text: Los bombardeos de Nankín y Cantón, que se desarrollaron entre el 22 y el 23 de septiembre de 1937 (antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial) en el marco de la Segunda guerra sino-japonesa fueron unos de los primeros bombardeos contra la población en la historia, lo cual tuvo una gran repercusión internacional, horrorizando a la población de Occidente; incluso la Sociedad de Naciones abrió un expediente a Japón. Algunas de las voces que más resonaron en repulsa a los bombardeos fue la del subsecretario de Estado de Asuntos Exteriores británico Lord Cranborne, que denunció que el verdadero objetivo de los bombardeos no había sido militar sino que su único objetivo había sido la población civil con el único objetivo de sembrar el terror.


title: Bombardeos estratégicos durante la Segunda Guerra Mundial

text: Durante la Segunda Guerra Mundial fueron bombardeados por los japoneses las Filipinas y el norte de Australia (bombardeo de Darwin del 19 de febrero de 1942). La Armada japonesa realizó durante toda la guerra una serie de bombardeos tácticos sobre las posiciones militares de estadounidenses y británicos (Pearl Harbor, Guadalcanal o Midway). Otros objetivos comunes fueron columnas de soldados, buques enemigos, aeródromos o instalaciones militares.


text: Los bombardeos estratégicos estadounidenses sobre Japón tuvieron lugar entre 1942 y 1945. En los últimos siete meses de campaña, en los bombardeos convencionales se empezaron a utilizar bombas incendiarias, cambio que resultó en la destrucción de 67 ciudades japonesas. Los bombardeos estadounidenses dejaron un saldo de unos 500 000 muertos y 5 millones de personas sin hogar. Más tarde dirían algunas personas cercanas al emperador Hirohito sobre estos ataques :


text: Durante estos ataques se realizaron los dos únicos ataques nucleares en la historia; las ciudades de Hiroshima y Nagasaki fueron destruidas, dejando un saldo total —solo en esos dos ataques— de unos 220 000 muertos.


text: La primera incursión de Estados Unidos en suelo japonés fue el 18 de abril de 1942 (Incursión Doolittle), cuando 16 B-25 Mitchell despegaron del USS Hornet (CV-8) para atacar objetivos en Yokohama, Tokio y campos de aviación en China. Este primer ataque se hizo en respuesta al ataque japonés a Pearl Harbor, sirviendo como propaganda de guerra para levantar el ánimo estadounidense. Sin embargo ninguno de los aviones atacantes alcanzaron sus objetivos, siendo varios aviones derribados. Fueron capturados dos estadounidenses y uno de los aviones acabó aterrizando en la Unión Soviética.


text: Si algo determinó el destino de los bombardeos fue el desarrollo de los bombarderos B-29, pues poseía un radio de acción de casi 2500 kilómetros y podía transportar 20 toneladas de bombas. Casi el 90% de las bombas lanzadas fueron desde este tipo de aeronaves (147 000 toneladas). La primera incursión de bombarderos B-29 sobre Japón tuvo lugar el 15 de junio de 1944 desde bases situadas en Chengdu, China, a unos 1500 kilómetros de sus objetivos. Esta primera incursión no fue apenas perjudicial para Japón; solo 47 de los 68 bombardeos alcanzaron sus objetivos, 4 se estrellaron y 6 no pudieron lanzar sus bombas por problemas mecánicos. Solo un avión fue derribado bajo fuego enemigo. El primer ataque desde el este ocurrió el 24 de noviembre de 1944 cuando 88 aviones bombardearon Tokio a gran altura (unos 10 000 metros). Se estima que alrededor del 10% de las bombas alcanzaron los objetivos marcados.


text: Los ataques iniciales empezaron desde la China continental en el marco de la Operación Matterhorn por la XX Fuerza Aérea. Inicialmente la XX Fuerza estaba bajo el mando de Hap Arnold, más tarde sustituido por Curtis LeMay. En los primeros momentos había numerosos problemas logísticos y de suministro, pues los B-29 debían descargar parte de las bombas para llevar un extra de combustible que les permitiera hacer la ruta hacia Japón. No fue hasta 1944 cuando con la captura de las Islas Marianas (destacando Guam y Tinian), la XX Fuerza Aérea pudo trasladarse a los nuevos aeródromos bajo la dirección del Comando XXI que había organizado una campaña de bombardeos mucho más eficaz. Ahora los B-29 eran capaces de volar sobre Japón a carga completa de bombas.


text: En marzo de 1945, las Fuerzas Aéreas Estratégicas del Pacífico comandadas por el general Carl Spaatz iniciaron los bombardeos de precisión. Sin embargo los resultados fueron pírricos por la deficiente cadena de mando y las condiciones meteorológicas en torno a Japón; en un buen mes el bombardeo visual solo era posible una media de siete días. Además, a menudo las bombas eran desviadas por los fuertes vientos. El general LeMay dio entonces orden de lanzar bombas incendiarias sobre las grandes aglomeraciones urbanas japonesas durante la noche y a gran altura (unos 7000 pies o 2100 metros); los objetivos prioritarios serían Tokio, Nagoya, Osaka y Kobe. A pesar del éxito solo parcial en los primeros compases de este "nuevo modelo" de ataque, que se había dirigido principalmente a Nagoya, LeMay estaba decidido a continuar con este tipo de tácticas contra las grandes ciudades japonesas, muy vulnerables. Los ataques diurnos contra objetivos estratégicos de importancia menor también continuaron.


text: La táctica de bombardeo nocturno tuvo su primer "gran" éxito el 3 de febrero de 1945 durante el bombardeo de Kobe que alentó de manera definitiva a la USAAF a continuar con esta estrategia. Casi la mitad de las principales fábricas de la ciudad fueron alcanzadas y la producción se redujo a menos de la mitad en uno de los dos astilleros.


text: Ante la ausencia de una gran resistencia por parte de la aviación japonesa, muchos armamentos defensivos y blindajes fueron retirados de los aviones estadounidenses para permitir mayores cargas de bombas. El primer bombardeo de importancia sobre Tokio, en la noche del 23 al 24 de febrero de 1945, fue un éxito, cuando 174 B-29 destruyeron con casi total impunidad una gran superficie de la ciudad. Nuevas operaciones sobre Tokio se repitieron el 10 de marzo, cuando 334 B-29 dejaron caer sobre la ciudad 1700 toneladas de bombas, en el que sería el mayor bombardeo convencional de la Guerra del Pacífico. Unos 25 kilómetros cuadrados de ciudad fueron bombardeados y se calcula que no menos de 100 000 personas fallecieron por el bombardeo y la tormenta de fuego que provocó, constituyendo el bombardeo convencional aéreo más mortífero de la historia militar. La ciudad, cuyos edificios residenciales estaban construidos principalmente de madera y papel para resistir los frecuentes terremotos, sufrió un incendio incontrolable alimentado por las bombas incendiarias. La devastación de la ciudad por los bombardeos, confirmó los peores temores expresados por el almirante Yamamoto en 1939 :


text: En las dos semanas posteriores, hubo 1600 nuevas incursiones contra las cuatro mayores ciudades japonesas, perdiéndose solo 22 aviones del lado estadounidense. En junio, aproximadamente el 40% de la zona urbana de las principales ciudades (Tokio, Nagoya, Osaka, Kobe, Yokohama y Kawasaki) ya había sido devastada. LeMay, que contaba con una flota de cerca de 600 bombardeos, atacó decenas de pequeñas ciudades japonesas y centros de producción en los últimos meses de guerra. El elemento psicológico (la guerra psicológica) también fue utilizado por Estados Unidos; miles de folletos de propaganda eran lanzados sobre las ciudades, advirtiendo a la gente e instándolos a escapar de la ciudad. Al tiempo que se realizaban estas tácticas, crecía la incertidumbre y el escepticismo dentro de las fronteras estadounidenses acerca de la magnitud de los ataques sobre la isla.


text: En 1946, salieron a la luz numerosos datos de las Fuerzas Aéreas estadounidenses. Se informó que Estados Unidos había subestimado el potencial del bombardeo estratégico combinando el eficaz bloqueo naval a Japón. En julio de 1945 solo una fracción de los bombardeos estratégicos se habían desplegado. Según los informes, el 60% de los hundimientos de mercantes japoneses se habían debido a minas lanzadas desde B-29; se llegó a la conclusión de que el despegue de las aeronaves desde bases en tierra con el soporte de los portaaviones y demás unidades navales hubiera arrojado mejores resultados, acelerando la rendición japonesa.


text: Después de seis meses de intenso bombardeo aéreo convencional sobre 67 ciudades japonesas por parte de los Estados Unidos, el recién nombrado presidente Harry Truman (Roosevelt había fallecido en abril) ordenó los ataques nucleares sobre el Imperio del Japón. Estos ataques se convertirían en los primeros y hasta ese momento únicos bombardeos nucleares de la historia. El objetivo preferente para la caída de la primera bomba era la ciudad de Hiroshima, seguida de Nakasaki y Kokura como objetivos alternativos. El llamado "Proyecto Manhattan" fue quien logró producir estas mortíferas bombas, con la colaboración de destacados científicos de la época como Einstein o su director, Robert Oppenheimer, considerados "padres" de la bomba atómica. Tras varios años de investigación y una inversión de 2000 millones de dólares, los integrantes del proyecto produjeron 3 bombas : "Trinity", "Little Boy" y "Fat Man". La bomba "Trinity" se convirtió en el primer dispositivo atómico detonado en la historia, cuando fue activada el 16 de julio de 1945 dentro de las pruebas de la nueva arma nuclear.


text: El 6 de agosto de 1945, "Little Boy", una bomba nuclear de uranio enriquecido fue transportada en el célebre avión "Enola Gay" (un B-29 modificado) y arrojada sobre Hiroshima a las 8:15 de la mañana. La explosión y destrucción casi instantánea de gran parte de la ciudad (el 90%) y el posterior envenenamiento de miles de personas por la radiación liberada dejó no menos de 140 000 muertos. Durante décadas se pensó y propagó que el copiloto del Enola Gay, Robert Lewis, había exclamado momentos después de contemplar la explosión:


text: A principios de la década del 2000, en 2004, se descubrió que esas no fueron realmente sus palabras, sino unas más "políticamente incorrectas" que serían ocultadas y reescritas tras el vuelo:


text: Tres días después, el día 9, fue arrojada sobre Nagasaki la bomba atómica "Fat Man", cuyo material radiactivo era el plutonio. Debido a las dificultades visuales, fue detonada por radar, desviándose notablemente de su objetivo. El 45% de la ciudad fue destruida y fueron asesinadas unas 80 000 personas, una cantidad notablemente menor que en Hiroshima, a pesar de la mayor potencia de "Fat Man".


text: El 15 de agosto de 1945 Japón anunció su rendición incondicional a los Aliados; las capitulaciones se firmaron el 2 de septiembre a bordo del acorazado Missouri, poniendo fin de manera oficial a la Segunda Guerra Mundial. Japón fue ocupado y se le prohibió (al igual que sucedería con Alemania) la fabricación y posesión de armamento nuclear.


text: El número de víctimas es difícil de calcular por multitud de factores. Las estimaciones y los estudios realizados son muy variables en cuanto al número de muertos, especialmente en los bombardeos sobre Japón, cuyo gran abanico abarca según los estudios de entre 240 000 y 900 000 muertos.


text: Atendiendo a las cifras habitualmente utilizadas los japoneses habrían sufrido por causa de los bombardeos cerca de medio millón de muertos, 473 000 heridos y unos 4200 aviones destruidos. Del lado aliado las cifras de civiles chinos muertos por los ataques aéreos ascenderían a 260 000; los estadounidenses sufrirían unos 5400 muertos entre su personal militar, 614 bombarderos derribados y 92 civiles muertos (esto últimos por el ataque a Pearl Harbor).


title: Fumio Kishida

text: Nació en una familia política en Minami-ku, Hiroshima, en 1957. Su padre Fumitake Kishida y su abuelo Masaki Kishida fueron expolíticos que fueron miembros de la cámara baja, y además, el ex primer ministro Kiichi Miyazawa es un pariente lejano de él. Su primo Yoichi Miyazawa también ha sido legislador y ministro de Economía.


title: Fumio Kishida

text: Después de trabajar en el difunto Banco de Crédito a Largo Plazo de Japón y luego como secretario de un miembro de la Cámara de Representantes, Kishida fue elegido por primera vez en julio de 1993. Sirvió en la cámara baja siete veces, representando al distrito 1 de Hiroshima. Fue presidente del comité de asuntos dietéticos del PLD hasta septiembre de 2012. En el PLD, es cercano al político veterano retirado Makoto Koga. Kishida asumió el control de la facción de Koga en octubre de 2012. Su mayor nombramiento en el partido fue la presidencia de la sede de la revitalización económica de Japón. Al igual que Shinzō Abe y la mayoría de los miembros de su gabinete, Kishida está afiliado a la organización abiertamente revisionista Nippon Kaigi.


title: Fumio Kishida

text: Fue ministro de Asuntos de Okinawa de 2007 a 2008 en el gabinete del entonces primer ministro Yasuo Fukuda. También fue nombrado ministro de Estado a cargo de asuntos del consumidor y seguridad alimentaria en 2008; y ministro de estado a cargo de ciencia y tecnología, ambos en el gabinete de Fukuda. Fue nombrado ministro de Relaciones Exteriores en el gabinete del primer ministro Shinzō Abe el 26 de diciembre de 2012.


title: Fumio Kishida

text: Tras el asesinato, el 8 de julio de 2022, de Shinzo Abe, ex primer ministro japonés, por sus vínculos con la secta Moon, la polémica sobre la influencia de ésta en el gobierno obligó a Kishida a realizar una remodelación para destituir a los ministros demasiado cercanos a la secta. El ministro de Defensa, Nobuo Kishi, hermano menor de Shinzo Abe, el ministro de Economía, Koichi Hagiuda, y el presidente de la Comisión Nacional de Seguridad Pública, Satoshi Ninoyu, fueron destituidos. Según una encuesta, el 86% de los japoneses piensa que los políticos deberían romper sus vínculos con la secta Moon y el 7% cree que no es necesario.


title: Fumio Kishida

text: Dos ministros, Sanae Takaichi y Ken'ya Akiba, visitan el 15 de agosto de 2022 el controvertido santuario Yasukuni, que rinde homenaje, entre otros, a funcionarios japoneses condenados por crímenes de guerra, para conmemorar el final de la Segunda Guerra Mundial. Las visitas de funcionarios del gobierno japonés al santuario despiertan regularmente la ira de los países que sufrieron los crímenes militares japoneses antes y durante la guerra, entre ellos las dos Coreas y China.


title: Fumio Kishida

text: En agosto de 2022, el 36% de los japoneses dijo estar satisfecho con las acciones del gobierno de Fumio Kishida, y el 54% se declaró insatisfecho.


title: Trillón

text: En la escala numérica larga utilizada tradicionalmente en español, y en la mayoría de los países de Europa Continental, un trillón equivale a 10, esto es, un millón de billones:


title: Trillón

text: Sin embargo, al igual que «billón» en español no corresponde al "billion" utilizado en Estados Unidos, «trillón» no debe ser traducido al inglés por "trillion" (especialmente en Estados Unidos y en algunos otros países), ya que en ellos se utiliza la escala numérica corta y este término se refiere a una cantidad distinta: 10.


title: Trillón

text: En español nunca existe ambigüedad aunque con frecuencia se producen errores en traducciones poco cuidadosas de textos del inglés estadounidense. La traducción correcta al inglés estadounidense de trillón es "quintillion" (10).


title: Guillermo García Cantú

text: Guillermo García Cantú (Monterrey, Nuevo Leon; 23 de abril de 1960) es un actor mexicano, destacado por sus papeles en telenovelas. Como uno de los mejores villanos.


title: Guillermo García Cantú

text: Guillermo inició su carrera como actor a los 25 años de edad, la primera telenovela en la que aparece es con un rol menor en De pura sangre producción de Ernesto Alonso en 1985. Luego consigue su primer estelar en la telenovela El engaño, también producida por Ernesto Alonso y donde comparte créditos con Erika Buenfil, en 1986.


title: Guillermo García Cantú

text: Su trayectoria es bastante amplia, ha actuado en más de 20 telenovelas, entre las que destacan: Cuando llega el amor (1989), Marimar (1994), La intrusa (2001) y Amar otra vez (2004), entre otras. Técnicamente, Guillermo es uno de los villanos de telenovelas por excelencia.


title: Guillermo García Cantú

text: Aunque nunca ha dejado de estar vigente, sus trabajos más recientes han sido en 2005, La madrastra, fue la telenovela en la que hizo el personaje antagónico estelar de 'Demetrio Rivero', compartiendo créditos con Victoria Ruffo y César Évora. En 2006 interpretando al malvado 'Claudio Garza' en la telenovela juvenil Código postal, al lado de Jacqueline García. En 2008, se integra al elenco de la exitosísima telenovela Fuego en la sangre, en la que le da vida al personaje de 'Fernando', antagónico estelar compartiendo escenas de Adela Noriega, Diana Bracho y Ninel Conde entre otros.


title: Guillermo García Cantú

text: En 2009, antagoniza la telenovela "Camaleones". Aquí comparte escenario con Edith González, Belinda, Alfonso Herrera y Grettell Valdez. En 2010, es el villano principal junto a Daniela Romo y Dominika Paleta en Triunfo del amor en donde, actuaron junto a Victoria Ruffo, Maite Perroni y William Levy entre otros, bajo la producción de Salvador Mejía.


title: Guillermo García Cantú

text: En 2014, antagoniza la telenovela La malquerida, donde trabajó nuevamente con Victoria Ruffo, Sabine Moussier, y comparte créditos con Cristian Meier, Ariadne Díaz y Mane de la Parra entre otros, bajo la producción de José Alberto Castro. En 2015, recibe un papel antagónico en Lo imperdonable, donde interpreta al padre de Verónica (Ana Brenda Contreras).


title: Guillermo García Cantú

text: En 2016, es el antagónico principal junto a Jacqueline Andere, Natalia Guerrero y Gabriela Vergara en Las amazonas, donde interpreta al malvado "Loreto Guzmán", compartiendo créditos con Danna García, Andrés Palacios, Mariluz Bermúdez, y nuevamente junto con Victoria Ruffo, César Évora y Grettell Valdez bajo la producción de Salvador Mejía Alejandre.


title: Guillermo García Cantú

text: En 2018 y 2019 participa en la telenovela "Por amar sin ley" tanto en la primera y en la segunda temporada bajo la producción de José Alberto Castro, dejando de lado los papeles antagónicos, interpretando al abogado Alonso Vega personaje principal del despacho jurídico. Comparte créditos con Ana Brenda Contreras, David Zepeda, Julián Gil, Altair Jarabo, Sergio Basáñez, José María Torre, Kimberly Dos Ramos, Manuel Balbi, Ilithya Manzanilla, Eva Cedeño, Marc Clotet y Pablo Valentín.


title: Guillermo García Cantú

text: En 2020 retoma su personaje de la telenovela "Por amar sin ley" en una participación especial en la telenovela "Médicos, línea de vida", también producción de José Alberto Castro.


title: The Good Fight

text: The Good Fight es una serie de televisión estadounidense de temática jurídica, producida por la cadena CBS y estrenada en el servicio de vídeo bajo demanda de la cadena, CBS All Access. Esta serie es una secuela de "The Good Wife", que se mantuvo en pantalla entre 2009 y 2016, con bastante éxito. Ambas están escritas y producidas por Michelle y Robert King.


title: The Good Fight

text: La primera temporada que consta de 10 episodios, se estrenó en febrero de 2017. y está protagonizada por Christine Baranski en el papel de la abogada Diane Lockhart que ya interpretaba en "The Good Wife", ahora, un año después se ve obligada a abandonar el bufete Lockhart, Decker, Gussman, Lee, Lyman, Gilbert-Lurie, Kagan, Tannebaum, & Associates después de un escándalo financiero que destruye su reputación y la deja arruinada. Se replantea su futuro y se incorpora al despacho en el que ya trabaja Luca Quinn (Cush Jumbo).


title: The Good Fight

text: La segunda temporada de la serie, que consta de 13 episodios, se estrenó de forma simultánea en todo el mundo en marzo de 2018, la tercera en marzo de 2019 y la cuarta en abril de 2020.


title: The Good Fight

text: La serie ha sido renovada por una quinta temporada. El 18 de mayo de 2021, Paramount+, anunció el estreno de la quinta temporada para el 24 de junio de 2021. En julio de 2021, fue renovada por una sexta y última temporada, la cual se estrenó el 8 de septiembre de 2022.


title: The Good Fight

text: Un año después del final de la serie de "The Good Wife", una enorme estafa financiera destruye la reputación de la joven abogada Maia Rindell y borra los ahorros de su mentora, Diane Lockhart. Los dos se ven obligados a abandonar "Lockhart, Deckler, Gussman, Lee, Lyman, Gilbert-Lurie, Kagan, Tannebaum y Asociados" y se unen a Lucca Quinn, exempleada de Diane en "Reddick, Boseman y Kolstad", una prestigiosa firma de propiedad afroamericana que está haciendo olas asumiendo casos de brutalidad policial en Illinois. En la segunda temporada, Diane se convierte en socia de la firma, que toma el nombre de "Reddick, Boseman & Lockhart".


title: The Good Fight

text: La serie gira en torno, principalmente, de las historias de sus tres protagonistas femeninas, Diane, Lucca y Maia, y contiene comentarios políticos y sociales considerables, que exploran temas de actualidad como la derecha alternativa, el movimiento Me Too, el acoso en línea y las noticias falsas. Además de comenzar de nuevo en una nueva firma con su propia política de oficina con la que lidiar, la demócrata Diane debe navegar por un mundo que apenas reconoce, y se preocupa cada vez más por la política de la era Trump y las acciones de su administración. Lucca Quinn, una exempleada de Diane, ha encontrado una base firme en Reddick, Boseman & Lockhart y es una estrella en ascenso en la pista de socios, equilibrando su dedicación a su trabajo y un enredo romántico con el fiscal federal Colin Morello, un abogado opositor frecuente. Mientras tanto, Maia, la ahijada de Diane, está tratando de hacer que su carrera legal tenga un buen comienzo, mientras se ve presionada por el FBI por su presunta participación en el esquema Ponzi de su padre.


title: The Good Fight

text: En febrero de 2016, Michelle y Robert King, cuando se les preguntó sobre un spin-off, declararon que existía la posibilidad de una serie spin-off. En mayo de 2016, CBS estaba en negociaciones finales para establecer un spin-off con Christine Baranski retomando su papel de Diane Lockhart, pero que se emitiría en CBS All Access en lugar de en la red. El spin-off se ordenó oficialmente para la serie el 18 de mayo, y Cush Jumbo también regresó. En septiembre de 2016, se confirmó que el spin-off de 10 episodios se estrenaría en febrero de 2017, con la historia retomando un año después del episodio final de la serie original y viendo a Diane expulsada de su empresa después de una estafa financiera que involucró a su protegida. acaba con sus ahorros, lo que resulta en su mudanza a la firma de Lucca Quinn. La serie estaba inicialmente planeada para emitirse en mayo de 2017, pero se trasladó a febrero de 2017 después de que los retrasos en la producción obligaron a CBS a posponer el estreno de la nueva serie, Star Trek: Discovery. Después de meses de especulaciones, CBS reveló el título de la serie derivada, que se reveló como The Good Fight, el 31 de octubre de 2016. Se anunció que The Good Fight se estrenaría el 19 de febrero de 2017. CBS lanzó el primer tráiler del spin-off el 18 de diciembre de 2016, con imágenes del estreno y episodios posteriores.


title: The Good Fight

text: El 15 de marzo de 2017, CBS All Access renovó el programa para una segunda temporada con un mayor número de episodios de 13, que se estrenó el 4 de marzo de 2018. El 2 de mayo de 2018, la serie se renovó por una tercera temporada. En enero de 2019, se anunció que la temporada 3 se estrenará en la plataforma de transmisión el 14 de marzo de 2019.


title: The Good Fight

text: El 23 de abril de 2019, la serie se renovó para una cuarta temporada que se estrenó el 9 de abril de 2020. Solo 7 de los 10 episodios programados se completaron por completo antes de que la producción se detuviera debido a la pandemia de COVID-19. El 14 de mayo de 2020, CBS All Access renovó la serie por una quinta temporada.


title: The Good Fight

text: En mayo de 2016, CBS estaba en negociaciones finales con Christine Baranski para repetir su papel de Diane Lockhart y Cush Jumbo para repetir su papel también. Después de que se retomara la serie, se anunció que Jumbo volvería a interpretar su papel de Lucca Quinn. Deadline anunció el 17 de septiembre de 2016 que Sarah Steele había sido agregada al elenco, regresando como Marissa Gold y apareciendo como la secretaria convertida en investigadora de Diane Lockhart. El 12 de octubre de 2016, se anunció que la ex estrella de "Game of Thrones", Rose Leslie había sido elegida para interpretar un papel principal en el programa, el papel de la ahijada de Diane, Maia, que se une a la firma de Diane justo después de pasar la barra.


title: The Good Fight

text: Al día siguiente, "The Hollywood Reporter" anunció que Delroy Lindo había sido elegido para interpretar a "Robert" Boseman, un abogado que comienza a cazar a los socios y clientes de Diane. El primer nombre del personaje de Lindo se cambió a "Adrian". Deadline informó el 27 de octubre de 2016 que el programa había agregado a Paul Guilfoyle y Bernadette Peters para papeles recurrentes como los padres de Maia. Guilfoyle interpretaría al padre de Maia, Henry, un asesor financiero tremendamente exitoso que es extraordinariamente rico y amado universalmente. El personaje de Peters, Lenore, fue descrito como una mujer que provenía de un duro entorno de clase trabajadora y es un genio financiero nativamente brillante. Se anunció el 31 de octubre de 2016 que la alumna de Justified, Erica Tazel, se había unido al elenco como una regular de la serie.


title: The Good Fight

text: El 1 de agosto de 2017, se anunció que Audra McDonald se había agregado al elenco principal de la temporada 2 como Liz Lawrence, repitiendo su papel de la temporada 4 de The Good Wife, y que Michael Boatman y Nyambi Nyambi habían sido promovidos al elenco principal. El 7 de noviembre de 2018, se informó que Michael Sheen se había unido al elenco principal de la temporada 3. El 20 de febrero de 2020, Lindo anunció que dejaría la serie como habitual después de la temporada 4. Jumbo también debía partir al final de la temporada 4. Sin embargo, debido a la temporada acortada por COVID, el programa no pudo desarrollar la historia que llevó a la partida de Lucca Quinn o Adrian Boseman. El 27 de enero de 2021, Charmaine Bingwa fue elegida como una nueva serie regular para el quinta temporada. El 5 de marzo de 2021, Mandy Patinkin se unió al elenco como nueva serie regular para la quinta temporada. El 5 de abril de 2021, se informó que Jumbo y Lindo ahora regresarán como estrellas invitadas para concluir sus historias en la quinta temporada.


title: The Good Fight

text: "The Good Fight" ha recibido elogios de la crítica generalizados. Rotten Tomatoes informa que la primera temporada tiene una calificación del 98% según las revisiones de 57 críticos y una calificación promedio de 8.18/10. El consenso crítico del sitio dice: "Un comienzo auspicioso para CBS All Access, The Good Fight sigue sólidamente a su predecesor al tiempo que permite nuevos estilos de narración, un alcance narrativo más amplio y una oportunidad para que su líder explore un nuevo territorio con una lucha humana identificable". En Metacritic, la primera temporada recibió una puntuación de 80 según las críticas de 45 críticos, lo que indica" críticas generalmente favorables ".


title: The Good Fight

text: La segunda temporada tiene una calificación de aprobación del 96% en Rotten Tomatoes, basada en 28 reseñas, con una calificación promedio de 9.43/10. El consenso crítico del sitio dice: "Enojado pero divertido, The Good Fight elabora con confianza los eventos políticos actuales con sus tramas hábilmente ficticias". En Metacritic, la segunda temporada recibió una puntuación de 70 según las críticas de 5 críticos, lo que indica "críticas generalmente favorables".


title: The Good Fight

text: La tercera temporada tiene una calificación de aprobación del 96% en Rotten Tomatoes, basada en 23 reseñas, con una calificación promedio de 9/10. El consenso crítico del sitio dice: "La tercera temporada de The Good Fight no tiene problemas, duplicando los comentarios sociales mientras mantiene las sensacionales delicias del programa para crear uno de los mejores dramas de la televisión". En Metacritic, la tercera temporada recibió un premio. puntuación de 83 basada en reseñas de 8 críticos, lo que indica "aclamación universal".


title: The Good Fight

text: La cuarta temporada tiene un índice de aprobación del 95% en Rotten Tomatoes, basado en 20 revisiones, con una calificación promedio de 9/10. El consenso crítico del sitio afirma: "The Good Fight se mantiene en plena forma con una cuarta temporada exagerada y completamente cautivadora que juega con los puntos fuertes del programa". En Metacritic, la cuarta temporada recibió una puntuación de 84 basada en revisiones de 7 críticos, indicando "aclamación universal".


title: Livia Drusila

text: Livia Drusila o Julia Augusta (59/58 a. C.-29 d. C.), fue la tercera esposa del emperador Augusto. Era hija de Marco Livio Druso Claudiano, el cual se suicidó en la batalla de Filipos.


title: Livia Drusila

text: Se casó en primeras nupcias con Tiberio Claudio Nerón, a quien dio dos hijos: Tiberio Claudio Nerón, futuro emperador, y Druso, gran general. Fue abuela de Germánico y Claudio, bisabuela de Calígula y Agripina la Menor y tatarabuela de Nerón.


title: Livia Drusila

text: Fue deificada por Claudio y recibió el título de Augusta después de que Tiberio se negase a hacerlo y a ejecutar su testamento, tarea que fue llevada a cabo por Calígula.


title: Livia Drusila

text: En 42 a. C., su padre la casó con Tiberio Claudio Nerón, su primo, de condición patricia, que luchaba con él en el lado de los asesinos de Julio César contra Octavio. Su padre se suicidó en la batalla de Filipos, junto con Cayo Casio Longino y Marco Junio Bruto, y su marido a continuación siguió luchando contra Octavio, ahora en nombre de Marco Antonio y de su hermano. En 40 a. C., la familia se vio obligada a huir de Italia con el fin de evitar las proscripciones octavianas, y se unió a Sexto Pompeyo en Sicilia, después de pasar a Grecia.


title: Livia Drusila

text: Sobrevivió a su segundo hijo Nerón Claudio Druso y a sus nietos: Germánico hijo de Druso el Mayor y a su primo Druso el Menor hijo de Tiberio.


title: Livia Drusila

text: Livia nació el 30 de enero del año 59 o 58 a. C., hija de Marco Livio Druso Claudiano y su esposa Aufidia,quien era hermana de Aufidio Lurco. En 42 a. C. su padre se suicidó en Filipos junto con Casio y Bruto, los asesinos de Julio César, que fueron derrotados por Octaviano y Marco Antonio.


title: Livia Drusila

text: El diminutivo de "Drusila" («la pequeña Drusa») hace pensar que pudiera tratarse de una segunda hija.


title: Livia Drusila

text: En torno a 42 a. C., contrajo matrimonio con Tiberio Claudio Nerón, un primo suyo de familia patricia. Después de la Guerra Civil que siguió al asesinato de Julio César, Tiberio Claudio Nerón estaba en el bando contrario a Octavio; la familia sobrevivió a la persecución y se encontró con Augusto en 39 a. C. En aquellos momentos, Livia ya tenía un hijo, el futuro emperador Tiberio, y estaba embarazada del segundo, Druso el Mayor. La leyenda cuenta que Augusto se enamoró fulminantemente de ella, pues pasaba por ser una de las mujeres más bellas de su tiempo, y que se casaron un día después de que sus divorcios fueran anunciados. Aparentemente, Tiberio Claudio Nerón estuvo de acuerdo en ello y fue a la boda. La importancia del papel de los Claudios en la política de Augusto y la supervivencia política de Tiberio Claudio Nerón parecen las explicaciones más racionales para esta tempestuosa unión.


title: Livia Drusila

text: De cualquier modo, el matrimonio entre Livia y Augusto se mantuvo durante los siguientes 52 años, a pesar del hecho de que no tuvieron hijos, y ella siempre disfrutó del privilegio de ser la consejera de confianza de su esposo.


title: Livia Drusila

text: Después del suicidio de Marco Antonio tras la batalla de Accio en 31 a. C., Octaviano no encontró más oposición a su poder. Finalmente, y siempre con Livia a su lado, fue nombrado emperador de Roma con el título de "Caesar Augustus". Juntos establecieron el modelo de pareja romana. A pesar de su riqueza y de su poder, Augusto y su familia siguieron viviendo modestamente en su casa del Palatino. Livia fue el paradigma de la matrona romana: nunca llevó excesiva joyería ni vestidos pretenciosos, se ocupó de las labores domésticas y de su esposo —en ocasiones tejiendo ella misma sus ropas—, aunque intervino activamente en política, siendo considerada la mano derecha del emperador Augusto.


title: Livia Drusila

text: En 35 a. C., Augusto permitió a Livia administrar sus propias finanzas y le dedicó una estatua pública. Livia tuvo su propio círculo de "clientes" y colocó a muchos de sus protegidos en puestos oficiales, incluyendo al abuelo de Otón y al mismo Galba. A la muerte de su esposo, Livia logró que Tiberio, su hijo mayor, fuese investido emperador, tras las sospechosas muertes de otros miembros de la familia imperial. Sin embargo, cuando murió, Tiberio recibió la noticia con frialdad, y no solo no asistió a sus funerales, sino que prohibió que se le rindieran los honores correspondientes.


title: Livia Drusila

text: Livia desempeñó un papel vital en la formación de sus hijos Tiberio y Druso. La atención se centra por su parte en el divorcio de su primer marido, padre de ambos, en 39 a. C. Sería interesante conocer su papel en este, así como en el divorcio de Tiberio y Vipsania en 12 a. C., debido a la insistencia de Augusto: si fue neutral o meramente pasiva, o si ella intervino activamente en este proceso, actos por los que Tiberio pudo guardarle rencor a su madre, ya que él se vio obligado a abandonar a la mujer que amaba por consideraciones dinásticas.


title: Livia Drusila

text: Durante su tiempo, Livia gozó de la popularidad del pueblo romano. Para ser más que la "mujer bonita", como se describe en los textos antiguos, Livia se sirve de la imagen pública de la idealización de las cualidades femeninas romanas, una figura maternal, y, finalmente, una diosa como la representación que alude a su virtud. Livia, que simboliza el poder en la renovación de la República con las mujeres y virtudes que muestra en público, tuvo un efecto espectacular en la representación visual del futuro imperial de la mujer como ideal de honorables madre y esposa romana, aunque después ha sido sospechosa del envenenamiento de muchos de estos personajes, entre ellos del de su hijastra Julia.


title: Livia Drusila

text: "Se escuchó el rumor de que, cuando Marcelo, sobrino de Augusto, murió en 23 a. C., no fue por muerte natural, y que detrás de esto se encontraba Livia" (Dión Casio) 55.33.4). Uno por uno, todos los hijos de Julia y Marco Vipsanio Agripa habían muerto prematuramente: en primer lugar y, a continuación, Lucio y Cayo, a quienes Augusto había adoptado como hijos, con la intención de que fueran sus sucesores. Por último Agripa Póstumo, el menor, a quien Augusto había adoptado como hijo, también fue encarcelado por conspiración y finalmente muerto. Tácito y Dión Casio mencionan en sus obras estos rumores, pero Suetonio no hace mención de los mismos, ni hay pruebas suficientes para darlos por válidos.


title: Livia Drusila

text: No sería hasta el año 41 cuando su nieto Claudio la reivindicaría con todos sus honores y se completaría su deificación, proclamándola "Diva Augusta" (la Divina Augusta), recibiendo como símbolo un carro tirado por elefantes, para transmitir su imagen en todos los juegos públicos. Se elevó una estatua en su honor en el templo de Augusto, junto con su marido y se celebraron carreras en su honor. Las mujeres romanas invocaban su nombre en sus juramentos sagrados. También tuvo su propio templo dedicado en la ciudad ática de Ramnunte.


title: Livia Drusila

text: Su divinización suponía un refuerzo al simbolismo de la familia imperial romana, haciéndola modelo virtuosa de matrona y al mismo tiempo, junto con la divinización de su marido, implicaba dar también carácter divino a sus descendientes de la dinastía Julia-Claudia.


title: Livia Drusila

text: En la novela "Yo, Claudio" de Robert Graves, Livia es uno de los personajes principales. A lo largo de la novela es mostrada como un personaje malvado, frío y calculador que recurre a todo tipo de estratagemas para alcanzar sus objetivos, que se resumen en conseguir que su hijo Tiberio suceda a Augusto como emperador. El narrador de la historia, Claudio, la incrimina por múltiples asesinatos, la mayoría de ellos por envenenamiento, entre los que se encontraría el del propio Augusto.


title: Livia Drusila

text: Las sospechas del narrador se confirman cuando se lo confiesa poco antes de morir, cuando alegó que existía una necesidad de los mismos para evitar que Roma entrase de nuevo en una guerra civil, y le pide a Claudio que la proclame diosa para librarse de las torturas del infierno. En la serie de televisión homónima, Livia es interpretada por Siân Phillips.


title: Livia Drusila

text: En la novela "La diosa mortal" de Enrique Serrano se muestra una faceta más humana y mucho menos cruel de Livia. Como bien la define el autor, Livia fue una matrona romana, esposa, gobernante, madre, emperatriz y diosa, mortal pero de realizaciones inmortales.


title: Cacho Castaña

text: Humberto Vicente Castagna (Flores, Buenos Aires, 11 de junio de 1942-ibídem, 15 de octubre de 2019) conocido por su nombre artístico Cacho Castaña, fue un cantante, compositor y empresario argentino, autor de emblemáticas canciones como "Para vivir un gran amor", "Septiembre del 88", "Ojalá que no puedas", "Café La Humedad" y "Garganta con arena", entre otras. También ha trabajado como actor en varias películas argentinas.


title: Cacho Castaña

text: Fue el tercer hijo del matrimonio entre don Antonio ('Ntoni) Castagna, comerciante italiano de calzado, y Rosa Curra. La vocación y el amor de "Cacho Castaña" por la música comenzaron en la niñez. A los 14 años ya era profesor de piano. Empezó como pianista en orquestas de tango, y en la segunda mitad de la década de 1960 se presentó como cantante en programas "ómnibus" (programas de más de 6 horas en vivo) que los sábados destinaban su primera hora a nuevas voces, en Canal 9.


title: Cacho Castaña

text: Formó el grupo "Beto y los Huracanes", junto a Bingo Reyna (guitarra), con Kuky (batería), Alfredo (guitarra rítmica), Juan (bajo), dando sus primeros pasos como vocalista.


title: Cacho Castaña

text: Autor de muchos éxitos como "Café La Humedad", "Lo llaman el matador", "La reina de la bailanta", "Señora si usted supiera", "Garganta con arena" (dedicado a Roberto Goyeneche), "Tita de Buenos Aires" (dedicado a Tita Merello), "La gata Varela" (dedicado a Adriana Varela), "Septiembre del 88", "Ojalá que no puedas", "Quieren matar al Ladrón" (en coautoría) o "Para vivir un gran amor" (cortinas musicales de Un mundo de veinte asientos y Amar después de amar), entre otras. Obtuvo el Premio Gardel en 2005, por su álbum "Espalda con espalda".


title: Cacho Castaña

text: También ha actuado y ha compuesto música para el cine y la televisión. Es un reconocido simpatizante del Club Atlético San Lorenzo de Almagro, participando como artista invitado en los festejos del centenario de su fundación en 2008.


title: Cacho Castaña

text: En el verano de 1995 tuvo una relación fugaz con la actriz y vedette Silvia Peyrou. Ella tuvo un hijo llamado Santino al que Cacho, en un principio, no reconoció. Tras una mediática batalla legal sí lo hizo, pero luego pruebas de ADN demostraron que Cacho no era el padre biológico.


title: Cacho Castaña

text: En 2005 recibió el Diploma al Mérito de los Premios Konex a la Música Popular en la disciplina "Autores/Compositores de Tango" como uno de los 5 mejores de la década en Argentina.


title: Cacho Castaña

text: En 2008 compone junto a Valeria Lynch la canción "Por amor a vos", la cual sería cortina musical de la telecomedia Por amor a vos en Canal 13. Esta canción ganó el premio Martín Fierro a la "mejor canción original".


title: Cacho Castaña

text: En sus últimos años, su adicción al tabaco provocó que el popular artista debiera ser internado en varias oportunidades. En septiembre de 2011, debió permanecer en terapia intensiva en el Sanatorio Los Arcos, a raíz de un síndrome bronquial agudo acompañado de fiebre; y fue en el 2005 que tuvo una situación médica límite cuando se le efectuó una compleja angioplastia coronaria de urgencia en el Instituto del Diagnóstico por el cardiólogo argentino Luis De la Fuente, quien le colocó 3 stents con medicamento.


title: Cacho Castaña

text: En 2012, participó de la exitosa novela Dulce amor, protagonizada por Sebastián Estevanez, Juan Darthés y Carina Zampini, en donde interpretó a Vicente Guerrero, el exmarido de Isabel (Georgina Barbarossa) y papá de Marcos (Sebastián Estevanez) y Flor (Micaela Vázquez) en la ficción.


title: Cacho Castaña

text: En 2013, participó del programa de televisión "Buenos Muchachos" que se emitía en C5N los días sábados. Con la conducción de Beto Casella; junto al exfutbolista y director técnico Bambino Veira, el exmánager de futbolistas Guillermo Coppola y el también exdirector técnico Coco Basile, contaban sus anécdotas y experiencias de vida. En noviembre dejó el programa por internas con la producción.


title: Cacho Castaña

text: También en 2013 participó en la primera temporada del programa "Tu cara me suena", en Telefe, conducido por Marley, en el cual había 8 participantes pertenecientes al ambiente artístico que debían aprender a imitar a un artista, caracterizándose e interpretando sus canciones. Cacho Castaña dentro de este concurso, cumplió el rol de jurado junto a Joaquín Galán y La Negra Vernaci. Cacho abandonó este programa porque ya tenía planeado realizar sus shows en el país.


title: Cacho Castaña

text: En 2014 volvió a ser jurado en la segunda temporada del mismo programa, pero desde la cuarta gala debió ser reemplazado por diversos artistas (Zeta Bosio, Miguel Ángel Cherutti, Sergio Denis, Carmen Barbieri, Soledad Pastorutti, Valeria Lynch, Natalia Oreiro, Patricia Sosa, Axel, Paz Martínez, Carlos Baute, Juan Darthés, Antonio Gasalla, Carlos Vives, Humberto Tortonese, Santiago Segura y Cris Morena) debido a sus problemas de salud.


title: Cacho Castaña

text: En octubre de 2014 debió ser internado en el Sanatorio Los Arcos tras sufrir un accidente doméstico que le provocó una fractura de cuello de fémur, lo que requirió una cirugía de cadera, que resultó exitosa, pero complicó su evolución el desarrollo de una infección respiratoria, por lo cual debió recibir antibióticos. Cacho pasó varias semanas conectado a un respirador bajo medicación sedante y con apoyo de fármacos vasoactivos para apuntalar su función cardiocirculatoria, siendo su pronóstico delicado durante ese lapso.


title: BMW Serie 1

text: El BMW Serie 1 es un automóvil compacto de gama alta producido por el fabricante alemán BMW desde el año 2004. Sus principales rivales son el Alfa Romeo Giulietta (2010), el Audi A3, el Lexus CT y el Mercedes-Benz Clase A.


title: BMW Serie 1

text: El Serie 1 se ofrecía inicialmente solamente con tres o cinco puertas, y cinco plazas (código de chasis: "E87"). Una versión "hatchback" de tres puertas ("E81") fue puesta a la venta a mediados de año 2007, un cupé de dos puertas y cuatro plazas ("E82") a finales de 2007, y un descapotable de cuatro plazas con techo de lona("E88") a principios de 2008. El Serie 1 "hatchback" se presentó oficialmente en el Salón del Automóvil de París de 2004, el cupé en el Salón del Automóvil de Ginebra de 2007, el Salón del Automóvil de Fráncfort de 2007, y el descapotable en el Salón del Automóvil de Detroit de 2008.


title: BMW Serie 1

text: Sus dimensiones exteriores son similares a las de otros modelos del segmento. En contraste, presenta una distancia entre ejes más larga de lo habitual en su categoría (2660mm) y tiene motor delantero longitudinal y tracción trasera. Tiene un maletero de capacidad variable que va desde 330 hasta 1150 litros con los asientos posteriores abatidos, ofreciendo así una mayor capacidad.


title: BMW Serie 1

text: El Serie 1 incorpora varios elementos de seguridad: luz de freno de intensidad variable, control de tracción y control de frenada en curva (CBC).


title: BMW Serie 1

text: El menos potente (116i) es el único con caja sólo manual de seis velocidades, el resto usa una caja de seis velocidades manual o automática.


title: BMW Serie 1

text: El 130i, 125i y 135i van equipados con un bloque de motor de seis cilindros en línea, todos los demás motores montan cuatro cilindros en línea.


title: BMW Serie 1

text: BMW presentó al público en el Salón del Automóvil de Franckfort del 2011 lo que sería el sucesor del BMW Serie 1 hatchback de 5 puertas, el cual equipa con un nuevo motor a gasolina de 1.6L y para su versión diésel un 2.0L, disponible tanto en 3 como 5 puertas.


title: BMW Serie 1

text: A finales de 2014 el Serie 1 F20 recibió su primer restyling, denominado F20 LCI, en el que se renovaba detalles exteriores como nuevo diseño de pilotos delanteros y traseros. Los faros delanteros con tecnología LED y traseros con un diseño muy similar a los montados en sus hermanos mayores (Serie 3 F30, Serie 4 F32 y Serie 5 F11). A su vez, en 2016 se renovaron todas las motorizaciones tanto de motores diésel como gasolina, implementando la nueva gama de motores para cumplir la futura normativa Euro 6.


title: BMW Serie 1

text: A mediados de 2017, Bmw renovó el interior del F20 restyling, creando el denominado F20 LCI 2, implementando un nuevo diseño en el cuadro y salpicadero, así como la nueva generación de iDrive 6, y la nueva línea M sport shadow edition, donde se modificaban detalles como las llantas, parrillas, colas de escape en negro y faros traseros ligeramente ahumados.


title: BMW Serie 1

text: El primer año de la serie F20 restyling, no sufrió ningún cambio en las motorizaciones, salvo a partir de 2016 cuando Bmw renovó por completo todos los motores. Es por eso, que podemos encontrar modelos restyling entre 2015 y 2016 con motores de su antecesor F20, como el 120i, M135i, algún 116i e incluso el 114i que fue descontinuado junto al 114d en 2016.


title: BMW Serie 1

text: Sin duda para el mercado español, una de las novedades que se pueden ver hoy (28/09/2019) en el salón del automóvil de Frankfurt es la 3ª generación de la serie 1 de BMW (llamada internamente como F40). La llegada estaba prevista para 2020, pero su lanzamiento local se adelantó bastante, dado que las primeras unidades llegarán a nuestro país en los meses de octubre (118i) y noviembre (118i City y Urban). Su preventa comenzó el pasado viernes con precios entre los 30.300€ (118i) y los 51.700€ (M135i xDrive).


title: BMW Serie 1

text: Esta nueva generación del BMW Serie 1 da un salto considerable a nivel tecnológico, puesto que abandona la configuración de tracción trasera que ha caracterizado a este modelo desde el lanzamiento del BMW Serie 3 Compact en la década de los noventa, y en su lugar estrena una nueva plataforma de tracción delantera compartida con el resto de modelos compactos de BMW y la gama MINI. Solo se encuentra disponible en 5 puertas, abandonando la configuración de 3 de las generaciones anteriores.


title: BMW Serie 1

text: En cuanto a las motorizaciones, se han mantenido las mismas que podemos encontrar en su generación anterior a partir de 2016 que equipó Bmw en el F20 restyling, modificando algunos valores insignificantes en cuanto a términos de potencia en el 118i y 120i.


title: Cabeza

text: La cabeza es la parte superior del cuerpo, y superior o anterior de muchos animales, donde se encuentran algunos órganos de los sentidos y el cerebro: el cuerpo humano está formado por cabeza, tronco y extremidades.


title: Cabeza

text: La cabeza (o testa, que puede ser o bien la cabeza en sí o la frente), de un animal, es la parte anterior del cuerpo que contiene la boca, el cerebro y varios órganos sensoriales (generalmente órganos de visión, audición, olfato y gusto).


title: Cabeza

text: El máximo grado de cefalización se da en los artrópodos (sobre todo insectos) y en los vertebrados; en estos animales, la cabeza está netamente diferenciada del resto del cuerpo y provista de órganos sensoriales muy eficientes.


title: Cabeza

text: Los animales más sencillos, como las esponjas, y los que presentan simetría radial (cnidarios y ctenóforos) no poseen cabeza, pero sí la tienen la mayoría de las formas con simetría bilateral (Bilateria); estos animales poseen un eje antero-posterior de manera que en la parte anterior del cuerpo se concentran el cerebro y los órganos sensoriales; el grado de cefalización es variable en los distintos filos bilaterales; muchos poseen una cabeza incipiente (platelmintos, anélidos, nematodos, moluscos). Dentro de los bilaterales, hay también grupos sin cabeza como los bivalvos, briozoos, equinodermos, etc.


title: Cabeza

text: Los artrópodos son los invertebrados con un grado mayor de cefalización, lo que se traduce en la posesión de un cerebro complejo. El cerebro está formado por la fusión de los tres pares de ganglios de los tres primeros segmentos del cuerpo, de modo que se puede distinguir tres regiones:


title: Cabeza

text: Los escleritos de la cabeza están también fusionados entre sí, formando una estructura compacta denominada "cápsula cefálica".


title: Cabeza

text: Una cabeza de insecto típico se compone de ojos compuestos, antenas, y piezas bucales. Estos componentes difieren sustancialmente de insecto a insecto, formando importantes vínculos de identificación. Los ojos de la cabeza que se encuentran, en varios tipos de insectos, tienen la forma de un par de ojos compuestos con múltiples caras. En algunos casos, hay dos o tres ocelos u ojos simples.


title: Cabeza

text: Las antenas en la cabeza del insecto se encuentran en forma de aditamentos segmentados, en pares, que suelen estar situados entre los ojos. Tienen formas y tamaños diversos, en forma de filamentos o en diferentes formas agrandadas o en forma de garrote.


title: Cabeza

text: Los insectos tienen piezas bucales de diferentes formas dependiendo de sus hábitos de alimentación. El "labrum" es el labio superior y se encuentra en la zona delantera de la cabeza y es la parte más exterior. En la parte posterior del "labrum" hay un par de mandíbulas que flanquean el lado de la boca, seguidas de un par de maxilares, cada uno de los cuales se conoce como palpo maxilar. En la parte posterior de la boca se encuentra el labio inferior. En algunos insectos también hay una parte extra de la boca que se denomina hipofaringe y que suele estar situada entre los maxilares


title: Cabeza

text: Según Hyman (1979), la evolución de la cabeza, en los vertebrados se ha producido por la fusión de un número fijo de segmentos anteriores, de la misma manera que en otros «animales heterónomamente segmentados». En algunos casos los segmentos o una porción de los segmentos desaparecen. Los segmentos de la cabeza también pierden la mayor parte de sus sistemas excepto para el sistema nervioso. Con el desarrollo progresivo de la cefalización, «la cabeza incorpora cada vez más de los segmentos adyacentes en su estructura, por lo que en general se puede decir que cuanto mayor es el grado de cefalización mayor es el número de segmentos que componen la cabeza».


title: Cabeza

text: La región anteroinferior de la cabeza, donde se encuentran los ojos, nariz y boca, es llamada cara o rostro, la región superior a esta, frente, y el mentón el extremo inferior. Una vez privada la cabeza de las partes blandas, queda su esqueleto, la cabeza ósea, que se articula con la primera vértebra del raquis, el atlas, mediante el occipital.


title: Cabeza

text: Además, en ella se fijan los músculos de la mímica, y se alojan órganos de los sentidos o sus anexos: ojos, fosas nasales, lengua. A su vez, cráneo y cara están formados por diversos huesos, todos ellos pares, excepto cuatro: tres del cráneo (frontal, etmoide, occipital), y uno de la cara (vómer).


title: Historia de la escultura

text: La historia de la escultura es una parte de la historia del arte que estudia la evolución de la escultura, desde sus principios teniendo en cuenta las diferentes culturas del mundo y los períodos históricos que suelen coincidir con los de la propia historia del arte. A lo largo del tiempo, muchas de sus formas y herramientas utilizadas siguen siendo las mismas o similares.


title: Historia de la escultura

text: Desde las civilizaciones prehistóricas hasta las actuales, la escultura ha pasado por varias fases funcionales; inicialmente, tenía un uso utilitario y era un método para representar rituales mágicos o religiosos. En ciertos momentos de la historia, debido a la aparición en algunas religiones del aniconismo —por ejemplo, en el cristianismo ortodoxo y en el islam—, la práctica de la escultura se reduce a la realización de adornos sin ninguna representación de imágenes. El rechazo de Moisés del culto al becerro de oro, que cita la Biblia, fue seguramente un acontecimiento decisivo en una parte de la historia de la escultura, ya que promovió la práctica según la cual había que evitar la existencia de imágenes sagradas o de personas religiosamente relevantes, así, permaneció restringido entre los judíos y en las religiones que han derivado. Iniciativas como ésta surgieron también en los inicios del cristianismo y del budismo, sin embargo y con el paso del tiempo, en ambas religiones se revirtió esta tendencia y la escultura alcanzó una gran relevancia, sobre todo en el budismo. Sin embargo, algunos sectores se sigue practicando la iconoclastia, como lo demuestra la destrucción de los Budas de Bāmiyān por parte de los talibanes en 2001.


title: Historia de la escultura

text: Los escultores medievales y renacentistas trabajaban en colaboración con otros artesanos y solían tener grandes talleres, en estos locales podían trabajar muchos ayudantes y oficiales, y el maestro escultor era el encargado de la finalización de las obras. Por otra parte, detrás del arte han existido grandes mecenas, el patronazgo de los cuales, en algunos casos, se prolongaba durante toda su vida. Más recientemente, a partir del siglo XIX, los escultores dependen normalmente de las galerías de arte públicas y privadas donde se exponen las obras de cara a su venta, ya que los encargos para proyectos civiles son relativamente poco habituales.


title: Historia de la escultura

text: La representación de la figura humana ha sido uno de los temas principales hasta el siglo XX. Con la aparición de nuevos materiales artificiales y herramientas mecanizadas, así como con el desarrollo de los medios de comunicación, la evolución de los estilos se aceleró y, por tanto, diversificó. Los comienzos del arte experimental que dio lugar a la abstracción llegó a ser una práctica escultórica dominante durante al menos cincuenta años, después de que la tradición figurativa se impuso durante siglos. La tradición escultórica fue cuestionada tanto en el contexto mercantil como en el diseño industrial, el cambio que ocasionó tanto a nivel social como a nivel político y filosófico en el período vivido entre las dos guerras mundiales permitió que el arte abstracto, a partir de 1945, se concentrara en la expresión de las cualidades físicas de los materiales y en la búsqueda de la sensación visual.


title: Historia de la escultura

text: Los primeros tratados sobre técnicas de escultura pertenecen a los artistas griegos y datan del siglo V a. C.. El más conocido es el Canon de Policleto, obra en la que el escultor expone las innovaciones que él mismo llevó a la práctica, como la posición del "contrapposto". Según Plinio el viejo, sus indicaciones fueron adoptadas como leyes por otros artistas. Alberto Durero, durante sus últimos años de vida, se dedicó a recopilar estudios teóricos que había hecho sobre el canon humano al "Tratado de las proporciones del cuerpo", editado póstumamente en 1528. Leon Battista Alberti, que se mostró constantemente interesado por la búsqueda de reglas —tanto teóricas como prácticas— capaces de orientar el trabajo de los artistas, llama en sus obras algunos cánones como, por ejemplo, en "De statua", en la que expone las proporciones del cuerpo humano.


title: Historia de la escultura

text: La "Naturalis Historia" de Plinio el viejo, los Mirabila de Pasiteles, datado del siglo I a. C., y otras obras contribuyeron a difundir las teorías histórico-críticas de los filósofos griegos que en el período helenístico establecían que el escultor Fidias representaba la «cima de su pasado artístico». Pensadores romanos como Cicerón y Quintiliano formularon observaciones críticas de interés sobre la escultura y la pintura pero, en conjunto, la aportación de la antigua Roma en la historiografía del arte reside en la descripción de las obras y la transmisión de las noticias y los conocimientos según los precedentes griegos perdidos. Durante la baja Edad Media, los artistas comenzaron a firmar las obras e, incluso, algunos de ellos adoptaron la idea de añadir autorretratos en sus obras, como el escultor Arnau Cadell al monasterio de Sant Cugat (c. 1190); debido a la falta de contratos, estas firmas son uno de los datos más importantes que tiene la historiografía de la escultura románica.


title: Historia de la escultura

text: Durante el Quattrocento florentino se formuló una teoría y una historiografía de acuerdo con la nueva práctica y mentalidad artística. El género de las «biografías de artistas», olvidado desde la antigüedad clásica —puesto que este género fue iniciado en el siglo IV a. C. por Duris de Samos— volvió a ser cultivado: Cennino Cennini con su "Libro dell'Arte" y los "Comentarii" de Lorenzo Ghiberti son el testimonio más elocuente de la profunda renovación que el Renacimiento llevó en el plano de la literatura artística. Sin embargo, las obras de Donatello, Andrea del Verrocchio y Jacopo della Quercia demarcon el ague de este panorama artístico. En esta época es cuando se dio prácticamente la liberación de la escultura del marco arquitectónico, los relieves se realizaron con las reglas de la perspectiva y se mostraban a los personajes con expresiones de dramatismo que llevaban a la sensación de gran "terribilità" en los sentimientos expuestos en las esculturas. Durante el Cinquecento, Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y el propio Miguel Ángel continuaron esta tradición teórica con sus escritos y tratados; este período se caracterizó debido al parcial gusto por la grandiosidad monumental y por una influencia más «manierista». "Le Vite" (1550) de Giorgio Vasari constituye una obra fundamental que ejerció una enorme influencia en toda la historiografía del arte que se desarrolló posteriormente.


title: Historia de la escultura

text: En el mundo griego se inició la investigación arqueológica con las excavaciones de Heinrich Schliemann entre 1868 y 1874, gracias a las cuales se descubrieron Ítaca, Troya y Micenas. Schliemann también dio nombre a la "Máscara de Agamenón":


title: Historia de la escultura

text: Pasado el tiempo, se sabe que estas tumbas pertenecen a siglos anteriores a los hechos narrados por Homero, que Schliemann tomó como guía para su trabajo. En el siglo XX fue Arthur Evans con la excavación de Cnossos quien estableció una cronología para la cultura minoica. Con todo esto y nuevas excavaciones, van cambiando las denominaciones: ya no se habla de la cultura cretense, sino de la minoica, y no del arte micénico, sino del heládico.


title: Historia de la escultura

text: El libro "El arte griego" (1972) de Kostas Papaioannou niega que el período arcaico sea una etapa inferior y previa al proceso de la estatuaria griega en sí con tal de dar origen a una segunda etapa, según dice, la etapa del arcaísmo fue la de «presentar la realidad» y no «representarla como una copia de la realidad». Así, las figuras arcaicas de los "kouroi" no son atletas retratados y reproducidos de individuos concretos sino creaciones artísticas que se pueden interpretar como signos culturales y, por tanto, históricos. Según Erwin Panofsky, el estudio concreto de las obras de arte debería constar de tres análisis: primero un análisis preiconográfico, en la que se sitúe el período y el estilo, según sus formas, en términos descriptivos; en segundo lugar, un análisis iconográfico, en la que se analicen los elementos que acompañan la obra, sus diferentes atributos o características, en relación a su función simbólica y, por último; un análisis iconológico, en la que se estudie su significado conceptual o ideológico en el contexto cultural de su época.


title: Historia de la escultura

text: El arte prehistórico se remonta al Paleolítico inferior, cuando el hombre cortaba el sílex golpeando el mismo contra otra piedra. De esta manera se conseguía el bifaz, una herramienta con punta y corte que utilizaban para defenderse y para descuartizar y aprovechar la carne de los animales, hacia el año 1800 aparece la primera representación de un bifaz, en una publicación inglesa de la mano de John Frere. La mayoría de estatuillas de la edad de piedra fueron hechas de marfil o piedra blanda, sin embargo, han sido encontradas figuras de masa con forma humana y animal. Posteriormente usaron el grabado, el relieve en piedra y en huesos de animales. Aparecen representadas las primeras figuras humanas femeninas de piedra, que muestran una gran exuberancia en una exaltación a la fertilidad; hay ejemplos de entre 27.000 y 32.000 años de antigüedad. Estas figuras se conocen con el nombre genérico de «Venus», y entre todas las que nos han llegado cabe destacar la Venus de Willendorf (24.000-22.000 a. C.) de la zona de Willendorf, la de Brassempouy y la de Lespugue.


title: Historia de la escultura

text: Durante la cultura Magdaleniense se utilizaron bastones perforados y propulsores. Durante el Paleolítico superior, los ejemplos más abundantes son tallas u objetos grabados. Evolucionaron desde una fase más primitiva, con decoraciones esquemáticas, hasta llegar a la representación de figuras de animales que se adaptaban a la estructura del hueso. En el análisis de este tipo de piezas realizado por Serguei A. Semenov se apreciaron incisiones realizadas con cuchillos de sílex y con alguna especie de buril que permitía hacer muescas, realizar determinados detalles y eliminar el material sobrante.


title: Historia de la escultura

text: La arcilla también fue un material utilizado ya en la prehistoria. Se cree que el descubrimiento del proceso de cocción y endurecimiento del barro fue casual, probablemente durante el uso de algún utensilio de barro en contacto con el fuego. Las primeras piezas escultóricas que se conocen proceden de Egipto, China, India y Oriente Medio, lugares donde hacia el 4000 a. C. ya existían hornos para fabricar objetos de barro. Más o menos por estas fechas se descubrió la fundición de los metales. Uno de los avances más importantes en la historia de la escultura fue el poder trabajar el metal —primero el bronce y después el hierro—, que sirvió para fabricar herramientas más eficientes y, además, obtener un nuevo material para realizar obras escultóricas. Las herramientas de metal permitieron mejorar la precisión y reducir el tiempo en el proceso de elaboración de las tallas, tanto de madera como de piedra. El trabajo realizado primero en arcilla y luego mediante vaciado en bronce ya se conocía en las antiguas civilizaciones griegas y romanas, y es el sistema que actualmente, en el siglo XXI, todavía se utiliza. (Para más detalles véase el Fundición a la cera perdida).


title: Historia de la escultura

text: A partir del siglo V a. C., en el último período de la Edad del Hierro, los celtas desarrollaron la cultura de La Tène, propagándose por toda Europa; la misma representó una evolución del arte conseguido durante la cultura de Hallstatt. En la decoración de todos sus objetos, espadas, escudos, broches y diademas, representaron motivos de animales, plantas y figuras humanas. A partir del siglo III a. C. acuñan las primeras monedas siguiendo los modelos helénicos, así como obras figurativas como el «Dios de Bouray», realizado en chapa de cobre repujada.


title: Historia de la escultura

text: La escultura sumeria, pionera de la Edad antigua, evita el desnudo, ya que se rige por convencionalismo social de no representar los individuos de manera uniforme, por las vestimentas se podía conocer el rango del personaje como también la jerarquía a la que pertenecía. En los grandes relieves se observa el uso del desnudo, pero solo para representar a los vencidos. Se han encontrado una gran variedad de esculturas —algunas del propio rey— de la época de Gudea, del 2144 a. C. al 2124 a. C. Sin llegar a considerarse dentro de la técnica del retrato, todas presentan unos rasgos comunes y muestran el nivel social mediante el turbante que les cubre la cabeza. Debido a la escasez de canteras, la escultura de Mesopotamia se realizó fundamentalmente con arcilla, tal y como apuntan las excavaciones de Ur (4000 a. C.); en donde se han encontrado numerosas pequeñas estatuas hechas con este material. Los sumerios desarrollaron y difundieron a otras civilizaciones el uso del ladrillo grabado con un relieve y posteriormente esmaltado. Algunos ejemplos bien representativos son los relieves que adornan los palacios, las superficies sepulcrales persas del palacio de Persépolis y el "Friso de los arqueros", así como una obra en ladrillo esmaltado que se encuentra en el Palacio Real de Susa (404-359 a. C.).


title: Historia de la escultura

text: En el Antiguo Egipto se emplearon materiales duraderos como la piedra. A esta civilización la caracteriza la jerarquía social establecida y una fuerte creencia religiosa en la otra vida. Como resultado, organizaron de una manera muy profesional la explotación de canteras y llegaron a realizar unas esculturas altamente perfeccionadas que permanecieron inalteradas durante muchos siglos. La escultura tallada dependía mucho del bloque cúbico del que podían disponer. En sus obras, en general, representaron las divinidades mitológicas, los faraones y de otros personajes importantes, también realizaron, sin embargo, pequeñas piezas de figuras en las que quedaban reflejados los trabajos domésticos. Muchas de estas obras se colocaban en las cámaras sepulcrales. Las estatuas que representaban a los faraones se realizaban siempre de pie, con los brazos pegados al cuerpo o apoyados en las rodillas si estaban sentados. Cuando la representación era con la familia, los dos esposos solían estar cogidos de las manos. Otros personajes muy representados eran los «escribas» que, en la mayoría de los casos, aparecían sentados en el suelo con las piernas cruzadas y con los brazos un poco separados del cuerpo, mostrando en su composición una perfecta simetría. A pesar de ello, algunas obras se caracterizaron por poseer ciertos grados de flojedad y redondez que hacía parecer una «signatura»; claro ejemplo de influencia asiria, pero también de originalidad, puesto que en la escultura egipcia tardía, las mayoría de las obras pertenecientes a esta época reflejaron el predominio de la actitud general del cuerpo como un modo de expresión, la desnudez del busto, los anchos collares extendidos sobre el cuerpo, la disposición de los cuadros del hombre, el talle y la forma de acomodar el cuerpo de manera vertical y sin despegar las manos de las cinturas.


title: Historia de la escultura

text: Del arte púnico y grecopúnico se conservan multitud de estatuas, en general femeninas, y bustos de barro cocido, en conjunto con una diversidad de amuletos de marfil y de metal que se descubrieron en las necrópolis de Ibiza y Formentera. Se calcula que las más antiguas son obras del siglo VIII a. C., y que su fabricación tuvo continuidad hasta muy avanzada la dominación romana. Los íberos fueron un conjunto de pueblos que habitaron la costa oriental de la península ibérica como mínimo desde el siglo VI a. C. La escultura íbera fue una de las mejores manifestaciones artísticas de su cultura. Las obras encontradas, de piedra y bronce, provienen de tres grandes áreas: de Andalucía, del centro de la península ibérica y de la zona del Levante. En esta última se han descubierto las muestras más sobresalientes de arte ibérico en piedra, que actualmente forman parte de la colección de museos, como el famoso busto de la "Dama de Elche", de inspiración griega, encontrado en la población de su nombre y que se expone en el Museo Arqueológico Nacional de España, ubicado en Madrid. La escultura antigua se encargó de fijar los detalles arquitectónicos expandiendo el detalle de la escultura a las temáticas de decoración para edificios, estableciéndose en este período las órdenes arquitectónicas que redefinirían la concepción del templo y llevando consigo una reforma de la dimensión monumental. Los materiales utilizados en ese entonces fueron desde la terracota hasta el estuco, optando por colores vivos a la hora de la decoración; tal y como las esfinges, sirenas, chacales, entre otros. Llegando a aplicarse soluciones similares en construcciones civiles.


title: Historia de la escultura

text: La estatuaria arcaica griega fue principalmente religiosa. Los templos se decoraban con imágenes de los dioses, de sus hazañas y batallas, y las figuras se alejan del realismo. Las "korai" o "kuroi" no son retratos de personas concretas; a los rostros se les añadía una sonrisa «ficticia», un gesto facial conocido en el mundo del arte como «sonrisa arcaica». El "Jinete de Dipilón", una muestra simple de la modelación geométrica arcaica, perteneció a una estatua colosal (solo él mide 0,44 metros), está realizado en mármol de Paros y data del siglo VI a. C. El "Jinete Rampin" (c. 560 a. C.) es una obra de unos años posteriores, es de tamaño natural y presenta un tratamiento mucho más cercano al naturalismo. Son diversos los nombres registrados en la literatura antigua de los escultores del período arcaico. Datando del siglo VI a. C., los citados son Butades, siendo el primero en usar la terracota para forjar sus obras, un arte que sería perfeccionado por los etruscos por Diopos y Eugramos. Reco y su hijo Teodoro de Samos fueron acreditados por Pausanias como los inventores de la fundición del bronce, contradiciendo las fuentes modernas; en las que consideran a Glauco como el que mejoró e innovó la técnica de la soldadura y de ser Arquemo el primero en representar a Victoria y Eros. En un pasaje del siglo VI y V a. C. se vuelve importante la Escuela de Argos, con Agéladas como uno de sus exponentes, renombrado por realizar estatuas de atletas y ser el maestro de escultores como Fidias, Policleto y Mirón. En esta época también aparecen otros artistas de renombre como Antenor, a quien se le atribuye "Tiranicidas" y una "koré" preservada en Atenas.


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text: El estilo arcaico se expandió por todo el mediterráneo e inspiró a la formación de un estilo natural para la propia cultura etrusca. China, Chipre y algunas regiones de Asia Menor se adaptaron a las producciones artísticas y escultóricas pertenecientes a la propia Grecia; creando un mercado rico que mejoraría su economía. En la península de Ítaca, abundan creaciones artísticas con terracota, usadas como decoraciones arquitectónicas. De hecho, Persia incorporó, hacia el siglo IV a. C., innovaciones de estilo con trazos griegos. El helenismo, con su historicismo y eclecticismo, dieron lugar a un resurgimiento de tradiciones escultóricas antiguas, mismas que sirvieron para forman pequeñas escuelas de escultura arcaica para un público selecto, que incluía coleccionistas romanos, dentro de los que destaca mencionar al emperador Augusto.


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text: Se suele fijar el período clásico de la Antigua Grecia hacia el siglo V a. C., entre el período arcaico y el período helenístico. Se ha dicho que la escultura griega alcanzó un elevado grado de perfección, calidad que venía impulsada por la búsqueda de una mejor expresión de la belleza de la figura humana, llegando a establecer un determinado canon y unas proporciones consideradas «perfectas». Desgraciadamente, el "Auriga de Delfos", la pareja de los "Bronces de Riace" y el "Dios del cabo Artemisio" forman parte de las pocas esculturas griegas en bronce que se conservan completas. Tanto el escultor Policleto como Fidias y Mirón son considerados los padres del estilo clásico griego. Uno de los artistas más significativos del periodo clásico, con su magnífico "Hermes con el niño Dioniso", fue Praxíteles, el cual era de la misma época que Lisipo y Escopas de Paros. Durante el período helénico observa que en la creación de esculturas hay una clara intención de intensificar el movimiento y acentuar las emociones, el mejor ejemplo es el conjunto escultórico de "Laocoonte y sus hijos".


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text: Desde el período Severo los artistas se esforzaron por la obtención de una verosimilitud en las formas escultóricas con relación al modelo vivo; procurando esa transición con tal de mantener y poder expresar las virtudes internas. Para los griegos antiguos la belleza física estaba identificada con la propia perfección moral, bajo un concepto denominado "kalokagathia". Una importante contribución a esta rama fue hecha por el propio Pitágoras quien incluyó sus conocimientos matemáticos al campo de la música y la psicología; que posteriormente se aplicarían al propio arte con la inducción de «estados psicológicos y comportamientos definidos»; tiempo después influenciando al propio Platón que aplicaría esto en la estética. Años más tarde, esta importancia por la verosimilitud comenzaría a ser un tema de mayor relevancia puesto que los escultores griegos buscarían un mayor control por el acabado de los detalles y el interés de estos artistas ya no solo residió en la expresión total del cuerpo; sino que se extendió a la representación única e interesante de la indumentaria que estos tenían, con tal de recalcar el cuerpo y describir los efectos del viento con mayor fluidez y ritmo, de modo que recurrieron al uso de materiales plásticos para obtener mejores efectos de luz y sombra. Platón reafirmaría el sentido de la belleza y la virtud, al ser localizados en los sentidos físicos, evitando atribuir al escultor la capacidad de retratar la naturaleza con absoluta fidelidad, tal y como Galeno apuntaba:


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text: Se podría pensar que las aportaciones de Platón pudieron resultar negativas para la propia escultura, pero no lo fue así. Desde siempre los griegos tuvieron conciencia de la imposibilidad de visualización de los dioses en su forma divina, por lo que deberían aceptar la representación de su forma parcial e incompleta. De hecho, la ambientación con árboles, piedras y otros lugares pueden ser consideradas como espectáculos de los propios dioses. La enfatización por el naturalismo en estas estatuas provocaron interesantes consecuencias. No era interesante que se reflejaran aspectos relevante como el amor o la pasión, porque incluso muchas esculturas representaran temas eróticos o sexuales. De cualquier forma la presencia de la escultura clásica fue determinante; las objeciones contra el legado del elitismo y el dogmatismo estético e ideológico que recibieron de forma creciente en tiempos recientes contribuyen para evidenciar su destacada posición y confirmar que es una fuerza activa en el centenario cultura moderno. La escultura griega se expandió por los pueblos griegos del Mediterráneo y el Mar Negro gracias a las conquistas de Alejandro Magno, dejando como legado el hecho de representar la estética, belleza y el valor del hombre por medio de modelos y prototipos ideales que, «son merecederos de aplausos y respeto», puesto que con el tiempo terminaron por inspirar obras de épocas más tardías.


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text: Entre los usos de la escultura estaba la realización de monumentos funerarios, que en general comparten las características de la escultura decorativa de los templos y edificios públicos. La tradición de la construcción de monumentos a los muertos existía desde la época arcaica, puesto que los kurós cumplían esta función. Se ha creído siempre que estos monumentos eran prerrogativa de personajes ricos. Sin embargo, este arte también se limitaba a los objetos decorativos y pequeñas estatuillas de consumo popular, representando actores especialmente cómicos, animales y tipos de personas comunes del pueblo, pero por lo general, sin mucho refinamiento técnico y que repetían toscamente los principios formales de la escultura de gran tamaño.


title: Historia de la escultura

text: La escultura fue una de las expresiones artísticas más importantes del pueblo etrusco, un arte que tuvo su influencia y esplendor gracias a las aportaciones griegas. Desde el surgimiento o adopción de este arte en la cultura etrusca, se caracterizó por la expansión y refinamiento de la metalurgia y por un arte que empleaba a menudo motivos geométricos simples dispuestos en patrones complejos, manifiestándose en la creación de diminutas figuras de animales en bronce, pero no solo reservándose a esto, sino también empleándose el estilo en objeto como arneses para los caballos, cascos, puntas de flechas y lanzas, cántaros, pulseras, collares, así como calderos y sartenes y otros utensilios de utilidad desconocida, junto con recipientes de cerámica de todo tipo: vasijas, jarras y platos. La gran demanda que esto produjo, hizo que fuera necesaria la creación de talleres locales en los que se desarrollaban las iconografías del mundo griego oriental, dando como resultado la producción de figurillas antropomorfas, muy estilizadas y esquemáticas pero de gran vivacidad.


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text: La escultura etrusca evolucionó, con el tiempo, adoptando también uno tono aún más maduro: las tumbas se hicieron más grandes y más complejas, con varias cámaras, pasillos y una gran cubierta abovedada en la parte superior, formada con anillos concéntricos de bloques que avanzaban gradualmente, a veces con una pilastra central que contribuía a sostener la cubierta. Los entierros eran a menudo de lujo, incluyendo una profusión de objetos tanto decorativos como sagrados, los príncipes guerreros, invertían en comprar bienes suntuarios a semejanza de las pompas y tipologías orientales. Los motivos decorativos como las hojas de palmera, el loto y el león se volvieron frecuentes, debiendo todo ello la necesidad de satisfacer los deseos de una élite que se había organizado, enriquecido y ennoblecido. Con el paso del tiempo, se optó por el uso de materiales alternativos para la construcción de templos u otras obras, mostrando diferentes divisiones en los espacios, en su distribución y diseño y con el uso de muchos detalles decorativos en terracota policromada, como frisos, acroteras, antefijas y placas con escenas narrativas o con motivos ornamentales diversos. Cambios similares se produjeron en la construcción de las tumbas, haciéndolas más complejas y mayores, con varias habitaciones decoradas de acuerdo con sus funciones como si fueran casas y decoradas con elementos escultóricos, como pedestales, columnas y capiteles, y relieves de diversos tipos.


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text: Sin embargo, la escultura etrusca comenzó a entrar en un periodo de decadencia durante la etapa helenística. A pesar de que los sarcófagos y urnas aún continuaban siendo piezas muy decoradas, las esculturas de los muertos reflejaron un carácter aún más esquemático y genérico. La calidad de las obras durante esta etapa empezó a decaer; faltando el detalle y la belleza que tiempo antes había tenido; ejemplos importantes de esta etapa son el "frontón de Talamone" de Luni o "El orador", una estatua en bronce exenta. A diferencia de la escultura proveniente de otras culturas, la etrusca contiene pocos ejemplos de esculturas de piedra caliza suave, alabastro o toba; e incluso el mármol, que es aún más raro de localizar. El marfil, la madera y el bronce también fueron materiales excepcionales para las grandes estatuas, siendo este último el material más privilegiado y el más usado durante los finales de la etapa escultórica helenística de la cultura etrusca; Horacio alababa sus técnicas y su estilo único.


title: Historia de la escultura

text: En origen derivado de la escultura griega, principalmente a través de la herencia de la escultura etrusca, y luego directamente, por contacto con las colonias de la Magna Grecia y la propia Grecia, durante el periodo helenístico, se desarrolló, teniendo como foco central la metrópolis, entre los siglos VI a. C. y V, el arte escultórico en Roma; pero contradiciendo una creencia antigua y extendida de que los romanos eran solo meros copistas, ahora se reconoce que no solo fueron capaces de asimilar y desarrollar sus fuentes con maestría, sino también aportar una contribución original e importante a esta tradición, visible especialmente en el retrato, género en el que consiguió un gran prestigio y que dejó ejemplos singulares de gran técnica y de alta expresividad, y en la escultura decorativa de los grandes monumentos públicos, donde desarrolló un estilo narrativo de gran fuerza y carácter típicamente romano.


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text: Durante los últimos siglos del imperio (siglo III al siglo V) se vio el nacimiento de un contexto cultural totalmente nuevo e innovador. A veces esta fase de transformación ha sido vista como una decadencia artística, pero el canon griego fue el resultado de una época y un contexto determinado, y aunque dio forma a los orígenes artísticos de Roma y a gran parte de su trayectoria, los tiempos y el territorio se habían transformado, de modo que el clasicismo estaba empezando a convertirse en una reliquia del pasado y una referencia simbólica o del historicismo en lugar de una realidad viva. Ahora Roma tenía su propia historia, y entraba en un período de intensos intercambios con grandes culturas antiguas del Oriente Próximo, cuyo cuerpo de ideas, religiones, arte y aspiraciones se volvían parte de la cultura romana. Del mismo modo, las numerosas provincias imperiales, que se extendían desde Hispania, Galia y Britania a Persia, Arabia, Cáucaso y Norte de África, desarrollaban estilos sincréticos con sus propias tradiciones locales, creando obras que fueron aceptadas tanto para la visión metropolitana como para la provincial, aunque interpretados de manera diferente para cada lugar.


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text: Sin embargo y a diferencia del arte escultórico en la Antigua Grecia, el prestigio de estatuas paganas continuó en alza hasta el siglo VI, ni siquiera la aparición del cristianismo y el destierro del antiguo culto por Teodosio I en 391 provocó una inmediata destrucción de las imágenes religiosas y decorativas. Prudencio, a finales del siglo IV de nuestra era, también recomendó mantener las estatuas de los ídolos paganos como «ejemplos de la capacidad de los grandes artistas, y cómo espléndido ornato de nuestras ciudades». Con todo, poco después de la política del papado y del imperio cambió, y los monumentos de la antigüedad comenzaron a ser saqueados con el fin de retirar el material para su uso en otras obras mediante el estímulo de una ola asombrosa de iconoclasta por todo el imperio que decretó la desaparición de la gran mayoría de la fabulosa colección de obras de arte acumuladas durante siglos. Los romanos fueron los primeros en estar orgullosos de florecer en la sombra de una cultura extranjera. Virgilio en su "Eneida", toma las palabras de Anquises donde declara que Roma, aún por nacer, estaría en las artes y las ciencias siempre por debajo de los griegos, pero que la superaría en la guerra y en la administración pública. Sin embargo, esto no pudo impedir que sus escultores desarrollaran algunos rasgos evidentes de originalidad, reconocidos por otros críticos. De hecho, como complemento del trabajo de la talla de la piedra o el bronce fundido, el efecto final de la pieza de la escultura era modificado con la adición de policromía en la superficie, una práctica heredada de los griegos y realizada comúnmente.


title: Historia de la escultura

text: Un aspecto fundamental de la escultura romana fueron los retratos; una contribución que ha madurado mucho antes que en otros tipos de esculturas, dando una total preferencia por el busto y la cabeza, que creó un enorme mercado en toda la cuenca mediterránea. De hecho, la identidad específica del sujeto, establecida por los rasgos particulares de la cabeza, era hasta ese entonces un apéndice simbólico que no podía tomarse en cuenta como parte de la integridad del cuerpo. Puesto que para algunos de los escultores la creación de las cabezas o bustos era la clave principal para la identificación, y esto se insertó como un buen concepto. Asimismo, innumerables estatuas sin cabeza que sobreviven de la antigüedad son similares a los escenarios sin actores, especialmente cuando el cuerpo fue hecho por los ayudantes con anticipación, esperando que la cabeza fuera tallada por el maestro escultor. Algunos de los retratos más importantes fueron los hechos a Marco Aurelio o Constantino el Grande; que datan de la edad de oro de la escultura romana.


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text: Las obras escultóricas más destacadas del Imperio Bizantino son los trabajos ornamentales de los capiteles, con motivos vegetales y animales enfrentados. Hay buenos ejemplos en San Vidal de Rávena o los sarcófagos de la misma ciudad donde están representados temas del Buen Pastor. Se han conservado pocas obras escultóricas exentas: las más numerosas son relieves en marfil aplicados a cofres, dípticos o la célebre "Cátedra del obispo Maximiliano", una obra tallada hacia el año 550. Durante el período del arte otoniano lo que se produjeron no fueron obras de grandes dimensiones sino pequeñas esculturas en marfil y bronce en las que se añadían incrustaciones de piedras preciosas. Tal y como destacan las puertas de la iglesia de San Miguel de Hildesheim, hechas de bronce y que es una obra muy relacionada con el arte bizantino y el arte carolingio. Otro material empleado fue la madera, con la que se realizaron imágenes recubiertas de oro que se usaban como relicario, entre ellas, destaca el Crucifijo de Gero de la catedral de Colonia, una obra del siglo X realizada en madera policromada.


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text: Durante esta etapa, además de la producción arquitectónica (las demás artes plásticas tienen un desarrollo menor al no permitirse la representación de figuras) cubre una amplia variedad de artesanías incluyendo manuscritos ilustrados, textil, cerámica, trabajo en metales y cristal, destacando enormemente las fuertes influencias clásicas y germánicas; obteniendo un arte cristiano, así como el estilo animal y el estilo polícromo. Los edificios se caracterizaron por sus macizos muros y contrafuertes para sostener una robusta bóveda de cañón, basada en el arco de medio punto. Las estructuras son de escasa altura y con pocos vanos, lo que implica una menor entrada de luz, que se intenta compensar con el abocinamiento de las arquivoltas de pórticos y ventanales. Esto añadido al soporte arquitectónico y la profusa decoración escultórica (capiteles, tímpanos), de líneas muy marcadas y colores planos, formas geometrizantes y hieráticas, convertía a los templos en verdaderos evangelios de los iletrados.


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text: El arte románico se expandió por toda Europa entre los siglos XI y XIII. La escultura aplicada a la arquitectura fue tomando una forma más monumental bajo el impulso de una iglesia que en esa época estaba orientada, por un lado, por las directrices de la Orden de Cluny y, por otro, por el incremento de las rutas de peregrinaje, principalmente las de la Catedral de Santiago de Compostela o la abadía de Santa Fe de Concas. Varias partes de las iglesias —tímpanos, portadas y capiteles con historias sobre temas bíblicos— eran tratadas por los escultores con un gran realismo. El Maiestas Domini y el Juicio Final fueron los temas iconográficos más representados. Dejando de lado los relicarios chapados con metales, el material más empleado fue la madera, que era usada para la elaboración de imágenes de devoción. Las «madres de Dios con el niño» fueron muy representadas por toda Cataluña y por el sur de Francia aunque, en cuanto al valor iconográfico, la imagen más importante del románico fue el "Cristo Majestad". Entre los numerosos ejemplos destacan el Cristo que hay en Santa Faz de Lucca, el de la Catedral de Milán, el "Cristo de Mijaran" y la "Majestad de Batlló".


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text: En tanto, la aplicación escultórica a la arquitectura se ejecutó en la parte delantera de las fachadas, especialmente en las portadas de los templos. Se utilizó el relevo como la mejor técnica para la narración de escenas impresionantes, donde el volumen ayudaba a crear una mayor sensación de realismo que las simples superficies pintadas, retratando escenas como la Visión del Apocalipsis y esculpiendo en cada una el espíritu del concepto de Dios vengativo presente en el Antiguo Testamento, también se llenaron no solo de figuras bíblicas como los evangelistas, apóstoles y ángeles, sino con series de criaturas monstruosas, que ante su visión no olvidaban: demonios y criaturas compuestas de cuerpos desproporcionados y horribles que daban temor de la tortura del infierno. La escultura pequeña existía también, pero en número reducido, realizada en marfil o madera, y podía estar cubierta de oro o de plata (crucifijos y pequeñas imágenes). La obra en bronce fue de especial importancia en las piezas litúrgicas, las puertas de las iglesias, pilas bautismales y lápidas de tumbas. Para la parte superior de las tumbas, una nueva tipología se fue extendiendo desde el norte de Francia a mediados del siglo XII: la aplicación de la figura del difunto sobre el ataúd en posición yacente. Una de las primeras tumbas con la efigie del difunto con carácter románico fue la del abad Isarn de la abadía de San Víctor de Marsella.


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text: El período entre los siglos XIII y XV fue escenario de un importante desarrollo económico en toda la Europa occidental. Aunque la escultura sigue enmarcada dentro de los grandes edificios religiosos, las formas son mucho más naturales y también se aplica en sepulcros, sillerías del coro y retablos. Las portadas presentan santos o apóstoles con un carácter casi exento, con formas más dinámicas y alargadas, y quedan ubicados bajo doseles que presentan pináculos. La puerta de la Catedral de Chartres (1145) es uno de los primeros ejemplos de escultura gótica: están representados animales fabulosos que dan forma a las gárgolas, recurso con el que el artista consiguió un gran efecto plástico.


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text: La escultura gótica se conformó de cuatro períodos; el primero, el gótico primitivo se mantuvo esencialmente como un fenómeno francés, concentrado en la región de París, y el primer edificio importante que incorporó esculturas fue la Basílica de Saint-Denis. Entre 1137 y 1144, Suger, su abad, impulsó la reforma de un edificio románico existente y lo decoró con una gran riqueza. Saint-Denis es especialmente importante porque es la necrópolis de los , es un monumento de la dinastía carolingia y, al mismo tiempo, se convirtió en el símbolo de la consolidación de la monarquía francesa, un proceso en el que Suger tuvo un destacado papel en su calidad de consejero del rey y regente de Francia durante la Segunda Cruzada. El estilo original se transformó impulsado por el creciente interés por el naturalismo, dando paso a la segunda etapa de la evolución del gótico, llamada Alto gótico. En esta transición tuvieron un papel importante los artistas del valle del Mosa, y de forma especial Nicolás de Verdún y Renier de Huy, los primeros grandes maestros de la historia de la escultura gótica, que destacaron por sus trabajos de orfebrería y bronce. El llamado gótico internacional comprende el periodo entre mediados del siglo XIV hasta mediados del siglo XV, con su punto álgido hacia el año 1400, que fue cuando el estilo se convirtió en la lengua vehicular del arte europeo, con un gran movimiento de artistas y de intercambios entre las escuelas regionales. Pero cuando se habla de internacional no implica que el estilo se convirtiera en homogéneo. Por el contrario, la aparición de grandes centros urbanos en varios países, todos con tradiciones propias, generó un panorama de gran diversidad, además, la existencia de clientes ricos permitió el cultivo de una amplia gama de nuevas posibilidades artísticas. El gótico tardío es la fase final del estilo gótico, pero no fue una etapa de decadencia. La transición se produjo de una manera suave y gradual, y fue en esta etapa cuando se realizan algunas de las obras góticas más ricas y complejas. Finalmente el estilo desaparece para dejar paso al renacimiento y al manierismo. El gótico tardío se desarrolla aproximadamente entre mediados del siglo XV y mediados del XVI, y, en relación al naturalismo y el internacionalismo, representa el coronamiento de lo conseguido en la fase anterior. Otra tendencia evidente del periodo fue desarrollar un gusto por la complejo y máxima sofisticación, la cual es notable y evidente en los grandes retablos con varias escenas yuxtapuestas, que sustituyeron a las portadas de la fachada, como forma de ilustración didáctica de la doctrina en un gran panel narrativo, la propia estructura de los retablos, que enmarcaban las escenas en estructuras arquitectónicas, a menudo recordando una fachada de iglesia. La mayor parte de los retablos poseían paneles desplegables ubicados en los laterales, que se abrían en las grandes solemnidades religiosas, junto a la representación de Cristo, los ángeles y los santos, estaban también las figuras del pueblo y de la jerarquía civil.


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text: Otros claros y notables ejemplos de este estilo son las obras de Aloi de Montbrai, quien realizó el Retablo de los Sastres de la Catedral de Tarragona y Pere Moragues, quien esculpió el sepulcro de Fernández de Luna, pieza que se encuentra en la Catedral de San Salvador de Zaragoza. También cabe destacar el relieve de San Jorge del Palacio de la Generalidad de Cataluña, ejecutado por Pedro Juan. El flamenco Claus Sluter dejó una de sus mejores obras en la cartuja de Champmol, situada cerca de Dijon (Francia), donde además de la portada realizó el pedestal del pozo hexagonal del claustro, conocido como el Pozo de Moisés. En Italia, en Pisa y Siena los escultores Nicola Pisano y su hijo Giovanni Pisano dejaron obras de gran calidad en las que anuncian el paso hacia una nuevo tipo de escultura.


title: Historia de la escultura

text: Hay disparidad de criterios para fijar el inicio de la edad moderna: algunos autores la relacionan con la caída de Constantinopla (1453), y otros la sitúan en el año del descubrimiento de América (1492). Hay más consenso con la fecha de finalización, la que vendría dada por el estallido de la Revolución Francesa (1789). Los historiadores de arte consideran que la escultura renacentista se inició con el concurso convocado el año 1401 para realizar las puertas del Baptisterio de San Juan de la ciudad de Florencia, una prueba en la que se presentaron los escultores Filippo Brunelleschi y Lorenzo Ghiberti. Por eso, deben tomarse todas estas fechas con un criterio más bien pedagógico. La edad moderna transcurre más o menos desde mediados del siglo XV a finales del siglo XVIII.


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text: La nueva forma artística del Renacimiento plantaba raíces en la escultura de la antigüedad clásica, buscando una total exaltación de la belleza. La matemática se convirtió en su principal ayuda, aplicando a todas las artes determinados principios y leyes como, por ejemplo, la perspectiva. Surgieron grandes mecenas como los Médicis de Florencia y los papas de Roma, así como varios cardenales, príncipes y también gremios. En esta época la escultura que se produjo prácticamente quedó liberada del marco arquitectónico, y los personajes mostraban expresiones llenas de dramatismo: transmitían la sensación de una gran "terribilità".


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text: Nicola Pisano alrededor del 1260 esculpió un púlpito para el Baptisterio de Pisa que es considerada la manifestación precursora del Renacimiento en la escultura. En contraste con este acontecimiento, su hijo Giovanni Pisano acarrearía un estilo aún más maduro y dominaría la escena en Florencia durante el primer tercio del siglo, y se volvería uno de los introductores del nuevo género, el de los "cruxifixi dolorosi", de gran dramatismo y que fijarían una larga influencia. Su talento versátil daría origen a otras obras de suma elegancia y austeridad, como el retrato de Enrico Scrovegni. Este etapa también mezcló los elementos góticos, dándole un nuevo sentido a la percepción y el espacio. Contemporáneos como Tino di Camaino continuaron con la misma línea de trabajo, siendo esto característico durante la etapa del Trecento. A mediados del siglo Andrea Pisano se volvería uno de los principales escultores de Italia, autor de los relevos de la puerta sur del Baptisterio de Florencia y siendo nombrado el arquitecto de la Catedral de Orvieto. Fue maestre de Orcagna y Giovanni di Balducci, autor de un complejo monumento funerario en la Capela Portinari de Milán.


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text: A pesar de los avances de los maestres del "Trecento", su trabajo aún seguía reflejando la fricción entre las tendencias antiguas y modernas, así como la clara influencia de los elementos góticos. Para finales del "Trecento", surgió en Florencia la figura de Lorenzo Ghiberti, autor de relevos en el Baptisterio de San Juan, donde los modelos clásicos fueron recuperados por completo. Posteriormente Donatello comenzó los avances en varios frentes. En sus obras principales figuran estatuas de los profetas del Antiguo Testamento. De ellos, quizá "Habacuc" sea la más impresionante, una imagen cuyo porte recuerda la imagen de un romano con su toga, la cual fue extraída directamente de los retrato de la República de Roma. Innovó también la estatuaria ecuestre, creando el monumento a "Gattamelata", la obra más importante en su género desde la hecha a Marco Aurelio; destacando en cada una de sus obras una imagen de austeridad y transfiguración, reintroduciendo las esquemáticas del helenismo.