title: Historia del desnudo artístico

text: Otros miembros de "Die Brücke" fueron: Erich Heckel, que entre 1906 y 1907 realizó una serie de cuadros de composición vangoghiana, de pinceladas cortas y colores intensos —predominantemente el amarillo—, con pasta densa. Más tarde evolucionó a temáticas más expresionistas, como el sexo, la soledad y la incomunicación: "Bañistas en el juncal" (1909), "Desnudos junto al estanque" (1910), "Escena a la orilla del mar (Mujeres bañándose)" (1912), "El día cristalino" (1913). Karl Schmidt-Rottluff practicó en sus inicios el macropuntillismo, para pasar a un expresionismo de figuras esquemáticas y rostros cortantes, de pincelada suelta y colores intensos: "Muchacha aseándose" (1912), "Después del baño" (1912), "Cuatro bañistas en la playa" (1913). Max Pechstein realizó en 1914 un viaje por Oceanía, recibiendo como tantos otros artistas de la época la influencia del arte primitivo y exótico: "Mujer e indio sobre una alfombra" (1909), "Al aire libre (Bañistas en Moritzburg)" (1910), "Tres desnudos en un paisaje" (1911), "Amanecer" (1911), "La danza, bailarines y bañistas en el estanque del bosque" (1912), "Tríptico de Palau" (1917). Otto Mueller realizó obras sobre paisajes y desnudos con formas esquemáticas y angulosas donde se percibe la influencia de Cézanne y Picasso. Sus desnudos suelen situarse en paisajes naturales, evidenciando la influencia de la naturaleza exótica de Gauguin. Sus figuras delgadas y esbeltas están inspiradas en Cranach, de cuya "Venus" tenía una reproducción en su estudio. Son desnudos de gran sencillez y naturalidad, sin rasgos de provocación o sensualidad, expresando una perfección ideal, la nostalgia de un paraíso perdido, en que el ser humano vivía en comunión con la naturaleza: "Tres desnudos en el bosque" (1911), "Desnudos al pie del agua" (1913), "Estanque del bosque con dos desnudos" (1915), "Joven en los rosales" (1918), "Dos mujeres sentadas en las dunas" (1922), "Dos muchachas en la hierba" (1926).


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text: Fuera de los principales grupos expresionistas se situó la obra de Paula Modersohn-Becker: en unas visitas a París entre 1900 y 1906 recibió la influencia de Cézanne, Gauguin y Maillol, combinando de forma personal las formas tridimensionales de Cézanne y los diseños lineales de Gauguin, principalmente en retratos y escenas maternas, así como desnudos, evocadores de una nueva concepción en la relación del cuerpo con la naturaleza, como en "Madre arrodillada con niño" (1907). En Viena destacó Egon Schiele, discípulo de Klimt, cuya obra giró en torno a una temática basada en la sexualidad, la soledad y la incomunicación, con cierto aire de voyeurismo, con obras muy explícitas por las que incluso estuvo preso, acusado de pornografía. Dedicado principalmente al dibujo, otorgó un papel esencial a la línea, con la que basó sus composiciones, con figuras estilizadas inmersas en un espacio opresivo, tenso. Recreó una tipología humana reiterativa, con un canon alargado, esquemático, alejado del naturalismo, con colores vivos, exaltados, destacando el carácter lineal, el contorno. Algunas obras suyas entre su extensa producción son: "Joven desnuda con los brazos sobre el pecho" (1910), "Desnudo tumbado con los brazos hacia atrás" (1911), "Dos muchachas" (1911), "Desnudo femenino sentado" (1914), "Pareja de mujeres" (1915), "Desnudo acostado" (1917), "El abrazo" (1917), etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: En escultura destacó Georg Kolbe, dedicado especialmente al desnudo, con figuras dinámicas, en movimientos rítmicos cercanos al ballet, con una actitud vitalista, alegre y saludable. Su obra más famosa fue "La Mañana", expuesta en el Pabellón de Alemania construido por Ludwig Mies van der Rohe para la Exposición Internacional de Barcelona de 1929. Por otro lado, el noruego Gustav Vigeland realizó entre 1924 y 1942 un extraordinario conjunto escultórico en el Parque Frogner de Oslo —luego llamado Parque de Vigeland—, con más de un centenar de figuras desnudas, que representan la vida humana analizada en las diversas etapas y edades de la vida, desde la infancia hasta la vejez, con un estilo sereno y confiado, sano y optimista, que expresa sin prejuicios ni moralinas el sentido pleno y natural de la vida.


title: Historia del desnudo artístico

text: En Francia se formó la denominada Escuela de París, un grupo heterodoxo de artistas que trabajaron en el período de entreguerras, vinculados a diversos estilos artísticos como el postimpresionismo, el expresionismo, el cubismo y el surrealismo. Uno de sus principales exponentes fue Amedeo Modigliani, artista de vida bohemia, sumido en el sexo, las drogas y el alcohol. Recibió una formación clásica, donde cobró preferencia por el manierismo y la escuela veneciana. En 1902 estudió en la Scuola Libera di Nuodo de Florencia, dedicada especialmente al desnudo. En sus obras remarcaba con fuerza el contorno, de líneas fluidas, herederas del arabesco modernista, mientras que el espacio se formaba por yuxtaposición de planos de color, con figuras alargadas inspiradas en los maestros italianos del Cinquecento. Entre sus obras cabría citar: "Desnudo doloroso" (1908), "Desnudo sentado" (1910), "Cariátide" (1913-1914), "Desnudo rojo con los brazos abiertos" (1917), "Desnudo sentado en un diván" (1917), "Desnudo con collar" (1917), "Desnudo echado sobre un cojín azul" (1917), "Desnudo tumbado de espaldas" (1917), "Desnudo recostado" (1919), etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: Otros miembros de la Escuela de París fueron: Marc Chagall, que realizó obras de carácter onírico, cercanas a un cierto surrealismo, distorsionando la realidad a su capricho, en escenas que se encuentran en un espacio irreal, ajeno a reglas de perspectiva o escala, en un mundo donde evoca sus recuerdos infantiles, mezclados con el mundo de los sueños, la música y la poesía: "Desnudo sobre Vitebsk" (1933), "A mi mujer" (1933), "El crucificado de Vitebsk" (1938). Georges Rouault estuvo vinculado en principio al simbolismo ("Stella matutina", 1895) y al fauvismo, pero su temática de índole moral —centrada en lo religioso— y su colorido oscuro lo acercaron al expresionismo. Sus obras más emblemáticas son las de desnudos femeninos, que tienen un aire amargo y desagradable, con figuras lánguidas y blanquecinas ("Odaliscas", 1907). Ejecutó entre 1903 y 1904 diversos cuadros de prostitutas desnudas donde se recrea en la depravación de su oficio, reflejando de forma horrenda la materialidad de la carne, despojada de cualquier componente ideal o moral, con un sentido de denuncia de la decadencia de la sociedad procedente de su ideario neocatólico, en un estilo expresionista de trazos rápidos y líneas básicas. Obras suyas son: "Desnudo al espejo" (1906), "Mujer joven" (1906) y "Otoño" (1936). Jules Pascin expresó en su obra el desarraigo y la alienación del desterrado, así como las obsesiones sexuales que le marcaron desde su adolescencia. Tenía una delicada técnica, con una línea finamente sugerida y un color de tonos iridiscentes, mostrando en sus desnudos un aire lánguido y evanescente, de cierta influencia degasiana: "Manolita" (1929). También cabría recordar a Marcel Gromaire, autor de desnudos de formas sensuales y vigorosas, con predominio de colores ocres y amarillos ("Desnudo con un tapiz de Oriente", 1926; "Desnudo rubio", 1926; "Desnudo con abrigo", 1929); y Tsuguharu Foujita, que realizó una síntesis de la tradición japonesa y la occidental, con un grafismo preciso y un acabado brillante, como si fuera de laca ("El salón de Montparnasse", 1928).


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text: Este movimiento se basó en la deformación de la realidad mediante la destrucción de la perspectiva espacial de origen renacentista, organizando el espacio según una trama geométrica, con visión simultánea de los objetos, una gama de colores fríos y apagados, y una nueva concepción de la obra de arte, con la introducción del "collage". Su principal exponente fue Pablo Picasso: de formación académica ("Desnudo femenino de espaldas", 1899; "Desnudo femenino sentado", 1899), pasó por diversos periodos antes de desembocar en el cubismo, de los que conviene recordar para el tema del desnudo su «período rosa», de un clasicismo influenciado por Ingres, con temáticas ambientadas en el mundo circense y de la "toilette" impresionista: "Saltimbanquis" (1904), "Familia de arlequín" (1905), "Holandesa con cofia" (1905), "Muchacho desnudo con caballo" (1905), "Desnudo de Fernande Olivier" (1905), "Dos desnudos" (1906), "El harén" (1906), "Los dos hermanos" (1906), "Desnudo de la cabellera" (1906), "Desnudo con las manos juntas" (1906). En 1907 realizó "Las señoritas de Avignon", que supuso una ruptura total con el arte tradicional, haciendo un alegato contra la belleza convencional, la belleza basada en reglas y proporciones. Ya el tema elegido —un burdel— es sintomático de protesta, de rebeldía, pero además el tratamiento de las figuras, deformadas y reducidas a cuerpos geométricos simples (cubo, cilindro), denota su afán desmitificador del concepto clásico de belleza. En esta obra Picasso trasluce una fuerte influencia por la escultura africana, de formas estilizadas y basadas en líneas simples de construcción geométrica, con un sentido más intuitivo que realista de la representación del cuerpo, un estilo que evoca más la presencia anímica que la corporeidad física. Sin embargo, la desmembración de los cuerpos no es aleatoria, sino sometida a leyes de refracción, encuadrada en contornos agudos y planos cóncavos tomados de la espacialidad del arte africano.


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text: "Las señoritas de Aviñón" inició el llamado «período negro» de Picasso, un breve lapso hasta su etapa plenamente cubista, en el que realizó además "Desnudo con paños" (1907), "Tres mujeres" (1908) y "La dríada (Desnudo en el bosque)" (1908). Del período plenamente cubista destacan "Desnudo" (1910) y "La mujer en camisa" (1913), aunque en esta etapa no se dedicó especialmente al desnudo. Posteriormente, tras una visita a Pompeya en 1917, redescubrió la frescura y el componente vital del arte clásico primigenio, y en su dibujo de unas "Bañistas" de ese año realizó una composición de formas más naturalistas, aunque estilizadas y tratadas con la libertad artística de su original creatividad. Durante los primeros años 1920 realizó desnudos de concepción más clásica, como en sus ilustraciones de Ovidio y Aristófanes, pero eran desnudos de una voluntaria objetividad que les privaba de vitalidad, la cual se reafirmaría cuando posteriormente volvió a la deformación de sus figuras, como en su "Mujer desnuda en un sillón rojo" de 1929, cuya distorsión parece deliberadamente cruel y desmitificadora. Esta obra no atenta ya contra el desnudo clásico, sino contra el desnudo contemporáneo, ya que el decorado donde se encuentra la figura recuerda al de las "Odaliscas" de Matisse realizadas pocos años antes. Aquí se percibe el Picasso rebelde, iconoclasta, siempre en busca de caminos nuevos y en contra de todo convencionalismo, sea del pasado o del presente. Realizó en este sentido diversas versiones de obras clásicas de la historia del arte, como "Parodia de la “Olympia” de Manet" (1901-1903), "La Venus del espejo" (1932) y "Le Déjeuner sur l'herbe" (1961). Desde aquí inició Picasso un camino cada vez más abstrayente de la figura humana, sometido a un proceso distorsionador cada vez mayor, como se percibe en la serie de litografías "Les Deux Femmes nues" (1945-1946), que presenta una figura acostada durmiendo y otra sentada despierta —quizá una alusión al mito de Cupido y Psique—, que en sucesivas fases se muestra desde unas formas naturalistas hasta casi la abstracción. Otras obras suyas son: "Bañista sentada" (1930), "Desnudo" (1932), "La Musa" (1935), "Figuras en la playa" (1937), "Mujer peinándose" (1940), "Masacre en Corea" (1951), "Las mujeres de Argel" (1955), "Mujeres arreglándose" (1956), "Desnudo bajo un pino" (1959), etc.


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text: Otros representantes del cubismo fueron: Georges Braque, iniciador del estilo con Picasso, cuyo "Gran desnudo" (1908) guarda un gran paralelismo con "Las señoritas de Aviñón", con influencia africana y un cierto aire totémico, con un movimiento rítmico. Fernand Léger recreó en sus obras una estructura volumétrica de la forma basada en tubos —por lo que su estilo fue denominado «tubismo»—: "Figuras desnudas en un bosque" (1910), "La modelo desnuda en el taller" (1912-1913), "Tres mujeres desayunando" (1921), "Desnudos sobre fondo rojo" (1923), "Las tres mujeres sobre fondo rojo" (1927), "Dos mujeres con flores" (1954). Robert Delaunay realizó en "La ciudad de París" (1910) una curiosa mezcla entre la figuración y la abstracción geométrica, con un espacio estructurado por bloques, con un cromatismo matizado que difumina las formas en el entorno que les rodea. Joan Miró pasó por el fauvismo y el cubismo antes de llegar al surrealismo, su etapa más conocida: "Desnudo con pájaro y flor" (1917), "Desnudo con espejo" (1919), "Desnudo de pie" (1921).


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text: En escultura, Alexander Archipenko fue el creador de la «construcción», la variante escultórica del "collage". En "Mujer caminando" (1912) introdujo un nuevo análisis de la figura humana, descompuesta en formas geométricas y horadada en ciertos puntos con agujeros que crean un contraste entre lo sólido y lo hueco, en una nueva forma de entender la materia. En "Mujer peinándose" (1915) siguió el criterio cubistizante de "Las señoritas de Aviñón", y en "Mujer sentada" (1916) experimentó con el espacio cóncavo, mientras que en "Torso de mujer" (1922) acentuó la estilización de la figura, proceso que culminó en "Torso en el espacio" (1935). Julio González utilizó en su escultura planchas de hierro para simular la epidermis, en partes del cuerpo humano que denotan la ausencia de lo que sería el conjunto del cuerpo, efecto acentuado por la vacuidad de la obra ("Busto femenino", 1934; "Torso", 1936). Henri Laurens trabajó en diversos materiales, desde la madera y el metal hasta los "papiers collés" y los "tableaux-objets", pasando por métodos mixtos y ensamblajes, a menudo pintados posteriormente ("sculpto-peintures"). Junto a otras obras, la figura femenina fue una de sus máximas fuentes de inspiración, como en "Mujer del abanico" (1921), "Mujer en cuclillas" (1922) y "Desnudo con espejo" (1922).


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text: Movimiento italiano que exaltó los valores del progreso técnico e industrial del sigloXX, destacando aspectos de la realidad como el movimiento, la velocidad y la simultaneidad de la acción, el futurismo aspiraba a transformar el mundo, a cambiar la vida, mostrando un concepto idealista y algo utópico del arte como motor de la sociedad. Aunque los futuristas no se dedicaron especialmente al desnudo, conviene recordar a Umberto Boccioni y su "Formas únicas de continuidad en el espacio" (1913), una versión moderna del «desnudo heroico» clásico, con la que pretendía «la abolición de la línea finita y de la estatua cerrada», otorgando a su figura una fuerza centrífuga. Con esta escultura Boccioni intentó ir más allá de la impresión de movimiento, explorar la noción de velocidad y fuerza en la escultura, pretendiendo asignar valores lumínicos a la superficie tallada. La escultura excede los límites corpóreos del ser humano, y se asemeja a una bandera ondeando en el viento. Parece que el cuerpo que se representa serpentea, luchando contra una fuerza invisible. Aunque el resultado (físico) es un retrato en tres dimensiones, el cuerpo en movimiento introduce una cuarta dimensión, el tiempo.


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text: Movimiento de reacción a los desastres de la guerra, el dadaísmo supuso un planteamiento radical del concepto de arte, que pierde cualquier componente basado en la lógica y la razón, reivindicando la duda, el azar, lo absurdo de la existencia. Esto se traduce en un lenguaje subversivo, donde se cuestionan tanto las temáticas como las técnicas tradicionales del arte, experimentando con nuevos materiales y nuevas formas de composición, como el "collage", el fotomontaje y los "ready-made". Su principal factótum fue Marcel Duchamp, que tras una fase fauvista ("Desnudo con medias negras", 1910; "Joven y muchacha en primavera", 1911; "El matorral", 1910-1911), realizó en "Desnudo bajando una escalera" (1911) una síntesis entre cubismo y futurismo, donde el cuerpo ha sido descompuesto en volúmenes geométricos y serializado en diversos movimientos superpuestos. En esta obra Duchamp se aleja de la realidad, donde el desnudo no tiene significación, solo es un medio de experimentación. En "El rey y la reina con los desnudos ágiles" (1912) representó la figura humana como piezas de ajedrez. Una de sus obras más famosas es "El gran vidrio" (o "La novia desnudada por sus solteros, incluso", 1915-1923), desnudo abstracto formado por dos planchas de vidrio unidas por un marco de plomo, y situadas en una caja de vidrio, instalada en el Philadelphia Museum of Art. Según el libro de instrucciones que dejó el autor, la novia se desnuda para excitar a los solteros que la cortejan, aunque su separación física impide que puedan lograr el objetivo de consumar su amor, en un claro mensaje de lo fútil de las pasiones humanas y cómo el ser humano transita en soledad por la vida. Otra emblemática obra suya fue "Dándose: 1. La caída de agua, 2. El gas de alumbrado" (1944-1966), instalación con diversos materiales (una puerta de madera, una lámpara de gas, ladrillos, cuero, leña, plexiglás), que presenta un cuerpo de mujer tendido sobre unos matorrales, visto a través de un agujero en la puerta, en referencia a la mujer como algo inaccesible, enigmático.


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text: Otros exponentes del dadaísmo fueron: Francis Picabia, artista subversivo y de fuerte temperamento individualista, autor de desnudos como "Mujer e ídolo" (1940), "La morena y la rubia" (1941), "Dos desnudos" (1941), "Desnudo" (1942) y "Cinco mujeres" (1942). Man Ray fue pintor, escultor y fotógrafo, uno de los más originales del movimiento, con una desbordante fantasía creadora. Una de sus esculturas más famosas es la "Venus restaurada" (1936), un torso de mujer que recuerda una Venus griega, pero atado con cuerdas que le rodean todo el cuerpo.


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text: El surrealismo puso especial énfasis en la imaginación, la fantasía, el mundo de los sueños, con una fuerte influencia del psicoanálisis, como se percibe en su concepto de «escritura automática», por la que intentan expresarse liberando su mente de cualquier atadura racional, mostrar la pureza del inconsciente. Uno de sus precursores fue Giorgio de Chirico, iniciador de la llamada pintura metafísica, con obras de atmósfera inquietante, con espacios vacíos y extrañas perspectivas, y figuras antropoides que semejan maniquíes: "Perseo y Andrómeda" (1910), "La estatua silenciosa Ariana" (1913), "Mujeres romanas" (1926), "Desnudo de mujer" (1929), "Autorretrato desnudo" (1942), "Escuela de gladiadores" (1953).


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text: Salvador Dalí fue uno de los grandes genios del arte del sigloXX, con una personalidad megalómana e histriónica que lo convirtió en una figura mediática, ensalzándolo como paradigma del artista excéntrico. Tuvo una formación académica, y sus primeras obras de adolescencia estaban cercanas a un impresionismo puntillista ("Merienda en el campo", 1921; "Musa de Cadaqués", 1921; "Desnudo en un paisaje", 1922-1923; "Bañistas de la Costa Brava", 1923). Con posterioridad pasó rápidamente por diversas fases relacionadas con movimientos vanguardistas, desde el fauvismo y el cubismo hasta el futurismo y la pintura metafísica ("Composición satírica", 1923, inspirado en "La danza" de Matisse; "Desnudo femenino", 1925; "Venus y cupidillos", 1925). En 1928 se instaló en París, adentrándose en el surrealismo, del que sería uno de sus máximos representantes, y al año siguiente conoció a Gala Éluard, que sería su gran musa, y a la que retrató en numerosas ocasiones, algunas de ellas desnuda. Comenzó en esa época su interés por el psicoanálisis freudiano, llegando a inventar un método de interpretación de los sueños que denominó «método paranoico-crítico». Gran parte de sus reflexiones psicológicas se centran en el sexo, tema recurrente en su obra, que gira en torno a la pugna freudiana entre el principio de placer y el principio de realidad. De la fase surrealista son la mayor parte de sus obras: "El gran masturbador" (1929), "Rosas ensangrentadas" (1930), "Sin título (Guillermo Tell y Gradiva)" (1931), "Instrumento masoquista" (1933-1934), "El sueño apoya su mano sobre el hombro de un hombre" (1936), "La edad de oro - Familia de centauros marsupiales" (1940-1941), "Traje de desnudo con cola de bacalao" (1941), "La miel es más dulce que la sangre" (1941), "Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar" (1944), "Galarina" (1944-1945, inspirado en "La Fornarina" de Rafael), "La apoteosis de Homero" (1944-1945), "Mi mujer desnuda contemplando su propio cuerpo transformándose en escalones, tres vértebras de una columna, cielo y arquitectura" (1945), "La tentación de San Antonio" (1946), etc. Entre 1940 y 1955 residió en Estados Unidos, donde desde 1947 cobró interés por el misticismo religioso y la física atómica, así como por la perspectiva basada en la sección áurea. De esta época son obras como: "Leda atómica" (1949, sobre el mito de Leda y el cisne, donde Leda es su mujer, Gala), "El juicio de Paris" (1950), "Crucifixión (Corpus hypercubus)" (1954), "Dalí desnudo, en contemplación ante cinco cuerpos regulares metamorfoseados en corpúsculos, en los que aparece repentinamente la Leda de Leonardo cromosomatizada por el rostro de Gala" (1954), "Dos adolescentes" (1954). Posteriormente regresó a España, donde se consagró a la tarea de fundar un museo, el Teatro-Museo Dalí de Figueras, al tiempo que seguía trabajando: "Gala desnuda de espaldas" (1960), "Sin título (San Juan)" (1964), "La pesca del atún" (1966-1967), "El torero alucinógeno" (1968-1970), "Tres gracias hiperrealistas" (1973), "Desnudo de calcomanía" (1974), "Gala mirando al mar Mediterráneo que, a una distancia de veinte metros, se transforma en el retrato de Abraham Lincoln - Homenaje a Rothko" (1974-1975), "La mano de Dalí levantando un Vellocino de Oro en forma de nube para mostrar a Gala la aurora completamente desnuda, muy lejos detrás del sol" (1977, inspirado en el "Paisaje con el embarco en Ostia de Santa Paula Romana" de Claude Lorrain), "Los vinos de Gala y el divino" (1977), "Monumento imperial a la mujer-niña" (1977, basado en "Las Oréades" de Bouguereau). Dalí fue también escultor ("Busto de mujer retrospectivo", 1933; "Desnudo femenino histérico y aerodinámico", 1934; "Venus de Milo con cajones", 1936; "El esclavo de Michelin", 1964, con el "Esclavo moribundo" de Miguel Ángel atravesado por una rueda Michelin; "Homenaje a Newton", 1969; "Cristo twisteado", 1976), y colaboró con el fotógrafo Philippe Halsman en varias composiciones fotográficas: "Dalí cósmico" (1948), "Cráneo humano compuesto de siete cuerpos femeninos desnudos" (1951).


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text: Paul Delvaux se encuadró en un tipo de pintura figurativa, pero extrañamente inquietante, donde unas figuras que parecen sonámbulas deambulan por espacios arquitectónicos o paisajísticos de perfecta factura, influidos por Piero della Francesca y la perspectiva renacentista, y donde las mujeres desnudas conviven con hombres que las miran con ávido voyeurismo, o con esqueletos que recuerdan el género barroco de la "vanitas", consiguiendo recrear un ambiente de un erotismo de pesadilla. Delvaux transmite una visión pesimista del amor, que a menudo relaciona con la muerte, en una conjunción entre Eros y Thanatos. Así, en "La ciudad dormida" (1938) presenta una ciudad nocturna, de arquitectura clásica, donde mujeres desnudas deambulan como sonámbulas, representando el mito de la mujer soñada, inalcanzable, mientras un hombre las mira impotente. En "Pigmalión" (1939) invierte los roles, siendo una mujer desnuda la que abraza una estatua masculina. "El Congreso" (1941), pese a lo realista de la imagen, recrea una atmósfera inquietante, donde unas mujeres desnudas se pasean entre un grupo de hombres que discuten de sus asuntos sin reparar en ellas. En "La vía pública" (1948) presenta una Venus reclinada que recuerda a las de Giorgione o Tiziano, pero situada en medio de la calle y frente a un tranvía que avanza hacia ella. Otras obras suyas son: "La pareja" (1929), "Crisis" (1930), "Ninfas bañándose" (1938), "La visita" (1939), "Entrada en la ciudad" (1940), "Sirena a la luz de la luna" (1940), "Boda" (1941), "Venus durmiendo" (1944), "La conversación" (1944), "Mujer ante el espejo" (1945), "El enigma" (1946), "Sirenas" (1947), "Leda" (1948), "Dríadas" (1966), etc.


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text: René Magritte desarrolló una obra donde lo corriente y lo banal convive con lo fantástico y extraño, a menudo con fuertes connotaciones eróticas, en atmósferas perturbadoras con una iconografía recurrente, destacando la ambigüedad de los objetos que retrata. En "Las cómplices del mago" (1927), a pesar de la figuración realista el artista recrea un ambiente onírico donde la interpretación queda abierta a la imaginación. En "Manía de grandezas" (1961) elaboró un torso femenino seccionado en tres partes, que se van estrechando según van ascendiendo, creando una forma de zigurat, como la famosa Torre de Babel. "La violación" (1934) es un rostro donde la cara está sustituida por un torso desnudo, siendo los ojos los pechos y la boca el pubis. Otras obras suyas son: "Amistades peligrosas" (1926), "El bosque" (1926), "Luz polar" (1927), "Los días gigantescos" (1928), "Invención colectiva" (1934), "Bañista entre luz y oscuridad" (1935), "Flores del diablo" (1946), "Mar de llamas" (1946), "Olimpia" (1947), "La libertad del espíritu" (1948), "El vestido de la noche" (1954), etc.


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text: Óscar Domínguez realizaba asociaciones automáticas de objetos, donde las figuras se alargan y adquieren consistencia gelatinosa, combinando humor y deseo como motores de la actividad humana. En "La máquina de coser electrosexual" (1935) muestra un delirio onírico donde el componente sexual se combina con la mecanicidad de la era industrial, a través de un cuerpo de mujer desnudo y tendido boca abajo, con una planta carnívora devorándole los pies y un chorro de sangre que cae sobre su espalda a través de un embudo proveniente de una cabeza de toro. Es una representación de un erotismo sádico, donde el sexo se mezcla con la muerte. El toro representa lo primitivo, la lucha entre la vida y la muerte, mientras que la máquina representa lo racional, el triunfo de la voluntad del hombre sobre el entorno que le rodea.


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text: Otros surrealistas que practicaron el desnudo fueron: Max Ernst, que solía trabajar en "collage" por su formación dadaísta, y que mostró un gran interés por la irracionalidad y el arte efectuado por dementes: "Los grandes enamorados" (1926), "Jóvenes desnudas" (1926), "Vistiendo a la novia" (1940); y André Masson, interesado en la vía automática (libre asociación de ideas), con una obra gestualista, agresiva, con interés por el sadomasoquismo: "Desnudo matemático" (1928), de influencia mironiana.


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text: En escultura, Constantin Brâncuşi efectuó un proceso de reducción de la figura humana hacia la más estricta simplicidad, cercana a la abstracción ("Musa dormida", 1911). Siguió su estela Alberto Giacometti, con figuras reducidas a simples filamentos, que él denominaba «construcciones transparentes», muy alargadas y demacradas, mostrando el aislamiento del hombre: "Desnudo de pie" (1953), "Mujer alta" (1960). Hans Bellmer practicó un erotismo de corte sadomasoquista, con maniquíes articulados en diversas posturas, como "La muñeca" (1934). Henry Moore se inspiró en el cuerpo humano en muchas de sus obras, que suponen una abstracción de la forma donde el cuerpo queda esbozado en unas líneas simples y dinámicas, ondulantes, que sugieren más que describen la forma básica del cuerpo. Algunas de sus obras, como "Figura recostada" (1938) y "Figura reclinada" (1951), recuerdan vagamente algunas figuras del Partenón como el "Iliso" y el "Dioniso", pero esquematizadas en formas alargadas y fluidas, de líneas serpenteantes, que evocan la erosión del mar en una roca.


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text: Se relaciona con el surrealismo la obra por lo demás personal e inclasificable de Frida Kahlo, que reflejó en sus lienzos su vida atormentada por un accidente que le destrozó la columna vertebral y las infidelidades de su esposo. Uno de sus primeros desnudos fue "Desnudo de Mujer India" (1929), donde ya muestra su estilo, de una figuración de corte fantástico y un intenso cromatismo, con abundancia de elementos anecdóticos. En "Unos cuantos piquetitos" (1935) representó un brutal asesinato real ocurrido poco antes, cometido por celos, donde el asesino se defendió diciendo «¡pero sólo fueron unos cuantos piquetitos!», escena en la que la autora proyecta su dolor por la infidelidad de su marido con su hermana pequeña, hecho corroborado por las puñaladas que asestó a la obra nada más terminarla. En "Dos desnudos en un bosque" (1939) aparecen dos mujeres desnudas, una de piel más clara y otra de piel más oscura, reclinada una sobre otra, y observadas por un mono, símbolo del pecado, en una escena que puede tener dos interpretaciones: la primera sería la del amor lésbico, mientras que la segunda sería un doble autorretrato de Frida, plasmando sus dos naturalezas, la europea y la mexicana. "La columna rota" (1944) es un autorretrato que muestra el corsé de acero que tuvo que llevar un tiempo a causa del accidente que le había destrozado la columna vertebral, representada por una columna jónica, mientras que tiene todo el cuerpo atravesado de clavos, en una imagen de intenso dramatismo; en este cuadro inicialmente aparecía desnuda, pero finalmente solo dejó los pechos al descubierto.


title: Historia del desnudo artístico

text: El "Art déco" fue un movimiento surgido en Francia a mediados de los años 1920 que supuso una revolución para el interiorismo y las artes gráficas e industriales. Dirigido principalmente a un público burgués —el de la llamada "belle époque"—, destacó por la ostentación y el lujo, y se desarrolló notablemente en ilustración publicitaria (Erté) y cartelismo (Cassandre). En pintura destacó la obra de Tamara de Lempicka: se formó con el nabí Maurice Denis y el cubista André Lhote, al tiempo que sentía una gran fascinación por Ingres, por lo que su obra fue apodada de «cubismo ingresiano». Más adelante tuvo una fase surrealista, para encaminarse posteriormente a un cierto neoclasicismo. Sus desnudos presentan mujeres que son un producto de su época, elegantes y sofisticadas, con lujo y glamour, como salidas de una revista de moda, pero sometidas a los dictados de una sociedad machista, de la que en ocasiones parecen rebelarse, convirtiéndose en modernas heroínas cuyos cuerpos traslucen una vibrante potencia interior. Frente a la dicotomía clásica entre la Venus celestial y la Venus mundana, Lempicka crea un tercer tipo de mujer, no divina ni inasequible, pero tampoco vulgar ni vilipendiable, una mujer moderna que asume sin trabas su sexualidad, y que es admirada y respetada por los hombres, una mujer de alta sociedad que sigue los dictados de la moda. Entre sus obras destacan: "Las dos amigas" (1923), "Perspectiva" (1923), "Muchacha durmiendo" (1923), "Desnudo sentado" (1923), "Ritmo" (1924), "Desnudo en una terraza" (1925), "La modelo" (1925), "Grupo de cuatro desnudos femeninos" (1925), "El sueño" (1927), "Andrómeda" (1927), "La camiseta rosa" (1927), "La bella Rafaela" (1927), "Mujeres bañándose" (1929), "Dos amigas" (1930), "Desnudo con edificios" (1930), "Adán y Eva" (1932), "Susana en el baño" (1938), etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: En España, las vanguardias artísticas tuvieron una implantación más lenta, aunque muchos artistas españoles fueran pioneros de la vanguardia internacional (Picasso, Dalí, Miró). A principios de siglo, aún dominaba el panorama artístico español el academicismo, conviviendo en menor medida con el impresionismo y el modernismo (sobre todo en Cataluña), que fue sustituido en los años 1910 por el novecentismo, movimiento clasicista de inspiración mediterránea. Aun así, poco a poco se fueron introduciendo las nuevas corrientes, especialmente el cubismo, el expresionismo y el surrealismo. En este ambiente, el desnudo fue un tema muchísimo más frecuente que en todo el arte anterior practicado en la península, y muchos artistas españoles concurrieron a certámenes internacionales con obras de desnudo. Así, por ejemplo, Julio Romero de Torres debió buena parte de su fama a sus desnudos, de factura académica, pero con cierta influencia leonardesca —en sus inicios estuvo tentado por el puntillismo, como en "Vividoras del amor" (1906), pero lo abandonó enseguida—, teñidos de un sentimiento dramático y sensualista propios de su origen cordobés, como se percibe en "La Musa gitana" (1908), "El retablo del amor" (1910), "El pecado" (1913), "Venus de la poesía" (1913), "La gracia" (1915), "Rivalidad" (1925-1926), "Ofrenda al arte del toreo" (1929), "Cante hondo" (1929), "La nieta de Trini" (1929), etc. Ignacio Zuloaga recibió la influencia de Toulouse-Lautrec, pero su obra se nutre de los maestros del Prado, con obras de tinte costumbrista donde destacan el "Desnudo de «la italiana»", el "Desnudo de la mantilla y el clavel" (1915) y "La Oterito" (1936). Otros artistas destacados son: José Gutiérrez Solana ("Las chicas de la Claudia", 1929), Marceliano Santa María ("Angélica y Medoro", 1910; "Figuras de romance", 1934), Fernando Álvarez de Sotomayor ("Orfeo atacado por las bacantes", 1904; "El rapto de Europa", 1907"; Leda y el cisne", 1918), Francisco Soria Aedo ("Pasión", "Fauno galante", "Fruto de amor", "Juventud de Baco"), Gabriel Morcillo ("Alegoría a Baco", "Fantasía morisca"), Eduardo Chicharro ("Los amores de Armida y Reinaldo", 1904; "Las tentaciones de Buda", 1922), Eugenio Hermoso ("El baño de las zagalas", 1923; "Tierra, Fauna y Flora", 1923; "Melancolía", 1926; "Madreselvas", 1926), Roberto Fernández Balbuena ("Desnudo de espaldas", 1926; "Desnudo Pittsburgh", 1926; "Desnudos luz sombra", 1929), Néstor Martín-Fernández de la Torre ("Adagio", 1903; "Calma", "Pleamar" y "Borrasca" de la serie "Poema del Atlántico", 1918-1924), Juan de Echevarría ("La mestiza desnuda", 1923), Francisco Iturrino ("Mujeres en el campo", "Mujeres en la playa"), Hermenegildo Anglada Camarasa ("Gitana bajo una parra", 1909), Joaquim Sunyer ("Pastoral", 1911; "Paisaje con cuatro desnudos", 1915; "Desnudo en el campo", 1925), Aurelio Arteta ("Bañistas", 1930; "Hombres del mar", 1932), Josep Maria Sert (Sala Francisco de Vitoria del Palacio de las Naciones de Ginebra), Rafael Zabaleta ("Nocturno del desnudo", 1954), etc. En el plano escultórico, cabría citar a: Mariano Benlliure ("Maja desnuda", 1902), Enric Clarasó ("Eva", 1904), Josep Llimona ("Desconsuelo", 1907), Miguel Blay ("Eclosión", 1908), Mateo Inurria ("Deseo", 1914; "Forma", 1920), Josep Clarà ("El Crepúsculo", 1907-1910; "La Diosa", 1909; "Ritmo", 1910; "Juventud", 1928), Julio Antonio ("Venus Mediterránea", 1914), Victorio Macho ("Monumento a Santiago Ramón y Cajal", 1926), Pablo Gargallo ("Gran bailarina", 1929; "El profeta", 1933), etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: Desde la Segunda Guerra Mundial el arte ha experimentado una vertiginosa dinámica evolutiva, con estilos y movimientos que se suceden cada vez más rápido en el tiempo. El proyecto moderno originado con las vanguardias históricas llegó a su culminación con diversos estilos antimátericos que destacaban el origen intelectual del arte por sobre su realización material, como el arte de acción y el arte conceptual. Alcanzado ese nivel de prospección analítica del arte, se produjo el efecto inverso —como suele ser habitual en la historia del arte, donde los diversos estilos se enfrentan y se contraponen, el rigor de unos sucede al exceso de otros, y viceversa—, retornando a las formas clásicas del arte, aceptando su componente material y estético, y renunciando a su carácter revolucionario y transformador de la sociedad. Surgió así el arte postmoderno, donde el artista transita sin pudor entre diversas técnicas y estilos, sin carácter reivindicativo, volviendo al trabajo artesanal como esencia del artista. Por último, hay que remarcar a finales de siglo la aparición de nuevas técnicas y soportes en el terreno del arte: video, informática, internet, láser, holografía, etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: El informalismo es un conjunto de tendencias basadas en la expresividad del artista, renunciando a cualquier aspecto racional del arte (estructura, composición, aplicación preconcebida del color). Es un arte eminentemente abstracto, aunque algunos artistas conservan la figuración, donde cobra relevancia el soporte material de la obra, que asume el protagonismo por encima de cualquier temática o composición. Incluye diversas corrientes como el tachismo, el "art brut", la pintura matérica o el expresionismo abstracto en Estados Unidos. Los artistas informalistas han vivido en primera persona los horrores de la guerra, por lo que su obra está impregnada de pesimismo, de una desesperación vital que se traduce en obras agresivas, donde la figura humana se encuentra mutilada, deformada, machacada, remarcando la fragilidad y vulnerabilidad del ser humano, como se percibe en la obra de artistas como Dubuffet, que aplasta las figuras, abriéndolas en canal como a un buey; Fautrier, que desfigura la forma humana reduciéndola a una desnudez informe; o Antonio Saura, que crea monstruos en blanco y negro, incluso de bellezas como Brigitte Bardot. Estos autores pretenden destruir la idea de Belleza, Desnudo, Armonía, todos aquellos ideales que el arte académico trataba con mayúsculas. Se distancian de la cultura occidental, que ha engendrado estos horrores, volviendo al primitivismo, a la infancia de la humanidad. Para ello se valen también de nuevos materiales, considerados sucios, detríticos, indignos, como el barro, el yeso, los sacos, etc. Incluso, en vez de utilizar pinceles emplean sus propias manos, arañando la tela, remarcando el efecto gestual.


title: Historia del desnudo artístico

text: Jean Fautrier hacía desnudos donde la figura se encuentra deformada, confeccionados a base de diversas texturas de color, en soportes de papel, tratados con revoco y cola, sobre los que aplica una sustancia bruta, hecha con tintas y polvos, sobre los que dibuja o araña, hasta conseguir la imagen deseada. Jean Dubuffet comenzó en 1950 su serie de "Cuerpos de Dama" —título antinómico, ya que contrapone la materialidad del cuerpo a la espiritualidad de la acepción de «dama», que otorga una elevada dignidad a la mujer—, hecha con materiales brutos, dibujando la figura a base de arañazos, y tratando el cuerpo como una masa que queda aplastada en el soporte, como en una tabla de carnicero. Willem de Kooning realiza desnudos femeninos, pero distorsionados al máximo, con gran colorido. Su serie de "Mujeres" (1945-1950) está a medio camino entre la figuración y la abstracción, donde la figura femenina se reduce a manchas de color, aplicadas de forma agresiva y expresiva, con contornos que igual evocan las prehistóricas diosas de la fertilidad que obscenas pintadas callejeras.


title: Historia del desnudo artístico

text: Antoni Tàpies es un pintor básicamente abstracto, aunque en sus obras introduce a veces partes del cuerpo humano, especialmente genitales, de formas esquemáticas, muchas veces con apariencia de deterioro, el cuerpo aparece rasgado, agredido, agujereado. Así lo percibimos en "El fuego interior" (1953), torso humano en forma de tela de arpillera descompuesta por quemaduras; "Relieve ocre y rosa" (1965), figura femenina arrodillada; "Materia en forma de axila" (1968), en que a la figura de un torso mostrando la axila añade cabellos reales; "Cuerpo" (1986) refleja una figura yacente, evocadora de la muerte —lo que se acentúa por la palabra «Tartaros», el infierno griego—; en "Días de Agua I" (1987) vemos un cuerpo que se sumerge en olas de pintura gris, evocando la leyenda de Hero y Leandro. Otras obras suyas son: "Dos figuras" (1947), "Desnudo de barniz" (1980), "Torso" (1985), "Prajna = Dhyana" (1993), "Hombre" (2002), "Jersey negro" (2008), etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: Como reacción a la abstracción informalista surgió un movimiento que recuperó la figuración, con cierta influencia expresionista y con total libertad de composición. Aunque se basaban en la figuración no quiere decir que esta fuese realista, sino que podía ser deformada o esquematizada a gusto del artista. En la génesis de este estilo tuvo decisiva influencia la filosofía existencialista y su visión pesimista del ser humano, y entroncaron con el movimiento "beat" y los "angry young men". Uno de sus principales exponentes fue Francis Bacon, artista de trayectoria personal, solitaria, ajena a las vanguardias —en los años 1930, cuando empezó a pintar, fue rechazado por no ser surrealista o abstracto—. En 1944 destruyó toda su obra anterior, y empezó su estilo más personal con "Tres estudios de figuras para la base de una crucifixión", donde empleó un medio tradicional, el tríptico, para exponer unas figuras cuya desnudez es deforme, vulnerable, escarnecida, enmarcadas en espacios irreales, que semejan cajas que encierran las figuras en un ambiente opresivo, angustioso. Sus desnudos, tanto masculinos como femeninos, parecen amasijos de carne amorfa, que se retuerce y libra una lucha desesperada por la existencia. Tienen consistencia aceitosa y una palidez cadavérica, acentuada por la luz artificial, de bombilla, semejando más carne de carnicería que no de ser humano. Gran amante del arte —solía visitar a menudo el Museo del Prado—, realizó versiones de muchas obras de Velázquez o Rembrandt. Otras obras suyas son: "Estudio de desnudo agachado" (1952), "Desnudo" (1960), "Figura tumbada" (1966), etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: Para Lucian Freud el desnudo fue uno de sus principales temas, que trató de forma realista, descarnada, pormenorizada, sin omitir ningún detalle, desde venas y músculos hasta arrugas y cualquier imperfección de la piel. Son desnudos crudos, epidérmicos, expresivos, íntimos, es el ser humano despojado de cualquier accesorio, puro y libre tal como viene al mundo. Son desnudos algo angustiantes, ya que reflejan la vulnerabilidad de la carne mortal, la soledad de nuestro tránsito mundano, recuerdan lo perecedero de la vida. Sus primeros desnudos tienen un tono académico, todavía idealizado, como su "Desnudo dormido" (1950), pero poco a poco van cobrando expresividad, con pinceladas sueltas y un cromatismo más intenso, como en "Muchacha desnuda riendo" (1963), que es una de sus hijas. Entre los años 1960 y 1970 llega a su estilo definitivo, con figuras en posturas íntimas, despreocupadas, en encuadres que recuerdan la fotografía, con un dibujo lineal y contornos marcados, con una luz intensa y un fuerte cromatismo donde destacan los tonos carnales, dispuestos en manchas de colores: "Chica desnuda durmiendo" (1968), "Hombre desnudo con una rata" (1977-1978), "Rose" (1979), "Figura sentada" (1980-82), "Hombre desnudo en una cama" (1987), "Hombre desnudo visto de espaldas" (1992), "Dos mujeres" (1992), "Y el novio" (1993), "Pintor trabajando, reflejo" (1993, autorretrato del artista desnudo), "Flora con las uñas de los pies azules" (2000-2001), "Lucian Freud sorprendido por una admiradora desnuda" (2005).


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text: Balthus fue un pintor obsesionado por un tema, el despertar sexual de las jóvenes adolescentes, que solía representar en interiores de aspecto lánguido e intensa iluminación, con un erotismo algo ingenuo, pero que denota cierto aire de perversidad: "La lección de guitarra" (1934), "El cuarto de estar" (1941-1943), "Chica durmiendo" (1943), " El aposento" (1947), "La habitación" (1952), "Desnudo ante el espejo" (1955), "Joven preparándose para el baño" (1958), "El gato ante el espejo" (1977-1980), "Desnudo acostado" (1983), "Latente" (1995). Ivan Albright se enmarcó en el llamado realismo mágico, con un estilo meticulosamente pormenorizado, retratando con rigurosa precisión la decadencia, la corrupción y los despojos de la edad, con gran intensidad emocional ("Dios creó al hombre a su imagen", 1929-1930).


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text: En escultura destacaron: Germaine Richier, que siguió la estela de Giacometti en figuras estilizadas de miembros alargados, que semejaban insectos, con un aspecto lacerado y andrajoso, como en descomposición, otorgando igual relevancia al vacío que a la materia ("El pastor de las Landas", 1951); y Fernando Botero, autor de figuras de grandes dimensiones, que parecen muñecas hinchadas ("Torso de Mujer (La Gorda)", 1987; "Mujer con espejo", 1987; "El rapto de Europa", 1994).


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text: Surgió en Gran Bretaña y Estados Unidos como movimiento de rechazo al expresionismo abstracto, englobando una serie de autores que retornaron a la figuración, con un marcado componente de inspiración popular, tomando imágenes del mundo de la publicidad, la fotografía, el cómic y los medios de comunicación de masas. El "pop-art" asumió el sexo como algo natural, sin tapujos, en el marco de la liberación sexual de los años 60 propugnada por el movimiento "hippy". La primera obra considerada pop fue "¿Qué es lo que hace que las cosas de hoy en día sean tan atractivas y tan agradables?" (1956), de Richard Hamilton, que era el cartel anunciador de la exposición "This is tomorrow", en la White Chapel Art Gallery de Londres; era un fotomontaje, que exaltaba el consumismo como elemento modernizador, donde los objetos cotidianos se convierten en obras artísticas, y donde aparecían un culturista y una mujer semidesnuda como objetos más de la escena.


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text: Tom Wesselmann realizó en la serie "Grandes desnudos americanos" (años 1960) un conjunto de obras donde el desnudo se muestra como un producto de consumo, con una estética publicitaria y cercana a las revistas eróticas tipo Playboy, acentuada por la planitud de las obras y la simplificación de colores de raíz matissiana, destacando las partes del cuerpo más «objetuales» (labios rojos, dientes blancos, melenas rubias, pechos prominentes), junto a diversos objetos decorativos, frutas o flores. Los cuerpos tienen una consistencia fría, artificial, como muñecas hinchables, y suelen presentar las típicas zonas blancas dejadas por bikinis en contraste con el resto del cuerpo más bronceado. En la serie "Cuartos de baño" (1963) pasó a la tridimensionalidad, donde sus típicas pinturas de desnudo aparecían con objetos reales como cortinas, toallas, detergentes o lacas de uña, o se veían por una puerta entreabierta, remarcando el efecto voyeurista. En "Naturaleza muerta" (1963) aparece una mujer desnuda con un cenicero cóncavo —símbolo del sexo femenino— y un cigarrillo —símbolo fálico—, en un ambiente algo "kitsch", con colores puros.


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text: Mel Ramos realizó obras de un erotismo más evidente, cercano a la pornografía, con figuras femeninas que parecen "pin-ups", como en "Miss Corn-Flakes" (1964) o "Philip Morris. Tobacco Rose" (1965). Roy Lichtenstein se especializó en imágenes similares a las de los cómics, destacando incluso el característico punteado de los procesos de impresión. Entre 1993 y 1994 hizo su serie de "Desnudos": "Desnudo pensando", "Dos desnudos", "Desnudo con el pelo azul".


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text: Movimiento francés inspirado en el mundo de la realidad circundante, del consumismo y la sociedad industrial, del que extraen —al contrario que en el "pop-art"— su aspecto más desagradable, con especial predilección por los materiales detríticos. Uno de sus principales exponentes fue Yves Klein, artista revolucionario que fue precursor del arte conceptual y de acción. Durante su «época azul», en que pintaba cuadros monocromos de un azul ultramar intenso —que bautizó como "International Klein Blue" (IKB), marca registrada—, realizó diversas esculturas de desnudo inspiradas en las Venus clásicas, pero teñidas de azul, como de igual manera versionó el "Esclavo moribundo" de Miguel Ángel. También realizó varios vaciados en yeso de amigos suyos, desnudos y pintados todos de azul, como "Retrato en relieve de Claude Pascal" (1962) y "Retrato en relieve de Arman" (1962). En 1958 empezó sus «antropometrías», donde una modelo desnuda —que él llamaba sus «pinceles vivientes»—, embadurnada de pintura, se acostaba sobre un lienzo, dejando la huella de su cuerpo pintada en la tela, en diversas improntas que variaban según la posición del cuerpo, o según el movimiento, ya que a veces hacía girar a las modelos sobre la tela. En ocasiones, también realizaba «antropometrías en negativo», es decir, situando la modelo delante de la tela y pulverizando pintura, con lo que quedaba marcada su silueta. Estas experiencias marcan el punto de origen del "body-art", al tiempo que preludian los "happenings", por la escenificación que Klein confería a estas realizaciones, desarrolladas a menudo en galerías ante el público, en veladas con música y degustando un aperitivo.


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text: Son diversas tendencias basadas en el acto de la creación artística, donde lo importante no es la obra en sí, sino el proceso creador, en el que además del artista interviene a menudo el público, con un gran componente de improvisación. Engloba diversas manifestaciones artísticas como el "happening", la "performance", el "environment", la instalación, etc. Se podrían considerar como pioneros los miembros del grupo Gutai en Japón: Katsuō Shiraga efectuó en "Volver al barro" una acción en la que se sumergía desnudo en el barro, como idea de la muerte, del retorno a la materia primigenia —estos artistas estaban muy marcados por la experiencia de la Segunda Guerra Mundial—. En Europa destacó el grupo Fluxus y artistas como Wolf Vostell, que realizó varios "happenings" donde intervenía el desnudo: en "Desastres (Encofrado con cemento de la vagina)" (1972) inmovilizó un vagón de tren y una mujer desnuda con hormigón armado durante 24 horas; en "Fandango" (1975) realizó un «concierto para dos violines, operario y modelo»: mientras él tocaba el violín, el operario con una sierra cortaba puertas de coche, y la modelo desnuda escuchaba con los ojos tapados. Las acciones de Vostell eran de marcado componente político, pretendiendo denunciar la injusticia social, la destrucción de la naturaleza, la carrera armamentística, la discriminación de la mujer y otras causas por el estilo.


title: Historia del desnudo artístico

text: Como reacción al minimalismo de moda en los años 1950 y 1960 surgió esta nueva corriente figurativa, caracterizada por su visión superlativa y exagerada de la realidad, que es plasmada con gran exactitud en todos sus detalles, con un aspecto casi fotográfico. John Kacere pinta fragmentos de cuerpos femeninos, especialmente sexos y nalgas con bragas ajustadas. En escultura, John de Andrea hace desnudos de fuerte carga sexual ("El artista y su modelo", 1976). En España, Antonio López García es autor de obras de factura académica, pero donde la más minuciosa descripción de la realidad se aúna con un vago aspecto irreal cercano al realismo mágico. Algunos de sus desnudos son: "Mujer en la bañera" (1968), obra de efecto fotográfico, una mujer toma un baño en un ambiente de luz eléctrica que se refleja en los azulejos del baño, creando una composición intensa y vibrante; "Hombre y mujer" (1968-1990), obra en la que trabajó más de veinte años y dejó inacabada, pretende crear unos prototipos comunes de hombre y mujer, para lo que tomó múltiples apuntes de diversos modelos, sintetizados en unas formas estándar que podrían corresponder a cualquier persona de la calle.


title: Historia del desnudo artístico

text: Tras el despojamiento matérico del minimalismo, el arte conceptual renunció al sustrato material para centrarse en el proceso mental de la creación artística, afirmando que el arte está en la idea, no en el objeto. Incluye diversas tendencias, como el arte conceptual lingüístico, el "arte povera", el "body-art", el "land-art", el "bio-art", etc. También podrían enmarcarse en esta corriente diversos géneros de reivindicación social como el arte feminista y el arte homoerótico. En relación con el desnudo tiene especial relevancia el "body-art", movimiento surgido a finales de los años 1960 y desarrollado en los 1970, que tocó diversos temas relacionados con el cuerpo, en especial en relación con la violencia, el sexo, el exhibicionismo o la resistencia corporal a determinados fenómenos físicos. Se evidencian en este movimiento dos líneas: la estadounidense, más analítica, donde se valora más la acción, el componente vital, instantáneo, valorando más la percepción y la relación con el espectador, y se documentan con videos; y la europea, más dramática, que tiende más a tratar el cuerpo objetualmente y tocar temas como el travestismo, el tatuaje o el dolor, documentando los resultados mediante fotografías, notas o dibujos.


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text: Uno de sus máximos exponentes, Dennis Oppenheim, experimentó con el bronceado, dejando partes del cuerpo en blanco. Stuart Brisley se hace manchas en el cuerpo, imitando la sangre. El grupo Accionismo vienés (Günther Brus, Otto Mühl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler) realizan automutilaciones, incidiendo en su propio cuerpo. Youri Messen-Jaschin se centró en el "body painting", recubriendo integralmente cuerpos desnudos con colores psicodélicos y biológicos. Urs Lüthi emplea diversos medios (fotografía, pintura, escultura, video), explorando su propio cuerpo, en autorretratos de estilo "kitsch", con una fuerte carga irónica, que constituyen una reflexión sobre el cuerpo, el tiempo y la vida, así como la relación con los otros. En 2001 presentó en la Bienal de Venecia dos instalaciones que son de sus obras más conocidas ("Run for your life" y "Placebos and surrogates"), donde el tema central es el culto desmedido al cuerpo.


title: Historia del desnudo artístico

text: El arte feminista ha tratado de reivindicar la imagen de la mujer como persona y no como objeto, incidiendo en su esencia tanto material como espiritual, y remarcando aspectos de su condición sexual como la menstruación, la maternidad, etc. Un aspecto esencial es el mensaje, el intento de hacer reflexionar al espectador, si es necesario mediante la provocación, con obras impactantes, que remueven la conciencia. Una de las formas de diluir las diferencias de género ha sido a través de la degradación o mutilación del cuerpo: así, Donna Haraway crea cuerpos neutros, transhumanos, que denomina «cuerpos cyborg». Cindy Sherman hace desnudos femeninos deliberadamente feos, repulsivos, para desmitificar el género. Judy Chicago defiende el valor de la mujer como algo más que un cuerpo bello, en obras como "Red Flag" (1971). Zoe Leonard muestra el cuerpo en su más cruda realidad, como en su serie "Vagina" (1990), inspirada en "El origen del mundo" de Courbet. Kiki Smith hace esculturas frágiles, de cuerpos fragmentados, remarcando los procesos de reproducción, con elementos escatológicos.


title: Historia del desnudo artístico

text: En los años 1970, la organización "Women Against Rape" («Mujeres contra la violación») criticó —entre otros aspectos de la cultura occidental— al desnudo femenino en la pintura, al considerar que la representación del cuerpo desnudo de la mujer es una forma de violación. En los años 1980 el grupo Guerrilla Girls lanzó una campaña bajo el lema «¿Tienen que estar las mujeres desnudas para entrar al Metropolitan Museum?», remarcando el hecho de que menos del 5% de los artistas contemporáneos en este museo son mujeres, pero el 85% de los desnudos son femeninos.


title: Historia del desnudo artístico

text: Una de las artistas con más éxito en los últimos tiempos ha sido Jenny Saville, que realiza obras de gran tamaño con figuras vistas desde perspectivas poco usuales, donde los cuerpos semejan montañas de carne que parecen llenar todo el espacio, con predilección por mostrar las zonas genitales, o por imperfecciones y heridas de la piel, con colores brillantes, intensos, dispuestos por manchas, predominando los tonos rojos y marrones. Generalmente son cuerpos obesos —frecuentemente se autorretrata a sí misma—, donde la carne forma pliegues y arrugas, con unas formas monumentales que parecen la visión que un niño tiene de un adulto. Inspirada por Courbet y Velázquez, pinta a la mujer real, de hoy día, sin ningún tipo de idealización, sin buscar la belleza, solo la veracidad, realizando —como ella misma denomina— «paisajes del cuerpo».


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text: Por oposición al denominado arte moderno, es el arte propio de la postmodernidad. Los artistas postmodernos asumen el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno: las vanguardias pretendían eliminar la distancia entre el arte y la vida, universalizar el arte; el artista postmoderno, en cambio, es autorreferencial, el arte habla del arte, no pretenden hacer una labor social. Entre los diversos movimientos postmodernos destacan la transvanguardia italiana y el neoexpresionismo alemán, así como el neomanierismo, la figuración libre, etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: En Italia, Sandro Chia realiza una obra autobiográfica, retratando momentos de su propia existencia, junto a referencias de la historia del arte, especialmente los artistas que más le interesan, como Cézanne, Picasso o Chagall. En "El esclavo" (1980) hizo una simbiosis del "Esclavo moribundo" de Miguel Ángel y "El nacimiento de Venus" de Botticelli, como una forma de desmitificación del arte.


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text: En Alemania, Markus Lüpertz realiza obras fuertemente expresivas, hecho que enfatizan la grandiosidad de sus formatos y el colorido fascinante que impregna sus cuadros. Temáticamente, suele partir de temas figurativos para derivarlos hacia la abstracción, recogiendo diversas influencias del arte del pasado; en especial, se suele inspirar en el paisaje y el cuerpo humano, que reinterpreta de una forma personal y espontánea: "San Francisco impide el exterminio de las ratas" (1987). Georg Baselitz se caracteriza por sus imágenes con figuras y objetos invertidos, con formas rotundas y pesadas, inspiradas en Rubens: "Dormitorio (Elke y Georg)" (1975), "Desnudo masculino" (1975). Rainer Fetting se basa en elementos corporales para reproducir su visión de la realidad, mediante colores vivos, de aspecto ácido e influencia vangoghiana: "Dos figuras" (1981).


title: Historia del desnudo artístico

text: En Estados Unidos, David Salle ha sido adscrito a diversas tendencias postmodernas norteamericanas, como el simulacionismo o el Bad painting. Uno de sus primeros trabajos, en una revista pornográfica, supuso una de sus más recurrentes fuentes de inspiración: el erotismo, imágenes de mujeres desnudas tratadas de forma realista, sin pudor. La característica principal del estilo de Salle es la yuxtaposición de imágenes, una superposición desorganizada e incoherente de imágenes provenientes tanto de la historia del arte como del diseño, la publicidad, los medios de comunicación, el cómic, la cultura popular, etc. Algunas de sus obras son: "Zeitgeist Painting Nr. 4" (1982), "King Kong" (1983), "El cuento del molinero" (1984). Eric Fischl cultiva un estilo realista inspirado en la tradición pictórica norteamericana (Winslow Homer, Edward Hopper), retratando mujeres desnudas que parecen remitir a la figura de la madre, en imágenes desasosegantes realzadas por las intensas gamas cromáticas: "El perro del anciano y el bote del anciano" (1982).


title: Historia del desnudo artístico

text: En España, Miquel Barceló denota en su obra la herencia del pasado, desde el barroco español hasta Goya, interpretados de forma libre y personal, con un cierto aire primitivista derivado de sus estancias en Malí: "Venus bruta" (1980).


title: Historia del desnudo artístico

text: El desnudo ha tenido en el arte occidental una significación especial, y ha sido un tema frecuente en el arte desde la Antigua Grecia. Sin embargo, no en todas las culturas ha tenido la misma significación, y su importancia ha variado según la región desde la práctica nulidad de su representación hasta darse con mayor intensidad incluso que en Occidente, como es el caso de la India. La consideración social del desnudo varía según la zona geográfica, generalmente acorde con los conceptos religiosos de esa zona, y así como en algunos sitios se contempla de forma natural y sin inhibiciones, en otros es algo prohibido y motivo de vergüenza. En China, por ejemplo, la sexualidad se considera una esfera privada, por lo que el desnudo prácticamente no existe en el arte chino —se puede considerar como una pequeña excepción las estatuillas de marfil para las consultas médicas, como las del Museo de Arte Oriental de Roma—. En el arte precolombino también es prácticamente inexistente, a pesar del frecuente desnudismo social de los pueblos de la zona. En la cultura islámica no solo el cuerpo desnudo, sino también el vestido es objeto de rechazo, ya que según el Islam las obras de arte son intrínsecamente defectuosas en comparación con la obra de Dios, por lo que se cree que el tratar de describir de una forma realista cualquier animal o persona es insolencia a Dios. Aun así, en realidad la representación humana o animal no está totalmente prohibida en el arte islámico: de hecho, la imagen se puede encontrar en todas las culturas islámicas, con distintos grados de aceptación por parte de las autoridades religiosas; es solo la representación humana con fines de culto lo que es considerado de manera uniforme como idolatría y prohibido en la ley de la sharia.


title: Historia del desnudo artístico

text: En África, la sexualidad está ritualizada, y se relaciona generalmente con el culto a la fertilidad. El arte africano ha tenido siempre un marcado carácter mágico-religioso, destinado más a ritos y ceremonias de las diversas creencias animistas y politeístas africanas que no a fines estéticos. La mayoría de sus obras son de madera, piedra o marfil, en máscaras y figuras exentas de carácter más o menos antropomórfico, con un típico canon de gran cabeza, tronco recto y miembros cortos. Cabe remarcar que el arte africano influyó poderosamente en las vanguardias artísticas europeas de principios del siglo XX, debido al colonialismo y a la apertura de numerosos museos de etnología en la mayoría de ciudades europeas. En particular, a los jóvenes artistas europeos les interesó vivamente la estilización geométrica de la escultura africana, su carácter expresivo y su aire primitivo, original, espontáneo, subjetivo, producto de una fuerte interrelación entre la naturaleza y el ser humano.


title: Historia del desnudo artístico

text: El arte indio tiene un carácter principalmente religioso, sirviendo como vehículo de transmisión de las distintas religiones que han jalonado la India: hinduismo, budismo, islamismo, cristianismo, etc. También hay que destacar como rasgo distintivo del arte indio su afán de integración con la naturaleza, como adaptación al orden universal, teniendo en cuenta que la mayor parte de elementos naturales (montañas, ríos, árboles) tienen para los indios un carácter sagrado. Una de las facetas más sorprendentes del arte indio para los occidentales es la representación sin tapujos del erotismo: según la religión hindú, el sexo es una forma de oración, un canal entre lo humano y lo divino, una señal de trascendencia y de espiritualidad. Buena muestra de ello es el culto al "liṅgam" (símbolo sexual masculino) y el "yoni" (símbolo sexual femenino), ambos provenientes de antiguos ritos neolíticos de la fertilidad, y que fueron asumidos por el hinduismo. El "liṅgam" representa la potencia creadora del dios Śiva, y es el principal objeto de veneración en las capillas de los templos dedicados a este dios. Se suele representar mediante un pilar ("stambha") terminado en forma de glande ("mani"), aunque puede variar desde la forma más naturalista hasta una forma abstracta consistente en un cilindro, o diversas manifestaciones como un falo con ojos ("ambaka-liṅgam"), con un rostro ("ekamukha-liṅgam") o cuatro rostros ("chatur-mukha-liṅgam"). Por su parte, el "yoni" representa a Śakti (la Diosa Madre), así como a Pārvatī (diosa de la naturaleza y la fertilidad), mujer de Śiva. También se puede representar en forma naturalista como una vagina, o geometrizada en forma de triángulo. El "liṅgam" aparece a menudo junto al "yoni" formando un recipiente de forma cóncava del que sobresale el "liṅgam". Este símbolo expresa la unidad dentro de la dualidad del universo, la energía creadora, a la vez que la transmutación del impulso sexual en energía mental, la ascensión desde el mundo de los sentidos a la trascendencia espiritual, lograda mediante la meditación del yoga. Estos antiguos ritos se fusionaron con el "tantra", filosofía que busca la verdad en la energía que emana del cuerpo, que es un potenciador espiritual, como incluso la energía sexual ("kuṇḍalinī"). Junto a los cuentos del Kāma Sūtra («Libro del Amor»), estos cultos tuvieron una gran representación en el arte indio, sobre todo en la escultura, donde abundan los "mithuna" o escenas eróticas, como en los templos de Khajurāho y Koṇārak.


title: Historia del desnudo artístico

text: La primera gran civilización india, de signo neolítico, se produjo en torno a 2500-1500 a. C. en la zona del río Indo, en torno a las ciudades de Mohenjo-Dāro (actual Pakistán) y Harappa (Panyab). Se han encontrado diversas figuras de terracota representando a carros, animales y figuras humanas, algunas de ellas desnudas y con símbolos sexuales (el "liṅgam" masculino y el "yoni" femenino), relacionadas con el culto a la fertilidad. También se han hallado piezas en bronce como "La bailarina" de Mohenjo-Dāro, con unas formas anatómicas redondeadas, siendo de remarcar el trabajo tanto anterior como posterior, ofreciendo una imagen global de la figura.


title: Historia del desnudo artístico

text: Entre los siglos III-I a. C. se desarrolló el arte maurya, donde surgieron las primeras tipologías iconográficas indias con la representación de las "yakṣīs" (espíritus de la naturaleza), generalmente en forma de mujeres desnudas adornadas con joyas, como se puede apreciar en la puerta este del stūpa de Sānchī. Estas figuras solían representarse en "tribhaṅga" («triple flexión»), una postura con un sinuoso movimiento que forma tres curvas, típica de la escultura india desde entonces. Este tipo de representaciones inició el género del arte erótico en la India, con una curiosa síntesis de sensualidad y espiritualidad.


title: Historia del desnudo artístico

text: En el arte gupta (siglosIV-VIII) la escultura se caracterizó por la suavidad de las líneas, la perfección de los rostros, que denotan una belleza ideal, pero de un tono algo místico, y un ligero movimiento tipo "tribhaṅga", como se vislumbra en el "Torso de bodhisattva" procedente de Sānchī (sigloV), que junto a la tersura de la piel manifiesta una gran precisión en las joyas y los ropajes.


title: Historia del desnudo artístico

text: Los siglosVIII-XIII fueron la edad dorada del arte hindú, con gran profusión de escultura erótica en templos como el de Sūrya en Koṇārak (1240-1258) y el conjunto de Khajurāho (Madhya Pradesh, siglosX-XI), que son de los que más profusamente representaron escenas del erotismo tántrico, con diversos grupos ("mithunas") dispuestos en frisos ("kāma-bandha") desarrollando diversas posturas eróticas. Este tipo de escultura erótica también se desarrolló fuera de la India, como en Angkor Wat (Camboya), donde la mayor parte de las paredes del templo están decoradas con frisos en bajorrelieve donde destaca la abundancia de figuras femeninas, entre "devatas" (o diosas femeninas hindúes), de las que contabilizan 1500 en todo el templo, y "apsaras" (o bailarinas celestiales), contabilizando unas 2000.


title: Historia del desnudo artístico

text: El desnudo también tiene una significación especial en el jainismo, donde sus dos sectas principales se diferencian precisamente en que unos van vestidos ("shvetambara") y otros desnudos ("digambara"), ya que consideran que la ropa aprisiona el alma. Así su arte refleja con naturalidad este hecho, siendo habitual la representación de monjes y ascetas desnudos, como la estatua de Gomateśvara (978-993), una imponente figura de 17 metros de altura que representa al gran maestro jainí Bahubali.


title: Historia del desnudo artístico

text: El arte japonés ha estado marcado por su insularidad, aunque a intervalos ha ido recibiendo la influencia de las civilizaciones continentales, sobre todo de China y Corea. El arte tiene en la cultura japonesa un gran sentido introspectivo y de interrelación entre el hombre y la naturaleza, representada igualmente en los objetos que le envuelven, desde el más ornado y enfático hasta el más simple y cotidiano. Esto se pone de manifiesto en el valor otorgado a la imperfección, al carácter efímero de las cosas, al sentido emocional que el japonés establece con su entorno. En Japón, el arte pretende conseguir la armonía universal, yendo más allá de la materia para encontrar el principio generador de vida. La estética japonesa busca encontrar el sentido de la vida por medio del arte: belleza equivale a armonía, a creatividad; es un impulso poético, un camino sensorial que lleva a la realización de la obra, que no tiene finalidad en sí, sino que va más allá.


title: Historia del desnudo artístico

text: El desnudo en el arte japonés no tuvo gran representación en medios oficiales, aun siendo algo visto con naturalidad, todo lo referente a la sexualidad se consideraba relacionado con la vida privada. Aunque pudiese aparecer algún cuerpo desnudo en una imagen japonesa, sería en el marco de alguna escena íntima, cotidiana, como unos baños públicos, pero el cuerpo humano en sí no era considerado digno de representación para una obra de arte. Sin embargo, existía un género artístico dedicado especialmente a las imágenes eróticas, denominado , ligado generalmente a las estampas japonesas , aunque también se dio con otras tipologías. Estas imágenes estuvieron de moda principalmente durante el período Edo (1603-1867), generalmente en formato de xilografía, siendo practicadas por algunos de los mejores artistas de la época, como Hishikawa Moronobu, Isoda Koryūsai, Kitagawa Utamaro, Keisai Eisen, Torii Kiyonaga, Suzuki Harunobu, Katsushika Hokusai y Utagawa Hiroshige. Las escenas describían relaciones sexuales de todo tipo, incorporando en ellas a los más variados personajes, desde actores y comerciantes hasta samuráis, monjes budistas o incluso seres fantásticos y mitológicos. A pesar de que su producción estuvo marcada por regulaciones y prohibiciones por parte del gobierno, la realización de este tipo de obras continuó prácticamente hasta finales de la era Meiji, con la prohibición de material «obsceno» en el Código Civil del año 1907. Tras la apertura de Japón a Occidente, a mediados del sigloXIX, el arte japonés contribuyó al desarrollo del movimiento conocido como japonismo, y diversos artistas europeos coleccionaron "shunga", entre los que destacan Aubrey Beardsley, Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec, Gustav Klimt, Auguste Rodin, Vincent van Gogh y Pablo Picasso. Se suele considerar el "shunga" un antecedente del "hentai", la vertiente erótica del cómic "manga".


title: Historia del desnudo artístico

text: Este término se ha utilizado tanto en trabajos de investigación de etnografía como de antropología, así como en documentales y en la revista "National Geographic" en los Estados Unidos. En algunos casos, los medios de comunicación pueden mostrar el desnudo que ocurre en una situación «natural» o espontánea en documentales o programas de noticias, mientras que difuminan o censuran los desnudos en los trabajos teatralizados. El foco etnográfico proporcionó un excepcional marco para pintores y fotógrafos para mostrar pueblos cuya desnudez era, o todavía lo es, aceptable dentro de las convenciones, o dentro de ciertos encuadres específicos, de su cultura tradicional.


title: Historia del desnudo artístico

text: Los detractores del desnudo etnográfico a menudo lo rechazan tachándolo de ser una mera mirada colonialista preservada como imaginería etnográfica. Aun así, los trabajos etnográficos de algunos pintores y fotógrafos, como Irving Penn, Casimir Zagourski, Hugo Bernatzik y Leni Riefenstahl, han sido aclamados en todo el mundo por preservar lo que se percibe como un documento de las costumbres agonizantes de «paraísos» sujetos al ataque de la modernidad mediocre.


title: Síndrome de Waardenburg

text: El síndrome de Waardenburg es una genodermatosis poco frecuente (se da en 1 de cada 42000 nacimientos) que provoca trastornos de tipo estructural y pigmentario; encontrándose los trastornos estructurales principalmente en la cresta neural.


title: Síndrome de Waardenburg

text: La herencia de este síndrome es de tipo autosómico dominante (quien presente el gen lo manifestará y lo transmitirá a la descendencia con una probabilidad del 50% en cada embarazo). La incidencia es mayor en zonas donde existe mayor consanguinidad, como es el caso de la Isla de Buton (Indonesia), en la que una buena parte de la población local muestra síntomas evidentes.


title: Síndrome de Waardenburg

text: El síndrome de Waardenburg también se ha asociado con muchos trastornos de tipo congénito , como el intestino y la columna vertebral defectuosa, elevación de la escápula y el labio leporino (hendidura o separación en el labio superior).


title: Síndrome de Waardenburg

text: Algunos casos (de los tipos II y IV) parecen tener una herencia autosómica recesiva de patrón de herencia; lo que significa que dos copias del gen se deben modificar para que una persona sea afectada por dicho trastorno. Con mucha frecuencia, los padres de un niño con un síndrome de Waardenburg autosómico recesivo, no se ven afectados pero son portadores de una copia del gen alterado.


title: Síndrome de Waardenburg

text: La principal causa es una afectación que se valora es la de la cresta neural (grupo de células localizadas cercanas al tubo neural y a la epidermis del embrión), una alteración a la cresta neural durante el desarrollo embrionario genera todos los problemas anteriormente citados (a mayor o menor escala).


title: Síndrome de Waardenburg

text: Su epidemiología es relativamente baja, ya que está presente en 1 de cada 42000 nacimientos. Además, todas las etnias y sexos se ven afectados por igual ante el síndrome.


title: Síndrome de Waardenburg

text: El pronóstico es dependiente del tipo de síndrome que se presente; pero por lo general no existen problemas graves que impidan llevar una vida normal. En los tipos menos comunes de este síndrome se encuentran problemas mentales, aumento del riesgo a sufrir tumores musculares, estreñimientos que implican extirpaciones.


title: Síndrome de Waardenburg

text: El tratamiento no está especificado; pero siempre tendrán relación con las deficiencias auditivas que presente el paciente y sus problemas de tipo intestinal.


title: Síndrome de Waardenburg

text: Otras anomalías (de tipo neurológico, estructural e incluso la enfermedad de Hirschsprung) que son asociadas al síndrome son tratadas sintomáticamente.


title: Síndrome de Waardenburg

text: Se ha observado que los hurones pueden presentar una variante semejante al síndrome de Waardenburg, presentando una franja blanca en la región frontal de su cabeza e incluso la cabeza blanca completamente. Se realizaron pruebas para verificar la sordera (característica de la afección) y se comprobó que, aunque los hurones suelen presentar una sordera pronunciada, aquellos hurones afectados por el síndrome no reaccionaban ante efectos sonoros de consideración que el resto de hurones sin el síndrome eran capaces de reaccionar.


title: Borrasca

text: Una borrasca o zona de baja presión es una masa de aire donde la presión atmosférica es más baja que la del aire circundante. Las tormentas tropicales, ciclones extratropicales, y los ciclones polares y árticos, reciben el nombre de células de baja presión, especialmente en comunidades angloparlantes.


title: Borrasca

text: Las borrascas se asocian normalmente con vientos fuertes y elevación atmosférica. Esta elevación suele producir cielo cubierto, debido al gradiente térmico cuando el aire se satura. Así, las borrascas suelen traer cielos nubosos o cubiertos, que pueden minimizar la temperatura diurna tanto en verano como en invierno. Esto se produce por la entrada de menos radiación solar de radiación de onda corta y temperaturas más bajas, ya que las nubes reflejan la luz solar. De noche, el efecto de absorción de las nubes en la onda larga, como el calor de la superficie, permite que las temperaturas diurnas sean más frescas en todas las estaciones del año.


title: Borrasca

text: Climatológicamente, las borrascas se forman en la zona de convergencia intertropical, como parte de la circulación de la célula de Hadley. Muchos de los bosques de pluviselva o bosque tropical lluvioso están asociados con estos sistemas climatológicos de baja presión. Las borrascas frontales son un fenómeno de la zona templada, y se desarrollan a lo largo de frentes polares como resultado de la interacción entre las masas de aire frío y caliente. Las borrascas térmicas también se forman en zonas como el valle de la Muerte como resultado del intenso calor despedido desde la superficie; son mucho más pequeñas en extensión geográfica que los frentes de convergencia o las borrascas frontales.


title: Borrasca

text: Los sistemas de baja presión en superficie tenderán a ser pequeños en área y tener vientos en superficie más fuertes que un sistema anticiclónico, debido a la fricción en superficie, al gradiente barométrico, fuerza centrífuga y efecto Coriolis que controlan la circulación.


title: Borrasca

text: En los desiertos, la ausencia de humedad y plantas en superficie que normalmente proporcionarían refrigeración (por evaporación) puede llevar a un aumento rápido e intenso del calor solar en las capas bajas del aire. El aire caliente es menos denso que el aire frío de alrededor. Esto, combinado con la elevación de aire caliente, resulta en una borrasca aislada, llamada baja termal.


title: Vivica A. Fox

text: Vivica Anjanetta Fox (South Bend, Indiana, 30 de julio de 1964) es una actriz de cine y televisión estadounidense. Se graduó en la Universidad de Golden West en Ciencias Sociales.


title: Vivica A. Fox

text: Vivica nació en South Bend, Indiana, hija de Everlyena, una técnica farmacéutica, y de William Fox, administrador de un colegio privado. Tiene ascendencia afroamericana y amerindia. Está graduada por el Instituto Arlington en Indianápolis, Indiana, y por la Universidad de Golden West con un título en Ciencias Sociales.


title: Vivica A. Fox

text: Fox se desplazó a California para ir a la Universidad Golden West. Mientras, en California, comenzó a actuar de forma profesional, primero en telenovelas como "Generations", "Days of Our Lives" y "The Young and the Restless". Representó el papel de Emily Franklin en el episodio piloto de la serie de la ABC "Living Dolls", una sitcom de "Who's the Boss?", pero fue sustituida por Halle Berry para los siguientes episodios. También apareció como la hija del diseñador Patti LaBelle, Charisse Chamberlain, en la serie de televisión de la NBC, "Out All Night". Además apareció como la hermana de Jazz en la exitosa serie de televisión "The Fresh Prince of Bel-Air". Tuvo sus primeros papeles importantes en las películas de 1996, "Independence Day" y "Set It Off". A partir de ahí fue aceptada en otras películas y recibida con una buena crítica por su papel de Maxine en la película de 1997 "Soul Food", que consiguió el MTV Movie Awards y fue nominada al premio NAACP a la mejor imagen, en este mismo año protagonizó junto a Ben Cross interpretando a la Reina de Saba en la película "Solomon" de "The Bible Series" con lo que contribuyó con la difusión cultural de los relatos de la vida del Rey Salomón. En 2000 interpretó a la doctora Lillian Price durante la primera temporada del drama médico de la CBS "City of Angels".


title: Vivica A. Fox

text: Además actuó en "Idle Hands", "Why Do Fools Fall In Love", "Teaching Mrs. Tingle", "Two Can Play That Game" y "Juwanna Mann" antes de lograr el papel de la asesina Vernita Green en la película de Quentin Tarantino, "Kill Bill" (2003). También prestó su voz a dibujos animados como "Ozzy & Drix" y "Kim Possible". En 2004, Fox estuvo en un episodio de "Punk'd".


title: Vivica A. Fox

text: Desde 2004 hasta 2006 protagonizó la serie dramática "Missing", con Caterina Scorsone y Mark Consuelos, actuando también como coproductora. Participó en la tercera temporada de la exitosa serie de la ABC "Dancing with the Stars", siendo eliminada después de la cuarta semana. En septiembre de 2007, apareció en la sexta temporada de "Curb Your Enthusiasm" de la HBO, como la madre de una familia desplazada por un huracán que es acogida por Larry y Cheryl.


title: Vivica A. Fox

text: En diciembre de 1998, Fox se casó con el cantante Christopher Harvest (más conocido como Sixx-Nine) de quien se divorciaría en junio de 2002.


title: Vivica A. Fox

text: La relación de Fox con el rapero 50 Cent hizo que ella fuese su inspiración en canciones como "I'm Really Hot", The Game en "Dreams" y "Get In My Car".


title: Vivica A. Fox

text: El 20 de marzo de 2007, Fox fue arrestada por conducir bajo los efectos del alcohol. A las 10:57 p.m. en la U.S. Route 101 en el Valle de San Fernando, California, un radar alertó a la policía de un coche que circulaba a 80 mph. Fox fue llevada a la comisaría donde la prueba de alcoholemia reveló que estaba bajo los efectos del alcohol, superando el límite de 0.08 establecido por las leyes de California.


title: Yog-Sothoth

text: Yog-Sothoth ("La Llave y la Puerta", "El Todo-En-Uno", "El Oculto", "El Abridor del Camino", "El color que surgió del espacio" ) es un personaje de ficción en los Mitos de Cthulhu. El ser fue creado por Howard Phillips Lovecraft y apareció por primera vez en su novela "El caso de Charles Dexter Ward" (escrita en 1927 y publicada por primera vez en 1941). Se dice que el ser toma la forma de una agrupación de burbujas brillantes.


title: Yog-Sothoth

text: Yog-Sothoth es un dios exterior que será encargado de traer de vuelta a los primordiales. "Yog Sothoth sabe cuál es la entrada. Yog-Sothoth es la entrada. Yog-Sothoth es la llave y también el guardián de la entrada. Pasado, presente y futuro son una sola cosa en Yog-Sothoth" (desde El horror de Dunwich).


title: Yog-Sothoth

text: Yog-Sothoth es uno de los Dioses Exteriores y está conectado con todo el tiempo y espacio, aunque está supuestamente atrapado fuera del universo que habitamos.


title: Yog-Sothoth

text: Yog-Sothoth lo sabe todo y lo ve todo. "Complacer" a esta deidad puede acarrear conocimiento de multitud de cosas. Sin embargo, como muchos seres en los Mitos, ver o aprender demasiado de él trae desastres, a menudo consecuencias fatales. Algunos autores opinan que para ganar su favor se requiere un sacrificio humano o la servidumbre eterna al dios.


title: Yog-Sothoth

text: El ensayo In Rerum Supernatura en el juego de rol La llamada de Cthulhu sugiere que Yog-Sothoth puede ser una burda transliteración de la frase árabe "يجيء الشذاذ " (yaŷī’ aš-šudhdhādh), que significa "Vienen los extraños".


title: Sodexo

text: Sodexo (antiguamente conocida como Sodexho Alliance) es una corporación multinacional con casa matriz en Issy-les-Moulineaux, París, Francia. Sodexo es una de las más grandes compañías de servicios de comida y administración de instalaciones del mundo, con 470237 empleados, presente en 34000 sitios en 80 países. En el año fiscal de 2010 los ingresos alcanzaron €15,3 billones, con una capitalización de mercado de €6500 millones.


title: Sodexo

text: Sodexo está organizada en dos entidades: Soluciones de Servicios en Terreno y Soluciones motivacionales. Sodexo atiende muchos sectores incluyendo corporaciones privadas, agencias de gobierno, escuelas desde primaria hasta universitaria, hospitales y clínicas, instalaciones de vivienda asistida, bases militares e instalaciones penitenciarias.


title: Sodexo

text: La compañía fue creada en 1966 por Pierre Bellon en Marsella, Francia, para atender a restaurantes de compañías, colegios y hospitales bajo el nombre de Société d'Exploitation Hotelière ().


title: Sodexo

text: Al correr de los años 1970, la compañía se expandió en Francia y a nivel internacional, primero en Bélgica, luego en África, y finalmente en el Medio Oriente. Después de una licitación pública inicial en la Bolsa de París en 1983, la firma continuó su expansión hacia Norteamérica, Sudamérica, Japón, Sudáfrica y Rusia.


title: Sodexo

text: Entre 1995 y 2001, Société d'Exploitation Hotelière's cambió su nombre a "Sodexho Alliance", y la compañía estableció alianzas con Gardner Merchant, Partena, Sogeres, Wood Dining Services y Universal Ogden Services.


title: Sodexo

text: En 1998, Sodexho se fusionó con los servicios de administración Marriott, que en aquel entonces era una de las compañías de servicios de comida más grandeS de Norteamérica, cambiando el nombre a Sodexho Marriott Services. En el año 2000 Sodexho Alliance se convirtió en el líder de administración de sitios remotos después de fusionarse con Universal Ogden Services.


title: Sodexo

text: En 2005, Michel Landel fue nombrado Gerente General, sucediendo a Pierre Bellon, quien continúa como miembro del directorio.


title: Sodexo

text: En el verano de 2006, la compañía cerró un trato con el empresario y ex jugador de la NBA, Magic Johnson y Magic Food Provisions, una subsidiaria de Magic Johnson Enterprises. La iniciativa incluyó un acuerdo de marketing y la formación de SodexhoMagic, LLC, una nueva "joint venture" de la que Johnson posee el 51%.


title: Sodexo

text: Desde septiembre de 2007, las operaciones en Estados Unidos han sido dirigidas por el Presidente y Gerente General George Chavel, quien reemplazó a Richard Macedonia.


title: Sodexo

text: En 2007, Sodexo inició su actividad de distribución de sus servicios a escuelas del Reino Unido, usando la marca "Para ti..." ("For you").


title: Sodexo

text: The DiversityInc Top 50 Companies for Diversity is the leading assessment of diversity management in corporate America and globally. En 2010, Sodexo calificó en número 1. De acuerdo con el informe, Sodexo “has led every other company in its ability to implement measure and assess strong internal diversity initiatives”


title: Sodexo

text: En 2011, Sodexo asume un contrato de 8 años con el gobierno de Estados Unidos, por el cual la compañía se compromete a proveer servicios alimentarios a 31 cuerpos de marines.


title: Sodexo

text: Hoy en día Sodexo está en la lista Fortune Global 500 y es el segundo mayor empleador entre todas las corporaciones multinacionales francesas.


title: Sodexo

text: Sodexo reportó utilidades por €15.300 millones en los últimos 12 meses que terminaron en febrero de 2010 y un crecimiento orgánico de 0.4%. It benefits from a Corporate Credit Rating of BBB+ (Standard & Poor).


title: Sodexo

text: Las ofertas de Sodexo van desde servicios de comida de autoservicio que incluye restaurantes ejecutivos, servicio de despacho, comedores ejecutivos, venta y despachos de comida, hasta servicios integrales de administración de instalaciones que incluyen tanto servicios blandos (recepción, conserjería, pantry, lavandería, groundskeeping, administración de basura, Vendor Management, etc.) y servicios duros (sistemas integrales de aires acondicionados, sistemas eléctricos que incluyen manejo de sub-estaciones de más de 220kV, servicios de eficiencia energética & servicios de sustentabilidad, gasfitería/Plantas de tratamiento de aguas/operación de plantas de tratamiento de aguas servidas, contrato anual de mantenimiento y operación de equipos, administración de proyectos, etc.).


title: Sodexo

text: Una de las dos principales empresas del mundo en este sector, [Cita Requerida] Sodexo ofrece a las empresas y las autoridades públicas con vales de comida, cheques restaurante, cheques guardería cheques o tarjetas de transporte y cheques formación. En China cuenta con un sistema de tarjetas de valor almacenado en cooperación con varios restaurantes.


title: Sodexo

text: La compañía cambió su nombre oficial de Sodexho Alliance a simplemente Sodexo después de una votación de los accionistas en la junta general anual de la compañía el 22 de enero de 2008. La razón para eliminar la letra 'h' de Sodexho, citada en el informe anual del grupo de 2007, es que " en ciertos idiomas una "x" seguida de una "h" es difícil de pronunciar ". El sitio web corporativo de la compañía también indica que ya no hace hincapié en la industria de servicios hoteleros con la que alguna vez se asociaron, ya que ahora se centran en muchas otras direcciones. También se cambió el logotipo de la compañía, dejando caer las cinco estrellas a una sola estrella. La barra de la letra 'x' también ahora está curvada, como una sonrisa, supuestamente sugerente del deseo de la compañía de buscar constantemente y aumentar la satisfacción de sus clientes.


title: Sodexo

text: Ha habido al menos nueve boicots a Sodexo por diversas razones: en la Clark University en Worcester, Massachusetts, en la Escuela de Estudios Orientales y Africanos de la Universidad de Londres, en la American University en Washington DC, y en la Université Laval en Quebec City, en Binghamton University en Nueva York, y Allegheny College en Meadville, Pennsylvania, en DePauw University en Indiana, Emory University en Atlanta, Georgia, en los bancos Nordea en Finlandia, en la Universidad de Tampere, Finlandia y en la Universidad Loyola Marymount en Los Ángeles. En la Universidad DePauw, los estudiantes protestaron contra la supuesta baja remuneración de los empleados de Sodexo, su inversión en negocios de prisiones privadas y la falta de opciones de alimentos locales.


title: Sodexo

text: En los bancos de Nordea, el problema fue una reducción en los salarios después de que Sodexo se hizo cargo de los servicios de alimentos del banco en el lugar de trabajo. Después de un exitoso boicot, los salarios se incrementaron.


title: Sodexo

text: En 2009, el SEIU lanzó una campaña nacional contra Sodexo con el objetivo declarado de mejorar los estándares salariales y laborales. Clean Up Sodexo sirve como área de preparación en línea para la campaña. En 2010, el SEIU reclutó estudiantes en muchas universidades de los EE. UU. Para apoyar huelgas y manifestaciones en protesta por las supuestas prácticas laborales injustas de Sodexo, incluida la conducta antisindical y el pago de salarios bajos. Aunque una serie de huelgas en la Universidad de Pittsburgh condujeron a la negociación de salarios más altos y planes de seguro médico de menor costo para los trabajadores de la cafetería, hasta ahora ninguna de las cuentas de Sodexo elegidas por el SEIU tiene Sindicado o incluso pidió un voto electoral. Según una declaración de Sodexo, el SEIU está participando en una campaña de desprestigio en un esfuerzo por expulsar a los sindicatos de trabajadores rivales que tradicionalmente han operado en la industria de servicios de alimentos, así como para la publicidad en general.


title: Sodexo

text: El 16 de abril de 2010, los trabajadores de SEIU organizaron una protesta en la sede de la empresa en Maryland alegando un trato injusto e ilegal de los trabajadores de Sodexo. Durante la protesta, Danny Glover fue arrestado, recibió una citación y luego fue puesto en libertad. The Associated Press informa que "Glover y otros pasaron por delante de la cinta amarilla de la policía y se les pidió que retrocedieran tres veces en la sede de Sodexo. Cuando se negaron, Starks dice que los oficiales los arrestaron".


title: Sodexo

text: En julio de 2010, Sodexo resolvió los cargos presentados por el estado de Nueva York alegando un cobro excesivo por el servicio de alimentos y la gestión de instalaciones en las escuelas públicas. Según un caso presentado por el fiscal general del estado de Nueva York, Andrew Cuomo, Sodexo recibió reembolsos de proveedores sin transferir los ahorros a sus clientes. Sodexo pagó un total de $ 30 millones a los informantes y escuelas afectadas, lo que lo convierte en el mayor asentamiento de la historia en Nueva York fue posible gracias a la ley de reclamos falsos del estado que no involucraba al programa de Medicare. El acuerdo no incluía una admisión de responsabilidad de la compañía. El caso presentado en Nueva York ha dado lugar a investigaciones similares en lugares incluyendo Nueva Jersey, Washington, DC y Berkeley, California.


title: Sodexo

text: Las acusaciones de SEIU contra Sodexo ahora parecen estar nuevamente sobre la mesa. La Junta Nacional de Relaciones Laborales, una agencia federal independiente con el poder de salvaguardar los derechos de los empleados, acusa al SEIU de involucrarse en tácticas ilegales, y las agencias de calificación de crédito social renuevan su confianza en Sodexo para su inversión socialmente responsable (SRI) durante el año 2010 y 2011. Sodexo es, en una demanda presentada en marzo de 2011, acusando al SEIU (Service Employees International Union) de “participar en tácticas ilegales en su esfuerzo por sindicalizar trabajadores.


title: Sodexo

text: El 27 de mayo de 2011 estudiantes de la Universidad de Washington fueron arrestados durante una toma de las oficinas administrativas de la Universidad por protestar por el contrato de concesiones hecho por la Universidad con Sodexo. poco después, el 19 de mayo, otros 13 estudiantes fueron arrestados bajo similares circunstancias.


title: Salvajes (serie de televisión)

text: The Wilds (en Hispanoamérica: Salvajes) es una serie de televisión estadounidense de drama creada por Sarah Streicher para Amazon Prime Video. Se trata de un grupo de chicas jóvenes cuyo avión se estrella y las deja varadas en una isla desierta. El portal "Refinery29," describió la serie como "partes iguales de drama adolescente angustiado y aventura de supervivencia". La primera temporada de 10 episodios se lanzó el 11 de diciembre de 2020. En diciembre de 2020, la serie fue renovada para una segunda temporada, de 8 episodios, que se estrenó el 6 de mayo de 2022.


title: Salvajes (serie de televisión)

text: "The Wilds" sigue a «un grupo de adolescentes de orígenes radicalmente diferentes se encuentran varadas en una isla remota, sin saber que se han convertido en el asunto de un experimento social elaborado».


title: Salvajes (serie de televisión)

text: El 28 de junio de 2018, se anunció que Amazon Prime Video ordenó el episodio piloto creado y escrito por Sarah Streicher titulado "The Wilds". Además, Streicher se desempeña como productora ejecutiva junto a Jamie Tarses y Dylan Clark. El 3 de agosto de 2018, se anunció que Susanna Fogel dirigirá el episodio piloto y servirá como productora ejecutiva. El 24 de noviembre de 2018, se anunció que Cause+FX estará a cargo de los efectos visuales. El 28 de mayo de 2019, se anunció que Amazon Prime Video recogió el episodio piloto para ser una serie de televisión. Además se anunció que Amy B. Harris fue elegida como "showrunner" y que Brian Williams será productor ejecutivo. El 19 de diciembre de 2020, Amazon Studios renovó la serie para una segunda temporada, que se estrenó el 6 de mayo de 2022.


title: Salvajes (serie de televisión)

text: El 31 de julio de 2018, se anunció que Mia Healey, Helena Howard, Reign Edwards y Shannon Berry fueron elegidas en roles principales. El 7 de noviembre de 2019, se anunció que Rachel Griffiths, David Sullivan, Troy Winbush, Sophia Ali, Sarah Pidgeon, Jenna Clause y Erana James fueron elegidos en roles principales.


title: Salvajes (serie de televisión)

text: El episodio piloto se rodó en Auckland, Nueva Zelanda en septiembre de 2018 y la producción de la temporada comenzó en octubre de 2019. La mayoría de las escenas en exteriores de la primera temporada fueron rodadas en Bethells Beach, Nueva Zelanda. El rodaje de la segunda temporada, que empezó en abril de 2021 y terminó en agosto de 2021, se trasladó a Queensland, Australia.


title: Salvajes (serie de televisión)

text: En Rotten Tomatoes la serie recibió un 92% de críticas favorables basadas en 25 reseñas, con una puntuación media de 7.32 sobre 10. El consenso de la página web escribe: "Un "thriller" adictivo que también captura las complejas vidas de chicas adolescentes, vale la pena adentrarse en "The Wilds"." Metacritic le dio a la serie una puntuación de 76 sobre 100 basada en 11 críticas "generalmente favorables".


title: Salvajes (serie de televisión)

text: Kristen Baldwin, de la revista "Entertainment Weekly", le dio un B+ a la serie y escribió: "Aquí, el misterio no es tanto por qué las chicas están en la isla, sino cómo estar allí las cambiará - y yo, personalmente, quiero volver." Richard Roeper del "Chicago Sun-Times" le otorgó 3,5 de 4 estrellas y dijo: "Lo que es tan impresionante sobre "The Wilds" es como la creadora Sarah Streicher y el joven reparto talentoso nos sumergen tan rápido en este mundo y crean un interés y simpatía con esas ocho adolescentes casi al instante."


title: Salvajes (serie de televisión)

text: Uno de los factores con los que la serie ha atraído a generaciones jóvenes es la amplia representación. Toni (Erana James) y Martha (Jenna Clause) provienen de una reserva americana nativa. Durante los "flashbacks" se enseña que Martha participa en muchos de los rituales de la reserva. Jenna Clause ha afirmado que es miembro del Nation Wolf Clan Cayuga de los iroqueses pertenecientes a la . Erana James ha confirmado que es maorí.


title: Modo dórico

text: Modo dórico o modo dorio en música puede hacer referencia a tres conceptos distintos relacionados con escalas debido a confusiones históricas en la transcripción:


title: Modo dórico

text: En la teoría musical de la antigua Grecia es más apropiado emplear los términos "harmonia" o "tonos" (en plural "harmoniai" o "tonoi"), ya que la palabra «modo» es un término latino posterior. Así pues, el modo o "harmonia" dórico recibe esta denominación por el antiguo pueblo griego de los dorios.


title: Modo dórico

text: Se construye, como el resto de modos auténticos griegos, descendentemente a partir de la nota tónica del modo mediante dos tetracordos idénticos separados por un tono entero.