title: Big Time Rush (banda)

text: El programa se emitió desde el 28 de noviembre de 2009 hasta el 25 de julio de 2013. El episodio piloto presentó el primer sencillo promocional del grupo, "Big Time Rush". El grupo ha lanzado tres álbumes de estudio: "BTR" en 2010, "Elevate" en 2011, y "24/Seven" en 2013. La banda entró en un hiatus indefinido en 2014 y está previsto que empiece a actuar de nuevo en diciembre de 2021.


title: Big Time Rush (banda)

text: Nickelodeon firmó un contrato discográfico con Big Time Rush en 2009 simultáneamente con la serie de televisión, "Big Time Rush". Entonces, Nickelodeon se asoció con Columbia/Epic Label Group para producir la serie e incluir la música original al programa. Para la serie, su sencillo debut, "Big Time Rush", se publicó el 29 de noviembre de 2009. Anunciada oficialmente por Nickelodeon, la serie se emitió por primera vez en Estados Unidos en noviembre de 2009, hasta que finalmente se estrenó en todo el mundo. Se estrenó durante un avance especial de una hora de la serie y actualmente es el tema de apertura del programa. En la serie también se lanzaron singles promocionales como "City is Ours" y "Any Kind of Guy". Big Time Rush también versionó una canción de Play titulada "Famous". La canción fue lanzada en iTunes el 29 de junio de 2010. Otra canción, "Halfway There", fue lanzada en iTunes el 27 de abril de 2010, después de su estreno en la serie. Pronto se convirtió en su primera canción en la lista de éxitos de "Billboard" Hot 100, alcanzando el número 93 debido a las ventas digitales.


title: Big Time Rush (banda)

text: El 21 de septiembre de 2010, Big Time Rush lanzó el segundo sencillo, "Till I Forget About You", para promocionar el lanzamiento de su álbum debut. El álbum, titulado "BTR", se publicó el 11 de octubre de 2010. El álbum debutó en el número 3 del "Billboard" 200, vendiendo 67.000 copias en su primera semana de lanzamiento. El álbum también alcanzó el número 4 en la lista de Internet Albums y el número uno en la lista de Soundtracks. Su tema "Big Night" debutó en la lista "Billboard" Hot 100 en el número 79, convirtiéndose en su canción más popular. El álbum recibió posteriormente la certificación Gold por las ventas de más de 500.000 copias en Estados Unidos. En noviembre de 2010, se anunció que un especial de Navidad de Big Time Rush se estrenaría a finales de ese mes, y que se lanzaría un EP navideño para coincidir con el episodio. El 30 de noviembre de 2010, lanzaron el EP navideño "Holiday Bundle", con dos canciones: "Beautiful Christmas" y la versión de "All I Want for Christmas Is You", interpretada originalmente por Mariah Carey.


title: Big Time Rush (banda)

text: El 15 de febrero de 2011, "Boyfriend" fue lanzado como el tercer sencillo oficial de la banda a la radio principal de Estados Unidos. "Boyfriend" alcanzó el número setenta y dos en la lista "Billboard" Hot 100, convirtiéndose en su canción más exitosa hasta la fecha. Incluso alcanzó el número 30 en la lista de "Billboard" Pop Songs en marzo de 2011, y también se situó muy bien en las listas de varios países internacionales. Un remix de "Boyfriend" en el que participaron New Boyz se filtró en Internet. Big Time Rush fue nominado al premio Breakthrough Band de MTV en 2011 también. Big Time Rush ha hecho varias apariciones en los Kid's Choice Awards. Su sencillo "Boyfriend" fue nominado a los Premios Oye! en México (similares a los Premios Grammy en Estados Unidos) a la mejor canción internacional en inglés del año. Perdieron frente al sencillo "Diamonds" de Rihanna.


title: Big Time Rush (banda)

text: El grupo anunció que grabaría su segundo álbum de estudio, justo después de que Nickelodeon renovara la serie para una tercera temporada. El 22 de julio de 2011, el grupo lanzó un sencillo promocional, "If I Ruled the World" con Iyaz, como anticipo de su segundo álbum, "Elevate". "Elevate" fue lanzado el 21 de noviembre de 2011, y debutó en el número 12 del "Billboard" 200, vendiendo más de 70.000 copias en su primera semana. Aunque el álbum tuvo una posición máxima más baja que su anterior debut, "Elevate" vendió muchas más copias en su primera semana respectivamente que el álbum anterior. El primer sencillo, "Music Sounds Better with U", escrito por la banda y Ryan Tedder de OneRepublic, fue lanzado el 1 de noviembre de 2011. La canción alcanzó el número veintiséis en el Mainstream Top 40 de Estados Unidos. El segundo y último sencillo, "Windows Down", fue lanzado el 25 de junio de 2012, y alcanzó el número noventa y siete en el "Billboard" Hot 100 y el número treinta y cinco en el Mainstream Top 40, haciendo su tercera entrada en el top cuarenta de la lista.


title: Big Time Rush (banda)

text: Para promocionar el lanzamiento de su segundo álbum, el grupo realizó su primera gira como acto principal, el Better With U Tour, que tuvo lugar durante dieciséis fechas en varias ciudades de Norteamérica en febrero y marzo de 2012. JoJo fue telonera de Big Time Rush en las primeras cinco fechas, mientras que One Direction fue el telonero en diez de las dieciséis fechas. A finales de febrero, Big Time Rush anunció una gira nacional de verano que comenzaría el 5 de julio en el Nationwide Arena de Columbus Ohio.


title: Big Time Rush (banda)

text: El grupo anunció que protagonizaría su largometraje de 2012, "Big Time Movie". La película los presenta viajando a Londres, Inglaterra. En "Big Time Movie", los cuatro miembros del grupo Big Time Rush se dirigen a Londres para realizar su primera gran gira mundial, pero en su lugar se ven mezclados en una misión para salvar el mundo. La película se estrenó el 10 de marzo de 2012 en los cines de Estados Unidos, mientras que en Alemania se estrenó el 22 de septiembre de 2012. Debido a la promoción, el grupo grabó versiones de canciones de los Beatles y lanzó un EP, "Big Time Movie Soundtrack EP". La película recibió críticas entre mixtas y positivas por parte de la mayoría de los críticos de cine contemporáneos, muchos de ellos comparándolos con The Monkees y alabando su imagen divertida y despreocupada. La película fue un éxito de audiencia, teniendo más de trece millones de espectadores durante su fin de semana de estreno.


title: Big Time Rush (banda)

text: En 2013 Nickelodeon renovó la serie "Big Time Rush" para una cuarta temporada de 13 episodios, cuya producción comenzó el 7 de enero. La banda también lanzó una canción titulada "Like Nobody's Around", que según el episodio de estreno "Big Time Invasion" esbozaba la historia de las boy bands profesionales, exitosas y totalmente americanas; los Platters, los Temptations, Jackson 5, New Kids on the Block, Backstreet Boys, y NSYNC, en respuesta a la invasión británica del acto rival, y enormemente exitoso One Direction. El 15 de abril, en una entrevista en Cambio, Big Time Rush anunció que su tercer álbum de estudio, "24/Seven" saldría a la venta en algún momento a principios de junio de 2013 y que la cuarta temporada de "Big Time Rush" se estrenaría el 2 de mayo de 2013. El 18 de abril, Big Time Rush reveló que "24/Seven" saldría a la venta el 4 o el 11 de junio de 2013. El 20 de abril, se filtraron nueve temas del álbum (además de "Song for You" sin la voz de Karmin y "Get Up" con solo la voz de Schmidt). El 4 de junio, EW publicó en línea la versión completa de 10 canciones de "24/Seven". La versión Deluxe de "24/Seven" también se filtró en YouTube junto con una versión diferente del tema "Love Me Again".


title: Big Time Rush (banda)

text: "24/Seven" salió a la venta el 11 de junio de 2013, la portada del álbum y la lista de canciones se revelaron el 29 de abril de 2013. "24/Seven" tuvo menos éxito comercial que "Elevate". Incluía canciones como el tema titular up-tempo "24/Seven" y la balada roquera "We Are". Aun así, Big Time Rush fue nominado al mejor grupo del mundo, al mejor álbum y al mejor acto en directo en la ceremonia celebrada en Montecarlo (Mónaco) en el recinto Salle des Etoiles para la 22ª edición de los World Music Awards por su continuo éxito mundial con la banda y su lanzamiento de "24/Seven". Más tarde se confirmó esa misma noche después de la entrega de premios que Big Time Rush había ganado el trofeo al mejor acto en vivo del mundo, convirtiéndolos en el primer y único acto y/o artista de Nickelodeon en la historia en ganar un trofeo de los World Music Awards.


title: Big Time Rush (banda)

text: En 2013, tras el final de la emisión de la serie de televisión "Big Time Rush", los miembros del grupo continuaron de gira hasta marzo de 2014 y, posteriormente, pusieron la banda en un hiatus indefinido, pasando a seguir carreras en solitario. Schmidt declaró en ese momento que les gustaría volver a juntarse como banda si tienen una oportunidad. Kendall Schmidt reformó posteriormente la banda Heffron Drive con Dustin Belt en mayo de 2013.


title: Big Time Rush (banda)

text: El 20 de abril de 2020, la banda se reunió virtualmente, ya que subieron un video en las plataformas de medios sociales de la banda, compartiendo algunos mensajes con sus fanáticos a causa de la pandemia de COVID-19. El 16 de junio, la banda lanzó una versión acústica de "Worldwide". En diciembre de 2020, James Maslow subió un vídeo de la banda haciendo una versión de su canción "Beautiful Christmas." El 19 de julio de 2021, el grupo anunció sus planes de realizar una pequeña gira de conciertos en diciembre de 2021.


title: Big Time Rush (banda)

text: El 19 de julio de 2021, el grupo anunció oficialmente su regreso con un vídeo de reunión anunciando sus planes de realizar dos shows de reunión en diciembre de 2021, incluyendo un show el 15 de diciembre en el Chicago Theatre, y un show en el Hammerstein Ballroom el 18 de diciembre en la ciudad de Nueva York. El grupo también se encuentra preparando el lanzamiento de su cuarto trabajo discográfico a ser lanzado en algún momento de 2023.


title: Big Time Rush (banda)

text: El 1 de diciembre de 2021, el grupo anunció su sencillo "Call It Like I See It" cuyo lanzamiento fue el 13 de diciembre del mismo año.


title: Big Time Rush (banda)

text: El 21 de febrero de 2022, la banda anunció en "Good Morning America" que realizarían una gira de reunión a lo largo de 2022. El 25 de febrero, la banda lanzó otro sencillo llamado "Not Giving You Up. " además del lanzamiento del video musical de la canción que supone su primer video musical en ocho años. Además el grupo se encuentra trabajando en lo que será su cuarto trabajo discográfico a ser lanzado en algún momento de 2022. El 27 de mayo de 2022 el grupo anuncio el lanzamiento de la versión acústica de su exitoso sencillo Worldwide mediante su cuenta de Twitter, El mismo día también anunciaron el lanzamiento de su nuevo sencillo Fall que fue lanzado el 10 de junio del mismo año.


title: Big Time Rush (banda)

text: Debido a que el grupo está asociado a la serie de televisión y a la cadena infantil Nickelodeon, se les ha presentado como un grupo "para niños", pero tienen diferencias musicales. En una reseña de su primer álbum de estudio, "BTR", Jessica Dawson de Common Sense Media escribió: "Big Time Rush destaca, no sólo por su encanto y su buen aspecto, sino porque su música es una mezcla genial de synth-pop, hip-hop, y armonías de boy-band." El sonido de la banda se describe como "pop-inspirado en el dance-rock".


title: Big Time Rush (banda)

text: El grupo ha sido comparado con otras boy bands de la época como One Direction y the Wanted. Michael O'Connell de "The Hollywood Reporter" dijo "One Direction no es más que un grupo de esta moda resistente y atemporal. Siguen el reciente éxito de sus compatriotas británicos [The Wanted] y la creación de Nickelodeon [Big Time Rush]. Uno [One Direction] es una casualidad. Dos [The Wanted] es una coincidencia. Y tres [Big Time Rush] es una tendencia que quiere engendrar a sus hijos no nacidos.' Melinda Newman de "The Washington Post" declaró "En la gran tradición de las bandas de chicos, estos actos comparten ciertos rasgos con sus ancestros pop de fabricación similar: Los miembros de The Wanted y Big Time Rush se presentaron a un casting para conseguir sus papeles. Los miembros de One Direction fueron reunidos por Simon Cowell después de probar individualmente para la edición británica de "The X Factor"". Sin embargo, los comparó positivamente con The Monkees diciendo "Big Time Rush es similar a The Monkees con su propia serie de televisión como plataforma de lanzamiento, y el grupo atrae a niños, preadolescentes, adolescentes y adultos. También se les acredita como el grupo de pop que ha vuelto a recuperar el crédito, la relevancia, y por relanzar a las boy bands de nuevo al ojo del público."


title: Big Time Rush (banda)

text: Big Time Rush in Concert es la primera gira de la banda Big Time Rush como acto principal que sirvió para promocionar su primer disco B.T.R.. La mayor parte del recorrido fue en Estados Unidos e igual la mayoría de las fechas fueron en varios festivales de radio, ferias estatales y parques de atracciones. La banda también tocó conciertos en Inglaterra y Alemania. La gira comenzó el 19 de abril de 2011 en Londres, Inglaterra y finalizó el 13 de diciembre de 2011 en Duluth, Estados Unidos.


title: Big Time Rush (banda)

text: Better With U Tour es la segunda gira musical de Big Time Rush como acto principal y sirvió para promocionar su segundo álbum de estudio Elevate, esta gira se llevó a cabo en los Estados Unidos y en Canadá, iniciando el 17 de febrero de 2012 en Las Vegas, Nevada. La gira fue anunciada por primera vez el 9 de noviembre de 2011 por la banda durante una entrevista con Ryan Seacrest.


title: Big Time Rush (banda)

text: Big Time Summer Tour es la tercera gira de la banda estadounidense Big Time Rush. La gira se inició oficialmente el 5 de julio de 2012 en el Nationwide Arena en Columbus, Ohio y concluyó el 11 de octubre de 2012 en el Figali Convention Center de la ciudad de Panamá. La gira incluye ciudades en Estados Unidos y Canadá así como el debut de la banda en México, Brasil, Perú, Argentina, Chile y Panamá y en como acto principal, aunque la banda se ha presentado anteriormente en México como el acto de apertura de Justin Bieber en su My World Tour. La gira fue anunciada por primera vez por la banda mediante el programa radial de Ryan Seacrest mediante un video. La pre-venta de la boletería se inició el 10 de marzo de 2012.


title: Big Time Rush (banda)

text: Summer Break Tour es la cuarta gira de la banda estadounidense Big Time Rush. El 29 de marzo de 2013 por medio del portal web de Ryan Seacrest, la banda anunció el comienzo de su nueva gira de conciertos por los Estados Unidos llamada Summer Break Tour, que dio inicio el 21 de junio de 2013 en Los Ángeles, California. Para esta ocasión estuvieron acompañados de su co-estrella del canal Nickelodeon, Victoria Justice, durante algunas fechas de la gira en Estados Unidos, siendo Jackson Guthy y Olivia Somerlyn los teloneros. También tuvieron un par de fechas en México visitando Monetrrey el 15 de agosto de 2013 y la Ciudad de México el 14 de agosto de 2013, siendo su telonero Jet-Lag. Esta gira sirvió para promocionar las canciones de su nuevo álbum 24/seven. Los chicos dijeron en una entrevista que en esta gira tuvieron como objetivo conectarse más con sus fanes y que ellas también participen. Algunas canciones que se tocaron fueron "Windows Down", "24/Seven", "Na Na Na", "Crazy For U", "Amazing", "Run Wild", "We Are", "Time Of Our Life", entre otras.


title: Big Time Rush (banda)

text: Big Time Rush Live 2014 World Tour es la quinta gira de la banda estadounidense Big Time Rush. La banda anunció algunas fechas para febrero en su página web oficial


title: Big Time Rush (banda)

text: Big Time Rush Live! es una mini gira de Big Time Rush por los Estados Unidos y comenzó de manera oficial el 13 de diciembre en Philadelphia. Es la primera gira del grupo en 8 años.


title: Big Time Rush (banda)

text: El Forever Tour Summer 2022 es la séptima gira oficial de la banda. El nombre se da a conocer oficialmente el día 21 de febrero en su presentación en el programa "Good Morning America" de la cadena ABC.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: La escultura de Roma se desarrolló en toda la zona de este país de influencia romana, con su foco central en Roma , entre el siglo VI a. C. y V d.C. El origen derivó de la escultura griega, principalmente a través de la herencia de la escultura etrusca, y luego directamente, por contacto con las colonias de la Magna Grecia y la propia Grecia, durante el periodo helenístico. La tradición griega siguió siendo una referencia constante durante todo el curso del arte escultórico en Roma, pero contradiciendo una creencia antigua y extendida de que los romanos eran solo meros copistas, ahora se reconoce que no solo fueron capaces de asimilar y desarrollar sus fuentes con maestría, sino también aportar una contribución original e importante a esta tradición, visible especialmente en el retrato, género que consiguió un gran prestigio y que dejó ejemplos singulares de gran técnica y de alta expresividad, y en la escultura decorativa de los grandes monumentos públicos, donde se desarrolló un estilo narrativo de gran fuerza y carácter típicamente romano.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Tras la consolidación del imperio romano, otras influencias extranjeras, sobre todo orientales, determinaron una progresiva separación del canon griego hacia una simplificación formal de tendencia abstracta, que estableció las bases del arte bizantino, paleocristiano y medieval. Este proceso, sin embargo, se intercaló con varios períodos de recuperación del clasicismo, que además de fortalecer el vínculo simbólico con el pasado fueron útiles para el mantenimiento de la cohesión cultural y política del vasto territorio. Ni siquiera la cristianización del imperio pudo determinar la exclusión de referencias a la escultura clásica romana pagana, y hasta el , cuando la unidad política se rompió definitivamente, los modelos clásicos siguieron siendo imitados, pero adaptados a los temas del nuevo orden social, político y religioso que se había instaurado.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: El estudio de la escultura romana ha demostrado ser un desafío para los investigadores por su evolución que es cualquier cosa menos lineal y lógica. Los intentos de imponer un modelo de desarrollo formal como un sistema orgánico sobre la historia de la escultura romana se muestran inexactos y poco realistas. A pesar de algunos desacuerdos entre los especialistas en muchos puntos, ya se tiene una idea más o menos clara sobre las características generales de cada etapa evolutiva, pero, cómo fue su desarrollo y cómo se transforman de una a otra etapa ha demostrado ser un proceso muy complejo y que aún está lejos de entenderse bien. Una tendencia duradera al historicismo y eclecticismo, aún más pronunciada que la observada durante el período helenístico, junto con la presencia de diferentes estilos, en esculturas producidas en el mismo momento histórico para distintas clases sociales, e incluso dentro de una sola clase, atendiendo a las necesidades de cada tema y situación, hacen que su comprensión sea aún más compleja.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Además del gran mérito intrínseco de la producción escultórica romana, el hábito generalizado de copias de obras anteriores griegas y alusiones al clasicismo griego a lo largo de toda su historia, incluso por los primeros cristianos, mantuvo viva una tradición y una iconografía que de otra forma podrían haberse perdido. Gran parte del conocimiento de la cultura y el arte de la Grecia antigua, y más, la escultura romana —junto con la griega— tuvo una importancia fundamental en la formulación de la estética del Renacimiento y el Neoclasicismo, que confirma su vitalidad y significado incluso en los tiempos modernos, y es considerado hoy como uno de los organismos artísticos más importantes de la cultura occidental, como lo demuestra el gran número de estudios especializados de que es objeto y de la fascinación que todavía tiene en el público en general.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Roma era una sociedad muy visual. Con la mayoría de su población analfabeta e incapaz de hablar el latín erudito que circulaba entre la élite, las artes visuales funcionaban como una especie de literatura accesible a las grandes masas, lo que confirma las ideologías y la difusión de la imagen de personalidades eminentes. En este contexto, la escultura disfrutó de una posición privilegiada, que ocupaba todos los espacios públicos y privados y llenaba las ciudades con innumerables ejemplos de diversas técnicas. Gran parte de la escultura producida en Roma pertenece a la temática religiosa o está relacionada de alguna manera. Incluso los retratos a menudo tenían asociaciones con lo sagrado, como en todas las culturas antiguas, Roma no fue diferente en la práctica para producir imágenes de culto, que estaban presentes desde los grandes templos públicos hasta las viviendas más modestas. No solo las grandes esculturas en bronce y mármol se convirtieron en algo común —las estatuas, grandes sarcófagos, relieves arquitectónicos, camafeos grabados en las piedras preciosas—, pero aún más en estatuillas de terracota, placas funerarias sencillas, máscaras mortuorias en cera, cuyo coste estaba al alcance de las clases más bajas, y en las monedas, que pueden ser vistas como una especie de relieve en miniatura y se encontraban circulando entre la masa del pueblo. Jaś Elsner dice:


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Cuando el cristianismo se convirtió en la religión oficial, el papel del arte cambió radicalmente, aunque no había perdido su importancia central. El Dios cristiano no era conocido a través de imágenes, sino a través de las escrituras, de sus profetas y comentaristas. Sin embargo, la escultura y su repertorio de representaciones naturalistas convencionales fue adoptada por la iglesia naciente para la composición de alegorías y continuó siendo practicada como decoración en el ámbito público y privado laico, como registro histórico o para el retrato hasta el final del imperio, incluso como forma de enfatizar la herencia clásica compartida por todos y con el fin de establecer la unidad cultural en un momento en que las periferias empezaban a desarrollar su propia cultura con un alto grado de independencia y se volvía cada vez más complicada la tarea de mantener el territorio unificado.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: El origen de Roma es controvertida, probablemente fue fundada a mediados del por una mezcla de pueblos itálicos que vivían en la región del Lacio desde el Algunos sostienen la tesis de que fue fundada por los etruscos, que vivían en el norte, y un mito dice que su fundación se debe a Rómulo y Remo, descendientes de Eneas, héroe de Troya. Otras evidencias sugieren fuertemente la presencia de grupos de inmigrantes transalpinos, célticos y germánicos, que habrían dejado sus rasgos físicos en algunas familias de la aristocracia romana, como los Flavios (flavio significa rubio, en latín), y sido la causa de la presencia de nombres como Rufos y Rutilios (Rufo, pelirrojo y Rutilio, de cabello rojizo, en latín), en un pueblo de cabello oscuro, básicamente.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Entre los siglos VII a. C. y VI a C. Los etruscos dominaron la parte norte central de la península Itálica, y al menos algunos de los semilegendarios reyes de Roma fueron etruscos. Su arte, que ya estaba en gran medida interpretado del periodo griego arcaico, se convirtió en el arte de los romanos. Así como harían más tarde con el arte griego, los romanos no solo copiaron los modelos etruscos sino que en sus guerras contra ellos, se apropiaron de sus obras de arte para la decoración de su capital. Las primeras esculturas realizadas en Roma de las que hay noticia datan del y su estilo es totalmente etrusco. El famoso Apolo de Veyes, nos da una buena información sobre las tendencias estéticas vigentes en ese momento. Los etruscos eran expertos en diferentes tipos de esculturas, desde la estatuaria fúnebre y sarcófagos hasta los grupos monumentales, y en muchos aspectos se anticiparon a la estética de lo prosaico que los romanos desarrollarían más tarde. Fueron maestros en escenas de género, que representaban la vida común, personajes del pueblo en actividades características, y también en el retrato se mostraron artífices de primer orden. Pero quizás donde habían sido más originales fue en el arte funerario. Desarrollaron una tipología específica para las urnas funerarias, que consistía en una caja decorada con relieves y cerrada por una tapa en la que había un retrato del fallecido de cuerpo entero reclinado, a veces acompañado por su esposa, un modelo que los romanos adoptarían en muchos de sus sarcófagos. El "Sarcófago de los esposos" del Museo Nacional Etrusco, y el "Hipogeo dei Velumni", una cripta en Perugia con varios sarcófagos, son ejemplos bien conocidos. A pesar del progresivo abandono de la tradición etrusca durante la época helenística que vendría después, se encuentran rastros de ella todavía en el momento de la época de Augusto.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Mientras tanto, Grecia evolucionaba hacia su clasicismo, cuyo apogeo ocurrió en el En aquella época Roma inició su expansión hacia el sur, obtuvo la independencia de los etruscos después de casi un siglo de luchas por la supremacía regional, entrando en contacto más íntimo con el arte griego a través de las colonias de la Magna Grecia, cuya cultura sofisticada impresionó a los romanos. Los nobles de Roma empezaron a querer obras griegas en sus palacios, y se contrataban a artistas griegos para que realizaran copias de las composiciones helenas más célebres, a veces pagando precios fabulosos por ellas.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Un poco más tarde, Alejandro Magno, conquistó Grecia y llevó su arte hasta la India pasando por Persia y llegando a Egipto. El impacto de esta expansión tuvo dos significados, uno sobre los pueblos conquistados, definiendo nuevas orientaciones para su cultura y arte, y otro inverso, sobre la propia cultura griega que asimiló una variedad de elementos orientales. Con la fragmentación del imperio alejandrino después de la muerte del conquistador, se formaron varios reinos de raíz local —Bitinia, Galacia, Paflagonia, Ponto, Capadocia, el Egipto de la dinastía Ptolemaica—, que incorporaron nuevas costumbres griegas, evolucionando de manera propia. De esta fusión de influencias orientales y griegas se debe el nombre helenístico. El interés por el pasado fue un rasgo distintivo de la época. Fundaron los primeros museos y bibliotecas, como en Pérgamo y en Alejandría, hubo biografías de los más notables artistas, la crítica de arte se desarrolló y los viajeros describieron la geografía, la historia y costumbres de las diversas regiones que visitaban.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: El historicismo de la época dio lugar a que varios estilos anteriores fueran emulados en una síntesis ecléctica, pero con un progresivo laicismo en el tema y una preferencia por las obras dramáticas y en movimiento, cuya intensidad expresiva ha sido comparada por algunos con el estilo barroco. La infancia, la muerte y vejez, e incluso el humor, temas casi sin precedentes en el arte griego clásico, fueron introducidos y cultivados. Además, se desarrolló entre las élites de varias zonas el gusto por el coleccionismo de obras de arte, donde los romanos resultarían los más entusiastas.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: En 212 a. C., los romanos conquistaron Siracusa, una rica e importante colonia griega en Sicilia, adornada con una profusión de obras de arte helenístico. Todo fue saqueado y llevado a Roma, donde sustituyó la línea de la escultura etrusca que todavía se cultivaba. El saqueo de Siracusa, fue el impulso final para el establecimiento definitivo de la norma griega en el corazón de la República, pero encontró también la oposición.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Catón denunció el saqueo y la decoración de Roma con las obras helénicas, consideró que era una peligrosa influencia para la cultura nativa, y deploró que los romanos aplaudieran las estatuas de Corinto y Atenas, y ridiculizaran la tradición decorativa en terracota de los antiguos templos romanos. Pero todo fue en vano. El arte griego había sometido el gusto etrusco-romano en general, al punto de que las estatuas griegas se encontraban entre los premios más codiciados de la guerra y eran exhibidas durante la procesión triunfal de todos los generales conquistadores. En el triunfo de Lucio Emilio Paulo Macedónico tras la conquista de Macedonia en el 168 a. C. desfilaron doscientas cincuenta carrozas llenas de estatuas y pinturas, y después de la conquista de Acaya en el 146 a. C., que decretó el fin de la independencia griega y su sumisión al Imperio Romano, Plinio dice que Lucio Mumio, literalmente llenó Roma de esculturas.Poco después, en el 133 a. C., el imperio recibió en herencia el reino de Pérgamo, donde había una escuela pujante y original de la escultura helenística. —El enorme Altar de Pérgamo, el "Gálata suicida", o el intensamente dramático grupo "Laocoonte y sus hijos", fueron tres de las creaciones más impresionantes de esta escuela helenística.—


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Los artistas griegos se establecieron en Roma después de que Grecia fuera conquistada en el 146 a. C., y muchos de ellos empezaron a producir copias de las esculturas griegas más famosas, que eran populares en Roma. Esta escuela helenística reprodujo los modelos de Praxíteles, de Lisipo y obras clásicas del En esta escuela neoática de Roma destacó entre otros el escultor Pasiteles, originario de la Magna Grecia, aunque convertido en ciudadano romano. Fue famosa la recopilación que hizo en un catálogo de las esculturas más famosas del mundo. Como escultor se le atribuyen un Júpiter en oro y marfil y numerosas obras en bronce. La escuela del neoaticismo representa la primera aparición en la historia de un movimiento que legítimamente puede ser llamado neoclasicismo.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Un cambio en la tendencia puramente griega y en la formación de una escuela nacional de escultura en Roma se produjo entre finales del o inicios del Un buen ejemplo es el "Altar de Enobarbo", considerado un precursor inmediato del gran arte imperial de Augusto. Creado como una ofrenda de Cneo Domicio Enobarbo por el fin de la campaña militar en Brindisi fue instalado delante del templo de Neptuno, que se había construido al mismo tiempo. El altar fue decorado con varios frisos, algunos con escenas mitológicas más o menos convencionales y comunes en la tradición griega. En uno de ellos hay una escena de culto, que representa a un sacerdote preparando un sacrificio, a sus lados se encuentran los soldados y otros asistentes, que ya muestran la evidente transferencia del estilo clásico tradicional hacia un tema narrativo típicamente romano, una crónica de la vida diaria y al mismo tiempo, el éxito de su modelo político.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Con Augusto, Roma se convirtió en la ciudad más influyente del imperio, y también el nuevo centro de cultura helenística, como lo habían sido antes Pérgamo y Alejandría, atrayendo a un gran número de artesanos griegos. Así como los sucesores de Alejandro habían contribuido a la supervivencia del arte griego, enriqueciéndola con nuevos temas, ahora, en la era augustal, Roma quiso dar su propia contribución a la continuidad y la renovación de una tradición que ya había conseguido prestigio durante siglos y había dictado el carácter de todo el arte producido allí. Pero más que la sola transferencia de la atención cultural a Roma, que dio lugar a un cambio en lo que era hasta entonces puramente griego y el surgimiento de una escuela romana, fue la formación de la idea de imperio y la aplicación de la técnica griega para la temática típica de esta nueva Roma.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: En la consolidación del imperio fue de gran importancia la acuñación de monedas, que son en realidad bajorrelieves en miniatura. Julio César legalizó en Roma la práctica helenística y oriental de impresión de la efigie con el gobernante vivo en las monedas, donde hasta entonces solo había imágenes de dioses o personajes históricos fallecidos, y Augusto dirigió esta práctica con mayor conciencia y pragmatismo político, imponiendo su presencia visual y el mensaje del gobierno en la vida cotidiana de todos los ciudadanos, y que ilustran cómo el arte y la agenda política podían unir esfuerzos para garantizar un sistema de control social a gran escala. Este uso podía ejercer presión sobre la sociedad, corrían historias sobre la inaceptabilidad de las monedas que mostrasen la imagen de emperadores odiados como Nerón.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: El primer gran monumento de la escultura imperial fue el "Ara Pacis" entre el 13 y el 9 a. C., también obra maestra de la arquitectura romana. Dedicado a la diosa Pax, celebraba el éxito del regreso del emperador Augusto tras sus victorias en las campañas de Galia e Hispania. El monumento está decorado con frisos y relieves escultóricos que muestran procesiones, escenas alegóricas de la mitología y sacrificios. En una escena se representa a Tellus, la Madre Tierra, en una interpretación muy diferente de su homóloga griega, Gea. Aquí se la personifica con una fuerza violenta e irracional de la naturaleza, como se veía en vasijas griegas, pero es una imagen realmente delicada y maternal de protección y nutrición. Otras escenas enfatizan los beneficios de la Pax Augusta, y proporcionan una visión clara de los valores que en ese momento tenían los romanos como verdaderos —una idea afirmada en repetidas ocasiones en la poesía laudatoria de la época—.Además, Strong afirma que en este inmenso altar aparece por primera vez en el arte grupos donde tanto espectadores como protagonistas participan de una misma escena, pero añade:


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Si en términos puramente artísticos la madurez tuvo que esperar algún tiempo para desarrollarse, en términos ideológicos, el trabajo estaba bastante adelantado. Augusto demostró ser un gobernante capaz, y que contaba con el apoyo del pueblo. Desde su primer consulado, fue acumulando los honores hasta serle ofrecido el Imperio por el Senado y el estatus de «Augusto» a petición del pueblo. Su reinado fue un período de relativa paz y prosperidad. Organizó su país y fomentó las artes, no sin aprovecharse de ellas para promover su imagen personal, como era un uso generalizado entre los poderosos. Sobreviven muchas de las estatuas del emperador en los museos del mundo, mostrándolo con una variedad de atributos, militares, civiles y divinos. Una de los más famosas es Augusto de Prima Porta, que en realidad es una reelaboración sobre el Doríforo de Policleto, demostrando que a pesar de los cambios sensibles en la cultura de su tiempo, la tradición griega seguía siendo venerada y los modelos más antiguos copiados, tanto por sus cualidades intrínsecas como por representar para la cultura romana una paternidad que le donaba mayor dignidad a la nueva condición de la Roma imperial, con la figura del emperador como el mayor de todos los mecenas y héroes.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Otros historiadores consideran a la dinastía Julio-Claudia como un período de grandeza en el arte romano. Los aspectos que Strong considera indicativos de una fase de incertidumbre sobre la estética —el espíritu mismo de la investigación en varios frentes, la búsqueda de nuevos efectos de iluminación y tratamiento de superficies, nuevas formas para crear un sentido narrativo eficaz, estudiando la naturaleza y tratando de resolver los problemas de representación de los grupos en la perspectiva— se registran también como signos de consolidación de una escuela nacional de escultura genuina, se refuerza esta impresión en los logros en el campo de los retratos que se venían sucediendo desde la República. Sin embargo, es cierto que la influencia del neoclasicismo de la Escuela Ática se mantuvo firme, y modelos griegos idealizados siguieron siendo utilizados para la difusión de la majestad imperial, combinados con un gusto por la semblanza estableciendo un modelo innovador que fue seguido aún por muchos años.


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text: En el retrato es donde Roma da su contribución más característica de la tradición fundada por los griegos, una contribución que ha madurado mucho antes que en otros tipos de esculturas y que hicieron que el desarrollo de la escultura en Roma, se dividiera en dos campos, con diferentes patrones de evolución, el retrato y los otros tipos. Desde la época de la República el retrato fue muy bien valorado y con el tiempo osciló cíclicamente entre una tendencia clasicista idealizante y otra de gran realismo, derivada en parte de la expresividad típica del arte helenista. Y entre los retratos, el busto y la cabeza eran las formas más frecuentes. Retratos de cuerpo entero fueron menos comunes, aunque no raros. La preferencia por el busto y la cabeza es un rasgo cultural típico romano que creó un enorme mercado en toda la cuenca mediterránea, y se explica primero, por razones económicas, siendo mucho más barato que una estatua completa, pero también por el convencimiento de una mejor identificación individual que prevaleció entre ellos. Para los romanos era la cabeza y no el cuerpo ni los trajes o accesorios, los atributos del centro de interés en el retrato.


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text: Con la ascensión de Vespasiano, fundador de la dinastía Flavia, el estilo mixto del idealismo y el realismo practicado por los artistas de la dinastía Julio-Claudia sufrió un cambio, con la reanudación de las formas helénicas y con una gran énfasis en la descripción realista del sujeto, incluso cuando se trataba del emperador. La técnica también se amplió con un uso innovador de perforación, y los retratos femeninos de esta fase están generalmente adornados con peinados muy complicados. Con Trajano, sin embargo, los cambios en este nuevo ciclo se inclinaron hacia la idealización, llevado a un grado aún mayor con Adriano, cuyas preferencias helenistas estaban bien marcadas. Los retratos de Marco Aurelio, también presentan la caracterización realista, mostrando un paso más hacia la descripción, consiguen un alto grado de expresividad y tienen un gran impacto en el arte de todo el imperio. Pero entonces, mediante la influencia oriental y el interés en los elementos geométricos consiguen que los retratos adquieran un aspecto progresivamente más estilizado y abstracto. Con Constantino esta tendencia llega a su punto más alto, junto con una sensación de monumentalidad que recuerda el clasicismo de la época de Augusto. El estilo desarrollado bajo su reinado sería un precursor directo del arte bizantino y representa el final de la edad de oro de la escultura romana.


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text: Mientras que los emperadores utilizaban los retratos principalmente para la reafirmación del poder y su programa político, en la esfera privada se utilizaban en el contexto funerario. Bustos, acompañados de inscripciones, elenco de familiares y amigos del fallecido decoraban altares, tumbas y urnas cinerarias. Esta tradición estaba vinculada a una larga historia de mostrar máscaras mortuorias de cera o terracota de antepasados ilustres en las procesiones funerarias de la élite romana, para celebrar y demostrar su linaje patricio. Estas máscaras estaban orgullosamente guardadas en el santuario familiar, el "lararium", junto con bustos en bronce, terracota o mármol. Se supone que la costumbre de la confección de máscaras mortuorias, que copian con exactitud las características faciales de los muertos, fue una de las causas para el desarrollo del gusto para el realismo de los retratos romanos.


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text: En el caso de la estatuaria cuando representaban los retratos del emperador deificado, especialmente en períodos en que la descripción realista estaba en vigor con más fuerza, se observa de inmediato una incongruencia entre la forma de representación del cuerpo y la cabeza. Mientras que la cabeza se mostraba a menudo con todos los signos del envejecimiento, los cuerpos estaban representados de acuerdo con los antiguos cánones de la escultura clásica griega, idealizados con una eterna juventud y fuerza. Estas obras extrañas, a los ojos modernos, acostumbrados a disfrutar de una estatua como un todo homogéneo, resultan comprensibles cuando se recuerdan las convenciones que regían el arte del retrato antiguo, y cuando sabemos que las estatuas eran para los romanos una especie de simulacro simbólico y no una realidad.


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text: Así, se ha sugerido que en realidad se trataba de un acuerdo entre dos partes diferentes, una para representar el cuerpo en términos simbólicos y otra para la representación descriptiva de la cabeza con el fin de poder identificar claramente al personaje, con un rechazo de la interpretación literal del conjunto. Las mismas convenciones parecían regir la estatuaria privada a la hora de representar el "genio" del sujeto, y en este caso pertenecía al grupo de los monumentos funerarios. Con el mismo propósito se hacía a menudo simplemente sustituyendo la cabeza de una célebre estatua de un dios por la de un patricio romano o del emperador, pero parece no haber existido ninguna dificultad para los romanos en la diferenciación clara entre las estatuas de culto y estatuas simbólicas, entre una estatua de un dios y una estatua de una persona como un dios. Tampoco se dudaba en simplemente quitar la cabeza de una estatua de cualquier otra persona y reemplazarla por otra, cuando se llevaba a cabo alguna "damnatio memoriae". Esta práctica fue comentada de manera natural en la literatura de la época, lo que confirma la independencia entre la cabeza y el cuerpo en el imaginario romano.


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text: Otros tipos de estatuas, decorativas y de culto, en el arte romano no añade nada esencialmente nuevo, y sus ejemplares, aunque muchos de gran calidad, no muestran nada que no hubiese sido experimentado a fondo antes por los griegos clásicos y helenistas, las copias romanas de obras de esta producción seminal continuaron produciéndose hasta el . Sin embargo, desde el siglo segundo, y con mayor fuerza a partir de Constantino I, la creciente penetración de la influencia oriental determinó una progresiva eliminación, con algunos períodos de recuperación, del canon griego, conduciendo a la formación de un estilo sintético y de abstracción que sería el puente para el establecimiento del arte bizantino.


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text: El uso de los sarcófagos era común entre etruscos y griegos, pero en Roma se usó extensivamente solo desde el , cuando la costumbre de la cremación de los muertos fue sustituida por el entierro, y se extendió por todo el imperio. Su producción se estableció en tres centros principales —Roma, Ática y Asia— y se dividió en algunos modelos diferentes. Uno, el más común, era una caja decorada con relieves figurativos y con una cubierta más o menos lisa, otro tipo mostraba otra cubierta también decorada, que podrían incluir los retratos escultóricos del cuerpo completo de los fallecidos, como si estuvieran sentados en un banquete, era un modelo que derivaba del arte etrusco. Ambos dieron lugar a los ejemplares decorados con relieves de extraordinaria sofisticación y complejidad. Un tercer tipo, confinado en Roma, tenía una decoración abstracta o floral y cabezas de animales, principalmente leones, en los extremos. De todos modos había mucha variación y la mezcla entre estos modelos y su calidad y riqueza decorativa dependía de la riqueza de la familia que realizara el encargo.


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text: El centro de producción asiático se caracterizaba por una preferencia de cajas de gran tamaño y con formas arquitectónicas, con columnas a su alrededor y estatuas entre ellas, tenía una imitación de puerta en dos de sus laterales con placas ornamentadas, y un techo en forma de prisma con acroteras, simulando una verdadera casa o templo, y algunos podían tener una plataforma para su colocación en alto. Este tipo, a diferencia de los otros, fue decorado con frecuencia por los cuatro costados y podía ser un monumento independiente, instalado al aire libre en cualquier necrópolis, mientras que los otros, aparecían usualmente en nichos de tumbas y su decoración se resumía a las partes que eran visibles. La práctica romana de enterramiento en sarcófagos se continuó en la era cristiana, constituyendo uno de los principales medios para el desarrollo de la iconografía religiosa.


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text: En la tradición de los altares monumentales, columnas conmemorativas y arcos triunfales, los relieves decorativos empleados en estas arquitecturas fueron un campo fértil para el desarrollo de un estilo narrativo típico romano. Ejemplos clásicos precursores fueron, el "Altar Enobarbo" y el "Ara Pacis". Otro que merece tenerse en cuenta es el friso de la Basílica Emilia (c. 54-34 a. C.) en el Foro romano, en un estilo helenizante vigoroso, con drásticos escorzos y complementado con escenas de paisajes. De la dinastía Julio-Claudia casi nada sobrevivió, pero una prueba que puede dar una idea del estilo de este período es un friso encontrado en Roma, que muestra una procesión de magistrados y sacerdotes que llevan estatuillas votivas, junto con ayudantes, animales, músicos y otras figuras. Su interés reside en el efecto de la perspectiva aérea producida por la inserción de las figuras en el segundo plano encima de la línea de la procesión, un recurso que más tarde fue ampliamente utilizado en escenas históricas.


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text: La decoración del Arco de Tito (c. 81-82) ha sido considerada como el punto más alto del estilo de Flavio. Los paneles que lo decoran y que muestran el triunfo de Tito tienen excelentes cualidades de estética y demuestran una gran habilidad en el uso del escorzo para la representación de la cuadriga del emperador, donde el carro aparece de frente hacia el espectador pero el artista puede crear la impresión de que está haciendo un giro a la derecha. El otro panel, representa el saqueo de Jerusalén, utiliza el mismo recurso, en otro contexto, y ambos tienen su efecto ilusorio reforzado por el uso racional de la luz y la sombra. Pero sí es difícil hablar de un «estilo flavio», ya que en otros lugares se encontraron relieves más estáticos, de índole bastante clasicista.


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text: Del reinado de Trajano es la famosa Columna de Trajano, que conmemoraba la campaña en Dacia entre el 101 y 106. Es una gran columna completamente cubierta por un friso continuo que forma una espiral hacia la parte superior, es un ejemplo perfecto del estilo narrativo de los relieves históricos romanos. Los episodios se funden unos en otros sin interrupciones, excepto de vez en cuando con un árbol de separación. Trajano aparece varias veces en diferentes situaciones. En total son casi 2500 figuras talladas, y el nivel técnico se mantiene en todo el conjunto. Una característica innovadora es el abandono de la perspectiva y el uso de figuras desproporcionadas con su paisaje circundante, lo que delata la influencia oriental que penetró por aquel momento. Hoy solo vemos las formas de mármol, pero su efecto cuando fue completada debió de ser sorprendente ya que de acuerdo con la práctica de aquel tiempo, todas las escenas fueron pintadas y adornadas con detalles de metal. Es posible que su autor fuera Apolodoro de Damasco.


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text: Poco después se invierte la tendencia por el clasicismo. Destaca el Arco de Trajano en Benevento, en un excepcional estado de conservación —solo las esculturas fueron completadas bajo Adriano— y los once paneles de similar estilo, pero más bien conseguidos, representan al emperador Marco Aurelio en varias escenas. Cuatro de ellos están ahora en los Museos Capitolinos, y los otros fueron reutilizados en la época imperial en la decoración del Arco de Constantino. La Columna de Marco Aurelio es otro gran ejemplo de la prevalencia clasicista en esta etapa, a pesar de que hay una multitud de figuras que se agolpan en la espiral continua del friso que rodea el monumento, conserva un sentido del orden, elegancia, ritmo y disciplina que está ausente en la columna de Trajano.


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text: Este interludio del clasicismo, sin embargo, terminaría con Septimio Severo, cuyo Arco se acerca de nuevo al arte oriental en su sistema de proporciones y el acortamiento de su organización de escenas sueltas, cuatro grandes paneles relatan las campañas en Mesopotamia. El mismo estilo continúa durante todo el , como se puede ver en los frisos superiores del norte y del sur del arco de Constantino, que muestran un marcado contraste con los paneles más antiguos, de la época de Marco Aurelio.Los últimos ejemplos significativos de la escultura romana arquitectónica son la base del obelisco de Teodosio I en el Hipódromo de Constantinopla, que ya parece un arte más cercano al universo bizantino que romano.


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text: En estos géneros menores, los camafeos son los más lujosos, limitados a las clases altas y eran usados generalmente como joyas. Tallados en piedra semipreciosa como la ágata, calcedonia, jaspe, amatista y ónix, están considerados esculturas en miniatura desde su apreciación por John Ruskin, cuando hasta entonces se consideraban como una forma de grabado. Esta forma de talla fue introducida en Roma por los griegos helenistas, que fueron los primeros en conseguir un alto grado de refinamiento en este género. Su pequeño tamaño no nos debe inducir a error en cuanto a la pericia requerida para este tipo de trabajo, que requiere una intensa concentración y enorme sensibilidad para trabajar la veta de la piedra y sus diferentes capas para obtener sutiles matices de color y efectos de luz y transparencia. Su datación es muy problemática, y muchas piezas indican que se estaban elaborando en momentos diferentes. Los mejores ejemplares se han convertido en piezas de coleccionista, y entre ellas podemos mencionar la fantástica "Gema augustea", un gran trozo de ónix bicolor tallada con dos escenas compuestas de varios personajes.


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text: Durante el periodo imperial, los camafeos gozaban de gran prestigio, lo que inspiró a los romanos a inventar un vidrio, que ofrecía la ventaja de permitir un mayor control sobre el color y la transparencia, pero fue aún más difícil, largo y costoso trabajarlo que la piedra, presenta considerables desafíos técnicos, que aún no ha sido totalmente desentrañado por los vidrieros contemporáneos. Sin embargo se llegó a producir recipientes de camafeo de vidrio con decoración entera tallada, como los famosos "Vaso de Portland" y "Vaso de las estaciones".


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text: Los juguetes se encuentran en todas las culturas, y los romanos no fueron una excepción. Referencias literarias abundan a partir del período helenístico, y todo indica que hubo una enorme variedad de objetos destinados al entretenimiento de los niños, desde las tradicionales muñecas hasta los carritos de ruedas, muebles, figuras de guerreros y animales, e incluso casitas en miniatura de metal, madera o terracota. Los juguetes son objetos excelentes para el estudio de las condiciones económicas y sociales de la época.


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text: En el ámbito religioso están las estatuillas de culto privado de muchas deidades del panteón romano y de las divinidades familiares y regionales. El hábito del antropomorfismo de los dioses fue heredado de los etruscos y los griegos, prácticamente todas las fuerzas naturales y poderes abstractos tomaron para los romanos un aspecto humano y recibieron culto, aunque su religión no fuese rígidamente organizada el culto privado tuvo un importante papel. Los museos están llenos de estatuillas de culto doméstico, lo que demuestra su amplia distribución por todo el imperio. Su calidad artística es muy variable, y se cree que la consumida por la gente común son poco atractivas, pero hay ejemplos de gran refinamiento. En este campo no era el valor estético lo que tenía valor, sino su eficacia para los romanos como puente de comunicación entre los mortales y lo sobrenatural.


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text: De función similar son las estatuillas-amuleto. En la compleja y polimorfa religión romana la magia tenía un papel nada despreciable, en la que los amuletos encontraron su lugar. Los griegos y los etruscos los usaban, y diversos autores clásicos hablan a su favor, como Plinio y Galeno. Los romanos también la hicieron una costumbre generalizada, especialmente durante la época tardo imperial. Aunque los amuletos eran generalmente objetos pequeños y portátiles y no necesariamente de figuras, han sobrevivido una serie de estatuillas que desempeñaban la misma función, representando a los espíritus protectores de los hogares asociados con los ancestros, los Lares, profundamente venerados en santuarios domésticos, como Príapo, el dios fálico, cuya imagen era considerada un poderoso remedio contra el mal de ojo, la esterilidad y la impotencia, y que estaba colocado en la parte exterior de la entrada de las casas.


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text: Los jarrones, vajillas, lucernas, tiradores de puertas y muchos otros tipos de objetos utilitarios con decoración que se aproxima a la escultura propiamente dicha, fue una categoría muy variada de piezas que da fe de la amplia aplicación de la escultura en la antigua Roma. Las lucernas y braseros estaban decorados con imágenes en relieve mostrando escenas religiosas, mitológicas y eróticas, de acuerdo con la ubicación para la que estaban destinados, y podían tener uno o más pies muy ornamentados. Platos, ollas, cuencos y vasos también podían representar relieves, o los cuellos de formas extravagantes. En la cerámica destaca el tipo de la terra sigillata, una especie de vasija decorada con incisiones y relieves, que fue ampliamente difundida por todo el imperio, y las antefijas decorativas instaladas en los bordes de los techos, que podían estar realizadas en formas abstractas o figurativas.


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text: Durante los últimos siglos del imperio ( al ) se vio el nacimiento de un contexto cultural totalmente nuevo. A veces esta fase de transformación ha sido vista como de decadencia artística, pero el canon griego fue el resultado de una época y un contexto determinado, y aunque dio forma a los orígenes artísticos de Roma y a gran parte de su trayectoria, los tiempos y el territorio habían cambiado, y el clasicismo estaba empezando a convertirse en una reliquia del pasado y una referencia simbólica o del historicismo en lugar de una realidad viva. Ahora Roma tenía su propia historia, y entraba en un período de intensos intercambios con grandes culturas antiguas del Oriente Próximo, cuyo cuerpo de ideas, religiones, arte y aspiraciones se volvían parte de la cultura romana. Del mismo modo, las numerosas provincias imperiales, que se extendían desde Hispania, Galia y Britania a Persia, Arabia, Cáucaso y Norte de África, desarrollaban estilos sincréticos con sus propias tradiciones locales, creando obras que fueron aceptadas tanto para la visión metropolitana como para la provincial, aunque interpretados de manera diferente para cada lugar.


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text: En una época de efervescencia cultural y gran diversidad de principios estéticos, la permanencia de los elementos clásicos en todas las partes, modificados, es cierto, en diversos grados, todavía posibilitaba mantener canales abiertos de comunicación y actuó como una especie de línea franca-artística. El sincretismo fue siempre una característica del arte romano, pero en la época tardo imperial asumió un papel de crucial importancia. Después de la cristianización del imperio, las normas del arte pagano fueron adoptadas por los emperadores cristianos sin dudarlo, aunque adaptadas a las nuevos temas. Cuando Constantinopla se convirtió en la nueva capital, se llenó de alusiones arquitectónicas y artísticas a la «antigua Roma», un deseo declarado de mantener la continuidad de las tradiciones antiguas, aunque fueran reformadas para satisfacer las necesidades de un nuevo contexto. En realidad no fue una permanencia literal del clasicismo, lo que ocurrió fue una continuidad «selectiva». Este proceso fue consciente y voluntario, como la literatura de la época lo confirma. Algunos prototipos oficiales se mantuvieron, mientras que un gran repertorio de otros modelos, simplemente fue condenado al olvido. El enmascaramiento de los rápidos cambios sociales y políticos que tuvieron lugar en las elegidas formas procedentes de la herencia clásica proporcionaron una cohesión cultural importante en un momento en que los elementos del imperio tendían a la diversidad, y cuando la fragmentación del estado se estaba convirtiendo en una amenaza real.


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text: La élite siguió recibiendo una educación clásica y se mantuvo conservadora. Leían autores de renombre, y se familiarizaron con la tradición ancestral, desarrollando el gusto por ella. Las ciudades, villas aristocráticas y los teatros estaban decorados con imágenes aún paganas. La conversión de Constantino al cristianismo en el 312 determinó una ruptura con esta tradición, aunque no inmediatamente ni de forma completa.


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text: El prestigio de las estatuas paganas continuo en alza hasta el , ni siquiera la aparición del cristianismo y el destierro del antiguo culto por Teodosio I en 391 provocó una inmediata destrucción de las imágenes religiosas y decorativas. Prudencio, a finales del de nuestra era, también recomendó mantener las estatuas de los ídolos paganos como «ejemplos de la capacidad de los grandes artistas, y cómo espléndido ornato de nuestras ciudades», y Casiodoro relata cómo se hicieron esfuerzos todavía en el de conservar esculturas antiguas paganas como testimonio de la grandeza imperial para la posteridad. Con todo, poco después de la política del papado y del imperio cambió, y los monumentos de la antigüedad comenzaron a ser saqueados con el fin de retirar el material para su uso en otras obras mediante el estímulo de una ola asombrosa de iconoclasia por todo el imperio que decretó la desaparición de la gran mayoría de la fabulosa colección de obras de arte acumuladas durante siglos.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Como complemento del trabajo de la talla de la piedra o el bronce fundido, el efecto final de la pieza de la escultura era modificado con la adición de policromía en la superficie, una práctica heredada de los griegos y realizada comúnmente, como lo demuestran los relatos históricos, y que daba a las esculturas un aspecto diferente de cómo las vemos hoy en los museos, de piedra y bronce solamente. Este hecho histórico, aunque conocido por lo menos hace dos siglos, todavía causa extrañeza, y de hecho dio lugar a una concepción errónea, incluso entre los arqueólogos y conservadores de museos que creían que las obras originales se llevaron a cabo dejando las apariencias del material empleado, error evidente que se perpetuó hasta hace poco y causante de que los artistas renacentistas, barrocos y neoclásicos dejaran también el material tal cual. Este uso de pigmentos decorativos era en realidad un hecho fundamental en el arte antiguo, y no había ninguna estatua, frisos y relieves que no recibieran por lo menos detalles en color, si es que no estaban pintados por completo.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Además de la pintura se usaban, para insertar piezas, otros materiales de colores como plata y oro, esmalte, nácar y vidrio, con lo que se conseguía poner en relieve ciertos rasgos o partes anatómicas, y ciertos tipos de mármol de color y piedras nobles como el ónix y alabastro ricas en vetas multicolores y transparencias, se utilizaba en algunas partes de las prendas de vestir de las estatuas para crear efectos más lujosos. Recientes investigaciones publicadas junto con exposiciones temáticas de réplicas de grandes obras con la restauración de sus colores originales, han ofrecido una visión completamente nueva del arte clásico.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Los romanos fueron los primeros en estar orgullosos de florecer en la sombra de una cultura extranjera. Virgilio en su "Eneida", hacía al espectro de Anquises declarar a Roma, aún por nacer, que estaría en las artes y las ciencias siempre por debajo de los griegos, pero que la superaría en la guerra y en la administración pública. En otra parte el poeta se jactaba porque su musa fue la primera en cantar versos a la manera de Teócrito, y otros casos similares abundan en la literatura contemporánea de la época. Como se ha demostrado, toda la producción romana de escultura fue una devoradora del ejemplo griego, y lo mismo ocurrió con las demás artes, como la poesía, la música y la arquitectura. Esto es un hecho, pero ha sido interpretado por autores influyentes tales como Arnold Toynbee y Roger Fry en demérito de los romanos, mirándolos como un pueblo esencialmente imitativo, una subespecie de helenismo, y cuyo único valor artístico habría sido trasmitir para la posteridad la herencia griega. Esta opinión refleja la posición crítica de finales del , que, en esencia, culpaba a los romanos por no ser griegos, pero, irónicamente, se deriva de los propios romanos, que mantenían en relación con su papel de epígonos una actitud al mismo tiempo orgullosa y modesta. Pero no ha impedido que sus escultores desarrollaran algunos rasgos evidentes de originalidad, reconocidos por otros críticos, lo que hace esa acusación, pese a basarse en una clara evidencia, no ser del todo justa.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Por otra parte, juzgar una cultura antigua desde un punto de vista moderno es siempre maniobra temeraria. Los romanos han sido por lo general caracterizados por un alto espíritu público y una fuerte aversión al individualismo y excentricidades, que siempre causó terror a los griegos, donde las antiguas tradiciones, públicas y familiares siempre fueron objeto de veneración extrema. Virgilio cuenta en su "Eneida" la historia de Eneas llevando en sus hombros a su padre en la huida de Troya, que se convirtió en un modelo de la «piedades» romanas, el honroso deber hacia los padres, e incluso en tiempos difíciles por disputas políticas y élites inmorales y decadentes, lo mismo si eran comunes entre toda la sociedad los comportamientos que hoy vemos cómo crueles, entre las cualidades más apreciadas en Roma, estaban la "parsimonia", "severitas", "frugalitas" y "simplicitas" —economía, dignidad y austeridad, frugalidad y sencillez— varias veces elogiadas en la literatura coetánea. Teniendo en cuenta estos factores, su aparente falta de originalidad se vuelve relativa y se hace un rasgo de identidad cultural. De cualquier manera, la escultura da mucho material para poder estudiar todo el legado romano y comprender su actitud peculiar en el ámbito cultural.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: La caída en la oscura Edad Media, tanto por la destrucción previa de la mayoría de los ejemplos, como el cambio en la concepción del arte y los valores culturales, la escultura romana tuvo en el Renacimiento una oportunidad de hacer una nueva escena en el panorama del arte. Y más que una aparición, de hecho fue fundamental para el desarrollo de la nueva estética de la época. Rafael, consciente de la magnitud de la pérdida de obras antiguas en épocas anteriores, deploró el hábito de reutilizar el mármol y el bronce para crear otros objetos, y el descubrimiento de varios ejemplares de alta calidad de la escultura romana en este período causó sensación en la alta sociedad renacentista, estimulando copias y nuevas interpretaciones, la búsqueda ansiosa de restos en numerosas excavaciones arqueológicas, y la salida de un flujo de reproducciones de grabados. Su influencia en la escultura de la época, es innegable.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Durante el barroco el interés por la estatuaria antigua no disminuyó. Maestros tales como Bernini eran notorios amantes del arte griego y romano, y su propia producción se debe en gran parte a ejemplos antiguos y a los temas clásicos. Tampoco se redujo durante los períodos siguientes. En el , se formó la costumbre entre las élites del «Grand Tour Europeo», Roma era la visita obligada, y el deseo del conocimiento y de la adquisición de arte de la Antigüedad clásica se convirtió en una locura determinando la aparición del Neoclasicismo. Entre los siglos XVIII y XIX se formaron varias colecciones privadas importantes en varios países, y en Inglaterra, en particular, servían también para garantizar la buena reputación social de los propietarios y facilitar su acceso a cargos públicos. A pesar de que los artistas neoclásicos admiraban la producción griega, su reinterpretación del estilo clásico en realidad se basaba en los principios romanos, por el simple hecho de que las obras conocidas y conservadas en ese momento eran casi todas romanas, no griegas. A mediados del , con la reapertura de Grecia hacia occidente después de un largo dominio turco, con la realización de varias investigaciones arqueológicas que sacaron a la luz una gran cantidad de obras originales griegas, y bajo la influencia del gusto romántico del público que tendía hacia el helenismo, pero no al arte romano, éste cayó en desgracia. En el , sin embargo, la revolución moderna condujo a una drástica disminución en la capacidad del arte romano para inspirar a las nuevas generaciones de artistas, mientras que las colecciones de escultura de la antigua Roma continúan hasta hoy atrayendo a multitudes en todos los museos donde se exponen y son parte importante del patrimonio de una civilización cuya memoria permanece viva, y de la que la propia cultura occidental nació.


title: Orfebrería

text: La orfebrería es el trabajo artístico realizado por orfebres u orives con metales preciosos, o aleaciones de ellos. El término orfebre procede del francés "orfèvre" ["aurifaber" ‘artífice’], y este a su vez tiene raíz latina en "auri" ‘oro’ y "faber" ‘arquitecto’, o bien del verbo latino "facĕre" ‘hacer, realizar’. Los metales labrados por el artesano son la plata y el oro o metales preciosos, o síntesis como el electro.


title: Orfebrería

text: Con el oro y la plata se fabricaban ya desde la prehistoria, utensilios muy variados como vasijas, piezas de adorno, joyas, monedas y estatuas siguiendo el estilo, la ornamentación y el gusto propios de la época y de la nación que los elaboraba, como puede observarse recorriendo las principales civilizaciones.


title: Orfebrería

text: En su origen, las técnicas empleadas en el trabajo del oro fueron muy sencillas. El martillado en frío proporcionaba láminas e hilos que podían adoptar formas diferentes. Posteriormente, pero aún en una época temprana, se utilizaron el calentado y la fusión. Los avances técnicos supusieron una diversificación de las formas. En la península ibérica, a partir del Bronce Final se documentan las piezas compuestas y las primeras aleaciones. En España, parte de la continuidad de los trabajos de orfebrería está asociada a celebraciones como la Semana Santa.


title: Orfebrería

text: Remetido y embutido: El repujado se fundamenta en la realización de motivos con un cincel de punta roma para evitar que se corte la lámina, o bien con punzones que permitan curvar el metal sobre sí mismo y definir grietas profundas desde el reverso, para que salgan en el anverso. Si la pieza se trabaja por el anverso sobre un cuerpo ya en relieve, se trata de un «embutido», técnica que requiere trabajar sobre un soporte blando aunque consistente para que la lámina se mantenga fija.


title: Ion Aramendi

text: Ion Aramendi Urrestarazu (San Sebastián, Guipúzcoa, 11 de febrero de 1977) es un periodista, exjugador de baloncesto de la Liga EBA y presentador de televisión español.


title: Ion Aramendi

text: Tercero de cuatro hermanos (José María, Íñigo, Ion y Santiago), en 1996 se traslada a Salamanca como jugador profesional de baloncesto en la categoría EBA, jugando para equipos como el Salamanca Norte (CB Avenida) o el Maderas Peralta (CB Tormes) -donde coincidió junto a sus tres hermanos.-, retornando a su tierra en 2001 para jugar con el Santurtzi CB. Durante la etapa en la capital salmantina se licencia en periodismo por la Universidad Pontificia de Salamanca.


title: Ion Aramendi

text: Allí trabajó como encargado de un restaurante griego y, además, conectó con una de sus pasiones, el surf. El problema es que, a su vuelta, no sabía bien por dónde encaminar su carrera profesional, por lo que estuvo trabajando un año con su padre y su hermano en el negocio familiar de butano. Un día sus padres vieron un anuncio de una oferta de empleo para reporteros de televisión. Era para "Sálvame". Ahí comenzó su etapa en el programa de Telecinco y se mudó a Madrid.


title: Ion Aramendi

text: Comienza su trayectoria en televisión como reportero del programa "Sálvame", en el que trabaja durante siete años de 2009 a 2016. Tras ello, empieza a presentar el programa "¡Qué me estás contando!" para la televisión pública autonómica vasca ETB. En 2019, se anuncia su fichaje por TVE, donde presenta el concurso "El cazador" y el programa de entrevistas "Todos en casa", este último emitido durante el confinamiento provocado por la pandemia de COVID-19. En 2021, presenta por primera en prime-time, junto a Sandra Cervera, el programa de Televisión Española "The Dancer".


title: Ion Aramendi

text: Un ano después, en 2022, Aramendi vuelve en Telecinco presentando el debate de "Supervivientes", y desde el 19 de diciembre el nuevo concurso "Reacción en cadena".


title: Tito el Bambino

text: Efraín David Fines Nevares (Carolina, 5 de octubre de 1981), conocido por su nombre artístico Tito el Bambino, es un actor , empresario , cantante y compositor puertorriqueño de reguetón y música latinoamericana, considerado como uno de los mayores exponentes en la historia del reguetón.


title: Tito el Bambino

text: Comenzó como solista en 1995 participando en "The Noise 5" con el tema "Cazadores" y en "DJ Chiclin 3", luego de ello conoció a Héctor el Father con el que hizo el famoso dúo Héctor & Tito desde el 1995 hasta el 2004. El dúo inició su carrera musical en el año 1995 con el nombre de Los Bambinos. En aquella época colaboraron con otros artistas de reguetón, publicaron varios álbumes con los que obtuvieron reconocimiento del público en América y Europa siendo los primeros en hacer giras en países Europeos.


title: Tito el Bambino

text: En 2006, Tito el Bambino lanzó su primer disco de reguetón como solista llamado "Top of the Line" que vendió 2 Millones de copias, en el que también participaron otros cantantes como Don Omar, Daddy Yankee entre otros, y escalo al número uno en Puerto Rico. El éxito que tuvo "Top of the Line" lo llevó a lanzar una segunda edición para 2007 llamada "" con cinco canciones inéditas que no estaban incluidas en "Top of the Line" como el hit de reguetón «Siente el boom» y «Flow Natural Remix» en colaboración con Don Omar En este disco incluyó a otros cantantes de reguetón como Jowell & Randy y De la Ghetto y obtuvo un disco de platino.


title: Tito el Bambino

text: En 2007, lanzó su segundo álbum titulado It's My Time con colaboraciones de artistas como RKM & Ken-Y,Toby Love y LinKin Park logrando éxitos con los temas «En la disco», «El Mambo de las Shorty», «La Busco», entre otros y vendió 1.200.000 millones de copias en todo el mundo y en ese mismo año realizó su primer concierto en el Coliseo de Puerto Rico llamado It's My Time.


title: Tito el Bambino

text: En 2009 con su lanzamiento titulado "El Patrón" que vendió más de 3 Millones de copias y rompió récord de descargas en 2009, obtuvo otros de sus más grandes éxitos, esta vez titulado «El amor» producida por Luis Berríos Nieves conocido como Nérol El Rey de la Melodía. En 2010 su canción, “El amor” que fue la canción latina más escuchada en 2010, fue galardonado con la canción latina del año por la ASCAP.


title: Tito el Bambino

text: Entre su lista de reconocimientos, Tito el Bambino cuenta con 16 premios Billboard, 7 premios lo nuestro, varios premios juventud, una Antorcha de Oro por su participación en el Festival Viña del Mar 2010 y de esa misma edición una Antorcha y una Gaviota de Plata.


title: Tito el Bambino

text: "Invencible" es el cuarto álbum de Tito el Bambino, producido por Nérol El Rey de la Melodía y Tito "El Bambino". Contiene temas con Wisin & Yandel, Gilberto Santa Rosa, Daddy Yankee, Ana Gabriel y muchos más, este disco se lanzó el 8 de febrero de 2011 con el que consigue un disco de oro. En 2011, recibió los reconocimientos de canción latina del año y el de compositor del año por la ASCAP. El 21 de noviembre de 2011 realizó una reedición del álbum "Invencible" titulado como "Invencible 2012", cuenta con 5 temas nuevos.


title: Tito el Bambino

text: En 2012 publicó su quinto álbum de estudio "Invicto" cuenta con 14 temas y 2 bonus tracks publicados posteriormente, y apariciones especiales de artistas como el cantante Marc Anthony, el artista urbano Yandel, la agrupación cristiana Tercer Cielo y el salsero Tito Nieves; cuenta con los sencillos «Dame la ola», «¿Por qué les mientes?» y «Tu olor».


title: Tito el Bambino

text: El 24 de noviembre de 2014, se publicará en iTunes como "preventa" su sexto álbum de estudio titulado "Alta Jerarquía", con múltiples colaboraciones de artistas como Zion & Lennox, Chencho (parte del dúo Plan B), Vico C, Cosculluela, Wisin, entre otros. Después de década en la música el 13 de marzo del 2015 realiza su segundo concierto en el Coliseo de Puerto Rico después de que fuera invitado a las 2 funciones de Coliseo de Cosculluela al All Aggest Concert de Plan B y The Powerful and Love Tour de Wisin


title: Tito el Bambino

text: En 2020, se mantuvo activo en redes sociales realizando transmisiones en sus redes sociales para alentar a las personas a mantener la esperanza en tiempos de confinamiento por la pandemia de COVID-19, compartiendo con personalidades como Farruko, Vico C, Marcos Yaroide, Marcos Witt, Redimi2, Funky, entre otros. En diciembre del mismo año, publica su séptimo álbum titulado "El Muñeco" contando con solo 8 canciones.


title: MTV (Latinoamérica)

text: MTV es un canal de televisión por suscripción latinoamericano de origen estadounidense, y es la versión regional del canal estadounidense MTV. La programación se realiza mediante un sistema de dos señales distintas que se distribuyen en la mayor parte de la región. El canal es operado por Paramount Global a través de Paramount Networks Americas. Hasta el día de hoy, MTV es la cadena de música por televisión más grande de América Latina.


title: MTV (Latinoamérica)

text: MTV Latinoamérica inauguró sus transmisiones el 1 de octubre de 1993, operando la señal únicamente desde Miami, Estados Unidos. El primer videoclip en ser emitido fue «We Are Sudamerican Rockers» de la agrupación chilena Los Prisioneros.


title: MTV (Latinoamérica)

text: Las raíces de MTV Latinoamérica se remontan a 1988, en que la conductora de ascendencia cubana Daisy Fuentes conducía un programa llamado "MTV Internacional", emitido semanalmente por canales de televisión abierta de la región latinoamericana y estadounidense donde se presentaba lo más reciente del panorama de videos musicales de ambos lugares de la época. En esos años, artistas pop como Luis Miguel y Chayanne comenzaban a grabar videos con buen presupuesto.


title: MTV (Latinoamérica)

text: Fue precisamente en esa época que en varios países de Latinoamérica (con gran efervescencia en Argentina y en México) se vivía la fiebre del rock en español, cuyos principales exponentes eran los argentinos Miguel Mateos y Soda Stereo, quienes destacaban del resto no solo por sus altas ventas, sino por su vanguardista concepto musical.


title: MTV (Latinoamérica)

text: En 1989 son nominados por la cadena (por primera vez) al mejor vídeo «latino», los videos “"Este ritmo se baila así"” de Chayanne (vídeo ganador), “"Y sin pensar"” de Miguel Mateos (primer vídeo latino con animación al estilo “"Take on Me"” de A ha) y “"La última luna"” de Emmanuel.


title: MTV (Latinoamérica)

text: Este acontecimiento, sumado al furor causado entre la comunidad hispana de los Estados Unidos por el primer concierto de rock en español realizado por Miguel Mateos el 7 de septiembre de 1989 (y su posterior gira «Obsesión Tour») y el segundo por Soda Stereo el 8 de diciembre del mismo año, ambos en el auditorio «The Palace», despertaron la curiosidad de los ejecutivos de la cadena, los cuales se dieron cuenta de la calidad y el poder de convocatoria de la música en español.


title: MTV (Latinoamérica)

text: Después de analizar las posibilidades y resultados que harían factible el hecho de llevar una señal a la región latinoamericana, los ejecutivos de MTV Networks, con sede en Estados Unidos deciden gestionar el proyecto basándose en los buenos resultados que se habían obtenido anteriormente con canales internacionales de la misma empresa como MTV Europe en 1987 y MTV Brasil en 1990. Así, el 1 de octubre de 1993 es lanzado oficialmente el canal bajo el nombre de MTV Latino con una sola señal para toda Latinoamérica, convirtiéndose de esta forma en el tercer canal de videos musicales en el mundo hispanohablante, siendo el canal canadiense-argentino MuchMusic el 1 de septiembre de 1992 y el canal mexicano Telehit, el cual se estableció solo semanas antes que MTV Latino, el 27 de agosto de 1993. El lanzamiento oficial se realizó en el club Paragon en Miami Beach, junto a grandes celebridades y altos ejecutivos de la cadena y de la industria musical.


title: MTV (Latinoamérica)

text: La programación inició ese mismo día, siendo el primer vídeo emitido en el nuevo canal “"We Are Sudamerican Rockers"” de la banda chilena Los Prisioneros. El centro de operación de «MTV Latino» se localizaba únicamente en Miami y los programas que se transmitían eran grabados y producidos en esa misma ciudad, en los estudios Post Edge. La programación constaba en un principio de programas tales como "Top 20", "Headbangers", "In Situ", "Lado B", "MTV Clásico", "Conexión" entre otros, los cuales estaban presentados por el primer grupo de presentadores de videos del canal (mejor conocidos como VJ) conformado por la argentina Ruth Infarinato, el chileno Alfredo Lewin, el mexicano Gonzalo Morales y la cubana-estadounidense Daisy Fuentes, quien ya era conocida en el canal para ese entonces. Todos ellos residían en dicha ciudad estadounidense y presentaban los shows desde ahí.


title: MTV (Latinoamérica)

text: En 1994, la banda argentina Los Fabulosos Cadillacs es la primera en grabar un "Unplugged" para MTV, abriendo así el formato de la cadena estadounidense para los artistas en lengua hispana.


title: MTV (Latinoamérica)

text: A comienzos de 1995, el canal comienza a crecer en popularidad, por lo que integra nuevos rostros; es así como Daisy Fuentes se aleja de la pantalla para dar paso a los mexicanos Arturo Hernández y Edith Serrano. Al mismo tiempo, nuevos shows eran agregados a la programación, tales como "Top 10 US", "Hora Prima", "Nación Alternativa", "Raizónica", y el comienzo de transmisiones de series no relacionadas directamente con la música, los cuales eran segmentos de animación tales como "Beavis and Butt-Head", "Liquid Television" y el corto animado "Chico Migraña", este último emitido en las tandas publicitarias.


title: MTV (Latinoamérica)

text: Además, a comienzos de ese mismo año se presenta con gran aceptación entre la audiencia "Semana Rock", programa semanal de noticias enfocado en el acontecer musical y de entretenimiento en Latinoamérica, Estados Unidos y otras latitudes; espacio conducido por el periodista argentino Javier Andrade.


title: MTV (Latinoamérica)

text: Dado el crecimiento del canal tanto en un aspecto social como económico, en agosto de 1996, el canal se divide en dos señales regionales denominadas «Norte» y «Sur» para lograr un mayor acercamiento a su audiencia; sin embargo, los programas seguían siendo producidos en Miami. La señal Norte correspondía a México, Centroamérica, Colombia y Venezuela, mientras que la señal Sur correspondía a los países latinoamericanos restantes con Argentina como base. Al mismo tiempo se crean una serie de eventos basados en prototipos presentados con anterioridad en MTV de Estados Unidos, tales como "Playa MTV", "Rocangol" y programas del MTV Latino como "Gustock". De esta manera, según los estudios realizados por «Latinoamérica y Negocios», en el año 1996, MTV se convierte en la señal musical número uno de toda Latinoamérica.


title: MTV (Latinoamérica)

text: En ese mismo año, los argentinos Alejandro LaCroix y Leandro O'Brien fueron agregados al equipo de VJs del canal, mientras que programas como "Ozono", "Rendez Vous" y "Mondofunk" fueron producidos durante los años siguientes.


title: MTV (Latinoamérica)

text: En agosto de 1999, el canal sufre unos de los mayores cambios que ha tenido desde su nacimiento. Cuando el canal partió en 1993, se adoptó el mismo esquema utilizado un par de años antes por MTV Europe que consistía en «crear un micro-mundo donde convivan muchos países de un mismo continente con culturas distintas», tomando como base la ciudad de Miami (para el caso europeo fue Londres). Es aquí donde comienza un fuerte proceso de regionalización y de apertura musical adaptado a los ritmos de moda del momento, por lo que entran a rotación normal del canal artistas antes jamás pensados como Ricky Martin, Enrique Iglesias, Thalía y Luis Miguel. Los shows dejan de ser producidos en Miami y las dos señales ya existentes pasan a reflejar una fuerte tendencia local, por lo que los programas pasan a ser realizados en México para la señal Norte y en Argentina para la señal Sur para lograr así una mayor conexión con el público.


title: MTV (Latinoamérica)

text: Se crea el programa interactivo "Los 10+ Pedidos", el programa de mayor importancia dentro de la programación, donde diariamente se mostraban los 10 videos más votados por la audiencia a través de la página web. La línea musical del canal pasa a aceptar influencia latinoamericana y popular, transmitiendo videos de artistas que antes no eran comunes, mientras todos los programas musicales temáticos desaparecieron para dar paso a "Videorama", "Videosomnia" y "120 Minutos", bloques de videos no presentados que ocupaban gran parte de la programación diaria. En el ámbito de los VJ o conductores, gran parte de estos son eliminados y el canal dejó solamente a Ruth Infarinato como la única conductora haciendo "Conexión" desde Miami. Arturo Hernández es asignado en los estudios de MTV en México y Alejandro LaCroix a los estudios de MTV en Argentina, conduciendo cada uno por su parte las versiones locales de "Los 10+ Pedidos" y el "Top 20".


title: MTV (Latinoamérica)

text: El primer concurso organizado localmente en el canal fue el denominado «Se busca VJ», el cual consistía en 3 cástines masivos (uno en México para la señal Norte y otro en Argentina y Chile para la señal Sur) para buscar al nuevo rostro del canal. El ganador sería elegido por la audiencia mediante la página web y pasaría a conducir de forma diaria el programa "Los 10+ Pedidos" desde las calles de Ciudad de México o Buenos Aires. En México, la ganadora resultó ser Carmen Arce, mientras que en Argentina, el ganador fue Sebastián "Berta" Muñiz.


title: MTV (Latinoamérica)

text: Otra novedad, pero de menor relevancia que también sucedió en 1999, es la renovación continua del paquete gráfico del canal que se daba cada 6 meses o un año aproximadamente (hasta 2005), tales como logotipos, entradas de shows, cortinillas y publicidad, además de estrenar un nuevo sistema que pondría los datos de los videos de forma automática.


title: MTV (Latinoamérica)

text: Comenzando el 2000, MTV crea una nueva señal dirigida a Chile, que repetía la señal de México pero con horario chileno. En un principio se pensó crearlo como una repetidora de la señal de Argentina debido a la cercanía de ambos países, pero debido a rasgos culturales, se prefirió adaptarlo a la programación mexicana. La nueva señal también se emitió en toda la zona suroeste de Latinoamérica.


title: MTV (Latinoamérica)

text: También en ese año se comienza a percibir una preferencia menor del canal por programas de origen latino, y comienzan así a estrenar una serie de programas traídos de Estados Unidos y subtitulados al español, tales como "Behind The Music", "The Tom Green Show" y "Making The Video".


title: MTV (Latinoamérica)

text: En septiembre de 2000, el canal realiza la segunda edición del «Se busca VJ», incluyendo a la recién creada señal chilena. Para eso, el programa "Los 10+ Pedidos" pasaría a ser totalmente local dentro de la nueva señal chilena, mientras que el resto de la programación habitual seguiría siendo una repetidora de MTV en México. La ganadora en Chile resultó ser Úrsula Eggers.


title: MTV (Latinoamérica)

text: El 1 de abril de 2001, nace oficialmente la señal "MTV Suroeste". La nueva línea de señal que había sido creada un año atrás, pasa a ser manejado teniendo como centro el público chileno (aunque se transmitía también para Perú, Bolivia y Ecuador), lo que significaría un gran cambio dentro de la rotación musical del canal la cual quedó totalmente adaptada a los gustos de dicho país, mientras que la señal argentina pasa a llamarse "MTV Sureste". Ese mismo año se realiza la última edición del «Se busca» pero en vez de un VJ serían talentos; sin embargo, por razones que no fueron reveladas, los ganadores solamente aparecieron en las tandas publicitarias.


title: MTV (Latinoamérica)

text: El 2002 fue relevante para MTV, pues en julio de ese año Ruth Infarinato deja "Conexión" para dar paso a la versión local del programa, el cual comienza a ser producido dentro de las tres señales regionales del canal (México, Argentina y Chile); dicho programa terminaría siendo cancelado en diciembre. Además, en octubre del mismo año fue el estreno de los MTV Video Music Awards Latinoamérica, la versión hispana de los ya consolidados premios estadounidenses.


title: MTV (Latinoamérica)

text: El 30 de diciembre de 2002, "MTV Suroeste" empieza a causar estragos económicos al canal, puesto que el número de televidentes al que era destinada la señal era muy reducido y no convenía seguir operando para un público tan pequeño en comparación con otras áreas. Se dejaron de producir programas locales en Chile y la señal pasa a llamarse "MTV Centro". De esta forma, la nueva señal seguía funcionando con base en Chile además de los países que formaban parte de la señal Suroeste, mientras que México sigue con su respectiva señal y Argentina recupera el nombre de "MTV Sur".


title: MTV (Latinoamérica)

text: En 2003, MTV cumple 10 años en Latinoamérica, el cual es celebrado con varios premios, un auto Renault Clio MTV como sorteo, el patrocinio de varias revistas y estaciones de radio y un concierto gratuito el 22 de abril de ese mismo año en el Auditorio Nacional de México llamado "El Día de MTV".


title: MTV (Latinoamérica)

text: El 1 de marzo de 2004, apenas un año después de su creación oficial, se cierra "MTV Centro" con el fin de reducir costos para el lanzamiento de VH1, un nuevo canal musical el cual también sería operado por MTV Networks Latinoamérica. Es así como MTV Argentina pasa a ser la señal oficial para Argentina, Chile, Perú, Colombia, Ecuador, Paraguay y Uruguay. El resto de la región empezó a recibir la señal de México, y cinco meses más tarde, Colombia y Ecuador también pasa a ser parte de esta señal.


title: MTV (Latinoamérica)

text: En 2004 se han creado nuevos y varios programas destinados a que el público se exprese a través de internet o el celular. Así nacen programas como "Contra 2.0", "El clic", "Emosónica" y "Asterisco".


title: MTV (Latinoamérica)

text: También en ese mismo año se han producido y transmitido series que han generado polémica por su irreverencia, en las cuales se tratan temáticas liberales con un lenguaje vulgar y obsceno, pero que han sido exitosas entre sus televidentes. Tal es el caso de las series "South Park", "Drawn Together" (adaptado al español como «La Casa de los Dibujos»), "Happy Tree Friends" y "Alejo y Valentina", estas 2 últimas al principio fueron emitidas como cortos en las tandas publicitarias de Los 10+ Pedidos y luego pasaron a tener su serie propia de media hora.


title: MTV (Latinoamérica)

text: A fines de 2005 se crea un nuevo distribuidor de señal con base en Colombia, recuperando el nombre del ya cerrado MTV "Centro" hace un año. Los países Bolivia, Chile, Costa Rica, Ecuador, El Salvador, Guatemala, Honduras, Nicaragua, Perú, Panamá, República Dominicana y Venezuela comienzan a ser parte de esta nueva señal. La señal "Sur", con base en Argentina, vuelve a quedar limitado para su emisión en ese país, Uruguay y Paraguay. La señal "Norte", con base en México, queda como señal exclusiva para ese país, siendo el único en la región en tener su propia señal.


title: MTV (Latinoamérica)

text: En febrero de 2006 se anunció el denominado «Quiero estar en MTV» con el cual la producción pretende encontrar participantes para las versiones latinoamericanas de programas estadounidenses, así como la creación de programas nuevos durante ese año y a principios de 2007.


title: MTV (Latinoamérica)

text: En marzo de este último año fue renombrado bajo la leyenda «Generado por Mí (GXM)», conservando los mismos objetivos de su antecesor. Ahora «GXM» ha sido dejado para tomar una idea más colorida y minimalista, los programas creados durante ese tiempo como "DansinRopa" y "KaraoQue" quedaron fuera del aire.


title: MTV (Latinoamérica)

text: El 1 de julio de 2009, MTV cambia su imagen añadiendo nuevos ID, bumpers e identificadores únicos, siendo este su último cambio de logo manteniendo el «Music Television», para así el 1 de julio de 2011 cambiar su logo y adquirir una nueva apariencia para dejar en el olvido lo que MTV significaba hace un par de años.


title: MTV (Latinoamérica)

text: Durante 2018, se producen diferencias de programación entre la señal Sur y las señales Norte y Centro, con la señal Sur priorizando los programas y playlists musicales. Estos cambios son muy aceptados en los países donde llega la señal Sur, y (en Argentina más precisamente) rápidamente la señal y sus televidentes logran viralizar en redes sociales los hashtags "#NosZarpamosEnMúsica" y "#MTVesMúsica" como apoyo a esta nueva etapa. Por su parte, las señales Norte y Centro del continente no se quedan atrás con la repercusión y la audiencia pidió a MTV que tomase la misma decisión en el resto de sus señales.


title: MTV (Latinoamérica)

text: Su programación es dedicada solo a ciertos géneros musicales y no engloba otros tipos de música populares en los países para los que está destinada, a diferencia de los demás canales de su tipo en Latinoamérica. Su menú musical cubre principalmente los géneros pop, rock, reggaeton (desde 2005), hip hop, trap, electrónica y Kpop (desde 2018). Dichas clasificaciones musicales son en idioma inglés, español y algunas veces en el coreano.


title: MTV (Latinoamérica)

text: La programación también incluye un pequeño espacio cada hora denominado "MTV News" (antes llamado «Noticias MTV») en el que se expone información, la mayoría de las veces mezclando tono subjetivo con objetivo, sobre artistas, cine y espectáculos, aunque también se engloban temas de interés general como política y acontecimientos sociales. Asimismo, se produjeron documentales especiales sobre temas de interés juvenil. En la actualidad, el formato se sigue emitiendo, pero en microprogramas diarios de uno a dos minutos durante los cortes comerciales.


title: MTV (Latinoamérica)

text: Al igual que su contraparte estadounidense, MTV Latinoamérica transmite videoclips, conciertos y programas especiales. También ha organizado conciertos Unplugged latinos desde 1994, y en 2002, la cadena dio inicio a la organización de premiaciones en América Latina, siendo Los Premios MTV (antes llamado «MTV Video Music Awards Latinoamérica») los primeros en llevarse a cabo, que luego cambió a MTV Millenial Awards en 2013.


title: MTV (Latinoamérica)

text: Aunque el inicial objetivo de MTV fue transmitir videos musicales de los artistas del momento las 24 horas, también transmite series animadas y realities que son orientados al público joven y adulto, dado que MTV esta dirigido a este tipo de audiencia. El canal censura videos musicales, diálogos y escenas de series cuando es necesario, por cuestiones de contenidos (lenguaje inapropiado, desnudos, incitación al consumo de drogas, etc.) en los horarios aptos para todo público. En el feed Sur, se emite alto contenido sin censura alguna de 10:00 p.m. a 6:00 a.m. (UTC-3).


title: MTV (Latinoamérica)

text: La mayoría de las series que se transmiten en el canal son producidas por ViacomCBS Domestic Media Networks y ViacomCBS Networks Americas bajo la firma de Paramount Global. Así también, existen programas producidos bajo coordinación de ambas empresas. Otros programas son producidos por compañías también dependientes de Paramount Global, como Nickelodeon, Comedy Central, entre otras. También se transmiten series independientes completamente de las compañías propietarias del canal y que son compradas a otras productoras, incluyendo a empresas latinoamericanas de producción y animación.


title: MTV (Latinoamérica)

text: A partir de 2009, la programación cambia, con nuevos realities y shows. Los videos musicales en MTV solo se pueden ver a la madrugada y al amanecer, en un show en la tarde llamado "Tu Top 10" (reemplazando temporalmente los 10+ pedidos) y en los cortes comerciales, el resto está basado en series como por ejemplo "A Shot at Love with Tila Tequila", "From G's to Gents", "Busted", "That's Amore!", "Run's House", "Making The Band", "Life of Ryan" y muchas más. Otro cambio notorio fue la desaparición de los conductores y programas de MTV conducidos por estos, dando paso a los ya mencionados realitys y programas extranjeros.


title: MTV (Latinoamérica)

text: Durante abril del mismo año vuelven a aparecer los VJ Gabo y Mecha en el regreso del programa "Los 10+ pedidos", que retorna con nueva imagen y estructura. También, en mayo regresa el programa "El 20", con Jero como conductor; solo que, a diferencia de la primera temporada, es transmitido los domingos presentando los 20 videos en dos horas, y no segmentos de cinco videos de lunes a jueves con su conteo el viernes, como era el año anterior.


title: MTV (Latinoamérica)

text: A partir de abril de 2012, MTV Latinoamérica comenzó a transmitir nuevos episodios de "Beavis and Butt-Head" en su temporada número 8, después de 15 años sin transmitir nuevos episodios. Se empieza a emitir producciones adquiridas de otras cadenas y empresas televisivas, ya antes vistas en otros canales de televisión, como "The O.C." (serie producida por Warner Bros. Televisión, y anteriormente transmitida en Warner Channel), dando así un nuevo rumbo en la programación del canal, además de haber sido este caso la primera serie del género "live-action" en ser emitida con su respectivo doblaje al español, algo que nunca había ocurrido en la historia de la programación de MTV, puesto que siempre había transmitido este tipo de series en su idioma original con subtítulos (hasta ese entonces las series animadas eran los únicos programas que se emitían con doblaje en español). Asimismo, la televisora también empieza a incluir en su programación series como "Degrassi", "Dawson's Creek", "Sueños de Hollywood" y "Las chicas Gilmore". También transmite las series originales "Chica Rara", "Del Montón" y "Los Mal Pagados" siendo también traducidas al español, a excepción de "Chica Rara", la cual ya había sido estrenada anteriormente en MTV, pero en inglés (su idioma original) y con subtítulos en español.


title: MTV (Latinoamérica)

text: El 5 de mayo de 2013, llega una nueva serie animada de origen mexicano llamada "La familia del barrio", así mismo, también empieza a transmitir series juveniles producidas en México como "Soy tu fan", "Primer Amor a 1000 X hora (la única telenovela mexicana emitida en MTV Latinoamérica)" y "Bienvenida realidad", además de las telenovelas producidas por la cadena en Latinoamérica. En el mismo año, desde el 8 de julio MTV agrega a su programación un bloque llamado "Marvelunes" mostrando los "Marvel Anime" en los horarios de prime time, la cual se basan en adaptaciones de los cómics de Marvel (como Wolverine). Este bloque logra tener una buena llegada a los televidentes.


title: MTV (Latinoamérica)

text: En noviembre de 2016, con la compra de Telefe (el canal líder en audiencia en Argentina) por parte de Viacom, y la gran influencia de la multinacional en el sur del continente, se producen notorios cambios en los feeds a partir de 2017:


title: MTV (Latinoamérica)

text: En las señales Norte y Centro se sigue apostando a la emisión diaria y (en ocasiones) maratónica de reality shows latinos, norteamericanos y europeos ("Acapulco Shore", "Geordie Shore", , etc.), así como también series. La emisión de videos musicales se mantiene durante las madrugadas y mañanas del canal, dando prioridad musical a los canales MTV Hits y VH1 como en la última década. De la misma forma, estos "feeds" transmiten otros tipos de programas que pueden estar directa o indirectamente relacionados con la música, pero que siempre tienen que ver con la cultura joven.