title: Arnold Schönberg

text: Entre 1906-1912, así como en 1913, Schönberg se dedicó con esmero a la pintura. En vida, sus cuadros ya habían formado parte de diez exposiciones, entre las que se cuenta la exposición El Jinete Azul, iniciada por su colega y amigo Vasili Kandinski. Muchas declaraciones críticas, a despecho de su diletantismo, brindaron a las obras escultóricas un mayor significado a partir de su muerte. Schönberg ocupa en la actualidad, por su propio mérito, una posición entre los principales pintores de la época como Oskar Kokoschka, Egon Schiele, Richard Gerstl, Gustav Klimt, Max Oppenheimer y Albert Paris Gütersloh.


title: Arnold Schönberg

text: En cuanto al contenido, los 361 cuadros de la vasta obra de Schönberg se clasifican en varios géneros: junto a numerosos retratos y autorretratos destacan sus “Visiones” y “Miradas”, en los que se encuentra una alta expresividad; asimismo, existe una serie de paisajes y borradores de decorados para sus propias obras. Al igual que en sus composiciones musicales, el estilo de composición de sus cuadros realizados entre 1906 y 1911 es libre. Schönberg no pinta para producir un cuadro “bonito”, sino para «fijar sus sensaciones subjetivas» (Vasili Kadinski). Estos cuadros deben ser vistos como el resultado de sus necesidades interiores.


title: Arnold Schönberg

text: En oposición a su actividad compositora, que alcanzó a dominar a través del estudio autodidacta de los “antiguos maestros”, Schönberg se consideraba un aficionado en el terreno de la pintura. No poseía formación teórica ni estética, pero según algunas declaraciones era un buen dibujante, con un manejo adecuado de las proporciones y medidas. Las fuentes disponibles no establecen hasta qué punto Schönberg relacionaba su pintura con su música. En 1913 declaró al respecto: «Mi pintura y mi música no tienen nada en común. Mi música es el resultado de una teoría puramente musical y sólo debe ser valorada tomando en cuenta su naturaleza musical» y en 1949: «para mí, fue igual que componer. Me dio la posibilidad de expresarme, de comunicar mis emociones, ideas y sentimientos; tal vez ésta sea la clave para entender estos cuadros, o también para no entenderlos». En efecto, este parece haber sido un medio expresivo, basado en la afición de Schönberg, para que su faceta de pintor se diferenciara de la de compositor. La estructura de su obra musical, considerada exigente tanto expresivamente como desde el punto de vista teórico, no tiene relación con la espontaneidad inmediata de sus pinturas.


title: Arnold Schönberg

text: Schönberg sufría de triscaidecafobia, es decir, de temor al número 13. Contrajo esta fobia, posiblemente, en 1908, con la composición de las trece canciones del ciclo "Das Buch der Hängenden Gärten" Op. 15, basadas en poemas de Stefan George. Su ópera "Moses und Aron" se titulaba originalmente "Moses und Aaron" (con las dos aes del nombre de Aarón), pero así el título contenía trece letras, por lo que lo modificó. Su naturaleza supersticiosa le llevó a estar convencido de que iba a morir un año que fuera múltiplo de trece, según aseguraba Katia Mann.


title: Arnold Schönberg

text: Schönberg concibió en los años 20 un ajedrez de Alianzas, conocido como variante del ajedrez para cuatro jugadores. Este se juega sobre un tablero de 10 x 10 y de 36 fichas hechas por él mismo con materiales simples. Durante una visita del maestro de ajedrez Emanuel Lasker, Schönberg ocultó su invento y comentó “Ver este ajedrez sería tan malo para Lasker como para mí escuchar una composición que él hubiera hecho”.


title: Arnold Schönberg

text: Asimismo, existen diversos diseños de muebles y planos para una máquina de escribir mecánica, naipes diseñados por él mismo, y un método de documentación escrita para un partido de tenis (Schönberg era un apasionado jugador de este deporte). Además, Schönberg mejoró y adaptó materiales de oficina para su trabajo diario, entre los que se cuenta un Rastral para hacer las cinco líneas del pentagrama simultáneamente, un atril portátil que no ocupaba mucho espacio, una regla de cálculo dodecafónica en varios diseños, un rollo de cinta adhesiva, un soporte para lápices y muchos inventos más.


title: Sech

text: Carlos Isaías Morales Williams (Río Abajo, 3 de diciembre de 1993), conocido por su nombre artístico Sech, es un cantautor y productor musical panameño.


title: Sech

text: De ascendencia afropanameña, ha comentado que es de origen humilde y empezó a trabajar cuando era menor de edad y «vendía todo lo que fuera legal para hacer dinero». Sus padres son pastores, y ha dicho que su familia es muy apegada al cristianismo.


title: Sech

text: Comenzó haciendo interpretaciones en vivo con su hermano en un dúo al que llamaron "Los Principiantes", con el cual lanzaron algunos demos, pero dicho grupo se disolvió y en los siguientes años, Sech se dedicó a la producción y adoptó el nombre de DJ Sech como nombre de productor.


title: Sech

text: A sus 19 años, con la ayuda de su amigo Rafita, comenzaron un dúo de productores llamado Combo De Oro, con el que produjeron algunas canciones para cantantes conocidos como Dubosky, pero dicho dúo también terminó por disolverse y Sech optó por ser solista como cantante.


title: Sech

text: En el año 2020 Sech tuvo un golpe de popularidad gracias al extremadamnete popular video de internet "con mi compa el Sech" en el cuál un hombre (Sech Tico) al cual comparan con el cantante replica el típico "ad-lib" de Sech "es de Sech"


title: Sech

text: Debutó en 2014 con la canción «Yo sin ti» y se mantuvo lanzando canciones como «La terca», «No me olvides» y «Toco mentir» en 2015, y «El error», «X 4 dias», «El kabreo de tu pollo» en 2016. En 2017, logró posicionarse en Colombia y Centroamérica con la canción «Miss Lonely», la cual llegó a ser escuchada por el productor Dimelo Flow con el que más tarde firmaría un contrato con su disquera Rich Music.


title: Sech

text: Lanzó su primer "mixtape" en 2017 titulado "The Sensation Mixtape", el cual alcanzó la posición #84 de Apple Music Panamá.


title: Sech

text: Presentó su primer EP "The Sensation" en 2018 y en 2019, lanzó su segundo mixtape titulado "Sueños", el cual contó con la canción «Otro trago», junto a Darell, que alcanzó el puesto #3 de Top Latin Albums de "Billboard".


title: Sech

text: En 2020 colabora por primera vez con Daddy Yankee en la canción «Definitivamente», también colabora con Bad Bunny en el tema «Ignorantes», de su disco "YHLQMDLG" y a su vez participa en la canción «Ganas de ti» junto a Wisin & Yandel.


title: Sech

text: Publicó su segundo EP titulado "A Side", el cual contó con 4 canciones y lanzó su segundo album de estudio titulado "1 Of 1", el cual contó con la canción «Relación».


title: Sech

text: En 2021, lanzó su tercer album titulado "42", el cual contó con el sencillo «911» que logró más de casi 200 millones de reproducciones en Spotify en 4 meses.


title: Isla de perros (película)

text: Isla de perros —título original en inglés: Isle of Dogs— es una película estadounidense de animación y comedia de 2018, dirigida por Wes Anderson y realizada mediante la técnica de stop motion. La cinta cuenta con las voces de Bryan Cranston, Koyu Rankin, Edward Norton, Bob Balaban, Bill Murray y Jeff Goldblum. Es una coproducción de Alemania y Estados Unidos, producida por Indian Paintbrush, American Empirical Pictures y Studio Babelsberg. Fue estrenada en la edición 68 del Festival Internacional de Cine de Berlín, donde Anderson ganó el en la categoría de mejor dirección. Se publicó una adaptación de la historia a una serie de manga por Minetarō Mochizuki, apareció en la edición de mayo de 2018 de la revista "Weekly Morning". La cinta fue nominada a los Globos de Oro en las categorías de mejor largometraje de animación y mejor banda sonora original.


title: Isla de perros (película)

text: El prólogo se inicia con Júpiter, un terranova que empieza a relatar una antigua leyenda acerca de un pequeño pero valiente samurái quien tuvo la osadía de cortarle la cabeza a los Kobayashi, una temible dinastía amante de los gatos que intentó exterminar a todos los perros posibles.


title: Isla de perros (película)

text: 1000 años después, en un archipiélago japonés, se había desencadenado un extraño brote de gripe canina a través de la ciudad de Megasaki, arriesgando la vida humana existente allí. El alcalde la ciudad, Kenji Kobayashi, había declarado estado de emergencia y como medidas extrema decreta el exilio de todos los perros de la ciudad (tanto domésticos como callejeros), dejándolos en cuarentena en la Isla de la Basura. El profesor Watanabe, científico veterinario y rival político de Kobayashi, había decretado demasiado radical e inhumana la decisión de Kobayashi, e intentó convencer a los habitantes de Megasaki que le dieran tiempo hasta hallar la cura contra la gripe canina, pero lamentablemente todos (hasta los dueños de mascotas) se mostraban reacios ante esa solución ya que se dejaron llevar por las influencias de Kobayashi. El primer perro en ser deportado era, irónicamente, la mascota de la familia real, Spots, un mestizo de pelaje blanco con manchas negras quien además era el guardián personal del sobrino huérfano y distante del alcalde, Atari Kobayashi.


title: Isla de perros (película)

text: Seis meses después de que el mejor amigo del hombre acabara sobreviviendo sin el cuidado de este último en medio de La Isla de la Basura, se nos revela que Atari se las había arreglado para conseguir escapar de sus mayores y robar un avión para viajar hasta la isla con la esperanza de poder recuperar a Spots. Atari sufre un aterrizaje forzoso y cae inconsciente. Al despertar, Atari conoce a una jauría de cinco perros formada por: Rex, una mezcla de pastor que solía ser mascota en una biblioteca; King, un mestizo entre schnauzer y setter irlandés que solía promocionar una cadena comida canina; Boss, una mezcla entre boxer y pitbull que solía ser la mascota de un equipo de béisbol; Duke, un husky siberiano de una familia esquimal que disfruta de los chismes; y Chief, un callejero de pelaje negro que desconfía de los humanos. Ellos, excepto Chief, deciden ayudar a Atari a localizar a Spots pero lamentablemente solamente pudieron encontrar sus restos en una jaula. Triste mientras le hacía un entierro a su querido amigo, Atari todavía recuerda el día en que conoció a Spots, que ocurrió poco tiempo después de que él perdiera a sus padres y un riñón. Sin embargo, antes de que Atari se marchara, se nos revela que el nombre del perro muerto era en realidad Sport. De pronto, el grupo es enfrenta contra unos perreros acompañados por un perro robótico, quienes fueron enviados por Kobayashi para traer devuelta a su sobrino a la fuerza. Luego de que Atari y los perros escaparan y los perreros fracasaran en su misión, un enfurecido Alcalde Kobayashi había declarado que su sobrino ha sido secuestrado por una jauría de perros malos, a quienes terminarán asesinando una vez que recupere y castigue a Atari. Atari con el tiempo se gana el respeto y la confianza de la jauría, excepto Chief, quien aún mantenía su orgullo de callejero. La jauría decide entonces iniciar un largo viaje de búsqueda para ayudar a Atari a reunirse con Spots, dirigiéndose al otro extremo de la isla. A pesar de que Chief todavía era muy orgulloso, decide participar en la búsqueda luego de ser convencido por Nutmeg, una perra de raza pura que se dedicaba a los espectáculos, de la cual Chief está enamorado.


title: Isla de perros (película)

text: Durante el viaje, mientras los perros comienzan a recordar los alimentos que sus amos solían darles, Chief confiesa que en realidad él una vez fue la mascota de una familia, sin embargo permaneció en las calles debido a su tendencia a morder a cualquiera que intentara acariciarlo. Ellos eventualmente se encontraron Júpiter y su compañera pug, Oráculo, quienes les dijeron cómo llegar a una mini-isla cercana en donde seguramente estaba Spots. Pero también les advirtieron de la presencia de una extraña camada de perros aborígenes que solía ser utilizados como ratas de laboratorios, y que tras escapar de su vida de tortura recurrieron al canibalismo. De vuelta en Megasaki, el profesor Watanabe logró hallar la cura para la gripe canina, pero Kobayashi, quien todavía quería dejar en exilio a los perros, no se lo iba hacer sencillo. No sólo se encargó de asegurarse que la cura jamás saliera a la luz, sino que también arrestó al profesor por contradecirlo, y después hizo una conspiración para asesinarlo con un sushi que contenía wasabi envenenado. Esto dejó en controversia al grupo de defensa de los perros, entre ellos Tracy Walker, una estudiante de intercambio estadounidense quien también es dueña de Nutmeg, insistiendo que hay gato encerrado e inicia una investigación del caso.


title: Isla de perros (película)

text: Durante el viaje, Chief y Atari quedan solos tras separarse de los demás miembros de la pandilla. Al principio, Chief todavía mostraba desconfianza hacia Atari, sobre todo al verse forzado a cuidarlo, pero con el tiempo Chief comienza a sentir un cariño enorme hacia el muchacho como nunca lo tuvo antes hacia un humano. Como resultado, Chief comenzó a dejarse abrazar por él, a jugar con él a traer el palo y luego le permitió que le diera su primer baño, revelando que Chief en realidad tenía el pelaje blanco con manchas negras, compartiéndo un enorme parentesco con Spots (excepto por el color de sus narices), lo que hace que Atari se diera cuenta de que Chief y Spots podría pertenecer a la misma raza. Chief también comienza a recordar que él y otro cachorro fueron los únicos supervivientes de su camada, pero jamás llegó a encontrarse con su hermano. Tras desarrollar un fuerte lazo con Atari, Chief estaba determinado en hacer lo posible por satisfacer la felicidad de Atari haciéndole prometer que recuperaría a Spots.


title: Isla de perros (película)

text: Atari y Chief lograron encontrarse con el resto del grupo, pero todos fueron emboscados por más de los perreros de Kobayashi y sus perros robóticos. Spots llega justo a tiempo en compañía de los perros aborígenes (los cuales no resultaron ser caníbales) para derrotar a los hombres de Kobayashi y salvar a Atari y a la pandilla, quienes fueron dados por muertos luego de que ellos lograran escapar. Spots revela varias verdades a Atari y a la pandilla, empezando por el hecho de que los perros aborígenes fueron quienes lo liberaron de su jaula y lo hicieron su líder tras perder a su líder anterior, también que va a tener una camada de cachorros con una perra aborigen llamada Peppermint. También el reveló que él era el hermano mayor perdido de Chief, y finalmente se reveló que fueron los Kobayashi los responsables de crear la gripe canina de manera intencional, usando a los perros aborígenes. Con su nuevo cargo de líder de la manada marginada, Spots decide otorgarle a su hermano menor Chief su cargo como el nuevo perro guardián de Atari al ver que ellos se hicieron amigos, además de dejar que su amo se quedara con uno de sus cachorros.


title: Isla de perros (película)

text: Un búho de la isla había llegado con un mensaje por parte de Júpiter: él, Oráculo, Nutmeg y el resto de los perros de la isla habían sido acorralados por los perreros de Kobayashi para ejecutar un plan que terminara para eliminarlos a todos y acabar con la gripe canina de una vez por todas; mientras que sus amos los terminarían reemplazándolos por los perros robóticos de Kobayashi. Esto obliga a Atari y a sus amigos perrunos deciden ir preparándose para poder volver lo más rápido posible a la ciudad y llegar a tiempo para detener los planes de su tío.


title: Isla de perros (película)

text: Tracy va entablar una conversación con Yoko Ono, compañera de trabajo del profesor Watanabe, a quien logra hacer recapacitar para que supere la tristeza por la muerte del profesor y le entregue la última muestra de la cura. En la noche de la reelección del alcalde, Tracy trae todas las evidencias que prueban la corrupción de Kobayashi, pero éste, por medio de su poder político, decide deportarla de vuelta a Estados Unidos y proceder con el plan de erradicación canina. Atari y el clan de perros llegan justo a tiempo, y tras usar el suero en Chief este último afirma que la cura es efectiva. Atari luego presenta un haiku, dedicado a Kobayashi, en el que expresa el valor y el amor que existen entre perros y humanos. Tras esas palabras, todo el pueblo se sintió conmovido y a su vez culpable, ya que entendieron que lo que le han estado haciendo a sus perros fue horrible y evidenciaba la naturaleza cruel humana en lugar de garantizar su propia supervivencia, mientras que Atari era el único que recurría a la unión y a la paz. Pero no había otro más arrepentido que el propio alcalde Kobayashi, quien decidió eliminar su decreto de exilio y su plan erradicación canina por el amor que siente hacia su sobrino. Su asistente de confianza, Major Domo, se enfurece con Kobayashi y decide desencadenar un combate contra el alcalde con el proceder con el plan de erradicación canina, tal y como lo habían planeado desde un principio. En la pelea, algunos Pro-perros y un perro robótico participan y Spots decide frenar la pelea, pero en el proceso él y Atari caen malheridos. A pesar de los intentos de Kobayashi por detener a Major Domo, este último logra detonar el botón de eliminar, pero ocurre una falla en la que los perreros y sus perros robóticos reciben el veneno, mientras que Jupiter, Oráculo, Nutmeg y los demás perros consiguen salvarse. Se nos revela que esto fue obra de uno de los Pro-perros, quien logró infiltrarse y "hackear" el sistema.


title: Isla de perros (película)

text: Atari y Spots son llevados por sus amigos hasta el hospital, donde el doctor afirma que a Atari le falla el riñón restante. Como nuevo acto de redención, Kobayashi dona su propio riñón para salvar a su sobrino. Cuando Atari se recupera, se revela que ahora se convirtió en el nuevo alcalde de Megasaki debido a una cláusula, mientras que Kobayashi y sus secuaces (incluyendo a Major Domo) son arrestados por corrupción. En su primer mandato, el alcalde Atari decreta que todos los perros exiliados regresen a la ciudad de Megasaki. Una vez ahí, son vacunados y devueltos a sus respectivas vidas y familias (incluyendo los miembros de la jauría). Atari y Tracy se convierten en pareja, mientras que Chief, quien también se convirtió en pareja de Nutmeg, disfruta de su nueva posición como perro guardián de Atari sin dejar de lado su orgullo callejero. En tanto, un recuperado Spots se había retirado de su cargo para poder cuidar de su familia en privado en la mansión.


title: Isla de perros (película)

text: En octubre de 2015, Anderson anunció que regresaba al estilo de "stop motion" con una «película acerca de perros», confirmando la participación de Edward Norton, Bryan Cranston y Bob Balaban. Según Anderson, se inspiró en un anuncio relacionado con una isla de perros que vio durante la filmación de Fantastic Mr. Fox en Inglaterra. La producción comenzó en octubre de 2016 en Londres, el departamento de animación fue el mismo encargado de la cinta Fantastic Mr. Fox. Se crearon 20 mil caras y más de mil muñecos de los personajes, creados por doce escultores que trabajaron seis días a la semana, los detalles para la creación de los personajes principales tomaron de entre dos y tres meses.


title: Isla de perros (película)

text: Para el proceso de producción, el director buscó que los personajes tuvieran un balance de anatomía real canina con un tono caricaturesco. Andy Gent, uno de los encargados del diseño de los modelos, esculpió algunos perros de muestra para posteriormente ser analizados. De alrededor de 500 modelos fueron elegidos los cuatro perros protagonistas y cada modelo tiene por dentro una armadura en forma de esqueleto metálico, para facilitar el movimiento y las posturas. Algunos de los personajes, por su complejidad, tomaron hasta 30 semanas en su diseño como el caso del personaje Nutmeg.


title: Isla de perros (película)

text: Para el proceso del diseño del set, Adam Stockhausen, colaborador de Anderson en dos películas anteriores, creó alrededor de 240 micro locaciones, entre las cuales destacan el domo municipal, el laboratorio monocromático y las ruinas de la Isla Basura. Las nubes de polvo y las olas del mar fueron hechas completamente a mano, la locación con mayores elementos es la Isla Basura, con sus diferentes zonas de colores. Para el diseño de los personajes humanos, el estudio "3 Mills Studios" usó una resina para dar la sensación de calor y piel translúcida. En total se crearon mil marionetas, la mitad son perros y el resto son personas, destaca además el uso de bocas desmontables con direferentes muecas, que fueron añadidas cuando un personaje hablaba o se movía. La escena que más tiempo se invirtió fue donde se aprecia la elaboración de sushi, se dedicaron seis meses de grabaciones tras una profunda investigación para mostrar a detalle como cortar el pescado, el pulpo y mostrar el proceso en 45 segundos.


title: Isla de perros (película)

text: Wes Anderson confió la banda musical de la película de animación a manos del francés Alexandre Desplat, un reputado compositor conocido por sus múltiples composiciones para películas y con quien ya había trabajado anteriormente en películas como "Fantastic Mr. Fox" (2009), "Moonrise Kingdom" (2012) y "El Gran Hotel Budapest" (2014). La banda sonora mezcla instrumentos tradicionales japoneses, como los sonidos que producen el koto, taiko y el shakuhachi, con instrumentos de orquesta filarmónica. El sitio "Back Seat Mafia" definió la banda sonora de la película como «gran parte instrumental con un par de pistas vocales, evocadora pero extravagante», además señala que es una banda sonora que «da una sensación internacional y elude el peligro». Mientras el sitio "Drowned in Sound" definió el trabajo de Desplat «en gran medida apoyado en el taiko» y se divide en dos categorías «siniestra con los cantos profundos y cuerdas bajas; o maliciosa con el sonido del latón».


title: Isla de perros (película)

text: Algunas canciones pertenecen a películas del cine clásico japonés del director Akira Kurosawa. La banda sonora se compone de veintidós pistas en total, quince fueron compuestas por Desplat. La banda sonora original, creada por Desplat, quedó como nominada a los Premios de la Academia en febrero de 2019; algunos de los involucrados en la creación de la banda sonora fueron la Orquesta Sinfónica Toho, el compositor estadounidense David Mansfield, la Orquesta Sauter-Finegan y la banda de pop experimental West Coast Pop.


title: Isla de perros (película)

text: "Isle of Dogs" ha recibido reseñas generalmente positivas de parte de la crítica y de la audiencia. En el portal de internet Rotten Tomatoes, la película posee una aprobación de 90%, basada en 366 reseñas, con una calificación de 8.0/10. La página Metacritic le ha dado a la película una puntuación de 82 de 100, basada en 55 reseñas, lo que indica «aclamación universal». El consenso que la define como: «La bellamente animada por stop-motion "Isla de perros" muestra a Wes Anderson en la cumbre de su orientación al detalle, mientras cuenta una de sus historias más encantadoras». En el sitio IMDb los usuarios le han dado una puntuación de 7.9/10, sobre la base de 149 664 votos.


title: Isla de perros (película)

text: Richard Roeper del diario "Chicago Sun-Times" le dio una calificación de 3.5 de 4 estrellas, destacando que «es inteligente, diferente y realmente divertida». Manohla Dargis del diario "The New York Times" definió la película como «visualmente seductora, como ejemplo Isla Basura aterra por su esplendor visual y meticulosa construcción». Además destacó que «los perros protagonistas son encantadores y brindan la emoción a la cinta», pero incluyó que «la profundidad de algunos temas hacen pensar que Anderson no maneja muy bien el apartado del guion». Toca el tema del idioma japonés, donde dice que «al dejar los diálogos de Atari sin traducir al inglés, Anderson reduce el idioma a un elemento decorativo para su obra».


title: Isla de perros (película)

text: El hecho de ser una película ambientada en un país asiático, como en este caso Japón, y solamente contar con dos voces japonesas, aunque hablen en inglés, representando personajes principales como la del niño Koyu Rankin y el veterano Ken Watanabe, motivó nuevamente críticas a Hollywood por usar voces de actores estadounidenses para representar personajes principales que figuran ser asiáticos, fenómeno que se conoce como «"whitewashing"» o «blanquear» las películas.


title: Iosi, el espía arrepentido

text: Iosi, el espía arrepentido es una serie web de suspenso argentina-uruguaya creada por Daniel Burman para Amazon Prime Video. La serie cuenta la historia real de un espía de la Policía Federal Argentina que se infiltra en una comunidad judía para recabar información, que luego aparentemente fue utilizada para llevar adelante los atentados terroristas contra la embajada de Israel en 1992 y la AMIA en 1994. Está protagonizada por Natalia Oreiro, Gustavo Bassani, Alejandro Awada, Carla Quevedo, Minerva Casero, Juan Leyrado, Marco Antonio Caponi, Daniel Kuzniecka y Matías Mayer. La serie se estrenó el 29 de abril de 2022.


title: Iosi, el espía arrepentido

text: La serie sigue la historia real de un joven agente de inteligencia de la Policía Federal Argentina a quien sus superiores, en plena época democrática, desde 1985, le asignan la misión de infiltrarse en una comunidad judía por muchos años para recabar información sobre el Plan Andinia, que posteriormente se usó para perpetrar los ataques terroristas contra la embajada de Israel en 1992 -en el que no pudo determinarse quienes fueron los responsables- y contra la Amia en 1994 -en el que fueron descubiertos y condenados varios encubridores-, donde fueron asesinadas 107 personas.


title: Iosi, el espía arrepentido

text: En febrero del 2017, se informó que la productora argentina Oficina Burman se había unido en una alianza con Mediapro para desarrollar varios proyectos con proyección internacional, entre ellos la adaptación del libro "Iosi, el espía arrepentido" de Horacio Lutzky y Miriam Lewin para ser una serie, que cuenta la historia de un espía infiltrado en la comunidad judía que reveló información vital a los que posteriormente causarían los ataques a la embajada israelí y la AMIA, que resultó ser el peor ataque bomba de la historia de Argentina.


title: Iosi, el espía arrepentido

text: En enero del 2020, se anunció que la serie estaría dirigida por Daniel Burman y Sebastián Borensztein, la cual también comprendería de 8 episodios de 60 minutos de duración y que se estrenaría por la plataforma de Amazon Prime Video.


title: Iosi, el espía arrepentido

text: A su vez, se filmaron varias escenas en algunas localidades de Canelones como ser: Progreso, Los Cerrillos, La Paz y Paso Carrasco.


title: Iosi, el espía arrepentido

text: En diciembre del 2020, se confirmó que Gustavo Bassani, Marco Antonio Caponi, Alejandro Awada, Juan Leyrado, Matías Mayer y Minerva Casero serían los protagonistas de la serie y que además contaría con la participación especial de Natalia Oreiro. En enero de 2021, se informó que Carla Quevedo se había unido al elenco principal.


title: Iosi, el espía arrepentido

text: Para la segunda temporada, se anunció la incorporación de dos actores israelíes Moran Rosenblatt e Itzik Cohen.


title: Iosi, el espía arrepentido

text: La serie cosechó críticas positivas por parte de los expertos. Diego Lerer de "Micropsia Cine" otorgó a la serie una reseña positiva, diciendo que es «atractiva, promisoria y muy a tono», como así también elogió la actuación de Bassani describiéndola como «sorprendente» y valoró que Oreiro compuso una agente secreta internacional con frialdad. Por su parte, Diego Batlle de "Otros cines" rescató que la serie es «técnicamente irreprochable en todos los rubros, la serie tiene una excelente dirección de arte y banda de sonido [...], y queda claro que surge como una apuesta con hallazgos no menores, y a su vez consideró la interpretación de Bassani como «impecable».


title: Beavis and Butt-Head

text: Beavis and Butt-Head es una serie de dibujos animados dirigida principalmente para jóvenes y adolescentes, emitida originalmente por la cadena de televisión MTV. La serie fue transmitida de 1993 a 1997, y tuvo un breve regreso en 2011. Fue creada por Mike Judge, quien luego escribió y produjo la serie de televisión "King of the Hill" y la película "Office Space". La serie influyó mucho en el lenguaje de la juventud estadounidense de los noventa. "Beavis and Butt-Head" comenzó como un corto animado de Judge MTV Animation. Este capítulo, llamado "Frog Baseball" ("Béisbol de rana"), fue emitido por el apartado independiente de FOX "20th Television". En 1996, la serie fue adaptada en la película de dibujos animados "Beavis and Butt-Head Do America". En 2022, una segunda película de la serie fue estrenada en la plataforma de streaming Paramount+ bajo el nombre de "Beavis and Butt-Head Do the Universe".


title: Beavis and Butt-Head

text: Un segundo regreso de la serie se había hecho público en 2020 para transmitirse originalmente por el canal Comedy Central. Sin embargo, un año después, se anunció por medio de un video su regreso definitivo en Paramount+, así como también su segunda película. La nueva temporada se estrenó el 4 de agosto de 2022 por medio de dicha plataforma.


title: Beavis and Butt-Head

text: Un episodio de la serie consiste típicamente en Beavis y Butt-Head haciendo comentarios juveniles mientras miran vídeos musicales. En medio de los vídeos, historias avanzan envolviendo al dúo en aventuras y problemas tanto en casa como en el colegio. Objetivos para su humor carnal incluyen todo tipo de autoridad, la vida de instituto e incluso ellos mismos. Lo que realmente caracteriza a Beavis y Butt-Head es que están obsesionados con el sexo y son un poco deficientes mentales. Butt-Head parece un poco más inteligente y calmo que Beavis, este último es propenso a padecer ataques de hiperactividad, convirtiéndose en el famoso "Cornholio". Butt-Head es inconscientemente más sutil, mientras que Beavis es inconscientemente más obvio. Beavis and Butt-head suelen ser malinterpretados o verse envuelto en confusiones -de las que la mayoría de las veces salen impunes-, debido a que los demás no les toman en serio sus franquezas, creyendo que bromean.


title: Beavis and Butt-Head

text: El sarcasmo y la estupidez del dúo dieron a los adolescentes estadounidenses una plétora de nuevos términos en slang, incluyendo "buttmunch" (mascanalgas), "fartknocker" (pedogolpazo), "bunghole" (tapónanal), "cornhole" (calloanal), "turd burgler" (vende zurullo), "ass munch" (muerde culo), "ass wipe" (limpia trasero), "ass goblin" (trasero de duende), "TP" (papel higiénico) y "spank the monkey" (azotar el mono). En los primeros episodios el dúo juvenil tenía una obsesión con el fuego y lo peligroso, un comportamiento "arriesgado". La serie fue culpada de numerosas muertes de niños como resultado del fuego y sus trucos, y así fueron reemplazadas solamente por escenas tontas, chistes fáciles, etc. MTV también tomó la medida de emitir el programa después de las 11:00 PM, y de agregar un aviso en el que alertaba a los espectadores de que nunca deberían imitar las acciones de los protagonistas.


title: Beavis and Butt-Head

text: Beavis y Butt-Head son dos adolescentes cuya vida se resume en ver televisión, comer comida basura (generalmente nachos), beber refrescos, ir a centros comerciales, escuchar heavy metal y hard rock, intentar "anotar" como dicen ellos (tener sexo) y practicar el acto de la masturbación. En ocasiones trabajan en un local de comida rápida llamado Burger World, donde Beavis se desempeña como cocinero y Butt-Head es el cajero.


title: Beavis and Butt-Head

text: En el año 1995, Beavis y Butt-Head protagonizaron un pequeño episodio de promoción de la Gira Ballbreaker, de AC/DC. El vídeo trata de lo siguiente:


title: Beavis and Butt-Head

text: Beavis y Butt-Head están delante de una sala donde descansan los miembros de AC/DC. El acceso a la sala está prohibido, así que se quedan parados delante de la puerta. Entonces, llegan dos chicas, y los protagonistas, debido a su obsesión por el sexo, intentan ligar con ellas. Las chicas pasan de ellos y entran en la sala. Luego, llegan otras dos mujeres, que también entran en la sala. Butt-Head, furioso, comienza a gritar. Entonces, sale de la sala Angus Young, guitarrista principal de AC/DC. Silba y sale una mujer vestida con una capa, un traje negro muy ceñido y un taladro. Esta mujer es el símbolo del álbum "Ballbreaker" (1995). La mujer comienza a perseguir a Beavis y Butt-Head, y éstos empiezan a correr asustados. La escena termina con Angus Young riéndose de forma malvada frente a la cámara.


title: Beavis and Butt-Head

text: Junto con el merchandising normal, que incluye desde muñecos de diversas formas y materiales a petacas, llaveros, camisetas, etc, fueron lanzados diversos comics y algunos videojuegos. También fue creada una serie derivada, titulada "Daria", que se basó en el personaje de Daria Morgendorffer, compañera de clases de estos personajes en la serie. El éxito de la serie empujó a MTV a lanzar una serie animada similar titulada "Los hermanos Grunt", que ponía un énfasis aún más grande en el humor de "baño". Este show fue cancelado por la escasa aceptación con la que contó.


title: Beavis and Butt-Head

text: En el 2007, Mike Judge, junto con MTV video, lanzó al mercado una recopilación de los episodios en tres volúmenes, cada uno compuesto por tres discos.


title: Beavis and Butt-Head

text: El 14 de julio de 2010, el regreso de la serie fue confirmado por el "New York Post" para MTV USA. Mike Judge creará nuevos episodios y una vez más le dará su voz a Beavis y Butt-Head. Se presentará al dúo aún en "High School" y presentarán vídeos de música para que comenten y se burlen. El tipo de animación se mantendrá en formato tradicional. La serie estuvo en ell aire desde el 27 de octubre de 2011 en Estados Unidos por MTV y desde el 22 de abril de 2012 en Hispanoamérica en MTVLA


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: Mary Winston Jackson (9 de abril de 1921-11 de febrero de 2005) fue una matemática e ingeniera aeroespacial estadounidense, que trabajó para el Comité Consejero Nacional para la Aeronáutica (NACA), que más tarde se transformaría en la NASA.


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: Trabajó en el Centro de Investigación de Langley la mayor parte de su vida, empezando como calculista en la división de Cálculo del Área Oeste, y más tarde llegaría a ser la primera ingeniera negra de la NASA. Después de 34 años en la NASA, Jackson alcanzó el puesto más alto posible para ingenieros, y se dio cuenta de que no podía ascender más sin ser antes supervisor. Al llegar a este punto decidió aceptar una degradación para pasar a ser directora de dos programas al mismo tiempo: "Federal Women’s Program" en la oficina de Igualdad de Oportunidades, y del "Affirmative Action Program". En estos cargos trabajó para influir tanto en la contratación como en la promoción de mujeres en la NASA, en el ámbito de la ciencia, la ingeniería y las matemáticas.


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: Mary Jackson nació el 9 de abril de 1921, la hija de Ella Scott y Frank Winston. Nació y creció en Hampton, Virginia, y desde temprana edad mostró un gran don para los números y la ciencia que la llevó a graduarse con los más altos honores en la escuela secundaria.


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: Jackson durante más de 20 años fue dirigente de un grupo femenino Scout. Se distinguió por ayudar a jóvenes afroamericanas de su comunidad al crear un túnel de viento en miniatura en los años 1970.


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: Mary Jackson se graduó en matemáticas y en Ciencias físicas en el Hampton Institute en 1942. Fue miembro de la hermandad Alpha Kappa Alpha.


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: Su trayectoria profesional no fue directa a la NASA, antes de unirse al organismo, tuvo varios cambios de carrera:


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: Después de graduarse, Jackson enseñó matemáticas en una escuela negra en el Condado de Calvert (Maryland) durante un año. También trabajó como tutora de alumnado de instituto y universitario, tarea que realizó durante toda su vida. En 1943, fue contable del Centro Comunitario Católico Nacional en Hampton. Después de esto trabajó como recepcionista y empleada en el departamento de Salud del Hampton Institute; interrumpió su trabajo al nacer su hijo. En 1951 entra a trabajar como empleada en la Oficina del Jefe, del Campamento de las Fuerzas Armadas en Fort Monroe.


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: En 1951 entra a trabajar para el Comité Consejero Nacional para la Aeronáutica (NACA). Empezó su carrera como matemática de investigación, o computista, en el Centro de Investigación de Langley en su ciudad natal de Hampton, Virginia. Trabajó bajo las órdenes de Dorothy Vaughan en la sección segregada conocida como Sección de Informática del Área Oeste.


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: En 1953 aceptó una oferta para trabajar para el ingeniero Kazimierz Czarnecki en el Túnel de Presión Supersónico, un túnel de viento de 1,2 por 1,2 metros y 45000 kilovatios, usado para estudiar las fuerzas sobre un modelo al generar vientos de casi dos veces la Velocidad del sonido. Czarnecki animó a Jackson a prepararse para ascender a ingeniera. Para conseguir la promoción a ingeniera, Jackson necesitó licenciarse en matemáticas y física en cursos nocturnos. Los estudios estaban gestionados por la Universidad de Virginia pero se realizaban en el instituto de secundaria de Hampton, que era en aquel momento una institución tan solo para blancos, por lo que Jackson hubo de presentar una petición al ayuntamiento de Hampton para que le dejaran asistir a las clases. Tras completar los cursos, fue promovida a ingeniera aeroespacial en 1958 siendo la primera mujer negra que alcanzó el grado de ingeniera en la NASA. Pasó entonces a trabajar analizando los datos de los experimentos del túnel de viento y también de datos obtenidos con vuelos de naves reales en la Sección de Aerodinámica Teórica de la División de Aerodinámica Subsónica y Transónica en Langley. Su objetivo era entender el flujo de aire, incluyendo las fuerzas de empuje y arrastre.


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: Durante su tiempo como ingeniera en NASA, trabajó en varias divisiones: la División de Investigación de la Compresibilidad, División de Investigación a Escala Real, División de Aerodinámica de la Alta Velocidad, y el División de Aerodinámica Subsónica-Transónica. Es autora o coautora de 12 papers técnicos para la NACA y NASA. Trabajó para ayudar mujeres y otras minorías a ascender en sus carreras, incluyendo el asesoramiento sobre cómo estudiar para poder cambiar sus títulos de matemáticas a ingenieras, mejorando sus oportunidades de ascenso, como ella misma había hecho.


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: Con el paso de los años, fue constantemente limitada para alcanzar los más altos puestos de gerencia por de ser de raza negra y mujer, siendo víctima a lo largo de su carrera del efecto del techo de cristal.


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: "Share what you have and take care of each other.” Este era su lema y luchó por los derechos de las mujeres y las personas de color durante toda su vida.


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: Cuando se graduó del Instituto Hampton, trabajó en la Organización de Servicios Unidos ayudando a familias de militares y trabajadores relacionados con el ejército; buscando casas y apartamentos para ellos.


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: Mary fue la encarnación de la idea de Doble V- la victoria de las personas de color y la victoria de las mujeres-.


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: Lideró undécimo equipo de Girl Scouts. Su idea principal era preparar a las niñas para encontrar su lugar en el mundo. Lo que también fue importante es que la exploración fue la forma de enseñarles el amor a Dios, la patria, la honestidad y la lealtad.


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: Mary Jackson fue una mujer increíblemente valiente. Luchaba por los derechos de las mujeres de color al ser parte de la Asociación Técnica Nacional. También invitó a niñas de escuelas públicas en Hampton y estudiantes del Instituto Hampton a Langley para mostrarles que podían ser ingenieras, y participó en los trabajos del Consejo Nacional de Mujeres Negras. Para ella era importante luchar contra la segregación.


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: Cuando tenía 58 años, se convirtió en Gerente de Programas Federales para Mujeres, que se estableció para asesorar a la gerencia y analizar políticas, prácticas y procedimientos que puedan presentar barreras para la contratación y el avance de las empleadas. Más tarde, pasó a formar parte del Comité Asesor del Programa Federal de Mujeres y del Programa de Igualdad de Oportunidades de Langley. El objetivo de esas instituciones era crear un entorno en el que el gobierno federal no se fijara en la raza, el sexo o la nacionalidad en un proceso de contratación de personas.


title: Mary Jackson (ingeniera)

text: La película de 2016 "Hidden Figures" narra las carreras de Jackson, Katherine Johnson y Dorothy Vaughan y específicamente su trabajo en el Proyecto Mercury y Apollo 11. La película se basa en el libro del mismo nombre de Margot Lee Shetterly. Jackson es interpretada en la película por Janelle Monáe.


title: Camp

text: Camp es un tipo de sensibilidad estética del arte popular que basa su atractivo en el humor, la ironía y la exageración. El "camp" es una corriente artística relacionada con las formas del arte "kitsch", considerado como una copia inferior y sin gusto de estilos existentes que tienen algún grado de valor artístico reconocido. Suelen identificarse sus cualidades atractivas bajo los parámetros de la banalidad, la vulgaridad, la artificialidad, el humorismo, la ostentosidad y el carácter afeminado. En el habla inglesa, suelen aplicarse los adjetivos de campy o cheesy a expresiones culturales que tienen cualidades de la estética "camp".


title: Camp

text: La palabra "camp" viene del francés "se camper" que significa "posar de una manera exagerada". Otras propuestas para el origen etimológico de la palabra es que hace referencia al arte campesino.


title: Camp

text: Según el teórico Samuel R. Delany, el término "a camp" se desarrolló a partir de las prácticas sexuales del travestismo y la prostitución que acudían a los campos militares para ofrecer servicios sexuales a los soldados. Luego, el término "camp" tomó un significado distinto, siendo utilizado como un concepto para referirse a la estética y sensibilidad artística electa por hombres homosexuales de la clase trabajadora.


title: Camp

text: El término "camp" aparece documentado por primera vez en 1909 en el interior del "Passing English of the Victorian Era", definido como acciones y gestos de carácter exagerado o enfático. En el mismo año, el "Oxford English Dictionary" relaciona distintos adjetivos como ostentoso, exagerado, teatral, afeminado u homosexual relacionándolo principalmente con la homosexualidad y el afeminamiento. Es Susan Sontag en una serie de ensayos contenidos en "Against Interpretation: And Other Essays" quien realza la utilización del término como un elemento cultural y vuelve popular el concepto.


title: Camp

text: El "camp" en cualquiera de sus formatos artísticos se caracteriza por el énfasis a la ostentosidad y la exageración en las situaciones. En ocasiones sus atributos clave suelen relacionarse con la artificialidad, la frivolidad, su carácter artístico popular, su poca profundidad artística y el exceso de elementos que conforman su distinguido tono alegórico. El "camp" se define por la ridiculización de la dignificación social y la cultura masiva, instalándose como una contracultura a la cultura tradicional que pretendía hacer inaceptable a la cultura popular dignificada. El "camp" es un tipo de corriente artística de poca seriedad, de intenciones y resultados discordantes; definida en belleza por su evidente fealdad y mal gusto.


title: Camp

text: El "camp" es planteado popularmente como una forma política de integración social de la cultura de LGBT (en especial la cultura gay) en la cultura global, que fue marcada por la promoción cultural del sentido estético vulgar. Normalmente relacionado con la identidad social de la cultura homosexual a finales del en la cultura "closet" anterior a los disturbios de Stonewall. Se origina en el periodo de la cultura "closet" en el que popularmente se acepta la homosexualidad como afeminamiento, marcado por diversas corrientes artísticas que exaltaban la feminidad en la masculinidad y la feminidad en la misma feminidad. Otros aspectos culturales del "camp" se concentran en su propósito transgresor de orgullo para enfatizar la existencia y permanencia oculta de la homosexualidad en la sociedad de la cultura "closet"; a pesar de un sentido de orgullo, frecuentemente se incluían aspectos denigratorios y estereotípicos, incompatibles con el orgullo LGBT.


title: Camp

text: El humor en el "camp" se basa principalmente en la ridiculización de algún tema, frase, estilo u objeto (normalmente temas socialmente dignificados que se hacen burlesque al incluir gran cantidad de elementos vulgares que exageran el mal gusto del objeto con una intención cómica). El humor del camp se enfoca principalmente al humor negro, valiéndose de éste para expresar comicidad de tragedias sociales y temas socialmente indignos que pasan por una modificación y se convierten en bromas alegóricas sobre la sociedad. Frecuentemente se exageraban o denigraban temas socialmente dignificados con la inclusión de elementos vulgares que daban un tono cómico al tema u objeto del que se hablaba. Como elementos adicionales al humor del camp, se suma la producción alegórica, la poca profundidad dramática, la ridiculización, el sentido sensacionalista fantástico y elementos lascivos relacionados con el erotismo y el crimen.


title: Camp

text: "Drag" es una performance en la que una persona utiliza prendas socialmente asignadas al género opuesto para la representación dramática de una mujer ("drag queen") o un hombre ("drag king") de caricatura. El "drag" es un elemento dramático popular en diversas formas del teatro de variedades y la comedia musical, surgido como un burlesque a los roles de género tradicionales, el comportamiento de la aristocracia y los convencionalismos de la etiqueta social. Como una variante del drag, se emula el "swish" (forma estereotípica en el habla y los movimientos corporales de una mujer aplicados a la actitud de un hombre) y el "drag" femenino (interpretación exagerada de la feminidad) sobre las propias actitudes femeninas; convirtiendo las características de un personaje femenino en las de un personaje más femenino.


title: Camp

text: En la definición general del "camp" surge un sentido ingenioso, pero ridículo. Existen dos corrientes derivadas del "camp" que se identifican según lo que se esté parodiando; el camp" bajo y el camp" alto, en donde el "camp" alto normalmente refiere a la ridiculización de temas, estilos u objetos socialmente dignificados. Ambas variantes difieren en la valuabilidad estética y el valor cultural y socio-económico que rodea al objeto (Ejemplo: una lámpara de lava es un elemento del "camp bajo" por ser un objeto que exagera los elementos de objetos artísticos apreciados en las clases sociales bajas; mientras que un candelabro del "Art nouveau" es un elemento del "camp" alto por ser un objeto que exagera los elementos de objetos artísticos apreciados en las clases sociales altas).


title: Camp

text: La base de la literatura "camp" se centra en la persistencia de lo ingenioso y lo absurdo como elementos principales de una obra literaria destinada al consumo popular. La literatura camp goza de sencillez que no deriva en la complejidad literaria, basa su argumento en un burlesque propio de la ficción y el "dramedy", goza de estilo libre, tono ligero y está frecuentemente cargado de diálogos y argumentos ingeniosos, pero a la vez absurdos. Algunos autores de literatura considerada como "camp" son: Thomas Love Peacock, Max Beerbohm, Ronald Firbank, E. F. Benson, Ivy Compton-Burnett y P. G. Wodehouse. Dentro de la literatura "camp" suele considerarse un enfoque totalmente centrado en la ficción romántica, presentado dentro de un contexto usualmente alegórico como en "Pride and Prejudice" (1813) de Jane Austen, "Little Women" (1868) y "Little Men" (1871) de Louisa May Alcott, "Gone with the Wind" (1936) de Margaret Mitchell., "Gigi" (1944) de Colette y "Breakfast at Tiffany's" (1958) de Truman Capote.


title: Camp

text: En la literatura contemporánea se encuentran distintos ejemplares identificados como literatura camp por incluir diferentes elementos que radican en la imposibilidad, el carácter erótico, el ambiente romántico y la exageración (incluyendo habitualmente elementos de la ciencia ficción y la ficción de horror). El argumento principal suele basarse en la imposibilidad natural, política o social de una pareja amorosa regularmente heterosexual, argumento que comparte diversos aspectos con el "chick lit". Algunos títulos "best-sellers" del "camp" suelen combinar elementos de la ficción de horror con la novela rosa como en las novelas de Charlaine Harris, Stephenie Meyer y Sherrilyn Kenyon. Algunos títulos de literatura "chick lit" contemporánea considerados como "camp" son: "" de Laurell K. Hamilton (1993), "The Secret Dreamworld of a Shopaholic" (2000) de Sophie Kinsella, "The Southern Vampire Mysteries" (2001) de Charlaine Harris, "Twilight" (2005) de Stephenie Meyer, "Water for Elephants" (2006) de Sara Gruen, "The Choice" (2007) de Nicholas Sparks y "Rogue" (2008) de Danielle Steel.


title: Camp

text: En otros enfoques literarios se identifica la exageración y carácter fantástico del cómic como un elemento de la literatura camp. Notablemente aquellas historietas en las que intervienen elementos eróticos como "Vampirella" de Forrest J. Ackerman y "Barbarella" de Jean-Claude Forest. Otros cómics del estilo camp incluyen la ficción de superhéroes, el "dramedy" (drama-comedia) y el enfoque homoerótico. Algunos cómics que son considerados como camp incluyen "Batman" (1939) de Bob Kane y Bill Finger, "Wonder Woman" (1941) de William Moulton Marston y diversos títulos de Archie Comics como "Archie" (1941), "Katy Keene" (1945), "Josie & the Pussycats" (1963) y "Sabrina, the Teenage Witch" (1962). En el enfoque historietístico del "pulp" (condensado entre la década de los 40 a la década de los 70) se concentraban elementos literarios comunes como la ficción de explotación, normalmente presentando a personas en situaciones eróticas en las que intervenían algunos elementos de la comedia o el drama intenso; por tal motivo, era habitual presentar historias de personajes femeninos en peligro, ciencia ficción erótica, "Men's adventures" y dramas sobre el amor homosexual prohibido u oculto. Era frecuente la insinuación erótica en historietas mediante la impresión de imágenes de personajes masculinos fornidos y personajes femeninos representados en arte "pin-up". La literatura pulp gay y la literatura pulp lésbica florecen entre la década de los 60 y los 70, caracterizados por un enfoque altamente erótico y relacionado con personajes homosexuales. El título más reconocido de la literatura pulp camp es el pulp gay "The Man from C.A.M.P." (1966).


title: Camp

text: La música "camp" suele registrar diversas características que radican en la ironía, normalmente incluye una composición lírica absurda o dedicada a la interpretación de las nociones populares que rodean a un contexto amoroso. La música "camp" comparte distintos elementos con los himnos gay, los cuales deben su popularidad por representar apología a la sexualidad LGBT, incluir mensajes motivacionales o ser interpretados por divas consideradas iconos gay. Otra característica frecuente en la música camp es que forma parte de obras teatrales de la comedia musical o de la banda sonora de alguna película considerada "camp". "Das lila Lied" (1920) suele ser clasificada como el primer himno gay, relacionada con un contexto histórico en el teatro de variedades y los bares frecuentados por clientela LGBT durante la cultura "closet" anterior a los disturbios de Stonewall y el periodo del primer movimiento homosexual.


title: Camp

text: Con la premier de la película "The Wizard of Oz" (1939) se populariza la canción tema "Over the Rainbow", interpretada por Judy Garland, como un estándar de la estética "camp" en la música. En el año de 1941 se publica la canción "Boogie Woogie Bugle Boy", interpretada por The Andrews Sisters, la cual presenta una estética "camp" relacionada con el humor, plasmado a través de estribillos líricamente absurdos y un tempo alto. En la década de los 50 ocurre la introducción musical de Little Richard, considerado como ícono gay debido a su entonces dudosa sexualidad y a su carácter afeminado, con canciones líricamente absurdas propias de la época rockabilly como "Tutti Frutti" (1955) y "Good Golly, Miss Molly" (1958). Otros íconos "camp" de la década de los 50's incluyen: Brenda Lee, Wanda Jackson, Elvis Presley y Buddy Holly.


title: Camp

text: En los años 60 y los primeros años de la década de los 70, la estética "camp" en la música se ve influenciada por la popularidad del "bubblegum pop" el "pop rock" y el "ska", apreciado en canciones musicalmente sencillas y líricamente absurdas. Algunas canciones incluyen: "My Boy Lollipop" (1964) de Millie Small, "Daydream Believer" (1967) de The Monkees, "Yummy Yummy Yummy" (1968) de Ohio Express, "Sugar, Sugar" (1969) de The Archies y "Take a Chance on Me" (1978) de ABBA. Gran parte del consumo musical del "bubblegum pop" se ve influenciado por la estética de animación de Hanna-Barbera y sus técnicas de publicidad que creaban bandas ficticias para musicalizar programas infantiles como: "The Archie Show" (1968), "The Banana Splits" (1968), "Josie and the Pussycats" (1970), "The Pebbles and Bamm-Bamm Show" (1971) y "Jabberjaw" (1976). Algunas canciones pertenecientes a los años 1950 y 1960 que suelen ser relacionadas con la estética "camp" incluyen: "Mr. Sandman" (1954) de The Chordettes, "Lollipop" (1958) de The Chordettes, "I Want to Be Wanted" (1960) de Brenda Lee, "At Last" (1960) de Etta James, "As Long as He Needs Me" (1960) de Shirley Bassey, "I Only Want to Be with You" (1963) de Dusty Springfield, "Be My Baby" (1963) de The Ronettes, "(You're the) Devil in Disguise" (1963) de Elvis Presley, "Wishin' and Hopin'" (1964) de Dusty Springfield, "Dancing in the Street" (1964) de Martha & the Vandellas, "These Boots Are Made for Walkin'" de Nancy Sinatra, "Tijuana Taxi" (1965) de Herb Alpert and the Tijuana Brass, "Sunshine, Lollipops, and Rainbows" (1965) de Lesley Gore, "You Don't Have to Say You Love Me" (1966) de Dusty Springfield, "I Say a Little Prayer" (1967) de Dionne Warwick y "You Can't Hurry Love" (1968) de The Supremes.


title: Camp

text: En los años 70 la estética "camp" cambia considerablemente debido a la revolución sexual sobre la liberación LGBT que rodeó las protestas en el Stonewall Inn en el año de 1969. Surge una inclinación de la industria musical sobre la música "camp" interpretada por divas consideradas como iconos gay, tales como: Liza Minnelli, Bette Midler, Dolly Parton y Donna Summer. La música relacionada con la estética "camp" en los años 70 se identificó con la música disco, el "glam rock" y el movimiento punk. Algunas canciones relacionadas con la estética "camp" y la industria musical "pink" (música enfocada al consumo homosexual) incluyen: "(They Long to Be) Close to You" (1970) de The Carpenters, "Lady Marmalade" (1974) de Labelle, "Dancing Queen" (1976) de ABBA, "I Feel Love" (1977) de Donna Summer, "Y.M.C.A." (1978) de Village People, "I Will Survive" (1978) de Gloria Gaynor, "Le Freak" (1978) de Chic, "I Love the Nightlife" (1978) de Alicia Bridges, "Macho Man" (1978) de Village People, "Hot Stuff" (1979) de Donna Summer, "Don't Stop Me Now" (1979) de Queen, "Boys Keep Swinging" (1979) de David Bowie, "We Are Family" (1979) de Sister Sledge, "I Was Made for Lovin' You" (1979) de Kiss y "Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)" (1979) de ABBA.


title: Camp

text: La música con estética "camp" en la década de los 80 basa sus géneros musicales en el "new wave", el "glam rock" y el synthpop. Algunas canciones relacionadas con la estética "camp" de los 80 incluyen: "We Got the Beat" (1980) de The Go-Go's, "Physical" (1981) de Olivia Newton-John, "It's Raining Men" (1982) de The Weather Girls, "Do You Really Want to Hurt Me" (1982) de Culture Club, "Mickey" (1982) de Toni Basil, "I Wanna Rock" (1982) de Twisted Sister, "Girls Just Want to Have Fun" (1983) de Cyndi Lauper, "Total Eclipse of the Heart" (1983) de Bonnie Tyler, "Like a Virgin" (1984) de Madonna, "I Want to Break Free" (1984) de Queen, "Tarzan Boy" (1985) de Baltimora, "True Colors" (1986) de Cyndi Lauper, "Manic Monday" (1986) de The Bangles y "Every Rose Has Its Thorn" (1988) de Poison. En la década de los 90 algunas canciones relacionadas con la estética "camp" incluyen: "Vogue" (1990) de Madonna, "Spice Up Your Life" (1997) de Spice Girls, "Outside" (1998) de George Michael, "Believe" (1998) de Cher, "Ray of Light" (1998) de Madonna, "Man! I Feel Like a Woman!" (1999) de Shania Twain y "New York City Boy" de Pet Shop Boys.


title: Camp

text: En las últimas décadas del se populariza el videoclip como un complemento publicitario de un sencillo, el cual presenta una trama que puede o no relacionarse con la intención de la canción. Algunas canciones poseen videoclips que podrían ser considerados como "camp" debido a la trama irónica y escenarios coloridos o afeminados que presentan en él, tales como "Lollipop" (2007) de Mika y "Your Body" (2012) de Christina Aguilera. Algunas canciones relacionadas con el "camp" en el incluyen: "Lucky" de Britney Spears, "Can't Get You Out Of My Head" (2001) de Kylie Minogue, "Beautiful" (2001) de Christina Aguilera, "Single Ladies (Put a Ring on It)" (2006) de Beyoncé, "Candyman" (2006) de Christina Aguilera, "Grace Kelly" (2007) de Mika, "Fuck You" (2010) de Cee Lo Green, "Telephone" (2010) de Lady Gaga, "Your Love Is My Drug" (2010) de Kesha, "Raise Your Glass" (2010) de Pink, "Last Friday Night (T.G.I.F.)" (2011) de Katy Perry, "Born This Way" (2011) de Lady Gaga Y "Call Me Maybe" (2011) de Carly Rae Jepsen.


title: Camp

text: La música camp y los himnos gay suelen acompañar la musicalización de obras del teatro musical y diversos títulos fílmicos. Algunas canciones "camp" relacionadas con el teatro musical o películas incluyen: "The Man That Got Away" (1953) interpretada por Judy Garland en la película "A Star is Born", "Somewhere" (1957) del musical "West Side Story", "Time Warp" (1975) del musical "The Rocky Horror Show", "Summer Nights" (1978) interpretada por John Travolta y Olivia Newton-John para la película "Grease", "Fame" (1980) interpretada por Irene Cara para la película "Fame", "And I Am Telling You I'm Not Going" (1982) del musical "Dreamgirls"; "I Am What I Am" (1983) del musical "La Cage aux Folles" y "Defying Gravity" (2003) del musical "Wicked".


title: Camp

text: Susan Sontag consideraba al "ballet" "El lago de los cisnes" (1877) de Chaikovski como un ejemplo del teatro "camp", por su sofisticación estética y su popularidad entre la población gay de la cultura "closet". El teatro "camp" suele relacionarse popularmente con diversas formas del teatro musical, en la que destaca principalmente el enfoque hacia la comedia musical y la revista, además de ser una expresión popular de la homosexualidad que frecuentemente incluye temas relacionados con el LGBT dentro de la trama de sus argumentos. Usualmente se recurre a la satirización de los roles de género con la interpretación del "drag", forma de teatro que se utilizaba desde el en el teatro de variedades, el "travesty" y la pantomima británica.


title: Camp

text: Noël Coward es considerado como un director "camp" debido a sus montajes de obras cortas enfocadas a la comedia, producciones altamente populares como: "Hay Fever" (1925), "Private Lives" (1930), "Design for Living" (1933), "Present Laughter" (1939) y "Blithe Spirit" (1941). La comedia musical producida por Cole Porter es considerada como la clave estética del "camp" en el teatro, estilo apreaciado en producciones musicales de "extravaganza" como "Fifty Million Frenchmen" (1929), "Anything Goes" (1934), "DuBarry Was a Lady" (1939) y "Can-Can" (1953).


title: Camp

text: A partir de la década de los 50 comienzan a aparecer producciones teatrales basadas en la comedia musical, la pantomima británica y el "revue", los cuales se caracterizaron por un enfoque humorístico que empleaba variedad de canciones para sustituir los diálogos de los personajes, personajes sencillos envueltos en situaciones irónicas que frecuentemente involucraban diversos contextos relacionados con la atracción sexual y el amor. Dichas producciones eran ambientadas en escenarios completamente vistosos, de manera similar al género de revista. Algunos títulos de producciones teatrales "camp" incluyen: "West Side Story" (1957), "The Sound of Music" (1959), "Guys and Dolls" (1964), "Hello, Dolly!" (1964), "Grease" (1972), "Dreamgirls" (1981), "Mamma Mia!" (1999), "Wicked" (2003), "Mary Poppins" (2004) y "Little Women" (2005).


title: Camp

text: El tearo "camp" se enfoca principalmente a la representación de la ironía y el humor negro a través de la comedia musical, frecuentmente tomando diversos aspectos humorísticos como el "drag" y el slapstick. El teatro "camp" homosexual obtiene gran popularidad a partir de la década de los 60 con títulos inovadores que contenían breves referencias a la revolución sexual y la expresión de la sexualidad "queer". En la década de los 60 aparecen producciones teatrales "campy" enfocadas al humor negro como "The Madness of Lady Bright" (1964) y "Hair" (1967).


title: Camp

text: Debido a la influencia de la revolución sexual en la década de los 60, en los años 1970 los musicales comienzan a tomar elementos sociales en sus argumentos que hacían referencia a diversas reformas de la revolución sexual como la sexualidad libre, el amor libre, la homosexualidad, el transgénero y la anticoncepción, resultando en producciones teatrales normalmente explícitas, ofensivas o enfocadas al humor negro como: "Jesus Christ Superstar" (1971), "The Rocky Horror Show" (1973), "Let My People Come" (1974), "Boy Meets Boy" (1975), "Joseph McCarthy Is Alive and Living in Dade County" (1977) e "In Trousers" (1979). En la década de los 80 aparecen musicales "camp" como: "Dance a Little Closer" (1983), "La Cage aux Folles" (1983), "Ten Percent Revue" (1985) y "The Wizard of A.I.D.S." (1987). En la década de los 90 aparecen musicales "cap" como: "Falsettoland" (1990), "Kiss of the Spider Woman" (1992), "Get Used To It!" (1992), "Whoop-Dee-Do!" (1993), "Most Men Are" (1995), "Only Heaven Knows" (1995), "AIDS, the Musical!" (1995), "The Harvey Milk Show" (1996), "Naked Boys Singing" (1998) y "Hedwig and the Angry Inch" (1998). En los años 2000 aparecen producciones teatrales "camp" como: "Bed, Boys & Beyond" (2000), "Out On Broadway" (2000), "The Producers" (2001), "Jesus Has Two Mommies" (2001), "Closer To Heaven" (2001), "Haispray" (2002), "The Sissy Show" (2003), "Zanna Don't" (2003), "Rudolph the Red Hosed Reindeer" (2003), "" (2005), "Over the Rainbows" (2007), "Priscilla, Queen of the Desert, The Musical" (2007), "Mom, I'm Gay" (2008), "Fancy Boys Follies" (2008) y "My Mother's Lesbian Jewish Wiccan Wedding" (2009).


title: Camp

text: En el cine, suelen identificarse distintos elementos que hacen referencia al argumento absurdo contenido en el filme; normalmente con un enfoque alegórico y en algunas ocasiones acompañado de elementos del cine de explotación. Radicando en la estética de la dignificación de lo socialmente inaceptable, la presencia de un ambiente excéntrico, la estética "flamboyant", y en algunas ocasiones, la explotación del sexo y el erotismo en el cine. El cine "camp" suele ser relacionado con el cine de culto, el cine alternativo, el "sexploitation" y el cine romántico. Algunos directores famosos del camp son: Andy Warhol, Russ Meyer, John Huston, Armando Bó, Juan Orol, Ed Wood y John Waters. Las características principales del cine "camp" recaen en una intención cómica de carácter crudo (humor negro) como en los filmes "Pink Flamingos" (1972), "The Rocky Horror Picture Show" (1975) y "" (1997); la utilización del drag como en "Victor Victoria" (1982) y "The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert" (1994); un ambiente alegórico o excéntrico como en Mary Poppins (1964) y "Hairspray" (2007); una temática dramática o romántica en la que intervienen elementos lascivos como en "Welcome to the Dollhouse" (1995); una producción Z como en "Glen or Glenda" (1953) y Plan 9 from Outer Space (1956); o una comicidad sin la intención de serlo como en "Showgirls" (1995) y "Burlesque" (2010). El cine camp es frecuentemente obsceno, basando enteramente su argumento en situaciones irónicas en las que intervienen diversos elementos socialmente inaceptados relacionados con la ficción de explotación, algunas de estas películas son clasificadas dentro del la Clase B, por ser películas de bajo presupuesto protagonizadas por actores que no gozan de fama.


title: Camp

text: En el cine se desarrolló una identidad cultural que prosperó en el cine de los años 1940 a los años 1950 en el que se desarrolla un tipo de camp alegórico que plasmaba sus características en los inicios del "chick flick", caracterizado principalmente por la protagonización de una actriz reconocda que registraba distintos estereotipos sociales dentro de las características del personaje. Algunas actrices, íconos del camp fueron: Mae West, Clara Bow, Grace Kelly, Judy Garland, Marlene Dietrich, Greta Garbo, Bette Davis, Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor y Joan Crawford. Tales celebridades fueron determinantes en la construcción de la conciencia feminista al exagerar ciertos estereotipos asociados a la feminidad como la fragilidad, la dependencia del amor y la compañía masculina, la vanidad y la excesiva expresión de las emociones. Algunos elementos que desarrolló esta corriente cinematográfica del auge en la producción fílmica de Hollywood fue una identidad femenina en la que se sugería la autodeterminación y las capacidades de la mujer. Algunos títulos del "chick flick" del estilo "camp" que basan su argumento en la ironía y la exageración y que son protagonizados por un personaje femenino son: "Gentlemen Prefer Blondes" (1953), "Seven Brides for Seven Brothers" (1954) "Gigi" (1958) y "Some Like It Hot" (1959).


title: Camp

text: La temática "camp" se centra dentro del consumo televisivo en la comicidad y la extrema ficción, normalmente identificado en clásicos de la televisión de la década de los 50 a los 80 que presentaban comedia basada en argumentos completamente irreales (Ejemplo: Una familia que convive pacíficamente u hospeda a una criatura mitológica como en "ALF" y "Harry and the Hendersons"). Algunos títulos reconocidos considerados como "camp" actualmente, que no lo eran en la época de su "premiere" son: "The Munsters", "The Addams Family", "I Dream of Jeannie", "I Love Lucy", "CHiPs", "Batman", "Lost in Space", "Gilligan's Island", "La isla de la fantasía", "The Beverly Hillbillies", "ALF", "Charlie's Angels" y . Algunos programas televisivos se consideran "camp" por contener distintos elementos relacionados con la exageración, la ridiculez, la ostentosidad y el afeminamiento en sus personajes, todo con un carácter intencionalmente cómico o intencionalmente serio (en el caso de una producción absurda que pretendiendo ser seria, terminó siendo ridícula por la presencia de efectos especiales y argumentos de poca producción, repetitivos o poco ingeniosos); algunos títulos incluyen: "He-Man and the Masters of the Universe", "Captain N: The Game Master", "Care Bears", "Teletubbies", "Shirt Tales", "Rainbow Brite", "Pokémon", "The Pirates of Dark Water" y "Drawn Together". Otras producciones televisivas (normalmente consideradas como íconos gay) suelen contener distintos elementos del camp en los que predomina el juicio de la audiencia sobre un personaje y la expresión de su sexualidad, que debido a su destino infantil, normalmente permanece incógnita. Algunos personajes "camp" de producciones televisivas de animación son: "Bugs Bunny", "Tweety", "Snagglepuss", "Jabberjaw" y "Spongebob Squarepants". En la producción televisiva contemporánea, la estética camp aparece en programación de argumentos absurdos, normalmente enfocados a la comedia-drama o "dramedy"; algunos títulos incluyen: "Glee", "Ugly Betty" y "True Blood".


title: Camp

text: El cine enfocado al público homosexual florece en la década de los 90 con características repetitivas en las que existe una persona de orientación sexual homosexual envuelta en dilemas amorosos, normalmente resaltando distintos estereotipos asocidos con la identidad de la cultura gay como el afeminamiento. La televisión gay representó un cambio cultural y la introducción abierta de la cultura homosexual en la televisión, avanzando de los intentos políticos del "camp". Algunas series son: "Will & Grace" y "Queer as Folk".


title: Camp

text: En los medios cibernéticos existe una expresión camp presente en distintos memes y videos virales, en los que sobresale un carácter afeminado, trama absurda, escenas abigarradas y producción pobre. Algunos íconos camp en la red son "Charlie the Unicorn" y "Nyan Cat". Otros ejemplos incluyen la industria juguetera en relación con el camp, asimilado en productos como la línea de juguetes Barbie.


title: Camp

text: En el camp relacionado con la moda o "campy fashion", se centra en la indumentaria exagerada, lujosa, abigarrada o que se basa en estilos de moda pertenecientes a épocas anteriores. La indumentaria camp puede involucrarse en una indumentaria lujosa, apreciada principalmente en la moda glamour del periodo dorado en la producción fílmica de Hollywood durante la década de los 50 y 60; ahí se incluyen estilos distintivos como los de James Dean, Jackie Kennedy, Marlon Brando y Audrey Hepburn. El estilo "rockabilly" es considerado como camp por ser un tipo de moda de la post-guerra que explota elementos del erotismo, basándose en estéticas de la década como el arte pin-up y el estilo "biker".


title: Camp

text: En la década de los 60 surge un movimiento cultural denominado "Peacock Revolution", el cual era una revolución social destinada a acabar con los esquemas tradicionales de la moda masculina de décadas anteriores, incluyendo nuevos elementos del surrealismo y la estética "flamboyant"; es decir, fue un movimiento que feminizaba la moda masculina (Ejemplo: camisas con patrones florales o motivos de cachemira). Aparecen símbolos afeminados de la moda como Dusty Springfield, popularizando el "beehive", los vestidos de satén y los vestidos de aplicación de lentejuelas. En la misma década comienza a surgir una relación entre la moda y el surrealismo, lo que deriva en moda excéntrica e irónica de apariencia retrofuturista en la que se incluían formas geométricas y textiles metálicos (Ejemplo: la indumentaria de los personajes en "The Jetsons").


title: Camp

text: En la moda de los años 70, la moda camp se estableció principalmente en la expresión musical del glam, identificándose con una moda tipo drag que pretendía transexualizar la imagen de su portador. Algunos ejemplos incluyen cantantes de rock como David Bowie. En la misma década comienzan a aparecer corrientes alternativas de la moda como la moda punk, identificada como una moda contra cultural basada en la insinuación sexual de la subcultura de la piel. En la década de los setenta se populariza la moda disco, identificada por una carga de colores contrastantes, textiles brillantes y moda flamboyant, incluéndose indumentaria como "bell-bottoms" y zapatos de plataforma en moda para ambos géneros. Este estilo es principalmente identificado en exponentes de la música disco como los miembros del grupo ABBA.


title: Camp

text: En la moda de la década de los 80 el camp se establece como moda enfocada a corriente musical electro, identificándose como un neo-retrofuturismo. Se incluyen textiles neón, se populariza la utilización de zapatos deportivos de bota y aparece indumentaria de formas irónicas y colores sólidos neón (Ejemplo: Shutter Shades y los calentadores). Resurge la moda "biker" (Ejemplo: Tom Cruise en "Top Gun") y se establece una nueva estética de "pin-up". Aparecen íconos de la moda como Samantha Fox y Olivia Newton John. En la década de los 90, aparece la moda grunge, considerada como camp.


title: Camp

text: En el , la moda camp se identifica en la combinación abigarrada de colores sólidos y la moda de influencia retro (Ejemplo: la moda "hipster").


title: Camp

text: En las artes plásticas se encuentran distintas corrientes modernistas y románticas, caracterizadas por una paleta de color contrastante, el erotismo, la sensualidad, la excentricidad, etc. Algunas corrientes que se clasifican como camp incluyen el rococó, el arte pop, el barroco, el art nouveau, el art deco y el surrealismo. Debido a que el camp es parte del "kitsch", se basa en corrientes artísticas de gran valor.


title: Hilemorfismo

text: El hilemorfismo o hilomorfismo es una teoría filosófica ideada por Aristóteles y seguida por la mayoría de los escolásticos, según la cual se concibe al ser ("ousia") como compuesto por dos principios esenciales, uno es la materia y el otro la forma. La palabra es un término del siglo XIX formado por las palabras griegas "hyle" (ὕλη), "materia", y "morphē" (μορφή), "forma".


title: Hilemorfismo

text: Como cualquier objeto material tiene una forma, la materia prima es el sustrato básico de toda la realidad. En el mundo material, la materia no puede darse sin forma y la forma no puede darse sin materia. Mientras que la materia pura no tiene más que una existencia teórica, la forma pura existe realmente: es la divinidad, el primer motor inmóvil.


title: Hilemorfismo

text: La noción aristotélica de materia, forma y la relación entre ambas han sido objeto de muchas discusiones desde la Antigüedad.


title: Hilemorfismo

text: Aristóteles define la materia como aquello de lo cual está hecho algo. Por ejemplo, las letras son materia de sílabas. Por lo tanto, la materia es un término relativo: un objeto cuenta como materia relativa a otra cosa. Por ejemplo, la arcilla es materia relativa a un ladrillo porque un ladrillo está hecho de arcilla, mientras que los ladrillos son materia relativa a una casa de ladrillos.


title: Hilemorfismo

text: La doctrina de la materia y forma en Aristóteles está relacionada con la distinción de potencialidad y actualidad. La materia desnuda se considera como una potencialidad de forma. El cambio se analiza como una transformación material: la materia es lo que sufre un cambio de forma. Por ejemplo, considere un roca con la forma de estatua. La materia es la piedra, y esta materia pierde una forma (de roca) y gana una nueva forma (la de una estatua). Por otro lado, Dios es pura forma y pura actualidad; en Él no puede haber cambio. Esta doctrina es optimista y teleológica, donde todo se cambia hacia algo continuamente mejor que lo anterior.


title: Hilemorfismo

text: La conexión entre la forma de una cosa y su función surge en la "Física", donde Aristóteles distingue sus cuatro tipos de causa: material, formal, eficiente y final.


title: Hilemorfismo

text: De acuerdo con la teoría de la percepción de Aristóteles, percibimos un objeto al recibir su forma ("eidos") con nuestros órganos sensoriales. Por lo tanto, las formas incluyen experiencias, como colores, texturas y sabores, no solo formas.


title: Hilemorfismo

text: Los filósofos medievales que usaban conceptos aristotélicos frecuentemente distinguían entre formas sustanciales y formas accidentales. Una sustancia necesariamente posee al menos una forma sustancial. También puede poseer una variedad de formas accidentales. Para Aristóteles, una "sustancia" ("ousia") es una cosa individual, por ejemplo, un hombre individual o un caballo individual. La forma sustancial de la sustancia X consiste en las propiedades esenciales de X, las propiedades que la materia de X necesita para ser el tipo de sustancia que X es. En contraste, las formas accidentales de X son propiedades no esenciales de X, propiedades que X puede perder o ganar sin cambiar a un tipo diferente de sustancia.


title: Hilemorfismo

text: En algunos casos, la materia de una sustancia será en sí misma una sustancia. Si la sustancia A está hecha de la sustancia B, entonces la sustancia B es materia de la sustancia A. Sin embargo, ¿de qué se trata una sustancia que no está hecha de ninguna otra sustancia? Según los aristotélicos, dicha sustancia solo tiene "materia prima" como materia. La materia prima es materia sin forma sustancial propia. Por lo tanto, puede cambiar a varios tipos de sustancias sin permanecer ningún tipo de sustancia todo el tiempo. La materia se diferencia de una «materia prima» sin forma, incognoscible y eterna que constituye toda realidad; de una segunda «materia de» alguna realidad determinada (como la madera, la arcilla o el bronce), donde es particular que la primera por analogía pero en ambos casos se trata de una «materia sensible común».


title: Hilemorfismo

text: Aristóteles aplica su teoría del hilomorfismo a los seres vivos. Él define un alma como aquello que da vida a un ser. La vida es una propiedad de los seres vivos, como lo son el conocimiento y la salud. Por lo tanto, un alma es una forma, es decir, un principio o causa específica, de un ser vivo. Además, Aristóteles dice que un alma está relacionada con su cuerpo como forma de la materia.


title: Hilemorfismo

text: Por lo tanto, argumenta Aristóteles, no hay problema en explicar la unidad del cuerpo y el alma, así como tampoco hay problema en explicar la unidad de cera y su forma. Así como un objeto de cera consiste en cera con cierta forma, un organismo vivo consiste en un cuerpo con la propiedad de la vida, que es su alma. Sobre la base de su teoría hilomórfica, Aristóteles rechaza la doctrina pitagórica de la reencarnación, ridiculizando la idea de que cualquier alma podría habitar cualquier cuerpo.


title: Hilemorfismo

text: Según Timothy Robinson, no está claro si Aristóteles identifica el alma con la estructura del cuerpo. Según una interpretación de Aristóteles, un cuerpo bien organizado ya está vivo simplemente en virtud de su estructura. Sin embargo, según otra interpretación, la propiedad de la vida, es decir, el alma, es algo además de la estructura del cuerpo. Robinson usa la analogía de un automóvil para explicar esta segunda interpretación. Un automóvil en funcionamiento está funcionando no solo por su estructura sino también por la actividad en su motor. Del mismo modo, según esta segunda interpretación, un cuerpo vivo está vivo no solo por su estructura, sino también por una propiedad adicional: el alma, que un cuerpo bien organizado necesita para estar vivo. John Vella usa el monstruo de Frankenstein para ilustrar la segunda interpretación: el cadáver que yace en la mesa de Frankenstein ya es un cuerpo humano completamente organizado, pero aún no está vivo; cuando Frankenstein activa su máquina, el cadáver adquiere una nueva propiedad, la propiedad de la vida, que Aristóteles llamaría el alma.


title: Hilemorfismo

text: Algunos estudiosos han señalado un problema al que se enfrenta la teoría de Aristóteles sobre el hilomorfismo cuerpo-alma. Según Aristóteles, la materia de un ser vivo es su cuerpo, que necesita un alma para estar viva. Del mismo modo, la materia de una esfera de bronce es bronce, que necesita redondez para ser una esfera. Ahora, el bronce sigue siendo el mismo bronce después de dejar de ser una esfera. Por lo tanto, parece que un cuerpo debería seguir siendo el mismo después de la muerte. Sin embargo, Aristóteles implica que un cuerpo ya no es el mismo cuerpo después de la muerte. Además, Aristóteles dice que un cuerpo que ha perdido su alma ya no está potencialmente vivo. Pero si la materia de un ser vivo es su cuerpo, entonces ese cuerpo debería estar potencialmente vivo por definición.


title: Hilemorfismo

text: Un enfoque para resolver este problema basa en el hecho de que un cuerpo vivo está reemplazando constantemente la materia vieja por otra nueva. Un cuerpo de cinco años consta de una materia diferente a la del cuerpo de setenta años de la misma persona. Si el cuerpo de cinco años y el cuerpo de setenta años consisten en materia diferente, entonces, ¿qué los hace el mismo cuerpo? La respuesta es presumiblemente el alma. Debido a que los cuerpos de cinco y setenta años comparten un alma, es decir, la vida de la persona, podemos identificarlos como el cuerpo. Aparte del alma, no podemos identificar qué colección de materia es el cuerpo. Por lo tanto, el cuerpo de una persona ya no es el cuerpo de esa persona después de que muere.


title: Hilemorfismo

text: Otro enfoque para resolver el problema basa en una distinción entre materia "próxima" y "no próxima". Cuando Aristóteles dice que el cuerpo es materia para un ser vivo, puede estar usando la palabra "cuerpo" para referirse a la materia que constituye el cuerpo completamente organizado, en lugar del cuerpo completamente organizado. A diferencia del cuerpo totalmente organizado, este "cuerpo" sigue siendo lo mismo incluso después de la muerte. En contraste, cuando dice que el cuerpo ya no es el mismo después de su muerte, está usando la palabra "cuerpo" para referirse al cuerpo completamente organizado.


title: Hilemorfismo

text: Aristóteles dice que el intelecto ("nous"), la capacidad de pensar, no tiene ningún órgano corporal (en contraste con otras habilidades psicológicas, como la percepción sensorial y la imaginación). Aristóteles distingue entre dos tipos de intelecto. Estos se llaman tradicionalmente el " intelecto paciente (o pasivo)" y el "intelecto agente (o activo)". Él dice que el "intelecto agente" no está mezclado con el cuerpo y sugiere que puede existir aparte de él. En su libro Xll de la "Metafísica", compara el nous activo con el motor inmóvil, del universo, el nous cósmico, que es una idea ya presente en los textos de Platón.


title: Hilemorfismo

text: El intelecto pasivo es como la arcilla, puede convertirse en cualquier cosa y está sujeto a cambios. La función del intelecto activo es dar forma al intelecto pasivo. Aristóteles se opuso a la idea de Platón de que el alma lleva consigo recuerdos de vidas anteriores y atribuyó la facultad de la memoria al intelecto pasivo, que en virtud de estar sujeto a cambios, puede morir.


title: Hilemorfismo

text: Según una interpretación, la capacidad de una persona para pensar (a diferencia de sus otras habilidades psicológicas) pertenece a algún órgano incorpóreo distinto de su cuerpo. Esto equivaldría a una forma de dualismo. Sin embargo, según algunos estudiosos, no sería un dualismo cartesiano completo. Esta interpretación crea lo que Robert Pasnau ha llamado el "problema mente-alma": si el intelecto pertenece a una entidad distinta del cuerpo, y el alma es la forma del cuerpo, entonces, ¿cómo es el intelecto parte del alma?


title: Hilemorfismo

text: Otra interpretación se basa en la distinción entre el intelecto pasivo y el intelecto agente. Según esta interpretación, el intelecto pasivo es una propiedad del cuerpo, mientras que el intelecto agente es una sustancia distinta del cuerpo. Algunos defensores de esta interpretación piensan que cada persona tiene su propio intelecto agente, que presumiblemente se separa del cuerpo al morir. Otros interpretan el intelecto agente como un solo ser divino, tal vez el motor inmóvil, el Dios de Aristóteles.


title: Hilemorfismo

text: Una tercera interpretación basa en la teoría de que una forma individual es capaz de tener propiedades propias. Según esta interpretación, el alma es una propiedad del cuerpo, pero la capacidad de pensar es una propiedad del alma misma, no del cuerpo. Si ese es el caso, entonces el alma es la forma del cuerpo y, sin embargo, pensar no necesita involucrar ningún órgano corporal.


title: Hilemorfismo

text: El filósofo Avicebrón propuso una versión neoplatónica de este concepto aristotélico, según el cual todas las cosas, incluidas el alma y el intelecto, están compuestas de materia y forma.


title: Hilemorfismo

text: Los teólogos medievales, recientemente expuestos a la filosofía de Aristóteles, aplicaron el hilomorfismo a las doctrinas cristianas, como la transubstanciación del pan y el vino de la Eucaristía en el cuerpo y la sangre de Jesús. Teólogos como Duns Scoto y Tomás de Aquino desarrollaron aplicaciones cristianas del hilomorfismo.


title: Hilemorfismo

text: Muchos teólogos y filósofos medievales siguieron a Aristóteles al ver el alma de un ser vivo como la forma de ese ser, específicamente, su forma sustancial. Sin embargo, no estaban de acuerdo sobre si el alma de X es la "única" forma sustancial de X. Algunos pensadores medievales argumentaron que el alma de X es la única forma sustancial de X, responsable de todas las características del cuerpo de X. Por el contrario, otros pensadores medievales argumentaron que un ser vivo contiene al menos dos formas sustanciales: (1) la forma y estructura de su cuerpo, y (2) su alma, que da vida a su cuerpo.


title: Hilemorfismo

text: Tomás de Aquino afirmó que el alma de X era la única forma sustancial de X, aunque X también tenía numerosas formas accidentales que explicaban las características no esenciales de X. Aquino definió una forma sustancial como aquella que hace que la materia de X constituya X, que en el caso de un ser humano es la capacidad racional. Atribuyó todas las demás características de un ser humano a formas accidentales. Sin embargo, Aquino no afirmó que el alma fuera idéntica a la persona. Sostuvo que un ser humano apropiado es un compuesto de forma y materia, específicamente materia prima. La forma y la materia tomadas por separado pueden retener algunos de los atributos de un ser humano, pero no son idénticos a esa persona. Entonces, un cadáver no es en realidad o potencialmente un ser humano.


title: Hilemorfismo

text: Eleonore Stump describe la teoría del alma de Aquino en términos de "configuración". El cuerpo es materia que está "configurada", es decir, estructurada, mientras que el alma es un "configurador configurado". En otras palabras, el alma es en sí misma una cosa configurada, pero también configura el cuerpo. Un cuerpo muerto es simplemente materia que alguna vez fue configurada por el alma. No posee la capacidad de configuración de un ser humano.


title: Hilemorfismo

text: Aquino creía que la capacidad racional era una propiedad del alma, no de ningún órgano corporal. Sin embargo, él creía que el cerebro tenía alguna función cognitiva básica. La atribución de Tomás de Aquino de la capacidad racional al alma le permitió afirmar que las almas sin cuerpo podían retener su capacidad racional, aunque se mantuvo firme en que tal estado no era natural.


title: Hilemorfismo

text: En lo que respecta a la naturaleza de la materia, Duns Escoto se opuso a la tesis de Aquino, donde la materia en sí misma es puramente potencial. Escoto afirma que la materia es un ente propio separable de la forma. Para Escoto, la materia primera es potencia "subjetiva", “como una entidad positiva, que ha nacido para recibir el acto y es ente en potencia para todos los actos que puede recibir”. Esta doctrina se contrapone a la de Avicena, quien dice que materia y forma se diferencian de un modo relativo, no absoluto.


title: Hilemorfismo

text: El hilemorfismo como doctrina aristotélica ha sido criticado durante los últimos siglos. En "Historia de la filosofía occidental", Bertrant Russell critica el concepto de forma como confuso y ambiguo:


title: Hilemorfismo

text: Russell señala que al afirmar Aristóteles que hay cosas con forma pero sin materia y que la forma es más real que la materia, siendo solo pura potencialidad, hace poner al descubierto a Aristóteles contra sus propios argumentos hacia las ideas platónicas. Russell concluye que el cambio que Aristóteles hace en la metafísica de Platón es menor de lo que cree. Esta opinión es mantenida por Eduard Zeller, quien sobre la cuestión de materia y forma, dice:


title: Hilemorfismo

text: Para Pedro Laín Entralgo, el hilemorfismo aristotélicotomista "no deja de ser sino un dualismo un tanto disfrazado".


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: Los fundamentos del diseño gráfico es el conjunto de elementos que ayudan a concebir, organizar, proyectar y realizar comunicaciones visuales u obras gráficas. Estas pueden ser producidas por medios generales o particulares que tienen como objetivo en común compartir un mensaje determinado a grupos específicos, a través de diferentes soportes, como folletos, carteles, medios digitales, etc.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: Los elementos básicos del diseño son: el punto, la línea y el plano, el espacio y el volumen, el ritmo y equilibrio, la simetría y asimetría, la escala, la textura y el color, la figura y el fondo, jerarquía, retícula, tiempo y movimiento.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: El punto es la unidad gráfica más pequeña de comunicación visual, es el elemento gráfico fundamental y por tanto el más importante. Un punto marca una posición en el espacio. Geométricamente no tiene dimensión y se puede localizar mediante una coordenada, usualmente "X"; tipográficamente marca el final de una frase u oración. Una serie de puntos forman una línea y una gran cantidad de ellos se convierten en una textura.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: La línea es una serie infinita de puntos, es considerada como el trazo que deja el punto al moverse, o bien, como la unión de dos o más puntos. Genera dinamismo y define una dirección, posee longitud pero no anchura. Tiene una enorme energía, nunca es estética y es el elemento visual básico del boceto. Además la línea separa planos, y permite crear diferentes volúmenes y niveles.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: El plano es el elemento ideal que sólo posee dos dimensiones: alto y ancho, y contiene infinitos puntos y rectas, se representan con una letra mayúscula ubicada en una de las esquinas. Permite fragmentar y dividir el espacio, de esta forma podemos delimitar y clasificar las diferentes zonas de nuestra composición.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: El punto, la línea y el plano se consideran los elementos básicos del diseño, y partir de ellos, se pueden crear imágenes, iconos, texturas, patrones, diagramas, animaciones e incluso tipografías. De hecho, cada uno de los diseños, por más complejos que sean, son el resultado de la interacción entre punto, líneas y planos.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: Un objeto gráfico que abarca un espacio tridimensional posee espacio y volumen, es decir, tiene anchura y altura.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: El volumen es un objeto gráfico que crea un espacio tridimensional con sus características de ancho, altura y profundidad. Se crea por medio de planos en movimiento y también perspectivas variando el tamaño, todo ello de manera ilusoria.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: En cuanto al espacio, todo ocupa un lugar y puede ser visible e ilusorio dando una sensación de profundidad que realmente no hay. Lo crea la ubicación, el tamaño, posición o color que se le da a la forma a la composición.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: El equilibrio es una condición humana fundamental: requerimos un equilibrio físico para permanecer erguidos y caminar. En diseño, el equilibrio actúa como un catalizador de la forma: ancla y activa los elementos en el espacio. El equilibrio visual surge cuando el peso de uno o más elementos se distribuye de manera uniforme o proporcional en el espacio.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: El ritmo, por otra parte, consiste en la repetición de un patrón regular y marcado. En el diseño gráfico, se utiliza el ritmo en la construcción de imágenes estáticas, así como en libros, revistas y en gráficos en movimiento que poseen duración y secuenciación. La mayoría de las formas del diseño gráfico busca ritmos que estén puntuados por el cambio y la variación.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: El equilibrio y el ritmo trabajan juntos a favor de la creación de diseños dotados de estabilidad y funcionalidad.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: La simetría es la posición, forma y tamaño, respecto a un punto, una línea o un plano, de los elementos de un conjunto o de dos o más conjuntos de elementos entre sí. Ésta puede ser de izquierda a derecha, de arriba abajo o de ambas clases. Su objetivo es lograr el equilibrio, aunque no es el único medio para lograrlo, ya que los diseños asimétricos son a menudo más activos que los simétricos, y los diseñadores crean aquí el equilibrio introduciendo elementos que contrastan, colocándolos de manera que se contrarresten y originando así composiciones que permiten a la mirada vagar por ellas al tiempo que construyen una sensación de estabilidad.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: La escala es una serie de elementos de la misma especie, ordenados gradualmente en función de alguna de sus características o cualidades. Se puede considerar de modo objetivo y subjetivo. En el primer caso, se refiere a las dimensiones literales de un objeto físico. Y en el segundo, hace referencia a la impresión que el tamaño de un objeto produce sobre una persona.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: La escala puede depender del contexto. Un mismo elemento gráfico puede parecer más grande o más pequeño según el tamaño, ubicación y colores que lo rodean.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: La textura es el grano táctil de las superficies y sustancias, nos ayuda a comprender la naturaleza de las cosas. La textura incrementa el nivel de detalle de una imagen, proporciona una cualidad general distintiva a su superficie, y recompensa la mirada que la observa desde cerca. Muchas de las texturas que manipulan en diseño gráfico, existen como efectos ópticos y como representación, el espectador no las experimenta físicamente.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: El color es una percepción visual que se genera en el cerebro del humano y otros animales al interpretar las señales nerviosas que le envían los foto receptores en la retina del ojo, que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético. Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como distintos colores según las longitudes de ondas correspondientes.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: El color puede transmitir un estado de ánimo, describir la realidad o codificar la información. Sirve para diferenciar y para establecer conexiones, para subrayar y también para ocultar. Con ayuda del contraste, la armonía y las buenas combinaciones de las gamas cromáticas, se pueden generar distintas experiencias con los espectadores.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: El ojo humano puede distinguir entre 10000 colores y aquí no solo se habla de color del espectro solar, RGB, sino también a los neutros negro, blanco y grises, además de sus variaciones cromáticas según la percepción y sus propiedades materiales: tono, saturación y brillo.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: Las relaciones entre figura y fondo conforman la percepción visual. Una figura (forma) se ve siempre con relación a lo que lo rodea (fondo), como sucede con las letras y la página.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: El diseño gráfico busca a menudo un equilibrio entre figura y fondo, y utiliza su relación para dotar a la forma y espacio de orden y energía. Construye contrastes entre forma y contraforma con el fin de crear iconos, ilustraciones, logotipos, composiciones y patrones que estimulen al ojo.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: La jerarquía es el orden que adoptan los diferentes rangos que se ostentan dentro de un grupo social o en un cuerpo de texto. El orden jerárquico existe prácticamente en todo lo que conocemos, se expresa a través de distintos sistemas de nomenclaturas.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: La expresión del orden es una de las tareas fundamentales del diseñador. Sin ella, la comunicación gráfica resulta monótona y de difícil navegación.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: Una retícula es una red de líneas, que, por lo general, corren horizontal y verticalmente en incrementos y ritmo uniforme, si bien pueden ser también sesgadas, irregulares o incluso circulares.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: Las retículas ayudan a alinear los elementos correlativamente, ya que se crea una estructura subyacente que unifica las páginas de un documento y optimiza el proceso de maquetación, además de organizar el contenido activo de la página o el formato que estemos utilizando. Además de ofrecer un fundamento lógico y de punto de partida para toda composición, convierten cualquier área en blanco, en un campo con estructura y uniformidad.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: El tiempo y el movimiento son dos principios estrechamente relacionados entre el punto. Toda palabra o imagen que se mueve, opera tanto espacial como temporalmente. El movimiento es un tipo de cambio que tiene un lugar en el tiempo.


title: Fundamentos del diseño gráfico

text: En el diseño gráfico se emplean múltiples técnicas para obtener una sensación de cambio y movimiento. Sobre todo, en las publicaciones digitales actuales.


title: Geriatría

text: La geriatría es una especialidad médica dedicada al estudio de la prevención, el diagnóstico, el tratamiento y la rehabilitación de las enfermedades en las personas mayores.


title: Geriatría

text: La Geriatría resuelve los problemas de salud de los ancianos y personas que no son tan ancianas debido a su poca autonomía y a su dependencia en el área hospitalaria y en la comunidad; sin embargo, la Gerontología estudia los aspectos psicológicos, educativos, sociales, económicos y demográficos de la tercera edad.


title: Geriatría

text: Esta especialidad médica está implantada en más de una decena de países, por ejemplo: España, Finlandia, Irlanda, Islandia, Liechtenstein, Noruega, Países Bajos, Rusia, Suecia, Cuba, México, Panamá, Argentina, Bolivia, Uruguay, Chile, Perú, Costa Rica, Colombia y Venezuela.


title: Geriatría

text: Su objetivo prioritario es la recuperación funcional del anciano enfermo e incapacitado para conseguir el máximo nivel posible de autonomía e independencia, facilitando así su reintegración a una vida