title: Día hábil y natural

text: Los días naturales son todos los 365 con los que cuenta el año (366 en año bisiesto). En cambio, los días hábiles son todos aquellos que no son festivos o de descanso por otras causas, como el sábado que no es festivo pero entra en el espectro de descanso de lo que entendemos como fin de semana. En algunos países, el día hábil coincide con o es equivalente al día laborable.


title: Día hábil y natural

text: La diferencia entre ambos tipos de días es relevante para el cómputo de los plazos o términos, pues el resultado de contar días naturales o corridos puede resultar diverso de aquel que puede obtenerse contando solo los días hábiles.


title: Día hábil y natural

text: La forma más clara de entendimiento es que los días hábiles suelen ser, por defecto, los únicos en los que trabajan, en general, las oficinas de administraciones públicas.


title: Día hábil y natural

text: De hecho es su mayor uso, para calcular la realización de trámites administrativos y que los ciudadanos no pierdan tiempo de actuación en cuestión que los funcionarios no trabajen y no pueden realizar los trámites que necesiten o requieran los ciudadanos.


title: Día hábil y natural

text: El día laborable o día de trabajo es aquel día común, que no es festivo en un calendario laboral oficial, en el cual deben desempeñarse regularmente las funciones laborales. Suelen ser los días lunes, martes, miércoles, jueves, viernes y sábados; en otros países, como Paraguay, el sábado no suele considerarse como día laborable.


title: Día hábil y natural

text: En resumen, un día laborable significa que es un día en el que se trabaja, pero por cuestiones varias como acciones administrativas públicas, se estipulan no laborables aquellos días que por alguna razón general y no individual de cada persona, no debe ser trabajado.


title: Día hábil y natural

text: Los días hábiles son de lunes a viernes, excepto los domingos y festivos; los días laborables son de lunes a sábado, excepto los domingos y festivos.


title: Día hábil y natural

text: No obstante, para la instrucción de las causas criminales son hábiles todos los días y horas del año sin excepción, incluidos sábados, domingos y festivos (artículo 201 de la Ley de enjuiciamiento criminal).


title: Día hábil y natural

text: El próximo dos de octubre de 2016 entra en vigor la nueva Ley de Procedimiento Administrativo (Ley 39/2015)


title: Día hábil y natural

text: En México, los días hábiles son los días con actividad laboral, es decir, aquellos en que el empleado o la empresa trabajan, independientemente de que sean o no días feriados (depende del criterio de la empresa). La denominación suele abarcar de lunes a viernes, y a veces los sábados, según el plan de trabajo, de modo que puede haber 5 o 6 días hábiles por semana. No se debe confundir los días hábiles con el horario de oficina. Finalmente, los días naturales son todos los días de la semana.


title: Ikurriña

text: Ikurriña (, pronunciado /i'ku'ri'ɲa/) es el nombre que recibe la bandera oficial del País Vasco adoptada por el Estatuto de Autonomía de 1979. Fue declarada oficial por primera vez en 1936 por el Gobierno Provisional del País Vasco.


title: Ikurriña

text: También se emplea como bandera vasca, sin carácter oficial, en el resto de los territorios considerados por el nacionalismo vasco como integrantes de Euskal Herria. En Navarra, su utilización institucional despertó una controversia resuelta por la Ley foral de Símbolos de 2003 que reserva solo el carácter oficial a la enseña navarra. En el País Vasco francés tampoco tiene reconocimiento como bandera oficial, aunque su uso institucional es habitual.


title: Ikurriña

text: Fue creada en 1894 por los hermanos Luis y Sabino Arana, fundador del Partido Nacionalista Vasco, y en un principio correspondía, dentro de la serie de banderas que diseñaron, a la que identificaba el territorio de Vizcaya. Posteriormente pasó a representar a los siete territorios considerados vascos por los nacionalistas y, con la constitución de la comunidad autónoma del País Vasco, se adoptó como su bandera oficial.


title: Ikurriña

text: Anteriormente había existido diversos intentos de crear una bandera que simbolizara en conjunto a las provincias de Álava, Guipúzcoa y Vizcaya pero no fructificaron, como el realizado por Pedro de Soraluce.


title: Ikurriña

text: En 1894, durante la Gamazada, Juana Irujo, esposa de Estanislao Aranzadi, borda un estandarte, según el boceto realizado por los hermanos Arana en el Café Iruña de la capital navarra, que consistía en una Cruz de San Andrés roja sobre fondo blanco. Si bien algunos han considerado que este estandarte se correspondía con la primera ikurriña, el propio Luis Arana desmintió tal hecho, aunque sí que fue el primer símbolo nacionalista vasco del que se tiene noticia.


title: Ikurriña

text: Al inicio de su actividad política, Sabino Arana, el 14 de julio de 1894 fundó la sociedad Euskeldun Batzokija, en el número 22 de la calle Correo de Bilbao: se inició así la organización del Partido Nacionalista Vasco. En la ceremonia de apertura del centro, a las seis de la tarde, el socio de más edad, Ciriaco de Iturri, izó por primera vez la ikurriña que había sido diseñada para esa ocasión por Sabino Arana y Luis Arana.


title: Ikurriña

text: Según explicaba Arana (por ejemplo, en 1895, por boca de un personaje "bizkaitarra" en "La bandera fenicia"), el diseño de la bandera se basó en el del escudo de Vizcaya, y en el lema nacionalista "Jaun-Goikua eta Lagi-Zaŕa" [Dios y la Antigua Ley].


title: Ikurriña

text: La palabra "ikurriña", con la grafía "ikuŕiña", es también creación de Arana, un neologismo procedente de "ikur" ("símbolo", en euskera) y "ehun" ("tela", en euskera).


title: Ikurriña

text: Arana diseñó bocetos de banderas para otros territorios vascos, pero no llegaron a tener difusión alguna. La ikurriña, inicialmente símbolo de Vizcaya para el entorno del PNV, se convirtió en unos años en símbolo de Euskal Herria.


title: Ikurriña

text: Se adoptó como enseña oficial de Euskadi en 1936, pero fue ilegalizada por el gobierno militar surgido del golpe de Estado contra la II República en 1936. Durante la dictadura franquista, su exhibición fue duramente perseguida en España, lo que la convirtió en un símbolo antifranquista. En parte por ello, se fue popularizando en el País Vasco francés. Durante los inicios de la transición española tras la muerte de Franco, su exhibición siguió estando prohibida (hecho que aprovechó ETA para colocar ikurriñas con bombas-trampa cuyas explosiones causaron la muerte a dos guardias civiles que trataban de retirar sendas ikurriñas), y resurgió paulatinamente; por ejemplo, el 5 de diciembre de 1976: al inicio de un partido de fútbol entre la Real Sociedad de San Sebastián y el Athletic Club, los capitanes de ambos equipos salieron al campo portando una ikurriña; el 19 de enero de 1977 volvió a permitirse su uso en España, y el día 25 de ese mes ondeó por acuerdo municipal, entre otros muchos municipios, en el ayuntamiento de Pamplona, o el de Villava, donde se realizó un referéndum que, al resultar favorable, propició el uso de la enseña en el balcón municipal y en el salón de plenos de esa localidad. En 1979, el artículo 5 del Estatuto de Autonomía del País Vasco la reconoció como la bandera oficial de dicha comunidad autónoma.


title: Ikurriña

text: La utilizan también los movimientos vasquistas en Navarra y en el País Vasco francés, aunque no es oficial. En estas dos zonas se usa en el plano cultural vascohablante y en el ámbito político nacionalista vasco, y es posible verla ondear en edificios oficiales, según seguidamente se detalla.


title: Ikurriña

text: Hoy en día es utilizada por todos los partidos políticos del País Vasco y por las casas vascas repartidas por el mundo.


title: Ikurriña

text: La ikurriña fue institucionalizada por primera vez por el Decreto de la Presidencia del Gobierno Provisional de Euskadi el 19 de octubre de 1936 (publicado en el "Diario Oficial del País Vasco" de 21 de octubre de 1936) y que fue posteriormente modificado por el Decreto de 24 de octubre de 1936 (publicado en el "Diario Oficial del País Vasco" de 28 de octubre de 1936). En la redacción definitiva del artículo segundo se expresaba que:


title: Ikurriña

text: Esta definición básica se ha mantenido hasta el presente, y de hecho, ha venido siendo confirmada por posteriores regulaciones en la materia como la llevada a cabo por el Consejo General Vasco, según Acuerdo de 18 de diciembre de 1978 (publicado en el Boletín Oficial del Consejo General Vasco de 15 de enero de 1979).


title: Ikurriña

text: En lo referente a sus proporciones, la ikurrina es un rectángulo cuya altura es el 56% de la medida de la base; la anchura de las bandas que conforman el aspa y la cruz son iguales entre sí, y representan el 8,6% de la anchura total de la base.


title: Ikurriña

text: Las banderas legalmente reconocidas en la comunidad autónoma vasca son la local, la del territorio histórico, la ikurriña, la española y la europea. Aunque en algunos municipios, mayoritariamente en Vizcaya y Guipúzcoa, solamente ondeen la local y la ikurriña, o únicamente la ikurriña absteniéndose algunos ayuntamientos de colocar la española. En los ayuntamientos de Bilbao y San Sebastián solían ondear exclusivamente las banderas locales. Sin embargo, en aplicación de la ley de Banderas y, tras un proceso judicial, se colocaron, tal y como manda dicha norma, la ikurriña y la bandera española.


title: Ikurriña

text: En este sentido, en julio de 2007 el Tribunal Supremo resolvió un recurso contra el Gobierno Vasco y falló en favor de que ondeara con carácter permanente la bandera española en la Academia de la Ertzaintza, así como en todos los demás edificios públicos, indicando que así se desprendía de un imperativo constitucional.


title: Ikurriña

text: A pesar de no ser una bandera oficial, es utilizada con frecuencia en Navarra como símbolo político o cultural. Principalmente en el norte y la zona media, varios ayuntamientos exhibían la ikurriña en sus fachadas: los de Leiza y Villava, localidad próxima a Pamplona, entre otros, lo hacían desde la legalización de la bandera en 1977. Tras la Ley estatal para la Regulación de Banderas del 28 de octubre de 1981, el Parlamento navarro recogió dicha normativa el 2 de diciembre de ese año. Después de ello, por ejemplo, el Ayuntamiento de Pamplona decidió el 10 de diciembre de 1981, con los votos favorables de UCD y UPN y la abstención del PSOE, aunque ellos en gran parte eran favorables de que ondease junto con las demás banderas, retirar la ikurriña de la casa consistorial, aunque la mayoría de municipios la mantuvieron.


title: Ikurriña

text: En 2003, el Parlamento de Navarra, tras alcanzar la mayoría parlamentaria UPN y CDN, aprobó la Ley Foral de Símbolos de Navarra, no exenta de críticas. Esta ley obliga a todas las entidades de la Administración Local de Navarra a exhibir la bandera de Navarra y la bandera de España en el exterior de todas sus sedes y edificios de servicios públicos, así como en despachos y salones de plenos corporativos y prohíbe que ondeen más banderas que la oficial de cada entidad local, la bandera de Navarra, la de España, y la de la Unión Europea, salvo por protocolo en actos de hermanamiento o en visitas oficiales de autoridades de otro país, comunidad autónoma o entidad local. Basándose en esta ley, el uso de la ikurriña quedó prohibido y el ejecutivo foral denunció y pidió la inhabilitación de alcaldes que permitían la colocación de la ikurriña en los edificios municipales, amenazando con retirar las subvenciones públicas a los ayuntamientos que incumplieran la ley.


title: Ikurriña

text: Algunos alcaldes fueron inhabilitados por incumplir la ley de símbolos por ondear en sus ayuntamientos únicamente las banderas de Navarra y la ikurriña.


title: Ikurriña

text: Otros ayuntamientos navarros se limitan a hacer ondear solo las banderas oficiales y retirar la ikurriña (dejando la local, la de Navarra, la española y la europea o simplemente la local y la navarra) y otros se decidieron por retirarlas todas o dejar únicamente la local. Algunos consistorios colocan la ikurriña en la balconada fuera de los mástiles en sus fiestas locales, ya que la ley no recoge nada sobre su uso fuera del mástil.


title: Ikurriña

text: En Villava, cuyo ayuntamiento de UPN había retirado la ikurriña tras la aprobación de la ley, tras el cambio de gobierno del año 2007 en favor de NaBai, el pleno del ayuntamiento aprobó la colocación de un mástil en las proximidades del ayuntamiento en el que ondease la ikurriña. Sin embargo, UPN promovió la apertura de un expediente administrativo instando a la retirada de dicho mástil, retirando el consistorio dicha bandera. En la actualidad, la ikurriña ondea junto a la bandera de Navarra en mástiles en el parque municipal cercano al ayuntamiento.


title: Ikurriña

text: También en otros ayuntamientos navarros se aprobó mediante referéndum o votación en el pleno municipal colocar la enseña en un lugar público destacado pero ajeno al consistorio para eludir las sanciones, sin que en estos casos se actuara judicialmente como en el caso de Villava. En estos casos la ikurriña es colocada en un mástil en la plaza del Ayuntamiento.


title: Ikurriña

text: A pesar de que ayuntamientos como el del Baztán llevaron el caso hasta el Tribunal Constitucional, actualmente ya ningún ayuntamiento iza la ikurriña en el balcón consistorial de forma permanente.


title: Ikurriña

text: Es exhibida a menudo en festejos y eventos deportivos. Durante años, bajo gobierno de UPN del ayuntamiento, la presencia de la ikurriña en el chupinazo de los Sanfermines era objeto de controversia, ya que la policía no permitió su exhibición en la plaza hasta el cambio de alcaldía en el 2015. En el año 2013 el chupinazo se retrasó después de que unos desconocidos colgasen la ikurriña de los tejados de la plaza Consistorial, situándola frente al Ayuntamiento.


title: Ikurriña

text: En el año 2017 el nuevo gobierno de Navarra, formado por los partidos Geroa Bai, Bildu, Podemos e Izquierda Unida, acuerdan derogar la ley de 2003 y que entre en vigor provisionalmente la del año 86, recayendo en las mayorías municipales la decisión de qué bandera exhibirán en sus edificios junto a la bandera de Navarra. Se abre así la posibilidad, prohibida por la ley de 2003, de que los ayuntamientos decidan por mayoría poner la ikurriña en los mástiles oficiales junto a la bandera de la Comunidad foral. La ikurriña podrá volver a estar presente de forma legal en la fachada del Ayuntamiento de Pamplona (o de los consistorios que así lo decidan por mayoría). Así mismo, se ponen como objetivo regular los símbolos de la Comunidad foral de forma «no excluyente» y «recogiendo todas las aspiraciones legítimas de la ciudadanía».


title: Ikurriña

text: La ikurriña suele utilizarse en el País Vasco francés; según los responsables de turismo del departamento de Pirineos Atlánticos, con la ikurriña se simboliza la región, la lengua y cultura propias de la zona. No hay ninguna ley que regule su uso y ondea en varios ayuntamientos del territorio como en Bayona, Hendaya, San Juan de Luz, Espelette, Jaxu, Sare entre otros junto a la bandera francesa y la europea, y ondea también en otros edificios como el castillo de Mauleón. Es exhibida a menudo en festejos, actos culturales (como las pastorales) y eventos deportivos.


title: Ikurriña

text: La ikurriña es asimismo uno de los elementos que, junto con las banderas de Bretaña y Normandía, aparecen en la bandera local, pero no oficial, y en el escudo oficial de San Pedro y Miquelón ("Saint-Pierre-et-Miquelon"), colectividad francesa en América del Norte, representando su herencia cultural vasca. Según Alfred Znamierowski, «el azul representa el Océano Atlántico y el barco conmemora al descubridor francés Jacques Cartier, el cual llegó a las islas en 1535. Los emblemas colocados en la franja vertical son recordatorios de que los colonos llegaron del País Vasco ("ikurriña"), Bretaña y Normandía».


title: Ikurriña

text: También existió una bandera que, utilizando los colores del arcoíris, estaba inspirada en la ikurriña y fue empleada por la coalición independentista Herri Batasuna (HB) durante toda su vida política.


title: Ikurriña

text: También sectores no nacionalistas de la sociedad vasca se identifican con dicha bandera. Suele encontrarse en los centros culturales vascos ("euskal etxeak") repartidos por todo el continente americano, como símbolo de una comunidad cultural.


title: Nada (novela)

text: Nada es la primera novela de la escritora barcelonesa Carmen Laforet y una de las obras literarias más importantes de la España del siglo XX. Se trata de una obra existencialista que representa el estancamiento y la pobreza que se vivieron en la posguerra española, durante los primeros años del franquismo. Dotada de un estilo literario que supuso una renovación en la prosa de la época, "Nada" refleja también la lenta desaparición de la pequeña burguesía tras la Guerra Civil.


title: Nada (novela)

text: La novela ha gozado de gran reconocimiento y recibió dos galardones literarios: el Premio Nadal 1944 y el Premio Fastenrath 1948, de la Real Academia Española. Además, fue incluida en la del periódico español "El Mundo".


title: Nada (novela)

text: La obra llamó la atención no solo por la juventud de la autora al escribirla, quien tenía entonces 23 años; sino también por la descripción que elaboró sobre la sociedad de la época. Frente a quienes afirmaron que "Nada" era una novela autobiográfica, la propia autora escribió, en la introducción a la compilación titulada "Novelas" (1.ªedición de 1957, Barcelona, Editorial Planeta), el siguiente texto: «No es, como ninguna de mis novelas, autobiográfica, aunque el relato de una chica estudiante, como yo fui en Barcelona, e incluso la circunstancia de haberla colocado viviendo en una calle de esta ciudad donde yo misma he vivido, haya planteado esta cuestión más de una vez».


title: Nada (novela)

text: La protagonista de la novela es una joven huérfana de padres, llamada Andrea, que recién terminada la Guerra Civil Española se traslada a la ciudad de Barcelona para estudiar y empezar una nueva vida. Cuando Andrea llega a casa de su abuela, de donde solo tiene recuerdos de su infancia, sus ilusiones se ven rotas. En este piso de la calle de Aribau, donde aparte de su abuela viven su tía Angustias, su tío Román, su tío Juan, la mujer de este último, Gloria, y Antonia, la criada, la tensión se continúa en un ambiente caracterizado por el hambre, la suciedad, la violencia y el odio. Andrea, que vive oprimida por su tía Angustias, siente que su vida va a cambiar cuando su tía se marche, pero las cosas no acaban de ir como a ella le gustaría. Sin embargo, en la Universidad conoce a Ena, una chica de la que se hará íntima amiga y que desempeñará un papel importante en su vida, pues junto a ella aprenderá lo que el mundo exterior puede ofrecer.


title: Nada (novela)

text: Carmen Laforet se adelanta a su tiempo con una prosa intimista y fotográfica, en la que se describe perfectamente la Barcelona de la época. La autora utiliza para ello recursos propios del impresionismo. Como muestra de estos recursos impresionistas, en "Nada" predomina la descripción. La protagonista se fija en todo aquello que le rodea a su llegada a Barcelona; transmite una visión totalmente subjetiva, ya que no describe los objetos tal y como son, sino que lo hace como ella los percibe, aportándonos sus sensaciones y emociones. Afirma Rosa Navarro, catedrática de literatura, que es representativo el gran número de veces que la autora utiliza el verbo "parecer". También, sintagmas como "tener la impresión", "tener la sensación" o similares aparecen abundantemente en la novela. Además, una de las formas retóricas más repetidas en la obra es la comparación.


title: Nada (novela)

text: La obra se desarrolla en Barcelona, lugar donde la joven Andrea, de tan solo 18 años, entusiasta, inocente y con gran afán de superación, decide que transcurra su próximo año en la Universidad. Pero lo que para ella supone un cambio de vida excitante resulta un completo desengaño, ya que a partir de entonces habrá de sufrir angustiosas situaciones que la conducirán a su madurez. Andrea hubo de enfrentarse a la sociedad burguesa y conservadora de los primeros años de la posguerra, sometida al franquismo y cargada de hambruna, en la cual las mujeres no tenían derecho a desear, ni tan siquiera a superarse, sino que habían de reconocerse como puros objetos destinados únicamente a la maternidad. Lucir luto tras la muerte de un ser querido era la norma entre las mujeres, y el suicidio estaba considerado como un acto despreciable, ya que era impropio de un cristiano atentar contra su vida. Andrea vivía alternando diariamente dos espacios razonablemente dispares: por un lado, la casa familiar en la calle de Aribau, en la cual reinaban la violencia y el hambre; por otro, la Universidad, plena de entretenimiento, compañerismo y gozo, necesarios para evadir y reducir su angustia.


title: Nada (novela)

text: Esta historia, está contada en primera persona por la protagonista misma, en el futuro, mientras recuerda las experiencias vividas en Barcelona; no por la Andrea recién salida de dicha ciudad, sino por una Andrea madura, que a la larga se ha dado cuenta de que realmente sí que se llevó algo de la calle de Aribau. Esto se denota en el comentario «al menos, así creía entonces…», con el que la narradora deja clara una diferencia de opinión respecto a ella misma de joven. El punto de vista de Carmen Laforet es el mismo que el de Andrea, un punto de vista cargado de tristeza desde el que denuncia toda la miseria sufrida por la sociedad española de los años cuarenta. Con esta novela, Carmen Laforet ha sido relacionada con la corriente literaria, surgida en la posguerra, llamada existencialismo.


title: Claudio Monteverdi

text: Claudio Monteverdi, cuyo nombre completo era Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (Cremona, bautizado el 15 de mayo de 1567 - Venecia, 29 de noviembre de 1643), fue un compositor, violagambista, cantante, director de coro y sacerdote italiano. Compuso tanto música secular como sacra y marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en el . Es una figura crucial en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco.


title: Claudio Monteverdi

text: Nacido en Cremona, donde realizó sus primeros estudios musicales y composiciones, inició sus estudios de música con Marco Antonio Ingegnieri, maestro de capilla de la Catedral de Cremona, y a los 16 años publicó sus primeras obras. Desarrolló su carrera primero en la corte de Mantua (c. 1590-1613) y luego, hasta su muerte, en la República de Venecia. Sus cartas sobrevivientes dan una idea de la vida de un músico profesional en la Italia de la época, incluidos los problemas de ingresos, patrocinio y políticos.


title: Claudio Monteverdi

text: Gran parte de la producción musical, incluidas muchas obras escénicas, se ha perdido. Su música sobreviviente incluye nueve colecciones de madrigales, en los que muestra su dominio de la técnica madrigalista; obras religiosas a gran escala, como su "Vísperas de la beata Virgen" de 1610, y tres óperas completas. En 1599, se casó con Claudia de Cataneis, que murió en 1607, y en ese mismo año se estrenó "La fábula de Orfeo", su primer drama musical, considerado la primera ópera de la historia, tal y como se entiende hoy día. Su siguiente ópera "L'Arianna" (1608), cuya música se ha perdido, excepto el famoso «Lamento», consolidó su fama.


title: Claudio Monteverdi

text: En 1613, fue maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, ciudad en la que compuso la mayoría de su obra sacra. Para inaugurar el primer teatro de esta ciudad, compuso más óperas. En su música religiosa utilizó gran variedad de estilos, que iban desde la polifonía de su "Misa" de 1610 a la música vocal operística de gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales de sus "Vísperas de la beata Virgen", también de 1610. La obra "Selva morale e spirituale", publicada en 1640, es un enorme compendio de música sacra. En 1637, compuso una nueva serie de óperas, de las cuales solo se conservan "El regreso de Ulises a la patria" (1641) y "La coronación de Popea" (1642).


title: Claudio Monteverdi

text: Si bien trabajó extensamente en la tradición de la polifonía renacentista anterior, como lo demuestran sus madrigales, emprendió grandes desarrollos en forma y melodía y comenzó a emplear la técnica de bajo continuo, distintiva del Barroco. Combinó las escrituras homofónica y contrapuntística, donde utilizó libremente armonías y disonancias. No es ajeno a la controversia, defendió sus técnicas a veces novedosas como elementos de una "seconda pratica", en contraste con el estilo anterior más ortodoxo que denominó "prima pratica". En gran parte olvidadas durante el y gran parte del , sus obras disfrutaron de un redescubrimiento a principios del . Se le considera una influencia significativa en la historia musical europea y como compositor cuyas obras se interpretan y graban con regularidad.


title: Claudio Monteverdi

text: Se describe generalmente a Monteverdi como un compositor «italiano», aunque en aquella época el concepto de «Italia» existía solo como una entidad geográfica. Aunque los habitantes de la península compartían mucho en común en términos de historia, cultura e idioma, en términos políticos la gente experimentó varias capas de autoridad y jurisdicción, en su mayoría extranjeras. En primera instancia, estaban sujetos a los gobernantes locales de sus Ciudades-Estado, familias poderosas como los Gonzaga y los Médici. Por encima de ellos estaban las potencias imperiales, en el principalmente España, y también la autoridad de los Habsburgo de Viena, en su papel de emperadores del Sacro Imperio, guardianes de la fe católica.


title: Claudio Monteverdi

text: Claudio Giovanni Antonio Monteverdi nació en Cremona y fue bautizado en la iglesia de SS Nazaro e Celso el 15 de mayo de 1567. En el registro aparece su nombre como «Claudio Zuan Antonio», hijo de «Messer Baldasar Mondeverdo». Su familia era humilde y fue el primer hijo del boticario Baldassare Monteverdi y su primera esposa Maddalena (de soltera, Zignani). Se habían casado a principios del año anterior. El hermano de Claudio, Giulio Cesare, también fue músico. Tuvo otros dos hermanos y dos hermanas del matrimonio de Baldassare con Maddalena y del matrimonio posterior de su padre en 1576 o 1577. Cremona estaba bajo la jurisdicción de Milán, una posesión española, por lo que Monteverdi técnicamente nació como sujeto español. Cremona estaba cerca de la frontera de la República de Venecia y no lejos de las tierras controladas por Mantua, en los dos Estados que Monteverdi más tarde realizó su carrera.


title: Claudio Monteverdi

text: No hay un registro claro de su formación musical temprana, o evidencia de que, como a veces se afirma, fuera miembro del coro de la Catedral o que estudiara en la Universidad de Cremona. Su primera obra publicada, un conjunto de motetes tripartitos, "Sacrae cantiunculae" ("Canciones sagradas") para tres voces, se publicó en Venecia en 1582, cuando tenía quince años. En esta, y en sus otras publicaciones iniciales, se describía a sí mismo como el alumno de Marco Antonio Ingegnieri, quien fue desde 1581 (y posiblemente desde 1576) hasta 1592 el maestro de capilla en la Catedral. El musicólogo Tim Carter deduce que Ingegneri «le dio una sólida base en contrapunto y composición», y que Monteverdi también habría estudiado interpretación de instrumentos de la familia del violín y canto.


title: Claudio Monteverdi

text: Sus primeras publicaciones también dan prueba de sus conexiones más allá de Cremona, incluso en sus primeros años. Su segunda obra publicada, "Madrigali spirituali" ("Madrigales espirituales", 1583), se imprimió en Brescia. Sus siguientes obras (sus primeras composiciones seculares publicadas) fueron conjuntos de madrigales de cinco partes, según su biógrafo Paolo Fabbri: «el campo de pruebas inevitable para cualquier compositor de la segunda mitad del … el género secular por excelencia». El primer libro de madrigales (Venecia, 1587) se lo dedicó al conde Marco Verità de Verona y el segundo (Venecia, 1590) al presidente del Senado de Milán, Giacomo Ricardi, para quien había tocado la viola da braccio en 1587.


title: Claudio Monteverdi

text: En 1590 o 1591, ingresó al servicio del duque Vicente I Gonzaga de Mantua. Recordó en la dedicatoria al duque de su tercer libro de madrigales (Venecia, 1592) que «el ejercicio más noble de la "vivuola" me abrió el camino afortunado a su servicio». En la misma, comparaba su interpretación instrumental con las «flores» y sus composiciones como «frutas», que a medida que maduran «pueden servirle de manera más digna y perfecta», indicando sus intenciones de establecerse como compositor. En la dedicatoria de su segundo libro de madrigales, Monteverdi se describió a sí mismo como un intérprete de la "vivuola" (que podría significar viola da gamba o viola da braccio).


title: Claudio Monteverdi

text: El duque estaba ansioso por establecer su corte como centro musical y buscaba reclutar a músicos destacados. Cuando Monteverdi llegó a Mantua, el maestro de capilla en la corte era el músico flamenco Giaches de Wert. Otros músicos notables en la corte durante este período incluyeron al compositor y violinista Salomone Rossi, la hermana de Rossi, la cantante Madama Europa y Francesco Rasi. En 1599, se casó con la cantante de la corte Claudia de Cataneis, hija de un intérprete de viola, con la que tuvo dos hijos, Francesco (n. 1601), que fue músico como su padre, y Massimiliano (n. 1604), religioso carmelita, y una hija que murió poco después de nacer en 1603. El hermano de Monteverdi, Giulio Cesare, se unió a los músicos de la corte en 1602.


title: Claudio Monteverdi

text: Cuando Wert murió en 1596, su puesto lo asumió Benedetto Pallavicino, pero el duque apreciaba claramente a Monteverdi y lo acompañó en sus campañas militares en Hungría (1595) y también en una visita a Flandes en 1599. Allí en la ciudad de Spa, su hermano Giulio Cesare le informó que se había encontrado, y traído de regreso a Italia, el "canto alla francese". Monteverdi pudo haber sido miembro del séquito del duque en Florencia en 1600 para la boda de María de Médici y Enrique IV de Francia, en las celebraciones se estrenó "Eurídice" de Jacopo Peri (la ópera más antigua que se conserva). A la muerte de Pallavicino en 1601, Monteverdi fue confirmado como el nuevo maestro de capilla.


title: Claudio Monteverdi

text: A principios del , Monteverdi se encontró en el centro de la controversia musical. El influyente teórico boloñés Giovanni Artusi atacó su música, sin nombrar al compositor, en su ensayo "L'Artusi, overo Delle imperfettioni della moderna musica" ("Artusi, o sobre las imperfecciones de la música moderna") de 1600, seguida de una secuela en 1603. Artusi citó extractos de las obras de Monteverdi aún no publicadas (luego formaron parte de sus libros cuarto y quinto de madrigales de 1603 y 1605) y condenaba su uso de la armonía y sus innovaciones en el uso de modos musicales, en comparación con la práctica polifónica ortodoxa del . Artusi intentó mantener correspondencia con Monteverdi sobre estos temas. El compositor se negó a responder, pero encontró un defensor en un seudónimo partidario, «L'Ottuso Academico» («El académico obtuso»). Finalmente, Monteverdi respondió en el prefacio al quinto libro de madrigales que sus deberes en la corte le impidieron una respuesta detallada, pero en una nota al «lector estudioso», afirmó que publicaría en breve una respuesta, "Seconda pratica, overo Perfettione della Moderna Musica" ("El segundo estilo o perfección de la música moderna"). Esta obra nunca apareció, pero una publicación posterior del hermano de Claudio, Giulio Cesare, dejó en claro que la "seconda pratica" que Monteverdi defendió no era vista por él como un cambio radical o su propia invención, sino que fue una evolución de estilos anteriores ("prima pratica") que era complementaria a ellos. Monteverdi se defendió en un escrito publicado en 1607, en el que argumentaba que, mientras el estilo antiguo, que él denominaba "prima pratica", era adecuado para la composición de música religiosa (y él así lo hizo durante muchos años), la "seconda pratica", donde «las palabras son dueñas de la armonía, no esclavas», era más apropiada para los madrigales, composición en la que resultaba vital poder expresar las líneas emocionales del texto. Su gran logro como compositor de óperas fue combinar el cromatismo de la "seconda pratica" con el estilo monódico de la escritura vocal (una línea vocal florida con un bajo armónico simple) desarrollado por Jacopo Peri y Giulio Caccini.


title: Claudio Monteverdi

text: En cualquier caso, este debate pareció elevar el perfil del compositor y dio lugar a reimpresiones de sus primeros libros de madrigales. Algunos de sus madrigales se publicaron en Copenhague en 1605 y 1606, y el poeta Tommaso Stigliani publicó un elogio de él en su poema de 1605 «O sirene de 'fiumi». El compositor de comedias madrigales y teórico Adriano Banchieri escribió en 1609: «No debo dejar de mencionar al más noble de los compositores, Monteverdi … sus cualidades expresivas realmente merecen la más alta recomendación y encontramos en ellas innumerables ejemplos de declamación incomparable … mejorados por armonías comparables». El historiador de la música moderna Massimo Ossi ha colocado el tema de Artusi en el contexto del desarrollo artístico de Monteverdi: «Si la controversia parece definir la posición histórica de Monteverdi, también parece haber sido sobre desarrollos estilísticos que en 1600 Monteverdi ya había superado».


title: Claudio Monteverdi

text: La no aparición del tratado explicativo prometido de Monteverdi pudo haber sido una estratagema deliberada, ya que en 1608, según los cálculos de Monteverdi, Artusi se había reconciliado por completo con las tendencias modernas de la música y la "seconda pratica" ya estaba bien establecida. Monteverdi no tuvo necesidad de volver a examinar el tema. Por otro lado, las cartas a Giovanni Battista Doni de 1632 muestran que Monteverdi todavía estaba preparando una defensa de la "seconda pratica", en un tratado titulado "Melodia" y puede que aún estuviera trabajando en esllo en el momento de su muerte, diez años después.


title: Claudio Monteverdi

text: En 1606, el heredero de Vincente I, Francisco IV, le encargó la ópera "La fábula de Orfeo", con un libreto del funcionario de la corte del duque de Mantua Alessandro Striggio el Joven, para la temporada de Carnaval de 1607. Se realizaron dos actuaciones en febrero y marzo de ese año. Entre los cantantes estaba Rasi en el papel principal y que había cantado en la primera actuación de "Eurídice" presenciada por Vincente I en 1600. Fue su primer drama musical y marcó la transición al Barroco. Esta ópera representa tal vez la evolución más importante de la historia del género, imponiéndose como una forma culta de expresión musical y dramática. A través del hábil uso de las inflexiones vocales, Monteverdi intentó expresar toda la emoción contenida en el discurso del actor, alcanzando un lenguaje cromático de gran libertad armónica. La orquesta, muy ampliada, era utilizada no solo para acompañar a los cantantes, sino también para establecer los diferentes ambientes de las escenas. La partitura de "Orfeo" contiene catorce partes orquestales independientes. El público aplaudió esta ópera con gran entusiasmo y su siguiente ópera, "L'Arianna" (libreto de Ottavio Rinuccini), de 1608 y destinada a la celebración de la matrimonio de Francisco IV con Margarita de Saboya. Toda la música de esta ópera se perdió, excepto el «Lamento de Ariadna», que se hizo extremadamente popular. A este período también pertenece el ballet de entretenimiento "Il ballo delle ingrate".


title: Claudio Monteverdi

text: La tensión del arduo trabajo que Monteverdi había estado poniendo en estas y otras composiciones fue exacerbada por tragedias personales. Su esposa murió en septiembre de 1607 y la joven cantante Caterina Martinelli, destinada para el papel principal de Ariadna, murió de viruela en marzo de 1608. También se resentió por su tratamiento financiero cada vez más pobre por parte de los Gonzaga. Se retiró a Cremona en 1608 para recuperarse y escribió una amarga carta al ministro de Vincente I, Annibale Chieppio, en noviembre de ese año buscando (sin éxito) «un despido honorable». Aunque el duque aumentó su sueldo y su pensión, y Monteverdi regresó para continuar su trabajo en la corte, comenzó a buscar el patrocinio en otro lugar. Después de publicar su "Vísperas de la beata Virgen" en 1610, que estaban dedicadas al papa Paulo V, visitó Roma, aparentemente esperando colocar a su hijo Francesco en un seminario, pero parece que también buscando un empleo alternativo. En el mismo año, también pudo haber visitado Venecia, donde se estaba imprimiendo una gran colección de su música sacra, con una intención similar.


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text: El duque Vincente I murió el 18 de febrero de 1612. Cuando Francisco IV lo sucedió, las intrigas judiciales y la reducción de costos llevaron al despido de Monteverdi y su hermano Giulio Cesare, quienes regresaron, casi sin dinero, a Cremona. A pesar de la propia muerte de Francisco IV por viruela en diciembre de 1612, Monteverdi no pudo volver a favorecer a su sucesor, su hermano, el cardenal Fernando I. En 1613, después de la muerte de Giulio Cesare Martinengo, el compositor audicionó para su puesto como maestro en la basílica de San Marcos en Venecia, para lo cual presentó música para una misa. Fue nombrado en agosto de 1613 y le dieron 50 ducados para sus gastos (los cuales le robaron, junto con sus otras pertenencias, unos bandoleros en Sanguinetto a su regreso a Cremona).


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text: Martinengo había estado enfermo durante algún tiempo antes de su muerte y había dejado la música de San Marcos en un estado frágil. Se había descuidado al coro e ignorado la administración. Cuando Monteverdi llegó para ocupar su puesto, su responsabilidad principal fue reclutar, entrenar, disciplinar y administrar a los músicos de San Marcos (la "capella"), quienes ascendían a unos 30 cantantes y seis instrumentistas. Los números podrían incrementarse para grandes eventos. Entre los reclutados para el coro estaba Francesco Cavalli, quien se unió en 1616 a la edad de 14 años. Mantuvo su contacto con San Marcos a lo largo de su vida y desarrolló una estrecha asociación con Monteverdi. Este también buscó expandir el repertorio, incluyendo no solo el repertorio tradicional "a capela" de compositores romanos y flamencos, sino también ejemplos del estilo moderno que él favoreció y que incluía el uso del bajo continuo y otros instrumentos. Aparte de esto, por supuesto, se esperaba que compusiera música para todas las fiestas principales de la iglesia. Esto incluía una nueva misa cada año para el Día de la Santa Cruz y Nochebuena, cantatas en honor al dogo veneciano y muchas otras obras (muchas de las cuales se perdieron). Monteverdi también era libre de obtener ingresos al proporcionar música para otras iglesias venecianas y para otros patrocinadores y con frecuencia se le encargaba proporcionar música para banquetes estatales. Los procuradores de San Marcos, de quienes era directamente responsable, mostraron su satisfacción con su trabajo en 1616 al aumentar su salario anual de 300 a 400 ducados.


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text: La relativa libertad que le otorgó la República de Venecia, en comparación con los problemas de la política de la corte en Mantua, se refleja en sus cartas a Striggio, particularmente en su carta del 13 de marzo de 1620, cuando rechazó una invitación para regresar a Mantua, exaltando su presente posición y finanzas en Venecia, y en referencia a la pensión que Mantua aún le debía. Sin embargo, como ciudadano de Mantua, aceptó los encargos del nuevo duque Fernando, quien había renunciado formalmente a su cargo de cardenal en 1616 para asumir los deberes del estado. Estos incluyeron los "balli" "Tirsi e Clori" (1616) y "Apollo" (1620), una ópera "Andrómeda" (1620) y un intermedio "Le nozze di Tetide", para el matrimonio de Fernando con Catalina de Médici (1617). La mayoría de estas composiciones se retrasaron mucho en la creación, en parte, como lo demuestra la correspondencia sobreviviente, por la falta de voluntad del compositor para priorizarlas, y en parte debido a los constantes cambios en los requisitos de la corte. Ahora se han perdido, aparte de "Tirsi e Clori", que se incluyó en el séptimo libro de madrigales (publicado en 1619) y lo dedicó a la duquesa Catalina, por la cual el compositor recibió un collar de perlas de la duquesa. Completó un importante encargo posterior, la ópera "La finta pazza Licori", con libreto de Giulio Strozzi, para Vincente II, quien sucedió a Fernando en el ducado en 1626. Debido a la enfermedad de este último (murió en 1627), nunca se realizó y también se perdió.


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text: También recibió encargos de otros estados italianos y de sus comunidades en Venecia. Estos incluyeron, para la comunidad milanesa en 1620, música para la fiesta de San Carlos Borromeo, y para la comunidad florentina una misa de réquiem para Cosme II de Médici (1621). Monteverdi actuó en nombre de Paolo Giordano II, duque de Bracciano, para organizar la publicación de obras del músico de Cremona Francesco Petratti. Entre los mecenas venecianos privados de Monteverdi se encontraba el noble Girolamo Mocenigo, en cuya casa se estrenó en 1624 el entretenimiento dramático "Il combattimento di Tancredi e Clorinda" basado en un episodio de "Jerusalén liberada" de Torquato Tasso. En 1627, recibió un importante encargo de Eduardo I Farnesio, duque de Parma, por una serie de obras y obtuvo la licencia de los procuradores para pasar tiempo allí durante 1627 y 1628.


title: Claudio Monteverdi

text: La dirección musical de Monteverdi recibió la atención de visitantes extranjeros. El diplomático y músico neerlandés Constantijn Huygens, que asistía a un servicio de vísperas en la iglesia de las SS Giovanni e Lucia, escribió que «escuché la música más perfecta que había escuchado en mi vida. La dirigió el famosísimo Claudio Monteverdi … quien también era el compositor y estuvo acompañado por cuatro tiorbas, dos cornettos, dos fagotes, un "basso de viola" de gran tamaño, órganos y otros instrumentos …». Escribió una misa y proporcionó otro entretenimiento musical para la visita a Venecia en 1625 del príncipe heredero Vladislao IV de Polonia, que pudo haber buscado revivir los intentos realizados unos años antes para atraer al compositor a Varsovia. También proporcionó música de cámara para Wolfgang Guillermo, conde del Palatinado-Neoburgo, cuando este último estaba haciendo una visita de incógnito a Venecia en julio de 1625.


title: Claudio Monteverdi

text: La correspondencia de Monteverdi en 1625 y 1626 con el cortesano de Mantua Ercole Marigliani revela un interés en la alquimia, que aparentemente el compositor había tomado como un pasatiempo. Analizaba los experimentos para transformar el plomo en oro, los problemas de obtener mercurio y mencionaba la puesta en servicio de recipientes especiales para sus experimentos en la fábrica de vidrio de Murano.


title: Claudio Monteverdi

text: A pesar de su situación generalmente satisfactoria en Venecia, Monteverdi experimentaba problemas personales de vez en cuando. En una ocasión, probablemente debido a su amplia red de contactos, fue objeto de una denuncia anónima a las autoridades venecianas alegando que apoyaba a los Habsburgo. También estaba sujeto a preocupaciones por sus hijos. Su hijo Francesco, mientras estudiaba derecho en Padua en 1619, en opinión del compositor pasaba demasiado tiempo con la música y, por lo tanto, lo trasladó a la Universidad de Bolonia. Esto no tuvo el resultado esperado y parece que se resignó a que Francesco tuviera una carrera musical: se unió al coro de San Marcos en 1623. Su otro hijo Massimiliano, que se graduó en medicina, fue arrestado por la Inquisición en Mantua en 1627 por leer literatura prohibida. Monteverdi se vio obligado a vender el collar que había recibido de la duquesa Caterina para pagar la defensa (finalmente exitosa) de su hijo. Escribió en ese momento a Striggio buscando su ayuda y con temor de que Massimiliano pudiera ser sometido a tortura. Parece que la intervención de Striggio fue útil. Las preocupaciones económicas en este momento también lo llevaron a visitar Cremona para asegurarse una canonería de la iglesia.


title: Claudio Monteverdi

text: Una serie de eventos inquietantes perturbaron el mundo de Monteverdi en el período alrededor de 1630. Los ejércitos de los Habsburgo invadieron Mantua en 1630, que sitiaron la ciudad afectada por la peste, y después de su caída en julio saquearon sus tesoros y dispersaron a la comunidad artística. La plaga llegó al aliado de Mantua, Venecia, por una embajada dirigida por el confidente de Monteverdi, Striggio, y durante un período de 16 meses causó más de 45000 muertes y dejó a la población de Venecia en 1633 en poco más de 100000 habitantes, el nivel más bajo durante unos 150 años. Entre las víctimas de la peste estaba el asistente de Monteverdi en San Marcos y un notable compositor por derecho propio, Alessandro Grandi. La plaga y las secuelas de la guerra tuvieron un efecto perjudicial inevitable en la economía y la vida artística de Venecia. Su hermano menor, Giulio Cesare, también murió en este momento, probablemente por la peste.


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text: Para entonces, Monteverdi tenía sesenta años y su ritmo de composición parecía haber disminuido. Había escrito un arreglo de "Proserpina rapita" de Strozzi, que se perdió a excepción de un trío vocal, para una boda de Mocenigo en 1630 y produjo una misa para la liberación de la plaga de San Marcos que se interpretó en noviembre de 1631. Se publicó su conjunto de "Scherzi musicali" en Venecia en 1632. En 1631, lo admitieron en la tonsura y fue ordenado diácono, y más tarde sacerdote, en 1632. Aunque estas ceremonias tuvieron lugar en Venecia, fue nominado como miembro del clero de Cremona. Esto puede implicar que tuviera la intención de retirarse allí.


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text: En 1637, se inauguró el Teatro San Cassiano, el primer teatro de ópera de Europa, lo que estimuló la vida musical de la ciudad y coincidió con una nueva explosión de la actividad del compositor. El año 1638 vio la publicación de su octavo libro de madrigales y una revisión del "Il ballo delle ingrate". El octavo libro contiene un "ballo", «Volgendi il ciel», que pudo haber compuesto el emperador Fernando III, a quien está dedicado el libro. En los años 1640-1641 se publicó "Selva morale e spirituale", un enorme compendio de música sacra donde se vuelve a apreciar toda la gama de estilos que usaba Monteverdi. Entre otros encargos, escribió música en 1637 y 1638 para «Accademia degli Unisoni» de Strozzi en Venecia y en 1641 un ballet, "La vittoria d'Amore", para la corte de Plasencia.


title: Claudio Monteverdi

text: Todavía no estaba completamente libre de sus responsabilidades con los músicos de San Marcos. Escribió para quejarse de uno de sus cantantes a los procuradores, el 9 de junio de 1637: «Yo, Claudio Monteverdi … vengo humildemente … para exponerles cómo Domenicato Aldegati … un bajo, ayer por la mañana … en el momento de la mayor concurrencia de personas … pronunció estas palabras exactas … "El Director de Música proviene de una prole de bastardos feroces, un ladrón, jodido, cabrón … y me cago en él y quien lo protege … "».


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text: La contribución de Monteverdi a la ópera en este periodo es notable. Revisó su ópera anterior "L'Arianna" en 1640 y escribió tres nuevas obras para la etapa comercial, "El regreso de Ulises a la patria" de ese mismo año, se realizó por primera vez en Bolonia con cantantes venecianos, "Le nozze d'Enea e Lavinia" (1641, música perdida), y "La coronación de Popea" (1643). La introducción al escenario impreso de "Le nozze d'Enea", por un autor desconocido, reconoce que Monteverdi debe ser acreditado por el renacimiento de la música teatral y que «será visto en épocas posteriores, porque sus composiciones seguramente sobrevivirán a los estragos del tiempo». Estas obras, compuestas al final de su vida, contienen escenas de gran intensidad dramática donde la música refleja los pensamientos y las emociones de los personajes. Estas partituras han influido en muchos compositores posteriores y todavía se mantienen en el repertorio actual.


title: Claudio Monteverdi

text: En su última carta sobreviviente del 20 de agosto de 1643, Monteverdi, ya enfermo, todavía esperaba la solución de la pensión largamente disputada de Mantua y le pidió al dux de Venecia que interviniera en su nombre. Falleció el 29 de noviembre de 1643 en Venecia, después de hacer una breve visita a Cremona. Tras celebrarse simultáneamente solemnes exequias en la Catedral de San Marcos y en la Basílica de Santa María dei Frari, sus restos fueron enterrados en esta última. Dejó una extensa obra que influiría en toda la música posterior.


title: Claudio Monteverdi

text: Existe un consenso entre los historiadores de la música de que un período que se extiende desde mediados del hasta alrededor de 1625, caracterizado en la frase de Lewis Lockwood por «unidad sustancial de perspectiva y lenguaje», debe identificarse como el período de la «música del Renacimiento». La literatura musical también ha definido el período siguiente (que abarca música de aproximadamente 1580 a 1750) como la era de la «música barroca». Es en la superposición de estos períodos de finales del a comienzos del que gran parte de la creatividad de Monteverdi floreció. Se destaca como una figura de transición entre el Renacimiento y el Barroco.


title: Claudio Monteverdi

text: En la era del Renacimiento, la música se había desarrollado como una disciplina formal, una «ciencia pura de las relaciones», en palabras de Lockwood. En la época barroca, se convirtió en una forma de expresión estética, cada vez más utilizada para adornar celebraciones religiosas, sociales y festivas en las que, de acuerdo con el ideal de Platón, la música estaba subordinada al texto. El canto solista con acompañamiento instrumental, o monodia, adquirió una mayor importancia hacia finales del y reemplazó a la polifonía como el principal medio de expresión musical dramática. Este era el mundo cambiante en el que Monteverdi estaba activo. Percy Scholes en su "The Oxford Companion to Music" describe la «nueva música» así: «[Los compositores] descartaron la polifonía coral del estilo madrigal como bárbara y establecieron el diálogo o el soliloquio para voces individuales, imitando más o menos las inflexiones del discurso y acompañando la voz tocando simples acordes de apoyo. Los coros cortos estaban intercalados, pero también eran homofónicos en lugar de polifónicos».


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text: Las obras de Claudio Monteverdi se suelen clasificar de acuerdo con el catálogo Stattkus ("Claudio Monteverdi: Verzeichnis der erhaltenen Werke"), publicado en 1985 por el musicólogo alemán Manfred H. Stattkus. En 2007, se publicó una segunda edición, revisada y completada.


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text: Ingegneri, el primer tutor de Monteverdi, era un maestro del estilo vocal de la "musica reservata", que implicaba el uso de progresiones cromáticas y figuralismo. Sus primeras composiciones de Monteverdi se basaron en este estilo. Ingegneri era un compositor tradicional del Renacimiento, «algo así como un anacronismo», según Arnold, pero Monteverdi también estudió la obra de compositores más «modernos» como Luca Marenzio, Luzzasco Luzzaschi y, un poco más tarde, Giaches de Wert, de quien aprendería el arte de expresar la pasión. Era un estudiante precoz y productivo, como lo indican sus publicaciones juveniles de 1582-1583. Paul Ringer escribe que «estos esfuerzos de adolescente revelan una ambición palpable combinada con un dominio convincente del estilo contemporáneo», pero en esta etapa muestran la competencia de su creador en lugar de una originalidad sorprendente. Geoffrey Chew los clasifica como «no en la línea más moderna para el período», aceptables, pero desactualizados. Chew califica la colección "Canzonette" de 1584 mucho más que la juvenil anterior: «Estas breves piezas de tres voces se basan en el aireado y moderno estilo de las villanellas de Marenzio, [basándose en] un vocabulario sustancial de madrigalismos relacionados con el texto».


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text: La forma de la "canzonetta" fue muy utilizada por los compositores de la época como un ejercicio técnico y es un elemento destacado en su primer libro de madrigales publicado en 1587. En este libro, los escenarios lúdicos y pastorales reflejan nuevamente el estilo de Marenzio, mientras que la influencia de Luzzaschi es evidente en el uso de disonancia. El segundo libro (1590) comienza con un escenario inspirado en Marenzio de un verso moderno, «Non si levav 'ancor» de Torquato Tasso, y concluye con un texto de 50 años antes: «Cantai un tempo» de Pietro Bembo. Monteverdi puso a este último a la música en un estilo arcaico que recuerda al fallecido Cipriano de Rore. Entre ellos está «Ecco mormorar l'onde», fuertemente influenciado por De Wert y aclamado por Chew como la gran obra maestra del segundo libro.


title: Claudio Monteverdi

text: Un hilo común a lo largo de estas primeras obras es su uso de la técnica de "imitatio", una práctica general entre los compositores de la época en la que el material de compositores anteriores o contemporáneos se utilizaba como modelo para su propia obra. Continuó utilizando este procedimiento mucho más allá de sus años de aprendiz, un factor que a los ojos de algunos críticos ha comprometido su reputación de originalidad.


title: Claudio Monteverdi

text: Los primeros quince años de servicio de Monteverdi en Mantua están delimitados por sus publicaciones del tercer libro de madrigales en 1592 y los libros cuarto y quinto en 1603 y 1605. Entre 1592 y 1603 hizo contribuciones menores a otras antologías. Cuánto compuso en este período es una cuestión de conjeturas, ya que sus muchas obligaciones en la corte de Mantua pudieron limitar sus oportunidades, pero varios de los madrigales que publicó en los libros cuarto y quinto los escribió y se interpretaron durante la década de 1590, algunos de los cuales figuran de manera prominente en la controversia de Artusi.


title: Claudio Monteverdi

text: El tercer libro muestra con fuerza la mayor influencia de Wert, en ese momento su superior directo como maestro de capilla en Mantua. Dos poetas dominan la colección: Tasso, cuya poesía lírica figuraba en un lugar destacado en el segundo libro, pero aquí se representa a través de los versos más épicos y heroicos de "Jerusalén liberada", y Gian Battista Guarini, cuyos versos habían aparecido esporádicamente en las publicaciones anteriores de Monteverdi, pero forman alrededor de la mitad del contenido del tercer libro. La influencia de Wert se refleja en el enfoque francamente moderno de Monteverdi y sus configuraciones expresivas y cromáticas de los versos de Tasso. De los arreglos de Guarini, Chew escribe: «El estilo epigramático … coincide estrechamente con un ideal poético y musical de la época … [y] a menudo depende de progresiones cadenciales finales fuertes, con o sin la intensificación proporcionada por cadenas de disonancias suspendidas». Chew cita el escenario de «Stracciami pur il core» como «un excelente ejemplo de la práctica de disonancia irregular de Monteverdi». Tasso y Guarini fueron visitantes regulares a la corte de Mantua. La asociación del compositor con ellos y su absorción de sus ideas pudieron haberle ayudado a sentar las bases de su propio enfoque de los dramas musicales que creó una década más tarde.


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text: A medida que avanzaba la década de 1590, Monteverdi se acercó a la forma que identificaría a su debido tiempo como la "seconda pratica". Claude V. Palisca cita al madrigal «Ohimè, se tanto amate», publicado en el cuarto libro, pero escrito antes de 1600 y una de las obras atacadas por Artusi, como un ejemplo típico de los poderes de invención en desarrollo del compositor. En este madrigal, Monteverdi vuelve a apartarse de la práctica establecida en el uso de la disonancia, mediante un adorno vocal que Palisca describe como "échappé". El uso atrevido de Monteverdi de este dispositivo es, según Palisca, «como un placer prohibido». En este y en otros escenarios, las imágenes del poeta eran supremas, incluso a expensas de la consistencia musical.


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text: El cuarto libro incluye madrigales a los que Artusi se opuso por su «modernismo». Sin embargo, Ossi lo describe como «una antología de obras dispares firmemente arraigadas en el », de naturaleza más cercana al tercer libro que al quinto. Además de Tasso y Guarini, Monteverdi interpretó versos musicales de Rinuccini, Maurizio Moro («Sì ch'io vorrei morire») y Ridolfo Arlotti («Luci serene e chiare»). Hay evidencia de la familiaridad del compositor con las obras de Carlo Gesualdo y con compositores de la escuela de Ferrara como Luzzaschi. El libro se lo dedicó a una sociedad musical de Ferrara, la "Accademici Intrepidi".


title: Claudio Monteverdi

text: El quinto libro mira más al futuro. Por ejemplo, emplea el estilo "concertato" con bajo continuo (un dispositivo que se convertiría en una característica típica de la emergente era barroca) e incluye una sinfonía (interludio instrumental) en la pieza final. Presenta su música a través de contrapuntos complejos y armonías atrevidas, aunque a veces combina las posibilidades expresivas de la nueva música con la polifonía tradicional. Aquilino Coppini sacó gran parte de la música para su contrafacción sacra de 1608 de los libros tercero, cuarto y quinto de madrigales de Monteverdi. Al escribirle a un amigo en 1609, Coppini comentó que las piezas «requieren, durante su ejecución, descansos más flexibles y compases que no son estrictamente regulares, ahora avanzando o abandonándose a ralentizar […] En ellos hay una capacidad verdaderamente maravillosa para mover los afectos».


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text: Durante sus años en Venecia, publicó sus libros de madrigales sexto (1614), séptimo (1619) y octavo (1638). El sexto libro consiste en obras escritas antes de la partida del compositor de Mantua. Hans Redlich lo ve como una obra de transición, que contiene las últimas composiciones madrigales de Monteverdi a la manera de la "prima pratica", junto con la música que es típica del nuevo estilo de expresión que había exhibido en las obras dramáticas de 1607-1608. El tema central de la colección es la pérdida. La obra más conocida es la versión de cinco voces del «Lamento d'Arianna», que, dice Massimo Ossi, da «una lección objetiva sobre la estrecha relación entre el recitativo monódico y el contrapunto». El libro contiene los primeros arreglos del compositor de versos de Giambattista Marino y dos arreglos de Petrarca que Ossi considera las piezas más extraordinarias en el volumen y que proporcionan algunos «momentos musicales impresionantes».


title: Claudio Monteverdi

text: Mientras Monteverdi había mirado hacia atrás en el sexto libro, avanzó en el séptimo libro desde el concepto tradicional del madrigal y desde la monodia, a favor de los duetos de cámara. Hay excepciones, tales como las dos "lettere amorose" (cartas de amor) «Se i languidi miei sguardi» y «Se pur destina e vole», escritas para ser interpretadas "genere rapresentativo", tanto interpretadas como cantadas. De los duetos que son las características principales del volumen, Chew destaca «Ohimé, dov'è il mio ben, dov'è il mio core», una romanesca en la que dos voces altas expresan disonancias por encima de un patrón repetitivo del bajo. El libro también contiene obras de conjunto a gran escala y el ballet "Tirsi e Clori". Este fue el apogeo del «período Marino» de Monteverdi. Seis de las piezas del libro son escenarios de los versos del poeta. Como dice Carter, Monteverdi «abrazó los besos madrigalescos y las mordeduras de amor de Marino con … el entusiasmo típico de la época». Algunos comentaristas han opinado que el compositor debería haber tenido mejor gusto poético.


title: Claudio Monteverdi

text: El octavo libro, subtitulado "Madrigali guerrieri, et amorosi …" se estructura en dos mitades simétricas, una para la «guerra» y otra para el «amor». Cada mitad comienza con una configuración de seis voces, seguida de una configuración de Petrarca a gran escala, luego una serie de duetos principalmente para voces de tenor, y concluye con un número teatral y un ballet final. La mitad de la «guerra» contiene varias piezas escritas como homenaje al emperador Fernando III, que había accedido al trono de los Habsburgo en 1637. Muchos de los poetas habituales de Monteverdi —Strozzi, Rinuccini, Tasso, Marino, Guarini— están representados en la composición.


title: Claudio Monteverdi

text: Es difícil evaluar cuándo se compusieron muchas de las piezas, aunque el ballet "Mascherata dell' ingrate", que termina el libro, data de 1608 y la celebración del matrimonio Gonzaga-Saboya. "Il combattimento di Tancredi e Clorinda", pieza central de los escenarios de «guerra», se había escrito y representado en Venecia en 1624. En su publicación en el octavo libro, Monteverdi lo vinculó explícitamente con su concepto de géneros "concitato" (o "stilo concitato", «estilo excitado») que «imitaría adecuadamente la expresión y los acentos de un hombre valiente que se dedica a la guerra» e implicaba que desde que había originado este estilo, otros habían comenzado a copiarlo. La obra empleó por primera vez instrucciones para el uso de acordes de cuerda "pizzicato" y también evocaciones de fanfarrias y otros sonidos de combate. El crítico Andrew Clements describe el octavo libro como «una declaración de principios artísticos y autoridad compositiva», en la que Monteverdi «formó y expandió la forma madrigal para acomodar lo que quería hacer … las piezas reunidas en el Libro Ocho forman un tesoro de lo que la música en la primera mitad del podría expresar».


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text: El noveno libro póstumo de madrigales se publicó en 1651, una mezcla que data de principios de la década de 1630 y algunos artículos son repeticiones de piezas publicadas anteriormente, como el popular dúo «O sia tranquillo il mare» de 1638. El libro incluye un trío para tres sopranos, «Come dolce oggi l'auretta», que es la única música que sobrevive de la ópera perdida de 1630 "Proserpina rapita".


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text: En los últimos cinco años de servicio de Monteverdi en Mantua, completó las "La fábula de Orfeo" (1607) y "L'Arianna" (1608). Retuvo apegos emocionales y políticos a la corte de Mantua y escribió para ella, o se comprometió a escribir, grandes cantidades de música escénica, incluidas al menos cuatro óperas. El ballet "Tirsi e Clori" sobrevive a través de su inclusión en el séptimo libro de madrigales, pero el resto de la música dramática de Mantua se perdió. Muchos de los manuscritos perdidos pudieron haber desaparecido en las guerras que tuvieron lugar en Mantua en 1630. El aspecto más significativo de su pérdida, según Carter, es la medida en que podrían haber proporcionado enlaces musicales entre sus primeras óperas de Mantua y las que escribió en Venecia después de 1638: «Sin estos enlaces … es difícil para producir una descripción coherente de su desarrollo como compositor para el escenario». Del mismo modo, Janet Beat lamenta que la brecha de 30 años obstaculice el estudio de cómo se desarrolló la orquestación de ópera durante esos primeros años críticos.


title: Claudio Monteverdi

text: Los últimos años de su vida estuvieron muy ocupados con la ópera para el escenario veneciano. Richard Taruskin, en su "Oxford History of Western Music", le da a su capítulo sobre este tema el título «Ópera de Monteverdi a Monteverdi». Taruskin interpreta seriamente esta redacción, originalmente propuesta humorísticamente por el historiador musical italiano Nino Pirrotta, que indica que Monteverdi fue significativamente responsable de la transformación del género de la ópera de un entretenimiento privado de la nobleza (como con "Orfeo" en 1607), a lo que se convirtió en un género comercial importante, como lo ejemplifica su ópera "La coronación de Popea" (1643). Arnold considera a sus dos obras operísticas sobrevivientes de este período, "El regreso de Ulises a la patria" y "La coronación de Popea", como las primeras óperas «modernas». "El regreso" es la primera ópera veneciana en partir de lo que Ellen Rosand llama «la pastoral mitológica». Sin embargo, David Johnson en "The North American Review" advierte al público que no espere una afinidad inmediata con Wolfgang Amadeus Mozart, Giuseppe Verdi o Giacomo Puccini: «Hay que someterse a un ritmo mucho más lento, a una concepción mucho más casta de la melodía, a una estilo de voz que al principio es simplemente como una declamación en seco y solo en audiencias repetidas comienza a asumir una elocuencia extraordinaria».


title: Claudio Monteverdi

text: Según Carter, "El regreso" está claramente influenciado por sus obras anteriores. El lamento de Penélope en el Acto I tiene un carácter cercano al lamento de L'Arianna, mientras que los episodios marciales recuerdan "Il combattimento". El "stile concitato" es prominente en las escenas de lucha y en el asesinato de los pretendientes de Penélope. En "La coronación", el compositor representa estados de ánimo y situaciones mediante dispositivos musicales específicos: el triple metro representa el lenguaje del amor; los arpegios demuestran conflicto; el "stile concitato" representa rabia. Continúa el debate sobre cuánta de la música existente de "La coronoción" es original de Monteverdi y cuánta es obra de otros (hay, por ejemplo, rastros de música de Francesco Cavalli).


title: Claudio Monteverdi

text: Monteverdi escribió cantidad de música sacra, incluida la "Messa in illo tempore" (1610) y también la colección conocida como "Vísperas de la beata Virgen", que a menudo se conoce como «Vísperas de Monteverdi» (1610). También publicó "Scherzi musicale a tre voci" (1607), escenarios de versos compuestos desde 1599 y dedicados al heredero de los Gonzaga, Francisco. El trío vocal en el "Scherzi" consta de dos sopranos y un bajo, acompañados de simples "ritornellos" instrumentales. Según Bowers, la música «reflejaba la modestia de los recursos del príncipe; sin embargo, fue la primera publicación en asociar voces e instrumentos de esta manera particular».


title: Claudio Monteverdi

text: Durante el período de su residencia veneciana, compuso cantidades de música sacra. Numerosos motetes y otras obras cortas que editoriales locales como Giulio Cesare Bianchi (un exalumno suyo) y Lorenzo Calvi incluyeron en antologías y otras fueron publicadas en otros lugares de Italia y Austria. La gama de estilos en los motetes es amplia, desde simples arias estróficas con acompañamiento de cuerdas hasta declamaciones a gran escala con un final de aleluya.


title: Claudio Monteverdi

text: "Selva morale e spirituale" de 1641 y el póstumo "Messa et salmi" publicado en 1650 (que fue editado por Cavalli), son selecciones de su música sacra que escribió para San Marcos durante su mandato de 30 años. Probablemente escribió mucho más, pero no fue publicado. El volumen de la "Selva morale" se inicia con una serie de escenarios madrigales sobre textos morales, que abordan temas como «la naturaleza transitoria del amor, el rango terrenal y el logro, incluso la existencia misma». Les sigue una misa en estilo conservador ("stile antico"), cuyo punto culminante es un «Gloria» extendido de siete voces. Los estudiosos creen que podría haberlo escrito para celebrar el fin de la plaga de 1631. El resto del volumen está compuesto por numerosos arreglos de salmos, dos magníficats y tres Salve Regina. El volumen "Messa et salmi" incluye una misa de "stile antico" para cuatro voces, un escenario polifónico del salmo «Laetatus Sum» y una versión de las Letanías lauretanas que Monteverdi había publicado originalmente en 1620.


title: Claudio Monteverdi

text: Además de los libros madrigales, la única colección publicada del compositor durante su estancia en Venecia fue el volumen de "Scherzi musicale" en 1632. Por razones desconocidas, su nombre no aparece en la inscripción y la dedicatoria está firmada por el impresor veneciano Bartolemeo Magni. Carter supone que el Monteverdi recientemente ordenado sacerdote pudo haber deseado mantenerse alejado de esta colección secular. Mezcla canciones continuas estróficas para voz solista con obras más complejas que emplean variación continua sobre patrones de bajos repetidos. Chew selecciona la chacona para dos tenores, «Zefiro torna e di soavi accenti», como elemento destacado en la colección: «La gran parte de esta pieza consiste en repeticiones de un patrón de bajo que asegura la unidad tonal de un tipo simple, debido a que se enmarca como una cadencia simple en un tipo tonal "sol" mayor: a lo largo de estas repeticiones, se desarrollan variaciones ingeniosas en el virtuoso trabajo de paso».


title: Claudio Monteverdi

text: En su vida, Monteverdi disfrutó de un estatus considerable entre los músicos y el público. Esto se evidencia por la escala de sus ritos funerarios: «[Con] pompa verdaderamente real, se erigió un catafalco en la Chiesa de Padrini Minori de Frari, decorado todo de luto, pero rodeado de tantas velas que la iglesia parecía un cielo nocturno luminoso con estrellas». Esta glorificación fue transitoria. Carter escribe que en aquella época, la música rara vez sobrevivía más allá de las circunstancias de su actuación inicial y era rápidamente olvidada junto con su creador. En este sentido, a Monteverdi le fue mejor que a la mayoría. Sus obras operísticas fueron reinterpretadas en varias ciudades en la década siguiente a su muerte. Según escribió Severo Bonini en 1651, cada hogar musical en Italia poseía una copia del «Lamento d'Arianna».


title: Claudio Monteverdi

text: El compositor alemán Heinrich Schütz, que había estudiado en Venecia con Giovanni Gabrieli poco antes de la llegada de Monteverdi, poseía una copia de "Il combattimento" y él mismo tomó elementos del "stile concitato". En su segunda visita a Venecia en 1628-1629, Arnold cree que Schütz absorbió los conceptos de bajo continuo y expresividad del establecimiento de palabras, pero opina que Schütz estuvo más directamente influido por el estilo de la generación más joven de compositores venecianos, incluido Grandi y Giovanni Rovetta (el sucesor de Monteverdi en San Marcos). Schütz publicó un primer libro de "Symphoniae sacrae", arreglos de textos bíblicos en el estilo de la "seconda pratica", en Venecia en 1629. "Es steh Gott auf", de su "Symphoniae sacrae II", publicado en Dresde en 1647, contiene citas específicas de Monteverdi.


title: Claudio Monteverdi

text: Después de la década de 1650, el nombre de Monteverdi desapareció rápidamente de los relatos contemporáneos, su música fue generalmente olvidada, excepto el «Lamento», el prototipo de un género que perduraría hasta el .


title: Claudio Monteverdi

text: El interés en Monteverdi revivió a finales del y principios del entre los estudiosos de la música en Alemania e Italia, aunque todavía se lo consideraba esencialmente una curiosidad histórica. El mayor interés en su música comenzó en 1881, cuando Robert Eitner publicó una versión abreviada de la partitura de "Orfeo". Alrededor de esa época, Kurt Vogel realizó las partituras de los madrigales a partir de los manuscritos originales, pero se mostró un interés más crítico en las óperas, tras el descubrimiento del manuscrito de "La coronación" en 1888 y el de "El regreso" en 1904. En gran parte a través de los esfuerzos de Vincent d'Indy, las tres óperas se representaron de una forma u otra, durante el primer cuarto del : "La fábula de Orfeo" en mayo de 1911, "La coronación" en febrero de 1913 y "El regreso" en mayo de 1925.


title: Claudio Monteverdi

text: El poeta nacionalista italiano Gabriele D'Annunzio elogió a Monteverdi y en su novela "Il fuoco" (1900) escribió sobre «"il divino" Claudio … ¡qué alma heroica, puramente italiana en su esencia!». Su visión del compositor como el verdadero fundador del lirismo musical italiano fue adoptada por músicos que trabajaron con el régimen de Benito Mussolini (1922-1945), incluidos Francesco Malipiero, Luigi Dallapiccola y Mario Labroca, quienes contrastaron a Monteverdi con la decadencia de la música de Richard Strauss, Claude Debussy e Ígor Stravinski.


title: Claudio Monteverdi

text: En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, sus óperas comenzaron a presentarse en los principales teatros de ópera y finalmente se establecieron en el repertorio general. La recuperación de su música sacra tardó más. No se benefició del renacimiento de la música renacentista de la Iglesia católica en el de la manera en la que Giovanni Pierluigi da Palestrina lo hizo, tal vez, como sugiere Carter, porque Monteverdi era visto principalmente como un compositor secular. No fue sino hasta 1932 que las "Vísperas" de 1610 se publicaron en una edición moderna, seguida por la revisión de Redlich dos años después. Las ediciones modernas de los volúmenes de "Selva morale" y "Missa e Salmi" se publicaron respectivamente en 1940 y 1942.


title: Claudio Monteverdi

text: El resurgimiento del interés público en su música se aceleró en la segunda mitad del , alcanzando un auge total en el resurgimiento general de la música antigua de la década de 1970, durante el cual el énfasis se volvió cada vez más hacia la actuación «auténtica» utilizando instrumentos históricos. La revista "Gramophone" señala más de 30 grabaciones de las "Vísperas" entre 1976 y 2011, y 27 de "Il combattimento di Tancredi e Clorinda" entre 1971 y 2013. Las óperas sobrevivientes de Monteverdi se representan hoy regularmente. El sitio web Operabase observa 555 representaciones de las óperas en 149 producciones en todo el mundo en las temporadas 2011-2016, clasificando a Monteverdi en el puesto 30 de todos los compositores y en el octavo para los compositores de ópera italianos. En 1985, Manfred H. Stattkus publicó un índice de las obras de Monteverdi, el Catálogo Stattkus (Stattkus-Verzeichnis), revisado en 2006, dando a cada composición un número «SV», para su catalogación y referencias.


title: Claudio Monteverdi

text: Monteverdi es alabado por los críticos modernos como «el compositor más importante del Renacimiento tardío y de la Italia barroca temprana»; «uno de los principales compositores en la historia de la música occidental»; y, rutinariamente, como el primer gran compositor de ópera. Estas evaluaciones reflejan una perspectiva contemporánea, ya que su música era en gran parte desconocida para los compositores que lo siguieron durante un período extenso, que abarca más de dos siglos después de su muerte. Son, como han señalado Redlich y otros, los compositores de los siglos y quienes lo han redescubierto y buscaron hacer de su música una base para la suya. Posiblemente, como sugiere Chew, se sienten atraídos por la reputación de Monteverdi como «un moderno, un rompedor de reglas, contra los Antiguos, aquellos que diferían a la autoridad antigua», aunque el compositor era, esencialmente, un pragmático, «mostrando lo que solo puede describirse como una disposición oportunista y ecléctica para usar lo que sea que esté a mano para ese propósito». En una carta fechada el 16 de octubre de 1633, Monteverdi parece respaldar su punto de vista como «moderno»: «Prefiero ser moderadamente elogiado por el nuevo estilo que elogiado por lo ordinario». Sin embargo, Chew, en su resumen final, ve al compositor históricamente como enfrentado en ambos sentidos, dispuesto a usar técnicas modernas, pero al mismo tiempo protector de su condición de compositor competente en el "stile antico". Así, dice Chew, «su logro fue a la vez retrospectivo y progresivo». Monteverdi representa la era del Renacimiento tardío y al mismo tiempo resume gran parte del Barroco temprano. «Y en un aspecto en particular, su logro fue duradero: la proyección efectiva de las emociones humanas en la música, de una manera adecuada tanto para el teatro como para la música de cámara».


title: Bank of America

text: La Corporación Bank of America (en español: Banco de América «de Estados Unidos») es una empresa estadounidense de tipo bancario y de servicios financieros multinacional con sede central en Charlotte, Carolina del Norte. Es el segundo mayor holding bancario en los Estados Unidos por activos. A partir de 2010, Bank of America es la quinta compañía más grande de Estados Unidos por ingresos totales, y la tercera no petrolera (después de Wal-Mart y General Electric). En 2010, la revista "Forbes" enlistó a Bank of America como la tercera empresa más grande del mundo.


title: Bank of America

text: Con la adquisición de Merrill Lynch en 2008 hizo a Bank of America la mayor empresa de gestión de riqueza del mundo y juega un rol importante en el mercado de la banca de inversión.


title: Bank of America

text: La compañía llevó a cabo el 12,2% de todos los depósitos bancarios en los Estados Unidos en agosto de 2009, y es uno de los cuatro grandes bancos de Estados Unidos, junto con Citigroup, JPMorgan Chase y Wells Fargo, sus principales competidores. Bank of America opera en todo Estados Unidos y en más 40 países. Tiene un tamaño de banca minorista, que cubre aproximadamente el 80% de la población de los EE. UU. y atiende a cerca de 57 millones de consumidores y pequeñas empresas en 5600 centros bancarios y 16 200 cajeros automáticos (ATMs).


title: Bank of America

text: El Bank of America que existe hoy resultó de la adquisición del antiguo Bank of America, por el NationsBank que se encarga de recibir información monetaria. Este fue fundado en 1874 en Charlotte, Carolina del Norte, como Commercial Nation Bank, el cual tras adquirir American Trust, en 1957, pasó a llamarse North Carolina Nation Bank y en 1991 adoptó el nombre de Nations Bank. En 1998, el NationsBank absorbió a Bank of America de San Francisco, y tomó su nombre.


title: Bank of America

text: La historia del antiguo Bank of America antes de 1998 nació a partir del Bank of Italy, fundado en 1904 por Amadeo Giannini, en San Francisco. Durante el terremoto de San Francisco de 1906, Giannini fue capaz de salvar del incendio el dinero depositado en el edificio bancario. Al contrario que otros bancos, conservó la estabilidad de sus depositarios y prestó dinero para los afectados por el desastre. Desde entonces se extendió por todo el país mediante la compra de numerosos bancos. En 1997 las dificultades financieras obligaron a su venta, que se concretó al ser adquirido por NationsBank.


title: Bank of America

text: A finales de 2007 Bank of America compró los activos estadounidenses del banco holandés ABN Amro, incluyendo LaSalle Bank, LaSalle Bank Midwest y ABN Amro North America, lo que le permitió aumentar su presencia en zonas del país donde no estaba representado. En septiembre de 2008 adquirió el banco de inversión, Merrill Lynch, por 44.000 millones de dólares tras el colapso de Lehman Brothers. El presidente de la Reserva Federal, Ben Bernanke, y Henry Paulson, presionaron a Bank of America para que no divulgara las pérdidas, que llegaron a US$15.840 millones en el cuarto trimestre. Los reguladores intentaban prevenir un pánico sistémico.


title: Bank of America

text: El 30 de marzo de 2009, Bank of America anunciò que integrará su filial Premier Banking dentro de la división Merrill Lynch Global Wealth Management lo que ocasionará el despido de cientos de empleados. Este cambio se produce para mejorar la posición del Banco como administradores de clientes acaudalados que poseen fondos de $100 000 y $3 millones de dólares. Los administradores de clientes de Premier Banking que estaban a cargo de las relaciones a nivel personal con los clientes dejarán ese rol para convertirse en "especialistas de banca", que asistirán a los 18.000 asesores financieros de la compañía con recomendaciones de productos de banca. Los asesores, 16.000 de los cuales llegaron de Merrill Lynch & Co. se harán cargo del trato con los clientes.


title: Bank of America

text: En abril de 2009, los fondos de pensión, que representan 1% de las acciones de la empresa, se opusieron a la reelección de Kenneth Lewis, presidente de Bank of America. Los fondos alegan que los directores del banco nunca explicaron los beneficios de la compra de Merril Lynch para los accionistas.<ref name="momoelf22/04"></ref>


title: Bank of America

text: El 29 de abril, los accionistas designaron a Walter E. Massey como presidente del directorio; y Ken Lewis permanecerá como director general y presidente ejecutivo.


title: Bank of America

text: Los reguladores de EE. UU. anunciaron, luego de la prueba de resistencia de los bancos, en mayo de 2009, que el banco tenía un déficit de US$34 mil millones, en ese momento el valor de las acciones del banco era de US$70 mil millones.<ref name="momoelf8/5"></ref>


title: Bank of America

text: De 1977 a 1996, el Arquitecto de origen portugués Salvador Alba diseñó y construyó el centro comercial y financiero Bank of América Sucursal Tepic adquirió como franquicia de diversas cadenas: Cinépolis, Quiznos Sub, Nutrisa, Carl's Jr., Little Caesar`s Pizza, McDonald`s, IHOP, Coca-Cola Center, GNC y muchas cadenas más, todos son absorbidos por Bank of America por US$ 590 por la amortización de las agencias bancarias en Portugal, país de nacimiento del recién fallecido Salvador Alba. Las empresas que son absolvidos por dicha institución son: Multimedios Radio (incluido Classic) y Grupo Radio Alegría.


title: Bank of America

text: En 2005, Bank of America adquirió una participación del 9% en el Banco de Construcción de China (中国建设银行), uno de los cuatro grandes bancos de China, por USD 3 000 millones. Eso representa la mayor incursión de la compañía en el creciente sector bancario chino. Bank of America cuenta con oficinas en Hong Kong, Shanghái, América Latina y Guangzhou, y busca ampliar considerablemente su negocio en ese país.


title: Bank of America

text: Bank of America opera bajo el nombre de BankBoston en muchos países de América Latina, incluyendo Brasil. En 2006, Bank of America vendió las operaciones de BankBoston al brasileño Banco Itaú, a cambio de acciones.


title: Bank of America

text: En 2015 Bank of America alcanza una participación del 3,14% tras comprar 307 000 acciones por un valor de €23,8 millones de la Red Eléctrica de España (REE) y se convierte en el segundo mayor accionista privado de la compañía, por detrás de HSBC.


title: Bank of America

text: Bank of America declara una participación del 9,556% en el capital social de Saeta, filial de energías renovables de ACS, un porcentaje valorado en €78 millones, de esta forma, la entidad se coloca en tercer máximo accionista.


title: Bank of America

text: Bank of America se ha comprometido a gastar miles de millones en préstamos comerciales y de banca de inversión para proyectos que considera "verde". La compañía suministra a todos sus empleados con incentivos en efectivo para comprar vehículos híbridos, y comenzó a proporcionar préstamos hipotecarios para clientes cuyas viviendas son calificadas con energía eficiente. En 2007, Bank of America se asoció con Brighter Planet para entregar a clientes tarjetas de crédito y débito para que cada vez que hagan una compra con esas tarjetas la empresa ayudan a construir proyectos de energía renovable. La empresa ha completado recientemente la nueva Bank of America Center en Charlotte con una torre y el hotel adjunto con certificación la LEED.


title: Bank of America

text: Bank of America también ha donado dinero para ayudar a los centros de salud en Massachusetts e hizo donaciones para ayudar a los refugios desamparados en Miami.


title: Bank of America

text: En 2004, el banco se comprometió con USD 750 000 millones en un período de diez años en préstamos para el desarrollo comunitario y la inversión. La compañía ha entregado más de USD 230 millones para proporcionar hipotecas accesibles y construir viviendas, además la empresa apoya y crear puestos de trabajo en los barrios menos favorecidos.


title: Bank of America

text: Bank of America fue demandada por USD 10 mil millones por la American International Group Inc, en agosto de 2011. Otra demanda presentada en septiembre de 2011 se refiere a un total de USD 57.5 mil millones en hipotecas del Banco de valores de Estados Unidos vendida a Fannie Mae y Freddie Mac.


title: Bank of America

text: En septiembre de 2012 una demanda colectiva presentada por los accionistas de Bank of America que sintieron que fueron engañados por la compra de Merrill Lynch.


title: Bank of America

text: El 24 de octubre de 2012 los fiscales federales estadounidenses presentaron una demanda civil de USD 1 000 millones contra Bank of America por fraude hipotecario bajo la Ley de falsos reclamos, que prevé la posibilidad del triple de daños y perjuicios sufridos, que pueden terminar costando más de USD 3 000 millones de dólares.


title: Bank of America

text: En 2014 un tribunal de Carolina del Norte, EE. UU. condenó a dos años y dos meses de cárcel a un exdirectivo del banco por fraude relacionado con la inversión en bonos y contratos de financiación municipales. Bank of America actuando como "proveedor" ofrece contratos, conocidos como acuerdos de inversión, a los gobiernos estatales y locales de Estados Unidos, así como a los organismos y entidades sin ánimo de lucro del país.


title: Bank of America

text: En 2010, el banco fue acusado por el gobierno estadounidense de defraudar escuelas, hospitales, y decenas de organizaciones del gobierno estatal y local a través de las actividades de mala conducta e ilegales que implican la inversión de los ingresos de las ventas de bonos municipales. Como resultado, el banco aceptó pagar USD 137,7 millones, incluyendo 25 millones para el Servicio de Rentas Internas y 4,5 millones al fiscal general del Estado y las organizaciones afectadas.


title: Bank of America

text: El exfuncionario del banco Douglas Campbell se declaró culpable de defensa de la competencia, la conspiración y el uso de las acusaciones de fraude. A partir de enero de 2011, otros banqueros y corredores están bajo acusación o investigación.


title: Bank of America

text: El 24 de octubre de 2012, el fiscal federal de Manhattan presentó una demanda alegando que Bank of America hizo un fraude a los contribuyentes estadounidenses de más de USD 1 000 millones de dólares cuando vendió hipotecas tóxicas a Fannie Mae y Freddie Mac. El programa se llamaba 'Hustle'.


title: Bank of America

text: En mayo de 2015 autoridades estadounidenses y británicas anunciaron que impusieron multas por alrededor de USD 6000 millones a seis bancos (Citigroup, JPMorgan y Bank of America con 205 millones, los británicos Barclays y Royal Bank of Scotland y el suizo UBS) por haber manipulado las tasas de cambio dólar-euro entre 2007 y 2013. La multa más grande es para Barclays, que debe pagar US$2400 millones. Con la excepción de Bank of America los bancos aceptaron un período de prueba de tres años durante el cual deberán mantener informadas a las autoridades de sus actividades.


title: Bank of America

text: Parmalat, una empresa italiana de productos lácteos, tras la quiebra de 2003, demandó a Bank of America por USD 10 000 millones, alegando que el banco se benefició de su conocimiento en las dificultades financieras de Parmalat. Las partes anunciaron un acuerdo en julio de 2009 con un pago de Bank of America por USD 98.5 millones en octubre de ese año. En un caso relacionado, el 18 de abril de 2011, un tribunal italiano absolvió a Bank of America y otros tres grandes bancos, junto con sus empleados, de los cargos que ayudaron Parmalat en ocultar su fraude, y de la falta de controles internos suficientes para evitar ese tipo de fraudes. Los fiscales no dijeron de inmediato si apelarán las sentencias. En Parma, los bancos estaban siendo acusados de encubrir fraudes.


title: Bank of America

text: En enero de 2008, Bank of America comenzó a notificar a algunos clientes sin problemas de pago que sus tasas de interés serían más del doble, hasta el 28%. El banco fue criticado por elevar las tasas de los clientes de buena reputación, y por negarse a explicar por qué lo había hecho. En septiembre de 2009, una clienta de Bank of America publicó un video en YouTube criticando el banco por elevar las tasas de interés. Después del video fue contactada por un representante de Bank of America, que bajó la tasa. Más recientemente, el banco ha sido criticado por apoderarse supuestamente de tres propiedades que no eran suyas, al parecer debido a las direcciones incorrectas en sus documentos legales.


title: Bank of America

text: En octubre del 2009, el representante de WikiLeaks, Julian Assange, informó que su organización tenía un disco duro de 5 gigabytes del anterior ejecutivo de Bank of America, y que lo haría público. En noviembre del 2010, la revista "Forbes" publicó una entrevista con Assange que declaró su intención de publicar información de importantes bancos de EE. UU de "adentro hacia afuera". En respuesta a este anuncio, las acciones de Bank of America cayeron un 3,2%. En diciembre de 2010, Bank of America anunció que dejaría las solicitudes de servicio para transferir fondos a WikiLeaks como MasterCard, PayPal, Visa, entre otros. Esta decisión se basa en nuestra creencia razonable de que WikiLeaks puede dedicarse a actividades que son, entre otras cosas, inconsistentes con nuestras políticas internas para el proceso de pagos.A finales de diciembre se anunció que Bank of America había comprado más de 300 dominios de Internet en un intento de adelantarse a la publicidad negativa que podría ser inminente en el comunicado de WikiLeaks. Los nombres de dominio incluidos son BrianMoynihanBlows.com, BrianMoynihanSucks.com y nombres similares para otros altos ejecutivos del banco, Nick Baumann, de Mother Jones ridiculizó este esfuerzo, que dice: "Si poseyera acciones de Bank of America, esto no me da la confianza de que el banco está preparado para lo que Julian Assange tiene previsto lanzarle". Antes de agosto del 2011, WikiLeaks afirmó que el disco duro de 5 GB de Bank of America era parte de la eliminación de más de 3.500 comunicaciones de Daniel Domscheit-Berg, un voluntario ahora ex WikiLeaks.


title: Bank of America

text: El 14 de marzo de 2011, uno o más miembros del grupo Anonymous comenzaron a lanzar mensajes de correo electrónico a Bank of America por supuesta "corrupción y fraude", refiriéndose a la cuestión de las hipotecas inadecuadas. La fuente, identificaba dobre Balboa Insurance, una empresa que solía ser propiedad del banco, pero fue vendida a la empresa australiana Reinsurance Company QBE.


title: Bank of America

text: El estado de Arizona ha investigado a Bank of America por propietarios engañosos que pretendían modificar sus préstamos hipotecarios. Según el fiscal general de Arizona, el banco "en repetidas ocasiones ha engañado" tales deudores hipotecarios. En respuesta a la investigación, el banco ha dado algunas modificaciones en la condición de que los propietarios se abstienen de criticar al banco.


title: Granate (mineral)

text: Los granates son un grupo de silicatos que han sido usados desde la edad de bronce como piedra preciosa y abrasivo. Su nombre procede del latín "granatum," y hace referencia al aspecto y color de algunos de ellos, semejantes a los granos de la fruta conocida como granada ("Punica granatum"). La química de los granates es muy compleja. Se considera la existencia de series de composiciones químicas intermedias entre unos extremos que son los que se consideran especies propiamente. Un ejemplar dado recibe el nombre de la especie dominante, o, si esta no se conoce con seguridad, de la serie. Así, podemos tener grosularia, andradita o un granate de la serie grosularia-andradita.


title: Granate (mineral)

text: Las diferentes especies de granates se encuentran en gran variedad de colores, incluyendo rojo, naranja, amarillo, verde, púrpura, marrón, negro, rosado e incluso casi incoloro. Prácticamente todos los colores, excepto el azul; aunque las más apreciadas en joyería son de color granate (rojo oscuro). Las propiedades de transmisión de luz de los granates hace que algunos puedan usarse como gemas. El brillo de los granates puede ser vítreo o resinoso. Debido a que la composición química de los granates varía, los enlaces atómicos en algunas especies son más fuertes que en otras. Como resultado, este grupo de minerales presenta un rango de dureza que va desde 6,5 a 7,5 aproximadamente. Las especies más duras, como el almandino, son a menudo utilizadas como abrasivos.


title: Granate (mineral)

text: Los granates son nesosilicatos que tienen una fórmula general "X""Y"(Si O). El lugar "X" es usado usualmente por cationes divalentes como (Ca, Mg, Fe) y el "Y" por cationes trivalentes com (Al, Fe, Cr) en una estructura octaedral/tetraedral con [SiO] ocupando el tetraedro. Los granates frecuentemente se encuentran cristalizados en dodecaedros, pero también se los encuentra como trapezoedros (icositetraedro deltoidal). Cristalizan en el sistema cúbico, teniendo tres ejes de longitudes iguales y perpendiculares entre sí. Los granates no muestran exfoliación, por lo que su fractura es siempre irregular.


title: Granate (mineral)

text: Según la IMA (Sociedad Mineralógica Internacional), se consideran especies de granate a los siguientes términos extremos:


title: Granate (mineral)

text: Estos seis granates puros tienen entre ellos series de solución sólida sustituyendo gradualmente unos metales por otros, lo que produce los numerosos minerales de este grupo, que aparecen con cierta frecuencia en los yacimientos geológicos, como son:


title: Granate (mineral)

text: Los granates son minerales claves para interpretar la génesis de varias rocas ígneas y metamórficas mediante la geotermobarometría. La difusión de elementos es relativamente lenta en los granates comparado con muchos otros minerales, y los granates son también relativamente resistentes a la alteración. Entonces, los granates individuales comúnmente preservan la zonación composicional que es usada para interpretar el tiempo y la temperatura en la que crecieron. Los granos de granate que tienen falta de zonación composicional comúnmente se les interpreta una homogeneización por difusión, lo cual tiene implicaciones en el historial de tiempo y temperatura de la roca matriz.


title: Granate (mineral)

text: Los granates transparentes y de colores intensos se utilizan como piedra semipreciosa, de valor intermedio, en algunos casos reciben nombres específicos. El "demantoide" es una variedad de andradita de color verde, y es especialmente apreciado. También es utilizado como gema el granate piropo, conocido desde hace muchos siglos en Bohemia, y los ejemplares transparentes de almandino.


title: Premio Pritzker

text: El Premio Pritzker de arquitectura se entrega anualmente a un arquitecto en vida de cualquier país, que haya mostrado a través de sus proyectos y obras construidas las diferentes facetas de su talento como arquitecto, contribuyendo con ellas al enriquecimiento de la humanidad.


title: Premio Pritzker

text: Una de las cualidades que constituye el requisito principal para obtenerlo es la demostración de un alto nivel de creatividad en el diseño de sus obras que, además, deben ser funcionales e innovadoras.


title: Premio Pritzker

text: Creado en 1979 por Jay A. Pritzker, nacido en Chicago, e impulsado por su familia, se entrega anualmente a un arquitecto en vida de cualquier país, que haya mostrado a través de sus proyectos y obras construidas las diferentes facetas de su talento como arquitecto, contribuyendo con ellas al enriquecimiento de la humanidad. Una de las cualidades que constituye el requisito principal para obtenerlo es la demostración de un alto nivel de creatividad en el diseño de las obras que, además, deben ser funcionales y de buena calidad en la construcción. Desde hace unos años, la relevancia del aspecto social para obtener el premio ha sido un fuerte contrapeso en la elección de los laureados. Este es el caso de Shigeru Ban o Alejandro Aravena.


title: Premio Pritzker

text: El primer arquitecto latinoamericano en ganarlo fue Luis Barragán, de Guadalajara, México. Años más tarde, en 1988, fue galardonado el brasileño Oscar Niemeyer.


title: Premio Pritzker

text: La primera mujer que obtuvo el premio Pritzker fue Zaha Hadid, en 2004. Solo se ha distinguido con este premio a seis mujeres desde 1979: Zaha Hadid en 2004, Kazuyo Sejima (junto a Ryūe Nishizawa) en 2010, Carme Pigem (junto a Rafael Aranda y Ramón Villalta) en 2017, Yvonne Farrell y Shelley McNamara de Grafton Architects en 2020 y Anne Lacaton en 2021. En 2013 se inició una petición de firmas en internet promovida por estudiantes graduadas de la Universidad de Harvard en la que se solicita la concesión del Pritzker de manera retroactiva para Denise Scott Brown, coautora de los trabajos por los que en 1991 se premió en solitario al arquitecto Robert Venturi, su esposo, a pesar de que desde hacía 26 años firmaban conjuntamente sus obras. Igualmente en 1986 se premió a Gottfried Böhm y no a su socia y esposa Elisabeth Haggenmüller, y en 2012 a Wang Shu y no a Lu Wenyu socia de Amateur Architecture Studio.


title: Premio Pritzker

text: El premio anual es de cien mil dólares. La ceremonia de entrega no se celebra siempre en el mismo lugar, sino en diferentes ciudades del mundo.


title: Trochilidae

text: Los colibríes (Trochilidae), también conocidos como picaflores, chuparrosas, tucusitos, pájaros mosca, ermitaños o quindes, son un conjunto de aves apodiformes endémicas de América que cuenta con más de 300 especies. Son unas minúsculas aves americanas que se caracterizan por el colorido de su plumaje, su forma de volar y por los hábitos peculiares de alimentación que poseen. Emiten un zumbido con las alas, que mueven con mayor rapidez que las de cualquier otra ave, hasta el extremo de que no se distinguen cuando vuelan. Su frecuencia varía de 12 aleteos por segundo en las especies más grandes a alrededor de 80 por segundo en los colibríes pequeños. De aquellas especies que se han medido su velocidad el vuelo en túneles de viento, llega a superar los 54 km/h.


title: Trochilidae

text: Los colibríes se separaron de su grupo hermano, los vencejos y vencejos arborícolas, hace unos 42 millones de años. Se estima que el ancestro común de los colibríes existentes vivió hace 22 millones de años en América del Sur.