title: Historia de la ópera

text: En Estados Unidos fue creciendo la afición por la ópera europea a lo largo del . En 1883 se inauguró la Metropolitan Opera House de Nueva York, el teatro más prestigioso del país, que en 1966 se cambió a un nuevo edificio en el Lincoln Center. En el predominó la ópera italiana, pese a intentos de óperas en inglés como los de George Frederick Barstow ("Rip van Winkle", 1855) y Silas Gamaliel Pratt ("Zenobia, Queen of Palmyra", 1882). En el se fueron introduciendo influencias de músicas populares, especialmente el jazz. Frederick Converse fue autor de "The Pipe of Desire" (1906), la primera ópera estadounidense estrenada en el Metropolitan. Scott Joplin, un músico de color exponente de los ritmos "ragtime", fue autor de la ópera "Treemonisha" (1911). Al año siguiente, Horatio Parker estrenó "Mona", que pasó sin mayor trascendencia.


title: Historia de la ópera

text: Virgil Thomson fue autor de la que se considera la primera gran ópera estadounidense, "Four Saints in Three Acts" (1928), con libreto de Gertrude Stein. Ambos colaboraron de nuevo en "The Mother of Us All" (1947), basada en la vida de la feminista Susan B. Anthony. Su tercera y última ópera fue "Lord Byron" (1972). Henry Kimball Hadley estudió en Boston y Viena, y fue director de la Sinfónica de Seattle. Entre sus óperas se encuentran: "Safie" (1909), "Azora" (1917) y "Cleopatra's Night" (1919). En 1933 estrenó por radio "A Night in Old Paris".


title: Historia de la ópera

text: George Gershwin aunó música clásica con elementos de la música popular estadounidense, especialmente el jazz y el blues. En 1922 estrenó la ópera-jazz "Blue Monday", que no tuvo mucho éxito. Su siguiente proyecto fue "Porgy and Bess" (1935), una ópera-folk que incorporaba ritmos de jazz y blues, con libreto de su hermano, Ira Gershwin, y DuBose Heyward. No fue muy bien recibida inicialmente, aunque con el tiempo fue incrementando su prestigio hasta ser considerada una de las mejores óperas estadounidenses.


title: Historia de la ópera

text: Las actuales repúblicas bálticas tuvieron un período de independencia entre 1918 y 1940, para ser absorbidas entonces por la Unión Soviética, hasta que volvieron a independizarse en 1991. En Estonia, la primera ópera en el idioma local fue "Sabina" (1906), de Artur Lemba. En el período de entreguerras destacó Evald Aav, autor de "Vikerlased" ("Los vikingos", 1928).


title: Historia de la ópera

text: Letonia se encontraba en el ámbito cultural germánico, por lo que predominó esta influencia en el origen de su tradición operística. En 1919 se inauguró la Ópera Nacional de Letonia (Latvijas Nacionālā Opera) en Riga, donde se estrenó en 1920 la ópera letona "Banjuta", de Alfrēds Kalniņš. Su hijo Jānis Kalniņš fue autor de "Hamlet" (1936). Otros exponentes de la ópera letona fueron los hermanos Jānis Mediņš ("Uguns un nakts" ["Fuego y noche"], 1921) y Jāzeps Mediņš ("Vaidelote" ["La vestal"], 1927).


title: Historia de la ópera

text: Lituania, más próxima a Polonia, recibió como esta el influjo inicial de la ópera italiana. En 1922 se fundó el Teatro Nacional Lituano (Lietuvos Tautas Teatras) en Vilnius. La primera ópera lituana fue "Biruta" (1906), de Mikas Petrauskas. Posteriormente destacaron Antanas Račiūnas ("Trys talismanai" ["Tres talismanes"], 1936) y Jurgis Karnavičius ("Gražina", 1932).


title: Historia de la ópera

text: Bulgaria se independizó del Imperio otomano en 1885. En 1908 se fundó el Naroden Teatar (Teatro Nacional) de Sofía. La primera ópera en búlgaro fue "Shiromakhinya" ("La pobre mujer", 1910), de Emanuil Manolov. El principal artífice de la ópera nacional búlgara fue Georgi Atanasov, alumno de Pietro Mascagni en Italia. Fue autor de "Borislav" (1911), "Gergana" (1917), "Zapustyalata vodenitsa" ("El molino abandonado", 1923) y "Tsveta" ("La flor", 1923). Otros exponentes fueron: Ivan Ivanov, autor de "Kamen i Tsena" ("La pirámide de piedra", 1911); Dimitar Hadjigeorgiev ("Takhin Begovitsa", 1911); y Pancho Vladigerov ("Tsar Kalojan", 1936).


title: Historia de la ópera

text: Rumanía se independizó del Imperio otomano en 1878, tras lo que se incorporó a la vida cultural europea. La cercanía del rumano —lengua de origen latino— con el italiano favoreció la difusión de la ópera italiana. Entre los pioneros se encuentra Ciprian Porumbescu, autor de la opereta "Crai nou" ("Luna nueva", 1880). Posteriormente destacaron Nicolae Bretan ("Luceafărul", 1921) y, principalmente, George Enescu, formado en Francia, donde fue alumno de Gabriel Fauré y Jules Massenet. En 1917 compuso su ópera "Œdipe" ("Edipo"), cuyo manuscrito perdió durante un viaje, por lo que tuvo que reescribirla y finalmente la estrenó en la Ópera de París en 1936. Era una obra grandilocuente, que necesitaba tres grupos de timbales y una maquinaria para simular viento.


title: Historia de la ópera

text: Croacia fue parte integrante del Imperio austrohúngaro, hasta que en 1918 se formó el Reino de los Serbios, Croatas y Eslovenos (desde 1929, Yugoslavia). Se independizó en 1991. En 1895 se inauguró el Teatro Nacional de Zagreb. El primer compositor que escribió en su lengua fue Vatroslav Lisinski: "Ljubav i zloba" ("Amor y malicia", 1846). Posteriormente, Krešimir Baranović fue autor de óperas cómicas, como "Nevjesta od Cetingrada" ("La novia de Cetingrada", 1942). Otros autores fueron: Blagoje Bersa ("Der Eisenhammer" ["El martillo de hierro"], 1911; "Der Schuster von Delft" ["El zapatero de Delft"], 1914), Jakov Gotovac ("Ero s onoga svijeta" ["Ero del otro mundo"], 1935) e Ivan Zajc ("Nikola Šubić Zrinjski", 1876).


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text: Eslovenia tuvo la misma evolución histórica que Croacia. En 1892 se fundó la Ópera de Liubliana. La primera ópera en esloveno se debe a Jakob Frančišek Zupan ("Belin", 1782), hoy perdida. A lo largo del algunos compositores eslovenos se dedicaron ocasionalmente a la ópera, con escasos resultados. En la transición con el destacó Risto Savin ("Lepa Vida" ["Hermosa Vida"], 1907).


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text: En Serbia, bajo dominio otomano, no se introdujo la ópera hasta el último cuarto del . Se independizó en 1882, para formar parte tras la Primera Guerra Mundial del Reino de los Serbios, Croatas y Eslovenos, posterior Yugoslavia. En 1894 se fundó el Teatro Nacional (Pozorište Narodno) de Belgrado. El pionero de la ópera serbia fue Petar Konjović ("Koštana", 1931).


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text: Grecia se independizó del Imperio otomano en 1830. Enseguida se establecieron varias compañías italianas y comenzó el gusto por la ópera. En 1888 se fundó la Ópera de Grecia en Atenas, desde 1939 Ópera Real y, actualmente, Ópera Nacional. Un primer pionero en el género fue Spyridon Xyndas, que compuso algunas óperas en italiano y una en griego ("O ypopfisios vouleftis" ["El candidato parlamentario"], 1867). Posteriormente destacaron: Manolis Kalomiris ("O Protomastoras" ["El maestro constructor"], 1916), Dionysios Lavrangas ("Ta dyo adelfia", ["Los dos hermanos"], 1900; "Dido", 1909) y Theophrastos Sakellaridis ("O Vaftistikos" ["El ahijado"], 1918).


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text: En el Imperio otomano (actual Turquía) hubo presencia de compañías italianas desde finales del . La primera ópera turca se estrenó en el Volksoper de Viena en 1918: "Kenan çobanları", de Vedî Sabra. Con el proceso de europeización iniciado por Kemal Atatürk en los años 1920, la ópera tuvo una mayor difusión en el país: en 1929 se estrenó "Köyde bir facia", de Cemal Reşit Rey; en 1934, Ahmet Adnan Saygun recibió un encargo oficial para una ópera por la visita del shah de Persia, para la que compuso "Özsoy".


title: Historia de la ópera

text: En Armenia, cuyo territorio estuvo repartido entre Turquía y Rusia, la ópera gozó de gran popularidad. La primera ópera armenia fue debida a Tigran Chukhacheán ("Arshak Erkrod", 1868). Posteriormente destacaron Armen Tigranian ("Anusha", 1912) y Alexander Spendiaryan ("Almast", 1928).


title: Historia de la ópera

text: En Georgia, a mediados del se introdujo la ópera italiana. El primer compositor georgiano de cierto renombre fue Meliton Balanchivadze, autor de "Daredžan Tsviery" ("Daredžan la astuta", 1898). Posteriormente destacaron Zakharia Paliashvili ("Abesalom da Eteri", 1919) e Iona Tuskiya, autor de "Rodina" ("Patria", 1939).


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text: En Azerbaiyán existía un género tradicional de música cantada, el "mugam". La ópera se introdujo a finales del : se considera la primera ópera azerí "Leyli y Medzhnun" (1908), de Uzeyir Hajibeyov. En 1910 se inauguró el Teatro Taghiyev (actual Teatro de Ópera y Ballet Académico Estatal de Azerbaiyán) de Bakú, que promocionó la ópera local, liderada por Müslüm Maqomayev ("Shah Ismail", 1919).


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text: En Portugal, durante el predominó la ópera italiana, con escasas producciones locales. En 1793 se inauguró el Teatro São Carlos de Lisboa. El primer compositor destacado fue José Augusto Ferreira Veiga ("L'elisir di giovinezza", 1876; "Dina la derelitta", 1885). En un tardorromanticismo destacó Alfredo Keil ("Dona Branca", 1883; "Irene", 1893; "Serrana", 1899).


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text: En España no se puede hablar de nacionalismo propiamente dicho: no se reivindicó una nacionalidad española frente a un dominador extranjero, no se afirmaron identidades patrias o esencias culturales perdidas, no se buscaron fórmulas del pasado, no se recurrió a las leyendas populares ni al folclore tradicional. Sí se recurrió en cambio a las diversas modalidades regionales de la música popular (andaluza, asturiana, aragonesa, catalana, vasca, gallega), aunadas a una cierta influencia orientalista de moda en Europa y que aquí se consideraba como más genuina por el pasado andalusí de la península ibérica. Durante prácticamente la primera mitad del siglo continuó la influencia de la ópera italiana, especialmente la rossiniana. Algunos compositores siguieron esa línea, como Baltasar Saldoni e Hilarión Eslava. En 1832 se inauguró el Teatro Principal de Valencia, en 1847 el Gran Teatro del Liceo de Barcelona y, en 1850, el Teatro Real de Madrid.


title: Historia de la ópera

text: El pionero de la ópera en España fue Felipe Pedrell, uno de los padres —con Francisco Asenjo Barbieri— de la musicología moderna española. En sus primeras obras, algunas de ellas en italiano, mostró la influencia de la ópera italiana, como en "L'ultimo abenzerraggio" ("El último abencerraje", 1874), "Quasimodo" (1875) y "Cleopatra" (1878). Más tarde denotó la influencia wagneriana: "I Pirinei" ("Los Pirineos", 1902), "La Celestina" (1904).


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text: Otros pioneros fueron Ruperto Chapí y Tomás Bretón. Chapí estudió en París gracias a una beca conseguida tras componer la ópera breve "Las naves de Cortés" (1874). En 1876 estrenó en el Teatro Real "La hija de Jefté". Desde entonces se dedicó sobre todo a la zarzuela, pero aún compuso varias óperas, como "Roger de Flor" (1878), "Circe" (1902) y "Margarita la tornera" (1909). Bretón estudió en Italia y Viena. Se inició con la ópera corta "Guzmán el Bueno" (1878), a la que siguieron "Los amantes de Teruel" (1889), "Garín" (1892), "La Dolores" (1895) y "Raquel" (1900). En algunas de sus obras introdujo música folclórica española, como una sardana en "Garín" y una jota en "La Dolores".


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text: Entre los grandes compositores del período se encuentran Isaac Albéniz, Enrique Granados y Manuel de Falla. Albéniz se inició en la zarzuela, hasta que firmó un contrato con un banquero inglés para escribir óperas, fruto del cual fueron "The Magic Opal" (1893), "Henry Clifford" (1895), "Pepita Jiménez" (1896) y "Merlin" (1897-1902), esta última sobre un ciclo basado en el rey Arturo del que solo efectuó este primer título. Granados alcanzó la fama con sus piezas para piano. En 1898 estrenó su ópera "María del Carmen", cercana a la zarzuela. Posteriormente, adaptó varias composiciones para piano en su ópera "Goyescas" (1916), que estrenó en el Metropolitan de Nueva York. Falla, uno de los mejores compositores españoles modernos, aunó el nacionalismo musical —con cierta influencia del noruego Edvard Grieg— con el impresionismo, que conoció en una estancia en Francia. Aunque no se prodigó mucho en la ópera dejó dos obras notables: "La vida breve" (1913) y "El retablo de Maese Pedro" (1923). Inició una adaptación de "La Atlántida" de Jacinto Verdaguer, que finalizó Ernesto Halffter y fue estrenada en 1962 como "Atlántida".


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text: Otros exponentes fueron: Enric Morera, que se inició en la ópera con "La fada" (1897), de estilo wagneriano. En 1906 estrenó dos obras en el Liceo de Barcelona, "Bruniselda" y "Emporium", a las que siguieron "Titaina" (1912) y "Tassarba" (1916). Amadeo Vives fue alumno de Pedrell y, junto con Lluís Millet, fundador del Orfeón Catalán. En 1897 estrenó su primera ópera, "Artús", a la que siguieron "Euda d'Uriac" (1900), "Colomba" (1910), "Maruxa" (1914) y "Balada de Carnaval" (1919). Jesús Guridi fue profesor de órgano en el Conservatorio de Madrid. Compuso dos óperas: "Mirentxu" (1910, en euskera) y "Amaya" (1920). Jaume Pahissa, alumno de Enric Morera, escribió varias óperas en catalán, como "Gal·la Placídia" (1913), "La morisca" (1919), "Marianela" (1923) y "La princesa Margarida" (1928). Joaquín Turina conoció a Falla y Albéniz en París, por cuya influencia se orientó hacia la música nacional española, con cierta influencia impresionista. Su ópera más relevante es "Jardín de Oriente" (1923).


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text: Cabe citar también a: Conrado del Campo ("Fantochines", 1923; "Lola, la piconera", 1950), Óscar Esplá ("La bella durmiente", 1909), Joan Lamote de Grignon ("Hesperia", 1907), Juan Manén ("Giovanna di Napoli", 1903; "Acté", 1904), Manuel Penella Moreno ("El gato montés", 1917; "Don Gil de Alcalá", 1932), Emilio Serrano ("Doña Juana la Loca", 1890; "Irene de Otranto", 1891) y Eduard Toldrà ("El giravolt de maig", 1928).


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text: En este siglo resurgió de nuevo la zarzuela, recuperada por el nuevo gusto romántico y el resurgir nacionalista. En 1856, un grupo de compositores formado por Francisco Asenjo Barbieri, Joaquín Gaztambide, José Inzenga, Rafael Hernando y Cristóbal Oudrid creó la Sociedad Artística para promocionar el género e impulsaron la creación del Teatro de la Zarzuela en Madrid (1856). Se diferenció entonces en «género grande» y «género chico», el primero dividido en tres actos y el segundo compuesto por uno solo. Incluía partes cantadas y habladas, así como bailes populares, con una temática generalmente de tipo costumbrista —especialmente casticista— y tendencia cómica. Se desarrolló especialmente en el tercer cuarto del siglo, la época del «género grande», obras en tres actos con influencia del "buf parisien" francés. Entre sus exponentes se encuentran: Cristóbal Oudrid ("Buenas noches, señor don Simón", 1852; "El postillón de La Rioja", 1856), Emilio Arrieta ("El grumete", 1853; "Marina", 1855; "La suegra del Diablo", 1867; "Las fuentes del Prado", 1870), Joaquín Gaztambide ("Catalina", 1854; "Los magiares", 1857; "El juramento", 1858), Francisco Asenjo Barbieri ("Los diamantes de la corona", 1854; "Pan y toros", 1864; "El barberillo de Lavapiés", 1874; "El diablo cojuelo", 1878) y Ruperto Chapí ("La tempestad", 1883; "La bruja", 1887; "El rey que rabió", 1891).


title: Historia de la ópera

text: Hacia finales de siglo estuvo más de moda el «género chico», obras de un acto, con más recitativo, con cierta influencia de la opereta vienesa. Cabe destacar a: Tomás Bretón ("La verbena de la Paloma", 1884), Federico Chueca ("La Gran Vía", 1886; "El año pasado por agua", 1889; "Agua, azucarillos y aguardiente", 1897), Ruperto Chapí ("La Revoltosa", 1897; "El puñao de rosas", 1902), Manuel Fernández Caballero ("El dúo de La africana", 1893; "Gigantes y cabezudos", 1898), Gerónimo Giménez ("El baile de Luis Alonso", 1896; "La boda de Luis Alonso", 1897; "La tempranica", 1900), Amadeo Vives ("La balada de la luz", 1900; "Bohemios", 1903; "Doña Francisquita", 1923), José Serrano Simeón ("La Reina mora", 1903; "Moros y cristianos", 1905; "La canción del olvido", 1916; "Los claveles", 1929; "La dolorosa", 1930), Vicente Lleó Balbastre ("La corte de Faraón", 1910), Pablo Luna ("Molinos de viento", 1910; "Los cadetes de la reina", 1913; "El asombro de Damasco", 1916; "El niño judío", 1918), José María Usandizaga ("Las golondrinas", 1914), Francisco Alonso ("La linda tapada", 1924; "Las Leandras", 1931), Jacinto Guerrero ("Los gavilanes", 1923; "El huésped del sevillano", 1926; "La rosa del azafrán", 1930), José Padilla Sánchez ("La bien amada", 1924), el tándem Juan Vert-Reveriano Soutullo ("La leyenda del beso", 1924; "La del Soto del Parral", 1927; "El último romántico", 1928), Jesús Guridi ("El caserío", 1926; "La meiga", 1928; "Peñamariana", 1944), Federico Moreno Torroba ("Luisa Fernanda" (1932) y Pablo Sorozábal ("La del manojo de rosas", 1934; "La tabernera del puerto", 1936; "La eterna canción", 1945; "Los burladores", 1948; "La ópera del mogollón", 1954). Cabe mencionar también "Cançó d'amor i de guerra" (1926), de Rafael Martínez Valls, zarzuela escrita en catalán.


title: Historia de la ópera

text: Tras la Guerra Civil Española, la zarzuela fue decayendo, hasta su práctica desaparición en los años 1960. Hoy día se siguen representando los clásicos del género, pero no existe nueva producción.


title: Historia de la ópera

text: La ópera latinoamericana vivió a lo largo del tiempo una paulatina evolución: durante la época colonial se representaban óperas italianas o españolas; tras la independización de las colonias empezaron a producirse obras autóctonas, pero que seguían las reglas de la ópera italiana; con el tiempo se fueron añadiendo elementos locales, generalmente de aire folclórico o popular; por último, empezaron a producirse obras de carácter universal.


title: Historia de la ópera

text: En Argentina, la ópera fue llevada por compañías italianas, tras la independencia del país. En 1857 se abrió el Teatro Colón de Buenos Aires. Uno de los primeros compositores locales fue Arturo Berutti, autor de "Pampa" (1897) y "Yupanqui" (1899). En 1908, Héctor Panizza tuvo un gran éxito con "Aurora". En 1916, Felipe Boero compuso "Tucumán" para conmemorar el centenario de la independencia; otra obra suya fue "El Matrero" (1929), considerada la ópera nacional argentina. Otros autores fueron: Pascual De Rogatis ("Huémac", 1916), Constantino Vicente Gaito ("Petronio", 1919; "Ollantay", 1926), Floro Ugarte ("Saika", 1920) y Athos Palma ("La novia del hereje", 1935).


title: Historia de la ópera

text: En Brasil, cuando la corte portuguesa se trasladó al nuevo continente en 1808, a causa de la invasión napoleónica, llevó el gusto por la ópera italiana. Poco a poco fueron surgiendo compositores locales, entre los que destaca Carlos Gomes, el primer compositor latinoamericano que triunfó en Europa ("Joana de Flandres", 1863; "Il Guarany", 1870; "Salvator Rosa", 1874; "Maria Tudor", 1878; "Lo Schiavo", 1889), que, sin embargo, escribió en italiano, con un estilo tardoverdiano. Los primeros intentos en portugués fueron de compositores como Francisco Braga ("O contractador de diamantes", 1901) y Oscar Lorenzo Fernández ("Malazarte", 1921).


title: Historia de la ópera

text: En Colombia, la primera producción fue "Ester" (1874), de José María Ponce de León. En Chile, "Telésfora" (1841), de Aquinas Ried.


title: Historia de la ópera

text: Cuba se inició en la tradición operística siendo colonia española. A lo largo del triunfó sobre todo la ópera italiana. En 1875, Laureano Fuentes Matons compuso la primera ópera cubana, "La hija de Jefté". Posteriormente cabe citar a Ignacio Cervantes ("Los Saltimbanquis", 1899) y Eduardo Sánchez de Fuentes ("El náufrago", 1901). También hubo compositores de zarzuelas, como Ernesto Lecuona ("María la O", 1930; "El cafetal", 1930) y Eliseo Grenet ("Niña Rita", 1927; "La virgen morena", 1928).


title: Historia de la ópera

text: En Guatemala, se introdujo la ópera italiana a inicios del . En 1859 se inauguró el Teatro Carrera, posteriormente llamado Nacional y, desde 1886, Colón. La primera ópera local fue "La mora generosa" (1850), de José Escolástico Andrino. Ya en el destacó Jesús Castillo ("Quiché Vinak", 1924).


title: Historia de la ópera

text: México tenía una tradición operística desde su pasado colonial: ya en el se produjo una ópera mexicana, "La Parténope" (1711), de Manuel de Sumaya. La tradición operística se centró en Ciudad de México (Palacio de Bellas Artes, inaugurado en 1934) y ciudades como Guanajuato y Guadalajara. En los inicios del predominó la ópera italiana, hasta que en la segunda mitad surgieron las primeras producciones locales con autores como Melesio Morales ("Romeo y Julieta", 1863; "Ildegonda", 1866; "Gino Corsini", 1877), Aniceto Ortega ("Guatemotzin", 1871), Felipe Villanueva ("Keofar", 1892), Ricardo Castro ("Atzimba", 1900) y Gustavo Campa ("El rey poeta", 1901).


title: Historia de la ópera

text: En Perú, en el se siguió de cerca la vida cultural europea. La primera ópera del país fue "Atahualpa" (1875), del italiano Carlo Enrico Pasta. Posteriormente destacaron José María Valle Riestra ("Ollanta", 1900) y Ernesto López Mindreau ("Nueva Castilla", 1926).


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text: En Uruguay, se abrió en 1856 el Teatro Solís de Montevideo, el principal centro operístico del país. Entre sus compositores cabe citar a: Tomás Giribaldi ("La Parisina", 1878), Alfonso Broqua ("Tabaré", 1888), León Ribeiro ("Colón", 1892; "Liropeya", 1912), Manuel M. Ponce ("El patio florido", 1913) y Carlos Pedrell ("Ardid de amor", 1917; "La guitarra", 1924).


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text: En Venezuela, cabe citar a: José Ángel Montero ("Virginia", 1873) y Reynaldo Hahn ("Le Marchand de Venise", 1935).


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text: El verismo italiano —también conocido como Giovane Scuola (Joven Escuela)— buscaba reflejar la realidad, con argumentos más populares, en ambientes rurales y proletarios, donde los protagonistas eran personajes corrientes. Este movimiento surgió de la literatura naturalista iniciada en Francia por Émile Zola, que tuvo como exponentes en Italia a Giovanni Verga y Luigi Capuana. Los compositores veristas denotaron la influencia de Verdi y Wagner, aunque rompieron con la tradición romántica. La música era continua, transcompuesta al estilo wagneriano, sin "cabaletta" y con arias sin norma fija. Eliminaron las oberturas, pero añadieron "intermezzi", de una vistosa orquestación de tono dramático. La voz se llevaba al límite de sus posibilidades expresivas. En el verismo se llegó incluso a otorgar papeles protagonistas a villanos y personajes reprobables, como asesinos, proxenetas, prostitutas y otros personajes de baja extracción. Sin embargo, con el tiempo, el mensaje didáctico que pretendía transmitir el verismo derivó en argumentos sensacionalistas, que junto a una orquestación colorista y efectista reflejaron los nuevos gustos del público.


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text: El inicio del éxito del verismo fue con dos óperas: "Cavalleria rusticana" de Pietro Mascagni y "Pagliacci" de Ruggero Leoncavallo. Mascagni trabajó como director de orquesta con varias compañías por toda Italia hasta que en 1888 se presentó a un concurso musical convocado por el editor Edoardo Sanzogno con la ópera de un acto "Cavalleria rusticana" (estrenada en 1890), con la que ganó el concurso y cosechó un enorme éxito. Basada en una obra de Giovanni Verga, destacó por sus personajes corrientes movidos por violentas pasiones. No repitió tanto éxito con sus siguientes obras: "L'amico Fritz" (1891), "I Rantzau " (1893) y "Guglielmo Ratcliff" (1895). Leoncavallo compuso su primera ópera a los diecinueve años ("Chatterton", 1876). Tras un encargo del editor Giulio Ricordi, emprendió una trilogía al estilo wagneriano, que no llegó a completar. Tras un tiempo en que se dedicó sobre todo a la escritura, el éxito de "Cavalleria rusticana" le animó de nuevo y compuso su mayor éxito, "Pagliacci" (1892), una historia trágica sobre cuatro actores ambulantes, con libreto escrito por él mismo. Sus siguientes obras no tuvieron tanto éxito: "I Medici" (1893), "La bohème" (1897) y "Zazà" (1900).


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text: El compositor más destacado de esta corriente fue Giacomo Puccini. Alumno de Ponchielli, tenía un gran instinto para las melodías sugerentes y los argumentos apasionados, así como para aunar en perfecta armonía la música y el drama, siempre con la voz como eje central de su composición. Admirador de Wagner, utilizó el "leitmotiv" en varias de sus obras. Tuvo un primer éxito con "Le Villi" ("Las Willis", 1884), pero por diversos motivos se retrasó su siguiente trabajo operístico, "Edgar" (1889), que no fue bien acogida. Sí obtuvo un gran éxito con "Manon Lescaut" (1893), que le proporcionó fama y fortuna. En colaboración con los libretistas Giuseppe Giacosa y Luigi Illica creó sus tres óperas más relevantes: "La Bohème" (1896), "Tosca" (1900) y "Madama Butterfly" (1904). La primera, sobre la vida bohemia parisina, mezclaba tragedia, pasión y humor, junto con una música seductora que gustó en gran medida al público. "Tosca" presentó un argumento igualmente trágico potenciado por disonancias musicales y retorcidas armonías, con uno de los papeles femeninos más complejos esbozados hasta entonces. Su aria "E lucevan le stelle" es una de las más famosas de la ópera, también conocida como el «adiós a la vida». "Madama Butterfly" está ambientada en Japón, en consonancia con el gusto exótico de la época. Aunque en su estreno no fue bien acogida, con el tiempo se ha valorado su colorido tonal y lenguaje armónico. Incluye la famosa aria "Un bel dì, vedremo".


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text: En 1910 estrenó en Nueva York "La fanciulla del West" ("La chica del oeste"). Tras "La rondine" ("La golondrina", 1917), su siguiente proyecto fue "Il trittico" ("El tríptico"), un conjunto de tres óperas para ser representadas en una única sesión: "Il tabarro" ("El tabardo"), "Suor Angelica" y "Gianni Schicchi" (1918). Su última ópera fue "Turandot", en la que trabajó entre 1920 y el año de su fallecimiento (1924), y que fue finalizada por Franco Alfano y estrenada en 1926. En esta obra sintetizó su estilo musical: conjunción de drama y música, personajes reales de gran fuerza emotiva y música de gran intensidad sinfónica. Incluye la famosa aria "Nessun dorma".


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text: Otros destacados compositores del verismo fueron Umberto Giordano, Alfredo Catalani y Francesco Cilea. Giordano se inició en el concurso de Sanzogno con la ópera de un acto "Marina" (1889). Le siguieron "Mala vita" (1892) y "Regina Diaz" (1894). Logró su mayor éxito con "Andrea Chénier" (1896), con libreto de Luigi Illica. Repitió éxito con "Fedora" (1898), a la que siguieron una serie de fracasos, hasta que renovó fama con "La cena delle beffe" ("La cena de las burlas", 1924). Catalani evolucionó desde una primera influencia wagneriana hacia el verismo. Su primera ópera, "La falce" (1875), fue con libreto de Arrigo Boito. Vino a continuación "Elda" (1880), transformada diez años después en "Loreley". Su mayor éxito fue "La Wally" (1892), de estilo germanizante, con libreto de Luigi Illica. Cilea abandonó el Derecho por la música. Consiguió un primer éxito con "Gina" (1889), a la que siguieron "La tilda" (1892), "L'arlesiana" (1897) y su obra maestra, "Adriana Lecouvreur" (1902), una mezcla de tragedia y comedia, en la que combinó verismo con cierto belcantismo.


title: Historia de la ópera

text: Otros exponentes fueron: Franco Alfano ("Risurrezione", 1904), Alberto Franchetti ("Cristoforo Colombo", 1892; "Germania", 1902), Franco Leoni ("L'oracolo", 1905; "Francesca da Rimini", 1914), Giacomo Orefice ("Chopin", 1901; "Il Mosè", 1905) y Antonio Smareglia ("Nozze istriane", 1895; "La Falena", 1897).


title: Historia de la ópera

text: Cercano al verismo, pero de estilo más personal se sitúa Ermanno Wolf-Ferrari. Alumno de Arrigo Boito, fue un compositor inconstante, que parecía no encontrar un estilo propio. Hizo obras veristas, así como óperas serias y cómicas, entre las que destacan: "Cenerentola" (1900), "Le donne curiose" (1903), "I quatro rusteghi" (1906), "Il segreto di Susanna" (1909) y "L'amore medico" (1913), que no han perdurado en el repertorio operístico.


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text: En los años 1910 este estilo evolucionó hacia un llamado posverismo, caracterizado por la fuerte influencia del escritor Gabriele D'Annunzio y una mayor vinculación al nacionalismo italiano. En esta corriente destacaron Italo Montemezzi y Riccardo Zandonai. El primero, compositor y director de orquesta en buena parte autodidacta, tuvo un gran éxito con sus dos primeras óperas, "Giovanni Gallurese" (1905) y "L'amore dei tre re" (1913). Posteriormente realizó "La nave" (1918), "La notte di Zoraima" (1931) y "L'incantesimo" (1943). Zandonai llamó la atención del editor Ricordi con "La coppa del re" (1907), por lo que le encargço una ópera, "Il grillo del focolare" (1908), sobre un cuento de Dickens. Su primer gran éxito fue "Francesca da Rimini" (1914), basada en un episodio de la "Divina Comedia" de Dante. Desarrolló un estilo más original en "Giulietta e Romeo" (1922), a la que siguió "I cavalieri di Ekebù" (1925). Dejó inacabada su última ópera, "Il bacio". Cabe mencionar también a Alfredo Casella, un compositor de estilo cosmopolita que recibió también la influencia del posromanticismo y el impresionismo, autor de "La donna serpente" (1929).


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text: Fuera de Italia, la influencia verista se denota en la obra del francés Gustave Charpentier. Fue alumno de Massenet y, en 1887, ganó el premio de Roma. Fue en esa ciudad donde se contagió del ambiente verista y compuso su ópera más famosa, "Louise" (1900), la historia de amor de dos jóvenes de Montmartre, con libreto de Saint-Pol-Roux. También en Francia, Alfred Bruneau musicalizó varios textos de Émile Zola, como "Le rêve" (1891), "L'Attaque du moulin" (1893), "Messidor" (1897), "L'Ouragan" (1901) y "L'Enfant roi" (1905). Henry Février fue autor de "Monna Vanna" (1909), sobre un texto de Maurice Maeterlinck, una obra semiverista de inspiración simbolista.


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text: En Alemania, Eugen d'Albert fue un prolífico compositor, autor de unas veinte óperas, entre las que destacan "Die Abreise" ("El viaje de partida", 1898) y "Tiefland" (1903), esta última basada en "Tierra baja" de Ángel Guimerá.


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text: El checo Josef Bohuslav Foerster se inició en un estilo verista con sus dos primeras óperas: "Debora" (1893) y "Eva" (1899). Posteriormente fue autor de "Jessika" (1905), basada en "El mercader de Venecia" de Shakespeare, así como "Nepřemožení" ("Los invencibles", 1919), "Srdce" ("El corazón", 1923) y "Bloud" ("El tontorrón", 1936).


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text: El griego Spyridon Samaras fue autor de óperas en italiano de estilo verista: "La martire" (1894), "La furia domata" (1895), "Rhea" (1908).


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text: Entre finales del y principios del se dio el posromanticismo, que como su nombre indica fue una evolución del Romanticismo en base a premisas más modernas, pero manteniendo el mismo espíritu que caracterizó ese movimiento. La principal influencia de este estilo fue la de Wagner, por lo que a veces también se le llama poswagnerismo.


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text: Su principal representante fue Richard Strauss, que destacó por su creatividad armónica y su dominio de la orquestación. Por influencia de Wagner se inició en la ópera con "Guntram" (1894) y "Feuersnot" ("La necesidad de fuego", 1901), que fracasaron. En cambio, gozó del favor del público con "Salome" (1905), basada en la obra homónima de Oscar Wilde, pese al escándalo provocado por la carga erótica del argumento. Desde entonces inició una colaboración con el dramaturgo austríaco Hugo von Hofmannsthal, quien escribió la mayoría de sus libretos. Su primera obra conjunta fue "Elektra" (1909), a la que siguieron "Der Rosenkavalier" ("El caballero de la rosa", 1911), "Ariadne auf Naxos" ("Ariadna en Naxos", 1912), "Die Frau ohne Schatten" ("La mujer sin sombra", 1919), "Die ägyptische Helena" ("La Helena egipcia", 1928) y "Arabella" (1933). Posteriormente contó con Stefan Zweig para "Die schweigsame Frau" ("La mujer silenciosa", 1935) y con Joseph Gregor para "Friedenstag" ("Día de paz", 1938), "Daphne" (1938) y "Die Liebe der Danae" ("El amor de Dánae", 1940). Su última ópera fue "Capriccio" (1942). En estas obras introdujo un nuevo lenguaje armónico que traspasaba los límites tonales tradicionales, con sonidos pasionales que podían incluir gritos y otros sonidos guturales, con lo que anticipó el posterior expresionismo.


title: Historia de la ópera

text: Otros exponentes fueron Engelbert Humperdinck, Alexander von Zemlinsky y Hans Pfitzner. Humperdinck fue un estudiante dotado, que en 1881 conoció a Wagner, quien lo tomó como ayudante para la producción de "Parsifal". Sin embargo, su producción se orientó hacia una línea más sencilla, como en "Hänsel und Gretel" (1893), su primera y más exitosa ópera, basada en el cuento de los hermanos Grimm. Escogió los mismos autores para su siguiente proyecto, "Die sieben Geißlein" ("Los siete niños", 1898), que no tuvo tanto éxito. Tras varios fracasos más, triunfó con "Königskinder" ("Los hijos del rey", 1910), de estilo más wagneriano. Zemlinsky se dedicó a la ópera tanto como compositor como director de orquesta. Su primer éxito fue "Es War Einmal" ("Érase una vez", 1899), que representó Gustav Mahler en la Hofoper de Viena. En 1906 compuso "Der Traumgörge" ("Görge el soñador"), que no se estrenó hasta cuarenta años más tarde. Le siguieron sus dos mayores éxitos, "Eine florentinische Tragödie" ("Una tragedia florentina", 1917) y "Der Zwerg" ("El enano", 1922), ambas de un solo acto. En 1932, "Der Kreidekreis" ("El círculo de tiza") fue prohibida por los nazis, tras lo que se exilió a Estados Unidos, donde murió en el anonimato. Pfitzner recibió la influencia de Schumann y Wagner, perceptible en sus primeras óperas: "Der arme Heinrich" ("Pobre Heinrich", 1893) y "Die Rose vom Liebesgarten" ("La rosa del jardín del amor", 1900). Su mayor éxito fue "Palestrina" (1917), una obra de gran envergadura sobre la posición del artista en la sociedad. Sus siguientes obras, "Von deutscher Seele" ("Del alma alemana", 1921) y "Das dunkle Reich" ("El reino oscuro", 1929), expresaron sus ideas sobre una música alemana «pura».


title: Historia de la ópera

text: El austríaco Erich Wolfgang Korngold fue considerado un niño prodigio, y despertó la admiración de Mahler, Puccini y Strauss. Sus primeras óperas fueron "Der Ring des Polykrates" ("El anillo de Polícrates", 1916), "Violanta" (1916) y "Die Tote Stadt" ("La ciudad muerta", 1920), de un romanticismo tardío. "Das Wunder der Heliane" ("El milagro de Heliane", 1927) fue una obra de cierto erotismo con una partitura concebida en escala épica que crea una gran dificultad para los intérpretes. Con la instauración del Anschluss en 1938, emigró a Estados Unidos, donde compuso bandas sonoras de películas y ganó dos Oscars.


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text: En el ámbito germánico cabe citar también a: Wilhelm Kienzl ("Der Evangelimann" ["El evangelista"], 1895), Max von Schillings ("Moloch", 1900; "Mona Lisa", 1915), Siegfried Wagner —hijo de Richard Wagner— ("Der Bärenhäuter" ["La piel de oso"], 1899; "Der Kobold" ["El duende"], 1904; "Der Schmied von Marienburg" ["El herrero de Marienburg"], 1923) y Hugo Wolf ("Der Corregidor", 1895).


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text: El británico Rutland Boughton intentó establecer un «wagnerismo a la inglesa», con óperas como "The Immortal Hour" (1922), "Alkestis" (1922), "The Queen of Cornwall" (1924) y "The Lily Maid" (1934). De igual manera, Joseph Holbrooke pretendió trasladar a la mitología celta el universo wagneriano, a través de la trilogía "The Cauldron of Annwyn" ("La caldera de Annwyn", 1912-1929), formada por "The Children of Don" (1912), "Dylan, Son of the Wave" (1914) y "Bronwen" (1929).


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text: En Francia, Gabriel Fauré mostró una clara influencia wagneriana en su ópera "Pénélope" (1913). Jean Nouguès fue autor de "Quo Vadis?" (1909), sobre la novela de Henryk Sienkiewicz, una obra de una ambiciosa puesta en escena que incluía animales de circo.


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text: En Italia, Luigi Mancinelli mostró un estilo claramente wagneriano, aunque con un componente más cosmopolita, no tan germanizado como el de otros seguidores del compositor alemán. Sus dos mejores obras fueron "Ero e Leandro" (1897) y "Paolo e Francesca" (1907).


title: Historia de la ópera

text: Al igual que su homólogo pictórico, el impresionismo surgió en Francia, con un afán modernizador de la concepción musical, que se desarrolló entre finales del e inicios del . Como en pintura, se pretendía captar las sensaciones que al artista producía el mundo circundante, con una base de realidad, pero interpretada de forma subjetiva. Influido igualmente por la poesía simbolista (Verlaine, Baudelaire, Mallarmé), buscaban un nuevo lenguaje enfrentado tanto al purismo formal del clasicismo como a la violencia pasional del Romanticismo. Para ello, Claude Debussy, su principal representante, recurrió a una escala de tonos no utilizada hasta entonces, los tonos enteros e intervalos complejos de la novena en adelante, así como intervalos de cuartas y quintas paralelas.


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text: Claude Debussy inició varios proyectos operísticos que dejó inacabados —un par sobre historias de Edgar Allan Poe y uno sobre el Cid titulado "Rodrigue et Chimène"—, hasta que encontró un proyecto que le fascinó: "Pelléas et Mélisande" (1902), sobre una obra de Maurice Maeterlinck. Fue sú única ópera, pero una obra maestra. Pese a su argumento sencillo —una rivalidad amorosa entre dos hermanos y una joven—, Debussy creó una obra profunda y conmovedora, evocadora y sugerente, que aún resulta novedosa hoy día. Con esta obra inició el género de la «ópera literaria» ("Literaturoper"), un tipo de ópera basada en textos literarios respetados en su integridad que, si bien pueden ser reducidos, no pueden ser alterados en su esencia, y que son declamados al estilo de la "opéra dialogué" rusa y presentados con forma transcompuesta.


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text: En Francia destacaron también Maurice Ravel y Paul Dukas. Ravel fue un convencido antiwagneriano, que buscó afanosamente un estilo propio. Era muy meticuloso e inconformista en su trabajo, por lo que revisaba continuamente sus obras, lo que explica su escasa producción. De madre vasca, sentía gran atracción por la cultura española, lo que se denota en su primera ópera, "L'heure espagnole" ("La hora española", 1911), una obra cómica de un solo acto, con efectos sonoros de máquinas y relojes. Su siguiente ópera fue "L'enfant et les sortilèges" ("El niño y los sortilegios", 1925), con libreto de Colette. Dukas acusó inicialmente la influencia wagneriana, como se denota en "Horn et Riemenhild" (1892) y "L'arbre de science" (1899), que dejó inacabadas. Solo completó una ópera, "Ariane et Barbe-bleu" ("Ariadna y Barbazul", 1907), basada en el texto de Maurice Maeterlinck, donde mezcló el cromatismo wagneriano con la escala pentatónica utilizada por Debussy.


title: Historia de la ópera

text: El italiano Ottorino Respighi intentó compaginar el impresionismo con la música tradicional, especialmente la barroca. Sus dos primeras óperas fueron de género cómico: "Re Enzo" (1905) y "Semirâma" (1910). Posteriormente realizó "Belfagor" (1923), "La campana sommersa" (1927), "La Fiamma" (1934) y "Lucrezia" (1937).


title: Historia de la ópera

text: El británico Frederick Delius se acercó al impresionismo partiendo de la influencia wagneriana. Solo se dedicó a la ópera en los inicios de su carrera: "Koanga" (1904), "A Village Romeo and Juliet" (1907), "Fennimore and Gerda" (1919).


title: Historia de la ópera

text: El suizo Ernest Bloch aunó la influencia de Debussy con la de Richard Strauss. Realizó una única ópera, "Macbeth" (1910). En 1916 emigró a Estados Unidos, donde empezó una ópera que dejó inacabada, "Jezabel".


title: Historia de la ópera

text: En el cambio de siglo destacaron a nivel vocal: Mattia Battistini, barítono italiano de voz aguda y cristalina, ajustada a lo que en la época se denominaba "baritenor"; Enrico Caruso, tenor italiano, uno de los más famosos de todos los tiempos, con un tono flexible que le permitía una gran variedad de papeles; Fiódor Chaliapin, bajo ruso que representó tanto el repertorio de su país como a Rossini, Bellini y Verdi; Emmy Destinn, soprano checa que destacó en papeles de Puccini y Strauss; Geraldine Farrar, soprano estadounidense con gran presencia en el escenario; igual nacionalidad tuvo la soprano Mary Garden, que destacó en el papel protagonista de "Pelléas et Mélisande" de Debussy; Hipólito Lázaro, tenor español de repertorio verista; Victor Maurel, barítono francés admirado por Verdi, quien le dio varios papeles; Nellie Melba, soprano australiana de gran virtuosismo; Claudia Muzio, soprano italiana que destacó en papeles trágicos, principalmente en óperas veristas; Elisabeth Schumann, soprano alemana de voz aguda y delicada, intérprete de Mozart, Wagner y Strauss; Francisco Viñas, tenor español de amplio registro que tanto podía cantar de tenor lírico como heroico; y Giovanni Zenatello, tenor italiano de gran facilidad para el registro más alto.


title: Historia de la ópera

text: En el se produjo una gran revolución en la música, motivada por los profundos cambios políticos y sociales acaecidos durante la centuria. El interés transformador, experimental y renovador de las vanguardias artísticas se tradujo en un nuevo lenguaje musical, al tiempo que se produjo una renovación técnica motivada por la aparición de nuevas tecnologías, como la música electrónica. Todo ello se tradujo en nuevos métodos compositivos y nuevas gamas sonoras, que se fueron adaptando a los nuevos movimientos musicales que se fueron sucediendo en el transcurso del siglo. La nueva música compuesta en esta centuria rompió radicalmente con el pasado y buscó un lenguaje nuevo, rompiendo el esquema del discurso musical tradicional: si era necesario, se rompía la armonía, la melodía, la tonalidad. Numerosas de estas innovaciones causaron desconcierto, especialmente la atonalidad, en un público acostumbrado a una jerarquía de notas donde dominaba una nota fundamental; en la atonalidad, cada nota tiene igual relevancia que las demás. Por ello, la música contemporánea no ha gozado de un gran éxito de público y se ha visto circunscrita numerosas veces a un círculo cerrado de intelectuales.


title: Historia de la ópera

text: La ópera en el mantuvo vigente el repertorio anterior, que se continuó representando con éxito en los mejores teatros y auditorios del mundo, mientras que, a nivel productivo, si bien existió una copiosa y excelente producción, las innovaciones producidas en este terreno no gozaron de gran éxito entre el público mayoritario. El afán experimentador de los compositores provocó duras críticas y polémicas, cuando no incluso la censura o la persecución política: en la Unión Soviética, Stalin obligó a Shostakovich a ceñirse a las directrices culturales del régimen, tras asistir a una representación de "Lady Macbeth de Mtsensk" en 1936; en la Alemania nazi, los compositores vanguardistas fueron clasificados como «músicos degenerados», y muchos tuvieron que exiliarse. Durante esta centuria se llegó incluso a experimentar con el repertorio operístico tradicional a través de producciones vanguardistas, escenografías más modernas y adaptaciones contemporáneas de las óperas clásicas, como fue tendencia en los años 1920 en la Ópera Kroll de Berlín o como efectuó Wieland Wagner —nieto del compositor— en el Festival de Bayreuth. Por otro lado, en este período continuó e incluso se incrementó la fascinación por los cantantes de ópera, que en ocasiones se convirtieron en fenómenos de gran popularidad, como los llamados Tres Tenores (Luciano Pavarotti, José Carreras y Plácido Domingo). Cabe resaltar que los adelantos técnicos que permitieron la grabación de voz popularizaron este género a nivel doméstico: Enrico Caruso, por ejemplo, fue uno de los cantantes que más se prodigó en registrar sus actuaciones, con lo que aumentó su popularidad. Otros medios que coadyuvaron en la difusión de la ópera fueron la radio, el cine y la televisión.


title: Historia de la ópera

text: En este siglo se produjeron numerosas novedades en el terreno de la escenografía: desde el verismo surgió una tendencia más sobria y realista en la representación escénica, cuyos pioneros fueron André Antoine, fundador del Théâtre Libre de París, y Otto Brahm, al frente del Freie Bühne de Berlín. Max Reinhardt, director del Deutsches Theater, introdujo numerosas novedades, como los decorados tridimensionales y el uso de la iluminación para crear ambiente. Otro innovador fue Alfred Roller, que formó equipo con Gustav Mahler, director de orquesta en el Hofoper de Viena, los cuales se afanaron en integrar la representación escénica con el drama musical como un todo conjuntado.


title: Historia de la ópera

text: A comienzos de esta centuria surgió la ópera de cámara, una modalidad menor del género compuesta por obras de un solo acto, con pocos personajes y una orquesta reducida, un formato similar al género chico de la zarzuela española. Algunos ejemplos serían "L'heure espagnole" de Ravel (1911), "Arlecchino" de Busoni (1917) e "Histoire du soldat" de Stravinski (1918). En Viena, se fundó en 1953 la Kammeroper, dedicada a este género. El compositor inglés Benjamin Britten llegó a fundar su propia orquesta de ópera de cámara, la English Opera Group. Por otro lado, el género tradicional de la opereta evolucionó hacia el musical, un género renovado que apostó más por la música popular y el baile, en centros como los teatros de West End de Londres o los de Broadway en Nueva York.


title: Historia de la ópera

text: Otro fenómeno de relevancia en esta centuria fue la proliferación de , que contaron con el ejemplo del Festival de Bayreuth (1876). En 1901 apareció el Festival de Múnich, al que siguieron los de Savonlinna (1912), Verona (1913), Salzburgo (1920), Florencia (Maggio Musicale Fiorentino, 1933), Glyndebourne (1934), Ravinia (1936), Edimburgo (1947), Aldeburgh (1948), Aix-en-Provence (1948), Santander (1952), Spoleto (1958), Tanglewood (1970) y Peralada (1987), entre los más famosos.


title: Historia de la ópera

text: El expresionismo surgió a principios de siglo como un estilo preocupado fundamentalmente en la expresividad interior del individuo, en su profundización psicológica, en contraposición al naturalismo dominante en la transición de siglo, que en ópera dio el verismo. En esta corriente se valoraban especialmente las relaciones interpersonales, la emotividad y los estados psíquicos de los personajes. A nivel literario, sus referentes fueron Franz Kafka, James Joyce y los dramaturgos alemanes Ernst Toller, Frank Wedekind y Georg Kaiser. Para los autores expresionistas, el arte era una forma de expresión, no un entretenimiento, por lo que se preocuparon más del mensaje que querían transmitir que no del estilo o el efectismo musical o argumental.


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text: En Francia, practicaron este estilo algunos compositores que formaron un grupo llamado Les Six (Francis Poulenc, Darius Milhaud, Arthur Honegger, Germaine Tailleferre, Georges Auric y Louis Durey), interesados por las vanguardias musicales y los ritmos populares, con un estilo informal y espontáneo. Poulenc, autor de sus propios libretos, destacó por sus melodías líricas. Su primera ópera fue "Les mamelles de Tirésias" ("Los pechos de Tiresias", 1947), sobre un texto de Guillaume Apollinaire. Le siguió "Dialogues des Carmélites" ("Diálogos de carmelitas", 1957), basado en una obra de Georges Bernanos. En "La voix humaine" ("La voz humana", 1959) presentó una ópera con solo una soprano que habla por teléfono durante cuarenta minutos, con libreto de Jean Cocteau. Milhaud fue alumno de Paul Dukas y Vincent d'Indy. Realizó grandes obras de carácter histórico, como "Christophe Colomb" (1930), "Bolívar" (1950) y "David" (1954), así como obras menores: "Les Malheurs d'Orphée" ("Los males de Orfeo", 1926), "Le pauvre matelot" ("El pobre marinero", 1927) y "La mère coupable" ("La madre culpable", 1966). Honegger se inició en el campo operístico con "Philippa" (1903), a la que siguieron "Judith" (1925), "Antigone" (1927) y las operetas "Les Aventures du roi Pausole" (1930), "La Belle de Moudon" (1931) y "Les Petites Cardinales" (1937). También en 1937 compuso de forma conjunta con Jacques Ibert "L'Aiglon", su última ópera. Vinculado con este grupo estuvo Erik Satie, más conocido por sus composiciones sinfónicas y para piano, quien compuso varias operetas: "Geneviève de Brabant" (1899), "Pousse l'amour" (1905), "Le Piège de Méduse" (1913). Cabe citar también a Jacques Ibert ("Angélique", 1927; "Le Roi d'Yvetot", 1930).


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text: En Alemania, Franz Schreker se inició en el posromanticismo, pero posteriormente se decantó por un estilo cercano al expresionismo. Su primera ópera fue "Der ferne Klang" ("El sonido lejano", 1910), con la que obtuvo un gran éxito. Le siguió "Die Gezeichneten" ("Los Marcados", 1918), una ópera de gran complejidad que requería una orquesta de 120 músicos, de temática sombría y torturada, plenamente inmersa en el espíritu deprimente de la posguerra. En "Der Schatzgräber" ("El buscador de tesoros", 1920) mostró igualmente una temática centrada en la soledad, la desesperación y el deseo sexual. Sus últimas obras, "Christophorus" (1931) y "Der Schmied von Gent" ("El herrero de Gante", 1932), fueron saboteadas por los nazis, que lo consideraban un «músico degenerado», con el motivo acentuado de ser judío.


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text: Paul Hindemith se inició en el expresionismo con tres óperas de un solo acto ("Mörder, Hoffnung der Frauen" ["El asesinato, esperanza de las mujeres"], 1919; "Das Nusch-Nuschi", 1920; "Sancta Sussana", 1921), pero posteriormente evolucionó hacia un estilo neobarroco con uso de la polifonía. En ese sentido, "Cardillac" (1926) fue una obra de transición, mientras que en "Mathis der Maler" ("Matías el pintor", 1928) aunó influencias medievales con el folclore alemán y técnicas de contrapunto. Tras ser considerado «músico degenerado» por los nazis, se exilió a Suiza y Estados Unidos. "Die Harmonie der Welt" ("La armonía del mundo", 1957) fue la culminación de su estilo neobarroco.


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text: Kurt Weill fue representante de la llamada Nueva objetividad ("Neue Sachlichkeit"), un movimiento que en cierta forma reaccionaba contra el subjetivismo expresionista, si bien utilizaba muchos de sus recursos, al tiempo que tenía puntos en común con el neoclasicismo y asimilaba nuevas formas musicales como el jazz, el tango o el cabaré. Buscó en sus obras un tipo de teatro musical que contase con los mejores artistas y profesionales, desde dramaturgos hasta bailarines. Sus primeras óperas fueron "Der Protagonist" (1926) y "Der Zar lässt sich photographieren" ("El zar se hace una fotografía", 1928). Desde entonces formó una fructífera ascociación con el dramaturgo Bertolt Brecht, que produjo numerosos éxitos: "Die Dreigroschenoper" ("La ópera de los tres centavos", 1928), "Happy End" ("Final feliz", 1929), "Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny" ("Alzamiento y caída de la ciudad de Mahagonny", 1929) y "Der Jasager" ("El que dice sí", 1930). Su mayor éxito fue "La ópera de los tres centavos", basada en "The Beggar's Opera" de John Gay y Johann Christoph Pepusch. En 1933 estrenó "Der Silbersee" ("El lago de plata"), con libreto de Georg Kaiser. Poco después se exilió a los Estados Unidos, donde hizo varios musicales.


title: Historia de la ópera

text: Erwin Schulhoff compuso en 1928 su ópera "Flammen" ("Llamas"), una obra de corte fantástico, en la que el autor abandonó las reglas teatrales aristotélicas vigentes hasta entonces en el teatro y la ópera en aras de un nuevo concepto de puesta en escena, que entendía el teatro como un juego, un espectáculo, una fantasía que desborda la realidad. Berthold Goldschmidt, alumno de Schrecker, fue director de la Ópera de Darmstadt. En 1930 adaptó "Der Gewaltige Hanrei" ("El poderoso Hanrei") de Fernand Crommelynck, estrenada en 1932, si bien su condición de judío provocó que fuese inmediatamente retirada, por lo que emigró a Reino Unido.


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text: El espíritu renovador del cambio de siglo, que llevó a todas las artes a una ruptura con el pasado y a buscar un nuevo impulso creador, condujo al compositor austríaco Arnold Schönberg a crear un sistema donde todas las notas tienen el mismo valor y la armonía es sustituida por la progresión de tonos. En el dodecafonismo, se emplean las doce notas de la escala (las principales y las intermedias), pero rompiendo la jerarquía entre las mismas. Estilísticamente, el dodecafonismo estuvo fuertemente ligado al expresionismo. Schönberg compuso dos óperas en ese contexto: "Moses und Aron" (compuesta desde 1926 e inacabada) y "Von Heute auf Morgen" ("De hoy a mañana", 1930). Pero sin duda, la gran ópera del atonalismo fue "Wozzeck" (1925), de Alban Berg, basada en la obra teatral de Georg Büchner, una ópera romántica en cuanto a temática, pero de compleja estructura musical, donde experimentaba con todos los recursos musicales disponibles desde el clasicismo hasta la vanguardia, de lo tonal a lo atonal, del recitativo a la música, de la música popular a la música sofisticada de contrapunto disonante. Obra de fuerte expresión psicológica, aunó el atonalismo musical con el expresionismo argumental. Su segunda ópera, "Lulú" (1929-1935), basada en dos dramas de Frank Wedekind, estuvo más cercana al dodecafonismo, y aplicó la transcomposición wagneriana. La obra quedó incompleta y fue terminada por Friedrich Cerha en 1979.


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text: En 1927, Ernst Krenek estrenó su ópera "Jonny spielt auf" ("Jonny empieza a tocar"), que consiguió un notable éxito y fue la ópera más representada del momento. Con gran influencia del jazz, Krenek experimentó con las principales tendencias musicales de la época: neorromanticismo, neoclasicismo, atonalidad, dodecafonismo y otros estilos. En 1934 compuso "Karl V" con técnica serialista, que incluía escenas filmadas y de pantomima. Con el advenimiento del nazismo emigró a Estados Unidos, donde compuso "Der goldene Bock" ("El vellocino de oro", 1964) y "Der Zauberspiegel" ("El espejo mágico", 1966).


title: Historia de la ópera

text: Viktor Ullmann fue alumno de Schönberg y, aunque no utilizó la atonalidad, su obra empleó el cromatismo de la moderna Escuela de Viena. Su primera ópera fue "Der Sturz des Antichrist" ("La caída del Anticristo", 1935). Al ser judío, fue ingresado en el campo de concentración de Theresienstadt (Terezín), donde compuso su ópera "Der Kaiser Von Atlantis" ("El emperador de la Atlántida", 1944). Sin embargo, antes de su estreno fue prohibida por la SS, que encontró cierta similitud entre el protagonista y la figura de Hitler, y el autor fue enviado al campo de Auschwitz para su exterminio. Igual suerte corrió el checo Hans Krása, autor de la ópera infantil "Brundibár" (1941).


title: Historia de la ópera

text: Otro campo de experimentación fue el microtonalismo, en el que se utilizaban microtonos, intervalos musicales menores que un semitono. En esta corriente destacó el checo Alois Hába, autor de la ópera "Matka" ("La madre", 1931), que por su poca efectividad ha sido escasamente representada.


title: Historia de la ópera

text: El neoclasicismo supuso el retorno a los modelos musicales del clasicismo dieciochesco, caracterizados por la contención, el equilibrio y la claridad formal. Se desarrolló especialmente en el período de entreguerras (años 1920 y 1930). Sus modelos fueron básicamente los clasicistas, pero también recuperaron formas barrocas, así como diversas opciones expresivas como la disonancia. En general, se buscaron formas musicales más objetivas y definidas, con una tímbrica más contrastada y diáfana, ritmos repetitivos —con uso frecuente del "ostinato"— y una armonía más diatónica, alejada del cromatismo wagneriano.


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text: Uno de los más países donde más se dio este estilo fue la Unión Soviética. Su principal representante, Ígor Stravinski, se acercó al expresionismo, aunque en ocasiones puede ser calificado de neoclásico, pero más que nada fue un genio inclasificable con una sorprendente paleta de sonidos de gran variedad; él mismo nunca quiso asociarse a ningún estilo determinado. En sus inicios, influido todavía por el folclore ruso, y con cierta influencia del impresionismo francés, gozó de gran éxito con sus ballets, representados por los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev. Tras ellos, inició una nueva etapa de una musicalidad más sobria, reduciendo los recursos instrumentales, lo que se evidencia en su primera ópera, "Le rossignol" ("El ruiseñor", 1914), sobre un cuento de Hans Christian Andersen, que aunaba influencias neorrománticas y orientalistas. Su siguiente obras escénica fue "Mavra" (1922), un homenaje a la escuela rusa de ópera tradicional. Un proyecto más ambicioso fue "Œdipus Rex" (1927), con un libreto de Jean Cocteau traducido al latín, de estilo neoclásico. Tras estas obras, todas cortas, su única ópera larga fue "The Rake's Progress" ("El progreso del libertino", 1951), basada en una serie de grabados de William Hogarth que vio en el Instituto de Arte de Chicago, que fueron dramatizados por el poeta Wystan Hugh Auden.


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text: Dmitri Shostakóvich vivió toda su vida bajo la lupa censora del régimen soviético, pero logró algunas de las mejores composiciones de la centuria. Su primera ópera fue "Nos" ("La nariz", 1928), una crítica del reinado de Nicolás I. Su obra maestra fue "Ledi Mákbet Mtsénskogo Uyezda" ("Lady Macbeth de Mtsensk", 1936), sobre una obra de Nikolái Leskov, que gozó de un gran éxito fuera de su país, pero no fue del agrado de las autoridades soviéticas por su estilo disonante. En 1963 se estrenó en Moscú una versión revisada con el título de "Katerina Ismailova".


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text: Serguéi Prokófiev, alumno de Rimski-Kórsakov, combinó la música tradicional con algunos rasgos experimentales. Compuso su primera ópera, "Maddalena" (1911) a los veinte años. Durante una gira por Estados Unidos, la Ópera de Chicago le encargó una ópera, "The Love of the Three Oranges" ("El amor de las tres naranjas", 1919), basada en un texto de Carlo Gozzi, una obra cómica de tono surrealista. Vivió unos años en París, época en la que hizo "Ógnenny ánguel" ("El ángel de fuego", 1923). Tras regresar a su país en 1933, abordó "Vojna i Mir" ("Guerra y paz", 1946), de Lev Tolstói, que no fue bien recibida por las autoridades soviéticas, que lo tildaron de antipatriota. Para congratularse con ellas compuso "Póvest' o nastoyáschem cheloveke" ("La historia de un hombre real", 1948), más adepta al régimen.


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text: Serguéi Rajmáninov recibió la influencia de Chaikovski. Se dedicó sobre todo a la música sinfónica y de piano, pero abordó la ópera en obras como "Aleko" (1893), "Skupój rýtsar’" ("El caballero avaro", 1906) y "Francesca da Rimini" (1907).


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text: El británico de origen sueco Gustav Theodor Holst estrenó en 1916 "Savitri", una ópera de cámara basada en el "Mahābhārata" indio, en la que empleó la bitonalidad. Posteriormente compuso "The Perfect Fool" (1923), "At the Boar's Head" (1925) y "The Tale of the Wandering Scholar" (1934).


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text: Ralph Vaughan Williams fue autor en 1924 de una "ballad opera", "Hugh the Drover" ("Hugh el ganadero"). En 1929 estrenó "Sir John in Love", sobre el personaje shakespeariano de Falstaff. Tras la opereta "The Poisoned Kiss" ("El beso envenenado"), compuso "Riders to the Sea" ("Jinetes al mar"), de filiación entre verista y wagneriana. Su última obra fue "The Pilgrim's Progress" ("El progreso del peregrino", 1951).


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text: El alemán Carl Orff fue autor de las óperas "Der Mond" ("La luna", 1939), "Die Kluge" ("La astuta", 1943), "Antigonae" (1949) y "Oedipus der Tyrann" ("Edipo rey", 1959). Su cantata "Carmina Burana" (1937), basada en unos poemas goliárdicos medievales, pese a no ser ópera suele representarse en teatros de ópera.


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text: En Italia, Gian Francesco Malipiero desarrolló un estilo que, pese a su modernidad, denotaba el peso de la tradición musical italiana, especialmente de Monteverdi y Vivaldi. Fue autor de "L'Orfeide" (1925), "Giulio Cesare" (1936), "I caprici di Callot" (1942), "Il figliuol prodigo" (1953) e "Il capitan Spavento" (1963). Ildebrando Pizzetti también aunó modernidad y tradición, con influencia de la música renacentista y barroca. Tras varias obras juveniles, en 1915 estrenó "Fedra", basada en una obra de Gabriele D'Annunzio. Le siguieron óperas como "Debora e Jaele" (1922), "Fra Gherardo" (1928) y "Lo straniero" (1930). En sus siguientes obras dio predominio al arioso: "Orseolo" (1935), "Vanna Lupa" (1950) y "Cagliostro" (1953). Uno de sus mayores éxitos fue "Assassino nella cattedrale" (1958), sobre una obra de T. S. Eliot. Ferruccio Busoni, afincado en Alemania, evolucionó de un posromanticismo influido por Schumann, Brahms y Mendelssohn a un «clasicismo joven» —según sus palabras— que asumía paulatinamente las novedades contemporáneas. Fue autor de "Die Brautwahl" ("La elección de la novia", 1912), "Arlecchino" (1917), "Turandot" (1917) y "Doktor Faust" (1925); esta última, incompleta, fue terminada por su discípulo Philipp Jarnach. Licinio Refice, que era sacerdote, hizo óperas de tema religioso: "Santa Cecilia" (1934) y "Margherita da Cortona" (1938).


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text: El checo Bohuslav Martinů fue un músico ecléctico que aglutinó el neoclasicismo con cierta tendencia neobarroca, el impresionismo y la música popular estadounidense (jazz y gospel). Instalado en París, realizó obras como "Le Soldat et la danseuse" ("El soldado y la bailarina", 1927), "Les Trois Souhaits" ("Los tres deseos", 1929) y "Hry o Marii" ("Los milagros de María", 1934). Posteriormente compuso dos óperas para la radio: "Veselohra na mostě" ("Comedia en el puente", 1935) y "Julietta" (1937). Sus últimas obras fueron "Ariane" (1958) y "Řecké pašije" ("La pasión griega", 1959).


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text: Otros exponentes fueron: Werner Egk ("Die Zaubergeige" ["El violín mágico"], 1935; "Irische Legende" ["Leyenda irlandesa"], 1954; "Der Revisor" ["El revisor"], 1957), Dmitri Kabalevski ("Colas Breugnon", 1938), Albert Roussel ("Padmâvatî", 1923), Othmar Schoeck ("Penthesilea", 1927), Heinrich Sutermeister ("Die schwarze Spinne" ["La araña negra"], 1936; "Romeo und Julia", 1940; "Die Zauberinsel" ["La isla mágica"], 1942; "Raskolnikoff", 1948) y Rudolf Wagner-Régeny ("Der Günstling", 1935; "Die Bürger von Calais" ["Los burgueses de Calais"], 1939).


title: Historia de la ópera

text: Tras la Segunda Guerra Mundial, la ópera continuó con su escisión, quizá más acentuada, entre la tradición neoclásica y las vanguardias musicales herederas del impresionismo, el expresionismo y el atonalismo, que dieron nuevos estilos musicales como la música concreta, el serialismo integral, la música aleatoria, el minimalismo, etc. En general, los nuevos lenguajes musicales han sido mal entendidos por el público, que se ha mantenido anclado en el repertorio tradicional.


title: Historia de la ópera

text: La inmediata posguerra fue un período difícil para la ópera, no solo por la destrucción causada durante la contienda, sino por el pesimismo y escepticismo de las élites intelectuales, que llegaron a plantearse la viabilidad del género operístico, que consideraban obsoleto. En esos primeros años predominaron las producciones modestas, junto a formas experimentales como la llamada «antiópera», basada en la deconstrucción de los recursos tradicionales del género. Otros autores, como John Cage, probaron un tipo de música escénica sin argumento e, incluso en ocasiones, sin texto, en obras como "Living Room Music" (1940) o "Water Walk" (1959). György Ligeti creó un tipo de «teatro fonético» basado en ruidos y onomatopeyas ("Nouvelles Aventures", 1966).


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text: En los años 1960, la ópera fue resurgiendo y los compositores se lanzaron a obras más ambiciosas y de mayor envergadura. Junto a producciones de carácter más tradicional, siguió la antiópera con elementos experimentales y aleatorios, sin ningún carácter narrativo; algunos ejemplos serían: "Glossolalie" de Dieter Schnebel (1961), "Votre Faust" de Henri Pousseur (1969) y "Staatstheater" de Mauricio Kagel (1970). Como reacción, entre los años 1970 y 1980 surgió la «anti-antiópera», que recuperaba el texto narrativo y los recursos tradicionales de la ópera, aunque con un lenguaje contemporáneo y un cierto componente irónico y satírico; algunos exponentes serían: "We Come to the River" de Hans Werner Henze (1976), "Le Grand Macabre" de György Ligeti (1978), "Jakob Lenz" de Wolfgang Rihm (1979) y "Un re in ascolto" de Luciano Berio (1984).


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text: En este período, uno de los compositores de ópera más prolíficos fue Benjamin Britten. Los temas más recurrentes en sus obras fueron la soledad y el dolor, sus mayores preocupaciones existenciales, como se deonta en su primera obra, "Peter Grimes" (1945). Incursionó entonces en la ópera de cámara, como en sus obras "The Rape of Lucretia" ("La violación de Lucrecia", 1946) y "Albert Herring" (1947). Para ello fundó la orquesta English Opera Group y el Festival de Aldeburgh (Sussex). En 1951, la Royal Opera le propuso componer una segunda parte de "Peter Grimes", lo que dio por resultado "Billy Budd", basado en un texto de Herman Melville. Para la coronación de Isabel II compuso "Gloriana" (1953). Trató el drama psicológico con "The Turn of the Screw" ("Otra vuelta de tuerca", 1954), sobre una obra de Henry James. En 1960 se basó en Shakespeare para "A Midsummer Night's Dream" ("El sueño de una noche de verano"). Tras unas obras de inspiración religiosa, "Owen Wingrave" (1971) se centró en el pacifismo, una de las preocupaciones de Britten, cuyo estreno se produjo en televisión. Su última obra fue "Death in Venice" ("Muerte en Venecia", 1973), sobre la novela de Thomas Mann. Fue pareja del tenor Peter Pears, con el que colaboró en numerosas obras.


title: Historia de la ópera

text: William Walton recibió la influencia de Stravinski, Sibelius y el jazz. En 1947 recibió el encargo de una ópera para la reapertura de la Royal Opera House de Londres y, tras seis años de trabajo, presentó "Troilus and Cressida", cuyo estreno en 1954 no obtuvo el éxito esperado. En 1967 estrenó "The Bear" ("El oso"), una comedia de un solo acto que parodiaba los excesos vocales de la ópera tradicional.


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text: Michael Tippett se inspiró en "Die Zauberflöte" de Mozart para su primera ópera, "The Midsummer Marriage" ("El matrimonio del solsticio de verano", 1955). Sus siguientes proyectos fueron todos diferentes en temática y estructura: "King Priam" (1962), "The Knot Garden" ("El jardín intrincado", 1970), "The Ice Break" ("Rompiendo el hielo", 1977) y "New Year" ("Año Nuevo", 1989). En esta última introdujo algunos elementos de rap.


title: Historia de la ópera

text: Harrison Birtwistle obtuvo un gran éxito con su primera ópera, "Punch and Judy" (1968), que destacó por su ausencia de narración directa, al ser una historia contada desde varios puntos de vista. Repitió la misma fórmula en "The Mask of Orpheus" ("La máscara de Orfeo", 1984). Otras obras suyas fueron: "Yan Tan Tethera" (1986), "Gawain" (1991), "The Second Mrs. Kong" (1994) y "The Last Supper" ("La última cena", 2000).


title: Historia de la ópera

text: Mark-Anthony Turnage desarrolló una obra innovadora, con gran influencia del jazz y gusto por la percusión. En "Greek" (1988) requirió de los cantantes una declamación vocal que debía sonar como si no fuese ópera. En 1997 adaptó la obra de H. G. Wells "The Country of the Blind" ("El país de los ciegos") y, en 2002, una obra de Sean O'Casey, "The Silver Tassie".


title: Historia de la ópera

text: En el minimalismo destacó Michael Nyman, autor de "The Man who mistook his Wife for a Hat" ("El hombre que confundió a su esposa con un sombrero", 1986) y "Facing Goya" ("Enfrentándose a Goya", 2000).


title: Historia de la ópera

text: Otros exponentes fueron: Lennox Berkeley ("Ruth", 1956; "The Castaway" ["El náufrago"], 1967), Arthur Bliss ("The Olympians", 1949; "Tobias and the Angel", 1960), Alan Bush ("Wat Tyler", 1950; "The Man of Blackmoor", 1955; "The Sugar Reapers" ["Los segadores de azúcar"], 1964), Peter Maxwell Davies ("Taverner", 1962; "The Lighthouse" ["El faro"], 1980), Thea Musgrave ("Mary, Queen of Scots" ["María, reina de los escoceses"], 1977; "A Christmas Carol" ["Cuento de Navidad"], 1978) y John Tavener ("St. Mary of Egypt" ["Santa María Egipcíaca"], 1992). Más recientemente cabe reseñar a Thomas Adès ("Powder Her Face" ["Empolvarse la cara"], 1995; "The Tempest" ["La tempestad"], 2004), Judith Weir ("A Night at the Chinese Opera", 1987) y George Benjamin ("Written on Skin" ["Escrito sobre piel"], 2012).


title: Historia de la ópera

text: En Francia, uno de los músicos más destacados del período fue Olivier Messiaen. Alumno de Paul Dukas, integró en su estilo diversas influencias, desde las clásicas hasta el serialismo y la música oriental. Compuso una sola ópera, "Saint-François d'Assise" ("San Francisco de Asís", 1983), una obra de gran puesta en escena, que incluía tres ondas Martenot.


title: Historia de la ópera

text: Emmanuel Bondeville fue director de la Opéra-Comique y de la Ópera de París. Fue autor de "Madame Bovary" (1951), basada en la obra de Gustave Flaubert, y de "Antoine et Cléopâtre" ("Antonio y Cleopatra", 1974), basada en Shakespeare.


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text: Philippe Fénelon fue discípulo de Messiaen, autor de óperas como "Le chevalier imaginaire" (1992), "Salammbô" (1998) y "Faust" (2007).


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text: En Italia, Luigi Dallapiccola se enmarcó en el serialismo, con una fuerte influencia de Schönberg, como se denota en su primera ópera, "Volo di notte" ("Vuelo de noche", 1940), sobre una obra de Antoine de Saint-Exupéry. En 1949 estrenó "Il prigioniero", en la que empleó tres filas de doce tonos que conectaban de forma simbólica cada elemento de la ópera. Le siguieron "Job" (1950) y "Ulisse" (1968), que no cosecharon tanto éxito.


title: Historia de la ópera

text: Luigi Nono se inició en el serialismo para pasar luego a la música electrónica. Fue autor de "Intolleranza 1960" (1961), a la que siguieron "Al gran sole carico d'amore" (1975) y "Prometeo. Tragedia dell'ascolto" (1984).


title: Historia de la ópera

text: Luciano Berio, discípulo de Dallapiccola, evolucionó desde el neoclasicismo hacia el serialismo integral. Compuso algunas óperas, como "Opera" ("Ópera", 1970), "La vera storia" ("La verdadera historia", 1982), "Un re in ascolto" ("Un rey escucha", 1984) —las dos últimas con libretos de Italo Calvino—, "Outis" (1996) y "Cronaca del luogo" ("Crónica del lugar", 1999). También compuso un nuevo final para la ópera "Turandot" de Giacomo Puccini, en sustitución del de Franco Alfano, que estrenó en 2002.


title: Historia de la ópera

text: Otros exponentes fueron: Franco Mannino ("Vivì", 1957; "Il diavolo in giardino", 1963; "Il ritratto di Dorian Gray", 1982), Jacopo Napoli ("Miseria e nobiltà", 1945; "Massaniello", 1953), Goffredo Petrassi ("Il cordovano", 1949; "Morte dell'aria", 1960), Renzo Rossellini ("La guerra", 1956; "Il vortice", 1958; "Uno sguardo dal ponte", 1961) y Nino Rota ("Il cappello di paglia di Firenze", 1944). Más recientemente, cabe citar a: Lorenzo Ferrero ("Salvatore Giuliano", 1986; "La Conquista", 2005; "Risorgimento!", 2011) y Salvatore Sciarrino ("Luci mie traditrici", 1998).


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text: En Alemania, Karlheinz Stockhausen fue uno de los representantes más destacados del serialismo y la música electrónica. Abordó uno de los más complejos proyectos operísticos, "Licht: Die Sieben Tage der Woche" ("Luz: los siete días de la semana"), un ciclo de siete óperas compuestas entre 1977 y 2003. Fue estrenada íntegramente en 2011, aunque cada parte se había estrenado ya por separado. La pretensión de Stockhausen era realizar un «teatro cósmico» que aunase música y religión, en búsqueda una visión trascendental del ser humano.


title: Historia de la ópera

text: Bernd Alois Zimmermann fue un músico vanguardista que recibió la influencia del dodecafonismo de Schönberg y de compositores como Stravinski, Honegger, Poulenc y Milhaud. En su obra aglutinó sonidos acústicos y electrónicos, y utilizó la grabación como recurso adicional. Compuso una sola ópera, "Die Soldaten" ("Los soldados", 1965), que fue considerada una de las mejores óperas alemanas de la segunda mitad de siglo. Fue una obra innovadora, que presentaba un escenario de cinco niveles en los que se podían representar hasta tres escenas de forma simultánea.


title: Historia de la ópera

text: Hans Werner Henze aglutinó en su obra el expresionismo, el serialismo, el dodecafonismo, el neoclasicismo y músicas populares como el jazz. Tras su primera ópera larga, "Boulevard Solitude" (1952), se trasladó a Italia, donde su estilo se volvió más sensual y exuberante, en obras como "König Hirsch" ("El rey ciervo", 1956), "Der Prinz von Homburg" (1960), "Elegie für junge Liebende" ("Elegía para jóvenes amantes", 1961), "Der junge Lord" ("El joven lord", 1965) y "Die Bassariden" ("Las bacantes", 1962). Sus siguientes obras expresaron su compromiso político izquierdista: "We Come to the River" (1976), "Die englische Katze" (1983). En "L'Upupa und der Triumph der Sohnesliebe" ("La abubilla y el triunfo del amor filial", 2003) escribió también el libreto.


title: Historia de la ópera

text: Wolfgang Rihm fue alumno de Stockhausen, aunque procuró superar los lenguajes experimentales en busca de una mayor expresividad. Influido por el «teatro de la crueldad» de Antonin Artaud, buscó una mayor comunión entre el espectáculo musical y el público, a través de una orquesta con más texturas, una vocalidad matizada y una música lírica y dinámica. Compuso seis óperas: "Faust und Yorick" (1976), "Jakob Lenz" (1978), "Die Hamletmaschine" (1986), "Oedipus" (1987), "Die Eroberung von Mexico" ("La conquista de México", 1992) y "Séraphin" (1994).


title: Historia de la ópera

text: Wolfgang Fortner fue autor de dos óperas basadas en obras de Federico García Lorca: "Bluthochzeit" ("Bodas de sangre", 1958) e "In seinem Garten lebt Don Perlimplín mit Belisa" ("Don Perlimplín con Belisa en su jardín", 1962). Compuso también la ópera bufa "Corinna" (1958) y "Elisabeth Tudor" (1972).


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text: Otros compositores alemanes fueron: Boris Blacher ("Fürstin Tarakanowa", 1945; "Die Flut" ["La inundación"], 1947; "Preußisches Märchen" ["Cuento de hadas prusiano"], 1949), Paul Dessau ("Die Verurteilung des Lukullus" ["La condenación de Lúculo"], 1951; "Puntila", 1966; "Einstein", 1974), Giselher Klebe ("Die Räuber" ["Los bandoleros"], 1957; "Figaro lässt sich scheiden" ["Figaro se divorcia"], 1963), Helmut Lachenmann ("Das Mädchen mit den Schwefelhölzern" ["La cerillera"], 1996) y Aribert Reimann ("Ein Traumspiel" ["Fantasmagoría"], 1965; "Lear", 1978; "Bernarda Albas Haus" ["La casa de Bernarda Alba"], 2000).


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text: En Austria, Gottfried von Einem recibió la influencia de Stravinski, Prokófiev y el jazz. Debutó con "Dantons Tod" ("La muerte de Danton", 1947), sobre un texto de Georg Büchner, y "Der Prozeß" ("El proceso", 1953), sobre la obra de Franz Kafka. En 1971 estrenó "Der Besuch der alten Dame" ("La visita de la vieja dama"), basado en la obra de Friedrich Dürrenmatt. Su última ópera fue "Kabale und Liebe" (1976), basada en la obra de Friedrich Schiller que utilizó Verdi para "Luisa Miller".


title: Historia de la ópera

text: En Estados Unidos, Samuel Barber destacó como melodista, con un estilo conservador calificado en ocasiones de posromántico. Colaboró en ocasiones con Gian Carlo Menotti, quien escribió el libreto de su primera y más famosa ópersa, "Vanessa" (1957), basada en una obra de Isak Dinesen, por la que obtuvo un premio Pulitzer. Más grandilocuente fue "Antony and Cleopatra" (1966), encargada para la Metropolitan Opera. Por su parte, el italoestadounidense Menotti fue un talento precoz, que a los trece años ya había escrito dos óperas. Influido por el verismo italiano, su obra destaca por su melodramatismo: "Amelia Goes to the Ball" ("Amelia va al baile", 1937), "The Medium" ("La médium", 1946), "The Telephone" (1947), "The Consul" (1950), "Amahl and the Night Visitors" ("Amahl y los visitantes nocturnos", 1951), "The Saint of Bleecker Street" (1954).


title: Historia de la ópera

text: Leonard Bernstein fue compositor y director de orquesta, autor de numerosos musicales y bandas sonoras de películas. Su primera ópera fue "Trouble in Tahiti" (1951), que mezclaba el género operístico tradicional con la música pop. En 1956 estrenó su opereta cómica "Candide", de la que no quedó muy satisfecho y estuvo retocando durante treinta años.


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text: Carlisle Floyd compuso dos óperas durante su etapa de estudiante: "Slow Dusk" (1949) y "The Fugitives" (1951). Con "Susannah" (1955), que aunaba un cierto posromanticismo con elementos del folclore estadounidense —especialmente los himnos cuáqueros—, obtuvo un gran éxito y excelentes críticas. Sus siguientes obras no gozaron de tanto éxito: "Wuthering Heights" ("Cumbres borrascosas", 1958), sobre la obra de Emily Brontë; y "Of Mice and Men" ("De ratones y de hombres)", 1969), sobre un texto de John Steinbeck.


title: Historia de la ópera

text: John Adams fue calificado de minimalista, aunque en su música se encuentran ecos neorrománticos y elementos de música popular, como el jazz, el ragtime, el swing, el pop y el rock. Su primera ópera fue "Nixon in China" (1987), a la que siguió "The Death of Klinghoffer" ("La muerte de Klinghoffer", 1991), las óperas-oratorios "El Niño" (2000) y "The Gospel According to the Other Mary" (2012) y otras obras escénicas.


title: Historia de la ópera

text: Philip Glass fue uno de los más destacados representantes del minimalismo, un estilo que, frente a las densas estructuras utilizadas por entonces en Europa, pretendía elaborar música con pocos elementos, utilizando por ejemplo patrones repetitivos en distinta velocidad, duración y volumen, en alteraciones escalonadas o superpuestas. También estuvo influido por la música oriental —especialmente india— y norteafricana. En 1967 formó el grupo Philip Glass Ensemble. Su primera ópera, "Einstein on the Beach" ("Einstein en la playa", 1976), le catapultó a la fama. Le siguieron "Satyagraha" (1980) y "Akhnaten" (1984). Tras su ópera "The Voyage" (1992) realizó una trilogía basada en películas de Jean Cocteau: "Orphée" (1993), "La Belle et la Bête" (1994) y "Les enfants terribles" (1996). En 1998 estrenó una ópera digital en 3-D, "Monsters of Grace". Otro exponente del minimalismo fue Steve Reich ("Three Tales", 2002).


title: Historia de la ópera

text: Cabe mencionar también a: Mark Adamo ("Little Women" ["Mujercitas"], 1998; "Lysistrata", 2005), George Antheil ("Volpone", 1953; "The Brothers", 1954; "The Wish", 1955), Marc Blitzstein ("Regina", 1949; "Idiots First", 1963), William Bolcom ("Casino Paradise", 1990; "A View from the Bridge", 1999) y Aaron Copland ("The Tender Land", 1954).


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text: España se adentró en la segunda mitad del siglo en la modernidad, tras dejar atrás el nacionalismo musical y desaparecer prácticamente la zarzuela. Xavier Montsalvatge destacó por su diestro uso de la instrumentación, con cierta influencia de Olivier Messiaen. Fue autor de "El gato con botas" (1947) y "Una voce in off" (1961). Roberto Gerhard fue alumno de Schönberg y el primer compositor español en utilizar el dodecafonismo. Recibió también la influencia de Falla. Fue autor de la ópera "The Duenna" (1951). Luis de Pablo, de formación autodidacta, partió del serialismo hacia la música aleatoria, al tiempo que practicaba la música electrónica. Fue autor de las óperas "Kiú" (1982), "El viajero indiscreto" (1988) y "La madre invita a comer" (1992). Cristóbal Halffter desarrolló su obra partiendo del serialismo y el dodecafonismo. Fue autor de las óperas "Don Quijote" (2000) y "Lázaro" (2007). Cabe mencionar también a: Salvador Bacarisse ("El tesoro de Boabdil", 1958), Xavier Benguerel ("Llibre vermell", 1988), José María Cano ("Luna", 1998), Francisco Escudero ("Gernika", 1987), Josep Maria Mestres Quadreny ("El Ganxo", 1959; "Cap de Mirar", 1991), Joaquín Nin-Culmell ("La Celestina", 1965), Matilde Salvador ("Vinatea", 1974), Tomás Marco ("Selene", 1974), Amando Blanquer ("El triomf de Tirant", 1992), Carles Santos ("Asdrúbila", 1992; "Ricardo y Elena", 2000) y Joan Guinjoan ("Gaudí", 2004).


title: Historia de la ópera

text: Latinoamérica entró en esta época en la plena modernidad. En Argentina, Alberto Ginastera compuso en un estilo neoexpresionista heredero del serialismo, como se denota en sus óperas "Don Rodrigo" (1964), "Bomarzo" (1967) y "Beatrix Cenci" (1971). "Bomarzo" fue prohibida en Argentina por sus escenas de sexo y violencia. Mauricio Kagel se movió entre el neoclasicismo y la música aleatoria, con un estilo ecléctico, anticonvencional, en el que destacan el sentido del humor y la ironía. En "Sur Scène" (1962), considerada una «antiópera», hizo un ejercicio rupturista con una deconstrucción de la ópera tradicional. Repitió con "Staatstheater" (1970), una ópera experimental sin libreto ni argumento, con la música orquestal grabada, un ballet sin baile y un coro de sesenta voces que cantan en solitario. En "Aus Deutschland" (1981) presentó a Schubert y Goethe cantando un espiritual negro. Otros autores argentinos fueron: Juan José Castro ("La zapatera prodigiosa", 1943; "Bodas de sangre", 1953) y Astor Piazzolla ("María de Buenos Aires", 1968, ópera-tango). Ya en el cabe citar a Osvaldo Golijov ("Ainadamar", 2003).


title: Historia de la ópera

text: En Brasil destacó Heitor Villa-Lobos, de formación autodidacta, estudioso de las formas musicales de las tribus autóctonas de su país, que influyeron en su música. En una estancia en París asimiló las novedades de la vanguardia musical, especialmente de Erik Satie y Darius Milhaud. Fue autor de "Magdalena" (1948), "Yerma" (1955) y "A Menina das Nuvens" ("La Chica de las Nubes", 1957).


title: Historia de la ópera

text: En Chile cabe citar a Juan Orrego-Salas, autor de "El retablo del rey pobre" (1952). Ecuador tuvo como exponente a Luis Humberto Salgado ("Cumandá", 1940; "El centurión", 1959-1961; "Eunice", 1956-1962). En México cabe nombrar a Carlos Chávez ("Pánfilo y Laurita", posteriormente renombrada como "The visitors", 1957).


title: Historia de la ópera

text: En la Unión Soviética (Rusia desde 1991), la música gozó del proteccionismo estatal, aunque bajo las directrices estilísticas y argumentales impuestas por el régimen, ligadas en general a un cierto nacionalismo posromántico. Tijon Jrénnikov destacó como músico sinfónico y fue autor de varias óperas, entre las que destacan "Frol Skobeiev" (1950) y "Mat" ("La madre", 1957), basada en una novela de Maksim Gorki. Fikret Amirov compuso ballets, música sinfónica y concertística y algunas óperas, entre las que destaca "Syevil" (1953), que recompuso tres veces hasta que estrenó la versión definitiva en 1980. Otros exponentes fueron: Vissarión Shebalín ("Ukroshcheniye stroptivoy" ["La fierecilla domada"], 1957; "Solntse nad stepyu" ["El Sol por encima de la estepa"], 1958) y Rodión Shchedrín ("Oratoriya Lenina" ["Oratorio Lenin"], 1972; "Lolita", 1992).


title: Historia de la ópera

text: En Hungría, György Ligeti desarrolló una obra ecléctica en que cada una de sus composiciones era independiente respecto al resto, aunque se percibía una cierta tendencia neodadaísta. Compuso una sola ópera, "Le Grand Macabre" (1976), con una partitura algo caótica que incluía fragmentos alusivos a otros compositores, así como diversos sonidos heterodoxos, tanto guturales como de instrumentos como bocinas y silbatos.


title: Historia de la ópera

text: En Finlandia, Aulis Sallinen se movió en un lenguaje tonal tradicional, con un gran sentido de compenetración entre música y teatro. Su primera ópera, "Ratsumies" ("El jinete", 1975), fue un gran éxito, por lo que la Ópera Nacional Finlandesa le encargó otra obra, "Punainen viiva" ("La línea roja", 1978). El siguiente encargo fue de la BBC y la Royal Opera House de Londres, "Kunningas lähtee Ranskaan" ("El rey marcha hacia Francia", 1983). Otras obras suyas fueron: "Kullervo" (1988), "Palatsi" ("El palacio", 1995, ópera de cámara) y "King Lear" (2000). Einojuhani Rautavaara se dedicó sobre todo a la música sinfónica, pero incursionó en la ópera con "Apollo contra Marsyas" (1973), tras la cual concibió una trilogía en la que elaboró texto y música: "Sammon Ryosto" ("El mito de Sampo", 1982), "Thomas" (1986) y "Vincent" (1990). Más recientemente destacó la compositora Kaija Saariaho ("L'amour de loin" ["El amor de lejos"], 2000; "Only the Sounds Remains" ["Solo quedan los sonidos"], 2015).


title: Historia de la ópera

text: El polaco Krzysztof Penderecki fue un virtuoso del violín además de compositor, con un estilo vanguardista heredero del atonalismo. Compuso cuatro óperas, de difícil interpretación vocal por la densidad orquestal —con glissandos y vibratos— y los sonidos guturales integrados en sus composiciones: "The Devils of Loudun" (1969), "Paradise Lost" (1978), "Die Schwarze Maske" (1986) y "Ubu Rex" (1991).


title: Historia de la ópera

text: El eslovaco Eugen Suchoň mostró cierta influencia de Leoš Janáček, en óperas como "Krútňava" ("El remolino", 1949) y "Svätopluk" (1960).


title: Historia de la ópera

text: En Suecia, cabe citar en estos años a: Karl-Birger Blomdahl ("Aniara", 1959) e Hilding Rosenberg ("Hus med dubbel ingäng" ["Casa con dos puertas"], 1970).


title: Historia de la ópera

text: En Bélgica, Philippe Boesmans denotó la influencia de Henri Pousseur, como se aprecia en "Reigen" (1993) y "Wintermärchen" ("Cuento de invierno", 1999).


title: Historia de la ópera

text: En Israel, Marc Lavry compuso la primera ópera en hebreo: "Dan ha-shomer" ("Dan el guardia", 1945). Posteriormente cabe citar a Menachem Avidom ("Aleksandrah", 1961).


title: Historia de la ópera

text: El chino afincado en Estados Unidos Tan Dun destacó por su música para cine y eventos como los Juegos Olímpicos de Pekín 2008, y fue autor de varias óperas: "Marco Polo" (1996), "" (2002) y "The First Emperor" (2006).


title: Historia de la ópera

text: En Tailandia, el compositor Somtow Papinian Sucharitkul, sobrino-nieto del rey Rama VI, fue el promotor de la implantación de la ópera en el país y autor de las primeras óperas nacionales: "Madana" (1999), "Mae Naak" (2001), "Ayodhya" (2006).


title: Historia de la ópera

text: Entre los cantantes de ópera más destacados del cabe mancionar a: Victoria de los Ángeles, soprano española de gran presencia escénica; Janet Baker, mezzosoprano inglesa intérprete de obras tradicionales y de numerosas obras de Britten y Walton; Cecilia Bartoli, mezzosoprano italiana especialista en Händel, Mozart y Rossini; Teresa Berganza, mezzosoprano española calificada por Herbert von Karajan como la «mejor mezzosoprano del mundo»; Carlo Bergonzi, tenor italiano apodado el «tenor de los tenores», ideal en papeles verdianos; Jussi Björling, tenor lírico sueco que destacó en el repertorio italiano; Montserrat Caballé, soprano española de renombre internacional, intérprete de "bel canto" y de géneros menores como la zarzuela; Maria Callas, soprano griega, una de las más famosas divas de todos los tiempos, que aunaba intensidad dramática y precisión técnica; Piero Cappuccilli, barítono italiano intérprete de Verdi; José Carreras, tenor español, formó el grupo Los Tres Tenores con Domingo y Pavarotti; Boris Christoff, bajo búlgaro considerado el mejor en el papel de "Borís Godunov", así como en óperas de Verdi; Plácido Domingo, tenor español de amplia variedad de papeles, el que más discos ha grabado en la historia; Dietrich Fischer-Dieskau, barítono y director de orquesta alemán, muy demandado en los recitales operísticos; Kirsten Flagstad, soprano noruega que interpretó diversos papeles wagnerianos; Juan Diego Flórez, tenor ligero peruano especialista en Rossini y Donizetti; Nicolai Gedda, tenor sueco que dominaba varios idiomas, lo que le permitía una gran variedad de papeles; Beniamino Gigli, tenor italiano que sucedió a Caruso en el Metropolitan de Nueva York, de voz dulce y ligera; Tito Gobbi, barítono italiano de gran presencia en el escenario; Elisabeth Grümmer, soprano alemana de voz pura y amplio registro; Marilyn Horne, mezzosoprano estadounidense que interpretó a Händel y obras de "bel canto"; Hans Hotter, bajo-barítono alemán del repertorio wagneriano; Maria Jeritza, soprano checa que triunfó en el período de entreguerras; Alfredo Kraus, tenor lírico ligero español, de repertorio principalmente italiano y francés; Lotte Lehmann, soprano alemana intérprete de Wagner y Strauss; Christa Ludwig, mezzosoprano alemana, una de las favoritas de Karajan; Giovanni Martinelli, tenor italiano de tesitura elevada, actuó en el Metropolitan durante treinta y tres años; Lauritz Melchior, tenor danés, el más famoso "heldentenor" wagneriano del siglo; Birgit Nilsson, soprano sueca de voz amplia y potente, ideal para registros wagnerianos; Jessye Norman, soprano estadounidense de amplio repertorio; Luciano Pavarotti, tenor italiano de grandes dotes vocales, uno de los más famosos y carismáticos de los últimos tiempos; Ezio Pinza, bajo italiano que actuó varias temporadas en el Metropolitan, así como en musicales y películas; Rosa Ponselle, soprano estadounidense de voz grave y altisonante; Leontyne Price, soprano estadounidense que destacó en papeles verdianos; Friedrich Schorr, bajo-barítono húngaro de registro wagneriano; Ernestine Schumann-Heink, contralto austríaca de amplio registro; Elisabeth Schwarzkopf, soprano alemana que destacó en papeles de Mozart; Léopold Simoneau, tenor canadiense especializado en Mozart; Mariano Stabile, barítono italiano que destacó en el papel de Falstaff, que interpretó 1200 veces; Giuseppe Di Stefano, tenor italiano que formó pareja artística con Maria Callas; Conchita Supervía, mezzosoprano española que destacó en papeles de Rossini; Joan Sutherland, soprano australiana capaz de grandes proezas vocales, por lo que destacó en el "bel canto"; Renata Tebaldi, soprano italiana, una de las estrellas de la Metropolitan Opera junto con Maria Callas, con quien rivalizó; Bryn Terfel, barítono galés con un repertorio que iba desde Mozart hasta Wagner; Jon Vickers, tenor heroico canadiense que destacó tanto en actuación como en canto; Leonard Warren, barítono dramático estadounidense, el único en su tiempo en llegar al do de pecho; y Fritz Wunderlich, tenor lírico alemán de potente voz.


title: Número de identificación personal

text: El número de identificación personal, pin o PIN (de las siglas en inglés, "Personal Identification" "Number") es un tipo de contraseña utilizado en ciertos sistemas, como la tarjeta SIM, el teléfono móvil o el cajero automático, para identificarse y obtener acceso al sistema.


title: Número de identificación personal

text: Solo la persona beneficiaria del servicio conoce el pin que le da acceso al mismo; esa es su finalidad. Este tiene que ser suficientemente seguro para evitar la intrusión no autorizada al servicio que protege.


title: Número de identificación personal

text: Hace algunos años, las tradicionales tarjetas de crédito en las que se requería firmar la conformidad para el pago de un servicio, fueron reemplazadas por una tarjeta provista de un chip y protegida de acceso mediante un pin que el usuario debe digitar para cargar el importe del servicio al saldo de la tarjeta.


title: Número de identificación personal

text: Comúnmente, el pin es un código de 4 dígitos, en el rango de 0000 al 9999, por lo que hay códigos diferentes que el usuario puede asignar. En la categoría de equipos celulares EDGE, el pin es de 8 dígitos, con lo que se incrementa en un factor la dificultad para un atacante que para acertar con el pin correcto. Los pines telefónicos habitualmente tienen 12 dígitos.


title: Número de identificación personal

text: En el 2002 dos estudiantes de doctorado de la Universidad de Cambridge, Piotr Zieliński y Mike Bond, descubrieron una falla de seguridad en el sistema de generación de pines de la IBM 3624, que estaba duplicado en la mayor parte de los equipos de cómputo de las generaciones siguientes. Conocido como el ataque de la tabla de decimalización, la falla daba acceso al sistema de cómputo de un banco, lo que permitía determinar el pin para el ingreso de una tarjeta al cajero automático en un promedio de 15 intentos.


title: Número de identificación personal

text: En inglés, la palabra "password" significa "contraseña", pero literalmente es "palabra de paso". Un número no puede considerarse una palabra y, por lo tanto, en inglés se inventó la sigla "Personal Identification Number", y también a veces se usa la palabra "passnumber". En español, se pueden usar las palabras "contraseña" o "clave". Cuando el número no es inventado por el usuario, es posible usar un "código secreto".


title: Humor vítreo

text: El humor vítreo es un líquido gelatinoso y transparente que rellena el espacio comprendido entre la superficie interna de la retina y la cara posterior del cristalino, es más denso que el humor acuoso, el cual se encuentra en el espacio existente entre el cristalino y la córnea. Mantiene la forma del globo ocular.


title: Humor vítreo

text: Está compuesto en un 99% por agua, el resto consiste en pequeñas cantidades de cloro, sodio, glucosa, potasio, colágeno, ácido hialurónico y proteínas. Ocupa cuatro quintas partes del volumen total del ojo y carece de vascularización, es decir, no está irrigado por ningún vaso sanguíneo.


title: Humor vítreo

text: El humor vítreo contribuye a mantener la forma del ojo y conseguir una superficie de la retina uniforme para que la recepción de imágenes sea nítida.


title: Humor vítreo

text: A diferencia de lo que ocurre con el humor acuoso, el humor vítreo no se renueva, pues solamente se forma durante la vida embrionaria. Contiene células fagocíticas que contribuyen a eliminar los detritus celulares que pueden acumularse en su interior y disminuir por tanto su transparencia. A veces la acumulación de estos desechos pueden crear una sombra en la retina que aparentemente se desplaza a través del campo visual. Este fenómeno muy frecuente se conoce como moscas volantes o miodesopsias.


title: Humor vítreo

text: Cuando el humor vítreo se opacifica por alguna circunstancia por ejemplo una hemorragia vítrea o hemovítreo, se puede realizar una intervención quirúrgica conocida como vitrectomía. Mediante esta técnica el cirujano elimina el humor vítreo del ojo y lo reemplaza por una solución salina. La vitrectomía no está indicada generalmente a menos que la visión este disminuida, pues puede tener complicaciones como el desprendimiento de retina, infección y sangrado intraocular. La causa más frecuente de opacidad del vítreo es el sangrado producido por la retinopatía diabética.


title: Humor vítreo

text: El humor vítreo es el elemento usado en uno de los métodos de laboratorio para investigar el intervalo postmortal y la presencia de drogas y alcohol. Para ello se aprovecha que carece de vascularización, por lo que no se encuentra irrigada por ningún vaso sanguíneo y que está protegido de los traumatismos así como que es muy resistente a los fenómenos de la putrefacción. Mediante la punción de la cavidad posterior del ojo se extrae entre 2 a 5 centímetros cúbicos de la sustancia y luego se analiza en el laboratorio para verificar, entre otros valores, el contenido de potasio, pues hay una relación directa entre los valores de sodio y potasio. En las primeras horas posteriores al fallecimiento sube la cantidad de potasio y baja la de sodio, guardando una relación lineal durante las primeras 80 horas y en ocasiones hasta las 100 horas posteriores.


title: Frontera entre Colombia y Panamá

text: La frontera entre Colombia y Panamá es un límite internacional continuo de 266 kilómetros de longitud que separa a Colombia y a Panamá. La frontera en su estado actual está demarcada por el "Tratado Vélez-Victoria" de 1924.


title: Frontera entre Colombia y Panamá

text: Antiguamente, como frontera regional fue creada inicialmente en 1508 tras decreto real, para separar a las gobernaciones coloniales de Castilla de Oro y Nueva Andalucía, usando al río Atrato como límite entre ambas gobernaciones.


title: Frontera entre Colombia y Panamá

text: El límite actual está regulado por el Tratado Victoria-Vélez, firmado en Bogotá el 20 de agosto de 1924 por el enviado extraordinario y Ministro Plenipotenciario de Panamá y Colombia, Nicolás Victoria; y por el Ministro de Relaciones Exteriores de Colombia, Jorge Vélez. Este tratado está inscrito oficialmente en el Registro N.º 814 de Tratados de la Sociedad de Naciones, el 17 de agosto de 1925. La frontera fue tomada sobre la base de la misma de la ley colombiana del 9 de junio de 1855.


title: Frontera entre Colombia y Panamá

text: La frontera entre ambos países consiste de un gran arco, cóncavo hacia la zona panameña y de una longitud total de 266 kilómetros. Esta frontera es de tipo mixta, es decir que usa elementos naturales y geométricos; desde el Pacífico hasta los Altos de Aspavé se proyecta una línea recta de 28 kilómetros que corresponden a la frontera geométrica; y los 238 kilómetros restantes desde Altos de Aspavé hasta el Mar Caribe corresponden a una frontera natural.


title: Frontera entre Colombia y Panamá

text: Está demarcada con 14 hitos: dos de ellos (el primero y el cuarto) son de primera clase y los restantes, de segunda clase. Cada hito está hecho de concreto armado, con forma y tamaño diferente según su clase, y cada hito posee tres placas de bronce: una con el escudo de Panamá y con la palabra "PANAMÁ"; la segunda con el escudo de Colombia y la palabra "COLOMBIA", y la tercera con las coordenadas geográficas del hito. El amojonamiento se realizó entre los años de 1935 y 1938.


title: Frontera entre Colombia y Panamá

text: Las fronteras marítimas en ambos océanos se delimitaron por medio del tratado Liévano-Boyd firmado el 20 de noviembre de 1976 a través de los Ministros de Relaciones Exteriores de Colombia, Indalecio Liévano Aguirre, y Panamá, Aquilino Boyd. El tratado delimita la parte correspondiente al mar Caribe como sigue: