares que ingresaron por la exportación del petróleo venezolano como consecuencia del embargo árabe de crudo. Tomando en cuenta la alta producción petrolera y la inflación acumulada del dólar estadounidense, la bonanza petrolera de este período podría ser la segunda mayor que Venezuela registró en su historia, después a la recibida por el militar Hugo Chávez. En el año 1977, el PIB per cápita de Venezuela tuvo su máximo histórico, según los datos del Instituto Nacional de Estadística (INE) y del Banco Central de Venezuela (BCV), registrados por la Academia Nacional de Ciencias Económicas. Desde entonces, el Producto Interno Bruto (PIB) per cápita no ha vuelto a crecer de forma estable por un largo período de tiempo hasta ahora.


title: Carlos Andrés Pérez

text: Su segundo mandato se inició con una economía endeudada con más de 6.500 millones de dólares en cartas de crédito a vencerse en julio de 1989 lo que obligó a tomar medidas económicas estrictas a los pocos días de su ascenso que provocó la protesta conocida como el Caracazo, estuvo marcado por privatizaciones de empresas públicas y escándalos de corrupción que culminarían con su destitución como presidente, ante la declaración de procedencia de antejuicio de mérito por parte de la Corte Suprema de Justicia de Venezuela acusado de malversación de fondos públicos y fraude a la nación. Tanto los escándalos de corrupción, como el Caracazo fueron utilizados como argumento primero por Hugo Chávez y luego por Hernán Grüber Odremán para realizar dos intentos de golpe de Estado, el primero ocurrido el 4 de febrero liderado por Hugo Chávez y el segundo ocurrido el 27 de noviembre de 1992 liderado por Hernán Gruber Odremán, respectivamente.


title: Carlos Andrés Pérez

text: Al ser separado de sus funciones por el Congreso Nacional el 21 de mayo de 1993, acusado por el delito de malversación de fondos públicos, se convirtió en el único presidente en ejercicio en la historia de Venezuela en ser destituido por una acción judicial. Los 250 millones de bolívares provenían de la partida secreta del ministerio, cuyo uso es discrecional según la legislación venezolana (unos 4,54 millones de dólares al T.C. de 55 bolívares por dólar entre 1991 y 1992). Los gastos destinados a defensa y seguridad del Estado son de carácter confidencial y secreto, por lo cual la divulgación de cualquier información relativa a los mismos conlleva un delito sancionado por el Código Penal. El carácter secreto de los gastos no permitía comprobar la veracidad de los hechos.


title: Carlos Andrés Pérez

text: En 1998 resultó elegido como senador por su estado natal ante el Congreso Nacional, disuelto posteriormente por la Asamblea Nacional Constituyente que redactó la Constitución venezolana de 1999. Sus últimos años los viviría autoexiliado en República Dominicana y en los Estados Unidos.


title: Carlos Andrés Pérez

text: Carlos Andrés Pérez Rodríguez nació el 27 de octubre de 1922 en Vega de la Pipa, jurisdicción de Rubio, capital del actual Municipio Junín del Estado Táchira, en el seno de una familia dedicada al cultivo y comercio de café. Su padre, Antonio Pérez Lemus, fue un hacendado y comerciante de ascendencia asturiana nacido en Chinácota, Norte de Santander, Colombia, pero radicado en Venezuela desde fines del . Su madre, Julia Rodríguez era una venezolana nacida en Rubio, hija de un prominente hacendado local y nieta de refugiados de la Guerra Federal provenientes de Barinas. Fue el penúltimo de los trece hijos del matrimonio. Sus hermanos son: Nicolasa, Ana Julia, Ángela, Antonio Rafael, Germán I, Germán II, Jorge Enrique, Hugo, Francisco, Luis Roberto, Miguel Ángel y Armando.


title: Carlos Andrés Pérez

text: En ese tiempo, mostró sus inclinaciones por la política, al actuar como presidente del Centro de Estudiantes de dicha institución. Se casó en 1948 con su prima Blanca Rodríguez teniendo de ese matrimonio seis hijos, Sonia, Thais, Martha, Carlos Manuel, María de los Ángeles y María Carolina. Aunque Pérez se separó de su esposa en 1998 y se radicó en Miami con su compañera sentimental, Cecilia Matos, el matrimonio Pérez Rodríguez continuó como la única unión legal del exmandatario hasta su muerte el 25 de diciembre de 2010.


title: Carlos Andrés Pérez

text: La relación sentimental de Carlos Andrés Pérez con Cecilia Matos comenzó hacia fines de la década de los sesenta, cuando Matos era secretaria de la fracción parlamentaria de Acción Democrática en el Congreso. Dicha relación sentimental fue controvertida debido a persistentes rumores y acusaciones de corrupción y tráfico de influencias que giraron en torno a la figura de Matos, tanto a finales del primer gobierno de Pérez como durante su segundo mandato. El tren de vida lujoso y extravagante de Matos fue repetidamente presentado por la oposición política como prueba irrefutable de las irregularidades administrativas y falta de honestidad del exmandatario, alegatos que Pérez siempre rechazó. Pérez reconoció como suyas a las hijas de su relación con Matos, María Francia y Cecilia Victoria Pérez Matos.


title: Carlos Andrés Pérez

text: Estudió educación primaria en Rubio en el Colegio María Inmaculada, hasta 1935, sexto grado y el primer año de bachillerato. En Caracas, Carlos Andrés Pérez completa el bachillerato, en el liceo Andrés Bello de esta ciudad, graduándose de bachiller en filosofía. Posteriormente, inició Derecho en la Universidad Central de Venezuela, allí «estudia tres años», los cuales continúa «uno en la Universidad Libre de Bogotá y otro en Costa Rica», más exactamente en la Universidad de Costa Rica.


title: Carlos Andrés Pérez

text: En el Archivo General de la Universidad Libre consta que ingresó a esta en 1949 a cursar tercero de Derecho; de esta experiencia expresó:


title: Carlos Andrés Pérez

text: En 1938, se incorpora a las filas del Partido Democrático Nacional, que luego daría origen al partido Acción Democrática (AD) en 1941. Conocido —desde entonces— generalmente por sus iniciales CAP.


title: Carlos Andrés Pérez

text: Inició estudios de Derecho en la Universidad Central de Venezuela, pero los interrumpió por los cambios políticos que se produjeron en el país como consecuencia de los hechos ocurridos el 18 de octubre de 1945, fecha en que se dio el golpe de Estado contra el presidente Isaías Medina Angarita. Este evento lo llevó a desempeñar importantes cargos políticos, entre ellos el de secretario privado del presidente de la Junta de Gobierno, Rómulo Betancourt, y secretario del Consejo de Ministros.


title: Carlos Andrés Pérez

text: En 1946, fue elegido diputado a la Asamblea Legislativa del estado Táchira, y en 1947, diputado al Congreso Nacional por la misma entidad federal. En 1948 durante el derrocamiento del escritor y representante de su partido, el presidente Rómulo Gallegos, fue detenido al participar en los esfuerzos por instalar en Maracay un gobierno de emergencia que supliera, conforme a la Constitución, al presidente depuesto por el golpe de Estado del 24 de noviembre.


title: Carlos Andrés Pérez

text: Permaneció un año prisionero en Caracas (1949), hasta que fue expulsado del país. Regresó clandestinamente a Venezuela para incorporarse a la resistencia que desarrollaba el partido Acción Democrática en contra de la dictadura de Marcos Pérez Jiménez, siendo arrestado por la Dirección de Seguridad Nacional y confinado en Puerto Ayacucho. Tras una segunda expulsión, se unió en La Habana a Rómulo Betancourt. En 1952, pasa a vivir en San José de Costa Rica con su esposa e hijos, donde permanecerá durante el resto de la dictadura, ejerciendo la profesión de editor y periodista junto con sus actividades dentro de la comunidad de exiliados venezolanos. En Costa Rica, establece lazos de amistad con José Figueres Ferrer y su familia.


title: Carlos Andrés Pérez

text: A raíz de los sucesos del 23 de enero de 1958 que pusieron fin a la dictadura, retornó a Venezuela dedicándose de inmediato a la consolidación del incipiente sistema democrático y a la reorganización de AD en el estado Táchira. En diciembre de 1958, es electo diputado por el estado Táchira para el período 1959-1964. El 2 de febrero de 1960, es designado por el presidente Rómulo Betancourt, como el primer director general del Ministerio de Relaciones Interiores (1960).


title: Carlos Andrés Pérez

text: El 12 de marzo de 1962, es designado como ministro de Relaciones Interiores. Su estadía en el ministerio se caracterizó por enfrentar enérgicamente los alzamientos guerrilleros —encabezados principalmente por las Fuerzas Armadas de Liberación Nacional (FALN)— fomentados por la izquierda con el apoyo del gobierno cubano. El 18 de febrero de 1963 asume provisionalmente la Presidencia, supliendo a Betancourt quien estaba en una gira por Estados Unidos.


title: Carlos Andrés Pérez

text: Sus gestiones durante ese periodo, especialmente al derrotar los levantamientos militares y a las guerrillas de izquierda que Betancourt había aislado políticamente a principios de los años 1960, le dieron la fama de «hombre fuerte».


title: Carlos Andrés Pérez

text: Durante los cinco años del gobierno del presidente Raúl Leoni (1964-1969) volvió al Congreso Nacional como jefe de la fracción parlamentaria de Acción Democrática. En 1968 figura en dicha organización como secretario nacional y miembro del Comité Ejecutivo Nacional, posición en la cual permaneció durante el quinquenio presidido por Rafael Caldera (1969-1974).