title: Cédula de identidad (Costa Rica)

text: En Costa Rica es necesaria la cédula de identidad para la mayoría de lugares y acciones. Es obligatoria para los procesos electorales y cualquier persona está en el derecho de solicitarla para comprobar si es o no mayor de edad para ciertos lugares tales como bares o clubes nocturnos o clínicas.


title: Cédula de identidad (Costa Rica)

text: Las personas mayores de 65 años (Llamados "ciudadano de oro") pueden mostrarla en el transporte público (Trenes o autobuses) para viajar de forma gratuita o, en rutas más largas, un descuento en el precio del viaje. Sin embargo, si se encuentra dañada o no es legible, el adulto mayor deberá pagar su pasaje.


title: Cédula de identidad (Costa Rica)

text: Las cédulas incluyen distintas medidas de seguridad. En el frente, hay una imagen de la fachada del edificio principal del Tribunal Supremo de Elecciones que puede observarse con luz ultravioleta. Asimismo, puede observarse el número de identificación y la imagen de la persona (En función del ángulo en que se observe) en la esquina inferior izquierda de este lado del documento. En el reverso, hay un microtexto en la parte inferior que puede leerse con una lupa.


title: Courage the Cowardly Dog

text: Courage the Cowardly Dog (conocida en Hispanoamérica como Coraje, el perro cobarde y en España como Agallas, el perro cobarde) es una serie animada estadounidense de horror y comedia, creada y dirigida por John R. Dilworth, producida por Stretch Films y emitida por Cartoon Network. El personaje epónimo vive con sus ancianos dueños —Muriel y Eustace Bagge— en las afueras del ficticio pueblo de Nowhere, Kansas, donde a menudo sufren adversidades causadas por villanos «mezquinos, egoístas y sádicos» o algún visitante inusual. Inmerso en circunstancias sobrenaturales, el protagonista debe armarse de valentía para proteger la integridad de sus seres cercanos y restablecer la quietud alrededor de la granja que habitan.


title: Courage the Cowardly Dog

text: Dilworth, un experimentado animador egresado de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, plasmó ideas de carácter autobiográfico en "Courage", como señas de su «comportamiento disfuncional» ante determinadas circunstancias, y a grandes rasgos describió su labor en esta y otras obras originales como una «terapia no declarada». El número de protagonistas coincide con el de varias de sus creaciones anteriores, como el cortometraje "Smart Talk With Raisin" (1993), que contiene personalidades e interacciones similares a las que se observan entre Courage y sus dueños. "The Chicken from Outer Space" (o "El pollo del espacio exterior", de 1996), uno de los dieciocho pilotos presentados en el segmento antológico "What a Cartoon!", ya presentaba a los personajes principales y al ambiente remoto que caracteriza a esta ficción. La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas lo nominó a un premio Óscar en la categoría del , honor que al final obtuvo "A Close Shave", del animador Nick Park. No obstante, su buena acogida resultó clave para que se produjera la serie televisiva, cuyo estreno en 1999 estableció un récord de audiencia para Cartoon Network al captar la atención del 2.4% de los hogares que tenían acceso a su señal. Su emisión original finalizó el 22 de noviembre de 2002, con lo que se totalizaron cuatro temporadas que abarcan cincuenta y dos episodios divididos en segmentos de once minutos. Ganó el premio Golden Reel a la mejor edición de sonido y el Annie al diseño de producción sobresaliente, además de haber generado múltiples mercancías, tales como gorras y camisetas.


title: Courage the Cowardly Dog

text: Su estilo visual consiste en una amalgama de recursos como la animación 2D, el CGI, la arcilla, los recortes y —en particular— el mapeo de texturas, cuyo empleo se tradujo en escenarios de aspecto semirealista. Fue la primera serie animada masterizada en alta definición y la incursión de Cartoon Network en el género del horror. La música de Jody Gray y Andy Ezrin —compuesta en constante colaboración con Dilworth— se utilizó para resaltar la combinación de lo sobrenatural con la comedia y los momentos más trepidantes de los episodios. La serie también es conocida por sus elementos de surrealismo y ciencia ficción, así como una producción representativa del Cartoon Network de finales de los años 1990 (concretamente, su séptimo Cartoon Cartoon). Su influencia a lo largo de los años se ha podido observar en distintos segmentos de la cultura popular, como el arte de fanáticos y el "cosplay".


title: Courage the Cowardly Dog

text: En 2014 se emitió el piloto de siete minutos "The Fog of Courage" ("La niebla de Courage"), cuya animación se logró enteramente con imágenes generadas por computadora. Cuatro años después, el creador anunció la posibilidad de explorar la vida del can en una precuela para el canal Boomerang, pero no brindó más detalles que el título tentativo "Before Courage" ("Antes de Courage"). Para junio de 2021, la viabilidad del proyecto se había vuelto incierta y, en cambio, se produjo el largometraje directo a vídeo "Straight Outta Nowhere: Scooby-Doo Meets Courage the Cowardly Dog", que a su vez es un cruce con "Scooby-Doo".


title: Courage the Cowardly Dog

text: Con elementos del género del horror como característica fundamental, "Courage the Cowardly Dog" versa sobre los extraños eventos que le ocurren a sus protagonistas: Courage, Muriel y Eustace Bagge. El episodio «Remembrance of Courage Past» cuenta que el personaje epónimo, un perro tímido y asustadizo, quedó desamparado de cachorro cuando un veterinario envió cruelmente a sus padres al espacio exterior. Poco después fue adoptado por Muriel, una mujer de ascendencia escocesa cuyo esposo es Eustace. La anciana pareja vive como granjeros en un punto desértico a las afueras del ficticio pueblo de Nowhere, Kansas —también llamado «Ningún Lugar» o «Ninguna Parte»—, donde se desarrolla la mayor parte de la serie. Mientras que Muriel es de carácter afable y le brinda confort al nervioso Courage, Eustace —de naturaleza gruñona, egoísta, ingrata y codiciosa— se refiere a él como «perro estúpido» y se divierte al someterlo a todo tipo de maltratos, como sobresaltarlo con una «enorme y horripilante» máscara. Su tendencia abusiva normalmente le amerita ser el centro de una catástrofe o sufrir algún castigo al final del episodio.


title: Courage the Cowardly Dog

text: Estos personajes a menudo se encuentran con monstruos, extraterrestres, demonios, zombis, fantasmas, criaturas antropomorfas o algún ser de extraña índole que supone una amenaza para ellos y su austero modo de vivir. Dado que los granjeros suelen ignorar el peligro en que se encuentran, queda en las capacidades del can encontrarle solución a los predicamentos mediante actos heroicos, motivado por el lema «"The things I do for love!"» (en español: «¡Lo que hago por amor!»). A la vez se trata de una figura oximorónica, puesto que muchas de sus reacciones ante el peligro se contraponen a la definición de su nombre, cuyas acepciones en español incluyen «valor», «valentía» o «coraje». Lou Carlozo, del diario "Chicago Tribune", señaló: «Courage hace cualquier cosa menos estar a la altura de su nombre la mayoría de los días [...] Se reduce a un manojo de nervios con ojos bien abiertos cuando sus dueños se ven arrastrados a una situación espeluznante». Aunque la mayoría de los entes que la mascota enfrenta son de actitud hostil, otros en realidad sufren de alguna angustia o necesidad, lo que da lugar a su redención al final del capítulo. Courage, también leal y protector, les brinda ayuda en sus propósitos al mismo tiempo que suprime sus profundos miedos y ansiedades. Por ejemplo, el episodio «Courage Meets Bigfoot» muestra cómo a la larga simpatiza con el mítico Pie Grande, quien llega a la granja buscando comida y generando alboroto.


title: Courage the Cowardly Dog

text: El programa también auna elementos absurdos o «grotescos» con referencias a obras literarias o fílmicas como "El jorobado de Notre Drame" y "El exorcista", y presenta a personajes con apariencias asimétricas o «inquietantes» (entre ellas, el árbol con rostro humano del episodio «The Magic Tree of Nowhere»). Aunque su formato es autoconclusivo (es decir, los asuntos se resuelven al final del episodio), hay un puñado de personajes que reaparecen de manera recurrente. Esto incluye al ordenador de Courage, cuya base de datos resulta de gran utilidad durante eventos paranormales; el doctor Vindaloo, consultor médico predilecto de los Bagge; Shirley, una chihuahua gitana conocida por su don de médium; la madre de Eustace, «Ma» Bagge, que es irritable y de corta estatura; y los malvados Katz —el felino dueño del Motel Katz; criador de arañas asesinas y adversario principal de Courage— y Le Quack —un pato francés que en sus planes recurre a la estafa—. John R. Dilworth contó que sus villanos, aunque suelen anhelar poder, posesiones o privilegios, también esconden ciertas vulnerabilidades, y es por ello que Courage a veces es capaz de «suavizar» sus actos al fungir como un «terapeuta».


title: Courage the Cowardly Dog

text: Courage y sus dueños debutaron en el cortometraje "The Chicken From Outer Space" (1996), donde el antagonista es un pollo extraterrestre que ansía conquistar el mundo. John R. Dilworth imaginó esta historia a raíz de su paso por la finca donde vivía la familia de su novia, como lo contó al ser entrevistado en 2019: «[Estaba] admirando las monstruosas nubes que dominan el cielo, cuando de repente apareció una intensa bola de luz y me sobresaltó la sensación de que nos estaba mirando. Y así mismo desapareció [...] Comencé a escribir la historia del pollo alienígena al día siguiente». De joven había incursionado en la animación mientras estudiaba en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York y desarrolló gran parte de sus habilidades en esta disciplina por cuenta propia. En 1985 obtuvo su licenciatura en bellas artes y en los años posteriores produjo cortos animados para canales de televisión como Nickelodeon, PBS y MTV, entre los cuales destacaron "The Limited Bird" (1989), "When Lilly Laney Moved In" (1992) y "The Dirdy Birdy" (1994). De acuerdo con el escritor Allan Neuwirth, Dilworth quería que "The Chicken From Outer Space" estuviese «desprovisto de todas las metáforas básicas de la ciencia ficción de los años 1950» y, en cambio, dotarlo con humor y suspenso. Influenciado por series televisivas como "The X-Files", "The Twilight Zone" y "Night Gallery", el artista perseveró en materializar el corto cuando las negociaciones para producirlo con el canal Sci-Fi no prosperaron.


title: Courage the Cowardly Dog

text: Dilworth afirmó que el pingüino de "The Wrong Trousers" —un cortometraje del animador Nick Park— inspiró partes del pollo de "The Chicken From Outer Space", y que su intención siempre fue tener de protagonistas a un perro y una pareja de ancianos: «[En mis creaciones] siempre hay una figura femenina de inteligencia superior que está ausente de alguna manera, un personaje masculino muy antipático y un tercero que es inocente». Para él, la estructura familiar de tres representaba «tanto lo secular como lo divino, [al] hijo único de las familias de clase obrera, una geometría [y una] pirámide», del mismo modo que estaba ligada a su «atracción» por tal número, también explorada en obras anteriores como "When Lilly Laney Moved In". A este respecto añadió que su corto "Smart Talk with Raisin" (1993) presenta al «ancestro más cercano» —tanto física como emocionalmente— a Courage: un perro llamado Hamilton. El hermano de Raisin, Malcolm, es análogo al granjero de "The Chicken From Outer Space", pero mucho más joven. Sobre Muriel puntualizó que su personalidad, cabello blanco y modo de hablar están basados en una mujer escocesa con quien solía tener conversaciones telefónicas. También contó que se sentía atraído a «explorar el mito americano de la granja en colisión con la fantástica sensibilidad de la era atómica», y a su historia añadió elementos de ciencia ficción extraídos del filme "Forbidden Planet" (1956).


title: Courage the Cowardly Dog

text: En 1995, Cartoon Network y Hanna-Barbera habían empezado a incubar proyectos como "Dexter's Laboratory", "Cow and Chicken" y "Johnny Bravo" para lo que estaba por ser el segmento antológico "World Premiere Toons" (más tarde llamado "The What a Cartoon! Show"), bajo la dirección de Fred Seibert. Dilworth viajó hasta Hollywood con el fin de plantearles la idea de "The Chicken From Outer Space" a estas compañías, y para ello decidió ataviarse con un traje espacial y hacer malabares. Seibert consideró adoptar a "The Dirdy Birdy" para el proyecto, pero al final se inclinó por el guion gráfico que contaba la primera aventura de Courage. Una vez aceptada, la propuesta pasó a ser uno de los dieciocho cortos a presentar en "World Premiere Toons" entre 1995 y 1996. De los siete minutos del metraje, el creador realizó aproximadamente la mitad y el resto quedó en manos de un pequeño equipo de apoyo. En el apogeo de nuevas tecnologías aplicadas al campo de la animación, los dibujos se colorearon con pintura digital por medio del "software" Animo. El guion se vio limitado a gruñidos, gritos, carcajadas, el «"Booga-booga-booga!"» del granjero y la única frase de Courage, «"This shouldn't happen to a dog. Ouch!"» («Esto no debería pasarle a un perro. ¡Ouch!»), todo pronunciado por el actor de voz Howard Hoffman. En resumen, el trabajo se completó en apenas cinco meses y generó satisfacción tanto en Cartoon Network como en la audiencia de "World Premiere Toons". Además de varias menciones honoríficas otorgadas en festivales de cine, fue nominado al premio CableACE en la categoría de mejor programación animada especial o serie, y a un Óscar como , galardón que Nick Park obtuvo al final por "A Close Shave". Dilworth asistió a este último evento y, sentado junto a su competidor, vivió los momentos previos a la entrega con total nerviosismo. Cabe señalar que aquella fue la última ocasión en que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas permitió la postulación de pilotos o cortometrajes televisivos para sus premiaciones, y la revista "Variety" catalogó la nominación de "The Chicken From Outer Space" como un hito en la historia de Cartoon Network.


title: Courage the Cowardly Dog

text: Al financiar "The Chicken From Outer Space", Hanna-Barbera se hizo con los derechos de los personajes y quería que Dilworth se mudara a Los Ángeles para producir el programa televisivo. Empero, el artista se mostró renuente a continuar su carrera como animador, pues su nominación al Óscar había determinado su interés por trabajar en largometrajes de cine o proyectos asociados a internet. Acostumbrado además a laborar en su propio estudio de animación, Stretch Films Inc., esperó dos años hasta que Cartoon Network absorbió a Hanna-Barbera. La ejecutiva Linda Simensky, quien aprobó la producción de "Courage the Cowardly Dog," calificó la decisión de Dilworth como «inteligente», pues solo así fue capaz de ejercer los cargos que quería desde su sede en Nueva York. Para la primera temporada, con Robert Winthrop como productor, se realizaron veintiséis segmentos animados que, puestos en par, constituían trece episodios de casi media hora, lo que cumplía con la comisión inicial. Dilworth describió la gestión de la serie como «una mezcla entre tener un negocio responsable» y la libertad de manifestarse artísticamente. Esto le resultó conveniente para tratar ciertos temas de importancia personal: «Aunque es una gran cantidad de trabajo, la producción de televisión es una verdadera oportunidad para expresar tus preocupaciones [... ya que] las caricaturas graciosas ofrecen una visión sobre el comportamiento humano».


title: Courage the Cowardly Dog

text: Dilworth, un humanista, caracterizó a Eustace como un hombre que maltrata tanto a su esposa como a su perro, lo que se debe a una crianza desprovista de amor maternal. Expresó en 2019: «Me interesan mucho los traumas reprimidos de los villanos, incluso de los protagonistas [...] La idea de profundizar y tratar de asignarle una etimología de mal comportamiento al trauma infantil se basa en una ciencia real. Esa es la ciencia de la psiquiatría». El programa está parcialmente inspirado en el «comportamiento disfuncional» del creador ante ciertas circunstancias, así como muchas de sus otras obras son de carácter «semiautobiográfico». Esto se puede intuir en Courage, un protagonista que a menudo se ve obligado a luchar contra su naturaleza ansiosa. Dilworth comentó que los actos del can funcionaron como una proyección de sus anhelos a través de la «irrealidad del panorama de la animación», concretamente su deseo de «hacer algo romántico y noble» en protección de alguien. La figura del villano a veces podía subvertirse, como en el episodio «Last of the Starmakers» —«La última creadora de estrellas»—, en el que un cefalópodo proveniente del espacio exterior resulta ser de naturaleza benigna. «The Mask» —«La máscara»— involucra el tema de la violencia doméstica y las relaciones "queer", mostrando a dos amantes separadas forzosamente por un iracundo gánster. Dilworth confesó que esta historia, cuya duración es el doble de lo regular, alude discretamente a las personas de la comunidad LGBT. Según él, la crueldad hacia los animales es otro de los temas que se puede entrever en "Courage the Cowardly Dog", al igual que «la pérdida del ser, la industria de la esclavitud [y la toma de] libertades personales». En 2008 declaró: «De muchas maneras, producir "Courage" me permitió explorar mi subconsciente y revelar algunos de mis demonios, como el abandono de la devoción, la pérdida del honor [y] la falta de expresión personal. [Para ello] pude encontrar medios con qué retratar mejor los paisajes emocionales, como la arcilla, el CGI o los recortes».


title: Courage the Cowardly Dog

text: El creador afirmó que producir la serie a veces le resultó «frustrante», puesto que le era imposible supervisar los procesos que un equipo diferente llevaba a cabo en el extranjero: «Les mandábamos cartas, faxes, los modelos... íbamos allá todos los años. Yo no reanimaba físicamente una escena, pero les proporcionaba claves y les mostraba cómo podía hacerse». En este sentido, "The Chicken From Outer Space" había sentado la base del programa y sirvió como una «biblia visual» para los animadores. Cada historia se contaba primero con un guion gráfico en movimiento —o "animatic"— que, acompañado por voces y otros efectos de sonido, establecía el ritmo de las escenas que iban a componer el producto final. Dilworth diseñaba los fondos, personajes, accesorios y le proveía pequeñas descripciones a los animadores, quienes debían reproducir aquellos modelos de la manera más exacta. Aun así, dedicó tiempo adicional a rehacer dibujos durante el primer año de producción, pero a la larga se sintió más satisfecho con la labor hecha a ultramar. En posición de líder, afirmó su involucramiento emocional «en casi cada elemento de la caricatura» e inclusive la vida de sus artistas, pero en el proceso también desarrolló «mayor tolerancia y paciencia con los demás». Contó alrededor de 2003: «La cuestión es que entré en esto sabiendo que si pudiera obtener al menos el 70% de lo que haría yo mismo, sería feliz. [Pero] es televisión, se produce en masa».


title: Courage the Cowardly Dog

text: Simensky y otros ejecutivos no lograban acostumbrarse al hecho de que Courage verbalizaba frecuentemente en la primera temporada, por ello le propusieron a Dilworth reducir la cantidad de sus diálogos. El creador se mostró complacido con el cambio, pese a haber querido que la serie difiriera del piloto al hacer que la mascota emitiera palabras: «Limitamos su habla a gritos, balbuceos y gimoteos [...] y funciona. Fue una gran decisión». Para la segunda temporada, la opinión general era que la ficción mostraba un mayor provecho de su potencial. Simensky declaró: «Es un programa tan extraño. Es otro en el que realmente sentí que algunos de los primeros guiones no estaban del todo bien, pero después de una temporada, lo lograron. Sabíamos que iba a mejorar». Dilworth sostuvo que la relación de todo el equipo fue «estupenda» y que hubo muy pocas reconsideraciones sobre el contenido del programa. También pudo lidiar con la prohibición de elementos reminiscentes del cine "gore", ya que nunca se consideró aficionado a tal género. Sin embargo, la escopeta de doble cañón que Eustace originalmente iba a usar para atemorizar a Courage se reemplazó por una enorme máscara. Con cuatro temporadas y más de cien segmentos completados hasta 2002 —todos dirigidos por Dilworth—, Cartoon Network concluyó que ya tenía suficiente material de "Courage the Cowardly Dog" y prescindió de renovar su contrato de producción. Desde entonces, el creador se alejó de la corriente principal de la animación y volvió a dedicarse exclusivamente al formato corto, en tanto que su serie continuaba en retransmisiones.


title: Courage the Cowardly Dog

text: "Courage the Cowardly Dog" fue la primera serie animada masterizada en alta definición, dato que "Animation World Magazine" señala como un hito en la industria de la animación del siglo . Los personajes son de dimensiones planas en su mayoría, mientras que los escenarios están diseñados con recursos digitales como el CGI o el mapeo de texturas. Por lo mismo, elementos como el suelo, la madera, el papel tapiz y el cielo conservan un aspecto semirealista. Definir este estilo visual para la serie tardó casi una temporada, ya que Dilworth estaba muy interesado en la composición de las escenas, el fotorrealismo, la cinematografía en general y en brindar dimensión a través de la iluminación. En beneficio de ello, a los personajes se les ajustaban los colores al momento de incorporarlos a su debido marco. A lo largo de la serie se puede apreciar el uso de medios mixtos como la imagen real, marionetas, animación con recortes, vídeos de archivo y "stop motion". El personaje del rey Ramses, del episodio «King Ramses' Curse», ejemplifica el empleo de modelos generados por computadora. Se trata de un espíritu egipcio cuya imagen «ominosa» y plana como el papel, aunada al tono de voz monótono proveído por Dilworth, resultó tan inquietante o «traumática» para algunos espectadores que se convirtió en un emblema de la serie a lo largo de los años. También se evitó el uso de disolvencias y otras transiciones diferentes al corte seco para alternar las escenas, lo que el creador explicó: «No son necesarios [...] El suspenso no requiere de muchos movimientos de cámara ni desvanecimientos. Lo que precisa es que te lancen muchas imágenes para que las descifres inmediatamente y luego sigas adelante».


title: Courage the Cowardly Dog

text: Los elaborados fondos también tienen el propósito de «establecer un estado de ánimo o realzar un gag». El escenario principal de la serie, una granja en las afueras de Nowhere, tiene un aspecto desértico y desolado, apenas compuesto por una vivienda de tablas, un molino y el suelo inerte del que, irónicamente, depende la cosecha diaria. Contó Dilworth que este lugar está inspirado en fotografías de fincas que quedaron destruidas durante el «Cuenco de polvo» (o "Dust Bowl"), un fenómeno ocurrido durante la Gran Depresión de los años 1930. Los personajes principales se diferencian grandemente en cuanto a complexión física: Courage es un perro antropomorfo color rosa con extremidades cortas y orejas erguidas; Muriel es de contextura robusta y normalmente usa un vestido amarillo, delantal y botas para el barro; Eustace, de cuerpo delgado y quijada prominente, es de postura encorbada, viste con un overol verde, sombrero y —al igual que Muriel— usa lentes. El lenguaje visual de Dilworth incluye onomatopeyas que surgen cada vez que un personaje grita o recibe un golpe. Tratándose de una comedia física (o "slapstick"), es común que los ojos de Courage salten de sus órbitas, se llenen de venas, su cerebro explote, se le erice el pelo o su mandíbula caiga; también que se lleve las patas a la cabeza mientras aulla en señal de pánico o rompa la cuarta pared.


title: Courage the Cowardly Dog

text: Dilworth evitó usar música de archivo en "Courage the Cowardly Dog"; en cambio, le contribuyó una «cantidad sustancial» de material nuevo al diseñador de sonido Michael Geisler para que lo integrara a momentos de comedia, acción o suspenso. También trabajó con un grupo de músicos para producir temas incidentales, proceso en el cual solían hallar secciones que, al extraerlas, servían para componer una pieza nueva. El creador complicó aún más el trabajo al sugerir que sumaran capas de «sonidos graciosos» —como el canto de una persona— a composiciones de extensa duración que a veces se detenían solo para darle espacio a una risa delirante. Comentó en 1999: «El tema podía simplemente seguir y alentar a cualquiera [de nosotros] a poner lo que quisiera en él, y de esa manera volverlo más divertido». Geisler recibía un guion gráfico del episodio de antemano al proceso de composición y así definía la relación entre sus aportes y la escena. Contó que, en "The Chicken From Outer Space", un cuadro de Muriel cocinando antecedía al de Courage intentando escapar de un granero con un martillo mecánico, por lo que debió contrastar sonidos orgánicos con otros más dinámicos que además expresaran los ánimos del can mediante gruñidos u otro tipo de voces.


title: Courage the Cowardly Dog

text: Jody Gray y Andy Ezrin compusieron música especialmente para la serie. El trabajo de Gray es una mezcla de sintetizadores, muestras orquestales y conjuntos en vivo con influencias del cineasta Stanley Kubrick y compositores modernistas como John Cage, Carl Stalling y Harry Partch. Su intención particular en la serie, motivada además por los requerimientos de Dilworth, era orquestar cada momento como si se tratase de una «minipelícula». En cierto episodio, él y Ezrin incorporaron una «ópera falsa» basada en el clásico «Ride of the Valkyries», de Richard Wagner, lo que requirió la composición de hasta quince canciones cortas y la participación de un trío de vocalistas de Broadway. «[Andy] y yo trabajamos un año, interrumpidamente, para este episodio de once minutos. Fue una enorme cantidad de trabajo», le comentó a "The Hollywood Reporter" en 2002. Cerca del remate de la cuarta temporada ya habían producido 104 temas originales, mezclados conjuntamente por Gray, Jon Smith, Paul Grassini y Frank DiMinno. Por varios años intentaron llegar a un acuerdo con Warner Bros. y Cartoon Network para publicar la banda sonora original de "Courage the Cowardly Dog", pero sus composiciones permanecen inéditas. El dúo They Might Be Giants cantó un tema basado en el personaje principal, cuyo videoclip en formato de promo televisivo —animado por el estudio Brand New School— ganó dos estatuillas de plata en los premios PromaxBDA de 2003.


title: Courage the Cowardly Dog

text: Dilworth habló sobre la idea de continuar las aventuras de Courage al ser entrevistado en 2008, y afirmó que de momento no había razones «corporativas [o] económicas» para realizar episodios nuevos, si bien se tenía conciencia de numerosas peticiones firmadas por fanáticos que instaban a ello. No obstante, añadió que «quizás una campaña sustancial de naturaleza parecida que en verdad alcanzara a un ejecutivo sería una provocación [para producir más]». Por último, mencionó que la falta de interés en mercancía rosa por parte de niños varones en Estados Unidos era aún un factor adverso en ese tema.


title: Courage the Cowardly Dog

text: "The Fog of Courage", un piloto de siete minutos en animación CGI, se mostró en la versión sudeste asiática de Cartoon Network durante el Halloween de 2014 y en múltiples festivales de cine alrededor de América, Asia, África y Europa. Turner International Asia Pacific Limited y Stretch Films encabezaron la producción, mientras que el estudio Sparky Animation proveía varios recursos digitales, como modelos en 3D, controles de movimiento y efectos de iluminación. La trama sigue a Courage, quien debe proteger a Muriel de una «niebla sobrenatural» que reclama el collar de su antiguo amor, mas Eustace se niega a renunciar a él. Dilworth comentó en 2018 que, de producirse más episodios, excluiría a la pareja de granjeros para centrarse en los primeros años del can al lado de sus padres. Aunque la noticia sobre una precuela tentativamente llamada "Before Courage" (o "Antes de Courage") para el canal Boomerang provino del mismo creador a finales de ese año, más tarde explicó que la esencia del proyecto no se había consolidado aún: «Estamos muy emocionados [y] esperaremos a ver qué sucede. [Estoy feliz de ir] adonde el canal quiera llevarlo. Soy simplemente el instrumento de sus ambiciones». Para junio de 2021, las negociaciones estaban suspendidas y Dilworth reveló que la viabilidad de su propuesta se había vuelto incierta.


title: Courage the Cowardly Dog

text: En junio de 2021, mediante un avance publicitario, Warner Bros. Animation brindó las primeras imágenes de "Straight Outta Nowhere: Scooby-Doo Meets Courage the Cowardly Dog" —"Salido de Nowhere: Scooby-Doo conoce a Courage the Cowardly Dog"—, una película directa a vídeo en la que Courage y sus dueños se embarcan en una aventura con la pandilla de Mystery, Inc. —Fred, Daphne, Velma Shaggy y Scooby-Doo"—" para indagar sobre una monstruosa cigarra que lidera su propio ejército de semejantes. Lanzado en DVD el 14 de septiembre de dicho año, el cruce es uno más en que la franquicia de "Scooby-Doo" se entremezcla con personajes y universos de otras animaciones clásicas, como las de Hanna-Barbera. De acuerdo con la productora y directora Cecilia Aranovich, balancearla esta vez con los elementos característicos de "Courage the Cowardly Dog" significó una labor «desafiante», e incluso se añadieron huevos de pascua relacionados con la serie del perro rosado. John R. Dilworth había mencionado que Warner lo quiso como consultor para el proyecto, pero optó por no involucrarse.


title: Courage the Cowardly Dog

text: El reparto de voces original de "Courage the Cowardly Dog" cuenta con Marty Grabstein, Thea White y Lionel Wilson como Courage, Muriel y Eustace, respectivamente. Este último actor, que murió de neumonía a la edad de 79, fue reemplazado por Arthur Anderson desde el trigésimo cuarto episodio hasta el final de la serie. Peter Fernandez le prestó su voz a varios personajes mientras asumía la dirección del elenco, que para roles secundarios incluía a Paul Schoeffler (doctor Vindaloo, Katz, Le Quack y otros villanos), Mary Testa (Shirley, la médium), Billie Lou Watt («Ma» Bagge), Simon Prebble (el computador) y Arnold Stang (voces adicionales). En "The Fog of Courage" se puede escuchar de nuevo a estos actores, salvo a Anderson como Eustace, pues en su lugar estuvo Wallace Shawn. White, con el acento escocés que caracteriza a su actuación, le dio vida a Muriel por última vez en el cruce "Straight Outta Nowhere", antes de fallecer en julio de 2021.


title: Courage the Cowardly Dog

text: Séptima en la cronología de los Cartoon Cartoons, la serie se emitió por primera vez en Estados Unidos el 12 de noviembre de 1999, como parte del bloque de programación estelar Cartoon Cartoon Fridays. Para entonces, fue el estreno más visto en la historia de Cartoon Network, según datos demográficos que abarcaban a personas entre la edad de dos y diecisiete años, equivalentes al 2.4% de familias con servicio de cable en la medida de Nielsen. Con series como "Mike, Lu & Og" y "I Am Weasel", formó parte de la renovada programación del canal a finales del siglo , descrita por Martin Goodman de "Animation World Magazine" como «una revisión minimalista del género del horror estadounidense». También fue el segundo programa más visto de la señal durante el año 2000, con su audiencia que suponía un 2.1% de hogares en sintonía, superado solamente por el 2.3% que promediaba "Dexter's Laboratory". En marzo de la temporada siguiente llegó a ser la nonagésima quinta producción más vista en la televisión del mencionado país. Cabe señalar que estas emisiones se clasificaron para mayores de siete años, lo que el letrero TV-Y7 advertía en obediencia a las regulaciones de la Comisión Federal de Comunicaciones (o FCC, por su sigla en inglés).


title: Courage the Cowardly Dog

text: El canal también presentó maratones de la serie durante aquel período, incluido uno de veinticuatro horas en el marco del Halloween de 2002. En particular, el «Scare-A-Thon» (vagamente, «Asustatón»), emitido en octubre de 2000, incluia dieciséis segmentos animados de un minuto que mostraban a la pandilla de "Scooby-Doo" —Shaggy, Fred, Daphne, Velma y Scooby— compartiendo relatos de terror que atemorizaban a los perros de estas dos ficciones. Otro maratón presentado en abril de 2001 significó un incremento de 114% en espectadores de seis a once años respecto a la temporada previa. La serie se estrenó en la versión latinoamericana y española de Cartoon Network a principios del milenio, tanto doblada como subtitulada en el segundo caso, y desde la década de 2010 ha estado disponible en palataformas digitales como Amazon Prime Video, iTunes, Google Play y HBO Max.


title: Courage the Cowardly Dog

text: Macrospace desarrolló el juego móvil "Courage the Cowardly Dog: Haunted House" (2003), cuya dinámica consistía en asumir el rol de Courage y eliminar figuras paranormales como «la Momia» o «la Sombra» para defender a Muriel y Eustace de su dañina invasión. Igualmente, videojuegos de navegador como "Hallway of Horrors", "Snack Attack" y "Bogey Nights" consistían en controlar al can y lidiar con entidades variopintas como «el Coco». Uno o más personajes de la serie figuran en los juegos "Cartoon Network Speedway" (2003), "" (2004), "Cartoon Network Racing" (2006) y "" (2009). La editorial DC también los incluyó en varios volúmenes del cómic "Cartoon Network Block Party", que reunía aventuras basadas en series como "", "Ed, Edd n Eddy" y "Foster's Home for Imaginary Friends". En 2014, IDW Publishing publicó la historieta "Powerpuff Girls Super Smash-Up!" —derivada de la franquicia de "The Powerpuff Girls"—, cuyo segundo capítulo incluía un cruce con el mundo de "Courage the Cowardly Dog".


title: Courage the Cowardly Dog

text: En 2001, Cartoon Network disponía de gorras y camisetas adornadas con motivos de Courage en su tienda en línea. El personaje luego se incluyó en promociones para Kellogg's, BellyWashers, Subway y McDonald's, así como en la campaña «Carrera Cartoon» con Unicef para fomentar la actividad física en niños. Cuando el parque acuático Cartoon Network Amazone abrió sus puertas en Tailandia a finales de 2014, una de sus atracciones era el tobogán tematizado con la serie. También en 2018 se licenciaron conjuntos de vestir y figuras de vinilo inspiradas en el rosado can y otras propiedades hermanas. Pese a todo esto, Dilworth aseveró que el amplio gusto por el personaje no lo convertía en un producto popular (a diferencia de homólogos como Bob Esponja o Scooby-Doo), debido a su color característico y la «corriente subyacente del conservadurismo en Estados Unidos» que detenía a los niños varones de adquirir mercancía rosada o fucsia:


title: Courage the Cowardly Dog

text: Las temporadas también se han editado en varios volúmenes de DVD, primero a través de Madman Entertainment, que comercializó las primeras dos entre septiembre de 2007 y enero de 2010. Warner Home Video publicó las cuatro de estas por separado entre 2010 y 2016, como parte de la colección "Cartoon Network's Hall of Fame" —o «Salón de la fama de Cartoon Network»—, para culminar en 2018 con "Courage the Cowardly Dog: The Complete Series", ocho discos que comprendían la serie entera.


title: Courage the Cowardly Dog

text: "Courage the Cowardly Dog" es una de las series insignes del Cartoon Network de finales de los años 1990 e inicios de los 2000, y una de las mejores de su catálogo según el equipo de "Entertainment Weekly": «Superando la fórmula con una espesa atmósfera de espeluznante surrealismo y algunos villanos genuinamente amenazantes, el programa fue único en su tipo, al igual que su siempre tremuloso (pero, al final, acertadamente nombrado) personaje titular». Sin embargo, su éxito no se equiparó al de contemporáneos como "The Powerpuff Girls", sobre lo que Sean Malin —del sitio web Vulture— comentó: «Para los espectadores jóvenes acostumbrados a la destellante simplicidad de Blossom, Bubbles y Buttercup, [las imágenes de "Courage the Cowardly Dog"] ofrecieron asombro y terror en cantidades iguales». También afirmó que, al margen del éxito creativo que significó para su creador, «la combinación de horror corporal y comedia chaplinesca del programa resultó estar demasiado encasillada». Steve Erickson de "Los Angeles Magazine" resaltó que, de toda una ola de animaciones emitidas durante el primer tercio de los años 2000, la de Dilworth era «tal vez la más subestimada» en un panorama «dominado por los superhéroes y el anime»: «"Courage the Cowardly Dog" quizá sea demasiado alucinatoria para su propio bien», agregó. En el mundo hispano, un redactor del diario "Clarín" destacó las «aventuras alejadas de toda moraleja» que despertaron el agrado de una nueva generación de infantes, mientras que Guillermo Piro de "Página/12" elogió el episodio «El demonio en el colchón», que contiene referencias a "El exorcista" y una secuencia de pulseadas entre Courage y una Muriel poseída: «Permítanme decir que es una escena comparable con la de "El séptimo sello" de Bergman, cuando Max von Sydow juega al ajedrez con la muerte. No, no es comparable: es mejor [... y] Quien dobla la voz de Coraje sabe lo que está haciendo».


title: Courage the Cowardly Dog

text: John G. Nettles, de PopMatters, dijo que el apartado visual está «hecho de manera muy limpia» y en ocasiones luce «hiperrealista y hermoso», para luego concluir: «El programa es, en general, una mezcla fascinante y texturizada de las convenciones del dibujo animado y las películas de terror, y verlo es un placer». En Common Sense Media, donde la serie está catalogada como un «favorito de culto», KJ Dell Antonia advirtió: «Los padres deben saber que este programa no es apropiado para ningún niño lo suficientemente joven como para creer en la realidad de un personaje animado en cualquier nivel». Scott Moore de "The Washington Post" la abarcó como una de las muchas ficciones infantiles estrenadas en 1999 cuyo valor educativo se encuentra por debajo de su facultad para entretener. Kayla Cobb, de Decider, opinó en retrospectiva: «Quizás el elemento más interesante de "Courage the Cowardly Dog" reside en cómo usó una variedad de horrores para darle escalofríos a los niños [...] Muchas de las emociones del programa se mantienen hasta el día de hoy [... y] es difícil no inclinarse hacia la abrumadora sensación de incomodidad que rezuma». En similar postura, Randy Miller III de DVD Talk emitió: «Los programas de televisión dirigidos a audiencias más jóvenes generalmente no buscan [generar] emociones fuertes y escalofríos, por lo que es bueno ver que una serie genuinamente surrealista e inquietante desarrolló un seguimiento decente». Maya Phillips, de "The New York Times", afirmó que los distintos estilos mezclados crean un «atractivo ecléctico» que no solo funciona como «vehículo para risas y sustos juveniles», sino que además consigue momentos de "pathos". En el libro "America Toons In: A History of Television Animation" (2014), el experto en animación David Perlmutter asegura: «Al igual que "The Grim Adventures of Billy & Mandy", de Maxwell Atoms, el programa mezcla el horror gótico sobrenatural con la comedia física de maneras únicas y bizarras, y pronto se convirtió en un favorito de la audiencia».


title: Courage the Cowardly Dog

text: La influencia del programa se ha podido observar en ámbitos relativos a la música y la farándula, al igual que sus personajes en la cultura del meme, el "cosplay" y el arte de fanáticos. Por ejemplo, en 2019 se dio a conocer el trabajo de más de 120 animadores independientes que aunaron esfuerzos para rehacer el episodio «Freaky Fred» con diferentes estilos artísticos. John Fram, autor moderno de novelas de horror y suspenso, reconoció el efecto de "Courage" en su vida temprana y manifestó: «El programa es una de las obras reinantes del surrealismo estadounidense, la respuesta obreril a "Mulholland Drive" y un logro singular en la animación. También me hizo orinar del miedo, literalmente». En internet se han generado teorías que intentan descifrar los extraños eventos que ocurren en el medio de Nowhere. Una de ellas propone que el sitio es en realidad un purgatorio al que se relegan las almas de los muertos, y otra sugiere que todos los eventos ocurridos ahí se deben más bien a la percepción de Courage como un perro corriente. Rhi Storer, del diario británico "The Guardian", señaló la creencia de que la premisa se basa en la leyenda de «una pareja en Nuevo México que desapareció luego de extraños sucesos y dejó únicamente a su perro». Dilworth, consciente de varias de estas interpretaciones, habló acerca de ellas en 2014: «¡Me encantan todas! no voy a convertirme en un estirado y decirle a alguien que su teoría es incorrecta o inexacta. ¡Todas son correctas!».En otra oportunidad, agregó: «Si quieres creer que todos los visitantes de la granja representan distintos aspectos de la mente, no estás equivocado. Disfruto de las múltiples teorías de los símbolos y el significado de la serie, estas cosas solo contribuyen a su promesa del mañana [sic]».


title: Greenland (película)

text: Greenland (conocida en Hispanoamérica como Greenland: El día del fin del mundo y en España como Greenland: El Último Refugio) es una película de desastres estadounidense de 2020 dirigida por Ric Roman Waugh y escrita por Chris Sparling. La película está protagonizada por Gerard Butler (quien también coprodujo), Morena Baccarin, Roger Dale Floyd, Scott Glenn, David Denman y Hope Davis. La película sigue a una familia que debe luchar por sobrevivir mientras un cometa destructor de planetas corre hacia la Tierra.


title: Greenland (película)

text: John Garrity es un ingeniero estructural escocés que vive en Atlanta, Georgia, con su ex-esposa, Allison, y su hijo diabético, Nathan. Regresa a casa del trabajo para reconciliarse con su familia luego de un conflicto entre él y su esposa, del cual los dos acuerdan trabajar para seguir adelante. La familia se prepara para organizar una fiesta con sus vecinos para ver el paso de un cometa interestelar, llamado Clarke.


title: Greenland (película)

text: Al llegar a una tienda de comestibles para recoger artículos de último momento antes de la fiesta, John y Nathan notan una flota de aviones de transporte de carga militar volando hacia el norte en formación, para su desconcierto. En la tienda, John recibe una extraña llamada telefónica automatizada del Departamento de Seguridad Nacional de Estados Unidos, informándole que él y su familia han sido preseleccionados para ir a un albergue de emergencia. Preocupado por esto, John se apresura a ir a la fiesta, justo cuando un fragmento de cometa entra en la atmósfera en la televisión en vivo. Una onda de choque sacude el área y explota las ventanas de las casas en el área cuando el fragmento, que anteriormente se esperaba que aterrizara en el Océano Atlántico, impacta en Tampa, Florida y arrasa por completo gran parte del estado, para horror de los presentes. John recibe una vez más una llamada automática, que también se muestra en la televisión frente a su familia y vecinos con instrucciones de estar en la Base de la Reserva Aérea de Dobbins esa misma noche para realizar un vuelo de evacuación cuyo destino es clasificado. Aterrados, sus vecinos salen corriendo de la casa para estar cerca de sus familias mientras los Garrity se apresuran a empacar e irse. Antes de que puedan, su vecino Dale les dice que Clarke es un gran grupo de objetos que se espera que colisionen con la Tierra durante los próximos dos días, con el fragmento más grande siendo lo suficientemente grande como para causar una extinción masiva. Uno de sus vecinos trata desesperadamente de dejar a su hija con los Garrity para que la salven, pero John acelera, sabiendo que la rechazarían.


title: Greenland (película)

text: En Dobbins, una línea de tráfico impide que la familia llegue a la puerta y los obliga a continuar a pie, y Nathan accidentalmente deja su insulina en el automóvil. Se les permite ingresar con el código QR en el teléfono de John y sus pulseras, donde encuentran que deben consolidar sus pertenencias en una bolsa en lugar de una por persona. Allí, descubren que falta la insulina de Nathan. John se apresura a regresar al auto para encontrarlo mientras Allison y Nathan esperan para abordar el avión, siendo rechazados para la evacuación una vez que un soldado se entera de la enfermedad de Nathan. Allison ruega que los dejen subir al avión, pero no tiene éxito y los dos son llevados fuera de la base. Sin darse cuenta de esto, John regresa al avión a tiempo, donde otro pasajero lo confronta por el paquete de insulina y se entera de que su familia también fue rechazada. John exige que lo dejen salir del avión justo cuando la base es invadida por una multitud enojada que quiere subir a los aviones. Se desata un tiroteo y un soldado que cargaba uno de los aviones con combustible es asesinado, al mismo tiempo que el camión con combustible es incendiado por efecto de un disparo, inadvertidamente destruyendo muchos de los aviones de evacuación y matando a muchos. John escapa por poco.


title: Greenland (película)

text: Al regresar a su auto, encuentra una nota dejada por Allison, donde dice que ella y Nathan se dirigen a la casa de su padre en Lexington, Kentucky. En el camino, Allison y Nathan son recogidos por la pareja de Ralph y Judy Vento, quienes también se dirigen hacia allí. Mientras tanto, John camina a pie por una pequeña ciudad, donde se están produciendo saqueos en masa a medida que se desata el pánico mundial. Se encuentra con una fiesta en la azotea e intenta llamar a Allison. Aunque la señal es irregular, se comunica brevemente con ella antes de que se interrumpa la llamada, y un pequeño fragmento de cometa aterriza cerca, y un Clarke que se acerca se cierne inquietantemente en el cielo nocturno.


title: Greenland (película)

text: A través de la conversación, Ralph y Judy descubren que a Allison y Nathan se les negó la entrada, y Ralph se detiene para echar a Allison y secuestrar a Nathan, para gran protesta de Judy. Allison intenta detenerlo, pero es en vano. John se las arregla para viajar en un camión con otros sobrevivientes, donde se entera a través de un joven llamado Colin que el ejército está volando a la Base aérea de Thule (Groenlandia) donde se encuentran los refugios. Otro superviviente, al notar la pulsera de John, intenta luchar contra él para robarle la pulsera y mata a Colin, pero es horriblemente asesinado por John. Mientras tanto, Ralph, Judy y un asustado Nathan llegan más tarde a un campamento de FEMA donde intentan hacerse pasar por los padres de Nathan, pero se separan cuando Nathan le dice a un soldado que ellos no son sus padres y que lo separaron de su mamá. Allison finalmente termina en el mismo campamento, donde un hombre la ayuda a buscar a Nathan y los dos se reencuentran emocionalmente. La enfermera les ofrece insulina y medicamentos para una semana para que puedan seguir adelante y los lleva a la ciudad de su padre en un autobús.


title: Greenland (película)

text: Al día siguiente, John deambula por un vecindario vacío y entra en una casa para buscar comida y agua. Enciende un televisor, que muestra varios relatos de ciudades destruidas en todo el mundo, y tiene una cuenta regresiva para el impacto final de Clarke en menos de 24 horas. Roba un coche y continúa hasta la casa del padre de Allison, donde la encuentra a ella y a Nathan ausentes, para gran consternación de su padre. Allison y Nathan pronto se bajan en una pequeña tienda cercana y llaman a la casa, y son recogidos por John y su padre. Regresan a su casa, derrotados y aceptando su destino, mientras las noticias continúan informando sobre el apocalipsis que se acerca. Sin embargo, recordando alguna información de Colin, John se da cuenta de que tienen tiempo suficiente para hacer un vuelo de último minuto en Canadá para llegar a los búnkeres. La familia acepta irse, despidiéndose emocionalmente del padre de Allison antes de continuar en su camioneta.


title: Greenland (película)

text: Llegan al norte del estado de Nueva York, donde un tren descarrilado ha provocado un atasco, cuando una alerta de emergencia les advierte de los escombros fundidos que amenazan la región. Pequeñas bolas de fuego llueven del cielo, destruyendo autos, personas y derribando un helicóptero mientras la gente se apresura a escapar. John se las arregla para llevarlos a un paso subterráneo para refugiarse, y recibe quemaduras en su brazo cuando salva a otros de un auto en llamas. La lluvia de meteoritos cesa, dejando gran parte del área en llamas, pero permitiendo que la familia continúe hacia Canadá, ya que se revela que el fragmento más grande de Clarke tiene 9 millas de ancho y tendrá impacto en algún lugar de Europa occidental, y lo que sucederá cuando lo haga. Finalmente encuentran el aeropuerto, y John conduce hacia la pista a toda velocidad cuando el avión está a punto de despegar. Uno de los pilotos, enojado, se enfrenta a la familia. Afirma que el avión está lleno y no puede llevar más pasajeros, pero luego acepta llevar a Nathan y Allison. Allison convence al piloto de que también lleve a John, siempre que pese lo suficientemente ligero. John miente y abordan el avión, despegando justo cuando más personas llegan al aeródromo demasiado tarde.


title: Greenland (película)

text: Pocas horas antes del impacto, el avión se acerca a Groenlandia. Sin embargo, otro fragmento golpea frente a la costa y la onda de choque posterior hace que el avión se estrelle contra un valle cerca de los búnkeres, matando a los pilotos. John lleva a los supervivientes a toda prisa al búnker de la base aérea y todos los allí presentes, militares y civiles, se preparan cuando Clarke entra en la atmósfera e impacta brutalmente contra la corteza terrestre , y el personal militar cuenta hacia atrás para que la onda de choque golpee el área, mientras la vida de John pasa ante sus ojos y le dice a su esposa que la ama.


title: Greenland (película)

text: Nueve meses después, ciudades de todo el mundo están completamente destruidas y toda forma de vida en ellas ha desaparecido, cuando la base de Groenlandia intenta establecer contacto por radio con otros supervivientes alrededor del mundo. Mientras tanto, las puertas del búnker se abren, lo que permite a los supervivientes salir por primera vez para ver un paisaje radicalmente cambiado. Para su sorpresa, aves sobrevivieron al desastre, y los sobrevivientes se animan mientras los ven volar. Al mismo tiempo, la cámara se desplaza hacia una vista orbital, mostrando algunas ciudades del mundo totalmente destruidas, como Tampa, Sídney, París y la Ciudad de México, además del gigantesco cráter brillante donde Clarke impactó y varios cráteres más pequeños que salpican la superficie del planeta mientras Groenlandia finalmente hace contacto con otros búnkeres de todo el mundo, que dicen que la atmósfera finalmente se está despejando.


title: Greenland (película)

text: Además, Cole Hauser interpreta a Dennis, un guía, Holt McCallany y Adam Cronan retratan a la élite de la categoría como piloto de nutrias del equipo.


title: Greenland (película)

text: En mayo de 2018, Chris Evans se unió al elenco de la película, con Neill Blomkamp dirigiendo un guion de Chris Sparling. En febrero de 2019, se anunció que Blomkamp ya no dirigiría la película. Ese mismo mes, Ric Roman Waugh se unió al proyecto como director, y Gerard Butler se agregó al elenco de la película, reemplazando a Blomkamp y Evans respectivamente, con Butler produciendo bajo su estandarte G-Base. En junio de 2019, Morena Baccarin se unió al elenco de la película. En julio de 2019, Scott Glenn, Andrew Bachelor y Roger Dale Floyd también se unieron, al igual que David Denman, en agosto.


title: Greenland (película)

text: David Buckley, quien anteriormente trabajó con Waugh en "Angel Has Fallen", compuso la banda sonora de la película.


title: Greenland (película)

text: En marzo de 2019, STX Entertainment adquirió los derechos de distribución de la película. Originalmente estaba programada para ser estrenada en cines el 12 de junio de 2020, pero se retrasó hasta el 30 de julio de 2020 y luego el 14 de agosto de 2020, debido a la pandemia de COVID-19. Su estreno nacional se retrasó nuevamente el 24 de julio, pasando al 25 de septiembre de 2020. El calendario de lanzamiento de la película incluyó a Bélgica (29 de julio), Francia (5 de agosto) y Escandinavia (12 de agosto). El 14 de septiembre, se anunció que el estreno estadounidense de la película se había retrasado nuevamente, esta vez hasta una fecha no especificada a finales de 2020.


title: Greenland (película)

text: El 30 de septiembre, el estudio anunció que la película se saltaría los cines y estaría disponible para comprar a través de vídeo bajo demanda el 13 de octubre, antes de estar disponible para alquilar el 27 de octubre. Al día siguiente, el estudio anunció que la película tenía sus derechos de transmisión y televisión de pago en Estados Unidos vendidos a HBO por $20 a 30 millones, que la lanzará a principios de 2021 y la transmitirá en HBO Max y en Amazon Prime para las versiones del Reino Unido, Canadá y Australia. Más tarde se informó que la fecha de lanzamiento de VOD se había pospuesto al 18 de diciembre.


title: Greenland (película)

text: "Greenland" se estrenó por primera vez en Bélgica, ganando 73112 dólares en 55 cines en su primer fin de semana. En su primer día de estreno en Francia, la película ganó $255000 con 31000 entradas vendidas, un 61% por delante de "Olympus Has Fallen" de Butler (2013) a pesar de menos salas de cine y estrictas restricciones de COVID-19. En general, debutó a $1.09 millones en el país, con un total internacional a 10 días de $1.3 millones. En su tercer fin de semana de estreno internacional, la película terminó primero en nueve países y ganó un total de $2.82 millones. Para el 11 de octubre, la película tenía un total acumulado de $28.0 millones.


title: Greenland (película)

text: En el agregador de reseñas Rotten Tomatoes, la película tiene un índice de aprobación del 78% basado en seis reseñas, con una calificación promedio de 6.3/10.


title: Greenland (película)

text: El 15 de junio de 2021, se anunció una secuela de Greenland, otra vez bajo la dirección de Ric Roman Waugh y será escrita por el guionista Chris Sparling. También se anunció que Gerard Butler y Morena Baccarin regresarán en la secuela.


title: Identidad personal

text: La identidad personal es la identidad única de una persona a lo largo del tiempo (meses, años, etc). Las discusiones sobre la identidad personal típicamente apuntan a determinar las condiciones necesarias y suficientes bajo las cuales se puede decir que una persona en un momento y una persona en otro momento son la misma persona, persistiendo en el tiempo.


title: Identidad personal

text: En filosofía, el problema de la identidad personal tiene que ver con cómo uno es capaz de identificar a una sola persona durante un intervalo de tiempo, tratando preguntas como, "¿Qué hace que sea cierto que una persona sea la misma que una persona en otro momento? " o "¿Qué tipo de cosas somos las personas?"


title: Identidad personal

text: En la metafísica contemporánea, esta cuestión se conoce como el "problema diacrónico" de la identidad personal. El "problema sincrónico se" refiere a la cuestión de qué características y rasgos caracterizan a una persona en un momento dado. Tanto la filosofía analítica como la filosofía continental indagan sobre la naturaleza de la identidad. La filosofía continental se ocupa de mantener conceptualmente la identidad cuando se enfrenta a diferentes proposiciones filosóficas, postulados y presuposiciones sobre el mundo y su naturaleza.


title: Identidad personal

text: Un concepto de la persistencia personal a lo largo del tiempo es simplemente tener una existencia corporal continua. Sin embargo, como ilustra el problema de la Nave de Teseo, incluso para los objetos inanimados hay dificultades para determinar si un cuerpo físico en un momento es lo mismo que un cuerpo físico en otro momento. Con los humanos, con el tiempo, nuestros cuerpos envejecen y crecen, perdiendo y ganando materia, y durante suficientes años ya no constará de la mayor parte de la materia en la que alguna vez estuvieron formados. Por tanto, resulta problemático basar la persistencia de la identidad personal a lo largo del tiempo en la existencia continua de nuestros cuerpos. Sin embargo, este enfoque tiene sus partidarios que definen al ser humano como un organismo biológico y afirma la proposición de que una relación psicológica no es necesaria para la continuidad personal. Esta ontología de identidad personal asume la teoría relacional de los procesos que sustentan la vida en lugar de la continuidad corporal.


title: Identidad personal

text: El problema de la teletransportación de Derek Parfit está diseñado para sacar a relucir intuiciones sobre la continuidad corporal. Este experimento mental analiza casos en los que una persona es teletransportada de la Tierra a Marte. En última instancia, la incapacidad de especificar en qué parte del espectro la persona transmitida deja de ser idéntica a la persona inicial en la Tierra parece mostrar que tener un cuerpo físico numéricamente idéntico no es el criterio para la identidad personal.


title: Identidad personal

text: En otro concepto de mente, se considera que el conjunto de facultades cognitivas consiste en una sustancia inmaterial, separada e independiente del cuerpo. Si una persona se identifica entonces con la mente, en lugar de su cuerpo, si una persona se considera que es su mente y su mente es una sustancia de este tipo no físico, la identidad personal en el tiempo puede estar conectada a la persistencia de esta mente, a pesar del cambio continuo en la sustancia del cuerpo a la que está asociada.


title: Identidad personal

text: El problema mente-cuerpo se refiere a la explicación de la relación, si la hay, que existe entre mentes o procesos mentales y estados o procesos corporales. Uno de los objetivos de los filósofos que trabajan en esta área es explicar cómo una mente no material puede influir en un cuerpo material y viceversa.


title: Identidad personal

text: Sin embargo, esto no deja de ser controvertido ni exento de problemas, y adoptarlo como solución plantea interrogantes. Las experiencias perceptivas dependen de estímulos que llegan a varios órganos sensoriales del mundo externo y estos estímulos provocan cambios en los estados mentales; finalmente causando sensaciones. El deseo de comida, por ejemplo, tenderá a hacer que una persona mueva su cuerpo de una manera y en una dirección para obtener comida. La pregunta, entonces, es cómo es posible que las experiencias conscientes surjan de un órgano (el cerebro humano) que posee propiedades electroquímicas. Un problema relacionado es explicar cómo las actitudes proposicionales (por ejemplo, creencias y deseos) pueden hacer que las neuronas del cerebro se activen y los músculos se contraigan de la manera correcta. Estos comprenden algunos de los dilemas a los que se han enfrentado los epistemólogos y filósofos de la mente desde al menos la época de René Descartes.


title: Identidad personal

text: John Locke consideraba que la identidad personal (o el yo) se basaba en la conciencia (para él la memoria) y no en la sustancia del alma o del cuerpo. Se ha dicho que el capítulo 27 del libro II de su "Ensayo sobre el entendimiento humano" (1689), titulado "Sobre la identidad y la diversidad", es una de las primeras conceptualizaciones modernas de la conciencia como la autoidentificación repetida de uno mismo. A través de esta identificación se podría atribuir responsabilidad moral al sujeto y se podría justificar el castigo y la culpa, como señalarían críticos como Nietzsche.


title: Identidad personal

text: Según Locke, la identidad personal (el yo) "depende de la conciencia, no de la sustancia" ni del alma. Somos la misma persona en la medida en que somos conscientes de los pensamientos y acciones pasados y futuros de la misma manera que somos conscientes de los pensamientos y acciones presentes. Si la conciencia es este "pensamiento" que "acompaña a la sustancia ... que hace a la misma persona", entonces la identidad personal sólo se funda en el acto repetido de la conciencia: "Esto puede mostrarnos en qué consiste la identidad personal: no en la identidad de sustancia, sino ... en la identidad de la conciencia ". Por ejemplo, uno puede afirmar ser una reencarnación de Platón, que tiene la misma sustancia del alma. Sin embargo, uno sería la misma persona que Platón solo si uno tuviera la misma conciencia de los pensamientos y acciones de Platón que él mismo. Por tanto, la identidad propia no se basa en el alma. Un alma puede tener varias personalidades.


title: Identidad personal

text: Tampoco la identidad propia se basa en la sustancia corporal, argumenta Locke, ya que el cuerpo puede cambiar mientras la persona permanece igual. Incluso la identidad de los animales no se basa en su cuerpo: "la identidad animal se conserva en la identidad de la vida, y no de la sustancia", ya que el cuerpo del animal crece y cambia durante su vida. Por otro lado, la identidad de los humanos se basa en su conciencia.


title: Identidad personal

text: Sin embargo, este interesante caso lleva a un pensamiento problemático de que, dado que la identidad personal se basa en la conciencia, y solo uno mismo puede ser consciente de la propia conciencia, los jueces humanos externos nunca sabrán si realmente están juzgando y castigando a la misma persona. o simplemente el mismo cuerpo. En otras palabras, Locke sostiene que uno puede ser juzgado solo por los actos del cuerpo, ya que esto es lo que es evidente para todos menos para Dios; sin embargo, en verdad sólo somos responsables de los actos de los que somos conscientes. Esto constituye la base de la defensa de la locura —no se puede responsabilizar a nadie por actos de los que era inconsciente— y, por lo tanto, conduce a interesantes cuestiones filosóficas:


title: Identidad personal

text: Por tanto la concepción de Locke de la identidad personal no se fundamenta en la sustancia o el cuerpo, sino en la "misma conciencia continua", que también es distinta del alma, ya que el alma puede no tener conciencia de sí misma (como en la reencarnación). Crea un tercer término entre el alma y el cuerpo. Para Locke, el cuerpo puede cambiar, mientras que la conciencia permanece igual. Por tanto, la identidad personal, para Locke, no está en el cuerpo sino en la conciencia.


title: Identidad personal

text: Bernard Williams presenta un experimento mental apelando a las intuiciones sobre lo que es ser la misma persona en el futuro. El experimento mental consta de dos enfoques del mismo experimento.


title: Identidad personal

text: Para el "primer enfoque," Williams sugiere que supongamos que hay algún proceso mediante el cual someter a dos personas a él puede resultar en que las dos personas hayan " intercambiado " cuerpos. El proceso ha puesto en el cuerpo de la persona B los recuerdos, las disposiciones conductuales y las características psicológicas de la persona que antes de sufrir el proceso pertenecía a la persona A ; ya la inversa con la persona B. Mostrar esto es suponer que antes de pasar por el proceso se pregunta a las personas A y B a qué persona resultante, A-Cuerpo-Persona o B-Cuerpo-Persona, desean recibir un castigo y cuál una recompensa. Al pasar por el proceso y recibir el castigo o la recompensa, parece que A expresa los recuerdos de elegir quién recibe qué tratamiento como si esa persona fuera la persona B y a la inversa con B.


title: Identidad personal

text: Este tipo de enfoque del experimento mental parece mostrar que dado que la persona que expresa las características psicológicas de la persona A es la persona A, entonces la intuición es que "la continuidad psicológica" es el criterio para la identidad personal.


title: Identidad personal

text: El "segundo enfoque" es suponer que a alguien se le dice que se le borrarán los recuerdos y luego se le torturará. ¿Hay que tener miedo de ser torturado? La intuición es que la gente tendrá miedo de ser torturada, ya que seguirá siéndolo a pesar de no tener recuerdos. A continuación, Williams le pidió a una persona que considerara varios escenarios similares. La intuición es que en todos los escenarios uno debe tener miedo de ser torturado, que sigue siendo uno mismo a pesar de que se borran los recuerdos y se reciben nuevos recuerdos. Sin embargo, el último escenario es un escenario idéntico al del primer escenario.


title: Identidad personal

text: En el primer enfoque, la intuición es mostrar que la "continuidad psicológica" de una persona es el criterio para la identidad personal, pero en el segundo enfoque, la intuición es que la "continuidad corporal" de uno es el criterio para la identidad personal. Para resolver este conflicto, Williams propone que la intuición de una persona en el segundo enfoque es más fuerte y si se le diera la opción de distribuir un castigo y una recompensa, querría que su cuerpo-persona reciba la recompensa y la otra persona-cuerpo reciba el castigo. incluso si esa otra persona corporal tiene sus recuerdos.


title: Identidad personal

text: En psicología, la continuidad personal, también llamada persistencia personal o auto-continuidad, es la conexión ininterrumpida de una persona en particular con su vida privada y su personalidad. La continuidad personal es la unión que afecta a los aspectos derivados de la personalidad con el fin de evitar discontinuidades de un momento de tiempo a otro momento de tiempo.


title: Identidad personal

text: La continuidad personal es una parte importante de la identidad; este es el proceso de asegurar que las cualidades de la mente, como la autoconciencia, la sensibilidad, la sapiencia y la capacidad de percibir la relación entre uno mismo y el entorno, sean consistentes de un momento a otro. La continuidad personal es propiedad de un período de tiempo continuo y conectado y está íntimamente relacionada con el cuerpo o el ser físico de una persona en un único continuo de cuatro dimensiones.


title: Identidad personal

text: El asociacionismo, una teoría de cómo las ideas se combinan en la mente, permite que los eventos o puntos de vista se asocien entre sí en la mente, lo que conduce a una forma de aprendizaje. Las asociaciones pueden resultar de contigüidad, similitud o contraste. A través de la contigüidad, se asocian ideas o eventos que suelen ocurrir al mismo tiempo. Algunos de estos eventos forman una memoria autobiográfica en la que cada uno es una representación personal de los eventos generales o específicos y de los hechos personales.


title: Identidad personal

text: La integridad del ego es el concepto psicológico de la seguridad acumulada por el ego de su capacidad de orden y significado. La identidad del ego es la confianza acumulada en que la igualdad y la continuidad internas preparadas en el pasado van acompañadas de la igualdad y continuidad del significado de uno para los demás. El cuerpo y el ego controlan las expresiones de los órganos y de los otros atributos de la dinámica de un sistema físico para enfrentar las emociones de la muerte del ego en circunstancias que pueden convocar, a veces, el auto-abandono antiteonimista.


title: Identidad personal

text: Se ha argumentado a partir de la naturaleza de las sensaciones y las ideas que no existe una identidad permanente. Daniel Shapiro afirma que uno de los cuatro puntos de vista principales sobre la identidad no reconoce una "identidad permanente" y, en cambio, enuncia "pensamientos sin un pensador", "un caparazón de conciencia con emociones y pensamientos a la deriva pero sin esencia". Según él, este punto de vista se basa en el concepto budista de "anatta", "un flujo de conciencia en continua evolución". Malcolm David Eckel afirma que "el yo cambia a cada momento y no tiene una identidad permanente" es un "proceso constante de cambio o devenir"; un "yo fluido en constante cambio".


title: Identidad personal

text: David Hume se dedicó a analizar el problema cuerpo-mente Hume también investigó el carácter de una persona, la relación entre la naturaleza humana y animal y la naturaleza de la agencia. Hume señaló que tendemos a pensar que somos la misma persona que éramos hace cinco años. Aunque hemos cambiado en muchos aspectos, la misma persona aparece presente ahora como estaba presente entonces. Podríamos empezar a pensar en qué características se pueden cambiar sin cambiar el yo subyacente. Sin embargo, Hume niega que exista una distinción entre las diversas características de una persona y el yo misterioso que supuestamente tiene esas características.


title: Identidad personal

text: Es evidente que en el curso de nuestro pensamiento y en la constante revolución de nuestras ideas, nuestra imaginación corre fácilmente de una idea a otra que se le parezca, y que esta cualidad por sí sola es para la fantasía un vínculo y asociación suficiente. Es igualmente evidente que como los sentidos, al cambiar sus objetos, deben cambiarlos regularmente y tomarlos como están, la imaginación debe, por costumbre, adquirir el mismo método de pensar y apreciar el espacio y el tiempo en la concepción de sus objetos.


title: Identidad personal

text: Nótese en particular que, en opinión de Hume, estas percepciones no "pertenecen a" nada. Hume, al igual que Buda, compara el alma con una comunidad, que conserva su identidad no en virtud de alguna sustancia central duradera, sino por estar compuesta de muchos elementos diferentes, relacionados y, sin embargo, en constante cambio. La cuestión de la identidad personal se convierte entonces en una forma de caracterizar la cohesión suelta de la propia experiencia personal.


title: Identidad personal

text: En resumen, lo que importa para Hume no es que exista la "identidad", sino el hecho de que se obtengan las relaciones de causalidad, contigüidad y semejanzas entre las percepciones del sujeto. Los críticos de Hume afirman que para que los diversos estados y procesos de la mente parezcan unificados, debe haber algo que perciba su unidad, cuya existencia no sería menos misteriosa que una identidad personal. Hume resuelve esto al considerar la sustancia como engendrada por la "unión" de sus propiedades.


title: Identidad personal

text: La "teoría del no-yo" sostiene que el yo no puede reducirse a un paquete porque el concepto de un yo es incompatible con la idea de un conjunto. La idea de un conjunto implica la noción de relaciones corporales o psicológicas que de hecho no existen. James Giles, un exponente principal de este punto de vista, sostiene que la "teoría" del "no-yo" o "eliminativista" y la "teoría" del conjunto o reduccionista coinciden en la no existencia de un yo sustantivo. La teoría reduccionista, según Giles, erróneamente del yo en términos de varias explicaciones sobre las relaciones psicológicas. La teoría del no-yo, por otro lado, "deja que el yo esté donde ha caído". Esto se debe a que la teoría del no-yo rechaza todas las teorías del yo, incluso la teoría del conjunto. Según la lectura de Giles, Hume es en realidad un teórico del no-yo y es un error atribuirle una visión reduccionista como la teoría del conjunto. La afirmación de Hume de que la identidad personal es una ficción apoya esta lectura, según Giles.


title: Identidad personal

text: La visión budista de la identidad personal es también una teoría del no-yo en lugar de una teoría reduccionista, porque el Buda rechaza los intentos de reconstrucciones en términos de conciencia, sentimientos o el cuerpo en las nociones de un yo eterno / permanente, inmutable, ya que nuestros pensamientos, personalidad y cuerpo nunca son los mismos de un momento a otro, como explica específicamente Śūnyatā.


title: Identidad personal

text: Según esta línea de crítica, el sentido del yo es un logro evolutivo, que ahorra tiempo en las circunstancias para las que evolucionó. Pero el sentido del yo se rompe al considerar algunos eventos como la pérdida de memoria, el trastorno de personalidad dividida, el daño cerebral, el lavado de cerebro y varios experimentos mentales. Cuando se presentan imperfecciones en el sentido intuitivo del yo y las consecuencias de este concepto que se basan en el concepto estricto del yo, se produce una tendencia a corregir el concepto, posiblemente debido a la disonancia cognitiva.


title: Stevie Ray Vaughan

text: Stephen "Stevie" Ray Vaughan (Dallas, Texas; 3 de octubre de 1954 - East Troy, Wisconsin; 27 de agosto de 1990) fue un guitarrista, cantante, compositor y productor discográfico estadounidense que fusionó los géneros de blues y rock en la década de 1980. Desarrolló un sonido y estilo basado en artistas de blues como B. B. King, Albert King, Freddie King, Buddy Guy y Otis Rush.


title: Stevie Ray Vaughan

text: Empezó a tocar la guitarra a los siete años, inspirado en su hermano mayor Jimmie. Abandonó la escuela en 1971 y se mudó a Austin el año siguiente. Inicialmente tocó la guitarra en numerosas bandas, logrando un puesto en la banda The Nightcrawlers de Marc Benno y en la banda The Cobras de Denny Freeman, con quien siguió trabajando hasta 1977. Después formó su propia agrupación, Triple Threat Revue, cambiando su nombre a Double Trouble tras contratar al baterista Chris Layton y al bajista Tommy Shannon. Logró popularidad tras su participación en el Festival de Jazz de Montreux de 1982, y su álbum debut "Texas Flood" ocupó la posición número 38 en 1983, una exitosa producción que vendió cerca de medio millón de copias. Compartió escenario con Jeff Beck en 1989 y con Joe Cocker en 1990, pero falleció trágicamente en un accidente de helicóptero el 27 de agosto de 1990 a los 35 años.


title: Stevie Ray Vaughan

text: Vaughan recibió una gran cantidad de premios y reconocimientos en vida y de manera póstuma. En 1983, los lectores de la revista "Guitar Player" lo eligieron como el mejor talento joven y el mejor guitarrista eléctrico de blues. En 1984 The Blues Foundation lo nombró el mejor instrumentalista del año y en 1987 la revista "Performance" lo eligió el músico de blues del año. Ganó seis premios Grammy y diez premios Austin Music y fue presentado de manera póstuma en el en el año 2000 y en el Salón de la Fama de los Músicos en 2014. La revista "Rolling Stone" lo ubicó en la posición número 12 entre los mejores guitarristas de todos los tiempos. En 2015, Vaughan y su banda Double Trouble fueron presentados en el Salón de la Fama del Rock and Roll.


title: Stevie Ray Vaughan

text: La ascendencia de Vaughan se remonta a su bisabuelo, Robert Hodgen LaRue. Robert LaRue tenía una hija llamada Laura Belle, la abuela paterna de Vaughan. Se casó con Thomas Lee Vaughan y se mudó al Condado de Rockwall, Texas, donde vivían de la aparcería. El 6 de septiembre de 1921 la pareja tuvo un hijo llamado Jimmie Lee Vaughan.


title: Stevie Ray Vaughan

text: Jim Vaughan, padre de Steve, también conocido como Big Jim, abandonó la escuela a los dieciséis años y se alistó en la Marina de los Estados Unidos durante Segunda Guerra Mundial. Después de su alta, se casó con Martha Cook el 13 de enero de 1950. Stephen Ray Vaughan nació el 3 de octubre de 1954 en Dallas; era tres años y medio más joven que su hermano Jimmie (nacido en 1951). Big Jim consiguió un empleo como obrero de asbesto, una ocupación que implicaba un esfuerzo manual riguroso. La familia se mudaba con frecuencia, viviendo en otros estados como Arkansas, Luisiana, Misisipi y Oklahoma, antes de mudarse al barrio Oak Cliff en Dallas. Un niño tímido e inseguro, Vaughan se sentía profundamente afectado por las experiencias de su infancia. Su padre luchó contra el abuso del alcohol y con frecuencia aterrorizaba a su familia y amigos con su mal carácter. En años posteriores, Vaughan recordó que había sido víctima de la violencia de su padre. Big Jim falleció el 27 de agosto de 1986, cuatro años antes de la trágica muerte de Stevie Ray.


title: Stevie Ray Vaughan

text: A comienzos de la década de 1960, la admiración de Stevie Ray por su hermano Jimmie lo llevó a probar la ejecución de varios instrumentos, como el saxofón y la batería. En 1961, para su séptimo cumpleaños, Vaughan recibió una guitarra de juguete. Aprendiendo a oído, se comprometió diligentemente en la práctica del instrumento, tocando inicialmente canciones de los Nightcaps, particularmente "Wine, Wine, Wine" y "Thunderbird". En esa época escuchaba frecuentemente los discos de artistas de blues como Albert King, Otis Rush y Muddy Waters, y de guitarristas de rock como Jimi Hendrix y Lonnie Mack. En 1963 obtuvo su primera guitarra eléctrica, una Gibson ES-125T.


title: Stevie Ray Vaughan

text: Poco tiempo después formó su primera banda, The Chantones, en 1965. Su primer concierto ocurrió en un concurso de talentos en el Teatro Hill de Dallas, pero después de darse cuenta de que no podían interpretar una canción de Jimmy Reed en su totalidad, Vaughan dejó la banda y empezó a tocar en bares y clubes locales. Recibió una guitarra Fender Broadcaster de Jimmie, la cual más tarde cambió por una Epiphone Riviera. Cuando Jimmie abandonó el hogar a los dieciséis años, la aparente obsesión de Vaughan por el instrumento generó la falta de apoyo de sus padres. Descontento en su casa, tomó un trabajo en un puesto de hamburguesas local donde lavaba platos y sacaba la basura por setenta centavos la hora. Después de caer en un barril de grasa, se cansó del trabajo y renunció para dedicar su vida a la música.


title: Stevie Ray Vaughan

text: En mayo de 1969 Vaughan se unió a una banda llamada The Southern Distributor. Había aprendido la canción de The Yardbirds "Jeff's Boogie" y la tocó en la audición para ingresar en la banda. Mike Steinbach, baterista del grupo, afirmó años después: el chico tenía catorce años. Tocó 'Jeff's Boogie', una rápida canción instrumental, nota por nota". Aunque tocaban inicialmente versiones de pop rock, Vaughan expresó su interés en la adición de canciones de blues al repertorio del grupo. Sus compañeros no accedieron e incluso le recomendaron que no tocara blues, afirmando que no podría ganarse la vida con ese género. Este hecho representó la salida de Stevie del grupo. Ese mismo año, el bajista Tommy Shannon escuchó a Vaughan tocando en un club de Dallas. Fascinado por su estilo y habilidad, Shannon tomó un bajo y realizó una sesión de "jam" con él. Ambos músicos comenzaron a tocar juntos en una banda llamada Krackerjack meses después.


title: Stevie Ray Vaughan

text: En febrero de 1970, Vaughan se unió a Liberation, un grupo de nueve piezas con una sección de vientos. Habiendo pasado el último mes tocando el bajo con Jimmie en Texas Storm, originalmente había audicionado como bajista. Impresionado por la guitarra de Vaughan, Scott Phares, el guitarrista original del grupo, se convirtió modestamente en el bajista. Ese mismo año el grupo tocó en el Hotel Adolphus en Dallas. Durante un receso de Liberation, Vaughan tocó esa misma noche con ZZ Top la canción "Thunderbird". Phares afirmó años después acerca de este recital: "Fue increíble. Fue una de esas noches mágicas. Stevie encajó como un guante".


title: Stevie Ray Vaughan

text: Asistiendo a la secundaria Justin F. Kimball a comienzos de los años 1970, las presentaciones nocturnas de Vaughan contribuyeron a su negligencia escolar y a que se quedara dormido en plena clase. Su carrera en la música fue desaprobada por muchos de sus maestros, pero también fue animada por muchas personas, incluido su profesor de arte. En su segundo año, asistió a una clase vespertina de arte experimental en la Universidad Metodista del Sur, pero la abandonó cuando entró el conflicto con los ensayos de la banda.


title: Stevie Ray Vaughan

text: En septiembre de 1970, Vaughan hizo su primera grabación con la banda Cast of Thousands, la cual incluía al futuro actor Stephen Tobolowsky. Grabaron dos canciones, "Red, White and Blue" y "I Heard a Voice Last Night" para un álbum recopilatorio, "A New Hi", en el que tocaron bandas jóvenes de Dallas. En enero de 1971, al no sentirse a gusto tocando canciones de pop con Liberation, Vaughan formó su propia banda, Blackbird, con Kim Davis en las guitarras, Christian dePlicque en la voz, Roddy Colonna y John Huff en la percusión, Noel Deis en los teclados y David Frame en el bajo. Tras cansarse de la escena musical de Dallas, abandonó la escuela y se trasladó con la banda a Austin, Texas, donde él suponía que había audiencias más liberales y tolerantes. Allí, Vaughan inicialmente se estableció en el Rolling Hills Country Club, un lugar que luego se convertiría en el Soap Creek Saloon. Blackbird tocó en varios clubes de Austin y abrió recitales para bandas como Sugarloaf, Wishbone Ash y Zephyr, pero no pudo mantener una consistencia en su alineación. En diciembre de 1972, Vaughan dejó Blackbird y se unió a una banda de rock llamada Krackerjack, donde tocó durante unos tres meses.


title: Stevie Ray Vaughan

text: En marzo de 1973 el músico se unió a la banda de Marc Benno The Nightcrawlers, luego de conocer a Benno en una sesión de "jam". The Nightcrawlers grabaron un álbum en Hollywood para A&M Records. Aunque el disco finalmente fue rechazado por A&M, incluía las primeras composiciones de Vaughan, "Dirty Pool" y "Crawlin'". Poco tiempo después la banda regresó a Austin sin Benno. A mediados de 1973 firmaron un contrato con Bill Ham, mánager de ZZ Top, y tocaron varios recitales en el sur de los Estados Unidos, aunque varios de ellos presentaron problemas de sonido y organización. Ham dejó a la banda varada en Misisipi sin ninguna forma de regresar a casa y exigió el reembolso de Vaughan por los gastos de equipo, pero nunca fue reembolsado.


title: Stevie Ray Vaughan

text: En 1975 Vaughan se unió a un sexteto llamado Paul Ray and the Cobras, el cual incluía entre sus filas al guitarrista Val Swierczewski y al saxofonista Joe Sublett. Durante los siguientes dos años y medio se ganó la vida haciendo presentaciones semanales en un lugar popular de la ciudad, el Soap Creek Saloon, y en última instancia, el recién inaugurado Antone's, reconocido en la época como el "hogar del blues" de Austin. A finales de 1976, Vaughan grabó las canciones "Other Days" y "Texas Clover" con la banda. Fueron publicadas como un sencillo el 7 de febrero de 1977. En marzo, los lectores del "Austin Sun" la votaron como la banda del año. Adicionalmente a su trabajo con The Cobras, Vaughan tocó junto a varios de sus músicos favoritos en Antone's como Buddy Guy, Hubert Sumlin, Jimmy Rogers, Lightnin' Hopkins y Albert King.


title: Stevie Ray Vaughan

text: Vaughan salió de gira con The Cobras durante gran parte del año 1977, pero en septiembre dejó la banda y formó Triple Threat Revue con el cantante Lou Ann Barton, el bajista W. C. Clark y el baterista Fredde Pharaoh. En enero de 1978 grabó cuatro canciones con la banda en Austin, incluyendo la composición de Vaughan "I'm Cryin'". Esta producción de treinta minutos marca la única grabación en estudio conocida de la banda.


title: Stevie Ray Vaughan

text: A mediados de 1978, Clark abandonó la formación y Vaughan rebautizó la banda como Double Trouble, inspirado en el título de una canción de Otis Rush. Tras la llegada del bajista Jackie Newhouse, Pharaoh se marchó en julio y fue reemplazado brevemente por Jack Moore, un músico de Boston que tocó con la banda cerca de dos meses. Vaughan conoció al baterista Chris Layton tras recomendación de Sublett, su compañero de cuarto. Layton, que recientemente había tocado con Greezy Wheels, aprendió de Vaughan un estilo rítmico basado en el jazz. En julio Stevie empezó a salir con Lenora Bailey, conocida como "Lenny", quien se convertiría en su esposa. Dicho matrimonio duró seis años y medio.


title: Stevie Ray Vaughan

text: En octubre de 1978, Vaughan y Double Trouble se convirtieron en la banda principal del local Rome Inn en Austin. Durante una actuación, Edi Johnson, una contadora de Manor Downs, se percató del talento de Vaughan. Johnson afirmó: "No soy una autoridad musical, pero este tipo realmente me encendió". Ella lo recomendó a la dueña de Manor Downs, Frances Carr, y al gerente general Chesley Millikin, quien estaba interesado en la gestión de artistas, reconociendo el potencial musical de Vaughan. Tras la salida de Barton de Double Trouble a mediados de noviembre de 1979, Millikin firmó un contrato de representación con Vaughan. Además fue contratado Robert "Cutter" Brandenburg como mánager de gira. Este último convenció a Vaughan de usar el nombre de "Stevie Ray".


title: Stevie Ray Vaughan

text: En octubre de 1980 el bajista Tommy Shannon asistió a un concierto de Double Trouble en Houston. Shannon, que en ese momento tocaba con Alan Haynes, participó en una sesión de "jam" con Vaughan y Layton. Más tarde el músico reconoció: "Nunca olvidaré esa noche. Cuando entré por la puerta y los oí tocar, fue como una revelación. Ahí es donde quiero estar; ahí es donde pertenezco, pensé. Durante el descanso, me acerqué a Stevie y se lo dije. Solo quería estar en esa banda". Casi tres meses después, Vaughan le ofreció a Shannon el puesto de bajista en Double Trouble.


title: Stevie Ray Vaughan

text: El 5 de diciembre de 1979, mientras Stevie se encontraba en un camerino en Houston, un oficial de policía lo arrestó después de sorprenderlo consumiendo cocaína cerca de una ventana abierta. Fue acusado formalmente por posesión de cocaína y posteriormente liberado tras pagar una fianza de mil dólares. Double Trouble en ese momento era la banda de apertura de Muddy Waters, músico que afirmó al respecto de la adicción de Vaughan: "Stevie podrá ser el mejor guitarrista de todos los tiempos, pero no vivirá hasta los cuarenta si no deja ese polvo blanco". Se le exigió que regresara el 16 de enero y el 29 de febrero del siguiente año para comparecer ante un tribunal.


title: Stevie Ray Vaughan

text: Durante la última audiencia en la corte el 17 de abril de 1980, Vaughan fue sentenciado con dos años de libertad condicional y se le prohibió abandonar el estado de Texas. Junto con la estipulación de iniciar un tratamiento por abuso de drogas, se le exigió que "evitara a las personas o lugares de conocido carácter dañino o de mala reputación". El músico se negó a cumplir estas dos órdenes. Tras contratar un abogado, se revisó la sentencia de libertad condicional para permitirle trabajar fuera del estado. El incidente provocó que en adelante rechazara el servicio de limpieza mientras se hospedaba en hoteles durante las giras.


title: Stevie Ray Vaughan

text: Aunque la banda era popular en Texas en ese momento, todavía no gozaba de reconocimiento a nivel nacional. Su suerte cambió cuando el productor Jerry Wexler los recomendó a Claude Nobs, organizador del reconocido Festival de Jazz de Montreux. Insistió en que la noche de blues del festival sería genial con Vaughan, a quien llamó "una joya, una de esas rarezas que aparece una vez en la vida", y Nobs acordó darle un lugar a Double Trouble el 17 de julio de 1982 en su festival.


title: Stevie Ray Vaughan

text: Vaughan abrió el concierto con la canción de Freddie King "Hide Away" acompañada de la instrumental "Rude Mood". Double Trouble tocó versiones de "Texas Flood" de Larry Davies, "Give Me Back My Wig" de Hound Dog Taylor y "Collins Shuffle" de Albert Collins, al igual que tres composiciones originales, "Pride and Joy", "Love Struck Baby" y "Dirty Pool". Al final de la presentación la banda fue abucheada. James McBride de la revista "People" escribió:


title: Stevie Ray Vaughan

text: De acuerdo con el mánager Don Opperman: "Recuerdo que los abucheos venían acompañados de expresiones de asombro, pero Stevie estaba algo decepcionado. Stevie me entregó su guitarra y abandonó el escenario. Volvió al vestidor con la cabeza entre las manos. Ese fue el final del espectáculo". De acuerdo con Vaughan: "No toda la audiencia abucheó. Fueron solo unas pocas personas sentadas justo al frente. La sala fue construida originalmente para albergar conciertos de jazz acústico. Cuando cinco o seis personas abuchean, parece que todo el mundo te odia. Tal vez pensaron que éramos demasiado ruidosos". Esta presentación fue filmada y publicada en formato de DVD en septiembre de 2004.


title: Stevie Ray Vaughan

text: La noche siguiente, Double Trouble se presentó en el Casino de Montreux, con Jackson Browne presenciando el espectáculo. Browne tocó con Double Trouble hasta la madrugada y les ofreció el uso gratuito de su estudio de grabación personal en Los Ángeles. A finales de noviembre, la banda aceptó su oferta y grabó diez canciones en dos días. Mientras se encontraban en el estudio, Vaughan recibió una llamada del músico británico David Bowie, a quien conoció en Montreux, invitándolo a participar en una sesión de grabación de su siguiente álbum de estudio, "Let's Dance". En enero de 1983, Vaughan grabó la guitarra en seis de las ocho canciones del disco, incluyendo las exitosas "China Girl" y "Let's Dance". El álbum fue publicado el 14 de abril de 1983 y fue un éxito rotundo en términos comerciales.


title: Stevie Ray Vaughan

text: En marzo de 1983, Gregg Geller, vicepresidente de A&R, firmó un contrato discográfico con Double Trouble por recomendación del reconocido productor John Hammond. Al poco tiempo, Epic financió un vídeoclip para la canción "Love Struck Baby", filmado en la Taberna Cherry en Nueva York. Vaughan recordó: "Cambiamos el nombre del lugar en el vídeo. Hace cuatro años me casé en un club donde solíamos tocar todo el tiempo llamado Rome Inn. Cuando lo cerraron, el propietario me regaló el letrero, así que en el vídeo lo pusimos detrás en el escenario".


title: Stevie Ray Vaughan

text: Tras el rotundo éxito de "Let's Dance", Bowie le pidió a Vaughan que tomara parte de la gira Serious Moonlight, reconociendo que el guitarrista fue un aspecto esencial del éxito del álbum. A finales de abril, Vaughan empezó a ensayar para la gira en Las Colinas, Texas. Cuando las negociaciones del contrato fallaron, Vaughan abandonó la gira días antes de su fecha de apertura, siendo reemplazado por Earl Slick. El músico afirmó al respecto: "No podía enfocarme completamente en algo que realmente no tenía mucha importancia. No necesitaba más dolores de cabeza". Aunque los factores que le llevaron a tomar esta decisión no han sido completamente aclarados, Vaughan obtuvo publicidad gratuita por abandonar la gira.


title: Stevie Ray Vaughan

text: El 9 de mayo la banda se presentó en The Bottom Line en la ciudad de Nueva York como acto de apertura del músico canadiense Bryan Adams, con Hammond, Mick Jagger, John McEnroe, Rick Nielsen, Billy Gibbons y Johnny Winter en el público. El mánager Robert Brandenburg describió esta presentación como "blasfema": "Nunca había escuchado a Stevie tocar tan fuerte como ese día". Esta exitosa actuación le valió a Vaughan una revisión positiva publicada en el "New York Post", donde se afirmó que Double Trouble superó a Adams. "Por fortuna, Bryan Adams, el rockero canadiense que está abriendo fechas en estadios para Journey, no encabeza conciertos con demasiada frecuencia", escribió Martin Porter, quien afirmó que después de la actuación de Double Trouble, el escenario había presenciado un espectáculo más explosivo y original que el del canadiense.


title: Stevie Ray Vaughan

text: Double Trouble empezó a seleccionar el material grabado en el estudio de Browne para incluirlo en el primer álbum de estudio de la banda. "Texas Flood" inicia con la canción "Love Struck Baby", escrita en honor a Lenny, esposa de Stevie. El músico compuso "Pride and Joy" y "I'm Cryin'" para una de sus exnovias, Lindi Bethel. Ambas canciones son musicalmente similares, pero sus letras son dos perspectivas diferentes de su relación anterior. Junto con versiones de Howlin' Wolf, The Isley Brothers y Buddy Guy, el álbum incluyó un cover de la canción de Larry Davis "Texas Flood". "Lenny" fue otra canción tributo a la esposa de Vaughan.


title: Stevie Ray Vaughan

text: La portada de "Texas Flood" fue diseñada por el célebre ilustrador Brad Holland, reconocido por su trabajo con "Playboy" y "The New York Times". Holland pintó una imagen de Stevie apoyado contra una pared con una guitarra, utilizando una fotografía como referencia. Publicado el 13 de junio de 1983, "Texas Flood" escaló hasta la posición número 38 en las listas de éxitos estadounidenses y vendió medio millón de copias. Mientras el editor de la revista "Rolling Stone" Kurt Loder afirmó que Vaughan no poseía una voz distintiva, de acuerdo con el editor principal de "AllMusic" Stephen Thomas Erlewine, el lanzamiento fue un "impacto monumental". "Billboard" lo describió como "una delicia para los amantes del "boogie"". El agente Alex Hodges comentó: "Nadie sabía qué tan grande sería ese disco, porque los guitarristas no estaban precisamente de moda en ese momento, excepto algunos que estaban tan establecidos que eran innegables".


title: Stevie Ray Vaughan

text: El 16 de junio, Vaughan celebró el lanzamiento del disco brindando un recital en el club nocturno Tango en Dallas. Entre los asistentes recital destacan figuras de la música como Ted Nugent, Sammy Hagar y miembros de las bandas The Kinks y Uriah Heep. Jack Chase, vicepresidente de mercadeo de Epic, afirmó: "La fiesta en el Tango fue muy importante; fue absolutamente enorme. Todas las personalidades radiales, directores de programas, propietarios de tiendas de discos minoristas e importantes gerentes, la prensa, todos los ejecutivos de Nueva York estuvieron allí. Había unas setecientas personas". Tras una gira por Europa, Double Trouble salió de gira como acto de apertura para The Moody Blues en su gira norteamericana. Shannon describió esta gira como "gloriosa": "Nuestro álbum aún no había tenido tanto éxito, pero estábamos tocando en coliseos a reventar. El sonido resonaba en esos grandes coliseos como un monstruo. La gente se estaba volviendo loca, ¡y no tenían idea de quiénes éramos!". Tras una aparición en la serie de televisión "Austin City Limits", la banda tocó un multitudinario concierto en el Teatro Beacon de Nueva York. "Variety" reseñó esta presentación, afirmando que no había duda que Stevie Ray se había convertido en el héroe de la guitarra en ese momento. Además, la revista "Guitar Player" lo eligió como "nuevo mejor talento" y "mejor guitarrista de "electric blues"".


title: Stevie Ray Vaughan

text: En enero de 1984, Double Trouble empezó a grabar su segundo álbum de estudio, "Couldn't Stand the Weather", en los estudios Power Station, con John Hammond como productor ejecutivo y con el ingeniero de sonido Richard Mullen. Layton se refirió más tarde a la experiencia de trabajar con Hammond de la siguiente manera: "Era como sentir una mano amistosa en tu hombro". Al iniciar las sesiones de grabación, la versión de la canción de Bob Geddins "Tin Pan Alley" fue grabada mientras se estaban revisando los niveles de audio. Layton recuerda: "La grabamos inicialmente y parecía muy lenta y tranquila. Hammond nos dijo que era la mejor versión de la canción. Intentamos grabarla de nuevo unas cinco, seis o siete veces. Pero nunca sonó como la primera vez".


title: Stevie Ray Vaughan

text: Durante las sesiones, Vaughan incluyó a otros músicos como Fran Christina y Stan Harrison, que tocaron la batería y el saxofón respectivamente en la canción de jazz instrumental "Stang's Swang". Jimmie Vaughan tocó la guitarra rítmica en "The Things That I Used to Do" y en la canción homónima.


title: Stevie Ray Vaughan

text: "Couldn't Stand the Weather" fue publicado el 15 de mayo de 1984 y dos semanas después había superado las ventas de "Texas Flood". El disco se ubicó en la posición número 31 y pasó 38 semanas en las listas. El álbum incluye un cover de la canción de Jimi Hendrix "Voodoo Child (Slight Return)", lo que provocó comparaciones inevitables de Vaughan con Hendrix. De acuerdo con el editor de "Allmusic" Stephen Thomas Erlewine, "Couldn't Stand the Weather" "confirmó que el aclamado debut no fue una casualidad, al tiempo que igualaba, si no mejoraba, las ventas de su antecesor, consolidando así el estatus de Vaughan como un gigante del blues moderno". Según los autores Joe Nick Patoski y Bill Crawford, el álbum "fue un punto de inflexión importante en el desarrollo de Stevie Ray Vaughan".


title: Stevie Ray Vaughan

text: El 4 de octubre de 1984, la banda brindó un recital en el Carnegie Hall con la colaboración de algunos músicos invitados. En la segunda mitad de la presentación su hermano Jimmie se unió a la banda como guitarrista rítmico. También subieron al escenario el baterista George Rains, el tecladista Dr. John y la vocalista Angela Strehli. El conjunto ensayó menos de dos semanas previo a la actuación y, a pesar de la sólida dinámica de Double Trouble en la primera mitad de la actuación, según Patoski y Crawford, el concepto de conjunto nunca pudo tomar forma.


title: Stevie Ray Vaughan

text: Presentado por Hammond como "uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos", Vaughan abrió el concierto con "Scuttle Buttin'", usando una vestimenta estilo mariachi. Luego la banda tocó las canciones "Testify" de The Isley Brothers, "Voodoo Child (Slight Return)" de The Jimi Hendrix Experience, "Tin Pan Alley", "The Sky Is Crying" de Elmore James y "Cold Shot" de W. C. Clark, seguidas de cuatro composiciones originales: "Love Struck Baby", "Honey Bee", "Couldn't Stand the Weather" y "Rude Mood". Durante la segunda parte de la presentación, Vaughan interpretó versiones de Larry Davis, Buddy Guy, Guitar Slim, Albert King, Jackie Wilson y Albert Collins. El recital finalizó con las canciones "Lenny" y "Rude Mood".


title: Stevie Ray Vaughan

text: Tras la presentación, Vaughan asistió a una fiesta privada organizada por MTV. El día siguiente la banda realizó una aparición en una tienda de discos en Greenwich Village, donde firmaron autógrafos para los fanáticos. En octubre de 1984, la banda realizó una gira por Oceanía, apareciendo en varios programas de televisión en Australia. El 5 y el 9 de noviembre realizaron presentaciones con lleno total en la Ópera de Sídney. De regreso a los Estados Unidos, Double Trouble realizó una gira por California. En diciembre, Vaughan y Lenny disfrutaron de unas vacaciones en la isla de Saint Croix, antes de realizar algunas presentaciones en Japón en enero.