title: Nube de hongo

text: Una nube de hongo u hongo nuclear es una nube con forma de hongo de humo, llamas o escombros que se forma a causa de una gran explosión. Se asocian normalmente con las explosiones nucleares, pero las erupciones volcánicas y la colisión de pequeños cuerpos celestes como meteoros o cometas contra la Tierra pueden producir nubes de hongo naturales.


title: Nube de hongo

text: Las nubes de hongo se forman como resultado de la aparición de una gran masa de gases de baja densidad cerca del suelo, creando una inestabilidad de Rayleigh-Taylor. La masa de gases se eleva rápidamente, lo que resulta en vórtices turbulentos girando hacia abajo sobre sus ejes y succionando una columna de humo y escombros en el centro formando su "tallo". La masa gaseosa acaba alcanzando una altura en la que es más densa que el aire circundante y se dispersa. Los escombros, por tanto son succionados del suelo, dispersados y elevados hasta grandes alturas, desde donde caen.


title: Nube de hongo

text: Las mayores nubes de hongo jamás fotografiadas fueron consecuencia del impacto de fragmentos del cometa Shoemaker-Levy 9 sobre el planeta Júpiter, algunas de las cuales se elevaron cientos de kilómetros sobre las capas nubosas.


title: Nube de hongo

text: Aunque el término "nube de hongo" parece haber sido acuñado a principios de la década de 1950, las nubes de hongo generadas por explosiones habían sido descritas antes de la era atómica. Por ejemplo, "The Times" publicó un reportaje el 1 de octubre de 1937 sobre un ataque japonés en Shanghái que generó "un gran hongo de humo". Durante la Segunda Guerra Mundial se hicieron relativamente comunes las descripciones de nubes de hongo.


title: Nube de hongo

text: Las descripciones originales de las pruebas nucleares de la Prueba Trinity contenían muchas asociaciones diferentes con la nube que se formó tras la explosión, incluyendo una "nube emergente multicolor", una "columna gigante", una "columna con forma de chimenea", una "columna con forma de cúpula", el "parasol", el "gran embudo", "geyser" e incluso "una frambuesa". Enrico Fermi describió la explosión como «un enorme pilar de humo con una cabeza expandida como un hongo gigantesco».


title: Nube de hongo

text: La bomba atómica que cubrió Nagasaki fue descrita en "The Times" del 13 de agosto de 1945 como un "enorme hongo de humo y polvo". El 9 de septiembre de 1945 el "New York Times" publicó un testimonio ocular del bombardeo de Nagasaki, escrito por William L. Laurence, el corresponsal oficial del Proyecto Manhattan, que acompañaba a uno de los tres aviones que realizaron el bombardeo. Escribió que la bomba produjo un "pilar de fuego púrpura" del que surgió "un hongo gigante que incrementó la altura del pilar hasta una altura de 45000 pies (13716m)" (un fenómeno similar puede observarse en la fotografía de la nube de la bomba de Nagasaki mostrada anteriormente).


title: Nube de hongo

text: En 1946, la Operación Crossroads realizó pruebas nucleares en las que se describieron bombas de "coliflor", pero un periodista allí presente también habló de "el hongo, el símbolo común de la era atómica". Los hongos se han asociado tradicionalmente con la vida y la muerte, la comida y el envenenamiento, convirtiéndoles en un símbolo más poderoso que la nube de "coliflor".


title: Nube de hongo

text: Las nubes de hongo se forman en muchos tipos diferentes de explosiones, aunque se las asocie sobre todo con las detonaciones nucleares. Las nubes de hongo resultado de las armas nucleares se detonan normalmente sobre el suelo (no en el impacto, pues harían un enorme agujero en el suelo) para buscar el máximo efecto. Tras la detonación, la bola de fuego se eleva en el aire, regida por los mismos principios que los globos aerostáticos


title: Nube de hongo

text: Mientras se eleva, el aire va penetrando en dirección ascendente, produciendo unas fuertes corrientes de aire, mientras que dentro de la cabeza de la nube los gases rotan en un toroide. Cuando la detonación es suficientemente baja las corrientes de aire succionan también polvo y escombros del suelo, formando el tallo de la nube de hongo.


title: Nube de hongo

text: Las detonaciones producidas sobre el suelo no crean nubes de hongo. Las cabezas de las nubes consisten en partículas altamente radiactivas y otros productos de la fisión, y normalmente son dispersadas por el viento, aunque algunas condiciones climáticas (especialmente la lluvia) pueden producir contaminación nuclear.


title: Nube de hongo

text: Las detonaciones bajo el suelo o bajo el agua no producen nubes de hongo, pues la explosión vaporiza enormes cantidades de tierra y agua.


title: Nube de hongo

text: Las nubes de hongo a menudo están acompañadas de nubes de vapor efímeras, creadas por la onda expansiva, causando una caída súbita en la temperatura del aire circundante, haciendo que el vapor de agua del aire se condense alrededor de la explosión.


title: Aspecto físico y personalidad de Wolfgang Amadeus Mozart

text: El aspecto físico y la personalidad de Wolfgang Amadeus Mozart son objeto de múltiples investigaciones en la actualidad. El hecho de que no se hayan podido exhumar los restos de Mozart, debido a que se desconoce el punto exacto en el que se localiza la tumba comunitaria en que fue enterrado, ni se conserven máscaras o moldes mortuorios, confiere cierto grado de incertidumbre a la apariencia física del compositor. Aunque existe un supuesto cráneo de Mozart, su autenticidad, más que cuestionable, no se ha podido verificar hasta la fecha. Este cráneo ha sido sometido a diversas pruebas de ADN, comparándolo con los de sus supuestas sobrina y abuela materna, pero no solo encontraron que el ADN del primero no coincidía con los de sus dos familiares, sino que los de ellas tampoco concordaban entre sí. Asimismo, se ha preservado un presunto mechón de su pelo, también de dudosa legitimidad. No obstante, existen fuentes y referencias fidedignas que atañen tanto a su aspecto e indumentaria como a su personalidad. Esta información se concreta en obras plásticas, descripciones y testimonios de la época, que permiten hacerse una idea más o menos acertada de cómo era Mozart física y psicológicamente.


text: En relación con su indumentaria y efectos personales, recientes estudios basados en documentos como la Orden de Suspensión redactada tras su muerte o el registro de los recibos de compra de trajes, han contribuido mucho a esclarecer los gustos de Mozart en lo que concierne a la ropa.


text: En cuanto a su personalidad, el conocimiento de la misma se debe, fundamentalmente, a las descripciones de sus contemporáneos que se han conservado, así como al análisis de la amplia correspondencia personal del compositor.


text: Como escribió Franz Xaver Niemetschek, uno de sus primeros biógrafos, «no había nada especial en [su] físico. [...] Era pequeño y su semblante, excepto sus ojos grandes e intensos, no mostraba ningún signo de su genio».


text: Mozart fue descrito por el tenor Michael Kelly, actor y cantante irlandés de la Ópera de Viena, en su obra "Reminiscences". Esta aporta una de las descripciones más valiosas y completas de la figura de Mozart:


text: De los testimonios directos del físico del compositor, diversos especialistas en la vida de Mozart concluyen que era un hombre de poca estatura (medía 152 cm, aproximadamente), muy delgado y pálido. De su corta altura da fe el diario del conde Ludwig von Bentheim-Steinfurt, aristócrata contemporáneo de Mozart que asistió a uno de sus conciertos, celebrado el 15 de octubre en el Teatro Municipal de Viena, en el que Mozart interpretó varias piezas. En la entrada correspondiente al 15 de octubre, el conde afirma que «el señor Mozart es un hombre pequeño, de figura agradable». De su palidez, su corta estatura y su delgadez testifican, asimismo, unos comentarios redactados en 1792 por Maria Anna Mozart, la hermana de Wolfgang, para la futura biografía de Friedrich Schlichtegroll:


text: Presentaba un rostro corriente, que estaba marcado por las cicatrices de la viruela que padeció en su infancia, y en el que resaltaba una gran nariz. Sus ojos eran grandes y claros (al parecer, de color azul intenso) y lucía una abundante y espesa cabellera, de cabello fino y color trigueño, recogido en una cola. Sus manos eran de mediano tamaño, con dedos largos y finos, y su boca era pequeña. A la oreja izquierda de Mozart le faltaba la circunvolución usual o concha (esta rara malformación congénita se conoce ahora en la literatura médica con el nombre de «oreja de Mozart»; véase la imagen del margen).


text: Era bastante torpe en la manipulación de objetos, tanto más cuanto menor fuese el tamaño de estos, y no podía parar de juguetear o tamborilear las manos cuando hablaba con alguien o cuando comía: su cuerpo siempre estaba en movimiento.


text: Por su lado, Constanze escribió más tarde que «era un tenor, bastante suave en la oratoria y delicado en el canto, pero cuando algo lo excitaba, o era necesario esforzarse, era tan poderoso como enérgico».


text: Dada su complexión delgada y débil, Mozart fue ya desde los seis años de edad una persona que padeció numerosas enfermedades a lo largo de su vida, las cuales fueron deteriorando paulatinamente su salud hasta desembocar en su prematura muerte, cuando contaba treinta y cinco años. Así, contrajo una infección estreptocócica en las vías superiores en 1762, más adelante padeció un eritema nudoso que el doctor Peter J. Davies, del Hospital St. Vincent de Melbourne (Australia), considera de probable origen estreptocócico. Ese mismo año, contrajo una nueva infección estreptocócica y sufrió un leve ataque de fiebre reumática. En 1764, sufrió una amigdalitis, y en 1765 la contrajo de nuevo, en este caso complicada con sinusitis. A finales de ese año, sufrió una fiebre tifoidea endémica que lo llevó a un estado de coma, al año siguiente padeció un nuevo ataque de fiebre reumática. En 1767, contrajo la viruela, tres años después sufriría una congelación durante sus viajes por Italia, y en 1771 padeció una traqueobronquitis con ictericia. Tres años más tarde, sufrió un absceso dental agudo, y cuatro años después, padeció una bronquitis.


text: A los veinticinco años de edad, en 1781, contrajo una infección viral, pero fue en 1784 cuando padeció una grave enfermedad en Viena, cuyos síntomas son cólicos terribles que acababan en vómitos violentos, y fiebre reumática inflamatoria, que pudieron originar una enfermedad renal crónica. Se considera que en esta infección se encuentran los orígenes de su muerte siete años más tarde. En 1787, Mozart «volvió a contraer una infección estreptocócica que originó una segunda aparición del síndrome de Schönlein-Henoch; además, sus riñones, ya en mal estado, quedaron aún más dañados».


text: En la actualidad, existen más de sesenta retratos y representaciones pictóricas de toda índole de Mozart, a pesar de que buena parte de ellas presentan escasa fidelidad al modelo.


text: Arthur Hutchings manifestó su punto de vista acerca de la contradicción que ofrece la oposición que se da entre la ingente cantidad de obras plásticas que representan al genio y el escaso valor iconográfico de las mismas mediante la sentencia: «Demasiadas imágenes». Por su parte, Alfred Einstein, también especialista en Mozart, expresó su opinión acerca de estos retratos en las siguientes declaraciones:


text: A excepción del artista francés Jean-Baptiste Greuze, ningún otro pintor relevante acometió la empresa de reproducir fielmente el físico de Mozart. Por otra parte, una de las características del siglo XVIII en lo que a pintura se refiere fue precisamente, aunque solo en algunas escuelas, la falta de fidelidad hacia los rasgos del modelo reproducido.


text: Estas declaraciones llevaron a los musicólogos e historiadores del arte a emprender un riguroso análisis de todas las pinturas, bocetos, dibujos, camafeos y grabados del compositor que existían. La conclusión de esta labor fue de que tan solo ocho obras plásticas, todas ellas de interés desigual, fueron elaboradas por autores que conocieron directamente a Mozart, o bien mediante bocetos tomados de dibujos realizados del natural. A partir de esta selección, las «pinturas biográficas» de Mozart se han publicado con más cuidado, siguiendo, por lo general, los criterios surgidos a raíz de ese análisis.


text: De esta forma, parece oportuno señalar una relación de autores, contemporáneos al compositor, que firmaron retratos poco rigurosos de Mozart: Pompeo Girolamo Battoni, François Joseph Bosio, Breitkopf, Joseph Duplessis, Nicolò Grassi, Jean-Baptiste Greuze, Klass, Langernhöffel, Rigaud, Saint-Aubin, Van Smissen, Thelott, Tischbein, Johann Zoffany. No obstante, el estudio de estos retratos puede resultar interesante, ya que, aun no siendo fieles a los rasgos físicos del compositor, aportan importantes datos iconográficos, ya sobre instrumentos musicales, ya sobre otras personalidades que en ellos figuran.


text: A toda la anterior lista de autores, entre los que se encuentran algunos grandes nombres de la pintura, cabe añadir a todos los artistas del siglo XIX que representaron a Mozart, como Hermann von Kaulbach (cuyo retrato del compositor se reproduce en el margen izquierdo) o Shields, que ofrecen una visión puramente romántica y poco rigurosa del aspecto físico del genio de Salzburgo. De esta afirmación cabría excluir el retrato realizado por Barbara Krafft en 1819 ya que, a pesar de haber sido pintado casi treinta años después de la muerte del compositor, se considera una de sus representaciones más fieles. Esto se debe a que Krafft se basó en retratos hechos en vida de Mozart y considerados por la hermana del compositor como de gran parecido con el genio. Así, Krafft tomó como modelos el retrato de familia de Della Croce (1780-1781) y el óleo inacabado de Joseph Lange (1789-1790, reproducido en el margen derecho), que le fueron facilitados por la propia hermana de Mozart, en Salzburgo.


text: Al margen de todo estudio iconográfico, los conocimientos actuales acerca de la similitud de los retratos con respecto a la figura de Mozart se basan más bien en opiniones que supongan una fuente fiable, como, por ejemplo, el testimonio y las descripciones de alguno de sus amigos, de su esposa o de su hijo mayor, Karl Thomas Mozart.


text: Finalmente, cabe mencionar que el retrato de Mozart realizado por su cuñado, Joseph Lange (hacia el año 1789) es considerado actualmente como la representación más fiel del compositor (representado en el margen derecho). Lange era el marido de la hermana mayor de Constanze, Aloysia Weber, y trabajaba como actor en el Burgtheater de Viena. A pesar de ser tan solo un aficionado a la pintura, su obra fue considerada por Constanze como el mejor de todos los retratos de su marido, afirmando:


text: Maria Anna Mozart, hermana del compositor, también admitió que el parecido del retrato con el modelo era asombroso.


text: A Mozart, al igual que a Constanze, le gustaba la ropa elegante, y siempre vestía a la última moda y con vestidos caros, independientemente de cuál fuera su situación económica. Esto era así, en parte, por ser un hombre que concedía mucha importancia a la apariencia externa.


text: Mozart tenía una intensa actividad social, que incluía obligaciones como las de aparecer en las funciones de la corte, visitar los elegantes salones de personas como Johann Tost y el canciller de la corte Greiner, y frecuentar los círculos y recepciones cortesanas de Praga en su calidad de "Hofcompositeur". Su esposa asistía a muchos de estos acontecimientos; esto significa que los Mozart tenían que ir bien vestidos, y el cabello de Mozart requería una atención constante. En cuanto a este último punto, se conserva el testimonio directo de su peluquero, "herr" Haderlein:


text: El musicólogo Bernhard Paumgartner (1991) cree que Mozart no solo concedió importancia a su aspecto por razones sociales, sino también porque sufría una falta de cualidades físicas. Se dice que el actor Backhaus lo tomó por un oficial de sastre, y al poeta Johann Ludwig Tieck, que lo vio en Berlín en el mes de mayo de 1789, merodeando inquieto por los atriles de una sala vacía y oscura en la que iba a representarse "El rapto del serrallo" (KV 384), le pareció un hombre de figura trivial. También el sociólogo judeo-alemán Norbert Elias (2002) incide en la insignificancia de su aspecto, aunque señala que su semblante resulta amable y humanamente grato.


text: No existe ningún dato sobre cómo vestía Constanze Mozart, pero sí se conoce cómo era la indumentaria de su marido en 1791, gracias a la Orden de Suspensión redactada en diciembre de ese mismo año, tras la muerte del genio. Este documento posee un inventario de su ropa y efectos personales:


text: Un vestuario semejante era el que podría tener un comerciante acomodado: se trata de ropa cara y lujosa. Kelly lo recordó en un ensayo de la siguiente forma:


text: El vestuario de Mozart parece haber sido comprado según la última moda; según H. C. Robbins Landon, musicólogo y especialista en la vida y obra de Mozart, probablemente tuvo que adquirir ropa elegante para los festejos de la coronación de Fráncfort, para asistir a los conciertos públicos y recepciones privadas. El siguiente extracto de un periódico coetáneo da una idea de la moda del momento:


text: Tras la muerte del compositor, sus bienes se tasaron en 595 florines y 9 "kreutzer", de los que 55 florines correspondían a vestuario y ropa interior. Entre las deudas pendientes (que sumaban 918 florines y 16 "kreutzer") había tres facturas considerables entre las que se encontraba la de un sastre, a quien debía 282 florines y 7 "kreutzer".


text: Como alegan numerosos testimonios de la época, el rasgo más característico de la personalidad de Mozart era su optimismo. Cuando el matrimonio de músicos y editores ingleses Vincent y Mary Novello se entrevistaron con Constanze en 1829 y le preguntaron por el carácter de su marido, ella respondió sin vacilar: «Siempre estaba alegre».


text: La mayoría de los investigadores apuntan a que Mozart presentaba un carácter infantil y aniñado e, incluso, un poco irresponsable, que le llevaba, a veces, a tomar decisiones impulsivas. Esta idea se ve apoyada en un texto redactado en 1792 por Maria Anna Mozart, hermana de Wolfgang, para la futura biografía de Friedrich Schlichtegroll:


text: Mozart también fue descrito por sus contemporáneos como un hombre hospitalario, generoso, celoso de su propio genio y adicto al trabajo. Por otra parte, tenía una gran autoestima y, en ocasiones, podría resultar un tanto orgulloso. A pesar de no estar dotado de una gran fuerza psicológica, llegó hasta sus últimos días con una entereza sorprendente en todos los aspectos. Era extrovertido, sociable e inconformista, puesto que se negaba a aceptar el «estatus» de sirvientes que tenían los músicos en la época, lo que le ocasionó no pocos problemas en el transcurso de su existencia.


text: Sobre este inconformismo social del que Mozart hizo gala a lo largo de su vida cabe citar la ruptura con el que había sido su mecenas y protector desde la infancia, Hieronymus von Colloredo, Príncipe-arzobispo de Salzburgo, quien gozaba de una excelente relación con el padre del compositor. Mozart nunca dejó de ser músico en la corte arzobispal de Salzburgo de forma oficial. Debido a su espíritu alegre y cosmopolita, el compositor se fue distanciando progresivamente del arzobispo, quien lo consideraba «un joven insolente». Colloredo lo hizo llamar a Viena en 1781 para lanzarle un ultimátum por su irresponsable actitud; Mozart llegó a la ciudad para reunirse con él el día 16 de marzo. En este encuentro, tuvo lugar un duro enfrentamiento entre ambos, que desembocó en la presentación de una carta de renuncia por parte de Mozart, y concluyó con la célebre «patada de despedida» que el conde Arco, miembro de la corte arzobispal, le propinó a Mozart en el trasero. El arzobispo, consciente de la valía de Mozart como compositor, se negó a firmar la carta de renuncia que este le había presentado, lo que convirtió a Mozart durante el resto de sus días en un vasallo huido, condición peligrosa en la Europa del siglo XVIII.


text: Leopold se sentía profundamente preocupado por el temor a perder su salario, ya que Wolfgang le escribió encolerizado enumerándole las numerosas represalias que pensaba llevar a cabo contra el conde. Se trata de una carta muy interesante, en tanto que muestra la faceta más reivindicativa de Mozart, muy vinculada con el espíritu de la Ilustración:


text: En realidad, los temores de Leopold eran infundados, ya que Mozart era un hombre de carácter pacífico, tranquilo y amable; era poco dado a la violencia, y solo en sus escritos afloran rasgos de venganza física.


text: Por lo general, Mozart trabajaba durante mucho tiempo y con energía, terminando composiciones a un gran ritmo debido a los ajustados plazos. A menudo hacía bosquejos y esbozos aunque, a diferencia de Ludwig van Beethoven, no se han conservado, ya que Constanze los destruyó después de su muerte. Con respecto a sus propias composiciones, Mozart solía juzgarlas con imparcialidad, y a menudo con una severidad y rigor que no habría soportado fácilmente de otro.


text: En cuanto a la gestión del dinero, Mozart era bastante despreocupado, pero no tanto como afirma la creencia popular. No obstante, esta actitud le llevó a gastarlo en ocasiones de forma excesiva, y a depender durante varios años de los préstamos que le hacían algunos amigos, especialmente Johann Michael Puchberg. Por otra parte, y desde que se instaló en Viena, Mozart vivió largos periodos de tiempo en los que no poseía un salario fijo. En cierta ocasión, en un viaje que el compositor hizo a Berlín, el rey Federico Guillermo II de Prusia le propuso tres mil escudos de honorarios si deseaba instalarse en su corte y encargarse de la dirección de su orquesta. Mozart rechazó la propuesta, replicando: «Me gusta vivir en Viena; el emperador me quiere, y el dinero me importa poco». Los editores de música y empresarios de teatro abusaron del conocido desinterés de Mozart por el dinero, hasta tal punto que la mayor parte de no le produjeron nada. Asimismo, las representaciones de las óperas de Mozart en Alemania le reportaron fama, pero no dinero, debido a la inexistencia de «derechos de representación»; y los editores alemanes podían reimprimir a su antojo la música de Mozart sin consultarle, ya que tampoco existía una ley de propiedad intelectual.


text: Fue criado según la moral católica, pero sin coacción ni trabas espirituales que pudieran desviar la libre iniciativa del genio. Fue un miembro leal de la Iglesia católica en todas las etapas de su vida, a pesar de pertenecer a la francmasonería durante los últimos siete años de su vida. Esto era posible debido a que en la época de Mozart, la francmasonería se consideraba una prolongación ilustrada de las creencias cristianas, de modo que ser católico y masón no era excluyente, sino perfectamente compatible.


text: Mozart era una persona culta e ilustrada, que dominaba cuatro lenguas (alemán, italiano, francés e inglés, y tenía conocimientos avanzados de latín), experimentaba un profundo interés por la lectura, especialmente por la literatura de William Shakespeare, y se sentía atraído por las Bellas Artes (parece ser que en algún momento cogió los lápices y pinceles). El propio Leopold Mozart se sentía muy orgulloso de la educación que había proporcionado a su hijo, jactándose de que Wolfgang había recibido una cultura más sólida que los muchachos que acudían a la célebre Escuela Imperial de Viena, donde se formaron los hermanos Haydn y Schubert, escuela cuya formación incluía una esmerada enseñanza del latín y de la música, tanto en el campo instrumental como en el vocal. Arthur Hutchings, musicólogo y especialista en la vida y la obra de Mozart, afirma que el genio recibió una educación bastante completa, siendo idónea al menos en el ámbito musical: el pequeño Mozart halló diversión en la música.


text: Poseía una gran habilidad para el manejo de las lenguas y para las matemáticas (especialmente, el álgebra), su materia favorita en la infancia. Por otra parte, tenía oído absoluto, cualidad innata muy valiosa en música, así como una prodigiosa memoria fotográfica y auditiva, que le permitía retener las ideas en su cabeza durante años. De estas dos cualidades da testimonio la célebre anécdota del "Miserere" de Gregorio Allegri: esta musicalización del salmo cincuenta, uno de los mejores ejemplos del estilo polifónico renacentista italiano, se interpretaba dos veces cada Semana Santa, una el Miércoles Santo y otra el Viernes Santo, en la Capilla Sixtina. Considerada patrimonio del Vaticano, se prohibía tajantemente la ejecución de la obra fuera de la Capilla, bajo pena de excomunión para quien la copiara. Sin embargo, en su viaje a Italia en la Semana Santa de 1770, Mozart asistió con su padre a la interpretación del "Miserere" del miércoles en la Capilla Sixtina, y se propuso retenerlo de memoria. Así, cuando esa noche regresó a la fonda donde se hospedaba, lo puso por escrito. Dos días después, el viernes, volvió a presenciar la interpretación de la obra y, disimulando el manuscrito en el sombrero, pudo hacer algunas correcciones. Al llegar la proeza a oídos del papa Clemente XIV, este no solo no excomulgó a Mozart, que entonces tenía catorce años de edad, sino que decidió galardonarlo nombrándolo caballero de la Orden de la Espuela de Oro en su primer grado.


text: Mozart vivió en el centro del mundo musical vienés y conocía a un gran número y variedad de gente: compañeros músicos, intérpretes teatrales, amigos que como él se habían mudado desde Salzburgo y muchos aristócratas, incluyendo algún conocido del emperador José II de Austria. Contó con numerosos amigos entre los intelectuales, y asistía asiduamente a las veladas celebradas en los salones de las familias señaladas en las que se daban cita artistas y pensadores; sin embargo, su presencia en tales reuniones fue haciéndose cada vez más esporádica a medida que su vinculación con la masonería se estrechaba.


text: Solomon considera que los tres amigos más cercanos al compositor pudieron haber sido Gottfried Janequin, el conde August Hatzfeld y Sigmund Barisani. Muchos otros incluyeron entre sus amistades a su viejo colega Joseph Haydn, los cantantes Franz Xaver Gerl y Benedikt Schack y el trompa Joseph Leutgeb. Leutgeb y Mozart mantuvieron un curioso tipo de burlas amistosas, a menudo con Leutgeb siendo el objeto de las bromas pesadas de Mozart.


text: Disfrutaba jugando al billar, posiblemente porque era una forma de hacer ejercicio. También le encantaba el baile, especialmente las fiestas de disfraces, a las que siempre acudía disfrazado de arlequín. Tenía varios animales domésticos: un canario, un estornino, un perro y también un caballo para equitación lúdica. No hay ni el más mínimo indicio de que Mozart se dedicara al juego (excepto el billar o las partidas caseras de cartas, con apuestas pequeñas), y desde luego no iba a los famosos garitos vieneses, ya que, entre otras cosas, su poder adquisitivo no lo permitía. Le agradaba tomar café en taza, así como fumar en pipa, pero con moderación.


text: Especialmente en su juventud, Mozart sentía una especial predilección por el humor escatológico, no tan insólito en su tiempo, que se aprecia en muchas de sus cartas que han sobrevivido, especialmente aquellas escritas a su prima Maria Anna Thekla Mozart (alrededor de 1777 y 1778), pero también en la correspondencia con su hermana Nannerl y sus padres. Mozart incluso escribió música escatológica, como el canon "Leck mich im Arsch" KV 231 (literalmente «Lámeme el culo», a veces idiomáticamente traducido como «Bésame el culo» o «Atáscate»).


text: Como puede desprenderse de un texto escrito por el propio Mozart, su programa diario en 1782 era el siguiente:


text: Meses después de redactar este escrito, Mozart contrajo matrimonio con Constanze Weber; por tanto, su rutina sufrió ciertas modificaciones desde ese momento. No obstante, y según recogen diversas entradas de su diario posteriores al enlace matrimonial, la vida diaria de Mozart como casado presentaba una organización bastante similar, incluyendo algunas actividades nuevas, como los paseos a caballo por la mañana temprano, y las partidas de billar con su esposa por la tarde.


text: Por lo general, Mozart trabajaba con energía, terminando composiciones a un gran ritmo debido a los ajustados plazos de entrega y a la acumulación de encargos. Empleaba en componer entre cinco y siete horas diarias, en función de si tenía o no algún concierto, las cuales solían repartirse entre la primera parte de la tarde y la noche.


text: En la actualidad, es de sobra conocida la rapidez con la que componía Mozart. En una carta a su madre, la hermana del compositor, Nannerl Mozart, bromea que su hermano está escribiendo una sonata mientras va componiendo otra mentalmente.


text: De esta forma, Mozart tardó un mes en escribir el "Concierto para piano n.º 21", de ochenta y tres páginas de extensión —muchos compositores habrían tardado un mes solo en copiar un concierto de tales dimensiones.


text: Mozart fue capaz de escribir su Sinfonía «Linz», KV 425, en tan solo cinco días, durante su periodo vacacional en la antedicha ciudad. Este hecho queda refelejado en la correspondencia de Wolfgang con su padre:


text: Otro ejemplo de su velocidad compositiva se halla en la obertura de la ópera "Don Giovanni", en la que Mozart trabajó tan solo la noche que precedió a la primera representación y cuando ya había tenido lugar el ensayo general.


text: Mozart no tenía por costumbre hacer copias de sus composiciones, de modo que las escribía directamente en la versión definitiva, sin recurrir a un borrador previo. Sin embargo, sus partituras autógrafas presentan sorprendentemente pocas correcciones y revisiones, ya que Mozart ponía por escrito una obra tan solo cuando esta había sido ya terminada en su mente.


text: Mozart solía seguir un proceso de composición muy peculiar, que se caracterizaba porque no terminaba una obra al completo, sino que dejaba en la partitura espacios en blanco de los que estaba seguro que sería capaz de acordarse transcurrido un tiempo, y cuando se aproximaba la fecha de entrega o de estreno de la obra, completaba los huecos vacíos. De esta forma, lograba optimizar el tiempo de trabajo en las distintas composiciones, dándole preferencia a aquellas cuyas fechas de entrega o estreno estuviesen más cercanas.


text: Así, el método de trabajo que solía seguir Mozart era el de completar la parte de los primeros violines, la de los segundos violines en caso necesario, y el bajo y restantes partes, generalmente de carácter solista, si lo consideraba necesario para ayudar a su memoria.


text: En el caso de una gran obra vocal, como la "Gran Misa" (KV 427) o el "Réquiem" (KV 626), Mozart anotaba el coro, el bajo continuo y las secciones de "ritornello" de la orquesta, y también normalmente los primeros violines y las entradas complicadas, polifónicas o canónicas, de la cuerda o de las secciones solistas de la madera.


text: Con una "particella" de esas características, Mozart podía tener guardada incluso una obra de importancia hasta tres años, como hizo con el "Concierto para piano n.º 27" (KV 595), para desempolvarla y «rellenarla» en su momento.


title: Instalación eléctrica en América del Norte

text: La instalación eléctrica en América del Norte sigue los reglamentos y normas para la instalación de cableado en edificaciones. El cableado eléctrico en los Estados Unidos está, en general, de acuerdo con los estándares del Código Eléctrico Nacional (NEC, por su sigla en idioma inglés), una norma patrocinada por la National Fire Protection Association que ha sido objeto de revisiones periódicas desde 1897. Las modificaciones o complementos locales de este código modelo son comunes en las ciudades o estados estadounidenses. Para el cableado eléctrico en Canadá, el "Canadian Electrical Code" (Código Eléctrico Canadiense) es una norma muy similar publicada por la "Canadian Standards Association" (Asociación de Estándares Canadienses) desde 1927.


text: Aunque gran parte de la terminología del campo de la electricidad coincide con la usada en los códigos eléctricos, los usos pueden variar.


text: El Código Eléctrico Nacional (NEC) especifica los métodos y materiales aceptables de cableado. Las jurisdicciones locales de EE.UU, suelen adoptar el NEC u otro código publicado y luego distribuyen los documentos que describen cómo los códigos locales varían de a partir de los códigos publicados. Ellos no pueden distribuir la propia NEC por razones de derechos de autor.


text: El propósito del NEC es proteger a las personas y los bienes de los riesgos derivados del uso de la electricidad. El NEC no es el código eléctrico de cualquier jurisdicción en sí misma, sino que es un trabajo influyente de las normas que los legisladores locales tienden a usar como una guía para la promulgación de los códigos eléctricos locales. La Asociación Nacional de Protección contra el Fuego (NFPA) establece que fragmentos citados del NEC deben tener una advertencia que indique que dichos fragmentos no representan la posición completa y autorizada de la NFPA y que el documento original del NEC debe ser consultado como referencia definitiva.


text: En las construcciones nuevas, adiciones o modificaciones importantes debe seguirse el código relevante para esa jurisdicción, lo cual no es necesariamente la última versión del NEC. Los reglamentos en cada jurisdicción indicarán cuando un cambio a una instalación existente es tan grande que debe ser reconstruida para cumplir con el código eléctrico actual. En general, no se requiere que las instalaciones sean cambiadas para cumplir con los códigos nuevos.


text: Otros requisitos de códigos varían según la jurisdicción en los Estados Unidos. En muchas áreas, el propietario de una casa, por ejemplo, puede llevar a cabo el cableado completo del hogar. Algunas ciudades tienen reglas más restrictivas y exigen que las instalaciones eléctricas las hagan electricistas con licencia. El trabajo será inspeccionado en varias etapas, por una autoridad designada, antes de que se obtenga la autorización para energizar el cableado. El inspector puede ser un empleado del estado o ciudad, o un empleado de una instalación de suministro eléctrico.


text: Lo anterior es sólo una breve descripción y no debe utilizarse como un sustituto del Código NEC actual.


text: Las prácticas de cableado eléctrico fueron desarrolladas en paralelo en muchos países a fines del siglo XIX y principios del 20. Como resultado, fueron desarrolladas variaciones nacionales y regionales desarrollados y están vigentes. Algunos de éstas se conservan por razones técnicas, puesto que la seguridad de los sistemas de cableado depende no sólo en el código de cableado, sino también en las normas técnicas para dispositivos, materiales y equipos de cableado.


text: La puesta a tierra (puesta a tierra) de los circuitos de distribución es una diferencia notable en la práctica entre los sistemas de cableado de los Estados Unidos y los de otros lugares del mundo. Desde la década de 1960, el cableado en las construcciones nuevas ha requerido de un conductor a tierra por separado utilizado para conectar eléctricamente todos aquellos puntos que normalmente no transportan corriente eléctrica. Los aparatos portátiles con carcasas metálicas también tienen un conductor de unión en el cable y el enchufe de conexión a la red. El conductor neutro también está conectado a tierra en el panel de entrada de servicio solamente, y no se permiten otras conexiones de neutro a tierra, a diferencia de las regulaciones en otras partes del mundo.


text: Los circuitos de iluminación y tomacorrientes en los sistemas norteamericanos provienen típicamente de un panel de distribución que contiene interruptores para proteger cada circuito derivado. La corriente nomimal más pequeña de un circuito derivado es de 15 amperios, utilizada para los tomacorrientes de uso general y de iluminación, aunque a menudo, se usan circuitos de 20 amperios. En construcciones residenciales, los circuitos de valores más altos son, por lo general, dedicados a un solo dispositivo, por ejemplo, aparatos fijos de cocina, secadoras de ropa y aparatos de aire acondicionado. La iluminación y los tomacorrientes de uso general son de 120 VAC, con dispositivos más grandes alimentados por circuitos de fase partida a 240 voltios. En construcciones comerciales, se usan los circuitos trifásicos. En general, los tomacorrientes son alimentados por 120 o 208 VAC y pueden incluir tomacorrientes especiales de altas corrientes para equipos industriales. La iluminación es generalmente alimentada con 277 VAC, exceptuando las luces que utilizan 120 V. El equipo puede estar conectado en el edificio utilizando la combinación 120/208 VAC o 277/480 VAC.


text: Ciertos países pueden adoptar la norma NFPA como su código eléctrico nacional, con las modificaciones locales similares a las de jurisdicciones de Estados Unidos. Aunque el Código Eléctrico Canadiense se desarrolló independientemente del código de la NFPA, es similar en alcance e intención al código NEC de EE.UU., con pequeñas variaciones en detalles sobre los requisitos técnicos. Sin embargo, la armonización de los códigos CSA y NEC tiene por objeto facilitar el libre comercio entre esos países.


text: La mayoría de los circuitos eléctricos residenciales y de las modernas construcciones ligeras de América del Norte posee instalaciones hechas con cable de recubrimiento no-metálico, conocido a menudo por la marca ROMEX. Este tipo de cable es el menos costoso para un tamaño dado y es apropiado para aplicaciones en ambientes interiores secos. Estos cables suelen usar la denominación "NM XX-Y" que indica, respectivamente, el tipo de revestimiento (en este caso, no metálico), el calibre de los conductores principales, y el número total de conductores del circuito (excluyendo el conductor de tierra). Por ejemplo, el cable "NM 14-2" contiene tres conductores (dos, además del conductor de tierra) de calibre americano 14, un tipo normalmente utilizado para los circuitos protegidos a 15 amperios. Los circuitos con corrientes más grandes (por ejemplo, los de hornos eléctricos, calentadores de agua, equipos de aire acondicionado o que suministran energía eléctrica a paneles de circuitos adicionales) deberán usar conductores más gruesos. No todas las jurisdicciones de Estados Unidos permiten el uso de cable de recubrimiento no-metálico. El Código NEC no permite el uso de este tipo de cable en estructuras grandes, resistentes al fuego, o de muchos pisos.


text: En el tipo de cable no metálico, el aislamiento usa un código de colores para la identificación, por lo general uno negro (conductor activo), uno blanco (conductor neutro), y un conductor desnudo de conexión a tierra, tal como establece el Código NEC. Los conductores pueden ser re-coloreados, de modo que estas reglas son comúnmente la excepción En aplicaciones de 240 VAC que no requieran un conductor neutro, el conductor blanco se puede utilizar como un segundo conductor activo, pero debe ser recoloreado con cinta adhesiva o por algún otro método. Los cables de alimentación flexibles de cuatro conductores usan como cuarto color, el rojo; a diferencia de las prácticas europeas, la codificación de cables de alimentación es la misma del cableado fijo.


text: Para usos comerciales e industriales, suele estar prohibido el cable no-metálico no encerrado en conductos, en determinadas zonas o en toda una región, dependiendo del uso de la edificación a cablear y los códigos de construcción locales y estatales. La mayor parte del cableado se coloca en conductos metálicos, debido a su costo y durabilidad. Los conductos de metal galvanizado pueden ser requeridos para ciertas áreas y adicionalmente, accesorios que impidan la entrada de vapores, en sitios donde esté presente un peligro de incendio o explosión, como en las gasolineras, fábricas de productos químicos y silos. Las tuberías hechas de PVC se usan para cables subterráneos o que se instalarán donde se vacíe concreto. Un banco de conductos de PVC se hace generalmente de varios de ellos, incrustados en concreto. Los conductos metálicos flexibles se usan para recorridos cortos, como en las conexiones a luminarias. Para los circuitos de energía, la codificación de color utiliza los mismos colores que la construcción residencial, y agrega los colores para los cables adicionales utilizados para sistemas trifásicos. En los circuitos de 120/208 VAC, los cables activos tienen aislantes de color negro, rojo y azul y el cable neutro tiene aislante blanco. En cambio, en los circuitos de 277/480 VAC, los cables activos son de color marrón, naranja y amarillo y de color gris para el cable neutro. Para la puesta a tierra, independientemente de la tensión, se usan cables con aislante de color verde.


text: Otros tipos de sistemas se usan para el cableado de construcciones en Estados Unidos; estos incluyen los cables de energía de metal corrugado, , y diversos tipos de conductos eléctricos. En las aplicaciones industriales, los cables pueden colocarse en una bandeja y son los del Tipo TC. Las reglas especiales de cableado se aplican a entornos húmedos o corrosivos, y a lugares que presenten riesgos de explosión. Los materiales usados para cableado en Estados Unidos deben ser fabricados y probados según los estándares fijados por NEMA y , llevando en ese caso, las marcas de aprobación establecidas por esa organización.


text: Los tipos de cableado aprobados pueden variar en diversas jurisdicciones, pero no todos los métodos de cableado aprobados por el código NEC, son aceptados en todas las áreas de los Estados Unidos.


text: Los tipos de conductores para realizar cableado eléctrico en Norte América son definidos por normas o estándares publicados por organizaciones como , Canadian Standards Association, American Society for Testing and Materials, National Electrical Manufacturers Association y . Su clasificación es la siguiente:


text: XHHW: Es la sigla de "Cross-linked High Heat-resistant, Water-resistant" o Cable cruzado altamente resistente al calor y la humedad, por su significado en español Los conductores y cables de este tipo se recomiendan para su uso en lugares húmedos y se usan comúnmente en sistemas de distribución de corriente alterna comerciales, institucionales e industriales con un rango de tensiones eléctricas comprendido entre 110 y 600 voltios. Son fabricados con conductores de cobre o aluminio que pueden ser sólidos o trenzados, dependiendo de su tamaño. Según el Estándar 44 de "Underwriters Laboratories (UL)" los cables y conductores del tipo XHHW son aconsejados para su uso en lugares secos con temperaturas de hasta 90 °C o húmedos hasta 75 °C.


text: XHHW-2: Es similar al XHHW, y es aconsejado para su uso en lugares húmedos o secos con temperaturas de hasta 90 °C.


text: THWN: Es la sigla de "Thermoplastic Heat and Water-resistant Nylon-coated" o Cable recubierto de Nylon termoplástico resistente al calor y la humedad. Los cables y conductores de este tipo son de cobre o aluminio (sólido o trenzado) y son usados en sistemas de distribución de corriente alterna de edificios de todos los tipos y tamaños a través de Norte América con un rango de tensiones eléctricas comprendido entre 110 y 600 voltios.


text: THHN: Significa "Thermoplastic High Heat-resistant Nylon-coated" o Cable recubierto de Nylon termoplástico de alta resistencia al calor Es adecuado para lugares secos y húmedos y tiene el mismo uso del cable tipo THWN.


text: Muchos conductores son clasificados como THWN y THHN y son adecuados para su uso en sitios secos con temperaturas de hasta 90 °C o húmedos con temperaturas de hasta 75 °C,


title: Leonor Oyarzún

text: Leonor Victoria Oyarzún Ivanovic (Temuco, 10 de marzo de 1919-Santiago, 21 de enero de 2022) fue una orientadora familiar chilena, miembro del Partido Demócrata Cristiano (PDC). Fue la esposa del expresidente de Chile Patricio Aylwin, por lo cual tuvo el título protocolar de primera dama durante su gobierno entre 1990 y 1994.


title: Leonor Oyarzún

text: Hija de Manuel Oyarzún Lorca, abogado, rector del liceo de Antofagasta y síndico de quiebras en Santiago, y de Ana Ivanovic Roccatagliata, dueña de casa. Fue la mayor de las seis hijas que tuvo el matrimonio. Su hermana Mercedes se casó con el también democratacristiano Hugo Trivelli, de cuyo matrimonio nació Marcelo Trivelli, quien por lo tanto es su sobrino. Estudió inglés, francés y costura. Su padre falleció cuando ella tenía 18 años, y tuvo que ayudar a su madre a mantener el hogar mediante su trabajo como costurera.


title: Leonor Oyarzún

text: Durante su juventud participó en la Acción Católica. Conoció a Patricio Aylwin a través de un artículo suyo llamado «La verdad sobre el carbón» publicado en "Política y Espíritu", la revista de la Falange Nacional. Tras reunirse en persona, tuvieron un noviazgo por diez meses, y se casaron el 29 de septiembre de 1948 en la Iglesia de las Agustinas de Santiago.


title: Leonor Oyarzún

text: El matrimonio Aylwin Oyarzún vivió brevemente en San Bernardo y luego en Santiago, primero en Ñuñoa y luego en Providencia, donde desde 1956 habitaron la misma casa, que mantendrían durante la presidencia de Patricio Aylwin y hasta la muerte de este último en 2016. Tuvieron cinco hijos: Isabel, Miguel, José Antonio, Juan Francisco y Mariana, quien fuera ministra de Educación en el gobierno de Ricardo Lagos. Una de sus nietas es la actriz Paz Bascuñán, hija de Mariana, quien bautizó a una de sus hijas con el nombre de su abuela, Leonor.


title: Leonor Oyarzún

text: Durante el gobierno de Eduardo Frei Montalva fue vicepresidenta de CEMA Chile, y en 1967 ingresó a estudiar al Instituto Carlos Casanueva, donde se tituló como orientadora familiar y juvenil. En 1974 creó el centro de orientadoras familiares Crecer, donde trabajó por 15 años.


title: Leonor Oyarzún

text: A pesar de que Aylwin había tenido importantes cargos en política, como senador (1965-1973) y líder de la oposición a la dictadura militar del general Augusto Pinochet, no fue sino hasta 1989 que esta asumió un rol más protagónico, para apoyar a su marido en la campaña de la elección presidencial de ese año, dejando su trabajo como orientadora familiar.


title: Leonor Oyarzún

text: Su cónyuge resultó elegido presidente de la República y asumió el 11 de marzo de 1990. Con eso se convirtió en la primera dama de su país, aunque prefería no utilizar esa denominación.


title: Leonor Oyarzún

text: Como primera dama, se inauguró la «Dirección del Área Sociocultural de la Presidencia», transformándose durante 1990 la Fundación Nacional de Ayuda a la Comunidad (Funacu) en Integra, institución de ayuda a niños en situación de extrema pobreza. Al año siguiente inició el Programa de Promoción de la Mujer (Prodemu), que estimula la inserción femenina en la sociedad. Sin embargo, su obra más simbólica fue la creación en 1990 de la Fundación de las Familias, cuyo fin era mejorar la calidad de vida de las familias vulnerables de Chile.


title: Leonor Oyarzún

text: Tras el mandato presidencial de su cónyuge, finalizado el 11 de marzo de 1994, continuó acompañando a Aylwin en sus actividades políticas en foros nacionales e internacionales.


title: Leonor Oyarzún

text: En 2010 sufrió una infección respiratoria aguda que la mantuvo internada en la Clínica Alemana de Santiago. En 2011 tuvo una fractura de cadera provocada por un accidente doméstico.


title: Leonor Oyarzún

text: Enviudó el 19 de abril de 2016. Participó en el funeral de Estado realizado a Patricio Aylwin, para lo cual se tomaron especiales medidas de vigilancia médica debido a su avanzada edad. Ella recibió la bandera chilena que cubrió el féretro de Aylwin de manos de la presidenta Michelle Bachelet en el Cementerio General.


title: Leonor Oyarzún

text: El 10 de marzo de 2019 cumplió 100 años de vida. Durante 2020 estuvo aquejada de COVID-19, se mantuvo confinada y resguardada por su familia en el contexto de la pandemia de esa enfermedad, de la que finalmente se recuperó.


title: Leonor Oyarzún

text: Falleció el 21 de enero de 2022 a la edad de 102 años en su casa en la comuna de Providencia, siendo la ex-primera dama más longeva en fallecer y una de las personalidades más longevas del país. Su deceso se produjo de manera natural por su avanzada edad.


title: Laura Chimaras

text: Laura Ariana Chimaras Martí (Caracas, 8 de mayo de 1991) es una actriz, escritora y conferencista venezolana. Es hija del conocido actor Yanis Chimaras. Se inició a los 8 años en el mundo de la actuación. Con tan solo 17 años asumió el rol protagónico de un drama producido por la cadena venezolana RCTV llamado "Libres como el Viento". Cuenta con un currículum de once novelas, tres películas y más de diez piezas teatrales. En 2016 se muda a los Estados Unidos dónde es radicada hasta la fecha, y cuenta con un total 3 novelas realizadas con la cadena televisiva Telemundo; La Fan, Sangre de mi Tierra, y Mi Familia Perfecta la cual fue hasta ahora su última telenovela. También hizo un cortometraje en inglés llamado When Will I Love. Luego se dedicó completamente a la escritura, y la creación de sus libros y conferencias.


title: Laura Chimaras

text: Comenzó en el mundo de las conferencias en la presentación de su primer libro "Pasiones Narcóticas", a raíz de tanto éxito decidió seguir aportando un poco al mundo con la sabiduría y el aprendizaje que puede ofrecer y crea una conferencia llamada "Hackea Tu Realidad" la cual lleva como tema principal el caos y te da herramientas e implanta dudas en ti para hacer tu camino hacia el orden un poco más interesante. Actualmente se encuentra en la creación de una conferencia en línea de la cual aún no se conoce nombre ni tema a tratar pero será el realizada el próximo 25 de octubre de 2020.


title: Laura Chimaras

text: Es autora de 4 libros. Y actualmente se encuentra en la creación del libro de su fallecido padre, el reconocido actor Yanis Chimaras, titulado "La Heróica Agonía de su Muerte"


title: Sinergia (banda)

text: Sinergia es una banda chilena de rock experimental con influencias del metal alternativo, estilo que ellos mismos definen como "metal pájaro", por la incorporación de letras "pajaronas", chilenismo que hace referencia a personas distraídas, despistadas o torpes. Sinergia juega mezclando un potente sonido roquero con bases electrónicas, líneas de bajos funk y sonidos especiales para cada canción.


title: Sinergia (banda)

text: Su característica principal es la combinación de estilos muy diferentes, inclusive en una misma canción. Por ejemplo, "Jefe" tiene segmentos de ska y metal alternativo.


title: Sinergia (banda)

text: La particularidad de esta banda está en que sus letras hablan de cosas tan cotidianas, pero también tan irreverentes como amar a una mujer robusta, tratar de ganar un concurso, o la relación personal que se tiene con una esposa o un jefe, todas cantadas en dialecto chileno.


title: Sinergia (banda)

text: Sinergia se forma en el año 1994, cuando se inician en la composición de canciones propias, inspirados por grupos como The Beatles, Faith No More, Primus, Mr Bungle, etc. Al siguiente año, participan en el proyecto Escuelas de Rock, de la Asociación de Trabajadores del Rock (ATR), liderada por Claudio Narea, en la cual participarían posteriormente en 1997.


title: Sinergia (banda)

text: En 1998 graban un demo, "Apoyando la demencia", donde se encuentra el tema "Chupatrón", el que habla sobre un hombre perturbado que busca ser conocido.


title: Sinergia (banda)

text: Después de un receso, se consolida la banda con la formación actual, lanzando el 2001 su disco homónimo, con el cual alcanzan el ser reconocidos como una banda innovadora, tanto en su letra como en su música, con canciones y sus respectivos videoclips como "Mujer robusta", "Concurso" o "ChileRobot", los que incluso llegan a la cadena televisiva MTV.


title: Sinergia (banda)

text: Luego del éxito relativo alcanzado en Chile con el álbum "Sinergia", la banda se dedica a mezclar más temas durante el año 2004, en miras de lo que sería su disco llamado "Procésalo todo", el que incluye el hit "Mi señora", el que identificó a tantas parejas, por el hecho de que tal single habla de una esposa que cambia de ser una abnegada mujer a una enfiestada.


title: Sinergia (banda)

text: En el año 2005 lanzan un EP tributo llamado "Canciones de cuando éramos colegiales", trabajo que reúne sus versiones de canciones que influyeron en la etapa adolescente de los integrantes de la banda, donde se destacan "Síndrome Camboya" de la banda de punk chileno Los Peores de Chile, "Muévete, retuércete" de Profetas y Frenéticos, "Somos tontos, no pesados" de Los Tres y "Calibraciones" de Aparato Raro.


title: Sinergia (banda)

text: El quinto álbum de la banda se titula "Delirio", lanzado en 2007, del cual destaca la canción "Te enojai por todo", dedicada a las mujeres, pues el tema habla sobre una pareja en la cual la mujer se enfurece por un sinnúmero de actividades que realiza su esposo y cuyo vídeo musical fue elegido el mejor vídeo del año en Chile.


title: Sinergia (banda)

text: El 10 de agosto de 2007 celebraron sus trece años de trayectoria con un recital en el Teatro Teletón, donde además grabaron su primer DVD, titulado "Imperdible". El 21 de febrero de 2008 la banda participó en la XLIX versión del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, el mismo día que Journey y el humorista Stefan Kramer. En el show recibieron los tres galardones que entrega el público; Antorcha de Plata, Antorcha de Oro y Gaviota de Plata.


title: Sinergia (banda)

text: El 11 de abril de 2008 reciben el premio Altazor 2008 al "mejor grupo de rock del año", gracias a su disco "Delirio", ganándole a los grupos Fiskales Ad-Hok y Matorral.


title: Sinergia (banda)

text: Su sexto disco llamado "El imperio de la estupidez", el cual tuvo fecha de lanzamiento en septiembre del 2009, contiene 11 canciones y cuatro videoclips, entre ellos "Hágalo Bien".


title: Sinergia (banda)

text: Anunció su salida del grupo su bajista Alexis "Aneres" González debido a labores académicas en el extranjero, y asume el rol de nuevo bajista su hermano, Pedro “Arielarko” González, quien ha remplazado al bajista titular en otras oportunidades.


title: Sinergia (banda)

text: "Vamos con todo" (lanzado en noviembre de 2010), es un EP de 7 canciones que tratan sobre la Nueva Ola de los años 60. Actualmente se está promoviendo sus 2 videoclips, "Mucho amor", y "El modesto"(2011).


title: Sinergia (banda)

text: En 2012 Sinergia lanza un nuevo material discográfico llamado Aquí nadie debería ser pobre el cual tiene un enfoque más contestatario, este fue acompañado de su respectivo tour y posteriormente en 2014 se hizo un tour enfocado en un sencillo llamado "Eslabón".


title: Sinergia (banda)

text: El 1 de junio de 2014 la banda lanza su primer disco recopilatorio en conmemoración de sus 22 años de trayectoria llamado 22 Éxitos Pajarones y consta de 22 canciones, este disco fue posteriormente presentado en vivo el 12 de diciembre de 2014 junto a el bajista original de la banda, Aneres.


title: Sinergia (banda)

text: El 22 de junio de 2014, Sinergia, junto a varios artistas chilenos, firmaron un contrato con la disquera CHV Música, perteneciente a Chilevisión, después del cierre de la disquera Oveja Negra.


title: Sinergia (banda)

text: Tras giras en países como Cuba y Colombia entre 2015 y 2016 promocionando su sencillo "Todo está caro" la banda lanzaría un disco en vivo el 14 de junio de 2017 llamado En vivo desde Colombia (el show se realizó el 22 de marzo de 2015) como previa a la celebración de sus 25 Años.


title: Sinergia (banda)

text: El 12 de agosto se realizó un show especial para celebrar los 25 años de historia de la banda en el Teatro Caupolicán en donde telonearon bandas nacionales como Ases Falsos, Guachupé entre otros y finalmente después de 5 años sin lanzar un nuevo material discográfico de estudio la banda vuelve a las pistas lanzando el 14 de agosto de 2017 su nuevo disco La hora de la verdad estrenándolo en vivo el 7 de diciembre de 2017 en el "Club Chocolate", aunque cabe destacar que diversos temas del álbum ya habían sido pre-estrenados en el show de los 25 Años.


title: Sinergia (banda)

text: En 2018 la banda anunció que realizarían un show especial para celebrar los 14 años de su segundo disco de estudio lanzado en 2004 llamado Procésalo todo en el "Club Chocolate" donde tocarían el disco en su totalidad, un día antes del show (13 de julio de 2018) se lanzaría el disco Procésalo todo (en vivo) el cual es un registro de lanzamiento del lanzamiento del disco en 2004. El 14 de julio se realizó el show celebrando el aniversario 14 del ya mencionado "Procesalo todo" en donde participó Aneres, ex bajista de la banda.


title: Sinergia (banda)

text: El 12 de agosto de 2018 la banda decide lanzar un nuevo concepto de shows infantiles en vivo llamado "Sinergia Kids Game" estrenándolo en la sala SCD Plaza Egaña y posteriormente en el festival Lollapalooza Chile 2018, esta serie de shows derivaron en el lanzamiento de un nuevo disco de estudio el 29 de julio de 2019 con re-versiones y remixes de los temas de la banda llamado al igual que los shows Sinergia Kids Game.


title: Sinergia (banda)

text: El 14 de marzo de 2020 se realizaría el último show en vivo de la banda hasta la fecha debido a la pandemia del coronavirus, gracias a esto durante abril y mayo lanzarían diversas reversiones con temática de pandemia de canciones de su repertorio las cuales posteriormente fueron juntadas en un EP lanzado el 17 de julio llamado Sinergia en Casa.


title: Sinergia (banda)

text: El 7 de agosto de 2020 la banda se uniría junto al cantautor El Monteaguilino para lanzar una re-versión de su tema "Caballito de Metal" para Sinergia Kids, la unión junto al Monteagulino continuó hasta septiembre en donde en conjunto se realizó "La Gran Ramada de Sinergia y El Monteaguilino en donde participaron diversos artistas folclóricos y además se estrenaron videos adelantando el disco 25 Años (En vivo Teatro Caupolicán) que se lanzó en plataformas digitales el 18 de septiembre de 2020.


title: Sociedad Max Planck

text: La Sociedad Max Planck para la Promoción de la Ciencia (, abreviado como MPG) es una red de institutos de investigación científica en Alemania. El nombre honra la memoria de Max Planck, el físico alemán que inició la mecánica cuántica. Esta institución sustituyó a la Kaiser-Wilhelm-Gesellschaft y es una organización sin ánimo de lucro e independiente, financiada por los gobiernos federal y estatal de Alemania.


title: Sociedad Max Planck

text: La Sociedad Max Planck tiene reputación mundial como organización de investigación de ciencia y tecnología. En 2006, las clasificaciones del "Times Higher Education Supplement" de instituciones de investigación no universitarias (basados en la revisión de sus pares internacionales) colocaron a la Sociedad Max Planck como la número 1 en investigación científica y la número 3 en investigación tecnológica a nivel mundial.


title: Sociedad Max Planck

text: La red MPG está distribuida por toda Alemania y abarca diferentes campos de la ciencia. Con más de 20 Premios Nobel ganados por sus científicos desde 1948, generalmente se la considera la más destacada organización de investigación de ciencias básicas en Alemania.


title: Sociedad Max Planck

text: La Sociedad Max Planck fue fundada en Gotinga después de la Segunda Guerra Mundial en 1946 en el sector británico de Berlín y en 1948 en la zona de ocupación norteamericana y francesa como la organización sucesora de la prusiana Kaiser-Wilhelm-Gesellschaft, que se estableció en 1911 como una organización de investigación no gubernamental y que fue extinguida como tal por la OMGUS (Oficina de Gobernación Militar de los Estados Unidos) en julio de 1946. Su nombre corresponde a la máxima autoridad (de ese entonces) del Imperio alemán, y su logotipo muestra a Minerva, la diosa romana de la sabiduría.


title: Sociedad Max Planck

text: Si se incluyeran los logros de su predecesora, los investigadores y científicos de la Sociedad Max Planck habrían ganado más Premios Nobel que cualquier otra institución académica científica en el mundo.


title: Sociedad Max Planck

text: Internamente, los Institutos Max Planck se organizan en departamentos de investigación, presididos por directores, de tal forma que cada uno posee varios directores, una posición difícilmente comparable con la de cualquier profesor de medio tiempo o de jefe de departamento de una universidad. La Sociedad Max Planck en sí es formalmente un "eingetragener Verein", una forma legal de organización similar a una asociación sin ánimo de lucro, forma en que puede compatibilizar la financiación de los estados federados (Länder) y del gobierno federal (Bund). La financiación se complementa con licencias de investigación y donaciones. Los directores son miembros científicos de esta asociación o "club", que poseen igual derecho a voto, agrupados en tres divisiones o secciones (Químico-Físico-Tecnológica, Biología y Medicina, y Ciencias Humanas). Cada una de estas tres secciones tiene una vicepresidencia científica (Angela D. Friederici para el área de Ciencias Humanas, Bill S. Hansson en el área de Biología y Medicina, y Ferdi Schüth en el área de Física, Química y Tecnología), a las que se une una vicepresidencia no científica (Andreas Barner). Toda la sociedad está presidida desde junio de 2014 por el químico y especialista en ciencia de materiales Martin Stratmann.


title: Sociedad Max Planck

text: La MPG opera 80 institutos de investigación en toda Alemania (en algunos casos en otros países de la Unión Europea, desde 2010 incluso con centros asociados en los Estados Unidos y Argentina), los cuales suelen llevar el nombre de "Instituto Max Planck (MPI) para/de (nombre de la disciplina correspondiente)". Su trabajo es la investigación básica en las ciencias naturales, así como en las ciencias sociales y en las humanas.


title: Sociedad Max Planck

text: Los institutos tienen un personal aproximado de 12.300 empleados permanentes, cifra que incluye a 4200 científicos más unos 9,000 científicos no permanentes y visitantes. Su presupuesto para el 2006 fue de cerca de 1,4 mil millones de euros, con un 84 por ciento de aportaciones del Estado y de la federación.


title: Sociedad Max Planck

text: Los Institutos Max Planck operan en forma independiente de las universidades (salvo en caso de cooperación) y se enfocan en la investigación para la innovación, que no encaja en las estructuras universitarias, debido a su naturaleza interdisciplinaria o transdisciplinaria, o debido a la necesidad de recursos que no pueden ser provistos por las universidades estatales.


title: Sociedad Max Planck

text: La Sociedad Max Planck en su organigrama tiene los siguientes órganos de gobierno, según estipulan sus estatutos: Presidencia, Senado, Comité Ejecutivo, Asamblea General, y el Consejo Científico y sus tres Secciones. El Senado tiene poder ejecutivo en la sociedad en todos los aspectos no definidos por los estatutos o por la Asamblea General. Uno de los miembros del Senado es el astrofísico español Eduardo Ros, representante de los científicos de la sección de Física, Química y Tecnología.


title: Sociedad Max Planck

text: Además, la Sociedad Max Planck ha optado por fundar, conjuntamente con una serie de universidades, las denominadas “International Max Planck Research Schools” (IMPRS), de relevante orientación internacional. A través de éstas se apoya la cooperación y los planes de doctorado de científicos extranjeros noveles. Por los menos la mitad de los fondos del programa IMPRS se destinan a los candidatos extranjeros.


title: Sociedad Max Planck

text: Todo esto permite que los Institutos Max Planck, siempre fundados en torno a destacados investigadores, sean considerados "centros de excelencia” por científicos de todo el mundo.


title: Sociedad Max Planck

text: En 2004 surgió controversia sobre el empleo de trabajadores extranjeros por la Sociedad Max Planck. Presuntamente, los candidatos a doctorado extranjeros recibían sistemáticamente peores contratos que los alemanes. El caso fue llevado a la Corte Civil Europea por Andrea Raccanelli y se encuentra bien documentado en su sitio web. La corte decidió que la Sociedad Max Planck "debe obedecer el principio de no-discriminación en relación a los trabajadores". Desarrollos recientes en este asunto incluyen un artículo en el diario alemán Der Spiegel donde se denuncian condiciones laborales injustas, la respuesta por la Sociedad Max Planck apoyando las condiciones laborales ofrecidas a los estudiantes de doctorado, y una queja en el Parlamento por el partido político alemán Die Linke.


title: Chile relleno

text: Los chiles rellenos, tanto en México como en todo el Mundo son los chiles con algo adentro, sin importar su decoración exterior.


title: Chile relleno

text: Los chiles rellenos son un platillo mexicano que consiste en piezas enteras de chile, asadas directamente en la lumbre o usando un comal, para poder pelarlos y retirarles las semillas con facilidad y rellenarlos con alimentos, usualmente cárnicos, a las que se les envuelve en una capa de huevo batido y se les fríe. En algunas partes de México especialmente cuando se rellenan de atún y se consumen fríos, no se capean con huevo, ni se fríen y se les llama chiles capones.


title: Chile relleno

text: Los chiles rellenos se consideran platillo principal y se suelen servir con una salsa de jitomate y cebolla condimentada con orégano. Se acostumbra compañarlos con arroz blanco o a la mexicana (cocinado con puré de jitomate, lo que le da un color rojo).


title: Chile relleno

text: La variedad de chile es relevante, debido a que se requiere que las jaras sean de una talla consecuente para poder contener alimento, ya que por tradición no se utilizan variedades de chile demasiado picantes.


title: Chile relleno

text: Los chiles más utilizados para rellenar son los chiles frescos. Aunque hay quienes utilizan chile huachinango o pimientos morrones.


title: Chile relleno

text: Existen muchas variedades de relleno para los chiles, siendo las más populares el puré de papa con atún, los quesos para fundir y los guisos de carne molida.


title: Chile relleno

text: Los chiles rellenos más populares en México llevan picadillo (carne condimentada de res, de cerdo o una mezcla de ambas con verduras picadas finamente), queso y atún mezclado con zanahoria y chícharos.


title: Chile relleno

text: Los chiles en nogada son una variedad particular de chiles rellenos y bañados en una salsa de nuez de Castilla fresca, de ahí el nombre de nogada.


title: Chile relleno

text: Estos jaras rellenos vienen siendo hechos desde hace mucho tiempo por familias mexicanas, es una de las tradiciones que forman la cocina mexicana, y que sigue siendo muy popular en todo México. Cada familia tiene su manera diferente de prepararlos, debido a esto en cada estado (en México en general) el platillo sabrá diferente, ya que cada jara contribuye con un "sazón" distinto a los demás. En la actualidad es uno de los platillos de más uso en la cocina mexicana.


title: Diagrama de contexto de sistema

text: Un Diagrama de Contexto de Sistema (DCS) en Ingeniería de software e Ingeniería de sistemas es un diagrama que define los límites entre el sistema, o parte del sistema, y su ambiente, mostrando las entidades que interactúan con él. Este diagrama es una vista de alto nivel de un sistema. Es similar al Diagrama de bloques.


title: Diagrama de contexto de sistema

text: Un diagrama de contexto de sistema muestra un sistema, usualmente basado en software, como un completo y sus entradas y salidas desde y hacia factores externos. De acuerdo a Kossiakoff y Sweet (2011):


title: Diagrama de contexto de sistema

text: "Diagrama de contexto de sistema… representa todas las entidades externas que podrían interactuar con un sistema… Dicho diagrama retrata el sistema en el centro, sin detalles de su estructura interna, rodeado por todos los sistemas, ambientes y actividades con las que interactúa. El objetivo del diagrama es enfocar la atención en los factores externos y eventos que deberían considerarse en el desarrollo de un set completo de requisitos y restricciones del sistema."


title: Diagrama de contexto de sistema

text: Los diagramas de contexto de sistema son usados tempranamente en un proyecto para obtener un acuerdo del alcance de la investigación. Son típicamente incluidos en documentos de requisitos. Estos diagramas deben ser leídos por todas las partes interesadas, por lo que deben ser escritos en lenguaje sencillo, para la comprensión de todas las partes.


title: Diagrama de contexto de sistema

text: • Entidades (Actores): cuadros etiquetados; uno en el centro representando el sistema, y varios cuadros alrededor para los factores externos.


title: Diagrama de contexto de sistema

text: Por ejemplo, “cliente entrega orden.” Diagramas de contexto también pueden utilizar distintos tipos de dibujo para representar entidades externas. Pueden usar óvalos, figuras de línea, imágenes, autoformas o cualquier otra representación que presente un significado. Árboles de decisiones y almacenamiento de datos son representados en diagramas de flujo de sistemas.


title: Diagrama de contexto de sistema

text: Un diagrama de contexto también puede enlistar las clasificaciones de las entidades externas como una de un set de categorías simples, lo que añade claridad al nivel de participación de las entidades con respecto al sistema. Esas categorías incluyen:


title: Diagrama de contexto de sistema

text: • Activo: entidades externas dinámicas que frecuentemente inician eventos para lograr algún objetivo o propósito.


title: Diagrama de contexto de sistema

text: • Cooperativo: Entidades externas predecibles que son utilizadas por el sistema para alcanzar algún resultado deseado.


title: Diagrama de contexto de sistema

text: • Autónoma (Independiente): Entidades externas que están separadas del sistema, pero que lo afectan indirectamente, a través de restricciones impuestas o influencias similares.


title: Diagrama de contexto de sistema

text: Los mejores diagramas de contexto de sistema son utilizados para mostrar como un sistema interopera en un nivel muy alto, o como los sistemas operan e interactúan lógicamente. El diagrama de contexto del sistema es una herramienta necesaria para desarrollar la interacción de base entre los sistemas y los actores; actores y sistema o sistema con sistema. Alternativas al diagrama de contexto son:


title: Diagrama de contexto de sistema

text: • Lienzo de modelo de negocios: una plantilla de administración estratégica para desarrollar nuevos o documentar modelos de negocios existentes.


title: Diagrama de contexto de sistema

text: • Modelo de información Enterprise: este tipo de modelo de datos, de acuerdo con Simsion (2005) puede contener de 50 a 200 clases de entidades, que resultan de específicos “generalización de alto nivel en modelos de datos”.


title: Diagrama de contexto de sistema

text: • Diagrama de contexto de alto nivel IDEF0: El proceso IDEF0 comienza con la identificación de la función principal a ser descompuesta. Esta función es identificada en un “Diagrama de contexto de alto nivel” que define el alcance de un análisis IDEF0 particular.


title: Diagrama de contexto de sistema

text: • Diagramas de problema (Marco de problema): En adición al tipo de cosas mostradas en un diagrama de contexto, un diagrama de problema muestra requisitos y sus referencias.


title: Diagrama de contexto de sistema

text: • Diagrama de casos de uso: Uno de los diagramas UML(Lenguaje unificado de modelado). También representa el alcance del proyecto a un nivel similar de abstracción. Sin embargo, tiende a concentrarse más en los objetivos de los actores que interactúan con el sistema, y no especifica ninguna solución.


title: Diagrama de contexto de sistema

text: Varios de estos diagramas funcionan bien siempre y cuando exista un número limitado de interconexiones a mostrar. Cuando existen 20 o más interconexiones a mostrar, los diagramas se vuelven muy complejos y difíciles de leer.


title: Alan J. Pakula

text: Alan J. Pakula (Bronx, Nueva York, 7 de junio de 1928 - Nueva York, 19 de noviembre de 1998) fue un director de cine estadounidense con preferencia en películas de intrigas políticas.


title: Alan J. Pakula

text: Comenzó su carrera en el cine como productor, para luego pasar a la dirección, aunque nunca dejó la producción, tanto de las películas que el dirigía como la de otros directores. Destaca su labor como productor en "Matar a un ruiseñor".


title: Alan J. Pakula

text: Debutó como director con una joven Liza Minnelli ("El cuco estéril", 1969) y siguió contando con importantes estrellas para muchas de sus películas, pero probablemente aquella por que será recordado sea "Todos los hombres del presidente" (1976), con Robert Redford, Dustin Hoffman y Jason Robards, en la que contaba la investigación del caso "Watergate" por dos periodistas del periódico "Washington Post". Ganó cuatro Óscars, entre ellos el de mejor actor secundario para Robards.


title: Alan J. Pakula

text: Otros filmes notables de su historial son "La decisión de Sophie" (1982), por el cual Meryl Streep ganó el Óscar a la mejor actriz protagonista, y el gran éxito de taquilla "El informe Pelícano" con Julia Roberts, Denzel Washington y Sam Shepard.


title: Alan J. Pakula

text: Pakula murió en un accidente automovilístico el 19 de noviembre de 1998, en Nueva York, cuando su coche se estrelló contra una barra de metal que le golpeó en la cabeza.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: Los túneles ferroviarios Atocha-Chamartín (coloquialmente conocidos en singular como Túnel de la risa) son unos túneles ferroviarios de Madrid (España) que, con orientación sur-norte, unen las estaciones de Atocha-Cercanías (cabecera sur) y Chamartín (cabecera norte), las más importantes de la capital en cuanto a número de viajeros.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: La conexión consta actualmente de dos túneles en servicio con dos vías de ancho ibérico cada uno y un tercero que entró en servicio el 1 de julio de 2022 y forma parte de la línea de alta velocidad "Centro". El conocido como «Túnel de la risa», pasando por la estación de Recoletos y bajo el paseo de la Castellana, es el túnel original. El segundo túnel en servicio se encuentra al oeste del primero, pasando por la estación de Sol, y el de alta velocidad, al este.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: Recibe el nombre de túnel (también tubo) de la risa por la similitud que presentaba con una atracción de feria, muy popular en la época de la construcción, llamada «tubo de la risa». Consistía en un tubo que había que atravesar mientras giraba alrededor del eje longitudinal del mismo. La prensa de la época contraria al gobierno se mofaba de la nueva construcción, con lo que la bautizó con ese nombre, el cual perduró durante varias décadas.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: El túnel de 7 km fue proyectado durante la etapa de Indalecio Prieto al frente del Ministerio de Fomento (1933) al tiempo que se diseñaba la estación de Chamartín como alternativa a la estación del Norte, aunque debido a la llegada de la Guerra Civil y la subsiguiente crisis económica, no fue inaugurado hasta 1967.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: El túnel proyectado discurría bajo el paseo del Prado, el paseo de Recoletos, donde estaba proyectada la estación de Recoletos, que diera servicio al centro de Madrid, el paseo de la Castellana, donde estaba proyectada la estación de Nuevos Ministerios en un área financiera en desarrollo y finalmente se separa del eje del paseo de la Castellana y bajo diferentes calles del distrito de Chamartín llega al antiguo pueblo de Chamartín de la Rosa, donde sale a superficie y llega a la nueva estación de Chamartín. A su paso por Nuevos Ministerios, el túnel transcurre por debajo de la plaza del edificio ministerial, donde se encuentra la estación, y por debajo del complejo AZCA, en concreto bajo la Torre del Banco de Bilbao, la cual tuvo que realizar una cimentación especial en los laterales del túnel. También tiene un tramo bajo el estadio Santiago Bernabéu al que atraviesa de sur a norte bajo el terreno de juego y las gradas.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: Su apertura coincidió con la inauguración de la estación de Chamartín y los enlaces ferroviarios de esta última con la línea Madrid-Zaragoza y la Línea Imperial o General del Norte (Madrid-Irún), y un año después fue inaugurado el ferrocarril directo Madrid-Burgos.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: Con la creación de la red de Cercanías Madrid, este túnel acogió al principio los tráficos de cuatro líneas creadas: C-1, C-2, C-8a y C-8b, aumentando año tras año el volumen de trenes que por él circulan, que alcanzan frecuencias de paso similares a una línea de metro. En la actualidad circulan las líneas C-1, C-2, C-7, C-8 y C-10, además de algunos trenes de Media Distancia regionales y de largo recorrido.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: Para resolver el problema de la capacidad limitada del túnel, así como la masificación de la línea C1 de Cercanías de Madrid, en 2004 comenzaron las obras para construir un segundo túnel de 7,5 km, situado al oeste del anterior. Este nuevo túnel fue inaugurado el 9 de julio de 2008 y presta servicio comercial desde el 11 de julio.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: El proyecto del túnel contempla tres estaciones intermedias: Sol (en pleno centro de Madrid), Alonso Martínez y Nuevos Ministerios. La nueva estación de Sol no abrió hasta 2009 (un año después que el propio túnel), en tanto que la estación de Alonso Martínez se encuentra actualmente en punto muerto a falta de un acuerdo entre administraciones para iniciar la obra.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: La longitud del túnel oeste es de 7,5 km, si bien la distancia total de la nueva infraestructura es de 8,254 km. Tiene la particularidad de utilizar vía en placa embutida, lo cual sólo tiene precedentes en toda España en la estación de Atocha, así como en el túnel de entrada a la estación de Alcobendas-San Sebastián de los Reyes. Incluye diecisiete pozos de ventilación, así como trece salidas de emergencia (situadas cada 600 m). Como medidas de seguridad, esta dotado con el sistema ASFA 200, así como ERMTS en sus niveles 1 y 2 (por primera vez en unas líneas de Cercanías).


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: En la actualidad, se encuentra en servicio tan solo el ERMTS Nivel 1, dado que el ERMTS en su nivel 2 presenta problemas de fiabilidad al producirse interferencias entre el GSM-R con las antenas de telefonía instaladas en el túnel. Con la entrada en funcionamiento del ERMTS Nivel 2 una vez Renfe y Adif solucionen los problemas de fiabilidad, se producirá un aumento de las frecuencias con un mayor nivel de seguridad y robustez frente a retrasos.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: Por el nuevo túnel circulan los trenes de Cercanías de las líneas C-3 y C-4 lo cual supone un ahorro entre 8 y 9 minutos para los viajeros procedentes de Aranjuez o Parla con destino el centro de Madrid. También circulan algunos trenes de largo recorrido o Media Distancia.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: Cuando estén todas las estaciones intermedias en servicio se asegurará la correspondencia con las líneas 1, 2, 3, 4, 5, 6, 8 y 10 de Metro de Madrid.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: Este tercer túnel, apodado «Jardín Botánico», se comenzó a horadar el 24 de abril de 2010 y la perforación del mismo concluyó el 11 de febrero de 2011, tiene una longitud de 7,31 km, de los cuales 6,8 han sido perforados por la tuneladora «Gran Vía» (125,6 m de longitud, 2200 toneladas de peso, y una previsión de excavación de 20 m/día). Siendo parte de la L.A.V. Centro, es exclusivo para la alta velocidad y comunica las estaciones de Atocha y Chamartín mediante ancho estándar y sin paradas intermedias. Su presupuesto fue de algo más de 206 millones de euros. Su profundidad media es de 45 m y discurre bajo la plaza del Emperador Carlos V, el Real Jardín Botánico y las calles de Alfonso XII y Serrano. Este túnel ha sido apodado con el nombre de Jardín Botánico, puesto que discurre por debajo del mismo, y cuyo nombre se puede encontrar en el cartel en el lado de Atocha antes de la entrada. Está situado más al este que los otros dos y permitirá conectar la estación de Chamartín con las líneas de alta velocidad a Castilla y León, Asturias, Cantabria, Galicia y País Vasco (por el lado de Chamartín) y Andalucía, Castilla-La Mancha, Cataluña, Comunidad Valenciana, Región de Murcia, Extremadura, La Rioja, Navarra y Aragón (por el lado Sur).


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: Su inauguración, originalmente prevista para finales de 2013, se retrasó, aunque su construcción se concluyó en 2011, debido a los recortes de Fomento con motivo de la crisis hasta 2022, ya que las pruebas de seguridad se alargaron en el tiempo al conllevar una tecnología de señalización muy complicada. Finalmente, el 1 de julio de 2022 entró en servicio.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: En la actualidad, los dos túneles con vías de ancho ibérico son recorridos exclusivamente por trenes de viajeros, por una parte de cercanías o regionales cadenciados que efectúan parada en todas las estaciones, con intervalos de paso entre trenes similares a los de una línea de metro, y por otra trenes de Media Distancia y largo recorrido con origen en Chamartín y destinos meridionales o largo recorrido norte-sur y sur-norte.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: Por el túnel central circulan las líneas C1, C2, C7, C8 y C10 de Cercanías Madrid, y por el túnel oeste, más nuevo, las líneas C3 y C4. Los trenes realizan parada en todas las estaciones. Con estas líneas se llega a muchas circulaciones en ambos túneles, con una frecuencia similar a la de una línea de metro.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: A excepción de los regionales cadenciados, que siempre circulan por el túnel central y efectúan parada en Recoletos y Nuevos Ministerios, los demás pueden circular alternativamente por un túnel u otro según las necesidades de regulación en el puesto de mando. Los regionales que utilizan los túneles tienen como destino Ávila, Segovia, Badajoz, Albacete y Jaén.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: Circulan alternativamente por el túnel central o el túnel oeste según las necesidades de regulación en el puesto de mando, y no realizan parada en las estaciones del túnel. La gran mayoría suelen circular por el túnel oeste.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: Los trenes de larga distancia con destino Almería (Talgo) y Murcia y Cartagena (Altaria) parten de la estación de Chamartín y atraviesan los túneles para realizar paradas en Atocha-Cercanías.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: También utilizaban los túneles los trenes Alvia transversales que parten de Alicante y llegan a La Coruña, Pontevedra, Gijón y Santander. Estos transversales llegan y parten de Madrid por líneas de alta velocidad de ancho internacional, por lo que necesitaban realizar un cambio de ancho tanto en Atocha como en Chamartín para utilizar los túneles actuales.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: Actualmente utilizan el nuevo túnel de Alta velocidad entre Atocha y Chamartín, recortando en 20 minutos el tiempo de paso por Madrid, aparte de eliminar la necesidad de los cambiadores de ancho.


title: Túneles ferroviarios Atocha-Chamartín

text: El tercer túnel une las líneas de alta velocidad que llegan a Atocha (Madrid-Sevilla y Madrid-Levante) con la línea de alta velocidad Madrid-Segovia-Valladolid, por la que parten todos los trenes hacia el norte de España. Así, este túnel permite continuidad de forma ininterrumpida en ancho internacional desde Atocha hasta Chamartín, y por tanto hacia el noroeste peninsular. Se prevé desviar una gran parte de los servicios de alta velocidad que unen Valencia, Alicante y Murcia con Madrid-Puerta de Atocha hacia la estación de Chamartín a través de dicho túnel debido a las obras de ampliación de la estación de Atocha, que se llevarán a cabo una vez finalicen las obras de Chamartín que consisten en la reforma de las vías 14 y 15 para Alta velocidad y construcción de 4 nuevas vías enumeradas entre la 22 y la 25, también para Alta velocidad.


title: Instituto Di Tella

text: El Instituto Di Tella fue un centro de investigación cultural sin fines de lucro de la Argentina. Fue fundado el 22 de julio de 1958 por la Fundación Di Tella, en homenaje al ingeniero y empresario ítalo-argentino Torcuato Di Tella. Situado en la Calle Florida 936 -«La Manzana Loca»-, tenía varias salas de exposición y un auditorio para 244 espectadores. Conoció su mayor auge entre 1965-1970, cuando era el «templo de las vanguardias artísticas», y fue duramente combatido por el gobierno de facto de Juan Carlos Onganía, que lo clausuró en 1970.


title: Instituto Di Tella

text: Fue un semillero de talentos y sus exintegrantes son conocidos como la «Generación del Di Tella», Entre los que participaron se destacan Antonio Berni, Leopoldo Maler, Líbero Badíi, Luis Fernando Benedit, Delia Cancela, Jorge de la Vega, Ernesto Deira, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé, Gyula Kosice, Julio Le Parc, Pérez Celis, Rogelio Polesello, Antonio Seguí, Clorindo Testa, Ary Brizzi, Carlos Silva, Carlos Mathus y su TIM Teatro, Alicia Penalba, Lea Lublin, Roberto Aizenberg, Federico Manuel Peralta Ramos, Emilio Renart, Luis Alberto Wells, Dalila Puzzovio, Antonio Trotta, David Lamelas, Juan Carlos Distéfano, Marta Minujín, Susana Salgado, Alfredo Rodríguez Arias, Oscar Bony, Juan Stoppani, Edgardo Giménez, León Ferrari, Mercedes Esteves, Carlos Squirru, Pablo Suárez, Oscar Palacio, Margarita Paksa, Ricardo Carreira, Pablo Mesejean, Inés Gross, Adolfo Bronowsky, Roberto Jacoby, Pablo Menicucci, Liliana Porter, Luis Camnitzer, Osvaldo Romberg, Luis Pazos, Ana Kamien, Jorge Luján Gutiérrez, Alberto Greco, Fernando von Reichenbach, Gerardo Chiarella II, Jorge Bonino, Graciela Martínez, Iris Scaccheri, Federico Klemm, Juan Gatti, Rubén Santantonín, etc.


title: Instituto Di Tella

text: En sus inicios albergó a las vanguardias del teatro, la música y la pintura. Allí dieron sus primeros pasos artistas luego consagrados. Su actividad marcó una nueva era en el arte local. Posteriormente el centro fue ampliado para abarcar todas las ciencias sociales con el objeto de apoyar la investigación social.


title: Instituto Di Tella

text: Los centros de Arte y Música fueron cerrados por problemas económicos en mayo de 1970. Los otros centros siguieron operando y dieron lugar a la Universidad Torcuato Di Tella. La Biblioteca del Instituto Di Tella es una de las más prestigiosas de América Latina en el campo de las ciencias sociales. Su acervo bibliográfico es de 60.000 volúmenes y mantiene una hemeroteca de 1400 títulos nacionales y extranjeros.


title: Instituto Di Tella

text: Roberto Villanueva dirigió el Centro de Experimentación Audiovisual del Instituto entre 1960 y 1965, en el que incluyó por primera vez la imagen de vídeo en el teatro.


title: Instituto Di Tella

text: Se realizaron obras con recursos novedosos y la inédita participación del público. Debutaron artistas y grupos entonces desconocidos como Nacha Guevara, Les Luthiers, Alfredo Arias, Iris Scaccheri, Marucha Bo (Marisa Bo), Hugo Midón y Kado Kostzer entre otros.


title: Instituto Di Tella

text: 1961- "Candonga" (de Roberto Villanueva y otros, sobre poema de Jorge Garat, en el Museo Nacional de Bellas Artes. No fue realizado en el Di Tella pero es un antecedente en la carrera de Roberto Villanueva y sus objetivos con respecto al CEA).


title: Instituto Di Tella

text: 1963- Espectáculo Audiovisual Rodante ITDT (el CEA realiza un trabajo de experimentación sobre la palabra, otros materiales sonoros e imagen en un equipo móvil que lleva por todo el país, a más de 30 localidades)


title: Instituto Di Tella

text: 1964- "Vivo-Dito" (Alberto Greco. No fue realizado en el Di Tella pero significó un antecedente para el desarrollo del happening en Argentina)


title: Instituto Di Tella

text: 1964- "Microsuceso"s (grupo Rodríguez Arias – Jiménez. No fue realizado en el Di Tella pero significó un antecedente para el desarrollo del género).


title: Instituto Di Tella

text: 1965- Muestra de "New American Cinema" (Nuevo Cine Estadounidense) con filmes de Andy Warhol, Stan Brakhage, Lionel Rogosin y Jerome Hill, entre otros (muestras de cine previstas por el proyecto inicial de CEA.)


title: Instituto Di Tella

text: 1966- Artaud 66. Una antología del teatro de la crueldad (del grupo "El Teatro de la Peste", basado en la obra de Antonin Artaud).


title: Instituto Di Tella

text: 1967- Beat, Beat, Beatles (Mixed Media Show) (Daniel Armesto, Roberto Jacoby y Miguel Ángel Telechea).


title: Instituto Di Tella

text: El Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales del Torcuato di Tella, más conocido por su acrónimo CLAEM, fue un centro de aprendizaje y de creación musical de relevancia internacional. Nació por iniciativa de Alberto Ginastera en 1962 y fue cerrado en 1970.


title: Instituto Di Tella

text: A pesar de su corta vida, fue muy importante como centro pedagógico, dado que los alumnos podían tener contacto con compositores invitados de la talla de Luigi Nono o Iannis Xenakis y como plataforma de innovación tecnológica y de creatividad.


title: Instituto Di Tella

text: EL CLAEM tenía como objetivo promover nuevas expresiones en composición e investigación en la música contemporánea. Grandes maestros de la talla de Aaron Copland, Xenakis y Nono dieron conferencias y clases en él y grandes compositores latinoamericanos como Ariel Martínez, Antonio Mastrogiovanni y Coriún Aharonián de Uruguay, Jorge Antunes de Brasil, Alberto Villalpando y Florencio Pozadas de Bolivia, los colombianos Blas Emilio Atehortúa y Jacqueline Nova, los peruanos César Bolaños, Édgar Valcárcel, Óscar Cubillas Ramírez y Alejandro Núñez Allauca, Mesías Maiguashca de Ecuador, los guatemaltecos Joaquín Orellana y Jorge Sarmientos, alcides lanza, Oscar Bazán, Eduardo Kusnir, Luis Arias, Graciela Paraskevaídis y Mariano Etkin de Argentina y los chilenos Gabriel Brncic, Miguel Letelier, Iris Sangüesa y Enrique Rivera, entre otros, cursaron estudios (como becarios) y realizaron obras allí. En danza se destacó Iris Scaccheri.


title: Instituto Di Tella

text: El laboratorio de música electroacústica del CLAEM, creado en 1964, fue pionero no solo a nivel latinoamericano, sino mundial por su actividad en los campos creativos e investigadores. Empezó siendo dirigido por el compositor peruano César Bolaños quien compuso la primera obra de música electroacústica realizada en él: "Intensidad y Altura" (1964), basada en el poema homónimo de César Vallejo. En 1966 el laboratorio fue totalmente renovado y desde 1967 Francisco Kröpfl asumió la dirección artística, secundado por Gabriel Brncic en la pedagogía de la música electrónica y por el ingeniero Fernando von Reichenbach, como director técnico, quien diseñó el notable "Convertidor Gráfico Analógico" (conocido cariñosamente como "CATALINA"), capaz de convertir partituras gráficas en sonido: el compositor podía diseñar gráficamente una trayectoria sonora que era capturada por una cámara -filmada en tiempo real- y transformada en sonido.


title: Instituto Di Tella

text: En el campo de la vanguardia audiovisual relacionada con el Beat y el Rock, se presentó en 1967 el happening «Beat Beat Beatles», creado por Roberto Jacoby, Daniel Armesto y Miguel Ángel Telechea.


title: Instituto Di Tella

text: Asimismo, el escenario del Di Tella también sirvió para presentar a los grupos de vanguardia del naciente Rock argentino que cantaban en español. En el ciclo «Tres Espectáculos Beat», realizado el 17, 24 y 31 de marzo de 1969, actuaron sucesivamente las bandas «El Sonido» de Hillbert, «Almendra» y «Manal». Las dos últimas serían más tarde reconocidas como grupos fundacionales de ese movimiento.


title: Instituto Di Tella

text: Y en el campo del Jazz y con la innovación de improvisar sobre imágenes, como así también la improvisación de un mimo (Norman Briski) como un instrumento musical más, se presentó el espectáculo 'músico-visual' «...de la vida de nosotros», de Gerardo Chiarella.


title: Instituto Di Tella

text: El conjunto de instrumentos informales Les Luthiers dio su primer recital en el Di Tella en 1969 y Nacha Guevara sus dos primeros espectáculos: "Nacha de Noche" y "Anastasia Querida", una sátira a la censura militar del gobierno de entonces. De hecho, el «Centro de Altos Estudios Musicales 'Manuela'» al que se refieren en su obra, es el CLAEM. El CLAEM tuvo que cerrar sus puertas en 1970 a la reducción de la financiación que sufrió el Instituto Di Tella durante la dictadura. La mayoría de los equipos de su laboratorio fueron reciclados en un nuevo laboratorio, pero su proyección internacional nunca volvió a ser la misma, aunque la huella que dejó la actividad creativa y pedagógica del CLAEM es profunda en la música latinoamericana e internacional de vanguardia.


title: Instituto Di Tella

text: El incentivo a las artes visuales fue constante. Su Centro de Artes Visuales (CAV) instituyó premios nacionales e internacionales y becas en el exterior, se constituyó en la "institución modernizadora" del arte argentino. Fue dirigido por Jorge Romero Brest, organizando numerosas exposiciones de géneros tradicionales como escultura y pintura, fotografías, diseño arquitectónico, y estimulando fundamentalmente la experimentación con nuevos materiales y propuestas hacia el público.


title: Instituto Di Tella

text: Se destacaron autores (principalmente escultores) como Rubén Fontana, Rómulo Maccio, Gyula Kosice, Julio Le Parc, Luis Felipe Noé, Jorge de la Vega, Ernesto Deira, Juan Carlos Distéfano, Antonio Seguí, Edgardo Giménez, Silvia Torras, Ary Brizzi, Clorindo Testa, Dalila Puzzovio, Delia Cancela, Federico Peralta Ramos y Marta Minujín creadora junto a Brest, Rubén Santantonín, David Lamelas, Leopoldo Maler, Pablo Suárez y Rodolfo Prayón de" La Menesunda", una hoy mítica instalación conceptual en dieciséis ambientes que debían ser recorridos por grupo de ocho personas


title: Instituto Di Tella

text: Desde 1960 tuvo como fotógrafo a Humberto Luis Rivas Ribeiro y en ese ámbito se destacó Oscar Bony. Las "Experiencias" realizadas en 1967 y 1968 reunieron a los artistas jóvenes que buscaban superar la concepción objetual de las obras de arte, entre los que se encontraba Martín Marco participando con exposiciones La Caída - Poesía Desnuda en 1968 y 1969, en búsqueda de experiencias que involucraban el cuerpo y el diseño del espacio-tiempo mediante instalaciones, performance, happenings, etc.


title: Instituto Di Tella

text: El Instituto Di Tella fue cerrado en 1970, pero su fin se inició con la clausura de una obra de las experiencias de 1968, "Baños", de Roberto Plate, por parte del gobierno de facto de Onganía. La obra, que consistía en la instalación en la sala de una simulación de baños públicos, invitaba a los asistentes a escribir las paredes tal como es práctica común en los baños públicos. Una de las inscripciones resultó ofensiva a un alto funcionario militar y desencadenó la clausura de esa obra, que luego fue acompañada por el retiro voluntario del resto de las obras en protesta por la censura.


title: Instituto Di Tella

text: El instituto recibió el reconocimiento de la Fundación Konex en diversas ocasiones: en 1988 obtuvo un Diploma al Mérito como "Fundación Educacional y de Investigación" de la última década; otro Diploma en 1998 como "Entidad de Investigación Científica y Tecnológica"; y en 2006 recibió la Mención Especial por su aporte a las Humanidades en la Argentina.


title: Ideografía

text: Cada símbolo tiene un significado único . De este modo el sol podría ser representado como "( # " y la luna como " )". Los caracteres chinos y los kanji japoneses son ideogramas. La escritura maya es ideograma.


title: Ideografía

text: En algunas culturas fluviales como Mesopotamia o Egipto, en un principio, apareció la escritura ideográfica y la silábica después.


title: A Fish Called Wanda

text: A Fish Called Wanda (titulada "Un pez llamado Wanda" en España y "Los enredos de Wanda" en Argentina y en México) es una película británica-estadounidense de 1988, del género de comedia policial, escrita por John Cleese y dirigida por Charles Crichton.


title: A Fish Called Wanda

text: Sus protagonistas principales son John Cleese, Michael Palin (exmiembros del grupo cómico Monty Python), Jamie Lee Curtis y Kevin Kline.


title: A Fish Called Wanda

text: Se hizo acreedora al Premio Óscar al mejor actor de reparto (para Kevin Kline) y a dos premios BAFTA, al mejor actor (para John Cleese) y al mejor actor de reparto (para Michael Palin).


title: A Fish Called Wanda

text: La película gira en torno al robo a una joyería, planeado por George Thomason y las consecuencias que esto trae. La persona de confianza de George es Ken Pile, un amante de los animales que además sufre de tartamudez. Junto con ellos vienen dos estadounidenses que son una pareja, la sensual estafadora Wanda Gershwitz y el sicario y algo torpe Otto West; este último suele presumir de ser un intelectual, aunque el resto del grupo suele ratificarle su ignorancia, llamándolo estúpido —calificativo que él detesta.


title: A Fish Called Wanda

text: El robo se logra realizar a la perfección. Sin embargo, después del hecho, Wanda y Otto traicionan a George reportándolo con la policía. Tardíamente descubren que George había escondido el botín en un nuevo escondite, en un casillero, y no planeaba revelarles en cuál específicamente. Wanda decide que la mejor forma de obtener información es seducir al abogado de George, Archibald Leach, un hombre atrapado en un matrimonio sin amor con una mujer rica y de mal carácter. Mientras tanto, Otto decide que el mejor método es hablar con Ken, primero pretendiendo estar enamorado de él, y luego atándolo y amenazándolo con comerse sus peces tropicales (uno de los cuales es un pez ángel llamado Wanda).


title: A Fish Called Wanda

text: George encarga a Ken que asesine a una testigo, una mujer de edad avanzada, dueña de tres Yorkshire terriers. En sus intentos por asesinarla, Ken termina matando accidentalmente a cada uno de los perros. A continuación de la muerte del último perro, la mujer muere de un ataque al corazón. Mientrastanto Wanda y Archibald acaban enamorándose mientras que Wanda rompe con Otto por su conducta violenta.