title: Historia del desnudo artístico

text: En Francia, el arte evolucionó rápidamente desde el gótico hasta el manierismo, sin sentirse apenas el influjo clasicista del primer Renacimiento, debido sobre todo a la estancia en las obras del Palacio de Fontainebleau de varios artistas manieristas italianos (Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio, Benvenuto Cellini), que dieron origen a la llamada Escuela de Fontainebleau, caracterizada por un gusto cortesano y sensualista, decorativo, voluptuoso, de una elegancia lánguida, predominando la pintura mural y el relieve en estuco. Se pusieron de moda las figuras elegantes y angulosas de Primaticcio, de miembros largos y cabezas pequeñas, que perduraron en el arte francés hasta finales del sigloXVI. Algunas obras de esta escuela son de artista desconocido, como la "Diana cazadora" (hacia 1550) y el "Retrato de Gabrielle d'Estrées y de su hermana la duquesa de Villars" (1594), de un fino erotismo de corte galante. De artistas conocidos son: "Eva Prima Pandora" (1550), de Jean Cousin el Viejo; "El baño de Diana" (1550), de François Clouet; "El despertar de una dama", de Toussaint Dubreuil; y, en escultura, "Diana cazadora" (1550) de Jean Goujon, y "Las Tres Gracias" (1560) de Germain Pilon. El desnudo se reflejó también en este mismo ambiente en todo género de artes menores, desde la tapicería hasta la cerámica y la orfebrería, como el célebre plato esmaltado con la "Historia de Adán y Eva" en seis pasajes, de Pierre Rémond.


title: Historia del desnudo artístico

text: En España el influjo renacentista llegó tarde, subsistiendo hasta casi mediados del sigloXVI las formas góticas. Por lo demás, las innovaciones fueron más estilísticas que temáticas, predominando como en época medieval la temática religiosa. El Greco fue uno de los principales innovadores de la pintura española de la época: formado en la escuela veneciana, de esta procede el intenso colorido de sus obras, aunque sus figuras largas y desproporcionadas muestran más un cierto expresionismo formal que no el naturalismo clasicista italiano. Aunque la mayor parte de sus obras son religiosas, en ellas no deja de exponer figuras desnudas más o menos justificadas por el tema, pudiendo llegar a contarse en toda su producción más de un centenar de desnudos. Así se aprecia en obras como "El martirio de San Sebastián" (1577-1578), "San Juan Bautista" (1577-1579), "La Trinidad" (1577-1580), "Martirio de San Mauricio" (1580-1582), "Cristo crucificado con dos donantes" (1590), "El bautismo de Cristo" (1596-1600), "La crucifixión" (1597-1600), "San Martín y el mendigo" (1597-1600), "La expulsión de los mercaderes" (1609), "Visión del Apocalipsis" (1609-1614), "Laocoonte y sus hijos" (1614), etc. También como escultor dejó obras como su "Epimeteo y Pandora" (1600-1610) del Museo del Prado, donde es de resaltar el realismo de los órganos sexuales de ambos personajes, tratados sin tapujos.


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text: En el resto de la producción artística renacentista española predominó el decoro y el recato, reglas de oro del arte español que fueron elevadas a teoría del arte en tratados como "Diálogos de la Pintura" de Vicente Carducho, el "Arte de la Pintura" de Francisco Pacheco, o los "Discursos practicables" de Jusepe Martínez. En este contexto, la figura humana desnuda solo se encuentra en el ámbito religioso, especialmente el de la imaginería escultórica, como el "San Sebastián" (1526-1532) de Alonso Berruguete, "El entierro de Cristo" de Juan de Juni (1541-1545) o el "San Jerónimo penitente" (1598) de Juan Martínez Montañés. Las excepciones a esta regla son muy contadas, como el fresco de la "Historia de Dánae" del Palacio del Pardo (1563), de Gaspar Becerra, de influencia miguelangelesca.


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text: El barroco se desarrolló entre el siglo XVII y principios del XVIII. Fue una época de grandes disputas en el terreno político y religioso, surgiendo una división entre los países católicos contrarreformistas, donde se afianzó el estado absolutista, y los países protestantes, de signo más parlamentario. El arte se volvió más refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista, pero con formas más dinámicas y efectistas, con gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto.


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text: Durante el barroco siguió predominando el desnudo femenino, como objeto de placer del mecenas aristocrático, que se recreaba en este tipo de composiciones, donde generalmente la mujer tenía un papel subordinado al hombre. Junto a la temática mitológica, comenzó la costumbre de hacer retratos alegóricos donde mujeres desnudas representaban conceptos como la Justicia, la Verdad, la Generosidad, etc. El desnudo barroco acentuó los efectos de torsión y dinamismo presentes en el manierismo y en la obra de Miguel Ángel, del cual tomaron la composición en forma de espiral —que Miguel Ángel introdujo en su "Alegoría de la Victoria" del Palazzo Vecchio de Florencia, y que permitía una base más sólida para sostener el peso del torso—; así, la «diagonal heroica» clásica pasó a ser la «espiral heroica», la forma en que un movimiento violento y forzado podía expresar de forma verosímil el dramatismo y el efectismo propios del arte barroco.


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text: El barroco tuvo como principal heraldo del desnudo a Peter Paul Rubens, cuyas figuras femeninas robustas y de una carnal sensualidad marcaron época en el concepto estético de belleza de su tiempo. Sin embargo, pese a esa exuberancia carnal, la obra de Rubens —autor también de numerosas obras de tema religioso— no deja de tener cierto idealismo, cierto sentimiento de pureza natural que proporciona a sus lienzos una especie de candidez ensoñadora, una visión optimista e integradora de la relación del hombre con la naturaleza. Rubens concedía mucha importancia al diseño de sus figuras, y para ello estudió en profundidad la obra de artistas anteriores, de los que tomó sus mejores recursos, especialmente —en lo concerniente al desnudo— de Miguel Ángel, Tiziano y Marcantonio Raimondi. Fue un maestro en encontrar la tonalidad precisa para las carnaciones de la piel —tan solo igualado por Tiziano y Renoir—, así como sus diferentes texturas y las múltiples variantes de los efectos del brillo y los reflejos de la luz sobre la carne. También se preocupó por el movimiento del cuerpo, y por dar peso y solidez a sus figuras. Sin embargo, no descuidó el aspecto psicológico y la expresión facial, y en los rostros de sus figuras se aprecia una despreocupada felicidad, un cierto orgullo de saberse hermosas, pero sin engreimiento, y una cierta gratitud vital que el mismo artista sentía ante los dones de la vida. Entre sus obras relacionadas con el desnudo merecen destacarse: "Muerte de Séneca" (1611-1615), "Venus, Cupido, Baco y Ceres" (1612-1613), "Eros y Psique" (1612-1615), "El tocado de Venus" (1615), "Daniel y los leones" (1615), "Perseo y Andrómeda" (1622), "El desembarco de María de Médicis en el puerto de Marsella" (1622-1625), "El triunfo de la Verdad" (1622-1625), "Minerva protege a Pax de Marte" (1629), "Venus y Adonis" (1635), "Las tres Gracias" (1636-1639, donde están retratadas las dos mujeres de su vida, Isabella Brandt y Hélène Fourment), "Rapto de las hijas de Leucipo" (1636), "El nacimiento de la Vía Láctea" (1636-1638), "Diana y Calisto" (1637-1638), "Diana y sus ninfas sorprendidas por sátiros" (1639-1640), "Juicio de Paris" (1639), etc. Autor de más de dos mil cuadros, quizá sea el artista que más desnudos ha representado en la historia.


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text: En cuanto a la temática religiosa, Rubens demostró la misma capacidad sintetizadora que en sus otros desnudos, otorgando a sus figuras una entidad física que potenciaba su aspecto espiritual, como en sus dos obras para la Catedral de Amberes, "La Elevación de la Cruz" (1611) y "El Descendimiento de la Cruz" (1613), que nuevamente muestran la influencia miguelangelesca, así como la asimilación del movimiento ondulado del "Laocoonte". En estas imágenes tiene un protagonismo esencial el color de la carne, contrastando la palidez mortecina de la figura de Cristo del colorido intenso del resto de las figuras, lo que proporciona mayor efectismo al dramatismo de la escena. Igual efecto figura en la "Crucifixión" (1620) del Museo Boymans Van Beuningen, donde al diferente cromatismo de las figuras de Cristo y los ladrones se añade el efecto de la luz tormentosa, al tiempo que la diferenciación en las anatomías de las distintas figuras hace resaltar el físico ideal de Jesús frente a la cruda materialidad de los ladrones.


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text: Discípulos de Rubens fueron Anton van Dyck y Jacob Jordaens: el primero, gran retratista, evolucionó a un estilo más personal, de fuerte influencia italiana, como en su "Piedad" del Prado (1618-1620) y el "San Sebastián" de la Alte Pinakothek de Múnich, o en "Diana y Endimión sorprendidos por un sátiro" (1622-1627) y "El duque y la duquesa de Buckingham como Venus y Adonis" (1620). Jordaens fue más fiel a su maestro —sin llegar a su altura—, como se demuestra en una proliferación de desnudos casi comparable al genio de Amberes: "El sátiro y el campesino" (no datado), "El rapto de Europa" (1615-1616), "La fecundidad" (1623), "Pan y Siringa" (1625), "Apolo y Marsias" (1625), "Prometeo encadenado" (1640), "Las hijas de Cécrope hallando a Erictonio" (1640), "Triunfo de Baco" (1645), "El reposo de Diana" (1645-1655), "La Abundancia de la Tierra" (1649), etc.


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text: En el lado opuesto al idealismo de Rubens se sitúa la obra de Rembrandt, heredero de las formas redondeadas del desnudo nórdico de origen gótico, con figuras tratadas de forma realista, igual de exuberantes que las de Rubens, pero más mundanas, sin disimular los pliegues de la carne o las arrugas de la piel, con un patetismo que acentúa la cruda materialidad del cuerpo, en su aspecto más humillante y lastimoso. Rembrandt apela a la naturaleza contra las reglas, movido por una desafiante honradez verista, y quizá por un sentimiento de compasión hacia las criaturas menos favorecidas de la sociedad: viejos, prostitutas, borrachos, mendigos, minusválidos. Para él, imbuido de un sentido bíblico del cristianismo, la pobreza y la fealdad eran inherentes a la naturaleza, y merecedoras de atención tanto como la riqueza y la belleza. Este sentido revelador de la imperfección se denota en obras como "Diana" (1631), "Mujer sentada en un montículo" (1631), "Cleopatra" (1637), "Vieja lavándose los pies" (1658), etc. Tampoco le importó mostrar lo más crudo de la anatomía humana en la "Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp" (1632). Más agradables son "Susana y los viejos" (1634), "Adán y Eva en el Paraíso" (1638), "Bacante contemplada por un fauno" y "Dánae recibiendo la lluvia de oro" (1636-1647, donde retrató a su mujer, Saskia van Uylenburgh). Un intento de mostrar quizá la belleza sensual fue su "Betsabé en el baño" (1654), donde representa a su amante, Hendrickje Stoffels, que pese a sus formas redondeadas y generosas, mostradas con honestidad, se consigue transmitir un sentimiento de nobleza, no ideal, pero sí sublime, al tiempo que su expresión meditativa proporciona vida interior a la carnal figura, y le proporciona un aura espiritual, reflejo del concepto cristiano del cuerpo como receptáculo del alma.


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text: En Italia destacó la obra de Gian Lorenzo Bernini, arquitecto y escultor que escenificó el boato de la Roma papal de una forma suntuosa y grandilocuente, y cuyas obras expresan el movimiento dinámico y sinuoso tan propio del barroco, como se denota en sus principales grupos escultóricos: "Eneas, Anquises y Ascanio huyendo de Troya" (1618-1619), "El rapto de Proserpina" (1621-1622), "David lanzando su honda" (1623-1624), "Verdad descubierta por el Tiempo" (1645-1652) y "Apolo y Dafne" (1622-1625), donde se manifiesta su maestría para el modelado, el dramatismo de la acción, sus atrevidos escorzos y su sentido decorativo, plasmado a menudo en vestiduras flotantes de frágil equilibrio. Otro gran creador fue Caravaggio, que inició un estilo conocido como naturalismo o caravagismo, basado en la estricta realidad natural y caracterizado por la utilización del claroscuro (tenebrismo) en aras de conseguir efectos dramáticos y sorprendentes gracias a la interacción entre luces y sombras. Artista excéntrico y provocador, entre sus obras destacan: "San Juan Bautista" (1602), "El amor victorioso" (1602-1603), "Santo Entierro" (1602-1604), "La flagelación de Cristo" (1607), "Cristo en la columna" (1607), "San Jerónimo escribiendo" (1608), "La resurrección de Lázaro" (1609), etc. Seguidores suyos fueron Giovanni Battista Caracciolo ("El joven San Juan en el desierto", 1610-1620; "Cupido durmiente", 1616; "Martirio de San Sebastián", 1625) y Artemisia Gentileschi ("Susana y los viejos", 1610; "Dánae", 1612; "Cleopatra", 1621; "José y la mujer de Putifar", 1622; "Venus durmiente", 1625-30).


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text: Entre Italia y Francia se originó otra corriente denominada clasicismo, igualmente realista, pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado, y donde la temática mitológica era evocadora de un mundo de perfección y armonía, parangonable a la Arcadia romana. Se inició en la Escuela Boloñesa, de la mano de Annibale Carracci, cuyo "Triunfo de Baco y Ariadna" (1597-1602) presenta un cortejo pleno de desnudos, que también abundan en la decoración que el artista efectuó en el Palacio Farnesio de Roma. En "Cristo muerto" (1583-1585) se inspiró en la obra homónima de Mantegna. Otro miembro de la escuela fue Guido Reni, que realizó numerosas alegorías mitológicas y cuadros de dioses y héroes cuya desnudez resalta su dignidad y magnificencia, como en "Hipómenes y Atalanta" (1612), "Sansón bebiendo de la quijada de un asno" (1611-1612) y "Rapto de Deyanira" (1620-1621). Francesco Albani buscaba en la mitología una temática graciosa y amable hacia la que era inclinado por naturaleza, como en su serie de las "Estaciones" (1616-1617, que incluye "Invierno o El Triunfo de Diana", "Otoño o Venus y Adonis", "Primavera o Venus en su toilette" y "Verano o Venus en la fragua de Vulcano"), "Amores desarmados" (1621-1633), "Mercurio y Apolo" (1623-1625), "Diana y Acteón" (1625-1630) y "Alegoría del Agua" (1627). Guido Cagnacci fue uno de los últimos representantes de la escuela, exportando el clasicismo al ámbito germánico: "Alegoría de la vida humana", "La muerte de Cleopatra" (1658), "San Jerónimo" (1659), "María Magdalena inconsciente" (1665).


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text: En el ámbito francés destacó Nicolas Poussin, artista de un sereno clasicismo, quizá el inaugurador del desnudo académico, por ser culto e idealizado, basado en la plasmación en imágenes de la cultura erudita que tenía como base temática la mitología y la historia antigua. De influencia rafaelesca, se interesó por la anatomía, elaborando concienzudamente todas sus obras, concebidas tanto en un sentido plástico como intelectual. Estaba interesado por la arqueología, inaugurando junto a Claude Lorrain el llamado «paisaje histórico», donde un marco paisajístico sirve para situar diversas figuras históricas o mitológicas, junto a arquitecturas o ruinas de la antigüedad. Entre sus obras destacan: "Apolo y Dafne" (1625), "Apolo y Baco" (1627), "Eco y Narciso" (1628), "El Parnaso" (1630), "Céfalo y Aurora" (1630), "Midas ante Baco" (1630), "El reino de Flora" (1631), "El triunfo de Galatea" (1634), "Bacanal" (1634-1635), "Danza de los israelitas en torno al becerro de oro" (1636), "Venus y Eneas" (1639), etc. Otros artistas de inspiración clasicista fueron: Simon Vouet ("Amor y Psique", 1626; "Venus durmiente", 1630-1640), Charles Le Brun ("Meleagro", 1658; "Los trabajos de Hércules", 1658-1661) y Jacques Blanchard ("Angélica y Medoro", 1630; "Dánae", 1630-1633; "Venus y las Tres Gracias sorprendidas por un mortal", 1631-1633).


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text: En el llamado «pleno barroco» (segunda mitad del sigloXVII), de estilo decorativo y recargado, con predilección por los efectos ópticos ("trompe-l'oeil") y las escenografías lujosas y exuberantes, numerosos artistas trabajaron en la decoración del Palacio de Versalles, estilo que se expandió por el resto de Francia. El desnudo se desarrolló notablemente en la escultura, llenando plazas y jardines por todo el territorio francés, con artistas como Pierre Puget ("Milón de Crotona", 1671-1682; "Perseo y Andrómeda", 1685) y François Girardon ("Apolo atendido por las ninfas", 1666; "El rapto de Proserpina", 1677). También destacó en el terreno de las artes aplicadas, especialmente en el bronce y la porcelana, e incluso tallado y estofado en la ebanistería.


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text: España siguió siendo en esta época un país artísticamente casto y recatado, donde el desnudo se veía con ojos pudorosos. Así, un artista como Bartolomé Esteban Murillo solo muestra figuras desnudas en las formas infantiles que pueblan sus escenas de la Virgen, con sus niños Jesús y sus "putti", sus angelotes que juegan y vuelan por doquier en el espacio sagrado de sus obras. Sin embargo, en esta época comienza un cierto aperturismo, y un hombre de Iglesia como fray Juan Ricci justifica en el "Tratado de la Pintura sabia" la figura humana desnuda, de la que realiza un pormenorizado estudio anatómico, acompañado de numerosas ilustraciones de su puño y letra. También cabe destacar que los monarcas hispánicos fueron grandes coleccionistas de desnudos, desde Carlos I hasta FelipeIV, y a tal fin estaba destinada la Torre Dorada del Alcázar de Madrid, en su día un auténtico museo del desnudo.


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text: El desnudo en España continuó siendo predominantemente de tema religioso, como se percibe en la obra de Francisco Ribalta, José de Ribera, Francisco Zurbarán, Gregorio Fernández y Pedro de Mena. Alguna excepción la vemos en Ribera —quizá por su estancia en Italia—, como su "Sileno borracho" (1626), su "Marsias y Apolo" (1637) o sus imágenes de "Ixión" (1632) y "Prometeo" (1630), o en el "Descenso al Limbo" (1646-1652) de Alonso Cano. También Zurbarán realizó algunos cuadros sobre Hércules para la Torre de la Parada, por encargo de Velázquez.


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text: Pero sin duda el gran genio del barroco español fue Diego Velázquez, pintor de cámara de FelipeIV, cuya magnífica producción es uno de los hitos de la historia del arte. Velázquez gozó de una gran libertad en su trabajo, sin duda por su puesto como pintor real, por lo que pudo efectuar más desnudos que cualquier otro artista español de su tiempo. Aun así, se vio constreñido por la censura clerical, por lo que tuvo que cambiar el sentido iconográfico de algunas de sus obras, que pasaron de desnudos mitológicos a escenas de género o costumbristas: así, la que habría sido una bacanal de tema dionisíaco pasó a ser "Los borrachos" (1628-1629), y el adulterio de Marte y Venus se convirtió en "La fragua de Vulcano" (1630). Tuvo menos problemas —lógicamente— en sus representaciones religiosas, como su "Cristo crucificado" (1639), o en "Cristo atado a la columna" (1632) y "La túnica de José" (1630), donde el desnudo tiene un claro componente clasicista, casi académico, proveniente de su formación italiana —hecho que se demuestra en la concepción anatómica de ciertas figuras, aunque luego aparezcan vestidas, como es el caso de "Las Hilanderas" (1657), donde se denota el influjo miguelangelesco de la Capilla Sixtina—.


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text: Sin embargo, el pintor sevillano pudo explayarse con la "Venus del espejo" (1647-1651), uno de los desnudos más magníficos y afamados de la historia. Se trata de un desnudo de gran originalidad, sobre todo por estar presentado de espaldas, hecho no muy habitual en la época, y en cuya concepción quizá se denota la influencia del "Hermafrodita Borghese", que Velázquez seguramente conoció en Italia. Por otro lado, la actitud de Venus, que se mira en el espejo, probablemente representa una alegoría de la vanidad. El genial pintor realizó otros desnudos —hoy perdidos—, como un "Cupido y Psique" y una "Venus y Adonis" que pertenecían a FelipeIV, un desnudo de mujer propiedad de Domingo Guerra Coronel y una "Venus recostada" que estaba en posesión del propio pintor a su muerte.


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text: Desarrollado en el siglo XVIII —en convivencia a principios de siglo con el barroco, y a finales con el neoclasicismo—, supuso la pervivencia de las principales manifestaciones artísticas del barroco, con un sentido más enfatizado de la decoración y el gusto ornamental, que son llevados a un paroxismo de riqueza, sofisticación y elegancia. El progresivo auge social de la burguesía y los adelantos científicos, así como el ambiente cultural de la Ilustración, conllevaron el abandono de los temas religiosos a favor de nuevas temáticas y actitudes más mundanas, destacando el lujo y la ostentación como nuevos factores de prestigio social.


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text: El desnudo en esta época fue heredero de Rubens —del que cogieron sobre todo el color y la textura de la piel—, y tenía unas mayores connotaciones eróticas, de un erotismo refinado y cortesano, sutil y evocador, pero no exento de provocación y de un cierto carácter irreverente, abandonando ya cualquier atisbo de idealización clasicista y asumiendo el carácter mundano del género. En Francia, donde se desarrolló más plenamente, pervive en sus figuras un aire gótico que no había abandonado del todo el arte francés durante el Renacimiento, y que se trasluce en figuras alargadas, de pechos pequeños y estómagos prominentes. A mediados de siglo se impuso más el tipo de figura menuda, delgada (la "petite"), como se percibe en la obra pictórica de Boucher ("El baño de Diana") o escultórica de Clodion ("Ninfa y sátiro", "Muchacha jugando con un perro"). También se empezó a representar el desnudo de espaldas, hasta entonces considerado más lascivo y poco representado, excepto en contadas ocasiones, como la famosa "Venus del espejo" de Velázquez, teniendo ejemplos como "El juicio de Paris" de Watteau o la "Joven recostada" de Boucher.


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text: Jean-Antoine Watteau fue uno de los iniciadores del estilo, con sus escenas de fiestas galantes y bucólicos paisajes plenos de personajes míticos o, cuando no, personas anónimas que disfrutan de la vida. Influido por Rubens y la escuela veneciana, su paleta era de vivos colores, con un estilo nervioso, de rápidas pinceladas, expresivas y vibrantes. Sus desnudos son escasos, pero suponen auténticas obras maestras, elaboradas con esmero y con gran elegancia: además de "El juicio de Paris" (1718-1721) conviene recordar "La ninfa de la fuente" (1708), "El amor desarmado" (1715), "Júpiter y Antíope" (1715-1716), "Diana en el baño" (1715-1716) y "Primavera" (1716). Seguidores de Watteau fueron varios artistas que siguieron el estilo galante del maestro: François Lemoyne ("Hércules y Onfalia", 1724), Charles-Joseph Natoire ("Psique en su toilette", 1735) y Jean-François de Troy ("El baño de Diana y sus ninfas", 1722-1724; "Susana y los viejos", 1727).


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text: François Boucher dominaba a la perfección la perspectiva, aprendida de los maestros barrocos, así como recreó con maestría el colorido de Rubens y Correggio, en obras que tocaban todos los géneros, desde la historia y el retrato hasta el paisaje y los cuadros de género. Sus imágenes tienen un aire bucólico y pastoral, inspiradas a menudo en la mitología ovidiana, con un sentido galante y cortesano que lo convirtió en pintor de moda, académico y primer pintor del rey. Entre sus obras, además de la "Joven recostada" (retrato de Marie-Louise O'Murphy, amante de Luis XV, y la menor de cinco hermanas a todas las cuales pintó Boucher), destacan: "El Nacimiento de Venus" (1740), "Leda y el cisne" (1742), "Diana saliendo del baño" (1742), "La toilette de Venus" (1751), etc.


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text: Discípulo suyo fue Jean-Honoré Fragonard, que continuó el estilo cortesano donde el amor galante despliega todos sus encantos, con un fino erotismo de corte grácil y elegante. Fue protegido de Madame du Barry, para quien realizó el ciclo de "Los progresos del Amor en el corazón de las jóvenes" (1771-1773), compuesto de cinco "panneaux" de grandes dimensiones: "La cita", "La persecución", "Las cartas amorosas", "El amante satisfecho" y "El abandono". Otras obras suyas son: "El nacimiento de Venus" (1753-1755), "El camisón arrebatado" (1761-1765), "Las bañistas" (1765), "Muchacha y perro (La gimblette)" (1768), "La fuente del Amor" (1785), y "Las dos amigas", de tema lésbico, más marcadamente erótico.


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text: En el campo de la escultura también se realizaron notables desnudos, en los que se conjuga el tono pícaro y galante del rococó con un cierto aire clasicista —heredero de la estatuaria francesa del sigloXVII— y el interés por el retrato. Algunos de los mejores exponentes son: Jean-Baptiste Lemoyne ("Ninfa saliendo del baño"), Edmé Bouchardon ("Cupido fabricando su arco con la maza de Hércules", 1750), Jean-Baptiste Pigalle ("Mercurio atándose las sandalias", 1744; "Venus", 1748; "Voltaire", 1770-1776), Étienne-Maurice Falconet ("Milón de Crotona", 1754; "Madame de Pompadour como Venus", 1757; "Pigmalión y Galatea", 1763), Jean-Antoine Houdon ("Morfeo", 1770; "Diana cazadora", 1776; "Alegoría del invierno", 1783), Augustin Pajou ("La abandonada Psique", 1790) y Clodion ("El río Rhin separando las aguas", 1765; "Triunfo de Galatea", 1779).


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text: Fuera de Francia, en muchos lugares de Europa pervivió hasta mediados del sigloXVIII el barroco, sustituido o entremezclado por la creciente exuberancia del rococó. Un claro ejemplo de pervivencia del barroco es "La monstrua desnuda" (1680), de Juan Carreño de Miranda. Giambattista Tiepolo fue seguidor de la escuela veneciana, con su rico colorido, cielos claros, paisajes diáfanos, arquitecturas majestuosas, y un cierto aire escenográfico que otorga a su obra una gran fastuosidad y magnificencia. En sus obras abundan las alegorías y los temas históricos y mitológicos, repletos de dioses y héroes desnudos, como "Diana descubre el embarazo de Calisto" (1720-1722). Corrado Giaquinto, pese a ser un pintor preferentemente religioso, también realizó alegorías y cuadros mitológicos con figuras desnudas, como la "Paz", la "Justicia" y "Hércules". En España realizó la decoración del techo del Salón de las Columnas del Palacio de Oriente, con múltiples figuras de dioses desnudos (Apolo, Baco, Venus, Diana). El alemán Anton Raphael Mengs apunta ya al neoclasicismo, tratando de sintetizar el dibujo de Miguel Ángel con el colorido de Rafael y el claroscuro de Correggio, siempre con el culto a la Antigüedad como telón de fondo. Establecido en España, como director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando preconizó el estudio del natural para la representación del desnudo. En su decoración de la Sala Gasparini del Palacio Real de Madrid (1765-1769) desplegó un auténtico Olimpo de dioses y héroes clásicos, como las escenas de "Hércules conducido ante Júpiter", "Triunfo de Trajano", "Júpiter, Venus y las Gracias", "La Aurora", etc. En Alemania destacaron igualmente los escultores Georg Raphael Donner ("Atalanta") y Franz Ignaz Günther ("Cronos", 1765-1770).


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text: Un artista de difícil clasificación fue Francisco de Goya, genio insuperable que evolucionó desde el rococó hasta un expresionismo de espíritu romántico, pero con una personalidad que confiere a su obra un carácter único, sin parangón en la historia del arte. Su obra maestra en el género del desnudo es "La maja desnuda" (1797-1800), que pintó en paralelo a "La maja vestida" (1802-1805), y que es uno de los primeros desnudos donde se aprecia con nitidez el vello púbico. Es uno de los primeros casos de desnudo no justificado por ningún tema histórico, mitológico o religioso, simplemente una mujer desnuda, anónima, a la que vemos en su intimidad, con un cierto aire de voyeurismo. Es una desnudez orgullosa, casi desafiante, la maja nos mira directamente, con aire pícaro, juguetón, ofreciendo la belleza sinuosa de su cuerpo para deleite del espectador. Otros desnudos del genio aragonés en sus primeros tiempos son: "Piedad" (1774), "Cristo crucificado" (1780), "Psique y Cupido" (1798-1805) y "Bandido desnudando a una mujer" (1798-1800). Posteriormente, debido a su sordera, a las desgracias personales, el hastío por la vida cortesana, el horror ante la guerra, el exilio, la soledad, la vejez, y demás factores, fueron influyendo en su personalidad y en su obra, que se vuelve más expresiva, más introspectiva, con una fuerte vena satírica y una estética más fealista, destacando los rasgos más duros y cruentos tanto de las personas como del mundo que le rodea. En esta época, sus desnudos tienen un carácter más dramático, patético a veces, con cuerpos deformados, rugosos, como en "La cocina de las brujas" (1797-1798), "La degollación" (1800-1805), "Casa de locos" (1812-1819), "La hoguera" (1812-1813) o el atroz "Saturno devorando a un hijo" (1819-1823). Se dedica más entonces al grabado, medio que le permite plasmar de forma ideal su atormentado interior: en series como "Los desastres de la guerra" (1810-1815) aparecen diversos desnudos —aunque generalmente de cadáveres—, como en "Se aprovechan", "Esto es peor" y "¡Gran hazaña!, ¡Con muertos!"; o en "Los caprichos" (1799), donde desnuda a brujas y otros seres similares, como en "¡Miren qué graves!", "Se repulen", "¡Quién lo creyera!", "Sopla", "Aguarda que te unten", "Si amanece, nos vamos", "Linda maestra", "Allá va eso", "¿Dónde va mamá?", etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: El auge de la burguesía tras la Revolución Francesa favoreció el resurgimiento de las formas clásicas, más puras y austeras, en contraposición a los excesos ornamentales del barroco y rococó, identificados con la aristocracia. A este ambiente de valoración del legado clásico grecorromano influyó el hallazgo arqueológico de Pompeya y Herculano, junto a la difusión de un ideario de perfección de las formas clásicas efectuado por Johann Joachim Winckelmann, quien postuló que en la Antigua Grecia se dio la belleza perfecta, generando un mito sobre la perfección de la belleza clásica que aún condiciona la percepción del arte hoy día.


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text: El desnudo neoclásico recuperó las formas de la antigüedad grecorromana, pero desprovistas de su espíritu, de su carácter ideal, de su "ethos" ejemplarizante, para recrearse únicamente en la forma pura, desprendida de vida, por lo que en última instancia resultó un arte frío y desapasionado, que se prolongaría en el academicismo con un sentido de recurrencia casi repetitiva, en que el estudio de los clásicos impedía la propia expresión personal del artista, hecho que fue combatido por el espíritu vanguardista del arte desde el impresionismo, el primer movimiento rupturista. En los artistas de esta época —como Girodet y Prud'hon— se percibe una curiosa mezcolanza entre el clasicismo y un cierto aire manierista —especialmente por influencia de Correggio—, que produjo obras que, si bien querían resucitar el antiguo clasicismo, resultaban descontextualizadas y atemporales.


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text: Jacques-Louis David fue el principal factótum del neoclasicismo, con un estilo aparentemente académico, pero apasionado y brillante, con una sobriedad intelectual que no impide una ejecución bella y colorista. Político además de pintor, su defensa del neoclasicismo lo convirtió en la corriente estética de la Francia revolucionaria y napoleónica. Entre 1775 y 1780 vivió en Roma, donde se inspiró en la estatuaria antigua, Rafael y Poussin, que le llevaron al clasicismo, con un estilo severo y equilibrado de gran pureza técnica. Entre sus obras destacan: "Los amores de Paris y Helena" (1788), "La muerte de Marat" (1793), "Las sabinas interponiéndose entre romanos y sabinos" (1799), "Leónidas en las Termópilas" (1814), "Cupido y Psique" (1817), "Marte desarmado por Venus y las Gracias" (1824), etc.


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text: Los discípulos y seguidores de David siguieron su ideal clásico, pero alejándose de su rigurosa severidad y derivando hacia un cierto manierismo sensualista, con una gracia erótica que Max Friedländer denominó "volupté décente" («voluptuosidad decente»). François Gérard buscaba la perfección de la belleza ideal, a través de la suavidad del color y la textura cerúlea de la piel, con unos cuerpos marmóreos, pero suaves, de una dulzura almibarada. Su obra más famosa es "Eros y Psique" (1798), que pese a su factura academicista su riqueza cromática le otorga una emoción de refinada evocación lírica. Pierre-Narcisse Guérin también cultivó un erotismo refinado, con influencia de Correggio, como en "Aurora y Céfalo" (1810) e "Iris y Morfeo" (1811). Jean-Baptiste Regnault cultivó una línea clasicista cercana a la Escuela Boloñesa: "El genio de Francia entre la libertad y la muerte" (1795), donde el genio recuerda al Mercurio de las Estancias Vaticanas de Rafael. Otros discípulos de David fueron Jean Broc ("La muerte de Jacinto", 1801) y Jean-Louis-Cesar Lair ("El suplicio de Prometeo", 1819). En cambio, Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson rompió con el clasicismo moral de David, especialmente con su principal obra, "El sueño de Endimión" (1791), con unos cuerpos alargados y nacarados, de cierta ambigüedad sexual, en un ambiente algo vaporoso que recuerda al manierismo italiano y preludia el "art pompier". Otras obras suyas fueron: "Mademoiselle Lange como Venus" (1798) y "Mademoiselle Lange como Dánae" (1799). Pierre-Paul Prud'hon estuvo a caballo entre el rococó y el neoclasicismo —David lo llamó despectivamente «el Boucher de su tiempo»—, y aún hay quien lo califica de romántico. Se formó en Roma, donde recibió la influencia de Leonardo y Correggio, que junto al arte clásico fueron las bases de su estilo y le confirieron una personalidad propia, por lo que en realidad es un pintor difícil de clasificar. Entre sus obras conviene recordar "La Justicia y la Venganza Divina persiguiendo al Crimen" (1808), "Rapto de Psique por Céfiro" (1800) y "Venus y Adonis" (1810).


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text: Si David fue el gran pintor neoclásico por excelencia, en escultura su equivalente fue Antonio Canova. Aunque estudió la obra de los grandes maestros renacentistas (Ghiberti, Donatello, Miguel Ángel), fue en la estatuaria clásica grecorromana donde encontró la inspiración, que pudo estudiar en las grandes colecciones de su Italia natal. Así, su obra tiene la serenidad y armonía del más puro clasicismo, aunque no deja de traslucir una sensibilidad humana y un aire decorativista propios de su ascendencia itálica. Entre sus obras destacan: "Dédalo e Ícaro" (1777-1779), "Teseo y el Minotauro" (1781-1783), "Psique reanimada por el beso del amor" (1786-1793), "Venus y Adonis" (1789-1794), "Hércules y Licas" (1795-1815), "Perseo con la cabeza de Medusa" (1800), "Napoleón como Marte pacificador" (1803-1806), "Paulina Bonaparte como Venus Victrix" (1804-1808), "Teseo y el Centauro" (1804-1819), "Las tres Gracias" (1815-1817), etc.


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text: Otro destacado escultor fue el danés Bertel Thorvaldsen, que pese a su clasicismo noble y sereno, su ejecución fría y calculada le ha restado mérito para algunos críticos, que tildan su obra de insípida y vacía. Aun así, en vida tuvo un enorme éxito, construyéndosele un museo en su ciudad natal, Copenhague. Thorvaldsen estudió directamente la escultura griega, al hacer la restauración de los frontones del Templo de Afaia en Egina, antes de ser instalados en la Gliptoteca de Múnich. Su obra más famosa es "Jasón con el vellocino de oro" (1803-1828), inspirado en el "Doríforo" de Policleto, mientras que otras obras suyas son: "Cupido y Psique" (1807), "Marte y Cupido" (1812), "Venus con la manzana" (1813-16), "Aurora con el Genio de la Luz" (1815), "Hebe" (1815), "Ganímedes dando de beber al águila de Júpiter" (1817), "Las Tres Gracias con Cupido" (1817-1818), etc.


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text: Otro notable exponente fue el inglés John Flaxman, artista precoz que a los diez años ya realizaba esculturas, y que tuvo una fructuosa carrera tanto como artista como académico y tratadista, escribiendo diversas obras sobre la práctica escultórica, como "Diez discursos sobre la escultura" y "Estudios anatómicos". Entre sus obras figuran numerosos desnudos, como "Céfalo y Aurora" (1790), "La rabia de Atamas" (1790-1794), "Mercurio y Pandora" (1805), "Aquiles vulnerado por el alacrán" (1810), "San Miguel derrota a Satanás" (1818-1822), etc. Además, fue un excelente dibujante y grabador, dueño de un gran virtuosismo en el trazado de líneas, de un fino perfilismo, ilustrando con maestría numerosas obras clásicas de la literatura. En el ámbito germánico también se desarrolló una notable escuela escultórica, destacando artistas como: Franz Anton von Zauner ("Genius Bornii", 1785), Rudolf Schadow ("Paris", 1812), Johann Heinrich Dannecker ("Ariadna sobre la pantera", 1812-1814) y Johann Nepomuk Schaller ("Belerofonte en la lucha con la Quimera", 1821).


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text: En España, el neoclasicismo fue practicado por varios pintores de corte académico, como Eusebio Valdeperas ("Susana y los viejos") y Dióscoro Teófilo Puebla ("Las hijas del Cid", 1871), mientras que como escultores neoclásicos cabe citar a José Álvarez Cubero ("Ganímedes", 1804; "Apolo inspirado por la música" [llamado "Apolino"], 1810-1815; "Néstor y Antíloco" [o "La Defensa de Zaragoza"], 1818), Juan Adán ("Venus de la Alameda", 1795), Damià Campeny ("Diana en el baño", 1803; "Lucrecia moribunda", 1804; "Aquiles sacándose la flecha del talón", 1837), Antoni Solà ("Meleagro", 1818), Sabino Medina ("La ninfa Eurídice mordida por un áspid cuando huía de Euristeo", 1865), Jeroni Suñol ("Himeneo", 1864), etc.


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text: Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos —impulso iniciado con la Revolución Francesa—; y, en lo económico, por la Revolución Industrial y el afianzamiento del capitalismo, que tendrá respuesta en el marxismo y la lucha de clases. En el terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminará en el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen y se enfrentan. Surge el arte moderno como contraposición al arte académico, situándose el artista a la vanguardia de la evolución cultural de la humanidad.


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text: El desnudo decimonónico sigue las pautas para la representación del desnudo dictaminadas por estilos anteriores, aunque reinterpretadas de diversas maneras según se busque un mayor realismo o un idealismo de raíz clásica. En el sigloXIX abunda más que nunca el desnudo femenino —especialmente en la segunda mitad del siglo—, más que en cualquier otro período de la historia del arte. Sin embargo, el rol femenino varía para convertirse en un mero objeto de deseo sexual, en un proceso de deshumanización de la figura de la mujer, sometida al dictado de una sociedad preponderantemente machista. En estas obras hay una fuerte dosis de voyeurismo, la mujer es sorprendida mientras duerme o se asea, en escenas íntimas, pero abiertas al espectador, que puede recrearse en la contemplación de unas imágenes prohibidas, de unos momentos robados. No es una desnudez premeditada, no es una modelo que posa, sino la recreación de escenas de la vida cotidiana, con aparente naturalidad, pero forzadas por el artista. En palabras de Carlos Reyero, «nos encontramos con mujeres no desnudas, sino desvestidas».


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text: Movimiento de profunda renovación en todos los géneros artísticos, los románticos pusieron especial atención en el terreno de la espiritualidad, de la imaginación, la fantasía, el sentimiento, la evocación ensoñadora, el amor a la naturaleza, junto a un elemento más oscuro de irracionalidad, de atracción por el ocultismo, la locura, el sueño. Se valoró especialmente la cultura popular, lo exótico, el retorno a formas artísticas menospreciadas del pasado —especialmente las medievales—. Los románticos tenían la idea de un arte que surge espontáneamente del individuo, destacando la figura del «genio» —el arte es la expresión de las emociones del artista—. El desnudo romántico es más expresivo, se otorga más importancia al color que a la línea de la figura —al contrario que en el neoclasicismo—, con un sentido más dramático, en temáticas que varían desde lo exótico y el gusto por el orientalismo hasta los temas más puramente románticos: dramas, tragedias, actos heroicos y apasionados, sentimientos exacerbados, cantos a la libertad, a la pura expresión del interior del ser humano.


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text: El romanticismo tuvo dos notables precursores en Gran Bretaña: Johann Heinrich Füssli y William Blake. El primero, de origen suizo, desarrolló un estilo manierista influido en Durero, Pontormo, Baccio Bandinelli y Miguel Ángel, con una obra de cierta dualidad conceptual: por una parte los temas eróticos y violentos, por otra una virtud y sencillez influida por Rousseau. Entre 1770 y 1778 elaboró una serie de imágenes eróticas llamada «dibujos de simplegma» (entrelazamiento), donde el sexo se relaciona con la pasión y el sufrimiento —entroncando con el antiguo concepto de "pathos"—, en láminas que evocan los antiguos ritos báquicos y priápicos, con un erotismo crudo y realista alejado de la galantería rococó. Algunas de sus obras son: "Hamlet, Horacio y Marcelo con el espectro" (1780-1785), "Titania y Bottom" (1790), "Desnudo echado mientras una mujer toca el piano" (1800) y "Cortesana con adorno de plumas" (1800-1810). William Blake fue un artista visionario, cuya onírica producción solo tiene parangón con la fantástica irrealidad del surrealismo. Artista y escritor, ilustraba sus propias obras literarias, o bien clásicos como "La Divina Comedia" (1825–1827) o el "Libro de Job" (1823–1826), con un estilo personal que trasluce su mundo interior, plagado de sueños y emociones, con figuras evanescentes que parecen flotar en un espacio no sometido a las leyes físicas, generalmente en ambientes nocturnos, con luces frías y líquidas, con profusión de arabescos. Influido por Miguel Ángel y el manierismo, sus figuras tienen la torsión dinámica del "Juicio Final" miguelangelesco, aunque en ocasiones se fundamentan en cánones clásicos, como en "La danza de Albión (Día de alegría)" (1794-1796), cuya postura está tomada de una versión del hombre vitruviano, la de Vincenzo Scamozzi en "Idea dell'architettura universale". Otras obras suyas son: "Nabucodonosor" (1795), "Newton" (1795), "Europa sostenida por África y América" (1796), "Satán en su gloria original" (1805), "El torbellino de los amantes. Francesca da Rimini y Paolo Malatesta" (1824-1827), etc.


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text: A caballo entre el neoclasicismo y el romanticismo se sitúa la obra de Jean Auguste Dominique Ingres, cuyas figuras se encuentran a medio camino entre la sensualidad y la preocupación por la forma pura, que trataba de forma minuciosa, casi con obstinación. Sus figuras femeninas tienen cierto aire gótico (pechos pequeños, estómagos prominentes), y se hallaban supeditadas a un reducido número de diseños posturales en los que el artista se sentía cómodo, y que repitió a lo largo de toda su carrera. Uno de ellos, por ejemplo, era el de una mujer desnuda sentada de espaldas, que introdujo en "La bañista de Valpinçon" (1808) y que es perceptible, dentro de una escena de grupo, en "El baño turco". Otro es la figura de pie de la "Venus Anadiomene" (1848), de aire botticelliano, de la que realizó varias versiones, y que posteriormente transformó en una joven con un cántaro de agua, "La fuente" (1856). Otras obras son más personales, como "La gran odalisca" (1814), que recuerda el manierismo de la Escuela de Fontainebleau, y que inició su afición por el orientalismo, por las figuras y ambientes exóticos. En "La Edad de Oro" (1840-1848) realizó un gran mural compuesto enteramente de desnudos, obra que, sin embargo, quedó inacabada. "El baño turco" (1862) quizá sea su obra más famosa, y la culminación de los estudios que durante toda su vida dedicó al desnudo. Volvió al orientalismo, con una escena ambientada en un harén, acentuando las formas curvas y rotundas de las modelos, que muestran sin pudor sus prominentes senos y sus anchas caderas, con una sensualidad inusual hasta entonces en el arte occidental. Otras obras suyas son: "Aquiles recibiendo a los enviados de Agamenón" (1801), "Edipo y la Esfinge" (1808-1825), "Júpiter y Tetis" (1811), "El sueño de Ossian" (1813), "Roger liberando a Angélica" (1819), "Odalisca y esclava" (1842), etc.


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text: Discípulos suyos fueron: Antoine-Jean Gros, cronista de las gestas napoleónicas, realizó en "Napoleón visitando a los apestados de Jaffa" (1804) unos desnudos de intenso dramatismo, mostrando con crudeza los efectos de la enfermedad; y Théodore Chassériau, que intentó sintetizar la línea de Ingres con el colorido de Delacroix, aunque su obra tiende al academicismo ("Venus Anadyomene", 1838; "Susana y los viejos", 1839; "Diana sorprendida por Acteón", 1840; "Andrómeda encadenada a la roca por las nereidas", 1840; "La toilette de Esther", 1841; "Ninfa dormida", 1850; "El tepidarium", 1853). Théodore Géricault tuvo influencia miguelangelesca, como se percibe en la figura central de "La balsa de la Medusa" (1819), que es uno de los atletas de la Capilla Sixtina, al tiempo que otras figuras recuerdan a las de la "Transfiguración" de Rafael. Para sus estudios de anatomía Géricault visitó con frecuencia los tanatorios e, incluso, las prisiones donde se ejecutaban presos. En su "Leda y el cisne" (1822) transcribió a una figura femenina la energía dinámica propia de los atletas clásicos, y su postura recuerda a la del "Iliso" del Partenón, cambiando el esfuerzo atlético por la excitación sexual.


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text: Eugène Delacroix fue uno de los primeros artistas en desviarse del arte oficial académico, sustituyendo el perfilado dibujo de contornos por una línea menos precisa y fluida, dinámica y sugestiva, y un cromatismo de vibrantes tonos adyacentes y un efectismo basado en un cierto divisionismo del color. Durante su formación realizó copias de los grandes maestros expuestos en el Louvre, cobrando predilección por Rubens y los artistas venecianos. Ya en sus primeras obras, "Dante y Virgilio en los infiernos" (1822), "La matanza de Quíos" (1824) y "La muerte de Sardanápalo" (1827), demostró su originalidad y riqueza inventiva, junto a un estilo apasionado y colorista que le caracterizaría. En 1832 realizó un viaje a Marruecos y Argelia, donde incorporó a su estilo la influencia orientalista, con gusto por lo exótico y la riqueza del detalle. En sus numerosas obras de desnudo la temática es muy diversa, desde la religiosa ("Adán y Eva arrojados del Paraíso", "Cristo atado a la columna", "Cristo crucificado", "Cristo resucitado", "San Sebastián en tierra"), la mitológica ("Triunfo de Apolo", "Trabajos de Hércules", "Aquiles y el centauro", "Anacreonte y el Amor", "Andrómeda y Perseo", "Ariadna y Teseo", "Medea y sus hijos"), la histórica y literaria ("La Divina Comedia", "Orlando furioso", "Jerusalén libertada"), hasta las escenas de género o el desnudo por sí mismo ("Odalisca tumbada", "Mujeres turcas", "La mujer de las medias de seda", "La mujer peinándose", "Bañista de espaldas", "Ninfa dormida", "La mujer del papagayo"). Para Delacroix, cualquier pretexto era bueno para mostrar la belleza física, como en la alegoría de "La Libertad guiando al pueblo" (1830), donde la heroína que lidera la revolución popular aparece con los pechos desnudos. Gran dibujante, también legó numerosos bocetos y estudios previos de figuras desnudas.


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text: Seguidores de Delacroix fueron: Narcisse-Virgile Díaz de la Peña, gran paisajista y autor de desnudos como "El hada de las perlas", "Venus y Adonis", "Ninfas en el bosque" y "El Amor reprendido y desarmado"; Gustave Doré, que destacó principalmente como dibujante e ilustrador de obras literarias, donde demuestra una gran imaginación y dominio formal, como en la "Biblia", "La Divina Comedia", "Orlando furioso", algunos "Dramas" de Shakespeare, el "Fausto" de Goethe, etc.; y Félix Trutat, cuya "Muchacha desnuda sobre piel de pantera" (1844) recuerda a "La maja desnuda" de Goya y antecede a la "Olympia" de Manet.


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text: En escultura, François Rude evolucionó del neoclasicismo al romanticismo, en obras de gran fuerza expresiva donde jugaba un papel protagonista el desnudo, con figuras colosales que traducen en su anatomía el dinamismo de la acción, como se percibe en "Mercurio ajustándose sus alas taloneras" (1827), "Pescador napolitano jugando con una tortuga" (1833), "El Amor victorioso" (1855), "Hebe y el águila" (1855), y su principal obra, "La Marsellesa" (1833), en el Arco de Triunfo de París. Jean-Baptiste Carpeaux denotó el mismo proceso estilístico, desde la serenidad clásica hasta el sentimiento romántico, con figuras de intenso dinamismo, como su "Flora" del Palacio de las Tullerías (1865), "El conde Ugolino y sus hijos" (1863) o el grupo de "La danza" (1869), en el Teatro de la Ópera de París.


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text: En Italia, el romanticismo llegó con la conquista napoleónica, con artistas como Pelagio Palagi ("Los desposorios de Amor y Psique", 1808) o Francesco Hayez ("Magdalena penitente", 1825). En escultura, Lorenzo Bartolini evolucionó del clasicismo a un naturalismo inspirado en los modelos plásticos del Quattrocento florentino, como en "Esperanza en Dios" (1835). Otro exponente fue Giovanni Dupré ("Abel apaleado", 1842).


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text: En España, el romanticismo estuvo impregnado de la influencia goyesca, como se demuestra en las dos majas desnudas pintadas por Eugenio Lucas, y en otras obras de artistas como José Gutiérrez de la Vega ("Maja desnuda", 1840-1850), Antonio María Esquivel ("Venus anadiomene", 1838; "Susana y los viejos", 1840; "La mujer de Putifar", 1854), Víctor Manzano ("Escena de la Inquisición", 1860), etc. En escultura, un español establecido en México, Manuel Vilar, fue autor de "Jasón" (1836) y "Tlahuicole" (1851), una especie de Hércules mexicano.


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text: El arte académico es el fomentado desde el siglo XVI por las academias de bellas artes, que regulaban la formación pedagógica de los artistas. Si bien en principio las academias estaban en sintonía con el arte producido en su época, por lo que no se puede hablar de un estilo diferenciado, en el sigloXIX, cuando la dinámica evolutiva de los estilos empezó a alejarse de los cánones clásicos, el arte académico quedó encorsetado en un estilo clasicista basado en reglas estrictas, por lo que hoy en día se entiende más como un período propio del sigloXIX, recibiendo paralelamente diversas denominaciones, como la de "art pompier" en Francia. Estaba dirigido primordialmente a un público burgués, por lo que su estatus de arte «oficial», junto a la frecuente acusación de conservadurismo y de falta de imaginación —según el concepto romántico de que el arte no se puede enseñar—, provocó que a finales del siglo XIX el academicismo adquiriese un sentido peyorativo, al considerarse anclado en el pasado y reproductor de fórmulas anquilosadas.


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text: Sin embargo, actualmente se tiende a revalorizar el arte académico y a considerarlo por sus cualidades intrínsecas, y se suele aceptar más como un período artístico que como un estilo. El academicismo se basaba estilísticamente en el clasicismo grecorromano, pero también en otros autores clasicistas anteriores, como Rafael, Poussin o Guido Reni. Técnicamente, se basaban en el dibujo esmerado, el equilibrio formal, la línea perfecta, la pureza plástica y un cuidado detallismo, junto a un colorido realista y armónico. Sus obras se basaban en temas eruditos (historia, mitología, literatura áulica), con un concepto idealizado de la belleza.


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text: En el academicismo tuvo una especial relevancia el desnudo, considerado la expresión por excelencia de la nobleza de la naturaleza: en palabras de Paul Valéry, «lo que el amor fue para narradores y poetas, el desnudo lo fue para los artistas de la forma». El desnudo académico supuso la estandarización en unas premisas clásicas sujetas a estrictas reglas tanto temáticas como formales, supeditadas al ambiente generalmente puritano de la sociedad decimonónica. El desnudo solo se aceptaba como expresión de la belleza ideal, por lo que era un desnudo pudoroso, aséptico, basado estrictamente en el estudio anatómico. La aceptación del desnudo clásico como expresión de un ideal de belleza comportó la censura a cualquier desviación de los cánones clasicistas: así, en la Gran Exposición de Londres de 1851, cuando el famoso Crystal Palace fue decorado con una galería de desnudos de mármol, todos fueron aceptados excepto la "Esclava cautiva" de Hiram Powers, que pese a ser una copia de la "Afrodita de Cnido" fue criticada por aparecer con las muñecas esposadas. Sin embargo, la práctica docente ejercida en las academias del dibujo del natural, permitió en ciertos casos la introducción de novedades formales y estilísticas que rejuvenecieron el género, otorgándole a la vez una mayor respetabilidad, en cuanto producto de elaboración intelectual.


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text: Un centro de referencia para el desnudo académico fue la obra de Ingres: según la teoría de Winckelmann sobre que el desnudo masculino solo podía expresar carácter, y en cambio el femenino era el único que podía reflejar la belleza, ya que esta se muestra más claramente en las formas suaves y sinuosas, los desnudos de Ingres reflejaban una continuidad en el trazo que proporcionaba a sus figuras una forma redondeada, de textura lisa y contorno suave. Por ello el arte académico se centró más en el desnudo femenino que en el masculino, con figuras de forma alisada y textura cérea.


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text: Uno de los principales representantes del academicismo fue William-Adolphe Bouguereau, que realizó una gran cantidad de obras de desnudo, generalmente de tema mitológico, con figuras de gran perfección anatómica, pálidas, de largos cabellos y una elegancia gestual no exenta de sensualidad ("El nacimiento de Venus", 1879; "Amanecer", 1881; "La ola", 1896; "Las oréades", 1902). Otro exponente fue Alexandre Cabanel, autor de desnudos mitológicos y alegóricos que son un pretexto para representar mujeres de belleza voluptuosa y sensual, como su famoso "El nacimiento de Venus" (1863). Igual es el caso de Eùgene-Emmanuel Amaury-Duval, autor de otro "Nacimiento de Venus" (1862). Jean-Léon Gérôme fue uno de los principales representantes del orientalismo académico, con obras ambientadas en harenes y baños turcos al más puro estilo ingresiano, además de temas mitológicos e históricos ("Friné ante el areópago", 1861; "Baño turco", 1870; "Piscina en el harén", 1876; "Pigmalión y Galatea", 1890). Otros artistas fueron: François-Léon Benouville ("La ira de Aquiles", 1847), Auguste Clésinger ("Mujer picada por una serpiente", 1847; "Leda y el cisne", 1864), Paul Baudry ("La perla y la ola", 1862), Jules Joseph Lefebvre ("La Verdad", 1870; "María Magdalena en la cueva", 1876), Henri Gervex ("Rolla", 1878), Édouard Debat-Ponsan ("Le massage au Hamam", 1883), Alexandre Jacques Chantron ("Dánae", 1891), Gaston Bussière ("Las Nereidas", 1902), Guillaume Seignac ("El despertar de Psique", 1904), etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: En Gran Bretaña, la sociedad victoriana estimuló el academicismo como arte oficial que expresaba de forma óptima la moral puritana preponderante en los círculos de la burguesía y la nobleza, con autores como Joseph Noel Paton ("La disputa de Oberón y Titania", 1846), Charles William Mitchell ("Hipatia", 1885), Frederic Leighton ("Psique en el baño", 1890), John Collier ("Lilith", 1887; "Lady Godiva", 1898; "Tannhäuser en el Venusberg", 1901), Edward Poynter ("Diadumene", 1884; "Cueva de las ninfas de la tormenta", 1903), Lawrence Alma-Tadema ("La costumbre favorita", 1909), John William Godward ("Venus en el baño", 1901; "En el Tepidarium", 1913; "Desnuda en la playa", 1922), Herbert James Draper ("Ulises y las Sirenas", 1909), etc.


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text: En España, Luis Ricardo Falero también tuvo una especial predilección por la figura femenina, con obras donde destaca el componente fantástico y el gusto orientalista: "Belleza oriental" (1877), "Visión de Fausto (La partida de las brujas)" (1878), "La encantadora" (1878), "La pose" (1879), "La favorita" (1880), "La estrella doble" (1881), "El hada del lirio" (1888), "La mariposa" (1893), etc.


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text: Desde mediados de siglo surgió una tendencia que puso énfasis en la realidad, la descripción del mundo circundante, especialmente de obreros y campesinos en el nuevo marco de la era industrial, con un cierto componente de denuncia social, ligado a movimientos políticos como el socialismo utópico y filosóficos como el positivismo. En el marco de la disolución de la teoría clásica del arte operada en la primera mitad del sigloXIX, el realismo, junto a la liberación técnica operada por la aparición de la fotografía, en la que se inspiran muchos de los nuevos artistas, supuso una liberación temática, donde los protagonistas ya no son nobles, héroes o dioses, sino gente normal, de la calle, retratada con toda su miseria y su crudeza.


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text: Su principal exponente fue Gustave Courbet, artista de temperamento apasionado y comprometido políticamente, resuelto a superar los «errores de los románticos y los clasicistas». La obra de Courbet supuso la introducción del realismo en el desnudo, que si bien en épocas anteriores había tenido planteamientos más o menos naturalistas, generalmente estaban supeditados a una concepción idealizadora del cuerpo humano. Courbet fue el primero en retratar el cuerpo tal como lo percibía, sin idealizar, sin contextualizar, sin enmarcarlo en un tema iconográfico, transcribiendo las formas que captaba del natural. Generalmente, sus modelos eran de robusta constitución, como su "Bañista" (1853), la modelo de "El taller del pintor" (1855), "Mujer desnuda acostada" (1862), "La mujer con el papagayo" (1865), "Lot y sus hijas" (1844), "Dos bañistas" (1858) y "El manantial" (1867). En ocasiones se inspiró en otros artistas, como en "La Fuente" (1868) —réplica de la famosa obra de Ingres— o "El sueño" (1866), que recuerda "Las dos amigas" de Fragonard. Una de sus obras más famosas es "El origen del mundo" (1866), donde presenta un cuerpo femenino sin cabeza, mostrando el pubis en primer plano, en una visión radicalmente novedosa que sorprendió y escandalizó al público de la época.


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text: Otro exponente fue Camille Corot, que fue principalmente paisajista, añadiendo ocasionalmente figuras humanas a sus paisajes, algunas de ellas desnudos, en un tipo de paisajes de aire arcádico, con atmósferas vaporosas y tonos delicados, como en "Ninfa recostada" (1855) y "Ninfa a orillas del mar" (1860). Más adelante disoció el paisaje de la figura humana, y entre 1865 y 1875 realizó numerosas obras centradas en el estudio de la figura femenina, como "Lectura interrumpida" (1865-1870) y "Mujer con la perla" (1869). Otras obras suyas son: "Marietta, la odalisca romana" (1843), "Muchacha con la falda rosa" (1853-1865), "El baño de Diana" (1855), "Ninfas desarmando al Amor" (1857), etc.


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text: El equivalente escultórico del realismo fue Constantin Meunier, que retrató preferentemente a obreros y trabajadores de la nueva era industrial, sustituyendo al héroe clásico por el proletario moderno, en obras donde se otorga especial relevancia al sentido volumétrico de la figura, como en "El Pudelador" (1885) y "El Anciano", en el "Monumento al Trabajo" de Bruselas (1890-1905). Otro notable escultor fue Aimé-Jules Dalou, discípulo de Carpeaux, que pese a su naturalismo denota una cierta influencia barroca, en obras como: "Bacanal" (1891), "Mujer secándose el pie" (1895) y "El triunfo de Sileno" (1898).


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text: El americano instalado en Europa John Singer Sargent fue el retratista con más éxito de su época, así como un pintor con talento en la representación de paisajes y un gran dibujante, que dejó un gran número de academias. Influido por Velázquez, Frans Hals, Anton Van Dyck y Thomas Gainsborough, tenía un estilo elegante y virtuoso, que demostró también en desnudos como "Chico desnudo en la playa" (1878) y "Nicola D'Inverno" (1892).


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text: En España también se impuso a mediados del siglo el realismo: Eduardo Rosales trató numerosos géneros, y aunque realizó pocos desnudos ("Mujer dormida", 1862; "Mujer saliendo del baño", 1869), merecen destacarse por su calidad. De Raimundo Madrazo también conviene destacar una única obra, "Después del baño" (1895), de admirable traza y sentido compositivo. Mariano Fortuny, formado en el nazarenismo, realizó varias obras de temática oriental ("La odalisca", 1861), junto a escenas de género o desnudos ubicados en paisajes ("Idilio", 1868; "Elección de modelo", 1870-1874; "Viejo desnudo al sol", 1871; "Carmen Bastián", 1871-1872; "Desnudo en la playa de Portici", 1874). Otros artistas fueron: Casto Plasencia ("El rapto de las sabinas", 1874), José Jiménez Aranda ("Esclava en venta", 1897), Enrique Simonet ("¡Y tenía corazón!", 1890; "El Juicio de Paris", 1904) y, como escultor, Ricardo Bellver ("El ángel caído", 1877).


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text: El impresionismo fue un movimiento profundamente innovador, que supuso una ruptura con el arte académico y una transformación del lenguaje artístico, iniciando el camino hacia los movimientos de vanguardia. Los impresionistas se inspiraban en la naturaleza, de la que pretendían captar una «impresión» visual, la plasmación de un instante en el lienzo —por influjo de la fotografía—, con una técnica de pincelada suelta y tonos claros y luminosos, valorando especialmente la luz.


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text: La obra de los impresionistas fue de gran rupturismo con la tradición clásica, concibiendo un nuevo estilo pictórico que buscó su inspiración en la naturaleza, alejado de todo convencionalismo y cualquier tipo de reglamentación clásica o académica. Así, "Le Déjeuner sur l'Herbe" (1863) de Édouard Manet fue en su día un completo escándalo, pese a estar claramente influido por los contornos clásicos de Rafael, aunque la polémica no provenía del desnudo en sí, sino de ser un desnudo injustificado, una mujer anónima, contemporánea. Otra revolución promovida por Manet fue su "Olympia" (1863), con un aire caravaggesco que le otorgaba un aspecto de delicada afectación, pero cuya apariencia de verosimilitud provocó un escándalo en su época, que obligó al autor a abandonar París. "Olympia" es una mujer real, de carne y hueso —descaradamente real, ya que representa una prostituta—, y está en un escenario real, no en un bucólico bosque o unas pintorescas ruinas. Es una escena íntima, que enseña al espectador la faceta más privada del ser humano, su intimidad. Por otro lado, los rasgos concretos e individualizados de la modelo le confieren una identidad propia, alejada de los rostros idealizados del desnudo clásico.


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text: Otros autores continuaron el camino iniciado por Manet, como Edgar Degas, quien después de unos primeros desnudos de influencia ingresiana evolucionó a un estilo personal basado en el diseño de dibujo, preocupado esencialmente por la transcripción del movimiento, en escenas llenas de vida y espontaneidad. Degas se alejó voluntariamente de los cánones de belleza convencionales, optando por un tipo de cuerpo poco desarrollado, de adolescente, como se aprecia en "Jóvenes espartanos" (1860) y sus representaciones de bailarinas. Por otro lado, sus obras tienen un marcado carácter de instantánea, de momento captado de forma espontánea, por influencia de la fotografía y de las estampas japonesas, con cierto componente de voyeurismo ("Mujer en el baño", 1880; "Después del baño", 1883; "Mujer secándose los pies", 1886; "La toilette", 1886; "Mujer secándose el cuello después del baño", 1895). Degas inició un subgénero dentro del desnudo, el de la "toilette", las mujeres en el baño, realizando su aseo personal, que tendría gran desarrollo a finales del sigloXIX y principios del XX. En su "Serie de desnudos de mujeres bañándose, lavándose, secándose, peinándose o siendo peinadas", presentada en la última exposición de los impresionistas, en 1886, pretendió ofrecer una nueva visión del desnudo, enseñado de costado o de espaldas, pero no de frente, para remarcar el efecto de instante robado, y que no parezca que se están presentando al público; en sus propias palabras: «hasta ahora el desnudo había sido presentado en posturas que presuponían un público. Pero mis mujeres son gente sencilla, honesta, que sólo se ocupa de su esmero físico. He aquí otra: está lavándose los pies y es como si yo la mirara por el ojo de la cerradura».


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text: Pero fue Renoir uno de las más grandes intérpretes del cuerpo femenino, que transcribió de una forma realista, pero con cierto grado de adoración que le confería un aire de idealizada perfección. En la "Baigneuse au griffon" (1870) se inspiró en un grabado sobre la "Afrodita de Cnido", mientras que el concepto compositivo está tomado de Courbet. Renoir buscaba sintetizar la postura canónica clasicista con un aire de realidad natural, en ambientes luminosos y evocadores que traslucían una visión serena y plácida de la desnudez, un ideal de comunión con la naturaleza. Se afanó en diluir el contorno de sus figuras, siguiendo la técnica impresionista, a través de un moteado del espacio con manchas de luz y de sombra, inspirándose en la escuela veneciana para plasmar la forma por medio del color, como se percibe en "Anna" (1876) y "Torso" (1876). Más adelante, en un intento de simplificar el desnudo, se inspiró en los frescos de La Farnesina de Rafael, así como las pinturas de Pompeya y Herculano, como se denota en su "Baigneuse blonde" (1882). En las "Grandes baigneuses" (1885-1887) realizó unos desnudos de corte escultural, inspirados en la "Fuente de las ninfas" de Girardon (Versalles), con líneas fluidas y un gran sentido del relieve. En sus últimas obras estuvo influido tanto por el helenismo alejandrino como por el manierismo miguelangelesco y el barroquismo de Boucher y Clodion, con figuras rollizas de aspecto exuberante y actitud natural hacia el cuerpo y el entorno que las rodea, generalmente ríos, lagos, bosques y playas ("Bañista sentada", 1885; "Bañista secándose", 1895; "El juicio de Paris", 1908-1910; "Bañistas", 1916).


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text: Heredero del impresionismo fue el neoimpresionismo, un estilo basado fundamentalmente en la técnica puntillista, la elaboración del cuadro por puntos de color. Uno de sus principales representantes fue Georges Seurat, quien a lo largo de su carrera mostró preferencia por temas diversos, como las marinas, las escenas campestres, el circo, el "music-hall" y el desnudo. Su principal obra en este terreno fue "Las modelos" (1886-1888), donde quiso demostrar que la técnica puntillista servía para cualquier género, ya que a menudo se le reprochaba que solo sabía elaborar paisajes en esa técnica. En esta obra reinterpretó en clave moderna el conocido tema de las tres Gracias, mediante unas modelos de dibujo situadas en el propio taller del artista, con una visión deudora en cierta forma de la obra de Ingres.


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text: Posteriormente, los llamados postimpresionistas fueron una serie de artistas que, partiendo de los nuevos hallazgos técnicos efectuados por los impresionistas, los reinterpretaron de manera personal, abriendo distintas vías de desarrollo de suma importancia para la evolución del arte en el sigloXX. Así, más que un determinado estilo, el postimpresionismo fue una forma de agrupar a diversos artistas de distinto signo. Paul Cézanne estructuraba la composición en formas geométricas (cilindro, cono y esfera), en una síntesis analítica de la realidad precursora del cubismo. Trató el desnudo como el paisaje o el bodegón, como expresión de la relación entre volúmenes de color inmersos en la luz, como en sus "Bañistas" (1879-1882) del Petit-Palais parisiense. Paul Gauguin experimentó con la profundidad, dando un nuevo valor al plano pictórico, con colores planos de carácter simbólico. Tras unos inicios en el puntillismo ("Estudio de un desnudo", 1880) y una estancia en Pont-Aven con los nabis ("El Cristo amarillo", 1889), su estancia en Tahití le sirvió para recrear un mundo de primitiva placidez donde la desnudez era contemplada con naturalidad, como se percibe en "I Raro te Oviri" (1891), "La pérdida de la inocencia" (1891), "La Eva tahitiana" (1892), "Dos tahitianas en la playa" (1892), "Mujer en el mar" (1892), "Manao tupapau" (1892), "La Luna y la Tierra" (1893), "Otahí o la soledad" (1893), "Día delicioso" (1896), "La mujer de los mangos" (1896), "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?" (1897), "Vairumati" (1897), "Nevermore" (1897), "Y el oro de sus cuerpos" (1901), etc. Henri de Toulouse-Lautrec, en contraposición a los estilizados desnudos de los salones académicos, estudió la figura femenina en su más cruenta carnalidad, sin soslayar las imperfecciones propias del cuerpo, con preferencia por escenas de circo y music-hall, o bien de ambientes bohemios y de prostíbulos: "La gorda Marie" (1884), "Mujer estirándose las medias" (1894), "La inspección médica" (1894), "Dos amigas" (1894-1895), "La toilette" (1896), "La mujer levantándose la camisa" (1901), etc. Vincent van Gogh fue autor de obras de fuerte dramatismo y prospección interior, con pinceladas sinuosas y densas, de intenso colorido, deformando la realidad, a la que otorgó un aire onírico. Realizó pocos desnudos, la mayoría efectuados en París en 1887: "Desnudo femenino echado", "Desnudo femenino sobre una cama", "Desnudo femenino de espaldas".


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text: En el terreno escultórico, Auguste Rodin fue un gran renovador, no solo en el plano físico, sino también en la innovación temática, más centrada en el ser humano corriente, el de su tiempo y su entorno, alejado ya de la mitología y la religión. Era un profundo conocedor del cuerpo humano, que trató de forma intimista, con un fuerte componente de introspección psicológica. Recibió cierta influencia de Miguel Ángel y Delacroix, pero en esencia su obra fue innovadora, aportando nuevas tipologías al tema del desnudo. Para ello utilizaba modelos a los que dejaba vagar libremente por su estudio, adoptando todo tipo de formas posibles, que Rodin captaba con una maestría para inmortalizar la espontaneidad de cualquier momento y cualquier postura. Sus figuras tienden al dramatismo, a la tensión trágica, a la plasmación del concepto que el artista tenía de la lucha del hombre contra el destino. Así, durante más de treinta años estuvo elaborando figuras para un proyecto inacabado, "Las Puertas del Infierno" (1880-1917) para el Museé des Arts Décoratifs de París — actualmente en el Museo Rodin—, de cuyo proyecto se desgajaron varias obras que quedaron como figuras independientes, como "El pensador" (1880-1900), para el que se inspiró en el "Ugolino" de Carpeaux, o "El Beso" (1886-1890), que representa los amores de Paolo y Francesca narrados en "La Divina Comedia". Otras obras suyas fueron "La edad de bronce" (1877), "San Juan Bautista" (1878), "Eva" (1881), "El invierno" (o "La Belle Heaulmière", 1884-1885), "La mártir" (1885), "El torso" (1889), "La Musa" (1896), "Tres sombras" (1899), "Danaide" (1901), etc. Siguieron la estela de Rodin escultores como Antoine Bourdelle ("Hércules arquero", 1909), Camille Claudel ("La implorante", 1894-1905; "La madurez", 1899-1913), Joseph Bernard ("La joven del caldero", 1910) y Charles Despiau ("Eva", 1925).


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text: El sueco Anders Zorn realizó desnudos descaradamente voluptuosos y saludables, generalmente en paisajes, con vibrantes efectos de luz sobre la piel, en brillantes pinceladas de gran colorido, como en "Al aire libre" (1888), "Las bañistas" (1888), "Mujeres bañándose en la sauna" (1906), "Muchacha tomando el sol" (1913), "Helga" (1917), " Idilio en el estudio" (1918).


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text: En España, destacó la obra de Joaquín Sorolla, que interpretó el impresionismo de una forma personal, de técnica suelta y pincelada vigorosa, con un colorido brillante y sensitivo, donde cobra especial importancia la luz, el ambiente lumínico que envuelve sus escenas de temática mediterránea, en playas y paisajes marinos donde juegan los niños, pasean las damas de sociedad o los pescadores se dedican a sus tareas. En su obra figuran algunos desnudos, como "Triste Herencia" (1899), "Desnudo de mujer" (1902), "El baño del caballo" (1909), "Niños en la playa" (1910), "Después del baño" (1911), etc. Discípulos suyos fueron: su yerno Francisco Pons Arnau ("Composición"), Ignacio Pinazo ("Desnudo de frente", 1872-1879), Rigoberto Soler ("Nineta", "Después del baño") y Julio Moisés ("Eva", "Pili").


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text: El simbolismo fue un estilo de corte fantástico y onírico, que surgió como reacción al naturalismo de la corriente realista e impresionista, poniendo especial énfasis en el mundo de los sueños, así como en aspectos satánicos y terroríficos, el sexo y la perversión. Una característica principal del simbolismo fue el esteticismo, reacción al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y materialismo de la era industrial. Frente a ello, surgió una tendencia que otorgaba al arte y a la belleza una autonomía propia, sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier "l'art pour l'art" («el arte por el arte»), llegando incluso a hablarse de «religión estética». Esta postura pretendía aislar al artista de la sociedad, buscando de forma autónoma su propia inspiración y dejándose llevar únicamente por una búsqueda individual de la belleza.


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text: Una de las características del simbolismo es la oscura atracción por la mujer perversa, la "femme fatale", la Eva convertida en Lilith, la mujer enigmática y distante, turbadora, la mujer que Manuel Machado definió como «quebradiza, viciosa y mística, virgen prerrafaelista y gata parisina». Es una mujer amada y odiada, adorada y vilipendiada, exaltada y repudiada, virtuosa y pecadora, que adoptará numerosas formas simbólicas y alegóricas, como esfinge, sirena, quimera, medusa, genio alado, etc. Se puso de moda un tipo de belleza artificial y andrógina, ambigua, un tipo de belleza leonardesca, de rasgos indefinidos, que tendrá un equivalente simbólico en flores como el lirio o animales como el cisne y el pavo real.


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text: El simbolismo se desarrolló especialmente en Francia, siendo uno de sus iniciadores Gustave Moreau, artista heredero del romanticismo, al tiempo que sentía gran devoción por los maestros del Quattrocento italiano. Sus obras son de corte fantástico y estilo ornamental, con composiciones abigarradas densamente pobladas de todo tipo de objetos y elementos vegetales, con un erotismo sugestivo que refleja sus miedos y obsesiones, con un prototipo de mujer ambigua, entre la inocencia y la perversidad: "Edipo y la Esfinge" (1864), "Orfeo" (1865), "Jasón y Medea" (1865), "Leda" (1865-1875), "La Quimera" (1867), "Prometeo" (1868), "El rapto de Europa" (1869), "Las sirenas" (1872), "La aparición" (1874-1876), "Salomé" (1876), "Hércules y la Hidra de Lerna" (1876), "Galatea" (1880), "Júpiter y Sémele" (1894-1896).


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text: Siguieron sus pasos artistas como Pierre Puvis de Chavannes, que realizó grandes decoraciones murales donde retornó a la linealidad después de los experimentos impresionistas, con melancólicos paisajes donde abunda la figura desnuda, como en "El trabajo" (1863), "Otoño" (1865), "La esperanza" (1872), "Jóvenes en la orilla del mar" (1879), "Bosque sagrado de artes y musas" (1884-1889), etc. Odilon Redon desarrolló una obra de fuerte contenido onírico, hallando en los sueños una inagotable fuente de inspiración, con un estilo basado en un suave dibujo y un colorido de aspecto fosforescente ("El cíclope", 1898-1900). Aristide Maillol se inició en la pintura, con gran interés por la figura femenina en la naturaleza ("Mediterránea", 1898; "La ola", 1898; "Dos desnudos en un paisaje", 1900), para pasar posteriormente a la escultura, donde encontró su medio de expresión más idóneo: "La noche" (1902-1909), "Mediterránea" (1902-1923), "Acción encadenada" (1906), "Ciclista joven" (1908), "Bañista secándose" (1921), "La Venus del collar" (1930), "Las tres ninfas" (1930-1937), "La Montaña" (1937), "El río" (1938-1943), "El Aire" (1939).


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text: En Pont-Aven se reunió un grupo de artistas conocidos como Nabis, influidos por Gauguin y preocupados por el uso expresivo del color. Entre sus miembros se encontraban: Félix Vallotton, que desarrolló un estilo irónico con connotaciones de humor negro, con un erotismo sin pudor, donde los cuerpos tienen una constitución plana, de influencia japonesa, con rostros que parecen máscaras ("Baño en una tarde de verano", 1892); Pierre Bonnard, que pintaba desnudos bajo distintos tipos de luz, tanto natural como artificial, generalmente en escenas íntimas, de alcoba y "boudoir", con gusto por los reflejos en espejos, basándose a menudo en fotografías ("Mujer tendida en el lecho", 1899; "La siesta", 1900; "El hombre y la mujer", 1900; "Desnudo a contraluz", 1907; "Efecto de espejo", 1909; "Tocador y espejo", 1913; "Desnudo en el balde", 1916); y Charles Filiger, que desarrolló un estilo de inspiración medieval —especialmente de las vidrieras góticas—, de colores planos con contornos negros, como en "El Cristo yacente" (1895), inspirado en "El cadáver de Cristo en el sepulcro" de Holbein, reducido a formas simples y puras, mostrando una candidez simbólica que convierte a Cristo en una figura trascendental, evocadora, de una ingenuidad que sugiere pureza.


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text: En Bélgica, Félicien Rops también se inspiró en el mundo de lo fantástico y lo sobrenatural, con inclinación hacia lo satánico y las referencias a la muerte, con un erotismo que refleja el aspecto oscuro y pervertido del amor: "Los diablos fríos" (1860), "Las tentaciones de San Antonio" (1878), "Pornokrates" (1878), "El sacrificio" (1882). Jean Delville estaba interesado por el ocultismo, mostrando en su obra obsesiones secretas, donde sus figuras son una mezcla de carne y espíritu: "El ídolo de la perversidad" (1891), "Los tesoros de Satán" (1895), "La escuela de Platón" (1898), "El amor de las almas" (1900). En escultura, George Minne fue autor de la "Fuente con jóvenes arrodillados" (1898-1906), donde la misma figura de joven desnudo se repite cinco veces rodeando un estanque, como Narciso contemplando su imagen reflejada en el agua, conduciendo la mirada hacia el espacio interior en busca de la solución a la angustia que reflejan.


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text: En los Países Bajos destacó Jan Toorop, autor de "Las tres novias" (1893), que denota la influencia de las sombras chinescas de Java —donde nació—, con figuras de largos brazos y delicada silueta. Piet Mondrian, antes de llegar a la abstracción neoplasticista, realizó algunas obras simbolistas, generadas por su interés por el esoterismo: "Evolución" (1910-1911) es un tríptico que muestra tres figuras desnudas completamente espiritualizadas, que simbolizan el acceso al conocimiento y a la luz mística.


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text: En Gran Bretaña surgió la escuela de los prerrafaelitas, que se inspiraban —como su nombre indica— en los pintores italianos anteriores a Rafael, así como en la recién surgida fotografía. Aunque su temática era de preferencias líricas y religiosas, también abordaron el desnudo, como Dante Gabriel Rossetti ("Venus Verticordia", 1868), Edward Burne-Jones (la serie "Pigmalión", 1868-1870; "El jardín de Pan", 1876; "La rueda de la Fortuna", 1883; "Las Tres Gracias", 1890), John Everett Millais ("Caballero errante libertando una bella", 1870), John William Waterhouse ("Hilas y las Ninfas", 1896), etc. Entre el simbolismo prerrafaelita y el decorativismo modernista estuvo la obra del ilustrador Aubrey Beardsley, que realizó numerosas obras de carácter erótico (como sus ilustraciones para "Lisístrata" y la "Salomé" de Oscar Wilde), con un gran sentido satírico e irreverente, con un estilo basado en un trazo muy estilizado y grandes superficies negras y blancas.


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text: El alemán Franz von Stuck desarrolló un estilo decorativo próximo al modernismo, aunque por su temática es más simbolista, con un erotismo de tórrida sensualidad que refleja un concepto de la mujer como personificación de la perversidad: "El pecado" (1893), "El beso de la esfinge" (1895), "Aire, Agua, Fuego" (1913). En Austria, Gustav Klimt recreó un mundo de fantasía de fuerte componente erótico, con una composición clasicista de estilo ornamental, donde se entrelazan el sexo y la muerte, tratando sin tabúes la sexualidad en aspectos como el embarazo, el lesbianismo o la masturbación. En "Nuda Veritas" (1899) se alejó de la simbología iconográfica del desnudo femenino, pasando a ser un símbolo autorreferencial, la mujer ya no es alegoría, sino imagen de sí misma y de su sexualidad. Otras obras suyas son: "Agua agitada" (1898), "Judith I" (1901), el "Friso Beethoven" (1902), "La esperanza I" (1903), "Las tres edades de la mujer" (1905), "Dánae" (1907), "Judith II (Salomé)" (1909), "Las amigas" (1917), "Adán y Eva" (1917-1918), etc. Alfred Kubin fue sobre todo dibujante, expresando en sus dibujos un mundo terrorífico de soledad y desesperación, poblado de monstruos, esqueletos, insectos y animales horrendos, con referencias explícitas al sexo, donde la presencia femenina juega un rol maléfico y perturbador, como se pone de manifiesto en obras como "Lubricidad" (1901-1902), donde un perro priápico acosa a una joven acurrucada en un rincón; o "Salto mortal" (1901-1902), donde un pequeño homúnculo salta como en una piscina sobre una enorme vulva femenina.


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text: En Suiza, Ferdinand Hodler estuvo influido por Durero, Holbein y Rafael, con un estilo basado en el paralelismo, repitiendo líneas, colores y volúmenes: "La noche" (1890), "Elevarse en el espacio" (1892), "El día" (1900), "La sensación" (1901-1902), "Joven admirado por mujeres" (1903), "La verdad" (1903). Arnold Böcklin era heredero del romanticismo de Friedrich, con un estilo alegórico basado en leyendas y personajes imaginarios, recreados en una atmósfera fantástica y obsesiva, como en "Venus Genitrix" (1895). El checo František Kupka también se interesó por el ocultismo, pasando por una fase simbolista antes de llegar a la abstracción: "La mujer y el dinero" (1899), "Balada de Epona (Las alegrías)" (1900), "La ola" (1902). En Rusia, Kasimir Malevich, futuro fundador del suprematismo, tuvo en sus inicios una fase simbolista, caracterizada por el erotismo aunado con cierto misticismo de corte esotérico, con un estilo tendente a la monocromía, con predominio del rojo y el amarillo: "Mujer cogiendo flores" (1908), "Encina y dríadas" (1908).


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text: Ligado al simbolismo estuvo también el llamado arte naïf, cuyos autores eran autodidactas, con una composición algo ingenua y desestructurada, instintiva, con cierto primitivismo, aunque plenamente consciente y expresiva. Su máximo exponente fue Henri Rousseau, que partiendo del academicismo desarrolló una obra innovadora, de gran frescura y sencillez, con toques humorísticos y fantásticos, y predilección por el paisaje exótico, selvático. Realizó algunos desnudos, como "Encantadora de serpientes" (1907), "Eva" (1907) y "Sueño" (1910).


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text: El arte del siglo XX padeció una profunda transformación: en una sociedad más materialista, más consumista, el arte se dirige a los sentidos, no al intelecto. Igualmente, ha cobrado especial relevancia el concepto de moda, una combinación entre la rapidez de las comunicaciones y el aspecto consumista de la civilización actual. Surgieron así los movimientos de vanguardia, que pretendían integrar el arte en la sociedad, buscando una mayor interrelación artista-espectador, ya que es este último el que interpreta la obra, pudiendo descubrir significados que el artista ni conocía. Las últimas tendencias artísticas han perdido incluso el interés por el objeto artístico: el arte tradicional era un arte de objeto, el actual de concepto. Hay una revalorización del arte activo, de la acción, de la manifestación espontánea, efímera, del arte no comercial (arte conceptual, "happening", "environment").


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text: En el sigloXX el desnudo ha ido ganando cada vez más protagonismo, sobre todo gracias a los medios de comunicación de masas, que han permitido su mayor difusión, especialmente en el cine, la fotografía y el cómic, y más recientemente, internet. También ha proliferado en buena medida en la publicidad, debido a su cada vez mayor aceptación social, y al ser un gran reclamo para la gente. El desnudo ya no tiene actualmente la connotación negativa que tenía en épocas anteriores, principalmente debido al aumento de la laicidad entre la sociedad, que percibe el desnudo como algo más natural y no censurable moralmente. En este sentido, el nudismo y el naturismo han ido ganando adeptos en estos últimos años, y ya nadie se escandaliza al ver a otra persona desnuda en una playa. También hay que remarcar el cada vez mayor culto al cuerpo, con prácticas como el culturismo, el fitness y el aeróbic, que permiten forjar el cuerpo acorde a unos estándares que se consideran estéticos.


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text: En los primeros años del siglo XX se forjaron las bases del llamado arte de vanguardia: el concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas (la subjetividad del tiempo de Bergson, la relatividad de Einstein, la mecánica cuántica); también influyó la teoría del psicoanálisis de Freud. Por otra parte, las nuevas tecnologías provocaron que el arte cambiase de función, ya que la fotografía y el cine ya se encargaban de plasmar la realidad. Gracias a las colecciones etnográficas fomentadas por el colonialismo europeo los artistas tuvieron contacto con el arte de otras civilizaciones (africano, asiático, oceánico), que aportó una visión más subjetiva y emotiva del arte. Todos estos factores comportaron un cambio de sensibilidad que se tradujo en la búsqueda de nuevas formas de expresión por parte del artista.


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text: El vanguardismo artístico tenía como objetivo insuflar nueva vida al arte, volver a las raíces naturales del diseño y la composición artística, para lo que se rebelaron contra el arte académico, sujeto a reglas que a estos nuevos artistas les parecían anuladoras de la creatividad y la inspiración artística. Dos de las primeras obras que supusieron una revolución en el arte de principios de siglo fueron desnudos: el "Desnudo azul" de Matisse y "Las señoritas de Avignon" de Picasso, ambas de 1907. En estas obras el desnudo pasa a ser un elemento simbólico, conceptual, una referencia a la pureza de la vida sin reglas, sin constricciones, un retorno a la naturaleza, a la percepción subjetiva del arte. La reducción de la figura humana a formas básicas, esquemáticas, inició en estas dos obras el camino hacia la abstracción de la forma, que se verá reducida a líneas básicas y estructuras geométricas, como el "Desnudo" de Constantin Brâncuşi, donde un torso femenino es reducido a una simple forma cilíndrica.


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text: El fauvismo es considerado el primer movimiento vanguardista. Los fauvistas prescinden de la perspectiva, el modelado y el claroscuro, experimentando con el color, que es concebido de modo subjetivo y personal, aplicándole valores emotivos y expresivos, independientes respecto a la naturaleza. Su principal representante fue Henri Matisse, un discípulo de Gustave Moreau, que abrió las puertas a la independencia del color respecto al tema, organizando el espacio de acuerdo con planos de color y buscando nuevas sensaciones mediante el efecto impactante de las violentas zonas de colores estridentes. Pese a su afán modernizador, Matisse conservó elementos clásicos, como el desnudo: en 1898 comenzó su estilo personal con "Desnudo ante la ventana", donde empezó a aplicar el color de forma arbitraria, no imitativa; el cuadro recrea una realidad distinta, en que el color es autónomo a la forma. En "Lujo, calma y voluptuosidad" (1905) aplicó colores básicos (rojo, amarillo, azul) y complementarios (violeta, naranja, verde), dispuestos por zonas y estructurados por figuras geométricas. Con el "Desnudo azul" (1906-1907) inició una simplificación de la forma humana en busca de una síntesis perfecta de la estructura del cuerpo, proceso que le obsesionaría por muchos años y que culminaría con el "Desnudo rosa" (1935). En "El lujo" (1907) se centró en la figura humana, con una composición triangular y colores arbitrarios, destacando el movimiento de la figura, y con rostros esquemáticos. "El lujo II" (1907) es una segunda versión más precisa, con manchas puras y planas del color, destacando la carnación de un rosa salmón, que sería típica de Matisse. "Bañistas con tortuga" (1908) tiene un fondo austero, abstracto, de franjas de color, creando espacio por la distinción de colores. "Desnudo negro-dorado" (1908) tiene influencia de las tallas negroafricanas, con una tonalidad cercana a la madera y ojos almendrados. "La danza" (1910) es un estudio de la figura humana en movimiento, con un esquematismo exagerado y gran austeridad de color, reducido al rojo y azul —realizó dos grandes murales sobre "La Danza", uno en Moscú (1910) y otro en Filadelfia (1931)—. "Odalisca en rojo" (1924) tiene influencia de Modigliani, suavizada con un cierto aire renacentista. En "Figura femenina sobre fondo ornamental" (1925) recuperó la influencia de Moreau, con gran decorativismo y "horror vacui". En "Desnudo rosa" (1935) se percibe la influencia de Mondrian, con figuras abstractizantes y un fondo cuadriculado, en blanco y negro. Otras obras suyas son: "La alegría de vivir" (1906), "Desnudo erguido" (1907), "Juego de bolos" (1908), "Dos negras" (1908), "Bodegón con figuras de danza" (1909), "Desnudo en el paisaje iluminado por el sol" (1909), "Peces rojos y escultura" (1911), "Desnudo con alfombra española" (1919), "La pose hindú" (1923), "Desnudo sobre almohadón azul" (1924), "La odalisca de los calzones rojos" (1924-1925), "Desnudo sobre fondo rojo" (1926), "Gran desnudo acostado" (1935), "Desnudo acostado de espaldas" (1944), etc.


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text: Siguieron la estela de Matisse artistas como André Derain, que en su obra denota la influencia del arte primitivo: en "La edad de oro" (1905) practicó un cierto macropuntillismo, notándose el influjo de "Lujo, calma y voluptuosidad" de Matisse. Maurice de Vlaminck sentía predilección por los colores puros, con un volumen de origen cézanniano: en "Desnudo reclinado" (1905) y "Mujeres bañándose" (1908) realizó un tratamiento matissiano del desnudo femenino. Albert Marquet tenía un estilo más naturalista, con predilección por el paisaje, aunque realizó desnudos como: "Desnudo fauvista" (1898), "Desnudo a contraluz" (1909-1911) y "Desnudo sobre fondo azul" (1913). Kees van Dongen fue un apasionado desnudista, contando con innumerables modelos de la alta sociedad parisiense, donde estuvo muy de moda en el periodo de entreguerras. Entre sus obras destacan: "La mujer de las joyas" (1905), "Anita" (1905), "Las saltimbanquis de los senos desnudos" (1906), "Muchacha desnuda" (1907), etc.


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text: Surgido como reacción al impresionismo, los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad —la «impresión»—, reflejando en sus obras una temática personal e intimista con gusto por lo fantástico, deformando la realidad para acentuar el carácter expresivo de la obra. En Alemania, su principal centro difusor, se organizó en torno a dos grupos: "Die Brücke" (fundado en 1905), y "Der Blaue Reiter" (fundado en 1911), aunque hubo algunos artistas no adscritos a ningún grupo.


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text: A los miembros de "Die Brücke" les interesaba un tipo de temática centrada en la vida y la naturaleza, reflejada de forma espontánea e instintiva, por lo que sus principales temas eran el desnudo —sea en interior o exterior—, así como escenas de circo y music-hall, donde encontraban la máxima intensidad que podían extraer a la vida. Esta temática fue sintetizada en obras sobre bañistas que sus miembros realizaron preferentemente entre 1909 y 1911 en sus estancias en los lagos cercanos a Dresde: Alsen, Dangast, Nidden, Fehmarn, Hiddensee, Moritzburg, etc. Son obras donde expresan un naturismo sin tapujos —en consonancia con el "Wandervögel", la vida en el campo despojada de tabúes y prejuicios—, un sentimiento casi panteísta de comunión con la naturaleza, a la vez que técnicamente van depurando su paleta, en un proceso de deformación subjetiva de la forma y el color, que adquiere un significado simbólico. Según palabras de Kirchner, su objetivo era «estudiar con toda naturalidad el desnudo, el fundamento de todas las artes plásticas».


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text: Un precursor del expresionismo fue Edvard Munch: influido en sus inicios por el impresionismo y el simbolismo, pronto derivó hacia un estilo personal que sería fiel reflejo de su interior obsesivo y torturado, con escenas de ambiente opresivo y enigmático —centradas en el sexo, la enfermedad y la muerte—, caracterizadas por la sinuosidad de la composición y un colorido fuerte y arbitrario. En "Madonna" (1895-1904) presentó una figura de mujer con el torso desnudo, en una actitud ambigua, mientras el cuerpo sugiere sensualidad, el rostro con los ojos cerrados y girado hacia arriba da una sensación de misticismo, de introspección; en el marco se encuentra un feto, que junto a una línea de espermatozoides sugieren el rechazo por parte del artista hacia la actitud tradicional del hombre hacia la mujer. En "Pubertad" (1914) retrató una adolescente de mirada lánguida, reflejando en su semblante el estado meditativo y perplejo que denota el paso de niña a mujer, cuya profunda introspección psicológica ha conseguido recrear magistralmente el artista con colores puros y distorsionando las líneas. Pertenece a una serie de obras realizada entre 1890 y 1908, con las que Munch pretendía elaborar un «friso de la vida humana», empeñado en analizar todos los problemas derivados de la soledad, la enfermedad, las adicciones, el amor insatisfecho y la angustia de la edad —especialmente en la adolescencia y la vejez—. Estas obras denotan un gran análisis psicológico, pero traslucen un cierto componente morboso y turbador, explorando sin reparos lo más profundo del interior del hombre.


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text: También fue un antecedente la obra de Emil Nolde: a principios de siglo empleaba la técnica divisionista, con empaste muy grueso y pinceladas cortas, y con fuerte descarga cromática, de influencia postimpresionista. Posteriormente abandonó el proceso de imitación de la realidad, denotándose en su obra una inquietud interior, una tensión vital, una crispación que se refleja en el pulso interno de la obra. Así se percibe en desnudos como: "Danza alrededor del becerro de oro" (1910), "Naturaleza muerta con bailarinas" (1914) y "El entusiasta" (1919). Otro referente fue Lovis Corinth: formado en el impresionismo —del que fue una de las principales figuras en Alemania junto a Max Liebermann y Max Slevogt—, derivó en su madurez hacia el expresionismo con una serie de obras de introspección psicológica, con una temática centrada en lo erótico y macabro. Si bien siguió anclado en la impresión óptica como método de creación de sus obras, cobró un creciente protagonismo la expresividad, culminando en "El Cristo rojo" (1922), escena religiosa de notable angustia cercana a las visiones de Nolde. Otras obras suyas son "Desnudo acostado" (1895) y "Salomé" (1899).


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text: De los miembros de "Die Brücke" destacó Ernst Ludwig Kirchner: gran dibujante, desde su visita a una exposición de xilografía de Durero en 1898 comenzó a hacer grabados en madera, material en el que también realizó tallas de influencia africana, con un acabado irregular, sin pulir, destacando los componentes sexuales ("Bailarina", 1911). Como pintor, utilizaba colores primarios, como los fauvistas, con cierta influencia de Matisse, pero con líneas quebradas, violentas —al contrario que las redondeadas de Matisse—, en ángulos cerrados, agudos, con figuras estilizadas, con un alargamiento de influencia gótica. Entre sus obras cabría destacar: "Pareja en el sofá" (1908), "Joven con sombrilla japonesa" (1909), "Marzella" (1909-1910), "Bañistas en un interior" (1909-1920), "Bañistas en Moritzburg" (1909-1926), "Desnudo acostado delante del espejo" (1910), "Desnudos al sol" (1910-1920), "Desnudos en el campo" (1910-1920), "Dos desnudos con barreño y estufa" (1911), "Desnudo con sombrero negro" (1911-1912), "El juicio de Paris" (1912), "Tres bañistas" (1913), etc.