title: Desnudo (género artístico)

text: Tras el despojamiento matérico del minimalismo, el arte conceptual renunció al sustrato material para centrarse en el proceso mental de la creación artística, afirmando que el arte está en la idea, no en el objeto. Incluye diversas tendencias, como el arte conceptual lingüístico, el "arte povera", el "body-art", el "land-art", el "bio-art", etc. También podrían enmarcarse en esta corriente diversos géneros de reivindicación social como el arte feminista y el arte homoerótico. En relación con el desnudo tiene especial relevancia el "body-art", movimiento surgido a finales de los años 1960 y desarrollado en los 1970, que tocó diversos temas relacionados con el cuerpo, en especial en relación con la violencia, el sexo, el exhibicionismo o la resistencia corporal a determinados fenómenos físicos, con artistas como Dennis Oppenheim, Stuart Brisley, el grupo del Accionismo vienés (Günther Brus, Otto Mühl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler), Youri Messen-Jaschin y Urs Lüthi.


title: Desnudo (género artístico)

text: El arte feminista ha tratado de reivindicar la imagen de la mujer como persona y no como objeto, incidiendo en su esencia tanto material como espiritual, y remarcando aspectos de su condición sexual como la menstruación, la maternidad, etc. Algunas de sus principales figuras han sido: Donna Haraway, Cindy Sherman, Judy Chicago y Jenny Saville.


title: Desnudo (género artístico)

text: Por oposición al denominado arte moderno, es el arte propio de la postmodernidad. Los artistas postmodernos asumen el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno: las vanguardias pretendían eliminar la distancia entre el arte y la vida, universalizar el arte; el artista postmoderno, en cambio, es autorreferencial, el arte habla del arte, no pretenden hacer una labor social. Entre los diversos movimientos postmodernos destacan la transvanguardia italiana y el neoexpresionismo alemán, así como el neomanierismo, la figuración libre, etc. Entre sus representantes han tocado el tema del desnudo artistas como Sandro Chia, Markus Lüpertz, Georg Baselitz, Rainer Fetting, David Salle, Eric Fischl y Miquel Barceló.


title: Desnudo (género artístico)

text: Además de en pintura y escultura, el desnudo también se ha desarrollado en otras artes, desde la danza y el teatro hasta nuevos medios y técnicas como la fotografía, el cine, la televisión y el cómic. En estos medios, especialmente desde el siglo XX, el desnudo suele estar vinculado al erotismo, que representa un fuerte reclamo a nivel comercial, por lo que ha sido profusamente utilizado por la publicidad. En estos medios se suele recurrir a actores y modelos físicamente atractivos, cobrando un gran auge en los últimos tiempos la demanda de imágenes de celebridades desnudas en el nuevo medio de comunicación de masas, internet. También han proliferado desde mediados del siglo XX las revistas eróticas, como Playboy, Penthouse y Hustler, que ofrecen imágenes de modelos desnudas y han supuesto un gran hito en la educación sexual de muchos adolescentes. Sin embargo, hay que remarcar que no todo el desnudo es erótico, y numerosos artistas han tratado el tema del cuerpo humano despojado de ropa como metáfora de la vulnerabilidad del cuerpo y la fragilidad de la vida.


title: Desnudo (género artístico)

text: La aparición de la fotografía supuso una auténtica revolución en el terreno de las artes plásticas, ya que por diversos procedimientos técnicos permitía a cualquier persona, aunque no tuviese formación artística, captar imágenes del natural de una forma mucho más realista que cualquier pintura. La fotografía moderna comenzó con la construcción del daguerrotipo por Louis-Jacques-Mandé Daguerre, a partir de donde se fueron perfeccionando los procedimientos técnicos para su captación y reproducción. Pese a ser una realización puramente técnica, pronto se vislumbró la artisticidad de este nuevo medio, pues la obra resultante podía ser considerada artística en cuanto suponía la intervención de la creatividad de la persona que capta la imagen, derivada de la labor de percepción, diseño y narratividad efectuada en la toma de la imagen. Así, pronto la fotografía pasó a ser considerada una de las artes, concretamente la octava. En el siglo XX se extendió notablemente su uso, ya que las continuas mejoras técnicas en cámaras portátiles permitían un uso generalizado de esta técnica a nivel amateur. Su presencia fue esencial en revistas y periódicos, asumiendo los medios de comunicación de masas un papel preponderante en la cultura visual del siglo XX.


title: Desnudo (género artístico)

text: Sin embargo, en el terreno del desnudo la fotografía encontró más trabas que en las artes tradicionales, donde era un tema frecuente y respetado por los medios académicos, principalmente por el realismo de sus imágenes, y por la connotación moral que suponía que una persona se desnudase para ser captada por la cámara. Esto llevó a la fotografía de desnudo a ser considerada meramente pornografía, y a ser relegada a circuitos clandestinos y convertirse en objeto de mercantilización. Prácticamente hasta el siglo XX no alcanzó la fotografía de desnudo un estatus de obra artística, especialmente gracias a numerosos creadores que la concibieron de forma estética y depurada de cualquier connotación sexual. En la fotografía de desnudo es importante el proceso de composición e iluminación, así como de retoque, para conseguir los efectos deseados, ya que por ser un medio intrínsecamente realista capta el cuerpo humano con todas sus imperfecciones, hecho aceptado por algunos artistas pero soslayado por otros, que prefieren mostrar una imagen más perfeccionada, derivada de los cánones estéticos que el desnudo ha procurado al arte desde el idealismo del arte clásico.


title: Desnudo (género artístico)

text: Desde sus inicios la fotografía estuvo estrechamente relacionada con la pintura, y muchos artistas empezaron a inspirarse en fotografías para elaborar sus obras: así, Eugène Delacroix llegó a confesar en su "Diario" que habían tenido mucha utilidad para su obra unas fotografías de desnudos masculinos realizadas por Jules-Claude Ziegler. El pintor romántico se basaba muchas veces en fotos para estudiar los detalles de las obras que iba a realizar, afirmando que «luces y sombras cobran su verdadero sentido, y dan el grado exacto de firmeza y de blandura». En el impresionismo, numerosos artistas se basaron igualmente en la fotografía, como Edgar Degas, Camille Pissarro o Pierre-Auguste Renoir. Alfons Mucha, uno de los mejores diseñadores e ilustradores del modernismo, dedicado especialmente al cartelismo y las artes gráficas, se basó a menudo en la fotografía para muchas de sus composiciones, empleando una enorme cámara de fuelle, con la que obtenía imágenes que le servían para sus realizaciones artísticas.


title: Desnudo (género artístico)

text: De forma recíproca, y en busca de una mayor artisticidad que otorgase categoría a sus obras, en la segunda mitad del siglo XIX muchos fotógrafos se basaron en técnicas artísticas para realizar muchas de sus composiciones, otorgando un cierto aire pictórico a sus obras, donde la composición y el juego de luces y sombras están inspirados en los grandes genios de la pintura. Por ello, esta corriente fue denominada fotografía academicista, con representantes como André Adolphe Eugène Disdéri, Émile Bayard, Eugène Durieu y Gaspard-Félix Tournachon.


title: Desnudo (género artístico)

text: Uno de los primeros fotógrafos en dedicarse con asiduidad al desnudo fue Félix-Jacques Moulin, quien en 1849 abrió una tienda en el barrio parisino de Montmartre y empezó a producir daguerrotipos de jóvenes señoritas en diversas poses. Sin embargo, en 1851 su trabajo fue confiscado, y fue sentenciado a un mes de prisión por el carácter «obsceno» de sus obras. Otro pionero del desnudo fotográfico fue Oscar Gustav Rejlander, que en 1857 realizó un trabajo alegórico titulado "Los dos caminos de la vida", cuyo objetivo es ofrecer un mensaje moral al mostrar el mal a la izquierda y el bien a la derecha, de forma más luminosa y donde se hallan la virtud, el trabajo y las buenas costumbres; sin embargo, dado que la imagen muestra una parcial desnudez provocó un escándalo social, siendo acusado de emplear prostitutas como modelos.


title: Desnudo (género artístico)

text: Otro terreno de representación desnudista fue el de la experimentación científica, siendo de relevancia los estudios de Eadweard Muybridge sobre el movimiento humano, a partir de una técnica denominada cronofotografía, que permitía captar el movimiento mediante sucesivas tomas instantáneas, experimentos que sirvieron de base para el posterior descubrimiento del cinematógrafo. Muybridge se dedicó a registrar los movimientos de los seres humanos y de los animales del zoológico de Filadelfia, publicando sus resultados en 1887 en el libro "Locomoción animal", que incluye desnudos como "Dos hombres desnudos luchando" y "Mujer bajando una escalera".


title: Desnudo (género artístico)

text: Entre finales del siglo XIX y el inicio de la Primera Guerra Mundial se desarrolló el pictorialismo (del inglés "picture", «imagen»), movimiento que pretendía reivindicar la fotografía como un medio artístico que requería de unas capacidades especiales —con especial énfasis en los valores intrínsecos de la fotografía como arte de pleno derecho—, alejándola del amateurismo. Estos artistas se distancian de la realidad para que sus tomas sean imágenes compositivas y no una mera reproducción del entorno físico, motivo por el cual buscan deliberadamente el desenfoque o efecto "flou", con una fuerte influencia del impresionismo. Algunos fotógrafos de esta corriente realizaron desnudos de indudable artisticidad, con lo que el desnudo fotográfico empezó a ser considerado un arte apartado de la simple pornografía, destacando Robert Demachy, muy conocido por las manipulaciones de sus obras proporcionándoles un acabado similar a las pinturas, y Alfred Stieglitz, primero en explorar la cualidad estética del estudio de fragmentos aislados del cuerpo humano. Los fotógrafos pictorialistas fueron los primeros que consiguieron introducir el desnudo fotográfico en exposiciones y eventos artísticos de importancia.


title: Desnudo (género artístico)

text: A principios del siglo XX, y en paralelo a las vanguardias artísticas, la fotografía pasó a ser un medio de innovación y experimentación artística, con nuevas técnicas y procedimientos como el fotomontaje. Uno de estos pioneros fue Man Ray, impulsor del dadaísmo y el surrealismo en Estados Unidos, que llegó a hacer fotografías sin cámara, poniendo objetos sobre la película y exponiéndolos unos segundos a la luz, creando imágenes ambiguas entre la figuración y la abstracción. Un ejemplo de esta experimentación con la luz es "Belleza ultravioleta" (1931). Una de sus obras más famosas es "Le Violon d'Ingres" (1924), donde retrató a su modelo y amante Kiki de Montparnasse en la postura de la célebre pintura "La bañista de Valpinçon" de Jean Auguste Dominique Ingres, pero sobreponiendo sobre la espalda desnuda de la modelo las efes de un violonchelo.


title: Desnudo (género artístico)

text: En relación con el expresionismo destacó el checo František Drtikol, especializado en el desnudo y el retrato. Influido por el romanticismo y el simbolismo, fue evolucionando hacia una mayor preocupación por el espacio y las posibilidades arquitectónicas de la luz. Emmanuel Sougez defendió los principios de la Nueva Objetividad, considerando la fotografía como un arte autónomo. Sus primeras fotografías tenían como tema principal la naturaleza muerta y el desnudo, empleando una estética austera y puramente fotográfica.


title: Desnudo (género artístico)

text: El desnudo masculino en la fotografía no ha sido tan habitual como el femenino, pero ha tenido una producción constante durante toda la historia de la fotografía, especialmente en relación con el arte homoerótico. El desnudo masculino no tenía en principio tanta aceptación como el femenino, considerado el paradigma de la belleza por la sociedad decimonónica, con una visión aún fuertemente machista de los roles sexuales, donde la posible sensibilidad hacia temas eróticos por parte de la mujer no era considerada. Uno de los pioneros fue Gaudenzio Marconi, que retrató hombres desnudos en poses imitadas de las grandes obras de arte, como "La Creación de Adán" de Miguel Ángel (1870) o "La edad de bronce" de Rodin (1877). Eugène Durieu también realizó fotografías con la intención de servir de modelos para los artistas, al estilo de las academias dibujadas. Otro tipo de fotografías eran las que tenían fines científicos, como los estudios de movimiento de Eadweard Muybridge, o los estudio etnológicos y del ámbito deportivo. Poco a poco estas fotografías fueron adquiriendo mayor artisticidad, y empezaron a aceptarse como productos estéticos, como se percibe en la publicación "Le Nu esthétique" (1902), de Émile Bayard. Entre finales del siglo XIX y principios del XX se desarrolló el desnudo masculino concebido plenamente como imágenes evocadoras de la belleza masculina, desarrollado por fotógrafos como Wilhelm von Gloeden, Wilhelm von Plüschow, Fred Holland Day, Vincenzo Galdi, etc. Tras la Primera Guerra Mundial comenzó el culto al cuerpo, poniéndose de moda el nudismo y la cultura física, los cuerpos musculosos y varoniles frente al efébico modelo de la fotografía artística anterior. Uno de los fotógrafos que mejor retrataron esta estética fue Kurt Reichert. Esta tendencia se acentuó tras la segunda contienda mundial, donde el culturismo puso de moda un cuerpo excesivamente musculado, que recibió el apodo "beefcake" («pastel de carne»), representado por fotógrafos como Bob Mizer y Bruce Bellas. Posteriormente, el desnudo masculino ha ido cobrando con el tiempo el mismo nivel de artisticidad y aceptación social que el femenino, al tiempo que ha ido adquiriendo cada vez mayor explicitud —como en el terreno de la erección, hasta entonces un tema tabú—, siendo practicado por fotógrafos del nivel de George Platt Lynes, Carl Van Vechten, Herbert List, Bruce Weber, Roy Blakey, etc. Uno de los más famosos y controvertidos ha sido Robert Mapplethorpe, dedicado especialmente al desnudo de hombres afroamericanos, con una obra de fuertes connotaciones sadomasoquistas.


title: Desnudo (género artístico)

text: En la actualidad, el desnudo artístico es plenamente aceptado en la sociedad occidental, y es frecuente su presencia en medios de comunicación, revistas y publicidad, con tres modalidades principales: el desnudo abstracto, el desnudo erótico y el desnudo deportivo; y tres sectores principales de aplicación: el desnudo puramente artístico, el desnudo publicitario y el desnudo editorial. Uno de los más afamados fotógrafos de la segunda mitad del siglo XX ha sido Helmut Newton, creador de un estilo propio, lleno de glamour y seducción, con bellas mujeres en ambientes lujosos, y una cierta tendencia hacia el fetichismo. Sus modelos suelen ser de complexión atlética, pero elegantes y sofisticadas, como se vio en su serie de "Big nudes" («grandes desnudos») de los años 1980.


title: Desnudo (género artístico)

text: Entre los años 1970 y 1980 destacó la obra de David Hamilton, arquitecto y decorador —fue director artístico de las revistas "Elle" y "Queen"— antes de iniciarse en la fotografía de forma amateur. En 1962 adquirió su primera cámara, una Minolta con objetivo de 50 mm, con la que desarrolló un estilo de fotografías de tono luminoso, algo desenfocadas, con colores suaves y un grano grueso —técnica que pasó a denominarse «atmósfera hamiltoniana»—, con una estética algo naïf, y preferencia por las tomas al aire libre, con especial predilección por los ambientes mediterráneos de la Costa Azul francesa. Sin embargo, su obra ha estado empañada por retratar en numerosas ocasiones a jóvenes adolescentes, presentadas en poses naturales y algo ingenuas. Director de cine además de fotógrafo, ha realizado películas como "Bilitis" (1977), "Laura" (1979) y "Tiernas primas" (1980).


title: Desnudo (género artístico)

text: Otros fotógrafos destacados de estos últimos años han sido: Peter Lindbergh, considerado como uno de los mejores fotógrafos de moda del mundo, uno de los creadores del fenómeno "top model" de la década de 1990; Herb Ritts, fotógrafo de modas especializado en fotos en blanco y negro y retratos de estilo similar a las escultura de la Grecia clásica; Jiří Růžek, especialista en desnudo artístico y glamour, con una sutil y delicada sensualidad cargada de erotismo; Helena Almeida, pintora y fotógrafa que incorpora pigmentos y materiales propios de las artes plásticas en sus obras, que suelen ser autorretratos; Nobuyoshi Araki, interesado por el sexo y la muerte, con una controvertida obra de fuerte naturaleza sadomasoquista; Narcis Virgiliu, con una obra de un cierto tono surrealista y abstraizante, con referencias a temas mitológicos —como los mitos de Sísifo y Pigmalión— o a la relación entre la vida y la naturaleza; Wacław Wantuch, autor de desnudos semejantes a esculturas, con un especial cuidado en la iluminación y buscando ángulos espectaculares; Misha Gordin, pionero del desnudo conceptual, con sorprendentes imágenes elaboradas en un cuarto oscuro tradicional con la técnica de enmascaramiento.


title: Desnudo (género artístico)

text: Cabe remarcar la labor de Spencer Tunick, conocido por sus fotografías de grandes masas de gente desnuda dispuestas en diversas localizaciones urbanas, variando la postura y disposición de las personas, generalmente voluntarios que acuden a un acto artístico concebido casi como una "performance" o instalación. Comenzó en 1992 fotografiando personas desnudas por las calles de Nueva York, pasando posteriormente a otros estados de Norteamérica, en su proyecto denominado "Naked States" («Estados desnudos»). Más tarde hizo una gira internacional, a la que denominó "Nude Adrift" («Desnudo a la deriva»). En 2003 llegó a fotografiar a 7 000 personas desnudas en Barcelona, un récord superado en 2007 en la Ciudad de México, con 19 000 participantes. Tunick convierte el cuerpo en parte integrante de la ciudad, del paisaje, buscando trascender la esencia de la materialidad humana, ya que la pérdida de la individuación en el grupo metamorfosea la corporeidad en una entidad superior, de orden espiritual, donde se desfetichiza el cuerpo desnudo, que se convierte en un vehículo para el arte.


title: Desnudo (género artístico)

text: El cine, técnica basada en la reproducción de imágenes en movimiento, surgió con el invento del cinematógrafo por los hermanos Lumière en 1895. Si bien en principio únicamente suponía la captación de imágenes del natural, como si fuese un documental, enseguida la cinematografía evolucionó hacia la narración de historias mediante la utilización de guiones y procesos técnicos como el montaje, que permitían rodar escenas y ordenarlas de forma que presentase una historia coherente. Con la incorporación de elementos tomados del teatro —proceso iniciado por Méliès—, el cine alcanzó un grado de auténtica artisticidad, siendo bautizado como el «séptimo arte».


title: Desnudo (género artístico)

text: El desnudo en el cine ha estado frecuentemente vinculado al cine erótico y pornográfico, aunque numerosas películas comerciales han presentado desnudos parciales o totales por «exigencias del guion» —como se suele decir eufemísticamente en el mundillo del cine—. Ya en los primeros años del nuevo arte, en el llamado «cine mudo», se hallan diversos casos sobre todo en la industria norteamericana de Hollywood: "Inspiración" (1915), fue el primer film no pornográfico que presentó escenas de desnudo, al que siguieron casos como "Hipócritas" (1915), "La hija de los dioses" (1916), "Volver al país de Dios" (1919), "La reina de Saba" (1921), "La señal de la cruz" (1932), "Ave del Paraíso" (1932), etc. Sin embargo, entre 1934 y 1960 el desnudo fue prohibido en Estados Unidos por el Código de producción cinematográfica, también conocido como Código Hays. Fuera de este código se encontraban las películas nudistas, concebidas para difundir este estilo de vida, aunque en numerosas ocasiones sirvieron de pretexto para mostrar desnudos de forma poco justificada; algunos ejemplos de este tipo de películas son: "El mundo desnudo" (1933), "El sinvergüenza" (1938), "Jardín del Edén" (1954), "Venus desnuda" (1958) y "La vida nudista" (1961).


title: Desnudo (género artístico)

text: "El inmoral Mr. Teas" (1959) de Russ Meyer, fue el primer largometraje no naturista que exhibía abiertamente la desnudez y, aunque fue calificado de pornográfico, dio origen a un género apodado "Nudies" o "Nudie-cuties", un precedente del fenómeno conocido como «destape», con películas como "Las aventuras de Lucky Pierre" (1961) y "Desnudo en la Luna" (1963). En los años 1960 surgió un género denominado "sexploitation", mezcla de sexo y violencia, con ejemplos como "Los rapiñadores" (1965), "Sexploiters" (1965), "Las chicas malas van al infierno" (1965) y "La agonía de amor" (1966). También en los 1960 comenzaron a surgir desnudos en películas corrientes del circuito comercial, tratados con mayor naturalidad, como en "Peeping Tom" (1960), que contiene la primera escena de desnudo femenino en una película de posguerra, a la que siguieron: "Promesas! Promesas!" (1963), "El prestamista" (1964), "Midnight Cowboy" (1969), "La naranja mecánica" (1971), etc.


title: Desnudo (género artístico)

text: En Europa, el desnudo en el cine tuvo una evolución paralela, con mayor o menor intervención de la censura o de la calificación de películas según los diversos países. El primer desnudo femenino integral fue protagonizado por la actriz Hedy Lamarr en la película "Éxtasis", dirigida por Gustav Machatý en 1933, que llegó a ser condenada por el papa Pío XI. Otros ejemplos de desnudo en el cine europeo son: "Era Lui, Si Si" (1951), "Verano con Monika" (1953), "Dispara sobre el pianista" (1960), "El desprecio" (1963), "El juego ha terminado" (1966), "Belle de jour" (1967) e "Isadora" (1968). "Mujeres enamoradas" (1969) generó polémica por mostrar unos desnudos masculinos frontales de una escena de lucha entre Oliver Reed y Alan Bates; Glenda Jackson ganó el premio de la Academia a la mejor actriz en la película, el primer actor que lo ganó por un papel que incluía escenas de desnudo. "El último tango en París" (1973), de Bernardo Bertolucci, fue una de las primeras películas de ámbito comercial en mostrar el desnudo sin tapujos, en paralelo a la revolución sexual propugnada por el movimiento "hippy", y propició el "boom" del cine erótico de moda entre los años 1970 y 1980, con películas como "Emmanuelle" (1974) e "Historia de O" (1975), de Just Jaeckin, "El imperio de los sentidos" (1976), de Nagisa Oshima, y "Calígula" (1979), de Tinto Brass.


title: Desnudo (género artístico)

text: En España, entre los años 1970 y 1980 se dio un curioso fenómeno sociológico conocido como el «destape», donde proliferaron escenas de desnudo —preferentemente femenino, pero también alguno masculino— casi sin ningún pretexto, simplemente por la demanda de este tipo de imágenes por un público que había recuperado la libertad tras la dictadura franquista y su férrea censura. La creación de la clasificación S para películas de "softcore" o porno blando, generó películas como "Deseo carnal", "Desnuda ante el espejo", "Eróticos juegos de la burguesía", "La orgía", "La visita del vicio", "Susana quiere perder eso", "Aberraciones sexuales de una mujer casada", "Atraco a sexo armado", "Con el culo al aire", "Viciosas al desnudo" o "La caliente niña Julieta". Estas películas hicieron famosos a actores de estilo cómico como Alfredo Landa, Andrés Pajares y Fernando Esteso, y convirtieron en mitos sexuales a actrices como Nadiuska ("Lo verde empieza en los Pirineos", 1973), Ágata Lys ("Último tango en Madrid", 1975) y María José Cantudo ("La trastienda", 1976, primera película española que mostró un desnudo integral).


title: Desnudo (género artístico)

text: Pasados los años en que el desnudo en el cine era motivo de escándalo y provocación, hoy en día su presencia es asumida con naturalidad, siendo frecuentes las películas donde el desnudo se muestra en escenas que así lo requieren, como las que transcurren en la naturaleza, o bien en el baño o en escenas de amor. Así, por ejemplo, "The Blue Lagoon" (1980), de Randal Kleiser, muestra el despertar del instinto sexual en dos jóvenes náufragos en una isla tropical, donde el desnudo es parte consustancial del entorno natural en que se mueven. "La bella mentirosa" (1991), de Jacques Rivette, muestra la relación entre un pintor y su modelo, que posa desnuda para él y le vuelve a motivar tras una etapa de falta de inspiración del artista. Igual ocurre en "Titanic" (1997), de James Cameron, donde Kate Winslet posa desnuda para que la dibuje Leonardo DiCaprio. Estas películas evidencian la estrecha relación entre el cine y el arte tradicional, que en el ámbito del desnudo artístico ha dejado realizaciones como "Las aventuras del Barón Munchausen" (1988), de Terry Gilliam, donde aparece Uma Thurman posando como la Venus de "El nacimiento de Venus" de Botticelli, o "Goya en Burdeos" (1999), de Carlos Saura, donde Maribel Verdú posa como "La maja desnuda" de Goya.


title: Desnudo (género artístico)

text: Así, en estos últimos años no es extraño encontrar escenas de desnudo en películas comerciales como "Splash" (1984, Ron Howard), "Nueve semanas y media" (1986, Adrian Lyne), "Basic Instinct" (1992, Paul Verhoeven), "Prêt-à-porter" (1994, Robert Altman), "Más allá de las nubes" (1995, Michelangelo Antonioni), "Showgirls" (1995, Paul Verhoeven), "Striptease" (1996, Andrew Bergman), "El abogado del diablo" (1997, Taylor Hackford), "The Full Monty" (1997, Peter Cattaneo), "Eyes Wide Shut" (1999, Stanley Kubrick), etc. En la actualidad, el desnudo es incluso una forma de cotización para actores y actrices, ya que es un fuerte reclamo para el público, existiendo la opinión de que uno de los factores del Óscar a la mejor actriz para Halle Berry por "Monster's Ball" (2001) fue su aparición desnuda en la película. Una de las películas con mayor número de desnudos colectivos —requirió 750 extras— ha sido "El perfume" (2006), de Tom Tykwer, donde en la escena final, en que el asesino va a ser ajusticiado, este esparce una fragancia que hipnotiza a todo el público asistente, que se pone a hacer el amor en una desenfrenada orgía que permite escapar al prófugo.


title: Desnudo (género artístico)

text: En España, tras los tiempos del destape el desnudo ha asumido la misma naturalidad que en el cine internacional, y es habitual en el cine comercial, con notables ejemplos como "¡Átame!" (1990), de Pedro Almodóvar, historia de un joven obsesionado por una actriz porno a la que secuestra, iniciando una tórrida relación donde el amor se junta con el odio; o "Lucía y el sexo" (2001), de Julio Medem, centrada en los recuerdos de una camarera que ha perdido al ser amado, y su relación con un escritor que escribe una historia parecida, donde el sexo es una forma de plasmar los pensamientos de la protagonista.


title: Desnudo (género artístico)

text: El desnudo masculino, si bien no tan frecuente como el femenino, también ha estado presente en numerosas producciones, practicado por actores como: Richard Gere ("American Gigolo", 1980), Arnold Schwarzenegger ("The Terminator", 1984), William Petersen ("To Live and Die in L.A.", 1985), Harvey Keitel ("Bad Lieutenant", 1992 y "The Piano", 1993), Sylvester Stallone ("Demolition Man", 1993), Bruce Willis ("El calor de la noche", 1994), Ewan McGregor ("Trainspotting", 1996), Edward Norton ("American History X", 1998), Kevin Bacon ("Juegos salvajes", 1998), Jude Law ("The Talented Mr. Ripley", 1999), Geoffrey Rush ("Quills", 2000), Christian Bale ("American Psycho", 2000), Ralph Fiennes ("Red Dragon", 2002), Viggo Mortensen ("Eastern Promises", 2007), Willem Dafoe ("Anticristo", 2009), Billy Crudup ("Watchmen", 2009), etc.


title: Desnudo (género artístico)

text: El desnudo es también un recurso habitual en artes escénicas como el teatro y la danza, especialmente desde mediados del siglo XX. En estas formas artísticas el cuerpo tiene una especial relevancia, ya que es transmisor por sus gestos y movimientos de una gran cantidad de expresiones y sentimientos. En el teatro, donde se escenifica un relato o drama literario, el desnudo puede estar justificado —como en el cine— por el guion, en escenas en el ámbito doméstico o cualquier situación que lo requiera. El desnudo teatral ha cobrado un gran auge en estos últimos tiempos gracias al teatro experimental y a la influencia del "happening" y la "performance", espectáculos que por su representación ante un público tienen un fuerte componente teatral. En tales casos se utiliza la desnudez como forma de provocación, de impactar al público, de poner en tela de juicio los convencionalismos sociales. Así se pone de manifiesto, por ejemplo, en el «teatro pánico» elaborado por Fernando Arrabal, que en obras como "Striptease de los celos" utiliza el desnudo como elemento simbólico.


title: Desnudo (género artístico)

text: Sin embargo, el desnudo ha llegado también al teatro clásico, en casos como el papel de Desdémona representado por la actriz Sarah Stephenson en el montaje del "Otelo" de Shakespeare efectuado en el Mermaid Theatre de Londres en 1971. En 2007 se produjo una gran polémica por la aparición de Daniel Radcliffe —el famoso actor de la serie de películas "Harry Potter"— desnudo en la obra "Equus", dirigida por Peter Shaffer en el Teatro Gielgud de la capital inglesa. Radcliffe insistió en que el desnudo era solo un elemento más en la obra y que había tomado el desafío porque le parecía un gran reto que podría ser muy enriquecedor para él como actor. La obra consiguió un enorme éxito, tanto de público como de crítica.


title: Desnudo (género artístico)

text: En la danza, el desnudo cobra un especial significado, ya que es una forma de expresión del cuerpo humano, que es el instrumento del que se sirven los bailarines para mostrar su arte. Las técnicas de danza requieren una gran concentración para dominar todo el cuerpo, con especial hincapié en la flexibilidad, la coordinación y el ritmo. En la antigua Roma era frecuente que las bailarinas se desnudaran, especialmente en las fiestas saturnales y lupercales, siendo prueba de su éxito el que nos hayan llegado algunos nombres de estas bailarinas, como Taletusa y Cíteris.


title: Desnudo (género artístico)

text: En el siglo XX se han buscado nuevas formas de expresión basadas en la libertad del gesto corporal, liberado de las ataduras de la métrica y el ritmo, cobrando mayor relevancia la autoexpresión corporal y la relación con el espacio. Isadora Duncan fue una de las principales promotoras del desnudo en la danza, bailando en numerosas ocasiones semidesnuda o con finas telas transparentes, como se podía constatar en los vasos y cerámicas de la antigua Grecia, con la pretensión de romper con el academismo y la rigidez del ballet clásico. Desde entonces la desnudez en la danza contemporánea ha oscilado según la época, apareciendo en tiempos de libertad y aperturismo social, y retrayéndose en períodos de moral más puritana. En tiempos modernos el cuerpo desnudo ha sido utilizado por coreógrafos como Jan Fabre, Daniel Léveillé, Maureen Fleming, Lia Rodríguez, Alban Richard, Eléonore Didier, Anna Ventura, Kataline Patkaï, Jesús Sevari, Cecilia Bengolea y la española María Ribot.


title: Desnudo (género artístico)

text: El desnudo ha ido cobrando relevancia en la danza especialmente desde los años 1960, concebido como la más pura forma de expresión del cuerpo. Si en los 60 estaba en consonancia con la liberación sexual, en los años 1980 tuvo cierto cariz de reivindicación política, mientras que en la actualidad es una mera elección estética, donde la piel tiene la misma validez que el vestuario. Para la historiadora Rose Lee Goldberg, la desnudez sería una reacción contra la excesiva tecnificación de los medios audiovisuales, afirmando que «es como si cada tanto necesitáramos recordar que la coreografía tiene que ver con el cuerpo».


title: Desnudo (género artístico)

text: Si bien en la actualidad es frecuente la desnudez en la danza, hace unos años era un tema incómodo incluso para coreógrafos innovadores como Merce Cunningham, que en su ballet "Rain Forest" (1968), donde colaboró con el artista "pop" Andy Warhol, frente a la sugerencia de este de que los bailarines actuaran desnudos, decidió utilizar mallas de color piel, que en algunas escenas estaban cortadas para dar la sensación de arañazos en la piel. En 1970 Yonne Rainer presentó en el Judson Flag Show a bailarines desnudos bajo banderas estadounidenses, que generó una gran polémica. Pero poco a poco la desnudez fue ganado terreno: en los 80, la compañía Dancenoise, formada por Lucy Sexton y Anne Iobst, utilizó la desnudez como una herramienta integral, junto a una estética "punk" y otros elementos de gran impacto, como la sangre, en espectáculos cercanos a la "performance". Para Sexton, «la desnudez enseguida se convierte en vestuario, y ésa es la naturaleza de estar desnudo en el escenario: hay un momento inicial en que se abre la puerta y cae algún tipo de barrera entre el artista y el público. Ellos están nerviosos y excitados y al artista le pasa lo mismo, y se elimina algún tabú social».


title: Desnudo (género artístico)

text: Otros trabajos donde la desnudez tiene un papel protagonista han sido: "Glory", de Jeremy Wade, un dúo desnudo que presenta a los bailarines arrastrándose y retorciéndose por el suelo, como signo de vulnerabilidad; "Giant Empty" y "Excessories", de Miguel Gutiérrez, donde los artistas se tocaban los pechos y los penes, como muestra de objetuación del cuerpo; "Michael", de Ann Liv Young, donde el desnudo es una metáfora de autenticidad, de naturalidad del cuerpo; o "NOVA", de Rose Anne Spradlin, donde unos bailarines rasgan con tijeras la ropa a otros hasta dejarlos desnudos.


title: Desnudo (género artístico)

text: Una variante escénica donde cobró gran relevancia el desnudo —especialmente desde inicios del siglo XX— fueron los espectáculos de cabaret, burlesque, vaudeville y revue, espectáculos generalmente nocturnos que suelen combinar música, danza y canción —pero que puede incluir también la actuación de humoristas, ilusionistas, mimos y muchas otras artes escénicas—, desarrollado en salas como los famosos Moulin Rouge y Folies Bergère de París, donde estrellas como Linopovska y Pouliguen triunfaron con tan solo mostrar sus desnudos integrales. Fue en los espectáculos de burlesque y cabaret donde aparece el drag y el transvestismo como elemento artístico en las representaciones dramáticas, y donde se representaron las primeras pantomimas o ""pantomimes"" con dichos elementos. En este tipo de espectáculos triunfaron estrellas como Loïe Fuller, Cléo de Mérode y Joséphine Baker, que se hizo famosa al bailar el charlestón con solo un cinturón de bananas.


title: Desnudo (género artístico)

text: Espectáculos como el cabaret pusieron de moda el estriptis, una forma de baile en que la persona ejecutante se va quitando la ropa sensualmente ante los espectadores, donde la delectación estética se encuentra en el hecho de desnudarse con movimientos sensuales y sugerentes, y no en la propia desnudez. Este tipo de espectáculo hizo famosa a la célebre Mata Hari a principios del siglo XX, mientras que en la actualidad ha lanzado al estrellato a figuras como Dita Von Teese y Chiqui Martí, defensora del estriptis como arte, para lo que ha acuñado el término "strip-art". Igualmente, el estriptis ha sido un recurso frecuentemente utilizado por el cine, como el de Brigitte Bardot y Jeanne Moreau en "Viva María!" (1965), Sophia Loren en "Ayer, hoy y mañana" (1964), Kim Basinger en "Nueve semanas y media" (1986) y Demi Moore en "Striptease" (1996).


title: Desnudo (género artístico)

text: El desnudo se encuentra presente, además de en los medios artísticos tradicionales, en infinidad de otros medios de reproducción audiovisual, como la televisión, la publicidad, las revistas y demás medios editoriales, el cómic o, más recientemente, internet. La representación de desnudos dentro de películas y televisión ha generado polémica durante mucho tiempo. La desnudez integral ha tenido mucha más aceptación en el cine y la televisión europeos, donde —en contraste con sus homólogos estadounidenses— la audiencia percibe en general el desnudo y la sexualidad como algo menos censurable que la violencia, otro de los factores frecuentemente criticados en las producciones audiovisuales. Sin embargo, el desnudo en un contexto sexual no pornográfico ha quedado en muchos países europeos en el filo de lo que es socialmente aceptable para espectáculos públicos, a pesar de que esta situación fue liberalizada a finales del siglo XX: en la década de los 70 las series de televisión australianas "Number 96" y "The Box" incluían desnudos regularmente, y en los Países Bajos el desnudo ha sido mostrado en programas de debate como "Jensen!" y "Giel", presentados por Giel Beelen.


title: Desnudo (género artístico)

text: Las emisoras de televisión y la mayoría de las compañías de cable en los Estados Unidos han sido más reticentes a mostrar desnudos en la mayoría de los casos, siendo una excepción la PBS. Algunas series en la década de los 90, como por ejemplo "NYPD Blue", han utilizado ocasionalmente desnudos parciales, tanto de hombre como de mujer. Cuando se transmiten en televisión, las películas teatrales que contienen desnudos normalmente se emiten con esas escenas cortadas, o el desnudo se oculta de alguna forma, como con imágenes digitales para vestir a los actores desnudos. Algunos servicios de cable "premium" como HBO, Showtime y, más recientemente, FX Networks han obtenido popularidad por, entre otras cosas, presentar películas sin retocar. Además, han producido series que no se muestran tímidas con las escenas de desnudos, como "Oz", "Sex and the City", "Los Soprano", "True Blood" y "Queer as Folk" (la serie original británica fue incluso pionera en el más tolerante Reino Unido). El programa "Gran Hermano", que se emite en múltiples países, a veces contiene desnudos, aun así las escenas con desnudos no siempre se muestran en televisión.


title: Desnudo (género artístico)

text: Las series de televisión rara vez han mostrado desnudos atrevidos, a excepción de las series de Procter & Gamble "As the World Turns" y "Guiding Light", que en el 2005 fueron tan lejos como para mostrar por detrás a un hombre desnudo haciendo el amor. Después del escándalo motivado por el espectáculo de Janet Jackson en el descanso de la Super Bowl de 2004 —donde la artista enseñó un pecho sin querer—, la Comisión Federal de Comunicaciones de Estados Unidos declaró que era hora de tomar medidas drásticas para la televisión diurna, e indicó que estaba revisando si las series de televisión estaban violando las prohibiciones de indecencia de la agencia. Después de esta noticia, "Guiding Light" eliminó desnudos de un episodio que ya había sido grabado, y las nueve cadenas norteamericanas comenzaron a imponer una regla no escrita para evitar cualquier clase de escenas para adultos atrevidas. Sin embargo, en el ámbito europeo el desnudo es exhibido cada vez con mayor naturalidad, en series como: "Roma", "", "Los Tudor", "Águila roja" o "Hispania, la leyenda".


title: Desnudo (género artístico)

text: La desnudez se presenta en algunas ocasiones en otros medios de comunicación como cubiertas de álbumes musicales de intérpretes como Jimi Hendrix, John Lennon y Yoko Ono, Nirvana, Blind Faith, Scorpions y Jane's Addiction. Varios músicos de rock han actuado desnudos en los escenarios, incluyendo miembros de Jane's Addiction, Rage Against the Machine, Green Day, Black Sabbath, Stone Temple Pilots, The Jesus Lizard, Blind Melon, Red Hot Chili Peppers, Blink-182, Queens of the Stone Age, Of Montreal y The Bravery.


title: Desnudo (género artístico)

text: En medios editoriales, el desnudo ha sido un recurso frecuentemente utilizado como reclamo especialmente del público masculino, en revistas bien de corte marcadamente erótico o en magazines de noticias y reportajes que incluyen algunas páginas de modelos desnudas, donde es típica la presencia de un póster central desplegable. A comienzos del siglo XX las modelos que aparecían en este tipo de publicaciones recibían el apodo de "pin-ups", y aunque por lo general eran modelos amateur algunas adquirieron notable fama, como Bettie Page. Sin embargo, actualmente este tipo de trabajos los realizan modelos fotográficos, actrices de cine, cantantes o top-models del mundo de la moda y la publicidad. Algunas revistas dedicadas al desnudo erótico han alcanzado una gran notoriedad y difusión mundial, como "Playboy", "Penthouse" y "Hustler", llegando a desnudar a famosas modelos y actrices, como Marilyn Monroe, que inauguró el primer número de "Playboy" en 1953, o Madonna, que en 1985 apareció en "Playboy" y "Penthouse". En España, la revista "Interviú" ha contado desde sus inicios con una sección dedicada a la fotografía de desnudo, siendo de remarcar la aparición en 1976 de la actriz Marisol desnuda, que tuvo un gran impacto en la España recién liberada de la censura franquista, o en 1991 de la cantante Marta Sánchez, que batió todos los récords de ventas de la revista.


title: Desnudo (género artístico)

text: Otro medio usual de difusión del desnudo erótico son los calendarios, destacando por su calidad el Calendario Pirelli, elaborado desde 1964 por la sección británica de la marca Pirelli, y que se caracteriza por la sensualidad de sus imágenes, que presentan a bellas actrices y modelos en lugares paradisíacos, contando con fotógrafos de la talla de Bert Stern, Herb Ritts, Richard Avedon, Peter Lindbergh, Bruce Weber, Annie Leibovitz, Mario Testino, Patrick Demarchelier, etc.


title: Desnudo (género artístico)

text: El desnudo se encuentra asimismo en un medio gráfico como el cómic, generalmente en una temática erótica y dirigido a un público adulto. Aquí también existe una distinción entre erotismo y pornografía, dependiendo de la explicitud de las imágenes, como se percibe en Japón, donde distinguen entre los géneros , que no muestra sexo explícito, y , que sí lo hace. La primera historieta en la que estuvo presente el erotismo fue "Bringing Up Father" (1913), de George McManus, en la cual aparecían de vez en cuando jóvenes bañistas. Otra de las pioneras fue "Betty Boop", dibujada por Grim Natwick y Max Fleischer entre 1934 y 1937. En los años 1960, la incipiente revolución sexual permitió al cómic erótico superar el moralismo de los 50 por diversos caminos: en Francia, se produjeron cómics de lujo con heroínas independientes y activas sexualmente, como "Barbarella" (1962), de Jean-Claude Forest, y "Valentina" (1965), de Guido Crepax; en Estados Unidos se editaron obras marcadamente eróticas como "Little Annie Fanny" (1962), de Harvey Kurtzman y Will Elder, además de mezclarse el erotismo con el terror en "Vampirella" (1969-1988), de Forrest J. Ackerman y Archie Goodwin. En los años 1980 el cómic erótico alcanzó su edad dorada, con artistas como el italiano Milo Manara, autor "El Click" (1984), o el español Luis Royo, conocido por sus imágenes sensuales y oscuras, casi apocalípticas, en mundos de fantasía con formas de vida mecánica.


title: Desnudo (género artístico)

text: La aparición de internet ha supuesto un gran medio de difusión del desnudo, en sus múltiples variantes del desnudo artístico al erótico y pornográfico. Muchas páginas web cuentan con este tipo de material como reclamo para el público, siendo especialmente demandadas las imágenes de personajes famosos —los llamados "celebrities"—. En internet se han recopilado todo tipo de imágenes provenientes de revistas, calendarios y publicaciones de moda, además de fotografías hechas especialmente para este medio, existiendo un abundante material sobre todo de actrices y modelos femeninas, con nombres mundialmente conocidos como las actrices Ursula Andress, Bo Derek, Ornella Muti, Nastassja Kinski, Kim Basinger, Milla Jovovich, Demi Moore, Sonia Braga, Cameron Diaz, Charlize Theron, Diane Kruger, Elsa Pataky, etc.; o las modelos Claudia Schiffer, Elle Macpherson, Cindy Crawford, Naomi Campbell, Helena Christensen, Gisele Bündchen, Kate Moss, Laetitia Casta, Adriana Sklenariková, Carla Bruni, etc. El desnudo masculino es menos frecuente, y suele estar más restringido a ámbitos homoeróticos. El desnudo artístico también dispone en internet de una óptima plataforma de lanzamiento, y muchos fotógrafos exponen su obra en el medio digital para dar a conocer su trabajo.


title: Copa Mundial de Fútbol Sub-17 de 2011

text: La Copa Mundial Sub-17 de la FIFA 2011 () fue la XIV edición de la Copa Mundial de Fútbol Sub-17 y tuvo como sede a México. En el certamen participaron jugadores de la categoría Sub-17, es decir, que hayan nacido después del 1 de enero de 1994.


title: Copa Mundial de Fútbol Sub-17 de 2011

text: El torneo estuvo compuesto por dos fases: en la primera se formaron de 6 grupos de 4 equipos cada uno, y avanzaron a la siguiente ronda los dos mejores de cada grupo y los cuatro mejores terceros lugares. Los 16 equipos clasificados conformaron los octavos de final en los que el número de equipos se redujo a 8 para cuartos de final, a 4 para semifinales y por último a 2 para la final en el Estadio Azteca de la Ciudad de México.


title: Copa Mundial de Fútbol Sub-17 de 2011

text: Como hechos destacados estuvieron las primeras participaciones a nivel internacional de la selección de y el debut de , y en la competición, además de la ausencia de los 4 primeros lugares del torneo anterior (, , y ) que fueron eliminados en las clasificatorias.


title: Copa Mundial de Fútbol Sub-17 de 2011

text: La Federación Mexicana de Fútbol había solicitado a FIFA la organización del campeonato debido a que México había organizado las copas mundiales de 1970 y 1986 y la Copa Mundial Juvenil de 1983, además de coronarse campeón en la Copa Confederaciones de 1999 en México y la Copa Mundial Sub-17 de Perú en 2005. El 28 de mayo de 2008 en una sesión del organismo celebrada en Sídney, Australia, la FIFA anunció que México sería el anfitrión de dicho torneo, elección que fue confirmada días más tarde por el presidente de la federación mexicana Justino Compeán. El Torneo iniciaría el 18 de junio y finalizaría el 10 de julio de 2011.


title: Copa Mundial de Fútbol Sub-17 de 2011

text: Después de la visita de una comitiva de FIFA dirigida por Jack Warner, presidente de la Concacaf, se hizo una revisión a los estadios propuestos como sedes, y fueron elegidas siete ciudades: Torreón, Monterrey, Pachuca, Guadalajara , Morelia, Ciudad de México y Querétaro, que reemplazó a Tijuana como sede.


title: Copa Mundial de Fútbol Sub-17 de 2011

text: De los siete estadios elegidos, cinco fueron sometidos a remodelaciones tanto mayores como menores, mientras que dos fueron construidos meses antes de que iniciara el torneo.


title: Copa Mundial de Fútbol Sub-17 de 2011

text: En un anuncio hecho por el comité organizador del torneo, se informó de que la inauguración se realizaría en la ciudad de Morelia el 18 de junio.


title: Copa Mundial de Fútbol Sub-17 de 2011

text: Los 24 equipos que participaron en la fase final se dividieron en seis grupos de cuatro equipos cada uno. Dentro de cada grupo se enfrentan una vez entre sí, mediante el sistema de todos contra todos. Según el resultado de cada partido se otorgan tres puntos al ganador, un punto a cada equipo en caso de empate, y ninguno al perdedor.


title: Copa Mundial de Fútbol Sub-17 de 2011

text: Pasaron a la siguiente ronda los dos equipos de cada grupo mejor clasificados y los cuatro mejores terceros. El orden de clasificación se determina teniendo en cuenta los siguientes criterios, en orden de preferencia:


title: Copa Mundial de Fútbol Sub-17 de 2011

text: Si dos o más equipos quedan igualados según las pautas anteriores, sus posiciones se determinarán mediante los siguientes criterios, en orden de preferencia:


title: Copa Mundial de Fútbol Sub-17 de 2011

text: La segunda ronda incluye todas las fases desde los octavos de final hasta la final. Mediante el sistema de eliminación directa se clasifican los dos semifinalistas. Los equipos perdedores de las semifinales juegan un partido por el tercer y cuarto puesto, mientras que los ganadores disputan el partido final, donde el vencedor obtiene el título.


title: Copa Mundial de Fútbol Sub-17 de 2011

text: Si después de los 90 minutos de juego el partido se encuentra empatado directamente el partido se definirá por el procedimiento de tiros desde el punto penal.


title: Copa Mundial de Fútbol Sub-17 de 2011

text: La ceremonia fue realizada el martes 17 de mayo de 2011 en la Sala de Conciertos Nezahualcóyotl de la Ciudad de México.


title: Copa Mundial de Fútbol Sub-17 de 2011

text: Los emparejamientos de los partidos 2, 3, 6 y 8 dependen de quienes sean los terceros lugares que se clasifiquen a los octavos de final. La siguiente tabla muestra las diferentes opciones para definir a los rivales de los ganadores de los grupos A, B, C y D.


title: Copa Mundial de Fútbol Sub-17 de 2011

text: Para la designación del ganador de la Bota de oro, se tomarán en cuenta en primera instancia los goles (GF), seguido por las asistencias de goles realizadas (AST) y finalmente la menor cantidad de minutos jugados (MIN).


title: Copa Mundial de Fútbol Sub-17 de 2011

text: El premio al mejor arquero Guante de oro Adidas se lo llevó el joven uruguayo Jonathan Cubero. En total disputó 7 partidos en los que recibió 5 goles.


title: Víctor Vázquez Solsona

text: Víctor "Máquina" Vázquez Solsona (Barcelona, España, 20 de enero de 1987) es un futbolista español que juega de centrocampista en Toronto Football Club de la Major League Soccer de Estados Unidos.


title: Víctor Vázquez Solsona

text: Fue jugador del Barcelona B, ya que desde los 9 años, y hasta su salida del club, llevó una formación azulgrana, siendo su generación, la de jugadores nacidos en el año 1987, una de las mejores de la historia de las categorías inferiores del FC Barcelona, ya que coincidió con jugadores como Leo Messi, Cesc Fábregas, Marc Valiente, Marc Pedraza o Gerard Piqué. Hizo su debut con el primer equipo en Liga, el 12 de abril de 2008 en un enfrentamiento donde se visitó al Recreativo de Huelva.


title: Víctor Vázquez Solsona

text: Josep Guardiola lo convocó para los partidos de pretemporada del Barça de la 2008-09, en los que jugó 3 partidos como titular. El 9 de diciembre, debutó en competencia internacional, cuando ingresó al terreno de juego en un partido que se iba perdiendo en casa, por 2-3 contra el Shakhtar Donetsk, justamente, era el último partido de fase de grupos en aquella edición de la Liga de Campeones.


title: Víctor Vázquez Solsona

text: Su primer gol con el equipo, fue el 7 de diciembre de 2010, en partido de Champions contra FC Rubín Kazán.


title: Víctor Vázquez Solsona

text: Desde que vivió sus primeras semanas con el Club Brujas Víctor Vázquez se sintió acogido por el entrenador y con esta confianza, encadenó una serie de buenos encuentros tanto en liga, copa y en competiciones europeas, donde tuvo la oportunidad de jugar en UEFA Europa League y UEFA Champions League.


title: Víctor Vázquez Solsona

text: Había ya varios rumores que Vázquez se incorporaría al Cruz Azul, Sin embargo su traspaso tuvo dificultades incluso amenazando con caerse por completo, el 8 de enero de 2016 se hizo oficial su fichaje definitivo. Esto por poco más de 2 millones de euros plasmados a tres años.


title: Víctor Vázquez Solsona

text: Víctor Vázquez en este club se reencontraría con su ex compañero en el Barcelona, el también español Marc Crosas quien lleva ya varias campañas en México y 6 meses en Cruz Azul.


title: Víctor Vázquez Solsona

text: Hizo su debut con el equipo en la jornada 3 de la Primera División de México en un partido contra Club León entrando de cambio al minuto 84. Debutó en la Copa MX de titular en un partido contra Venados Fútbol Club teniendo una buena actuación con el equipo. Su debut como titular fue en un partido contra Querétaro Fútbol Club en la jornada 6 del fútbol mexicano. Su primer gol con Cruz azul fue ante Club Universidad Nacional en el minuto 23 de la jornada 9 del fútbol mexicano. Se tuvo que ir a España a recuperarse de una lesión que el propio doctor del club le causó y no supieron curarle. Después de algunas otras malas experiencias (fuera del fútbol) ha pedido marcharse y buscar suerte en otras ligas.


title: Víctor Vázquez Solsona

text: El 22 de enero de 2019 abandonó Canadá para jugar en el Al-Arabi SC catarí las siguientes dos temporadas y media.


title: Víctor Vázquez Solsona

text: El 18 de agosto de 2020 se hizo oficial su vuelta a Bélgica tras firmar por dos años con el K. A. S. Eupen. Sin embargo, a los dos meses de su llegada rescindió su contrato por motivos personales.


title: Víctor Vázquez Solsona

text: Desde entonces pasó varios meses sin equipo, regresando en marzo de 2021 a la Major League Soccer para jugar en Los Angeles Galaxy.


title: Víctor Vázquez Solsona

text: El 17 de diciembre de 2022, firma por el Toronto Football Club de la Major League Soccer de Estados Unidos.


title: Chip y Dale

text: Chip y Dale (Chip y Chop en España, también escrito en inglés, Chip 'n' Dale o Chip an' Dale) son un dúo de personajes de dibujos animados creados en 1943 por The Walt Disney Company. Como ardillas antropomórficas, sus nombres son un juego de palabras con el nombre del ebanista y diseñador de muebles del , Thomas Chippendale. Esto fue sugerido por Bill "Tex" Henson, un artista de la historia en el estudio.


title: Chip y Dale

text: Los personajes se introdujeron por primera vez en el corto de Pluto de 1943, "Private Pluto", dirigido por Clyde Geronimi, en el que luchan con Pluto sobre si pueden almacenar sus nueces en un cañón de base militar. Tres años más tarde, el director Jack Hannah decidió utilizarlos como coprotagonistas en los cortos del Pato Donald. Hannah dijo:


title: Chip y Dale

text: De los dos, se retrata a Chip como seguro, concentrado y con una mente para esquemas lógicos. Dale, por el contrario, es más relajado, tonto e impulsivo, y tiene un sentido del humor muy fuerte. Originalmente, los dos tenían una apariencia muy similar, pero como una forma de distinguirlos, se introdujeron algunas diferencias: Chip tiene una nariz pequeña y negra y dos dientes que sobresalen centrados, mientras que Dale tiene una nariz grande de color rojo oscuro y un espacio prominente entre sus dientes de conejo. Chip también se representa con el pelo liso en la parte superior de la cabeza, mientras que el de Dale tiende a estar despeinado.


title: Chip y Dale

text: En la mayoría de los dibujos animados, se enfrentan con Pluto o el Pato Donald, que actúan como rivales del dúo de ardillas. Se les dio su propia serie en la década de 1950, pero solo resultaron tres dibujos animados con su nombre: "Chicken in the Rough" (1951), "Two Chips and a Miss" (1952) y "The Lone Chipmunks" (1954). El dúo fue nominado al , tres veces en cuatro años: en 1946 por "Squatter's Rights", en 1947 por "Chip an 'Dale" y en 1949 por "Toy Tinkers". En la década de 1980, se convirtieron en los personajes principales de una serie de televisión de media hora, "", en la que tienen aventuras como líderes de una agencia de detectives.


title: George Carlin

text: George Denis Patrick Carlin (12 de mayo de 1937 - 22 de junio de 2008) fue un comediante, actor, autor y crítico social estadounidense. Era conocido por su comedia negra y sus reflexiones sobre política, psicología, religión y varios temas tabúes. Su monólogo de "siete palabras sucias" fue fundamental para denunciar un caso de corrupción en la Corte Suprema de los Estados Unidos. Considerado como uno de los cómicos más importantes e influyentes de todos los tiempos, un periódico lo calificó de "decano de los comediantes de la contracultura".


title: George Carlin

text: El primero de los 14 especiales de comedia stand-up de Carlin para HBO se filmó en 1977. Desde finales de la década de 1980, las rutinas de Carlin se centraron en la crítica sociocultural de la sociedad estadounidense. A menudo comentaba sobre cuestiones políticas contemporáneas en los Estados Unidos y satirizaba los excesos de la cultura estadounidense. Fue un artista frecuente y presentador invitado en "The Tonight Show" durante tres décadas en la era de Johnny Carson, y fue el presentador del primer episodio de "Saturday Night Live" en 1975.


title: George Carlin

text: El último especial de HBO de Carlin, "It's Bad for Ya]", se filmó menos de cuatro meses antes de su muerte por paro cardíaco. En 2008, fue galardonado póstumamente con el Premio Mark Twain de Humor Americano. En 2017, la revista "Rolling Stone" lo posicionó en segundo lugar (detrás de Richard Pryor) en su lista de los 50 mejores cómicos de stand up de todos los tiempos. En 2004, ocupó el segundo lugar en la lista de Comedy Central de "Los 10 mejores comediantes estadounidenses".


title: George Carlin

text: George Carlin Denis Patrick nació el 12 de mayo de 1937 en Manhattan, Nueva York, el hijo más joven de la secretaria María Carlin (de soltera Bearey) y Patrick John Carlin, gerente de publicidad de "The Sun". Su padre era un inmigrante irlandés del condado de Donegal, y su madre era irlandesa-estadounidense. El abuelo materno de Carlin, Dennis Bearey, era un inmigrante irlandés que trabajaba como oficial de policía de Nueva York. Carlin recordó que el apellido de soltera de su abuela era O'Grady, pero fue cambiado a Grady antes de que ella llegara a los Estados Unidos. Bromeó diciendo que "dejaron caer la O en el océano en el camino". Llamó a su personaje en "The George Carlin Show" O'Grady como un acto de homenaje a ella. Sus padres se separaron cuando tenía dos meses debido al alcoholismo de su padre. Mary crio a Carlin y a su hermano mayor, Patrick Jr., ella sola.


title: George Carlin

text: Carlin dijo que recibió de su madre una apreciación por el uso efectivo del idioma inglés, aunque tenían una relación difícil, y a menudo se escapaba de casa. Creció en la Calle 121 Oeste, en un barrio de Manhattan, y dijo que él y sus amigos lo llamaban "White Harlem" ("Harlem blanco") porque "sonaba mucho más difícil que su nombre real" de Morningside Heights. Asistió a la Escuela Corpus Christi, una escuela parroquial católica de la Iglesia Corpus Christi, en Morningside Heights. Fue a la escuela secundaria Cardinal Hayes de El Bronx a los 15 años pero, después de tres semestres, Carlin fue expulsado. Asistió brevemente a la Escuela Secundaria Bishop Dubois en Harlem y a la Escuela Secundaria Salesiana en Goshen, Nueva York. Pasó muchos veranos en el Campamento Notre Dame en el lago Spofford en Spofford, Nuevo Hampshire, y ganó varias veces el premio de actuación dramática del campamento. Al final de su vida, solicitó que una parte de sus cenizas se arrojaran en el lago después de su muerte.


title: George Carlin

text: Carlin se unió a la Fuerza Aérea de los Estados Unidos y se formó como técnico de radar, en la Base de la Fuerza Aérea Barksdale en Bossier City, Luisiana. También comenzó a trabajar como disc jockey en la estación de radio KJOE, en la cercana ciudad de Shreveport. Etiquetado como "aviador improductivo" por sus superiores, Carlin fue dado de baja del ejército el 29 de julio de 1957. Durante su tiempo en la Fuerza Aérea, había sido sometido a una corte marcial en tres ocasiones, y también recibió muchos castigos y amonestaciones no judiciales.


title: George Carlin

text: En 1959, Carlin conoció a Jack Burns, un compañero DJ en la estación de radio KXOL en Fort Worth, Texas. Formaron un equipo de comedia y después de exitosas presentaciones en la cafetería de Fort Worth llamada The Cellar, Burns y Carlin se dirigieron a California en febrero de 1960.


title: George Carlin

text: A las pocas semanas de llegar a California, Burns y Carlin reunieron una cinta de audición y crearon "The Wright Brothers", un programa matutino en KDAY en Hollywood. Durante su estancia en KDAY, perfeccionaron su material en los cafés beatnik por la noche. Años más tarde, cuando fue honrado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, Carlin solicitó que se colocara frente a los estudios KDAY cerca de la esquina de Sunset Boulevard y Vine Street. Burns y Carlin grabaron su único álbum, "Burns and Carlin en el Playboy Club Tonight", en mayo de 1960 en el Cosmo Alley de Hollywood. Después de dos años juntos como equipo, se separaron para seguir carreras individuales, pero siguieron siendo "los mejores amigos".


title: George Carlin

text: En la década de 1960, Carlin comenzó a aparecer en programas de variedades de televisión, donde interpretó a varios personajes:


title: George Carlin

text: Las variaciones de estas rutinas aparecen en el álbum debut de Carlin de 1967, "Take-Offs and Put-Ons", que fue grabado en vivo en 1966 en The Roostertail en Detroit, Míchigan, y publicado por RCA Victor en 1967.


title: George Carlin

text: Durante este período, Carlin se convirtió en un invitado frecuente y presentador invitado en "The Tonight Show", inicialmente con Jack Paar como presentador y luego con Johnny Carson. Carlin se convirtió en uno de los sustitutos más frecuentes de Carson durante el reinado de tres décadas del presentador. Carlin también participó en "Away We Go", un programa de comedia de 1967 que se emitió en CBS. Su material durante sus primeros años de carrera y su apariencia, que consistía en trajes y cabello corto, han sido vistos como "convencionales", particularmente cuando se compara con su posterior material antisistema.


title: George Carlin

text: Carlin estuvo presente en el arresto de Lenny Bruce por obscenidad. Cuando la policía comenzó a intentar detener a miembros de la audiencia para interrogarlos, le pidieron a Carlin su identificación. Al decirle a la policía que no creía en las identificaciones emitidas por el gobierno, fue arrestado y llevado a la cárcel con Bruce en el mismo vehículo.


title: George Carlin

text: A fines de la década de 1960, Carlin ganaba alrededor de 250.000 dólares anuales. Como refugio fiscal compró un jet privado - un Aero Commander bimotor 1121 Jet Commander. Carlin contrató pilotos para llevarlo a varias fechas de su gira.


title: George Carlin

text: Finalmente, Carlin cambió sus rutinas y su apariencia, se dejó el pelo largo, lucía una barba y generalmente se vestía con camisetas y jeans azules. Contrató a dos gerentes de talento, Jeff Wald y Ron De Blasio, para ayudarlo a cambiar su imagen, haciéndolo ver más moderno para un público más joven. Wald puso a Carlin en clubes mucho más pequeños como The Troubadour en West Hollywood y The Bitter End en la ciudad de Nueva York. Wald dice que los ingresos de Carlin se redujeron así en un 90%, pero su arco de carrera posterior mejoró considerablemente. En 1970, el productor discográfico Monte Kay formó la subsidiaria Little David Records de Atlantic Records, con el comediante Flip Wilson como copropietario.


title: George Carlin

text: Kay y Wilson firmaron a Carlin lejos de RCA Records, y grabaron una actuación de Carlin en The Cellar Door de Washington D. C. en mayo de 1971, que se lanzó bajo el nombre de "FM & AM" en enero de 1972. De Blasio estaba ocupado manejando la carrera acelerada de Freddie Prinze, y estaba a punto de firmar a Richard Pryor, por lo que liberó a Carlin al gerente general de Little David, Jack Lewis, quien, como Carlin, era algo salvaje y rebelde. Carlin perdió algunas reservas de televisión vistiéndose de manera extraña para un comediante de la época, vistiendo jeans desteñidos y luciendo cabello largo, barba y aretes en un momento en que los comediantes bien vestidos eran la norma. Usando su propia personalidad como trampolín para su nueva comedia, fue presentado por Ed Sullivan en una actuación de "The Hair Piece" y rápidamente recuperó su popularidad cuando el público se dio cuenta de su sentido del estilo.


title: George Carlin

text: A partir de 1972, el cantante y compositor Kenny Rankin fue el compañero de sello de Carlin en Little David Records, y Rankin sirvió muchas veces como invitado musical o telonero de Carlin a principios de la década de 1970. Los dos volaron juntos en el jet privado de Carlin; Carlin dice que Rankin recayó en el uso de cocaína mientras estaba de gira, ya que Carlin tenía mucha de la droga disponible.


title: George Carlin

text: El álbum "FM & AM" demostró ser muy popular. Marcó el cambio de Carlin de la comedia convencional a la contracultura. El lado "AM" era una extensión del estilo anterior de Carlin, con rutinas estrafalarias pero relativamente limpias que parodiaban aspectos de la vida estadounidense. El lado "FM" introdujo el nuevo estilo de Carlin, con referencias a la marihuana y las píldoras anticonceptivas, y un examen juguetón de la palabra "mierda". De esta manera, Carlin renovó un estilo de comedia radical de comentarios sociales del que Lenny Bruce había sido pionero a fines de la década de 1950.


title: George Carlin

text: En este período, Carlin perfeccionó su conocida rutina "Siete palabras que no puedes decir en televisión", grabada en "Class Clown". El 21 de julio de 1972, Carlin fue arrestado después de realizar esta rutina en el Summerfest de Milwaukee y acusado de violar las leyes de obscenidad. El caso, que llevó a Carlin a referirse a las palabras por un tiempo como "las Siete de Milwaukee", fue desestimado en diciembre de ese año; el juez declaró que el lenguaje era indecente, pero Carlin tenía la libertad de utilizarlo siempre que no causara disturbios.


title: George Carlin

text: En 1973, un hombre se quejó ante la Comisión Federal de Comunicaciones (FCC) después de escuchar con su hijo una rutina similar, "Filthy Words", de "Occupation: Foole", transmitida una tarde por WBAI, una estación de radio FM de la Fundación Pacific en la ciudad de Nueva York. Pacific recibió una citación de la FCC por violar las regulaciones que prohibían la transmisión de material "obsceno". La Corte Suprema de los Estados Unidos confirmó la acción de la FCC con un voto de 5 a 4, dictaminando que la rutina era "indecente pero no obscena" y que la FCC tenía autoridad para prohibir tales transmisiones durante las horas en que los niños probablemente estarían entre la audiencia ("FCC v. Fundación Pacific", 438 US 726, 1978; los documentos de la corte contienen una transcripción completa de la rutina). La controversia aumentó la fama de Carlin. Eventualmente amplió el tema de las palabras sucias con un final aparentemente interminable para una actuación (terminando con su voz desvaneciéndose en una versión de HBO, y acompañando los créditos en el especial "Carlin at Carnegie" para la temporada 1982–83) y un conjunto de 49 páginas web organizadas por tema y abrazando su "Lista incompleta de palabras indecentes".


title: George Carlin

text: En el escenario, durante una interpretación de su rutina "Dirty Words", Carlin se enteró de que su anterior álbum de comedia "FM & AM" había ganado el Grammy. A mitad de la presentación del álbum "Occupation: Foole", se le puede escuchar agradeciendo a alguien por entregarle un trozo de papel. Luego exclamó "¡Mierda!" y con orgullo anunció su victoria a la audiencia.


title: George Carlin

text: Carlin fue el anfitrión del primer programa de "Saturday Night Live", de NBC, el 11 de octubre de 1975, el único episodio hasta la fecha en el que el presentador no apareció (a petición suya) en sketches. La siguiente temporada, 1976–77, apareció regularmente en la serie de variedades de CBS "Tony Orlando and Dawn".


title: George Carlin

text: Carlin inesperadamente dejó de actuar regularmente en 1976, cuando su carrera parecía estar en su apogeo. Durante los siguientes cinco años, rara vez realizaba stand-up, aunque fue en este momento cuando comenzó a hacer especiales para HBO como parte de su serie "On Location"; realizando un total de 14 especiales, incluyendo "It's Bad For Ya!", de 2008. Más tarde reveló que había sufrido el primero de tres ataques cardíacos durante este período de descanso. Sus dos primeros especiales de HBO se emitieron en 1977 y 1978, respectivamente.


title: George Carlin

text: En 1981, Carlin regresó al escenario, lanzó "A Place for My Stuff" y regresó a HBO y la ciudad de Nueva York con el especial de televisión "Carlin at Carnegie", grabado en video en el Carnegie Hall y transmitido durante la temporada 1982-83. Carlin continuó haciendo especiales de HBO cada año o dos durante la siguiente década y media. Todos los álbumes de Carlin a partir de ese momento serían especiales de HBO.


title: George Carlin

text: Fue presentador de "Saturday Night Live" por segunda vez el 10 de noviembre de 1984, esta vez apareciendo en varios sketches.


title: George Carlin

text: Carlin comenzó a alcanzar prominencia como actor de cine con un importante papel secundario en la comedia de 1987 "Outrageous Fortune", protagonizada por Bette Midler y Shelley Long; fue su primer papel importante en la pantalla después de un puñado de papeles de invitado en series de televisión. En el papel del vagabundo Frank Madras se burló del persistente efecto de la contracultura de los años sesenta. En 1989, ganó popularidad con una nueva generación de adolescentes cuando fue elegido como Rufus, el mentor viajero en el tiempo de los personajes principales de "Bill & Ted's Excellent Adventure" (1989), y luego repitió su papel en la secuela de la película, "Bill & Ted's Bogus Journey" (1991). Además, participó en la primera temporada de la serie animada "Las Excelentes Aventuras de Bill y Ted", basada en las películas.


title: George Carlin

text: También interpretó el papel de "Mr. Conductor" en el programa de PBS "Shining Time Station" y narró las secuencias de la versión estadounidense de la serie de televisión británica "Thomas & Friends", de 1991 a 1995, en reemplazo de Ringo Starr. Según Britt Allcroft, quien desarrolló ambos programas, el primer día de la tarea, Carlin estaba nervioso por grabar su narración sin audiencia, por lo que los productores pusieron un osito de peluche en la cabina.


title: George Carlin

text: También en 1991, Carlin tuvo un papel secundario importante en la película "El príncipe de las mareas", protagonizada por Nick Nolte y Barbra Streisand, donde retrata al vecino gay de la hermana suicida del personaje principal.


title: George Carlin

text: En 1993, Carlin comenzó una comedia semanal en Fox, "The George Carlin Show", interpretando al conductor de taxi de la ciudad de Nueva York George O'Grady. El programa, creado y escrito por el cocreador de "Los Simpson", Sam Simon, tuvo 27 episodios hasta diciembre de 1995. En su último libro, "Last Words", publicado póstumamente, Carlin dijo sobre "The George Carlin Show": "Lo pasé muy bien. Nunca me reí tanto, tan a menudo, tan fuerte como lo hice con los miembros del reparto Alex Rocco, Chris Rich y Tony Starke. Había un sentido del humor muy extraño y muy bueno en ese escenario ... [pero] estaba increíblemente feliz cuando se canceló el programa. Estaba frustrado porque me había alejado de mi verdadero trabajo".


title: George Carlin

text: Más tarde, Carlin explicó que había otras razones más pragmáticas para abandonar su carrera como actor en favor del standup. En una entrevista para la revista "Esquire" en 2001, dijo: "Debido a mi abuso de drogas, descuidé mis asuntos comerciales y tuve grandes atrasos con el IRS, y eso me llevó de 18 a 20 años para desenterrarme. Lo hice honorablemente y no los envidio. No odio pagar impuestos, y no estoy enojado con nadie, porque fui cómplice de ello. Pero te diré lo que hizo por mí: me hizo mucho mejor comediante. Debido a que tenía que permanecer en el camino y no podía seguir esa carrera cinematográfica, que no habría ido a ninguna parte, y me convertí en un muy buen cómico y un muy buen escritor".


title: George Carlin

text: Carlin fue honrado en el Aspen Comedy Festival de 1997 con una retrospectiva, "George Carlin: 40 años de comedia", organizada por Jon Stewart . Su primer libro de tapa dura, "Brain Droppings" (1997), vendió casi 900,000 copias y pasó 40 semanas en la lista de los más vendidos del "New York Times".


title: George Carlin

text: En 2001, Carlin recibió el premio Lifetime Achievement Award en la 15.ª entrega anual de los American Comedy Awards. En diciembre de 2003, el representante Doug Ose (R-California) presentó un proyecto de ley (HR 3687) para prohibir la transmisión de las "Siete palabras sucias" de Carlin, incluyendo "uso compuesto (incluyendo compuestos con guiones) de tales palabras y frases entre sí o con otras palabras o frases, y otras formas gramaticales de tales palabras y frases (incluyendo verbo, adjetivo, gerundio, participio e infinitivo)". El proyecto de ley omitía "tetas", pero incluía "imbécil", que no era una de las siete palabras originales de Carlin. El proyecto de ley fue remitido al Subcomité Judicial de la Cámara sobre la Constitución en enero de 2004, donde fue presentado.


title: George Carlin

text: Carlin actuó regularmente como cabeza de cartel en Las Vegas, pero en 2004 su carrera en el MGM Grand Las Vegas acabó después de un altercado con su audiencia. Después de un set mal recibido, lleno de oscuras referencias a atentados suicidas y decapitaciones, Carlin se quejó de que no podía esperar para salir de "este maldito hotel" y Las Vegas; quería volver al este, dijo, "donde están las personas reales". Él continuó:


title: George Carlin

text: Cuando un miembro de la audiencia gritó "¡Deja de degradarnos!" Carlin respondió "Muchas gracias, sea lo que sea eso. Espero que haya sido positivo. Si no, bueno, hazme volar". Fue despedido inmediatamente, y poco después su representante anunció que comenzaría un tratamiento para la adicción al alcohol y a un analgésico recetado por su propia iniciativa.


title: George Carlin

text: Después de su 13º especial de HBO, el 5 de noviembre de 2005, titulado "Life Is Worth Losing", transmitido en vivo desde el Beacon Theatre de la ciudad de Nueva York - durante el cual mencionó: "Llevo 341 días sobrio"-, Carlin hizo una gira con su nuevo material durante la primera mitad de 2006. Los temas incluyeron el suicidio, desastres naturales, canibalismo, genocidio, sacrificio humano, amenazas a las libertades civiles en los Estados Unidos y el caso de su teoría de que los humanos son inferiores a otros animales. En la primera parada de la gira en el Casino Tachi Palace en Lemoore, California, en febrero de ese año, Carlin mencionó que la aparición era su "primer espectáculo" después de una hospitalización de seis semanas por insuficiencia cardíaca y neumonía.


title: George Carlin

text: Carlin puso voz a Fillmore, un personaje en la película animada de Disney/Pixar "Cars", de 2006. Su personaje es un Volkswagen Transporter hippie anti-establecimiento con un trabajo de pintura psicodélica y una placa que lee "51237" - el cumpleaños de Carlin. En 2007, Carlin doblo al mago en "Happily N'Ever After", su última película.


title: George Carlin

text: El último especial de stand-up de Carlin para HBO, "It's Bad for Ya", se transmitió en vivo el 1 de marzo de 2008 desde el Centro de Artes Wells Fargo en Santa Rosa, California. Los temas incluyeron "basura americana", derechos, muerte, vejez y crianza de niños. Repitió el tema a su audiencia varias veces durante el espectáculo: "Todo eso es una mierda, y es malo para ti".


title: George Carlin

text: Cuando se le preguntó en "Inside the Actors Studio" qué lo excitaba, respondió: "Leer sobre el lenguaje". Cuando se le preguntó qué lo enorgullecía más de su carrera, dijo que el número de sus libros que se habían vendido, cerca de un millón de copias.


title: George Carlin

text: Carlin conoció a Brenda Hosbrook en agosto de 1960 mientras estaba de gira con Jack Burns en Dayton, Ohio. Se casaron en la casa de sus padres en Dayton el 3 de junio de 1961. El único hijo de la pareja, Kelly, nació el 15 de junio de 1963. En 1971, renovaron sus votos matrimoniales en Las Vegas. Hosbrook murió de cáncer de hígado el 11 de mayo de 1997, un día antes del 60° cumpleaños de Carlin.


title: George Carlin

text: En noviembre de 1997, Carlin conoció a Sally Wade, una escritora de comedia con sede en Hollywood; Carlin lo describió como "amor a primera vista", pero dudaba en actuar según sus sentimientos tan pronto después de la muerte de su esposa. Finalmente se casaron el 24 de junio de 1998, en una ceremonia privada, no registrada. El matrimonio duró hasta la muerte de Carlin en 2008, dos días antes de su décimo aniversario.


title: George Carlin

text: En una entrevista de 2008, Carlin declaró que usar cannabis, LSD y mescalina lo había ayudado en su vida personal.


title: George Carlin

text: Aunque nació en una familia católica, Carlin rechazó la religión, criticándola frecuentemente en varias de sus rutinas de comedia.


title: George Carlin

text: Carlin tenía antecedentes de problemas cardiovasculares que abarcaban tres décadas. Estos incluyeron tres ataques cardíacos (en 1978, 1982 y 1991), una arritmia que requirió un procedimiento de ablación en 2003 y un episodio significativo de insuficiencia cardíaca a fines de 2005. Se sometió dos veces a angioplastia. A fines de 2004, ingresó a un centro de rehabilitación de drogas para el tratamiento de adicciones al alcohol y Vicodin.


title: George Carlin

text: Carlin murió el 22 de junio de 2008 en el Centro de Salud Saint John en Santa Mónica, California, de una insuficiencia cardíaca a los 71 años. Su muerte ocurrió una semana después de su última actuación en The Orleans Hotel and Casino en Las Vegas. De acuerdo con sus deseos, su cuerpo fue incinerado, y las cenizas fueron esparcidas frente a varios clubes nocturnos en los que solía actuar en la ciudad de Nueva York y sobre el , en Chesterfield, Nuevo Hampshire, donde asistió a un campamento de verano cuando era adolescente.


title: George Carlin

text: Tras su muerte, HBO transmitió 11 de sus 14 especiales de HBO del 25 al 28 de junio de 2008, incluido un bloque de maratón de 12 horas en su canal HBO Comedy. NBC programó una repetición del primer episodio de "Saturday Night Live", que había sido presentado por Carlin. Los canales "Raw Dog Comedy" de Sirius Satellite Radio y "XM Comedy" de XM Satellite Radio corrieron un maratón conmemorativo de las grabaciones de George Carlin al día siguiente de su muerte.


title: George Carlin

text: Larry King dedicó todo su espectáculo del 23 de junio de 2008 a un homenaje a Carlin, presentando entrevistas con Jerry Seinfeld, Bill Maher, Roseanne Barr y Lewis Black, así como con la hija de Carlin, Kelly, y su hermano, Patrick Jr. El 24 de junio, "The New York Times" imprimió un artículo de opinión sobre Carlin escrito por Jerry Seinfeld. El dibujante Garry Trudeau le rindió homenaje en su tira cómica "Doonesbury" el 27 de julio siguiente.


title: George Carlin

text: Cuatro días antes de la muerte de Carlin, el Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas lo premió en 2008 con el Premio Mark Twain al humor estadounidense. Éste se convirtió en su primer premio póstumo, entregado el 10 de noviembre de ese año en Washington D.C.en una ceremonia que incluyó a los comediantes Jon Stewart, Bill Maher, Lily Tomlin (ex ganadora del mismo premio), Lewis Black, Denis Leary, Joan Rivers y Margaret Cho . Louis C.K. dedicó su especial de stand "Chewed Up" a Carlin, y Lewis Black le dedicó la segunda temporada de "Root of All Evil".


title: George Carlin

text: Durante varios años, Carlin había estado compilando y escribiendo su autobiografía, para ser lanzada junto con un espectáculo de Broadway de un solo hombre titulado tentativamente "New York City Boy". Después de la muerte de Carlin, Tony Hendra, su colaborador en ambos proyectos, editó la autobiografía para su publicación con el título de "Last Words". El libro, que relata la mayor parte de la vida y los planes futuros de Carlin, incluida la exposición individual, se publicó en 2009. La edición de audio es narrada por el hermano de Carlin, Patrick Jr.


title: George Carlin

text: "Las Cartas de George Carlin: El cortejo permanente de Sally Wade", de la viuda de Carlin, es una colección de escritos y obras de arte inéditos de Carlin entretejidos con la crónica de sus 10 años juntos, publicada en marzo de 2011. El subtítulo es una frase en una nota escrita a mano que Wade encontró junto a su computadora al regresar a casa del hospital después de la muerte de su esposo. En 2008, la hija de Carlin, Kelly, anunció planes para publicar una "historia oral", una colección de historias de amigos y familiares de Carlin. Más tarde indicó que el proyecto había sido archivado a favor de la finalización de su propio proyecto, un espectáculo autobiográfico de una mujer, "A Carlin Home Companion: Growing Up with George".


title: George Carlin

text: El 22 de octubre de 2014, una parte de la Calle 121 Oeste, en el área de Morningside Heights de Manhattan, donde Carlin pasó su infancia, pasó a llamarse "George Carlin Way".


title: George Carlin

text: El guionista de "Moneyball" Stan Chervin anunció en octubre de 2018 que una película biográfica de Carlin estaba en proceso.


title: George Carlin

text: Las influencias de Carlin incluyen a Danny Kaye, Jonathan Winters, Lenny Bruce, Richard Pryor, Jerry Lewis, los hermanos Marx, Mort Sahl, Spike Jones, Ernie Kovacs y los hermanos Ritz.


title: George Carlin

text: Los comediantes que han mencionado a Carlin como influencia incluyen a Dave Attell,Bill Burr, Chris Rock, Jerry Seinfeld, Louis C.K.,Lewis Black,Jon Stewart, Stephen Colbert,Bill Maher,Patrice O'Neal,Adam Carolla,Colin Quinn,Steven Wright,Mitch Hedberg,Russell Peters,Bo Burnham,Jay Leno,Ben Stiller, Kevin Smith, Chris Rush,Rob McElhenneyy Jim Jefferies.


title: George Carlin

text: Muchos escritos encontrados en Internet han sido falsamente atribuidos a Carlin, incluidas varias listas de bromas, diatribas y otras piezas. El sitio web Snopes, un recurso en línea que pretende desacreditar leyendas y mitos urbanos, ha abordado estos engaños. Muchos de ellos contienen material que va en contra de los puntos de vista de Carlin; algunos son especialmente volátiles hacia grupos raciales, gáis, mujeres, personas sin hogar y otros objetivos. Carlin estaba al tanto de estos correos electrónicos falsos y los desacreditó en su propio sitio web, diciendo: "Aquí hay una regla general, amigos: nada de lo que ven en Internet es mío a menos que provenga de uno de mis álbumes, libros, especiales de HBO o apareció en mi sitio web"; y también agregó: "Me molesta que algunas personas puedan creer que sería capaz de escribir algunas de estas cosas". El músico paródico "Weird Al" Yankovic hizo referencia a estos engaños en una línea de su canción "Stop Forwarding That Crap to Me", al decir: "Y, por cierto, esas citas de George Carlin no son realmente de George Carlin".


title: Botiquín

text: Se denomina botiquín a un elemento destinado a contener los medicamentos y utensilios indispensables para brindar los primeros auxilios o para tratar dolencias comunes. La disponibilidad de un botiquín suele ser prescriptiva en áreas de trabajo para el auxilio de accidentados.


title: Botiquín

text: Generalmente se dispone dentro de una caja u otro adminículo capaz de ser transportado pero también se aplica el término a una instalación fija ubicada en un área de atención a la salud, al tener preparado uno de estos ante un fenómeno natural podríamos evitar una causa de su muerte o la de otra persona.


title: Botiquín

text: Un botiquín debe contener material de curación y medicamentos que no tengan riesgo para las personas, sin embargo siempre debe preguntarse antes de administrarlos sobre una posible alergia o reacción negativa ante cualquier medicina o sustancia.


title: Botiquín

text: Es importante que el botiquín no esté al alcance de los niños, se conserve en un lugar fresco y seco y que se revise periódicamente la fecha de caducidad de los medicamentos para sustituirlos en caso necesario.


title: Botiquín

text: Es recomendable no utilizar algunos utensilios mencionados en este artículo por razones de alergias, entre otros síntomas que lo puede perjudicar. En caso de un desastre natural también es bueno saber como protegerse.


title: Botiquín

text: En un viaje es conveniente llevar la cantidad suficiente de medicamentos, entre ellos analgésicos, y recordar calcular las cantidades necesarias para los miembros de la familia que estén siguiendo tratamientos crónicos.


title: Botiquín

text: Esto depende también del sitio en que usted vive no es recomendable utilizar termómetros de vidrio por causas que pueden causar su muerte especialmente el mercurio que tienen estos.


title: Botiquín

text: Recuerde siempre verificar las fechas de vencimientos de ciertos medicamentos y evitar automedicaciones peligrosas.


title: Santillana (futbolista)

text: Carlos Alonso González (Santillana del Mar, Santander, 23 de agosto de 1952), más conocido como Santillana, es un exfutbolista español y jugador histórico del Real Madrid Club de Fútbol. Está considerado como uno de los mejores delanteros de la historia del fútbol español, destacando especialmente en el remate de cabeza, faceta en la que fue señalado también como uno de los mejores de la historia. Militó durante diecisiete temporadas en el club madrileño, tan sólo superado por las dieciocho de Paco Gento y Miguel Ángel González, donde además es su y el (en el momento de su retirada era el segundo máximo goleador histórico y el jugador con más partidos disputados del club). Fue internacional con la selección española en 56 encuentros.


title: Santillana (futbolista)

text: Su apodo, Santillana, proviene de la localidad cántabra en la que nació. Trabajó en el negocio familiar de los mantecados, hasta que fichó por el Satélite, equipo de Barreda, con el que llegó a jugar en Tercera División. Tras un breve paso por el Real Racing Club de Santander en la temporada 1970-71, fichó por el Real Madrid Club de Fútbol a la temporada siguiente cumplidos los 19 años de edad. Allí fue gran protagonista de las nueve ligas que ganó con el conjunto blanco, además de establecer su leyenda como gran cabeceador, merced por ejemplo ante sus actuaciones frente al Football Club Internazionale en varias ocasiones, y convertirse en uno de los referentes del equipo. A nivel internacional ayudó al club a conquistar dos Copas de la UEFA tras recordadas remontadas en diversas eliminatorias en las que colaboró directamente. El punto final de su trayectoria deportiva se produjo en 1988, ante el Real Valladolid Club de Fútbol, partido en el que anotó su último gol como jugador profesional, y de cabeza, con una vaselina al portero vallisoletano. Ese día se le hizo entrega de la , y la Medalla al Mérito en el Deporte Cántabro en su categoría de Oro.


title: Santillana (futbolista)

text: Su palmarés completo es de nueve Ligas de España, cuatro Copas de España y dos Copas de la UEFA, que le situaron como el tras Paco Gento, José Antonio Camacho y Alfredo Di Stéfano. Jugó 778 partidos entre oficiales y amistosos con el primer equipo, 645 oficiales, que en su momento fueron el récord de la entidad hasta que Manolo Sanchís le sobrepasó en la temporada 1997-98. En cuanto al número de goles, anotó un total de 352 —290 oficiales—, a dieciocho del entonces récord del club de 308 establecido por Alfredo Di Stéfano.


title: Santillana (futbolista)

text: Jugó 56 partidos con la Selección española absoluta y marcó 15 goles para España. Representó a su país en las Copas del Mundo de Argentina en 1978, de España en 1982 y en la Eurocopa de 1984 en la que España salió derrotada en la final frente a Francia.


title: Santillana (futbolista)

text: En el histórico partido del 12 - 1 ante Malta, en el que España debía de ganar por 11 goles de diferencia para clasificarse a la Eurocopa de 1984, marcó un hat-trick en la primera parte y en la segunda parte marcó su cuarto gol, haciendo posible la gesta española.


title: Antonio Ferrandis

text: Antonio Ferrandis Monrabal (Paterna, Valencia, 28 de febrero de 1921-Valencia, 16 de octubre de 2000) fue un actor español, recordado principalmente por su personaje de "Chanquete" en la serie "Verano azul" (1981) y por protagonizar la primera película española que ganó un , "Volver a empezar" (1982).


title: Antonio Ferrandis

text: Nació el 28 de febrero de 1921, en la calle Mayor de Paterna (Valencia), hijo de Miguel Ferrandis (albañil) y de Vicenta Monrabal (pescadera). Graduado en Magisterio, entrada la década de 1940 se inicia en el mundo de la interpretación, primero en pequeñas compañías y, desde 1950, en la de Antonio Vico. En 1952 es reclamado por José Tamayo para intervenir en el estreno en España de "Muerte de un viajante", de Arthur Miller, junto a Francisco Rabal. Más tarde, ya en el Teatro María Guerrero se labra una reputada carrera teatral con obras como "El rinoceronte", de Ionescu o "Los verdes campos del Edén", de Antonio Gala. En 1972 llega a crear su propia compañía. Con ella puso en escena, entre otras, la obra "Niebla", de Miguel de Unamuno.


title: Antonio Ferrandis

text: Había debutado en el cine en 1953 con "Ha desaparecido un pasajero", de Alejandro Perla. En los siguientes 40 años interviene en más de un centenar de películas - algunas de ellas obras cumbre en la historia del séptimo arte en España - , poniéndose a las órdenes de cineastas como Ladislao Vajda ("Marcelino pan y vino", 1955), Luis García Berlanga ("El verdugo", 1963 y "La escopeta nacional", 1978), José Luis Sáenz de Heredia ("Historias de la televisión", 1965), Luis Buñuel ("Tristana", 1970), Jaime de Armiñán ("Mi querida señorita", 1972), José Luis Garci ("Volver a empezar", ganadora del Premio Óscar a la mejor película de habla no inglesa, que protagoniza con Encarna Paso) o Antonio Giménez-Rico ("Jarrapellejos", 1988, que le valió la nominación al Premio Goya como mejor actor protagonista).


title: Antonio Ferrandis

text: Si bien un rostro conocido por los espectadores españoles por una larga trayectoria profesional no solo en cine y teatro sino también en la pequeña pantalla, el estallido de su popularidad le llega ya en la madurez gracias al papel del pescador jubilado "Chanquete" en la serie de televisión de "Verano azul", emitida por Televisión Española en 1981 que lo catapulta como un auténtico fenómeno social.


title: Antonio Ferrandis

text: En el mundo del cine era conocida su homosexualidad y mantuvo una relación sentimental con el ayudante de producción de José Luis Dibildos.


title: Antonio Ferrandis

text: Sus últimos años, maltrecha su salud, los pasó junto al Mediterráneo, tras abandonar su espléndido piso frente al madrileño Parque del Retiro. En 1998 le dedicaron una calle en Valencia, y en febrero de 2000 se inauguró en Paterna el Teatro Antonio Ferrandis. Era un actor sensacional y una persona entrañable


title: Antonio Ferrandis

text: Tras más de un mes hospitalizado en el Hospital Quirón de Valencia, el actor falleció a las 11 h del 16 de octubre de 2000, a los 79 años de edad, como consecuencia de la larga enfermedad pulmonar obstructiva crónica severa que padecía y una cardiopatía valvular mitral, deterioradas por una bronconeumonía. Sus restos mortales fueron enterrados en el cementerio de Paterna.


title: Antonio Ferrandis

text: Así como con innumerables reconocimientos y homenajes, destacando los recibidos en el Festival Internacional de Peñíscola y el Festival Iberoamericano de Huelva.


title: Latas de sopa Campbell

text: Latas de sopa Campbell (cuyo título original en inglés es Campbell's Soup Cans), también conocida como 32 latas de sopa Campbell, es una obra de arte producida en 1962 por el artista estadounidense Andy Warhol.


title: Latas de sopa Campbell

text: Consiste en treinta y dos lienzos, cada uno de 50,8 cm de alto por 40,6cm de ancho (20 × 16pulgadas) y con una pintura de una lata de sopa Campbell —cada una de las variedades de sopa enlatada que la compañía ofrecía en aquella época—. Las pinturas individuales fueron realizadas con un proceso semimecanizado de serigrafía. El apoyo de "Campbell's Soup Cans" en temas de cultura popular ayudó al arte pop a instalarse como un movimiento artístico de trascendencia.


title: Latas de sopa Campbell

text: Para Warhol, un ilustrador comercial que se convertiría en un exitoso autor, pintor y director de cine, esta obra constituyó su primera exposición individual en una galería de arte como artista profesional. La obra, expuesta por primera vez en la Galería Ferus de Los Ángeles, marcó el debut del arte pop en la Costa Oeste de los Estados Unidos. Al principio, la combinación del proceso semimecanizado, el estilo y el tema comercial causaron molestia, ya que el evidente comercialismo mundano representaba una afrenta directa a la técnica y filosofía del expresionismo abstracto, un movimiento artístico que fue dominante durante el periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial y que se aferraba no solo a los valores y la estética de las «bellas artes», sino también a una inclinación mística. Esta controversia condujo a un gran debate acerca de la ética y los méritos que suponían tal trabajo. Los motivos de Warhol como artista fueron cuestionados, y lo continúan siendo hoy en día. La gran conmoción pública ayudó a transformar a Warhol de un experimentado ilustrador comercial de los años 1950 a un notable artista de bellas artes, y lo hizo distinguirse de otros artistas pop emergentes. Aunque la demanda comercial por sus pinturas no fue inmediata, la relación de Warhol con el tema llevó a que su nombre se convirtiera en sinónimo de las pinturas de "Latas de sopa Campbell".


title: Latas de sopa Campbell

text: Posteriormente, Warhol produjo una amplia variedad de obras de arte que representaban latas de sopa Campbell, así como otras obras basándose en una gran variedad de imágenes del mundo del comercio y de los medios de comunicación. El término "Latas de sopa Campbell" generalmente es usado en referencia a la serie original de pinturas así como a los dibujos y pinturas que Warhol realizó posteriormente y que igualmente representan latas de sopa Campbell. Debido a la popularidad que al final cobraría la serie entera, la reputación de Warhol creció hasta un punto donde no solo era el artista pop estadounidense de mayor renombre, sino también el artista estadounidense vivo más cotizado del momento.


title: Latas de sopa Campbell

text: Warhol llegó a la ciudad de Nueva York en 1949, proveniente de la Escuela de Bellas Artes del Instituto Tecnológico Carnegie. Tuvo éxito rápidamente como ilustrador comercial, y su primer dibujo publicado apareció en el número de verano de la revista "Glamour" en el año 1949. En 1952, tuvo lugar su primera exposición en una galería de arte —la Galería Bodley— con una presentación de trabajos inspirados en Truman Capote. En el año 1955, se encontraba calcando fotografías de la colección fotográfica de la Biblioteca Pública de Nueva York con la ayuda de Nathan Gluck y reproduciéndolas con el proceso que había desarrollado previamente como colegial en el Instituto Tecnológico Carnegie. Dicho proceso, que utilizaría en sus obras posteriores, consistía en imprimir ilustraciones con tinta fresca sobre un papel. Durante los años 1950 realizó exposiciones regulares de sus dibujos, incluso llegando a exponer en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, con una exposición titulada "Recent Drawings" ("Dibujos recientes"), en el año 1956.


title: Latas de sopa Campbell

text: En 1960, Warhol comenzó a realizar sus primeras pinturas sobre lienzo, basadas en dibujos de tiras cómicas. A finales de 1961, aprendió el proceso del serigrafiado con la ayuda de Floriano Vecchi, quien había dirigido la «Tiber Press» desde 1953. Aunque el proceso comienza generalmente con un dibujo estarcido, frecuentemente se desarrolla a partir de una fotografía ampliada que más tarde es estampada con ayuda de pegamento sobre papel de seda. En cualquier caso, se necesita producir una versión basada en pegamento de una imagen positiva bidimensional (positiva significa que los espacios abiertos se dejan donde la pintura aparecerá). Normalmente, la tinta es extendida sobre el medio para que pase a través del papel de seda y no del pegamento. Las "Latas de sopa Campbell" estuvieron entre las primeras producciones serigráficas de Warhol; las primeras de todas fueron billetes de dólares estadounidenses. Las piezas estaban hechas con estarcidos; cada uno de un color. Warhol no utilizó fotografías para serigrafiados hasta después de terminar la serie original de latas de sopa Campbell.