title: Historia del anime

text: En el plano internacional, en 1907, aparece la primera película de animación, "Humorous Phases of funny face", del productor estadounidense James Stuart Blackton. En 1908, aparece en Francia "Fantasmagorie", del dibujante Emile Cohl y producida por Gaumont. Este tipo de películas de animación llegan a los cines japoneses hacia 1910. Entre 1914 y 1917 se exhibieron unas 93 películas de animación extranjeras, siendo las americanas las de mayor popularidad. Ante tal fenómeno, los productores japoneses comenzaron a plantearse la realización de cine de animación nacional.


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text: La primera manifestación de la animación en el país nipón de la animación, "Katsudō Shashin", está fechada en el año 1907. Se trata de un pequeño fragmento de 4 segundos de duración descubierto en 2005. Sin embargo, fue la compañía Tennenshoku Katsudō Shashin (Tenkatsu) quien produce la primera manifestación significativa, al encargar en 1916 al dibujante de manga Ōten Shimokawa una película del género. En aquella época no existía documentación en Japón sobre las técnicas de animación, por lo que la tarea de Shimokawa no fue fácil. No obstante, consiguió realizar el que se considera el primer filme de animación japonesa, "Imokawa Mukuzō Genkanban no Maki" —literalmente "Mukuzo Imokawa y el guardián de la entrada"—, estrenado en enero de 1917. Por su parte, el pintor de estilo occidental Seitaro Kitayama, interesado por las películas extranjeras de animación que veía, presenta un proyecto de realización propia a la compañía Nippon Katsudo Shashin (Nikkatsu), que esta acepta encargarle. Kitayama tampoco era un experto en la animación, pero a base de pruebas y errores, consiguió terminar "Saru Kani Gassen" —literalmente "La batalla del mono y el cangrejo"—, basada en el cuento popular japonés "Saru Kani Gassen", que fue estrenada en mayo de 1917. Shimokawa y Kitayama comenzaron la realización de sus películas en 1916, coincidiendo con la puesta en marcha del dibujante de manga de corte político Sumikazu Kouchi, que por encargo ahora de la compañía Kobayashi Shokai, estrenaría en junio de 1917 "Hanawa Hekonai, Meitō no maki" —literalmente "Hekonai Hanawa y su nueva espada"—, con un samurái como protagonista.


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text: La historia del cine de animación japonés comienza efectivamente en 1917 gracias a los trabajos de estos tres pioneros, pero no se conserva copia de ninguna de estas películas por lo que se desconocen otros datos. La de Kouchi fue la más elogiada de ellas por las críticas de la época, siendo además la primera en rodarse, aunque se estrenará después de las otras dos.


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text: Shimokawa llegó a realizar cinco películas de animación, pero debido a la sobreexposición y al reflejo luminoso que conllevaba el proceso, sus ojos experimentaban gran cansancio, por lo que decidió abandonar este trabajo y volver a dibujar manga. Kouchi también se apartó del cine de animación tras realizar cuatro películas, pero luego volvería temporalmente a este campo debido a que personalidades de la esfera política le encargaron cortos de propaganda. Por el contrario, Kitayama se dedicó plenamente a la realización de películas de animación. Comenzó empleando como ayudantes a jóvenes aspirantes a pintores, a los que enseñaba las técnicas del dibujo animado. Kitayama, que en 1917 llegó a realizar hasta diez películas, presenta ese mismo año una película basada en el personaje infantil Momotarō, que consigue exportar a Francia, convirtiéndose en el primer producto de animación japonesa que llegó a occidente. Kitayama crea sus propios estudios de cine en 1921 pero el gran terremoto de Kantō de 1923 destruyó sus instalaciones de Tokio, por lo que decide mudarse a Osaka. Allí se aparta de los dibujos animados para dedicarse a rodar documentales informativos para una empresa de noticias local. No obstante, la gran importancia de la labor de Kitayama residirá en haber enseñado las técnicas de la animación a una serie de jóvenes que proseguirán el trabajo que él empezó.


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text: Uno de estos fue Sanae Yamamoto, cuyo nombre original era Zenjiro Yamamoto. Era un aspirante a pintor que acudió a trabajar a los estudios de Kitayama, donde quedó fascinado por el mundo del dibujo animado. Al marcharse su maestro de Tokio, Yamamoto decidió independizarse y formar sus propios estudios de animación. En 1925 realizó "Ubasute yama" —literalmente "La montaña donde se abandona a los viejos"—, que tiene como tema el respeto y cuidado de los ancianos. Consiguió el patrocinio de la Secretaría de Educación para una serie de películas de animación de corte educativo, y entre sus obras más representativas se encuentran "Usagi to Kame" —literalmente "El conejo y la tortuga", 1924— y "Nippon-ichi Momotarō" —literalmente "Momotarō, el número 1 de Japón", 1928—.


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text: También de esta época es "Shiobara Tasuke", dirigida por Hakuzan Kimura. Este trabajaba pintando murales de anuncios para las salas cinematográficas, pero cambió su profesión para dedicarse a los dibujos animados, y pronto destacó por sus historias de samuráis. En 1932 rueda la primera película erótica de la animación japonesa, "Suzumi-Bune" —literalmente "El paseo nocturno en barco"—, que le cuesta ser detenido por la policía y la confiscación de la película. Kimura, individuo del que se desconocen muchas cosas, entre ellas las fechas de nacimiento y muerte, se retiró tras este incidente. Existen rumores de que una copia fue vendida ilegalmente al extranjero, pero en cualquier caso "Suzumi-Bune" se convirtió en una película fantasma, imposible de ver. Al parecer se trataba de un traslado a la pantalla del mundo erótico creado por los artistas del Ukiyo-e del período Edo.


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text: Otro discípulo de los pioneros —en este caso de Sumikazu Kouchi— fue Noburō Ōfuji, que empezó la producción de dibujos animados gracias a la ayuda económica de su hermana mayor, Yae. Su primera película fue "Bagudajo no tozoku" —literalmente "El ladrón del castillo de Baguda", 1926—. Como material de trabajo utilizaba el tradicional papel "chiyo", popular desde el período Edo, pero sus colores no pudieron ser recogidos por la fotografía en blanco y negro de la época. Ōfuji también realizó varias películas de animación con siluetas, como fue el caso de "Kujira" —literalmente "La ballena", 1927—, cuyas imágenes hizo acompañar con la música de la ópera "Guillermo Tell" de Rossini. Ōfuji dedicó mucho tiempo a estudiar la posibilidad del cine sonoro y en color, y gracias a la ayuda de su hermana, consiguió realizar casi todas sus películas prácticamente sólo.


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text: En 1923, año del gran terremoto de Kantō, Yasuji Murata ingresó en la recién formada Yokohama Cinema Shokai, en principio dedicada a la importación de películas extranjeras. Murata comenzó a trabajar allí pintando esporádicamente murales de películas para los cines, pero el presidente de la compañía le contrató como empleado fijo al ver su talento para el dibujo. Murata también escribía los rótulos para las películas extranjeras de la compañía, pero, impresionado por las películas de animación de John Randolph Bray que aquella importaba, propuso a su presidente la producción propia de cintas similares. Autodidacta de la materia, Murata escogió una popular historia infantil para su primera realización, "Saru Kani Gassen". Desde entonces hasta que dejó la compañía en 1937, Murata rodó cerca de 30 películas de dibujos animados, la mayoría de corte educativo..


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text: Normalmente el trabajo de animación era muy laborioso. La empresa Yokohama Cinema Shokai se adelantó a sus competidores al comprar una nueva cámara de motor automático que no requería mover una manivela, lo cual permitía acelerar el trabajo. La primera película rodada con esta cámara fue "Kaeru wa kaeru" —literalmente "Una rana es una rana", 1929—, encargada nuevamente a Yasuji Murata.


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text: Para el cine de animación, el celuloide es un material indispensable, pero en Japón no se fabricaba. El celuloide comenzó a distribuirse con profusión Estados Unidos a finales de 1914 con los trabajos de Earl Hurd, quien además lo patentó. Como producto de importación, el celuloide era muy caro en Japón, por lo que en su lugar se empleaba una especie de cartulina sobre la que se dibujaban los personajes, que luego se recortaban y fotografiaban —animación con recortes—. Murata era un maestro de esta técnica y no tenía nada que envidiar a sus competidores que usaban celuloide. Como título más representativo de animación con recortes destaca su "Tsuki no miya no Oujo-sama" —literalmente "La reina del Castillo de la Luna", 1934—.


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text: El primero en utilizar en Japón el tan preciado celuloide para el cine de animación fue Kenzō Masaoka, nacido en una familia adinerada de Osaka. Tras estudiar dibujo en una escuela de artes, inicialmente entra en el mundo del cine como actor, abandonando poco después en favor de la realización de dibujos animados. Su primera película fue "Nansensu monogatari dai ippen Sarugashima" —literalmente "La absurda historia de la isla de los monos", 1930—, acerca de un muchacho criado por un mono. Masaoka realizó también la primera película de animación sonora, "Chikara to onna no yo no naka" —literalmente "Las mujeres y la fuerza mueven el mundo", 1932—, donde utilizó parcialmente el todavía caro celuloide. Masaoka no escatimó en gastos para aumentar la calidad de sus películas, y así a partir de "Chagama ondo" —literalmente "El ritmo de la tetera", 1934— empleó el celuloide para el total de sus obras. Otro de sus títulos, "Mori no yosei" —literalmente "El hada del bosque", 1935— recibió elogios de sus colegas en el mundo de la animación y fue comparado a los cortos "Silly Symphonies" de Walt Disney.


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text: Mientras que la mayoría de los cineastas contemporáneos se dedicaban a hacer películas de propaganda bélica para el ejército nacional, Masaoka realizó durante la guerra una obra de gran poesía que hará olvidar las penurias de la época y que quedará para la posteridad del género, "Kumo to Chūrippu" —literalmente "El tulipán y la araña", 1944—. De sus cintas de posguerra, la más representativa fue "Suteneko tora-chan" —literalmente "Tora, el gato abandonado", 1947—, sobre una gata que decide criar a un gatito que ha sido abandonado. Masaoka, por haber sido el primero en introducir el celuloide en los dibujos animados y el primero también en realizar una película sonora de esta modalidad, ha sido llamado «el padre de la animación japonesa» y es respetado como tal. Se necesitaba el triple de tiempo en realizar un episodio


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text: En 1933, Mitsuyo Seo es contratado por los estudios de Kenzō Masaoka. Seo era un dibujante que destacó pronto por la gran rapidez con que realizaba su trabajo, que fue decisiva en la anteriormente citada "Chikara to onna no yo no naka". Seo, que aprendió la técnica de sonorización de Masaoka, pronto se independizó. Su primera película fue "Osaru no Sankichi bokusen" —literalmente "Sankichi el mono. Defensa antiaérea", 1933—, que recibió muy buenas críticas.


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text: El 7 de diciembre de 1941 Japón ataca la base estadounidense de Pearl Harbour, comenzando su participación en la II Guerra Mundial. Entonces, la Armada Imperial encargó a Seo una película de propaganda que realzara los éxitos militares del Japón a los más jóvenes. Así, con un equipo de cinco personas, Seo realizó la película de dibujos animados "Momotarō no Umiwashi" —literalmente "Las águilas marinas de Momotarō", 1942—, de 37 minutos de duración, que a pesar de su descarado carácter propagandístico, tuvo gran éxito entre el público infantil. La película la protagoniza el personaje de los cuentos infantiles Momotarō, capitán de un portaaviones, y por perros, monos y perdices que eran los pilotos de aviación. La flota enemiga es dirigida por un personaje de gran parecido con Bluto, antagonista de Popeye, que se dedica a correr de un lado para otro huyendo de los ataques japoneses.


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text: Seo entró a formar parte de la Shochiku Doga Kenkyusho, donde también trabajaba Kenzō Masaoka, y allí vuelve a recibir un encargo de la Armada. En enero de 1942, el Cuerpo de Paracaidistas de la Armada había descendido sobre la isla de Sulawesi —Indonesia—, conquistando la base americana, así que se decidió airear también este primer éxito del cuerpo ante los niños japoneses con otra película de dibujos. De esta manera se gestó la realización de "Momotarō - Umi no Shinpei" —"Momotarō, dios de las olas", 1943—, con un equipo de 70 personas, el mayor hasta entonces en la historia de la animación, y un tiempo total de elaboración de 14 meses. Finalmente se consiguió toda una superproducción de 74 minutos de duración, aunque el equipo se había reducido a 25 personas por haber sido llamado a filas parte del personal masculino y a las fábricas de armamento el femenino. Terminada la guerra, Seo realizó en 1947 "Ōsama no shippo" —literalmente "La cola del rey"—, vagamente inspirada en el famoso cuento de Hans Christian Andersen "El traje nuevo del emperador", pero la película no se llegó a estrenar. Después de esto, Seo dejó el cine y se dedicó a dibujar para las revistas de niños, o a diseñar personajes para adornar la ropa infantil.


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text: En 1933 se estrenó "Ugoku-e Kori no tatehiki" —literalmente "El duelo del zorro y el tejón en dibujos animados"—, que contaba una historia protagonizada por unos tejones que viven en un templo budista. Un zorro que ha adoptado la forma de samurái llega al templo, sucediéndose un duelo de transformaciones entre los tejones y el zorro que termina con la derrota de este último. Entre los gags que aparecen en la película, está el del zorro-samurái disparando una ametralladora. El director fue Ikuo Oishi, quien tras filmar un anuncio en dibujos animados para una fábrica de chocolate, decidió dedicarse a la realización de cine de animación. Su obra más representativa fue "Futatsu no taiyô" —literalmente "Los dos soles", 1929—, pero con el estallido de la guerra se dedicó a realizar películas de instrucción para la Armada. Durante uno de estos trabajos, el barco en el que volvía de rodar unas tomas en el extranjero es hundido por un submarino estadounidense, y Ikuo Oishi falleció.


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text: En 1940 se estrenó una adaptación en dibujos animados de la famosa ópera de Puccini "Madame Butterfly", "Ocho-fujin no genso" —literalmente "Fantasía sobre la Dama Mariposa"—, realizada por el sistema de animación con siluetas y firmada por Kazugoro Arai y su amigo Tobiishi Nakaya. Arai, que al igual que Tobiishi en realidad ejercía como dentista, decidió dedicarse a la animación por sombras tras quedar fuertemente impresionado por la visión de la alemana "Prinzen Achmed" —1926— de Lotte Reiniger. En los ratos libres que les dejaba su profesión, ambos se dedicaron a estudiar el mundo de la animación, llegando a convertirse en profesionales. En 1942 Tobiishi murió como consecuencia de la guerra, pero Arai continuó su trabajo en solitario. De sus obras más representativas destacan Ogon no tsuribari —literalmente "El anzuelo de oro", 1939—, "Jack to Mame no Ki" —literalmente "Jack y la mata de habichuelas", 1941— y "" —literalmente "La princesa resplandeciente", 1942—.


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text: Con la derrota de Japón en agosto de 1945 termina la II Guerra Mundial, constituyéndose en octubre del mismo año la Shin Nihon Dogasha, dedicada a la producción de películas de dibujos animados, con Sanae Yamamoto y Kenzō Masaoka como figuras principales. Centrada en Tokio, llegó a reunir hasta 100 personas para dedicarse al mundo de la animación, pero la falta de trabajo obligó a disolver la recién nacida compañía. En 1947, contando entonces con la colaboración de Yasuji Murata, se formó en su lugar la Nihon Manga Eigasha, donde Masaoka concluyó "Sakura" —literalmente "El cerezo"—, obra que describe las bellezas de Kioto a lo largo de las cuatro estaciones pero que, sin embargo, no llegó a estrenarse. Tras ello, en 1948 Yamamoto y Masaoka decidieron independizarse de Nihon Manga Eigasha para formar la Nihon Doga Company.


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text: En septiembre de 1950, con gran retraso, se estrenó en Japón la película de Disney "Blancanieves y los siete enanitos" —1937—, que según se dice, el director de animación Osamu Tezuka vio unas 50 veces. En 1952 Noburō Ōfuji rueda un "remake" de su película de 1927 "Kujira". A la idea primitiva de animación por sombras, Ōfuji añadió la inspiración de las vidrieras occidentales para utilizar celofán coloreado. En el Festival de Cannes de 1953 compitió en la sección de cortos, pero finalmente el premio se lo llevó "Crin Blanc" —Albert Lamourisse, 1953—, quedando su obra en segundo puesto. Se dice que Pablo Picasso vio entonces este trabajo de Ōfuji, por el que quedó fuertemente impresionado. Poco después, la película de animación por siluetas "Nazo no yurei-sen" —literalmente "El barco fantasma", 1956— consigue un premio especial en Venecia, con lo que el nombre de Ōfuji pasa a ser reconocido en el extranjero.


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text: En enero de 1950, el dibujante Ryūichi Yokoyama, conocido por el manga "Fuku-chan", decidió dedicarse al mundo de la animación tras haber visto el corto de Disney "The Skeleton Dance" —1929—, que se había estrenado en Japón en 1930. Para ello, compró una cámara de 16 mm y convirtió su casa en estudio de cine, que llamó Otogi Productions, comenzando el trabajo en marzo del mismo año con un equipo de seis personas. Su primera película fue el mediometraje "Onbu o-bake" —literalmente "El duende a hombros"—, de la que hizo una proyección en sala privada en diciembre de 1955, con asistencia de varias personalidades de la esfera cultural, entre ellas Yukio Mishima. Su segunda película fue "Fukusuke", que se estrenó en salas comerciales en octubre de 1957. Al año siguiente utilizó el amplio terreno del jardín de su casa para construir unos estudios mayores, aumentando su equipo a 23 personas. Tras ello realizó su tercera película, "Hyotan suzume" —1959—, que cuenta la lucha contra unas ranas malvadas que han roto la paz de una aldea de pacíficas congéneres. A continuación estrenó "Otogi no sekai ryoko" —literalmente "Viaje alrededor del mundo", 1962—, compuesta por cinco partes, la tercera de los cuales, "Tatsumaki ni sukareta akai shatsu" —literalmente "La camisa roja que se llevó el ciclón"—, tiene el interés adicional de remitirse al estilo del ukiyo-e.


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text: Otogi Productions necesitó considerables préstamos de dinero para poder realizar largometrajes, pero no consiguió recuperar la inversión realizada, por lo que terminó en bancarrota en 1972. Yokoyama termina así su labor pero contribuyó a la formación de nuevos técnicos del género. Uno de ellos, Shinichi Suzuki, llegó a realizar por su cuenta un cortometraje de ciencia-ficción titulado "Purasu 50 000 nen" —"50 000 años después", 1961—, que recibió buenas críticas en Francia con motivo de su proyección en el Festival Internacional de Cortometrajes.


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text: En Japón existe un teatro tradicional de muñecos llamado "bunraku", que todavía se representa de vez en cuando. En el cine de animación existe también la variante de películas de marionetas, cuyo exponente más conocido está en la cinematografía checa. Tadahito Mochinaga (1919-1999) fue el primero en producir animación basada en el "bunraku", y enseñó esta técnica para el cine de animación a los realizadores chinos. Mochinaga, discípulo de Mitsuyo Seo, había sido encargado de realizar películas en China durante la guerra, y permaneció allí hasta 1955. Al regresar a Japón formó la Ningyo Eiga Seisakusha, dedicada al cine de marionetas y que ofreció nueve títulos, de los cuales destacan "Uriko-hime to amanojaku" —literalmente "La princesa Uriko y el diablo rabioso", 1956— y "Chibikuro Sambo no tora taiji" —"El negrito Sambo vence al tigre", 1956—. Este último consiguió el premio a la mejor película infantil en el Festival de Cine de Vancouver.


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text: Como discípulos más aventajados de Tadahito Mochinaga en el cine de marionetas destacaron Kihachirō Kawamoto (1924) y Tadanari Okamoto (1932-1990). Kawamoto, tras una etapa trabajando con Mochinaga, viajó a Checoslovaquia en 1963 para conocer a su admirado Jiří Trnka (1912-1969), gracias al cual perfeccionó la técnica de animación de marionetas. De vuelta a Japón realizó con producción propia títulos de esta modalidad como "Hanaori" —literalmente "La flor arrancada", 1968—, "Oni" —literalmente "El demonio", 1972—, "Dōjōji" —literalmente "El templo de Dojo", 1976— y "Kataku" —1979—, en su mayor parte basados en piezas tradicionales del teatro Nō o el Kyōgen.


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text: Kawamoto consiguió varios premios en festivales internacionales, por lo que dio su nombre a conocer en el extranjero. Tadanari Okamoto, que aprendió también la técnica de Mochinaga, se independizó para formar la Eko sha, dedicada al público infantil. Sus trabajos más representativos fueron "Fushigi na Kusuri" —literalmente "Un medicamento extraño", 1965—, "Home my home" —1970—, "Chiko tan" —1971— y "Okon joruri" —1982—.


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text: En agosto de 1948 nació la mayor productora de cine de animación de Japón, Toei. Hiroshi Okawa, presidente de la productora, se fijó en sus viajes al extranjero en el cine de dibujos animados estadounidense, y decidió poner los medios necesarios para el crecimiento en calidad del género en Japón hasta hacerlo exportable y competitivo. Hasta entonces, los productores japoneses de cine de animación contaban con instalaciones muy pobres y equipos reducidos, por lo que no era posible realizar largometrajes tan notables como los occidentales, ni alcanzarles tampoco en longitud o volumen. Okawa, tras estudiar la situación del género en Japón, decidió comprar la compañía Nichido Eiga de Sanae Yamamoto, pasando éste y sus 23 empleados a formar parte de Toei, que crea la subdivisión Toei Doga.


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text: Okawa, al son de su lema favorito, «tenemos que convertirnos en la Disney de Oriente», construyó unos estudios de tres plantas con todas las facilidades modernas, y puso al frente de estos a Yamamoto como máximo responsable. Su primer y espectacular trabajo fue "Hakujaden" —"La leyenda de la serpiente blanca", 1958—, superproducción de 78 minutos en la que trabajaron 109 personas y que se convirtió en el primer largometraje en color del cine de animación japonés.


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text: Gracias al éxito de esta primera producción, Okawa se marcó el objetivo de estrenar un largometraje de animación por año. Uno de los que recibió mayor aceptación de crítica y público fue "Wanpaku Ōji no Orochi Taiji" —literalmente "El valeroso príncipe derrota a la serpiente gigante", 1963—, dirigida por Yugo Serikawa (1931-2000), que procedía del cine de imagen real, donde era ayudante de dirección de Nobuo Nakagawa y Kyōtarō Namiki en Shintoho. Entre los ayudantes de Serikawa en esta película estaba el aún desconocido Isao Takahata, así como Yasuo Ōtsuka (1931), que era un funcionario dedicado a la lucha anti-drogas que dejó su trabajo para dedicarse a la animación.


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text: Takahata realizó otra de las obras maestras del cine de animación de Toei Doga, "" —literalmente "Las aventuras de Horus, Príncipe del Sol", estrenada en España como "La princesa encantada", 1968—, basada en una mezcla de la saga Yukara con leyendas escandinavas y que contaba la lucha del valeroso príncipe Horus contra el país de los hielos y la nieve, dominado por un ser malvado y su hermana menor Hilda, obligada a su pesar a obedecerle. Hilda, que posee una hermosa voz, es incapaz de resistirse a las órdenes de su hermano e intentará destruir la aldea donde vive Horus. Este tipo de tormento psicológico por la lucha entre el bien y el mal de un personaje, además femenino, no se había visto nunca en el cine de animación, por lo que fue muy comentado. El responsable principal de este retrato psicológico fue Yasuji Mori (1925-1992), mientras que el joven desconocido que se encargó del diseño de los paisajes de la aldea fue Hayao Miyazaki (1941), que ganó prestigio entre la profesión gracias a ello. "La princesa encantada" tenía como tema central la necesidad de unirse para hacer frente a las dificultades, una actitud que irónicamente rodeó su filmación, pues mientras el equipo mostraba ganas de trabajar frente la productora no paraba de poner pegas ante la continua escalada del presupuesto y la prolongación del trabajo. De hecho, estuvo a punto de paralizarse la producción de la película, pero gracias a la insistencia con que Takahata y su equipo defendieron su causa ante sus jefes, pudo terminarse. A pesar de las buenas críticas que cosechó, la película, que había costado una fortuna, sufrió un duro fracaso comercial, del que Takahata fue obligado a hacerse responsable con una bajada de categoría y sueldo más que notable. Ante ello, Takahata y Miyazaki deciden abandonar Toei poco después y buscar la forma de continuar realizando libremente películas de dibujos animados. Otros títulos representativos de Toei Doga fueron "Wan wan chushingura" —literalmente "Rock el valiente", 1963, Daisaku Shirakawa—, "Nagagutsu o haita neko" —"El Gato con Botas", 1969, Kimio Yabuki—, Dōbutsu takarajima —"La isla del tesoro", 1971, Hiroshi Ikeda y Yasuji Mori— y "Tatsu no ko Tarô" —"Taro, el hijo del dragón", 1979, Kirio Urayama—.


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text: Toei Doga, que en 1998 cambió su nombre por el de Toei Animation, se adelantó a sus competidores al empezar en 1993 la digitalización del proceso de animación, que sustituyó a los largos procesos tradicionales y que hoy día es empleada en la casi totalidad del género producido en Japón. Por ello, a Okawa le corresponde no sólo el mérito de haber apostado por la animación japonesa consiguiendo llevarla hasta un nivel que permitiese su exportación a todo el mundo, sino también el de haber producido su digitalización, creando con ambas decisiones las bases para su crecimiento y difusión.


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text: Osamu Tezuka (1928-1989) fue también una figura clave. Era un estudiante de medicina que se vio obligado a trabajar en las fábricas durante la guerra. En abril de 1945, un día que descansaba de la fábrica, vio la película de Mitsuyo Seo "Momotarō, mi no shinpei" —"Momotarō, dios de las olas", 1943— que, según lo que anotó en su diario, le dejó impresionado hasta el punto de prometerse realizar algún día su propia película de dibujos. Con objeto de concretar este sueño, en 1961 formaría su propia compañía, Mushi Production.


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text: Su primera obra, de carácter experimental, es "Aru machikado no monogatari" —literalmente "Historia de un rincón de la calle", 1962—. Con un trasfondo antimilitarista, los protagonistas son las paredes de una ciudad, testigos de una apasionada historia de amor entre el póster de un violinista y el póster de una pianista, romance que será interrumpido continuamente por los pósteres de un dictador. Con una duración de 39 minutos y un tono poético, Tezuka coordinó el montaje y la dirección, contando en este último apartado con la ayuda de Eiichi Yamamoto (1936), procedente de Otogi Productions, y Yusaku Sakamoto, que venía de Toei Doga.


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text: La siguiente realización de Mushi Production fue una serie para la pequeña pantalla. La televisión comenzó sus emisiones en Japón en 1953, y las primeras muestras de animación que se televisaron procedían de Estados Unidos, con gran popularidad entre el público infantil. Toei Doga también se planteó la posibilidad de crear series de dibujos para la televisión, pero una entrega por semana suponía un trabajo demasiado pesado para ser rentable, por lo que abandonó la idea. En cambio, Tezuka, al frente de Mushi Production, decidió afrontar el reto que ello suponía, naciendo así la primera serie de la animación japonesa, con entregas semanales de 30 minutos.


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text: El tema elegido fue el personaje de manga que el propio Tezuka había creado para aparecer periódicamente en una revista shōnen, el robot Tetsuwan Atomu, conocido en occidente como Astroboy. El laborioso trabajo que suponía hacer cuatro entregas mensuales se llevó a cabo por el sistema de animación limitada, que empleaba la menor cantidad posible de celuloide. En enero de 1963 se empieza a emitir la serie, que se ganó enseguida la aceptación infantil, llegando hasta un tercio de la audiencia. Tras ello, Toei Doga decide aprovechar el fenómeno y en noviembre del mismo año produce "Ōkami shōnen Ken" —literalmente "Ken, el niño lobo", Sadao Tsukioka—, según una historia original que en cierto modo se acercaba a la de "El libro de la selva" de Rudyard Kipling.


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text: Otra de las obras más conocidas de Tezuka es "Janguru Taitei" —literalmente "El imperio de la jungla", 1966—, y la primera del medio que utiliza el color. Sin embargo, en aquella época la televisión en color era un lujo que pocos podían permitirse, por lo que la mayor parte de los niños tuvo que verla en blanco y negro.


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text: Estas obras de Mushi Production para televisión consiguieron exportarse a Estados Unidos, donde Tetsuwan Atomu fue rebautizada como Astroboy y "Janguru Taitei" como "Kimba, El León Blanco", nombres con que más tarde saltarían a Europa.


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text: En Mushi Production, Tezuka y Yamamoto trabajan en la trilogía llamada "Animerama", tres películas experimentales consideradas precursoras de la animación para adultos: "Senya Ichiya Monogatari" (también conocida como "Las mil y una noches")(1969), Kureopatora (también conocida como "Cleopatra") (1970) y Kanashimi no Belladonna (también conocida como "La tristeza de Belladonna") (1973). Con un gran componente de erotismo, violencia y psicodelia, fueron despreciadas en su época con el tiempo han llegado a ser consideradas de obras de culto.


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text: Gracias al éxito de las series de televisión de Mushi Production y Toei Doga, surgió la competencia por parte de otras productoras. Cualquier género era susceptible de ser usado: deportes, fantasía, aventuras, series para chicos y para chicas... Al igual que "Astroboy", muchas de estas series se emitieron en el extranjero. En la década de los 60 comenzó el tema de los robots gigantes con el anime en blanco y negro "Tetsujin 28-gō" —exportada como "Gigantor"—, de la productora Tele-Cartoon Japan —Eiken en la actualidad—, basado en el manga homónimo de Mitsuteru Yokoyama. Sin embargo, no fue hasta principios de los años 70 cuando comenzó el auge de las series de robots gigantes con a "Mazinger Z", basada en los personajes creados por Gō Nagai, a la que seguirían varias imitaciones. Parte de estas series se exportaron, pero algunas de ellas resultaron problemáticas en países como Francia o Filipinas.


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text: También hubo series de carácter educativo basadas en la literatura occidental, algunas mundialmente famosas como "Heidi" (1974), "El perro de Flandes" (1975) o "Marco, de los Apeninos a los Andes" (1976). De éstas, Heidi fue dirigida principalmente por Isao Takahata, mientras que el diseño y paisajes de las escenas corrió a cargo de Hayao Miyazaki. Incluso viajaron a Suiza para buscar paisajes reales que luego pudieran utilizar. La serie se emitió en Italia en 1976, pero muchos pensaron que se trataba de una serie italiana y no japonesa.


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text: Fue gracias a la serie "Uchū Senkan Yamato" —exportada como "Space Battleship Yamato" o "Star Blazers", 1974— la animación japonesa llegó a ser reconocida. En su primera retransmisión no consiguió una repercusión destacada, pero sí en su segundo pase, y a partir de que se efectuase un remontaje para su exhibición en salas cinematográficas, que provocó que los jóvenes hicieran cola ante los cines desde la noche anterior al estreno, fue recogido por todos los periódicos del momento como fenómeno sociológico. El creador de los personajes de esta serie fue Leiji Matsumoto, y gracias al éxito de "Uchū Senkan Yamato", otras de sus obras fueron adaptadas a la pantalla. De éstas, la más popular fue "Galaxy Express 999", cuyas adaptaciones para el cine, realizadas por Rintaro, comenzaron a estrenarse en 1979.


title: Historia del anime

text: En 1979 se emitió la serie de robots gigantes "Mobile Suit Gundam" de Yoshiyuki Tomino (1941), pero no consiguió gran audiencia. No obstante, la alcanzó en su segunda emisión, llegando también a montarse ediciones especiales para su estreno en salas de cines (7 películas entre el año 1981 y el 2002). De la saga "Gundam" se emitieron hasta seis series distintas. Se vendieron perfectamente todo tipo de juguetes y reproducciones de robots inspirados en "Gundam".


title: Historia del anime

text: El formato OVA "(Original Video Animation)" tuvo su punto álgido a comienzos de la década de los 80. Se trata de producciones lanzadas directamente al ámbito doméstico, sin haber sido emitida previamente por televisión o estrenada en cines. La mayor calidad de estas producciones, junto con la situación económica de Japón, hizo que este formato compitiera con las series televisivas que los seguidores del género se daban el lujo de comprar.


title: Historia del anime

text: El primer OVA fue el de "Dallos" realizado en diciembre de 1983. Era un anime de ciencia ficción que fue fruto del pionero esfuerzo del estudio Pierrot, que se aventuró en este nuevo y desconocido mercado.


title: Historia del anime

text: Este formato sería muy importante en las décadas de 1980, 1990 y 2000, para la difusión de obras distintas a las emitidas en televisión y cine, entre estas podemos mencionar la primera versión Patlabor, Top wo nerae! Gunbuster, Otaku no Video, Bubblegum Crisis, Legend of the Galactic Heroes, FLCL, Tenchi Muyō! y la primera versión animada de JoJo's Bizarre Adventure, además de episodios especiales de las series televisivas más populares.


title: Historia del anime

text: Las décadas de los 80 y 90 trajeron coincidencias con la irrupción a gran escala del anime en occidente, entre cuyos principales exponentes estuvieron series como "Doraemon", basada en el manga de Fujiko F Fujio; Shin Chan; "Hokuto no Ken", basada en el manga homónimo de Buronson y Tetsuo Hara; "Dragon Ball", basada en el manga homónimo de Akira Toriyama; "Saint Seiya", exportada como "Los Caballeros del Zodiaco";' "Capitán Tsubasa", conocida en el mundo hispano como "Oliver y Benji" o "Supercampeones"; "Rurouni Kenshin", que fue titulada "El guerrero samurái" o "Samurái X"; "Slayers", más conocida en el mundo hispano como "Rina y Gaudi" o "Justicieros"; "Neon Genesis Evangelion", del director Hideaki Anno; "Marmalade Boy" o "Kimagure Orange Road" o Ranma 1/2 basado en el manga homónimo de Rumiko Takahashi. También hay animes de monstruos como "Pokémon"; "Digimon" y "Yu-Gi-Oh".


title: Historia del anime

text: Estas permitieron el redescubrimiento del anime en occidente y que en muchos países se abriera el camino a la creación de culturas "otakus" propias. Además, permitió la masificación de las chicas mágicas que protagonizaban animes como "Sailor Moon", Sakura Card Captor y "Magic Knight Rayearth".


title: Historia del anime

text: Con el estreno en 1995 de "Neon Genesis Evangelion", obra que mezcla el mecha, subgénero de la ciencia ficción con una trama psicológica, provocó un salto hacia series televisivas orientadas a un público más adulto, con personajes y tramas complejas, testigo tomado por obras como "Cowboy Bebop", "Trigun" o "Serial Experiments Lain".


title: Historia del anime

text: Adicionalmente, unido a todo esto el éxito de películas como Akira de Katsuhiro Otomo, Ghost in the Shell de Mamoru Oshii, Ninja Scroll de Yoshiaki Kawajiri, Perfect Blue de Satoshi Kon, y a las películas de Studio Ghibli como Mi vecino Totoro y La princesa Mononoke de Hayao Miyazaki, La tumba de las luciérnagas de Isao Takahata y Susurros del corazón de Yoshifumi Kondo, abriendo el cine de anime a occidente en las décadas siguientes consiguiendo el Premio Oscar por El viaje de Chihiro del mencionado Hayao Miyazaki.


title: Historia del anime

text: Una parte considerable de los mangas de éxito en Japón acaban en la actualidad con su versión en dibujos animados, ejemplos claros de los cuales son series como "Rozen Maiden", "One Piece", "Naruto", "Bleach", "Inuyasha" o "Fullmetal Alchemist", entre muchas otras. Empiezan a ser menos frecuentes las series de anime originales, las que no están basadas en mangas, además de darse mucho menos el caso de mangas creados a partir de series de animación.


title: Historia del anime

text: Cada vez más frecuente también es el caso de animes basado en videojuegos, a mediados de la década de los 90 con series como Pokémon o Digimon, el primero basado en un videojuego de rol y el segundo en una mascota virtual. Entrando en el , nacen series como CLANNAD, School Days, Fate/stay night, Steins;Gate , Kanon o AIR, siendo el más comúnmente adaptado un género de videojuegos llamado novelas visuales que guardan ciertas semejanzas de estilo con el manga y el anime.


title: Historia del anime

text: Otra fuente de donde el anime a tomado adaptaciones es el caso de las Novelas ligeras, un género literario típico japonés, redactado con gramática simple que guarda similitudes con las novelas pulp de occidente, ha servido para material para realizar animes, como en el caso por ejemplo Sword Art Online, Hibike! Euphonium o Violet Evergarden.


title: Historia del anime

text: El anime de recuentos de la vida ( también conocido por su nombre en inglés "Slide of life"), que son las que se centran en situaciones de la vida cotidiana proliferan en las primeras décadas del siglos XXI con animes como ejemplo: Shirobako, Bakuman, Barakamon, Usagi Drop, Sora Yorimo Tōi Basho, Yuru Camp△ y K-On!. Además de los ya comunes animes de temática escolar como subgénero que suele ser también acompañado del género de romance como Toradora!, CLANNAD, Karakai Jōzu no Takagi-san, , entre otros. Dentro del anime de recuentos de la vida mucho recurren a la estética moe como recurso de estilo como por ejemplo K-On!, Tamako Market, YuruYuri, Kobayashi-san Chi no Maid Dragon y Hitori Bocchi no Marumaru Seikatsu, etcétera.


title: Historia del anime

text: También se vuelven comunes los animes de tipo musical, donde muestran historias centradas en intérpretes o conjuntos de música, como la ya mencionada K-On!, Hibike! Euphonium, Shigatsu wa Kimi no Uso, Piano no mori, Nodame Cantabile, Nana, Beck, Carole & Tuesday, Show by Rock!!, además de una serie de animes centrados en conjuntos de idols como por ejemplo Love Live!, The Idolmaster, Zombie Land Saga, Wake Up, Girls!, Oshi ga Budōkan Ittekuretara Shinu. Temática que se ha expandido a otras artes como el caso de la gastronomía (Shokugeki no Sōma), pintura (Arte), historietas o mangas (Bakuman), animación (Shirobako) y también hacía tradiciones japonesas como la interpretación del koto (Kono Oto Tomare!), el arte del rakugo (Shōwa Genroku Rakugo Shinjū), el arte caligráfico japonés (Barakamon), el juego del shogi (Sangatsu no Lion) o el arte del Kyūdō (Tsurune:Kazemai Kōkō Kyūdō-bu).


title: Historia del anime

text: En contraposición al realismo cotidiano de los animes de recuentos de la vida, también se vuelve común el género conocido como "isekai", donde un protagonista es una personal normal es trasladada un mundo fantástico como es el caso de Sword Art Online, , KonoSuba, Overlord o No Game No Life.


title: Historia del anime

text: También se vive un regreso del género del mecha con animes como Full Metal Panic!, Eureka Seven, Gurren Lagann, Code Geass o Darling in the Franxx, además de otros animes relacionados con la ciencia ficción como Psycho-Pass, Steins;Gate, Parasyte o .


title: Historia del anime

text: Mientras alcanzan gran popularidad de fantasía oscura como el anime como ejemplo Death Note, Shingeki no Kyojin, Tokyo Ghoul o Kimetsu no Yaiba.


title: Historia del anime

text: El género nekketsu con los denominados "tres grandes": Naruto, One Piece y Bleach, logran gran popularidad internacional, esto adicionado al regreso de Dragon Ball con la saga Dragon Ball Super y a la adaptación al anime del clásico manga JoJo's Bizarre Adventure, testigo tomado por series de anime como Black Clover, Jujutsu Kaisen, My Hero Academia y parodiado en otras como Gintama o One Punch-Man.


title: Historia del anime

text: Gracias al terreno preparado en occidente por las series de las décadas anteriores ha permitido que gran parte del anime creado sea traducido y distribuido en los mercados de todo el mundo. En los últimos años surge además en occidente, de la mano de las culturas "otaku" de la década de los noventa, gran cantidad de grupos y "fansub" que traducen y distribuyen en Internet series de dibujos animados y mangas. Esto es, a su vez, causa y consecuencia de la creciente distribución del anime fuera de Japón, puesto que muchas series ya cuentan con renombre antes de ser licenciadas y traducidas, lo cual permite su más fácil exportación, gracias también a las plataformas de streaming por internet como Crunchyroll, Funimation, Netflix o Amazon Prime Video, esto ha logrado una mayor difusión del anime.


title: Historia del anime

text: En estos años surgen nuevos estudios y otros nacen a partir la salida de parte de los miembros de otros existentes, como por ejemplo desde el estudio Gainax surgen los estudios Khara, Trigger y Gaina, desde el estudio Madhouse surge MAPPA, desde A-1 Pictures surge CloverWorks y desde el Studio Ghibli surge Studio Ponoc, entre otros.


title: Historia del anime

text: El 19 de julio de 2019 se produce la mayor tragedia de la historia del anime, un atentado incendiario contra el estudio de Kyoto Animation, produciendo 36 muertos y 34 heridos. Estudio de animación ubicado en Uji en la Prefectura de Kioto, considerado el más importante ubicado fuera de Tokio, alabado por la calidad de su animación y por el trabajo de sus directores Naoko Yamada, Tatsuya Ishihara, Taichi Ishidate y Yasuhiro Takemoto, este último una de las víctimas del incendio.


title: Historia del anime

text: Además de las series, en el mundo del cine, las dos primeras décadas del fueron un período muy prolífico para las películas de anime, continuando con el éxito internacional del Studio Ghibli iniciado en 1997 con la Princesa Mononoke y continuado por el El viaje de Chihiro (2001) ambas del director Hayao Miyazaki; además de las películas de Studio Ghibli, destacando las películas de directores como Satoshi Kon, Mamoru Hosoda,Masaaki Yuasa, Makoto Shinkai, Naoko Yamada, Sunao Katabuchi, Keiichi Hara, Mari Okada, Goro Miyazaki, Hiroyuki Imaishi, Kitarō Kōsaka, Michael Arias, entre otros.


title: Historia del anime

text: Las películas de anime han logrado premios y reconocimientos dentro y fuera de Japón, siendo El viaje de Chihiro de Hayao Miyazaki, ganadora del y el cortometraje La maison en petits cubes de Kunio Katō, ganador en la categoría , además de otros reconocimientos recibidos a nivel mundial. Dentro de Japón la Academia Japonesa de Cine comenzó en 2006 a premiar a , siendo el director Mamoru Hosoda el más premiado recibiendo cinco de estos premios.


title: Historia del anime

text: Las películas de anime han tenido también éxitos en recaudación, con películas como por ejemplo la mencionada El viaje de Chihiro, Kimi no Na wa. de Makoto Shinkai, Koe no Katachi de Naoko Yamada y de Haruo Sotozaki, tanto dentro como fuera de Japón.


title: Historia del anime

text: En esta época el cine de Hollywood hace varias referencias y homenajes al anime, como por ejemplo Pacific Rim de Guillermo del Toro inspirado en el anime de mechas, Black Swan de Darren Aronofsky e Inception de Christopher Nolan inspiradas en las películas de Satoshi Kon, además de versiones live action de Ghost in the Shell y .


title: Historia del anime

text: Mientras, Isao Takahata y Hayao Miyazaki, tras abandonar Toei Doga se hallaban trabajando en series de televisión, pero este último sentía grandes deseos de volver al cine de dibujos para la pantalla grande. Miyazaki consiguió firmar como director su primera película gracias al encargo recibido de adaptar para el cine el popular personaje televisivo de "Lupin III", en "El castillo de Cagliostro" (1979). Gracias al ritmo rápido que le insufló Miyazaki y a unos gags basados sobre todo en la acción, resultó una obra altamente reconocida.


title: Historia del anime

text: Miyazaki publicaba desde 1982 en la revista especializada "Animage" el manga "Nausicaä del Valle del Viento", que gozaba de gran prestigio. Así, en 1984 se presenta la producción "Nausicaä del Valle del Viento", que el propio Miyazaki dirigió y guionizó, mientras que Takahata la produjo. Miyazaki retrata una Tierra devastada por la guerra, donde la humanidad está en peligro de extinguirse. A pesar de tratar un tema tan poco comercial como el de la relación entre los seres humanos y la naturaleza, el público mostró una gran respuesta.


title: Historia del anime

text: Gracias al éxito de esta película, Takahata y Miyazaki convencen al magnate del mundo editorial Yasuyoshi Tokuma para que colabore en la formación de sus propios estudios de cine de animación, Studio Ghibli, que fueron inaugurados en 1985. Dentro de estos, Miyazaki dirigió títulos como "El castillo en el cielo" (1986), vagamente inspirada en "Los viajes de Gulliver" de Jonathan Swift; "Mi vecino Totoro" (1988), con una extraña criatura de los bosques a la que sólo pueden ver los niños de corazón limpio; "Majo no takkyūbin" (1989), sobre las penalidades de una joven bruja; o "Porco Rosso" (1992).


title: Historia del anime

text: Por su parte, Takahata dirigió "La tumba de las luciérnagas" (1988), basada en un argumento de Akiyuki Nosaka, que relata la historia de dos hermanos a los que los bombardeos americanos durante la guerra han dejado huérfanos. Tras ésta realizó "Pompoko" —"Heisei Tanuki Gassen Ponpoko", 1994—, donde los tanuki protagonistas ven amenazada su morada por el desarrollo urbanístico y deciden pasar a la defensa empleando sus habilidades para transformar su apariencia.


title: Historia del anime

text: Todas estas producciones tuvieron gran éxito comercial y repercusión también en el extranjero, donde empezó a cobrar fama el nombre del Studio Ghibli. Desde entonces, el estudio ha cosechado grandes éxitos, entre los que se encuentra el en el 2002 por "El viaje de Chihiro", así como las nominaciones a la misma categoría de "Howl no Ugoku Shiro" y "Kaze Tachinu".


title: Historia del anime

text: En Japón es muy reconocido el anime de Mamoru Oshii (1951). Tras trabajar un tiempo para la televisión, Oshii llamó pronto la atención por su serie "Urusei Yatsura", así como por la muy posterior "Patlabor". Sin embargo, el nombre de Oshii llegará a las audiencias occidentales gracias a "Ghost in the Shell" (1995). En la edición de Cannes de abril de 2004 presentó "" (2004), que viene a ser una continuación de la anterior.


title: Historia del anime

text: Katsuhiro Ōtomo (1954) alcanzó fama internacional gracias a "Akira" (1988), basado en un manga homónimo de creación propia, tras el cual viene la película "Memories" (1995), codirigida con Kōji Morimoto y Tensai Okamura. Más tarde vuelve a llamar la atención por su "Steamboy" (2004), una historia del "steampunk" más tradicional con un presupuesto enorme.


title: Historia del anime

text: Con el estreno de "La princesa Mononoke" (1997) vuelve a resonar el nombre de Studio Ghibli. Con esta historia ambientada en la era Muromachi —siglos XIV al XVI—, se vuelve al tema de la naturaleza amenazada por los seres humanos. Sobrepasando todas las expectativas, la recaudación rebasa los diez mil millones de yenes, superando incluso a la norteamericana "E.T., el extraterrestre". Miyazaki, que había declarado a los medios de comunicación que ésta sería su última película, se retractará poco tiempo después de dicha afirmación.


title: Historia del anime

text: Miyazaki volverá a la dirección en 2001 con "El viaje de Chihiro", historia de una chica caprichosa que, para salvar a sus padres atrapado por un bruja, arriesga su vida internándose en una gigantesca casa de baños poblada por seres sobrenaturales, aprendiendo a valerse por sí misma. Volvió a renovar el listón de taquilla, con unos ingresos de treinta mil millones de yenes, por encima de los veintiséis mil de "Titanic". En la edición de febrero de 2002 del Festival Internacional de Cine de Berlín consigue el Oso de oro y en marzo de 2003 el Oscar a la mejor película de animación, hechos ampliamente recogidos por la prensa japonesa.


title: Historia del anime

text: Miyazaki regresó más tarde con "Howl no Ugoku Shiro" —traducida como "El castillo ambulante", "El increíble castillo vagabundo" y "El Castillo Andante", 2004—. En septiembre de 2005 Miyazaki recibe el León de Oro a su carrera. En cambio Takahata, su compañero, después del fracaso comercial de "Mis vecinos los Yamadas", (1999) y después de varios años alejado, volvió a dirigir y en el año 2013 estrenó la que sería su última película El cuento de la princesa Kaguya, en el año 2018, Isao Takahata fallece.


title: Tirana

text: Tirana (en albanés "Tiranë") es la capital y mayor ciudad de Albania. Está ubicada en el centro occidental del país rodeado de colinas con la montaña Dajti en el este y un valle ligero que se abre en el noroeste con vistas al mar Adriático en la distancia. Es el centro de la actividad cultural, económica y gubernamental del país. Con una población aproximada de 800 000 habitantes, es una de las ciudades más grandes de la península balcánica.


title: Tirana

text: Tirana es una ciudad con una rica historia que data del Paleolítico tiempo atrás desde los 10 000 a los 30 000 años a la actualidad. El asentamiento más antiguo situado en la zona de la ciudad es la Cueva de Pellumbas, en el pueblo actual de Pellumbas. Uno de los monumentos antiguos, el Mosaico de Tirana se cree que ha sido parte de una antigua casa romana del . Más tarde, en los siglos y , una basílica paleocristiana fue construida alrededor de este sitio. Tirana fue fundada como ciudad en 1614 por Sulejman Pasha, aunque la zona ha sido continuamente habitada desde la antigüedad. Un centro casi sin importancia hasta principios del , el Congreso de Lushnjë proclamó Tirana como la capital de Albania, que había adquirido la independencia en 1912.


title: Tirana

text: Como capital nacional, Tirana se considera el centro económico y cultural del país, debido a su importante ubicación e importancia en las finanzas, el comercio, los medios, el entretenimiento, las artes, el comercio internacional, la educación, el servicio, la investigación y la atención sanitaria. Todas las empresas, medios e instituciones científicas más grandes del país tienen su sede en la ciudad. Es la sede del poder del Gobierno de Albania, las residencias para el trabajo del presidente y el primer ministro de Albania.


title: Tirana

text: El área ocupada actualmente por la ciudad de Tirana ha estado poblado desde el periodo neolítico. Se han encontrado algunas herramientas fechadas hace 30.000 o 10 000 años en una cantera cerca del monte Dajt, así como en una cueva en el Pellumba. Se puede decir que el distrito de Tirana es una de las primeras regiones habitadas de Albania. Varias ruinas descubiertas en fortalezas, iglesias, aldeas y durante construcciones en el área urbana y alrededor de Tirana muestran evidencias de una continua actividad a lo largo de las diferentes fases del desarrollo humano.


title: Tirana

text: El descubrimiento más antiguo del área de Tirana es un mosaico y otros restos de edificios de la antigüedad tardía encontrados en Kroi i Shengjinit (Fuente de Shengjin), cerca de un templo medieval. Un castillo, posiblemente llamado "Tirkan", fue construido por el emperador Justiniano I en el año 520 y restaurado por Ahmed Pasha Toptani en el . El área no tuvo especial relevancia en Iliria ni en la antigüedad clásica. Hubo asentamientos medievales en el área, en Preza, Ndroq, Lalmi y el castillo de Petrela o Petrelë. En 1418, Marin Barleti, un sacerdote católico albanés y erudito, el primero en escribir una historia de Albania, se refiere en un documento veneciano a “Plenum Tyrenae,” una pequeña aldea. Hay también referencias a “Tirana e Madhe” y a “Tirana e Vogël” (Tirana Mayor y Menor).


title: Tirana

text: Los expedientes de los primeros catastros bajo el Imperio otomano muestran que en 1431-1432 Tirana contaba con 60 áreas habitadas, con casi 1000 casas y 7300 habitantes. El catastro de 1583 registra que Tirana tenía 110 áreas habitadas, con 2900 casas y 20 000 habitantes.


title: Tirana

text: Süleiman Pasha Mulleti (o "Sulejman Pasha Bargjini"), un gobernante local, fundó la ciudad otomana en 1614 con una mezquita, un centro comercial y un hammam (sauna turca). La ciudad se situaba en un cruce de rutas de caravanas y creció rápidamente en importancia hasta comienzos del . Durante este período, la mezquita del centro de Tirana, la mezquita de Et'hem Bey, diseñada por Molla Bey de Petrela, empezó a construirse. Empleó a los mejores artesanos del país y fue terminada en 1821 por el hijo de Molla, que era también sobrino-nieto de Sulejman Pasha. En 1800 los primeros nuevos colonos que se establecieron en la ciudad, se llamaron a sí mismos "ortodoksit". Eran Valacos (Vlachs) de las aldeas de Korçë y Pogradec, que se establecieron en los alrededores del actual Lago Artificial de Tirana. Después empezaron a ser conocidos como "llacifac" y fueron los primeros cristianos que llegaron a la ciudad tras su fundación. En 1807 Tirana se convirtió en la capital de una Sub-Prefectura del recién creado Vilayato de Shkodër y Sanjak de Durrës. Desde 1816 Tirana languideció bajo el control de la familia Toptani de Kruja. El mandato de Esat Toptani fue tan negativo para la ciudad que apenas si hubo desarrollo industrial hasta el . Empezó a enseñarse la lengua albanesa en las escuelas de Tirana en 1889. En 1908 se fundó el club patriótico "Bashkimi" y el 26 de noviembre de 1912 se izó la bandera nacional con el acuerdo de Ismail Qemali. Durante las Guerras Balcánicas, la ciudad fue ocupada temporalmente por las fuerzas serbias, y en 1914-15 tomó parte en la sublevación de las aldeas dirigida por Haxhi Qamili.


title: Tirana

text: El centro de Tirana fue proyectado por Florestano de Fausto y Armando Brasini, arquitectos bien conocidos del período de Mussolini en Italia. El palacio real (Palacio de las Brigadas), el Ayuntamiento, los edificios del ministerio del gobierno y el Banco Nacional son obras suyas. El bulevar Dëshmoret e Kombit (Mártires nacionales) fue construido en 1930 con el nombre de “Bulevar Zogu I.” En el período comunista, la parte de la plaza de Skanderbeg hasta la estación de tren se llamó Bulevar de Stalin. Tirana fue ocupada por las fuerzas fascistas. En 1941 Enver Hoxha junto a otros comunistas albaneses fundó el Partido Comunista de Albania. La ciudad se convirtió en el centro de los comunistas albaneses que movilizaron a la gente de Tirana en la lucha contra los fascistas italianos primero y los nazis alemanes después, al mismo tiempo que extendían su propaganda. La ciudad fue liberada después de duros combates entre los comunistas y la gente de Tirana contra las fuerzas alemanas el 17 de noviembre de 1944. Los nazis se retiraron y los comunistas alcanzaron el poder.


title: Tirana

text: Tras la llegada al poder de los comunistas la ciudad experimentó un período de significativo desarrollo en muchos aspectos. En el terreno urbanístico, vio la creación de bloques de pisos al estilo socialista y fábricas. En los años 1960, la identidad histórica de la ciudad se enfrentó a un momento crítico cuando la plaza central fue remodelada. Como resultado, un buen número de edificios de importancia cultural e histórica fueron demolidos para dejar espacio a la actual Plaza Skanderbeg. En el lugar donde hoy se encuentra el "Hotel Tirana Internacional" se encontraba la Catedral de la Iglesia Ortodoxa Autónoma, la mayor de la ciudad. Cerca de los terrenos de la actual ópera en el Palacio de la Cultura se encontraba el Bazar Viejo ("Pazari i Vjetër"). El Museo de Historia Nacional se construyó en los terrenos del antiguo edificio del Ayuntamiento de Tirana, que fue demolido en los 60. El primer edificio que albergó el Parlamento de Albania en la época del rey Zog se convirtió en un teatro infantil llamado el Teatro de las Muñecas ("Teatri i Kukullave").


title: Tirana

text: Desde el punto de vista político la ciudad fue visitada por un buen número de figuras políticas importantes. En 1959 el presidente soviético Nikita Jruschov visitó Tirana, y tuvo la oportunidad de colocar la primera piedra del nuevo Palacio de la Cultura. En 1964 el primer ministro de la República Popular China Zhou Enlai tuvo aquí un encuentro con Enver Hoxha, el entonces primer ministro albanés. En 1984 la ciudad fue visitada por el ministro-presidente del Estado alemán de Baviera, Franz Josef Strauss. Tirana sirvió como escenario principal del multitudinario funeral de Enver Hoxha, secretario general del Partido del Trabajo de Albania, en 1985. Cuatro años después, en 1989 Oskar Fischer, ministro de asuntos exteriores de la República Democrática Alemana, visitó Tirana.


title: Tirana

text: Durante el final de los años 1980 y comienzo de los años 1990, Tirana fue el punto central de violentas manifestaciones que acabaron con la caída de la República Popular de Albania.


title: Tirana

text: El período postcomunista se ha descrito como el peor desde el punto de vista del desarrollo urbanístico de la ciudad. Tirana experimentó un desarrollo caótico: se comenzaron edificios de gran altura fuera de ordenación, se alzaron edificios ilegales en zonas públicas. Empezaron a surgir nuevos barrios informales alrededor de la ciudad conforme llegaban emigrantes internos de todo el país. Sin embargo, Tirana experimentó un cambio radical ya en puertas del nuevo milenio. Desde el año 2000, el Ayuntamiento de Tirana puso en marcha una campaña masiva para devolver el espacio público a la población en general. La campaña se llamó "Regreso a la Identidad" e incluyó la transformación de las riberas del río Lana, el Parque Rinia y otros lugares para devolverlos a su estado previo al año 1990. Las infraestructuras generales mejoraron notablemente al reconstruirse un número considerable de carreteras. Los espacios comunes entre los bloques de edificios han sido el objeto de sucesivas campañas para recuperar espacios verdes y un gran número de edificios ilegales han sido demolidos. También hay que destacar que algunas zonas verdes existentes se han usado para construir rascacielos y centros multi-funcionales. Los bloques de pisos se han construido en terrenos de antiguas viviendas.


title: Tirana

text: El alcalde de Tirana, Edi Rama, dirigió una iniciativa para pintar las fachadas de los edificios de Tirana de colores brillantes.


title: Tirana

text: Una serie de explosiones en un polvorín del ejército cerca de Tirana, el 15 de marzo de 2008, mató al menos a 15 personas e hirió a 243, incluyendo muchos niños, y dañó el Aeropuerto Internacional Nënë Tereza cerca de Tirana.


title: Tirana

text: Tirana se encuentra en el Distrito de Minavo, Provincia de Tirana y se encuentra rodeada la norte por los montes de Kamza, al este por el monte Dajt (de 1612 m de altura), al oeste por las colinas de Vagarr e Yzberisht, y al sur por las colinas de Krrabë y Sauk. La altitud media de Tirana es de 110 m sobre el nivel del mar (aunque el punto más alto es el monte Mali Me Gropa de 1828 m).


title: Tirana

text: Tirana se encuentra en el valle del río Ishëm, a algo más de 30 km de la costa. Hay dos ríos que atraviesan la ciudad: el Lana y el Tirana. La ciudad también abarca un total de cuatro lagos: el lago Tirana, el Kodër-Kamëz, el Farka y el Tufina. El punto más alto de Tirana mide 1828 m. La ciudad se encuentra en el mismo paralelo que Nápoles, Madrid y Estambul y en el mismo meridiano que Budapest y Cracovia.


title: Tirana

text: Tirana tiene un clima subtropical húmedo (clasificación climática de Köppen, "Cfa"), con considerables influencias de climas mediterráneo y continental. La temperatura media varía entre los 7 °C en enero y los 24 °C en julio y agosto, que son también los más secos, con unas precipitaciones medias de 42 mm Los meses más húmedos son noviembre, diciembre y febrero que superan los 150 mm. Al estar en la vertiente oriental del Adriático presenta precipitaciones muy abundantes, siendo la zona mediterránea más lluviosa, por lo que la sequía estival no es fuerte y los inviernos cuentan con precipitaciones muy abundantes. El número de días de lluvia anual es también muy elevado, si bien no reduce la insolación, propia de latitudes medias. Al estar en un valle interior las temperaturas tienen una tendencia continental con inviernos fríos donde las nevadas son frecuentes y veranos cálidos con máximas que superan muchas veces los 35 °C.


title: Tirana

text: En el primer trimestre de 2008 la población urbana de la ciudad se estimaba oficialmente en 602.401 habitantes.


title: Tirana

text: En 1703, Tirana tenía unos 4000 habitantes. Para 1820 su número se triplicó a 12 000. El primer censo de la ciudad, elaborado en 1923 (pocos años después de que Tirana se convirtiera en la capital de Albania) mostraba una población de 10 845 habitantes. En los años 1950, Tirana experimentó un rápido crecimiento industrial, y la población se incrementó hasta unos 137 000 habitantes en 1960.


title: Tirana

text: Tras el fin del gobierno comunista en 1991, Tirana experimentó el crecimiento de población más rápido de su historia, cuando las gentes de las áreas rurales se mudaron a la capital en busca de una vida mejor. En 1990 Tirana tenía 150 000 habitantes, pero el flujo a gran escala desde otras partes del país ha incrementado la población por encima de los 600 000 habitantes oficialmente.


title: Tirana

text: Tirana es el centro industrial y cultural de Albania. Las principales industrias incluyen productos agrícolas y maquinaria, textiles, fármacos y metalurgia. Tirana ha experimentado un rápido crecimiento y establecido numerosas nuevas industrias desde los años 1920.


title: Tirana

text: Tirana comenzó su desarrollo a comienzos del , cuando se creó el bazar, y sus artesanos elaboraban telas de seda algodón, y trabajaban el cuero, la cerámica y el hierro, la plata, y joyas de oro. Situada en un fértil llano, el área de Tirana exportaba 2600 barriles de aceite de oliva y 14 000 paquetes de tabaco a Venecia por 1769. En 1901, tenía 140 000 olivos, 400 molinos de aceite, y 700 tiendas. Tirana está intentando actualmente desarrollar una industria turística, aunque este esfuerzo ha sido obstaculizado por la carencia de infraestructuras y por encontrarse en una región de notable inestabilidad política a ojos de la opinión pública internacional.


title: Tirana

text: El primer barrio fue el de Bam. Luego, los dos barrios más antiguos son Mujos y Pazari, situados entre el centro y la calle Elbasan a ambos lados del río Lana. En 2000, el centro de Tirana, desde el campus central de la Universidad de Tirana hasta la Plaza Skanderbeg, fue declarado lugar de reunión cultural lo que le da un carácter preferente en cuanto a protección por el Estado. En el mismo año, el área comenzó un proceso de restauración bajo el nombre de "Regreso a la Identidad". El área al oeste de la Universidad, adyacente al parque Shën Prokopi, estuvo reservado como residencia de funcionarios importantes del gobierno y el partido, y aún hoy sigue siendo un área residencial deseada.A pesar de los esfuerzos del Ayuntamiento de Tirana, actualmente la ciudad sufre de problemas de superpoblación como son la recolección de basuras, falta de agua corriente y electricidad, y niveles muy altos de polución ambiental a causa del parque automovilístico de unos 300 000 coches de la zona de Tirana, y unos niveles de sulfuros y plomo en el carburante utilizado superiores a los permitidos en la Unión Europea. Lo que se empeora aún más debido a las viejas infraestructuras. A pesar de los problemas, Tirana ha experimentado un rápido crecimiento en la construcción de nuevos edificios, especialmente en los barrios periféricos, donde en muchos de los nuevos barrios las calles ni siquiera tienen nombre.


title: Tirana

text: El principal hospital de Tirana es el Hospital de la Madre Teresa ("Spitali Nënë Tereza"), asociado a la Facultad de Medicina de la Universidad de Tirana. Cuenta con 1456 camas y atiende a unos 12 000 pacientes al año. En la actualidad se están realizando grandes mejoras en su infraestructura y equipamiento.


title: Tirana

text: Tirana es la sede de la Universidad de Tirana, la Universidad Politécnica de Tirana, la Universidad Agraria, la Academia de Educación Física y Deportes, instituciones nacionales e internacionales de investigación académica y el NGO. Otras instituciones académicas públicas incluyen la Academia de las Artes, la Academia de las Ciencias, la Academia Militar y el Instituto del Ministerio del Interior.


title: Tirana

text: Tirana también ha visto la creación de un gran número de instituciones académicas privadas como la Universidad de New York en Tirana, Epitech, la Universidad Luarasi, Zoja e Keshilit te Mire, Academia de Cinematografía y Multimedia "Marubi", y muchas otras.


title: Tirana

text: Tirana es un importante centro de música, cine, teatro, danza y artes visuales. La ciudad alberga las instituciones culturales más grandes del país, como el Teatro Nacional y el Teatro Nacional de Ópera y Ballet, el Museo Arqueológico Nacional, la Galería de Arte de Albania, el Museo de Ciencias de Albania y el Museo Histórico Nacional. Entre las instituciones locales se encuentra la Biblioteca Nacional, que mantiene más de un millón de libros, publicaciones periódicas, mapas, atlas, microfilmes y otros materiales de la biblioteca. La ciudad tiene cinco casas tradicionales bien conservadas (casas museo), 56 monumentos culturales, ocho bibliotecas públicas. Desde 2011, se abrió una Oficina de Información Turística, ubicada detrás del Museo Histórico Nacional, con información útil sobre Tirana y Albania.


title: Tirana

text: Hay muchas instituciones culturales extranjeras en la ciudad, incluidos el Goethe-Institut alemán, la Fundación Friedrich Ebert y el British Council. Otros centros culturales en Tirana son el Instituto Canadiense de Tecnología, el Instituto Confucio Chino, la Fundación Helénica Griega para la Cultura, el Istituto Italiano di Cultura y la Alliance Française. La Oficina de Información del Consejo de Europa se estableció en Tirana. Las tres principales religiones en Albania son el islam, la cristiandad ortodoxa y católica, tienen todas sus sedes en Tirana. El liderazgo de Bektashi se trasladó a Albania y estableció su Sede Mundial también en la ciudad de Tirana.


title: Tirana

text: Uno de los eventos anuales más importantes que tiene lugar en Tirana cada año es el Festival Internacional de Cine de Tirana. Fue el primer festival internacional de cine en el país y considerado como el evento cinematográfico más importante de Albania.


title: Tirana

text: El museo más destacado de Tirana es el Museo Histórico Nacional, que detalla la historia del país. Conserva algunos de los mejores hallazgos arqueológicos de Albania, que datan de la era prehistórica hasta los tiempos modernos. En la entrada de los pabellones, hay fotos de personalidades globales, que conocieron a la Madre Teresa como Jacques Chirac, Bill Clinton, Tony Blair, Ibrahim Kodra y muchas otras personalidades. Sin lugar a dudas, los objetos personales utilizados por ella aumentan la curiosidad de miles de visitantes en el museo. Casi un millón de visitantes pasaron en 2012.


title: Tirana

text: Otros grandes museos incluyen el Museo Arqueológico Nacional, que es el museo arqueológico nacional y el primer museo creado después de la Segunda Guerra Mundial en Albania. La Galería de Arte Nacional se abrió al público en 1954. Sin embargo, el museo conserva más de 5000 obras de arte. Otros museos incluyen el Museo de Ciencias Naturales, que tiene ramas en zoología, botánica y geología, el antiguo Museo Enver Hoxha y el Museo Bunk'art. En 2017, el Museo de Vigilancia Secreta (Casa de las hojas) fue renovado y reabierto. El edificio histórico del período comunista, apunta ahora a retratar desde la omnipresencia del régimen comunista albanés.


title: Tirana

text: En los últimos años, Tirana se está convirtiendo en un centro popular para eventos. Los festivales son una de las muchas cosas que las personas en Tirana disfrutan bien. Tiene una gran cantidad de festivales y eventos. La diversidad de festivales hace posible que personas de diferentes gustos se encuentren en una ciudad tan pequeña. Los festivales en la ciudad ofrecen entretenimiento tanto para jóvenes como para adultos. El Festival de Verano tiene lugar todos los años el 14 de marzo, celebrando el Día de la Primavera (albanés: Dita e Veres), el festival más grande del país. Se celebra ampliamente en Tirana y en otras ciudades de Albania y las colonias de Arbëresh en Italia.


title: Tirana

text: Otro evento importante, el Festival Internacional de Cine de Tirana se lleva a cabo en Tirana cada año, lo que trae un gran número de artistas para producir una amplia gama de trabajos de cine interesantes. Otros festivales incluyen el Tirana Jazz Festival, el Guitar Sounds Festival, el Albanian Wine Festival y más. En 2016, se celebró el primer Telekom Electronic Beats Festival en Tirana, trayendo las últimas tendencias del estilo de vida urbano a la juventud albanesa. Este es el esfuerzo de Tirana para aumentar el número de visitas turísticas. Sin embargo, la ciudad se ha convertido en un destino popular para muchos jóvenes de la región durante el período de vacaciones.


title: Tirana

text: El turismo en Albania se está desarrollando año tras año desde que la caída del comunismo y la ciudad capital de Tirana se convirtieron en destinos turísticos muy populares por la Riviera albanesa del sur y la parte norte del país. Tirana tiene una mayoría de hoteles de lujo, modernos restaurantes, bares, pubs y discotecas muy grandes. Los hoteles más grandes de la ciudad son Tirana International Hotel y Tirana Plaza, situados en el corazón de la ciudad, cerca de la Plaza Skanderbeg. El lujoso Sheraton Hotel Tirana también se encuentra en el centro de la ciudad de Tirana, cerca del distrito central de negocios junto al National Arena. Otros hoteles importantes presentes en el centro de Tirana incluyen el Xheko Imperial Hotel, el Rogner Hotel, el Best Western Premier Ark Hotel y el Mondial Hotel. Tirana es un lugar que se conoce como un centro universitario de estudiantes de países de la región como Kosovo, Macedonia del Norte, Montenegro y Grecia.


title: Tirana

text: Según la Asociación Polaca de Operadores Turísticos, Tirana ha ingresado en la décima ciudad más visitada por los polacos.


title: Tirana

text: La mayoría de los turistas a la ciudad provienen de Grecia, Italia, Kosovo y Europa, con el número de visitantes de otros lugares creciendo cada año, gracias a un número creciente de llegadas de líneas aéreas internacionales en el Aeropuerto Internacional Madre Teresa, así como cruceros de lujo que llegar al puerto de Durrës que ofrece excursiones de un día a la ciudad.


title: Tirana

text: Una gran cantidad de los monumentos localizados en Tirana datan de los periodos ilirios, romanos, griegos y otomanos. Los monumentos incluyen la plaza Skanderbeg, la torre del reloj de Tirana, el castillo de Petrelë, la mezquita de Et'hem Bey, la iglesia del Sagrado Corazón, la catedral de la Resurrección, la tumba de Kapllan Pasha, la Madre Albania, Blloku, el Monte Dajt y el Mosaico de Tirana.


title: Tirana

text: La ciudad es el punto central de los medios de comunicación de Albania. Es la sede de la Radio y Televisión de Albania (RTSH), la cadena pública albanesa, así como de otras cadenas privadas nacionales como Top Channel and TV Klan. Numerosas emisoras de radio operan también en la ciudad, siendo las más importantes la pública Radio Tirana, seguida de las privadas Top Albania Radio and Plus 2 Radio.


title: Tirana

text: Aunque algunos de los equipos de fútbol de Tirana lograron disputar la UEFA Champions League, UEFA Europa League, la UEFA Cup Winners Cup, la Intertoto Cup y la recién creada UEFA Europa Conference League no han logrado entrar a la fase de grupos de esas competiciones. Tirana tiene dos estadios, uno de los cuales, el Air Albania Stadium, construido sobre el antiguo Qemal Stafa, será utilizado para acoger la final de la UEFA Europa Conference League, y el Selman Stermasi del KF Tirana y el KS Dinamo Tirana, y en "Air Albania Stadium" FK Partizani.


title: Tirana

text: Puntos de transporte municipal, nacional e internacional se han desarrollado en años recientes en respuesta a la demanda creciente. Hasta hace pocos años, las conexiones a través de Grecia y Montenegro tenían varios problemas con la burocracía y la seguridad. La siguiente sección es sólo indicativa, y está sujeta a posibles cambios.


title: Tirana

text: El transporte local en el interior de Tirana es el autobús y el taxi. Autocares y minibuses dan enlace, conforme a la demanda, con la costa y el norte y sur de Albania desde diferentes puntos de la ciudad. Los servicios internacionales de autocar conectan con Grecia, vía Korçë y los taxis con la frontera de Kosovo y Macedonia del Norte.


title: Tirana

text: El transporte privado para moverse por la capital, Tirana, y en otras áreas es ofrecido principalmente por los taxis y, recientemente por coches de alquiler. El servicio de taxi es generalmente barato en todas las ciudades. Los taxis con licencia en Tirana tienen placas con un fondo amarillo y texto en color rojo. Una vuelta por la ciudad cuesta una media de 3/4 € y todos los taxis tienen taxímetro. Un taxi desde el centro hasta el aeropuerto tarda generalmente 20/30 min y cuesta alrededor de 17 € por trayecto. Después de las 22:30, el servicio de taxi es el único transporte disponible en Tirana. Esto es porque el último autobús de la ciudad parte de la estación aproximadamente a las 22:00. Un mercado en crecimiento en los últimos tres años es el servicio de alquiler de coches.


title: Tirana

text: Hay servicios regulares de pasajeros a Durrës y Pogradec, vía Elbasan. La estación de tren está al norte de la Plaza Skanderbeg, el Bulevar Zogu I. No hay servicio de pasajeros internacional.


title: Tirana

text: El Aeropuerto Internacional de Tirana Nënë Tereza ("Madre Theresa" en albanés), también conocido como Aeropuerto Rinas fue reconstruido en 2007. Se encuentra a 25 km al noroeste de la ciudad, en la carretera de Durrës. Varias aerolíneas extranjeras se sirven del Aeropuerto Rinas: Alitalia (desde Roma y Milán), British Airways (desde el aeropuerto londinense de Gatwick, Austrian Airlines (desde Viena), Adria Airways desde (Liubliana), Olympic Airlines (Atenas) y Turkish Airlines (Estambul). Los vuelos de Lufthansa vía Múnich empezaron el 1 de mayo de 2007. Cada lunes hay un vuelo directo desde Tirana al aeropuerto J.F.K. de Nueva York.


title: Tirana

text: Tirana no tiene puerto, aunque el puerto de Durrës no está a más de hora y media de la capital. Salen ferris de pasajeros desde Durrës a Trieste (Italia) y Koper (Eslovenia) y hay un servicio de catamarán ligero a Bari (Italia).


title: Tirana

text: La mayoría de los lugares interesantes de conocer en Tirana, se encuentran alrededor de la plaza Skanderbeg, un gran espacio abierto en pleno corazón de la ciudad, que recibe su nombre del héroe nacional albanés homónimo:


title: Isabelle Huppert

text: Isabelle Anne Madeleine Huppert (París, Francia; 16 de marzo de 1953), conocida como Isabelle Huppert, es una actriz y productora de cine francesa, ampliamente considerada una de las intérpretes más finas y prolíficas del cine europeo. Ha aparecido en más de 100 películas y producciones televisivas desde su debut en 1971. También es una de las actrices más prolíficas de Francia (dos o tres películas por año en promedio) y una de las pocas artistas francesas cuya filmografía es verdaderamente internacional: su carrera exigente y reconocida la ha llevado a gira en los Estados Unidos, Italia, Europa Central, Rusia e incluso en Asia.


title: Isabelle Huppert

text: Es reconocida como la actriz con más películas seleccionadas para la sección competitiva del Festival de Cine de Cannes, y dos veces reconocida como mejor intérprete por: "Violette Nozière", de Claude Chabrol, en 1978, y "La pianista", de Michael Haneke, en el 2001. Es la actriz con más nominaciones al Premio César, con 17 menciones en total, la primera como actriz de reparto en la cinta "Aloïse", de 1976, y la más reciente, en 2017, por su participación en "Elle".


title: Isabelle Huppert

text: Fue condecorada con la Orden Nacional del Mérito en el grado de «Caballero» en 1994, y fue elevada al grado de «Oficial» en 2005, y con la Legión de Honor como «Caballero», en 1999, y ascendida a «Oficial» en el 2009.


title: Isabelle Huppert

text: De igual manera, ha sido homenajeada en dos ocasiones en el marco de Festival de Cine de Venecia por su destacada participación en las cintas: "Asunto de mujeres" de 1988 y "La ceremonia" de 1995. Su rol protagónico en "Madame Bovary", de 1991, le dio un galardón en el Festival Internacional de Cine de Moscú. Algunas de sus principales cintas de origen francés son: "Loulou", de 1980; "La separación", de 1994; "8 mujeres", del 2002; "Gabrielle", del 2005, "Amor", del 2012 y "Luces de París", del 2014. Algunos de sus principales filmes en idioma inglés son: "La puerta del cielo", de 1980; "Extrañas coincidencias", del 2004; "La desaparición de Eleanor Rigby", del 2013, y "La viuda", del 2019.


title: Isabelle Huppert

text: En el 2016, Huppert ganó nuevamente el aplauso de la crítica especializada por las películas "Elle" y "El porvenir", y el reconocimiento de la Sociedad Nacional de Críticos Cinematográficos, del Círculo de Críticos de Nueva York y de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles. Por su elogiada interpretación en "Elle", recibió el Globo de Oro y su primera nominación al Óscar.


title: Isabelle Huppert

text: Según The New York Times, el 25 de noviembre de 2020, Huppert fue calificada como la segunda mejor de varios actores del siglo XXI (el primer lugar fue para Denzel Washington). En la página web Fotogramas, fue calificada como una de las mejores actrices de la actualidad después de repasar sus momentos estelares.


title: Isabelle Huppert

text: Isabelle Huppert nació en el distrito de París en una familia numerosa. Huppert es la hija de Raymond Huppert, judío, gerente industrial de una empresa productora de cajas fuertes, y de Annick Beau, profesora de inglés. Pasó su infancia en Ville-d'Avray, donde recibió una sólida educación en las artes y la cultura. Allí comenzó una gran formación artística.


title: Isabelle Huppert

text: Isabelle tiene tres hermanas y un hermano, también orientados en la cultura: Elizabeth, tecnócrata, se autora, pintora y actriz; Caroline, también directora, y Rémi, escritor. Jacqueline, por su parte, es socióloga y profesora de economía, especializada en recursos humanos y centrada en la equidad de género en las empresas.


title: Isabelle Huppert

text: Huppert está casada desde 1982 con , productor de cine de origen italo-libanés, con quien tiene tres hijos: , con quien actuó en el 2010 en "Copacabana", Lorenzo y Angelo. Los tres siguen de un modo u otro los pasos de sus padres, la mayor en la interpretación, el mediano en la producción y el pequeño se encuentra en Nueva York realizando estudios de cine. Por lo demás, una vida privada discreta y alejada de los focos que en esta familia solo parecen encenderse cuando se trata de trabajo.


title: Isabelle Huppert

text: Después de los estudios secundarios en la escuela secundaria en St. Cloud, Isabelle Huppert pasó en primer lugar por el , mientras que también dedicó la mayor parte del tiempo en el estudio de las lenguas eslavas y


title: Isabelle Huppert

text: , junto a los profesores Jean-Laurent Cochet y Antoine Vitez. Su conocimiento de lenguas extranjeras son de inglés y ruso.


title: Isabelle Huppert

text: Huppert nunca se planteó seriamente la posibilidad de labrarse una carrera en el mundo de la interpretación. Fue la insistencia de su madre la que la convenció de inscribirse en el prestigioso Conservatorio de Versalles para estudiar arte dramático. Allí, encontró su vocación y fue en el Conservatorio de Arte Dramático donde completó sus estudios y comenzó a despuntar como excelente actriz teatral. En las tablas de los mejores escenarios parisinos se dio a conocer antes de dar el salto a la gran pantalla. Después de licenciarse en filosofía y letras en la Universidad de la Sorbona, a finales de la década de los sesenta debutó como actriz de teatro, y a principios de los setenta comenzó a hacer pequeños papeles en el cine, como "Ella, yo y el otro", "Los rompepelotas" o "El juez y el asesino". Se convierte en una estrella de cine al protagonizar "La encajera", "Violette Nozière", de Claude Chabrol, y "Las hermanas Brontë", de André Téchiné. El fracaso de la superproducción norteamericana "La puerta del cielo", de Michael Cimino, hundió su carrera en Hollywood, y volvió a Europa. Durante los años ochenta y noventa siguió trabajando con un ritmo frenético, y fue dirigida, entre otros, por Jean-Luc Godard, Marco Ferreri, Michael Haneke, Claude Chabrol y Andrzej Wajda.


title: Isabelle Huppert

text: Se convirtió en la actriz fetiche de Claude Chabrol, con quien trabajó en "Un asunto de mujeres", "La ceremonia", "No va más" o "Gracias por el chocolate". En el 2001, protagonizó "La pianista", cruda historia sobre una maestra de piano dominada por su madre y con tendencias sadomasoquistas. Cambió de registro en el 2002 al participar, junto con otras siete grandes actrices francesas, en el musical "8 mujeres", dirigido por François Ozon. En el 2004, realizó "Extrañas coincidencias" junto a Dustin Hoffman y Jude Law. En el 2005, recibió el Oso de Oro en el Festival de Berlín, por su papel en "Gabrielle".


title: Isabelle Huppert

text: Huppert hizo sus primeras apariciones en el cine en 1971 en , dirigida por , con un papel no destacado, ya que se trataba de una película de televisión que se había estrenado solo en pocos cines franceses. Su primer destacamento como debut en el cine fue en "César et Rosalie", de Claude Sautet, al lado de Romy Schneider y Yves Montand. En 1975, interpretó al personaje de la joven Aloïse en "Aloïse", lo que la llevó a su primera nominación en la primera entrega de los Premios César de 1976. Tuvo una partición singular que la distinguió de otras estrellas emergentes de la época, Miou-Miou y Isabelle Adjani.


title: Isabelle Huppert

text: Su carrera despegó con la adaptación de la novela de Pascal Lainé "La Dentellière", dirigida por el suizo Claude Goretta, éxito de público que le valió varios premios internacionales (BAFTA y Premios David de Donatello equivalente a los Premios César). Desempeñó el papel de una joven estilista introvertida, y sufrió una angustia de su existencia. Esta imagen de la víctima y la fragilidad enfermiza continuó en varias de las películas de su debut, lo que la puso en riesgo de volverse repetitiva (como en películas de


title: Isabelle Huppert

text: , Jean-François Adam, Mauro Bolognini y Benoît Jacquot). Al mismo tiempo, entró en contradicción con este esquema, dando vida, ante la cámara de Claude Chabrol, al personaje principal en "Violette Nozière", ambientada en los años treinta. Este es su primer "papel limitado", y le hizo ganar el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes en 1978.


title: Isabelle Huppert

text: A inicio de los años ochenta, una serie de grandes cineastas trabajaron con ella: Maurice Pialat, por "Loulou" (1980); Jean-Luc Godard, por "Pasión" (1982); Michael Cimino, por "La puerta del cielo" (1980) (fracaso en la taquilla, pero no afectó su carrera). Luego surgió una tendencia que sería suya: un verdadero rigor en la elección de sus películas, a veces no consensuadas, con cineastas exigentes, a menudo relacionados con el cine de autor, y un deseo de trabajar con directores franceses y extranjeros, así como con mujeres (Patricia Moraz, , Márta Mészáros, Diane Kurys,


title: Isabelle Huppert

text: En 1981, Bertrand Tavernier le ofreció, con "Coup de torchon", un papel en desacuerdo con lo que solía trabajar: Isabelle Huppert mostró un estilo más extrovertido, dinámico y cómico, que mantendría para varias películas de los años siguientes.


title: Isabelle Huppert

text: El período 1988-1989 fue un periodo importante de su carrera, primero porque trabajó nuevamente con Claude Chabrol, en "Une affaire de femmes", diez años después de "Violette Nozière". Porsu interpretación, fue nominada en los Premios César y homenajeada en el Festival de Cine de Venecia. La película resultó un éxito y abrió una era de rica colaboración entre Huppert y Chabrol, que luego se reunirían cada dos o tres años para una película. Su dúo se convirtió en una especie de marca registrada y exploró una amplia gama de géneros cinematográficos de los que existe una evidente admiración mutua: la comedia, el drama social e histórico, el cine negro o la adaptación literaria.


title: Isabelle Huppert

text: En 2001 encontró uno de sus mejores papeles en el cine con "La pianiste" ("La pianista" o "La profesora de piano"), adaptada de la novela homónima de Elfriede Jelinek, que abrió el comienzo de su fructífera colaboración con Michael Haneke. Para esta película en la que interpreta a una maestra de música frustrada, encerrada en una relación casi incestuosa con su madre y atrapada en la expectativa de una relación sadomasoquista, gana por segunda vez en su carrera el premio de interpretación femenina en el Festival de Cine de Cannes donde Liv Ullmann fue presidenta del jurado en el 2001. No fue nombrada a pesar de la excelente recepción de la crítica de la película del otro lado del Atlántico, debido a que el distribuidor estadounidense olvidó llenar el documento necesario para su elegibilidad.


title: Isabelle Huppert

text: Huppert formó parte del prestigioso elenco de "8 mujeres", de François Ozon. Este regreso a la comedia demostró que no solo filmó las llamadas películas "dramáticas" sino también ocasionalmente comedias, como "Copacabana", de


title: Isabelle Huppert

text: , y "Tip Top", de Serge Bozon. En sus incursiones cómicas, se complace en interpretar a mujeres antipáticas, frustradas y amargadas, con el riesgo de identificarse de igual manera con los demás.


title: Isabelle Huppert

text: En "Home" (2008), interpretó a Martha, una mujer que ve cómo su tranquila vida familiar en un ambiente rural se convierte en un caos de ruido al abrirse a la circulación una autopista cercana. Este papel le valió un reconocimiento como Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. En "Villa Amalia" (2009), interpretó a una concertista italiana que dejaba a su marido tras su infidelidad y se trasladaba a una isla italiana.


title: Isabelle Huppert

text: Más tarde, Isabelle participó como granjera casada que descubre en París un nuevo amor en "Luces de París" (2014) y en "La religiosa" (2013), adaptación de la novela homónima de Denis Diderot, interpretó a una actriz en la película coral ' (2015), y formó parte del reparto del drama familiar ' (2015).


title: Isabelle Huppert

text: En "El porvenir" (2016) encarnó a una profesora de instituto en crisis personal. El mismo año fue dirigida por Paul Verhoeven en "Elle" (2016), película en la que interpreta a una empresaria que es violada, pero se niega a ser víctima. Por este último filme, la actriz francesa recibió un Premio Globo de Oro, Premios Gotham y una nominación en los Premios Oscar a la Mejor Actriz.


title: Isabelle Huppert

text: En el año 2017 estrenó "La Cámara De Claire" (2017), película dirigida por el coreano Hong Sang-soo; "Happy End" (2017), otra colaboración con Haneke; y "Madame Hyde" (2017), película en la que era una tímida profesora de instituto cuyo carácter se modifica al ser atravesada por un rayo.


title: Isabelle Huppert

text: En 2018 compartió protagonismo con Chloë Grace Moretz en el thriller psicológico "La viuda" de Neil Jordan, una nueva producción en su carrera en los Estados Unidos.


title: Isabelle Huppert

text: El 15 de febrero de 2022, Huppert recibió un premio honorífico en el Festival de cine de Berlín, la cual no pudo asistir a la ceremonia debido a que ha sido pronosticada con Covid.


title: Isabelle Huppert

text: Lo que sí se mantuvo fue la gala prevista en el Berlinale Palast, incluido el estreno de À propos de Joan de Laurent Larivière. Al actor alemán Lars Eidinger, coprotagonista del filme junto a Huppert, se le asignó el discurso en honor a la actriz. La homenajeada asistió de forma virtual, desde París, a la ceremonia.


title: Isabelle Huppert

text: De acuerdo a lo habitual en la Berlinale, además de la gala se había incluido un ciclo con los papeles más destacados de la actriz, desde La ceremonia (1995), con protagonismo compartido con Sandrine Bonnaire y a las órdenes de Claude Chabrol, hasta El porvenir (2016), de Mia Hansen-Løve.


title: Isabelle Huppert

text: Con Marie-France Pisier e Isabelle Adjani, Huppert trabajó en la película "Las hermanas Brontë" de André Téchiné en 1979. Los críticos describieron la rivalidad de ambas actrices a partir de los setenta, y cómo esta había hecho que el rodaje de la película no resultara nada cómodo.


title: Isabelle Huppert

text: Según el libro de Erwan Chuberre ("La leyenda Adjani"), una rivalidad de amor entre Adjani y Huppert, se produjo en el conjunto de Las hermanas Brontë, es la causa de su enemistad. Adjani explica, a su vez, se resentía de ser dejada de lado por algunos proyectos en la década de los ochenta debido a que el productor Daniel Toscan du Plantier, director de Gaumont Film Company, estuvo impulsando a Isabelle Huppert, su novia de aquel entonces, como la nueva estrella del cine francés. La prensa ha comentado a menudo su rivalidad. André Téchiné reconoció que la relación tensa entre las dos actrices había complicado su trabajo en el conjunto de "Las hermanas Brontë".


title: Isabelle Huppert

text: En 2005 , una exposición, "La mujer con retratos", que se presentó por primera vez en Nueva York, luego en París (ampliada hasta febrero de 2006 en el Convento de los Cordeliers ) y en Europa, reveló su pasión por la fotografía que ha estado presionando durante treinta años, para solicitar retratos de los mejores fotógrafos (desde Boubat y Henri Cartier-Bresson hasta Hiroshi Sugimoto y Ange Leccia a través de Jacques Henri Lartigue, Richard Avedon, Robert Doisneau, Helmut Newton o Nan Goldin.


title: Isabelle Huppert

text: En 2009, fue promovida al rango de Oficial de la Legión de Honor y el Festival de Cine de Cannes anunció que sucedió a Sean Penn como presidente del jurado. Después de haber sido miembro del jurado en 1984 bajo la dirección de Dirk Bogarde y maestra de ceremonia en 1998, es presidente del jurado de la 62ª edición, que tuvo lugar del 12 al 24 de mayo de 2009. Estuvo rodeada por personalidades del cine y el arte: Asia Argento, Nuri Bilge Ceylan, Robin Wright, Hanif Kureishi, Shu Qi, Lee Chang-dong, James Gray y Sharmila Tagore. Su jurado otorgó la Palma de Oro a "La cinta blanca", de Michael Haneke, uno de sus directores favoritos. En el Festival de Cine de Cannes, Isabelle Huppert presentó 20 películas en la selección oficial (récord absoluto).


title: Isabelle Huppert

text: En el 2014, tuvo éxito junto al director estadounidense Martin Scorsese en la presidencia del jurado de largometrajes en el 14º Festival Internacional de Cine de Marrakech, que tuvo lugar del 5 al 13 de diciembre de 2014.


title: Isabelle Huppert

text: Su pareja, el director Ronald Chammah, fundó Les Films du Camélia. Esta empresa le ha permitido financiar algunas películas en las que posee la facturación superior.


title: Isabelle Huppert

text: Huppert protagonizó la película "Elle" en el pasado Festival Internacional de Cine de Cannes. Tanto la cinta como la actriz defienden su candidatura a los Globos de Oro. Ella, como mejor actriz, la única interpretación que no es en inglés dentro de la categoría de mejor interpretación dramática. El filme, como mejor película en lengua no inglesa. Inspirada en la novela "Oh", de Philippe Djian, Huppert encarna el personaje de Michele, la gerente de una exitosa empresa de videojuegos, una mujer fuerte, casi despótica, tanto en su vida profesional como en la personal. Su vida cambia radicalmente cuando un extraño entra a su casa y la viola. Su gato es el único testigo. Michele decide no ser una víctima y en una especie de juego de gato y ratón consigue vengarse. Una historia que dirige Paul Verhoeven, realizador famoso por escoger temas poco convencionales.


title: Isabelle Huppert

text: El papel de Michele fue rechazado por numerosas actrices estadounidenses, pero Huppert explicó a la Hollywood Foreign Press Association por qué no se considera valiente por haberlo aceptado.


title: Isabelle Huppert

text: La carrera de Isabelle Huppert la lleva a un reconocimiento internacional a partir de la época de 1990. A partir de esto, ella tiene su compromiso de trabajar para los cineastas independientes o autores inusuales para el desarrollo de un lenguaje singular de películas que han contado con Nicole Kidman en 2012, que "le gusta la forma en que constantemente pone en peligro" y que representaba para ella un modelo para futuras decisiones.


title: Isabelle Huppert

text: Al igual que Kidman, Jessica Chastain dice que ella es, de lejos, su actriz favorita y ella es para ella un "ídolo absoluto».


title: Isabelle Huppert

text: Por su parte, Julianne Moore habla de ella como una "actriz fabulosa" , que "admiraba profundamente".


title: Isabelle Huppert

text: Natalie Portman confiesa, por su parte, se han inspirado en gran medida por su actuación en "La pianista".


title: Isabelle Huppert

text: La diversidad de los roles que ha interpretado Huppert es solo comparable a los de Meryl Streep. Sin embargo, la oscuridad y riesgo de los papeles que interpreta está fuera de cualquier registro. La perversa directiva de Elle, la profesora masoquista de La pianiste o la esposa abortista en la Francia nazi de Une affaire de femmes se desmarcan de cualquier arquetipo. “La gente puede ser buena y mala, estar feliz y triste. La vida es compleja”, afirmaba Huppert en The Telegraph, que la comparaba con una "femme fatale" digna de las obras de Hitchcock. Su prolífica carrera no se ha visto frenada por la palpable escasez de papeles para las mujeres que entran en la madurez.


title: Isabelle Huppert

text: Roger Ebert dijo: "Isabelle Huppert hace una buena película tras otra... no tiene miedo. Los directores a menudo dependen de su don para transmitir depresión, compulsión, egoísmo y desesperación. Puede ser divertida y encantadora". , pero también muchos actores. Ella domina por completo un rostro que contempla el vacío con inexpresividad". En 2010, ST VanAirsdale la describió como "posiblemente la mejor actriz de cine del mundo".


title: Isabelle Huppert

text: En la entrega de los Premios César de 2022, Huppert le entregó el premio honorífico a Cate Blanchett, en donde en una entrevista, esta última expresó cuánto la admiraba.


title: Isabelle Huppert

text: Las películas con Isabelle Huppert ha atraído al menos 1 millón de espectadores en Francia y con más de 7 millones en toda Europa.


title: Isabelle Huppert

text: En televisión, Huppert ha hecho numerosas apariciones en las que incluyen cortometrajes, series, miniseries y películas para televisión.


title: Isabelle Huppert

text: Isabelle Huppert ha alcanzado una gran cantidad de premios, continua ganando y teniendo nominaciones en la actualidad. Entre ellos, se encuentran los más importantes; Festival de Cannes, Premios César, Premio del cine europeo, Festival Internacional de Cine de Moscú, National Society of Film Critics, Premios BAFTA, Premios Globos de Oro, Premios BAFTA, e incluso una nominación en los Premios Oscar.


title: Isabelle Huppert

text: Ella fue galardonada en el Festival de cine de Berlín con el Oso de oro honorífico el 15 de febrero de 2022 en el Berlinale Palást, reconocimiento por su extensa trayectoria.


title: Metro (franquicia)

text: Metro () es una franquicia de novelas y videojuegos, que comenzó con el lanzamiento de la novela de Dmitry Glukhovsky's "Metro 2033" en 2005. Aunque comenzó en Rusia, el proyecto goza de gran popularidad en Polonia, Rumania, Hungría, Ucrania y Alemania. El estudio ucraniano 4A Games había desarrollado cuatro títulos ambientados en el universo: "Metro 2033" (2010), "". (2013), "" (2014) y "Metro Exodus" (2019).


title: Metro (franquicia)

text: Todas las historias de "Metro" que conforman el "Universo de Metro 2033" comparten el mismo escenario: el mundo ficticio de la novela original de Glukhovsky. Aunque sólo describía su propia visión de un post-apocalíptico Moscú, los libros del universo extendido tienen lugar en una gran variedad de áreas diferentes. Entre ellos se encuentran: Moscú, San Petersburgo, Óblast de Leningrado, Nizhny Novgorod, Oblast de Tver, Oblast de Moscú, Península de Kola, Rostov del Don, Samara, Novosibirsk, Yekaterinburgo, y Kaliningrado. Algunos de los libros de la serie están ambientados en otros lugares fuera de Rusia, como Ucrania, Bielorrusia, Reino Unido, Italia, Polonia y Antártida.


title: Metro (franquicia)

text: En 2013 hay una guerra nuclear (la tercera guerra mundial) y la población superviviente de Moscú decide resguardarse en el subsuelo, dentro del metro moscovita distribuyéndose por los kilómetros de estaciones y túneles. Cada estación se ha organizado socialmente con diferentes estructuras de poder como ciudades estado y se mantiene un cierto orden con diferentes alianzas entre ellas.


title: Metro (franquicia)

text: Surgen diferentes grupos o facciones, "Guardianes del Orden", la facción comunista de la "Línea Roja" o los neonazis del Cuarto Reich. En el centro se encuentra la Polis, la cual está formada por cuatro estaciones consideradas la "arteria principal" por su localización y enlaces con otras líneas, y la Hansa, la cual controla las principales estaciones de la Línea Circular y su economía.