title: Anadenanthera colubrina

text: Para hacer el polvo psicodélico vilca (o "cebil"), los granos negros de las legumbres de estos árboles primero se tuestan hasta que estallan como palomitas y luego se muelen. El tostado facilita la remoción de la cáscara antes del molido. El polvo resultante se mezcla en un mortero con cal. La mezcla se humedece a una consistencia similar a masa de pan, usando una pequeña cantidad de agua. Una vez humedecido, se macera en una pelota por varios minutos a varios días, según la costumbre local, permitiendo la reacción de la cal con el agua para formar hidróxido de calcio, y de este con la bufotenina para formar bufotenato cálcico (5-CaO-dimetiltriptamina: DMT). El hidróxido de calcio también reacciona con algo de DMT y de presente en la forma de base libre de DMT y de 5-MeO-DMT. Durante el macerado, mucho del exceso de hidróxido de calcio, que de otra manera sería irritante para la mucosa nasal, reacciona con el dióxido de carbono del aire para formar carbonato de calcio.


title: Anadenanthera colubrina

text: El compuesto activo principal de vilca es la bufotenina. "A. colubrina" contiene 12,4 % de bufotenina. Como el bufotenato se metaboliza rápidamente, sus efectos son de corta acción. Según reportes de 1996, los chamanes wichí usan activamente la Vilca, con el nombre de "hatáj." La evidencia más antigua son dos pipas de hueso halladas en Inca Cueva en la quebrada de Humahuaca en la provincia de Jujuy, Argentina, fechadas en el


title: Día blanco

text: El es una festividad celebrada el 14 de marzo en países asiáticos como Japón, Corea del Sur, Vietnam, Taiwán, Hong Kong y China, exactamente un mes después del Día de San Valentín.


title: Día blanco

text: En Japón, se acostumbra que en San Valentín solo las mujeres otorguen regalos (lo más frecuente es que el regalo sea chocolate) a los hombres, ya sea como una expresión de afecto ("honmei choco"), cortesía u obligación social ("giri choco"). En cambio, en el White Day los hombres que recibieron chocolate en San Valentín lo agradecen dando un regalo a la mujer para devolver el favor. Tradicionalmente, los regalos populares para este día son galletas, joyas, chocolate blanco, malvaviscos u otros objetos del mismo color. El término "sanbai gaeshi" (三倍返し, "devolver el triple"), tiende a usarse para representar la regla en la que los hombres deben devolver un regalo que sea dos o tres veces mayor al valor del que han recibido en San Valentín.


title: Día blanco

text: El White Day se celebró por primera vez en 1978 en Japón. Fue iniciado por la Asociación Nacional de Industrias de Confitería como un "día de respuesta" para el Día de San Valentín, bajo el argumento de que los hombres deberían devolverles a las mujeres que les dieron chocolate y otros obsequios. En 1977, una compañía de confitería en Fukuoka, "Ishimuramanseido", comercializó malvaviscos para los hombres el 14 de marzo, llamándolo Marshmallow Day (マシュマロデー "Mashumaro Dē").


title: Día blanco

text: Poco después, las empresas de confitería comenzaron a comercializar chocolate blanco. Actualmente, los hombres regalan chocolate blanco y negro, así como también otros obsequios comestibles y no comestibles, tales como joyas u objetos de valor sentimental. Flores y otros regalos también se dan en este día. Eventualmente, esta práctica se extendió a los países vecinos de Japón; Corea del Sur, China, Taiwán y Vietnam. En esas culturas, el White Day se celebra en su mayor parte de manera similar.


title: Cristina Morales

text: Cristina García Morales, más conocida como Cristina Morales (Granada, 1985), es una escritora española, considerada por algunas críticas como una de las escritoras jóvenes de mayor talento en la literatura. Entre sus obras más conocidas está "Lectura fácil", cuyas protagonistas son cuatro mujeres con discapacidad intelectual que viven en Barcelona y que en 2018 obtuvo el Premio Herralde de Novela y en 2019 el Premio Nacional de Narrativa.


title: Cristina Morales

text: Es licenciada en Derecho Internacional en la Universidad de Granada, trabaja como intérprete jurídica y reside en Barcelona. En el 2002 y el 2006 ganó el Certamen Andaluz de Escritores Noveles en la modalidad de relato y novela corta, respectivamente y al año siguiente logró una beca como residente en la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores de Córdoba. Ha trabajado como dramaturga para el Aula de Teatro de la Universidad de Granada y para Eutopía, Festival de Jóvenes Creadores (Córdoba, 2008).


title: Cristina Morales

text: En 2008 publicó el libro de relatos "La merienda de las niñas" y cinco años después publicó su primera novela: "Los combatientes" con la que obtuvo el Premio Injuve de Novela. En 2015 fue finalista con el relato corto "El hombre de los buzones" de los premios Francesc Candel.


title: Cristina Morales

text: También en 2015 publicó "Malas palabras", un encargo hecho por la editorial Lumen con motivo del quinto centenario. Morales aceptó meterse en la piel de Santa Teresa de Jesús para escribir en primera persona, como si se tratara de la misma santa. La escritora granadina recrea un supuesto diario personal escrito por Teresa de Jesús, en 1562, mientras la autora del Siglo de Oro redacta 'Libro de la vida'. Cristina Morales reivindica la figura de Teresa de Jesús desde una perspectiva humana: “"fue la primera mujer que se atrevió a acusar a los hombres por cortarles las alas a las mujeres. Debería ser reivindicada por las anarcofeministas más radicales. A mí me hace sombra Teresa de Jesús. Al Gobierno o a cualquier político debería darles vergüenza reivindicar su figura y pocos dirán que fue una feminista"”. Secuestrada por la Iglesia, arrinconada por la progresía. “"Fue una líder de la Contrarreforma, pero fue colocada en una hornacina y quedó neutralizada. No la hemos estudiado humanamente. Un trabajo que sí se ha hecho con su coetáneo san Juan de la Cruz"” ha explicado sobre su trabajo para recuperar a la escritora.


title: Cristina Morales

text: En 2017, fruto de la III Beca Han Nefkens del Máster en Creación Literaria de la UPF Barcelona,publica "Terroristas modernos", novela en la que retoma la perspectiva histórica de "Malas palabras" y narra la llamada “conspiración del triángulo”, levantamiento frustrado contra Fernando VII en 1816, complot de base masona llevado a cabo por ilustrados en el exilio, doceañistas y héroes de la guerrilla que le permite paralelismos con la política actual: el terrorismo, la violencia de Estado, la manipulación de la prensa o la volubilidad del concepto de pueblo, de los ciudadanos indignados."La democracia moderna" - explica Morales - "es un acto de terrorismo contra los gobernados y el territorio que ocupan. Es el mecanismo de control más depurado de todos. La máquina violenta que es el Estado dentro de sus fronteras y fuera es la más depurada que ha conocido la organización humana. Desde finales del XVIII a nuestros días se ha ido perfeccionado".


title: Cristina Morales

text: En 2018 publica la novela "Lectura fácil" que toma su título del término "lectura fácil" utilizado para denominar el conjunto de adaptaciones que deben hacerse para facilitar la lectura y la comprensión por quienes puedan tener dificultades de lectura o comprensión -discapacitados intelectuales, personas con baja cultura, migrantes, etc-.


title: Cristina Morales

text: La novela narra la vida de cuatro mujeres con discapacidad intelectual que conviven en un piso tutelado en Barcelona. Las protagonistas se enfrenten a diversas formas de control social. "... Marga, Nati, Patricia y Àngels, con vínculos familiares y origen común con diversos grados de discapacidad intelectual [que] comparten un piso tutelado en una Barcelona mestiza y opresiva con paro, desahucios, mentiras, okupas, la Plataforma de Afectados por la Hipoteca y los ateneos libertarios como telón de fondo." La autora reivindica a los personas administrativamente denominadas discapacitados intelectuales o con diversidad funcional.


title: Cristina Morales

text: Desde 2017 Cristina Morales forma parte del grupo feminista de danza contemporánea Iniciativa Sexual Femenina


title: Paisaje cultural

text: El paisaje cultural es un término utilizado en los campos de la geografía, la ecología y los estudios patrimoniales, para describir una simbiosis de la actividad humana y el medio ambiente. Según la definición del Comité del Patrimonio Mundial, son los "bienes culturales [que] representan las obras combinadas de la naturaleza y del hombre" y se dividen en tres categorías principales:


title: Paisaje cultural

text: El concepto de paisajes culturales se puede encontrar en la tradición europea de la pintura del paisaje. Desde el siglo XVI en adelante, muchos artistas europeos pintaron paisajes (posiblemente gracias a la influencia de China) en favor de las personas, reduciendo a las personas en sus pinturas a figuras subsumidas dentro de paisajes más amplios y regionalmente específicos.


title: Paisaje cultural

text: La palabra en inglés para "paisaje", "landscape", en sí misma combina "land" (tierra, país) con un verbo de origen germánico, "scapjan"/"schaffen" para significar, literalmente, "tierras moldeadas". Las tierras se consideraron entonces moldeadas por fuerzas naturales, y los detalles únicos de tales "landshaffen" (tierras moldeadas) se convirtieron en el tema de las pinturas de paisajes.


title: Paisaje cultural

text: Al geógrafo Otto Schlüter se le atribuye haber utilizado formalmente "paisaje cultural" como término académico a principios del siglo XX. En 1908, Schlüter argumentó que al definir la geografía como "Landschaftskunde" (ciencia del paisaje) esto le daría a la geografía un tema lógico compartido por ninguna otra disciplina. Definió dos formas de paisaje: el "Urlandschaft" (paisaje original) o el paisaje que existía antes de los grandes cambios inducidos por el hombre y el "Kulturlandschaft" (paisaje cultural), un paisaje creado por la cultura humana. La principal tarea de la geografía era rastrear los cambios en estos dos paisajes.


title: Paisaje cultural

text: Fue Carl O. Sauer, un geógrafo humano, quien probablemente fue el más influyente en la promoción y desarrollo de la idea de paisajes culturales. Sauer estaba decidido a enfatizar la agencia de la cultura como una fuerza en la configuración de las características visibles de la superficie de la Tierra en áreas delimitadas. Dentro de su definición, el medio físico conserva un significado central, como medio con y a través del cual actúan las culturas humanas. Su definición clásica de un paisaje cultural dice lo siguiente:"El paisaje cultural es modelado a partir de un paisaje natural por un grupo cultural. La cultura es el agente, el espacio natural es el medio, el paisaje cultural es el resultado "Desde el primer uso formal del término por parte de Schlüter y la promoción efectiva de la idea por parte de Sauer, el concepto de paisajes culturales se ha utilizado, aplicado, debatido, desarrollado y refinado de diversas formas en el ámbito académico. En la década de 1950, por ejemplo, J. B. Jackson y su publicación Landscape influyeron en una generación de académicos estadounidenses, incluidos los historiadores de la arquitectura Denise Scott Brown y Gwendolyn Wright.


title: Paisaje cultural

text: En 1992, el Comité del Patrimonio Mundial decidió convocar una reunión de especialistas para asesorar y ayudar a volver a redactar las Directrices operativas del Comité para incluir los paisajes culturales como una opción para las propiedades de la lista del patrimonio que no eran ni puramente naturales ni puramente culturales en su forma ( es decir, herencia mixta).


title: Paisaje cultural

text: La adopción y el uso por parte del Comité del Patrimonio Mundial del concepto de paisajes culturales ha hecho que múltiples especialistas de todo el mundo y muchas naciones identifiquen paisajes culturales, los evalúen, enlisten el patrimonio de los paisajes culturales, los gestionen y visibilicen para el mundo.


title: Paisaje cultural

text: Una revisión académica de 2006 de los esfuerzos combinados del Comité del Patrimonio Mundial, múltiples especialistas de todo el mundo y naciones para aplicar el concepto de paisajes culturales, observó y concluyó que:"Aunque el concepto de paisaje se ha desvinculado durante algún tiempo de sus asociaciones artísticas originales ... todavía existe una visión dominante de los paisajes como una superficie inscrita, similar a un mapa o un texto, a partir de la cual el significado cultural y las formas sociales pueden simplemente ser leído."Dentro del mundo académico, cualquier sistema de interacción entre la actividad humana y el hábitat natural se considera un paisaje cultural. En cierto sentido, esta comprensión es más amplia que la definición aplicada dentro de la UNESCO, incluyendo, como lo hace, casi la totalidad de la superficie ocupada del mundo, además de casi todos los usos, ecologías, interacciones, prácticas, creencias, conceptos y tradiciones de las personas que viven dentro de los paisajes culturales. Siguiendo esta idea, el geógrafo Xoán Paredes define paisaje cultural como:"... el medio ambiente modificado por el ser humano en el transcurso del tiempo, la combinación a largo plazo entre la acción antrópica sobre este medio y las limitaciones físicas que limitan o condicionan la actividad humana. Es un espacio geográfico -incluyendo los recursos naturales y culturales- asociado a la evolución histórica, que da paso a un paisaje reconocible para un determinado grupo humano, hasta el punto de ser identificable como tal por otros”El concepto de paisaje cultural es útil para la gestión sostenible y la conservación del patrimonio. La adopción de una perspectiva de paisaje cultural puede interconectar aspectos individuales del patrimonio cultural, como edificios históricos, recursos materiales regionales y técnicas de construcción vernáculas, en una noción unificada de identidad y lugar. Esto puede unificar el patrimonio tangible e intangible, exponer riesgos dentro de dinámicas de sistema complejas y desviar el enfoque de la conservación desde la protección del tejido pasado hacia la gestión del cambio futuro. Puede ser un vehículo para enfoques centrados en las personas, que apoyan la propiedad local y la participación en los sitios del patrimonio cultural. Este paradigma alinea la gestión del entorno histórico con las actitudes contemporáneas hacia la gestión ambiental en general, que también están influenciadas por las perspectivas del paisaje cultural.


title: Paisaje cultural

text: El Comité del Patrimonio Mundial ha identificado y enumerado una serie de áreas o bienes como paisajes culturales de valor universal para la humanidad, incluidos los siguientes:


title: Paisaje cultural

text: "En 1993, el Parque Nacional de Tongariro se convirtió en la primera propiedad inscrita en la Lista del Patrimonio Mundial según los criterios revisados que describen los paisajes culturales. Las montañas en el corazón del parque tienen un significado cultural y religioso para el pueblo maorí y simbolizan los vínculos espirituales entre esta comunidad y su entorno. El parque tiene volcanes activos y extintos, una diversa gama de ecosistemas y algunos paisajes espectaculares".


title: Paisaje cultural

text: "Este parque, anteriormente llamado Parque Nacional Uluru (Ayers Rock - Monte Olga), presenta formaciones geológicas espectaculares que dominan la vasta llanura de arena roja del centro de Australia. Uluru, un inmenso monolito, y Kata Tjuta, las cúpulas rocosas ubicadas al oeste de Uluru, forman parte del sistema de creencias tradicional de una de las sociedades humanas más antiguas del mundo. Los propietarios tradicionales de Uluru-Kata Tjuta son los aborígenes Anangu."


title: Paisaje cultural

text: "Durante 2000 años, los arrozales altos del Ifugao han seguido los contornos de las montañas. Fruto del conocimiento transmitido de generación en generación, expresión de tradiciones sagradas y un delicado equilibrio social, han contribuido a crear un paisaje de gran belleza que expresa la armonía entre la humanidad y el medio ambiente."


title: Paisaje cultural

text: "En el siglo XIX, Sintra se convirtió en el primer centro de la arquitectura romántica europea. Fernando II convirtió un monasterio en ruinas en un castillo donde esta nueva sensibilidad se mostró en el uso de elementos góticos, egipcios, moriscos y renacentistas y en la creación de un parque que mezcla especies de árboles locales y exóticas. Otras hermosas viviendas, construidas en la misma línea en la sierra circundante, crearon una combinación única de parques y jardines que influyeron en el desarrollo de la arquitectura del paisaje en toda Europa."


title: Paisaje cultural

text: "El paisaje de los viñedos de Lavaux demuestra de manera muy visible su evolución y desarrollo durante casi un milenio, a través del paisaje y los edificios bien conservados que demuestran una continuación y evolución de tradiciones culturales de larga data, específicas de su localidad."


title: Paisaje cultural

text: Qhapaq Ñan es una extensa red incaica de comunicación, comercio y defensa de carreteras que cubre 30.000 km. Construida por los incas durante varios siglos y basada en parte en la infraestructura preincaica, esta extraordinaria red a través de uno de los terrenos geográficos más extremos del mundo unía los picos nevados de los Andes, a una altitud de más de 6.000 m, con la costa., corriendo a través de selvas tropicales calientes, valles fértiles y desiertos absolutos. Alcanzó su máxima expansión en el siglo XV cuando se extendió a lo largo y ancho de los Andes. El Qhapac Ñan, sistema vial andino incluye 273 sitios componentes distribuidos en más de 6,000 km que fueron seleccionados para resaltar los logros sociales, políticos, arquitectónicos y de ingeniería de la red, junto con su infraestructura asociada para el comercio, alojamiento y almacenamiento, así como sitios de importancia religiosa.


title: Integral exponencial

text: En el ámbito de las matemáticas la integral exponencial es una función especial definida en el plano complejo e identificada con el símbolo  Ei.


title: Integral exponencial

text: Esta definición puede ser utilizada para valores positivos de formula_1, pero a causa de la singularidad del integrando en cero, la integral debe ser interpretada en término del valor principal de Cauchy. Para valores complejos del argumento, esta definición es ambigua a causa de los puntos de ramificación en 0 y en formula_5. En general, se realiza un corte en el eje real negativo y Ei puede ser definida mediante una continuación analítica en el resto del plano complejo.


title: Integral exponencial

text: Las propiedades de la exponencial integral mostradas, en ocasiones, permiten sortear él la evaluación explícita de la función a partir de la definición dada arriba.


title: Integral exponencial

text: Tras integrar la serie de Taylor de formula_10, y extraer la singularidad logarítmica, se puede obtener la siguiente representación en forma de serie de formula_11 para formula_1 real:


title: Integral exponencial

text: donde formula_15 es la constante de Euler-Mascheroni. La suma converge para todo formula_7 complejo, y tomamos el valor usual del logaritmo complejo con el corte de rama a lo largo del eje real negativo.


title: Integral exponencial

text: Por desgracia, la convergencia de las series mostradas arriba es muy lenta para argumentos con gran módulo. Por ejemplo, para formula_17, se necesitan más de 40 términos para obtener una respuesta correcta con 3 cifras significativas. Sin embargo, existe una serie asintótica divergente que puede ser obtenida a partir de la integración de formula_18 por partes:


title: Integral exponencial

text: cuyo error es del orden formula_20 y es válida para grandes valores de formula_21. El error relativo de la serie asintótica se muestra en la gráfica de la derecha para varios valores de formula_22 (formula_23 en rojo, formula_24 en rosa). Cuando formula_25, la aproximación dada con formula_26 es exacta en representación de doble precisión, de 64 bits.


title: Integral exponencial

text: De las series dadas arriba, se deduce que formula_27 se comporta como una exponencial negativa para grandes valores del argumento y como un logaritmo para pequeños valores del mismo. Para valores reales positivos del argumento, formula_27 queda acotada superior e inferiormente por funciones elementales como sigue:


title: Integral exponencial

text: La parte izquierda de la desigualdad se muestra en la gráfica de la izquierda en azul, la parte central, que es formula_11, es la curva negra y la parte de la derecha es la curva roja.


title: Integral exponencial

text: Las funciones formula_32 y formula_27 pueden ser escritas de forma más simple mediante la función entera formula_31 definida como


title: Integral exponencial

text: (nótese que esta es la serie alternante que aparecía en la definición de formula_27). Se sigue inmediatamente que:


title: Integral exponencial

text: La integral exponencial está altamente relacionada con la función logaritmo integral formula_39 por la siguiente relación


title: Integral exponencial

text: que es una familia de funciones que puede representarse como un caso especial de la función gamma incompleta:


title: Integral exponencial

text: Nótese que la función formula_48 es sencilla de evaluar (dando un término inicial a la relación recursiva), pues es formula_49.


title: Integral exponencial

text: para obtener una relación de la exponencial integral con las integrales trigonométricas formula_52 y formula_53:


title: Integral exponencial

text: Las partes real e imaginaria de formula_11 están dibujadas en la gráfica de la derecha en negro y rojo respectivamente.


title: Departamento de San Salvador

text: San Salvador es uno de los 14 departamentos de El Salvador ubicado en la zona central. Su área es de 886,15 kilómetros cuadrados y su población es de 2,750,600 habitantes.


title: Departamento de San Salvador

text: Fue erigido durante la administración del primer Jefe de Estado y prócer de la Independencia centroamericana Juan Manuel Rodríguez, por artículo constitucional el 12 de junio de 1824. Su cabecera, que es también capital de la República, es la ciudad de San Salvador, fundada por el capitán Gonzalo de Alvarado alrededor del 1 de abril de 1525.


title: Departamento de San Salvador

text: Integran este departamento los distritos de San Salvador, creado en 1786, y los de Santo Tomás y Tonacatepeque (antes de Apopa), creado por Decreto Legislativo el 28 de enero de 1865.


title: Departamento de San Salvador

text: La bandera fue emitida por parte de las autoridades de José María Melara en 1943. Está compuesta por 4 franjas azules y 3 franjas blancas, y sobre la esquina superior izquierda, tiene el color rojo con el escudo de San Salvador.


title: Departamento de San Salvador

text: La economía es dependiente de agencias bancarias, industrializaciones, mercadeo internacional e inversiones nacionales y extranjeras San Salvador.


title: Departamento de San Salvador

text: Según nueva metodología del PNUD de medición del IDH es de 0.716 y de IDH-D (IDH ajustado por la desigualdad) de 0.498 en el año 2013 y un Coeficiente de Gini de ingresos del 0.46.


title: Departamento de San Salvador

text: El departamento de San Salvador es el departamento más poblado de El Salvador y tiene mucha población de diferentes etnias, razas y religiones.


title: Departamento de San Salvador

text: En San Salvador hay 2 religiones que se practican mucho, siendo éstas el Catolicismo y el Protestantismo. El Catolicismo representa el 41.0% de la población y el Protestantismo representa el 40.3%, mientras que el 13.5% de la población no pertenece a ninguna religión, el 4.4% pertenece a otras religiones y un 0.8% de la población se identifica como agnóstico o ateo.


title: Departamento de San Salvador

text: Se divide en tres distritos (Santo Tomás, San Salvador y Tonacatepeque), los cuales se dividen en 19 municipios, que a continuación se detallan:


title: Geografía urbana

text: La geografía urbana es el estudio de la estructura y funciones de la ciudad, entendida como paisaje urbano.


title: Geografía urbana

text: Comprende el estudio del desarrollo del proceso de urbanización, muy importante en los distintos periodos históricos denominados revolución urbana, la determinación de las relaciones de las ciudades entre sí o el establecimiento de una jerarquía urbana entre ellas (por ejemplo la Teoría de los lugares centrales), la estructura urbana, las pautas espaciales que ocurren dentro de la ciudad, así como el medio ambiente urbano. Se considera como una parte de la ciencia geográfica, dentro del campo de estudio más amplio que es la geografía humana. A menudo puede superponerse con otros campos tales como la antropología (antropología cultural) y la geografía física.


title: Geografía urbana

text: Los geógrafos urbanos procuran entender el porqué de la ubicación de las ciudades (situación y emplazamiento), sus funciones y funcionamiento, la jerarquía que existe entre las diversas ciudades y por qué se desarrollan en la forma en que lo hacen.


title: Geografía urbana

text: La geografía urbana forma la base científica para varias profesiones incluida la planificación urbana, la selección de ubicación de los comercios al por menor, el desarrollo de bienes raíces, el análisis de la pauta del crimen o el análisis logístico, entre otros.


title: Geografía urbana

text: Hay esencialmente dos enfoques a la geografía urbana. El estudio de los problemas que se relacionan con la distribución espacial de las ciudades en sí mismas y de las pautas complejas del movimiento, los flujos y las uniones espaciales. Los estudios en esta categoría se preocupan por el sistema de la ciudad. En segundo lugar hay el estudio de pautas de la distribución y la interacción dentro de ciudades, esencialmente el estudio de su estructura interior. Los estudios en esta categoría se preocupan por la ciudad como un sistema.


title: Santa Clara (California)

text: Santa Clara (pronunciación en inglés []) es una ciudad del condado de Santa Clara, en el estado de California, Estados Unidos. Se ubica 75 km al sureste de la ciudad de San Francisco y 8 km al noroeste de San José.


title: Santa Clara (California)

text: Fue fundada en 1777 como la misión franciscana de Santa Clara de Asís y según el último censo de 2000, Santa Clara tiene cerca de 102 361 habitantes.


title: Santa Clara (California)

text: En sus orígenes, la ciudad se dedicaba a la producción de frutas y verduras. En la segunda mitad del siglo XX, en Santa Clara se desarrolló la industria informática. Allí se encuentra la sede principal de las empresas Intel, NVIDIA, Synaptics, McAfee, Applied Materials y anteriormente Sun Microsystems.


title: Santa Clara (California)

text: La Universidad de Santa Clara fue fundada en 1851 y es la más antigua del estado de California. Su equipo deportivo son los Santa Clara Broncos, que compiten en la División I de la NCAA. Su estadio principal, el Buck Shaw Stadium, también se utilizó para partidos de local de los San Jose Earthquakes de la Major League Soccer desde 2008 hasta 2014. Por su parte, los San Francisco 49ers de la National Football League juegan desde 2014 en el Levi's Stadium.


title: Nicholas Hammond

text: Nicholas Amine "Nick" Hammond (Washington, Estados Unidos, 15 de mayo de 1950) es un actor estadounidense, más conocido por sus papeles como Friedrich von Trapp en la película "The Sound of Music" y como Peter Parker/Spider-Man en la serie "The Amazing Spider-Man".


title: Nicholas Hammond

text: Hammond nació 15 de mayo de 1950, en Washington, Estados Unidos. Hijo del coronel Thomas W. Hammond y la actriz inglesa Eileen Bennett, tiene un hermano llamado David.


title: Nicholas Hammond

text: Hammond tenía solo 10 años cuando hizo su primera aparición cinematográfica en "El Señor de las Moscas". Poco después de la filmación, Hammond apareció en Broadway en 1961. Nueve años más tarde apareció en su segunda obra de Broadway, "Conducta Impropia".


title: Nicholas Hammond

text: En 1965 se unió al elenco principal de la popular y exitosa película "The Sound of Music" donde dio vida a Friedrich von Trapp, el segundo hijo de la familia von Trapp.


title: Nicholas Hammond

text: En 1973 interpretó Doug Simpson en un episodio de la popular serie "The Brady Bunch". También interpretó a Britt en dos episodios de la serie "Gunsmoke", un año después apareció nuevamente en la serie ahora como Doak durante el episodio "Thirty a Month and Found".


title: Nicholas Hammond

text: En 1977 apareció como invitado en la popular serie estadounidense "Hawaii Five-O" donde interpretó a Calvin, anteriormente había aparecido por primera vez en la serie en 1974 donde interpretó a Roger durante el episodio "The Banzai Pipeline".


title: Nicholas Hammond

text: Ese mismo año se unió al elenco de la serie "The Amazing Spider-Man" donde interpretó al súper héroe Peter Parker "Spider-Man" hasta 1979.


title: Nicholas Hammond

text: En el 2000 interpretó a Ben Water el director de la seguridad de la casa blanca en la serie "BackBerner" hasta el 2002.


title: Nicholas Hammond

text: En el 2001 apareció en la película "Child Star: The Shirley Temple Story" donde interpretó al actor estadounidense Adolphe Menjou.


title: Nicholas Hammond

text: En el 2003 apareció como invitado en la serie "CNNNN: Chaser Non-Stop News Network" donde interpretó al comandante de la NASA Oscar F. Hepple. Ese mismo año apareció como invitado en la popular serie de ciencia ficción "Farscape" donde interpretó al doctor Adrian Walker y en la serie australiana Always Greener donde interpretó a Nigel Milne.


title: Nicholas Hammond

text: En el 2005 se unió al elenco de la película "Dynasty: The Making of a Guilty Pleasure" donde interpretó al exitoso productor de series estadounidense Aaron Spelling.


title: Nicholas Hammond

text: El 28 de octubre de 1978 se casó con Laura Soli, sin embargo el matrimonio terminó en 1984. Desde 1987 sale con la actriz y directora australiana Robyn Nevin.


title: Cine épico

text: Los términos cine épico o película épica se refieren a un género cinematográfico en el que las películas suelen ser grandes producciones, con una temática normalmente dramática. El apelativo de «épico», aquí aplicado al cine, deriva de las grandes historias y personajes de la novela épica, y si bien normalmente se emplea para hablar de las así llamadas películas «de capa y espada», también se suele usar el término cuando se habla de los grandes "westerns", ciertas películas fantásticas y también algunas películas históricas.


title: Cine épico

text: El término «épico» hace referencia en general a películas de larga duración, que a menudo centran su trama en tiempos de guerra o de conflictos y que suelen abarcar un amplio espacio de tiempo. Se suele usar un escenario histórico, aunque también se puede utilizar una ubicación de ficción. Normalmente, las películas épicas centran su trama en la consecución de una serie de metas o búsqueda, las cuales tienen que ser alcanzadas por un «héroe» o por un grupo de personas.


title: Cine épico

text: Este género de películas alcanzó su cima en las décadas de los años 1950 y 60, cuando Hollywood colaboraba habitualmente con estudios cinematográficos extranjeros (por ejemplo, los estudios italianos de Cinecittà) para usar escenarios «exóticos» en países como España o Marruecos. Este boom de las películas épicas se considera que acabó después del pinchazo que supuso la película "Cleopatra" (1963), aunque aún hoy en día se siguen produciendo películas de este género.


title: Cine épico

text: Alguno de los directores de más éxito de este género han sido David Lean, Sergio Leone, John Ford, William Wyler, George Lucas, Steven Spielberg, Werner Herzog, Cecil B. DeMille, Peter Jackson, D. W. Griffith o Christopher Nolan


title: Cine épico

text: En la se rindió un homenaje a este género de películas con la proyección de un montaje en el que aparecían algunas de las películas «épicas» más famosas de la historia.


title: Recta de Euler

text: La recta de Euler es una recta en la que están situados el ortocentro, el circuncentro y el baricentro de un triángulo; incluye al punto de Exeter y al centro de la circunferencia de los nueve puntos notables de un triángulo escaleno. Se denomina así en honor al matemático suizo Leonhard Euler, quien demostró la colinealidad de los mencionados puntos notables de un triángulo, en 1765. Además, él fue quien introdujo el concepto de función matemática, siendo el primero en escribir f(x) para referirse a la función f aplicada al argumento x.


title: Recta de Euler

text: Euler demostró que en cualquier triángulo el ortocentro, el circuncentro y el baricentro están alineados. Esta propiedad amplía su dominio de verdad para el centro de la circunferencia de los nueve puntos notables; que Euler no había demostrado para ese tiempo. En los triángulos equiláteros, estos cuatro puntos coinciden, pero en cualquier otro triángulo no lo hacen, y la recta de Euler está determinado por dos cualesquiera de ellos. El centro de la circunferencia de los nueve puntos notables se encuentra a mitad de camino a lo largo de la línea de Euler entre el ortocentro y el circuncentro, y la distancia desde el centroide del circuncentro es un medio que desde el baricentro hasta el ortocentro.


title: Recta de Euler

text: Otros puntos destacados que se encuentran en la recta de Euler son el punto de Longchamps, el punto Schiffler, el punto de Exeter y el punto far-out. Sin embargo, el incentro se encuentra en la recta de Euler solo para triángulos isósceles.


title: Recta de Euler

text: Sean "A", "B", "C" denotan los ángulos del vértice del triángulo de referencia, y sea "x": "y": "z" un punto variable en coordenadas trilineales, a continuación, la ecuación de la recta de Euler es:


title: Recta de Euler

text: Otra manera para representar la línea de Euler es en términos de un parámetro "t". Comenzando con el circuncentro y el ortocentro:


title: Recta de Euler

text: En un triángulo "ABC", se determinan "D" como el punto medio del lado "BC" y "E" como el punto medio del lado "CA". Entonces "AD" y "BE" son medianas que se intersecan en el baricentro "G". Trazando las perpendiculares por "D" y "E" se localiza el circuncentro "O".


title: Recta de Euler

text: A continuación se prolonga la recta "OG" (en dirección a "G") hasta un punto "P", de modo que "PG" tenga el doble de longitud de "GO" (figura 1).


title: Recta de Euler

text: Por otro lado, los ángulos "AGP" y "DGO" son opuestos por el vértice y por tanto iguales. Estas dos observaciones permiten concluir que los triángulos "AGP" y "DGO" son semejantes.


title: Recta de Euler

text: Pero de la semejanza se concluye que los ángulos "PAG" y "ODG" son iguales, y de este modo "AP" es paralela a "OD". Finalmente, dado que "OD" es perpendicular a "BC", entonces "AP" también lo será; es decir, "AP" es la altura del triángulo.


title: Recta de Euler

text: Un argumento similar prueba que los triángulos "BPG" y "EOG" son semejantes y por tanto "BP" también es la altura. Esto demuestra que "P" es el punto de intersección de las alturas y por tanto "P=H"; es decir, "P" es el ortocentro.


title: Recta de Euler

text: Un tetraedro es un objeto tridimensional delimitado por cuatro caras triangulares. Siete líneas asociadas con un tetraedro son concurrentes en su centroide; sus seis planos medios se cruzan en su punto Monge; y hay una circunsfera que pasa por todos los vértices, cuyo centro es el circuncentro. Estos puntos definen la "línea de Euler" de un tetraedro análogo al de un triángulo. El centroide es el punto medio entre su punto Monge y el circuncentro a lo largo de esta línea. El centro de la esfera de doce puntos también se encuentra en la línea de Euler.


title: Recta de Euler

text: En un cuadrilátero convexo, el cuasiortocentro H, el centroide del área G y el cuasicircumcentro O son colineales en este orden en la línea de Euler, y HG = 2GO.


title: Recta de Euler

text: La única parábola de un triángulo que es tangente a los lados es la parábola de Kiepert (dos de ellos extendidos) y este tiene la línea de Euler como su directriz.


title: Recta de Euler

text: En cualquier triángulo que no sea equilátero, el circuncentro (O), el baricentro (G) y el ortocentro (H) son colineales y la distancia del


title: The Birdcage

text: The Birdcage (Una jaula de grillos en España, La jaula de los pájaros en Argentina y La jaula de las locas en el resto de Hispanoamérica) es una película estadounidense, estrenada el 8 de marzo de 1996 y dirigida por Mike Nichols con adaptación de Elaine May al guion original. Se trata de un "remake" de la película franco-italiana "La cage aux folles" de 1978, que a su vez, está basada en la obra teatral homónima.


title: The Birdcage

text: La pareja formada por Armand (Robin Williams), y Albert (Nathan Lane), intentan fingir que son una familia cristiana y tradicional, en lugar de una familia gay y judía, cuando se lo pide Val (Dan Futterman), hijo biológico de Armand fruto de un "desliz" heterosexual de juventud y que ambos han criado juntos, porque se quiere casar con la hija de un senador ultraconservador Kevin Keeley (Gene Hackman). Llaman a la madre (Christine Baranski), del muchacho para completar la comedia el día de la petición de mano, pero cuando no puede llegar debido al tráfico Albert se presenta travestido como la madre de Val. Los enredos y cómicos equívocos terminan cuando finalmente se presenta la madre y se descubre la farsa. Entonces la prensa se presenta en los alrededores de la casa y el club gay que la pareja regenta con el objetivo de fotografiar al senador en una situación comprometida y consiguen solucionar el problema travistiéndolo para salir de forma inadvertida.


title: The Birdcage

text: La película fue bien recibida por la crítica y la audiencia. Cuenta con un 79% de rating aprobatorio en la página Rotten Tomatoes, basado en 47 reseñas. Su consenso afirma: "Mike Nichols presenta divertidas actuaciones de Robin Williams y Nathan Lane en este divertido, si no esencial, "remake" de la comedia franco-italiana "La Cage aux Folles"".


title: The Birdcage

text: James Berardinelli afirmó en su reseña: "La película es tan bulliciosa que es fácil para el espectador desprevenido no darse cuenta de su mensaje intrínseco". Desson Thomson de "The Washington Post" describió a la cinta como "Un enérgico "remake" que tiene todo en su sitio". Owen Gleiberman de "Entertainment Weekly" se refirió a la película como "Encantadoramente ingeniosa".


title: Fenilo

text: En química orgánica, el grupo funcional fenilo (abreviado Ph de su nombre en inglés o φ) es el grupo arilo formado por 6 átomos de carbono y 5 átomos de hidrógeno. Formalmente se trata de un sistema de benceno donde un hidrógeno es sustituido por el resto de la molécula.


title: Fenilo

text: El grupo fenilo está presente en numerosos compuestos tanto naturales como artificiales, como el difenilacetileno.


title: Fenilo

text: Su reactividad es variada por las características electrónicas del grupo que sustituye al hidrógeno. Así grupos electrodadores (por ejemplo grupos alquilo, -oxo, amino, etc.) aumentan la reactividad frente a reacciones electrofílicas y dirigen un nuevo sustituyente en posición "orto" o "para", nunca "meta".


title: Fenilo

text: Grupos electroatractores (por ejemplo grupos nitro (-NO), flúor, carbonilo (-C(=O)-R), etc.) sin embargo disminuyen la reactividad y dirigen el grupo entrante en posición "meta".


title: Paso de los Toros (bebida)

text: Paso de los Toros es una línea de gaseosas o bebidas carbonatadas, especialmente de agua tónica, de origen uruguayo.


title: Paso de los Toros (bebida)

text: Su nombre proviene de la localidad uruguaya homónima, en donde la bebida fue originalmente desarrollada y comercializada por primera vez.


title: Paso de los Toros (bebida)

text: En 1924 en el todavía pueblo de Santa Isabel, un estudiante de química llamado Rómulo Mangini instaló una pequeña embotelladora de soda en dicha ciudad del departamento de Tacuarembó, la cual contaba con un pequeño manantial dentro de la misma, en la cual a partir de 1926 comenzó a producir gaseosas.


title: Paso de los Toros (bebida)

text: Mangini una vez instalada su embotelladora sería desafiado por su amigo inglés José Jones, un auténtico y "exquisito bebedor", quien gustaba de las aguas tónicas británicas importadas en el país, a fabricar en su embotelladora un agua tónica de origen nacional, por lo cual el empresario comenzaría a intentar crear una fórmula para fabricarla, con agua de su manantial y con base de cáscara de naranja y quinina.


title: Paso de los Toros (bebida)

text: Tras años de pruebas e intentos en 1929, año en que la Villa de Santa Isabel fue denominada como Paso de los Toros, se comienza a fabricar y comercializar el agua tónica de origen uruguayo. En un principio, dicha bebida fue llamada 'Príncipe de Gales', aunque posteriormente recibiría la denominación de Paso de los Toros, en honor al pueblo donde se invento.


title: Paso de los Toros (bebida)

text: En los comienzos, tan sólo la producía en pequeñas cantidades, pero la bebida fue ganando paulatina popularidad en el mercado local de Paso de los Toros y en otras localidades del país, hasta llegar a ser ofrecida en la capital del país, la ciudad de Montevideo.


title: Paso de los Toros (bebida)

text: La llegada a la capital trajo consigo la necesidad de expandirse y de contar con infraestructura acorde para su expansión, por lo que fue necesario asociarse. Es así que en 1947, se sumaron como socios Adolfo Caorsi y Frank Marshall, conformándose la Sociedad Anónima Agua Tónica Paso de los Toros, a su vez comenzaron a vender acciones en el pueblo, a diez pesos cada una.


title: Paso de los Toros (bebida)

text: El 14 de febrero de 1955, unos dos años antes de la muerte del propio Mangini, la embotelladora fue adquirida por la multinacional estadounidense PepsiCo, quién ya había adquirido la mayoría absoluta de las acciones de la pequeña compañía y por lo tanto pasó a hacerse con el control de la misma. Durante las negociaciones que finalmente terminaron en su venta, la familia Mangini solicitó que la bebida mantuviese su denominación original “Agua tónica Paso de los Toros”.


title: Paso de los Toros (bebida)

text: Pepsi continúa comercializando la línea Paso de los Toros hasta la actualidad, no sólo en el Uruguay sino también en el aproximadamente quince veces mayor mercado argentino, lo que contribuyó a la difusión del producto en la región. Si bien la bebida insignia sigue siendo la tradicional agua tónica, también se comercializan bajo esa misma marca gaseosas de los sabores naranja, pomelo, y a mediados del año 2014 el sabor limón.


title: Barton Fink

text: Barton Fink es una película independiente estadounidense estrenada en escrita, producida, dirigida y montada por los hermanos Coen. Ambientada en Los Ángeles en 1941, es protagonizada por John Turturro en el rol de Barton Fink, un joven e intelectual dramaturgo neoyorquino que es contratado por un estudio de Hollywood para escribir el guion de una película sobre lucha libre, y John Goodman en el papel de Charlie, un vendedor de seguros que se aloja en el mismo hotel que Fink.


title: Barton Fink

text: Los Coen escribieron el guion durante tres semanas mientras tenían dificultades con la escritura de otra película, "Miller's Crossing". Poco después de terminar "Miller's Crossing", los directores comenzaron a rodar "Barton Fink", que se estrenó en Estados Unidos el 21 de agosto de 1991. Antes se proyectó en mayo en el Festival de Cannes donde ganó el premio Palma de Oro por decisión unánime, como también los premios a mejor director y mejor actor (Turturro). Es la única película en la historia del festival en ganar los tres premios juntos. Aunque la cinta recibió críticas positivas y tres candidaturas a los Premios Óscar, solo recaudó un poco más de seis millones de dólares, cuantía que representa dos tercios de su presupuesto estimado. El proceso de escritura y la cultura del entretenimiento son dos temas prominentes de "Barton Fink"; el mundo de Hollywood es contrastado con el de Broadway, y la película analiza diferencias superficiales entre la alta cultura y la cultura popular. El filme también toca temáticas como el fascismo y la Segunda Guerra Mundial, la esclavitud y las condiciones de trabajo en industrias creativas, y la relación entre los intelectuales y «el hombre común». Por sus diversos elementos, ha sido difícil clasificar a "Barton Fink" dentro de un género, en ocasiones ha sido catalogada como "neo-noir", cine de terror, "Künstlerroman" o "buddy film".


title: Barton Fink

text: La abandonada y surreal atmósfera del Hotel Earle fue central para el desarrollo de la historia, su diseño fue muy cuidadoso. La sala de estar de Barton contrasta con los brillosos e inmaculados alrededores de Hollywood, especialmente con la casa de su jefe Jack Lipnick. Una simple imagen en la pared captura la atención de Barton y esa imagen se repite al final de la película; aunque la imagen y otros elementos —incluyendo la misteriosa caja— aparecen cargados de simbolismo, los críticos no se han puesto de acuerdo con sus posibles significados. Los Coen han admitido algunos elementos simbólicos intencionales, mientras que negaron un intento de comunicar cualquier mensaje holístico. La película contiene alusiones a varias personas y hechos de la vida real, más notablemente a los escritores Clifford Odets y William Faulkner. Los personajes de Barton Fink y W.P. Mayhew son, en gran medida, representaciones ficticias de estos hombres, pero los Coen acentuaron en ellos importantes diferencias. Asimismo, han admitido haber parodiado a magnates del cine como Louis B. Mayer, pero al mismo tiempo han afirmado que los agonizantes momentos de Fink en Hollywood no tienen la intención de reflejar sus propias experiencias.


title: Barton Fink

text: "Barton Fink" fue influenciada por varias películas clásicas, entre las que se incluyen trabajos de Roman Polanski, particularmente "Repulsion" (1965) y "The Tenant" (1976). Otras que también sirvieron de influencia son "El resplandor" de Stanley Kubrick y "Los viajes de Sullivan" de Preston Sturges. La película también contiene referencias literarias a trabajos de William Shakespeare, John Keats y Flannery O'Connor. Además se incluyen matices religiosos, como referencias al Libro de Daniel del Antiguo Testamento, Nabucodonosor II y Bathsheba.


title: Barton Fink

text: Al comienzo de la película, Barton Fink disfruta del éxito de su primera obra, "Bare Ruined Choirs". Su representante le informa que Capitol Pictures en Hollywood le ha ofrecido mil dólares por semana para escribir guiones de cine. Barton titubea, preocupado porque el hecho de mudarse a California podría alejarlo del «hombre común», su foco de concentración como escritor. Sin embargo, acepta la oferta y se instala en el Hotel Earle, un gran y excepcional edificio casi desierto. Su habitación es de colores tenues; su única decoración es un pequeño cuadro de una mujer en la playa, con los brazos sobre la frente para bloquear el sol.


title: Barton Fink

text: En su primera reunión con el jefe de Capitol Pictures, Jack Lipnick, Barton explica que eligió el Earle porque quiere un alojamiento que sea —como dice Lipnick— «menos Hollywood». Lipnick promete que lo único que le incumbe es la habilidad de Barton para escribir y le asigna a su nuevo empleado una película de luchas. Sin embargo, de vuelta en su habitación, Barton es incapaz de escribir. Es distraído por sonidos provenientes del la habitación de al lado, y llama a la recepción para quejarse. Su vecino, Charlie Meadows —el causante del ruido— visita a Barton para disculparse e insiste en compartir un poco de alcohol de una petaca para reparar el daño. A medida que hablan, Barton revela su afecto por «el hombre común» y Charlie describe su vida como vendedor de seguros.


title: Barton Fink

text: Todavía incapaz de seguir más allá de las primeras líneas de su guion, Barton recurre al productor Ben Geisler (Tony Shalhoub) por consejos. Irritado, el frenético Geisler lo lleva a almorzar y le sugiere que vaya a hablar con otro escritor para que lo ayude. En un baño, Barton conoce al novelista William Preston (W.P.) «Bill» Mayhew (John Mahoney), que se encontraba vomitando en el compartimiento contiguo. Conversan brevemente acerca de la escritura y fijan una segunda reunión para más tarde. Cuando Barton llega, Mayhew está borracho y grita salvajemente. Su secretaria, Audrey Taylor (Judy Davis), vuelve a programar la reunión y le comenta a Barton que ella y Mayhew están enamorados. Cuando finalmente se reúnen para almorzar, Mayhew, Audrey y Barton hablan sobre escritura y beben. Poco después Mayhew discute con Audrey —ella opina que bebe para huir de sus responsabilidades como artista talentoso—, la abofetea y se aleja, borracho. Rechazando el consuelo de Barton, ella explica que siente lástima por Mayhew, porque está casado con una mujer que está «trastornada».


title: Barton Fink

text: Faltando un día para su reunión con Lipnick para hablar sobre la película, Barton llama a Audrey y le pide ayuda. Ella lo visita al Earle, y después de admitir que escribió la mayoría de los guiones de Mayhew, hacen el amor; más tarde Barton se lo cuenta a Charlie. Cuando despierta a la mañana siguiente, encuentra el cuerpo de Audrey mutilado al lado de él pero no recuerda los eventos sucedidos durante la noche. Horrorizado, llama a Charlie para pedirle ayuda. Charlie siente repulsión, pero se dispone a deshacerse del cuerpo y le ordena a Barton que evite contactar a la policía. Después de una surreal reunión con un inusual compasivo Lipnick, Barton intenta volver a escribir pero es interrumpido por Charlie, que le cuenta que se va a Nueva York por varios días, Barton le da la dirección de la casa de sus padres en Nueva York por si necesita algo. Charlie le deja una caja a Barton y le pide que la cuide.


title: Barton Fink

text: Poco después, Barton es visitado por dos detectives de la policía que le informan que el verdadero nombre de Charlie es Karl Mundt («Madman Mundt»). Es un asesino en serie buscado por varios asesinatos; después de disparar a sus víctimas, le explican a Barton, las decapita y guarda las cabezas. Aturdido, Barton regresa a su habitación y examina la caja. Situándola en su escritorio sin abrirla, comienza a escribir hasta que finalmente termina el guion. Después de una noche de celebrar bailando, Barton regresa al hotel y se encuentra con los detectives, quienes le comunican la muerte de Mayhew. Aparece Charlie y el hotel es envuelto en llamas. Corriendo a lo largo del pasillo, gritando, Charlie le dispara a los detectives con una escopeta. Mientras el pasillo se incendia, Charlie habla con Barton sobre sus vidas y el hotel, y luego se retira a su propia habitación. Barton deja el hotel, cargando con la caja y el guion. En su encuentro final, un decepcionado y traicionado Lipnick, que acaba de ser reclutado para la Guerra del Pacífico con el rango de Coronel, furioso reprende a Barton por escribir «una película mariposona acerca del sufrimiento», luego le informa que deberá permanecer en Los Ángeles y que —a pesar de continuar bajo contrato— Capitol Pictures no producirá nada de lo que él escriba, para ser ridiculizado en el estudio mientras Lipnick está en la guerra. Aturdido, Barton deambula por una playa, cargando todavía con la caja. Se encuentra con una mujer que se ve justo igual a la del retrato de la pared del Earle, y ella le pregunta sobre la caja. Él le cuenta que no sabe lo que contiene ni tampoco a quien pertenece. La mujer adopta la misma postura del cuadro, y termina la película.


title: Barton Fink

text: En 1989 los Hermanos Coen comenzaron a escribir el guion para una película que luego sería estrenada como "Miller's Crossing". La cantidad de hilos de la historia la hicieron complicada, y después de cuatro meses se encontraban perdidos en medio del proceso. Aunque biógrafos y críticos luego se refirieron a eso como un «bloqueo del escritor», los Coen rechazaron esta definición. «Un bloqueo no fue realmente lo que estábamos sufriendo», dijo Joel en una entrevista en 1991, «pero la velocidad de nuestro trabajo había bajado y estábamos ansiosos por distanciarnos de cierta forma de "Miller's Crossing"». Se trasladaron de Los Ángeles a Nueva York y comenzaron a trabajar en un proyecto diferente.


title: Barton Fink

text: En tres semanas, los Coen escribieron un guion con un personaje que llevaba el nombre del título, escrito específicamente para el actor John Turturro, con quien ya habían estado trabajando en "Miller's Crossing". La nueva película, "Barton Fink", estaba ambientada en un gran y semi-abandonado hotel. Este lugar, el cual ellos llamaron el Hotel Earle, fue el elemento que impulsó la historia y la atmósfera del nuevo proyecto. Mientras rodaban la película "Blood Simple" (1985) en Austin, Texas, los Coen habían visto un hotel que les había causado una importante impresión: «Pensamos ‘Vaya, Motel Hell’, tu sabes, siendo condenados a vivir en el hotel más extraño del mundo».


title: Barton Fink

text: El proceso de escritura de "Barton Fink" fue fluido, dijeron, sugiriendo que el alivio de estar lejos de "Miller's Crossing" podría haber sido un catalizador. Además se sintieron satisfechos con la forma de la historia en general, lo que les ayudó a moverse rápidamente a través de la composición. «Algunas películas te vienen en su totalidad a la cabeza; nosotros de cierta forma eructamos "Barton Fink"». Mientras escribían, los Coen crearon el segundo papel principal con otro actor en mente: John Goodman, quien había aparecido en la comedia "Raising Arizona" (1987). Su nuevo personaje, Charlie, se trató del vecino de al lado de Barton en el cavernoso hotel. Incluso antes de escribirla, los directores sabían como terminaría la historia y escribieron el monólogo final de Charlie al comienzo del proceso de escritura.


title: Barton Fink

text: El guion cumplió con su propósito de distracción y los Coen lo dejaron de lado: «"Barton Fink" de alguna forma nos lavó el cerebro y fuimos capaces de volver para terminar "Miller's Crossing"». Una vez que culminó la producción de la primera, los Coen comenzaron a reclutar el equipo para rodar "Barton Fink". Turturro tenía muchas ganas de interpretar el papel principal y pasó un mes con los Coen en Los Ángeles para intercambiar puntos de vista acerca del proyecto: «Sentí que podría darle a Barton algo más humano. Joel e Ethan me permitieron cierta contribución. Traté de ir un poco más lejos de lo que ellos esperaban», dijo el actor.


title: Barton Fink

text: A medida que diseñaban detallados guiones gráficos para "Barton Fink", los Coen comenzaban a buscar un nuevo director de fotografía, ya que Barry Sonnenfeld —quien había trabajado para sus primeras tres películas— se encontraba ocupado trabajando en su debut como director, "The Addams Family". Los Coen estaban impresionados con el trabajo del inglés Roger Deakins, particularmente por las escenas interiores de "Lunes tormentoso" (1988). Después de observar otras de las películas en las que había trabajado —como "Sid and Nancy" y "Pascali's Island"—, le enviaron el guion a Deakins y lo invitaron a unirse al proyecto. Su agente le sugirió no trabajar con los Coen, pero Deakins se reunió con ellos en una cafetería en Notting Hill y pronto comenzaron a trabajar juntos en "Barton Fink".


title: Barton Fink

text: El rodaje comenzó en junio de 1990 y duró ocho semanas —un tercio menos del tiempo que les llevó "Miller's Crossing"—, y el presupuesto final estimado para la película fue de nueve millones de dólares. Los Coen trabajaron cómodamente con Roger Deakins y le transmitieron fácilmente sus ideas en cada una de las escenas. «Hubo solo un momento en el que lo sorprendimos», recordó Joel Coen. Una extensa escena necesitó un "travelling" desde fuera de la habitación hacia dentro del desagüe de la pileta del baño de al lado, simbolizando una relación sexual. «La toma fue muy divertida y pasamos un gran momento trabajando en ella», comentó Joel. «Después de eso, cada vez que le pedíamos a Roger que hiciera algo difícil, levantaba el ceño y decía: ‘No me hagas filmar ningún desagüe?’».


title: Barton Fink

text: Tres semanas de rodaje transcurrieron en el Hotel Earle, un "set" creado por el director de arte Dennis Gassner. El clímax de la película requería una gran extensión de fuego en el pasillo del hotel, originalmente los Coen planeaban agregarlo digitalmente en la postproducción. Sin embargo, cuando decidieron usar llamas reales el equipo construyó un gran "set" de rodaje alternativo en un hangar de portaaviones abandonado en Long Beach. Una serie de llamas de mechero de gas fueron instaladas detrás del pasillo y el papel tapiz fue perforado para una más fácil penetración. Tan pronto como Goodman corría por el pasillo, un hombre en una plataforma elevada abría cada mechero, dando la impresión de una carrera entre el fuego y Charlie. Cada toma requirió una reconstrucción del aparato y se usó un segundo pasillo —sin el fuego— preparado para filmar pequeñas escenas complementarias entre cada toma. La escena final fue filmada cerca de Zuma Beach, donde además se filmó la ola estrellándose contra las rocas.


title: Barton Fink

text: Los Coen, como de costumbre, realizaron el montaje de la película —siendo acreditados bajo el seudónimo de Roderick Jaynes—. «Preferimos echarle mano nosotros», Joel explicó en 1996, «antes que sentarnos al lado de alguien y decirle que cortar». Solo algunas escenas filmadas fueron eliminadas de la versión definitiva ("final cut"), incluida una que muestra la transición de Barton desde Nueva York a Hollywood —en la película, se representa enigmáticamente con una ola rompiéndose contra una roca—. Varias escenas acerca del trabajo en estudios de Hollywood también fueron rodadas, pero luego descartadas por ser «demasiado convencionales».


title: Barton Fink

text: La espeluznante e inexplicable sensación de vacío del Hotel Earle fue fundamental para la concepción de la película. «Queríamos un estilo "art déco"», explicó Joel en 1991, «y un sitio que estuviese en decadencia después de haber tenido mejores épocas». La habitación de Barton está escasamente amueblada con dos grandes ventanas que desembocan hacia otro edificio. Los Coen describieron el hotel como un «barco fantasma flotando a la deriva, donde notas signos de presencia de otros pasajeros, sin divisar a ninguno». En la película, los zapatos de los residentes son un indicio de esta invisible presencia; otro raro signo de otros habitantes es el sonido de las habitaciones adyacentes. Joel dijo: «Puedes imaginarlo lleno de viajeros comerciantes fracasados, con vidas sexualmente patéticas, que lloran solos en sus habitaciones». Calor y humedad son otros elementos importantes del "set" de filmación. El papel tapiz de la pared de la habitación de Barton se despega y se cae; Charlie experimenta el mismo problema y supone que la causa es el calor. Los Coen utilizaron libremente colores verdes y amarillos en el diseño del hotel «para sugerir un aura de putrefacción».


title: Barton Fink

text: La atmósfera del hotel fue creada para conectarse con el personaje de Charlie. Como Joel explicó: «Nuestra intención, además, era que el hotel funcionara como una exteriorización del personaje interpretado por John Goodman. Las gotas de sudor caen de su frente como el papel tapiz cae de las paredes. Al final, cuando Goodman dice que es un prisionero de su propio estado mental, que esto es como algún tipo de infierno, era necesario que el hotel ya hubiese sugerido algo infernal». El papel tapiz que se despega y el pegamento que hay entre él y la pared es también un reflejo de la infección crónica de la oreja de Charlie y el resultante pus.


title: Barton Fink

text: Cuando Barton llega por primera vez al Hotel Earle, el amigable botones Chet (Steve Buscemi) le pregunta si es «trans o res» —transitorio o residente—. Barton le contesta que no está seguro, pero que se va quedar «indefinidamente». La dicotomía entre habitantes permanentes y transitorios reaparece varias veces, notablemente en el lema del hotel: «Un día o una vida», que Barton nota en el escritorio de su habitación. Esta idea regresa al final de la película, cuando Charlie describe a Barton como «un turista con una máquina de escribir». Su habilidad para dejar el hotel —mientras Charlie permanece— es presentado por la crítica Erica Rowell como una evidencia de que la historia de Barton representa el proceso mismo de escritura. Barton, dice ella, representa a un autor que es capaz de abandonar una historia, mientras personajes como Charlie no pueden.


title: Barton Fink

text: En contraste, las oficinas de Capitol Pictures y la casa de Lipnick están inmaculadas, magníficamente decoradas y extremadamente cómodas. Las habitaciones de la compañía están llenas de luz natural y la oficina de Ben Geisler está ubicada frente a una exuberante selección de flora. Barton conoce a Lipnick al lado de una enorme e impecable piscina. Esto hace notar su posición como jefe del estudio, él explica: «...no siempre puedes ser honesto, no con los tiburones nadando alrededor de esta ciudad... Si yo hubiese sido totalmente honesto, no estaría ni a una milla de esta piscina, a menos que la limpiara». En su oficina, Lipnick exhibe otros trofeos en su poder: estatuas de Atlas, el Titán de la mitología griega que le declaró la guerra a los dioses del monte del Olimpo y fue severamente castigado.


title: Barton Fink

text: Barton observa metraje de otra película sobre luchas realizada por Capitol Pictures; la fecha de la claqueta es 9 de diciembre, dos días después del ataque a Pearl Harbor. Más tarde, cuando Barton celebra haber terminado el guion bailando en una fiesta USO, es rodeado por soldados. En la próxima escena de Lipnick, este aparece usando un uniforma de coronel, el cual en realidad es un disfraz de la compañía. Lipnick no se ha enlistado en el ejército pero declara estar listo para luchar contra los «pequeños bastardos amarillos». Originalmente, la ambientación en este momento histórico justo después de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial fue para que hubiese un impacto significante en el Hotel Earle, los Coen explicaron: «Estuvimos pensando en un hotel donde los inquilinos fuesen viejos, dementes y físicamente disminuidos, porque el resto estaría en la guerra. Cuanto más estuviese desarrollado el guion, más olvidado sería este tema, pero nos permitió, al principio, establecernos en este periodo».


title: Barton Fink

text: La foto de una mujer en la playa en la habitación de Barton es un elemento central que capta la atención tanto del personaje como de la cámara. Él la examina frecuentemente mientras está en el escritorio y después de encontrar el cadáver de Audrey se para frente a ella. La imagen se repite al final de la película, cuando Barton conoce una mujer idéntica, en una playa idéntica, en una idéntica postura. Después de elogiarla por su belleza, le pregunta: «¿Apareces en películas?», a lo que ella le contesta: «No seas tonto». Ethan Coen dijo en 1991 que la foto de la mujer en la habitación de Barton tenía la función de dar «la sensación de consuelo». Un crítico se refirió a su presencia en la escena final como «una parodia de forma».


title: Barton Fink

text: Temprano durante el proceso de escritura, los Coen decidieron incluir la foto como un elemento clave en la habitación. «Nuestra intención», explicó Joel, «fue que la habitación tuviese muy poca decoración, que las paredes estuviesen descubiertas y que las ventanas no ofrecieran vista a nada interesante. De hecho, queríamos que la única salida al mundo exterior fuese esta foto. Nos pareció importante crear una sensación de aislamiento».


title: Barton Fink

text: Más tarde en la película, Barton enmarca una pequeña foto de Charlie, vestido con un fino traje y cargando un maletín. La yuxtaposición de su vecino usando un uniforme de vendedor de seguros y la escapista imagen de una mujer en la playa conduce a Barton a una confusión entre realidad y fantasía. El crítico Muchael Dunne indicó: «El público solo puede preguntarse cuan ‘real’ es Charlie. En el último plano de la película... el público debe preguntarse cuan ‘real’ es la mujer. La pregunta conduce a otras: ¿Cuan real es Fink? ¿Lipnick? ¿Audrey? ¿Mayhew? Bueno, ¿cuan real son las películas?».


title: Barton Fink

text: El significado de la foto ha sido objeto de grandes especulaciones. Desson Howe de "The Washington Post" opinó que a pesar de su impacto emocional, la última escena «se siente más como un remate por el solo hecho de darle un remate». En su libro de análisis de los hermanos Coen, Rowell sugiere que la fijación de Barton en la foto es irónica, considerando el estatus de baja cultura o «cultura popular» de la foto y sus propias pretensiones hacia la alta cultura —a pesar de que habla de lo contrario—. Más tarde nota que la cámara se centra en el propio Barton tanto como en la foto mientras él la mira fijamente. En un punto, la cámara se mueve para abarcar todo el encuadre con la mujer en la playa. Esta tensión entre puntos de vista subjetivos y objetivos aparece nuevamente al final de la película, cuando Barton se encuentra a él mismo —en un sentido— dentro de la foto.


title: Barton Fink

text: El crítico M. Keith Booker llamó a la escena final un «enigmático comentario en representación y relación entre arte y realidad». Él sugiere que las imágenes idénticas apuntan a lo absurdo del arte que refleja la vida directamente. La película transpone la mujer directamente desde el arte hacia la realidad, provocando confusión en el espectador; Booker afirma que tal representación por lo tanto conduce lo inevitable hacia la incertidumbre. El final con el ave en el mar no fue intencional, según Joel e Ethan Coen, el pájaro entró en la toma y decidieron dejarlo.


title: Barton Fink

text: Los Coen son conocidos por hacer películas de difícil clasificación. Aunque se refieren a su primera película, "Blood Simple" (1984), como un ejemplo relativamente sencillo de novela negra, los Coen escribieron su siguiente guion, "Raising Arizona" (1987), sin intentar encasillarlo dentro de un género en particular. Decidieron escribir una comedia, pero intencionalmente agregaron elementos oscuros para producir lo que Ethan llamó «un filme muy salvaje». Su tercera película, "Miller's Crossing" (1990), invirtió este orden, mezclando partes de comedia dentro de una película de gánsteres; esta también trastornó la identidad del género único, usando convencionalismos del melodrama, las novelas románticas y las sátiras políticas.


title: Barton Fink

text: Esta tendencia a mezclar géneros continuó y se intensificó con "Barton Fink"; los Coen insistieron en que la película «no pertenece a ningún género». Ethan la ha descrito como «una "buddy movie" de los '90». Contiene elementos de la comedia, cine negro y cine de terror, pero otras categorías también están presentes. El actor John Turturro se refirió a ella como una historia psicológica y de maduración, mientras el profesor de literatura y analista de cine R. Barton Palmer la llama una "Künstlerroman", resaltando la importancia de la evolución del personaje principal como escritor. El crítico Donald Lyons describió la película como «una visión retro-surrealista».


title: Barton Fink

text: Por su cruce de géneros, experiencias de sus personajes y una resolución narrativa poco sencilla, "Barton Fink" es a menudo considerada un ejemplo de cine posmoderno. En su libro "Postmodern Hollywood", Booker dice que la película presenta el pasado con una técnica impresionista, sin precisa exactitud. Esta técnica, según él, es «típica de una película posmoderna, la cual observa el pasado no como la prehistoria del presente sino que como un depósito de imágenes a ser allanado en busca de material». En su análisis de las películas de los Coen, Palmer llama a "Barton Fink" un «pastiche posmoderno» que examina muy de cerca como épocas pasadas se han autorrepresentado. Él lo compara con "Las horas" (2002), un filme acerca de Virginia Woolf y dos mujeres que leen su libro. Afirma que ambas películas, lejos de rechazar la importancia del pasado, aportan a nuestra comprensión de él. Cita a la teorizadora literaria Linda Hutcheon: la clase de posmodernismo expuesto en estas películas «no niega la existencia del pasado; cuestionan si nosotros en algún momento podemos conocer ese otro pasado que el que es textualizado».


title: Barton Fink

text: Ciertos elementos en "Barton Fink" resaltan la apariencia del posmodernismo: el escritor es incapaz de resolver su modernista concentración en la elevada cultura frente al deseo del estudio de crear rentables películas recurriendo a fórmulas; la resultante colisión produce un desarrollo fracturado de la trama emblemática del posmodernismo. El estilo cinematográfico de los Coen es otro ejemplo; cuando Barton y Audrey comienzan a hacer el amor, la cámara comienza a enfocar hacia el baño, luego se mueve hasta hundirse en el desagüe. Rowell llama a esto una «actualización posmoderna» de la notoria imagen sexual sugestiva de un tren entrando a un túnel, usada por el director Alfred Hitchcock en su película "North by Northwest" de 1959.


title: Barton Fink

text: "Barton Fink" usa varios convencionalismos estilísticos para acentuar la atmósfera de la historia y dar énfasis visual a temas particulares. Por ejemplo, los créditos del inicio aparecen sobre el papel tapiz del Hotel Earle, mientras la cámara se acerca y desciende. Este movimiento es repetido varias veces durante la película, especialmente cuando Barton afirma que su trabajo es para «dilucidar las profundidades» mientras escribe. Sus primeras experiencias en el Hotel Earle continúan con esta imagen; Chet el botones emerge desde abajo del suelo, sugiriendo que la verdadera actividad está bajo tierra. Aunque el suelo de Barton esta supuestamente seis plantas por encima de la planta baja, el interior del elevador es mostrado únicamente cuando está descendiendo. Estos elementos —combinados con muchas pausas dramáticas, diálogos surreales y amenazas implícitas de violencia— crean una atmósfera de tensión extrema. Los Coen explicaron que «la película en su totalidad tenía la intención de hacerse sentir como una inminente condena o catástrofe. Y nosotros definitivamente queríamos que termine con un sentimiento apocalíptico».


title: Barton Fink

text: El estilo de "Barton Fink" también es evocador —y representante de— películas de los años 1930 y '40. Como el crítico Michael Dunne señaló: «El pesado abrigo de Fink, su sombrero, sus oscuros y monótonos trajes provienen realísticamente de los años '30, pero provienen más aún de las películas de los '30». El estilo del Hotel Earle y la atmósfera de varias escenas también reflejan la influencia del cine realizado en la época previa a la Segunda Guerra Mundial. Hasta la ropa interior de Charlie es igual a la usada por su héroe fílmico Jack Oakie. Al mismo tiempo, las técnicas de cámara usadas por los Coen en "Barton Fink" representan una combinación entre lo clásico y lo original. Meticulosos "travellings" y primeros planos extremos distinguen las películas como un producto de final del siglo XX.


title: Barton Fink

text: Desde el inicio, el filme se mueve continuamente entre el punto de vista subjetivo del mundo de Barton y otro que es objetivo. Después de los créditos iniciales, la cámara enfoca a Barton, observado el final de su obra. Enseguida vemos al público desde su punto de vista, alentándolo eufóricamente. Cuando camina hacia el escenario, entra en el plano y ahora Barton es visto desde un punto de vista objetivo. Este difuminado entre lo subjetivo y lo objetivo regresa en la escena final.


title: Barton Fink

text: El cambiante punto de vista coincide con el tema de la película: la realización cinematográfica. La película comienza con el final de una obra y la historia explora el proceso de la creación. Este aproximamiento metanarrativo es enfatizado por el enfoque de la cámara sobre Barton en la primera escena —está fuera de escena repitiendo las palabras dichas por los actores— y no en la obra que observa. Como Rowell dice: «Aunque oímos una escena, estamos observando otra. La separación del sonido y la imagen muestra una crucial dicotomía entre dos ‘visiones’ del artífice: el mundo creado por el protagonista —su obra— y el mundo por fuera de él».


title: Barton Fink

text: La película emplea numerosas técnicas "foreshadowing". Indicando el probable contenido de la caja que Charlie le deja a Barton, la palabra «cabeza» ("head") aparece sesenta veces en el guion original. En un nefasto guiño a eventos futuros, Charlie describe su actitud positiva hacia su «trabajo» como vendedor de seguros: «Incendios, robos y accidentes no son sólo cosas que le sucedan a otras personas».


title: Barton Fink

text: Mucho se ha escrito acerca del significado simbólico de "Barton Fink". Rowell propone que es «una cabeza figurada hinchándose de ideas que regresan al artista». La cercanía de la escena de sexo y la muerte de Audrey provoca que Lyons insista con que: «El sexo en "Barton Fink" es muerte». Otros han sugerido que la segunda mitad de la película es una secuencia de ensueño extendida. Algunos elementos de la película están claramente presentes para llegar a tales conclusiones; por ejemplo, cuando Barton ingresa al elevador por primera vez le dice al portero Pete: «Seis, por favor». Pete contesta: «Próxima parada, seis». Un instante después, la campana suena y Barton dice: «Este piso, el seis». Este diálogo junto anuncia el Número bíblico de la Bestia (666).


title: Barton Fink

text: Los Coen, sin embargo, han negado cualquier intento de crear una unidad sistemática de símbolos en la película. «Nosotros nunca jamás enfocamos la mente en cosas como esas en nuestras películas», dijo Joel en una entrevista en 1998. «Nunca hay nada parecido a esa clase específica de intelectualidad. Es siempre un montón de cosas instintivas que creemos adecuadas, por cualquier razón». Los Coen han expresado su conformidad con ambigüedades sin resolver. Ethan dijo en 1991: «"Barton Fink" termina diciéndote que está sucediendo hasta el punto que es importante saber... Lo que no es evidente no pretende transformarse en evidente y está bien dejarlo como está». Respecto a fantasías y secuencias de sueño, Ethan dijo:


title: Barton Fink

text: Los matices de homoerotismo de la relación entre Barton y Charlie no son accidentales. Aunque un detective exige saber si ellos tuvieron «alguna enferma cosa sexual», la intimidad es presentada de cualquier forma menos de esa y encubierta en términos de sexualidad convencional. La primera insinuación amistosa de Charlie hacia su vecino, por ejemplo, se presenta en forma de una simple frase: «Me sentiría mejor acerca del maldito inconveniente si me dejas invitarte un trago». La escena de la lucha entre Barton y Charlie también es citada como un ejemplo de afecto homoerótico. «Consideramos eso como una escena de sexo», dijo Joel Coen en 2001.


title: Barton Fink

text: Muchos de los efectos de sonido en "Barton Fink" están cargados de significados. Por ejemplo, Barton es llamado por una campana mientras cena en Nueva York; el sonido es liviano y placentero. Contrariamente, la inquietante y sostenida campana del Hotel Earle suena sin detenerse en toda la planta baja, hasta que Chet la silencia. Las habitaciones cercanas del hotel emiten un coro constante de ásperos llantos, quejidos y variados ruidos sin identificar. Estos sonidos coinciden con el confuso estado mental de Barton y enfatizan la afirmación de Charlie: «Oigo todo lo que sucede en este lugar». Los aplausos en la primera escena le agregan relevancia la tensión del traslado de Barton al oeste, mezclados con el sonido de una ola chocando en el mar —una imagen que se muestra en pantalla poco después—.


title: Barton Fink

text: Otro sonido simbólico es el zumbido de un mosquito. Aunque su productor insiste con que estos parásitos no habitan en Los Ángeles —«los mosquitos se reproducen en pantanos; esto es un desierto»—, su distintivo sonido es oído claramente cuando Barton observa un círculo de insectos volando sobre el en su habitación del hotel. Más tarde, llega a la reunión con picaduras de mosquito en su rostro. El insecto también se hace presente de forma notoria en la escena de la muerte de Audrey; Barton le pega a un mosquito que se estaba alimentando de su cadáver y de repente se da cuenta de que ha sido asesinada. El punto más alto del zumbido del mosquito hace eco en la altas cuerdas usadas para la banda de sonido original de la película. Durante el rodaje, los Coen fueron contactados por un grupo de protección de los derechos de los animales, quienes expresaron preocupación acerca de como serían tratados los mosquitos.


title: Barton Fink

text: La banda sonora fue compuesta por Carter Burwell, quien había trabajado con los Coen desde la primera película de los directores. A diferencia de sus primeros proyectos —el "folk" irlandés usado para "Miller's Crossing" y el "folk" estadounidense en "Raising Arizona"—, Burwell compuso la música para "Barton Fink" sin una inspiración específica. La música fue lanzada en CD en 1996, combinada con la banda sonora de otra película posterior de los Coen, "Fargo".


title: Barton Fink

text: Varias canciones usadas en la película también tienen significados. En cierto punto, Mayhew se aleja borracho de Barton y Audrey. Mientras deambula, canata a gritos la canción "folk" «Old Black Joe». Compuesta por Stephen Foster, esta cuenta la historia de un anciano esclavo preparándose para unirse a sus amigos en «una tierra mejor». La interpretación de Mayhew de la canción coincide con su condición de empleado oprimido de Capitol Pictures y eso le da importancia a la propia situación de Barton al final de la película.


title: Barton Fink

text: Cuando termina de escribir el guion, Barton celebra bailando en una fiesta de la USO. La canción utilizada en esta escena una interpretación de «Down South Camp Meeting», una melodía "swing". La letra —la versión de la película es sólo instrumental— dice: «Preparado imbécil (canta) / ¡Aquí vienen! El coro está en el escenario». Estas líneas hacen referencia al título de la obra de Barton, «Bare Ruined Choirs» —coros desnudos arruinados—. Cuando la celebración estalla convirtiéndose en un tumulto, la intensidad de la música se incrementa y la cámara hace un "zoom" en el profundo hueco de un trombón. Esta secuencia refleja el acercamiento de la cámara dentro de un profundo desagüe justo antes de que Audrey sea asesinada más temprano en la película.


title: Barton Fink

text: La inspiración para la película proviene de varias fuentes y contiene referencias a muchas personas y eventos diferentes. En un momento en la escena del pícnic, cuando Mayhew deambula borracho lejos de Barton y Audrey, él grita: «Silencioso sobre una colina en Darien!». Es una línea del soneto «On First Looking into Chapman's Homer» (1816) de John Keats. Esta referencia literaria no solo demuestra el conocimiento literario de textos clásicos del personaje, sino también la referencia del poema al Océano Pacífico se conecta con el frase en la que Mayhew dice que va a «solo bajar a pie al Pacífico y desde ahí... improvisaré».


title: Barton Fink

text: El título de la obra de Barton, «Bare Ruined Choirs», es sacado de la cuarta línea del soneto 73 de William Shakespeare. El poema se centra en el envejecimiento y la muerte, se conecta con la exploración de la dificultad artística de la película. Otras alusiones académicas son presentadas en otras partes, a menudo con extrema sutileza. Por ejemplo, un breve plano del título de una novela de Mayhew indica la editorial «Swaim and Pappas». Esto es probablemente una referencia a Marshall Swain y George Pappas, filósofos cuyos trabajos se centran en temas que son explorados en la película, como la limitación de conocimiento y la naturaleza del ser. Un crítico indicó que la fijación de Barton en la mancha en el techo de su habitación relaciona el comportamiento del protagonista del cuento «The Enduring Chill» de la escritora Flannery O'Connor.


title: Barton Fink

text: Algunos críticos han sugerido que la película hace referencia indirectamente al trabajo de los escritores Dante Alighieri —mediante el uso de imágenes de la "Divina comedia"— y Johann Wolfgang von Goethe —mediante la presencia de acuerdos faustianos—. En la película aparecen estructuras burocráticas confundidas y personajes irracionales, como los de las novelas de Franz Kafka, pero los Coen insistieron con que esa conexión fue sin intención. «No lo he leído desde la universidad», admitió Joel en 1991, «cuando devoré trabajos como "La metamorfosis". Otros han mencionado "El castillo" y "En la colonia penitenciaria", pero nunca los he leído».


title: Barton Fink

text: El personaje Barton Fink está en parte basado en Clifford Odets, un dramaturgo de Nueva York quien en 1930 se unió al Group Theatre, un grupo de dramaturgos entre los que estaban Harold Clurman, Cheryl Crawford y Lee Strasberg. Sus trabajos enfatizaban problemas sociales y empleaban el sistema de actuación de Stanislavski para recrear el sufrimiento humano tan sinceramente como fuese posible. Muchas de las obras de Odets fueron exitosamente realizadas en Broadway, incluyendo "Awake and Sing!" y "Waiting for Lefty" (ambas en 1935). Cuando el gusto del público se alejó del teatro políticamente comprometido frente el realismo familiar de Eugene O'Neill, Odets tuvo dificultades para producir trabajos que resultaran exitosos, así que se trasladó a Hollywood y pasó veinte años escribiendo guiones para películas.


title: Barton Fink

text: Los Coen escribieron con Odets en mente; imaginaron a Barton Fink como «un serio dramaturgo, honesto, comprometido políticamente y bastante ingenuo». Ethan dijo en 1991: «Parecía natural que él proviniera del Group Theatre y la década de 1930». Al igual que Odets, Barton cree que el teatro debe celebrar las pruebas y triunfos de las personas cotidianas; al igual que Barton, Odets fue muy egotísta. En la película, una crítica sobre la obra de Barton indica que sus personajes enfrentan una «brutal lucha por la existencia... en las más miserables esquinas». Estas palabras son similares a las del biógrafo Gerald Weales sobre los personajes de Odets: «pelean por la vida entre mezquinas condiciones». Algunas líneas de diálogo del trabajo de Barton recuerdan a la obra de Odets, "Awake and Sing!". Por ejemplo, uno de los personajes declara: «Ahora estoy despierto, despierto por primera vez». Otro dice: «Toma ese arruinado coro. Hazlo cantar».


title: Barton Fink

text: Sin embargo, muchas diferencias importantes existen entre estos dos hombres. Joel dijo: «Ambos escritores escribieron el mismo tipo de obras con héroes proletarios, pero sus personalidades son bastante diferentes. Odets fue mucho más extrovertido; de hecho, fue bastante sociable hasta en Hollywood, ¡y este no es el caso de Barton Fink!». Aunque estaba frustrado por su declinante popularidad en Nueva York, Odets tuvo éxito durante su época en Hollywood. Varias de sus obras fueron adaptadas —por él y por otros— al cine. Una de ellas, "The Big Knife", se ajusta a la vida de Barton más que a la de Odets. En ella, un escritor se ve abrumado por la codicia del estudio de cine que lo contrató y finalmente se suicida. Otra similitud con el trabajo de Odets es la muerte de Audrey, que recuerda a una escena de "Deadline at Dawn", una película de cine negro de 1946 escrita por Odets. En aquella película, un personaje despierta y descubre que la mujer con la que se había acostado la noche anterior ha sido inexplicablemente asesinada.


title: Barton Fink

text: Odets notificó su difícil transición de Broadway a Hollywood en su diario, publicado en 1988 titulado «The Time Is Ripe: The 1940 Journal of Clifford Odets». El diario exploraba las deliberaciones psicológicas de Odets acerca de la escritura y el romance. A menudo invitaba mujeres a su departamento, en su diario describe muchas de sus aventuras. Estas experiencias, como la larga charla acerca de la escritura, hacen eco en "Barton Fink" cuando Audrey visita y seduce a Barton en el Hotel Earle. Turturro fue el único miembro de la producción que leyó el diario de Odets, sin embargo, los hermanos Coen insistieron al público con «tomar en cuenta la diferencia entre el personaje y el hombre».


title: Barton Fink

text: Existen algunas similitudes entre el personaje W.P. Mayhew y el novelista William Faulkner. De la misma forma que Mayhew, Faulker se hace conocido como un supremo escritor de literatura sureña y luego trabaja en el negocio del cine. De la misma forma que Faulkner, Mayhew es un gran bebedor y habla despreciativamente sobre Hollywood. El nombre de Faulkner apareció en el libro de Hollywood de los años 1940, "City of Nets", leído por los Coen al tiempo que creaban "Barton Fink". Ethan explicó en 1988: «Leí esta historia al pasar, sobre que a Faulkner se le encargó escribir una película sobre lucha libre... Eso fue en parte lo que nos hizo interesarnos en hacer "Barton Fink"». En 1932, Faulker trabajó en una película de lucha libre llamada "Flesh", protagonizada por Wallace Beery, el actor para quien Barton escribe. La temática de la lucha libre fue fortuita para los Coen, a medida que participaron de este deporte en la secundaria.


title: Barton Fink

text: Sin embargo, los Coen rechazan una conexión significativa entre Faulker y Mayhew, calificando las similitudes como «superficiales». «Según los detalles del personaje», dijo Ethan en 1991, «Mayhew es muy diferente de Faulker, de quién las experiencias en Hollywood no fueron en absoluto las mismas». A diferencia de la imposibilidad de Mayhew de escribir debido a problemas personales y con la bebida, Faulker continuó escribiendo novelas después de haber trabajado en el mundo del cine, ganando varios premios por novelas escritas durante y después de su época en Hollywood.


title: Barton Fink

text: El personaje del magnate del estudio Jack Lipnick (Michael Lerner) es una composición de varios productores de Hollywood, incluidos Harry Cohn, Louis B. Mayer y Jack Warner, tres de los hombres más poderosos en la industria del cine en la época en la que "Barton Fink" está ambientada. Como Louis B. Mayer, Lipnick es originario de la ciudad bielorrusa de Minsk. Cuando la Segunda Guerra Mundial estalló, Warner estaba eufórico y ordenó a su sección de vestuario crear un uniforme militar para él; Lipnick hace lo mismo en su última escena. Warner una vez se refirió a los escritores como «idiotas con Underwoods», en la película Barton usa una máquina de escribir marca Underwood Typewriter Company.


title: Barton Fink

text: Al mismo tiempo, los Coen hicieron hincapié en que el laberinto de decepción y dificultad que Barton soporta no está basado en sus propias experiencias. Aunque Joel ha dicho que los artistas tienden a «encontrarse con ignorantes», agregó: «"Barton Fink" está bastante lejos de nuestra propia experiencia. Nuestra vida profesional en Hollywood ha sido especialmente fácil y no extraordinaria e injusta». Ethan ha sugerido que Lipnick —al igual que el hombre en el que está basado— es en algunos sentidos producto de su época. «No se si esos personajes siguen existiendo. Ahora Hollywood es un poco más suave y corporativo que antes».


title: Barton Fink

text: Los Coen han admitido varias inspiraciones cinematográficas para "Barton Fink". Entre ellas principalmente se encuentran tres de las películas del realizador polacofrancés Roman Polanski: "Repulsión" (1965), "Cul-de-Sac" (1966) y "The Tenant" (1976). Dichos filmes emplean un estado de incertidumbre psicológica, acompañada de ambientes inquietantes que componen la inestabilidad mental de los personajes. El aislamiento en su habitación del Hotel Earle de Barton es frecuentemente comparado al de Trelkovsky en su apartamento en "The Tenant". Ethan dijo sobre el género de "Barton Fink": «Es parecido a una película de Polanski. Está más cerca de eso que de cualquier otra cosa». De casualidad, Polanski encabezó el jurado del Festival de Cannes de 1991, donde "Barton Fink" fue presentada. Esto creó una situación incómoda. «Obviamente», dijo Joel Coen más tarde, «hemos sido influenciados por sus películas, pero en ese momento nos sentimos inseguros en hablarle porque no queríamos dar la impresión de ser alcahuetes».


title: Barton Fink

text: Otros trabajos nombrados como influencias de "Barton Fink" fueron "El resplandor" (1980) de Stanley Kubrick y la comedia "Los viajes de Sullivan" (1941), escrita y dirigida por Preston Sturges. Ambientada en un hotel vacío, la película de Kubrick tiene a un escritor incapaz de continuar con su último trabajo. Aunque los Coen estuvieron de acuerdo con las comparaciones con "El resplandor", Joel sugirió que la película de Kubrick «pertenece en un sentido más global a una película de género de terror». "Los viajes de Sullivan", estrenada en el año en que está ambientada "Barton Fink", narra la historia de un exitoso director, John Sullivan, que decide crear una película de impacto social profundo —como el deseo de Barton de crear entretenimiento para «el hombre común»—. Sullivan finalmente decide que el entretenimiento cómico es la clave para los realizadores de películas, similar a lo que Jack Lipnick dice al final de "Barton Fink": «el público quiere ver acción, aventura».


title: Barton Fink

text: Más referencias a películas e historia del cine abundan en "Barton Fink". En un momento un personaje debate sobre «Victor Soderberg»; el nombre es una referencia a Victor Sjöström, un director sueco que trabajó en Hollywood bajo el nombre de Victor Seastrom. El comentario de Charlie acerca de como sus problemas «no equivalen a una montaña de frijoles» es un probable homenaje a la película "Casablanca" (1942). Otra similitud es la escena de Barton en la playa con el momento final en "La Dolce Vita" (1960), donde la línea final del diálogo de una mujer es borrado por el sonido del océano. El inquietante vacío del Hotel Earle también ha sido comparado con los espacios de "Key Largo" (1948) y "Sunset Boulevard" (1950). La escena en la que Barton despierta al lado Audrey, es un homenaje a la escena de la cabeza de caballo de "El padrino" (1972).


title: Barton Fink

text: Dos de los temas centrales de la película —la cultura del entretenimiento y el proceso de escritura— están entrelazados y relacionados específicamente para la naturaleza de autorreferenciación del trabajo —como también del trabajo dentro del trabajo—. Es una película acerca de una hombre que escribe una película basada en una obra y en medio de la obra de Barton está el mismo. El diálogo en su obra "Bare Ruined Choirs" —también las primeras líneas de la película, de las cuales algunas se repiten al final como líneas del guion que escribe Barton, "The Burlyman"— nos presenta una visualización al autodescriptivo arte de Barton. La madre en la obra se llama «Lil», luego se revela que también es el nombre de la propia madre de Barton. En la obra, «El chico» —una representación del propio Barton— se refiere a su casa «seis pisos arriba», el mismo piso donde Barton reside en el Hotel Earle. Además, el proceso de escritura de los personajes en "Barton Fink" reflejan diferencias importantes entre la cultura del entretenimiento en la zona de Broadway (Nueva York) y Hollywood.


title: Barton Fink

text: El mundo del teatro en Broadway de "Barton Fink" es un lugar de gente de cultura elevada, donde el creador cree totalmente que su trabajo personifica sus propios valores. Aunque hace de cuenta que desprecia su propio éxito, Barton cree que ha logrado una gran victoria con "Bare Ruined Choirs". Busca elogios; cuando Garland, su agente, le pregunta si ha visto la brillante crítica en el "Herald", Barton contesta «no», aunque su productor se la haya leído. Barton se siente cerca del teatro, seguro de que le puede ayudar a crear trabajo para honrar al «hombre común». El hombre y la mujer que financiaron la producción —«esa gente», como Barton los llama— demuestran que Broadway está tan preocupado por las ganancias como Hollywood; pero su intimidad y su menor escala le permiten a Barton sentir que su trabajo tiene un verdadero aprecio.


title: Barton Fink

text: Barton no cree que Hollywood ofrezca la misma oportunidad. En la película, Los Ángeles es un mundo de gente falsa. Esto es evidente en un diálogo del principio del guion —filmado, pero no incluido en la película—; mientras le informa a Barton de la oferta de Capitol Pictures, su agente le dice: «Solo estoy pidiendo que tu decisión sea informada con un poco de realismo, si puedo usar esa palabra y Hollywood en la misma frase». Más tarde, cuando Barton trata de explicar por qué se está quedando en el hotel, el jefe del estudio Jack Lipnick termina su frase, reconociendo que Barton quiere un sitio que sea «menos Hollywood». La asunción es que Hollywood es falso y el hotel Earle es genuino. El productor Ben Geisler lleva a Barton a almorzar a un restaurante que tiene un mural del «New York Café», un signo del esfuerzo de Hollywood por mostrar algo de la autenticidad de la costa este. La aplastante exuberancia inicial de Lipnick es también una fachada. Aunque comienza diciéndole a Barton que «el escritor es un rey en Capitol Pictures», en la penúltima escena insiste: «Si tu opinión importara, entonces supongo que yo renunciaría y te dejaría manejar el estudio. Pero no importa, y no lo harás, y los lunáticos no van a manejar este asilo».


title: Barton Fink

text: El engaño en "Barton Fink" es un emblema de la atención de Hollywood hacia la cultura popular y baja, el implacable deseo de producir entretenimiento basado en fórmulas para el solo propósito de la ganancia económica. Capitol Pictures contrata a Barton para escribir una película de lucha libre para ser protagonizada por Wallace Beery. Aunque Lipnick manifiesta otra cosa, Geisler le asegura a Barton que «es solo una película de clase B». Audrey intenta ayudarlo diciendo: «Mira, es solo una fórmula. No tienes que imprimir tu alma en ella». Esta fórmula es aclarada por Lipnick, que en la primera reunión le pregunta a Barton si el personaje principal debe tener una amante o cuidar a un niño huérfano. Barton demuestra su poca familiaridad contestando: «Las dos, ¿quizás?». Al final, su incapacidad de ajustarse a las normas de estudio destruye no solo a Barton, sino también al productor Geisler.


title: Barton Fink

text: Una descripción similar de Hollywood aparece en la novela de Nathanael West, "El día de la langosta" (1939), la cual muchos críticos ven como un importante precursor para "Barton Fink". Ambientado en un complejo de apartamento venido abajo, el libro describe a un pintor limitado a decorar "sets" de filmación. Retrata a Hollywood como insensible y explotador, destruyendo individuos talentosos en su interminable búsqueda de ganancias. En ambas, la novela de West y "Barton Fink", los protagonistas sufren bajo la opresiva industria de la producción de películas.


title: Barton Fink

text: La película contiene material autorreferencial, como una cinta acerca de un escritor con dificultades para escribir —escrita por los hermanos Coen mientras tenían problemas escribiendo otro proyecto—. Barton es atrapado entre su propio deseo de crear arte con sentido y la necesidad de Capitol Pictures de usar convencionalismos para conseguir ganancias. El consejo de Audrey de seguir la fórmula hubiese salvado a Barton si le hubiese hecho caso. Él no lo hace, pero cuando pone la misteriosa caja sobre su escritorio, ella podría, de alguna manera, ayudarlo de forma póstuma. La propia película juega con un estándar de fórmulas de guion. De la misma forma que los guiones de Mayhew, "Barton Fink" tiene un «luchador bueno» —parece ser Barton— y un «luchador malo» —Charlie— que se «enfrentan» entre sí al final. Pero debido al estilo de los Coen, la línea divisoria entre el bueno y el malo no es clara y el supuesto héroe, de hecho, deja ver que es sordo hacia las súplicas de su vecino, el «hombre común». Borrando las líneas divisorias entre la realidad y la experiencia surreal, la película trastorna los «cuentos simples de moralidad» y los «mapas» ofrecidos a Barton como caminos fáciles a seguir por el escritor.


title: Barton Fink

text: No obstante, los Coen señalaron que no se supone que "Barton Fink" los represente. «Nuestra vida en Hollywood ha sido particularmente fácil», dijeron. «La película no es un comentario personal». Aunque algunas temáticas universales del proceso creativo son exploradas a lo largo de la cinta. Durante la escena del pícnic, por ejemplo, Mayhew le pregunta a Barton: «¿Escribes en paz?», Barton hace una pausa y luego contesta: «No, siempre he encontrado que la escritura proviene de un gran dolor interno». Tales diálogos llevaron al crítico William Rodney Allen a llamar a "Barton Fink" «una autobiografía, no literal, de la vida de las mentes de los Coen».


title: Barton Fink

text: Varios elementos de la película, incluyendo el estar ambientada al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, han conducido a algunos críticos a resaltar paralelismos entre el ascenso del fascismo en ese entonces. Por ejemplo, los detectives que visitan a Barton en el Hotel Earle se llaman «Mastrionatti» y «Deutsch», apellidos italiano y alemán, evocadores de los regímenes de Benito Mussolini y Adolf Hitler. El desprecio por Barton es claro: «Fink. Es un nombre judío, ¿no?... No pensé que este vertedero estuviese restringido». Más tarde, después de matar su última víctima, Charlie dice «Heil Hitler». Jack Lipnick —cuyo nombre podría ser un guiño a Leipzig, Alemania— es originario de la capital de Bielorrusia, Minsk, ciudad que fue centro trabajo solidario en ese momento y fue ocupada en los años 1940 por los alemanes bajo la Operación Barbarroja.


title: Barton Fink

text: «No es forzar el asunto sugerir que el Holocausto se sostiene sobre "Barton Fink"», escribió el biógrafo Ronald Bergan. Otros ven un mensaje más específico en la película, particularmente la ignorancia de Barton hacia las tendencias homicidas de Charlie. El crítico Roger Ebert escribió en su reseña de 1991 que los Coen planearon crear una alegoría por el ascenso del nazismo. «Ellos pintan a Fink como un ineficaz e impotente intelectual izquierdista que se vende cuando se dice a sí mismo que está haciendo lo correcto, que cree que entiende al ‘hombre común’ pero no entiende que, para muchos hombres comunes, el fascismo tiene un seductivo atractivo». Sin embargo, continúa diciendo: «Sería un error insistir tanto en este aspecto de la película...».