title: Historia del grabado

text: Otro artista destacado fue Utagawa Hiroshige (1797-1858), discípulo de Utagawa Toyohiro. Se inició en los géneros "yakusha-e" y "bijin-ga", aunque posteriormente se especializó en el paisajismo, generalmente en formato de grabado. También aprendió los estilos de las escuelas Kanō y Maruyama-Shijō. Su estilo se caracterizó por un gran realismo y por el reflejo de la vida cotidiana y de la gente popular, así como por la aplicación de una gran sensibilidad en el tratamiento atmosférico de sus obras y de la plasmación en imágenes de estados de ánimo. Supo captar de forma magistral la luz de diferentes horas del día, y los cambios sucedidos en la naturaleza en el transcurso de las estaciones. Reflejó a la naturaleza de una forma lírica y evocadora, con un cierto romanticismo y con una gran sensibilidad para plasmar su belleza efímera. A menudo introdujo poemas en sus imágenes —con una delicada caligrafía—, reflejo de su excelente formación tanto literaria como artística. Trabajó preferentemente en series de grabados, como "Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tōkaidō" (1833), "Famosas vistas de Kyōto" (1834), "Sesenta y nueve estaciones del Kisokaidō" (1839) y "Cien famosas vistas de Edo" (1857). A lo largo de toda su vida realizó unas 5400 xilografías, que le convirtieron en un maestro indiscutible del "ukiyo-e".


title: Historia del grabado

text: Las estampas de Hiroshige tuvieron una gran acogida en Occidente —donde surgió la moda del japonismo— y llegó a influir en la obra de varios artistas: queda evidenciado en algunas obras de los años 1870 de James Abbott McNeill Whistler, como "Thames set" y "Pinturas nocturnas". También impresionó en gran medida al pintor neerlandés Vincent van Gogh, que realizó copias de varias obras de Hiroshige, como "Japonaiserie: Puente bajo la lluvia" (1887) —copia de "El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina"— y " Japonaiserie: Ciruelo en flor" (1887) —copia de "Jardín de ciruelos en Kameido"—. La obra de Hiroshige fue asimismo ampliamente difundida por la revista "Le Japon Artistique" (1888-1891), editada por Samuel Bing.


title: Historia del grabado

text: Entre finales del y principios del se sentaron las bases de la sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos —impulso iniciado con la Revolución francesa— y, en lo económico, por la Revolución Industrial y el afianzamiento del capitalismo, que tendría respuesta en el marxismo y la lucha de clases. En el terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminará en el con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen y se enfrentan. El siglo se inició con la pervivencia del Neoclasicismo, movimiento al que sucedieron el Romanticismo, el realismo, el impresionismo, el modernismo y el simbolismo.


title: Historia del grabado

text: En esta centuria continuó el uso frecuente del aguafuerte, empleado por pintores como Daubigny, Millet, Whistler, Manet, Degas, Pissarro, etc. Sin embargo, predominó el empleo de la litografía iniciada el siglo anterior, con dos tendencias: una que pretendía competir con la fotografía acentuando la exactitud y sensibilidad de sus composiciones, liderada por Claude Ferdinand Gaillard; y otra más artística y de tono relajado, representada por Léopold Flameng. Durante esta época el grabado se industrializó notablemente y llegó a altas cotas de producción, con grandes tiradas dirigidas cada vez a un público mayor. A finales de siglo, y ligado especialmente a la generación postimpresionista, la litografía tuvo un medio de expresión privilegiado en el cartel, al que se dedicaron grandes artistas como Jules Chéret, Alfons Mucha, Pierre Bonnard y Henri de Toulouse-Lautrec.


title: Historia del grabado

text: Durante esta época surgieron nuevas técnicas —o se afianzaron algunas introducidas el siglo anterior—, como la xilografía a contrahílo, el grabado en acero o la estereotipia. Por otro lado, la invención de la fotografía revolucionó las artes gráficas e influyó en nuevas técnicas de grabado: en 1827, Nicéphore Niépce introdujo el heliograbado, realizado en una placa de zinc sensibilizada a la luz y grabada en hueco con ácido; en 1852, Joseph Lemercier inventó la fotolitografía, un fotonegativo en cristal proyectado sobre piedra litográfica sensibilizada a la luz; el mismo año surgió el "cliché-verre", un cliché de cristal estampado en papel fotosensible; y en los años 1860 apareció el fotograbado, a través de una plancha cubierta con un barniz o una resina fotosensible atacada por ácido, sin intervención del artista. Otra técnica nueva, ajena en este caso a la fotografía, fue el "gillotage" —también llamado zincografía—, inventado por Firmin Gillot en 1850, consistente en traspasar un dibujo a una plancha de zinc atacada con ácido y estampada con una prensa tipográfica. La progresiva industrialización del grabado llevó cada vez más a una diferenciación entre el grabador artesano y el grabador artista —o pintor-grabador—, que reclamará un mayor reconocimiento a su labor creadora.


title: Historia del grabado

text: El Romanticismo fue un estilo nacido a comienzos de la centuria, aunque ya se había ido forjando a finales de la anterior en un llamado prerromanticismo. Fue un movimiento de profunda renovación en todos los géneros artísticos, que puso una especial atención en el terreno de la espiritualidad, de la fantasía, el sentimiento, el amor a la naturaleza, junto a un elemento más oscuro de irracionalidad, de atracción por el ocultismo, la locura, el sueño. Se valoró especialmente la cultura popular, lo exótico, el retorno a formas artísticas menospreciadas del pasado —especialmente las medievales—, y adquirió notoriedad el paisaje, que cobró protagonismo por sí solo. Los románticos tenían la idea de un arte que surge espontáneamente del individuo, por lo que destacaban la figura del «genio»: el arte es la expresión de las emociones del artista.


title: Historia del grabado

text: Al Romanticismo sucedió el realismo, una tendencia que puso énfasis en la realidad, la descripción del mundo circundante, especialmente de obreros y campesinos en el nuevo marco de la era industrial, con un cierto componente de denuncia social, ligado a movimientos políticos como el socialismo utópico. Estos artistas se desmarcaron de la habitual temática histórica, religiosa o mitológica para tratar temas más mundanos, de la vida moderna.


title: Historia del grabado

text: En Francia, el inicio del siglo vio la transición del Neoclasicismo al Romanticismo. Dos de los mejores pintores románticos franceses, Théodore Géricault y Eugène Delacroix, practicaron la litografía. Géricault realizó entre 1817 y 1820 siete piedras litográficas dedicadas al ejército napoleónico, así como otras obras sueltas entre las que destacan "Caballos peleándose en una cuadra" y "Combate de boxeo"; en una estancia en Gran Bretaña entre 1820 y 1821 realizó duversos grabados sobre escenas de la vida cotidiana. Delacroix realizó grabados generalmente de inspiración literaria, como su serie de diecisiete litografías del "Fausto" de Goethe (1826), que fue elogiada por el propio escritor; o su serie del "Hamlet" de Shakespeare (1843).


title: Historia del grabado

text: Entre los grabadores franceses de esta época se encuentran: Louis Pierre Henriquel-Dupont destacó por sus estampas al buril, en reproducciones de artistas del pasado y de su tiempo; Claude Ferdinand Gaillard fue un hábil dibujante y virtuoso grabador, autor de reproducciones como "Los peregrinos de Emaús" de Rembrandt, "La Virgen y el Niño Jesús" de Botticelli y "La Gioconda" de Leonardo da Vinci; Léopold Flameng reprodujo a Van Eyck, Van der Goes, Rembrandt e Ingres, y publicó numerosas láminas en la "Gazette des Beaux Arts"; Jean Gigoux fue exponente del estilo trovador, ilustrador de libros como "Gil Blas" y "Abelardo y Eloísa"; Ernest Meissonier ilustró diversos libros, como las obras de Balzac; Charles Meryon fue un grabador de gran talento, autor de aguafuertes de vistas de París que destacan por su distribución cromática y su intensidad lumínica. Cabe destacar también el auge de la caricatura, practicada por artistas como Henry Monnier, J. J. Grandville, Paul Gavarni y Charles Philipon, y publicadas en revistas y periódicos como "Le Miroir", "La Pandore", "La Caricature" y "Le Charivari".


title: Historia del grabado

text: En tiempos ya del realismo cabe destacar en primer lugar a Honoré Daumier. Trabajó un tiempo en un taller de litografía, hasta que fue contratado por Philipon para "La Caricature" gracias a sus aptitudes como dibujante. En 1831, su caricatura de Luis Felipe I como "Gargantúa" le valió seis meses de prisión, aunque también le proporcionó una enorme fama. Desde entonces desempeñó una intensa labor litográfica (unas cuatro mil obras), especialmente en "Le Charivari", ya fuese en series ("Robert Macaire", 1836-1838; "Babistas", 1839; "Dioses del Olimpo", 1841; "Gente de justicia", 1845-1848; "Inquilinos y propietarios", 1848) o bien piezas sueltas, que posteriormente agrupó en álbumes como "Actualidades" o "Todo lo que se quiere". En general, su obra era satírica, en la que se burlaba de la burguesía y los círculos del poder, con un estilo de trazo curvo y figuras moduladas de apariencia escultórica.


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text: Ligado al realismo estuvo la escuela paisajista de Barbizon (Camille Corot, Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Narcisse-Virgile Díaz de la Peña), marcada por un sentimiento panteísta de la naturaleza, con preocupación por los efectos de luz en el paisaje, como la luz que se cuela entre las ramas de los árboles. Casi todos sus miembros practicaron el grabado —sobre todo el aguafuerte—, siendo de remarcar la obra de Corot, que se inició tardíamente en el arte gráfico pero llegó a dominarlo con maestría. Realizó una quincena de aguafuertes y otra de litografías, así como unos setenta "cliché-verres", generalmente paisajes. Se relacionó con esta escuela Jean-François Millet, un notable pintor dedicado especialmente a temas campesinos, como en su célebre "El Ángelus". En su vertiente gráfica denotó la influencia de Rembrandt, especialmente en sus efectos lumínicos, con un trazo conciso y decidido, como en "La cardadora" (1855).


title: Historia del grabado

text: Cabe asignar un lugar especial a Gustave Doré, uno de los mejores grabadores de su tiempo. Dotado para el dibujo, con veintidós años ilustró "Gargantúa y Pantagruel" de Rabelais (1854) y, al año siguiente, los "Cuentos divertidos" de Balzac (1855). Desde entonces su producción fue intensa, generalmente en xilografía, con un estilo anacrónico alejado de las novedades estilísticas, aunque su obra denota la influencia de Durero, Rembrandt y los románticos ingleses, especialmente Blake y Turner: la "Divina Comedia" de Dante (1857-1867), "La tempestad" de Shakespeare (1860), los "Cuentos" de Perrault (1862), "Don Quijote" de Cervantes (1863), "Macbeth" de Shakespeare (1863), "Atala" de Chateaubriand (1865), la "Biblia" (1866), el "Paraíso perdido" de Milton (1866), las "Fábulas" de La Fontaine (1867), "The Rime of the Ancient Mariner" de Samuel Taylor Coleridge (1870), "Idilios del rey" de Alfred Tennyson (1875), "Orlando furioso" de Ariosto (1877), "El cuervo" de Edgar Allan Poe (1884).


title: Historia del grabado

text: Durante esta centuria se practicó en Francia un tipo de xilografía tallada al buril («a la lengua de gato»), dedicada especialmente a la ilustración de libros. Fue promovida sobre todo por el inglés Charles Thompson, quien fundó una escuela de xilografía en París en 1817. Practicada por artistas como Daumier, Doré y Meissonier, algunos de sus mejores exponentes fueron Célestin Nanteuil y Tony Johannot. También fue muy popular la litografía: en 1816 abrieron sus talleres en París Charles Philibert de Lasteyrie y Godefroy Engelmann, y en 1820 fue la técnica elegida por Isidore Taylor para ilustrar sus "Voyages pittoresques et romantiques dans l'ancienne France", en colaboración con un amplio elenco de artistas. Fue utilizada por artistas como Delacroix y Daumier, y caricaturistas como Grandville y Gavarni.


title: Historia del grabado

text: En los años 1830-1840 empezó a resurgir el uso del aguafuerte entre los artistas: en 1835 Rodolphe Bresdin realizó varios aguafuertes, en 1844 Théodore Chassériau elaboró quince aguafuertes para una edición de "Otelo" y Camille Corot practicó esta técnica a mediados de los 1840. Félix Bracquemond expuso cuatro aguafuertes en la Exposición Universal de 1855. En 1861 se fundó en París la "Société des aquafortistes", con el objetivo de llevar el "arte por el arte" al grabado. Su promotor fue el empresario Alfred Cadart, quien contó con la colaboración de artistas como Charles-François Daubigny y Charles Jacque. Entre sus miembros figuraron Bracquemond, Corot, Daubigny, Millet, Meryon, Daumier y Delacroix, así como Gustave Courbet, Henri Fantin-Latour, Carlos de Haes, Johan Barthold Jongkind, Maxime Lalanne, Alphonse Legros, Édouard Manet, Théodule Ribot, etc. Su principal órgano fue la publicación "Eaux-Fortes modernes. Publication artistique d'œuvres originales par la Société des aquafortistes", de tirada mensual; entre 1863 y 1867 se publicaron cinco álbumes con recopilaciones de la revista, en el primero de los cuales, prologado por Théophile Gautier, surgió el término «aguafortista» como sinónimo de grabador original. Uno de sus miembros, Lalanne, publicó en 1866 el "Tratado del grabado al aguafuerte", en el que describía nuevas formas de practicar esta técnica, como «a la pluma», realizada con pluma sobre el cobre; o el "retroussage", la limpieza con una muselina sobre la lámina entintada, con lo que se consiguen veladuras, tonos y medias tintas.


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text: En Alemania y Austria, practicaron el grabado pintores como: Adrian Ludwig Richter, que grabó vistas de Dresde e ilustró libros como "Volksmärchen der Dentschen" de Johann Karl August Musäus (1841); Moritz von Schwind ilustró leyendas populares; Adolph von Menzel heredó una empresa litográfica de su padre, con la que consiguió sus primeros éxitos como artista ("Vida de Federico el Grande", 1840-1842); Wilhelm Leibl se dedicó preferentemente al género costumbrista. La litografía fue practicada por Carl von Piloty y Johann Nepomuk Strixner, autores de facsímiles de dibujos y cuadros de las galerías de Berlín y Múnich. Una derivación del romanticismo fue el movimiento alemán de los Nazarenos, inspirados en el "Quattrocento" italiano y en el Renacimiento alemán, principalmente Durero. Entre sus filas destacó en el terreno gráfico Johann Friedrich Overbeck, que fue un notable grabador, autor de treinta y seis talladulces sobre "Los Evangelios".


title: Historia del grabado

text: En Gran Bretaña predominó durante los primeros decenios del siglo el Romanticismo, que ya había tenido unos notables antecedentes en Füssli y Blake. Uno de sus más destacados exponentes fue Joseph Mallord William Turner, un pintor paisajista que destacó por los efectos atmosféricos y lumínicos de sus obras. En el terreno gráfico fue autor de una serie titulada "Liber Studiorum" (1807-1819), inspirada en el "Liber Veritatis" de Claudio de Lorena, un conjunto de setenta y un grabados en "mezzotinta" en el que recrea diversos tipos de paisaje: marino, montañoso, pastoral, histórico, arquitectónico y épico. Cabe citar también a: Abraham Raimbach, ilustrador del "Gil Blas" (1809) y el "Don Quijote" (1818); George Cruikshank, caricaturista e ilustrador, autor de obras de contenido satírico ("Life in London", 1821; "Sketches by Boz", 1836; "Oliver Twist" de Dickens, 1838; "Botella", 1847); y Francis Seymour Haden, un artista autodidacta que realizó sobre todo paisajes, primer presidente de la Royal Society of Painter-Etchers and Engravers, fundada en Londres en 1880.


title: Historia del grabado

text: En este país surgió la escuela de los prerrafaelitas, que se inspiraban —como su nombre indica— en los pintores italianos anteriores a Rafael, así como en la recién surgida fotografía, con exponentes como Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, John Everett Millais, William Holman Hunt y Ford Madox Brown. Los miembros de la Hermandad Prerrafaelita practicaron sobre todo la xilografía a la testa. Cabe destacar la obra de Rossetti, que ilustró los poemas de Tennyson (1857) y los "Viejos Poetas Italianos" (1861).


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text: En Italia destacó la obra de Luigi Calamatta, un burilista formado en París, que se dedicó básicamente a la reproducción de obras de Ingres. Paolo Mercuri, director de la Calcografía Vaticana, fue un notable burilista, dedicado a reproducir las imágenes de las Estancias de Rafael, en colaboración con otros artistas.


title: Historia del grabado

text: En España, se abrió en 1819 en Madrid el primer taller de litografía, regido por Felipe Cardano; dos años más tarde se abrió otro en Barcelona, dirigido por Antonio Brusi. En 1825 el rey Fernando VII impulsó la creación del Real Establecimiento Litográfico, cuya dirección fue encomendada a José de Madrazo, quien se encargó de la edición de dos centenares de estampas con reproducciones de pinturas de los Reales Sitios y edificios públicos, realizadas por artistas como Fernando Brambila, Florentino Decraene, José Camarón Boronat, Cayetano Palmaroli y Gaspar Sensi. En 1835 se empezó a publicar la revista "El Artista", de tendencia romántica, que incluía ilustraciones de cuentos y poesías, así como retratos y otras imágenes, realizados por artistas como Federico de Madrazo, Hélène Feillet y Carlos Luis de Ribera. En 1839, Francisco Javier Parcerisa inició la serie de "Recuerdos y bellezas de España" (1839-1865), un total de diez volúmenes con imágenes de monumentos y paisajes de España. De igual manera, entre 1842 y 1850, Jenaro Pérez Villaamil publicó su serie "España artística y monumental", con 144 estampas de los monumentos más destacados de España. Otra serie notable fue la de "El Real Museo de Madrid y las joyas de la Pintura de España" (1857), de Pedro Madrazo.


title: Historia del grabado

text: En esta época cabe mencionar también la obra de: Domingo Martínez Aparici, profesor de grabado de la Academia de San Fernando, reproductor de obras de los grandes maestros renacentistas y barrocos; Bernardo Rico, ilustrador de libros y periódicos; Arturo Carretero, notable xilógrafo, colaborador de varios periódicos; Joaquín Pi y Margall, dedicado a la talla dulce con reproducciones de John Flaxman y Joseph von Führich y colaborador de la serie "Monumentos Arquitectónicos de España" (1859-1881); Bartolomé Maura, autor de aguafuertes de retratos y reproducciones de pinturas españolas; Leonardo Alenza siguió en la línea iniciada por Goya, con imágenes románticas y temperamentales, principalmente retratos y escenas costumbristas; igual influencia goyesca tuvo Eugenio Lucas, autor de aguafuertes sobre temas triviales y divertimentos; Mariano Fortuny fue un destacado pintor y dibujante, autor de unos cuarenta aguafuertes con temas inspirados en su estancia en Marruecos, como "El árabe muerto" y "La familia marroquí"; Carlos de Haes fue un notable paisajista, autor de cincuenta y cuatro estampas agrupadas en "Ensayos de grabado al aguafuerte"; José María Galván se dedicó al aguafuerte de reproducción —especialmente Goya— y colaboró con la publicación "El Artista al aguafuerte".


title: Historia del grabado

text: El impresionismo fue un movimiento profundamente innovador, que supuso una ruptura con el arte académico y una transformación del lenguaje artístico, con lo que se inició el camino hacia los movimientos de vanguardia. Los impresionistas se inspiraban en la naturaleza, de la que pretendían captar una «impresión» visual, la plasmación de un instante en el lienzo —por influjo de la fotografía—, con una técnica de pincelada suelta y tonos claros y luminosos que valoraba especialmente la luz. Surgió una nueva temática, derivada de la nueva forma de observar el mundo: junto a los paisajes y marinas, aparecen vistas urbanas y nocturnas, interiores con luz artificial, escenas de cabaré, circo y music-hall, personajes de la bohemia, mendigos, marginados, etc.


title: Historia del grabado

text: Durante esta época tuvo una gran importancia el influjo en las artes gráficas de la estampa japonesa, que se difundió profusamente por Occidente. La xilografía nipona influyó sobre todo en el uso de colores planos, nuevos conceptos en la utilización de la perspectiva, la elegancia de la línea y la audacia en el ensamblaje de forma y color. El gusto por el grabado japonés fue introducido sobre todo por Félix Bracquemond y se dio especialmente en los años 1880 y 1890. Su influencia está patente en mayor forma en la obra de Mary Cassat y Henri Rivière, así como en el grupo de los Nabis —especialmente Pierre Bonnard— y en otros artistas como Whistler, Manet y Fantin-Latour. Cabe destacar también la labor divulgadora de la revista "Le Japon Artistique", publicada por Samuel Bing entre 1888 y 1891.


title: Historia del grabado

text: Cabe resaltar también la importancia en esta época de la ilustración de periódicos y revistas, en la que intervinieron tanto pintores como artistas gráficos. Algunos pintores marginados por los medios académicos y los salones oficiales encontraron en esta vía una forma de publicar sus obras, como Henri de Toulouse-Lautrec, Henri-Gabriel Ibels, Adolphe Willette, Théophile Alexandre Steinlen, Louis Anquetin, Hermann-Paul y Jean-Louis Forain. Entre estos periódicos ilustrados conviene recordar: "Les Temps nouveaux", "Le Courrier français", "La Revue Blanche", "L'Escarmouche" y "Le Chambard".


title: Historia del grabado

text: En los años 1880, tras la experiencia de la "Société des aquafortistes", hubo una iniciativa para revalorizar la estampa original no solo en el aguafuerte, sino en todas las técnicas de grabado. Para ello se creó la "Société de l'estampe originale", así como la publicación "L'Estampe originale", dirigida por Auguste Lepère, que publicó dos álbumes en 1888 y 1889, que, pese a su escaso éxito, sentaron las bases para una mayor concienciación de la labor artística del grabador. Fueron miembros de esta sociedad Félix Bracquemond, Whistler, James Tissot, Camille Pissarro, Edgar Degas, Tony Beltrand y Daniel Vierge. El fracaso comercial de esta iniciativa provino del mayor precio derivado de la obra original, por lo que empezó a gestarse la idea de que había que concienciar al público de la exclusividad de este tipo de creaciones, producto de la genialidad del artista, a través de un proceso artesanal y no meramente industrial. Pese a la contradicción de que una de las señas distintivas del grabado es su seriación, se pretendía singularizar la estampa original. Así surgió la técnica del "eau-forte mobile" («aguafuerte variable»), iniciada por Ludovic-Napoléon Lepic, consistente en entintar la lámina de forma distinta en cada estampación, por lo que de una misma composición pueden surgir infinitas variables y cada estampa se convierte en única. Estas estampas singulares fueron denominadas "belle épreuve" («prueba rara») y pasaron a ser parte de los catálogos de las galerías de arte, generalmente en ediciones limitadas y numeradas, destinadas a coleccionistas. Aunque se iniciaron con el aguafuerte, más tarde pasaron también a la litografía. Este nuevo concepto fue recogido por la "Société des Peintres-Graveurs", fundada en 1889 y dirigida por Félix Bracquemond, que reunía a pintores interesados también en el grabado como una muestra más de su actividad artística, entre ellos Edgar Degas, Auguste Rodin, Odilon Redon, James Tissot, Camille Pissarro, Mary Cassatt, Eugène Carrière, Marc Chagall, Édouard Vuillard, Henri Fantin-Latour y Albert Besnard.


title: Historia del grabado

text: Uno de los artistas que más practicaron el grabado fue Édouard Manet —considerado generalmente como preimpresionista—, autor de unas cien obras, la mayoría de las cuales no fueron publicadas. Admirador de Goya y Rembrandt, en sus grabados no reproduce fielmente pinturas o dibujos, sino que los interpreta en blanco y negro, buscando una forma propia de expresión. Practicó el aguafuerte y la litografía, siempre de una forma personal y novedosa. Sus períodos más creativos en el campo del grabado fueron 1860-1863 y 1865-1874; en el primero hizo unos cuarenta aguafuertes, mientras que en el segundo se centró más en ilustraciones para libros, generalmente en litografía y "gillotage". Una de sus obras más famosas es "El globo", una litografía de 1862, resuelta de forma libre y heterodoxa, por lo que no fue publicada en su momento. Su "Ejecución de Maximiliano" (1868) fue censurada por las autoridades. En 1874 realizó "Polichinela", una caricatura del presidente Mac-Mahon, que también fue prohibida. En 1875 ilustró "El cuervo" de Edgar Allan Poe y, al año siguiente, "La siesta de un fauno" de Stéphane Mallarmé.


title: Historia del grabado

text: Entre los impresionistas cabe destacar la obra gráfica de Edgar Degas, consciente de la fuerza del grabado como medio de difusión de sus obras. Se inició en el aguafuerte a los veintidós años, aunque más tarde practicaría también el aguatinta, la litografía y la monotipia. Sus primeras obras denotan la influencia de Rembrandt, aunque su estilo fue evolucionando gracias al influjo de artistas de su tiempo como Manet, Whistler, Tissot y Bracquemond. En su obra se percibe el afán por la experimentación y la innovación, así como la insistencia en trabajar en solitario. En un primer período (1856-1864) se dedicó sobre todo al retrato, con influencia de Rembrandt, Delacroix e Ingres. Tras unos años de inactividad, en 1875 retomó su labor gráfica e inició la representación de sus temas favoritos: bailarinas, escenas de teatro y "music-hall", cafés, burdeles y escenas de "toilette". Por influjo de su amigo Marcellin Desboutin practicó entonces la punta seca estilo "esquisses sur métal", que combinaba estampa y dibujo. Poco después se interesó por la estampa original y la monotipia, técnica en la que experimentó diversos métodos, en combinación con óleo o pastel. En estas obras expresa especialmente su interés por los efectos de luces artificiales, que en ocasiones adoptan una apariencia casi abstracta. Entre 1879 y 1880 experimentó con nuevas herramientas de grabado, como el lápiz de esmeril y el arco carbónico o lápiz eléctrico, con los que creó nuevos efectos tonales. También trabajó en litografía, generalmente con papel autográfico, en ocasiones transfiriendo monotipos. Asimismo utilizó la fotografía para la obtención de motivos, usando los positivos como base para sus composiciones gráficas. Desde 1884 abandonó prácticamente su labor gráfica, que retomó parcialmente a finales de la década de los 1880 con una serie litográfica dedicada al desnudo femenino. Ya en los 1890 abandonó definitivamente el grabado en favor de la fotografía.


title: Historia del grabado

text: Otros artistas impresionistas que practicaron el grabado fueron: Camille Pissarro, quien practicó el grabado de forma original, buscando diversas variaciones de una misma imagen, para lo que partía de un simple boceto en punta seca o aguafuerte y aplicaba sucesivas aguatintas en distintos estados y colores; Pierre-Auguste Renoir se dedicó sobre todo a la litografía, generalmente con la reproducción de su obra pictórica, con imágenes que tienen apariencia de pastel, de volúmenes rotundos y ambientes voluptuosos; Mary Cassatt fue una de las artistas que más asumió la influencia japonesa —especialmente de Utamaro—, de la que adoptó tanto las formas, composiciones y perspectivas como los esquemas de color, todo lo cual aplicó a unas imágenes de contexto occidental, generalmente imágenes domésticas y familiares, con preferencia por la relación entre madres y niños.


title: Historia del grabado

text: Cabe resaltar también la obra del estadounidense afincado en Reino Unido James McNeill Whistler, un pintor de intenso lirismo que busca en sus imágenes la captación del ambiente y los efectos atmosféricos, la luminosidad diurna y nocturna. Practicó el aguafuerte, la litografía y la punta seca. Fue uno de los primeros artistas que grabó directamente sobre el cobre, pintando más que entintando el metal, para captar el instante de forma más idónea, por lo que todas sus estampas eran únicas. En 1858 publicó una serie de doce estampas croquizadas de los barrios parisinos de Montrouge y Montmartre, y al año siguiente otra similar de vistas del Támesis; hubo de esperar veinte años para su tercera serie, esta vez sobre Venecia.


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text: En Alemania, los principales artistas impresionistas fueron Max Liebermann, Lovis Corinth y Max Slevogt. El primero evolucionó del realismo al impresionismo, autor de paisajes, retratos y escenas campesinas; Corinth también estuvo a caballo entre el realismo, el impresionismo y, al final de su carrera, el expresionismo, con una profusa obra gráfica de novecientas obras entre litografías y puntas secas, de trazo rápido y agudo, algunas de ellas en series ("Lutero", "Ana Bolena", "Götz von Berlichingen"); Slevogt realizó series de ilustraciones litografiadas y grabadas sobre cobre, con un dibujo seguro y fantasía creativa ("Lederstrumpf" de James Fenimore Cooper, 1906-1909).


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text: El sueco Anders Zorn practicó el aguafuerte, con un estilo sobrio y espontáneo, más preocupado por la expresión que por la calidad técnica, autor de retratos, desnudos y escenas costumbristas.


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text: En España, cabe resaltar la obra de: Tomás Campuzano, autor de paisajes y marinas de estilo plenairista; Ricardo de los Ríos, aguafortista reproductor y autor de paisajes y retratos, como el de Garibaldi y el de Carlos de Haes; y Juan Espina, paisajista de tono plenairista.


title: Historia del grabado

text: Tras la primera generación impresionista fueron surgiendo en Francia varios artistas que, si bien partían de sus premisas, fueron evolucionando hacia nuevas formas de expresión, los cuales se suelen agrupar en dos corrientes: neoimpresionismo y postimpresionismo. La primera se caracterizó por la técnica del puntillismo (o divisionismo), consistente en componer la obra mediante una serie de puntos de colores puros, que se colocan junto a otros de colores complementarios, fusionándose en la retina del espectador en un nuevo tono. Su principal exponente en el terreno gráfico fue Paul Signac, autor de litografías en las que reflejó sus composiciones pictóricas, centradas en paisajes, retratos y escenas sociales.


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text: Por su parte, los postimpresionistas reinterpretaron de manera personal los nuevos hallazgos técnicos efectuados por el impresionismo, con lo que abrieron distintas vías de desarrollo de suma importancia para la evolución del arte en el . Así, más que un determinado estilo, el postimpresionismo fue una forma de agrupar a diversos artistas de distinto signo, entre los que destacan Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec y Paul Cézanne. Van Gogh fue autor de obras de fuerte dramatismo y prospección interior, con pinceladas sinuosas y densas, de intenso colorido, en las que deforma la realidad, a la que otorgó un aire onírico. No trabajó mucho en el terreno gráfico, del que solo se conocen nueve litografías de su período holandés (1882-1885), por lo general reproducciones de sus obras, como "Los comedores de patatas" (1883-1885); y un aguafuerte realizado en Auvers-sur-Oise, el "Retrato del Doctor Gachet" (1890).


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text: La obra de Toulouse-Lautrec estuvo fuertemente marcada por al arte gráfico. En 1886 empezó a colaborar con la publicación "Le Courrier français", para la que efectuaba dibujos que eran traspasados a fotorrelieve. Trabajó sobre todo en litografía a color, en la que creaba estampas y carteles inspirados en la vida nocturna de París (cafés, teatros, cabarés), con un estilo realista pero de tono decorativo que combinaba ingenuidad y sátira social. En sus imágenes aparecen escenarios de candilejas con cantantes y bailarinas en gestos dramáticos y desproporcionados, vistos con la perspectiva de una persona aquejada de enanismo. En 1893 realizó con Henri-Gabriel Ibels la serie de veintidós litografías "Le Café-Concert", en la que retrataron a los más famosos actores de variedades del momento. También trató el tema de la prostitución, en su serie de once litografías "Elles" (1896), en las que retrata momentos de intimidad de estas mujeres, que podrían parecer interiores domésticos si no fuese por un sutil erotismo que confiere a las escenas.


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text: Cézanne suele ser considerado un pionero de las vanguardias artísticas del . En sus obras estructuraba la composición en formas geométricas (cilindro, cono y esfera), en una síntesis analítica de la realidad precursora del cubismo. Practicó la litografía, en reproducciones de sus obras, generalmente paisajes, retratos y desnudos —sobre todo de bañistas—.


title: Historia del grabado

text: Los dos principales movimientos de la transición entre los siglos y fueron el modernismo y el simbolismo. El modernismo fue un movimiento arquitectónico que surgió hacia 1880 en varios países, en función del cual recibió distintos nombres: "Art Nouveau" en Francia, "Modern Style" en Reino Unido, "Jugendstil" en Alemania, "Sezession" en Austria, "Liberty" en Italia y modernismo en España, país en el que destacó el modernismo catalán. Perduró hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial. Este estilo, por su carácter ornamental, supuso una gran revitalización de las artes gráficas y decorativas, con una nueva concepción más enfocada en el acto creador y en la equiparación con el resto de artes plásticas, hasta el punto de que sus artífices plantearon por primera vez la «unidad de las artes». El diseño modernista planteaba en general la revalorización de las propiedades intrínsecas de cada material, con unas formas de tipo organicista inspiradas en la naturaleza.


title: Historia del grabado

text: El simbolismo fue un estilo de corte fantástico y onírico que surgió como reacción al naturalismo de las corrientes realista e impresionista, frente a cuya objetividad y descripción detallada de la realidad opusieron la subjetividad y la plasmación de lo oculto y lo irracional; frente a la representación, la evocación o la sugerencia. Una característica principal del simbolismo fue el esteticismo, reacción al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y materialismo de la era industrial. Frente a ello, el simbolismo otorgó al arte y a la belleza una autonomía propia, sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier «el arte por el arte» ("L'art pour l'art").


title: Historia del grabado

text: En el último cuarto del siglo se vivió un gran auge del cartelismo, efectuado sobre todo en litografía. El gran renovador de este medio fue Jules Chéret, que convirtió los carteles anunciadores en verdaderas obras artísticas. En 1866 abrió un taller litográfico en París, desde el que comenzó una gran labor en carteles que destacaban por su colorido, con una esmerada composición y riqueza de efectos. Sus principales clientes fueron los teatros parisinos, como el Folies Bergère, así como empresarios y comerciantes. Siguió sus pasos Eugène Grasset, quien asoció el cartel estilísticamente con el "Art Nouveau", inspirándose especialmente en la naturaleza, en motivos florales y elementos ornamentales. Hasta casi 1890 pocos artistas de renombre practicaron el cartelismo —cabe reseñar a Édouard Manet ("Champfleury-Les chats", 1868) y Honoré Daumier ("Entrepôt d'Ivry", 1872)—, pero desde entonces pasó a ser un medio más de expresión para cualquier artista. El nombre más destacado fue el de Alfons Mucha, un pintor checo instalado en París, donde desarrolló una gran obra gráfica: su primer gran éxito fue el cartel para la obra teatral "Gismonda" de Sarah Bernhardt (1894), que agradó tanto a la actriz que lo contrató para realizar todos sus carteles ("La dama de las camelias", 1896; "Lorenzaccio", 1896; "La samaritana", 1897; "Medea", 1898; "Hamlet", 1899; "Tosca", 1899). La obra de Mucha se centraba en la figura femenina, una figura lánguida y melancólica de cabellos largos y vaporosos vestidos, adornada con joyas y enmarcada en una decoración vegetal.


title: Historia del grabado

text: Entre 1893 y 1895 se volvió a editar "L'estampe originale", bajo la dirección de André Marty. Sacaron nueve álbumes, donde se expuso la obra de setenta y cuatro artistas, con la colaboración del crítico de arte Roger Marx. Inspirados en el movimiento inglés "Arts & Crafts", estos artistas pretendían la integración de las artes y de estas con la industria, así como una revalorización de las artes decorativas. De salida trimestral, contaba con una tirada de cien ejemplares; la suscripción anual valía 150 francos. La publicación se centraba en la originalidad de las obras, con independencia de la técnica empleada. También incentivó la experimentación y el uso de nuevas técnicas (como la "gypsographie", inventada por Pierre Roche; o el gofrado, desarrollado por Alexandre Charpentier), e impulsó con fuerza la estampa en color. Entre los artistas que participaron en esta iniciativa se encontraban: Odilon Redon, Eugène Carrière, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Henri-Gabriel Ibels, Maurice Denis, Félix Bracquemond, Jules Chéret, Henri Fantin-Latour, James McNeill Whistler, Camille Pissarro, Pierre Puvis de Chavannes, Auguste Rodin, Pierre-Auguste Renoir, Paul Gauguin, Émile Bernard, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Signac, Théo van Rysselberghe, Paul Sérusier, Félix Vallotton, Constantin Meunier, Lucien Pissarro, Victor Prouvé, Walter Crane, Charles Ricketts, Antonio de la Gándara, Adolphe Willette, Auguste Lepère, Hermann-Paul y Jean-François Raffaëlli.


title: Historia del grabado

text: El impulso a las artes gráficas favorecido por el modernismo conllevó un auge en la publicación de revistas. Una de las pioneras fue la británica "The Studio", que presentaba cerca de mil reproducciones anuales de obras artísticas de todo tipo. En el mismo país destacó "The Yellow Book", dirigida por el ilustrador Aubrey Vincent Beardsley. En Bélgica se editaron "L'Art moderne" y "Van nu en Straks", donde se presentaron las principales novedades modernistas y se difundió la obra de Victor Horta y Henry Van de Velde. En Alemania surgieron las revistas literarias y artísticas "Pan", "Jugend" y "Simplicissimus", que destacaron por su lenguaje crítico y satírico. En Austria, "Ver Sacrum" fue el órgano principal de la Secesión vienesa, donde colaboraron artistas como Gustav Klimt y Koloman Moser. En España, la barcelonesa "Joventut" publicó la obra inicial de Picasso, así como de los principales artistas del momento.


title: Historia del grabado

text: Vinculada al simbolismo se encuentra la escuela de Pont-Aven, cuyos artistas tuvieron una especial predilección por la litografía. En esa localidad bretona se reunieron entre 1888 y 1894 una serie de artistas liderados por Paul Gauguin, que desarrollaron un estilo heredero del postimpresionismo con tendencia al primitivismo y gusto por lo exótico, con variadas influencias que van desde el arte medieval hasta el arte japonés. Desarrollaron un estilo llamado sintetismo, caracterizado por la búsqueda de la simplificación formal y el recurso a la memoria frente a la pintura copiada del natural. Gauguin y Émile Bernard realizaron durante esta época diversas zincografías, que fueron expuestas en la exposición "Peintures du Groupe Impressionniste et Synthétiste" organizada en el Café Volpini de París en 1889. Gauguin presentó once zincografías ("Dessins lithographiques") y Bernard seis ("Les bretonneries"), en las que muestran paisajes y gentes de Bretaña de estilo sintetista. Otros miembros del grupo que practicaron el grabado fueron Armand Seguin, Maxime Maufra y Roderic O'Conor. Posteriormente, durante su estancia en Tahití, Gauguin practicó la xilografía, a la que traspasó sus composiciones pictóricas de entonces.


title: Historia del grabado

text: Gauguin y el grupo de Pont-Aven influyeron en los "Nabis", un grupo de artistas activo en París en los años 1890, que destacó por un cromatismo intenso de fuerte expresividad. Algunos de sus miembros practicaron el grabado, como Maurice Denis, Paul Sérusier, Édouard Vuillard, Pierre Bonnard y Félix Vallotton. Denis fue pintor, ilustrador, litógrafo y escenógrafo, así como crítico de arte. Influido por Ingres y Puvis de Chavannes, además de Gauguin y el grupo de Pont-Aven, y con ciertas reminiscencias a William Blake y la pintura prerrafaelita, desarrolló una obra de marcado sentimentalismo que denota una concepción de la vida naturalista y piadosa. Ilustró libros como "Respuesta de la pastora al pastor" de Édouard Dujardin, "Cordura" de Paul Verlaine, "Imitación de Cristo" de Tomás de Kempis o "Viaje de Urien" de André Gide. Bonnard fue pintor, ilustrador y litógrafo. Era un excelente dibujante, con figuras de contorno suave que expresan con delicadeza los más sutiles movimientos. Junto con Vuillard, desarrolló una temática centrada en un tipo de imágenes de atmósfera social que reflejaban la vida cotidiana en escenas generalmente de interior, un estilo definido por los críticos como «intimismo». Vuillard fue también pintor y litógrafo y, como su amigo Bonnard, su obra se centró en el intimismo. Aficionado a la fotografía, la utilizó en ocasiones como punto de partida para sus composiciones. El suizo Vallotton se inició en la xilografía, con cierta tendencia modernista. Su obra se caracteriza por el erotismo y el humor negro, con desnudos de composición plana en los que se denota la influencia del arte japonés y rostros que parecen máscaras.


title: Historia del grabado

text: En Francia, uno de los principales artistas simbolistas fue Odilon Redon, que desarrolló una temática fantástica y onírica, influida por la literatura de Edgar Allan Poe, que antecedió en buena medida al surrealismo. Hasta los cincuenta años trabajó casi exclusivamente mediante dibujo al carboncillo y litografía, aunque luego se manifestó como excelente colorista tanto al óleo como al pastel, con un estilo basado en un suave dibujo y un colorido de aspecto fosforescente. Ilustró numerosas obras de escritores simbolistas, como Edgar Allan Poe o "La tentación de san Antonio" de Gustave Flaubert (1886).


title: Historia del grabado

text: En Bélgica se desarrolló una notable escuela simbolista, en la que destacan Félicien Rops y James Ensor. Rops fue un pintor y artista gráfico de gran imaginación, con predilección por una temática centrada en lo fantástico y lo sobrenatural, la perversidad y el erotismo. Ilustró libros de Baudelaire, Mallarmé y Barbey d'Aurevilly. Presidió la Sociedad Internacional de Aguafortistas fundada en 1875. Ensor tuvo preferencia por temas populares, traduciéndolo en escenas enigmáticas e irreverentes, de carácter absurdo y burlesco, con un sentido del humor ácido y corrosivo, centrado en figuras de vagabundos, borrachos, esqueletos, máscaras y escenas de carnaval. Practicó el aguafuerte, con cierta influencia de Rembrandt, especialmente en los claroscuros, con un trazo rápido y cursivo ("Catedral", 1886; "Farola", 1888; "Baños de Ostende", 1899).


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text: En Alemania destaca la labor de Max Klinger. En su obra se aprecia la influencia de Goya y Rembrandt, y se percibe la atracción por lo fantástico e inquietante. De gran complejidad técnica y estilística, su obra está plagada de fantasía y alusiones simbólicas. Como artista gráfico fue un gran innovador, especialmente al aguafuerte, en un estilo que antecede al surrealismo, como se denota en su serie "Un guante" (1881), centrada en el fetichismo. La principal innovación de Klinger fue la introducción de series narrativas —a las que denominaba "opus"—, en las que narraba una historia a través de sucesivas estampas; algunos ejemplos serían: "Eva y el futuro" (1880), "Cupido y Psique" (1880), "Intermedios" (1881), "Dramas" (1883), "Una vida" (1884), "Un amor" (1887), "Muerte" (1889 y 1898-1909) y "Fantasía de Brahms" (1894). En sus obras combinó aguafuerte, aguatinta, punta seca, buril y litografía. De Goya tomó el modelado en función de la luz, una luz de efectos dramáticos que articula las escenas. También introdujo una nueva forma de organizar el espacio enfatizando motivos concretos de la imagen, así como enmarcando las imágenes con una serie de líneas entrelazadas a modo de arabesco. Su temática se centra en temas vitales como el amor y la muerte, con gran dosis de fantasía. Fue autor también de un tratado sobre arte gráfico, "Malerei und Zeichnung" (1891). Aquí defiende, por ejemplo, la idoneidad del grabado como mejor medio de expresión de la fantasía y la imaginación, del mundo del subconsciente.


title: Historia del grabado

text: Franz von Stuck fue pintor, grabador, escultor y arquitecto, uno de los fundadores de la Secesión de Múnich. Desarrolló un estilo decorativo próximo al modernismo, aunque por su temática es más simbolista, con un erotismo de tórrida sensualidad que refleja un concepto de la mujer como personificación de la perversidad.


title: Historia del grabado

text: El noruego Edvard Munch fue también un gran artista gráfico. Creó en su obra un universo personal que refleja sus angustias existenciales, en las que se denota la influencia de la filosofía nietzscheana. Su obra gira en torno a sus obsesiones personales respecto al amor y el sexo, así como su concepción de la sociedad como un medio hostil y opresivo. En su obra gráfica recibió la influencia directa de Klinger, especialmente en sus temáticas angustiosas y obsesivas, en sus preocupaciones existenciales. Se inició en el aguafuerte en 1892, durante una estancia en Berlín, cuyo resultado fue la llamada "Carpeta Meier-Graefe", publicada en 1894. Entre 1895 y 1897 residió en París, donde se puso al corriente de las últimas novedades técnicas y recibió la inlfuencia de Manet, Toulouse-Lautrec, Van Gogh, Gauguin y Whistler, así como los simbolistas Rops y Redon. Trabajó entonces, además del aguafuerte, el aguatinta, la punta seca, la litografía y la autografía, y experimentó con la manera negra en planchas de zinc y la entalladura en madera. En 1895 se reprodujo en "La Revue Blanche" una reproducción litográfica de su famosa obra "El grito". Durante su estancia parisina abordó el tema del cabaré, habitual en el ambiente postimpresionista, al estilo de Degas y Toulouse-Lautrec; y realizó algunos programas para el Théâtre de l'Œuvre ("Peer Gynt", 1896; "John Gabriel Borkman", 1897). Tras su regreso a Noruega vivió unos años de penuria económica, mitigada gracias a la venta de su producción gráfica. Nunca numeró sus ediciones, reservándose el derecho a realizar más tiradas en función de la demanda. Por lo general, en grabado siguió los mismos esquemas compositivos que en sus pinturas, caracterizados por un fuerte contraste entre el primer plano y el fondo, utilizando en ocasiones el escorzo. Entre sus obras cabe citar: "Madonna" (1894-1895), "Can-can" (1895), "Autorretrato con brazo de esqueleto" (1895), "Melancolía I" (1896), "Angustia" (1896), "Claro de luna" (1896), "La niña enferma" (1896) y "El beso" (1897). La obra de Munch entroncó con el expresionismo de principios del , del que fue considerado uno de sus principales maestros.


title: Historia del grabado

text: En Reino Unido cabe citar a Aubrey Vincent Beardsley, que fue principalmente dibujante, caracterizado por un estilo de línea sinuosa muy próximo al modernismo, aunque se considera simbolista por la elección de sus temas, a menudo de fuerte contenido erótico. Su dibujo estaba influido por la pintura de vasijas griegas, con un estilo decorativo y algo perverso, rítmico y elegante, frívolo y con tendencia a lo grotesco. Sus temas favoritos fueron también algunos de los más recurrentes del simbolismo: la "femme fatale", el ciclo artúrico y el universo artístico wagneriano. En 1891 ilustró el libro "Salomé" de Oscar Wilde. Walter Crane fue pintor, ilustrador, tipógrafo y diseñador de cerámica, vidrieras, textiles, joyas y carteles. Se inició artísticamente en el estilo prerrafaelita, con influencia del romántico William Blake, cuyo estilo basado en líneas vibrantes y arabescos influyó poderosamente en el modernismo y simbolismo inglés. También fueron decisivos en su obra el "Quattrocento" florentino y la xilografía japonesa. Se centró en los temas literarios y mitológicos, con un lenguaje de símbolos de corte fabuloso y onírico.


title: Historia del grabado

text: En España cabe destacar en esta época la obra de: Rogelio de Egusquiza, autor de aguafuertes de temas wagnerianos; Alexandre de Riquer se dedicó sobre todo a la ilustración de libros y al diseño de ex-libris; Mariano Fortuny y Madrazo también realizó escenas wagnerianas, así como imágenes de Venecia, pero no de sus vistas monumentales, sino de sus pequeños rincones y escenas cotidianas. Cabe destacar el modernismo catalán, desarrollado por artistas como Santiago Rusiñol y Ramón Casas, que desarrollaron un estilo mezcla de naturalismo y simbolismo, y que fueron autores de grabados y carteles de gran calidad. Hermenegildo Anglada Camarasa se instaló en Francia, donde realizó algunos grabados —generalmente retratos— de trazo dinámico. Joaquim Sunyer desarrolló un estilo de contornos expresivos y atmósferas evocadoras, que recalcó con impresiones en color ("En el Moulin Rouge", 1899).


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text: Con la entrada en la modernidad, en Japón se dio una renovación del grabado en madera, el "hanga". Tras la muerte de Hiroshige en 1858 el "ukiyo-e" prácticamente desapareció. Sus últimas manifestaciones corresponden a Goyō Hashiguchi, quien muestra ya una clara influencia occidental en el realismo y el tratamiento plástico de sus imágenes. Con la entrada en el , los artistas que practicaban el grabado evolucionaron a un estilo más acorde con el gusto moderno nipón. Uno de sus primeros exponentes fue Hiroshi Yoshida, autor de paisajes influidos por la acuarela inglesa decimonónica. En 1918 se fundó el Nippon Sōsaku Hanga Kyōkai (Asociación de Artistas Grabadores del Japón), un grupo de artistas que sintetizaron la pintura tradicional japonesa con la nueva estética occidental. Entre sus miembros destacan Kōshirō Onchi, Un'ichi Hiratsuka y Shikō Munakata. El primero, influido por Vasili Kandinski, fue el primero en realizar grabados abstractos, de estilo sin embargo netamente oriental por su cromatismo de tonos suaves y por su lirismo e imaginación. Hiratsuka fue más tradicional en técnica y elección de temas, con preferencia por la monocromía blanco-negro, en temáticas que van desde el budismo hasta paisajes y escenas populares, en las que combinaba métodos tradicionales con efectos modernos. Munakata destacó por una obra original, personal y expresiva, de sello inconfundible. Se centró también en temas budistas, generalmente también monocromos, pero con un estilo libre, desenfadado, con un aspecto descuidado pero de gran vitalidad.


title: Historia del grabado

text: El arte del padeció una profunda transformación: en una sociedad más materialista, más consumista, el arte se dirigía a los sentidos, no al intelecto. Surgieron los movimientos de vanguardia, que pretendían integrar el arte en la sociedad mediante una mayor interrelación entre artista y espectador, ya que es este último el que interpreta la obra, pudiendo descubrir significados que el artista ni conocía.


title: Historia del grabado

text: Los métodos gráficos más empleados fueron la xilografía, la litografía, el aguafuerte y la serigrafía, y se desarrollaron nuevas técnicas como el aguatinta al color. También surgió la impresión ófset, que revolucionó el arte gráfico. El ófset es un procedimiento similar a la litografía, consistente en aplicar una tinta sobre una plancha metálica, generalmente de aluminio. Fue el producto en paralelo de dos inventores: en 1875, el británico Robert Barclay desarrolló una versión para impresión en metales (estaño) y, en 1903, el estadounidense Ira Washington Rubel lo adaptó para la impresión sobre papel.


title: Historia del grabado

text: En la transición de siglo cabe destacar la labor promotora del marchante y galerista Ambroise Vollard. En 1890 abrió una galería en París, donde expuso la obra de artistas como Paul Gauguin, Henri Matisse, Paul Cézanne o Pierre-Auguste Renoir. En 1901 organizó la primera exposición de obras de Pablo Picasso. Vollard se preocupó especialmente de promocionar la obra de artistas marginales, artistas rechazados por los salones oficiales. Verdadero amante de las estampas, su éxito en la venta de cuadros le permitió subvencionar la edición de grabados por mero afán personal, ya que raramente le proporcionaba beneficios. También se preocupó por la calidad de las producciones, procurando siempre contar con los mejores materiales y los mejores técnicos: para la litografía confió especialmente en Blanchard, para la xilografía en Tony Beltrand y para el acerado en Louis Fort. Entre sus colaboradores destaca Auguste Clot, un experto estampador que supo mantenerse a la sombra de los artistas pero cuya labor técnica fue indispensable para lograr las cotas de calidad de los álbumes editados por Vollard, con el que colaboró durante treinta años.


title: Historia del grabado

text: La mayor parte de la producción de Vollard se centró en ediciones limitadas para coleccionistas, realizadas por los mejores artistas del momento. Sus primeras ediciones se basaron en estampas compradas a artistas que ya habían sido tiradas o publicadas, por ejemplo las zincografías de Gauguin expuestas en el Café Volpini en 1889, que estampó de nuevo Clot en 1894. Pero desde entonces se dedicó sobre todo al encargo directo a artistas para que le proporcionasen estampas: tal fue el caso de su primer álbum, "Quelques Aspects de la Vie de Paris", de Pierre Bonnard, realizado en 1895 en el taller de Clot, del que se publicaron cien ejemplares numerados y firmados por el artista. Al año siguiente editó "L'Album des peintres-graveurs", en el que participaron artistas como Albert Besnard, Jacques Émile Blanche, Pierre Bonnard, Maurice Denis, Henri Fantin-Latour, Armand Guillaumin, Hermann-Paul, Edvard Munch, Odilon Redon, Pierre-Auguste Renoir, József Rippl-Rónai, Théo van Rysselberghe, Jan Toorop, Félix Vallotton y Édouard Vuillard. En el segundo álbum, de 1897, repitieron alguno de estos artistas, y participaron por primera vez Edmond Aman-Jean, Eugène Carrière, Paul Cézanne, Georges de Feure, Eugène Grasset, Henri Martin, Lucien Pissarro, Pierre Puvis de Chavannes, Auguste Rodin, Ker-Xavier Roussel, Alfred Sisley, Henri de Toulouse-Lautrec y James McNeill Whistler.


title: Historia del grabado

text: Otro campo de edición para Vollard fue el libro ilustrado para bibliófilos, de los que impulsó veintidós proyectos entre 1900 y 1939. Vollard siempre seleccionaba al artista, al que en ocasiones dejaba seleccionar el texto que le gustaría ilustrar. Su primera edición fue "Parallèlement" de Paul Verlaine, ilustrado por Pierre Bonnard, que fue un fracaso comercial, al igual que la siguiente, "Dafnis y Cloe", también de Bonnard. Realizados en litografía, para la siguiente edición optó por la xilografía, más apreciada por los coleccionistas: "Imitación de Cristo", ilustrado por Maurice Denis, sí fue un éxito de venta. Entre sus siguientes ediciones destacan: "Les Amours" de Pierre de Ronsard (1915, Émile Bernard), "Les Fleurs du mal" de Charles Baudelaire (1916, Bernard), "Œuvres de maistre François Villon" (1919, Bernard), "Les Petites Fleurs de Saint François" (1928, Bernard), "Les âmes mortes" de Nikolái Gógol (1924-1925, Marc Chagall), "Les Fables" de La Fontaine (1926-1931, Chagall), "La Belle Enfant ou L'Amour à quarante ans" de Eugène Montfort (1930, Raoul Dufy), "L'Ancien Testament" (1931-1939, Chagall).


title: Historia del grabado

text: Durante la Primera Guerra Mundial, debido a la dificultad para encontrar materiales de calidad, tuvo que recurrir al fotograbado para algunas de sus ediciones. Aun así, consiguió unos productos de calidad, sobre todo gracias a la colaboración en la vertiente artística de Georges Rouault. La primera colaboración de Vollard con este artista se produjo en 1912, cuando Rouault le ofreció editar un "Miserere" en el que estaba trabajando; Vollard se lo compró a cambio de ilustrar un libro escrito por el propio marchante, "Les Réincarnations du Père Ubu", que no vería la luz hasta 1932. El "Miserere" (1916-1927) es una de las series de grabados más originales y creativas del , en la que el artista combinó diversas técnicas: el dibujo se trasladó a planchas de cobre mediante heliograbado, sobre las cuales actuó Rouault mediante ácido y herramientas de aguafuerte, consiguiendo unos tonos y valores únicos en la historia del grabado. El resultado final no satisfizo sin embargo a Vollard, quien lo consideró invendible; Rouault tuvo que pleitear con sus herederos para conseguir las planchas, y la serie fue publicada finalmente en 1948. En los años 1920, Vollard retomó la edición de estampas originales, publicando obras de Georges Braque, Marc Chagall, Raoul Dufy, Jules Flandrin, Tsuguharu Foujita, Aristide Maillol y Maurice de Vlaminck. Sus últimas dos ediciones, antes de su muerte, fueron de obras de Rouault: "Cirque de l'étoile filante" (1938) y "Passioné" (1939).


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text: El mejor fruto editorial de Vollard fue sin duda su colaboración con Pablo Picasso, que dio origen a la mejor serie de grabados realizada en la centuria: la "Suite Vollard". Picasso se inició en el grabado en Barcelona, donde en 1899 realizó "El zurdo", obra que no le satisfizo plenamente. Continuó su labor gráfica en París, donde recibió la influencia de Toulouse-Lautrec, como se denota en su cartel para "Els Quatre Gats" o sus ilustraciones para las revistas "Joventut" y "Catalunya Artística". En 1904, instalado en Montmartre, realizó "La comida frugal", una composición original que elaboró en plancha de cobre, donde retrata la miseria de una pareja pobre. Al año siguiente elaboró la serie de "Saltimbanquis", uno de sus motivos favoritos del período rosa, un conjunto de catorce estampas que editó Vollard en 1913. Desde entonces y hasta 1920 solo grabó esporádicamente y por encargo, sobre todo de amigos suyos, como los "Poemas" de André Salmon (1905), el "Saint Matorel" de Max Jacob (109-1910) —ya en estilo cubista— y "El sitio de Jerusalén", también de Jacob (1914). En 1922 realizó una serie de "Bañistas", publicada por Marcel Guiat.


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text: En los años 1920 se estrechó la relación de Picasso con Vollard: una serie de aguafuertes realizados por Picasso en 1927 sobre el tema del artista y su modelo la adquirió el marchante para ilustrar "La obra maestra desconocida" de Honoré de Balzac, publicada en 1931. Fue entonces cuando Vollard le encargó una serie de láminas que el artista realizó entre 1930 y 1937, y que se publicó en 1939: la "Suite Vollard". Es un conjunto de cien estampas —la mayoría aguafuertes y alguna punta seca— de temática diversa, dividido en varias secuencias; la más grande (unas cuarenta) giran en torno al tema "El taller del escultor", centradas en la relación entre un escultor, su modelo y su obra, una referencia autobiográfica en que la modelo es Marie-Thérèse Walter, su pareja de entonces; otro grupo gira en torno al tema de "La violación", mientras que hay varios dedicados a la figura de "El Minotauro", entre los que destaca "Minotauro ciego en la oscuridad", considerado uno de los mejores de la serie; hay también tres retratos de Vollard. Paralelamente, en 1931 ilustró para el editor Albert Skira "Las Metamorfosis" de Ovidio. En 1935 realizó "La minotauromaquia", un aguafuerte en lámina de cobre, donde retoma la figura del minotauro; está considerada uno de los precedentes estilísticos del "Guernica". Entre 1936 y 1937 ilustró la "Historia natural" de Buffon (publicado en 1942), de nuevo por encargo de Vollard, un conjunto de treinta y un aguafuertes al azúcar, de estilo realista. En 1937 realizó "Sueño y mentira de Franco", un conjunto de dieciocho pequeñas imágenes a modo de viñetas grabado en dos planchas de cobre, como denuncia contra la Guerra Civil Española y contra Francisco Franco; se tiraron mil ejemplares, que se vendieron en el Pabellón de la República Española de la Exposición Internacional de París de ese año.


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text: Tras unos años de inactividad gráfica, pasada la Segunda Guerra Mundial se aficionó a la litografía, generalmente sobre plancha de zinc. Entre 1945 y 1951 realizó varios retratos de Françoise Gilot, su nueva pareja, madre de sus hijos Claude y Paloma. En esta época abordó también temas como los faunos, las palomas y las naturalezas muertas, así como varias versiones de la "Susana en el baño" de Cranach. Entre sus obras de esos años destacan: "La mujer sentada y la mujer dormida" (1947), "Retrato de Góngora" (1947), "Los faunos músicos" (1948) y su célebre "Paloma" (1949), que se tomó como logotipo del Congreso Mundial de la Paz. Desde 1955, su relación con Jacqueline Roque, su segunda esposa, le llevó a un giro estilístico, por el que retornó a la deformación expresionista y a la temática grotesca y erótica. Volvió su afición por los toros y, en 1957, ilustró la vida del torero Pepe-Hillo, trabajando entonces preferentemente al linóleo. En 1966 retornó al aguafuerte, con una temática cada vez más marcadamente sexual, en que las mujeres son figuras enormes y gordas. Entre 1970 y 1971 realizó una serie de 156 estampas para la galería Leiris, generalmente de mujeres tumbadas y hombres que las observan.


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text: Picasso fue el representante más destacado del cubismo, un movimiento basado en la deformación de la realidad mediante la destrucción de la perspectiva espacial de origen renacentista, a través de una organización del espacio de acuerdo con una trama geométrica, con visión simultánea de los objetos y una gama de colores fríos y apagados. Los miembros de este grupo aportaron una nueva concepción de la obra de arte, gracias a la introducción del "collage". Otros exponentes de este movimiento en el ámbito gráfico fueron Georges Braque, Juan Gris, Louis Marcoussis y Jacques Villon. Braque fue junto con Picasso el padre del cubismo. Su acercamiento al grabado fue tardío, una vez superado ya el cubismo y en un estilo neoclásico, como se percibe en sus aguafuertes para la "Teogonía" de Hesíodo (1931). El español Juan Gris se inició en el dibujo humorístico en revistas como "Le Charivari" y "Le Cri de Paris". En 1912 se pasó al cubismo, con un estilo ortodoxo pero de fuerte personalidad. Realizó treinta y cuatro litografías y aguafuertes, en composiciones similares a su obra pictórica. Ilustró varios libros: "Ne coupez pas, Mademoiselle, ou les erreurs des P.T.T." de Max Jacob (1920), "Mouchoir des nuages" de Tristan Tzara (1925), "A Book concluding with as a wife has a cow a love story" de Gertrude Stein (1925) y "Denise" de Raymond Radiguet (1926). También hizo algunos retratos en litografía ("Marcelle la Brunette", "Marcelle la Blonde", "Jean el músico"). Marcoussis pasó por el impresionismo y el fauvismo antes de llegar al cubismo. Virtuoso del dibujo, trabajó como caricaturista en varios periódicos. Empezó a grabar en 1912, pero se dedicó más intensamente a ello entre 1930 y 1940: "Aurelia" de Gérard de Nerval (1930), "Tablas de salvación" (1931), "Alcoholes" de Apollinaire (1934-1935), más un centenar de retratos ("Gertrude Stein", 1934; "Miró", 1938). Villon, hermano de Marcel Duchamp, fue iniciado en el grabado a los seis años por su abuelo, Émile Nicolle. Dotado para el dibujo, trabajó para varios periódicos y revistas. Desde 1899 grabó para el editor Edmond Sagot; entre sus primeras obras destacan las series "Baño de Minnie" (1907) y "Desnudos" (1909-1910). Ya en época cubista realizó su "Equilibrista" (1913), uno de los mejores grabados de este estilo. En 1920 realizó el "Tablero de ajedrez", una reproducción del cuadro homónimo. Al año siguiente ilustró las "Arquitecturas" de Paul Valéry. Entre 1923 y 1930 grabó para poder subsistir reproducciones de obras de Picasso, Matisse, Cézanne, Renoir y Van Gogh. En 1939 su grabado "Tres órdenes" dio paso a una serie de paisajes, entre los que destacan su serie de los "Huertos" (1940-1941). Posteriormente son de destacar "Cuarto de buey" (1941) y "Globo celeste" (1944).


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text: El cubismo fue una de las primeras vanguardias, junto al fauvismo y el expresionismo. El fauvismo supuso una experimentación en el terreno del color, que era concebido de modo subjetivo y personal, al que aplicaban valores emotivos y expresivos, independientes respecto a la naturaleza. Para estos artistas los colores debían generar emociones, a través de una gama cromática subjetiva y de factura brillante. Entre sus filas destacó Henri Matisse, quien practicó la litografía, generalmente con la colaboración del estampador Auguste Clot. Entre 1906 y 1913 realizó una serie de litografías en las que denota la influencia de Rodin, con un lenguaje lineal, fluido y elegante. Otros exponentes fueron André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck. Derain grabó sobre todo en madera, en ilustración de libros como el "Encantador pudriéndose" de Apollinaire (1909), "Les Œuvres burlesques et mystiques de Frère Matorel, mort au couvent de Barcelone" de Max Jacob (1912), "Monte de Piedad" de André Breton (1916) y "Heliogábalo" de Antonin Artaud (1934). Dufy se inició en la xilografía ("Bestiario de Orfeo" de Apollinaire, 1910), para pasarse a la litografía tras la Primera Guerra Mundial ("La Belle Enfant ou L'Amour à quarante ans" de Eugène Montfort, 1930, para el editor Vollard). Vlaminck, de formación autodidacta, realizó xilografías y litografías, con un estilo similar a sus pinturas, de difícil clasificación cronológica, ya que nunca las fechaba.


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text: El expresionismo surgió en Alemania. Como reacción al impresionismo, los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad —la «impresión»—. En sus obras reflejaban una temática personal e intimista con gusto por lo fantástico, deformando la realidad para acentuar el carácter expresivo de la obra. Fue un movimiento ecléctico, con múltiples tendencias en su seno y una diversa variedad de influencias, desde el postimpresionismo y el simbolismo hasta el fauvismo y el cubismo, así como algunas tendencias anicónicas que desembocarían en el arte abstracto (Kandinski).


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text: Su primer referente fue el grupo "Die Brücke", fundado en Dresde en 1905 por Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff; posteriormente se incorporaron Emil Nolde, Max Pechstein y Otto Mueller. Influidos por el gótico alemán —Kirchner estudió profundamente las xilografías de Durero—, el arte africano, el "Arts and Crafts", el "Jugendstil", los Nabis y artistas como Van Gogh, Gauguin y Munch, les interesaba un tipo de temática centrada en la vida y la naturaleza, reflejada de forma espontánea e instintiva, por lo que sus principales temas son el desnudo —sea en interior o exterior—, así como escenas de circo y "music-hall", donde encuentran la máxima intensidad que pueden extraer a la vida. "Die Brücke" otorgó especial importancia a las obras gráficas: su principal medio de expresión fue la xilografía, técnica que les permitía plasmar su concepción del arte de una manera directa, dejando un aspecto inacabado, bruto, salvaje, cercano al primitivismo que tanto admiraban. Estos grabados en madera presentan superficies irregulares, que no disimulan y aprovechan de forma expresiva, aplicando manchas de color y destacando la sinuosidad de las formas. También utilizaron la litografía, el aguatinta y el aguafuerte, que suelen ser de un reducido cromatismo y simplificación estilística.


title: Historia del grabado

text: Su principal exponente fue Kirchner, un artista temperamental que dejó una de las obras gráficas más relevantes de la primera mitad del siglo. Sus primeras obras denotan la influencia de la estampa japonesa y de Félix Vallotton: "El hombre y la mujer" (1904), "Bañistas" (1906). En 1915 ilustró el "Peter Schlemihl" de Chamisso. Autor prolífico, dejó 971 xilografías, 665 aguafuertes y 458 litografías, sobre todo paisajes, desnudos, retratos y autorretratos, así como una considerable producción de contenido netamente erótico.


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text: La segunda fase del expresionismo alemán fue el grupo "Der Blaue Reiter", fundado en Múnich en 1911, donde se agrupaban una serie de artistas que más que un sello estilístico común compartían una determinada visión del arte, en la que imperaba la libertad creadora del artista y la expresión personal y subjetiva de sus obras. Su principal exponente en el arte gráfico fue Vasili Kandinski, un artista ruso iniciado en el "Jugendstil" y que, desde 1908, fue evolucionando hacia la abstracción, en cuadros donde la importancia de la obra residía en la forma y el color, creando planos pictóricos por confrontación de colores. Practicó sobre todo la xilografía y la litografía, generalmente coloreadas. Uno de sus primeros trabajos fue el cartel de la I Exposición del grupo Phalanx en 1901, una asocicación de artistas que había fundado en Múnich. Le siguieron xilografías como "La cantante" (1903), "Despedida" (1903) y "La noche" (1903). Entre 1908 y 1912 escribió diversos textos líricos que editó acompañados de xilografías ("Sonidos", 1913). En 1909 realizó también las series xilográficas "Poemas sin palabras" y "Xilografías". En 1911 escribió y editó "De lo espititual en el arte", un libro teórico que acompañó de ilustraciones en xilografía, ya cercanas a la abstracción. Entre finales de 1915 y comienzos de 1916 elaboró en Estocolmo una serie de aguafuertes de tono grotesco, que expuso en la galería Gummeson. En su estancia en Rusia, hasta 1921, continuó con esta técnica. De vuelta a Alemania, donde fue profesor de la Bauhaus, realizó la serie "Pequeños mundos" (1922), compuesta por doce estampas (litografías, xilografías y aguafuertes) que emulan su universo pictórico. También teorizó sobre el grabado en "Punto y línea sobre el plano" (1926), donde postuló que cada una de las tres principales técnicas gráficas tienen características específicas tanto a nivel formal como sociológico.


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text: Otro miembro de "Der Blaue Reiter" fue Franz Marc, un artista prematuramente fallecido en la contienda mundial. Interesado especialmente en la representación de animales, con los cuales simbolizaba la comunión con la naturaleza, dejó sesenta y tres grabados, realizados entre 1908 y 1916. Cabe citar también al escultor Ernst Barlach, que fue también grabador y dramaturgo. Su obra gráfica se extendió de 1910 a 1930, en litografía y xilografía: en la primera técnica ilustró sus propios dramas ("Der Tote Tag", 1912; "Der arme Vetter", 1919), mientras que en la segunda elaboró imágenes más estilizadas ("Der Kopf", 1919; "Walpurgisnacht", 1923; "Lied an die Freude", 1927). En Austria destacó Oskar Kokoschka, un expresionista de inspiración personal, autor de series litográficas como "Niños que sueñan" (1908), "Rey Lear" (1963), "Odisea" (1963-1965), "Saúl y David" (1966-1968) y "Troyanas" (1971-1972).


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text: La siguiente vanguardia que surgió fue el futurismo, un movimiento de origen italiano que exaltó los valores del progreso técnico e industrial del y destacó aspectos de la realidad como el movimiento, la velocidad y la simultaneidad de la acción. Sus principales representantes, Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Gino Severini y Carlo Carrà, practicaron el grabado muy ocasionalmente. Cabe destacar en el ámbito gráfico a Giorgio Morandi, un artista adscrito solo temporalmente al futurismo y de evolución personal. Se centró sobre todo en la representación de objetos —a menudo naturalezas muertas—, en un estilo que combinaba clasicismo y cubismo, con cierta influencia cézanniana. Trabajaba al aguafuerte, donde demostró un gran dominio técnico, con el que consiguió efectos de una realidad atemporal, casi mágica. En Italia cabe mencionar al "Gruppo Romano Incisori Artisti" (Grupo Romano Grabadores Artistas), surgido en 1921 por iniciativa de Federico Hermanin y que agrupó a unos veinticinco artistas de estilos diversos que expusieron colectivamente en varios certámenes artísticos italianos.


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text: En Rusia surgió hacia 1915 el suprematismo, un estilo de corte abstracto basado en formas geométricas fundamentales, sobre todo el cuadrado y el círculo, con una gama cromática restringida, especialmente el blanco y el negro. Uno de sus exponentes fue El Lissitzky, arquitecto, pintor, diseñador, fotógrafo y tipógrafo, creador de los "prounen" («Proyectos para la afirmación de lo nuevo»), un tipo de diseño abstracto geométrico que pretendía ser una síntesis entre pintura y arquitectura, que desarrolló en pinturas, grabados y dibujos.


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text: El siguiente de los nuevos estilos fue el dadaísmo, un movimiento de reacción a los desastres de la Primera Guerra Mundial, que supuso un planteamiento radical del concepto de arte, que pierde cualquier componente basado en la lógica y la razón, y reivindica la duda, el azar, lo absurdo de la existencia. Esto se tradujo en un lenguaje subversivo, donde se cuestionaban tanto las temáticas como las técnicas tradicionales del arte, experimentando con nuevos materiales y nuevas formas de composición, como el "collage", el fotomontaje y los "ready-made". Entre sus representantes se encuentra Jean Arp, pintor, escultor y poeta, uno de los fundadores del movimiento en Zúrich. En 1916 ilustró los "25 poemas" de Tristan Tzara y realizó la serie xilográfica "Estudios de simetría", de corte abstracto. Desde entonces continuó elaborando aguafuertes y, sobre todo, xilografías, con un estilo sobrio en la talla y nítido en la tinta, con imágenes que se mueven entre la abstracción y la morfología. También ilustró sus propios textos: "Velero en el bosque" (1957), "1, rue Gabrielle" (1958), "Hacia el blanco infinito" (1960). También destacó Kurt Schwitters, quien realizó en 1923 una serie de seis litografías de su obra "Merz", en edición numerada de cincuenta ejemplares. La elaboró en papeles de distintos colores, por lo que obtuvo una cierta apariencia de "collage". Otro exponente fue Christian Schad, colaborador de la revista "Sirius", para la que realizaba una xilografía por número, y para cuya editorial creó un cuaderno de diez xilografías en 1915.


title: Historia del grabado

text: En Alemania surgió tras la Primera Guerra Mundial el grupo "Neue Sachlichkeit" (Nueva Objetividad), el cual, como movimiento de reacción frente al expresionismo, retornó a la figuración realista y a la plasmación objetiva de la realidad circundante, con un marcado componente social y reivindicativo. Sus principales representantes fueron Otto Dix, George Grosz y Max Beckmann. Dix denunció en sus obras la brutalidad de la guerra y la depravación de una sociedad decadente. En su serie de aguafuertes "La guerra" (1924) realizó un poderoso alegato antibelicista, con imágenes crudas de intenso realismo. Grosz trabajó de caricaturista antes de la guerra, por lo que su estilo refleja las propiedades de ese género, marcado por la linealidad. Sus imágenes denuncian la hipocresía social, con figuras feas y caricaturescas, generalmente de perfil. Fue autor de las series "Gott mit uns" (1920) y "Ecce homo" (1923), en las que retrató «una sociedad dominada por los galones, la levita, la sotana y la caja fuerte». Beckmann mostró una fuerte influencia del gótico alemán. En 1909 realizó la serie litográfica "La vuelta de Eurídice", pero poco después se pasó a la punta seca ("Pequeño autorretrato", 1912). Durante la contienda realizó una serie de grabados en los que mostraba el drama de la guerra: "Declaración de guerra" (1914), "Granada" (1915). Tras el conflicto bélico siguió una línea realista en la que continuaba mostrando el dramatismo bélico, como en la serie litográfica "Viaje berlinés" (1922). Realizó entonces retratos, bodegones, paisajes, desnudos y temas circenses ("Funámbulo", 1921). En 1947 se estableció en Estados Unidos, donde evolucionó a un estilo personal de corte simbólico y onírico ("Día y sueño", 1946).


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text: En este país es de reseñar también la Escuela de la Bauhaus, fundada en 1919 por Walter Gropius, quien asumió la dirección de la Escuela de Artes y Oficios de Weimar y la reorientó hacia un programa de estudios multidisciplinar que atendía tanto la arquitectura como el diseño y las artes decorativas; los estudiantes de la escuela aprendían teorías de la forma y del diseño, así como talleres de piedra, madera, metal, barro, vidrio, tejido y pintura. La escuela se trasladó a Dessau en 1925 y a Berlín en 1932, hasta que al año siguiente fue cerrada por la dirección del centro ante el acoso sistemático al que eran sometidos por las autoridades nazis. En la escuela había también un taller de grabado, dirigido entre 1919 y 1924 por Lyonel Feininger, un artista estadounidense afincado en Alemania. En sus inicios trabajó de caricaturista, con un estilo modernista inspirado en Beardsley, Toulouse-Lautrec y Steinlen. También transitó por el cubismo, el expresionismo y el futurismo. Trabajó sobre todo en xilografía, técnica que influyó en la organización espacial de su producción pictórica. Su estilo se caracteriza por el uso de amplias masas negras y líneas cortas e irregulares, en configuraciones paralelas o convergentes que crean los volúmenes. Realizó diversas series, entre las que destaca "Zwölf Holzschinitte" (1923). Tras la clausura de la Bauhaus volvió a su país, donde practicó el litograbado, especialmente en paisajes: "Manhattan II" (1951), "Dorfkirche" (1954). Otro profesor que practicó el grabado fue Josef Albers, encargado del curso preparatorio y del taller de pintura sobre vidrio de la escuela. Practicó la xilografía, la litografía, la punta seca y el linóleo, con una evolución estilística que va desde el expresionismo hasta una abstracción de influencia constructivista, en la que otorgaba todo el protagonismo a la línea recta y a un cromatismo en blanco y negro. Instalado posteriormente en Estados Unidos, donde fue profesor en el Black Mountain College y la Universidad de Yale, realizó allí su serie "Structural Constellations" (1953-1958). Otro docente fue Oskar Schlemmer, director sucesivamente de los talleres de escultura en piedra, pintura mural y teatro. Tras pasar fugazmente por el expresionismo y el cubismo evolucionó hacia la abstracción, con imágenes en que reduce la figura humana a esquemas lineales, dentro de una composición geométrica. El taller de grabado de la Bauhaus elaboró en 1921 un cartapacio en cinco entregas con obras de los profesores de la Bauhaus, así como artistas alemanes, italianos y rusos. También hacía obras por encargo y numerosos artistas ajenos a la escuela imprimían allí sus trabajos. En 1923 fundaron también una editorial, que entre otras obras publicó el libro para la exposición de la Bauhaus de ese año.


title: Historia del grabado

text: Entre los años 1920 y 1940 se desarrolló el surrealismo, un movimiento que puso un especial énfasis en la imaginación, la fantasía y el mundo de los sueños, con una fuerte influencia del psicoanálisis, con una tendencia figurativa y otra abstracta. Uno de sus máximos exponentes fue Salvador Dalí, que evolucionó desde una fase de formación en que probó diversos estilos (impresionismo, futurismo, cubismo, fauvismo) hasta un surrealismo figurativo fuertemente influido por la psicología freudiana. En el terreno gráfico se dedicó preferentemente a la ilustración de libros, como "Los cantos de Maldoror" del conde de Lautréamont (1934), "Don Quijote" de Cervantes (1957) y la "Divina Comedia" de Dante (1960). En 1957 versionó "Los caprichos" de Goya. También es de destacar su "Tauromaquia surrealista", de 1976.


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text: Joan Miró practicó especialmente la litografía, ya que buscaba el resultado más parecido a la pintura —se solía decir de él que «pintaba como grababa y grababa como pintaba»—. Destaca especialmente su serie "Barcelona" (1944), una versión gráfica de su serie pictórica "Constelaciones", un conjunto de cincuenta litografías en las que recreó su mundo personal, con imágenes generalmente abstractas en las que ocasionalmente se perciben figuras humanas o animales, así como algunos de sus motivos habituales como estrellas y pájaros. El conjunto destaca por su esencia dramática, motivada por el pesimismo del artista frente a la guerra. También ilustró libros de bibliófilo: "Parler seul" de Tristan Tzara (1948-1950), "À toute épreuve" de Paul Éluard (1958, "Le miroir de l'homme par les bêtes" de André Frénaud (1972), "Oda a Joan Miró" de Joan Brossa (1973).


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text: Otros artistas surrealistas que practicaron el grabado fueron Paul Klee, Max Ernst, André Masson e Yves Tanguy. Klee se inició en el "Jugendstil" y fue miembro del grupo expresionista "Der Blaue Reiter", antes de desembocar en el surrealismo. Recreó en su obra un mundo fantástico e irónico, cercano al de los niños o los locos. En sus composiciones le interesaban especialmenten aspectos como el color, la luz, el tiempo y el movimiento. Trabajó sobre todo en litografía: "Sommeil d'hiver" (1938), "Tête d'enfant" (1939). Ernst pasó por el expresionismo, el dadaísmo y el surrealismo, con una obra original de fuerte personalidad. Sus primeros grabados (1911-1912), al linóleo, son afines al grupo "Die Brücke". En su etapa dadaísta elaboró la serie litográfica "Fiat modes, pereat ars" (1919), donde muestra la influencia del metafísico Giorgio De Chirico. Más adelante practicó otras técnicas como el "collage", el fotomontaje y el "frottage". Cabe destacar su novela-collage "Une semaine de bonté" (1933), grabada en xilografía, en un estilo realista cargado de humor y erotismo, con cierta influencia goyesca. Masson se inició en el cubismo hasta desembocar en un surrealismo marcado por el automatismo gráfico. Ilustró libros como la "Justine" del marqués de Sade (1928) y "Martinica, encantadora de serpientes" de André Breton (1941), así como diversas obras de Mallarmé, Coleridge y Malraux. Tanguy se caracterizó por un tipo de imágenes en llanuras desérticas de horizonte infinito y luz lechosa pobladas por seres biomórficos, las cuales traspasó a su obra gráfica. Cabe citar también al escultor Henry Moore, que fue también dibujante y grabador. En 1931 realizó la serie xilográfica "Figuras esculpidas". Durante la Segunda Guerra Mundial, en que fue nombrado "War Artist" («artista de guerra»), realizó una serie de dibujos sobre refugios que traspasó a litografías. En 1969 realizó veintiocho puntas secas inspiradas en el cráneo de un elefante, al partir del cual recreaba cuevas, paisajes y arquitecturas imaginarios, que denotan la influencia de Piranesi. Adscrito de forma tardía al surrealismo, el cubano Wifredo Lam realizó litografías en las que fusionaba este estilo con ciertas tendencias cubistas.


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text: En el período de entreguerras surgió en Francia la denominada Escuela de París, un grupo heterodoxo de artistas vinculados a diversos estilos artísticos como el postimpresionismo, el expresionismo, el cubismo y el surrealismo. El término engloba a una gran variedad de artistas, tanto franceses como extranjeros que residían en la capital francesa en el intervalo entre las dos guerras mundiales. En el terreno gráfico destacó Marc Chagall, de origen ruso, quien desarrolló un estilo que denota influencias fauvistas y cubistas, aunque interpretadas de forma personal, con una obra de tono onírico e intenso cromatismo. Se inició en el grabado ya con treinta y seis años, con las ilustraciones para la autobiografía de Paul Cassirer "Mein Leben" (1923), veintiséis aguafuertes y puntas secas. Ya establecido en París, realizó diversos encargos para el editor Vollard: "Les âmes mortes" de Nikolái Gógol (1924-1925), "Les Fables" de La Fontaine (1926-1931), "L'Ancien Testament" (1931-1939). Exiliado en Estados Unidos entre 1941 y 1948, realizó aquí la serie litográfica "Four Tales from the Arabian Nights". De regreso a Francia, elaboró varias series de litografías: "Dafnis y Cloe" (1961), "Circo" (1967), "En la tierra de los dioses" (1967); así como aguafuertes, aguatintas, monotipos y la serie xilográfica "Poemas" (1968). En esta escuela cabe citar también a: Louis Jou, se dedicó a la xilografía destinada a la ilustración de libros en ediciones de lujo; André Dunoyer de Segonzac se dedicó a la calcografía, en la que fue un autor prolífico (1600 planchas), su principal obra fue la ilustración de las "Geórgicas" de Virgilio (1947); Luc-Albert Moreau destacó en la litografía; en el cartelismo destacaron Paul Colin, Jean Carlou y Cassandre, que renovaron y modernizaron el género.


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text: En los años 1930 empezó a generalizarse el uso del ófset para la impresión artística. El pionero fue el pintor francés afincado en Estados Unidos Louis Henri Jean Charlot, quien en 1933 publicó en Los Ángeles su "Picture book" en treinta y dos litografías sobre plancha de zinc estampadas en ófset. El estampador fue Lynton Kistler, quien trabajó para muchos artistas modernos, al que se sumó Albert Carman en Nueva York. Poco después llegó al Reino Unido, donde fue practicado por Barnett Freedman, Paul Nash y John Piper. Estos artistas popularizaron el ófset en los años 1930 y 1940, en tiradas ilimitadas y a bajo coste, hecho que en cambio produjo un cierto descrédito de esta técnica, considerada inferior en calidad artística a las técnicas artesanales de grabado.


title: Historia del grabado

text: En Estados Unidos cabe destacar también la labor de John French Sloan, pintor y grabador de la escuela Ashcan, una tendencia de estilo realista caracterizada por sus escenas de género urbano. Realizó preferentemente escenas de la vida cotidiana neoyorquina, preocupándose sobre todo en la descripción objetiva, sin valoraciones críticas o morales, aunque en ocasiones con cierto componente dramático. Un buen ejemplo es su aguafuerte "Ventanas en la noche" (1910). A la misma escuela perteneció George Wesley Bellows, autor de escenas urbanas de Nueva York, con preferencia por imágenes de boxeo y béisbol. Se dedicó a la litografía, técnica en la que ilustró varios libros, especialmente de H. G. Wells. Edward Hopper fue representante del llamado realismo americano o "American Scene", con escenas urbanas de personajes anónimos y solitarios. En sus inicios trabajó como ilustrador para subsistir, período en el que se enmarcan sus series de aguafuertes "Night Shadows" (1921) y "Train and bathers" (1930).


title: Historia del grabado

text: En la España de las primeras décadas, aparte de la obra de grandes artistas como Picasso, Dalí y Miró, conviene recordar a: Carlos Verger, pintor, cartelista y grabador, autor de reproducciones y obras originales, como "Beethoven", "Carmen", "Lavanderas" y "Foro Romano"; Ricardo Baroja practicó el aguafuerte y el aguatinta con influencia goyesca, autor de paisajes y temas populares; Francisco Iturrino, de estilo fauvista, se centró en imágenes de desnudos, caballos y jardines, con cierta influencia de Regoyos; Xavier Nogués, de estilo novecentista, fue un notable aguafortista, con una cierta vena satírica y caricaturesca, destacando entre sus obras la ilustración de "El sombrero de tres picos" de Pedro Antonio de Alarcón; Daniel Vázquez Díaz, a caballo entre el realismo y el cubismo, realizó aguafuertes y litografías sobre la Primera Guerra Mundial, así como paisajes y escenas sociales; José Gutiérrez-Solana, vinculado al expresionismo, aunó el arte tradicional con el contemporáneo, con un estilo áspero y dramático, centrado en temas sórdidos y lúgubres inspirados en la España negra (personajes populares, procesiones, corridas de toros); Antoni Clavé fue pintor, escultor, grabador y escenógrafo, y practicó por igual la litografía, el aguafuerte y el aguatinta, generalmente en ilustración de libros ("Lettres d'Espagne" de Prosper Mérimée, 1943; "Cándido" de Voltaire, 1948; "Gargantúa"de François Rabelais, 1950). En 1910 se fundó la Sociedad de Grabadores Españoles. Algunos artistas de esta sociedad crearon en 1928 el grupo Los Veinticuatro, que tres años más tarde pasó a denominarse Agrupación Española de Artistas Grabadores. Gracias a su iniciativa se creó durante la Segunda República la Escuela Libre de Grabado y Estampación.


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text: Tras la Segunda Guerra Mundial, las vanguardias históricas dieron paso a una nueva serie de movimientos que van desde el arte figurativo hasta el abstracto, desde el arte más tradicional hasta el arte de acción o conceptual. Uno de los primeros, en la inmediata posguerra, fue el informalismo, un conjunto de tendencias basadas en la expresividad del artista y en la renuncia a cualquier aspecto racional del arte (estructura, composición, aplicación preconcebida del color). Fue un estilo eminentemente abstracto, donde cobró relevancia el soporte material de la obra, que asumió el protagonismo por encima de cualquier temática o composición. En paralelo, en Estados Unidos se desarrolló el expresionismo abstracto —también llamado "action painting"—, un estilo igualmente abstracto donde destaca la gestualidad del artista.


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text: Entre sus exponentes europeos y dentro del arte gráfico cabe nombrar a: Jean Dubuffet, un artista que combinó la abstracción con algunas referencias biomórficas y alusiones al grafiti, como en su litografía "Los muros" (1949); Lucio Fontana, fundador del espacialismo, creó un tipo de imágenes abstractas que denominó «conceptos espaciales», caracterizadas por su monocromatismo y por la introducción del espacio en la imagen a través de rasgados y agujereados, lo que trasladó también al grabado; y Hans Hartung, creador de un universo gráfico de corte abstracto que desarrolló de forma autodidacta, con una obra que abarca unas doscientas láminas en diversas técnicas, sobre todo calcografía y litografía. En Estados Unidos cabe reseñar a: Jackson Pollock, creador del "dripping" o chorreado de pintura sobre el lienzo, en composiciones generalmente abstractas, aunque también produjo obras figurativas o parcialmente figurativas en blanco y negro ("Sin título", 1945, aguafuerte); Mark Rothko, de origen ruso, destacó por sus formatos rectangulares, su intenso colorido y sus contornos difuminados, que trasladó a su producción gráfica; Willem de Kooning fue uno de los pocos pintores que introdujo la figura humana en sus obras, aunque inmersa en escenas abstractas y con formas fragmentadas, como dislocadas, en espacios curvilíneos, dinámicos, con una obra gráfica centrada en el aguafuerte y la litografía, en composiciones similares a su obra pictórica.


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text: En esta tendencia se sitúa también Antoni Tàpies, quien creó un estilo propio en el que se combinaban la tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto pero lleno de simbolismo, que otorgaba gran relevancia al sustrato material de la obra. Se inició en el grupo "Dau al Set", algunos de cuyos componentes practicaron también el grabado, como Modest Cuixart, Joan Ponç y Joan-Josep Tharrats; entre 1948 y 1956 el grupo publicó la revista homónima, que mostró algunas de sus obras. Ya en solitario, Tàpies practicó el grabado de forma secundaria a su pintura, pero dejando obras de gran calidad con técnicas diversas: practicó tanto la litografía como la calcografía y la serigrafía, así como el cliché tipográfico. En su obra destaca la serie "Cataluña", en serigrafías de gran tamaño, así como ilustraciones de libros como "La nuit grandissante" de Jacques Dupin (1967), "Air" de André Bouchet (1971) y "La clau del foc" de Pere Gimferrer (1973).


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text: Otro exponente del informalismo español fue Antonio Saura, uno de los fundadores del grupo El Paso (1957-1959), en el que también figuraban Manolo Millares, Rafael Canogar, Luis Feito, Juana Francés, Manuel Rivera, Martín Chirino, Manuel Viola y el escultor Pablo Serrano; todos ellos fueron creadores de estampas. Saura fue quizá el miembro más destacado, autor de obras gestuales, expresivas, de colores sobrios —preferentemente el negro y el blanco—, en imágenes donde no excluye la figuración, unas figuras deformadas semejantes a monstruos. Cabe citar también al escultor vasco Eduardo Chillida, que fue también un notable grabador, autor de unas doscientas estampas —algunas de ellas murales— e ilustraciones de libros: "Les chemins des devins suivi de menerbes" de André Frénaud (1966), "Meditation in Kastilien" de Max Hölzer (1968), "Die Kunst und der Raum" de Martin Heidegger (1969), "Más allá" de Jorge Guillén (1973), "Le sujet est la clairiere de son corps" de Charles Racine (1975), "Adoración" de José Miguel Ullán (1977). Casi toda su producción gira alrededor de la reflexión espacial sobre el plano y el volumen escultórico.


title: Historia del grabado

text: Como reacción a la abstracción informalista surgió la llamada Nueva figuración, un movimiento que recuperó el arte figurativo, con cierta influencia expresionista y con total libertad de composición. Aunque se basaban en la figuración no quiere decir que esta fuese realista, sino que podía ser deformada o esquematizada a gusto del artista. Entre sus componentes se encuentran: Francis Bacon, creador de un universo centrado en la figura humana aislada o en pequeños grupos, generalmente deformada, en espacios cerrados pero indefinidos, lo cual trasladó también al grabado; Bernard Buffet ilustró diversas publicaciones, como "Los cantos de Maldoror" del conde de Lautréamont (1952), "La Pasión de Cristo" (1954), la "Voz humana" de Jean Cocteau (1957), "Les Voyages Fantastiques" de Cyrano de Bergerac (1958) o "El Infierno" de Dante (1976); Lucian Freud se especializó en retratos y desnudos, con un realismo descarnado, trabajando generalmente en aguafuerte, una técnica que le permitía desarrolar sus cualidades de dibujante de forma óptima ("Una pareja", "Cabeza de mujer", "La madre del pintor", "Bella"); el chileno Roberto Matta también destacó en la ilustración: "Los cantos de Maldoror" de Lautréamont (1938), "La palabra es de Péret" de Benjamin Péret (1941), "Arcano 17" de André Breton (1945), "Empleo del tiempo" de Michel Butor (1956), "Atalayas sobre blancos" de Henri Michaux (1959). Los miembros del grupo CoBrA (Karel Appel, Asger Jorn, Corneille, Pierre Alechinsky, Constant Nieuwenhuys) también practicaron el grabado, sobre todo la litografía, en obras que destacan por el trazo grueso y los colores vivos.


title: Historia del grabado

text: Desde 1950 se desarrolló el arte cinético (también llamado "op-art", «arte óptico»), un estilo que puso énfasis en el aspecto visual del arte, especialmente en los efectos ópticos, que eran producidos bien por ilusiones ópticas (figuras ambiguas, imágenes persistentes, efecto de moiré), bien mediante el movimiento o los juegos de luces. Era un estilo abstracto pero racional, compositivo, al contrario que el informalismo. Entre sus miembros destacan Victor Vasarely y Eusebio Sempere. Vasarely trabajó en sus inicios como creador gráfico para agencias de publicidad. Posteriormente realizó una notable obra gráfica en la que recreó su universo cinético, basado en efectos ópticos. Trabajó sobre todo en serigrafía: "Chell" (1949), "Álbum Vasarely" (1958), "Álbum III" (1959), "Constelaciones" (1967). Sempere centró su obra en los estudios de luz y las vibraciones ópticas, partiendo en ocasiones de paisajes o elementos figurativos que convierte en abstracciones de intenso lirismo. En 1969 realizó una serie de serigrafías sobre poemas de Góngora.


title: Historia del grabado

text: Un artista inclasificable que comenzó a tener éxito en los años 1950 fue M. C. Escher, que creó una obra de corte fantástico donde recreaba mundos imaginarios y objetos imposibles. Practicó la xilografía, la litografía y la "mezzotinta", con unos cuatrocientos originales de los que se realizaron docenas, cientos o miles de reproducciones, según la obra. En sus imágenes se combinan conceptos geométricos y matemáticos, así como figuras de animales fantásticos y otros productos de su imaginación.


title: Historia del grabado

text: Entre los años 1960 y 1970 se produjo una revalorización de la litografía, especialmente en Estados Unidos. Influidos por el uso heterodoxo que Picasso hizo de esta técnica entre 1945 y 1950, en que dibujaba y arañaba sobre la piedra, muchos artistas trabajaron la litografía con métodos no convencionales. En 1960, June Wayne fundó en Los Ángeles el Tamarind Lithography Workshop, que marcó profundamente la producción gráfica estadounidense de esas décadas. Le siguieron otras compañías, como Universal Limited Art Editions (ULAE) y Gemini GEL. Muchos artistas trabajaron con esas empresas, como Josef Albers, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Robert Motherwell, Elaine de Kooning, Richard Diebenkorn, Jim Dine, Gego, Mel Ramos, Edward Ruscha, Sam Francis, Rufino Tamayo, Louise Nevelson, Philip Guston, etc.


title: Historia del grabado

text: En esos años se desarrolló en Estados Unidos el "pop art", un estilo con un marcado componente de inspiración popular que tomó imágenes del mundo de la publicidad, la fotografía, el cómic y los medios de comunicación de masas. Uno de sus principales exponentes fue Andy Warhol. Solía trabajar mediante serigrafía, en series que iban desde los retratos de personajes famosos como Elvis Presley, Marilyn Monroe, Jacqueline Kennedy o Mao Tse-tung, pasando por sus truculentas series de "Catástrofes", "Sillas eléctricas" y "Disturbios raciales", hasta todo tipo de objetos, como sus series de latas de sopa Campbell o de Coca-Cola, elaborados con un colorismo chillón y estridente y una técnica pura, impersonal. Warhol escogía sus imágenes de los medios de comunicación de masas, imágenes estereotipadas, que recortaba y encuadraba para enviarlas al taller de serigrafía, donde se ampliaban, se escogía el formato y el color y se hacía la tirada, sobre papel o tela, en series no numeradas. Su obra es fría, indiferente, uniforme y mecanizada, la adecuada para una sociedad industrializada encaminada al consumo. Incluso la muerte es tratada de la misma forma distante y fría, ya que no deja de ser una imagen habitual en los medios de comunicación. Otro exponente estadounidense fue Roy Lichtenstein, que se inspiró en el cómic, con imágenes en viñetas que a menudo muestran el punteado propio de las ediciones impresas. Son imágenes triviales, casi vulgares, pero enfatizadas de tal forma que transmiten las emociones de los personajes, aunque con un aspecto frío y mecánico.