title: Bandera de Cataluña

text: Para diversos especialistas, las evidencias más antiguas conservadas de este símbolo se encuentran en los siete sellos de Ramón Berenguer IV (1113? -1162), conde de Barcelona y Prínceps de Aragón, llevando sobre su escudo los cuatro palos. Estudiados por Tomás Muñoz y Rivero en 1856, que datan al menos del año 1150, año de la impronta más antigua de ellos y contemporánea al surgimiento de algunos de los emblemas heráldicos más antiguos conocidos.


title: Bandera de Cataluña

text: Actualmente hay consenso entre diversos especialistas heráldicos -el aragonès Faustino Menéndez Pidal de Navascués, el aragonès Alberto Montaner Frutos, y el catalán Armand de Fluvià- a la hora de determinar que la señal heráldica nació y apareció como emblema personal de Ramón Berenguer IV (1114-1162).


title: Bandera de Cataluña

text: En cualquier caso, el rey Pedro el Ceremonioso considerará el Señal Real como asociado al linaje condal.


title: Bandera de Cataluña

text: Existe documentación que prueba fehacientemente que la misma fue usada, también, en tiempos de Alfonso II Rey de Aragón y Conde de Barcelona, siendo universalmente conocida como «vexillum nostrum» o «signum regium», dada la preeminencia del título de Rey como reconoce el propio Pedro IV el Ceremonioso:


title: Bandera de Cataluña

text: Con el paso del tiempo, el emblema de los reyes de la Corona de Aragón pasó a identificarse con los territorios que gobernaban. Su identificación con el condado de Barcelona y, por extensión, con el Principado de Cataluña, parece originarse también en tiempos de Pedro el Ceremonioso y se prolonga en los siglos posteriores, aunque sigue siendo utilizado también por otros territorios de la Corona. Ya a mediados del , el historiador valenciano Pere Antoni Beuter narra la leyenda de Wifredo el Velloso y los dedos de sangre en su "Crónica General de España". Posteriormente, en un poema de 1644, Francesc Fontanella aludía a las «barras» en uno de sus poemas:


title: Bandera de Cataluña

text: Desde mediados del , y particularmente a partir de la eclosión del catalanismo como movimiento cultural y político con la Renaixença, las antiguas armas del rey de Aragón adquieren un simbolismo político de afirmación identitaria. Tras períodos alternativos de tolerancia y represión del uso de la bandera cuatribarrada, fue izada como «bandera de la Patria» en la Diputación de Barcelona el 27 de mayo de 1930 y de nuevo el 14 de abril de 1931 al ser proclamada la República Catalana por Francesc Macià.


title: Bandera de Cataluña

text: Son elementos comunes de la Bandera y el Escudo los "palos de gules" o "barras de Aragón", elemento histórico común de las actuales cuatro comunidades autónomas que en su día estuvieron integradas en la Corona de Aragón, en cuya emblemática se encuentran todavía, y que en su representación se incorporaron al Escudo de España.


title: Bandera de Cataluña

text: No se ha hallado ninguna referencia documental hasta el año 1150, en que aparece como escudo preheráldico en un sello de Ramón Berenguer IV, aunque la escasa nitidez del sello, y su monocromía, hacen dudosa la atribución, pues el escudo palado y blocado refleja los habituales refuerzos defensivos de los escudos de mediados del , por lo que este no sería un signo de linaje, sino el mero escudo de tablas almendrado que simbolizaba el poder real. El primer testimonio seguro son los sellos de la cancillería de Alfonso II, datados a partir de 1167.


title: Bandera de Cataluña

text: No está demostrada la prueba de su vinculación a la casa condal barcelonesa en sendos sarcófagos de 1082 de Ramón Berenguer II y Ermesenda de Carcasona, donde aparecen pintados 15 palos de oro y gules, lo que ha llevado a pensar a algunos heraldistas (A. Fluvià, M. de Riquer) que este es el origen de las cuatro barras en tanto que emblema pre-heráldico; pero no puede ser una prueba de la antigüedad del emblema asociado al linaje condal. Según Faustino Menéndez-Pidal y otros autores, se trataría de una decoración impostada con motivo de su traslado en 1385 al interior de la Catedral de Gerona por iniciativa de Pedro IV de Aragón, por lo tanto, la pintura aludida sería 300 años posterior, ya que en su emplazamiento original a la intemperie durante tres siglos es imposible que el sarcófago conservara la pintura del , como demuestra Alberto Montaner Frutos en "El señal del rey de Aragón: historia y significado" (1995). Menéndez-Pidal también arguye que es aún más difícil demostrar que se realizasen ornamentaciones emblemáticas en las tumbas del , y que en el sepulcro posterior de Ramón Berenguer III no se encuentra ninguna de estas ornamentaciones.


title: Bandera de Cataluña

text: Otros historiadores (Guillermo Fatás y Guillermo Redondo) refuerzan el argumento de que el emblema de las barras de gules en campo de oro proviene de la temprana vinculación del Reino de Aragón con la Santa Sede. En todo caso, el linaje de los reyes de Aragón es el único linaje que podía ostentar las mentadas franjas de gules en campo dorado, puesto que Alfonso II lo hereda del derecho sucesorio que le concede un lugar como miembro de la Casa de Aragón, y lo heredan sus hijos como dignidad familiar y siempre vinculado al título principal de Rey de Aragón (en el derecho aragonés medieval conocido como "Matrimonio en Casa"), linaje al que, según algunos historiadores como Ubieto o Fatás, accede por el matrimonio con la heredera de la casa, Petronila de Aragón, al haberse cortado la posibilidad sucesoria por vía masculina. Esta teoría ha sido cuestionada recientemente por J. Serrano Daura, dada la ausencia de referencias a esta institución consuetudinaria del derecho aragonés antes del , y que las cláusulas que fueron establecidas por Ramiro II sobre la sucesión a la corona de Aragón no se ajustan a las peculiaridades de esta institución, por lo que no sería trasladable al .


title: Bandera de Cataluña

text: Otra teoría sobre el origen del señal de la Casa de Aragón lo relaciona con el viaje de Sancho Ramírez (1064-1094) a Roma en 1068 para consolidar el joven reino de Aragón ofreciéndose en vasallaje al papa, vasallaje documentado incluso en la cuantía del tributo de 600 marcos de oro al año. De ahí que se haya aducido que Alfonso II, conocedor de ese viaje, tomara como emblema del vínculo vasallático las conocidas franjas rojas y doradas, inspiradas en los colores propios de la Santa Sede, que eran bien conocidos y están bien documentados en las cintas de lemnisco de los sellos de la Santa Sede, y son visibles hoy todavía en la "umbrella" vaticana.


title: Bandera de Cataluña

text: En la segunda mitad del s. XII, el señal de la Casa de Aragón era un mero distintivo familiar, y no territorial, de manera que no era posible la identificación con él de sus súbditos, que lo reconocerían solo como atributo de su rey o de la autoridad de él emanada. La confusión sobre su origen condal fue difundida durante la Renaixença en el de estos símbolos, utilizando historiografía del s. XVI y apoyada en la creencia de que Pedro IV tenía conocimientos heráldicos rigurosos en el .


title: Bandera de Cataluña

text: Además, Pedro IV usó con profusión otros símbolos, ya caballerescos en el sentido que cobrarían en el , ceremoniales y ornamentales, y los adoptó por primera vez (por ejemplo la llamada Cruz de Íñigo Arista) en la creencia de que era el señal de los antiguos reyes de Aragón. También fue introducida por él la cruz de San Jorge, incluso fundó una orden de caballería valenciana caracterizada por estas armas. Asimismo, fue él quien usó una cimera con un dragón (probablemente emblema parlante: D'Aragón=dragón y de ahí el entramado que hizo a San Jorge patrón de Aragón, por serlo de su rey, y con ello de todos los reinos (Valencia, Mallorca, Sicilia) y condados (Barcelona) que componían la Corona de Aragón. De ese dragón en cimera debió surgir, por deformación, el murciélago de Valencia.


title: Bandera de Cataluña

text: A finales del , la atribución de los palos al condado de Barcelona era cada vez más extendida. Así, en el "Armorial d'Urfé", fechado alrededor de 1380, se afirma que "«Le roy d'Arragon d'or à iij paux de gueules, et son les armes de le Conte de Cathalogne (...) Le royaume d'Arragon d'azur à la croix d'argent patée.»" En las Cortes de 1396 se dispone que "«les galees no porten banderas, cendals ne panys de senyal alcú sinó del comptat de Barchelona, ço es, barres grogues e vermelles tant solament»", y en 1406, el rey de Aragón Martín el Humano declara ante las Cortes reunidas en Perpiñán: "«Fil, yo us do la bandera nostra antiga del principat de Cathalunya (...) la dita nostra bandera reyal.»"


title: Bandera de Cataluña

text: La designación de la documentación medieval es «El senyal real del Rei d'Aragón», sin que aparezca como sustantivo la denominación de [señera]]. En ningún caso se documente el presunto linaje de los "Condes-Reyes", ambas denominaciones surgidas en la historiografía decimonónica al amparo del nacionalismo catalán. Por otra parte, rey de Aragón es el título principal de esta Casa, que utilizaron todos los reyes de Aragón arriba mencionados, incluso Martín I El Humano o Alfonso V El Magnánimo. Solo si se consignaba el título completo aparecía el de "Conde de Barcelona", que es la única denominación posible en la Edad Media.


title: Bandera de Cataluña

text: El historiador valenciano Pere Antoni Beuter incluyó en su "Crónica general de España", por primera vez, la leyenda que atribuye su origen a Wifredo el Velloso (Guifré el Pilós), conde de Barcelona, Gerona y Osona en el . Wifredo el Velloso era hijo de Sunifredo I de Urgel-Cerdaña, y reunió bajo su gobierno los condados de Barcelona, Urgel, Cerdaña, Besalú y Gerona; reconquistó Montserrat, fundó el monasterio de San Juan de las Abadesas y vivificó el de Ripoll. Repobló todo el centro de Cataluña y con esto consolidó su unidad interior. Inició la casa de Barcelona, la dinastía catalana que se subordinaría, según algunos historiadores como Ubieto o Fatás, con la firma del "Matrimonio en Casa" con Petronila de Aragón desde 1150, a la Casa de Aragón. Recientemente, el profesor J. Serrano Daura ha cuestionado la teoría del "casamiento en casa" aplicada a los esponsales de Ramón Berenguer IV y Petronila de Aragón, basándose en la ausencia de referencias a esta institución consuetudinaria del derecho aragonés antes del , y que las cláusulas que fueron establecidas por Ramiro II sobre la sucesión a la corona de Aragón no se ajustan a las peculiaridades de esta institución, por lo que no sería trasladable al .


title: Bandera de Cataluña

text: Esta explicación legendaria, presente en otros lugares de Europa, incluida una anécdota de la Castilla del , refiere que en una de sus gestas decidió, con sus seguidores, una victoria de los francos sobre los normandos. El premio que habría recibido por ello, sería un escudo con fondo de oro de manos del rey Carlos el Calvo. Explica la leyenda que el mismo rey pintó, con los dedos manchados de sangre de las heridas del conde, las cuatro franjas rojas.


title: Bandera de Cataluña

text: Fluvià propone como apoyo documental una inicial miniada de la versión catalana de la "Crónica de San Juan de la Peña" donde aparece el conde Guifredo (no su hijo, Guifredo el Velloso) rindiendo vasallaje al emperador Carlomagno, pero los escudos que portan son apócrifos. El de Carlomagno, que nunca usó, es claramente legendario. El de Guifredo sería fruto del hecho de que la Crónica fue compuesta en el taller de Pedro IV en la segunda mitad del . Como vemos la labor de rearme emblemático y heráldico de Pedro IV, que necesitaba hacer prevalecer su dignidad frente a la nobleza en la crisis de la sociedad estamental del S. XIV, fue ingente.


title: Bandera de Cataluña

text: En la Edad Moderna comenzaron a usarse de modo vacilante diversos escudos asociados privativamente a los distintos territorios que componían la Corona de Aragón, y para este propósito se usaron tanto las armas del rey de Aragón (los cuatro palos), como otros emblemas aparecidos a lo largo de la Edad Media. Como escudo privativo de Cataluña se usaron dos blasones: el propio señal real y la cruz de San Jorge, que formaba parte del escudo de Barcelona y era el emblema de la Generalidad de Cataluña. De forma similar ocurrió en Aragón, donde se alternó el uso del señal real como símbolo privativo con otros dos emblemas, difundidos como armas privativas de Aragón desde fines del : la cruz de Alcoraz y la cruz de Íñigo Arista. La utilización de los palos de gules en múltiples instituciones asociadas al Principado de Cataluña no implica que este emblema fuera considerado en la Edad Moderna exclusivo de Cataluña. También se usaron en Valencia y en Aragón con similares funciones. No fue hasta el , debido a la "Renaixença" y a las interpretaciones inexactas de la heráldica de ese tiempo, que comenzó a tenerse el emblema de los palos de oro y gules como único propio y exclusivo de Cataluña, desechando otros emblemas privativos de Cataluña basados en la Cruz de San Jorge.


title: Bandera de Cataluña

text: La ambivalencia de los símbolos se manifestó, por ejemplo, en la Corte convocada por Felipe V en 1701, en la que se discutió cuál debía ser su sello: mientras unos propusieron «el glorioso San Jorge llevando el escudo de la Cruz», la mayoría se inclinó por «el escudo de las cuatro barras y sobre él la corona real». Incluso después de los Decretos de Nueva Planta, una exposición de la Real Audiencia de Cataluña de 1755 se refería a «las armas de Cataluña (...), las cuatro barras de gules o rojas en campo de oro».


title: Bandera de Cataluña

text: Durante la invasión napoleónica, las autoridades francesas acuñaron monedas en Barcelona en 1808 que, según la descripción del barón de Maldà, tenían «armes d'Aragó en una cara i en l'altra ab la inscripció de "Valga per la província", i res d'armes de França». En 1810, Napoleón mandó al mariscal Augereau izar «en lugar de la bandera española, la bandera francesa y la catalana», en la que es la primera referencia pública moderna.


title: Bandera de Cataluña

text: Las Cortes Catalanas adoptaron la bandera de la Cruz de San Jorge en 1359 bajo el reinado de Pedro IV por considerar este a la Cruz de San Jorge como "las antiguas armas de Barcelona". Esto se debe a que eran las armas del brazo eclesiástico, es decir, el escudo de la diócesis de Barcelona por correspondencia a San Jorge, el patrón de esta.


title: Bandera de Cataluña

text: Años después, en 1701, adopta las llamadas barras de Aragón. Durante la Segunda República española, después de reinstaurado el autogobierno, se siguen adoptando como símbolo, que sigue siendo el utilizado en la actualidad.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Francis Bacon (Dublín, Irlanda, 28 de octubre de 1909-Madrid, España, 28 de abril de 1992) fue un pintor de estilo figurativo idiosincrásico, caracterizado por el empleo de la deformación pictórica y gran ambigüedad en el plano intencional. Fue autor de 584 pinturas y alrededor de 600 dibujos.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Considerable ambivalencia puede además ser detectada en comentarios suyos, tales como «"quisiera que mis pinturas se vieran como si un ser humano hubiera pasado por ellas, como un caracol, dejando un rastro de la presencia humana y un trazo de eventos pasados, como el caracol que deja su baba"» o «"acaso algún día logre capturar un instante en toda su violencia y toda su belleza"».


title: Francis Bacon (pintor)

text: Nació en Dublín en 1909. Parte de su niñez transcurrió tanto en Irlanda como en Inglaterra, siendo su padre británico, nacido en Australia, y su madre inglesa. Desde 1925 residió en Londres, donde permaneció y trabajó durante 67 años, desarrollando allí casi toda su producción artística. Bacon se consideraba un pintor británico. En 1937 participó en la muestra de diez "Jóvenes Pintores Británicos", organizada por Eric Hall en Agnew's, Londres. En 1945, expuso en Londres, junto con los artistas ingleses Henry Moore y Graham Sutherland, su pintura "Tres estudios para figuras al pie de una crucifixión" (c. 1944), tríptico que, según el propio Bacon, marcó el punto inicial su carrera plástica. En 1950, obra de Bacon es incluida en la exposición "Los últimos cincuenta años en el arte británico", presentada en la Galería Knoedler de Nueva York. En 1956, el primer autorretrato de Bacon y seis pinturas suyas inspiradas por una imagen de Van Gogh fueron incluidas y exhibidas en la muestra "Maestros de la Pintura Británica, 1800-1950", presentada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 1960, la obra de Bacon figura en "Pintura británica 1700-1960", muestra que tiene lugar tanto en Moscú como en Leningrado.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Su padre era un militar británico retirado que se dedicaba a criar y entrenar caballos de carreras en Dublín. En 1914, debido a la Primera Guerra Mundial su familia se mudó a Londres. Entre 1914 y 1925 la familia Bacon vivió trasladándose intermitentemente de Inglaterra a Irlanda y viceversa. Debido a ello, su infancia no fue fácil. Padecía además de asma crónica y careció de un marco escolar regular, dado que su enfermedad le impedía acudir al colegio. Cuando sufría ataques asmáticos fuertes solían administrarle morfina.


title: Francis Bacon (pintor)

text: En la pubertad, Francis Bacon se sentía atraído sexualmente por su padre, llegando además a consumar "asuntos" con los mozos irlandeses que trabajaban en las caballerizas del exmilitar. En 1925, al enterarse su padre de las inclinaciones homosexuales de su hijo, lo excluyó del hogar familiar a la edad de 16 años, enviándolo con un amigo de la familia a Europa continental para que hiciera de él "un hombre". Bacon partió con el amigo de su padre a Berlín, donde, irónicamente, terminó por seducir a ese acompañante, para entregarse luego a todos aquellos placeres que la Alemania de los "Dorados Veinte" tenía para ofrecerle.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Entre 1927 y 1928 Bacon residió en Berlín y París. Luego de estar durante dos meses en Berlín se dirigió a Francia, visitando París y viviendo durante medio año cerca de Chantilly, alojado por una pianista y aficionada al arte que había conocido en una exposición parisina. En ese período descubrió y admiró "La masacre de los inocentes", óleo de Poussin conservado en el Museo Condé sito en dicha localidad. Este cuadro despertó en él, según dijo alguna vez, un gran interés tanto por la boca como por el grito. En la Galería Rosenberg de París, tras visitar una muestra que incluía con las figuras antropomorfas de Pablo Picasso, Bacon decidió hacerse pintor.


title: Francis Bacon (pintor)

text: De regreso a Londres, Bacon tomó algunas clases informales de dibujo y pintura con el artista australiano Roy De Maistre y, trabajando además como autodidacta, realizó sus primeras obras a partir de 1929. Realizó acuarelas, gouaches y óleos, pero su quehacer no fue inmediatamente reconocido y ello lo condujo a destruir parte de su producción. Para 1930 trabajaba en Londres como decorador de interiores y diseñador de muebles modernos.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Es hacia 1944 cuando finalizó su tríptico "Tres estudios de figuras al pie de una crucifixión", cuadro tripartito con extrañas criaturas que en su momento generó polémica y es hoy considerado ser uno de los más originales e inquietantes del arte del siglo XX.


title: Francis Bacon (pintor)

text: A través de esa obra, que marca el inicio de la madurez artística en la carrera de Bacon, el pintor tácitamente decidió que el tema de sus pinturas sería tanto la vida en la muerte como la muerte en la vida. Buscó expresar su condición vital, ligada esta también a su lado autodestructivo. Michel Leiris le sugirió que el masoquismo, el sadismo y otro tipo de manifestaciones similares, en realidad, eran tan solo maneras de sentirse más humano. Bacon por su parte pintó la figura humana expuesta y vulnerable, deformada y mutilada, logrando así expresar "la soledad, la violencia y la degradación".


title: Francis Bacon (pintor)

text: Para 1945 Bacon desarrollaba ya un estilo propio e inconfundible, que años más tarde se tornaría obsesivo y hasta casi redundante o repetitivo. En 1949, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), compró una impresionante obra suya titulada "Pintura 1946", que presenta dos figuras inciertas más una de ellas suspendida como si estuviese crucificada. También en 1949 Bacon comenzó a desarrollar una serie de variaciones fantasmagóricas sobre el "Retrato de Inocencio X" de Velázquez, llegando a realizar no menos cuarenta de esos "papas". Curiosamente, Bacon los pintó guiándose por fotografías y, cuando tuvo la oportunidad de contemplar el original de Velázquez en Roma, se negó rotundamente a hacerlo.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Francis Bacon realizó algunas de las pinturas más impactantes y desgarradoras del arte contemporáneo. Margaret Thatcher, también conocida como la "Dama de Hierro", alguna vez despreció la obra de Bacon, describéndola en términos de "asquerosos trozos de carne". Sin embargo, la enigmática obra de Bacon involucra no poco magnetismo sobre el espectador.


title: Francis Bacon (pintor)

text: El carácter de Bacon era tan atípico como poco dado a llamar la atención. Le gustaba vivir la vida plenamente, incluso si para ello le era necesario correr riesgos considerables. Hombre sádico e incorregiblemente destructivo, el piloto Peter Lacy fue su primer gran amor, lo conoció en 1952 y después de una tormentosa relación de ocho años con Bacon, en la que Lacy solía destruir sus pinturas y una vez hasta llegó a arrojar al artista a través de una placa de vidrio, Lacy se mudó a Tánger, donde el exceso de alcohol lo condujo a suicidarse en 1962. Durante los años cincuenta y las postrimerías de los años sesenta, Bacon realizó varios retratos de Lacy; a él, Bacon lo representó en la serie titulada "Hombre en azul", reflejando luego su personalidad a través de imágenes drásticamente distorsionadas y a menudo tituladas mediante el uso de iniciales: "Estudio de retrato para P.L." (1962) y "Estudio para un retrato de P.L." (1964).


title: Francis Bacon (pintor)

text: En 1963, Bacon descubrió a George Dyer, su amante y modelo durante ocho años: lo sorprendió robando en su taller y, acto seguido, le propuso que podía llevarse todo lo que quisiera, solo si antes se acostaba con él. Su relación fue intensa, inestable e imprevisible. Dyer fue modelo de Bacon y llegó a ser la principal fuente de inspiración para muchos de los cuadros que Bacon realizó particularmente entre 1963 y 1971, año este último en el que Dyer, entonces sumamente depresivo y contando ya con dos intentos previos de suicidio, consiguió esta vez lograr su cometido y se suicidó habiendo ingerido una importante dosis de píldoras para dormir mezcladas con alcohol. A pesar de ello, Dyer es el más conocido de los amantes de Bacon y ello en parte se debe a que el artista inmortalizó su suicidio a través de obras suyas en las que representó los instantes finales de Dyer sobre el lavatorio de una habitación de hotel, la noche en que se inauguraba la retrospectiva del pintor en el Grand Palais de París.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Hacia 1975 Bacon inició una relación más estable, con John Edwards, quien subsecuentemente heredó sus bienes: unos 11 millones de libras esterlinas.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Cada día para Bacon se dividía en dos. Por la mañana siempre pintaba. Para con su quehacer plástico poseía la rutina diaria de un trabajador serio. A partir de la tarde se vestía con sobriedad y concurría al "pub" del que era un incondicional —"The Colony Room"—, para dedicarse a la bebida y, eventualmente, dar luego rienda suelta a sus proclividades y apetitos sexuales. Si bien existen numerosas anéctodas acerca de él, Bacon llevaba una vida bastante solitaria y poco dada a escándalos. Y pese a no haber completado ninguna educación formal, el pintor era un hombre cultivado y se interesaba por asuntos profundos. Al considerarlos, sin embargo, podía fácilmente tomar cierta distancia de ellos a través del sarcasmo y recurriendo al factor sorpresa, tal como sucedió, por ejemplo, cuando el crítico de arte David Sylvester alguna vez le preguntó a qué edad llegó a comprender que la muerte también le llegaría él algún día, para obtener el siguiente comentario por parte de Bacon:


title: Francis Bacon (pintor)

text: La actuación y el saber fingir era también parte de su estrategia artística. Ello posiblemente haya estado ligado a su condición de homosexual dentro de una sociedad generalmente puritana y homofóbica. Sea como fuere, Bacon cuidaba su imagen como artista y la imagen que su obra daba al espectador. En varios sentidos hasta era el censor de quienes trabajaban con él, reteniendo información acerca de su persona y no permitiéndole a nadie publicarla. Debido a ello, el aproximarse a algunos datos biográficos de Bacon desde el plano de la total certitud puede ser tan arriesgado como caminar sobre una placa de hielo fino; no en vano la vaguedad e indeterminación de las palabras de Bacon suelen ir acompañadas de un dejar abiertas varias posibles lecturas de las mismas:


title: Francis Bacon (pintor)

text: Asimismo, Bacon se había referido con anterioridad a su pintura como "un intento de traer la cosa figurativa sobre el sistema nervioso más violentamente y más incisivamente" que cualquier expresión abstracta, resumiendo entonces la naturaleza específica de su deseo en los siguientes términos:


title: Francis Bacon (pintor)

text: De ello se deduce que Bacon no solo se interesaba por el arte figurativo sino también por introducir en su propia pintura esa "muy ambigua precisión" de la que habló en 1962, ingrediente que trabaja como una espada de doble filo sobre el espectador y le permite a su vez al artista expresar contenidos autobiográficos desde un plano de vaguedad e imprecisión.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Curioso y desordenado, Bacon acumulaba en su taller innumerables recortes de prensa y fotografías de obras de arte del pasado. También le interesaban las películas mudas mostrando la figura humana en estado de locomoción, así como también aves y demás animales, pues le fascinaba el movimiento de los seres vivos. El taller de Bacon estaba tan desordenado, que el artista debía frecuentemente pisar sus fuentes visuales de inspiración para poder así lograr llevar a cabo su trabajo en el mismo. Solía desechar toda obra suya con la que no estuviese suficientemente satisfecho. Tras la muerte del pintor, el taller de Bacon fue donado por Edwards a la Galería Municipal de Arte Moderno de Dublín, donde, luego de haber sido desmontado y trasladado, fue reconstruido con precisión arqueológica, como si fuera una obra de arte en sí mismo.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Bacon visitaba el Museo del Prado cada vez que podía hacerlo; a veces incluso en privado, mientras el museo permanecía cerrado al público. Sus últimos viajes a Madrid se debieron en parte a la relación que mantenía con un español, José Capelo.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Entre el 3 de febrero y el 19 de abril de 2009 el Prado acogió una exposición antológica de Bacon que fue conmemorativa del centenario de su natalicio y que fue organizada junto con la Galería Tate de Londres y el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Bacon fue un artista sumamente mediático y uno de los pocos en su tiempo que se expresó en innumerables oportunidades acerca de su obra y la relación de la misma con lo que él consideraba ser el trasfondo de la Historia del Arte y la producción de sus colegas contemporáneos, a quienes por lo general se refería con declarado desdén: en 1968, por ejemplo, Bacon no dudó en referirse a Jackson Pollock en los inesperados términos de "viejo confeccionista de encajes y puntillas". Con todo, Bacon siempre sintió una profunda e inamovible admiración por Pablo Picasso así como por Alberto Giacometti. El pintor respetaba además el legado de los grandes maestros del pasado y llegó a montar una exposición del mismo organizada según los propios criterios de Bacon.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Diversas entrevistas con Francis Bacon fueron registradas y filmadas en Londres y en París, especialmente entre 1960 y 1985. Entre las más memorables merecen ser indicadas las conversaciones filmadas por la BBC de Londres, donde Bacon dialoga con su mentor, el crítico de arte David Sylvester. El contenido de esos encuentros, sostenidos entre 1962 y 1974, fue compilado en un libro publicado en inglés en 1975 y cuya versión en español se titula "Entrevistas con Francis Bacon".


title: Francis Bacon (pintor)

text: La obra pictórica de Francis Bacon se inscribe en el marco de la pintura figurativa realizada después de la Segunda Guerra Mundial, el así denominado "arte de posguerra".


title: Francis Bacon (pintor)

text: Si bien el período en cuestión estuvo ampliamente dominado por la abstracción como tendencia artística, el arte figurativo contó con la obra de maestros tales como Picasso, Matisse, Chagall, Dalí y Giacometti, así como también con la producción de nuevos artistas, entre quienes destacaron Balthus, Bacon y Dubuffet. Temáticamente, existen afinidades particularmente entre la producción de Bacon y la de Giacometti:


title: Francis Bacon (pintor)

text: Estilísticamente, a lo largo de su carrera Bacon recurrió tanto al surrealismo como al expresionismo, mas su obra pertenece a aquello que se denomina Nueva Figuración o Arte Neofigurativo, tendencia de posguerra que retoma la figura humana pero a su vez también la distorsiona. Bacon posiblemente sea el representante más destacado de la mencionada tendencia. A la pintura de Bacon también se la considera en términos de "Arte Existencialista". Y, si bien todas las designaciones mencionadas son pertinentes en el caso de Bacon (y a veces incluso complementarias entre ellas), lo cierto es que la pintura de Bacon suele por lo general resistirse a ser clasificada. Y ello no es accidental: a lo largo de su carrera como pintor, Bacon declaró no pertenecer a ningún movimiento artístico, sin por otra parte alinearse o identificarse con ninguno ellos. Solo Picasso representaba para Bacon la gran fuerza creadora e inspiradora, el referente artístico potente por excelencia y el punto de partida para toda posible contribución del anglo-irlandés en su quehacer plástico. En efecto, Bacon se inició en el arte desarrollando una línea pictórica postpicasiana y basándose en la vía abierta que Picasso dejó entre la figuración y la desfiguración.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Bacon plasmó considerable angustia en sus cuadros. Trabajó la representación de la figura humana pero desfigurándola y posicionándola en espacios cerrados e indeterminados.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Inicialmente la pintura de Bacon involucró una enorme tensión y una imaginería rayana al sensacionalismo; con el correr de los años, la tensión gradualmente tendió a mermar en su obra y el pintor llegó a crear imágenes que continuaron en cierta medida siendo inquietantes pero que también resultaban exultantes de esteticidad. La teatralidad y la magnificencia fueron dos factores cruciales en la producción artística de Bacon y, en buena parte, fue gracias a estos aspectos de su obra que Bacon alcanzó el éxito como pintor.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Según Bacon, su arte es en gran medida autobiográfico. Pero para desarrollarlo, Bacon recurrió a un sinnúmero de imágenes provenientes de la Historia del Arte, los medios de comunicación masiva, y fotografías e ilustraciones médicas provenientes de manuales diversos.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Algunas de sus primeras obras reflejan influencias de Picasso, otras incorporan elementos provenientes de la imaginería de Grünewald, Poussin, Rembrandt, Soutine y Cimabue; otras más poseen sus referentes en aquellas de Velázquez, Van Gogh, Miguel Ángel, Degas, Goya o Ingres. Pero en todos los casos, las fuentes de inspiración son drásticamente transformadas y trascendidas por la propia intervención de Bacon.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Crucifixión y animalidad, aislamiento y cópula, aprensión y crisis, deterioro, soledad, nostalgia y muerte son algunos de los temas frecuentemente abordados por Bacon en su imaginería pictórica.


title: Francis Bacon (pintor)

text: En no pocas de sus pinturas Bacon evoca la violencia de la Segunda Guerra Mundial, entremezclándola con vivencias íntimas suyas. En su serie de "Crucifixiones" (1933-1968) y en un cuadro titulado "Cabeza rodeada de flancos bovinos" de 1954, Bacon rememora tangencial e insistentemente aquello que lo obsesiona: la agresividad del ser vivo y aquello que él entiende como su innata e inexorable inclinación hacia la violencia.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Los retratos y autorretratos constituyen una parte importante de las pinturas de Bacon, entre las que se destaca "George Dyer en un espejo" de 1968, obra donde el pintor sugiere la vulnerabilidad y la fragilidad del ser, que pertenece a la colección del Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid. Bacon hizo retratos prescindiendo de poses tomadas del natural; los desarrolló a partir de fotografías; retrató por lo general a sus compañeros íntimos y amigos, también a gente famosa o por él muy bien conocida. Además de desarrollar varios retratos de Peter Lacy, George Dyer y John Edwards, Bacon retrató también a Henrietta Moraes, Isabel Rawsthorne, Muriel Belcher, Lucian Freud, Peter Beard y Michel Leiris, así como eventualmente también a Hitler, Pío XII y Mick Jagger.


title: Francis Bacon (pintor)

text: "Desnudo tumbado" y "Figura recostada en un espejo" son otras pinturas de Bacon que se exhiben respectivamente en el madrileño Museo Reina Sofía y en el Museo de Bellas Artes de Bilbao.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Según el investigador argentino Mariano Akerman, "la imaginería del pintor británico Francis Bacon es un fenómeno extraordinario", por ser "original y provocativo" aunque "deja también perplejos a no pocos". Ello no es casual, dado que Bacon es un notable exponente tanto del arte figurativo como de la deformación pictórica. Considerando el carácter paradójico de la figuración desfigurativa desarrollada por Bacon durante el período de posguerra, Akerman observa que


title: Francis Bacon (pintor)

text: David Sylvester, quien a menudo ponderó la producción de Francis Bacon, fue también uno de sus principales promotores. Sin embargo, la obra de Bacon es por lo general respetada o rechazada de plano. Los críticos ingleses la recibieron desde la polarización: Melville aplaudió el quehacer de Bacon. Una aproximación equilibrada y objetiva de Bacon fue desarrollada por John Russell. Mientras que tanto en Inglaterra como en los Estados Unidos la prensa fue a menudo hostil para con Bacon, exactamente lo opuesto se dio en Francia. Michel Leiris escribió con entusiasmo acerca de la pintura de Bacon y algo similar ocurrió con Gilles Deleuze. Con todo, el estadounidense Sam Hunter tomó valiosas fotografías de las imágenes que Bacon acumulaba en su estudio como fuentes de inspiración para su obra. Michael Peppiatt también se interesó por los contenidos del estudio de Bacon.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Fuera de los catálogos oficiales de las muestras de Bacon y las publicaciones académicas o especializadas en arte, la prensa y los medios de comunicación masiva fueron casi sin excepción tendenciosos y sensacionalistas respecto a la producción de Bacon; recurrieron a ideas repetidas hasta el cansancio y perpetuaron no pocos estereotipos y rumores acerca de la vida privada del artista.


title: Francis Bacon (pintor)

text: A diferencia de los escritos biográficos preparados por Alley, Sylvester y Russell, aquellos de Farson fueron rechazados por Bacon mientras el artista vivió. Los hoy publicados escritos de Daniel Farson, tal como él mismo lo reconoce en el prefacio de su libro, no constituyen una biografía de Bacon sino que son un conjunto de recolecciones y memorias expresadas por ese conocido de Bacon.


title: Francis Bacon (pintor)

text: En 1998, la personalidad de Bacon fue cinemáticamente recreada por el director inglés John Maybury a través de una película titulada "Love is the Devil" (El amor es el demonio), donde Derek Jacobi encarnó a Bacon, mientras que su pareja, George Dyer, fue interpretado Daniel Craig. Pero "Love is the Devil" no es documental ni biografía oficial ninguna; tampoco ninguna pintura original de Bacon puede verse en dicha película, que contiene diversas escenas resultantes de la lectura personal que el propio Maybury ha hecho de una biografía no autorizada sobre el pintor. Es el subtítulo del film de Maybury el que aclara su propósito como cineasta, dejando claro que se trata de un "Estudio para un retrato de Francis Bacon".


title: Francis Bacon (pintor)

text: El arte de Francis Bacon ha experimentado un extraordinario repunte de precios en el mercado de las subastas. Apreciado solo por unos pocos conocedores y coleccionistas hasta que alcanzó su madurez, Bacon llegó a ver cómo los precios de sus obras ascendían en progresión geométrica ya a mediados de los años ochenta y principios de los noventa. Mas Bacon no llegó a vivir lo suficiente para presenciar este fenómeno en todo su alcance. Lo cierto es que Bacon parecía mantenerse ajeno a su éxito y es posible que quienes lo rodeaban se aprovecharan de él. La Galería Marlborough, con quien el artista trabajaba, fue acusada de explotarlo y dosificar la llegada de sus obras al mercado para elevar sus precios. Pero lo cierto es que Bacon tenía firmado un contrato de exclusividad con Marlborough Fine Art desde 1954, contrato que el pintor continuó renovando durante 38 años (hasta que murió). Heredero de Bacon, Edwards recibió, entre otras cosas, la magra suma de once millones de libras esterlinas. Acaso no sea exagerado sostener que desde que Bacon se unió a Marlborough Fine Art su fama sólo y entradas pecuniarias sólo se incrementaron. Y, desde mediados de los noventa y principios del siglo XXI, las obras de Bacon alcanzaron cotizaciones astronómicas.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Las dos pinturas existentes en el Museo Reina Sofía y el Museo de Bellas Artes de Bilbao se adquirieron en los años ochenta, antes de que las cotizaciones se disparasen. Según la revista "Descubrir el Arte", el "Desnudo tumbado" se compró por 60 millones de pesetas; hoy se cotiza por encima de los 4000 (25 millones de euros). El polémico artista Damien Hirst pagó 23 millones de euros por una importante obra de Bacon, a quien elogió afirmando: «Jodió en el infierno». El magnate Román Abramóvich pagó 86 millones de dólares (54,5 millones de euros) por otra obra de Bacon titulada "Tríptico 1976", a fin de regalársela a su novia, Daria Zhukova. Según la revista "Hola", varios son los coleccionistas españoles que cuentan con obras de Bacon, un fenómeno bastante inusual por tratarse de un artista extranjero, tan cotizado y de estilo cuando menos inquietante. Alicia Koplowitz poseía un cuadro de Bacon, mas lo vendió porque le resultaba desagradable en casa: tomó una decisión equivocada, pues poco después los precios del artista se quintuplicaron. El empresario Juan Abelló acaso posea el mejor repertorio de Bacon en España, con dos trípticos y un raro dibujo de 1933.


title: Francis Bacon (pintor)

text: El 12 de noviembre de 2013 el tríptico de Bacon titulado "Tres estudios de Lucian Freud" (1969), que presenta tres impresionantes retratos del mencionado artista figurativo europeo del siglo XX, alcanzó el precio récord de venta en subasta pública, 142 405 000 de dólares, resultando así ser una de las tres obras más caras de toda la historia.


title: Francis Bacon (pintor)

text: El cuadro en cuestión —un óleo dedicado al amigo y rival de Bacon— fue subastado por la firma Christie's en el Rockefeller Plaza de la ciudad de Nueva York en una operación que no llegó a durar seis minutos.


title: Francis Bacon (pintor)

text: En un comunicado, la casa de remates Christie's expresó que «la obra fue vendida por 142.4 millones de dólares tras seis minutos de intensa puja en la sala y por teléfono». Hasta ese momento, el récord en materia de subastas correspondía a la venta de "El Grito" (pastel de Edvard Munch, 1895), que en mayo de 2012 había alcanzado los 120 000 000 de dólares.


title: Francis Bacon (pintor)

text: "Tres estudios de Lucian Freud" es una pintura compuesta por tres lienzos. Muestra a Lucian Freud, las tres veces sentado en una silla contra un fondo amarillo. El cuadro formó parte de la gran retrospectiva de Francis Bacon en el Grand Palais de París (1971-72).


title: Francis Bacon (pintor)

text: Nieto del padre del psicoanálisis, Lucian Freud solía por su parte describir a Bacon en términos tan categóricos como elocuentes: «el más sabio y el más salvaje».


title: Francis Bacon (pintor)

text: La misteriosa e impredecible personalidad de Bacon llevó a Lucian Freud a retratarlo y a Ronald Kitaj a incluirlo como protagonista en algunas de sus obras.


title: Francis Bacon (pintor)

text: La estética y temas acuñados por Bacon en sus pinturas inspiraron a artistas y creadores diversos, tanto en las artes visuales como en la danza y el cine. Entre los artistas plásticos que fueron influenciados por Francis Bacon se encuentran David Hockney, Carlos Alonso, Ygael Tumarkin y Norbert Tadeusz. Damien Hirst respeta profundamente el legado visual de Francis Bacon y lo reconoce como un referente crucial en su quehacer artístico.


title: Francis Bacon (pintor)

text: Evidencian inspiración en el arte de Francis Bacon películas tales como "El último tango en París" (Bernardo Bertolucci, 1973), así como también "La escalera de Jacob" (Adrian Lyne, 1990) y "La celda" (Tarsem Singh, 2000). Acerca del personaje llamado Paul y encarnado en "El último tango en París" por Marlon Brando, el director italiano oportunamente declaró:


title: Rada Suprema

text: La Rada Suprema o el Consejo Supremo () es el nombre oficial del parlamento de Ucrania. La Rada Suprema es un parlamento unicameral compuesto por 450 diputados, que son presididos por un presidente electo. La Rada Suprema toma sesión en el edificio de la Rada Suprema localizado en Kiev, capital de Ucrania.


title: Rada Suprema

text: La Rada Suprema es la sucesora del Sóviet Supremo de la República Socialista Soviética de Ucrania, establecido en 1938, el cual reemplazó a su vez al Congreso de los Sóviets de Toda Ucrania. En marzo de 1990, tuvieron lugar unas elecciones generales (elecciones parlamentarias de Ucrania de 1990) a las que, por primera vez, se presentaron dos partidos, declarándose vencedor el Partido Comunista de la RSS de Ucrania.


title: Rada Suprema

text: El 16 de julio de 1990, la Rada Suprema de la RSS de Ucrania de la decimosegunda legislatura, promulgó la Declaración de Soberanía Estatal de Ucrania. Con anterioridad, el 12 de junio de 1990, fue el Congreso de los Diputados del Pueblo de la RSFS de Rusia quien había aprobado la Declaración de Soberanía Estatal de la RSFS de Rusia. La declaración ucraniana establecía los principios de autodeterminación de la nación ucraniana, el gobierno popular, el poder del estado, la ciudadanía de la RSS de Ucrania, supremacía territorial, independencia económica, seguridad medioambiental, desarrollo cultural, seguridad interna y externa, y relaciones internacionales. La legislatura de 1990 se considera como la primera del actual parlamento de Ucrania.


title: Rada Suprema

text: El 24 de agosto de 1991, días después de producirse en Moscú el intento de golpe de Estado en la Unión Soviética, el parlamento ucraniano aprobaba el Acta de Declaración de Independencia de Ucrania (en ucraniano: Акт проголошення незалежності України).


title: Rada Suprema

text: El 28 de junio de 1996, la Rada Suprema adoptó la actual Constitución de Ucrania, atribuyendo significativamente algunas de sus facultades al presidente de Ucrania. En la siguiente asamblea (2004), se modificó la constitución, trayendo una república semipresidencial o semiparlamentaria (marcada entonces por una rivalidad entre Yulia Timoshenko y Víktor Yúshchenko) antes de que fuera cancelada en 2010 por la decisión de la Corte Constitucional.


title: Rada Suprema

text: En las elecciones de la Rada Suprema se utiliza un sistema mixto (50% bajo la lista de los partidos y 50% bajo circunscripciones de mayoría simple con un umbral electoral del 5%). El método 50/50 fue utilizado en las elecciones de 2002 y 2012; pero en 2007, las elecciones se dieron bajo un único sistema proporcional. El 26 de agosto de 2014, se disolvió oficialmente la Rada Suprema por decreto del presidente Petró Poroshenko y se llamó a las urnas para votar una nueva legislatura de la Rada, las últimas elecciones tuvieron lugar el 26 de octubre de 2014.


title: Rada Suprema

text: El 24 de julio de 2015, como parte del proceso de descomunización en Ucrania, la Rada Suprema ilegalizaba el Partido Comunista de Ucrania por conexiones con la facción separatista prorrusa y el apoyo de este partido para la sublevación de los insurrectos en las provincias del este de Ucrania. Un tribunal confirmó la ilegalización en diciembre del mismo año.


title: Rada Suprema

text: Tras la Revolución de Febrero de 1917, que provocó la caída del Imperio ruso, fue formada la Rada Central Ucraniana. Fue el Parlamento revolucionario de Ucrania, que dirigió el movimiento nacional y, mediante cuatro proclamas universales, condujo a la República Popular Ucraniana de la autonomía a un corto período de independencia.


title: Sumo sacerdote de Israel

text: Sumo Sacerdote de Israel (del hebreo כהן גדול, "Cohen Gadol") es el nombre dado al más alto dignatario religioso del Antiguo Israel.


title: Sumo sacerdote de Israel

text: En la religión hebrea inicial y en tiempos del judaísmo clásico, es decir, desde el nacimiento de la nación israelita y hasta la destrucción del Segundo Templo de Jerusalén, el Sumo sacerdote de Israel era el primer y principal entre todos los sacerdotes israelitas.


title: Sumo sacerdote de Israel

text: El Sumo Sacerdote coordinaba el culto y los sacrificios, primero en el Tabernáculo, luego en el Templo de Jerusalén. De acuerdo con la tradición bíblica, solamente los descendientes de Aarón, hermano de Moisés, podían ser elevados al cargo, o bien desempeñarse en las demás funciones sacerdotales, aun cuando esta norma fuera posteriormente abolida a causa de eventos políticos diversos.


title: Sumo sacerdote de Israel

text: Durante el período del Segundo Templo, el sumo sacerdote ejerció a menudo el cargo de presidente del Sanedrín. Su papel declinó con la ocupación romana (desde de 63 a. C. en adelante). La función de sumo sacerdote desapareció con la destrucción del Segundo Templo, en 70 d. C. Durante el período que existió el Primer Templo se sucedieron dieciocho Sumos sacerdotes de Israel; en tiempos del Segundo Templo, los Sumos sacerdotes que se sucedieron llegó hasta aproximadamente unos sesenta.


title: Sumo sacerdote de Israel

text: Aunque solo excepcionalmente llamado «sumo sacerdote» y siendo designado generalmente como "ha-kohen" (el sacerdote), Aarón fue el primero en ocupar el cargo de Sumo sacerdote de Israel; su designación para dicho cargo provino de Dios ("Éxodo" 28:1-2; 29:4-5).


title: Sumo sacerdote de Israel

text: La sucesión debía escoger a uno de sus hijos, y quedar en el interior de su propia familia ("Levítico" 6:15). [1] Si no tenía, la plaza debía volver a su hermano de más edad : tal fue, al parecer, la práctica en la época hasmonea. En la época de Eli, sin embargo, ("1 Samuel" 2:23), había pasado a la rama colateral de Itamar. Pero se dice que el rey Salomón habría depuesto al sumo sacerdote Abiatar, para nombrar en su lugar a Sadoq, un descendiente de Eleazar ("I Reyes" 2:35 ; "I Crónicas" 24:2-3). Después del Exilio, la sucesión parece hacerse, en principio, en línea directa de padre a hijo; pero a continuación, las autoridades civiles usurparon ese derecho de nominación. Por ejemplo, Antíoco IV Epifanes, depuso a Onías III, en favor de Jasón, y luego de Menelao.


title: Sumo sacerdote de Israel

text: Herodes I el Grande nombró seis sumos sacerdotes, y Herodes Arquelao, dos. El legado romano, Quirino, y sus sucesores, ejercieron el derecho de nominación, e igualmente Herodes Agripa I, Herodes de Calcis, y Herodes Agripa II. También el pueblo, de vez en cuando, elegía sus candidatos. Los sumos sacerdotes antes del Exilio eran, al parecer, nombrados de por vida ; de hecho, desde Aarón hasta el Cautiverio de Babilonia, el número de sumos sacerdotes no fue más importante que durante los sesenta años que precedieron a la caída del Segundo Templo. El último sumo sacerdote se llamaba Pinhas ben Samuel (67-70).


title: Sumo sacerdote de Israel

text: Solo los descendientes de Aarón podían ejercer el cargo. La Torá no precisa una edad canónica para el puesto, pero la tradición rabínica establece el tener treinta años como mínimo. Pese a ello, Aristóbulo III no tenía más que diecisiete años al ser designado; el hijo de Onías III era demasiado joven para suceder a su padre.


title: Sumo sacerdote de Israel

text: Era esencial ser de nacimiento legítimo, de ahí el cuidado que se ponía en conservar los archivos genealógicos, y la desconfianza hacia aquellos, cuyas madres habían sido capturadas en el curso de una guerra. El sumo sacerdote debía abstenerse de toda impureza ritual. No podía casarse más que con una joven israelita. En el "Libro de Ezequiel" 44:22, esta restricción se extiende a todos los "cohanim" (los sacerdotes), haciéndose una excepción en favor de la viuda de un sacerdote (véase Ley del levirato). No le estaba permitido ningún contacto con los cuerpos de los muertos, aunque fuesen sus parientes próximos; no estaba autorizado a dejar sus cabellos en desorden, en señal de duelo, ni a desgarrar sus vestidos ("Levítico" 21:10 y ss.). Según Flavio Josefo, el nacimiento en suelo extranjero no era prohibitivo, pero las descalificaciones del "Levítico 21:17" y ss. se aplicaban tanto al sumo sacerdote como a los demás sacerdotes.


title: Sumo sacerdote de Israel

text: La Torá establece los vestidos específicos que deben llevar los sacerdotes israelitas al ejercer su ministerio en el Tabernáculo: « Y haréis vestidos sagrados para Aarón, vuestro hermano, para la decencia y belleza de su oficio » ("Éxodo" 28:2). Estos vestidos están descritos en detalle en "Éxodo" 28, "Éxodo" 39 y "Levítico" 8. El sumo sacerdote llevaba ocho prendas de vestir sagradas o "bigdei kódesh". Cuatro de ellas eran idénticas a aquellas que portaban todos los demás sacerdotes, pero cuatro adicionales le eran propias en exclusividad. La apariencia del Sumo sacerdote de Israel presentaba atributos comparables a aquellos propios de la era realeza hebrea.


title: Sumo sacerdote de Israel

text: Tejidas de lino fino, las cuatro prendas mencionadas eran vestidas también por el Sumo sacerdote, quien, además, poseía otras cuatro que le eran reservadas en exclusividad y a las que portaba sobre las cuatro anteriores:


title: Ocre

text: Ocre (del latín "ochra", y este del griego ὤχρα, "ojra", de ὠχρός, "ojros", ‘amarillo’) es el nombre que se aplica típicamente a un mineral terroso consistente en óxido de hierro hidratado, que frecuentemente se presenta mezclado con arcilla, y que suele ser amarillento, anaranjado o rojizo.


title: Ocre

text: «Ocre» es también la denominación del color de los minerales terrosos amarillentos producto de la oxidación de menas metalíferas donde no interviene el hierro, como el ocre de antimonio, de bismuto o de níquel.


title: Ocre

text: El ocre se ha utilizado tradicionalmente como pigmento para pintura artística y para pintura corporal, y su uso se remonta a la Prehistoria.


title: Ocre

text: Geológicamente, los ocres son depósitos secundarios que pueden aparecer constituyendo el suelo, o como capas superficiales y altamente oxidadas de menas de algún mineral impregnadas con una sustancia pigmentada de aquel; por lo general esas sustancias son óxidos o hidróxidos de hierro. El diminuto tamaño de las partículas pigmentadas del ocre permite pulverizarlo hasta un grado muy fino sin que pierda su color.


title: Ocre

text: Dentro de los ocres naturales, los rojos contienen hematita, mientras que los amarillos o «limonitas» contienen goethita o minerales del grupo de la jarosita. Por lo común se presentan mezclados con cuarzo, arcillas, yeso, micas, feldespatos, etc., aunque también los hay sumamente puros.


title: Ocre

text: El óxido y el hidróxido de hierro están presentes en la mayoría de los ocres asociados a menas de hierro y de cobre, que constituyen depósitos primarios. Los depósitos secundarios, que son los suelos ricos en óxido e hidróxido de hierro, pueden cubrir grandes extensiones, pero el ocre que contienen suele ser menos puro. También las aguas subterráneas ricas en hierro pueden dar lugar a la formación de ocre al filtrarse hacia humedales, lagos y cursos de agua efímeros.


title: Ocre

text: En un sentido amplio, los suelos ricos en óxidos de hierro son también ocres, y pueden ser utilizados como fuente del pigmento.


title: Ocre

text: Desde el punto de vista de la clasificación de los pigmentos, los ocres son generalmente los de óxidos de hierro, pues los de óxido de manganeso se consideran parte del grupo de las tierras de Siena y sombras naturales. Los ocres que resultan de la oxidación de otras menas metalíferas también son técnicamente ocres, pero tienen poca aplicación como pigmento y son menos frecuentes.


title: Ocre

text: Los ocres tienen excelentes propiedades como pigmentos: son estables y resistentes a la luz, a la humedad y a la lejía, aunque vulnerables a los ácidos. No son tóxicos.


title: Ocre

text: Los pigmentos que entran en la denominación de «ocres» se encuentran en numerosas localidades de todo el mundo. Algunos de los países que se destacan por su producción de ocres son Francia, España, Chipre, Irán, Italia, Australia y Estados Unidos.


title: Ocre

text: Los ocres naturales generalmente se obtienen mediante la modalidad de minería a cielo abierto. Una vez lavado y molido el mineral, ya puede usarse como pigmento; para convertirlo en pintura bastará con mezclarlo con el medio pictórico que se desee emplear.


title: Ocre

text: Algunos procedimientos adicionales que se le realizan a los ocres naturales son el tostado, que modifica su color, y la mezcla con otros pigmentos, ya sea con otros ocres o con óxidos sintéticos.


title: Ocre

text: La técnica de tostar el ocre amarillo para cambiar su color se conoce desde el Paleolítico, aunque la primera descripción escrita del proceso fue dada por Teofrasto. Vitruvio también refirió que calentando el ocre amarillo se producía un color purpúreo. En realidad, dependiendo de la temperatura aplicada se consiguen colores que varían entre el marrón, el rojo y el violáceo. Esta técnica se encuentra descrita también en tratados y manuales para artistas de los siglos XVI al XVIII, y sigue implementándose hasta nuestros días.


title: Ocre

text: El proceso que se opera durante el tostado es la transformación térmica de la goethita (αFeOOH) presente en el ocre amarillo, que se convierte en óxido (III) de hierro (α-FeO) debido a su deshidratación. Es entonces idéntico en composición a la hematita (α-FeO), aunque se diferencia de esta en que su estructura cristalina presenta un patrón desordenado.


title: Ocre

text: El uso del ocre es tan antiguo que antecede a la aparición de nuestra especie. Se ha registrado su empleo por parte de homínidos sudafricanos cuya antigüedad se ha datado en 270 000 a 170 000 años. También se halló ocre preparado deliberadamente en forma de pigmento en un asentamiento Neandertal, aunque se desconoce qué finalidad le daba aquella cultura.


title: Ocre

text: En cuanto a nuestra especie, el uso del ocre está bien documentado en el arte rupestre del Paleolítico superior del norte de Europa, mientras que las culturas aborígenes de regiones muy diversas (América, Australasia, África austral) también se sirvieron de él para plasmar imágenes sobre roca. Se le ha identificado en obras artísticas del antiguo Egipto y sobre pinturas murales, esculturas y arquitectura de la antigüedad griega, helenística y romana. El uso clásico del ocre fue descrito por Teofrasto, Vitruvio y Plinio.


title: Ocre

text: En Europa, el empleo de ocres como pigmento ha sido ininterrumpido hasta el día de hoy. Desde la antigüedad tardía en adelante se les usa en pinturas al fresco; más tarde decoran manuscritos iluminados, y hoy día son de uso tradicional en pintura de caballete. Fueron muy usados en los iconos ortodoxos de las tradiciones bizantina y rusa, y aparecen también en manuscritos de Extremo Oriente. En la América precolombina se usaron ocres para pintar códices, para decorar edificios y con fines rituales.


title: Ocre

text: Los ocres también han sido muy usados para pintar las paredes externas e internas de viviendas y otros edificios.


title: Ocre

text: Ocre es también la denominación de un color estándar amarillo naranja, semiclaro y de saturación moderada, que se basa en el aspecto cromático del pigmento ocre amarillo (de óxido de hierro hidratado). Al ser un color estándar, se encuentra normalizado y aparece en catálogos y guías de coloraciones. Los colores próximos al ocre estándar se denominan ocráceos.


title: Ocre

text: Ocre amarillo, pardo amarillo, tierra de Venecia, ancorca, ancorque, calamocha, habana y sil son sinónimos de ocre.


title: Ocre

text: Muchos colores de pinturas para artistas han llevado, y llevan aún, la denominación «ocre»; algunos de estos son imitaciones de antiguos ocres pictóricos logradas con otros ingredientes. Debajo se comentan algunos ocres artísticos tradicionales.


title: Ocre

text: Es el pigmento llamado "ochra" y "sil" por los autores clásicos (Plinio, Vitruvio). Se obtiene moliendo y lavando algún ocre rico en hidróxido férrico, como la variedad terrosa de limonita llamada precisamente «ocre amarillo», o bien mezclando estos ocres amarillos con tierras ferrosas de color amarillo anaranjado pulverizadas.


title: Ocre

text: El color «ocre amarillo» es naranja amarillento, semioscuro y de saturación moderada, correspondiendo al del mineral homónimo; también se le llama «amarillo limonita» y «amarillo ocre».


title: Ocre

text: Las muestras de la izquierda representan el color del ocre amarillo natural y el de la pintura para artistas que se comercializa como «ocre amarillo».


title: Ocre

text: Es la denominación tradicional de los pigmentos naranja rojizos que se fabrican calentando el ocre amarillo hasta los 250 °C. La composición del ocre original y la temperatura alcanzada determinan variaciones de su color.


title: Ocre

text: También se ha llamado «ocre rojo» a la hematita roja, al almagre y a la tierra roja, que son pigmentos naturalmente rojos, y al almagre artificial, imitación del almagre que se logra por el procedimiento descrito arriba.


title: Ocre

text: Los colores para artistas que se venden bajo el nombre de «ocre rojo» son amarillo naranjas a rojo anaranjados, semioscuros a muy oscuros y de saturación débil a moderada. A la izquierda se proporcionan muestras de su aspecto.


title: Ocre

text: El ocre rojo fue usado ampliamente en la antigüedad. Hay evidencias del mismo en pinturas murales del sitio arqueológico de Çatalhöyük y en la decoración de la cerámica de la cultura de Hacilar, que data del 5300 a. C..


title: Ocre

text: En el mundo clásico, la denominación común de los ocres rojos era "rubrica" (en latín) y "miltos" (en griego). Plinio, Vitruvio y Teofrasto mencionan un ocre rojo particularmente apreciado al que llaman "sinoper" o "sinopia", según Teofrasto debido a que provenía del puerto de Sinopia, en el Ponto (Anatolia). Sin embargo, ese no era más que el lugar donde se lo embarcaba para su comercialización. Estrabón, nativo del Ponto, clarifica el origen de esta tierra «sinópica» indicando que en realidad se extraía en Capadocia, fuente también de ocre amarillo.


title: Ocre

text: Con esta denominación se conocen los pigmentos pictóricos de ocres tostados naturales que presentan un color rojo óxido (tonalidades marcadamente rojizas), como los llamados «rojo de Marte», «tierra de Treviso» y «rojo de Nápoles».


title: Ocre

text: Bajo el nombre de «ocre claro» se comercializan pinturas de colores amarillo a amarillo naranjas, claras y de saturación moderada; se utilizan principalmente en la técnica de la acuarela. Las pinturas «ocre oscuras», por otro lado, son amarillas a amarillo anaranjadas, semioscuras a negruzcas y de saturación semineutra a débil.


title: Ocre

text: Es la denominación de pinturas para artistas que presentan coloraciones amarillas a naranjas, semiclaras a negruzcas y saturaciones semineutras a moderadas.


title: Ocre

text: Según fuentes de principios del siglo XX, el «ocre oro» era ocre amarillo aclarado con amarillo de cromo. Las pinturas que se comercializan actualmente bajo este nombre son de color amarillo a amarillo anaranjado, claras a muy oscuras y de saturación débil a moderada.


title: Ocre

text: Las pinturas para artistas de color «ocre dorado» contienen mezclas de óxido de hierro sintético. Presentan tonalidades naranja amarillentas a amarillo naranjas, fuertes, a veces semioscuras.


title: Ocre

text: «Ocre carne» fue un nombre tradicionalmente aplicado a los ocres naturales de uso pictórico, al menos hasta principios del siglo XX. En francés se decía "ocre de chair", y en italiano "ocra di carne".


title: Ocre

text: Las pinturas que se comercializan actualmente bajo este nombre son de color rojo a rojo naranja, semioscuras a oscuras y de saturación débil a moderada.


title: Ocre

text: Son pigmentos purpúreos que se elaboran con óxido de hierro artificial. Se les suele comercializar bajo el nombre de «pardo Van Dick».


title: Ocre

text: El ocre negro es una variedad de arcilla usada tradicionalmente en pintura artística, que incorpora dióxido de manganeso y grafito. Su color, llamado también «tierra negra», es naranja rojizo, muy oscuro y semineutro.


title: Manuel Machado

text: Manuel Machado Ruiz (Sevilla, 29 de agosto de 1874-Madrid, 19 de enero de 1947) fue un poeta y dramaturgo español, enmarcado en el modernismo. Fue hermano del también poeta Antonio Machado, así como del pintor José Machado.


title: Manuel Machado

text: Manuel fue el primer hijo de Ana Ruiz Hernández y Antonio Machado Álvarez, al que seguirían Antonio, José, Joaquín y Francisco.


title: Manuel Machado

text: Nacido a las dos y media de la madrugada del 29 de agosto de 1874 en el número 20 de la calle de San Pedro Mártir, su infancia transcurrió en el espacio bucólico del Palacio de las Dueñas, donde su familia había alquilado una de las estancias destinadas a particulares. Cuando Manuel tenía diez años, la familia se trasladó a Madrid, al conseguir Antonio Machado Núñez, el abuelo paterno, una cátedra en la Universidad Central.


title: Manuel Machado

text: En Madrid, inició con sus hermanos sus estudios en la Institución Libre de Enseñanza, dirigida por Francisco Giner de los Ríos, gran amigo del abuelo de Manuel. Más tarde, los completó con el bachiller y una licenciatura en Filosofía y Letras por la Universidad de Sevilla, finalmente conseguida el 8 de noviembre de 1897. En esa época conoció, en la capital andaluza, a Eulalia Cáceres, con la que se casaría trece años después.


title: Manuel Machado

text: Entregado a la vida bohemia madrileña junto con su hermano Antonio, Manuel empezó a dar a conocer sus primeras poesías y colaborar en jóvenes publicaciones como las editadas por Francisco Villaespesa y Juan Ramón Jiménez. A comienzos de la década de 1890 contribuyó con algunos poemas en la revista "El Álbum Ibero-Americano". En marzo de 1898, Manuel viajó a París para trabajar como traductor en la editorial Garnier. En 1902, aún en París, publicó su primer libro: "Alma", un término clave del vocabulario simbolista. Permaneció en la capital francesa hasta 1903, compartiendo piso con Enrique Gómez Carrillo, Amado Nervo y Rubén Darío, y, en la última etapa, con el actor Ricardo Calvo, que también acogió en su apartamento a otros dos Machado: Antonio y Joaquín (que regresaba de su experiencia americana «enfermo, solitario y pobre»).


title: Manuel Machado

text: De regreso en España, desarrolló una intensa actividad literaria con colaboraciones en el recién fundado diario "ABC" y en la veterana "Blanco y Negro". En 1903, estrenó en Sevilla "Amor al vuelo", comedia burguesa con final feliz escrita en colaboración con su amigo de la infancia José Luis Montoto (hijo del folclorista Luis Montoto). Mucha más trascendencia tuvo la publicación en 1905 de su libro "Caprichos", con dibujos de su hermano José.


title: Manuel Machado

text: Tras publicar "El mal poema" y vivir itinerante entre Madrid y Barcelona, acaba recalando de nuevo en Sevilla. Allí, se casa en la parroquia de San Juan de la Palma el 16 de junio de 1910 con la paciente Eulalia Cáceres Sierra, de treinta años de edad (Manuel está a punto de cumplir los 36). El matrimonio se trasladó a Madrid, donde, según Pérez Ferrero, el libertino Manuel Machado «se consagró a su mujer con devoción única».


title: Manuel Machado

text: En 1913, Manuel opositó al Cuerpo Facultativo de Archiveros, Bibliotecarios y Arqueólogos, consiguiendo una plaza en Santiago de Compostela, la cual, gracias a influencias en el Ministerio, le permutaron por una en la Biblioteca Nacional de Madrid, y, al año siguiente, dobló su funcionariado con otra plaza de archivero en el Ayuntamiento de Madrid. Como director de la Biblioteca Municipal (más tarde Biblioteca Histórica Municipal) y el Museo Municipal de Madrid, impulsó varias revistas literarias de escasa duración.


title: Manuel Machado

text: En 1914, estalla la Primera Guerra Mundial y Manuel deja clara su posición "aliadófila" en diversos escritos ("Día por día de mi calendario", 1918). Acabada la contienda, viajó por Francia y Bélgica como corresponsal de "El Liberal".


title: Manuel Machado

text: En 1921, publicó el que muchos especialistas han considerado su mejor poemario: "Ars moriendi". Al hilo de la gran acogida que tiene el libro y la decisión del poeta de retirarse con él del "ruedo poético", se cruza entre Manuel y Antonio una discusión epistolar en la que Manuel acaba escribiendo: «Tu poesía no tiene edad. La mía sí la tiene». Sentencia contra la que Antonio Machado concluirá, en otra carta: «La poesía nunca tiene edad cuando es verdaderamente poesía».


title: Manuel Machado

text: A lo largo de los años veinte, los dos hermanos colaboran, con gran éxito —popular y de la crítica—, en una serie de comedias en verso en un alarde de entendimiento creativo. José Antonio Primo de Rivera asiste con su padre al homenaje rendido a los dos Machado con motivo del estreno de "La Lola se va a los puertos". En el discurso que pronuncia esa noche del 28 de noviembre de 1929 (el primero del que ha quedado noticia), el joven (que luego sería líder falangista) dijo, según recogió luego la crónica de "Blanco y Negro", «[...] dos intelectuales henchidos de emoción humana, receptores y emisores de la gracia, la alegría y la tristeza populares...».


title: Manuel Machado

text: En 1931, en un acto celebrado en el Ateneo de Madrid el 26 de abril de ese año, Manuel hace público (en colaboración con el músico Oscar Esplá) el borrador de un himno para la Segunda República Española (que provisionalmente había adoptado el de Riego). Los primeros versos, escritos por Manuel en su fervor republicano, decían así:


title: Manuel Machado

text: Manuel Machado aparece en la lista de intelectuales españoles que el 11 de febrero de 1933 fundaron la Asociación de Amigos de la Unión Soviética. Sin embargo, a partir de ese mismo año, Manuel exteriorizó su posición personal ante los acontecimientos socio-políticos que le rodeaban. En un artículo del diario madrileño "La Libertad", Manuel Machado fijó su ideología:


title: Manuel Machado

text: El estallido de la Guerra Civil española le separó físicamente del resto de su familia.El Golpe de Estado del 18 de julio sorprende a Manuel y Eulalia en Burgos, visitando como todos los años a Carmen Cáceres, religiosa de la orden de las Esclavas del Sagrado Corazón. El matrimonio se hospeda en la pensión Filomena, entre toreros, intelectuales, actores, militares, funcionarios y periodistas. Sus contertulios van desde el amigo Ricardo Calvo o el diestro Marcial Lalanda hasta Juan Ignacio Luca de Tena o el futuro ministro José Ibáñez Martín.


title: Manuel Machado

text: Una entrevista concedida a una revista francesa ("Comoedia"), ese mismo julio de 1936, en la que Manuel comete la indiscrección de comentar que «esto puede durar siete años, como la guerra carlista», es aprovechada por Mariano Daranas, corresponsal de "ABC" en París, para denunciar al «eminente lírico y afortunado burócrata». Ha estallado el festival de las envidias en España, que causarán tantos muertos o más que las acciones bélicas. Manuel Machado fue detenido por la policía el 29 de septiembre, permaneciendo encarcelado hasta el 1 de octubre (gracias a una larga lista de intercesores, de cuya certeza no ha podido llegarse a dar referencia cierta).


title: Manuel Machado

text: Miguel Pérez Ferrero, uno de sus primeros biógrafos junto con Miguel d'Ors, relata el suceso del inesperado nombramiento de Manuel como


title: Manuel Machado

text: académico de la Lengua Española. La noticia se la dan «dos escritores que llegan de Salamanca» (Pemán y D'Ors), comunicándole su elección por unanimidad con fecha de 5 de enero de 1938, y a condición de que tomase posesión de inmediato. Manuel aceptó, pronunciando en el Palacio de San Telmo de San Sebastián su discurso de ingreso en torno a su propia obra el 19 de febrero de ese mismo año.


title: Manuel Machado

text: Manuel continuó escribiendo poesía y participando en proyectos como "Los versos del combatiente" o la "Corona de sonetos en honor de José Antonio Primo de Rivera", culminando su compromiso político-literario con el poema "Al sable del Caudillo", al tomar Madrid las tropas rebeldes en 1939. No ha quedado claro cómo se llegó a enterar Manuel de la muerte de su madre y de su hermano Antonio. Entraron en Francia en dirección París, pero en el camino se les informó de que las muertes habían ocurrido en Colliure, donde acudieron él y Eulalia y permanecieron dos días, regresando luego a Burgos.


title: Manuel Machado

text: Tras la guerra se reincorporó a su cargo de director de la Hemeroteca y del Museo Municipal de Madrid, jubilándose poco después. Siguió escribiendo poesía, en gran parte de carácter religioso, influido por su esposa y el entorno. Fallecido en Madrid el 19 de enero de 1947, fue enterrado en el cementerio de La Almudena, tras un funeral presidido por el ministro de Educación Nacional, Ibáñez Martín y José María Pemán, en aquellos días director de la Real Academia. Tras hacer donación de la biblioteca y archivo de su marido a la Diputación Provincial de Burgos y la Institución Fernán González, su viuda ingresó en una congregación religiosa dedicada al cuidado de niños abandonados y enfermos.


title: Manuel Machado

text: Manuel Machado continuó, en algunos aspectos, la tarea de su padre como divulgador y renovador del folclore popular y el cante hondo. Su producción poética abunda en estructuras idóneas para el cante: coplas, seguidillas y soleares. Creó una nueva variante de soleá, en la que el verso central tiene un número desproporcionado de sílabas (9, 10, 11, o más sílabas), que bautizó como soleariyas. También, cultivó el romance, los cuartetos y serventesios, y el soneto, estrofa que renovó con una variante (el sonetillo), que utiliza versos de arte menor, generalmente octosílabos y, en algún caso, trisílabos (como en el sonetillo titulado "Verano").


title: Manuel Machado

text: Influido por Verlaine y Rubén Darío, su verso aparece ingenioso, ágil y expresivo, con huellas del parnasianismo y los poetas malditos franceses. A menudo se ha contrapuesto esta vertiente definidamente modernista con su inserción en el contexto la generación del 98.


title: Manuel Machado

text: Los hermanos Manuel y Antonio escribieron juntos varias obras dramáticas de ambiente andaluz. Su obra más popular sería "La Lola se va a los puertos", llevada al cine en dos ocasiones.


title: Manuel Machado

text: Aunque la obra poética de ambos es muy distinta, se aprecian ciertos paralelismos. Así, ambos compusieron sendas poesías autobiográficas ("Adelfos", de Manuel, y "Retrato", de Antonio), utilizando versos alejandrinos organizados en serventesios.


title: America Ferrera

text: America Georgine Ferrera (Los Ángeles, California; 18 de abril de 1984) es una actriz de cine y televisión estadounidense conocida principalmente a nivel internacional por protagonizar la telenovela estadounidense "Ugly Betty," por la que ganó numerosos premios por su rol como Betty Suárez en dicha serie, incluyendo un Globo de Oro, un Premio del Sindicato de Actores, y el Premio Emmy; cuando ganó este último en 2007 hizo historia por ser la primera mujer latina en recibirlo.


title: America Ferrera

text: Nació el 18 de abril de 1984 en la ciudad de Los Ángeles, California. Ferrera es hija del matrimonio entre Carlos Gregorio Ferrera y América Griselda Ayes, ambos hondureños, siendo América la menor de seis hermanos. Fue criada por su madre en el Valle de San Fernando; ya que tras el divorcio de sus padres, Carlos volvió a su Honduras natal. Su padre falleció en la ciudad de Tegucigalpa en agosto de 2010; era nieto del caudillo, intibucano General de División Gregorio Ferrera, uno de los tres hombres fundamentales que derrocaron al dictador hondureño Rafael López Gutiérrez en la guerra civil de 1924.


title: America Ferrera

text: Sus padres decidieron marcharse con sus hijos a Estados Unidos a mediados de la década de los 70; aunque antes residieron en México donde América trabajó en "Lo que callamos a las mujeres", "La vida es una canción" y en algunos programas de la empresa TV Azteca.


title: America Ferrera

text: En mayo de 2013, Ferrera se graduó en Relaciones Internacionales en la Universidad del Sur de California.


title: America Ferrera

text: En junio de 2011 se casó con el actor y director estadounidense Ryan Piers Williams, un año después de anunciar su compromiso. El 31 de diciembre de 2017 anunció a través de su cuenta personal de Instagram que estaba esperando su primer hijo. El primer hijo de la pareja, Sebastian Piers Williams, nació en mayo de 2018. El 1 de enero de 2020, también a través Instagram, Ferrera reveló que estaba embarazada de su segundo hijo.


title: America Ferrera

text: Ferrera comenzó a actuar a la edad de ocho años en el teatro local y en obras escolares. En el 2002, hizo su debut en la película "Las mujeres de verdad tienen curvas". El mismo año, ganó un premio a la mejor actriz en el Sundance Festival gracias a su interpretación. Ferrera ha seguido representando papeles tanto en televisión ("Touched by an Angel") como en filmes ("The Sisterhood of the Traveling Pants", "Lords of Dogtown").


title: America Ferrera

text: En 2006, consiguió el papel principal en "Ugly Betty", una comedia/drama para la cadena ABC. El programa es una adaptación de la telenovela colombiana "Yo soy Betty La Fea". La serie se emitió hasta 2010 y fue galardonada con numerosos premios. Además, batió récords de audiencia llegando a congregar hasta 14 millones de espectadores delante del televisor.


title: La pantera rosa (serie animada)

text: La pantera rosa (título en inglés: "The Pink Panther") fue la primera serie del personaje homónimo, nacida a raíz del imprevisto éxito del personaje animado que aparecía en los créditos de la película homónima de Blake Edwards.


title: La pantera rosa (serie animada)

text: En principio, no se concibió como una serie, sino que eran cortos destinados a las salas cinematográficas producidos por Mirisch-Geoffrey Productions, DePatie-Freleng Enterprises y United Artists, creados por los mismos responsables de los créditos de la película original de Edwards: los animadores Friz Freleng (productor de aquellos y diseñador del personaje) y Hawley Pratt (director de los mismos).


title: La pantera rosa (serie animada)

text: Los episodios de la serie animada La pantera rosa, se divide en 15 temporadas con 124 episodios. Fue creada por David H. DePatie y Friz Freleng en el año 1963. La pantera rosa es una serie de televisión animada transmitida por American Broadcasting Company y National Broadcasting Company. La serie se estrenó el 18 de diciembre de 1963 y terminó el 1 de febrero de 1980.


title: La pantera rosa (serie animada)

text: "El show de la pantera rosa" (siendo su título original "The Pink Panther show") es una serie de animación producida por Metro-Goldwyn-Mayer y emitida por la NBC y la ABC entre 1969 y 1980.


title: La pantera rosa (serie animada)

text: Aunque la serie dejó de emitirse en 1983, en 1978 se emitió un especial navideño titulado «A Pink Christmas».


title: La pantera rosa (serie animada)

text: La Pantera Rosa y sus hijos (siendo su título original "The Pink Panther And Sons") es una serie de animación ("spin-off" de la clásica) producida por la compañía Hanna Barbera Cartoons y emitida por la NBC.


title: La pantera rosa (serie animada)

text: La serie fue cancelada. Se emitieron solo 2 temporadas (13 episodios cada una) entre el 8 de septiembre de 1984 y el 26 de marzo de 1985.


title: La pantera rosa (serie animada)

text: Última secuela de "La pantera rosa", que consistía en las nuevas aventuras de la pantera rosa. La serie fue transmitida en el canal Cartoon Network y posteriormente fue cancelada debido al bajo ráting.


title: La pantera rosa (serie animada)

text: El 23 de junio de 2010, la FOX editó la serie en DVD, en un pack "El nuevo show de la Pantera Rosa - 1.ª Temporada". Incluyen los mismos capítulos que las otras ediciones en DVD de otros países donde se han editado.


title: La pantera rosa (serie animada)

text: En esta serie, la Pantera Rosa ha sido rejuvenecida hasta la adolescencia, tiene nuevos compañeros aunque aún se muestra junto con el hombrecito blanco (ahora renombrado ""Big Nose"") en todos sus episodios. También incluye cortometrajes de la Hormiga y el Oso Hormiguero; el Oso Hormiguero, es más delgado que antes y la Hormiga también ha sido rejuvenecida. Esta nueva secuela de la pantera rosa fue producida y emitida por Cartoon Network, fue cancelada al terminar la primera temporada.


title: La pantera rosa (serie animada)

text: Basada en la serie animada de la Pantera Rosa, la empresa española Wanadoo creó el videojuego "La Pantera Rosa: la persecución más rosa" que consiste en los intentos de la Pantera Rosa en superar los niveles de persecución para recuperar un valioso tesoro en una casa que le dejó como herencia su tío. En este juego, debe robar instrumentos para pasar de nivel, tiene bonus donde debe recolectar monedas y evadir obstáculos hasta llegar a la meta. Plataforma: PlayStation y PC.


title: Empalme eléctrico

text: Un empalme o enlace de cableado eléctrico es la unión de dos o más cables de una instalación eléctrica o dentro de un aparato o equipo electrónico.


title: Empalme eléctrico

text: Aunque por rapidez y seguridad hoy en día es más normal unir cables mediante clemas (fichas de empalme) y similares, los electricistas realizan empalmes.


title: Empalme eléctrico

text: La realización de empalmes es un tema importante en la formación de los electricistas (y electrónicos) ya que un empalme inadecuado o mal realizado puede hacer "mal contacto" y hacer fallar la instalación. Si la corriente es alta y el empalme está flojo se calentará. El "chisporroteo" o el calor producido por un mal empalme es una causa común a muchos incendios en edificios. Antes de trabajar en la instalación eléctrica de un edificio o de un equipo eléctrico/electrónico se debe tener la formación técnica necesaria.


title: Empalme eléctrico

text: Las normativas de muchos países prohíben por seguridad el uso de empalmes en algunas situaciones. Es común la prohibición de realizar empalmes donde se puedan acumular gases inflamables.


title: Empalme eléctrico

text: En España, por ejemplo, el "reglamento electrotécnico de baja tensión" prohíbe el uso de empalmes, tanto en el recorrido de los cables como en las cajas de empalme donde deben usarse regletas de conexión (y similares) adecuadas a la normativa UNE. Los empalmes solo deben usarse de manera provisional o en emergencias.


title: Empalme eléctrico

text: Cuando hay que unir cables coaxiales (datos, vídeo, antena, etc) es preferible emplear conectores en lugar de empalmes pues un empalme inapropiado puede modificar la impedancia del cable y alterar la señal.


title: Empalme eléctrico

text: Una vez realizados los empalmes eléctricos se pueden soldar para conseguir un mejor contacto. Si existe el riesgo de cortocircuito con otros empalmes o cables se deben aislar mediante algún tipo de cinta aislante. Asimismo, para protegerlo del agua, la lluvia o los ambientes húmedos puede usarse cinta vulcanizada.


title: Cantigas de Santa María

text: El manuscrito de las Cantigas de Santa María, escritas en galaicoportugués y en notación musical mensurada en la corte del rey Alfonso X el Sabio durante la segunda mitad del (entre 1270 y 1282, según Walter Mettmann), constituye una de las colecciones de canción monofónica más importante de la literatura medieval occidental. De corte trovadoresco y paralitúrgico, se diferencia de la temática abiertamente profana de los trovadores del resto de Europa y de la música sacra de la época.


title: Cantigas de Santa María

text: Se trata de un conjunto de 427 composiciones en honor a la Virgen María. La mayoría son cantigas que cuentan milagros sucedidos con la intervención de María; integran también la obra las "Cantigas das Cinco Festas de Santa María", las "Cinco Cantigas das Cinco Festas do Nostro Señor", el "Cantar dos Sete Pesares que víu Santa María do seu fillo" y una "maia".


title: Cantigas de Santa María

text: La devoción mariana estaba en auge en ese siglo: frailes, clérigos y caballeros en general participaban en ella. El rey alentaba en sus cantigas a poetas y juglares para que dedicaran sus esfuerzos e inspiraciones a la «Santa Dama», e incluso Alfonso X creó una caballeresca Orden de Santa María de España, a la que dedicó una cantiga.


title: Cantigas de Santa María

text: Existen dudas sobre la autoría directa del rey Alfonso X el Sabio (1221-1284), pero nadie cuestiona su participación como compositor en algunas de ellas, siendo al menos diez de indudable atribución al rey. Es indudable que también compuso 44 cantigas profanas, de que hay edición crítica moderna. Una opinión fundamentada en una nota del manuscrito toledano atribuye al propio rey la autoría de unas cien cantigas. Probablemente, son obras personales del monarca las "cantigas de loor" y aquellos milagros relacionados con su propia biografía, como el 256, que describe la curación de su madre, o el 377, en que indica la recompensa que dio a uno de los mejores iluminadores de las "Cantigas"; o, quizá, aquellos que le causaron una impresión más fuerte, mientras que los restantes serían obra de los colaboradores integrantes de su corte poética o fruto de su colaboración con él.


title: Cantigas de Santa María

text: El "Prologo das Cantigas de Santa María ementando as cousas que á mester eno trobar" apoyaría explícitamente la idea de la autoría personal del monarca:


title: Cantigas de Santa María

text: Walter Mettmann, autor de una edición crítica de los textos de las "Cantigas", cree que al sacerdote poeta y trovador gallego Airas Nunes se le pueden atribuir muchas de ellas. La cuestión de la autoría no está resuelta aún, pero con el tiempo y las investigaciones va creciendo la idea de una participación directa del rey.


title: Cantigas de Santa María

text: Hay un total de 417 cantigas, más una introducción en homenaje a Don Alfonso y dos prólogos. Los textos, la música y las ilustraciones se han conservado en cuatro manuscritos.


title: Cantigas de Santa María

text: Todas las cantigas poseen sus melodías y partitura musical. Esta música, según el orientalista Julián Ribera es de origen arábigo, pero Higinio Anglés ha demostrado que es de origen europeo.


title: Cantigas de Santa María

text: La lengua de las cantigas marianas abandona los esquemas de la lírica profana de amigo y sus paralelismos; ofrece una lengua más coloquial, con frases y refranes que todavía sobreviven en la lengua gallega actual. Aunque posee provenzalismos, estos son menores que en las cantigas de amor. Su métrica es más variada que la del resto de las cantigas: en cuanto a la medida de los versos, son de entre cuatro y dieciséis sílabas. La estrofa más frecuente es semejante al zéjel hispanoárabe y se denomina virelay. Aparecen algunas irregularidades rítmicas que se ajustan con todo a las estructuras musicales. Hay mayor riqueza léxica y más variedad de registros que en las "Cantigas de amigo", y el lenguaje es tan abierto que admite extranjerismos occitanos, galicismos y castellanismos.


title: Cantigas de Santa María

text: De las "Cantigas de Santa María" hay cuatro códices conservados, procedentes todos ellos de la propia corte del rey Alfonso X.


title: Cantigas de Santa María

text: Existe asimismo una traducción castellana prosificada de 24 "Cantigas de Santa María" (desde la 2.ª a la 25.ª) del ; se encuentra a pie de página del códice T y la incluye Walter Mettmann en un "Apéndice" a su edición.


title: Cantigas de Santa María

text: Tras un minucioso estudio de variantes realizado para su edición crítica, Mettmann llega a la conclusión de que hubo tres etapas en la elaboración de las "Cantigas de Santa María":


title: Cantigas de Santa María

text: Los últimos acontecimientos datables son de hechos sucedidos en 1280 y 1281 en las cantigas 393 y 386 respectivamente. Mettmann propone una franja de fechas de composición entre 1270 y 1282.


title: Cantigas de Santa María

text: Recientemente, la profesora Chico Picaza identifica tres ediciones dentro del plan editorial del rey Sabio: la primera corresponde al Códice de Toledo (To) con el primer centenar de cantigas, aunque lo que se conserva es una copia tardía retocada, no el códice original. La segunda corresponde a los códices Rico del Escorial (T) y de Florencia (F), dos volúmenes de un mismo proyecto de 200 más otras 200 cantigas, ahora historiadas cada una con miniaturas: poesía, música y pintura juntas, un proyecto monumental que exigió dividir el trabajo en dos tomos, de los cuales el segundo no pudo terminarse antes de la muerte del rey. La tercera edición se corresponde con el Códice de los Músicos (E), que se realiza en paralelo a las Cantigas Historiadas, aunque persigue un objetivo distinto: «Si bien la edición del Toledano y de los Músicos entronca perfectamente con la tradicional lectura en voz alta, las Cantigas Historiadas que visualizan la acción dramática de los poemas, fueron concebidas para uso personal y cultual del monarca».


title: Cantigas de Santa María

text: La colección de cantigas alfonsíes deriva fundamentalmente de fuentes escritas. Las más importantes son las colecciones de milagros, por ejemplo los "Miracles de Nostre Dame" de Gautier de Coinci (1177-1236); algunos milagros aparecen también en "Le Gracial", una obra del clérigo londinense Adgar escrita en anglonormando; también parece haber habido trasvase desde el "Speculum historiale" de Vicente de Beauvais; coetáneo del rey fue fray Juan Gil de Zamora, autor de un "Liber Mariae" y algunos milagros son comunes a la colección "Milagros de Nuestra Señora", obra maestra de Gonzalo de Berceo.


title: Cantigas de Santa María

text: En cuanto a las fuentes de la literatura oral, hay que tener en cuenta los relatos de milagros del folclore español y alemán, pues este era el origen de la madre de Alfonso X, Beatriz de Suabia que era nieta del emperador Federico Barbarroja, e incluso las experiencias personales del rey, pero el hecho de que algunos milagros se relacionen con el propio monarca o personajes de su familia tiene su paralelo en los exempla de los sermones populares de los predicadores que relataban casos presuntamente autobiográficos de forma meramente retórica, para aumentar el interés narrativo. Muchos milagros refieren leyendas localizadas en santuarios sobre todo franceses, como Soissons, Laon, Chartres, Rocamadour; es difícil conocer la fuente exacta. Los milagros acontecidos en España se concentran en particular en los santuarios de Santa María de Salas (provincia de Huesca); Santa María de Vila Sirga (Villasirga, provincia de Palencia, en el Camino francés); Montserrat, en Cataluña; Terena, en el bajo Guadiana, y el Puerto de Santa María, en la bahía de Cádiz, conquistado en el año 1260 por el propio Alfonso X el Sabio.


title: Cantigas de Santa María

text: La obra tiene gran importancia desde un triple punto de vista: como obra literaria, musical y pictórica.


title: Cantigas de Santa María

text: Desde el punto de vista de la historia de la música, está considerada como la colección de música cortesana monódica más importante del . Alfonso X de Castilla heredó de su padre Fernando III su Capilla musical que reunía intérpretes y compositores de varias culturas y que formaron parte de la corte alfonsí, al igual que su Escuela de traductores o "scriptorium" regio. De ellos aparece rodeado en algunas de las ilustraciones de los manuscritos de las cantigas. Además, se conserva anotado en notación mensural, un sistema bastante preciso para la época y normalmente reservado para polifonía sacra, lo que la convierte en una fuente fidedigna para el estudio de la música de tipo trovadoresco.


title: Cantigas de Santa María

text: Las melodías están tomadas de la monodia gregoriana, de la lírica popular y de las canciones de los trovadores, y adoptan en su mayoría la forma de rondó, con un estribillo musical que se repite tras las glosas.


title: Cantigas de Santa María

text: Los códices de la Biblioteca de El Escorial están adornados con profusión de miniaturas. Muchas de ellas han sido de importancia capital para la organografía española, puesto que allí se aprecian los instrumentos del : organistrum, salterio, laúd, viola de arco, rebec, cítara, arpa, trompa, trompeta, castañuelas, cornamusas, dulzainas y muchos otros. Y también se puede investigar cómo se ejecutaban estos instrumentos, que se han podido reproducir para poder tocar esta música.


title: Cantigas de Santa María

text: Como manuscrito iluminado, se ha querido ver en las "Cantigas de Santa María" la primera aleluya o historia dibujada de la península ibérica.


title: Cantigas de Santa María

text: Por otra parte, las cantigas también permiten estudiar la infancia en el mundo hispano medieval, siendo tal vez una de las obras del período que más habla de ella: 72 de las 427 composiciones están dedicadas a la niñez, casi un 20 por ciento. Las cantigas tratan desde la búsqueda de hijos, el embarazo, el parto, el bautismo, crianza, educación y trabajo de los niños de la época.


title: Decreto de Guerra a Muerte

text: El Decreto de Guerra a Muerte fue una declaración hecha por el general Simón Bolívar el 15 de junio de 1813 en la ciudad venezolana de Trujillo durante el desarrollo de la Campaña Admirable. La declaración viene precedida meses antes por el Convenio de Cartagena de Antonio Nicolás Briceño.


title: Decreto de Guerra a Muerte

text: Este decreto significaba que los españoles y canarios que no participasen activamente en favor de la independencia venezolana se les daría la muerte, mientras que a los que lo hicieran "se les invita a vivir entre nosotros pacíficamente". Por otro lado, los americanos serían perdonados, incluso si cooperaban con las autoridades españolas. Además, añadía el objetivo de comprometer de forma irreversible a los individuos con la revolución.


title: Decreto de Guerra a Muerte

text: En febrero de 1814, al concluir la campaña, Juan Bautista Arismendi, por órdenes de Bolívar, mando a fusilar a 886 prisioneros españoles en Caracas. Para engrosar su número añadió inclusive a los enfermos en el hospital de La Guaira (cerca de 500 a 1000 entre los días 13 al 16 del mismo mes). Bolívar escribió los detalles al Congreso de Nueva Granada. En consecuencia, entre 1815 y 1817 fueron implicados y sentenciados a muerte varios ciudadanos distinguidos de Nueva Granada, cabecillas de la revolución, siendo ajusticiados a manos del "ejército pacificador" venido con el general Pablo Morillo.


title: Decreto de Guerra a Muerte

text: La Declaración duró hasta el 26 de noviembre de 1820, cuando el general español Pablo Morillo se reunió con el general venezolano Simón Bolívar para concluir un Tratado de Armisticio y Regularización de la Guerra.


title: Rectificador

text: Un rectificador es el dispositivo electrónico que permite convertir la corriente alterna en corriente continua. Esto se realiza utilizando diodos rectificadores, ya sean semiconductores de estado sólido, válvulas al vacío o válvulas gaseosas como las de vapor de mercurio (actualmente en desuso).


title: Rectificador

text: Dependiendo de las características de la alimentación en corriente alterna que emplean, se les clasifica en monofásicos, cuando están alimentados por una fase de la red eléctrica, o trifásicos cuando se alimentan por tres fases.


title: Rectificador

text: Atendiendo al tipo de rectificación, pueden ser de media onda, cuando solo se utiliza uno de los semiciclos de la corriente, o de onda completa, donde ambos semiciclos son aprovechados.


title: Rectificador

text: El tipo más básico de rectificador es el rectificador monofásico de media onda, constituido por un único diodo entre la fuente de alimentación alterna y la carga.


title: Rectificador

text: La rectificación no controlada requiere un estudio previo de las necesidades, ya que el circuito rectificador tan solo funcionará de la forma correcta si todas las condiciones de contorno con las que se ha realizado el cálculo se cumplen. Es decir, tanto la tensión de entrada como la carga RL han de ser las especificadas.


title: Rectificador

text: Es construido con un diodo ya que este puede mantener el flujo de corriente en una sola dirección, se puede utilizar para cambiar una señal de CA a una de CC. En la figura I. se muestra un circuito rectificador de media onda. Cuando la tensión de entrada es positiva, el diodo se polariza en directo y se puede sustituir por un corto circuito. Si la tensión de entrada es negativa el diodo se polariza en inverso y se puede reemplazar por un circuito abierto. Por tanto cuando el diodo se polariza en directo, la tensión de salida a través de la carga se puede hallar por medio de la relación de un divisor de tensión. Sabemos además que el diodo requiere 0.7 voltios para polarizarse, así que la tensión de salida está reducida en esta cantidad (este voltaje depende del material de la juntura del diodo). Cuando la polarización es inversa, la corriente es cero, de manera que la tensión de salida también es cero. Este rectificador no es muy eficiente debido a que durante la mitad de cada ciclo la entrada se bloquea completamente desde la salida, perdiendo así la mitad de la tensión de alimentación. El voltaje de salida en este tipo de rectificador es aproximadamente 0.45 veces el voltaje eficaz de la señal de entrada (este 0.45 surge de calcular formula_1). La forma de onda que observamos a la salida se muestra en la figura I.


title: Rectificador

text: Un rectificador de onda completa convierte la totalidad de la forma de onda de entrada en una polaridad constante (positiva o negativa) en la salida, mediante la inversión de las porciones (semiciclos) negativas (o positivas) de la forma de onda de entrada. Las porciones positivas (o negativas) se combinan con las inversas de las negativas (positivas) para producir una forma de onda parcialmente positiva (negativa).


title: Rectificador

text: El transformador convierte la tensión alterna de entrada en otra tensión alterna del valor deseado, esta tensión es rectificada durante el primer semiciclo por el diodo D1 y durante el segundo semiciclo por el diodo D2, de forma que a la carga R le llega una tensión continua pulsante muy impura ya que no está filtrada ni estabilizada.


title: Rectificador

text: Se trata de un rectificador de onda completa en el que, a diferencia del anterior, sólo es necesario utilizar transformador si la tensión de salida debe tener un valor distinto de la tensión de entrada.


title: Rectificador

text: A fin de facilitar la explicación del funcionamiento de este circuito vamos a denominar D-1 al diodo situado más arriba y D-2, D-3 y D-4 a los siguientes en orden descendente.


title: Rectificador

text: Punto superior del secundario --> Diodo D-1 --> (+)Resistencia de carga R(-) --> Diodo D-4 --> punto inferior del secundario.


title: Rectificador

text: Punto inferior del secundario --> Diodo D-2 --> (+)Resistencia de carga R (-) --> Diodo D-3 --> punto superior del secundario.


title: Rectificador

text: En este caso, vemos como circula corriente por la carga, en el mismo sentido, en los dos semiciclos, con lo que se aprovechan ambos y se obtiene una corriente rectificada más uniforme que en el caso del rectificador de media onda, donde durante un semiciclo se interrumpe la circulación de corriente por la carga.


title: Rectificador

text: En ambos tipos de rectificadores de onda completa, la forma de onda de la corriente rectificada de salida, será la de una corriente continua pulsatoria, pero con una frecuencia de pulso doble de la corriente alterna de alimentación.


title: Rectificador

text: Como se puede apreciar en las Figuras 2 y 3 la corriente obtenida en la salida de los rectificadores no es propiamente continua y dista mucho de ser aceptablemente constante, lo que la inutilizaría para la mayoría de las aplicaciones electrónicas.


title: Rectificador

text: Para evitar este inconveniente se procede a un filtrado para eliminar el rizado de la señal pulsante rectificada. Esto se realiza mediante filtros RC (resistencia-capacitancia) o LC (inductancia-capacitancia), obteniéndose finalmente a la salida una corriente continua con un rizado que depende del filtro y la carga, de modo que sin carga alguna, no existe rizado. Debe notarse que este filtro no es lineal, por la existencia de los diodos que cargan rápidamente los condensadores, los cuales a su vez, se descargan lentamente a través de la carga.


title: Rectificador

text: La tensión de rizado (Vr) será mucho menor que V si la constante de tiempo del condensador R·C es mucho mayor que el período de la señal. Entonces consideraremos la pendiente de descarga lineal y, por tanto, Vr = Vpico·T / (R·C)


title: Rectificador

text: Siendo R·C la cte de tiempo del condensador, T el período de la señal y Vpico la tensión de pico de la señal.