title: Todo de ti

text: «Todo de ti» es una canción "dance" y "synth" pop, inspirado en el "funk" de los años 80, también le hace guiños a la música de los cantantes James Brown y Bruno Mars. En el pódcast del "streamer" español Ibai Llanos, "Charlando tranquilamente", Alejandro comentó: «Tiene ese rollo ochentoso y "old school", pero con vibra del verano. En realidad, lo hice pensando para que la gente lo pusiera en la playa, y creo que lo encontramos».


title: Todo de ti

text: El tema fue comparado con la canción de 2006 «Big Girls Don't Cry» de Fergie, ya que posee una melodía similar pero a un ritmo más lento.


title: Todo de ti

text: También se hizo viral un trend en Tik Tok con una mezcla de "Las mil y una noches" del grupo Flans teniendo similitudes ambas canciones.


title: Todo de ti

text: Alejandro interpretó «Todo de ti» por primera vez en "The Kelly Clarkson Show". Fue bastante criticado por su falta de coordinación con los coros y los bailes quedando por muy debajo de la original. Tanto fue el desprecio que inmediatamente se borró la presentación de su canal de YouTube.


title: Todo de ti

text: El video musical fue dirigido por Marlon P, y cuenta con la aparición del exjugador de la NBA Shaquille O’Neal, y con la modelo colombiana Valeria Morales.


title: Todo de ti

text: El video empieza con el cantante escuchando música en el garaje de su casa. Es entonces cuando su pareja aparece y saca unos patines de una de las cajas de cartón que hay en la estantería. Cuando el videoclip cambia de escenario y pasa a la pista de patinaje, la misma chica aparece como enamorada de Alejandro.


title: Teatro del Barroco

text: El teatro del Barroco supuso un periodo de esplendor del teatro como género literario y como espectáculo de la época, que se extendió desde Italia al resto de Europa y de Europa a América en el siglo XVII. Durante el Barroco se conformaron los teatros nacionales en Europa; la Commedia dell'Arte en Italia; el Siglo de Oro en España, donde destacaron autores como Lope de Vega, Tirso de Molina, y Calderón de la Barca; Shakespeare y el teatro isabelino o la comedia de la Restauración en su casa Inglaterra; La Comédie-Française, Corneille, Molière y Racine en Francia. Se produjo un espectacular desarrollo de la escenografía, con la inclusión de música y pintura como elementos del espectáculo dramático que condujeron a una consolidación de la ópera, el ballet y la zarzuela. Los géneros dramáticos alcanzaron una formalización definitiva y la evolución de los antiguos corrales de comedias hasta las salas a la italiana propició la aparición de los edificios y salas teatrales contemporáneos.


title: Teatro del Barroco

text: En el siglo XVII el teatro se desarrolla en tres tipos de espacios. Por un lado, el espacio público, calles y plazas donde se celebran representaciones religiosas. Los misterios medievales habían dado paso en el Renacimiento a las moralidades, que desde la segunda mitad del siglo XVI empezaron a llamarse autos sacramentales.


title: Teatro del Barroco

text: En los siglos XVI y XVII abundaba la parte de la «escena múltiple», sea en horizontal o en vertical, que obligaba al espectador a seguir la acción en los distintos cuadros. El lugar escénico se hizo fijo después de 1580, con la proliferación en las grandes ciudades de Inglaterra y España de los primeros teatros y corrales de comedias. En origen se trataba de un escenario ubicado permanentemente en algún patio entre edificios, estructura que se siguió en la construcción de los primeros teatros isabelinos y corrales de comedia. Al fondo se situaba el escenario, un tablado elevado unos dos metros sobre el suelo que tenía tres niveles: balcón, tablas y trampa. El público se distribuía de acuerdo a su condición social y, en las clases populares, también por sus diferencias de sexo. Frente al escenario estaba el patio, donde se situaban los denominados «mosqueteros», hombres corrientes, un público alborotador. En la pared opuesta al escenario se ubicaba la «cazuela», lugar donde se colocaban las mujeres. En los laterales, las ventanas y balcones más bajos, denominados «aposentos», eran el lugar de la nobleza. Había también un lugar específico para curas, frailes, escritores y otro para las autoridades. El ambiente era de diversión y fiesta. Comida, bebida, alborotos, gritos y silbidos o incluso peleas eran actividades relativamente habituales. Las representaciones eran diurnas y seguían un esquema prefijado: en primer lugar la loa, una presentación en verso que buscaba conseguir el favor de la audiencia; luego se presentaban las tres jornadas o actos de la comedia, entre las que se intercalaban pequeñas piezas como entremeses, bailes o jácaras ; se finalizaba con una mojiganga tras la tercera jornada.


title: Teatro del Barroco

text: En los corrales el decorado solía ser muy simple (algunas cortinas sencillas y un par de piezas de mobiliario) y los cambios de escena o lugar de la acción se indicaban a través del texto y se dejaban a la imaginación de los espectadores, como se puede ver en "Los embustes de Fabia", de Lope de Vega: «Este es palacio: acá sale / Nerón, nuestro Emperador, / Que lo permite el autor / que desta industria se vale; / Porque si acá no saliera, / Fuera aquí la relación / Tan mala y tan sin razón / Que ninguno la entendiera.»


title: Teatro del Barroco

text: Con presupuestos escénicos herederos de los misterios medievales, en los corrales de comedia y los teatros isabelinos el escenario no era más que el lugar donde se realizaba la representación. Este tipo de teatros fueron reemplazados pronto por el teatro a la italiana, un espacio cerrado que se acabó implantando por toda Europa.


title: Teatro del Barroco

text: El teatro moderno comenzó a tomar su forma como una estructura definida y cerrada durante el Renacimiento italiano, debido al interés en recuperar el clasicismo del teatro griego. Durante el Barroco se definieron los límites estructurales de la sala; el tablado se ubicó en la escena, tras el proscenio, diseñada por medio de telones laterales en perspectiva, una disposición que ha continuado hasta nuestra época. El propósito de estos cambios era acercar el público a la escena. Se introdujo la utilización de medios que provenían de la pintura, como telones laterales y bastidores, así como aparatos mecánicos que buscaban potenciar el componente visual del espectáculo.


title: Teatro del Barroco

text: Es un cambio que reflejaba un mundo distinto al medieval, donde la obra y lo narrado eran "revividos" por los actores entre un público que les rodeaba y participaba del ritual. La escena a la italiana respondía a un mundo científico que confiaba en las leyes de la perspectiva, al tiempo que respondía a un nuevo público que deja de participar para observar, el espectador. El nuevo teatro dejó de ser un ambiente único para dividirse en dos espacios, la sala y el escenario, separados y comunicados por el proscenio. Descorrido el telón, el escenario se presentaba como una escena ilusoria, una pintura animada apoyada en un notable desarrollo de la escenografía. Los profesionales italianos trabajaron por toda Europa, alcanzando gran sofisticación en la aplicación de la perspectiva, con complicadísimos juegos de planos y puntos de fuga.


title: Teatro del Barroco

text: Suele presentarse el teatro barroco como un todo homogéneo que se juzga en bloque, con un concepto creativo y unos supuestos básicos. Que «funcionan siempre en el mismo sentido y que se resumen en la defensa del absolutismo monárquico.El concepto del honor, el orgullo nacional y la ortodoxia religiosa.» Pero el teatro del barroco fue un espectáculo global y se convirtió en un negocio de distintas variantes.


title: Teatro del Barroco

text: Por un lado estaba el teatro popular, que se trasladó del espacio público a locales específicamente dedicados a ello, como los corrales de comedias en España o los teatros isabelinos en Inglaterra. En Madrid, las cofradías de socorro (instituciones de asistencia social que bajo advocación religiosa proliferaron conforme crecía la Villa convertida en corte real) consiguieron el monopolio de la gestión comercial del teatro popular, lo que contribuyó a su desarrollo debido a la utilidad pública de la beneficencia, permitiendo superar la reticencia de predicadores, eclesiásticos e intelectuales hacia el teatro comercial profano, que consideraban «una fuente de pecado y malas costumbres». Se trataba de un teatro narrativo; en ausencia de telón y escenografía, los cambios de localización y tiempo se introducían a través del texto y eran habituales largos soliloquios, apartes y discursos prolongados.


title: Teatro del Barroco

text: El uso de artificios visuales y decoración transformó la escena y hacia 1622 apareció en España el término «invención» para referirse a las representaciones donde predominaba el espectáculo visual sobre el texto, diferenciándose de la «vulgar comedia», la comedia de corral. Más adelante, las comedias donde el dramaturgo proporcionaba indicaciones expresas sobre decorado y estructura de la escena se denominaron «comedias de teatro», género ligado al desarrollo de técnicas y artes, especialmente el edificio y la maquinaria teatral que se creaba para su representación. En España, la comedia de teatro tuvo sus albores con la construcción de los primeros teatros de corte, especialmente el Salón de Comedias del Buen Retiro, comenzado en 1629 por el Conde duque de Olivares e inaugurado en 1632 o 1633. Arquitectos y escenógrafos de Italia trabajaron en España bajo el auspicio de Felipe IV; el edificio teatral, las maquinarias y tramoyas ("tramoggie") inventadas por los italianos se llevaron al resto de países europeos (España, Francia y Austria principalmente).


title: Teatro del Barroco

text: El término "barroco" es aplicable a un estilo cultural que no estrictamente es literario, manifestación tanto de la Reforma católica como del absolutismo político de la época. Se puede hablar así de religión barroca, de matemáticas barrocas, del hombre, política, moral, sociedad y costumbres barrocos. Eugenio d'Ors, en sus diálogos de Pontigny, hablaba del Barroco como algo superior a un estilo histórico; para d'Ors, lo barroco sería un estilo de cultura, una constante histórica opuesta a lo clásico.


title: Teatro del Barroco

text: Una de sus manifestaciones más típicas fueron las fiestas y diversiones barrocas: festivales, espectáculos, óperas. En el aspecto literario resulta complicado, con excepción de España, donde el Barroco tuvo su realización más característica, hablar de teatro barroco en Europa. Los teatros nacionales, que se conformaron durante el siglo XVII, tienen características propias y diversas.


title: Teatro del Barroco

text: A mediados del siglo XVI se desarrolló en Italia la "Commedia dell'Arte", que perduró hasta principios del XIX. Es un teatro popular basado en la improvisación de los actores en torno a un asunto dramático convencional, en el que se acaban desarrollando una serie de personajes codificados: Arlequín y Colombina son los criados de una pareja de amantes, generalmente llamados Florindo e Isabella, cuyo amor se encuentra obstaculizado por sus padres, algún «viejo libidinoso» (como Pantaleón o il Dottore) o por personajes similares.


title: Teatro del Barroco

text: Los actores de la comedia del arte eran mucho más cultos e instruidos de lo que pueda pensarse y de ello es testimonio su poesía, su correspondencia y tratados sobre técnicas representativas como el entrenamiento de la voz, el movimiento del cuerpo o la gestualización, que cambiaron el teatro moderno. La base de su éxito, que se extendió por toda Europa, estaba en la capacidad de los actores de captar lo que el público demandaba y recrear la acción dirigiéndola hacia ellos. De ese modo, la comedia del arte se convirtió en una forma teatral fija que perduró casi doscientos años, por puro deseo de un público que quería mantener viva esa relación única.


title: Teatro del Barroco

text: Los actores de las compañías de comedia del arte estaban ligados por contrato al "capocómico", gerente, director, actor y en ocasiones también autor de las comedias que representaban. El "scenario" era un esquema de la trama, dividida en actos y escenas. Se señalaban claramente las entradas y salidas de los actores de la escena, cómo y por dónde debían ejecutarse, así como el resumen de lo que debían decir. También se incluían indicaciones sobre escenografía, vestuario y atrezo. El "capocómico" informaba y dirigía a los actores sobre el tono de la obra, las características del personaje que debían enfatizar, la puesta en escena y posición de los personajes en el escenario e incluso los "lazzi", diálogos o gestos cómicos preestablecidos que debían utilizar. Una vez informados, los actores preparaban su papel recurriendo a su propio material y recursos.


title: Teatro del Barroco

text: En Florencia, un grupo de artistas e intelectuales comenzaron alrededor de 1580 a discurrir sobre el teatro griego y los aspectos técnicos de una adecuada representación del mismo. Se conoce como la "Camerata" del conde Bardi o la Camerata Florentina y pocos años después estaría en el origen de otra "camerata", que se reunía hacia la última década del siglo XVI en el palacio de Jacopo Corsi, teórico teatral italiano. Esta segunda "camerata", más radical e innovadora, buscaba imitar «la grandiosidad e impacto expresivo del espectáculo griego». Partiendo de los textos de Aristóteles y Platón, desarrollaron una estética teatral que giraba sobre los recursos expresivos de la voz en la declamación del texto poético y sobre el papel de la música como soporte y acompañamiento: «Subordinamos el número y la melodía a las palabras y no las palabras al número y a la melodía», decía Platón en "La República".


title: Teatro del Barroco

text: Italia vio así el nacimiento de la ópera a principios del siglo XVII, de la mano de músicos como Giulio Caccini y Jacopo Peri, que aplicaron el estilo recitativo a sus composiciones en la confección de una serie de lo que denominaron «fábulas cantadas» en Florencia. "La Dafne" (1597-1598), "L'Euridice" (1600) e "Il rapimento de Cefalo" (1600) se consideran como las primeras óperas.


title: Teatro del Barroco

text: Miembros, discípulos y seguidores de esta segunda "camerata" llevaron sus principios por las cortes de toda Europa, que demandaban expertos escenógrafos y tramoyistas con conocimientos de perspectiva y construcción de teatros. El ulterior desarrollo de sus teorías dio origen a nuevos géneros musicales además de la ópera, como la semiópera y la zarzuela.


title: Teatro del Barroco

text: Las comedias españolas fueron bien acogidas en Italia, hasta el punto que la antigua "Vía del Teatro dei Fiorentini" de Nápoles (por entonces parte de la corona de España) llevaba para 1630 el sobrenombre de "Via della commedia spagnola", y las compañías italianas adaptaron para su repertorio una buena cantidad de ellas. Eso facilitó que la comedia española perviviese en Europa, a través del repertorio de la Comedia del arte, hasta el siglo XIX. Lope de Vega y sus coetáneos habían incorporado elementos de la "Commedia" en su trabajo, como la división en tres actos, el equilibrio y la duplicación en la trama y en los papeles de los personajes, así como una acción rápida centrada en vencer, con ayuda de astutos criados, los obstáculos del amor de unos jóvenes.


title: Teatro del Barroco

text: Entre el extenso listado de obras españolas adaptadas están "Il convitato di pietra" ("El burlador de Sevilla y convidado de piedra", atribuida a Tirso de Molina), "Il Medico di Suo Honore" ("El médico de su honra") y "La Dama demonio" ("La dama duende") de Calderón, "La bella brutta" ("La hermosa fea") y "Il Castico della disonesta moglie" ("El castigo del discreto") de Lope de Vega o "Non può essere" ("No puede ser", de Agustín Moreto). Los componentes trágicos propios del teatro español, que no eran del gusto del público italiano, eran minimizados o eliminados de la obra, al tiempo que se dilataban o introducían situaciones cómicas que permitieran la aparición de los personajes y máscaras propios, como "Pulcinella" o el "Dottore".


title: Teatro del Barroco

text: Mientras Italia y España desarrollaban el Barroco, en Francia la tardía influencia del Renacimiento condujo a sus dramaturgos, dependientes del patrocinio real de Luis XIV, a desarrollar un teatro clasicista que se dirigía a una audiencia privilegiada.


title: Teatro del Barroco

text: Autores como Molière, Racine y Pierre Corneille se pronunciaron a favor de los preceptos clásicos del teatro y la regla de las tres unidades dramáticas, basados en los comentarios que Ludovico Castelvetro hiciera en 1570 sobre la "Poética" de Aristóteles.


title: Teatro del Barroco

text: Los temas de muchas de sus obras procedían directamente de fuentes griegas y romanas, como la "Fedra" de Racine, que sigue la trama del "Hipólito" de Eurípides. Molière, el dramaturgo más estrechamente ligado a la Comédie-Française, se dedicó a la comedia, satirizando sobre la vida religiosa y social.


title: Teatro del Barroco

text: No obstante, Francia no se mantuvo del todo al margen del Barroco europeo y la obra de dramaturgos como Corneille acusa la influencia del teatro barroco español. Se dio así el Debate de los antiguos y los modernos ("Querelle des Anciens et des Modernes"), entre los partidarios del clasicismo y una generación de dramaturgos (la Generación de 1628) que defendían la libertad creadora y el respeto al gusto del público.


title: Teatro del Barroco

text: En 1680 Luis XIV fundó la Comédie-Française, compañía nacional francesa de teatro, al unir las compañías teatrales del Hotel de Borgoña y del Hotel de Guénégaud, que a su vez era una fusión ordenada por el rey de la del Marais con El ilustre teatro de Molière, a la muerte de este. El rey reunió así una compañía de veintisiete comediantes (hombres y mujeres) escogidos por su excelencia, a los que otorgó el monopolio de las representaciones en francés en París y sus arrabales. En su repertorio inicial figuraban las obras de Molière, Corneille y Racine, así como Rotrou y Scarron. Se instaló inicialmente en el Faubourg Saint-Germain y competía especialmente con la Comédie Italienne (comedia italiana), una compañía italiana radicada en París especializada en representaciones de la Comedia del arte. De esta oposición surgió la acuñación de su nombre.


title: Teatro del Barroco

text: Especialmente entre 1640 y 1660, la comedia española tuvo un papel de renovación muy importante en el teatro francés; "La dama duende" inició la representación de comedias de capa y espada en el teatro francés y, en esas dos décadas, diez comedias de Calderón sirvieron de modelo para veintidós obras teatrales francesas.


title: Teatro del Barroco

text: Enmarcada en el debate de los antiguos y los modernos, de Corneille es también "Le Cid" (1637), protagonista de una de las polémicas más célebres de la historia literaria de Francia, la "Querelle du Cid". Pese a su gran éxito de público (se trata de una de las obras más aplaudidas del siglo XVII francés), "Le Cid" fue fuertemente criticada por no respetar los preceptos clásicos, especialmente la verosimilitud, el decoro y la finalidad educativa.


title: Teatro del Barroco

text: El siglo XVII vio en Inglaterra un desarrollo espectacular del teatro, que llegaría a su máximo esplendor bajo la influencia del reinado de Isabel I y de sus sucesores Jacobo I y Carlos I. La influencia renacentista fue tardía en Inglaterra, por lo que no suele hablarse de teatro barroco en la literatura inglesa del XVII, sino del teatro isabelino y de la comedia de la Restauración.


title: Teatro del Barroco

text: El teatro isabelino abarca un período que transcurre, en un sentido laxo, entre mediados del siglo XVI y mediados del XVII. Mientras el resto de Europa desarrollaba preceptos a partir de la poética aristotélica, en Inglaterra continuaba vigente su rica tradición de teatro popular medieval, que se alimentó de las novedades de la época. Ubicado en las afueras de Londres en convivencia con tabernas o prostíbulos el teatro se convirtió, pese a la oposición del puritanismo, en una actividad comercial organizada de la que disfrutaban por igual todos los estratos sociales. Los comediantes se transformaron en profesionales e inversores de los teatros y se formaban compañías con el mecenazgo de algún noble o incluso de la reina Isabel o su sucesor, Jacobo I. Como sucedió en España, el teatro popular trasladó el escenario de las plazas a edificios especialmente destinados al espectáculo dramático, salas públicas y privadas; entre los primeros teatros construidos en Londres en las últimas décadas del siglo XVI se cuentan "The Theatre" (El Teatro), "The Curtain" (El Telón), "The Swan" (El Cisne), "The Globe" (El Globo) y "The Fortune" (La Fortuna). Entre los dramaturgos de la época isabelina cabe destacar a Christopher Marlowe (1564-1593), a quien se reconoce como iniciador de la nueva técnica teatral que utilizaría y puliría posteriormente William Shakespeare, máximo exponente de la literatura inglesa y uno de los más célebres escritores de la literatura universal.


title: Teatro del Barroco

text: En 1642, al inicio de la Guerra Civil Inglesa, la facción puritana del parlamento inglés, hostil a los teatros, ordenó su clausura, que se mantuvo por dieciocho años hasta la Restauración monárquica en 1660, abriendo paso a la comedia de la Restauración, de carácter popular, libertino, frívolo y extravagante en la que destaca el personaje del libertino o "wild gallant". Bajo el reinado de Carlos II, conocido como "the Merry Monarch" (el rey alegre), se desarrolló en Inglaterra un tipo de obra teatral, el espectáculo de la Restauración (conocido también como ópera inglesa) que seguía las propuestas italianas mediante el uso de música, danza, tramoyas y efectos especiales que estuvieron en los orígenes de la ópera.


title: Teatro del Barroco

text: El teatro alemán del siglo XVII no realizó grandes aportes, especialmente en relación con el extraordinario desarrollo en el contexto europeo. El teatro académico de tradición clásica persistía; el teatro de los jesuitas sólo estrenaba piezas en latín y los comediantes que llegaban de Inglaterra e Italia actuaban en su propia lengua. Se trataba de compañías ambulantes que, desde fines del siglo XVI actuaban por toda Europa. Desde 1604 actuaron también en lengua alemana y para cuando acabó la Guerra de los Treinta Años (1648) habían perdido el nombre de «comediantes ingleses». Sus representaciones se basaban más en la improvisación alrededor de personajes que en el texto escrito de autores destacados. El dramaturgo alemán más conocido podría ser Andreas Gryphius (1616-1664); tomando como modelo el teatro de los jesuitas, al neerlandés Joost van den Vondel y a Corneille, tocó los temas de la "fortuna" y la "vanidad". Cabe mencionar también a Johannes Velten (1640-1693), cuya compañía de teatro ambulante se cuenta entre las más importantes del siglo XVII, combinando la tradición de los comediantes ingleses y la comedia del arte con el teatro clásico de Corneille y Molière.


title: Teatro del Barroco

text: Según Walter Benjamin, el drama barroco alemán o "Trauerspiel" hunde sus raíces en una mala lectura medieval de la obra de Séneca y en la obsesión también medieval del Cristianismo por la mortificación de la carne, mero depósito del espíritu. Se caracteriza más por el lamento que por la tragedia, por ser más inmanente que trascendente; frente al héroe mítico de la tragedia el "Trauerspiel" se centra en la figura histórica del monarca como tirano o mártir.


title: Teatro del Barroco

text: Cabe mencionar también las "Haupt und Staatsaktionen", un género específico alemán que consistía en versiones populares de los dramas cultos desarrollados en Austria y el sur de Alemania en los siglos XVII y XVIII. El término "Haupt" indica que se trata de la representación principal, para diferenciarla de representaciones secundarias ("Nachspiel") semejantes al entremés del barroco español; el término "Staat" se refiere al carácter histórico-político de las obras, por tratar sobre el «Estado» y por la aparición de personajes e intrigas de la corte; "Staat", por otro lado, significa también «pompa» y «majestuosidad».


title: Teatro del Barroco

text: El teatro hispano del Barroco contentaba al público con una realidad idealizada, en la que se manifiestan fundamentalmente tres sentimientos: el religioso católico, el monárquico y patrio y el del honor, procedente del mundo caballeresco.


title: Teatro del Barroco

text: Suelen apreciarse dos periodos o ciclos en el teatro barroco español, cuya separación se acentuó hacia 1630; un cuyo principal exponente sería Lope de Vega y en el que cabe mencionar también a Tirso de Molina, Gaspar de Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente o Juan Pérez de Montalbán; y un segundo ciclo, del que sería exponente Calderón de la Barca y que incluye a dramaturgos como Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer y Velasco, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto o Francisco de Bances Candamo.


title: Teatro del Barroco

text: Se trata de una clasificación relativamente laxa, puesto que cada autor tiene su propio hacer y puede en ocasiones adherirse a uno u otro planteamiento de la fórmula de la comedia nueva establecida por Lope. La «manera» de Lope es quizá más libre que la de Calderón, más sistematizada.


title: Teatro del Barroco

text: Félix Lope de Vega y Carpio (1562 – 1635) fue el creador de una nueva fórmula dramática que conformaría el teatro clásico español del Siglo de Oro. Quedó establecida en 1609 con su "Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo", que escribiera en verso blanco, salpicado de pareados, para una academia literaria. La "comedia nueva" rompía con las tres unidades aristotélicas de acción, tiempo y lugar, que propugnaba la escuela de poética italiana, al tiempo que lo hacía con una cuarta unidad también esbozada en Aristóteles, la de estilo, mezclando en una misma obra elementos trágicos y cómicos o valiéndose de distintos tipos de verso y estrofa según lo que se representaba.


title: Teatro del Barroco

text: El nombre de "comedia nueva" tomaba como precedente el surgimiento de la comedia nueva en la antigua Grecia (siglo IV). Lope da a entender que su propuesta es una superación de fórmulas del siglo XVI, la "comedia antigua", identificada ampliamente con el entremés y ejemplificada en el teatro de Lope de Rueda. En la comedia nueva Lope sintetizó elementos diversos: las formas artísticas y temas de la tradición cortesana se unían a los valores literarios y retóricos y la disciplina del teatro clasicista, al tiempo que incorporaba elementos de la "Commedia dell'Arte" italiana, como la vocación populista y algunas figuras asimilables a estereotipos propios, como el gracioso o el soldado fanfarrón.


title: Teatro del Barroco

text: El "Fénix de los ingenios", como llamaban a Lope de Vega, dijo que «los grandes escritores no están sometidos a reglas». El teatro español del Siglo de Oro abrazó la libertad de inspiración al tiempo que rechazaba las constricciones formales del clasicismo europeo, entregándose a satisfacer el gusto del público. Esto dificulta la clasificación de géneros en el teatro barroco español, cuestión que ha sido objeto de extensos debates.


title: Teatro del Barroco

text: «Lo trágico y lo cómico mezclado [···] harán grave una parte, otra ridícula; / que aquesta variedad deleita mucho.»


title: Teatro del Barroco

text: La libertad formal se expresa también a través del uso que hicieron los dramaturgos de distintos tipos de verso y estrofas como recurso expresivo. El romance servía para narrar hechos, y la octava real para narraciones más descriptivas; los sonetos en las esperas y los monólogos introspectivos, o décimas para los lamentos y quejas; para los diálogos, redondillas y quintillas. Los versos predominantes eran el octosílabo y algo menos el endecasílabo.


title: Teatro del Barroco

text: Varias indicaciones del "Arte nuevo de hacer comedias" se refieren al público y al modo de despertar y mantener su interés. Lope divide la trama en tres actos, indicando que la acción principal debe comenzar directamente y sin demora, al tiempo que se mantenga la tensión hasta el final de la misma, «porque sabiendo el vulgo el fin que tiene, / vuelve el rostro a la puerta...»


title: Teatro del Barroco

text: La comedia lopesca otorgaba un papel secundario a los aspectos visuales de la representación teatral, que descansaban sobre el propio texto: «Oye atento, y del arte no disputes; / que en la comedia se hallará de modo, / que oyéndola se pueda saber todo.»


title: Teatro del Barroco

text: Aunque Lope tenía un buen conocimiento de las artes plásticas, no dispuso durante la mayor parte de su carrera ni del teatro ni de la escenografía que se desarrolló posteriormente.


title: Teatro del Barroco

text: Al teatro de corrales, con su modesta decoración y maquinaria le sucedieron teatros como el del Buen Retiro en Madrid, con cuatro escenarios permanentes.


title: Teatro del Barroco

text: Frente a los cambios que se fueron produciendo en la escena española a partir de la tercera década del siglo XVII, Lope expresó su desagrado hacia las nuevas técnicas teatrales que otorgaban a lo visual un papel preponderante.


title: Teatro del Barroco

text: Fray Gabriel Téllez, más conocido por su pseudónimo Tirso de Molina (1579 - 1648) fue, junto a Lope de Vega y Calderón, uno de los tres dramaturgos más importantes de la España del Siglo de Oro. Fraile de la Orden de la Merced, tuvo problemas durante su vida por «el escándalo que causa un fraile mercedario [···] con comedias que hace profanas y de malos incentivos y ejemplos». Su obra, que destaca por su sutil inteligencia y por una profunda comprensión de la humanidad de sus personajes, puede considerarse un puente entre la primitiva comedia lopesca y el más elaborado drama calderoniano. Aunque parte de la crítica discute su autoría, Tirso de Molina es conocido sobre todo por dos obras magistrales, "El condenado por desconfiado" y "El burlador de Sevilla", principal fuente del mito de Don Juan.


title: Teatro del Barroco

text: La llegada a Madrid de Cosme Lotti (1571 - 1643) llevó a la corte española las técnicas teatrales más avanzadas de Europa. Sus conocimientos técnicos y mecánicos se aplicaron en exhibiciones palaciegas llamadas «fiestas» y en «fastuosos despliegues sobre ríos o fuentes artificiales» denominados «naumaquias», que se solían celebrar en Florencia sobre el Arno o en el palacio Pitti. Tuvo a su cargo los diseños de los jardines del Buen Retiro, de la Zarzuela y de Aranjuez y la construcción del edificio teatral del Coliseo del Buen Retiro.


title: Teatro del Barroco

text: Este nuevo tipo de teatro palaciego de origen italiano dio en llamarse "invención". La primera invención de que se tiene noticia fue "La gloria de Niquea", del conde de Villamediana, representada para la corte en Aranjuez en 1622, en un teatro provisional a imitación del Teatro Olímpico de Vicenza instalado en una isla del río Tajo.


title: Teatro del Barroco

text: Pese a su rechazo manifiesto por la estética italiana, las exigencias de la corte llevaron a Lope a escribir "La selva sin amor", que fue representada en 1627 en el Real Alcázar de Madrid, con escenografía del mismo Lotti. Con «"libretto" de Lope de Vega y con música de autor incierto, probablemente italiano», "La selva sin amor" es considerada por Menéndez y Pelayo, así como por otros estudiosos de los principios de la ópera, la primera ópera representada en España. En este ambiente de experimentación e intercambio, donde las fórmulas lopescas se veían desplazadas por el afianzamiento del teatro palaciego y el nacimiento de nuevos conceptos, es en el que comenzó la carrera como dramaturgo de Pedro Calderón de la Barca (1600 - 1681). Su primera obra conocida, "Judas Macabeo", es de alrededor de 1623.


title: Teatro del Barroco

text: En un primer ciclo, el teatro de Calderón estuvo marcado por las innovaciones de la comedia nueva lopesca. Su segundo estilo marcó algunas diferencias, con un mayor cuidado constructivo y mayor atención a su estructura interna, que se percibe en una mayor concentración de la acción dramática y la selección de personajes nucleares donde enfocar la fuerza dramática. Las distintas tramas confluyen, explican y complementan el tema principal. Sus obras alcanzaron una gran perfección formal, un lenguaje más lírico y simbólico. La libertad, el vitalismo y la espontaneidad lopesca dieron paso en Calderón a la reflexión intelectual y la precisión formal. En sus comedias predominan la intención ideológica y doctrinal sobre las pasiones y la acción, e hizo que el auto sacramental alcanzase sus más altas cotas.


title: Teatro del Barroco

text: La "comedia de teatro" podría considerarse un género distinto de la comedia nueva lopesca. Se trata de un género «politécnico, multiartístico, híbrido en cierta manera». A los cambios estructurales que el énfasis en el aspecto visual demandaba, se unía la imbricación del texto poético con medios y recursos procedentes de la arquitectura, la pintura y la música. El texto dramático se liberó en la comedia de teatro de la descripción, que en la comedia lopesca suplía la falta de decorados, y se limitó al diálogo de la acción.


title: Teatro del Barroco

text: Se trata de una estética opuesta a la de Lope. Si para Lope el "cuerpo" del teatro (el escenario y todo lo que rodea al texto) es una distracción accesoria que disminuye y eclipsa al poema, para Calderón se trata de un aspecto primordial de la representación que complementa y da sentido al texto poético.


title: Teatro del Barroco

text: Entre 1630 y 1640, aproximadamente, estos dos modos de entender el teatro convivieron y se enfrentaron, y los dramaturgos de la época oscilaban entre ellos.


title: Teatro del Barroco

text: El teatro musical es una de las más genuinas expresiones del Barroco y los dramaturgos del Siglo de Oro le otorgaron gran importancia, tanto que surgieron géneros únicos y distintos en los que música y literatura formaban un todo, principalmente la ópera y la zarzuela.


title: Teatro del Barroco

text: El uso de música y canciones en el teatro se remonta a la más antigua tradición dramatúrgica. Villancicos, salmos, canciones, coplas, folías... formaban parte del repertorio musical del teatro español renacentista, como puede apreciarse en el "Códice de Autos Viejos", datable hacia el tercer cuarto del siglo XVI. A partir de mediados del siglo XVII las canciones, que ya formaban parte del repertorio teatral, se vieron influidas por el nuevo estilo italiano de melodía y bajo continuo de la incipiente ópera, desarrollado por músicos y teóricos de la Camerata Florentina como Vincenzo Galilei, Giulio Caccini o Claudio Monteverdi. Grandes tramoyistas italianos como Cosme Lotti o Baccio del Bianco trabajaron en Madrid para la corte española y las primeras invenciones (como "La Gloria de Niquea" del Conde de Villamediana) allanaron el camino para que a finales de la década de los veinte se estrenará "La selva sin amor" (1627), con libreto de Lope de Vega, considerada la primera ópera española. Se representó en palacio, con una complicada escenografía a cargo de Lotti. Algunos estudiosos, sin embargo, consideran que no se puede hablar de ópera española hasta "La púrpura de la rosa", escrita por Calderón de la Barca en 1659. Louise K. Stein considera las óperas calderonianas como hechos aislados dentro de un género intermedio, la semiópera, de cuya aparición en España responsabiliza a Calderón, con obras como "La fiera, el rayo y la piedra" (probablemente de 1652), "Fortunas de Andrómeda y Perseo" (1653), "Fieras afemina amor" (1671) o "La estatua de Prometeo" (1670 o 1674). Se trataba de obras cortesanas de tema mitológico que incluían escenas operísticas, sin ninguna intervención hablada. Tanto las semióperas calderonianas como las zarzuelas jugaban con ventaja frente al género operístico, por las mayores exigencias de éste en cuanto a tiempo de preparación y ensayo.


title: Teatro del Barroco

text: La zarzuela es el género dramático musical más específico de la tradición española y, a diferencia de la ópera y de la semiópera, gozó de continuidad tras el Siglo de Oro. Se trata, en un sentido amplio, de representaciones teatrales donde se combinan, en proporciones variables, el canto con el diálogo, una alternativa más flexible y menos ambiciosa que las semióperas calderonianas. Su nombre procede del Palacio de la Zarzuela, un pabellón de caza cercano a Madrid donde se ofrecieron las primeras representaciones del género. El género evolucionó en el siglo XVIII, pasando de la corte al teatro público, paralelamente a la reconversión de los corrales de comedia en teatros cerrados, que permitió el desarrollo de la escenografía y tramoya necesaria para este tipo de obras.


title: Teatro del Barroco

text: Las veladas teatrales del Barroco, fueran en los teatros de corrales o en los escenarios cortesanos, no consistían como actualmente en la representación de una sola pieza u obra; se trataba de toda una "fiesta teatral", una sucesión de piezas de distintos géneros entre los que ocupaba un papel primordial la comedia. Estas sesiones seguían una estructuración fija en la que piezas menores de distintos géneros se intercalaban entre los actos del drama principal, normalmente una comedia o un auto sacramental. Estos géneros se diferenciaban básicamente en su función dentro de la representación, y en el mayor o menor peso del componente cantado, bailado o representado.


title: Teatro del Barroco

text: Iniciaba la sesión una introducción musical, tras lo cual se realizaba una loa, un género teatral breve cuyo fin era «establecer un primer contacto entre el público y la comedia». La loa se fue independizando de la comedia a la que precede, y se utilizaba para elogiar la ciudad donde se representaba la obra, para solicitar silencio en el público, etc. Es el género más funcional de la fiesta teatral barroca, dedicado a permitir el acomodo del público y captar su atención inicial. Tras la loa se representaba el primer acto o jornada de la comedia principal.


title: Teatro del Barroco

text: Entre el primer y el segundo acto de la comedia se representaba un entremés, género en el que destacaron Miguel de Cervantes y Quiñones de Benavente. Era una obra cómica en un solo acto, de carácter satírico y jocoso, fuertemente relacionado con «el desorden y la inversión de los valores» del carnaval.


title: Teatro del Barroco

text: Entre el segundo y el tercer acto se intercalaba un baile, un «intermedio literario en el que además entran como elementos principales la música, el canto y, sobre todo, el baile propiamente dicho [···], que le dio nombre». Había dos tipos principales de baile, el bailete, que era una «especie de giga o jotica burlesca», y la seguidilla. Otros bailes y danzas eran la pavana, la gallarda, la zambra, la zarabanda...


title: Teatro del Barroco

text: Estos bailes fueron objeto de fuertes críticas por los sectores más conservadores de la sociedad en el siglo XVII.


title: Teatro del Barroco

text: Tras el tercer acto venía el fin de fiesta. La jácara era una pieza breve, colorista y viva, que reproducía «la lengua y las acciones de personales de mala vida», cuyo origen está en canciones de arraigo popular. El público disfrutaba con las picardías y travesuras que se contaban en ellas, y ese tono característico aparecía bajo distintas variaciones: jácaras dialogadas, entremesadas, bailadas... A veces se intercalaban jácaras en los entremeses y bailes que se hacían en el siglo XVII. La mojiganga era una pieza breve de corte y origen carnavalesco, con un tema grotesco y personajes disfrazados, frecuentemente de animales, con máscaras extravagantes y música estrepitosa.


title: Teatro del Barroco

text: La fiesta teatral barroca pervivió, con ligeras variaciones, durante los dos primeros tercios del siglo XVIII. Las piezas intermedias evolucionaron al sainete y la tonadilla al tiempo que los antiguos corrales eran substituidos por teatros estables.


title: Teatro del Barroco

text: Las comedias del Siglo de Oro, especialmente el teatro de Calderón, que supusieron el 20 por ciento de los títulos en cartel hasta 1780, siguieron formando parte importante del repertorio teatral en España. Otros autores, como el mismo Lope de Vega, Tirso de Molina, Guillén de Castro o Alarcón eran representados puntualmente.


title: Teatro del Barroco

text: El día del Corpus Christi, los municipios de las ciudades españolas organizaban una fiesta que tras recorrer sus calles, culminaba en la representación de un auto sacramental. En la procesión desfilaban los denominados carros, complicados y costosos escenarios ambulantes en los que iban montadas la escenografía y tramoya de las diferentes escenas. LLegada la procesión a la plaza designada, se disponían los carros y se desarrollaba la representación del auto.


title: Teatro del Barroco

text: La definición del auto sacramental como género literario no resulta fácil; una definición tradicional sería «pieza dramática dispuesta en una sola jornada y referente al misterio de la Eucaristía, o escrita para su representación en la festividad del Corpus Christi». No obstante, en España era costumbre y casi rito desde mediados del siglo XIII este tipo de representaciones dramáticas de temática sacra, entre ellas misterios o moralidades que no son consideradas autos sacramentales. Lope de Vega dijo en una loa que introducía el auto "El dulce nombre de Jesús": «¿Y qué son autos? Comedias a honor y gloria del Pan que tan devota celebra esta coronada villa, porque su alabanza sea confusión de la herejía y gloria de la fe nuestra, todas de historias divinas». Algunos estudiosos consideran imprescindible el carácter alegórico de la pieza, propio de los autos de Calderón, quien llevó a su más alto exponente el género: «Sermones puestos en verso, en idea representable, cuestiones de la Sacra Teología, que no alcanzan mis razones a explicar ni comprender, y al regocijo dispone con aplauso de este día».


title: Teatro del Barroco

text: El uso de la alegoría permitía al autor representar ideas abstractas: el Pensamiento, la Envidia, la Idolatría... tomaban cuerpo y voz en los actores que los interpretaban. El aparato audiovisual del nuevo teatro a la italiana se puso al servicio de la doctrina a través de los autos sacramentales. La compleja escenografía requería la colaboración de técnicos, maquinistas, carpinteros... que debían dar forma a las indicaciones, reunidas en las llamadas Memorias de apariencias, que algunos autores dejaban escritas. La temática sacra se vestía de los recursos del teatro profano a los que estaba acostumbrado el público, lo que contribuyó a la popularidad del género.


title: Teatro del Barroco

text: Hacia la segunda mitad del siglo XVI en la mayor parte de Hispanoamérica el teatro estuvo generalmente en manos de aficionados, con manifestaciones de teatro religioso, popular, el teatro escolar culto y humanista o los festejos privados o públicos. El teatro profesional, esporádico y representado por compañías itinerantes, no se normalizaría hasta el surgimiento de teatros estables en el último cuarto del siglo XVIII. Las capitales de los virreinatos de Nueva España y el Perú, México y Lima, adquirieron el carácter de cortes y concentraron en ellas la vida cultural que se difundió hacia otras regiones.


title: Teatro del Barroco

text: Siguiendo la evolución marcada desde España, a finales del siglo XVI las compañías de comediantes, esencialmente trashumantes, comenzaron a profesionalizarse. En los virreinatos aparecían grupos mejor organizados y con un mayor repertorio, que con algo de capital que les permitiese la adquisición de licencias virreinales alcanzaban cierta respetabilidad, así como los primeros corrales abiertos al público. En la ciudad de México funcionaba en 1587 una «casa de farsas» donde tenía cierto éxito la compañía del sevillano Gonzalo de Riancho, y en 1597 se abrió la Casa de Comedias de Francisco de León; hacia 1598 se inauguró en Lima el primer Corral de Santo Domingo, por el autor de comedias Francisco de Morales. Con la profesionalización vino la regulación y la censura; en 1601 el Virrey de Nueva España, Gaspar de Zúñiga Acevedo y Velasco, Conde de Monterrey, promulgó un primer reglamento, destinado a los dos corrales de comedias de la ciudad de México que ordenaba, entre otras disposiciones de enfoque moral, que las obras fueran examinadas a priori por el Provisor del arzobispado. Al igual que en Europa, el teatro oscilaba entre la tolerancia e incluso protección del gobierno y el rechazo (con excepciones) o incluso la persecución de la Iglesia. El teatro resultaba útil a las autoridades como instrumento de difusión del comportamiento y modelos deseados, el respeto al orden social y a la monarquía, escuela del dogma religioso.


title: Teatro del Barroco

text: Los corrales se administraban en beneficio de hospitales que compartían los beneficios de las representaciones. El Hospital Real de Naturales de México, en cuyo claustro estuvo el Real Coliseo de México desde fines del siglo XVI hasta 1725, se quedaba en el siglo XVII con el producto de las entradas de aposentos y bancas de Luneta; en el Coliseo de Puebla pagaban seis pesos por cada comedia al Hospital de San Roque, y cuatro por las que representaban en otros locales; en Lima, el Hospital de San Andrés alquilaba en 1652 su corral por 5000 patacones. Las compañías itinerantes (o «de la legua»), que llevaban el teatro por las regiones que no disponían de locales fijos, en tablados improvisados al aire libre, precisaban una licencia virreinal para poder trabajar, cuyo precio o "pinción" era destinado a limosnas y obras piadosas.


title: Teatro del Barroco

text: Para las compañías que trabajaban de forma estable en las capitales y ciudades importantes una de sus principales fuentes de ingresos era la participación en las festividades del "Corpus Christi", que les proporcionaba no solo beneficios económicos, sino también reconocimiento y prestigio social. Aunque posteriormente se le reembolsaba, el autor (entendido como el director de la compañía) realizaba la inversión inicial, que por su producción y vestuario eran costosos y de primera calidad, puesto que para el Cabildo de la ciudad era cuestión de honor que la fiesta saliera adelante con dignidad y brillantez. También las representaciones en el palacio virreinal y las mansiones de la aristocracia eran una importante fuente de trabajo, bien pagada y prestigiosa. Presentaban tanto las comedias de su repertorio como producciones especiales con grandes efectos de iluminación, escenografía y tramoya.


title: Teatro del Barroco

text: Con las colonias asentadas y sus territorios suficientemente delimitados, durante el siglo XVII la penetración cultural española fue cada vez más intensa: se impusieron estrictas normas político administrativas, la Inquisición garantizaba una rígida ortodoxia católica y el Barroco, que iniciaba en España una etapa de máximo esplendor literario, se expandía como estilo en Hispanoamérica. El Barroco, que compartía rasgos esenciales con la visión estética y religiosa indígena, como la exuberancia verbal o el gusto por la fábula y la alegoría, fue aceptado con mucha facilidad y tuvo una prolongada vigencia en América.


title: Teatro del Barroco

text: Nacido en el virreinato de Nueva España aunque asentado posteriormente en España, Juan Ruiz de Alarcón (1580 o 1581 - 1639) es la figura más destacada del teatro barroco novohispano. Pese a su acomodo a las normas de la nueva comedia de Lope, se han señalado su «marcado laicismo», su discreción y mesura y una agudísima capacidad de «penetración psicológica» como características distintivas de Alarcón frente a sus coetáneos españoles. Cabe destacar entre sus obras "La verdad sospechosa", una comedia de caracteres que reflejaba su constante propósito moralizante: «¡Qué engañado pensamiento! Sólo consiste en obrar como caballero, el serlo. ¿Quién dio principio a las casas nobles? Los ilustres hechos de sus primeros autores. Sin mirar sus nacimientos, hazañas de hombres humildes honraron sus herederos. Luego en obrar mal o bien está el ser malo o ser bueno.»


title: Teatro del Barroco

text: Además de su obra lírica y en prosa, la producción dramática de Sor Juana Inés de la Cruz (1651-1695) la sitúa como segunda figura del teatro barroco hispanoamericano, considerando a Ruiz de Alarcón: dieciocho loas, tres autos, tres letras cantadas, dos comedias, dos sainetes y un fin de fiesta o sarao, entre las que cabe mencionar el auto sacramental "El divino Narciso" y la comedia "Los empeños de una casa". Para la representación escribió una loa, tres letras cantadas, dos sainetes y la comedia, que constituyen por sí solos «un muestrario total del teatro barroco mexicano».


title: Teatro del Barroco

text: Cabe mencionar la "Comedia de San Francisco de Borja" (1640) del padre Matías de Bocanegra, de indudable influencia calderoniana ("La vida es sueño" había sido publicada pocos años antes), una de las más hermosas piezas del teatro barroco mexicano. También "La Segunda Celestina" (también conocida como "El encanto es la hermosura y el hechizo sin hechizo"), dejada inconclusa a mitad del tercer acto por el español criado en México Agustín de Salazar y Torres (1642-1675) y terminada por Sor Juana Inés de la Cruz.


title: Teatro del Barroco

text: Del virreinato del Perú puede mencionarse a Pedro de Peralta y Barnuevo (Lima, 1664-1743), que cultivó un teatro eminentemente culterano y acabó abriendo camino a una nueva época con dos fines de fiesta inspirados en "El enfermo imaginario" y "Las mujeres sabias" de Molière.


title: Teatro del Barroco

text: El teatro musical breve estaba conformado por expresiones músico-teatrales tales como: tonadillas, sainetes, seguidillas, entremeses, zarzuelas, etc. Estas expresiones escénico-musicales se presentaban generalmente entre los actos de las obras teatrales, principalmente comedias a manera de intermedios. Se sabe que fueron piezas muy populares tanto en el teatro español como en el novohispano ya que tenían la fama de ser piezas jocosas, alegres y cómicas, además de que involucraban aspectos de la vida cotidiana. Dichos géneros compartían entre sí ciertas características tanto en España y por consiguiente en la Nueva España. Eran obras de menor extensión en comparación con los géneros considerados como mayores, como las comedias, tragedias, dramas, etc. Estaban cargadas de un acontecer cotidiano, político y social, es decir, reflejaban el ambiente de la época, pero además, con un fuerte carácter humorístico y cómico, quizás esto las posicionó como géneros favoritos de las clases populares. También lo que distingue a estas piezas es la presencia de la música como elemento central.


title: Teatro del Barroco

text: En el siglo XVIII uno de los lugares reglamentados para representar obras teatrales fue el Coliseo de cada ciudad. La asistencia, organización y comportamiento dentro del Coliseo era más o menos igual en varias ciudades. A las obras de teatro concurrían todo tipo de personajes, desde el virrey acompañado de su esposa, algunos altos funcionarios, criollos, mestizos, etc. El lugar privilegiado y el mejor posicionado en el teatro o Coliseo era para el virrey y gente cercana a él, así sucesivamente entre más alejado estuviera del escenario menor era el rango. Existían diversos pisos, generalmente el último era asignado a los grupos menos favorecidos, más arriba se hallaba la galería o “cazuela” donde se dividían a hombres y mujeres, de este lugar provenía en buena medida el desorden y escándalo, también de ahí provenían los gritos, aplausos o chiflidos y en ocasiones hasta alguna basurilla que arrojaban a los palcos de más abajo. El barullo de las personas era una constante a lo largo de la obra, se podía escuchar cualquier tipo de conversaciones desde las pláticas personales, los chismes de las señoras, las riñas de los caballeros, la compra venta de golosinas, fritangas, etc.


title: Teatro del Barroco

text: Una denuncia que hace el padre Agustín Rotea en 1772 respecto a una comedia que se presentó en el Coliseo de la ciudad de México ilustra muy bien los temas que se solían representar:


title: Teatro del Barroco

text: De acuerdo con Emilio Cotarelo y Mori la obra por lo regular se iniciaba con un tono que cantaban los músicos acompañados de instrumentos como guitarras, vihuela y arpa; posteriormente se presentaba una loa o alabanza (en el caso de que fuera una obra dramática), esta era un tipo de preludio o introducción; después comenzaba la primera jornada de la obra principal; luego el entremés o paso, eran piezas jocosas y chuscas que servían de intermedio y generalmente tenían el objetivo de divertir a la concurrencia; proseguía la segunda jornada de la obra; posteriormente la tonadilla o el baile los cuales eran intermedios músico-literarios en el que entraban como elementos principales la música el canto y el baile; luego la tercera jornada; y por último la mojiganga o el fin de fiesta, estas se presentaban, en los autos del Corpus, en las fiestas reales y en las zarzuelas. La jácara no tenía lugar fijo en la representación, podía ser incluida o interpolada en el entremés, en el baile o en la mojiganga. Otras veces, iba antes o después de la primera jornada y en algunos casos se cantaba inmediatamente antes del baile, aunque esto era poco común. Entre cada acto de las obras se presentaban entremeses, sainetes, tonadillas y diversos tipos de bailes, éstos tenían el objetivo de divertir y entretener a la concurrencia, muchas veces este tipo de intermedios no era del total agrado de las autoridades


title: Epicondilitis

text: La epicondilitis, conocida también como codo del tenista, es una lesión caracterizada por dolor en la cara externa del codo, en la región del epicóndilo, eminencia ósea que se encuentra en la parte lateral y externa de la epífisis inferior del húmero. Es provocada por movimientos repetitivos de extensión de la muñeca y supinación del antebrazo, lo que ocasiona microrroturas


title: Epicondilitis

text: fibrilares y reparación inadecuada de los tendones de los músculos que se originan en la región del epicóndilo, principalmente del tendón del músculo extensor radial corto del carpo.


title: Epicondilitis

text: Aunque es denominada codo de tenis o codo del tenista, no se restringe a los jugadores de tenis: cualquier persona que realice trabajos que impliquen movimientos repetidos de supinación del antebrazo y extensión de muñeca es susceptible de sufrir la afección.


title: Epicondilitis

text: La epicondilitis recibe a veces el nombre de epicondilitis lateral, para diferenciarla de la epitrocleitis, también llamada epicondilitis medial o codo de golfista, en la que el dolor se localiza en la porción interna del codo.


title: Epicondilitis

text: Por lo general se reconoce a Runge como el primero que describió esta dolencia en 1873. El término codo de tenista fue utilizado por primera vez en 1883 por Major en su trabajo "Lawn-tennis elbow".


title: Epicondilitis

text: Se han propuesto diversos mecanismos fisiopatológicos para el codo del tenista. Sin embargo, para los propósitos clínicos, vale la pena considerar la afección como: 1. Tendinitis de las músculos extensores del antebrazo o 2. Síndrome de fibromialgia localizada. Puede ser producido por un traumatismo directo de los tejidos blandos laterales del codo, pero es más común que resulte de las actividades que requieren apretar repetidamente la mano en combinación con rotación continua del codo. Además, es provocada por movimientos repetitivos en los que se realiza la extensión de la muñeca, el estrés y la supinación del antebrazo, lo cual ocasiona una tendinitis que afecta los tendones de los músculos que se insertan en el epicóndilo: músculo extensor radial corto del carpo, músculo extensor común de los dedos, músculo extensor propio del meñique, músculo extensor cubital del carpo y músculo supinador corto.


title: Epicondilitis

text: Se acepta generalmente que el codo del tenis es causado por microtraumas repetidos, o desarrollarse desgarros microscópicos, seguidos de degeneración mucinoide de origen tendinoso. En los procesos agudos se han observado cambios inflamatorios, pero estos están ausentes si la lesión se hace crónica. En estas fases crónicas se habla de tendinosis, proceso degenerativo de las fibras del tendón. Esto podría explicar por qué los tratamientos con corticoesteroides tienen poco impacto en las etapas crónicas de la enfermedad.


title: Epicondilitis

text: La incidencia máxima de epicondilitis tiene lugar entre los 34 y 54 años. No se han demostrado diferencia en frecuencia entre hombres y mujeres, pero la lesión es más frecuente en el codo que corresponde a la mano dominante.


title: Epicondilitis

text: Además existe una relación clara con ciertas actividades profesionales o la práctica de deportes de raqueta. En muchas ocasiones la epicondilitis se considera enfermedad profesional y está relacionada con la repetición continua de ciertos movimientos en algunas profesiones: pintores, trabajadores de la construcción, leñadores, mecánicos, carniceros, fontaneros, chapistas, tatuadores y carpinteros o ebanistas.


title: Epicondilitis

text: El diagnóstico es meramente clínico, siendo muy sugerentes los síntomas y signos que refiere el paciente. La exploración radiológica mediante rayos X raramente demuestra alguna anormalidad. A menudo habrá dolor a la palpación en la región del epicóndilo, a la presión o al solicitar al paciente ciertas maniobras que ponen en tensión la musculatura epicondílea.


title: Epicondilitis

text: Hay también dolor alrededor del codo y en la zona epicondílea cuando se realiza la extensión de la muñeca y sobre todo si se realiza contra resistencia, al igual que con la extensión forzada de los dedos.


title: Epicondilitis

text: Existen además test ortopédicos para el diagnóstico como la prueba de Cozen, el test de Mill o la prueba de la silla.


title: Epicondilitis

text: El objetivo del tratamiento es aliviar o eliminar el dolor y la inflamación. Las diferentes posibilidades son las siguientes:


title: Epicondilitis

text: La fisioterapia puede aportar gran ayuda al tratamiento de la epicondilitis con tratamientos que abarcarán desde el estiramiento, el masaje (o automasaje) hasta la reprogramación o fortalecimiento.


title: Epicondilitis

text: Es primordial conocer la mecánica por la cual estos músculos se ven afectados para adaptar el tratamiento a este origen.


title: Epicondilitis

text: Es por eso que se realizarán casi siempre estiramientos de los músculos antagonistas a los epicondíleos, es decir, los flexores del codo y muñeca y potenciación o reprogramación de los epicondíleos afectados, ya que se les considerará funcionalmente perdedores o vencidos con respecto a los primeros.


title: Epicondilitis

text: Además la atención y tratamiento de la zona cervical y transición cervico-torácica será de gran utilidad para la resolución de esta molesta lesión.


title: Emiliano Brancciari

text: Emiliano Germán Brancciari Amarillo (Vicente López, 28 de octubre de 1977) es un músico y compositor argentino nacionalizado uruguayo, que hizo la mayoría de su carrera musical en ese país. Es uno de los líderes fundadores de la banda No Te Va Gustar.


title: Emiliano Brancciari

text: Nació en Munro (partido de Vicente López) el 28 de octubre de 1977. Cuando tenía doce años sus padres se divorciaron y se fue a vivir con su madre a Montevideo, Uruguay, donde terminó sus estudios y formó su familia. Es fanático del fútbol e hincha de Boca Juniors y Peñarol. En Montevideo, además de estudiar, formó la banda No Te Va Gustar, donde interpreta como cantante. Dado el éxito de la banda, ha realizado numerosas giras por todo el mundo.


title: Emiliano Brancciari

text: Asistió al Liceo N° 10 del barrio Malvín de Montevideo (ubicado en la calle Mataojo 1862, esquina Av. Italia), donde conoció a Pablo Abdala y Mateo Moreno. Juntos comenzaron a tocar como un trío clásico de rock. El 25 de junio de 1994 se organizó en ese centro educativo un festival de bandas donde No Te Va Gustar tocó por primera vez. Con el correr del tiempo fueron sumando miembros y mezclando ritmos, como el reggae, el ska, el candombe y la murga. Llenan estadios tanto en Uruguay como en Argentina. Llevan grabados nueve discos de estudio y cuatro en vivo, además de un documental.


title: The Piper at the Gates of Dawn

text: The Piper At The Gates Of Dawn —en español: "El flautista a las puertas del alba"— es el álbum de estudio debut de la banda británica Pink Floyd, lanzado el 5 de agosto de 1967. Este disco fue uno de los primeros en explorar el rock psicodélico, junto con "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles y "The Velvet Underground & Nico" de The Velvet Underground, que fue grabado casi simultáneamente. Se le considera uno de los LPs más influyentes de la historia.


title: The Piper at the Gates of Dawn

text: Syd Barrett fue el compositor principal de la mayoría de los temas, pero los aportes de cada integrante de la banda fueron fundamentales. El álbum contiene letras caprichosas sobre el espacio, gatos, espantapájaros, gnomos, bicicletas y cuentos de hadas, acompañadas con secciones de música psicodélica de matices variados basados en blues, folk galés, lullabies (música clásica infantil inglesa) y experimentación sonica. El título del LP proviene de uno de los capítulos de un libro que Barrett leía de joven: The Wind In The Willows (El viento en los sauces), de Kenneth Grahame, en el que los personajes Rata y Topo se encuentran con el dios Pan, que representa la poderosa fuerza de la naturaleza, y que ayuda a los animales a encontrar una nutria perdida. En este álbum se aprecia el gusto de Barrett por las letras basadas en asociaciones mentales espontáneas, algo así como un viaje psicotrópico.


title: The Piper at the Gates of Dawn

text: El álbum fue grabado los días, 16 de marzo, 15 de abril, y en el período del 4 de mayo al 16 de julio de 1967 en los Estudios Abbey Road, con una duración total de 41:56. Fue producido por Norman Smith. Peter Bown fue el ingeniero de sonido. El LP en versión monoaural, fue editado el 4 de agosto de 1967, y un mes después fue editada en versión estereofónica. Alcanzó el puesto #6 en las listas de Reino Unido, y #131 en las listas de Estados Unidos. En la edición de Estados Unidos, "See Emily Play" reemplazaba a "Astronomy Domine", y "Flaming" y "Bike" no figuraban.


title: The Piper at the Gates of Dawn

text: La mezcla estereofónica fue editada en disco compacto en 1987, y una versión digitalmente remasterizada fue editada en disco compacto en 1994, y en 1995 en Estados Unidos. Tres años después, EMI lanzó una edición limitada, remasterizada, monoaural, en "digipak", con arte en 3D.


title: The Piper at the Gates of Dawn

text: En 1972 se editan el primer y segundo disco de Pink Floyd en un álbum doble llamado "A Nice Pair". La lista de temas de "The Piper At The Gates Of Dawn" es la de la edición de Reino Unido, sólo que "Astronomy Domine" es reemplazada por la versión en vivo que se editó en el álbum doble "Ummagumma" en 1969.


title: The Piper at the Gates of Dawn

text: El 27 de agosto de 2006, ha sido lanzada una edición especial, conmemorando el 40 aniversario de la primera edición.


title: The Piper at the Gates of Dawn

text: Esta incluye tres discos, de los cuales dos son las versiones completas del álbum, monoaural y estereofónica respectivamente; y el tercer disco incluye sencillos como "Arnold Layne", "See Emily Play" y "Apples and Oranges", más las canciones "Candy and a Currant Bun" y "Paintbox" (lados B), además contiene versiones que se descubrieron en los archivos de EMI, de algunas de las sesiones del álbum; "Matilda Mother", "Apples and Oranges", y dos versiones inéditas de "Interstellar Overdrive", descubiertas en algunos EP en Francia, y en los archivos EMI las cuales son parcialmente distintas a las conocidas, especialmente en sus letras. El diseño gráfico de la edición estuvo a cargo de Storm Thorgerson y se basa en la sobreexposición de fotos de los integrantes de la banda.


title: The Piper at the Gates of Dawn

text: The Piper at The Gates of Dawn es uno de los discos más influyentes en la historia. Su avanzado sonido, experimentación y combinación de distintos géneros como rock, pop barroco y folk ha inspirado a distintos artistas como David Bowie, Gong, Phish, entre otros. La exploración sónica del disco es absoluta: cuenta con cambios de métrica (pasando del regular 4/4 a métricas como 11/8). También podemos encontrar progresiones de acordes inusuales (Astronomy Domine) y escalas poco comunes en la música popular (Matilda Mother). Y un par de improvisaciones en Interstellar Overdrive y Pow R. Toc H..


title: The Piper at the Gates of Dawn

text: El álbum fue inicialmente recibido con algunas críticas frías, pero al paso del tiempo se ha ganado un lugar en el olimpo de la música. George Starostin afirmó que este álbum es "La Biblia Astral de la Psicodelia. Muy jodido, muy prendido. Escuchalo bajo tu propio riesgo". En NME, sobre la versión de 40 años de aniversario, escribieron que "[...] Incluye dos singles de Barrett, censurados, no incluidos en el álbum original: "Arnold Layne" y "See Emily Play", que son tan buenas como cualquier cosa que los Beatles hayan grabado, mientras ... Layne causó furor cuando fue censurada de la radio, ya que sus letras hablaban de un travesti que robaba ropa interior femenina de los tendederos." Sobre esto, Pitchfork comentó que "Mientras The Beatles ejercían control absoluto en las herramientas del estudio, Pink Floyd usaba el estudio para perder el control". Los mismos también dijeron "Mientras la mayoría de los discos del Verano del Amor eran positivos y unían, Piper era fracturado y terrorífico". El sitio le otorgó un 9.4 de 10.


title: The Piper at the Gates of Dawn

text: Para el aniversario número 40 del álbum, en el 2007, se relanzó el álbum en LP, el 4 de septiembre y en CD el 11 de septiembre. Esta edición especial tenía 3 discos, uno en estéreo, otro en mono y un último disco dedicado a:


title: Pasaporte estadounidense

text: El pasaporte estadounidense (en inglés: "American passport") se emite a ciudadanos estadounidenses para viajar fuera de Estados Unidos. Son emitidos exclusivamente por el Departamento de Estado. Existen dos formatos de pasaporte: libreta ("booklet") y tarjeta ("passport card").


title: Pasaporte estadounidense

text: La libreta es válida para viajar a cualquier parte del mundo, aunque para viajar a ciertos países se requiere visa. La libreta cumple con los estándares recomendados (tamaño, composición, diseño, tecnología) de la Organización de Aviación Civil Internacional (OACI). Hay cuatro tipos de pasaporte del formato libreta, aunque el Departamento de Estado emite únicamente el pasaporte biométrico como estándar desde agosto de 2007, aunque los pasaportes que no son biométricos en vigor son válidos hasta su fecha de caducidad.


title: Pasaporte estadounidense

text: El Departamento de Estado emite las tarjetas desde julio de 2008. Son válidas para viajar a México, Canadá, la mayoría de los países caribeños y Bermuda.Aunque las tarjetas están en conformidad con las normas recomendadas por la OACI para los documentos de viaje de tamaño de tarjeta de crédito, no pueden ser utilizadas para viajar por aire a otro país porque no cumplen con las normas recomendadas por la OACI para el pasaporte tradicional.


title: Pasaporte estadounidense

text: El pasaporte estadounidense prueba la nacionalidad del portador y, consecuentemente, su derecho de ayuda del personal consular estadounidense en el extranjero y su derecho a retornar a los Estados Unidos, si es necesario. En el caso de que un ciudadano no tenga pasaporte (por ejemplo, se lo robaron), y pueda probar su nacionalidad estadounidense por otros medios (por ejemplo, proporcionando información sobre sí mismo), tendrá derecho de ayuda consular como ciudadano o para entrar a los Estados Unidos como un ciudadano, a pesar de la falta de un pasaporte.


title: Pasaporte estadounidense

text: La página de datos es una página que contiene información sobre el titular del pasaporte. Es la única página de un pasaporte estadounidense laminada en plástico para evitar su manipulación. La página de datos tiene una zona visual y una zona legible por máquina. La zona visual contiene una fotografía digitalizada del titular del pasaporte, datos sobre el pasaporte y datos sobre el titular del pasaporte:


title: Pasaporte estadounidense

text: La página de la firma tiene una línea para la firma del titular del pasaporte. Un pasaporte no es válido hasta que lo firma el titular con tinta negra o azul. Si el titular no puede firmar su pasaporte, éste debe ser firmado por una persona que tenga autoridad legal para firmar en nombre del titular.


title: Pasaporte estadounidense

text: En junio de 2021, el Departamento de Estado anunció que iniciaría un proceso para permitir un tercer género en los pasaportes, así como permitir a los solicitantes auto-seleccionar hombre o mujer en sus solicitudes de pasaporte en lugar de presentar certificados médicos para un cambio de género.


title: Pasaporte estadounidense

text: Los pasaportes de muchos países contienen un mensaje, nominalmente del funcionario encargado de la expedición del pasaporte (por ejemplo, el secretario de Estado o el ministro de Asuntos Exteriores), dirigido a las autoridades de otros países. El mensaje identifica al portador como ciudadano del país emisor, solicita que se le permita entrar y pasar por el otro país, y pide además que, cuando sea necesario, se le preste ayuda conforme a las normas internacionales. En los pasaportes estadounidenses, el mensaje está en inglés, francés y español. El mensaje dice:


title: Pasaporte estadounidense

text: En una conferencia de la Sociedad de Naciones celebrada en 1920 sobre los pasaportes y los viajes en tren, se recomendó que los pasaportes estuvieran escritos en francés (históricamente, la lengua de la diplomacia) y en otra lengua.


title: Pasaporte estadounidense

text: El inglés, la lengua nacional de facto de Estados Unidos, siempre se ha utilizado en los pasaportes estadounidenses. En algún momento después de 1920, se utilizaron el inglés y el francés en los pasaportes. El español se añadió durante la segunda administración Clinton.


title: Pasaporte estadounidense

text: Los nombres de los campos en la página de datos, el mensaje del pasaporte, la advertencia en la segunda página de que el portador es responsable de obtener visados y las designaciones de las páginas de enmiendas y endosos, están impresos en inglés, francés y español.


title: Pasaporte estadounidense

text: Los requisitos de visa para los ciudadanos de los Estados Unidos son restricciones administrativas de entrada impuestas por las autoridades de otros estados a los ciudadanos de los Estados Unidos. A partir del 11 de enero de 2020, los titulares de un pasaporte de los Estados Unidos pueden visitar 184 países y territorios sin una visa o con una visa a su llegada, lo que lo ubica en el séptimo lugar en términos de libertad de viaje (empatado con Bélgica, Grecia, Noruega y el Reino Unido). ) de acuerdo con Henley Passport Index. Adicionalmente, Arton Capital's Passport Index clasificó al pasaporte de los Estados Unidos en tercer lugar en el mundo en términos de libertad de viaje, con una puntuación sin visa de 165 (empatado con los pasaportes daneses, holandeses, franceses, finlandeses, italianos, luxemburgueses, noruegos, singapurenses, surcoreanos, españoles y suecos) , al 17 de enero de 2019. El gobierno de los Estados Unidos ha prohibido a todos los ciudadanos estadounidenses viajar a Corea del Norte sin un permiso especial, lo que invalida todos los pasaportes estadounidenses para viajar al país.


title: Cuello de botella (biología)

text: En biología se dice que una población o especie ha sufrido una situación de cuello de botella cuando ha experimentado un drástico descenso en el número de miembros en algún momento del pasado, llegando en algunos casos a estar al borde de la extinción. Como consecuencia, los ejemplares de las generaciones posteriores al cuello de botella presentan una escasa variabilidad genética y la antigua proporción de alelos en el conjunto de la población ha cambiado considerablemente.


title: Cuello de botella (biología)

text: Suponiendo una acción genética neutra y aditiva, se espera que los cuellos de botella disminuyan la variación genética, y reduzcan consecuentemente el potencial evolutivo de las poblaciones. Sin embargo, los cuellos de botella se consideran mecanismos conductores de la especiación y evolución adaptativa; puesto que dichos eventos de reducción del tamaño de la población, con frecuencia producen cambios estocásticos en la composición genética de la población, conocidos como deriva génica.


title: Cuello de botella (biología)

text: Los cuellos de botella aceleran la deriva genética y la evolución de las especies que los experimentan de forma considerable, pues se produce una selección intensiva de determinados caracteres que pasan a ser mayoritarios en los individuos supervivientes, mientras que otros menos favorables se reducen o desaparecen por completo (a menos que el cuello de botella haya sido causado de forma no natural, por ejemplo, mediante la caza o tala masiva de árboles practicada por la especie humana).


title: Cuello de botella (biología)

text: Posterior a los cuellos de botella, si un número limitado de organismos sobrevivientes encuentra a una población en un nuevo ambiente (colonización o infección de microorganismos en un huésped), estos organismos determinarán la composición genética y las subsecuentes generaciones, creando un “efecto fundador”, que resulta en la deriva génica.


title: Cuello de botella (biología)

text: Los cuellos de botella, pueden ocurrir frecuentemente durante el ciclo de vida de los virus de ARN. En las infecciones, los cuellos de botella crean diversidad genética en las epidemias; y se ha demostrado que ejercen influencia sobre el efecto de la recombinación y la transferencia horizontal de genes, así como en la resistencia a drogas. Los cuellos de botella pueden además reducir la virulencia de patógenos y su adaptación a nuevos huéspedes, puesto que incrementan la tasa con la cual las mutaciones atenuadas se fijan en una población.


title: Cuello de botella (biología)

text: Un ejemplo típico de cuello de botella natural es el que sufrió el guepardo ("Acinonyx jubatus") durante las glaciaciones del Pleistoceno. En épocas precedentes, los guepardos estaban mucho más diversificados y eran más abundantes, tanto que su área de distribución abarcaba toda África, gran parte de Eurasia e incluso América del Norte. De entre las distintas especies de guepardos que existieron en el Plio-Pleistoceno, la que dio lugar al guepardo actual fue "Acinonyx pardinensis", un animal de gran tamaño, más robusto, pero menos veloz que el actual, disperso por África, sur de Europa y Oriente Medio. Con la llegada de los hielos, gran parte del hemisferio norte se congeló o pasó a un clima frío (taiga, tundra, estepa), mientras que en las regiones tropicales, la falta de agua retenida en los glaciares polares provocó un clima más seco. Como consecuencia, la mayor parte de los guepardos se extinguieron y solo quedaron unos pocos miles de "A. pardinensis" (o quizá, solo unos cientos) en Oriente Próximo y parte de África, mucho más delgados y estilizados (consumiendo así menos recursos) y veloces (pudiendo de este modo cazar animales pequeños y rápidos, más abundantes en condiciones de escasez) que la forma característica de la especie original. Habían perdido rápidamente muchos caracteres hasta entonces normales, que fueron sustituidos por otros "raros" (delgadez, tamaño pequeño, mayor velocidad) que hasta entonces eran eliminados o simplemente pasados por alto por la selección natural, y que ahora eran precisamente los más adecuados para sobrevivir. En la actualidad, la nueva especie resultante, "Acinonyx jubatus", es uno de los mamíferos con menor diversidad génica, hasta el punto de que los individuos de esta especie son fácilmente contagiables de enfermedades por otros y que apenas sufren rechazo de órganos cuando se les trasplantan. Por si fuera poco, el guepardo ha sido cazado y expulsado de diversas zonas debido al avance de la agricultura, disminuyendo aún más su población.


title: Cuello de botella (biología)

text: Esto último es un fenómeno que afecta o ha afectado a multitud de especies y poblaciones en tiempos recientes, que han sufrido un cuello de botella "artificial". Dado que en el caso de la persecución humana no se tiende a matar a los individuos con ciertas características sino que se persigue a todos por igual, los descensos de población son aún más rápidos que en los cuellos de botella naturales y no llevan parejos una selección marcada de los caracteres de los mismos. Ejemplos de animales que han pasado por cuellos de botella debido a la persecución humana los tenemos en el elefante marino del norte (150 000 ejemplares descendientes de solo 20 cuando se prohibió su caza en 1884), el bisonte europeo (3600 descendientes de 12), el bisonte americano (370 000 de 750), el hámster sirio y las tortugas gigantes de las Islas Galápagos. La diversidad genética en estos animales es reducidísima, hasta el punto de que en el bisonte europeo, por ejemplo, sólo existen actualmente dos tipos de cromosoma sexual masculino Y.


title: Cuello de botella (biología)

text: Las catástrofes naturales y cósmicas también pueden causar extinciones y cuellos de botella, a las que no escapa ni siquiera la especie humana. De acuerdo con la moderna teoría de la catástrofe de Toba, la macroerupción del supervolcán Toba, en Indonesia, hoy reducido a un lago de cráter y que se calcula que tuvo una potencia superior en 3000 veces a la del monte Santa Helena, hizo disminuir la población humana mundial hasta unos pocos miles de individuos hace 75 000 años. En la misma época, muchas otras especies sufrieron también un descenso variable en su población.


title: Cuello de botella (biología)

text: Y es que los humanos no son inmunes a los cuellos de botella, y el del Toba no ha sido el único que "Homo sapiens" sufrió a lo largo de su historia. Durante la Edad Media, la peste negra redujo un tercio la población europea de la época. La colonización europea en América del Sur y del Norte redujo las poblaciones nativas del continente americano en un 90% de su estado anterior. Otro tanto le pasó a la de Islandia durante una gran erupción del Laki en 1783 (unida a pestes y hambrunas), que acabó con el 20 % de la población y aumentó la frecuencia de enfermedades genéticas entre los habitantes.


title: Nothing Else Matters

text: «Nothing Else Matters» (traducido al español: «Nada más importa») es una "power ballad" grabada e interpretada por la banda estadounidense de "thrash metal" Metallica. Se publicó el 20 de abril de 1992 como el tercer sencillo del quinto álbum de estudio autotitulado "Metallica".


title: Nothing Else Matters

text: La canción llegó al número once en la lista de éxitos de "Billboard" Mainstream Rock Tracks así como en el "top-ten" de numerosas listas de éxitos europeas. «Nothing Else Matters» se incluyó como una canción para el videojuego "". La canción ha sido versionada más de cuarenta veces. Se ubica en el séptimo puesto de ""las 1000 mejores canciones de siempre"" de la revista "Q Music". Es reconocida como una de las canciones más conocidas y famosas del grupo Metallica, así como una de las imprescindibles en sus conciertos.


title: Nothing Else Matters

text: El cantante y guitarrista James Hetfield escribió esta canción inspirado en las últimas palabras de su abuelo. En alusión a este hecho fue interpretada por la formación al poco de su edición como sencillo en el famoso concierto homenaje tras el fallecimiento del músico Freddie Mercury.


title: Nothing Else Matters

text: Su introducción es un arpegio en "mi" menor. Hetfield confirmó en "Classic Albums: Metallica - Metallica DVD", que comenzó a componer la canción mientras estaba hablando por teléfono con su novia y solamente tenía una mano libre. Es una de las pocas canciones de Metallica en las que el "solo" de guitarra es interpretado por James Hetfield y no por Kirk Hammett.


title: Nothing Else Matters

text: El vídeo musical, dirigido por Adam Dubin, se estrenó en MTV el 26 de febrero de 1992 y fue editado por Sean Fullan. Consta de un montaje de imágenes de sesiones de grabación tomadas del DVD "A Year and a Half in the Life of Metallica" (en español, "un año y medio en la vida de Metallica"). En una de las partes del vídeo aparece Hetfield tocando una guitarra eléctrica de doble mástil, o sea en un mástil de doce cuerdas y en el otro seis cuerdas.


title: Nothing Else Matters

text: «Nothing Else Matters» es una canción asidua en los conciertos de Metallica. En las versiones en vivo, la estructura es diferente: Suele ser una de las últimas canciones interpretadas, con un solo de Kirk Hammett como introducción. Cuando comienza el primer verso, James Hetfield queda solo con la guitarra tocando y el resto de los miembros del grupo no aparece hasta después del estribillo. Además, se omite el final de la canción, haciendo que esta termine con un solo de Hetfield y en ocasiones, dando seguimiento a la canción «Enter Sandman», del mismo álbum, "Metallica".


title: Nothing Else Matters

text: Sin embargo, en las grabaciones del festival "Rock am Ring 2012" se puede escuchar la versión completa tal y como fue grabada en el "The Black Album". Otra versión en directo donde esto se puede escuchar se puede encontrar en el CD/DVD, "". Otras grabaciones en vivo se pueden encontrar en "" en S&M, Cunnings Stunts así como el DVD/Blu-ray "".


title: Nothing Else Matters

text: Fue versionada en múltiples ocasiones por artistas de géneros variados tales como: Dave Gahan, Shakira, 3 Doors Down, Angels of Venice, Apocalyptica, Apoptygma Berzerk, Staind, Godsmack pasando por artistas como Macy Gray, Miley Cyrus, Lissie, Lucie Silvas, entre otros.


title: Alanna Masterson

text: Alanna Masterson (Long Island, 27 de junio de 1988) es una actriz estadounidense, conocida por interpretar a "Abby" en la serie "First Day" y por su papel de Tara Chambler en la serie "The Walking Dead".


title: Alanna Masterson

text: Masterson nació en Long Island, Nueva York. Su padre es australiano de ascendencia libanesa. Tiene tres hermanos: Danny Masterson, Christopher Masterson y Jordan Masterson. Will Masterson no está biológicamente relacionado con Alanna, pero como toda la familia y nuevos matrimonios están cerca de ella es considerado como un hermano. En julio de 2015, anuncio a través de Instagram que estaba embarazada de su primer hijo junto a su pareja, el fotógrafo Brick Stowell. Su primera hija, Marlowe Stowell Masterson nació el 4 de noviembre de 2015.


title: Alanna Masterson

text: Comenzó en 2006, actuando en un episodio de "Malcolm in the Middle" (serie coprotagonizada por su hermano "Christopher Masterson"), interpretando a "Heidi". Más tarde, en 2010 obtuvo un papel en la serie "First Day" interpretando a "Abby" durante 7 episodios.


title: Alanna Masterson

text: En 2013, se unió al elenco recurrente en la de la exitosa serie "The Walking Dead" junto a Andrew Lincoln, Norman Reedus, Steven Yeun, Lauren Cohan, Chandler Riggs, Danai Gurira, Melissa McBride, Scott Wilson, David Morrissey, Emily Kinney, Chad L. Coleman, Sonequa Martin-Green y Lawrence Gilliard Jr, interpretando a Tara Chambler, una joven que intenta sobrevivir al apocalipsis en un apartamento con su familia. En abril de 2014, fue anunciado que Masterson sería promovida al elenco principal en la , junto a Michael Cudlitz, Josh McDermitt, Christian Serratos y Seth Gilliam. A partir del episodio Not Tomorrow Yet, Masterson dejó de aparecer en la serie, el motivo fue que la actriz pidió su licencia, debido a su avanzado estado de embarazo. En julio de 2016, fue revelado en el tráiler de la que ella regresaría al show. En marzo de 2019 Masterson hizo su aparición final en la del programa en el episodio "The Calm Before".


title: Alanna Masterson

text: En 2014, fue invitada en un episodio de la serie "Men at Work", protagonizada por su hermano Danny Masterson.


title: Alanna Masterson

text: En 2016, Alanna tuvo un rol recurrente en la cuarta temporada de "Mistresses", interpretando a Lydia.


title: La ciudad de las bestias

text: La ciudad de las bestias es una novela de aventura y fantasía de la escritora chilena Isabel Allende. Esta novela fue publicada en 2002 y se trata del primer libro de Allende para lectores adolescentes. Es la primera parte de la trilogía Las memorias del Águila y el Jaguar. Las otras partes son "El reino del dragón de oro" y "El bosque de los pigmeos".


title: La ciudad de las bestias

text: El protagonista Alexander Cold, un joven estadounidense de quince años, viaja junto a su abuela la escritora Kate Cold al Amazonas como parte de una expedición de la revista ficticia "International Geographic". El fin es documentar la existencia de una extraña criatura conocida como «la bestia», considerada un mito del lugar.


title: Alicia (nombre)

text: Alicia es un nombre propio femenino de origen griego en su variante en español. Proviene del griego antiguo Αλήθεια (alétheia), que significa "verdad". El nombre se popularizó con "Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas", de Lewis Carroll.


title: María Elena Marqués

text: María Elena Marqués Rangel (Ciudad de México, 14 de diciembre de 1926-Ciudad de México, 11 de noviembre del 2008) fue una actriz y cantante mexicana.


title: María Elena Marqués

text: Nació el 14 de diciembre de 1926 en la Ciudad de México. El director de cine Fernando de Fuentes, que era su vecino, fue quien la descubrió artísticamente y convenció a sus padres para que la dejasen hacer una prueba.


title: María Elena Marqués

text: Su primera película fue "Dos corazones y un tango" (1942) donde actuó junto al tanguero argentino Andrés Falgás. En 1943, pasó a trabajar en "Doña Bárbara" junto a María Félix.


title: María Elena Marqués

text: Actuó en más de cincuenta películas en una trayectoria artística de tres décadas (se retiró a fines de los años 70), trabajando junto a otras grandes figuras como Jorge Negrete, Cantinflas, Arturo de Córdova, Pedro Infante y Pedro Armendáriz. Actuó en Hollywood, en las películas "Across the Wide Missouri" y "Ambush at Tomahawk Gap", junto a Clark Gable y John Derek respectivamente.


title: María Elena Marqués

text: Como cantante, grabó canciones rancheras y huapangos, como «Cartas marcadas», «Échame a mí la culpa», «El aguacero», «Grítenme piedras del campo», «La cigarra», «La noche de mi mal», «La Panchita», «Tres consejos» y «Tú, solo tú», acompañada por el Mariachi Santana y el Trío Tamaulipeco.


title: María Elena Marqués

text: Incursionó en política, siendo diputada federal por el Partido Revolucionario Institucional en la década de los 70 y presidenta del área de Jubilaciones de la Asociación Nacional de Actores (ANDA). Este último cargo lo ocupaba al momento de fallecer.


title: María Elena Marqués

text: Se casó con el también actor Miguel Torruco, durante un breve matrimonio que culminó por el deceso de este en 1956. Tuvo dos hijos, Marisela y Miguel Torruco Marqués.


title: Esteban Moctezuma Barragán

text: Esteban Moctezuma Barragán (Ciudad de México, 21 de octubre de 1954) es un político, economista, periodista y diplomático mexicano, miembro del partido político Morena. Es el embajador de México en Estados Unidos desde el 16 de febrero de 2021.


title: Esteban Moctezuma Barragán

text: Desde sus inicios en la político en 1973 fue militante del Partido Revolucionario Institucional (PRI). Durante su militancia dentro de dicho partido llegó a ocupar diversos cargos como secretario de Gobernación y secretario de Desarrollo Social durante breves periodos de la administración de Ernesto Zedillo, senador y, por último, secretario general del partido hasta que en 2002, derivado a la pérdida a la presidencia en 2000, renunció a la política y se retiró del partido durante varios años.


title: Esteban Moctezuma Barragán

text: Tras aquellos eventos se unió a Grupo Salinas donde se destacó como presidente ejecutivo de la Fundación Azteca.


title: Esteban Moctezuma Barragán

text: En 2018 regresó a la política y renunció Fundación Azteca, militando ahora en Morena. Andrés Manuel López Obrador lo nombró secretario de Educación, cargo que ocupó desde 2018 hasta 2021. El 16 de diciembre de 2020 se anunció sería propuesto como embajador de México ante Estados Unidos. Fue ratificado por el pleno del Senado de la República el 16 de febrero de 2021.


title: Esteban Moctezuma Barragán

text: Es nieto del General Juan Barragán Rodríguez y hermano de los académicos y políticos Pedro, Pablo (Jefe Delegacional de Azcapotzalco), Javier, Gonzalo, Andrés, Gerardo y Felipe Moctezuma Barragán. Es economista egresado de la Universidad Nacional Autónoma de México, y obtuvo la maestría en política económica en la Universidad de Cambridge.


title: Esteban Moctezuma Barragán

text: Ocupó varios cargos en la administración pública mexicana, pero empezó a destacar cuando se hizo cargo de la Coordinación General de la campaña a la presidencia de Ernesto Zedillo, en 1994. Cuando éste tomó posesión de la Presidencia, lo designó secretario de Gobernación, cargo que ocupó menos de un año, pues renunció (oficialmente, por motivos de salud). Regresó a la política en 1997, cuando fue elegido senador, y en 1998 volvió al gabinete como secretario de Desarrollo Social. Con esto último, muchos lo vieron como probable precandidato del PRI a la Presidencia de la República, aunque en el último momento decidió no postularse, sino se unió a la campaña de Francisco Labastida Ochoa, de quien ya había sido secretario particular cuando este último desempeñó el cargo de secretario de Energía, Minas e Industria Paraestatal, en el periodo de Miguel de la Madrid, y se convirtió en el coordinador general de su campaña presidencial, por lo que en 1999 renunció a la Secretaría de Desarrollo Social.


title: Esteban Moctezuma Barragán

text: Terminadas las elecciones del 2000 con la derrota de Labastida y el PRI, Moctezuma se retiró de la política, y a partir del 2002 se unió a Grupo Salinas, donde fue nombrado presidente de la Fundación Azteca.


title: André Malraux

text: André Malraux (París, 3 de noviembre de 1901 - Créteil, 23 de noviembre de 1976) fue un novelista, aventurero y político francés. Se trata de un personaje representativo de la cultura francesa que giró en torno al segundo tercio del , y en su vida se confunden los elementos novelados del escritor con la expresión del hombre público, la propaganda del político y la realidad de los hechos históricos que vivió. Esta mezcolanza ha llevado a alguno de sus críticos, como el biógrafo Olivier Todd, a considerar a Malraux «el primer escritor de su generación que logró edificar de una manera eficaz su propio mito».


title: André Malraux

text: André padecía el síndrome de Tourette, una afección que provocaba las características muecas, guiños y tics que tanto le distinguieron en vida durante sus apariciones públicas y entrevistas.


title: André Malraux

text: Registrado al nacer con el nombre Georges-André Malraux, su padre, Fernand, era un agente de bolsa apasionado por los inventos y la mecánica, que acabó abandonando a su familia. Se casó otra vez y tuvo de ese matrimonio dos hijos: Roland y Claude Malraux, y posteriormente se suicidó. André pasó una infancia acomodada en Bondy, suburbio de clase media en las afueras de París, en compañía de su madre Berthe, su tía y su abuela, quienes regenteaban una pastelería. A pesar de no sufrir estrecheces económicas y de disponer de una educación privada y un reducido grupo de buenos amigos, el escritor resumió, en las primeras líneas de sus "Antimemorias", aquella etapa de su vida: "Casi todos los escritores que conozco recuerdan con cariño su infancia, yo odio la mía."


title: André Malraux

text: Abandona los estudios a los 18 años y se instala en París. Su formación es autodidacta. No cursa estudios universitarios, aunque frecuenta la Escuela de Lenguas Orientales, en la que nunca se matriculó. Consulta publicaciones de la Escuela Francesa de Extremo Oriente sobre hallazgos arqueológicos en las colonias francesas de Indochina. Subsiste mediante la compraventa de libros raros y antiguos y se familiariza con el mundo de la edición; realizará impresiones minoritarias de lujo para coleccionista y obras de pornografía fina. En lo personal, cultiva el dandismo y la apariencia elegante. Frecuenta los círculos artísticos de vanguardia (André Breton, Louis Aragon, Paul Éluard, Max Jacob, André Gide) y colabora en revistas culturales: su primer texto publicado se titulará "Sobre los orígenes de la poesía cubista". A los veinte años autoedita su primer libro "Lunes en papier" ("Lunas de papel"), narración extravagante y fantástica, ilustrada con grabados de Fernand Léger, que posee en su estilo influencias del surrealismo y el movimiento Dadá.


title: André Malraux

text: En 1921 contrae matrimonio con Clara Goldsmidt, hija de comerciantes alemanes emigrados de origen judío. Aconsejados por Fernand Malraux, la pareja invierte la dote de boda en acciones de una compañía minera mexicana. Tras la quiebra de ésta, André aprovechará sus conocimientos de arqueología oriental para organizar una expedición privada con el fin de robar piezas de arte jemer en Camboya. En 1923 se embarca con su esposa y su amigo de infancia Louis Chevasson hacia Saigón y desde allí se dirigen a Phnom Penh. En el templo abandonado de Banteay Srei, ubicado en el área de Angkor, arrancan varios relieves, pero son descubiertos y detenidos por las autoridades coloniales. Parte de estos hechos inspirarán su tercera novela, "La vía real".


title: André Malraux

text: André y Louis son procesados en Saigón y condenados a prisión en 1924, pero no llegaron a cumplir condena. Malraux aprovechó las sesiones del juicio para, irónicamente, llamar la atención sobre la falta de protección del patrimonio arqueológico francés, además de provocar la movilización de sus amigos intelectuales en la metrópoli. Conoce de primera mano el sistema judicial, la burocracia colonial y la segregación racial de los nativos en el territorio de ultramar. Su enemistad con la administración regional, así como con algunos periódicos locales, se acentuó al año siguiente, cuando funda junto al abogado Paul Monin el diario "L´Indochine", de marcado corte crítico con el sistema colonial. La existencia de esta publicación será breve, ahogada por la competencia, el boicoteo oficial y las deudas. Tras soportar la censura y un primer cierre, el periódico cambia su nombre por el de "L´Indochine Enchaînée" ("Indochina Encadenada"). Hasta su cierre definitivo en 1926, el codirector André Malraux entrenará la prosa con noticias y artículos de opinión especialmente cáusticos con las instituciones y denunciará los desmanes contra la población indígena. También cultivará el estilo y la narrativa a través de relatos insertos en el periódico, como "La expedición de Ispahán", donde la aventura, la metafísica y el surrealismo se dan la mano.


title: André Malraux

text: En estos años, Malraux se ha impregnado de la cuestión social sobre ciertas desigualdades, de la lucha por superarlas y del compromiso del escritor con la sociedad que le rodea. Conocerá, nunca de primera mano, los sucesos que convulsionan China, como la huelga general de Cantón, la rebelión de Shanghái, el ascenso del Kuomintang y la represión contra los comunistas. Estos serán los materiales con los que compondrá dos de sus novelas: "Los conquistadores" y "La condición humana".


title: André Malraux

text: En 1936, al comienzo de la guerra civil española, Malraux se pone a disposición del gobierno de la Segunda República.


title: André Malraux

text: Gracias a sus contactos con personalidades del Ministerio del Aire francés (entre los que se encontraba Jean Moulin, futuro líder de la Resistencia) consigue movilizar bombarderos, cazas y aparatos de escolta que serán pagados con fondos del gobierno español. Incluso después de la formación del Comité de No Intervención comprará en Francia nuevos aparatos a través de países terceros. El escritor contrata también las tripulaciones, formadas por voluntarios y profesionales, algunos procedentes del servicio de la Compagnie Générale Aéropostale francesa.


title: André Malraux

text: Una vez que hombres y equipo llegan a Madrid, el propio Malraux los organiza con el nombre de «Escuadrilla España». El grupo tuvo un máximo de ciento treinta miembros. En total realizará veintitrés misiones de ataque entre agosto de 1936 y febrero de 1937, fecha de su disolución.


title: André Malraux

text: Para darle carácter oficial, el ministerio del Aire español otorga a Malraux el grado de teniente coronel, a pesar de no haber realizado siquiera el servicio militar.


title: André Malraux

text: El ahora coronel-escritor administra su escuadrilla de forma casi independiente: en Albacete, recluta a su propia tropa, que no se subordina a las Brigadas Internacionales organizadas por André Marty, acérrimo defensor de la disciplina y la ortodoxia estalinista. El heterogéneo grupo de pilotos, ametralladores, mecánicos, comunistas, anarquistas, etcétera, de distintos países están unidos por su antifascismo. Por otro lado, en la jerarquía militar Malraux sólo responde ante el general Ignacio Hidalgo de Cisneros, jefe del Ministerio del Aire.


title: André Malraux

text: La libertad de acción acarrea, sin embargo, una grave carencia de suministros y repuestos para la escuadrilla. El número de aparatos va menguando por los combates y los accidentes. Se añaden a esto las maniobras de André Marty para que la Escuadrilla España quede bajo su mando. Contra ello, Malraux consigue que su unidad se integre en el ejército regular y dentro de la Fuerza Aérea republicana, una vez rescindidos los contratos de los profesionales; el grupo será rebautizado por sus miembros como Escuadrilla Malraux en honor de su jefe.


title: André Malraux

text: Con todo, las pérdidas son cada vez mayores. Mientras cubren la retirada de Málaga, los dos últimos bombarderos de la unidad son derribados y la escuadrilla se disuelve. A partir de entonces, Malraux dedica todos sus esfuerzos a labores de propaganda y recolección de fondos para la República en el extranjero.


title: André Malraux

text: Peculiar filme que anticipa de alguna manera el neorrealismo italiano; ya durante la década del veinte había intentado promover en Francia la cinematografía del expresionismo alemán, hecho que lo sitúa en una posición encontrada con la tendencia abstracta de un cubismo que va a constituir la dominante en el estilo racionalista del alto modernismo.