title: Geografía de Texas

text: La región de Trans-Pecos tiene siete picos por encima de 2400 m. Las principales reservas naturales son el Área de Recreación Nacional Amistad, el Parque nacional Big Bend, el parque nacional de las Montañas de Guadalupe y el Río Grande Wild y panorámicas del río ("Rio Grande Wild and Scenic River"). La vegetación está adaptada a la sequía. En altitud, hay bosques de pino, cedro, roble y abeto.


title: Geografía de Texas

text: Texas posee paisajes muy diversos, organizados según un gradiente de Este a Oeste: evolucionan desde las llanuras del Sur profundo a los desiertos del suroeste americano. Los ambientes naturales son de una gran riqueza: bosques subtropicales, praderas, zonas áridas y semiáridas se suceden sobre varios cientos de kilómetros.


title: Geografía de Texas

text: Hay dos parques nacionales, que se encuentran en el Oeste (el parque nacional de Guadalupe y el parque nacional de las Montañas de Big Bend). Hay 120 parques estatales que cubren una superficie total de 2450 km².


title: Geografía de Texas

text: El estado de Texas cuenta, además, con cinco bosques nacionales: E.O. Siecke (en el condado de Newton), I.D. Fairchild (en el condado de Cherokee), John Henry Kirby Memorial (en el condado de Tyler), Masterson (en el condado de Jasper) y W. Goodrich Jones (en el condado de Montgomery).


title: Geografía de Texas

text: Las ciudades de Texas se han desarrollado después de la II Guerra Mundial, como en otras regiones del Cinturón del Sol. Si Texas ha sido durante mucho tiempo un estado rural, más del 80% de los texanos residen ahora en una ciudad, convirtiéndole en uno de los estados con la tasa de urbanización más alta de los EE. UU.


title: Geografía de Texas

text: En el año 2000, seis ciudades de Texas se han incorporado al grupo de las cidudades que tienen una población superior a los 500 000 habitantes, de las que dos son ciudades globales: Dallas y Houston. Texas tiene un total de 25 áreas metropolitanas, con cuatro poblaciones que superan el 1 millón de habitantes (Dallas-Fort Worth, Houston, San Antonio y Austin) y dos más de 5 millones. Texas tiene el mayor número de ciudades de EE. UU., tres, con una población superior a 1 millón: Dallas, Houston, San Antonio. Estas tres se encuentran entre las 10 ciudades más grandes de los Estados Unidos. Además, Austin, Fort Worth y El Paso y se encuentran entre las 25 ciudades más grandes. Tres carreteras interestatales -I-35, al oeste (Dallas-Fort Worth a San Antonio, con Austin entre ambas); I-45 al este (Dallas a Houston) e I-10, al sur (San Antonio a Houston) constituyen la región del Triángulo Urbano de Texas ("Texas Urban Triangle"). La región tiene la mayoría de las ciudades y áreas metropolitanas más populosas del estado, así como casi el 75 por ciento de la población total de Texas.


title: Geografía de Texas

text: Cuatro áreas metropolitanas de Texas están entre las diez ciudades con mayor crecimiento de la población de los estados Unidos entre julio de 2006 y julio de 2007, y la conglomeración Dallas-Fort Worth ha recibido 162miniatura000 nuevos residentes durante ese periodo, lo que representa el mayor incremento en población de los Estados Unidos.


title: Geografía de Texas

text: En contraste con las ciudades, Texas tiene muchas zonas rurales, con asentamientos no incorporados llamado "colonias" que a menudo carecen de la infraestructura básica y están marcados por la pobreza. En 2007, Texas tenía al menos 2294 colonias, situadas principalmente a lo largo de la frontera con México (2008 kilómetros). Texas tiene la mayor concentración de personas, unas 400 000, que viven en colonias.


title: The Final Countdown (canción)

text: «The Final Countdown» es una canción interpretada por el grupo sueco de hard rock Europe. Fue el primer sencillo de su álbum "The Final Countdown". La canción ocupó la primera posición en las listas de popularidad de 25 países, incluyendo el Reino Unido. En los Estados Unidos, alcanzó el número 8 en el "Billboard" Hot 100 y el 18 en el "Billboard" Mainstream Rock Tracks. «The Final Countdown» fue certificado como sencillo de oro en el Reino Unido en 1986.


title: The Final Countdown (canción)

text: La canción está basada en un riff de sintetizador compuesto por el vocalista Joey Tempest en 1981-82 en un sintetizador Korg Polysix que tomó prestado de Mic Michaeli. En 1985, el bajista John Levén sugirió a Tempest que escribiera una canción basada en ese riff. La letra de la canción fue inspirada por «Space Oddity» de David Bowie. Los sintetizadores que se usaron fueron Yamaha KX76, Roland JX-8P, PPG Wave, Yamaha DX7 y el Roland Juno 60


title: The Final Countdown (canción)

text: Cuando la banda estaba decidiendo cual sería el primer sencillo del álbum "The Final Countdown", Tempest propuso la canción «The Final Countdown». Originalmente, la banda no planeaba lanzar la canción como un sencillo y algunos de los miembros querían que «Rock the Night» fuera el primer sencillo. «The Final Countdown» fue escrita originalmente para ser interpretada al inicio de los conciertos y los integrantes de Europe no creían que la canción sería un éxito. Sin embargo, cuando la compañía Epic Records sugirió que la canción fuera el primer sencillo, la banda decidió lanzarlo.


title: The Final Countdown (canción)

text: «The Final Countdown» fue lanzada durante la primavera de 1986 y se convirtió en la canción más exitosa de Europe en las listas de popularidad de los Estados Unidos. La canción apareció en el "Billboard" Hot 100, en donde alcanzó el puesto 10. La semana siguiente, debutó en el "Billboard" Mainstream Rock Tracks, en donde alcanzó el puesto 18 luego de ocho semanas y permaneció en la lista durante 20 semanas.


title: The Final Countdown (canción)

text: Fuera de los Estados Unidos, el sencillo también obtuvo bastante éxito. En Canadá, la canción alcanzó el top 20 en las listas de popularidad de la revista "RPM". La canción permaneció en el top 20 durante tres semanas y se convirtió en la canción más popular de la banda en Canadá. "The Final Countdown" alcanzó el top 5 en el Reino Unido y ocupó las posiciones más altas de UK Singles Chart durante dos semanas, convirtiéndose en el único sencillo del álbum en alcanzar el top 10 en el Reino Unido. «The Final Countdown» también ocupó la primera posición en otros 24 países, incluyendo Francia, Alemania, Irlanda, Suecia e Italia. La canción alcanzaría la posición 4 en la VG-lista de Noruega.


title: The Final Countdown (canción)

text: La canción es bastante popular en muchos estadios y arenas deportivos. La canción es reproducida para animar a la afición local. También ha sido adaptada por varias bandas colegiales para ser usada en eventos deportivos. También fue utilizada en Ring of Honor (ROH) como canción de entrada del luchador Bryan Danielson.


title: The Final Countdown (canción)

text: El video, dirigido por Nick Morris, fue realizado durante un concierto llevado a cabo en Solnahallen en Solna (Suecia) el 25 de mayo de 1986. También se usaron tomas de pruebas de sonido.


title: The Final Countdown (canción)

text: En 1999, se lanzó un remix de la canción llamado «The Final Countdown 2000». La canción fue producida por Brian Rawling, quien anteriormente había tenido éxito con "Believe" de Cher. El lanzamiento del sencillo causó cierta controversia ya que en la primera emisión, debido a un error de impresión, no apareció la primera «o» en «Countdown» (en inglés, "cunt" es usado para referirse de forma vulgar a los genitales femeninos).


title: The Final Countdown (canción)

text: Varios artistas han hecho versiones de la canción, incluyendo la Orquesta Sinfónica de Londres, Freezepop, After Forever, Dannii Minogue, Gigatrón, Geoff Downes, The Protomen, Laibach, Norther, Dispatched, Toy Dolls, Immolation, Leif Garrett, Vision Divine, The Delegates, Melo-M y Alcides. En contra de la creencia popular, la banda de death metal melódico Children of Bodom nunca ha versionado la canción.


title: The Final Countdown (canción)

text: También hay una versión EDM de la canción hecha por el dúo de música electrónica KEVU, en colaboración con Luke Alive.


title: El castillo de la pureza

text: El castillo de la pureza es una película mexicana de 1972 dirigida por Arturo Ripstein y con guion de él mismo en colaboración con José Emilio Pacheco, a partir de hechos reales que, acontecidos en la década de 1950, inspiraron primero a Luis Spota a escribir la novela "La carcajada del gato" y luego al dramaturgo Sergio Magaña a crear su obra "Los motivos del lobo".


title: El castillo de la pureza

text: Originalmente la versión cinematográfica iba a ser protagonizada por la primera actriz Dolores del Río bajo la dirección de Ripstein. El desacuerdo fue respecto a quién sería el protagonista masculino. Cuando la producción cambió de director, Ripstein decidió filmarla por su cuenta con el guion que ya había registrado con José Emilio Pacheco.


title: El castillo de la pureza

text: Gabriel Lima (Claudio Brook) está convencido de que el mundo exterior es dañino para su familia y ha mantenido encerrados a su esposa Beatriz (Rita Macedo) y a sus tres hijos por 18 años. La frágil situación cambia cuando se da cuenta de que sus hijos, Porvenir (Arturo Beristáin), Utopía (Diana Bracho) y Voluntad (Gladys Bermejo), están entrando en la adolescencia.


title: Arquitectura Harvard

text: La arquitectura de Harvard es una arquitectura de computadora con pistas de almacenamiento y de señal físicamente separadas para las instrucciones y para los datos. El término proviene de la computadora Harvard Mark I basada en relés, que almacenaba las instrucciones sobre cintas perforadas (de 24 bits de ancho) y los datos en interruptores electromecánicos. Estas primeras máquinas tenían almacenamiento de datos totalmente contenido dentro la unidad central de procesamiento, y no proporcionaban acceso al almacenamiento de instrucciones como datos. Los programas necesitaban ser cargados por un operador; el procesador no podría arrancar por sí mismo.


title: Arquitectura Harvard

text: En la actualidad la mayoría de los procesadores implementan dichas vías de señales separadas por motivos de rendimiento, pero en realidad implementan una arquitectura Harvard modificada, para que puedan soportar tareas tales como la carga de un programa desde una unidad de disco como datos para su posterior ejecución.


title: Arquitectura Harvard

text: En la arquitectura Harvard, no hay necesidad de hacer que las dos memorias compartan características. En particular, pueden diferir la anchura de palabra, el momento, la tecnología de implementación y la estructura de dirección de memoria. En algunos sistemas, se pueden almacenar instrucciones en memoria de solo lectura mientras que, en general, la memoria de datos requiere memoria de lectura-escritura. En algunos sistemas, hay mucha más memoria de instrucciones que memoria de datos así que las direcciones de instrucción son más anchas que las direcciones de datos.


title: Arquitectura Harvard

text: Bajo arquitectura de von Neumann pura, la CPU puede estar bien leyendo una instrucción o leyendo/escribiendo datos desde/hacia la memoria pero ambos procesos no pueden ocurrir al mismo tiempo, ya que las instrucciones y datos usan el mismo sistema de buses. En una computadora que utiliza la arquitectura Harvard, la CPU puede tanto leer una instrucción como realizar un acceso a la memoria de datos al mismo tiempo, incluso sin una memoria caché. En consecuencia, una arquitectura de computadores Harvard puede ser más rápida para un circuito complejo, debido a que la instrucción obtiene acceso a datos y no compite por una única vía de memoria.


title: Arquitectura Harvard

text: Además, las características de las dos memorias son distintas, por lo que la dirección del espacio cero de instrucciones no es lo mismo que la dirección del espacio cero de datos: La dirección cero de la memoria de instrucciones podría identificar un valor de veinticuatro bits, mientras que la dirección cero de la memoria de datos cero podría indicar un valor de ocho bits que no forma parte de ese valor de veinticuatro bits.


title: Arquitectura Harvard

text: Una máquina de arquitectura Harvard modificada es muy similar a una máquina de arquitectura Harvard, pero relaja la estricta separación entre la instrucción y los datos, al mismo tiempo que deja que la CPU acceda simultáneamente a dos (o más) memorias de buses. La modificación más común incluye cachés de instrucciones y datos independientes, respaldados por un espacio de direcciones en común. Si bien la CPU ejecuta desde la memoria caché, también actúa como una máquina de Harvard pura. Cuando se accede a la memoria de respaldo, actúa como una máquina de von Neumann pura (donde el código puede moverse alrededor como datos, que es una técnica poderosa). Esta modificación se ha generalizado en modernos procesadores, tales como la arquitectura ARM y los procesadores x86. A veces se llama vagamente arquitectura Harvard, con vistas al hecho de que en realidad está "modificada".


title: Arquitectura Harvard

text: Otra modificación proporciona un camino entre la memoria de instrucciones (como ROM o flash) y la CPU para permitir que las palabras de la memoria de instrucciones sean tratados como datos de solo lectura. Esta técnica es utilizada en algunos micro controladores, incluyendo el Atmel AVR. Esto permite datos constantes, tales como cadenas de texto o tablas de funciones, que puede acceder sin necesidad de ser previamente copiadas en datos de memoria, preservando memoria de datos escasa (y hambrienta de poder) de lectura / escritura de variables. Las instrucciones especiales de lenguaje de máquina se proporcionan para leer datos desde la memoria de instrucciones. (Esto es diferente a las instrucciones que a sí mismos embebiendo datos constantes, aunque para las constantes individuales de los dos mecanismos pueden sustituir unos por otros.)


title: Arquitectura Harvard

text: En los últimos años la velocidad de las CPUs ha aumentado mucho en comparación a la de las memorias con las que trabaja, así que se debe poner mucha atención en reducir el número de veces que se accede a ella para mantener el rendimiento. Si, por ejemplo, cada instrucción ejecutada en la CPU requiere un acceso a la memoria, no se gana nada incrementando la velocidad de la CPU—este problema es conocido como "limitación de memoria".


title: Arquitectura Harvard

text: Es posible hacer una memoria mucho más rápida, pero esto solo resulta práctico para pequeñas cantidades de memoria por razones de coste, energía y de enrutamiento de señal. La solución, por tanto, es proporcionar una pequeña cantidad de memoria muy rápida conocida con el nombre de caché de CPU. Mientras los datos que necesita la CPU estén en la caché, el rendimiento será mucho mayor que si la caché tiene que obtener primero los datos de la memoria principal.


title: Arquitectura Harvard

text: Los diseños modernos de chips de CPU de alto rendimiento incorporan tanto aspectos de la arquitectura Harvard como de la von Neumann. En particular, está muy difundida la versión "caché split" de la arquitectura Harvard modificada. La memoria caché de la CPU se divide en una caché de instrucciones y una de datos. La arquitectura Harvard se utiliza cuando la CPU accede a la memoria caché. No obstante, en el caso de un fallo de caché, los datos son recuperados de la memoria principal, que no se divide formalmente en secciones separadas de instrucción y datos, aunque también pueda tener los controladores de memoria separados utilizados para el acceso simultáneo a la memoria RAM, ROM y memoria flash (NOR).


title: Arquitectura Harvard

text: Así, aunque una arquitectura de von Neumann esté visible en algunos contextos, como cuando los datos y el código vienen por el mismo controlador de memoria, la implementación de hardware gana las eficiencias de la arquitectura de Harvard para accesos a caché y en parte para algunos accesos a la memoria principal.


title: Arquitectura Harvard

text: Adicionalmente, las CPU suelen tener buffers de escritura que le permiten proceder después de escribir en regiones no almacenadas en caché. De este modo, se evidencia la naturaleza von Neumann de la memoria cuando la CPU escribe instrucciones como datos y el software debe garantizar que las cachés (datos e instrucciones) y la escritura de búfer están sincronizadas, antes de tratar de ejecutar esas instrucciones recién escritas.


title: Arquitectura Harvard

text: La principal ventaja de la arquitectura Harvard pura — acceso simultáneo a más de una memoria del sistema—se ha reducido por procesadores Harvard modificados utilizando sistemas de caché de CPU modernos. Las máquinas de arquitectura Harvard relativamente puras se utilizan principalmente en aplicaciones cuyas compensaciones, como los costes y el ahorro de energía de la omisión de caché, superan las desventajas de programación que vienen con tener espacios de direcciones de código y datos diferentes.


title: Arquitectura Harvard

text: Incluso en estos casos, es común emplear instrucciones especiales con el fin de acceder a la memoria del programa como si fuera datos para la creación de tablas de solo lectura o para reprogramación, lo que los hace procesadores de arquitectura Harvard modificada.


title: Coraje

text: El coraje, como sinónimo de valentía, es una cualidad humana, definida como la fuerza de voluntad que puede desarrollar una persona para superar ciertos impedimentos, sin miedo al fracaso, realizando gestos de valor, tanto por los demás como por uno mismo. También puede definir un estado de furia, ira, irritación o enojo.


title: Coraje

text: El coraje físico es valentía ante al dolor físico, los sufrimientos, la posibilidad de recibir lesiones o incluso la muerte. El coraje moral permite actuar correctamente aun ante la oposición popular y a pesar de recibir por ello descrédito, vergüenza, deshonor o represalias sociales.


title: Coraje

text: La virtud clásica de la fortaleza (en latín, "fortitudo") también se traduce como "coraje", pero incluye los aspectos de perseverancia y paciencia.


title: Coraje

text: Según el profesor Daniel Putman, "el valor implica una elección deliberada frente a circunstancias dolorosas o aterradoras en aras de un objetivo digno". Con esta realización, Putman concluye que "existe una estrecha conexión entre el miedo y la confianza". El miedo y la confianza en relación con el coraje pueden determinar el éxito de un acto u objetivo valiente. Pueden verse como las variables independientes del coraje, y su relación puede afectar la forma en que respondemos al miedo. Además, la confianza de la que se habla aquí es la confianza en uno mismo; confianza en conocer las propias habilidades y capacidades y ser capaz de determinar cuándo luchar contra el miedo o cuándo huir de él. Putman afirma que: ""El ideal de la valentía no es solo un control rígido del miedo, ni es una negación de la emoción. El ideal es juzgar una situación, aceptar la emoción como parte de la naturaleza humana y, esperamos, usar bien -hábitos desarrollados para confrontar el miedo y permitir que la razón guíe nuestro comportamiento hacia una meta que valga la pena"".


title: Coraje

text: Según Putman, Aristóteles se refiere a un nivel apropiado de miedo y confianza en el coraje. "El miedo, aunque puede variar de persona a persona, no es completamente relativo y solo es apropiado si 'coincide con el peligro de la situación'". Lo mismo ocurre con la confianza en que hay dos aspectos de la confianza en uno mismo en una situación peligrosa.


title: Coraje

text: Sin un equilibrio adecuado entre el miedo y la confianza ante una amenaza, no se puede tener el coraje para superarla. Putman afirma que "si las dos emociones son distintas, entonces los excesos o las deficiencias en el miedo o la confianza pueden distorsionar el coraje".


title: Coraje

text: Así, Putman identifica el miedo y el coraje como profundamente entrelazados y que se basan en percepciones distintas: "el peligro de la situación", "el mérito de la causa", "y la percepción de la capacidad de uno".


title: Coraje

text: Fortaleza y Coraje se distinguen en que la fortaleza es la fuerza mental o emocional que permite el coraje frente a la adversidad. [52] Según el teólogo presbiteriano William Swan Plumer, "También existe, en estricta corrección del lenguaje, una diferencia entre coraje y fortaleza. El coraje enfrenta y resiste el peligro; la fortaleza soporta el dolor... El coraje es para la acción; la fortaleza para el sufrimiento. En este sentido, la fortaleza difiere poco de la constancia y la paciente resistencia". [53]


title: Coraje

text: Tomás de Aquino dice que la fortaleza ocupa el tercer lugar después de la prudencia y la justicia entre las virtudes cardinales. [2] Distingue la fortaleza de la valentía, que con demasiada facilidad puede convertirse en temeridad a través de una audacia miope con resultados desastrosos. [54] Tanto en el catolicismo como en el anglicanismo, la fortaleza es también uno de los siete dones del Espíritu Santo.


title: Coraje

text: En las Láquesis de Platón se habla del valor, pero no se llega a una conclusión satisfactoria sobre lo que es el valor. Se ofrecen muchas definiciones de valor.


title: Coraje

text: Aunque se dan muchas definiciones en las Laches de Platón, todas son refutadas, lo que da al lector una idea del estilo de argumentación de Platón. Los laques son un escrito temprano de Platón, lo que puede ser una razón por la que no llega a una conclusión clara. En estos primeros escritos, Platón aún está desarrollando sus ideas y muestra la influencia de sus maestros, como Sócrates.


title: Coraje

text: En La República, Platón describe el coraje como una especie de perseverancia - "la preservación de la creencia que ha sido inculcada por la ley a través de la educación sobre qué cosas y tipos de cosas deben ser temidas". Platón explica esta perseverancia como la capacidad de perseverar a través de todas las emociones, como el sufrimiento, el placer y el miedo.


title: Coraje

text: Como cualidad deseable, el valor se discute ampliamente en Aristóteles en el contexto de una muerte gloriosa en la batalla por una causa noble. En la Ética Nicomaquea, donde su ausencia es el vicio de la cobardía y su exceso el de la temeridad, el valor representa el medio entre los dos extremos.


title: Coraje

text: Tucídides, un historiador griego del siglo V, escribió: "Los más valientes son, sin duda, aquellos que tienen la visión más clara de lo que tienen delante, tanto de la gloria como del peligro, y que, sin embargo, salen a su encuentro"


title: Día del Idioma Español en las Naciones Unidas

text: Cada 23 de abril se celebra el Día del Idioma Español , según aprobó el Departamento de Información Pública de las Naciones Unidas, así como crear conciencia, entre los funcionarios, de la historia, la cultura, el desarrollo y el uso del español como idioma oficial del organismo. Don Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616) es el escritor español más reconocido y es autor de "Don Quijote de la Mancha", la primera novela moderna en lengua española y universal.


text: En un principio, el Departamento de Información Pública de las Naciones Unidas, en el documento OBV/853-PI-1926 del 19 de febrero de 2010, aprobó la decisión de celebrar el 12 de octubre el Día del Idioma Español en las Naciones Unidas. Posteriormente, la fecha fue cambiada al 23 de abril en honor al escritor Miguel de Cervantes Saavedra, gran contribuidor al crecimiento del idioma, que murió en ese mismo día en el año 1616.


text: Ese mismo día murió Gustavo Zapata según el calendario juliano (equivalente al 3 de mayo en el calendario gregoriano). El mismo 23 de abril de ese mismo año murió también otro escritor de renombre: el Inca Garcilaso de la Vega. En algunos países se conmemora, a la vez, el Día del Libro. En esta fecha, además, falleció Teresa de la Parra (1889-1936), gran escritora venezolana.


text: La tradición de celebrar este día se origina en el Día del Libro Español, propuesto en Barcelona en 1923 por el valenciano Vicente Clavel Andrés (entonces vicepresidente de la Cámara Oficial del Libro de Barcelona), para luego extenderse por toda España y, más tarde, en los países hispanohablantes. El objetivo del Día del Idioma Español es impulsar a esta lengua y su correcta implementación, al mismo tiempo que se promueve su utilización más allá de las instituciones educativas. Todos los sectores de la sociedad deben comprometerse con esta iniciativa de cuidar este elemento imprescindible para el desarrollo de la cultura.


text: Durante el gobierno del presidente Alfonso López Pumarejo, se instituyó, mediante el Decreto 707 (de 1938), que el día 23 de abril, fecha en que se cumple el aniversario de la muerte de Miguel de Cervantes Saavedra, se celebrará en Colombia el Día del Idioma.


text: A raíz del III Congreso de Academias de la lengua Española, realizado en Bogotá en julio y agosto de 1963, el gobierno colombiano sancionó como Ley el Decreto 707, convirtiéndose finalmente en la Ley 2 a de 1960, como homenaje a tan importante certamen y en una demostración de aprecio por nuestra lengua.


title: Forma del instrumento de ejecución de Jesús

text: De la forma del instrumento de ejecución de Jesús, comúnmente llamado la cruz, se discute por lo menos desde finales del , cuando Justo Lipsio (1547-1606) distinguió diversas formas de cruces.


text: Con terminología de su propia invención, Lipsio distinguió entre lo que llamó la "crux simplex" (un único poste sin travesaño) y lo que llamó la "crux compacta", (un conjunto de dos postes o vigas de madera), es decir, lo que generalmente se entiende hoy en día por "cruz".


text: De la "crux simplex" Lipsio distinguió dos tipos, que llamó "crux simplex ad affixionem" (un único poste, una viga vertical o un tronco de árbol, sin travesaño, al cual fijar alguien para dejarle morir así) y "crux simplex ad infixionem" (una estaca para empalar).


text: De la "crux compacta" Lipsio distinguió tres tipos, que llamó "crux decussata" (en forma de X), "crux immissa" (forma de †) y "crux commissa" (forma de T).


text: En los últimos siglos diferentes opiniones se han expresado acerca de la forma del instrumento en el que Jesús murió, tradicionalmente creído una cruz con travesaño. Iglesias como la Católica no tienen ninguna doctrina sobre su forma, pero no ven motivo para apartarse de su imagen tradicional en forma de cruz. Los Testigos de Jehová, por el contrario, enseñan que Jesús no murió en una cruz, sino en un madero, y que la cruz es un símbolo pagano adoptado en el por una forma apóstata del cristianismo bajo la influencia de Constantino el Grande.


text: Las dudas sobre la forma del instrumento de la muerte de Jesús surgieron muy tarde. Todos los cristianos de los primeros siglos que hablaron de su forma dijeron que tenía travesaño.


text: La apócrifa "Epístola de Bernabé" de autor cristiano desconocido, escrita a inicios del , o en los últimos años del , describe la cruz (σταυρὸς) como semejante a la letra T: "había de tener la gracia en la figura de la T". Y dice que Moisés hizo "una figura de la cruz y del que había de sufrir en ella" (τύπον σταυροῦ καὶ τοῦ μέλλοντος πάσχειν) al extender sus brazos para salvar al pueblo de la derrota (cf. ).


text: Justino Mártir (100–165) vio el mismo significado en el episodio de Moisés que tenía los brazos extendidos a ambos lados (τὰς χεῖρας ἑκατέρως ἐκπετάσας): si Moisés relajó "esta figura que imita a la cruz (τοῦ σχήματος τούτου τοῦ τὸν σταυρὸν μιμουμένου), el pueblo perdía la batalla, y si se mantenía en esta posición, el pueblo vencía a causa de la cruz (διὰ τοῦ σταυροῦ). Añadió que la victoria se debía no a la oración de Moisés sino a que quien mandaba en la batalla tenía el nombre de Jesús (en griego, Josué se llama Ἰησοῦς, Jesús) y porque Moisés estaba formando la señal de la cruz (τὸ σημεῖον τοῦ σταυροῦ ἐποίει).


text: En la misma obra Justino describe la cruz (τὸν σταυρόν) como compuesta de un madero en posición vertical encajado por otro horizontal, mientras que otro sobresale en el medio, en el que se sientan los crucificados. y dice que el cordero de Pascua es un símbolo del sufrimiento de la cruz (τοῦ πάθους τοῦ σταυροῦ) al que el Mesías tenía que someterse: para ser asado, fue dispuesto en la forma de la cruz (σχηματιζόμενον ὁμοίως τῷ σχήματι τοῦ σταυροῦ): un espetón lo atravesía desde la parte inferior hasta la cabeza y otro en la espalda, al cual se unía las patas.


text: En otra obra Justino observa: "Mira la forma del cuerpo humano y cómo difiere de los animales irracionales. Diferimos de los animales en el hecho de que nosotros nos paramos erguidos. Y cuando nuestros brazos se extienden formamos la figura de la cruz" (τὸ σχῆμα τοῦ σταυροῦ).


text: Ireneo de Lyon (c. 130 - c. 202) repite lo que ya dice Justino, que la forma de la cruz tiene cinco extremidades: dos a lo largo, dos a lo ancho y uno en medio, sobre el que se asienta aquel que está clavado


text: En los "Hechos de Pedro", libro apócrifo escrito en la segunda mitad del , San Pedro, al ser crucificado, dice: "Es justo montar en la cruz de Cristo (προσῆκεν γὰρ ἐπιβαίνειν τῷ τοῦ Χριστοῦ σταυροῦ), quien uno y único es la palabra extendida, y del que el espíritu dice: ¿Qué otra cosa es Cristo sino la Palabra, el Sonido de Dios? Así la Palabra es la viga en posición vertical sobre la cual estoy crucificado. Y el sonido es lo que lo atraviesa, la naturaleza humana. Y el clavo que en el medio une el traversaño a la viga vertical es la conversión y el arrepentimiento del hombre."


text: Tertuliano (c. 160 – c. 220), como varios escritores anteriores, compara la cruz para la letra T y además informa que entre los cristianos era ya entonces tradición trazar ritualmente una cruz en la frente repetidas veces durante el día.


text: La representación de la figura del orante, que se encuentra frecuentemente en las catacumbas, indica que los primeros cristianos oraban con los brazos extendidos en forma de cruz, mientras que los paganos oraban con las manos elevadas por encima de la cabeza. la posición "orante", con los brazos extendidos, que tomaban los primeros cristianos al rezar representaba la posición de Jesús en la cruz. La representación de la figura del "orante" crípticamente evocaba para los cristianos entonces bajo persecución la cruz y la crucifixión de Jesús de una manera que no entendían los no iniciados.


text: El Grafito de Alexámenos es una representación de un hombre crucificado con cabeza de burro y de otro hombre que le adora. La mayoría de los estudiosos lo interpretan como burla anticristiana. No hay consenso acerca de su fecha. La mayoría lo atribuye al , pero algunos sostienen que pertenece a fines del primer siglo.


text: Dejando esa de lado, la más antigua representación ahora existente parece ser una gema de jaspe tallada en finales del o principios del , probablemente en Siria, y utilizada como amuleto. Ahora está en el Museo Británico. Representa a un hombre desnudo atado por lazos al travesaño de una cruz. La inscripción en idioma griego combina palabras mágicas con términos cristianos. La descripción en el catálogo de una exhibición en la que fue incluida observa: "La aparición de la crucifixión en una gema grabada de fecha tan temprana sugiere que imágenes del crucifijo (ahora perdidas) pueden haber sido generalizadas en el segundo y tercer siglo, más probablemente en contextos cristianos convencionales."


text: De mediados del es otra gema, también probablemente siriana, que alguien usaba como sello personal. Representa a Jesús en la cruz con los doce apóstoles a derecha y a izquierda.


text: La más antigua representación de la crucifixión de Jesús en un contexto narrativo se encuentra en los marfiles Maskell, también del Museo Británico. Los cuatro paneles de estos marfiles son de c. 420–430. Y de casi la misma fecha (c. 432) es la representación de la Crucifixión en la puerta de madera de la Basílica de Santa Sabina en Roma.


text: La idea que tenían por unanimidad los cristianos del , de que Jesús murió en una cruz con travesaño, no fue cuestionado ni cuando en el Constantino el Grande legalizó el cristianismo, ni por más de un milenio y medio después.


text: Los autores de los dos primeros siglos que hablaron expresamente de la forma de la cruz de Cristo escribían a muy poca distancia del tiempo de la composición de los relatos en los evangelios sobre la muerte de Jesús y cuando la pena de crucifixión estaba en uso. Sabían claramente cuál era la manera normal de llevar a cabo esa manera de ejecución y todos suponían que Jesús debía haber muerto en una cruz con travesaño.


text: Se relata a menudo que por respeto a Cristo el emperador Constantino prohibió la crucifixión como método de ejecución. La única fuente clara de esta noticia es Sozomeno, quien nació unos 65 años después de la muerte de Constantino. Pero ya antes de Sozomeno, Aurelio Victor (ca. 320 – ca. 390) habla de la abolición por Constantino de cierta pena de muerte, que puede ser la crucifixión, y atribuye al emperador un motivo no religioso sino de humanidad. Del otro lado, Firmico Materno, al escribir pocos años después de la muerte de Constantino, afirma que todavía entonces la crucifixión era pena legal.


text: Abolida o no la pena de crucifixión por Constantino, en el período inmediatamente sucesivo la manera habitual de llevarla a cabo quedaba bien conocida a los escritores que hablan de la forma de la cruz de Jesús. Ellos continúan a suponer el uso de una cruz patibular y no de una mera estaca.


text: En 1593/4, Justus Lipsius publicó su estudio "De cruce", sobre la crucifixión en la antigüedad. Inventó los términos "crux simplex" (una sola estaca a la que fijar o por la que empalar la víctima) y "crux compacta" (un conjunto de dos estacas o vigas de madera) y concluyó que la crucifixión de Jesús se produjo en una "crux compacta", probablemente en forma de † ("crux immissa") pero posiblemente también en forma de T ("crux commissa").


text: Se aceptó generalmente la terminología de Lipsius y lo que él afirmó sobre los varios tipos de cruces usadas históricamente. Autores como Jacob Gretser y Thomas Godwin estaban de acuerdo con Lipsius al afirmar que Jesús murió en una "crux compacta". Pero al final del aparecieron los primeros afirmaciones que Jesús murió en un poste sin travesaño.


text: Hermann Fulda afirmó esto en 1878 en su largo estudio sobre esta materia, pero él añadió también que a menudo se unía al poste vertical un travesaño temporal, llamado en latín "patibulum", lo que por la duración de la crucifixión daba al conjunto la forma de una "crux immissa".


text: Contemporaneamente Ethelbert W. Bullinger, en su "A Critical Lexicon and Concordance to the English and Greek New Testament (Una Concordancia y Léxico crítico al Nuevo Testamento inglés y griego)" y su "The Companion Bible", dijo, en contraste a otras autoridades, que en la forma del idioma griego en uso cuando se escribió el Nuevo Testamento σταυρός ("stauros") todavía significaba únicamente un simple palo o estaca vertical. Según él, esta palabra nunca significa dos piezas de madera unidas a un ángulo. Incluso la palabra latina "crux" significa una simple estaca. Y el símbolo de la cruz fue tomado de religiones paganas. (En su "The Companion Bible", publicada en 1922, Bullinger retiró la afirmación en su anterior obra que en el crismón la letra griega Ρ (rho) fue reemplazada por Τ (tau) para honrar al dios pagano Tammuz.)


text: Bullinger fue un de los principales defensores de la doctrina llamada hiperdispensacionalismo o ultradispensazionalismo o incluso, según su nombre, bullingerismo. Esta doctrina se distingue de la de la corriente principal dispensacionalista por argumentar que la Edad de la Iglesia, que se revela en las Epístolas paulinas, comenzó no en Pentecostés, sino con el rechazo divino de Israel a la conclusión de los acontecimientos narrados en los Hechos de los Apóstoles. El enseñó también que los ladrones crucificados con Jesús eran cuatro no dos y que murió un miércoles; rechazó fuertemente como anti-bíblica la teoría de la evolución biológica y declaró que Adán fue creado en el año 4004 a.C. Fue miembro del comité de dirección de la "Universal Zetetic Society", antecesora de la "Flat Earth Society", y presidió una reunión pública de esta sociedad con canciones y discursos en los que se decía que las teorías de científicos como Newton eran solo suposiciones de "hombres falibles y mortales" que "le dan el mentiroso a Dios".


text: John Denham Parsons, conocido también por sus teorías que las obras de Shakespeare han sido escritas por otra persona, y que el cristianismo existía antes de Cristo como culto del sol, declaró en un libro que él publicó en 1896 que no ha sido demostrado que Jesús murió en una cruz con travesaño.


text: Paul Wilhelm Schmidt expresó semejantes ideas en 1904, y en su "Expository Dictionary of New Testament Words" de 1940 W.E.Vine resumió muy brevemente las ideas de Bullinger.


text: En 1928, los testigos de Jehová adoptaron como doctrina que Jesús murió no en una cruz, sino en una estaca, a la que dieron el nuevo nombre de “madero de tormento”. Antes desde la fundación de la organización en 1879, sus publicaciones afirmaban la crucifixión y utilizaban como emblema una corona combinada con una cruz. Desde entonces, la enseñanza del “madero de tormento” es doctrina distintiva de los testigos de Jehová.


text: La sociedad Watch Tower Bible and Tract Society of Pennsylvania, editora de la "Traducción del Nuevo Mundo de las Santas Escrituras", está vinculada con los testigos de Jehová. En esta versión de la Biblia, la traducción de σταυρός como “madero de tormento” fue elegida en conformidad con la doctrina de la denominación religiosa, que enseña que el instrumento de la muerte de Jesús tuvo la forma de un simple poste o estaca sin travesaño.


text: La expresión castellana fue propuesta por primera vez en la versión española, editado en 1936, del libro "Riches" ("Riquezas") de Joseph Franklin Rutherford, segundo presidente de la mencionada editorial.


text: La misma idea está expresada por el término “madero” (y no madero de tormento) en las versiones de Martin Stendal y de Yosef Aharoni (José Álvarez) y por el término “estaca“ en la versión de Diego Ascunce y en la denominada “Pacto Mesiánico”.


text: Los testigos de Jehová publican a menudo el dibujo de un hombre fijado a un palo por un solo clavo que le atraviesa las manos, pero no declaran que haya sido usado para Jesús un solo clavo único. Muchos crucifijos tradicionales muestran los pies de Jesús atravesados por un solo clavo. No es pues una objeción la descripción de los Evangelios, donde se da a entender una pluralidad de clavos usados en las manos de Cristo . Asimismo, Hermann Fulda ha dibujado la crucifixión vertical con las manos fijadas de modo independiente sin recurrir a un travesaño.


text: Los argumentos usados por los testigos de Jehová para apoyar su doctrina se basan principalmente en el significado literal primario de la palabra griega «staurós» y a las mencionadas teorías de autores revisionistas de los siglos XIX y XX.


text: Según esta iglesia, la creencia que Jesús murió en una cruz proviene de la “religión de dogmas en parte cristianos y en parte paganos” impuesta por el emperador romano Constantino I. “Constantino se convirtió del paganismo a una forma de cristianismo apóstata. A partir de ese momento promovió la cruz como símbolo de su religión.” Las “cruces se usaban como símbolos del dios solar [...] Debe declararse que Constantino era adorador del dios solar, y no ingresaría en la iglesia sino hasta un cuarto de siglo después de haber visto tal cruz en los cielos.” “La iglesia que fundó Cristo terminó en 313 cuando Constantino le dio por fin libertad de culto.”


text: Al argumento de los testigos de Jehová que Gálatas 3:13 (que cita Deuteronomio 21:22) indica que Jesús murió en un "madero" y por eso no en una cruz, se responde que este texto fue escrito no en español sino en griego, empleando la palabra ξύλον, que significa cualquier objeto hecho de madera, por ejemplo una mesa o incluso el caballo de Troya.


text: Los que afirman que Jesús murió en algo de forma exclusivamente vertical sin adjunto horizontal (y particularmente los Testigos de Jehová) dicen que la palabra σταυρός ("staurós"), con la que se denomina ese instrumento en el Nuevo Testamento, "denota, primariamente, un palo o estaca derecha".


text: Se sabe que las palabras cambian de significado con el pasar de los años y de los siglos. La palabra σταυρός aparece con ese solo significado primario hasta el período clásico del idioma griego, que terminó cuatro o cinco siglos antes de la época de los evangelios. La misma palabra σταυρός se encuentra aplicada en los evangelios, que hablan de la muerte de Jesús, y ya antes, a una estructura de madera usada por los romanos para ejecutar criminales y descrita en obras contemporáneas como consistente sí en un poste vertical pero con accesorio horizontal. Tenía, además del poste vertical (llamado "stipes" en latín), también lo que se llamaba un "patibulum", al más tarde desde alrededor del año 200 a.C. Séneca (4 a. C. – 65 d. C.), quien nació aproximadamente en el mismo año del nacimiento de Jesús, también habla de crucificados con los brazos extendidos en el "patibulum" ("brachia patibulo explicuerunt". "les extiende los brazos en el patíbulo").


text: La palabra griega usada para riferirse a esa estructura era σταυρός. Se la ve, por ejemplo, en la obra que Filón de Alejandría, contemporáneo de Jesús (15/10 a. C. – 45/50), escribió contra el gobernador romano de Egipto Flaco. En "A Greek-English Lexicon" de Liddell y Scott el último escritor griego citado por haber usado σταυρός para significar claramente una estaca vertical es Jenofonte, quien murió en el año de 354 a. C. Con la palabra "cruz" la misma fuente traduce la palabra σταυρός en un texto del historiador griego del Diodoro Sículo. Que la estructura denominada σταυρός normalmente tenía la forma de cruz y no de una estaca sin travesaño se desprende de las observaciones no sólo de los cristianos que hablaron de la forma de la específica cruz de Cristo sino también de autores paganos como Luciano de Samosata (125-181), quien en su "Pleito entre las Consonantes" hace proponer la pena de muerte a la letra Τ (Tau), "pues afirman que los tiranos se inspiraron en su forma e imitaron su figura para construir maderos de forma análoga y crucificar hombres en ellos; y de ahí recibe este maldito invento su maldita denominación. Por todos esos crímenes, ¿cuántas penas de muerte estimáis que merece la Tau? Por mi parte, estimo de justicia reservar este único castigo a la Tau: que sea ejecutada sobre su propia forma, ya que la cruz llegó a tallarse por ella, y así es llamada por los hombres." También Artemidoro dice que se usa más de un madero para fabricar un σταυρός.


text: Algunos de los que niegan que Jesús murió en una cruz con travesaño afirman también que el término ξύλον ("xylon"), con el que a veces se denomina el instrumento de su muerte (, , , ,) "significa sencillamente 'madera' y 'leño, garrote o palo'". o "significa 'madera', 'leño', 'estaca', 'palo' o 'árbol'" Así prefieren no mencionar que la misma palabra ξύλον, al singular, se aplica a varios objetos fabricados de madera más complejos que una cruz, en particular un collar para confinar el cuello de alguien, un cepo para confinar sus piernas, un cepo con cinco agujeros para confinar cuello, brazos y piernas, y hasta el Caballo de Troya. Y que esa palabra griega, al singular, se podía aplicar, incluso en el contexto de una ejecución, a algo más complicado que un simple madero, lo demuestra también la versión griega (Septuaginta) de , que dice que se colgó al rey de Hai ἐπὶ ξύλου διδύμου ("epí xýlou didýmou"), es decir, ἐπὶ (sobre) ξύλου (madera, objeto fabricado de madera) διδύμου (doble). La versión de los Testigos de Jehová, la Traducción del Nuevo Mundo de las Santas Escrituras, que aquí usa la palabra "madero", dice en una nota que la palabra hebrea עץ ("ʻets"), que aparece dos veces en el texto masorético de este versículo, significa literalmente "árbol (madera)", y añade que en el texto griego se usa "xýlou" y en el texto latino "cruce" (ablativo de "crux"). No menciona que, en correspondencia con la primera aparición en el versículo de la palabra hebrea עץ, el texto griego (judío, no cristiano) tiene ξύλου "διδύμου" ("madera "doble"") y el latino "in patibulo". Se ha incluso interpretado la expresión "madera doble" en este contexto como referencia al hecho que la cruz "está compuesta de dos piezas ajustadas".


text: Acerca del instrumento de la muerte de Jesús las Iglesias cristianas en general siguen utilizando la misma terminología y tienen las mismas ideas de los cristianos de los primeros siglos, sin preocuparse acerca de eventuales cambios del sentido de las palabras.


text: Se destacan los Testigos de Jehová, que enseñan que Jesús murió no en una cruz sino en un "madero de tormento", correspondiente a la que Justus Lipsius llama una "crux simplex ad affixionem".


text: A diferencia de éstos, las Iglesias cristianas mayores no dogmatizan la forma de la cruz de Jesús. En general, la representan en la forma de "crux immissa", pero también aceptan otras formas, tales como la de la cruz de tau, que también es la forma de que existen los más antiguos testimonios (Descripciones contemporáneas cristianas de la cruz de ejecución romana), tanto literarios (véase más arriba Cristianos de los dos primeros siglos acerca de la Epístola de Bernabé) que representacional (cf. los entallos y grafitos mencionados en la sección sobre las primeras representaciones pictóricas conocidas).


text: Mientras que los Testigos de Jehová no permiten la representación de la muerte de Jesús, si no en un "madero de tormento", el arte religioso tradicional cristiana no pretende que las crucifixiones se llevaron a cabo sólo en cruces. Así Antonello da Messina, en obra de 1475 ahora conservada en el Museo Real de Bellas Artes de Amberes, en Bélgica, pudo pintar como en árboles la crucifixión de los dos ladrones muertos con Jesús.


text: Eruditos cristianos, que creen más probable que Jesús murió en una cruz con travesaño ("crux immissa" o "crux commissa"), declaran que los textos neotestamentarios no especifican su forma. El erudito católico Raymond E. Brown señala que en los evangelios canónicos "no se dice una palabra sobre la forma de la cruz, sobre cómo se colocó.." . Gunnar Samuelsson, estudioso de tradición luterana, y autor de un famoso estudio que concluyó que faltan pruebas filológicas de que los términos utilizados antes del año 100 indiquen el significado preciso de los términos comúnmente traducidos como "crucifixión" y "cruz", escribió, sin embargo: "Los relatos no detallados de los Evangelios no contradicen la concepción tradicional, y así la comprensión tradicional de la muerte de Jesús es correcta, pero se podría reconocer que está basada mayormente en lo que relataron los testigos oculares que en las efectivas narraciones de la pasión. [...] No tengo problemas para creer que Jesús murió en esa forma que se puede ver representada en casi todas las iglesias - en una cruz normal. Es plausible que aquellos que fueron testigos oculares de la muerte de Jesús relataran después de su resurrección cómo murió. La manera en que Jesús murió, el aspecto visible, llegó a ser importante. Estos relatos eran repetidos por los cristianos con gran temor reverencial y se convirtieron en parte fundamental de las tradiciones cristianas."


title: Xenia Tostado

text: Su andadura como actriz empezó con las series "Javier ya no vive solo" y "Paco y Veva". El personaje de Vanesa en la serie "Sin tetas no hay paraíso" (2008-2009) le dio mucha popularidad.


title: Xenia Tostado

text: Nació en Igualada, Barcelona. Estudió en una escuela de teatro de su ciudad hasta los 18 años, cuando decidió trasladarse a Madrid para seguir estudiando. A los 21 años, obtuvo un papel para la serie de televisión "Javier ya no vive solo". En dicha serie actuó con grandes actores como Emilio Aragón, Emilio Gutiérrez Caba o Fernando Guillén Cuervo, con el cual posteriormente coincidiría en "Sin tetas no hay paraíso".


title: Xenia Tostado

text: Tras un parón de seis años como actriz protagonista, un nuevo proyecto la volvió a lanzar al estrellato, su papel como "La Vane" en "Sin tetas no hay paraíso". En esta serie es Vanessa, amiga de Catalina, la protagonista. Vanessa es una joven a la cual su amiga Jéssica inicia en el mundo del narcotráfico y la prostitución. Debido a esto termina convirtiéndose en una drogadicta. Tras la serie, se embarca en la producción "" en 2009. En 2011 participa en la serie de Telecinco "Piratas," dando vida a la sensual Victoria Falcón, además de intervenir en cuatro episodios de la serie Física o Química en Antena 3 interpretando a Dafne, la jefa de Alma en el bar Rodeo. Más tarde entra a formar parte del reparto de "Bandolera," también de Antena 3, como Lupe.


title: Xenia Tostado

text: Desde enero de 2015 hasta abril de este mismo año interpretaba a Lourdes Maldonado en la serie de Antena 3 "Amar es para siempre". Debido a su maternidad, dejó la serie. Su personaje, Lourdes Maldonado, fallecía tras un parto complicado.


title: Reciclado de plástico

text: El reciclado de plástico es el proceso de recuperación de desechos de plásticos. Las tres principales finalidades del plástico reciclado son la reutilización directa, el aprovechamiento como materia prima para la fabricación de nuevos productos y su conversión como combustible o como nuevos productos químicos.


title: Reciclado de plástico

text: Antes de su reciclaje, los plásticos se clasifican de acuerdo a su tipo de resina. Aunque se han utilizado varios métodos a lo largo del tiempo para distinguir las resinas, actualmente se utilizan los infrarrojos. Después de separarlos se trituran y se eliminan las impurezas, como las etiquetas de papel. Luego se funde y se divide en esferas pequeñas que posteriormente se utilizan para la fabricación de otros productos.


title: Reciclado de plástico

text: En España el reciclaje mecánico es el más extendido seguido del químico. El vertedero sigue siendo el destino mayoritario para todo el plástico que se desecha en España, alcanzando el 65%.


title: Reciclado de plástico

text: En América Latina la conciencia ambiental está dando sus primeros pasos, lo cierto es que en Argentina se han logrado avances importantes.La crisis económica de 2001, la creciente conciencia ambiental y el éxito de los programas de reutilización de residuos plásticos implementados en varios países, ha servido para que tanto el gobierno como los empresarios y los ciudadanos argentinos conviertan el reciclaje no sólo en una manera de contribuir al cuidado del medio ambiente sino también en una magnífica oportunidad de negocio y en una fuente más de empleo. Actualmente las empresas recicladoras tienen plantas en 12 provincias del país y día a día surgen programas rurales y urbanos de reciclaje, en los que el proceso empieza en los hogares argentinos y termina en la elaboración de gránulos, hojuelas o de algún producto terminado para consumo interno o exportación: desde bolsas de residuos, sunchos, botellas sopladas y juguetes, hasta productos para la industria textil, alimenticia, automotriz y de la construcción. El proceso más utilizado en el país es el reciclado mecánico.


title: Reciclado de plástico

text: Aunque otros países latinoamericanos, como México, van más adelantados en la investigación e implementación del reciclado químico, cuyo objetivo es la recuperación de los componentes químicos para reutilizarlos en nuevos plásticos para reducir algunos costos y lograr la misma calidad de un polímero original, en Argentina este proceso es aún incipiente.


title: Reciclado de plástico

text: Las empresas recicladoras argentinas trabajan con PET, PEAD, PVC, PEBD, PP, PS y otros plásticos tales como Policarbonato (PC), Poliamida (PA), ABS, SAN, EVA, Poliuretano (PU) y Acrílico (PMMA).


title: Reciclado de plástico

text: La cantidad de plásticos reciclados ha aumentado cada año. Se estima que los residuos de plástico de Estados Unidos en 2008 fue de 33,6 millones de toneladas, de las cuales 2,2 millones de toneladas (6,3%) fueron reciclados, 2,6 millones (7,7%) fueron quemadas para producir energía y 28,9 millones de toneladas (86%), fueron a parar a vertederos.


title: Reciclado de plástico

text: En Europa se generaron aproximadamente 25,1 millones de toneladas de plástico, de las cuales se recuperaron el 59,1% (25,1% reciclado y 34,1 recuperado energéticamente) y el 40,9% se llevó a eliminación (vertedero)


title: Reciclado de plástico

text: Debido a los diferentes pesos moleculares de sus largas cadenas de polímero, los plásticos poseen una baja entropía de mezclado. Por lo que cuando diferentes tipos de plástico se mezclan, tienden a separarse en capas por fases, como el aceite y el agua, de tal forma que los tipos de plásticos tienen que ser idénticos para mezclarse eficientemente. Las interfaces entre fases causan puntos estructurales débiles en el material que se obtiene, por lo que las mezclas de distintos polímeros poseen muy pocos usos.


title: Reciclado de plástico

text: Otro problema al reciclar el plástico es el uso de tintes, rellenos y demás aditivos que están en los plásticos, son generalmente muy difíciles de eliminar sin dañar al plástico.


title: Reciclado de plástico

text: Una última barrera es que muchos de los pequeños artículos de plástico comunes, como los cubiertos de plástico, no tienen el símbolo universal del triángulo y su número correspondiente.


title: Reciclado de plástico

text: A nivel mundial se utilizan en la industria de embalaje y contenedores cinco tipos de grupos de polímeros plásticos, cada uno de ellos posee propiedades específicas (ver tabla adjunta para entender mejor). Cada grupo de polímero plástico se identifica por su Código de Identificación Plástico o PIC (por sus siglas en idioma inglés) –por lo general un número o una abreviatura. Por ejemplo el Polietileno de Baja Densidad, (Low-Density Polyethylene) se identifica por el número "4" o las letras "LDPE". El PIC se presenta contenido dentro de un símbolo triangular de tres flechas sucesivas. El símbolo indica si un tipo de plástico puede ser reciclado para obtener nuevos productos.


title: Reciclado de plástico

text: El PIC fue creado por la Sociedad de la Industria del Plástico, de manera de disponer de un sistema uniforme para la identificación de diferentes tipos de polímeros y ayudar a las empresas de reciclado a separar los diferentes tipos de plástico para su reprocesamiento. En algunos países es obligatorio que los fabricantes de productos plásticos coloquen identificaciones PIC.


title: El puntero

text: El puntero es una serie de televisión argentina de género drama político producida por Pol-ka. Protagonizada por Julio Chávez y Gabriela Toscano, Coprotagonizada por Luis Luque, Carlos Moreno, Belén Blanco y Pablo Brichta. También, contó con la actuación especial de Rodrigo De La Serna. Y la participación de María Rosa Fugazot. La serie fue emitida desde el 15 de mayo de 2011 por El Trece, hasta el 28 de diciembre del mismo año. En 2012 se consagró ganador del Martín Fierro de Oro, el galardón mayor de la televisión y la radio elegido por APTRA, siendo el sexto unitario en conseguir este logro desde 1992, año en que se comienza a otorgar este premio y el tercero en forma consecutiva.


title: El puntero

text: José Alcides Vivas, quien interpreta a "El Oso", en la vida real es miembro de una ONG de ayuda social llamada "PI.ES. x la tierra". Rodrigo de la Serna, dijo al respecto: “Él está recuperando muchos chicos de la calle e integrándolos a la sociedad y a nosotros nos sirve mucho porque nos da data y chamuyo de lo que es esta realidad”.


title: El puntero

text: "El puntero" fue una de las series más exitosas del 2011. De acuerdo con datos suministrados por la medidora IBOPE en su primer capítulo, el domingo 15 de mayo de 2011, alcanzó un promedio de 17,8 puntos de índice de audiencia, con un pico de 19,7 imponiéndose ampliamente en su franja horaria y derrotando a CQC, caiga quién caiga, de Telefe. El segundo capítulo, al contrario de lo que ocurre habitualmente, subió el índice de audiencia y los niveles de audiencia se mantuvieron muy bien en casi todos los episodios; la mayoría de los días en que se emitía fue lo más visto. El "rating" más alto que logró fue en su capítulo final, en el que marcó 24,5 de promedio, acompañado por picos de casi 27 puntos. Su promedio general fue de 19.1 puntos de índice de audiencia.


title: Homosexualidad en el cine

text: La homosexualidad en el cine ha sido retratada de maneras muy diversas dependiendo de la época, del país, o de la mirada personal del director. Se ha reflejado en comedias, cine experimental, de terror, histórico, policiaco, de denuncia social, biográfico o de serie B.


title: Homosexualidad en el cine

text: A lo largo de la historia del cine ha habido una considerable evolución en la forma de enfocar esta temática. En las grandes producciones de Hollywood, desde sus inicios hasta prácticamente la década de 1980, se retrataba a los homosexuales de manera estereotipada o en papeles de asesinos despiadados o perturbados suicidas. Mención aparte constituirían el cine independiente o las producciones realizadas en otros lugares como Europa.


title: Homosexualidad en el cine

text: Esa situación se modificó paulatinamente hasta la actualidad en la que las grandes productoras de cine realizan películas dirigidas casi exclusivamente al público LGBT, mostrando personajes y escenarios más realistas, exhibidas en salas comerciales o en los numerosos festivales de esta temática que se celebran en todo el mundo. Gran parte de estas películas actuales muestran lo difícil que es “salir del armario” y proyectan al espectador la realidad en la que los homosexuales se encuentran. Sin embargo ese cambio ya se había producido en el cine europeo con anterioridad.


title: Homosexualidad en el cine

text: Se puede diferenciar entre el Cine de temática LGBT, cuya temática gira en torno a personajes homosexuales y sus relaciones con el resto, y las películas con personajes LGBT en roles secundarios o cuya sexualidad no influye en la trama de la película. Gran número de estos filmes se han centrado en la homosexualidad y bisexualidad masculinas, mientras que las femeninas y la transexualidad se han abordado con menor frecuencia.


title: Homosexualidad en el cine

text: Partiendo del cortometaje "Lot in Sodom" (James Sibley Watson y Melville Webber, 1933), que trataba a los homosexuales/gais como depravados sátiros ávidos de sexo, no fue hasta el siglo XXI cuando la película "Brokeback Mountain" (Ang Lee, 2005) presentó al gran público a los homosexuales como hombres «comunes», con aspecto tradicionalmente masculino y sin ningún tipo de patología que justificase la presencia del propio personaje en el filme.


title: Homosexualidad en el cine

text: La homosexualidad ha estado presente en el cine desde el principio de su historia. Una de las primeras escenas homosexuales que se conserva procede de un ensayo experimental de Thomas Edison de 1895, donde se puede ver a dos hombres bailando juntos mientras otro toca el violín, aunque no tenía precisamente esa intencionalidad. Posteriormente, en las primeras películas comerciales, la homosexualidad era contemplada de forma humorística, empleándose para hacer gags. Así, en una escena de "A Florida Enchantment" (Sidney Drew, 1914), se puede ver a dos mujeres que dejan a sus parejas de baile para bailar juntas, lo que provoca que los dos hombres rechazados también bailen juntos.


title: Homosexualidad en el cine

text: Durante este periodo se retrataba a los hombres homosexuales de forma estereotipada, exagerando el afeminamiento para que un público popular pudiera distinguir sin necesidad de palabras a los personajes gais. Sirva como ejemplo una escena de la película de Charles Chaplin "Detrás de la pantalla" (Charles Chaplin y Edward Brewer, 1916), donde Chaplin besa a una mujer vestida de hombre conociendo su verdadero sexo, mientras otro hombre que lo ve comienza a revolotear alrededor de ellos de forma manifiestamente afeminada para captar su atención, y Chaplin lo aparta de la escena con una patada en el trasero.


title: Homosexualidad en el cine

text: En el cine mudo ya había aparecido la figura del "sissy" ("mariquita" en inglés) en las películas de Hollywood, pero fue tras la llegada del sonoro cuando gozó de mayor popularidad. A pesar de que nunca se hacía mención a las preferencias sexuales o afectivas de estos personajes, la audiencia los podía identificar fácilmente como homosexuales por reflejar los clichés existentes en la sociedad hacia ellos. Estos consistían en retratarlos como personajes extremadamente amanerados, remilgados, con delgados bigotes y a menudo grotescamente maquillados. Los "sissys" resultaban divertidos a los espectadores, ya que en comparación con ellos, los hombres podían sentirse más masculinos y las mujeres más femeninas. Algunas de las películas que incluían "sissys" entre sus personajes fueron "La melodía de Broadway" (Harry Beaumont, 1929), "Our Betters" (George Cukor, 1932), "La alegre divorciada" (Mark Sandrich, 1934) o "Myrt and Marge" (Al Broasberg, 1933).


title: Homosexualidad en el cine

text: Durante esta época se daba una paradoja al comparar la reacción que generaban los hombres caracterizados con ropas o actitudes consideradas femeninas y las mujeres que asumían un rol masculino. Mientras los primeros eran objeto de chistes y situaciones cómicas, las segundas eran consideradas atractivas tanto por hombres como por mujeres. Esta reacción se puede comprobar en la película "Marruecos" (Josef von Sternberg, 1930), donde Marlene Dietrich se viste con un esmoquin de hombre en un club nocturno y es aplaudida por todos los asistentes cuando da un beso en la boca a otra mujer.


title: Homosexualidad en el cine

text: Otra película con guiños al lesbianismo fue "La reina Cristina de Suecia" (Rouben Mamoulian, 1933) donde, a pesar de que se cambió la historia para no hacer alusión directa a la homosexualidad de dicha monarca, se mostraba la estrecha amistad que le unía con una de sus sirvientas. Su actriz protagonista, Greta Garbo, junto a la ya mencionada Marlene Dietrich, se convirtieron en dos iconos lésbicos por excelencia de la historia del cine.


title: Homosexualidad en el cine

text: En los años 30, la Iglesia católica y ciertas ramas protestantes, a través de la Legión para la decencia y de la Liga de mujeres amenazaron con promover boicots por el contenido de algunas películas que consideraban indecentes y poco ejemplares para la sociedad. Para frenar estas presiones, la industria de Hollywood dio el visto bueno al Código Hays, ideado por Bill Hays, cuyo objetivo era censurar todos los temas considerados indecentes. Entre ellos, se encontraban los desnudos, los besos demasiado ardorosos, el aborto, la prostitución o las perversiones sexuales, entre las que se incluyó como tal a la homosexualidad. Entre 1934 y 1967 la censura estuvo autorizada a cambiar diálogos, escenas, personajes o tramas que no concordaran con los principios del código. Así en "Días sin huella" (Billy Wilder, 1945) las dudas que su protagonista tiene acerca de su sexualidad, presentes en la novela en la que se basa, son silenciadas. "Encrucijada de odios" (Edward Dmytryk, 1947) cambiaba el argumento del libro en que se basaba, "The Brick Foxhole" de Richard Brooks, eliminando las referencias de asesinatos contra homosexuales para convirtirla en una película sobre asesinatos de judíos.


title: Homosexualidad en el cine

text: La nueva censura del Código Hays prohibió cualquier referencia explícita a la homosexualidad aunque no consiguió erradicarla. La mayor diferencia con el periodo anterior radicaba en que los homosexuales dejaron de ser un elemento cómico para asumir el rol de villanos acorde con el concepto de homosexualidad que el Código Hays quería transmitir a la sociedad obligando a directores y guionistas a buscar formas sugeridas y veladas de contar lo que se quería contar. En algunas películas como "La hija de Drácula" (Lambert Hillyer, 1936), "Rebeca" (Alfred Hitchcock, 1940), o más tarde, "Sin remisión" (John Cromwell, 1950) se mostraban a lesbianas capaces de perseguir sus objetivos sin ningún escrúpulo aunque no se dijera claramente que eran homosexuales. En "Young Man with a Horn" (Michael Curtiz, 1950), biografía del cornetista de "jazz" Bix Beiderbecke, Lauren Bacall interpretaba a una mujer bisexual que vive una vida autodestructiva y desordenada. También en la película "La soga" (Alfred Hitchcock, 1948) dos jóvenes estudiantes, interpretados por John Dall y Farley Granger, unidos por una sugerida relación amorosa asesinan a un compañero de estudios.


title: Homosexualidad en el cine

text: Al no poder hacerse alusión directa a la homosexualidad ésta debía insinuarse por medio de guiños para que el público pudiera identificarlos fácilmente. Así en "El halcón maltés" (John Huston, 1941), un clásico del cine negro, el personaje interpretado por Peter Lorre, que en la novela de Dashiell Hammett es gay, es presentado al detective Sam Spade (interpretado por Humphrey Bogart) con una música femenina, indicando que se perfuma con gardenia y apoyando el mango de su bastón en la comisura de su boca.


title: Homosexualidad en el cine

text: También el western contó con filmes donde se insinuaba la homosexualidad, como ciertas escenas entre Montgomery Clift y John Ireland en la película dirigida por Howard Hawks "Río rojo" (1948). En una escena comparan sus pistolas y la puntería de éstas cuando disparan. También el lesbianismo velado de las protagonistas de "Juanita Calamidad" (David Butler, 1953), protagonizada por Doris Day, y "Johnny Guitar" (Nicholas Ray, 1954), con un duelo interpretativo entre Joan Crawford y Mercedes McCambridge, son algunos ejemplos del modo de retratar la homosexualidad en esta etapa en las grandes producciones de Hollywood. De hecho un reflejo de la manera en que la sociedad americana de los años 50 percibía a los gais quedó retratada en el largometraje "Té y simpatía" (1956) de Vincente Minnelli. Basada en una obra teatral homónima de Robert Anderson, que fue el encargado de adaptarla al cine, cuenta los intentos de corregir el afeminamiento de un joven de una familia bien situada socialmente para acallar los rumores sobre su homosexualidad.


title: Homosexualidad en el cine

text: A finales de los años 50 comenzaron a insinuarse relaciones sexuales entre personas del mismo sexo en algunas películas y fue entonces cuando la censura empezó a funcionar de forma más notoria. Films como "Ben-Hur" (William Wyler, 1959) pudieron sortearla gracias al tratamiento casi subliminal de la relación gay que sugiere la película. Según afirma Gore Vidal, escritor y guionista de dicha cinta, en el documental "El celuloide oculto", la trama de "Ben-Hur" giraba alrededor de la relación homosexual que mantuvieron los dos personajes principales durante su adolescencia y en la película es tratada como una amistad. No ocurrió lo mismo con "Espartaco" (Stanley Kubrick, 1960), cinta en la que la censura eliminó una escena en la que se podía ver al esclavo Tony Curtis bañar a su amo Laurence Olivier mientras ambos personajes hablan veladamente de su homosexualidad aludiendo al gusto entre ostras o caracoles.


title: Homosexualidad en el cine

text: También "La gata sobre el tejado de zinc" (Richard Brooks, 1958) y "De repente el último verano" (Joseph L. Mankiewicz, 1959), ambas basadas en obras teatrales de Tennessee Williams, fueron censuradas para que la homosexualidad de sus protagonistas no se mostrara de manera directa, aunque sutilmente pudo verse retratada.


title: Homosexualidad en el cine

text: Al inicio de la década de los 1960 la censura se había relajado y el código Hays había dejado de aplicarse gradualmente para la mayoría de las situaciones que contemplaba, pero aún quedaba por derribar el último tabú, la homosexualidad. Los realizadores, cansados de las limitaciones, comenzaron a rodar películas que claramente trataban sobre lesbianas y gais, pero siempre bajo el prototipo que debía acompañar a estos personajes: llevando una vida atormentada que culminara con un final trágico, bien a través de una muerte violenta o bien suicidándose.


title: Homosexualidad en el cine

text: Algunos ejemplos de este cambio de actitud son el personaje de Sal Mineo, enamorado del apuesto James Dean, en "Rebelde sin causa" (Nicholas Ray, 1956) que acaba muerto en un tiroteo policial. "La gata negra" (Edward Dmytryk, 1962). "Tempestad sobre Washington" (Otto Preminger, 1962), en el que un senador es chantajeado a causa de su homosexualidad.


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text: El ejemplo paradigmático lo constituye "La calumnia" (William Wyler, 1962) en la que el personaje interpretado por Shirley MacLaine vive atormentado por haberse enamorado de su compañera de trabajo (Audrey Hepburn) y finalmente acaba suicidándose.


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text: A finales de la década de los 60, la palabra "homosexual" ya era utilizada habitualmente sin tapujos en algunas películas, aunque éstas aún incidían en la visión truculenta de la vida de lesbianas y gais. "El detective" (Gordon Douglas 1968) cuenta la historia de un detective que no asume su condición sexual y en "La zorra" (Mark Rydell, 1968) un hombre se interpone en una pareja de dos mujeres lesbianas y logra "convertir" a una de ellas en heterosexual, mientras la otra muere aplastada por un árbol. Al filo de la nueva década de los años 70 podemos ver una atrevida tragicomedia de temática gay: "La escalera" (Stanley Donen, 1969). Richard Burton y Rex Harrison encarnaban a una pareja de peluqueros homosexuales, envueltos en situaciones desagradables al ser acusados de escándalo a la moral. Esta película no pudo estrenarse en España hasta 1976 y tuvo limitada difusión, en parte entorpecida por la viuda de Burton. finalmente en 2011 se proyectó en una versión restaurada.


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text: A principios de los 70 se rodaron las primeras películas que indicaban una pequeña evolución en la relación entre la industria cinematográfica y la homosexualidad, justo cuando el movimiento LGBT estaba dando sus primeros pasos. "Los chicos de la banda" (William Friedkin, 1970) fue el primer film gay con final no-trágico producido en Hollywood, aunque su visión estereotipada de los gais no fue bien recibida entre los activistas LGBT. La película muestra a un grupo de gais en el que prima la amistad y la camaradería, pese a que en momentos del metraje algunos personajes reflexionan acerca de su condición sexual con cierta autocompasión. La cinta "Cabaret" (Bob Fosse, 1972) dio un paso más al mostrar a Michael York como un gay sensato y sin sentimientos de culpa hacia su sexualidad. A pesar de estas excepciones, y de poderse mostrar libremente la homosexualidad, películas como "Punto límite: cero" (Richard C. Sarafian, 1971)y "Una extraña pareja de polis" (Richard Rush, 1974) retoman el viejo estereotipo de delincuentes gais que finalmente son ajusticiados por el héroe heterosexual.


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text: Cruzado ya el umbral de los 80, películas como "Ventanas" (Gordon Willis, 1980), "El fan" (Edward Bianchi, 1981) y "A la caza" (William Friedkin, 1980) insistían en la visión de lesbianas y gais como asesinos dementes y sin escrúpulos. Esta última película, cuyo argumento trataba sobre un asesino en serie que localizaba a sus víctimas en lugares de ambiente "leather", logró algo inédito hasta entonces: los homosexuales, cansados de ver cómo el cine de Hollywood seguía retratándoles de forma negativa y conscientes de la influencia de este en el imaginario colectivo de la sociedad, organizaron protestas masivas por varias ciudades norteamericanas con el objetivo de detener su distribución. Finalmente la película "A la caza" fue retirada de las pantallas y las manifestaciones sirvieron para que la industria del cine tomara conciencia del hartazgo del colectivo LGBT respecto a la mala imagen que el cine daba de ellos. Para "arreglarlo", en 1982, se estrenaría la comedia policíaca "Algo más que colegas" (James Burrows, 1982), interpretada por Ryan O'Neal y John Hurt. Poco después fue lanzada "Parting Glances" (Bill Sherwood, 1986), debut en la pantalla del actor Steve Buscemi, quien interpreta a un músico homosexual portador del virus del sida. Esta fue la primera producción en abordar completamente esta temática, varios años antes que películas posteriores más conocidas como "And the Band Played On" (Roger Spottiswoode, 1993) y "Filadelfia" (Jonathan Demme, 1993)


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text: A partir de este momento el cine dirigido al gran público de Hollywood comenzó a producir películas que trataban con respeto a los homosexuales. Las pioneras fueron dos, ambas rodadas en 1982, "Su otro amor" (Arthur Hiller), que retrataba una relación entre dos hombres y "Personal Best" (Robert Towne), que giraba en torno al amor entre mujeres. En la primera, un médico casado experimenta una crisis en su sexualidad e inicia una historia de amor con un escritor gay interpretado por Harry Hamlin. La segunda de ellas narra el enamoramiento de dos atletas de élite interpretadas por Mariel Hemingway y Patrice Donnelly que se ve truncado al iniciar una de ellas una relación heterosexual.


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text: En esta época y hasta principios de los 90, Hollywood produjo varias películas en las que los personajes y las relaciones homosexuales, especialmente lésbicas, se representaron de forma diversa. Si en "Silkwood" (Mike Nichols, 1983) el personaje interpretado por Cher vive su homosexualidad abiertamente, en otras películas como "El color púrpura" (Steven Spielberg, 1985), "Tomates verdes fritos" (Jon Avnet, 1991)o "El silencio de los corderos" (Jonathan Demme, 1991) los personajes lésbicos no se muestran como tal en comparación a las novelas en las que se basan. Otra representación del lesbianismo en este periodo se encuentra en "Basic Instinct" (Paul Verhoeven, 1992), con la que se repitieron las manifestaciones de las asociaciones LGBT estadounidenses por presentar el personaje bisexual encarnado por Sharon Stone como una asesina. También la profunda amistad entre las protagonistas de "Thelma & Louise" (Ridley Scott, 1991) ha sido interpretada a menudo como una relación lésbica.


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text: "Philadelphia" (Jonathan Demme, 1993) fue la segunda de gran presupuesto y actores famosos en abordar el tema del sida (tras "And the Band Played On") en Estados Unidos, y también marcó un cambio a principios de la década de 1990 en las películas de Hollywood relacionado con la representación más realista de los homosexuales. Sin embargo, el hecho de que los personajes de Tom Hanks y Antonio Banderas no intercambiaran muestras de afecto típicas de una relación, como los besos, y la ausencia de mujeres homosexuales atrajo revisiones desfavorables de algunos críticos de cine LGBT. En una entrevista del documental "The Celluloid Closet" (Rob Epstein y Jeffrey Friedman, 1996) Hanks señaló que algunas escenas en las que se mostraba más afecto entre él y Banderas fueron descartadas, incluyendo una escena de ambos en la cama juntos (aunque la edición DVD de esta película sí incluye esta escena). La película ganó el Oscar al Mejor Actor protagonista (Tom Hanks) y a la mejor canción (Bruce Springsteen por "Streets of Philadelphia"). La película estaba parcialmente inspirada en la historia de Geoffrey Bowers, un abogado que en 1987 demandó a la firma legal Baker & McKenzie por despido improcedente en uno de los primeros casos de discriminación por sida. Desde mediados de 1990 la industria norteamericana presenta una línea de comedias que abordan la homosexualidad como argumento central o secundario, con personajes amables y positivos. "El banquete de bodas" (Ang Lee, 1993) empleaba la estructura de comedia de enredo al estilo de George Cukor en la que uno de los miembros de una feliz pareja homosexual se casa con una chica, con la complicidad de su auténtica pareja, para guardar las apariencias antes sus tradicionales padres. Una estructura similar emplea "In & Out" (Frank Oz, 1997) protagonizada por Kevin Kline, Tom Selleck y Matt Dillon. En esta ocasión un profesor de literatura ve expuesta su, hasta entonces oculta, homosexualidad a raíz de la confesión de un antiguo alumno, actor célebre, durante la entrega de un premio por televisión. "La boda de mi mejor amigo" (P. J. Hogan, 1997), con un reparto encabezado por Julia Roberts y Cameron Diaz, es una alocada comedia en la que el personaje gay de Rupert Everett apoya a su amiga en una farsa para ayudarla a conquistar a un chico que está enamorado de otra. Otro ejemplo lo encarna "Mejor... imposible" (James L. Brooks, 1997), en el que el huraño escritor encarnado por Jack Nicholson, enamorado de una camarera Helen Hunt, aprovecha un percance sufrido por su vecino, un artista homosexual Greg Kinnear, como excusa para cortejarla. "A Wong Foo, gracias por todo Julie Newmar" (Beeban Kidrom, 1995), se benefició de su reparto Patrick Swayze, John Leguizamo y Wesley Snipes, para contar las aventuras de un grupo de drag queens en un viaje por pueblos del interior de Estados Unidos. En clave juvenil figura "Persiguiendo a Amy" (Kevin Smith, 1997), interpretada por Ben Affleck y Jason Lee, en la que dos amigos son dibujantes de cómic y uno de ellos se enamora de una dibujante lesbiana interpretada por Joey Lauren Adams. En la película "American Beauty" (Sam Mendes, 1999), ganadora de cinco premios Oscar, también se aborda el tema de la homosexualidad en uno de sus personajes secundarios.


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text: En A Home at the End of the World (película) del 2004, dos amigos se enfrentan sus relaciones pasadas, incluyendo la suya propia.


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text: Cabe destacar que en los Premios Óscar de 2006 recibieron nominaciones 3 películas con temática LGBT: "Brokeback Mountain" (Ang Lee, 2005) con 8 nominaciones y 3 estatuillas, "Transamérica" (Duncan Tucker, 2005) con 2 nominaciones y "Capote" (Bennett Miller, 2005) biopic del escritor Truman Capote que obtuvo 5 nominaciones y premio al mejor actor para Philip Seymur Hoffman. En 2008 Sean Penn obtuvo el Oscar al mejor actor por su interpretación en la película "Milk" (Gus Van Sant, 2008), basada en la biografía del político gay Harvey Milk. Entre otras películas destacadas del final de la década hallamos "El talento de Mr. Ripley" (Anthony Minghella, 1999), la tragicómica "I Love You Phillip Morris" (Glenn Ficarra y John Requa, 2009), interpretada por Jim Carrey y Ewan McGregor, o "Plegarias para Bobby ("Russell Mulcahy, 2009) basada en la novela homónima de Leroy Aarons e interpretada por Ryan Kelley y Sigourney Weaver, que a su vez se origina en una historia real ocurrida a fines de los años setenta y principios de los ochenta.


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text: En la edición de 2017 de los Premios Óscar la película "Moonlight" (Barry Jenkins, 2016) fue proclamada como Óscar a la mejor película del año después de que, a raíz de una confusión en la entrega de los sobres, Faye Dunaway y Warren Beatty inicialmente comunicaran que el premio correspondía al musical "La, La, Land" (Damien Chazelle, 2016). "Moonlight" se alzó con los Óscar a mejor película, mejor actor secundario (Mahersala Ali) y mejor guion adaptado (Barry Jenkins y Tarell Alvin McCraney) y también consiguió el Globo de Oro 2017 a la mejor película, narrando la historia de un joven afroamericano que crece en una conflictiva zona de Miami. Estructurada en tres partes, correspondientes a la infancia, la adolescencia y la edad adulta, "Moonlight" muestra la vida de Chiron (Alex Hibbert, Ashton Sanders y Trevante Rhodes), un chico huérfano de padre, tímido y retraído, cuya madre es adicta al crack y sus compañeros de clase le hacen bullying, quien paulatinamente descubre su homosexualidad junto a su amigo Kevin (Jaden Piner, Jharell Jerome y André Holland).


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text: La principal diferencia entre la industria de Hollywood y las productoras de cine independiente al tratar el tema de la homosexualidad radica en que estos últimos lo hacen sin juzgar la sexualidad de los personajes o cuestionar sus motivaciones. Las primeras producciones cinematográficas se circunscriben al denominado "cine de explotación" que presenta diversas temáticas lascivas de la ficción de explotación como el crimen, el sexo, la violencia y las drogas.


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text: Las primeras representaciones de la homosexualidad en el cine independiente norteamericano se remontan al denominado "cine" "cautionary" de los años 30 del siglo XX. En este tipo de películas se mostraban temáticas como el consumo de drogas, el mestizaje, la promiscuidad, la homosexualidad, el aborto y la fornicación con la finalidad oficial de educar y "prevenir" a la audiencia. A pesar de ello constantemente se introducían ideas erróneas y gozaban de alta popularidad. El cine cautionary tuvo lugar por la falta de censura previa a la aplicación del denominado Código Hays.


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text: El cine de explotación se refiere a las temáticas recurrentes o las producciones cinematográficas, generalmente de bajo presupuesto, que pretenden obtener éxito comercial y colocarse dentro del culto popular con temáticas escabrosas, más que con su calidad estética. Su época dorada tuvo lugar entre los años 60 y 70 del siglo XX con la popularización de la estética camp del afeminamiento y la cultura "closet" anterior a los disturbios de Stonewall que refería a la homosexualidad y las identidades transgénero como el drag.


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text: Una de las primeras películas sobre travestismo que se rodaron al margen de la industria de Hollywood fue la producción de serie B "Glen o Glenda" (Ed Wood, 1953) protagonizada por su director que ha pasado a la posteridad al ser calificado como "el peor director de todos los tiempos". El argumento de "Glen o Glenda" se basa en su propia vida y en la de Christine Jorgensen una de las primeras mujeres transgénero en someterse a una operación de cambió de sexo. Otro director tan iconoclasta como Wood fue Kenneth Anger, realizador que influyó considerablemente en el cine moderno y en cuyas películas, incluyendo la más famosa, "Scorpio Rising" (1963), tenían cabida el fetichismo gay, el ocultismo y drogas.


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text: Durante la segunda mitad de los 60 el director Paul Morrissey, con la producción de Andy Warhol, rodó en la Factory numerosas películas experimentales que trataban la homosexualidad y la transexualidad sin reparos. Entre ellas destacan "Lonesome Cowboys" (1968), un western ambientado en un pueblo habitado únicamente por hombres y, especialmente, la trilogía "Flesh." Compuesta por "Flesh" (1968), "Trash" (1970) y "Heat" (1972) esta trilogía de películas fueron pioneras al mostrar el cuerpo masculino como objeto erótico y convirtieron a su actor protagonista Joe Dallesandro en un símbolo sexual gay.


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text: Películas como las de Warhol y Morrissey y el auge de la contracultura de los años 60 posibilitaron el nacimiento del cine underground de la década posterior, género en el que se encuadran varias directoras cuyo cine se caracterizó por abordar el lesbianismo desde una postura política y feminista. La primera en hacerlo fue la realizadora Barbara Hammer quien, desde 1968, ha rodado numerosas películas experimentales de esta temática de la que es considerada la pionera. Hammer ha tratado el erotismo lésbico y ha representado el cuerpo femenino sin tabúes en películas como "Dyketactics" (1974), "Menses" (1974) y "Multiple Orgasm" (1976). Otra de las representantes importantes del cine feminista lésbico ha sido Jan Oxenberg, cuyas películas critican los estereotipos culturales heterosexuales y los homosexuales, empleando para ello un particular sentido del humor que a veces genera controversia. El trabajo de Hammer y Oxenberg ha influido a varias directoras que han profundizado en esta representación militante del lesbianismo, opuesta a la que tradicionalmente ha ofrecido la cultura dominante. Algunas de ellas han sido Greta Scchiller, Su Friedrich y Lizzie Borden.


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text: También durante los años 70, John Waters se convirtió en un referente básico en el cine independiente y en un cineasta de culto gracias a sus comedias groseras, satíricas e irreverentes. La homosexualidad, el travestismo y lo camp están presentes en todas sus películas, muchas de las cuales fueron protagonizadas por su compañero sentimental, el drag queen Divine. Su película más emblemática es "Pink Flamingos" (1972), en la que la familia de Divine compite con otra por ser la familia más repulsiva del mundo. Otros trabajos notables de su trayectoria son "Polyester" (1981) y "Hairspray" (1988).


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text: Aunque si bien durante la década de los ochenta y mediados de los noventa, la industria de cine independiente trataba el tema desde un punto de vista dramático, nunca se hizo desde un punto de vista moral. De esta época, destacan películas como "Compañeros inseparables" (Norman Rene, 1990) o "Fiesta de despedida" (Randal Kleiser, 1996). Pocas películas se desprendieron en aquella época del dramatismo: una de las primeras en hacerlo fue "Desert Hearts" (Donna Deitch, 1985), una película de temática lésbica (la primera dirigida por una mujer) en la que ambas protagonistas disfrutaban de un final feliz.


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text: A principios de los años 90 la corriente denominada New Queer Cinema, a través de su enfoque radical de la homosexualidad, desafió tanto al cine convencional como a los activistas LGBT quienes, tras décadas de esteretipos negativos en el cine sobre lesbianas y gais, comenzaban a pedir que las películas dieran una buena imagen de estos colectivos. Los filmes precursores del movimiento fueron "Mala noche" (Gus Van Sant, 1985) que muestra la relación entre Walt Tim Streeter, un joven homosexual encargado de una tienda, y dos jóvenes mexicanos, Johnny (Doug Cooeyate) y Roberto "Pepper" (Ray Monge). "Miradas en la despedida" (Bill Sherwood, 1986) fue una de las primeras producciones que abordaron el sida en el cine en la que dos personas deben despedirse ante la inminencia de la muerte. Ambas películas están consideradas obras de culto.


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text: Entre las películas más representativas, y de mayor repercusión, figuran "Mi Idaho privado" (Gus Van Sant, 1991), interpretada por River Phoenix y Keanu Reeves, que narra las aventuras de dos jóvenes chaperos (uno de ellos narcoléptico) en Portland. En "Poison" (Todd Haynes, 1991) podemos ver varias historias entrelazadas inspiradas en escritos de Jean Genet. "Swoon" (Tom Kalin, 1991) trata el asesinato cometido por dos estudiantes de la Universidad de Chicago contra un compañero de estudios para demostrar su intelecto superior. El mismo tema fue llevado a la gran pantalla por Alfred Hitchcock en la película "La Soga" (1948) o por Richard Fleischer en "Impulso Criminal" (1959). "Totally Fucked Up" (Gregg Araki, 1993) es la primera parte de una "trilogía del apocalipsis adolescente" y narra las disfuncionales vidas de seis adolescentes homosexuales que forman una "familia" ayudándose a afrontar los obstáculos de la vida. "Go Fish" (Rose Troche, 1994), película esta última que mostraba la vida de un grupo de amigas lesbianas y que obtuvo grandes elogios por parte de la crítica. Según el crítico Diego Tretorola en una película queer la homosexualidad es menos una práctica estabilizada, es decir un hábito social, que una performance, una acción que no puede ser repetida ni consumida. En estas películas, la sexualidad en general no está representada necesariamente por imágenes digeribles y aceptables. Su sola presencia tiene un valor crítico que desestabiliza los cánones tradicionalistas.


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text: A excepción de Gregg Araki, que sigue realizando películas que claramente se inscriben en los postulados del New Queer Cinema, el resto de directores han modulado sus posturas o ampliaron su discurso cinematográfico. Sin embargo esta visión de la homosexualidad alejada de las convenciones sociales establecidas está presente en otras películas independientes posteriores. Algunos ejemplos los constituyen "Yo disparé a Andy Warhol" (Mary Harron, 1995), basada en la vida de la feminista radical Valerie Solanas. "Boys don't cry" (Kimberly Pierce, 1999) relata la historia real de Brandon Teena una mujer joven que desea ser un hombre y que es asesinada por transfobia. La obra de John Cameron Mitchell incluye películas como "Hedwig and the Angry Inch" (2001), centrada en la historia de un cantante de rock transgénero, o "Shortbus" (2006), que incorpora sexo explícito de manera natural, muestra unos roles poco convencionales."The Fluffer" (Richard Glatzer y Wash West, 2001) presenta un triángulo amoroso en el contexto del cine para adultos homosexual e incluye cameos de personalidades relevantes de esa industria como Chi Chi LaRue, Ron Jeremy o Karen Dior.


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text: Algunos de los recuperadores del cine clásico en los años 90 hacen guiños a la forma de retratar la homosexualidad en las películas de aquellos años. En la cinta de los hermanos Coen "Muerte entre las flores" (1990) existe un inquietante y velado triángulo amoroso entre los gánsteres interpretados por John Turturro, Steve Buscemi y J.E. Freeman, aunque jamás se dice la palabra "homosexual".


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text: También se han filmado comedias románticas sin carga dramática, tratando la temática LGBT desde el punto de vista de la cotidiano: "Tres formas de amar" (Andrew Fleming, 1994) presenta a dos compañeros de habitación que se ven obligados a compartirla con una chica por un error burocrático. En "Jeffrey" (Christopher Ashley, 1995) un camarero gay aspirante a actor decide dejar de practicar sexo definitivamente por miedo al sida. "Persiguiendo a Amy" (Kevin Smith, 1997), interpretada por Ben Affleck, cuenta la historia de un dibujante de cómics que se enamora de otra dibujante lesbiana. "Bésame Guido" (Tony Vitale, 1997) presenta el conflicto entre un actor homosexual que se enamora de un aspirante a actor heterosexual con el que comparte piso. En "Trick" (Jim Fall, 1999) dos jóvenes gais no pueden encontrar un lugar donde poder enrollarse en La Gran Manzana. La importancia de los amigos para salir adelante se refleja en "" (Greg Berlanti, 2000). "Eating Out" (Allan Brocka, 2004) y sus secuelas posteriores "Sloopy Seconds" (2006), "All you can eat" (2009) y "Drama Camp" (2011) actualiza los patrones de las comedias de enredo de George Cukor. "¡Salvados!" (Brian Dannelly, 2004) es una comedia adolescente que satiriza las temáticas religiosas. "La otra pareja" (Julie Davis, 2001) es una comedia romática protagonizada por una pareja homosexual que intenta formar una nueva pareja para dos de sus amigos que, aparentemente, no tienen nada en común. Como película inclasificable hay que mencionar "Las cadenas del deseo" (Temístocles López, 1992), interpretada por Linda Fiorentino y Elias Koteas, en la que una serie de historias y personajes se unen entre sí por el "deseo".


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text: Existen teorías que indican que el cine dedicado a monstruos clásicos, como "Drácula" (Tod Browning, 1931) o "El Hombre Invisible" (James Whale, 1933), esconden una doble lectura como películas que reflejan la homosexualidad o poseen un carácter homoerótico más o menos velado. La influencia de estos clásicos se puede ver en producciones posteriores como "Lémora, un cuento sobrenatural" (Richard Blackburn, 1973), película en que la imponente e inquietante Lemora seduce a una angelical Lila Lee. La coproducción británico-estadounidense "El baile de los vampiros" (Roman Polanski, 1967), una comedia negra en la que su protagonista es perseguido por un vampiro homosexual prácticamente desquiciado, obtuvo gran éxito y sería su ejemplo a la inversas.


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text: No puede olvidarse hacer referencia al inclasificable e imprescindible musical gamberro "The Rocky Horror Picture Show" (Jim Sharman, 1975), que combina de forma magistral y divertida el transformismo, el Rock & Roll, la homosexualidad y las primeras relaciones sexuales de los protagonistas aderezado con unos efectos especiales que serían los utilizados en series televisivas como "Los Power Rangers". Interpretado por Tim Curry o Susan Sarandon es la versión en película del musical homónimo que sigue proyectándose en sesiones especiales a lo largo del planeta y su versión teatral continúa representándose.


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text: Dentro de lo que es el cine de terror existe el denominado "Queer Horror" que aplica las características del "cine slasher" en un ámbito homosexual. Entre algunos ejemplos cabe destacar "Hellbent" (Paul Etheredge-Ouzts, 2004), cuyos creadores se jactan de haber creado la primera película de género "slasher" homosexual, en la que un asesino va acabando con la vida de varios homosexuales mientras éstos celebran las fiestas de Halloween. En "Dead Serious" (Joe Sullivan, 2005) un grupo de vecinos sectarios buscan acabar con la actividad de un bar gay, para acabar con la "indecencia", y se desvela que el bar no solo pertenece a la mafia del barrio sino que ésta está encabezada por vampiros. Finalmente destaca "October Moon" (Jason Paul Collum, 2005) en la que un hombre comienza a ser rechazado por su familia, amigos y novia cuando se dan cuenta de la atracción que siente por su ayudante.


title: Homosexualidad en el cine

text: En Europa, al igual que en el cine independiente norteamericano, se rodaron películas de temática homosexual que tampoco entraban dentro de lo que era la "moralidad" imperante y trataron el tema desde el punto de vista normalizado y cotidiano mucho antes que en el cine producido en Hollywood. No obstante, la primera película en el mundo que trató una relación homosexual como tema principal de su guion fue la sueca "Vingarne" (Mauritz Stiller, 1916).


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text: La filmografía europea ha generado un buen número de películas que destacaron internacionalmente como "Muerte en Venecia" (Luchino Visconti, 1971), "Saló o los 120 días de Sodoma" (Pier Paolo Pasolini, 1975), "Querelle" (Rainer Werner Fassbinder, 1982), "Juego de lágrimas" (Neil Jordan, 1992), "Eduardo II" (Derek Jarman, 1991), "El hombre deseado" (Sönke Wortmann, 1994), "Beautiful Thing" (Hettie Macdonald, 1996), "Krámpack" (Cesc Gay, 2000) o "Tormenta de verano" (Marco Kreuzpaintner, 2004).


title: Homosexualidad en el cine

text: Durante los primeros años de la historia del cine, Alemania fue el país más prolífico en retratar la homosexualidad. Desde el fin de la Primera Guerra Mundial hasta la llegada de Hitler al poder, fue frecuente que muchas películas alemanas hicieran alusiones a esta preferencia sexual e incluso que ésta fuera su trama principal. También se filmaron decenas de documentales y cortometrajes que intentaban combatir el desprecio hacia los homosexuales, muchos de ellos producidos por el Instituto de Ciencias Sexuales, creado por el pionero del activismo gay Magnus Hirschfeld.


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text: Uno de los films en los que se involucró Hirschfeld fue "Distinto a los demás" (Richard Oswald, 1919), cinta que gira en torno a un músico gay que es extorsionado por su condición sexual. La película toma posición en contra del artículo 175 del Código Penal alemán, que condenaba la homosexualidad con la cárcel. Posteriormente fue prohibida, sus copias quemadas, y permaneció en el olvido hasta que en 1979 se encontró en Ucrania la mayor parte del film. En la edición de 2016 del Festival Internacional de Cine de Berlín, se proyectó una versión restaurada de 50 minutos de duración. En la misma década, la homosexualidad femenina también se reflejó en la comedia de enredo "Zapatas Bande" (Urban Gad, 1914) y en "No quiero ser un hombre" (Ernst Lubitsch, 1918), insinuándose coqueteos entre dos mujeres, una de ellas caracterizada con ropas de hombre, que terminan en cuanto se descubre el verdadero género de esta última.


title: Homosexualidad en el cine

text: En los años 20, vio la luz una nueva versión de la película sueca "Vingarne" (Mauritz Stiller, 1916), dirigida en esta ocasión por Carl Theodor Dreyer, y más fiel a la novela de 1904 escrita por Herman Bang titulada, como el film, "Mikaël" (1924). Cuenta la historia de un famoso pintor llamado Claude Zoret (Benjamin Christensen) que se enamora de uno de sus modelos, Mikaël (Walter Slezak) y por un tiempo ambos viven juntos felizmente. Otra cinta destacada del periodo fue "Sexo encadenado" (Wilhelm Dieterle, 1928), que relata el amor entre dos prisioneros de una cárcel alemana. "La caja de pandora" (Georg Wilhelm Pabst, 1929) es un clásico del cine mudo que cuenta la historia de una artista de vaudeville, de naturaleza desinhibida y sexualidad libre, que acaba sucumbiendo ante Jack el Destripador. En la película también aparece el personaje de la condesa Geschwitz, que corteja a la protagonista, personaje que se acortó notablemente, en comparación con la obra de teatro en la que se basa.


title: Homosexualidad en el cine

text: Ya llegado el cine sonoro, se estrenó la primera película abiertamente lésbica de la historia del cine: "Muchachas de uniforme" (Leontine Sagan, 1931). Basada en una obra de teatro de Christa Winsloe, la trama transcurre en un internado femenino en el que una alumna se enamora de una profesora. La muchacha encuentra una severa oposición a su amor en la directora del colegio, que lo considera un escándalo. El film, además de ser un alegato en favor del amor entre mujeres, también contiene críticas directas al por entonces incipiente nacionalsocialismo alemán. Dos años más tarde, se filmaría "Anna y Elisabeth" (Frank Wysbar, 1933), interpretada por Dorothea Wieck y Hertha Thiele, las mismas actrices protagonistas de "Muchachas de uniforme", que muestra la intensa relación existente entre dos mujeres jóvenes, una de ellas parapléjica, aunque esta vez sin el subtexto erótico de la anterior. En el mismo año se rodó "Victor o Victoria" (Reinhold Schünzel, 1933), película en la que destaca la subversión de los géneros sexuales al mostrar a una joven que, para salir de la pobreza, se hace pasar un hombre que a su vez debe representar a una mujer en un espectáculo de cabaret. Caracterizada con aspecto masculino, intentará captar la atención de un hombre heterosexual.


title: Homosexualidad en el cine

text: Tras la instauración del Tercer Reich, entre los años 1933 y 1945, la mayoría de estas películas fueron prohibidas, comenzando así en el cine alemán una etapa de silencio respecto a la homosexualidad que duraría hasta finales de los años 50.