title: Trashumancia

text: Asia también tiene grandes ecosistemas áridos, en algunos de los cuales se han establecido sistemas de producción trashumantes, como en Mongolia o en Asia Central, mientras que las economías asociadas a los renos también presentan movilidad trashumante.


title: Trashumancia

text: La trashumancia europea es la más y mejor documentada. Esto viene dado tanto por la tradición milenaria existente como por el desarrollo económico europeo y la elevada inversión en investigación. De hecho, en España fue nombrada Patrimonio Cultural Inmaterial en 2017, y la UNESCO reconoció en 2019 la tradición milenaria de la trashumancia en Austria, Italia y Grecia como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.


title: Trashumancia

text: La trashumancia en Europa se concentra en la actualidad en los sistemas montañosos, pues el continente presenta en general climas húmedos y la lógica económica de la producción móvil es más fuerte en sistemas de producción vegetal marginal. Las montañas con práctica importante de la trashumancia incluyen Escandinavia, los Alpes, los Cárpatos, los Balcanes y las montañas de la cuenca mediterránea.


title: Trashumancia

text: Los Alpes australianos tienen una importante tradición trashumante, dada la importancia económica del pastoreo en el país y las condiciones favorables que dichos montes presentan para la práctica trashumante. La práctica extendida durante los siglos XIX y XX es atestiguada por las antiguas chozas y vías pecuarias ("stock routes") que aún quedan en la zona.


title: Trashumancia

text: El carácter árido del "Outback" australiano ha forzado a la industria ganadera local a adoptar sistemas móviles a partir de concepciones inicialmente sedentarias. En esta adaptación, el papel de la cultura aborigen fue fundamental, al aportar un íntimo conocimiento de los recursos naturales en la geografía local; por otro lado, el cambio de modo de vida desde la caza y la recolección hacia el pastoreo representaba para los aborígenes una transición mucho menos traumática que hacia la agricultura, al adaptarse su sistema cultural mucho mejor a los conocimientos requeridos.


title: Trashumancia

text: Dada la dificultad de distinguir entre trashumancia y ganadería en general, es también complicado distinguir su importancia económica. No obstante, se puede realizar una distinción sobre la base de su práctica tradicional, el "pastoralismo", que implica movimientos trashumantes o nómadas, y el "ranching" o explotaciones comerciales modernas. En ese caso, podemos excluir la trashumancia del continente americano y de Oceanía. Observamos entonces que la importancia económica medida en producción de bienes de mercado es muy pequeña en países industrializados, como España, no superando el 0,2% del PIB. En países en vías de desarrollo, sin embargo, puede alcanzar el 30% en Mongolia, el 20% en Kirguistán o el 10% en Mali.


title: Trashumancia

text: A la importancia económica del pastoralismo también hay que sumar los valores no cuantificados por el mercado, que pueden exceder el valor monetario con creces. En esta categoría entran valores económicos indirectos, como puede ser la protección contra incendios, la mitigación de emisión de gases de efecto invernadero o de la erosión. Pero también entrarían valores incuantificables monetariamente, como puede ser la protección de la biodiversidad o los valores culturales asociados, que se perderían definitivamente si la trashumancia desapareciera y que no podrían ser repuestos mediante ninguna inversión económica. La influencia de la transhumancia en las artes, sobre todo en la pintura, con pintores de proyección internacional como Troyon o Albert Charpin, que dedicaron su trabajo a exponer esta población en sus escenarios naturales con los animales habituales, le dio un valor agregado a esta práctica. Un valor indirecto que a menudo se tiene poco en cuenta es el mantenimiento de infraestructuras rurales, especialmente importante en el caso de ganados móviles. La presencia de infraestructuras y población en el medio rural hace que exista la posibilidad de dar otro tipo de servicios, como turismo o apoyo al transporte por carretera (por ejemplo un taller mecánico para reparaciones de urgencia).


title: Trashumancia

text: Los problemas enfrentados a nivel mundial tienen que ver con la intensificación del sector primario y con el envejecimiento y el abandono de las comunidades rurales. La búsqueda de una productividad más alta en detrimento de la calidad provoca el abandono de prácticas tradicionales. Esta tendencia es general cuando ocurre el desarrollo económico de los países, lo que provoca el abandono rural. Si a esto le sumamos el bajo prestigio social de la profesión ganadera tenemos como consecuencia un éxodo de las personas jóvenes del campo y un envejecimiento en la profesión por falta de relevo generacional. Lo grave de esta crisis por envejecimiento es que la trashumancia tiene una gran componente de aprendizaje tradicional de padres a hijos cuya cadena de transmisión, una vez rota, es irrecuperable.


title: Trashumancia

text: La trashumancia se suele clasificar sobre la base de su longitud o bien sobre la base de dónde está ubicado el núcleo principal de residencia de la población que la practica.


title: Trashumancia

text: En España, la trashumancia es el paso del ganado y sus pastores de las dehesas de verano a las de invierno, o viceversa. En España este movimiento de ganado se realiza mediante un sistema de caminos que reciben el nombre de "vías pecuarias" o "cañadas" en Castilla y León o Extremadura, "cabañeras" en Aragón y Navarra (donde también se usa el término vascuence de "ardebideak"), "azagadores" en la Región de Murcia y en la Comunidad Valenciana (donde también se usa el término en lengua valenciana de "assagadors"), "carrerades" en Cataluña, etc.


title: Trashumancia

text: Es un método extensivo de sistema agrario ya que se trabaja únicamente con ganado, sin parcelas, en grandes extensiones de terreno que van variando para no producir la desertificación por sobrepastoreo (único problema ambiental que presenta). La tecnología históricamente ha sido muy rudimentaria, ya que las explotaciones se encuentran lejanas a los pueblos, aunque en los últimos años se ha visto beneficiada por los avances en telefonía móvil y GPS. Históricamente trabajaban con el ganado para consumo propio, dado que el mayor valor añadido se obtenía de la venta de la lana. Este comercio daría origen a la Mesta. El Honrado Concejo de la Mesta lo creó el rey Alfonso X el Sabio en 1273. Era una organización ganadera que trataba de organizar los rebaños trashumantes. Esta organización no desapareció hasta el . La caída del precio de la lana en los últimos tiempos ha hecho que hoy en día la actividad sea sustentada por la venta de carne. El territorio es generalmente propiedad del estado y la fuente de energía utilizada es el fuego.


title: Trashumancia

text: Históricamente, la trashumancia en España se ha realizado a pie, pero a partir de mediados del se introduce el ferrocarril. Este comenzaría a ser a su vez substituido por el camión cincuenta años más tarde, pero la trashumancia aún era mayoritariamente realizada a pie hasta los años 1950.


title: Trashumancia

text: Recientemente, las localidades de Malpartida de Cáceres (Cáceres), Oncala (Soria) y Guadalaviar (Teruel) han creado museos dedicados a la trashumancia.


title: Trashumancia

text: También se denomina con este término al movimiento de colmenas de una localización a otra. La apicultura trashumante es la que realizan los apicultores que movilizan sus colmenas según un gradiente térmico que repercute sobre la floración de interés apícola (flora apícola), pudiendo ser este gradiente:


title: Tomahawk (hacha)

text: Un tomahawk es un tipo de hacha de guerra originaria de América. Su nombre se incorporó al lenguaje inglés en el siglo XVII como transliteración de la palabra "tamahaac" proveniente del idioma powhatan (algonquino de Virginia).


title: Tomahawk (hacha)

text: Fue una herramienta empleada tanto por indígenas americanos como por colonos europeos, a menudo también utilizada como arma arrojadiza o para el combate cuerpo a cuerpo. El material usado para la fabricación de las hojas fue progresivamente sustituido pasando del hueso y la piedra inicial al posterior hierro y bronce. Las hojas metálicas de los tomahawks se basaron originalmente en las hachas de la Royal Navy las cuales eran usadas como objeto de intercambio con los nativos americanos por comida y otras provisiones. El diseño británico a su vez derivaba de diseños usados siglos atrás por los vikingos.


title: Tomahawk (hacha)

text: El mango de un tomahawk moderno, tradicionalmente hecho de madera de carya, suele ser inferior a los 60 centímetros de largo. La cabeza, con un peso habitual de entre 250 gramos y un kilo, cuenta con un filo cuya longitud no acostumbra a superar los 10 centímetros. Ocasionalmente en la cabeza también puede implementarse una púa o un martillo situado en el lado opuesto al de la hoja cortante.


title: Tomahawk (hacha)

text: Algunos ejemplares ornamentados con grabados eran usados en rituales, a menudo tenían un orificio en la cabeza, que se prolongaba a través del mango, para fumar tabaco a través del tomahawk. Hay también ejemplares con cabeza metálica de estas inusuales pipas. Las pipas-tomahawk eran poderosos símbolos en los encuentros entre europeos y americanos: un extremo era la pipa de la paz. El otro, el hacha de la guerra.


title: Tomahawk (hacha)

text: El nombre proviene del Powhatan , derivado de la raíz proto-algonquina "*temah-" 'cortar con herramienta'. En algonquina cognada incluyen Lenape con , Malecite-Passamaquoddy con , i Abenaki con , todos los cuales significan 'hacha'.


title: Tomahawk (hacha)

text: Los diseños originales del tomahawk estaban equipados con cabezas de piedra afilada o redondeada o asta de ciervo.


title: Tomahawk (hacha)

text: Según Mike Haskew, el mango moderno del tomahawk suele tener menos de 61 cm de largo, y está hecho tradicionalmente de nogal, fresno o arce. Las cabezas pesan entre 260 a 570 g, con un borde cortante por lo general no mucho más largo de 10 cm desde la punta hasta el talón. La parte posterior de las cabezas pueden presentar un martillo, una púa o simplemente redondearse y, por lo general, no tienen orejetas. Desde la década de 1900 en adelante, estos a veces tenían un cuenco de pipa tallado en la columna y un agujero perforado en el centro del eje para fumar tabaco a través de la cabeza de metal. Los tomahawks de pipa son artefactos exclusivos de América del Norte: creados por europeos como objetos comerciales, pero a menudo intercambiados como obsequios diplomáticos. Eran símbolos de la elección que afrontaban los europeos y los nativos americanos cada vez que se encontraban: un extremo era la pipa de la paz y el otro un hacha de guerra.


title: Tomahawk (hacha)

text: En el territorio colonial francés, los colonos franceses y los pueblos indígenas usaban un diseño de hacha de guerra diferente, más cercano a la antigua francisca europea. A finales del siglo XVIII, el ejército británico entregó hachas de guerra a sus clientes habituales coloniales durante la Guerra de Independencia de los Estados Unidos como arma y herramienta.


title: Tomahawk (hacha)

text: Los Algonquinos en América temprana crearon el tomahawk. Antes de que los europeos llegaran al continente, los nativos americanos usaban piedras, afiladas mediante un proceso de tallado y picoteo, unidos a mangos de madera, asegurados con tiras de cuero. El tomahawk se extendió rápidamente desde la cultura algonquina a las tribus del sur y las Grandes Llanuras.


title: Tomahawk (hacha)

text: Cuando llegaron los europeos, se introdujo la hoja de metal a los nativos, lo que mejoró la eficacia de la herramienta. El metal no se rompía tan fácilmente como la piedra y podía fabricarse para usos adicionales. Los nativos americanos crearon una "cabeza de tomahawk", el lado opuesto a la hoja, que consistía en un martillo, una punta o un tubo. Estos se conocieron como tomahawks de pipa, que consistían en un cuenco en la cabeza y un eje ahuecado. Estos fueron creados por artesanos europeos y estadounidenses para el comercio y obsequios diplomáticos para las tribus.


title: Tomahawk (hacha)

text: Los tomahawks son útiles en escenarios de campamentos y bushcraft. Se utilizan principalmente como una alternativa a un hacha, ya que generalmente son más livianos y delgados que las hachas. A menudo contienen otras herramientas además de la cabeza del hacha, como púas o martillos.


title: Tomahawk (hacha)

text: Las modernas hachas de guerra fueron utilizadas por unidades seleccionadas de las fuerzas armadas de los Estados Unidos durante la guerra de Vietnam y se conocen como "hachas de guerra de Vietnam". Estos hachas de guerra modernas han ganado popularidad con su resurgimiento por parte de American Tomahawk Company a principios de 2001 y una colaboración con el fabricante de cuchillos personalizados Ernest Emerson de Emerson Knives, Inc. Un hacha de guerra de Vietnam con mango de madera similar es producido hoy por Cold Steel.


title: Tomahawk (hacha)

text: Muchas de estas hachas de guerra modernas están hechas de acero de aleación forjado en estampa y con tratamiento térmico diferencial. El tratamiento térmico diferencial permite que la parte cortada y la punta sean más duras que la sección central, lo que permite un cuerpo resistente a los golpes con un temperamento duradero.


title: Tomahawk (hacha)

text: El "lanzamiento de Tomahawk" es un deporte popular entre los grupos de recreación histórica de Estados Unidos y Canadá, y las nuevas artes marciales como Okichitaw han comenzado a revivir las técnicas de lucha de tomahawk utilizadas durante la era colonial. Los tomahawks son una categoría dentro del lanzamiento de cuchillos competitivo. Los hachas de guerra forjados a mano de hoy en día están siendo fabricados por maestros artesanos en todo Estados Unidos.


title: Tomahawk (hacha)

text: Las competiciones de tomahawk tienen regulaciones sobre el tipo y estilo de tomahawk utilizado para lanzar. Hay hachas especiales de lanzamiento hechas para este tipo de competiciones. Los requisitos tales como una longitud mínima del mango y un filo máximo de la hoja (generalmente 100 mm) son las reglas de competencia de lanzamiento de hachas de guerra más comunes.


title: Tomahawk (hacha)

text: Un soldado del ejército estadounidense lanza un hacha de guerra como parte de la competencia Top Tomahawk en la base de operaciones avanzada Spin Boldak en Kandahar.


title: Tomahawk (hacha)

text: Los tomahawks fueron utilizados por miembros individuales de la Brigada Stryker del Ejército de EE.UU. en Afganistán, el Equipo de Combate de la 172a Brigada Stryker con base en Grafenwöhr (Alemania), la 3a Brigada, la 2a División de Infantería de Fort Lewis , un pelotón de reconocimiento en el 2o Escuadrón 183 de Caballería ( 116° Equipo de Combate de la Brigada de Infantería ) ( OIF 2007-2008) y muchos otros soldados. El tomahawk recibió el número de inventario de la OTAN (4210-01-518-7244) y se clasificó como un "equipo de rescate de clase 9" como resultado de un programa llamado Iniciativa de campo rápido; también está incluido dentro de cada vehículo Stryker como el "juego de herramientas de entrada modular". Este diseño disfrutó de una especie de renacimiento con los soldados estadounidenses en Irak y Afganistán como herramienta y en uso en el combate cuerpo a cuerpo.


title: Tomahawk (hacha)

text: El tomahawk se ha ganado cierto respeto por parte de los miembros de varios equipos tácticos de fuerzas de seguridad (es decir, "SWAT"). Algunas empresas se han apoderado de esta nueva popularidad y están produciendo "hachas de guerra tácticas". Estas herramientas orientadas a SWAT están diseñadas para ser útiles y relativamente ligeras. Algunos ejemplos de "hachas de guerra tácticas" incluyen modelos en los que el eje está diseñado como palanca. Hay modelos con muescas de corte de línea / cuerda, cortes en la cabeza que permiten su uso como llave y modelos con cabezas anchas y pesadas para ayudar a abrir puertas.


title: Tomahawk (hacha)

text: No hay muchos sistemas en el mundo que enseñen habilidades de combate con el hacha o un hacha de guerra a los civiles. Sin embargo, un arte marcial conocido como Okichitaw enseña la lucha con hachas de guerra junto con otras armas indígenas como la daga de las llanuras, la lanza y el garrote de guerra de culata, en su mayoría basados en los principios de combate de las llanuras indias. En el siglo XXI, los hachas de guerra han aparecido de forma destacada en películas y videojuegos (por ejemplo, The Patriot ; Abraham Lincoln: Vampire Hunter; Bullet to the Head; Assassin's Creed III), lo que ha generado un mayor interés entre el público. Los Tomahawks se encuentran entre las armas utilizadas en el arte marcial filipino escrima.


title: Sereno (oficio)

text: Sereno era el encargado nocturno de vigilar las calles y regular el alumbrado público. En determinadas ciudades o barrios también debía abrir las puertas. Incluso en algunos países, anunciaba la hora y las variaciones atmosféricas. Era habitual que fuesen armados con una garrota o chuzo, y usasen un silbato para dar la alarma en caso necesario. Como oficio, existió en España y en algunos países de Sudamérica desde el siglo . En Perú se denomina serenazgo a su servicio.


title: Sereno (oficio)

text: En líneas generales y con ligeras variaciones según el país, era obligación de los serenos recorrer las calles de su demarcación protegiendo de robos y asaltos, evitando las peleas (incluso las domésticas), dar aviso de incendios y prestar auxilio a todo aquel que lo necesitara. En algunas ciudades se llamaban unos a otros por medio del silbato que llevaban o voceando contraseñas.


title: Sereno (oficio)

text: Primitivamente llevaban un chuzo (una especie de lanza corta compuesta por un palo con un pincho en la punta) y un farol. Más adelante y hasta el final llevaron solo un bastón recto, sin pincho y el farol ya no fue necesario cuando se popularizó el alumbrado público. Iban vestidos con un gabán azul y usaban gorra de plato.


title: Sereno (oficio)

text: Los primeros serenos se documentan en el año 1715, creándose el "Cuerpo de serenos" el 12 de abril de 1765, siendo más tarde incluidos en un Real Decreto del 16 de septiembre de 1834, donde se regulaba la función de los serenos en las capitales de provincia.


title: Sereno (oficio)

text: El nombre de Sereno viene de que iban por la calle cantando la hora y el tiempo atmosféricoː "Las once y sereno", "las dos y lluvioso", etcétera.


title: Sereno (oficio)

text: Mediado el siglo , el cronista Pedro Felipe Monlau describe así el capítulo de "Alumbrado y Serenos" en la ciudad de Madrid:


title: Sereno (oficio)

text: En España, la figura del sereno se conservó hasta 1977, siendo su tarea guardar las llaves de las casas de los vecinos y mantener el orden público.


title: Sereno (oficio)

text: En general, el oficio desapareció casi en su totalidad a finales del siglo XX, pero se recuperó la figura del sereno en algunas poblaciones españolas, como es el caso de Murcia en 2007, así como el "Programa de Serenos de Gijón", localidad perteneciente al Principado de Asturias, o de otro plan similar en el barrio madrileño de Chamberí.


title: Sereno (oficio)

text: En 2019 también se restauró la labor del sereno en Premiá de Dalt y en Santa Coloma de Gramanet ambas de la provincia de Barcelona y esta última con patrullas mixtas, instaurando también el papel de la serena.


title: Sereno (oficio)

text: En 2022 Cornellá de Llobregat incorpora un grupo de 4 hombres y 3 mujeres, para hacer las funciones de serenos. Son mayores de 45 años, en situación de paro, contratadas a través de planes de ocupación local y que han recibido formación específica en temas de mediación, civismo y comunicación. El servicio está bajo la supervisión del departamento de Protección Civil, en estrecha coordinación con la Guardia Urbana y los Mozos de Escuadra.


title: Lámpara

text: Las lámparas son dispositivos que transforman una energía eléctrica incluso química en energía lumínica. Desde un punto de vista más técnico, se distingue entre dos objetos: la lámpara es el dispositivo que produce la luz, mientras que la luminaria es el aparato que le sirve de soporte.


title: Lámpara

text: Según esta última definición, la luminaria es responsable del control y la distribución de la luz emitida por la lámpara. Es importante, pues, que en el diseño de su sistema óptico se cuide la forma y distribución de la luz, el rendimiento del conjunto lámpara-luminaria y el deslumbramiento que pueda provocar en los usuarios. Otros requisitos que deben cumplir las luminarias es que sean de fácil instalación y mantenimiento. Para ello, los materiales empleados en su construcción han de ser los adecuados para resistir el ambiente en que deba trabajar la luminaria y mantener la temperatura de la lámpara dentro de los límites de funcionamiento. Además, las luminarias que funcionan con electricidad, deben presentar una serie de características para la seguridad de los usuarios frente a los contactos eléctricos. Todo esto sin perder de vista aspectos no menos importantes como la economía o la estética.


title: Lámpara

text: Antes de la invención de la luz eléctrica, las lámparas eran recipientes que contenían un líquido oleoso, que se hacía arder por medio de una mecha. El descubrimiento de la mecha (fibra de material combustible sumergida en grasa) se pierde en la oscuridad de los tiempos (se usaba ya en el neolítico superior). Con este descubrimiento nace la lámpara primitiva, que se reducía a una escudilla de piedra con una ranura para la mecha, hecha de musgo y una empuñadura para mantener la mano lejos de la llama. De este tipo de lámparas se han hallado varios ejemplares del Neolítico. Estas lámparas de piedra siguen usándose por algunos pueblos primitivos como los esquimales aleutas de Alaska, usando como combustible aceite de ballena.


title: Lámpara

text: Los pueblos mediterráneos empleaban conchas marinas en el cuarto milenio a. de J.C. En los tiempos homéricos se colocaban sobre altos postes, braseros que se alimentaban con leña y astillas. Este tipo de brasero colgante se emplea en la India para ceremonias religiosas.


title: Lámpara

text: Las lámparas griegas y romanas tienen su origen en Egipto, el tipo más primitivo consiste en un recipiente más o menos circular, con un mango y decorado con rayas, palmetas y dibujos similares. Otras eran abiertas y se llenaba de aceite o de grasa y sobre su superficie flotaba la mecha (llamada "lamparilla"), generalmente perforando un material flotante (corcho) para mantenerla vertical.


title: Lámpara

text: La lámpara romana tenía dos orificios. El del centro era para rellenarlo de combustible y en diametral-mentalmente opuesto otro, generalmente en forma de pico, por el que salía la mecha. Se decoraban más elaboradamente, con imágenes mitológicas, con forma de animales o busto humano, recibiendo unas y otras el nombre de "lychnos" entre los griegos y "lucerna" entre los romanos.


title: Lámpara

text: Aunque en Oriente se daba preferencia a la vela, en la zona se desarrolló una lámpara de aceite en forma de plato con pie labrado.


title: Lámpara

text: Se conocen de todas las civilizaciones de la antigüedad y de variadísimas formas destacando por su número y perfección artística en su figura y relieves las griegas y las romanas. Las de barro cocido tienen la forma redonda u oval, con elegante asa y uno o más picos si están cerradas o con los bordes algo doblados u ondulados si son abiertas (siendo éstas generalmente fenicias), pero la de bronce presenta formas ondeadas o prolongadas con variedad de apéndices ornamentales y a veces con incrustaciones de plata u oro estando a menudo dispuestas para la suspensión ("lucerna pensil") con cadenillas. Las árabes, pequeñas, de bronce o de barro cocido, se distinguen por su elevación y su pico muy prolongado y ofrecen escaso gusto mientras que las de forma de gran vaso de bronce llevan múltiples adornos arabescos y rematan en cubiertas caladas que se suspenden de lo alto.


title: Lámpara

text: En la época bizantina se origina la más común, la de mecha flotante. La Iglesia primitiva y sus órdenes monásticas las usaban para estar encendidas permanentemente ante el sagrario, extendiéndose por toda Europa. Consistía en un recipiente de vidrio que se llenaba por debajo de agua, luego aceite sobre el agua y después una mecha de fibra que nadaba sobre el aceite. Desde el s. X al s. XIV estuvo reducido su empleo a las iglesias y establecimientos religiosos. El método más usado para la iluminación común era la vela. De las lámparas medievales, parecen ser una derivación las grandes lámparas del Renacimiento que aún hoy figuran en las iglesias: su enorme copa inferior no es más que el desarrollo del platillo que en la Edad Media se ponía debajo del vaso que contiene el aceite.


title: Lámpara

text: Las coronas luminosas empezaron a usarse en las catacumbas desde el y consistían al principio en aros suspendidos horizontalmente o montados en un pie esbelto, sobre los que se colocaban lucernas o velas. Se fueron complicando después y en el tuvieron su más grandiosa expresión en las célebres coronas de las iglesias de Hildesheim y de Reims (la de esta última, desaparecida) entre muchas otras.


title: Lámpara

text: Derivaciones de ellas son las arañas que en la Edad Media consistían en brazos cruzados horizontalmente o radiantes y suspendidos y en la época gótica se componían de brazos de bronce o de hierro cargados de adornos sobre todo en los siglos y de modo que soportasen una gran cantidad de velas. Con el empiezan las arañas fastuosas adornadas con numerosos colgantes de vidrio que en las más ricas llegan a ser de cristal de roca. Los vidrios de la araña tenían la misión de reflejar e irisar la luz, dando gran cantidad de matices y la sensación de aumentar la luz total emitida por las velas.


title: Lámpara

text: Poco cambiaron las lámparas hasta la invención del quinqué (o lámpara de Argand) por Argand, en 1780, y más tarde, la lámpara de queroseno, construida por un científico, Ignacy Lukasiewicz, en el año 1856.


title: Lámpara

text: Desde la invención de la lámpara-luminaria o lámpara de incandescencia, la electricidad es casi la única energía empleada en la iluminación y, por lo tanto, también en las lámparas y luminarias. El desarrollo de técnica de iluminación, además ha puesto en el mercado una serie de nuevas lámparas como las de descarga, el tubo fluorescente y sus derivadas, las compactas, o las led, que consumen menos energía para el mismo flujo luminoso, hasta el punto de que en muchos países se ha prohibido la fabricación de las incandescentes.


title: Lámpara

text: Hasta el , los combustibles más usados para lámparas variaban según la región, pues, como es lógico, se empleaban los más fáciles de encontrar, como la grasa de manteca de cerdo, el benceno, el canfeno, el aceite de colza, aceite de ricino y, en la zona mediterránea, el aceite de oliva.


title: Lámpara

text: En 1830, Reichenbach y el Dr. Christison inventaron el queroseno. Hacia 1870 la lámpara de petróleo o queroseno era casi de uso universal. En 1890 la mayoría de las ciudades tenían ya luz de gas y con la invención de la bombilla eléctrica, en el se modificó la iluminación de todos los pueblos.


title: Animaniacs

text: Animaniacs (Animanía en los doblajes para Hispanoamérica y España) es una serie de dibujos animados creada por Tom Ruegger, distribuida por Warner Bros. y producida por Amblin Television. La serie fue transmitida primero por Fox Kids entre 1993 y 1995, y luego por The WB como parte de su bloque infantil "Kids' WB" de 1995 a 1998. En Estados Unidos posteriormente se retransmitió por Cartoon Network, y por Nickelodeon. También se ha emitido a nivel internacional por diversos canales abiertos y de pago.


title: Animaniacs

text: "Animaniacs" fue la segunda serie producida por la colaboración de Steven Spielberg y Warner Bros. Animation durante el renacimiento de la animación de los años 1990. La primera serie del estudio, "Tiny Toon Adventures", fue un éxito entre las más jóvenes audiencias y también entre un gran número de televidentes adultos. Esta fue en gran parte inspirada por las caricaturas clásicas de Termite Terrace. Los escritores y animadores de la Warner Bros. utilizaron la experiencia que ganaron con la anterior serie para crear los nuevos personajes que fueron inspirados por las creaciones de Tex Avery. De esta forma, "Animaniacs" fue considerada la serie más vista de los 90, sobre todo por su humor adulto, lo que atrajo a un gran número de público de variadas edades, lo que lo hace muy reconocido y querido hasta el día de hoy .


title: Animaniacs

text: El humor de "Animaniacs" fue una transfusión de los recuerdos con payasadas , referencias a la cultura del momento, violencia animada y locuras. La serie incluyó una serie de segmentos educativos que abarca temas tales como historia, matemáticas, geografía, ciencias y estudios sociales. Es un programa de variedad, con secciones cortas en las que aparecen un gran número de personajes. La mayoría de los episodios están compuestos por tres pequeños mini-episodios protagonizados por una variedad de distintos personajes. A diferencia de "Tiny Toon Adventures", esta serie dedicó una mayor parte de sus segmentos a la música .


title: Animaniacs

text: "Animaniacs" contaba con un argumento muy parecido al de las caricaturas de la edad de oro de Hollywood, sobre todo por su parecido con Looney Tunes y Merrie Melodies.


title: Animaniacs

text: Algunos historiadores de las caricaturas afirman que "Animaniacs" fue como una segunda generación de Looney Tunes, otro grupo de personajes clásicos de la Warner (junto con Tiny Toons). El argumento de la caricatura se centraba en los hermanos Warner (Yakko, Wakko y Dot), quienes, según afirma la serie, fueron creados en el año 1930. En este año los estudios de la Warner Bros. estaban iniciando la producción de Looney Tunes y Merrie Melodies, y un gran grupo de personajes animados iban a ser los actores de Looney Tunes, la cual en esta época era en blanco y negro. En esta época los personajes no eran los de hoy .


title: Animaniacs

text: Junto con todos estos personajes, se habían creado a los hermanos Warner, y su hermana Dot, sin embargo, eran distintos a los otros Looney Tunes. Eran locos y estaban totalmente fuera de control. Su rasgo más característico era su incontrolable tendencia a hacer vandalismo y travesuras por los estudios, creando caos en cada lugar y haciendo perder la paciencia (y a veces incluso la cordura) a cualquier persona que se los encontrara. Debido a esto, los hermanos Warner fueron encerrados en el tanque de agua de los estudios para que nunca salieran e incluso las películas que los tenían como protagonistas fueron ocultadas para que ni siquiera mediante ellas se llegara a saber sobre ellos, siendo su existencia negada durante décadas. Es por esto que estos personajes tienen su cuerpo en blanco y negro.


title: Animaniacs

text: Muchos años después, en 1993, ellos logran escapar, y causan todo tipo de caos. Estos alocados personajes se ven involucrados en toda clase de aventuras o anécdotas locas y graciosas, así como en fábulas o mostrándolos en distintos hechos históricos reales, como en la guerra civil estadounidense.


title: Animaniacs

text: Se componía también, así como Looney Tunes, de otros argumentos para otros personajes. Para Pinky y Cerebro, el siempre querer dominar al mundo era su principal argumento. Para Slappy, conseguir comida o simplemente burlarse de sus enemigos (como Bugs Bunny). Para su sobrino Skippy, aprender sobre como ser una gran caricatura como su tía. Para Botones, salvar siempre a Mindy de todo tipo de peligros en los cuales ella no sale lastimada, pero él si. Para Los Palomos es realizar actos mafiosos. Para Rita y Roof, es verse involucrados en una mala situación por culpa del afán de Rita por tener un hogar, de los cuales siempre se terminan salvando.


title: Animaniacs

text: Los personajes tienen la voz de 5 temporadas al igual que en el último capítulo (película porque dura 1 hora)


title: Animaniacs

text: Debido al gran éxito de la serie, Tom Ruegger y Steven Spielberg decidieron producir otra serie con los personajes más exitosos, aparte de Yakko, Wakko y Dot: Pinky y Cerebro. Así fue como protagonizaron la serie "Pinky y Cerebro" que terminó al mismo tiempo que "Animaniacs", y tuvo 65 capítulos. Luego esta serie tuvo una secuela llamada "Pinky, Elmyra y Cerebro", donde los dos ratones eran encontrados por una niña (Elmyra) en una tienda de mascotas luego que el Laboratorio Acmé fuese clausurado, en esta secuela aún intentarían dominar el mundo.


title: Animaniacs

text: El elenco de personajes de "Animaniacs" tenía una variedad de inspiración, desde celebridades a los miembros de la familia de escritores de otros escritores. El productor ejecutivo, Steven Spielberg, dijo que la irreverencia en las caricaturas de Looney Tunes inspiró el elenco de "Animaniacs". La premisa general de "Animaniacs" y los hermanos Warner fueron creados por Tom Ruegger, quien también se le ocurrió el concepto y los personajes de Pinky y Cerebro. Ruegger fue también el productor sénior y líder creativo del espectáculo. La escritora Deanna Oliver contribuyó. El productor y escritor Sherri Stoner ha contribuido en gran medida a "Slappy Sqregopp" y "Pinky y Cerebro". Nicolás Hollander basa a "Katie Ka-boom" en su hija adolescente.


title: Animaniacs

text: Tom Ruegger modela la personalidad de los Warners en gran medida a la de sus tres hijos. Debido a que los Warners fueron retratados como estrellas de dibujos animados de la década de 1930, Ruegger y otros artistas para "Animaniacs" hicieron las imágenes de los Warners similares a personajes de dibujos animados de a principios de 1930. Los dibujos blancos y negros simples eran muy comunes en los dibujos animados de los años 1920 y 1930, como amigos, "El gato Félix", "Oswald el conejo afortunado", y las primeras versiones de "Mickey Mouse" y "Minnie Mouse".


title: Animaniacs

text: Tom Ruegger creó a Pinky y Cerebro después de haber sido inspirado por las personalidades de dos de sus colegas en los "Tiny Toons", Eddie Fitzgerald y Tom Minton. Ruegger pensó en la premisa de Pinky y Cerebro, cuando se preguntó qué pasaría si Minton y Fitzgerald trataran de apoderarse del mundo.


title: Animaniacs

text: Sherri Stoner creó a Slappy la ardilla cuando otro escritor y amigo de Stoner, John McCann, se burlaban de la carrera de Stoner en las películas de televisión que juegan adolescentes con problemas. Cuando McCann dijo en broma que Sherri estaría jugando con adolescentes con problemas cuando tenía cincuenta años de edad, Sherri desarrolló la idea de las características de Slappy como una persona mayor con una manera de actuar como un adolescente. Sherri Stoner le gusto la idea de un personaje de dibujos animados de edad.


title: Animaniacs

text: Los escritores y animadores de "Animaniacs", liderados por el productor sénior Tom Ruegger, utilizaron la experiencia adquirida en la serie anterior, "Tiny Toon Adventures", para crear nuevos personajes animados.


title: Animaniacs

text: "Animaniacs" permitió la escritura no restrictiva y abierta. Peter Hastings dijo que el formato de la serie tenía el ambiente de un show de comedia porque los segmentos de "Animaniacs" podrían variar ampliamente tanto en el tiempo y el sujeto.


title: Animaniacs

text: El trabajo de animación en "Animaniacs" fue realizado en diferentes estudios, tanto estadounidenses como internacionales, en el transcurso de la producción de la serie. Las empresas de animación incluyen "Tokyo Movie Shinsha" (ahora conocido como TMS Entertainment), "StarToons", "Wang Film Productions", "Freelance Animators New Zealand", y "AKOM", y la mayoría de los episodios de "Animaniacs" con frecuencia tenía la animación de diferentes empresas en respectivos segmentos de cada episodio.


title: Animaniacs

text: "Animaniacs" fue hecha con un valor de producción superior a la animación de la televisión estándar; el show tuvo un mayor recuento de celuloide que la mayoría de los dibujos animados de televisión. Los personajes de "Animaniacs" a menudo se mueven de forma fluida, y no tienen ninguna regularidad al "hablar", como en otros dibujos animados de televisión.


title: Animaniacs

text: "Animaniacs" era una caricatura muy musical, cada episodio tenía al menos una partitura original. La idea de una partitura musical original en cada episodio vino de Steven Spielberg. "Animaniacs" utiliza una orquesta de 35 piezas, y fue anotado por un equipo de seis compositores, liderados por el compositor Richard Stone como supervisor. El uso de la gran orquesta en la moderna animación de Warner Bros. comenzó con el predecesor de "Animaniacs", "Tiny Toon Adventures", pero Spielberg empujó para su uso aún más en "Animaniacs".


title: Animaniacs

text: "Animaniacs" tenía una variedad de tipos de música. Muchos canciones de "Animaniacs" eran parodias de música clásica o popular con letras educativas, como "Wakko's América", que figuran todos los estados de los EE.UU. y sus capitales. Otra canción, titulada "Los Presidentes", nombra a todos los presidentes de Estados Unidos (hasta Bill Clinton, debido a la fecha de producción) con la melodía de William Tell Overture (con una muy breve el uso de la melodía Dixie). Otra canción es la "Naciones del Mundo" con Yakko, teniendo la melodía de la "danza del sombrero mexicano" (la canción puede contener actualmente países que no aparezcan en el mapa de hoy en día, debido también a la fecha de producción).


title: Animaniacs

text: El humor de "Animaniacs" varia de tipos, que van desde la parodia a la violencia de dibujos animados. La serie hace parodias de programas de televisión y películas. En una entrevista, Spielberg defendió la "irreverencia" de "Animaniacs," diciendo que el elenco de "Animaniacs" tiene "un punto de vista". Spielberg también dijo que "Animaniacs" tiene "humor de comentario social y la irreverencia fueron inspirados por los hermanos Marx y los Looney Tunes. "Animaniacs", y otros espectáculos producidos por Spielberg, tenían una gran cantidad de violencia de dibujos animados"." Spielberg defendió la violencia en "Animaniacs" diciendo que la serie tenía un saldo tanto de segmentos educativos como humor violento, por lo que la serie nunca se volvería demasiado violento o "benigna". "Animaniacs" también hizo uso de frases, chistes y segmentos recurrentes, y el humor "adulto".


title: Animaniacs

text: "Animaniacs" también parodió programas y películas de televisión populares, además de la presencia de famosos caricaturizados. Entre los programas parodiados se encuentra "Power Rangers", "Friends" y "Seinfeld", en el caso de las películas esta "The Agony and the Ecstasy", "El jorobado de Notre Dame", "Bambi", "El rey león" y "La bella y la bestia".


title: Animaniacs

text: Antes de que "Animaniacs" fuese puesto en producción, diversos esfuerzos de colaboración y de intercambio de ideas fueron pensados para crear tanto los personajes como la premisa de la serie. Por ejemplo, las ideas que fueran expulsadas eran que Rita y Runt fueran los anfitriones de la serie, mientras los Warners serían unos pato que el productor sénior, Tom Ruegger, dibujó en sus años de universidad. Después de la creación de los personajes de la serie, esto todo era demostrado al productor ejecutivo, Steven Spielberg, quien decidiría qué personajes se harían en "Animaniacs" (aunque dos personajes, Buttons y Mindy, fueron elegidos por la hija de Spielberg).


title: Animaniacs

text: "Animaniacs" se estrenó el 8 de enero de 1993, en el bloque de programación Fox Kids de Fox, y siguió allí hasta el 8 de septiembre de 1995. Se emitieron 65 episodios en la primera temporada ya que estos episodios fueron ordenados por Fox a la vez. Mientras "Animaniacs" estaba en Fox, este saltó a la fama por su nombre y se convirtió en el segundo programa infantil más popular entre los niños de 2 a 11 años, y niños de 6 a 11 años, superando a "Mighty Morphin Power Rangers" (que comenzó ese mismo año). Los nuevos episodios fueron transmitidos por Fox hasta el episodio número 65 que salió al aire; Fox ordenó entonces que no habría más nuevos episodios, con la excepción de un corto, y cuatro episodios largos en la segunda temporada que se puso rápidamente en conjunto con las secuencias de comandos no utilizados durante el "Animaniacs" en el período de emisión por Fox. Después Fox emitió repeticiones de "Animaniacs" durante un año, luego "Animaniacs" cambió al nuevo bloque de programación de Warner Bros. para niños, Kids WB.


title: Animaniacs

text: La serie fue lo suficientemente popular para Warner Bros. Animation para invertir en episodios adicionales de "Animaniacs" más allá de la tradicional marca de 65 episodios para la emisión. "Animaniacs" se estrenó en el nuevo Kids WB, el 9 de septiembre de 1995 con una nueva temporada de 13 episodios. En ese momento, los personajes de dibujos animados más populares de la serie, "Pinky y Cerebro", se separaron de "Animaniacs" para tener su propia serie de televisión.


title: Animaniacs

text: "Animaniacs" logró reunir más de un millón de espectadores jóvenes cada semana. Sin embargo, "Animaniacs" fue solo un éxito de manera no intencionada con los espectadores adultos, cuando el sector demográfico de espectadores al que estaba destinado eran niños de corta edad. Este resultado no intencionado puso una presión en la red de WB con los anunciantes, provocando el descontento de la cadena WB hacia "Animaniacs".


title: Animaniacs

text: Poco a poco, las órdenes para nuevos episodios de "Animaniacs" fue disminuyendo e hizo que se realizaran temporadas cada vez más cortas, basándose en las secuencias de comandos de sobra e historia gráfica. La cuarta temporada tuvo ocho episodios, que en un principio serían 18 episodios, pero se redujo debido a la insatisfacción con Animaniacs.


title: Animaniacs

text: El capítulo 99, y último de "Animaniacs", fue transmitido el 14 de noviembre de 1998. Los segmentos de Animaniacs se mostraron junto con segmentos de otras caricaturas como parte de "The Cat&Birdy Warneroonie PinkyBrainy Big Cartoonie Show". El 21 de diciembre de 1999, Warner Bros. lanzó "El deseo de Wakko", una película directamente para vídeo protagonizada por los Warners. El diario "The Chicago Tribune" informó en 1999 que la producción de nuevos episodios de "Animaniacs" cesó y "El deseo de Wakko" era una más cerca de la serie. Animaniacs continúo formando parte de la barra Kids WB de The WB hasta el 2000.


title: Animaniacs

text: El productor Tom Ruegger explicó que en vez producir nuevos episodios, Warner Bros. decidió en su lugar utilizar el fondo de catálogo de episodios de "Animaniacs" hasta que "alguien reclama por más". Rugby dijo en ese momento el hiato era "temporal". Durante esta pausa, el equipo "Animaniacs" desarrolló "El deseo de Wakko".


title: Animaniacs

text: Después de "Animaniacs", Steven Spielberg colaboró con Warner Bros. Animation para producir una nueva serie que sería de corta duración, "Steven Spielberg Presents Freakazoid", junto con el spin-off de "Pinky y Cerebro", que era "Pinky, Elmyra y Cerebro", el cual terminaría siendo cancelado. Warner Bros. también produjo otras dos series animadas de comedia a finales de la década de los 90s titulada "¡Histeria!" y "Detention", que fueron de corta duración y sin éxito en comparación con las series anteriores. Más tarde, Warner Bros. redujo el tamaño de sus estudios de animación porque el espectáculo "Histeria!" pasó por encima de su presupuesto, y la mayoría de las futuras producciones de series animadas de comedia de la Warner Bros. terminaría cesando.


title: Animaniacs

text: El 30 de mayo de 2017 se anunció que Warner Bros. había estado trabajando junto con Amblin Television –compañía de Steven Spielberg– para traer de vuelta la serie animada. Se esperaba que Spielberg forme parte del proyecto.


title: Animaniacs

text: Después de esto, las pláticas comenzaron después de que la serie hiciera su debut en Netflix, donde tuvo una gran aceptación por parte de la audiencia. Sin embargo, el reboot aún no estaba totalmente confirmado, pero sin duda era un primer acercamiento al regreso de los hermanos Warner (Yakko, Wakko y Dot).


title: Animaniacs

text: El relanzamiento oficial de "Animaniacs" se estrenó el 20 de noviembre de 2020 por Hulu y ya no en Netflix cómo se tenía planeado.


title: Animaniacs

text: La serie se emitió en Estados Unidos por la cadena de televisión abierta Fox dentro del bloque Fox Kids desde 1993 hasta 1995. Después comenzó a emitirse en The WB dentro del bloque de programación infantil "Kids' WB" de 1995 a 1998. En la televisión por suscripción, se estrenó por Cartoon Network en 1997, aunque comenzaría a emitirse regularmente en 1998 y continuó emitiéndose hasta 2001, cuando fue trasladado a Nickelodeon, canal en donde se mantuvo hasta 2004. El canal Hub Network añadió al programa a su programación en 2013, hasta que fue cambiado a Discovery Family en 2014.


title: Animaniacs

text: En Latinoamérica, se emitió al nivel panregional por el canal de pago Warner Channel de 1995 a 2003. Cartoon Network lo emitió solo en 2018, previo al 25 aniversario del canal (a pesar de que nunca se había emitido regularmente en el canal). Tooncast, canal dedicado a la emisión de series antiguas de Cartoon Network, transmitió la serie desde 2016 hasta 2021.


title: Animaniacs

text: Por televisión abierta, Televisa adquirió los derechos de Animaniacs en México y lo estrenó por Canal 5 en 1994 y continuó en su programación hasta 1999. Se reemitió por el mismo canal en 2004, 2008 y 2010. En 2004, Galavision (hoy El NU9VE) emitió temporalmente la serie, esto debido al evento de los Juegos Olímpicos de Atena, ya que ocupaba gran parte de la programación de Canal 5. Diez años más tarde, TV Azteca compró los derechos de distribución de la serie en México y la estrenó por Azteca 7 el 15 de junio de 2020. Permaneció en su programación hasta el 11 de septiembre del mismo año, no obstante a mediados y finales de diciembre de 2021 la retransmitieron por motivo de las vacaciones invernales, actualmente se emite los viernes por la tarde. En Colombia, se estrenó en 1998 por Caracol Televisión, cadena que inició sus operaciones en ese mismo año. En Venezuela, Animaniacs se estrenó por Venevisión en 1994 y se emitió por dos años, hasta 1996, cuando Televen compra los derechos de la serie y la emite hasta 2012. En Perú, la serie debutó por ATV en 1995 y continuó emitiéndose hasta 1998. En 2010, Frecuencia Latina adquirió los derechos de Animaniacs y la emitió por dos años, hasta 2012. En Chile, la serie se transmite por primera vez por Megavisión de 1995 a 2003. Al año siguiente, en 2004, TVN compra los derechos de la caricatura y la transmite hasta 2006. En 2007, los derechos de distribución fueron vendidos a Albavisión, empresa que decide emitir la serie por Telecanal de 2007 hasta 2011.


title: Animaniacs

text: Cabe destacar que, aunque el estudio de doblaje haya adaptado el título de la caricatura como "Animanía", la serie fue y sigue siendo promocionada en todos los medios (sea televisión abierta, por suscripción o plataformas "streaming") bajo su título original.


title: Animaniacs

text: En España, la serie se estrenó primero por el canal de pago Canal+ en 1994 y se emitieron los primeros 52 episodios hasta 1995. Después, pasó a emitirse en abierto por TVE 1 en 1996 hasta principios de los años 2000. Se emitió también en abierto por Telecinco 2 desde su lanzamiento en 2008 hasta su cierre en 2009, y después por Factoría de Ficción entre 2009 y 2010. Cabe resaltar que en España se emitió tanto el doblaje para Latinoamérica (realizado por el estudio venezolano Etcétera Group) como un redoblaje de la serie también producido por Etcétera pero con modismos para España.


title: Animaniacs

text: En Puerto Rico, la serie se estrenó primero por Univision Puerto Rico (ahora Tele11) junto con Tiny Toon Adventures en 1994 y continuó en su programación hasta 2006.


title: Animaniacs

text: Durante su recorrido, "Animaniacs" se convirtió en el segundo programa infantil más popular en las demografías de niños de 2 a 11 y niños de 6 a 11. Mientras "Animaniacs" era popular entre los espectadores más jóvenes (el objetivo demográfico de los dibujos animados de televisión de Warner Bros.), los adultos también respondieron positivamente; en 1995, más de una quinta parte del día de la semana (a las 16:00 horas, de lunes a viernes) y el sábado por la mañana (20:00 horas) los espectadores de audiencia eran 25 años de edad o más. En Kids WB, "Animaniacs" logró reunir alrededor de un millón de espectadores jóvenes cada semana.


title: Animaniacs

text: "Animaniacs" se convirtió en un espectáculo de gran éxito, reuniendo a fanáticos jóvenes y adultos. La serie recibió calificaciones más altas que sus competidores y ganó hasta ocho Premios Emmy diurnos, un Premio Peabody, fue nominado 8 veces en los Premios Annie, y 3 veces en los Kids Choice Awards.


title: Animaniacs

text: "Animaniacs" pronto fue llevado a la industria de los videojuegos para producir juegos basados en la serie, teniendo un total de 9 juegos, estos eran:


title: Oryza sativa

text: Oryza sativa, comúnmente llamado arroz, es una especie perteneciente a la familia de las Poáceas (gramíneas), cuya semilla es comestible y constituye la base de la dieta de casi la mitad de la población mundial. Su nutriente principal son los hidratos de carbono, aunque también aporta proteínas (7%), minerales y, en estado natural, bastantes vitaminas.


title: Oryza sativa

text: Son plantas anuales; con tallos de 40–150 cm de alto. Vainas glabras; lígula de 7–30 mm de largo, glabra; láminas de 24–60 mm de largo y 6–22 mm de ancho, glabras. Las inflorescencias en panículas de 9–30 cm de largo, laxamente contraídas, las ramas inferiores con hasta 13 cm de largo, 1–3 juntas; espiguillas 7–10.9 mm de largo y 2.5–4 mm de ancho, oblongas; lemas estériles 1.5–4 mm de largo, lema fértil 7–10.9 mm de largo y 1.6–2.5 mm de ancho, escabrosa sobre y entre las nervaduras, sin arista o con una arista hasta 7 cm de largo; anteras 0.8–2.4 mm de largo, amarillas.


title: Oryza sativa

text: Comenzó a cultivarse simultáneamente en varios países hace más de 8 milenios. Dos especies de arroz se domesticaron, el arroz asiático ("Oryza sativa") y el africano ("Oryza glaberrima").


title: Oryza sativa

text: El cultivo de secano se introdujo en Japón y Corea aproximadamente en el 1000 a. C. El posterior arroz de inundación en agricultura intensiva fue en Corea entre 850 a 500 a. C., y pasó al Japón por los Yayoi sobre el año 300.


title: Oryza sativa

text: "O. sativa" se adaptó en el medio-este europeo y el Mediterráneo hacia el año 800. Los árabes lo llevaron a la península ibérica cuando la conquistaron en el 711. Después de la mitad del , el arroz llega a toda Italia y luego a Francia, propagándose a todo el continente durante las grandes exploraciones europeas. En 1694, el arroz arribó a Carolina del Sur, probablemente originario de Madagascar. Los españoles llevaron el arroz a Sudamérica a principios del .


title: Oryza sativa

text: Durante el periodo colonial en los Estados Unidos, en Carolina del Sur y Georgia creció vigorosamente el cultivo por esclavos venidos de Senegambia (África occidental). En el puerto de Charleston, entraron el 40 % de todos los esclavos norteamericanos. Los esclavos de esa región de África tenían el precio más alto, por reconocimiento de su gran saber acerca del cultivo del arroz, trabajando por ejemplo en plantaciones de Georgetown, Charleston, y Savannah. Por los esclavos, los dueños de los campos aprendieron a endicar las parcelas y periódicamente inundar los campos. Al principio, el arroz se trillaba a mano con hoces de madera, se colocaba en cestos de pasto dulce (lo hacían los propios esclavos). La invención de la cosechadora incrementó la productividad del cultivo, y el agregado de potencia hidráulica a los molinos en 1787 por Jonathan Lucas fue otra etapa de avance. El cultivo de arroz en el sudoeste de EE. UU. se hizo menos rentable al desaparecer la esclavitud después de la Guerra Civil de los Estados Unidos.


title: Oryza sativa

text: La producción mundial de arroz ha estado subiendo, como ilustra el crecimiento desde los 200 millones de t de arroz en 1960 a las 600 millones de t en 2004. El arroz refinado es el 68 % del arroz en peso. En 2004, los tres productores más importantes fueron China (31 % de la producción mundial), India (20 %), e Indonesia (9 %).


title: Oryza sativa

text: Los actores en el mercado mundial son diferentes respecto a los países productores, ya que solo el 6 % del arroz se comercializa internacionalmente. Los tres principales países exportadores son Tailandia (26 %), Vietnam (15 %), y EE. UU. (11 %), y los tres importadores más importantes son: Indonesia (14 %), Bangladés (4 %), y Brasil (3 %).


title: Oryza sativa

text: En el 2006 se produjeron 420 millones de toneladas de arroz a nivel mundial, pero solamente se comerciaron 25 millones.


title: Oryza sativa

text: En el CBOT (Chicago Board of Trade) se cotiza el futuro del "Paddy Rice" o "Rough Rice", bajo el indicativo (ticker) RR, siendo este un futuro para las variedades de grano largo. El valor de mercado es para la unidad de medida "C-Weight Americano" ("ver CWT"), que para traducirlo a una cotización en dólares por tonelada, hay que multiplicarlo por el factor 22,046226.


title: Oryza sativa

text: El arroz aporta 360 kcal (1510 kJ) cada 100 g, 79 % hidratos de carbono, 7 % proteínas y 1 % grasas. Aunque se están realizando nuevos sistemas de procesamientos industriales del arroz común descascarillado que preservan gran parte de los nutrientes mediante un tratamiento previo con vapor de agua, y también nuevas especies transgénicas que añaden nutrientes (por ejemplo desde 2000 existe arroz transgénico amarillo, arroz dorado, llamado así por poseer sus granos caroteno), el consumo en solitario -sin alimentos que le complementen adecuadamente- del arroz descascarillado provoca un déficit de gran parte del complejo vitamínico B que puede dar lugar a la enfermedad llamada beriberi.


title: Oryza sativa

text: Por otra parte el consumo muy frecuente de arroz descascarillado suele conllevar estreñimiento por su falta de contenido en fibra si esta no se aporta por otros alimentos.


title: Oryza sativa

text: La mayor parte de las vitaminas del arroz se suelen perder en gran proporción (hasta un -85 % de las vitaminas) con los procesos de refinado y pulido. Un método que disminuye la pérdida de vitaminas es el vaporizado del arroz.


title: Oryza sativa

text: El arroz es muy útil en caso de diarreas porque, formando parte de adecuadas formulaciones con agua y electrólitos, ayuda a que se reduzca esta y mejora la absorción de líquido.


title: Oryza sativa

text: El 16 de diciembre de 2002, la Asamblea General de la ONU declaró al 2004 como Año Internacional del Arroz. La declaración fue auspiciada por


title: Oryza sativa

text: Bangladés, Birmania, Bolivia, Brunéi, Burkina Faso, Camboya, Cuba, Chipre, Corea del Norte, Ecuador, Fiyi, Gabón, Granada (país), Guyana, India, Indonesia, Japón, Kazajistán, Kuwait, Kirguistán, Laos, Madagascar, Malí, Malasia, las Islas Marshall, Mauritania, Nauru, Nepal, Nicaragua, Níger, Nigeria, Papúa Nueva Guinea, Pakistán, Perú, Filipinas, San Vicente y las Granadinas, Singapur, Sri Lanka, Sudán, Tayikistán, Tailandia, Togo, Vietnam, y Zambia.


title: Oryza sativa

text: El arroz es un ingrediente fundamental de la cocina mediterránea. En la Comunidad Valenciana, las Islas Baleares y la Comunidad Murciana existen numerosas variantes de este plato, popularmente conocidos como paella. Así tenemos el arroz de langosta, arroz negro, arroz a banda, arròs brut, arroz con costra, arròs amb fesols i naps, arroz caldoso, arroz al horno, arrossejat, arroz huertano, arroz en caldero (típico del Mar Menor), etc.


title: Oryza sativa

text: En otras cocinas hispanoamericanas variantes de platos de arroz como el arroz a la cubana o el arroz con pollo, que se usa en la cocina casera de estos países. También está presente el arroz en la cocina del Caribe con exponentes como el Jambalaya de la cocina criolla de Luisiana.


title: Oryza sativa

text: El arroz con leche es un postre universal presente en multitud de culturas tanto europeas como asiáticas. El risotto es un plato típico italiano hecho preferentemente con arroz arborio o carnaroli. Inevitablemente presente en la cocina asiática y árabe, se encuentra en los arroces pilaf de la India, o como acompañante básico en las comidas chinas. Finalmente el Japón nos dio el Sushi que es un arroz cocido aderezado con vinagre de arroz, sal y azúcar, empleado como soporte de rodajas finas de pescado o marisco y otras tapas características de esta cocina. Se consume también el arroz integral, sin descascarillar, considerado algo más nutritivo. La densidad del arroz (seco, blanco y en grano) es ~ 0,9 g/cm³.


title: Oryza sativa

text: Principios activos: Almidón (75 %): compuesto básicamente por amilopectina (alfa-milosa) y beta-amilosa, albuminoides, vitaminas (B1 en la cáscara), proteínas (0,7 %), grasas, glutina, celulosa.


title: Oryza sativa

text: Indicaciones antidiarreico, demulcente, antiinflamatorio. En uso tópico empleado como vehículo de calor, es antiinflogístico, analgésico y facilita el drenaje de forúnculos y abscesos. El arroz integral, por su riqueza en fibra, se comporta como laxante e hipolipemiante. Arroz blanco, harina: Gastritis, diarreas, síndrome del intestino irritable, úlceras gastroduodenales, colitis ulcerosas, enfermedad de Crohn. Afecciones cutáneas, inflamaciones osteoarticulares, contracturas musculares, traumatismos, forúnculos, abscesos. Arroz integral: Estreñimiento, hiperlipidemias, prevención de la arteriosclerosis.


title: Cristián Warnken

text: Cristián Warnken Lihn (Santiago, 28 de enero de 1961) es un profesor de castellano, comunicador, activista político y conductor de televisión chileno.


title: Cristián Warnken

text: Célebre por haber creado y conducido durante más de una década el programa televisivo de corte cultural "La belleza de pensar" (primero en ARTV y luego en Canal 13 Cable), así como "Una belleza nueva" (continuación del programa original, esta vez en TVN). También creó y conduce varios programas radiales y podcasts; fue editor y director de periódicos culturales, y también se desempeña como columnista para diario "El Mercurio". Condujo el programa "El desierto florece", transmitido conjuntamente por Oasis FM y el sitio web OtroCanal.cl


title: Cristián Warnken

text: Actualmente conduce "Desde el jardín", espacio transmitido simultáneamente por radio Pauta y el sitio web Pauta.cl, en un esquema de conversaciones y monólogos con escritores, cineastas, poetas, políticos y otros invitados.


title: Cristián Warnken

text: Es hijo de Manuel Warnken Herrera y de María Angélica Lihn Carrasco. Por rama materna, es sobrino del poeta Enrique Lihn. Está casado con Danitza Pavlovic —hija del reconocido periodista Santiago Pavlovic—, con quien ha tenido seis hijos: Benjamín, Alonso, Mateo, Cristóbal, Samuel y Clemente.


title: Cristián Warnken

text: El 24 de diciembre de 2007, su hijo Clemente, de tres años, cayó a la piscina de su casa ubicada en Vitacura. El menor fue trasladado a la Clínica Alemana, donde finalmente falleció. Su cuerpo fue velado en la Iglesia El Bosque y sus funerales se realizaron al día siguiente. Tres días más tarde, Warnken publicó una carta titulada "Clemente" en "El Mercurio". Diez años después publicó el libro "Un hombre extraviado", dedicado a su hijo.


title: Cristián Warnken

text: En su trayectoria profesional ha sido profesor de castellano en colegios y universidades, y ha dirigido talleres literarios desde hace más de una década, principalmente en Santiago, pero también en Viña del Mar, donde en el verano de 2002-2003 realizó el primero de ellos, bajo el nombre de "La belleza de pensar". Sus talleres son apodados por él mismo "El barco ebrio", como el poema de Arthur Rimbaud. Actualmente dicta un seminario y un taller con el nombre de «Viaje a la palabra».


title: Cristián Warnken

text: Como escritor, es autor de varios monólogos poéticos; algunos han sido reunidos en "Las palabras del chamán en el fin de mundo".


title: Cristián Warnken

text: Por otra parte, posee una extensa carrera en radiodifusión: ha creado y conducido los programas "El desembarco de los ángeles", "Tan lejos, tan cerca" y "Club Fahrenheit", de Radio Concierto. Es, asimismo, creador y entrevistador del podcast "Desde el jardín".


title: Cristián Warnken

text: Como periodista, ha sido el editor y posteriormente director del "Noreste" (1985-2002), desaparecido periódico poético con influencias surrealistas; también dirigió "El Corazón", periódico de noticias cuyos protagonistas eran anónimos.


title: Cristián Warnken

text: Sus columnas escritas para el diario "El Mercurio" fueron reunidas 2008 en su libro "Aún no ha sido todo dicho". Asimismo, creó y participó también de la primera empresa de servicios poéticos del mundo "La Dicha Verdadera", que hacía actos poéticos a pedido.


title: Cristián Warnken

text: Desde fines de 2012 es director editorial de la Editorial UV ―de la Universidad de Valparaíso―, en cuyas colecciones de poesía y pensamiento se han publicado libros de Eduardo Anguita, Cecilia Casanova, Jaime Rayo, Rafael Rubio y César Vallejo, entre otros.


title: Cristián Warnken

text: En 2021 asume la conducción del programa de entrevistas "En Persona", transmitido conjuntamente por el canal Youtube del "Instituto Chileno de Administración Racional de Empresas" (ICARE) y EMOL TV.


title: Cristián Warnken

text: 1993-1994 "Usted Decide" Programa de capítulos unitarios en donde los televidentes de manera interactiva deciden el desenlace final de cada capítulo. Licencia del programa Você Decide de la cadena brasileña Rede Globo. Con la conducción de Juan Guillermo Vivado quien luego es reemplazado por Cristián Warnken, y con la participación como jurado del actor Gregory Cohen.


title: Cristián Warnken

text: Fue el creador y conductor del programa cultural de entrevistas "La belleza de pensar", transmitido durante más de diez años por la señal abierta de ARTV y producido por Canal 13. El programa se convirtió rápidamente en el referente intelectual de la televisión chilena. Artistas visuales, músicos, poetas, escritores, arquitectos, filósofos, dibujantes, astrónomos y científicos, fueron todos parte de conversaciones profundas, en las que, en una hora sin interrupciones comerciales, Warnken logra tocar diversos tópicos.


title: Cristián Warnken

text: Condujo una nueva versión del programa con el título de "Una belleza nueva", transmitido para señal abierta por Televisión Nacional de Chile (TVN) los domingos por la mañana, conservando el mismo formato del programa anterior. Inicialmente se transmitió los domingos a las 11:30 de la mañana, pero luego fue trasladado a las 9:00. El 6 de junio de 2013, tras dieciséis años de existencia, el tradicional espacio de entrevistas culturales y científicas realizado por Warnken llegó a su fin, luego que este se considerara humillado ante la propuesta de TVN de poner el programa a las 8:00. Gran parte de las entrevistas están disponibles en "Otro Canal", televisión por streaming independiente fundada en 2009 donde también se puede ver el programa radial (Oasis FM) de Warnken "El Desierto Florece".


title: Cristián Warnken

text: En febrero de 2022 fundó el movimiento "Amarillos por Chile", cuyo objetivo sería supervisar y criticar el desempeño de la Convención Constitucional para supuestamente evitar que aquella se excediera o apartara de sus atribuciones, poniendo en peligro el proceso de redactar una nueva Constitución que resulte beneficiosa para todo el país. Al colectivo han adherido más de 70 personalidades del mundo político, cultural y económico, y se sumó al "Rechazo" de la propuesta de Nueva Constitución, uniéndose a sectores que también se oponían al texto de la Convención Constitucional.


title: Oración en el huerto de Getsemaní

text: La Oración en el huerto de Getsemaní es un episodio de la vida de Jesús de Nazaret, presente en los cuatro Evangelios, que describe la angustia de Jesús antes de ser detenido y de empezar su llamada 'pasión' (sufrimientos).


title: Oración en el huerto de Getsemaní

text: Inmediatamente después de la Última Cena, Jesús se va a orar a un lugar identificado por Mateo y Marcos como el huerto de Getsemaní y por Lucas como Monte de los Olivos.


title: Oración en el huerto de Getsemaní

text: Según el Evangelio de Mateo, fue acompañado por los apóstoles Pedro, Juan y Santiago, a quienes pidió que oraran con él. Se separó "un poco hacia adelante" y, sintiendo una angustia y una tristeza agobiantes, rogó: ""Padre mío, si es posible, pase de mí esta copa; pero no sea como yo quiero, sino como tú quieres". Buscó apoyo en sus discípulos, pero estos se habían dormido. Jesús dijo: " ¿Así que no habéis podido velar conmigo una hora? Velad y orad, para que no entréis en tentación; el espíritu a la verdad está dispuesto, pero la carne es débil"." Entonces se alejó de nuevo y dijo: ""Padre mío, si no puede pasar de mí esta copa sin que yo la beba, hágase tu voluntad."" Viendo a los discípulos todavía dormidos, repitió esta oración por segunda vez. Finalmente, volvió cerca de donde estaban y les dijo: ""Dormid ya, y descansad. He aquí ha llegado la hora, y el Hijo del Hombre es entregado en manos de pecadores. Levantaos, vamos; ved, se acerca el que me entrega""El Evangelio de Lucas añade que, mientras Jesús oraba, "se le apareció un ángel del cielo que lo confortaba" y que, "pleno de angustia, su sudor parecía como gotas de sangre que cayeran hasta tierra."


title: Oración en el huerto de Getsemaní

text: Este episodio es seguido por el de la traición de Judas y el arresto de Jesús por parte del Sanedrín.


title: Oración en el huerto de Getsemaní

text: En la tradición católica, el sufrimiento de Jesús en el huerto es el primer misterio de dolor del rosario y la primera estación del Vía Crucis. Por otro lado, se sostiene que Cristo sudó sangre literalmente, y no en sentido figurado.


title: Música de Cuba

text: Por música cubana se entiende aquella música desarrollada en la isla de Cuba cuyo origen proviene de la música española (en 1492 Cristóbal Colón descubre la isla de en su primer viaje) y de los ritmos y cantos africanos traídos por los mismos, desde el . También puede señalarse cierta influencia asiática por el uso de la corneta china en la conga de los carnavales, un hecho que comenzó con la llegada de los primeros inmigrantes chinos a la isla. A partir de 1848 llegaron numerosos "culíes" chinos a Cuba y para 1874, año en que concluyó la contratación de trabajadores agrícolas de China, había en Cuba 132, 435 culíes.


title: Música de Cuba

text: Cualquier clasificación que se pretenda hacer de la música cubana dependerá más bien del grado de mezcla entre las influencias españolas y africanas que se descubran en ella, pues en realidad esta es el rico y complejo resultado creativo de estas dos fuentes, al que se ha adicionado históricamente la influencia de las más diversas culturas y tendencias musicales.


title: Música de Cuba

text: Cuba desarrolló una amplia gama de estilos musicales acriollados, basada en sus orígenes culturales españoles y africanos. Desde el , la música cubana ha gozado de enorme popularidad e influencia, constituyéndose como una de las formas más populares de música en el mundo.


title: Música de Cuba

text: La música de Cuba, incluyendo los instrumentos y las danzas, es en su mayor parte de origen europeo (español) y africano. La mayoría de las formas actuales son fusiones y mezclas de estas dos fuentes. Casi nada queda de las tradiciones indígenas originales.


title: Música de Cuba

text: Grandes cantidades de esclavos africanos y de inmigrantes europeos (principalmente españoles) vinieron a Cuba y trajeron sus propias formas de música a la isla. Esas danzas y músicas populares europeas incluían formas españolas como el zapateo, el fandango, el pasodoble y el retambico. Más tarde, otras formas de Europa como la gavota, el minué, la contradanza, el vals y la mazurca aparecieron entre los blancos urbanos. También hubo una importante inmigración de obreros chinos en el .


title: Música de Cuba

text: Fernando Ortiz, el primer gran folklorista cubano, describe las innovaciones musicales de Cuba como derivadas de la interacción (transculturación) entre los esclavos africanos que se asentaron en las grandes plantaciones de azúcar y españoles, como los habitantes de las Islas Canarias (y otras regiones de España) que cultivaron el tabaco en pequeñas fincas. Los esclavos africanos y sus descendientes crearon variados instrumentos de percusión y conservaron los ritmos que habían conocido en su patria.


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text: Los instrumentos más importantes fueron los tambores, de los cuales hubo originalmente unos cincuenta tipos diferentes; En la actualidad solo el bongó, las congas (o tumbadoras) y los tambores "batá" son vistos con regularidad (los timbales cubanos son descendientes de los timbales [kettledrums] de las bandas militares españolas). También son importantes las claves (dos trozos cilíndricos cortos de madera) y el cajón (una caja de madera hecha originalmente de tablas. Las claves todavía se utilizan a menudo, y los cajones se utilizaron ampliamente durante los períodos cuando fue prohibido el tambor. Además, existen otros instrumentos de percusión en uso para ceremonias religiosas de origen africano. Los inmigrantes chinos contribuyeron con la corneta china (o Suona), un instrumento chino de lengüeta de caña, todavía utilizado en las comparsas (grupos del Carnaval) de Santiago de Cuba.


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text: La gran aportación instrumental de los españoles fue la guitarra, pero más importantes aún fue la tradición de notación musical desarrollada en el continente europeo y las técnicas de composición musical. Los "Archivos de Hernando de la Parra" proporcionan alguna de la primera información disponible sobre la música cubana. Él informó sobre instrumentos como el clarinete, el violín y la vihuela. Hubo pocos músicos profesionales en aquellos momentos, y muy pocas de sus canciones sobreviven. Una de las primeras melodías es el "Son de la Ma Teodora" documentada por el músico y escritor Laureano Fuentes Matons en su libro "Las artes en Santiago de Cuba" publicado en 1893, supuestamente compuesta por Teodora Ginés hacia 1562, una esclava libre de Santiago de Cuba, que aparentemente adquirió fama por sus composiciones. Se dice que esta pieza es similar a las canciones españolas del .


title: Música de Cuba

text: La música cubana tiene sus raíces principales en España y África occidental, pero con el tiempo ha sido influida por diversos géneros de diferentes países. Entre estos se destacan Francia y sus colonias en Latinoamérica y los Estados Unidos.


title: Música de Cuba

text: La música cubana también ha influido considerablemente en otros países. Ha contribuido no solo al desarrollo del jazz y la salsa, sino también al desarrollo del tango argentino, el high-life ghanés, el afrobeat de África occidental, los géneros dominicanos de la bachata y el merengue, la cumbia colombiana y el flamenco español.


title: Música de Cuba

text: Las creencias africanas y sus prácticas ejercieron una poderosa influencia en la música de Cuba. La percusión polirrítmica es un elemento inherente de la música africana, así como el estilo de la melodía es parte de la tradición musical europea. También, en la tradición africana, la percusión siempre se encuentra asociada a la canción y al baile, así como a un ambiente social particular. Debido a la unión de culturas europeas y africanas, la mayor parte de música popular cubana ha sido el resultado de esa fusión. Esta transculturación de la vida cubana se ha llevado a cabo durante un largo período de tiempo, desde mucho antes del , y los elementos de las creencias africanas, la música y el baile se encuentran sólidamente integrados en las formas populares.


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text: Entre los compositores de fama mundial del género académico puede ser contado el compositor barroco Esteban Salas y Castro (1725-1803), quien pasó la mayor parte de su vida enseñando y componiendo música para la iglesia.


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text: Él fue sustituido en la Catedral de Santiago de Cuba por el sacerdote Juan París (1759-1845). París era un hombre excepcionalmente laborioso, y un compositor importante. Él se dedicó a estimular la realización de diversos y continuos eventos musicales.


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text: Aparte de la música rural y la música folklórica afrocubana, el género más popular de la música de baile criolla urbana en el S. XIX fue el de la contradanza, que comenzó como una forma local de la danza regional inglesa "country dance" y de su derivado, la "contredanse" francesa, así como de la contradanza española. Mientras muchas contradanzas fueron escritas para el baile, desde mediados de siglo varias fueron compuestas como piezas de salón ligeras para el piano. El primer compositor distinguido en ese estilo fue Manuel Saumell (1818-1870), quien es consecuentemente aclamado en ocasiones como el padre del desarrollo musical criollo cubano. En las manos de su sucesor, Ignacio Cervantes (1847-1905), la danza (como era más típicamente llamada hacia finales del S. XIX), consiguió aún mayor sofisticación en su lenguaje pianístico.


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text: «Después de la labor visionaria de Saumell, todo lo que quedaba por hacer era desarrollar sus innovaciones, las cuales influyeron profundamente en la historia de los movimientos nacionalistas musicales cubanos». Cervantes fue denominado por Aaron Copland como un Chopin cubano, a causa de sus composiciones para piano de estilo Chopinesco. La reputación de Cervantes descansa hoy casi únicamente en sus famosas cuarenta y una "Danzas cubanas", de las cuales Carpentier dijo que, «ocupan el lugar que las "Danzas noruegas" de [Edvard] Grieg o las "Danzas eslavas" de Dvórak ocupan en las tradiciones musicales de sus respectivos países. La ópera inconclusa de Cervantes, "Maledetto", ha sido largamente olvidada.


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text: En la década de 1840, la habanera emergió como una lánguida canción vocal con ritmo de contradanza. (Los no cubanos llaman a veces «habaneras» a las contradanzas cubanas). La habanera llegó a ser muy popular en España y otros lugares. La contradanza/danza cubana también ejerció una importante influencia sobre la danza puertorriqueña, que pasó a disfrutar de su propia carrera dinámica y distintiva a través de los años 1930. En Cuba, en la década de 1880, la contradanza/danza dio a luz al danzón, que efectivamente llegó a superarle en popularidad.


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text: Laureano Fuentes (1825-1898) provenía de una familia de músicos y escribió la primera ópera compuesta en la isla, "La hija de Jefté". Esta más tarde fue alargada y organizada bajo el título de "Seila". Sus numerosas obras abarcaron todos los géneros. Gaspar Villate (1851-1891) produce una abundante y amplia obra, toda centrada en la ópera. José White (1836-1918), un mulato de padre francés y madre Afro-cubana, fue un compositor y violinista de mérito internacional. Aprendió a tocar dieciséis instrumentos y vivió alternadamente entre Cuba, Hispanoamérica y Francia. Su obra más famosa es "La bella cubana", una habanera.


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text: Durante los años intermedios del , un joven músico estadounidense llegó a la Habana: Louis Moreau Gottschalk (1829-1869). Su padre era un empresario judío de Londres y su madre una criolla blanca de origen católico francés. Gottschalk fue criado por su abuela negra y su nodriza Sally, ambas de Saint Domingue. Fue un prodigio del piano que había escuchado y presenciado la música y el baile en Congo Square, Nueva Orleans desde su infancia. Su estancia en Cuba duró desde 1853 hasta 1862, incluyendo algunas cortas visitas a Puerto Rico y Martinica. Gottschalk compuso muchas piezas de estilo criollo, como la habanera "Bamboula, Op. 2 Danse de negres)" (1845), cuyo título se refiere a un tambor Afro-Caribeño; "El cocoye" (1853), basado en un tema popular cubano; la contradanza "Ojos criollos" ("Danse cubaine", 1859) y una versión de "María la O", que se refiere a un cantante mulato cubano. En estos números hizo frecuente uso de los típicos patrones rítmicos cubanos. En uno de sus conciertos de despedida él interpretó su "Adiós a Cuba", causando una gran ovación y gritos de ¡bravo! Lamentablemente, la partitura de esta obra no ha sobrevivido.


title: Música de Cuba

text: En febrero de 1860, Gottschalk produjo una gran obra en La Habana, llamada "La nuit des tropiques". En la ejecución de esa pieza él utilizó unos 250 músicos y un coro de 200 cantantes, además de un grupo del cabildo de negros de Santiago de Cuba que trajeron sus tambores para la representación. El presentó otro gran concierto al año siguiente, con nuevo material. Estos espectáculos empequeñecieron todo la anteriormente visto en la isla, y fueron sin duda inolvidables para los asistentes.


title: Música de Cuba

text: Entre finales del y comienzos del XX se destacan una serie de compositores que cultivaron tanto la música popular como la culta; en géneros que abarcan la canción popular y el lied de concierto, la música bailable, la zarzuela y el teatro vernáculo; así como la música sinfónica. Entre otros, debemos mencionar a Hubert de Blanck ((1856-1932); José Mauri (1856-1937); Manuel Mauri (1857-1939); José Marín Varona (1859-1912); Eduardo Sánchez de Fuentes (1874-1944); Jorge Anckermann (1877-1941); Luis Casas Romero (1882-1950) y Mario Valdés Costa (1898-1930).


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text: La obra de José Marín Varona enlaza la actividad musical de finales del en Cuba, con la de comienzos del .


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text: En 1896, el compositor incluyó en su zarzuela "El Brujo" la primera Guajira (música) cubana sobre la cual existe documentación.


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text: De esa obra dijo el compositor Eduardo Sánchez de Fuentes: "La sana crítica de un día acaso no muy lejano otorgrá al autor de la inmortal guajira de El brujo el lauro a que su talento indiscutible lo ha hecho merecedor en todos los tiempos"


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text: Gonzalo Roig (1890-1970), se convirtió en una fuerza creativa importante en la primera mitad del . Compositor y director orquestal, también se encontraba muy calificado en piano, violín y teoría de la composición. En 1922 fue uno de los fundadores de la Orquesta Sinfónica Nacional, la cual dirigió. En 1927 fue nombrado Director de la Escuela de Música de la Habana. Como compositor se especializó en la zarzuela, una forma de teatro musical muy popular hasta la Segunda Guerra Mundial. En 1931 fundó una empresa de teatro "Bufo" en el Teatro Martí de la Habana. Fue el compositor de la zarzuela cubana más conocida, "Cecilia Valdés", basada en la famosa novela homónima del sobre una mulata cubana, la cual fue estrenada en 1932. El fundó varias organizaciones y escribió con frecuencia sobre temas musicales.


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text: Uno de los más grandes pianistas-compositores cubanos del fue Ernesto Lecuona (1895-1963). Lecuona compuso más de 600 piezas, principalmente en el estilo cubano y fue un pianista de excepcional calidad. Él fue un prolífico compositor de canciones y música para cine y teatro. Su obra consistió principalmente en numerosas zarzuelas basadas en ritmos afrocubanos y cubanos, varias Suites y múltiples canciones que se convirtieron en estándares de la música latina. Estas incluyen "Siboney", "Malagueña" y "Andalucía". En 1942, su gran hit "Siempre en mi corazón" fue nominado para el Óscar a la mejor canción y perdió la competencia por la canción "White Christmas". La Orquesta Sinfónica de Ernesto Lecuona realizó el estreno de "Rapsodia Negra" de Lecuona en el Concierto del Día de Liberación Cubana en el Carnegie Hall, New York, el 10 de octubre de 1943.


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text: Aunque actualmente su música es raramente ejecutada en conciertos, Amadeo Roldán (1900-1939) y Alejandro García Caturla (1906-1940) revolucionaron la música sinfónica de Cuba durante la primera mitad del . Ellos representaron un importante papel en el Afrocubanismo, movimiento de la cultura cubana concentrado en los temas afro-cubanos, el cual se originó en los años 1920, y fue ampliamente analizado por Fernando Ortiz Fernández.


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text: Amadeo Roldán, nacido en París de una mulata cubana y un padre español, regresó a Cuba en 1919, y se convirtió en primer violín de la recién fundada "Orquesta Sinfónica de La Habana" en 1922. Allí conoció a Caturla, quien era segundo violín de la orquesta a los dieciséis años. Las composiciones de Roldán incluyen la "Obertura sobre temas cubanos" (1925), y dos ballets: "La Rebambaramba" (1928) y "El milagro de Anaquillé" (1929). A estas le siguieron una serie de "Rítmicas", "Poema negro" (1930) y "Tres toques" (marcha, ritos, danza) (1931). En "Motivos de son" (1934) él escribió ocho piezas para voz e instrumentos basados en los poemas de Nicolás Guillén con el mismo título. Sus últimas composiciones fueron "Dos Piezas infantiles" para piano (1937). Roldán murió joven, a los 31 años, de un cáncer facial desfigurante (él había sido un fumador empedernido).


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text: Después de sus días de estudiante, Alejandro García Caturla vivió toda su vida en la pequeña ciudad central de Remedios, donde se convirtió en abogado para apoyar a su creciente familia. Él tuvo relaciones con varias mujeres negras con las que tuvo once hijos, a los cuales él reconoció y apoyó. Su obra "Tres danzas cubanas" para Orquesta Sinfónica fue estrenada en España en 1929. "Bembé" fue estrenada en La Habana el mismo año. Su "Obertura cubana" ganó el primer premio en un concurso nacional en 1938. Él fue un hombre de gran nobleza y un ejemplo de músico universal, el cual combinó temas de la música clásica y folclórica con ideas musicales modernas. Caturla fue asesinado en 1934 por un joven tahur que debía ser condenado solo horas más tarde.


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text: El Grupo de Renovación Musical que fue fundado en 1942 bajo la dirección de José Ardévol, compositor catalán establecido en Cuba desde 1930, sirvió como plataforma a un grupo de jóvenes compositores para desarrollar un movimiento proactivo con el fin de mejorar y renovar literalmente la calidad del entorno musical cubano. Durante su existencia, desde 1942 a 1948, el grupo organizó numerosos conciertos en el Lyceum de la Habana con el objetivo de presentar sus composiciones de vanguardia al público en general y fomentar entre sus miembros el desarrollo de muchos futuros directores, críticos de arte, artistas y profesores. También comenzaron un proceso de investigación y revaluación de la música cubana en general, dando a conocer el trabajo sobresaliente de Carlo Borbolla y promoviendo las composiciones de Saumell, Cervantes, Caturla y Roldán. El Grupo de Renovación Musical incluyó a los siguientes compositores: Hilario González, Harold Gramatges, Julián Orbón, Juan Antonio Cámara, Serafín Pro, Virginia Fleites, Gisela Hernández, Enrique Aparicio Bellver, Argeliers León, Dolores Torres y Edgardo Martín.


title: Música de Cuba

text: Otros compositores cubanos contemporáneos que tuvieron poca o ninguna relación con el Grupo de Renovación Musical fueron: Aurelio de la Vega, Joaquín Nin-Culmell, Alfredo Diez Nieto y Natalio Galán.


title: Música de Cuba

text: Aunque en Cuba muchos compositores han cultivado tanto los estilos clásicos como los populares de la música, la distinción se hizo más clara después de 1960, cuando (al menos inicialmente) el régimen retiró el apoyo a la música popular y cerró la mayoría de los clubes nocturnos, mientras que apoyaba financieramente la música clásica, en lugar de los géneros criollos. Desde entonces, la mayoría de los músicos han mantenido sus carreras a un lado o el otro de esa línea invisible. Después de la revolución cubana en 1959, una nueva cosecha de músicos clásicos salió a la escena. El más destacado de estos es sin duda el guitarrista Leo Brouwer, quien ha realizado destacados aportes a la técnica y el repertorio de la guitarra clásica contemporánea, y ha fungido como director de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba. Como Director del Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC en la década de 1970, él fue un elemento importante en la formación y consolidación del movimiento de la Nueva Trova.


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text: Otros importantes compositores de los primeros años del período pos-revolucionario que comenzó en el año 1959 fueron: Carlos Fariñas y Juan Blanco (Compositor cubano), un pionero de la música concreta y la música electroacústica en Cuba.


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text: Siguiendo de cerca a la primera generación pos-revolucionaria, un grupo de compositores jóvenes comenzaron a atraer la atención del público que asistía a los conciertos de música clásica. La mayoría de ellos se habían graduado en prestigiosas escuelas fuera del país, gracias a las becas otorgadas por el gobierno, como Sergio Fernández Barroso (también conocido como Sergio Barroso), que recibió un diploma de pos-grado en la Academia Superior de Música de Praga, y Roberto Valera, que estudió con Witold Rudzinski y Andrzej Dobrowolski en Polonia. Debemos mencionar también a otros tres compositores que pertenecen a este grupo: Calixto Alvarez, Carlos Malcolm (Cuba) y Héctor Angulo.


title: Música de Cuba

text: En 1962 arriba a La Habana el compositor y profesor estadounidense Federico Smith, quien adoptó a Cuba como su propia patria y llegó a convertirse en uno de los músicos más destacados de su época, realizando una importante contribución al patrimonio musical cubano.


title: Música de Cuba

text: Durante principios de los setenta, un grupo de músicos y compositores, la mayoría de ellos graduados de la Escuela Nacional de Artes y el Conservatorio Municipal de la Habana, se reunieron alrededor de una organización creada recientemente por el Gobierno como la sección juvenil de la UNEAC (Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba), la Brigada Hermanos Saíz. Algunos de sus miembros fueron los compositores Juan Piñera (sobrino del reconocido escritor cubano Virgilio Piñera), Flores Chaviano, Armando Rodríguez Ruidíaz, Danilo Avilés, Magaly Ruiz, Efraín Amador Piñero y José Loyola. Otros compositores contemporáneos menos relacionados con la mencionada organización fueron: José María Vitier, Julio Roloff y Jorge López Marín.


title: Música de Cuba

text: Después de la revolución cubana (1959), muchos futuros compositores cubanos emigraron a una temprana edad y desarrollaron la mayor parte de sus carreras fuera del país. Dentro de este grupo cabe mencionar a los siguientes compositores: Tania León, Orlando Jacinto García, Armando Tranquilino, Odaline de la Martínez, José Raúl Bernardo, Jorge Martín (Compositor) y Raúl Murciano.


title: Música de Cuba

text: Durante las últimas décadas del y el comienzo del , una nueva generación de compositores surgió en el panorama de la música clásica cubana. La mayoría de ellos recibió una sólida educación musical proporcionada por el sistema de escuelas de arte oficiales, creadas por el gobierno cubano, y fueron graduados del Instituto Superior de Arte (ISA). Algunos de esos compositores son: Louis Franz Aguirre Ileana Pérez Velázquez, Keila María Orozco, Viviana Ruiz, Fernando "Archi" Rodríguez Alpízar, Yalil Guerra, Eduardo Morales Caso, Ailem Carvajal Gómez., Irina Escalante Chernova. y Evelin Ramón. Todos ellos han emigrado y actualmente viven en otros países.


title: Música de Cuba

text: Juan Blanco fue el primer compositor cubano que creó una pieza electroacústica en 1961. Esta primera composición "Música para danza", fue producida con un oscilador y tres grabadoras comunes. Como resultado de la escasez de recursos provocada por condiciones generadas a raíz del advenimiento de la Revolución Cubana, el acceso a la tecnología necesaria para producir música electroacústica fue siempre muy limitado para cualquiera que estuviera interesado en su utilización. Por ese motivo, no fue sino hasta 1969 que otro compositor cubano, Sergio Barroso, se dedicó a la creación de composiciones musicales electroacústicas.


title: Música de Cuba

text: En 1970, Juan Blanco comenzó a trabajar como asesor musical para el Departamento de Propaganda del Instituto Cubano de Amistad con los Pueblos (ICAP). En el desempeño de esa función, el creó música electroacústica para todos los materiales audiovisuales producidos por el ICAP. Después de nueve años de trabajo sin retribución, Blanco obtuvo finalmente financiamiento para la implementación de un estudio de música electroacústica que pudiera utilizar para la producción de sus obras. Blanco fue nombrado director del estudio, bajo la condición de que sería él solo quien lo usaría.


title: Música de Cuba

text: Después de algunos meses, y sin solicitar aprobación, Juan Blanco abrió el estudio a la utilización de todos los compositores que estuvieran interesados en trabajar con la tecnología electroacústica, creando de esta forma el Taller de Música Electroacústica del ICAP (TIME), donde él mismo proporcionó el entrenamiento necesario a los participantes. En 1990, el Taller cambió su nombre al de Laboratorio Nacional de Música Electroacústica (LNME), y su principal objetivo fue el de apoyar y promover la obra de los compositores cubanos de música electroacústica.


title: Música de Cuba

text: Algunos años más tarde, otro estudio de música electroacústica fue creado en el Instituto Superior de Arte (ISA). El Estudio de Música Electroacústica y por Computadoras (EMEC), llamado actualmente Estudio Carlos Fariñas de Arte Musical (Carlos Fariñas Studio of Musical Electroacoustic Art), se ha dedicado a proveer entrenamiento de composición electroacústica a los estudiantes durante el desenvolvimiento de sus carreras.


title: Música de Cuba

text: Después de 1970, algunos compositores cubanos como Leo Brouwer, Jesús Ortega, Carlos Fariñas y Sergio Vitier, comenzaron a crear obras electroacústicas, y en la década de los años 80, un grupo de compositores que incluía a: Edesio Alejandro, Fernando (Archi) Rodríguez Alpízar, Marietta Véulens, Mirtha de la Torre, Miguel Bonachea y Julio Roloff, comenzó a recibir instrucción y a trabajar en el estudio del ICAP. Una lista parcial de compositores cubanos que han utilizado la tecnología electroacústica incluye a: Argeliers León, Juan Piñera, Roberto Valera, José Loyola, Ileana Pérez Velázquez y José Ángel Pérez Puentes.


title: Música de Cuba

text: Los compositores cubanos que se radicaron fuera del país tuvieron un acceso más fácil y directo a la tecnología necesaria para producir obras electroacústicas que los compositores de la isla. Es por eso que la mayoría, si no todos aquellos que establecieron su residencia fuera de Cuba han trabajado con tecnología electroacústica. Podemos mencionar entre otros a Aurelio de la Vega, Tania León, Orlando Jacinto García y Armando Rodríguez Ruidíaz, entre otros.


title: Música de Cuba

text: La guitarra (tal como la conocemos hoy en día, o en alguna de sus versiones históricas) ha estado presente en Cuba desde el descubrimiento de la isla por España. Tan temprano como en el , un músico llamado Juan Ortiz, de la Villa de Trinidad, es mencionado por el famoso cronista Bernal Díaz del Castillo como «gran tañedor de vihuela y viola».


title: Música de Cuba

text: Un discípulo del famoso guitarrista Dionisio Aguado, José Prudencio Mungol, fue el primer guitarrista cubano entrenado en la tradición de guitarra clásica española. En 1893 él se presentó en un concierto muy elogiado en La Habana, después de su regreso desde España. Mungol participó activamente en la vida musical de La Habana y fue profesor en el conservatorio Hubert de Blanck.


title: Música de Cuba

text: Después de la Revolución Cubana de 1959, Isaac Nicola y otras profesoras como Marta Cuervo, Clara (Cuqui) Nicola, Marianela Bonet y Leopoldina Núñez pasaron a formar parte del sistema nacional de escuelas de música, donde un método unificado de enseñanza de la guitarra fue implementado. Este constituyó un núcleo para la posterior creación de una Escuela Cubana de Guitarra, a cuyo desarrollo contribuyó una nueva generación de guitarristas y compositores.


title: Música de Cuba

text: Quizás el más importante aporte a la técnica y el repertorio de la moderna Escuela Cubana de Guitarra haya sido el de Leo Brouwer (n. 1939), el nieto de Ernestina Lecuona, la hermana de Ernesto Lecuona. Brouwer comenzó sus estudios con su padre, y después de cierto tiempo continuó con Isaac Nicola. Realizó estudios autodidactas de armonía, contrapunto, formas musicales e instrumentación, antes de culminar sus estudios en la Juilliard School y en la Universidad de Hartford.


title: Música de Cuba

text: Desde la década de los años 1960, varias generaciones de intérpretes, profesores y compositores se han formado dentro de la Escuela Cubana de Guitarra en instituciones educacionales como la Escuela Nacional de Artes, y el Instituto Superior de Arte. Isaac Nicola dejó un legado fundamental como pedagogo formando a grandes guitarristas como Elías Barreiro, compositores como Leo Brouwer y pedagogos de la talla de Antonio "Biki" Rodríguez Delgado, quien a su vez ha formado a guitarristas de la talla de Ernesto y Marco Tamayo, Joaquín Clerch y Alí Arango. Otros guitarristas como Manuel Barrueco, un concertista de fama internacional, desarrollaron sus carreras fuera del país. Entre muchos artistas relacionados con la Escuela Cubana de Guitarra podemos mencionar a: Carlos Molina, Sergio Vitier, Efraín Amador Piñero y Flores Chaviano, así como también a: Armando Rodríguez Ruidíaz, Martín Pedreira, Lester Carrodeguas, Mario Daly, José Ángel Pérez Puentes y Teresa Madiedo. Un grupo más joven pudiera incluir a: Rey Guerra, Aldo Rodríguez Delgado, Pedro Cañas, Leyda Lombard, Ernesto Tamayo, Miguel Bonachea, Joaquín Clerch. y Yalil Guerra.


title: Música de Cuba

text: Después de su llegada a la isla de Cuba al final del , el pianoforte (llamado comúnmente piano) se convirtió rápidamente en uno de los instrumentos favoritos de la población. Junto con la humilde guitarra, el piano acompañó a las populares guarachas y contradanzas cubanas (derivadas de las Country Dances europeas) en los salones de fiesta y baile en La Habana, así como en todo el país.


title: Música de Cuba

text: Tan pronto como en 1804, el programa de un concierto en La Habana anunciaba un concierto de canto “acompañado al fortepiano por un distinguido visitante recién llegado”… y en 1832, Juan Federico Edelmann (1795-1848), reconocido pianista, hijo de un famoso compositor y pianista alsaciano, arribó a La Habana y ofreció un concierto muy exitoso en el Teatro Principal. Animado por la calurosa acogida, Edelmann decidió permanecer en La Habana y pronto fue nombrado a una importante posición en la Sociedad Filarmónica Santa Secilia. En 1836 él fundó una casa de música y compañía de ediciones musicales.


title: Música de Cuba

text: Uno de los más prestigiosos músicos cubanos, Ernesto Lecuona (1895-1963) comenzó a estudiar el piano con su hermana Ernestina y continuó con Peyrellade, Saavedra, Nin y Hubert de Blanck. Lecuona fue un niño prodigio que ofreció un concierto cuando solo tenía cinco años de edad en el Círculo Hispano. AL graduarse del Conservatorio Nacional le fue entregado el primer premio y la medalla de oro de su clase por decisión unánime de la cátedra. Lecuona es el compositor cubano más reconocido internacionalmente y sus contribuciones a la tradición pianística cubana son excepcionales.


title: Música de Cuba

text: Los representantes de la familia de las cuerdas frotadas se encuentran desde una etapa muy temprana en la historia de la música cubana, ya que durante el en la Villa de Trinidad, un músico llamado Juan Ortiz es mencionado por el cronista Bernal Díaz del Castillo como “gran tañedor de vihuela y viola”. La viola del renacimiento es el antecesor directo de los violines italianos modernos, los cuales comenzaron a popularizarse desde el .


title: Música de Cuba

text: El 8 de febrero de 1764 arribó a Santiago de Cuba Esteban Salas y Castro, el maestro de la nueva capilla de música recientemente fundada en la catedral. Esteban Salas contó para el desempeño de su oficio con un pequeño grupo vocal instrumental que incluía dos violines.


title: Música de Cuba

text: Después de la llegada a Santiago de Cuba, en 1793, de numerosos colonos que escaparon de la insurrección de los esclavos en Santo Domingo, “…un tal Karl Rischer y Madame Clarais, que habían traído consigo un clavicordio, fundaron una orquesta que se componía de: flautín, flauta, oboe, clarinete, trompeta, tres trompas, tres violines, viola, dos violoncellos y batería…”


title: Música de Cuba

text: Durante la transición del al XIX, el habanero Ulpiano Estrada (1777-1847) impartió clases de violín y dirigió la orquesta del Teatro Principal desde 1817 hasta 1820. Además de su actividad como violinista, Estrada mantuvo una carrera musical muy activa como director de numerosas óperas, dirigiendo diversas orquestas y bandas, así como componiendo numerosas contradanzas y otras piezas bailables, tales como minués y valses.


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text: José Vandergutch, violinista belga, arribó a la Habana junto con su padre Juan Vandergutch y su hermano Francisco, también violinistas. Estos regresaron más tarde a Bélgica, pero José estableció su residencia en La Habana donde alcanzó gran reconocimiento. Vandergutch ofreció a mediados del numerosos conciertos como solista y acompañado por diversas orquestas. El perteneció a la Asociación de Música Clásica y fungió también como director de la Asociación Musical de Socorro Mutuo de La Habana.


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text: En el universo del violín clásico cubano del se destacan dos Maestros que pueden ser considerados entre los más grandes virtuosos cubanos de todos los tiempos, estos son José White Lafitte y Claudio José Brindis de Salas.


title: Música de Cuba

text: Después de recibir las primeras lecciones de música de su padre, el virtuoso violinista cubano José White Lafitte (1835-1918) ofreció su primer concierto en Matanzas el 21 de marzo de 1854. En este concierto él fue acompañado por el famoso pianista y compositor estadounidense Louis Moreau Gottschalk, el cual lo animó para que continuara sus estudios en París, e incluso colectó dinero para que pudiera viajar a esa ciudad.


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text: José White estudió composición musical en el Conservatorio de París entre los años 1855 y 1871. A solo diez meses de su llegada obtuvo el primer premio en la categoría de violín del conservatorio, y fue muy elogiado por Gioachino Rossini. Más tarde, él fue profesor de los renombrados violinistas George Enescu y Jacques Thibaud.