title: Primera guerra de los Balcanes

text: Los bandos habían solicitado que las potencias volviesen a mediar poco después de la reanudación de los combates. Los otomanos lo hicieron en 11 de febrero, ocho días después del fin del armisticio; los coligados balcánicos, el 14 de marzo. La tardanza de estos en responder se debió a que esperaban decidir el resultado de las negociaciones en el campo de batalla. Se firmó un nuevo armisticio el 16 de abril. Cesaron entonces los combates, y las delegaciones volvieron a viajar a Londres para retomar las negociaciones. Las desavenencias en el seno de la liga hicieron que sus representantes no llegasen a la capital británica hasta mediados de mayo. Los británicos presentaron a los representantes balcánicos el 20 de mayo el borrador de tratado de paz que habían consensuado las potencias.


title: Primera guerra de los Balcanes

text: Los presionaron para firmar rápidamente la paz con los otomanos ante el aumento de la tensión entre los coaligados- Lograron su objetivo el . Otomanos y búlgaros se habían mostrado dispuestos a aceptar la propuesta de las potencias desde el principio, no así los griegos.


title: Primera guerra de los Balcanes

text: El imperio cedió a la Liga sus territorios europeos —al oeste de la línea Eno-Midia— a excepción de Constantinopla, sus alrededores, y Albania, esta sin delimitar territorialmente, en virtud del Tratado de Londres. Grecia lograba por fin la cesión de Creta y Albania quedaba al albedrío de las grandes potencias, que debían decidir sobre su futuro. La suerte de las islas del Egeo debían decidirlo también las potencias, pese al disgusto de Grecia, que ya las ocupaba. El tratado no fijaba, sin embargo, los confines entre los países de la Liga, sino solamente las nuevas fronteras entre estos y el derrotado imperio. El reparto del territorio conquistado por los vencedores de la contienda quedaba en manos de estos. Las fronteras que surgieron como consecuencia de las guerras balcánicas quedaron estipuladas en una serie de tratados bilaterales entre el imperio y sus enemigos: el otomano-búlgaro del 29 de septiembre, el otomano-serbio del 14 de noviembre y el otomano-griego del 14 de marzo de 1914.


title: Primera guerra de los Balcanes

text: Las potencias se negaron a otorgar territorio o puertos en el Adriático a Serbia, especialmente por la oposición de Italia y, sobre todo, de Austria-Hungría. Las exigencias serbias para repartirse el territorio albanés entre la Liga fueron mal recibidas y rechazadas. Austria-Hungría se negó en redondo a permitir la expansión serbia en el Adriático, recibió el apoyo de sus aliados de la Triple Alianza y el resto de potencias decidió no enfrentarse a ella por lograr el objetivo serbio. Las potencias decidieron que Albania, que no contaba todavía con fronteras claras, se constituyese en principado autónomo sometido teóricamente al sultán y en la práctica a ellas mismas.


title: Primera guerra de los Balcanes

text: Además de las pérdidas territoriales, la guerra les había costado a los otomanos la vida de ciento veinticinco mil de sus soldados, un 40 % de los que habían estado destinados en los Balcanes. Unos cuatrocientos mil musulmanes tuvieron que dejar la región, y quizá hasta el 15 % de la población cristiana. Los desplazados trataban de ganar las grandes ciudades de la región (Adrianópolis, Kavala y, sobre todo, Salónica) y desde ellas, los restos del territorio imperial. Se desconoce el número exacto de muertos civiles, pero se calcula que fueron varias decenas de miles. La contienda, presentada por los vencedores como una guerra de liberación, comportó también una amplia y brutal persecución de la población musulmana, perpetrada mayoritariamente por los ejércitos y las bandas de irregulares que colaboraron en las operaciones militares. Los desmanes formaban parte del proceso de ampliación de los Estados-nación balcánicos, que equiparaban la deseada victoria total con la aniquilación del enemigo, incluida la población civil. La violencia contra la población, extendida y sistemática, se concentró sobre todo en el campo. Los perpetradores fueron en general los ejércitos y las unidades irregulares que los acompañaban, aunque hubo casos de crímenes cometidos por la población de la región contra sus paisanos. El motivo principal de la participación de la población en los crímenes fue el enriquecimiento: los perpetradores aprovechaban la presencia de tropas afines para robar y, en algunos casos, asesinar a sus víctimas. Los ejércitos y sus bandas de auxiliares también participaban en los saqueos, a veces por falta de un sistema de suministros que asegurase el avituallamiento de la tropa.


title: Primera guerra de los Balcanes

text: Los ejércitos serbios arrasaron pueblos albaneses tanto en Kosovo como en Macedonia en octubre. El trato de las nuevas autoridades serbias fue duro con los musulmanes, en particular con los albaneses. La expulsión de los campesinos y las matanzas eran parte de un plan para cambiar la composición de la población regional y en parte consecuencia de entregar el control de la retaguardia a unidades de irregulares. Más al este, las tropas búlgaras atacaron a la población civil considerada extranjera (musulmana, judía, griega o armenia) en Adrianópolis, Xanthi, Kavala o Serres, pese a que en las tres últimas no había habido resistencia al invasor. Las tropas griegas llevaron a cabo desmanes similares contra la población musulmana, justificándolos como represalias por las atrocidades de los soldados otomanos o como castigo a la resistencia que se les oponía.


title: Primera guerra de los Balcanes

text: Por su parte, los ejércitos otomanos en retirada también cometieron crímenes contra la población civil. La violencia contra los civiles prosiguió en la segunda guerra balcánica, si bien las víctimas principales dejaron de ser los musulmanes para serlo las poblaciones cristianas que cada bando consideraba enemigas. Las víctimas de los desmanes fueron las poblaciones griega y búlgara en la Tracia recuperada por los otomanos.


title: Primera guerra de los Balcanes

text: Además de las matanzas y violaciones, hubo una campaña de nacionalización forzosa de la población en los territorios que quedaron dominados por los Estados vencedores, en la que participaron activamente las respectivas iglesias además de las autoridades. La «liberación» de los territorios conllevó la eliminación de las personas consideradas ajenas a la nación y potencialmente hostiles, bien mediante el asesinato, la intimidación o la expulsión.


title: Primera guerra de los Balcanes

text: El rechazo de las potencias a repartir inmediatamente Albania entre los coaligados llevó a desacuerdos sobre el reparto de Macedonia, que desembocaron en un conflicto abierto el cuando Bulgaria decidió atacar a sus aliados, lo que desencadenó la segunda guerra balcánica. Serbia, privada del acceso al Adriático por las potencias, había sostenido su deseo de ser compensada en Macedonia a pesar de su pacto con Bulgaria, mientras que Grecia tampoco se había mostrado dispuesta a ceder parte de los nuevos territorios bajo su control. Ni Grecia ni Bulgaria estaban dispuestas a renunciar a Salónica, donde la ocupación conjunta no estaba resultando fácil. La expansión búlgara por Macedonia y Tracia suponía una amenaza para el Gobierno y el Ejército serbios y privaba al país de una salida al mar tras la decisión de las potencias, puesto que la alternativa a la conexión adriática era una frontera común con Grecia para tener acceso indirecto a Salónica. Bulgaria se ofreció a pagar por los servicios de las divisiones serbias que habían combatido junto a las suyas en Adrianópolis, pero Serbia rehusó el trato, pues deseaba obtener compensación en tierras. Para Bulgaria, que había arrostrado los combates principales contra los otomanos, la actitud de Serbia y Grecia parecía un intento de arrebatarle los territorios macedonios que creía suyos por derecho.


title: Primera guerra de los Balcanes

text: Los intentos búlgaros de lograr el arbitraje ruso de acuerdo a la alianza serbo-búlgara fracasaron, ya que los rusos se negaron a comunicar el resultado del mismo en el plazo exigido por los búlgaros y rechazaron ceñirse al reparto pactado. Rusia no deseaba enemistarse ni con Serbia ni con Bulgaria ni poner en riesgo la Liga Balcánica, por lo que aplazó constantemente la decisión sobre la suerte de Macedonia, en vano. Los titubeos rusos favorecieron el conflicto entre los países balcánicos.


title: Primera guerra de los Balcanes

text: Por otro lado, en junio se multiplicaron las escaramuzas entre tropas griegas y búlgaras, y entre estas y la serbias, que también se disputaban territorios macedonios. Griegos y búlgaros decidieron el 3 de junio trazar una línea para separar sus fuerzas y tratar de evitar así nuevos incidentes.


title: Primera guerra de los Balcanes

text: Serbios y griegos, decididos a mantener sus conquistas incluso a costa de enfrentarse a Bulgaria y deshacer la alianza que había permitido debelar a los otomanos, firmaron un pacto secreto el 1 de junio de 1913 —al día siguiente de la firma de la paz con los otomanos—. Los dos países decidieron no permitir el despliegue de unidades búlgaras al oeste del Axios. Por su parte, los búlgaros fueron trasladando el grueso de sus fuerzas desde el este de Tracia al oeste a lo largo del mes, en previsión del próximo conflicto con serbios y griegos. Atacaron a las unidades serbias el 30 de junio, sin declaración de guerra, desencadenando la segunda guerra balcánica.


title: Primera guerra de los Balcanes

text: Ya comenzada la segunda guerra balcánica, el 1 de agosto, los británicos propusieron una lista de puntos que debían servir para resolver los asuntos aún pendientes cuando los embajadores de las potencias volviesen a reunirse tras el receso de las vacaciones veraniegas que debían comenzar el 11 del mes (en realidad, no volvieron a reunirse). Según la propuesta británica, el trazado de la frontera meridional de Albania quedaría a cargo de una comisión internacional, que debía asegurarse que Korçë, el cabo Stilo y Sazan quedasen en territorio albanés. La comisión debía comenzar su labor el 1 de septiembre y concluir antes del 30 de noviembre; las tropas griegas debían retirarse del territorio asignado a Albania un mes más tarde. El estrecho de Corfú debía permanecer neutral. Grecia debía recibir las islas del Egeo menos Tasos, Imbros y Ténedos; estas dos últimas debían entregarse al sultán. Italia debía devolver al Imperio otomano las islas que ocupaba desde la guerra de 1911 cuando las tropas otomanas evacuasen la Cirenaica, pero serían las potencias las que decidirían su destino. Finalmente, el monte Athos mantendría la autonomía.


title: Serguéi Prokófiev

text: Serguéi Serguéievich Prokófiev (en ruso ; Sóntsovka, -Moscú, 5 de marzo de 1953) conocido como Serguéi Prokófiev, fue un compositor, pianista y director de orquesta soviético. Como creador de obras maestras reconocidas en numerosos géneros musicales, es considerado uno de los principales compositores del . Sus obras incluyen piezas tan escuchadas como la marcha de "El amor de las tres naranjas", la suite "El teniente Kijé", el ballet "Romeo y Julieta", de donde se toma la «Danza de los caballeros», y "Pedro y el lobo". Dentro de las formas y géneros establecidos en los que trabajó, creó siete óperas completas, siete sinfonías, ocho ballets, cinco conciertos para piano, dos conciertos para violín, un concierto para violonchelo, un concierto sinfónico para violonchelo y orquesta, y nueve sonatas para piano completadas.


title: Serguéi Prokófiev

text: Graduado en el Conservatorio de San Petersburgo, Prokófiev inicialmente se dio a conocer como compositor-pianista iconoclasta y logró notoriedad con una serie de obras ferozmente disonantes y virtuosas para su instrumento, incluidos sus dos primeros conciertos para piano. En 1915, Prokófiev hizo una ruptura decisiva de la categoría estándar de compositor-pianista con su orquestal "Suite escita", compilada a partir de música originalmente compuesta para un ballet encargado por Serguéi Diáguilev de los Ballets Rusos. Diáguilev encargó otros tres ballets a Prokófiev: "El bufón", "El paso de acero" y "El hijo pródigo", que en el momento de su producción original causaron sensación entre críticos y colegas. Sin embargo, el mayor interés de Prokófiev fue la ópera y compuso varias obras en ese género, incluyendo "El jugador" y "El ángel de fuego". El único éxito operístico de Prokófiev durante su vida fue "El amor de las tres naranjas", compuesto para la Ópera de Chicago y posteriormente interpretado durante la siguiente década en Europa y Rusia.


title: Serguéi Prokófiev

text: Después de la Revolución de 1917, Prokófiev dejó Rusia con la bendición oficial del ministro soviético Anatoli Lunacharski y residió en los Estados Unidos, luego en Alemania, luego en París, y se ganó la vida como compositor, pianista y director de orquesta. Durante ese tiempo, se casó con una cantante española, Carolina (Lina) Codina, con quien tuvo dos hijos. A principios de la década de 1930, la Gran Depresión disminuyó las oportunidades para que los ballets y óperas de Prokófiev se presentaran en Estados Unidos y Europa occidental. Prokófiev, que se consideraba a sí mismo ante todo como compositor, resentía el tiempo que le tomaba hacer una gira como pianista, y recurría cada vez más a la Unión Soviética para solicitar encargos de nueva música. En 1936, finalmente regresó a su tierra natal con su familia. Disfrutó de cierto éxito allí, especialmente con "El teniente Kijé", "Pedro y el Lobo", "Romeo y Julieta", y quizás sobre todo con "Alejandro Nevski".


title: Serguéi Prokófiev

text: La invasión nazi a la Unión Soviética lo impulsó a componer su obra más ambiciosa, una versión operística de "Guerra y paz" de León Tolstói. En 1948, Prokófiev fue acusado de producir «formalismo antidemocrático». Pese a esa acusación, disfrutó del apoyo personal y artístico de una nueva generación de intérpretes rusos, especialmente Sviatoslav Richter y Mstislav Rostropóvich: escribió su "Novena sonata para piano" para el primero y su "Sinfonía concertante" para el segundo.


title: Serguéi Prokófiev

text: Serguéi Prokófiev nació el 23 de abril de 1891 en Sóntsovka (ahora Sóntsivka, raión de Pokrovsk, óblast de Donetsk, Ucrania), una finca rural remota en la gobernación de Yekaterinoslav del Imperio ruso. Su padre, Serguéi Alekséievich Prokófiev, era ingeniero agrónomo. La madre de Prokófiev, María Grigórievna (de soltera Zhitkova), provenía de una familia de antiguos siervos que habían sido propiedad de la familia Sheremétev, bajo cuyo patrocinio se enseñaba teatro y artes a los niños siervos desde una edad temprana. Reinhold Glière (el primer profesor de composición de Prokófiev) la describió como «una mujer alta con hermosos ojos inteligentes ... que supo crear una atmósfera de calidez y sencillez sobre ella». Después de su boda en el verano de 1877, los Prokófiev se mudaron a una pequeña propiedad en la gobernación de Smolensk. Finalmente, Serguéi Alekséievich encontró empleo como ingeniero de caminos, empleado por uno de sus antiguos compañeros de estudios, Dmitri Sontsov, a cuya propiedad en las estepas ucranianas se mudaron los Prokófiev.


title: Serguéi Prokófiev

text: En el momento del nacimiento de Prokófiev, María, que había perdido dos hijas anteriormente, había dedicado su vida a la música. Durante la primera infancia de su hijo, pasó dos meses al año en Moscú o San Petersburgo recibiendo clases de piano. Serguéi Prokófiev se inspiró al escuchar a su madre practicando el piano por la noche, en su mayoría obras de Frédéric Chopin y Ludwig van Beethoven, y escribió su primera composición para piano a la edad de cinco años, un "Galope indio", que su madre escribió en una escala mayor con un cuarto grado de escala elevado, ya que el joven Prokófiev sentía «renuencia a abordar las notas negras». A los siete años también había aprendido a jugar al ajedrez. El ajedrez seguiría siendo una pasión para él y se familiarizó con los campeones mundiales de ajedrez como José Raúl Capablanca, a quien venció en una partida de exhibición simultánea el 16 de mayo de 1914, y Mijaíl Botvínnik, con quien jugó varias partidas en la década de 1930. A la edad de nueve años su padre lo lleva por primera vez a Moscú, donde además de quedar impresionado por la ciudad, o visitar el circo, quedó fascinado por el teatro, especialmente por la interpretación de la orquesta sinfónica. Al regreso, junto con sus amigos empezó a jugar a representar sus propias obras, y un día compuso su primera ópera, "El Gigante", y pese a la incredulidad inicial de su madre consiguió completar la música de piano, junto con los diálogos improvisados con sus compañeros. Era una sencilla, pero brillante historia sobre dos valientes jóvenes que defendían a una damisela frente al peligro de un terrible gigante. Poco tiempo después, en la casa de su tío y con la colaboración de sus primos y su tía, que incluso se disfrazaron para la ocasión, representó el primer acto de su ópera en el salón del hogar, ante el asombro de sus padres y familia. Por aquel entonces ya había compuesto dicha ópera, así como una obertura y otras piezas, y estaba inmerso en la escritura de una segunda y mayor ópera titulada "Islas desiertas". En ese momento sus padres decidieron proporcionar a su hijo una educación más sólida, con trabajo duro y disciplina, empezando con lecciones de francés y alemán.


title: Serguéi Prokófiev

text: En 1902, la madre de Prokófiev conoció a Serguéi Tanéyev, director del Conservatorio de Moscú, quien inicialmente sugirió que Prokófiev debería comenzar las clases de piano y composición con Aleksandr Goldenweiser. Incapaz de organizar esto, Tanéyev en cambio hizo arreglos para que el compositor y pianista Reinhold Glière pasara el verano de 1902 en Sóntsovka enseñando a Prokófiev. La primera serie de lecciones culminó, ante la insistencia de Prokófiev entonces de once años, con el compositor en ciernes haciendo su primer intento de escribir una sinfonía. El verano siguiente, Glière volvió a visitar Sóntsovka para continuar con sus clases. Cuando, décadas después, Prokófiev escribió sobre sus lecciones con Glière, dio crédito al método comprensivo de su maestro, pero se quejó de que Glière le había enseñado la estructura de frase «cuadrada» y las modulaciones convencionales, que posteriormente tuvo que desaprender. No obstante, equipado con las herramientas teóricas necesarias, Prokófiev comenzó a experimentar con armonías disonantes y compases inusuales en una serie de piezas breves para piano que llamó «cancioncillas» (a partir de la llamada «forma de canción», más exactamente de forma ternaria, en la que se basaron), sentando las bases para su propio estilo musical.


title: Serguéi Prokófiev

text: A pesar de su creciente talento, los padres de Prokófiev dudaron sobre iniciar a su hijo en una carrera musical a tan temprana edad y consideraron la posibilidad de que asistiera a una buena escuela secundaria en Moscú. En 1904, su madre se había decidido en cambio por San Petersburgo y ella y Prokófiev visitaron la entonces capital para explorar la posibilidad de mudarse allí para su educación. Les presentaron al compositor Aleksandr Glazunov, profesor en el Conservatorio de San Petersburgo, que pidió conocer a Prokófiev y su música. Prokófiev había compuesto dos óperas más, "Islas desiertas" y "La fiesta en la época de la peste", y estaba trabajando en su cuarta, "Undina". Glazunov quedó tan impresionado que instó a la madre de Prokófiev a que su hijo solicitara la admisión al Conservatorio. Pasó las pruebas introductorias y se inscribió ese año.


title: Serguéi Prokófiev

text: Varios años más joven que la mayoría de sus condiscípulos, Prokófiev era visto como excéntrico y arrogante, y molestaba a varios de sus compañeros al mantener estadísticas sobre sus errores. Durante ese período, estudió, entre otros, con Aleksandr Winkler para piano; Anatoli Liádov para armonía y contrapunto; Nikolái Cherepnín para dirección; y Nikolái Rimski-Kórsakov para orquestación (aunque cuando Rimski-Kórsakov murió en 1908, Prokófiev señaló que sólo había estudiado con él «de alguna manera» —era sólo uno de muchos estudiantes en una clase muy concurrida— y lamentó que de otra forma «nunca hubiera tenido la oportunidad de estudiar con él»). También compartió clases con los compositores Borís Asáfiev y Nikolái Miaskovski, y este último se convirtió en un amigo relativamente cercano y de toda la vida.


title: Serguéi Prokófiev

text: Como miembro de la escena musical de San Petersburgo, Prokófiev desarrolló una reputación de rebelde musical, mientras recibía elogios por sus composiciones originales, que él mismo interpretaba en el piano. En 1909, se graduó de su clase en composición con calificaciones poco impresionantes. Continuó en el Conservatorio, estudiando piano con Annette Essipoff y prosiguió sus clases de dirección con Cherepnín.


title: Serguéi Prokófiev

text: En 1910, con la muerte de su padre cesó el apoyo financiero a Serguéi. Afortunadamente, había comenzado a hacerse un nombre como compositor y pianista fuera del Conservatorio y hacía apariciones en las "Noches de Música Contemporánea" de San Petersburgo. Allí interpretó varias de sus obras para piano más aventuradas, como sus altamente cromáticos y disonantes, "Etudes" op. 2 (1909). Su actuación impresionó a los organizadores de las Noches lo suficiente como para invitar a Prokófiev a realizar el estreno ruso de "Drei Klavierstücke" op. 11, de Arnold Schönberg. La experimentación armónica de Prokófiev continuó con "Sarcasmos para piano", op. 17 (1912), que hacía un uso extenso de politonalidad. Por entonces compuso sus primeros dos conciertos para piano, el último de los cuales causó un escándalo en su estreno (23 de agosto de 1913, Pávlovsk). Según una versión, el público salió de la sala con exclamaciones de «¡Al diablo con esta música futurista! ¡Los gatos en el tejado hacen mejor música!», pero los modernistas estaban extasiados.


title: Serguéi Prokófiev

text: En 1911, llegó la ayuda del renombrado musicólogo y crítico ruso Aleksandr Ossovski, quien escribió una carta de apoyo al editor de música Boris P. Jurgenson (hijo del fundador de la editorial Peter Jurgenson) y así se le ofreció un contrato al compositor. Prokófiev hizo su primer viaje al extranjero en 1913, fue a París y Londres, donde conoció por primera vez los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev.


title: Serguéi Prokófiev

text: En 1914 Prokófiev terminó su carrera en el Conservatorio al participar en la «batalla de los pianos», un concurso abierto a los cinco mejores estudiantes de piano, cuyo premio era un piano de cola Schreder: Prokófiev ganó al interpretar su propio "Concierto para piano n.º 1". Sus primeras obras, como dicho concierto y la "Suite escita" para orquesta (1914), le valieron mala fama como músico, pues no correspondían con la línea nacionalista rusa.


title: Serguéi Prokófiev

text: Poco después viajó a Londres, donde se puso en contacto con el empresario Serguéi Diáguilev. Éste le encargó su primer ballet, "Ala y Lolli", pero cuando el compositor le llevó la obra en curso a Italia en 1915, la rechazó como «no rusa». Como compensación, acordaron que Prokófiev realizara una actuación de su "Segundo concierto para piano" en un concierto sinfónico en Roma el 17 de marzo, en la que fue su primera interpretación en el extranjero. El tema final del "Segundo concierto" mostraba que Prokófiev no era ajeno a los temas rusos, por lo que Diáguilev lo instó a escribir «música que fuera de verdaderamente rusa» y le encargó el ballet "El bufón". Bajo la guía de Diáguilev, Prokófiev eligió su tema de una colección de cuentos populares recopilados por el etnógrafo Aleksandr Afanásiev. La historia, relacionada con un bufón y una serie de engaños, había sido previamente sugerida a Diáguilev por Ígor Stravinski como posible tema para un ballet y Diáguilev y su coreógrafo Léonide Massine ayudaron a Prokófiev a darle forma de guion de ballet. La inexperiencia del compositor con este género lo llevó a revisar la obra extensamente hasta 1920, siguiendo la detallada crítica de Diáguilev, antes de su primera producción.


title: Serguéi Prokófiev

text: El estreno del ballet en París el 17 de mayo de 1921 fue un gran éxito y fue recibido con gran admiración por un público que incluía a Ígor Stravinski, Maurice Ravel y Michel Fokine. Stravinski calificó al ballet como «la única pieza de música moderna que podía escuchar con placer», mientras que Ravel lo denominó «una obra de genio».


title: Serguéi Prokófiev

text: En paralelo durante la Primera Guerra Mundial, Prokófiev regresó al Conservatorio y estudió órgano para evitar ser reclutado. Compuso "El jugador", ópera basada en la novela homónima de Fiódor Dostoyevski, pero los ensayos estuvieron plagados de problemas y el estreno, previsto para el año 1917, tuvo que ser cancelado debido a la Revolución de febrero. En el verano de aquel año, Prokófiev compuso su "Primera Sinfonía", la «Clásica». Este es el nombre que él mismo le dio, dado que la compuso en un estilo que, según Prokófiev, Joseph Haydn habría usado si estuviera vivo en esa época. Es de estilo más o menos clásico, pero incorpora elementos musicales más modernos.


title: Serguéi Prokófiev

text: La sinfonía también fue una obra contemporánea exacta del "Concierto para violín n.º 1", que estaba programado para estrenarse en noviembre de 1917. Compuso la melodía de apertura del concierto en 1915, durante su historia de amor con Nina Mescherskaya. Los movimientos restantes se inspiraron en parte en la representación en San Petersburgo de 1916 de la obra "Mitos" de Karol Szymanowski por el violinista polaco Paul Kochanski. Las primeras interpretaciones de ambas obras debieron esperar hasta el 21 de abril de 1918 y el 18 de octubre de 1923, respectivamente. Se quedó brevemente con su madre en Kislovodsk, en el Cáucaso.


title: Serguéi Prokófiev

text: A pesar de los acontecimientos que llevaron a la abdicación del zar Nicolás II y, finalmente, la Revolución de Octubre, 1917 se convirtió en el año más productivo de Prokófiev en términos de composición. Junto con el "Primer concierto para violín" y la "Sinfonía «Clásica»", compuso las "Tercera" y "Cuarta sonatas para piano", las "Visiones fugitivas para piano" y trabajó en el "Tercer concierto para piano".


title: Serguéi Prokófiev

text: Después de completar la partitura de la cantata "Siete, ellos son siete", una «invocación caldea» para coro y orquesta, Prokófiev se quedó «sin nada que hacer y el tiempo colgaba pesadamente de mis manos». Creyendo que en Rusia «no había ningún uso para la música en ese momento», decidió probar fortuna en Estados Unidos hasta que pasara la confusión en su tierra natal. Partió hacia Moscú y San Petersburgo en marzo de 1918 para resolver cuestiones financieras y gestionar su pasaporte. En mayo se dirigió a Estados Unidos, tras obtener el permiso oficial de Anatoli Lunacharski, el Comisario del Pueblo para la Educación, quien le dijo: «Eres un revolucionario en la música, somos revolucionarios en la vida. Debemos trabajar juntos. Si quieres ir a Estados Unidos, no me interpondré en tu camino».


title: Serguéi Prokófiev

text: Al llegar a San Francisco, después de haber sido liberado de los interrogatorios por funcionarios de inmigración en la Isla de los Ángeles el 11 de agosto de 1918, Prokófiev pronto fue comparado con otros exiliados rusos famosos (como Serguéi Rajmáninov). Su concierto de debut como solista en Nueva York dio lugar a varios compromisos más. También firmó un contrato con el director musical de la Chicago Opera Association, Cleofonte Campanini, para la producción de su nueva ópera "El amor de las tres naranjas". Sin embargo, debido a la enfermedad y la muerte de Campanini, se pospuso el estreno. El retraso fue otro ejemplo de la mala suerte de Prokófiev en asuntos operísticos. El fracaso también le costó su carrera como solista estadounidense, ya que la ópera le tomó demasiado tiempo y esfuerzo. Pronto se encontró en dificultades financieras y, en abril de 1920, se fue a París, al no querer regresar a Rusia y reconocer un fracaso.


title: Serguéi Prokófiev

text: En París reafirmó sus contactos con los Ballets Rusos de Diáguilev. También completó algunas de sus obras más antiguas e inacabadas, como el "Tercer Concierto para piano". "El amor de tres naranjas" finalmente se estrenó en Chicago, bajo la batuta del compositor, el 30 de diciembre de 1921. Diáguilev se interesó lo suficiente en la ópera como para pedirle a Prokófiev que diera una audición de la partitura vocal en junio de 1922, mientras ambos estaban en París para un nuevo montaje de "El bufón", por lo que podría considerarlo para una posible producción. Ígor Stravinski, que estuvo presente en la audición, se negó a escuchar más que el primer acto. Entonces acusó a Prokófiev de «perder el tiempo componiendo óperas», que replicó que Stravinski «no estaba en posición de establecer una dirección artística general, ya que él mismo no es inmune al error». Según Prokófiev, Stravinski «se volvió incandescente por la ira» y «casi llegamos a las manos y nos separamos con dificultad». Como resultado, «nuestras relaciones se tensaron y durante varios años la actitud de Stravinski hacia mí fue crítica». Después de eso, al parecer Stravinski hizo mucho para menoscabar la reputación de Prokófiev, incluso con el propio Diáguilev. Como consecuencia y a pesar del éxito cosechado con "El bufón", Diáguilev no realizó más encargos a Prokófiev y canceló las representaciones del ballet.


title: Serguéi Prokófiev

text: En marzo de 1922 Prokófiev se mudó con su madre a la ciudad de Ettal, en los Alpes bávaros, donde durante más de un año se concentró en un proyecto de ópera, "El ángel de fuego", basado en la novela de Valeri Briúsov. Su música posterior había adquirido seguidores en Rusia y recibió invitaciones para regresar allí, pero decidió quedarse en Europa. En 1923 Prokófiev se casó con la cantante española de madre rusa Carolina Codina (de nombre artístico Lina Llubera), antes de regresar a París.


title: Serguéi Prokófiev

text: En París se representaron varias de sus obras, incluida la "Segunda Sinfonía", pero su recepción fue tibia y Prokófiev sintió que «evidentemente ya no era una sensación». Aun así, la "Segunda Sinfonía" pareció incitar a Diáguilev a encargar "El paso de acero", una partitura de ballet «modernista» destinada a retratar la industrialización de la Unión Soviética. La obra fue recibida con entusiasmo por el público y crítica parisinos.


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text: Alrededor de 1924 conoció la Ciencia cristiana y comenzó a practicar sus enseñanzas, que creía que eran beneficiosas para su salud y su temperamento ardiente, y a las que permaneció fiel por el resto de su vida, según el biógrafo Simon Morrison.


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text: Prokófiev y Stravinski restablecieron su amistad, aunque a Prokófiev le disgustó particularmente la «estilización al modo de Bach» de Stravinski en obras tan recientes como el "Octeto" y el "Concierto para piano e instrumentos de viento". Por su parte, Stravinski describió a Prokófiev como el compositor ruso de su tiempo, después de él.


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text: En 1927 Prokófiev hizo su primera gira de conciertos en la Unión Soviética. En el transcurso de más de dos meses, pasó un tiempo en Moscú y Leningrado (el nuevo nombre de San Petersburgo), donde disfrutó de una muy exitosa puesta en escena de "El amor de las tres naranjas" en el Teatro Mariinski. En 1928 completó su "Tercera Sinfonía", que se basaba ampliamente en su ópera no estrenada "El ángel de fuego". El director Serguéi Kusevitski caracterizó a la "Tercera" como «la mayor sinfonía desde la "Sexta" de Chaikovski».


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text: Mientras tanto, sin embargo, Prokófiev, bajo la influencia de las enseñanzas de la Ciencia cristiana, se había vuelto contra el estilo expresionista y el tema de "El ángel de fuego". Ahora prefería lo que llamó una «nueva simplicidad», que creía más sincera que las «artimañas y complejidades» de tanta música moderna de la década de 1920. Durante los años 1928 y 1829, Prokófiev compuso lo que iba a ser su último ballet para Diáguilev, "El hijo pródigo". Cuando se representó por primera vez en París el 21 de mayo de 1929, con coreografía de George Balanchine, con Serge Lifar en el papel principal y decorados de Georges Rouault, la audiencia y los críticos quedaron especialmente impresionados por la escena final en la que el hijo pródigo se arrastra sobre el escenario arrodillado para ser bienvenido por su padre. Diáguilev había reconocido que en la música de la escena, Prokófiev «nunca había sido más claro, más simple, más melodioso y más tierno». Sólo unos meses después, Diáguilev murió.


title: Serguéi Prokófiev

text: Ese verano Prokófiev completó el "Divertimento" op. 43 (que había comenzado en 1925) y revisó su "Sinfonietta" op. 5/48, una obra que comenzó en sus días en el Conservatorio. En octubre de ese año, tuvo un accidente automovilístico mientras conducía a su familia de regreso a París después de sus vacaciones: cuando el automóvil volcó, Prokófiev se lastimó levemente su mano izquierda. Por lo tanto, no pudo actuar en Moscú durante su gira poco después del accidente, pero pudo disfrutar viendo las interpretaciones de su música desde el público. También asistió a la «audición» del Teatro Bolshói de su ballet "El paso de acero" y miembros de la Asociación Rusa de Músicos Proletarios (RAPM) lo interrogaron sobre la obra: se le preguntó si la fábrica retrataba «una fábrica capitalista, donde el trabajador es un esclavo, o una fábrica soviética, donde el trabajador es el dueño. Si se trata de una fábrica soviética, ¿cuándo y dónde la examinó Prokófiev, que desde 1918 hasta el presente había estado viviendo en el extranjero y vino aquí por primera vez en 1927 durante dos semanas [sic]?» Prokófiev respondió: «Eso se refiere a la política, no a la música, y por lo tanto no responderé». La RAPM condenó el ballet de manera dogmática como una «anécdota antisoviética llana y vulgar, una composición contrarrevolucionaria rayana en el fascismo». El Bolshói no tuvo más opción que rechazar el ballet.


title: Serguéi Prokófiev

text: Con la mano izquierda curada, Prokófiev recorrió los Estados Unidos con éxito a principios de 1930, respaldado por su reciente éxito europeo. Ese año, comenzó su primer ballet sin Diáguilev con "En el Dniéper" op. 51, una obra encargada por Serge Lifar, al que habían nombrado maestro de ballet en la Ópera de París. Entre 1931 y 1932, completó sus "Cuarto" y "Quinto conciertos para piano". Al año siguiente completó la "Canción sinfónica" op. 57, de la que su amigo Myaskovski, pensando en su posible audiencia en la Unión Soviética, le dijo «no es del todo para nosotros ... carece de lo que entendemos por monumentalismo: una simplicidad familiar y amplios contornos, de los cuales eres extremadamente capaz, pero que temporalmente estás evitando cuidadosamente».


title: Serguéi Prokófiev

text: A principios de la década de 1930, tanto Europa como Estados Unidos sufrían la Gran Depresión, que inhibió tanto las nuevas producciones de ópera como las de ballet, aunque las audiencias para las apariciones de Prokófiev como pianista no habían disminuido, al menos en Europa. Sin embargo, Prokófiev, que se veía a sí mismo como un compositor ante todo, estaba cada vez más resentido por la cantidad de tiempo que perdía para la composición a través de sus apariciones como pianista. Después de haber sentido nostalgia durante algún tiempo, Prokófiev comenzó a construir puentes sustanciales con la Unión Soviética. Tras la disolución de la RAPM en 1932, actuó cada vez más como embajador musical entre su país de origen en Europa occidental, y sus estrenos y encargos fueron cada vez más bajo los auspicios de la Unión Soviética. Uno de ellos fue "El teniente Kijé", que fue encargado como la banda sonora de una película soviética.


title: Serguéi Prokófiev

text: Otro encargo, del Teatro Kírov (como se denominaba entonces al Mariinski) en Leningrado, fue el ballet "Romeo y Julieta", compuesto para un guion creado por Adrián Piotróvski y Serguéi Rádlov siguiendo los preceptos de «drambalet» (ballet dramatizado, oficialmente promovido en el Kírov para reemplazar las obras basadas principalmente en exhibición e innovación coreográficas). Tras la amarga renuncia de Rádlov al Kírov en junio de 1934, se firmó un nuevo acuerdo con el Teatro Bolshói de Moscú, en el entendimiento de que Piotróvski seguiría participando. Sin embargo, el final feliz original del ballet (contrario a William Shakespeare) provocó controversia entre los funcionarios culturales soviéticos. La producción del ballet se pospuso indefinidamente cuando se revisó el personal del Bolshói a instancias del presidente de la Comisión de Asuntos de Arte, Platón Kérzhentsev. Nikolái Myaskovski, uno de sus amigos más cercanos, mencionó en varias cartas cómo le gustaría que Prokófiev permaneciera en Rusia. El 1 de diciembre de 1935 se estrenó el "Concierto para violín n.º 2" en Madrid por el violinista francés Robert Soetens y la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Enrique Fernández Arbós.


title: Serguéi Prokófiev

text: En 1936, Prokófiev y su familia se establecieron permanentemente en Moscú, después de desplazarse entre Moscú y París durante los cuatro años anteriores. Ese año compuso una de sus obras más famosas, "Pedro y el lobo", para el Teatro Central para Niños de Natalia Sats. Se trata de una obra programática para narrador, instrumentos individuales y orquesta. Sats también lo persuadió para que escribiera dos canciones para niños, «Dulce canción» y «Parlanchín», que finalmente se unieron a «Los cerditos» y se publicaron como "Tres canciones para niños" op. 68. Prokófiev también compuso la gigantesca "Cantata para el vigésimo aniversario de la Revolución de Octubre", originalmente destinada a la presentación durante el año del aniversario, pero efectivamente bloqueada por Kérzhentsev, quien reclamó en la audición de la obra ante la Comisión de Asuntos de las Artes: «¿Qué crees que estás haciendo, Serguéi Serguéievich, tomando textos que pertenecen a la gente y poniéndoles una música tan incomprensible?». La "Cantata" tuvo que esperar hasta el 5 de abril de 1966 para un estreno parcial, algo más de 13 años después de la muerte del compositor.


title: Serguéi Prokófiev

text: Obligado a adaptarse a las nuevas circunstancias (cualesquiera que fueran sus recelos privados sobre ellas), Prokófiev escribió una serie de «canciones de masas» (opp. 66, 79 y 89), utilizando las letras de los poetas soviéticos oficialmente aprobados. En 1938, colaboró con Serguéi Eisenstein en la épica película histórica "Alejandro Nevski", parte de su música más creativa y dramática. Aunque la película tenía una grabación de sonido muy pobre, el compositor adaptó gran parte de su partitura en una cantata a gran escala para mezzosoprano, orquesta y coro, que fue interpretada y grabada extensamente. Tras el éxito de "Alejandro Nevski", compuso su primera ópera soviética, "Semión Kotko", que debía ser producida por el director Vsévolod Meyerhold. Sin embargo, el estreno de la ópera se pospuso porque Meyerhold fue arrestado el 20 de junio de 1939 por la NKVD (policía secreta de Iósif Stalin) y fusilado el 2 de febrero de 1940. Sólo meses después del arresto de Meyerhold, Prokófiev fue «invitado» a componer la cantata "Zdrávitsa" (literalmente traducido «Brindis» o «¡Salud!», pero con más frecuencia conocida por el título inglés "Hail to Stalin" op. 85) para celebrar el sexagésimo cumpleaños de Iósif Stalin.


title: Serguéi Prokófiev

text: Más tarde, en 1939, compuso sus "Sonatas para piano n.º 6", "7" y "8" opp. 82-84, ampliamente conocidas hoy como las "Sonatas de guerra". Estrenadas respectivamente por Prokófiev (n.º 6: 8 de abril de 1940), Sviatoslav Richter (n.º 7: Moscú, 18 de enero de 1943) y Emil Guilels (n.º 8: Moscú, 30 de diciembre de 1944), fueron posteriormente muy interpretadas en particular por Richter. El biógrafo Daniel Jaffé argumentó que Prokófiev, «habiéndose forzado a componer una alegre evocación del nirvana que Stalin quería que todos creyeran que había creado» (es decir, en "Zdrávitsa"), posteriormente, en las tres sonatas, «expresó sus verdaderos sentimientos». Como evidencia, Jaffé ha señalado que el movimiento central de la "Sonata n.º 7" se abre con un tema basado en el lied de Robert Schumann «Wehmut» («Tristeza», que aparece en el "Liederkreis" de Schumann): sus palabras se traducen, «a veces puedo cantar como si estuviera feliz, pero secretamente las lágrimas son buenas y así liberan mi corazón. Los ruiseñores... cantan su canción de anhelo desde la profundidad de su mazmorra ... todo el mundo se deleita, pero nadie siente el dolor, la profunda tristeza en la canción». Irónicamente (parece que nadie notó su alusión), la "Sonata n.º 7" recibió un Premio Stalin de segunda clase y la n.º 8 un Premio Stalin de primera clase.


title: Serguéi Prokófiev

text: Mientras tanto, el Ballet Kírov finalmente escenificó "Romeo y Julieta", coreografiado por Leonid Lavrovski, el 11 de enero de 1940. Para sorpresa de todos sus participantes —con los bailarines que habían luchado para arreglárselas con los ritmos sincopados de la música y casi boicotearon la producción— el ballet resultó un éxito inmediato, y fue reconocido como el mayor logro del ballet dramático soviético.


title: Serguéi Prokófiev

text: Prokófiev había estado pensando en hacer una ópera de la épica novela "Guerra y paz" de León Tolstói, cuando las noticias de la invasión alemana de la Unión Soviética el 22 de junio de 1941 hicieron que el tema pareciera aún más actual. Tardó dos años en componer su versión original de "Guerra y paz". Debido a la guerra, fue evacuado junto con un gran número de otros artistas, inicialmente al Cáucaso, donde compuso su "Segundo cuarteto de cuerda". A estas alturas, su relación con la escritora y libretista de 25 años Mira Mendelson (1915-1968) finalmente lo había llevado a separarse de su esposa Lina. A pesar de su amarga separación, el compositor había intentado persuadir a Lina y sus hijos para que lo acompañaran como evacuados fuera de Moscú, pero Lina optó por quedarse.


title: Serguéi Prokófiev

text: Durante los años de la guerra, las restricciones sobre el estilo y la exigencia de que los compositores escribieran en un estilo de «realismo socialista» se aflojaron y Prokófiev en general pudo componer a su manera. De ese período son la "Sonata para violín n.º 1" op. 80, "El año 1941" op. 90 y la "Balada para el niño desconocido" op. 93. En 1943, Prokófiev se unió a Eisenstein en Alma Ata, la ciudad más grande de Kazajistán, para componer más música de cine ("Iván el Terrible" para la película homónima) y el ballet "Cenicienta" (op. 87), una de sus composiciones más melodiosas y celebradas. A principios de ese año, también tocó extractos de "Guerra y paz" a los miembros del colectivo del Teatro Bolshói, pero el gobierno soviético tenía opiniones sobre la ópera que dieron lugar a muchas revisiones. También empezó un borrador para otra ópera, "Khan Buzay", que abandonó. En 1944, Prokófiev compuso su "Quinta Sinfonía" en una colonia de compositores en las afueras de Moscú. Dirigió su estreno el 13 de enero de 1945, apenas quince días después del estreno triunfante de su "Octava sonata para piano" el 30 de diciembre de 1944 y, el mismo día, la primera parte de "Iván el Terrible" de Eisenstein. En esos años, también compuso música para otras tres películas, varias suites sinfónicas, el "Cuarteto de cuerda n.º 2", la "Sonata para flauta y piano", una transcripción de la misma para violín y piano (hecha a instancias del violinista David Óistraj), dos marchas militares y unas cuantas canciones folclóricas.


title: Serguéi Prokófiev

text: Con el estreno de su "Quinta Sinfonía", que fue programada junto a "Pedro y el Lobo" y la "Sinfonía Clásica" (dirigida por Nikolái Anósov), Prokófiev pareció alcanzar el cenit de su fama como compositor líder de la Unión Soviética. Poco tiempo después, sufrió una conmoción cerebral después de una caída debido a la hipertensión crónica. Nunca se recuperó por completo de la lesión y por consejo médico se vio obligado a restringir su actividad compositiva.


title: Serguéi Prokófiev

text: Prokófiev tuvo tiempo de escribir su "Sexta Sinfonía" de posguerra y su "Novena sonata para piano" (para Sviatoslav Richter) antes del llamado «Decreto Zhdánov». A principios de 1948, después de una reunión de compositores soviéticos convocada por Andréi Zhdánov, el Politburó emitió una resolución denunciando a Prokófiev, Dmitri Shostakóvich, Nikolái Miaskovski y Aram Jachaturián por el crimen del «formalismo», descrito como una «renuncia a los principios básicos de la música clásica» a favor de sonidos «confusos, angustiosos» que «convertían la música en cacofonía». Prohibieron ocho de las obras de Prokófiev: "El año 1941", "Oda al final de la guerra", "Poema festivo", "Cantata por el vigésimo aniversario de la revolución de octubre", la "Balada de un niño desconocido", el ciclo para piano de 1934 "Los pensamientos" y las "Sonata para piano n.º 6" y "8". Tal era la amenaza percibida detrás de la prohibición de las obras que incluso las obras que habían evitado la censura ya no fueron programadas: en agosto de 1948, Prokófiev se encontraba en una grave situación financiera, su deuda personal ascendía a 180.000 rublos.


title: Serguéi Prokófiev

text: El 22 de noviembre de 1947, Prokófiev presentó una petición ante el tribunal para iniciar un proceso de divorcio contra su esposa separada. Cinco días después, el tribunal dictaminó que el matrimonio no tenía base jurídica, ya que se había celebrado en Alemania y no había sido registrado ante los funcionarios soviéticos, por lo que era nulo y sin valor. Después de que un segundo juez confirmara el veredicto, él y su pareja Mira se casaron el 13 de enero de 1948. El 20 de febrero de 1948, arrestaron a su exesposa Lina por «espionaje», ya que había intentado enviar dinero a su madre en España. Después de nueve meses de interrogatorio, un Colegio Militar de tres miembros del Tribunal Supremo de la Unión Soviética la sentenció a veinte años de trabajos forzados. Tras ocho años allí, fue finalmente liberada el 30 de junio de 1956 y en 1974 abandonó la Unión Soviética.


title: Serguéi Prokófiev

text: Los últimos proyectos de ópera de Prokófiev, entre ellos su desesperado intento de apaciguar a las autoridades culturales, "La historia de un hombre real", fueron cancelados rápidamente por el Teatro Kírov. El desaire, en combinación con su salud en declive, hizo que Prokófiev se retirara progresivamente de la vida pública y de diversas actividades, incluso su apreciado ajedrez, y se dedicó cada vez más a su propio trabajo. Después de una grave recaída en 1949, sus médicos le ordenaron limitar su actividad compositiva a una hora por día.


title: Serguéi Prokófiev

text: En la primavera de 1949, escribió su "Sonata para violonchelo en do" op. 119 para Mstislav Rostropóvich, de 22 años, quien realizó la primera actuación en 1950, con Sviatoslav Richter. Prokófiev también recompuso para Rostropóvich extensivamente su "Concierto para violonchelo", transformándolo en un "Sinfonía concertante", un hito en el repertorio de violonchelo y orquesta de la actualidad. La última actuación pública a la que asistió fue el estreno de su "Séptima Sinfonía" en 1952, su última obra maestra y última obra completa y por la cual recibió el premio Stalin. La música la escribió para la División de Radio para Niños.


title: Serguéi Prokófiev

text: Prokófiev falleció a la edad de 61 años el 5 de marzo de 1953, el mismo día que Iósif Stalin, cuando acababan de comenzar los ensayos para su ballet "La flor de piedra" (1950), que se estrenó el año siguiente. Había vivido cerca de la Plaza Roja y durante tres días las multitudes se reunieron para llorar a Stalin, lo que hizo imposible celebrar el funeral de Prokófiev en la sede de la Unión de Compositores Soviéticos. Debido a que el coche fúnebre no podía llegar cerca de la casa del compositor, su ataúd tuvo que moverse a mano por calles secundarias en la dirección opuesta a las masas de personas que iban a visitar el cuerpo de Stalin. Cerca de treinta personas asistieron al funeral, entre ellas Shostakóvich. Aunque no parecían llevarse bien cuando se conocieron, en los últimos años sus interacciones se habían vuelto mucho más amistosas y Shostakóvich le escribió a Prokófiev que «te deseo al menos otros cien años para vivir y crear. Escuchar obras como tu "Séptima Sinfonía" hace que sea mucho más fácil y alegre vivir». Está enterrado en el cementerio Novodévichi en Moscú. Era ateo.


title: Serguéi Prokófiev

text: La prensa soviética reportó la muerte de Prokófiev con un breve artículo en la página 116, mientras las primeras 115 páginas se dedicaron a la muerte de Stalin.


title: Serguéi Prokófiev

text: Aunque la naturaleza precisa de la enfermedad terminal de Prokófiev sigue siendo incierta, su muerte se atribuye, por lo general, a una hemorragia cerebral, pues había sido enfermo crónico durante los ocho años anteriores.


title: Serguéi Prokófiev

text: La esposa de Prokófiev, Mira Mendelson, pasó sus últimos años viviendo en el mismo apartamento de Moscú que habían compartido. Ocupó su tiempo organizando los papeles de su marido, promocionando su música y escribiendo sus memorias, fuertemente alentada por Prokófiev a embarcarse en estas últimas. Trabajar en las memorias fue difícil para ella; las dejó incompletas a su muerte. Mendelssohn murió de un ataque cardíaco en Moscú en 1968, 15 años después del fallecimiento de su esposo. Dentro de su bolso, un mensaje fechado en febrero de 1950 y firmado por Prokófiev y Mendelssohn decía simplemente: «Deseamos ser enterrados uno al lado del otro». Sus restos están enterrados juntos en el cementerio Novodévichi.


title: Serguéi Prokófiev

text: Lina Prokófiev sobrevivió a su separado marido por muchos años y murió en Londres a principios de 1989. Los derechos de autor de la música de su difunto esposo le proporcionaron unos ingresos modestos y actuó como narradora de una grabación de "Pedro y el lobo" de su marido (editada en CD por Chandos Records) con Neeme Järvi dirigiendo la Orquesta Nacional Escocesa. Sus hijos, el arquitecto Sviatoslav (1924-2010), y el artista, pintor, escultor y poeta Oleg (1928-1998), dedicaron una gran parte de sus vidas a la promoción de la vida y obra de su padre.


title: Serguéi Prokófiev

text: Muchas de las obras de Prokófiev han sido clásicas durante mucho tiempo, como la "Sinfonía Clásica" y las "Quinta" y "Sexta Sinfonías"; los conciertos para piano n.º 1 y n.º 3 y los conciertos para violín; "Pedro y el lobo", las sonatas para piano, la "Sonata para flauta" y numerosos conjuntos de miniaturas para piano; su ópera "El amor de las tres naranjas" y los ballets "Romeo y Julieta" y "Cenicienta"; o la música de cine para "El teniente Kijé" y "Alejandro Nevsky". Otras obras han tardado tiempo, pero se han estableciendo en el repertorio internacional: los primeros ballets, las óperas "Guerra y paz" y "El ángel de fuego", los otros tres conciertos para piano, los cuartetos de cuerda y las canciones.


title: Serguéi Prokófiev

text: El primer intento de Prokófiev en componer una ópera fue a los nueve años. Entre sus óperas se incluyen "El amor de las tres naranjas", escrita en 1919 para Chicago, "El ángel de fuego", "El jugador" y "Guerra y paz", basada en la novela homónima de Tolstói. Serguéi Diáguilev rechazó la primera partitura de ballet que compuso Prokófiev, "Ala y Lolli", porque la música le pareció anticuada y el argumento «manido» y «no ruso». El compositor reformuló parte de la música como la "Suite escita", pero el ballet proyectado nunca llegó a estrenarse. Diáguilev encargó otros tres ballets a Prokófiev: "El bufón", "El paso de acero" y "El hijo pródigo", que en el momento de su producción original causaron sensación entre críticos y colegas. Este último se representó por primera vez en París en mayo de 1929, tres meses antes de la muerte del impresario. Los ballets posteriores incluyen "Romeo y Julieta" y "Cenicienta" de 1944. Tanto los ballets como la primera ópera mencionada son conocidos por el público de conciertos desde las propias suites orquestales del compositor basadas en ellos.


title: Serguéi Prokófiev

text: Tras su regreso a la Unión Soviética a comienzos de la década de 1930, Prokófiev comenzó su relación con el mundo del cine. Compuso la música para seis películas. La primera de ellas fue "El teniente Kijé", de Aleksandr Faintsimmer, que luego transformó en una suite orquestal. Después compuso la partitura de la banda sonora "La dama de picas" para la película homónima de 1938, que finalmente no se estrenó.


title: Serguéi Prokófiev

text: Más tarde trabó amistad con el director Serguéi Eisenstein. Colaboró con él en varias películas, la primera de las cuales fue "Alejandro Nevsky" (1938), primera película sonora del director y que se usó por parte del régimen de Stalin para reforzar sus intereses patrióticos. La composición es una obra que ha ejercido una gran influencia en otros grandes compositores posteriores de bandas sonoras, como John Williams y James Horner.


title: Serguéi Prokófiev

text: Sobre las denominadas «películas de guerra» ("Lérmontov", 1941; "Kotovski", 1942; "Tonya", 1942; y "Los partisanos en las estepas ucranianas", 1942), Kevin Bartig comenta que ninguna de ellas «era un proyecto importante para Prokófiev» y estaban «entre los temas realistas socialistas más directos que abordó en cualquier género». El propio compositor reconoció en una carta a su amigo Miaskovski que «el trabajo cinematográfico es abundante, lucrativo y no exige un esfuerzo artístico excesivo».


title: Serguéi Prokófiev

text: Su siguiente colaboración con Eisenstein fue para la película "Iván el Terrible" ("Iván el Terrible"), que se estrenó el 30 de diciembre de 1944 y recibió un Premio Stalin. Sin embargo, la segunda parte de la película, "", acabada en 1946, fue censurada por parte de las autoridades soviéticas y no se pudo estrenar hasta 1958. Después de esta película Prokófiev no volvió a trabajar para el cine.


title: Serguéi Prokófiev

text: Prokófiev escribió siete sinfonías, de las cuales la Sinfonía «clásica», escrita entre 1916 y 1917 y basada en la obra de Joseph Haydn, es la más conocida. La "Quinta Sinfonía" de 1944 es una obra a una escala mucho mayor. La "Tercera Sinfonía" utiliza material de la ópera "El ángel de fuego", y la "Cuarta Sinfonía" se basa en el ballet "El hijo pródigo".


title: Serguéi Prokófiev

text: De sus cinco conciertos para piano, el tercero es el más conocido, escrito en el lenguaje musical instantáneamente reconocible del compositor, desde la incisiva apertura hasta los ritmos motores que siguen, en una mezcla de lirismo e ingenio mordaz. Más abiertamente románticos en el sentimiento son los dos conciertos para violín. Su primer "Concierto para violonchelo", completado en 1938, fue seguido 14 años más tarde por su "Concertino para violonchelo", completado por el violonchelista Mstislav Rostropóvich y el compositor Dmitri Kabalevski después de la muerte de Prokófiev.


title: Serguéi Prokófiev

text: La música de cámara de Prokófiev incluye dos sonatas para violín y piano, la segunda originalmente para flauta y piano y revisada por el compositor con la ayuda del violinista David Óistraj. Completó su "Sonata para violonchelo en do mayor" en 1949, pero una segunda sonata para el instrumento quedó inconclusa en el momento de su muerte. Las "Cinco melodías para violín y piano", basadas en canciones anteriores, también forman parte del repertorio general. Escribió la "Obertura sobre temas hebreos" en 1919, durante un viaje que realizó a Estados Unidos.


title: Serguéi Prokófiev

text: Completó nueve sonatas para piano de las once proyectadas. Su música para piano también incluye versiones para piano de la música de los ballets "Romeo y Julieta" y "Cenicienta". "Cuentos de una vieja abuela" fue su primera obra compuesta en el extranjero.


title: Serguéi Prokófiev

text: Una de sus composiciones más conocidas es su cuento para niños "Pedro y el lobo", para narrador y orquesta. Es un sencillo trabajo pedagógico para presentar a los niños los instrumentos de la orquesta, con instrumentos o grupos de instrumentos que representan a los personajes del cuento.


title: Serguéi Prokófiev

text: Prokófiev fue solista de la Orquesta Sinfónica de Londres, dirigida por Piero Coppola, en la primera grabación de su "Concierto para piano n.° 3", grabado en Londres por His Master's Voice en junio de 1932. También grabó parte de su música de piano solo para HMV en París en febrero de 1935; estas grabaciones fueron editadas en CD por Pearl y Naxos. En 1938, dirigió la Orquesta Filarmónica de Moscú en una grabación de la segunda suite de su ballet Romeo y Julieta; esta actuación se publicó más tarde en LP y CD. Otra grabación de Prokófiev y la Filarmónica de Moscú fue del "Primer concierto para violín", con David Óistraj como solista. Más tarde, Everest Records lanzó esta grabación en un LP. A pesar de la atribución, el director fue Aleksandr Gauk. Se ha descubierto un cortometraje sonoro de Prokófiev tocando parte de la música de su ópera "Guerra y paz" y luego explicando la música.


title: Serguéi Prokófiev

text: Durante su vida, las obras de Prokófiev se representaron ampliamente y, tras su muerte, su popularidad como compositor muestra pocos signos de disminución. Ígor Stravinski afirmó que su música tenía «personalidad biológica». Arthur Honegger proclamó que Prokófiev «seguiría siendo para nosotros la figura más grande de la música contemporánea» y el musicólogo estadounidense Richard Taruskin ha reconocido el «don de Prokófiev, virtualmente incomparable entre los compositores del , para escribir melodías diatónicas distintivamente originales».


title: Serguéi Prokófiev

text: Sin embargo, durante algún tiempo, la reputación de Prokófiev en Occidente sufrió como resultado de las antipatías de la Guerra Fría y su música nunca ha ganado de los académicos y críticos occidentales el tipo de estima que disfrutan Ígor Stravinski y Arnold Schönberg, compositores que supuestamente han tenido una mayor influencia en las generaciones más jóvenes de músicos. Las valoraciones críticas tanto del propio compositor como de su música han sido «inusualmente polarizadas», debido a la inestabilidad de la época en la que vivió y a la cronología de sus viajes. Durante el , la crítica que se hizo sobre él fue con frecuencia más política que artística y dependía no sólo de la fecha de publicación, sino también de la ubicación geográfica y la perspectiva social del escritor. En cambio, con la publicación de sus escritos autobiográficos, las memorias de Mira Mendelson, su correspondencia y otras biografías, se ha arrojado luz sobre muchos hechos ocultos sobre su carrera, su contexto cultural, su forma de trabajar y su vida personal.


title: Serguéi Prokófiev

text: Además de la música que compuso para el cine, se han usado otras obras suyas en más de 150 películas y programas de televisión. El concurso de pianistas de toda Ucrania que lleva el nombre de «Concurso internacional para jóvenes pianistas en la patria de S. Prokófiev» se celebra anualmente en Donetsk y comprende cuatro categorías: piano solo, con orquesta, composición y dirección sinfónica.


title: Serguéi Prokófiev

text: Existen distintas ubicaciones que reciben su nombre en honor a Serguéi Prokófiev. El compositor fue honrado en su Óblast de Donetsk natal cuando el Aeropuerto Internacional de Donetsk pasó a llamarse «Aeropuerto Internacional Serguéi Prokófiev de Donetsk» y el Instituto Musical y Pedagógico de Donetsk pasó a llamarse «Academia Estatal de Música SS Prokófiev de Donetsk» en 1988. En Mercurio existe un cráter de impacto que recibe su nombre en honor al compositor. Además, desde el 1 de junio de 1966 existe en Moscú un museo que lleva su nombre. En 1991 y conmemorando el centenario del nacimiento del compositor, se erigió frente a él un monumento en su honor.


title: Serguéi Prokófiev

text: En 1985, Sting utilizó un fragmento del tema «Romance» de la suite "El teniente Kijé" en su canción «Russians», del álbum "The dream of the blue turtles".


title: Handroanthus chrysanthus

text: El árbol Handroanthus chrysanthus o Tabebuia chrysantha, también conocido con los nombres de araguaney, guayacán amarillo, flor amarillo, guayacán, zapatillo, zapito, roble amarillo, cañahuate y tajibo, es nativo de los bosques secos de la zona intertropical americana. Es un árbol famoso por sus flores de un color amarillo intenso. Fue declarado árbol nacional de Venezuela en 1948.


title: Handroanthus chrysanthus

text: El árbol es conocido como araguaney en Venezuela, guayacán en Ecuador, Perú y Panamá, guayacán amarillo o cañahuate en Colombia, lapacho amarillo en Argentina y Paraguay, y tajibo en Bolivia.


title: Handroanthus chrysanthus

text: "Chrysanthus" es una composición de vocablos griegos que significan "flor de oro". Araguaney proviene del caribe "arevenei", mientras que guayacán proviene del taíno "waiacan".


title: Handroanthus chrysanthus

text: Uno de sus sinónimos "flor amarillo" es epónimo de una localidad ubicada en la ciudad de Valencia (Venezuela), estado Carabobo, Venezuela; dado que abundaban en dicho sector.


title: Handroanthus chrysanthus

text: Es un árbol que alcanza hasta 5 m de alto o más; el tronco puede llegar a tener un diámetros de hasta 60 cm, es caducifolio (que pierde las hojas en condiciones de sequía), ramas escasas gruesas y ascendentes; fuste recto. La corteza es áspera de color gris a café oscuro, tiene grietas verticales, profundas y forman placas anchas de color café oscuro. Hojas opuestas, con 5 hojuelas, de 5 a 25 cm de largo y de 8 a 20 cm de ancho. Sus flores campanuladas (forma de campana), grandes, en grupos de inflorescencias, de 5 a 12 cm de largo, de color amarillo claro, muy vistosas con líneas rojas en el cuello. Los frutos son cápsulas cilíndricas, angostas, de 11 a 35 cm de largo y 0,6 a 2 cm de ancho, dehiscentes (que se abre espontáneamente a la madurez). Semillas aladas, aplanadas, de 1,5 a 2 cm de largo y 1 cm de ancho, de color gris plateado. Árboles de Centroamérica: El proyecto árboles de Centroamérica


title: Handroanthus chrysanthus

text: Se encuentra en un rango altitudinal que va del nivel del mar hasta los 1700 msnm, con precipitaciones anuales de 1500 a 3000 mm y temperaturas de 18 a 23°. Prefiere suelos de textura franca a franco arenosa con buen drenaje interno y externo y un pH de 6 a 8,5. La especie es originaria de América Tropical desde México a través de América Central hasta Colombia, Venezuela, Ecuador y Norte de Perú.


title: Handroanthus chrysanthus

text: El araguaney crece en los bosques tropófilos de los llanos venezolanos, en áreas de clima Aw e incluso BS (intertropical semiárido) según la clasificación climática de Köppen, en las zonas semiáridas del norte de Venezuela, así como de otros países americanos. Su floración, que deja una alfombra de flores amarillas, así como su fructificación, se producen durante la época seca (de febrero a abril), de manera que las semillas de las legumbres puedan aprovechar las primeras lluvias, aunque en Ecuador el afloramiento se produce en el final de la época seca desde finales de octubre a diciembre.


title: Handroanthus chrysanthus

text: Su madera es considerada como una de las más duras y pesadas en los neotrópicos. Es difícil de cepillar y cortar, durable y muy resistente a las termitas y al agua salada. Es utilizada en construcciones de muebles, carrocerías, pisos para uso industrial, durmientes, artesanías finas. Esta especie ha sido empleada en arboricultura urbana, cercas vivas decorativas, para sombra y embellecimiento de fincas. Es excelente especie melífera.


title: Handroanthus chrysanthus

text: "Handroanthus chrysanthus" fue descrita por (Jacq.) S.O.Grose y publicado en "Systematic Botany" 32(3): 664. 2007.


title: Handroanthus chrysanthus

text: Handroanthus: género creado por J.R. Mattos en 1970 para diferenciar parte de las especies del género "Tabebuia". El nombre "Handroanthus" fue un honor al botánico brasileño Oswaldo Handro (1908-1986).


title: Keith Moon

text: Keith John Moon (Londres, Inglaterra, 23 de agosto de 1946-ibídem, 7 de septiembre de 1978) fue un músico inglés, conocido por ser baterista de la banda británica de rock The Who. Se ganó el reconocimiento por su estilo exuberante e innovador en la batería, y su excéntrico comportamiento autodestructivo, lo que le valió el apodo de «Moon the Loon» («Moon el chiflado»). Moon se unió a The Who en 1964. Participó en todos los álbumes y sencillos desde su debut, en «Zoot Suit» de 1964, hasta "Who Are You" de 1978, álbum que fue lanzado solo tres semanas antes de su muerte.


title: Keith Moon

text: Moon fue conocido por su dramática y emocionante forma de tocar la batería—evitando frecuentemente los ritmos básicos, enfocando su técnica en la rapidez, subrayando los redobles a través de los tambores, manejando ambidiestramente el doble bombo y golpeando salvajemente los platillos. Es mencionado en el Salón de la Fama del Rock como uno de los grandes bateristas del rock, y de manera póstuma, fue incluido en el Rock Hall como miembro de The Who en 1990.


title: Keith Moon

text: El legado de Moon, como miembro de The Who, como solista y como una excéntrica personalidad, sigue cosechando premios y elogios. Los lectores de la revista "Rolling Stone", lo posicionaron en el segundo lugar entre «Los Mejores Bateristas de Todos los Tiempos» en 2011, casi 35 años después de su muerte.


title: Keith Moon

text: Keith John Moon vivió en Wembley, Middlesex. De niño era hiperactivo y tenía una imaginación inquieta. En su juventud, lo único que podía mantener su atención era la música. Moon falló en su examen «11-plus» (que otorga ingresos a exclusivos colegios de secundaria), por lo que asistió a una escuela secundaria moderna para alumnos de bajo rendimiento, donde es descrito en un informe de su profesor de arte como: «Retardado artísticamente. Idiota en otros aspectos». Por el contrario, el maestro Aarón Sofocleous elogió sus habilidades musicales y lo animó a su estilo caótico, incluso en uno de sus informes señaló que «Tiene una gran habilidad, pero debe cuidarse de la tendencia a presumir». De la escuela y en camino a casa, Keith iba al Macari's Music Studio en Ealing Road, donde tomaría clases de batería, aprendiendo sus habilidades básicas en ella. Dejó la escuela definitivamente en 1961.


title: Keith Moon

text: El 17 de marzo de 1966, Moon se casó en secreto con su novia embarazada, Kim Kerrigan, a quien conoció en Bournemouth. Su hija Amanda Jane, nació el 12 de julio de 1966. Kerrigan dejó a Moon en 1973. Ella se fue a vivir con su hija a la casa del teclista de Faces, Ian McLagan, con quien estaba teniendo una aventura, divorciándose de Moon en 1975 (Kerrigan y McLagan se casaron en octubre de 1978, un mes después de la muerte de Keith. Ella murió en un accidente automovilístico en Texas en 2006). Antes del divorcio, Moon se relacionó con la modelo británica Georgiana Steele, y posteriormente con Annette Walter-Lax, una modelo sueca.


title: Keith Moon

text: A los doce años, Moon se unió a la banda local Sea Cadet Corps como intérprete del bugle, pero al cabo de un tiempo, cambió su instrumento por la batería. Comenzó a tocarla a los catorce años después de que su padre le comprara un kit. Recibió lecciones de uno de los bateristas más ruidosos de la época, Carlo Little, a quien le pagaba diez chelines por lección. Durante este tiempo se unió a su primera banda seria, llamada «The Escorts». Más tarde, pasó a ser el baterista de «The Beachcombers», una banda de covers de Londres, que destacaba por realizar interpretaciones de canciones de Cliff Richard.


title: Keith Moon

text: Moon tocó inicialmente el estilo percusional del surf rock y el jazz americano, con una mezcla de R & B, utilizando el ritmo de esos géneros, en especial el del intérprete Hal Blaine de Wrecking Crew. Sin embargo, Keith tocó más rápido y fuerte, con más persistencia y autoridad. Los músicos favoritos de Moon fueron los artistas de jazz Gene Krupa y Sonny Rollins.


title: Keith Moon

text: A los 17 años, Moon se unió a The Who, en sustitución de Doug Sandom, después de que la banda recibiera la noticia de que no podían esperar un contrato de grabación sin un baterista mejor. En abril de 1964, después de una audición improvisada en el Hotel Oldfield en Greenford, oeste de Londres, Moon, que el año anterior había sido batería en Wembley, Clyde Burns y el Beachcombers, se une a The Who. La banda había tenido como batería temporal a Dave Golding después de la salida de Sandom. A principios de la carrera de The Who, trataron de diferenciarse de otras bandas de la época. Cuando culminaban sus presentaciones en vivo, en lo que más tarde se describió como «arte autodestructivo», Pete Townshend y Moon, destruían sus equipos musicales de manera estilizada y desenfrenada, haciéndose un nombre por sí mismos en la prensa y llamando la atención que les faltaba. Fue un acto que fue imitado por otras bandas y artistas como Jimi Hendrix (que acababa de firmar con el mismo sello discográfico) en el final de su presentación en el Monterey Pop Festival de 1967. Moon se mostró celoso por esto, pateando y golpeando su batería. Durante el final de su aparición en el programa de televisión "The Smothers Brothers Comedy Hour" en 1967, Moon cargó con explosivos uno de sus bombos. Durante el final de «My Generation», él pateó el otro bombo que accionó la carga. La intensidad de la explosión sorprendió al mismo Moon. Como resultado, el cabello de Townshend quedó chamuscado, y un trozo del platillo quedó incrustado en el brazo del propio Keith. Se ha especulado que la explosión, dejó sordo a Townshend por unos cuantos minutos, lo que posteriormente detonó a una tinnitus, aunque este último se lo atribuyó al uso de auriculares en el estudio de grabación. Durante una de sus actuaciones en la televisión en solitario, Moon utilizó los toms de su batería, de un acrílico transparente con el interior lleno de agua y con peces de colores en él, jugando con ellos para el público. Hechos como este le valió el apodo de «Moon the Loon» («Moon el chiflado») y «Mad Moon» («Loco Moon»). Debido a este comportamiento, se convirtió en uno de los más conocidos bateristas de su generación, y los demás miembros de The Who se beneficiaron de esta exposición.


title: Keith Moon

text: La inclinación de Keith por hacer reír a sus compañeros de banda mientras estos se encontraban en el proceso de grabación, los llevó a hacerlo desaparecer del estudio. Esto llevó a Moon a infiltrarse en el estudio a escondidas, mientras que se unía a ellos para la grabación de las voces y coros. Se puede escuchar su voz en varias pistas, incluyendo «Bell Boy» ("Quadrophenia" de 1973), «Bucket T» y «Barbara Ann» ("Ready Steady Who", EP de 1966), y los coros altos en otras canciones, como «Pictures Of Lily».


title: Keith Moon

text: Moon fue acreditado como compositor de «I Need You», que también cantó, y el instrumental «Cobwebs and Strange» ("A Quick One" de 1966), el sencillo Lado B «In The City» (coescrita por Moon y John Entwistle), «Dogs Part Two» (1969) (compartiendo créditos con Townshend y los perros de Entwistle, Towser y Jason), «Tommy's Holiday Camp» ("Tommy" de 1969), «Waspman» (1972), y «Girl's Eyes» (de las sesiones de The Who Sell Out, "Thirty Years of Maximum R&B" y la reedición de 1995 de "The Who Sell Out"). Él también cocompuso el instrumental «The Ox» (del álbum debut "My Generation") con Townshend, Entwistle y el tecladista Nicky Hopkins. «Tommy's Holiday Camp» se acreditó a Moon, quien sugirió que la acción debe tener lugar en un campamento de vacaciones. La canción fue escrita por Townshend, y aunque Moon canta en la pista de estudio, la versión del álbum proviene de un demo de Townshend. Sin embargo, Moon la interpretó en numerosos conciertos en vivo, como también en la versión cinematográfica de "Tommy". También participó en la producción de «Baba O'Riley», sugiriendo que en la coda de la canción, apareciese un solo de violín, que finalmente realizó Dave Arbus, un amigo personal.


title: Keith Moon

text: Daltrey comentó en una entrevista: «Un montón de gente nunca ha comprendido la importancia del estilo de Keith para The Who. Por hacer una metáfora, imaginemos que Pete y John son dos agujas de tejer y Keith un ovillo de lana. Él llevaba el tema, y con la voz encima se generaba el resultado. Si se lo sacaba a Keith, se derrumbaba todo».


title: Keith Moon

text: Muchos bateristas de rock han citado a Moon como influencia en sus estilos, incluyendo a Neil Peart y Dave Grohl. El grupo de punk y mod revival The Jam, tributó a Keith en el segundo sencillo de su tercer álbum, titulado «Down in the Tube Station at Midnight», en el que el lado B del sencillo, es un cover de la canción de The Who, «So Sad About Us». La contraportada del disco, es una foto de la cara de Moon. El sencillo fue lanzado un mes después de la muerte de Keith.


title: Keith Moon

text: Moon llevaba un estilo de vida muy destructivo. Asoló habitaciones de hoteles, las casas de sus amigos y hasta su propia casa, tirando los muebles por las altas ventanas y prendiéndole fuego a los edificios. En un caso, la banda debía realizar un show en el estadio de fútbol del Charlton Athletic, y estaban esperando en el vestuario llegar a Keith. Un testigo describió la entrada repentina del baterista: «De repente, se produjo un gran estrépito y Keith Moon cayó a través del techo, abriéndose camino a través del techo de hierro corrugado».


title: Keith Moon

text: Junto con los artículos de su batería, la más famosa (y favorita) carta de presentación de Keith era detonar explosivos de alta potencia por el inodoro. Se ha estimado que la destrucción de los baños y tuberías superó los UK£300.000 (US$500.000). Los niveles de destrucción obligaron a la banda a alojarse en los alrededores de Nueva York por un tiempo, cuando tenían presentaciones en aquel lugar, y la repetida práctica de volar los inodoros de Moon, lo llevó a ser suspendido de por vida en el alojamiento en varias cadenas hoteleras del mundo, incluyendo el Holiday Inn, el Sheraton y el Hilton, como también el Waldorf-Astoria. Moon hizo esta práctica tan famosa, que cuando a Nick Harper le fue preguntado sobre sus recuerdos de infancia en torno a The Who, lo primero que recordó fue: «Me acuerdo de Keith volando los baños».


title: Keith Moon

text: Según la biografía de Tony Fletcher, el uso de la pirotecnia por parte de Keith comienza en 1965 cuando éste compró 500 «cherry bombs». Al poco tiempo, las "cherry bombs" quedaron atrás y Moon comenzó a utilizar explosivos cada vez más fuertes. Desde el uso de M-80 hasta cartuchos de dinamita, explosivo que se convertiría en su preferido para destrozar los baños. «Ver toda esa porcelana volando por los aires es algo inolvidable», expresó Moon. «Nunca había comprobado el poder de la dinamita. Ya había estado usando petardos antes». En un corto período, Keith ya se había ganado la reputación de «dejador de hoyos» en los baños, elevando así su reputación como el primer infierno viviente del rock and roll. Fletcher continúa afirmando que «no había baño o habitación segura en un hotel», con Moon detonado su suministro de explosivos.


title: Keith Moon

text: Desconocido fue para muchas personas en aquel momento, el hecho de que Moon incitó a John Entwistle en ayudarlo a volar los baños. En una entrevista de 1981 con el diario Los Angeles Times, Entwistle confesó: «Muchas veces, cuando Keith volaba los baños, yo estaba de pie detrás de él con los fósforos». Durante un incidente entre Keith y la gestión hotelera, se le pidió a Moon que bajase el volumen de su reproductor de casetes, porque estaba haciendo «mucho ruido». En respuesta, Moon llamó al gerente a su cuarto, encendió un cartucho de dinamita en el baño y cerró la puerta. Tras la explosión, Moon contestó al sorprendido gerente: «Eso, querido muchacho, era el ruido». Keith se volvió al reproductor de casetes de nuevo y exclamó: «Esto es The Who». En otra ocasión, en Alabama, Moon y Entwistle cargaron un baño con "cherry bombs" porque no podían recibir servicio de habitación. Según Entwistle: «Ese baño era sólo polvo en todas las paredes. En el momento en que nos marchamos, el gerente del hotel nos llevó las maletas hasta el concierto y nos dijo: "No regresen"».


title: Keith Moon

text: Los actos, aunque a menudo alimentados por el abuso de drogas y de alcohol, eran la manera de expresar su excentricidad, así como también, le gratificaba recibir el escándalo público. En la biografía de Keith, "Full Moon", su asistente personal y viejo amigo, Dougal Butler, comentó: «Haría cualquier cosa si él sabía que había bastante gente alrededor que no quería que lo hiciera».


title: Keith Moon

text: Según Townshend, la reputación de Moon por el comportamiento errático era algo que él cultivaba. Una vez, en el camino a un aeropuerto, Moon insistió en su regreso al hotel, diciendo: «Me olvidé de algo. ¡Tenemos que volver!» Cuando la limusina regresó, Moon corrió a su cuarto, agarró la televisión mientras estaba conectada y la arrojó por la ventana a la piscina. Luego regresó de un salto a la limusina, y suspirando dijo: «Casi se me olvida» .


title: Keith Moon

text: En 1967, Moon realizó una serie de sucesos que lo convertirían en una de las leyendas más famosas del rock.


title: Keith Moon

text: De acuerdo con el libro "Local DJ, a Rock & Roll History", después de que The Who teloneara a Herman's Hermits, Moon celebró su cumpleaños número 21 en una fiesta en el Holiday Inn, en Flint, Míchigan. Ya ebrio, comenzó la celebración encendiendo un cartucho de dinamita en el baño de su habitación. Cuando la dinamita no funcionó, Moon entró para observar la situación. Moon salió del cuarto de baño en el último momento tras la explosión, evitando así que los fragmentos de porcelana pudieran herirlo. A continuación, subido a un Cadillac (según la propia versión de Moon, era un Lincoln Continental) se arrojó con él a la piscina del recinto. Hasta entonces, el administrador del Holiday toleraba estos actos de Moon, siempre y cuando la banda pagara los gastos, después de este hecho, decidió que ya había tenido suficiente. El ingreso a The Who fue prohibido en todos los hoteles Holiday Inn de por vida, así como a Flint. El autor Peter C. Cavanaugh, que estaba allí y fue testigo de primera mano del caso, recordó los acontecimientos para un documental sobre la escena del rock en 1960. Según el libro, "The Who In Their Own Words", Moon dijo que el incidente en Holiday fue donde se rompió el diente. Otras personas que asistieron al evento, incluyendo a Entwistle, ponen en duda la veracidad de la historia del auto en la piscina, pero confirman otras partes de la historia. Otra versión de la noche, fue relatada por el biógrafo de Moon, Tony Fletcher, en el libro "Moon: The Life and Death of a Rock Legend". «Varios miembros (de Herman's Hermits y The Who) se lanzaron sobre Keith, lo inmovilizaron en el suelo y le quitaron los pantalones»... «Keith, desnudo de la cintura hacia abajo, corrió fuera de la habitación, y estrelló uno de sus dientes» (p. 220). Fue después de que Moon fuera al dentista, donde 30 o 40 personas de la fiesta, salieron, algunos con extintores, a ensuciar la piscina. De acuerdo con el programa de televisión de VH1, "Behind the Music", el diente roto fue a causa de un clavado o salto en la piscina del Holiday, cuando no había agua en ella.


title: Keith Moon

text: La inclinación de Moon por la vida salvaje, no solo afectó a su vida social, sino que comenzó a hacer mella en su salud, cuando aún estaba en sus veinte años. Los problemas mermaban su calidad en la batería así también la misma fiabilidad como miembro de la banda. En la gira de Quadrophenia de 1973, en el Cow Palace en San Francisco, California, Moon tomó una gran mezcla de tranquilizantes de caballo con brandy. Keith se desmayó en el escenario durante «Won't Get Fooled Again» y nuevamente en «Magic Bus». Townshend preguntó a la audiencia, «¿Puede alguien tocar la batería? - me refiero a alguien bueno». Un miembro del público, Scot Halpin, completó el resto de la presentación. Townshend, más tarde, dijo en una entrevista que él no sabía cuanto era lo que consumían John y Keith. «Keith consumía de todo... mandrax para irse a dormir, tranquilizantes de elefante. Tomaba lo que le dieran». Durante el receso de grabaciones que se tomó la banda entre 1975 y 1978, Moon subió mucho de peso. Sin embargo, Entwistle sostuvo que Moon y él, alcanzaron su cima en vivo durante los años 1975 y 1976. Esa gira les valió el apelativo de la revista Rolling Stone como la mejor banda de rock en vivo.


title: Keith Moon

text: El amigo cercano de Moon, Ringo Starr, estaba seriamente preocupado por su estilo de vida, y le dijo a Moon que si seguía yendo por el camino que iba, se terminaría matando. Moon simplemente respondió: «Sí, lo sé».


title: Keith Moon

text: Un lado más oscuro del comportamiento de Moon, tentativamente diagnosticado como un trastorno límite de la personalidad en la biografía de Fletcher, fue la aparición de la violencia física hacia su esposa Kim. Aunque nunca golpeó a su novia Anette, más tarde, abusó verbalmente de ella. Moon amaba a su hija Amanda, pero no estaba preparado para ser padre, y esto se tradujo en una relación incómoda para ambos, debido a la inseguridad de la misma. Cuando Kim dejó a Moon, sus celos hacia la mujer eran lo suficientemente grandes como para que estuviera dispuesto a pagar a alguien para que le rompiera los dedos al pianista Ian McLagan, quién se convirtió en novio de ella después de la ruptura conyugal. No fue sino hasta un mes después de la muerte de Moon, que los dos se casaron.


title: Keith Moon

text: Annette Walter-Lax describió a Moon como el cambio en un gruñido, una bestia incontrolable, como algo sacado de una película de terror. Ella le pidió a su vecino en Malibú, el actor Larry Hagman, internar a Moon en una clínica para desintoxicarlo (como lo había intentado más de una vez), pero cuando los médicos registraron el consumo de Moon en el desayuno (una botella llena de champaña, junto con un Courvoisier mezclado con anfetaminas), concluyeron que no había esperanza.


title: Keith Moon

text: En una entrevista, Alice Cooper recordó a Micky Dolenz, Harry Nilsson y a Moon, entre otros, como compañeros de juerga. De este último, comenta que utilizaba un montón de disfraces que provocaba el humor en los demás, sobre todo cuando vestía de Papa. Joe Walsh recuerda conversaciones con Keith, encontrando sorprendente e ingeniosas las improvisaciones que tenía Moon contando historias al estilo Peter Cook cuando estaba ebrio, comentando que ni él estaba seguro de haber conocido al verdadero Keith Moon, si es que lo hubo.


title: Keith Moon

text: Aparte de sus relaciones amorosas, y aunque su comportamiento era escandaloso, Moon tenía vena humorística, como su amigo Vivian Stanshall de Bonzo Dog Band afirmó. Moon produjo la versión de Stanshall del disco de Terry Stafford, "Suspicion".


title: Keith Moon

text: Moon tenía un Rolls-Royce de color lila, pintado con pintura de casa. En Top Gear, Daltrey comentó que a Moon le gustaba tomar cosas icónicas de clase alta y convertirlas en cosas de un nivel más bajo. El auto ahora es de propiedad de Middlebrook Garages (con sede en Nottinghamshire).


title: Keith Moon

text: El 4 de enero de 1970, Moon estuvo involucrado en el atropello de un peatón fuera del pub Red Lion, ubicado en Hatfield, Hertfordshire. Tratando de escapar de los hostiles clientes del pub, que habían comenzado a atacar su Bentley, Moon, que estaba borracho, intentó tomar el control de su coche, atropellando en el altercado a su amigo, conductor y guardaespaldas, Neil Boland. Aunque el médico forense dijo que la muerte de Boland fue un accidente y Moon fue liberado absolutamente del cargo de asesinato, las personas cercanas a él dijeron que el accidente persiguió a Moon durante el resto de su vida. La hija de Boland dedicó gran cantidad de tiempo en esclarecer lo ocurrido, como también a investigar y preguntar a cada testigo del hecho, y concluyó que Moon no era la persona tras el volante en el incidente. Sin embargo, Keith nunca se recuperó de los sentimientos de culpa. Pamela Des Barres, una groupie con la cual Moon tuvo una relación permanente a lo largo de tres años en Los Ángeles, se alarmó por sus frecuentes pesadillas, que despertaban a ambos durante la noche, con Moon convencido de que no tenía derecho a estar vivo.


title: Keith Moon

text: Fue Moon quién recomendó el nombre de «Led Zeppelin» a Jimmy Page, quien tenía la intención de nombrar a su nueva banda como «Mad Dog». Según la lexicógrafa de Oxford, Susie Dent, Moon y Entwistle especularon con Page la posible formación de un supergrupo. Moon comentó que esta particular idea caería como un zepelín de plomo («Lead Zeppelin»). Page posteriormente adoptó el término, pero cambió el «Lead» por «Led» porque pensaba que sería mal pronunciado. Aunque la carrera musical de Moon fue dedicada a The Who, no dejó participar en proyectos menores. En 1966 hizo su primer trabajo con el guitarrista de The Yardbirds Jeff Beck, Nicky Hopkins, y los futuros miembros de Led Zeppelin, Page y John Paul Jones, para grabar un tema instrumental titulado «Beck's Bolero», lanzado como un sencillo doble ese mismo año. También tocó el timbal en «Ol' Man River» (siendo acreditado en la parte posterior del álbum "You Know Who").


title: Keith Moon

text: El 15 de diciembre de 1969, Moon se unió a la banda de John Lennon Plastic Ono Band para una presentación en vivo en el Lyceum Ballroom de Londres, para un concierto de caridad de la UNICEF. El supergrupo también estaba conformado por Eric Clapton, George Harrison, Nicky Hopkins, Yoko Ono, Billy Preston y Klaus Voormann. La banda tocó «Cold Turkey» de Lennon y «Don't Worry Kyoko» de Ono. La presentación fue posteriormente lanzada en 1972 como bonus del LP "Some Time in New York City" de Lennon/Ono.


title: Keith Moon

text: En 1971 tuvo un cameo en la película de Frank Zappa "200 Motels", interpretando a una monja de la resistencia con miedo a morir de sobredosis de pastillas. Dos años más tarde, Moon participó en la película "That'll Be the Day", interpretando a J.D. Clover, un baterista de una ficcional y tempranera banda de rock and roll británico llamada Stray Cats. Repetiería el rol en el año siguiente, en la secuela de Michael David Apted, "Stardust", donde también participaría su amigo Ringo Starr.


title: Keith Moon

text: En 1974 lanzó un sencillo en solitario por Track y MCA Records, llamado «Don't Worry Baby», acompañado de «Teenage Idol», un reflejo de su amor por The Beach Boys. En el día de San Valentín del mismo año, Moon participó junto a Jimmy Page, Ronnie Lane, Max Middleton y John Bonham (en la guitarra acústica), en el álbum de Roy Harper titulado "Valentine". A finales de 1974, Moon tocó la batería en el álbum "Pussy Cats" de Harry Nilsson, que fue producido por John Lennon.


title: Keith Moon

text: En 1975 lanzó su primer álbum en solitario titulado "Two Sides of the Moon", trabajo que recopila canciones versionadas en estilo pop. Moon, en el disco, utilizó su faceta interpretativa en el canto, dejando principalmente la batería a otros artistas como Ringo Starr, y a los músicos de sesión Curly Smith y Jim Keltner. Moon, solo tocó la batería en tres pistas. El actor y músico Miguel Ferrer ("Twin Peaks" y "Crossing Jordan") también participó en el trabajo. En el mismo año, tocó la batería en la canción «Bo Diddley Jam», en el "The 20th Anniversary of Rock 'n' Roll" de Bo Diddley. A finales de 1975, apareció como «Uncle Ernie» («El tío Ernie») en la película "Tommy" de Ken Russell, adaptación de la ópera rock de The Who, del mismo nombre.


title: Keith Moon

text: En un bar en 1975, Moon le comentó a Graham Chapman y a Bernard McKenna acerca de la realización de una loca película. Estos la cotizaron en miles de libras, Moon sacó el dinero de su bolsillo y se los dio. Este fue el comienzo del proyecto que posteriormente se convertiría en la película "Yellowbeard".´Moon quería interpretar el papel principal, pero la película tomó muchos años para desarrollarse, y en ese momento Keith estaba en una forma física deficiente y su salud era contraindicada.


title: Keith Moon

text: En 1976, versionó «When I'm Sixty-Four», canción de The Beatles, para la banda sonora del documental "All This and World War II".


title: Keith Moon

text: Se unió en el escenario a Led Zeppelin, e interpretó junto a John Bonham la batería en un show realizado el 23 de junio de 1977 en el L.A. Forum (grabado en bootlegs de la banda).


title: Keith Moon

text: Personificó a un diseñador de moda en el musical de 1978 "Sextette", protagonizada por Mae West, y quién además contó con Ringo Starr y Alice Cooper.


title: Keith Moon

text: Moon fue invitado por Paul McCartney al pre-estreno de la película "The Buddy Holly Story" (basada en el álbum del mismo nombre) en la noche del 6 de septiembre de 1978. Después de cenar con Paul y Linda McCartney en Peppermint Park, en Covent Garden, Moon y su novia, Annette Walter-Lax, regresaron al piso donde alojaban, cedido por Harry Nilsson, en el N.º 12 de Curzon Place 9, Shepherd Market, Mayfair.


title: Keith Moon

text: Moon ingirió 32 pastillas de Clometiazol. El medicamento fue un sedante que le había sido prescrito para lidiar con sus síntomas de abstinencia al alcohol, mientras intentaba desintoxicarse en su propia casa. Moon estaba desesperado por limpiarse, pero estaba aterrado con la posibilidad de volver a otro hospital psiquiátrico de desintoxicación. Sin embargo, está específicamente contraindicado el consumo de Clometiazol en casa y sin supervisión, debido a su adicción y al riesgo de mezclar el medicamento con el alcohol, pudiendo provocar la muerte.


title: Keith Moon

text: Las pastillas fueron prescritas por su nuevo médico, el Dr. Geoffrey Dymond, que no tenía conocimiento de la naturaleza imprudente e impulsiva de Moon, junto con su largo historial de abusos con los sedantes recetados. El Doctor le recetó a Moon un frasco con 100 pastillas, y le indicó que debía tomar solo una cada vez que sentía deseo por el alcohol (pero no más de 3 por día). La policía determinó que había 32 pastillas en su organismo, la digestión de 6 fueron suficientes para causar su muerte, las otras 26 fueron encontradas sin disolver dentro de su estómago cuando él murió. Cass Elliot, integrante de The Mamas and The Papas, también murió no solo en el mismo lugar (cuatro años antes), sino en la misma cama y a la misma edad.


title: Keith Moon

text: Moon murió poco después del lanzamiento de "Who Are You". En la portada del álbum, se le observa sentado en una silla con el respaldo hacia adelante para ocultar el peso ganado durante los últimos tres años (como se explica en "Dear Boy", libro de Tony Fletcher). Casualmente las palabras «No quitar» aparecen en la parte posterior de la silla.


title: Keith Moon

text: Keith Moon fue incinerado ese mismo mes en Londres, en el Crematorio de Golders Green, donde una placa conmemorativa con la frase «There is no substitute» («No hay sustituto», utilizando la palabra «Substitute», sencillo de The Who) fue puesta en el lugar. Sus cenizas fueron esparcidas en los jardines del crematorio ("Gardens of Remembrance").


title: Keith Moon

text: Keith Moon es citado a menudo por los críticos como uno de los bateristas más grandes y más excéntricos de la música rock. Holly George-Warren, autor y editor de "The Rock and Roll Hall of Fame: The First 25 Years", sostiene: «Con la muerte de Keith Moon en 1978, el rock sin duda perdió a su mejor baterista». Según Allmusic: «Moon, con su manía, lado lunático, y su vida de excesivo consumo de alcohol, fiestas, y otras indulgencias, probablemente representa el lado juvenil y alocado del rock & roll, así como su lado autodestructivo, mejor que cualquier otra persona en el planeta». En palabras de Townshend: «La producción (en The Who) de nuestras grabaciones no tenían nada que ver con el sonido. Tenían que ver con tratar de mantener a Keith Moon en la silla de mierda de su batería». Dave Marsh, en su libro "The New Book of Rock Lists", ubicó a Moon como #1 en su lista "The 50 Greatest Rock 'n' Roll Drummers". De igual manera, fue posicionado en el lugar #2 en una encuesta de los lectores de la revista Rolling Stone en «The Best Drummers of All Time» («Los Mejores Bateristas de Todos los Tiempos»).


title: Keith Moon

text: Muchos notables bateristas de rock han sido influenciados por Moon, incluyendo a Dave Grohl, Neil Peart, Tommy Lee y Peter Criss. El personaje «Animal» de "The Muppets" está basado también en Keith., e incluso en el popular manga y Anime, K-ON!, es mencionado como la inspiración de Ritsu Tainaka, la baterista del grupo.


title: Keith Moon

text: La primera batería de Moon fue una Premier Percussion azul, comprada a crédito entre él y su padre Alf. Fue adquirida por sugerencia de su amigo y compañero baterista Gerry Evans. A lo largo de 1964 y 1965, Moon utilizó el típico kit de cuatro y cinco piezas, pero se cambió a un Premier con doble bombo en junio de 1966. Este nuevo set amplió su manera de tocar, Moon abandonó sus hi hat casi por completo y comenzó a basar sus ritmos en un ostinato en el doble bombo con flams de notas octavas y un constante ruido blanco creado por tocar sus crash o ride. Además de esto, acentuaba de lleno el golpe de sus platillos, convirtiendo aquel estilo en su marca registrada.


title: Keith Moon

text: El Classic Red Sparkle Premier de Moon, consta de dos bombos de 14x22 pulgadas, tres toms montados de 8x14, un tom de piso de 16x16, una caja Ludwig Supraphonic 400 de 5x14 y un tom de piso adicional de distintos tamaños, variando entre 16x18 a 16x16. El set de platillos consistió de dos Paiste Giant Beat de 18 pulgadas de crash y de 20 pulgadas de ride. En 1973, Moon añadió una segunda fila de tom-toms (primero cuatro, luego seis), y en 1975 dos timbales más. Estos grandes kits se hicieron ampliamente conocidos, sobre todo el set ámbar que apareció en las películas "Tommy" y "Stardust" y en el material filmado por la BBC en Charlton, en 1974. El kit blanco de 1975-1976 con bordes dorados (de material real cobre, debido a la debilidad del oro), le fue regalado por Moon a Zak Starkey. Su último kit, fue un negro metálico que puede ser visto en el documental de la banda llamado "The Kids Are Alright" realizado en Shepperton, en 1978.


title: Galena

text: La galena es un mineral del grupo de los sulfuros. Forma cristales cúbicos, octaédricos y cubo-octaédricos. Su dureza en la escala de Mohs es de 2,5 a 3. La disposición de los iones en el cristal es la misma que en el cloruro de sodio (NaCl), la sal marina. Su fórmula química es PbS.


title: Galena

text: Químicamente se trata de sulfuro de plomo aunque puede tener cantidades variables de impurezas. Así, su contenido en plata puede alcanzar el 1%.


title: Galena

text: La galena se encuentra de forma cristalina o maciza. Se halla tanto en rocas metamórficas como en depósitos volcánicos de sulfuros, en los últimos a menudo acompañada por minerales de cobre.


title: Galena

text: Uno de los yacimientos más importantes de la historia del mineral está en la ciudad de Linares (Jaén), aunque actualmente se encuentra cerrado.


title: Galena

text: La mayoría de pozos e instalaciones están situados en la parte norte de la ciudad, y es posible llegar hasta buena parte de estas ruinas siguiendo una extensa red de senderos de pequeño recorrido debidamente señalizados.


title: Galena

text: La fórmula PbS contiene 86,6% de plomo con pequeñas cantidades de cadmio, antimonio, bismuto y cobre. El azufre puede estar sustituido por selenio, dando el término de la serie isomorfa Clausthalita, o por telurio, llamándose entonces Altaita. Puede tener abundante plata (variedad Galena Argentífera). La galena con estaño se denomina Plumboestannina.


title: Galena

text: La galena es una de las principales menas del plomo. En el Antiguo Egipto se utilizaba molida como base para el "kohl", un polvo cosmético empleado para proteger los ojos. También se usó en la elaboración de esmaltes para vasijas cerámicas. Los cristales de galena tuvieron importante uso en la etapa de las radios primitivas como elemento rectificador de las señales captadas por la antena; posteriormente fueron reemplazados por el diodo.


title: Sol Pérez

text: María Sol Pérez (José León Suárez, provincia de Buenos Aires, 16 de julio de 1994), conocida simplemente como Sol Pérez, es una presentadora de televisión argentina. Es conocida por haber sido la presentadora del estado del tiempo del programa "Sportia" en TyC Sports y concursante del programa y .


title: Sol Pérez

text: María Sol Pérez nació el 16 de julio de 1994 en la ciudad de José León Suárez, provincia de Buenos Aires. Es la hija segunda de Claudia Pérez y Horacio Pérez. Tiene dos hermanos, Matías, el mayor, y Manuel, el menor.


title: Sol Pérez

text: A los cinco años comenzó a aprender gimnasia artística. También ha participado en voleibol, baloncesto, natación y patinaje, este último lo continúa practicando. Fruto de dicha afición lleva en la espalda tatuada a una niña haciendo patín, lo cual hace alusión a la primera medalla que ganó en un torneo nacional, en Mar del Plata.


title: Sol Pérez

text: Al finalizar sus estudios secundarios, decidió estudiar la carrera de Derecho, en paralelo con su vida mediática. Estudió durante cinco años en la Universidad de Buenos Aires, pero por complicaciones con los horarios, se encuentra estudiando en la Universidad Siglo 21.


title: Sol Pérez

text: En 2014 hizo su primera participación en televisión en la primera temporada del programa juvenil Combate, donde formó parte del equipo rojo. Tras haber participado por un tiempo, decidió renunciar.


title: Sol Pérez

text: En enero de 2015, regresó al ciclo de entretenimiento de Canal 9, como integrante de la tercera generación. En esa oportunidad, no solo compitió, sino también solía hablar de moda e incluso fue elegida como la participante más coqueta. Sin embargo, las fuertes peleas que tuvo con una compañera en instancias finales de la competencia la llevaron a presentar nuevamente su renuncia. Ese mismo año, desempeñó el rol de secretaria en el programa ""Uno contra uno"", conducido por su tío, Fabián Pérez.


title: Sol Pérez

text: En 2016 trabajó como presentadora del tiempo en el programa "Sportia", emitido por TyC Sports. La joven acaparó las miradas del público y recibió el apodo de "La chica del clima". Al año siguiente, renunció por conflictos internos con la empresa.


title: Sol Pérez

text: En 2017, tras ser furor en las redes sociales, fue convocada como participante del "", donde quedó eliminada próxima a las semifinales del mismo reality, ocupando el quinto lugar del certamen emitido por Showmatch.