title: Jesus Christ Superstar (película)

text: Fue una de las películas más controvertidas de su época por presentar a los actores como "hippies"; por presentar la pasión de Cristo desde el punto de vista de un Judas psicodélico, frustrado y existencialista; por presentar a un Jesús dominado por sus propios miedos, alejándolo de los Evangelios, y porque es una "ópera rock". Todos los diálogos son canciones interpretadas por los actores en ese género musical.


title: Jesus Christ Superstar (película)

text: La banda sonora compuesta por Tim Rice y Andrew Lloyd Weber vendió millones de discos por todo el mundo. Los discos originalmente fueron presentados en vinilo y eran de larga duración (LP); la fotografía de la portada ilustraba una crucifixión. La obra musical es considerada "ópera rock".


title: Jesus Christ Superstar (película)

text: La película fue dirigida en 1973 por Norman Jewison y filmada en Israel y otras localizaciones de Oriente Próximo. La canción «No sé cómo amarle» («I Don't Know How to Love Him»), cantada por el personaje de María Magdalena, fue un éxito de ventas. Los actores principales de la cinta eran Ted Neeley en el papel de Jesús, Carl Anderson en el de Judas e Yvonne Elliman en el papel de María Magdalena.


title: Columna (base de datos)

text: En el contexto de una tabla de base de datos relacional, una columna, campo o atributo es cada uno de los valores únicos (datos) que proporcionan la estructura según la cual se descomponen las filas (registros o tuplas) de una tabla. Los datos de cada campo pueden ser de diferentes tipos, pero solo uno por columna: numéricos, alfanuméricos, lógicos (verdadero o falso), de texto, multimedia, binarios, etc. El conjunto de valores que puede tener el contenido de un campo se denomina dominio.


title: Columna (base de datos)

text: Para evitar la inconsistencia de una estructura de campos, al diseñarla, se deben seguir las formas normales, sobre todo en bases de datos de gran tamaño.


title: Columna (base de datos)

text: Cada fila proporcionaría un valor de los datos para cada columna y después sería entendida como solo simple valor de datos estructurado en varias partes constituidas como tal, por eso en este caso representando a una compañía. Más formalmente seria, cada fila puede ser interpretada como una variable relacional, compuesta por un conjunto de tuplas, con cada tupla consistiendo en los dos elementos: el nombre de la columna relevante y el valor que esta fila proporciona para esa columna.


title: Controversia

text: Áreas perennes de controversia son la religión, filosofía, política, ciencia, deportes e incluso entretenimiento. La controversia en temas de teología tradicionalmente ha sido de excepcional preocupación y la misma en general se considera divisora en una sociedad dada; algunos temas controvertidos son considerados tabú o muy delicados para ciertos sectores, a menos que un grupo dado de personas puedan tratar el tema desde una perspectiva común para discutir y compartir las posturas personales de cada quien sobre la cuestión.


title: Controversia

text: A menudo se considera que controversia es sinónimo de polémica y si bien es verdad, este último se usa más en relación con el cuestionamiento o la duda de aceptación acerca de algo o alguien.


title: Amurrio

text: Amurrio es una localidad y municipio español de la provincia de Álava, en la comunidad autónoma del País Vasco. Se sitúa en la cuadrilla de Ayala.


title: Amurrio

text: Amurrio es un topónimo que aparece documentado de esa forma desde el siglo XI sin que haya tenido otras variantes conocidas, siendo históricamente utilizado tanto en lengua vasca como en castellano. Su origen y significado etimológico son desconocidos.


title: Amurrio

text: Se ha tratado de buscar un origen etimológico al nombre de tipo descriptivo basado en la lengua vasca, pero las explicaciones así conseguidas parecen bastante forzadas, como en los casos por ejemplo de "amu urri" (moras escasas) o "(h)ar murru" (muro/sierra de piedra); algunas de las explicaciones que se han llegado a proponer para explicar el origen etimológico del nombre Amurrio.


title: Amurrio

text: Sin embargo, la mayor parte de los filólogos de prestigio que han estudiado el asunto opinan que Amurrio es un antropónimo. Koldo Mitxelena pensaba que Amurrio derivaría de un primitivo "Amurriano" transformado en Amurrio por mutación del sufijo "-iano" en "-io". El fenómeno de la pérdida de la "n" intervocálica es un fenómeno muy habitual en la toponimia vasca y existe un caso, Ochandiano → Otxandio, que se ajustaría como un guante al caso de Amurrio. Sin embargo, esta hipótesis presenta el problema de que no está documentado "Amurriano" y que la forma Amurrio es muy antigua, lo que indicaría que este fenómeno se habría producido en una época muy temprana, anterior a los otros casos documentados.


title: Amurrio

text: Sobre el supuesto nombre personal "Amurri" que estaría en el origen del topónimo, existió una población en el siglo IX llamada "Amurrihuri" en la zona de los montes Obarenes en la provincia de Burgos. Esta zona fue repoblada por vascos y el sufijo "-(h)uri" en lengua vasca es equivalente al castellano villa. Suele venir acompañado en ocasiones de nombres propios y en otras de nombres comunes. Aunque no vale para demostrar que "Amurri" fue un nombre propio, sí que permite considerarla una hipótesis plausible. Alfonso Irigoyen apuntó la posibilidad de que este nombre estuviera relacionado con "amurru" que significa rabia en lengua vasca y que fue utilizado como sobrenombre en la Edad Media. Cita un Lop Amurru que vivió en Navarra en el siglo XIII.


title: Amurrio

text: El municipio se divide en diez concejos. La población homónima de Amurrio es la capital del municipio y su principal núcleo de población con 9263 hab, lo que supone cerca de un 90% de la población total municipal. Los nueve concejos restantes pertenecieron a los municipios de Arrastaria y Lezama, antes de que fueron absorbidos por Amurrio en 1976.


title: Amurrio

text: Nota: Los datos de población corresponden al INE. Nomenclátor: Población del Padrón Continuo por Unidad Poblacional.


title: Amurrio

text: La economía de Amurrio está basada en la industria. Posee una industria sidero-metalúrgica muy fuerte centrada en la fabricación de tubos de acero. En Amurrio están asentadas dos empresas punteras en ese sector: Tubos Reunidos y Tubacex, que emplean casi 1500 trabajadores entre las dos. La plantilla de Tubos Reunidos en Amurrio (incluyendo su filial Inauxa) supera los 1000 empleados.


title: Amurrio

text: Empresas industriales asentadas en Amurrio que según el Catálogo Industrial Vasco superan los 50 trabajadores:


title: Amurrio

text: Debido a la fuerte presencia de grandes compañías industriales, Amurrio ha desarrollado una densa red de empresas de tamaño medio relacionadas con el sector del metal.


title: Amurrio

text: Pese a que el sector agrícola se sitúa en un segundo plano, cabe señalar la importancia de empresas relacionadas con el huerto ecológico y el ganado ovino y bovino.


title: Amurrio

text: Grupo micológico que se dedica a la cultura de los hongos o setas. Esta sociedad fue creada en 1981 y en aquel momento se eligió presidente a Luis Roberto López que estuvo al mando hasta el 2011, en el cual se ha elegido una nueva directiva con un nuevo presidente. Uno de los promotores fue el difunto Felix Murga.


title: Amurrio

text: El Parque Aresketamendi de las energías renovables, está dedicado al aire, sol, agua y biomasa con 26 ingenios energéticos, donde los niños y adultos pueden probar y comprobar por sí mismos el funcionamiento de tales artilugios. El Municipio de Amurrio, en su apuesta decidida por la sostenibilidad, ha transformado parte del entorno del cerro de "Aresketamendi" en un enclave dirigido a transmitir de una manera didáctica y lúdica, las energías renovables ligadas al sol, al agua, al viento, a la biomasa...


title: Amurrio

text: El Museo del Licor de Amurrio es el primero de este tipo en Euskadi. Recorre la trayectoria de la destilería Manuel Acha, fundada en 1831, que cuenta con marcas tan famosas como el licor Karpy o Pacharan Sierra de Orduña. El Museo del Licor realiza un recorrido por la historia de la fabricación de brebajes. Se recogen barricas utilizadas a primeros de siglo, libros de contabilidad, material publicitario de primeros del S.XX y referencias al equipo ciclista Karpy, equipo profesional de los años 60 y 70 (camisetas, bicicletas). El recinto tiene aproximadamente 250 metros cuadrados distribuidos en 3 salas.


title: Amurrio

text: Es la mayor bodega productora de txakoli con D.O. Arabako Txakolina. La visita comprende un recorrido por la txakolineria y una degustación en el txoko.


title: Amurrio

text: Es el txakolí un vino característico del Alto Nervíon y de la zona vasco-cantábrica, de baja graduación, fino paladar y alegre color pajizo. Topónimos como "La Viña", "Mahatsondo" y "Maskuribai" (El río del viñedo, según Barrengoa), así como el pago de diezmos en txakoli, como se hacía en Larrimbe, dicen bien a las claras la importancia que en otros tiempos tuvo el viñedo en la zona de Amurrio y alrededores. La historia nos viene a confirmar este dato, al fechar el año 864 la presencia de la viña en Retes de Tudela, cerca de Arceniega. Enfermedades como el mildiu y la filoxera a finales del siglo XIX y principios del XX, redujeron drásticamente el viñedo de estas tierras.


title: Amurrio

text: En 1989, se fundó la asociación Arabako Txakolina, con sede en Amurrio, que ha representado un resurgir de este producto tan típico de la tierra y de cuya calidad hablan los premios internacionales que en pocos años ha conquistado.


title: Amurrio

text: También dispone de un club de baloncesto, el Zaraobe ST, club fundado en 1985 por Marcos Maroto. Actualmente cuenta con más de 150 miembros y alrededor de 10 equipos, 2 de ellos federados. Sus comienzos fueron en Lucas Rey. Ahora cuenta con pabellón multiusos conocido como el Bañueta Center.


title: Sopa de ajo

text: La sopa de ajo, también llamada sopa castellana, es un tipo de sopa típica de varias regiones de España, que cuenta con algunas variantes regionales. Su origen suele situarse en las regiones de Castilla y León. Contiene fundamentalmente agua o caldo, pan (que suele ser pan duro que ha sobrado de días anteriores), pimentón, laurel, ajo, aceite de oliva y huevo escalfado. Se trata de una sopa de origen humilde; está, como todo plato popular, sometido a múltiples variantes, según la economía de la familia y los gustos del cocinero, por lo que es común que se le añadan otros ingredientes. En algunas comarcas de Zamora es un plato asociado a la cocina de la Semana Santa.


title: Sopa de ajo

text: Ha sido un almuerzo muy frecuente en la antigüedad en muchos sitios de España. Se desayunaba con un café bebido al alba y un par de horas después, para mantener las fuerzas, se tomaban las sopas de ajo, generalmente con uno o dos huevos dentro, que se cocinaban con el calor de la sopa. En ciertos lugares de España es uno de los platos típicos de la cuaresma, y constituye uno de los olores que rondan por los aires de las diferentes procesiones de Semana Santa. Se trata de un plato adecuado a las costumbres religiosas, al no incluir carne, y su textura y composición recuerda mucho a la estética y sobriedad de estas fechas. Se toma muy a menudo, casi durante cualquier hora del día, durante la Semana Santa. En Zamora suele tomarse como desayuno tras las procesiones nocturnas.


title: Sopa de ajo

text: Es costumbre además que se sirva esta sopa tras noches de actividad, y algunos autores mencionan lo sano de esta ingesta matutina debido a que es de fácil digestión, actuando al mismo tiempo como emoliente y neutralizante de la mucosa estomacal irritada por los abusos.


title: Sopa de ajo

text: El conjunto puede estar mucho tiempo en agua que dependiendo de la cantidad a servir puede ser entre una y dos horas. El toque final, unos minutos antes de servir, suele ser los huevos que se echan sobre la sopa, rompiéndolos sobre la superficie exterior, de tal forma que la yema se remueve (con una cuchara de palo) por el interior de la sopa y la clara forma una especie de hilos blancos característicos de esta receta.


title: Sopa de ajo

text: Se sirve muy caliente, habitualmente en una cazuela de barro, de variadas formas. Existen autores que desaconsejan el uso de vino blanco como acompañamiento de la sopa, indicando más correcto el vino tinto. Es considerado un refinamiento moderno el meter la sopa en el horno unos minutos antes de ser servido y dejar que se recubra de un «costrón».


title: Sopa de ajo

text: Una variante regional, denominada sopa de ajo a la andaluza, contiene los mismos elementos que la sopa de ajo tradicional, pero añadiendo al agua pura de la cocción una coliflor. La sopa de ajos a la andaluza no lleva pimentón como en otras partes de España, y no es caldosa sino espesa. En la costa le suelen verter trozos de pescado.


title: Sopa de ajo

text: En la sopa de ajo aragonesa se añaden huevos y picatostes. En cada zona de España se elabora la sopa de ajo de una manera particular, incluso cambiándole el nombre: en la provincia de Cuenca la variante local toma el nombre de sopa de pastor; cuando en lugar de emplear pimentón se usan pimientos choriceros suele llamarse al plato sopa a la navarra. En La Rioja, vierten pedazos de tomate y pimientos. En el País Vasco, se prepara una sopa de ajo con bacalao llamada zurrukutuna, elaborada con pan de sopa: sopako.


title: Sopa de ajo

text: Había una diferencia importante entre la sopa que se hacía en las provincias Leonesas, donde el pan se añade al final de la cocción al caldo, mientras que en las provincias castellanas se cuece el pan en el caldo; con la actual movilidad de la gente entre una región y otra, esa diferencia se ha reducido un poco. De ahí que la denominación de sopa castellana deba aludir específicamente a aquella en la que se cuece el pan en el caldo. Esta particularidad hace que en zonas de Castilla existan además unas sopas de ajo secas (que a veces se llama pastel de ajo), que se terminan en el horno, y que se cuecen tanto que el caldo se consume casi totalmente, aunque dejando el pan húmedo y con una costra dorada por encima.


title: Sopa de ajo

text: Existen evidentemente otras variantes que consisten en modificar o añadir algunos de los ingredientes básicos de este plato tan tradicional. Suelen ser provinciales o bien una mezcla con ideas de creatividad anónima. Así por ejemplo hay una sopa de ajo soriana a la que se añade un puñado de setas senderuelas al refrito con los ajos y el pimentón. En Segovia se le añaden cominos y se deja reposar la sopa en el horno. Existe una sopa de ajo mallorquina que se elabora con cebolletas tiernas y berzas.


title: Sopa de ajo

text: En la cocina madrileña (muy influida por la cocina castellano-manchega), son un plato muy importante durante las celebraciones de Semana Santa, denominándose sopa de ajo madrileña. A comienzos de , eran un plato muy habitual en los cafés de tertulia. La sencillez de su elaboración, y lo barato de sus ingredientes la convertía en un elemento presente siempre en el menú de tascas y figones.


title: Sopa de ajo

text: En Portugal, en la región del Alentejo, existe una variedad de sopa de ajo denominada, en portugués, "açorda alentejana". En esta sopa, en lugar de utilizar pimentón, se utiliza cilantro, quedando un plato bastante aromático.


title: Kristine Froseth

text: Kristine Froseth (Nueva Jersey, 21 de septiembre de 1996) es una actriz y modelo noruego-estadounidense.


title: Kristine Froseth

text: Froseth nació en Estados Unidos de padres noruegos y sus primeros años de vida los pasó viajando de un lado a otro entre Oslo (Noruega) y Nueva Jersey debido al trabajo de su padre.


title: Kristine Froseth

text: A los 16 años de edad, comenzó a trabajar como modelo tras ser descubierta en una audición para la pasarela en el centro comercial Ski Storsenter en Noruega, y también fue descubierta por IMG Models mientras estaba en Nueva Jersey en un desfile de moda. Ha desfilado para marcas como Armani, Miu Miu, H&M y etc.


title: Kristine Froseth

text: Su carrera como actriz comenzó cuando un director de casting encontró sus fotos y la animó a presentarse a la adaptación cinematográfica de la novela de John Green "Buscando a Alaska". En 2016, fue elegida para el piloto de una posible adaptación a serie de la novela "Déjame entrar". En 2018, protagonizó dos películas de Netflix, "Sierra Burgess Is a Loser" y Apostle.


title: Centro Médico Nacional La Raza

text: El Centro Médico Nacional La Raza es un complejo hospitalario ubicado al norte de la Ciudad de México. Fue creado en 1954 y es administrado por el Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS) Al contar con unidades de alta especialización, este centro cuenta con procedimientos médicos que sólo se realizan en este centro, por lo que atiende diariamente a miles de derechohabientes de distintos estados del país. Igualmente desde épocas tempranas de su creación se realiza investigación y procedimientos pioneros en la medicina mexicana.


title: Centro Médico Nacional La Raza

text: La idea inicial de este centro fue la de concentrar atención médica para la zona norte de la Ciudad de México la cual reportaba crecimiento por distintos factores, entre otros, la zona de Industrial Vallejo. En su concepción el arquitecto Enrique Yáñez plasmó distintas ideas desarrolladas en su experiencia en la construcción hospitalaria en México, la cual ya había realizado entre otros edificios en el Centro Médico Nacional Siglo XXI. Se realizó una primera inauguración el 12 de octubre de 1952, aunque entró en funciones el 10 de febrero de 1954 con una capacidad inicial de 800 camas.


title: Centro Médico Nacional La Raza

text: En su interior se encuentran los murales "El pueblo en demanda de salud", de Diego Rivera y "Por una seguridad completa y para todos los mexicanos" de David Alfaro Siqueiros, hecho entre 1952 y 1954 en un espacio construido por Yáñez para dicha obra.


title: Centro Médico Nacional La Raza

text: En 1963 fue inaugurado el Hospital de Gineco Obstetricia número 3, el cual fue designado para el tratamiento de embarazos de alto riesgo, prematurez natal, enfermedades degenerativas.


title: Centro Médico Nacional La Raza

text: El 20 de abril de 1979 fue inaugurada la Unidad Médica de Alta Especialidad (UMAE) Hospital de Especialidades y el Banco Central de Sangre del IMSS. El hospital contaba entonces con 35 áreas médicas. En 1978 se realizaron distintos cambios arquitectónicos y distribución de espacios para la enseñanza y la investigación, como un auditorio. Pacientes con diversos padecimientos y heridas tras episodios como las Explosiones de San Juan Ixhuatepec de 1984 y el Terremoto de México de 1985 fueron atendidos en este hospital. Tras este sismo el hospital recibió a cerca de 250 médicos que laboraban en el Centro Médico Nacional, que resultó parcialmente derrumbado en ese hecho.


title: Centro Médico Nacional La Raza

text: El 4 de agosto de 1994 se decidió nombrarlo en honor al reumatólogo Antonio Fraga Mouret, médico destacado en esta especialidad y coincidiendo con su retiro de la actividad profesional.


title: Centro Médico Nacional La Raza

text: En este hospital se realizan distintos procedimientos como la cirugía de tiroides y de cuello con abordaje endoscópico trans oral, siendo la única dependencia del IMSS en realizarlo. Cuenta con un Banco de Cordón Umbilical en el Banco Central de Sangre, sitio donde se producen células hematopoyéticas para trasplantes.


title: Centro Médico Nacional La Raza

text: Inaugurado en 1954, tiene un flujo de aproximadamente 10 mil personas. Su infraestructura hospitalaria cuenta con 517 camas censables, Y 221 no censables. Tiene 21 salas de operaciones, 48 consultorios, dos servicios de admisión continua uno para pediatría y otro para adultos con 30 camas cada uno y seis unidades de terapia intensiva.


title: Centro Médico Nacional La Raza

text: Inaugurado en 2017, tiene como objetivo el almacenamiento y preservación de tejido de córneas. En este sitio se realizan 35 procedimientos cada mes.


title: Centro Médico Nacional La Raza

text: El hospital se caracteriza por la realización de investigación médica y la realización pionera de distintos hitos médicos en México y en América Latina, entre los cuales están:


title: Frontera entre Honduras y El Salvador

text: La frontera entre Honduras y El Salvador es una frontera administrativa situada al norte de El Salvador y al sur de Honduras. Separa los departamentos salvadoreños de Usulután, Cabañas, San Miguel, La Unión, Morazán y Chalatenango de los departamentos hondureños de Lempira, Intibucá, Valle, La Paz y Ocotepeque.


title: Frontera entre Honduras y El Salvador

text: La frontera pasa en el punto más alto del territorio de El Salvador, Cerro El Pital, y es delimitada por el río Goascorán. Consiste de dos partes:


title: Frontera entre Honduras y El Salvador

text: La frontera se estableció por primera vez en 1841 cuando los dos países formaban parte de las República Federal de Centroamérica y se separaron de esta federación junto con Nicaragua para formar una confederación. En 1856, los tres países se separaron estableciendo las fronteras internacionales actuales.


title: Frontera entre Honduras y El Salvador

text: En el 19 de enero de 1895, los gobiernos de Honduras y El Salvador, siendo representados por Manuel Bonilla, enviado extraordinario y ministro plenipotenciario de Honduras en El Salvador y Jesús Velasco, subsecretario de Relaciones Exteriores de El Salvador, firmaron una Convención de Límites. Estos convinieron que los gobiernos respectivos nombran comisionados que organicen una Comisión Mixta de límites encargada de resolver de una manera amigable todas las dudas y diferencias pendientes. Éste convenio es aprobado por el gobierno salvadoreño en el 23 de febrero del mismo año. No se llevó a cabo la demarcación de los límites dentro de los 10 años señalados por la Convención, y por tanto se firmó en el 24 de septiembre de 1906 en San José, Costa Rica una Convención de prórroga de 10 años para la Convención.


title: Deyanira

text: En la mitología griega, Deyanira (en griego antiguo, Δηϊάνειρα o Δῃάνειρα: literalmente, «que vence a los héroes») era la tercera esposa de Heracles, y es conocida principalmente por su papel en la historia de la túnica de Neso. Deyanira es la protagonista de la obra "Las traquinias", de Sófocles.


title: Deyanira

text: Según la tradición más extendida Deyanira era la hija de Altea y Eneo, rey de Calidón, pero una versión nos dice que Altea tuvo a Deyanira en realidad de Dioniso.Al menos un autor también dice que fue hija de Dexámeno.Cuando su hermano Meleagro murió, todas sus hermanas lamentaron su muerte en su tumba. Artemisa, enfadada, las tocó con su vara convirtiéndolas en pájaros, con la excepción de Deyanira y Gorge, que pudieron retener su forma humana gracias a la intervención de Dioniso.


title: Deyanira

text: Su padre Eneo la había prometido en matrimonio con el temible dios-río Aqueloo. Sin embargo, Deyanira no era una princesa pasiva, pues «conducía un carro y practicaba el arte de la guerra», como señala Apolodoro,y no quería tener nada que ver con su pretendiente. Se dice que Heracles, habiendo llegado a Calidón, pretendió a Deyanira, pero tuvo que enfrentarse a Aqueloo para ganarse su mano. Ambos lucharon, y a pesar de que Aqueloo podía adoptar diferentes formas, como la de una serpiente o toro, finalmente sucumbió a la fuerza de Heracles. Este le había arrancado uno de sus cuernos en señal de victoria.Deyanira le dio a Heracles cuatro hijos: Hilo, Gleno, Ctesipo y Onites.Hilo es especialmente importante porque de él descienden los heráclidas que protagonizaron la invasión doria. Las versiones de los trágicos nos dicen que Deyanira también le había dado una hija a Heracles, Macaria.Otros más refieren que Deyanira era hija de Dexámeno y que Heracles la había forzado, prometiendo casarse con ella; y que el centauro contra el que luchó fue Euritión.


title: Deyanira

text: La historia principal de Deyanira es la de la túnica de Neso. Se dice que Heracles llegó con Deyanira al río Eveno, junto al cual se situaba el centauro Neso para cruzar a los viajeros mediante paga, alegando que había recibido tal privilegio de los dioses por su rectitud. Heracles pasó el río por sí solo y, cuando Neso reclamó el estipendio, le encargó que transportara a Deyanira. Neso aprovechó la situación para intentar forzarla por lo que esta comenzó a chillar asustada. Heracles vio lo que ocurría desde la otra orilla y disparó una flecha envenenada (con la sangre de la Hidra de Lerna) al pecho de Neso. Agonizando, el centauro llamó a Deyanira y le mintió contándole que si quería un filtro amoroso para retener a Heracles, debía mezclar el semen derramado en tierra con la sangre que fluía de la herida causada por la flecha. Deyanira creyó las palabras del centauro y guardó un poco del veneno. Pasado el tiempo Heracles se marchó para continuar sus hazañas bélicas y por el heraldo Licas se enteró de que Heracles había tomado como su nueva esposa a Yole. Deyanira, sintiéndose desplazada, aprovechó para utilizar el filtro de amor y untó con la sangre de Neso la famosa túnica de cuero de Heracles. Mandado por ella Licas le llevó la túnica. El héroe se la puso y murió lenta y dolorosamente al quemarle la piel la prenda (con llamas reales o por el calor del veneno). Desesperada al ver lo que había hecho involuntariamente, Deyanira se suicidó (según algunas versiones ahorcándose y según otras apuñalándose en el pecho).


title: Instrumentos musicales folclóricos de Honduras

text: Algunos de los instrumentos musicales folclóricos de Honduras no fueron creados ni desarrollados en ese país, como es el caso de la marimba;sin embargo, son muchos los años que estos instrumentos han formado parte de las tradiciones y costumbres de Honduras, logrando incluirlas dentro de la familia de instrumentos autóctonos del país centroamericano.


text: Compuesto por un tubo de madera o jícara, uno de sus extremos va cerrado por un cuero perforado por una vara o cuerda, a los cuales se les encera para que, al rozar los dedos de quien lo ejecuta, no deslicé fácilmente; el otro extremo de la jícara es cerrado. También esta base de metal y plástico.


text: Este instrumento está formado por un palo grande arqueado, unido en sus extremos por una cuerda, la que es golpeada por quien la ejecuta con una varita a fin de que suene, sirviéndole como caja de resonancia una jícara.


text: Este instrumento consiste en un tubo de madera, forrado en cada extremo por una piel o cuero. Se toca con palitos o varitas por uno de sus extremos. Es un instrumento de percusión.


text: Este instrumento tiene una embocadura similar a la del clarinete, con cinco agujeros en la parte superior y uno en la parte inferior. Al ejecutarse se le da el nombre de Sifanero y generalmente es acompañado por tambores.


text: Este instrumento es uno de los más antiguos que existen. Su sonido es producido por semillas de vegetales o piedrecitas que son sacudidas. Los garífunas le dan especial importancia a la maraca, máximo cuando es usada por el buyey que es el guía espiritual, médico y adivino; estas maracas son especiales y no pueden ser usadas en festividades profanas.


text: La ejecución de este instrumento se basa en un arco con crin ("Cabello") de caballo. Su uso es muy frecuente en las áreas rurales de [Honduras]. Su función es melodista y su manufactura artesanal, de carácter rústico.


text: Es el instrumento musical más grande de los instrumentos de cuerda, y posee cuatro cuerdas las cuales son tocadas sin necesidad del arco para dar uso exclusivo a los dedos del ejecutante. La dificultad de su construcción provoca que sea suplantado por el bajo eléctrico. En las áreas campesinas se encuentra de construcción rústica de dos, tres y cuatro cuerdas.


text: Este instrumento se ejecuta percutiendo los extremos libres de su cara ventral, con un palo de madera o clavo largo. Sus sonidos varían de acuerdo a las partes que se percuten, dándole al ritmo un toque y sonido especial.


text: De procedencia africana, asentándose en México y Guatemala. Este delicado instrumento cuenta de un armazón de madera, de donde cuelgan cajones de diferentes tamaños, sobre este armazón va colocado un teclado principal, que puede ser doble o sencillo, tiene similitud con el piano.


text: En la cultura garífuna es utilizado como medio de comunicación. Cuando los pescadores regresan del mar, hacen sonar el uadabu, avisando a la población que llegó el pescado fresco.


text: Es el instrumento folclórico por excelencia y el más difundido en Honduras, como también en toda Latinoamérica. Es el instrumento de más larga supervivencia en el mundo. Su nombre lo recibe del árabe gitara, como transcripción del griego kithara. Conformada por seis cuerdas, seis clavijas, un diapasón con veintiocho trastes y una caja armónica.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: Boedo es uno de los 48 barrios de la ciudad de Buenos Aires, Argentina. Está delimitado por Avenida Independencia, Sánchez de Loria, Avenida Caseros y Avenida La Plata. Limita con los barrios de Almagro al norte, San Cristóbal y Parque Patricios al este, Nueva Pompeya al sur, y Parque Chacabuco y Caballito al oeste. Pertenece a la Comuna 5.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: Tiene una superficie aproximada de 2,61 km² y una población de habitantes según el censo de 2010. Su densidad poblacional es de habitantes/km².


title: Boedo (Buenos Aires)

text: Boedo nació como un típico barrio proletario del sur de la ciudad que cobró notoriedad con la aparición de la literatura social desarrollada a partir de la irrupción del Grupo Boedo. Se fue desarrollando en torno a la avenida homónima, tomó su nombre y lo oficializó con sus límites a partir de 1972. Sus antiguas casas contrastan, como en varios barrios de la Capital Federal, con los modernos edificios construidos en los últimos años. A pesar del gran número de tangos que hablan de Boedo, este es uno de los barrios más frescos y jóvenes.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: La autopista 25 de Mayo, paralela a la Avenida San Juan y Avenida Pavón, cruza el barrio de este a oeste.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: Boedo es el único barrio de la ciudad de Buenos Aires que toma su nombre en relación con una avenida específica. La Avenida Boedo lleva su nombre en honor al Dr. Mariano Joaquín Boedo desde el año 1882. El Dr. Boedo fue un brillante abogado salteño que nació en el año 1782 y fue diputado de su provincia. Dedicó su vida a la causa de la Independencia y fue signatario del Acta de la Independencia Nacional. Por su desempeño se lo nombró vicepresidente del Congreso de Tucumán. En el año 1817 se lo elige como presidente de la Ciudad de Buenos Aires y fallece dos años más tarde, con tan sólo 37 años.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: Originariamente, el espacio que ocupa el barrio de Boedo era un territorio compartido entre los barrios de Almagro, San Cristóbal y Parque de los Patricios. Allí había hornos de ladrillos, tambos, molinos panaderos, pulperías y almacenes. A principios del comienzan a aparecer los cafetines, el tango y los poetas.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: Aires lo incorporó al catastro municipal el 6 de marzo de 1882, cuando aún era una zona semi-rural que rodeaba a la calle Boedo. Esta calle era una importante vía de circulación, utilizada en las últimas


title: Boedo (Buenos Aires)

text: décadas del por vehículos de tracción a sangre y por las tropillas de animales. Ya entrado el , llegan a la zona los primeros tranvías eléctricos. La red tranviaria constituyó uno de los factores


title: Boedo (Buenos Aires)

text: de afincamiento de los primeros pobladores. El proceso de crecimiento apuntado tuvo particulares características en la barriada


title: Boedo (Buenos Aires)

text: Boedo está separado de Parque Patricios por la Avenida Caseros, de Almagro por Independencia, de San Cristóbal por la calles Sánchez de Loria y de Caballito y Parque Chacabuco por Avenida La Plata. Su superficie es de 2,6 kilómetros cuadrados


title: Boedo (Buenos Aires)

text: En la esquina de San Juan y Boedo, donde antiguamente estuvo ubicado el "Café del aeroplano", que luego pasó a llamarse "Nippon" y "Canadian", hoy se encuentra el café "Esquina Homero Manzi". Homero Manzi La mitología popular afirma que Manzi compuso allí la letra del tango "Sur" y el café fue declarado Sitio Histórico Nacional por la Ley número 24.704.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: La esquina de San Juan y Boedo es mencionada en el verso inicial del tango "Sur", una de las canciones más representativas de Buenos Aires. En honor a su autor, dicho punto ha sido denominado "Esquina Homero Manzi", y alberga varios festivales tangueros a lo largo del año. La Avenida Boedo recientemente fue denominada por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires "Paseo del Tango".


title: Boedo (Buenos Aires)

text: Otra de las importantes esquinas del barrio de Boedo es la de San Ignacio y Boedo. Allí se mantuvo durante años una especie de tribuna proletaria en donde se escuchaban las voces de los pensadores más importantes del Partido Socialista. En las décadas de 1920 y 1930 allí en el Café El Japonés se focalizó una gran actividad cultural con el Grupo Boedo de literatura de escritores cómo Roberto Arlt pero también músicos del tango cómo Juan de Dios Filiberto y también relacionada con jugadores, dirigentes y simpatizantes del Club Atlético Huracán En la década de 1980 se expusieron esculturas realizadas en Buenos Aires. La milonga "Cortada de San Ignacio", con música de Horacio Salgán y letra de Carmelo Volpe, recuerda la esquina que fue bautizada con el nombre de "Escultor Francisco Reyes" en honor al distinguido artista plástico y vecino de Boedo.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: Cuenta con una sola plaza, en más de 500 cuadras. Las últimas cifras indican que en el barrio existen 0,2 metros cuadrados verdes por habitante, muy por debajo de los 5,9 promedio con que cuenta la Ciudad, y todavía más relegado si se compara con el mínimo recomendado por ONU, que es de 10 metros cuadrados por habitante.En los últimos años se agravó la pérdida de espacios verdes en la Ciudad, que perdió en 2016 26 hectáreas de parques en un año.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: Boedo, en su espacio verde, presenta añejos árboles en sus veredas que dan vida natural a sus abiertas calles. Como dice el tango escrito por Dante A. Linyera, los habitantes se sienten identificados con su barrio:


title: Boedo (Buenos Aires)

text: En la Avenida Independencia, entre las calles Mármol y Muñiz, Boedo exhibe una pequeña placita que fue creada por los vecinos del barrio. Fue bautizada como "Placita de los vecinos" y la Asociación Civil Vecinal Florentino Ameghino se encarga de su cuidado y manutención. En 2010, el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires inauguró una plaza nueva, también a partir de la lucha de muchos vecinos, que agrupados en una asociación vecinal (Asociación Civil Cultural Ambiental Todos por la Plaza Boedo) lograron que el Gobierno de la Ciudad recuperara el predio que estaba por venderse y construyera la plaza.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: Por otro lado, se encuentra la plaza Lorenzo Massa, ubicada en José Mármol entre Inclán y Salcedo, levantada en parte del terreno que fuese propiedad del Club Atlético San Lorenzo de Almagro. El lugar le fue cedido a esa institución por una ley municipal en el año 2008.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: El Café Dante, que estaba ubicado en Boedo 745, fue famoso porque allí se reunían los jugadores y dirigentes del Club Atlético San Lorenzo de Almagro. También fue lugar de encuentro de los miembros de La República de Boedo. Funcionó al menos desde 1917 (la fecha del comienzo de sus actividades no se conoce con precisión) hasta la actualidad. El café Dante era el lugar identificado con la hinchada de San Lorenzo así como el antes mencionado Café El Japonés era el lugar de reunión de la gente del Club Huracán así cómo del Grupo Boedo de Literatura.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: El Café El Capuchino fue otro de los destacados cafés de Boedo. Aunque ya ha desaparecido, cabe recordar que allí supo bailar el más famoso de los bailarines de las primeras décadas, Ovidio José Bianquet, más conocido como «El cachafaz».


title: Boedo (Buenos Aires)

text: El Café Cultural «Bien Bohemio» ubicado en la calle Sánchez de Loria 745 era la casa donde vivió el compositor, arreglador y bandoneonista Titi Rossi, autor de grandes tangos y valses como «Bien Bohemio», «Azúcar, pimienta y sal», «Así bailaban mis abuelos», «Me han prohibido quererte», entre otros. Por este lugar pasaron infinidad de grandes voces del tango como Varela y muchos más. Sobre el 1700 de Avenida La Plata se encontraba el estadio del Club Atlético San Lorenzo de Almagro conocido como «Viejo Gasómetro». Luego el terreno pasó a estar bajo una empresa de supermercados, y posteriormente, el Club recuperó dicho predio.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: En el barrio de Boedo nacieron los primeros teatros independientes. Salas como la del teatro Florencio Sánchez y otras más comerciales como las del teatro América y el teatro Boedo, presentaron a figuras importantes del ámbito artístico. En estas salas se representaban piezas que previamente se habían dado en el centro de Buenos Aires. Además, sólo una Iglesia se eleva en el barrio de Boedo. La iglesia de San Bartolomé Apóstol, de estilo romántico, está ubicada en la Avenida Chiclana 3659. Sólo presenta una torre y un altar central con la imagen del santo. En uno de sus costados se encuentra el colegio mixto, primario y secundario, que lleva el mismo nombre.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: El grupo "Boedo" fue un conjunto de escritores argentinos y uruguayos de izquierda de la década de 1920. Entre sus miembros estaban Enrique Amorim, Leónidas Barletta, Elías Castelnuovo, Roberto Mariani, Nicolás Olivari, Lorenzo Stanchina, César Tiempo y Álvaro Yunque. (Ver Café El Japonés histórico lugar de reunión del grupo).


title: Boedo (Buenos Aires)

text: Entre las revistas asociadas con este grupo estaban "Dínamo", "Extrema Izquierda" y "Los Pensadores".


title: Boedo (Buenos Aires)

text: Olivari, que fue uno de los fundadores del grupo Boedo, luego formó parte del menos politizado Grupo de Florida. El escritor Roberto Arlt también tuvo contactos con ambos grupos y Roberto Mariani publicaba notas en "Martín Fierro" que estaba considerada dentro del Grupo de Florida.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: El barrio de Boedo está comunicado con el resto de la ciudad gracias a numerosas líneas de colectivos, y la línea E de subte (estaciones Boedo y Avenida La Plata).


title: Boedo (Buenos Aires)

text: Las principales arterias viales del barrio son las avenidas Boedo, San Juan, Independencia y La Plata.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: El Club San Lorenzo fue fundado en el año 1908 por iniciativa de un grupo de jóvenes que se juntaban a jugar al fútbol en la esquina de México y Treinta y Tres Orientales. Estos jóvenes fueron ayudados por el Padre Lorenzo Massa a conseguir un terreno para dejar de jugar al fútbol en la calle.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: El primer nombre del club fue «Los Forzosos de Almagro», pero ante la desaprobación del Padre Massa, se decidió el nombre de San Lorenzo. «De almagro» proviene de que la mayoría de los jóvenes residían allí. Su estadio fue construido en la Avenida La Plata e Inclán y por su forma se lo denominó El gasómetro. Luego de muchas victorias futbolísticas, en el año 1979 se comenzó a desmantelar y en su lugar se construyó un centro de compras. En la Avenida Perito Moreno y Varela, zona de Bajo Flores, se construyó el nuevo estadio que terminó por ser parte de la Ciudad Deportiva del club.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: Con el surgimiento de la pionera agrupación DeBoedoVengo, que el 30 de noviembre de 2000 impidió el gerenciamiento de San Lorenzo, empezó a tomar forma la posibilidad de que el club recupere el terreno de Avenida La Plata.


title: Boedo (Buenos Aires)

text: El 15 de noviembre de 2012, a través de la Ley de Restitución Histórica impulsada por Adolfo Res junto a la Subcomisión del Hincha de San Lorenzo, el club comenzó la definitiva «vuelta a Boedo».


title: Boedo (Buenos Aires)

text: Desde el 24 de octubre de 2016 San Lorenzo de Almagro utiliza el Polideportivo Roberto Pando, con capacidad para 2500 personas, ubicado en un sector del Viejo Gasómetro. En este actual predio juega el equipo de básquetbol, campeón de la Liga Nacional 2015/2016. También ahí actúan los primeros representativos de futsal y vóley, tanto masculino como femenino.


title: Plato

text: El Plato es un recipiente útil para muy diferentes usos pero esencialmente empleado como pieza de la vajilla para comer. Es un utensilio doméstico común a todas las culturas, los diccionarios lo definen como vasija circular y casi plana, ligeramente cóncava en su centro y borde extendido, diferenciando platos soperos u hondos y platos llanos. Vasijas hermanas son: el cuenco, la escudilla y la fuente. La cultura del plato lo ha convertido en un lujoso objeto de adorno, presente en los mejores museos del mundo.


title: Plato

text: Nebrija, en su "Diccionario latino-español" (1492) y en el "Vocabulario español-latino" (1494), diferencia:


title: Plato

text: Los diccionarios incluyen dos acepciones de "plato", cuando hace referencia al alimento que se sirve en él (sirven "platos" exquisitos) o a la cantidad contenida por el mismo (está tan rico que me comería varios "platos"). Aparece asociado a menudo con otros términos, creando construcciones descriptivas diferenciadoras, como por ejemplo: "plato trinchero" (el usado para cortar las carnes), "plato montado" (para alimentos vistosamente adornados), "platos típicos" (guisos que definen la gastronomía de una región), etc.


title: Plato

text: Su presencia en frases hechas, refranes y figuras de pensamiento (como la metáfora y la metonimia), convierte al plato en un buen ejemplo de la riqueza lingüística de la lengua española:


title: Plato

text: Definición técnica como pieza de la alfarería: recipiente, simple o compuesto, con un diámetro no mayor de 20 cm. y que suele tener un ala o labio destacado. La producción cerámica distingue: platos llanos, hondos, de postre, escurrecubas y tortillero.


title: Plato

text: En arqueología, el plato tiene en el cuenco su precedente prehistórico. En la civilización greco-romana abundan los recipientes que por su uso, formas y aspecto pueden considerarse precursores o inspiradores del plato, como por ejemplo el fiale o la pátera romana. El la cultura islámica el utensilio doméstico más evocador es el ataifor. Algunos investigadores han puesto en duda la existencia de "platos" en la vajilla doméstica hasta el final del Medievo, dada su escasa presencia en los repertorios conocidos. Así, se ha planteado la posibilidad de que estuvieran hechos de materia perecedera, o bien, que no se necesitasen (según Martín Gómez y Oliva Alonso no hay referencias etimológicas hasta el siglo XV). Sea como fuere, el "plato" y similares recipientes aparecen en la cerámica islámica desde época temprana: los platos califales de Medina al-Zahra (siglo X y XI) estudiados por Pavón Maldonado; los "ataifores", morfológicamente diferentes pero parejos en lo funcional, citados por Roselló Bordoy. Y muy diversos vasos análogos, datados en los siglos XII y XIII, hallados en contextos cristianos castellano-leoneses: Saldaña, Melgar de Arriba, Benavente o Puente Castro.


title: Plato

text: La colocación de los platos en la mesa se hace de la siguiente manera. En primer lugar se colocan los bajoplatos o platos de decoración. Sobre ellos, se sitúan los platos llanos y sobre ellos, los platos hondos o platos de aperitivo, más pequeños que los anteriores. El platillo del pan se coloca a la izquierda, alineado con las copas. Asimismo, la etiqueta aconseja no colocar dos platos iguales juntos (es decir, dos hondos o dos llanos) y no apoyar directamente los platos hondos sobre la mesa.


title: Plato

text: Fray Bartolomé de las Casas, en su "Historia de las Indias", describe en diferentes pasajes de la obra vasijas y recipientes que él mismo denomina platos o "especie de platos", ora de oro puro, ora de barro, ora de cáscara de calabaza. La cita es común a todos los "cronistas de indias", desde Cristóbal Colón y su hijo Hernando a Juan Bautista Muñoz ya en el siglo XVIII, pasando por el Inca Garcilaso y Fray Bernardino de Sahagún


title: Plato

text: Una de las cerámicas más vivas y especialmente rica en la producción de platos decorados, es la común a los pobladores precoloniales, los "pueblos" de las tres Américas. Ejemplos muy atractivos pueden encontrarse en:


title: Mujeres en la música

text: Mujeres en la música es un término que engloba a las mujeres que se desempeñan en el ámbito del arte de la música, ya sea como compositoras, cantautoras, intérpretes instrumentales, cantantes, directoras, académicas musicales, educadoras musicales, críticas musicales, periodistas musicales, y todas las otras profesiones relacionadas con el mundo de la música. También engloba los movimientos musicales (como la música de las mujeres, que es música escrita e interpretada por mujeres y para mujeres), eventos y géneros performativos relacionados con las mujeres y las problemáticas a las que se enfrentan, además de su papel en las artes musicales a través de la historia humana.


title: Mujeres en la música

text: En la década de 2010, las mujeres ocupaban una proporción considerable entre los cantantes de música popular y música clásica a nivel mundial, así como una significativa participación como compositoras y cantautoras, que sigue en aumento. Sin embargo, hay pocas mujeres productoras de discos, críticas e instrumentistas de rock. Artistas notables del pop, como Björk y Lady Gaga, han comentado sobre el sexismo y la discriminación en la industria de la música. Además, un estudio reciente dirigido por la Dra. Stacy L. Smith anunció que "durante los últimos seis años, la representación de las mujeres en la industria de la música ha sido aún menor". En la música clásica, aunque ha habido una gran cantidad de mujeres compositoras desde el período medieval hasta la actualidad, las mujeres compositoras están significativamente menos representadas en el repertorio de la música clásica, los libros de texto de historia de la música y las enciclopedias musicales. Por ejemplo, en el libro titulado Concise Oxford History of Music, Clara Schumann es una de las únicas compositoras que se menciona.


title: Mujeres en la música

text: Las mujeres constituyen una proporción significativa de los solistas instrumentales en la música clásica y el porcentaje de mujeres en las orquestas va en aumento. Sin embargo, un artículo del año 2015 sobre solistas de conciertos en las principales orquestas canadienses indicó que el 84 % de los solistas de la Orquesta Sinfónica de Montreal eran hombres. En el 2012, las mujeres todavía constituían solo el 6 % de la orquesta Filarmónica de Viena, la mejor clasificada a nivel mundial. Menos común es hallar mujeres como instrumentistas en géneros musicales populares como el rock y el heavy metal; aunque ha habido una serie de instrumentistas femeninas notables y bandas exclusivamente femeninas, hay una menor representación en los géneros del metal extremo. Las mujeres también están bastante ausentes en la dirección orquestal, la crítica musical/periodismo musical, la producción musical y la ingeniería de sonido. Si bien se desanimó a las mujeres a componer en el siglo, y hay pocas mujeres musicólogas, muchas se involucraron en la educación musical "hasta tal punto que las mujeres dominaron durante la segunda mitad del siglo y hasta bien entrado el siglo en este ámbito educativo".


title: Mujeres en la música

text: Según Jessica Duchen, escritora musical del periódico "The Independent" de Londres, las músicas, en la música clásica, "frecuentemente son juzgadas por su apariencia por sobre su talento" y enfrentan presiones "para verse sexys en el escenario y en las fotos", aunque admite que la mayoría de las veces es decisión de ellas utilizar su propia sexualidad, y afirma que si bien "hay mujeres que se niegan a cambiar su apariencia, las que lo hacen tienden a ser más exitosas material y económicamente". Según la editora de Radio 3 del Reino Unido, Edwina Wolstencroft, la industria de la música ha estado abierta durante mucho tiempo a tener mujeres en funciones de actuación o entretenimiento, pero han sido menos los casos en los que las mujeres tienen puestos de autoridad, como la posición de director de orquesta, por ejemplo, convirtiéndose así en una de las profesiones definidas por tener "techo de cristal en la industria musical". En la música popular, si bien hay muchas mujeres cantantes grabando canciones, hay muy pocas detrás de la consola de audio, actuando como productoras musicales, dirigiendo o gestionando el proceso de grabación. Una de las artistas más grabadas es una mujer, Asha Bhosle, una cantante india que es más conocida como cantante de reproducción labial (playback) en el cine hindi.


title: Mujeres en la música

text: "Solo unas cuantas mujeres compositoras en los Estados Unidos publicaron y escucharon su música a fines del siglo XIX y principios del XX". Según Richard A. Reublin y Richard G. Beil, la "falta de mención de las mujeres compositoras es una omisión flagrante en nuestra herencia musical". Agrega que "las mujeres lucharon por escribir y publicar música en el mundo de los hombres e inscribirse en la lista neoyorquina Tin Pan Alley que incluía a los compositores más populares del sigloXX. Antes de 1900 e incluso después, se esperaba que "las mujeres interpretaran música, pero no que hicieran música". En 1880, el crítico musical de Chicago George P. Upton escribió el libro Women in Music (Mujer en la música), en el que argumentaba que "las mujeres carecían de la creatividad innata para componer buena música" debido a la "predisposición biológica". Posteriormente, se aceptó que las mujeres tuvieran un papel en la educación musical, y se involucraron en este campo "hasta tal punto que dominaron la educación musical durante la segunda mitad del sigloXIX y hasta bien entrado el sigloXX. " Como parte del papel de la mujer en la educación musical, las mujeres escribieron himnos y música para niños. La "música secular impresa en Estados Unidos antes del año 1825 muestra solo unas 70 obras hechas por mujeres". A mediados del sigloXIX, surgieron notables compositoras, incluidas Faustina Hasse Hodges, Susan Parkhurst, Augusta Browne y Marion Dix Sullivan. Para el año 1900, había muchas más mujeres compositoras, pero "muchas todavía se veían obligadas a usar seudónimos o iniciales" para ocultar el hecho de que no eran hombres o personas reconocidas.


title: Mujeres en la música

text: Carrie Jacobs-Bond fue la "compositora preeminente de finales del siglo XIX y hasta mediados del siglo XX, siendo la primera compositora mujer con un millón de ventas". Maude Nugent (1877–1958) escribió "Sweet Rosie O'Grady" en 1896. También escribió "Down at Rosie Reilly's Flat", "My Irish Daisy" y "Mary From Tipperary". Charlotte Blake (1885–1979) fue redactora del personal de la Whitney Warner Publishing Co., en la ciudad de Detroit, Míchigan. Inicialmente, la compañía la presentó como "C. Blake" para ocultar su género, pero en el año 1906 los anuncios ya usaban su nombre completo. Caro Roma (1866-1937) fue el seudónimo de género ambiguo de Carrie Northly, quien fue "una de las compositoras más conocidas y populares de Estados Unidos de la era Tin Pan Alley", con canciones como "Can't Yo' Heah Me Calling", "Faded Rose", "The Angelus", "Thinking of Thee" y "Resignation". Alrededor del 95 % de los compositores de música británica de salón a principios del sigloXX eran hombres, aunque alrededor del 30 % de las cantantes eran mujeres.


title: Mujeres en la música

text: Si bien la composición de canciones de jazz ha sido durante mucho tiempo un campo dominado por los hombres, ha habido algunas mujeres compositoras de notables en el género. En la década de 1930, Ann Ronell (1905–1993) escribió varias canciones exitosas. Es conocida por su exitosa canción del año 1932 titulada "Willow Weep for Me" y la canción que compuso para Disney en 1933 "¿Quién le teme al lobo feroz?". Por su parte, Irene Higginbotham (1918-1988) escribió casi 50canciones, siendo la más conocida "Good Morning Heartache". Dorothy Fields (1905–1974) escribió la letra de más de 400canciones, algunas de las cuales fueron interpretadas por Duke Ellington; a ella se debe la co-autoría, junto a Jerome Kern, de The Way You Look Tonight, que fue interpretada por Fred Astaire y ganó el el tercer de 1936, también co-escribió varios temas estándares del jazz con Jimmy McHugh, como "Exactly Like You", "On the Sunny Side of the Street" y "I Can't Give You Anything but Love". Lil Hardin Armstrong (1898–1971) tocó el piano en la Creole Jazz Band de King Oliver, dentro de su repertorio se cuentan "Doin' the Suzie Q", "Just for a Thrill" y "Bad Boy", siendo su canción más famosa, "Struttin' with Some Barbecue", regrabada más de 500 veces. En el caso de Billie Holiday (1915-1959), si bien es más conocida como cantante, también coescribió con Arthur Herzog, Jr. y escribió la canción de blues "Fine and Mellow".


title: Mujeres en la música

text: La música jazz fue una fuerza impulsora para ayudar a la liberación de las mujeres a principios del sigloXX. En este sentido, el jazz también contribuyó para allanar el camino de las mujeres en el ámbito laboral. El aumento de la participación femenina en una carrera dominada por hombres hasta la década de 1920 permitió que más mujeres lograran una carrera dentro de las artes escénicas. Como respuesta a este incremento se produjo Show Boat, el primer musical de jazz en Broadway. Con una fuerte crítica racial y social, Showboat analiza las dificultades de una familia en Misisipi por más de 40 y su reunificación. La música de jazz influyó para generar ambientes abiertos para la igualdad y la sexualidad en los años de entreguerras durante la primera mitad del sigloXX, paradójicamente esta sexualidad fue posteriormente censurada por las nuevas olas feministas. Muchas de las mujeres en la música de jazz aportaron significativamente al género, siendo la gran mayoría de ellas eran mujeres de color, factores que contribuyeron a hacer crecer el jazz hasta lo que es hoy.


title: Mujeres en la música

text: Las mujeres influyeron en la música de jazz como productoras, compositoras e intérpretes. Especialmente influyente en el género fue Bessie Smith, también conocida como la emperatriz del blues. Vivió desde el año 1894 hasta 1937. Es miembro del salón de la fama del rock and roll, y en 1989 recibió el premio póstumo Grammy Lifetime Achievement Award. Otra mujer que hizo historia en la industria del jazz fue Dolly Jones (1902-1975), también conocida como Dolly Hutchinson, quién fue una de las primeras mujeres trompetistas de jazz y la primera mujer trompetista registrada. Mujeres como Sweet Emma Barrett, quien actuó en la Orquesta Original Tuxedo, realizó giras nacionales e internacionales y una de sus canciones más exitosa fue "A Good Man is Hard to Find". Artistas como Billie Pierce, Lovie Austin, Jeanette Kimball, Mary Lou Williams, Alice Coltrane y Hazel Scott también tuvieron un impacto considerable en el género del jazz, sin embargo, a pesar de estos ejemplos, muchas mujeres no obtuvieron crédito como lo hicieron sus contrapartes masculinas.


title: Mujeres en la música

text: Alrededor de las mujeres que triunfaron en la música jazz Ingrid Monson señaló que cuando las mujeres comenzaron a tocar el piano por primera vez, lograron mayor aceptación social en la industria de la música. Había mujeres que tocaban en grupos femeninos de jazz pero era cuando ingresaban en el mundo profesional del género que se convertían en un éxito instantáneo. Otros casos son el de Valaida Snow (1904-1956), cantante, bailarina y multiinstrumentista, que también fue conocida como la "reina de la trompeta" y, años más tarde, el de Nona Hendryx, vocalista de jazz que también tocó diferentes instrumentos y tuvo la oportunidad de trabajar con muchos artistas del género hip hop talentosos como Prince.


title: Mujeres en la música

text: Estas mujeres tuvieron éxito moderado en los medios musicales de la época, pero para algunas fue de corta duración en ocasiones debido a que saltaron a la fama cuando los hombres fueron reclutados para pelear en la Segunda Guerra Mundial pero una vez que regresaban, las mujeres jazzistas enfrentaron dificultades debido a la sobre oferta en el mercado de músicos.


title: Mujeres en la música

text: En la escena de la música pop de la década de 1960, como la mayoría de los aspectos del negocio de la música en la década de 1960, la composición de canciones era un campo dominado por hombres. Aunque había muchas cantantes femeninas en la radio, las mujeres fueron vistas principalmente como consumidoras de productos musicales. Cantar a veces era un pasatiempo aceptable para una niña, pero tocar un instrumento, escribir canciones o producir discos no era recomendable a largo plazo". Las mujeres jóvenes "no fueron socializadas para verse a sí mismas como personas que crean música". la cantante Carole King "tuvo una exitosa asociación de composición con su esposo Gerry Goffin, escribiendo éxitos como los sencillos "The Loco-Motion", "Will You Love Me Tomorrow", y "Up on the Roof". King fue la primera mujer en recibir el Premio Gershwin de Canción Popular en el año 2013". Ellie Greenwich y su esposo Jeff Barry escribieron "Then He Kissed Me", "Be My Baby" y "River Deep, Mountain High". Laura Nyro escribió "Wedding Bell Blues", "Eli's Coming" y "And When I Die". Ella declaró: "No estoy interesada en las limitaciones convencionales cuando se trata de escribir canciones… Puedo aportar cierta perspectiva femenina a mi composición".Durante la década de 1960, tanto Carole King como su esposo Gerry Goffin demostraron la naturaleza cambiante de la música estadounidense, así como el surgimiento de nuevos patrones románticos y sexuales. "Los músicos representaron una de las vanguardias del cambio sexual y romántico en la sociedad estadounidense", impactando y cambiando los estándares sociales de la juventud. A fines de la década de 1940 y durante la década de 1950, los jóvenes comenzaron a establecerse en matrimonios y responsabilidades de adultos a una edad muy temprana. Sin embargo, Carole King cuestionó la secuencia de orden en el matrimonio y el sexo, planteando que el sexo después del matrimonio y la práctica, convencional de las citas no eran cautivantes. Promovió la informalidad de las relaciones entre personas, y destacó la tendencia de las personas del sexo opuesto a "hacerse amigos" con su canción You've Got a Friend.


title: Mujeres en la música

text: A fines de la década de 1960, una nueva ola de cantautoras salió de los confines del pop y escribieron canciones más personales en el estilo confesional de poetas como Anne Sexton y Sylvia Plath. Los artistas que encabezaron este movimiento aparecieron en las publicaciones del "Newsweek", en julio de 1969, titulado "The Girls: Letting Go" en el que se leia: "Lo que tienen en común: Joni Mitchell y Lotti Golden, Laura Nyro, Melanie, Janis Ian y Elyse Weinberg, son las canciones personalizadas que escriben, y como son viajes de autodescubrimiento". Mientras innovaban, estas mujeres también enfrentaron muchas luchas. En un mundo editorial dominado por hombres, las compositoras como Joni Mitchell quieren ser vistas fuera de las categorías de raza y género, y dentro de la categoría de arte puro. En su entrevista del año 1994 con Alice Echol, Joni Mitchell rechazó completamente el feminismo, y declaró que no quería privilegios por ser mujer, pero expresó su animosidad hacia la discriminación, la exclusión basada en el sexo y la sexualización gratuita. La entrevistadora Alice Echol ubicó la "incomodidad con la etiqueta feminista" de Joni Mitchell en el contexto de su arte, ya que la ideología feminista muchas veces ignora el talento en favor de incluir mujeres, aunque halla hombres más talentosos. Agregando que las mujeres compositoras quieren ser vistas como buenas músicas sin que sus talentos sean marginados debido a su género. Además, Grace Slickuna ex modelo, fue ampliamente conocida en la historia del género del rock and roll por su papel en la floreciente escena musical psicodélica de San Francisco a mediados de la década de 1960". En el diario The Guardian, del 26 de enero de 2017, la autora Laura Barton describe el cambio radical en el tema de: La política, las drogas, la decepción, el aislamiento social del artista itinerante y la vida urbana. La cantante nativa de Nueva York, Lotti Golden , en su álbum debut en el Atlántic, Motor-Cycle , narra su vida en el East Village de Nueva York a fines de la época de la contracultura de los años60, describiendo temas como la identidad de género (The Space Queens-Silky is Sad) y el uso excesivo de las drogas (Gonna Fay's). Las mujeres en el artículo del Newsweek de 1969 marcaron el comienzo de una nueva era de la cantautora, informando a generaciones de cantautoras.


title: Mujeres en la música

text: En él teatro musical, las compositoras son poco comunes en una industriacon una mayoría de hombres en el ámbito creativo. El trabajo de los compositores masculinos se produce con mayor frecuencia, y fue solamente en el año 2015 que un equipo de escritoras compuesto exclusivamente por mujeres logró ganar el premio Tony, en la categoría a mejor partitura.En el 2015 por primera vez, un equipo de guionistas exclusivamente femenino formado por Lisa Kron (Mejor libro) y Jeanine Tesori, y Kron (Mejor banda sonora original) ganó el premio Tony a la Mejor banda sonora por Fun Home, aunque el trabajo por compositores masculinos se sigue produciendo con más frecuencia. En el año 2013, Cyndi Lauper fue la "primera compositora en ganar el Tony a la Mejor partitura sin tener un colaborador masculino", por escribir la música y la letra del tema Kinky Boots. Entre las compositoras femeninas notables en el teatro musical se incluyen a la cantautora y actriz Lauren Pritchard, quien escribió Songbird ; Zoe Sarnak, quien escribió Lasting Impression y The Years Between; y Katie Thompson, quien comento que le gustaría "ver personajes femeninos… que sean complicados, fuertes y vulnerables". Thompson afirmó que en la industria del teatro musical, "cuando luchas por algo como mujer, especialmente algo artístico… te perciben como una perra o te perciben como emocional'", una etiqueta que permite a otros despedirte. El desequilibrio de género en el teatro musical existe hasta bien entrado el sigloXXI, siendo las mujeres solamente el 3 % de los compositores de bandas de viento y el 12 % de los compositores corales. A pesar del estigma social y la falta de mujeres en el teatro musical, más de cincuenta mujeres han recibido reconocimiento artístico internacional por componer partituras musicales de larga duración en los teatros de Broadway y Off-Broadway.


title: Mujeres en la música

text: Según LaShonda Katrice Barnett, profesora de colegio y universidad y autora de un libro sobre compositoras negras, declara que de los "más de 380 miembros del Salón de la Fama de los Compositores, solo dos son mujeres negras (siendo estas Sylvia Moy y Valerie Simpson)".


title: Mujeres en la música

text: A continuación se muestra una selección de escritoras y compositoras destacadas según la lista de los 100 mejores compositores de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. Muchas de estas personas son cantautores que también son famosas por sus habilidades de canto y/o interpretación instrumental, pero se enumeran aquí por sus logros en la composición de canciones:


title: Mujeres en la música

text: La musicóloga estadounidense Marcia Citron planteó la pregunta de "¿por qué la música compuesta por mujeres es tan marginal en el repertorio 'clásico' estándar?" Citron "examina las prácticas y actitudes que han llevado a la falta de mujeres compositoras del 'canon' recibido de las obras musicales interpretadas". Ella argumenta que en la década de 1800, las mujeres compositoras solían escribir canciones artísticas para su interpretación en pequeños recitales en lugar de sinfonías destinadas a ser interpretadas con una orquesta en un gran salón, y estas últimas obras se consideraban el género más importante para los compositores; dado que las mujeres compositoras no escribieron muchas sinfonías, se consideró que no eran notables como compositoras.


title: Mujeres en la música

text: Según Abbey Philips, "las mujeres músicas han tenido dificultades para abrirse camino y obtener crédito".Durante la época medieval, la mayor parte de la música artística se creó con fines litúrgicos (religiosos) y debido a las opiniones sobre los roles de las mujeres que tenían los líderes religiosos, pocas mujeres compusieron este tipo de música, como la monja Hildegard von Bingen quien se encuentra entre las excepciones. La mayoría de los libros de texto universitarios sobre historia de la música abordan casi exclusivamente el papel de los compositores masculinos, aunque es de reconocer que si son la mayoría. Además, muy pocas obras de mujeres compositoras forman parte del repertorio estándar de la música clásica. En las páginas de la "Concise Oxford History of Music", Clara Schumann es la única mujer compositora que se menciona. Philips afirma que "durante el sigloXX, las mujeres que componían/tocaban atrajeron mucha menos atención que sus homólogos masculinos".


title: Mujeres en la música

text: Hildegard von Bingen (1098-1179) fue una abadesa benedictina alemana, compositora, escritora, filósofa y visionaria. Una de sus obras como compositora, fue el Ordo Virtutum, que es un ejemplo temprano de un drama litúrgico y una de las primeras obras morales. Algunos escritores han especulado sobre un origen lejano de la ópera en esta pieza, aunque sin ninguna evidencia Sobreviven sesenta y nueve composiciones musicales, cada una con su propio texto poético original. Este es uno de los repertorios más grandes entre los compositores medievales. Hildegard compuso muchas canciones litúrgicas que se recopilaron en un ciclo llamado Sinfonía armónica de la revelación celestial (Symphonia armoniae celestium revelation). Las canciones de la Sinfonía están ambientadas en el propio texto de Hildegard y van desde antífonas, a himnos, y secuencias, hasta responsorios. Su música se describe como monofónica, utilizando melodías altísimas que empujaron los límites del Canto gregoriano más tradicional.


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text: Maddalena Casulana (1544-1590) fue una compositora, laudista y cantante italiana. Su primera obra data del año 1566 y se tituló: Cuatro madrigales de una colección, Il Desiderio, la cual escribió en la ciudad italiana de Florencia. Dos años más tarde publicó en Venecia su primer libro titulado: De madrigales a cuatro voces, Il primo libro di madrigali; este es la primera obra impresa y publicada de una mujer en la historia de la música occidental registrada. Era cercana a Isabella de Medici y le dedicó parte de su música. En 1570, 1583 y 1586 publicó otros libros de madrigales. En la dedicatoria de su primer libro de madrigales, muestra sus sentimientos acerca de ser una mujer compositora en un momento en que esto era inusual declarando: "Quiero mostrarle al mundo, tanto como pueda en esta profesión de la música, la vanidad y error de que solo los hombres poseen los dones del intelecto y el arte, y que tales dones nunca se dan a las mujeres". Su estilo es contrapuntístico y cromático y sus líneas melódicas son cantables y atentas al texto. Otros compositores de la época, como Philippe de Monte, la tenían en muy alta estima.


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text: Caterina Assandra (1590-1618) fue una compositora italiana y monja benedictina. Se hizo famosa como organista y publicó varias obras. Assandra compuso varios motetes y piezas para órgano. Estudió contrapunto con Benedetto Re, uno de los principales profesores de la Catedral de Pavía. Compuso una colección de motetes en el nuevo estilo concertato en Milán en el año 1609, una Salve Regina imitativa a ocho voces en 1611 y un motete, Audite verbum Dominum, a cuatro voces en 1618. Compuso piezas tradicionales y obras más innovadoras. Entre estos últimos se encuentra Duo seraphim. Su motete O Salutaris hodie, incluido en Motetti op. 2, fue una de las primeras piezas en incluir el violón, un instrumento de cuerda con arco novedoso para la época.


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text: Francesca Caccini (1587-1641) fue una compositora, cantante, laudista, poeta y profesora de música italiana. Su canto para la boda de Enrique IV de Francia y María de Medici en el año 1600 fue elogiada por el rey Enrique, quien la llamó "la mejor cantante de toda Francia". Trabajó en la corte de los Medici como profesora, cantante de cámara, entrenadora de ensayo y compositora de música de cámara y de teatro hasta el año 1627. En 1614 ya era la música mejor pagada de toda la corte, porque su habilidad musical ejemplificaba muy bien la idea de la excelencia femenina proyectada por la regente de facto de la Toscana, la gran duquesa Cristina de Lorena. La mayor parte de su música escénica fue compuesta para actuaciones en comedias. En el año 1618 publicó una colección de treinta y seis canciones para solistas y dúos de soprano/bajo. En el año 1625 compuso una "comedia-ballet" de 75 minutos. En total, escribió dieciséis obras escénicas, era una maestra de la sorpresa armónica dramática: en su música son los cambios de armonía, más que el contrapunto, los que comunican más poderosamente el afecto emocional.


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text: Barbara Strozzi (1619-1677) fue una compositora y cantante barroca italiana. Cuando era niña, su considerable talento vocal se mostró a una amplia audiencia. También tenía talento para la composición y su padre hizo los arreglos para que estudiara con el compositor Francesco Cavalli. Se decía que Strozzi era "el compositor más prolífico, hombre o mujer, de música vocal secular impresa en la ciudad de Venecia a mediados de siglo". Su producción también es única porque solo contiene música vocal secular, con la excepción de un volumen de canciones sacras. Fue reconocida por su capacidad poética, así como por su talento compositivo. Sus letras eran a menudo poéticas y bien articuladas. Casi las tres cuartas partes de sus obras impresas fueron escritas para soprano, pero también publicó obras para otras voces. Sus composiciones están firmemente enraizadas en la tradición de la seconda pratica. La música de Strozzi evoca el espíritu de Cavalli, el heredero de Monteverdi. Sin embargo, su estilo es más lírico y depende más del puro sonido vocal. Muchos de los textos de sus primeras piezas fueron escritos por su padre Giulio. Los textos posteriores fueron escritos por colegas de su padre y, para muchas composiciones, es posible que ella haya escrito algunos de sus propios textos.


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text: Élisabeth Jacquet de La Guerre (1665-1729) fue una compositora, música y clavecinista francesa. Nació en una familia de músicos y maestros constructores de instrumentos. Una niña prodigio, tocó el clavicémbalo ante el rey Luis XIV. Se convirtió en música en la Corte Real y enseñó, compuso y dio conciertos en casa y en todo París, con moderado éxito. Fue una de las pocas compositoras conocidas de su tiempo y, a diferencia de muchos de sus contemporáneos, compuso en una amplia variedad de formas. Su talento y logros fueron reconocidos por Titon du Tillet, quien le otorgó un lugar en su Monte Parnaso .cuando solo tenía 26 años, junto a Lalande y Marais y directamente debajo de Lully. Sus obras incluyen un ballet, una ópera (el Céphale et Procris), sonatas en trío, piezas para clavecín, Sonatas para violín y para clavecín y obras vocales como sus cantatas francesas sobre temas extraídos de las Escrituras.


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text: Harriett Abrams (1758–1821) fue una compositora y soprano inglesa, como cantante, fue elogiada por sus interpretaciones de las obras de George Frideric Handel. Estudió canto, teoría musical y composición con el compositor Thomas Arne antes de debutar en la ópera en el año 1775 en el Teatro real, Drury Lane en la ciudad de Londres. Abrams se convirtió en cantante principal en los conciertos de moda de Londres y los festivales provinciales, apareciendo regularmente durante 10años desde 1780 hasta 1790. Abrams compuso varias canciones, dos de las cuales, "The Orphan's Prayer" y "Crazy Jane", se hicieron populares en toda Inglaterra. Publicó dos series de canzonetas en italiano e inglés, una colección de canciones y júbilos escoceses armonizados para dos y tres voces, y más de una docena de canciones, principalmente baladas sentimentales. Harriett dedicó una colección de canciones publicada en el año 1803 a la reina Carlota.


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text: María Teresa Agnesi (1720-1795) fue una compositora italiana. Aunque fue más famosa por sus composiciones, también fue una consumada clavecinista y cantante. La mayoría de sus composiciones sobrevivientes fueron escritas para teclado, voz, o ambos. Su carrera fue posible gracias a la Lombardía austríaca. Su patrona fue María Teresa, Emperatriz del Sacro Imperio Romano Germánico y soberana de Lombardía, y a María Antonia Walpurgis, una compositora contemporánea. Sus primeras obras fueron simples y limpias, mientras que sus obras posteriores son más virtuosas, complejas y melodramáticas. Compuso óperas, incluyendo drama heroico y drama serio. También escribió arias, conciertos y sonatas para teclado, además de pequeños trabajos de voz.


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text: La princesa Anna Amalia (1723-1787) fue una compositora prusiana, y curadora de partituras. Aprendió a tocar el clavicémbalo, la flauta y el violín cuando era joven. Se convirtió en abadesa de Quedlinburg en el año 1755. Pasó la mayor parte de su tiempo en la ciudad de Berlín, donde se dedicó a la música y se convirtió en mecenas musical y compositora. Como compositora, alcanzó una modesta fama y es más conocida por sus obras de cámara más pequeñas, que incluyen tríos, marchas, cantatas, canciones y fugas. En el año 1758, estudió teoría musical y composición con Johann Philipp Kirnberger, alumno de Johann Sebastian Bach. Compuso música de cámara como sonatas para flauta. Más aún, puso el texto de la cantata de la Pasión de Ramler, titulada Der Tod Jesu ("La muerte de Jesús") con música. También fue coleccionista de música, conservando más de 600 volúmenes de obras de Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel, Georg Philipp Telemann, Karl Heinrich Graun y Carl Philipp Emanuel Bach, entre otros. Sus trabajos de curaduría son una contribución significativa a la cultura occidental.


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text: Elisabeth Olin (1740–1828) fue una cantante sueca, además de compositora de ópera. Debutó con la obra titulada Alfhild en Syrinx, conocida como la primera ópera cómica nativa de Suecia, en la ciudad de Bollhuset en el año 1747. Se convirtió en una famosa vocalista en los conciertos públicos regulares en Riddarhuset en la capital de Estocolmo, y publicó sus propias composiciones; ella fue una de las compositoras suecas que escribieron una composición cada una para la colección titulada Gustaviade. En hjältedikt i tolv sånger ('Gustaviade. Un poema heroico de doce canciones') del año 1768; donde escribió la composición número ocho. En la inauguración y fundación de la Ópera Real Sueca el 18 de enero de 1773, interpretó el papel de la diosa del mar Thetis en la ópera titulada Thetis och Pélée de Francesco Uttini. Ella siguió siendo la primadonna de la ópera sueca durante una década. En el año 1773, se convirtió en la primera mujer en recibir el título de Hovsångare, y en 1782, fue incluida como la primera mujer miembro de la Real Academia Sueca de Música.


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text: Henriette Adélaïde Villard de Beaumesnil (1748–1813) fue una compositora y cantante de ópera francesa. Comenzó a trabajar en papeles menores de comedia a la edad de siete años y debutó como solista en la Ópera de París en el año 1766. Fue la segunda mujer en tener una composición interpretada en la Ópera de París. Previamente, la Ópera de París había representado la obra titulada le tragédie-lyrique Céphale et Procris, de Élisabeth Jacquet de La Guerre, en el año 1694. Anacréon, su primera ópera, recibió una representación privada en la residencia del Conde de Provenza en el año 1781. En 1784, su ópera nombrada Tibulle et Déliese, se representó en la Ópera de París. En 1792, su opéra comique (ópera cómica) en dos actos, Plaire, c'est commande, se representó en el Teatro Montansier.


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text: Anna Bon (¿1739–1767?) Fue una compositora e intérprete italiana. Asistió al Ospedale della Pietà en la ciudad de Venecia, donde estudió con la maestra de viola, Candida della Pièta. Ocupó el nuevo cargo de ' virtuosa de la música de cámara ' en la corte del margrave de Federico de Brandeburgo en Kulmbach. Dedicó sus seis op. 1 sonatas para flauta, publicadas en Núremberg en el año 1756. En 1762 se mudó a la corte de Esterház en Eisenstadt, donde permaneció hasta el año 1765. Dedicó el conjunto publicado de seis sonatas para clavecín, op. 2 (1757), a Ernestina Augusta Sophia, la princesa de Sajonia-Weimar, y el conjunto de seis divertimentos (trío de sonatas), op.3 (1759), a Charles Theodore, el elector de la ciudad de Baviera. También escribió seis divertimentos para dos flautas y bajo continuo; un aria, titulada "Astra coeli", para soprano, con 2 violines, viola y bajo continuo; un ofertorio, llamado "Ardete amore", para cantores, instrumentos y bajo continuo; un motete, titulado "Eia in preces et veloces", para alto, 2 violines, viola y bajo continuo, y una ópera.


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text: Jane Mary Guest (1762-1846) fue una compositora y pianista inglesa. Alumna del músico Johann Christian Bach, e inicialmente una compositora del estilo galante, quien compuso sonatas para teclado, otras obras para teclado y obras vocales con acompañamiento de teclado. Fue profesora de piano de la princesa Amelia y la princesa Charlotte de Gales. Actuó en la ciudad de Londres desde el año 1779, dando conciertos de suscripción entre los años 1783/84. Era conocida por su estilo expresivo al tocar. Por esta época publicó sus Seis sonatas, op. 1, que obtuvieron numerosas suscripciones, incluso de la realeza, y que también se publicaron en la ciudad de París en 1784 y en Berlín en 1785. Además de sus sonatas para teclado, también compuso otras piezas para teclado, como su Introducción y Marcha de Ricciardo e Zoraide (1820) de Rossini y varias canciones con acompañamiento de teclado.


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text: Marianne von Martínez (1744–1812) fue una compositora, cantante y pianista austriaca. Metastasio notó su talento precoz y pasó a supervisar su educación musical, la cual incluía lecciones de teclado de Haydn, lecciones de canto con Porpora y lecciones de composición con Johann Adolph Hasse y el compositor de la corte imperial Giuseppe Bonno. Era hablante nativa de italiano y alemán y sabía francés e inglés. Cuando era niña, tocaba para la corte imperial, donde "llamaba la atención con su hermosa voz y su forma de tocar el teclado". De adulta, se le pedía con frecuencia que actuara ante la emperatriz María Teresa I de Austria. Varias de las obras que compuso Marianna están preparadas para voz de tipo solista. Escribió varias cantatas profanas y dos oratorios con textos italianos. Sus composiciones sobrevivientes incluyen cuatro misas, seis motetes y tres letanías para coro. Escribió en estilo italiano, como era típico del período clásico temprano en la ciudad de Viena. Su práctica de interpretación del clavicémbalo se comparó con el estilo de CPE Bach. Su oratorio italiana, titulada Isacco figura del redentore, fue estrenada con asistencia masiva en el año 1782.


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text: Maria Szymanowska (1789–1831) fue una conocida compositora y pianista polaca. Escribió en muchos de los mismos géneros que su compañero el célebre polaco Frederic Chopin (1810–1849). Szymanowska mantuvo conexiones con varias personas famosas del sigloXIX, incluidos Gioacchino Rossini, Johann Wolfgang von Goethe y Adam Mickiewicz, considerado el poeta más grande de Polonia.


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text: Fanny Mendelssohn (1805–1847) fue una de las compositoras más conocidas del siglo XIX. Mostró una habilidad musical prodigiosa cuando era niña y comenzó a escribir música. Aunque los visitantes famosos de la casa de su familia quedaron igualmente impresionados por Fanny y su hermano Felix Mendelssohn, Fanny se vio limitada por las actitudes predominantes de la época hacia las mujeres. Su padre era más tolerante que solidario con sus actividades como compositora, este le escribió en 1820, diciéndole que "música quizás se convierta en su profesión es decir, de Félix, mientras que para ti puede y debe ser solo un adorno en tu vida". Félix le advirtió que no publicara sus obras con su propio nombre y que buscara una carrera en la música, el escribió:


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text: Clara Schumann (1819-1896) fue una compositora alemana y concertista de piano, que tuvo una carrera como concertista de 61 años, cambió el formato y el repertorio del recital de piano y los gustos del público oyente. Desde temprana edad recibió una lección de una hora de piano, violín, canto, teoría, armonía, composición musical y contrapunto. En el año 1830, a la edad de once años, ya se había convertido en una virtuosa solista y partió en una gira de conciertos por ciudades europeas. A fines de la década de 1830, actuó ante multitudes llenas y críticas elogiosas. El compositor Frédéric Chopin describió su forma de tocar como la de Franz Liszt, quien vino a escuchar uno de sus conciertos y posteriormente "la elogió de manera extravagante" en una carta que se publicó en la Revue et Gazette Musicale de París. Fue nombrada con el título de Königliche und Kaiserliche Kammervirtuosin ("Virtuosa de Cámara Real e Imperial"), el más alto honor musical de Austria.


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text: También jugó un papel decisivo en el cambio del tipo de programas que se esperaban de los concertistas de piano. Al principio de su carrera, antes de casarse con Robert Schumann, interpretó lo que entonces era costumbre, principalmente piezas de bravura diseñadas para mostrar la técnica del artista, a menudo en forma de arreglos o variaciones sobre temas populares de óperas, escritas por virtuosos autores como Thalberg, Hertz o Henselt. Como también era costumbre tocar composiciones propias, incluyó al menos una obra propia en cada programa, obras como sus variaciones sobre un tema de Andrea Bellini (Op. 8) y su popular Scherzo (Op. 10). Sus obras incluyen canciones, piezas para piano, un concierto para piano, un trío para piano, piezas corales y tres Romances para violín y piano.


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text: Katherine Hoover (1937–2018) estudió música en la Universidad de Rochester y en la Escuela de Música Eastman, donde obtuvo un Certificado de interpretación en flauta y una Licenciatura en teoría musical en 1959. Comenzó a publicar trabajos profesionales en el año 1965, con su Dueto para dos violines. Hoover fue ganadora dos veces del Concurso de música recién publicada de la Asociación Nacional de Flautas, primero en 1987 con su pieza titulada Medieval Suite y el segundo en 1991 con su pieza llamada Kokopelli para flauta sola. Estas piezas utilizan muchas técnicas extendidas para flauta, como la flexión de tono. Muchas de sus obras han sido grabadas por músicos de renombre e interpretadas en el Carnegie Hall.


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text: Joan Tower (nacida en 1938) escribió su pieza llamada Black Topaz en el año 1976 , que presenta muchas melodías tonales y armonías. Recibió su DMA en composición de la Universidad de Columbia en 1978. Fue comisionada en 1979 por la Orquesta de compositores americanos, lo que resultó en su primer trabajo orquestal, titulado Sequoia. Este ha sido interpretado por numerosas orquestas en todo el mundo. Entre los años 1985 y 1988, Tower fue la compositora residente de la Sinfónica de St. Louis. En el año 1990 fue la primera mujer en ganar el Premio Grawemeyer de Composición musical, que incluía un premio de 150000 dólares. Desde entonces, Tower ha sido la compositora residente en numerosos festivales de música, incluido el Festival de Música de Cámara de Norfolk y el Festival de Música Contemporánea de Tanglewood. Tower ha sido profesora de música en el Bard College de Nueva York desde 1982 y es considerada una de las compositoras más influyentes del sigloXX.


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text: Ellen Taaffe Zwilich (nacida en 1939) recibió su doctorado en composición de Juilliard y fue la primera mujer en lograrlo. El mismo año, ganó una medalla de oro en el Concurso Internacional de Composición en Italia. En 1983, Zwilich volvió a hacer historia al convertirse en la primera mujer en ganar el Premio Pulitzer de música por su Sinfonía n.° 1. Desde este éxito, ha recibido numerosos encargos. Su pieza titulada Millennium ha sido interpretada por veintisiete orquestas desde su estreno en el año 2000. Ha sido profesora de música en la Universidad Estatal de Florida desde 1999. Se sabe que Zwilich plasma una "voz milenaria ecléctica" en sus composiciones, utilizando un diseño claro y timbres ricos. Aunque su música originalmente era muy disonante e influenciada por la Segunda Escuela Vienesa, su estilo se volvió más emocional después de la muerte de su amado esposo.


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text: Libby Larsen (nacida en 1950) obtuvo su MM en el año 1975 de la Universidad de Minnesota y su doctorado de la misma escuela en 1978. En 1973 cofundó el Foro de compositores de Minnesota, ahora conocido como Foro de compositores Americanos. Larsen fue la compositora residente de la Orquesta de Minnesota entre los años 1983 y 1987. Larsen compuso más de 220 obras, incluyendo orquesta, danza, ópera, coral, teatro, cámara y repertorio solista. Sus piezas han sido interpretadas en los Estados Unidos y Europa. Larsen es una gran defensora de la música contemporánea y de las mujeres músicas, ella ganó un premio Grammy por su CD llamado The Art of Arleen Auger en el año 1994. Larsen ganó el premio Lifetime Achievement Award de la Academia de las Artes y las Letras en 2000 y publicó su libro La sala de conciertos que se durmió y se despertó como una radio de automóvil en el año 2007.


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text: Jennifer Higdon (nacida en 1962) obtuvo una maestría y un doctorado de la Universidad de Filadelfia en 1994. Higdon ha recibido premios de la Fundación Guggenheim, la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras, la Liga Internacional de Compositoras Femeninas, y otros. Su obra titulada Shine del año 1996, fue nombrada Mejor Pieza Contemporánea por el diario USA Today. De las muchas piezas de Higdon, la pieza llamada la catedral azul, es la que se interpreta con más frecuencia. En 2010, Higdon ganó el premio Grammy a la Mejor Composición Clásica Contemporánea por su Concierto de Percusión. También en el 2010 ganó el Premio Pulitzer de música por su composición de Concierto para violín, estrenada por Hilary Hahn.


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text: A continuación se enumeran otras compositoras notables. Algunos también son notables como intérpretes (por ejemplo, Agnes Tyrrell, Amy Beach y Verdina Shlonsky fueron pianistas destacadas).


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text: Un intérprete musical es una persona que escribe las letras, las melodías y las progresiones de los acordes de las canciones, normalmente de un género musical popular como el pop, el rock o la música country. Un intérprete cantautor también puede llamarse compositor, aunque este último término tiende a usarse principalmente para las personas del género de la música clásica.


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text: Es econocido que las mujeres tienen un alto protagonismo en muchos estilos de música popular como cantantes. Sin embargo, las mujeres instrumentistas profesionales son menos comunes en la música, especialmente en géneros de rock como el heavy metal. "Tocar en una banda es en gran medida una actividad homosocial masculina, es decir, aprender a tocar en una banda es en gran medida una experiencia basada en compañeros, moldeada por las redes de amistad ya existentes y que están segregadas por sexo. Además, la música rock desde sus orígenes y a menudo se define como una forma de rebelión masculina frente a la cultura de alcoba femenina. En la música popular, ha habido una "distinción de género entre la participación pública (masculina) y privada (femenina)" en la música. Varios estudiosos han argumentado que los hombres excluyen a las mujeres de las bandas o de los ensayos, grabaciones, actuaciones y otras actividades sociales de las bandas, para poder comportarse más libremente con sus amigos. En lo que se refiere a la industria musical, Las mujeres son principalmente consideradas consumidoras pasivas y privadas de música pop, o compositoras promedio, usualmente excluyéndolas de participar como músicas de rock de alto estatus. Una de las razones por las que rara vez hay bandas de género mixto es que "las bandas funcionan como unidades muy integradas en las que la solidaridad homosocial (lazos sociales entre personas del mismo sexo…) juega un papel crucial". En la escena de la música pop de la década de 1960, "cantar a veces era un pasatiempo aceptable para una niña, pero tocar un instrumento no tanto".


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text: Es aceptado que la rebelión de la música rock fue en gran parte una rebelión masculina; las mujeres, a menudo en las décadas de 1950 y 1960, si eran niñas o adolescentes, en el rock solían cantar canciones como personajes… totalmente dependientes de sus novios…". Philip Auslander plantea que "aunque había muchas mujeres en el rock a fines de la década de 1960, la mayoría actuaban solo como cantantes, una posición tradicionalmente femenina en la música popular". Aunque algunas mujeres tocaron instrumentos en bandas de rock de garaje estadounidenses, y exclusivamente femeninas, ninguna de estas bandas logró más que un éxito regional. Por eso mismo, "no proporcionaron plantillas viables para la participación continua de las mujeres en el rock": 2–3 En relación con la composición de género de las bandas de heavy metal, se ha dicho que al menos hasta mediados de la década de 1980" aparte de "excepciones como Girlschool". Sin embargo, "ahora ya en la década de 2010, posiblemente más que en cualquier otra época, las mujeres tienen un presencia fuerte en el género del metal, en muchos casos a través de esfuerzo y mano de obra". Cuando Suzi Quatro surgió en el año 1973, "ninguna otra mujer música destacada por su trabajó en el rock simultáneamente como cantante, instrumentista, compositora y directora de orquesta": 2 Según Auslander, ella estaba "derribando la puerta masculina en el rock and roll y demostrando lo que era una mujer músico".


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text: Una banda de mujeres es un grupo musical común en géneros musicales populares como el pickle rick, el blues, jazz y géneros relacionados. Esto es distinto de un grupo musical, en el que las integrantes femeninas son únicamente vocalistas, aunque esta terminología no se sigue universalmente. Mientras que las bandas de hombres o bandas de chicos son comunes en los géneros del rock y el pop, pero en estos las bandas de mujeres son menos comunes.


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text: Un grupo musical de chicas es un acto musical que presenta a varias cantantes femeninas, que generalmente armonizan juntas. El término "grupo de chicas" también se usa en un sentido más estricto en los países de habla inglesa para denotar la ola de grupos de cantantes de música pop estadounidense que florecieron a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960 entre el declive del rock and roll temprano, y la invasión británica, muchos de los cuales fueron influenciados por el estilo doo-wop. Las bandas de mujeres a veces también se llaman grupos de chicas, o grupos femeninos.


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text: Estas bandas de mujeres fueron difíciles de mantener, ya que el repertorio de jóvenes de relevo donde suelen haber más hombres, lucharon por reemplazar a las mujeres músicas una vez que estas se retiraban, y algunos grupos se vieron obligados a abrir la banda a los hombres para evitar su extinción.


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text: En la era del jazz y durante la década de 1930, bandas exclusivamente femeninas como The Blue Belles, Parisian Redheads (más tarde Bricktops), Lil-Hardin's All-Girl Band, The Ingenues, The Harlem Playgirls, Phil Spitalny's Musical Sweethearts y "Helen Lewis and Her All-Girl Jazz Syncopators" lograron considerable popularidad. Ina Ray Hutton dirigió una banda de chicas llamada Melodears entre los años 1934 a 1939. Eunice Westmoreland, bajo el nombre de Rita Rio, dirigió una banda de mujeres que aparecían en la cadena NBC Radio, para Vitaphone, y en RKO. Un grupo polaco llamado Filipinki se estableció de forma similar en el año 1959.


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text: Los grupos compuestos únicamente por mujeres comenzaron a surgir con la llegada del rock and roll. Entre las primeras bandas de rock exclusivamente femeninas en firmar con un sello discográfico se encuentran Goldie & the Gingerbreads para le empresa Atlantic Records en el año 1964, The Pleasure Seekers con Suzi Quatro para los estudios Hideout Records en 1964 y para Mercury Records en 1968, The Feminine Complex para Athena Records, en 1968, y Fanny (quien fue pionera en el sonido de una banda exclusivamente femenina a principios y mediados de la década de 1970) en el año 1969 cuando Mo Ostin las contrato con Warner Bros Records. También hubo otros grupos, como The Liverbirds (1962-1967), The Heart Beats (1968), Ariel (1968-1970) y New Coon Creek Girls (de la década de 1930).


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text: En el año 1971, la banda Fanny se convirtió en la primera banda exclusivamente femenina en llegar al top 40 de la clasificación de los Hot 100, con su sencillo "Charity Ball" alcanzando el puesto número 40. En 1975, el dúo canadiense de hermanas, Kate y Anna McGarrigle, grabaron el primero de una serie de álbumes en The Runaways, que fue una de las primeras bandas de hard rock femeninas, alcanzando gran éxito comercial, lanzando su primer álbum en el año 1976: las integrantes de la banda Joan Jett, Cherie Currie y Lita Ford continuaron sus carreras en solitario. En la década de 1980, por primera vez, vio el éxito largamente buscado en las listas de bandas de mujeres y bandas de rock con mujeres al frente. En la lista Billboard Hot 100 de fin de año de 1982 la canción llamada "I Love Rock 'n' Roll" de Joan Jett" llego al número 3, y el sencillo llamado " We Got the Beat " de la banda Go-Go se posicionó en el número 25. Las Dixie Chicks, comenzaron a tocar en las esquinas de las calles de Dallas, Texas. Esta banda estaba formada por el trío de Natalie Maines como cantante principal, Natalie Maguire en el violín y la mandolina, y Emily Robison, maestra del banjo, el dobro, la guitarra y el acordeón. Las Dixie Chicks vendieron más CD que todos los demás grupos de música country combinados y ganaron cinco premios Grammy, en el año 2000, el Álbum del Año de la Asociación de Música Country y el premio al Grupo Vocal del Año en el 2002. Otra banda femenina famosa incluye a las WildWood Girls, Originalmente llamadas Wild Wood Pickers, que comenzó en el año 1979 en el área de Chicago, esta banda de mujeres comenzó después de que la banda se convirtió en un asunto familiar y luego cambiaron su nombre a Wild Wood Girls en 1982, lo que resultó en el doble de reservas para sus conciertos. Se embarcaron en giras en el extranjero para la USO y el Departamento de Defensa, trabajaron como banda en Dollywood durante 5 años y tocaron muchas veces en el Bean Blossom Festival de Bill Monroe en el estado de Indiana por 10 años. Lanzaron seis grabaciones, a pesar de los problemas que encontraron con respecto al hecho de que eran una banda de chicas. Sin embargo, otra banda famosa fue la marca Happy Hollow String (1974-1979). Eran una banda de bluegrass exclusivamente femenina con Sandy Crisco en el banjo, Crisco declaró que fue difícil encontrar el baño de damas durante las reservas, ya que debido a la falta de artistas femeninas, muchos instrumentistas masculinos no sabían dónde estaba.


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text: En el Reino Unido, el advenimiento del género punk a fines de la década de 1970, con su espíritu de "cualquiera puede hacerlo" llevó a las mujeres a realizar contribuciones significativas. En contraste con las escenas de la música rock y el heavy metal de la década de 1970, que estaban claramente dominadas por hombres, la mentalidad anárquica y contracultural de la escena punk a mediados y finales de la década de 1970 alentó a las mujeres a participar. "Esa era la belleza del punk", declaró más tarde Chrissie Hynde. "La discriminación no existía en esa escena". Esta participación desempeñó un papel en el desarrollo histórico de la música punk, especialmente en los EE. UU. y el Reino Unido en ese momento, y continúa influyendo y capacitando a las generaciones futuras.


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text: La historiadora del rock Helen Reddington afirma que la imagen popular de las jóvenes músicas punk centradas en los aspectos de moda de la escena (medias de red, cabello rubio y puntiagudo, etc.) era estereotipada. Ella afirma que muchas, si no la mayoría de las mujeres punks, estaban más interesadas en la ideología y las implicaciones sociopolíticas que en la moda. La historiadora musical Caroline Coon sostiene que antes del punk, las mujeres en la música rock eran virtualmente invisibles; por el contrario, en el punk, argumenta que "sería posible escribir toda la historia de la música punk sin mencionar ninguna banda exclusivamente masculina". Johnny Rotten escribió que "Durante la era de los Pistols, las mujeres jugaban con los hombres, enfrentándonos en igualdad de condiciones… pero no era combativo, sino compatible". Las mujeres participaron en bandas celebres como The Slits, The Raincoats, Mo-dettes y Dolly Mixture, o The Innocents.


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text: Otros no están de acuerdo con la noción de igual reconocimiento, como el guitarrista Viv Albertine, quien afirmó que "los hombres de A&R, los gorilas, los mezcladores de sonido, nadie nos tomó en serio… Entonces, no recibimos ningún respeto dondequiera que fuéramos. La gente simplemente no nos quería cerca". La postura antisistema del punk abrió el espacio para las mujeres que eran tratadas como forasteras en una industria dominada por hombres. Kim Gordon de Sonic Youth declaró: "Creo que las mujeres son anarquistas naturales, porque siempre estás operando en un marco masculino".