title: Pilar Rahola

text: En 1996 abandonó ERC para fundar, junto a Àngel Colom y Joan Laporta, el Partit per la Independència (PI), que no obtuvo representación parlamentaria. Tras el fracaso político del PI abandonó la política activa para volver al periodismo y la escritura.


title: Pilar Rahola

text: Desde 2013 fue miembro del Consejo Asesor para la Transición Nacional, órgano de la Generalidad encargado de preparar una consulta por la independencia de Cataluña, hasta que este fue suprimido el 27 de octubre de 2017 por el gobierno de España en aplicación del artículo 155 de la Constitución española. Como diputada del Congreso, fue acusada en 1994 de


title: Pilar Rahola

text: Rahola es licenciada en Filología Catalana por la Universidad de Barcelona. Es autora de diversos libros publicados en castellano y catalán, ha colaborado con diversos periódicos españoles, como "El País" y "La Vanguardia". También ha colaborado con el diario argentino "La Nación".


title: Pilar Rahola

text: Desde 1987 hasta 1990, fue directora de la editorial catalana Pòrtic, con diversas colecciones literarias a su mando. Publicó, entre otros, "Bella del señor" de Albert Cohen y "La hoguera de las vanidades" de Tom Wolfe. Además, hasta 2003 fue directora de la Fundación Acta, para la difusión del pensamiento y el debate.


title: Pilar Rahola

text: Como periodista, estuvo en diversos conflictos como la guerra entre Etiopía y Eritrea, la guerra de los Balcanes, la primera guerra del Golfo (desde Jerusalén), la caída del muro de Berlín, el asalto al Parlamento Ruso y el proceso de independencia de los países bálticos. Ha sido colaboradora en varios programas de televisión como "Els Matins" de TV3 y "8 al día" de 8tv, en ambos con Josep Cuní o "Crónicas Marcianas", "La noria" y Sábado Deluxe de Telecinco. En la radio presentó "Vis à vis", programa de entrevistas —exclusivamente a hombres— que se emitió en Ona Catalana de 2000 a 2003 y que en 2006 se adaptó a la televisión para emitirse por BTV. Desde 2007 colabora en el programa de radio "Julia en la Onda" en Onda Cero, con Julia Otero, en el que da su opinión sobre diversos temas, entre los que se cuentan el nacionalismo catalán, los derechos de la mujer y el conflicto árabe-israelí. Respecto a este último tema, su posicionamiento a favor de Israel y sus críticas hacia determinados aspectos del islam la ha llevado a recibir críticas en varios medios, algunos de ellos de tendencia islámica.


title: Pilar Rahola

text: Ha dado conferencias en Universidades de Argentina, Colombia, Brasil, México, Costa Rica, Israel, Perú y Chile. También las ha dado en diversas ciudades norteamericanas, entre ellas Miami, San Diego, Palm Beach, así como en Puerto Rico, en el Palacio Legislativo de Uruguay y en Panamá.


title: Pilar Rahola

text: Diversos familiares se han dedicado a la política. Uno de ellos, Pedro Rahola, fue dirigente de la Lliga Catalana, diputado, senador, ministro sucesivamente de Marina y sin cartera en los últimos gobiernos del bienio radical-cedista durante la Segunda República y amigo de Francisco Cambó. Otro, Frederic Rahola, fue el primer Síndico de Agravios de Cataluña tras la restauración de la Generalidad. También es familiar de Carles Rahola, intelectual catalán condenado a muerte y ejecutado por el franquismo en 1939. Está casada y tiene tres hijos, dos de ellos adoptados en Barcelona y Siberia respectivamente.


title: Pilar Rahola

text: Ha participado en el Foro de Porto Alegre y ha sido ponente del Coloquio Idea de Mar de Plata, que agrupa el mundo empresarial argentino. Es miembro de honor de la Universidad de Tel Aviv, desde 2006, y ha ganado el premio Menorá de oro, junto con Simone Veil, otorgado por la B´nai Brith de Francia.


title: Pilar Rahola

text: También ha recibido el "Premio Universidad de Tel Aviv", en reconocimiento a su trayectoria personal y periodística, otorgado en 2007 en Buenos Aires. También en 2007, la Universidad Hebrea de Jerusalén le ha otorgado el "Premio Scopus 2007", por su labor en pro de los derechos humanos.


title: Pilar Rahola

text: En noviembre de 2007 recibió el premio APEI a la mejor articulista de prensa, concedido por la "Asociación Profesional Española de Informadores de Prensa, Radio y Televisión". En 2008, ha participado en el congreso Anual de AIPAC (American Israel Public Affairs Commitee), como invitada de honor, para dar una conferencia sobre la izquierda y el antisemitismo en Europa.


title: Pilar Rahola

text: En 2009 recibió el Premio Senador Ángel Pulido, otorgado por la Federación de Entidades Judías de España, así como el Mass Media Award, concedido por el American Jewish Committee. En 2010 recibió el Premio Daniel Pearl, el Premio Atlàntida y el Premio CMN a la Excelencia Empresarial y Profesional de Mujeres de Negocios. El 2011 recibió en Ginebra el premio Morris Abram Human Rights Award por parte de la organización UN Watch, por su defensa de la mujer en el islam y su lucha global por los derechos humanos. En el 2011, el Gremio del Cava Catalán le otorga la distinción de "Cofrare de Mèrit del Cava". También en 2011, premio el "Bones Pràctiques de Comunicació no Sexista", otorgado por l´Associació de Dones Periodistes de Catalunya, por practicar "un periodismo riguroso y de calidad, haciendo visibles a las mujeres y sus actuaciones". En 2012 recibe junto a José María Aznar, Jordi Pujol y Felipe González, entre otros, el premio Samuel Hadas que otorga la Embajada de Israel, en reconocimiento a su esfuerzo en favor del respeto y la tolerancia al pueblo judío.


title: Pilar Rahola

text: En 2012 recibe la "Medalla al Mèrit Sardanista" por su reivindicación de la sardana en sus intervenciones públicas”.


title: Pilar Rahola

text: En 2013, en homenaje a su lucha contra el antisemitismo, el Fondo Nacional Judío plantó un bosque de 2500 árboles a su nombre en Yatir, en el Négev.


title: Pilar Rahola

text: En 2014, el Cuerpo de Polícia de Cataluña, los Mozos de Escuadra, la premian con el distintivo "Mossa d´Honor". También es distinguida con la distinción del Forum Carlemany, una agrupación de empresarios catalanes.


title: Pilar Rahola

text: En 2017 gana el premio Ramon Llull de les Lletres Catalanes, que otorga la editorial Planeta, el premio más importante de la literatura catalana, por su novela "Rosa de Cendra".


title: Pilar Rahola

text: En 1996 se hace público un altercado de Pilar Rahola con un guardia urbano responsable del depósito municipal donde estaba su automóvil y se le exigía el pago de la correspondiente sanción para su retirada. Tras varios minutos de discusión con el agente, la entonces candidata de Izquierda Republicana de Cataluña ordenó a su chófer que sacase el vehículo que además acabó bloqueando la puerta de salida. El incidente fue grabado por la cámara de seguridad del depósito y el asunto fue objeto de múltiples notas de prensa y crítica a un tradicional «¿no sabe quién soy?» como argumento. La candidata republicana lamentó el incidente y pidió disculpas.


title: Pilar Rahola

text: En 2014 saltó la noticia de que la versión en español de su currículum en su página web personal había estado errado durante varios años, acreditándose en él dos doctorados inexistentes.


title: Pilar Rahola

text: En septiembre de 2011, Pilar Rahola intervenía en una tertulia en el programa de Tele 5 "La noria". Los invitados discutían sobre los recortes de educación realizados en diversas comunidades autónomas, cuando Celia Villalobos, intentando defender la política del PP en la comunidad de Madrid, declaró que ella era la única que había llevado a sus hijos a la escuela pública. Pilar Rahola la contradijo, alegando que ella también llevaba a su hija a la escuela pública, pero Villaobos le recordó que: «Tú no. Tú te has ido a Suiza a llevarlos a un colegio privado». Rahola visiblemente molesta, respondió que; «No tienes derecho a hablar de mis hijos. Has sido muy cerda, eres muy cerda y muy ruin. ¿Qué te crees que es esto? ¿el corazón? Eres una impresentable. ¿Qué coño sabes tú de mi vida? Mis hijos han ido a la educación pública y he hecho el esfuerzo personal para mandar un año fuera a mi hija para que aprenda a hablar inglés. Lo pago yo. No tú». Otra de los invitadas, María Antonia Iglesias, le reprochó a Villalobos que utilizase una información que conocía porque la propia Rahola se lo había confiado en privado justo antes de que empezase el programa. «Has hecho una cosa indecente. Utilizar para una dialéctica pública una conversación privada que hace cinco minutos mantenías con Pilar Rahola. Eso es sucio, obsceno y te descalifica como persona».


title: Pilar Rahola

text: Pilar Rahola escribió un artículo de opinión para "La Vanguardia" en el que realizó unas polémicas declaraciones sobre el caso de torturas a Lucian Padurau, un caso significativo que ha denunciado Amnistía Internacional. En él, afirmaba que «en pocas horas se aclaró el error y el joven retornó a casa (...) delitos que no significaron ni el ingreso en hospital de la víctima (...) hoja de servicios impecable».


title: Pilar Rahola

text: El 20 de diciembre de 2017, la firma Tous expulsa a Pilar Rahola y a la esposa de Artur Mas -Helena Rakosnik- de su 'Fundación Rosa Oriol' para zanjar la posible reacción de los consumidores ante la Navidad, al ser acusada la familia joyera de comulgar con el independentismo por sus vínculos personales.


title: Sean Faris

text: Sean Hardy Faris (Houston, Texas, 25 de marzo de 1982), es un actor y modelo estadounidense. Es conocido por sus papeles como Jake Tyler en "Never Back Down" y Kyo Kusanagi en "The King of Fighters".


title: Sean Faris

text: Nació en Houston (Texas), hijo de Stephen Faris Warren Miller y Katherine Ann Irene. Tiene en parte ascendencia española. Estudió en la Escuela Secundaria Padua Franciscana de Parma (Ohio), donde fue un atleta de alto nivel que jugaba al fútbol, al baloncesto y al béisbol. También fue buzo en el equipo de natación.


title: Sean Faris

text: Su padre y la mayoría de su familia viven en Houston, mientras que su madre aún reside en Cleveland. Sean Faris se graduó con honores en el 2000 y se mudó a Los Ángeles, California, donde empezó en la actuación unas semanas más tarde.


title: Sean Faris

text: El 5 de septiembre de 2017, Faris y la actriz Cherie Daly anunciaron que se habían casado durante las festividades de Burning Man de ese año.


title: Sean Faris

text: Comenzó su carrera de modelo y actuando en Cleveland y asistió a la Modelo Internacional de Talento y la Asociación. Fue nombrado Modelo Junior Masculino del Año en el Modelo Internacional de Talento y la Asociación en 1999, pero finalmente decidió centrarse en la actuación. Tres semanas después de graduarse del instituto, se trasladó a California.


title: Sean Faris

text: Ha protagonizado diferentes proyectos, entre ellos dos de televisión, "Diario adolescente", y "Reunión", cancelados antes del final de la primera temporada. También actuó como William Beardsley en "Míos, tuyos y nuestros".


title: Sean Faris

text: También ha tenido un rol protagónico en "Sleepover" de Alexa Vega en 2004. En 2007, Faris volvió al trabajo en tres películas: "Forever Strong", "Rompiendo las reglas", "Brooklyn a Manhattan". "Rompiendo las reglas" se estrenó el 14 de marzo de 2008, el mismo año que las otras dos películas.


title: Sean Faris

text: En 2008, se desnudaron para la revista británica Cosmopolitan por una causa benéfica, en beneficio de su elección de conciencia del cáncer de páncreas. El mismo año, produjo y protagonizó un cortometraje llamado "Destino Manifiesto". También aparece interpretando a Jack Rourke en el videojuego de carreras Need For Speed The Run de Electronic Arts.


title: Corazones al límite

text: Corazones al límite es una telenovela juvenil mexicana producida por Roberto Hernández Vázquez para Televisa, que se transmitió en el año 2004.


title: Corazones al límite

text: Protagonizada por Erika Buenfil, Arturo Peniche, Sara Maldonado y Aarón Díaz, con las participaciones antagónicas de Sherlyn, Arleth Terán, Jorge de Silva, Marco Muñoz y Susy-Lu Peña; además contó con la participación estelar de la primera actriz Beatriz Aguirre.


title: Corazones al límite

text: Diana y Braulio se aman. Dos adolescentes que exploran la vida y el amor con la tímida intensidad de sus 17 años. Braulio, guapo, inteligente y atlético, capitanea el equipo de canotaje de la preparatoria "Nova Atenas", una escuela innovadora que promueve los valores y el esfuerzo en los jóvenes. Diana es la pareja ideal de Braulio, igualmente positiva, estudiosa y emprendedora. Ambos son líderes natos y, junto con sus compañeros de clase, viven la aventura de cada nuevo día con entusiasmo, curiosidad y optimismo.


title: Corazones al límite

text: Día con día nos adentraremos en la fascinante historia de este grupo de jóvenes, cada uno de ellos con sus problemas y alegrías; los peligros que acechan a la juventud: alcoholismo, drogadicción, malas decisiones; sus increíbles y divertidas aventuras dentro y fuera de la escuela; la explosión de adrenalina de los deportes extremos, el enérgico ritmo de su música; los conflictos, la ternura y el drama de su vida en familia.


title: Corazones al límite

text: Como la vida de Braulio, que perdió a sus padres a los 12 años y vive con sus tíos y su primo Esteban, un hombre ambicioso que lo odia y, a base de mentiras y trampas, intentará apoderarse de su herencia y suplantarlo en el corazón de Diana, pero solo para quedarse con la empresa millonaria de su padre.


title: Corazones al límite

text: Doménico, el padre de Diana, es un hombre frío y rígido que la rechaza por ser mujer y exige que le demuestre que es capaz de lograr la excelencia académica sin su dinero ni su apoyo. Diana, valiente y decidida, acepta el reto; se va a vivir con la hermana de su madre, su tía Pilar, y trabaja para mantenerse y pagar sus estudios.


title: Corazones al límite

text: Pilar es una mujer independiente y generosa que la quiere como a una hija y la apoya incondicionalmente, pues quiere evitar que Diana sufra el mismo destino que ella, haber perdido al único amor de su vida, Álvaro, por culpa de los prejuicios sociales de su padre.


title: Corazones al límite

text: Álvaro es ahora el dueño y director de la preparatoria. La vida le ofrecerá una nueva oportunidad de ser feliz al reencontrarse con Pilar, pero su amor se verá amenazado por su socia Emma, quien desea casarse con él y se enfurece al verlos juntos, recurriendo a las peores intrigas para separarlos.


title: Corazones al límite

text: También el amor de Diana y Braulio se encuentra en peligro por los celos de María de la Concepción "Cony", una chica arrogante y envidiosa que sueña con ser novia de Braulio y se alía con Emma para lograr su capricho. Pero en medio de una tormenta de mentiras y chantaje, Braulio y Diana contarán con el apoyo y el cariño de sus amigos, chicos sanos, vibrantes y llenos de esperanza, unidos por los firmes lazos de una amistad que ya es para siempre.


title: Historia del desnudo artístico

text: La evolución histórica del desnudo artístico transcurre en paralelo a la historia del arte en general, salvo pequeñas particularidades derivadas de la distinta aceptación de la desnudez por parte de las diversas sociedades y culturas que se han sucedido en el mundo a lo largo del tiempo. El desnudo es un género artístico que consiste en la representación en diversos medios artísticos (pintura, escultura o, más recientemente, cine y fotografía) del cuerpo humano desnudo. Es considerado una de las clasificaciones académicas de las obras de arte. La desnudez en el arte ha reflejado por lo general los estándares sociales para la estética y la moralidad de la época en que se realizó la obra. Muchas culturas toleran la desnudez en el arte en mayor medida que la desnudez en la vida real, con diferentes parámetros sobre qué es aceptable: por ejemplo, aun en un museo en el cual se muestran obras con desnudos, en general no se acepta la desnudez del visitante. Como género, el desnudo resulta un tema complejo de abordar por sus múltiples variantes, tanto formales como estéticas e iconográficas, y hay historiadores del arte que lo consideran el tema más importante de la historia del arte occidental.


title: Historia del desnudo artístico

text: Aunque se suele asociar al erotismo, el desnudo puede tener diversas interpretaciones y significados, desde la mitología hasta la religión, pasando por el estudio anatómico, o bien como representación de la belleza e ideal estético de perfección, como en la Antigua Grecia. Su representación ha variado conforme a los valores sociales y culturales de cada época y cada pueblo, y así como para los griegos el cuerpo era un motivo de orgullo, para los judíos —y, por ende, para el cristianismo— era motivo de vergüenza, era la condición de los esclavos y los miserables.


title: Historia del desnudo artístico

text: El estudio y representación artística del cuerpo humano ha sido una constante en toda la historia del arte, desde la prehistoria (Venus de Willendorf) hasta nuestros días. Una de las culturas donde más proliferó la representación artística del desnudo fue la Antigua Grecia, donde era concebido como un ideal de perfección y belleza absoluta, concepto que ha perdurado en el arte clasicista llegando hasta nuestros días, y condicionando en buena medida la percepción de la sociedad occidental hacia el desnudo y el arte en general. En la Edad Media su representación se circunscribió a temas religiosos, siempre basados en pasajes bíblicos que así lo justificasen. En el Renacimiento, la nueva cultura humanista, de signo más antropocéntrico, propició el retorno del desnudo al arte, generalmente basado en temas mitológicos o históricos, perdurando igualmente los religiosos. Fue en el siglo XIX, especialmente con el impresionismo, cuando el desnudo empezó a perder su carácter iconográfico y a ser representado simplemente por sus cualidades estéticas, el desnudo como imagen sensual y plenamente autorreferencial. En tiempos más recientes, los estudios en torno al desnudo como género artístico se han centrado en los análisis semióticos, especialmente en la relación entre obra y espectador, así como en el estudio de las relaciones de género. El feminismo ha criticado el desnudo como utilización objetual del cuerpo femenino y signo del dominio patriarcal de la sociedad occidental. Artistas como Lucian Freud y Jenny Saville han elaborado un tipo de desnudo no idealizado para eliminar el concepto tradicional de desnudo y buscar su esencia más allá de los conceptos de belleza y género.


title: Historia del desnudo artístico

text: El arte prehistórico es el desarrollado desde la Edad de Piedra (paleolítico superior, mesolítico y neolítico) hasta la Edad de los Metales, periodos donde surgieron las primeras manifestaciones que se pueden considerar como artísticas por parte del ser humano. En el paleolítico (25000  a. C.-8000  a. C.), el hombre se dedicaba a la caza y vivía en cuevas, elaborando la llamada pintura rupestre. Tras un periodo de transición (mesolítico, 8000 a. C.-6000 a. C.), en el neolítico (6000 a. C.-3000 a. C.) se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura, con sociedades cada vez más complejas donde va cobrando importancia la religión, y comienza la producción de piezas de artesanía. Por último, en la llamada Edad de los Metales (3000 a. C.-1000 a. C.), surgen las primeras civilizaciones protohistóricas.


title: Historia del desnudo artístico

text: En el arte paleolítico el desnudo estaba fuertemente vinculado al culto a la fertilidad, como se puede apreciar en la representación del cuerpo humano femenino —las llamadas «venus»—, generalmente de formas algo obesas, con pechos generosos y abultadas caderas. La mayoría proceden del período auriñaciense, y están generalmente talladas en caliza, marfil o esteatita. Destacan las venus de Willendorf, Lespugue, Menton, Laussel, etc. A nivel masculino, la representación del falo —generalmente erecto—, en forma aislada o en cuerpo completo, era igualmente signo de fertilidad, como en el llamado "Gigante de Cerne Abbas" (Dorset, Inglaterra). En la pintura rupestre —sobre todo la desarrollada en la zona franco-cantábrica y levantina— son comunes las escenas de caza, o bien de ritos y danzas, donde la figura humana, reducida a trazos esquemáticos, es representada en ocasiones destacando los órganos sexuales —pechos en mujeres y el falo en los hombres—, seguramente asociado a ritos apareatorios. Algunos ejemplos se hallan en las cuevas de El Cogul, Valltorta y Alpera.


title: Historia del desnudo artístico

text: Puede llamarse así a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia, destacando las grandes civilizaciones del Próximo Oriente: Egipto y Mesopotamia. También englobaría las primeras manifestaciones artísticas de la mayoría de pueblos y civilizaciones de todos los continentes. Uno de los grandes avances en esta época fue la invención de la escritura, generada en primer lugar por la necesidad de llevar registros de índole económica y comercial.


title: Historia del desnudo artístico

text: En las primeras religiones, desde la sumeria hasta la egipcia, se relacionó el antiguo culto a la Madre Tierra con las nuevas deidades de tipo antropomórfico, vinculando la forma femenina con la naturaleza, en cuanto ambas son generadoras de vida. Así, los dioses gemelos egipcios Geb y Nut representaban la tierra y el cielo, de cuya unión nacían todos los elementos. En otros casos, los dioses se relacionan con elementos cosmológicos, como la diosa Ishtar con el planeta Venus, representada generalmente desnuda y alada, con una luna creciente en la cabeza. Otras representaciones de la Diosa Madre suelen ser figuras más o menos vestidas, pero con los pechos desnudos, como la famosa "Diosa de las serpientes" (Museo Arqueológico de Iraklion), una estatuilla minoica de alrededor del 1550 a. C. Estas representaciones fueron el punto de partida para la iconografía de diosas griegas y romanas como Ártemis, Diana, Deméter y Ceres.


title: Historia del desnudo artístico

text: En Egipto la desnudez era vista con naturalidad, y abunda en representaciones de escenas cortesanas, especialmente en danzas y escenas de fiestas y celebraciones. Pero también está presente en los temas religiosos, y muchos de sus dioses representados en forma antropomórfica aparecen desnudos o semidesnudos en estatuas y pinturas murales. Igualmente aparece en la representación del propio ser humano, sea faraón o esclavo, militar o funcionario, como el famoso "Escriba sentado" del Louvre. Sin duda debido al clima, los egipcios solían llevar poca ropa, taparrabos y faldellines los hombres, vestidos de lino transparente las mujeres. Así se refleja en el arte, desde las escenas que muestran las fiestas y ceremonias de la corte hasta las escenas más populares, que muestran el trabajo diario de campesinos, artesanos, pastores, pescadores y demás oficios. Asimismo, en las escenas de guerra aparecen los lastimosos cuerpos desnudos de los esclavos y cautivos, tratados con el mismo estilo hierático y falto de dinamismo propio del arte egipcio, donde prepondera la ley de la frontalidad, del cuerpo constreñido a rígidas posturas estáticas y faltas de realismo. La pintura se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en planos superpuestos, con un criterio jerárquico. Predominaba el canon de perfil, que consistía en representar la cabeza y las extremidades de perfil, pero los hombros y los ojos de frente. Entre las obras que nos han llegado del Antiguo Egipto, el desnudo, parcial o completo, es perceptible tanto en pintura como en escultura, sea monumental o en pequeñas estatuillas, como la "Oferante" del Louvre o la "Muchacha tocando el arpa" del British Museum; tenemos estatuas como las de "Rahotep y Nefrit", la de "Micerino con su esposa" o la "Dama Tui" del Louvre que, aunque vestida de lino, la transparencia de la tela nos muestra su desnudez; en pintura, los murales de la tumba de Nath, contable de Tuthmosis IV, o la Tumba de los Médicos en Saqqarah. En la tumba de Tutankamón se halló una estatua del faraón desnudo, representando a Ihy, hijo de la diosa Hathor.


title: Historia del desnudo artístico

text: Por contrapartida, en Mesopotamia, cercana geográfica y cronológicamente al Antiguo Egipto, el desnudo es prácticamente desconocido, excepto algún relieve asirio como "Asurbanípal cazando leones" (British Museum), donde el rey aparece con el torso desnudo, o algunas escenas de tortura de prisioneros, mientras que en la vertiente femenina solo hallamos los pechos desnudos de un bronce caldeo representando una joven canéfora, presente en el Louvre. Tampoco encontramos desnudos en el arte fenicio o judío, donde la ley mosaica prohibía la representación humana.


title: Historia del desnudo artístico

text: Se denomina arte clásico al desarrollado en las antiguas Grecia y Roma, cuyos adelantos tanto científicos como materiales y de orden estético aportaron a la historia del arte un estilo basado en la naturaleza y en el ser humano, donde preponderaba la armonía y el equilibrio, la racionalidad de las formas y los volúmenes, y un sentido de imitación («mímesis») de la naturaleza que sentaron las bases del arte occidental, de tal forma que la recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lo largo de la historia en la civilización occidental.


title: Historia del desnudo artístico

text: En Grecia se desarrollaron las principales manifestaciones artísticas que han marcado la evolución del arte occidental. Tras unos inicios donde destacaron las culturas minoica y micénica, el arte griego se desarrolló en tres periodos: arcaico, clásico y helenístico. Caracterizado por el naturalismo y el uso de la razón en medidas y proporciones, y con un sentido estético inspirado en la naturaleza, el arte griego fue el punto de partida del arte desarrollado en el continente europeo. El punto álgido del arte griego se produjo en la llamada era de Pericles, donde el arte gozó de un gran esplendor, generando un estilo de interpretar la realidad: los artistas se basaban en la naturaleza según unas proporciones y unas reglas (κανών, canon) que permitían la captación de esa realidad por parte del espectador, recurriendo si era necesario al escorzo. Se perseguía un concepto de belleza basado en la imitación del natural, pero idealizado con la incorporación de una visión subjetiva que reflejaba la armonía de cuerpo y alma, equiparando belleza con bondad (καλοκαγαθία, "kalokagathía").


title: Historia del desnudo artístico

text: Grecia fue el primer lugar donde se representó el cuerpo humano de una forma naturalista, lejos del hieratismo y la esquematización de las culturas precedentes. La cultura griega era humanista, el ser humano era el principal objeto de estudio de su filosofía y su arte, ya que su religión era más mitológica que objeto de culto. Para los griegos el ideal de belleza era el cuerpo masculino desnudo, que simbolizaba la juventud y la virilidad, como los atletas de los Juegos Olímpicos, que competían desnudos. El desnudo griego era a la vez naturalista e idealizado: naturalista en cuanto a la representación fidedigna de las partes del cuerpo, pero idealizado en cuanto a la búsqueda de unas proporciones armoniosas y equilibradas, desechando un tipo de representación más real que mostrase las imperfecciones del cuerpo o las arrugas de la edad. Desde una composición más esquemática en la época arcaica, el estudio del cuerpo fue evolucionando hacia una descripción más pormenorizada del esqueleto y los músculos, así como del movimiento y las distintas posiciones y torsiones que puede realizar el cuerpo humano. También se fue perfeccionando la descripción del rostro y la representación de estados anímicos.


title: Historia del desnudo artístico

text: Los griegos concedieron gran relevancia al cuerpo desnudo, del que se sentían orgullosos, ya que no solo era el reflejo de una buena salud física, sino que era el recipiente de la virtud y la honestidad, así como le otorgaban un componente de avance social, en contraposición a las inhibiciones de otros pueblos menos civilizados. Para los griegos el desnudo era expresión de integridad, nada relacionado con el ser humano en su conjunto podía eludirse o aislarse. Relacionaban cuerpo y espíritu, que para ellos estaban unidos indisolublemente, de tal manera que incluso su religiosidad se materializó en unos dioses antropomórficos. Relacionaban elementos aparentemente antagónicos, y así como algo tan abstracto como las matemáticas podía llegar a proporcionarles placer sensorial, algo material como el cuerpo podía convertirse en símbolo de algo etéreo e inmortal. Así, el desnudo tenía un componente moral que evitaba el simple sensualismo, por lo que no les resultaba obsceno ni decadente, como en cambio les parecía a los romanos. Esta interrelación entre cuerpo y espíritu es inherente al arte griego, y cuando artistas de épocas posteriores imitaron el desnudo griego —como en el caso del neoclasicismo y el academicismo—, despojado de este componente, realizaron obras sin vida, centradas en la perfección física, pero sin la virtud moral.


title: Historia del desnudo artístico

text: En el desnudo griego masculino es esencial la captación de la energía, de la fuerza vital, que transcribieron mediante dos tipologías de desnudo viril: el atleta y el héroe. En los Juegos Olímpicos era costumbre regalar al ganador un vaso de cerámica —las llamadas «ánforas panatenaicas»— con representaciones de la disciplina atlética ejercida por el laureado, excelente ejemplo de representaciones de desnudos en movimiento, en escenas de acción de gran dinamismo.


title: Historia del desnudo artístico

text: El primer exponente del desnudo masculino lo constituyen un tipo de figuras que representan a atletas, dioses o héroes mitológicos, llamadas "kouros" ("kouroi" en plural), pertenecientes al periodo arcaico (siglos sigloVII a. C.-sigloV a. C.) —su variante femenina es la "koré" ("korai" en plural), que, sin embargo, solían representar vestida—. Si bien en origen estas figuras denotan una cierta influencia egipcia, pronto los escultores griegos siguieron su propio camino, buscando la mejor forma de representar el cuerpo humano en aras de traslucir su ideal de belleza. El "kouros" se caracteriza por la postura hierática, donde predomina la frontalidad, con los pies en el suelo y la pierna izquierda adelantada, los brazos pegados al cuerpo y las manos cerradas, y la cabeza de forma cúbica, con una larga melena y rasgos faciales básicos, destacando su característica sonrisa, denominada «sonrisa arcaica». Los primeros ejemplos datan del sigloVII a. C., procedentes de lugares como Delos, Naxos y Samos, apareciendo generalmente en tumbas y lugares de culto. Posteriormente se extendieron por el Ática y el Peloponeso, donde van ganando en naturalismo, con rasgos descriptivos y mayor interés por el modelado. Algunas obras que han llegado hasta nuestros días son: el "Kouros de Sounion" (600 a. C.), los "Gemelos Cleobis y Bitón" (600 a. C.-590 a. C.), el "Moscóforo" (570 a. C.), el "Jinete Rampin" (550 a. C.), el "Kouros de Tenea" (550 a. C.), el "Kouros de Anafi" (530 a. C.), el "Kouros de Aristódikos" (500 a. C.), etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: Posteriormente, el desnudo tuvo una lenta, pero constante evolución desde las formas rígidas y geométricas de los "kouroi" hasta las líneas suaves y naturalistas del periodo clásico (el llamado estilo severo, desarrollado entre 490 a. C. y 450 a. C.). El principal factor de esta innovación fue un nuevo concepto a la hora de concebir la escultura, pasando de la idealización a la imitación. Este cambio se empezó a notar en los primeros lustros del sigloV a. C., con obras como el "Apolo de Piombino" ("circa" 490 a. C.), el "Efebo" de Kritios ("circa" 480 a. C.) o el llamado "Grupo de los Tiranicidas", que representa a Aristogitón y Harmodio, obra de Kritios y Nesiotes ("circa" 477 a. C.). En estas obras se denota el culto a la perfección física, que se expresaba principalmente en el atletismo, que conjugaba el vigor físico con la virtud moral y la religiosidad. El nuevo estilo clásico aportó mayor naturalidad no solo formal, sino vital, al proporcionar movimiento a la figura humana, especialmente con la introducción del "contrapposto" —atribuido por lo general a Kritios—, donde las diversas partes del cuerpo se contraponen armónicamente, y que proporciona ritmo y equilibrio a la figura. Con estas premisas surgieron las principales figuras de la escultura clásica griega: Mirón, Fidias, Policleto, Praxíteles, Escopas, Lisipo, etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: Mirón realizó con su "Discóbolo" (450 a. C.) un magnífico ejemplo de figura en movimiento, logrando por primera vez un efecto dinámico coordinado para el conjunto de la figura, ya que hasta entonces las figuras en movimiento estaban realizadas por partes, sin una visión global que proporcionase coherencia a la acción dinámica —como en el caso del "Poseidón del Cabo Artemision", figura en bronce de origen ático de alrededor del 470 a. C., en el que el torso es estático, no sigue el movimiento de los brazos—.


title: Historia del desnudo artístico

text: Fidias se dedicó especialmente a esculturas de dioses —era llamado el «hacedor de dioses»—, especialmente Apolo, a los que trataba con una mezcla de naturalismo y ciertos vestigios de la arcaica frontalidad hierática, que otorgaban a sus figuras un aura de majestuosidad, con una equilibrada sintonía entre la fuerza y la gracia, la forma y el ideal, como en el llamado "Apolo de Kassel" ("circa" 450 a. C.). Sin embargo, también realizó obras de personajes corrientes, con un tratamiento más humano, menos idealizado, como su figura de Anacreonte ("circa" 450 a. C.).


title: Historia del desnudo artístico

text: La obra de Policleto tuvo una especial relevancia en la estandarización de un canon de proporciones geométricas en el que se basaban sus figuras, junto a la búsqueda del equilibrio dentro del movimiento, como se vislumbra en sus dos principales obras, el "Doríforo" (440 a. C.) y el "Diadumeno" (430 a. C.) —lamentablemente, solo nos han llegado copias romanas de sus obras—. Otra importante contribución de Policleto fue el estudio anatómico (la "diarthrosis" o articulación de las diversas partes del cuerpo), especialmente de la musculación: la perfección de sus torsos ha llevado a que sean apodados en francés "cuirasse esthétique" («coraza estética»), y han servido durante mucho tiempo para el diseño de armaduras.


title: Historia del desnudo artístico

text: Praxíteles diseñó figuras más humanas ("Apolo Sauróctono", 360 a. C.; "Sátiro escanciador", 365 a. C.; "Hermes y Dioniso niño", 340 a. C.), de gráciles movimientos, con una sensualidad latente, conjugando la potencia física con un cierto aire de gracia, casi de dulzura, con un diseño fluido y delicado.


title: Historia del desnudo artístico

text: Con posterioridad, la escultura griega perdió en cierta forma esa unión entre lo físico y lo ideal, encaminándose a figuras más esbeltas y musculosas, donde predominaba la acción por sobre la expresión moral. Así se percibe en obras como el "Efebo de Anticitera" (340 a. C.), el "Atleta con estrígil" de Éfeso y el "Efebo de Maratón". Entre los artistas que descollaron en esta época sobresale Escopas, autor del friso del Mausoleo de Halicarnaso, pleno de figuras en movimiento, como sus "Griegos y amazonas" ("circa" 350 a. C.), donde es característica la utilización de los ropajes —especialmente las capas de los griegos, que por lo demás llevan el resto del cuerpo desnudo— para dar sensación de movimiento. También trabajó en el Mausoleo Leócares, autor del famoso "Apolo de Belvedere" ("circa" 330 a. C.-300 a. C.), considerada la mejor escultura antigua por los neoclásicos, que inspiró a numerosos artistas modernos, como el "Adán" de Durero (1504), el "Apolo y Dafne" de Bernini (1622-1625), el "Perseo" de Canova (1801) y el "Orfeo" de Thomas Crawford (1838). En el Mausoleo se introdujo la llamada «diagonal heroica», una postura en que la acción recorre todo el cuerpo desde los pies hasta las manos siguiendo una pronunciada diagonal, y que sería reproducida con asiduidad en el futuro —como en el "Gladiador Borghese" de Agasio de Éfeso (sigloIII a. C.) o los "Dióscuros" del Quirinal, llegando hasta el "Hércules" y el "Teseo" de Canova—.


title: Historia del desnudo artístico

text: Lisipo, quizá el último gran nombre de la escultura griega, introdujo un nuevo canon de proporciones, con la cabeza más pequeña, un cuerpo más esbelto y largas piernas, como en su principal obra, el "Apoxiómeno" (325 a. C.), o en el "Agias" (337 a. C.), en "Eros tensando el arco" (335 a. C.) y "Heracles en reposo" (320 a. C.). También introdujo una nueva concepción de la figura humana, menos idealista, más centrada en lo cotidiano y anecdótico, como su figura de atleta rascándose, el "Hermes descansando" (330 a. C.-320 a. C.) de Nápoles, o el "Joven orante" de Berlín. Lisipo fue el retratista de Alejandro Magno, del que hizo diversas estatuas, varias de ellas desnudo, como en el "Alejandro con la lanza" del Louvre (330 a. C.).


title: Historia del desnudo artístico

text: El desnudo femenino fue menos frecuente, sobre todo en época arcaica, donde frente a la desnudez de los "kouroi" contrastaban las figuras vestidas de las "korai". Así como el arte occidental ha considerado —preferentemente desde el Renacimiento— el desnudo femenino como un tema más normal y agradable que el masculino, en Grecia ciertos aspectos religiosos y morales prohibían la desnudez femenina —como se constata en el célebre juicio a Friné, la modelo de Praxíteles—. Socialmente, en Grecia la mujer estaba relegada a sus labores domésticas, y frente a la desnudez del atletismo masculino, las mujeres debían ir vestidas de pies a cabeza. Tan solo en Esparta las mujeres participaban en alguna competición atlética, llevando entonces una túnica corta que enseñaba los muslos, hecho que resultaba escandaloso en el resto de Grecia. Los primeros vestigios de desnudo femenino se encuentran en el sigloVI a. C., en escenas cotidianas pintadas en vasos de cerámica. En el sigloV a. C. aparecieron los primeros vestigios escultóricos, como la "Venus del Esquilino", que probablemente representaba una sacerdotisa de Isis. Presenta una anatomía tosca y poco elaborada, robusta y de baja estatura, pero ya contiene unas proporciones matemáticas, basadas en el canon de la estatura de siete cabezas.


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text: La posterior evolución del desnudo femenino fue esporádica, sin apenas figuras de desnudo completo, sino parcial o con la técnica de "draperie mouillée" («paños mojados»), vestidos ligeros y adheridos al cuerpo, como la "Afrodita" del Trono Ludovisi, la "Niké" de Paionios (425 a. C.), o la "Venus Genetrix" del Museo Nacional de las Termas de Roma. Hacia el año 400 a. C. se esculpió una figura de bronce de una muchacha (Museo de Múnich), de autor anónimo, que presenta el "contrapposto" clásico, dando a la figura femenina una sinuosidad —especialmente en el arco de la cadera, que en francés se llama "déhanchement" («balanceo»)— que realzaba más su figura y que quedaría como modelo casi arquetípico de representación de la figura femenina.


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text: El principal escultor clásico que trató el desnudo femenino fue Praxíteles, autor de la famosa "Afrodita de Cnido" ("circa" 350 a. C.), representada en el momento de adentrarse en el baño, con el vestido aún en una mano. Es una imagen que conjuga sensualidad con misticismo, placer físico con evocación espiritual, y que supuso una realización material del ideal de belleza femenina griega. Fue también autor de otra famosa imagen, la de la diosa Afrodita con las piernas envueltas en ropajes y los pechos desnudos, que nos ha llegado por varias copias, la más completa la llamada "Venus de Arles" del Louvre, pero que es más famosa por la copia de un artista anónimo de alrededor del año 100 a. C., la "Venus de Milo". La posterior evolución del desnudo femenino llevó a tipologías como la «Venus púdica», que cubre su desnudez con sus brazos, como se aprecia en la "Venus Capitolina" —a veces atribuida al propio Praxíteles—, o la Venus Calipigia («de bellas nalgas»), que se levanta su peplo para descubrir sus caderas y nalgas, de la que nos ha llegado una copia romana de un original helenístico, actualmente en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.


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text: Un género donde abundó un poco más el desnudo femenino fue en la representación de bacanales y ritos dionisíacos, donde junto a los sátiros y silenos aparecía todo un coro de ménades y nereidas en sensuales y desenfrenadas posturas, cuyas escenas fueron muy representadas en los sarcófagos funerarios, y fue un tema frecuente en el taller escultórico de Escopas, autor de varias figuras relacionadas con el culto a Dioniso, como la "Ménade" de Dresde. En especial, las figuras de nereidas ganaron una gran popularidad e influenciaron al arte producido con posterioridad a todo lo largo del Mediterráneo. Como símbolo del alma liberada, su representación pasó a ser un motivo ornamental frecuente en diversas técnicas artísticas, desde la pintura y la escultura hasta las joyas, camafeos, vasos y copas cerámicos, cofres, sarcófagos, etc. En el Imperio Romano tardío tuvo una gran difusión, encontrándose desde Irlanda hasta Arabia, y llegó hasta la India, donde vemos sus formas en las figuras de "gandharvas" voladoras. Incluso en la Edad Media, su tipología fue identificada con el personaje de Eva.


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text: Durante el período helenístico —iniciado con el fallecimiento de Alejandro Magno, en que la cultura griega se expandió por todo el Mediterráneo oriental—, las figuras adquirieron un mayor dinamismo y torsión del movimiento, que denotaba sentimientos exacerbados y expresiones trágicas, rompiendo el sereno equilibrio de la época clásica. Frente a la energía vital y triunfadora de los héroes y atletas surgió el "pathos", la expresión de la derrota, del dramatismo, el sufrimiento, de los cuerpos maltrechos y deformados, enfermos o mutilados. Si los héroes y atletas eran vencedores, ahora el hombre está sometido por el hado, padece la ira de los dioses, lo divino prevalece sobre lo material, el espíritu sobre el cuerpo. Así se observa en mitos como la matanza de los hijos de Níobe, la agonía de Marsias, la muerte del héroe (como Héctor o Meleagro) o el destino de Laocoonte, temas frecuentes en el arte de la época.


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text: Uno de los primeros centros productores de la escultura helenística fue Pérgamo, cuyo taller de escultores procedentes de toda Grecia estableció un estilo que, partiendo de una clara influencia lisipiana, imprimió un dramatismo a sus figuras que, primordialmente a través de la torsión del cuerpo, expresaba de una forma efectista el dolor de los personajes, como se aprecia en el "Galo moribundo" del Museo Capitolino (230 a. C.), el "Galo Ludovisi" del Museo de las Termas (230 a. C.), "Menelao y el cuerpo de Patroclo" de la Loggia dei Lanzi (230 a. C.-200 a. C., también llamado "Grupo de Pasquino") o en el "Marsias" del Conservatorio de Roma (230 a. C.-200). Su obra cumbre es el "Laocoonte y sus hijos", de Agesandro, Atenodoro y Polidoro de Rodas (sigloII a. C.), quizá la mejor expresión del patetismo en toda la historia, donde el movimiento abigarrado, la torsión de las figuras entrelazadas (padre, hijos y serpientes), la emoción exacerbada, los marcados músculos del torso y los muslos de la figura central, la expresión dramática de los rostros, confieren un sentido general de tragedia latente, que sin duda provoca en el espectador un sentimiento de terror y desesperación, de piedad para esas figuras que sufren. Según Plinio, el "Laocoonte" es «la mejor de todas las obras tanto de pintura como de escultura».


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text: De época helenística es también el "Toro Farnesio", de Apolonio y Taurisco de Tralles, copia de una obra anterior titulada "El suplicio de Dirce" (130 a. C.). Es un grupo dinámico, de gran efecto expresivo, donde sobre una base paisajística figuran los animales, de gran realismo, los jóvenes, en actitud algo rígida, y la figura de Dirce, con una compleja torsión en espiral de gran efecto dramático. Otra obra famosa de la época es la "Venus agachada" de Doidalsas de Bitinia (sigloIII a. C.), muy valorada en la antigüedad y de la que se hicieron numerosas copias que decoraban palacios, jardines y edificios públicos. Actualmente existen varias copias en museos de todo el mundo, y se han efectuado diversas copias o versiones en el arte moderno —principalmente el Renacimiento—, como las de Giambologna, Antoine Coysevox y Jean-Baptiste Carpeaux, o incluso en dibujo o grabado, como las de Marcantonio Raimondi y Martin Heemskerck. Rubens también se inspiró en esta figura para varias obras suyas. Igual relevancia tuvo el "Hermafrodita dormido" de Policles (sigloII a. C.), cuyo original en bronce se perdió, existiendo varias copias realizadas en época romana, de las cuales una de las más famosas es el "Hermafrodita Borghese", hallado en las Termas de Diocleciano a principios del siglo XVII y restaurado por Bernini. Existen varias copias, algunas realizadas en época moderna, como la encargada por Felipe IV de España, actualmente en el Prado, que seguramente influyó en la "Venus del espejo" de Velázquez.


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text: Con un claro precedente en el arte etrusco, el arte romano recibió una gran influencia del arte griego. Gracias a la expansión del Imperio Romano, el arte clásico grecorromano llegó a casi todos los rincones de Europa, norte de África y Próximo Oriente, sentando la base evolutiva del futuro arte desarrollado en estas zonas. Si bien los romanos estaban muy avanzados en arquitectura e ingeniería, en artes plásticas fueron poco innovadores. La mayor parte de estatuas romanas son copias de obras griegas, o están inspiradas en ellas. Muchos de los artistas del mundo helenístico se trasladaron a trabajar a Roma, manteniendo vivo el espíritu del arte griego. Los historiadores romanos despreciaban las obras de arte producidas con posterioridad al período clásico griego, llegando a afirmar que tras esta edad dorada griega «se detuvo el arte».


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text: Las primeras producciones en escultura fueron obra de artistas griegos instalados en Roma, entre los que figuran: Apolonio de Atenas, autor del "Torso del Belvedere" (50 a. C.); Cleómenes, autor de la "Venus de Médici" (sigloI a. C.); y Pasíteles, autor de "El niño de la espina". Stephanos, un discípulo de Pasíteles, fue autor del "Atleta de Villa Albani" (50 a. C.), figura que tuvo un enorme éxito, hecho corroborado porque nos han llegado 18 copias, y que originó una variante con otra figura, creando un grupo a veces identificado con "Mercurio y Vulcano", y otras con "Orestes y Pílades", del que una copia, llamada "Grupo de San Ildefonso" (10 a. C.), se conserva en el Prado, donde las dos figuras recuerdan una al "Doríforo" de Policleto y otra al "Apolo Sauróctono" de Praxíteles. Otras obras anónimas que guardan relación estilística con el arte griego helenístico son el "Púgil en reposo" del Museo de las Termas de Roma (100 a. C.-50 a. C.) y el "Príncipe helenístico" del mismo museo (100 a. C.-50 a. C.)


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text: En cuanto a la producción propiamente romana, aun manteniendo la influencia griega, son características las estatuas de emperadores romanos divinizados, desnudos como los dioses griegos, que si bien mantienen un cierto idealismo muestran un mayor estudio del natural en cuanto a las facciones de sus retratos. En pocas obras se percibe algún sello estilístico diferenciado respecto a las griegas, como en la "Venus de Cirene" (Museo de las Termas, Roma), que muestra un mayor naturalismo anatómico que las figuras griegas, si bien manteniendo la elegancia y sensualidad del desnudo femenino griego. Una original innovación temática fue la de "Las Tres Gracias", de la que existen diversas copias (Siena, Louvre), casi todas datables en el . Es un tema iconográfico proveniente del grupo de cárites (divinidades de la belleza) que acompañaba a Afrodita, generalmente representado con tres hermanas (Eufrósine, Talía y Áglae), cogidas por los brazos y dispuestas dos de ellas en forma frontal y la del centro vuelta hacia atrás. Este tema tuvo mucho éxito en época renacentista y barroca.


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text: En época imperial el interés por el desnudo decayó, en paralelo al concepto idealizante de la escultura, cobrando mayor relevancia el realismo y la descripción pormenorizada de los detalles, aun los más feos y desagradables, estilo que tuvo su mayor cristalización en el retrato. Aun así, se facturaron magníficas piezas, como las estatuas de Marte y Mercurio que decoran la Villa Adriana (125), o la "Apoteosis de Antonino y Faustina" que figura en la basa de la Columna de Antonino —actualmente en el Museo Vaticano— (161), o aun los "Dióscuros de Montecavallo", de las Termas de Constantino, en la Plaza del Quirinal de Roma (330).


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text: En cuanto a la pintura, de la que nos han llegado numerosas muestras gracias sobre todo a las excavaciones en Pompeya y Herculano, pese a su carácter eminentemente decorativo ofrecen gran variedad estilística y riqueza temática, con una iconografía que va desde la mitología hasta las escenas más cotidianas, pasando por fiestas, danzas y espectáculos circenses. En estas escenas abunda el desnudo, con clara tendencia al erotismo, que se muestra sin tapujos, como una faceta más de la vida. Entre las múltiples escenas que decoran los muros de Pompeya y en las que está presente el desnudo conviene recordar: "Las tres Gracias", "Venus Anadiómena", "Invocación a Príapo", "Casandra raptada por Áyax", "El beso del fauno", "Bacante sorprendida por un sátiro", "La violación de la ninfa Iftima", "Hércules reconociendo a Télefo en Arcadia", "El centauro Quirón instruyendo al joven Aquiles", "Perseo liberando a Andrómeda", "Las bodas aldobrandinas", etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: La caída del Imperio Romano de Occidente marcó el inicio en Europa de la Edad Media, etapa de cierta decadencia política y social, pues la fragmentación del imperio en pequeños estados y la dominación social de la nueva aristocracia militar supuso la feudalización de todos los territorios anteriormente administrados por la burocracia imperial. El arte clásico fue reinterpretado por las nuevas culturas dominantes, de origen germánico, mientras que la nueva religión, el cristianismo, impregnó la mayor parte de la producción artística medieval. En el arte medieval se sucedieron diversas fases, desde el arte paleocristiano, pasando por el prerrománico, hasta el románico y el gótico, incluyendo el bizantino y el de los pueblos germánicos.


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text: En el medievo, la teología moral distinguía cuatro tipos de desnudo: "nuditas naturalis", el estado natural del ser humano; "nuditas temporalis", un estado artificial impuesto por la transitoriedad, generalmente vinculado a la pobreza; "nuditas virtualis", como símbolo de virtud e inocencia; y "nuditas criminalis", el ligado con la lujuria y la vanidad. Otro elemento frecuente de desnudo en el arte medieval —sobre todo en los "Apocalipsis" de los "Beatos"— era la representación de los muertos, como símbolo de despojamiento de todo lo terreno.


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text: La teología cristiana dividía al ser humano en cuerpo perecedero y alma inmortal, siendo esta última la única que tenía consideración como algo precioso que había que conservar. Con la desaparición de las religiones paganas se perdió la mayor parte del contenido iconográfico relacionado con el desnudo, que quedó circunscrito a los escasos pasajes de las Sagradas Escrituras que lo justificaban. En los pocos casos de representación del desnudo son figuras angulosas y deformadas, alejadas del armonioso equilibrio del desnudo clásico, cuando no son formas deliberadamente feas y maltrechas, como señal del desprecio que se sentía por el cuerpo, que era considerado un simple apéndice del alma. En las escasas representaciones de desnudo femenino —generalmente figuras de Eva— son figuras de vientre abultado, hombros estrechos y piernas rectilíneas, aunque en cambio se suele trabajar el rostro de forma personalizada, cosa que no ocurría en la antigüedad.


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text: La figura humana fue sometida a un proceso de estilización, en que se pierde la descripción naturalista para enfatizar el carácter trascendente y el lenguaje simbólico de la religión cristiana, en paralelo a la pérdida de perspectiva y la geometrización del espacio, dando como resultado un tipo de representación donde importa más el contenido simbólico, el mensaje inherente a la imagen, que no la descripción de la realidad. La religión cristiana, influida por la idea platónica del cuerpo como cárcel del alma, perdió el interés en el estudio de las formas anatómicas naturalistas, centrando la representación del ser humano en la expresividad.


title: Historia del desnudo artístico

text: Aunque durante la Edad Media se perdió el estudio de la proporción en el cuerpo humano, este fue objeto de una simbología cosmogónica de aplicaciones matemáticas y estéticas: el "homo quadratus". Partiendo del corpus platónico, la cultura medieval consideraba el mundo como un gran animal —y, por tanto, como un ser humano—, mientras que el hombre era concebido como un mundo, un microcosmos dentro del gran cosmos de la Creación. Esta teoría relacionaba la simbología del número cuatro con la naturaleza, que a su vez se aplicaba al arte: existen cuatro puntos cardinales, cuatro estaciones, cuatro fases de la luna, cuatro vientos principales; y cuatro es el número del hombre, teoría que se retrotrae a Vitruvio y su concepción del hombre como cuadrado ideal, correspondiendo la anchura de sus brazos extendidos a su altura.


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text: En sus inicios, el cristianismo —todavía bajo una fuerte influencia judía— había prohibido no solo el desnudo, sino casi cualquier imagen de figura humana, ya que suponía una transgresión del segundo mandamiento, y condenaba los ídolos paganos como morada de demonios. El hecho de que muchos dioses paganos estuviesen representados en pintura y escultura de forma humana, y en muchas ocasiones desnudos, hizo que los primitivos cristianos identificasen el desnudo con la idolatría pagana, sino veían directamente una vinculación diabólica. Sin embargo, el fin del paganismo y la asimilación de la filosofía neoplatónica por la moral cristiana hizo que se aceptase el cuerpo como receptáculo del espíritu, y la desnudez como un estado degradado del ser humano, pero natural y aceptable. Aun así, el arte medieval perdió por completo el concepto de belleza corporal inherente al arte clásico, y cuando era representado —en los pasajes bíblicos que lo requerían, como el de Adán y Eva—, eran cuerpos deformes, reducidos a líneas básicas, con los atributos sexuales minimizados, cuerpos poco atractivos, exentos de cualidades estéticas. El período gótico supuso un tímido intento de rehacer la figura humana, más elaborada y partiendo de unas premisas más naturalistas, pero bajo un cierto convencionalismo que sujetaba las formas a una rigidez y una estructura geometrizante que supeditaba el cuerpo al aspecto simbólico de la imagen, siempre bajo premisas de la iconografía cristiana.


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text: Las pocas representaciones del desnudo en el arte medieval estaban circunscritas a pasajes bíblicos que lo justificaban, como Adán y Eva en el Paraíso o el martirio y crucifixión de Jesucristo. La imagen de Jesús en la cruz tuvo dos principales transcripciones iconográficas: la de Cristo desvestido, llamada «de Antioquía», y la del Redentor con una túnica, llamada «de Jerusalén». Sin embargo, pese al carácter puritano y contrario a la desnudez del cristianismo primitivo, fue la versión desnuda la que triunfó y se aceptó como versión canónica del tema, sobre todo desde época carolingia. El sufrimiento de Cristo en la cruz ha sido siempre un tema de gran dramatismo, por lo que en cierta forma enlazó con el "pathos" helenístico, con imágenes donde el desnudo es vehículo de una intensa expresión de sufrimiento, por lo que la anatomía se muestra deformada, desestructurada, sometida a la expresión emocional del dolor. Una postura típica es la de Jesús con la cabeza caída hacia un lado y el cuerpo inclinado para compensar la posición del cuerpo, apreciable por vez primera en el libro de oraciones de Carlos el Calvo y en la Cruz de Gero de la Catedral de Colonia (sigloX), y que posteriormente incluiría alguna pequeña modificación, con el cuerpo más curvado y las rodillas dobladas, como en las cruces pintadas de Cimabue. En el norte de Europa, sin embargo, se impuso una imagen aún más dramática de la crucifixión, donde la angustia llega a auténticos niveles de paroxismo, como en el "Retablo de Isenheim" de Matthias Grünewald.


title: Historia del desnudo artístico

text: El arte paleocristiano transformó numerosos motivos clásicos en escenas cristianas: así, el antiguo "Hermes Moscóforo" pasó a ser la imagen de Jesús como Buen Pastor, y Orfeo se convirtió en Cristo bienhechor. Del repertorio bíblico, aparte de Adán y Eva, se solía representar desnudo al profeta Daniel entre los leones, imagen conservada en una pintura mural del Cementerio de los Giordano en Roma (sigloIV), y en un sarcófago de la Basílica de San Juan de Letrán.


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text: En el arte románico, las pocas representaciones de desnudo —generalmente circunscritas a los pasajes del Génesis sobre Adán y Eva— eran de líneas básicas, donde la figura de la mujer apenas se distinguía de la del hombre por los senos, reducidos a dos protuberancias informes. Eran figuras toscas y esquemáticas, que mostraban preferentemente una actitud de vergüenza, cubriéndose sus partes íntimas con decoro. Así se muestra en ejemplos como los relieves de la "Creación", la "Caída" y la "Expulsión" de las puertas de bronce de la Catedral de Hildesheim ("circa" 1010), en el "Adán y Eva" de la fachada de la Catedral de Módena, obra de Wiligelmus ("circa" 1105), o en la "Creación de Adán" y "Adán y Eva en el Paraíso" del Maestro de Maderuelo (Museo del Prado). En otros casos se perciben desnudos totales o parciales en escenas de martirio de santos, como el de San Gabino y San Cipriano en Saint-Savin-sur-Gartempe (Poitou). Los mismos temas iconográficos, tratados quizá con mayor libertad, se perciben en la miniatura ilustrada, como el "Adán y Eva" del "Códice Virgiliano" (Monasterio de El Escorial), o "El bautismo de Cristo" del "Evangeliario de Vyšehrad" (1085, Universidad de Praga).


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text: En el arte gótico el desnudo empezó a forjarse principalmente en el entorno germánico, a inicios del siglo XIII. Las primeras figuras independientes y de tamaño natural representando un desnudo son el "Adán y Eva" de la Catedral de Bamberg ("circa" 1235), que aún parecen dos columnas de formas rígidas e hieráticas, pero tratadas con cierto aire de nobleza. En esta época se amplió un poco el repertorio iconográfico, especialmente con la incorporación del Juicio Final, proveniente de los capítulos 24 y 25 de San Mateo —hasta entonces la mayoría de escenas de la historia bíblica representada en los relieves catedralicios terminaban con el Apocalipsis—. La escena de la resurrección de la carne contemplaba que los cuerpos estuviesen desnudos, al tiempo que al ser almas renacidas debían representarse según parámetros de una belleza perfecta, por lo que los artistas se fijaron nuevamente en las obras del arte clásico grecorromano, surgiendo tratados como el "Speculum" de Vincent de Beauvais, que contenía instrucciones para los artistas basadas en antiguos tratados clásicos. Comenzaron nuevamente los estudios del natural, existiendo datos que indican que algunos artistas acudían a los baños públicos para estudiar el cuerpo de forma más detallada, como se comprueba en el "Juicio Final" de la Catedral de Bourges, con formas más naturalistas, que recuerdan las figuras de los sarcófagos de la antigüedad. En esta obra, la mujer del centro tiene formas más femeninas, y su postura en "contrapposto" tiene un cierto aire policletiano, aunque sus formas son estilizadas y poco sensuales, con pechos pequeños y separados, vientre plano y caderas reducidas.


title: Historia del desnudo artístico

text: Poco a poco el desnudo gótico fue ganando en naturalidad y en precisión anatómica, al tiempo que se ampliaba el repertorio temático y se extendía el uso de la figura desnuda en todos los ámbitos del arte, no ya solo en escultura y miniatura, sino en retablos, vitrales, sillerías corales, orfebrería, etc. Algunos de los nuevos temas representados fueron San Jerónimo y demás ascetas, despojados de todo lo material en virtud de su renuncia de los bienes terrenales, o figuras femeninas como María Magdalena y María Egipcíaca. En ocasiones también se representa en forma humana desnuda a la serpiente que tentó a Eva en el Paraíso o al dragón vencido por San Jorge. Mayor sensualidad se otorgó a ciertas figuras femeninas del Antiguo Testamento, como Betsabé, Susana, Judit, Dalila y Salomé. Incluso en ocasiones a la Virgen María se le permitía enseñar un pecho en virtud de la lactancia del niño Jesús, como en "La Virgen y el Niño" (1450, también llamada "Madonna de los ángeles rojos") de Jean Fouquet.


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text: A principios del siglo XIV se realizó la fachada de la Catedral de Orvieto, obra de Lorenzo Maitani, donde desplegó una gran serie de desnudos que parece mostrar un interés personal del artista en el tema, ya que eligió todos los temas que lo justifican: la "Creación", la "Caída del Hombre", el "Juicio Final". Su "Eva alzándose del costado de Adán" está indudablemente inspirada en los antiguos sarcófagos de nereidas, y muestra por vez primera un cierto idealismo, una concepción del cuerpo como receptáculo del alma y, como tal, digno de consideración. En cambio, el "Juicio Final" parece de inspiración nórdica, en una abigarrada escena que recuerda los sarcófagos de batallas o las antiguas escenas de galos moribundos.


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text: En el siglo XV el desnudo tuvo una mayor difusión, enmarcado en la corriente de moda en aquel entonces, el llamado «gótico internacional», surgido entre Francia, Borgoña y Países Bajos alrededor del año 1400. Uno de sus primeros exponentes fue "Las muy ricas horas del Duque de Berry" de los hermanos Limbourg (1416), donde una escena de "El Pecado y la Expulsión del Paraíso" muestra la evolución de Eva desde la naturalidad de la vida en el Edén hasta la vergüenza del pecado y la expulsión del Paraíso, donde toma la forma de una Venus Púdica que se cubre con una hoja de higuera. Su forma alargada, bulbosa, de pechos pequeños y vientre abultado, se convirtió en el prototipo del desnudo femenino gótico, que perduraría durante doscientos años. Así se aprecia en figuras como la "Eva" del "Políptico de Gante" de Jan van Eyck, en el "Adán y Eva" de Hugo van der Goes y en el de Rogier van der Weyden, o en otras figuras femeninas como la "Vanidad" de Hans Memling o la "Judit" de Conrad Meit, donde la pudorosa actitud medieval que relacionaba el desnudo como algo vergonzante va cediendo paso a unas figuras más sensuales, más provocativas, más carnalmente humanas. En España, surgieron unos primeros tímidos intentos de desnudo alejados de cualquier sensualidad, serios, contenidos, como el "Descendimiento de Cristo al Limbo" de Bartolomé Bermejo, el "Martirio de Santa Catalina" del círculo Fernando Gallego, la figura de Santa Tecla en el Retablo Mayor de la Catedral de Tarragona, de Pere Johan (1429), o "La degollación de San Cucufate" (1504-1507), de Aine Bru.


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text: El desnudo más o menos naturalista empezó a aparecer con timidez en la Italia prerrenacentista, generalmente en forma de alegorías, como la imagen de "Fortitudo" en el Baptisterio de Pisa, obra de Nicola Pisano, que evoca ligeramente un atleta policletiano; o la figura de la "Templanza" en un púlpito de la Catedral de Pisa (1300-1310), de Giovanni Pisano, en forma de Venus púdica que cubre con sus brazos sus partes íntimas. También se percibe en la obra de Giotto, especialmente en su "Juicio Final" de la Capilla de los Scrovegni de Padua.


title: Historia del desnudo artístico

text: El arte de la Edad Moderna —no confundir con arte moderno, que se suele emplear como sinónimo de arte contemporáneo— se desarrolló entre los siglos XV y XVIII. La Edad Moderna supuso cambios radicales a nivel político, económico, social y cultural: la consolidación de los estados centralizados supuso la instauración del absolutismo; los nuevos descubrimientos geográficos —especialmente el continente americano— abrieron una época de expansión territorial y comercial, suponiendo el inicio del colonialismo; la invención de la imprenta conllevó una mayor difusión de la cultura, que se abrió a todo tipo de público; la religión perdió la preponderancia que tenía en la época medieval, a lo que coadyuvó el surgimiento del protestantismo; a la vez, el humanismo surgió como nueva tendencia cultural, dejando paso a una concepción más científica del hombre y del universo.


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text: Surgido en Italia en el siglo XV ("Quattrocento"), se expandió por el resto de Europa desde finales de ese siglo e inicios del XVI. Los artistas se inspiraron en el arte clásico grecorromano, por lo que se habló de «renacimiento» artístico tras el oscurantismo medieval. Estilo inspirado en la naturaleza, surgieron nuevos modelos de representación, como el uso de la perspectiva. Sin renunciar a la temática religiosa, cobró mayor relevancia la representación del ser humano y su entorno, apareciendo nuevas temáticas como la mitológica o la histórica, o nuevos géneros como el paisaje o el bodegón, lo que influyó en la revitalización del desnudo. La belleza dejó de ser simbólica, como en la era medieval, para tener un componente más racional y mesurado, basado en la armonía y la proporción.


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text: El arte renacentista, en paralelo al antropocentrismo de la filosofía humanista, que hacía del ser humano el centro de la nueva cosmovisión de la recién inaugurada edad moderna, se basó en el estudio de la anatomía para articular mejor la representación del cuerpo humano. En 1543 se publicó "De humani corporis fabrica" de Andrés Vesalio, un estudio anatómico del cuerpo basado en disecciones, donde junto al texto destacaban múltiples láminas ilustrativas del cuerpo humano, atribuidos a Jan van Calcar, que sirvieron de base a otros artistas para sus imágenes, basadas cada vez más en el realismo objetivo. Cabe destacar que las láminas del libro estaban concebidas con criterios artísticos, apareciendo esqueletos y figuras desolladas en poses artísticas o en actitudes gesticulantes, casi teatrales.


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text: El desnudo renacentista se inspiró en modelos clásicos grecorromanos, aunque con una función diferente de la que tenía en la antigüedad: si en Grecia el desnudo masculino ejemplificaba la figura del héroe, en la Italia renacentista el desnudo tiene un carácter más estético, más vinculado a una nueva forma de entender el mundo alejada de preceptos religiosos, el ser humano nuevamente como centro del universo. Destacó entonces principalmente el desnudo femenino, debido al mecenazgo de nobles y ricos comerciantes que demostraban de esa forma su posición privilegiada en la sociedad. Así, se fue forjando la secularización del desnudo, pasando de los temas religiosos medievales a los profanos, a veces con intentos algo forzados de justificar este tipo de representaciones fuera del ámbito religioso: las principales obras de Botticelli, "La primavera" y "El nacimiento de Venus", representan el concepto neoplatónico que Marsilio Ficino extrapoló del mito de Venus como ideal de la mujer virtuosa, donde a pesar de su desnudez tras su nacimiento en edad adulta su primera reacción es la de cubrirse, siguiendo el antiguo concepto de la «Venus Púdica».


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text: El arte renacentista recuperó el desnudo clásico como ejemplificación de belleza ideal, tanto física como moral. El desnudo era el pretexto perfecto para cualquier composición, desde la más naturalista hasta la más simbólica, expresada esta última a través de múltiples alegorías y personificaciones. En ocasiones, la representación renacentista del cuerpo humano era la del desnudo por el desnudo, una especie de arte por el arte que a menudo desnaturalizaba el propio tema del cuadro, fuese religioso o mitológico. En el Renacimiento el desnudo dejó de ser motivo de vergüenza y, en contraposición, adquirió un nuevo carácter heroico o incluso sagrado ("sacra nuditas"). Según Louis Réau ("Iconografía del arte cristiano", 1955), «los artistas del Renacimiento consideraban la representación del cuerpo humano en su desnudez triunfante como el objeto primordial de las artes plásticas».


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text: De igual manera, el desnudo estaba presente tanto en las artes mayores como en un sinfín de artes menores y objetos, desde candelabros hasta cuchillos y picaportes. Tal abundancia de representaciones desnudistas fue excusada por Benvenuto Cellini alegando que «el cuerpo humano es la más perfecta de las formas», por lo que no es de extrañar que se represente frecuentemente. Por otro lado, a nivel iconográfico, si bien empezaron a ejecutarse cada vez mayor número de obras de tema mitológico, la mayor parte de la producción artística seguía siendo religiosa, produciéndose una curiosa simbiosis entre las figuras míticas del desnudo clásico y los personajes cristianos más justificados para aparecer desnudos; así, vemos cómo la figura de Isaac de "El sacrificio de Isaac" de Ghiberti presenta la tipología clásica de "Los hijos de Níobe", cómo la figura de Cristo yacente en el "Entierro" de Donatello recuerda al Meleagro clásico, o la postura de Eva de "La expulsión del paraíso" de Masaccio es la de la Venus Púdica.


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text: Durante el sigloXV todavía pervivieron en Italia ciertas formas heredadas del arte gótico, si bien poco a poco fueron ganando en naturalismo y veracidad. Así se percibe en la obra de artistas como: Masaccio ("El castigo de Adán y Eva", 1425-1428); Masolino da Panicale ("Tentación de Adán y Eva", 1426-1427); Antonello da Messina ("San Sebastián", 1476; "Cristo muerto sostenido por un ángel", 1476-1479); y Andrea Mantegna ("Calvario", 1458; "Bacanal con tonel", 1470; "Lamentación sobre Cristo muerto", hacia 1475-1490; "El Parnaso", 1497; "Venus, Marte y Diana", no datado; San Sebastián, tres versiones en 1459, 1480 y 1490), etc. Igual ocurrió en el terreno escultórico con Lorenzo Ghiberti, autor de la "Puerta del Paraíso" del Baptisterio de Florencia (1425-1452), con sus escenas de "La creación de Adán y Eva", "El pecado original" y "La expulsión del Paraíso".


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text: Una de las primeras obras que rompían con el pasado y suponían un retorno a los cánones clásicos fue el "David" de Donatello ("circa" 1440), obra de gran originalidad que se adelantó a su tiempo, ya que durante los siguientes cincuenta años no hubo realizaciones con las que se la pudiese comparar. Sin embargo, el modelo de Donatello no era tan atlético como las obras griegas, presentando las formas gráciles y esbeltas de un muchacho en plena adolescencia. De igual forma, en vez de la serenidad de la belleza apolínea se percibe la sensualidad de la belleza dionisíaca, y la cabeza de Goliat a los pies del rey judío recuerda la de un sátiro que solía adornar la base de las estatuas del dios del vino griego. Donatello también se desvió de las proporciones clásicas, especialmente en el torso, donde frente a la "cuirasse esthétique" policletiana es la cintura la que vertebra el eje central del cuerpo.


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text: Con posterioridad a Donatello, el desnudo cobró mayor dinamismo, sobre todo en Florencia con la obra de Antonio Pollaiuolo y Botticelli, y en Umbría con Luca Signorelli, preocupados por la representación del movimiento, de la energía, del sentimiento extático. En sus cuadros de "Los trabajos de Hércules" del Palacio de los Médicis (1460), Pollaiuolo recuperó la «diagonal heroica» de la escultura griega, mostrando un gran virtuosismo en la representación del desnudo en acción —según Vasari, su tratamiento del desnudo «es más moderno que el de cualquiera de los maestros que le han precedido»—. Pollaiuolo realizó profundos estudios de anatomía, confesando Vasari que diseccionaba cadáveres, estudiando especialmente los músculos. De esta forma, se alejó del clasicismo grecorromano, que si bien estaba basado en el naturalismo de las formas, éstas eran idealizadas, alejadas del realismo anatómico que introdujo Pollaiuolo, como se demuestra en su "Hércules y Anteo" (1470), cuya tensión al aplastar el héroe el cuerpo del gigante denota el detallismo del estudio anatómico efectuado por el autor. Con su hermano Piero realizó "El martirio de san Sebastián" (1475), que muestra nuevamente sus estudios de anatomía, especialmente en el arquero con la cara roja por el esfuerzo de tensar el arco.


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text: Luca Signorelli fue otro exponente del desnudo dinámico, anatómico, especialmente por sus hombros angulosos, anchos y firmes, que denotan energía contenida, así como la simplificación de determinadas partes del cuerpo con volúmenes contrapuestos —hombros y nalgas, pecho y estómago—, que proporciona a sus figuras una densa plasticidad, una cierta cualidad táctil. En sus frescos de la Catedral de Orvieto (1499-1505) presentó figuras musculosas, de marcados contornos, con una tensión dinámica latente, como en sus figuras de "Los bienaventurados" y "Los condenados". Los desnudos tensos y dinámicos de Pollaiuolo y Signorelli iniciaron una moda por las «batallas de hombres desnudos» que se prolongaría desde 1480 hasta 1505, sin especial justificación iconográfica, simplemente por su esteticidad —lo que en Florencia llamaban el "bel corpo ignudo"—, y que se denota en obras como la "Batalla" de Bertoldo di Giovanni (1480), los "Hombres luchando" de Rafael o "La batalla de los centauros" (1492) y "La batalla de Cascina" (1504) de Miguel Ángel.


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text: Botticelli realizó desnudos muy intelectualizados, de fuerte carga simbólica, relacionado con la escuela neoplatónica de Florencia, que fue la principal responsable de la recuperación del desnudo femenino tras el periodo moralista medieval. Marsilio Ficino, uno de los principales teóricos de la escuela, recuperó la figura de Venus como modelo de virtudes y de exaltación mística, oponiendo dos figuras provenientes de "El banquete" de Platón, la Venus celestial ("Venus Coelestis") y la mundana ("Venus Naturalis"), que simbolizan lo que hay de divino y de terrenal en la mujer. Este simbolismo fue excelentemente tratado por Botticelli en sus dos principales obras: "La primavera" (1481-1482) y "El nacimiento de Venus" (1484). Para ello se inspiró en los pocos restos de obras clásicas que tenía a su alcance, algunos sarcófagos, joyas, relieves, cerámicas y dibujos, y creó un arquetipo de belleza que sería identificado como el ideal clásico de belleza desde el Renacimiento. En "La primavera" recuperó el género del "draperie mouillée", con unas finas telas semitransparentes que dejan entrever el contorno del cuerpo, con un sentido del clasicismo procedente de las pinturas de Pompeya y Herculano o los estucos de Prima Porta y la Villa de Adriano. Sin embargo, Botticelli se alejó del carácter volumétrico del desnudo clásico, con unas figuras frágiles y esbeltas que respondían más al concepto moderno del cuerpo humano, al tiempo que sus rostros son más personales y humanizados que los ideales prototipos clásicos. En "El nacimiento de Venus", pintado tras su estancia en Roma, donde realizó sus frescos de la Capilla Sixtina, mostró un más puro clasicismo, gracias a su contacto con las antigüedades romanas presentes en la ciudad de los papas. Así, su Venus está despojada ya de todo ropaje y de cualquier tipo de cortapisa moralista, abandonando definitivamente el arte medieval para entrar de lleno en la modernidad. El tema iconográfico lo tomó de unos versos de la "Giostra" de Angelo Poliziano, inspirados en un pasaje homérico que, según Plinio, había sido ya pintado por Apeles en su obra "Afrodita Anadyomene". Le sirvió de modelo la bella aristócrata Simonetta Vespucci, cuya figura, pese al clasicismo de la composición, responde más a criterios góticos, no tanto en cuanto a proporciones, sino en ritmo y estructura: su forma curva hace que la figura no esté distribuida equitativamente, sino que el peso cae más a la derecha, y el movimiento ondulado de su contorno y sus cabellos da la sensación de estar flotando en el aire. El tipo iconográfico es el de la Venus Púdica, que cubre sus partes íntimas con sus brazos, esquema que repitió parcialmente en la figura de la Verdad de "La Calumnia de Apeles", alejada en cambio de todo componente clásico. Otras obras de Botticelli en que aparecen desnudos son: "San Sebastián" (1474), "La historia de Nastagio degli Onesti" (1482-1483), "Venus y Marte" (1483), "Piedad con san Jerónimo, san Pablo y san Pedro" (1490-1492) y "Lamento por Cristo muerto" (1492-1495).


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text: Piero di Cosimo, que también retrató a "Simonetta Vespucci como Cleopatra" (1480), fue un artista original dotado de gran fantasía, con obras inspiradas en la mitología, con un aire algo excéntrico, pero dotadas de gran sentimiento y ternura, donde las figuras —junto a una gran variedad de animales— se hallan inmersas en amplios paisajes: "Vulcano y Eolo como maestros de la Humanidad" (1490), "Venus, Marte y el Amor" (1490), "Las desgracias de Sileno" (1500), "La muerte de Procris" (1500), "El descubrimiento de la miel" (1505-1510), "Batalla de Lapitas y Centauros" (1515), "El mito de Prometeo" (1515), etc.


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text: Un clasicismo más sereno se percibe en la Italia central, como en la "Muerte de Adán" (1452-1466) de Piero della Francesca, cuyas figuras desnudas tienen la gravedad de la escultura de Fidias o Policleto, o el "Apolo y Marsias" (1495) de Perugino, de un claro aire praxiteliano. Este clasicismo tuvo su culminación en el "Parnaso" (1511) de Rafael, sin duda inspirado en el "Apolo de Belvedere" —que había sido descubierto en 1479—, del que recuperó no solo su esbelta anatomía, sino también su ritmo, su gracia y armonía, que se vislumbra en los santos, poetas y filósofos de las "Stanze". Sin embargo, no recreó sin más las figuras clásicas, sino que las interpretó de acuerdo a su sentido del diseño, a una concepción dulce y armoniosa del ideal estético del artista. Por otro lado, Rafael, cuya obra presenta una visión sinóptica de la belleza ideal, fue capaz de extraer la más idealista perfección del más sensual de los sentidos. En "Las Tres Gracias" (1505), elaboró unas formas sencillas, no tan etéreas como la grácil Venus botticelliana, pero de un clasicismo que más que copiado de la antigüedad parece innato al artista, un clasicismo algo ingenuo, pero de fresca vitalidad. En su "Adán y Eva" (1508) de las estancias papales, Rafael reprodujo la forma femenina de la primera mujer influido por la "Leda" de Leonardo, con una volumetría algo nudosa. Posteriormente, de su obra en La Farnesina, la villa de recreo de Agostino Chigi, destaca su "Triunfo de Galatea" (1511), inspirada en las pinturas de la Domus Aurea de Nerón, y para cuya realización Rafael reconoció que había utilizado diferentes partes de diversas modelos, pues ninguna le parecía suficientemente perfecta —como según cuenta la leyenda hacía también Apeles—.


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text: En cambio, Leonardo Da Vinci se alejó de los cánones clásicos, con figuras naturalistas diseñadas según sus amplios estudios de anatomía. En sus inicios se inspiró en las formas enérgicas de Pollaiuolo, y "La batalla de Anghiari" está influida por "La batalla de Cascina" de Miguel Ángel. Con posterioridad, su profundización en la anatomía proporcionó a sus figuras un rotundo realismo, donde se vislumbra el interés cientificista, pero al tiempo denotan una cierta actitud heroica, de dignidad moral y humana, que les proporcionaba una serena intensidad vital. Sin embargo, pese a este interés por la anatomía que plasmó en centenares —quizá miles— de dibujos, que se encuentran hoy día esparcidos por múltiples museos y colecciones particulares, en sus cuadros apenas realizó unas pocas representaciones de desnudo, como el "Baco" (o "San Juan Bautista", 1510-1515), o su "Leda y el cisne", de la que realizó al menos tres versiones entre 1504 y 1506, y que es la vindicación de la mujer desnuda como símbolo de la vida creadora, y no ya como un ideal inasequible. Para Leonardo, el estudio de la anatomía le servía más para conocer las proporciones de la figura a representar —aunque luego estuviese vestida—, que no como fin en sí mismo; así, por ejemplo, existe un dibujo medio desnuda de la famosa Mona Lisa, "La Gioconda" (1503), actualmente en el Museo Condé de Chantilly.


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text: La culminación del desnudo renacentista se produjo en la obra de Miguel Ángel, para el que el cuerpo humano desnudo tenía un carácter divino que le otorgaba una dignidad inigualable en cualquier otro desnudo contemporáneo. A causa de sus convicciones neoplatónicas, idealizó de manera extrema la emoción que sentía ante la belleza masculina, por lo que la sensualidad de sus desnudos se convierte en algo trascendental, en la expresión de algo superior e inmaterial, inasible, excelso, puro, infinito. Sus figuras son a la vez dominantes y conmovedoras, de una gran potencia y una gran pasión, de una rotunda vitalidad y una intensa energía espiritual. Incluso sus obras religiosas han perdido el patetismo del sufrimiento inherente a la figura de Cristo crucificado para mostrar al Salvador con una serenidad espiritual que genera compasión más por su belleza que por su dolor, como en la "Piedad del Vaticano" (1498-1499). Sus primeros dibujos de desnudo muestran la vivacidad de sus articulaciones nerviosas, alejadas ya de los suaves contornos clásicos, con un rico modelado alejado de cualquier proporción o esquema geométrico. Su anatomía es nudosa y apretada, dinámica, donde destaca el espesor del torso, con músculos marcados y contornos macizos, exagerando los efectos de torsión y las figuras en escorzo, como en el "Baco ebrio" (1496-1497), una de sus primeras grandes esculturas. El "David" (1501-1504) de Florencia conserva todavía el aire apolíneo de un clasicismo equilibrado, pero interpretado de forma personal, donde el torso puede parecer el de una estatua griega, pero la desproporción de cabeza y miembros denota tensión, y su expresión desafiante se aleja del "ethos" clásico. Igualmente sucede con la expresión dramática de sus "Esclavos" del Louvre ("Esclavo moribundo" y "Esclavo heroico", 1513), que recuerdan las figuras de nióbidas del arte helenístico, y denotan la influencia del "Laocoonte" (Miguel Ángel fue uno de los primeros en ver el grupo escultórico, desenterrado en 1506 cerca de San Pietro in Vincoli). De igual manera, sus figuras para las tumbas de los Médicis (1524) recuerdan a obras griegas: las masculinas ("El Día" y "El Crepúsculo") al "Torso del Belvedere", y las femeninas ("La Aurora" y "La Noche") a la "Ariadna" del Vaticano.


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text: Posteriormente, su idea de una anatomía rotunda y vibrante, pero cargada de intensidad emocional, se plasmó en su "Adán" de la Capilla Sixtina (1508-1512), que recuerda al Dioniso del frontón del Partenón, pero con una carga vital muy alejada de la armoniosa escultura fidiana. De igual manera, las figuras de los atletas (llamados por lo general simplemente "ignudi", «desnudos») en el techo de la Sixtina tienen el equilibrio de la energía atlética junto a la trascendencia de su misión sagrada —representan las almas de los profetas bíblicos—, ejerciendo de forma armoniosa su papel mediador entre el mundo físico y el espiritual, por lo que su belleza física es reflejo de la perfección divina. En otras escenas como el "Diluvio Universal" (1509) también muestra unas figuras vigorosas cuya potencia física trasluce la fortaleza espiritual. La "Creación de Eva" (1509-1510) presenta una figura femenina rotunda, vigorosa, de contornos muy marcados. Por otro lado, el Cristo del "Juicio Final" (1536-1541) tiene la solemnidad de un Apolo entendido como "sol justitiae", pero con una rotundidad —patente en su torso casi cuadrado— ya plenamente alejada de los cánones clásicos. Su representación de Jesús no es ya la típica figura barbada de tradición bizantina, sino la efigie de un dios olímpico o de un rey helenístico, más cercana a Alejandro Magno que a un carpintero judío, con una complexión más atlética que la que cabría esperar del místico asceta cristiano. En sus últimas obras, las tres piedades (la de Palestrina, la del Duomo y la Piedad Rondanini), abandonó por completo el ideal de belleza física, con figuras distorsionadas (Palestrina), angulosas (Duomo) o de un esquematismo cercano al gótico (Rondanini).


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text: En el sigloXVI el desnudo tuvo una amplia difusión gracias a los grabados publicados sobre obras clásicas grecorromanas, especialmente los producidos por Marcantonio Raimondi. Surgió entonces la escuela veneciana, que realizó importantes contribuciones al desnudo, no solo en la continuidad de ciertos planteamientos clasicistas, sino también en la innovación y experimentación de nuevas vías técnicas y estilísticas. Los venecianos consiguieron armonizar el desnudo dentro de composiciones más elaboradas, ya fuesen de interior o en el marco de un paisaje natural, a la vez que sus innovaciones cromáticas y lumínicas otorgaron mayor realismo y sensualidad al desnudo, con figuras amplias y exuberantes que empiezan a alejarse del canon clásico. Se aprecia así en la "Dama en su tocador" de Giovanni Bellini (1515), aunque el principal iniciador de este estilo fue Giorgione, que fue el primero en estructurar el desnudo femenino dentro de un esquema decorativo general, como en sus frescos del Fondaco dei Tedeschi (1507-1508, hoy desaparecidos), en su "Concierto campestre" (1510) o en su "Venus dormida" (1507-1510), cuya postura reclinada ha sido copiada hasta la saciedad. Cabe remarcar que la tipología física de los desnudos de Giorgione, de proporciones generosas y ancha cintura, dominaría el desnudo femenino veneciano durante mucho tiempo, y que pasó, a través de Durero, a Alemania y los Países Bajos, perdurando en el barroco en la obra de artistas como Rubens.


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text: Un temprano imitador de Giorgione fue Tiziano, cuyas "Venus de Urbino" (1538) y "Venus del Pardo" (o "Júpiter y Antíope", 1534-1540) reproducen la misma postura que la "Venus dormida", adquiriendo, sin embargo, mayor fama. En "Amor sacro y amor profano" (1514-1515) plasmó el mito de "El banquete" de Platón de la Venus celestial y la mundana recuperado por Ficino y la escuela neoplatónica florentina. La Venus celestial es la que está desnuda, siguiendo el ideal del desnudo clásico, dada la pureza de su virtud moral, mientras que la mundana aparece vestida, por la vergüenza de su inmoralidad. En otras obras continuó con su prototipo de mujer de formas exuberantes y carnosas, como en "Baco y Ariadna" (1520-1523), "Magdalena penitente" (1531-1533), "Venus recreándose en la música" (1547), "Venus con organista, amorcillo y perrito" (1550), "Dánae recibiendo la lluvia de oro" (1553), "Venus tratando de detener a Adonis" (1553), "El rapto de Europa" (1559-1562), "Diana y Acteón" (1559), "Diana descubriendo la preñez de Calisto" (1559), las dos "Bacanales" pintadas para Alfonso I de Este (1518-1526), o su "Venus Anadiomene" (1520) de la colección Ellesmere, cuya sensualidad sin tapujos es el punto de partida del desnudo como tema en sí mismo, que sería recuperado en el impresionismo.


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text: Discípulos de Tiziano fueron Paris Bordone ("Venus durmiente con Cupido", 1540; "El baño de Betsabé", 1549; "Venus, Marte y Cupido", 1560) y Tintoretto, cuya pretensión —no del todo conseguida— fue reunir el dibujo de Miguel Ángel con el colorido de Tiziano. Las obras de este último son de gran tamaño, con multitud de figuras, con luces fulgurantes que reflejan la calidad lumínica de su adorada Venecia. En su decoración del Palacio Ducal véneto (1560-1578) efectuó una auténtica apoteosis del desnudo, con múltiples figuras procedentes de la mitología clásica (Marte, Minerva, Mercurio, Baco, Ariadna, Vulcano, las Tres Gracias), en posiciones donde suele abundar el escorzo, en una gran variedad de posturas y perspectivas. Otras obras suyas de desnudo son: "José y la mujer de Putifar" (1544), "Adán y Eva" (1550-1552), "Venus, Vulcano y Marte" (1555), "La liberación de Arsínoe" (1555-1556), "Susana y los viejos" (1560-1565), "Origen de la Vía Láctea" (1575-1582), "Judit y Holofernes" (1579), etc. Su hija, Marietta Robusti, siguió sus pasos, al tiempo que sirvió de modelo a su padre en numerosas ocasiones.


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text: Paolo Veronese también dominó a la perfección el colorido, combinado sabiamente en infinitos matices, así como la composición, dedicada a recrear escenas fastuosas, lúdicas, ornamentales, enfatizando el boato de la Venecia del Dux. Incluso sus escenas religiosas tienen un carácter festivo, alegre, mundano, a veces algo irreverente. Sin embargo, sus desnudos eran recatados, contenidos, pudorosos, sin mostrar nada explícito, apenas alguna zona desnuda entre túnicas o pliegues de ropa, como en "La infidelidad" (1575-1580), "Creación de Eva" (1575-1580), "Marte y Venus" (1580), "Susana y los viejos" (1580) y "Venus y Adonis" (1580).


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text: Por su parte, Correggio se alejó de todo clasicismo para elaborar composiciones originales tan solo subordinadas a la desbordante imaginación del artista, no solo en cuanto a formas y figuras, sino también en los juegos cromáticos y los efectos lumínicos, influidos por el "sfumato" de Leonardo. En obras como "Venus y Amor descubiertos por un sátiro" (o "Júpiter y Antíope", 1524-1525), "La educación de Cupido" (1528), "Dánae" (1530), "Leda con el cisne" (1531-1532) y "Júpiter e Ío" (1531-1532), muestra figuras en posiciones caprichosas, dinámicas, que destacan lumínicamente del resto del cuadro, más oscuro, focalizando así el principal punto de interés para el artista.


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text: En la segunda mitad del sigloXVI surgió el manierismo, con el que en cierta forma comienza el arte moderno: las cosas no se representan tal como son, sino tal como las ve el artista. La belleza se relativiza, se pasa de la belleza única renacentista, basada en la ciencia, a las múltiples bellezas del manierismo, derivadas de la naturaleza. Para los manieristas, la belleza clásica es vacía, sin alma, contraponiendo una belleza espiritual, onírica, subjetiva, no reglamentada —resumida en la fórmula "non so ché" («no sé qué») de Petrarca—. El desnudo manierista será de formas alargadas, exageradas, esbeltas, de una elegancia casi amanerada. Parte, por un lado, de la distorsión formal de Miguel Ángel y, por otro, de la elegancia de Parmigianino. Un buen ejemplo es la "Alegoría del triunfo de Venus" (o "Alegoría de la Pasión", 1540-1545) de Bronzino, cuya Venus, tan esbelta y de una actitud casi lasciva, procede, sin embargo, por su postura en zigzag del Cristo muerto de la "Pietà" miguelangelesca. Estas figuras esbeltas y de una gracia refinada abundaron igualmente en la escultura, preferentemente en bronce, desarrollada por artistas como Baccio Bandinelli ("Hércules y Caco", 1534, situado junto al "David" de Miguel Ángel en la Piazza della Signoria de Florencia), Bartolomeo Ammannati ("Leda y el cisne", 1535; "Venus", 1558; "Fuente de Neptuno", 1563-1565), Benvenuto Cellini ("Crucifijo de El Escorial", 1539; "Salero de FranciscoI", 1540-1543; "Ganímedes", 1547; "Perseo con la cabeza de Medusa", 1554) o Giambologna ("Sansón y un filisteo", 1562; "Mercurio", 1564; "Fuente de Neptuno", 1565; "Florencia vencedora de Pisa", 1570; "Rapto de las Sabinas", 1582; "Hércules y el centauro Neso", 1599). Por otro lado, la vertiente trágica del desnudo —la del "pathos" helenístico— fue cultivada por Pontormo y Rosso Fiorentino, generalmente con temas religiosos, que podían expresar mejor el emocionalismo manierista, como el "Moisés y las hijas de Jetró" de Rosso (1523), cuyos cuerpos planos y angulosos son la antítesis del clasicismo.


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text: Durante el sigloXVI, la aceptación del desnudo como tema artístico, que se trasladó de Italia al resto de Europa, generó una gran demanda de estas obras, especialmente en Alemania y los Países Bajos, por parte de un público de clase burguesa que consumía con avidez este tipo de obras. Hasta tal punto llegó la representación del desnudo que figuró incluso en la portada del "Nuevo Testamento" de Erasmo de Róterdam. Uno de los artistas que gozó de más popularidad en este terreno fue Lucas Cranach el Viejo, que a lo largo de su obra elaboró una versión más personal del desnudo nórdico de origen gótico que, pese a conservar sus formas redondeadas, éstas se muestran más estilizadas y sometidas a cánones clásicos, con piernas largas y esbeltas, fina cintura y silueta suavemente ondulada, como en "Venus y Cupido" (1509), "La ninfa de la fuente" (1518), "Lucrecia" (1525), "El juicio de Paris" (1527), "Adán y Eva" (1528), "Apolo y Diana" (1530), "Las Tres Gracias" (1530), "La Edad de Oro" (1530), "Venus" (1532), "Venus y Cupido con el panal de miel" (1534), "Alegoría de la justicia" (1537), "La fuente de la juventud" (1546), "Diana y Acteón" (1550-1553), etc. Sus figuras se presentan con múltiples atrezzos (sombreros, cinturones, velos, collares), lo que realza el erotismo de sus modelos, estableciendo una imaginería que se repetiría a menudo en el futuro.


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text: Alberto Durero heredó las formas del arte gótico tan arraigado en su país, pero evolucionó gracias al estudio del clasicismo renacentista italiano. Algunas de sus primeras obras muestran el prototipo femenino gótico de figuras alargadas con pechos pequeños y vientres abultados, como en "Hausfrau" (1493), "Baño de mujeres" (1496) y "Las cuatro brujas" (1497). Posteriormente, se entregó al estudio de las proporciones en el cuerpo humano, intentando hallar la clave de la perfección anatómica, aunque sin resultados favorables. Sin embargo, de esta manera se aproximó a un cierto estilo clasicista, como se denota en su "Adán y Eva" de 1504, que demuestra que la armonía clásica era más un estado de ánimo que no un canon de reglas geométricas. Aun así no quedó satisfecho, y en sus últimas obras volvió a las formas bulbosas del arte gótico, como en "La muerte de Lucrecia" (1518). Excelente grabador además de pintor, algunos de sus mejores desnudos son grabados, como "Berenice", "El sueño del pensador" y "El monstruo marino", o bien alegorías y la serie de "Triunfos Imperiales", o sus estampas sobre la pasión y muerte de Jesús y la vida de santos como San Jerónimo, Santa Genoveva y Santa María Magdalena. La obra de Durero influyó en numerosos artistas del mundo germánico, en obras donde se entremezclan las formas góticas con los ideales clásicos, como se percibe en la obra de Urs Graf ("El ejército furioso", 1520) y Niklaus Manuel Deutsch ("Juicio de Paris", 1516-1528).


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text: También fue discípulo de Durero Hans Baldung, autor de obras alegóricas de fuerte contenido moralizante, generalmente con personificaciones de la muerte o sobre las edades del hombre, recordando lo efímero de la vida: "Tríptico de San Sebastián" (1507), "Los dos amantes y la Muerte" (1509-1511), "Las tres edades de la mujer y la Muerte" (1510), "Eva, la Serpiente y la Muerte" (1512), "Tres brujas" (1514), La Muerte y una mujer (1518-1520), "Vanidad" (1529), "Hércules y Anteo" (1530), "Adán y Eva" (1535), "Las siete edades de la mujer" (1544), etc. Por su parte, Hans Holbein el Joven fue autor preferentemente de cuadros religiosos y retratos, tratando poco el desnudo, del que, sin embargo, hay que resaltar su magnífico "El cadáver de Cristo en el sepulcro" (1521).


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text: En los Países Bajos, El Bosco supuso una cierta continuidad de las formas góticas, aunque tratadas con mayor naturalismo y con una fantasía desbordante que haría de su obra un portento de creatividad e imaginación. En "El jardín de las delicias" (1480-1490), "El juicio final" (1482), la "Mesa de los pecados capitales" (1485) y "El carro de heno" (1500-1502), prolifera la forma desnuda, humana o infrahumana (demonios, sátiros, animales mitológicos, monstruos y criaturas de corte fantástico), en un paroxismo de lujuria que trasciende cualquier significado iconográfico y obedece únicamente a la febril imaginación del artista. Pieter Brueghel el Viejo también realizó obras de amplia panorámica y multitud de figuras, con predilección por el paisajismo y el retrato costumbrista, aunque sus desnudos son escasos. Se encuentran en cambio más patentes en la obra de su hijo, Jan Brueghel de Velours, autor de paisajes donde proliferan pequeñas figuras desnudas, en escenas mitológicas o bíblicas. En Flandes, Jan Gossaert recibió la influencia rafaelesca, siendo el introductor en su país de la fábula mitológica, como en "Neptuno y Anfítrite" (1516), "La metamorfosis de Hermafrodito y Salmacis" (1520) y "Dánae recibiendo la lluvia de oro" (1527).