title: Cuatro tigres asiáticos

text: El caso de Filipinas es algo distinto, puesto que su desarrollo económico es bastante mediocre comparado con el resto de países que hemos visto. Esto se debe a la inestabilidad que sufrió desde sus inicios como república independiente y a la dictadura de Ferdinand Marcos, que solo se preocupó por la autocracia en sí mismo, en vez de alentar el desarrollo económico, además, después de la dictadura, Filipinas sigue sufriendo por la delincuencia organizada y por la corrupción política.


title: Nocaut

text: El nocaut, KO (pronunciado /káo/), noqueo o knockout (inglés: "knockout") es una de las formas de obtener el triunfo en muchos deportes de contacto pleno, como son el boxeo, el "kick boxing" o el "muay thai", así como en otros deportes de contacto físico directo entre ambos contendientes. El término significa fuera de combate, y se produce cuando un deportista queda incapacitado para levantarse de la lona del cuadrilátero o del tatami por un período específico de tiempo, ya sea por causa de la fatiga o porque los daños que ha sufrido (como un corte en la ceja, o un golpe muy fuerte en la cabeza o el hígado) le provocan la pérdida del equilibrio y posteriormente la pérdida de la consciencia.


title: Nocaut

text: Un nocaut técnico (también llamado «TKO» o «KO técnico») se declara cuando el árbitro decide que un luchador no puede continuar en el combate, pues se encuentra en condiciones inferiores a las de su oponente, aunque no haya caído a la lona. En el Reino Unido los nocauts técnicos también se producen cuando el contendiente rechaza seguir peleando o hay una irrupción del entrenador en el ring.


title: Nocaut

text: En realidad se sabe muy poco acerca de qué es exactamente lo que causa el nocaut, pero una explicación con la que muchos están de acuerdo es que se debe a un traumatismo encefalocraneal menor en el cerebro. Esto suele ocurrir cuando la cabeza se mueve muy rápidamente debido a un golpe recibido.


title: Nocaut

text: Una teoría, desmentida en la actualidad, defendía que el nocaut era producido por una compresión en las arterias del cuello, y que esto evitaba la irrigación suficiente de sangre en el cerebro.


title: Nocaut

text: Cuando un púgil está a punto de ser noqueado, se puede notar su estado de vulnerabilidad, ya que no puede mantener las manos levantadas a la altura de su cara. Si un luchador sufre una contusión y cae, pero se puede levantar, se dice que ha sufrido un "knockdown", y recibe una cuenta de protección de 8 segundos, tras la cual los jueces determinan si puede seguir peleando; en caso de que no sea así, se le declara un nocaut técnico.


title: Nocaut

text: Se sabe que repetidos golpes a la cabeza, característicos de la mayoría de los deportes de contacto, pueden llegar a causar un daño cerebral permanente, con consecuencias que van desde la parálisis parcial de alguna de las extremidades hasta, en los casos más graves, síntomas parecidos a los de las enfermedades de Alzheimer y Parkinson (demencia pugilística o «síndrome del boxeador»), y en los casos más graves accidente cerebrovascular o parálisis, pasando también por el trauma ocular. De ahí que algunos médicos sugieran usar protecciones adecuadas para la cabeza, o evitar deportes que puedan causar un eventual nocaut en uno de los contendientes.


title: Nocaut

text: En el boxeo, un nocaut ocurre cuando un púgil es derribado en la lona y no se puede levantar en 10 segundos. Cabe destacar que cuando un luchador sufre un nocaut, se le prohíbe pelear por un tiempo de un mes, para evitar daños graves en su salud.


title: Nocaut

text: En las artes marciales mixtas, las definiciones de un nocaut varían dependiendo de cada organización. Por ejemplo, en el PRIDE FC de Japón, no se reconoce el nocaut como un modo oficial de victoria, y solo declara los nocauts técnicos cuando considera que un contrincante es incapaz de continuar en el combate. En el "vale tudo", un nocaut es declarado cuando un competidor pierde la conciencia totalmente. Los nocauts suelen ser raros en deportes como el "taekwondo", debido a las protecciones que ambos contendientes portan.


title: Nocaut

text: En la lucha libre profesional, el nocaut puede variar dependiendo el tipo de lucha , en luchas Mano a Mano el nocaut puede aplicarse de dos maneras distintas, por ejemplo, tras quedar inconsciente por una llave de rendición. Para determinar el nocaut el árbitro levanta el brazo del luchador y lo deja caer. Si deja caer el brazo tres veces y el luchador no logra impedir que su brazo toque la lona, es considerado en nocaut.


title: Nocaut

text: Además en luchas tipo «Último hombre en pie» un luchador es declarado vencedor al dejar a su oponente en estado de nocaut, para esto el luchador debe lograr, ya sea con golpes y llaves, que su oponente sea incapaz de levantarse del piso o la lona antes de que el árbitro cuente hasta diez.


title: Nocaut

text: También puede ocurrir que en luchas «Último hombre en pie» o en luchas Mano a Mano ambos luchadores terminen noqueándose (por ejemplo con un doble ), en este caso el árbitro cuenta hasta 10. Si ningún luchador logra ponerse de pie, la lucha es declarada empate. Si un luchador logra ponerse de pie, y al llegar a 10 su oponente no puede pararse, es declarado vencedor.


title: Nocaut

text: En el "full contact", el nocaut se produce cuando un luchador fracasa al intentar levantarse de la lona. Cuando un contendiente cae a la lona, recibe una cuenta de protección de 8 segundos; el árbitro pide al combatiente que levante las manos a la altura de la cara; si el contendiente no puede mantenerlas, se declara un nocaut técnico. En ciertas variedades del "full contact" como lo son el "semi contact" o el "light contact", el objetivo final no es derrotar a base de puñetazos y patadas al oponente, sino lograr una puntuación mayor, marcando únicamente los golpes sin aplicarlos con impulso pleno, y en algunos casos el nocaut se encuentra penalizado.


title: Nocaut

text: Por una parte, en la Federación Internacional de Taekwondo, el nocaut se encuentra penalizado; según la situación puede ser determinado como un contacto fortuito y acarrear la descalificación del deportista que noqueó a su contrincante. En la Federación Mundial de Taekwondo, el "knockdown" se produce cuando un deportista toca el tatami con cualquier parte del cuerpo que no sea la planta de los pies debido a la fuerza de una técnica que realizó su oponente. Si esta situación se prolonga por 10 segundos, el contrincante es declarado vencedor.


title: Nocaut

text: BMMA, Deep, IFC, King of the Cage, M-1 Global, Pancrase, Pride Fighting Championships[inactivo], Strikeforce [inactivo], Ultimate Fighter, UFC


title: Nocaut

text: En algunas peleas de "full contact" y boxeo, algunos contendientes han muerto tras recibir un nocaut, a veces de forma instantánea. En otras ocasiones los competidores pueden sufrir un desmayo, entrando posteriormente en un estado de coma, que acabaría en la muerte. La mayoría de las veces esto es debido a una inflamación cerebral, que se produce al noquear a un luchador; el cerebro se inflama y empieza a presionar contra el cráneo, causando la muerte.


title: Nocaut

text: Siempre ha existido una gran polémica en estos casos, culpándose en ocasiones al árbitro o réferi. Quienes defienden esta acusación, argumentan que el réferi tiene la obligación de parar el combate en cuanto vea que un contendiente se encuentra en clara desventaja respecto a su oponente; pero dado que no existe un criterio definido para esto, no se puede saber con certeza cuándo ha ocurrido una negligencia del réferi. Existen, sin embargo, estadísticas que defienden que los deportes de contacto pleno no llegan a ser tan peligrosos como se les acusa, y que se encuentran en el noveno lugar en el ranking de deportes con más riesgo, detrás de actividades como el automovilismo, considerado el más peligroso.


title: Nocaut

text: Los daños producidos por el nocaut pueden llegar a ser graves, por lo que se levantó una fuerte polémica acerca de si se debería prohibir o no el boxeo infantil, ya que podría producir daños cerebrales y oculares muy severos en los niños, debido a que se encuentran en pleno desarrollo físico y mental. El detonante fue la realización de un torneo de boxeo infantil en Australia.


title: Alex Albon

text: Alexander Albon Ansusinha (en tailandés, อเล็กซานเดอร์ อัลบอน อังศุสิงห์; Londres, Inglaterra, 23 de marzo de 1996), más conocido como Alex Albon, es un piloto de automovilismo tailandés nacido en el Reino Unido. Fue subcampeón de la GP3 Series en y tercero en el Campeonato de Fórmula 2 de la FIA en . Debutó en Fórmula 1 en con Toro Rosso y en mitad de temporada pasó a Red Bull Racing, donde compitió a tiempo completo en . En 2021 participó en el DTM con AF Corse.


title: Alex Albon

text: Su carrera deportiva comenzó a los 8 años, en karts. Desde entonces y hasta 2011, fue protagonista en diferentes campeonatos nacionales e internacionales, logrando, entre otras cosas, una segunda posición en el Campeonato Mundial KF1 de CIK-FIA.


title: Alex Albon

text: En 2012 ingresó al Red Bull Junior Team, e ingresó a los campeonatos Eurocopa y Alpes de Fórmula Renault con la escudería EPIC. En el primero no sumó puntos y en el segundo terminó 17°. Dejó la academia de Red Bull a fin de esa temporada, y continuó en Fórmula Renault con KTR por dos temporadas más. Finalizó tercero en la edición 2013 de la Eurocopa, escolta de Nyck de Vries y Dennis Olsen.


title: Alex Albon

text: En 2015 pasó al Campeonato de Fórmula 3 de la FIA con Signature, con Dorian Boccolacci. Subió al podio en cinco oportunidades y clasificó 7° en el campeonato. Ese año también participó con el mismo equipo en el Gran Premio de Macao, terminando dentro de los mejores 15.


title: Alex Albon

text: Fue subcampeón de la temporada 2016 de GP3 Series, detrás del monegasco Charles Leclerc, su compañero en ART. En total, logró cuatro victorias en siete podios y 177 puntos.


title: Alex Albon

text: Debutó en Fórmula 2 en 2017, continuando en el equipo ART. Fue compañero de Nobuharu Matsushita, entonces asociado con McLaren. Logró puntos las primeras seis carreras, pero no disputó las dos siguientes por problemas de salud. Volvió en Red Bull Ring con un podio en la carrera dos. Puntuó nuevamente en Hungría e Italia, y en Abu Dabi marcó la vuelta rápida de la carrera larga y escoltó a Leclerc en el podio de la corta.


title: Alex Albon

text: Pasó a DAMS para la temporada siguiente. Ganó en Azerbaiyán desde la "pole", y repitió victoria en Inglaterra, Hungría y Rusia, además de otros cuatro podios. Llegó a la última fecha como el único con opciones de quitarle el título a George Russell, pero solo sumó un punto en las dos carreras, y perdió el segundo puesto por parte de Lando Norris.


title: Alex Albon

text: En septiembre de 2018, se anunció que el tailandés correría con Nissan e.dams en el campeonato de Fórmula E, pero pronto aparecieron rumores de que sería piloto de F1 con Toro Rosso. El contrato finalmente fue cancelado el 26 de noviembre.


title: Alex Albon

text: Inmediatamente el anuncio de la ruptura de su contrato con Nissan, Scuderia Toro Rosso de Fórmula 1 oficializó la participación de Albon en la temporada 2019, como compañero de Daniil Kvyat. Es el segundo piloto de Tailandia en competir en la categoría, luego del Príncipe Bira, quien corrió en los 50. Con un noveno puesto en Bareín, su segundo Gran Premio, alcanzó sus primeros puntos en este campeonato. En la siguiente carrera, en China, Albon largó desde boxes tras sufrir un accidente en entrenamientos, pero logró remontar 10 posiciones e ingresar nuevamente en zona de puntos en la décima posición. Tras esa remontada se llevó el premio al piloto del día por parte de los aficionados . Volvió a sumar para el campeonato con un octavo puesto en las calles de y, más adelante, en (sexto) y (décimo).


title: Alex Albon

text: A mediados de agosto de 2019, Red Bull Racing confirmó su fichaje. Fue ascendido para ocupar lugar de Pierre Gasly, mientras que este ocupó su lugar en Toro Rosso. Como mejor resultado obtuvo el 4.º puesto en el . En el rodaba en posiciones de podio cuando Lewis Hamilton le embistió, dejándolo fuera de los puntos. El británico fue sancionado. Durante la celebración de este misma carrera fue anunciado como piloto de Red Bull Racing para 2020.


title: Alex Albon

text: Habiendo competido en nueve de las 21 carreras con Red Bull, quedó un puesto por detrás de Gasly con tres puntos de diferencia.


title: Alex Albon

text: En 2020 compitió junto a Max Verstappen en Red Bull. Tras varios resultados que no dieron el ancho para la escudería austriaca, el 18 de diciembre se anunció que el piloto mexicano Sergio Pérez ocuparía su lugar en , pasando Albon a ser piloto reserva del equipo.


title: Alex Albon

text: Luego de estar un año en el DTM, Alexander firmó contrato con Williams Racing para disputar la temporada y regresar a la F1.


title: Alex Albon

text: Tras quedarse sin asiento en la Fórmula 1, Albon corrió en el DTM en 2021 con apoyo de Red Bull Racing. Subió al podio en su carrera debut y en la quinta carrera, con un tercer lugar en ambas. En Nürburgring, logró su primer triunfo en la competición en la carrera 2 de la ronda. Logró su cuarto y último podio en la primera carrera en Hockenheimring, y fue sustituido por Nick Cassidy en la última ronda. Se ubicó en la sexta posición en el Campeonato de Pilotos con un total de 130 puntos.


title: Alex Albon

text: Alexander nació en Londres, Inglaterra, pero utiliza la nacionalidad tailandesa en el deporte por parte materna. Su padre, Nigel Albon, también fue piloto de motor. Su madre, Kankamol Albon Ansusinha, es de nacionalidad tailandesa. En octubre de 2012, fue condenada a seis años de prisión debido a una estafa de 10 millones de libras tras una investigación por defraudación y estafa que comenzó en el año 2008.


title: Alex Albon

text: Albon cita al expiloto Michael Schumacher y al piloto de motociclismo Valentino Rossi como sus principales influencias. Actualmente reside en Mónaco y en Milton Keynes.


title: Amoxicilina/ácido clavulánico

text: Amoxicilina/ácido clavulánico, también conocido como co-amoxiclav o referido como "amoxiclavulánico", es un antibiótico útil para el tratamiento de varias enfermedades. Es una combinación que consiste en amoxicilina, un antibiótico β-lactámico, y clavulanato de potasio, un inhibidor de β-lactamasa. Se utiliza específicamente para la otitis media, la faringitis estreptocócica, la neumonía, la celulitis, las infecciones del tracto urinario, las mordeduras de animales y la tuberculosis. Se administra por vía oral o por vía intravenosa.


title: Amoxicilina/ácido clavulánico

text: Los efectos secundarios comunes incluyen diarrea, vómitos y reacciones alérgicas. También aumenta el riesgo de infecciones por levaduras, dolores de cabeza y problemas de coagulación sanguínea. No se recomienda en personas con antecedentes de alergia a la penicilina. Es relativamente seguro para ser usado durante el embarazo.


title: Amoxicilina/ácido clavulánico

text: Amoxicilina/ácido clavulánico fue aprobada para uso médico en los Estados Unidos en 1984. Está en la , los medicamentos más efectivos y seguros que se necesitan en un sistema de salud. Está disponible como un medicamento genérico. El costo mayorista en el mundo en desarrollo es de aproximadamente US$0,18 a 1,14 por día. En los Estados Unidos, un ciclo de tratamiento cuesta entre US$50 y 100.


title: Amoxicilina/ácido clavulánico

text: Amoxicilina/ácido clavulánico se usa ampliamente para tratar o prevenir muchas infecciones causadas por bacterias susceptibles, como:


title: Amoxicilina/ácido clavulánico

text: Esta combinación da como resultado un antibiótico con un mayor espectro de acción y una eficacia restaurada contra las bacterias resistentes a la amoxicilina que producen β-lactamasas.


title: Amoxicilina/ácido clavulánico

text: Los posibles efectos secundarios incluyen diarrea, vómitos, náuseas, candidiasis bucal y erupción cutánea. Estos no suelen requerir atención médica. Al igual que con todos los agentes antimicrobianos, la diarrea asociada con antibióticos debida a la infección por "Clostridium difficile", que a veces conduce a colitis seudomembranosa, puede ocurrir durante o después del tratamiento con amoxicilina/ácido clavulánico.


title: Amoxicilina/ácido clavulánico

text: En raras ocasiones, la ictericia colestásica (también conocida como hepatitis colestásica, una forma de toxicidad hepática) se ha asociado con amoxicilina/ácido clavulánico. La reacción puede ocurrir hasta varias semanas después de que el tratamiento se haya detenido, y por lo general tarda semanas en resolverse. Es más frecuente en hombres, personas mayores y aquellos que han realizado tratamientos prolongados; La incidencia global estimada es de una en 100.000 exposiciones. En el Reino Unido, el co-amoxiclav lleva una advertencia del Comité de Seguridad de Medicamentos para este efecto.


title: Amoxicilina/ácido clavulánico

text: Como todas las aminopenicilinas, la amoxicilina se ha asociado con el síndrome de Stevens-Johnson/necrólisis epidérmica tóxica, aunque estas reacciones son muy raras.


title: Amoxicilina/ácido clavulánico

text: Los científicos británicos que trabajan en Beecham (ahora parte de GlaxoSmithKline), solicitaron la protección de la patente en EE. UU. para la combinación de medicamentos en 1979. Lo comercializaron bajo el nombre comercial de Augmentin. Se concedió una patente en 1985.


title: Amoxicilina/ácido clavulánico

text: Amoxicilina/ácido clavulánico es el nombre de la Denominación Común Internacional (DCI) y co-amoxiclav es el nombre aprobado británico (BAN).


title: Amoxicilina/ácido clavulánico

text: Muchos productos de marca indican sus potencias como la cantidad de amoxicilina. Augmentin 250, por ejemplo, contiene 250 mg de amoxicilina y 125 mg de ácido clavulánico.


title: Amoxicilina/ácido clavulánico

text: Una preparación intravenosa ha estado disponible en el Reino Unido desde 1985, pero ninguna preparación parenteral está disponible en los EE. UU.; el equivalente más cercano es ampicilina/sulbactam.


title: Amoxicilina/ácido clavulánico

text: Las suspensiones de amoxicilina/ácido clavulánico están disponibles para su uso en niños. Deben ser refrigeradas para mantener su efectividad.


title: Amoxicilina/ácido clavulánico

text: En combinación con prednisolona, se usa para infusión intramamaria para el tratamiento de mastitis en vacas en lactancia. Los nombres comerciales incluyen Clavaseptin, Clavamox y Synulox.


title: Amoxicilina/ácido clavulánico

text: Se prohíbe el uso de amoxicilina/ácido clavulánico en animales domésticos (ganado bovino, porcino, etc.) tanto en los EE. UU. como en Europa; En el Reino Unido, Synulox se puede utilizar en animales domésticos, siempre y cuando se haga con un período de retiro específico.


title: Amoxicilina/ácido clavulánico

text: La resistencia a los antibióticos bacterianos es un problema creciente en la medicina veterinaria. Se ha informado que la amoxicilina/ácido clavulánico es eficaz contra las infecciones clínicas por "Klebsiella", pero no es eficaz contra las infecciones por "Pseudomonas".


title: Historia de la estética

text: La historia de la estética es una disciplina de las ciencias sociales que estudia la evolución de las ideas estéticas a lo largo del tiempo. La estética es la rama de la filosofía que se encarga de estudiar la manera en que el ser humano interpreta los estímulos sensoriales que recibe del mundo circundante, dando lugar al conocimiento sensible, adquirido a través de los sentidos. Entre los diversos objetos de estudio de la estética figuran la belleza o los juicios de gusto, así como las distintas maneras de interpretarlos por parte del ser humano. Por tanto, la estética está íntimamente ligada al arte y al estudio de la historia del arte, analizando los diversos estilos y periodos artísticos conforme a los diversos componentes estéticos que en ellos se encuentran. A menudo se suele denominar la estética como una «filosofía del arte».


title: Historia de la estética

text: El término "estética" proviene del griego αἴσθησις ("aísthêsis"), «sensación». Fue introducido por el filósofo alemán Alexander Gottlieb Baumgarten en su obra "Reflexiones filosóficas acerca de la poesía" (1735), y más tarde en su "Aesthetica" (1750). Así pues, la historia de la estética, rigurosamente hablando, comenzaría con Baumgarten en el siglo XVIII, sobre todo con la sistematización de esta disciplina realizada por Immanuel Kant. Sin embargo, el concepto es aplicable a los estudios sobre el tema efectuados por los filósofos anteriores, especialmente desde la Grecia clásica. Cabe señalar, por ejemplo, que los antiguos griegos tenían un vocablo equiparable al actual concepto de estética, que era φιλοκαλία (filocalía), «amor a la belleza». Se podría decir que en Grecia nació la estética como concepto, mientras que con Baumgarten se convirtió en una rama de la filosofía.


title: Historia de la estética

text: La estética es una reflexión filosófica que se hace sobre objetos artísticos y naturales, y que produce un «juicio estético». La percepción sensorial, una vez analizada por la inteligencia humana, produce ideas, que son abstracciones de la mente, y que pueden ser objetivas o subjetivas. Estas ideas provocan juicios, al relacionar elementos sensoriales; a su vez, la relación de juicios es razonamiento. El objetivo de la estética es analizar los razonamientos producidos por dichas relaciones de juicios. Por otro lado, las ideas evolucionan con el tiempo, adaptándose a las corrientes culturales de cada época. En consecuencia, dicha evolución es también el objeto de estudio de la historia de la estética.


title: Historia de la estética

text: Para los griegos preclásicos –como se puede percibir en la obra de Homero–, la belleza era tanto la natural como la de un objeto hecho por el hombre, si bien no tenía una definición clara y se asociaba generalmente con otras cualidades: lo bello (τò καλόν) es lo que gusta, lo que resulta grato a la mirada del espectador. El pensamiento preclásico era mitológico, interpretaban el mundo a través de mitos y fábulas. El μύθος ("mýthos") permitió la aparición de otro tipo de pensamiento, el λόγος ("lógos"), más lógico y reflexivo, que interpretó el mundo mediante conceptos físicos, dando lugar a la filosofía. Hesíodo representa el paso entre este pensamiento mítico y el lógico, explicando el origen de los conceptos mitológicos de manera racional. Por otro lado, el primero en plantearse el mundo de forma racional fue Tales de Mileto, que comenzó a fijarse en la naturaleza, deduciendo sus leyes. Posteriormente, Pitágoras interpretó la naturaleza en función de relaciones matemáticas: en su estudio de la música se dio cuenta de que esta depende de proporciones matemáticas, según la longitud de las cuerdas tensadas en los instrumentos musicales. Partiendo de aquí creó una teoría terapéutica de la música, la cual opinaba que es capaz de restaurar la armonía del alma del ser humano.


title: Historia de la estética

text: Durante la era de Pericles, en el llamado periodo clásico griego, el arte gozó de un gran esplendor, generando un estilo naturalista de interpretar la realidad: los artistas griegos se inspiraban en la naturaleza obedeciendo unas proporciones y unas reglas (κανών, canon) que permitiesen la captación de esta realidad por parte del espectador, recurriendo si era necesario al escorzo. Se perseguía un concepto de belleza basado en la realidad natural pero idealizado con la incorporación de una visión subjetiva que reflejaba la armonía de cuerpo y alma, equiparando belleza con bondad (καλοκαγαθία, "kalokagathía").


title: Historia de la estética

text: Uno de los primeros filósofos en ocuparse de temas relacionados con la estética –sobre todo el arte y la poesía– fue Demócrito, quien bajo una actitud empírica estudió el arte de forma más descriptiva que conceptual, considerándolo reflejo de la obra natural del hombre, basado en la naturaleza y con un objetivo tendiente al placer. Más tarde, los sofistas –como Protágoras y Gorgias– consideraron la belleza como «lo que produce placer por medio del oído y de la vista», relativizando el concepto de belleza como algo diferente para cada individuo. Sócrates opinó que el arte es la idealización de la naturaleza, y que cuando representa al ser humano no lo hace tan solo en cuerpo sino también en el alma, estableciendo por primera vez el concepto de belleza espiritual, contrariamente al de belleza física que había defendido hasta entonces la filosofía griega.


title: Historia de la estética

text: Platón fue el primero que trató sobre conceptos estéticos como centro de muchas de sus reflexiones, sobre todo en temas relativos al arte y la belleza. En el "Protágoras" habló del arte como la capacidad de hacer cosas por medio de la inteligencia, a través de un aprendizaje. Para Platón, el arte (τέχνη, "téchnê") tiene un sentido general, es la capacidad creadora del ser humano. Entendía el arte como «destreza» o «habilidad», tanto en el terreno material como en el intelectual. En el "Sofista" distinguió entre habilidades «adquisitivas» y «productivas», dividiendo a su vez estas últimas en productivas de objetos o de imágenes (εἴδωλα, "eídôla"). Introdujo el concepto de mímesis (μίμησις), ya que para él las imágenes son imitaciones de objetos reales, aunque sin desempeñar la misma función que sus originales. Estas imitaciones pueden ser «genuinas» (εἰκών, "eikón"), si guardan las mismas propiedades que su modelo; o «aparentes» (ϕάνταὓμα, "phántasma"), si solo se parecen al original. Sin embargo, Platón mismo consideraba esta diferencia difícil de dilucidar, ya que toda imitación debe por fuerza diferir de su original en alguna cosa, ya que si fuese idéntica nos encontraríamos con un objeto igual al representado. Para Platón, todas las creaciones artísticas son «conjeturas» (εἰκασία, "eikasía"), ya que su carácter imitativo las aleja de la realidad de las formas, y les confiere incluso un sentido peyorativo, ya que son «apariencias engañosas», ya que los artistas no representan las cosas como son, sino como parecen. Así, califica a los artistas de «pseudoartífices», ya que su habilidad no es auténtica.


title: Historia de la estética

text: La belleza la trató en diversos diálogos: en "Hipias mayor" habló de la belleza de los cuerpos; en "Fedro", de la belleza de las almas; y en "El banquete", de la belleza en general.


title: Historia de la estética

text: Se percibe pues una clara evolución: de la búsqueda de una noción general de belleza del "Hipias", utilizando el sistema socrático de comparación, dedujo en el "Fedro" que la belleza está más allá de la realidad que nos envuelve; por último, en "El banquete", identificó la búsqueda de la belleza con la propia vida humana, siendo el amor la forma de acceso. Platón fue el origen de dos de las teorías sobre la belleza más defendidas a lo largo del devenir histórico: la belleza como «armonía y proporción» y la belleza como «esplendor». Postuló que la belleza es independiente de su soporte físico, así como que no depende de la visión, que a menudo nos engaña: la visión sensible es superada por la visión intelectual, que es la que proviene de la filosofía. El concepto de belleza de Platón era muy amplio, abarcando tanto la belleza física como espiritual, la moral y cognoscitiva, la belleza de los cuerpos, de los objetos artísticos, tanto como la de colores, sonidos, leyes, actitudes morales, etc. Igualmente, relacionaba belleza con bondad, que para él eran sinónimos: el subtítulo de "El banquete", que trata ampliamente la belleza, es "Sobre el bien".


title: Historia de la estética

text: Así como Platón era un metafísico, Aristóteles se centró más en el terreno de la física, aplicando la lógica al estudio de la naturaleza y del ser humano. Para él, la naturaleza tiene un «germen» que da pie a la forma y el movimiento, que son las bases de la naturaleza. En el arte (cultura) el germen es el artista (el hombre); así, distinguía «naturaleza», de origen orgánico, de «cultura», de origen psicológico. Creó un «sistema causal», buscando una causa material en el origen de todo acontecimiento; después de la material viene una causa eficiente o motriz y, por último, una causa formal. Aristóteles distinguía tres clases de pensamiento: conocimiento (θεωρία, "theôría"), acción (πρᾱξις, "prâxis") y realización (ποίησις, "poíêsis").


title: Historia de la estética

text: La teoría estética de Aristóteles, plasmada sobre todo en su "Poética", provenía en buena parte de la obra de Platón, sobre todo en el concepto de «mímesis». Para Aristóteles, la belleza consistía en magnitud (μέγεθος, "mégethos") y orden (πάξις, "páxis"), cuestiones puramente físicas, y se encuentra en las proporciones perfectas, en la justa medida, en la simetría (συμμετρία). En su estudio de la tragedia –lamentablemente, la parte de la comedia se ha perdido–, definió ésta con base en la mímesis (μίμησις), como imitación de una acción honrada y acabada, que implica cierta magnitud, hecha en un lenguaje refinado, realizada por personajes que actúan y que opera una purificación de las emociones o catarsis (κάθαρσις, «purificación»).


title: Historia de la estética

text: La función del arte imitativo es la de acabar y perfeccionar los productos de la naturaleza. Para Aristóteles, el arte humaniza la naturaleza, magnificando la realidad. Así pues, la tragedia es un proceso estético: de la "mímesis", la imitación de la realidad, a la "poíêsis", la producción creativa. Es una operación moralizadora, de humanización de la realidad. La tragedia separa la realidad de la ficción, pero también reconduce la ficción a la realidad, por medio de la "catarsis"; el primer camino es estético, mientras que el segundo es ético. Para Aristóteles, la poesía trágica responde a leyes psicológicas, que denomina conducta «universal», ya que responde a criterios racionales de comportamiento del individuo, concepto que sentó las bases de la teoría artística –sobre todo literaria– hasta la edad moderna.


title: Historia de la estética

text: El concepto de belleza de Aristóteles se desarrolló más ampliamente en la "Retórica": es bello lo que, por un lado, nos agrada y, por otro, lo que es valioso por sí mismo. Es decir, la belleza ha de proporcionar placer, y ha de tener un valor intrínseco independientemente de su finalidad. Para Aristóteles, la belleza es buena, aunque no todo lo bueno es bello; por otro lado, la belleza es agradable, aunque no todo placer es bello. A su vez, la belleza ha de ser buena y agradable a un mismo tiempo.


title: Historia de la estética

text: El período helenístico supuso una cierta decadencia cultural. La filosofía dejó de estudiar el mundo para centrarse en el ser humano, pasando de una filosofía metafísica a una de contenido netamente moral. A menudo la filosofía se encaminó en esta época a elaborar formas de vida, actitudes existenciales generalmente ligadas a movimientos religiosos, creando corrientes sincréticas en que se sintetizaba la religión con la vida humana. En el arte, se introdujo un sentido de vida, de movimiento, un sentimentalismo trágico y exacerbado (πάθος, "páthos"), que produjo obras recargadas, dinámicas, que a través de la exageración de las formas dejaban traslucir fuertes emociones. Surgió asimismo el concepto de «gracia», de delicadeza de las formas.


title: Historia de la estética

text: La estética romana era heredera de la griega, si bien no fue muy desarrollada por los autores romanos, al menos hasta la llegada del cristianismo. Las principales aportaciones vinieron del terreno de la literatura: Horacio trató en su poesía temas como el elogio de la vida tranquila ("beatus ille") y la invitación a gozar de la vida ("carpe diem"). En "Arte Poética" señaló las reglas de la poesía, que está sometida a un control racional. Lucrecio fue autor del poema "De la naturaleza de las cosas" ("De rerum natura"), donde reflejó su visión atea del mundo, influido por el epicureísmo y el atomismo de Demócrito. Opinaba que la naturaleza está compuesta de átomos y de vacío, y que el alma es material y no sobrevive al cuerpo. Intentó liberar al hombre del miedo a la muerte y a los dioses, que según él causan la infelicidad humana. Plutarco aportó una concepción intelectualista del placer estético, opinando que el arte es conocimiento. En su obra "Vidas paralelas", serie de biografías comparadas de personajes griegos y romanos, introdujo la descripción psicológica del individuo, analizando sus virtudes y defectos, así como la influencia del carácter sobre la vida del hombre.


title: Historia de la estética

text: Cicerón recibió la influencia estoica, desarrollando una filosofía cercana al eclecticismo. Definió la belleza basándose en conceptos postulados anteriormente, como orden ("ordo") y proporción ("convenientia partium"), pero introdujo la noción de «aspecto» ("aspectus"), concepto que hace que la belleza conmueva, atraiga. Así, distinguía la apariencia, la belleza sensorial ("pulchrum"), puramente estética, de la belleza espiritual ("decorum"), presente en los caracteres, las costumbres y las acciones, de índole moral. Además, basándose en Platón, estableció otros dos tipos de belleza: «dignidad» ("dignitas") y «gracia» ("venustas"), otorgando a la primera un carácter masculino y a la segunda uno femenino. Para Cicerón, el arte es imitación de la realidad, si bien no llega a captar su esencia: «la verdad vence a la imitación» ("vincit imitationem veritas"). Por otra parte, consideraba que la captación del arte proviene tanto del artista como del espectador, poseyendo el hombre un sentido especial ("sensus") de la belleza y el arte. Cicerón fue el primero en estudiar el arte desde aspectos sociológicos y evolutivos.


title: Historia de la estética

text: Vitruvio escribió el tratado sobre arquitectura más antiguo que se conserva, "De Architectura". Su descripción de las formas arquitectónicas de la antigüedad greco-latina influyó poderosamente en el Renacimiento, siendo a la vez una importante fuente documental por las informaciones que aporta sobre la pintura y la escultura griegas y romanas. El famoso dibujo de Leonardo da Vinci sobre las proporciones del hombre –el "Hombre de Vitruvio"– está basado en las indicaciones dadas en esta obra. Según Vitruvio, el artista debe poseer tres cualidades esenciales: capacidades innatas ("natura"), conocimiento ("doctrina") y experiencia ("usus"). Asimismo, la obra artística debe tener solidez ("firmitas"), utilidad ("utilitas") y belleza ("venustas"). Vitruvio entendía la belleza como un concepto amplio que abarca tanto el goce visual proveniente de la proporción y el color, como el que proporciona la finalidad, la conveniencia y la utilidad. La belleza puede ser verdadera y objetiva, teniendo su origen en las leyes de la naturaleza, que el hombre interpreta en la creación artística.


title: Historia de la estética

text: Cabe señalar que Galeno introdujo en el una clasificación de las artes que llegó hasta la era moderna, divididas en «artes liberales» y «artes vulgares», según si tenían un origen intelectual o manual. Entre las liberales se encontraban: la gramática, la retórica y la dialéctica –que formaban el "trivium"–, y la aritmética, la geometría, la astronomía y la música –que formaban el "quadrivium"–; las vulgares incluían la arquitectura, la escultura y la pintura, pero también otras actividades que hoy consideramos artesanía.


title: Historia de la estética

text: Con Pseudo-Longino –en su obra "Sobre lo sublime"– apareció una nueva categoría estética, lo sublime (ὕψος, "ýpsos"), que tuvo un gran desarrollo durante el romanticismo. Para Longino, una obra de arte bella persuade, convence, se dirige a la razón, aunque podemos discrepar; en cambio, una obra sublime tiene grandeza, no depende de la forma, prescinde de opiniones, se dirige más al interior, a una actitud psicológica. Así, es igual de buena para todo el mundo, no depende de las variaciones temporales del gusto. Lo sublime se relaciona con la belleza porque sobrepasa sus límites: la belleza es contención (magnitud y orden aristotélicos), lo sublime es incontinente; la belleza guarda las formas, lo sublime las pierde; lo bello convence y agrada, lo sublime involucra y sorprende; la belleza está en los objetos a la vista, en lo sublime el objeto desaparece. Lo sublime corresponde según Longino al último estadio del amor platónico, en que no se ve la belleza, sino que se sumerge en ella, está en un «océano de belleza».


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text: La estética medieval era principalmente teológica: la belleza está al servicio de la revelación, sirve para expresar las verdades cristianas. El arte medieval se vio influido por la inmaterialidad de Plotino: para los autores medievales la belleza está en la expresión, no en las formas, es una estética subjetiva. Las figuras artísticas pierden corporeidad, se pierde interés por la realidad, las proporciones, la perspectiva. En cambio, se acentúa la expresión, sobre todo en la mirada; los personajes se simbolizan más que se representan. El arte tenía en esta época una función social, práctica, didáctica. El artista –o más bien artesano– no era creativo, realizando una labor que traducía conceptos colectivos y no individuales. Era un arte simbólico, donde todos sus componentes (espacio, color, iconografía) tenían un significado, generalmente religioso. Fue en esta época cuando se relacionó por primera vez el arte con la belleza, sintetizado en la expresión "ars pulchra" («arte bello») presente en la obra goliárdica "Carmina Cantabrigensia" (siglo XII). Por otro lado, en un intento de alegorización de la realidad inspirado en la tradición mítica griega y en la interpretación rabínica judía, los Padres y teólogos cristianos –desde Orígenes hasta Ambrosio de Milán, Juan Casiano y Juan Escoto Erígena– desarrollaron un concepto simbólico de la naturaleza, que tendría gran relevancia en el desarrollo posterior de la estética de acuerdo con la interpretación semiótica de la realidad.


title: Historia de la estética

text: En la Biblia, pese a su carácter eminentemente religioso, hay algunas reflexiones sobre estética: en el "Génesis" se dice que «vio Dios todo lo que había hecho [el mundo] y he aquí que era bueno en gran manera» (Gé, 1:31). Este «bueno» tenía en hebreo un sentido más ético, pero en su traducción al griego se empleó el término καλός ("kalós", «bello»), en el sentido de la "kalokagathía", que identificaba bondad y belleza; aunque posteriormente en la "Vulgata" latina se hizo una traducción más literal ("bonum" en vez de "pulchrum"), quedó fijada en la mentalidad cristiana la idea de la belleza intrínseca del mundo como obra del Creador. En el "Libro de la Sabiduría" se expone la belleza de la creación como prueba de la existencia de Dios, al tiempo que se identifica la belleza de la naturaleza y el arte con «cualidades divinas». También se relata que Dios creó el mundo «según medida, número y peso» ("omnia in mensura et numero et pondere"), dando origen a una teoría matemática de la belleza que tendría gran relevancia durante toda la Edad Media. Algunas otras referencias a conceptos estéticos aparecen en el "Eclesiastés" y el "Cantar de los Cantares", trasluciendo una concepción más puramente semítica que relativiza la belleza y la subordina a postulados morales; así, en los "Proverbios" de Salomón se dice que «falsos son los encantos y vana la belleza» ("fallax gratia et vana est pulchritudo", Pr 31:30). Así pues, tanto la belleza como vanidad o entendida como expresión de la creación de Dios estarán presentes en toda la teología cristiana.


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text: El primer cristianismo se nutrió de la filosofía neoplatónica (Plotino, Porfirio, Jámblico, Proclo), donde el mundo de las ideas de Platón o el Uno de Plotino se identificaban con Dios. La filosofía –o, más propiamente, teología– cristiana era pues sintética, asimilando toda la tradición grecorromana: en el terreno estético, adoptaron la belleza espiritual de Platón, la belleza moral estoica, la concepción artística aristotélica, la retórica ciceroniana, la poesía horaciana y la arquitectura vitruviana. Se puede apreciar en la obra de autores como Orígenes, Lactancio, Tertuliano y Pseudo-Dionisio: para Orígenes, el arte venía de Dios, que es el «supremo artista»: Dios es la belleza suprema, por lo que la búsqueda de Dios es un camino estético. Tertuliano afirmó que la naturaleza es creación de Dios, y la cultura del diablo, por lo que el arte es una expresión del mal. Lactancio intentó demostrar que lo feo es en realidad bello, en función de su utilidad.


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text: Para el Pseudo-Dionisio la belleza estaba en los «atributos metafísicos de la trascendencia», es decir, está fuera del objeto. La obra de Dionisio es la cristalización del pensamiento de Platón adaptado a la época: la luz es el bien –siguiendo el modelo hipostático de Plotino–, es la medida del ser y del tiempo. La invisibilidad de Dios se hace sensible para las cosas terrestres a través de la luz, siendo la luz inteligible –el bien– el principio trascendente de la unidad. Así, la belleza es la participación con la unidad. La belleza esencial de Dionisio es la de Platón ("El Banquete"), la belleza absoluta que depende de la razón. Asimila la belleza con Dios, por lo que en el mundo solo hay una belleza aparente, la belleza de las cosas es reflejo de la belleza divina. Tomó de Plotino el concepto de una belleza que es propiedad de lo absoluto, fundiendo belleza y bondad en una belleza «supraexistencial» (̉οπερούσιον καλός). Asimismo, tomó el concepto plotiniano de emanación para afirmar que la belleza terrestre emana de la divina. En cuanto al arte, para Dionisio su único objetivo es acercarse a la belleza perfecta. La estética dionisiana ejerció una enorme influencia en el concepto cristiano de belleza, así como en la representación artística.


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text: San Basilio asumió el concepto dualista griego de la belleza: por una parte, ésta es la proporción del conjunto; por otro, siguiendo a Plotino, es la propiedad de las cosas simples, presente en cualidades como la luz y el brillo. Afirmó que hay dos clases de belleza, una humana y otra divina, siendo la primera superficial y subjetiva y la segunda primordial y objetiva. Defendió el concepto de "pankalía" (πανκαλία), según el cual el mundo es bello, ya que al ser creación de Dios refleja la belleza divina. Aun así, no cabe entenderlo con que todo lo visible sea bello y agrade por igual a todos los hombres, sino que todo es bello en cuanto cumple una finalidad.


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text: San Agustín manifestó que la belleza física es símbolo de la belleza divina, y exaltó la belleza moral sobre la sensible. Frente a la estética subjetiva de Plotino propuso una belleza racional, material. En "Sobre la belleza y la conveniencia" ("De pulcro et apto"), reflejó una estética sensualista de carácter estoico. Perdido este libro, en 384 escribió "Confesiones", donde confesó que la lectura de "Sobre la belleza" de Plotino le hizo convertirse al cristianismo. Agustín se sentía continuamente atraído por las formas de las cosas que le rodeaban, veía en el mundo una belleza continua en las formas, que era deseable, atrayente y que, tras su conversión, tendría una función significativa. Hacía una teología estética, reflejando en todos sus libros su concepto de belleza, dentro de una estética semántica: la forma tiene un significado, los objetos naturales se convierten en signos para nuestra percepción. Para Agustín la belleza es «unidad», coherencia de las partes entre sí, armonía del conjunto.


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text: Boecio expuso en "De institutione musica" una teoría neopitagórica de la música, donde reflejó un concepto de belleza formal, basada en la proporción y el número. Este concepto lo extrapoló al arte en general, como armonía del conjunto, basado en sencillas relaciones numéricas, siendo más bello el objeto que presente una mayor sencillez proporcional. Otorgó así un valor superficial a la belleza, llegando a afirmar que la admiración por la belleza es debilidad de los sentidos. Dividió las artes en "ars" y "artificium", clasificación similar a la de artes liberales y vulgares, pero en una acepción que casi excluía las formas manuales del campo del arte, dependiendo este tan solo de la mente. Casiodoro también defendió el carácter matemático de la belleza, afirmando que la belleza corporal viene del alma que le infunde vida ("sui corpus vivicatrix"). En cuanto al arte, destacó su aspecto productivo, conforme a reglas, señalando tres objetivos principales del arte: enseñar ("doceat"), conmover ("moveat") y complacer ("delectet").


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text: Alcuino de York, ministro de ciencias y artes de Carlomagno, distinguió entre belleza formal ("pulchra species") y belleza eterna ("pulchritudo aeterna"), siendo la primera el amor por las cosas agradables, tanto en el aspecto visual como del resto de sentidos, y la segunda el reflejo de la belleza divina, que proporciona felicidad espiritual. Juan Escoto Erígena trató de la actitud estética, que contrapuso a la actitud práctica, siendo la primera más elevada a nivel espiritual. Esta actitud es desinteresada, contemplativa, evocadora del orden divino. Su concepto de belleza, de influencia agustiniana y dionisiana, era espiritualista, consistente en una armonía universal que se concreta en la unidad de las cosas. La belleza es manifestación de Dios –una teofanía–: Dios se da a conocer a través de la belleza, que es atributo de todo lo perfecto y divino, es inefable e inexpresable.


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text: Durante la Baja Edad Media, y paralelamente al arte gótico, surgió la llamada «estética de la luz»: la luz era símbolo de divinidad, lo que se reflejó en las nuevas catedrales góticas, más luminosas, con amplios ventanales que inundaban el espacio interior, que era indefinido, sin límites, como concreción de una belleza absoluta, infinita. Asimismo, se otorgó gran importancia a la belleza del color, que adquirió en la Edad Media un significado simbólico, expresando cada color un distinto atributo o cualidad, humana o divina. Robert Grosseteste habló del carácter matemático de la belleza, identificándola con la luz metafísica, y distinguiendo tres tipos de luz: "lux" (Dios), "radium" (rayos de luz) y "lumen" (el aire lleno de luz). El "lumen" refleja en los objetos, por lo que éstos resplandecen ("splendor"). Afirmaba que «la luz es la belleza y adorno de toda creación visible», así como que embellece las cosas y muestra su hermosura. Roger Bacon racionalizó la estética de la luz, opinando que la incidencia de la luz en los objetos produce líneas, ángulos y figuras elementales. Hugo de San Víctor distinguió entre belleza visible e invisible: la primera, presente en la forma, es percibida por los sentidos ("imaginatio"), mientras que la segunda se encuentra en la esencia y es captada por la inteligencia ("intelligentia"). La belleza invisible es la belleza suprema, que solo capta la mente intuitiva.


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text: El periodo bajomedieval fue el de la filosofía escolástica, que pretendía el estudio de Dios desde unos postulados más racionalistas –para lo que se basaron principalmente en la filosofía aristotélica–, pero sin renunciar a la fe. Los escolásticos partieron de la teoría formalista agustiniana y de la belleza contemplativa victoriana (de Hugo de San Víctor), y se centraron en cuestiones más semánticas y estructurales de la belleza: definición y esencia de la belleza, postura del ser humano ante lo bello, etc. Guillermo de Auvernia estableció que «es bello lo que gusta por sí mismo» ("per se ipsum placet"), así como que «es bello lo que deleita a la mente» ("animum delectat") y «lo que la atrae» ("ad amorem sui allicit"). Los escolásticos plantearon el carácter objetivo y condicional de la belleza, planteando una relación entre objeto y sujeto: para que un objeto nos guste, este debe poseer unas cualidades que atraigan. También recogieron la idea de belleza como proporción entre las partes proveniente de San Agustín: en un texto franciscano del siglo XIII, la "Summa Alexandri" (por su autor, Alejandro de Hales), se especifica que «es bello lo que tiene medida, forma y orden» ("pulchra est res, quando tenet modum et speciem et ordinem").


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text: San Buenaventura estableció que la percepción es la afinidad entre los sentidos y los objetos, que proporciona acción, fuerza y forma: la acción da salud ("radione salubritatis"), la fuerza da bondad ("suavitas") y la forma da belleza ("preciositas"). Se establecía así una «proporción de adecuación», que era cambiante, subjetiva. En contraposición, propuso una «proporción de igualdad», que sería un último estadio, inteligible, de la belleza, comparable a la unidad de San Agustín. En "Itinerario de la mente a Dios" ("Itinerarium mentis ad Deum") decía que esta igualdad no varía, sino que hace abstracción de las circunstancias de lugar, tiempo y movimiento. Para Buenaventura, la luz es la cosa más agradable ("maxime delectabilis"): la luz es la «forma sustancial» de los cuerpos, siendo por tanto el principio básico de la belleza.


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text: Alberto Magno recogió dos teorías tradicionales sobre la belleza, la de la proporción aristotélica y la del resplandor neoplatónico, sintetizándolas sobre la base de la teoría hilemorfista de Aristóteles (la materia va unida a la forma): así unió proporción y resplandor, resultando que la belleza se produce cuando la materia trasluce su esencia. Definió así la belleza como el resplandor de la forma en las diversas partes de la materia. Su discípulo Ulrico de Estrasburgo desarrolló esta teoría dividiendo la belleza en corpórea y espiritual, a la vez que encontró en ella dos cualidades distintas: la belleza esencial, inherente a las cosas, y la accidental, ajena a ellas.


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text: Santo Tomás de Aquino recogió la tesis de Alberto Magno de la belleza como esplendor de la forma ("splendor formae"). Opinaba que la percepción de la belleza es una clase de conocimiento, exponiendo su teoría en su obra magna, la "Summa Theologica" (1265-1273). En esta obra encontró una relación entre el sujeto y el objeto (percepción): el objeto se manifiesta como forma, y el sujeto percibe gracias a la sensibilidad; entre forma y sensibilidad hay una afinidad estructural. Para Tomás belleza y bondad son lo mismo, aunque la belleza se dirige al intelecto y la bondad a los sentidos. Lo bueno es material, lo bello inmaterial; lo bueno hace desear, lo bello no tiene deseo de posesión. Distinguía en la belleza tres cualidades: integridad ("integritas"), que es la estabilidad estructural del objeto –un objeto roto o incompleto no puede ser bello–; armonía ("consonantia"), es decir, la correcta proporción de las partes de un objeto; y claridad ("claritas"), relacionando la belleza con la luz como símbolo de verdad, siguiendo la tradición neoplatónica.


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text: Por último, cabría citar a Dante Alighieri, que en su gran obra, "La Divina Comedia" –junto a otros tratados, como "Il convivio" y "De vulgari eloquentia"–, expresó varios conceptos estéticos, muy próximos a la estética escolástica, pero con algún elemento innovador. De Santo Tomás cogió su concepto de la belleza como "consonantia" y "claritas", junto a la idea de una belleza espiritual aparte de la sensorial, y que la belleza perfecta solo se encuentra en Dios. Pero a la belleza entendida como un correcto ordenamiento de las partes ("risulta dalle membra in quanto sono debidamente ordinate") añadió un elemento metafísico: el amor. El amor es un poder cósmico, que conduce a la divinidad. Para Dante, el amor es la fuente de la belleza, igual en la naturaleza que en el arte. El artista debe crear su obra inspirado por el amor. El arte representa a la naturaleza, que es obra de Dios, por lo que tiene un carácter inefable: el arte es «casi nieto de Dios» ("si che vostr' arte a Dio quasi è nepote"). Así, al relacionar arte y belleza, Dante abrió el camino a la estética renacentista, alejada de postulados teológicos.


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text: La cultura renacentista supuso el retorno al racionalismo, al estudio de la naturaleza, la investigación empírica, con especial influencia de la filosofía clásica grecorromana. La teología pasó a un segundo plano y el objeto de estudio del filósofo volvió a ser el hombre (humanismo). El latín dejó de ser la lengua universal para dar paso a las lenguas vernáculas. La estética renacentista se basó tanto en la antigüedad clásica como en la estética medieval, por lo que a veces resultaba algo contradictoria: la belleza oscilaba entre una concepción realista de imitación de la naturaleza y una visión ideal de perfección sobrenatural, siendo el mundo visible el camino para ascender a una dimensión suprasensible.


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text: Se produjo una gran renovación del arte, que volvió a estar inspirado en la realidad, imitando la naturaleza. Uno de los primeros teóricos del arte renacentista fue Cennino Cennini: en su obra "Il libro dell'arte" (1400) sentó las bases de la concepción artística del Renacimiento, defendiendo el arte como una actividad intelectual creadora, y no como un simple trabajo manual. Para Cennini el mejor método para el artista es retratar de la naturaleza ("ritrarre de natura"), defendiendo la libertad del artista, que debe trabajar «como le place, según su voluntad» ("come gli piace, secondo sua volontà"). También introdujo el concepto de «diseño» ("disegno"), el impulso creador del artista, que forja una idea mental de su obra antes de realizarla materialmente, concepto de vital importancia desde entonces para el arte moderno.


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text: En ese contexto surgieron varios tratados más acerca del arte, como los de Leon Battista Alberti ("De Pictura", 1436-1439; "De re aedificatoria", 1450; y "De Statua", 1460), o "Los Comentarios" (1447) de Lorenzo Ghiberti. Alberti recibió la influencia aristotélica, pretendiendo aportar una base científica al arte. Definió la belleza como "concinnitas" (concinidad, ordenación simétrica), la perfección es la unidad de las partes con el todo. También habló de "decorum", el tratamiento del artista para adecuar los objetos y temas artísticos a un sentido mesurado, perfeccionista. Ghiberti fue el primero en periodificar la historia del arte, distinguiendo antigüedad clásica, período medieval y lo que llamó «renacer de las artes» (Renacimiento). Para Ghiberti la pintura es razonamiento, y depende de la visión, en una relación espiritual; pero la visión es subjetiva, por lo que el juicio es arbitrario.


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text: El Renacimiento puso especial énfasis en la imitación de la naturaleza, lo que consiguió a través de la perspectiva o de estudios de proporciones, como los realizados por Luca Pacioli sobre la sección áurea: en "De Divina Proportione" (1509) habló del número áureo –representado por la letra griega φ (fi)–, el cual posee diversas propiedades como relación o proporción, que se encuentran tanto en algunas figuras geométricas como en la naturaleza, en elementos tales como caracolas, nervaduras de las hojas de algunos árboles, el grosor de las ramas, etc. Asimismo, atribuyó un carácter estético especial a los objetos que siguen la razón áurea, así como les otorgó una importancia mística.


title: Historia de la estética

text: En otro campo de investigación, Leonardo Da Vinci se preocupó esencialmente de la simple percepción, la observación de la naturaleza. Buscaba la vida en la pintura, la cual encontró en el color, en la luz del cromatismo. Para Leonardo era más importante el color que la línea, y con este creó sus composiciones, creando los contornos con una transición de tonos ("sfumato"). En "Tratado de la pintura" (1651) expuso su teoría del arte, el cual necesita la aportación de la imaginación, de la fantasía. La pintura es la suma de la luz y la oscuridad (claroscuro), lo que da movimiento, vida. Según Leonardo, la tiniebla es el cuerpo y la luz el espíritu, siendo la mezcla de ambos la vida.


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text: Nicolás de Cusa trató la estética en sus obras "De mente", "De ludo globi" y "Tota pulchra", donde recogió el concepto platónico de belleza como cualidad ideal, no material, siendo la idea la que forma el «resplandor de la belleza» ("resplendentia pulchri"). Para Cusa, el arte consiste en componer el conjunto de la materia ("congregat omnia"), otorgando unidad a la pluralidad ("unitas in pluritate").


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text: En 1462 se fundó la Academia de Florencia, donde surgió una importante escuela de corte neoplatónico, con autores como Marsilio Ficino, Giovanni Pico della Mirandola y Angelo Poliziano. El más relevante en el campo de la estética fue Ficino, autor de "De Amore", un comentario al "Banquete" de Platón, donde reflexionó sobre la belleza y el arte. Para Ficino, Dios es el más grande artista ("artifex"), mientras que el hombre solo capta el reflejo de la belleza, que es el acuerdo de la idea con la materia. Distinguió dos clases de belleza: la "claritas", procedente de Dios, es el reflejo de la luz divina en las cosas (la belleza de la naturaleza); la "concinnitas" procede del hombre, y se basa en la armonía, en la relación de las partes con el conjunto. Sin embargo, aunque distingue dos bellezas, una corporal (de las formas) y otra incorpórea (de las virtudes), ambas se subordinan a la percepción mental, ya que incluso la belleza formal es percibida por la vista y elaborada por la mente, resultando igualmente incorpórea. Para Ficino, la perfección interior crea la exterior, por lo que la belleza es una imagen espiritual ("simulacrum spirituale"). Asimismo, distinguía entre «belleza como tal» ("pulchritudo") y «cosas bellas» ("res pluchrae"), afirmando que los cuerpos pueden ser cosas bellas, pero no belleza en sí misma, ya que están sujetos a los cambios del tiempo. También opinaba que la belleza solo es accesible a los «sabios» ("cognoscentes"), que son los únicos capaces de juzgarla ("iudicium pulchritudinis"), ya que poseen una idea innata de lo bello. Por último, en "Theologia platonica" (1474), Ficino recogió toda la tradición estética neoplatónica y agustiniana y formuló una nueva teoría basada en el "Fedón" platónico, la de la «contemplación»: en ésta se produce una escisión del cuerpo con el alma, ascendiendo ésta hacia el mundo de las ideas que describió Platón. Aquí el alma puede aprehender de forma inmediata la sensación de la belleza.


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text: Heredero de la estética ficiniana fue León Hebreo, un judío español exiliado en Italia, autor de "Diálogos del amor" (1535). León continuó con la tesis neoplatónica de la atracción espiritual de la belleza, afirmando que el amor es la actitud natural del ser humano frente a la belleza. También habló de la «gracia» –que fijó como categoría estética–, que es la que atrae hacia la belleza, siendo en esencia una mezcla de belleza y bondad. Por último, Agostino Nifo publicó en 1531 su tratado "De lo bello" ("De pulchro"), donde realizó un estudio histórico de los principales conceptos estéticos desde los sofistas hasta los neoplatónicos, siendo uno de los primeros textos realizados sobre historia de la estética. Nifo era filósofo y médico, y formuló una teoría sobre el amor y la belleza de corte más científico, basada en criterios fisiológicos.


title: Historia de la estética

text: Con el manierismo se podría decir que comienza el arte moderno: las cosas ya no se representan tal como son, sino tal como las ve el artista. La belleza se relativiza, se pasa de la belleza única renacentista, basada en la ciencia, a las múltiples bellezas del manierismo, derivadas de la naturaleza. Para los manieristas, la belleza clásica era vacía, sin alma, contraponiendo una belleza espiritual, onírica, subjetiva, no reglamentada –resumida en la fórmula "non so ché" («no sé qué») de Petrarca–. Apareció en el arte un nuevo componente de imaginación, reflejando tanto lo fantástico como lo grotesco, como se puede percibir en la obra de Brueghel o Arcimboldo. Era una época de escepticismo, de relativismo, de desorientación originada por las nuevas teorías astronómicas (Copérnico, Kepler), donde el hombre ya no era el centro del universo. En Francia, Michel de Montaigne relativizó la verdad, que resultaba inalcanzable; en España, Francisco Sánchez dudó del conocimiento humano, mientras que Baltasar Gracián afirmó que «la única cosa que tenemos clara es el vacío».


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text: Giorgio Vasari, en "Vida de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestros tiempos" (1542–1550), inauguró la era de la historia del arte como historiografía, poniendo especial énfasis en la progresión y el desarrollo del arte. Miguel Ángel fue el principal exponente de un nuevo concepto de la relación entre el arte y la belleza: así como hasta entonces se había defendido que el objetivo del arte era imitar la naturaleza, siendo la belleza su resultado, Miguel Ángel planteó lo contrario, que el único objetivo del arte es la belleza, y la imitación de la naturaleza solo es un medio para llegar a ella.


title: Historia de la estética

text: Uno de los principales innovadores en el campo de la estética fue Gerolamo Cardano, escritor, filósofo y médico, autor de "De subtilitate" (1550), que entre otros temas trató el arte y la belleza. Cardano elaboró una teoría que relacionaba belleza con conocimiento: al ser humano le resulta bello aquello que conoce, aquello que percibe con la vista y el oído, o que capta con la mente. Para Cardano, las cosas sencillas son más bellas, ya que son más fáciles de percibir; las cosas complejas, al ser de más difícil captación, pueden llegar a desagradar. Sin embargo, cuando las cosas difíciles de captar por los sentidos o la razón –que él denominaba "subtilitas"– son aprehendidas por el ser humano, pueden proporcionar un placer incluso mayor que las cosas sencillas. Y así como la belleza es mayor cuanto más perceptible, la «sutilidad» también incrementa cuanto es más difícil de captar. Lo sutil se relaciona con la rareza, la dificultad, lo oculto, complejo, prohibido e inasequible, que serán las bases del arte manierista.


title: Historia de la estética

text: Por otro lado, Giordano Bruno prefiguró en sus teorías algunas de las ideas modernas sobre arte y belleza: la creación es infinita, no hay centro ni límites –ni Dios ni el hombre–, todo es movimiento, dinamismo. Para Bruno hay tantos artes como artistas, surgiendo la idea de originalidad del artista. El arte no tiene normas, no se aprende, sino que viene de la inspiración. Recogiendo el antiguo concepto de belleza como proporción de las partes, opinaba que la belleza no proviene de Dios, pues este es unicidad. En cambio, encontró la belleza en la naturaleza y en las obras humanas, especialmente el arte, la función del cual es multiplicar la belleza. Afirmó que la belleza eleva los sentimientos del hombre, convirtiéndolo en poeta y héroe. Creía que la belleza no es única, sino múltiple ("multiplex"), que es indefinida e indescriptible, y que es relativa, no hay una belleza absoluta. También creía que depende del estado de ánimo, y que puede suscitar diversos sentimientos desde la atracción y la complacencia hasta el amor.


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text: El barroco fue un estilo heredero del escepticismo manierista, que se vio reflejado en los autores de la época en un sentimiento de fatalidad, de dramatismo. El arte se volvió más artificial, más recargado, decorativo, ornamentado, destacando los efectos ópticos, el ilusionismo. La belleza buscó nuevas vías de expresión, cobrando relevancia lo asombroso, los efectos sorprendentes, y surgiendo nuevos conceptos estéticos como «ingenio», «perspicacia» o «agudeza». Se ponía énfasis en la conducta personal, el aspecto exterior, reflejando una actitud altiva, elegante, refinada, exagerada, que cobró el nombre de "préciosité". Cobró más importancia el teatro, fiel reflejo de este dramatismo y de la artificiosidad del arte, destacando el teatro isabelino inglés (Shakespeare, Ben Jonson, Robert Greene, John Ford) y los «corrales de comedia» españoles (Lope de Vega, Calderón), mientras que en Italia nació la "Commedia dell'Arte", teatro itinerante con personajes arquetípicos como Arlequín, Colombina, Pagliaccio, Pantalone, etc.


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text: William Shakespeare presentó en su obra diversos conceptos relacionados con el arte y la belleza: afirmó que la belleza es el sentido de la vista, siendo «el ojo el juez de lo bello» ("Trabajos de amor perdidos"). Sostuvo que la naturaleza es el principal modelo para el arte: «el arte es en sí naturaleza» ("Cuento de invierno"), es decir, el arte, como la naturaleza, crea vida. Pero además, el arte puede superar a la naturaleza, ya que tiene un componente adicional, la imaginación: «el arte enseña a la naturaleza» ("Timón de Atenas"). Por su espiritualismo y emotividad, así como su preponderancia otorgada a la imaginación, se ha considerado a Shakespeare precursor de la estética romántica.


title: Historia de la estética

text: Francis Bacon intentó en "De dignitate et argumentis scientiarum" (1623) clasificar las ciencias y las letras según tres productos del intelecto: razón, memoria e imaginación; de la razón vendría la ciencia, de la memoria la historia y de la imaginación la poesía. Sin embargo, relacionó las artes con los bienes corporales, de los que existen cuatro: salud, belleza, fuerza y placer; de la salud se ocupa la medicina, de la belleza la cosmética, de la fuerza el atletismo y del placer las «artes hedonísticas» ("artes voluptuarie"). Estas últimas se organizan según los sentidos: la pintura con la vista y la música con el oído. Formuló una teoría historiosófica sobre la relación de la sociedad con el arte: en sociedades jóvenes predominan las artes marciales, en las maduras las liberales y en las decadentes las hedonísticas. También trató sobre la belleza, que para él no tiene reglas, no se circunscribe a cánones o proporciones: «no hay ninguna belleza superior que no posea alguna rareza en las proporciones».


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text: Giovanni Pietro Bellori expuso en "L'idea del Pittore, dello Scultore e dell'Architetto, scelta delle bellezze naturali superiore alla natura" (1672) una teoría clasicista del arte que, sin embargo, le otorgaba una autonomía y una importancia de tal magnitud que sentaba en cierta medida las bases para el concepto moderno del arte. Bellori se fundamentaba en conceptos anteriores de la belleza, entendida como orden y proporción; pero partiendo de aquí afirmó que la belleza del arte es superior a la de la naturaleza, y que el principio del arte no consiste en la imitación, sino en el reflejo de la «idea». Esta idea no es única sino múltiple, hay una idea para cada ente y objeto creado; y es evolutiva, correspondiendo a cada era un ideal distinto de belleza. Para Bellori, las ideas provienen del Creador, y los artistas «al imitar a aquel primer artífice se forman a su vez en su intelecto un modelo de belleza superior, de modo que al mirarlo enmiendan la natura».


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text: En Francia el siglo XVII fue el «siglo de la razón», filósofos y escritores como Descartes, Racine, Molière y Malherbe representan una búsqueda de la racionalización del pensamiento. Al escepticismo manierista sucedió un racionalismo de raíz científica, que sentaría las bases de la filosofía moderna. Descartes, en "Discurso del Método" (1637), intentó encontrar una nueva vía de razonamiento, partiendo de premisas claras y empezando de cero cuando el camino se desvía –como ocurría con el relativismo manierista–. Partió de la duda como método filosófico, de la que desprendía la existencia del individuo: mi duda soy yo dudando, es decir, pensando; por tanto, «pienso, luego existo» ("cogito, ergo sum"). Para Descartes, el arte está fuera del conocimiento, por lo que es dudoso, oscuro. Aunque no elaboró ninguna teoría estética, la obra epistemológica de Descartes y su búsqueda de un método filosófico serían las bases de la estética neoclásica.


title: Historia de la estética

text: La filosofía cartesiana junto a la pervivencia del cientificismo aristotélico pusieron las bases de una estética basada en la razón y en las normas de la naturaleza, lo que se percibió en los diversos tratados sobre arte de la época: Racine defendía la inspiración como forma de encontrar soluciones nuevas a la obra de arte; Charles Perrault dividió la belleza en clásica y arbitraria o artificial ("inventatio"); Charles Batteux, en "Las bellas artes reducidas a un único principio" (1746), estableció la concepción actual de bellas artes, separadas de las ciencias, con un principio de imitación ("imitatio").


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text: Por otro lado, filósofos jansenistas como Pierre Nicole remarcaron el carácter subjetivo de la belleza: en "Delectus Epigrammaticus" (1659) afirmó que «la subjetividad y disparidad de juicios se debe a que están basados en “primeras impresiones”, cuyo criterio de lo bello es el placer». Sin embargo, percibe un carácter general en estas impresiones, concluyendo que la razón debe poder superar la arbitrariedad de estos juicios iniciales. Por su parte, Blaise Pascal expuso en sus "Pensamientos" (1670) la imposibilidad de describir la belleza, manifestando sin embargo que el deleite que provoca sí es constatable como un fenómeno universal. Para Pascal, el ser humano tiene en su interior un «modelo» ("modèle") de belleza, y le parecerá bello todo cuanto se ajuste a ese modelo. Para un moralista como Nicolas de Malebranche la belleza se encuentra en el alma, afirmando que «deberías saber que en tu alma se encuentra toda la belleza que percibes en el mundo». Baruch Spinoza creía que la belleza no era una cualidad del objeto, sino un efecto del sujeto que lo percibe, manifestando en una carta de 1665 que «no atribuyo a la naturaleza ni belleza ni fealdad, ni orden ni desorden, porque sólo remitiéndonos a nuestra imaginación se puede decir que las cosas son bellas o feas, ordenadas o desordenadas».


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text: En Alemania, Gottfried Wilhelm Leibniz buscó en "Nuevos ensayos sobre el entendimiento humano" (1701-1709) una síntesis entre el racionalismo y el empirismo, entre la razón y la sensación. Afirmaba que el hombre no tiene conocimientos racionales de la belleza, lo cual no excluye que exista algún tipo de conocimiento de lo bello, pues el conocimiento tiene varios grados. El conocimiento de lo bello se basa en el gusto, el cual puede emitir juicios axiológicos –percibimos si algo es bello o no–, pero sin poder emitir una razón para ello –sabemos que algo es bello, pero no por qué–. Para Leibniz, «el gusto es algo semejante al instinto». Opinaba que la belleza no depende de la forma –entendida como estatismo–, sino que está inmersa en un flujo, en un dinamismo, es la unidad dentro de la variedad. Relacionó la belleza con la virtud y la perfección, siendo la contemplación estética una fase de un movimiento armonizador al que está sujeto todo aquello que es imperfecto y tiende a la perfección.


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text: El empirismo, desarrollado principalmente en el Reino Unido, se opuso al racionalismo francés, poniendo énfasis en las sensaciones, en la experiencia sensible, desarrollando notablemente la psicología del arte. Los empiristas defendían la subjetividad del gusto, que debía librarse de reglas externas para ser eficazmente percibido por el individuo, que es el que interpreta los juicios estéticos según sus propios parámetros de opinión. Según sus tesis, la belleza no es inherente a las cosas, sino que se encuentra en la mente del espectador, que la interpreta de forma totalmente personal, sentando así las bases del relativismo estético.


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text: Thomas Hobbes analizó en su "Leviathan" (1651) la imaginación como un «sentido decadente», que es el que persiste en la memoria al desaparecer los estímulos sensoriales externos. Esta «imaginación simple» da paso a una «imaginación compuesta», que es la relación de imágenes simples que crean nuevas imágenes en nuestro cerebro. Para Hobbes, la belleza es «todo aquello que con su aspecto nos promete el bien».


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text: La teoría de Hobbes sobre la asociación de imágenes fue desarrollada por David Hume, quien opinaba que estas sensaciones comportan representaciones creadas por el ser humano, creando las ideas. En "Del criterio del gusto" (en "Cuatro Disertaciones", 1757) intentó hallar estándares o patrones objetivos de gusto, encontrándose con que los juicios estéticos están condicionados por factores subjetivos, determinados por la cultura, edad y temperamento del individuo. Para Hume, la belleza es una experiencia agradable, producida por la imagen que nos hacemos de ésta. En su "Tratado de la naturaleza humana" (1739-1740) reflejó una estética utilitarista, ya que la belleza es un medio, la finalidad del cual sería el placer, la satisfacción.


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text: Joseph Addison, en "Los placeres de la imaginación" (1712), introdujo el gusto por cosas que estimulan la imaginación, ligado a la estética de lo sublime. Distinguió tres cualidades estéticas principales: grandeza (sublimidad), singularidad (novedad) y belleza. También creó una nueva categoría, lo pintoresco, aquel estímulo visual que aporta una sensación tal de perfección que pensamos que debería ser inmortalizado en un cuadro. Addison relacionó la belleza con la pasión, desligándola de la razón: la belleza nos afecta de forma inmediata e instantánea, como un golpe, actuando de forma más rápida que la razón, por lo que es más poderosa. Tomó el concepto de lo sublime esbozado por el Pseudo-Longino en el –a través del "Tratado de lo sublime o de las maravillas en la oratoria" de Nicolas Boileau-Despréaux–, y lo elevó de categoría retórica a general, trasladándolo del lenguaje a la imagen.


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text: Francis Hutcheson, en "Indagación sobre el origen de nuestras ideas sobre la belleza y la virtud" (1725), describió la belleza como una facultad capaz de suscitar ideas de lo bello partiendo de cualidades físicas que las provocan. La belleza no proviene de juicios intelectuales o reflexivos, sino que la percibimos cuando presenta una «mezcla adecuada de uniformidad y variedad». El concepto de armonía está en la naturaleza del sujeto, que es el que aprecia lo uniforme en la variedad.


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text: El conde de Shaftesbury, de la escuela neoplatónica de Cambridge, identificaba ética y estética, afirmando que bueno y bello son un mismo concepto. En "Características de los hombres, las costumbres, las opiniones, las épocas" (1732) definió la apreciación de la belleza como un sentido innato al ser humano, que le produce placer en su relación con el mundo. La belleza es el primer paso del amor –como en Ficino–, en un proceso gradual, teleológico, que va de la belleza material a la espiritual. Shaftesbury manifestó que la sensibilidad es estimulada por la imaginación, hablando de «entusiasmo», que es un estado exaltado que eleva el espíritu, propio de los genios. Planteó un tipo de gusto basado en esta sensibilidad entusiasta, que es innata, natural, aunque se puede educar. Para Shaftesbury el gusto es una «aristocracia del sentido», una discriminación de las sensaciones. Identificó el gusto con la conciencia moral, para mejorar el espíritu humano, lo que conduce igualmente al bienestar social, ya que produce una concordancia entre los sentidos y la razón. En arte, lo importante es el equilibrio, el conjunto unitario –siguiendo el concepto de "concinnitas" de Alberti–, relacionando arte y naturaleza, productos ambos de la armonía del universo.


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text: Edmund Burke, en "Indagaciones filosóficas sobre el origen de nuestras ideas sobre lo bello y lo sublime" (1757), retomó la teoría de Shaftesbury de la simpatía como identificación emocional. La belleza no se relaciona con ideas abstractas, sino con el sentimiento. Se opuso a la belleza como proporción, destacando nuevas cualidades como la pequeñez, la delicadeza, la variedad, la pureza, la elegancia, etc. El gusto, como la belleza, es una experiencia gradual, que se puede educar, pero que no se puede reducir a una medida reglamentada. Para Burke, el arte es una manifestación del sentimiento, que produce placer. Estudió igualmente lo sublime, que describió como un temor controlado que atrae al alma, presente en cualidades como la inmensidad, el infinito, el vacío, la soledad, el silencio, etc. Burke calificó la belleza como «amor sin deseo», y lo sublime como «asombro sin peligro». Así, creó una estética fisiológica, ya que para Burke la belleza provoca amor y lo sublime temor, que pueden sentirse como reales. También introdujo la categoría de lo «patético», emoción igualable al placer como sentimiento, que proviene de experiencias como la oscuridad, el infinito, la tormenta, el terror, etc. Estos sentimientos producen una «purgación», recogiendo de nuevo la teoría de la «catarsis» de Aristóteles.


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text: El siglo XVIII se fundamentó sobre una doble tendencia: el racionalismo cartesiano francés, que dio una estética normativa, reglamentada –lo que se reflejó en la aparición de las academias–, y el empirismo inglés, que ofrecía una estética más imaginativa. El arte también osciló entre la exuberancia tardobarroca del rococó y la sobriedad neoclasicista, entre la artificiosidad y el naturalismo. Comenzó a producirse cierta autonomía del hecho artístico: el arte se alejó de la religión y de la representación del poder para ser fiel reflejo de la voluntad del artista, centrándose más en las cualidades sensibles de la obra que no en su significado. La Ilustración supuso el paso de una razón normativa a una crítica, donde el conocimiento es un proceso continuo, en transformación. El principal proyecto ilustrado fue la "Enciclopedia", intento de síntesis del conocimiento universal, bajo la dirección de Diderot y D'Alembert.


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text: La estética ilustrada se centró en cuestiones fisiológicas, del hombre, haciendo una estética de los sentimientos: Yves-Marie André distinguió en "Ensayo sobre lo bello" (1715) tres clases de belleza: «esencial», que es objetiva al estar por encima de cualquier consideración humana; «natural», igualmente objetiva pero a nivel humano, aunque ajena a opiniones de gusto; y «arbitraria», que es subjetiva y relativa. Jean-Baptiste Dubos, en "Reflexiones críticas sobre la poesía y la pintura" (1719), abrió el camino hacia la relatividad del gusto, razonando que la estética no viene dada por la razón, sino por los sentimientos. Para Dubos, el arte conmueve, llega al espíritu de una forma más directa e inmediata que el conocimiento racional. Hizo una democratización del gusto, oponiéndose a la reglamentación académica. Dubos introdujo la figura del «genio», como atributo dado por la naturaleza, que está más allá de las reglas. Voltaire también defendió la relatividad del gusto, aunque consideraba este un producto de la educación, orientándose hacia un gusto universal, racionalizado. Por su parte, Étienne Bonnot de Condillac expuso en su "Tratado de las sensaciones" (1754) que la conciencia humana –y, por tanto, el conocimiento– es la suma de los cinco sentidos.


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text: Denis Diderot, considerado el primer crítico de arte moderno por sus comentarios sobre las obras de arte de los salones parisinos, definió la belleza como la percepción de las relaciones, dependiente de la visión personal, negando una belleza absoluta, normativa. Su estética fluctuaba entre una búsqueda de reglas racionales y un sensualismo de valores subjetivos, basándose en las sensaciones, las emociones. Habló también de la genialidad, que es un don de la naturaleza: el genio es un hombre que lleva las pasiones hasta sus límites, sin romperlos. La teoría de Diderot es el origen del concepto romántico de genio.


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text: Jean-Jacques Rousseau culminó la estética del sentimiento: en "Discurso sobre las ciencias y las artes" (1750) identificó la belleza con el orden natural, la armonía de la totalidad –recogiendo el concepto aristotélico–. Relacionó belleza y bondad, que son reflejos de la naturaleza. Para Rousseau, el hombre es bueno de forma natural, defendiendo la vuelta a la naturaleza. En cambio, el marqués de Sade defendió el individualismo y el sensualismo, propugnando el aislamiento del hombre, sin orden social. Estudió las pasiones, los sentidos, defendiendo una moral basada en la soledad del ego, sin reglas, sin normas. Giovanni Giacomo Casanova también hizo una filosofía del individuo, de las pasiones, defendiendo una moral epicúrea y creando un panteísmo materialista, donde la materia está en continua transformación.


title: Historia de la estética

text: En Alemania, la Ilustración ("Aufklärung") fue heredera del racionalismo y de la obra de Leibniz y Wolff. Alexander Gottlieb Baumgarten –en su obra "Reflexiones filosóficas acerca de la poesía" (1735) y más tarde en su "Aesthetica" (1750)– fue el creador del término «estética» y de su concepción como disciplina filosófica. Baumgarten se fijó en los clásicos (Platón, Aristóteles) y en los Padres de la Iglesia, distinguiendo entre cosas conocidas ("noeta") y cosas percibidas ("aistheta"): las conocidas vienen de la lógica, y las percibidas de los sentidos. Sistematizó la estética como ciencia especial, definió su propio objeto de estudio e integró los conocimientos sensibles dentro de la filosofía de la época. Distinguió la lógica como una gnoseología superior, y la estética como una gnoseología inferior. Baumgarten hizo una división en la facultad cognitiva: pensamiento claro (lógica) y oscuro (estética). La lógica tiende a la abstracción, actúa por representaciones abstractas de la mente, mientras que la estética es concreta, por representaciones sensibles; la lógica crea conceptos, la estética tiene en cuenta el objeto; la lógica actúa por signos convencionales (palabras), la estética no se puede comunicar, las sensaciones no son traducibles en palabras. La comunicación en estética se efectúa por «simpatía», compartiendo estados de ánimo que se han vivido recíprocamente.


title: Historia de la estética

text: Johann Joachim Winckelmann es considerado el padre de la historiografía del arte, creando una metodología científica para la clasificación de las artes y basando la historia del arte en una teoría estética de influencia neoplatónica: la belleza es el resultado de una materialización de la idea. Gran admirador de la cultura griega, afirmó que en la Grecia antigua se dio la belleza perfecta, generando un mito sobre la perfección de la belleza clásica que aún condiciona la percepción del arte hoy día. En "Reflexión sobre la imitación de las obras de arte griegas" (1755) afirmó que los griegos llegaron a un estado de perfección total en la imitación de la naturaleza, por lo que nosotros solo podemos imitar a los griegos. Asimismo, relacionó el arte con las etapas de la vida humana (infancia, madurez, vejez), estableciendo una evolución del arte en tres estilos: arcaico, clásico y helenístico.


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text: Gotthold Ephraim Lessing rechazó la idea de perfección de Winckelmann, afirmando que no puede haber un concepto de perfección universal para todas las épocas y todas las artes. En el "Laocoonte" (1766), aunque no rechazó la posibilidad de hallar un sistema que relacione todas las artes, criticó las analogías absolutas –como la fórmula horaciana "ut pictura poesis" («la pintura, como la poesía», una de las bases de la teoría humanista del arte)–. Para Lessing, el medio que utiliza el arte son los signos ("Zeichen"), que frecuentemente son la base de la imitación. La pintura y la poesía, examinadas en sus contextos imitativos, son distintas: la pintura resulta adecuada para la representación de cualidades sensoriales, tangibles, pudiendo tan solo evocar elementos argumentativos; en cambio, la poesía realiza el proceso inverso.


title: Historia de la estética

text: Johann Gottfried Herder fue uno de los precursores del romanticismo, defendiendo la idea de una humanidad unida y sometida a evolución, que quería estudiar a través de una «historia del alma humana». En "Silvas críticas o bien observaciones sobre la ciencia del arte y de lo bello" (1769) desarrolló una estética psicológica, individualista, que destacaba la sensibilidad y la experiencia individual sobre las abstracciones holísticas de la estética racionalista. Herder vinculaba las artes con los sentidos: la vista con la pintura, la música con el oído y el tacto con la escultura; en cambio, la poesía se dirige directamente al «alma individual» ("Seele"), como centro de «fuerza» ("Kraft") del ser humano. Asimismo, en "Cartas sobre Ossian" (1773) esbozó una estética anticlasicista, encontrando los auténticos valores del arte en la expresividad «primitiva», en los lenguajes nacionales y la cultura popular –teoría que influiría en la literatura romántica–.


title: Historia de la estética

text: El idealismo alemán, heredero del racionalismo y la "Aufklärung" alemana (esto es, de la escuela de Leibniz y Wolff), fue la corriente filosófica dominante en Alemania aproximadamente desde la década de 1780 a la de 1830, cuyos principales representantes fueron, partiendo de la discusión con el idealismo trascendental de Kant (a quien a menudo, pero no siempre, se cuenta dentro del idealismo alemán), Fichte, Schelling y Hegel. A menudo definido por oposición al realismo, el idealismo, gnoseológicamente, es la doctrina según la cual el conocimiento no se refiere a cosas en sí, en sentido absoluto o trascendente, sino que, condicionado por el sujeto, nunca deja de consistir en contenidos mentales o intelectuales; a su vez, el idealismo metafísico es la posición filosófica según la cual «todo lo verdaderamente real es sólo de esencia ideal y espiritual». Según Ferrater Mora, una característica común del idealismo postkantiano, a pesar de su diversidad, es el prescindir de la «cosa en sí» que retenía todavía el idealismo kantiano, equiparando así el «mundo» con «la representación del mundo».


title: Historia de la estética

text: Immanuel Kant, por la sistematización a la que sometió a la recién nacida ciencia estética, puede ser considerado el padre de la estética contemporánea. Una de sus primeras incursiones en la materia fue "Observaciones sobre el sentimiento de lo bello y lo sublime" (1764), pero su principal aportación a la estética la realizó en "Crítica del juicio" (1790), cuya primera mitad trata principalmente del «juicio de gusto», y donde investiga la aspiración a la validez universal en los juicios sobre belleza y sublimidad, partiendo de la premisa de su original subjetividad, su evidente particularidad para cada individuo.


title: Historia de la estética

text: La principal influencia en el terreno de la estética la recibió Kant del empirismo inglés, especialmente de Burke, cuyo sensualismo le hizo abandonar el intelectualismo que había heredado de Leibniz y Wolff. En "Crítica del juicio" pretendió resolver la antinomia presente en las dos teorías predominantes –y aparentemente opuestas– esbozadas hasta entonces: el gusto como un proceso del intelecto y sujeto a criterios científicos, o el gusto como sentimiento de origen subjetivo y arbitrario. Kant realiza un intento de síntesis, reconociendo el gusto como un producto de los sentidos y los sentimientos, y por ende subjetivo, pero destacando la tendencia a la universalidad racional que se manifiesta en él. Como señaló Victor Basch en "Ensayo crítico sobre la estética de Kant": «junto al imperativo categórico moral, Kant pone el imperativo estético: juzga lo bello de tal modo que tu juicio pueda ser universal y necesario».


title: Historia de la estética

text: Para Kant, el juicio de gusto pone en «juego» el entendimiento y la imaginación, en una relación de armonía. Encontramos en las formas bellas una finalidad, pero no concreta –el arte es necesario, pero no sabemos para qué–. Kant se planteó la pregunta de qué es lo que hace que nos guste una obra de arte, denominándolo «facultad de presentar ideas estéticas», que es la capacidad que tiene la forma bella en el arte. Es aquella representación de la imaginación que nos hace pensar, pero sin que ningún pensamiento le sea adecuado, ningún lenguaje puede expresarlo ni hacerlo inteligible. Las ideas estéticas de Kant no implican un conocimiento racional, muchas veces son ideas que no podemos expresar con palabras. Para Kant, el arte no viene de aquello que representa: lo representativo lleva a lo significativo, pero si lo aplicamos al arte invertimos el proceso de conocimiento –de la razón a lo sensible–. Por tanto, el arte no ha de representar necesariamente la realidad.


title: Historia de la estética

text: Afirmaba Kant que la estética es una paradoja: es la conceptualidad sin concepto, la finalidad sin fin; por tanto, separó conocimiento racional y estética, porque ésta no tiene concepto. Para Kant, es bello aquello que sin concepto gusta universalmente, rompiendo la idea de la perfección interna de la belleza: las cosas no son bellas en sí mismas, sino por su impresión en nosotros. La universalidad del juicio estético proviene de un estado suprasensible, común a la naturaleza humana; así, la subjetividad estética, al ser común, propicia una cierta objetividad, basada en leyes naturales –aunque no conocemos su procedencia–. Las ideas estéticas excitan el pensamiento sin un conocimiento conceptual. Al separar la estética del conocimiento racional, Kant otorgó a ésta una base de autonomía, poniendo los cimientos de la estética contemporánea.


title: Historia de la estética

text: En "Crítica del juicio" también sistematizó la categoría estética de lo sublime. Para Kant lo sublime es el exceso, el desbordamiento: así como la belleza es la forma contenida, limitada, humana, lo sublime desborda la forma, se dirige al infinito. La belleza comporta gusto; lo sublime, atracción. La sublimidad es el punto donde la belleza pierde las formas, es el superlativo de la belleza. Lo sublime es «lo absolutamente grande», aquello que del infinito somos capaces de imaginar. Es lo que gusta inmediatamente por la resistencia que opone al interés de los sentidos, la cual evoca en nosotros las ideas prácticas (morales), en comparación con las cuales es pequeño cualquier objeto de la naturaleza, por grande que sea. Kant distinguió un sublime «matemático» (de la magnitud) y otro «dinámico» (de la fuerza); el matemático se opone a la comprensión, mientras que el dinámico puede amenazar nuestra integridad física –por ejemplo, una tormenta de mar–.


title: Historia de la estética

text: Para Johann Christoph Friedrich Schiller la belleza es el objetivo de toda actividad humana, en la que se reúnen una facultad teórica y otra práctica. En la estética se reúnen estas dos facultades, dando una tercera, la de «juego», que es una alternancia teórica-práctica en una armonía (belleza) de carácter ético. En "Cartas para la educación estética del hombre" (1795) distinguió en el ser humano tres facultades, que denominó «impulsos»: un impulso «material» ("Stofftrieb"), otro «formal» ("Formtrieb"), y el «de juego» ("Spieltrieb"), conjunción de los otros dos. El impulso de juego es el «hombre estético», el hombre equilibrado, que da a su impulso formal una especie de vitalidad, es el que piensa, conoce, pero también sabe vivir, disfrutar de los sentidos. La actitud estética contribuye al bienestar del hombre en la sociedad. Partiendo de la idea de Kant de que la belleza es intermediaria entre lo sensible y lo inteligible, Schiller manifestó que la belleza es un reflejo de lo natural: es un estado de armonía, donde el sentimiento se corresponde con la ley, sin sacrificar la pasión. En la belleza todo es moral, es un estado de perfección. La belleza eleva del mundo sensible y conduce a un estado de gracia. Schiller también habló de lo sublime, en el que distinguió tres fases: «sublime contemplativo», el sujeto se enfrenta al objeto, que es superior a su capacidad; «sublime patético», donde peligra la integridad física; y «superación de lo sublime», en que el hombre vence moralmente, porque es superior intelectualmente.


title: Historia de la estética

text: Johann Gottlieb Fichte puso las bases del pensamiento individualista romántico, de donde surgiría la figura del genio como espíritu exaltado. En "Teoría de la ciencia" (1794) intentó establecer una doctrina sobre el saber humano, las formas teóricas de la razón. Para Fichte el conocimiento viene del «yo», que es un yo absoluto, metafísico, un principio creador subjetivo, la autoactividad del espíritu. Así, Fichte negó la realidad exterior, ya que lo único real es el yo, lo de fuera es incognoscible. Fichte introdujo la estética kantiana en el seno del romanticismo, aunque solo trató de temas estéticos de forma indirecta en algunas de sus obras, como "Sobre el espíritu y la letra de la filosofía" (1795) y "El destino del sabio" (1811). Según Fichte, tanto en el terreno de la filosofía como en el arte es el espíritu el que, a través de la imaginación, produce obras singulares, cuyo origen no es práctico ni teórico, sino estético. Asimismo, otorga al arte una función profética, antaño reservada a videntes religiosos y líderes espirituales, y ahora desempeñada por poetas y artistas, en los que se revela el espíritu de forma original y espontánea, y cuya obra está destinada a la educación de la humanidad.


title: Historia de la estética

text: Friedrich Wilhelm Joseph von Schelling, recogiendo el concepto del yo de Fichte, defendió el individualismo, el «ser absoluto», investigando la relación entre el «yo» y el «no yo» (objeto y sujeto). Identificó la libertad con el yo absoluto: la acción del yo es una lucha contra el infinito, donde el hombre siempre será derrotado. En "Sistema del idealismo trascendental" (1800) expresó una filosofía de la naturaleza, que es un espíritu en evolución, que identifica con el yo. Cuando el hombre está en contradicción con el mundo exterior es cuando comienza la filosofía, que es un intermediario entre el hombre y la naturaleza; esta escisión se supera con la poesía. Schelling aceptó una intuición intelectual sobre la reflexión, pero sobre ésta hay una intuición estética, propia del genio. Este momento es el de la unificación entre el consciente y el inconsciente, lo objetivo y lo subjetivo, que solo se produce en el arte; por tanto, «la filosofía debe volver a la poesía». Para Schelling, el espíritu tiene tres fases: conocimiento (intelecto), acción (voluntad) y arte (genio).


title: Historia de la estética

text: Schelling fue el primer filósofo desde Plotino en hacer del arte y la belleza la culminación de todo un sistema filosófico: en "Filosofía del arte" (lecciones dadas entre 1802 y 1803, pero publicadas en 1859) expuso que el arte es el medio a través del cual se expresan las infinitas «ideas», que provienen de las distintas «potencias» presentes en la identidad absoluta que es el yo, y que se materializan de forma finita, siendo el principal vehículo de revelación de lo absoluto. Así, para Schelling, el arte es una «representación finita de lo infinito». Esta teoría se halla igualmente en su obra "Sobre la relación entre las artes plásticas y la naturaleza" (1807).


title: Historia de la estética

text: Así como Fichte representa el idealismo subjetivo y Schelling el idealismo objetivo, Georg Wilhelm Friedrich Hegel representa el idealismo absoluto, estableciendo un «saber absoluto» previo a todo conocimiento, formado por ideas articuladas. La naturaleza es la manifestación, la exteriorización de la idea. Hegel opinaba que el conocimiento avanza a través de la confrontación de opuestos: la dialéctica se basa en el movimiento tesis-antítesis-síntesis. Siguiendo a Heráclito, afirmó que todo está en movimiento, por lo que es más importante el tiempo que el espacio, dando gran importancia al devenir histórico. Hegel fue el introductor del relativismo histórico, ya que para él toda época tiene sus reglas y su verdad. Para Hegel, la Historia es el progreso del espíritu, creando en "Fenomenología del espíritu" (1807) un sistema donde a la lógica sucede la filosofía de la naturaleza, y a ésta la filosofía del espíritu, que divide en tres conceptos: «espíritu subjetivo» (antropología, fenomenología y psicología), «espíritu objetivo» (derecho, moral y ética) y «espíritu absoluto» (arte, religión y filosofía).


title: Historia de la estética

text: Asimismo, influido por Winckelmann, tomó su concepto de que la belleza es la materialización de la idea: para Hegel, el espíritu se forma en el pensamiento, pero este es capaz de alienarse, proyectándose al exterior a través del arte. Así, el arte es el resultado de una alienación ("Entäussernung") del pensamiento humano, que también se puede producir a través de la filosofía y la religión, de forma gradual, dando las tres etapas del espíritu humano. En "Estética" (1835-1838), Hegel afirmó que la belleza en arte es resultado de la idea que ha tomado forma –la idea platónica, como perfección absoluta–; la idea se refleja en la belleza artística. Tomando las etapas del arte establecidas por Winckelmann, estableció tres formas de manifestación artística: arte simbólico, clásico y romántico, que se relacionan con tres formas diferentes de arte, tres estadios de evolución histórica y tres maneras distintas de tomar forma la idea.


title: Historia de la estética

text: En la idea, primero hay una relación de desajuste, donde la idea no encuentra forma; después es de ajuste, cuando la idea se ajusta a la forma; por último, en el desbordamiento, la idea sobrepasa la forma, tiende al infinito. En la evolución histórica, equiparó infancia con el arte prehistórico, antiguo y oriental; madurez, con el arte griego y romano; y vejez, con el arte cristiano. En cuanto a la forma, la arquitectura (forma monumental) es un arte tectónico, depende de la materia, de pesos, medidas, etc.; la escultura (forma antropomórfica) depende más de la forma volumétrica, por lo que se acerca más al hombre; la pintura, música y poesía (formas suprasensibles) son la etapa más espiritual, más desmaterializada. La creación artística no ha de ser una mímesis, sino un proceso de libertad espiritual. En su evolución, cuando el artista llega a su límite, se van perdiendo las formas sensibles, el arte se vuelve más conceptual y reflexivo; al final de este proceso se produce la «muerte del arte».