title: Mongolia Interior

text: Manchuria cayó bajo el estado títere japonés de Manchukuo en 1931, tomando las áreas mongoles en las provincias de Manchuria (es decir las ligas de Hulunbuir y Jirim). Rehe también fue incorporada a Manchukuo en 1933, con las Ligas de Juu Uda y Josutu. Estas zonas fueron administradas por Manchukuo hasta el final de la Segunda Guerra Mundial en 1945.


title: Mongolia Interior

text: En 1937, se declaró una guerra abierta entre China y Japón. El 8 de diciembre de 1937, el Príncipe Mongol De Wang declaró la independencia de la parte restante de Mongolia Interior (es decir las provincias de Suiyuan y Chahar) con el nombre de Mengkiang o Mengkukuo y firmó unos acuerdos de acercamiento con Manchukuo y Japón, haciendo de Mongolia Interior un títere del Imperio Japonés. La capital fue establecida en Zhangbei (actualmente en Hebei) extendiendo el control del gobierno títere hasta la región de Hohhot. En agosto de 1945, Mengkiang fue tomada por tropas soviéticas y de Mongolia Exterior en la Operación Tormenta de Agosto.


title: Mongolia Interior

text: Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, el Partido Comunista de China tomó prácticamente toda Manchuria con apoyo soviético y estableció la Región Autónoma de Mongolia Interior en el año 1947 siguiendo la política de nacionalidades soviética. Inicialmente la región autónoma sólo incluía la región de Hulunbuir. Durante la siguiente década, a medida que los comunistas establecían la República Popular China y consolidaban su poder sobre la China continental, Mongolia Interior se fue extendiendo hacia el oeste para incluir cinco de las seis Ligas originales (excepto la Liga de Josutu, que permanece en la provincia de Liaoning), la parte norte de la región de Chahar, por entonces una Liga también (el sur de Chahar permanece en al provincia de Hebei), la región de Hetao y las Banderas de Alashan y Ejine. Finalmente, prácticamente todas las áreas con poblaciones de origen mongol significativas fueron incorporadas a la región, dándole su forma alargada a la Mongolia Interior actual.


title: Mongolia Interior

text: En 1969, durante la Revolución Cultural, gran parte de Mongolia Interior fue distribuida entre las provincias vecinas: Hulunbuir fue dividida entre Heilongjiang y Jilin, Jirim pasó a formar parte de Jilim, Juu Uda de Liaoning y la región de Alasha y Ejine fue dividida entre Gansu y Ningxia. Estos cambios fueron revocados en 1979.


title: Mongolia Interior

text: La mayor parte del territorio de la Región Autónoma de Mongolia Interior está constituido por altas mesetas —parte de la gran meseta de Mongolia— y cadenas montañosas. Su territorio ocupa una superficie de 1 183 000 km².


title: Mongolia Interior

text: Su zona oriental está dominada por las montañas del Gran Khingan, que descienden por el este hacia las llanuras de Manchuria. La central por las montañas de Yinshan y Langshan. El desierto de Gobi se extiende a lo largo de la frontera con Mongolia. Otros desiertos son el Mu Us y el Hobq, al sur de la curva del río Amarillo, y el desierto de Badain Jaran en el oeste.


title: Mongolia Interior

text: La mayor parte de la zona oriental forma parte de las cuencas de los ríos Amur y Liao. El río Amarillo ("Huang He") penetra hacia el norte y cruza cerca de las ciudades de Hohhot y Baotou antes de volver hacia el sur formando una U invertida, por lo que esta región es conocida como Hetao (河套), "rodeada por el río" . El resto de la Mongolia central y occidental no forma parte de ninguna divisoria oceánica y tiene numerosos lagos salados.


title: Mongolia Interior

text: La cima del monte Helan, en las montañas del mismo nombre que se extienden a lo largo de la frontera con Ningxia, es el punto más alto de la región, con 3.556 metros. El mayor lago de agua dulce es el Hulun, en el nordeste, cercano a Mongolia y Rusia.


title: Mongolia Interior

text: En general, el clima es continental. Los inviernos son largos y fríos, con una media de temperaturas en enero que oscila entre los -23 °C en el noreste y los -10 °C en el sur. Los veranos son cortos, con una media en julio de entre 17 °C y 24 °C.


title: Mongolia Interior

text: La media anual de precipitaciones va desde menos de 50 mm en el norte y este hasta 450 mm en las tierras altas del noroeste. En los últimos años, la desertización se ha convertido en un importante problema medioambiental.


title: Mongolia Interior

text: La Región Autónoma de Mongolia Interior está formada por doce Divisiones de Nivel de Prefectura que incluyen nueve Ciudades-prefecturas y tres Ligas.


title: Mongolia Interior

text: Muchas de las Ligas fueron convertidas en Ciudades de nivel de Prefectura. Las doce Divisiones de Nivel de Prefectura están subdivididas en 101 Divisiones de nivel de Distrito, incluyendo 21 sectores, 11 Ciudades de nivel de Distrito, 17 Distritos, 49 Banderas y tres Banderas Autónomas. Estas están divididas a su vez en 1425 Divisiones de nivel de Municipio, incluyendo 532 Ciudades, 407 municipios, 277 sumu, 18 Municipios Étnicos, un Sumu Étnico y 190 sub-sectores.


title: Mongolia Interior

text: Ver Divisiones Administrativas de Mongolia Interior (listado completo de las Divisiones de Nivel de Distrito).


title: Mongolia Interior

text: En los valles se cultivan preferentemente cereales, como el trigo. En las praderas, más áridas, la cría de cabras y ovejas es el método tradicional de subsistencia. La silvicultura y la caza son importantes en las cadenas montañosas del Gran Khingan. Los Ewenki de la Bandera Autónoma de Evenki, crían renos.


title: Mongolia Interior

text: Hay abundancia de recursos naturales como carbón, lana de Cachemira, gas natural, metales raros y los mayores depósitos de toda China de niobio, circonio y berilio. Sin embargo la explotación de estos recursos en el pasado fue bastante ineficaz, lo que se tradujo, a pesar de su riqueza; en pobres resultados.


title: Mongolia Interior

text: La industria se ha desarrollado principalmente alrededor del carbón, la generación de electricidad y las industrias relacionadas con la silvicutura. Ahora se hace énfasis en seis industrias más competitivas: la de energía, la química, metalúrgica, manufactura de equipamientos, procesamiento de productos agrícolas (incluyendo la leche) y alta tecnología. Algunas de las compañías más reconocidas de Mongolia Interior son NORINCO, ERDOS, Yingli y Mengniu.


title: Mongolia Interior

text: Los chinos han son el mayor grupo étnico, constituyendo el 80 % de la población. Aunque en la región de Hetao, junto al río Amarillo, siempre ha estado poblada por agricultores del sur y nómadas del norte, el episodio más reciente de migración han empezó a comienzos del , fomentada por la dinastía Qing. Los Han viven principalmente en la región de Hetao y en varios puntos del centro y del este de Mongolia Interior.


title: Mongolia Interior

text: Los mongoles son el segundo grupo de población con un 17 % del total. Esto incluye muchos grupos que hablan mongol; oficialmente en China, grupos como los buriatos y los oirates son considerados mongoles. Muchos mongoles que tradicionalmente eran nómadas se establecieron cuando su economía de pastoreo fue colectivizada durante la era maoísta.


title: Mongolia Interior

text: Los chinos han de Mongolia Interior hablan distintos dialectos dependiendo de cada región. Las zonas orientales tienden a hablar dialectos del nordeste, que pertenecen al grupo mandarín de dialectos. En la parte central, como el valle del río Amarillo, se hablan variedades del Jin, dada su proximidad a otras áreas en las que se habla, como la provincia de Shanxi.


title: Mongolia Interior

text: Los mongoles de Mongolia Interior hablan distintos dialectos del mongol, incluyendo Chahar, Bairin, Ordos, Ejin-Alxa, Barghu-Buriato, etc… La pronunciación estándar del mongol en China está basada en el dialecto Chahar de la Bandera Azul, localizada en la zona central.


title: Ted Kennedy

text: Edward Moore Kennedy (Boston, Massachusetts, 22 de febrero de 1932-Hyannis Port, Massachusetts, 25 de agosto de 2009), más conocido como Ted Kennedy, fue un político estadounidense del Partido Demócrata. Hasta el día de su muerte fue el Senador Senior del estado de Massachusetts por casi 47 años. Fue también uno de los más prominentes miembros de la familia Kennedy, hermano del presidente estadounidense John F. Kennedy y también del senador de Nueva York Robert F. Kennedy.


title: Ted Kennedy

text: Edward Kennedy era el más joven de los nueve hijos de Joseph Kennedy y Rose Fitzgerald Kennedy. Ingresó en la Universidad de Harvard en 1950 Fue forzado a retirarse durante dos años de Harvard en mayo de 1951 cuando lo encontraron copiando en un examen final de una clase de español. Kennedy ingresó más tarde en el ejército de los Estados Unidos, donde estuvo dos años y fue asignado a París. Volvió a entrar en Harvard posteriormente, graduándose en junio de 1956. Mientras estaba en la escuela de derecho, dirigió la campaña de reelección al Senado de su hermano John en 1958.


title: Ted Kennedy

text: Edward comenzó su carrera política en 1962 cuando disputó un escaño en el Senado por el estado de Massachusetts y obtuvo su primer cargo político. Al poco tiempo de tomar su asiento, el 22 de noviembre de 1963, su hermano el presidente John F. Kennedy fue asesinado en Dallas, Texas.


title: Ted Kennedy

text: El 19 de julio de 1964, justo después de votar a favor de la Ley de Derechos Civiles, Kennedy voló a la convención demócrata de Massachusetts. El avión se estrelló y sufrió una fractura en la espalda y un pulmón colapsado. La cirugía le permitió volver a caminar, pero la lesión de espalda le impediría estar de pie completamente enderezado y le causaría dolor por el resto de su vida.


title: Ted Kennedy

text: Inicialmente, Edward Kennedy dio su apoyo a Lyndon B. Johnson cuando amplió el papel de EE. UU. en la guerra de Vietnam. Sin embargo, él estaba cada vez más preocupado por el gran número de muertes estadounidenses y después de un viaje al país en enero de 1968, argumentó que el presidente debía exigirle un mayor protagonismo militar a Vietnam del Sur para seguir apoyándolo contra sus vecinos comunistas del Norte.


title: Ted Kennedy

text: En 1968 su otro hermano Robert Kennedy, el senador de Nueva York que hacía campaña para la presidencia de los Estados Unidos, fue asesinado en Los Ángeles, California. Ted Kennedy, a la cabeza de su familia Kennedy, presidió los funerales de Bobby Kennedy en la Catedral de San Patricio, en Nueva York en junio de 1968.


title: Ted Kennedy

text: En 1969 tuvo un accidente de automóvil en Chappaquiddick (Massachusetts), al salirse del puente por el que transitaba. Mary Jo Kopechne, que le acompañaba en el vehículo, falleció. Edward Kennedy, el conductor del automóvil, se declaró culpable de abandonar el lugar del accidente y fue condenado a dos meses de cárcel, castigo que no llegó a ejecutarse por su levedad. A pesar de ello, su imagen quedó seriamente dañada, truncando sus posibilidades de llegar a ser presidente de los Estados Unidos.


title: Ted Kennedy

text: En 1980 se presentó como candidato a la presidencia por el Partido Demócrata y fue derrotado por el entonces presidente Jimmy Carter, que intentaba su reelección. Desde entonces y hasta su muerte siguió trabajando como senador por Massachusetts y tuvo un destacado papel en el Congreso. Trabajó especialmente en mejorar la educación, la situación de los inmigrantes y especialmente luchó por conseguir el objetivo de una sanidad pública para todos los ciudadanos estadounidenses. El presidente Barack Obama lo calificó como uno de los mejores legisladores de la historia del Senado. A la muerte de su centenaria madre Rose, acaecida en 1995, pasó a ser el patriarca de la familia.


title: Ted Kennedy

text: Este episodio de la vida de Kennedy fue recreado en la película "El escándalo Ted Kennedy" (título original: "Chappaquiddick"; en el Reino Unido se distribuyó como "The Senator") de John Curran, estrenada en 2017 y protagonizada por Jason Clarke en el papel de Ted Kennedy y Kate Mara en el de Mary Jo Kopechne.


title: Ted Kennedy

text: El 17 de mayo de 2008 ingresó en un hospital de Cape Cod de Massachusetts con síntomas de haber sufrido un derrame cerebral. Dos días después se informó de que Kennedy tenía un tumor cerebral maligno.


title: Ted Kennedy

text: El 1 de junio de 2008 fue operado en el Centro Médico de la Universidad de Duke (Carolina del Norte) y tras pasar una semana en esta instalación fue al Hospital General de Massachusetts a recibir tratamiento y quimioterapia.


title: Ted Kennedy

text: Kennedy falleció el 25 de agosto de 2009 en su casa en Hyannis Port (Massachusetts), como consecuencia del tumor cerebral.


title: Ted Kennedy

text: Su funeral se celebró el día 29 en la Basílica de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro de Boston y fue presidido por el arzobispo de Boston, el cardenal Seán Patrick O'Malley. A él asistieron el presidente Barack H. Obama y su esposa Michelle, el vicepresidente Joseph Biden y su esposa, la Secretaria de Estado Hillary Clinton y su esposo el expresidente Bill Clinton y los expresidentes Jimmy Carter y George W. Bush con sus respectivas esposas. El féretro de Kennedy llegó a la basílica llevado por miembros de distintos cuerpos del Ejército de los Estados Unidos y cubierto con la bandera estadounidense. Los elogios fúnebres corrieron a cargo de los dos hijos varones del senador, Edward Kennedy Jr. y Patrick Kennedy y, tras estos, del presidente Obama. Tras el funeral, los restos de Kennedy fueron trasladados a Washington, al Cementerio Nacional de Arlington, tras un recorrido por la capital -especialmente por delante del Capitolio- ante multitud de ciudadanos. Finalmente fue enterrado en Arlington en una tumba cercana a las de sus hermanos John y Robert.


title: Ted Kennedy

text: Durante toda su vida, dirigió una fundación en honor a su hermano mayor muerto en combate Joseph P. Kennedy, Jr., creando una organización para crear unos monumentos en la Universidad de Lynch, perteneciente a la Universidad de Harvard.


title: Magnetización

text: Magnetización, imantación o imanación de un material es la densidad de momentos bipolares magnéticos que son magnetizados por el metal, un proceso de separación que se lleva a cabo cuando uno de sus componentes es ferromagnético, como se mencionará en párrafo siguiente:


title: Magnetización

text: En la mayoría de los materiales, la magnetización aparece cuando se aplica un campo magnético a un cuerpo. En unos pocos materiales, principalmente los ferromagnéticos, la magnetización puede tener valores altos y existir aun en ausencia de un campo externo. También se puede magnetizar un cuerpo haciéndolo girar.


title: Magnetización

text: El cálculo analítico de la magnetización de un elemento es, en general, imposible, lo que incluye casos tan simples como los electroimanes en forma de barra o de herradura. En ciertos casos en los que el cuerpo adopta una forma concreta es posible la solución analítica, como en un toro o un anillo completamente arrollado con un conductor (anillo de Rowland) o en esferas en campos uniformes; hay también situaciones físicas en las que son posibles ciertas simplificaciones para su resolución.


title: Magnetización

text: Para describir la imanación se recurre a tres campos promediados en el espacio, que describen de forma macroscópica las cargas en movimiento, los momentos magnéticos cuánticos y el campo de inducción magnética B:


title: Magnetización

text: En un anillo de Rowland, el campo M depende del campo H, y están relacionados por las susceptibilidad magnética:


title: Magnetización

text: (Aunque debería depender de B, depende de H por razones históricas. Véase Campo magnético: nombre.) Dado que en general M y H no tienen la misma dirección, se puede definir la susceptibilidad a partir de sus módulos:


title: Magnetización

text: donde μ es la permeabilidad magnética del medio en el que aparece el campo magnético. Es una ecuación constitutiva en la que, según el medio material puede ser una constante, un campo escalar dependiente del tiempo y/o de la posición, un tensor (matriz) en el caso de los materiales anisótropos o incluso estar indefinido. También depende de la forma del cuerpo, ya que la relación solo es lineal en casos muy concretos, como barras infinitas, esferas en campos uniformes y anillos de Rowland.


title: Magnetización

text: Si la magnetización es positiva, el campo magnético se refuerza en el interior del material (como ocurre en los paramagnetos y en los ferromagnetos, por ejemplo).


title: Magnetización

text: En cambio, si la magnetización es negativa, el campo magnético se debilita en el interior del material (como ocurre en los diamagnetos). En los superconductores, la inducción magnética B es nula, así que la magnetización ha de ser siempre de la misma magnitud y dirección que el campo magnético H, pero en sentido inverso.


title: Magnetización

text: A un nivel microscópico solo hay cargas en movimiento, momentos magnéticos intrínsecos y el campo "B". El campo "M" se puede determinar a partir de la estructura microscópica, pero para ello es preciso recurrir a la mecánica cuántica, pues en mecánica clásica los momentos intrínsecos no tienen explicación y el movimiento electrónico produce una magnetización idénticamente nula (las derivaciones clásicas que dan resultados no nulos no tienen en cuenta el movimiento completo de todos los electrones).


title: Julio Furch

text: Julio César Furch (Winifreda, La Pampa, Argentina; 29 de julio de 1989) es un futbolista argentino. Juega como delantero en Atlas de la Primera División de México.


title: Julio Furch

text: Durante la Primera Guerra Mundial sus bisabuelos escaparon de Alemania y se refugiaron en Argentina a principios del siglo XX. Su apodo, «El Emperador del Gol», se lo otorgó la afición del Olimpo cuando comenzó a anotar goles, la razón de este es debido a que su nombre es igual al de Julio César, un gobernante romano de la era tardorrepublicana.


title: Julio Furch

text: Se inició a los 5 años en el Club Social y Deportivo Winifreda estando allí hasta los 10 años. Luego pasó al Club Deportivo Mac Allister de la Ciudad de Santa Rosa y a la edad de 15 años regresó a jugar con las reservas del Deportivo Winifreda. Cuando Alfredo Sauro asumió la dirección técnica del club en el 2006 ascendió a Furch al primer equipo que acababa de lograr el ascenso a la Primera División «A» de la Liga Cultural de Fútbol. Con los winifredenses logró importantes triunfos, participó en el Torneo Provincial y salió dos veces goleador de la liga. En el 2008 fue a jugar como refuerzo del Club Atlético All Boys el Torneo Argentino C, pero solo jugó algunos partidos y entonces decidió regresar a Winifreda para estudiar Administración de Empresas Agropecuarias.


title: Julio Furch

text: Cuando tenía 19 años, Juan Khun, ex defensor de Olimpo, hizo un vídeo de él mientras entrenaba y se lo entregó a Daniel Florit, en ese entonces técnico del plantel profesional de Olimpo. Fue invitado por la institución y el 15 de diciembre de 2008 realizó su primera prueba con el Olimpo. Tras observar a Furch, Florit decidió llevarlo a la pretemporada que el equipo realizó en Monte Hermoso. A inicios de 2009 firmó con el Olimpo y comenzó jugando con el segundo equipo en la Liga del Sur. Con el equipo de Bahía Blanca logró el campeonato de la liga, además, fue elegido el mejor delantero, el jugador revelación y recibió el Botín de Oro por consagrarse goleador del torneo con 16 goles en 24 partidos. En el 2010, tras su destacado año, fue promovido al primer equipo por Omar De Felippe.


title: Julio Furch

text: El 8 de mayo de 2010 debutó con el Club Olimpo en la derrota ante el Club Sportivo Independiente Rivadavia en la penúltima fecha del Campeonato de Primera B Nacional 2009-10, entró al minuto 83 en lugar de Alejandro Delorte. Esa temporada Olimpo se consagró campeón, logrando el ascenso a la Primera División de Argentina.


title: Julio Furch

text: El 8 de agosto logró debutar en primera división en la derrota de Olimpo ante el Club Atlético Banfield, entró en el segundo tiempo en lugar de Diego Galván. Por otra parte, el 24 de octubre anotó su primer gol como profesional ante el Club Atlético Tigre. En su primera temporada con el primer equipo anotó 3 goles en 24 partidos y Olimpo logró el cuarto lugar la categoría, pero en la siguiente temporada descendió al perder un partido ante San Martín de San Juan.


title: Julio Furch

text: En julio de 2012 paso al Club Atlético San Lorenzo de Almagro, en donde estuvo solo durante un semestre y entonces Juan Antonio Pizzi, director técnico del equipo, lo descartó para el siguiente torneo, motivo por el cual fue enviado al Arsenal Fútbol Club.


title: Julio Furch

text: Disputó su primer partido internacional el 26 de febrero de 2013, en un encuentro de Copa Libertadores ante el Clube Atlético Mineiro, anotó un gol y Arsenal perdió 2-5. En octubre obtuvo el campeonato de la Copa Argentina 2012-13 al derrotar en la a su ex equipo, San Lorenzo, por marcador de 3-0. Para la siguiente temporada renovó su préstamo con el Arsenal. Disputó la Supercopa Argentina 2013, terminando subcampeón al perder ante el Club Atlético Vélez Sarsfield. Tuvo una discreta actuación durante los tres torneos en los que estuvo con Arsenal, destacando un doblete que consiguió ante San Lorenzo.


title: Julio Furch

text: El 9 de agosto de 2014 llegó al Club Atlético Belgrano como refuerzo para encarar el Torneo Inicial. anotó 8 goles en 18 partidos y fue el goleador del equipo, teniendo una actuación sobresaliente en el último partido del torneo frente al Club Atlético Independiente, a quien le anotó un hat-trick.


title: Julio Furch

text: En diciembre de 2014 se anunció su traspaso a los Tiburones Rojos de Veracruz. Debutó en México el 16 de enero de 2015 en un partido correspondiente a la fecha 2 del Torneo Clausura 2015, en donde Furch anotó un doblete y su equipo ganó 3-1 ante el Club Puebla. Anotó dos dobletes más, uno ante Atlas Fútbol Club y otro contra el Club Universidad Nacional. Terminó el Clausura 2015 como segundo máximo anotador del torneo con un total de 9 goles en 16 partidos de liga y 1 más en dos partidos de eliminatorias. El 10 de agosto de 2016, anotó su primer Hat-trick con Veracruz en un juego de la Copa México contra Santos Laguna.


title: Julio Furch

text: El 24 de noviembre de 2016, se convirtió en el primer refuerzo del Club Santos Laguna para el Clausura 2017.


title: Doncella de hierro

text: La doncella de hierro fue un instrumento utilizado para la tortura y la ejecución de la pena de muerte, fue inventada en el para atracciones de circo.


title: Doncella de hierro

text: El historiador Polibio cuenta que el cruel tirano de Esparta Nabis (205-192 a. de C.) construyó una máquina con la apariencia de su mujer y cuyo vestido ocultaba pinchos de hierro; a todo el ciudadano reacio a pagar impuestos lo obligaba a ser abrazado por esa estatua por medio de unos resortes. Era conocida como Apega de Nabis, y se considera el antecedente de la doncella de hierro. San Agustín refiere también en "La ciudad de Dios" que los cartagineses poseían un tipo de tortura que consistía en encerrar a una persona en un sarcófago de madera provisto de pinchos. Pero no hay documentación alguna ulterior sobre este instrumento de tortura hasta fines del .


title: Doncella de hierro

text: Al parecer, una de las primeras doncellas de hierro medievales fue construida en Núremberg (Alemania) y la primera persona ejecutada por este medio habría sido un falsificador de moneda, el 14 de agosto de 1515, según afirmó Johann Philipp Siebenkees (1759-1796) en 1793, quien bautizó con su conocido nombre al artilugio, pero la veracidad de este hecho está en entredicho porque interpretó mal el texto de una crónica de Núremberg fechada en el . Se trataba en realidad de una especie de tonel sin pinchos que se cerraba sobre el tronco de la persona a castigar, dejándole fuera cabeza, brazos y piernas: la doncella de hierro que se ha conservado hasta época moderna en Núremberg fue construida en realidad hacia 1802, inspirándose en el bulo creado por Siebenkees, y ha servido de modelo a todas las posteriores, creadas por la fantasía romántica. Así, se ha llegado a contar que Isabel Báthory utilizaba la doncella de hierro contra sus doncellas para obtener más sangre de sus víctimas y conseguir la eterna juventud. Y Bram Stoker escribió una historia corta de género gótico sobre la doncella de hierro llamada "The Iron Maiden" (1893). Así pues, su uso como dispositivo de tortura en cumplimiento de sentencias judiciales en la Edad Media es probablemente falso. Si se utilizó, fue a partir del con fines macabros. Sin embargo, la banda de heavy metal Iron Maiden se inspiró en este objeto para nombrar su grupo.


title: Doncella de hierro

text: La doncella de hierro de Núremberg era antropomórfica, con una cara que se podría reconocer como María la madre de Jesús y un cuerpo formado por dos puertas que lo asemejaban a un ataúd. Medía más de dos metros de alto y casi uno de ancho, por lo que era suficientemente grande para contener a un hombre plenamente desarrollado. El prisionero condenado tenía que pasar a través de siete salas con siete candados antes de su prevista ejecución. Al final de un largo pasillo se encontraba la cara de una especie de guardarropa de hierro que recordaba vagamente una figura humana. Por fuera, la doncella parecía inofensiva y nada peligrosa, pero en su interior había unos clavos ocultos de hierro cuyo fin no era matar rápido, sino torturar despacio. El objetivo de este artilugio en general era empalar a la víctima e infligirle un gran dolor y castigo.


title: Doncella de hierro

text: Lo que más llama la atención es la presencia de docenas de clavos punzantes y oxidados. Estaban diseñados para ensartarse en la víctima esquivando los órganos vitales en cuanto la doble puerta se cerrase. Esto permitía que la persona siguiese viva y en posición vertical. Además, había un clavo no movible que estaba en la posición del pene para infligir más daño.


title: Doncella de hierro

text: En segundo lugar, el hombre condenado estaba sujeto en un espacio extremadamente pequeño para maximizar su nivel de sufrimiento.


title: Doncella de hierro

text: Otra característica secundaria pero importante era que las puertas de hierro podían ser abiertas independientemente. Esto era útil para comprobar que la víctima estaba teniendo un sufrimiento suficiente y negar el riesgo de posibles escapes.


title: Doncella de hierro

text: Las puertas de la doncella de hierro tenían un grosor considerable. Al parecer fueron especialmente concebidas para asegurarse de que los gritos de dolor del condenado no pudieran ser escuchados mientras ambas puertas estuviesen cerradas.


title: Doncella de hierro

text: Las puertas eran cerradas lentamente para que las puntas de los clavos pudiesen penetrar en los brazos y piernas del hombre en varios puntos, además de otras muchas partes de su cuerpo como pueden ser el pecho, los hombros o los ojos, pero sin llegar a matarlo directamente;esto le causaba un gran dolor durante un par de días hasta que finalmente moría.


title: Doncella de hierro

text: Aunque esto no ha podido ser probado, expertos historiadores afirman que los clavos en la parte interior a la puerta eran movibles. Se piensa que podían ser recolocados o cambiados de sitio dependiendo de lo que se necesitase para el individuo en cuestión, dependiendo de su fisionomía y del crimen realizado. De esta manera, el resultado global sería más o menos letal y mutilante dependiendo de donde se colocasen los clavos. Si durante el tiempo en el que la víctima permanecía en el interior no moría, al momento de abrir la puerta sufría desangramiento y fallecía unos segundos después.


title: Doncella de hierro

text: Aparte que la Banda de Heavy Metal, (Iron Maiden), utilizara este nombre en su banda, también se hace referencia en el anime y manga Shaman King donde de igual manera explican el uso del artefacto y para que se utilizaba.


title: Doncella de hierro

text: Por otro lado, en el juego Otome y anime Diabolik Lovers, uno de los hijos de Karlheiz y Cordelia (Ayato Sakamaki) posee una dama de hierro en su cuarto.


title: Doncella de hierro

text: En la secuencia de apertura del episodio de la de Los Simpson, Treehouse of Horror XVII, Moe es asesinado con este artefacto por el Sr. Burns y Smithers (ambos zombis), luego de quejarse de ellos.


title: Doncella de hierro

text: En el juego en línea de Facebook: Cybermon, una de las criaturas que se pueden capturar y hacer evolucionar se llama "Iron Maiden", presentando características similares.


title: Doncella de hierro

text: En "Bayonetta", al realizar uno de los diversos "ataques tortura" contra determinados enemigos se suele utilizar este artefacto.


title: Doncella de hierro

text: En el videojuego Resident Evil 4 existe un enemigo llamado regenerador que su segunda versión es también conocido como Iron Maiden en referencia a este instrumento y comparte características con este como su a


title: Doncella de hierro

text: En el videojuego japonés Fate/Grand Order, Carmilla (Isabel Báthory) posee una dama de hierro, especialmente diseñado para usarse en mujeres, bajo el nombre de Phantom Maiden, como Fantasma Noble.


title: Doncella de hierro

text: En la película Mi Villano Favorito/Despicable Me (2010), se aprecia una Dama de Hierro en la sala de la casa de Gru. Después que adopta a las niñas y las lleva a su casa, las niñas están explorando el lugar. Edith queda encerrada dentro de la Dama de Hierro, que sólo logra perforar el envase de su jugo de frutas.


title: Doncella de hierro

text: Se duda del uso de las doncellas de hierro en procesos judiciales o ejecuciones. Se hicieron réplicas de la doncella de hierro de Núremberg, y, al parecer todas ellas fueron usadas con fines macabros. La doncella de hierro del castillo de Núremberg fue destruida en 1944 como consecuencia de los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial.


title: Zoboomafoo

text: Zoboomafoo es una serie infantil canadiense de 65 episodios que busca mostrar el mundo animal para niños de primaria. La serie fue creada por los hermanos Kratt (Chris y Martin), siendo el protagonista un Sifaka llamado Zoboomafoo.


title: Zoboomafoo

text: El programa siempre comienza con los hermanos Kratt en Animal Junction (un lugar singular donde los animales de la naturaleza pueden ir a visitarlos y a jugar), donde Chris y Martin le dan una fruta a Zoboomafoo y este comienza a hablar, y después, tanto los hermanos Kratt como "Zoboo" interactúan con los animales, describen cómo son y muestran sus características más detalladas a través de diferentes segmentos musicalizados.


title: Zoboomafoo

text: Luego sigue el segmento principal del episodio, describiendo un animal "¡Mangatsika!" (una palabra malgache que literalmente significa "frío", pero que se usa en la serie como sinónimo de "genial"), que vio en su camino a Animal Junction. Mientras describe al animal, se reproduce una canción, "¿Quién podría ser?", mientras que una caricatura muestra las características del "animal misterioso". Al final de la canción, Chris y Martin intentan adivinar el animal que Zoboo ha descrito y el misterio se revela cuando el animal misterioso llegan a Animal Junction.


title: Zoboomafoo

text: Cada episodio trata sobre un tema en específico, como por ejemplo, crías de animales, animales aterradores o la importancia del juego. La llegada del "animal misterioso", generalmente utilizado como exposición, lleva a Zoboo, Chris y Martin a una conversación sobre el animal. Al menos una vez en cada episodio (dos veces en la mayoría de los episodios), Zoboo dice que algún evento en Animal Junction le recuerda un tiempo en Zoboolandia, donde cuenta historias sobre sus mejores amigos en Zobooland; Narchi, Gooble, Sensit, Wiggy Waxwing, Green Puppy, Slimantha, Noggin Drill, Snow Lemur, Baby Zoboomafooasaurus y Mama Zoboomafooasaurus, Buggly, Fibby, Emily y Cy (este segmento está hecho en animación stop-motion).


title: Zoboomafoo

text: Después de la primera historia de Zoboolandia, Zoboo, Chris y Martin reciben una carta de Animal Helpers (Jackie en la primera temporada y Amy en la segunda temporada), que les muestra a los niños cómo ayudar a los animales. Esto lleva que Chris y Martin salgan a visitar criaturas relacionadas con el tema, siempre comenzando con la canción "Vamos al Armario" cantada por Zoboo. Al final de cada episodio, Zoboo y los hermanos Kratt se despiden cantando "Mi Amigo Animal", una canción que explica por qué los animales son amigos de todos, a pesar de ser especies diferentes. Finalmente, Zoboo vuelve a convertirse en un lémur normal y regresa a su hogar, en Madagascar. Chris y Martin también abandonan Animal Junction para demostrar mejor el tema del día, viajando a una región, a menudo en la India o África, para visitar las criaturas de allí.


title: Zoboomafoo

text: Zaboo (el lémur de sifaka) a veces se sustituye con un lémur real. También hay escenas en el programa con acción en vivo, y ocasionalmente con escenas de Claymation cuando se ve Zoboolandia con los amigos de Zoboo como: Comelón, Nariz, Orejas, Greñas, Perro Verde, Salimandra, Berbiqui, Lémur Níveo, Bebé Zoboomafoosaurio, Mamá Zoboomafoosaurio, Patas, Globy y Cy.


title: Zoboomafoo

text: Zoboomafoo recibió el premio Emmy 2001 a la mejor dirección en una serie infantil y un premio Parents Choice Award en la primavera de 2001 y el honor de plata en el otoño de 2001.


title: Elecciones generales de España de 2000

text: El domingo 12 de marzo de 2000 se celebraron elecciones generales en España. En estos comicios, el Partido Popular conseguía la mayoría absoluta en el Congreso de los Diputados, gracias a su incremento de votos y el descenso del PSOE y de Izquierda Unida.


title: Elecciones generales de España de 2000

text: Después de estas elecciones comenzó la VII Legislatura de España. José María Aznar revalida su cargo como Presidente del Gobierno. Joaquín Almunia, el candidato socialista, dimitió tras la derrota electoral como secretario general del PSOE; sin embargo, su carrera política continuó.


title: Elecciones generales de España de 2000

text: Respecto a 1996 el PP ganó al PSOE las provincias de Ciudad Real, Cáceres, Badajoz, Córdoba, Almería, Málaga, Cádiz y Santa Cruz de Tenerife.


title: Elecciones generales de España de 2000

text: Debido al deseo del presidente del Gobierno, José María Aznar, de que el nuevo Gobierno se formase antes de Semana Santa, las elecciones fueron anticipadas tres semanas, ya que debían haberse celebrado el 2 de abril.


title: Elecciones generales de España de 2000

text: Con el eslogan "Vamos a más", el Partido Popular presentó un programa continuista respecto a la anterior legislatura, que fue la de mayor reducción del desempleo de la democracia. Aznar prometió convertir los avances económicos de España —en los que se incluye la entrada del país en la moneda única— en más inversión en educación, infraestructuras, nuevas tecnologías, cultura y medio ambiente.


title: Elecciones generales de España de 2000

text: Desde la oposición, el PSOE criticó que el crecimiento económico de España no estaba revirtiendo en la mejora de los servicios públicos: mientras los beneficios empresariales —entre ellos, de las empresas privatizadas por Aznar en su primera legislatura— se disparaban, España era el país de la Unión Europea que menos invertía en gasto social, y sólo se habían bajado los impuestos a las rentas más altas.


title: Elecciones generales de España de 2000

text: En la tercera fuerza, Izquierda Unida, el nuevo candidato Francisco Frutos dejó las campañas de hostilidad con el PSOE que protagonizó el anterior líder Julio Anguita e inició una política de acercamiento, que culminó un mes antes de las elecciones con un acuerdo con los socialistas para compartir listas al Senado en 27 provincias y apoyar a Almunia en la investidura.


title: Elecciones generales de España de 2000

text: El triunfo por mayoría absoluta del Partido Popular fue percibido por los medios como una sorpresa, puesto que las encuestas pronosticaban un resultado para el PP mejor que el de 1996, pero sin llegar a alcanzar a la suma de PSOE e IU. Tras el escrutinio, el centro-derecha superó por primera vez la suma de las fuerzas de izquierda desde la restauración de la democracia en España y se hizo con 183 escaños.


title: Elecciones generales de España de 2000

text: Los resultados supusieron la derrota más dura para el PSOE en veinte años, con sólo 125 parlamentarios. Para IU el correctivo fue aún más duro: perdieron la mitad de sus votos y dos tercios de sus diputados y empezaron una crisis de resultados que duró más de una década, sin volver a crecer en votos y superar los 10 escaños hasta 2011.


title: Elecciones generales de España de 2000

text: El miércoles 26 de abril de 2000 José María Aznar fue investido Presidente del Gobierno por segunda vez, gracias a la mayoría absoluta de su partido. También apoyaron a Aznar sus socios de la anterior legislatura, CiU y Coalición Canaria. Hasta la fecha de hoy, esta ha sido la única votación de investidura exitosa en la que los 350 diputados electos votaron sí o no, sin que se produjeran abstenciones o ausencias.


title: Cártel de Caborca

text: El Cártel de Caborca es una organización criminal comandado por el veterano criminal Rafael Caro Quintero, (fundador del extinto Cartel de Guadalajara) y concentrando sus operaciones de trasiego de droga en el municipio fronterizo de Caborca. En la actualidad el grupo tiene una sangrienta disputa con la célula delictiva de "Los Salazar", identificada como brazo armado del Cártel de Sinaloa. El grupo se alió con el Cártel de Juárez esto para disputar las zonas de Sonora y Chihuahua, abriendo reagrupado sus fuerzas y decidiendo disputar el territorio de su antiguo socio Joaquín Guzmán Loera.


title: Cártel de Caborca

text: Según la Secretaría de Marina advirtió del creciente conflicto entre células delincuenciales "Los Páez" y/o "Los Paleteros" (al mando Rodrigo Páez Quintero sobrino de Rafael Caro Quintero) y "Los Cazadores" junto a "Los Salazar", (células afines al Cártel de Sinaloa), provocando un aumento en los homicidios dolosos en el estado de Sonora. Desde inicios del 2020 diversos narcomensajes adjudicados al Cártel de Caborca dejados comúnmente después de enfrentamientos armados, refiriendo que Caro Quintero viene por los territorios que "le pertenecen". No fue hasta enero del 2021 cuando las fuentes de inteligencia federales confirmaron que Rafael Caro Quintero maneja el cártel. Además mencionan que el principal objetivo de Rafael Caro Quintero ha sido disputarle el territorio de Sonora a la facción de Los Chapitos y Los Salazar, liderada por los hijos de Joaquín el “Chapo” Guzmán.


title: Cártel de Caborca

text: El viernes 15 de julio del 2022, Rafael Caro Quintero es arrestado en la sierra de Sinaloa. El fundador del cartel de Guadalajara, ahora cartel de Sinaloa, por segunda vez le es ejecutada una orden de aprehensión por autoridades mexicanas. Catorce soldados del ejército mueren cuando se estrelló el helicóptero en el que se trasladaban después de haber capturado al capo.


title: Cártel de Caborca

text: Dos hieleras con los restos de tres personas descuartizadas fueron encontrado en el kilómetro 75, Ejido 15 de Septiembre, fueron halladas por las autoridades, esto en mayo de 2020. También se informo que en la zona se hallaron ponchallantas y un narco mensaje donde el Cártel de Caborca se adjudicaba los homicidios. El 21 de junio del mismo año un enfrentamiento entre células del crimen organizado dejó un saldo de dos civiles y diez sicarios muertos, y las manos atadas en la carretera Caborca–Sonoyta,cuatro vehículos, un tráiler y cuatro domicilios totalmente calcinados, así como la explosión de una bomba en una gasolinera. Durante el enfrentamiento, autoridades decomisaron armas largas, incluidos un rifle Barrett M82 y vehículos con blindaje artesanal.


title: Cártel de Caborca

text: El 30 de septiembre del 2020, sicarios del Cártel de Caborca se enfrentaron contra elementos de la Guardia Nacional de México, dejando como saldo diez personas lesionadas, y dejando al menos catorce vehículos afectados (la mayoría por el uso de "ponchallantas")


title: Cártel de Caborca

text: El 26 de junio del 2021 un enfrentamiento entre miembros del Cártel de Caborca y oficiales de la Policía Estatal, que dejó como saldo tres sicarios muertos y siete detenidos, esto en la comunidad de Los Alamitos.


title: Cártel de Caborca

text: Cinco cadáveres abandonados cerca de la vía del tren fueron hallados en los límites del municipio de Caborca con Pitiquito, dos de los cuerpos habían sido mutilados por el ferrocarril. Si bien los cuerpos fueron hallados el 8 de septiembre, según peritos habían sido abandonados en días pasados.


title: Antonio Canova

text: Antonio Canova (Possagno, 1 de noviembre de 1757-Venecia, 13 de octubre de 1822) fue un escultor y pintor italiano del neoclasicismo.


title: Antonio Canova

text: Su estilo estuvo inspirado en gran medida en el arte de la Antigua Grecia y sus obras fueron comparadas por sus contemporáneos con la mejor producción de la antigüedad, fue considerado el mejor escultor europeo desde Bernini. Su contribución en la consolidación del arte neoclásico es comparable solo a la del teórico Johann Joachim Winckelmann y a la del pintor Jacques-Louis David, aunque también fue sensible a la influencia del romanticismo. No tuvo discípulos directos, pero influyó en la escultura de toda Europa sobre su generación, manteniéndose como una referencia durante todo el , especialmente entre los escultores de la comunidad académica. Con el auge de la estética del arte moderno cayó en el olvido, pero su posición de prestigio se reanudó a partir de mediados del . También mantuvo un interés continuo en la investigación arqueológica, era un coleccionista de antigüedades y se esforzó para evitar que el arte italiano, antiguo o moderno, se dispersara por otras colecciones del mundo. Considerado por sus contemporáneos tanto como un modelo de excelencia artística como de conducta personal, desenvolvió importantes actividades en beneficio y apoyo de los artistas jóvenes. Fue director de la Academia de San Lucas de Roma e inspector general de Antigüedades y Bellas Artes de los Estados Pontificios, recibió varios premios y fue ennoblecido por el papa Pío VII quien le otorgó el título de marqués de Ischia.


title: Antonio Canova

text: Antonio Canova nació en Possagno, un pueblo de la República de Venecia, situado en medio de las colinas de Asolo, donde se forman las últimas ondulaciones de los Alpes y que desaparecen en las llanuras de Treviso.


title: Antonio Canova

text: Tras la muerte de su padre Pietro Canova, cuando él tenía tres años, un año más tarde su madre contrajo segundas nupcias dejándolo al cuidado de su abuelo paterno. Tuvo un hermano del nuevo matrimonio de su madre, el abad Giovanni Battista Sartori, con el que mantuvo muy buenas relaciones y que fue su secretario y albacea. Al parecer su abuelo, escultor también, fue el primero en percatarse de su talento, y enseguida Canova fue iniciado en los secretos del dibujo.


title: Antonio Canova

text: Su juventud la pasó en talleres de arte, mostrando predilección por la escultura. Con nueve años fue capaz de realizar dos pequeños altar-relicarios de mármol que todavía existen, y desde entonces su abuelo le encargaba diferentes trabajos. El abuelo estaba patrocinado por la acaudalada familia Falier de Venecia, y a la vista de las aptitudes del joven Canova el senador Giovanni Falier se convirtió en su protector. Gracias a él, con trece años, fue puesto bajo la dirección de Giuseppe Bernardi, uno de los más notables escultores de su generación en el Véneto.


title: Antonio Canova

text: Sus estudios fueron complementados por el acceso que tenía a importantes colecciones de esculturas antiguas, como las mantenidas por la Academia de Venecia y el coleccionista Filippo Farsetti, que le fue útil para establecer nuevos contactos con clientes adinerados. Pronto sus obras fueron elogiadas por su virtuosismo precoz y recibió los primeros encargos, entre ellos dos cestas de fruta en mármol para el proppio Farsetti. Cuando Canova tenía 16 años falleció su maestro y del taller se hizo cargo entonces el sobrino de este, Giovanni Ferrari, con el que Canova permaneció cerca de un año. La copia que hizo en terracota en 1772 de los famosos "Luchadores" de la Galería de los Uffizi le valió el segundo premio de la Academia.


title: Antonio Canova

text: Su protector le confió la ejecución de dos grandes estatuas a tamaño natural: "Orfeo" y "Eurídice", que fueron expuestas en la plaza de San Marcos y admiradas por un miembro de la importante familia Grimaldi que le encargó una copia (en la actualidad en el Museo del Hermitage de San Petersburgo). En los años posteriores de su estancia en Venecia hasta 1779, esculpió numerosas obras, entre ellas un "Apolo", que donó a la Academia al ser elegido como miembro de esta institución, y el grupo escultórico "Dédalo e Ícaro". Su estilo en ese momento tenía un carácter ornamental típico del rococó, pero era también vigoroso y con un naturalismo propio del arte veneciano que mostraba una tendencia a la idealización que había adquirido en sus estudios de los clásicos.


title: Antonio Canova

text: A finales de 1779 se trasladó a Roma, visitando Bolonia y Florencia con el fin de conseguir un perfeccionamiento en su arte. Roma era entonces el centro cultural más importante en Europa y un objetivo obligatorio para cualquier artista que aspirase a la fama. La ciudad era toda ella un gran museo, llena de monumentos antiguos y grandes colecciones, en un momento donde estaba en pleno apogeo la formación del neoclasicismo y donde existían copias auténticas para estudiar de primera mano la gran producción artística del pasado clásico.


title: Antonio Canova

text: Antes de su partida, sus amigos le consiguieron una pensión anual de 300 ducados, que se mantendría durante tres años. También obtuvo cartas de presentación para el embajador de Venecia en Roma, el Cavalier Girolamo Zulian, un ilustrado en las artes, que lo recibió con gran hospitalidad, cuando el artista llegó allí alrededor de 1779, y promovió la primera exhibición pública de un trabajo de Canova en su propia casa, la obra, era la copia del grupo de "Dédalo e Ícaro", que había mandado traer desde Venecia, y que despertó la admiración de todos aquellos que la vieron. Según el relato del conde Leopoldo Cicognara, uno de sus primeros biógrafos, a pesar de la aprobación unánime de la obra de Canova, el artista sintió mucha vergüenza en aquel momento, a menudo comentó esta situación como uno de los episodios más tensos de su vida. A través del embajador Zulian, Canova fue introducido, con un éxito inmediato entre la comunidad local de los intelectuales, entre los que se encontraban el arqueólogo Gavin Hamilton, los coleccionistas William Hamilton y el cardenal Alessandro Albani, y el anticuario e historiador Johann Joachim Winckelmann, el principal mentor del neoclasicismo, entre otros muchos personajes que compartían su amor por los clásicos.


title: Antonio Canova

text: Ya en Roma, Canova pudo profundizar en el estudio de las más importantes obras de la antigüedad, completando su educación literaria, mejoró su fluidez en francés y pudo ponerse en competencia con los mejores maestros de la época. El resultado fue más allá de sus propias expectativas. Su primera obra producida en Roma, patrocinada por el embajador Zulian, fue "Teseo y el Minotauro" (1781), que fue recibida con gran entusiasmo. A continuación, una pequeña talla de "Apolo coronándose a sí mismo" (1781-1782) para el príncipe Rezzonico, una estatua de "Psique" (1793) para Zulian. También en este tiempo contó con el apoyo del grabador Giovanni Volpato, que le abrió otras puertas, incluyendo las del Vaticano.


title: Antonio Canova

text: Su siguiente encargo, realizado a través de Volpato, fue un monumento funerario destinado a la basílica de San Pedro, para el papa Clemente XIV, aunque antes de aceptarlo decidió pedir permiso al Senado de Venecia, en consideración por la pensión que le habían concedido. Al conseguirlo, cerró su taller de Venecia y regresó inmediatamente a Roma y abrió un nuevo estudio, cerca de la Via del Babuino, donde en los dos años siguientes los dedicó a completar el modelo del gran encargo, y otros dos en la ejecución de la obra, que fue por fin inaugurada en 1787, consiguiendo los elogios de los críticos más importantes de la ciudad. Durante este período, realizó también algunos proyectos menores, como bajorrelieves en terracota y una estatua de "Psiquis". Más de cinco años los pasó en la preparación de un cenotafio para el papa Clemente XIII, entregado en el año 1792, trabajo que le proporcionó aún más fama.


title: Antonio Canova

text: En los años siguientes, hasta el final del siglo, Canova se aplicó con enorme esfuerzo en producir un número significativo de nuevos trabajos, incluidos varios grupos de "Eros y Psique", en diferentes actitudes, que le sirvió para recibir una invitación para establecerse en la corte rusa, pero Canova rehusó alegando su estrecha relación con Italia. Otras obras fueron "Venus y Adonis", el grupo representando a "Hércules y Lichas", una estatua de "Hebe" y una primera versión de la "Magdalena penitente". Pero el esfuerzo fue excesivo para su salud, y el uso continuo del trépano para realizar esculturas cuyo uso comprime el pecho le provocó el hundimiento del esternón. Al sentirse cansado después de tantos años de intensa actividad sin interrupciones y en vista de la ocupación francesa de Roma en 1798, se retiró a su ciudad natal de Possagno, donde se dedicó a la pintura, y después realizó un viaje de placer por Alemania en compañía de su amigo el príncipe Abbondio Rezzonico. También pasó por Austria, donde recibió un encargo de un cenotafio para la archiduquesa María Cristina, hija de Francisco I, que se tradujo años después, en una majestuosa obra. En esta misma ocasión se le pidió que enviara para la capital austriaca un grupo de "Teseo y el centauro", que había sido destinado originariamente para Milán, y que se instaló en un templo de estilo griego construido especialmente para este fin en los jardines del palacio de Schönbrunn.


title: Antonio Canova

text: A su regreso a Roma en 1800, realizó en pocos meses una de sus composiciones más aclamadas, el "Perseo con la cabeza de Medusa" (1800-1801), inspirado en el "Apolo de Belvedere", juzgado como digno de codearse con él, este trabajo le valió el título de Caballero, otorgado por el papa. En 1802 fue invitado por Napoleón Bonaparte a París, para retratarle a él y a su familia. De acuerdo con el testimonio de su hermano, que lo acompañó, el escultor y el emperador mantuvieron conversaciones en un gran nivel de franqueza y familiaridad. También se reunió con el pintor Jacques-Louis David, el más importante de los pintores neoclásicos franceses.


title: Antonio Canova

text: El 10 de agosto de 1802 el papa Pío VII, nombró al artista inspector general de Antigüedades y Bellas Artes de los Estados Pontificios, cargo que ocupó hasta su muerte. Además de ser un reconocimiento a su obra escultórica, el nombramiento implicaba que también se le consideraba un experto en la capacidad de juzgar la calidad de las obras de arte y con un interés en la preservación de las colecciones papales. Entre las atribuciones del cargo estaba la responsabilidad para la emisión de autorizaciones de permisos para excavaciones arqueológicas y supervisar los trabajos de restauración, compra y exportación de antigüedades, así como la instalación y organización de nuevos museos en los Estados Pontificios. Incluso compró 80 piezas antiguas por su propia cuenta y las donó a los Museos Vaticanos. Entre 1805 y 1814 fue el que decidió sobre las becas de los artistas italianos para su perfeccionamiento en Roma. En 1810 fue nombrado presidente de la Academia de San Lucas, la institución artística más importante de Italia en su época y que se mantuvo como un bastión de estabilidad en el ámbito de la cultura romana a lo largo del turbulento periodo de la ocupación francesa, siendo confirmado en sus cargos por Napoleón. Su misión administrativa concluyó con la tarea de rescate en 1815, del expolio artístico arrebatado de Italia por el emperador francés, y su celo y esfuerzo para resolver el difícil trabajo de acomodar los intereses divergentes internacionales y recuperar diversos tesoros para su país, incluyendo obras de Rafael Sanzio, el "Apolo de Belvedere", el "grupo del Laocoonte" y la "Venus de Médici".


title: Antonio Canova

text: En el otoño de este mismo año pudo hacer realidad el sueño largamente acariciado de viajar a Londres, donde fue recibido con gran consideración. Su viaje tenía dos propósitos principales: agradecer la ayuda que el gobierno británico le había dado en la recuperación del expolio italiano confiscado y conocer los mármoles de Elgin, un gran conjunto de piezas provenientes del Partenón de Atenas, realizadas por Fidias y sus ayudantes, conocimiento que para él fue una revelación y que contribuyó para confirmar su impresión de que el arte griego era superior en la calidad de ejecución y por su imitación de la naturaleza. También se le pidió dar su parecer de experto sobre la importancia del conjunto, que estaba siendo ofrecida en venta por Lord Elgin a la corona británica, se expresó en términos muy elogiosos, pero se negó a su restauración, a pesar de haber sido invitado para hacerlo, consideró que debían permanecer sin restaurar como testimonios auténticos del arte griego.De regreso a Roma en 1816 con las obras devueltas por Francia, el papa le otorgó una pensión de tres mil escudos y se inscribió su nombre en el "Libro de Oro del Capitolio" con el título de marqués de Ischia.


title: Antonio Canova

text: Canova comenzó a preparar el proyecto de otra estatua monumental, que mostraba la representación de la Religión. No por servilismo, ya que era un ferviente devoto, pero su idea de instalarla en Roma acabó frustrada, incluso siendo financiada por él mismo y estar listo el modelo en su tamaño definitivo, finalmente fue ejecutada en mármol en un tamaño menor por deseo de Lord Brownlow y llevada a Londres. Canova decidió construir un templo en su ciudad natal donde llevaría la figura original junto con otras piezas de su autoría y donde con el tiempo deberían de reposar sus cenizas. En el año 1819 se colocó la primera piedra, cada otoño volvía para supervisar el progreso de la obra y dar órdenes a los constructores, animándolos con recompensas financieras y medallas. Sin embargo, la empresa resultó demasiado costosa, y el artista tuvo que volver a trabajar a todo rendimiento, a pesar de su edad y sus dolencias. De esta etapa son algunas de sus más significativas piezas, como el conjunto de "Marte y Venus" para la Corona inglesa, la estatua colosal de Pío VI, una "Pietà" (solo el modelo) y otra versión de la "Magdalena penitente". Su última obra acabada fue un enorme busto de su amigo el conde Cicognara.


title: Antonio Canova

text: En mayo de 1822 visitó Nápoles para supervisar la construcción del modelo para una estatua ecuestre del rey Fernando I de las Dos Sicilias, el trayecto del viaje afectó a su delicada salud aunque a su vuelta a Roma se recuperó algo, pero en su visita anual a Possagno su estado empeoró. Fue trasladado a Venecia, donde falleció lúcido y serenamente. Sus últimas palabras fueron "Anima bella e pura" (alma hermosa y pura), que pronunció varias veces antes de expirar. Los testimonios de amigos presentes en su traspaso, explicaron que su cara fue adquiriendo un aumento de luminosidad y de expresión, como absorto en una contemplación de éxtasis mística. La autopsia realizada reveló una obstrucción del intestino por una necrosis a la altura del píloro. Su funeral, celebrado el 25 de octubre de 1822, fue realizado con los más altos honores, entre la conmoción de toda la ciudad y los académicos rivalizaron para llevar a su ataúd. Su cuerpo fue enterrado en el Templo Canoviano de Possagno y su corazón fue depositado en una urna de pórfido en la Academia de Venecia. Su muerte provocó luto en toda Italia, y a los homenajes fúnebres ordenados por el papa, en Roma, asistieron representantes de varias casas reales de Europa. Al año siguiente comenzó a ser erigido un cenotafio, de un diseño que había sido creado por el propio Canova en 1792 por encargo de Zulian, originariamente como homenaje para el pintor Tiziano, pero que no se llegó a realizar. El monumento, donde fue trasladada la urna con su corazón, se puede visitar en la basílica de Santa María dei Frari de Venecia.


title: Antonio Canova

text: Según la "Memória Biográfica" sobre el artista que realizó su gran amigo el conde Cicognara, Canova mantuvo a lo largo de toda su vida hábitos frugales y una rutina regular, como levantarse temprano e inmediatamente empezar a trabajar, después del almuerzo se retiraba para poder disponer de un breve descanso. Tenía una dolencia crónica de estómago, lo que le causaba un fuerte dolor en ataques que le sucedieron a lo largo de su vida. Parece que tuvo una fe religiosa profunda y sincera. No mantenía una vida social, especialmente brillante, aunque fue constantemente solicitado para asistir en los círculos de personajes ilustres que lo admiraban, pero era más común que recibiese amigos en su casa propia después de su jornada de trabajo, por la noche, cuando se mostraba como un anfitrión de buenos modales, inteligente, amable y cálido. Según sus propias palabras, sus esculturas eran la única preocupación de su vida privada. Parece que en dos ocasiones estuvo a punto de contraer matrimonio, sin embargo, permaneció soltero de por vida. Su grupo de amigos, era grande y les dedicaba un gran afecto. No tuvo discípulos regulares, pero si notaba algún talento superior en cualquier artista principiante no escatimaba en darle buenos consejos y aliento para seguir en el arte; a menudo con el apoyo financiero a jóvenes promesas y buscándoles encargos de trabajo. Incluso cuando tenía gran cantidad de trabajo, no dudaba en dejar su estudio si era llamado por otro artista para dar su opinión sobre temas de arte y ofrecer asesoramiento técnico.


title: Antonio Canova

text: Mantuvo siempre un perenne entusiasmo por el estudio del arte antiguo y la arqueología. Le gustaba la literatura clásica y hacia lecturas frecuentes, incluso tomó el hábito de que alguien leyera para él, mientras trabajaba, consideraba la lectura de buenos autores un recurso indispensable para el desarrollo personal y de su arte. No fue escritor, pero mantuvo una correspondencia abundante con los amigos e intelectuales, donde muestra un estilo de escritura claro, sencillo y vivo, que fue refinando en los últimos años sin perder su fuerza y espontaneidad. Una de sus cartas de 1812 da fe de que incluso consideraba publicar algo acerca de su arte en sus principios generales, hecho que no llegó a materializarse. Sin embargo, en secreto muchas de sus observaciones e ideas fueron registradas por su círculo de colaboradores y se hicieron públicas más adelante. Parecía ser inmune a los celos, crítica y alabanza, y nunca le dolió el éxito de otros, en cambio, no economizó elogios cuando se daba cuenta de la grandeza del trabajo de sus compañeros de oficio, y manifestaba su gratitud por consejos o críticas que consideraba justas y apropiadas. Cuando una crítica mordaz apareció en un periódico publicado en Nápoles, disuadió a sus amigos que querían promover una réplica, diciendo que su trabajo se encargaría de proporcionar la respuesta adecuada. Las relaciones de Canova con la política de su tiempo, se ejemplifica en las obras que creó para la Casa de Austria y la Casa de Bonaparte, donde los deseos de legitimación y glorificación de los gobernantes entraron en conflicto con la postura de neutralidad política que el escultor deseaba mantener. Tuvo obras rechazadas o severamente criticadas por no ajustarse a los deseos de sus clientes, como el grupo de "Hércules y Licas" (1795), rechazado por el emperador de Austria, y también lo mismo le sucedió con el retrato alegórico que realizó para el emperador francés con el título de "Napoleón como Marte pacificador".Su opinión sobre Napoleón ha sido descrito como ambigua, aunque al mismo tiempo era un admirador, que aceptó de su familia diversos encargos, fue crítico, especialmente por su invasión de Italia y la confiscación de una gran colección de obras de arte italiano.


title: Antonio Canova

text: Valoró el éxito de sus obras que aceptaba gratamente, pero nunca mostró que el deseo de gloria personal fuese su principal objetivo, a pesar de ser uno de los artistas de su tiempo más expuestos a la fama, tras haber recibido varias condecoraciones y protección de muchos nobles importantes, por lo que fue ennoblecido en varios estados de Europa, se le nombró responsable de un altos cargos públicos e incluido como miembro de numerosas academias de arte, sin haberlo solicitado. Gastó gran parte de la fortuna que llegó a acumular en obras de caridad, en promoción de asociaciones y apoyo a jóvenes artistas. En varias ocasiones adquirió obras de arte con fondos propios para los museos públicos y colecciones de libros para bibliotecas, a menudo haciendo sus donaciones de forma anónima. También en varias ocasiones tuvo que ser advertido de no disipar sus ingresos con los problemas ajenos.


title: Antonio Canova

text: Su fascinación permanente con la antigüedad clásica le llevó a acumular una importante colección de piezas arqueológicas de mármol y terracota. Su colección de placas de terracota de la Campania fue especialmente interesante, aunque nunca se mencionó en sus primeras biografías. Las piezas eran en su mayoría fragmentos, pero muchos estaban íntegras y eran de alta calidad, las tipologías que prefería para reunir, prueban de que estaba al corriente de las tendencias museológicas y coleccionistas de su tiempo. Su interés en el material estaba relacionado con el uso de la arcilla para crear modelos de sus obras en mármol, que prefería antes que el yeso, ya que es más fácil trabajar, y también lo empleaba para la preparación de los relieves que él llamó «la recreación privada», donde representaba escenas que le inspiraban las lecturas de Homero, Virgilio y Platón.


title: Antonio Canova

text: La producción total de Canova es extensa. Esculturas de grandes dimensiones dejó unos 50 bustos, 40 estatuas y más de una docena de grupos, junto con los monumentos funerarios y numerosos modelos en arcilla y yeso para trabajos definitivos, algunos de los cuales nunca se han llegado a transferir a mármol, siendo, por lo tanto, piezas únicas, y en obras menores se encuentran placas y medallones en relieve, pinturas y dibujos, a continuación se realiza una breve descripción de los orígenes de su estilo personal, sus ideas estéticas y de algunas de sus esculturas más célebres.


title: Antonio Canova

text: El Neoclasicismo fue una corriente filosófica y estética de larga difusión que se desarrolló entre la mitad del y mediados del en Europa y América. Reaccionó contra la frivolidad y la decoración del Rococó, la corriente neoclásica se inspiró en la tradición del clasicismo greco-romano, la adopción de los principios de orden, claridad, austeridad, racionalidad y equilibrio, con un propósito moralizante. Este cambio floreció amparado en dos áreas principales: por un lado los ideales de la Ilustración, que tenían como base el racionalismo, combatían la superstición y el dogma religioso, y buscaban el perfeccionamiento personal y el progreso social a través de medios éticos, y en segundo lugar, un creciente interés científico por el arte y cultura clásica que surgió entre la comunidad académica a lo largo del , estimulando las excavaciones arqueológicas, la formación de importantes colecciones públicas y privadas y la publicación de estudios eruditos sobre el arte y la cultura antigua. La publicación de varios informes detallados e ilustrados de expediciones por varios arqueólogos, en especial entre otros muchos, el del arqueólogo y grabador francés Anne Claude de Caylus, "Recueil d'antiquités égyptiennes, étrusques, grecques et romaines" (7 volúmenes, París, 1752-1767), el primero en tratar de agrupar las obras de acuerdo con los criterios de estilo y no de género, abordando también las antigüedades celtas, egipcias y etruscas, contribuyó significativamente a la educación pública y la ampliación de su visión del pasado, fomentando una nueva pasión por todo lo que era antiguo.


title: Antonio Canova

text: Aunque el arte clásico se apreciaba desde el Renacimiento, era de forma relativamente circunstancial y empírica, pero ahora el interés se construía sobre bases más científicas, sistemáticas y racionales. Con estos hallazgos y estudios comenzó a ser posible formar por primera vez una cronología de la antigüedad clásica grecorromana, distinguiendo lo que era propio de unos u otros y haciendo nacer un interés en la tradición puramente griega, que había sido eclipsada por el patrimonio romano, sobre todo porque en ese momento Grecia estaba bajo dominio turco, por lo tanto, en la práctica, era inaccesible a los estudiosos y turistas de todo el Occidente cristiano. Johann Joachim Winckelmann, el principal teórico del neoclasicismo, con gran influencia especialmente entre los intelectuales italianos y alemanes —formó parte del círculo de Canova, Gavin Hamilton y Quatremere de Quincy-, alabó aún más la escultura griega, viendo en ella una «noble sencillez y serena grandiosidad», apeló a todos los artistas para que la imitasen, con la restauración de un arte idealista que fuese despojado de toda transición, acercándose al carácter del arquetipo. Sus escritos tuvieron un gran impacto, consiguiendo la tendencia a utilizar la historia, la literatura y la mitología antiguas como fuente de inspiración para los artistas. Al mismo tiempo, estaban siendo revaluadas otras culturas y estilos antiguos como el gótico y las tradiciones populares del norte de Europa, haciendo que los principios neoclásicos en gran medida fueran compartidos con el romanticismo, una encrucijada de influencias mutuamente fértiles. En el movimiento también había un trasfondo político, ya que el origen de inspiración neoclásica era la cultura griega y su democracia, y la romana con su república, con los valores asociados de honor, deber, heroísmo y patriotismo. Sin embargo, desde entonces, el neoclasicismo se convirtió también en un estilo cortesano y en virtud de su asociación con el glorioso pasado clásico, fue utilizado por monarcas y príncipes, como vehículo de propaganda de sus personalidades y hechos, o para proporcionar a sus palacios de la belleza en un simple decorado, distorsionando en parte su propósito moralizante. El neoclasicismo fue adoptado también, por supuesto, por las academias oficiales de formación de artistas, con la consolidación del sistema académico de la educación, o academicismo, un conjunto de principios técnicos y educativos que apoya los principios éticos y estéticos de la Antigüedad clásica y que pronto se convirtió en la denominación para el estilo de su producción, confundiéndose en gran medida con el puro neoclasicismo.


title: Antonio Canova

text: Surgido en este ambiente e ilustrado con perfección de estos principios, el arte de Canova puede ser considerado, de acuerdo con Armando Balduino, el resumen mismo de la grecomanía neoclásica interpretada de acuerdo con la visión de Winckelmann, afortunadamente evitando lo puramente decorativo, imitaciones mecánicamente académicas o propagandísticas que sufrieron otros artistas neoclásicos. Sin embargo, Canova desarrolló lentamente su comprensión del arte antiguo, donde fue ayudado por los eruditos Gavin Hamilton y Quatremere de Quincy, que contribuyeron para que saliera de la práctica de la copia y que elaborase su interpretación original de los clásicos, a pesar de haber mostrado una inclinación definida desde muy temprano para evitar la mera reproducción de los modelos establecidos, y aunque venerase profundamente a los maestros antiguos como Fidias y Policleto. Para él, el estudio directo de la naturaleza era fundamental y la originalidad importante porque era la única manera de crear una verdadera «belleza natural» que se encuentra, por ejemplo en la escultura griega clásica, cuyo canon constituyó su referencia más poderosa. Al mismo tiempo, su amplio conocimiento de la iconografía clásica le permitió retirar los elementos innecesarios para crear una pieza que remitía a la antigüedad, pero que estaba cubierta con nuevos significados.


title: Antonio Canova

text: La sensualidad contenida y sublimada en el encanto de sus figuras femeninas fue siempre motivo de admiración, y se le llegó a nombrar como «el escultor de Venus y las Gracias», que es justo solo en parte, dada la fuerza y la virilidad de su producción heroica y monumental. En opinión de Giulio Argan:


title: Antonio Canova

text: A pesar de que parte de la crítica moderna ve la obra canoviana como idealista y racional, los teóricos del neoclasicismo enfatizaron reiteradas veces este aspecto, los relatos de la época dan fe de que esto no fue siempre así, ya que un ardor pasional típicamente romántico parece haber sido un elemento constituyente de su escuela, como Stendhal lo identificó más tarde. Canova, dijo una vez que «nuestros grandes artistas (del pasado) fueron maravillosos en la parte del afecto; a lo largo de los años han adquirido un énfasis en el lado de la razón, pero con esto ya no entendían con el corazón». Sus esculturas eran a menudo, por supuesto, objeto de deseo obviamente profano. Algunas personas besaban su "Venus itálica", y el tocar parecía igualmente necesario para una completa apreciación de una escultura. El minucioso pulido de sus composiciones, acentuaban la sensualidad del objeto y el tacto implícito en la contemplación de una obra tridimensional, el propio Canova perdido de admiración delante los mármoles griegos que había visto en Londres, pasó mucho tiempo acariciándolos, diciendo que eran «verdadera carne», como informó Quatremére de Quincy. Sin embargo, en otro momento declaró que con sus obras no quería «engañar al observador, sabemos que son de mármol —mudo e inmóvil— y si fuesen tomadas como reales, ya no se serían admiradas como obras de arte. Sólo deseo estimular la imaginación, y no engañar a la vista». También le gustaba el arte barroco de Rubens y Rembrandt, y después de su primer contacto en su viaje a Alemania, escribió diciendo que l«as obras más sublimes... poseen en sí mismas la vida y la capacidad de hacer llorar, alegrar y conmover, y esta es la verdadera belleza».


title: Antonio Canova

text: Se desprende de los relatos de sus contemporáneos que Canova fue un trabajador incansable, salvo breves intervalos pasaba todo el día involucrado en su trabajo. En su juventud, durante muchos años mantuvo la costumbre de no ir a la cama sin antes haber diseñado al menos un proyecto nuevo, incluso cuando sus obligaciones sociales u otros deberes habían consumido gran parte de su tiempo, y esta diligencia constante explica porque su obra fue tan prolifera.


title: Antonio Canova

text: Para sus composiciones Canova, esbozaba primero su idea en un dibujo sobre papel y luego creaba personalmente un prototipo de pequeñas proporciones en arcilla o cera, a partir del cual podía corregir la idea original. Después hacía un modelo en yeso, del tamaño exacto que debía tener la obra definitiva y con el mismo grado de precisión con respecto a los detalles. Para transferirla al mármol, contaba con la ayuda de un grupo de asistentes que desbastaban el bloque de piedra aproximándose a la forma definitiva con la utilización del sistema de marcado de puntos medidos del original. En este momento, el maestro tomaba de nuevo el trabajo hasta su finalización. Este método le permitió involucrarse con la ejecución de varias esculturas al mismo tiempo, dejando el grueso del trabajo inicial para sus ayudantes y encargándose solo de los detalles de la composición definitiva, dándole también el pulimento final sutil y refinado, que prestaba a sus obras un brillo excesivamente vítreo y lustroso, con un aspecto aterciopelado, que fue objeto de elogios y donde su técnica magistral se manifestó plenamente. Sin embargo, esta organización con ayudantes solo la pudo disponer cuando ya había consolidado la fama y disponía de recursos, gran parte de sus primeros trabajos fueron ejecutados en su totalidad por él.


title: Antonio Canova

text: En el tiempo que vivió Canova se descubrió que los griegos usaban el color en sus estatuas, y él hizo algunos experimentos en esta dirección, pero la reacción negativa del público impidió que progresase en ese sentido, pues la blancura del mármol estaba fuertemente asociada con la pureza idealista apreciada por los neoclásicos. Algunos de sus clientes le dieron recomendaciones expresas para que no pusiera color en el material. Él también acostumbraba después del pulido final, a bañar las estatuas con "acqua di rota" —el agua donde eran lavados los instrumentos de trabajo—, finalmente les ponía cera hasta obtener el color suave de la piel.


title: Antonio Canova

text: El acabado personal de las esculturas en su pulido fino y en sus más mínimos detalles, era una práctica del todo inusual en su época, cuando la mayoría de las veces los escultores hacían solo el modelo y dejaban toda la ejecución de la piedra a sus ayudantes, era la parte integral del efecto que Canova procuraba obtener y que fue explicado por el autor más de una vez y reconocido por todos sus admiradores. Para Cicognara ese acabamiento era una prueba importante de la superioridad del artista en relación con sus contemporáneos, y su secretario Melchor Missirini escribió que su mayor cualidad era la capacidad para:


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text: Canova cultivó una amplia gama de temas y motivos, que en conjunto forman un panorama casi completo de las principales emociones y principios morales positivos del ser humano, a través de la frescura y la inocencia de la juventud, tipificadas en las figuras de las «Gracias» y de las «Danzarinas», por los estallidos de pasión amor trágico, ejemplificado en el grupo de Orfeo y Eurídice, del amor ideal, simbolizado en el mito de Eros y Psique representado en varias ocasiones, del amor místico y devocional de las «Magdalenas penitentes», por las patéticas meditaciones sobre la muerte en sus tumbas y epitafios, por las representaciones de heroísmo, fuerza y violencia de su Teseo y de Hércules, tratándolos de una manera innovadora a menudo como un desafío a los cánones prevalecientes en su generación. También realizó muchos retratos y escenas alegóricas, pero exentas de la representación de los vicios, la pobreza y la fealdad, nunca fue un escultor realista o interesado en retratar los problemas sociales de su tiempo, aunque en su actividad personal no era insensible a las tribulaciones del pueblo, pero en sus obras artísticas prefirió temas en donde poder ejercer su idealismo y su constante conexión con la Antigüedad clásica.


title: Antonio Canova

text: El tema de la figura femenina lo realizó Canova decenas de veces, tanto en esculturas aisladas como en grupos y bajo relieves, pero el grupo que reúne a "Las tres Gracias", creado para la emperatriz francesa Josefina, resume sus ideas sobre la feminidad y su virtuosismo en el tratamiento del cuerpo femenino en movimiento, es una de sus creaciones más famosas y que refuta la creencia generalizada de que abordó lo femenino con distancia y frialdad. Para Judith Carmel-Arthur este grupo no tiene nada de impersonal, y muestra su destreza y originalidad para crear un conjunto que entrelaza los cuerpos con gran soltura y sensibilidad, logrando un resultado muy conseguido de la armonía basada en el contrapunto de las formas, en la exploración de los efectos sutiles de la luz y la sombra, el contraste entre llenos y vacíos y una expresión de sensualidad sublimada.


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text: Es interesante transcribir un relato de la profunda impresión que hizo sobre su amigo, el poeta Ugo Foscolo, la "Venus itálica" que había creado para sustituir a la "Venus de Médici" confiscada por los franceses en 1802 y que ilustra la sintonía de Canova con el concepto de mujer ideal en su tiempo:


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text: La "Venus itálica" fue un éxito inmediato y continuó siendo apreciada incluso cuando la "Venus de Médici" regresó a Italia; de hecho se hizo tan popular que Canova esculpió otras dos versiones y se hicieron centenares de copias a menor escala para los turistas que visitaban Roma, convirtiéndose en una de las estatuas más reproducida de todos los tiempos.


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text: También es destacable la "Magdalena penitente" (1794-1796), que existe en dos versiones principales y muchas otras copias, fue muy alabada por Quatremere de Quincy por ser una representación sobre el arrepentimiento cristiano, pero no dejó de suscitar cierta controversia en el Salón de París, donde fue presentada en 1808 junto con otras obras de Canova. George Sand escribió irónicamente, años más tarde, preguntándose:. Erika Naginski en su análisis de la obra, teniendo en cuenta que probablemente ella no tenía la devoción religiosa de Quatremere de Quincy, quiso que apareciese como un objeto decorativo de consumo, y sugirió que no representa una forma del idealismo canoviano, más bien sería un signo de una estética progresiva burguesa y sentimental del arte en el cambio del , y la comparó con otras obras del mismo período, de otros autores, que indican esta evolución. En cualquier caso, la posición en la que se encuentra de rodillas, era prácticamente inexistente en la escultura, Canova fue pionero en establecer esta tipología para la representación de la melancolía, después se imitó a menudo y se convirtió en una influencia en la investigación de Auguste Rodin sobre esa forma.


title: Antonio Canova

text: La tipología del héroe desnudo quedó establecida desde la antigüedad clásica, cuando las competiciones de atletismo en los festivales religiosos celebraban el cuerpo humano, especialmente el masculino, de un modo sin precedente en otras culturas. Los atletas competían desnudos, y los griegos los consideraban encarnaciones de todo lo mejor de la humanidad, como una consecuencia natural del ideario de asociar el desnudo con la gloria, el triunfo y también con la excelencia moral, principios que se impusieron en la estatuaria de aquel tiempo. El desnudo se convirtió, entonces, en el vehículo privilegiado para la expresión de valores éticos y sociales fundamentales de la sociedad griega, aparece en la representación de los dioses, en los monumentos conmemorativos de las victorias, en las ofrendas votivas, y el culto del cuerpo era una parte integral del complejo sistema ético y pedagógico griego conocido como paideia. Pero eran representaciones ideales, no retratos. Consagraban un prototipo común para todos, un concepto genérico de belleza, sagrado, juventud, fuerza, equilibrio y armonía entre mente y cuerpo y no la variedad individual. En otras culturas antiguas el desnudo era la mayor parte de las veces un signo de debilidad, deshonra y derrota. El ejemplo más típico de esta visión, que contrastaba dramáticamente con la griega, es el mito de Adán y Eva, cuya desnudez era un signo de su vergüenza.


title: Antonio Canova

text: Cuando el cristianismo se convirtió en la fuerza cultural dominante en Occidente, el desnudo pasó a ser un tabú, porque los cristianos no apreciaban los juegos públicos, no tenían atletas, ni necesitaban imágenes de deidades desnudas, pues su Dios prohibía la creación de ídolos, y la nueva atmósfera religiosa estaba impregnada por la idea del pecado original. Así, el cuerpo fue desvalorizado, y la énfasis en la castidad y en el celibato impuso aún mayores restricciones, de modo que en el arte medieval son muy raras las imágenes desnudas, excepto en Adán y Eva, pero una vez más su desnudez era la señal de su caída en el pecado. La revalorización de la cultura clásica en el Renacimiento colocó nuevamente el cuerpo humano y la desnudez de actualidad, junto con el repertorio de los mitos antiguos, y desde entonces el desnudo ha vuelto a ser un tema para los artistas. Durante el barroco el interés no disminuyó, ni tampoco en el neoclasicismo, al contrario, rodeado de un simbolismo en muchos aspectos similar al de la antigüedad, el desnudo de nuevo se convirtió en omnipresente en el arte occidental, pero usualmente fue reservado solo para los temas mitológicos, siendo considerado inadecuado para la representación de los personajes vivos.


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text: La primera gran obra heroica de Canova fue el grupo de "Teseo y el Minotauro" (c. 1781), esculpido por encargo de Girolamo Zulian. Comenzó su proyecto con la idea tradicional de representarlos en combate, pero con el asesoramiento de Gavin Hamilton cambió el plan y comenzó a dibujar una imagen estática. El mito era bien conocido y había servido de inspiración para muchos artistas, pero la situación que Canova concibió jamás había sido representada antes, ni en escultura ni en pintura, con el héroe ya victorioso, sentado sobre el cuerpo del monstruo, contemplando el resultado de su hazaña, la composición obtuvo un éxito inmediato, abriéndole las puertas del mecenazgo romano.


title: Antonio Canova

text: El grupo de "Hércules y Licas" (1795-1815) fue creado para Onorato Gaetani, un miembro de la nobleza napolitana, pero la caída de los Borbones obligó al exilio forzoso del comitente y la ruptura del contrato, cuando el modelo estaba listo. Durante tres años el autor buscó un nuevo cliente para la compra de la versión en mármol, hasta que en 1799 fue contactado con el conde Tiberio Roberti, un funcionario del gobierno de Austria en Verona, a fin de que esculpiese un monumento para celebrar la victoria imperial sobre los franceses en Magnano. Agobiado por sus numerosos encargos, Canova trató de ofrecer la escultura de "Hércules y Licas", pero la composición fue rechazada. La posición de Canova era delicada, nacido en el Veneto, que era una posesión austriaca, el escultor era súbdito del imperio de los Habsburgo, de los que recibía en aquella época su pensión y además ya le habían encargado la realización de un cenotafio. También la figura de Hércules se asociaba tradicionalmente con Francia, y aunque el trabajo fue reconocido por su calidad intrínseca, su ambigüedad temática hizo que no fuera apropiado para un monumento austriaco.Finalmente la obra fue vendida al banquero romano Giovanni Torlonia y presentada por el propietario en su palacio, con un éxito inmediato, pero los críticos posteriores juzgaron negativamente el trabajo, la identificaron con patrones de ejecución académica, sin implicación emocional real.


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text: Posiblemente su composición más famosa en el género heroico y una de las principales en toda su producción fue la de "Perseo con la cabeza de Medusa", diseñada alrededor de 1790, y esculpida con gran rapidez entre los años 1800 y 1801, al regreso de su viaje de Alemania. Fue inspirada en el "Apolo del Belvedere", un trabajo considerado como cumbre de la estatuaria griega clásica y un representante perfecto del ideal de belleza. El héroe no está representado en combate, sino en el triunfo sereno, en el momento de la relajación de la tensión después de la lucha con la Medusa. En esta obra se expresan dos principios psicológicos opuestos, el de la «ira en descenso» y la «satisfacción naciente», como lo sugiere la condesa Isabella Teotochi Albrizzi, una de sus primeras comentaristas, en vida del autor. Inmediatamente después de su realización fue reconocida como una obra maestra, pero hubo quien criticó su carácter demasiado «apolíneo», propio para una divinidad, pero no para un héroe, y su actitud demasiado «elegante», indigna de un guerrero. Cicognara bromeó diciendo que los críticos, ante la imposibilidad de poder atacar la ejecución, por ser impecable para todos, trataron de desacreditar el concepto. Años más tarde, cuando Napoleón se llevó a Francia el Apolo, el papa Pio VII adquirió la obra para reemplazarlo y mandó instalar el grupo escultórico en el pedestal de la imagen robada, de ahí el apodo de «El Consolador» que la estatua de Canova recibió. Existe una segunda versión que se realizó entre los años 1804 y 1806 para la condesa Valeria Tarnowska de Polonia y que se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, que según la descripción del museo muestra un mayor refinamiento en los detalles y una aproximación más lírica del tema.


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text: La última gran composición de tema heroico de Canova fue el grupo de "Teseo vencedor del centauro" (1805-1819), una de sus imágenes más violentas. Había sido un encargo de Napoleón Bonaparte con el objetivo de instalarlo en Milán, pero fue adquirida por el emperador de Austria y llevado a Viena. Un viajero inglés en visita a su taller, dijo al ver esta composición, aún inacabada, que había encontrado con lo que responder para todos aquellos que tildaban a Canova como un maestro de lo «elegante y suave». El grupo está compuesto a partir de una forma piramidal, dominada por la fuerte diagonal del cuerpo del héroe a punto de abatir al centauro con un palo mientras le agarra por el cuello y presiona la rodilla contra el pecho, dando un fuerte impulso con la pierna derecha. La detallada anatomía del cuerpo del centauro es especialmente minuciosa. También son notables las estatuas que hizo que representan a Palamedes, Paris, Héctor y Áyax.


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text: La figura de Psique fue abordada varias veces por Canova, ya fuera sola o junto con su compañero mitológico Eros. Entre las más notables está el grupo de "Psique reanimada por el beso del amor" (1793), que se encuentra en el Museo del Louvre (y una segunda versión en el Museo del Hermitage), este grupo escultórico se aparta bastante de los modelos clásicos y también de las representaciones corrientes del . La obra fue encargada por el coronel John Campbell en 1787, y la escena capta el momento en el que Eros revive a Psique con un beso, después de que ella ha tomado la poción mágica que le había arrojado a un sueño eterno. Para Honour y Fleming este grupo es especialmente significativo, ya que ofrece una imagen al mismo tiempo idealizada y humana del amor. Y también por las grandes superficies y el fino grosor sorprendente de las alas de Eros, los puntos de apoyo estructural sabiamente elegidos, pero formalmente atrevido y elegante entrelazado de las formas corporales, cuya fluidez y dulzura aparecen tan naturales, todo esto esconde una notable proeza en términos técnicos y un profundo conocimiento por parte del artista de las capacidades expresivas del cuerpo humano. Además de la copia en el Museo del Hermitage existe el modelo original de terracota.


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text: Parte sus encargos oficiales fueron para la creación de estatuas que sintetizaban las características del retratos con imagen alegórica, hecho muy común para la caracterización de las principales figuras públicas, asociándolas a la aura mítica de la antigua iconografía. A pesar de su éxito frecuente, algunos de ellos fueron criticados. Como por ejemplo está el retrato colosal de tres metros de altura de "Napoleón como Marte pacificador" (mármol, 1802-1806 y otra versión en bronce de 1807), que no obstante haber hecho un uso evidente de las tipologías clásicas, como la del Doríforo de Policleto, era suficientemente innovador como para no ser bien recibido por el comitente ni por la crítica de su tiempo por representarlo desnudo, lo que era aceptable en personificaciones mitológicas, pero no para figuras públicas vivas. Canova debía ser, obviamente, consciente de estas normas, por lo que sorprende que eligiera esta forma particular para este retrato. Napoleón le había dado total libertad para trabajar, pero esto no parece suficiente para justificar el hecho. Lo más probable es que las ideas de Quatremere Quincy, expresadas en la correspondencia con el artista, lo debieron de inducir a tomar esta decisión tan polémica, donde lo francés enfatizaba en la necesidad de representarlo a la manera griega, rechazando la forma romanizada con una toga o una imagen en ropa moderna. Aún con el fracaso del encargo, la estatua fue expuesta en el Museo del Louvre hasta 1816, cuando fue expoliada por los ingleses y ofrecida como regalo para Arthur Wellesley primer duque de Wellington, en cuya mansión londinense de Apsley House, abierta al público como museo se exhibe.Se encuentra una copia en bronce (1811) en la Pinacoteca de Brera, Milán.


title: Antonio Canova

text: El retrato de George Washington realizado para el gobierno de Carolina del Norte en los Estados Unidos en 1816, lamentablemente se perdió en un incendio pocos años después, fue otro ejemplo del uso de los modelos clásicos modificados, representándolo como César, vestido con una túnica y una armadura antigua, pero sentado escribiendo y con su pie derecho pisando su espada en el suelo. La obra fue recibida también entre polémicas, ya que se considera muy alejada de la realidad republicana de América, aunque incluso allí la cultura clásica estaba en gran boga.


title: Antonio Canova

text: También es notable el retrato que hizo de Paulina Bonaparte como "Venus victoriosa" (1804 -1808). Canova sugirió inicialmente que fuera representada como Diana, la diosa de la caza, pero ella insistió en ser mostrada como Venus la diosa del amor, y por la reputación que adquirió en Roma parece justificar esta asociación. La escultura la presentó reclinada sobre un diván y sosteniendo una manzana en su mano izquierda como atributo de la diosa. No es como otros retratos alegóricos del autor, una obra muy idealista, pero aunque hace referencia al arte antiguo, muestra un naturalismo típico del . Debido a la notoriedad de Paulina, su marido el príncipe Camillo Borghese, y autor del encargo, mantuvo la escultura oculta a los ojos del público, y en raros casos permitía su visión y siempre bajo la tenue luz de una antorcha. De cualquier manera, el trabajo fue muy bien recibido y se considera una de las obras maestras de Canova. La obra original puede verse en la Galería Borghese de Roma.


title: Antonio Canova

text: En cuanto a los retratos convencionales, Canova demostró una gran capacidad para captar las expresiones faciales del modelo, pero moderándolas dentro de un enfoque formalista que remitía a la importante retratística de la antigua Roma. Recibió numerosos encargos de retratos, muchos más de los que pudo atender, y se encuentran un número significativo de modelos terminados, pero que no llegaron a pasarse en mármol.


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text: Los monumentos funerarios realizados por Canova se consideran creaciones altamente innovadoras por el abandono de las tradiciones funerarias excesivamente dramáticas del barroco, y por su alineación a los ideales que respondían al equilibrio, moderación, elegancia y reposo defendidos por los teóricos del neoclasicismo. En ellos estaba presente también, un diseño original que colocaba representaciones sobrias e idealistas de la figura humana en un contexto de osadas ideas arquitectónicas. Entre las composiciones más significativas de este género se encuentran los cenotafios papales y el que había diseñado para Tiziano y que terminó siendo construido post mortem por sus ayudantes para utilizarlo para Canova, de todos los mencionados antes, el más destacado en la opinión de la crítica moderna es el "Monumento fúnebre de María Cristina de Austria" (1798-1805), que provocó una gran extrañeza cuando fue entregado a sus clientes, la Casa Imperial austriaca.


title: Antonio Canova

text: Su forma piramidal y la presencia de un cortejo de figuras anónimas representadas en distintas etapas de la vida que no son ni retratos ni personificaciones alegóricas, difieren radicalmente de los modelos fúnebres que se aplicaban entonces. La imagen de la persona fallecida no se encuentra ni siquiera entre ellas, y solo aparece en un medallón sobre la entrada. Para un miembro de la casa reinante que había sido reconocida por su obra caritativa y de gran piedad personal, la composición es extraordinariamente reticente sobre su personalidad. Christopher Johns lo interpreta como una declaración deliberadamente apolítica y antipropagandística del autor, en un momento en que la situación en Europa estaba en crisis por la Revolución Francesa y los monumentos públicos eran encargos de las asociaciones políticas, expresó su deseo de afirmar la superioridad de las escuelas estéticas sobre el tema. Al parecer, el trabajo fue aceptado solo por su ubicación en una iglesia tradicionalmente ligada a los Habsburgo y su apariencia recordaba los monumentos de la Roma imperial lo que garantizaba una lectura suficiente libre de ambigüedad.


title: Antonio Canova

text: Estos monumentos establecieron varios hechos significativos con los adoptados por sus sucesores. En todos ellos aparecen figuras similares, como el genio con la antorcha invertida y apagada que simboliza el fuego de la vida extinta, el león alado dormido esperando la resurrección, las mujeres plañideras que indican directamente el luto, las figuras de diferentes edades que significa la universalidad de la muerte y la fugacidad de la existencia, y una puerta que conduce a un espacio oscuro que indica el misterio del más allá. El desfile de diversas figuras solo está presente en los grandes cenotafios de Viena y en el suyo propio, pero algunos aparecen en las tumbas papales y en varios epitafios más pequeños en bajo relieve que produjo para clientes sin muchos recursos económicos. Por lo general, el retrato del difunto es solo secundario, esculpido en forma de busto sobre una columna o en un medallón y separado del grupo principal, como en las placas conmemorativas de Ercole Aldobrandini, Paolo Tosio y Michal Paca, una práctica que solo se rompió a finales del siglo, cuando el arte fúnebre comenzó a ser protagonista la persona a la que estaba dedicado. Un monumento más pequeño, pero de gran importancia para el desarrollo del nacionalismo y el arte funerario italiano, fue el creado en 1810 para el poeta Vittorio Alfieri, que se convirtió en un modelo de la exaltación del difunto como ejemplo de virtud, representó la primera alegoría de Italia como una entidad política unificada y fue aclamada en su estreno como un hito de la unificación de Italia. Se encuentra en la Basílica de la Santa Cruz (Florencia).


title: Antonio Canova

text: El último monumento fúnebre de Canova fue la escultura para el conde Faustino Tadini, la "Stele Tadini", conservada en la Academia Tadini en Lovere.


title: Antonio Canova

text: La pintura y la arquitectura fueron actividades muy secundarias para Canova, pero pudo llevar a cabo algunos experimentos. En las últimas décadas del siglo XVIII comenzó a practicar la pintura como afición privada, concluyendo veintidós obras antes de 1800. Se trata de obras de escasa importancia en el conjunto de su producción, en su mayoría recreaciones de pinturas de la antigua Roma, que vio en Pompeya, junto con algunos retratos y algunas obras más, entre ellas un "Autorretrato", "Las tres gracias bailando" y una "Lamentación sobre Cristo muerto" colocado en el Templo de Possagno. De hecho, una cabeza que pintó fue tomada en su tiempo como una obra del afamado Giorgione.


title: Antonio Canova

text: Proyectó una capilla de estilo de palladiano en el pueblo de Crespano del Grappa, algunos de sus monumentos funerarios presentan importantes elementos arquitectónicos y su trabajo en este campo fue coronada con gran éxito en el llamado Templo de Canoviano en Possagno, que él diseñó con la ayuda de arquitectos profesionales. La primera piedra fue colocada el 11 de julio de 1819 y su estructura sigue de cerca al Panteón de Roma, pero en una versión de diseño más compacta, concisa y de menor dimensión, con un pórtico con columnata dórica que sostiene un frontón clásico y con el cuerpo principal del edificio cubierto por una cúpula. También incluye un ábside, ausente en el modelo romano. El conjunto está situado en lo alto de una colina, dominando la población de Possagno y crea un paisaje de efecto impactante. Es en este templo donde se encuentra el cuerpo del artista enterrado.


title: Antonio Canova

text: La primera fuente de documentación importante sobre su vida y carrera artística apareció cuando aún estaba en vida, un catálogo completo de sus obras hasta 1795, editado al año siguiente por Tadini en Venecia. En el momento de su muerte se produjo un amplio catálogo general en 14 volúmenes, "Opere di sculture e di plastica di Antonio Canova" (Albrizzi, 1824), varios ensayos biográficos, entre ellos "Notizia intorno alla vita di Antonio Canova" (Paravia, 1822), "Memoria biográfica" (Cicognara, 1823) y "Memorias de Antonio Canova" (Memes, 1825), además de una profusión de elogios recogidos y publicados por sus amigos, obras que siguen siendo las principales fuentes para la reconstrucción de su trayectoria.Recibió algunas críticas en contra en vida, entre ellas los artículos que Carl Ludwig Fernow publicó en 1806, condenando su excesiva atención a la superficie de las obras, que para él desvirtuaba el idealismo estricto defendido por Winckelmann y las degradaba a objetos de apelación sensual, pero indirectamente reconoció el efecto hipnótico que del extraordinario dominio de la técnica en las obras de Canova ejercía en el público. A su muerte, la opinión general acerca de él fue muy favorable, incluso entusiasta. A pesar de ser considerado el escultor neoclásico por excelencia, y de que el neoclasicismo predicaba la moderación y el equilibrio, sus obras a menudo despertaron las pasiones más ardientes de su público, en un período donde el neoclasicismo y el romanticismo estaban uno al lado del otro. Poetas como Shelley, Keats o Heinrich Heine lo alabaron en sus obras. El recorrido que hizo desde sus primeras obras con rasgos del naturalismo rococó incluso más adelante con el dramatismo del barroco que se aprecia el grupo "Hércules y Licas" y en el de "Psique", en el que su amigo y teórico del neoclasicismo Quatremere de Quincy ya le había advirtido del «peligro de convertirse en un antiguo Bernini», consiguió que su versatilidad dificultara la lectura crítica de sus trabajos, que según Honour: «rompió la larga tradición de sumiso elogio a la Antigüedad y estableció la noción de la ‘moderna’ escultura»; su interés por la forma y por encontrar en sus esculturas múltiples puntos de vista forzando al espectador a rodear sus obras para poder ver todos los detalles, ha sido uno de los puntos que hacen que sea reconocido como uno de los más interesantes e innovadores escultores de su época.