title: Natación (deporte)

text: De hecho, a diferencia de cualquier otro bañador previamente existente, este tiene un proceso de colocación considerablemente más complejo, lo cual no logra ser enteramente práctico para su uso cotidiano.


title: Natación (deporte)

text: Los trajes de arrastre se utilizan para aumentar la resistencia al agua contra el nadador para ayudarle a entrenar para las competiciones. Algunos estilos de trajes de arrastre incluyen nailon, trajes viejos, y las camisetas: artículos que aumentan la fricción en el agua para construir la fuerza durante el entrenamiento, y por lo tanto aumentar la velocidad de arrastre.


title: Natación (deporte)

text: Algunos nadadores también se afeitan las áreas expuestas de la piel antes de las competiciones con el fin de reducir la fricción en el agua. La práctica se hizo popular después de los Juegos Olímpicos de 1956, cuando Murray Rose y Jon Henricks se afeitaron y ganaron medallas de oro para Australia. La piel recién afeitada es menos resistente cuando está en el agua. Además, un estudio hecho en 1989 demostró que el afeitado mejora el rendimiento general de un nadador mediante la reducción de la fricción.


title: Natación (deporte)

text: El uso de trajes de arrastre durante el entrenamiento también mejora el rendimiento mental durante las competiciones. Los trajes de arrastre hacen que un nadador se siente más lento y más resistentes durante el entrenamiento con la fricción añadida. Luego, en la competición, un nadador afeitado mejora en la rapidez y sin problemas de resistencia en el agua.


title: Natación (deporte)

text: Las desventajas de utilizar un traje de arrastre es el agotamiento. Esto es causado por la fatiga propia del nadador. Cuando el nadador se vuelve más fatigado, diferentes grupos de músculos se vuelven más cansados. En consecuencia, el nadador forzara sus músculos para seguir nadando, lo que puede causar calambres.


title: Natación (deporte)

text: Los nadadores, así como las personas que trabajan en las piscinas, están expuestos a una importante toxicidad química directa de las vías respiratorias por la inhalación del cloro ambiental. Esta toxicidad se produce por la exposición a bajos niveles de cloro de manera continuada y picos de niveles elevados ocasionales involuntarios (exposiciones agudas). Las exposiciones a los niveles más altos se deben a fallos puntuales en los sistemas de cloración automática y negligencia de los operarios de mantenimiento, por falta de conocimiento o ausencia de cultura de seguridad; estos incidentes no son inusuales. Otras causas que motivan desprendimiento de cloro al aire con acumulación de niveles excesivos, aunque el nivel de cloro en el agua esté dentro de la normativa, incluyen insuficiente ventilación, actividades con gran agitación del agua (como entrenamientos intensos, niños jugando) y presencia de un elevado número de usuarios.


title: Natación (deporte)

text: Las formas de cloro involucradas en la toxicidad respiratoria no se limitan al cloro gaseoso sino también a los compuestos que se forman por su combinación con otras sustancias, tales como el ácido hipocloroso, el dióxido de cloro y la cloramina. De hecho, debido a que el cloro gaseoso es moderadamente soluble en agua, cuando entra en contacto con las mucosas de las vías respiratorias forma ácido hipocloroso, ácido clorhídrico y diversos oxidantes altamente reactivos, a medida que se va disolviendo en el líquido de la superficie de las vías respiratorias. Esto provoca lesiones que no se limitan a las vías respiratorias inferiores, sino que también puede afectar a los ojos, la piel y las vías respiratorias superiores. La vía aérea se ve especialmente afectada desde la nariz hasta el nivel de los bronquios. El daño oxidativo de las vías respiratorias puede no aparecer de manera inmediata, sino que puede desarrollarse de manera retardada, durante cualquier etapa de la enfermedad (días e incluso semanas después de la exposición al cloro).


title: Natación (deporte)

text: El funcionamiento normal de las vías respiratorias puede no volver a restablecerse con normalidad después sufrir lesiones por la inhalación de cloro, dejando secuelas permanentes tales como asma, hiperreactividad inespecífica de las vías respiratorias, síndrome de disfunción reactiva de las vías aéreas, fibrosis pulmonar e hiperplasia mucosa. Una única exposición a niveles elevados es suficiente para provocar secuelas permanentes.


title: Natación (deporte)

text: Otras numerosas sustancias químicas también provocan toxicidad respiratoria en las piscinas, tales como las que se liberan al aire como consecuencia de las reacciones entre sí del resto de agentes químicos añadidos al agua de la piscina, de estos con el cloro gaseoso y con la materia orgánica de origen humano. No se conoce aún el número exacto de los diversos compuestos químicos resultantes de estas reacciones ni todos sus efectos concretos sobre la salud, si bien algunos se consideran tóxicos o cancerígenos.


title: Natación (deporte)

text: Los accidentes por inhalación de productos químicos en piscinas no son hechos inusuales. Algunos ejemplos se detallan a continuación.


title: Natación (deporte)

text: En España en 1992, una niña de diez años murió asfixiada por inhalación de cloro en una piscina climatizada cubierta. Otros once niños resultaron intoxicados en el mismo incidente y sufrieron lesiones pulmonares, dos de ellos muy graves. Los hechos se produjeron como consecuencia de una negligencia en la manipulación de los sistemas de depuración del agua.


title: Natación (deporte)

text: Entre los años 2008 a 2012 se documentaron 41 accidentes en piscinas por sustancias químicas, con un total de 428 víctimas, una de ellas mortal (un operario) y al menos 1750 personas evacuadas. El número de víctimas en un único incidente osciló desde una sola persona afectada hasta más de 80 intoxicados (Asturias, 2010). La mayoría de los accidentes se produjo en piscinas municipales.


title: Parque Güell

text: El parque Güell (parc Güell en catalán y Park Güell en su denominación original) es un parque público con jardines y elementos arquitectónicos situado en la parte superior de la ciudad de Barcelona (España), en las estribaciones de la sierra de Collserola. El parque se halla en la ladera sur del monte Carmelo (barrio de La Salud, en el distrito de Gracia) y colindante a la ladera norte donde se encuentra el parque del Carmelo (barrio de El Carmelo, del distrito de Horta-Guinardó). Ideado como urbanización, el parque fue diseñado por el arquitecto Antoni Gaudí, máximo exponente del modernismo catalán, por encargo del empresario Eusebi Güell. Construido entre 1900 y 1914, fue inaugurado como parque público en 1926.


title: Parque Güell

text: El parque Güell es un reflejo de la plenitud artística de Gaudí: pertenece a su etapa naturalista (primera década del ), período en que el arquitecto perfeccionó su estilo personal, a través de la inspiración en las formas orgánicas de la naturaleza, para lo que puso en práctica toda una serie de nuevas soluciones estructurales originadas en sus profundos análisis de la geometría reglada. A ello añade el artista catalán una gran libertad creativa y una imaginativa creación ornamental: partiendo de cierto barroquismo sus obras adquieren gran riqueza estructural, de formas y volúmenes desprovistos de rigidez racionalista o de cualquier premisa clásica. En el parque Güell desplegó Gaudí todo su genio arquitectónico y puso en práctica muchas de sus innovadoras soluciones estructurales que serían emblemáticas de su estilo organicista y que culminarían en la Sagrada Familia.


title: Parque Güell

text: El parque fue concebido por Güell y Gaudí como un conjunto estructurado donde, dentro de un incomparable marco de belleza natural, se situarían unas viviendas de alto standing, con todos los adelantos tecnológicos de la época para procurar el máximo confort y con unos acabados de gran calidad artística. Asimismo, idearon un conjunto impregnado de un fuerte simbolismo, ya que procuraron sintetizar en los elementos comunes del parque muchos de los ideales tanto políticos como religiosos que compartían mecenas y arquitecto: así, son perceptibles en el conjunto conceptos procedentes del catalanismo político —sobre todo en la escalinata de acceso, donde se representan los Países catalanes— y de la religión católica —en el monumento al Calvario, ideado en principio como capilla—. También es importante el elemento mitológico: según parece, Güell y Gaudí se inspiraron en el templo de Apolo de Delfos para su concepción del parque.


title: Parque Güell

text: Por otro lado, numerosos expertos han querido ver en el parque una serie de referencias de variado signo, debido a la compleja iconografía aplicada por Gaudí al conjunto del proyecto urbanístico, referencias que van desde la reivindicación política hasta la exaltación religiosa, pasando por la mitología, la historia o la filosofía. En concreto, muchos estudiosos pretenden ver referencias a la masonería, hecho poco probable debido a las profundas creencias religiosas tanto de Gaudí como del conde Güell y, en todo caso, no probado por ningún indicio objetivo en toda la historiografía del arquitecto modernista. La multiplicidad de símbolos desarrollada en el parque Güell es, como se ha dicho, de signo político y religioso, en todo caso con cierto carácter mistérico debido al gusto de la época por los enigmas y acertijos.


title: Parque Güell

text: El parque está catalogado como un monumento declarado en el registro de Bienes Culturales de Interés Nacional del patrimonio catalán y en el registro de Bienes de Interés Cultural del patrimonio español con el código RI-51-0003818. También forma parte del Patrimonio de la Humanidad declarado por la UNESCO como «Obras de Antoni Gaudí» con el código 320-001, donde fue inscrito en 1984 junto al palacio Güell y la casa Milà.


title: Parque Güell

text: El parque debe su nombre a Eusebi Güell, un rico empresario miembro de una influyente familia burguesa de la Ciudad Condal. Hombre polifacético y de gran cultura, fue escritor, pintor, lingüista, químico y biólogo. Como empresario fue dueño de empresas como El Vapor Vell o la Cementera Asland, y tenía participaciones en otras empresas como Tabacos de Filipinas, el Banco Hispano Colonial o la Compañía de los Caminos de Hierro del Norte de España. Asimismo, militó en el catalanismo y fue diputado en las Cortes en 1878. En 1910 fue nombrado conde por el rey Alfonso XIII. Amigo íntimo y mecenas de Gaudí, le encargó muchas de las obras efectuadas por el arquitecto modernista, sin interferir en sus decisiones artísticas. Para el conde Güell, Gaudí construyó, además del parque Güell, el palacio Güell, las bodegas Güell, los pabellones Güell y la cripta de la Colonia Güell.


title: Parque Güell

text: El parque Güell se formó por la unión de dos fincas, Can Muntaner de Dalt y Can Coll i Pujol, en la llamada «montaña Pelada» (hoy día monte Carmelo), adquiridas por Güell en 1899 la primera y 1902 la segunda. Este monte pertenece a las estribaciones de la sierra de Collserola y la parte urbanizada por Gaudí se halla en su ladera sudoriental, la más soleada y protegida de los vientos del norte por las montañas circundantes. El terreno había pertenecido al marqués de Marianao (alcalde de Barcelona en 1905-1906 y 1910-1911), promotor del parque de Samà en Cambrils, obra de José Fontseré (1882), uno de los maestros de Gaudí. Según los expertos, el parque de Samà pudo servir de influencia para el arquitecto reusense.


title: Parque Güell

text: El conde Güell se instaló en una antigua masía del (reformada en el ) situada en el recinto del parque antes de su urbanización, la casa Larrard. Gaudí hizo algunas reformas en la misma, entre 1906 y 1922: añadió un porche y un invernadero, y diseñó el arco de acceso a la capilla, cuyas puertas aún se conservan. Al convertirse en parque público esta casa pasó a ser una escuela de primaria, denominada General Primo de Rivera y, desde 1982, Baldiri Reixac.


title: Parque Güell

text: Fue el conde Güell quien proyectó convertir la falda de la montaña en una urbanización, encargo que encomendó a Gaudí, con el que mantenía una fructífera relación profesional desde 1878, fecha en que el empresario quedó impresionado con el talento del joven arquitecto al ver una obra suya (una vitrina realizada para la Guantería Comella) en la Exposición Universal de París de ese año.


title: Parque Güell

text: Junto con Gaudí trabajaron algunos de sus colaboradores más habituales, como Josep Maria Jujol, Francisco Berenguer, Joan Bergós, Juan Rubió y Llorenç Matamala. Las obras corrieron a cargo del contratista José Pardo Casanovas, asociado a su sobrino Julián Bardier Pardo.


title: Parque Güell

text: Güell y Gaudí tenían en mente un proyecto al estilo de las ciudades-jardín inglesas —lo que queda manifiesto en la ortografía inicial "Park Güell"—, conforme a las teorías de Ebenezer Howard, que habían sido introducidas a principios del por Cebrià de Montoliu a través de la revista "Civitas" (1911-1919). El conde Güell tenía experiencia con la organización laboral inglesa, como se vio reflejado en su proyecto de ciudad obrera de la Colonia Güell, en Santa Coloma de Cervelló. Sin embargo, en esta ocasión el objetivo era el de una urbanización destinada a la burguesía. Asimismo, Güell se inspiró para las zonas ajardinadas en el jardín de la Fontaine de la ciudad de Nîmes, donde vivió en su juventud.


title: Parque Güell

text: Al poco de iniciadas las obras se encontraron en la zona del Turó de les Menes unas cuevas prehistóricas con restos fósiles, que fueron estudiadas por el geólogo Norberto Font y Sagué. Se comprobó que había sucesivas capas geológicas: sobre calizas dolomíticas del devónico inferior había una capa travertínica arcillosa, sobre esta una capa de travertino estalagmítico y, por último, de cieno rojo calizo-arcilloso. Al parecer, durante algún período de tiempo hubo un estanque en esta zona. Sobre los fósiles, se hallaron restos de mamíferos, reptiles y moluscos, aunque no se evidenció la presencia del ser humano. Entre los restos identificados se registraron ejemplares de erizo común ("Erinaceus europeus"), de roedores ("Lagomys corsicanus" y "Arvicola arvalis"), de rinoceronte ("Rhinoceros marcki"), ciervo ("Cervus elaphus"), tortuga ("Testudo lunellensis" y "Testudo ibera") y helícidos ("Helix depereti" y "Helix almerai"). Estos restos fueron depositados en el museo del Seminario Conciliar de Barcelona y, posteriormente, en el Museo Martorell de Geología. En 1960 la cueva fue tapiada por peligro de derrumbe.


title: Parque Güell

text: Para el trazado de las vías del parque Gaudí utilizó un eclímetro, con el que efectuó un plano a escala 1:1000 del terreno, ayudado por Julián Bardier. Una copia en ferroprusiato de este plano se halla en la Cátedra Gaudí. La cronología de las obras del parque sería la siguiente: el inicio fue en noviembre de 1900 y desde esta fecha hasta 1903 se hizo la explanación y apertura de calles y se construyó la cerca que rodea el parque, los pabellones de entrada, el refugio para carruajes, la escalinata de acceso, los caminos y viaductos y el sistema de alcantarillado; entre 1904 y 1906 se construyó la casa de muestra, actual Casa-Museo Gaudí; en 1905 se edificó la casa Trias; entre 1908 y 1909 se construyó la sala hipóstila; y entre 1907 y 1913 se erigió el teatro griego con el banco ondulado.


title: Parque Güell

text: La licencia de obras no fue formalizada hasta 1904, en una instancia dirigida por Güell al Ayuntamiento de Barcelona. Tras un informe emitido por el arquitecto municipal Miquel Pascual, el proyecto fue aprobado el 21 de noviembre de 1904 con el vistobueno de Pere Falqués, arquitecto jefe de Urbanización y Obras. El proyecto fue expuesto en el "Boletín Oficial de la Provincia" el 9 de enero de 1905.


title: Parque Güell

text: Sin embargo, pese al empeño puesto por ambos, el proyecto fue un fracaso comercial: estaba previsto construir una urbanización de gran categoría, con aproximadamente 60 viviendas diseminadas en un inmenso jardín, en las inmediaciones de la ciudad y con una vista panorámica sobre toda Barcelona. Cada parcela, de forma triangular, tenía de 1200 a , de los que solo serían edificables de 200 a , una sexta parte de la parcela, mientras que el resto se dedicaba a jardines. El precio de venta estaba entre 0,75 y 1 peseta el palmo cuadrado, por lo que una parcela podía valer de 23 000 a 37 000 pesetas, un precio un poco caro para la época. Pero el proyecto resultó poco atractivo para los barceloneses, que encontraron que la zona, entonces poco urbanizada, quedaba lejos del centro de Barcelona, en una época además en que lo que estaba de moda eran los grandes edificios del Ensanche, especialmente el paseo de Gracia. Así, solo se vendieron dos parcelas: una de ellas es la actual Casa-Museo Gaudí, donde vivió el arquitecto entre 1906 y 1925, obra de su colaborador Francesc Berenguer; y la otra la casa Trias, propiedad del abogado Martí Trias i Domènech, amigo de Güell y Gaudí, que fue obra del arquitecto Juli Batllevell (1905).


title: Parque Güell

text: Hacia 1906 ya se empezó a ver que el proyecto no daría el fruto esperado. Aun así, las obras siguieron en marcha para las zonas comunes de la urbanización hasta 1914, en que fueron paralizadas tras el inicio de la Primera Guerra Mundial. Quizá el motivo del fracaso del proyecto se pudo deber a la huelga general de 1902, que acentuó las distancias entre la burguesía y el proletariado, e inició un período de inestabilidad política que culminó en la Semana Trágica de 1909. Otro factor pudo ser la manifiesta catalanidad del parque, en un momento en que las clases dirigentes catalanas se acercaban al gobierno central para asegurarse la tutela del ejército frente a la insurgencia obrera. También se ha puesto el acento en la rigurosa normativa dictada por Güell en cuanto a la superficie constructiva y de gestión de la urbanización.


title: Parque Güell

text: Pese al fracaso comercial el parque fue enseguida foco de atracción de turistas y visitantes, así como lugar de reunión de asociaciones y centro de diversos eventos y celebraciones. Se podía acceder con una entrada que costaba 50 céntimos y se vendía en la portería, aunque con permiso previo del conde Güell se podía acceder gratuitamente. En 1902 hubo ya una visita de miembros del Centro Excursionista de Cataluña y, en 1903, de la Asociación de Arquitectos. En 1906 se celebró el "Garden Party" del I Congreso de la Lengua Catalana. En 1907 se produjo la Fiesta de las Asociaciones para recaudar fondos para las víctimas de las inundaciones de ese año. En 1908 tuvo lugar un Congreso de Pirineístas, una fiesta en honor de las Escuelas Catalanas y una fiesta escolar en ocasión del 50 aniversario de los Juegos Florales. En 1909 hubo un concurso de gimnasia y en 1910 una revista de voluntarios de la Cruz Roja. En 1911 un festival de la Federación Femenina contra la Tuberculosis. Ese año visitaron el parque la infanta Paz de Borbón y su hija Pilar. En 1913 hubo una reunión del Centro Regionalista Valenciano. Desde entonces fue lugar habitual de bailes —especialmente sardanas—, fiestas, eventos deportivos, etc.


title: Parque Güell

text: Después de la muerte del conde Güell en 1918 sus herederos decidieron vender al Ayuntamiento de Barcelona el parque para convertirlo en público. La primera cuota de 500 000 pesetas la pagó el Ayuntamiento a la sociedad anónima creada por los herederos de Güell después del fallecimiento de Gaudí (1926), y ese mismo año se abrió el parque, que desde entonces es uno de los puntos neurálgicos de la ciudad de Barcelona, lugar de celebración de numerosos espectáculos y actos públicos y centro de gran interés turístico. El nuevo parque público fue inaugurado el 26 de abril de 1926.


title: Parque Güell

text: En 1969 el parque Güell fue nombrado Monumento Histórico-Artístico de Carácter Nacional y, en 1984, la UNESCO lo incluyó dentro del Lugar Patrimonio de la Humanidad «Obras de Antoni Gaudí». Entre 1987 y 1994 se hizo una restauración del parque, a cargo de Elías Torres y José Antonio Martínez Lapeña, con la colaboración de Joan Bassegoda. Queda pendiente un proyecto de adecuación de la cara norte de la montaña —que no entró en el proyecto de Gaudí—, especialmente la zona forestal, donde se halla la fuente de San Salvador de Horta.


title: Parque Güell

text: Un proyecto paralelo al del parque Güell y excelente muestra de jardín diseñado por Gaudí son los jardines de Can Artigas, en La Pobla de Lillet (1905-1907), un encargo del industrial textil Joan Artigas i Alart. Intervinieron en esta obra operarios que habían trabajado en el parque Güell, que realizaron un proyecto parecido al del famoso parque barcelonés, por lo que las similitudes estilísticas y estructurales son evidentes entre ambas obras. Como en el parque Güell, Gaudí diseñó unos jardines plenamente integrados en la naturaleza, con un conjunto de construcciones de líneas orgánicas que se integran perfectamente con el entorno natural.


title: Parque Güell

text: El parque tiene una extensión de 17,18 hectáreas. Se trata de un terreno devónico, formado por estratos de pizarra y caliza. Gaudí siempre procuraba lograr una perfecta integración de sus obras en la naturaleza y este parque es un perfecto exponente de ello. En su diseño se aglutinan de forma óptima los elementos naturales y arquitectónicos, sin ángulos rectos, todo está resuelto con formas onduladas.


title: Parque Güell

text: Cuando Gaudí se hizo cargo del proyecto la zona estaba deforestada —como indicaba su nombre de «montaña Pelada»—, por lo que mandó plantar nueva vegetación, para lo que escogió especies mediterráneas autóctonas, las que mejor se adaptaban al terreno: pino, algarrobo, encina, roble, alcornoque, eucalipto, palmera, ciprés, olivo, higuera, almendro, ciruelo, mimosa, lentisco, hiedra, maquia, coscoja, retama, jara, romero, tomillo, lavanda, salvia, laurel, etc.


title: Parque Güell

text: Gaudí concibió el parque con un sentido religioso a la vez que orgánico y urbanístico, ya que aprovechó el desnivel de 60 metros que tiene la montaña —cuya altura oscila de 150 a — para proyectar un camino de elevación espiritual, que conduciría a una capilla en su cima —que finalmente no se construyó—, en el lugar que actualmente ocupa el monumento al Calvario (o colina de las Tres Cruces).


title: Parque Güell

text: El parque se divide entre la zona monumental —la proyectada por Gaudí— y una zona forestal en la vertiente norte del monte Carmelo, que cuenta como elemento más destacado con la fuente de San Salvador de Horta: de origen remoto, es una mina natural de agua, situada en un paraje de plátanos, robles, fresnos y madroños. En la pared del surtidor destaca un plafón de cerámica con la imagen de san Salvador de Horta arrodillado frente a la Virgen con el Niño. El entorno fue remodelado en 1984 por Joaquim Casamor.


title: Parque Güell

text: Otros rincones del parque son el mirador de Joan Sales —dedicado a este escritor—, desde donde hay una excelente perspectiva de Barcelona, y la plaza de Moragas, donde hay un área infantil y de pícnic y una estela dedicada al pedagogo Jeroni de Moragas, obra de Rafael Solanic de 1969. Cerca de esta plaza, junto a la entrada de la avenida del Coll del Portell, se hallan los restos del castillo d'en Frey, una mansión señorial construida en 1928 por el arquitecto Xavier Turull y derruida en 1963, de la que solo queda el muro, una puerta y un capitel.


title: Parque Güell

text: Entre las especies vegetales, con posterioridad a la intervención de Gaudí las más plantadas han sido pitósporos y magnolios. Otras especies presentes en el parque son: acanto, adelfa, adelfilla, albahaca, alfalfa arbórea, aligustre, almez, aloe, arauja, árbol del amor, arrancamoños, bledo rastrero, brasera, campanita, castañuela, cebada, centranto, cerraja, cerrillo, chumbera, dondiego de noche, durillo, espárrago triguero, espino blanco, espino de fuego, euforbia, heliotropo, hiedra del cabo, hinojo, jazminorro, magarza, malva, mastuerzo marítimo, mijo negrillo, palmito, panizo velloso, pino carrasco, plumbago, pita, tipuana, tomatillo del diablo, trébol hediondo, tuya, viborera y zarzaparrilla.


title: Parque Güell

text: De la fauna del parque destacan especialmente las aves, de las que hay censadas unas sesenta especies. Algunas de ellas habitan allí todo el año (paloma, mirlo, gorrión, jilguero, garza, petirrojo, pinzón, estornino, carbonero, vencejo, verdecillo), mientras que otras se establecen temporalmente, sobre todo en épocas cálidas (golondrina, abubilla). El departamento de Parques y jardines de Barcelona fomenta la presencia de aves con la colocación de cajas-nido, comedores y abrevaderos.


title: Parque Güell

text: El parque cuenta con tiendas, bares y servicios, además de áreas infantiles, zona para perros, pistas de petanca y patinaje y áreas de pícnic.


title: Parque Güell

text: El acceso al parque presenta una estructura alegórica de gran simbolismo donde, dentro de los parámetros conceptuales que compartían Gaudí y el conde Güell, centrados en el catalanismo político y en la religión católica, se presenta la urbanización como una alegoría que representa lo más elevado del mundo terrenal y espiritual, con referencias tanto al avance de la industria y el desarrollo de la burguesía como a la cultura de tradición clásica grecorromana y, especialmente y por encima de todo, la presencia de la religión: el acceso al parque representa la entrada al Paraíso, al lugar utópico donde reina la calma y el bienestar.


title: Parque Güell

text: Gaudí situó la entrada en la parte más baja de la montaña (calle de Olot), la más cercana al núcleo urbano. Como acceso ideó una entrada monumental con un par de gacelas mecánicas que se abrirían con las dos puertas, pero que no llegó a construirse. En su lugar se instaló una puerta de madera hasta que, en 1965, se colocó una puerta de hierro forjado —con un modelado inspirado en las hojas de palmito— que fue trasladada al parque procedente de la casa Vicens, una de las primeras obras de Gaudí (1883-1888). El parque cuenta con otros ocho accesos: dos laterales en cada extremo de la calle de Olot, uno en la avenida del Santuario de San José de la Montaña, en la bajada de la Gloria, en la avenida del Coll del Portell, en la carretera del Carmelo, en el camino de Can Móra y en la calle del Torrent del Remei.


title: Parque Güell

text: En los dos lados de la reja de entrada se sitúan dos pabellones, que estaban destinados uno a portería y otro a administración y mantenimiento de la urbanización, así como a la recepción de visitas. Junto a los pabellones nace un muro que tenía que envolver el recinto, aunque solo se construyó parcialmente. Tiene una longitud de y una altura variable de entre 2 y . Está construido con piedra rústica del lugar y rematado con cerámica, en alternancia de franjas blancas y rojas, y cuenta con unos medallones con las inscripciones «Park» y «Güell». Hay un total de 15 medallones de diferentes colores, de forma circular y de diámetro. Tanto el muro como los pabellones se construyeron entre 1900 y 1903.


title: Parque Güell

text: En la entrada se sitúa un vestíbulo de para organizar los accesos al parque, a cuyos lados se sitúan dos áreas de servicio a modo de grutas: la de la izquierda estaba pensada para garaje y almacén, aunque actualmente alberga un bar y unos aseos; la de la derecha estaba destinada a refugio de carruajes. Esta última tiene una sala circular de bóveda tórica sostenida por una columna central de forma cónica, con una estructura que recuerda las patas de un elefante; dicha columna es semejante a la de la cripta del monasterio de Sant Pere de Rodes, posible lugar de inspiración del arquitecto. Ambas áreas de servicios tienen unos muros revestidos de cerámica de "trencadís" de diversos colores, rematados por almenas.


title: Parque Güell

text: Los pabellones de entrada son del más puro estilo gaudiniano, con una estructura orgánica reflejo del profundo estudio que Gaudí hacía de la naturaleza. Realizados con mampostería de piedra del lugar, destacan por sus bóvedas en forma de paraboloide hiperbólico, cubiertas con cerámica de vivos colores. Gaudí utilizó la técnica de la bóveda catalana o «bóveda tabicada», que consistía en la superposición de varias capas de ladrillos con argamasa. Algunas de las estructuras eran prefabricadas y luego instaladas en sus lugares correspondientes, con lo que Gaudí se adelantó de nuevo a las técnicas de construcción actuales.


title: Parque Güell

text: El pabellón de portería mide en planta y tiene una altura de . Está realizado en mampostería, con recubrimiento de "trencadís" en las ventanas, las cornisas y las almenas. El edificio está formado por dos cuerpos, uno de forma alargada que da a la calle y otro posterior, que cuenta con un porche de entrada con una columna de piedra. Tiene tres plantas: la baja está formada por tres crujías con columnas ochavadas que sostienen arcos parabólicos y cuenta con cuatro habitaciones (vestíbulo, comedor, cocina y sala de estar); en una entreplanta están los aseos; en el segundo piso se hallaban los dormitorios, en un total de cuatro; y en el tercer piso se halla el desván, cubierto con bóvedas hiperboloidales y con dos terrazas con almenas. En las ventanas del desván hay unas cruces de "trencadís" de formas alabeadas. Corona el edificio una torre con mirador, con una cúpula en forma de sombrerete acampanado que semeja un hongo —probablemente una amanita muscaria—. En la fachada que da a la calle hay unos plafones con la inscripción "Park Güell", como en el muro de entrada. Por la parte posterior y en un ángulo del edificio Gaudí instaló un urinario exterior rematado por un cono de "trencadís". En la actualidad en este edificio se halla el Centro de Interpretación del Park Güell, dependiente del Museo de Historia de Barcelona.


title: Parque Güell

text: El pabellón de administración tiene una altura de y planta de . Tiene dos plantas: en la inferior había una gran sala cuadrada que ahora está dividida en dos habitaciones, más otras dos estancias de forma absidal; de aquí parte una escalera curvilínea en cuyo tramo medio se encuentran los aseos en entreplanta; en el segundo piso hay una sala equivalente a la inferior, flanqueada de dos terrazas almenadas, con un remate de cúpula en forma de hongo, como el edificio anterior. Destaca en este edificio la torre situada en un lateral, de forma hiperboloidal y revestida de "trencadís" en ajedrezado blanco y azul. Está coronada por la típica cruz gaudiniana de cuatro brazos, que señala los cuatro puntos cardinales. De de altura, esta cruz fue destruida en 1936 y reconstruida con posterioridad a la Guerra Civil. En 1952 fue restaurada a causa de unas grietas, a cargo del arquitecto Adolf Florensa. Este edificio tiene también unos medallones con las palabras "Park Güell". En la actualidad se dedica a librería y tienda de souvenirs.


title: Parque Güell

text: Los pabellones combinan la piedra rústica con la cerámica en "trencadís", así como piezas de desecho: en la cúpula del pabellón de portería las vetas de la seta están formadas por tazas de café puestas boca abajo. También es de destacar su forma completamente orgánica y basada en superficies alabeadas, sin ningún ángulo recto. Por su fantasía formal y cromática se ha sugerido que los pabellones evocan el cuento de Hänsel y Gretel, cuya versión operística, a cargo de Engelbert Humperdinck, se representaba en el teatro del Liceo en 1901 —año de construcción de los pabellones—, con traducción de Joan Maragall, amigo de Güell y Gaudí.


title: Parque Güell

text: Del vestíbulo de entrada parte una escalinata que conduce a la sala Hipóstila —pensada como mercado de la urbanización—, construida entre 1900 y 1903. Dividida en dos ramales, tiene 45 escalones, en tres tramos de once escalones y uno de doce, con una longitud total de y una anchura de . Los muros que circundan la escalinata son de forma elíptica, con una altura máxima de . Son de cerámica, en alternancia de placas convexas blancas y otras cóncavas de colores variados, con una superficie de forma alabeada; estos muros están rematados por almenas, sobre una cornisa de piedra rústica que contiene jardineras de plantas colgantes. Muchas de estas piezas cerámicas fueron diseñadas por Pau Pujol, de la fábrica Pujol i Bausis. En su zona central alberga tres fuentes con conjuntos escultóricos, que representan los Países catalanes: Cataluña norte (francesa) y Cataluña sur (española).


title: Parque Güell

text: La primera fuente tiene forma trapezoidal, con una composición naturalista de falsos troncos, estalactitas y vegetación por donde cae el agua a una pequeña alberca. Su forma parece evocar un lugar llamado L'Argenteria, en el desfiladero de Collegats en el curso del río Noguera Pallaresa. En esta fuente Gaudí situó un círculo como símbolo del mundo y un compás como símbolo del arquitecto.


title: Parque Güell

text: La segunda fuente tiene forma de medallón de marco tórico y contiene el escudo de Cataluña y una serpiente, como alusión a la medicina —o bien en representación de la serpiente Nejustán que llevaba Moisés en su cayado—, rodeados de frutos de eucalipto. En su parte posterior tiene un banco de obra recubierto de "trencadís" blanco, de forma semicircular.


title: Parque Güell

text: En la tercera fuente se halla un dragón o salamandra hecho de ladrillo rasilla revestido de "trencadís" de colores, de de longitud. Existen diferentes versiones sobre su significado: puede representar la salamandra alquímica, que simboliza el elemento fuego; el mitológico Pitón del templo de Delfos; o bien el cocodrilo que aparece en el escudo de la ciudad de Nîmes, lugar donde se crio Güell. Esta figura se ha convertido en el emblema del jardín y uno de los de Barcelona. Una réplica de esta figura se encuentra en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid desde 1969. Sobre esta figura hay una pequeña construcción en forma de trípode, en alusión al utilizado por la pitonisa de Delfos. En el centro de este trípode hay una piedra que podría representar el "onphalos", el «ombligo del mundo» del oráculo de Delfos.


title: Parque Güell

text: En el último tramo de la escalinata se sitúa un banco en forma de odeón, situado de forma que le da el sol durante el invierno y la sombra durante el verano.


title: Parque Güell

text: A uno de los lados de la escalinata se sitúa el colegio CEIP Baldiri Reixac (antigua casa del conde Güell), mientras que al otro se encuentra el jardín de Austria, proyectado en los años 1960 por Lluís Riudor i Carol. Su nombre proviene de una donación de árboles efectuada por las autoridades de ese país con motivo de la exposición "Viena en Barcelona", celebrada en 1977. En 1981 se plantó aquí un cedro conmemorativo llamado "Raíces de hermandad" ("Wurzeln der Freundschaft"), donado por el vicegobernador de la provincia de Estiria, Franz Wegart.


title: Parque Güell

text: Sobre la escalinata se sitúa la «sala Hipóstila» o Sala de las cien columnas —también llamado «templo Dórico»—, de , que sirve de soporte a la plaza superior. Con de longitud, tiene planta cuadrada, excepto en el lado de la escalinata, donde está recortada en los laterales a modo de chaflanes. Construida entre 1908 y 1909, esta sala fue pensada para funcionar como mercado para el barrio residencial que Gaudí estaba creando, pero tal función quedó desestimada tras el fracaso del proyecto.


title: Parque Güell

text: Está compuesta por 86 columnas estriadas, de de alto y de diámetro, confeccionadas de mortero y escombro simulando mármol, y tienen revestimiento de "trencadís", hasta una altura de . Las columnas exteriores están ligeramente inclinadas para lograr un mejor equilibrio estructural. Son de orden dórico, aunque de ábaco octogonal en vez de cuadrado, y un equino circular pero aplastado. El techo está confeccionado con bóvedas semiesféricas convexas revestidas con "trencadís" blanco.


title: Parque Güell

text: Originalmente esta sala debía albergar 90 columnas, pero Gaudí eliminó cuatro de ellas y, en el espacio libre dejado en el techo, situó cuatro grandes plafones circulares a modo de rosetas, de de diámetro, que representan las cuatro estaciones del año, con dibujos de soles de 20 puntas, de distintos colores. Estos se complementan con 14 plafones más pequeños en el centro de las bóvedas, de un metro de diámetro, que representan el ciclo lunar, con dibujos de remolinos, hélices y espirales. Los plafones fueron obra de Jujol, el colaborador de Gaudí con más fantasía creativa, realizados en "trencadís" de cerámica y materiales de desecho.


title: Parque Güell

text: El punto central del parque lo constituye una inmensa plaza —la plaza de la Naturaleza— de forma oval de ( de largo por de ancho), construida entre 1907 y 1913. Según el plano original, la plaza central debía ser un teatro griego, apto para las reuniones comunitarias y para la celebración de eventos culturales y religiosos. En su parte exterior contiene una cornisa cubierta de gárgolas con forma de cabeza de león para desaguar la lluvia, así como triglifos y pequeñas figuras en forma de gota de agua.


title: Parque Güell

text: En el borde exterior, que sirve de balcón a la escalinata y la entrada del parque, se halla un banco de forma ondulada, de de longitud, recubierto de pequeñas piezas de cerámica y cristal obra de Josep Maria Jujol, con una de las técnicas preferidas del arquitecto, el "trencadís". En el otro extremo la plaza termina en un muro excavado en la montaña, que hace el efecto de un anfiteatro, sobre el cual hay un paseo de palmeras cerrado en la vertiente montañosa por un muro de columnas con forma de palmera. En esta pared había unas cuevas naturales que hoy día se utilizan como servicios.


title: Parque Güell

text: El banco ondulante está formado por una sucesión de módulos cóncavos y convexos de , con un diseño ergonómico adaptado al cuerpo humano. La base es de "trencadís" blanco y se corona con una decoración cerámica que recuerda los collages dadaístas o surrealistas, con motivos generalmente abstractos, pero también algún elemento figurativo, como los signos del zodíaco, estrellas, flores, peces o cangrejos. Jujol incluyó también rosas y frases alegóricas en homenaje a la Virgen María, en catalán y en latín, así como cruces y la letra J de Jujol. El "trencadís" se construyó con materiales de desecho, baldosas, botellas y trozos de vajilla. Predominan los colores azul, verde y amarillo, que para Gaudí simbolizaban la Fe, la Esperanza y la Caridad.


title: Parque Güell

text: Esta plaza está sin pavimentar, debido a que el agua que recoge procedente de precipitaciones es drenada y canalizada por las columnas que la sostienen y es acumulada en un depósito subterráneo de 1200 m³, para posteriormente ser empleada para regar el parque. Si el depósito sobrepasa un límite determinado, el agua sobrante es expulsada por el dragón que da la bienvenida al parque. Había también un manantial, el cual, debido al fracaso de la urbanización, el conde Güell decidió en 1913 comercializar el agua bajo la marca SARVA ("sar" y "va" son dos letras en sánscrito, iniciales de Śiva y Viṣṇu, dioses hindúes que significan el Todo).


title: Parque Güell

text: Gaudí construyó una serie de viaductos para transitar por el parque, lo suficientemente anchos para el paso de carruajes y con unos caminos porticados por debajo para el paso de transeúntes. Los caminos tienen una longitud total de tres kilómetros, que salvan el desnivel de la montaña () y comunican de forma óptima el nivel inferior con el superior. Hay también unos pequeños senderos de piedra que intercomunican estos viaductos a modo de atajos, a veces con escalones. Cada variante de camino tiene un ancho distinto: para la avenida principal, para las calles y de 1 a para los senderos. Gaudí procuró integrar estos viaductos en la montaña de la forma más natural posible, por lo que no hizo desmontes, sino que adaptó los caminos a la topografía y añadió donde era preciso muros de contención.


title: Parque Güell

text: Los viaductos están realizados con ladrillo y revestidos de piedra rústica, y tienen soluciones estructurales diferenciadas, inspiradas en distintos estilos arquitectónicos: el inferior (viaducto del Museo o "pont de Baix") en estilo gótico, el intermedio (viaducto del Algarrobo o "pont del Mig") barroco y el superior (viaducto de las Jardineras o "pont de Dalt") románico. El inferior tiene dos hileras de columnas inclinadas y en su parte superior alberga bancos y jardineras; el intermedio tiene tres hileras de columnas, las exteriores también inclinadas, y cuenta como elemento anecdótico con el tronco de un algarrobo que Gaudí decidió conservar (está catalogado como árbol de interés local de Barcelona); el superior también tiene tres hileras de columnas y alberga en la calzada una sucesión de bancos y de pilares de de altura rematados con tiestos que contienen pitas.


title: Parque Güell

text: El camino principal, llamado del Rosario por tener una hilera de bolas de piedra a modo de cuentas de un rosario, va desde la entrada por la carretera del Carmelo hasta la de la avenida del Santuario de San José de la Montaña, y atraviesa la plaza central. Tiene diez metros de ancho y se construyó sobre una antigua calzada romana que conducía a San Cugat del Vallés, conocida antiguamente como camino de San Severo. Las bolas del rosario son esféricas, de de diámetro, hay 150 y originalmente servían para separar el camino de los carruajes y de los transeúntes. En 1968 se colocó en la entrada de la avenida del Santuario de San José de la Montaña una puerta con reja de hierro procedente de la torre Mateu de Llinars del Vallès, una obra de cuya autoría se duda entre Gaudí y su ayudante Francesc Berenguer, que fue demolida en 1962.


title: Parque Güell

text: Entre la plaza del teatro griego y la casa Larrard se halla el llamado «pórtico de la Lavandera», apodado así por una columna de tipo cariátide esculpida en forma de lavandera, aunque otros estudiosos ven en la forma de esta columna una imitación de "La portadora de ofrendas", una famosa estatuilla egipcia conservada en el museo del Louvre. Este pórtico tiene forma de claustro románico —posiblemente inspirado en el de la catedral de Elne—, soportado por columnas dobles, las exteriores verticales, con forma de palmera, y las interiores inclinadas para soportar mejor el peso. La conjunción de estas columnas inclinadas con el muro interior curvado —inclinación procedente del talud natural de las tierras— crea un efecto como de ola marina. Un segundo tramo del pórtico es una rampa en forma de espiral, con columnas helicoidales. En total, este pórtico tiene un recorrido de de longitud. En la entrada del pórtico se encuentra una puerta de hierro con forma de «hígados de ternera», según una famosa frase de Salvador Dalí.


title: Parque Güell

text: En un promontorio de la parte alta del parque, en un lugar llamado antiguamente "turó de les Menes" («colina de las Minas», por unas minas de hierro que se encontraban en el lugar), a de altura, Gaudí pensaba construir una capilla, que debido al fracaso de la urbanización finalmente no se llevó a cabo. Esta capilla habría tenido un diámetro de , con forma lobulada, como una flor de seis pétalos, similar a la cripta de la Colonia Güell. Cuando este proyecto no se realizó, Gaudí diseñó en su lugar una monumental cruz con las insignias de la Pasión de Jesús: la cruz la coronaría una J con la corona de espinas y la inscripción "Aleluya"; en el travesaño se situarían los clavos de la crucifixión —en la intersección— y las letras griegas alfa y omega (símbolo del principio y el fin) en los extremos; y debajo se encontrarían los instrumentos de tortura del Nazareno (el látigo y la lanza de Longino) y la inscripción "Amén". Por un esbozo que dejó Gaudí, donde situaba una persona al pie de la cruz, se puede apreciar que esta habría tenido una altura de unos y un ancho de unos en el travesaño horizontal.


title: Parque Güell

text: Finalmente, en el lugar donde se habría situado la capilla, Gaudí construyó un monumento en forma de Calvario de tres cruces. Inspirado por el hallazgo de unas cuevas prehistóricas donde se hallaron restos fósiles, Gaudí concibió el Calvario como un monumento megalítico, al estilo de los talayots de la prehistoria balear. El monumento tiene planta circular y dos rampas de escaleras, en cuya cima se sitúan las tres cruces y desde donde hay una magnífica panorámica de Barcelona. Hay dos cruces más bajas (de ) y una más alta (), una de las cuales termina en forma de flecha. La orientación de las cruces indica los cuatro puntos cardinales y la que acaba en flecha apunta hacia el cielo, lo que da lugar a que se realicen especulaciones sobre su significado. Las cruces fueron destruidas en 1936, al inicio de la Guerra Civil, y reconstruidas en 1939. En 1995 el monumento fue restaurado.


title: Parque Güell

text: Los jardines de alrededor del Calvario tienen una estructura de terrazas con elementos de rocalla. Fueron diseñados por Lluís Riudor i Carol.


title: Parque Güell

text: En el recinto del parque, en el camino del Rosario, se encuentra la Casa-Museo Gaudí, lugar de residencia del arquitecto desde 1906 hasta 1925, pocos meses antes de su muerte, fecha en que pasó a residir en el taller de la Sagrada Familia. Aquí vivió con su padre, Francesc Gaudí Serra —fallecido en 1906 a los 93 años— y su sobrina, Rosa Egea Gaudí —fallecida en 1912 a los 36 años—. Diseñada por su ayudante Francesc Berenguer entre 1904 y 1906, fue construida como casa de muestra de la urbanización, hasta que fue adquirida por Gaudí cuando ya se veía el fracaso del proyecto. Es una casa de sótano y tres plantas, con dos terrazas y rematada por una alta torre coronada por una cruz y una veleta, rodeada por un jardín rústico cercado por un muro bajo, donde destaca una pérgola de arcos parabólicos recubierta de jazmín. La decoración, donde destacan los elementos de cerámica y los esgrafiados, es de estilo modernista y denota la influencia que sobre Berenguer ejercía su maestro.


title: Parque Güell

text: A la muerte del arquitecto fue puesta en venta y el importe fue destinado a las obras de la Sagrada Familia, según el testamento dejado por Gaudí. Fue adquirida por el matrimonio italiano Chiappo Arietti, hasta que en 1963 fue comprada por la asociación Amigos de Gaudí con el objetivo de fundar un museo dedicado al arquitecto reusense. En 1992 esta asociación donó su propiedad a la Junta Constructora del Templo Expiatorio de la Sagrada Familia.


title: Parque Güell

text: El museo alberga diversos muebles y objetos personales de Gaudí, como su dormitorio y su oratorio, además de algunos cuadros y esculturas, así como paneles informativos y audiovisuales dedicados al arquitecto. En el vestíbulo se encuentra un busto de bronce con la efigie del arquitecto elaborado por Joan Matamala. Entre los muebles hay mobiliario original procedente de la casa Calvet, la casa Batlló y la cripta de la Colonia Güell. En el jardín también se exponen diversos objetos, como la cruz de cuatro brazos del portal de la finca Miralles, una copia de una escultura de la Sagrada Familia titulada "Cosmos", una gárgola con forma de cabeza de león de la cornisa de la plaza del parque o unas rejas procedentes de la casa Vicens y la casa Milà.


title: Edvard Munch

text: Edvard Munch /ˈɛdvɑ:ʈ mʉŋk/ (Løten, 12 de diciembre de 1863-Oslo, 23 de enero de 1944) fue un pintor y grabador noruego. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX.


title: Edvard Munch

text: El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, él intentaba diseccionar almas. Por ello, los temas más frecuentes en sus obras fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad ("Melancolía"), la angustia ("El grito"), la muerte ("Muerte de un bohemio") y el erotismo ("Amantes", "El beso"). Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras, además del mejor pintor noruego de todos los tiempos.


title: Edvard Munch

text: Edvard Munch sería clasificado como simbolista y como representante temprano del expresionismo, que sería la tendencia artística predominante en la primera mitad del siglo XX. Desde muy joven, en la década de 1880, el artista Munch buscaba expresar sus experiencias emocionales en el arte.  Así representó la ruptura con el predominante enfoque del naturalismo en lo externo y objetivo. Se anticipó al cambio que inundaría la década de 1890 hacia lo subjetivo y lo psicológico. La temática existencial como la angustia, la muerte, el amor, los celos y la melancolía se vuelven fundamentales en su obra.


title: Edvard Munch

text: En su intento por expresar los "estados más sutiles del alma", Munch desarrolló su característico estilo. Para expresar sentimientos fuertes y sutiles era necesario otra forma de expresión diferente al naturalismo. En la obra de Munch se mezclan la realidad interior y exterior en grandes superficies limitadas por contornos claros.


title: Edvard Munch

text: "El grito", realizado en 1893, fue una de sus obras más importantes. La idea de esta obra va surgiendo despacio. En 1892 apunta:


title: Edvard Munch

text: Edvard Munch nació el 12 de diciembre de 1863 en Løten, Noruega. Hijo del médico militar Christian Munch y su esposa Laura Cathrine, tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana mayor murieron de tuberculosis cuando él era muy joven, y su padre era un hombre de economía modesta dominado por obsesiones de tipo religioso que falleció en 1889. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio.


title: Edvard Munch

text: Su padre Christian se casó con su madre Laura, una mujer el doble de joven, en 1861. Edvard tenía una hermana mayor, Johanne Sophie, y tres hermanos menores: Peter Andreas, Laura Catherine e Inger Marie. Laura tenía talento artístico y puede haber alentado a Edvard y Sophie. Edvard estaba emparentado con el pintor Jacob Munch y el historiador Peter Andreas Munch.


title: Edvard Munch

text: La familia se trasladó a Christiania (rebautizada como Kristiania en 1877 y ahora Oslo) en 1864 cuando Christian Munch fue nombrado oficial médico en la Fortaleza de Akershus. La madre de Edvard murió de tuberculosis en 1868, al igual que la hermana favorita de Munch, Johanne Sophie, en 1877. Después de la muerte de su madre, los hermanos Munch fueron criados por su padre y su tía Karen. A menudo enfermo durante gran parte de los inviernos y sin ir a la escuela, Edvard dibujaba para mantenerse ocupado. Fue instruido por sus compañeros de escuela y su tía. Christian Munch también instruyó a su hijo en historia y literatura, y entretuvo a los niños con vívidas historias de fantasmas y los cuentos del escritor estadounidense Edgar Allan Poe.


title: Edvard Munch

text: Tal como lo recordaba Edvard, el comportamiento positivo de Christian hacia sus hijos se vio ensombrecido por su morboso pietismo. Munch escribió: "Mi padre era temperamentalmente nervioso y obsesivamente religioso, hasta el punto de la psiconeurosis. De él heredé las semillas de la locura. Los ángeles del miedo, el dolor y la muerte estuvieron a mi lado desde el día en que nací". Christian reprendía a sus hijos diciéndoles que su madre les miraba desde el Cielo y se afligía por su mal comportamiento. El entorno religioso opresivo, la mala salud de Edvard y las vívidas historias de fantasmas ayudaron a inspirar sus macabras visiones y pesadillas; el niño sentía que la muerte avanzaba constantemente hacia él. A una de las hermanas menores de Munch, Laura, le diagnosticaron una enfermedad mental a una edad temprana. De los cinco hermanos, solo Andreas se casó, pero murió unos meses después de la boda. Munch escribiría más tarde: "Heredé dos de los enemigos más temibles de la humanidad: la herencia de la tuberculosis y la locura".


title: Edvard Munch

text: La paga militar de Christian Munch era muy baja, y sus intentos de desarrollar una práctica paralela privada fracasaron, manteniendo a su familia en una pobreza perenne. Se mudaban con frecuencia de un piso barato a otro. Los primeros dibujos y acuarelas de Munch representaban estos interiores y los objetos individuales, como frascos de medicamentos e instrumentos de dibujo, además de algunos paisajes. En su adolescencia, el arte ya dominaba los intereses de Munch. A los 13 años, Munch fue a su primera exposición junto a otros artistas en la Asociación de Arte recién formada, donde admiró el trabajo de la escuela de paisaje noruega. Volvió para copiar las pinturas, y pronto comenzó a pintar al óleo.


title: Edvard Munch

text: En 1879, Munch se matriculó en un colegio técnico para estudiar ingeniería, donde se destacó en física, química y matemáticas. Aprendió el dibujo a escala y en perspectiva, pero las frecuentes enfermedades interrumpieron sus estudios. Al año siguiente, para gran decepción de su padre, Munch dejó la universidad decidido a convertirse en pintor. Su padre veía el arte como un "oficio profano", y sus vecinos reaccionaron con amargura y le enviaron cartas anónimas. En contraste con el pietismo rabioso de su padre, Munch adoptó una postura no dogmática hacia el arte. Escribió su objetivo en su diario: "En mi arte intento explicarme la vida y su significado".


title: Edvard Munch

text: En 1881, Munch se matriculó en la Real Escuela de Arte y Diseño de Kristiania, uno de cuyos fundadores fue su pariente lejano Jacob Munch. Sus maestros fueron el escultor Julius Middelthun y el pintor naturalista Christian Krohg. Ese año, Munch demostró su rápida absorción del aprendizaje en la academia en sus primeros retratos, incluido uno de su padre y su primer autorretrato. En 1883, Munch participó en su primera exposición pública y compartió un estudio con otros estudiantes. Su retrato de cuerpo entero de Karl Jensen-Hjell, un notorio bohemio de la ciudad, obtuvo la respuesta desdeñosa de un crítico: "Es impresionismo llevado al extremo. Es una parodia del arte". Las pinturas de desnudos de Munch de este período sobreviven solo en bocetos, a excepción de "Desnudo de pie" (1887). Es posible que fueran confiscadas por su padre.


title: Edvard Munch

text: Desde muy joven, Munch fue influenciado por impresionistas como Édouard Manet y más tarde por artistas del postimpresionismo como Vincent van Gogh y Paul Gauguin. Durante estos primeros años, experimentó con muchos estilos, incluidos el naturalismo y el impresionismo. Algunas obras tempranas recuerdan a Manet. Muchos de estos intentos le acarrearon críticas desfavorables por parte de la prensa y le valieron constantes reproches por parte de su padre, quien, sin embargo, le proporcionó pequeñas sumas para los gastos de manutención. En un momento, sin embargo, el padre de Munch, tal vez influenciado por la opinión negativa del primo de Munch, Edvard Diriks (un pintor tradicional establecido), destruyó al menos una pintura (probablemente un desnudo) y se negó a adelantar más dinero para materiales de arte.


title: Edvard Munch

text: Munch también soportó la ira de su padre por su relación con Hans Jæger, el nihilista local que vivía según el código "la pasión por destruir es también una pasión creativa" y que abogaba por el suicidio como el último camino hacia la libertad. Munch cayó bajo su malévolo hechizo antisistema. "Mis ideas se desarrollaron bajo la influencia de los bohemios o más bien bajo la influencia de Hans Jæger. Mucha gente ha afirmado erróneamente que mis ideas se formaron bajo la influencia de Strindberg y los alemanes... pero eso es incorrecto. Ya se habían formado para entonces". En ese momento, a diferencia de muchos de los otros bohemios, Munch todavía era respetuoso con las mujeres, además de reservado y de buenos modales, pero comenzó a ceder ante las borracheras y las peleas de su círculo. Estaba inquieto por la revolución sexual que estaba ocurriendo en ese momento y por las mujeres independientes que lo rodeaban. Más tarde se volvió cínico en materia sexual, expresandolo no solo en su comportamiento y su arte, sino también en sus escritos, un ejemplo es un largo poema llamado "La ciudad del amor libre". Aún dependiendo de su familia para muchas de sus comidas, la relación de Munch con su padre se mantuvo tensa por las preocupaciones sobre su vida bohemia.


title: Edvard Munch

text: Después de numerosos experimentos, Munch llegó a la conclusión de que el lenguaje impresionista no le permitía una expresión suficiente. Lo encontró superficial y demasiado parecido a la experimentación científica. Sintió la necesidad de profundizar y explorar situaciones llenas de contenido emocional y energía expresiva. Bajo el mandato de Jæger de que Munch debería "escribir su vida", lo que significa que Munch debería explorar su propio estado emocional y psicológico, el joven artista comenzó un período de reflexión y autoexamen, registrando sus pensamientos en su "diario del alma". Esta perspectiva más profunda lo ayudó a trasladarse a una nueva visión de su arte. Escribió que su pintura "La niña enferma" (1886), basada en la muerte de su hermana, fue su primera "pintura del alma", su primera ruptura con el impresionismo. La pintura recibió una respuesta negativa de los críticos y de su familia, y provocó otro "estallido violento de indignación moral" de la comunidad.


title: Edvard Munch

text: Solo su amigo Christian Krohg lo defendió: "Pinta, o más bien mira, las cosas de una manera diferente a la de otros artistas. Ve sólo lo esencial, y eso, naturalmente, es todo lo que pinta. Por esta razón, las imágenes de Munch son, por regla general, "incompletas", como la gente está encantada de descubrir por sí misma. Ah, sí, están completos. Su obra completa. El arte está completo una vez que el artista realmente ha dicho todo lo que tenía en mente, y esta es precisamente la ventaja que tiene Munch sobre los pintores de la otra generación, que realmente sabe cómo mostrarnos lo que ha sentido y lo que lo ha cautivado. y a esto subordina todo lo demás."


title: Edvard Munch

text: Munch continuó empleando una variedad de técnicas de pinceladas y paletas de colores durante la década de 1880 y principios de la de 1890, mientras luchaba por definir su estilo. Su lenguaje continuó oscilando entre el posimpresioista, como se ve en "Retrato de Hans Jæger", y el impresionista, como en la "Rue Lafayette". Su "Inger en la playa" (1889), que provocó otra tormenta de confusión y controversia, insinúa las formas simplificadas, los contornos pesados, los contrastes agudos y el contenido emocional de su estilo maduro por venir. Comenzó a calcular cuidadosamente sus composiciones para crear tensión y emoción. Aunque influenciado estilísticamente por los postimpresionistas, lo que evolucionó fue un tema de contenido simbolista, que representaba un estado mental en lugar de una realidad externa. En 1889, Munch presentó su primera exposición individual de casi todas sus obras hasta la fecha. El reconocimiento que recibió dio lugar a una beca estatal de dos años para estudiar en París con el pintor francés Léon Bonnat.


title: Edvard Munch

text: Munch parece haber sido uno de los primeros críticos de la fotografía como forma de arte, y comentó que "nunca competirá con el pincel y la paleta, ¡hasta el momento en que se puedan tomar fotografías en el cielo o en el infierno!"


title: Edvard Munch

text: La hermana menor de Munch, Laura, fue el tema de su "Melancolía interior" de 1899. Amanda O'Neill dice sobre la obra: "En esta acalorada escena claustrofóbica, Munch no solo retrata la tragedia de Laura, sino también su propio temor a la locura que podría haber heredado".En 1885 hizo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin. Visita allí el Salón y el Louvre, que le impresionó notablemente. Ese mismo año participó en la Feria Mundial de Amberes. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista comienza a pintar tres de sus obras capitales: "El día siguiente", "Pubertad" y "La niña enferma", la cual causa un escándalo en la Exposición de Otoño de Oslo en el año 1886.


title: Edvard Munch

text: No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista. En su primera exposición individual con 110 cuadros en Oslo hizo que una parte del público lo aclamara con entusiasmo.


title: Edvard Munch

text: Munch llegó a París durante las celebraciones de la Exposición Universal (1889) y se alojó con dos compañeros artistas noruegos. Su cuadro "Mañana" (1884) se exhibió en el pabellón noruego. Pasaba las mañanas en el ajetreado estudio de Bonnat (que incluía modelos femeninas) y las tardes en la exposición, las galerías y los museos (donde se esperaba que los estudiantes hicieran copias como una forma de aprender técnicas y observar). Munch registró poco entusiasmo por las lecciones de dibujo de Bonnat: "Me cansa y me aburre, me adormece", pero disfrutó de los comentarios del maestro durante los viajes al museo.


title: Edvard Munch

text: Munch quedó cautivado por la gran muestra de arte europeo moderno, incluidas las obras de tres artistas que serían influyentes para él: Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec, todos notables por cómo usaron el color para transmitir emociones. Munch se inspiró particularmente en la "reacción contra el realismo" de Gauguin y su credo de que "el arte era obra humana y no una imitación de la naturaleza", una creencia declarada anteriormente por Whistler. Como dijo más tarde uno de sus amigos de Berlín sobre Munch, "él no necesita ir a Tahití para ver y experimentar lo primitivo de la naturaleza humana. Lleva su propio Tahití dentro de él". Influenciado por Gauguin, así como por los aguafuertes del artista alemán Max Klinger, Munch experimentó con grabados como medio para crear versiones gráficas de sus obras. En 1896 creó sus primeros grabados en madera, un medio que resultó ideal para las imágenes simbólicas de Munch. Junto con su contemporáneo Nikolai Astrup, Munch es considerado un innovador del medio grabado en madera en Noruega.En diciembre de 1889 murió su padre, dejando a la familia de Munch en la indigencia. Regresó a casa y arregló un gran préstamo de un rico coleccionista noruego cuando los parientes adinerados no lo ayudaron, y asumió la responsabilidad financiera de su familia a partir de ese momento. La muerte de Christian lo deprimió y estaba plagado de pensamientos suicidas: "Vivo con los muertos: mi madre, mi hermana, mi abuelo, mi padre... Suicídate y luego se acabó. ¿Por qué vivir?" Las pinturas de Munch del siguiente año incluyeron escenas de tabernas incompletas y una serie de paisajes urbanos brillantes en los que experimentó con el estilo puntillista de Georges Seurat.


title: Edvard Munch

text: En el año 1890 la influencia del postimpresionismo en sus obras fue muy notoria. Ese mismo año recibe su segunda beca estatal. Un año más tarde comenzó a desarrollar los motivos del "Friso de la vida", ciclo pictórico que incluye muchas de sus obras más conocidas que en su conjunto pretenden dar una visión unitaria de la vida, donde se plasman ampliamente las memorias personales de Munch, incluyendo la devastadora pérdida de su madre, Laura Munch, y de su hermana favorita, Sophie.


title: Edvard Munch

text: En 1892, Munch formuló su estética sintetista característica y original, como se ve en "Melancolía" (1891), en la que el color es un elemento cargado de símbolos. Considerada por el artista y periodista Christian Krohg como la primera pintura simbolista de un artista noruego, "Melancolía" fue expuesta en 1891 en la Exposición de Otoño de Oslo.


title: Edvard Munch

text: En 1892, Adelsteen Normann, en nombre de la Unión de Artistas de Berlín, invitó a Munch a exponer en su exposición de noviembre, la primera exposición individual de la sociedad. Sin embargo, sus pinturas provocaron una amarga controversia (apodada "El caso Munch") y, después de una semana, la exposición cerró. Munch estaba complacido con la "gran conmoción" y escribió en una carta: "Nunca había pasado un momento tan divertido; es increíble que algo tan inocente como la pintura haya creado tal revuelo".


title: Edvard Munch

text: "Para el joven Munch, que no era particularmente bien recibido aquí en casa, esta invitación de Berlín fue un honor y un estímulo", escribió Jens Thiis, quien después se convirtió en director de la Galería Nacional de Noruega en Oslo. La exposición se anunció como "Cuadros en la línea de Ibsen", que debería durar 14 días, del 5 al 19 de noviembre. El espacio de exhibición fue el recién renovado Salón de Honor en la rotonda de la planta baja del “Architektenhaus” en la Wilhelmstraße. La Asociación de Arquitectos de Berlín organizaba regularmente exposiciones especiales allí. El edificio de la asociación de arquitectos erigido por Wilhelm Böckmann en 1876-77 fue demolido en 1934.


title: Edvard Munch

text: Munch llevó consigo un total de 55 pinturas a Berlín, "que mostraban su desarrollo artístico desde la década de 1880, un desarrollo que comenzaba con el realismo radical y presentaba después la influencia del impresionismo francés y el posimpresionismo en las pinturas más recientes". Al respecto escribió Reinhold Heller: “Las características de los últimos movimientos artísticos parisinos de vanguardia se pueden ver en estas obras, que en su radicalismo superan fácilmente todo lo producido por los artistas berlineses más progresistas, como Max Liebermann y los otros miembros del recién fundado Grupo de los XI. Obras que la crítica también consideró ""tan inusual a nuestros ojos que a primera vista uno difícilmente puede orientarse en este colorido juego de manchas de color violeta y verde"."


title: Edvard Munch

text: Junto a las pinturas de Munch de su fase impresionista, como la "Rue Lafayette", estaban otras como "El día después" (1895), la vista de una mujer joven después de una noche de copas. Estas obras no provocaron indignación por sus motivos, sino por su estilo de pintura. Al aplicar y raspar repetidamente la pintura, Munch trató de hacer visible la dolencia física y la extinción de una persona.


title: Edvard Munch

text: El título "Cuadros en la línea de Ibsen" sugería nuevas representaciones de paisajes noruegos como montañas y fiordos, con los que pintores como Hans Dahl y Adelsteen Normann tuvieron éxito comercial en ese momento; Pero pronto quedó claro para todos los artistas de Berlín y los visitantes de la exposición que “Munch no era un pintor dócil de estados de ánimo, sino, como lo expresó el Illustrirte Zeitung,""uno de los impresionistas modernos más atrevidos, cuyo arte se burla de todas las tradiciones de los movimientos más antiguos".“ En el "Kunstchronik", el suplemento de la "Revista de bellas artes", el historiador del arte y publicista Adolf Rosenberg explicó:


title: Edvard Munch

text: Poco después de su inauguración, Munch escribió a su familia: ""Sí, la exposición ya está abierta, y es un escándalo colosal, porque aquí hay una masa de miserables pintores ancianos que están furiosos por la nueva dirección del arte." "- Los periódicos se quejan terriblemente - pero en algunos me han elogiado." "– Pero a todos los jóvenes les gustan mucho mis pinturas". Resulta curioso el rechazo provocado por las obras de Munch, que prefiguraban el expresionismo, en la ciudad que pocos años después acogería a los mayores representantes de ese estilo.


title: Edvard Munch

text: Las obras de Munch sorprendieron al ala conservadora de la asociación. El escultor Max Kruse escribió sobre los hechos del 5 de noviembre de 1892: ""Habíamos invitado a Edvard Munch a una exposición." "Pero no teníamos idea del estallido de indignación, sí de ira, entre los viejos caballeros".” En el “Freien Bühne”", Walter Selber" escribió con intención amargamente irónica: “"¡Eso debería ser arte!" "¡Oh miseria, miseria!" "¡Era diferente de cómo lo pintamos, era nuevo, extraño, repulsivo, feo, malvado!" "¡Fuera las pinturas, fuera, fuera!" El pintor impresionista Walter Leistikow se escondió detrás del seudónimo.


title: Edvard Munch

text: Surgió una animada discusión tanto en la prensa alemana como en la Asociación de Artistas de Berlín sobre "si un 'impresionista' que niega la tradición tiene derecho a exponer en el club, o si su obra es un 'insulto a todos esos artistas honestamente esforzados a los que [. . . ] se roba la luz y el espacio, por lo «que uno tendría derecho a cerrar la exposición para no insultar más al público.


title: Edvard Munch

text: Poco después de ver la exposición, los ejecutivos de la asociación regresaron corriendo a la sala de reuniones y "Anton von Werner declaró que la exposición era una burla al arte, llena de obscenidad y mezquindad, y la cerró". Pero no estaba en el poder de Werner cerrar la exposición de Munch inmediatamente después de su inauguración. Hubo resistencia a esto dentro de la asociación, especialmente entre los miembros más jóvenes. “Sin embargo, no tanto, porque la gente estuviera entusiasmada con Munch. Se trataba de la libertad de cada artista para seguir sus propios caminos, incluso los no convencionales. Los estatutos se oponían a la clausura inmediata por lo que se convocó a asamblea general extraordinaria.


title: Edvard Munch

text: En esa asamblea general “tumultuosa” , 23 artistas, entre ellos Hermann Eschke, Wilhelm Streckfuss, Emil Hundrieser y Louis Douzette, exigieron que la rotonda se cerrara de inmediato y “por respeto a los esfuerzos artísticos honestos en el deseo ciertamente justificado de Asociación de Artes de Berlín y de la sospecha de que era indigna"


title: Edvard Munch

text: Una contramoción presentada por 30 artistas encabezados por Karl Breitbach, Karl Köpping, Otto Brausewetter y August von Heyden exigía que la exposición fuera reemplazada por otra. Werner, que no había votado como presidente de la reunión, pudo prevalecer en la votación. Con 120 votos contra 105, se aceptó la moción del grupo en torno a Hermann Eschke y se decidió clausurar la exposición. Así las obras de Munch se retiraron a los pocos días.


title: Edvard Munch

text: Aunque estuvo desde 1892 viviendo en Alemania varios años, sobre todo en Berlín, hizo frecuentes viajes a Noruega y París, donde realizó numerosas exposiciones como la de Berlín.


title: Edvard Munch

text: En 1893 entabla relaciones con la tertulia del «Cochinillo negro»"(Zum schwarzen Ferkel"), lugar frecuentado por los artistas de la época. Ese mismo año pinta "El grito", una de sus más importantes obras. En Berlín, Munch se involucró en un círculo internacional de escritores, artistas y críticos, incluido el dramaturgo sueco y destacado intelectual August Strindberg, a quien pintó en 1892. También conoció al escritor y pintor danés Holger Drachmann, a quien pintó en 1898. Drachmann era 17 años mayor que Munch y uno de sus compañeros de bebida en la taberna del Cochinillo Negro ("Zum schwarzen Ferkel") en el periodo 1893-1894. En 1894, Drachmann escribió sobre Munch: "Lucha mucho. Buena suerte con tus luchas, noruego solitario".


title: Edvard Munch

text: Durante sus cuatro años en Berlín, Munch esbozó la mayoría de las ideas que conformarían su principal obra, "El friso de la vida", primero diseñada para la ilustración de libros pero luego expresada en pinturas. Vendió poco, pero obtuvo algunos ingresos cobrando entradas para ver sus controvertidas pinturas. Munch ya estaba mostrando renuencia a desprenderse de sus pinturas, a las que llamaba sus "hijos".


title: Edvard Munch

text: Sus otras pinturas, incluidas las escenas de casino, muestran una simplificación de formas y detalles que marcaron su estilo maduro temprano. Munch también comenzó a preferir un espacio pictórico poco profundo y un fondo mínimo para sus figuras frontales. Dado que las poses se elegían para producir las imágenes más convincentes de estados mentales y condiciones psicológicas, como en "Cenizas", las figuras tienen una calidad monumental y estática. Las figuras de Munch parecen representar papeles en el escenario de un teatro ("Muerte en la habitación del enfermo"), cuya pantomima de posturas fijas significa diversas emociones; dado que cada personaje encarna una sola dimensión psicológica, como en "El Grito", los hombres y mujeres de Munch comenzaron a parecer más simbólicos que realistas. Escribió: "Ya no deberían pintarse los interiores, la gente leyendo y las mujeres tejiendo: habría que pintar gente viva, respirando y sintiendo, sufriendo y amando".


title: Edvard Munch

text: Entre 1894 y 1897 crea sus primeros aguafuertes mientras continúa realizando exposiciones en Estocolmo, Berlín y Oslo, una de sus exposiciones con más éxito. Con el estudio de Toulouse-Lautrec, Bonnard y Vuillard creó una serie de bocetos mediante una técnica que puede considerarse un invento común de ambos, como eran los bocetos de óleo sobre papel o bien sobre tableros unidos con cola en los que no se trabajaba el fondo.


title: Edvard Munch

text: "El grito" existe en cuatro versiones: dos pasteles (1893 y 1895) y dos pinturas (1893 y 1910). También hay varias litografías de "El grito" (1895 y posteriores).


title: Edvard Munch

text: El pastel de 1895 se vendió en una subasta el 2 de mayo de 2012 por 119.922.500 USD, incluida la comisión de venta. Es la más colorida de las versiones y se distingue por la postura mirando hacia abajo de una de sus figuras de fondo. También es la única versión que no está en manos de un museo noruego.


title: Edvard Munch

text: La versión de 1893 fue robada de la Galería Nacional de Oslo en 1994 y luego recuperada. La pintura de 1910 fue robada en 2004 del Museo Munch de Oslo, pero se recuperó en 2006 con daños limitados.


title: Edvard Munch

text: "El grito" es la obra más famosa de Munch y una de las pinturas más reconocibles de toda la historia del arte. Se ha interpretado ampliamente que representa la ansiedad universal del hombre moderno. Pintada con amplias franjas de color chillón y formas muy simplificadas, y empleando un punto de vista alto, reduce la figura agonizante a un cráneo ataviado en medio de una crisis emocional.


title: Edvard Munch

text: Con esta pintura, Munch cumplió su objetivo declarado "del estudio del alma, es decir, el estudio de mí mismo". Más tarde describió la angustia personal detrás de la pintura: "durante varios años estuve casi loco… ¿Conoces mi cuadro, 'El Grito?' Estaba tensionado hasta el límite: la naturaleza gritaba en mi sangre... Después de eso, perdí la esperanza de poder volver a amar".


title: Edvard Munch

text: En 2003, al comparar la pintura con otras grandes obras, la historiadora del arte Martha Tedeschi escribió:


title: Edvard Munch

text: ""La madre" de Whistler, el "Gótico americano" de Wood, la "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci y "El grito" de Edvard Munch han logrado algo que la mayoría de las pinturas, independientemente de su importancia histórica artística, belleza o valor monetario, no han logrado: comunican un significado específico casi de inmediato a cada espectador. Estas pocas obras han hecho con éxito la transición del ámbito de la élite visitante de museos al enorme lugar de la cultura popular."


title: Edvard Munch

text: De aquí no hay más que un pequeño paso hacia el estilo completamente nuevo que Munch desarrollaría en el "Friso de la vida", en que destacarían cuadros como "Pubertad", que refleja por primera vez una asociación entre miedo y sexualidad; "Melancolía", serie sobre la plenitud y el fin del amor, al igual que "Celos". Munch termina con estos ciclos del "Friso de la vida" en el año 1900 y empieza a exponerlos en 1902 y en 1905 en Praga, intentando plasmar un terreno más tradicional. Retratos, paisajes y pinturas de estudio le preocupan cada vez más.


title: Edvard Munch

text: El friso de la vida es una compilación de obras clave del pintor noruego Edvard Munch, en su mayoría pintadas en la década de 1890. Munch describió el friso como una "poesía sobre la vida, el amor y la muerte", con la que también nombró los temas centrales de su obra. El friso de "la vida" no incluye un número de obras claramente definido. Munch pintó muchos motivos varias veces y las imágenes resultantes no se pueden combinar en un ciclo uniforme en términos de tamaño, forma y motivo. Más bien, el término, que no se estableció hasta 1918, es un título para varias combinaciones de imágenes que hizo Munch a partir de 1893. Con el tiempo, los motivos se expandieron desde el tema original del amor a todos los aspectos de la vida humana.


title: Edvard Munch

text: En un texto de 1918, en el que acuñó por primera vez el término "Lebensfrieze" para la compilación de sus obras centrales, Munch afirmó que las primeras notas sobre la idea de tal ciclo pictórico se remontan a la década de 1880. Primero expuso su friso en 1892 en Kristiania, ahora Oslo. Sin embargo, estas declaraciones no pueden probarse. La primera compilación comprobada de seis pinturas bajo el título de "Estudio para una serie "Amor"" tuvo lugar en diciembre de 1893 en Berlín en un espacio de exposición alquilado en Unter den Linden. Eran "La Voz", "El Beso", "Vampiro", "Madonna", "Melancolía" y "El Grito". Según Hans Dieter Huber, el orden de las imágenes cuenta una historia de amor, desde la atracción de los sexos en una noche de verano, un beso y el robo de los poderes del hombre, hasta el resplandor de la mujer en plena floración y el hundimiento del hombre en basta la melancolía hasta el miedo final de la vida.


title: Edvard Munch

text: En octubre de 1894, la mayor exposición individual de Edvard Munch hasta la fecha tuvo lugar en la Sociedad de Arte de Estocolmo. Presentó sus obras en un total de cinco secciones, la última de las cuales se tituló "Estudios sobre un estado de ánimo Serie "Amor"" . En él exhibió 14 pinturas y una viñeta basada en el motivo de la "melancolía", que Munch había diseñado para la colección de poemas "Alruner" de su amigo Emanuel Goldstein. Deja que la historia de amor comience en la naturaleza y todavía termina con el "Grito". Algunos motivos se duplican y, por lo tanto, varían para el espectador, lo que rompe con la linealidad de la narrativa pictórica. Las novedades de la serie son "La mujer en tres etapas", "Cenizas", "Metabolismo", "Manos", "Noche estrellada", "La niña y la muerte", "Ojo a ojo" y "Ansiedad". En marzo de 1895, en otra exposición en Berlín, el ciclo existe bajo el título "Serie: Amor (1-14)" hay 14 pinturas. El orden ahora es: "Misticismo de playa", "Voz", "Beso", "Vampiro", dos versiones de "Madonna", "La mujer en tres etapas", "Desprendimiento", "Manos", dos versiones de "Melancolía" seguidas de "Desesperación" y "Llorar".


title: Edvard Munch

text: La palabra "friso" en lugar de "serie" fue utilizada por Munch por primera vez en 1902 en la quinta exposición de la Secesión de Berlín, donde se tituló "Friso (en la sala de esculturas)." "representación de una serie de cuadros de la vida", toda una sala se pone a disposición de sus cuadros. En correspondencia con las cuatro paredes de la sala, Munch dividió un total de 22 obras en cuatro secciones:


title: Edvard Munch

text: Según Hans Dieter Huber, la secuencia aún sugiere una secuencia narrativa lineal que va desde el primer encuentro del hombre y la mujer, el florecimiento y desvanecimiento de su amor hasta el miedo, la desesperación, la enfermedad y la muerte. Solo con el motivo bíblico "hombre y mujer/metabolismo" Munch comenzó a describir la vida como un ciclo. La exposición de 1902 fue la última presentación conjunta importante del friso durante la vida de Munch antes de que la colección se dispersara y liquidara a través de las ventas.


title: Edvard Munch

text: Munch a menudo usa sombras y anillos de color alrededor de sus figuras para enfatizar un aura de miedo, amenaza, ansiedad o intensidad sexual. Estas pinturas han sido interpretadas como reflejos de las inquietudes sexuales del artista, aunque también se podría argumentar que representan su turbulenta relación con el amor mismo y su pesimismo general sobre la existencia humana. Muchos de estos bocetos y pinturas se realizaron en varias versiones, como "Madona, Manos" y "Pubertad", y también se transcribieron como grabados en madera y litografías. Munch odiaba separarse de sus pinturas porque pensaba en su obra como un solo cuerpo de expresión. Entonces, para capitalizar su producción y obtener algunos ingresos, recurrió a las artes gráficas para reproducir muchas de sus pinturas, incluidas las de esta serie. Munch admitió los objetivos personales de su obra, pero también ofreció su arte a un propósito más amplio: "Mi arte es realmente una confesión voluntaria y un intento de explicarme a mí mismo mi relación con la vida; por lo tanto, es en realidad una especie de egoísmo, pero tengo la esperanza constante de que a través de esto pueda ayudar a otros a lograr más claridad".


title: Edvard Munch

text: Mientras atraía reacciones fuertemente negativas, en la década de 1890, Munch comenzó a recibir cierta comprensión de sus objetivos artísticos, como escribió un crítico: "Con un desprecio despiadado por la forma, la claridad, la elegancia, la totalidad y el realismo, pinta con la fuerza intuitiva del talento visiones sutiles del alma.” Uno de sus grandes partidarios en Berlín fue Walther Rathenau, más tarde ministro alemán de Relaciones Exteriores, quien contribuyó fuertemente a su éxito.


title: Edvard Munch

text: En 1896, Munch se trasladó a París, donde se centró en las representaciones gráficas de sus temas del "Friso de la vida". Desarrolló aún más su técnica de la xilografía y la litografía. El "Autorretrato con brazo esquelético" de Munch (1895) está hecho con un método de aguafuerte con aguja y tinta que también usó Paul Klee.[65] Munch también produjo versiones multicolores de The Sick Child, sobre la tuberculosis, que se vendieron bien, así como varios desnudos y múltiples versiones de Kiss (1892). En mayo de 1896, Siegfried Bing realizó una exposición de la obra de Munch dentro de la Maison de l'Art Nouveau de Bing. La exposición mostró 60 obras, incluidas "El beso, El grito, Madonna, El niño enfermo, La cámara de la muerte y El día después". La exposición de Bing ayudó a presentar a Munch a la audiencia francesa. Aun así, muchos de los críticos parisinos todavía consideraban el trabajo de Munch como "violento y brutal", incluso si sus exposiciones recibieron una gran atención y una buena asistencia. Su situación económica mejoró considerablemente y, en 1897, Munch se compró una casa de verano frente a los fiordos de Kristiania, una pequeña cabaña de pescadores construida a finales del siglo XVIII, en el pequeño pueblo de Åsgårdstrand en Noruega. Llamó a esta casa la "Casa Feliz" y regresó allí casi todos los veranos durante los siguientes 20 años. Era este lugar que extrañaba cuando estaba en el extranjero y cuando se sentía deprimido y agotado. Decía al respecto: "Pasear por Åsgårdstrand es como caminar entre mis cuadros: me inspiro mucho para pintar cuando estoy aquí".


title: Edvard Munch

text: En 1897, Munch regresó a Kristiania, donde también recibió una aceptación a regañadientes; un crítico escribió: "Una buena cantidad de estas imágenes se han exhibido antes. En mi opinión, mejoran con el conocimiento". En 1899, Munch comenzó una relación íntima. con Tulla Larsen, una mujer de clase alta "liberada". Viajaron juntos a Italia y al regresar, Munch comenzó otro período fértil en su arte, que incluyó paisajes y su pintura final de la serie "El friso de la vida", "La danza de la vida" (1899). Larsen estaba ansiosa por casarse, pero Munch mucho menos. Su consumo de alcohol y su mala salud reforzaron sus temores, como escribió en tercera persona: "Desde que era niño había odiado el matrimonio. En su hogar, enfermo y nervioso, le había dado la sensación de que no tenía derecho a casarse".[ 71] Munch estuvo a punto de ceder ante Tula, pero huyó de ella en 1900, alejándose también de su considerable fortuna, y se trasladó a Berlín. Su "Chicas en el embarcadero", creada en 18 versiones diferentes, demostró el tema de la juventud femenina sin connotaciones negativas.


title: Edvard Munch

text: En 1902, exhibió sus obras temáticamente en el salón de la Secesión de Berlín, produciendo "un efecto sinfónico, que causó un gran revuelo, mucho antagonismo y mucha aprobación". Los críticos de Berlín comenzaban a apreciar la obra de Munch a pesar de que el público todavía encontraba su trabajo extraño.


title: Edvard Munch

text: La buena cobertura de prensa le ganó a Munch la atención de patrocinadores influyentes como Albert Kollman y Max Linde. Describió el giro de los acontecimientos en su diario: "Después de 20 años de lucha y miseria, las fuerzas del bien finalmente vienen en mi ayuda en Alemania, y se abre una puerta brillante para mí". Sin embargo, a pesar de este cambio positivo su comportamiento autodestructivo y errático lo llevó primero a una violenta pelea con otro artista, luego a un disparo accidental en presencia de Tulla Larsen, que había regresado para una breve reconciliación, que le hirió en dos dedos. Más tarde, Munch cortó un autorretrato que lo representaba a él y a Larsen por la mitad como consecuencia del tiroteo y los acontecimientos posteriores. Ella finalmente lo dejó y se casó con un colega más joven. Munch tomó esto como una traición, y se detuvo en la humillación durante algún tiempo, canalizando parte de la amargura en nuevas pinturas. Sus pinturas "Naturaleza muerta (La asesina)" y "La muerte de Marat I", realizadas entre 1906 y 1907, hacen referencia clara al incidente del tiroteo y las secuelas emocionales.


title: Edvard Munch

text: En la temporada 1903-04, Munch expuso en París, donde los próximos fauvistas, famosos por sus audaces colores, probablemente vieron sus obras y podrían haber encontrado inspiración en ellas. Cuando los Fauves realizaron su propia exposición en 1906, Munch fue invitado y exhibió sus obras con las de ellos. Después de estudiar la escultura de Rodin, Munch pudo haber experimentado con arcilla como ayuda para el diseño, pero produjo pocas esculturas. Durante este tiempo, Munch recibió muchos encargos de retratos y grabados que mejoraron su condición financiera generalmente precaria.


title: Edvard Munch

text: En 1903 realiza su primera exposición en la Galería Cassirer en Berlín, un año más tarde cede los derechos de venta de grabados en Alemania a Cassirer y a la Galería Cometer de Hamburgo de óleos con varias exposiciones y toma parte en el Salon des Indépendants. Este periodo de tiempo fue cuando Munch empezó a alcanzar su éxito como artista. Realiza numerosas exposiciones tanto en Copenhague como en la Galería Cassirer, y también la Academia de Bellas Artes de Weimar pone un estudio a su disposición. El año 1905 fue duro para Munch, ya que pasa el invierno curándose de su neurastenia y alcoholismo.


title: Edvard Munch

text: En 1906 Max Reinhardt le encargó un diseño de los decorados para "Los fantasmas" y "Hedda Gabler" de Ibsen, así como un friso para un salón de su teatro en Berlín. Max Reinhardt, lo vendió más tarde; ahora está en la Nationalgalerie de Berlín. Tras un período anterior de paisajes, en 1907 vuelve a centrar su atención en las figuras y situaciones humanas.


title: Edvard Munch

text: Ya en el año 1908 expone en el Brücke de Dresde. En otoño del mismo año viaja a Copenhague, sufriendo allí un colapso nervioso. La mitad del año siguiente la pasa en un sanatorio.


title: Edvard Munch

text: En 1909 regresa a Noruega y Rasmus Meyer le compra un gran número de cuadros de su colección. Realiza una gran exposición en Oslo. Estos años hace numerosos viajes por sus continuas crisis nerviosas a pesar de su éxito. Visitó Berlín, Fráncfort, Colonia, París, Londres, Estocolmo, Hamburgo, Lübeck y Copenhague. Recibió amplios honores con ocasión de su quincuagésimo aniversario ya en 1913.


title: Edvard Munch

text: En el otoño de 1908, la ansiedad de Munch, agravada por el consumo excesivo de alcohol y las peleas, se agudizó. Como escribió más tarde, "Mi condición estaba al borde de la locura". Sujeto a alucinaciones y sentimientos de persecución, ingresó a la clínica de Daniel Jacobson. La terapia que Munch recibió durante los siguientes ocho meses incluyó dieta y "electrificación" (un tratamiento que estaba de moda en ese momento para las afecciones nerviosas, que no debe confundirse con la terapia electroconvulsiva). La estancia de Munch en el hospital estabilizó su personalidad y, tras regresar a Noruega en 1909, su obra se volvió más colorida y menos pesimista. Aligerando aún más su estado de ánimo, el público en general de Kristiania finalmente se entusiasmó con su obra y los museos comenzaron a comprar sus pinturas. Todo esto coincidía con la eclosión del expresionismo en Alemania, del que Munch era heraldo general, y dentro de la crisis moral general que dio lugar a la hecatombe de la Primera Guerra Mundial.


title: Edvard Munch

text: Fue nombrado Caballero de la Real Orden de San Olav "por sus servicios en el arte". Su primera exposición estadounidense fue en 1912 en Nueva York.


title: Edvard Munch

text: Como parte de su recuperación, el Dr. Jacobson aconsejó a Munch que socializara solo con buenos amigos y que evitara beber en público. Munch siguió este consejo y en el proceso produjo varios retratos de cuerpo entero de alta calidad de amigos y mecenas, retratos honestos sin adulación. También creó paisajes y escenas de personas trabajando y jugando, utilizando un nuevo estilo optimista: pinceladas amplias y sueltas de colores vibrantes con uso frecuente de espacios en blanco y un uso poco frecuente del negro, con referencias ocasionales a sus temas morbosos. Con más ingresos, Munch pudo comprar varias propiedades que le dieron nuevas perspectivas para su arte y finalmente pudo mantener a su familia.


title: Edvard Munch

text: El estallido de la Primera Guerra Mundial encontró a Munch con lealtades divididas, como dijo: "Todos mis amigos son alemanes, pero amo a Francia". En la década de 1930, sus patrocinadores alemanes, muchos judíos, perdieron sus fortunas y algunos la vida durante el surgimiento del movimiento nazi. Munch encontró impresores noruegos para sustituir a los alemanes que habían estado imprimiendo su trabajo gráfico. Dado su historial de mala salud, durante 1918 Munch se sintió afortunado de haber sobrevivido a un brote de gripe española, la pandemia mundial de ese año. También en 1918, publica un panfleto del "Friso de la vida" en el que incluye sus obras maestras.


title: Edvard Munch

text: Los siguientes años Munch decide retirarse un poco, ya que una afección ocular en el año 1930 le hace casi imposible trabajar, y recibe numerosos honores con ocasiones de su septuagésimo aniversario. Munch pasó la mayor parte de sus últimas dos décadas en soledad en su finca casi autosuficiente en Ekely, en Skøyen, Oslo. Muchas de sus últimas pinturas celebran la vida en la granja, incluidas varias en las que usó su caballo de trabajo "Rousseau" como modelo. Sin ningún esfuerzo, Munch atrajo un flujo constante de modelos femeninas, a quienes pintó en numerosas pinturas de desnudos. Probablemente tuvo relaciones sexuales con algunas de ellas. Munch salía ocasionalmente de su casa para pintar murales por encargo, incluidos los realizados para la fábrica de chocolate Freia.


title: Edvard Munch

text: Hasta el final de su vida, Munch continuó pintando autorretratos implacables, lo que se sumó a su ciclo de búsqueda de sí mismo de su vida y su serie inquebrantable de tomas de sus estados emocionales y físicos. En las décadas de 1930 y 1940, los nazis etiquetaron la obra de Munch como "arte degenerado" (junto con la de Picasso, Klee, Matisse, Gauguin y muchos otros artistas modernos) y retiraron sus 82 obras de los museos alemanes. Adolf Hitler anunció en 1937: "Por lo que nos importa, esos bárbaros de la cultura prehistórica de la Edad de Piedra y los tartamudos artísticos pueden regresar a las cuevas de sus antepasados y allí pueden aplicar su primitivo rascado internacional".


title: Edvard Munch

text: En 1940, los alemanes invadieron Noruega y el partido nazi se hizo cargo del gobierno. Munch tenía 76 años. Con casi una colección completa de su arte en el segundo piso de su casa, Munch vivía con el temor de una confiscación nazi. Setenta y una de las pinturas que los nazis habían tomado anteriormente habían sido devueltas a Noruega a través de la compra por parte de coleccionistas (las otras 11 nunca se recuperaron), incluidos "El grito" y "La niña enferma", y también se las ocultaron a los nazis.


title: Edvard Munch

text: Durante la Segunda Guerra Mundial Munch se hace mundialmente conocido y expone por primera vez sus cuadros en los Estados Unidos en 1942 en Nueva York. Con motivo de su 80 cumpleaños es objeto de grandes homenajes. A pesar de su mal estado de salud, sufre continuamente resfriados, acude a todos ellos con gran honor.


title: Edvard Munch

text: Munch murió en su casa de Ekely, cerca de Oslo, el 23 de enero de 1944, aproximadamente un mes después de cumplir los 80 años. Su funeral orquestado por los nazis sugirió a los noruegos que era un simpatizante de los nazis, una especie de apropiación del artista independiente. La ciudad de Oslo compró la finca Ekely a los herederos de Munch en 1946; pero su casa fue demolida incomprensiblemente en mayo de 1960.


title: Edvard Munch

text: Tras su muerte, Ekely dona a la ciudad de Oslo el conjunto de cuadros, grabados y dibujos propios que obraba en su poder. Para celebrar el centésimo aniversario de su nacimiento, se inauguró en 1960 el Museo Munch de Oslo.


title: Edvard Munch

text: Al morir, legó más de 1000 cuadros, 15 400 grabados, 4500 dibujos y acuarelas y seis esculturas a la ciudad de Oslo, que construyó el Museo Munch en el barrio de Tøyen en su honor. Las obras se costearon con la recaudación de las salas de cine de propiedad municipal, y se inauguró en 1963.


title: Edvard Munch

text: Tras el sonado robo de "El grito" y "Madonna", de gran resonancia internacional, se reforzaron las medidas de seguridad en 2005, de tal modo que las obras más valiosas se exhiben detrás de grandes paneles de vidrio, en expositores que recuerdan a los escaparates comerciales. Los dos cuadros citados se recuperaron con desperfectos menores, y fueron presentados provisionalmente en una vitrina, sin sus marcos, para mostrar el alcance de tales daños.


title: Edvard Munch

text: Munch careció de presencia en museos de España hasta fecha reciente. Ahora se conocen dos obras suyas: un retrato de su hermana en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid y otro retrato (en préstamo) en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) de Barcelona.


title: Lars von Trier

text: Lars von Trier (nacido Lars Trier; Copenhague, 30 de abril de 1956) es un director de cine y guionista danés. Destaca ante todo por su fuerte personalidad creativa y es considerado uno de los directores más innovadores y multidisciplinares del cine actual, a pesar de la controversia de algunas de sus obras. Junto a Thomas Vinterberg estableció las reglas del manifiesto Dogma 95.


title: Lars von Trier

text: Lars von Trier fue uno de los creadores de Dogma 95, un movimiento cinematográfico con el cual se llama al regreso de historias más creíbles en la industria fílmica, al uso mínimo de los efectos especiales.


title: Lars von Trier

text: Su primera película como graduado de la escuela de cine fue "Forbrydelsens Element" ("El elemento del crimen"). A pesar de alcanzar un mayor reconocimiento con películas como "Europa", von Trier se consagró como uno de los directores de cine más importantes de Europa en 1996 con "Rompiendo las olas".


title: Lars von Trier

text: Esta última producción, junto con "Bailando en la oscuridad" (donde actúan la cantante islandesa Björk, la actriz francesa Catherine Deneuve y el sueco Peter Stormare) y "Los idiotas" o "Dogma #2", forma la trilogía "Los corazones de oro". Von Trier ha venido preparando una nueva trilogía en torno a los Estados Unidos, cuya primera entrega fue "Dogville" de 2003, donde actúa la actriz australiana Nicole Kidman. La segunda parte, titulada "Manderlay", se estrenó en 2005. La tercera aún no se ha estrenado, y el título será "Washington".


title: Lars von Trier

text: Lars von Trier también se dedica a la pintura, y uno de sus cuadros se exhibe en la última planta del castillo de Hillerod, en Dinamarca. Refleja un universo casi monocromático y angustiante, como en sus películas.


title: Lars von Trier

text: Lars Von Trier se crio en un ambiente de cinéfilos. Consiguió a la edad de 11 años su primera cámara, una Super 8 con la que filmaba a sus amigos en producciones caseras y entró en la escuela de cine de Copenhague en la década de 1980. En 1981 y 1982 ganó varios premios en el Festival de Cine de Múnich por sus películas de estudiante.


title: Lars von Trier

text: En 1983, después de haberse graduado, estrenó su ópera prima: "El elemento del crimen" (1984), con la que logró llamar la atención en el Festival de Cine de Cannes, donde recibió los premios al Gran Logro Técnico y la Cámara de Oro para las Óperas Primas.


title: Lars von Trier

text: Von Trier agregó “von” a su nombre cuando el profesor Gert Fredholm lo sorprendió junto con otros colegas de curso, en la sala de montaje, por la noche, y les recordó que era hora de cerrar; los alumnos respondieron increpándole hasta ponerlo fuera de sí. A los insultos, el profesor respondió diciendo: "sois peores que los niñatos de Sealand", con lo que se refería a los hijos de los burgueses de Copenhague. Y justo después les incitó a poner un "von" delante de sus apellidos, para que así todo el mundo los reconociera. Sus compañeros no le hicieron caso, pero para Lars el tener algo en común con los directores Erich von Stroheim y Josef von Sternberg le atraía, y decidió cambiar su nombre.


title: Lars von Trier

text: Lars von Trier continuó con su "Trilogía Europa" en 1987, con la película "Epidemic", acerca de un director de cine –interpretado por él mismo- que trata de juntar dinero para hacer una película acerca de un virus que diezmaba a Alemania.


title: Lars von Trier

text: Después de "Medea", realizada para la televisión danesa en 1988, von Trier culminó su trilogía europea con "Europa " en 1991, una comedia negra ubicada en la posguerra de la Segunda Guerra Mundial en Alemania. "Europa" consiguió llamar la atención de sus espectadores con el uso de superposiciones, proyección trasera y cambios dramáticos entre escenas en blanco y negro y color. Retitulada "Zentropa" para la versión estadounidense (para no ser confundida con la película "Europa Europa") "Europa" le dio a von Trier el reconocimiento cinematográfico. Desilusionado por su tercer puesto en el Festival de Cannes, aceptó el premio con un agradecimiento al “enano” presidente del jurado Roman Polański.