text: La «sangre inocente» que sería derramada no se mencionaba en el libro; esta alteración pudo constituir un guiño de Steve Kloves a "El cáliz de fuego", siguiente episodio de la serie. Allí, la alusión podría referirse o bien a la sangre de Harry utilizada por Voldemort en un ritual o bien al asesinato de Cedric Diggory. Algo similar ocurre con las pesadillas de Ron en las que le piden que baile "tap", hecho similar al que ocurre en la cuarta novela durante las clases de Barty Crouch Jr.


title: Harry Potter y el prisionero de Azkaban (película)

text: El rodaje de la cinta comenzó oficialmente el 24 de febrero de 2003 en los estudios Leavesden, ya que el 18 del mismo mes había comenzado la filmación en los decorados que representaban la calle Magnolia de la localidad ficticia de Little Whinging. El rodaje culminó el 28 de noviembre de 2003 y entonces la película entró en etapa de posproducción.


text: El rodaje de la cinta tuvo algunos contratiempos en sus etapas iniciales: a finales de febrero de 2003 (poco tiempo después de haber comenzado la filmación), el vagón utilizado como parte del Expreso de Hogwarts se incendió en el viaducto de Glenfinnan retrasando las filmaciones; cerca de 40 hectáreas se quemaron pero no hubo heridos. Por otro lado, una huelga de trabajadores amenazó con parar el rodaje a finales de marzo. El sindicato Bectu (que reúne carpinteros, pintores, maquilladores, técnicos y obreros) reclamaba un aumento de sueldo para sus miembros considerando que el salario de $ 1200 por 50 horas laborales a la semana era bajo. Finalmente se llegó a un acuerdo y la producción no se detuvo.


text: A lo largo de los diez meses de rodaje se filmaron escenas de alta complejidad técnica, una de las cuales fue aquella en que el Autobús Noctámbulo recorría las calles a contramano. Para lograrla se debió planificar una complicada coreografía automovilística con especialistas y los supervisores de efectos visuales se encargaron de fabricar el autobús púrpura de tres pisos. Para dar la impresión de que el vehículo se desplazaba a gran velocidad, los automóviles que circulaban en torno al mismo no debían superar los 13 km/h mientras que el autobús se desplazaba a 50 por las calles londinenses.


text: Durante el rodaje de la película se utilizó una gran variedad de animales para poblar el universo ideado por J. K. Rowling: además de las lechuzas mensajeras que interpretaron a Hedwig se trajeron desde Estados Unidos cuervos entrenados que ocuparon el huerto de Hagrid; también se utilizaron murciélagos para las escenas en el Bosque Prohibido, un mastín napolitano para dar vida a Fang –el perro del guardabosques– y un bulldog para Ripper, el perro de Marge Dursley. Crookshanks, el gato de Hermione, fue interpretado por Crackerjack, un felino amaestrado por la entrenadora principal de la producción, Julie Tottman. La apariencia acicalada del felino tuvo que ser alterada para conseguir un aspecto más roñoso y hosco. Para dar vida a la rata Scabbers, víctima de Crookshanks, se utilizó una rata verdadera y un "animatronic". Uno de los animales más exóticos utilizados fue una hipopótamo pigmeo, la cual habitaba en la ficción una de las pinturas móviles de Hogwarts en la que se refugia la Dama Gorda.


text: Para el director fue clave acompañar a los protagonistas en el proceso de elaboración de sus personajes.


text: Cuarón focalizó su trabajo en el trío protagonista para lograr actuaciones más espontáneas y naturales. Así es que les pidió redactar a cada uno un ensayo describiendo cómo era su personaje y le recomendó a Daniel Radcliffe ver películas como "Los 400 golpes" de François Truffaut y "Ladri di biciclette" de Vittorio De Sica para entender la etapa que Harry atravesaba. También le aconsejó escuchar música de artistas como los Sex Pistols para captar la etapa de rebeldía propia de la adolescencia. Con respecto al ensayo, Rupert Grint no lo entregó y Emma Watson escribió unas dieciséis páginas, para sorpresa de Daniel Radcliffe, que había escrito muchas menos.


text: Radcliffe aprovechó la «angustia adolescente» descrita en la novela para elaborar su personaje: «Harry no tiene miedo de contestarles a los Dursley, ni de enfrentarse a su propia identidad, aunque creo que, como en el caso de cualquier otro adolescente, su ira está equilibrada con una especie de torpeza social», declaró el actor. Watson se concentró en las nuevas dimensiones que adquirió su personaje, menos calmada y más irreverente que antes. Grint comentó que no haber entregado su ensayo le sirvió para trabajar la personalidad de Ron ya que el personaje nunca había mostrado interés por las tareas escolares.


text: A causa del fallecimiento de Richard Harris en 2002, Sir Michael Gambon fue convocado para encarnar al mago Albus Dumbledore. Algunos rumores apuntaron al actor Christopher Lee y actores como Richard Attenborough se mostraron interesados en el personaje; el rol incluso le fue ofrecido a Ian McKellen pero lo rechazó por haber encarnado a Gandalf. Cuarón lo seleccionó para el papel cuatro meses después de la muerte de Harris. El actor dijo que no había leído los libros y que sólo tomaba en cuenta los guiones para su composición: «No quería ser como esos actores que se quejan porque sus escenas son mucho más cortas que en la historia original». En las entrevistas realizadas para el DVD de la película, Gambon recalcó el parecido de Albus Dumbledore con el Rey Lear, personaje de la tragedia homónima de Shakespeare que para el intérprete comparte con el mago su enorme poder, la sabiduría y su vestimenta tan particular aunque «no tiene tantos problemas familiares». Gambon también compuso al director de Hogwarts con un leve acento irlandés que tanto él como el realizador consideraron un tributo al fallecido Harris, originario de aquella zona.


text: Otras adiciones al elenco fueron Gary Oldman en el rol de Sirius Black y David Thewlis como Remus Lupin. Oldman, quien se había retirado de la actuación por unos años a causa de su paternidad, aceptó participar en el proyecto ya que no había filmado ninguna gran película en años. Él sugirió el peinado de Black y Cuarón diseñó los tatuajes que el prófugo llevó sobre su piel, los cuales se basan en los de una pandilla rusa e identifican a las personas respetadas y temidas. Según Oldman, el haber aceptado trabajar en una película de "Harry Potter" lo convirtió en el héroe de sus hijos. Thewlis se había presentado a una audición para el rol del profesor Quirrell en la primera película, pero el papel quedó en manos de Ian Hart. Al ser convocado para interpretar a Remus Lupin, el actor se focalizó en el vínculo con el personaje de Daniel Radcliffe, para el cual era una especie de figura paternal. En la visión del actor, Lupin es un personaje con algunos rasgos punk y cierta tendencia a autodespreciarse.


text: Por otro lado, Emma Thompson concibió su personaje, la docente de Adivinación Sybill Trelawney, como una mujer que estaba demasiado concentrada en el futuro como para ver lo que tenía al lado. Timothy Spall (Peter Pettigrew en la ficción) entendió a su personaje desde el lado del patetismo, como una especie de paria al cual el resto de sus amigos le tenía lástima.


text: La película también incluyó un cameo del músico Ian Brown como un mago en el Caldero Chorreante leyendo un diario. Por otro lado el director también apareció en una escena –en el bar Las Tres Escobas– portando una vela y tanto su mujer –Annalisa Bugliani– como su hija –Tess Bu Cuarón– aparecieron en una de las pinturas adyacentes al retrato de la Dama Gorda.


text: El personaje de Cho Chang, de breve aparición en la novela, no fue incluido en la película y ni siquiera se realizaron audiciones para dicho personaje a pesar de las especulaciones de los fanáticos.


text: Para la dirección de fotografía de sus películas, Cuarón suele recurrir al fotógrafo mexicano Emmanuel Lubezki con quien ha colaborado en repetidas ocasiones. Sin embargo, Lubezki no se encontraba disponible para la época en que se rodaría "El prisionero de Azkaban" y por ello se debió contratar a otro responsable. Como lo expresó en sus declaraciones, este hecho causó algo de inquietud al director en un principio:


text: El elegido fue Michael Seresin, un director de fotografía neozelandés conocido por sus trabajos junto el cineasta Alan Parker. Seresin y Cuarón trabajaron para cambiar el aspecto visual de la película recurriendo a una fotografía de corte naturalista, con una paleta cromática menos saturada que la de los fotógrafos anteriores (John Seale y Roger Pratt). Según ha destacado la crítica, la preponderancia de colores grisáceos y texturas elaboradas brinda un aspecto muy renovado a la serie fílmica. Con respecto a las texturas, se ha señalado el trabajo con el granulado y la detallada captura de las salpicaduras y rasgaduras en los lienzos de los retratos que cuelgan de las paredes de Hogwarts. La crítica publicada en "The New York Times" destacó que el trabajo de este dúo consiguió invocar el «poder amenazante y sensual del mundo natural».


text: Como la película fue filmada con lentes más anchas de lo común se debieron tomar consideraciones extras para la iluminación de las escenas. Además, la tendencia de Cuarón a filmar largos planos secuencia y con movimientos de cámara complicados generó dificultades para decidir dónde colocar las luces. En las localizaciones de Escocia, el director de fotografía aprovechó la luz natural que con sus tonos grisáceos resaltaba el efecto dramático de la imagen. «Conseguirla fue una pesadilla pero valió la pena».


text: Muchas de las decisiones vinculadas con el aspecto visual se tomaron durante la filmación, comentó Cuarón, pero en algunas ocasiones se debió planificar la iluminación de secuencias muy complicadas de rodar como la que tiene lugar en la inestable . Para aquella, el director de fotografía empleó una luz suave y cambiante que se filtraba entre las tablas que cegaban las ventanas y se aprovechó el polvo que flotaba en el ambiente.


text: El diseñador de producción Stuart Craig (ganador de tres premios Oscar por "Gandhi", "Las relaciones peligrosas" y "El paciente inglés") se encargó de concebir el aspecto visual de la película. Su tarea incluyó elaborar nuevos decorados y se ocupó de planificar la utilización de diferentes localizaciones naturales.


text: Para confeccionar muchos de los decorados y situarse en el mundo imaginado por J. K. Rowling, Craig contó con un croquis dibujado por la propia autora que él califica como «la Biblia». El diseñador trabajó en conjunto con el director para interpretar sus necesidades artísticas; Cuarón llegó a pensar incluso en crear un cementerio para la escena de ejecución de Buckbeak, pero Rowling desestimó la idea del cineasta. Lo que el director quería, ante todo, era convertir al colegio Hogwarts en un personaje más de la trama, conectando sus diferentes espacios en la mente del espectador; por esa razón se crearon algunos nuevos sets como un puente de madera que comunica un patio de Hogwarts con la explanada que desciende a la cabaña de Hagrid, el cual nunca antes había aparecido en las películas y que se utilizó en los filmes posteriores.


text: Se reacondicionaron algunos sets utilizados en películas previas para albergar los nuevos decorados. El despacho del profesor Dumbledore fue convertido en el aula de astronomía y la tienda de dulces Honeydukes había sido en realidad la tienda de varitas utilizadas en la primera adaptación cinematográfica, "La piedra filosofal". Para crear la villa de Hogsmeade, Craig apostó por un diseño que evitase la apariencia de «casita de chocolate». Honeydukes mostró un diseño psicodélico al que Cuarón agregó su toque personal con unas calaveras de azúcar, golosina tradicional del Día de Muertos en México. Algo similar ocurrió en uno de los patios interiores de Hogwarts, donde se emplazó una fuente cuyas esquinas tenían águilas con serpientes en la boca, una alusión a la bandera de México.


text: Además, Craig insistió en que era necesario usar más escenarios naturales y consiguió que la producción se trasladase a Escocia en mayo de 2003 para realizar las escenas exteriores. Sin embargo, la filmación en las "highlands" escocesas presentó dificultades cuando las constantes lluvias amenazaron con hundir el plató, motivo por el cual se debió echar grava con helicópteros para evitar un desastre. Otro decorado que llevó mucho trabajo fue la Casa de los gritos, para la cual Craig debió trabajar codo a codo con el director de fotografía. Se decidió primero el paisaje en el cual estaría ubicada (un terreno montañoso) y que sería una construcción inestable con tendencia a moverse. La mansión se construyó en sentido vertical imitando una torre y se la hizo de madera para resaltar su fragilidad por oposición a las paredes de piedra de Hogwarts. El movimiento de la vivienda que se aprecia en pantalla se consiguió gracias a un enorme sistema hidráulico; además, se debió construir un encofrado móvil y luego, dentro de éste, el set.


text: La filmación de la película tuvo dos puntos centrales: Escocia y los estudios Leavesden en Hertfordshire, utilizados en todas las películas filmadas hasta la fecha. El rodaje en Escocia utilizó el paisaje de las llamadas Tierras Altas y su dramático paisaje. En Glencoe se rodaron las escenas de la cabaña de Hagrid, cuyo emplazamiento se ubicó cerca de Clachaig Inn. Las secuencias en el Lago Negro fueron filmadas en el lago Shiel y en una zona opuesta –el viaducto Glenfinnan en Fort William– las que tienen lugar cuando el expreso de Hogwarts se detiene para ser abordado por los dementores; el viaducto ya había aparecido en "Harry Potter y la cámara secreta" y repetiría su aparición en las siguientes películas de la serie. Las secuencias del Autobús Noctámbulo, en el cual se escapa Harry, fueron filmadas en Palmers Green, al norte de Londres para lo cual hubo que cortar el tránsito. Algunas tomas de esta escena también se realizaron en el Borough Market y en el Lambeth Bridge londinenses, así como también se utilizó la catedral de St. Paul para filmar las tomas en las escaleras móviles de Hogwarts e igualmente el nuevo escenario de la torre del reloj ubicado al lado de la enfermería.


text: El amplio decorado que alberga el bosque prohibido se erigió en los estudios Shepperton a las afueras de Londres. Allí se colocaron más de 60 troncos y se construyó un brazo del Lago Negro en cuyas orillas rodaron sus escenas los actores Gary Oldman y Daniel Radcliffe hacia agosto de 2003.


text: La diseñadora de vestuario Janny Temime fue la encargada de renovar el guardarropa de la serie cinematográfica. Temime fue la tercera diseñadora de la serie y acordó con Alfonso Cuarón que era necesario dar un giro estilístico al vestuario para esta tercera entrega.


text: El director fomentó la adopción de un estilo más informal para el vestuario juvenil en su afán por conferir a la película un mayor naturalismo. Al observar estudiantes de colegios ingleses reales, Cuarón notó que «la individualidad de cada adolescente se reflejaba en la manera en que llevaban el uniforme. Así que les pedí a todos los chicos de la película que llevasen los uniformes como lo harían si sus padres no estuviesen cerca». Temime oscureció los colores de los uniformes y se confeccionaron prendas accesorias como camisetas y rebecas. Si bien en esta película aparecen con mayor prominencia prendas modernas como jeans y chaquetas no se buscó una desviación estilística respecto de las cintas predecesoras o un reflejo de las últimas modas, antes bien representaron la natural evolución en la consciencia del adolescente sobre su imagen.


text: La individualidad de los personajes adultos se consiguió apelando a géneros diversos para caracterizar a cada uno. En el caso de los trajes de Dumbledore se descartó el estilo majestuoso de los trajes pesados que crearon las diseñadoras anteriores en pos de un toque más hippie; para ello se utilizó seda principalmente. El "tweed" se convirtió en el material representativo del desvencijado guardarropa de Remus Lupin, resaltando su eminente tono inglés. El atuendo de Petter Pettigrew se mostró anacrónico ya que consistía en un traje de paño de estilo setentista. Se buscó que los atavíos de Sybill Trelawney también tuviesen un tono anticuado y con reminiscencias gitanas. La composición del guardarropa de la profesora de Adivinación adoptó como eje sus enormes anteojos, según comentó la actriz Emma Thompson.


text: Algunos actores como Harry Melling y Pam Ferris tuvieron que utilizar trajes especiales para simular más peso del que tenían y, en el caso de la segunda, vistió también una serie de trajes inflables para las secuencias en que su personaje salía volando. Este fue responsabilidad de los encargados de efectos especiales y utilería, al igual que las prótesis que se utilizaron en la transformación de Remus Lupin, los dientes y uñas falsas de Pettigrew y Marge Dursley que se combinaron con el maquillaje. Robbie Coltrane también utilizó un traje especial con un mecanismo de enfriamiento ya que sus escenas se filmaron durante el verano y el actor debía utilizar pesados trajes de piel de topo.


text: Algunos actores como Gary Oldman participaron activamente en el aspecto de sus personajes sugiriendo el peinado y elementos como tatuajes. Con algunos personajes como Lupin se trabajaron las ciertas características corporales como las cicatrices post-metamorfosis o la palidez enfermiza de su piel; todo el proceso de su maquillaje duraba unas seis horas en total.


text: Para la edición del largometraje, Cuarón contó con el editor de "La princesita", Steven Weisberg. El montaje obedeció a la intención de conferir a la cinta un aire contemporáneo, para lo cual se realizó una edición más dinámica. En este sentido, el montaje de la película privilegió la utilización de planos secuencia y tomas abiertas para aprovechar los fondos en lugar de los usuales juegos con primeros planos.


text: En el corte final de la cinta se eliminaron las escenas con el personaje de , interpretado por Paul Whitehouse, borrando de este modo la subtrama sobre la irrupción de Black al dormitorio de Harry. Otra secuencia filmada pero no incluida finalmente es la que tiene lugar antes de que se descubra la huida de la Dama Gorda, en la cual los tres protagonistas conversan en el Gran Salón; también se restaron algunos segundos a la secuencia del Autobús Noctámbulo y al vuelo del pajarito que termina siendo asesinado por el Sauce Boxeador. Todas estas escenas fueron recuperadas en el DVD de la película, siendo incluidas en la edición de dos discos como contenido extra.


text: En lo que concierne a los efectos visuales del filme, se buscó superar los logros de las películas anteriores. La mayor parte de los efectos fueron utilizados para materializar las diferentes criaturas que conforman la fauna del universo Harry Potter, pero también intervinieron en la concreción de secuencias como la metamorfosis del profesor Lupin en hombre lobo y en el acabado del viaje en el Autobús Noctámbulo. Entre las empresas que participaron en los efectos visuales de la cinta figuraron la Industrial Light and Magic (ILM) y Framestore CFC principalmente, sumadas a éstas el apoyo de The Moving Picture Company, Cinesite y Double Negative.


text: Para diferenciar a los dementores de los robustos monstruos del "Señor de los Anillos" —serie de películas con la cual la de "Harry Potter" es comparada habitualmente—, Cuarón decidió resaltar la fragilidad de los guardianes de Azkaban; se buscó destacar su carácter etéreo por oposición al poderío que demostraban al ponerse en acción. El director no confiaba en las posibilidades de las imágenes generadas por computadora y por eso prefirió utilizar recursos clásicos como trucos con espejos y marionetas. A los efectos de conseguir ese aspecto metafísico se convocó al artista estadounidense Basil Twist, un experto en la creación de secuencias cinematográficas trabajando con muñecos bajo el agua. Se rodaron varias pruebas subacuáticas pero pese al efecto lírico de dicha técnica el proceso resultaba poco práctico y se escogió la implementación de técnicas digitales. La empresa ILM y Jany Temime colaboraron para decidir el tipo de género que compondría las túnicas de los dementores y su recreación digital.


text: Otra criatura muy representativa del largometraje es el hipogrifo Buckbeack, cuya aparición en pantalla es el resultado de una combinación de "animatronics" y efectos digitales. Todas las escenas en que Buckbeack aparecía debieron ser planificadas celosamente en guiones gráficos ya que el costo de producción era muy alto. Los diseñadores de criaturas se reunieron con especialistas en fisiología y veterinarios para estudiar la posible composición del ser híbrido. Si bien la mayoría de las tomas en que la criatura aparece son producto de técnicas digitales, el Departamento de Efectos Visuales creó un robot de tamaño natural y diversas partes disyuntas de la criatura como picos y cabezas para que los actores tuviesen elementos de referencia en el plató; además, se creó un aparato móvil que imitaba el lomo de la criatura para filmar las escenas de vuelo frente al fondo azul. Se buscó también dotar de personalidad al hipogrifo desde su lenguaje corporal, caracterizándolo como un espécimen en etapa adolescente por la torpeza de sus movimientos en tierra y la elegancia que exhibe cuando vuela. Como guiño al espectador, se incluyó una toma en la que el personaje defeca, convirtiéndose en una de las primeras criaturas digitales que realizó sus necesidades fisiológicas en una pantalla cinematográfica.


text: El compositor estadounidense John Wiliams volvió a encargarse de musicalizar una película de la serie "Harry Potter". En su anterior contribución, los compromisos de Williams lo habían forzado a pedir la colaboración de otro artista –en ese caso William Ross–, pero para "El prisionero de Azkaban" volvió a tomar el liderazgo absoluto en lo que concierne a la composición de la música.


text: Williams compuso nuevos temas y motivos reutilizando muy pocos de las dos películas previas. Algunos críticos atribuyeron este cambio a la apertura temática y a la mayor variedad de elementos dramáticos que empleó Cuarón en su cinta, volviéndola más lúgubre. El compositor, al igual que en el segundo episodio de la saga, reutilizó en varios fragmentos el tema de Hedwig que había creado para "La piedra filosofal" y que apareció principalmente en la pieza «Hedwig’s Theme», tema que a estas alturas identificaba cualquier película de la serie. No obstante, Williams aportó composiciones completamente nuevas para el resto del "score", con variedad de motivos y arreglos.


text: Entre los nuevos "leitmotivs" figuró el que identifica a los dementores –que puede oírse en distintas piezas como «Apparition on the Train» o «Dementors Converge»–; otro motivo guía aparece en «A Window to the Past» que identifica los momentos introspectivos de la película aunque no siempre comience con una ejecución en flauta; por último, el motivo de mayor aparición en toda la banda sonora es el que adquiere pleno desarrollo en la canción «Double Trouble», una especie de villancico con reminiscencias medievales cuya letra está inspirada en la Escena primera, Acto IV de "Macbeth", tragedia de William Shakespeare. El estribillo de la canción, tomado de dicha pieza, repite una y otra vez la frase «Double trouble, toil and trouble» («¡Redoblen, redoblen, fatiga y molestia!») proferida por las tres brujas. El resto de la canción se basa en la enumeración de los diversos ingredientes de una poción. El motivo reaparece en «Hagrid the Professor», sólo que con un aire renacentista.


text: Este trabajo fue reconocido por muchos críticos como uno de los mejores que Williams había entregado en años y se señalaron en el mismo influencias de compositores como Chaikovski, especialmente de su ballet "El cascanueces". Además, la banda sonora de "El prisionero de Azkaban" recibió una nominación a los premios Oscar 2005 en la categoría , aunque perdió ante "Finding Neverland" de Jan A. P. Kaczmarek.


text: El doblaje para España estuvo a cargo del estudio Tecnison S. A. de Madrid y el director fue Eduardo Gutiérrez, quien había desempeñado la misma tarea en el doblaje de los largometrajes anteriores. La mayoría de los actores que habían participado en los anteriores doblajes fueron convocados nuevamente, salvo el notorio caso de Bruno Ramos quién dobló a Ron Weasley en "La cámara secreta" y fue reemplazado por David Carrillo.


text: En la versión hispanoamericana, la película fue doblada en México nuevamente pero el estudio de doblaje a cargo de la tarea volvió a cambiar. En las entregas anteriores, los estudios encargados habían sido Audiomaster 3000 y Audiopost; en el caso de "El prisionero de Azkaban", el estudio Art Sound se encargó de traducir y doblar la película bajo la dirección de José Luis García Agraz y Vicky Burgoa (quien sólo se encargó de dirigir el doblaje de personajes incidentales).


text: Aunque Alfonso Cuarón había afirmado no ser adepto al doblaje de las películas admitió que se sentía contento del resultado en este caso particular. El director convocó a algunos actores conocidos como Damián Alcázar para el doblaje, en el cual también participaron otros intérpretes conocidos en México fuera de la industria del doblaje como Angélica Aragón, Diana Bracho y Priscila Reyes. Las voces de los tres protagonistas de la saga fueron cambiadas en su totalidad, con lo cual la continuidad con respecto a los doblajes anteriores se limitó a las voces de algunos personajes secundarios.


text: El estilo general conseguido por la película resultó ser más siniestro y sombrío que el acuñado por Chris Columbus, aunque "El prisionero de Azkaban" reutilizó muchos de los elementos abordados por el realizador estadounidense; en ese sentido, elementos hasta entonces positivos como el partido de "quidditch" o las secuencias en el Expreso de Hogwarts dieron pie a situaciones siniestras gracias a la introducción de elementos novedosos como los dementores; lo mismo se extiende a otros elementos como es el caso del Sauce Boxeador, devenido en depredador de pájaros. La película combina reiteradamente situaciones siniestras y humorísticas, mostrando incluso rasgos de comedia inglesa que confieren a la cinta un toque mucho más inglés que el de Columbus. A propósito de este estilo más aciago, el crítico David Garrido Bazán comentó que


text: Para esta segunda secuela se produjeron cambios en la utilización de los elementos iconográficos y se observaron nuevas influencias estilísticas en el trabajo del Departamento de Arte. La arquitectura del Colegio Hogwarts cambió hacia un estilo más marcadamente gótico. En esto influyó que se dejara de filmar en algunas localizaciones cuyo estilo difería del gótico medieval, como era el caso del castillo de Alnwick, edificio emparentado con el estilo arquitectónico normando. El largometraje también utilizó otros elementos propios de la imaginería gótica como los murciélagos, pasadizos secretos y transformaciones grotescas. Algunos elementos de utilería como las velas que se asemejan a columnas vertebrales también reelaboraron ciertas características macabras propias de esa estética. Se ha señalado también que la película posee cierta influencia dickensiana por la sensualidad con la que el director presenta lo grotesco de las metamorfosis.


text: Por otra parte, las criaturas fantásticas que se dan cita en pantalla también poseen su respectiva carga simbólica. Los dementores, de acuerdo a algunos análisis, recuerdan a la imagen tradicional de la Muerte gracias a sus capas negras y volátiles; sus poderes (succionar los pensamientos felices y hasta arrancar el alma de sus víctimas) refuerzan el parecido. Se ha señalado también que la aparente fragilidad física de las criaturas constituye una referencia del director al ser conocido como la llorona en el folclore mexicano. El hipogrifo, por la extraña combinatoria de su anatomía, representa la transgresión de la imposibilidad así como la unión de cielo y tierra. La criatura –que no proviene del folclore sino de la imaginación del poeta Ludovico Ariosto– apareció por primera vez en "Orlando furioso", relato en el cual el caballero Rogero y la doncella Angelina vuelan en el lomo del hipogrifo en busca de aventuras como Harry y Hermione en la cinta.


text: La película incluyó también algunas referencias pictóricas, entre ellas un retrato del pintor barroco Rembrandt colgado en las paredes de la escuela, así como varios lienzos que imitan la pintura renacentista y barroca. En el aspecto de los dementores se advirtieron rasgos que el crítico Peter Rainer interpretó como una posible influencia de la obra de Edvard Munch.


text: A su vez, existen ciertas referencias a la herencia hispanoamericana y sobre todo mexicana del director. Por ejemplo, la fuente emplazada en uno de los patios de Hogwarts posee estatuas de águilas devorando serpientes, una alusión a la bandera de México. Existen también algunas referencias a cierta estética "retro" gracias a las apelaciones al "jazz" y a un elemento como el fonógrafo durante la clase con el profesor Lupin, así como algunos trajes setentistas como el que utiliza Timothy Spall para encarnar su personaje.


text: "Harry Potter y el prisionero de Azkaban" hace alusión a una serie de temas que entroncan con la problemática general de la maduración, en este caso la que se produce en el paso de la infancia a la adolescencia. Alfonso Cuarón manifestó claramente su visión sobre cuál era el eje temático de la cinta: el proceso de autodescubrimiento que experimentan Harry y sus amigos.


text: El cineasta señaló que la película forma un tríptico temático junto a otras dos obras de su filmografía: "Y tu mamá también" y "La princesita", todas ellas películas sobre la búsqueda de la identidad. La particularidad del personaje de Harry reside en que existe en él la tentación de buscar una máscara para protegerse en el proceso de descubrimiento de su identidad, pero ese proceso que dura toda la vida requiere que acepte, por ejemplo, las falencias de su figura paterna. Así, la película aborda la cuestión de lidiar con el peso del pasado y de la muerte para poder crecer.


text: La evolución etaria se manifiesta en los tres protagonistas de la cinta, cuyas personalidades muestran cambios profundos. Harry es más iracundo y se muestra capaz de inflar a Marge Dursley para hacerse respetar; varios vieron en esta escena del filme una referencia a la película "Carrie" de Brian De Palma. Con esto, Harry descubre el gusto por la magia que surge de la imprudencia y que ya no le importa tanto contenerse frente a los Dursley. El personaje también se muestra capaz de matar cuando se enfrenta al prófugo Sirius Black tras descubrir su posible participación en el asesinato de los Potter. En el caso de los amigos de Harry, se observa que Hermione disimula sus hormonas con los libros y cómo se rebela contra la profesora de adivinación; Ron, por otro lado, se muestra inhibido a causa de sus insuficiencias y torpezas. Entre ambos emerge una tensión sexual que Cuarón sugiere en el roce de sus manos y en sus constantes discusiones. Los tres personajes se muestran preocupados y a la vez estimulados por cambios producidos en sus respectivos cuerpos. Cuarón presta especial atención a los diversos aspectos cruciales en la vida de los protagonistas en el internado Hogwarts, como ser sus rivalidades, temores y coqueteos. Por estas razones se ha afirmado que «"El prisionero de Azkaban" transcurre en una edad de despertar sexual, en la que empieza a manifestarse cada vez mayor interés por las personas del sexo opuesto». Cuarón señaló que algunas escenas del trío protagónico constituían una referencia al triángulo amoroso de su cinta anterior, "Y tu mamá también".


text: En ese sentido, algunos críticos afirmaron que la película metaforiza varios aspectos relativos a la pubertad y la adolescencia; de este modo, la escena de apertura –cuando Harry aparece agitando su varita bajo las sábanas intentando no ser descubierto– funcionaría como una referencia encubierta a la masturbación. Otra muestra metaforizada de comportamiento adolescente es el desdén que Harry demuestra frente a la restricción de edad para entrar al bar Las Tres Escobas; el muchacho se escabulle dentro del lugar utilizando su capa de invisibilidad a modo de documento de identidad falso. Sin embargo, los aspectos sombríos de la etapa también quedan plasmados en el filme gracias a las diferentes criaturas fantásticas que aparecen en pantalla, las cuales pueden interpretarse como seres reales o bien como metáforas de los miedos adolescentes. Según J. K. Rowling, los dementores son fruto de una mente enferma y representan un estado mental conocido como depresión. El poder de las criaturas proviene del miedo de sus víctimas y de la capacidad de extraer cualquier rasgo de felicidad de las mismas.


text: Los dementores también representan el miedo y, en ese sentido, la película discurre sobre la naturaleza de esa sensación y la forma de confrontarla. En "El prisionero de Azkaban" la naturaleza de los miedos más violentos reside el interior antes que de factores exógenos y la clase de Defensa contra las Artes Oscuras impartida por el profesor Lupin es una lección sobre la eficiencia del humor para combatir los temores más profundos del alma. Aun cuando existe una forma de confrontar los temores, el personaje principal no los erradica por completo de su interior, lo que según Rainer muestra que Harry puede ser adulto aun cuando esté muerto de miedo. «Vemos cómo Harry crece y se convierte en un jovencito valiente, pero nunca se nos engaña haciéndonos creer que el personaje carece de miedo incluso cuando consigue sus mayores triunfos».


text: Otro tema importante dentro de la película es la dificultad de distinguir a los amigos de los enemigos. El juego de las apariencias, una constante en los libros de Rowling y por ende en las películas, se convierte en otra cuestión importante cuando la trama da una vuelta de tuerca como si se tratase de un "thriller" de Alfred Hitchcock. Entre las influencias cinematográficas de este tercer episodio se han mencionado también a "Los 400 golpes" de François Truffaut, "El séptimo sello" de Ingmar Bergman, la trilogía "El Señor de los Anillos" de Peter Jackson y los filmes de los Monty Python, como también la cinta expresionista "Nosferatu" de F. W. Murnau hacia la cual existirían algunos guiños.


text: Más allá de las interpretaciones sobre los cambios etarios, se ha señalado que "El prisionero de Azkaban" posee algunos subtextos políticos. Wesley Morris de "Boston Globe" declaró en su reseña que el universo abordado por el largometraje mostraba señales de una «radical paranoia social»; en esa lectura, los dementores apostados en Hogwarts y la limitación a las libertades de los alumnos que su presencia supone guarda similitud con la ocupación americana en Irak. En 2007, el filósofo francés Jean-Claude Milner señaló que la familia Dursley así como el personaje de la tía Marge –y lo que le ocurre a esta última en una escena de la novela y de la película también– podía representar una sátira a la figura de Margaret Thatcher y a su política.


text: La campaña promocional de la cinta se inició con el lanzamiento de los avances cinematográficos. El primer tráiler se lanzó en noviembre de 2003 en internet y días después en los cines, acompañando la proyección de "". Un segundo avance cinematográfico se estrenó en los cines en marzo de 2004 junto con la película ""; el mismo mostró con mayor detalle los aspectos siniestros de la trama. También se emitieron diversos "spots" publicitarios por televisión para promocionar el estreno.


text: El 27 de marzo se lanzó una nueva versión del sitio oficial de la película, el cual incluía un diseño que imitaba el Mapa del Merodeador y poseía diversas opciones interactivas. Más cerca de la fecha del estreno se pusieron a la venta los productos de la línea de merchandising del filme y entre éstos figuró la banda sonora –lanzada el 25 de mayo– y el videojuego desarrollado por la empresa Electronic Arts Games que tuvo su respectivo tráiler. El videojuego estuvo disponible para las plataformas Game Cube, PlayStation 2, Xbox y PC. La versión editada para Playstation contó con minijuegos exclusivos que utilizaban la tecnología Eye Toy. "Harry Potter and the Prisoner of Azkaban" fue comercializado el 3 de junio de 2004 y se convirtió en el primer juego que permitía controlar a Ron y Hermione además del protagonista.


text: En febrero de 2004, hubo una función de prueba que tuvo lugar en la ciudad estadounidense de Chicago. Sin embargo, el estreno oficial del largometraje tuvo lugar el 4 de junio de 2004 en un estreno mundial. En algunos países como Francia o Suiza, no obstante, la cinta se estrenó el día 2 del susodicho mes y en otros como Alemania, Argentina o Perú al día siguiente.


text: El 23 de mayo de 2004 se llevó a cabo una función de preestreno en Nueva York a la que asistieron el director, el trío protagónico y otros miembros del elenco como Robbie Coltrane. Dicha función tuvo lugar en el Radio City Music Hall, al que asistieron más de 6.000 personas que rodearon la alfombra roja. A la semana siguiente se produjo el estreno europeo en Londres –el 31 de mayo–, más específicamente en uno de los complejos de Leicester Square. El 3 de junio se realizó una "premiere" en el Auditorio Nacional de la ciudad de México, a la cual asistió Alfonso Cuarón. La premier fue realizada con fines benéficos y sirvió como puntal del lanzamiento de la película en el país, donde se estrenó con 550 copias.


text: Para combatir la piratería, Warner Brothers tomó medidas especiales en ocasión del estreno de esta cinta, habiendo sufrido los embates causados por copias ilegales de las películas anteriores. En Inglaterra se distribuyeron lentes especiales que les permitía a los acomodadores de las salas percatarse de cualquier posible grabación ilegal. La principal preocupación de la productora era que con la diferencia de días entre el estreno en Reino Unido y en el resto del mundo la película terminase siendo distribuida por Internet.


text: A fines de 2003, Dan Fellman, presidente de distribución de Warner Brothers, había anunciado que una versión del largometraje en formato IMAX se estrenaría simultáneamente a la versión convencional.


text: Tras unas declaraciones del productor David Heyman se especuló que la cinta podría llegar a recibir una restricción en su exhibición para con los menores de 13 años. Sin embargo, las calificaciones que recibió finalmente distaron en su mayoría de las especulaciones.


text: En Estados Unidos, la Motion Picture Association of America certificó que la película era merecedora de la calificación PG («Parent’s Guidance Suggested», es decir, «Se sugiere la orientación de los padres»), según la cual se recomienda que los padres se informen de los contenidos de la película pues a su juicio algunos de éstos podrían resultar inadecuados para el público infantil. En Reino Unido, la cinta recibió idéntica calificación así como en Irlanda y Canadá.


text: El filme obtuvo críticas internacionales altamente positivas, consiguiendo el 90% del «Certificado de Frescura» en el sitio web Rotten Tomatoes. El consenso acerca del filme quedó expresado en la siguiente frase: «En manos de Cuarón, "Azkaban" consigue que la profundidad emocional acompañe a la hechicería técnica». A su vez, el portal Metacritic –que reúne las reseñas publicadas por los principales medios de Estados Unidos– calculó que la película había cosechado un 82% de críticas favorables sobre la base de 40 comentarios recogidos.


text: En Estados Unidos, la película recibió una crítica muy positiva en la revista "on-line" "Salon", donde Stephanie Zacharek destacó el trabajo de fotografía, narración y puesta en escena; la especialista opinó que la nueva entrega presentaba importantes diferencias con los dos primeros episodios dirigidos por Chris Columbus:


text: «La película infantil más fascinante que se haya visto en años» fue la frase con la que definió la cinta Peter Rainer, crítico de "New York Magazine". Y agregó: «Por supuesto, como cualquier clásico infantil verdadero resulta igual de mágico para un adulto». El crítico de la revista "Rolling Stone", Peter Travers, calificó con tres estrellas y media sobre cuatro el filme, una valoración muy positiva, y comentó que «Es una película que puede verse sola, incluso si nunca has oído sobre J. K. Rowling y su joven hechicero (...) Cuarón se anota un triunfo al invocar liricidad, magia negra y risas para que acudan a la fiesta». El periódico "San Francisco Chronicle" publicó un comentario de Mick LaSalle, quien opinó que a pesar de ciertas omisiones, el trabajo del nuevo director había conseguido brindar un espectáculo mucho más adulto que el visto en las películas predecesoras. En "LA Weekly", Ella Taylor definió a "El prisionero de Azkaban" como la mejor película de la saga.


text: Otra reseña favorable provino del semanario "Time", donde se elogió la mejora en el acabado técnico de la película y en las actuaciones de Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson, aunque se señaló que el elenco adulto todavía resultaba demasiado imponente para las características de la película. Publicaciones estadounidenses como "The Washington Post", "Boston Globe" y "Entertainment Weekly" también otorgaron puntajes positivos aunque en diferente grado. Por ejemplo, Entertainment Weekly concedió la calificación B+, destacando que se había producido una maduración con respecto a los filmes anteriores pero que la serie de películas aún adolecía de ciertos males que no aquejaban a los libros. En el periódico "The New York Times" se concluyó que:


text: Menos entusiasta fue el comentario firmado por crítico Roger Ebert en "Chicago Sun-Times"; Ebert afirmó que, aunque afirmó que la película poseía su encanto no resultaba superior a las anteriores, algo similar a lo que expresó Ann Hornaday en su comentario para "The Washington Post".


text: En Reino Unido, la película también consiguió opiniones muy positivas en los periódicos "The Times", "The Belfast Telegraph" y "The View London". En el periódico "The Telegraph" londinense, David Gritten expresó que la cinta «finalmente hace justicia a la elevada imaginación de J. K Rowling» y que las adiciones al reparto otorgaban frescura a la producción. La crítica del sitio web la cadena BBC también apreció la calidad del diseño de producción y del filme en su conjunto. La revista "Empire" remarcó que la película se beneficiaba ampliamente por las innovaciones narrativas y visuales introducidas por Cuarón y por el desempeño de los diferentes apartados artísticos. Aun así se señaló que subsistían algunos problemas narrativos y actorales heredados de las adaptaciones anteriores.


text: Sin embargo, la película no estuvo exenta de comentarios menos entusiastas o directamente negativos. Desde el periódico "The Guardian", Peter Bradshaw consideró que la película era buena pero inferior a su predecesora. En una crítica negativa publicada en "The Independent" se criticó que el excesivo recorte de subtramas arruinaba la calidad de la película y que el director perdía el hilo de la narración por concentrarse demasiado en la atmósfera.


text: Desde el periódico español "El País", M. Torreiro caracterizó al filme como «Una mezcla entre innovación y tradición tan sabia como efectiva... aunque tal vez en esta parte se queden por el camino los admiradores más pequeños de la saga del joven aspirante a hechicero». La crítica del diario "El Mundo" de España afirmó que «Kloves y Cuarón han hecho una película divertida y aventurera, pero con un componente romántico y otro realista (en el retrato de personajes) que le añaden interés».


text: En otras latitudes como el México natal del realizador, "El prisionero de Azkaban" también recibió elogios en medios de prensa como "El Universal" y "El Siglo de Torreón". Los medios argentinos también acogieron favorablemente el estreno con críticas elogiosas. El crítico del "Diario Clarín", Pablo Scholtz, calificó la cinta con cuatro estrellas sobre un total de cinco. « Con pasadizos secretos, una casa de gritos, verdugos y traiciones a la luz de la luna (…) el despliegue visual, los efectos especiales y la música de John Williams hacen mucho por la historia, bastante sombría y tenebrosa, que la convierten en la más apasionante de la saga hasta el momento» escribió en su comentario. Diego Battle del periódico "La Nación" habló sobre el enorme giro de timón que suponía el cambio de realizador para la saga: «El ingreso del talentoso director mexicano Alfonso Cuarón en reemplazo del impersonal Chris Columbus ha provocado un notable salto artístico en la saga de "Harry Potter" (...) no sólo es mucho más ambiciosa y audaz en términos visuales y narrativos que sus dos predecesoras, sino que conlleva además una fuerte dosis de riesgo para una franquicia».


text: La cinta rompió numerosos récords de recaudación a nivel mundial. En primer lugar, se convirtió (en su momento) en el estreno que más dinero había recaudado en un solo día en Gran Bretaña, ganando 5,3 millones de libras un lunes. En segundo lugar, la cinta consiguió 93,7 millones de dólares durante su primer fin de semana en Estados Unidos –donde fue estrenada en 3855 cines–, logrando la apertura de taquilla más grande de todos los tiempos después de "Spider-Man 2", "Shrek 2" y "Hulk". Con ello también superó las recaudaciones de apertura conseguidas por "La piedra filosofal" y "La cámara secreta" en el mismo país.


text: En el fin de semana de apertura en Francia, la película consiguió 17,7 millones de dólares (12,9 millones de euros), convirtiéndose en el estreno más exitoso para un filme de procedencia anglosajona y el mejor en términos económicos después de "" y "Taxi 2". En Alemania debutó con una recaudación de 15,2 millones de dólares y en Italia con 6,9 millones en 743 pantallas, lo que representó una mejora del 6% con respecto a la película predecesora. En México, país natal del director, la película consiguió el segundo mejor arranque después de "Spider-Man 2", con 5,2 millones de dólares, un 77% mejor que en el caso de la primera película y un 36% con respecto a la segunda. En Argentina alcanzó la cifra de 2,2 millones de pesos en 143 salas y en Brasil 6,1 millones de reales.


text: Según estudios demográficos, la audiencia de la película estuvo compuesta en un 60% de personas menores de 17 años, lo que marcó un aumento en la edad promedio del público. Fuera del territorio anglosajón, la película fue el estreno que mejor recaudación consiguió en el año, ya que se embolsó 546 millones de dólares.


text: "El prisionero de Azkaban" logró un monto de 795,5 millones de dólares a nivel mundial, lo cual la convirtió en el segundo filme más exitoso del 2004, solo superada por "Shrek 2." A pesar de sus exitosos logros en la taquilla, "El prisionero de Azkaban" es considerado el film de Harry Potter que menos ha recaudado en la taquilla (los demás han superado los 875 millones de dólares a nivel mundial).


text: "Harry Potter y el prisionero de Azkaban" fue nominada a la (John Williams) y a los en los realizados en 2005. Ésta fue la segunda película de la serie en ser nominada a un Óscar.


text: La película también se posiciona en el n.º 471 en la lista de 2008 de las 500 películas más geniales de todos los tiempos de la revista "Empire". La IGN designó a "Harry Potter y el prisionero de Azkaban" como la quinta mejor película de fantasía. Adicionalmente, Moviefone designó a la película como la décima mejor de la década. En 2011, la película fue votada como película de la década en los First Light Awards por niños entre 5 y 15 años.


text: El DVD de la película se comercializó el 23 de noviembre de 2004. Como en el caso de las películas anteriores se pusieron a la venta dos ediciones: una simple que contenía la película y los avances cinematográficos de los tres primeros filmes y otra de dos discos con contenido extra. En todos los casos se utilizó sonido Dolby Digital 5.1.


text: La edición de dos discos contó con escenas eliminadas durante el proceso de edición. Entre ellas se incluyeron minutos adicionales del viaje en el Autobús Noctámbulo y la secuencia del pájaro asesinado por el Sauce Boxeador, el ataque nocturno de Sirius Black y la aparición del hidalgo Sir Cadogan. Además de ese material, el DVD contó con varios contenidos interactivos: el juego «Atrapa a Scabbers», una lección de Defensa contra las Artes Oscuras, un "tour" por la tienda Honeydukes siguiendo a los gemelos Weasley, y una misión de Sir Cadogan. Se incluyó también un videoclip con la canción «Double Trouble» subtitulada para hacer una práctica con el coro de Hogwarts y un juego en el cual había que descubrir los detalles escondidos en diferentes planos de la película.


text: Por otro lado, el segundo disco contó con una serie de documentales como «Creando la visión», en el cual Alfonso Cuarón, J. K. Rowling y otros especialistas hablan sobre aspectos generales de la cinta; «De cabeza a cabeza reducida» consistió en una serie de entrevistas a los miembros del elenco realizadas por Johnny Vaughan y Lenny Henry como la cabeza reducida; en «Cuidado de las criaturas mágicas» se entrevistó a los diferentes encargados del trabajo con animales y «Conjurando una escena» es un "detrás de escena" sobre los efectos visuales de la película.


text: Además, el DVD incluyó el tráiler del videojuego desarrollado por EA Games y como contenido especial para las PC con DVD-ROM una cronología de los sucesos de la serie y cromos intercambiables.


text: Esta es la segunda adaptación cinematográfica más corta respecto a la novela homónima (142 minutos), por detrás de "Harry Potter y la Orden del Fénix", sin tener en cuenta "" (130 minutos), ya que su corta duración se compensa con la . Entre algunas de las diferencias de la novela con la película, se pueden observar:


title: E.T., el extraterrestre

text: E. T., el extraterrestre es una película estadounidense de ciencia ficción de 1982 dirigida por Steven Spielberg, escrita por Melissa Mathison, protagonizada por Henry Thomas y distribuida por Universal Pictures. La cinta está basada en un amigo imaginario del propio director, creado tras el divorcio de sus padres. En 1980, Spielberg conoció a Mathison y empezaron a desarrollar la historia, tras el proyecto estancado "Night Skies".


title: E.T., el extraterrestre

text: La película, cuyo rodaje se llevó a cabo, entre septiembre y diciembre de 1981, en California, de manera cronológica para conseguir actuaciones emocionales y más convincentes, tuvo un presupuesto de 10.5 millones de dólares estadounidenses y se convirtió en un éxito de taquilla. "E." "T." fue la película más taquillera en su momento, superando, incluso, a "Star Wars" (1977) y solo otra película dirigida por Spielberg le robó el mérito: "Parque Jurásico" (1993).


title: E.T., el extraterrestre

text: Los críticos la aclamaron como una historia intemporal de la amistad y la sitúan como la película de ciencia ficción más grande alguna vez realizada, según una encuesta del sitio web Rotten Tomatoes. Se reestrenó en 1985 y en 2002 para celebrar su vigésimo aniversario, con planos y escenas adicionales modificadas y con poca afinidad por el público, debido en gran parte a la artificial incursión y sustitución por CGI de muchos de los planos donde aparece el extraterrestre.


title: E.T., el extraterrestre

text: El filme comienza en Crescent City, California, con un grupo de botánicos extraterrestres que reúnen muestras de la vegetación. Agentes del gobierno de Estados Unidos aparecen y los extraterrestres huyen en su nave espacial, dejando atrás a uno de los suyos en sus prisas. La escena cambia a un hogar en los suburbios de California, donde un niño llamado Elliott (Henry Thomas) hace de sirviente de su hermano mayor, Michael (Robert MacNaughton), y sus amigos (K. C. Martel, Sean Frye y C. Thomas Howell). Cuando él va por la pizza, Elliott descubre al extraterrestre abandonado, quien huye con prontitud. A pesar de la incredulidad de su familia, Elliott deja dulces de Reese's Pieces en el bosque para atraerlo a su dormitorio. Antes de que se vaya a la cama, Elliott le advierte al extraterrestre imitando sus movimientos.


title: E.T., el extraterrestre

text: A la mañana siguiente, Elliott finge una enfermedad para evitar ir a la escuela y así poder jugar con el extraterrestre. Esa tarde, Michael y su hermana menor, Gertie (Drew Barrymore), conocen al extraterrestre. Su madre, Mary (Dee Wallace), oye ruidos y va a ver que pasa. Michael, Gertie y el extraterrestre se esconden en el ropero, mientras Elliott asegura a su madre que todo está bien. Michael y Gertie prometen mantener al extraterrestre en secreto de su madre. Decidiendo que se quedarán con el alienígena, los niños comienzan a preguntarse acerca de su origen. Él responde levitando unas bolas que representan a su sistema solar, y demuestra aún más sus poderes al revivir una planta muerta.


title: E.T., el extraterrestre

text: Al día siguiente en la escuela, Elliott comienza a experimentar una conexión psíquica con el extraterrestre. Elliott se comporta erráticamente debido en parte a la intoxicación del extraterrestre por beber cerveza. Elliott entonces libera las ranas en una clase de disección. Como el extraterrestre mira a John Wayne besando a Maureen O'Hara en "The Quiet Man", por el vínculo psíquico, a Elliott le provoca que bese a una chica (Erika Eleniak) que le gusta de igual manera.


title: E.T., el extraterrestre

text: El extraterrestre aprende a hablar inglés por repetir lo que dice Gertie en respuesta a lo que ella está viendo en "Sesame Street" y, a instancia de Elliott, se apoda a sí mismo como E. T. (por "extraterrestrial"). Consigue la ayuda de Elliott en la construcción de un dispositivo para "llamar a casa", mediante el uso de un juguete Speak & Spell. Michael comienza a notar que la salud de E. T. está deteriorándose y que Elliott está refiriéndose a sí mismo como "nosotros". En Halloween, Michael y Elliott visten a E. T. como un fantasma para que puedan escabullirse fuera de la casa. Elliott y E. T. andan en bicicleta por el bosque, donde E. T. exitosamente llama a su hogar. Pero sin embargo, a la mañana siguiente, Elliott despierta para encontrar que E. T. ha desaparecido, y vuelve a su hogar con su afligida familia. Michael encuentra a E. T. muriendo en el bosque, y el extraterrestre toma de la mano a Elliott, quien también está muriendo. Mary comienza a asustarse cuando ella descubre la enfermedad de su hijo y al extraterrestre agonizante, antes los agentes del gobierno que habían invadido la casa.


title: E.T., el extraterrestre

text: Los científicos crean una instalación médica en la casa, colocando en cuarentena a Elliott y a E. T. Primero E. T. está estable y Elliott se muere, pero después Elliott se recupera y E. T. muere. El vínculo entre E. T. y Elliott desaparece cuando E. T. muere. Elliott se queda solo con el extraterrestre inmóvil, cuando se da cuenta de que una flor muerta, la planta que E. T. previamente había revivido, vuelve a la vida. E. T. se reanima y le revela que su gente está retornando. Elliott y Michael roban una camioneta en la que E. T. había sido guardado y se produce una persecución, uniéndose Elliott y E. T. con los amigos de Michael en un intento de evadir a las autoridades en una bicicleta. De repente frente a un callejón sin salida, ellos escapan con el uso de la telequinesis de E. T. para levantarse en el aire montados en la bicicleta y huir hacia el bosque. Parado cerca de la nave espacial, el corazón de E. T. se ilumina a medida que se prepara para retornar a su hogar. Mary, Gertie y Keys (Peter Coyote), un agente del Gobierno, aparecen. E. T. dice adiós a Michael y a Gertie, y antes de entrar en la nave espacial, le dice: «Elliott, estaré aquí mismo», apuntando con su dedo brillante a la frente de Elliott, luego E. T. sube a la nave espacial y regresa a su planeta.


title: E.T., el extraterrestre

text: Tras trabajar con Cary Guffey en "Encuentros en la tercera fase" (1977), Spielberg tuvo claro que quería repetir la experiencia de rodar con niños en "E." "T." Más de trescientos niños se presentaron al casting para interpretar a los protagonistas de la historia. Fue Robert Fisk quien propuso a Henry Thomas para el papel protagonista y, aunque se presentó disfrazado de Indiana Jones, el actor no hizo una buena prueba. Pero entonces recordó la muerte de su perro y empezó a llorar. Fue ese acto improvisado lo que hizo que Spielberg escogiera a Henry para interpretar a Elliot. Para el papel de Michael, Robert MacNaughton audicionó hasta ocho veces. Incluso, algunas junto a aspirantes para interpretar a su hermano mayor en la ficción. Drew Barrymore impresionó al director al asegurarle que ella dirigía una banda de punk con seis años y decidió que ella sería Gertie. Curiosamente, este rodaje convenció a Steven Spielberg de que estaba listo para ser padre.


title: E.T., el extraterrestre

text: La anciana Pat Welsh fumaba dos paquetes de cigarrillos al día mientras vivía en Marin County (California). Su voz gustó al creador de efectos sonoros de la película, Ben Burtt, y doblaron al entrañable extraterrestre en nueve horas y media. Por su trabajo le pagaron 380 dólares. Pero decidieron que utilizar sonidos de otras dieciséis personas y animales más para el personaje de E. T.: a Spielberg, a Debra Winger, a la esposa de Burtt durmiendo, a un profesor de cine de Universidad del Sur de California eructando, a mapaches, a nutrias de mar y a caballos.


title: E.T., el extraterrestre

text: Spielberg consideraba que resultaría poco natural que actores interpretaran a los doctores que salvan al extraterrestre por los tecnicismos médicos. Por ello, decidió contratar a médicos reales del USC Medical Center.


title: E.T., el extraterrestre

text: Harrison Ford hacía un cameo en la película como director de Elliot. En la escena, Ford reprende a Elliot y la silla del niño empieza a levitar. Mientras tanto, E. T. estaba levitando su equipo de "teléfono" hasta la escalera con Gertie. Pero, Spielberg decidió no incluir esta escena en la película.


title: E.T., el extraterrestre

text: Después del divorcio de sus padres, Spielberg llenó el vacío con un imaginario compañero extraterrestre. Durante 1978, Spielberg anunció que rodaría un filme titulado "Growing Up", el cual se filmaría en 28 días. El proyecto fue anulado debido a los retrasos en "1941", pero el concepto de hacer un pequeño filme autobiográfico sobre su infancia se quedaría con Spielberg. Él también pensó en una continuación de "Close Encounters of the Third Kind", y comenzó a desarrollar un misterioso proyecto que había planeado con John Sayles llamado "Night Skies", en la cual unos malévolos extraterrestres aterrorizan a una familia.


title: E.T., el extraterrestre

text: Sin embargo, debe destacarse la asombrosa similitud del argumento del filme, con la obra de la escritora Marcela Paz titulada "Papelucho y el marciano" (1968); incluyendo el nombre del extraterrestre, llamado Det, en la obra de la autora citada.


title: E.T., el extraterrestre

text: Filmando "Raiders of the Lost Ark" en Túnez esto dejó aburrido a Spielberg, y los recuerdos de la creación de su infancia resurgieron. Le dijo a la guionista Melissa Mathison acerca de "Night Skies", y ella desarrolló una sub-trama del fracasado proyecto, en la que Buddy, el único extraterrestre amigable, se hace amigo de un niño autista. El abandono de Buddy en la Tierra en la escena final del guion inspiró el concepto de "E." "T." Mathison escribió un primer bosquejo titulado "E." "T. and Me" en ocho semanas, que Spielberg consideró perfecto. El guion tuvo dos bosquejos más, suprimiendo a un amigo de Elliott parecido a Eddie Haskell. La secuencia de la persecución fue creada y Spielberg también sugirió tener la escena donde E. T. se emborracha. Columbia Pictures, que había producido "Night Skies", se reunió con Spielberg para discutir el guion. El estudio la aprobó, llamándola "una ridícula película de Walt Disney", por lo que Spielberg se aproximó al más receptivo Sid Sheinberg, presidente de MCA.


title: E.T., el extraterrestre

text: Ed Verreaux creó un prototipo de USD 700 000 para E. T., que Spielberg consideró inservible. Carlo Rambaldi, quien diseñó los extraterrestres para "Close Encounters of the Third Kind", fue contratado para diseñar los animatrónicos de E. T. La propia pintura de Rambaldi "Women of Delta" lo guió para dar a la criatura su único y extensible cuello. El rostro de la criatura fue inspirado en los rostros de Carl Sandburg, Albert Einstein y Ernest Hemingway. La productora Kathleen Kennedy visitó el Jules Stein Eye Institute para un estudio real de los ojos de vidrio. Ella contrató a personal del Instituto para crear los ojos de E. T., que sentía que eran particularmente importantes en la atracción de la audiencia. Cuatro cabezas de E. T. fueron creadas para la filmación, una como la animatrónica principal y las otras para expresiones faciales, así como un traje. Dos enanos, Tamara De Treaux y Pat Bilon, además de Matthew De Meritt, de 12 años de edad, y quien nació sin piernas, se turnaban para llevar el traje, dependiendo de la escena que estaba siendo filmada. Caprice Roth, un mimo profesional, lleno de prótesis representó las manos de E. T. La criatura final fue creada en tres meses con un costo de USD 1,5 millones. Spielberg declaró que era "algo que solo una madre podría amar". Mars, Incorporated encontró a E. T. tan feo que la compañía se negó a permitir que M&M's fuera usado en el filme, creyendo que la criatura asustaría a los niños. Esto permitió a Hershey Company la oportunidad de mercado para "Reese's Pieces".


title: E.T., el extraterrestre

text: "E." "T." comenzó a rodarse en septiembre de 1981. El proyecto fue filmado bajo el nombre encubierto de "A Boy's Life", porque Spielberg no quería que cualquiera lo descubriera y plagiara el argumento. Los actores tenían que leer el guion a puerta cerrada, y todos en el plató tenían que usar una tarjeta de identificación. El rodaje comenzó con dos días en una escuela secundaria de Culver City, y el reparto pasó los siguientes 11 días moviéndose entre locaciones de Northridge y Tujunga. Las escenas de la casa fueron rodadas en Lonzo Street. Los siguientes 42 días fueron utilizados en los Laird International Studios de Culver City, para los interiores en el hogar de Elliott. El reparto rodó en un bosque rojo cerca de Crescent City durante los últimos seis días de producción. Spielberg rodó el filme en un aproximado orden cronológico para lograr una convincente interpretación emocional de su reparto. En la escena del primer encuentro de Michael con el extraterrestre, la apariencia de la criatura causó que MacNaughton saltara hacia atrás y tumbara los estantes detrás de él (que previamente Spielberg había mandado a desajustar para que se cayeran). En esa misma escena Drew Barrymore entra a la habitación de Elliott y Spielberg le dio indicaciones de si quería gritar, que gritara libremente al ver a E. T. Así lo hizo y finalmente el director dejó esas primeras dos tomas originales en el montaje final. De esta misma forma, Henry Thomas fue el primer actor en ver a E. T. y tuvo que guardar silencio con el resto del elenco para no arruinarles la sorpresa. El rodaje cronológico dio a los jóvenes actores una experiencia emocional en como ellos se enlazaron con E. T., haciendo las secuencias del hospital más conmovedoras. Spielberg se aseguró de que los titiriteros se mantuvieran alejados del plató para mantener la ilusión de un extraterrestre real. Por primera vez en su carrera, él no usó un guion gráfico del filme, con el fin de facilitar la espontaneidad en las actuaciones. El filme fue rodado de forma que los adultos, excepto Dee Wallace, nunca se vieran de la cintura para arriba en la primera mitad del filme, como un tributo a las caricaturas de Tex Avery. El rodaje se completó en 61 días, cuatro días menos de lo previsto.


title: E.T., el extraterrestre

text: El antiguo colaborador de Spielberg, John Williams, compuso la partitura musical de "E." "T." Williams describió su desafío en la creación de una partitura que generara simpatía por esa criatura de aspecto extraño. Al igual que con sus anteriores colaboraciones, a Spielberg le gustó cada uno de los temas compuestos por Williams y los incluyó. Spielberg amó la música para la persecución final tanto que editó la secuencia para adaptarse a ella.


title: E.T., el extraterrestre

text: Spielberg obtuvo la historia de "E." "T." del divorcio de sus propios padres; Gary Arnold del "The Washington Post" llamó al filme "esencialmente una autobiografía espiritual, un retrato del cineasta como el típico chico de los suburbios identificado por una rara pasión, la imaginación mística". Las referencias a la infancia de Spielberg ocurren cuando Elliott finge una enfermedad sosteniendo su termómetro junto a una bombilla mientras que cubre su rostro con una almohadilla de calefacción, un truco frecuentemente empleado por el joven Spielberg. Cuando Michael molesta a Elliott, hace eco a las burlas de Spielberg a sus hermanas menores, y la evolución de Michael de torturador a protector refleja cómo Spielberg tuvo que cuidar de sus hermanas después de que su padre se fuera.


title: E.T., el extraterrestre

text: Los críticos se han enfocado en el paralelismo entre la vida de E. T. y Elliott, quien es "alienado" por la pérdida de su padre. A. O. Scott, del "The New York Times", escribió que mientras E. T. «es el más obvio y desesperado expósito», Elliott «sufre en su propia manera de la falta de un hogar» (coincidentemente, E. T. es la primera y última letra del nombre de Elliott). El corazón del filme es el tema de madurar. El crítico Henry Sheehan describió el filme como una narración de Peter Pan desde la perspectiva de un «niño perdido» (Elliott): E. T. no puede sobrevivir físicamente en la Tierra, como Pan no podría sobrevivir emocionalmente en el país de Nunca Jamás; los científicos del gobierno toman así el lugar de los piratas de Nunca Jamás. Vincent Canby, del "The New York Times", similarmente observó que el filme «libremente recicla elementos de [...] "Peter Pan" y "El mago de Oz"». Algunos críticos han sugerido que la representación de Spielberg de los suburbios es muy oscura, contrariamente a la creencia popular. Según A. O. Scott: «El ambiente de suburbios, con hijos sin supervisión e infelices padres, juguetes rotos y la marca de comida chatarra, podrían haber salido de una historia de Raymond Carver». Charles Taylor, de "Salon.com", escribió que «las películas de Spielberg, a pesar de la forma en que se caracterizan a menudo, no son las idealizaciones de Hollywood para familias y suburbios. Los hogares aquí soportan lo que el crítico cultural Karal Ann Marling llamó "las marcas de uso intensivo"».


title: E.T., el extraterrestre

text: Otros críticos encontraron paralelismos religiosos entre E. T. y Jesús de Nazaret. Andrew Nigels describe la historia de E. T. como «la crucifixión por la ciencia militar» y «la resurrección por el amor y la fe». De acuerdo con el biógrafo de Spielberg, Joseph McBride, Universal Studios apeló directamente al mercado cristiano, con un cartel evocador de "La creación de Adán" de Miguel Ángel y un logo que dice "Paz". Spielberg respondió que él no tenía la intención de que el filme fuera una parábola religiosa, bromeando: «Yo nunca iría con mi madre y le diría: "Mamá, he hecho esta película que es una parábola cristiana", ¿qué crees que diría? Ella tiene un restaurante kosher en Pico y Doheny en Los Ángeles».


title: E.T., el extraterrestre

text: Como un cuerpo sustancial que la crítica del filme ha construido alrededor de "E." "T.", numerosos autores han analizado el filme en otras formas también. "E." "T." ha sido interpretado como un moderno cuento de hadas. y en términos psicoanalíticos. La productora Kathleen Kennedy señaló que un tema importante de "E." "T." es la tolerancia, lo que sería fundamental para los futuros filmes de Spielberg, como "La lista de Schindler". Tras haber sido un solitario como adolescente, Spielberg describe el filme como "una historia de las minorías". El característico tema de comunicación de Spielberg es asociado con lo ideal de la comprensión mutua: él ha sugerido que lo central de la historia de la amistad alienígena-humana es una analogía de cómo los adversarios del mundo real pueden aprender a superar sus diferencias.


title: E.T., el extraterrestre

text: En octubre de 1983, el escritor de ciencia ficción español Domingo Santos publicó una novela titulada "El extraterrestre rosa". Se la dedicó a Steven Spielberg, argumentando que su última película ("E. T.") tenía bastantes aspectos en común con otra novela del escritor, titulada "El visitante" y publicada en 1965 (por tanto, diecisiete años antes del largometraje). La dedicatoria mencionaba también que dicha novela de 1965 había sido antes un guion de cine que el literato nunca llegó a convertir en película. Según el escritor, las aventuras del extraterrestre a su paso por el planeta Tierra en el filme de Spielberg eran muy parecidas a las del protagonista alienígena de aquella anterior novela suya. Tales parecidos sospechosos le llevaron, no a denunciar al cineasta por plagio, sino a publicar la novela de 1983 a manera de amistosa venganza.


title: E.T., el extraterrestre

text: "E." "T." fue preestrenada en Houston, Texas, donde recibió una buena calificación de los espectadores. El filme se estrenó en la gala de clausura del Festival Internacional de Cine de Cannes en mayo de 1982, y fue estrenada en Estados Unidos el 11 de junio de 1982. Se estrenó en el número uno con un recaudación de USD 11 millones, y se quedó en la cima de la taquilla durante seis semanas. Fluctuó entre la primera y la segunda posición hasta enero. Al final de su temporada en el cine, recaudó USD 359.2 millones a nivel nacional. Spielberg ganó USD 500.000 por día de su participación en los beneficios. Las utilidades de Hershey Company's aumentaron 65 % debido al notable uso en el filme de "Reese's Pieces". El filme fue reestrenado el 19 de julio de 1985, y recaudó USD 40 millones a nivel nacional. "E." "T." fue estrenada en VHS y laserdisc el 27 de octubre de 1988; para combatir la piratería, los videocasetes eran de color verde. Solo en Estados Unidos, las ventas en VHS llegaron a USD 75 millones.


title: E.T., el extraterrestre

text: Los críticos aclamaron a "E." "T." como un clásico. Roger Ebert escribió: «No se trata simplemente de una buena película. Es una de esas películas que barre lejos nuestra cautela y gana nuestros corazones». Michael Sragow, de "Rolling Stone", llamó a Spielberg «la era espacial de Jean Renoir... Por primera vez ha dedicado sus impresionantes habilidades técnicas al servicio de sus sentimientos más profundos». Leonard Maltin lo llamó el mejor filme del año. George Will fue uno de los pocos que puso por los suelos al filme, sintiéndolo con extendidas nociones subversivas acerca de la infancia y la ciencia.


title: E.T., el extraterrestre

text: Hubo denuncias de que el filme fue plagiado de un guion de 1967, "The Alien", del célebre director bengalí Satyajit Ray. Ray declaró: «"E." "T." no hubiera sido posible sin mi guion de "The Alien", estando disponible en todo Estados Unidos en copias mimeografiadas». Spielberg negó esta afirmación indicando: «Yo era un niño en la escuela secundaria cuando su guion estaba circulando en Hollywood». El dibujante barcelonés de cómic Joaquín Blázquez intentó demostrar, desde el estreno de la película de Steven Spielberg, que "E." "T." era un plagio de "Melvin", un personaje que creó siete años antes para una publicación estadounidense.


title: E.T., el extraterrestre

text: "E." "T., el extraterrestre" tiene un 98 % de calificación "fresca" en el sitio web especializado Rotten Tomatoes, haciéndola la mejor crítica a un filme de ciencia ficción en el sitio. En el sitio web Metacritic tiene una puntuación de 94, clasificado por el sitio web como «aclamación universal». Además de los muchos críticos impresionados, el presidente Ronald Reagan y la primera dama Nancy Reagan fueron conmovidos por el filme después de proyectarla en la Casa Blanca el 27 de junio de 1982. La Princesa Diana lloró después de ver el filme. El 17 de septiembre de 1982, el largometraje fue proyectado en las Naciones Unidas, y Spielberg recibió la Medalla de la Paz de la ONU.


title: E.T., el extraterrestre

text: El filme fue nominado a nueve Óscar en los , incluyendo el de Mejor película. "Gandhi" ganó este premio, pero su director, Richard Attenborough, declaró: «Yo estaba seguro de que no únicamente "E." "T." podría ganar, sino de que ganaría. Fue inventiva, poderosa y maravillosa. Yo hago películas más mundanas». Además, ganó cuatro Premios de la Academia: a Mejor música original, Sonido, Edición de sonido y Efectos visuales. En los Globo de Oro, el filme ganó en la categoría de Mejor película de drama y como Mejor banda sonora; y también fue nominado al premio al Mejor director, Mejor guion y Mejor nuevo actor estrella del año para Henry Thomas. La Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles galardonó al filme con el premio a la Mejor película, Mejor director y el "Premio nueva generación" para Melissa Mathison. El filme ganó los Premios Saturn al Mejor filme de ciencia ficción, Mejor guion, Mejores efectos especiales, Mejor música y Mejor cartel de arte, mientras que Henry Thomas, Robert McNaughton y Drew Barrymore ganaron los Premios artista joven. Además de sus Golden Globe y Saturn, el compositor John Williams ganó un Grammy y un BAFTA por la partitura. "E." "T." fue honrado también en el extranjero: el filme ganó el premio al Mejor filme en lengua extranjera en el festival Blue Ribbon de Japón, el Cinema Writers Circle Awards de España, el César Awards de Francia, y el David di Donatello de Italia.


title: E.T., el extraterrestre

text: En encuestas del American Film Institute, "E." "T., el extraterrestre" ha sido votado como el 24º mejor filme de todos los tiempos, el 44º más emocionante, y el 6.º más edificante. Otra encuesta del AFI la evalúa como la 14.ª cinta con la mejor banda sonora. Forma parte además del AFI's 10 Top 10 en la categoría de películas de ciencia ficción, apareciendo en tercera posición. La frase "E." "T., teléfono, casa" ("E." "T. phone home" en el original) fue clasificada 15.ª en la lista 100 años… 100 citas de película del AFI, y 48.ª en la lista de mejores citas de películas de la revista "Premiere". En el 2005, el filme encabezó la encuesta del canal británico Channel 4 de los 100 mejores filmes familiares, y también fue enlistado por la revista "Time" como uno de los 100 mejores filmes jamás realizados. En el 2003, "Entertainment Weekly" llamó al filme el octavo más "sentimentaloide"; en el 2007, en una encuesta de películas y series de televisión, la revista declaró a "E." "T." el séptimo mejor trabajo de cine de ciencia ficción en los últimos 25 años. "The Times" también calificó a E. T. como el noveno extraterrestre favorito en un filme, llamándolo "uno de los no humanos más queridos en la cultura popular". En 1994, "E." "T." fue seleccionado para su conservación en el National Film Registry de Estados Unidos.


title: E.T., el extraterrestre

text: Una versión extendida del filme, incluyendo efectos especiales modificados y formato remasterizado, fue estrenada el 22 de marzo de 2002. Algunos rodajes de "E." "T." habían fastidiado a Spielberg desde 1982, porque él no tenía tiempo suficiente para perfeccionar los animatrónicos. Se usaron imágenes generadas por computadora (CGI), proporcionadas por Industrial Light & Magic (ILM) para modificar varios rodajes, incluyendo unos de E. T. corriendo en la secuencia de apertura y viéndose manchas en el maizal. También se modificó el diseño de la nave espacial para incluir más luces. Asimismo, se introdujeron escenas rodadas pero no incluidas en la versión original. Las mismas incluyeron a E. T. tomando un baño, y Gertie diciéndole a Mary que Elliott fue al bosque. Spielberg no añadió la escena con Harrison Ford, sintiendo que cambiaría el filme muy drásticamente. Habiéndose convertido en padre, Spielberg fue más sensible acerca de la escena en que las armas empuñadas por los agentes federales amenazan a Elliott y a sus amigos escapando, así que reemplazó digitalmente las armas por "walkie-talkies".


title: E.T., el extraterrestre

text: En el estreno, John Williams dirigió en vivo la ejecución de la partitura. La nueva versión recaudó USD 35 millones en Estados Unidos, con una recaudación total a nivel mundial en cifras brutas de USD 793 millones desde 1982. La versión del 20.º aniversario fue estrenada como parte de una colección de dos discos en DVD el 9 de diciembre de 2002; también fue empaquetada en una edición para coleccionistas con la versión original. Los cambios en el filme, particularmente la escena del escape, fueron criticados como una corrección política. Peter Travers, de "Rolling Stone", pregunta: «¿Recuerdan las armas llevadas por los federales? Gracias al milagro de la tecnología digital, ellos ahora están blandiendo "walkie-talkies"... ¿Es esto lo que dos décadas han hecho a la libertad de expresión?». Chris Hewitt, de la revista "Empire", escribió: «Los cambios son sorprendentemente de baja intensidad [...], mientras que el CGI de "E." "T." de ILM es usado escasamente como un complemento al extraordinario títere de Carlo Rambaldi". La serie televisiva animada estadounidense "South Park" parodió muchos de los cambios en el episodio de 2002 "Free Hat".


title: E.T., el extraterrestre

text: La película ganó cuatro Premios Óscar: a la mejor música, al mejor sonido, a los mejores efectos sonoros y a los mejores efectos especiales, y obtuvo otras cinco nominaciones: a la mejor película, al mejor director, al mejor guion original (Melissa Mathison), a la mejor fotografía (Allen Daviau) y al mejor montaje. Además, en 1983 ganó el .


title: E.T., el extraterrestre

text: La película no ha tenido una secuela, sin embargo, el proyecto de esta ha existido sin llegar a realizarse. Al momento de estrenarse la película en julio de 1982, Spielberg y Matthison esbozaron una idea para una continuación titulada "E." "T. II: Nocturnal Fears" ("E." "T. II: miedos nocturnos"), que mostraría cómo Elliot y sus amigos son raptados por alienígenas malvados, por lo cual intentarían contactar con E. T. Sin embargo, Spielberg abogó por no realizarla, sintiendo que «no haría otra cosa que extirpar la original de su virginidad».


title: E.T., el extraterrestre

text: Del mismo modo, en 2005 se hizo oficial que la actriz Drew Barrymore y Steven Spielberg habían hablado de una posible continuación titulada "E." "T. The Extra-Terrestrial: The Return" ("E." "T., el extraterrestre: el regreso"), que tampoco pudo concretarse y de la cual no se volvió a hablar. Se realizó una secuela de la historia en un libro titulado "E." "T. El libro del Planeta Verde", que trata de la vida de E. T. en su planeta natal.


title: E.T., el extraterrestre

text: El 28 de noviembre de 2019, Xfinity lanzó un comercial de cuatro minutos dirigido por Lance Acord, que lo llamó una «secuela del cortometraje» de la película original, titulada "" "". El comercial está protagonizado por Henry Thomas, repitiendo su papel de Elliott, ahora un adulto con una familia propia. La historia sigue el viaje de regreso de E. T. a la Tierra para la temporada navideña, y se centra en la importancia de unir a la familia. El comercial utiliza una marioneta práctica para E. T. él mismo. El puntaje de John Williams de la película original se mezcla con el comercial. Spielberg fue consultado por Comcast (empresa matriz de NBCUniversal, propietaria de Universal Pictures) antes de que comenzara la producción del comercial. Se editó una versión de dos minutos para la filial británica de Comcast Sky UK.


title: E.T., el extraterrestre

text: E. T. tuvo un videojuego creado por Atari en 1982. En el juego, se debía ayudar a E. T. a encontrar tres partes de un teléfono en medio del bosque, y mientras tanto, se debía evitar a un policía que quitaba las partes del teléfono, y a un científico que intenta capturar al extraterrestre. Se había lanzado con mucha expectativa por los directivos de Atari, sin embargo el juego fue un rotundo fracaso, cosechó críticas negativas y puso en apuros las finanzas de la empresa. Por este motivo la empresa Atari fue cerrada.


title: E.T., el extraterrestre

text: Se habían producido miles de cartuchos que no fueron vendidos, y para deshacerse de ellos, Atari los enterró en un desierto del estado de Nuevo México. Es considerado por los críticos como el peor videojuego de la historia. En abril de 2014 un equipo de excavación recuperó los restos, estos fueron encontrados en el año 2014, cerrando así uno de los mitos más populares en la historia de los videojuegos.


title: E.T., el extraterrestre

text: 20 años después, con la salida de la edición del 20 aniversario, Ubisoft, NewKidko y Fluid Studios, hicieron otro juego basado en la película, esta vez intentando hacer todas las misiones de forma cronológica a la película. El juego fue lanzando en PlayStation, PC y Game Boy Advance. El juego no tardó en ser muy criticado, teniendo unas cuantas comparaciones con el juego de Atari.


title: E.T., el extraterrestre

text: En 2001, la compañía Kemco junto con Universal Interactive, realizaron un videojuego para el Nintendo GameCube llamado Universal Studios Theme Parks Adventure, en el cual añadieron mini-juegos temáticos basados en varias películas clásicas de Universal Studios, y entre ellos, también hubo uno de "E." "T.", en el que el personaje principal debía de subirse a una bicicleta, y ayudar a E. T. a volver a su nave antes de que se fuera. El mayor problema de este mini-juego, es que constantemente la bicicleta se caía, haciendo perder el tiempo de manera muy seguida.


title: E.T., el extraterrestre

text: La especie de E. T. hace un cameo en la película "" (1999), en una discusión del Senado donde se ven fuera de cámara a tres extraterrestres de la raza de E. T. Desde esa aparición se han hecho teorías de que E. T. es un maestro Jedi. Esta última teoría ha sido contrastada con el hecho de que en la película original, hay varias referencias a que la saga de "Star Wars" existe como una franquicia en el propio universo de "E." "T". Esto se ve, por ejemplo, cuando Elliott le muestra sus juguetes a E. T. o más tarde en la película, cuando en la fiesta de Halloween se ve a un niño vestido de Yoda.


title: Pop latino

text: El pop latino es un género de música pop que tiene influencia latina, generalmente se aplica a la música originaria de Latinoamérica y España. Pero también puede ser aplicada a la música pop de cualquier parte del mundo de habla derivados directamente del latín. El pop latino suele estar cantado en español, italiano y portugués. Además, muchos artistas internacionales de Francia, Italia y Estados Unidos a menudo cantan en español para atraer al público de habla hispana.


title: Pop latino

text: El pop latino surge de la confluencia de estilos tradicionales hispanos como el bolero, la balada y otros con la música pop procedente de los anglosajones en los años 60 del . La principal vertiente es la cantada en español, a veces por artistas procedentes de otros países que cantan para audiencias hispanas. También sucede el fenómeno contrario, artistas de lengua española que adaptan sus canciones a otras lenguas como el inglés o el francés, sin dejar de ser pop latino.


title: Pop latino

text: Algunos de los artistas de pop latino más destacados en la actualidad son Shakira, Ricky Martin, Enrique Iglesias, Timbiriche, Laura Pausini, RBD, Anahí, Selena, Alejandro Sanz, Thalía, Alejandra Guzmán, Gloria Trevi, Marc Anthony, Paulina Rubio, Julieta Venegas, Juanes, Camila, Jesse & Joy, Luis Fonsi, Reik, Chayanne, Belinda, Miguel Bosé, Víctor Muñoz, Morat, Manuel Medrano, Sofía Reyes, Naty Botero y Ha*Ash, especial merece la figura de la cantante cubano-estadounidense Gloria Estefan, quien a partir de los años 1980 ejerció un papel fundamental en la popularización de este género más allá de sus fronteras naturales, especialmente en Estados Unidos.


title: Pop latino

text: Una corriente paralela y próxima al pop latino, con la que a veces se confunde o se entremezcla, es la canción melódica (también conocida a veces como balada latina) con artistas como Juan Gabriel, José José, Rocío Dúrcal, Julio Iglesias, Luis Miguel, Marco Antonio Solís, Camilo Sesto, Sandro, José Luis Rodríguez, Roberto Carlos, Raphael, José Luis Perales, Ana Gabriel, Yuri (siendo la veracruzana la primera latinoamericana en certificar disco de oro en Europa) y Myriam Hernández, entre muchos otros.


title: Pop latino

text: Una de las prácticas habituales dentro del pop latino consiste en la adaptación de ritmos latinoamericanos o ibéricos con el fin de convertirse en un producto que pueda ser oído más allá de su público tradicional. Desde los años 1950, ya se hacía esta práctica con el fin de penetrar en el mercado estadounidense. Uno de los ejemplos más notables es el éxito de Dámaso Pérez Prado en los Estados Unidos. En los años 1990 se intensificó dando privilegios a los sonidos más atractivos para el público panamericano, pero no hay un estilo que se quede detrás: banda, cumbia, flamenco, merengue, norteña, salsa, samba, bachata, vallenato, tex-mex, etc. Un caso notable es Carlos Vives, quien hizo de la música tradicional colombiana un producto pop así como el grupo Bacilos.


title: Pop latino

text: Debido a que el pop latino es en esencia popular, se han entendido como pertenecientes a este género artistas de otros estilos musicales que cobraron moda durante algún tiempo. Es el caso del rock en español a finales de los años80 y en los 90, en que bandas como Soda Stereo, Enanitos Verdes o Maná, debido a la popularidad que gozaban, fueron considerados como referentes tanto del género pop como del rock. A partir del año 2000, las tendencias se acercan más al hip hop, pero la variante latina, que es el reguetón, es la que está cobrando el mismo interés que alguna vez lo hizo el rock en español, con artistas como Daddy Yankee o Don Omar, y por ello muchos artistas han tomado la esencia de este género para fusionarlas al género pop latino siendo pionera la cantante mexicana Paulina Rubio quien en el año 2004 en su álbum «Pau-latina» realizó la canción «Perros», la cual era una combinación de música pop con reguetón.


title: Pop latino

text: Algunos artistas nacidos en países no latinos han grabado canciones en español o con contenido latino; algunos de ellos son: «La isla bonita», «Verás», «Lo que siente la mujer» y «Medellín» de Madonna; «Todo mi amor eres tú» de Michael Jackson, «Dov'è L'Amore» de Cher; «A Better Place» de Don Johnson y Yuri; «Bello embustero», y «Si yo fuera un chico», «Irremplazable» y «Oye» de Beyoncé; «Mambo n.º5» de Lou Bega; «Los Amores» de Kylie Minogue; «Vuelve a Mí» de Janet Jackson; «Héroe», «El amor que soñé» y «Mi todo» de Mariah Carey; y «Sola otra vez» y «Aún existe amor» de Celine Dion, entre otros. Cabe mencionar que también hay artistas nacidos en países no latinos, aunque con ascendencia latina, que han lanzado álbumes en español con el fin de entrar en el mercado de habla hispana, como "Mi reflejo" y "Aguilera" de Christina Aguilera, "Mi plan" de Nelly Furtado y "Como ama una mujer" de Jennifer Lopez.


title: Pop latino

text: En la actualidad existe otro género conocido como "pop urbano" o "pop contemporáneo", una mezcla de pop con bachata, pop con reguetón o cumbia con reguetón, siendo artistas como Timbiriche, Shakira, Luis Fonsi, Reik, Thalía, Fonseca, Carlos Vives, Pitbull, Gente de Zona, RBD, Daddy Yankee, Natti Natasha, Sebastián Yatra, Becky G, Ozuna, Karol G, Pedro Capó, Anitta, Piso 21 y CNCO, los más representativos en este género.


title: Pop latino

text: Además, hay cantantes nuevos que se incursionan en este género, como Danna Paola, Morat, Camilo, Mau & Ricky, Lali, Tini y Luis Jara, etc.


title: Álex Rodríguez

text: Alexander Emmanuel Rodríguez (Nueva York, Estados Unidos; 27 de julio de 1975), más conocido simplemente como Álex Rodríguez, es un exjugador profesional estadounidense que jugaba en las posiciones de campocorto y tercera base. Desarrolló su carrera en los Seattle Mariners, los Texas Rangers y los New York Yankees de las Grandes Ligas de Béisbol (MLB).


title: Álex Rodríguez

text: Rodríguez es considerado uno de los mejores jugadores de béisbol de todos los tiempos, y ha declarado que se siente orgulloso de sus raíces dominicanas


title: Álex Rodríguez

text: Durante 14 temporadas empujó 100 más carreras, más que cualquier otro jugador en la historia. El 24 de septiembre de 2010, "Alex" conectó dos homeruns, superando la marca de Sammy Sosa de 609 homeruns, y convirtiéndose en el líder de todos los tiempos en homeruns para un jugador de ascendencia hispana.


title: Álex Rodríguez

text: En diciembre de 2007, Rodríguez y los Yankees acordaron un contrato de 10 años por $276 millones de dólares. Este contrato fue el mayor en la historia del béisbol (rompiendo su récord anterior de $252 millones de dólares).


title: Álex Rodríguez

text: Ya para la temporada de 2015 Rodríguez tuvo un gran regreso conectando 33 cuadrangulares y llegando a los 3,000 hits en su carrera con un jonrón hacia el jardín derecho frente a los envíos del pitcher derecho de Detroit Tigers Justin Verlander. Es uno de los jugadores con los números más redondos de la historia habiendo acumulado más de 3000 hits, más de 2000 carreras anotadas, más de 2000 carreras empujadas y más de 690 homeruns.


title: Álex Rodríguez

text: El domingo 7 de agosto de 2016, Rodríguez anunció su retiro del béisbol en una conferencia de prensa, a pesar de tener contrato vigente para la temporada del 2017, con New York Yankees, Su bajo porcentaje de bateo así como las lesiones lo obligaron a tomar esta decisión.


title: Álex Rodríguez

text: El 12 de agosto de 2016, Alex Rodríguez jugó su último partido en las Grandes Ligas del béisbol frente a los Tampa Bay Rays, conectando un extra base en la primera entrada. Al finalizar el partido fue despedido por una gran ovación del público y sus compañeros de equipo. No pudo llegar a los 700 jonrones como era su deseo. Terminó su carrera con 696 jonrones siendo, en ese momento, el cuarto jonronero de todos los tiempos detrás de Barry Bonds, Hank Aaron, Babe Ruth. Ahora es el quinto jonronero de todos los tiempos detrás de los ya mencionados y del dominicano Albert Pujols.


title: Álex Rodríguez

text: Nació en el barrio de Washington Heights de Nueva York proveniente de una familia dominicana. Cuando tenía 1 año, se mudaron a la República Dominicana, luego años más tarde a Miami, Florida. Los jugadores favoritos de Rodríguez cuando era pequeño eran Keith Hernández primera base de los St Louis Cardinals y de los New York Mets, Dale Murphy, de Atlanta Braves y Cal Ripken, Jr. de Baltimore Orioles. Su equipo favorito eran los New York Mets.


title: Álex Rodríguez

text: Fue reclutado en el primer grupo de los "Marineros de Seattle" en 1993. por "Roger Jongewaard" quien lo sacó del instituto. En 1994, "Rodríguez" jugó en la filial AAA de Seattle, "Calgary Cannons". En 32 partidos, dio 37 hits en 119 turnos al bate para un promedio de bateo de.311. También compiló seis homeruns y 21 carreras impulsadas. "Rodríguez" ascendió rápidamente a través de la organización de los "Marineros", e hizo su debut en "Grandes Ligas" como el shortstop titular el 8 de julio de 1994, en Boston a los 18 años de edad. Fue el tercer shortstop de 18 años de edad en jugar en las mayores desde 1900. Además fue el primer beisbolista de 18 años de edad en los últimos diez años, y el jugador más joven de la posición en la historia de "Seattle". Su primer gran éxito en las mayores fue un sencillo al lanzador dominicano Sergio Valdez el 9 de julio en el Fenway Park.


title: Álex Rodríguez

text: La primera campaña de "Rodríguez" en "Grandes Ligas" solo duró un mes; la temporada fue interrumpida por la huelga de la "Major League Baseball" en 1994.


title: Álex Rodríguez

text: "Rodríguez" pasó la mayor parte de 1995 entre los "Marineros" y su club de AAA, los "Tacoma Rainiers". Conectó su primer jonrón en las mayores al lanzador "Tom Gordon" de Kansas City el 12 de junio. "Rodríguez" se unió al roster oficial de la "Liga Mayor" de forma permanente en agosto, y tuvo su primer juego de postemporada, aunque en solo dos turnos al bate. Una vez más, fue el jugador más joven en las "Grandes Ligas".


title: Álex Rodríguez

text: Al año siguiente, "Rodríguez" asumió el puesto regular de torpedero de los "Marineros" y emergió como una estrella, bateando 36 jonrones, impulsando 123 carreras, y liderando la Liga Americana con un promedio de bateo de.358, el más alto para un bateador derecho de la liga desde que Joe DiMaggio bateó.381 en 1939 y el tercero más alta para un campocorto del 21 años, fue el tercer líder en bateo más joven detrás de "Al Kaline" (20 años) en 1955 y Ty Cobb (20 años) en 1907, y el jugador más joven en la historia con 35 jonrones. También fue el primer torpedero de las Grandes Ligas en ganar un título de bateo desde 1960, y el primero en la "Liga Americana" desde 1944, ya con 20 años y 11 meses, fue el SS más joven en toda la historia de la MLB en participar en un Juego de Estrellas. También lideró la "Liga Americana" en carreras anotadas (141), bases totales (379) y dobles (54) y figura entre los líderes de la liga en hits (2.º, con 215), hits de extra base (2.º con 91), juegos multi-hit (tercero con 65), slugging (4.º con.631), carreras impulsadas (8.º con 123), y en porcentaje de embasarse (8.º con.414). "Rodríguez" tuvo el récord más alto para un campocorto en carreras, hits, dobles, hits de extra base, y slugging, y empató en bases más total, y estableció un récord en Seattle en promedio, carreras, hits, dobles y total de bases, en una temporada que los analistas estadísticos consideran el mejor año de todos los tiempos para un SS.


title: Álex Rodríguez

text: Fue seleccionado por Sporting News y Associated Press como "Major League Player of the Year (Jugador de Grandes Ligas del Año)", y estuvo a punto de convertirse en el más joven MVP (Jugador Más Valioso) en la historia del béisbol, terminando segundo después de "Juan González" en una de las elecciones más polémicas para "MVP" en los últimos tiempos. "Rodríguez" finalizó con tres puntos menos que "González" (290-287), siendo la segunda competencia más cerrada para elegir al "Jugador Más Valioso" en la historia de la MLB.


title: Álex Rodríguez

text: En 1997, los números de "Rodríguez" cayeron un poco, ya que pegó 23 jonrones con 84 carreras impulsadas y un promedio de bateo de.300 ese año. Bateó un "hit for the cycle (dio sencillo, doble, triple y jonrón en el mismo juego)" el 5 de junio en Detroit, convirtiéndose en el segundo beisbolista de los "Marineros" en hacer la hazaña, ya a los 21 años y 10 meses, fue el quinto jugador más joven en la historia en hacerlo. Fue elegido por los fanáticos para ser el campocorto inicial en el "Juego de Estrellas" para el equipo de la "Liga Americana", convirtiéndose en el primero junto a "Cal Ripken, Jr". en iniciar en el campocorto en 13 años. Fue el primer "Juego de Estrellas" como campocorto inicial en su carrera y su segundo en dos años.


title: Álex Rodríguez

text: "Rodríguez" se recuperó en 1998, estableciendo un récord de jonrones para un SS en la "Liga Americana" y convirtiéndose en el tercer miembro del club 40-40, (con 42 HR y 46 BR) y uno de solo tres torpederos en la historia de la MLB en conectar 40 jonrones en una temporada. Su "power-speed number (el resultado de la combinación de jonrones con las bases robadas)" fue de 43.9, por lo menos hasta 2008, el más alto de todos los tiempos.


title: Álex Rodríguez

text: Fue seleccionado como "Players Choice AL Player of the Year", ganó su 2.º Silver Slugger Award y finalizó en el top 10 en los votos para MVP.


title: Álex Rodríguez

text: decisión de los jugadores AL jugador del año, ganó su segundo premio Bate de Plata y terminó en el top 10 en la votación del MVP.


title: Álex Rodríguez

text: En 1999, volvió a batear 42 HR, a pesar de perderse más de 30 juegos por una lesión y jugar la segunda mitad de la temporada en el "Safeco Field", un estadio mucho menos amigable para los bateadores que el "Kingdome".


title: Álex Rodríguez

text: "Rodríguez" entró en el año 2000 como el jugador más destacado de la franquicia de los "Marineros", puesto que había sido ocupado por las superestrellas Randy Johnson y Ken Griffey, Jr.. "Rodríguez"puso excelentes números como la superestrella que quedan en el equipo, conectó 41 HR con 132 carreras impulsadas y tuvo un promedio de bateo de.316 . Estableció una marca personal de base por bolas (100) y se convirtió en el único campocorto en tener 100 carreras impulsadas, carreras anotadas y bases por bolas en la misma temporada. Bateó bien en los playoffs (promedio de bateo de.409 y porcentaje de slugging de.773), pero "Seattle" perdieron ante los "Yankees de Nueva York" en la "Serie de Campeonato de la Liga Americana del 2000".


title: Álex Rodríguez

text: Fue seleccionado como "Major League Player of the Year (Jugador de Grandes Ligas del Año)" por la revista "Baseball America" y terminó tercero en la votación para "Jugador Más Valioso" de la "Baseball Writers Association of America (Asociación de Cronistas de Béisbol de América".


title: Álex Rodríguez

text: "Rodríguez" se convirtió en agente libre después de la temporada del 2000. Finalmente firmó con los "Rangers de Texas", que habían caído al último puesto en su división ese año. El contrato que se firmó en ese momento se convirtió en el contrato más lucrativo en la historia del deporte: un acuerdo de 10 años por $252 millones. El acuerdo superó con $63 millones más al segundo más grande.


title: Álex Rodríguez

text: En un artículo escrito años más tarde en el Daily News, "Alex Rodríguez" dijo que lamentaba la forma de firmar con los "Rangers de Texas" y deseó mejor haber firmado con los "Mets de Nueva York" en lugar de "Texas".