title: Carne

text: Las carnes de caza poseen menor contenido graso que las de animales de corral o domesticados. Los motivos son evidentes, ya que ambos tipos de animales llevan dietas y estilos de vida muy diferentes. Esta característica hace que necesiten menos tiempo para cocinarse (la grasa es un mal conductor del calor) y que presenten un aspecto más 'seco' cuando se hacen a la barbacoa. La caza posee un sabor característico que a veces se intenta imitar en otras carnes. Este sabor se quitaba en las cocinas del mediante un curado excesivo de la carne: se dejaba colgada durante a veces una semana hasta el punto de llegar casi a la descomposición, a este proceso se le denominaba "mortificación" o "faisandage" (del faisán) y tenía dos finalidades: la de hacer más tierna la carne y reducir el sabor a 'caza' (no apreciado en la época). En otras ocasiones se empleaba la carne de la caza en platos más elaborados, de modo que se enmascarara el sabor, tal y como puede ser el ahumado o los marinados.


title: Carne

text: La carne de caza se suele categorizar como «de caza mayor» y «de caza menor». Esta diferenciación depende fundamentalmente del tamaño de la pieza. Así, la caza mayor corresponde a animales como el jabalí y el venado, y la caza menor a la liebre, el conejo, el pato salvaje, la codorniz y la perdiz. En algunos casos es costumbre el consumo de aves de pequeño tamaño, como los pajaritos fritos en España (hoy en día su consumo no es legal).


title: Carne

text: Antes de la muerte los tejidos comestibles de un animal sano se pueden considerar estériles ya que se encuentran protegidos de la contaminación bacteriana por la piel externa, que funciona como una cubierta casi perfecta contra la agresión microbiana. Además, el tracto intestinal sirve como barrera efectiva que frena la inmensa masa de microorganismos que contiene. Normalmente, cualquier microorganismo que penetrase estas barreras sería destruido rápidamente por las defensas naturales del organismo vivo. Tras la muerte, sin embargo, estos mecanismos quedan bloqueados o cesan su actividad y de esta forma los tejidos expuestos se convierten en tejidos altamente perecederos. Los tejidos animales quedan expuestos a gran número de microbios que atraviesan la piel o el tracto intestinal sin una barrera que les frene. La superficie externa de la piel, o el cuero, está intensamente contaminada por una amplia variedad de microorganismos. Cuando el carnicero clava el cuchillo para realizar la separación de los cortes, aparecen las primeras vías de entrada para los contaminantes y los agentes patógenos. Además, es posible que alguno de los microorganismos del tracto intestinal encuentren su camino hacia la superficie del canal durante las operaciones de formado, mezclando su contenido con el de la carne (esta operación debe realizarse con sumo cuidado para evitar posibles contaminaciones en la carne). Es posible que ocurra, no obstante, alguna contaminación durante el corte del cuello, y es posible que algunos de estos microorganismos puedan llegar a los tejidos musculares por el torrente circulatorio inmediatamente antes de la muerte. Todas estas operaciones deberían ser realizadas por personal cualificado, con el objeto de mantener los niveles de calidad requeridos. A pesar de ello, gran parte del personal no tiene formación alguna. La forma de sacrificar al animal afecta a la calidad final de la carne, se debería sacrificar 'de una vez' sin generar estrés en el animal para que no exista en los tejidos el ácido láctico característico de los cortes rojos oscuros, aun así debido a la baja cualificación del personal y al insuficiente mantenimiento de las máquinas de despiece, es frecuente que las reses sufran una muerte lenta y dolorosa.


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text: Tras la muerte las canales (denominadas también carcasas) son enfriadas y clasificadas para después entrar en las cadenas de distribución y procesado alimentarios. Este conjunto de procesos es el que transforma el músculo del animal en carne. Hay que tener en cuenta la aparición del rigor mortis (generalmente tras unas tres horas tras el sacrificio, aunque en el cerdo y el cordero ocurre en una hora), un fenómeno que tensa la carne y la hace poco agradable para su consumo. Por esta razón se introduce un tiempo de espera de unas 48 horas (a veces 72) en un ambiente refrigerado para que ese fenómeno desaparezca. Durante este tiempo la carne se cuelga «boca abajo» para que las fibras musculares se estiren por su propio peso y se drene la sangre. El despiezado y el corte permiten a un gran número de microorganismos contaminar las superficies, a veces se realiza en lugares limpios. El destino y capacidad de estos microorganismos de afectar a la salud de los consumidores depende en gran medida del uso final que se haga de la carne: las carnes servidas crudas son más susceptibles de afectar, las cocinadas a temperaturas de 80 °C menos. La carne fresca y refrigerada tiene un alto contenido de agua con un valor de aw de 0,99 aproximadamente. Este ambiente es muy adecuado para el crecimiento de microorganismos; si se dejan sin envoltura protectora al oxígeno se favorecerá el crecimiento de microorganismos contaminantes. Las carnes cortadas según el estilo judío (carnes kosher) o musulmán (carnes halal) requieren un breve periodo de salazón (en la sal kosher durante 30 a 60 minutos).


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text: La mayoría de la carne hoy en día pasa un intervalo medio entre 4 y 10 días desde que se sacrifica el animal hasta que llega al mercado para ser comercializado. La refrigeración tras el sacrificio crea un medio selectivo que permite el crecimiento solo de aquellos microorganismos capaces de desarrollarse a temperaturas cercanas a la congelación. El envasado al vacío de la carne con membrana impermeable al oxígeno constituye una segunda limitación sobre el medio ambiente que rodea la carne y permite el crecimiento de un menor número de microorganismos durante la distribución hasta el consumidor. El curado, el ahumado, el cocinado, el escabechado y la fermentación son otros procedimientos que influyen en la naturaleza de la microflora alterante final de la carne prolongando su fecha de caducidad. Las carnes tras el sacrificio necesitan de un periodo de curado que hace que los sabores se distribuyan gracias a reacciones enzimáticas y mejoren propiedades organolépticas como puede ser la ternura de la carne. Los métodos de curado pueden ser realizados en medios controlados de carácter húmedo o por el contrario secos. En medio húmedo se introducen en embalajes de plástico especiales sometidos al vacío, permaneciendo en su interior durante seis semanas (método cryovac), este método hace que aparezca un mal olor cuando se abre el envoltorio, el mal olor desaparece en unos minutos de ventilación. Los métodos de curado en seco hacen que se cuelguen las carnes en un ambiente controlado en refrigeración y humedad durante un periodo de seis semanas, las carnes curadas por este método pueden perder casi entre un 5 % y un 20 % de su peso, pudiendo además adquirir sabores no deseados.


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text: Muchas de las carnes procesadas se pican finamente (empleando para ello una máquina picadora como la tajadera) y se mezclan con diferentes especias para finalmente «embutirse» (transformarse en diversos embutidos) en contenedores de plástico o tripas. En las diversas gastronomías existen preparaciones diversas de los productos cárnicos, una de las más famosas son las salchichas en el caso de Alemania y los países del norte de Europa, los salami italianos y rumanos o los chorizos de las matanzas del cerdo realizadas en la península ibérica.


title: Carne

text: Existe una categorización de la carne puramente culinaria que no obedece a una razón científica clara y que tiene en cuenta el color de la carne. Esta clasificación es:


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text: El término «carne roja» o «carne blanca» es una definición culinaria que menciona el color (rojo o rosado, así como blanco) de algunas carnes en estado crudo. El color de la carne se debe principalmente a un pigmento rojo denominado mioglobina. Esta clasificación está sujeta a numerosas excepciones.


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text: El consumo de carne suscita a veces polémicas sociales. Algunas personas optan por evitar su consumo, ya sea por razones filosóficas, médicas, éticas u otras, y son conocidas como veganos o vegetarianos.


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text: Una postura filosófica, el sensocentrismo, considera que los animales, como seres sensibles, merecen consideración moral, por lo que cualquier forma de explotación de los animales es una forma de crueldad y por ello inmoral. El eslogan «la carne es un asesinato» representa este planteamiento moral.


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text: Otras personas, también desde posturas de defensa de los derechos de los animales, están en contra de los sacrificios o de las condiciones extremas en las que se crían o se sacrifican los animales que sirven para el consumo humano. Algunos se niegan a comer ciertos tipos de carnes tratadas siguiendo un proceso industrial típico de la agricultura intensiva, concienciados por las condiciones que sufren los animales en las llamadas granjas factoría.


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text: En ocasiones subyacen razones medioambientales, ya que los animales forman parte de una cadena alimenticia que contamina y modifica el medio ambiente, promueve la agricultura no orgánica, provoca un alto consumo de agua, etc.


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text: También se evita comer carne a veces por motivos nutricionales y de salud (en estos casos el aporte proteico se consigue mediante otros productos de origen vegetal). En algunas ocasiones el consumo de carne se restringe a solo un tipo determinado. Por ejemplo, las religiones islámica y judaica prohíben la carne de cerdo, algunas religiones de la India no permiten el sacrificio de vacas y el jainismo impide el consumo de carne en general, al igual que los adventistas. Estos grupos sociales se alimentan en su lugar de alimentos análogos a la carne, que imitan algunas de las propiedades nutritivas y organolépticas y proporcionan proteínas a sus dietas. Dichos sucedáneos son elaborados por regla general con proteína de soja (tempeh) o gluten de trigo (seitan). El islam y el judaísmo imponen además que el sacrificio de ciertos animales sea acorde con normas rituales muy estrictas y sea llevado a cabo por un personal cualificado.


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text: De similar forma, otras religiones adoptan el consumo de carne como un símbolo del acto sexual y por esta razón se somete a reglas de abstinencia, bien sea durante un periodo determinado (los viernes de abstinencia durante la cuaresma cristiana y durante el Miércoles de Ceniza y el Viernes Santo) o para toda la vida. En algunos casos el consumo de carne es un tabú. Por el contrario, en otros se mezclan intencionadamente los conceptos de carne y sexo, como sucede con la cadena de restaurantes Hooters. Existen estudios que relacionan el consumo de carne con la visión intrínseca del varón (ya que refleja las actitudes de un cazador) frente a la visión más femenina (y vegetariana). Por otra parte, la carne ha venido significando «actividad» frente a la «'inactividad» de los vegetales (tal y como lo indica el verbo: «vegetar»).


title: Carne

text: El significado de la carne ha sido, no obstante, en culturas antiguas, un Jacto de ofrecimiento divino». Así, en la Grecia clásica se realizaban ofrendas animales a los dioses como la hecatombe, un rito de sacrificio de casi 100 bueyes.


title: Carne

text: Se han realizado estudios acerca del impacto que existe entre el consumo de carne, las dosis mínimas que deben tenerse en cuenta, los tipos de carne más consumidos, el efecto que puede hacer en diversos grupos de la población: infantil, personas mayores, deportistas, etc. y existen algunas conclusiones contundentes, mientras que por otra parte existen polémicas que permanecen todavía en debate. Lo que nadie duda es que la carne posee un gran valor nutritivo, proporcionando macronutrientes como las proteínas y los ácidos grasos, y micronutrientes como minerales (hierro principalmente), vitaminas, etc. El contenido medio (en peso) de la carne oscila entre un 70 % de agua, un 20 % de proteína, un 7 % de grasa y 1 % de minerales, claro que las variaciones dependen del tipo de animal, de la raza y de su régimen alimentario.


title: Carne

text: Desde el punto de vista nutricional la carne es un gran aporte de proteínas (20 % de su peso) y aminoácidos esenciales, siendo además responsable de reactivar el metabolismo del cuerpo humano. Cien gramos de carne roja aportan 20,7 g de proteínas y la misma cantidad de carne blanca aporta 21,9 g de proteínas. La carne no tiene carbohidratos y NO contiene fibra. El contenido de grasas de la carne depende en gran medida de las especies de animales así como del corte elegido, la forma en que el animal haya sido cuidado durante la fase de crecimiento, los alimentos ofrecidos durante esa fase y los métodos de cocinado o empleados en su corte y despiece por la carnicería. Desde finales del se ha desarrollado una importante investigación en el área de las «carnes "light"» con bajo contenido graso, investigando las condiciones de cría y alimentación, para que incluyan menos contenido de grasa. Cabe pensar que la grasa en la carne tiene dos efectos, por un lado es un realzador de los sabores y por otro es un medio de transporte de las vitaminas liposolubles que existen en la carne (gran fuente de Colesterol). La carne posee poco contenido de hidratos de carbono (generalmente en forma de glucógeno), aunque se puede decir que su contenido es especialmente elevado en la carne de caballo. Desde el punto de vista nutricional la carne aporta otros compuestos nitrosos diferentes de las proteínas, tal y como puede ser la creatina. Muchas de las recomendaciones nacionales de salud aconsejan a las personas limitar el consumo de carne procesada y carne roja, que están vinculados a un mayor riesgo de muerte por enfermedades del corazón, diabetes, cáncer y otras enfermedades.


title: Carne

text: Desde el punto de vista de los micronutrientes las carnes rojas son una fuente importante de hierro (los demás minerales no suponen más de 1 % del peso de la carne) y suelen contener vitamina B12 (poco presente en los alimentos vegetales, pues la vitamina B12 es producida por microorganismos del suelo que viven en simbiosis con las raíces de las plantas) y vitamina A (si se consume el hígado). La cantidad de vitaminas en la carne se ve reducida en gran medida, y la reducción será mayor cuanto más tiempo se cocine, o cuanto mayor sea la temperatura. Algunas carnes como la del cordero o la oveja son ricas en ácido fólico. Los aportes nutricionales de la carne dependerán en gran medida de la raza y de la alimentación a la que se le ha sometido durante su cría. Hay nutricionistas que aconsejan comer moderadamente carne, incluyendo en las raciones de los platos verduras variadas y fibra en lo que se denomina una dieta equilibrada. Se ha demostrado que el consumo de carne durante las comidas aumenta la absorción de hierro en alimentos vegetales. Este efecto de mejoramiento es conocido con el nombre de «factor de la carne».


title: Carne

text: La carne roja ha sido clasificada como Grupo2A (probablemente cancerígena para los seres humanos). En el caso de la carne roja, la clasificación se basa en "evidencia limitada" procedente de estudios epidemiológicos que muestran una asociación positiva entre el consumo de carne roja y el desarrollo de cáncer colorrectal , así como una fuerte evidencia mecanicista.


title: Carne

text: La carne procesada fue clasificada como Grupo1 (cancerígeno para los seres humanos). Esta categoría se utiliza cuando hay "suficiente evidencia" de carcinogenicidad en humanos. En otras palabras, hay pruebas convincentes de que el la carne procesada causa cáncer. La evaluación se basa generalmente en estudios epidemiológicos que muestran el desarrollo de cáncer en humanos expuestos.


title: Carne

text: La grasa animal posee un contenido relativamente alto de grasas saturadas y colesterol, el consumo de ambos compuestos está relacionado con algunos problemas en la salud, incluyendo algunas cardiopatías y arteriosclerosis. Sobre la aparición e incidencia del cáncer de colon, existen estudios que relacionan el consumo con la aparición de este cáncer en la región del colon, fundamentado en el consumo de grasas y en especial de la carne. La incidencia de estas enfermedades ha ido cambiando los hábitos de consumo de algunos países, así por ejemplo en Estados Unidos un informe muestra como en el periodo entre 1970-1974 y 1990-1994 el consumo de carne de vaca descendió un 21 %, mientras que el consumo de carne de pollo ascendió un 90 %.


title: Carne

text: La demanda del consumo experimentada a finales del hizo que se emplearan hormonas de crecimiento para aumentar la producción de carne de algunas especies (fundamentadas en la estimulación de la somatropina). No obstante puede decirse que no existen pruebas concluyentes acerca de la toxicidad de estas prácticas, aunque cabe pensar que los estudios realizados en Estados Unidos niegan la existencia de peligro para la salud, los estudios realizados en Europa indican lo contrario, de esta forma Autoridad Europea de Seguridad Alimentaria (European Food Safety Authority -EFSA-) afirmó lo contrario en 2002.


title: Carne

text: La aparición de enfermedades como la encefalitis espongiforme de Kreufeld-Jacob (denominado también el mal de las vacas locas) hizo que la imagen acerca del consumo de bovinos se empezara a cambiar a partir de la década de 1990. Muchos productos basados en carne cambiaron su composición para evitar bajos índices de venta, un ejemplo claro es el caso de los productos alimenticios basados en extractos de carne: el caso bovril es un ejemplo de producto modificado en su contenido (evitando carne de bovino) para mantener cuotas de mercado. Otros casos como el de la gripe aviar ocurridos en 1997 han afectado al consumo de carnes procedentes de ciertas aves, sobre todo en ciertas partes de Asia.


title: Carne

text: Las carnes de cerdo si son poco cocinadas (o a bajas temperaturas) pueden llegar a transmitir enfermedades basadas en parásitos como es la cisticercosis y la triquinosis. En algunas ocasiones, durante el proceso industrial la carne de pollo se llega a contaminar de la bacteria de "Salmonella enterica". La carne picada puede contaminarse durante su manipulación con la bacteria de (eliminadas a una temperatura de 69 °C). Desde 1985 en EE. UU. y posteriormente en el resto del mundo se ha irradiado la carne con el objeto de eliminar o disminuir poblaciones bacterianas (sobre todo la e. coli procedente de material fecal).


title: Carne

text: Por regla general las carnes al ser cocinadas generan una serie de compuestos químicos cancerígenos como pueden ser los hidratos de carbono aromáticos policíclicos (p. ej. benzopireno) que aparecen en los materiales orgánicos (incluida la grasa y la madera) cuando se calientan y están a punto de arder, de esta forma elaborando una parrillada sobre un pedazo de madera ardiendo con humo, se depositan este tipo de hidratos de carbono policíclicos en la superficie de la carne, las carnes cocinadas en fuegos «sin humo» no poseen este tipo de carbohidratos. Otro compuesto cancerígeno que aparece durante el cocinado son las aminas heterocíclicas que se forman a altas temperaturas con los compuestos aminoácidos de la carne (creatina y creatinina), este compuesto aparece en las carnes expuestas con gran superficie a una fuente calorífica intensa, hay más concentración del mismo en las carnes «muy hecha» y menos en las «casi crudas», se ha comprobado además que las marinadas ácidas previas al cocinado mediante calor radiante reducen la aparición de esta amina. Las nitrosaminas aparecen cuando los nitritos (empleados como conservantes disminuyendo la aparición del botulismo) reaccionan con los aminoácidos de la carne, la reacción ocurre en el estómago y en las sartenes muy calientes, esta nitrosamina se conoce como un agente dañino de ADN aunque se desconocen sus efectos sobre la aparición de cáncer, por esta razón se aconseja cocinar poco las carnes curadas en salazón (jamón, pastrami, etc.).


title: Carne

text: La carne experimenta algunas reacciones químicas cuando es cocinada; estas reacciones modifican los sabores y olores de la carne, dependiendo de la forma de cocinado estas cualidades se pueden realzar o mitigar. La carne cuando se cocina se expone a una fuente de calor que eleva su temperatura. Entre las reacciones más comunes está la coagulación de la proteína responsable de la contracción muscular, la miosina, que coagula a los 50 °C, lo que hace que la carne adquiera firmeza, al mismo tiempo liberan moléculas de agua y esta es la causante de los jugos iniciales que desprende la carne al ser cocinada. Al alcanzar la temperatura de 60 °C otras proteínas empiezan a coagular y la carne se va poniendo cada vez más firme, cuando se alcanza una temperatura en el intervalo de 60 °C y 65 °C la carne libera muchos jugos y encoge apreciablemente. Estos cambios se producen debido a la desnaturalización del colágeno en las células. La carne pierde la sexta parte de su volumen y las células se densifican. Por regla general la carne se suele servir a esta temperatura (corresponde a la medida de en su punto). Si se continúa con el cocinado la carne se va secando hasta que se llega a los 70 °C, temperatura en la que el colágeno se disuelve en gelatina y hace que la carne sea más tierna (esta temperatura se alcanza con las barbacoas). A una temperatura de 70 °C la gran mayoría de las bacterias se mueren, de esta forma se puede decir que es la forma más segura de servir la carne.


title: Carne

text: La forma ideal de cocinar carne es aquella que minimiza las pérdidas de humedad durante el proceso, maximizando el proceso de desnaturalización del colágeno y su posterior disolución. Esto supone cocinar la carne rápido hasta la temperatura de 60 °C y alcanzado este punto posteriormente lentamente hasta los 70 °C. Algunos cocineros consiguen esta precisión mediante observación y control de los mandos del fuego. Otros emplean diversos termómetros. No obstante, no hay forma ideal de cocinar cualquier carne, el método debe ser convenientemente adaptado al tipo de carne de que se trate. Cocinar carne controlando la temperatura es difícil debido a que la 'hechura' no se homogeneiza por igual a lo largo de toda la carne, por regla general la superficie está a mucha temperatura mientras que el interior está crudo. Existen muchos métodos para preparar carne controlando la temperatura en todo el volumen de la carne, los más empleados se realizan en dos etapas (rápido-lento) controlando que el interior quede hecho, a veces se rodea la carne de otro alimento en forma de tiras (lardeado).


title: Carne

text: Muchos cocineros mencionan que la habilidad de cocinar carne de forma apropiada consiste en saber cuándo se ha de parar su cocinado. Existen numerosas formas aproximadas en función del grosor de la carne, minutos de cocinado en función del peso, etc. Pero la forma exacta depende del contenido graso: la grasa es peor conductora del calor que las fibras musculosas, y estas peores que los huesos. Depende de la superficie de carne expuesta y de cómo es tratada. De tal forma que se puede decir que no hay fórmula única que determine el acabado de la carne, quedando en la experiencia del cocinero.


title: Carne

text: En la mayoría de las culturas la carne es cocida antes de ser consumida, aunque existen platos populares que incluyen la carne cruda como por ejemplo steak tartar y el carpaccio. Las carnes ofrecen diversos aspectos dependiendo del corte y en algunas ocasiones estos cortes no solo dependen del tipo de animal sino de la cultura culinaria de un país. Se aconseja comer la carne mediante diversas preparaciones de calor: asado, a la parrilla, barbacoa, estofado, etc. Para el cocinado de la carne es aconsejable alcanzar la temperatura de 70 °C en el punto más interior de la masa como mínimo durante un periodo de 2 minutos antes de ser servido. La carne de vaca poco hecha ha provocado numerosos brotes de salmonelosis e infecciones por contaminación de clostridium perfringens y E. Coli, estas operaciones de contaminación se evitan con una correcta manipulación y cocinado. Las carnes preparadas a la brasa o en barbacoa poseen una graduación (denominada «hechura») que depende de los gustos del comensal: cada hechura posee una temperatura propia. La carne de aves está por regla general muy expuesta a contaminación, y esto es debido a que en su superficie así como en la cavidad abdominal de las mismas pueden existir colonias de bacterias.


title: Carne

text: Entre las formas más habituales de cocinado se encuentran las carnes asadas, que pueden hacerse de una pieza en barbacoa o en pedazos como pueden ser los Köfte o los kebab, se pueden hacer preparaciones como las albóndigas, los mititei rumanos, los interiores de las empanadas o las hamburguesas. Pueden participar en salsas como los Ragù de la cocina napolitana, los gravy ingleses, algunos de los currys indios, los sancochos Venezolanos o los dolmades de la cocina turca. Sus preparaciones suelen ser típicas en formas de aspics, embutidos (salchichas, salame, etc.), salazones (jamón, Cecina, pastrami, ahumados, Skerpikjøt, etc.), marinados, patés (pasteles de carne), etc. En algunas ocasiones se presenta enlatada como el spam o el corned beef. Algunas preparaciones son exóticas como el curanto chileno, el chili con carne (legumbres con carne) o el fricasee.


title: Carne

text: Las carnes son un producto muy perecedero e inestable y deben ser almacenadas en ambientes refrigerados (lo ideal es que estén entre los -1 °C y los 2 °C), las carnes envasadas en embalajes al vacío refrigeradas deben permanecer almacenadas en su interior hasta minutos antes de su cocinado, si se rompe el envoltorio su vida media se reduce a unos días. No hay que envolver la carne con bolsas de plástico ya que aumenta la posibilidad de crecimiento bacteriano, por lo que no debe ser envuelta la carne bajo ningún criterio hasta que no se comercialice y llegue al consumidor final. La carne debe estar separada y fuera de contacto con otros alimentos para evitar contaminaciones cruzadas. La carne picada debe ser comida a las pocas horas de haber sido procesada, su estado la hace fácilmente oxidable poseyendo además mucha superficie para ser atacada por microorganismos. La carne picada envasada al vacío resiste unos días más.


title: Carne

text: Algunos de los efectos organolépticos cuando la carne está fuera de su periodo de consumo son los olores y sabores rancios procedentes de las primeras reacciones químicas debidas a la oxidación de los ácidos grasos (en combinación con la luz). Esta oxidación no es venenosa pero hace que la carne no sea apetecible para el consumidor ya que modifica el color y el olor de la misma. Las grasas no saturadas son las primeras en ponerse rancias, es por esta razón por la que las carnes con un contenido mayor en este tipo de grasas se debe comercializar antes. Se debe poner la carne en el refrigerador en la zona más oscura y fría posible.


title: Carne

text: Para el congelado de carnes se aconseja que se realice lo «más rápido posible», el congelado lento hace crecer cristales de hielo en las fibras musculares haciendo que se rompa la estructura de la pieza y se modifiquen las propiedades de ternura y textura que poseían anteriormente. La temperatura ideal para el congelado de carnes es -45 °C, la duración de la carne bajo estas condiciones depende de la especie, pero como regla general una carne bien congelada puede durar unos seis meses antes de ser preparada.


title: Carne

text: La técnica de secar la carne cruda utilizando el sol como deshidratante es una técnica y costumbre primitiva usada por muchas culturas, en diferentes épocas y partes del mundo. Se trata simplemente de un método primitivo que consiste en dejar secar la carne de los animales domesticados y/o de varias especies a través de la deshidratación; existe evidencia arqueológica de que el Hombre de Neandertal secaba en cuevas la carne de mamut.


title: Carne

text: Este proceso que puede durar días, semanas, meses e incluso años, solo es posible en lugares con clima de estación seca y fresca, dando como resultado un alimento básico con alto valor nutricional.


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text: El método consiste en ir cambiando la carne de posición para facilitar la evaporación, inclusive en ciertas ocasiones puede llegar a realizarse pequeñas perforaciones con el fin de agilizar el secado/madurado o para una mejor penetración cuando se utiliza sal.


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text: La pérdida de volumen y de peso puede ascender de 40 a 50% e incluso más; por ello, estos beneficios han hecho que este sea uno de los principales alimentos de elección para viajeros, exploradores, pueblos cazadores, agricultores de montaña, pastores y nómades, inclusive como fuente de alimento para los ejércitos (el famoso "kuivaliha" de los soldados finlandeses o "shit on a shingle" de los soldados estadounidenses, ambos productos utilizados durante la Segunda Guerra Mundial).


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text: El método del «secado al sol», «secado al aire» o «secado al viento» es el más primitivo; en regiones de América del Sur y en función de la gran disponibilidad de la sal se dio el salado siendo esta técnica mucho más eficiente; posteriormente y más evolucionado devino el ahumado en frío, inclusive el agregado de hierbas aromáticas, especias y/o condimentos como pimienta, ajíes molidos, nuez moscada, etc. incrementando y mejorando el sabor de la carne deshidratada.


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text: Fue la necesidad de conservar la carne por largos períodos de tiempo debido a la falta de tecnología y herramientas de refrigeración necesarias. Inicialmente, fue producido en forma individual o artesanal, posteriormente la producción fue desarrollada por carniceros para llegar finalmente a la industria.


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text: Sin necesidad de un lavado previo, muchas veces deshuesada y sin grasa, fileteada, deshebrada en trozos o simplemente en un solo cuerpo, una vez disecada podía transportarse fácilmente o almacenarse por largos períodos de tiempo.


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text: Con el transcurso de los siglos, estos productos resultaron ser ingredientes importantes en la gastronomía de muchas regiones del mundo donde todavía se las consume. Con el curado se mejoraron las técnicas surgiendo así los jamones, chacinados, embutidos y la industrialización de la producción en ambientes controlados de luz, temperatura y humedad a través de saladeros con técnicas como la liofilización.


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text: La técnica del «salado» puede realizarse «por salmuera» (que es el más común para los pescados) y «en seco» (que se utiliza más comúnmente para la carne). La diferencia reside básicamente en la técnica de preparación aunque se obtiene prácticamente el mismo resultado: carne seca o deshidratada.


title: Carne

text: La cantidad de carne consumida en cada país depende en gran medida de las condiciones sociales, económicas y políticas, creencias religiosas, influencia geográfica, etc. El consumo de carne en el mundo va creciendo a medida que va creciendo la población mundial, consumiéndose cada vez más carne por cabeza. Este efecto, por ejemplo, se puede ver al examinar la composición de las recetas del donde la carne se empleaba en «pequeñas cantidades» para dar sabor a los platos, con la excepción de las recetas de la alta sociedad. El consumo mundial de carne en 2004 se distribuye de la siguiente forma: el cerdo alcanzó el 38 %, el consumo de aves el 30 % y el de ternera un 25 %, siendo el de óvidos aproximadamente un 7 %. Este consumo hace que se considerara que una persona que vive en un país desarrollado consumiese cerca de 30 kilos de carne por año. El aumento de consumo de carne ya lo previó el escritor Upton Sinclair en la novela de 1906 titulada "La Jungla" ("The Jungle"), en la cual describe un mundo donde la industria cárnica tendría una relevancia muy importante en la economía de los países desarrollados.


title: Carne

text: El consumo de carne suele ser elevado en los países productores y es mayor el de animales de pasto que el de aves de corral. Cada año crece la población mundial a un ritmo de 73 millones de personas y se prevé que la demanda de consumo de carne se doble en el periodo que va desde 1995 a 2020. La forma de satisfacer la demanda mundial es que los agricultores produzcan un 40 % más grano en el 2020. El incremento de área de cultivo se espera que crezca tan solo un quinta parte más entre 1995 y 2020, se espera que el incremento en la demanda sea mayor en los países en vías de desarrollo. En los países desarrollados durante la década de 1990 la demanda de carne creció casi tres veces más que en los países en vías de desarrollo. Se estima que el crecimiento de la demanda será mayor en el Este de Asia, seguido de Latinoamérica.


title: Carne

text: Los habitantes de los países desarrollados consumen de media una tercera parte de la producción de carne y una tercera parte de la producción de la leche y de sus derivados, pero esta situación está cambiando rápidamente. La cantidad de carne consumida en los países en vías de desarrollo ha crecido a finales del tres veces con respecto al consumo en los países desarrollados. Se prepara la denominada revolución de la ganadería en la que la producción se gobierna por la demanda. Según las previsiones, en el año 2020 la repartición del consumo de carne mundial en los países en vías de desarrollo se expandirá del 52 % al 63 %. Las previsiones para el año 2020 hacen pensar que los países en vías de desarrollo consumirán 107 millones de toneladas métricas (mtm) más de carne y 177 mmt más de leche de los que se consumió en el periodo 1996/1998, lo que obligará a los países desarrollados a producir un incremento de 19 mtm de carne y 32 mtm de leche. El incremento de la masa ganadera requerirá un incremento en la producción de cereales de cerca de 300 mtn en el año 2020. Los países esperan que exista un cambio en la dieta mundial de tal forma que sea posible frenar esta terrible demanda, máxime cuando la estabilidad de los precios de los cereales pueda comprometer este crecimiento.


title: Carne

text: Desde un punto de vista nutricional, la carne es, si bien no la única, una de las mayores fuentes de proteínas (uno de los tres macronutrientes de la dieta humana) que existen. Las controversias nutricionales existentes sobre la posible capacidad o incapacidad de construir una dieta sana basada en carne hace que se planteen otras posibilidades de futuro.


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text: Una de ellas se plantea mantener la ingesta de proteínas que se consideran adecuadas para una dieta sana mediante el cambio de costumbres culinarias. Una posibilidad es la adecuación hacia la entomofagia (ingesta de insectos) y otra la conversión progresiva de la carne en un alimento funcional que posea reducidos niveles de grasa y colesterol.


title: Carne

text: La comunidad científica ha iniciado varias líneas de investigación destinadas a atenuar algunos efectos nocivos de la carne. Por ejemplo, se está investigando cómo reemplazar casi el 100 % de la grasa de la carne por grasas vegetales más sanas (concretamente aceite de oliva);añadir soja como fuente de aminoácidos más digestibles;el uso de extractos naturales procedentes de las hojas de té verde para reducir la oxidación lípida, causante del olor a rancio;el control del sodio para evitar daños en los hipertensos (la carne es relativamente baja en contenido de NaCl, pero sus derivados no tanto); la adición de ácidos grasos omega-3 —ya existen estudios de salchichón elaborado con estos ácidos grasos—; la adición de fibra, etc.


title: Carne

text: Otras investigaciones se dirigen a la elaboración y comercialización de la carne in vitro, sin la intervención animal directa, gracias al cultivo de tejidos en ambientes controlados. Existen patentes sobre su cultivo en Europa desde 1999, empleadas principalmente en la producción de salchichas. Otros estudios se han centrado en lograr el crecimiento de carne de pescado (principalmente de "Carassius auratus"), llegando a porcentajes de crecimiento del 20 % como máximo. No obstante el avance de este proceso necesita de la resolución de algunos problemas técnicos como el soporte necesario para generar grandes cantidades, la vascularización, etc. La investigación dentro de esta área está relacionada con la denominada técnica de biorreactor. La carne in vitro posee la ventaja de ofrecer al consumidor una carne con los ingredientes «controlados» (es decir, controlando el contenido de proteínas y ácidos grasos, así como el de vitaminas y sales minerales), control sobre las enfermedades, la eficiencia, minimizar el uso de animales, etc. Queda la incógnita acerca de la aceptación final del consumidor.


title: Cruz

text: Una cruz (en latín: "crux") es una figura geométrica que consiste en dos líneas o barras que se entrecruzan en ángulo recto, de tal forma que una de ellas (o las dos) queda dividida por la mitad. Es uno de los símbolos humanos más antiguos: en Egipto, en China, en Cnosos de Creta (donde se encontró una cruz de mármol que data del siglo XVII a. C.). La cruz es un emblema de muchas culturas y religiones, entre ellas, y la más importante y notoria de todas, el cristianismo. Desde su aparición habitualmente ha representado los cuatro elementos de la antigüedad, los cuatro puntos cardinales o la unión de los conceptos de divinidad y del mundo.


title: Cruz

text: La cruz romana usada como patíbulo constaba de dos partes: un madero vertical ("stipes") y un travesaño horizontal ("patibŭlum"). Había cuatro tipologías principales:


title: Cruz

text: Según el consenso académico, las primeras imágenes cristianas no representaban a Jesús crucificado, sino en calidad de maestro o de pastor. Sin embargo, existe una representación encontrada en un muro del monte Palatino, conocida como el grafito de Alexámenos, que podría ser la más antigua de Jesús crucificado, aunque está realizada de manera irónica e insultante ya que la cabeza del crucificado es la de un asno.


title: Cruz

text: En la Antigüedad, la crucifixión era un castigo infamante, derivado de la maldición que implicaba hacer colgar el cadáver de un ajusticiado. La Biblia recoge esta creencia en un párrafo del Deuteronomio que ha sido asociado frencuentemente a la muerte en la cruz:


title: Cruz

text: Después de Jesús y con el transcurso de los siglos, la cruz transmutó su significado hasta convertirse en el símbolo más conocido del cristianismo y uno de los símbolos más universales del amor. La cruz latina es especialmente relevante para los cristianos católicos, por su parte los cristianos ortodoxos suelen usarla con tres travesaños horizontales denominada cruz ortodoxa. En general, la iconografía cristiana la utiliza tanto para expresar el suplicio del Mesías como su presencia: «Donde está la cruz, está el crucificado».


title: Cruz

text: Sin embargo, aún para quienes no profesan el cristianismo, la cruz tiene una significación humana de amor y entrega; en especial en la civilización occidental. Esto se basa en la tradición cristiana de la misma que evoca lo sucedido con el Jesús histórico, sea visto como un hecho o como un símbolo. En efecto, el Nuevo Testamento relata como se conjugaron los intereses del poder religioso (Anás y Caifás, sumos sacerdotes) y el político ( Herodes Antipas y el prefecto Poncio Pilato,) para ejecutar a un hombre inocente; Jesús, condenándolo a la muerte en la cruz. Así, Jesús crucificado se convierte en la imagen del inocente condenado, símbolo que se refuerza con sus palabras de perdón hacia los que lo ejecutan: «Padre, perdónalos, porque no saben lo que hacen» (Lc.23, 34).


title: Cruz

text: Muchas banderas tienen cruces, entre ellas las de los países escandinavos: Dinamarca, Islandia, Finlandia, Noruega y Suecia; además de Burundi, Dominica, Eslovaquia, Georgia, Grecia, Jamaica, Malta, Reino Unido, República Dominicana, Suiza, Tonga y las de todos los países, Estados, provincias, dependencias y territorios que contienen la Union Jack.


title: Cruz

text: También aparecen cruces en las banderas de Alabama, Florida, Misisipi (estado), Úlster, Inglaterra, Escocia, isla de Tenerife, Islas del Canal, Madeira, Islas Feroe, Islas de Åland, Martinica, Cerdeña, Wallis y Futuna, San Pedro y Miquelón, Aragón, País Vasco, Principado de Asturias, Occitania, Saboya (departamento), Alberta, Nueva Escocia, Quebec, provincia de Zaragoza, Almería, Ámsterdam, Barcelona, Fortaleza, Logroño, Londres, Marsella, Milán, Montreal, Río de Janeiro, Saint-Malo, Turín, Vitoria, provincia de Tucumán y Cruz Roja.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: Los premios de la Copa Mundial de Fútbol son diversos reconocimientos que entrega la organización de este evento de acuerdo con la participación de los equipos y jugadores en cada uno de los torneos realizados desde 1930 cada cuatro años.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: El equipo que logra coronarse como campeón recibe el Trofeo de la Copa Mundial de Fútbol y su custodia durante cuatro años, el equipo además recibe una réplica del mismo y su nombre se graba en la base del original.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: Adicionalmente, el Grupo de Estudio Técnico de la FIFA, encargado de analizar y presentar estadísticas e información de la Copa Mundial, entrega cinco premios oficiales al finalizar el torneo:


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: Además, se entregan tres premios por votación popular, uno durante el desarrollo del Mundial y dos tras el fin de este:


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: Entre 1994 y 2006, el Equipo de Estudio Técnico de la FIFA también entregó un Equipo de las Estrellas, que incluía a los mejores jugadores de todo el Mundial; en la actualidad se presenta un equipo por votación popular y otro estadístico creado por los patrocinadores de la FIFA, aunque esta no les considera como galardones oficiales.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: El Balón de Oro, llamado «Balón de Oro de Adidas» por motivos de patrocinio, es el premio que se otorga al mejor jugador de cada edición de la Copa Mundial. Durante la realización del campeonato, el Grupo de Estudio Técnico de la FIFA crea una lista con algunos jugadores destacados de este, posteriormente, los representantes de la prensa especializada votan a los mejores de ella. El premio se entrega al que haya obtenido más votos, mientras que aquellos que queden segundo y tercero se les entrega el Balón de Plata y el Balón de Bronce, respectivamente. El premio fue entregado por primera vez en la Copa Mundial de Fútbol de 1982, siendo patrocinado en ese entonces por Adidas y "France Football".


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: Antes de 1982 no se entregó ningún Balón de Oro, Plata o Bronce, sin embargo, numerosas veces se ha reconocido retrospectivamente a ciertos jugadores como ganador de alguno. En julio de 1966, "France Football" —patrocinador oficial del Balón de Oro y el Ballon d'Or— y "L'Équipe" escogieron a los mejores jugadores de la Copa Mundial de Fútbol de 1966, con Bobby Charlton en primer lugar. El sitio web oficial de la FIFA coincide en Charlton como ganador del Balón de Oro y en Eusébio como ganador del Balón de Bronce.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: En julio de 1978, un grupo de 23 expertos internacionales compuesto de críticos, entrenadores y exjugadores escogieron cada uno a quienes eran, según su parecer, los cinco mejores jugadores de la edición de 1978 de la Copa Mundial. Mario Alberto Kempes fue el ganador, con Paolo Rossi en el segundo lugar, y Dirceu y Hans Krankl en el tercero, con los tres primeros acreditados por RSSSF y el sitio web oficial de la FIFA como Balón de Oro, Plata y Bronce, respectivamente.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: En 2013 el historiador y estadístico nigeriano Ejikeme Ikwunze, también conocido como Mr. Football, presentó una lista de los mejores jugadores de cada Mundial en su libro "World Cup (1930-2010): A Statistical Summary", consiguiendo la mayor atención entre las elecciones de expertos sobre los mejores jugadores hasta 1974. El trabajo forma parte de la librería oficial de la FIFA, y obtuvo reconocimiento por parte de sus expresidentes João Havelange y Joseph Blatter. Fuentes como Sports Illustrated y el autor Nick Holt han citado la misma lista, mientras que numerosos otros medios coinciden en varias de las elecciones, incluido el sitio web oficial de la FIFA, que ha catalogado como el «mejor jugador del torneo» a José Nasazzi y Didí, y ha llegado a adjudicar algún Balón a jugadores como Pelé (Oro y Plata), Johan Cruyff (Oro), Garrincha (Oro), Sándor Kocsis (Oro), Franz Beckenbauer (Plata), Josef Masopust (Plata), Fritz Walter (Bronce), Eusébio (Bronce) y György Sárosi (Bronce), aunque la oficialidad de estos galardones parece limitarse a meras menciones textuales.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: La Bota de Oro —o el Botín de Oro—, llamada «Bota de Oro Adidas» por motivos de patrocinio, es el premio otorgado al máximo goleador de cada edición de la Copa Mundial. El premio sería entregado por primera vez en la Copa Mundial de Fútbol de 1982, aunque la FIFA suele reconocer retrospectivamente como ganadores del premio a los goleadores de ediciones previas.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: Debido a los errores en los registros de los primeros torneos, hay discrepancia sobre las cifras de algunos jugadores, en especial sobre la cantidad de goles anotados por Oldřich Nejedlý, Leônidas da Silva, Ademir y Dražan Jerković, entre otros. Ejemplo de ello es que solamente en noviembre de 2006, la FIFA reconoció oficialmente un quinto gol a Nejedlý, que le dejó como único máximo goleador de la Copa Mundial de Fútbol de 1934.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: Solo en dos oportunidades el ganador de este trofeo ha logrado ganar el campeonato: el italiano Paolo Rossi en 1982 y el brasileño Ronaldo en 2002. Ambos además han sido los únicos en alcanzar el Balón de Oro, aunque solo Rossi obtuvo ambos en el mismo torneo.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: En la Copa Mundial de Fútbol de 2006, fueron además instituidos el "botín de plata" y el "botín de bronce", para los jugadores en el segundo y tercer lugar de la clasificación de goleadores. Para esto, el criterio de selección se basa primeramente entre quien anota más goles, en segundo lugar por el mayor número de asistencias de gol y finalmente por quien menos minutos jugó.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: El Guante de Oro se entrega al mejor portero del torneo. Este trofeo recibía el nombre de "Premio Lev Yashin" antes del mundial de 2010, en honor al legendario portero soviético Lev Yashin.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: Durante la Copa Mundial de Fútbol de 2006, la FIFA estableció oficialmente el ""Premio Gillette al Mejor jugador joven"" auspiciado por dicha empresa, como forma de premiar al mejor jugador participante en cada torneo menor de 21 años. El alemán Lukas Podolski fue su primer ganador tras derrotar a otros cinco semifinalistas. De los seis candidatos, tres fueron elegidos por una votación abierta en el sitio oficial del torneo, mientras otros tres fueron elegidos directamente por el Grupo de Estudios Técnicos de la FIFA.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: Desde la Copa Mundial de Fútbol de 2014 el premio se denomina ""Premio al Mejor Jugador Joven FIFA"".


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: Como manera de otorgar la condecoración de forma retroactiva, la FIFA organizó una encuesta en internet para elegir al mejor jugador joven de todos los mundiales realizados entre 1958 y 2002. En la encuesta, se eligió ganador (con el 61% de los votos) al brasileño Pelé por su actuación en la Copa Mundial de Fútbol de 1958, mientras el segundo lugar (con un 10%) fue para el peruano Teófilo Cubillas, la revelación de México 1970. Michael Owen obtuvo el tercer lugar por su actuación en Francia 1998 con un 8% de los votos.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: El Premio Juego Limpio de la FIFA (FIFA Fair Play Trophy) se concede al equipo con el récord de juego limpio durante el campeonato. Para este premio, solo se consideran equipos que pasan a la segunda ronda.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: El Premio al Jugador del Partido, llamado «Jugador Budweiser del Partido» por motivos de patrocinio, es otorgado al jugador más destacado en cada partido del torneo desde 2002. Mientras que en las dos primeras ediciones en que se entregó el premio éste era decidido por un grupo técnico, desde 2010, cada Jugador del Partido es decidido por una encuesta en línea en el sitio web oficial de la FIFA.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: El premio al equipo más entretenido, oficialmente «Premio FIFA para el Equipo más Entretenido», fue, entre 1994 y 2006, otorgado mediante votación popular al equipo que más entretenimiento había dado a los espectadores.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: Desde 2006, el Premio al Gol del Torneo se ha otorgado mediante votación popular en la página web oficial de la FIFA.


title: Premios de la Copa Mundial de Fútbol

text: El Equipo de las Estrellas es una selección de los mejores jugadores de la fase final de cada Copa Mundial. Entre 1994 y 2006, la FIFA presentó una nómina oficial de los mejores jugadores del torneo según un grupo técnico especializado bajo el nombre de "MasterCard All-Star Team".


title: Museo Soumaya

text: El Museo Soumaya es una institución cultural sin fines de lucro fundada en 1994 que cuenta con tres recintos en la Ciudad de México: Plaza Loreto, Plaza Carso y la Casa Museo Guillermo Tovar de Teresa. Su labor principal es compartir la colección de Fundación Carlos Slim, que ofrece más de 3 siglos de arte americano y europeo, en espacios de encuentro para todos, que motiven la reflexión y el diálogo en el panorama cultural latinoamericano, mediante el compromiso y la acción social. Conserva, resguarda e investiga la colección de arte y promueve exposiciones temporales e itinerantes nacionales e internacionales de diversa índole. El nombre del museo honra la memoria de Soumaya Domit, esposa del empresario y fundador del museo, Carlos Slim Helú, fallecida en 1999.


title: Museo Soumaya

text: El edificio de su sede en Plaza Carso fue diseñado por el arquitecto mexicano Fernando Romero. Se inauguró el 29 de marzo de 2011. Está abierto los 365 días del año y el acceso es gratuito.


title: Museo Soumaya

text: El museo conserva una amplia colección de arte cercana a las 70,000 piezas. Destacan las obras del escultor francés Auguste Rodin, los impresionistas Monet, Renoir y Degas, los Antiguos Maestros Europeos —El Greco, Tintoretto, Brueghel, Cranach, Zurbarán y Murillo— y los Antiguos Maestros Novohispanos —Correa, Villalpando y Cabrera. Cuenta con las únicas obras de Vincent Van Gogh en México. Asimismo, exhibe obra de factura mexicana de José María Velasco, Agustín Arrieta, Dr. Atl, Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, entre otros.


title: Museo Soumaya

text: El museo abrió sus puertas el 8 de diciembre de 1994 en el histórico barrio de San Ángel que en el formó parte de las encomiendas otorgadas al conquistador Hernán Cortés. Debido a la presencia del río Magdalena, su hijo Martín instaló ahí un molino de trigo, llamado Miraflores. Cambió varias veces de actividad hasta que en el se convirtió en la fábrica de papel de Nuestra Señora de Loreto. La segunda impresión de la Constitución Federal de los Estados Unidos Mexicanos de 1824 fue realizada con papel proveniente de esta fábrica.


title: Museo Soumaya

text: En 1905 se registró un incendio en sus instalaciones, por lo que el 13 de octubre, José Sordo y Agustín Rueda, sus entonces dueños, la vendieron a Alberto Lenz. En 1906 recibió el nombre de Fábricas de Papel Loreto y Peña Pobre. Hacia 1940, Lenz instaló la primera planta de celulosa al sulfato en América Latina.


title: Museo Soumaya

text: En la década de los ochenta, la fábrica sufrió otro incendio que acabó con gran parte del edificio; por esta razón, las operaciones se trasladaron al Estado de Tlaxcala. A principios de los noventa, Grupo Carso rescató las ruinas de la fábrica y las transformó en un centro comercial y un recinto museológico. Debido a este proceso de reconversión del inmueble, el museo recibió en 1996 un reconocimiento del Consejo Internacional de Monumentos y Sitios ICOMOS.


title: Museo Soumaya

text: El Museo Soumaya-Plaza Carso se ubica en Nuevo Polanco, en la colonia Ampliación Granada. Fue inaugurado el 29 de marzo de 2011 por el Ing. Carlos Slim Helú en compañía de sus hijos y nietos, el entonces presidente Felipe Calderón Hinojosa. A la ceremonia asistieron también el premio Nobel colombiano Gabriel García Márquez, el periodista Larry King, la escritora Guadalupe Loaeza y otros personajes.


title: Museo Soumaya

text: Fue diseñado por el arquitecto mexicano Fernando Romero, con la asesoría de Ove Arup y Frank Gehry. Tiene una superficie de 17,000 metros cuadrados. Su estructura está conformada por 28 columnas de acero curvado de diferentes diámetros y siete anillos o vigas perimetrales que le proporcionan estabilidad. Tiene una altura de 46 metros.


title: Museo Soumaya

text: La fachada asimétrica consiste en un armazón envolvente recubierto por más de 16,000 módulos hexagonales de aluminio plateado sin más aberturas visibles que la puerta de entrada. Los paneles no se apoyan en el suelo ni se tocan entre sí, por lo que dan la impresión de flotar alrededor del edificio.


title: Museo Soumaya

text: El interior del museo está dividido en seis plantas conectadas por ascensores y una rampa perimetral en espiral lo que permite el acceso para sillas de ruedas. El piso superior es el espacio más amplio del recinto; su techo tiene un centro semitransparente que permite la entrada de luz natural. Esta sala no tiene ninguna columna central lo que favorece el tránsito de los visitantes alrededor de las esculturas.


title: Museo Soumaya

text: La obra tuvo un costo aproximado de 47 millones de euros. El estilo del edificio ha sido comparado con el Edificio Selfridges en Birmingham y con el del Museo Guggenheim Bilbao.


title: Museo Soumaya

text: El ingreso a Museo Soumaya Plaza Carso se realiza a través del vestíbulo,espacio asimétrico de color blanco del que parten la rampa periférica que comunica las distintas salas y los ascensores. Ahí se localizan también, un auditorio con capacidad para 350 personas, la Biblioteca Digital Telmex, la biblioteca infantil "El rincón de Ernesto," un espacio de reflexión y creación y el guardarropa.


title: Museo Soumaya

text: En el vestíbulo se encuentran obras de gran formato representativas de la colección de Fundación Carlos Slim:


title: Museo Soumaya

text: El museo cuenta con 6 salas de exhibición. La que se ubica en el sexto piso recibe el nombre de "Sala" "Julián y Linda Slim", en honor a los padres del fundador. Las salas reúnen condiciones óptimas de humedad, temperatura e higiene. La distribución de las salas de exhibición no es cronológica sino temática.


title: Museo Soumaya

text: El archivo personal, así como el acervo que durante años se dedicó a reunir, conservar y estudiar el reconocido historiador, bibliófilo, melómano, cinéfilo, promotor y defensor del patrimonio cultural iberoamericano Guillermo Tovar de Teresa se integran ahora al proyecto cultural de Fundación Carlos Slim y se abren, de forma gratuita, en la que fue residencia del propio coleccionista: el museo Casa Guillermo Tovar de Teresa, en la calle de Valladolid número 52, en la colonia Roma.


title: Museo Soumaya

text: Las bibliotecas, fototeca y archivo ya digitalizados en alta resolución, pueden ser consultados sin costo desde Museo Soumaya en Plaza Carso.


title: Museo Soumaya

text: El acervo de Museo Soumaya.Fundación Carlos Slim es extenso e incluye piezas europeas y americanas de 30 siglos. La conformación de la colección es heterogénea y proviene de distintas adquisiciones ya sea de piezas individuales o por series. Inició con la compra por parte de Carlos Slim del 60 por ciento de las acciones de la Imprenta Galas de México en 1976. Dicha transacción incluyó un aproximado de 1,500 obras originales, provenientes de cromos publicitarios reproducidos por dicha compañía y ejecutados por diversos artistas mexicanos —entre los que se contaron Jorge González Camarena y Jesús de la Helguera— que fijaron sus creaciones en el imaginario colectivo .


title: Museo Soumaya

text: En 1985, Grupo CARSO adquirió la cadena de cafeterías y tiendas departamentales Sanborns con ello obtuvo dos murales de Rufino Tamayo que fueron pintados para la sucursal Lafragua, ubicada en Paseo de la Reforma esquina con la calle José María Lafragua, en el centro de la Ciudad de México y que hoy pueden observarse en el vestíbulo del museo.


title: Museo Soumaya

text: En 1986, Carlos Slim formalizó su interés en formar una colección artística con miras a exhibirla en un museo y adquirió la colección de arte virreinal de Gonzálo Obregón (1916-1977). Dicho compendio incluía, además de pinturas de grandes maestros novohispanos como Juan Correa, Cristóbal de Villalpando y Miguel Cabrera, pintura religiosa, retratos, marfiles, estofados, miniaturas, muebles y platería de esa época. En ese mismo año conformó la asociación civil denominada Fundación Carlos Slim, en lo sucesivo depositaria del acervo del museo.


title: Museo Soumaya

text: En 1989, la fundación adquirió el fondo numismático de Licio Lagos, probablemente el más amplio de monedas novohispanas y mexicanas que incluye 1,260 piezas de oro y 1,185 de plata acuñadas desde 1732. Otra adquisición similar fue la de "El señor de las cucharas", Ernesto Richheimer, compuesta por 2300 cucharas de hasta 2800 años de antigüedad. También en esa época, la asociación compró el fondo relacionado con México de la Compañía Estadounidense de Billetes.


title: Museo Soumaya

text: En 1995, se integró a la gliptoteca la primera pieza de Auguste Rodin: La máscara del hombre de la nariz rota. A partir de entonces, la colección tiene un crecimiento continuo. Se han adquirido piezas en casas de subastas como Christie's y Sotheby's, o la mexicana López Morton con el fin, según Slim, de exhibirlas gratuitamente en México, recuperar obras de origen mexicano y traerlas de vuelta al país, además de procurar su investigación y restauración.


title: Museo Soumaya

text: Algunas personas han donado piezas y colecciones para ser exhibidas en el museo; tales son los casos de las monedas y medallas del Segundo imperio Mexicano de Floyd Ganassi, quien las compró al numismático Don Bailey; los marfiles de la señora Laura Fernández MacGregor Maza, quien reunió más de 300 piezas de la primera mitad del , la colección completa de la artista Marysole Wörner Baz; el archivo y biblioteca de Raquel Tibol-Boris Rosen y la filmoteca del director Demetrio Bilbatúa que comprende más de mil documentales. Asimismo, se conserva en comodato una colección de escultura prehispánica de las culturas del occidente mesoamericano perteneciente al Instituto Nacional de Antropología e Historia.


title: Museo Soumaya

text: La pieza de factura más antigua de la colección es una figura femenina de arcilla negra del periodo neolítico (5000-4700 a.C.) perteneciente a la cultura de Vinča de la península balcánica. El acervo se extiende hasta obras de la segunda mitad del .


title: Museo Soumaya

text: La colección del museo está integrada por un extenso repertorio de obras de Antiguos Maestros Europeos que van del siglo XV al XVIII con piezas de El Greco, Sandro Botticelli, il Tintoretto, Pieter Brueghel el Joven, Lucas Cranach el Viejo, Bartolomé Esteban Murillo, Tiziano, El Españoleto, Rubens, Artemisa Gentileshi, entre otros. Cuenta con obras de arte virreinal de Nueva España y otros territorios sudamericanos, así como arte mexicano y latinoamericano de los siglos XIX y XX. También conserva obras de artistas modernos como Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Vincent Van Gogh, Auguste Rodin y Salvador Dalí. El Soumaya es considerado uno de los museos de arte más completos.


title: Museo Soumaya

text: Museo Soumaya reúne uno de los acervos más importante de Rodin fuera de Francia. Desde junio de 2016 exhibe en su vestíbulo la octava fundición de ocho de "La puerta del Infierno". Están presentes desde sus primeras obras de influencia académica —como "Suzon" y "Huerfána alsaciana"— hasta sus piezas de géneros como el mitológico —"La muerte de Adonis" y "Las metamorfosis de Ovidio"—, el retrato y su propuesta de fragmentaciones del cuerpo. Las obras de Auguste Rodin más representativas que se exhiben en el Museo Soumaya son "La máscara del hombre de la nariz rota," "La edad de bronce", "El pensador" y "El beso", así como las que formaron parte de grandes proyectos escultóricos: "Los burgueses de Calais" y "La puerta del Infierno."


title: Museo Soumaya

text: La colección de Auguste Rodin se presenta en la exposición permanente "La era de Rodin" en compañía de algunos de sus contemporáneos, maestros y alumnos Honoré Daumier y Jean-Baptiste Carpeaux, Albert-Ernest Carrier-Belleuse, Camille Claudel y Émile-Antoine Bourdelle, Aristide Maillol, Alfredo Pina, Fritz Klimsch, Alfred Boucher, entre otros.


title: Museo Soumaya

text: La colección de Antiguos maestros europeos comprende obras de las escuelas española, italiana, germana, flamenca y francesa de los siglos XV al XVIII, con artistas que trabajaron en los estilos del Gótico, Renacimiento, Manierismo, Barroco y el tránsito al Neoclasicismo.


title: Museo Soumaya

text: Los pintores que se alejaron de las normas académicas conforman esta colección. La Escuela de Barbizon está representada por Jean-François Millet, Jean-Baptiste-Camille Corot, Gustave Courbet, entre otros, y los impresionistas, por: Claude Monet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas y Armand Guillaumin. Paisaje y retrato son los temas más ampliamente plasmados. Retoman estos temas a fines del : Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec. La época siguiente inició con Paul Signac y Maximilien Luce. Los postimpresionistas Gustave Loiseau y Hugues-Claude Pissarro siguieron las enseñanzas impresionistas. El uso del color de los fauvistas Georges Rouault, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck impactó el arte. También se encuentran obras de las primeras vanguardias de Pablo Picasso, la pintura metafísica de Giorgio de Chirico, así como de los surrealistas Max Ernst, Salvador Dalí y Joan Miró, quien retomó los símbolos gráficos primigenios.


title: Museo Soumaya

text: Las pintoras Marie Laurencin, Mary Cassatt, Eva Gonzalès, Berthe Morisot y Virginie Demont-Breton, que aprendieron en academias particulares ante las prohibiciones impuestas hacia ellas por razones de género, intervinieron con asuntos dedicados a su cotidianidad en jardines y casas.


title: Museo Soumaya

text: La colección personal del artista de origen libanés reúne sus objetos, cartas, manuscritos como "El Profeta" y "El Loco", ediciones comentadas, vídeos, fotografías de Edward Steichen, George Harting, Holland Day, óleos y dibujos del mismo Gibran Kahlil Gibran vinculados al Simbolismo francés de fines del e incluso la máscara mortuoria del llamado "poeta del exilio".


title: Museo Soumaya

text: Obras de Juan Correa, Cristóbal de Villalpando, Miguel Cabrera, Nicolás Enríquez y José de Páez, junto con artistas anónimos que plasmaron en esculturas, óleos, enconchados y muchos otros objetos el sincretismo cultural que fue heredado al México independiente. Esta colección muestra también testimonios artísticos de los virreinatos sudamericanos.


title: Museo Soumaya

text: La plástica prehispánica del Occidente mesoamericano está representada por máscaras, figurillas de barro, cráneos con epigrafías, sahumerios, incensarios y braseros de los horizontes preclásico, clásico y posclásico en comodato al Museo Soumaya por el Instituto Nacional de Antropología e Historia de México. Con otra procedencia, se exhibe también la obra gráfica y documental de la Real Expedición de Antigüedades de Nueva España que realizara Luciano Castañeda entre 1805 y 1807.


title: Museo Soumaya

text: La colección de este género comprende los tres rubros que siguió el retrato decimonónico en México: el de la Academia de San Carlos en el cual sobresalen Pelegrín Clavé, Felipe Santiago Gutiérrez y Juan Cordero; el regional, ejemplificado por José María Estrada, autor de lienzos de carácter, honestidad y libertad estética; y el popular, en donde destaca Hermenegildo Bustos, quien legó obras con expresión psicológica. La tradición también aportaría el género de la Muerte Niña, memoria a los pequeños difuntos, también llamados "angelitos".


title: Museo Soumaya

text: Entre 1825 y 1860 arribaron al país artistas que recrearon el entorno mexicano con el interés ilustrado del viajero, como Daniel Thomas Egerton, Conrad Wise Chapman, Jean-Baptiste Louis (barón Gros) y Johann Moritz Rugendas, entre otros. Marcaron la escuela de paisaje mexicano, que encabezaron Eugenio Landesio y José María Velasco.


title: Museo Soumaya

text: La influencia de las vanguardias europeas y las aspiraciones de la sociedad mexicana posrevolucionaria fueron plasmadas por los artistas Gerardo Murillo (Dr. Atl), Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Jorge González Camarena. Se conservan dos murales de Rufino Tamayo y la colección de autorretratos de artistas mexicanos que perteneció al ingeniero y promotor cultural Marte R. Gómez. El acervo abarca la generación de la Ruptura, con obras de Gunther Gerzso, Juan Soriano, José García Ocejo y José Luis Cuevas, así como los artistas oaxaqueños Francisco Toledo y Sergio Hernández.


title: Museo Soumaya

text: Museo Soumaya conserva una colección de estampas con motivos religiosos que va del a inicios del XIX. Calcografías, xilografías, aguafuertes y litografías son las principales técnicas de dibujantes e impresores como Joseph de Nava, Manuel Villavicencio, Baltasar Troncoso e Ignacio Cumplido.


title: Museo Soumaya

text: Relicarios, miniaturas en el tradicional soporte de marfil, y pintura en pequeño formato hechas en óleo, cera, tallas y plumaria sobre papel y láminas de metal comprenden esta colección. Destacan los trabajos de maestros como Antonio Tomasich y Haro, Francisco Morales, María de Jesús Ponce de Ibarrarán y Francisca Salazar.


title: Museo Soumaya

text: Los yacimientos de Nueva España eran ricos en metales preciosos, por lo que su producto sirvió para las transacciones mercantiles en América, Europa y Asia. Museo Soumaya alberga el acervo que originalmente integró Licio Lagos, con piezas de los siglos XVI al XVIII, y la de Don Bailey y Floyd Ganassi, que reúne monedas y medallas al mérito civil y militar del Segundo Imperio Mexicano y Republicanas del periodo de la intervención francesa.


title: Museo Soumaya

text: Las colecciones de monedas de oro y plata conforman una historia numismática de México. Están las primeras monedas acuñadas en México y en el continente americano, las conocidas como "Carlos y Juana", en sus dos series o tipos; los macuquinos o monedas de a martillo de Felipe II; las primeras monedas circulares de 1732, del reinado de Felipe V, las de Fernando VI, las de Carlos III que se conocieron como “peluconas cara de rata –por así denostar el perfil del emperador y el uso de pelucas durante el Siglo de las Luces” y las últimas virreinales, escudo fernandino de 1812. Del periodo de la guerra de Independencia: reales del Sud o las que por vez primera llevaron estampada el águila como emblema mexicano correspondientes a la Junta de Zitácuaro (o Congreso Americano Suprema Junta Nacional Gubernativa). De la vida independiente, las del Primer Imperio Mexicano, las republicanas de 1823 con las que se llevaba a cabo el decreto de llevar en el anverso el escudo nacional, las del Segundo Imperio Mexicano con las que se inició el uso del sistema decimal en el campo numismático, las republicanas juaristas, las de balanza porfirianas, las revolucionarias y las primeras, desde 1905, con la leyenda “Estados Unidos Mexicanos”. También comprende numismas revolucionarios, centenarios, aztecas e hidalgos.


title: Museo Soumaya

text: El Virreinato de Nueva España fue un centro de intercambio comercial entre América, Europa y Asia hasta los inicios del . Museo Soumaya conserva una rica variedad de objetos de diversas procedencias, materiales y facturas que formaron parte de dicho intercambio cultural y comercial. Destacan las cucharas de la colección de Ernesto Richheimer, el neceser vienés de Fernando VII, la pulsera de la emperatriz Carlota Amelia de Bélgica y México, piezas de la Real Fábrica de San Ildefonso de la Granja, las custodias de Nueva Granada, muebles, escritorios, cajas de música, biombos, relojes y joyería.


title: Museo Soumaya

text: Objetos realizados en brocados, damascos, sedas, rasos y terciopelos; vestidos, prendas masculinas, ropa íntima, accesorios, joyería y revistas de 1780 a 1950, son muestra de la moda. En su vertiente religiosa y ritual, este acervo conserva trabajos con hilos entorchados, lentejuelas y galones: capas para la Virgen y el Niño Dios, ajuares religiosos y cubrecálices.


title: Museo Soumaya

text: Integran este acervo: daguerrotipos, ferrotipos, platinotipo, colodión y albúminas de la segunda mitad del y retratos de políticos, artistas, celebridades y rescate de tradiciones populares de la primera mitad del . También se resguardan cámaras, fototipos, plata sobre gelatina y otros materiales. Sobresalen obras de los estudios fotográficos de Charles Jacotin, Hugo Brehme, Natalia Baquedano, la Compañía Industrial Fotográfica (CIF), la compañía MRM, entre otros. También contiene formatos antiguos como "cartes de visite" y postales.


title: Museo Soumaya

text: Entre los años treinta y setenta del , Galas de México fue la principal editora de calendarios y otras imágenes comerciales en algunos países de Iberoamérica. Los cromos fueron el trabajo colectivo de pintores, fotógrafos, dibujantes, impresores y clientes que recrearon la historia, la devoción, los paisajes, las tradiciones, las regiones, el humor y las transformaciones de la vida urbana moderna, la sensualidad, la afición deportiva y el cine de la cultura mexicana. La colección reúne arqueología industrial en maquinaria, óleos, impresos, negativos en vidrio, películas en acetato y cámaras fotográficas.


title: Museo Soumaya

text: Los autores de esta colección abarcan de los años 30 a principios de los 80 del : Jesús de la Helguera, Antonio Gómez y Rodríguez, José Bribiesca Casillas, Jaime Sadurní, Eduardo Cataño, Jorge González Camarena, José Bribiesca Ruvalcaba, Conchita Pesqueira, Manuela Ballester, Aurora Gil, Luis Améndolla, Ángel Martín y Humberto Limón, entre otros.


title: Museo Soumaya

text: En 2012 la sede en Plaza Carso superó el millón de visitantes. Para 2013 fue colocado en el sitio 56 de la clasificación internacional hecha por The Art Newsletter. En 2014 se registraron 2 millones 600 mil visitantes, en octubre de 2015 se alcanzó la cifra de 5 millones de visitantes. Para 2016 la cifra superó los 7 millones.


title: Museo Soumaya

text: , se realizó en 2015 en la Ciudad de México, con conferencias, charlas, reuniones y visitas. Durante la noche del 18 de julio asistieron al Museo Soumaya wikipedistas de más de 40 países, así como connacionales que colaboran en los proyectos Wikimedia. La foto oficial del evento fue tomada en el vestíbulo del museo en Plaza Carso.


title: Museo Soumaya

text: Del 9 al 12 de junio de 2016 fue realizado el editatón más largo del mundo con 72 horas de trabajo continuo, el cual tuvo como objetivo editar los contenidos de Wikipedia sobre la colección de Fundación Carlos Slim, coleccionismo y museos. Tras las 72 horas de edición, se le otorgó el récord Guinness.


title: Museo Soumaya

text: El museo tiene un programa permanente de préstamos de obras a otros museos e instituciones culturales, con lo que ha colocado piezas en veintinueve estados de México y veintiún ciudades a nivel mundial. Existen obras en resguardo en el Hotel Geneve de Ciudad de México y en espacios comerciales de Grupo Carso como Plaza Carso y Plaza Cuicuilco.


title: Museo Soumaya

text: Museo Soumaya se concibe como un espacio para el aprendizaje a través de la experiencia. En su discurso inaugural para su sede en Plaza Carso, el Ing. Carlos Slim Helú apuntó:Creemos que en esta etapa, en nuestra sociedad del conocimiento no es necesario únicamente información y estudios, se requiere también desarrollar por parte de la población mayor sensibilidad, mayor interés por la belleza, por la estética, por lo que se ha hecho en la historia de la humanidad. En ese sentido, que pueda apreciar estas obras de arte que se han hecho en el mundo y en nuestro país. El museo ofrece diversos recorridos, programas educativos y de responsabilidad social, desarrollados con un enfoque pedagógico constructivista, entre los que se encuentran los siguientes:


title: Museo Soumaya

text: Las mediación en el museo de arte se realizan con base en el diálogo, preguntas abiertas y dinámicas grupales.


title: Museo Soumaya

text: Uno de los objetivos de la Fundación Carlos Slim es desarrollar capital humano para la sociedad del conocimiento. Por ello, el museo emplea tecnologías de la información para que el usuario pueda acceder a contenidos adicionales —cápsulas de audio, vídeo e interactivos— a través de sus dispositivos móviles.


title: Anjelica Huston

text: Anjelica Huston (Santa Mónica, California; 8 de julio de 1951) es una actriz, directora y exmodelo estadounidense. En 1985 protagonizó "El honor de los Prizzi", película por la que obtuvo el Óscar a la mejor actriz de reparto y que fue dirigida por su padre John Huston. También estuvo nominada al Óscar por su trabajo en "Enemigos, una historia de amor", de 1989 y "The Grifters", de 1990.


title: Anjelica Huston

text: Fue nominada al premio BAFTA por su actuación en "Crimes and Misdemeanors" de 1989 y por "Misterioso asesinato en Manhattan" de 1993. Entre sus papeles más conocidos se encuentran Morticia Addams en "The Addams Family" de 1991 y "Addams Family Values" de 1993, que le valieron una candidatura al Globo de Oro, y la Bruja en "The Witches" de 1990. Ha publicado dos libros de memorias: "A Story Lately Told: Coming of Age in Ireland, London, and New York" (2013) y "Watch Me: A Memoir" (2014).


title: Anjelica Huston

text: Anjelica Huston nació el 8 de julio de 1951 fruto del matrimonio entre el director John Huston y la bailarina italoestadounidense Enrica Soma. Su infancia transcurrió en escuelas de Inglaterra e Irlanda hasta que sus padres se separaron en 1961.


title: Anjelica Huston

text: Heredera de una familia de artistas cinematográficas (su abuelo era Walter Huston), Anjelica probó suerte en el mundo de la interpretación. Obtuvo un pequeño papel en "Hamlet" (1969), representó el papel de Ofelia de esa misma obra en Broadway en ese mismo año, y se puso bajo las órdenes de su padre en "Paseo por el amor y la muerte"; pero esos inicios quedaron truncados en parte por el fallecimiento de su madre en un accidente de tráfico y unas críticas devastadoras.


title: Anjelica Huston

text: Anjelica se mudó a Nueva York para trabajar como modelo. En dicha ciudad conoció a Jack Nicholson con quien inició una relación sentimental. Poco a poco volvió al cine en pequeños roles en películas como "El último magnate" (1974) de Elia Kazan, "El cartero siempre llama dos veces" (1981) y "Frances" (1982).


title: Anjelica Huston

text: En 1985 rodó con su padre y con su novio "El honor de los Prizzi", en la que Anjelica encarnó a Maerose Prizzi, una vampiresa intrigante que hacía valer sus armas de mujer, quedándose con el amor de su vida al final de la función. Anjelica gracias a ese papel obtuvo el . Al subir al escenario para recoger el premio, la actriz señaló lo mucho que había significado el Óscar, considerando que su padre le había dirigido en esa película.


title: Anjelica Huston

text: Relanzada su carrera cinematográfica, Anjelica interpretó en 1986 a una maligna Líder Suprema que gobernaba a un mundo terrorífico en el mini-corto para Disney "Captain EO" junto a Michael Jackson, Dick Shawn y dirigido por Francis Ford Coppola. Dirigido también por este, en 1987 Anjelica protagonizó en "Gardens of Stone" a Samantha Davis, una mujer madura anti-militarista que mantenía una relación con el Sargento Clell Hazard (James Caan), un hombre atormentado por la cantidad de jóvenes que perdieron inútilmente la vida en combate. En ese mismo año protagonizó la última película de su padre, "The Dead" aclamada por la crítica. John Huston fallecería el 28 de agosto de 1987.


title: Anjelica Huston

text: Para rendir homenaje a su memoria, Anjelica y su hermano, Danny Huston, decidieron abordar un proyecto incumplido de John, "Mr. North" (1988). La intérprete completó el año con el rodaje de "Un puñado de polvo", acompañada por Judi Dench.


title: Anjelica Huston

text: En 1989 Anjelica obtuvo dos papeles que le valieron la atención de la crítica. El primero perteneció a la película "Delitos y faltas" (Woody Allen), en el que se puso en la piel de Dolores, una treintañera asesinada por su amante por amenazarle con revelar la aventura a la mujer de aquel. El segundo fue en "Enemigos, una historia de amor", por cuyo trabajo fue candidata por segunda vez al Óscar. Ese mismo año la relación con Jack Nicholson llegó a su fin.


title: Anjelica Huston

text: Al año siguiente Anjelica llega a la cumbre de su carrera gracias a su interpretación en "Los timadores". En ella Anjelica interpretó a Lily, una mujer que se convirtió en madre a los catorce años, y cuyo presente descansa en su trabajo de corredora de apuestas que roba a sus jefes y que mata accidentalmente a su hijo con quien mantenía una relación incestuosa. A partir de entonces se relacionó el rostro de la actriz con las mujeres maduras con un turbulento pasado y que seguían siendo atractivas para los hombres. Anjelica fue candidata por primera vez al . A pesar de perder la estatuilla frente a Kathy Bates, la intérprete quedó recompensada al formar parte del jurado del Festival de Cannes de ese año.


title: Anjelica Huston

text: Para deshacerse de su imagen más trágica, Anjelica aceptó roles más desinhibidos, como la Gran Bruja de "La maldición de las brujas", la Morticia Adams de "The Addams Family", o la Marcia Foxx de "Misterioso asesinato en Manhattan" que la vincularon durante unos años a la comedia.


title: Anjelica Huston

text: En 1995 se reencontró con Jack Nicholson en "Cruzando la oscuridad", segunda película como realizador de Sean Penn. En ella los dos actores interpretaron a una pareja divorciada cuya hija había muerto atropellada por un conductor ebrio. La actriz finalizó el año con la filmación de "Cuando salí de Cuba", en la que defendió el papel de mujer madura que al llegar a Miami enamora a un policía interpretado por Chazz Palminteri.


title: Anjelica Huston

text: En 1996 Anjelica decidió saltar a la dirección con "Bastardos de Carolina". A este título se le sumó "Agnes Browne" (1999), presentada en una edición del Festival de Cine de San Sebastián en la que ella fue galardonada con el Premio Donostia. En su discurso de agradecimiento señaló que estaba muy honrada por recibirlo en el mismo año que lo hacía Vanessa Redgrave y Fernando Fernán Gómez.


title: Anjelica Huston

text: En 2000 James Ivory requirió sus servicios para "La copa dorada", encomendándole el papel de Agnes, una mujer que colabora en la elaboración de una peligrosa mentira. A este papel le siguió el de matriarca en "The Royal Tenenbaums".


title: Anjelica Huston

text: En 2003 Anjelica junto a su marido Robert Graham participó activamente en las manifestaciones contra la guerra de Irak.


title: Anjelica Huston

text: En 2005 presidió el jurado de Festival de Cine de San Sebastián, del que también formaba parte Verónica Forqué.


title: Artemisia Gentileschi

text: Artemisia Lomi Gentileschi (Roma, 8 de julio de 1593-Nápoles, hacia 1656) fue una pintora barroca italiana.


title: Artemisia Gentileschi

text: Su formación artística comenzó en el taller de su padre, el pintor toscano Orazio Gentileschi (1563-1639), uno de los grandes exponentes de la escuela romana de Caravaggio. Aprendió de su padre la técnica del dibujo y el fuerte naturalismo de las obras de Caravaggio, con quien se la ha comparado por su dinamismo y por las escenas violentas que a menudo representan sus pinturas. En sus cuadros desarrolló temas históricos y religiosos. Fueron célebres sus pinturas de personajes femeninos como Lucrecia, Betsabé, Judith o Cleopatra, en los que se han leído rasgos feministas.


title: Artemisia Gentileschi

text: En mayo de 1611, cuando tenía 18 años, el pintor Agostino Tassi, maestro suyo y amigo de su padre, la violó. Suceso que se considera que tuvo influencia tanto en su vida como en su pintura.


title: Artemisia Gentileschi

text: Dio sus primeros pasos como artista en Roma, y continuó su carrera en distintas ciudades de Italia. En 1612 se mudó a Florencia. Fue la primera mujer en hacerse miembro de la Accademia delle arti del disegno de Florencia y tuvo una clientela internacional. Trabajó bajo los auspicios de Cosme II de Médici. En 1621 trabajó en Génova, luego se trasladó a Venecia, donde conoció a Anton Van Dyck y Sofonisba Anguissola; más tarde regresó a Roma, y entre 1626 y 1630 se mudó a Nápoles. En el período napolitano, la artista recibió por primera vez un pedido para la pintura al fresco de la iglesia, en la ciudad de Pozzuoli, cerca de Nápoles. Durante el período 1638-1641, vivió y trabajó en Londres con su padre bajo el patrocinio de Carlos I de Inglaterra. Luego regresó a Nápoles, donde vivió hasta su muerte.


title: Artemisia Gentileschi

text: Artemisia Gentileschi era la hija mayor del pintor Orazio Gentileschi y Prudenzia di Ottaviani Montoni, quien a su muerte, en 1605, dejó tres varones y a Artemisia, que tenía entonces 12 años de edad. Artemisia fue introducida a la pintura en el taller de su padre, mostrando más talento que sus tres hermanos, que trabajaban junto a ella. Aprendió dibujo, cómo empastar los colores y dar brillantez a los cuadros. Dado que el estilo de su padre, en aquellos tiempos, se remitía explícitamente al arte de Caravaggio (con el que Orazio tenía relaciones de familiaridad), también los primeros pasos artísticos de Artemisia se aproximaron al pintor lombardo. Pero su enfoque de los temas era diferente al de su padre. Al mismo tiempo, Artemisia tuvo que resistir la «actitud tradicional y la sumisión psicológica a este lavado de cerebro y los celos de su talento obvio».


title: Artemisia Gentileschi

text: En 1610 firmó a los diecisiete años su primera obra, (atribuida durante mucho tiempo a su padre): "Susana y los viejos", (conservada en la colección Schönborn). A diferencia del enfoque de otros autores, la mitológica Susana de Artemisia rehúye, avergonzada, la atención de los viejos.


title: Artemisia Gentileschi

text: En 1611, dado que el acceso a la enseñanza de las academias profesionales de Bellas Artes era exclusivamente masculino, y por tanto le estaba prohibido, su padre le dio un preceptor privado, Agostino Tassi. Con él estaba trabajando en aquel tiempo Orazio, en la decoración de las bóvedas de "Casino della Rose" dentro del Palacio Pallavicini Rospigliosi en Roma.


title: Artemisia Gentileschi

text: En mayo de 1611, Tassi la violó. Al principio, prometió salvar su reputación casándose con ella, pero más tarde renegó de su promesa, pues ya estaba casado, y Orazio lo denunció en marzo de 1612 ante el Tribunale Criminale del Governatore di Roma. La instrucción, que duró siete meses, permitió descubrir que Tassi había planeado asesinar a su esposa, cometió incesto con su cuñada y quiso robar ciertas pinturas de Orazio Gentileschi. Del proceso que siguió se conserva documentación exhaustiva. Durante todo el juicio, Artemisia sostuvo su testimonio de violación, incluso tras la tortura a la que fue sometida: un instrumento que apretaba progresivamente cuerdas en torno a sus dedos.Además, tuvo que someterse a un examen ginecológico para demostrar que había sido desflorada. Tassi fue condenado a un año de prisión y al exilio de los Estados Pontificios. Las actas del proceso han influido grandemente en la lectura en clave feminista, dada en la segunda mitad del , a la figura de Artemisia Gentileschi.


title: Artemisia Gentileschi

text: La pintura "Giuditta che decapita Oloferne" ("Judith decapitando a Holofernes") (1612-1613), (que se exhibe en la Galleria degli Uffizi de Florencia) impresiona por la violencia de la escena que representa, y ha sido interpretada en clave psicológica y psicoanalítica, como un deseo de venganza respecto a la violencia que ella había sufrido. Un mes después de que Tassi fuese exiliado, el 29 de noviembre de 1612 Artemisia se casó, en un matrimonio arreglado por su padre, con un pintor florentino, Pierantonio de Vincenzo Stiattesi (o Pietro Antonio Stiattesi), un modesto artista, lo que sirvió para restituirle a Artemisia, violada, engañada y denigrada por Tassi, un estatus de suficiente honorabilidad. De estos comienzos romanos data también la "Madonna col Bambino" ("Virgen con niño") de la Galería Spada.


title: Artemisia Gentileschi

text: Artemisia y su marido se instalaron en Florencia en 1613. Allí, Artemisia disfrutó de un gran éxito. Fue la primera mujer en ingresar en la Accademia del Disegno (Academia del Dibujo) de Florencia. Artemisia se convirtió en una exitosa pintora de corte. Mantuvo buenas relaciones con los artistas más respetados de su tiempo, como Cristofano Allori, y fue capaz de conquistar los favores y la protección de personas influyentes, comenzando por el gran duque Cosme II de Médici y especialmente de la gran duquesa Cristina. Tuvo una buena relación con Galileo Galilei con quien se mantuvo en contacto epistolar durante largo tiempo, mucho más allá de su período florentino.


title: Artemisia Gentileschi

text: Entre sus admiradores tiene un puesto de especial relieve Buonarroti el joven (sobrino del gran Miguel Ángel); empeñado en construir la Casa Buonarroti para celebrar la memoria de su ilustre antecesor, encargó a Artemisia la ejecución de una tela destinada a decorar el techo de la galería de pinturas. La pintura en cuestión representa una "Allegoria dell'Inclinazione" (esto es, una alegoría del «talento natural»), representada en forma de una joven mujer desnuda que sostiene una brújula. Se cree que la atractiva figura femenina tenía los rasgos de la propia Artemisia, que —como sostenían las informaciones mundanas de la época— fue una mujer de extraordinario atractivo. En efecto, se suele entender que en las telas de Artemisia, los rasgos faciales de las hermosas y enérgicas heroínas que allí aparecen tienen un parecido al rostro que aparece en sus retratos o autorretratos: a menudo el que le encargaba cuadros debía desear tener una imagen que le recordase visualmente a la autora, cuya fama iba creciendo. Su éxito y la fascinación que emanaba de su figura alimentaron a lo largo de toda su existencia rumores sobre su vida privada.


title: Artemisia Gentileschi

text: Se ha considerado que durante este período florentino Artemisia también pintó "La Conversione della Maddalena" ("La conversión de la Magdalena"), y "Giuditta con la sua ancella" ("Judith y su doncella"), hoy en el Palacio Pitti. Artemisia pintó una segunda versión de "Giuditta che decapita Oloferne" ("Judith decapitando a Holofernes"), mayor que la versión de Nápoles y hoy en los Uffizi. Esta "Judith y Holofernes" o "Degollación de Holofernes" está considerada su obra maestra. Según afirma el historiador y experto en arte barroco italiano R. W. Bisell: La oscuridad y gráfica violencia de esta obra, la frialdad con que Judith decapita a Holofernes, se atribuyen a su violación y al proceso humillante que le siguió.


title: Artemisia Gentileschi

text: Mientras estuvo en Florencia, Artemisia y Pierantonio tuvieron cuatro hijos y una hija. Pero solo la hija, Prudenzia, llegó a la edad adulta. A pesar de su éxito, debido a un exceso de gastos suyos y de su marido, el período florentino estuvo lleno de problemas con los acreedores y con su esposo. Es razonable suponer que fue esto lo que motivó su regreso a Roma, que realizó de manera definitiva en 1621, donde constaba como «cabeza de familia», con su hija Prudenzia y dos sirvientes. Más tarde se trasladó a Nápoles, lugar donde pintó su obra "Betshabé" y Lot y sus hijas.


title: Artemisia Gentileschi

text: Ese mismo año en que, separada de su marido, Artemisia llegó a Roma, su padre Orazio dejó la ciudad y se trasladó a Génova. Algunos creen que Artemisia siguió a su padre a la capital ligur (incluso para explicar la persistencia de una afinidad de estilos que, todavía hoy, dificultan determinar quién de los dos pintó ciertas obras); pero no hay suficientes pruebas al respecto. La mayor parte de las evidencias apoyan la idea de que Artemisia permaneció en Roma, como mujer independiente, intentando encontrar una casa y criar a sus hijas, pues además de Prudenzia tuvo otra hija, probablemente nacida en 1627. Artemisia intentó, prácticamente sin éxito, enseñarles el arte de la pintura.


title: Artemisia Gentileschi

text: El estilo de Caravaggio, aunque el maestro llevaba muerto más de una década, era aún muy influyente en la Roma de la época y convirtió a muchos pintores en seguidores suyos (llamados "Caravaggisti") como el padre de Artemisia, Carlo Saraceni (quien regresó a Venecia en 1620), Bartolomeo Manfredi y Simon Vouet. Sin embargo, los estilos pictóricos en Roma a principios del eran diversos y coexistía la tendencia más clásica, seguida por los discípulos boloñeses de Annibale Carracci y las aventuras barrocas de Pietro da Cortona, sobre todo, las gigantescas empresas decorativas, como la bóveda de los salones del palacio Barberini (1633-1639), a la que se ha llamado «acta de nacimiento de la pintura de techos de el Alto Barroco», o del palacio Pamphili en Roma y del palacio Pitti de Florencia.


title: Artemisia Gentileschi

text: A lo largo de su producción, Artemisia hizo diferentes versiones de la misma obra. Un ejemplo es "Judith decapitando a Holofernes", que se puede encontrar en la Galería Uffizi, de Florencia. Otro ejemplo es "María Magdalena como Melancolía", cuya primera versión se halla en la Sala del Tesoro de la catedral de Sevilla; la segunda se localiza en el Museo Soumaya, en la Ciudad de México. Más allá de la gran similitud entre las dos obras, realizadas entre 1621 y 1626, cabe destacar tres importantes diferencias, que se pudieron detectar a través de una investigación con rayos X:


title: Artemisia Gentileschi

text: Un caso similar en la producción de Artemisia se encuentra también en la relación entre la Judith de los Uffizi y la de Nápoles. La composición es básicamente la misma. La obra de los Uffizi fue encargada por Cosme II de Médici, gran duque de Toscana, que solicitó una composición que replicara el cuadro anterior. Esto permite comprender cómo «las segundas versiones de Artemisia (...) son tan deseables como las versiones originales».


title: Artemisia Gentileschi

text: En Roma, meta obligada de artistas de toda Europa durante el debido al mecenazgo de papas y allegados, Artemisia fue testigo de las novedades artísticas que se producían relacionándose con los pintores de su entorno. Entró a formar parte de la Accademia dei Desiosi, hecho que fue celebrado con un retrato grabado, cuya dedicatoria rezaba: "Pincturare miraculum invidendum facilius quam imitandum" («en el milagro de la pintura es más fácil envidiar que imitar»). De esta misma época data su amistad con Cassiano dal Pozzo, un humanista, coleccionista y gran mecenas de las bellas artes.


title: Artemisia Gentileschi

text: Sin embargo, a pesar de su reputación artística, su fuerte personalidad y la red de buenas relaciones, Roma no fue tan lucrativa como ella esperaba. Se apreciaba su arte en los retratos y su habilidad para poner en escena a las heroínas bíblicas, pero a ella le estaban vedados los ricos encargos de ciclos de frescos y de los grandes retablos. La ausencia de suficiente documentación hace difícil seguir los movimientos de Artemisia en este período. Es seguro que en 1626-27 se trasladó a Venecia, quizá en busca de encargos más lucrativos: lo documentan los homenajes que recibió de los letrados de la ciudad de la laguna que alabaron la calidad de la pintora.


title: Artemisia Gentileschi

text: Aunque a veces es difícil datar sus pinturas, y es a menudo motivo de divergencia entre los críticos de arte, es verosímil asignarle estos años el "Ritratto di gonfaloniere" ("Retrato de un gonfaloniero"), hoy en Bolonia (único ejemplo conservado hasta ahora de su célebre habilidad como retratista); la "Giuditta con la sua ancella", ("Judith y su doncella"), hoy en el Instituto de Artes de Detroit, que refleja el dominio de la pintora sobre los efectos de claroscuro de la luz de la vela; su "Venere Dormiente" ("Venus durmiente") y su "Ester ed Assuero" ("Ester y Asuero"), ubicado en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, que testimonia su asimilación de las lecciones del luminismo veneciano.


title: Artemisia Gentileschi

text: En 1630 Artemisia se trasladó a Nápoles, una ciudad rica con talleres y amantes del arte, en busca de nuevas y más lucrativas oportunidades laborales. Muchos otros artistas, incluyendo a Caravaggio, Annibale Carracci o Simon Vouet habían estado en Nápoles durante algún momento de sus vidas, y en aquella época, José de Ribera, Massimo Stanzione y Domenichino estaban trabajando allí y más tarde, Giovanni Lanfranco y muchos otros acudirían a esta ciudad.


title: Artemisia Gentileschi

text: El debut napolitano de Artemisia está representado por la "Anunciación" en el Museo de Capodimonte. Permaneció en Nápoles durante el resto de su carrera con la excepción de su breve estancia en Londres y algún otro viaje. Nápoles (para constante lamento por Roma) representó para Artemisia una especie de segunda patria donde ocuparse de su familia (ambas hijas se casaron en Nápoles, con dote propia). Recibió muchas pruebas de la gran estima en la que se la tenía, y estuvo en buenas relaciones con el virrey, Fernando Afán de Ribera y Téllez-Girón, duque de Alcalá. Tuvo relaciones de intercambio con sus pares y con los mayores artistas que allí estaban, comenzando por Massimo Stanzione, con quien, según el escritor del Bernardo de' Dominici, comenzó una colaboración artística basada en una auténtica amistad y parecidos artísticos.


title: Artemisia Gentileschi

text: En Nápoles, por primera vez, Artemisia empezó a trabajar en cuadros para una catedral, dedicados a "San Gennaro nell'anfiteatro di Pozzuoli" ("San Jenaro en el anfiteatro de Pozzuoli") en Pozzuoli. Durante su primer período napolitano pintó "Nascita di San Giovanni Battista" ("Nacimiento de san Juan Bautista") que se conserva en el Museo del Prado de Madrid, y "Corisca e il satiro" ("Corisca y el sátiro"), en una colección privada. En estas pinturas Artemisia demuestra nuevamente su capacidad de renovarse según los gustos artísticos de su tiempo y de manejar diferentes temas, en lugar de las usuales "Judith", "Susana", "Betsabé", y "Magdalena penitente", por las que ya era conocida. Muchas de estas pinturas fueron colaboraciones con otros artistas; "Betsabé", por ejemplo, se atribuyó a Artemisia, a Codazzi y a Gargiulo.


title: Artemisia Gentileschi

text: En 1638 Artemisia se reunió con su padre en Londres en la corte de Carlos I de Inglaterra, donde Orazio se convirtió en pintor cortesano y recibió el importante encargo de decorar un techo en la Casa delle Delizie de la reina Enriqueta María de Francia en Greenwich; la alegoría del "Trionfo della pace e delle Arti" ("Triunfo de la Paz y de las Artes"). El padre y la hija estaban una vez más trabajando juntos, aunque ayudar a su padre probablemente no fuera su única razón para viajar a Londres: Carlos I la había llamado a su corte, y no era posible rechazarlo. Este rey era un coleccionista fanático, dispuesto a arruinar las finanzas públicas para satisfacer sus deseos artísticos. La fama de Artemisia probablemente lo intrigase, y no es una coincidencia que su colección incluyera un cuadro muy sugerente, el "Autoritratto in veste di Pittura" ("Autorretrato como la Alegoría de la Pintura").


title: Artemisia Gentileschi

text: Orazio murió repentinamente, cuidado por su hija, en 1639. Artemisia tuvo que cumplir sus propios encargos después de la muerte de su padre, aunque no hay obras que puedan asignarse con certeza a este período. Se sabe que Artemisia ya había abandonado Inglaterra en 1642, cuando se producían las primeras escaramuzas de la guerra civil.


title: Artemisia Gentileschi

text: No se sabe mucho de sus movimientos posteriores. Se cree que partió definitivamente a Nápoles en 1642 donde pasó el resto de su vida. En 1649 estaba de nuevo en la ciudad partenopea, en correspondencia con Antonio Ruffo de Sicilia quien se convirtió en su mecenas y buen comitente durante su segundo período napolitano. La última carta conocida a su mecenas data de 1650 y deja claro que ella estaba aún plenamente en activo.


title: Artemisia Gentileschi

text: Se pensó que Artemisia había muerto en 1653. Evidencias recientes, sin embargo, muestran que aún aceptaba encargos en 1654, aunque dependía cada vez más de su asistente, Onofrio Palumbo. Por lo tanto, puede especularse con su muerte en la devastadora plaga que asoló Nápoles en 1656 y virtualmente barrió a toda una generación de artistas napolitanos. Algunas obras de este período son "Susanna e i vecchioni" ("Susana y los viejos") hoy en Brno y "Madonna e Bambino con rosario" ("Virgen con el Niño y un rosario") hoy en El Escorial.


title: Artemisia Gentileschi

text: Su tumba se encontraba en la iglesia de "San Giovanni Battista dei Fiorentini" (San Juan de los Florentinos) de Nápoles, que fue demolida tras la Segunda Guerra Mundial. En su lápida estaba escrito "HEIC ARTEMISIA". Después de su muerte fue prácticamente olvidada hasta el .


title: Artemisia Gentileschi

text: Artemisia Gentileschi pintó cuadros históricos y religiosos en un momento en que estos temas heroicos eran considerados inadecuados para el espíritu femenino. Retocó y modificó obras de su padre y las dotó de un realismo que antes no tenían. Les añadió una atmósfera dramática, acentuando el claroscuro a la manera de Caravaggio, y de esta forma contribuyó al desarrollo de un «caravaggismo violento».