title: Música de Cuba

text: Entre los años 1877 a 1889, White fungió como director del Conservatorio Imperial en Río de Janeiro, Brasil, donde también sitvió como músico en la corte del emperador Pedro II. Más tarde regresó a París, donde residió hasta su muerte. El famoso violín “Canto del cisne”, la última creación de Stradivari, fue su instrumento preferido. Su más famosa composición es "La Bella Cubana", una habanera. White también compuso muchas otras piezas, entre las cuales se destaca un concierto para violín y orquesta.


title: Música de Cuba

text: Claudio José Domingo Brindis de Salas y Garrido (1852-1911) fue un renombrado violinista cubano, hijo del también violinistra, contrabajista y director Claudio Brindis de Salas (1800-1972), el cual dirigió una de las orquestas populares más importantes de La Habana durante la primera mitad del , llamada La Concha de Oro. Claudio José superó la fama y la maestría de su padre y llegó a ser un concertista de renombre internacional.


title: Música de Cuba

text: Claudio José Brindis de Salas comenzó sus estudios musicales con su padre, y continuó más tarde con los maestros José Redondo y con el violinista belga José Vandergutch. El ofreció su primer concierto en La Habana en 1863 con Vandergutch como acompañante. El pianista y compositor Ignacio Cervantes también participó en ese concierto.


title: Música de Cuba

text: De acuerdo con la crítica de la época, Brindis de Salas fue considerado como uno de los más destacados violinistas de su época a nivel mundial. Alejo Carpentier le llamó “”El más extraordinario violinista negro del … un caso sin precedente en la historia musical del continente””.


title: Música de Cuba

text: El gobierno francés lo hizo miembro de la Légion d'Honneur, y le otorgó el título de “Barón”. En [Buenos Aires]] él recibió un Stradivarius genuino, y mientras vivió en Berlín contrajo matrimonio con una alemana, fue nombrado músico de cámara del Emperador y recibió la ciudadanía de ese país. Brindis de Salas murió en 1911 de tuberculosis, pobre y olvidado, en Buenos Aires, Argentina. En 1930 sus restos fueron trasladados a La Habana con grandes honores.


title: Música de Cuba

text: Otro destacado violinista cubano del fue Rafael Díaz Albertini (1857-1928). El estudió el violín con José Vandergutch y Anselmo López (1841-1858), conocido violinista habanero que también se dedicó a la publicación de obras musicales. En 1870 Albertini viajó a París con el propósito de perfeccionar su técnica con el famoso Jean-Delphin Alard, y en 1875 obtuvo el primer premio en el concurso del Conservatorio de París, en el cual participó posteriormente como jurado. El realizó numerosas giras de concierto a través del mundo, acompañado en ocasiones por prestigiosos Maestros como Hugo Wolf y Camille Saint-Saëns, y en 1894 se presentó en las principales ciudades de Cuba junto con Ignacio Cervantes.


title: Música de Cuba

text: Una lista de violinistas cubanos que se destacaron entre la segunda mitad del y la primera del incluye a: Manuel Muñoz Cedeño (1813-), José Domingo Bousquet (1823-), Carlos Anckermann (1829-), Antonio Figueroa(1852-), Ramón Figueroa(1862-), Juan Torroella (1874-), Casimiro Zertucha (1880-), Joaquín Molina (1884-), Marta de La Torre (1888-), Catalino Arjona (1895-) y Diego Bonilla (1898-).


title: Música de Cuba

text: Durante la primera mitad del , se destaca la figura de Amadeo Roldán (1900-1939), el cual además de violinista, profesor y director de orquesta, es uno de los más importantes compositores cubanos de todos los tiempos.


title: Música de Cuba

text: Después de su graduación en el Conservatorio de París en 1935 con sólo 16 años, el destacado violinista cubano Ángel Reyes (1919-1988) desarrolló una exitosa carrera como solista y también acompañado por las más prestigiosas orquestas de numerosos países. El estableció su residencia en los Estados Unidos desde muy joven, obtuvo un premio del Concurso Ysaÿe en Bruselas y fue profesor de las Universidades de Míchigan y Northwestern hasta su retiro en 1985.


title: Música de Cuba

text: Eduardo Hernández Asiaín (1911-2010) nació en la Habana, comenzó sus estudios musicales a muy temprana edad y ofreció su primer concierto a los siete años. A los catorce años obtuvo el primer premio de violín en el Conservatorio Nacional de La Habana, y fue nombrado concertino de la Orquesta Sinfónica de La Habana. En 1932, él se trasladó con su familia a Madrid, para continuar sus estudios musicales con los maestros Enrique Fernández Arbós y Antonio Fernández Bordas. A partir de 1954, Hernández Asiaín actúa como solista con las orquestas de la Sociedad de Conciertos Pasdeloup de París y de la Radiodifusión Francesa, la Orquesta Nacional de España, la Orquesta Sinfónica de Bilbao, la Orquesta de Cámara de Madrid y la Orquesta Sinfónica y de Cámara de San Sebastián, de la cual es su creador. En 1968, él fue nombrado Primer Violín del Cuarteto Clásico de RTVE, formando parte junto con la pianista Isabel Picaza González del Quinteto Clásico de RNE, con los que realizó un gran número de conciertos y grabaciones, en España y otros países. El también realizó giras por Estados Unidos de América, destacándose su actuación con la Long Beach Symphony Orchestra de California.


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text: Otros destacados violinistas cubanos de la primera mitad del son: Robero Valdés Arnau (1919-1974), Alberto Bolet y Virgilio Diago.


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text: Evelio Tieles Ferrer (1941) comenzó a estudiar música con su padre, Evelio Tieles Soler, a la edad de siete años, y continuó posteriormente con el profesor Joaquín Molina Entre 1952 y 1954, Tieles cursó estudios de violín en París, Francia, con Jacques Thibaud y René Benedetti. En 1955 regresó a París e ingresó en el Conservatorio Nacional Superior de Música de esa ciudad, y en 1958 pasó a estudiar en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, donde fue discípulo de David Oistraj e Igor Oistraj. Tieles se graduó en 1963 y por recomendación del Conservatorio pasó a estudiar la Maestría, de 1963 a 1966, con los citados profesores. El también recibió orientación profesional de los prestigiosos violinistas Henryk Szeryng y Eduardo Hernández Asiaín.


title: Música de Cuba

text: Evelio Tieles ha ofrecido en Cuba numerosas presentaciones como concertista, en dúo con su hermano, el pianista Cecilio Tieles, o acompañado por la Orquesta Sinfónica Nacional y otras agrupaciones sinfónicas y de cámara. El actuó bajo la dirección de prestigiosos directores como Thomas Sanderling, Boris Brott, Enrique González Mántici y Manuel Duchesne Cuzán, entre otros.


title: Música de Cuba

text: Tieles estableció su residencia en España desde 1984, e imparte clases de violín en el Conservatorio de Vila-Seca, en la provincia de Tarragona, del cual ha sido nombrado “Profesor Emérito”. También en el Conservatorio Superior del Liceo de Barcelona ha fungido como Jefe del Departamento de Música de Cámara (1991 a 1998), Jefe del Departamento de Cuerdas (1986 a 2002) y Director Académico (2000 a 2002).


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text: Además de su destacada labor como concertista y profesor, durante la etapa Pos-Revolucionaria, Tieles promovió y organizó en Cuba la enseñanza de los instrumentos de cuerda frotada, y fundamentalmente del violín.


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text: Otra prominente violinista y profesora es Alla Tarán (1941). Ella se formó como violinista en su nativa Ucrania y trabajó como profesora de Práctica de Conjunto Instrumental. Tarán estableció su residencia en Cuba desde 1969.


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text: Alfredo Muñoz (1949) comenzó sus estudios de violín en el Conservatorio Orbón, La Habana, Cuba y continuó posteriormente en la Escuela Nacional de Artes y el Instituto Superior de Arte (ISA). Él se integró a la Orquesta Sinfónica Nacional como violinista en 1972, y se ha mantenido muy activo como solista y miembro del Trío White, tanto en Cuba como en el extranjero. Él es actualmente profesor del Instituto Superior de Arte (ISA).


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text: Otros violinistas cubanos que han desarrollado su carrera durante el período entre los siglos XX y XXI son Armando Toledo (1950), Julián Corrales (1954), Miguel del Castillo y Ricardo Jústiz.


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text: Ya a comienzos del debemos mencionar a los violinistas Ilmar López-Gavilán, Mirelys Morgan Verdecia, Ivonne Rubio Padrón, Patricia Quintero y Rafael Machado.


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text: La ópera ha estado presente en Cuba desde fines del , cuando fue construido en La Habana el primer teatro apropiado para ese tipo de representaciones, llamado Coliseo. Desde entonces, y hasta el momento presente, el pueblo cubano ha disfrutado de ese género, y muchos compositores lo han cultivado, cosechando en ocasiones gran éxito a nivel internacional.


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text: El primer evento documentado de una representación lírica en Cuba se llevó a cabo en la ciudad de La Habana, en 1776. Esa presentación fue mencionada en un anuncio colocado en el diario habanero "Diario de La Habana" el 19 de diciembre de 1815: "…Hoy miércoles 19 del corriente, si el tiempo lo permite, se ejecutará a beneficio de la Sra. Mariana Galino, la nueva ópera trágica del primer mérito en tres actos, que contiene 17 piezas de música titulada "Dido abandonada" […] Es uno de los primeros dramas del teatro francés. En el italiano mereció singular aplauso el que compuso el célebre Metastasio, y se cantó en esta ciudad el 12 de octubre de 1776."


title: Música de Cuba

text: Cristóbal Martínez Corrés fue el primer compositor cubano de óperas, pero sus obras, "El diablo contrabandista" y "Don papanero", nunca llegaron a ser estrenadas y no se han conservado hasta el momento presente. Nacido en La Habana en 1822, el compositor y pianista Martínez se radicó en Francia con su familia a los nueve años de edad y posteriormente se trasladó a Italia. Debido a su muerte temprana, una tercera ópera llamada "Safo", nunca pasó más allá de una etapa creativa incipiente. Martínez Corrés falleció en Génova, en 1842.


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text: Gaspar Villate y Montes nació en La Habana en 1951 y desde muy temprana edad dio muestras de poseer gran talento musical. Comenzó de niño a estudiar piano con Nicolás Ruiz Espadero, y ya en 1867, con sólo 16 años de edad compuso su primera ópera sobre un drama de Victor Hugo, titulada "Angelo, tirano de Padua". Un año más tarde, al comenzar la guerra en 1868, viajó a los Estados Unidos con su familia y al regresar a La Habana en 1871 compuso otra opera llamada "Las primeras armas de Richelieu".


title: Música de Cuba

text: Villate viajó a Francia con el propósito de continuar sus estudios de música en el conservatorio de París, donde recibió clases de Francois Bazin, Victorien de Joncieres y Adolphe Danhauser. El compuso numerosas piezas instrumentales como "contradanzas", "habaneras", "romanzas" y "valses", y en 1877 estrenó con éxito su ópera "Zilia" en París, la cual fue más tarde presentada en La Habana, en 1881. Desde entonces Villate concentró sus esfuerzos principalmente en la ópera y compuso obras como "La Zarina" y "Baltazar", estrenadas en La Haya y el Teatro Real de Madrid respectivamente. Se conoce que trabajó en una ópera sobre la vida de Inés de Castro, cuyo manuscrito se ha perdido.


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text: Villate murió en París, en 1891. Poco antes había comenzado a componer un drama lírico llamado "Lucifer", del cual se conservan algunos fragmentos.


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text: Eduardo Sánchez de Fuentes nació en La Habana, en 1874, dentro de una familia de artistas; ya que su padre era escritor, y su madre pianista y cantante. Comenzó sus estudios musicales en el conservatorio Hubert de Blanck y más tarde recibió clases de Ignacio Cervantes y Carlos Anckermann. También obtuvo un título de licenciado en Leyes en 1894. Cuando contaba solo con 18 años de edad, compuso la famosa "habanera "Tú"", que alcanzó extraordinario reconocimiento internacional, y de la cual ha dicho Alejo Carpentier que es "la más famosa de todas las habaneras".


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text: El 26 de octubre de 1898, Sánchez de Fuentes estrenó en el teatro habanero "Albisu" su primera ópera, llamada "Yumurí", basada en el tema de la colonización de la Isla. En esta, una princesa aborigen se enamora de un apuesto conquistador español, el cual la rapta en el momento de su casamiento con otro personaje indígena, y ambos mueren trágicamente al final de la representación durante un fuerte temblor de tierra. Posteriormente, Sánchez de Fuentes compuso otras cinco óperas: "El Náufrago" (1901), "Dolorosa" (1910), "Doreya" (1918), "El Caminante" (1921) y "Kabelia" (1942).


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text: Uno de los compositores más activos y destacados de su época, Sergio Fernández Barroso (también conocido como Sergio Barroso) (1946), es autor de una ópera llamada "La forma del camino", la cual posee el título complementario de "s-XIV-69" (que significa " – 1969). De una duración aproximada de 60 minutos, esta obra utiliza como argumento una historia extraída del "Popol Vuh" (el libro sagrado de la cultura Maya) sobre los hermanos míticos Hunahpu e Ixbalanqué. La partitura incluye solistas y coro de nueve voces mixtas, acompañadas por un grupo instrumental y un sistema electro-acústico cuadrafónico. La escenografía exige un estrado elevado sobre la posición espacial del coro, cuyos miembros están vestidos de frac, en contraposición al vestuario más casual de los solistas. Todos los cantantes llevan máscaras indias.


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text: Más recientemente se destaca la obra lírica de dos compositores cubanos, Jorge Martín y Louis Franz Aguirre.


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text: Jorge Martín (Compositor) (1959) nació en Santiago de Cuba, estableció su residencia en los Estados Unidos a temprana edad, y estudió composición musical en las Universidades de Yale y Columbia. El ha compuesto tres obras líricas: "Beast and Superbeast", una serie de cuatro óperas de un acto cada una, basada en cuentos cortos de Saki; "Tobermory", ópera en un acto que obtuvo primer premio en el Concurso de Música de Cámara de la Quinta Bienal de la Asociación Nacional de Opera (USA), y que ha sido presentada en varias ciudades de los Estados Unidos, y "Before night falls" "(Antes que anochezca)", una ópera basada en la famosa autobiografía homónima del novelista, dramaturgo, y poeta cubano Reinaldo Arenas, reconocido opositor al gobierno de Fidel Castro.


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text: Louis Franz Aguirre (1968) es actualmente uno de los compositores cubanos más prolíferos y reconocidos a nivel internacional. Su catálogo incluye cuatro obras operísticas: "Ebbó" (1998), estrenada el 17 de enero de 1999 en el Brotfabrik Theater de Bonn, Alemania; "Ogguanilebbe" (Liturgia de la Palabra Divina) (2005); estrenada en la Sala del Parlamente de Castello de Udine, Italia; "Yo el Supremo" (2014) (Sainete Concertante con Dictador en un Acto), primera representación: 27 de octubre de 2015 en el Teatro Galileo de Madrid, España y "The way the dead love" (Theogony: an operatic manifest) ["Como aman los muertos" (Teogonía: Un manifiesto operático)]. Obra comisionada por el Lydenskab Ensemble y financiada por KODA, Dinamarca. Primera representación: 24 de febrero de 2017 en Godsbanen, Aarhus, Dinamarca, como parte del "Århus European Capital of Culture 2017".


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text: A través de los años, la nación cubana ha desarrollado una gran cantidad de estudios musicológicos creados por numerosos investigadores y expertos en esta materia. Aparte del trabajo de algunos autores que brindaron información sobre la música en Cuba durante el , la cual era usualmente incluida en crónicas que trataban sobre temas más generales, las primeras investigaciones y estudios específicamente dedicados al arte y la práctica musical no aparece en Cuba hasta el comienzo del .


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text: Una lista de importantes personalidades que han contribuido a la musicología en Cuba incluye a: Fernando Ortiz, Eduardo Sánchez de Fuentes, Emilio Grenet, Alejo Carpentier, Argeliers León, María Teresa Linares, Pablo Hernández Balaguer, Alberto Muguercia y Zoila Lapique.


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text: Una segunda generación de musicólogos después de la Revolución Cubana en 1959 incluye a: Zoila Gómez, Victoria Elí, Alberto Alén Pérez, Rolando Antonio Pérez Fernández y Leonardo Acosta.


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text: Más recientemente, un grupo de jóvenes musicólogos cubanos se ha ganado una merecida reputación por su sólido trabajo en los medios académicos internacionales. Algunos de los miembros más destacados de este grupo son: Miriam Escudero Suástegui, Liliana González Moreno, Iván César Morales Flores y Pablo Alejandro Suárez Marrero.


title: Música de Cuba

text: Es obvio que la primera música popular interpretada en Cuba después de la conquista fue traída por los mismos conquistadores españoles, y lo más probable es que fuera tomada de la música popular española en boga durante el . Desde el hasta el algunas piezas bailables que surgieron en España fueron asociadas a la América Hispana, o fueron consideradas como originarias de la América Hispana. Algunas de estas canciones con pintorescos nombres como sarabanda, chacona, zambapalo, retambico y gurrumbé, entre otros, compartían un rasgo común, su ritmo característico llamado hemiola o sesquiáltera (en España).


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text: Este ritmo ha sido descrito como la alternancia o superposición de un metro binario y otro ternario (6/8 + 3/4), y su utilización se había generalizado en el territorio español desde por lo menos el , donde aparece en una de las cantigas de Santa María (Como poden per sas culpas).


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text: La hemiola o sesquiáltera es también un ritmo típico de las tradiciones musicales africanas, tanto del norte como del sur del continente, por lo que es muy probable que las canciones bailables originales que trajeron los españoles a Cuba ya incluyeran elementos de la cultura africana, con los cuales los esclavos que llegaron posteriormente a la isla ya se encontraban familiarizados, y fueron utilizados por estos para crear nuevos géneros criollos.


title: Música de Cuba

text: El conocido son de la Ma Teodora, una antigua canción cubana, así como los primeros géneros cubanos autóctonos, el punto y el zapateo, muestran el ritmo de la sesquiáltera en su acompañamiento, lo que sugiere una marcada relación de estos con las canciones bailables españolas de los siglos XVI al XVIII.


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text: Parece ser que el punto y el zapateo fueron los primeros géneros musicales autóctonos de la nación cubana. A pesar de que la primera partitura de un zapateo criollo no se publicó sino hasta 1855, en el “Álbum Regio de Vicente Díaz de Comas”, es posible encontrar referencias acerca de la existencia de estos desde mucho antes. Sus características estructurales han sobrevivido casi inalteradas durante un período de más de doscientos años, y son usualmente considerados los géneros más típicamente hispanos de la música popular cubana.


title: Música de Cuba

text: Los musicólogos cubanos María Teresa Linares, Argeliers León y Rolando Antonio Pérez coinciden en afirmar que el punto y el zapateo están basados en las canciones bailables españolas (como la Chacona y la Sarabanda) que arribaron primeramente a las más importantes ciudades, como La Habana y Santiago de Cuba, y luego se diseminaron a través de las áreas rurales, donde fueron adoptadas y modificadas por la población campesina.


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text: Punto guajiro o punto cubano o simplemente punto es un género poético-musical que emerge en las zonas occidentales y centrales de Cuba durante el . Aunque parece proceder de Andalucía, el punto es un verdadero género cubano debido a sus modificaciones criollas.


title: Música de Cuba

text: El punto es ejecutado por un grupo que incluye varios instrumentos de cuerda punteada, tales como el tiple (una guitarra de afinación aguda ahora en desuso), la guitarra española, el tres cubano, y el laúd. La palabra punto se refiere al uso de técnicas de "punteado", en contraposición al "rasgueado". También se utilizan algunos instrumentos de percusión como la clave, el güiro y el guayo (una raspadera metálica). Los cantores se separan en grupos contendientes e improvisan sus textos y melodías.


title: Música de Cuba

text: Ellos cantan melodías predeterminadas o "tonadas" que están basadas en un metro de diez versos llamado décima, e insertan ciertos segmentos instrumentales entre sus improvisaciones para dar tiempo al contendiente a preparar su próximo verso. Algunas composiciones antiguas fueron grabadas y publicadas, así como los nombres de los improvisadores. A partir del año 1935, el punto alcanzó su punto más alto de popularidad en la radio nacional.


title: Música de Cuba

text: El punto fue uno de los primeros géneros cubanos en ser grabados por compañías norteamericanas al comienzo del , pero al pasar el tiempo decayó el interés y se realizó poco esfuerzo para continuar grabando los programas radiales en vivo. Una entusiasta de este género, la estenógrafa Aida Bode, copió muchos versos mientras eran transmitidos y finalmente, en 1997, sus transcripciones se publicaron en forma de libro.


title: Música de Cuba

text: Celina González y Albita Rodríguez cantaron punto al comienzo de sus respectivas carreras, demostrando que el género todavía sobrevive. Celina tuvo una de las más bellas voces de la música popular, y su grupo acompañante llamado Campo Alegre fue magnífico. Para algunos aficionados, en cambio, el Indio Naborí (Sabio Jesús Orta Ruiz, n. 30 de septiembre de 1922) es el máximo exponente del punto por sus décimas, las cuales compuso diariamente para el radio y los periódicos. Él publicó inclusive varias colecciones de poesía, mucha de la cual posee una inclinación política relacionada con la nueva trova.


title: Música de Cuba

text: El zapateo es una danza típica del “campesino” o “guajiro” cubano, de origen español. Se baila en parejas que “zapatean” golpeando el piso levemente con los pies, y donde el papel del hombre es más activo que el de su contrariarte femenina. Existen ilustraciones de siglos anteriores y el baile sobrevive, cultivado por grupos folclóricos como un género fósil. La danza es acompañada por tiple, guitarra y güiro en un tiempo combinado de 6/8 y 3/4 (llamado Hemiola), el cual es acentuado en la primera de cada tres corcheas.


title: Música de Cuba

text: La guajira es un género de canción cubana similar al punto cubano y la criolla. Las Guajiras contienen textos bucólicos y referencias al campo de Cuba similares a los de la décima. El metro es una combinación de 6/8 y 3/4 (Hemiola). Según Eduardo Sánchez de Fuentes, su primera sección está usualmente en tono menor y la segunda en tono mayor.


title: Música de Cuba

text: El término guajira se utiliza ahora principalmente para describir a una canción lenta en 4/4, que consiste en una fusión de elementos del son y la antigua guajira. Guillermo Portabales fue el más importante representante (cantante-guitarrista) de este género.


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text: La criolla es un género de la música cubana que está estrechamente relacionado con la música de los coros de clave y el género de la música popular cubana llamado clave.


title: Música de Cuba

text: El género llamado clave, el cual llegó a ser muy popular en el Teatro Vernáculo, fue creado a partir del estilo musical de los Coros de Clave por el compositor Jorge Anckermann, y este, a su vez sirvió como punto de partida para la de un nuevo género: la criolla. Según el musicólogo Helio Orovio, "Carmela", la primera criolla fue compuesta por Luis Casas Romero en 1909, quien también compuso otra de las más famosas criollas de todos los tiempos, "EL Mambí".


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text: Evidentemente, el origen de grupos africanos en Cuba está relacionado con la larga historia de esclavitud en la Isla. En comparación con los Estados Unidos, la esclavitud en Cuba comenzó mucho antes y continuó durante décadas después. Cuba fue el último país de América en abolir la importación de esclavos y el penúltimo en decretar la liberación de los esclavos. En 1807 el Parlamento Británico prohibió la esclavitud, y a partir de ahí la Marina británica actuó con el propósito de interceptar los navíos portugueses y españoles dedicados a la trata de esclavos. En 1860 el trasiego con Cuba fue casi extinguido; el último barco de esclavos llegado a la Isla fue en 1873. La abolición de la esclavitud fue anunciada por la Corona Española en 1880, y se puso en vigor en 1886. Dos años más tarde, Brasil también abolió la esclavitud.


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text: Las raíces de la mayoría de las formas musicales afro-cubanas se encuentran en los Cabildos, los cuales fueron asociaciones auto-organizadas por los esclavos africanos, donde se separaron en grupos de acuerdo a su cultura original. Esto se organizaron principalmente en cuatro grupos: los Yoruba (Lucumí en Cuba); los Congos, los Dahomeyanos (Fon o Arará) y los Carabalíes de Calabar.


title: Música de Cuba

text: Los Cabildos preservaron sus tradiciones culturales, incluso antes de la abolición en 1886. Al mismo tiempo, las religiones africanas fueron transmitidas de generación en generación en Cuba, Haití, así como otras islas caribeñas y Brasil. Esas religiones, que poseían una estructura similar, pero no idéntica, fueron conocidas como Lucumí o Regla de Ocha (de origen Yourba), Palo (de África central), Vodú en Haití, entre otras. El término “Santería” fue utilizado inicialmente para denominar la fusión de las deidades africanas con santos católicos, especialmente por personas que fueron bautizadas e iniciadas, y que eran honestos practicantes de ambas religiones. Algunas personas ajenas a la prácitca lo han utilizado más tarde de forma indiscriminada y se ha convertido en un término generalizado, tal como el de la “salsa” en la música.


title: Música de Cuba

text: Todas las culturas africanas poseían sus tradiciones musicales individuales, las que han sobrevivido de forma errática hasta el momento presente, no siempre en detalle, pero en un estilo general. Las mejores preservadas son las de las religiones politeístas, cuyos cantos, danzas y otras manifestaciones se han conservado bastante bien, al menos en Cuba. Los antiguos lenguajes originales africanos se han preservado, como en la religión Lucumí, mientras que en África las lenguas han continuado evolucionando. Lo que verdaderamente unifica a todas las formas genuinas de música africana es la polirritmia en la percusión, el estilo de solista y coro en el canto y las formas típicas de danza, así como la ausencia de instrumentos árabes o europeos.


title: Música de Cuba

text: Las tradiciones religiosas de origen africano han sobrevivido en Cuba y constituyen la base de la música ritual, los cantos y las danzas diferentes de los de la música profana o seglar. La religión de origen Yoruba es llamada Lucumí o Regla de Ocha, la de origen congolés es conocida como Palo o Palo-Monte, y la Carabalí se denomina Abakuá o Ñáñigo. También en la región oriental se conservan algunas formas de religión haitiana, las cuales poseen sus propios rituales, música e instrumentos. .


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text: El patrón rítmico de la “Clave” es utilizado como guía para la organización temporal en géneros de la música afro-cubana, tales como la Rumba, la Conga, el Son, el Mambo, la Salsa, el Jazz Latino, el Songo y la Timba. Este patrón de cinco tiempos (distribuido en grupos de 3 + 2 o 2 + 3 pulsaciones) constituye la estructura esencial de muchos ritmos afro-cubanos. Así como una piedra angular sostiene la estructura de un arco, el patrón de la Clave mantiene la cohesión rítmica en la música afro-cubana. El patrón de la Clave se origina en las tradiciones de la música sub-sahariana. El patrón se encuentra también en las músicas de la diáspora africana, en la percusión del Vodú haitiano, y la música afro-brasileña. El patrón de la Clave es también utilizado en la música norteamericana como motivo rítmico u ostinato, o simplemente como ornamentación.


title: Música de Cuba

text: Los inmigrantes franco-haitianos que escaparon de la revolución durante finales del se asentaron en la provincia de Oriente y establecieron su propio estilo de música afro-haitiana conocida como Tumba Francesa, en la cual utilizan sus propios tipos de tambor, así como sus cantos y danzas. Este género representa el más antiguo y tangible enlace a la herencia afro-haitiana en la provincia de Oriente en Cuba, el cual se desarrolló a partir de una fusión de la música tradicional francesa y la de Dahomey en el Oeste de África. Este género fósil ha sobrevivido hasta nuestros tiempos en Santiago de Cuba y Haití, ejecutado por grupos folclóricos especializados.


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text: La Contradanza cubana es una importante precursora de otras diversas danzas populares. Esta llegó a Cuba durante el desde Europa, donde había surgido primeramente como la “country dance” inglesa, y después como la “contredance” francesa. El origen del nombre es una variante del término en inglés. Según el Oxford English Dictionary: “La teoría de Littré de que ya existía una contradanza francesa en el siglo XVII, con la cual el término en inglés se confundía y se utilizaba paralelamente no es sostenible; no se ha encontrado ninguna traza de este nombre en Francia antes de su aparición como una adaptación del inglés. Pero nuevas danzas de este tipo fueron creadas en Francia e introducidas después en Inglaterra con el nombre afrancesado.” Manuel Saumell compuso más de cincuenta contradanzas cubanas (en 2/4 y en 6/8), en las cuales demostró una sorprendente inventiva tanto rítmica como melódica.


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text: La contradanza es una danza de grupo, cuyas figuras se ajsutan a un patrón predeterminado. La selección de las figuras para una danza en particular era determinada por un maestro de ceremonias o guía de la danza. Su forma estaba compuesta por dos partes de 16 compases cada una, que eran baliadas en forma de hileras dobles o grupos. El tempo y el estilo de la música era bastante rápido y alegre.


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text: La primera versión criolla cubana de una contradanza apareció publicada en La Habana en 1803 y fue nombrada "San Pascual Bailón". Esta versión muestra por primera vez el conocido ritmo de tango o habanera que la diferencia de la contradanza europea. Los cubanos desarrollaron una serie de versiones criollas de las figuras, como paseo, cadena, sostenido y cedazo. La criollización de la contradanza es un ejemplo temprano de la influencia de las tradiciones africanas en el Caribe. La mayoría de los músicos cubanos eran negros o mulatos (incluso a principios de había muchos esclavos libres y mestizos que vivían en las poblaciones de Cuba). Según un comentario de la condesa de Merlin en 1840: "Las mujeres de La Habana tienen una furioso apetito por el baile, y pasan noches enteras elevadas, agitadas, como locas y derramando sudor hasta que caen exhaustas."


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text: La contradanza suplantó al minueto como la danza más popular desde 1842, y dio paso a la habanera, un estilo de canción basada en el mismo ritmo y estilo que la contradanza.


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text: Este género, descendiente de la Contradanza cubana, se bailaba también en hileras o grupos y era igualmente un ágil estilo de música y danza en ritmo binario o ternario. Un “paseo” repetido de 8 compases era seguido por dos secciones de 16 compases llamadas primera y segunda. Uno de los más famosos compositores de danzas fue Ignacio Cervantes, cuyas 41 Danzas cubanas son un referente en cuanto al nacionalismo musical. Este tipo de danza fue eventualmente sustituido por el danzón, que era, al igual que la habanera, más lento y tranquilo.


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text: La Habanera se desarrolla a partir de la contradanza durante el . Su principal novedad fue que esta era cantada, así como tocada y bailada. Escrita en compás de 2/4 se caracteriza por su expresivo y lánguido desenvolvimiento melódico, así como por su ritmo típico, llamado “ritmo de habanera”.


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text: La danza de la habanera era más lenta que la de la danza. Hacia 1840, muchas habaneras fueron compuestas, cantadas y bailadas en México, Venezuela, Puerto Rico, y España. Desde aproximadamente el año 1900 la Habanera ha pasado a ser un género fósil, pero existen famosas composiciones posteriores, tales como la habanera Tú de Eduardo Sánchez de Fuentes, que ha sido grabada en múltiples versiones.


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text: El género de la habanera han aparecido en la música de Ravel, Bizet, Saint-Saëns, Debussy, Fauré y Albeniz. Su ritmo es similar al del tango, y por consiguiente, algunos piensan que la habanera es el más directo ancestro del tango.


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text: La influencia europea en la música cubana más reciente está representada por el danzón, una elegante forma musical que una vez fue más popular que el son en Cuba. Este es un descendiente de la criolla contradanza cubana. El danzón marca el cambio de la danza de grupos de finales del a la moderna danza de parejas. El estímulo para este cambio fue el éxito del, una vez considerado escandaloso, vals, donde las parejas danzaban una frente a la otra, independiente de las demás parejas y sin formar parte de una estructura predeterminada. El danzón fue la primera danza cubana en adoptar esos métodos, aunque existe una diferencia entre estas dos danzas. El vals es una danza de salón donde las parejas se mueven en círculos en dirección contraria a las manecillas del reloj, mientras que el Danzón es un baile de “pañuelo de bolsillo”, en la cual las parejas se mantienen dentro de una reducida área del salón.


title: Música de Cuba

text: El danzón fue desarrollado por Miguel Faílde en Matanzas, y su fecha oficial de origen es el año de 1879. La orquesta de Failde era un formato instrumental que se conoce como Orquesta típica, el cual se derivaba de las bandas militares e incluía varios instrumentos de viento metal, violines y un timbal cóncavo. El desarrollo posterior del formato de “charanga francesa” era más apropiado para la danza de salón y todavía es popular en Cuba y otros países. La charanga utiliza una flauta, varios violines, violonchelo y contrabajo, así como un piano, timbal cubano (paila) y güiro.


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text: Con el transcurso del tiempo el danzón adquirió otras características de origen afro-cubano, tales como la inclusión del Montuno, un estribillo sincopado que es repetido y variado durante un período indeterminado de tiempo. La adición de este elemento estructural a la forma del danzón ha sido atribuida a José Urfé, quien lo introdujo en su danzón titulado “El bombín de barreto” (1910). Tanto el danzón como el formato de la “charanga” han ejercido una importante influencia en el desarrollo de géneros posteriores.


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text: El danzón fue exportado con gran éxito a otros países de la América Latina, y especialmente a México. El danzón clásico es actualmente una reliquia, pero sus descendientes sobreviven en formatos orquestales que Faílde y Urfé pudieran difícilmente reconocer, tales como la orquesta Van Van fundada por Juan Formell.


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text: Los primeros danzones eran puramente instrumentales. El primero en introducir una parte vocal en un danzón fue Aniceto Díaz (en Matanzas, 1927) creando de esa manera un nuevo género llamado danzonete. Ese primer danzonete fue titulado “Rompiendo la rutina” . Más tarde, en 1935, el famoso cantante negro Barbarito Diez se unió a la charanga de Antonio María Romeu, con el que grabó numerosos danzonetes. Todas las variantes posteriores del danzón han incluido partes vocales.


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text: El 20 de enero de 1801, Buenaventura Pascual Ferrer publica un comentario en el periódico “El Regañón de La Habana”, en el cual se refiere a ciertos cantos que “corren por ahí en boca del vulgo”. Entre estos menciona una guaracha llamada “La Guabina”, de la cual dice: “en la boca de los que cantan sabe a cuantas cosas puercas, indecentes y majaderas se pueda pensar…” Más tarde, en fecha indeterminada, aparece publicada “La Guabina” entre las partituras impresas en La Habana durante el .


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text: De acuerdo a los comentarios publicados en “El Regañón de La Habana”, podemos inferir que aquellas canciones se encontraban muy en boga entre la población habanera de esa época , ya que en el mismo artículo mencionado anteriormente dice el comentarista: “…pero sobre todo, lo que me ha incomodado más ha sido la libertad con que se entonan por esas calles y en muchas casas una porción de cantares donde se ultraja la inocencia, se ofende la moral… por muchos individuos no sólo de la más baja extracción, sino también por algunos en quienes se debería suponer una buena crianza…” Es decir, que aquellas guarachas de contenido bastante atrevido, eran ya cantadas aparentemente por los más diversos sectores de la población habanera.


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text: Alejo Carpentier menciona en su libro “La música en Cuba”, citando a Buenaventura Pascual Ferrer, que a principios del se daban en La Habana hasta cincuenta bailes diarios, donde se tocaba y cantaba la famosa guaracha, junto a otras danzas de moda.


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text: La guaracha es un género de tempo rápido y letras cómicas o picarescas. Este fue originado a fines del , y durante principios del era frecuentemente ejecutado en burdeles y otros lugares de La Habana. Sus textos estaban llenos de frases populares y se referían frecuentemente a sucesos que aparecían en los periódicos de la época. Rítmicamente la guaracha exhibe una serie de combinaciones rítmicas, tales como 6/8 con 2/4.


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text: Muchos de los trovadores, como Manuel Corona (quien trabajó en un área de burdeles en La Habana), compusieron y cantaron guarachas como balance de los más lentos boleros y canciones. El contenido satírico de sus textos también concordaba con los del son, y muchas agrupaciones tocaban ambos géneros. A mediados del este estilo fue adoptado por los “conjuntos” y grandes bandas. Hoy día, parece haber desaparecido como un género musical y ha sido asimilado por el vasto concepto de la música “salsa”. Los músicos que dominan la guaracha e improvisan son llamados “guaracheros” o “guaracheras”.


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text: Desde al menos el hasta nuestra época, los formatos del teatro musical han utilizado y dado origen a diversas formas de música y danza. Muchos compositores y músicos famosos se dieron a conocer a través de este medio teatral, y muchas piezas importantes fueron estrenadas en los escenarios. Además de montar algunas óperas y operetas europeas, los músicos cubanos desarrollaon gradualmente ideas originales que pudieran complacer a su audiencia. Las grabaciones fueron un medio mediante el cual la música cubana llegó a alcanzar una difusión internacional. El artista cubano más grabado hasta el año 1925 fue un cantante del teatro Alhambra llamado . Los récords muestran que él grabó cerca de 350 números entre 1906 y 1917. Las últimas dos grabaciones de Colombo fueron realizadas en 1929.


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text: El primer teatro de la Habana fue inaugurado en 1776, y la primera ópera cubana fue compuesta en 1807. El Teatro Musical adquirió una gran importancia durante el y la primera mitad del ; su significación solo comenzó a decaer con el cambio del clima político y social en la segunda mitad del . El radio, que comenzó en Cuba en 1922, contribuyó al desarrollo de la música popular debido que sirvió como medio de promoción y fuente de ingresos para los artistas.


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text: La zarzuela es básicamente una forma de opereta ligera y en una escala más reducida. Partiendo de la zarzuela española, esta evolucionó hasta convertirse en un vehículo para comentar los eventos políticos y sociales de Cuba. La zarzuela ostenta la distinción de haber sido el primer género musical cubano que fue perpetuado en grabaciones: la soprano Chalía Herrera (1864-1968) fue la primera artista cubana que realizó grabaciones en el extranjero. Ella grabó números de la zarzuela “Cádiz” en cilindros no numerados durante el año 1898.


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text: La zarzuela cubana alcanzó su mayor desarrollo durante la primera mitad del . Un grupo de importantes compositores tales como Gonzalo Roig, Ernesto Lecuona y Rodrigo Prats produjeron una serie de éxitos para los teatros Regina y Martí en La Habana. Grandes estrellas como la “vedette” Rita Montaner, que podía cantar, tocar el piano, bailar y actuar fueron los equivalentes cubanos de la Mistinguett y Josephine Baker en París. Alguna de las más conocidas zarzuelas fueron “la virgen morena” (E. Grenet), “La niña Rita” (Grenet y Lecuona), “María la O”, “El Batey” y “Rosa la China” (Lecuona), “La Habana de noche” (G. Roig), “Amalia Batista” y “La perla del Caribe” (R. Prats) y más que todo “Cecilia Valdés”, basada en la más famosa novela cubana del, con música de Gonzalo Roig y libreto de Prats y Agustín Rodríguez). Algunos artistas que se dieron a conocer a través del teatro lírico fueron Caridad Suárez, María de los Ángeles Santana, Esther Borja e Ignacio Villa (Bola de Nieve).


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text: Sin duda la más destacada diva del teatro lírico cubano fue Maruja González, la cual nació de padres españoles en Mérida, Yucatán, en 1904, y falleció en Miami, Florida, en 1999. Maruja González Linares viajó de Cuba a Estados Unidos a una temprana edad. Ella estudió técnicas vocales en Cuba y debutó en 1929 como cantante lírica con la Compañía de Ernesto Lecuona. González actuó en varios teatros de La Habana antes de viajar en una gira a través de los Estados Unidos, y a su regreso a La Habana interpretó en esa ciudad La bayadera y La viuda alegre. A comienzos de los años treinta ella firmó varios contratos para cantar en América Latina y España. Maruja González contrajo matrimonio con Paco Suárez. Desde el comienzo de la Revolución Cubana estableció su residencia en el extranjero y nunca regresó a su país de origen.


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text: El teatro bufo cubano es una forma de comedia, directa y satírica, con personajes populares que pueden ser encontrados frecuentemente entre la población. El bufo tiene su origen entre 1899 y 1815 y parte de la tonadilla escénica española, que desde aquel momento comenzó a desaparecer de La Habana. Francisco Covarrubias, llamado “el caricato” (1775-1850) ha sido reconocido como su iniciador.


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text: La guaracha ocupó un lugar predominante en el desarrollo del teatro vernáculo cubano, cuya aparición durante el coincide con la emergencia de los primeros géneros musicales autóctonos como la guaracha y la contradanza. Desde 1812, Francisco Covarrubias sustituyó en sus piezas teatrales los personajes de la tonadilla escénica española con tipos criollos como los guajiros, monteros, carreteros y peones. Estas transformaciones estructurales estuvieron también asociadas a ciertos cambios en el acompañamiento musical de las piezas. De esa manera, las Jácaras, tiranas, boleros y villancicos españoles fueron sustituidos por guarachas décimas y canciones cubanas.


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text: El argot de los negros y los barrios bajos fue utilizado en muchas guarachas de la época, tal como en el siguiente ejemplo:


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text: El teatro vernáculo cubano incluyó también otros géneros. Formatos como el del Music Hall Británico o el Vaudeville Estadounidense, donde se ofrecía a la audiencia un potpurrí de cantantes, comediantes, bandas, sketches teatrales y actos especiales, fueron utilizados. Incluso en los cines, durante la presentación de películas silentes aparecían en los intermedios cantantes e instrumentistas, y un pianista tocaba durante las presentaciones de las películas. Bola de Nieve y María Teresa Vera tocaron en los cines en sus comienzos. También el Burlesque fue común en la Habana antes de 1960.


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text: En referencia a la emergencia de la guaracha, e incluso más tarde, a la de la rumba urbana en La Habana y Matanzas, es necesario señalar al importante y pintoresco sector social de los "Negros Curros”. Compuesto por negros libres que habían arribado a La Habana desde Sevilla en una fecha indeterminada del , este grupo se integró a la población de negros y mulatos que vivían en las zonas marginales de la ciudad.


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text: El escritor costumbrista cubano José Victoriano Betancourt los describe durante el como sigue: “Los curros tenían una fisonomía peculiar, y bastaba verles para clasificarlos por tales: sus largos mechones de pelos trenzados, cayéndoles sobre el rostro y cuello a manera de grandes mancaperros, sus dientes cortados [en punta] a la usanza carabalí, la camisa de estopilla bordada de candeleros, sus calzones blancos casi siempre, o de listados colores, angostos por la cintura y anchísimos de piernas, el zapato de cañamazo, de corte bajo con hebilla de plata, la chupa de olancito de cortos y puntiagudos faldones, el sombrero de paja afarolado, con luengas, colgantes y negras borlas de seda, y las gruesas argollas de oro que llevan en las orejas, de donde cuelgan corazones y candados del mismo metal, forman el arreo que sólo ellos usan; conóceseles además por el modo de andar contoneándose como si fueran de gonces, y meneando los brazos adelante y atrás; por la inflexión singular que dan a su voz, por su locución viciosa, y en fin, por el idioma particular que hablan, tan físico y disparatado, que a veces no se les entiende; tales eran los curros del Manglar…”),”


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text: El curro se dedicaba a la vida fácil, el robo y el proxenetismo, mientras que su compañera la “curra”, llamada también “mulata de rumbo”, ejercía la prostitución. Según Carlos Noreña, esta se distinguía por el uso de “mantas de burato de prolija labor y de trenzados caireles, por las cuales pagaban nueve y diez onzas oro”, así como por su “chancleteo sui generis”.


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text: Pero los Curros también proveían entretenimiento, incluyendo canciones y danzas, a los miles de españoles que llegaban a la Isla cada año en los galeones que seguían la llamada “Carrera de Indias”, una ruta establecida por la Corona Española para la navegación de sus flotas con el propósito de evitar los ataques de piratas y corsarios, y que permanecían en La Habana durante varios meses antes de partir de nuevo hacia Sevilla.


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text: Habiendo estado sujetos a la influencia cultura tanto de España como de África desde su nacimiento, se supone que ellos hayan jugado un importante papel en el proceso de criollización del prototipo original de copla-estribillo que dio origen a la guaracha cubana. EL Negro Curro y su compañera, la Mulata de Rumbo (Negra Curra) desparecieron desde mediados del integrándose a la población general de La Habana, pero sus pintorescas imágenes sobrevivieron en prototipos sociales que se manifestaron en los personajes del Teatro Bufo.


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text: Las famosas “Mulatas de Rumbo” Juana Chambicú y María La O, así como los negros “Cheches” (guapos) José Caliente “que al que se presente lo raja por la mitad”, Candela, “negrito de rompe y raja, que con el cuchillo vuela y corta con la navaja”, y el negro curro Juan Cocuyo, estuvieron indisolublemente ligados a la imagen y el ambiente característico de la guaracha y la rumba. .


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text: La palabra rumba es un término abstracto que ha sido aplicado con diferentes propósitos a una amplia variedad de temas durante largo tiempo. Desde un punto de vista semántico el término rumba puede ser incluido en un grupo de palabras con similar significado tales como conga, milonga, bomba, tumba, samba, bamba, mambo, tambo, tango, cumbé, cumbia y candombe. Todas ellas denotan un origen congolés debido a la utilización de combinaciones de sonidos tales como mb, ng y nd, que son típicos del complejo lingüístico Níger-Congo.


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text: Quizás el más antiguo y general de sus significados es el de “fiesta” u “holgorio”. Ya durante la segunda mitad del podemos encontrar esta palabra utilizada varias veces con el propósito de representar una fiesta en un cuento corto llamado “La mulata de rumbo”, del folklorista cubano Francisco de Paula Gelabert: “…más gozo yo y me divierto en una rumbita con las de mi color y de mi clase…”, o “Leocadia iba a acostarse, como había dicho, nada menos que a las doce del día, cuando llegó a la casa uno de sus amigos de rumbas, acompañado de otro joven que iba a presentarle…”. Según Alejo Carpentier “…es significativo el hecho de que la palabra rumba haya pasado al lenguaje del cubano como sinónimo de holgorio, baile licencioso, juerga con mujeres del rumbo.”


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text: Como ejemplo pudiéramos mencionar las fiestas de Yuka y Makuta, y los changüises en Cuba, así como la milonga y el tango en Argentina, donde la palabra rumba fue originalmente utilizada para denominar una reunión festiva; y con el trascurso del tiempo se usó para nombrar los géneros de música y danza correspondientes a estas festividades.


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text: Algunos académicos han señalado que en cuanto a la utilización de los términos rumba y guaracha, nos encontramos ante un caso de sinonimia, es decir, del uso de dos palabras diferentes para nombrar una misma cosa. En el siguiente comentario de María Teresa Linares se pone en evidencia la imprecisión de los términos rumba y guaracha en cuanto al propósito de definir un género musical específico, cuando nos dice que: “…en los primeros años de este siglo [XX], se mantenían al final de las obras del teatro vernáculo, unos fragmentos musicales que cantaban los propios autores y que se les llamó rumba final…” y continúa explicando que estas… “eran ciertamente guarachas.”


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text: A lo que se pudiera añadir que a las piezas musicales que cerraban las obras se les podía haber llamado indistintamente rumbas o guarachas, ya que estos términos no indicaban ninguna diferencia genérica o estructural entre ellas. Linares también dice en referencia a este tema: “Se conservan grabaciones de los artistas del Teatro Alhambra de guarachas y rumbas que no se diferenciaban entre sí en el acompañamiento de las guitarras –cuando se trataba de un pequeño grupo, dúo o trío- o por la orquesta del teatro o piano. Las etiquetas de los discos decían: diálogo y rumba”


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text: La Rumba Urbana (también llamada Rumba de Solar o de Cajón), es una amalgama de varias tradiciones musicales y danzarias africanas, combinadas con influencias hispanas. De acuerdo con el musicólogo cubano Argeliers León: “En la fiesta que constituyó una rumba concurrieron, pues, determinados aportes afroides, pero convergieron también otros elementos, de raíz hispánica, que habían sido incorporados ya a las expresiones que aparecían en la nueva población que surgía en la Isla


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text: La Rumba de Cajón es un estilo de música seglar que surge en los muelles y las áreas menos prósperas de la Habana y Matanzas. En sus comienzos, los ejecutantes de la Rumba utilizaron un trío de cajones de madera para tocar, los cuales fueron sustituidos más tarde por tambores, similares en su apariencia a las congas o tumbadoras. El tambor más agudo es llamado “quinto”, el de tesitura media “macho” o “tres-dos”, debido a que su ritmo esencial está basado en el patrón de la clave cubana, y el más grave es llamado “hembra o salidor”, porque usualmente comenzaba o “rompía” la Rumba.


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text: En el conjunto instrumental de la Rumba también se utilizan dos palillos para golpear una pieza hueca de bambú llamada “guagua” o “catá”, así como las Claves Cubanas, el Güiro y unas sonajas de origen bantú llamadas “nkembi”.


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text: La parte vocal de la Rumba corresponde a una versión modificada del antiguo estilo español de “copla y estribillo”, incluyendo una sección llamada “montuno” que pudiera ser considerada como un estribillo ampliado o desarrollado, el cual constituye una sección independiente donde se utiliza frecuentemente el conocido estilo de “pregunta y respuesta”, tan característico de las tradiciones musicales africanas.


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text: De los múltiples estilos que comenzaron a aparecer a fines del , llamados del “Tiempo’España”, tales como la "tahona", la "jiribilla", el "palatino", y la "resedá", solo tres formas de Rumba han sobrevivido: la "columbia", el "guaguancó", y el "yambú". La "columbia", ejecutada en 6/8, es comúnmente una danza interpretada por un solista masculino. Esta es rápida y ágil, e incluye movimientos agresivos y acrobáticos. El "guagancó" es bailado por un hombre y una mujer, y simula la persecución sexual del macho a la hembra. El "yambú", que es acutualmente una reliquia, representa la burlesca imitación de un par de ancianos que danzan lentamente. Todas las formas de Rumba son acompañadas por cantos apoyados por el conjunto de percusión.


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text: La Rumba de Solar o de Cajón es hoy día un género fósil que puede ser visto en Cuba en las presentaciones de grupos profesionales que se dedican al cultivo de este género. También existen grupos de aficionados radicados en las llamadas “Casas de Cultura”, y en centros de trabajo. Como todos los aspectos de la sociedad en Cuba, las actividades musicales y danzarias son organizadas por el estado a través de Ministerios y otros organismos.


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text: Los Coros de Clave fueron agrupaciones corales populares que surgieron a fines del en La Habana y otras ciudades de Cuba.


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text: El gobierno colonial de Cuba solo permitió que los negros, libres o esclavos, cultivaran sus tradiciones culturales dentro de los límites de ciertas sociedades de ayuda mutua, cuya fundación se remonta al . Según David H. Brown, aquellas sociedades, llamadas cabildos, “proveían en caso de enfermedad o muerte, celebraban misas para los difuntos, colectaban fondos para la liberación de sus miembros de la esclavitud, organizaban regularmente danzas y actividades recreativas los domingos y días de fiesta, y patrocinaban misas, procesiones y bailes de carnaval alrededor del ciclo anual de festivales católicos.”


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text: En los locales de los Cabildos de algunos barrios de La Habana, Matanzas, Sancti Spiritus y Trinidad, se organizaron durante el unas agrupaciones corales que realizaban actividades competitivas, y que en ocasiones eran visitadas por las autoridades locales y vecinos, los cuales les brindaban propinas y otros regalos El nombre Coros de Clave proviene muy probablemente del principal instrumento con que se acompañaban esas actividades corales, las Claves cubanas, que ejecutaba el ritmo principal de sus cantos.


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text: El acompañamiento de los coros incluía una guitarra y la percusión era ejecutada sobre la caja de resonancia de un banjo estadounidense sin cuerdas, debido a que estaba prohibido tocar tambores de origen africano en las ciudades. El estilo de los Coros de Clave, y particularmente su ritmo, dio lugar más tarde a un género popular llamado Clave, el cual muy probablemente haya constituido el modelo original para la posterior creación de la Criolla. Ambos estilos fueron muy populares en el teatro vernáculo cubano.


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text: De manera similar a como las primeras canciones-danzas españolas pasaron de las ciudades al campo, también las características de la Guaracha Cubana, que disfrutaba de gran popularidad en La Habana, comenzaron a penetrar las áreas rurales en una época indeterminada durante el . Este proceso no es difícil de imaginar si consideramos cuan cercanas se encontraban las áreas rurales de las urbanas en Cuba, en aquella época.


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text: Esa es la razón por la cual los campesinos cubanos (llamados guajiros) comenzaron a incluir en sus fiestas (llamadas “guateques” o “changüís”, así como en celebraciones como las “fiestas patronales” y las “parrandas”, unas Rumbitas que eran muy parecidas a las Guarachas urbanas, cuyo metro binario contrastaba con el característico metro ternario de sus tradicionales “tonadas” y “zapateos”.


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text: Esas Rumbitas rurales han sido llamadas por el reconocido musicólogo Danilo Orozco proto-sones”, “soncitos primigenios”, “rumbitas”, “nengones” o “marchitas,” y algunas de ellas como la Caringa, el Papalote, Doña Joaquina, Anda Pepe y el Tingotalango han sido preservadas hasta el tiempo presente.


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text: Las Rumbitas fueron consideradas como Proto-Sones (Sones primigenios), debido a que considerando la gran analogía entre sus componentes estructurales y los del Son, que emerge en La Habana durante las primeras décadas del , estas pudieran ser consideradas como prototipos o antecesoras de ese popular género.


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text: De acuerdo con la musicóloga Virtudes Feliú, aquellas Rumbitas aparecieron en ciudades y pueblos a través de todo el territorio nacional, como en: Ciego de Ávila, Sancti Espíritus, Cienfuegos, Camagüey, Puerta de Golpe en Pinar del Río y Bejucal en La Habana, así como en Remedios en Villa Clara e Isla de Pinos (actualmente Isla de La Juventud).


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text: Podemos encontrar muchas referencias a las guerras de independencia cubanas (1868-1898) relacionadas con las Rumbitas rurales, tanto en la región oriental como en la occidental Isla de Pinos, lo cual sugiere que su aparición sucedió aproximadamente durante la segunda mitad del .


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text: Las Rumbitas rurales mostraban un mayor número de características de la música africana en comparación con la Guaracha habanera, debido a la integración gradual de ciudadanos afro-cubanos al ambiente rural.


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text: Desde el , gracias a un programa gubernamental llamado “manumisión”, los esclavos negros fueron autorizados a pagar por su libertad con sus propios ahorros. De esa manera, una mayor cantidad de ciudadanos negros libres se dedicaron a las labores manuales en el campo que en las ciudades, y algunos de ellos se convirtieron incluso en propietarios de parcelas de terreno y esclavos.


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text: Una de las más evidentes características de las Rumbitas Rurales fue su propia forma, muy similar a las típicas estructuras vocales africanas. En este caso, toda la canción estaba basada en un solo fragmento musical o frase de corta duración que era repetida, con algunas variaciones, una y otra vez; alternando frecuentemente con un coro. Este estilo fue llamado “Montuno” (literalmente del “monte” o “del campo”) debido a su origen rural.


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text: Otra característica de este nuevo género era la superposición de diferentes patrones rítmicos ejecutados simultáneamente, de manera similar a la utilizada en la Rumba Urbana, lo cual es también un rasgo distintivo de la tradición musical africana.


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text: Aquellos planos o “franjas de sonoridades” de acuerdo con Argeliers León, fueron asignados a diferentes instrumentos que se fueron incorporando gradualmente al grupo acompañante. Así fue como el conjunto instrumental creció desde el compuesto por los tradicionales tiple y güiro, hasta otro que incluía la guitarra, la bandurria, el laúd cubano, las claves y otros instrumentos como la tumbandera, la marímbula, la botija, los bongoes, el machete común y el acordeón.


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text: Algunas funciones musicales importantes fueron asignadas a los diversos planos sonoros, tales como la “línea temporal” o ritmo de clave, ejecutada por las claves, un patrón rítmico compuesto por una corchea y dos semicorcheas, ejecutado por el güiro o el machete, los ritmos sincopados del “guajeo” interpretados por el Tres, la improvisación de los bongoes y el “bajo anticipado” que se tocaba en la tumbandera (tingotalango) o en la botija.


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text: Podemos encontrar los orígenes del Son cubano en las Rumbas Rurales, llamadas por eso Proto-Sones o Sones Primigenios por el musicólogo Danilo Orozco, ya que ellas muestran, en forma parcial o embriónica, todas las características que fueron identificadas posteriormente con el estilo del Son, es decir: la repetición de una frase llamada “montuno”, el patrón de la clave, un contrapunteo rítmico entre los diferentes planos de la textura musical, el “guajeo” del Tres, los ritmos de la guitarra, los bongoes y el bajo, así como el estilo de “pregunta y respuesta” entre el solista y el coro.


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text: Según Radamés Giro: “más tarde, el estribillo o “montuno” fue unido a una cuarteta o copla llamada “regina”, que era como los campesinos orientales nombraban a la cuarteta. De esa manera, la estructura “estribillo-cuarteta-estribillo” aparece en una etapa muy temprana en el “Son oriental”, tal como en uno de los más antiguos Sones llamado “Son de máquina”, que está compuesto por tres “reginas” con sus correspondientes “estribillos”.


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text: Durante un proyecto investigativo acerca de la familia Valera-Miranda (viejos soneros) conducida por Danilo Orozco en la región de Guantánamo, el grabó un ejemplo de Nengón, que es considerado un ancestro del Changüí. Este muestra la estructura previamente mencionada de “estribillo-cuarteta-estribillo”. En este caso, las numerosas repeticiones del estribillo constituyen un verdadero “montuno”.


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text: El Nengón es considerado un Proto-Son precursor del Changüí e incluso del Son oriental. SU principal característica es la alternancia de versos improvisados entre el soista y el coro. El Nengón es interpretado con el Tres, la guitarra, el güiro y el tingotalango o tumbandera.


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text: El changüí es un tipo de son característico de las provincias orientales (área de Santiago de Cuba y Guantánamo), conocida anteriormente como provincia de Oriente. Este comparte relevantes características con el Son Oriental en cuanto al ritmo, la instrumentación y los estribillos corales; y a la misma vez muestra ciertos elementos originales.


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text: El changüí es todavía cultivado por algunos pequeños grupos, principalmente radicados en Cuantánamo. La instrumentación es similar a la de los antiguos grupos de Son que surgieron en La Habana de los años veinte. Aquellos grupos como el Sexteto Boloña y el Sexteto Habanero, usaban marímbulas o botijas para interpretar la parte del bajo, antes de que cambiaran al más moderno contrabajo, que poseía una mayor flexibilidad instrumental.


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text: Es todavía cuestinable si el Changüí es un genuino género musical o simplemente una forma arcaica del Son, artificialmente preservada con el apoyo estatal. Algunas orquestas modernas, como la Orquesta Revé reclamaron al Changüí como su principal influencia, pero no se ha aclarado si esta aseveración es cierta o no.


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text: También podemos encontrar en Isla de Pinos (actualmente Isla de la Juventud), en el extremo occidental de la Isla, un Proto-Son llamado Sucu-sucu, que muestra una estructura similar a la de los Proto-Sones orientales. Según María Teresa Linares, en el Sucu-sucu la música es similar al Son Montuno en su estructura formal, melódica, instrumental y armónica. Un solista alterna con el coro e improvisa una cuarteta o décima. El grupo instrumental inicia una introducción a la cual los instrumentos se incorporan gradualmente, comenzando con el Tres (o el laúd). La introducción de ocho compases es seguida por un estribillo interpretado por el coro, que alterna con el solista varias veces.


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text: Durante el se desarrolló en Santiago de Cuba un movimiento de músicos itinerantes, llamados “trovadores”, los cuales se desplazaban usualmente de un sitio a otro con el propósito de ganarse la vida cantando y acompañándose con la guitarra. Ellos adquirieron gran relevancia como compositores e intérpretes, y sus canciones han sido adaptadas a muchos otros géneros de la música cubana.


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text: José Sánchez, más conocido como Pepe Sánchez (1856-1918), ha sido reconocido como el padre de la “Trova” y el creador del bolero cubano. El no poseía un entrenamiento formal en teoría musical, pero basado en su notable talento natural, compuso numerosas canciones, muchas de las cuales nunca fueron transcritas y se perdieron para siempre. Otras sobrevivieron gracias a que amigos y discípulos lograron transcribirlas. Su primer bolero llamado “Tristezas”, es todavía recordado y apreciado. Sánchez también creó música para anuncios comerciales que se difundieron antes del nacimiento de la radio. Él fue maestro y modelo a imitar de muchos trovadores que le precedieron.


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text: El primero y uno de los más longevos fue Sindo Garay (1867-1968). Él fue un destacado compositor que contribuyó con numerosas canciones al repertorio de la trova, y la mayor parte de ellas han sido cantadas y grabadas en numerosas ocasiones. Garay nunca recibió instrucción musical y sólo aprendió el alfabeto de manera autodidacta a los 16 años, pero afortunadamente se conservan muchas de sus grabaciones personales. Garay estableció su residencia en La Habana en 1906, y en 1926 se unió a Rita Montaner y otros con el propósito de viajar a París, donde permanecieron durante tres meses. Su música fue difundida frecuentemente por medio de la radio, y él solía decir: “!No existen muchas personas que hayan estrechado la mano a José Martí y a Fidel Castro!”.


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text: José, (Chicho) Ibáñez (1875-1981), fue incluso más longevo que Garay. Él fue el primer trovador en especializarse en Son Cubano, y también cantó guaguancó y música Abakuá.


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text: El compositor Rosendo Ruiz (1885-1983) fue otro longevo trovador y autor de un conocido manual para el aprendizaje de la guitarra. También Alberto Villalón (1882-1955) y Manuel Corona (1880-1950) fueron relevantes trovadores. Garay, Ruiz, Villalón and Corona son conocidos como los “cuatro grandes del la trova”, aunque los siguientes trovadores son también muy reconocidos: Patricio Ballagas (1879-1920), María Teresa Vera (1895-1965), Lorenzo Hierrezuelo (1907-1993), Ñico Saquito (Antonio Fernández: 1901-1982), Carlos Puebla (1917-1989) y Máximo Francisco Repilado Muñoz (1907-2003), conocido como Compay Segundo. El Guayabero, Faustino Oramas (1911-2007) se conoce tradicionalmente como el último de los trovadores.


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text: Los trovadores se presentaban frecuentemente en dúos y tríos, como Compay Segundo, cuyo sobrenombre se refiere a la función de “segunda voz” en el trío “Los Compadres”. Posteriormente, muchos de ellos se unieron en agrupaciones mayores, tales como sextetos y septetos. No debemos olvidar a Ciro, Cueto y Miguel, los componentes del famoso Trío Matamoros, los cuales trabajaron juntos durante la mayor parte de sus vidas. Miguel Matamoros es considerado como uno de los mayores exponentes de la Trova.


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text: El bolero es una canción-danza que nada tiene que ver con el género homónimo español. Su origen data del último cuarto del , y es atribuido a Pepe Sánchez, el fundador de la Trova tradicional. El compuso el primer bolero, titulado “Tristezas”, que todavía es una pieza popular. El bolero siempre fue un género significativo dentro del repertorio de la Trova.


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text: Originalmente la forma del bolero consistía en dos secciones de 16 compases cada una, en 2/4, separadas por una sección instrumental ejecutada por la guitarra, llamada “pasacalle”. El bolero ha probado ser extraordinariamente adaptable y ha dado lugar a numerosas variantes genéricas. Es típica la introducción del ritmo sincopado que ha dado lugar al bolero-moruno, el bolero-beguine, el bolero-mambo y el bolero-cha. El bolero-son fue durante décadas el más popular ritmo bailable en Cuba, y fue el ritmo que la comunidad internacional acogió bajo el nombre de “rumba”.


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text: El bolero cubano ha sido exportado a todo el mundo, y es todavía muy popular. Algunos importantes compositores de bolero han sido: Sindo Garay, Rosendo Ruiz, Carlos Puebla y Agustín Lara (México).


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text: La "Canción" es un popular género de la música latinoamericana y particularmente de la cubana, donde se han originado muchos de sus más importantes exponentes. Sus raíces se originan en las formas de las canciones populares españolas, francesas e italianas. Altamente estilizadas en sus comienzos, con “intrincadas melodías y oscuras, enigmáticas y elaboradas letras”, la canción fue democratizada por el movimiento de la Trova a finales del , cuando se convirtió en vehículo de las aspiraciones y sentimientos de la población. La canción se fusionó más tarde con otros géneros de la música cubana, como el bolero.


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text: La moda del Vals arribó a Cuba a comienzos del . Esta era la primera danza en que las parejas no seguían los pasos predeterminados de un rígido patrón coreográfico. Era, y es todavía, una danza en compás de ¾, acentuado en el primer tiempo. Fue originalmente considerada como escandalosa, ya que las parejas danzaban enlazadas frente a frente, y literalmente olvidaban todo lo que las rodeaba. El Vals penetró todas las naciones americanas y su relativa popularidad en la Cuba decimonónica es difícil de calcular.


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text: Las típicas danzas cubanas no utilizaron el estilo de pareja enlazada, y el hombre y la mujer bailaban separados hasta la creación del Danzón a finales del , aunque la Guaracha puede haber sido una excepción a esa regla. El Vals poseía otra característica: era una danza donde las parejas se desplazaban a través de todo el espacio del salón. En las danzas de origen hispano, los desplazamientos de las parejas no son usuales, pero sí ocurren en la Conga, la samba y el tango.


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text: El Vals tropical era ejecutado en un tempo más lento e incluía frecuentemente una melodía cantada con un texto. Aquellos textos se referían usualmente a las bellezas del campo de Cuba, la añoranza de los Siboneyes (aborígenes cubanos) y otros temas criollos. Su melodía era fluida, compuesta por notas de igual valor y acentuada en sus tres tiempos. Era similar a muchas otras canciones en las cuales la melodía era tratada en forma silábica; donde el primer tiempo no era acentuado por una breve anacrusa pero poseía una tendencia a desplazarse hacia el segundo tiempo, como en las canciones campesinas.


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text: El Son es un estilo de canto y danza que se originó en Cuba y obtuvo gran fama mundial durante los años treinta del . Este combina la estructura y características de la música española con elementos e instrumentos musicales afro-cubanos. El Son cubano es uno de los más influyentes géneros de la música latinoamericana. Sus derivados y fusiones, y especialmente la Salsa, se han difundido ampliamente a través de todo el mundo.


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text: Según Cristóbal Díaz Ayala, el Son es el género más importante de la música cubana, así como el menos estudiado. Es posible afirmar que el Son es para Cuba lo que el Tango es para Argentina o la Samba para Brasil. En adición, el Son cubano es quizás la forma más flexible de música lartinoamericana. Su mayor fuerza estriba en la fusión de tradiciones musicales europeas y africanas. Sus instrumentos más característicos son el cordófono cubano conocido como Tres, y el conocido instrumento bimembranófono llamado Bongó, los cuales han estado presentes en el género desde una etapa muy temprana hasta el presente. También son típicas de este estilo musical las claves, la guitarra española, el contrabajo (que reemplazó a la botija o a la marímbula), así como la trompeta y el piano.


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text: A pesar de una tendencia tradicional de atribuir el origen del Son cubano a las regiones orientales de Cuba, más recientemente algunos musicólogos han mostrado una postura más amplia e inclusiva. Aunque Alejo Carpentier, Emilio Grenet y Cristóbal Díaz Ayala apoyan la teoría del “origen oriental”, Argeliers León no menciona nada acerca de esta en su importante obra “Del Canto y del Tiempo”, así como tampoco María Teresa Linares en su libro “La música entre Cuba y España”. Radamés Giro expresa en referencia a este tema: “Si el Son es un fenómeno artístico que se estaba desarrollando desde la segunda mitad del – y no sólo en la antigua provincia de Oriente - , es lógico suponer, pero no afirmar, que mucho antes de 1909 ya se escuchaba en la capital (Habana) debido a las razones mencionadas anteriormente,,”


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text: Fue en La Habana donde se llevó a cabo el encuentro de la Rumba Rural y la Rumba urbana, que habían evolucionado separadamente durante la segunda mitad del . Los guaracheros y los rumberos que se acompañaban con el tiple y el güiro se encontraron finalmente con los rumberos que cantaban y bailaban al son de los cajones y la clave cubana, y el resultado fue la fusión de ambos estilos en un nuevo género llamado Son. Alrededor de 1910, el Son adoptó probablemente el ritmo de clave de la “rumba de solar o de cajón” habanera, que se había desarrollado desde finales del en ciertas áreas urbanas de La Habana y Matanzas.


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text: La masiva popularización del Son condujo a un incremento en la valorización de la cultura callejera afro-cubana y de los artistas que la habían creado. También abrió las puertas para que otros géneros musicales con raíces afro-cubanas se hicieran populares en Cuba y alrededor del mundo.


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text: La historia del Jazz en Cuba permaneció en la oscuridad durante muchos años, pero más recientemente ha quedado aclarado que su historia en Cuba es tan antigua como su historia en los Estado Unidos.


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text: Ahora poseemos mucha más información sobre las primeras bandas de Jazz cubanas, aunque una investigación más profunda está limitada por la falta de grabaciones musicales. Las migraciones y visitas desde y hacia los Estados Unidos, así como el mutuo intercambio de grabaciones y partituras mantuvieron en comunicación a los músicos de ambos países. A comienzos del , hubo estrechas relaciones entre músicos cubanos y de Nueva Orleans. El director de la famosa orquesta del Club Tropicana, Armando Romeu Jr., fue una figura determinante en el desarrollo del Jazz cubano después de la Segunda Guerra Mundial. El fenómeno del Cubop y las “jam sessions” en La Habana y New York organizadas por Cachao originaron verdaderas fusiones que influyeron en los músicos de nuevas generaciones.


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text: Leonardo Acosta es un importante estudioso de la etapa inicial del Jazz cubano. Otros autores han explorado la historia del Jazz y del Jazz Latino desde una perspectiva más norteamericana.


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text: La Jazz Band Sagua fue fundada en Sagua la Grande en 1914 por Pedro Stacholy (director y pianista). Sus miembros fueron: Hipólito Herrera (trompeta); Norberto Fabelo (corneta); Ernesto Ribalta (flauta y saxofón); Humberto Domínguez (violín); Luciano Galindo (trombón); Antonio Temprano (tuba); Tomás Medina (batería); Marino Rojo (güiro). La orquesta tocó durante 14 años en el “Teatro Principal de Sagua.” Stacholy estudió con Antonio Fabre en Sagua, y completó sus estudios en New York, donde radicó durante tres años.


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text: La “Jazz Band Cubana” fue fundada en 1922 por Jaime Prats en La Habana. Sus miembros incluyeron a su hijo Rodrigo Prats en el violín, al gran flautista Alberto Socarrás en la flauta y el saxofón, y a Pucho Jiménez en el trombón. Su personal completo debe haber incluido probablemente un contrabajo, batería, banjo y corneta. Algunos estudios mencionan a esta orquesta como la primera Jazz Band cubana, pero evidentemente existieron otros grupos anteriormente.


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text: En 1924 Moisés Simons (pianista) fundó un grupo que tocó en la terraza del Hotel Plaza en La Habana, y consistía en un piano, violín, dos saxofones, banjo, contrabajo, batería y timbales. Algunos de sus miembros fueron Virgilio Diago (violín); Alberto Soccarás (saxofón alto y flatua); José Ramón Betancourt (saxofón tenor) y Pablo O'Farrill (contrabajo). En 1928, todavía presentándose en el mismo sitio, Simons contrató a Julio Cueva, un famoso trompetista, y a Enrique Santiesteban, una futura estrella, como vocalista y baterista. Estos eran reconocidos instrumentistas atraídos por el magnífico salario de ocho pesos al día.


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text: Durante los años treinta, varias bandas tocaron Jazz en La Habana, como las de Armando Romeu, Isidro Pérez, Chico O'Farrill and Germán Lebatard. Su más importante contribución fue su propio formato instrumental, el cual introdujo la típica sonoridad del Jazz al público cubano. Otro importante elemento dentro de este proceso fueron los arreglos de músicos cubanos como Romeu, O'Farrill, Bebo Valdés, Peruchín Jústiz y Leopoldo "Pucho" Escalante.


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text: El Jazz Afrocubano es la forma más Antigua de Jazz latino y mezcla ritmos de clave afrocubanos con armonías de Jazz y técnicas de improvisación. El Jazz afrocubano emergió al comienzo de los años cuarenta, con los músicos Mario Bauzá y Frank Grillo “Machito”, en la banda “Machito and his Afro-Cubans, basada en la ciudad de Nueva York. En 1947, la colaboración entre el innovador del bebop Dizzy Gillespie con el percusionista cubano Chano Pozo llevó los instrumentos y ritmos afrocubanos, principalmente la tumbadora y el bongó, a la escena del Jazz en la Costa Este de los Estados Unidos.


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text: Algunas combinaciones tempranas de Jazz con música cubana, tales como “Manteca” de Dizzy Gillespie y Chano Pozo, así como “Mango Mangué” de Charlie Parker y Machito, fueron llamadas comúnmente “Cubop”, una abreviatura de “Cuban Bebop”. Durante sus primeras décadas, el movimiento de Jazz Afrocubano fue más fuerte en los Estados Unidos que en la misma Cuba. A comienzos de los años setenta, la Orquesta Cubana de Música Moderna y más tarde el grupo Irakere trajeron al jazz afrocubano a la escena musical cubana, influyendo en géneros posteriores como el Songo.


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text: En los años treinta Don Azpiazu alcanzó el récord de un millón de discos de música cubana vendidos, con El Manisero, que tuvo como vocalista a Antonio Machín. Este número había sido orquestado e incluido en el scenario de New York por el propio Don Azpiazu antes de la grabación, lo que sin lugar a dudas influyó en su promoción.


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text: Los Lecuona Cuban Boys se convirtieron en el más famoso grupo musical Cubano itinerante. Ellos fueron los primeros en incluir la Conga (instrumento musical) en su conjunto, y popularon la Conga (baile) como un estilo danzario. Xavier Cugat fue muy influyente con sus actuaciones en el Waldorf Astoria


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text: En 1941, Desi Arnaz popularizó el tambor de comparsa, similar a la Conga (instrumento musical) (tumbadora) en los Estados Unidos, con sus presentaciones de la canción Babalú, y en aquellos momentos se desató un verdadero furor por la rumba cubana. Más Adelante, Mario Bauzá, Machito y Miguelito Valdés se radicaron en Nueva York.


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text: En los años cuarenta, Chano Pozo formó parte de la revolución del bebop en el Jazz, tocando las Congas con Dizzy Gillespie y Machito en Nueva York. El Jazz Cubano había comenzado mucho antes en La Habana, durante el principio del .


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text: Arsenio Rodríguez, uno de los más famosos treseros Cubanos, director de su propio conjunto, enfatizó las raíces africanas del Son adaptándole elementos del guaguancó, y añadiendo un cencerro y Congas a la sección rítmica. El también amplió el papel del Tres como instrumento solista.


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text: Ya en los años cuarenta, la orquesta Arcaño y sus Maravillas incorporó una mayor sincopación y un montuno (similar al del Son), transformando la música que tocaban las orquestas de charanga.


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text: La era de las Grandes Bandas (Big Bands) arribó a Cuba en los años cuarenta, y estas se convirtieron en un formato instrumental dominante que ha perdurado hasta nuestros días. Debemos mencionar a dos grandes arreglistas-directores de bandas: Armando Romeu Jr. y Dámaso Pérez Prado.


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text: Armando Romeu Jr. dirigió la orquesta del Cabaret Tropicana durante veinticinco años, comenzando en 1941. Él ya tenía experiencia tocando con grupo de jazz norteamericanos que visitaban la Isla, y también poseía una completa maestría de los géneros de la música cubana. En sus manos, la orquesta del Cabaret Tropicana presentó no solo música afrocubana y otras formas de la música popular, sino también jazz cubano y composiciones norteamericanas para "big bands". Más tarde, Armando fue director de la "Orquesta Cubana de Música Moderna".


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text: Dámaso Pérez Prado produjo una gran cantidad de canciones populares y vendió más discos de 78 revoluciones que ningún otro músico latino de su época. Comenzó su carrera como arreglista para la Orquesta Casino de la Playa en 1944 e inmediatamente comenzó a introducir elementos novedosos en su sonoridad. La orquesta comenzó a sonar entonces más afrocubana y a la vez, Pérez Prado incorporó influencias tan diversas como Igor Stravinsky, Stan Kenton y muchas otras. Cuando abandonó la orquesta en 1946, ya había consolidado la sonoridad de su Mambo para el formato de "big band". Según Leonardo Acosta: “Ante todo, debemos destacar la obra de Pérez Prado como arreglista, o mejor aún, como compositor y arreglista, y su clara influencia en la mayoría de los arreglistas cubanos desde entonces.”


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text: Benny Moré, considerado por muchos como el mejor vocalista cubano de todos los tiempos, desarrolló su carrera durante los años cincuenta. Él poseía un don innato para la música y una fluida voz de tenor, la cual coloreaba y fraseaba con gran expresividad. Aunque no podía leer música, Moré fue un maestro en todos los géneros cubanos, incluyendo el Son Montuno, el Mambo, la Guaracha, la Guajira, el Chachachá, la canción, el bolero y el guaguancó. Con su orquesta “Banda Gigante de Benny Moré” y su música, desarrolló un estilo más flexible y fluido que el de la Orquesta de Pérez Prado, con la que también él cantó del año cuarenta y nueve al cincuenta.


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text: Tres grandes innovaciones basadas en la música cubana impactaron a los Estados Unidos después de la II Guerra Mundial: La primera fue el Cubop, la más novedosa fusión de Jazz latino. En esta, Mario Bauzá y la orquesta de Machito por la parte cubana, así como Dizzy Gillespie en el sector estadounidense, fueron los pioneros. El rumboso conguero cubano Chano Pozo fue también muy importante, ya que él presentó los ritmos básicos cubanos a los intérpretes de Jazz. El Jazz cubano ha seguido siendo una significativa influencia en la música norteamericana.


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text: El Mambo penetró inicialmente en los Estados Unidos alrededor de los años cincuenta, aunque este se había estado desarrollando en Cuba y México desde hacía algún tiempo. El Mambo, tal como fue conocido en Norteamérica y Europa era considerablemente diferente del Danzón-Mambo de Orestes “Cachao” López, el cual en realidad era un Danzón con una sección final muy sincopada. El Mambo que adquirió fama internacional fue un producto para Gran Banda (Big Band), creado por Dámaso Pérez Prado, el cual realizó sensacionales grabaciones para la RCA en sus nuevos estudios de grabación de Ciudad México, a finales de los años cuarenta.


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text: Cerca de 27 de esas grabaciones contaron con Benny Moré como vocalista, aunque los mayores éxitos fueron números instrumentales, los cuales incluyeron: "Que rico el mambo" (Mambo Jambo); "Mambo No. 5"; "Mambo No. 8"; "Cherry Pink (and Apple Blossom White)". El exitoso "Patricia" de 1955, fue una fusión de mambo/rock. El Mambo de Pérez Prado era más un descendiente del Son y la Guaracha, que del Danzón. En los Estados Unidos, la moda del Mambo concluyó aproximadamente en 1956, pero su influencia en el Bugaloo y la Salsa, que le precedieron, fue considerable.


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text: El violinista Enrique Jorrín creó el Chachachá a comienzos de los años cincuenta. Este fue desarrollado a partir del Danzón, mediante una ampliada sincopación. El Chachachá adquirió mayor popularidad fuera de Cuba cuando las orquestas de Dámaso Pérez Prado y Tito Puente produjeron arreglos que resultaron muy atractivos para la audiencia europea y norteamericana.


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text: Junto a los "Nuyoricans" Ray Barretto, Tito Puente y otros, diversas oleadas de inmigrantes cubanos introdujeron sus ideas en la música de los Estados Unidos. Entre estos se encontraba Celia Cruz, una destacada cantante de guaracha, que ha sido llamada “La guarachera de Cuba”. Otros se encontraban activos en el Jazz latino, como el percusionista Carlos "Patato" Valdes de la agrupación con fuerte orientación cubana “Típica 73”, relacionada con la orquesta Fania All-Stars. Algunos de los antiguos miembros del Grupo Irakere también han logrado gran éxito en los Estados Unidos, entre los cuales se encuentran Paquito D'Rivera y Arturo Sandoval. Tata Güines, un famoso conguero, se estableció en la ciudad de Nueva York en 1957, tocando con Jazzistas como Dizzy Gillespie, Maynard Ferguson, y Miles Davis en el famoso Club de Jazz Birdland. Como percusionista, Tata Güines llegó a tocar con Josephine Baker y Frank Sinatra. Él regresó a Cuba en 1959, después de que Fidel Castro tomó el poder mediante el proceso de la llamada Revolución cubana, a la que él había contribuido con sus propios fondos personales.


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text: Mambo es un género musical y danzario que se desarrolló originalmente en Cuba. La palabra “Mambo”, de manera similar a otros términos musicales afro-americanos como conga, milonga, bomba, tumba, samba, bamba, bambulá, tambo, tango, cumbé, cumbia y candombe, denotan un origen africano, y particularmente congolés, debido a la presencia de ciertas combinaciones características de sonidos, tales como “mb”, “ng” y “nd”, que pertenecen al complejo lingüístico Níger-Congo.


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text: Las raíces originales del Mambo pueden ser encontradas en el “Danzón de Nuevo Ritmo”, popularizado por la orquesta “Arcaño y sus Maravillas” dirigida por el famoso flautista Antonio Arcaño. Él fue el primero en denominar a una sección del Danzón cubano como “Mambo”. Fue el violonchelista de Arcaño, Orestes López, el que creó el primer Danzón llamado Mambo en 1938. En esa pieza se combinaban algunos motivos sincopados, tomados del estilo del Son, con improvisaciones de la flauta.


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text: Dámaso Pérez Prado (1927), pianista y arreglista matancero, se traslada a La Habana a principio de los años cuarenta y comienza a trabajar en cabarets, así como en las orquestas de Paulina Álvarez y Casino de La Playa. En 1949 viaja a México buscando oportunidades de trabajo y logra gran éxito con un nuevo estilo, al cual designa un nombre que ya había sido utilizado anteriormente por Antonio Arcaño, el de “Mambo”.


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text: El estilo de Pérez Prado difería del anterior concepto de “Mambo”. El nuevo estilo poseía una mayor influencia de las orquestas de jazz norteamericanas, y una instrumentación ampliada compuesta por cuatro o cinco trompetas, cuatro o cinco saxofones, contrabajo, batería (drum set), maracas, cencerro, bongó y tumbadoras. El nuevo “Mambo” incluía un sabroso contrapunteo entre las trompetas y los saxofones, que impulsaba a mover el cuerpo al compás del ritmo, estimulado en la conclusión de las frases con una característica y sonora expresión gutural.


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text: Las grabaciones de Pérez Prado estaban dirigidas al público hispano de las Américas, pero algunos de sus más famosos Mambos, tales como “Mambo No. 5” y “Que Rico el Mambo”, triunfaron inmediatamente en los Estados Unidos.


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text: Chachachá es un género de la música cubana, así como un estilo de baile popular, que fue desarrollado a partir del Danzón-mambo a comienzos de los años cincuenta, y llegó a adquirir gran popularidad en todo el mundo.


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text: El Chachachá es un género de la música cubana cuya creación ha sido tradicionalmente atribuida l compositor y violinista cubano Enrique Jorrín, quien comenzó su carrera tocando para la charanga Orquesta América.


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text: De acuerdo con el testimonio del propio Enrique Jorrín, él compuso algunos danzones en los cuales los músicos de la orquesta debían cantar cortos estribillos, y este estilo recibió gran aceptación por parte del público. En el Danzón “Constancia”, él introdujo algunos Montunos y la audiencia se sintió motivada a cantar los estribillos. Jorrín le pidió a los miembros de la orquesta que cantaran en unísono, de manera que la letra pudiera ser más claramente percibida y causara un mayor impacto en la audiencia. Ese estilo de canto contribuyó también a enmascarar las imperfecciones vocales de los miembros de la orquesta.


title: Música de Cuba

text: Desde su creación, la música del Chachachá tuvo una estrecha relación con los pasos de la danza. El conocido nombre de Chachachá surgió con la ayuda de los bailadores del Club Silver Star en La Habana. Cuando la danza se acoplaba al ritmo de la música, se ponía en evidencia que los pies de los bailadores producían un peculiar sonido al rozar el piso en tres golpes sucesivos. Era como una onomatopeya que sonaba como: "Chachachá". De estos sonidos rítmicos nació un nuevo género que motivó a muchas personas para bailar al son de su sabroso ritmo a través de todo el mundo.


title: Música de Cuba

text: De acuerdo a Olavo Alén: “Durante los años cincuenta, el Chachachá mantuvo su popularidad gracias al esfuerzo de muchos compositores que estaban familiarizados con la composición de Danzones, y que ejercitaron su creatividad en el Chachachá, tales como Rosendo Ruiz Jr. (Los Marcianos y Rico Vacilón), Félix Reina (Dime Chinita, Como bailan Chachachá los mexicanos), Richard Egües (El bodeguero y La cantina) y Rafael Lay (Cero codazos, cero cabezazos).


title: Música de Cuba

text: Aunque el ritmo del Chachachá tuvo su origen en la Orquesta América, algunos estudiosos del tema, incluyendo a John Santos (1982), consideran que la Orquesta Aragón de Rafael Lay y Richard Egües, y la orquesta Fajardo y sus Estrellas de José Fajardo, fueron particularmente influyentes en el desarrollo del Chachachá. La coincidente emergencia de la televisión y los discos de 33 1/3 RPM fueron también factores significativos en la súbita popularidad internacional de la música y la danza del Chachachá.


title: Música de Cuba

text: El Chachachá fue presentado desde sus inicios al público a través del formato instrumental de la charanga, una agrupación musical típicamente cubana, compuesta por una flauta, cuerdas, piano, bajo y percusión. La popularidad del Chachachá revitalizó la popularidad de este tipo de agrupación.


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text: El Filin fue una tendencia musical cubana que surgió entre las décadas de los cuarenta y cincuenta, influenciada por la música popular norteamericana. La denominación se deriva de la palabra inglesa “feeling”. Esta describe un estilo de canción romántica influenciada por el Jazz llamada “Crooning”. Sus raíces cubanas pueden ser trazadas hasta el bolero y la canción romántica. Algunos cuartetos vocales cubanos como el Cuarteto D’Aida y Los Zafiros, se basaron en el estilo armónico de algunos cuartetos vocales norteamericanos (como Los Platters). Otros miembros de este grupo fueron influenciados por Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan y Nat King Cole. Una casa en La Habana donde vivía el trovador Tirso Díaz se convirtió en lugar de reunión para los cantantes y músicos interesados en el Filin, tales como Luis Yáñez, César Portillo de la Luz, José Antonio Méndez, Niño Rivera, José Antonio Ñico Rojas, Elena Burke, Froilán, Aída Diestro y Frank Emilio Flynn. Allí los letristas y cantantes podían entablar relación con arreglistas como Bebo Valdés, El Niño Rivera (Andrés Hechavarria) y Peruchín (Pedro Justiz), para desarrollar sus creaciones. Algunos cantantes de Filin fueron César Portillo de la Luz, José Antonio Méndez, quien se estableció en México durante una década, desde 1949 a 1959, Frank Domínguez, el pianist invidente Frank Emilio Flynn, y las grandes cantantes de bolero Elena Burke y Omara Portuondo, las cuales formaron parte del Cuarteto D'Aida. El movimiento del Filin tuvo originalmente un espacio diario en la emisora radial Radio Mil Diez. Algunas de sus más prominentes figuras, tales como Pablo Milanés, se adhirieron más tarde al movimiento de la Nueva Trova.


title: Música de Cuba

text: La música cubana moderna se caracteriza por una constante búsqueda de nuevas sonoridades mediante la fusión de diversas influencias y estilos. Por ejemplo, en los años setenta el grupo Irakere utilizó los tambores Batá en un contexto de Gran Banda, lo que fue denominado como son-batá o batá-rock. Pello el Afrokán creó el ritmo Mozambique, el cual consistía en una fusión de Conga, Mambo y batá-rumba, que mezclaba la rumba con la música de tambores Batá. Las mezclas de hip hop, Jazz y Rock and roll son también comunes, tal como en el rockoson de Habana Abierta.


title: Música de Cuba

text: El triunfo de la Revolución cubana en 1959 determinó que muchos músicos cubanos emigraran hacia diversos países, asentándose en localizaciones tales como Florida y Nueva York, en los Estados Unidos, así como en Puerto Rico. En Cuba, los artistas y su obra quedaron bajo el control del Estado Socialista y su empresa oficial de grabaciones y ediciones musicales EGREM. El gobierno de Castro abolió las leyes que amparaban los derechos de autor, clausuró muchos de los locales donde la música popular acostumbraba ser escuchada (como los Clubes Nocturnos o Night Clubs), así que indirectamente dejó a muchos artistas fuera de sus fuentes de trabajo. Esto produjo sin dudas un efecto nocivo en la evolución de la danza y la música popular.


title: Música de Cuba

text: Muchos artistas jóvenes comenzaron a estudiar entonces música clásica en vez de popular, y los músicos empleados por el gobierno recibieron obligatoriamente clases en planteles oficiales. En Cuba, el movimiento de la Nueva Trova, que incluía a Pablo Milanés, reflejó los nuevos ideales de izquierda. El estado tomó el control del lucrativo Cabaret Tropicana, el cual continuó siendo una popular atracción para los turistas extranjeros hasta 1968, cuando fue clausurado junto con muchos otros locales, y después reabierto con el renacimiento del turismo. El turismo fue casi inexistente durante tres décadas, y la música tradicional podía ser encontrada en las Casas de La Trova locales. Los músicos que tenían un trabajo oficial, eran contratados a tiempo completo y recibían un salario del estado, después de egresar de algún conservatorio. El colapso de la URSS en 1991, y la pérdida de su apoyo financiero, cambiaron la situación radicalmente. El turismo fue considerado una fuente respetable de ingresos de nuevo, y así mismo la música popular como parte de la industria turística. Los músicos fueron autorizados entonces a viajar al extranjero, e inclusive vivir fuera del sistema controlado por el estado.


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text: Una lista de famosos artistas del Exilio cubano incluye a: Celia Cruz y todo el conjunto que actuaba con la Sonora Matancera, Carlos "Patato" Valdes, Israel Cachao López, La Lupe, Arturo Sandoval, Willy Chirino, Hansel y Raúl, La Palabra, Paquito D'Rivera, Bebo Valdés y Gloria Estefan, entre tantos otros. Muchos de esos músicos, incluyendo a Celia Cruz, se alinearon estrechamente con una ideología opuesta a la Revolución cubana, y fueron considerados en Cuba como “no-personas”, un término acuñado por George Orwell en su famosa novela 1984 (novela), que constituye una metáfora de los regímenes totalitarios. Los artistas disidentes fueron omitidos de los libros de texto oficiales, y la difusión y publicación de sus creaciones fue prohibida. Al menos, Celia Cruz fue reconocida en una obra cubana de referencia, el Diccionario Enciclopédico de la Música Cubana de Radamés Giro (2007, volumen 2).


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text: La Salsa fue la cuarta innovación basada en la música cubana que impactó a los Estados Unidos, y difiere de las demás en que inicialmente fue desarrollada en los Estados Unidos y no en Cuba. Debido a que Cuba posee tantos géneros originales, su promoción fuera del país siempre ha constituido un problema, debido a la dificultad que confronta un extranjero para distinguir las diferencias entre diversos ritmos que para los cubanos son evidentes. De esa manera, en dos ocasiones durante el , dos términos fueron utilizados con el propósito de resolver ese problema. El primero fue en los años treinta, después de que El Manisero se convirtiera en un éxito internacional. Este fue llamado Rumba, aunque tiene poca relación con la llamada Rumba urbana, de cajón o de solar, y es en realidad un Son cubano o “son-pregón”. Durante mucho tiempo, la palabra Rumba fue utilizada como denominación para cualquier forma de música popular cubana.


title: Música de Cuba

text: La segunda ocasión ocurrió durante el período de 1965 a 1975 en Nueva York, cuando algunos músicos de origen cubano y puertorriqueño se unieron para crear el más popular estilo latino del período posterior al Chachachá. Esta música fue llamada Salsa. Nadie sabe cómo ocurrió, pero todo el mundo reconoce el beneficio que conllevó utilizar un término común para denominar el Son, el Mambo, la Guaracha, la Guajira (música), el Guaguancó y otros géneros de la música cubana.


title: Música de Cuba

text: La afirmación de que la Salsa no es más que música cubana, ha sido discutida durante más de treinta años, e inicialmente no se podía percibir en realidad una gran diferencia entre una y otra. Cubanos y no-cubanos, como Tito Puente, Rubén Blades y otros muchos expertos en música cubana y Salsa, siempre han dicho que la Salsa es solo otro nombre para denominar la música cubana. Tito Puente expresó una vez: “Ahora la llaman Salsa, después la podrán llamar sofrito, pero para mí siempre será música cubana”. También Willie Colón dijo: “Si miras a una orquesta de los años cuarenta tocando música cubana, verás exactamente los mismos instrumentos que en la Salsa. Benny Moré, el mayor sonero de todos los tiempos, estaba cantando boleros con una cadencia salsera desde los años cuarenta.


title: Música de Cuba

text: Pero con el tiempo, las agrupaciones de Salsa han trabajado con otras influencias. Por ejemplo, al final de los años sesenta Willie Colón produjo algunos números donde utilizaba ritmos brasileños. Algunos programas radiales en Nueva York, ofrecieron ‘Salsarengue” como otra opción, y más tarde se le llamó “Salsa romántica” a un tipo de bolero edulcorado.