title: Ford Capri

text: Una de las últimas ediciones limitadas del Capri I original que salieron, era una versión que se entregaba en color verde metalizado o en negro con un interior rojo, además de tener más extras, como asientos de cuero, lunetas laterales traseras practicables, y techo de vinilo.


title: Ford Capri

text: El Capri fue un cierto éxito, con 400 mil coches vendidos hasta 1970. Ford lo revisó en 1972 y esa versión se conocería por los entusiastas como el Capri «Bis» (i.e. MiG-21bis, o «plus») o, en el Reino Unido, como el «Mk I facelift» Capri. El coche tenía una suspensión evolucionada y más confortable, faros rectangulares, pilotos traseros alargados y nuevos asientos. Los motores Kent fueron reemplazados por el Pinto y el que antes fuera solo destinado al Reino Unido, el motor del 3000 GT, se empezó a montar también en la fábrica alemana. En el Reino Unido se seguía montando el motor de 2.0 L V4.


title: Ford Capri

text: En su versión norteamericana, el coche recibió paragolpes redimensionados para cumplir con la nueva ley vigente del año 1973.


title: Ford Capri

text: En 1973 se registraron las mayores ventas del Capri, con 233.000 vehículos vendidos: el Capri número 1 millón, un RS 2600, se terminó de montar el 29 de agosto.


title: Ford Capri

text: En diciembre de ese año, Ford dio luz verde al tan esperado RHD RS Capri y cambió el motor V6 Cologne que montaba el RS2600 por el V6 que se usaba en el Capri 3000 para montarlo a los RS3100, que en realidad era el motor 3,0 L V6 Essex, pero con al alargar el diámetro de los cilindros de a . A diferencia de su predecesor, dicho motor usaba el mismo carburador Weber de doble cuerpo 40-DFA que el 3000, con una relación de compresión de 9.0:1 y llegó a sacar la misma potencia de a las 5.000 rpm que el RS 2600 y un par máximo de a las 3.000 rpm.


title: Ford Capri

text: Solamente se construyeron 250 RS3100 homologados para la calle en su corta producción de sólo 3 meses entre noviembre de 1973 y enero de 1974, para diferenciar este motor del del Capri 3000, las tapas de las válvulas estaban pintadas de azul y no negro como el Capri 3000, y las culatas estaban pulidas a mano para mejorar el flujo de la mezcla aire/gasolina, también incluía frenos de disco delanteros sobre proporcionados del Granada sedán de 4 puertas , un alerón trasero estándar y una altura de una pulgada menos que el Capri 3000 para mejorar la estabilidad a alta velocidad.


title: Ford Capri

text: La división Ford Motorsport produjo una edición limitada de 100 unidades con este nuevo motor. Estas unidades estaban destinadas al Grupo 4, y los motores RS3100 fueron retocados por Cosworth, pasando a ser , con inyección de gasolina, distribución DOHC con 4 válvulas por cilindro y sacando unos dignos para la competición. El coche, además, tuvo retoques aerodinámicos y, en la versión de rallys del RS3100, el motor Cosworth llegó a montarse en la Fórmula 5000 Estadounidense.


title: Ford Capri

text: El Capri II vio la luz en febrero de 1974. Tras haber vendido 1,2 millones de unidades, y con motivo de la crisis del petróleo de 1973, Ford decidió crear un nuevo coche más apto para el día a día, que tuviera un habitáculo más grande y con adopción del portón trasero al estilo coupé. Dados los estándares de esos días, el Capri II fue un vehículo bien desarrollado con muy buena fiabilidad.


title: Ford Capri

text: Para Alemania, el Capri ofrecía ahora un motor de 1.3 litros con 55 CV, un 1.6 litros con 72 CV u otro de 2.0 litros con 88 CV (todos con la configuración de 4 cilindros en línea), y que estaban complementados por un V6 de 2.3 L con 108 CV y el motor hecho en Inglaterra denominado " Essex " V6 de 3.0 L con 138 CV DIN era la opción más potente.


title: Ford Capri

text: Aunque era mecánicamente similar al Capri I, el Capri II tenía una mayor longitud total, y un salpicadero más moderno con un volante de menor diámetro. El motor Pinto de 2 litros fue introducido para montarse en las versiones Europeas y se montaba como opción por debajo del 3.0L V6. Esta versión del Capri mantenía los faros rectangulares, que fue lo que hizo más fácil distinguir un Mk II de un Mk III. La lista de modificaciones incluía unos discos de freno sobredimensionados, y un alternador tipo estándar de aquella época.


title: Ford Capri

text: El Capri II estaba disponible en cuatro niveles de equipamiento, el modelo base era el Capri L. Un poco más lujoso fueron las versiones XL y GL, mientras que la versión GT y posteriormente la versión S más bien aborda a los compradores de deportivos. Una nueva adición fue el Capri Ghia, que sustituyó a la antigua versión GXL con un interior más lujoso.


title: Ford Capri

text: Para seguir haciendo que el coche pareciera un deportivo, Ford introdujo la edición especial , (conocida como JPS) en marzo de 1975. Disponible solo en negro o blanco, el JPS tenía unas líneas doradas al estilo de la Fórmula 1 de aquellos años, también unas llantas en el mismo color y el interior rezumaba color beige y alfombrillas cosidas en negro. En mayo de 1976, con el descenso de ventas, el modelo 3.0 GT desapareció para dar paso al 3.0 S y a la gama Ghia. En octubre de 1976, la producción fue limitada a la fábrica de Saarlouis, y al año siguiente el Capri dejó el mercado americano con solo 513.500 modelos vendidos.


title: Ford Capri

text: Originalmente, el Capri III se refirió de forma interna como «Proyecto Carla», y aunque aparentemente fue poco más que una actualización sustancial del Capri II, a menudo se le reconoce como Mk III. Los primeros coches estaban disponibles desde marzo de 1978. Fue mostrado como modelo de concepto en el Salón del Automóvil de Ginebra de 1976: adoptaba un morro muy similar al RS2000 (con cuatro faros y la parrilla negra con franjas horizontales), y con un "spoiler" trasero, ya mostrado algún tiempo antes del lanzamiento. El Mk III destacó la aerodinámica mejorada, llevando a un funcionamiento y consumo mejorados respecto al Mk II y el frontal con cuatro faros circulares marca de la casa, fue presentado.


title: Ford Capri

text: En el lanzamiento, las motorizaciones existentes y las combinaciones de transmisión del Capri II fueron transferidos al Capri III, con el modelo 3.0 «S» considerado como el modelo más deseable.


title: Ford Capri

text: Ford enfocó su atención al mercado del Reino Unido cuando las ventas decayeron, sabiendo que existía cierto culto por el Capri en la zona. A diferencia de las ventas del Cortina contemporáneo de 4 puertas, las ventas del Capri en Gran Bretaña eran por parte de compradores privados. Ford trató de mantener el interés con el paquete deportivo Ford Rallye, la Serie X, «X-Pack» con componentes orientados a un mayor rendimiento, disponible desde 1977 a 1980.


title: Ford Capri

text: A pesar de ser el modelo deportivo más popular en Gran Bretaña durante la mayor parte de su vida de producción, la tercera generación del Capri era también uno de los coches más sustraídos en Gran Bretaña durante los años 1980 y a principios de los años 1990, siendo clasificado como un vehículo con un alto riesgo de robo.


title: Ford Capri

text: La serie 3.0 S fue usada en la serie de TV británica "The Professionals", con los dos protagonistas conduciendo sendos Capris.


title: Ford Capri

text: A finales de 1986 Ford lanza la versión final del Capri, el 280 o Brooklands, con un interior de cuero y llantas de 15 pulgadas, todos pintados en el mismo tono de Verde llamado "Brooklands" , se fabrican 1038 unidades, de las cuales unas 130 cuentan con motores Turboalimentados preparados por la empresa Turbo Technics, los cuales tienen 200CV en vez de los 160 del 2.8i normal, su precio era de unas £12.000, un precio elevado en la época, de hecho el último no se llega a Matricular hasta el 20 de noviembre de 1989, y existen 3 unidades que jamás se han matriculado.


title: Ford Capri

text: La fabricación para el mercado Británico finaliza el 19 de diciembre de 1986, el número total de unidades fabricadas es de 1.886.647.


title: Ford Capri

text: El Capri 3.0 deja de fabricarse en 1981, mientras una nueva versión deportiva, llamada 2.8 Injection, debutó en el Salón del automóvil de Ginebra. El nuevo modelo era el primero de gran serie que, desde el RS2600, empleaba inyección de combustible. La potencia ascendió a 162 cv (118 kws) que daban una velocidad punta de 210 kilómetros/h (130 millas por hora), pero el coche todavía tenía una caja de cambios estándar de cuatro velocidades. El famoso Capri 2.8 Inyección reanimó la gama y estuvo en producción dos o tres años más de los que la Ford había planificado. La caja de cambios de cuatro velocidades fue sustituida por una unidad de cinco, años más tarde.


title: Ford Capri

text: Una mejora más sustancial fue presentada en 1984 con el 2.8 Injection Special. Este modelo tenía asientos con mitad de cuero e incluyó un diferencial autoblocante. Por fuera el coche fácilmente podría ser distinguido por las llantas RS de 7 radios (sin el logo "RS" ya que este no era un vehículo RS) y el color de la parrilla y las cubiertas de faros del mismo color que la carrocería. Al mismo tiempo, la versión 2.0 L fue convertida en el modelo 2.0 S, que adoptó una suspensión ligeramente modificada respecto al 2.8 Injection. También redujeron la gama 1.6 a un único modelo, el 1.6 LS.


title: Mircea Lucescu

text: Mircea Lucescu (Bucarest, Rumania, 29 de julio de 1945) es un exfutbolista y actual entrenador de fútbol. Actualmente dirige al Dinamo de Kiev de la Liga Premier de Ucrania.


title: Mircea Lucescu

text: Mircea Lucescu empezó su carrera profesional en el Dinamo de Bucarest. Debutó en la Divizia A el 21 de junio de 1964 en la victoria de su equipo contra el Rapid de Bucarest. Gana dos títulos de Liga y uno de Copa.


title: Mircea Lucescu

text: En 1965, ante la falta de oportunidades en el Dinamo, se marcha a jugar a un equipo de la de la Divizia B, el Știința Bukarest. El Știința Bukarest se cambió el nombre al año siguiente por el de Politehnica Bucarest (actualmente el club se denomina FC Sportul Studențesc București).


title: Mircea Lucescu

text: Al cabo de dos años regresa al Dinamo de Bucarest, donde permanece hasta 1977. En esta etapa conquista cuatro Ligas y una Copa de Rumania.


title: Mircea Lucescu

text: En 1990 Lucescu vuelve de nuevo a jugar, aunque solo algunos partidos, con el Dinamo de Bucarest. Ese año consigue dos nuevos títulos, una Liga y una Copa de Rumania.


title: Mircea Lucescu

text: Ha sido internacional con la Selección de fútbol de Rumania en 74 ocasiones. Su debut con la camiseta nacional se produjo el 2 de noviembre de 1966 en un partido contra Suiza. Ha sido el capitán de su selección en 23 encuentros.


title: Mircea Lucescu

text: Participó en la Copa Mundial de Fútbol de México de 1970. Jugó los tres partidos que su selección disputó en el torneo (Brasil 3-2 Rumania, Rumania 2-1 Checoslovaquia e Inglaterra 1-0 Rumania)


title: Mircea Lucescu

text: Empezó su etapa como entrenador en la temporada 1979-80 en el Corvinul Hunedoara mientras todavía era jugador. Así que, además de entrenar, jugaba algunos encuentros. En este equipo realizó un gran trabajo consiguiendo buenos resultados.


title: Mircea Lucescu

text: En 1981 comenzó también a entrenar a las divisiones inferiores de la Selección de fútbol de Rumania. El 10 de octubre de 1981 Rumania perdió contra Suiza en un partido de clasificación para la Copa Mundial de Fútbol de 1982 y el entrenador fue destituido. Pocos días después, el 17 de octubre, Mircea Lucescu fue nombrado seleccionador. Debutó en el banquillo de la selección el 11 de noviembre, curiosamente contra Suiza. Consiguió clasificar a su país para participar en la Eurocopa de Francia de 1984, aunque en ese campeonato Rumania no pasó de la fase de grupos. Debido a una serie de malos resultados, y a la no clasificación de Rumania para disputar la Copa Mundial de Fútbol de México de 1986, Lucescu fue destituido el 3 de octubre de 1986, siendo sustituido por Emerich Jenei. Mircea Lucescu entrenó a su selección en un total de 59 ocasiones, convirtiéndose en el seleccionador con más partidos en la historia de la Selección de fútbol de Rumania.


title: Mircea Lucescu

text: Después de su etapa como seleccionador ficha por el Dinamo de Bucarest. En la temporada 1989-90 conquista el título de Liga. También se proclama campeón de la Copa de Rumania.


title: Mircea Lucescu

text: Luego se marchó a Italia para entrenar al Pisa Calcio. No cosechó muy buenos resultados y el equipo acabó en 16.ª posición, descendiendo a la Serie B.


title: Mircea Lucescu

text: Al año siguiente, firmó por el Brescia Calcio. Ese mismo año consigue el ascenso a la Serie A, aunque en la campaña siguiente no logró mantener la categoría. En 1994 volvió a lograr el ascenso.


title: Mircea Lucescu

text: En la temporada 1996-97 entrenó al AC Reggiana, y después regresó a su país para sentarse en el banquillo del Rapid de Bucarest.


title: Mircea Lucescu

text: Al año siguiente entrenó al Inter de Milán, para luego dimitir y regresar al Rapid de Bucarest, con el que conquistó el título de Liga en 2000.


title: Mircea Lucescu

text: Después de esta etapa se marchó a Turquía, donde entrenó al Galatasaray (con el que gana una Supercopa de Europa, una Liga y una Copa de Turquía) y al Beşiktaş (obteniendo el título de Liga).


title: Mircea Lucescu

text: En 2004, fichó por el Shakhtar Donetsk ucraniano. Con este club ganó 8 Ligas, 6 Copas de Ucrania y una Copa de la UEFA en 12 años.


title: Mircea Lucescu

text: El 21 de mayo de 2016, se desvinculó del club ucraniano tras 12 años ganando su sexta y última Copa de Ucrania. Unos días después, se incorporó al FC Zenit de San Petersburgo. Fue destituido tras una sola temporada en el cargo, en la que no pudo ganar ningún título salvo la Supercopa de Rusia.


title: Mircea Lucescu

text: El 2 de agosto de 2017, sustituyó a Fatih Terim como nuevo seleccionador de . Cesó en sus funciones el 11 de febrero de 2019, tras no poder clasificarse para el Mundial de Rusia y descender en la Liga de las Naciones.


title: Cage the Elephant

text: Cage the Elephant es un grupo estadounidense de indie rock y rock alternativo, formado a mediados de 2006 en Bowling Green, Kentucky. El sexteto se caracteriza por su gran energía al tocar en vivo, sobre todo por parte del cantante Matt Shultz.


title: Cage the Elephant

text: La banda se formó a mediados de 2006 cuando, Perfect Confusion –banda donde estaban Matt Shultz, Brad Shultz y Jared Champion– se deshiciera. Su primer CD salió a la venta el 23 de junio de 2008 en Reino Unido y el 21 de abril de 2009 en Estados Unudos, Japón, Australia y Canadá. El sencillo «Ain't no rest for the wicked» fue el número 32 en la lista de sencillos de Reino Unido.


title: Cage the Elephant

text: Luego de una presentación en vivo en el multitudinario festival South by Southwest en 2007, la banda firmó un contrato con la discografía Relentless, y se trasladó desde su natal Kentucky a Londres, Inglaterra. La razón principal fue su intención de darse a conocer primero en Europa y lograr un público estable antes de lanzarse en Estados Unidos. La banda publicó su primer álbum de estudio y homónimo, "Cage the Elephant", el 23 de junio de 2008 en el Reino Unido; el mismo no fue lanzado sino hasta el 29 de abril de 2009 en Estados Unidos, Japón, Australia y Canadá. De ese álbum, el sencillo «Ain´t no rest for the wicked» fue el que logró mayor trascendencia al formar parte de la música de Borderlands, videojuego desarrollado por Gearbox Software.


title: Cage the Elephant

text: A principios de 2008, Cage the Elephant fue telonero de The Pigeon Detectives, y en 2009 acompañaron en una gira por Estados Unidos a Silversun Pickups y Manchester Orchestra.


title: Cage the Elephant

text: El 11 de enero de 2011, su segundo álbum "Thank You, Happy Birthday" fue lanzado oficialmente. Cage the Elephant se presentó esa misma noche en el programa televisivo estadounidense The Late Show with David Letterman, donde pudieron tocar en vivo sus nuevas canciones «Shake me Down» y «Around My Head». El segundo álbum fue una «bocanada de aire fresco» de acuerdo a lo expresado por el cantante Matt Schultz, y que significó un crecimiento emocional y profesional para la banda.


title: Cage the Elephant

text: El video musical del sencillo «Shake Me Down» recibió una nominación en los premios , celebrados el 28 de agosto, en la categoría Mejor vídeo "rock". Compartió rubro con Foster the People, Mumford & Sons, The Black Keys y Foo Fighters; este último se alzó finalmente con la victoria por el videoclip de «Walk».


title: Cage the Elephant

text: Luego del éxito que supuso su anterior álbum "Thank You, Happy Birthday", la banda se puso en marcha para la grabación de su nuevo álbum "Melophobia", que significa "miedo a la música". El primer sencillo "Come a little closer" fue lanzado el 8 de agosto de 2013, el álbum fue lanzado al público el 3 de octubre de 2013. Recibió reseñas bastante favorables y fue un éxito comercial debutando en el puesto 15 en las tablas de álbumes del Billboard 200, también alcanzó el puesto 6 en las tablas de álbum de rock y álbum alternativo.


title: Cage the Elephant

text: Este álbum los llevó a ser nominados al "Mejor Álbum de Música Alternativa" en los Premios Grammy de 2015.


title: Cage the Elephant

text: Han tenido apariciones en festivales como Lollapalooza y Bonnaroo. Se presentaron el 16 de abril de 2011 en el Festival de Música y Artes de Coachella Valley.


title: Cage the Elephant

text: En su gira por Estados Unidos fueron teloneros de Foo Figthers. Esta gira se volvió famosa debido a que el baterista de Cage The Elephant sufrió de apendicitis y no pudo participar en un concierto. Para no tener que cancelar como teloneros Dave Grohl (cantante de Foo Figthers y exbaterista de Nirvana) se ofreció para reemplazarlo, antes de su recital.


title: Cage the Elephant

text: La gira de 2012 se destaca por ser la primera vez que se incluyó a países de Hispanoamérica; la banda primero visitó Costa Rica en el Festival Imperial, seguido de Brasil y Chile en sus respectivos festivales Lollapalooza y Argentina con dos fechas, una de ellas con participación en el festival multitudinario Quilmes Rock.


title: Cage the Elephant

text: En los 59th Grammy el 12 de febrero de 2017, por el álbum Tell me I'm pretty, ganaron categoría al Mejor Álbum Rock.


title: Losa de cimentación

text: Una losa de cimentación es una placa de hormigón apoyada sobre el terreno la cual reparte las cargas del edificio sobre toda la superficie de apoyo.


title: Losa de cimentación

text: Las losas son un tipo de cimentación superficial que tiene muy buen comportamiento en terrenos poco homogéneos que con otro tipo de cimentación podrían sufrir asentamientos diferenciales. También en terrenos con muy poca capacidad portante. Las losas más sencillas son las losas de espesor constante, aunque también existen las losas nervadas que son más gruesas según la dirección de muros o filas de pilares.


title: Losa de cimentación

text: Su cálculo es similar al de una losa plana de azotea invirtiendo las direcciones de los esfuerzos y aplicando las cargas tanto axiales como uniformes provenientes de todo el edificio. Las trabes de estas losas se invierten para quedar enterradas en el terreno y evitar obstáculos al aprovechamiento de la superficie, que queda lista para ocuparse como un firme aunque su superficie aún es rugosa.


title: Losa de cimentación

text: En esencia una losa de cimentación se comporta como una placa que en su cara inferior sufre fuerzas verticales proporcionales al módulo de balasto y el asentamiento o la flecha vertical de la losa. Para una losa de espesor uniforme la expresión es:


title: Losa de cimentación

text: Una vez determinada la función formula_5 que da los asentamientos verticales se estiman los momentos flectores en cada dirección:


title: Losa de cimentación

text: A partir de los momentos flectores se determina el espesor correcto de la losa y las armaduras necesarias para la losa.


title: Myint Swe

text: Myint Swe (; pronunciado [mjɪ̰ɰ̃ sʰwè]; nacido el 24 de junio de 1951) es un político birmano, actualmente se desempeña como tercer primer vicepresidente de la República de la Unión de Myanmar (Birmania).


title: Myint Swe

text: Anteriormente se desempeñó como presidente interino de Myanmar después de la renuncia del presidente Htin Kyaw el 21 de marzo de 2018. También ocupó el cargo de ministro principal de la Región de Yangon del 30 de marzo de 2011 al 30 de marzo de 2016. El 30 de marzo de 2016, juró como vicepresidente de Myanmar. Es un exoficial militar de la etnia mon en el ejército de Myanmar con el rango de teniente general. Fue declarado presidente en funciones después del golpe de Estado del 1 de febrero de 2021, pero transfirió el poder a Min Aung Hlaing.


title: Myint Swe

text: El 21 de marzo de 2018, tras la repentina dimisión de Htin Kyaw como presidente de Myanmar, Myint Swe juró como presidente en funciones en virtud de la Constitución de Myanmar, que también pidió a la Asamblea que eligiera un nuevo presidente dentro de los siete días siguientes a la dimisión de Htin Kyaw.


title: Myint Swe

text: El 1 de febrero de 2021, Myint Swe volvió a ser presidente en funciones después de que las Fuerzas Armadas de Myanmar destituyeran a Win Myint de su cargo, tras un golpe de Estado, en virtud del artículo 424 de las Disposiciones sobre el estado de emergencia.


title: Gabriel Orozco

text: Gabriel Orozco (Xalapa, Veracruz, 27 de abril de 1962) es un artista contemporáneo mexicano. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) entre 1981 y 1984 y en el Círculo de Bellas Artes de Madrid entre 1986 y 1987.


title: Gabriel Orozco

text: Orozco comenzó a destacarse a principios de la década de 1990 con su exploración del dibujo, la fotografía, la escultura y la instalación. En 1998, se refirió a él como «uno de los artistas más influyentes de esta década, y probablemente también de la siguiente». Durante los últimos dieciséis años, Orozco también ha producido obra en el medio pictórico.


title: Gabriel Orozco

text: Orozco nació en 1962 en Xalapa, Veracruz. Es hijo de Cristina Félix Romandía y Mario Orozco Rivera quien era muralista y profesor de arte en la Universidad Veracruzana. Cuando Orozco tenía seis años, la familia se mudó al barrio de San Ángel de la Ciudad de México para que su padre pudiera trabajar con el artista David Alfaro Siqueiros en varios murales que le habían sido encargados. El padre de Orozco solía llevarlo a las exposiciones en los museos y a trabajar con él; y ahí tuvo la oportunidad de escuchar muchas conversaciones sobre arte y política. Orozco asistió a la Escuela Nacional de Artes Plásticas entre 1981 y 1984, pero el programa de estudios le pareció conservador y en 1986 se trasladó a Madrid y se matriculó en el Círculo de Bellas Artes. Fue entonces cuando sus instructores lo introdujeron a una amplia gama de artistas de la posguerra que trabajaban en formatos no tradicionales, entre los que se encontraba el grupo MatC (Man at the Crossroads).


title: Gabriel Orozco

text: En 1987 Orozco regresó de sus estudios en Madrid a la Ciudad de México en donde organizó reuniones semanales en su casa con un grupo conformado por otros artistas como Damián Ortega, Gabriel Kuri, y el Dr. Lakra. Este grupo se reunió una vez por semana durante cinco años y con el tiempo la casa del artista se convirtió en un lugar en el que muchos proyectos artísticos y culturales tomaron forma. El nomadismo de Orozco como forma de vida comenzó a marcar su trabajo durante esta época, en la que al explorar las calles encontró una gran inspiración. Sus primeros trabajos tuvieron por objeto romper con la corriente predominante de la década de 1980, que a menudo incluía grandes estudios con muchos asistentes y elaboradas técnicas de producción y distribución. En contraste, Orozco siempre ha trabajado solo o con uno o dos asistentes más. Su trabajo gira en torno a muchos temas que se repiten y a técnicas que incorporan objetos comunes y de la vida real.


title: Gabriel Orozco

text: La exploración de los materiales que él escoge permite a la imaginación del público explorar las asociaciones creativas entre objetos frecuentemente ignorados en el mundo de hoy, de ahí que se considere su obra más un producto del discurso literario que una obra específicamente de arte plástico. “Para él [Orozco], la descentralización de las prácticas de manufactura refleja una rica heterogeneidad del objeto y del material. No hay manera de identificar una obra de Orozco en términos de un producto físico. Por el contrario, su obra debe ser descifrada a través de hilos conductores y estrategias que se repiten constantemente, pero en formas y configuraciones en constante mutación.” -.Ann Temkin “Lo más importante no es tanto lo que la gente ve en la galería o en el museo, sino lo que ve después de ver estas cosas, la manera en la que se enfrenta de nuevo a la realidad”. - Gabriel Orozco en una entrevista con . Gabriel Orozco se casó con María Gutiérrez el 2 de agosto de 1994 en el Ayuntamiento de Nueva York. Tienen un hijo, Simón, nacido en noviembre de 2004. Orozco vive y trabaja en Nueva York, México y Francia.


title: Gabriel Orozco

text: Orozco comenzó a trabajar con la fotografía alrededor de 1989. Una fotografía temprana "Perro durmiendo "evidencia la reverencia y la desconfianza de Orozco respecto al medio fotográfico. La impresión inmoviliza a un perro dormido desde una perspectiva aérea sobre una gran roca. La perspectiva de la cámara comprime el primer plano y el fondo de manera tal que el perro se convierte en una imagen y objeto a la vez; y al mismo tiempo que posee peso y presencia, produce una memoria del evento. La impresión física global que produce la imagen es sugerente del interés de Orozco por la fotografía como un medio para fundamentar la representación escultórica. Asimismo, la cuestionable calidad artística de la obra fue compensada y rebasada por el sustento real sobre el que se apoya, un álgido debate de discursos sobre la validez del arte contemporáneo. Así, el valor del "Perro durmiendo" no proviene ni de la participación del artista, ni de los valores intrínsecos de la obra, sino del discurso en torno a ella (v. gr. "la obra de Orozco se ubica a sí misma en una zona de completa accesibilidad).


title: Gabriel Orozco

text: "Naturaleza recuperada" es una de las primeras obras escultóricas de Orozco y está construida enteramente de caucho vulcanizado elaborado para fabricar las cámaras de aire de los neumáticos para camiones. Orozco cortó la goma por la mitad y luego la abrió; luego, de otra cámara cortó dos círculos en forma de tapa, y en una vulcanizadora los soldó. El resultado fue una pelota inflable. Orozco dice que la obra es un "ejercicio de topología", un área de las matemáticas que se ocupa del estudió de la continuidad y la conectividad. "Naturaleza Recapturada" juega con la idea de que todo puede convertirse en todo lo demás. Esta pieza fue el antecedente de futuras obras como Ascensor en la que el artista reconstruyó un elevador exactamente a su altura.


title: Gabriel Orozco

text: "Turista Maluco" fue una fotografía tomada por Orozco en Bahía, Brasil. Mientras se paseaba por la ciudad de Cachoeira, Orozco se encontró con un mercado vacío. Vio algunas naranjas podridas que habían sido abandonadas en el mercado cerrado y procedió a colocar una en cada mesa. Orozco entonces capturó la intervención en una fotografía. La gente que lo estaba observando lo llamó "turista maluco" [loco]. Turista Maluco ejemplifica el acercamiento de Orozco a la fotografía. Él no quiere que sus fotografías sirvan como documentación en el sentido de convertirse en reliquia; por el contrario, quiere que sean testigos de un acontecimiento efímero que a menudo se produce mientras el artista está solo. Te olvidas de la fotografía, pero ves los fenómenos.


title: Gabriel Orozco

text: "Mis Manos son mi Corazón" es una pequeña obra escultórica en forma de corazón hecha por el artista en 1991 aplicando presión con los dedos sobre un pequeño trozo de arcilla y dejando la impresión de sus dedos en la forma de un corazón. El carácter duradero de la arcilla endurecida contrasta con la vulnerabilidad suave de la identificación del objeto como un órgano humano. La impresión de los dedos del artista deja una huella persistente del contacto con sus manos, una meditación sobre el proceso creativo."Mis Manos son mi Corazón" también se refiere al díptico realizado con las fotografías tomadas al artista con el torso desnudo, sosteniendo la obra cerca de su verdadero corazón.


title: Gabriel Orozco

text: "Piedra que Cede" fue una de dos obras creadas para una exposición colectiva en 1992. La obra consistió en una bola sólida de plastilina gris que se llevó rodando por las calles de Monterrey, recogiendo tierra, escombros y piedras en su superficie. La obra fue luego expuesta en una galería en donde continuó recogiendo polvo y atrayendo objetos extraños a su superficie hasta convertirlos en el punto de enfoque. En 1993 Orozco presentó una segunda versión de "Piedra que Cede "en la exposición colectiva InTransit que tuvo lugar en el de Nueva York. La obra muestra el proceso de su creación y reproduce las huellas de sus interacciones.


title: Gabriel Orozco

text: Para la Bienal de Venecia de 1993, Orozco colocó en el piso de la Aperto [el corredor del Arsenal de la Bienal] una caja de zapatos vacía. El uso de la caja de zapatos en un principio podría considerarse simplemente como algo ya hecho, pero al contrario, el uso de este objeto por parte de Orozco estaba destinado a llamar la atención del espectador o espectadora a lo que le rodeaba. La colocación de un objeto tan familiar dentro de un entorno por lo demás vacío permite más de una toma de conciencia de lo que está y no está en el espacio. “Las razones de la atracción silenciosamente convincente de un objeto totalmente banal son por supuesto múltiples; sin embargo, se podría encontrar una primera explicación en el hecho de que la presentación de un contenedor vacío, en lugar del propio objeto, traza el mismísimo cambio del valor de uso al valor de exposición que se ha producido en la cultura en su conjunto.”


title: Gabriel Orozco

text: "Home Run" fue parte de una exposición más amplia Projects 41: Gabriel Orozco, que tuvo lugar en el MoMA, en septiembre de 1993. Los parámetros de la exposición se basaban en la experimentación con las limitaciones espaciales para ver el arte. Orozco pidió a los ocupantes de los edificios adyacentes al MoMA que colocaran naranjas en sus ventanas, a fin de que el espectador se encontrara con la exposición incluso después de dejar el espacio normalmente definido por el museo. La colocación de las naranjas introdujo un elemento lúdico a la pieza a medida en que los espectadores se topaban accidentalmente con la obra; los visitantes del museo podían experimentar la instalación más allá de los muros de la institución. De este modo "Home Run" quebrantó la noción tradicional de la exposición "espacio de visualización" y desdibujó la línea entre el arte y la vida.


title: Gabriel Orozco

text: "La DS" se exhibió por primera vez en la Galerie Chantal Crousel en París en 1993. En la preparaciónde la exposición, Orozco viajó a París y con la ayuda de su asistente Philippe Picoli trabajó durante casi dos meses en la reconstrucción de un Citroën DS. Orozco utilizó intencionalmente el automóvil francés clásico de 1950 por el estatus que tenía en la cultura popular francesa como símbolo del ingenio de la segunda post-guerra mundial. La fabricación y presentación de "La DS" refleja el interés de Orozco en los aspectos mentales y físicos del espacio escultórico y sentó un precedente para las relaciones juguetonas entre el espectador y el objeto que Orozco continúa explorando en sus obras escultóricas. Para crear la obra Orozco cortó una sección horizontal interior del automóvil, y volvió a montar las dos mitades restantes para que el coche mantuviera sus cualidades formales. Un espejo insertado en el lado del conductor del automóvil promueve la ilusión de que el coche sigue siendo manejable. El intercambio entre la percepción física del objeto y el recuerdo de cómo se debe comportar en el espacio determina la comprensión global de la obra por parte de los espectadores, creando una imagen mental del coche que tiene un efecto fotográfico. “He estado interesado en esta noción de espacio que sigue estando ahí y en la manera en la que una línea delgada que divide dos cuerpos no es medible. Por supuesto, físicamente es muy delgada, pero emociona lo mentalmente es mucho más grande y es inmensurable. En mi trabajo, creo, es ese espacio el que me interesa como escultor.” Gabriel Orozco


title: Gabriel Orozco

text: Es ya es evidente en obras como "La DS", "Home Run", y "Caja de Zapatos Vacía" que Orozco presta gran atención al espacio en el que sus espectadores interactúan con su trabajo. Para su primera exposición en Nueva York con , Orozco colocó cuatro tapas de yogur en cada una de las paredes opuestas de la sala norte vacía de la galería. Orozco ha dicho varias veces que pretende "defraudar al espectador". En otras palabras, su trabajo a veces puede parecer decepcionante para aquellos que hayan llegado a la experiencia con ciertas expectativas. "Tapas de Yogurt "desafió la noción de los espectadores acerca del espacio, el vacío, la conciencia y el cuerpo. “Era un poema sobre la nada, que bellamente, por lo tanto, podría también ser uno acerca del todo. Una presencia, que por insignificante que fuera, era la clave para ver el vacío de la sala, de la misma manera en la que es necesario un solo sonido para manifestar el silencio.”


title: Gabriel Orozco

text: La primera "Mesa de Trabajo" de Orozco fue exhibida en Zúrich en 1996. Las mesas de trabajo son acumulaciones de bocetos, ideas, objetos encontrados, remanentes, y obras de arte inacabadas. Las mesas ofrecen un retrato íntimo del proceso del artista; la concepción de una idea, la experimentación y/o la decisión de deshacerse de una obra y de su idea por completo. Estos pequeños objetos, cuando se muestran en conjunto, permiten al espectador comprender los temas recurrentes y las conexiones que se pueden encontrar dentro de la obra de Orozco.


title: Gabriel Orozco

text: "Papalotes negros" fue concebida para Documenta X poco después de que se colapsara uno de los pulmones de Orozco en 1996. Después de pasar una semana en el hospital decidió que quería realizar su siguiente obra a través de un "proceso muy lento". [21] Compró un cráneo humano en una tienda naturista en Nueva York y en los meses siguientes trabajó hasta cubrir todo el cráneo con una cuadrícula de tablero de ajedrez hecha de grafito. La cuadrícula sigue los contornos del cráneo, llevando al espectador a través de un camino circular alrededor del mismo. Hay una relación que se forma entre la rigidez de un sistema como el de la cuadrícula y la figura del cráneo humano creada naturalmente. Papalotes negros expresa, además, ideas del memento mori y de los cráneos iconográficos vistos con frecuencia en la cultura mexicana. La obra trae a la mente preguntas acerca de nuestro destino humano y nuestra mortalidad.


title: Gabriel Orozco

text: Las tres obras continúan cambiando dentro del entorno que habitan en la medida en la que nuevo polvo y nuevos desechos se acumulan en sus superficies.


title: Gabriel Orozco

text: En 2017 Orozco empezó a crear pinturas geométricas abstractas. Las formas circulares y el diseño esquemático eran similares a aquellas con las que Orozco había estado jugando durante años sobre papel cuadriculado, billetes y boletos de avión. Sus primeras pinturas debutaron en su exposición individual en la Serpentine Gallery de Londres en 2004. A partir de un único punto en el espacio, Orozco utiliza programas de software para dibujar un círculo alrededor del punto y dividir este círculo en cuadrantes. A continuación dibujó otro círculo para tocar el borde exterior del círculo anterior (variando el tamaño del círculo) y procedió a dividirlos en cuadrantes. Luego pintaría las mitades y los cuadrantes en rojo, azul, blanco o dorado, tratando las secciones de los círculos como si fueran cuadros en un tablero de ajedrez. Los círculos desempeñan un papel esencial en la obra de Orozco y él los ve como instrumentos de movimiento. En las pinturas de Árboles Samurái hay un punto centrífugo a través del cual los círculos giran y rotan hacia afuera.


title: Gabriel Orozco

text: Los Corplegados son una serie de dibujos de gran formato creados en 2011 para la exposición más reciente de Orozco con Marian Goodman. La palabra literalmente se traduce como cuerpos doblados. Las obras son hojas de papel de tamaño natural que Orozco plegó y llevó consigo en sus viajes entre 2007 y 2011. El artista dibujó, pintó y escribió sobre todas las superficies del papel. La aplicación y la disposición en capas de los diversos medios se infiltraron en el papel y penetraron hacia la parte de atrás formando una impredecible y fantasmal reflexión en la parte delantera. Los dibujos fueron montados en marcos de cristal de dos vistas que colgaban sobre bisagras en la pared para que el espectador pudiera ver las dos caras del papel. Cada dibujo presentó una transición de gestos pictóricos brillantes y coloridos, a formas geométricas lineales y una paleta silenciada. Estos contrastes reflejaban los diferentes cambios psicológicos y ambientales a los que el artista y sus dibujos fueron expuestos a lo largo de períodos prolongados de tiempo.


title: Gabriel Orozco

text: Gabriel Orozco es representado por la Galería Marian Goodman de Nueva York, la Galerie Chantal Crousel en París, y la Galería kurimanzutto en la Ciudad de México.


title: Gabriel Orozco

text: Sus exposiciones individuales más importantes incluyen una retrospectiva a la mitad de su carrera que comenzó en diciembre de 2009 en el de Nueva York y que luego se exhibió en el Kunstmuseum de Basilea, en el de París, y finalmente, en mayo de 2011, en la de Londres.


title: Gabriel Orozco

text: Otras exposiciones individuales incluyen "Asterismos", en el (2012), en el Guggenheim de Nueva York (2012), en el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México (2006), el de Colonia (2006), el Palacio de Cristal, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, (2005), en el Museo Hirshhorn, en Washington DC (2004), y la Serpentine Gallery de Londres (2004).


title: Gabriel Orozco

text: Orozco participó en la Bienal de Venecia en 1993, 2003 y 2005; en la en 1995 y 1997; así como en Documenta X (1997) y Documenta XI (2002).


title: Gabriel Orozco

text: Ha recibido numerosos premios, incluyendo el de la Sección Espacios Alternativos en el Salón Nacional de Artes Plásticas en la Ciudad de México (1987), una beca DAAD de artista residente en Berlín (1995) y el premio alemán Naranja Azul (2006).


title: Gabriel Orozco

text: En febrero de 2017, Orozco inauguró OROXXO en la galería Kurimanzutto. La muestra consistió en una réplica de una tienda de conveniencia Oxxo construida al interior de la galería y en la que se presentaban los mismos productos que este negocio ofrece regularmente, aunque entre ellos se encontraban 300 que fueron intervenidos por el autor con los círculos que caracterizan su obra desde la década de 1990, poco más de 70 años después de que la misma figura geométrica caracterizara a Vasily Kandinsky. De esta forma, Orozco convirtió chocolates, papas, refrescos, condones, entre otros objetos, en obra de arte, yuxtaponiendo dos marcas -la propia del producto y la de él como creador . De igual manera, Juan Villoro apuntaló la obra con el contenido que esta requería, un discurso justificatorio que es en realidad la obra. De esta manera Villoro confirmó la tesis subyacente al trabajo de Orozco, que el arte contemporáneo es en realidad un hecho eminentemente literario que tiene como subproducto la obra física.


title: Gabriel Orozco

text: La selección de la cadena de tiendas propiedad de FEMSA obedeció al interés del artista por la omnipresencia en México de las tiendas Oxxo "como fenómeno en nuestro paisaje" y la forma en que "se ha convertido en un lugar común de nuestro lenguaje (...) y asimismo las cosas que contiene el Oxxo". Según el artista, al intervenir los logos de las marcas no hacía una crítica de éstas "sino que es una manera de insertar una visión más abstracta para poder leerlo de nuevo. Y ahí ya estamos revisando el significado del producto, su procedencia, la memoria de ese producto en nuestro cuerpo, en nuestra historia y a nivel social". De la misma manera, la intervención que ocurrió en la entrada del artista en una conocida enciclopedia tuvo solamente como finalidad entender el discurso que valida su obra y así insertar una visión más abstracta para entender de nuevo su papel en el mundo del arte. El OROXXO revisa el significado del autor, su procedencia y la memoria de su obra en nuestro cuerpo, en nuestra historia y a nivel social.


title: Gabriel Orozco

text: Desde que era joven en la Ciudad de México Gabriel Orozco ha sido un gran admirador del fútbol (soccer). Mucha de su obra está relacionada con este popular deporte en México. Últimamente Orozco adoptó el deporte de lanzar bumeranes.


title: Gabriel Orozco

text: Ha sido cricado duramente a la par de algunos otros por la crítica mexicana de arte Avelina Lésper y recobró notoriedad en el ámbito nacional a partir de la exposición Oroxxo.


title: Arquitectura de Argentina

text: Por arquitectura de Argentina se entiende a la existente desde el principio de la colonización, aunque fuese en el .


title: Arquitectura de Argentina

text: En el territorio argentino hubo pocas y muchas urbanizaciones antes de la llegada de los europeos en el s. XVI, por lo cual lo poco que dejaron los indígenas auténticos, nativos del territorio que luego será Argentina: (atacameños y paziocas por ejemplo) y luego, los vestigios que brevemente dejaron los invasores quechuas del Tahuantisuyo (extranjeros invasores procedentes del Perú) son pocas cosas: pueden hallarse algunas construcciones precolombinas en el Noroeste, entre las cuales destacan: Tastil, el Pucará de Tilcara, el Shincal, las ruinas de Tolombón y de la antigua Quilmes, en los Valles Calchaquíes (no confundir con la populosa ciudad de Quilmes bonaerense), en general casi todas las edificaciones precolombinas más elaboradas son o han sido básicas: pequeños edificios construidos con adobes (hoy casi todos desaparecidos por la acción del tiempo, como ocurre en Palo Blanco) o lajas de piedra dispuestas en hiladas imbrincadas sin argamasa ni revoque ni ningún exornado permanente, con una reducida puerta de acceso y cubiertas con techos de paja. Una pequeña variante de esta arquitectura precolombina fueron las pocas viviendas colectivas semisubterráneas construidas por los "henia-kamiare" o comechingones en las zonas más frías de las Sierras de Córdoba y San Luis.


title: Arquitectura de Argentina

text: La arquitectura de la Argentina se puede decir que empezó a inicios de la colonización española en el , a pesar de que fue en el que las ciudades del país alcanzaron su esplendor. Ciudades como Córdoba, Salta, Mendoza, y también Buenos Aires conservan pequeña parte de su histórica arquitectura colonial española a pesar de su crecimiento urbano.


title: Arquitectura de Argentina

text: La simplicidad del estilo barroco rioplatense se aprecia (el cual pese a estar adscripto al barroco en lo arquitectónico, por su frecuente sencillez fue uno de los menos barrocos) claramente en Buenos Aires, en las obras de los arquitectos italianos como Andrea Blanqui, Juan Bautista Prímoli y Antonio Masella, en las iglesias de San Ignacio, la basílica de Nuestra Señora del Pilar, la Catedral y el Cabildo de la misma ciudad. En cambio en las ciudades del Interior, especialmente en Córdoba y Salta se nota un barroco más elaborado, lo mismo que el singular barroco jesuíticomisionero que aún se puede admirar en las ruinas de San Ignacio Miní, Corpus, Loreto, etc. en la provincia de Misiones.


title: Arquitectura de Argentina

text: Ciudades como Córdoba, Salta y también Buenos Aires, conservaron su patrimonio histórico colonial a pesar del crecimiento. En la época colonial, siendo entonces el territorio que hoy es la actual Argentina uno de los territorios más periféricos, relativamente pobres y menos poblados del Imperio español, careció de muchos edificios importantes: se destacaron más que nada los templos de la iglesia católica, por ejemplo los de la Catedral de Córdoba (Argentina) (obra cumbre del barroco colonial español en el territorio de Argentina) o las hoy en ruinas iglesias de San Ignacio Miní). En cuanto a la arquitectura civil esta fue austera; destacándose los edificios de los cabildos como el (hoy demolido en más de un 50%) Cabildo de Buenos Aires, el Cabildo de Córdoba y el Cabildo de Salta, del antiguo Cabildo de San Miguel de Tucumán solo quedan fotos muy antiguas que indican era un relativamente gran edificio de dos plantas con arquerías corridas. Otros importantes edificios del tiempo de la colonia española también fueron demolidos, por ejemplo el adusto y sencillo Fuerte de Buenos Aires o la interesante Recova de Buenos Aires. En cuanto a la arquitectura civil llana, durante la colonia apenas llamaban la atención cerca de las Plazas Mayores (en pleno microcentro o casco histórico) algunas “mansiones” de familias adineradas que tenían más de una planta de elevación (y por eso eran llamadas "altos") y un patio con aljibe rodeado de brocal, en lo demás casi la única vivienda familiar era el rancho con techo de paja (o como mucho lujo, con tejas musleras, techo a dos aguas, casi siempre construido con adobes, paredes con pocos vanos, por ejemplo pocas ventanas) sin vidrios en las pocas ventanas y frecuentemente con un aljibe o “balde” o “jagüel” simple casi siempre sin brocal o con un brocal muy rudimentario.


title: Arquitectura de Argentina

text: El barroco se termina con la introducción del neoclásico, el cual llega unos años más tarde a la Argentina, trayendo la ideología de la vuelta al orden clásico de la arquitectura grecorromana. Este movimiento surge en el y se extiende hasta el XIX, atravesando la revolución ante los españoles. El apogeo del neoclásico continúa luego de la caída del virreinato, ya que adopta esta cultura europea, es en este entonces que comienza la construcción de por ejemplo, el primer Teatro Colón, utilizando el hierro en su cubierta, material que medía el avance de un pueblo. Es importante mencionar los inicios de este estilo en Argentina, ya que se extienden a lo largo de la historia, podría decirse que en Buenos Aires, muchos edificios siguen este estilo, el cual va a prevalecer a lo largo de muchos siglos, manteniendo de alguna forma sus influencias europeas.


title: Arquitectura de Argentina

text: De la época de la Colonia han quedado valiosos edificios; la Manzana Jesuítica en la ciudad de Córdoba; la Manzana de las Luces en la Ciudad de Buenos Aires; Los Cabildos de ciudades como el Cabildo de la ciudad de Córdoba, Luján (Buenos Aires), el Cabildo de la Ciudad de Buenos Aires; la Casa de Tucumán (o Casa de la Independencia, la cual, como la Recova de Buenos Aires, es un ejemplo del estilo tardocolonial español); iglesias de los siglos XVI, XVII y XVIII en distintas partes del país; casas en los cascos antiguos, etc.


title: Arquitectura de Argentina

text: Aunque muchos crean que el enorme palacio de Juan Manuel de Rosas en la (entonces estancia de San Benito de Palermo era de estilo colonial, lo cual hizo reafirmar a Domingo Faustino Sarmiento que hasta 1853 pudiendo haber tenido Rosas un palacio versallesco solo se contentó con proseguir la influencia de la “atrasada” España) en realidad ya evidenciaba con líneas severas y simples el influjo de la arquitectura italiana.


title: Arquitectura de Argentina

text: Luego de la reunificación argentina, y apaciguadas las luchas fratricidas, comenzó a mirarse con aprecio a la arquitectura europea no española, especialmente la italiana (como se observa en la Casa Rosada) y la francesa, en el segundo caso se destacó Pierre Benoît. Desde 1853 a 1880 se destacó un estilo particular de Argentina, denominado italianizante que fusionaba la antigua arquitectura colonial con estilos clásicos, de ella quedan centenares de exponentes a lo largo y ancho del país.


title: Arquitectura de Argentina

text: Tras la batalla de Caseros en 1853 no solo hubo una premura de pintar de verde todo lo que antes estaba pintado de colorado (rojo)...faroles, puertas, ventanas, etc. ya que el rojo punzó era un símbolo del derrotado Partido Federal, sino que atinadamente se buscó darle un aspecto lo más europeo no hispanocolonial a las principales ciudades y de éstas a la ciudad de Buenos Aires (que entonces abarcaba aproximadamente la décima parte del actual territorio del área urbanizada de la ciudad de Buenos Aires).


title: Arquitectura de Argentina

text: Desde los 1860 se destaca el trabajo de los maestros mayores de obras, muchos de ellos italianos, que construyeron numerosamente viviendas en las principales ciudades argentinas, para las familias de la incipiente clase media fue típica la llamada casa chorizo llamada así porque dentro de una manzana edilicia tal tipo de vivienda, teniendo casi siempre un pequeño jardín delantero y casi absolutamente siempre un extenso jardín trasero (que solía servir de gallinero y huerta hogareña), uniendo tales jardines poseía un relativamente largo pasillo al cual daban longitudinalemte las principales «piezas» (cuartos) e incluso (bastante separados el uno de la otra) el baño (de pozo ciego) y la cocina hogareña adyacente a un salón comedor para una familia numerosa.


title: Arquitectura de Argentina

text: A partir de 1880 comienzan a prosperar los movimientos academicistas, eclécticos e historicistas como las obras realizadas por el argentino Pedro Benoit (hijo del francés Pierre Benoît). Paralelamente en ese mismo período el estilo art nouveau se desarrolló en distintas ciudades del país, encontrándose hoy en casi todas las grandes ciudades como Buenos Aires, Rosario, ciudad de Córdoba, Tucumán, Mendoza entre otras ciudades grandes, medianas y pequeñas; miles de obras; siendo este estilo uno de los más abundantes. De fines del data la construcción de la Avenida de Mayo en la Capital Federal, la cual comenzó a abrirse en 1889 y fue inaugurada en 1894, la Avenida de Mayo -cuyos edificios originales indudablemente poseían grandes valores arquitectónicos bellepoquianos- tuvo sin embargo ciertos hechos contradictorios en su construcción: se demolió gran parte del Cabildo de Buenos Aires y totalmente la Recova de la Plaza de Mayo porque según las opiniones de entonces, tales edificios de tal valor histórico recordaban a la época de la colonia española, del mismo modo fueron demolidos la entonces moderna Aduana Nueva o Aduana Taylor y el primer edificio del Teatro Colón. Ya en 1910 el célebre periodista viajero francés Jules Huret se sorprendía por la velocidad con que se construían edificios y se demolían otros en la ciudad de Buenos Aires (la arquitectura en Argentina ha sufrido y sufre las destrucciones de edificios valiosos en «aras del progreso» que muchas veces es un mero pretexto para la especulación inmobiliaria como ocurrió en los 1990 con la demolición del histórico Teatro Odeón y aún se prosigue en gran parte de la ciudad de Buenos Aires).


title: Arquitectura de Argentina

text: De fines de s. XIX uno de los capitales «productos» fue la ciudad de La Plata, con edificios clasicistas bellepoquianos como el destruido (tras la segunda mitad de los 1970) edificio original del Teatro Argentino de La Plata y el inicio de la neogótica Catedral de La Plata debida en gran parte a Pedro Benoit, la ciudad de La Plata es llamada "la ciudad de las diagonales" por influjo del París planeado por el barón de Haussmann, en la ciudad de Buenos Aires se inició también una muy lograda réplica del París hausmanniano al construirse avenidas diagonales que parten desde el oeste de la Plaza de Mayo (Diagonal Norte y Diagonal Sur), el proyecto inicial planteaba construir más diagonales en el centro de la ciudad de Buenos Aires.


title: Arquitectura de Argentina

text: ...Paralelamente, en el barrio de La Boca y en su inmediata (solo el Riachuelo es la cesura y a la vez el elemento geográfico que les une) ciudad de Avellaneda se construían conventillos de chapa acalanada para ser inquilinatos en los que se alojaban inmigrantes europeos; Benito Quinquela Martín, con un criterio popular-vanguardista fue uno de los artistas dotados de gran intuición y sentido estético a quienes se le ocurrió pintar abigarradamente (inicialmente con las pinturas antióxido que sobraban de los barcos) a los pobres conventillos de La Boca transformándolos visual y urbanísticamente en obras de arte.


title: Arquitectura de Argentina

text: En la década de 1880 el gobierno liberal conservador liderado por Julio Argentino Roca, alcanzaba su apogeo en una nación unificada y dirigida por una élite con un control económico y político sin precedentes, se expandía la actividad industrial, crecían las exportaciones y se acentuaban las diferencias entre el estancamiento económico del interior del país y el avance de la zona portuaria de Buenos Aires. En este año, se sanciona en el Congreso la ley por la cual Buenos Aires se convierte en la Capital Federal de la Argentina.


title: Arquitectura de Argentina

text: Era una ciudad chata, densa en el centro, con un trazado de calles regulares cortado por alguna plaza pública; sin desagües y con un limitado servicio de agua potable, que contrastaba con algunos suntuosos edificios privados, religiosos y públicos de estilo renacentista italiano.


title: Arquitectura de Argentina

text: La ciudad de Buenos Aires absorbió el mayor número de inmigrantes entre 1871 y 1887, el número de personas por casa pasó de cerca de 8 a cerca de 13 personas.


title: Arquitectura de Argentina

text: La mayoría de las casas de la ciudad en 1887 se destinaban a viviendas o a viviendas con un comercio adosado al frente, tenían una sola planta, una de cada 3 estaba alumbrada a gas y una de cada 5 estaba conectada al servicio de agua corriente, el resto extraían el agua de los pozos y algunas contaban con aljibes. La mayoría se ubicaba en los barrios inmediatos al antiguo centro, como Balvanera, El Pilar, El Socorro, La Boca y San Cristóbal, la típica casa de la ciudad tenía entre 3 y 6 piezas, pero también había casas con 11 a 15 piezas.


title: Arquitectura de Argentina

text: A principios de 1870 la ciudad de Buenos Aires fue afectada por una epidemia de cólera y al año siguiente por una de fiebre amarilla, lo que hizo que las familias más adineradas emigraran desde el Sur de la Plaza de Mayo, donde quedaban sus viejas casonas coloniales de una sola planta, con sucesivos patios rodeados de habitaciones, hacia el Norte de Avenida Rivadavia, donde la alta burguesía se instaló en casas de 2 o 3 pisos tipo petit-hotel.


title: Arquitectura de Argentina

text: Esas grandes casonas del sur fueron abandonadas, o alquiladas por piezas, y en ambos casos su destino fue el conventillo, casi la única opción disponible para la creciente masa migratoria.


title: Arquitectura de Argentina

text: Constituyeron la respuesta del sector privado a la demanda de la vivienda de los sectores con bajos ingresos. Eran casas heredadas del modelo de la casa española e italiana del Mediterráneo, algunas de estilo italianizante, mantenían el patio como centro de la vida familiar y su número definía la categoría de la vivienda. Al primer patio daban la sala y el comedor, al segundo los dormitorios, y al tercero (si lo había) los servicios y se usaba como huerto.


title: Arquitectura de Argentina

text: Según el censo de 1887 vivían en conventillos el 28,7% de la población, hasta 41 personas por conventillo, más de la mitad eran extranjeros y predominaban los varones.


title: Arquitectura de Argentina

text: El trazado original de Buenos Aires, como muchas otras ciudades coloniales hispanoamericanas, era el damero, un trazado que no se modificó ya que sus manzanas cuadradas e idénticas se prestaban a una división interna que permitía un máximo aprovechamiento de los frentes a la calle, favoreciendo las pretensiones de los especuladores.


title: Arquitectura de Argentina

text: Las dos principales figuras que impulsaron la transformación de Buenos Aires, fueron el intendente Torcuato de Alvear y su colaborador el arquitecto Juan Antonio Buschiazzo, quienes intentaron mejorarla con conocimientos y modelos utilizados en las ciudades europeas.


title: Arquitectura de Argentina

text: Dos fueron los proyectos de la administración de Alvear que cambiaron la imagen física del centro de la ciudad, la remodelación de la Plaza de Mayo y la apertura de una avenida que partiendo de la Plaza se dirigía hacia el oeste y debía culminar en una gran plaza y un edificio público. La construcción de la Avenida de Mayo trajo varios pleitos de expropiación, pero luego incorporó a la ciudad su primer boulevard que pronto se convirtió en un lugar de paseo y de intensa actividad comercial, comparado con un boulevard de París, era algo que enorgullecía a la élite porteña.


title: Arquitectura de Argentina

text: Para la clase alta fueron prioritarias las necesidades de una ciudad moderna, por lo tanto el embellecimiento tomado del modelo europeo, definió su transformación. La amenaza de epidemias hizo que se construyeran cloacas y redes de agua corriente. Se construyeron edificios públicos, como el depósito de agua de la Avenida Córdoba y Paraguay, el Departamento Central de Policía y la Casa de Gobierno, se proyectaron el Palacio de Justicia, el Teatro Municipal y el Palacio para el Congreso. Se expandió la red de tranvías, y los ferrocarriles unían a Buenos Aires con las principales ciudades del país, se construyeron escuelas y nuevas facultades en la Universidad de Buenos Aires.


title: Arquitectura de Argentina

text: Entre 1880 y principios del , la imagen urbana de Buenos Aires se transformó radicalmente. La antigua Gran Aldea de mediados del perdió sus rasgos coloniales, con la incorporación de nuevos edificios gubernamentales y privados que seguían los modelos estilísticos europeo. De inspiración italiana, francesa y más adelante ecléctica, lo nuevo dejaba atrás los estilos coloniales y neoclásicos de principio del , para transformar a Buenos Aires en «la París de América del Sur».


title: Arquitectura de Argentina

text: Las influencias italianas y francesas aumentaron después de la Guerra de Independencia Argentina a principios del , aunque el estilo académico se mantuvo hasta las primeras décadas del . Los intentos de renovación se llevaron a cabo durante la segunda mitad del y principios del , cuando las tendencias europeas penetraron en el país, lo cual se refleja en numerosos y valiosos edificios importantes de Buenos Aires, como en el singular neogótico alemán de la Iglesia de Santa Felicitas en el barrio porteño de Barracas diseñada por Ernesto Bunge; El Palacio del Correo central y el Palacio de Justicia de la ciudad de Buenos Aires obras de Norbert Maillart; y el Congreso Nacional y la segunda y actual sede del Teatro Colón obras debidas principalmente a Vittorio Meano o las obras debidas a Alejandro Christophersen.


title: Arquitectura de Argentina

text: La arquitectura de la primera mitad del continuó la adaptación francesa de arquitectura neoclásica, como la sede principal del Banco de la Nación Argentina en el microcentro de la ciudad de Buenos Aires, y el Gran Hotel Provincial de la ciudad de Mar del Plata, construido por Alejandro Bustillo (la ciudad de Mar del Plata hasta mediados de estaba exornada por una majestuosa rambla de estilo "art nouveau", pero ésta como el Pabellón de las Industrias (construido en 1871) en la ciudad de Córdoba o el Pabellón Argentino (1890) han sido destruidos como otras muchas valiosas edificaciones argentinas de la "Belle Époque".


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text: En la ciudad de Santa Fe, los principales responsables del cambio arquitectónico dado principalmente entre 1930-1955, fueron los Técnicos Constructores Nacionales, egresados de la Escuela Industrial Superior, dependiente de la Universidad Nacional del Litoral.


title: Arquitectura de Argentina

text: Entre los más destacados se encuentran los Técnicos Constructores Pedro Abbatte, José Tonelli y Orlando Oviddi.


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text: Tonelli (1892-1946) fue el primero en incursionar en los diseños Europeos en la ciudad de Santa Fe, con obras racionalistas que se destacaban de la arquitectura tradicional que presentaba la ciudad.


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text: Numerosos arquitectos argentinos han enriquecido paisajes urbanos de su propio país, y en las últimas décadas, los de todo el mundo. Juan Antonio Buschiazzo ayudó a popularizar la arquitectura "Beaux-Arts", y Francisco Gianotti ha combinado el art nouveau con detalles del estilo italianizante añadiendo un toque especial a las ciudades argentinas durante las primeras décadas del destacándose entre sus obras la Galería Güemes y la Confitería del Molino. Francisco Salamone y Viktor Sulcic dejaron un valioso legado de "art déco", mientras -casi coetáneo a ellos- Alejandro Bustillo creó una prolífica arquitectura racionalista.


title: Arquitectura de Argentina

text: Tanto en Buenos Aires como en la casi totalidad del territorio argentino (si se exceptúa por ahora al Sector Antártico Argentino) pueden encontrarse edificios de notable belleza, como el Palacio de las Aguas Corrientes (típico estilo "art nouveau" pletórico de estilo ecléctico), la Catedral de Salta (estilo colonial español con retoques neoclásicos), la Facultad de Derecho de la Universidad de Buenos Aires (estilo monumental de mediados del ), el Palacio Barolo (como el Mercado de Abasto se trata de una joya del "art déco" en Argentina), el Monumento a la Bandera (Rosario) de estilo monumental con muy sobrios detalles "art déco", la Casa de Gobierno de Tucumán en San Miguel de Tucumán (un ejemplo del eclecticismo bellepoquiano), el Hotel Llao-Llao (San Carlos de Bariloche), de estilo neoalpino (lo mismo que el Centro Cívico de Bariloche), la Iglesia de San Francisco en la ciudad de Salta, entre otros.


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text: Entre los más célebres representantes de la arquitectura del s.XX corresponde mencionar a Jorge Ferrari Hardoy, Juan Kurchan, Teresa Bielus, Mario José Buschiazzo, Carmen Córdova, Delfina Gálvez Bunge de Williams, Martha Levisman, Flora Manteola, César Pelli, Alberto Prebisch, Josefa Santos, Odilia Suárez, Clorindo Testa, Olga Wainstein y Amancio Williams.


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text: En el urbanismo se deben citar a Jorge Ferrari Hardoy, Juan Kurchan, Itala Fulvia Villa, Ernesto Vautier, Sergio Fernández Pico, Eduardo Sarrailh, Odilia Suárez, Godofredo Cecio, Debora Di Veroli, Juan Duprat, José Manuel Felipe Pastor, entre otros.


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text: Especialmente en paisajismo se destaca señeramente la obra del francés nacionalizado argentino Carlos Thays quien hizo sus grandes aportes a su patria adoptiva desde fines del s. XIX.


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text: Las influencias italianas y francesas se incrementaron después de la independencia (1810 a 1816), aunque el estilo academicista persistió hasta bien entrado el . Los intentos de renovación, no obstante, se sucedieron durante la segunda mitad del y principios del , cuando las tendencias europeas penetraron en el país plasmándose de diversos edificios de Buenos Aires, como la iglesia de Santa Felicitas, obra de Ernesto Bunge; el Palacio de Justicia, el Palacio del Congreso de la Nación Argentina y el Teatro Colón, todos ellos de Víctor Meano.


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text: A principios del , todavía se continuaban edificando modelos neoclásicos y eclecticistas de procedencia francesa y europea occidental en general, como la casa central del Banco de la Nación Argentina ubicado en el casco histórico de la Ciudad de Buenos Aires ante la fachada noreste de la italianizante Casa Rosada, la casa central del BNA fue construida por Alejandro Bustillo. Otros valiosos edificios que se conservan de la Argentina bellepoquiana son el Palacio de Aguas Corrientes, el Palacio San Martín, el Palacio Pizzurno (que luego de ser residencia privada pasó a ser ex sede del Consejo Nacional de Educación), el nuevo edificio del Teatro Colón, la Casa de Gobierno de Tucumán, el Palacio Barolo (aunque el Palacio Barolo como la Confitería del Molino o la Galería Güemes ya tienen muestras de la arquitectura de los 1920 en donde predominaba el "Art Déco") y el estilo neocolonial hispanicista que se refleja en el Teatro Nacional Cervantes y en el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco diseñado por de Martín Noel entre otros edificios. Así muchos otros valiosos edificios de Argentina reflejaron a la Belle Époque y a los casi consecuentes años locos de los 1920 en las ciudades de Buenos Aires, La Plata, Rosario, Córdoba (en esta última el neoclasicismo se destaca en el Palacio de Justicia y en gran parte del recientemente demolido, para hacer adocenados PH, barrio de Nueva Córdoba, como lo fuera la Mansión de los Medina Allende o el bello núcleo original de Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Caraffa o la sede principal del Teatro del Libertador); pero, desde la década de 1930 la influencia de Le Corbusier y en menor medida de la Bauhaus y el racionalismo europeo se consolidó en un grupo de jóvenes arquitectos en la Universidad de Buenos Aires, entre los que se destacó Amancio Williams, posteriormente considerado uno de los más importantes de la primera mitad del .Gracias a la influencia que ejerció esa nueva ola de arquitectos y a los avances técnicos fundamentales como el hormigón y el acero, los nuevos edificios se empezaron a alejar de las ornamentaciones mal llamadas barrocas para buscar la simplicidad de sus formas, priorizando la lógica y el funcionalismo constructivo.


title: Arquitectura de Argentina

text: Entre los factores principales del rápido crecimiento en las zonas urbanas, es el de la inmigración principalmente europea forzada a establecerse indecorosamente en los principales centros urbanos; en particular, los de Buenos Aires, Córdoba, Mendoza y Rosario: en efecto, mientras que presidencias como las del sanjuanino Domingo Faustino Sarmiento y la del tucumano Nicolás Avellaneda intentaron propiciar la inmigración masiva de agricultores y agricultoras europeos del norte y centro de Europa (en esto siguiendo al modelo exitoso en los Estados Unidos) para poblar los extensos y fértiles campos de Argentina, lo concreto fue que los «intereses creados» se repartieron las mejores tierras y solo permitieron en las zonas más ricas el establecimiento de pobres arrendatarios europeos que debían pagarles con gran parte del rédito de su producción a los megalatifundistas supuestamente «argentinos» como los Martínez de Hoz y otros autodenominados «patricios», esta especie de neofeudalismo en un país que desde 1810 (y esto ratificado en 1853) se había declarado libre y democrático hizo que los chacareros dieran muestra de la injusticia que sufrían con el llamado Grito de Alcorta en 1912.


title: Arquitectura de Argentina

text: De modo que a diferencia de lo que ocurrió en EUA y Canadá la mayor parte de las tierras productivas quedaron bajo el poder de terratenientes absentistas lo cual forzó a que gran parte de los trabajadores en la agricultura intensiva (muchos de ellos italianos y españoles) debieran luego de algunas cosechas o volver a sus empobrecidos países de origen o emigrar a otros países o reconcentrarse (con mucha inanidad y en anomia) en la ciudad de Buenos Aires, o en las ciudades de Rosario y Córdoba, o en las ciudades de San Miguel de Tucumán y de Mendoza y, luego más difusamente en otras ciudades o en zonas como ciertas áreas rurales de Entre Ríos, Misiones, Río Negro, etc. Esto provocó en muchos de los argentinos y argentinas de primera y más generaciones un cierto desapego respecto a su País (Argentina) al en gran medida desconocerle... no se puede amar lo que se desconoce (... aún es frecuente que un porteño tenga más vistas agradables y «amigables» — y esto potenciado mediante mass media como la Tv o la Internet— de cualquier lugar de los EUA o de Europa Occidental que de su propio País [Argentina] ) y que muchas veces no se sienta (junto a los otros argentinos) con-dueño de su Patria.


title: Arquitectura de Argentina

text: En todo caso el elevado índice de urbanización, mayormente con población de origen europeo, que desde la primera mitad del s. XX caracteriza a la Argentina le hace un país étnicamente y culturalmente muy singular en toda América: durante décadas (y con mucho de cierto entre los 1990 y, por lo menos hasta mediados de los 1990, se dice que «Argentina es una gran ínsula europea en Iberoamérica», esto quiere decir que predomina una cultura europea o de origen europeo en la inmensa mayoría de sus rasgos culturales: desde cuestiones tan estructurales como el idioma, las religiones, las creencias, la gastronomía, las costumbres, la arquitectura popular, la narrativa, y en general casi todo tipo de arte y rasgo cultural, etc.


title: Arquitectura de Argentina

text: A partir de los 1930 la clase media emergente supo vivir (muchas veces solo durante las prolongadas vacaciones) en "chalets" (chalés) que aún mantenían visos de la arquitectura normanda y otras influencias precedentes, de tal síntesis surge el Estilo Mar del Plata.


title: Arquitectura de Argentina

text: En gran medida inspirado en el Estilo Mar del Plata y el Estilo Misión a fines de los 1940 y en todos los 1950 se destacan las viviendas hogareñas de clase media recién emergente, los: chalets californianos.


title: Arquitectura de Argentina

text: Un detalle conspicuo de la urbanización en Argentina fue la ciudad de Buenos Aires la cual aproximadamente a partir de los 1860 se fue destacando una arquitectura de tipo parisina en sus barrios elegantes, esto se reforzó tras la peste del cólera en los 1870, tras tal tragedia gran parte de la "clase alta" se mudó a los barrios de la «Zona Norte» de la ciudad de Buenos Aires y su conurbano: Recoleta, Palermo, El Retiro, Barrio Norte, Belgrano, los "suburbios elegantes" de San Isidro, Olivos o Adrogué, etc. En tales barrios prosperó en esa época una arquitectura bellepoquiana eclécticista en la cual predominaron los influjos franceses con petits hôtels (muchos de ellos estaban techados con mansardas), chalets normandos con tracería a la vista y techados a dos aguas de tejas (muchas veces las tejas eran de pizarra), o edificios modern stile y art-nouveau, seguidos por los influjos ingleses estilos Reina Ana y Tudor; los interiores de las viviendas de clase alta y media alta de los barrios citados solían estar exornados con mayólicas, azulejos, escalones de mármol de Carrara, boiseries, pisos de marquetería o "parqué"), claraboyas avitraladas, vitrales, lámparas del tipo tulipa o del tipo "araña" con caireles (estas últimas aunque fueran modestas y solo se instalaran pendiendo de los sófitos o cielorrasos de la sala principal que luego derivó a ser el "living"), a veces poseían áticos bajo mansardas rematados con cúpulas como las que caracterizaban a todo el trayecto de la Avenida de Mayo o altillos cubiertos por mansardas. Por este motivo la ciudad de Buenos Aires recibió el apodo de «La París del Sur», pero este riquísimo patrimonio cultural fue malbaratado a partir de los 1960 y en su mayor parte ha sido demolido y sigue siendo demolido por la especulación inmobiliaria y la reventa en subasta, casi siempre al exterior, de esculturas, lámparas, artísticas rejas y verjas, etc.


title: Arquitectura de Argentina

text: En 1929 el suizofrancés Le Corbusier visitó a la Argentina y, de la ciudad de Buenos Aires hizo una observación que pareciera haber pasado inadvertida por lo obvia: la ciudad de Buenos Aires le da la espalda al inmediato gran Río de la Plata. ¿A qué se debía y debe esta notoria anomalía urbanística?, en primer lugar a una razón natural durante siglos la relativamente baja costa rioplatense de la ciudad de Buenos Aires hacía poco atractivo el edificar sobre la "costa natural-original" del Río de la Plata en su banda occidental, aunque existían barrancas altas como las de Belgrano, las Puntas de Buenos Aires luego de Lezama, etc. Pero las zonas altas de la costa porteña fueron "copadas" o monopolizadas por empresas (inicialmente mercaderes de esclavos) de modo que en lugar de poblar de viviendas y monumentos a la costa porteña rioplatense la misma fue transformada en una zona portuaria casi interdicta a la gente de la ciudad. El mismo Le Corbusier fue el primero en idear y proyectar en 1929 una aeroisla o aeropuerto porteño sobre una isla artificial, tal proyecto fue perfeccionado por Amancio Williams pero nunca llevado a cabo... En lugar de realizarse tal aeroisla se cometió el llamado aeroparque el cual además de resultar una barrera más para la gente a acceder a la costa de su ciudad, resultó en un alto doble impacto ecológico: por una parte destruyó a todo un ecosistema vegetal y zoológico natural y por el otro, tal aeroparque, contamina (principalmente de modo acústico) a las muchas viviendas cercanas con sus estruendosos ruidos de turborreactores e incluso accidentes.


title: Arquitectura de Argentina

text: Los antecedentes de la arquitectura "racionalista" que luego derivaría en la masiva "arquitectura" de estilo internacional aparecen en los 1930, destacándose entonces el Edificio del Ministerio de Obras Públicas con pocas notorias esculturas aún "Art déco" debidas a José Hortal construido en 1932 y el Edificio Kavanagh construido en 1936, siendo el segundo un edificio de "rentas" o departamentos. Aunque en estos predomina la arquitectura racionalista poseen sin embargo detalles (relieves, relativamente pequeñas esculturas) del "art déco".


title: Arquitectura de Argentina

text: Entre octubre de 1937 y 1938 Jorge Ferrari Hardoy y Juan Kurchan desarrollaron, bajo la dirección de Le Corbusier, las ideas para un Plan Director para Buenos Aires. Trabajaron en el mismo durante más de un año hasta que los rumores de la segunda guerra mundial los hizo emprender su regreso. De todos modos retomarían el proyecto años más tarde, bajo la dirección del mismo Le Corbusier en 1947.


title: Arquitectura de Argentina

text: En septiembre de 1938 los arquitectos Antonio Bonet, Jorge Ferrari Hardoy y Juan Kurchan, junto a Juan A. Lepera, Abel López Chas, Luis Olezza, Alejandro Vera Barros, Samuel Sánchez de Bustamante, Itala Fulvia Villa, Hilario Zalba y Simón Ungar, forman el primer núcleo del Grupo Austral. Este grupo fue un colectivo de arquitectos que ejerció una gran influencia en el panorama de la arquitectura y el diseño latinoamericanos a partir de los años 30, tanto a través de sus obras y diseños como por sus publicaciones. En junio de 1939 publicaron el manifiesto del Grupo bajo el título Voluntad y Acción, en el que defendían la superposición de algunos valores del surrealismo a la formación racionalista de los arquitectos, e incorporaban las necesidades psicológicas del individuo al funcionalismo estricto del movimiento moderno. Este manifiesto expone su postura frente a la arquitectura y su esfuerzo por establecer una continuidad con el paisaje, las técnicas y los materiales de cada zona. Desgraciadamente, durante la década del 40 el Grupo Austral, se irá disolviendo informalmente de a poco. Este, que fue el referente del movimiento moderno nacional e internacional, aún no ha logrado poseer el reconocimiento que merece, teniendo en cuenta su importancia dentro la escena de la arquitectura moderna argentina.


title: Arquitectura de Argentina

text: En 1941 los arquitectos Kurchan y Ferrari Hardoy se asociaron formando un estudio que fue el responsable de obras de vanguardia, como los departamentos transformables de O'Higgins 2319, la cual sirvió como ensayo de un conjunto de principios que se realizaron plenamente en el edificio de vivienda colectiva "Los eucaliptos" en la calle Virrey del Pino 2446 (1941/1943), las viviendas unifamiliares de Conesa 1182 y las de Rivadavia 613, todas en Buenos Aires.


title: Arquitectura de Argentina

text: Pese a ese gran movimiento técnico e intelectual protagonizado por los promotores del Movimiento Moderno en la Argentina, y debido también a un Código de Construcción de la Ciudad de Buenos Aires que lo permitía y propiciaba, la construcción de edificios de propiedad horizontal dentro del estilo internacional abunda en la misma desde los años 1930 y de un modo masivo y monótono desde fines de los 1960.


title: Arquitectura de Argentina

text: El brutalismo se puso de moda en los 1960 y 1970 aunque solo se refleja en pocos edificios como en el Banco de Londres realizado en 1967 por Peralta Ramos, Alfredo Agostini, Clorindo Testa y Sánchez Elía, en las décadas siguientes. En la ciudad de Córdoba (Argentina) desde los 1970 se produjo una masiva innovación con modernos edificios de varias plantas (o pisos) en los cuales se supo (pese al abaratamiento de costos exigido por los especuladores contratistas inmobiliarios) lograr algún detalle interesante como el logrado por el Togo José Ignacio Díaz quien le supo dar un toque singular “colorado” a la zona reedificada de Nueva Córdoba con edificios revestidos de ladrillos vistos, en cuanto al arquitecto cordobés Miguel Ángel Roca al mismo se deben detalles limpios-elegantes y modernos o contemporáneos (especialmente en los 1970-80), por ejemplo al darle un aspecto interesante a la Peatonal 9 de Julio del microcentro de la ciudad de Córdoba (calle hecha peatonal a fines de los 1960 antes de los aportes de Roca; la primera calle peatonal cordobesa fue la primera calle oficial y estrictamente peatonal en toda Argentina).


title: Arquitectura de Argentina

text: Como se ha señalado, la mayor parte del singular y riquísimo en valor arquitectónico patrimonio argentino viene siendo malbaratado, rematado y demolido a partir de los 1960 -todavía en los 1970 al visitante europeo le solía llamar la atención la mezcla de estilos bellepoquianos y modernosos que podían darse en varias manzanas de la ciudad de Buenos Aires, otro detalle que suele llamar la atención es la evidente presencia de grandes fachadas medianeras completamente lisas o, desde los 1990 pintadas a modo de carteles de propaganda comercial-, y sobre todo a partir de la segunda mitad de los 1970 (y tal proceso persiste en barrios como Caballito o Núñez), substituyéndose la rica arquitectura «europeizante» por una masiva construcción de edificios de departamentos o PH con prácticamente nulo valor arquitectónico ya que lo que cuenta en su construcción (tras la demolición de los palacetes, mansiones, caserones y casonas bellepoquianos) es sacar el mayor rédito posible por m² al menor costo para las empresas inmobiliarias, destruyéndose de este modo un rico patrimonio cultural argentino hacinando a la población argentina en unos pocos cientos de km² (esto apenas se ve levemente compensado por la construcción de "countries" y barrios privados o las torres caras pero insulsas de Puerto Madero (solo parece merecer relevancia la depurada "cristalina" Torre YPF diseñado por el tucumano César Pelli, unas pocas edificaciones para gente de elevado poder adquisitivo en zonas bastante alejadas de los centros urbanos (hasta aproximadamente 50 km), el edificio de la Comunidad Amijai en Belgrano que ganó varios premios de arquitectura o, en el caso de Puerto Madero, una muy pequeña área costanera de la ciudad de Buenos Aires que implícitamente está cerrada por barreras arquitectónicas (los antiguos "docks" del antiguo Puerto Madero) y jurisdiccionales, todo esto siguiendo el modelo de latinoamericanización cultural como se puede observar en la favelización de grandes sectores de las ciudades al estar siendo construidas gran cantidad de villas miserias y otros asentamientos informales ).


title: Arquitectura de Argentina

text: En este ya muy prolongado periodo de "La Crisis (económica y cultural) argentina" que dura desde fines de los 1960 y se ha reacentuado en los 1970 y 1990 y en el tercer lustro del actual s.XXI algunos pocos arquitectos argentinos de la época han logrado crear obras de genuino mérito: el ya citado meritorio ítaloargentino Clorindo Testa por ejemplo, entre los arquitectos más valiosos y mundialmente renombrados de este periodo se menciona al tucumano César Pelli.


title: Arquitectura de Argentina

text: En lo que va del s.XXI se ha proseguido con la construcción en las tres principales ciudades argentinas (Buenos Aires, Córdoba, Rosario) de edificios dentro del conjunto de estilos englobados con el nombre de estilo internacional algunos de ellos llamados “rascacielos”, como la Torre Le Parc diseñada por Mario Roberto Álvarez; las Torres El Faro y las Renoir. en el interior del país se encuentran en construcción las torres Dolfines Guaraní en la ciudad de Rosario y las Torres Capitalinas en la ciudad de Córdoba. En la actualidad se fomenta la arquitectura sustentable en todo el mundo, y como todas las modas, se trae a Argentina también. Esto comienza como un nuevo movimiento sustentable que se propaga a lo largo del país, con arquitectos jóvenes y diseñadores que promueven nuevas tecnologías para lograr estos objetivos. Es así como surgen nuevas formas espaciales, generando sistemas de climatización con refrigerantes ecológicos, la bioconstrucción es cada vez más utilizada para lograr edificios que convivan con su entorno. Argentina va en esta dirección, creando edificios modernos y amigables con el medioambiente, como ejemplo tenemos la nueva Sede de Gobierno porteño, un edificio de Norman Foster and Partners, el Complejo Educativo de Barrio Parque Donado del estudio GMS+B+V, entre otros. Argentina se vuelve de a poco un país con arquitectura sustentable, la cual es la nueva modernidad.


title: Tramoya

text: La tramoya es el conjunto de máquinas e instrumentos con los que se efectúan, durante la representación teatral, los cambios de decorado y los efectos especiales. En su origen, designaba a una sola máquina empleada para las transformaciones mágicas de los actores y del decorado Coloquialmente ha llegado a usarse como sinónimo de teatro o "mundo del teatro".


title: Tramoya

text: Se llama tramoyista o "maquinista" al especialista que atiende las tareas y el manejo de tramoyas en el espacio escénico.


title: Tramoya

text: En los teatros de la Grecia Antigua la maquinaria se ocultaba en las alas de la skené, entre el pórtico y la orchesta. Entre los recursos de tramoya estaban: las "periaktas" (pequeñas pirámides decoradas que giraban sobre un eje); primitivos sistemas de grúa para hacer descender y ascender a los dioses; plataformas de madera móviles, para transportar decorados; máquinas de truenos; telones pintados para crear diferentes fondos de escenario; estatuas de atrezzo y juegos de antorchas para simular rayos y otros fenómenos.


title: Tramoya

text: Los romanos, infatigables ingenieros, desarrollaron todo tipo de recursos de tramoya con un realismo muy superior al del teatro griego y mayor juego de elementos tridimensionales. Incorporaron al espectáculo distintas fantasías acuáticas, desde simples fuentes a piscinas donde se desarrollaban combates con naves y otras 'maravillas'.


title: Tramoya

text: Con la Edad Media, los efectos de tramoya alcanzaron verdadero protagonismo en las representaciones: complicados juegos con poleas, plataformas movibles, trucos y estructuras (como monstruos y demonios que abrían y cerraban sus fauces), admiraban al público no sólo en los "misterios" religiosos, sino también en puestas en escena de diversos temas profanos.


title: Tramoya

text: Los humanistas italianos incorporaron los juegos de perspectiva y profundidad con decorados pintados en fuga, aumentando el número de bastidores ("aforando") e inclinando el suelo del escenario; también introdujeron el "telón de boca" (ese gran lienzo que en el teatro tradicional cae y se levanta y se cierra y se abre separando al público del desarrollo del espectáculo sobre el escenario).


title: Tramoya

text: El teatro del Siglo de Oro reforzó tímidamente los juegos de poleas y el sistema de escotillones (para hacer aparecer y desaparecer a los actores). Entre los curiosos objetos empleados como escenografía había montañas y rocas, grandes "carras", proas o popas, y una estructura giratoria llamada "bofetón".


title: Tramoya

text: Pero la gran aportación del "teatro a la italiana" al espacio escénico llegó con el torreón de tramoya o Torre de Escenario, una estructura diáfana capaz de albergar galerías de trabajo en distintos niveles, y zonas reservadas a la maquinaria del "telar" y el "peine". Otra de las ventajas del "torreón de tramoya" fue el aprovechamiento combinado de los recursos del suelo del escenario, el foso y el contrafoso.


title: Tramoya

text: En el siglo XVIII, la tramoya fue esencial en subgéneros teatrales tan populares como las comedias de magia, usándose complicadas maquinarias de poleas, grúas y trampas para hacer flotar, volar o desaparecer a los actores de la trama. Otro paraíso de los tramoyistas fueron las comedias heroicas, y su aparatosa tramoya y escenografía (edificios trucados que se derrumban, incendios, desfiles, batallas, cañonazos, heridas, bombas, pólvora, duelos a espada).


title: Tramoya

text: En la segunda mitad del siglo XVIII y a lo largo del siglo XIX, se amplían las posibilidades de los tramoyistas gracias al aprovechamiento y desarrollo teatral de las sombras chinescas y a inventos como la linterna mágica y otros recursos de efectos ópticos.


title: Tramoya

text: Los avances técnicos, la robótica y la revolución cibernética han distorsionado el objetivo original de la tramoya, sin dejar de alimentarlo: los escenarios múltiples sincronizados y giratorios, el uso de pantallas móviles, las sofisticadas innovaciones en efectos de sonido e iluminación, la aplicación de recursos escenográficos derivados de otras artes como el vídeo, el cine y la televisión, han convertido el arte de la tramoya en un inmenso holograma, que continúa creciendo. Quizá el ejemplo más plástico y universal de la puesta en práctica de la suma de los nuevos recursos escénicos son las ceremonias de apertura y clausura de unos juegos olímpicos.


title: Presa Chicoasén

text: La Presa Chicoasén, oficialmente Central Hidroeléctrica Manuel Moreno Torres, es la presa hidroeléctrica más alta del continente americano, la séptima más alta del mundo, y la mayor central productora de energía hidroeléctrica de México.


title: Presa Chicoasén

text: Esta majestuosa obra de ingeniería, se ubica al final del parque nacional Cañón del Sumidero en el cauce del Río Grijalva, a 41 km al noroeste de la ciudad de Tuxtla Gutiérrez, Chiapas. Tiene su nombre por el ingeniero Manuel Moreno Torres, ex director general de la Comisión Federal de Electricidad.


title: Presa Chicoasén

text: La planta hidroeléctrica inició su construcción el 15 de diciembre de 1974, y concluyó el 1 de mayo de 1980. Tiene una potencia instalada de 2,400 megawatts y un embalse con capacidad de 1,376 hectómetros cúbicos de agua. Su cortina mide 261 metros de altura, siendo con esto la presa más alta del continente americano y una de la . La construcción de esta central estuvo a cargo de la Comisión Federal de Electricidad y fue asignada a Ingenieros Civiles Asociados.


title: Presa Chicoasén

text: Dada la ubicación geográfica, el complejo Chicoasén fue construido en un extremo del Cañón del Sumidero, mismo que en algunas partes tiene profundidades de más de mil metros, con un desnivel hidráulico de 225 m. La cortina se construyó en el medio de un gran cañón con altas paredes formadas por piedras calizas arenosas y estratos cubiertos de arcilla.


title: Presa Chicoasén

text: En 2014, la CFE anunció la realización de una segunda presa de menor tamaño aguas abajo, la Presa Chicoasén II, en la zona denominada "La Cuevita", entre la Presa Chicoasén y el embalse de la Presa Malpaso. Su producción sería de 591 megawatts al año.


title: Presa Chicoasén

text: Tras su anuncio e inicio de construcción, ocurrieron oposiciones sociales a potenciales poblaciones y pobladores afectados, debido a las 180 hectáreas que se inundarían, muchas de ellas pertenecientes a indígenas zoques. El representante legal de dichos campesinos y activista opositor, Arturo Ortega, fue aprehendido por la policía en el contexto de esta oposición. Además de este movimiento, se suscitaron conflictos laborales y sindicales.


title: Albert Luque

text: Albert Luque Martos (Tarrasa, Barcelona, España, 11 de marzo de 1978) es un exfutbolista español retirado en 2011. Jugaba tanto de delantero como de extremo zurdo. Actualmente se ha incorporado a formar parte del proyecto de la nueva RFEF pasando a integrar el Gabinete de Presidencia de esta entidad para reforzar la proyección institucional de la misma, a partir de enero de 2023 será el director deportivo de la Selección de Fútbol de España en sustitución de José Francisco Molina.


title: Albert Luque

text: Este jugador de fútbol catalán se formó en el CD Can Parellada (Tarrasa) donde jugó en su niñez. Consiguió su fichaje por el FC Barcelona y, posteriormente, en la del RCD Mallorca. Su debut en Primera División lo hizo con el club balear en 1998. La temporada siguiente estuvo cedido en el Málaga Club de Fútbol donde apenas jugó por la gran competencia allí existente con otros delanteros como Catanha, Edgar y Darío Silva, aunque fue dejando detalles de lo que a la postre llegaría a ser. Al volver al RCD Mallorca en la temporada 2000-01, marcó 10 goles que ayudaron al equipo a quedar terceros y clasificarse por primera vez en su historia para la previa de la Champions League. Luque realizó dos grandes temporadas, compartiendo punta con Samuel Eto'o y explotando como futbolista. Luque entró en la historia del Mallorca al marcar en la prórroga ante el Hajduk Split el gol decisivo que dio el pase al equipo a la fase de grupos de la Champions.


title: Albert Luque

text: En 2002, tras las dos grandes temporadas en el Mallorca, fue traspasado al Deportivo de La Coruña, club en el que también marcó goles importantes en la Champions League ante el Rosenborg BK, Juventus de Turín o AC Milan e hizo una dupla de oro con Diego Tristán, con el que ya había compartido delantera en el Mallorca B años atrás, y con el que ya había mantenido una controvertida relación. Su gran experiencia con el Deportivo le valió para fichar por el Newcastle United por algo más de 15 millones de euros, uno de los fichajes nacionales más caros de la historia en ese momento, en el año 2005. Sin embargo, no tuvo mucha fortuna y las lesiones no le respetaron.


title: Albert Luque

text: En verano de 2007 el Ajax de Ámsterdam se hace con sus servicios. Tras una temporada en el equipo holandés, se marchó cedido por un año al Málaga Club de Fútbol en el verano de 2008, club en el que había jugado ocho años antes. Tras una fantástica temporada en el club malaguista, en la que se ganó el sobrenombre de ""El Torero"" por su celebración del "capotazo", Luque consiquió desvincularse del Ajax de Ámsterdam y firmó con el Málaga C.F. para las próximas tres temporadas. El 4 de enero de 2011 rescindió su contrato con el Málaga dado que el entrenador, Manuel Pellegrini, no contaba con él, habiendo sólo jugado 85 minutos en su última temporada en el club malaguista. En octubre de 2014 fue protagonista de una polémica en el campo de deportes de Hospitalet en el que se encaró con la directiva del club de fútbol Lleida.


title: Albert Luque

text: Su debut se produjo el 12 de junio de 2002 en un partido en el que España jugó contra Sudáfrica en Daejeon (Corea del Sur), en el Mundial de Fútbol de 2002, disputado en Corea del Sur y Japón.


title: Men.com

text: Men.com es una productora de pornografía gay y bisexual. Publica sus contenidos en internet y pertenece a la compañía MindGeek, dueña del monopolio de la pornografía por internet. Muchos actores han pasado por la productora, entre los que destacan Bobby Clark, Landon Conrad, Rocco Reed, Paddy O'Brian, Johnny Rapid, Diego Sans y Roman Todd, entre otros.


title: Men.com

text: Saltó a la fama en el 2014 con una parodia pornográfica gay de la serie "Game of Thrones". Desde entonces, el sitio ha estado haciendo parodias de películas exitosas, especialmente de superhéroes.


title: Men.com

text: Desde octubre de 2015, con la serie ""Stealth Fuckers"" (""Folladores cautelosos"", en español), Men.com comenzó a introducir personajes femeninos en roles no sexuales, creando controversia sobre si las actrices o mujeres en general pertenecen a la pornografía gay. En enero de 2018, Men.com estrenó una controvertida escena que incluía sexo heterosexual, creando así una categoría de "porno bisexual".


title: Men.com

text: En agosto de 2018, Men.com estrenó su primera escena con sexo bisexual MMF (Male, Male, Female (por sus siglas en inglés); "Hombre, Hombre, Mujer" en español), titulada "The Challenge" ("El reto", en español), creando más controversia sobre si este tipo de pornografía pertenecía en un sitio gay. El sitio defendió su escena con el siguiente comunicado:


title: Men.com

text: Arad Winwin, la estrella de la escena y quien se identifica como un hombre gay, se enfrentó a críticas de los fanes por actuar en la escena, algunos inluso acusándole de ser heterosexual, o haberse "convertido" en heterosexual o bisexual. Winwin le comentó al sitio "Str8UpGayPorn" que:


title: Men.com

text: En febrero de 2019, Men.com estrenó ""He's Always Hard for Me"" (""siempre está duro para mí"", en español), la primera del sitio presentando a un hombre transgénero, el actor Luke Hudson, y Dante Colle. En abril, una segunda escena con un hombre transgénero fue estrenada. Algunos fanes se han quejado de la presencia de estos actores en el sitio. Zachary Sires, periodista líder en la escena pornográfica gay, defendió la decisión del sitio como un "movimiento inteligente" que "podría extender el alcance y audiencia de Men.com, que a su vez podría generar mayor tolerancia de hombres transgénero entre la comunidad".


title: Men.com

text: A partir de marzo de 2019, Men.com no presentará más contenido bisexual. Después de que la escena de Arad Winwin "dejara a muchos fans enojados y en completo shock", la compañía MindGeek decidió crear un estudio independiente enfocado en pornografía bisexual, llamado ""WhyNotBi.com"".


title: Men.com

text: En enero de 2015, en medio de diversos escándalos por el mal comportamiento y rebeldía criminal del artista Justin Bieber, el sitio publicó un vídeo a través de su canal oficial de YouTube, donde aparece su actor más famoso, Johnny Rapid, ofreciendo dos millones de dólares estadounidenses por grabar una escena con él.


title: Men.com

text: En julio de 2017, una línea de diálogo de la escena ""Private Lessons, Part 3"" (después renombrada como ""Right in Front of My Salad""), protagonizada por Jaxton Wheeler y Jake Porter, se convirtió rápidamente en un meme de internet.La escena muestra a una mujer cenando antes de darse cuenta de que el cocinero está teniendo sexo con su esposo en la cocina y exclama: "Are you guys fucking? Right in front of my salad?!". El meme "right in front of salad" se usa en respuesta a una publicación que es repugnante o indecorosa.


title: Men.com

text: En un video publicado en Youtube, por el actor Kaleb Stryker reveló que el cantante Shawn Mendes es uno de los términos más buscados en el sitio web de la productora men.com en 2019 . En un momento, dice: "What do you think about us giving people what they want?", además de pedirle públicamente permiso al cantante canadiense para hacer escenas donde él interpretaría a Shawn.


title: Kosovare Asllani

text: Kosovare Asllani (Kristianstad, Escania, Suecia, 29 de julio de 1989), también conocida como Kosse, es una futbolista sueca que juega como delantera en la Associazione Calcio Milan de la Serie A de Italia desde la temporada 2022-23.


title: Kosovare Asllani

text: Internacional absoluta con la , es doble medallista olímpica tras conseguir dos platas en los Juegos Olímpicos de 2016 y 2021 en Río de Janeiro y Tokio respectivamente, además de una medalla de bronce en el Mundial de Francia 2019.


title: Kosovare Asllani

text: De ascendencia albano-kosovar, nació en Kristianstad, Suecia, a donde sus padres emigraron. Asllani creció jugando fútbol americano y hockey sobre hielo, pero optó por enfocar su talento en el fútbol. A la edad de 15 años, Asllani comenzó su carrera en el Vimmerby IF de la Segunda División sueca. Allí anotó 49 goles en 48 partidos, y se convirtió en un prodigio del fútbol femenino mientras que la exentrenadora Cecilia Wilhelmsson alabó su depurada técnica. Después de recibir ofertas de muchos clubes, Asllani optó por recalar en el Linköpings Fotboll Club de la Primera División en 2007, donde mostró una rápida adaptación.


title: Kosovare Asllani

text: Durante la primera temporada de Asllani, se desprendió rápido del banquillo de suplentes a principio de temporada, lo que la ayudó a establecerse dentro de la Damallsvenskan. La temporada siguiente, Asllani se estableció como titular habitual y fue un miembro cada vez más valioso de la plantilla. En 2009 ayudó al club Linköping a ganar tanto la Svenska Cupen como el primer título de la Damallsvenskan del club. El 4 de diciembre de 2009, el club Chicago Red Stars de la WPS confirmó el traspaso de Asllani del Linköpings FC a modo de préstamo.


title: Kosovare Asllani

text: Asllani pasó una temporada en la WPS. Se estableció como favorita de los fanes, en la séptima semana de la temporada, Asllani recibió el premio "jugador de la semana" de la WPS tras la derrota del Chicago Red Stars contra el FC Gold Pride. Después de su temporada con las "estrellas rojas", Asllani regresó a Suecia con el Linköping FC.


title: Kosovare Asllani

text: La presencia de Asllani se impulsó en el Linköping FC, sobre todo en la Liga de Campeones de la UEFA femenina. Anotó goles en contra el Sparta Praha y el Arsenal. Sin embargo, su temporada fue interrumpida por una lesión en el muslo y ella salió del Linköping FC al final de la campaña.


title: Kosovare Asllani

text: En diciembre de 2011, se mudó a su ciudad natal para jugar con el Kristianstads DFF, el cual había terminado séptimo en la Damallsvenskan del año anterior.


title: Kosovare Asllani

text: Cuando Asllani tenía un mes en su contrato con el Kristianstads DFF, el París Saint-Germain intentó ficharla, pero los clubes estaban en disputa sobre el precio de transferencia. En septiembre de 2012, Asllani voló a París y firmó un contrato de dos años con el club, fue presentada con el París Saint-Germain a los medios de comunicación por el director deportivo, Leonardo, y el jugador Zlatan Ibrahimović, que declaró: "Si esperas ganar, necesitas un delantero sueco." Asllani anotó 17 goles en sus 19 partidos en la temporada 2012-13 de la primera división femenina, donde el PSG terminó en segundo lugar de la tabla de posiciones detrás del Olympique de Lyon.