title: Jean-Philippe Rameau

text: El primero de agosto de 1752, una troupe itinerante italiana se instaló en la "Académie Royale de Musique" para dar representaciones de «intermezzos» y óperas bufas. Debutaron con la representación de "La serva padrona" de Pergolesi, una obra que ya había sido ofrecida en París en 1746, sin atraer la menor atención. Esta vez sí fue un éxito. La intrusión en el templo de la música francesa de estos «bouffons» dividió a la inteligencia musical parisina en dos bandos: de un lado, los partidarios de la tragedia lírica, representante real del género francés, y del otro, los simpatizantes de la ópera-bufa, truculentos defensores de la música italiana. Entre ambos bandos nació una verdadera disputa panfletaria que animará los círculos musicales, literarios y filosóficos de la capital francesa hasta 1754.


title: Jean-Philippe Rameau

text: De hecho, la «Querelle des Bouffons», desencadenada bajo un pretexto musical era, en el fondo, la confrontación de dos idearios estéticos, culturales y, al final, políticos, definitivamente incompatibles: de un lado, el clasicismo, asociado a la imagen del poder absoluto de Luis XIV; del otro, el espíritu de las Luces. La música tan refinada de Rameau se encontró puesta «dans le même sac» que las piezas teatrales que le sirvieron de molde y de argumento, con sus bártulos de mitología, maravillas y máquinas, a las que los filósofos querían oponer la simplicidad, lo natural y la espontaneidad de la ópera-bufa italiana, caracterizada por una música que daba primacía a la melodía.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Y precisamente todo lo que había escrito Rameau durante treinta años definía la armonía como el principio, la naturaleza misma de la música. Así era difícil la reconciliación del músico erudito, seguro de sus ideas, orgulloso, testarudo y pendenciero con Rousseau, un músico «amateur», al que Rameau despreció desde el principio, puesto que se había permitido contradecir sus teorías. Su reivindicación llegó también a la «Encyclopédie», ya que fue a Rousseau a quien Diderot encargó la redacción de los artículos sobre la música.


title: Jean-Philippe Rameau

text: El «Rincón de la Reina» agrupaba a los enciclopedistas, con Rousseau, Grimm, Diderot, d'Holbach y, más tarde, d'Alembert; las críticas se focalizan en Rameau, principal representante del «Rincón del Rey». Intercambian un número considerable de libelos, de artículos —más de sesenta—, los más virulentos provenientes de Grimm ("«Le petit prophète de Boehmischbroda»") y de Rousseau ("«Lettre sur la musique française»" , donde se afirma que a la lengua francesa solo le conviene el recitativo y es imposible para otra clase de música). Rameau no se está quieto ("«Observation sur notre instinct pour la musique»") y continuará lanzando sus dardos mucho después de que la «Querelle» se hubiera extinguido: "«Les erreurs sur la musique dans l'Encyclopédie»" (1755), "«Suite des erreurs»" (1756), "«Réponse à MM. les éditeurs de l'Encyclopédie»" (1757). Hubo incluso un duelo en 1753 entre Ballot de Sauvot,


title: Jean-Philippe Rameau

text: libretista —"Pygmalion", 1748— y admirador del compositor, y el castrato italiano Gaetano Caffarelli,


title: Jean-Philippe Rameau

text: pero la tragedia lírica y las formas aparentadas habían recibido tales golpes que su tiempo había terminado.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Únicamente Rameau, que conservará hasta el final de su vida todo su prestigio de compositor oficial de la corte, se permitirá en adelante escribir en ese género, desde ese momento considerado anticuado. Y su inspiración no se agotó: en 1753, compuso la pastoral heroica "Daphnis et Églé", una nueva tragedia lírica, "Linus", la pastoral "Lysis et Délie" —estas dos últimas composiciones no fueron representadas y su música se perdió—, así como el acto de ballet "Les Sybarites".


title: Jean-Philippe Rameau

text: En 1754 todavía compuso dos actos de ballet: "La Naissance d'Osiris" (para celebrar el nacimiento del futuro Louis XVI) y "Anacréon", así como una nueva versión de "Castor et Pollux".


title: Jean-Philippe Rameau

text: En 1753 La Pouplinière toma como amante a una músico intrigante, Jeanne-Thérèse Goermans —hija del conocido fabricante de clavecines Jacques Goermans—, que se hace llamar Madame de Saint-Aubin por estar casada con un aprovechado que la deja en brazos del rico financiero. Ella hizo el vacío alrededor de Rameau e incluso consiguió que La Pouplinière contratase a Stamitz: fue la ruptura con Rameau que, por cierto, no necesitará más del sustento financiero de su antiguo amigo y protector.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Rameau prosiguió sus actividades de teórico y de compositor hasta su muerte. Vivió con su mujer y dos de sus hijos en un gran apartamento de la rue des Bons-Enfants, de donde salía cada día, perdido en sus pensamientos, a dar su paseo en solitario por los cercanos jardines del Palais-Royal o de las Tullerías. Encontraba a veces al joven Chabanon que escribirá más tarde su elogio fúnebre y que ha recogido algunas de sus raras confidencias, ya entonces muy decepcionado:


title: Jean-Philippe Rameau

text: Sus piezas continuaron siendo representadas, a veces por deferencia hacia el viejo compositor, que en 1757 cierra un contrato de exclusividad con la Académie Royale de Musique —dirigida por Rebel y Francœur— que le asegura una pensión anual de 1500 libras. En 1756 se programa una segunda versión de "Zoroastre". En 1757, se representa "Anacréon", una nueva «entrée» añadida a "Les Surprises de l'Amour". En 1759 se repone con gran éxito, "Dardanus" y, en 1760, se estrena "Les Paladins", comedia-ballet en un estilo renovado que sirvió, sin embargo, para seguir ajustando cuentas, por escrito, con la «Encyclopédie» y los filósofos. En 1761 Rameau es nombrado miembro de la Académie de Dijon.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Sus últimos escritos, en especial "«L'Origine des sciences»", estuvieron marcados por su obsesión de hacer de la armonía la referencia de toda ciencia, lo que propició la opinión de Grimm que habló de chochez («radotage») del «vieux bonhomme».


title: Jean-Philippe Rameau

text: Pero Rameau aún conservaba toda su lucidez y compuso, con más de 80 años su última tragedia en música, "Les Boréades", una obra de gran novedad pero de una novedad que no va en la dirección que toma entonces la música. En la primavera de 1764 Rameau fue nombrado «chevalier de l'Ordre de Saint-Michel» y comenzó los ensayos de "Boréades", pero la obra, por razones desconocidas, no será representada. Rameau falleció de una «fiebre pútrida» el 12 de septiembre de 1764 y "Les Boréades" debieron esperar más de dos siglos su estreno triunfal en Aix-en-Provence en 1982.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Al día siguiente, 13 de septiembre, se enterró al gran músico en la Iglesia de San Eustaquiode París.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Varias ceremonias de homenaje tuvieron lugar en los días siguientes en París, Orléans, Marsella, Dijon y Ruan. Los elogios fúnebres, escritos por Chabanon y Maret, fueron publicados por el «Mercure de France». Su música de escena, como la de Lully, continuó siendo programada hasta el final del Antiguo Régimen, y después desapareció del repertorio durante más de un siglo.


title: Jean-Philippe Rameau

text: De igual modo que su biografía es imprecisa y parcial, la vida personal y familiar de Rameau es de una opacidad casi completa y todo desaparece detrás de su obra musical y teórica. Incluso su música, a veces tan grácil y ligera, es de carácter opuesto al aspecto exterior del hombre y con aquello que se sabe de su carácter, descrito de manera caricaturesca y quizás exagerada por Diderot en "Le neveu de Rameau". Durante toda su vida, Rameau no se interesó más que por la música, con pasión y ocupaba todos sus pensamientos. Philippe Beaussant habla de un monomaníaco. Fue Piron quien explicó que: "«Toda su alma y su espíritu estaban en su clavecín; cuando lo había cerrado, no había más persona en la estancia»".


title: Jean-Philippe Rameau

text: los apuntes que se tienen de él —en especial uno de Carmontelle, que lo muestra ante su clavecín— nos lo describen como una suerte de vara o espárrago con unas piernas interminables. Tenía «une grosse voix» y su alocución era difícil, como su expresión escrita, que nunca fue fluida.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Era a la vez secreto, solitario, refunfuñón, pagado de sí mismo (más orgulloso, por cierto, como teórico que como músico)


title: Jean-Philippe Rameau

text: y casado con sus contradicciones, se dejaba ir fácilmente. Cuesta imaginárselo rodeado de los espíritus elevados —como el de Voltaire, con quien tenía un cierto parecido físico— que frecuentaban la residencia de La Pouplinière: su música era su mejor embajadora en ausencia de cualidades más mundanas.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Sus «enemigos» —aquellos que no compartían sus ideas en materia de música o teoría acústica— amplificaron sus defectos, por ejemplo su supuesta avaricia. De hecho, parece que su cuidado de la economía era consecuencia de una larga carrera oscura, con ingresos mínimos e inciertos, más que un rasgo de su carácter, ya que podía ser generoso: se sabe que ayudó a su sobrino Jean-François a llegar a París y a su joven colega dijonés Claude Balbastre igualmente a establecerse en París; que dotó bien a su hija Marie-Louise en 1750 cuando tomó los hábitos en las Visitandines; y que pagaba puntualmente una pensión a una de sus hermanas que estaba enferma.


title: Jean-Philippe Rameau

text: El desahogo financiero le llegó tarde, con el éxito de sus obras líricas y la atribución de una pensión por el rey (algunos meses antes de su muerte, fue incluso ennoblecido y nombrado caballero de la Orden de San Miguel). Pero ello no cambió su forma de vida, conservando sus vestimentas gastadas, su único par de zapatos o su mobiliario vetusto. A su muerte, en el apartamento de diez piezas que ocupaba en la rue des Bons-Enfants con su esposa y su hijo, no tenía a su disposición más que un clavecín de un solo teclado, y en mal estado. Sin embargo, se encontró entre sus pertenencias una saca conteniendo 1.691 luises de oro.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Un rasgo de carácter que se encuentra por cierto en otros miembros de su familia era una cierta inconstancia: se estableció en París hacia los 40 años de edad, después de una fase errática y de haber tenido muchos puestos de organista en distintas ciudades: Aviñón, quizá Montpellier, Clermont-Ferrand, París, Dijon, Lyon, de nuevo Clermont-Ferrand y finalmente París. Incluso en la capital, cambió a menudo de domicilio: rue des Petits-Champs (1726), rue des Deux-Boules (1727), rue de Richelieu (1731), rue du Chantre (1732), rue des Bons-Enfants (1733), rue Saint-Thomas du Louvre (1744), rue Saint-Honoré (1745), rue de Richelieu en casa de La Pouplinière (1746), y de nuevo rue des Bons-Enfants (1752).


title: Jean-Philippe Rameau

text: Después de la muerte de Rameau, su esposa dejó el apartamento de la rue des Bons-Enfants en París y se fue a vivir a casa de su yerno a Andrésy, una pequeña localidad de Yvelines. Murió allí en 1785.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Los nombres de los dos últimos hijos fueron un homenaje al «Fermier-général» Alexandre de la Pouplinière, mecenas de Rameau gracias al cual pudo comenzar su carrera de compositor lírico.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Jean-Philippe tuvo un hermano más pequeño, Claude, igualmente músico (mucho menos célebre). Este último tuvo dos hijos, músicos como él pero con una existencia de «ratés» (fracasados): Jean-François Rameau que inspiró a Diderot el material de su libro "Le Neveu de Rameau" («El sobrino de Rameau») y "Lazare Rameau".


title: Jean-Philippe Rameau

text: La música de Rameau se caracteriza por el oficio excepcional de este compositor que quiere ser ante todo un teórico de su arte. No se dirige solamente a la inteligencia y Rameau ha sabido poner en obra idealmente su intención cuando afirmó "«Je cherche à cacher l'art par l'art même»" (Busco esconder el arte por el arte mismo).


title: Jean-Philippe Rameau

text: La paradoja de esta música, lo que tiene de nueva, es la puesta en práctica de procedimientos antes inexistentes, pero que se concretan en formas caducas. Rameau pareció revolucionario a los lullystas, derrotados por la armonía compleja que desplegaba, y reaccionario a los filósofos, que no juzgaban sino su continente y no pudieron, o no quisieron, escucharle. La incomprensión que sufrió por parte de sus contemporáneos le impidió reemprender algunas licencias —como el segundo «trio des Parques» de "Hippolyte et Aricie", que tuvo que retirar después de las primeras representaciones—, ya que los cantantes no conseguían interpretarlo correctamente. Así, el más grande armonista de su época es ignorado incluso entonces, cuando la armonía —el aspecto «vertical» de la música— toma definitivamente ventaja sobre el contrapunto, que representa su aspecto «horizontal».


title: Jean-Philippe Rameau

text: No se pueden comparar los destinos de Rameau y de Bach, los dos gigantes de la ciencia musical del , más que como aislados de todos sus colegas, cuando todo lo demás los separa. A este respecto, el año 1722 -que vio aparecer simultáneamente el "«Traité de l'Harmonie»" y el primer ciclo del "Das wohltemperierte Klavier" ("El clave bien temperado")- es muy simbólico. Los músicos franceses de finales del no se equivocaron, en plena hegemonía musical germánica, cuando vieron en Rameau al único músico francés de fuerza comparable a Bach, lo que permitió el redescubrimiento progresivo de su obra.


title: Jean-Philippe Rameau

text: La producción musical de Rameau comprende cuatro conjuntos distintos de importancia muy desigual: las cantatas; los motetes para gran coro; las piezas de clavecín, solista o en concierto; y la música lírica, a la que consagró prácticamente de manera exclusiva los treinta últimos años de su carrera.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Como la mayoría de sus contemporáneos, reutilizó a menudo algunas arias, particularmente bien hechas o apreciadas, pero jamás sin adaptarlas de manera meticulosa: nunca fueron simples transcripciones. Estas transferencias son muchas: se encuentra en "Les Fêtes d'Hébé", "L'Entretien des Muses", la «Musette» y el «Tambourin» sacados del "Libro de clavecín" de 1724 y un aria extraída de la cantata de Berger Fidèle; o, también, otro "Tambourin" pasó sucesivamente de "Castor et Pollux" a las "Pièces en concert", y, después, de la segunda versión de "Dardanus"; otros ejemplos abundan. Por otro lado, no se encontraron en su obra imitaciones de otros músicos, todo lo más influencias al principio de su carrera.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Rameau fue durante más de cuarenta años organista profesional al servicio de varias instituciones religiosas, parroquias o conventos, pero aun así su producción en términos de música sacra es muy reducida, y ello sin hablar de la obra para órgano que, en su caso, no se ha conservado.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Evidentemente no era un terreno de su predilección, sino, a lo sumo, un medio de ganarse un sustento apreciable. Sus raras composiciones religiosas son, sin embargo, destacables y se comparan favorablemente con las de los especialistas del género.


title: Jean-Philippe Rameau

text: A comienzos del , la cantata era un género de gran éxito: la cantata francesa —a distinguir de la cantata italiana o germánica— fue «inventada» en 1706 por el poeta Jean-Baptiste Rousseau y pronto adaptada por varios músicos de renombre como Bernier, Montéclair, Campra o Clérambault.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Las cantatas fueron para Rameau el primer contacto con la música lírica, ya que necesitan solo medios reducidos y, por ello, son un género accesible para músicos todavía desconocidos. Los musicólogos no han podido sino suponer las fechas y circunstancias de su composición, y sus libretistas permanecen desconocidos.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Las cantatas que se conservan atribuidas con certeza a Rameau son solo las seis siguientes (los datos son estimaciones):


title: Jean-Philippe Rameau

text: Maret, en su "elogio" leído en sesión solemne el 25 de agosto de 1765 ante la «Académie des Sciences, Arts et Belles-Lettres» de Dijon (de hecho, la primera biografía), evoca dos cantatas más compuestas en Clermont-Ferrand y hoy perdidas: "Médée" y "L'Absence". Además se le atribuye otra, la "Cantate pour le jour de la saint-Louis" .


title: Jean-Philippe Rameau

text: Rameau es, junto con Couperin, uno de los dos grandes maestros de la escuela francesa del clavecín en el . Los dos músicos se diferencian claramente de la primera generación de clavecinistas que vertían sus composiciones en el molde relativamente fijado de la suite clásica. Esta alcanzó su apogeo durante el decenio 1700-1710 con las apariciones sucesivas de los libros de suites de Louis Marchand, Gaspard Le Roux, Louis-Nicolas Clérambault, Jean-François Dandrieu, Elisabeth Jacquet de la Guerre, Charles Dieupart y Nicolas Siret.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Pero ambos practicaron un género muy diferente, y en ningún caso Rameau puede ser considerado como el heredero de su mayor. Parecen ignorarse. Couperin era uno de los músicos oficiales de la Corte mientras que Rameau no era todavía más que un desconocido: la gloria le vendrá el mismo año de la muerte de Couperin. Por cierto, Rameau publicó sus primeros libros desde 1706 mientras que François Couperin, que tenía quince años más, esperó a 1713 para hacer editar sus primeras órdenes. Las piezas de Rameau parecen menos pensadas para el clavecín que las de Couperin y conceden menos importancia a la ornamentación. Tomando en consideración el volumen respectivo de sus contribuciones, la música de Rameau presenta quizás aspectos más variados: tiene piezas en la pura tradición de la suite francesa; piezas imitativas ("Le Rappel des Oiseaux", "La Poule") y de carácter ("Les tendres Plaintes", "L'entretien des Muses"); piezas de puro virtuosismo «a la Scarlatti» ("Les Tourbillons", "Les trois Mains"); y piezas en donde se descubren las búsquedas del teórico y del innovador en materia de interpretación ("L'Enharmonique", "Les Cyclopes"), en las que la influencia sobre Daquin, Royer y Duphly es manifiesta. Las piezas son agrupadas tradicionalmente por tonalidad, pero ver en ellas la estructura de la suite necesita de una buena dosis de autopersuasión.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Los tres libros de suites de Rameau aparecieron, respectivamente, en 1706, 1724 y 1728. Después de esta fecha, solo compuso para el clavecín solista una pieza aislada, "La Dauphine" (1747). Otras piezas (como "Les petits marteaux") se le atribuyen de manera dudosa.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Durante su semirretiro de los años 1740 a 1744, escribió las "Pièces de clavecin en concert" (1741). Retomando una fórmula practicada con éxito por Mondonville algunos años antes, las piezas en concierto se desmarcan de las sonatas a trío en que el clavecín no se contenta con asegurar el bajo continuo acompañando a los instrumentos melódicos (violín, flauta, viola), sino que «concierta» en igualdad con ellos. Rameau aseguró, por cierto, que interpretadas al clavecín solo, estas piezas son también del todo satisfactorias; esta última afirmación no es muy convincente, ya que tuvo la precaución, pese a todo, de transcribir cinco de ellas: aquellas en que las partes de los instrumentos que faltan serían las más defectuosas. Es necesario señalar que transcribió igualmente para el clavecín un cierto número de piezas extraídas de las "Indes galantes".


title: Jean-Philippe Rameau

text: A partir de 1733, Rameau se consagró de manera casi exclusiva a la música lírica: lo que precedió no fue más que una larga preparación. Bien provisto de sus principios teóricos y estéticos, de los que nada le podrá apartar, se consagró al espectáculo completo que constituía, mucho antes que el drama wagneriano, el teatro lírico a la francesa. En el plano estrictamente musical, este es más rico y variado que la ópera italiana contemporánea, en especial por el papel reservado a los coros y a las danzas, pero también por la continuidad musical que nace de las relaciones respectivas entre el recitativo y las arias. Otra diferencia esencial era que, mientras en la ópera italiana se reservaban los papeles más largos para las sopranos femeninas y los castrati, en la ópera francesa se ignoraba esa moda.


title: Jean-Philippe Rameau

text: En la ópera italiana contemporánea de Rameau —la ópera seria— la parte vocal comprende en lo esencial partes cantadas —en las que la música, la melodía, era reina ("arias da capo", dúos, tríos, etc.)— y partes habladas, o casi —el "recitativo secco"—. Era en estas donde la acción progresaba —tanto que era lo que mantenía el interés del espectador en espera de la siguiente aria—; por el contrario, el texto en el aria se apagaba casi enteramente tras la música, que aspiraba sobre todo a poner de relieve el virtuosismo de los cantantes.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Nada de esto sucede en la tradición francesa: después de Lully, el texto debe permanrcer comprensible, lo que limita ciertos procedimientos como las «vocalisés», que se reservan a ciertas palabras privilegiadas, como «gloria», «victoria» —en este sentido, y al menos en su espíritu, el arte lírico de Lully a Rameau estaba más próximo al ideal de Monteverdi, la música debe en principio servir al texto— una paradoja cuando se compara la ciencia de la música de Rameau y la pobreza de sus libretos. Un equilibrio sutil se opera entre las partes más o menos musicales, recitativo melódico de una parte, arias a menudo más próximas del arioso de otra parte, "ariette" virtuosas en fin, de apariencia más italiana. Esta musicalidad continua prefigura incluso el drama wagneriano más que la ópera «réformé» de Gluck que aparecerá a finales de siglo.


title: Jean-Philippe Rameau

text: En la primera parte de su carrera lírica —1733-39— Rameau escribió sus grandes obras maestras destinadas a la "Académie Royale de Musique": tres tragedias en música y dos opéras-ballets que constituyen, todavía hoy día, los fondos de su repertorio. Tras la interrupción de 1740 a 1744, se convirtió en músico oficial de la Corte y compuso esencialmente piezas de divertimento, reservando un papel importante a la danza, a la sensualidad, a un carácter pastoral idealizado, antes de llegar, al final de su vida, a las grandes composiciones teatrales en un estilo renovado —"Les Paladins" (1760) y "Les Boréades" (1764)—.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Rameau —al contrario que Lully que colaboró estrechamente con Philippe Quinault en la mayoría de sus obras líricas— raramente trabajó con el mismo libretista. Era muy exigente, de mal carácter y no pudo mantener largas colaboraciones con sus diferentes libretistas, salvo la excepción de Louis de Cahusac.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Muchos son los especialistas en Rameau que lamentan que la colaboración con Houdar de la Motte no haya podido tener lugar o que el proyecto de "Samson" (inacabada, 1733) en colaboración con Voltaire no se pudiera desarrollar, ya que Rameau solamente logró trabajar con escritores de segundo orden. A la mayoría los conoció en casa de La Pouplinière, en la Société du Caveau o en casa del conde de Livry, lugares donde se celebraban lujosas reuniones de «espíritus elevados» («beaux esprits»).


title: Jean-Philippe Rameau

text: Ninguno de ellos pudo redactar un texto a la altura de su música, y como era habitual en el género, las intrigas eran a menudo alambicadas y de una ingenuidad y de una falta de verosimilitud desconcertantes. La versificación no era de las mejores, y Rameau tuvo, más de una vez, que hacer modificar los libretos y reescribir la música después de las primeras representaciones para corregir los defectos más criticados: gracias a ello, sin embargo, es posible disponer de dos versiones de "Castor et Pollux" (1737 y 1754) y sobre todo, de "Dardanus" (1739 y 1744). A título de curiosidad, se puede anotar que en "Platée" (1745) Rameau adquirió los derechos a Jacques Autreau para poder adaptarlo a su modo.


title: Jean-Philippe Rameau

text: pudiendo decirse que las ideas expuestas en su "«Traité de l'harmonie réduite à ses principes naturels»" —publicado en 1722 mientras aún era organista de la catedral de Clermont-Ferrand y que lo situó como uno de los grandes teóricos de la época— estaban ya en curso de maduración años antes de su partida de esta villa.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Es seguro que desde los antiguos —desde los griegos y pasando por músicos o eruditos como Zarlino, Descartes, Mersenne, Kircher o Huyghens— se había establecido la ligazón entre las proporciones matemáticas y los sonidos engendrados por las cuerdas vibrantes o los tubos sonoros. Pero las conclusiones que habían extraído, en lo que respecta a su aplicación a la música, eran elementales y no habían conducido más que a nociones y a una abundancia de reglas teñidas de empirismo. Rameau, espíritu sistemático, siguiendo a Descartes —del que había leído el "Discours de la méthode" y el "Compendium musicae"— quiso liberarse del principio de autoridad y aunque no pudo desprenderse de ciertos presupuestos, sí estaba animado por la voluntad de hacer de la música, no solamente un arte, que ya lo era, sino una ciencia deductiva a imagen de las matemáticas. Nada lo afirma mejor que las siguientes líneas:


title: Jean-Philippe Rameau

text: Su primera aproximación —desarrollada en el tratado de 1722— fue puramente matemática y parte del principio de que «"la cuerda es a la cuerda lo que el sonido es al sonido»" («"la corde est à la corde ce que le son est au son"»), es decir que, de la misma manera que una cuerda dada contiene dos veces una cuerda de su semilongitud, de la misma manera el sonido grave producido por la primera «contiene» dos veces el sonido más agudo producido por la segunda. Se siente el presupuesto inconsciente de tal idea —reflejado en el verbo «contener»— y, sin embargo, las conclusiones que sacó iban a confirmarle en este camino, sobre todo por haber conocido, antes de 1726, los trabajos de Joseph Sauveur sobre los sonidos armónicos que venían a corroborar sus creencias de manera providencial. En efecto, este científico demostró que cuando una cuerda vibrante o un tubo sonoro —un «cuerpo sonoro»— emite un sonido, emite también, aunque de manera mucho más débil, sus tercero y quinto armónicos,


title: Jean-Philippe Rameau

text: que los músicos llamaban doceavo y diecisieteavo grados diatónicos. Es de suponer que la agudeza del oído no permitía identificarlos distintamente, pero un dispositivo físico muy simple permitió visualizar el efecto, detalle importante, ya que Sauveur era sordo. Fue la irrupción de la Física en un dominio que se repartían hasta ese momento matemáticos y músicos.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Armado de esta experiencia y del principio de la equivalencia de las octavas («"que no son sino réplicas"» («"qui ne sont que des répliques"») Rameau extrajo la conclusión del carácter «natural» del acorde perfecto mayor y después, por una analogía que parece evidente aunque físicamente infundada, la del acorde perfecto menor. De este descubrimiento nacieron los conceptos de «basse fondamentale», de consonancias y disonancias, de inversión («renversement») de los acordes, así como su nomenclatura razonada y la modulación, con los que sienta las bases de la armonía tonal clásica. Después, solamente quedan las cuestiones prácticas relativas al temperamento, las reglas de la composición, la melodía y los principios de acompañamiento. Todo esto era esencial para Rameau, para el que la armonía era un principio natural, la quintaesencia de la música. Para él, desde la emisión de un sonido, la armonía está presente; la melodía, por el contrario, aparece después, y los intervalos sucesivos debían conformarse a la armonía iniciada y dictada por el bajo fundamental (la «boussole de l'oreille»).


title: Jean-Philippe Rameau

text: El aspecto psicofisiológico de la música no estuvo tampoco ausente en la teoría de Rameau y se desarrolla particularmente en las "«Observations sur notre instinct pour la música et sur son principe»", opúsculo que publicó en 1754 en respuesta indirecta a la "«Lettre sur la musique française»" de Rousseau. El carácter natural de la armonía, materializada por el bajo fundamental, es tal que marca de manera inconsciente nuestro instinto para la música:


title: Jean-Philippe Rameau

text: Rameau se ocupó a lo largo de toda su vida, más que de ninguna otra cosa, de la teoría: escribió muchos tratados y mantuvo durante más de treinta años muchas polémicas sobre el tema: con Montéclair, hacia 1729; con el padre Castel, al principio amigo y con el que acabó por enemistarse, hacia 1736; con Jean-Jacques Rousseau y los enciclopedistas, hacia 1752; por último, con d'Alembert, también al principio uno de sus fieles partidarios. Asimismo buscó en sus contactos epistolares el reconocimiento de sus trabajos por los matemáticos más ilustres —Bernoulli y Euler— y los músicos más eruditos, en especial del padre Martini. Ningún pasaje resume mejor todo esto que el que dedica Rameau a la resonancia de los cuerpos sonoros:


title: Jean-Philippe Rameau

text: Sin embargo, su participación en las reflexiones de naturaleza científica, estética o filosófica de su tiempo le llevaron a redactar muchos otros escritos bajo la forma de obras, cartas, panfletos, etc., de los que se pueden citar (ver Anexo al final del artículo):


title: Jean-Philippe Rameau

text: Las obras de Rameau fueron representadas casi hasta el final del Antiguo Régimen. Todas sus obras no habían sido editadas, pero muchos manuscritos, autógrafos o no, fueron reunidos por Jacques Joseph Marie Decroix y sus herederos los donaron a la Biblioteca Nacional de Francia, que cuenta por ello con unos fondos excepcionales.


title: Jean-Philippe Rameau

text: La «Querelle des Bouffons» siguió siendo conocida, con los ataques sufridos por Rameau de parte de los partidarios de la ópera-bufa italiana. Se sabe menos, en cambio, que algunos músicos extranjeros formados en la tradición italiana veían, en la música de Rameau del final de su vida, un modelo posible para la reforma de la «ópera seria». Fue en ese género en el que Tommaso Traetta compuso dos óperas directamente inspiradas en él, "Ippolito ed Aricia" (1759) y "I Tintaridi" (según "Castor et Pollux", 1760) después de haber hecho traducir sus libretos.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Traetta había sido aconsejado por el conde Francesco Algarotti, uno de los más ardientes partidarios de una reforma de la «ópera seria» según el modelo francés, y tendrá una influencia muy importante en quien se atribuye generalmente el título de reformador de la ópera, Christoph Willibald Gluck. Tres óperas italianas «reformadas» de este último —"Orfeo ed Euridice", "Alceste" y "Paride ed Elena"— prueban que conocía la obra de Rameau; por ejemplo, se nota que "Orfeo" y la primera versión de "Castor et Pollux", que data de 1737, comienzan las dos por la escena de los funerales de uno de los principales personajes, que debe volver a la vida en el transcurso de la acción.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Además, varias de las reformas reivindicadas en el prefacio de "Alceste" eran ya practicadas por Rameau: utiliza el recitativo acompañado; la obertura de sus últimas composiciones está unida a la acción que va a seguir.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Por eso, cuando Gluck llegó en 1774 a París, donde compondrá seis óperas francesas, se puede considerar que continuaba la tradición de Rameau. Pero si la popularidad de Gluck se prolongó después de la Revolución francesa, ese no fue el caso de Rameau. A finales del , sus obras desaparecerán del repertorio durante muchos años.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Durante gran parte del , la música de Rameau permaneció olvidada e ignorada y apenas se interpretaban algunos fragmentos, algunas piezas de clavecín, tocadas casi siempre al piano. A pesar de no ser interpretado, su nombre conservó todo su prestigio y el músico no fue olvidado: Hector Berlioz estudió "Castor et Pollux" y admiraba en particular el aria de Télaïre «Tristes apprêts»; en 1875, en la inauguración definitiva de la Opéra de París —concebida desde 1861 por Charles Garnier— Rameau fue elegido para que su estatua fuera una de las cuatro grandes esculturas en piedra que presiden el gran vestíbulo de la Opéra de París; y, en 1880, la ciudad de Dijon le rindió igualmente un homenaje con la erección de su estatua.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Sin embargo, de manera inesperada, fue la derrota francesa en la guerra de 1870 lo que permitió a la música de Rameau resurgir del pasado. La humillación sufrida en esa ocasión indujo a algunos músicos franceses a buscar en el patrimonio nacional a compositores de talla capaz de medirse con los compositores germanos, cuya hegemonía era entonces completa en Europa: Rameau fue considerado de la misma talla que su contemporáneo Johann Sebastian Bach y se pusieron a restudiar su obra, que reencontraron en las fuentes reunidas por Decroix. Fue a partir de los años 1890 cuando el movimiento de recuperación se aceleró más, con la fundación de la Schola Cantorum de París —destinada a promover la música francesa— y, desde 1895, Charles Bordes, Vincent d'Indy y Camille Saint-Saëns emprendieron la edición de sus obras completas, proyecto que no logró acabarse hasta 1918, con una edición en 18 volúmenes.


title: Jean-Philippe Rameau

text: para el pianista Édouard Risler. Fue también a principios del cuando se asistió, por primera vez, a la reposición en concierto de alguna de sus obras de forma completa: en junio de 1903, "La Guirlande", obra encantadora y sin muchas pretensiones, fue interpretada en la Schola Cantorum. Uno de los presentes era Claude Debussy, que quedó entusiasmado y gritó: «Vive Rameau, à bas Gluck». La Opéra de París siguió en 1908 con "Hippolyte et Aricie", aunque fue un medio fracaso; la obra no atrajo más que a un público limitado y no tuvo más que algunas representaciones.


title: Jean-Philippe Rameau

text: "Castor et Pollux" —que no había sido representada desde 1784— fue elegida en 1918, después de la I Guerra Mundial, para la reapertura del Teatro de la Opera de París: El interés del público por la música de Rameau crecía muy lentamente, y no se aceleró verdaderamente más que a partir de los años 1950: en 1952 se repuso, de nuevo en la Opéra de París, "Les Indes galantes"; en 1956, "Platée" fue programada en el Festival de Aix-en-Provence; en 1957, "Les Indes galantes" fue elegida para la reapertura de la Ópera Real de Versalles. Jean Malignon, en su libro redactado a finales de los años 1950, mantenía que el público, en esa época, ya conocía suficientemente a Rameau, puesto que había escuchado sus composiciones esenciales.


title: Jean-Philippe Rameau

text: Desde entonces, la obra de Rameau se benefició en pleno del retorno en favor de la música antigua. La mayor parte de su obra lírica, previamente considerada intocable (como muchas óperas de su época), dispone al presente de una discografía de calidad interpretada por los conjuntos barrocos más prestigiosos. Todas sus grandes obras han sido repuestas y gozan siempre de un gran éxito, en especial, "Les Indes galantes". La primera representación de su última gran tragédie lyrique, "Les Boréades", cuyos ensayos fueron cancelados a la muerte del compositor en 1764, tuvo lugar en el Festival de Aix-en-Provence en 1982. Finalmente, la obra fue estrenada en la Opera de París en 2003, bajo la dirección musical de William Christie y escénica de Robert Carsen.


title: Motor V6

text: V6 es una configuración de motor de combustión interna en la que 6 cilindros están dispuestos en dos bancadas de 3 cilindros unidas por la parte de abajo, formando una "V". Estos motores pueden ser tanto de ciclo Otto, como de ciclo Diésel.


title: Motor V6

text: En el pasado, los motores de 6 cilindros en línea eran predominantes, ya que no había necesidad de producir motores compactos, una vez que los automóviles eran producidos con tracción trasera. Los factores que más contribuyen para tornar los motores V6 más adecuados que los motores de 6 cilindros en línea son: la generalización del uso de la tracción delantera, y la tendencia actual de estética, en la que predomina el frente en forma de cuña, lo que demanda motores compactos montados generalmente en posición transversal.


title: Motor V6

text: Los motores V6 con ángulo de 90° son producidos aprovechando las líneas de producción ajustadas a los motores V8 (para los cuales 90° es lo más adecuado).


title: Motor V6

text: Los motores con ángulo estrecho son bastante compactos, pero presentan bastante vibración. Lancia lanzó un motor con esta configuración en 1924. Más recientemente Volkswagen utilizó esta configuración en los motores VR6.


title: Motor V6

text: El fabricante de coches alemán Volkswagen fabricó motores denominados VR6, con ángulo entre filas de cilindros de 10,6° y también con ángulo de 15°. Estos ángulos son tan estrechos que hacen a estos motores muy similares a los motores de 6 cilindros en línea, como la orden de ignición y el uso de una única culata.


title: Motor V6

text: La marca alemana Opel fabricó motores V6 con un ángulo de 54°, de modo para ser utilizados en automóviles de tracción delantera.


title: Motor V6

text: El motor del Ferrari Dino fue inicialmente alimentado por carburadores. Un ángulo de 60° limitaba el tamaño de los carburadores, para hacer viable la instalación de estos se optó por un ángulo de 65°, lo que trajo un ligero aumento de vibración.


title: Motor V6

text: En líneas generales se podría decir que los motores V6 poseen en relación con los de 4 cilindros un mayor refinamiento, suavidad de funcionamiento y una respuesta más uniforme en cuanto a entrega de potencia. También es sabido que la longevidad mecánica de estos suele ser superior a otros de menor número de cilindros aunque estos últimos suelen poseer menor potencia y consumo.


title: 88.ª edición de los Premios Óscar

text: La 88.ª edición de los Óscar premió a las mejores películas de . Organizada por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas y presentada por Chris Rock, tuvo lugar en el Dolby Theatre de Los Ángeles (Estados Unidos) el 28 de febrero de 2016.


title: 88.ª edición de los Premios Óscar

text: Durante la ceremonia, la Academia entregó los «Academy Awards» (popularmente conocidos como los «Óscar») en 24 categorías. La ceremonia fue televisada en los Estados Unidos por ABC; fue producida por David Hill y Reginald Hudlin. Los nominados fueron presentados el 14 de enero de 2016 en el teatro Samuel Goldwyn de Beverly Hills.


title: 88.ª edición de los Premios Óscar

text: Pronto después de que las nominaciones fueron anunciadas, la prensa notó y observó que había una falta de diversidad étnica en las nominaciones de las categorías importantes. Por segundo año consecutivo, todas las 20 personas nominadas por actuación y cuatro de los cinco directores nominados eran caucásicos. Había mucho discurso sobre actores no-blancos que los críticos sentían que deberían haber sido nominados. El problema no solo era la falta de nominaciones, sino que los críticos sentían que había trabajos de personas de color y actores de color que deberían ser nominados pero no fueron elegidos.


title: 88.ª edición de los Premios Óscar

text: La película “Letras Explícitas” (un filme basado en el grupo afro-americano N.W.A), fue un éxito de taquilla y muy bien alabada por los críticos solo fue nominada por mejor guion original. “Letras Explícitas" fue nominada por mejor guion original pero los guionistas Johnathan Herman y Andrea Berloff, son caucáseos. Igualmente, dicen los críticos que Samuel L. Jackson debería haber sido nominado por el Oscar al mejor actor secundario por su papel en “The Hateful Eight”. El único actor caucáseo del reparto de la película "Creed", Sylvester Stallone, fue en el único actor en el reparto en recibir una nominación


title: 88.ª edición de los Premios Óscar

text: Esta falta de diversidad no solo a resultado en discurso sobre la falta de diversidad sino también ha resultado en movimiento en las redes sociales y boicots. Personas importantes a Hollywood como Will Smith, Jada Pinkett Smith y Spike Lee escogieron no ir a los premios en contra de la blancura de los premios. En Twitter la gente respondío a la falta de diversidad con el hashtag "#OscarsSoWhite" [OscarsTanBlancos].


title: Sangre, esfuerzo, lágrimas y sudor

text: «Sangre, esfuerzo, lágrimas y sudor» (en inglés blood, toil, tears and sweat) es una famosa expresión utilizada en un histórico discurso del primer ministro británico Winston Churchill ante la Casa de los Comunes (la cámara baja del Parlamento del Reino Unido), el 13 de mayo de 1940, tras reemplazar a Neville Chamberlain como primer ministro, en el contexto de la batalla de Francia, ocho meses después de haber comenzado la Segunda Guerra Mundial, cuando las fuerzas aliadas estaban experimentando continuas derrotas frente a la Alemania nazi.


title: Sangre, esfuerzo, lágrimas y sudor

text: A pesar de no responder a la literalidad de la cita, se emplea frecuentemente con la forma «sangre, sudor y lágrimas» ("blood, sweat and tears"). El propio Churchill repitió la frase en distintas ocasiones y con distintas formulaciones durante la guerra (por ejemplo, con un efecto rítmico: "I have nothing to offer but blood and toil, tears and sweat"); y editó sus propios discursos en una recopilación con el título abreviado ("Blood, sweat and tears", 1941).


title: Sangre, esfuerzo, lágrimas y sudor

text: La expresión no parece ser en realidad original de Churchill, aunque él reivindicaba que sí, incluso tras señalarle citas similares de la novela "The Bostonians" de Henry James (1886); aduciendo que nunca había leído ese libro. Mucho más evidente es la similitud con un poema de Lord Byron ("The Age of Bronze" —h. 1815—, una crítica al patriotismo impostado de quienes apoyaban la política de "corn laws" a comienzos del siglo XIX).


title: Sangre, esfuerzo, lágrimas y sudor

text: También se ha supuesto que la tomó de un discurso de Theodore Roosevelt ante el el 2 de junio de 1897 (cuando era subsecretario de marina —aún no presidente de Estados Unidos— y preparaba la inmediata guerra hispano-norteamericana de 1898). Churchill pudo haberse familiarizado con la frase de Roosevelt desde la época en que fue primer lord del Almirantazgo (1911-1914), cargo equivalente al que desempeñaba Roosevelt cuando la formuló inicialmente; pero también es posible que hubiera recurrido a las obras de Roosevelt (de amplia difusión, debido a su notable calidad en materia de historia militar) en el mismo momento de preparar su intervención.


title: Sangre, esfuerzo, lágrimas y sudor

text: Tampoco fue el estadounidense el primer personaje histórico en realizar una arenga semejante: en lengua italiana, Giuseppe Garibaldi se dirigía en idénticos términos (al menos en el contenido) el 2 de julio de 1849 al Parlamento de la efímera y revolucionaria República romana y a los 4700 soldados que iban a defenderla frente a un ejército muy superior, en el contexto de la unificación italiana.


title: Sangre, esfuerzo, lágrimas y sudor

text: Variantes de la fórmula habían sido usadas previamente por el propio Churchill, por ejemplo en un artículo de 1939 titulado «Can Franco restore unity and strength to Spain».


title: Sangre, esfuerzo, lágrimas y sudor

text: Churchill pronunció tres discursos públicos durante el período de la batalla de Francia. Este discurso y los dos siguientes, del 4 de junio de 1940 («Lucharemos en las playas») y del 18 de junio siguiente («Esta fue su hora más gloriosa»), tuvieron una extraordinaria influencia en la opinión pública británica, preparándola para enfrentarse a una guerra dura y prolongada, y que, a diferencia de lo ocurrido durante la Primera Guerra Mundial, previsiblemente afectaría también al territorio de la isla, como se confirmó desde julio de ese mismo año con los enfrentamientos aéreos de la batalla de Inglaterra y los bombardeos masivos, que se mantuvieron hasta el final de la guerra (1945).


title: Sangre, esfuerzo, lágrimas y sudor

text: La intervención parlamentaria del 13 de mayo, al ser la primera del nuevo gobierno, hace referencia explícita a la primera reunión de este, que sería a quien en realidad se dirigía inicialmente la frase en cuestión:


title: El regalo (película de 2015)

text: El regalo es una película australiana-estadounidense de suspense psicológico dirigida, escrita y producida por Joel Edgerton, siendo esta su debut como director. Fue protagonizada por Jason Bateman y Rebecca Hall como una pareja que es intimidada por un personaje de su pasado interpretado por el que es también el director y el guionista del filme, Edgerton. El filme fue estrenado en los Estados Unidos el 7 de agosto de 2015.


title: El regalo (película de 2015)

text: Una pareja casada, Simon y Robyn Callem (Bateman y Hall), se mudan de Chicago a un suburbio de Los Ángeles después de que él obtuviera un nuevo trabajo. Un día, mientras están realizando unas compras, se encuentran con Gordon «Gordo» Moseley, un ex-compañero de secundaria de Simon. Gordo comienza a enviarles regalos, incluyendo koi para su estanque y, aunque Robyn no ve ningún problema, Simon se siente incómodo con ello. Gordo los invita a cenar a su casa, la cual es grande y elegante. Sin embargo, recibe una llamada telefónica y los deja solos por un rato. Cuando regresa, Simon le dice que se mantenga lejos de su familia y se va con su esposa. Al día siguiente, Robyn encuentra muertos a los koi de su estanque y el perro de la pareja no aparece. Simon va a la casa de Gordo para zanjar la relación pero, al llegar, se da cuenta de que, en realidad, es la casa de otra persona a la que Gordo ha brindado servicios de transporte. Durante los días siguientes, Robyn siente que no está sola en su casa mientras Simon trabaja y empieza a sufrir de insomnio, por lo que roba unas pastillas para dormir a su vecina, hasta que una mañana sufre un desmayo.


title: El regalo (película de 2015)

text: Varios días después, el perro aparece y Robyn recibe una carta de Gordo disculpándose por lo ocurrido en la cena. En la nota, Gordo dice que está «dispuesto a que el pasado quede en el pasado», lo cual le parece inusual a Robyn. Simon dice que no sabe a lo que se refiere, rehúsa hacer las paces con Gordon y le dice que las pastillas la hacen paranoica. Poco después, Robyn descubre que está embarazada y, durante el "baby shower", su cuñada le cuenta que cuando estaban en la escuela, Simon y su amigo Greg habían denunciado que Gordo estaba siendo abusado por un hombre. Debido a esto, Gordo había sido acosado por sus compañeros y había sido expulsado. Robyn localiza a Greg, quien revela que, en realidad, Gordo no había sufrido abusos, sino que fue una historia inventada por Simon. También le dice que, como resultado de la historia, el padre de Gordo pensó que era homosexual y trató de matarlo. Robyn busca en el escritorio de Simon y descubre que había solicitado revisiones de antecedentes para Gordo y para un tal Danny McDonald.


title: El regalo (película de 2015)

text: Robyn se da cuenta de que Simon estaba compitiendo con Danny para un puesto y que su esposo ganó después que apareciera información comprometedora sobre su trabajo anterior. A petición de Robyn, Simon busca a Gordo y le pide disculpas sin mucho entusiasmo. Gordo no acepta las disculpas, por lo que Simon, enfurecido, le golpea. Poco después, Danny interrumpe una fiesta para celebrar el ascenso de Simon y lo acusa de haber inventado información para arruinar su carrera. Robyn sufre contracciones preparto y es llevada a un hospital en donde da a luz a un varón. A la mañana siguiente, Simon recibe una llamada de su jefe diciéndole que está acusado de fraude y que será despedido y Robyn le dice que quiere separarse de él.


title: El regalo (película de 2015)

text: Simon va a casa y encuentra otra caja de regalo, la cual contiene un video de Gordo preparándose para violar a Robyn cuando ella se desmayó meses atrás. Mientras tanto, Gordo, con un brazo en cabestrillo, visita a Robyn en el hospital para felicitarla y le dice que su esposo fue quien lo lastimó. Simon va rápidamente al hospital y allí recibe una llamada de Gordo burlándose de él y rehusando confirmar si realmente violó a Robyn y quién es el padre del niño. Simon empieza a llorar y Gordo se aleja del hospital quitándose el cabestrillo.


title: El regalo (película de 2015)

text: El proyecto fue anunciado en agosto de 2012, cuando se reportó que Joel Edgerton había escrito un guion de suspense psicológico titulado "Weirdo" y que él mismo estaría asumiendo el rol de director. Entre sus inspiraciones para el guion Edgerton mencionó las obras de Alfred Hitchcock, "Atracción fatal", la película francesa de 2005 "Caché" y la Trilogía de la Venganza de Chan-Wook Park. Este fue el tercer guion de Edgerton en ser producido tras "The Square" (2008) y "Felony" (2013).


title: El regalo (película de 2015)

text: La fotografía principal inició el 19 de enero de 2015 y finalizó el 20 de febrero de 2015. La mayoría de la filmación fue realizada en una casa en Hollywood Hills, la cual también fue usada por STX Entertainment para realizar entrevistas promocionales para la película. La película fue filmada con una cámara Arri Alexa con un lente Canon C35 y la fotografía principal duró 25 días de acuerdo con el director de fotografía Eduard Grau. Grau fue recomendado a Edgerton por su hermano Nash, quien fue el coordinador de acrobacias para la película. Nash conoció a Grau cuando ambos participaron en el cortometraje de 2013 "Streetcar". En una entrevista con Collider.com, el director dijo que no filmó escenas en las que apareciera Gordo durante las dos primeras semanas de rodaje, ya que se enfocó únicamente a dirigir. Las escenas en las que aparecía Edgerton se filmaron en 7 días y, durante estas, su hermano Nash lo asistió en la dirección.


title: El regalo (película de 2015)

text: La posproducción duró once semanas entre marzo y junio de 2015. Luke Doolan, quien también había editado "Animal Kingdom" (también protagonizada por Edgerton), fue el editor de "El regalo".


title: El regalo (película de 2015)

text: El 20 de enero de 2015, STX Entertainment compró los derechos de distribución de la película en los Estados Unidos. STX planeaba estrenar la película el 31 de julio de 2015, pero posteriormente el lanzamiento se trasladado al 7 de agosto. El primer avance del filme fue lanzado el 1 de abril de 2015 en la aplicación Periscope, convirtiendo a STX en la primera compañía en utilizar esta aplicación en una campaña publicitaria.


title: El regalo (película de 2015)

text: "El regalo" recaudó $43 787 265 en Norteamérica y $15 191 388 en el resto del mundo, para una recaudación total de $58 978 653 contra un presupuesto de $5 000 000. En su fin de semana de estreno en Norteamérica, la taquilla fue de $11 854 273, siendo la tercera película con mayor recaudación tras "" ($28 502 372) y "4 Fantásticos" ($25 685 737).


title: El regalo (película de 2015)

text: La película recibió críticas generalmente positivas que alabaron las actuaciones, el tono oscuro, la dirección, el guion, y la resolución moral de la trama. Rotten Tomatoes reportó que 93% de los críticos le dieron reseñas positivas al filme, basado en 153 críticas con un puntaje promedio de 7,5/10. El consenso en este sitio web es que «"El regalo" es subversiva de una manera divertida, inteligente y tiene malicia, desafiando las expectativas de la audiencia y a la vez dejándolos al borde sus asientos». Metacritic reportó un puntaje de 77 de 100 basado en 31 críticas y en CinemaScore la audiencia le dio una nota B en una escala de A+ a F.


title: El regalo (película de 2015)

text: Daisy Bowie-Sell de "Time Out" alabó la película, calificándola como «oscuramente desconcertante», elogió el final y la comparó positivamente con "La mano que mece la cuna". En su crítica en "Indiewire", Katie Walsh lamentó que "El regalo" utilizara clichés de cine de suspenso y que se limitara en su final, pero alabó la dirección de Edgerton diciendo que «su manejo diestro y controlado de argumento, personajes, estilo y tono es casi perfecto en su debut, a pesar de que está al servicio de una obra muy estándar para su género». Por otro lado, Norman Wilner de "Now" criticó el debut de Edgerton y comentó que estaba lleno de «errores y malas decisiones», dándole una calificación de 2 de 5.


title: Goleada

text: Una goleada es una expresión utilizada en el deporte para indicar que un equipo ha ganado a otro por una gran diferencia de goles.


title: Goleada

text: En fútbol, se considera como goleada a un encuentro en el cual el equipo vencedor posee una diferencia de tres o más goles sobre su contrincante aunque, en ocasiones, se usa el término goleada para designar victorias en las que el equipo ganador marca tres o más goles, sin importar la diferencia sobre su rival.


title: Goleada

text: A nivel mundial, la mayor goleada que se tiene registro fue la victoria del AS Adema, de Madagascar, sobre el Stade Olympique L'Emyrne (SOE), por los "play-off" del Campeonato Malgache de Fútbol de 2002, por 149 a 0. Tal marcador ocurrió debido a la protesta de los jugadores del SOE por un fallo del árbitro que ellos consideraron que los perjudicaba. Por ello, el entrenador del SOE ordenó que marcasen tantos goles en su propia puerta como pudieran, ante la mirada de los jugadores rivales.


title: Goleada

text: Fuera de esta, la mayor goleada fue la del Arbroath FC por 36 a 0 al Bon Accord, por la Copa de Escocia de 1885. El mismo día de ese partido, por la misma competición, el Dundee Harp derrotó por 35 a 0 al Aberdeen Rovers.


title: Goleada

text: La mayor goleada en un partido oficial entre selecciones nacionales ocurrió en el partido Australia 31 - 0 Samoa Americana en el 2001.


title: Goleada

text: La siguiente tabla muestra las mayores goleadas en torneos de selecciones nacionales; considerando en esto a las competencias de la rama varonil y femenil, y sus correspondientes categorías organizadas por la FIFA, incluyendo los Torneos olímpicos organizados en conjunto con el Comité Olímpico Internacional. De igual manera se incluyen las victorias más abultadas de dos de las variantes del balompié regidas por FIFA (sala y playa). Se agregan además todos los torneos de selecciones absolutas y eventos multideportivos vigentes, organizados por cada una de las seis confederaciones adscritas a la FIFA.


title: Goleada

text: La mayor goleada entre selecciones de la que se tiene registro fue la victoria de Brasil frente a Timor Oriental por 76-0 en Los Juegos de la Lusofonía disputado en 2006.


title: Goleada

text: En los Juegos de Asia en India disputado en 1982, Irak venció a Yemen del Norte con un marcador de 251 puntos contra 33.


title: Goleada

text: La mayor goleada entre selecciones de la que se tiene registro fue la victoria de la URSS frente a Afganistán por 86-2 en el torneo de la amistad disputado en 1981.


title: Goleada

text: En la Copa de Oceanía de 2007, la selección de Nueva Zelanda consiguió un abultado 39-0 ante la selección de Papúa Nueva Guinea.


title: Goleada

text: En el torneo PreOlímpico femenino de hockey hielo de Vancouver 2008 se dio un marcador albultado de la selección de Eslovaquia 82-0 ante la selección de Bulgaria.


title: Goleada

text: La selección española de hockey sobre patines consiguió la mayor goleada entre selecciones de la historia del deporte al superar a Israel por 80-0, en el Campeonato de Europa del 94.


title: Goleada

text: La mayor goleada en rugby ocurrió cuando la selección de Japón consiguió un abultado 155-3 ante la selección de Taiwán, en el PreMundial de Rugby 2002.


title: Goleada

text: La mayor goleada en waterpolo ocurrió en el Mundial de Waterpolo de Corea del Sur 2019 cuando Hungría consiguió un abultado 64-0 ante la selección de Corea del Sur.


title: Elisenda Roca

text: Elisenda Roca Palet (Barcelona, 14 de febrero de 1963) es una periodista, directora teatral, escritora de libros infantiles, profesora universitaria y presentadora de televisión española.


title: Elisenda Roca

text: Estudió Ciencias de la Información en la Universidad Autónoma de Barcelona. Ha sido vicedecana del Colegio de Periodistas de Cataluña. Dirige la productora de audiovisuales Paraula. Formó parte del jurado del premio literario "Lletra d'Or".


title: Elisenda Roca

text: Sus inicios profesionales fueron en el programa "Tutti Fruti" de "Radio Juventud" de Barcelona, cuando contaba diecisiete años. En Radiocadena Española editó y presentó el informativo matinal junto a Ana María Bordas. En Antena 3 Radio presentó "Buenas tardes", "Viva la gente de Barcelona", "El guateque o" "Los 33 de antena".


title: Elisenda Roca

text: En 1990 fue fichada por la recién creada televisión Antena 3, donde conduce el concurso "Los segundos cuentan". Permaneció en la cadena hasta febrero de 1991.


title: Elisenda Roca

text: Se convirtió así en el primer fichaje de una profesional de una cadena privada a la televisión pública para presentar el espacio que mayor popularidad le proporcionaría: el concurso cultural "Cifras y letras", en Televisión Española, gracias al cual consiguió en 1994 los premios Antena de Oro, Premios Ondas y TP de Oro. Se mantuvo en el espacio hasta 1996 y en 1995 lo compaginaba con el espacio de debate intergeneracional "A las diez en casa" y con "Telepasión española" en La 1 de TVE"."


title: Elisenda Roca

text: En 1998, colaboró en el magacín "Les mil i una" de Jordi González en TV3, en el que participaba en la tertulia de cine junto a Jaume Figueras y Guillermina Motta. En radio, dirigió y presentó "Les tardes amb Elisenda Roca" (1999) en la cadena COM Ràdio de Barcelona durante cinco temporadas. En este magazín de tarde, recuperó el teatro radiofónico con guiones originales y la participación de Rosa María Sardà, Sergi Belbel, Miquel García Borda, entre otros ("Eulàlia", de Núria Furió, "Rick Rovira", de Núria Furió, "Somnien les ovelles científics clònics?", de David Plana, Ni cinc!, de Xevi Aranda, y "Una vida més al sud", de Sergi Pompermaier). En la misma emisora dirigió y presentó el programa de fin de semana "Dies de Ràdio" (2000-2005).


title: Elisenda Roca

text: Presidió y coordinó "Información. Poder y ética en el siglo XXI", un encuentro internacional de periodismo, dirigido por Manuel Campo Vidal, en el Fórum Universal de las Culturas 2004.


title: Elisenda Roca

text: Condujo los programas "Qui ho diría" y "La Marató de TV3", dedicada a las enfermedades neurodegenerativas junto a Antoni Bassas y Àngels Barceló, para posteriormente fichar por Betevé, donde ha estado al frente del debate político "Plats pel cap", del concurso "Joc de paraules" y, desde el 2005 al 2009 del magacín de actualidad "La tarda".


title: Elisenda Roca

text: En enero de 2006 se estrenó como directora teatral con una adaptación de "Misterioso asesinato en Manhattan" de Woody Allen, con interpretación de Montse Guallar, Àlex Casanovas y Pep Ferrer en el Teatro Tívoli de Barcelona, prorrogando en el Teatro Condal.


title: Elisenda Roca

text: El 14 de febrero de 2013, estrenó el musical de Joe DiPietro y Jimmy Roberts "T'estimo, ets perfecte, ja et canviaré" en el Teatro Poliorama con Mercè Martínez, Jordi Vidal, Muntsa, Rius y Frank Capdet en el reparto y los músicos Víctor Pérez Vigas, violín y Andreu Gallén, piano y dirección musical. Después de una larga gira por Cataluña, el musical volvió el 14 de febrero de 2014 al Teatro Goya Codorníu con Ivan Labanda y Jordi Llordella en los papeles masculinos. El musical vuelve a recalar de nuevo en el Teatre Poliorama con la incorporación de Ferrán González y Xavier Mestres sustituyendo a Llordella i Labanda. La obra consiguió el Premio Butaca al mejor Musical y el Premio Butaca a la mejor actriz para Mercè Martínez. En noviembre de 2015 dirige "73 raons per deixar-te" un musical con texto de Guillem Clua y música de Jordi Cornudella. En la dirección musical repite con el pianista y compositor Andreu Gallén. La obra se estrena en gira para hacer temporada en el Teatre Goya de Barcelona. Protagonizan el montaje Mercè Martínez, Marc Pujol, Mone Teruel y Abel Folk. Después de la marcha de Folk para protagonizar una serie en Antena 3, es sustituido por Àlex Casanovas.


title: Elisenda Roca

text: Trabajó como articulista en el diario Ara y en la revista "Descobrir Catalunya", participó en la tertulia de actualidad del programa "8 al día" de Josep Cuní en 8tv y colaboró en el programa de radio "El món" de Jordi Basté y en la Tertúlia Exprés del programa "La primera pedra", de Jordi Margarir, ambos en RAC1. Asimismo, realizó crítica de televisión en el programa "Gente despierta" de Carles Mesa en RNE y colaboró en "Catorze. Cultura viva", la web cultural dirigida por Eva Piquer con la pàgina "Gent que val la pena". Su blog en la web criatures.cat era "S'aixeca el teló".


title: Elisenda Roca

text: Desde el 23 de agosto de 2021, es la voz en off del concurso "Saber y ganar" presentado por Jordi Hurtado en La 2 de TVE, en sustitución de Juanjo Cardenal. Se convirtió en profesora en la IDEC-Universidad Pompeu Fabra del máster de comunicación audiovisual dirigido por Emma Rodero y en la Universidad Ramon Llull del máster de televisión dirigido por Marta Casagolda y Pol Marsà. Realiza doblaje en cine y publicidad.


title: Sesgo del superviviente

text: El sesgo del superviviente o sesgo de supervivencia es la falacia lógica que consiste en concentrarse en las personas o cosas que superaron un proceso de selección pasando por alto a aquellas que no lo hicieron, típicamente por su falta de visibilidad. Esto puede conllevar a conclusiones falsas de muy diferentes formas. Es una forma de sesgo de selección.


title: Sesgo del superviviente

text: El sesgo de supervivencia puede llevar a creencias demasiado optimistas porque se ignoran los fracasos, como cuando se excluyen de los análisis del rendimiento financiero empresas que ya no existen. También puede llevar a la falsa creencia de que los éxitos de un grupo tienen alguna propiedad especial, en lugar de ser una mera coincidencia (la correlación demuestra la causalidad). Por ejemplo, si tres de los cinco estudiantes con las mejores notas universitarias fueron a la misma escuela secundaria, eso puede llevar a creer que esa escuela secundaria debe ofrecer una educación excelente. Esto podría ser cierto, pero la cuestión no puede ser respondida sin observar cuáles fueron las calificaciones de todos los demás estudiantes de esa escuela secundaria, no solo de los que "superaron" el proceso de selección de los cinco mejores.


title: Sesgo del superviviente

text: Otro ejemplo de una manifestación distinta del sesgo de supervivencia sería pensar que un incidente no fue tan peligroso como fue en realidad, porque todos con los que hubo comunicación después sobrevivieron. Incluso sabiendo que algunas personas murieron, estas no podrían sumar su voz a comunicación alguna, llevando a un sesgo en dicha comunicación.


title: Sesgo del superviviente

text: En las finanzas, el sesgo de supervivencia es la tendencia a excluir de los estudios de rendimiento a las compañías fracasadas porque ya no existen. Eso es causa a menudo de que los resultados de los estudios se desvíen mucho porque solo las compañías que tuvieron el éxito suficiente para sobrevivir hasta el fin del periodo son incluidas. Por ejemplo, una selección de fondos mutualistas incluirá hoy solo aquellos que tienen éxito en este momento. Muchos fondos con pérdidas se cierran o se fusionan con otros fondos para ocultar un pobre comportamiento. En teoría, el 90% de los fondos existentes podrían reivindicar sinceramente su buen rendimiento en el primer cuartil de sus referentes, si en ese grupo de se incluyesen fondos que han cerrado.


title: Sesgo del superviviente

text: En 1996, Elton, Gruber, y Blake mostraron que el sesgo de supervivencia es mayor en el sector de los pequeños fondos que en de las grandes mutuas (presumiblemente porque los fondos pequeños tienen una gran probabilidad de quebrar). Estimaron el tamaño del sesgo en la industria de los fondos mutualistas de los Estados Unidos en un 0,9% anual, donde el sesgo se definía y medía como:


title: Vibrio

text: Varias de las especies de "Vibrio" son patógenas, provocando enfermedades del tracto digestivo, en especial "V. cholerae", el agente que provoca el cólera, "V. parahaemolyticus" causante de diarrea inflamatoria autolimitada y "V. vulnificus", que se transmite a través de la ingesta de marisco. Además de estos, existen varias especies marinas bioluminiscentes, tanto de vida independiente como simbiótica o parasitaria.


title: Vibrio

text: Es normal encontrarlas en agua salada, rocas de costa húmedas y aguas estancadas, más aún a los que no son patogénicos, por lo que al lograr aislar un vibrio en una persona con una enfermedad que presente diarrea no indica una relación etiológica.


title: Vibrio

text: Hay algunas especies de vibrios patógenas que de manera similar al estreptococo A causan Fascitis necrosante al introducirse en una herida, muchos de estos casos terminan con septicemias y muertes, estas se encuentras en playas, rocas y maderas en contacto con agua salina semi estancada y basta una apertura en la piel para que causen cuadros de gravedad en uno de cada cuatro infectados.


title: Vibrio

text: Las especies de género "Vibrio" son invariablemente bacilos Gram negativos, de entre 2 y 3 µm de largo, de forma algo curva, dotados de un único flagelo polar que les permite una elevada movilidad. Soportan bien los medios alcalinos, así como las concentraciones salinas. No forman esporas, son oxidasa positiva, y anaerobios facultativos. Es posible encontrarlas unidas en sus orillas, por lo que forman agregados espirales o en forma de S.


title: Vibrio

text: El nombre "Vibrio" deriva de los descubrimientos del médico italiano Filippo Pacini, que en 1854 aisló microorganismos del intestino de pacientes con cólera, los que llamó «vibriones», por su motilidad.


title: Vibrio

text: Las bacterias con las mismas características que las del género "Vibrio" se descubrieron de forma independiente varias veces, pero solo los hallazgos posteriores pudieron conectar estas bacterias con el cólera , el tétanos y otras enfermedades.


title: Vibrio

text: Leeuwenhoek pudo haber observado la bacteria "Vibrio" después de su descubrimiento de los “ animálculos ” descritos en sus cartas a la Royal Society .  Describió microorganismos con las mismas apariencias y comportamientos que las bacterias pertenecientes al género "Vibrio" .  Las bacterias de este género fueron posteriormente descritas anónimamente como "anguilas capilares" en la edición de 1703 de "Philosophical Transactions" por un "Sir CH" debido a su apariencia delgada y parecida a un gusano.  Adicionalmente, el naturalista OF Müller documentó ocho especies del género "Vibrio" en su trabajo sobreinfusorios .


title: Vibrio

text: En 1854, el anatomista italiano Filippo Pacini acuñó el término "vibriones" en un artículo que publicó durante la tercera pandemia de cólera argumentando que eran los principales agentes causantes del cólera.  Llegó a esta conclusión a partir de sus observaciones de las bacterias delgadas parecidas a gusanos presentes en la sangre y las heces de los pacientes con cólera, especialmente características de las infecciones en etapa tardía.  El "Vibrio cholerae" identificado por Pacini fue redescubierto por Robert Koch en 1884, quien desconocía el trabajo de Pacini; los llamó “Comma Bacillus” y recibió fama mundial a raíz de su descubrimiento.


title: Vibrio

text: El término "vibrion" fue utilizado posteriormente por Louis Pasteur en 1861 para nombrar una bacteria que descubrió, "Vibryon butyrique" , que era capaz de sobrevivir en un ambiente sin oxígeno.  Esta bacteria fue luego identificada como la misma bacteria que había sido descubierta por otros dos científicos y rebautizada como "Clostridium butyricum" .


title: Vibrio

text: En el , "vibrion" pasó a utilizarse como un término general para los microorganismos móviles con una forma alargada similar a un gusano asociada con enfermedades patógenas como el cólera y el tétanos . También se incorporó en los nombres creados para varias bacterias por microbiólogos en ese momento, como en el nombre " "Vibrion septique" " de un artículo de 1922 en "The Journal of Medical Research."  En una edición de la revista "Modern Medicine" de 1893, el término "vibrión del cólera" se usa para referirse a "Vibrio cholerae" . En la misma revista de 1893, se dice que el término "vibrion" está fechado, lo que destaca la brevedad del período de tiempo en el que se usó la palabra.


title: Vibrio

text: El término "vibrión" dejó de usarse a fines de la década de 1920 y no aparece solo en la literatura biológica posterior. Esto se debe en gran parte al desarrollo más extenso de la taxonomía bacteriana a principios del , que proporcionó a los bacteriólogos una forma más específica de clasificar los microorganismos. El término "vibrion" se adaptó al nombre del género procariótico "Vibrio ."


title: Dr. Seuss' Horton Hears a Who!

text: Dr. Seuss' Horton Hears a Who! ("Horton y el mundo de los Quién" en Hispanoamérica y "Horton" en España) es una película estadounidense animada producida por los estudios Blue Sky Studios y estrenada en cines por 20th Century Fox el 7 de marzo de 2008, basada en el cuento infantil escrito por Dr. Seuss y protagonizada por Jim Carrey (en la voz de Horton), y por Steve Carell (en la voz de Ned O'Malley).


title: Dr. Seuss' Horton Hears a Who!

text: Es la primera película animada, basada en los cuentos del Dr. Seuss, debido a la petición de la esposa del escritor, Audrey Stone, de no realizar ningún filme con personajes reales, después del rechazo parcial que sufrió la película anterior The Cat in the Hat, en 2003. Esta es la cuarta película de Blue Sky Studios.


title: Dr. Seuss' Horton Hears a Who!

text: Una partícula se desprende de su lugar oscuro y se envía a la deriva a través de la Jungla de Nool. Al mismo tiempo, Horton el Elefante, el excéntrico profesor de naturaleza de la jungla, se da un chapuzón en un lago. La partícula pasa flotando junto a él en el aire y oye un pequeño grito que sale de ella. Creyendo que toda una sociedad de criaturas microscópicas vive en esa partícula, la persigue antes de colocarla sobre un trébol. Horton descubre que la partícula alberga la ciudad de Villa Quién y sus habitantes, los Quién, liderados por el alcalde Ned McDodd, cuya familia incluye a su esposa Sally, 96 hijas cuyos nombres comienzan con la letra H y un hijo adolescente llamado JoJo. A pesar de ser el hijo mayor y el próximo en la fila para el puesto de alcalde, JoJo no quiere ser el próximo alcalde y no habla porque tiene mucho miedo de decepcionar a su padre. Una vez que Horton comienza a llevar la partícula con él, la ciudad comienza a experimentar fenómenos extraños (terremotos y cambios en el clima), y el alcalde encuentra sus intentos de advertir a Villa Quién desafiados por el Consejo, dirigido por el Presidente oportunista pero condescendiente.


title: Dr. Seuss' Horton Hears a Who!

text: Después de que hace contacto con Horton, el alcalde se entera por la Dra. Mary Lou LaRue que Villa Quién será destruida si Horton no encuentra un "hogar más seguro y estable". Con la ayuda de su mejor amigo Morton, un ratón, Horton decide colocar la partícula en la cima del monte Nool, el lugar más seguro de la jungla. La jefa de la jungla, la Cangura, que se niega a creer que los Quién existen, exige en numerosas ocasiones que Horton renuncie a la partícula por eclipsar su autoridad, pero Horton se niega. También están tomando fuerza hacia Horton los hermanos Malvadín, un grupo de monos a los que les gusta causar estragos y miseria a cualquiera. Finalmente, la Cangura recluta a un siniestro buitre llamado Vlad Vladikoff para deshacerse de la partícula por la fuerza.


title: Dr. Seuss' Horton Hears a Who!

text: Después de algunos intentos fallidos, Vlad se las arregla para robarle el trébol a Horton y la deja caer en un campo masivo de tréboles rosas idénticos causando un temblor apocalíptico en Villa Quién. Después de recoger sin éxito 2,999,999 tréboles, Horton finalmente recupera el trébol (exactamente el trébol 3,000,000). La Cangura finalmente descubre, gracias a la Sra. Quilligan, una pájaro, que Horton todavía tiene la partícula, y ella reúne a la comunidad de la jungla para luchar contra Horton, diciendo que su objetivo conducirá a la anarquía. Al arrinconarlo, la Cangura le ofrece a Horton una última oportunidad de renunciar a la existencia de Villa Quién. Horton se niega y, a pesar del sincero discurso que da, la Cangura ordena a los animales que lo aten y enjaulen, y que destruyan la partícula y Villa Quién en una olla de aceite de girasol. El alcalde enlista a toda su gente a hacer ruido gritando "¡Estamos aquí!", además de tocar una variedad de instrumentos, para que todos los animales puedan escucharlos, asistidos por el "Sinfonófono" de JoJo, un invento que crea una enorme contribución musical y revela que la verdadera pasión de JoJo es la música, pero aún no logra penetrar la superficie de la partícula.


title: Dr. Seuss' Horton Hears a Who!

text: La Cangura le arrebata la flor al debilitado y capturado Horton y se prepara para dejarla caer en la olla. Mientras tanto, JoJo agarra la bocina que se usa para proyectar la voz de Horton, sube a la torre más alta y grita "¡YOPP!", rompiendo la barrera del sonido segundos antes de que la partícula caiga en el aceite. Rudy, el hijo de la Canguro, agarra el trébol y proclama que puede oír a los Quién, y los otros animales de Nool notan que ellos también pueden oírlos. A pesar de las objeciones de su madre, Rudy devuelve la flor al liberado y recuperado Horton. Al darse cuenta de la verdad sobre la existencia de los Quién, los animales aíslan a la Cangura por engañarlos. Mientras es elogiado por su integridad por sus vecinos, Horton incluso perdona a la devastada y arrepentida Cangura, y ella se hace amiga de él con un paraguas improvisado para Villa Quién. La película termina con la gente de Villa Quién y los animales de Nool reunidos para recitar el coro de "Can't Fight This Feeling" de REO Speedwagon, y el narrador revela que la jungla de Nool (y la Tierra en su conjunto) es solo una partícula, como Villa Quién, entre muchas otras, flotando en el espacio exterior.


title: Moisés Suárez

text: Moisés Suárez Aldana (Ciudad Mante, Tamaulipas; 11 de agosto de 1945) es un actor y comediante mexicano. Entre sus trabajos más recordados se encuentra su participación en la serie "Vecinos" (2005), donde interpreta al personaje de Arturo López, la representación de El Gato GC en el programa "Corre GC Corre" (1987), y el papel de la Pájara Peggy en "La carabina de Ambrosio" (1980), siendo la segunda persona en encarnar al personaje después de Humberto Navarro.


title: Moisés Suárez

text: Adicionalmente, se ha desempeñado como director cinematográfico con los cortometrajes de terror "Ruidos", y "Hesitación: La Desvergonzada Disyuntiva de un Suicida en Potencia".


title: Berta Castañé

text: Berta Castañé (Sabadell, 5 de noviembre de 2002) es una actriz y modelo española conocida por su participación de Nuria Vega Valverde en la serie "Bajo sospecha" (2015) y Carolina Solozábal en la serie "El secreto de Puente Viejo" (2019-2020), ambas en Antena 3.


title: Berta Castañé

text: Berta Castañé nació el 5 de noviembre de 2002 en Sabadell (España), de madre Nuria y padre Juan Carlos y tiene una hermana llamada Carla y un hermano llamado Joan.


title: Berta Castañé

text: Berta Castañé empezó en 2013 como modelo infantil para "Les enfants de l'eden". Posteriormente, debutó en televisión interpretando un papel principal en la serie de Antena 3 "Bajo sospecha", como Nuria Vega Valverde, una niña que desaparece el día de su comunión y que da lugar a los acontecimientos de la serie. Más adelante, participó en los telefilmes "La española inglesa" y "Laia". También ha sido embajadora de la firma Hortensia Maeso Girls y, entre otras, ha protagonizado la campaña "The Sweet Escape".


title: Berta Castañé

text: En 2016 debutó en cine con la película dirigida por Ventura Pons "Oh, quina Joia!". Ese mismo año protagonizó la serie "Big Band Clan", en la cadena infantil Clan TV de Televisión Española, con el papel de Ana. En 2017 empezó a interpretar a Julia en la serie de la televisión catalana "Com si fos ahir" y, más adelante, volvió a participar en la una película de Ventura Pons, "Miss Dalí" (2018), sobre la historia de Salvador Dalí. En 2019 fue una de las protagonistas de la miniserie original de Netflix "Días de Navidad", interpretando el personaje de Esther, que en la edad adulta interpretó Elena Anaya.


title: Berta Castañé

text: En 2019, empezó a interpretar el ruol de Carolina Solozábal en la serie diaria de Antena 3 "El secreto de Puente Viejo". En 2020 interpretó el papel de Sol en la serie "La valla". Nello stesso anno ha interpretato il ruolo Girl nel cortometraggio "Mil Batalles".


title: Berta Castañé

text: En 2022 interpretó el papel de Lucía en la serie "Todos mienten", estrenada el 28 de enero en Movistar+ y dirigida por Pau Freixas. En enero del mismo año participa en los Premios Feroz por el ciclo "Todos mienten". También en 2022 interpretó el papel de Gaby en la serie de Netflix "Bienvenidos a Edén", participación ya anunciada en 2021. También en 2022 protagonizó la serie "Heridas".


title: Nueva trova

text: La nueva trova es un movimiento dentro de la música cubana que emergió durante los años sesenta, después del establecimiento de la Revolución cubana (enero de 1959) y sus consiguientes cambios políticos y sociales.


title: Nueva trova

text: Tuvo sus raíces en la trova tradicional cubana, pero se diferenció de esta debido a que su contenido fue político, en un sentido muy amplio. La nueva trova combinó música popular tradicional con textos progresistas y frecuentemente politizados, y estuvo relacionada con el movimiento de la nueva canción latinoamericana, especialmente con la argentina. Algunos de los miembros de la nueva trova fueron también influenciados por el rock y la música pop de su época.


title: Nueva trova

text: El estilo de la nueva trova posee una estrecha relación con la Revolución cubana, que se evidencia en sus textos, los cuales, según Helio Orovio, «tratan de escapar de las banalidades cotidianas, mediante la concentración en los ideales del socialismo, la injusticia, el sexismo, el colonialismo, el racismo y otros temas similares». La dirigente revolucionaria Haydée Santamaría apadrinó e impulsó la creación de este movimiento, con el propósito de integrar a jóvenes y talentosos creadores al proceso revolucionario, y utilizarlos para su promoción a nivel internacional.


title: Nueva trova

text: A finales del año 1969, Alfredo Guevara ―director del ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos), creó el Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC que agrupó a los jóvenes músicos de la nueva trova.


title: Nueva trova

text: La agrupación estuvo integrada en sus inicios por Leo Brouwer, Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Noel Nicola, Eduardo Ramos, Sergio Vitier y Leonardo Acosta (1933-2016). Más tarde se incorporaron también


title: Nueva trova

text: Así mismo, Rafael de la Torre (1952-2021), Cubano nacido en Camagüey, integró el grupo de músicos que crearon la Nueva Trova Cubana.


title: Nueva trova

text: La nueva trova forma parte del movimiento latinoamericano de la nueva canción, la cual tendía a utilizar textos que fueran literariamente autoconscientes, sofisticados y elaborados formal y académicamente.


title: Nueva trova

text: Esta también recibió la influencia del filin cubano, un movimiento de canción romántica que se desarrolló entre los años cuarenta y sesenta.


title: Nueva trova

text: Pablo Milanés fue uno de los exponentes del filin que más tarde se convirtió en uno de los pilares de la nueva trova.


title: Nueva trova

text: Aproximadamente al mismo tiempo en que emerge la nueva trova cubana, otros movimientos similares ganaban popularidad a nivel internacional, como parte de un «renacimiento raigal». Aquellos movimientos promovieron la utilización de música folklórica y tradicional con textos de contenido político.


title: Nueva trova

text: La nueva trova fue principalmente influenciada por la nova cançó española, el canto nuevo boliviano, el canto livre portugués, así como la nova canção y el tropicalismo brasileño. Aproximadamente en esa misma época, adquirieron gran popularidad algunos puertorriqueños como


title: Nueva trova

text: La nueva trova estuvo inspirada en la actitud rebelde y contestataria de artistas estadounidenses de protesta como Bob Dylan y Joan Báez.


title: Nueva trova

text: Otras influencias fueron Los Beatles (aunque hasta los años noventa estuvieron oficialmente prohibidos), el uruguayo Daniel Viglietti, y el español Joan Manuel Serrat.


title: Nueva trova

text: Tanto en Cuba como en Puerto Rico, las letras politizadas de la nueva trova fueron frecuentemente críticas de la política exterior de Estados Unidos.


title: Nueva trova

text: Los cantantes puertorriqueños concentraron principalmente su atención en la isla de Vieques, la cual era utilizada como base de entrenamiento de soldados estadounidenses.


title: Nueva trova

text: Carlos Puebla y Joseíto Fernández fueron viejos trovadores que apoyaron la Revolución, pero solamente Carlos Puebla compuso canciones dedicadas a la Revolución cubana:


title: Nueva trova

text: El Gobierno cubano ofreció amplio apoyo a aquellos músicos que estaban dispuestos a componer y cantar canciones prorrevolucionarias o antiestadounidenses, y esto representaba un gran estímulo en una época en la que a los músicos tradicionales les resultaba difícil ganarse la vida.


title: Nueva trova

text: Tania Castellanos, una cantautora relacionada con el movimiento del filin (feeling, género parecido al bolero), compuso una canción titulada "Por Ángela", en apoyo a la disidente afroestadounidense Angela Davis.


title: Nueva trova

text: César Portillo de la Luz compuso otra canción llamada "Oh, valeroso Viet Nam", que sumaba críticas a la injusta Guerra de Vietnam (1955-1975).


title: Nueva trova

text: Se pueden encontrar ejemplos de estilos no políticos dentro de la nueva trova, como en el caso de Liuba María Hevia, cuyas letras se enfocan en temas más tradicionales, como el amor y la soledad, compartiendo con otros miembros del movimiento un estilo altamente poético. En el otro lado del espectro, el cantautor Carlos Varela es famoso en Cuba por su crítica a algunos aspectos de la Revolución cubana.


title: Nueva trova

text: De igual manera, existen canciones de gran calidad lírica y musical, entre las cuales destaca "Hasta siempre, comandante" de Carlos Puebla.


title: Nueva trova

text: Después del Período Especial de los años noventa, otros géneros empezaron a remplazar a la nueva trova. En los años 2000, el rap cubano empezó a cubrir la necesidad de expresión de los nuevos jóvenes músicos cubanos.


title: 26 de enero

text: El 26 de enero es el 26.º (vigesimosexto) día del año en el calendario gregoriano. Quedan 339 días para finalizar el año y 340 en los años bisiestos.


title: Hull City Association Football Club

text: El Hull City es un club de fútbol de Inglaterra, de la ciudad de Kingston upon Hull en Yorkshire. Fue fundado en 1904 y actualmente juega en la English Football League Championship de Inglaterra desde la temporada 2021-22.


title: Hull City Association Football Club

text: Luego de quedar tercero en la temporada 2007–2008 del Football League Championship, Hull City ascendió a la máxima categoría del fútbol inglés, la Premier League. Para ello derrotó en el Estadio de Wembley al Bristol City por 1-0.


title: Hull City Association Football Club

text: En la temporada 2008/09 de la Premier League finalizó en el 17º lugar, salvándose levemente del descenso.


title: Hull City Association Football Club

text: Hull City AFC es un club de fútbol Inglés asociación con sede en Kingston en Hull, East Riding de Yorkshire, fundada en junio de 1904. El club participa en el Campeonato de Liga de Fútbol, el segundo nivel del fútbol Inglés. En 2007-08 logró el ascenso a la máxima categoría del fútbol Inglés, por primera vez en su historia, al ganar el play-off final del Championship en el estadio de Wembley. El club terminó en la 17 ª posición en la temporada 2008-09 de la Premier League, logró evitar el descenso por un punto.


title: Hull City Association Football Club

text: La última vez que el Hull City terminó en una alta posición en la Football League fue en la temporada 1909-10 de la vieja Second Division donde terminaron terceros; posición que igualaron en 2007-08 cuando ganaron la promoción. Sus mayores logros en competiciones de copa fueron en 1930, cuando el equipo llegó a la semifinal y en 2014 a la final siendo subcampeón, ambas por FA Cup.


title: Hull City Association Football Club

text: Hull City juega sus partidos de local en el KC Stadium. Antes jugaron en Boothferry Park, pero se mudaron a su actual hogar en 2002, con el Boothferry Park previsto para su demolición. Tradicionalmente su uniforme es negro y ámbar, a menudo con un diseño de camiseta a rayas, de ahí su apodo de Los Tigres. La mascota del club es Roary the Tiger.


title: Hull City Association Football Club

text: A pesar de ser uno de los favoritos para el descenso en la temporada 2008-09, Hull inició su andadura en la Liga Premier superando a Fulham 2-1 en el primer día en su primer partido primer vuelo superior. Con una sola derrota en su debut nueve partidos, incluyendo el famoso triunfo por 2-1 ante el Arsenal en el Emirates y también ganando por 1-0 en White Hart Lane ante el Tottenham Hotspur. Hull City se encontraba (temporalmente) compartiendo la parte superior de la tabla de la Premier League en puntos (tercero por diferencia de goles), después de una victoria 3-0 sobre el West Bromwich Albion – diez años antes habían estado en la parte inferior de la cuarta división de Fútbol Inglés.


title: Hull City Association Football Club

text: El desempeño del Hull nunca encontró los máximos de principios de otoño, ganando solo dos partidos más en lo que resta de la temporada. A pesar de la caída del desempeño y el lento deslizamiento hacia abajo de la tabla, Hull City llegó al último partido de la temporada en la 17.ª posición y por encima de la zona de descenso. Aunque finalmente perdió el partido contra el Manchester United 0-1, sin embargo, Newcastle United y el Middlesbrough también perdieron sus partidos contra el Aston Villa y West Ham United, respectivamente, asegurando así una segunda temporada de la Premier League para el Hull City.


title: Hull City Association Football Club

text: El 29 de octubre de 2009 el Presidente Pablo Duffen renunció a su puesto con el club y fue reemplazado por el expresidente Adam Pearson, el 2 de noviembre de 2009. El 15 de marzo de 2010 el mánager Phil Brown se puso en licencia después de salir de una racha de cuatro derrotas dejando al Hull en la zona de descenso. El reemplazo de Brown fue el exentrenador del Crystal Palace y Charlton Athletic, Iain Dowie.


title: Hull City Association Football Club

text: El descenso del Hull City de la Premier League fue confirmado el 3 de mayo de 2010, después de un empate 2-2 ante el Wigan Athletic.


title: Hull City Association Football Club

text: El contrato de Philt Brown como entrenador terminó el 7 de junio de 2010, y la búsqueda de su reemplazo continuó más allá de mediados de junio ya que el club confirmó que Iain Dowie no se mantendría como mánager del equipo. Nigel Pearson fue confirmado como el nuevo mánager el 29 de junio, atraído desde el Leicester City, en parte por las ambiciones para el Championship de los Tigres.


title: Hull City Association Football Club

text: Un bloqueo sobre la política de transferencias de jugadores en el club fue puesto en marcha por la Junta del Hull City el 28 de julio de 2010; las transferencias se redujeron sustancialmente a los £ 39 millones por año, al principio esto causó muchas dudas al nuevo entrenador en su esfuerzo para construir un equipo capaz de un retornar rápidamente a la Premier League.


title: Hull City Association Football Club

text: Sin embargo, Pearson ha traído varias transferencias y firmado préstamos de jugadores para el club en su empeño de fortalecer el equipo para la campaña de esta temporada.


title: Hull City Association Football Club

text: El 12 de marzo de 2011, el Hull estableció un nuevo récord, con 14 partidos sin perder de visitante, rompiendo un récord que se remonta a 62 años. La racha de invictos fuera de casa de 17 partidos se rompió finalmente cuando el Bristol City en el último día de la temporada 2010-11 lo derrotó 3-0.


title: Hull City Association Football Club

text: Desde 2002, el Hull City juega sus de local en el KCOM Stadium, el cual ganó el reconocimiento de la "FA League" por tener la mejor gramilla de Inglaterra en el año 2006.


title: Hull City Association Football Club

text: Además disputa el "Humber Derbi" con los otros dos clubes cercanos: Scunthorpe United y Grimsby Town.


title: Yo amo a Paquita Gallego

text: Yo amo a Paquita Gallego fue una telenovela colombiana producida por RTI Televisión y coproducida por Cenpro TV desde finales de 1997 hasta mediados de 1999.


title: Yo amo a Paquita Gallego

text: Estuvo protagonizada por Cristina Umaña y Andrés Juan, con la participación antagónica de Victoria Góngora como la villana principal de la telenovela. Además, contó con la actuación estelar de la primera actriz Margalida Castro.


title: Yo amo a Paquita Gallego

text: La historia fue retransmitida por Caracol Televisión en 2000 como parte del contrato entre este canal y RTI. La telenovela ha sido vendida a varios países de América Latina, Asia y Europa del Este. Esta producción fue una gran apuesta para RTI, al presentar a dos actores relativamente nuevos (ambos artistas habían tenido sólo un papel secundario cada uno en producciones anteriores) y bastante jóvenes en los roles principales.


title: Yo amo a Paquita Gallego

text: La telenovela tomó el espacio de las 8 de la noche en la Cadena Uno, remplazando a "Dos mujeres". La producción y emisión de la telenovela fue singular en ese preciso momento, ya que ninguna programadora tenía asegurado en un cien por ciento la emisión de sus contenidos por más de unos meses por la convocatoria de los canales públicos para una nueva parrilla a partir del 1 de enero de 1998. Mientras que el resto de programadoras como Caracol y RCN se apresuraron a terminar sus contenidos (telenovelas y series) antes de terminar el año en el momento en que se convertían en canales privados, R.T.I. decidió lanzar la telenovela. Desde enero de 1998 la historia se emitió en el Canal A, al igual que todos los demás programas que R.T.I. tenía entonces al aire, convirtiéndose en un arrollador éxito.


title: Yo amo a Paquita Gallego

text: "Yo amo a Paquita Gallego" es sin duda una obra singular dentro del catálogo de Julio Jiménez, a diferencia de sus otras producciones. En primer lugar, la historia no se centra en un cerrado grupo familiar (a diferencia de "Las aguas mansas", "En cuerpo ajeno", "Luzbel está de visita" o "Los cuervos"), cuenta una relación romántica perfectamente definida y rosa desde el principio (sólo "La viuda de Blanco" comparte esta característica, sin embargo a medida que la historia avanza, paulatinamente va tocando los temas favoritos de Jiménez: suspenso, comedia y emoción) y principalmente, la novela fue de las primeras en la década de los 90 en retratar el tema de la Violencia contra la mujer, el cual aún era un tema tabú en la televisión colombiana.


title: Yo amo a Paquita Gallego

text: La telenovela se divide en 5 partes, cada una con su propio villano secundario y/o situación peligrosa para Paquita (Cristina Umaña), Andrés (Andrés Juan) y hasta para la antagonista principal de la trama: Rina Marcela (Victoria Góngora).


title: Yo amo a Paquita Gallego

text: En 1969, Javier Hidalgo (Luis Mesa) y Soledad Gallego (Marcela Carvajal) eran una pareja feliz en un pequeño pueblo llamado Malvinilla. Javier, un muchacho de clase alta, decide enfrentarse a todo y a todos con el fin de estar con Soledad, quien vive sola con su excéntrica tía Isabel "Chavela" Vargas (Margalida Castro), una mujer que se gana la vida leyendo las cartas del tarot. Sin embargo, justo después que Soledad y Javier se comprometen, Soledad es víctima de una violación múltiple por parte de tres hombres y queda embarazada. Este hecho rompe el encanto de su relación con Javier, Soledad decide no volver a salir jamás con él, víctima de la vergüenza y la depresión, culpando de todas sus desgracias al bebé que espera. En 1970 Soledad da a luz una niña (Paquita). Poco tiempo después, Javier, despechado, se casa con Margarita Bedoya, una joven de su misma clase social, con la intención de olvidar a Soledad, pensando que ella lo había engañado con otros hombres, sin saber que el embarazo de Soledad no fue fruto de un engaño sino de una violación. La hija de Soledad (Paquita) se rehúsa a llorar desde el momento de su nacimiento, por lo que Chavela pronostica un futuro oscuro para ella, ya que "si no es capaz de llorar, no será capaz de ser feliz jamás".


title: Yo amo a Paquita Gallego

text: Un año después en 1971, Javier y su esposa tienen a su único hijo: Andrés. Andrés y Paquita, desde niños, sienten una fuerte afinidad entre ellos, a pesar del esfuerzo de la madre y la abuela de Andrés, así como el padre de Rina Marcela, para separarlos.


title: Yo amo a Paquita Gallego

text: En 1978, Paquita en ese momento de unos 8 años, comienza a sufrir de una afección en la piel que es tratada por el doctor Raimundo Rugeles, quien muestra interés en Soledad a pesar de que ella lo rechaza de inmediato. Paquita es expulsada del colegio por culpa de su afección y por culpa de los padres de Andrés, Rina Marcela y otras "respetables" damas del pueblo de Malvinilla. Sin embargo Andrés continúa frecuentando a Paquita Gallego, empezando una relación muy inocente. Un día, Paquita indagando por la identidad de su padre, visita separadamente a los tres hombres que violaron a Soledad; el carnicero, el tendero y el papelero; pero ninguno responde y mueren esa noche en un accidente de tránsito.


title: Yo amo a Paquita Gallego

text: En 1988, cuando Andrés (Andrés Juan) termina sus estudios y cumple la mayoría de edad, regresa al pueblo donde encuentra a Paquita (Cristina Umaña) e inicia una relación más adulta con ella. Andrés expresa su amor de una manera nada sutil escribiendo por todo el pueblo ""YO AMO A PAQUITA GALLEGO"". Paquita se compromete en todo sentido con Andrés, contando con el apoyo incondicional de Javier, quien poco antes se había enterado de la violación de Soledad y confirmándose así mismo que aún la ama, al punto de escribir un grafiti similar a los que hacía Andrés. Sin embargo, un viaje planeado por la madre y abuelos de Andrés lo separa de Paquita. De regreso a Colombia, los padres y los abuelos de Andrés mueren en un accidente aéreo en los Estados Unidos, y se anuncia que Andrés viajaba con ellos. Soledad, al enterarse que Javier murió, se hunde en una profunda depresión que termina con su vida. Poco después, Chavela, la tía de Soledad y única compañía de Paquita, también muere, dejándola completamente sola y desamparada. Paquita, al perder a todos los seres que amaba, pierde el deseo de vivir; pero su instinto de supervivencia la rescata de su postración en la forma de su tía Chavela, con lo que Paquita sacrifica parte de su lucidez mental para no sentirse sola y sobrevivir.


title: Yo amo a Paquita Gallego

text: La tía Chavela saca a Paquita de su postración, la convence de maquillarse, vestirse y salir a la calle luego de meses de aislamiento. Paquita busca al único amigo de la familia, el doctor Raimundo Rugeles.


title: Yo amo a Paquita Gallego

text: Paquita busca al doctor Rugeles para pedirle ayuda en forma de trabajo. Él no lo permite y, en su lugar, decide proponerle matrimonio, lo cual enfurece a su ama de llaves de toda la vida. Por consejo de su tía Chavela, Paquita acepta la propuesta de Raimundo Rugeles y se casa justo el día en que Andrés Hidalgo regresa a buscarla. Rina Marcela (Victoria Góngora) se aprovecha de la decepción de Andrés y se acuesta con él. El padre de Rina Marcela lo obliga a casarse con ella, a lo cual acepta porque no le queda otra salida después de perder a Paquita y a su familia pese a que el doctor Rugeles le había ofrecido romper su matrimonio con Paquita en favor de ella y Andrés a lo que Paquita se opone. Paquita se muda a la capital con su anciano esposo (unos 50 años mayor que ella) y pronto se da cuenta de que las cosas no van a ser fáciles para ella. Raimundo es un fanático religioso y la obliga a vestirse de una manera ridículamente anticuada y asistir a aburridas reuniones con la comunidad de la iglesia. Andrés decide buscar a Paquita, logrando conseguir su dirección. Rina Marcela encuentra la dirección y, creyendo que Andrés quiere comprar esa casa para vivir con ella, decide ir a verla. Al llegar a la casa es informada que no está en venta, pero la del frente sí lo está. Rina Marcela obliga a Andrés a comprar la casa, solo para darse cuenta después que Paquita vive justo frente a ella. Los nervios de Rina Marcela estallan y se intenta suicidar. Raimundo Rugeles no se cansa de insultar a Paquita por la presencia de Andrés en frente de su casa y los celos lo devoran, por lo que empieza a mentir a todo el mundo diciendo que Paquita está embarazada de él y, para apoyar su mentira, decide emprender un viaje al extranjero para adoptar un niño. Paquita se resigna a que con la adopción y el viaje perderá a Andrés para siempre y, por consejo de su tía Chavela, decide consumar su matrimonio de una vez por todas con el anciano. Pero éste no soporta ver a Paquita desnuda y muere de un ataque al corazón. Paquita se deshace de todo lo que le recuerda a su esposo y decide comenzar una nueva vida.