title: The Last Guardian (videojuego)

text: El desarrollo también se vio obstaculizado por la salida de Fumito Ueda de la empresa Sony en diciembre del año 2011. Con la decisión de Sony de retrasar el lanzamiento del videojuego a principios de ese año, Ueda y otros empleados de Sony y del Team Ico optaron por dejar Sony. Ueda declaró en la entrevista de 2013 que su partida de Sony se debió al sentir "una sensación de crisis dentro de mí sobre muchas cosas" sobre las noticias del retraso. Algunos de los que se marcharon de Sony pasaron a otros proyectos. Por ejemplo, el productor ejecutivo Yoshifusa Hayama que se unió a Bossa Studios para trabajar en videojuegos sociales/móviles, mientras que dos artistas del Team Ico se unieron a un estudio de inicio independiente Friends & Foes para desarrollar su primer videojuego, "Vane", que se comparó visualmente con "The Last Guardian". Ueda y otros exmiembros del Team Ico, incluido Jinji Horagai, el programador principal de "Ico" y "Shadow of the Colossus", crearon un nuevo estudio, genDESIGN. Al fundar el estudio, se encontraron con una opción, según Fumito Ueda: "¿Tratamos de crear algo nuevo, o seguimos adelante, brindando apoyo a "The Last Guardian"?" genDESIGN optó por comprometerse a ayudar a Sony a completar "The Last Guardian" a través de un contrato y trabajar junto con el estudio interno de Sony, Japan Studio. Bajo este acuerdo, genDESIGN desarrolló el contenido creativo para el juego, como el diseño de personajes y la animación y el diseño de niveles, que luego se puso en marcha a través de Japan Studio, con Ueda manteniendo la supervisión del proyecto terminado.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: Ueda declaró que el videojuego final, a partir de junio de 2016, todavía representa la visión inicial que tuvo para "The Last Guardian" desde su inicio. La transición de la PlayStation 3 a la 4 solo mejoró el aspecto del videojuego, pero no cambió sustancialmente la forma de ser. Ueda enfatizó que era importante durante el ciclo de desarrollo extendido mantener la pregunta "¿qué tipo de videojuego quiero jugar?" a la vanguardia, y recordar que el videojuego debía estar dirigido a los jugadores que experimentaban el videojuego por primera vez en lugar de a los desarrolladores que lo habían jugado una y otra vez. Digital Foundry, al comparar el videojuego de su taza de rendimiento inicial del año 2008, el tráiler del año 2009, el tráiler del año 2015 y el videojuego final, encontraron muy pocos cambios en la estructura y naturaleza del videojuego, mientras observaban varias mejoras y cambios en los sistemas de renderizado.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: Shawn Layden reintrodujo formalmente "The Last Guardian" al comienzo de la conferencia de Sony en la E3 del año 2015. Sony afirmó que ese videojuego estaba programado para su lanzamiento en la PlayStation 4 con una fecha de lanzamiento del año 2016. Sony también aseguró a los fanáticos que Fumito Ueda seguía siendo un desarrollador principal del videojuego a pesar de su partida previa de Sony. Según Chris Plante de Polygon, la jugabilidad presentada muestra el mismo modo de videojuego de demostraciones anteriores, donde el niño y la criatura grande trabajan juntos para resolver varios rompecabezas de plataformas. La presentación en la E3 del 2015 se basó en el hecho de que el videojuego es completamente jugable, afirmado por miembros seleccionados de la prensa, aunque Yoshida declaró que no hicieron una demostración en vivo del videojuego ya que el comportamiento de la inteligencia artificial de la criatura animal podría ser esporádico e impactar en la demostración. Ueda dijo que los fundamentos de la jugabilidad no habían cambiado desde la versión original de PlayStation 3 a la PlayStation 4, solo que con la PlayStation 4 más poderosa, podían poner más detalles en los personajes y el entorno.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: Aunque la demo del videojuego no se podía reproducir en el Tokyo Game Show del año 2015, parte de la pantalla de Sony para el videojuego, incluida una versión de pantalla completa de Trico que respondería en tiempo real a las acciones de los asistentes capturadas por una cámara PlayStation Move. Yoshida declaró que no habían mostrado mucho material adicional del videojuego desde el anuncio de la E3 del 2015, ya que creían que "The Last Guardian" es una historia pesada y temía mostrar demasiado más allá de que el videojuego existe y se puede jugar.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: "The Last Guardian" fue anunciado para su lanzamiento el 25 de octubre de 2016 en Japón y América del Norte durante la presentación de Sony en la Electronic Entertainment Expo del 2016 en junio, y estuvo disponible en forma jugable para los asistentes. En una entrevista con Kotaku durante la E3 del 2016, Ueda comentó que el videojuego estaba completamente terminado, y que el único trabajo que quedaba eran ajustes visuales y escenas de corte. Se anunció un breve retraso en septiembre de 2016, empujando el título a una versión para principios de diciembre de 2016, ya que los desarrolladores necesitaban más tiempo para corregir errores que habían surgido durante la producción final del juego, según Yoshida. Para el 21 de octubre del 2016, desarrollo del último Guardián concluyó y el videojuego fue enviado para su fabricación. Un parche habilitó un alto rango dinámico y agregó soporte de resolución 4k para el sistema en la PlayStation 4 Pro.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: Además de las copias comerciales habituales, Sony lanzó una "edición de coleccionista" que incluyó el videojuego, un libro de ilustraciones, una banda sonora y una estatua de Trico y el niño descansando. La semana anterior al lanzamiento, Joe Palmer de Sony declaró que los números de pedidos anticipados estaban "superando las expectativas", incluido el alto interés en la edición del coleccionista.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: El 12 de diciembre de 2017 se lanzó una versión de demostración independiente de "The Last Guardian" para la consola PlayStation VR; la versión de realidad virtual permite al jugador experimentar interactuando con Trico desde el punto de vista del niño.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: Debido a las demoras en el desarrollo de "The Last Guardian" y la falta de actualizaciones de Sony, se consideró que "The Last Guardian" estuvo en el infierno del desarrollo durante su período de desarrollo de ocho años. Ueda y Yoshida informaban regularmente el progreso en el juego, pero el título estuvo notablemente ausente de las principales convenciones de videojuegos, incluidas la Electronic Entertainment Expo y el Tokyo Game Show.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: Los periodistas también expresaron su preocupación por el posible lanzamiento del videojuego cuando la marca registrada de "The Last Guardian" había alcanzado algunos hitos fundamentales. En agosto del año 2012, unos tres años después de la presentación de la marca en los Estados Unidos, Sony todavía tenía que producir un producto viable conforme a la ley de marcas, y en febrero del año 2015, Sony no renovó la marca de fábrica norteamericana de "The Last Guardian". Sony volvió a registrar la marca, señalando que la falta de renovación era una supervisión administrativa, y el videojuego todavía estaba en desarrollo.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: Antes de la reintroducción en el año 2015, algunos periodistas expresaron su preocupación sobre si "The Last Guardian" sería un videojuego tan importante como se vio inicialmente. Evan Narcisse para el sitio web Kotaku opinó que el prolongado retraso de "The Last Guardian" en su liberación, desde el año 2009 revelan puede haber perjudicado la relevancia del videojuego en el mercado contemporáneo. Narcisse consideró que el panorama de los videojuegos había cambiado enormemente desde el año 2009, durante el cual los videojuegos de "carreras, de disparos y los videojuegos de acción y aventura de los números dominaban" el mercado y el impacto emocional esperado de "The Last Guardian" lo hubiera convertido en un destacado juego. Desde entonces, el surgimiento de videojuegos más independientes como "Papo & Yo", "Bastion", "The Walking Dead" y "Journey" habían creado experiencias similares a "The Last Guardian", según Narcisse. Leigh Alexander de Boing Boing estuvo de acuerdo y señaló que el retraso de "The Last Guardian" se había extendido a una generación de consolas, y se han ofrecido otros videojuegos llenos de emociones en lugar de "The Last Guardian". En GamesIndustry.biz Rob Fahey considera que tanto "The Last Guardian" como "Final Fantasy XV", que también tuvo un ciclo de desarrollo prolongado de casi una década, representan los últimos vestigios de prácticas de desarrollo de videojuegos de principios de la década de 2000, desafiados por el aumento de los videojuegos móviles, el desarrollo de videojuegos independientes y prácticas de desarrollo de software más eficientes que cambian la naturaleza de los autores como Fumito Ueda y en Final Fantasy de Tetsuya Nomura en el desarrollo del videojuego.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: Los periodistas pudieron experimentar "The Last Guardian" en la Electronic Entertainment Expo 2016 y el Tokyo Game Show del 2016 en los meses previos al lanzamiento del juego, y varios expresaron más preocupaciones sobre la naturaleza del largo período de desarrollo del videojuego. Patrick Garrett, escribiendo para VG247, descubrió que las imágenes se sentían planas y envejecidas teniendo en cuenta las capacidades de hardware modernas, y expresó su preocupación de que mientras los jugadores mayores comprarían el videojuego fácilmente, "The Last Guardian" podría no atraer a jugadores lo suficientemente nuevos como para ser un éxito comercial. Philip Kollar para Polygon dijo, aunque todavía estaba impresionado con los personajes, los gráficos y la jugabilidad central, se encontró con que era difícil controlar al personaje y manejar la cámara del juego, elementos que hacían que el videojuego se sintiera como un videojuego de PlayStation 2 en lugar de hacerlo con hardware moderno. En la revista Wired Chris Kohler encontró gran parte de la demo de que requería ser paciente y la observación de los movimientos de Trico y la resolución de rompecabezas que, comentó, algunos jugadores se aprecian, pero eran elementos que poco a poco se han eliminado de los videojuegos de acción en la última generación de consolas , y otros jugadores pueden no tener la paciencia para esto. Brian Ashcroft de Kotaku También notó que el ritmo de la demostración a menudo se establece por la rapidez con la que Trico respondería o reaccionaría, lo que puede poner a prueba la paciencia de los jugadores que buscan una experiencia más basada en la acción.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: En "The Last Guardian", la partitura original fue escrita, orquestada, llevada a cabo, y coproducida por Takeshi Furukawa. Furukawa se había unido al desarrollo de la banda sonora alrededor del año 2011, casi al mismo tiempo que el videojuego estaba siendo trasladado a la PlayStation 4. Furukawa había sido invitado a participar por Tommy Kikuchi, el director musical de "Shadow of the Colossus". Durante la transición de la plataforma, gran parte del trabajo creativo había quedado en suspenso, y Furukawa no dedicó grandes esfuerzos a la composición hasta aproximadamente ya entrado el año 2013, tres años antes del lanzamiento. Completó sus composiciones a principios de 2016.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: Furakawa afirmó que Fumito Ueda le confiaba la libertad de componer la música y proporcionar solo una amplia dirección de una banda sonora cinematográfica y algunas notas específicas para el director. Debido a que él estaba al tanto de la reputación de las bandas sonoras de Michiru Oshima y Kow Otani de "Ico" y "Shadow", respectivamente, y quería tener en "The Last Guardian" 'una banda sonora que fuese igualmente única, Furukawa optó por evitar el uso de estos trabajos previos y en su lugar sacó sus propias inspiraciones principalmente de obras con una "estética apagada", como el arte y la música impresionistas y el cine francés.Furakawa quería evitar exagerar el aspecto emocional del juego, que sentía que ya estaba suficientemente transmitido a través del videojuego y la animación, y en cambio mantenía la música restringida excepto durante los elementos narrativos clave o en lugares específicos del trabajo del juego. Furukawa no tuvo que adaptar su puntaje de manera significativa para dar cuenta de los cambios en la dirección de la historia y el juego, ya que estos elementos aún se hicieron dentro de la visión de Ueda. Trabajó con el cable de audio Tsubasa Ito con frecuencia para revisar el estado y el uso de sus composiciones puntuadas.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: La ejecución de la banda sonora fue dirigida por Furukawa con la Orquesta Sinfónica de Londres, el Trinity Boys Choir y los London Voices, y se grabó en salón Lyndhurst. La banda sonora de 19 pistas, la Composer Choice Edition fue lanzada digitalmente junto con el videojuego en la PlayStation 4 en su aplicación Musical, y luego en otros minoristas digitales. TEAM Entertainment lanzó una versión de CD de 24 pistas el 21 de diciembre de 2016. Además, iam8bit publicará una edición de LP de dos discos en algún momento del año 2017.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: "The Last Guardian" recibió críticas "generalmente favorables", de acuerdo con los revisores de videojuegos como Metacritic. La mayoría de los críticos elogiaron el ambiente y la historia del videojuego como algunos de sus elementos más fuertes, mientras que el realismo del comportamiento animal que exhibe Trico fue elogiado por algunos críticos, aunque otros sintieron que el realismo también obstaculizaba el videojuego causando impaciencia y frustración debido a falta de acción inmediata de Trico al darle órdenes.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: En GameSpot Pete Brown elogió a los personajes, su relación y la historia como los aspectos importantes para el videojuego y la experiencia general, teniendo en cuenta las interacciones con Trico y actuando de forma muy independiente, a veces por no saber "si se trata de un esfuerzo concertado para poner a prueba su paciencia para una criatura adorable pero terca". Sin embargo, Brown sintió que le agregaba personalidad a Trico y "simpatía por ambos personajes", además de su desarrollo dentro de la historia y para con el jugador", que culminó en una serie de revelaciones cautivadoras que consolida su apego a sus personalidades". Tom Senior de GamesRadar llamó a Trico "el mejor compañero de Inteligencia Artificial en los videojuegos", además del uso sutil de las señales visuales y de audio para agregar más personajes y su impacto en la propia jugabilidad.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: En la revisión de The Guardian, Simon Parkin elogió el diseño de Trico y sus interacciones con el mundo y los acertijos, y agregó una mayor inversión emocional. Él comparó a Trico con un "sobreviviente del abuso" debido a que estaba asustado y encarcelado al inicio del videojuego y por la consideración y el desarrollo de la relación de sus personajes, lo que lo convierte en "un videojuego, casi cualquier cosa, sobre la rehabilitación a través de la bondad y el compañerismo". Chris Carter de Destructoid sintió que los detalles y el comportamiento realista de Trico y el chico eran "emotivos de una forma que la mayoría de los desarrolladores ni siquiera intentarían", posiblemente siendo la razón detrás del largo desarrollo, elogiando el esfuerzo puesto por Fumito Ueda y los desarrolladores, sin embargo. Jermey Parish creía que Trico es como un personaje del [videojuego con su propia evolución aparente, y era revolucionario en el diseño del personaje, y que la relación emocional entre Trico y el chico era algo que solo podía hacerse efectivamente con la interactividad de un videojuego.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: En contraste, Marty Sliva de IGN criticó el comportamiento de Trico durante los rompecabezas combinados con controles de cámara que hacían las secciones del videojuego más frustrantes, particularmente durante los interiores debido a la naturaleza apretada de ciertos niveles y el tamaño de Trico que restó la experiencia, llamándolo "Es raro incluso tener que pensar en la cámara de un videojuego en tercera persona en el año 2016, pero me encontré constantemente fui sacado de la experiencia tratando de luchar con mi punto de vista". Sliva, sin embargo, todavía sentía que el videojuego tuvo éxito en el apartado adjunto con sus personajes y entregó momentos memorables a pesar de sus problemas. En Game Revolution James Kozanitis descubrió que hubo momentos en que Trico continuaría atravesando el entorno y realizando tareas incluso sin la participación del jugador, haciendo que el acto de controlar a Trico a veces fuera "ineficaz e innecesario".


title: The Last Guardian (videojuego)

text: Los revisores también notaron problemas de rendimiento con el videojuego que se ejecuta en el hardware predeterminado de PlayStation 4. En Eurogamer Digital Foundry se determinó que el videojuego se topó con problemas de representación y las caídas de imágenes por segundo en la PlayStation 4, mientras corre a 1080p en la nueva PlayStation 4 Pro proporciona una velocidad de fotogramas estable. Philip Kollar de Polygon comparó los aspectos técnicos con el lanzamiento de sus predecesores en la PlayStation 2 debido al largo desarrollo a través de varias generaciones de consolas de Sony, afirmando que el videojuego a veces aprovechaba el hardware de la PlayStation 4, mientras que en otros, como la velocidad de fotogramas y los problemas de control hicieron que su edad fuera más notable. Sam Byford de The Verge comentó que aunque las caídas de las tasas de fotogramas por segundo eran comunes en "Shadow of the Colossus", eran más aceptables según el hardware de la PlayStation 2 de la época y el alcance maximizaba el hardware de la consola, mientras que estos problemas en PlayStation 4 para "The Last Guardian" eran menos perdonables, haciéndolo sentir como "un videojuego de PS3 que nunca se unió realmente hasta que la fuerza bruta del nuevo hardware permitió que el equipo lo enviara"; contrastó esto con "Final Fantasy XV", que hizo que el motor del videojuego se reconstruyera después de que su plataforma objetivo se cambiara a una consola de octava generación.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: El videojuego fue nombrado en varias listas como videojuego del Año y de fin de año, incluyendo The New Yorker, Engadget, GameSpot, VG247, y Polygon.


title: The Last Guardian (videojuego)

text: En el Reino Unido, "The Last Guardian" sufrió ventas inferiores a las esperadas, debutando en el número 7 en las listas de ventas de videojuegos semanales. Debutó en el número cuatro en las listas de ventas de videojuegos japoneses, con 82,260 copias vendidas. La semana siguiente, vendió 10,754 copias adicionales en Japón, con lo que la cantidad total de copias vendidas en el país fue de 93,014.


title: Juan de la Rosa

text: Juan de la Rosa es una novela histórica boliviana escrita por Nataniel Aguirre y considerada como una de las más importantes del país. Fue publicada por primera vez en 1885.


title: Juan de la Rosa

text: La novela está escrita como memorias de un veterano coronel de la guerra de independencia. Algunos autores señalan que un tono sentimental domina esta obra que tiende, sutilmente, al maniqueísmo. Los "buenos" de la historia son los patriotas —el insurgente Esteban Arze, el protagonista principal Juanito, su madre Rosita, su tío Fray Justo, su tío Alejo Nina, etc.—; los "malos", los realistas: el general Goyeneche, el cura Arredondo, el licenciado Buguya, la "noble señora".


title: Juan de la Rosa

text: Sin embargo, otros autores la consideran un clásico de la narrativa romántica de Bolivia que representa fielmente el ambiente revolucionario de principios del siglo XIX.


title: Juan de la Rosa

text: Juan Siles Guevara dice en su libro "Las cien obras capitales de la literatura boliviana", que Juan de la Rosa es “sin lugar a dudas, el mejor de los productos de la literatura romántica boliviana”. Una versión señala que el español Menéndez y Pelayo calificó a esta obra como la mejor novela hispanoamericana del siglo XIX. El Ministerio de Cultura de Bolivia organizó en 2009 una serie de seminarios con especialistas y publicó una lista de las 10 novelas bolivianas más representativas del periodo republicano. "Juan de la Rosa" ocupó el primer lugar en dicha lista.


title: Juan de la Rosa

text: Universalmente se considera que el autor de esta novela es el escritor cochabambino Nataniel Aguirre (1843-1888). Sin embargo, el investigador boliviano Gustavo V. García sostiene en una hipótesis publicada en el prólogo a la edición hecha en 2010 por la editorial Plural (colección "Letras Fundacionales") que la obra no pertenece a Aguirre, teoría que es apoyada por el historiador Luis Antezana Ergueta. Según García, Aguirre habría editado la novela —cuyo verdadero autor sería el coronel Juan de la Rosa o Juan Altamirano Calatayud— y ayudado a corregirla.


title: Juan de la Rosa

text: El problema está en que en la primera edición, de 1885, no hay ninguna referencia a Aguirre: la novela, titulada "Cochabamba. Memorias del último soldado de la Independencia", está firmada por Juan de la Rosa, que es el personaje principal: Juanito, seguido del nombre de su madre Rosita.


title: Juan de la Rosa

text: El libro no tuvo mayor relevancia y Aguirre murió tres años después. Pero en 1909, Margarita Achá, viuda de este escritor e hija del expresidente boliviano José María de Achá, publicó una segunda edición de la novela, en México y París (editorial Bourdet), en la que ya aparecía como autor su finado esposo y llevaba como título "Juan de la Rosa. Memorias del último soldado de la independencia" y como subtítulo, "Cochabamba". Esa publicación —autorizada y financiada por el Boliva mediante ley del 28 de noviembre de 1906— tuvo alta resonancia en los círculos literarios.


title: Juan de la Rosa

text: La teoría de García ha sido considerada como equivocada y fue refutada sin réplica por el historiador Jaime de la Fuente Patiño en varios artículos publicados en el periódico "Los Tiempos" de Cochabamba y por el investigador literario Adolfo Cáceres Romero, autor de la "Nueva historia de la literatura boliviana" (quien, entre otros argumentos, recuerda que el seudónimo Juan de la Rosa fue utilizado en otras ocasiones por Aguirre); así como puesta en duda por la filóloga Alba Paz Soldán en la revista "Nueva Crónica" Nº73.


title: Juan de la Rosa

text: En cualquier caso, lo que se ha conservado en forma de libro es solo la primera parte de los que debería haber sido una tetralogía: si "Cochabamba" era el título del primer tomo, los de los restantes deberían haber sido "Los porteños", "Hayopaya" y "Los colombianos".


title: Pueblo pápago

text: Los pápagos son los miembros de un pueblo indígena cuyo territorio étnico se encuentra en el suroeste de América del Norte, entre Estados Unidos y México.


title: Pueblo pápago

text: Hoy día la mayoría de los Tohono O'odham habitan al noroeste del estado de Sonora. El pueblo tohono o'odham o «pápago» reside en las comunidades rurales próximas a la línea fronteriza con Arizona como: San Francisquito, El Cubabi, Ejido El Bajío y Pozo Verde. Siendo el ejido El Bajío el lugar donde se sitúa la mayor concentración de esta comunidad.


title: Pueblo pápago

text: Se denominan a sí mismos tohono o'odham (‘gente del desierto’) y rechazan el nombre «pápago», con que usualmente son conocidos en español, pues proviene de «papabiotam», que en su idioma significa ‘comedor de frijoles’ "(papahvi-o-otam)".


title: Pueblo pápago

text: Otras denominaciones históricas incluyen «papabicotam», «papahota», «papalotes». En Estados Unidos, el Gobierno de esta tribu se llama Tohono O'odham Nation (la nación tohono o'odham).


title: Pueblo pápago

text: Su número asciende a unos 500 en territorio mexicano y casi 30 000 en territorio estadounidense. Están estrechamente relacionados con los pimas y probablemente son descendientes de la antigua cultura hohokam. La diferencia entre los pápagos y los pimas es fundamentalmente histórica y se originó en el momento de la Conquista de México, cuando los pimas permanecieron en sus territorios mientras los pápagos emigraron hacia el desierto de donde proviene su nombre.


title: Pueblo pápago

text: En su territorio se extienden vastas zonas desérticas de Arizona y del norte de Sonora, donde los tohono o'odham recolectan comida y practican la agricultura. Gracias a la amplia dispersión de sus dominios, su enorme aparato político fue un grupo de poblados interdependientes. Mantienen menor contacto con los "blancos" que ningún otro grupo indígena y han retenido elementos de su tradicional cultura. Suman unos 15 000 miembros.


title: Pueblo pápago

text: Pertenecientes a la familia uto-azteca de pueblos, los tohono o'odham viven en la región desértica del noroeste de Sonora y suroeste de Arizona. Parecen pertenecer a la cultura hohokam, desarrollada hasta el siglo XIV, en que muchas localidades fueron abandonadas. Constituyeron un mismo pueblo junto con los pimas hasta el período virreinal, en que la colonización y conversión los dividió. En el caso de los tohono o'odham la aculturación fue mucho más lenta, esporádica y tardía, no comenzando hasta el siglo XVIII de la mano de misioneros como el padre Kino y Salmair.


title: Pueblo pápago

text: La Independencia de México no trajo grandes cambios, y los sucesivos intentos de integración provocaron la Guerra de los Pápagos en 1840. Una vez terminada, los tohono o'odham fueron frecuentemente reclutados para someter a los apaches en las sucesivas guerras de «pacificación» contra estos. La pérdida de territorios por el Tratado de Guadalupe-Hidalgo dividió a los tohono o'odham, ya que la mayoría permaneció del lado estadounidense, aunque los lazos entre ambas comunidades han permanecido hasta hoy. México continuó con las expropiaciones de tierras contra los pápagos hasta el siglo XX, un proceso que también sufrieron en Estados Unidos hasta 1874, con la creación de las reservas Papago Indian San Xavier Reservation (de 309 km²), y Gila Bend ―oficialmente, Papago Indian Gila Bend Reservation― en 1882 (con 42 km²). En Estados Unidos, el total de tierras de propiedad tohono o'odham asciende a los 12 500 km², dentro y fuera de las reservas, mientras que en México poseen 462 km², divididos entre seis comunidades principales.


title: Pueblo pápago

text: La división dio lugar a una diferencia de nivel de vida entre las comunidades mexicana y estadounidense, aunque se mantiene el sentimiento de pertenencia al mismo pueblo, inexistente con los pimas. Los tohono o'odham estadounidenses han obtenido un gran auge económico con la introducción del juego legal y el turismo como principales actividades económicas, mientras los tohono o'odham mexicanos siguen fundamentalmente dedicados a la agricultura y ganadería. La frontera dividió asimismo los lugares de celebración, culto, santuarios, con las consiguientes molestias para los miembros de la etnia.


title: Pueblo pápago

text: El idioma o'odham pertenece a la «subdivisión pima-tepehuana» de la familia uto-azteca o yuto-nahua, al igual que el náhuatl. el yaqui-mayo, el hopi, el tarahumara y el guarijío. Los hablantes en México son escasos, no sobrepasando el medio millar de hablantes, en su mayoría de edad avanzada, mientras que en Estados Unidos la lengua resiste mejor. El pápago se puede considerar un dialecto poco diferenciado del idioma pima.


title: Pueblo pápago

text: Los tohono o'odham (pápagos) han vivido tradicionalmente en la Pimería Alta, entre los desiertos de Sonora y Arizona. Su medio ambiente es bastante hostil: un desierto casi llano con temperaturas muy altas y escasas precipitaciones donde solo es posible la agricultura de regadío y la ganadería extensiva.


title: Pueblo pápago

text: Los tohono o'odham (pápagos) de México habitan en el estado de Sonora en los municipios de Altar, Caborca, Pitiquito, Sáric, Puerto Peñasco, Magdalena y General Plutarco Elías Calles. Las localidades pertenecientes a estos municipios donde existe población tohono o'odham son:


title: Pueblo pápago

text: Las celebraciones más importantes son la Vikita, la cual consiste en rituales en el plenilunio de junio para pedir lluvias, se realiza una procesión por el pueblo de Quitovac, para que los personajes ritualistas reciban ofrendas de las familias, y en el terreno ceremonial, una danza que se desarrolla durante toda la noche; finalmente una especie de representación mítico-teatral.


title: Pueblo pápago

text: La fiesta de San Francisco, que tiene lugar en San Francisquito, Sonoyta, Quitovac y Magdalena. El personaje festejado por la etnia es en realidad San Francisco Javier, devoción promovida por los jesuitas, sólo que se le conmemora en la fecha impuesta por la orden franciscana...


title: Amalia García

text: Amalia Dolores García Medina (Zacatecas, Zacatecas; 6 de octubre de 1951) es una política mexicana, de izquierda exintegrante del Partido Comunista Mexicano, Partido Socialista Unificado de México, Partido Mexicano Socialista y fundadora del Partido de la Revolución Democrática (PRD) al cual renunció en 2018. Desde 2021 milita en Movimiento Ciudadano. Fue titular de la Secretaría de Trabajo y Fomento al Empleo de la Ciudad de México del 1 de julio de 2015 al 15 de mayo de 2018.


title: Amalia García

text: El 24 de junio de 2018 renunció a formar parte del PRD, partido del cual fue fundadora, argumentando que "lamentablemente los objetivos y valores que le dieron autoridad y cohesión al PRD se han desdibujado, siendo sustituidos por intereses que tienen que ver con el beneficio personal".


title: Amalia García

text: Siendo su padre Francisco E. García, , Amalia comenzaría a militar en el Partido Comunista Mexicano, desde donde formó parte de las directivas estatales del mismo, así como de Partido Socialista Unificado de México y del Partido Mexicano Socialista fue fundadora en 1989 del Partido de la Revolución Democrática. Compañera de Cuauhtémoc Cárdenas, Porfirio Muñoz Ledo, Heberto Castillo, Ifigenia Martínez y Gilberto Rincón Gallardo, quienes fueron los principales fundadores del PRD.


title: Amalia García

text: Estudió la licenciatura en Sociología por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y Licenciatura en Historia por la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP).


title: Amalia García

text: Amalia García ha tenido un largo historial de participación en las organizaciones de la izquierda mexicana y fue gobernadora de su estado de origen Zacatecas de 2004 a 2010, una de las 5 que ha tenido el país elegidas por voto directo (más dos por interinato).


title: Amalia García

text: 21 de marzo de 1993, en el que participaron miles, y fue antecedente de la reforma política para que los ciudadanos elijan a sus gobernantes en la Ciudad de México.


title: Amalia García

text: 1991 y 1994, luchó contra la corrupción policial, contra las razzias hacia los jóvenes, a favor de los derechos de la comunidad LGBTTTI y promovió la ley que creó la primera Comisión de Derechos Humanos de la Ciudad de México.


title: Amalia García

text: Es una de las pioneras en la lucha por los derechos de las mujeres, como las cuotas en política, el derecho a decidir sobre su maternidad, y contra la violencia: siendo Diputada, de 1988 a 1991, fue una de las promotoras de una nueva legislación penal, para convertir en delitos graves la violación, la violencia intrafamiliar y el hostigamiento sexual.


title: Amalia García

text: Como Diputada Federal ha sido Presidenta de la Comisión de Asuntos Migratorios, ha sido integrante de las Comisiones de Puntos Constitucionales, de la de Relaciones Exteriores;


title: Amalia García

text: Presidió la Comisión Interparlamentaria de Derechos Humanos, del Foro de Presidentes y Presidentas de los Poderes Legislativos de México, Centroamérica y el Caribe, de 2012 a


title: Amalia García

text: Presidió el Consejo Parlamentario Regional de la Migraciones - Centroamérica, México y el Caribe, de 2013 a 2015.


title: Germán Valdés III

text: Germán Valdés III es un actor mexicano de cine, teatro y televisión. Nieto de Germán Valdés "Tin Tan" y sobrino nieto de los actores Ramón Valdés, Antonio Valdés Castillo y Manuel "El Loco" Valdés.


title: Juan Dávila

text: Coronel Juan Dávila fue un militar mexicano que participó en la Revolución mexicana. Nació en Coahuila.


title: Juan Dávila

text: Se incorporó a la lucha contra Victoriano Huerta en el Ejército Constitucionalista. Fue firmante del Plan de Guadalupe como teniente de Estado Mayor.


title: Juan Dávila

text: Acompañó a Venustiano Carranza en el frustrado ataque a Torreón como parte de su Estado Mayor, a finales de 1913 puesto en el que estuvo durante toda la lucha contra Victoriano Huerta. Se incorporó a las fuerzas de Francisco Coss para combatir a las fuerzas convencionistas. Alcanzó el grado de coronel.


title: Elecciones locales de la Ciudad de México de 2021

text: Las elecciones de la Ciudad de México de 2021 se llevaron a cabo el domingo 6 de junio de 2021, y en ellas se renovaron los titulares de los siguientes cargos de elección popular de la Ciudad de México:


text: En las elecciones estatales tienen derecho a participar once partidos políticos. Diez son partidos con registro nacional: Partido Acción Nacional (PAN), Partido Revolucionario Institucional (PRI), Partido de la Revolución Democrática (PRD), Partido del Trabajo (PT), Partido Verde Ecologista de México (PVEM), Movimiento Ciudadano (MC), Movimiento Regeneración Nacional (MORENA), Partido Encuentro Solidario (PES), Fuerza por México (FPM) y Redes Sociales Progresistas (RSP). Y además el partido político local Partido Equidad, Libertad y Género (ELIGE).


text: La campaña electoral para las diputaciones y los ayuntamientos inicia el 4 de abril y se extiende durante dos meses hasta el 2 de junio. La votación se realizará el domingo 6 de junio de 2021, de 8 de la mañana a 6 de la tarde, en simultáneo con las elecciones federales. En las elecciones tienen derecho a voto 7 772 400 habitantes.


text: Para la elección de diputados de mayoría relativa del Congreso de la Ciudad de México, la entidad se divide en 33 distritos electorales.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: La arquitectura de Inglaterra se refiere a la arquitectura practicada en el territorio actual de Inglaterra y en el del histórico reino de Inglaterra. El término también se usa para referirse a los edificios creados bajo la influencia inglesa o por los arquitectos ingleses en otras partes del mundo, particularmente en las colonias inglesas y, posteriormente británicas, y en el Imperio británico que evolucionó hacia la Mancomunidad Británica de Naciones.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: Las principales formas de arquitectura no vernácula empleadas en Inglaterra antes de 1900 se originaron en otras partes de Europa occidental, principalmente en Francia e Italia, y también en el la arquitectura moderna deriva tanto de influencias europeas como estadounidenses. Cada uno de esos modos extranjeros se asimiló en la cultura arquitectónica inglesa y dio lugar a variaciones e innovaciones locales, produciendo algunas formas y tipos nacionales diferenciados. Entre los estilos más característicos originarios de Inglaterra destacan el gótico perpendicular de finales de la Edad Media, el gótico victoriano alto y el estilo reina Ana.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: Muchos antiguos monumentos de piedra todavía en pie fueron erigidos en el periodo prehistórico; entre los más conocidos figuran Stonehenge, los menhires conocidos como las Flechas del Diablo, el monolito de Rudston y el círculo de piedras de Castlerigg. Con la invasión romana se introdujeron nuevos tipos edificatorios, basílicas, baños, anfiteatros, arcos de triunfo, villas, templos, calzadas, fortalezas, empalizadas y acueductos. Fueron los romanos quienes fundaron varias ciudades y pueblos tales como "Londinium" (Londres), "Aquae Sulis" (Bath), "Eburacum" (York), "Deva" (Chester) o "Verulamium" (St Albans). Una de las obras romanas más conocidas es el muro de Adriano, que atraviesa todo el norte de Inglaterra. Otro ejemplo bien conservado son los baños romanos en Bath.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: Los primeros edificios civiles de la arquitectura medieval fueron construcciones sencillas, realizadas principalmente con madera y tejados de paja. La arquitectura eclesiástica abarcó desde una síntesis del monasticismo hiberno-sajón hasta la basílica paleocristiana, caracterizada por las hileras de pilastras, las arcadas ciegas, ejes de balaustres y aberturas de cabeza triangular.


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text: Después de la conquista normanda en 1066 los señores feudales construyeron numerosos castillos desde los que poder detentar el poder, y protegerse de invasiones en el norte. Algunos de los mejores castillos medievales conocidos son la torre de Londres, el castillo de Warwick, el castillo de Durham y el castillo de Windsor, entre otros.


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text: A lo largo de la era de Plantagenet, floreció una arquitectura gótica inglesa, con ejemplos sobresalientes como las catedrales medievales de Canterbury y York o la abadía de Westminster. Con la expansión de la arquitectura normanda además de castillos, surgieron palacios, grandes casas, universidades e iglesias parroquiales. La arquitectura medieval se completó en el con el estilo Tudor cuyo elemento más característico es el arco de cuatro centros —el llamado arco Tudor— al igual que el "wattle and daub" (bahareque) de las casas domésticas. A raíz del Renacimiento, apareció una forma de arquitectura que se hacía eco de la antigüedad clásica sintetizada con el cristianismo, es el estilo barroco inglés, particularmente defendido por el arquitecto Christopher Wren.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: En Inglaterra la arquitectura medieval ofrece tal vez una evolución más completa que en los demás países: se clasifica en períodos que coinciden aproximadamente con los siglos y se definen por sus caracteres especiales: anglo-sajón, normando, inglés primitivo, decorado, perpendicular y Tudor. Esta clasificación se basa en las etapas históricas y parte en el carácter de la arquitectura inglesa. El tránsito de una a otra fue lento y gradual, casi imperceptible. El carácter de cada estilo y su análisis advierten bien de la evolución de plantas, aberturas, techadumbres, columnas y ornamentos.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: Le siguió la arquitectura georgiana, con un estilo más refinado, evocando de forma sencilla la arquitectura de Palladio, siendo el Royal Crescent en Bath uno de los mejores ejemplos de este estilo. La aparición del romanticismo durante la época victoriana dio paso al Neogótico, al mismo tiempo que la Revolución Industrial allanó el camino para edificios como el Palacio de Cristal. Desde la década de 1930 han surgido diversas corrientes modernas cuya recepción es a menudo controvertida, pues existen todavía feudos de resistencia tradicionalista.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: Los ejemplos conocidos más antiguos de arquitectura en Inglaterra son las tumbas megalíticas del Neolítico, como las de Wayland's Smithy y West Kennet Long Barrow. Estos "cromlech" son comunes en gran parte de la Europa atlántica, con ejemplos en España, Bretaña e Irlanda. La datación por radiocarbono ha demostrado que, como el historiador John Davies dice, son «las primeras construcciones sustanciales, permanentes, del hombre y las primeras tienen casi 1500 años más que la primera de las pirámides de Egipto». Los henges neolíticos de Avebury y de Stonehenge son dos de los monumentos megalíticos más grandes y más famosos del mundo. La estructura es un calendario anual, pero la razón de su enorme tamaño se desconoce con certeza, aunque se han sugerido interpretaciones ligadas a la agricultura, el uso ceremonial o la interpretación del cosmos. Con otros sitios cercanos, como Silbury Hill, Beckhampton Avenue y West Kennet Avenue, han sido declarados por la UNESCO Patrimonio de la Humanidad, con el nombre de Stonehenge, Avebury y sitios relacionados.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: En Inglaterra pueden verse numerosos ejemplos de arquitectura de la Edad del Bronce y de la Edad del Hierro. Una de las formas son los monumentos funerarios megalíticos, ya sean barrows individuales (también conocidos, y marcados en los modernos mapas británicos de la Ordnance Survey, como túmulos) u ocasionalmente cistas cubiertas por cairns. Otra son los movimiento de tierras defensivos conocidos como hill fort (castros), como el del castillo Maiden o el del castillo de Cadbury. La evidencia arqueológica sugiere que la arquitectura doméstica británica de la Edad del Hierro tenía tendencia a edificar viviendas circulares, conocidas como roundhouses. Sus estructuras de madera por encima del suelo no han sobrevivido.


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text: El periodo romano vio la construcción de los primeros edificios de gran escala en Gran Bretaña, pero muy pocos sobreviven salvo algunas fortificaciones. Se conservan algunas secciones de la muralla de Adriano y de fuertes costeros como los de Portchester, Pevensey y el castillo de Burgh, que han sobrevivido gracias a que se han incorporado en posteriores castillos. Otra edificación aún en pie es un faro en el castillo de Dover, que ahora forma parte de una iglesia. En la mayoría de los casos, sólo los cimientos, pisos y las bases de los muros dan fe de la estructura de los antiguos edificios. Algunos de estos fueron de gran escala, como el palacio de Fishbourne y los baños de Bath. Los edificios más importantes de la época romana se ciñen estrechamente al estilo de las estructuras romanas de otros lugares, aunque los métodos de construcción tradicionales de la Edad del Hierro siguieron siendo de uso general en las viviendas más humildes, especialmente en las zonas rurales.


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text: De la arquitectura del periodo anglosajón (mediados del siglo V-invasión normanda, 1066) sólo sobreviven una cincuentena de pequeñas iglesias, las únicas edificaciones generalmente construidas en piedra aparte de las fortificaciones. Los ejemplos más antiguos datan del , especialmente en Bradwell-on-Sea y Escomb, pero la mayoría son de los siglos y . Debido a la sistemática destrucción y sustitución de las catedrales y monasterios ingleses por los normandos, no sobreviven grandes iglesias anglosajonas; el mejor ejemplo existente está en Brixworth.


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text: El principal material usada fue la mampostería de piedra, a veces sillería, que se podía acompañar de detalles en ladrillos romanos reutilizados. Las iglesias anglosajonas son generalmente altas y estrechas y consisten en una nave y un estrecho presbiterio; suelen tener una torre occidental. Algunos característicos "porticus" (dependencias salientes) al oeste o al norte y al sur, crean una planta cruciforme. Rasgos característicos son las piedras angulares dispuestas al modo «long-and-short work» (alternando bloques verticales y horizontales) y pequeñas ventanas con dinteles redondeados o triangulares, profundamente extendidas o en grupos de dos o tres separados por columnas achaparradas. La forma más común de decoración externa son las tiras delgadas de piedra que sobresalen verticalmente —lesenas—u horizontalmente, combinadas en general con arcadas ciegas. Hay ejemplos notables de esto en Earls Barton, Bradford-on-Avon y Barton-upon-Humber.


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text: En el los normandos estaban entre los principales exponentes de la arquitectura románica europea, un estilo que había comenzado a influir en las iglesias inglesas anteriores a 1066, pero que se convirtió en el modo dominante en el país con la ola de construcción que siguió a la conquista normanda. Los normandos destruyeron gran parte de las iglesias inglesas y las reemplazaron por edificaciones románicas, un proceso que afectó a todas las catedrales existentes en la época en Inglaterra. La mayor parte de éstas fueron más tarde parcial o totalmente reconstruidas en estilo gótico, y aunque muchas todavía conservan sustanciales partes románicas, solamente la catedral de Durham sigue siendo una edificación predominantemente románica (junto con las actuales catedrales de St Alban y de Southwell Minster, iglesias abaciales en la época medieval). Incluso Durham muestra características de transición importantes que conducirán a la aparición del gótico. Las iglesias románicas se caracterizan por el uso de arcos de medio punto, las arcadas soportadas por enormes columnas cilíndricas, las bóvedas de arista y la decoración escultórica con bajos relieves. Un rasgo especialmente normando es el uso de patrones decorativos a base de motivos de chevrón (forma de compás).


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text: A raíz de la invasión de William I y sus lords se construyeron en el país numerosos castillos de madera mota castral para imponer el control sobre la población nativa. Muchos fueron reconstruidos posteriormente en piedra, comenzando con la misma Torre de Londres.


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text: También hay un pequeño número de edificios normandos domésticos aún en pie, por ejemplo la Jew's House, en Lincoln, casas señoriales en Saltford y Boothby Pagnall; y mansiones fortificadas como el castillo de Oakham.


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text: Poco sobrevive de la arquitectura vernácula de la época medieval debido a la utilización de materiales perecederos. La mayoría de los edificios domésticos fueron construidos con entramados de madera, por lo general con rellenos de bahareque. Los tejados tenían normalmente cubiertas de paja; también se emplearon madera culebrilla, y desde el comenzaron a usarse en algunas zonas baldosas y pizarra. También alrededor del se introdujeron cerchas curvas, aumentando el tamaño de la madera enmarcada de los edificios vernáculos. Por lo general, las casas de este período se organizaban en torno a una gran sala abierta de suelo a techo. Un hueco en cada extremo se dividía en dos plantas y se utilizaba para los cuartos de servicio y salas privadas para el propietario. Los edificios que sobreviven del período son casas señoriales con foso, de las cuales Ightham Mote es un notable ejemplo tardío medieval y Wealden hall house, como la Alfriston Clergy House.


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text: El período Tudor (1485-1603) constituye una fase de transición, en el que la continuidad orgánica y la innovación técnica de la época medieval dieron paso a siglos en los que la arquitectura estuvo dominada por una sucesión de intentos de revivir estilos anteriores.


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text: El estilo gótico perpendicular alcanzó su culminación en el reinado de Enrique VII y los primeros años del de Enrique VIII, con la construcción de la Capilla del King's College, Cambridge, y la capilla de Enrique VII en la abadía de Westminster. Sin embargo, la Reforma supuso el cese efectivo de la construcción de iglesias en Inglaterra, cese que continuó en la mayor parte del país hasta el .


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text: En el momento del ascenso de Enrique VII, la construcción de castillos en Inglaterra había llegado a su fin y con los Tudor se generalizaron las casas fortificadas ostentosas y las casas de campo ("country houses"), construidas tanto en piedra como en ladrillo, que rápidamente se convirtió en un material de construcción común en el país en ese periodo. Los rasgos característicos del temprano estilo Tudor fueron las imponentes gatehouses —puertas fortificadas, un vestigio de los castillos—, los arcos apuntados aplanados a la manera del gótico perpendicular, las ventanas con remates en forma de cuadrados, los gabletes decorativos y las grandes chimeneas adornadas. Algunos edificios que sobreviven de principios de la arquitectura palaciega Tudor son el palacio de Hampton Court y la torre de Layer Marney.


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text: A lo largo del algunos rasgos clásicos derivados de la arquitectura renacentista italiana ejercieron una influencia creciente, usándose inicialmente en la decoración de superficies pero que con el tiempo darán forma a todo el diseño de los edificios mientras el uso de rasgos medievales declinaba. Este desarrollo dio lugar a viviendas palaciegas hechas en piedra como Hardwick Hall y Montacute House.


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text: Durante el el continuo avance de las formas clásicas anuló el eclecticismo de la arquitectura renacentista inglesa, lo que dio paso a un estilo más uniforme derivado de los modelos continentales, principalmente de Italia. Esto implicó un retroceso desde la sofisticación estructural de la arquitectura gótica a las formas más primitivas derivadas de los métodos de construcción de la antigüedad clásica. El estilo se caracterizaba por las ventanas y puertas cuadradas o redondeadas, los techos planos, las columnata]]s de arcos de medio punto, las pilastras, los frontones y cúpulas. La arquitectura clásica en Inglaterra tendió a ser relativamente simple y sencilla en comparación con la arquitectura barroca contemporánea en el continente, estando influida sobre todo por el estilo palladiano de Italia. Éste fue introducido por primera vez en Inglaterra por Inigo Jones (1573-1652) y quedó ejemplificado en la Casa de la Reina en Greenwich.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: El Gran Incendio de Londres de 1666 obligó a la reconstrucción de gran parte de la ciudad, que fue la única parte del país en que se construyeron una cantidad significativa de iglesias entre la Reforma y el . Sir Christopher Wren (1632-1723) fue contratado para reemplazar muchas de las iglesias destruidas, pero su plan maestro para la reconstrucción de Londres en su conjunto fue rechazado. Las iglesias de Wren ejemplifican el particular enfoque inglés de construcción de iglesias a la manera clásica, que rechazaba en gran medida las cúpulas tipificadas del barroco continental y empleaba diferentes formas de campanario, los esfuerzos experimentales para encontrar un sustituto de la aguja gótica en el modo clásico. Sin embargo, en la construcción más grandiosa de Wren, la catedral de San Pablo (Londres), aparece una cúpula muy destacada, siendo la única catedral inglesa que la tiene de la tradición clásica.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: Al final del apareció la arquitectura barroca, una versión del Clasicismo caracterizado por una pesada masificación y una ostentosa y elaborada decoración, que se generalizara en el país. Comenzaron a construirse grandes casas de campo barrocas en la década de 1690, ejemplificadas por Chatsworth House y el castillo de Howard. Los arquitectos más significativos del barroco inglés, después de Wren, fueron sir John Vanbrugh (1664-1726) y Nicholas Hawksmoor (ca.1661-1736), que adaptaron el estilo barroco a los gustos ingleses en casas aristocráticas, como el palacio de Blenheim, Seaton Delaval Hall y Easton Neston.


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text: El vio un giro desde la elaboración barroca y una vuelta a una aproximación más austera al clasicismo. Este cambio trajo inicialmente un retorno al palladianismo italiano que había caracterizado las primeras manifestaciones de la arquitectura clásica en el país, un estilo que finalmente será conocido globalmente como estilo georgiano, nombre dado por coincidir más o menos con el reinado de los cuatro reyes Jorge (George) (1714-1830).


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text: La última arquitectura neoclásica idealizó cada vez más las formas griegas antiguas, que fueron vistas como representantes del clasicismo en su "pureza original" contra las formas romanas, ahora consideradas como degeneradas. Algunas casas de campo que representan este estilo son Woburn Abbey y Kedleston Hall. Este período también vio el surgimiento de un enfoque cada vez más planificado de la expansión urbana y la construcción sistemática y simultánea de calles enteras o "squares" (cuadrados), o incluso de barrios enteros, lo que dio lugar a nuevas formas de construcción nacional, las terraced house (casas entre medianeras o pareadas) y el crescent (media luna), como se ejemplifica en Bath y en Bloomsbury y Mayfair en Londres. Entre los arquitectos notables que ejercieron en esa época destacan Robert Adam (1728-1792), sir William Chambers (1723-1796), John Wood el Joven (1728-1782) y James Wyatt (1746-1813).


title: Arquitectura de Inglaterra

text: El vio una fragmentación de la arquitectura inglesa, cuando las formas clásicas continuaron siendo de uso generalizado pero fueron desafiadas por una serie de renacimientos distintivamente ingleses de otros estilos, diseñadas principalmente en estilo gótico, renacentista y tradiciones vernáculas, aunque incorporando otros elementos. Este historicismo en curso se contrapuso a una reanudación de la innovación técnica, que había quedado en gran parte en suspenso desde el Renacimiento, pero que ahora se recuperaba con la utilización de nuevos materiales y técnicas derivadas de la Revolución Industrial, en particular por el uso de hierro y los entramados de acero, y por la demanda de nuevos tipos de edificaciones. El rápido crecimiento de la población y la urbanización supusieron la necesidad de levantar una inmensa cantidad de nuevas construcciones domésticas y comerciales, que combinados con un renacimiento religioso lograrontambién la reanudación generalizada de la construcción de iglesias. La fabricación mecanizada, los ferrocarriles y los servicios públicos requerían nuevas formas de edificios, mientras que las nuevas ciudades industriales invirtieron fuertemente en grandes edificios cívicos y la enorme expansión y diversificación de las actividades educativas, culturales y de ocio igualmente generó nuevos tipos arquitectónicos.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: El revival gótico surgió en Inglaterra y su influencia, salvo en la construcción de iglesias, se limitó casi a los países de habla inglesa. Había empezado a pequeña escala en el bajo el estímulo del Romanticismo, una tendencia iniciada por la casa de Horace Walpole en Strawberry Hill. Sin embargo, la construcción gótica generalizada no comenzó hasta el , liderada por la renovación de las iglesias, pero se extendió a la construcción secular. La arquitectura temprana del ese renacer gótico fue caprichosa y poco sistemática, pero en la época victoriana el revival desarrolló un rigor abstracto y se convirtió en un movimiento impulsado por las preocupaciones culturales, religiosas y sociales que se extendió mucho más allá de la arquitectura, en una sociedad que veía en el estilo gótico y la forma de vida medieval una vía para la regeneración espiritual. El primer gran ideólogo de este movimiento fue Augustus Welby Northmore Pugin, quien junto con Charles Barry diseñó las nuevas Cámaras del Parlamento, la obra más grande de la arquitectura gótica victoriana.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: El estilo perpendicular del edificio del Parlamento refleja el predominio de las formas tardías del gótico inglés de principios del periodo victoriano, pero en su momento final dio paso a una preferencia por la llanura del primer inglés o el gótico francés, y sobre todo a un estilo derivado de la arquitectura de la Italia medieval y los Países Bajos. Esta gótico victoriano alto ("High Victorian Gothic") fue impulsado principalmente por los escritos de John Ruskin, basados en sus observaciones de los edificios de Venecia, mientras que su práctica arquetípica fue el arquitecto de la iglesia William Butterfield. Se caracteriza por la masificación pesado, el escaso uso de tracería y decoración escultórica y un énfasis en los patrones policromados creados mediante el uso de diferentes colores de ladrillo y piedra. El renacimiento gótico también condujo a un esfuerzo generalizado para restaurar las deterioradas las iglesias medievales, una práctica que a menudo fue más allá de la restauración para suponer una amplia reconstrucción, conocida como restauración victoriana. El exponente más activo en esto fue también el diseñador más prolífico de los nuevos edificios góticos, George Gilbert Scott, cuyo trabajo se ejemplifica en la estación de St Pancras. Otros arquitectos góticos victorianos destacados fueron G. E. Street, J. F. Pearson y G. F. Bodley..


title: Arquitectura de Inglaterra

text: El período victoriano también vio un renovado interés en las tradiciones constructivas vernáculas, centrándose principalmente en la arquitectura doméstica y en el empleo de características como los entramados de madera y teja-colgante, cuyo líder era practicante Richard Norman Shaw. Este desarrollo también estaba conformada por consideraciones ideológicas mucho más amplias, fuertemente influenciados por William Morris y e movimiento Arts and Crafts. Mientras que su "ethos" compartía mucho con el renacer gótico, sus preocupaciones eran menos religiosas y estaban conectadas con el socialismo romántico y un disgusto por la industrialización y la vida urbana. Al final del los elementos vernáculos se mezclaban con las formas extraídas de la arquitectura renacentista de Inglaterra y los Países Bajos para producir una síntesis apodada el estilo reina Ana, que de hecho tenía muy poco que ver con la arquitectura de ese reinado. Mientras que algunos arquitectos de la época estaban ideológicamente comprometidos con una manera particular, una tendencia personificada por Pugin, otros estaban felices de moverse entre estilos. Un ejemplo de este enfoque fue Alfred Waterhouse, cuyas obras incluyen edificios de estilos neorrománico, neogótico y neorrenacentista y fusiones eclécticas entre ellos.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: La nueva tecnología de construcción de hierro y entramados de acero ejerció una influencia sobre muchas formas de edificaciones, aunque su uso a menudo estaba enmascarado por el uso de formas tradicionales. Fue muy importante en dos de las nuevos tipos edificatorios que caracterizaron la arquitectura victoriana, los galpones para las estaciones de tren y los invernaderos. El máximo exponente de este último fue Joseph Paxton, arquitecto de The Crystal Palace.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: En el muy pocos arquitectos ingleses habían emigrado a las colonias, pero cuando el Imperio Británico se estableció firmemente en el muchos arquitectos en el inicio de sus carreras tomaron la decisión de emigrar, muchos optaron por los EE.UU., pero la mayoría se fueron a Canadá, Australia o Nueva Zelanda, cuando surgieron oportunidades para satisfacer la creciente demanda de edificios en estos países. Normalmente adoptaron el estilo de la arquitectura de moda cuando salieron de Inglaterra, aunque en la segunda mitad del siglo, la mejora del transporte y las comunicaciones significaba que incluso partes muy remotas del Imperio tenían acceso a muchas publicaciones, como la revista "The Builder". Esto permitió a los arquitectos coloniales estar al tanto de la moda actual. Así, la influencia de la arquitectura Inglesa se extendió por todo el mundo. Varios prominentes arquitectos del realizaron proyectos que luego fueron ejecutados por arquitectos en las colonias. Por ejemplo Sir George Gilbert Scott diseñó la Universidad de Bombay y William Butterfield diseñó la catedral de San Pedro, de Adelaida.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: El último gran exponente del tardío eclecticismo renacentista victoriano fue Edwin Lutyens. Su desplazamiento al modo clásico después de 1900 simbolizó el general retiro desde el fermento estilístico del hacia un clasicismo simple y homogéneo basado en ejemplos georgianos, un enfoque seguido por muchos arquitectos de principios del , especialmente Herbert Baker y Reginald Blomfield. Esta manera neogeorgiana, aunque no fue favorecida en gran medida en décadas posteriores por la profesión o los críticos de arquitectura, se ha mantenido popular entre los clientes y comentaristas conservadores, especialmente Charles, Príncipe de Gales. La arquitectura doméstica en todo el y más allá no ha dejado de estar fuertemente influenciada por una versión homogeneizada de estilos revival vernáculos victorianos. Algunos arquitectos respondieron a la modernidad, y a las circunstancias económicas, mediante la presentación simplificada versiones de estilos tradicionales; el trabajo de Giles Gilbert Scott ilustra esto muy bien.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: El estilo Internacional ("International Style", también conocido en Inglaterra como "Modernism", lo que puede inducir a error al confundirse con el modernismo del cambio de siglo) surgió como una reacción contra el mundo de antes de la Primera Guerra Mundial, incluyendo los estilos arquitectónicos históricos. Estilísticamente era funcional, recurriendo a objetos que fueron diseñados para un propósito específico como Marítimo. Surgió como una idea en la Europa continental, pero fue de interés para algunos arquitectos ingleses. Sin embargo, la llegada de los arquitectos emigrados como Mendelsohn y Lubetkin galvanizó la posición de la arquitectura moderna en Inglaterra.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: El bombardeo de ciudades inglesas supuso una escasez de viviendas en los años de la posguerra. Para hacer frente a esto muchos miles (tal vez centenares de millares) de council houses fueron construidas en estilo vernáculo, dando a la clase obrera gente su primera experiencia de jardines particulares e interiores saneados. La demanda se satisfizó en parte a través de la prefabricación de edificios en fábricas, dando origen a los "Pre-fab".


title: Arquitectura de Inglaterra

text: La reconstrucción que siguió a la Segunda Guerra Mundial tuvo un impacto importante en la arquitectura inglesa. La austeridad que siguió a la guerra significó que el costo influyó en muchas decisiones de diseño, aunque surgieron movimientos arquitectónicos significativos. Uno de estos movimientos fue el desarrollo nativo del brutalismo. Parece que fue creado como deseo de expresar cómo se construyen los edificios, por ejemplo, mediante el uso de hormigón visto. Edificios significativos del "Nuevo Brutalismo" son el Edificio Economist, la Hayward Gallery, el Centro de Arte Barbican y el Royal National Theatre.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: La arquitectura High Tech surgió como un intento de revitalizar el lenguaje del movimiento moderno, inspirándose en la tecnología para crear una nueva expresión arquitectónica. El trabajo teórico de Archigram sirvió de inspiración del movimiento de alta tecnología. La arquitectura High Tech se asocia sobre todo con edificios no residenciales, tal vez debido a la imaginería tecnológica. Los dos defensores más prominentes fueron Lord Rogers of Riverside y Lord Foster of Thames Bank. El edificio más emblemático inglés de Rogers es el Edificio Lloyd's, situado cerca del edificio inglés más famoso de Foster, el Swiss Re Buildings (apodado "The Gherkin", 'El pepino'). Su influencia continúa en el siglo actual.


title: Arquitectura de Inglaterra

text: La arquitectura posmoderna también surgió en el país como un intento de enriquecer la arquitectura moderna. Estuvo especialmente de moda en la década de 1980, cuando la arquitectura Moderna había caído en desgracia, siendo asociada con el estado de bienestar. Muchos centros comerciales y complejos de oficinas, por ejemplo, Broadgate se diseñaron con este estilo. Practicantes notables fueron James Stirling y Terry Farrell, aunque Farrell volvió a la arquitectura moderna en la década de 1990. Un ejemplo significativo de la posmodernidad es el proyecto de Robert Venturi y Denise Scott Brown de la ampliación del Ala Sainsbury de la National Gallery London.


title: Coronación de Napoleón

text: Napoleón fue coronado Emperador de los franceses el domingo 2 de diciembre de 1804 (11 de Frimaire, Año XIII según el calendario republicano francés), en Notre-Dame de París en París. Marcó "la instanciación del imperio moderno" y fue una "pieza de propaganda moderna transparentemente ideada".


title: Coronación de Napoleón

text: Napoleón quería establecer la legitimidad de su reinado imperial, con su nueva dinastía y su nueva nobleza. Para ello, diseñó una nueva ceremonia de coronación a diferencia de la utilizada para los reyes de Francia, que había enfatizado la consagración ("sacre") y unción del rey y que fue conferida por la arzobispo de Reims en la Catedral de Reims. La de Napoleón fue una ceremonia sagrada celebrada en la gran catedral de Notre Dame de París en presencia del Papa Pío VII. Napoleón reunió varios ritos y costumbres, incorporando ceremonias de la tradición de la Carolingia, del "Antiguo Régimen" y de la Revolución Francesa, todo ello presentado con un suntuoso lujo.


title: Coronación de Napoleón

text: El 18 de mayo de 1804, el "Sénat conservateur" confirió el gobierno republicano de la Primera República Francesa a un emperador, y siguieron los preparativos para una coronación. La elevación de Napoleón a emperador fue aprobada por los ciudadanos franceses de forma abrumadora en el Reférendum constitucional francés de 1804. Entre las motivaciones de Napoleón para ser coronado estaban las de ganar prestigio en los círculos internacionales monárquicos y católicos y sentar las bases de una futura dinastía.


title: Coronación de Napoleón

text: Cuando el papa Pío VII aceptó acudir a París para oficiar la coronación de Napoleón, se estableció inicialmente que se seguiría la liturgia de coronación en el Pontifical Romano.<ref name="Woolley 1915 https://archive.org/details/coronationrites00wooluoft/page/106 106"></ref> Sin embargo, tras la llegada del Papa, Napoleón persuadió a la delegación papal para que permitiera la introducción de varios elementos franceses en el rito - como el canto del "Veni Creator" seguido de la colecta de Pentecostés para la procesión de entrada del monarca, el uso del crisma en lugar del óleo de los catecúmenos para la unción,aunque se utilizaron las oraciones de la unción romana, la colocación del óleo sagrado en la cabeza y las manos en lugar del brazo derecho y la nuca, y la inclusión de varias oraciones y fórmulas de las coronaciones de los reyes franceses, para bendecir las galas al ser entregadas. En esencia, se combinaron elementos franceses y romanos en un nuevo rito único para la ocasión. Además, el rito especial compuesto "ad hoc" permitió a Napoleón permanecer mayormente sentado y no arrodillado durante la entrega de las galas y durante varias otras ceremonias, y redujo su aceptación del juramento exigido por la Iglesia al principio de la liturgia a una sola palabra.


title: Coronación de Napoleón

text: No queriendo ser un monarca del Antiguo Régimen, Napoleón explicó: "Ser rey es heredar viejas ideas y genealogías. No quiero descender de nadie"


title: Coronación de Napoleón

text: Según Louis Constant Wairy, Napoleón se despertó a las 8:00 con el sonido de un cañonazo y salió de las Tullerías a las 11:00 con un chaleco de terciopelo blanco con bordados de oro y botones de diamantes, una túnica de terciopelo carmesí y un abrigo corto carmesí con forro de raso, una corona de laurel en la frente. El número de espectadores, según estimaciones de Wairy, era de entre cuatro y cinco mil, muchos de los cuales habían aguantado toda la noche con chaparrones intermitentes que se despejaron por la mañana.


title: Coronación de Napoleón

text: La ceremonia comenzó a las 9 de la mañana cuando la procesión papal partió de las Tullerías encabezada por un obispo en una mula que sostenía en alto el crucifijo papal. El Papa entró primero en Notre Dame, con el himno "Tu es Petrus", y tomó asiento en un trono cerca del altar mayor. El carruaje de Napoleón y Joséphine fue tirado por ocho caballos bayos y escoltado por "Grenadiers à Cheval de la Garde Impériale|grenadiers à cheval" y "Gendarmes d'élite de la Garde Impériale". (El accesorio de ormolu del carruaje fue propiedad durante varios años del conservacionista estadounidense Jim Williams. Se ve varias veces en la película "Medianoche en el jardín del bien y del mal".) Las dos partes de la ceremonia se celebraron en distintos extremos de Notre Dame para contrastar sus facetas religiosa y laica. Un globo no tripulado, iluminado con tres mil luces en forma de corona imperial, fue lanzado desde la fachada de Notre Dame durante la celebración.


title: Coronación de Napoleón

text: Antes de entrar en Notre Dame, Napoleón fue revestido con una larga túnica de raso blanco bordada en hilo de oro y Josefina llevó igualmente un vestido de raso blanco estilo imperio bordado en hilo de oro. Durante la coronación fue vestido formalmente con un pesado manto de coronación de terciopelo carmesí forrado de armiño; El terciopelo estaba cubierto de abejas doradas bordadas, tomadas de las abejas doradas entre las galas que se habían descubierto en la Tumba de Childeric I, un símbolo que miraba más allá del pasado borbónico y vinculaba a la nueva dinastía con los antiguos merovingios; la abeja sustituyó a la flor de lis en los tapices y prendas imperiales. El manto pesaba al menos ochenta libras y lo sostenían cuatro dignatarios. Al mismo tiempo, Josefina estaba vestida formalmente con un manto similar de terciopelo carmesí bordado con abejas en hilo de oro y forrado de armiño, que llevaban las tres hermanas de Napoleón. Había dos orquestas con cuatro coros, numerosas bandas militares que tocaban marchas heroicas y más de trescientos músicos. Un coro de 400 voces interpretó la "Misa" de Paisiello y el "Te Deum". Dado que la corona real tradicional había sido destruida durante la Revolución Francesa, la llamada Corona de Napoleón, de aspecto medieval y denominada "corona de Carlomagno" para la ocasión, esperaba en el altar. Mientras que la corona era nueva, el cetro tenía fama de haber pertenecido a Carlos V y la espada a Philip III.


title: Coronación de Napoleón

text: La coronación propiamente dicha comenzó con el canto del himno, "Veni Creator Spiritus", seguido del versículo, "Señor, envía tu Espíritu" y la respuesta, "Y renueva la faz de la tierra" y la colecta de la fiesta de Pentecostés, "Dios, que has enseñado los corazones de tus fieles enviándoles la luz de tu Espíritu Santo..." Después de esto la oración, "Dios todopoderoso y eterno, creador de todo..." Durante las Letanías de los Santos, el Emperador y la Emperatriz permanecieron sentados, arrodillándose sólo para las peticiones especiales. Tanto el Emperador como la Emperatriz fueron ungidos en la cabeza y en ambas manos con crisma -el Emperador con las oraciones: "Dios, el Hijo de Dios... " y "Dios que estableció a Hazael sobre Siria...", la Emperatriz con la oración, "Dios Padre de la gloria eterna..." - mientras que la antífona "Unxerunt Salomonem Sadoc Sacerdos..." ("Sadoc el sacerdote...") se cantó. La misa comenzó a continuación. A petición de Napoleón, se reza la colecta de la Virgen (como patrona de la catedral) en lugar de la colecta propia del día. Después de la epístola, se bendijeron individualmente los artículos de la regalia imperial, y entregado al Emperador y a la Emperatriz.


title: Coronación de Napoleón

text: La coronación de Napoleón y Josefina también se diferenció en este aspecto del patrón observado en otros ritos de coronación occidentales: normalmente, en las coronaciones conjuntas de soberano y consorte, primero se unge al soberano, se le inviste con las galas, se le corona y se le entroniza, y sólo entonces se realiza un rito similar pero simplificado de unción, investidura, coronación y entronización de la consorte. Sin embargo, para la Coronación de Napoleón y Josefina, cada uno de esos pasos se realizó de forma conjunta, de manera que Josefina fue ungida inmediatamente después de Napoleón, y cada elemento de las galas le fue entregado inmediatamente después de serle entregado a él, un procedimiento que no encontró precedentes ni en el Pontifical romano ni en el Ceremonial francés.


title: Coronación de Napoleón

text: Para la coronación, según consta en el "procès-verbal" oficial de la Coronación la fórmula "Coronet vos Deus...", una variación al plural de la fórmula tradicional francesa "Coronet te Deus" ("Dios te corone con una corona de gloria y justicia. ..") -fórmula que también es propia del rito inglés de la Coronación- se utilizó exclusivamente, en lugar de la fórmula romana "Accipe coronam..." ("Recibe la corona..."). Esto difiere del uso de las coronaciones reales francesas, en las que ambas fórmulas - la romana "Accipe coronam regni..." y la anglo-francesa "Coronet te Deus..." - se recitaban sucesivamente. Mientras el Papa recitaba la fórmula mencionada, Napoleón se giró y se quitó la corona de laurel y se coronó a sí mismo y luego coronó a Josefina arrodillada con una pequeña corona coronada por una cruz, que había colocado primero en su propia cabeza. La fórmula de coronación se varió para utilizar una forma plural ("Coronet vos..." en lugar de "Coronet te..."), precisamente porque la Coronación de Josefina siguió inmediatamente después de la asunción de la Corona por Napoleón. En cuanto a la fórmula romana omitida "Accipe coronam...", que representaba al monarca recibiendo su corona de la Iglesia, su uso habría chocado con la decisión de Napoleón de coronarse a sí mismo. El historiador J. David Markham, que también dirige la Sociedad Napoleónica Internacional, alegó en su libro "Napoleón para tontos" que "a los detractores de Napoleón les gusta decir que le arrebató la corona al Papa, o que fue un acto de increíble arrogancia, pero ninguna de esas acusaciones se sostiene".


title: Coronación de Napoleón

text: La explicación más probable es que Napoleón estaba simbolizando que se convertía en emperador por sus propios méritos y por la voluntad del pueblo, y no en nombre de una consagración religiosa. El Papa sabía de este movimiento desde el principio y no tuvo ninguna objeción (no es que hubiera importado)" El historiador británico Vincent Cronin escribió en su libro "" "Napoleón le dijo a Pío que colocaría la corona sobre su propia cabeza. Pío no puso ninguna objeción" En la entronización de Napoleón, el Papa dijo: "Que Dios te confirme en este trono y que Cristo te dé para gobernar con él en su reino eterno". Limitado en sus acciones, Pío VII proclamó además la fórmula en latín "Vivat imperator in aeternum!" ("¡Que el emperador viva para siempre!"), que fue secundada por los coros al completo en un "Vivat", seguido del "Te Deum".


title: Coronación de Napoleón

text: Una vez terminada la misa, el Papa se retiró a la Sacristía, ya que se opuso a presidir o presenciar el juramento civil que siguió, debido a su contenido. Con las manos sobre la Biblia, Napoleón prestó el juramento:


title: Coronación de Napoleón

text: El texto fue presentado a Napoleón por el Presidente del Senado, el Presidente de la Legislatura y el Presidente más antiguo del Consejo de Estado. Tras el juramento, el recién nombrado heraldo de armas proclamó en voz alta "El tres veces glorioso y tres veces augusto Emperador Napoleón es coronado y entronizado. Larga vida al Emperador!" Durante las aclamaciones del pueblo, Napoleón, rodeado de dignatarios, salió de la catedral mientras el coro cantaba "Domine salvum fac imperatorem nostrum Napoleonem"-"Dios salve a nuestro emperador Napoleón".


title: Coronación de Napoleón

text: Después de la coronación, el Emperador presentó los estandartes imperiales a cada uno de sus regimientos. Según los recuentos del gobierno, el coste total fue de más de 8,5 millones de francos.


title: Coronación de Napoleón

text: Además de las pinturas de David, se acuñó una medalla conmemorativa con el diseño del reverso de Antoine-Denis Chaudet. En 2005, Vaughan Hart, Peter Hicks y Joe Robson realizaron una representación digital de la coronación para la exposición "Nelson y Napoleón" en el National Maritime Museum.


title: Tragedia de Nazino

text: Se denomina como Tragedia de Názino a la deportación en masa de 6,700 a 6,800 personas, de las cuales murieron 4.000 en la isla de Názino en la Unión Soviética en 1933. Esta pequeña y apartada isla de Siberia occidental está situada a unos 800 km al norte de Tomsk, en el raión Aleksándrovski del óblast de Tomsk cerca de la confluencia entre los ríos Ob y Názina.


title: Tragedia de Nazino

text: Es conocida como "Isla de la muerte" (, "Óstrov Smerti") o "Isla de los caníbales" porque cerca de 4.000 de los 6.144 "colonos especiales" soviéticos deportados a la isla fallecieron allí durante el verano de 1933, tras ser abandonados con tan solo un poco harina para alimentarse, escasas herramientas y unas pocas prendas o cobijo.


title: Tragedia de Nazino

text: Un informe de los hechos fue enviado a Iosif Stalin por Vasili Arsénievich Velichko. Dicho informe fue distribuido por Lazar Kaganóvich a miembros del Politburo, y preservado en los archivos estatales de Novosibirsk. Se dice que los detalles dejaron al mismo Stalin visible y profundamente perturbado. En él, se afirma que 6.114 "elementos obsoletos" (también conocidos como "elementos desclasados y socialmente dañinos") llegaron a la isla a finales de mayo de 1933. Habían sido transportados desde Moscú y Leningrado, primero por tren hasta Tomsk, y posteriormente en barcaza de río hasta Názino, trayecto este último en el cual fallecieron al menos 27 personas. La isla no contaba con refugio, nevó la primera noche, y durante cuatro días no se distribuyó ninguna clase de comida. 295 personas fueron enterradas el primer día.


title: Tragedia de Nazino

text: En septiembre de 1933 el Comité Regional del Partido Comunista de Siberia Occidental crea una comisión especial para verificar los reportes de Velichko lo cual confirma eventualmente los mismos, las conclusiones de este reporte son publicadas en 2002 por la Sociedad Memorial.


title: Tragedia de Nazino

text: En febrero de 1933 Guénrij Yagoda, jefe de la OGPU o policía secreta, y Matvéi Berman, jefe de la GULAG, propusieron un autodenominado "plan grandioso" a Stalin con el fin de reubicar hasta a 2.000.000 de personas en Siberia y Kazajistán en "asentamientos especiales". Los deportados o colonos debían convertir cerca de un millón de hectáreas de terreno virgen en productivo, y convertirse en autosuficientes en dos años. Este plan estaba basado en la experiencia de la deportación de 2.000.000 de kuláks y otros trabajadores agrícolas a las mismas áreas los tres años anteriores. Los recursos disponibles para apoyar el plan fueron severamente limitados por la hambruna en la Unión Soviética de 1932–1933, provocada por la introducción de granjas colectivas y la deskulakización. El plan original tenía como objetivo a diversos tipos de kuláks, campesinos, "elementos urbanos", habitantes de las fronteras occidentales de la URSS y delincuentes comunes. Para comienzos de la primavera de 1933 el número de deportados previsto se había reducido a 1.000.000. Stalin rechazó el plan en mayo de 1933, fecha aproximada de la llegada de los deportados a la isla de Názino.


title: Tragedia de Nazino

text: Muchos de los deportados eran habitantes de Moscú y Leningrado que no habían podido obtener un pasaporte interno. La campaña de pasaportización comenzó con la decisión del Politburó el 27 de diciembre de 1932 de emitir pasaportes internos a todos los residentes de las grandes ciudades. Uno de sus objetivos era "limpiar Moscú, Leningrado y otros grandes centros urbanos de la URSS de elementos superfluos no conectados con el trabajo productivo o administrativo, así como de kulaks, criminales y otros elementos antisociales y socialmente peligrosos."


title: Tragedia de Nazino

text: "Elementos desclasados y socialmente dañinos", esto es, antiguos mercaderes y comerciantes, campesinos que habían huido de la hambruna en el campo, delincuentes comunes o cualquiera que no encajase en la idealizada estructura de clases comunista, no conseguían pasaporte, pudiendo ser arrestados y deportados de las ciudades tras un procedimiento administrativo sumario en el que no se hallaban presentes. La mayoría de los arrestados eran deportados en dos días. Entre marzo y julio de 1933, 85.937 habitantes de Moscú y 4.776 de Leningrado fueron arrestados y deportados por carecer de pasaporte. Aquellos detenidos en conexión con la limpieza de Moscú anteriormente al 1 de mayo de 1933 (Día Internacional de los Trabajadores) fueron deportados al campo de tránsito de Tomsk, siendo muchos enviados posteriormente a la isla de Názino.


title: Tragedia de Nazino

text: Según el plan de Yagoda y Berman, los deportados pasarían por los campos de tránsito en Tomsk, Omsk y Achinsk. El mayor de ellos se encontraba en Tomsk, el cual había sido reconstruido, y comenzó albergando a 15.000 deportados en abril. Otros 25.000 llegaron ese mismo mes, a pesar de que no estaba previsto finalizar la construcción del campo hasta el 1 de mayo. El transporte por río a los campos de trabajo definitivos se detuvo hasta principios de mayo, esperando al deshielo de los ríos Ob y Tom. La mayoría de los primeros deportados en llegar eran kuláks y otros trabajadores agrícolas, así como habitantes de las ciudades más septentrionales de Rusia. El desembarco de tantos alarmó a las autoridades de Tomsk, que los veían "hambrientos y contagiosos."


title: Tragedia de Nazino

text: Un convoy con desclasados partió de Moscú el 30 de abril, mientras que otro similar lo hizo desde Leningrado el 29 de ese mismo mes, llegando ambos el 10 de mayo. La ración de comida diaria durante el trayecto consistía en 300 gramos de pan por persona, lo cual provocó que los criminales que se hallaban entre los deportados golpearan a otros deportados para robarles su comida y ropa. Las autoridades de Tomsk no estaban familiarizadas con estos desclasados urbanos y, dado que esperaban que fuesen problemáticos, decidieron enviarlos a los campos de trabajo más aislados. Dos noches después de su llegada a Tomsk los deportados provocaron disturbios para pedir agua, los cuales fueron disueltos por tropas montadas.


title: Tragedia de Nazino

text: Cuatro barcazas, diseñadas para transportar madera, partieron el 14 de mayo con unas 5.000 personas a bordo. Un tercio de esos deportados eran criminales que partieron para "descongestionar las prisiones", mientras que la mitad eran desclasados de Moscú y Leningrado. Las autoridades de la comandadura de Aleksandro-Vajóvskaya , quienes estarían a cargo de los campos de trabajo, fueron informadas de que recibirían a estos prisioneros el 5 de mayo. Estas autoridades nunca habían trabajado con deportados de origen urbano y no tenían comida, herramientas o suministros con los que mantenerlos.


title: Tragedia de Nazino

text: Los deportados fueron mantenidos bajo las cubiertas de las barcazas y, aparentemente, alimentados con una ración diaria de 200 gramos de pan por persona. veinte toneladas de harina - unos cuatro kilogramos por persona - fueron también transportados, pero las barcazas no llevaban ningún otro alimento, utensilio de cocina o herramienta. Todo el personal supervisor, dos comandantes y cincuenta guardas, eran reclutas novatos. Los guardias no tenían zapatos ni uniformes.


title: Tragedia de Nazino

text: Las barcazas descargaron a sus pasajeros durante el mediodía del 18 de mayo en Názino, una isla pantanosa de unos 3 km de largo y 600 metros de ancho. No había una lista con los deportados que desembarcarían, pero a su llegada se contabilizaron 322 mujeres y 4.556 hombres, más 27 cuerpos de aquellos que murieron durante el trayecto desde Tomsk. Más de un tercio de los deportados estaba demasiado débil para permanecer de pie a su llegada. Unos 1.200 deportados adicionales llegaron el 27 de mayo.


title: Tragedia de Nazino

text: Una vez las veinte toneladas de harina fueron depositadas en la isla y comenzó su reparto, se desencadenó una pelea en la que los guardias dispararon a los deportados. La harina se trasladó a la costa opuesta, intentándose un nuevo reparto a la mañana siguiente que resultó en una nueva pelea y más disparos. Tras esto, toda la harina se distribuyó a través de "brigadieres" que la recogían para su brigada de unas 150 personas. Los brigadieres eran con frecuencia delincuentes que abusaban de su posición. No había hornos para hacer pan, por lo que los deportados comían harina mezclada con agua del río, lo cual provocaba disentería. Algunos deportados fabricaron balsas primitivas para intentar huir, pero la mayoría de ellas se hundieron y cientos de cadáveres aparecieron en la costa de la isla. Los guardas cazaron y mataron otros fugitivos. Debido a la falta de transporte al resto del país, excepto Tomsk, y la dureza de la vida en la Taiga, el resto de fugitivos fueron dados por muertos.


title: Tragedia de Nazino

text: El 21 de mayo los tres oficiales sanitarios contabilizaron 70 nuevas muertes, observando pruebas de canibalismo en cinco casos. Durante el mes siguiente unas 50 personas fueron arrestadas por canibalismo. A principios de junio, 2.856 deportados fueron trasladados a asentamientos más pequeños río arriba, dejando a tan solo 157 que no podían ser desplazados por motivos de salud. Varios cientos de los transferidos murieron durante el traslado; entre 1,500 y 2,000 habían muerto en la isla y otros 2,000 de fugitivos habían desaparecido (se presume que todos o casi todos los desaparecidos murieron aunque es posible, pero improbable, que unos cuantos hayan logrado escapar con vida). Aquellos que sobrevivieron al traslado se encontraron con escasas herramientas y comida en sus nuevos asentamientos, surgiendo un brote de tifus. Muchos deportados se negaron a trabajar en los nuevos campamentos.


title: Tragedia de Nazino

text: A principios de julio las autoridades construyeron nuevos asentamientos usando mano de obra no deportada, siendo ocupados por unos 4,200 nuevos deportados llegados desde Tomsk, mientras que de los ya residentes, tan solo 250 de ellos fueron trasladados allí. Según la carta de Velichko a Stalin, a 20 de agosto solo sobrevivían 2.200 de los 6.700 deportados que calculaba habían llegado desde Tomsk. La carta de Velichko resultó en una comisión para estudiar el caso. En octubre la comisión estimaba que, de 2,000 supervivientes, la mitad se encontraban enfermos o en cama, y solo entre 200 y 300 estaban en condiciones de trabajar.


title: Tragedia de Nazino

text: Los cadáveres fueron abandonados donde cayeron pero unos cuantos fueron enterrados en tumbas no marcadas en la isla.


title: Tragedia de Nazino

text: Se ha hecho notar que en este caso, la tragedia no fue causada de manera deliberada sino por ineptitud en la planeación y ejecución de este plan.


title: Tragedia de Nazino

text: Las autoridades finalmente regresaron a principios de junio y el asentamiento de Nazino fue disuelto, aunque muchos de sus habitantes seguían enfermos y heridos a causa de las secuelas de la tragedia y cientos siguieron muriendo después de que haber sido evacuados.


title: Tragedia de Nazino

text: Un reporte de la tragedia fue redactado por Velichko aunque los funcionarios locales involucrados en la tragedia trataron sin éxito de disputar los detalles de la misma para reducir su culpabilidad. De cualquier forma, el reporte fue enviado directamente a Stalin y distribuido Lázar Kaganóvich a todos los miembros del Politburo. Cuando los miembros del Politburo oyeron los detalles de la tragedia se encontraron estupefactos y Stalin se puso visiblemente afectado y perturbado, algo raro en él. El reporte fue depositado en los archivos estatales en Novosibirsk.


title: Tragedia de Nazino

text: Stalin nombró a una comisión especial para viajar a Tomsk y verificar los hallazgos reportados por Velichko lo cual sucedió. Como resultado de esta investigación, varios funcionarios soviéticos del OGPU recibieron reprimendas oficiales o condenas de cárcel. Adicionalmente, la tragedia convenció al liderazgo soviético de que colonias penales autosuficientes no funcionarían, tras lo cual abandonaron el concepto; aunque se ha argumentado que la decisión de abandonar estos métodos no fue grandemente influenciada por la tragedia de Názino, lo cierto es que, sea cual sea la realidad, el liderazgo soviético abandonó este sistema poco después de la tragedia.


title: Tragedia de Nazino

text: En 1988, en tiempos de la glásnost en la Unión Soviética, los detalles acerca de la tragedia de Názino salieron a la luz pública a través de los esfuerzos del grupo Memorial.


title: Tragedia de Nazino

text: El historiador francés Nicolas Werth, quien anteriormente había coescrito "El libro negro del comunismo", publicó "La Isla de los caníbales" sobre la tragedia en 2006.


title: Mujer amante

text: «Mujer amante» es una de las canciones más famosas de la banda argentina de Hard rock "Rata Blanca". La canción fue compuesta por Adrián Barilari en su baño y pese a estar compuesta la música previamente, Adrián puso letra sin saber que esa canción junto a varias del disco Magos, Espadas y Rosas los iba a lanzar a la fama masiva en Argentina, y los llevó a recorrer América y parte de Europa.


title: Mujer amante

text: Adrián Barilari llevaba pocos meses en el grupo, y le planteó a Walter Giardino la posibilidad de componer. Llegaron a un acuerdo y el guitarrista le ofreció una canción speed metal con doble pedal que no tenía ni letra ni nombre, por lo que Barilari escribió sobre la pieza musical y la nombró "Estrella fugaz". Sin embargo, cuando Giardino vio el resultado decidió que dicha letra sería más adecuada para otra melodía que estaba rondando en los ensayos, quedando "Mujer amante" finalmente terminada, y usando la primera composición de tempo rápido para la canción que más tarde resultaría siendo "Haz tu jugada".


title: Mujer amante

text: Originalmente solo la interpretaban en los ensayos y no iba a formar parte de "Magos, espadas y rosas" ya que contrastaba con el sonido característico de la banda, pero decidieron incluirla como relleno al ver que el álbum duraba menos de 40 minutos y, al editarse en vinilo, necesitaban un mínimo de 45'.


title: Mujer amante

text: Según palabras de Adrían Barilari en una entrevista radial con Rock & Pop en 2005, luego de incluir la balada para completar los minutos del álbum, la banda se negó en un principio a interpretarla en vivo y a que sea corte de difusión o sencillo. A pesar de dicha resistencia, la canción terminó igualmente siendo un éxito masivo en radios, traspasando todos los estratos sociales y e insertando a Rata Blanca en el mercado hispanoamericano y parte del europeo, logrando así una popularidad impensada hasta ese momento para un grupo metálico argentino.


title: Mujer amante

text: Se creía que la letra de la canción sugiere que la mujer de la que se habla es un súcubo, un tipo de demonio femenino que aparece en sueños. Sin embargo, Adrián Barilari niega esto y afirma que no existe nada referencial.


title: Mujer amante

text: En 2002 fue considerada como la 74° mejor canción del rock argentino de la lista de "" por la revista Rolling Stone. En 2007 fue considerada por la página Rock.com.ar como la 57° mejor canción del rock argentino de la lista de "Las 100 de los 40".


title: Atmósfera de la Luna

text: Debido a propósitos prácticos, se considera que la Luna carece de atmósfera. La presencia elevada de partículas atómicas y moleculares en sus proximidades (en comparación con el medio interplanetario), conocido como "atmósfera lunar" para objetivos científicos, es insignificante en comparación con la envoltura gaseosa que rodea la Tierra y la mayoría de los planetas del sistema solar -menos de un cien billonésima (10) de la densidad atmosférica de la Tierra al nivel del mar. Otra razón para considerar que la Luna no posee atmósfera es que no puede absorber cantidades mensurables de radiación, no aparece en capas o auto-circulación y requiere la reposición constante, dada la alta velocidad a la que la atmósfera se pierde en el espacio. El viento solar y la emisión de gases no son fuentes primarias de la atmósfera de la Tierra, o de cualquier atmósfera estable.


title: Atmósfera de la Luna

text: Una fuente de la atmósfera lunar es la desgasificación de la liberación de gases como el radón y el helio resultante de la desintegración radiactiva dentro de la corteza y el manto. Otra fuente importante es el bombardeo de la superficie lunar por los micrometeoritos, el viento solar, y la luz del sol, en un proceso conocido como la pulverización.


title: Atmósfera de la Luna

text: Hasta hace muy poco, casi todo el mundo aceptaba la sabiduría tradicional de que la luna prácticamente no tenía atmósfera. Así como el descubrimiento de agua en la Luna ha transformado nuestro conocimiento de los libros de texto sobre el vecino cuerpo celeste más cercano a la Tierra, estudios recientes confirman que nuestra Luna sí tiene una atmósfera que consta de algunos gases inusuales, incluyendo el sodio y el potasio, que no se encuentran en las atmósferas de la Tierra, Marte o Venus. La atmósfera de la Luna está compuesta de unas cantidades infinitesimales de aire, si se la compara con la atmósfera de la tierra. En la tierra, a nivel del mar, cada centímetro cúbico de la atmósfera contiene aproximadamente 10 moléculas; en comparación la atmósfera lunar contiene menos de 10 moléculas en el mismo volumen. Esto se considera vacío en la Tierra. De hecho, la densidad de la atmósfera en la superficie de la Luna es comparable a la densidad de las franjas más externas de la atmósfera de la Tierra donde orbita la Estación Espacial Internacional.


title: Atmósfera de la Luna

text: Los elementos sodio (Na) y potasio (K) se han detectado en la atmósfera de la Luna usando métodos espectroscópicos con base en la Tierra, mientras que los isótopos del radón-222 y el polonio-210 se han deducido a partir de datos obtenidos por el espectrómetro de partículas alfa Lunar Prospector. Argón-40, el helio-4, oxígeno y/o el metano (CH), el gas nitrógeno (N) y/o monóxido de carbono (CO) y dióxido de carbono (CO) se descubrieron por los detectores colocados por los astronautas del Apolo.


title: Atmósfera de la Luna

text: Las cantidades medias durante el día de los elementos conocidos, presentes en la atmósfera lunar, en átomos por centímetro cúbico, son los siguientes:


title: Atmósfera de la Luna

text: Esto da como resultado aproximadamente 80 000 átomos totales por centímetro cúbico, marginalmente superior a la cantidad que supuestamente existe en la atmósfera de Mercurio.Si bien esto es muy superior a la densidad del viento solar, que suele ser del orden de unos pocos protones por centímetro cúbico, es prácticamente un vacío en comparación con la atmósfera de la Tierra.


title: Atmósfera de la Luna

text: La Luna también puede tener una "atmósfera" tenue de polvo en levitación electrostática. Ver "Polvo lunar" para más detalles.


title: Kiya

text: Kiya fue una esposa secundaria del faraón Ajenatón, de la dinastía XVIII (hacia 1330 a. C.). Su existencia fue una sorpresa para los expertos en la época de Akenatón, pues parecía salir a la luz una «rival» para la célebre y hermosa reina Nefertiti. Se saben muy pocas cosas acerca de Kiya, y sólo pueden hacerse conjeturas.


title: Kiya

text: La figura de Kiya se entremezcla con la de Nefertiti desde que hace su aparición en los documentos de la época de Amarna. Dado que los orígenes de ambas mujeres siguen siendo un misterio, se suele seguir una de las dos vías siguientes:


title: Kiya

text: Si bien antes se solía pensar en que Nefertiti era la princesa Taduhepa, la aparición de Kiya desvió las hipótesis y actualmente se suele pensar más en Nefertiti como la hija de Ay, y en la propia Kiya como la mitania reconvertida en esposa del rey con un nombre cariñoso egipcio. Aun así, no hay ningún dato que afirme tal teoría, y las figuras de Nefertiti, Kiya y Taduhepa se confundieron durante mucho tiempo, para frustración de egiptólogos y aficionados.


title: Kiya

text: En un primer momento, se pensó que la única mujer importante en la vida de Akenatón fue la Gran Esposa Real Nefertiti, su única compañera en su experiencia religiosa y la madre de sus seis hijas. Pero esto parece ser incierto, como así demuestra la existencia de Kiya y los títulos que portó.


title: Kiya

text: Como aparecida por arte de magia, nos encontramos por primera vez a Kiya ya viviendo la nueva capital fundada por Akenatón y Nefertiti, Ajetatón (la actual "Tell el-Amarna"). Su papel parece determinante en la corte, y su papel de segunda esposa le hace merecedora de los títulos de "Favorita del Rey" o "Esposa Muy Amada" ("Hemet mereryt aat") de Ajenatón. También ocupaba un cargo oficial como sacerdotisa en el templo de Atón, Maruatón.


title: Kiya

text: No obstante, pese a lo sorprendente de estos títulos, que parecen demostrar una relación afectiva con Akenatón, hay que remarcar que Kiya nunca portó el cargo de gran esposa real que sí ocupó Nefertiti, su gran rival. La bella reina contaba con derechos jamás vistos antes en una gran esposa real: era representada con el mismo tamaño que su marido, conducía su propio carro, compartía audiencias, y, juntos, la pareja real formaba el núcleo de la nueva religión atoniana. Kiya tuvo que contentarse con un segundo puesto.


title: Kiya

text: Nos han llegado muy pocos restos documentales en los que aparece Kiya. Sin embargo, así como Akenatón suele aparecer tocado con la corona azul y Nefertiti con la famosa cofia que la caracteriza, también Kiya tiene una señal identificativa clara que nos ha permitido descubrirla en algunas representaciones.


title: Kiya

text: Esta mujer, de notable belleza, suele ir tocada siempre con una peluca de corte escalonado y dos grandes pendientes con forma circular. Las huellas más hermosas que ha dejado Kiya son sus vasos canopos, hallados en una tumba del Valle de los Reyes (la KV55), que serían finalmente utilizados por la momia de varón hallado allí, quizás el propio Akenatón. En estos vasos se comprueba un sorprendente parecido entre la favorita del rey y el niño Tutankatón.


title: Kiya

text: Es bien conocido que Nefertiti solo tuvo hijas, y que el sucesor de Akenatón, el rey-niño Tutankamón debió de ser o el hijo o si acaso el hermano del faraón. Al confirmarse la existencia de Kiya, parecía abierta la posibilidad de que Tutankamón fuese el niño nacido de ella y de Akenatón, tendencia que fue ganando muchos adeptos y que hasta recientemente parecía ser la más sólida. Esto vendría reforzado por el parecido físico de madre e hijo, y las semejanzas genéticas halladas en las momias de Tutankamón y del cuerpo de la Tumba 55.


title: Kiya

text: También se ha planteado que Kiya tuviera más descendencia, pero no hay datos que demuestren tal teoría. Por más que se sugiera, no existe una mención explícita a una princesita de nombre Kiya-Tasherit ni es seguro que la "Favorita del rey" muriese a causa del parto, como se ha pensado al ver algunas imágenes en la tumba de la familia real. Se cree que la fallecida no es Kiya, sino la segunda hija del rey, Meketatón.