title: Pintura simbolista

text: Julio Romero de Torres desarrolló un estilo de factura realista con cierta tendencia arcaizante en que, partiendo de escenas del costumbrismo típico, otorga a estas temáticas una mayor trascendencia alegórica que las aparta del manido pintoresquismo de la pintura decimonónica española para convertirlas en escenas de evocación casi mística. En su obra destaca la presencia de la mujer andaluza, en representaciones que aglutinan misticismo y erotismo, envueltas en un halo misterioso, generalmente en paisajes desolados que se pierden en el infinito que anteceden algunos de los paisajes surrealistas.


title: Pintura simbolista

text: Cercano al estilo romeriano está Miquel Viladrich, catalán formado en Madrid y París que triunfó sobre todo en Estados Unidos, Argentina y Marruecos. Practicó como Romero un realismo arcaizante pero de aspecto más naïf, de raíz más popular y con un tono más tétrico.


title: Pintura simbolista

text: Eduardo Chicharro aunó el arabesco modernista con el idealismo simbolista, como en su tríptico "Los amores de Armida y Reinaldo" (1904, Museo de Jaén), que denota la influencia prerrafaelita. También realizó obras de tipo costumbrista cercanas al estilo de Zuloaga.


title: Pintura simbolista

text: Luis Ricardo Falero, de técnica más bien academicista, trató especialmente el desnudo femenino —generalmente hadas y ninfas—, a veces con un toque orientalista, así como temas mágicos, astronómicos y de brujería. Vivió gran parte de su vida en Londres, por lo que no es muy conocido en España, país en el que no se conserva ninguna obra suya.


title: Pintura simbolista

text: Cabe citar en último lugar a Néstor Martín-Fernández de la Torre, más conocido simplemente como Néstor, un pintor a caballo entre el modernismo y el simbolismo. Entre 1904 y 1907 viajó por Francia, Bélgica y Reino Unido, donde recibió la influencia de Whistler y los prerrafaelitas. Su especialidad fueron los cuadros fantásticos en medios acuáticos, con escenas con monstruos marinos en lucha con jóvenes efebos desnudos, como alegoría de las fuerzas elementales que solo se superan con esfuerzo. Sus composiciones eran ampulosas, recargadas, dinámicas y de intenso colorido, acercándose en ocasiones al "kitsch". Un buen ejemplo es "La noche, «poema del Atlántico»" (1917-1918, Museo Néstor, Las Palmas de Gran Canaria). Tras su muerte su obra cayó en el olvido, pero su figura fue recuperada por Salvador Dalí.


title: Pintura simbolista

text: En Cataluña se desarrolló entre finales del y comienzos del el llamado modernismo catalán, un estilo ligado al modernismo "art nouveau" internacional pero que aquí tuvo unas características propias ligadas al renacer de la cultura catalana (Renaixença). Destacó especialmente en arquitectura, con figuras de gran renombre como Antoni Gaudí, Lluís Domènech i Montaner y Josep Puig i Cadafalch, pero también en pintura y escultura. Fue un movimiento heterogéneo, que agrupó en su seno varias tendencias estilísticas: según una clasificación de Joan Ainaud de Lasarte ("El Modernismo en España", 1969), el modernismo catalán podría dividirse entre modernismo simbolista, impresionista y postimpresionista. El primero sería el más cercano al simbolismo internacional, con influencias procedentes del Romanticismo y el prerrafaelismo, aunque también del naturalismo y otros estilos, lo que proporcionó una gran amalgama y complejidad que se tradujo de distinta manera en cada artista. En su producción se percibe un idealismo que otorga una gran relevancia a la iconografía y que se traduce en la expresión en los personajes de ideas o sentimientos, con especial predilección por la figura femenina. Sus características principales fueron la asimetría, la bidimensionalidad, la línea sinuosa, el gusto por la decoración floral, una cierta tendencia medievalizante y, especialmente en lo que atañe al simbolismo, la predilección por la alegoría y la temática simbólica.


title: Pintura simbolista

text: Uno de los máximos representantes de este movimiento fue Santiago Rusiñol, establecido en 1890 en París junto a Ramón Casas, donde se adentraron en el movimiento impresionista, con una especial influencia de Manet y Degas, es decir, del impresionismo de mayor base tradicional, de pincelada larga y difusa frente a la corta y suelta del impresionismo más vanguardista. Sin embargo, hacia 1893-1894 Rusiñol evolucionó hacia un estilo más plenamente simbolista: abandonó el realismo y encaminó su obra hacia un tono más mítico y estetizante, casi evasionista, como se denota en sus plafones decorativos para el Cau Ferrat de Sitges de 1896 ("La Pintura", "La Poesía", "La Música"). Con el comienzo del se encaminó más hacia el paisajismo, todavía con un cierto sello simbolista pero con mayor tendencia hacia el realismo.


title: Pintura simbolista

text: Alexandre de Riquer fue pintor, grabador, decorador, ilustrador y cartelista, además de poeta y teórico del arte. Vivió un tiempo en Londres, donde recibió el influjo del prerrafaelismo y del movimiento Arts & Crafts. Destacó especialmente en la ilustración de libros ("Crisantemes", 1899; "Anyoranses", 1902) y en el diseño de ex-libris, género que elevó a cotas de gran calidad.


title: Pintura simbolista

text: Joan Llimona, fundador del Círculo Artístico de San Lucas, se decantó hacia un misticismo de fuerte religiosidad, como se denota en sus pinturas para la cúpula del camarín de la iglesia del monasterio de Montserrat (1898) o los murales del comedor de la casa Recolons de Barcelona (1905). Formado en la Escuela de la Lonja, amplió sus estudios en Italia durante cuatro años. Sus primeras obras fueron de género costumbrista, pero hacia 1890 su pintura se centró en la religión, con composiciones que aúnan realismo formal con el idealismo de los temas, con un estilo comparado a veces con Millet y Puvis de Chavannes.


title: Pintura simbolista

text: Joan Brull estudió en Barcelona con Simó Gómez y en París con Raphaël Collin. Su etapa más simbolista se centró entre 1898 y 1900. En su obra destaca la representación de la figura femenina, con muchachas de etérea belleza que a menudo cobran la forma de hadas o ninfas, como en "Calipso" (1896, Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona) o "Ensueño" (1897, Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona).


title: Pintura simbolista

text: Josep Maria Tamburini desarrolló una estética parecida de idealizadas figuras femeninas, como en "Armonías del bosque" (1896, Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona). Iniciado en el academicismo, en el que mostró una gran perfección técnica, posteriormente fue uno de los pintores modernistas más afín al simbolismo, especialmente por su temática de contenido romántico.


title: Pintura simbolista

text: Sebastià Junyent fue un artista inquieto, iniciado en el impresionismo parisino al tiempo que Casas y Rusiñol pero que fue desarrollando una obra personal en que su fase más simbolista se encuentra entre 1899, año de su "Clorosis" de influencia whistleriana, y 1903, fecha en que realizó una "Anunciación" que ya señalaba un estilo más arcaizante. Su mejor obra en estos años fue "Ave María" (1902, colección Junyent, Barcelona), que muestra un idealismo cercano a Henri Martin. Pudo haber influido en Pablo Picasso, con el que compartió estudio en Barcelona y al que acompañó a París.


title: Pintura simbolista

text: Entre los más jóvenes estaban Adrià Gual y Lluís Masriera. Gual fue, además de pintor, dramaturgo, escenógrafo, director teatral y pionero del cine. Iniciado en el realismo, efectuó un viraje radical hacia un modernismo de tendencia simbolista en 1896 con su libro ilustrado "Nocturno. Andante moderado". Su mejor obra es "El rocío" (1897, Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona). Masriera destacó más como orfebre que como pintor, pero también desarrolló una obra de notable contenido simbolista de tono refinado y decorativo.


title: Pintura simbolista

text: Otros artistas dentro de esta corriente fueron: Aleix Clapés, Lluís Graner, Laureà Barrau, Joaquim Vancells, Ramon Pichot y Josep Maria Xiró.


title: Pintura simbolista

text: Por último, cabe señalar el período simbolista de Pablo Picasso. Tras una formación académica y un primer contacto con el arte moderno durante su estancia en Barcelona, donde se integró en el círculo modernista, entre 1901 y 1907 se decantó por un estilo cercano al simbolismo, que se tradujo en los denominados períodos azul (1901-1904) y rosa (1904-1907) del artista malagueño.


title: Pintura simbolista

text: En el ambiente artístico-literario de la barcelonesa cervecería Els Quatre Gats, Picasso entró en contacto con el impresionismo, los Nabis, los simbolistas ingleses (Burne-Jones, Whistler, Beardsley), la filosofía de Nietzsche y Schopenhauer, la literatura de Ibsen, Strindberg y Maeterlinck, y la música de Wagner. Todas estas influencias coadyuvaron a un período anímico en el que imperaba en el artista la tristeza y la melancolía —aumentada por el suicidio de su amigo Carles Casagemas en 1901—, que se tradujo en su período azul. Para entonces había efectuado su primer viaje a París en 1900, donde recibió la influencia de Toulouse-Lautrec, Carrière, Daumier y Théophile Steinlen. También se denota en esta etapa la influencia de Isidre Nonell, especialmente en el modelado y los contornos simplificados. Sus obras de este período se centran en la pobreza y la soledad, así como la maternidad y la ancianidad ("La vida", 1903, Cleveland Museum of Art; "Desamparados", 1903, Museo Picasso de Barcelona). Su principal rasgo estilístico es el predominio del color azul, probablemente por influencia de los "Nocturnos" de Whistler, los tonos azul verdosos de las últimas obras de Burne-Jones y el cuadro "La vigilia de santa Genoveva" de Puvis de Chavannes, de un azul casi monocromático, así como la asociación simbólica de este color con la espiritualidad y —en la obra de Verlaine y Mallarmé— con la decadencia. En 1904, ya instalado en París, se percibe la influencia de artistas manieristas y barrocos españoles como el Greco, Velázquez y Zurbarán.


title: Pintura simbolista

text: En el período rosa pasó de la tristeza a la alegría, con temas más joviales centrados en figuras circenses, acróbatas, bailarines y saltimbanquis ("El acróbata de la bola", 1905, Museo Pushkin, Moscú; "Saltimbanqui sentado con muchacho", 1906, Kunsthaus Zürich). Ello se reflejó también en su paleta, centrada en los tonos pastel, con preferencia por el rosa, así como por el gris. Instalado en París, conoció a personajes relevantes del arte y la cultura, como Serguéi Shchukin, Daniel Henry Kahnweiler, Leo y Gertrude Stein, Henri Matisse y Guillaume Apollinaire. El mayor éxito en su carrera y su relación con Fernande Olivier le llevaron a un mayor optimismo, lo que se tradujo en temas más amables y de colorido más suave, con imágenes plagadas de ternura y cierta nostalgia. Aun así, en ocasiones se vislumbra el dramatismo de la etapa anterior, con personajes tristes y melancólicos y escenas con cierto misterio, como en "La familia de saltimbanquis" (1905, National Gallery of Art, Washington D.C.).


title: Pintura simbolista

text: Uno de los países donde más se desarrolló el simbolismo fue Bohemia (actual República Checa), perteneciente hasta 1918 al Imperio austrohúngaro y por tanto inmersa en el ámbito artístico occidental, especialmente el germánico. Uno de sus mejores exponentes fue František Kupka, discípulo del pintor nazareno František Sequens, que para pagarse las clases trabajó como médium espiritista. En 1895 viajó a París, donde recibió la influencia de Ensor y Toulouse-Lautrec. Interesado en el ocultismo, realizó obras de un misticismo decorativo, fantástico y dramático: "La mujer y el dinero" (1899, Národní Galerie, Praga), "Balada de Epona (Las alegrías)" (1900, Národní Galerie, Praga), "El principio de la vida" (1900-1903, Centre Georges Pompidou, París). Desde los años 1910 su obra se encaminó hacia la abstracción.


title: Pintura simbolista

text: Alfons Mucha fue un artista a medio camino entre el modernismo y el simbolismo. Vivió y trabajó en Viena y Múnich antes de establecerse en París en 1887, donde estudió en la Académie Julian. Posteriormente vivió varios años en Estados Unidos (1904-1911), hasta que regresó a su patria, donde se dedicó al formato monumental. Fue pintor, grabador, dibujante, cartelista, fotógrafo y diseñador de joyas. Trabajó como ilustrador para el periódico "La plume" y cosechó un gran éxito en la confección de carteles teatrales, especialmente los realizados para Sarah Bernhardt. Sus composiciones se basaban frecuentemente en la fotografía, con un estilo ligero y elegante en el que destaca la imagen femenina, dotada de una belleza sobrenatural, así como el gusto por el arabesco y la decoración floral.


title: Pintura simbolista

text: Jan Preisler representaba por lo general temas espirituales, estados anímicos convertidos en algo tangible, en los que el propio artista exponía sus intenciones en la obra. Tiene aquí un elemento en común con Edvard Munch, artista al que admiraba Preisler. Recibió la influencia de Hans von Marées, Maurice Denis y Puvis de Chavannes. Su obra muestra la preocupación por el ser humano en todas las facetas de la vida, desde las sentimentales hasta la fantasía de cuentos y mitos, y apunta en buena medida hacia el expresionismo.


title: Pintura simbolista

text: Karel Vítězslav Mašek fue pintor y arquitecto. En una estancia en París, donde fue alumno de Alphonse Osbert y Henri Martin, adoptó el puntillismo de Seurat, para decantarse luego por el simbolismo. Su obra muestra un fuerte decorativismo, no en vano fue profesor en la Escuela de Artes Decorativas de Praga. En ocasiones utilizó mosaicos de colores luminiscentes, como Klimt.


title: Pintura simbolista

text: Otros representantes del simbolismo checo son: Jakub Schikaneder, Max Švabinský, Antonín Slavíček y Ludvík Kuba.


title: Pintura simbolista

text: Polonia pasaba en esta época una difícil situación, con su territorio dividido en tres partes entre Rusia, Prusia y el Imperio austrohúngaro, y su idioma y cultura proscritos en los ámbitos ruso y prusiano; en el lado austriaco —centrado en Cracovia—, menos represivo, fue donde más se desarrolló la cultura polaca. En relación con el simbolismo, un factor esencial fue la obra del escritor Stanisław Przybyszewski, poeta y teórico del arte, un personaje provocador partidario del satanismo, que difundió el simbolismo en su país. Junto con Stanisław Wyspiański fundó la revista "Życie" (Vida), que fue el órgano de una asociación artística denominada "Młoda Polska" (Joven Polonia), que promovió un simbolismo de tono decadentista, así como el neorromanticismo, el impresionismo y el modernismo.


title: Pintura simbolista

text: Wyspiański fue pintor, poeta y dramaturgo. Alumno del academicista Jan Matejko, estudió también literatura e historia del arte. Amplió sus estudios en la parisiense Académie Colarossi, entre 1890 y 1894. De regreso a su país introdujo el decorativismo secesionista en el panorama artístico, lo que ayudó a su renovación. Destacó como retratista e ilustrador, y diseñó también vidrieras, como las de la iglesia de los Franciscanos de Cracovia.


title: Pintura simbolista

text: Como el anterior, Józef Mehoffer fue alumno de Jan Matejko y estudió en la Académie Colarossi de París, donde trabó amistad con Gauguin y Mucha. Realizó ilustraciones para las revistas "Życie" y "Chimera". También diseñó vidrieras, como las de la iglesia de San Nicolás de Friburgo.


title: Pintura simbolista

text: Jacek Malczewski fue alumno también de Jan Matejko, de quien tomó el gusto por los temas históricos, así como los mitológicos y religiosos. Pintó numerosos autorretratos con diversos disfraces, en ocasiones en interrelación con una hermosa mujer que representa la muerte. Preocupado por la situación de su país, en su "Hamlet polaco" (1903, Museo Nacional de Varsovia) pintó dos mujeres, una con las manos atadas y otra que rompe sus cadenas, representando la antigua y la nueva Polonia.


title: Pintura simbolista

text: Józef Pankiewicz se inició en el impresionismo y tuvo también contactos con el secesionismo vienés, pero posteriormente recibió el influjo del simbolismo, con preferencia por el género del nocturno ("Cisnes en el jardín de Sajonia", 1896, Museo de Cracovia). Fue miembro de la sociedad Sztuka (Arte), fundada en Cracovia en 1897 con el objetivo de impulsar el arte contrario al academicismo y fomentar el circuito de exposiciones en Polonia. Los miembros de este grupo mostraban tendencias artísticas que iban desde el impresionismo y simbolismo hasta el expresionismo.


title: Pintura simbolista

text: Witold Wojtkiewicz se centró en el mundo de la infancia y el circo, con un estilo que combina lo lírico y lo grotesco y que se acerca al expresionismo y el surrealismo. Murió a los treinta años.


title: Pintura simbolista

text: Otros exponentes del simbolismo polaco fueron: Bruno Schulz, Władysław Ślewiński, Wojciech Weiss, Władysław Podkowiński y Witold Pruszkowski.


title: Pintura simbolista

text: En Hungría destacó József Rippl-Rónai. Discípulo del academicista Mihály Munkácsy, se trasladó a París y contactó con el ambiente simbolista de esa ciudad; también visitó la colonia artística de Pont-Aven, frecuentó a los Nabis y trabó amistad con Whistler y Carrière. En 1897 el marchante Samuel Bing organizó una exposición de su obra con 130 cuadros suyos. En 1902 regresó a su país natal. Su obra muestra una cierta monumentalidad y un aire solemne, con tendencia a la monocromía y a sintetizar la forma y el color, y una paleta clara y amable.


title: Pintura simbolista

text: János Vaszary recibió la influencia de Puvis de Chavannes, lo que se denota en su gusto por la pintura mural, especialmente en paisajes de composición estilizada con contornos de fina línea negra, con figuras naturalistas de correcto dibujo anatómico. Otro representante fue Aladár Körösfői-Kriesch, de estilo semejante al anterior en su contraste de formas planas y figuras bien definidas anatómicamente, con cierta influencia de Gustav Klimt y del nazareno Melchior Lechter. Su obra denota cierto clasicismo, con un cromatismo frío que contrasta con su gusto por el color dorado.


title: Pintura simbolista

text: En Rusia, el simbolismo se desarrolló en amplia interrelación con la literatura de Tolstoi y Dostoyevski y la música de Rimski-Korsakov. En 1898, Alexandre Benois y Serguéi Diáguilev fundaron en San Petersburgo el grupo Mir Iskusstva (Mundo del arte), con el objetivo de renovar el panorama artístico ruso y desmarcarse del academicismo. Entre sus influencias, además del modernismo y el simbolismo, se encontraban el arte popular y medieval, así como el dibujo infantil y el arte primitivo, de los que extrajeron su preferencia por la simplificación formal y los colores brillantes, dos de sus principales señas de identidad. Al igual que los Nabis, tenían el objetivo de lograr una síntesis de las artes, por lo que se preocuparon por igual de la pintura y la escultura que de la cerámica o la madera, y también incursionaron en las artes escenográficas, como se manifiesta en los Ballets Rusos de Diáguilev. En 1900 se incorporó al grupo Lev Bakst, pintor, escenógrafo y diseñador de vestuario, influido por el modernismo y el arte oriental. El grupo editó una revista de su mismo nombre, "Mir Iskusstva", y organizó exposiciones de artistas occidentales. La primera tuvo lugar en San Petersburgo en 1899, con obras de Degas, Monet, Moreau, Böcklin, Puvis de Chavannes y Whistler. La última, en 1906, supuso el debut de algunos artistas vanguardistas como Mijaíl Larionov, Natalia Goncharova y Alekséi von Jawlensky. Ese mismo año Diáguilev organizó una muestra de arte ruso en el Salon d'Autumne de París. Tras la misma se disolvió el grupo. Entre 1910 y 1924 fue utilizado su nombre como sociedad expositiva, pero centrada ya en el arte vanguardista.


title: Pintura simbolista

text: Los Ballets Rusos fue una compañía de ballet creada en 1909 por Diáguilev, integrada principalmente por bailarines del Ballet Imperial del Teatro Mariinski de San Petersburgo, entre los que destacaba Vaslav Nijinsky. Estuvo afincada sucesivamente en París, Montecarlo, de nuevo París y Londres. Además de por la música y el ballet, destacó especialmente por sus escenografías, decorados y vestuarios, diseñados sobre todo por Benois y Bakst, así como otros artistas como Nikolái Roerich, Konstantin Korovin y Aleksandr Golovín. Alexandre Benois, de ascendencia francesa, fue pintor, escenógrafo, historiador y crítico de arte. En sus escenografías combinó el arte tradicional ruso con algunos elementos del rococó francés. Lev Bakst estudió en la parisiense Académie Julian y fue alumno de Jean-Léon Gérôme. Combinó el arte popular ruso con el arte francés moderno, con un estilo colorista que destaca por su sentido del ritmo. Entre las principales producciones de la compañía se encuentran: "Danzas polovtsianas" de "El príncipe Igor", con decorados y vestuario de Roerich (1909); "El festín", con decorados de Korovin y vestuario de Korovin, Bakst y Benois (1909); "Los jardines de Armida", de Benois (1909); "Cleopatra", de Bakst (1909); "Las sílfides", de Benois (1909); "El pájaro de fuego", de Golovin (1910); "Scheherezade", de Bakst (1910), "Petrushka", de Benois (1911); "El Espectro de la rosa", de Bakst (1911); "La siesta de un fauno", de Bakst (1912); y "La leyenda de José" (1914), de Bakst y Josep Maria Sert. Desde 1914 los ballets se alejaron del estilo simbolista. La compañía se disolvió en 1929, tras la muerte de Diáguilev.


title: Pintura simbolista

text: Fuera de este grupo destaca la obra de Mijaíl Vrúbel. Estudió derecho antes de iniciarse en la pintura a los veinticuatro años, y dedicó cinco años a la restauración de los frescos de la iglesia de San Cirilo de Kiev, para posteriormente instalarse en Moscú e iniciar su andadura personal. Sus temas preferidos fueron los retratos, las escenas de ballet y las representaciones mitológicas y alegóricas. Realizó durante quince años varias obras inspiradas en "El demonio" de Lermontov, en el que un demonio se enamora de una joven y, para poseerla, mata a su novio; cuando la joven se recluye en un convento la seduce, pero ella muere y el demonio se queda solo. En la obra de Vrúbel el demonio evoluciona de un ser de belleza sobrehumana a un ser aplastado y desesperado. A los treinta y seis años empezó a tener síntomas de demencia, a los cuarenta perdió la vista y murió a los cuarenta y cuatro años. Apodado el «Cézanne ruso» por Naum Gabo, su obra influyó en Malevich y Kandinski.


title: Pintura simbolista

text: El simbolismo influyó también en la obra madura de Iliá Repin, un pintor realista miembro del grupo "Peredvízhniki" (Ambulantes), con un estilo melodramático de introspección psicológica. En 1890 se integró en el círculo de Mir Iskusstva y atravesó una fase simbolista. Fue miembro del comité redactor de la revista y participó en varias exposiciones organizadas por Diáguilev. Sin embargo, pronto se separó del grupo, al que consideraba diletante, y continuó con su estilo realista.


title: Pintura simbolista

text: Kuzmá Petrov-Vodkin estudió en Moscú y París, y viajó por Francia, Italia, Grecia y África. Recibió la influencia de Puvis de Chavannes, Hodler y Denis. Su obra se centra en conceptos ideales como la belleza, el amor y la felicidad. Su estilo, inspirado a menudo en los iconos tradicionales rusos, se caracteriza por los fuertes contrastes cromáticos y el uso de perspectivas de arriba abajo. En su última etapa evolucionó hacia el realismo.


title: Pintura simbolista

text: Valentin Serov fue alumno de Repin y amplió sus estudios en París y Mónaco. Fue un destacado retratista que realizó imágenes de Nicolás II, Maksim Gorki y Nikolai Rimski-Korsakov, entre otros. Fue miembro de Mir Iskusstva y colaborador de Diáguilev. Evolucionó desde un cierto impresionismo hacia un simbolismo influido por el arte tradicional ruso y el arte clásico griego.


title: Pintura simbolista

text: Otros exponentes del simbolismo ruso fueron: Viktor Zamiraylo, Konstantin Somov, Viktor Borisov-Musatov y Viktor Vasnetsov.


title: Pintura simbolista

text: En Rusia cabe citar también la fase simbolista de dos jóvenes artistas que luego destacarían en el arte de vanguardia: Vasili Kandinski y Kasimir Malevich. Kandinski estudió derecho, economía y política antes de pasarse al arte. En 1899 se instaló en Múnich, donde estudió con Anton Ažbe y Franz von Stuck. Entre 1903 y 1907 viajó por Italia, Francia y África. Entre 1907 y 1914 vivió entre Berlín y Múnich. Tras unos años de vuelta a Rusia, en 1922 regresó a Alemania y en 1933 se instaló en Francia. La primera fase de su obra puede enmarcarse en el simbolismo, en la que su fuente de inspiración fueron los cuentos y leyendas eslavas, así como elementos de la religiosidad ortodoxa y de cierta tendencia al ocultismo, perceptible por ejemplo en la transcripción simbólica de sus colores. En 1911 se adhirió al grupo expresionista "Der Blaue Reiter" y fue decantándose hacia la abstracción, de la que fue uno de sus pioneros.


title: Pintura simbolista

text: Malevich, futuro fundador del suprematismo, tuvo en sus inicios una fase simbolista, caracterizada por el erotismo aunado con cierto misticismo de corte esotérico, con un estilo tendente a la monocromía, con predominio del rojo y el amarillo: "Mujer cogiendo flores" (1908, colección privada), "Encina y dríadas" (1908, colección privada). Fue alumno de Borisov-Musatov, quien a su vez había sido alumno de Moreau. Influido por Maurice Denis, su dibujo tenía cierta tendencia al primitivismo.


title: Pintura simbolista

text: Cabe citar en último lugar al lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis, pintor y compositor, un artista innovador con tendencia hacia la abstracción. Interesado en la mitología lituana y la filosofía de Nietzsche y Rudolf Steiner, su estilo se movió entre el simbolismo y la abstracción, en el que se denota una fuerte inspiración en la música. Entre 1906 y 1908 realizó una serie de «abstracciones musicales» ("Composición", "Sonata del mar", "Sonata piramidal") que pretendían transcibir al ámbito pictórico los ritmos musicales, en unas obras de tendencia abstractizante que buscaban reflejar en líneas simplificadas las energías cósmicas que pretendía captar con su obra. Murió pobre a los treinta y seis años.


title: Pintura simbolista

text: En Estados Unidos el simbolismo tuvo escasa implantación, pero fue practicado por unos pocos artistas que lo habían conocido en viajes a Europa. Al igual que en Reino Unido con el prerrafaelismo, en el país norteamericano se suele considerar como un precedente la obra desarrollada por la Escuela del río Hudson y, especialmente, por Thomas Cole, un pintor de origen británico autor de paisajes de tono alegórico y romántico, como "El viaje de la vida" (1842, National Gallery of Art, Washington D. C.), una serie de cuatro lienzos que representan el ciclo de la vida humana: infancia, juventud, madurez y vejez, en forma de un viajero que surca en barca un río (la Vida) guiado por un ángel custodio.


title: Pintura simbolista

text: El panorama artístico estadounidense era más bien hostil al simbolismo, ya que por su idiosincrasia era más tendente al realismo: allí aún predominaba el positivismo cientificista y se tenía una viva idea del progreso, especialmente en el terreno económico, ya que no en vano este país es junto con Reino Unido la cuna del capitalismo. Así, se veía con recelo alguno de los aspectos de la cultura finisecular europea, especialmente en lo tendente al decadentismo, que chocaba frontalmente con el fundamentalismo religioso propiciado por el protestantismo. En este país, incluso, el arte y la poesía eran consideradas actividades femeninas. Pese a todo, se produjeron diversos vestigios de arte simbolista, practicado por artistas de formación europea como Albert Pinkham Ryder, Arthur Bowen Davies, Elihu Vedder, Maurice Prendergast y John White Alexander.


title: Pintura simbolista

text: De formación autodidacta, Ryder elaboró paisajes y marinas, dos géneros no muy tratados por los simbolistas, pero con un aire visionario que los convertía —según sus propias palabras— en algo «mejor que la naturaleza, que vibraba con la emoción de una nueva creación». Inspirado en la obra de Shakespeare, Byron, Wagner y Poe, así como la Biblia y la mitología, sus obras expresan una temática relativa a la maldad y la muerte.


title: Pintura simbolista

text: Davies también elaboró paisajes de tipo alegórico, que denotan la influencia simbolista por su predilección por la temática onírica y sensual, así como lo romántico y decorativo. Fue uno de los organizadores del Armory Show, que presentó en Estados Unidos las obras de los artistas simbolistas, así como impresionistas, fauvistas y cubistas. Recibió la influencia de Böcklin y el prerrafaelismo.


title: Pintura simbolista

text: Instalado en Roma desde 1867, desde donde regresó ocasionalmente a su tierra, Vedder recibió la influencia del prerrafaelismo y de Odilon Redon, y aunque a menudo eligió temas históricos y religiosos —así como paisajes— los reinterpretó al modo simbolista, en imágenes fantásticas y alegóricas en las que la figuración detallista se subordina al contenido simbólico, como en "La copa de la muerte" (1885, Virginia Museum of Fine Arts, Richmond).


title: Pintura simbolista

text: Alexander fue pintor e ilustrador, formado en Múnich, Florencia y Venecia entre 1877 y 1881. Tras una estancia en Nueva York en que destacó como retratista, vivió en París entre 1890 y 1901, donde frecuentó a Whistler, Rodin, Mallarmé y Henry James. Fue director de la National Academy of Design. Destacó especialmente en el retrato femenino.


title: Pintura simbolista

text: Maurice Prendergast fue también un artista bastante vinculado a Europa: entre 1891 y 1894 estudió en las academias Julian y Colarossi, y recibió la influencia especialmente de Manet, Whistler, Seurat, Toulouse-Lautrec y los Nabis. Durante la transición de siglo su obra estuvo más cercana al impresionismo, y fue a mediados de la década de 1910 que se aproximó más al simbolismo, en obras como "The promenade" (1914-1915, Detroit Institute of Arts). En la última fase de su obra se acercó al fauvismo matissiano.


title: Pintura simbolista

text: El simbolismo influyó también por un tiempo a John Singer Sargent, un pintor clasicista que destacó como retratista social, cercano en ocasiones al impresionismo. En 1895 recibió el encargo para decorar la Biblioteca Pública de Boston, para la que desarrolló un ciclo mural basado en "El progreso de la religión" que denota la influencia simbolista, especialmente en las deidades paganas de Próximo Oriente.


title: Pintura simbolista

text: Conviene citar en último lugar a James Abbott McNeill Whistler, un pintor estadounidense afincado en el Reino Unido que, aunque ligado sobre todo al impresionismo, se le relaciona en ocasiones con el simbolismo por su concepción idealista del arte, al que consideraba «una divinidad de esencia delicada». Permaneció un tiempo en Francia, donde estudió en la École des Beaux-Arts con Charles Gleyre. Allí conoció a Legros y Fantin-Latour, con quienes fundó la "Société des Trois". En 1859 se instaló en Londres, aunque siguió viajando frecuentemente a Francia. Fue un eminente dandi y defensor de "l'art pour l'art", y rechazó en la pintura cualquier componente narrativo o moral; según él, si «la música es la pintura del oído, la pintura debe serlo del ojo». Su estilo era ligero, de colores simples y tonalidades algo abstractas. Whistler se aleja del simbolismo por su ausencia de contenido metafísico, pero aportó importantes conceptos a la teoría simbolista, como la autonomía del arte respecto a cualquier concepto moral. También influyó en el simbolismo su gusto por el arte japonés, su decoración mediante pautas inspiradas en plumas de pavo real y su tendencia a titular sus obras con conceptos musicales como «nocturno», «arreglo» y «sinfonía».


title: Ópera Estatal de Viena

text: La Ópera Estatal de Viena (en alemán: "Wiener Staatsoper"), ubicada en la ciudad austriaca de Viena, es una de las más importantes compañías de ópera mundiales. Hasta 1920 se llamó «Teatro de la Ópera de la Corte Imperial y Real de Viena» (k.k. Hof-Operntheater). Es el centro neurálgico de la vida musical vienesa y uno de los polos de atracción del mundo musical.


title: Ópera Estatal de Viena

text: El teatro original de la Ópera Estatal (conocido entonces como K. (Kaiserliches) k. (königliches) Hof-Operntheater, Teatro de la Ópera de la Corte Imperial y Real), un edificio neorrenacentista muy criticado por los vieneses cuando se construyó entre 1861 y 1869, según un proyecto de los arquitectos vieneses Eduard van der Nüll y August Sicard von Sicardsburg. Ambos arquitectos fallecieron antes de ver terminado el edificio (van der Nüll se suicidó y su compañero Sicardsburg murió poco después de un ataque al corazón). En la decoración interior participaron otros renombrados artistas, particularmente el pintor Moritz von Schwind, que pintó los famosos frescos del foyer y la terraza. El teatro fue inaugurado el 25 de mayo de 1869 con la ópera de Mozart "Don Giovanni".


title: Ópera Estatal de Viena

text: Durante la Segunda Guerra Mundial, el edificio fue bombardeado por la aviación el 12 de marzo de 1945 y posteriormente un incendio destruyó totalmente el escenario y la sala de espectadores. Casi todo el decorado para más de 120 óperas con cerca de trajes resultaron destruidos. Sólo se salvaron la fachada principal, la gran escalinata y el vestíbulo con los frescos de Schwind. La Ópera Estatal se albergó temporalmente en el Theater an der Wien y en la Volksoper.


title: Ópera Estatal de Viena

text: Justo después del final de la guerra, en mayo de 1945, se anunció que los trabajos de reconstrucción se iniciarían inmediatamente. El proyecto contemplaba la reconstrucción de la sala con un diseño similar al original, pero con decoración más acorde con las tendencias de diseño de la época, si bien se mantuvieron los colores tradicionales, rojo, oro y marfil. Toda la sala se recubrió en madera, con el fin de recuperar la brillante acústica original. Se redujo el número de asientos del patio de butacas y se reestructuró el cuarto piso para eliminar las columnas, que reducían la visibilidad. La fachada, el vestíbulo y el foyer de Schwind se restauraron en su estilo original.


title: Ópera Estatal de Viena

text: El teatro reconstruido, con 2284 plazas (en lugar de las 2881 originales), se reabrió el 5 de noviembre de 1955, poco después de la firma del tratado que restableció a Austria como Estado independiente, con la representación de la ópera de Beethoven "Fidelio" dirigida por Karl Böhm.


title: Ópera Estatal de Viena

text: Entre 1991 y 1993 se renovó completamente toda la zona escénica, montándose plataformas hidráulicas de la última tecnología, nuevas instalaciones de suministro eléctrico, calefacción, ventilación y protección contra incendios en todo el edificio. Asimismo, se construyó una nueva sala de ensayos de escena, denominada "Sala Carlos Kleiber". Entre las particularidades del edificio, se puede citar la "Orgelsaal" (sala del órgano), en la sexta planta, que contiene un gran órgano de 2500 tubos (el mayor del mundo entre los alojados en teatros de ópera), cuyo sonido se transmite directamente a la sala de espectadores. La misma sala se utiliza en ocasiones para otros efectos acústicos, como el sonido de los yunques en "El oro del Rin", de Richard Wagner.


title: Ópera Estatal de Viena

text: Desde 1877, el Teatro de la ópera ha sido durante décadas el lugar de celebración del Baile de la Ópera.


title: Ópera Estatal de Viena

text: A partir de mediados del , durante el reinado de Leopoldo I, empieza a ser habitual que se representen óperas italianas en la corte de Viena, con la ayuda de diferentes compositores y libretistas traídos de Italia para tal fin. Las óperas eran interpretadas por los miembros de la "Hofkapelle" (Capilla de la Corte), que también se ocupaba de la música litúrgica y de amenizar los banquetes de la corte. Las representaciones se daban en diferentes lugares de Viena, adaptados para tal fin. Desde 1741 las representaciones comenzaron a darse en el nuevo "Burgtheater" de la Michaelerplatz, una antigua pista de juego de pelota reconvertida. Paralelamente, se utilizó el "Schlosstheater", acondicionado en el palacio de Schönbrunn. El público de la ópera real estaba restringido a miembros de la corte, embajadores extranjeros y visitantes de alto rango, si bien, desde 1728, los ciudadanos comenzaron a poder asistir a representaciones de adaptaciones operísticas de las obras que se componían para la corte en un teatro de gestión privada, el Kärntnertortheater, situado cerca del actual emplazamiento de la Ópera Estatal.


title: Ópera Estatal de Viena

text: Alrededor de 1776, el emperador José II decreta la "libertad teatral" ("Schauspielfreiheit") en Viena, que supone el final del monopolio de la corte sobre los espectáculos teatrales. A partir de ese momento permite que otras compañías utilicen el Burgtheater o el Kärntnertortheater para montar sus propios espectáculos. El propio José II asume la gestión de los teatros. Al mismo tiempo, comienza a favorecer la representación de obras en idioma alemán, frente al monopolio italiano. Esta fue la situación que favoreció la composición y el estreno de diversos "Singspiele", como "El rapto en el Serrallo" de Mozart. Sin embargo, Mozart sufrió mucho más para poder ver representadas sus comedias italianas en los teatros de la Corte.


title: Ópera Estatal de Viena

text: Al principio del los teatros de la corte siguieron manteniendo su posición predominante en la escena musical vienesa, porque eran los únicos que podían asumir el montaje de las nuevas óperas románticas, que comenzaban a llegar desde Italia y Francia. En esa época la mayoría de las representaciones se daban en el Kärntnertortheater, cuya gestión se cedía a sucesivos empresarios, por lo general italianos. En 1854 Carl Eckert se convirtió en el primer director de la Ópera Imperial que también ostentaba el cargo de director musical. Esta situación se repitió a menudo desde ese momento, culminando con el nombramiento de Gustav Mahler en 1897. Durante el mandato de Eckert llegaron por primera vez a la Hofoper las óperas de Wagner ("Lohengrin" en 1858 y "Tannhäuser" en 1859).


title: Ópera Estatal de Viena

text: Al decretarse la demolición de la vieja muralla de Viena y aprobarse el trazado de la moderna Ringstraße, se decidió construir el nuevo teatro. La nueva casa de la ópera permitió el rápido desarrollo de la compañía, que alcanzó una primera edad de oro durante el mandato de Wilhelm Jahn (de 1881 a 1897) quien compartió la dirección musical con Hans Richter.


title: Ópera Estatal de Viena

text: Gustav Mahler es otro de los muchos ilustres directores que trabajaron en Viena. Durante el desempeño de su cargo (de 1897 a 1907) Mahler cultivó una nueva generación de cantantes, tales como Anna Bahr-Mildenburg, Selma Kurz y Leo Slezak, y reclutó un escenógrafo (Alfred Roller) que reemplazara los decorados históricos por otros más concordes con los modernistas gustos del Jugendstil. Mahler introdujo igualmente la práctica de atenuar la luz en el teatro durante las representaciones, lo que inicialmente no fue apreciado por el público. Sin embargo, las reformas de Mahler fueron mantenidas por sus sucesores.


title: Ópera Estatal de Viena

text: Durante los años del nazismo en Austria, entre 1938 y 1945, muchos miembros de la compañía fueron perseguidos por motivos políticos o raciales, mientras que muchas óperas del repertorio fueron prohibidas. Tras la destrucción del teatro en marzo de 1945, la compañía se instaló en el teatro de la Volksoper, donde dio una representación de "Las bodas de Fígaro" el 1 de mayo siguiente, y otra de "Fidelio" el 6 de octubre en el Theater an der Wien, una vez que se concluyó la rápida restauración de ese teatro. Durante los diez años siguientes, la compañía se alojó en estas dos sedes.


title: Ópera Estatal de Viena

text: La reapertura del Teatro en 1955 constituyó un histórico festival operístico, en el que se representaron sucesivamente siete títulos significativos del repertorio de la compañía, comenzando el 5 de noviembre con "Fidelio" dirigido por Karl Böhm, al que siguieron "Don Giovanni" (dirigido también por Böhm), "Aida" (Rafael Kubelík), "Los maestros cantores de Núremberg" (Fritz Reiner), Wozzeck (Böhm), "Der Rosenkavalier" (Hans Knappertsbusch) y "La mujer sin sombra" (Böhm). Además, Bruno Walter (que rechazó la invitación para dirigir "Don Giovanni", por haberse ya retirado de la dirección de ópera) dirigió un concierto con el "Te Deum" de Bruckner y la novena de Beethoven. Hasta que Herbert von Karajan asumió la dirección, Viena mantuvo un conjunto permanente. Von Karajan introdujo la política de contratar cantantes invitados. El excepcional grupo de cantantes de esa era formó un celebrado elenco con intérpretes como Lotte Lehmann, Maria Jeritza, Sena Jurinac, Irmgard Seefried, Elisabeth Schwarzkopf, Christa Ludwig, Maria Cebotari, Elisabeth Grümmer, Elisabeth Hoengen, Anton Dermota, Eberhard Wächter, Walter Berry, etc.


title: Ópera Estatal de Viena

text: Tras la renuncia de Franz Welser-Möst, en 2014, la compañía funciona actualmente sin un director musical fijo, situación que se ha repetido frecuentemente en la historia del Teatro. Otros directores en Viena han sido Hans Richter, Felix von Weingartner, Richard Strauss, Clemens Krauss, Wilhelm Furtwängler, Bruno Walter, Karl Böhm, Herbert von Karajan, Lorin Maazel, Claudio Abbado, Riccardo Muti y Seiji Ozawa. En la actualidad, algunos de los directores más importantes dirigen regularmente en la Staatsoper, entre ellos Philippe Auguin, Adam Fischer, Daniele Gatti, Jesús López Cobos, Ingo Metzmacher, Marc Minkowski, Peter Schneider, Jeffrey Tate o Christian Thielemann.


title: Ópera Estatal de Viena

text: La Ópera Estatal de Viena está muy unida a la Orquesta Filarmónica de Viena, que es una sociedad independiente, pero cuyos miembros se reclutan entre los de la orquesta de la Ópera Estatal de Viena, tras un periodo de prueba y varias audiciones.


title: Ópera Estatal de Viena

text: Actualmente, la Staatsoper de Viena es uno de los teatros de ópera más importantes y de mayor prestigio y tradición del mundo. La programación sigue el sistema de "repertorio", en el que la compañía residente, apoyada por los más importantes cantantes de ópera del mundo, representa un cierto número de obras del repertorio de la compañía, que se van rotando o alternando durante toda una temporada, en la que se pueden alcanzar las 300 representaciones, entre ópera, ballet y ópera infantil, desde principios de septiembre hasta finales de junio. En una misma temporada se pueden alternar alrededor de 53 títulos de ópera y 9 de ballet, de los cuales alrededor de ocho serán estrenos de nuevas producciones.


title: Ópera Estatal de Viena

text: La compañía cuenta con un amplísimo elenco de cantantes de ópera, alrededor de 200, de los cuales la mayoría emplean la mayor parte de la temporada cantando en las producciones del teatro, mientras que el resto son las más grandes figuras internacionales del canto que regularmente visitan Viena para participar en alguna producción. De estos, los más importantes y más apreciados por el público y por el teatro reciben el título honorífico de "Österreichischer Kammersänger" (Cantante de cámara de Austria) o "Ehrenmitglied" (miembro de honor) de la Ópera Estatal de Viena.


title: Ópera Estatal de Viena

text: Desde septiembre de 2010, la compañía de ballet de la ópera de Viena recibe el nombre de Wiener Staatsballet, tras su fusión con el ballet de la Volksoper. Esta compañía arrastra también una sólida tradición, y en su historia aparecen los nombres de los bailarines y coreógrafos más prestigiosos. En la actualidad, la compañía está dirigida por el bailarín francés Manuel Legris.


title: Ópera Estatal de Viena

text: Una parte importante de la temporada de cada año en la Ópera Estatal la constituye la representación de óperas infantiles, para la que durante algunos años se instaló una carpa estable sobre la terraza superior del edificio. Desde el otoño de 2015, la Staatsoper ha habilitado el escenario del Stadttheater Walfischgasse, situado a pocos metros del Ringtheater, para realizar allí los espectáculos pedagógicos, así como conferencias, coloquios y otras actividades paralelas. En este escenario se hacen representaciones de ópera especialmente preparadas para los niños a lo largo de toda la temporada. A estas representaciones se añaden un proyecto pedagógico con escuelas infantiles, una escuela de ópera para niños y una escuela de ballet.


title: Ópera Estatal de Viena

text: Una característica distintiva de las representaciones de la Ópera Estatal es la de las localidades de pie ("Stehplätze"), que en cada función pueden ser más de 500, y que se venden a precios muy reducidos en una taquilla especial, sólo 90 minutos antes del inicio de la representación. Algunas de estas localidades están situadas en lugares priviliegiados de la sala, concretamente al fondo del patio de butacas, justo debajo del antiguo palco imperial.


title: Ópera Estatal de Viena

text: Desde 1998, la Ópera Estatal de Viena, en colaboración con la iniciativa Museum in progress, decora el telón cortafuegos de la boca del escenario con obras de artistas contemporáneos que cambian cada temporada. El telón cortafuegos tiene una superficie de 176 metros cuadrados y se convierte así en un espacio expositivo dinámico y un escaparate internacional para jóvenes artistas, que son elegidos cada año por un jurado internacional. Paralelamente a la presencia de la obra en el telón, se realiza una edición especial de reproducciones de la obra durante la temporada en la que está expuesta. Cada año, la iniciativa es patrocinada por una empresa o institución. La decoración del telón de la temporada 2015/2016 correspondió a la artista francesa Dominique Gonzalez-Foerster, y la del 2016/17 a la norteamericana Tauba Auerbach.


title: Ópera Estatal de Viena

text: Desde 2010, la Ópera Estatal de Viena ha sido pionera en la transmisión en directo de sus espectáculos a través de internet. Mediante un sistema de vídeo bajo demanda y por subscripción, el teatro ofrece hasta 45 espectáculos (ópera y ballet) por temporada, a través de navegadores de internet, o diferentes aplicaciones para dispositivos de reproducción.


title: Ópera Estatal de Viena

text: En mayo de 2019, la Staatsoper celebró el 150 aniversario del edificio de la Ringstrasse, con una serie de actos y exposiciones conmemorativas en el edificio, que culminaron con el estreno de una nueva producción de "Die Frau ohne Schatten" el 25 de mayo, y con un gran concierto al aire libre, en el exterior del teatro, el día 26.


title: Ōgon no Kaze

text: , también conocido como Vento Aureo o Golden Wind, es la quinta parte de la serie de manga "JoJo's Bizarre Adventure", escrita e ilustrada por Hirohiko Araki. Fue serializado en Weekly Shonen Jump desde el 20 de noviembre de 1995. hasta el 5 de abril de 1999. En su publicación original, se la conocía como "Jojo's Bizarre Adventure Part 5 Giorno Giovanna: Golden Heritage". Dentro de Golden Wind, el título de JoJo's Bizarre Adventure se traduce en italiano, como "Le Bizzarre Avventure di GioGio".


title: Ōgon no Kaze

text: Como es la quinta parte de la serie, los 155 capítulos retoman donde quedó el cuarto y están numerados del 440 al 594, con los volúmenes numerados del 47 al 63. Fue precedido por Diamond Is Unbreakable y seguido por Stone Ocean.


title: Ōgon no Kaze

text: El manga comienza en 2001, cuando el personaje de "Diamond Is Unbreakable", Koichi Hirose va a Nápoles a petición de Jotaro Kujo para encontrar a alguien conocido como Haruno Shiobana y obtener una muestra de piel de él. Shiobana resulta ser un estudiante de secundaria llamado Giorno Giovanna, que suena similar a "Haruno Shiobana", que es el hijo de Dio Brando. Giorno intenta robar el equipaje de Koichi, pero es detenido por su Stand, Echoes Act 3. Giorno reconoció su poder como un poder de Stand similar a su Gold Experience, un Stand que puede dar vida a objetos inanimados. La historia sigue a Giorno mientras trata de convertirse en el jefe de la mafia para hacer de Nápoles un lugar mejor y ayudar a su gente, específicamente en lo que respecta a la disponibilidad de drogas para los jóvenes. Después de un altercado con el miembro de la pandilla Luca "Ojo lloroso" , intenta unirse a Passione, un grupo de crimen organizado que emplea a muchos usuarios de Stand (esencialmente, su visión para Passione es similar a la banda de Robin Hood, en contraste con la pura pasión de su actual líder). Se le acerca un miembro de Passione, Bruno Bucciarati, quien sospecha que mató a Luka. Durante la pelea, los lectores son presentados en el Stand de Buciarati, Sticky Fingers, que puede colocar y abrir una cremallera en cualquier superficie. Bucciarati desafía a Giorno a completar el rito para unirse a Passione, y por lo tanto visita al Capo, Polpo, en prisión.


title: Ōgon no Kaze

text: Giorno recibe un encendedor por parte de Polpo, con instrucciones de no dejarlo que se apagara por un lapso de 24 horas, para demostrar su dedicación. Cuando es accidentalmente extinguido por un transeúnte, se activa el Stand Black Sabbath de Polpo, que persigue a Giorno desde las sombras, literalmente. Giorno es capaz de someter a Black Sabbath con la ayuda de Koichi, pasando la prueba de Polpo y uniéndose a Passione, sin embargo debido al error de Giorno, un inocente fue asesinado por el Stand de Polpo por lo que Giorno en respuesta, lo asesina, asegurándose de no dejar evidencia alguna de que lo mató. Él se coloca en el grupo de Bucciarati, que acepta trabajar con Giorno para hacerse cargo de la mafia desde dentro, y poner fin al tráfico de drogas Passione. Bucciarati es el superior de los otros cuatro miembros del grupo de Giorno, otros usuarios de Stand, Guido Mista, Leone Abbacchio, Narancia Ghirga y Pannacotta Fugo. A lo largo de la historia, el grupo, desconfiado de Giorno, pronto descubre su coraje y generosidad, y lentamente se entusiasman con él.


title: Ōgon no Kaze

text: Después de encontrar la fortuna acumulada de Polpo después de su muerte en la isla de Capri, Bucciarati es ascendido y el jefe le asigna una misión secreta a su grupo: escoltar a su hija adolescente, Trish Una, de manera segura hacia él. Con la ayuda de una tortuga llamada Coco Jumbo que utiliza un Stand llamado Mr.President, se defienden de varios ataques de un grupo de traidores que usan Stands dentro de la mafia, un grupo llamado "la squadra di esecuzione", que alguna vez fue la división dentro de Passione especializada en cometer asesinatos por encargo, quienes están decididos a derrocar al jefe; solo secuestrando a Trish pueden esperar aprender su identidad. Después de viajar a Pompeya y Florencia, llegan a Venecia para encontrarse con el jefe en la iglesia de San Giorgio Maggiore en la isla de San Giorgio Maggiore. Sin embargo, al hacerlo, Bucciarati descubre que el jefe solo quería que subjefe trajera a Trish para que él mismo pudiera matarla. Su intención no era más que ocultar permanentemente su identidad. Solo él trata de matar al Jefe, para que él y Giorno logren su objetivo, pero se da cuenta de que su Stand puede borrar el tiempo y luego predecir eventos es demasiado poderoso y decide retirarse. El grupo de Bucciarati, menos Fugo, se une a él para traicionar al Jefe y proteger a Trish para que puedan conocer su identidad. Incluso después de que Trish descubre su propia habilidad de Stand, se encuentran en la posición poco envidiable de oponerse a toda la pandilla de Passione para protegerla.


title: Ōgon no Kaze

text: Viajan a la ciudad natal del jefe de Cerdeña, después de que Trish les informa que allí es donde su madre lo conoció. Allí, Giorno y los que decidieron desertar de Passione se ponen en contacto con alguien que conoce la identidad del jefe, pero solo se los comunicará en persona. A su llegada a Cerdeña, el jefe y su personalidad alterna, Vinegar Doppio, de enfrentan con el líder de la Squadra di Esecuzione Risotto Nero al cual logran matar con mucha dificultad. El grupo decide usar el poder de Moody Blues en la que fuera la casa del Jefe y la madre de Trish esperando conocer la identidad del Jefe de Passione antes de viajar a Roma para encontrarse con la persona que asegura haber visto al jefe en persona; pero el jefe los sigue allí también y mata a Leone debido a que su Stand Moody Blues puede reproducir acontecimientos pasados con lo cual podrían descubrir la identidad del Jefe. En Roma, se revela que la persona que contactó a Giorno y compañía fue Jean Pierre Polnareff, un miembro del grupo Joestar en la Parte 3: Stardust Crusaders. Sin embargo, el jefe de adelantó luego de que todos los integrantes de su escolta personal fueran eliminados por Bucciarati y sus hombres, viéndose forzado a revelar su identidad ante Polnareff quien ya lo conocía: su nombre es Diavolo y este elimina fácilmente a Polnareff, y justo antes de que fallezca Jean Pierre Polnareff, usa una Flecha creadora de Stands en su Stand para convertirlo en Silver Chariot Requiem, que le da la capacidad de controlar el espíritu de las personas. Intercambia el espíritu de todos los habitantes de Roma incluyendo también a los miembros restantes de la Pandilla de Bucciarati, cambiando sus cuerpos. Ahora, en el cuerpo de la tortuga, Polnareff explica al grupo sobre las flechas de Stand y la identidad del jefe como Diavolo, que sabe que una vez luchó contra él hace algunos años. Sin embargo, como Polnareff está muerto, Silver Chariot Requiem está fuera de control y no permitirá que nadie obtenga la flecha. El grupo y Diavolo, escondidos en el cuerpo de Mista junto al espíritu de Trish debido al cambio, persiguen. Mientras Diavolo logra derrotarlo, gracias al sacrificio de Bucciarati, Giorno obtiene la flecha y logra mejorar su Stand a Gold Experience Requiem para vencer a Diavolo. Su nuevo poder hace que Diavolo experimente continuamente la muerte una y otra vez. En la última escena, se ve a Giorno, con Mista, y se arrodillan ante él, sugiriendo que se convierte en el jefe de Passione.


title: Ōgon no Kaze

text: Seiyū: Romi Park (Ōgon no Kaze) Daisuke Namikawa (JoJo All Star Battle y Eyes of Heaven), Kenshō Ono (anime)


title: Ōgon no Kaze

text: Es el hijo humano del vampiro Dio Brando, se llamaba Haruno Shiobana antes de mudarse a Italia. Aspira a derrocar al jefe de la mafia Passione y convertir a Passione en una organización que ayude a la gente de Italia. Utiliza a su Stand Gold Experience que tiene la capacidad de imbuir cosas con la vida.


title: Ōgon no Kaze

text: Es el líder de una pandilla dentro de Passione. Utiliza a su Stand Sticky Fingers que pueden colocar una cremallera en cualquier objeto, lo que permite crear una entrada. También aparece en el spin-off de 2012 "Jolyne, Fly High with Gucci".


title: Ōgon no Kaze

text: Es un exoficial de policía y miembro de la pandilla de Bucciarati. Utiliza el Stand Moody Blues, que puede reproducir la historia pasada como una grabación de video en 3D, aunque al hacerlo queda temporalmente indefenso. Abbacchio también aparece en "Jolyne, Fly High with Gucci".


title: Ōgon no Kaze

text: Es miembro de la pandilla de Bucciarati. Utiliza un revólver en conjunto con su Stand, Sex Pistols, que está compuesto por seis pequeños humanoides que pueden controlar las balas disparadas por Mista. Además considera que el número 4 da mala suerte.


title: Ōgon no Kaze

text: Es miembro de la pandilla de Bucciarati. Utiliza el Stand avión de juguete llamado Aerosmith, que está equipado con ametralladoras, misiles y un radar de dióxido de carbono.


title: Ōgon no Kaze

text: Es la mano derecha de Bucciarati en la pandilla. Utiliza el Stand Purple Haze, que puede liberar un virus que devora rápidamente la materia orgánica. Fugo es el personaje principal de la novela "Purple Haze Feedback".


title: Ōgon no Kaze

text: Es la hija del jefe de Passione, y está huyendo de las facciones rivales dentro de la mafia. Usa su Stand Spice Girl que puede aumentar la elasticidad de los objetos, haciéndolos casi indestructibles.


title: Ōgon no Kaze

text: Es el jefe de Passione, y el padre de Trish Una. Padece un trastorno de identidad disociativo y tiene una segunda personalidad llamada Vinegar Doppio; su apariencia cambia según la personalidad dominante. Utiliza el Stand King Crimson, que tiene el poder de negar procesos, dejando solo sus consecuencias. Activar su poder causa un salto en el tiempo, donde todo, excepto Diavolo y King Crimson, cambia para estar en el estado en el que hubieran estado unos segundos más tarde; por ejemplo, una bala que habría golpeado a Diavolo de repente se desplazará para estar en su otro lado. Diavolo es capaz de predecir lo que sucederá durante el tiempo utilizando la segunda cara de King Crimson, Epitaph; esta subpotencia también puede ser utilizada por la personalidad Doppio para ver los segundos en el futuro.


title: Ōgon no Kaze

text: La novela "Le Bizzarre Avventure di GioGio II: Corazón de oro / Anillo de oro" fue escrita por Gichi Ōtsuka y Miya Shōtarō, y lanzada el 28 de mayo de 2001. Una traducción italiana fue lanzada en 2004. Una segunda novela, "Purple Haze Feedback" fue escrita por Kouhei Kadono y lanzada el 16 de septiembre de 2011. El videojuego para PlayStation 2 distribuido por Capcom llamado GioGio's Bizarre Adventure fue lanzado en Japón en 2002, adaptando el arco.


title: Ōgon no Kaze

text: Shueisha registró el nombre de "Golden Wind" en diciembre de 2017, para su comercialización en occidente. Y el 21 de junio de 2018, durante la presentación de la exposición "Hirohiko Araki JoJo Exhibition: Ripples of Adventure" fue anunciado el estreno del anime con el nombre de "JoJo's Bizarre Adventure Golden Wind" a cargo de David Production, con la dirección de Yasuhiro Kimura y Hideya Takahashi. El guion a cargo de Yasuko Kobayashi y la banda sonora estará a cargo de Yugo Kanno. Su estreno fue el 5 de octubre de 2018.La serie finalizó el 28 de julio de 2019 constando de 39 episodios en total.


title: Rayastán

text: Rayastán o Rajastán (; en rayastaní, राजस्थाण, literalmente, 'Tierra de Reyes') es un estado de la República de la India. Su capital es Jaipur. Está ubicado al oeste del país, limitando al norte con Punyab, al noreste con Haryana y Uttar Pradesh, al este con Madhya Pradesh, al sur con Guyarat y al oeste con Pakistán. Con es el estado más extenso y con 68 600 000 habitantes en 2011, el séptimo más poblado, por detrás de Uttar Pradesh, Maharastra, Bihar, Bengala Occidental y Madhya Pradesh y Tamil Nadu.


title: Rayastán

text: Destacan las ruinas de la civilización del valle del Indo, en Kalibanga, el asentamiento más antiguo descubierto en el subcontinente indio; los templos de Dilwara, un lugar de peregrinación jain en la única estación de montaña de Rajasthan, el monte Abu, en la antigua cordillera Aravalli; el parque nacional de Keoladeo, en el este, cerca de Bharatpur, un sitio Patrimonio de la Humanidad conocido por sus aves. Rajastán tiene también dos reservas nacionales de tigres, el parque nacional Ranthambore, en Sawai Madhopur, y la reserva de tigres Sariska, en Alwar.


title: Rayastán

text: El estado fue formado el 30 de marzo de 1949, cuando Rajputana —el nombre adoptado por el Raj británico para sus dependencias en el región— fue incorporado en el Dominio de la India. Su capital y ciudad más grande es Jaipur, también conocida como la ciudad rosa, que se encuentra en el lado oriental del estado. Otras ciudades importantes son Jodhpur, Udaipur, Kota, Ajmer, Bikaner, Bhilwara y Alwar. Rayastán está dividido en 33 distritos.


title: Rayastán

text: El clima es bastante seco excepto en la estación de los monzones que suele ser en los meses de julio y agosto.


title: Rayastán

text: Rayastán fue conocida como Rashput (Rajput) o ‘reino de los rashput’, ya que estuvo gobernada por la clase de los rashput (rajput), término que en idioma sánscrito significa ‘hijos del rey’, siendo "rash (rāja):" ‘rey’ y "putrá:" ‘hijo’. Este clan inició su hegemonía en el , estableciendo diversos reinos en Rayastán y en otros puntos del norte de la India.


title: Rayastán

text: Los rashputs resistieron las incursiones musulmanas en la India aunque algunos estados del rashput se convirtieron en dependientes del sultanato de Delhi y del Imperio mogol durante los momentos más álgidos de estos dos imperios.


title: Rayastán

text: Con la decadencia del imperio mogol en el , Rashput sufrió continuos ataques por parte de los marathas que llegaron a capturar Ajmer. A principios del , los reyes rashput firmaron tratados con los británicos en los que aceptaban la soberanía del imperio europeo a cambio de una autonomía local y protección frente a los marathas.


title: Rayastán

text: Ajmer se convirtió en una provincia de la India británica mientras que el resto de los estados rashput quedaron organizados en la Agencia Rashputana.


title: Pterigión

text: El pterigión o terigión (en inglés pterygium) consiste en un crecimiento anormal por inflamación de tejido de la conjuntiva (tejido fino y transparente que cubre la superficie externa del ojo), que tiende a dirigirse desde la parte blanca del ojo hacia el tejido de la córnea (superficie anterior y transparente del ojo). Este tejido anómalo se inflama por falta de lubricación (falta de lágrimas), por la exposición solar, el viento u otros agentes irritantes. Quien lo padece tiene la sensación de tener un cuerpo extraño en el ojo, y este tiene una apariencia congestiva (ojo rojo).


title: Pterigión

text: Se desconoce la causa exacta del pterigión. Los factores más comunes que contribuyen al pterigión incluyen:


title: Pterigión

text: En teoría, la razón para que crezca un nuevo tejido conjuntivo en dirección a la córnea, es que los factores anteriormente mencionados tienden a evitar un correcto lubricado del ojo por parte de la película lagrimal, lo cual ocasiona sequedad y posteriormente irritación en esa zona, como resultado nace nuevo tejido conjuntivo que se superpone al irritado ocasionando el pterigión. El problema es que la elevación impide nuevamente el correcto accionar de la lágrima, haciendo el pterigión mayor.


title: Pterigión

text: La manera más fácil de prevenir el pterigión es con la protección solar que brindan las gafas con filtro ultravioleta, junto con el uso de gorra o sombrero desde la niñez. En un medio ecuatorial la intensidad de la radiación solar es más intensa entre las 10:00 y las 15:00. Por eso se recomienda en lo posible protegerse del sol entre esas horas. El uso de lubricantes oculares en gotas o gel para personas expuestas a temperaturas o ambientes irritantes también es recomendado.


title: Pterigión

text: No existe tratamiento médico, local o general, que haga desaparecer dicho tejido; sin embargo el uso de lubricantes oculares y algunas gotas con corticoides ayudan a disminuir la sensación de cuerpo extraño del paciente y en cierta forma evitar que el pterigión aumente de tamaño. Cuando el pterigión produce molestias al paciente o aumenta de tamaño de manera hasta ocupar la zona pupilar, impidiendo la visión, es necesario recurrir a la cirugía.


title: Pterigión

text: Se utiliza anestesia local. El ojo es abierto con un separador. Se coloca bajo un microscopio y se le pide que dirija la visión hacia un punto determinado. Se le protegerá con un campo estéril, pero podrá respirar y hablar normalmente. El autoinjerto significa que una pequeña porción de su conjutiva será colocada en el sitio en donde se realiza la escisión del pterigión. Se colocarán suturas absorbibles o se retiraran las mismas al cabo de dos semanas.


title: Pterigión

text: Después de la cirugía se le colocará un parche, que a los pocos días se le quitará. El ojo estará rojo, tardará unas pocas semanas en recobrarse. Deberá consumir los medicamentos prescritos y utilizar gafas oscuras durante un tiempo.


title: Pterigión

text: Como toda cirugía no está libre de complicaciones, tales como infección (0,5 %) de gravedad variable, pudiendo ocasionar la pérdida de la visión y la atrofia del ojo, pérdida de transparencia de la zona intervenida, adelgazamiento de la córnea, ulceración o perforación, granuloma a cuerpo extraño, cicatriz conjuntiva hipertrófica, recidiva precoz y otras complicaciones tardías como hipotonía, herida filtrante, inflamación intensa, infecciones intraoculares, cataratas, queratopatía bullosa, etc.


title: Pterigión

text: Existe la posibilidad de recidivar (reaparecer) en un porcentaje aproximado de 30 %, pudiendo hacerlo con mayor agresividad si la operación no es bien realizada. Cuando el pterigión no invade el eje visual, las posibilidades quirúrgicas de éxito inmediato son muy elevadas (superiores al 90 %).


title: Cerambycidae

text: Los cerambícidos o escarabajos longicornios (Cerambycidae) son una familia de coleópteros polífagos provistos de llamativas antenas, casi siempre más largas que el cuerpo. Es una de las grandes familias de coleópteros, con más de 25.000 especies.


title: Cerambycidae

text: A menudo presentan llamativos colores. El más grande es el raro escarabajo titán de la Amazonia ("Titanus giganteus"), de 17 cm de largo.


title: Cerambycidae

text: Las larvas son principalmente xilófagas, es decir, se alimentan de madera y para ello perforan troncos y maderos, siendo importantes agentes recicladores en los ecosistemas forestales. Algunos se consideran plagas como la carcoma o capricornio doméstico ("Hylotrupes bajulus"), ya que daña muebles y vigas de madera, o el "Vesperus xatartii" (castañeta) que ataca al olivo. La digestión de celulosa parece estar ayudada por enzimas más que por microorganismos simbióticos.


title: Cerambycidae

text: Muchos adultos se alimentan de flores; otros de savia, hojas, frutas, corteza u hongos. Algunos no se alimentan o a lo sumo toman agua.


title: Cerambycidae

text: El ciclo vital puede llevar de uno a tres años en climas templados, pero también se han documentado ciclos de dos a tres meses hasta décadas. La mayor parte del ciclo transcurre en estadios larvales. Los adultos generalmente emergen, se dispersan, reproducen y mueren en unos pocos días o a lo sumo meses.


title: Cerambycidae

text: La duración del ciclo larvario es variable dependiendo del huésped, si es herbáceo un año, si es perenne variable.


title: Cerambycidae

text: Los longicornios se encuentran estrechamente relacionados con los miembros de las familias Chrysomelidae, Megalopodidae y Orsodacnidae con quienes forman el taxón Chrysomeloidea, perteneciente al suborden de los escarabajos polífagos (Polyphaga), el más amplio y diverso de los subórdenes de coleópteros.


title: Cerambycidae

text: Hay diez subfamilias, aunque existe cierta controversia en cuanto a la clasificación interna de los cerambícidos.


title: Panteón Civil de Dolores

text: El Panteón Civil de Dolores es el panteón más grande de la Ciudad de México y el de uso civil más antiguo de la misma, localizado al poniente entre la segunda y la tercera sección del bosque de Chapultepec.


title: Panteón Civil de Dolores

text: Se encuentra en la Alcaldía Miguel Hidalgo, sobre las avenidas Constituyentes y eje 5 Poniente, colonia América, entre la segunda y la tercera sección del Bosque de Chapultepec.


title: Panteón Civil de Dolores

text: Comprendido en un área de 240 hectáreas con unos 700 000 lotes individuales con tres o cuatro niveles, el panteón cuenta con los servicios de campos para inhumación y cremación de cadáveres, osario, servicio de carroza fúnebre y transporte de acompañamiento, además de ser el único panteón en la Ciudad de México autorizado para tener fosa común.


title: Panteón Civil de Dolores

text: Este panteón tiene 23 lotes de uso exclusivo, entre estos los más conocidos son el de los Constituyentes de 1917, de las Águilas Caídas del Escuadrón 201, de los Actores de la ANDA, de los Tramoyistas; el lote de la comunidad italiana, el lote de la comunidad alemana, el lote del sindicato de Panaderos, el lote de los Maestros Jubilados del S.N.T.E, y el lote de la sociedad de alumnos del Colegio Militar.


title: Panteón Civil de Dolores

text: Además en este panteón se encuentra desde 1876 la Rotonda de las Personas Ilustres donde reposan los restos mortuorios de 111 personalidades mexicanas en diferentes campos.


title: Panteón Civil de Dolores

text: Antes de la fundación de los panteones civiles de Dolores, el General de la Piedad y el Francés de la Piedad, los servicios funerarios de la ciudad desde la época novohispana se realizaban principalmente en recintos religiosos y civiles controlados por la Iglesia Católica, institución que administraba dichos servicios y también los registros civiles. Con el arribo de las Reformas Borbónicas, Carlos III determinó en 1787 en España la gradual salida de dichos recintos bajo la administración de la Iglesia fuera del perímetro de las ciudades.


title: Panteón Civil de Dolores

text: Si bien dicha orden se cumplió en Puebla o Veracruz, la instrucción no se cumpliría bajo mandato español. Fue hasta el ascenso de las leyes civiles de Reforma en que el mandato de que la administración funeraria quedara a cargo de las autoridades civiles y se iniciaría en la capital mexicana la costumbre de disponer de los panteones a las que entonces eran sus afueras. Una ley del 3 de julio de 1859 permitió el establecimiento de cementerios de índole civil concesionados a la administración particular.


title: Panteón Civil de Dolores

text: Hacia 1874 el Ayuntamiento de México dio la concesión a la compañía Sociedad Benfield, Brecker y Compañía para la construcción del nuevo cementerio civil en los terrenos de la Tabla de Dolores —de donde tomó su nombre— que formaban parte del Rancho Coscacoaco. Dicha superficie se localizaba muy fuera de los límites de la Ciudad de México de mediados del siglo XIX. La compañía fue fundada por Juan Manuel Benfield, hijo del inglés William Benfield, un inglés adinerado que llegó a México en 1835 con el fin de que su esposa mejorara su salud con el clima mexicano. Debido a que su hija falleció y no le fue permitido enterrarla en el atrio de una iglesia debido a su fe anglicana, prometió construiría un cementerio de índole civil. Su deseo se vería realizado por su hijo Juan Manuel con la concesión del panteón de Dolores. La esposa de Benfield fue Concepción Gayosso y Mugarrieta, una de las fundadoras de Eusebio Gayosso y Compañía.


title: Panteón Civil de Dolores

text: El cementerio fue fundado el 13 de diciembre de 1875 bajo un proyecto de planeación que contemplaba un diseño de forma triangular con calles y avenidas internas, así como la construcción de diversos cuerpos de agua como fuentes y cascadas.


title: Panteón Civil de Dolores

text: En el año de 1876 es adquirido un lote por parte del gobierno federal para crear la Rotonda de los Hombres Ilustres por orden del presidente Sebastián Lerdo de Tejada.


title: Panteón Civil de Dolores

text: El 17 de mayo de 1880 Benfield Brecker y Cia. lo vende al Ayuntamiento de la Ciudad de México por solicitud de este. El nombre del cementerio se debe a que se construyó sobre una superficie plana del terreno original que se llamaba la tabla de Dolores y así está asentado en la escritura 124 tirada ante el notario José del Villar y Maticorena. Este panteón permitió el cierre de varios cementerios ubicados en el centro de la ciudad, como el de San Fernando y el de Santa Paula, localizados donde hoy se ubica la colonia Guerrero, en la delegación Cuauhtémoc.


title: Panteón Civil de Dolores

text: Fue abierto al público el 24 de agosto de 1882, año en que fue prolongada una línea de tranvía con tracción animal, que permitía a los habitantes de la ciudad transportar en tranvías especiales a los cadáveres para su entierro.


title: Panteón Civil de Dolores

text: En 2009 fue sometido a remodelación ya que su antigüedad había hecho que parte de su infraestructura fuera obsoleta o peligrosa.


title: Panteón Civil de Dolores

text: Como pieza arquitectónica por sus diferentes calles el panteón presenta toda una gama de estilos de construcción en sus tumbas, desde macizas construcciones de granito de finales del siglo XIX, de mármol colado del siglo XX y modernos de acero.


title: Panteón Civil de Dolores

text: En este aspecto la hoy llamada Rotonda de los Personas Ilustres, presenta toda una gama de tumbas con diseño de lo más variado, como la de David Alfaro Siqueiros inspirada en su reconocida obra "Prometeo".


title: Panteón Civil de Dolores

text: Como pieza elemento social está la exhibición de arreglos, costumbres y rituales que se pueden encontrar a su interior, sobre todo los domingos y los días de Muertos.


title: Fumaria officinalis

text: Fumaria officinalis, comúnmente llamada palomilla o sangre de Cristo —entre otros muchos nombres—, es una especie de planta herbácea anual del género "Fumaria" en la familia Papaveraceae, nativa de Europa.


title: Fumaria officinalis

text: Es una hierba glabra, de tallo erecto y bien ramificado, bastante difusa que alcanza los 50 cm de altura. Presenta hojas pinnaticompuestas, alternas, con los últimos folíolos casi lineares. A comienzos de primavera forma inflorescencias en racimos terminales de entre 10 a 25 flores zigomorfas, de hasta 9 mm de longitud cada uno. Las flores tienen el cáliz formado por dos sépalos pequeños, de color blanquecino, ovados, con el borde dentado, más angostos que la corola, de color rosado, la cual está compuesta por cuatro pétalos unidos en el ápice pero libres, de los cuales el superior se prolonga en un espolón. El androceo es diadelfo, es decir, con 6 estambres fusionados por sus filamentos en dos grupos, que parecen cada uno de ellos dividido en 3 anteras. El gineceo muestra dos carpelos, con el ovario súpero. El fruto es un pequeño aquenio globoso estriado/rugoso, más o menos truncado.


title: Fumaria officinalis

text: Originaria de Europa; Linneo, en su diagnosis original, indica: «"Habitat in Europae agris, cultis"». Cosmopolita; introducida en Norteamérica.


title: Fumaria officinalis

text: "Fumaria officinalis" fue descrita por Carlos Linneo y publicado en "Species Plantarum" 2: 700. 1753.


title: Fumaria officinalis

text: La infusión ligera se utiliza como hepatorregulador, diurético y laxante, y tópicamente, para las afecciones del cuero cabelludo. Debe evitarse la sobredosificación, pues los alcaloides que contiene resultan cardiotóxicos en dosis elevadas.


title: Plan de la Empacadora

text: El "Plan de la Empacadora" (también conocido como Plan Orozquista) fue un pacto realizado en México por Pascual Orozco el 25 de marzo de 1912, en Chihuahua, Chihuahua. Llamado así por el edificio en el que fue firmado, sus signatarios fueron Pascual Orozco y sus generales José Inés Salazar, Emilio P. Campa, Luis Medina Barrón, Benjamín Argumedo, J.J. Campos, los coroneles Gonzalo C. Enrile, Demetrio Ponce, Félix Díaz y por el secretario de Orozco, José Córdoba. Su lema era “Reforma, Libertad y Justicia” y fue realizado debido a lo que ellos consideraban la violación de Francisco I. Madero al Plan de San Luis Potosí.


title: Plan de la Empacadora

text: Se trataba de un documento extenso con múltiples críticas al gobierno de Madero y con un importante programa de reforma política, agraria y obrera, mucho más avanzado y balanceado que los Planes de San Luis Potosí, Tacubaya o Ayala. Más tarde varias de las reformas expuestas en el Plan fueron plasmadas en la Constitución de 1917.


title: Plan de la Empacadora

text: Después del éxito que tuvo la rebelión de Pascual Orozco en el estado de Chihuahua a finales de 1910 y principios de 1911, Orozco decidió tomar Ciudad Juárez, importante bastión porfirista por el comercio de armas con Estados Unidos. Tras dos días de lucha, el 10 de mayo de 1911 cayó la ciudad y con ello se aceleró la caída de Porfirio Díaz, que se concretó en los Tratados de Ciudad Juárez firmados el 21 de mayo. Orozco fue fundamental para la caída de Porfirio Díaz, algo que reconoció Madero, pero a pesar de ello sus esfuerzos no fueron recompensados y se le nombró comandante de los rurales de Chihuahua, un puesto que el historiador Michael Meyer consideró modesto para su contribución.


title: Plan de la Empacadora

text: Cuando Orozco se postuló para gobernador de Chihuahua, su candidatura fue frenada por Madero y su candidato Abraham González. A pesar de ello, siguió apoyando a Madero, hecho que se demostró cuando reprimió los movimientos reyistas y vazquistas en su estado. El rompimiento ocurrió el 19 de enero de 1912 cuando Madero y Orozco se entrevistaron en la Ciudad de México, donde Madero solicitó a Orozco dos cosas inotorgables, primero que presionara a la legislatura estatal para darle facultades extraordinarias al gobernador de Chihuahua y, segundo, que detuviera la rebelión zapatista, algo con lo que estaba totalmente en desacuerdo pues compartía algunos principios con Zapata, como la justicia social, el reparto agrario y el mejoramiento de las condiciones de los trabajadores. Desde entonces hasta principios de marzo, Orozco fue fiel a su nuevo puesto como jefe de la zona rural de Chihuahua, pues continuo reprimiendo los movimientos vazquistas, aunque la ruptura política con Madero ya era evidente.


title: Plan de la Empacadora

text: Finalmente, impulsado por la enorme popularidad que había ganado, por considerar que las reformas de Madero eran insuficientes y por el apoyo que grupos reaccionarios de Chihuahua le brindaron, Orozco se rebeló el 3 de marzo de 1912.


title: Plan de la Empacadora

text: El documento lanzó fuertes críticas a Madero, lo acusaba de fraude en las elecciones de 1910 (Art. 10), nepotismo (Art. 6), vender el país a los Estados Unidos (Art. 7), recibir cuantiosas sumas de dinero por parte de los millonarios americanos (Art. 3) y lo culpaba del asesinato de 20,000 mexicanos.


title: Plan de la Empacadora

text: En el aspecto jurídico, el Plan reconoció la legalidad de las Cámaras de diputados, Legislaturas locales y los Poderes Judiciales en toda la República, solo si éstas desconocían al gobierno de Madero (Art. 14). En cuanto al poder ejecutivo, el Plan no proclamó a Pascual Orozco ni a ningún otro revolucionario presidente, pues tenía contemplado un gobierno de transición que duraría un año al cabo del cual se realizarían elecciones libres donde se expresaría la verdadera voluntad del pueblo (Art. 18). Durante el interinato de un año, una junta compuesta por los principales líderes revolucionarios, oficiales del ejército y miembros de la sociedad civil votaría para conformar una Junta de Gobierno compuesta de tres miembros o elegir un presidente provisional (Art. 17).


title: Plan de la Empacadora

text: En cuanto a las reformas políticas, se pidió la abolición del puesto de vicepresidente (Art. 16), un término presidencial de 6 años en vez de 4 (Art. 25), mayor autonomía municipal (Art. 28), supresión de Jefes Políticos (Art. 29) y la excepción de facultades extraoficiales al ejecutivo solo en caso de guerra extranjera (Art. 27).


title: Plan de la Empacadora

text: Uno de los aspectos más sobresalientes del Plan fueron los artículos que buscaban mejorar la situación de la clase obrera. El artículo 34 declaró: la supresión de las tiendas de raya, jornada laboral de 10 horas, sueldos pagados únicamente en efectivo, prohibición laboral de niños menores de 10 años e higiene laboral.


title: Plan de la Empacadora

text: Por último, el Plan dedicó el artículo 35 al problema agrario, en el que se reconoció el derecho a la propiedad a las personas que hayan residido en su tierra por 20 años, reivindicación de tierras arrebatadas por despojo, repartición de tierras baldías y la expropiación de tierras de grandes terratenientes que no fueran trabajadas.


title: Plan de la Empacadora

text: Una vez proclamado el Plan y, gracias a su popularidad, Orozco reclutó miles de simpatizantes, entre los que se encontraban campesinos, obreros y ferrocarrileros, pero también llamó la atención de conservadores y vazquistas. Su movimiento fue tan fuerte que derrotó al Secretario de Guerra y Marina José González Salas en la batalla de El Rellano. Ante esta situación Salas se suicidó y Victoriano Huerta fue designado su sucesor.


title: Plan de la Empacadora

text: El debilitamiento del movimiento orozquista comenzó con el embargo de armas por parte de Estados Unidos, cuyo presidente William Taft apoyaba a Madero. Nuevamente en El Rellano, Orozco enfrentó a los federales, pero ahora dirigidos por Huerta quien triunfó y replegó a los orozquistas hasta Ciudad Juárez, que cayó en manos de Huerta el 13 de agosto de 1912 y con ello finalizó el movimiento orozquista hasta que decayeron.


title: Billy Bond

text: Giuliano Canterini, conocido como Billy Bond o El Bondo (La Spezia, Liguria, 19 de noviembre de 1944), es un músico italiano nacionalizado argentino, considerado como uno de los pioneros del rock argentino. Fue cantante de Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll y copropietario y gerente del local La Cueva. Luego de que irrumpiera el golpe de Estado en 1976 y a poco de haber comenzado la última dictadura cívico-militar argentina es amenazado de muerte, por lo que debió salir del país y exiliarse en Brasil. En este país vive y trabaja desde entonces, dedicándose mayormente a producir diversos músicos y bandas, además de obras teatrales.


title: Billy Bond

text: Comenzó su carrera musical como cantante de Los Bobby Cats. Tiempo después formó Los Guantes Negros, grupo de música beat que también integraban Ricardo Lew (guitarra) Willy Verdaguer (bajo) y Alberto Hualde (batería). Con esta banda grabó sus primeros discos y realizó presentaciones en numerosos locales, entre ellos el mítico local La Cueva.


title: Billy Bond

text: Billy Bond frecuentaba "La Cueva de Passarotus", un local ubicado en la avenida Pueyrredón 1723, Buenos Aires, donde dos veces por semana se realizaban actuaciones de jazz y jam sessions. En 1967, le propuso a Bravo, encargado del lugar, cambiar de estilo musical, programando también artistas de rock. Ambos decidieron hacer del club una "Cueva Beat", abierta todos los días, que pronto se convirtió en un punto de encuentro de músicos de rock como Los Shakers, Sandro, Pajarito Zaguri, Moris, Javier Martínez, Los Gatos y Tanguito. La Cueva, y el ambiente que en ella se generó, fue uno de los epicentros en torno a los cuales se gestó el movimiento que más tarde sería conocido como Rock argentino. Los reiterados allanamientos policiales que sufrió, las casi cotidianas detenciones de quienes lo frecuentaban y dos bombas colocadas frente al local, provocaron su cierre. Durante el periodo en que permaneció abierta, Billy Bond fue su representante y director artístico.


title: Billy Bond

text: Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll fue inicialmente una banda abierta, cuyo objetivo era acompañar a Billy Bond. Por ella pasaron reconocidos músicos argentinos. En su primer álbum participaron Pappo, Luis Alberto Spinetta, Héctor "Pomo" Lorenzo, Vitico, David Lebón, Black Amaya, Javier Martínez, Luis Gambolini, Nacho Smilari y Cacho Lafalce. En el segundo disco participaron Pappo, Alejandro Medina, Kubero Díaz, Javier Martínez, Jorge Pinchevsky y "Poli" Martínez, entre otros. La placa cierra con una versión de "La marcha de San Lorenzo", que entró en la lista de la censura oficial, siendo prohibida su difusión. En 1972, la formación de La Pesada se hizo estable, incluyendo en guitarras a Kubero Díaz, y al recién incorporado Claudio Gabis en guitarra eléctrica, Alejandro Medina en bajo, Jorge Pinchevsky en violín, Isa Portugheis en batería y Billy Bond en vocales y producción. Con esos integrantes, la banda grabó álbumes solistas de cada uno de ellos y varios con artistas que luego serían famosos, como Sui Generis, David Lebon y Raúl Porchetto, además se presentó en teatros y clubes de Buenos Aires y otras ciudades argentinas.


title: Billy Bond

text: El 20 de octubre de 1972, La Pesada participó en el fallido festival de rock en el cual resultaron dañadas las instalaciones del estadio Luna Park, debido al enfrentamiento entre la policía y el público. Los incidentes comenzaron antes del recital y se desataron cuando La Pesada, único grupo que aceptó salir al escenario en tales circunstancias, inició su actuación. Posteriormente, algunos medios atribuyeron los desórdenes a la conducta de Billy Bond en el escenario. En un artículo publicado en el diario Clarín el 21 de enero de 2006, Claudio Gabis guitarrista de la banda en esa época, describe así la situación:


title: Billy Bond

text: Sin embargo, un asistente al fallido concierto recuerda que se encontraban casi desierta la platea cercana al escenario. Ante esa diferencia notoria con el resto del estadio, Billy Bond se dirigió al público diciendo algo así como Vengan a mí, lo que determinó que muchos espectadores que estaban en sectores más baratos empujaran las rejas que dividían ambos sectores y avanzaran hacia la vacía platea. El desorden generalizado y la presencia de policías uniformados dentro del lugar hicieron que se produjera una batahola y la suspensión del espectáculo.


title: Billy Bond

text: A fines de 1972, se grabó el anteúltimo disco de la banda "Tontos (Operita)". El tema que da nombre a la placa fue incluido en la película "Rock hasta que se ponga el sol". A partir de ese momento, la banda limitó su actividad exclusivamente a las grabaciones, actuando muy poco en público, y editando un último álbum en 1973, el "Vol. 4" hasta que en 1974 Billy Bond, Claudio Gabis y Alejandro Medina decidieron emigrar a Brasil, poniendo punto final a la existencia del grupo.


title: Billy Bond

text: Billy Bond fue productor musical de varios grupos, contando con los miembros de su banda, Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll, como músicos de sesión. Entre 1972 y 1974 produjo los álbumes "Vida" de Sui Generis, "Cristo rock" de Raúl Porchetto y una versión de "La Biblia" de Vox Dei, con la participación de integrantes de La Pesada y el Ensamble Musical de Buenos Aires. También produjo los trabajos solistas de los músicos que participaban en La Pesada: Rinaldo Rafanelli, Kubero Díaz, David Lebón, Claudio Gabis, Alejandro Medina y Jorge Pinchevsky.


title: Billy Bond

text: La caótica situación política y social argentina, preparaba los sucesos que condujeron a la dictadura militar que se implantó en 1976. Muchos artistas, como Billy Bond y otros miembros de La Pesada, decidieron emigrar a Brasil y otros países. Billy se estableció primero en Río de Janeiro y luego en São Paulo.


title: Billy Bond

text: En la entrevista concedida por Bond al humorista, músico y animador Gillespi en la radio Rock & Pop, Bond explicó que las razones de su partida y el comienzo de una nueva vida en Brasil han sido fundamentalmente políticas: luego de los dos atentados sufridos en La Cueva, la muerte de Tanguito (de la cual Bond está convencido de que fue un asesinato) y de otros músicos, así como la violencia política de la época previa a la última dictadura cívico-militar, Bond decidió exiliarse.


title: Billy Bond

text: Ya instalado en Brasil, produjo el primer disco solista de Ney Matogrosso, en cuya banda participaba el guitarrista Claudio Gabis, que también había emigrado a ese país. Más tarde integró como vocalista la banda Joelho de Porco, con la que grabó dos placas. También realizó una nueva versión de "La Biblia" (obra del grupo Vox Dei) con músicos brasileños, utilizando las bases instrumentales registradas en Buenos Aires.


title: Billy Bond

text: En 1978 produjo el primer trabajo de Serú Girán. Algunas pistas descartadas por la banda, y otras personales, las utilizó para lanzar el disco "Billy Bond & The Jets". Con el tiempo se transformó en un importante productor musical y teatral brasileño. En 1997 ejerció como representante de giras de Joe Luciano en sus giras americana y europea. Este le dedicó un tema en su álbum "Pa' dos días que hay que vivir" (2001) titulado "El Baile del Bombón".


title: Billy Bond

text: Desde su llegada al Brasil Billy Bond reside y trabaja allí, pero cada tanto pasa por Argentina. En el año 2016 el Instituto Nacional Argentino de la Música logró la cesión de derechos de la compañía discográfica Music Hall, con lo cual se recuperó la totalidad de un catálogo invaluable de la época clásica del rock nacional, y se empezó a avanzar con proyectos de reediciones, entre ellas de material de Gustavo Santaolalla y de la banda Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll: Santaolalla celebró el rescate realizado por el "Inamu" y el relanzamiento de obras largamente perdidas de Arco Iris, y la institución además entregó licencias a más de cien músicos registrados en Music Hall, entre ellos Billy Bond; esto significa que, a partir de ahora, sus obras podrán ser reeditadas por sus intérpretes principales, o por sus herederos, sin el dique infranqueable que implicaron las trabas judiciales tras el quiebre de la compañía, en 1993. Ante la noticia, Billy Bond volvió al país y declaró: “Esto le hace un bien enorme a los músicos, ojalá lo aprovechen”.


title: Josh Stewart

text: Joshua Regnall «Josh» Stewart (Diana, Virginia Occidental, 6 de febrero de 1977) es un actor estadounidense conocido por su papel de Holt McLaren en la serie de televisión de FX, "Dirt". También apareció como Brendan Finney, en la temporada final de la serie de la NBC, "Third Watch".


title: Josh Stewart

text: Nació en Diana, Virginia Occidental, hijo de Margie y Charles Regnall Stewart. Su padre era un profesor de educación física y su madre una maestra de escuela. Se graduó en la Universidad de Virginia Occidental con un título en Mercadotecnia.


title: Josh Stewart

text: Stewart inició su carrera haciendo teatro local y finalmente se mudó a Nueva York para continuar en los estudios de T. Schreiber. Fue miembro de la compañía de teatro de la calle 13. Continuó su carrera teatral en Los Ángeles junto a Robert Forster y Brooke Shields. Stewart apareció en un episodio de "" «Bad to the Bone», que se emitió el 1 de abril de 2004. También apareció en un comercial de pantalones Levi's 501.


title: Josh Stewart

text: Realizó su debut cinematográfico en "El curioso caso de Benjamin Button" como compañero de Benjamin en la tripulación.


title: Josh Stewart

text: Aparece en la serie televisiva "Mentes criminales" por primera vez en la segunda temporada interpretando a William LaMontagne Jr., pareja de la agente especial Jennifer «J.J.» Jareau, y es un personaje recurrente en la saga.


title: Josh Stewart

text: En 2012 apareció en "The Dark Knight Rises" como un mercenario llamado Barsad. Actualmente interpreta el papel de Solotov en la serie "Shooter".


title: Josh Stewart

text: Su esposa dio a luz su primer hijo en el año 2008, una niña llamada Justine Ryan y en 2010 dio a luz un niño llamado Jacob Rio. Le gusta el snowboard y el boxeo, tiene dos hermanos y una hermana adoptada llamada Sara.


title: Historia de Asia Oriental

text: La Historia de Asia Oriental abarca las historias de China, Japón, Corea, Mongolia y Taiwán desde la prehistoria hasta el presente.Algunos estudiosos incluyen a Vietnam como parte de Asia Oriental, ya que ha sido considerado parte de la mayor sinoesfera de influencia china.


title: Historia de Asia Oriental

text: La región de Asia oriental no es uniforme y cada uno de sus países tiene una historia nacional diferente, pero los estudiosos sostienen que la región también se caracteriza por un patrón distinto de desarrollo histórico, lo que se pone de manifiesto en la interrelación entre los países de Asia Oriental, que no únicamente implica la suma total de los patrones históricos, sino también un conjunto específico que ha afectado a toda o la mayor parte de Asia Oriental en capas sucesivas.


title: Historia de Asia Oriental

text: El estudio de la historia de Asia oriental como un estudio de área es parte del surgimiento de los estudios de Asia Oriental como un campo académico en las naciones occidentales. La enseñanza y el estudio de la historia de Asia Oriental comenzaron en occidente a fines del siglo XIX. En Estados Unidos, los estadounidenses de origen asiático en la época de la guerra de Vietnam creían que la mayoría de los cursos de historia eran eurocéntricos y abogaban por un currículo basado en Asia. En la actualidad, la historia de Asia Oriental sigue siendo una de las principales áreas de los estudios asiáticos. Los historiadores nacionalistas de la región tienden a enfatizar la singularidad de la tradición, la cultura y la historia de sus respectivos países porque les ayuda a legitimar su reivindicación sobre los territorios y a minimizar las disputas internas.También existe el caso de los autores individuales influenciados por diferentes conceptos de la sociedad y el desarrollo, que conducen a relatos conflictivos. Esto, entre otros factores, llevó a algunos estudiosos a enfatizar la necesidad de marcos regionales e históricos más amplios. Se han planteado problemas a la hora de definir los parámetros exactos de la historia de Asia Oriental, que como estudio académico se ha centrado en las interacciones de Asia Oriental con otras regiones del mundo.


title: Historia de Asia Oriental

text: Estas regiones, o las civilizaciones de China, Japón y Corea, estaban bajo el dominio de muchas dinastías o sistemas de gobierno y sus fronteras cambiaron debido a guerras entre dinastías en una misma región o guerras entre regiones. En la prehistoria, el Homo Erectus vivió en Asia Oriental y Sudoriental desde hace 1,8 millones hasta 40.000 años.


title: Historia de Asia Oriental

text: Muchos sistemas de creencias o religiones que han evolucionado y se han extendido en Asia Oriental incluyen el confucianismo, el budismo y el taoísmo. China estaba bajo el dominio de las dinastías Xia (historicidad en disputa), Shang y Zhou, seguidas por las dinastías Qin y Han. Durante el período prehistórico, estas tres regiones tenían su propio estilo de política, cultura y oficios interregionales, que se veían relativamente menos afectados por el mundo exterior.


title: Historia de Asia Oriental

text: La civilización registrada data de aproximadamente el año 2000 a.C. en la dinastía Shang de China, a lo largo del valle del Río Amarillo. La civilización se expandió gradualmente a otras áreas de Asia Oriental. En Corea, Gojoseon se convirtió en el primer estado organizado aproximadamente alrededor del año 195 a.C. Japón surgió como un estado unitario con la creación de su primera constitución en el año 604. La introducción del budismo y la Ruta de la Seda fueron fundamentales en la construcción de la cultura y la economía de Asia Oriental.


title: Historia de Asia Oriental

text: Las dinastías chinas como los Sui, Tang y Song interactuaron e influyeron en el carácter de los primeros tiempos de Corea y Japón. A comienzos del primer milenio, China era la civilización más avanzada de Eurasia en ese momento y fue responsable de las Cuatro grandes invenciones. La historia económica de China antes de 1912 fue probablemente la mayor del mundo también. Corea y Japón se habían fusionado plenamente como estados centralizados en los regímenes de Koryo y el periodo Heian.


title: Historia de Asia Oriental

text: El repentino ascenso del imperio nómada mongol trastornó el este de Asia y, bajo el liderazgo de líderes como Genghis Khan, Subutai y Kublai Khan, la mayor parte del este de Asia quedó bajo el dominio de un solo estado. Toda China y Corea fueron anexionadas bajo la dinastía Mongol Yuan. Los mongoles también intentaron y fracasaron en conquistar Japón en invasiones marítimas. La era mongola en el Asia Oriental duró poco debido a los desastres naturales y a la mala gestión administrativa. Tras el colapso de la dinastía Yuan, nuevos regímenes como la dinastía Ming de China y la dinastía Joseon de Corea adoptaron el neoconfucianismo como la ideología oficial del estado. Japón en este momento cayó en una guerra civil feudal conocida como el período Sengoku que persistió durante más de un siglo y medio. A principios del siglo XVI, comerciantes y misioneros europeos viajaron por mar por primera vez al este de Asia. Los portugueses establecieron una colonia en Macao, China e intentaron cristianizar Japón. En los últimos años del período Sengoku, Japón intentó crear un imperio más grande invadiendo a Corea aunque fue derrotado por las fuerzas combinadas de Corea y China a fines del siglo XVI.


title: Historia de Asia Oriental

text: A partir del siglo XVII, las naciones de Asia Oriental como China, Corea y Japón optaron por una política de aislacionismo en respuesta al contacto con Europa. Los siglos XVII y XVIII se caracterizaron por un gran crecimiento económico y cultural. La dinastía Qing de China dominó la región, pero el período Edo de Japón se mantuvo completamente independiente. En ese momento, las limitadas interacciones con los comerciantes e intelectuales europeos condujeron al surgimiento de la Compañía Británica de las Indias Orientales y al comienzo de los Rangaku de Japón. Sin embargo, en el siglo XIX se produjo el surgimiento del imperialismo europeo directo en la región. La dinastía Qing fue incapaz de defenderse de varias expediciones coloniales de Gran Bretaña, Francia y Rusia durante las guerras del Opio. Mientras tanto, Japón eligió el camino de la occidentalización bajo el período Meiji e intentó modernizarse siguiendo los modelos políticos y económicos de Europa Occidental y los Estados Unidos. El creciente imperio del Japón anexionó por la fuerza a Corea en 1910. Después de años de guerra civil y decadencia, el último emperador de China, Puyi, abdicó en 1912, poniendo fin a la historia imperial de China, que había persistido durante más de dos milenios desde las dinastías Qin hasta la Qing.


title: Historia de Asia Oriental

text: En la niebla de los intentos de la República de China de construir un Estado moderno, el expansionismo japonés siguió adelante en la primera mitad del siglo XX, culminando en la brutal Segunda guerra sino-japonesa, en la que murieron más de veinte millones de personas durante la invasión de China por parte de Japón. Las guerras de Japón en Asia se convirtieron en parte de la Segunda Guerra Mundial después del ataque a Pearl Harbor base naval de los Estados Unidos por parte de la Armada Imperial Japonesa. La derrota de Japón en Asia por la mano de los aliados contribuyó a la creación de un nuevo orden mundial bajo la influencia estadounidense y soviética en todo el mundo. Después, Asia Oriental quedó atrapada en la encrucijada de la Guerra Fría. La República Popular China cayó inicialmente bajo la esfera del campo soviético, pero Japón, bajo la ocupación estadounidense, estaba sólidamente vinculado a las naciones occidentales. La recuperación de Japón se conoció como el milagro económico japonés. La competencia soviética y occidental condujo a la guerra de Corea, que creó dos estados separados que existen en la actualidad.