text: La tradición se ha atribuido su fundación a san Martín Dumiense, San Martiño de Dumio, en el siglo VI, aunque parece que esto es erróneo. Probablemente el origen, como en otros caso similares de de monasterios de la Ribeira Sacra, fue un eremitorio creado en el siglo VI, al inicio de la llegada del cristianismo que penetró siguiendo la calzada Vía nova que unía las ciudades de Austurica Augusta (Astorga) y Bracara Augusta (Braga) y otras que enlazaban lo que hoy es Galicia con la meseta, y abandonado tras la invasión musulmana. En el siglo XII ya era el principal monasterio de la región y uno de los principales de Galicia. Inicialmente se rigió por la "Regula communis" redactada por san Fructuoso aunque en el siglo X pasó a la orden de San Benito.


title: Monasterio de San Esteban (Ribas del Sil)

text: En el escudo del monasterio hay nueve mitras reflejando el hecho de que entre los siglos X y XI fue el lugar de retiro de nueve obispos, lo que contribuyó a realzar su fama, cuyos anillos se convirtieron en objeto de veneración al ortogarseles propiedades curativas y milagrosas. Esto hizo que durante los siglos X, XI y XII, el monasterio fue muy popular, con las peregrinaciones motivadas por estos 9 obispos al lugar, favoreciendo en todos los aspectos a la institución.


text: El monasterio prospera por los ingresos que obtiene de las peregrinaciones, las donaciones, la explotación vinícola y los cotos de pesca del río Sil así como por el cobro de por el uso de los puertos y paso fluviales. En el siglo XII con el abad Ramiro Yáñez se incorpora a la Orden benedictina se proyectan las reformas para adaptar la edificación a al nueva regla. A finales de ese siglo se comienzan las obras de la iglesia y después se construye, ya en el siglo siguiente, el claustro de los Obispos.


text: En el siglo XIII comienza una decadencia, influida por la crisis política que dio lugar la conformación del reino portugués y la unión de los reinos de Castilla y León, y a la económica provocada por la peste negra y las luchas nobiliarias, que terminará con la reforma de la orden de San Benito a inicios del siglo XVI. Tras ello se inicia un periodo de ampliación de instalaciones y reformas que alteran fuertemente su estructura, se construyen los dos claustros renacentistas, dejando solamente algunos restos medievales, principalmente el claustro de los Obispos.


text: A mediados del siglo XV se decide trasladar los restos de los obispos enterrados en el claustro a la iglesia. Alfonso Pernas ordena, para dignificar la memoria de los obispos y para evitar las interferencias y molestias que la continua visita de peregrinos producía en la congregación monacal, depositar los restos en un arca y trasladarlos a la iglesia. A mediados del siglo XVI, en 1544, con motivo de la realización de un nuevo altar mayor, el abad del monasterio, Fray Víctor de Nájera, decide depositar los restos de los obispos en dos urnas compartimentadas, una de ellas con cinco compartimentos y la otra con cuatro, y depositarlas en sendos relicarios ubicados en cada lado del altar mayor en el presbiterio, la de cuatro compartimentos en el lado de la Epístola y la de cinco en el del Evangelio.


text: Tras la reforma canónica de los reyes Católicos y el cardenal Cisneros basada en la bula de Inocencio VIII "Quanta in Dei Ecclesia" de 1487, se incorpora en 1499 a la congregación de San Benito de Valladolid. La falta de vocaciones que se dio en ese periodo llevó que bajo el fray Alonso Pernas, a finales del siglo XV, sólo vivían en el cenobio el abad y un monje. En 1512, tras la bula de Julio II se produce la adhesión del monasterio a la Congregación benedictina de Castilla, creada a iniciativa de los Reyes Católicos por bula de Alejandro VI en 1497 y con casa matriz en el San Benito de Valladolid.


text: En 1516 son anexionados como prioratos los monasterios vecinos de Santa Cristina de Ribas del Sil y San Vicente de Pombeiro lo que incrementa los ingresos y permite iniciar un plan de ampliación del conjunto monasterial acorde con las nuevas normas comunitarias impuestas por la Congregación que transforman sus conjuntos monasteriales en símbolos de poder dentro de los territorios bajo su dominio, alejándose de los principios de austeridad y pobreza de los primeros tiempos. Se realizan la reforma de los edificios existentes ampliandolos para dar cobijo a la nueva comunidad, cambiando los dormitorios comunitarios por celdas individuales que se ubican en las segundas plantas que se construyen en los claustros, se amplían refectorios, sacristías y hospederías. Las dependencias del abad son ampliadas y se les dota de nuevas infraestructuras que permiten mantener una actividad administrativa y social, se las dota de salas de reunión, biblioteca, cocina privada y dormitorio, y en el caso de Santo Estevo, se le dota de una monumental escalera para el acceso de personalidades.


text: En 1509 se realizan algunas reparaciones menores de las cubiertas y dependencias. En 1562 hay un incendio que destruye parte de las instalaciones. Sobre la década de 1530 el Capítulo General decide instalar un Colegio de Artes en el que se imparte Filosofía lo que obliga a realizar, aparte de la reparación de los daños del incendio, nuevos espacios, lo que lleva al inicio de una amplia reforma. En 1588 se convierte en Colegio de Artes. La reforma que se realizó consistió en la construcción de la segunda planta del Claustro de los Obispos y la creación del Claustro de los Caballeros y del Claustro del Vivero. Las obra fueron diseñadas por Diego de Isla y se prolongaron hasta el siglo XVIII.


text: Debido a las desamortizaciones del siglo XIX se produce la exclaustración en 1875. Tras ella el conjunto queda abandonado, los bienes fueron incautados y se dispersaron. La iglesia es convertida en parroquia de la aldea de San Esteban por lo que mantiene su actividad religiosa. El resto del conjunto se va deteriorando hasta entrar en ruina (incluso se desmorona la crujía norte del Claustro Grande).


text: En 1923 fue declarado Monumento Nacional y en 1956 se realizan los primeros trabajo de consolidación y limpieza de la mano de los arquitectos Luis Menéndez Pidal y Francisco Pons-Sorolla. Se consolidación estructural del Claustro de los Obispos, después se hizo lo mismo en el Claustro Grande y ya a fines de la década de 1970 se renovó la iglesia.


text: En 1985, tras la aprobación de la Ley de Patrimonio Histórico Español, se declara Bien de Interés Cultural y de la mano del arquitecto José Javier Suances Pereiro se interviene en el Claustro de los Obispos realizando labores de mantenimiento. Se promociona la zona turísticamente realizándose un catálogo del patrimonio arquitectónico de la misma.


text: En 1986 la Dirección General de Patrimonio Artístico y Monumental de la Junta de Galicia encarga a los arquitectos José Javier Suances Pereiro, Alfredo Freixedo Alemparte y Manuel Vecoña Pérez un proyecto de rehabilitación del conjunto con el objetivo de crear un pequeño albergue-hospedería con ocho habitaciones, salón de actos para doscientas personas y una cafetería que finalmente no vería la luz. En 1987 la Junta propone las instalaciones como sede del Archivo General de la Administración Autonómica, pero también se frustró. Las obras de rehabilitación siguieron en marcha y se contempló subsanar la ausencia del lienzo norte del Claustro grande, del que solo se conservaban las basas, instalando un muro cortina en espejo que resultó muy controvertido, aun cuando seguía fielmente los criterios de reversibilidad y no suponía daño alguno para el monumento, porque reproducía los otros muros del claustro creando un efecto óptico que alteraba las proporciones primigenias al doblar la escala. Otra actuación polémica fue la cubierta de cristal de la escalera que estaba entre el Claustro do Viveiro y el de los Caballeros.


text: Finalmente en la década de 1990 se inaugura un albergue que recibe la categoría de hotel-monumento al que llaman “O Mosteiro”. Disponía de tres habitaciones colectivas de cuatro literas cada una de ellas y ocho dobles. En 1999 se plantea la rehabilitación para convertir todo el conjunto en un hotel de lujo. El proyecto es firmado por los arquitectos Freixedo Alemparte y Suances Pereiro. El proyecto se basa en la armonía del mantenimiento de los restos antiguos con modernas soluciones constructivas. Los elementos polémicos realizados anteriormente son modificados, el gran espejo del Claustro Grande es sustituido por una pared de cristal que deja ver el interior y se desmonta la cubierta piramidal de la escalera entre los claustros Grande y Pequeño.


text: En el año 2004 se inauguran las nuevas instalaciones hoteleras que son propiedad de la Junta de Galicia la cual cede a Paradores de Turismo de España su explotación. La iglesia se mantiene como parroquia dependiente de la Diócesis de Orense, junto a ella permanecen para el uso ordinario el cementerio, que se sitúa frente a la fachada principal de la iglesia y del monasterio, y la sacristía. A estas depèndncias se añade la casa rectoral que se construye al noroeste del Claustro de los Opispos, con vanos abiertos a la fachada principal, en ángulo con la iglesia.


text: En el año 2006 el Parador instala un SPA en la planta baja y sótano de la torre noroeste con un jacuzzi en una terraza exterior frente al bosque. En 2009 se colocan treinta y tres paneles informativos estratégicamente ubicados en diferentes puntos del complejo que dan información sobre el monumento y su historia a los huéspedes y visitantes.


text: El conjunto monacal de San Esteban de Ribas del Sil es amplio e importante. Consta de tres claustros conformados por los edificios monacales y la iglesia. Tiene una gran fachada barroca. Destaca, por su buena conservación, la cocina monacal, una gran estancia cuadrada con el hogar en el centro realizado en piedra sobre cuatro columnas exentas.


text: El desarrollo que tuvo el monasterio durante el siglo XII y posteriores, en donde se realizaron diferentes reforma hizo que desaparecieran cualquier resto de las instalaciones construidas bajo el abad Franquila. Los restos más antiguos que se conservan son los realizados en el siglo XII bajo el mando del abad Ramiro Yáñez. El Claustro de los Obispos es la construcción más relevante de ese periodo. Este claustro, construido cuando la congregación estaba regida por la Orden de Cluny, se realizó al norte de la iglesia, en lugar de hacerlo en la parte meridional, como era costumbre en los monasterios benedictinos. Esto fue debido a las condiciones orográficas del terreno que obligó a hacerlo en la parte norte de la iglesia y a ubicar las dependencias monacales a su alrededor entre la iglesia y el río, donde los monjes tenían las huertas y viñedos.


text: Alrededor del claustro se situaba, en el lado oriental, Sala Capitular y frente a ella el refectorio, la cocina y las bodegas; en el ala norte los dormitorios, que eran colectivos y en el piso alto, la biblioteca. Todas estas instalaciones desaparecieron con las reformas efectuadas posteriormente, sobre todo en el siglo XVI cuando se ampliaron las instalaciones y se construyeron los otros dos claustros, ya en estilo renacentista.


text: Las reformas que se efectuaron a finales del siglo XX principios del XXI para reconvertir el conjunto en hotel recuperando la ruina en la que se encontraba, se basaron en la combinación de materiales y técnicas modernas con las antiguas, usándose cristal y metal, como es el caso de la reconstrucción del lienzo norte del claustro de los Caballeros, manteniendo y mostrando la magnitud del monumento.


text: La iglesia, que mantuvo su función religiosa como parroquia de la aldea de San Esteban, no sufrió reforma alguna, a excepción de las tareas propias del mantenimiento básico y las intervenciones de restauración


text: La iglesia, de estilo románico, se comenzó a construir en el año 1183, tal y como indica la inscripción en el fuste de una columna de la cabecera, pero, tras detener las obras en el siglo XIII, no se terminó hasta el siglo XV cuando se incorporó el monasterio a la Congregación de Valladolid, realizándose los últimos tramos de la nave. Toda la construcción está realizada con sillares de granito.


text: La fachada principal de la iglesia forma ángulo recto con la entrada del monasterio, solución que se conoce como compás de entrada y es habitual en los monasterios benedictinos. Está orientada hacia el oeste, como es costumbre. Acoge, alrededor de su entrada, el pequeño cementerio parroquial, ya que el templo cumple con la función de parroquia para la población vecina.


text: El templo es de planta rectangular de tres naves de tres tramos rematada en la cabecera por tres ábsides semicirculares siendo los laterales más altos que el central que es más ancho sobre el que se abre un óculo con un pequeño rosetón, que en su parte externa tiene una franja de pequeños arquillos ciegos con ménsulas y metopas de variada decoración entre la que se distinguen figuras humanas, un Crucificado, leones, arpías, la estrella de David, etc. Las naves están separadas por arcos de medio punto y pilares con columnillas adosadas que recogen los nervios de las bóvedas de crucería. La nave transversal o transepto no sobresale de la planta estando el crucero cubierto por una bóveda de ligadura típicamente gótica, como el resto de la cubierta.


text: Las bóvedas fueron construidas en siglo XVI sustituyendo a otra anterior de madera, en el transcurso de estas reformas se eliminó el coro bajo ante el crucero y se construyó el coro alto a los pies de la nave comunicando directamente con la galería alta del Claustro de los Obispos en donde se ubicaban las celdas de los monjes.


text: La fachada principal está enmarcada por dos torres prismáticas construidas a finales del siglo XVII y principios del XVIII con campanas, rematadas por balcones corridos y tejados piramidales. Dos grandes contrafuertes románicos flanquean la portada, sobre la que se ubica un óculo (en algún tiempo se ubicó en el un reloj) que junto al que se halla en el ábside iluminan el interior. Sobre él una hornacina rematada con una cruz en la que hay una figura de san Esteban. El enmarque de la puerta es del último tercio del siglo XVIII. Tras el ábside del lado del Evangelio se halla la ampliación en la se ubica la antesacristía y la sacristía. Construida en 1640 sustituyó a otra de la segunda mitad del siglo XVI. Es un edificio de planta cuadrada cubierto con bóveda de crucería.


text: En el interior, destaca el retablo mayor, obra que fue encargada, el 21 de abril de 1593, al escultor leonés, afincado en Galicia, Juan de Angés el Mozo y al pintor Manuel de Arnao. Junto a él se encargaron también otros tres retablos dedicados a san Benito, Nuestra Señora y san Nicolás que se han perdido.


text: El retablo del altar mayor consta de predela y cuatro cuerpos distribuidos en cinco calles. En la predela o parte inferior, aparecen los evangelistas y los santos Plácido, Mauro, Bernardo, Escolástica, Gertrudis y Lucía.


text: En el primer cuerpo se sitúa en la calle central el hueco para sagrario que ha sido sustituido por un crucifijo, las hornacinas calles de los extremos están ocupadas por las figuras de san Benito y san Gregorio Magno y en las calles intermedias hay dos relieves con sendas flagelaciones de mártires que no han sido identificados al carecer de atributos, aunque según hipótesis de algunos autores podría tratarse de san Vicente y santa Cristina en referencia a los dos monasterios que fueron asociadas al de San Esteban poco antes de la construcción del retablo.


text: Las hornacinas laterales del segundo cuerpo están ocupadas figuras de apóstoles que, al haber desaparecido sus atributos, no se pueden identificar, en el centro una imagen de San Esteban como el primero de los mártires y el las calles intermedias sendos relieves en los que aparecen escenas de la Anunciación y de la Adoración de los pastores.


text: En las calles del tercer cuerpo, en sus laterales están las figuras de san Juan Bautista y santa Catalina, ocupando la calle central un relieve de la epifanía al que rodean, a la izquierda otro que representa la Circuncisión y a la derecha Presentación en el templo.


text: En el cuarto cuerpo, en el que culmina el retablo, ocupa la calle central una Asunción de María flanqueada a la izquierda con un relieve de Jesús entre los Doctores y la derecha con otro de las Bodas de Caná.


text: Otra pieza de interés es una talla de realizada en una pieza pentagonal en piedra datada en el siglo XII, que representa a Jesucristo y los doce apóstoles y que fue hallado en uno de los muros del claustro Grande o de los Caballeros. Está labrada por ambas caras y se especula que pueda ser el frontal de un altar o parte de tímpano (tiene una forma que es común en otros tímpanos gallegos). En ambas caras muestra una arquería románica sobre las que se posan las figuras representadas. En una de las caras aparece Cristo en el centro sin más compañía, en la otra aparece flanqueado por los apóstoles. Cristo está coronado con nimbo crucífero (un halo de luz con una cruz inscrita) portando una cruz y bendiciendo. A su derecha esta la figura de Pedro que porta las llaves y los evangelios, seguida de la de Santiago con cuatro conchas de vieira y otras cuatro figuras con báculos y evangelios que no se han identificado. A la izquierda de Cristo están Pablo, con báculo en la mano derecha y filacteria en la izquierda, quizá San Juan, por su aspecto joven y otros cuatro apóstoles no identificados.


text: Durante las labores de restauración de la iglesia llevadas a cabo en la primavera de 2021 se hallaron, al retirar los muebles relicarios donde se ubicaban las urnas con los restos de los obispos, una área de colorida policromía. Las catas realizadas en otras áreas del templo encontraron seis pinturas murales que podría datarse del siglo XV al XVI realizadas, posiblemente, con la técnica de pintura mezzo fresco. Las pinturas está cubiertas con hasta siete capas de cal. Representan el rostro de un posible monje, un ave, un escudo que simula está manchado con restos de sangre tras una hipotética batalla, detalles florales... Todos ellos signos de una pintura mural mucho más extensa.


text: Los edificios monacales se ordenan alrededor de tres claustros, el claustro de los Caballeros al que se denomina también de la portería o Grande, el de los Obispos y el claustro pequeño o del Vivero (en gallego "do Viveiro"). Destaca la soberbia portada barroca que junto a la iglesia y el pequeño cementerio conforman la entrad principal del conjunto monacal.


text: La fachada principal, como el resto de la edificación, está realizada en sillería de granito gris y junto a la iglesia está dispuesta al compás como era habitual en los monasterios benedictinos. Fue construida a finales del siglo XVII y comienzos del XVIII y es de estilo barroco. Está formada por un cuerpo con tres calles, flanqueadas por dos grandes bandas de aparejo rústico y separadas por cuatro columnas de orden dórico que se alzan sobre pedestales dobles. Las columnas soportan un entablamento de triglifos y metopas y sobre él una gran peineta que culmina con un gran escudo de Castilla y León con águila bicéfala con corona, el imperial de Carlos V. En la calle central, más ancha que las laterales, se abre el vano de la puerta de entrada rectangular enmarcado con molduras y relatado por un frontón triangular partido sobre el que ha dispuesto un balcón.


text: Las calles laterales son simétricas y consta cada una de ellas de una hornacina, la de la derecha ocupada por una imagen de San Vicente abad y la de la izquierda por una de San Benito. Sobre ellas sendos escudos, en la izquierda el del monasterio cuyo motivo principal son las nueve mitras de los obispos y el de la derecha el de la Congregación de Valladolid.


text: La dependencias que se ubican en esta fachada son la portería y las dependencias del abad. La portería es espacio rectangular cubierto con una bóveda de terceletes y claves decoradas con dibujos de flores y caras. Una gran escalera de honor une la portería con las dependencias abaciales realizadas con gusto palaciego.


text: La caja de la escalera, que ocupa la altura de las tres plantas del claustro, es de planta cuadrada, presenta peldaños y descansos que se cubren con bóvedas planas que se apoyan en ménsulas perimetrales en los muros. En el centro se abre un hueco definido por pilastras. Todo el conjunto se cubre por una bóveda de crucería trazada a partir de arcos carpaneles haciéndola casi plana construida en el año 1739 que tiene cuatro rosetones decorados.


text: El complejo monasterial gira en torno a tres claustro. Inicialmente, tras las reformas del siglo XII, solo se contaba con el claustro situado al lado de la iglesia, en su fachada norte (o lado del Evangelio), rompiendo con la tradición benedictina debido a la orografía del terreno. En este claustro se enterraron los nueve obispos que en el transcurso de los siglo X y XI se habían trasladado al monasterio para residir allí hasta su muerte. Este hecho le dio el nombre de "Claustro de los Obispos". Posteriormente, en el siglo XVI, se realizó una gran reforma y ampliación, acorde con las nuevas normas de la comunidad y con los tiempos, en los que se construyeron otros dos claustro. Uno de ellos, el denominado "Claustro Grande", "de la portería", "de la hostelería" o "de los Caballeros" está situado tras la fachada principal y el acceso principal del monasterio. Es de estilo renacentista, de forma rectangular y de grandes dimensiones, está destinado a recibir a las visitas. Al lado norte del claustro de los Obispos, se construyó el llamado "Claustro pequeño", "del Abad" o ""do viveiro"", en referencia a una instalación, una gran fuente que ocupaba toda la superficie del patio, en la que se conservaban diferentes peces como salmones, sábalos, lampreas, anguilas y truchas traídas vivas de las pesqueras del Sil y el Miño.


text: El Claustro de los Caballeros, Claustro Grande o Claustro de la Portería, es un espacio rectangular de grandes dimensiones y de tres alturas, en su origen solamente eran dos, que se abre en la entrada al conjunto monacal. Da respuesta, entre otras necesidades, a dar espacio al Colegio de Artes que se instaura en el monasterio en 1562, en sus pisos estaban los dormitorios de los estudiantes. Se comenzó a construir en el siglo XVI por Diego de Isla y no se terminó hasta el siglo XVIII, es de estilo renacentista.


text: La planta baja está realizada con arcos de medio punto que se apoyan en columnas con capiteles dóricos, a excepción de la parte sur que son pseudojónicos, no tiene bóveda. El primer piso está realizado mediante una estructura adintelada que se apoya en comunas de orden jónico y fuste liso rematado, todo ello, con un entablamento con recuadros. La tercera planta, levantada en 1721, forma una galería de arcos de medio punto que se apoyan en sencillos pilares con capitel adosados a pilastras cajeadas.


text: El centro del claustro tenía una fuente decorada con sirenas, cariátides y, según ascendemos, a Eros con dos águilas sobre su cabeza que, tras el abandono del monasterio por la Desamortización de Mendizábal en 1836, fue traslada y ubicada en la plaza del Hierro de Orense en 1856. El monasterio de Oseira ha venido reclamando que la fuente es en realidad suya. En 1997 el ayuntamiento de Orense hizo una réplica de ella que instaló en en el patio de los Medallones de Oseira a modo de resarcimiento. Junto a esta fuente se llevó a la capital otra, seguramente de alguno de los otros dos claustros, y varios remates de piedra.


text: Tras el abandono del monasterio en el siglo XIX la panda norte se derruyó quedando solamente las basas. En las rehabilitación llevada a cabo a finales del siglo XX de la mano de los arquitectos José Javier Suances, Alfredo Freixedo Alemparte y Manuel Vecoña Pérez, se optó por crear un muro de cortina en espejo que reproducía los otros muros que conforman el claustro produciendo el efecto óptico de doblar el tamaño de este. La reforma realizada para la construcción del hotel se optó por sustituir el muro de espejo por otro acristalado con perfiles metálicos en bronce. Los huecos de la panda este están en la actualidad cerrados y en algunos de ellos se abren ventanas.


text: El Claustro de los Obispos, también llamado de la Profesiones, es el claustro reglar del cenobio. Fue construido bajo el mandato del abad Ramiro Yáñez tras la incorporación del monasterio a la Orden benedictina en la segunda mitad del siglo XII. Para adecuar las viejas instalaciones del cenobio construidas en tiempos del abad Franquila, se plantea una reforma integral de las mismas. Tras dar inicio a la construcción de la iglesia a finales del siglo XII, se realiza en su cara norte el claustro, las características orográficas obligan a esta ubicación del claustro aun cuando los habitual en los monasterios benedictinos es ponerlo al otro lado, al lado de la Epístola, pero lo impide el escarpe de la montaña. Se diseña una claustro de estilo románico de una sola altura y de planta cuadrada, comunicado con la iglesia mediante una puerta en el ángulo sureste. Alrededor del claustro se organizan las dependencias monacales, la sala capitular se estableció en la panda este, frente a ella, en la otra panda, la oeste, el refectorio, la cocina y las bodegas y en la norte los dormitorios, sobre los que se situaría la biblioteca. En este nuevo claustro se dio sepultura a los cuerpos de los nueve obispos que llegaron al cenobio entre el siglo X y siglo XI y que ya tenían fama de santos y milagrosos y atraían a multitud de peregrinos, este hecho es el que le da el nombre de "Claustro de los Obispos". A mediados del siglo XVI, tras el incendio de 1562, se reconstruye el claustro y se le dota de un piso más, este de estilo tardogótico con arcos campanales y columnas pequeñas, donde se ubicarían las celdas de los monjes en el lado este.


text: El piso inferior es de estilo románico, está realizado mediante arcos de medio punto que se apoyan en pilares y columnas germinadas con capiteles decorados con motivos vegetales, arpías cabezas humanas y cuadrúpedos. Hay un arco me dio pùnto tapiado junto a otro que da paso a la escalera de subida al claustro alto y que debía ser la entrada a la antigua sala capitular que tienen capiteles interesantes, uno representa una arpía con una gran cola que forma un nudo y otro el Sacrificio de Isaac, un ángel sujeta la espada de Abraham cuando éste va a degollar a su hijo, datados en el tercio del siglo XIII. En la bóveda, entre dos boceles se puede ver una figura con un libro que podría representar a un apóstol, que se estima hacer referencia a la sala capitular y la lectura y formación espiritual que tanta importancia le daban los benedictinos.


text: La cubierta del piso bajo originalmente era de madera, con la reforma del XVI se construyó una bóvedas de terceletes que obligó a cerrar algunos arcos y a añadir contrafuertes exteriores rematados con pináculos, dando el aspecto que actualmente tiene el claustro.


text: El claustro alto no sigue el ritmo de la arquería del bajo. Esta formado por vanos que se abren en arcos carpaneles o apainelados dobles que se apoyan en finas columnas. Sobre ellos hasta 1654 había una cornisa que fue eliminada para elevar unos muretes en los que se abren óvalos, sobre él se ubica un entablamento sobre el que aparece una crestería flamígera que remata el conjunto con pináculos en los ejes de los contrafuertes.


text: El Claustro Pequeño, también llamado "del Abad" o "del Vivero", está adosado al lado norte del Claustro de los Obispo. En torno a él se ubicaron los servicios del monasterio y las dependencias del abad que se hallaban en el lado sur, tras ellas se ubicaba las nuevas cocinas que se comunicaban con el refectorio situado en la crujía este. En la parte oeste está el paso que lo une al Claustro Grande y una gran escalera que comunica la pisos de los tres claustro. Sobre la el refectorio estaban los dormitorios de los frailes. El patio del claustro estaba ocupado íntegramente por una fuente con un gran estanque en el que los monjes mantenían vivos peces que traídas de las pesqueras del Sil y el Miño. Allí conservaban salmones, sábalos, lampreas, anguilas y truchas.


text: El Claustro Pequeño se levantó a instancias del abad fray Mauro de Salazar a fines del siglo XVI, en el año 1595. La obra fue dirigida por Diego de Isla aunque se cree que no era de su autoría, se intentó introducir elementos clásicos italianos por lo que en el proyecto presentado a Diego Isla se le imponía que fuese «de orden toscano en los arcos de la planta baja, con columnas dóricas en la planta alta». Es de planta cuadrada y tiene dos alturas. Ambos pisos se levantan sobre arcos de medio punto con columnas toscanas en la parte baja y dóricas en la alta, posteriormente se modificaron 16 arcos de la galería alta para convertirlos en vanos adintelados.


text: En la parte sur se ubica la cocina, una estancia de planta cuadrada cubierta con nueve compartimentos abovedados con el central apoyado en cuatro machones. Una gran chimene, realizada en cantería, conformada por una bóveda cupuliforme sobre pechinas. Comunicada con la cocina mediante una sala intermedia se hallaba el refectorio, una gran sala rectangular que ocupaba todo el lado este cubierta con una bóveda de cañón, sobre él los dormitorios de los monjes. Tras el incendio de 1562, que destruyó toda la documentación del monasterio, se construyó en el ángulo nordeste del Claustro Pequeño un torreón para el archivo monasterial.


text: En el transcurso de los siglos X y XI se retiraron al monasterio de San Esteban de Ribas de Sil nueve obispos procedentes de algunas diócesis más o menos cercanas. Tras fallecer fueron enterrados en el cenobio. Cuando se realizó la construcción del Claustro de los Obispos, en la primera mitad del siglo XIII, se trasladaron sus restos al mismo, el nombre del claustro viene de este hecho, donde permanecieron hasta que en el siglo XV se trasladaron a la iglesia.


text: La hipótesis más aceptada es que los obispos se llegaron a San Esteban huyendo del avance musulmán por la península ibérica, aunque también pudiera ser que buscarán vida sencilla ajena a la sociedad terrenal renunciando a los valores mundanos. De todas formas, los nueve obispos han sido de importancia fundamental para el cenobio al adquirir fama de santidad y ser objeto de peregrinación. Tanto es así que el escudo de armas del monasterio está compuesto de nueve mitras en referencia a los nueve obispos. Los anillos episcopales de estos obispos se guardaron en una caja de plata y adquirieron, como quienes los habían usado, fama de milagrosos y de tener poderes curativos, siendo utilizados para tratar diferentes dolencias y males hasta su desaparición a finales del siglo XVIII principios del XIX.


text: La primera referencia documental sobre la llegada de los obispos y su enterramiento en el monasterio se hace en un documento del siglo XIII en el que, en el año 1220, en el que el rey Alfonso IX de León realiza unas donaciones al monasterio y dice:


title: Concepción (nombre)

text: Concepción es un nombre propio femenino de origen latino en su variante en español. Proviene del latín "conceptio" (concepción, generación). Tiene su origen en la advocación mariana de la Inmaculada Concepción, artículo de fe del catolicismo que sostiene la creencia en que la Virgen María, madre de Jesús, a diferencia de todos los demás seres humanos, no fue alcanzada por el pecado original sino que, desde el primer instante de su concepción, es decir, de su ser personal, estuvo libre de todo pecado y es la toda santa y la sin mancha.


title: Empresa socialmente responsable (distintivo)

text: Empresa Socialmente Responsable (ESR) es un distintivo que otorga el Centro Mexicano para la Filantropía (Cemefi) desde el año 2001 a empresas y organizaciones establecidas en México que cumplen con una serie de criterios que abarcan, de forma general, la rentabilidad y sustentabilidad económica, social y ambiental.


text: Las cuatro líneas estratégicas del distintivo son la ética y gobernabilidad empresarial, la calidad de vida en la empresa (dimensión social del trabajo), la vinculación y el compromiso con la comunidad y su desarrollo, el cuidado y preservación del ambiente; cada una de éstas se divide en 30 indicadores.


text: Más allá de la obtención de este distintivo, el Cemefi considera que el cumplimiento de los principios de ESR contribuye a la "buena salud" de la organización y al fortalecimiento de su relación con la comunidad y sus consumidores; de forma puntual, se pueden mencionar entre los beneficios directos "una mayor simpatía de los consumidores, mayor lealtad de los colaboradores, mayor confianza de los inversionistas, facilidad en los procesos de toma de decisiones, optimización de recursos humanos y materiales y, en general, la instalación de procesos colectivos de mejora continua, para beneficio de la empresa y de toda la sociedad".


text: Para 2019, 991 empresas cuentan con este distintivo, desde grandes empresas transnacionales hasta PYMES. De igual forma existen empresas que llevan solamente 1 año con dicho reconocimiento, hasta otras que tienen 19 años consecutivos recibiendo el distintivo.


text: Decálogo de Empresa Socialmente Responsable (Cemefi) - https://www.cemefi.org/esr/images/stories/pdf/esr/decalogo_esr.pdf


title: Sumire Uesaka

text: A los ocho años, Uesaka fue descubierta por Space Craft Junior Talent cuando se dirigía a casa tras un examen Eiken en Proficiencia Práctica del Inglés. Más tarde apareció en un anuncio publicitario japonés de Vidal Sassoon.


title: Sumire Uesaka

text: En 2009 empezó a aparecer en el programa de radio web "Web radio @ Dengeki-Bunko", y entre septiembre de 2009 y diciembre de 2011 se convirtió en participante regular. Entre sus inspiraciones para convertirse en actriz de voz se encuentra su deseo de dar vida a su trabajo. Otra de sus inspiraciones fue la actriz de voz Haruko Momoi, a quien respeta tras ver Nurse Witch Komugi cuando todavía estaba en la escuela primaria. Uesaka describió la experiencia como "sorprendente", y fue entonces cuando decidió convertirse en seiyū. En abril de 2011 se unió a la sección de actrices de voz de Space Craft Entertainment. A partir del 7 de octubre de 2011 se convirtió en una personalidad del programa de radio web "A&G NEXT GENERATION Lady Go!!".


title: Sumire Uesaka

text: El 12 de agosto de 2011, se anunció en el Comic Market 80 que había sido elegida para la serie de anime televisivo de 2012 "Papa no Iukoto o Kikinasai!". En enero de 2012 hizo su debut, prestando su voz a la heroína "Sora Takanashi". Si bien había participado en algún papel menor en 2011, ese fue su primer papel como personaje protagonista. Más tarde, Tomohiro Matsu, autor original, e Itsuro Kawasaki, director del anime, indicaron que fue elegida, a pesar de algunos fallos técnicos, porque no se podían imaginar a nadie más como Sora. El mismo año interpretó a "Sanae Dekomori", personaje de "Chūnibyō Demo Koi ga Shitai!".


title: Sumire Uesaka

text: En abril de 2012 recibió su propio programa de radio, , emitido en Nico Nico Live. El 26 de mayo de 2012 sirvió como Capitán por un día en el buque JDS Yamayuki, en la Fiesta de la Marina de Funabashi.


title: Sumire Uesaka

text: Debido a su familiaridad con Rusia y su ejército, fue elegida para doblar a Nonna, personaje de influencia rusa, en el anime "Girls und Panzer". En el episodio 8 de la serie, la escuela rusa canta la canción soviética de la Segunda Guerra Mundial "Katiusha". Para interpretar bien la canción, Uesaka se encargó de enseñar a sus compañeras a pronunciar correctamente el ruso. Además, en el episodio 9 tararea la "Nana del Cosaco" (Казачья колыбельная песня), compuesta por Mijaíl Lérmontov. Dicha canción no estaba en el guion y fue improvisada por Uesaka.。


title: Sumire Uesaka

text: En diciembre de 2012, Uesaka viajó a Doha, Catar, para participar en una charla de la Feria Internacional del Libro de Doha de 2012, en la que Japón era el país invitado. Allí, Uesaka expresó su interés en involucrarse en la diplomacia cultural que exporta Japón y animar a los japoneses a comunicarse con países extranjeros. Como parte de esa "diplomacia cultural", Uesaka viajó a Moscú, Rusia, en noviembre de 2013 para participar en la convención J-FEST2013. Le acompañó el diplomático de la cultura pop Takamasa Sakurai.


title: Sumire Uesaka

text: Ha sido condecorada, junto con sus colegas Rie Takahashi y Aimi Tanaka, con el premio "Mejor Actriz Revelación" en la 10° edición de los Seiyū Awards.


title: Sumire Uesaka

text: El 4 de septiembre de 2020, anunció que dejó Space Craft Entertainment y ahora trabaja como freelancer.


title: Sumire Uesaka

text: Uesaka es una gran fan de Rusia y de su historia, cultura, ejército, literatura y arte. Su interés se remonta a la época en que era estudiante de décimo grado, en su primer año de instituto, cuando oyó por casualidad el himno nacional de la Unión Soviética. Desde entonces empezó a desarrollar un interés en Rusia y se dedicó a estudiar acerca de la sociedad, historia e idioma ruso por su cuenta. Antes de Rusia estaba interesada por el Tercer Reich.


title: Sumire Uesaka

text: En abril de 2010 entró en la Facultad de Estudios Extranjeros de la conocida Universidad Sofía de Tokio, tras una recomendación del Instituto de la Universidad Femenina de Kamakura, donde se graduó. En la universidad se especializó en Estudios Rusos. El 10 de julio de 2012 recibió el Premio de Estudios de la Universidad de Sophia por su excelente trabajo. El 27 de marzo de 2014 informó en su blog y en su Twitter que se había graduado.


title: Sumire Uesaka

text: A Uesaka le gusta estudiar idiomas, y además de ruso, sabe hablar inglés y chino, habiendo aprobado varios exámenes de proficiencia de idiomas. También le gusta la moda lolita, y es modelo para la marca de ropa "Baby, The Stars Shine Bright". Sus sesiones de fotos se publican con frecuencia en Keram, Gothic & Lolita Bible, y otras revistas conocidas.


title: Sumire Uesaka

text: Dado su interés en Rusia, sus fanes la conocen cariñosamente con el apodo de , ya que la letra R se parece a la P en el alfabeto cirílico ruso. Otros apodos incluyen , porque le gusta llevar accesorios nekomimi, y , debido a su interés en el ejército, especialmente en tanques, y su programa de radio. Tras su papel como Sanae Dekomori en Chūnibyō Demo Koi ga Shitai!, recibió su propio "nombre chūnibyō", .


title: Shoot 'Em Up

text: Shoot 'Em Up es una película de acción y humor negro, dirigida y escrita por Michael Davis y producida por Susan Montford, Don Murphy y Rick Benattar. El filme fue estrenado el 7 de septiembre de 2007.


title: Shoot 'Em Up

text: El filme narra la historia de Smith (Clive Owen), un desempleado con experiencia militar y ávido comedor de zanahorias que sólo desea que nadie lo moleste. Smith resulta envuelto en una compleja conspiración política cuando ayuda a una mujer embarazada que es perseguida por un asesino a sueldo. La mujer da a luz durante un tiroteo; sin embargo, ella recibe un disparo en la cabeza. Smith toma al bebé y huye con una prostituta, Donna Quintano (Monica Bellucci). El grupo es perseguido por el inteligente y rudo Hertz (Paul Giamatti) y su ejército de matones. Después de varios enfrentamientos entre Smith y el grupo de Hertz, el primero es capaz de descubrir la historia detrás de la conspiración. Un senador de los Estados Unidos, candidato a la presidencia, a favor de un control estricto de armas, ha criado bebés para obtener su médula ósea y así tratar el cáncer que él padece. Un prominente fabricante de armas (Stephen McHattie) contrata a Hertz para matar a los bebés, para que el senador no pueda curarse.


title: Shoot 'Em Up

text: Cuando la idea original del director y guionista Michael Davies era rechazada por los estudios cinematográficos, él decidió realizar un metraje animado de 17 minutos para dar una idea a los directores de los estudios de cómo se verían las escenas de acción. Esto obtuvo la atención del director ejecutivo de New Line Cinema Robert Shaye, quien aprobó el proyecto y aceptó a Davis como director. Tras contratar a Clive Owen y a los otros actores, la producción se inició en Toronto (Canadá) el 13 de febrero de 2006 hasta el 8 de mayo de 2006. Aunque la revista "Variety" reportó que el filme estaba previsto para la época navideña de 2006 y los primeros avances ocurrieron en septiembre del mismo año, el lanzamiento del filme fue programado para el 7 de septiembre de 2007. Las respuestas de la audiencia a proyecciones previas al estreno fueron mixtas. El sitio web WorstPreviews reportó que, "el estudio ha mostrado la película en varios lugares con una respuesta de la audiencia que ha sido que la película no es nada más que un gran tiroteo ... Mientras algunos no veían nada malo con esto, el problema es que el guion se inició con los tiroteos y entonces se le añadió un argumento, no al revés". Sin embargo, la recepción de la audiencia a una proyección en el San Diego Comic-Con fue mucho mejor. La actriz Monica Belluci dobló su voz en las versiones francesa e italiana del filme.


title: Shoot 'Em Up

text: En los meses previos a su lanzamiento, "Shoot 'Em Up" fue promocionada a través de varios medios sutiles. Por ejemplo, un póster promocional fue insertado en una actualización en el nivel en línea para multijugador Calypso Casino del videojuego "". También fue promocionada en uno de los niveles de la ciudad del videojuego "Crackdown".


title: Shoot 'Em Up

text: A partir de julio de 2007, la película fue publicitada con una campaña de marketing de guerrilla realizada por la agencia londinense New Media Maze. La campaña incluyó un video viral y un sitio web que ofrecía productos ficticios, entre los que se incluían coches para bebés a prueba de balas y cascos antimotines para niños. Un video fue lanzado en YouTube en el cual la compañía decía haber probado el coche antibalas al dispararle con un subfusil mientras un bebé se encontraba dentro. El bebé resultaba ileso. Sin embargo, todo era una broma, pero la campaña fue tomada seriamente por los medios de comunicación y varios blogs. Por ejemplo, uno de los tabloides más importantes de Suecia, el "Aftonbladet", tuvo la historia como su artículo principal en su sitio web.


title: Shoot 'Em Up

text: En agosto de 2007, se empezaron a transmitir anuncios televisivos para la película, los cuales incluían la canción "House of Wolves" de My Chemical Romance.


title: Shoot 'Em Up

text: Las opiniones de los críticos estuvieron divididas. "Variety" describió la película como "violenta y vil en igual medida", pero "demasiado audaz estilísticamente como para ser despedida inmediatamente". "The Hollywood Reporter" fue más ambiguo en su crítica, diciendo que "cualquiera buscando sutileza, desarrollo de los personajes o un guion bien estructurado estará desilusionado, pero los fanáticos de la acción tendrán bastante con que divertirse con este filme que hace que "Hard Boiled" parezca recatada", y que el filme era "bueno e innegablemente divertido". Peter Travers de "Rolling Stone" alabó el filme, dándole tres de cuatro estrellas y llamándole un "sueño mojado para los adictos a la acción [que] deja la lógica y motivación fuera". Tomando una opinión opuesta, Michael Phillips del "Chicago Tribune" le dio al filme una de cuatro estrellas, reprochando la crueldad del filme y tildándolo de "asqueroso", "vil" y "necio". A. O. Scott de "The New York Times" fue más allá, llamando la película "un pedazo de basura sin valor".


title: Shoot 'Em Up

text: Para el 26 de mayo de 2008, el sitio web de crítica cinematográfica Rotten Tomatoes muestra a "Shoot 'Em Up" con un índice de audiencia de 66 % basado en 155 críticas y con un índice de audiencia promedio por crítico de 6.2/10.


title: Shoot 'Em Up

text: El filme ocupó la cuarta posición en la taquilla durante su fin de semana de estreno, ganando $ 5 450 000 en 2108 salas de proyección.


title: Shoot 'Em Up

text: La película fue lanzada en formatos Blu-ray y DVD el 1 de enero de 2008. La versión para HD DVD estaba programada para ser lanzada poco después de la versión para Blu-ray, pero la decisión de Warner Bros. de apoyar exclusivamente el formato Blu-ray provocó la cancelación de todos los títulos de New Line Cinema para HD DVD.


title: Obra de arte total

text: El término alemán Gesamtkunstwerk (traducible como obra de arte total) es un concepto atribuido al compositor de ópera Richard Wagner, quien lo acuñó para referirse a un tipo de obra de arte que integraba las seis artes: la música, la danza, la poesía, la pintura, la escultura y la arquitectura. Wagner creía que la tragedia griega fusionaba todos estos elementos, que luego se separaron en distintas artes; de hecho, Wagner era muy crítico con el tipo de ópera imperante en su época, a la que acusaba de centrarse demasiado en argumentos fatuos con música casi subordinada a requerimientos del texto y lucimiento de los solistas y dejando casi ignorados a los demás elementos. Wagner concedía gran importancia a los elementos ambientales, tales como la iluminación, los efectos de sonido o la disposición de los asientos, para centrar toda la atención del espectador en el escenario, logrando así su completa inmersión en el drama. Sin embargo, fácilmente se tiende a confundir las ideas de Wagner, pues él, aunque propuso que todas las formas de arte tienen gran importancia, no son necesariamente "igual" de importantes. La obra donde se nota más claramente una "igualdad relativa" de todas las formas de arte en Wagner es "El oro del Rin". Pero como el mismo Hans Richter llegó a afirmar: "Pasado el tiempo, si bien para Richard [Wagner] sus teorías tenían validez, terminó entendiendo que la música es lo que define a una obra". Así, en los dramas maduros de Wagner, como "Tristán e Isolda", "La valquiria", "Sigfrido", "El ocaso de los dioses" y "Parsifal", va ganando de manera creciente mayor importancia el contenido musical. Estas ideas eran revolucionarias en su momento, pero pronto pasaron a ser asumidas por la ópera moderna.


title: Obra de arte total

text: Desde su acuñación, el término ha sido utilizado para describir distintas manifestaciones artísticas en las que se combinan elementos de varias artes. En arquitectura, por ejemplo, se emplea este término para describir a un edificio en el que cada parte está diseñada para complementar a otras dentro de un todo. En épocas recientes, el arte cinematográfico y otras manifestaciones audiovisuales populares, han sido descritos como "obras de arte total" por su combinación de teatro, música, imagen, etc.


title: Obra de arte total

text: El término también fue empleado por los artistas pertenecientes a la "Secesión de Viena" de comienzos del siglo XX, para describir su objetivo estético.


title: Síntesis de hormonas tiroideas

text: La síntesis de hormonas tiroideas, tiroxina (T4) y triyodotironina (T3), tienen lugar tanto en la glándula tiroides como en el tejido periférico; su síntesis dentro de la glándula tiroides requiere de 4 elementos esenciales: Yodo, Peróxido de Hidrógeno (H2O2), Tiroglobulina, Tiroperoxidasa. La regulación de la síntesis de estas hormonas, está controlada por el hipotálamo, mediante la liberación de TRH que actúa sobre la hipófisis, ocasionando la secreción de TSH por parte de esta última.


title: Síntesis de hormonas tiroideas

text: El proceso de síntesis de la hormona tiroidea empieza por la captación del yodo circulante en la sangre en forma de yoduro (I-). Este paso de incorporación del yodo por la membrana basal del tirocito se da gracias a la proteína transportadora NIS (sodio-yodo simporter). Posterior a este paso, el yoduro es transportado desde la membrana basal, hasta la membrana apical del tirocito. Sale hacia el coloide por el transportador de tipo antiporte PENDRINE, que introduce I- y saca Cl-. En la membrana apical, el yoduro es oxidado hasta yodonio (I+) gracias a la participación de la enzima tiroperoxidasa (TPO) y al peróxido de hidrógeno (producido por DUOX-2) que actúa como captador de electrones.


title: Síntesis de hormonas tiroideas

text: Después del proceso de oxidación del yoduro (I-) a yodonio (I+) ocurre la yodación de la Tiroglobulina (glucoproteina principal presente en el material coloide de los folículos tiroideos), este paso está catalizado por la enzima tiroperoxidasa (TPO), el resultado de esta reacción produce monoyodotirosina (MIT) y diyodotirosina (DIT).


title: Síntesis de hormonas tiroideas

text: La TPO, también actúa en la reacción de acoplamiento de las tirosinas (MIT y DIT) para formar las tironinas T3 y T4. De esta forma, el acoplamiento de un MIT y un DIT da origen a T3 y al acoplar dos DIT, se produce T4. Estas dos hormonas, T3 y T4 recién sintetizadas pueden permanecer almacenadas en el material coloide gracias a la unión con la tiroglobulina o, ser captadas por el tirocito mediante macropinocitosis o micropinocitosis del material coloideo por parte de la célula.


title: Síntesis de hormonas tiroideas

text: El lisosoma del tirocito degrada la tiroglobulina y libera MIT, DIT, T4 y T3, la tiroxina (T4) y la triyodotironina (T3) son liberadas a la circulación, y se introducen en los capilares sanguíneos y linfático. Por otra parte, las moléculas de MIT y DIT son desyodadas en el interior de las células por enzimas desyodasas, de esta forma, el yoduro es reciclado para una próxima síntesis hormonal.


title: Síntesis de hormonas tiroideas

text: Es importante resaltar que la liberación de las hormonas tiroxinas y triyodotironina por parte de la tiroides es de una proporción de 20:1 respectivamente. La mayoría de las hormonas liberadas se unen inmediatamente a proteínas plasmáticas específicas, como la globulina fijadora de hormonas tiroideas TBG, albúmina, etc. Y solo un pequeño porcentaje (5%) de estas hormonas quedan libres y por tanto metabólicamente activas.


title: Síntesis de hormonas tiroideas

text: Solo las células foliculares tienen la capacidad de producir T4, mientras que la mayoría de las T3, que es diez veces más activa que la T4, se produce por conversión de tiroxina en órganos como el hígado los riñones y el corazón. En los tejidos de estos órganos existen desyodasas, que eliminan un yodo de la posición 5 de la tiroxina. Se han identificado tres tipos diferentes de desyodasa, D1, D2, D3.


title: Síntesis de hormonas tiroideas

text: Cataliza la conversión de T4 a T3, su principal función es la generación de las concentraciones de T3. La actividad de esta enzima es mayor en el hipertiroidismo y menor en el hipotiroidismo.


title: Síntesis de hormonas tiroideas

text: Cataliza la conversión de T4 a T3, se expresa principalmente en el cerebro, la adenohipófisis y el tejido graso pardo; su función es la producción de T3 intracelular a partir del T4 circulante. La actividad de esta enzima aumenta en el hipotiroidismo y disminuye en el hipertiroidismo


title: Síntesis de hormonas tiroideas

text: Cataliza la desyodacion de T4 hasta T3 r (reversa). Se encuentra principalmente en tejidos como cerebro, piel, hígado, intestinos. La expresión de D3 es mayor en el tejido fetal y su actividad aumenta en el hipertiroidismo y disminuye en el hipotiroidismo.


title: Síntesis de hormonas tiroideas

text: De esta forma, cada tejido posee unas concentraciones de triyodotironina procedente del plasma y de su producción local, la modulación de estas concentraciones depende del tipo de enzima desyodasa que posee cada tejido y de acuerdo al requerimiento de esta hormona.


title: Síntesis de hormonas tiroideas

text: Brandan, N., LLanos, I., Rodríguez, A., & Ruiz, D. (2010). Hormonas Tiroideas. Recuperado el 29 de abril de 2012, de http://www.med.unne.edu.ar/catedras/bioquimica/pdf/tiroideas.pdf


title: Síntesis de hormonas tiroideas

text: Dvorkin, Cardinali, & Lermoli. (2010). Best & Taylor: Bases fisiológicas de la práctica médica. Argentina: Médica Panamericana.


title: Síntesis de hormonas tiroideas

text: Gal Iglesias, B., López Gallardo, M., Martín Velasco, A., & Prieto Montalvo, J. (2007). Bases de la Fisiología. Tebar.


title: Síntesis de hormonas tiroideas

text: Ross, & Pawlina. (2007). Histología, texto y atlas color con biología celular y molecular. Madrid: Médica Panamericana.


title: Micheille Soifer

text: Micheille Solangie Soifer Cárdenas (Callao, 2 de noviembre de 1989) es una cantante, bailarina, actriz y personalidad de televisión peruana.


title: Micheille Soifer

text: Es hija de Marcos Soifer y Katherine Cárdenas, con dos hermanas, sus primeros años vivió en el distrito de Ventanilla.


title: Micheille Soifer

text: A los 12 años viajó junto a su padre a los Estados Unidos donde trabajó como mesera en la cadena Hooters.


title: Micheille Soifer

text: Su carrera comenzó en 2008, dedicándose a sesiones locales de género pop. Cuando pasó el casting de las "La movida de Janet", en 2009, Micheille se integró a los 19 años a la agrupación Las Hijas de su Madre del productor Nílver Huárac.


title: Micheille Soifer

text: En 2010, fue fichada por Huárac para la agrupación de cumbia Alma Bella. Durante su estadía en esta se la conoció por interpretar «Bombón asesino», original de Ninel Conde, que se volvió su canción emblema al ser pedida en sus conciertos en Lima y que fue reinterpretada en reguetón para su primer álbum como solista años después.


title: Micheille Soifer

text: Tras dejar Alma Bella a mediados de 2011 se dedicó a la carrera de solista con géneros de música tropical.


title: Micheille Soifer

text: En 2012, Soifer fue invitada en la antesala de la pelea de box entre Kina Malpartida contra Sriphrae Nongkipahuyuth e interpretó el Himno Nacional.


title: Micheille Soifer

text: En 2013, lanzó su sencillo en balada «Hoy quiero» con Beto Gómez del dúo Idéntico, su popularidad le permitió interpretar el tema en el evento Miss Perú 2016.


title: Micheille Soifer

text: En 2015, colaboró con la banda VegaSonica para el sencillo «Mejor imposible» del álbum "X", en el que se presentó en la cadena HTV. Fue elegida como «mejor cantante peruana de género pop» por el medio virtual Pop Latino News. En este año fue convocada por el circo mexicano Atayde para un número musical en la gira peruana.


title: Micheille Soifer

text: En 2017, estrenó «Son tus ojos» con la participación de Darius Harrison 'Deezle', que consiguió su popularidad en Venezuela al estar en el séptimo lugar en el "Ranking Latino" de la radio Vitamina G.


title: Micheille Soifer

text: En 2020 firmó con la casa discográfica Monumental Music y viajó a México dedicarse a la composición y producción de canciones dentro del género urbano.


title: Micheille Soifer

text: Previo a su lanzamiento del primer disco, en 2021 se realizó el concierto especial Ven Año Nuevo para el canal América Televisión. Su imagen promocional formó parte del repertorio del artista israelí Yigal Ozeri, y fue elegida como representante peruana en la antesala de los Premios Billboard de la Música Latina de este año.


title: Micheille Soifer

text: Además, se lanzaron tres sencillos: el primer sencillo «La nena» fue promocionada en "Yo soy" en marzo de 2021. Este obtuvo el reconocimiento como «mejor canción urbana» en los premios Inkatón, y le incluyó una nominación como mejor artista femenina. La segunda, «Bye Bye», mezcla con reguetón y hip hop, fue promocionada en "La voz Perú" en agosto de ese mismo año. Para su videoclip del tercer sencillo lanzado en noviembre del mismo año, «Tempo», recurrió a la actriz Denisse Dibós.


title: Micheille Soifer

text: La propia casa discográfica la representó en una gira callejera en los barrios de Callao bajo la iniciativa "Fugaz: Del Callao pal’ mundo". Para impulsar la música urbana en la provincia, a finales de año Soifer se reunió con Mario Hart y otros artistas en los festivales Urbano Monumental Music y Moda Monumental.


title: Micheille Soifer

text: En enero de 2022 estrenó su disco "La nena", de diez canciones, que aperturó su gira promocional desde la ciudad de Jaén en mayo de ese año. En julio de 2022, continuó su promoción en los medios de comunicación de Colombia.


title: Micheille Soifer

text: En febrero de 2022 se estrenó el nuevo sencillo «Pero ya ves». En este mes, fue telonera del concierto de Zion & Lennox en Lima.En diciembre de ese año, fue anunciada como telonera de Mike Bahía y Greeicy en el Estado Nacional.


title: Micheille Soifer

text: En 2010, se incursionó a la televisión en "Amigos y rivales", secuencia de "Habacilar". En junio de 2011, a la par de su carrera musical, ingresó a "Combate", en que al año siguiente obtuvo la capitanía en el equipo Rojo. Tras su salida, en 2012, pasó a formar parte de "Esto es guerra", en que para 2013 fue considerada mejor guerrera de la cuarta temporada.


title: Micheille Soifer

text: Por su rendimiento en las primeras temporadas de programas de telerrealidad juvenil, se destacó de ser referente femenino. La prensa de espectáculos identificó su fama mediática en la habilidad de convocar a sus seguidores en realizar campañas sociales y la reacción de sus detractores en redes sociales. Además desempeñó en otros ámbitos cuando coanimó el programa derivativo "Versus de colegios", y compuso el tema principal de la segunda temporada de "Pequeños gigantes".


title: Micheille Soifer

text: Entre 2014 y 2015, retornó brevemente a "Combate", que asumió nuevamente como capitana del equipo Rojo; su temperamento durante las discusiones con los participantes fueron mencionadas en la premiación como «la mejor pelea» finalizada la temporada.


title: Micheille Soifer

text: Entre 2015 y 2018, continuó su estadía en "Esto es guerra", en que la décima temporada fue capitana de los Leones. En 2016 consiguió que el canal lance como conductora en el piloto de "El juego de las estrellas", fue anunciada en la preventa de 2017 sin concretarse. Indistintamente de su estadía regular, en 2017 interpretó otro género musical, mediante una imitación al artista de música criolla "Zambo" Cavero.


title: Micheille Soifer

text: Intel Security la señaló junto al también chico "reality" Nicola Porcella como los únicos peruanos en las «10 celebridades muy recurrentes por los piratas informáticos» en un informe de 2016 para Latinoamérica.


title: Micheille Soifer

text: En 2020, regresó brevemente al programa elegida como capitana del equipo Guerreros. Fue incluida a lado de Hugo García en la interpretación de la canción del compositor Juan Carlos Fernández «Primero tu salud», de estilo "rock and roll", para fomentar la responsabilidad social durante la pandemia de COVID-19.


title: Micheille Soifer

text: En 2022, volvió en la temporada del décimo aniversario de "Esto es guerra", algo que fue duramente criticado por Magaly Medina. La productora ProTV la incluyó meses después como imagen de otro "reality" centrado en talentos musicales, cuya temática fue en homenaje al cantautor Daddy Yankee. En agosto de ese año formó como «reina de la música» o tutora de su propio equipo en el concurso "La gran estrella", en que recibió críticas positivas del integrante del jurado Sergio George.


title: Micheille Soifer

text: En 2012, entró al programa de baile "El gran show", llegando al segundo lugar en la temporada ocho. En 2016, fue elegida jurado VIP para las temporadas 16 y 17. Posteriormente participó en "El artista del año", en que apareció cuatro temporadas como concursante y una como jueza.


title: Micheille Soifer

text: Tuvo apariciones en series de televisión "Gamarra" (2011), "Ven, baila, quinceañera" (2017) y "Junta de vecinos" (2021). También apareció en la películas "Infieles", "Cementerio general 2" y "Cebiche de tiburón".


title: Micheille Soifer

text: Adicionalmente realiza actividades de emprendimiento familiar desde que se inauguró su empresa de comida rápida y su posterior tienda en el emporio de Gamarra. En 2015 fue imagen de La Curacao para promocionar su propio producto, la tablet Landbyte Micheille Soifer, apodada como las "Michitablet". En este año fue nominada como "Mejor talento emprendedor" en los International Bussiness Awards realizados en la Cámara de Comercio de Lima. En 2020 junto a su hermana Chris se inauguró el salón de belleza Yali Extensiones en Salamanca, distrito de Ate.


title: Micheille Soifer

text: En 2014 fue invitada junto al ganador de la , Daniel Lazo, como jurado de "La voz de Lima Norte" en Megaplaza.


title: Micheille Soifer

text: En 2019 colaboró con el exconcursante de "Combate", Alejandro Benítez "Zumba", en el evento cirquence Sonríe Perú.


title: Micheille Soifer

text: En 2021 entró como integrante del jurado del programa "Yo soy: Nueva generación". Tras su finalización, se dedicó a la conducción radial en Radio La Zona junto a Paul Marchena “el Pulpo”.


title: Representación del conocimiento

text: La representación del conocimiento y el razonamiento es un área de la inteligencia artificial cuyo objetivo fundamental es representar el conocimiento de una manera que facilite la inferencia (sacar conclusiones) a partir de dicho conocimiento. Analiza cómo pensar formalmente - cómo usar un sistema de símbolos para representar un dominio del discurso (aquello de lo que se puede hablar), junto con funciones que permitan inferir (realizar un razonamiento formal) sobre los objetos. Generalmente, se usa algún tipo de lógica para proveer una semántica formal de cómo las funciones de razonamiento se aplican a los símbolos del dominio del discurso, además de proveer operadores como cuantificadores, operadores modales, etc. Esto, junto a una teoría de interpretación, dan significado a las frases en la lógica.


title: Representación del conocimiento

text: Cuando diseñamos una representación del conocimiento (y un sistema de representarían del conocimiento para interpretar frases en la lógica para poder derivar inferencias de ellas) tenemos que hacer elecciones a lo largo de un número de ámbitos de diseño. La decisión más importante que hay que tomar es la "expresividad" de la representación del conocimiento. Cuanto más expresiva es, decir algo es más fácil y más compacto. Sin embargo, cuanto más expresivo es un lenguaje, más difícil es derivar inferencias automáticamente de él. Un ejemplo de una representación del conocimiento poco expresiva es la lógica proposicional. Un ejemplo de una representación del conocimiento muy expresiva es la lógica autoepistémica. Las representaciones del conocimiento poco expresivas pueden ser tanto completas como consistentes (formalmente menos expresivas que la teoría de conjuntos). Las representaciones del conocimiento más expresivas pueden ser ni completas ni consistentes.


title: Representación del conocimiento

text: El principal problema es encontrar una representación del conocimiento y un sistema de razonamiento que la soporte, que pueda hacer las inferencias que necesita una aplicación dentro de los límites de recursos del problema a tratar. Los desarrollos recientes en la representación del conocimiento han sido liderados por la web semántica, y han incorporado el desarrollo de lenguajes y estándares de representación del conocimiento basados en XML, que incluyen Resource Description Framework (RDF), RDF Schema, DARPA Agent Markup Language (DAML), y Web Ontology Language (OWL).


title: Representación del conocimiento

text: Existen varios conjuntos de técnicas de representación como los marcos, las reglas, el etiquetado y las redes semánticas, que tienen su origen en teorías del procesamiento de la información humana. Como el conocimiento se usa para conseguir comportamiento inteligente, el objetivo fundamental de la representación del conocimiento es representar el conocimiento de manera que facilite el razonamiento. Una buena representación del conocimiento debe ser declarativa, además de conocimiento fundamental. Qué es la representación del conocimiento se entiende mejor en términos de cinco roles fundamentales que juega, cada uno crucial para la aplicación:


title: Representación del conocimiento

text: Algunas cuestiones que surgen en la representación del conocimiento, desde el punto de vista de la inteligencia artificial, son:


title: Representación del conocimiento

text: En el campo de la inteligencia artificial, la solución de problemas puede ser simplificada con una elección apropiada de "representación del conocimiento". Algunos problemas son más fáciles de resolver al representar el conocimiento de un modo determinado. Por ejemplo, es más fácil dividir números representados en el sistema arábigo que números representados en el sistema romano.


title: Representación del conocimiento

text: Para entender mejor porque estas características representan una buena representación del conocimiento, piensa en como una enciclopedia (por ejemplo, Wikipedia) está estructurada. Hay millones de artículos (cobertura), que están organizados en categorías, tipos de contenido, y temas similares (comprensible por humanos). Redirige diferentes títulos pero mismo contenido al mismo artículo (consistencia). Es eficiente, es fácil añadir o actualizar páginas, y permite a los usuarios consultar la base de conocimiento en sus teléfonos u ordenadores de escritorio.


title: Representación del conocimiento

text: En las ciencias de la computación, particularmente la inteligencia artificial, se han ideado un número de representaciones para estructurar la información.


title: Representación del conocimiento

text: Representación del conocimiento es un término comúnmente usado para referirse a representaciones pensadas para el procesamiento por ordenadores modernos, y en particular, para representaciones compuestas por objetos explícitos (la clase que contiene a todos los elefantes, o Jacobo un individuo en concreto), y de afirmaciones sobre ellos ('Jacobo es un elefante', o 'todos los elefantes son grises'). Representar el conocimiento en una forma explícita como esta permite a los ordenadores sacar conclusiones de conocimiento previamente almacenado ('Jacobo es gris').


title: Representación del conocimiento

text: Muchos métodos de representación del conocimiento fueron probados a lo largo de la década de 1970 hasta principios de los años 80, cómo responder a preguntas usando heurísticas, redes neuronales, demostraciones de teoremas, y sistemas expertos, con un grado variable de éxito. La diagnosis médica (por ejemplo Mycin) fue un área importante de aplicación, al igual que lo fueron juegos como el ajedrez.


title: Representación del conocimiento

text: En los años 80, surgieron lenguajes formales de programación y sistemas de representación del conocimiento. Grandes proyectos se llevaron a cabo para intentar codificar grandes masas de conocimiento general, por ejemplo, el proyecto "Cyc" (todavía activo) tomó un gran enciclopedia codificando no la información en sí, sino la información que un lector necesitaría para poder entender la enciclopedia: física elemental, nociones de tiempo, causalidad, motivación; objetos comunes y clases de objetos.


title: Representación del conocimiento

text: A través de dicho trabajo, se apreció mejor la dificultad de la representación del conocimiento. En lingüísticas computacionales, mientras tanto, se estaban construyendo bases de datos de información lingüística mucho más grandes, y estas, junto con los grandes incrementos en velocidad y capacidad de computación, hicieron las representación del conocimiento más profundas más factibles.


title: Representación del conocimiento

text: Se han desarrollado diversos lenguajes de programación orientados a la representación del conocimiento. Prolog, desarrollado en 1972, pero popularizado mucho después, representa proposiciones y lógica básica, y puede derivar conclusiones de premisas conocidas. KL-ONE (años 80) está más orientado a la representación del conocimiento en sí. En 1995, se desarrolló el estándar de metadata Dublin Core.


title: Representación del conocimiento

text: En el mundo de los documentos electrónicos, se estaban desarrollando lenguajes para representar la estructura de los documentos, como el SGML (del que desciende el HTML) y más tarde XML. Estos facilitaron los esfuerzos de recuperación de información y minería de datos, que en años recientes comenzaron a relacionarse a la representación del conocimiento.


title: Representación del conocimiento

text: El desarrollo de la web semántica, ha incluido el desarrollo de lenguajes de representación del conocimiento y estándares basados en XML, incluyendo RDF, RDF Schema, DARPA Agent Markup Language (DAML), y Web Ontology Language (OWL).


title: Ópera italiana

text: La ópera nació en Italia alrededor del año 1600, en donde continuó siendo o teniendo un rol dominante en la historia del género hasta el día de hoy. Las obras de compositores italianos del siglo XIX y principios del siglo XX, tales como Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi y Puccini, se encuentran entre las más famosas jamás escritas, y hasta el presente son representadas en los principales teatros de ópera de todo el mundo.


title: Ópera italiana

text: También, en ocasiones, se utiliza esta denominación para referirse a la totalidad de la ópera escrita en idioma italiano. Muchas óperas famosas escritas en italiano fueron creadas por compositores extranjeros, entre ellos, Handel, Gluck y Mozart.


title: Ópera italiana

text: trataron de crear drama musical. Fueron inspirados por el ejemplo del mundo antiguo, porque sabían que las tragedias griegas que habían llegado hasta ellos había tenido originalmente acompañamiento musical. Sin embargo, poca música griega había sobrevivido para servirles de guía. Emergió entonces en el Renacimiento Italiano el "intermezzo", un suntuoso entretenimiento musical consistente en canto, danza y efectos en escena que se insertaban entre los actos de una obra. Otro experimento fue la comedia madrigal, en la cual una serie de madrigales se hallaban encadenados generando una narrativa, el ejemplo más famoso de este género se encuentra en "L'Amfiparnaso" de Orazio Vecchi (1594). Las desventajas de utilizar madrigales para el drama, con varias voces cantando a la vez, pronto resultaron obvias. Una dirección más fructuosa fue tomada cuando los músicos comenzaron a experimentar con la monodia, en la cual una voz solista declamaba los versos sobre una línea instrumental. Esta línea de experimentación fue liderada por un grupo de músicos y teóricos conocidos en Florencia con el nombre de "La Camerata". Entre ellos se contaban a Giovanni de Bardi, Vincenzo Galilei, el poeta Ottavio Rinuccini y el compositor Jacopo Peri. Peri, Mancilla y Rinuccini en conjunto fueron autores de lo que se considera la primera ópera, "Dafne". Fue estrenada en una presentación semi-privada en 1598.


title: Ópera italiana

text: La música de "Dafne" actualmente está perdida. La primera ópera cuya música ha sobrevivido fue presentada en 1600 en la boda de Enrique IV de Francia y María de Medici en el Palacio Pitti de Florencia. La ópera "Eurídice", con libreto de Rinuccini, musicalizada por Peri y Giulio Caccini, narra la historia de Orfeo y Eurídice. El estilo del canto favorecido por Peri y Caccini era una forma aumentada del discurso natural, recitativos dramáticos apoyado por música instrumental de cuerdas. El recitativo precedió así al desarrollo de arias, aunque pronto se convirtió en base para incluir canciones separadas e interludios instrumentales en los momentos en los que las voces se silenciaban. Tanto "Dafne" como "Euridice" también incluyeron coros de comentarios de la acción al final de cada acto, a la manera de la tragedia griega. El tema de Orpheus, el semidiós de la música, fue comprensiblemente popular y atrajo a Claudio Monteverdi (1567–1643) que escribió su primera ópera, "La Favola d'Orfeo" (La fábula de Orfeo), en 1607 para la corte de Mantua.


title: Ópera italiana

text: Monteverdi insistió en una fuerte relación entre la letra y la música. Cuando "Orfeo" se presentó en Mantua, una orquesta de 38 instrumentos, numerosos coros y recitativos fueron empleados para hacer un drama vivaz. Fue una versión más ambiciosa que las previas– más opulenta, más variada en recitativos, más exótica en escenografía– con fuertes climas musicales que permitieron el máximo alcance del virtuosismo de los cantantes. La ópera había revelado su primera fase de madurez de las manos de Monteverdi.


title: Ópera italiana

text: En algunas décadas la ópera se separó en Italia. En Roma, encontró un abogado en el prelado y libretista Giulio Rospigliosi (más tarde, Papa Clemente IX). Rospigliosi era apadrinado por la familia toscana de los Barberini, figuras prominentes en la sociedad romana en las décadas tempranas del siglo XVII.


title: Ópera italiana

text: Los compositores que trabajaron en Roma en ese tiempo fueron Luigi Rossi, Michelangelo Rossi, Stefano Landi, Marco Marazzoli y Domenico y Virgilio Mazzocchi. En 1630, el tema de las óperas comenzó a cambiar perceptiblemente: en vez de la tradición pastoral de La Arcadia, se prefirieron los temas de los poemas caballerescos, especialmente los de Ariosto y Tasso, así como los temas tomados de la vida de santos cristianos y la Comedia del arte. El número de personajes se incrementó, y por tanto, la intriga dramática se tornó más compleja. Se desarrolló un nuevo método de declamar los recitativos, más dramático y flexible. La ópera romana se destacó por sus enormes coros y elaborados escenarios.


title: Ópera italiana

text: La ópera tomó un importante giro cuando llegó a la república de Venecia. Aquí fue que el primer teatro de ópera público fue abierto, el Teatro San Cassiano, en 1637, por Benedetto Ferrari y Francesco Manelli. Su éxito sacó a la ópera del patrocinio aristocrático y la colocó en el mundo comercial. En Venecia, el drama musical dejó de dirigirse a una élite de aristócratas e intelectuales y adquirió el carácter de entretenimiento. Pronto varios teatros de ópera fueron surgiendo en la ciudad, presentando trabajos para un público pagado durante la temporada del Carnaval de Venecia. Los teatros de ópera empleaban una orquesta muy pequeña para ahorrar dinero. Una gran parte de su presupuesto era empleado en atraer a las estrellas del momento; este fue el comienzo del reino del castrato y la prima donna.


title: Ópera italiana

text: El principal compositor de la ópera veneciana fue Monteverdi, que dejó Mantua por Venecia en 1613, con otros compositores importantes posteriores como Francesco Cavalli, Antonio Cesti, Antonio Sartorio y Giovanni Legrenzi. Escribió tres obras para los teatros públicos: "Il ritorno d'Ulisse in patria" (1640), "Le nozze d'Enea con Lavinia" (1641, ahora perdido) y el más famoso "L'incoronazione di Poppea" (1642). Las temáticas de las nuevas óperas de Monteverdi y otros fueron generalmente extraídas de la historia romana o leyendas sobre Troya, con la intención de celebrar los ideales heroicos y la noble genealogía del Estado Veneciano. Sin embargo, no abandonaron el interés por el amor o la comedia. La mayoría de las obras constaban de tres actos, no como las anteriores que normalmente tenían cinco. El grueso de la versificación era todavía en recitativo, sin embargo, en momentos de gran tensión dramática había a menudo pasajes en arioso, conocidos como "arie cavate". Bajo los sucesores de Monteverdi, la distinción entre recitativo y aria se tornó más marcada y convencional. Esto resulta evidente en el estilo de los cuatro compositores más exitosos de la siguiente generación: Francesco Cavalli, Giovanni Legrenzi, Antonio Cesti y Alessandro Stradella.


title: Ópera italiana

text: En la Mancomunidad de Polonia-Lituania, una tradición de producción operística se inició en Varsovia en 1628, con la presentación de "Galatea" (de compositor incierto), la primera ópera en italiano producida fuera de Italia. Poco después de esta presentación, la corte produjo la ópera "La liberazione di Ruggiero dall'isola d’Alcina", de Francesca Caccini, que fue escrita para el príncipe Vladislao Vasa tres años antes, cuando visitó en Italia. Ésta es la primera ópera escrita por una mujer que se conserva hasta hoy. "Gli amori di Aci e Galatea" de Santi Orlandi también se presentó en 1628. Cuando Vladislao fue rey (Vladislao IV) supervisó personalmente la producción de al menos diez óperas entre finales de la década de 1630 y la de 1640, haciendo de Varsovia un centro del arte. Los compositores de estas óperas no son conocidos, podría tratarse de polacos trabajando bajo órdenes de Marco Scacchi en la capilla real, o podrían haberse contado entre los italianos importados por Ladislao. Un "dramma per musica" (como era conocida la ópera italiana en ese tiempo) titulada "Giuditta", basada en la historia bíblica de Judith, fue presentada en 1635, siendo su compositor, probablemente, fue Virgilio Puccitelli.


title: Ópera italiana

text: Las óperas de Cavalli fueron representadas en Italia por compañías itinerantes con gran éxito. De hecho, su "Giasone" fue la ópera más popular del siglo XVII, a pesar del rechazo de algunos críticos por su mezcla de tragedia y farsa. La fama de Cavalli se extendió por toda Europa. Una de sus especialidades fue dar a sus heroínas las llamadas "arias de lamento". Estas eran arias tristes cantadas sobre una línea de bajo descendente y tuvieron una gran influencia sobre Henry Purcell, cuyo "When I am laid in earth" de "Dido and Aeneas" es probablemente el ejemplo más celebrado de esta forma. La reputación de Cavalli hizo que el Cardenal Mazarino lo invitara a Francia en 1660 para componer una ópera con motivo de la boda de Luis XIV con María Teresa de España. La ópera italiana ya había sido presentada en Francia en la dećada de 1640 en una recepción mixta, y la experiencia extranjera de Cavalli culminó en desastre. Las audiencias francesas no respondieron bien al renacimiento de " Xerse" (1660) y la especialmente compuesta "Ercole amante" (1662); prefirieron el ballet que había sido insertado entre los dos actos por un compositor florentino, Jean-Baptiste Lully. Cavalli juró nunca más componer una ópera.


title: Ópera italiana

text: Cesti fue más afortunado cuando le solicitaron escribir una ópera para la corte de los Habsburgo en Viena en 1668. "Il pomo d'oro" fue tan celebrado que las representaciones se ampliaron dos días más. Su enorme éxito marcó el comienzo del dominio de la ópera italiana en el norte de los Alpes. A finales del siglo XVII, los compositores alemanes e ingleses intentaron establecer sus tradiciones nacionales, pero a principio del siglo XVIII tuvieron que ceder a la ópera italiana importada, la cual se convirtió en el estilo internacional impuesto de la mano de compositores tales como Händel. Sólo Francia resistió (y su tradición operística fue fundada por el italiano Lully). Este fue el patrón hasta gran parte del siglo XIX: la tradición italiana fue la internacional y sus principales exponentes fueron, en muchos casos, no italianos. Los compositores que quisieron desarrollar sus propias formas nacionales de ópera tuvieron que luchar generalmente contra la ópera italiana. Así, en los comienzos del siglo XIX, Carl Maria von Weber en Alemania y Hector Berlioz en Francia, sentieron que tenían que desafiar la influencia enorme del Rossini italiano.


title: Ópera italiana

text: Al final del siglo XVII algunos críticos creían que una nueva y más elevada forma de ópera era necesaria. Sus ideas dieron nacimiento a un género, la Ópera seria, la cual sería dominante en Italia y en gran parte del resto del Europa durante el siglo XVIII. La influencia de esta nueva actitud puede verse en los trabajos de los compositores Carlo Francesco Pollarolo y el enormemente prolífico Alessandro Scarlatti.


title: Ópera italiana

text: Durante este siglo la vida cultural y artística en Italia se había visto profundamente influenciada por los ideales estéticos y poéticos de los miembros de la Academia de Arcadia. Los poetas arcadianos introdujeron varios cambios al drama musical serio en Italia, incluyendo:


title: Ópera italiana

text: Con gran diferencia, el libretista con mayor éxito de la época fue Pietro Metastasio, cuyo prestigio se mantuvo hasta el siglo XIX. Pertenecía a la Academia de Arcadia y fue un firme seguidor de sus teorías. Un libreto de Metastasio era adoptado, a menudo, por veinte o treinta compositores, y las audiencias asistían a las presentaciones para memorizarlos.


title: Ópera italiana

text: En el siglo XVII las óperas cómicas raramente se representaban y no se había establecido ninguna tradición estable. Hasta principios del siglo XVIII no surgió el género cómico de la Ópera buffa, nacido en Nápoles que se extendería por toda Italia después de 1730.


title: Ópera italiana

text: En la segunda mitad del siglo XVIII la ópera cómica debió su éxito a la colaboración entre el libretista Carlo Goldoni y el compositor Baldassare Galuppi. Gracias a Galuppi, ésta adquirió mucha más dignidad que durante los días del intermezzo. Las óperas ahora se dividían en dos o tres actos, creando libretos para trabajos de mayor tamaño, que diferían significativamente de los principios de siglo en la complejidad de sus argumentos y en la psicología de sus personajes. Estas ahora incluían algunas figuras serias en vez de caricaturas exageradas y las obras tenían tramas que se enfocaban en los conflictos entre clases sociales así como ideas autorreferenciales. El trabajo conjunto de Goldoni y Galuppi más famoso es "Il filosofo di campagna" (1754).


title: Ópera italiana

text: La colaboración entre Goldoni y otro famoso compositor Niccolò Piccinni produjo con "La Cecchina" (1760) otro nuevo género: la ópera semiseria. Ésta tenía dos personajes "buffo", dos nobles y dos intermedios.


title: Ópera italiana

text: La farsa de un acto tuvo una influencia significativo en el desarrollo de la ópera cómica. Fue un tipo de drama musical considerado al principio como una versión condensada de una ópera cómica más larga, pero con el paso del tiempo se convirtió en un género por sí mismo. Se caracterizaba por: virtuosismo vocal, uso más refinado de la orquesta, la gran importancia dada a la producción, la presencia de malentendidos y sorpresas en el curso del drama.


title: Ópera italiana

text: La ópera seria tuvo sus debilidades y críticas, y el gusto por el adorno a cargo de cantantes magníficamente entrenados, y el uso de espectáculo en lugar de la pureza y unidad dramática suscitaron ataques. "Essay on the Opera" (1755) de Francesco Algarotti demostró ser una inspiración para las reformas de Christoph Willibald Gluck. Sostenía que la "opera seria" tenía que volver a sus bases y que todos sus variados elementos– música (instrumental y vocal), ballet, y puesta en escena– debía ser subordinada al contexto del drama. Varios compositores de este período, incluyendo a Niccolò Jommelli y Tommaso Traetta, intentaron poner estos ideales en práctica. El primero que realmente logró tener éxito y dejar una impresión permanente en la historia de la ópera, sin embargo, fue Gluck. Trató de acuñar una "hermosa simplicidad". Esto queda ilustrado en la primera de sus óperas "reformadas", "Orfeo ed Euridice", donde líneas vocales que carecen del virtuosismo de los trabajos de Handel son sostenidas por armonías simples y una notablemente rica presencia orquestal.


title: Ópera italiana

text: Las reformas de Gluck tuvieron resonancia a través de toda la historia operística. Weber, Mozart y Wagner, en particular, fueron influenciados por sus ideales. Mozart, en varios sentidos, el sucesor de Gluck, combinó un magnífico sentido del drama, armonía, melodía y contrapunto para escribir una serie de comedias, tales como "Le nozze di Figaro", "Don Giovanni", y "Così fan tutte" (en colaboración con Lorenzo da Ponte) que permanecen entre más amadas, populares y conocidas óperas hasta hoy. Pero la contribución de Mozart a la ópera seria fue más mixta; en esta época estaba muriendo, y a pesar de sus finos trabajos como "Idomeneo" y "La clemenza di Tito", no pudo hacer resurgir esta forma artística.


title: Ópera italiana

text: La ópera romántica, enfatizada en la imaginación y las emociones, comenzó a aparecer a principios del siglo XIX, y con sus arias y su música, le proporciono mayor dimensión a las emociones extremas, característica del teatro de esa era. Además, se dijo que la fina música a menudo excusaba las llamativas fallas en la definición de los personajes y las líneas argumentales.


title: Ópera italiana

text: Gioachino Rossini (1792-1868) inició el período romántico. Su primer éxito fue una "opera buffa", "La Cambiale di Matrimonio" (1810). Su reputación subsiste hasta hoy gracias a "El barbero de Sevilla" (1816) y "La Cenerentola" (1817). Pero también escribió ópera seria, "Tancredi" (1813) y "Semiramide" (1823).


title: Ópera italiana

text: Los sucesores de Rossini en el «bel canto» italiano fueron Vincenzo Bellini (1801–35), Gaetano Donizetti (1797–1848) y Giuseppe Verdi (1813–1901).


title: Ópera italiana

text: Fue Giuseppe Verdi quien transformó la naturaleza entera de la escritura operística durante el curso de su larga carrera. Su primera gran ópera exitosa, "Nabucco" (1842), cautivó al público con la vigorosa dinámica de su música y sus grandiosos coros. "Va, pensiero", uno de los estribillos, fue reinterpretado y ganó un ventajoso significado para la lucha por la independencia italiana y para unificar a Italia.


title: Ópera italiana

text: Luego de "Nabucco", Verdi basó sus óperas en temas patrióticos y en varias de las fuentes románticas usuales: Friedrich Schiller ("Giovanna d'Arco", 1845; "I masnadieri", 1847; "Luisa Miller", 1849); Lord Byron ("I due Foscari", 1844; "Il corsaro", 1848); y Victor Hugo ("Ernani", 1844; "Rigoletto", 1851). Verdi experimentó con las formas musicales y dramáticas, a fin de descubrir cosas que sólo la ópera podía lograr.


title: Ópera italiana

text: En 1887, creó "Otello" que reemplazó por completo a la ópera homónima de Rossini, y que es descripta por los críticos como la más fina ópera romántica italiana, con los componentes tradicionales: las arias solistas, los duetos y los coros totalmente integrados dentro del fluir melódico y dramático.


title: Ópera italiana

text: La última ópera de Verdi, "Falstaff" (1893), rompió libremente con las formas convencionales conjuntas, y encontró música que seguía el rápido fluir de las simples palabras y por su respeto por el patrón de discurso ordinario, creó un umbral para una nueva era operística en la cual los patrones de discurso son supremos.


title: Ópera italiana

text: La ópera se convirtió en un matrimonio de las artes, un drama musical, llena de canciones gloriosas, vestuario, música orquestal y aclamaciones; algunas veces, sin el aporte de una historia plausible. Desde su concepción durante el período barroco hasta su madurez en el período romántico, fue el medio por el cual las leyendas y mitos fueron revisitados, la historia fue recontada y la imaginación fue estimulada.


title: Ópera italiana

text: La fuerza de la ópera romántica decayó en una era más violenta: el «verismo», con "Cavalleria rusticana" de Pietro Mascagni y "Pagliacci" de Ruggero Leoncavallo.


title: Ópera italiana

text: Las más grandes óperas italianas del siglo XX fueron escritas por Giacomo Puccini (1858 – 1924). Entre ellas se incluyen "Manon Lescaut", "La Bohème", "Tosca", "Madama Butterfly", "La fanciulla del West", y las inconclusas "La rondine" y "Turandot".


title: Tesoro

text: Un tesoro (del latín "thesaurus" y este del griego θησαυρός) es una concentración de riqueza (especialmente la de metales preciosos, piedras preciosas, monedas, joyas, obras de arte o cualquier otro bien económico de escasez relativa) perdida o sin usar. Su finalidad es servir de depósito de valor económico. La difusión pública de su existencia o su mantenimiento en secreto puede formar parte esencial de sus funciones, por un lado, para servir de medio de ostentación y prestigio social (en cuyo caso es habitual la exageración y mitificación); o, por el contrario, para asegurar la continuidad en la posesión a su propietario, que, en algunos casos, puede experimentar un placer morboso en su contemplación, conservación y aumento (avaricia), lo que ha dado origen a un tópico literario.


title: Tesoro

text: Este término también se puede utilizar al referirse a una persona que significa mucho para sí mismo, alguien a quien aprecias tanto como las antiguas civilizaciones apreciaban a sus tesoros.


title: Tesoro

text: Aunque sea fruto del ahorro, el atesoramiento es incompatible con la inversión de capital y con la circulación monetaria, y fue característico del modo de producción feudal frente al modo de producción capitalista.


title: Tesoro

text: Los "tesoros" griegos eran edificaciones en forma de templo construidos en los santuarios por una ciudad para guardar sus ofrendas. En todas las civilizaciones, la acumulación de tesoros en tumbas y templos (en forma de objetos suntuarios o cotidianos convertidos en joyas, ornamentos sagrados, exvotos, etc.) era una práctica común, así como la de su saqueo por ladrones o enemigos. El del templo de Jerusalén, que incluía la menorah o candelabro de siete brazos, fue saqueado varias veces, la última por los romanos, que lo representaron como símbolo de su triunfo en el arco de Tito. El Tesoro público ("Aerarium") de la República romana se custodiaba en el Templo de Saturno en el foro romano, y a pesar de su protección religiosa fue utilizado de forma irregular en algunas ocasiones, por ejemplo por Julio César. Con el nombre de Tesoro Imperial se acumularon varios tesoros a lo largo de la historia. Durante la Decadencia del Imperio romano, el saqueo de Roma a manos de los visigodos trajo como consecuencia la acumulación de un gran tesoro (el mítico tesoro de los godos o tesoro de los visigodos, que incluiría la mesa de Salomón) cuya posesión suponía el prestigio de sus reyes, en consonancia con el mito germánico del poder que confería la posesión de un tesoro (Sigfrido, el oro del Rin, muy divulgados por la óperas de Richard Wagner). La Iglesia pasó a ser durante la Edad Media la principal acumuladora de tesoros, muy a menudo como ornamento de las reliquias, en monasterios y catedrales (Tesoro catedralicio es el nombre con el que se conoce el de éstas); y su saqueo pasó a ser protagonizado por expediciones vikingas (Lindisfarne, 793) o razzias musulmanas (Almanzor, finales del siglo X). La conquista de América por los españoles dio origen a mitos como el de Eldorado por la abundancia de tesoros saqueados, siendo los más impresionantes el tesoro de Axayácatl de Moctezuma o tesoro de Cortés y el tesoro reunido en el Cuarto del Rescate de Atahualpa o tesoro de Pizarro.


title: Tesoro

text: En los países actuales, "tesoro" es equivalente a Erario público o Hacienda pública, especialmente en el Reino Unido (Lord del Tesoro, HM Treasury), Estados Unidos (Secretario del Tesoro, Departamento del Tesoro), España (Letras del Tesoro), o Venezuela (Banco del Tesoro). Tesorero fue desde la antigüedad y en la actualidad el funcionario encargado de su custodia y gestión. Tesorería es un concepto empresarial y de contabilidad, además de la oficina o lugar donde se gestiona el tesoro y el nombre que recibe la actividad y oficio del tesorero.


title: Tesoro

text: También es muy habitual denominar "tesoros" a las manifestaciones artísticas más excelsas, así como "tesoros nacionales" al patrimonio cultural o legado histórico-artístico de una nación (Monumento Nacional; Patrimonio Nacional en España, Tesoro Nacional de Japón, etc.) y otras manifestaciones culturales o espacios naturales (parques nacionales), incluso a nivel mundial (Patrimonio de la Humanidad, Reserva de la biosfera, etc.).


title: Tesoro

text: Es habitual denominar "Tesoro" a un diccionario, obra enciclopédica, lexicográfica o recopilación, esté o no relacionado con el concepto de tesauro ("Libro del tesoro", 1211; "Tesoro de la lengua castellana o española", Sebastián de Covarrubias, 1611; "Thesaurus Linguae Graecae"; "Thesaurus Linguae Latinae").


title: Tesoro

text: Los tesoros ocultos o perdidos en naufragios, por enterramiento o emparedamiento a causa del temor a perderlos como consecuencia de una guerra o una época de incertidumbre, o cuya ocultación es parte esencial de la estrategia de su poseedor (tesoros de los piratas o botín de los ladrones; tesoros acumulados como rito funerario junto al cadáver) son la parte más espectacular de un yacimiento arqueológico, pero no necesariamente la más valiosa científicamente. Su expolio o extracción inadecuada, tanto ilegal como la efectuada por el propio arqueólogo cuando trabaja sin método, suele ser la causa más frecuente de destrucción de información en los yacimientos.


title: Tesoro

text: Con el nombre de "tesoro", los arqueólogos bautizan los yacimientos donde se encuentran este tipo de hallazgos. El arqueólogo Schliemann destacó por su afán en identificar en la realidad los descritos en los poemas homéricos.


title: Tesoro

text: Entre los mitos pseudohistoriográficos con mayor o menor base real o esotérica, se cuentan "tesoros" cuya existencia se divulga sobre todo por la literatura popular.


Paradise Lost: The Child Murders at Robin Hood Hills es un documental estadounidense de 1996 dirigido por Joe Berlinger y Bruce Sinofsky, que narra los juicios llevados contra tres adolescentes acusados de asesinar y mutilar a tres niños de la localidad de West Memphis (Arkansas). El documental tuvo dos secuelas: "" y "".


title: Paradise Lost: The Child Murders at Robin Hood Hills

text: En 1993 fueron encontrados los cadáveres desnudos de tres niños en un bosque conocido como Robin Hood Hills, en la ciudad de West Memphis (Arkansas). Sus nombres eran Christopher Byers, Michael Moore y Stevie Branch, y tenían ocho años de edad al momento de su muerte. La policía asoció los asesinatos al resultado de un ritual satánico. Con el pasar del tiempo fueron arrestados tres jóvenes, Damien Echols, Jason Baldwin, y Jessie Misskelley, luego que el último confesara a la policía que eran los responsables del crimen.


text: El documental comienza a registrar los hechos posteriores al arresto de los adolescentes, centrándose en los juicios llevados en su contra. Además de grabar las audiencias del tribunal, los documentalistas entrevistaron tanto a las familias de las víctimas como a las de los acusados, al igual que algunos miembros de la policía y a los abogados involucrados en el caso. Mientras la policía y las familias de las víctimas creen que los acusados son los culpables, las familias de éstos alegan inocencia. Se llevaron a cabo dos juicios, uno contra Misskelley y otro contra Echols y Baldwin.


text: Durante el primero de los juicios, llevado contra Misskelley, la prueba más importante de la fiscalía fue la grabación de la confesión que el joven dio ante la policía, en la cual relataba haber estado presente en el bosque cuando se cometieron los asesinatos. Sin embargo, la defensa argumentó que la confesión del joven, tras 12 horas de interrogatorio, se logró a través de coerción, existiendo además ciertas contradicciones en los datos que otorgó a la policía. El abogado de Misskelley argumentó, entre otras cosas, que el coeficiente intelectual de su cliente era bajo, lo cual lo hacía más influenciable. Además, sostuvo que solo una porción de la confesión se encontraba registrada, lo que correspondía solo a las últimas horas que pasó en la estación de policías. Tras la deliberación del jurado, el joven es condenado a cadena perpetua.


text: La segunda parte del filme registra el juicio contra Echols y Baldwin. Uno de los argumentos de la fiscalía fue el tratar de vincular a Echols con prácticas de ocultismo, específicamente con el satanismo. Sin embargo, el joven explica en juicio que practica la religión Wicca, que no es lo mismo. Otra de las pruebas es un cuchillo que fue encontrado en un lago ubicado cerca de la casa de Baldwin.


text: Mientras estaban filmando el documental, los directores recibieron por parte de John Mark Byers, padrastro de una de las víctimas, una navaja. Los documentalistas examinaron la navaja y encontraron rastros de sangre, por lo que la entregaron a la policía. Tras unos exámenes, se descubrió que el ADN era similar al de John Mark Byers y al de su propio hijo, pero dado que no se pudo determinar a cuál de los dos correspondía, no influyó en el resultado del juicio.


text: Tras la deliberación del jurado, Echols fue condenado a la pena de muerte, mientras que Baldwin a cadena perpetua. Al final del documental se informa que ambos apelaron a la sentencia.


text: La banda de heavy metal Metallica autorizó el uso de algunas de sus canciones en el documental, lo cual significó la primera vez que sus canciones fueran incluidas en una película. Casi una década después, los directores del filme hicieron "Some Kind of Monster", un documental sobre la banda.


text: "Paradise Lost" recibió en general una respuesta positiva por parte de la crítica cinematográfica. El documental posee un 96% de comentarios "frescos" en el sitio web "Rotten Tomatoes", basado en un total de 25 críticas. Roger Ebert del periódico "Chicago Sun-Times" le otorgó la calificación máxima al documental y escribió: "La película crea un vivo retrato de una subcultura en la que Satanás es una figura central. ¿Dónde Damien, Jason y Jesse oyeron hablar de rituales satánicos? Pareciera que en mayor parte en la iglesia. Algunos miembros de esta comunidad parecen requerir el satanismo como parte de su visión del mundo; se apoderan del diablo para explicar lo que les asusta". Jonathan Rosenbaum describió al documental como un trabajo "fascinante, revelador, y profundamente inquietante", aunque reparó en que tenía imperfecciones.


title: Ciudad de los pilares

text: Iram la de las columnas o la de los pilares (árabe: إرَم ذات العماد, ), también conocida como Ubar, Aram, Iram, Irum, Irem, Erum o Wabar, es una ciudad perdida, en la península arábiga, que ocupa en el Corán un papel similar al de Sodoma y Gomorra en el Antiguo Testamento como ciudad maldita por Dios.


title: Ciudad de los pilares

text: El máximo libro del Islam contiene una mención a esta legendaria ciudad, señalándola como ciudad maldita y castigada por Alá:


title: Ciudad de los pilares

text: Los probables restos de la ciudad de Ubar fueron descubiertos a principios de la década de 1990 por el arqueólogo aficionado Nicholas Clapp inspirado por el libro "Arabia Félix" publicado en 1932 por el investigador Inglés Bertram Thomas.


title: Ciudad de los pilares

text: Clapp se basó en unos antiguos mapas del conocido geógrafo Claudio Ptolomeo en el 200 d.C. y los comparó con unas rutas reveladas por los satélites de la NASA. Así fue como descubrió qué los senderos mostrados en el mapa se correspondían con los señalados por los beduinos de la zona y con las imágenes de la NASA. Dichos senderos conducían a un amplio solar dónde yacen las ruinas de una antigua ciudad conocida como Ubar.


title: Ciudad de los pilares

text: Existen fuertes evidencias de que Iram de los Pilares forme parte de Ubar, en las excavaciones se encontraron antiguas torres que se corresponden con las descripciones de la ciudad mencionadas en el Corán, aunque esto es aún materia de debate. Su ubicación es en el territorio de la actual Omán.