title: Batalla de La Albuera (1811)

text: Aunque fracasó en su intento de levantar el cerco aliado de Badajoz, la campaña de Soult había logrado aliviarlo por un tiempo. El 12 de mayo Beresford, informado de que Soult había llegado a Llerena, ordenó que se levantara el sitio y para la noche del día 13 el tren de asedio, la artillería y los suministros fueron retirados a Elvas, mientras que el material que no se pudo transportar fue quemado. El general Armand Philippon, comandante de la guarnición francesa de la ciudad, aprovechó esa oportunidad para salir y destruir todas las trincheras y baterías de los aliados en los alrededores. El 18 de mayo Beresford envió a la división portuguesa de Hamilton, junto con alguna caballería, de vuelta a Badajoz. Al día siguiente los aliados retomaron algunos trabajos para mostrar que mantenían el cerco, pero Soult sabía bien que ya no podían hacer daño a la ciudad. Las fuerzas de Beresford se unieron al ejército de campaña de Wellington durante junio de 1811, pero incluso con estos refuerzos el tiempo se les estaba acabando. El Ejército francés de Portugal, entonces reconstituido al mando del mariscal Auguste Marmont, había unido fuerzas con el Ejército del Sur de Soult, por lo que Wellington se vio obligado a retroceder a la frontera en Elvas con sus 44 000 hombres. El 20 de junio la fuerza combinada francesa, de unos 60 000 hombres, levantó el sitio.


title: Batalla de La Albuera (1811)

text: La batalla de La Albuera tuvo poco efecto en el curso general de la guerra, pero sí había demostrado que las tropas británicas y españolas podían luchar juntas. Por otro lado, las relaciones políticas hispano-británicas sufrieron tras la batalla porque Wellington hizo recaer la culpa por las elevadas pérdidas sobre el general español Joaquín Blake, mientras que un mensaje leído en las Cortes de Cádiz dejaba entrever que los británicos habían jugado un rol menor en la batalla, a pesar de sus elevadas pérdidas. Tuvieron que pasar diez meses de la batalla de La Albuera para que, el 16 de marzo de 1812, tropas anglo-portuguesas al mando de Wellington se presentaran ante las puertas de Badajoz, que tomaron al asalto en la noche del 6 al 7 de abril de 1812 en la batalla de Badajoz.


title: Batalla de La Albuera (1811)

text: El nombre «Albuhera» aparece como recuerdo en honor de la batalla en los colores del Regimiento Real del Príncipe de Gales, sucesor del 57.º Regimiento West Middlesex que luchó en la localidad extremeña. El 57.º y su inmediato sucesor, el Regimiento Middlesex, tienen el sobrenombre de "Los Duros de Matar" ("The Die-Hards"), por las palabras del herido coronel Inglis en el fragor de la batalla. La fecha del 16 de mayo está marcada como «El día del condado de Middlesex» por las acciones del 57.º Regimiento durante el enfrentamiento. Asimismo, la batalla es recreada todos los años en La Albuera.


title: Batalla de La Albuera (1811)

text: El poema épico del célebre poeta inglés lord Byron, "Las peregrinaciones de Childe Harold" (1812-1818), hace referencia a la batalla:


title: Cynthia Watros

text: Cynthia Michele Watros (Lake Orion, Míchigan; 2 de septiembre de 1968) es una actriz estadounidense de cine, teatro y televisión, ganadora de un premio Emmy. Es conocida por sus papeles de Libby en "Lost", Kellie en "The Drew Carey Show", Erin en "Titus" y Annie Dutton en "Guiding Light".


title: Cynthia Watros

text: Después de graduarse en la universidad de Boston, se mudó a Nueva York para conseguir fama. Hizo el papel de Agnes Gooch en una producción de Broadway, "Auntie Mame". También apareció como una de las hermanas Pigeon en "The Odd Couple".


title: Cynthia Watros

text: Empezó a ser conocida por su papel de Annie Dutton en la telenovela de la CBS "Guiding Light", desde 1994 hasta 1998. Su personaje, una enfermera, empezó siendo una heroína, pero empezó a ser más aclamado cuando se convirtió en la rival de Reva Shayne (interpretado por Kim Zimmer). En 1998, Watros ganó un Emmy como Daytime Emmy Award for Outstanding Lead Actress in a Drama Series por su papel en "Guiding Light". En ese mismo año, actuó en "Another World" como Victoria Hudson McKinnon, sustituyendo a Jensen Buchanan, de baja por maternidad.


title: Cynthia Watros

text: Desde 2000 hasta 2002, interpretó a Erin Fitzpatrick en "Titus". En 2002, después de que la serie fuera cancelada, hizo el papel de Kellie Newmark en "The Drew Carey Show" hasta 2004.


title: Cynthia Watros

text: Desde 2005 hasta 2006, fue miembro del reparto de "Lost", haciendo el papel de Libby, una de las supervivientes de la sección de cola del avión. Actuó durante la segunda temporada como personaje regular y en las siguientes, en algunos capítulos como estrella invitada. Tras irse de "Lost", grabó el piloto de un show llamado "My Ex-Life", para la CBS, como la mujer del personaje interpretado por Tom Cavanagh. El episodio piloto aún no ha sido emitido en televisión.


title: Cynthia Watros

text: Watros nació en Orion, Míchigan. Asistió a Macomb Community College en el municipio de Clinton, Míchigan, obteniendo una Licenciatura de Bellas Artes en Teatro por parte de la Universidad de Boston y participando por parte de la Universidad del Programa de Entrenamiento para Actores Profesionales.


title: Cynthia Watros

text: Watros y Bonnie-Jill Laflin realizaron servicios para el viaje a USO en Irak, en el año 2008, visitando varias bases militares, incluidas COP Callahan en el área de Adamiyah, al este de Bagdad.


title: Cynthia Watros

text: Watros y su compañera de reparto en "Lost", Michelle Rodríguez, fueron arrestadas la mañana del 1 de diciembre de 2005 en Kailua, Hawái por conducir en estado de embriaguez. La policía dijo que ambas mujeres fallaron los test de alcoholemia y fueron liberadas bajo una fianza de $500 cada una.


title: Cynthia Watros

text: Curiosamente, en un episodio que se emitió unos meses después, 'Two For The Road', los personajes de ambas actrices eran asesinados. Se ha especulado que su marcha de la serie fue consecuencia del incidente con la policía.


title: Moisés rompiendo las Tablas de la Ley

text: Moisés rompiendo las Tablas de la Ley es una pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1659 por Rembrandt.


title: Moisés rompiendo las Tablas de la Ley

text: La obra está firmada y fechada "REMBRANDT F. 1659." y se representa a Moisés con las tablas de la ley por encima de su cabeza, con los mandamientos escritos en hebreo (el artista fue ayudado seguramente por amigos judíos).


title: Moisés rompiendo las Tablas de la Ley

text: Después de recibir los Diez Mandamientos, Moisés bajó del Monte Sinaí y se encontró al pueblo de Israel adorando un becerro de oro, por lo que el profeta arrojó las tablas enojado con ellos (aunque Rembrandt más bien pinta a Moisés con cara de pena o resignación que de ira). El relato se describe en el pasaje bíblico de Éxodo.


title: Emily the Strange

text: Emily the Strange (a veces escrito como Emily Strange) es un personaje ficticio. Emily la rara (o Emily the Strange), nació de la mano de Nathan Carrico en 1991 como ilustración en una tabla de skate. Su amigo Rob Reger (fundador de Cosmic Debris) junto a su socio Matt Reed, utilizarían el personaje en pegatinas, camisetas y diverso merchandising.. Es una caricatura de una chica gótica de 13 años. Apareció por primera vez en unas etiquetas adhesivas distribuidas en conciertos, tiendas de discos y tiendas de skate, para promover "Cosmic Debris" , la línea de ropa fundada por el artista y skater Rob Reger, quien diseñó a Emily en 1991 para Santa Cruz Skateboards en Santa Cruz, California.


title: Emily the Strange

text: La cantidad de merchandising ligada a Emily es considerable: se produjo una línea de ropa, artículos de papelería, pegatinas y accesorios.


title: Emily the Strange

text: Emily es una niña de trece años (su cumpleaños es el 24 de septiembre) cuya peor pesadilla es el color rosa. Su presencia en el mundo del arte, la cultura pop, la literatura y la moda nos recuerda a todos a cultivar lo que nos hace únicos. Es artista, soñadora, inventora, científica y skater. Lleva puesto el mismo vestido negro todos los días. Le encantan las matemáticas y la ciencia, y su pasión es la vieja música Punk&Rock, aunque también escucha bandas nuevas. Ella siempre te recuerda que tienes que ser tú mismo, tu propio seguidor.


title: Emily the Strange

text: Es la líder del grupo. Una gata con clase: la más elegante de la pandilla. Además, posee un collar un tanto peculiar y es la mejor amiga de Emily. Es una gata peligrosa.


title: Emily the Strange

text: Es la mente creativa de la banda: un gato limpio de corazón y un verdadero artista. El más silencioso de sus compañeros, el gato más rápido de la ciudad. Tiene las orejas y los bigotes bastante puntiagudos, y una cruz sobre su ojo derecho. Su sueño es dejar huella en el mundo.


title: Emily the Strange

text: Es rebelde y duro. Tiene una pequeña cicatriz en la oreja derecha, dos dedos sobrantes y un bigote doblado, el cual se asemeja a un rayo. Es el más joven de la pandilla.


title: Emily the Strange

text: El gato intelectual de la pandilla. Es el astuto, el científico... Un alma vieja inspirada por la innovación, la invención y la confusión.


title: Emily the Strange

text: Se identifica con espeluznantes criaturas creativas, como las arañas y los murciélagos. Le gusta la oscuridad y la sensación de estar a solas junto a sus pensamientos. Se caracteriza básicamente por su cola, una cola negra a rayas blancas, nunca te mira a los ojos.


title: Emily the Strange

text: En su primer libro, Emily acaba de despertarse en un banco en medio de un parque destartalado, donde lo único que hay es ese mismo banco y un viejo árbol. No sabe nada; ni su nombre, ni dónde está exactamente. Lo único que tiene para sobrevivir es: un tirachinas, un bolígrafo y un cuaderno de notas con varias páginas arrancadas. Ahora tendrá que averiguarlo todo: Quién es, qué hace en ese pueblo perdido en ninguna parte y qué la ha llevado hasta allí.


title: Emily the Strange

text: En su segundo libro, Emily ha resuelto sus misterios, ha regresado a su casa y ahora disfruta de una nueva existencia, con su madre y sus gatos. Al comienzo del libro se dispone a mudarse a una nueva ciudad, pero no quiere irse de Blandidulle sin realizar lo que ella llama: La Travesura Definitiva. Y en un intento fallido mientras planeaba esa travesura, accidentalmente, Emily se divide en dos.a la que ella la llama "otra yo " ¿Serán el doble de problemas o el doble de diversión?


title: Emily the Strange

text: En el tercer libro, Todo el mundo sabe que una de las pasiones de Emily the Strange es construir máquinas y artefactos de los más variado. Y ahora que acaba de llegar a Duntzton, había llegado el momento para comenzar con las travesuras.


title: Emily the Strange

text: En esta ocasión ha inventado una máquina para trasladarse en el tiempo y en el espacio. Piensa en darse un paseo por el Nueva York punk de los años 70 o ver los dinosaurios, pero un problema familiar la obligará a viajar a una época bien distinta. Emily acaba en el siglo XVIII para ayudar a una antepasado suya: Lily Etránge.


title: Emily the Strange

text: En este último libro, Emily está a punto de averiguar cuál es el talento especial que le corresponde como Niña Oscura. Pero para ello, deberá viajar hasta Seasidetown, un pueblo con mucha historia donde se esconde la clave de la roca negra que le da el poder. Ahora, hombres oscuros y niñas brillantes han hecho pacto para dominar la ciudad, solo Emily podrá pararles para recuperar lo que es suyo y descubrir su poder.


title: Emily the Strange

text: Gente de todas partes critica el estilo de los libros, por su imagen "emo-gótica" que mucha gente no acepta. También por la increíble coincidencia del libro "Rosamond The Strange" (1978), ya que el parecido entre las protagonistas es muy evidente, a pesar de que la historia es totalmente distinta.


title: Aurora Beltrán

text: Aurora Beltrán Gila (Pamplona, 26 de agosto de 1964) es una cantante española. Lideró los grupos Belladona y Tahúres Zurdos, y tras la disolución de los últimos en 2004, sigue su carrera en solitario.


title: Aurora Beltrán

text: Aurora Beltrán nace el 26 de agosto de 1964 en Pamplona, aunque desde muy pequeña vivió en Potasas (Beriáin, Navarra). Siendo niña padece una enfermedad que la obliga a permanecer muchas horas sentada. Para que el tiempo no se le haga tan largo, su padre le regala una guitarra. A los 13 años compone su primera canción, "Muerte ven", que graba en su primer disco con Tahúres Zurdos.


title: Aurora Beltrán

text: Siendo muy joven comienza a recorrer bares de Pamplona interpretando canciones, ella tocando el violín y El Drogas tocando la guitarra. A mediados de los años 1980 comienza su andadura musical como guitarrista del grupo navarro Belladona, que tras grabar un elepé, "Las mujeres y los negros primero", se disuelve.


title: Aurora Beltrán

text: En 1987 forma en Pamplona, junto a su hermano Lolo y dos viejos conocidos, el grupo Tahúres Zurdos. Graban una maqueta y dan conciertos en Navarra y otros lugares del norte de España. De esta forma consiguen grabar en 1988 su primer disco, "Tahúres Zurdos", con el sello Ohiuka. Tras este disco llega otro con el mismo sello discográfico y pasan a grabar con EMI.


title: Aurora Beltrán

text: Aurora Beltrán graba con Tahúres Zurdos un total de ocho discos de estudio, dos recopilatorios, un acústico y un directo que repasa toda su carrera. Este último disco en directo se graba en la Sala Noboo de Tudela, el 5 de diciembre de 2003, y sale a la venta en abril de 2004 con el título "17 años" (con el sello discográfico Do it records). "17 años" supone el broche final para la carrera del grupo durante sus diecisiete años de existencia. En 2004, meses después de sacar el directo a la venta, el grupo se disuelve.


title: Aurora Beltrán

text: Entonces Aurora Beltrán comienza a dar una serie de conciertos acústicos acompañada por Eva Rada, corista e instrumentista de Tahúres Zurdos durante los últimos años del grupo, mientras prepara temas nuevos que incluiría en su primer trabajo en solitario.


title: Aurora Beltrán

text: No sería hasta el año 2007 cuando Aurora Beltrán graba su primer disco en solitario, "Clases de Baile", en el que colaboran Enrique Bunbury, Loquillo y Carmen París. "Clases de Baile" sale a la venta en marzo de 2008 y cuenta con nueve temas, ocho de ellos compuestos por Aurora además de "Candy" de Iggy Pop, adaptado al castellano por ella.


title: Aurora Beltrán

text: En 2008 participa en la gira "Otra noche sin dormir" junto a Rosendo y Barricada. La gira arranca el 4 de abril en el velódromo de Anoeta de San Sebastián y finaliza el 26 de septiembre en la plaza de toros de Las Ventas en Madrid.


title: Aurora Beltrán

text: En septiembre de 2009 realiza una gira por varias ciudades de Estados Unidos: Nueva York, Jersey City, Boston, Filadelfia.


title: Aurora Beltrán

text: Aurora Beltrán tiene colaboraciones, tanto en grabaciones de estudio como en directos, con grupos y artistas españoles tales como Kutxi Romero, Babylon Chat, Estrago, La Fuga, Big Member, Los Secretos, Amaral, Burning, Luz Casal, Barricada, Rosendo, Mägo de Oz, Rafa Pons, Sin Tregua, Lilith, Enblanco, Básico, Porretas, Garaje Jack, Sínkope, Asfalto, Barón Rojo y Mercedes Ferrer.


title: Aurora Beltrán

text: En septiembre de 2011 graba en directo su nuevo disco "Museo Púrpura" en el Teatro Arteria Campos Elíseos de Bilbao. En la grabación le acompañan Eva Rada, Israel Santamaría y Rosa Cedrón (Luar na Lubre).


title: Aurora Beltrán

text: Museo Púrpura es el espacio donde se exponen las piezas de coleccionista que componen este álbum, el último de la cantautora. Un recopilatorio de clásicos con nuevos arreglos, y un tema inédito grabado en castellano y en inglés titulado "Invicta" escrito desde la enfermedad renal crónica que tiene diagnosticada desde 2005 de la que habla la artista:


title: Aurora Beltrán

text: “Ahora, le quito absolutamente la importancia a todo, porque la importancia, realmente, se la das tú a las cosas. Eso me ayuda a tener ilusión y seguir. «Invicta» habla de esto, de que no puedes perder la fe, como dice una de las frases de la canción: «Debilitada quizás, pero jamás vencida». Creo que es algo que nos puede pasar a muchísima gente, por eso, estoy colaborando con ALCER, Federación Nacional de Asociaciones para la lucha contra las enfermedades del riñón, para que esta canción, les ayude tanto como a mí a mantener la ilusión por la vida, que cada día nos regala su abrazo. Y como la música es universal, la he grabado en estudio también en inglés y he decidido incluirla también en el disco. ”


title: Aurora Beltrán

text: Consciente de la delicada situación que atraviesa la música, Aurora Beltrán todavía tiene mucho que ofrecer al público: “creo que lo importante, al margen de modas, edades e ideologías, es transmitir algo muy común en el género humano. Todos pasamos por momentos buenos, malos, tristes, surrealistas... Y cuando sabes dar en ese punto es cuando conectas con la gente”.


title: Aurora Beltrán

text: El 28 de febrero de 2012, la artista Aurora Beltrán recibió el Premio Global de la Música Aragonesa en su decimotercera edición. Es un premio especial a la trayectoria de una persona, colectivo o institución que, sin haber nacido en Aragón, tenga un estrecho vínculo con la tierra. El 14 de junio de 2012, su tierra se vuelca con ella, otorgándole un reconocimiento a su carrera artística en la VIII Gala de la Música Navarra.


title: Aurora Beltrán

text: A finales de 2017 publica un nuevo disco titulado "Usiana", compuesto por diez canciones de bella factura, siguiendo la línea acústica emprendida en los últimos años.


title: Aurora Beltrán

text: En julio de 2019, se anunció la vuelta a los escenarios de Tahúres Zurdos. En agosto de 2019, la revista Rock Estatal dedicó su portada a Aurora Beltrán, para realizar un recorrido histórico por su biografía y última etapa.


title: Estudios (Chopin)

text: Los Estudios (en francés, Études) de Frédéric Chopin son tres series de estudios para piano solo publicados en la década de 1830. Existen un total de veintisiete estudios, repartidos de la siguiente manera: doce en el Op. 10, doce en el Op. 25 y tres sin numerar para un libro de método.


title: Estudios (Chopin)

text: Un estudio es, como su nombre indica, una pieza primordialmente destinada a desarrollar la técnica; por consiguiente, cada estudio, por lo general, está consagrado a dominar una destreza técnica específica y se basa en un solo motivo musical.


title: Estudios (Chopin)

text: De los millares de estudios para piano escritos durante el , los de Chopin fueron los primeros en los que se realizó plenamente el ideal de combinar esta finalidad práctica con un contenido de elevada significación musical; Liszt y Brahms siguieron, en este aspecto, el camino marcado por Chopin. Los estudios de Chopin son estudios técnicos trascendentales y, al mismo tiempo, poemas sonoros intensamente concentrados.


title: Estudios (Chopin)

text: El germen de los "Estudios Op. 10" se comenzó a gestar en Varsovia, a partir de fines de 1829. Chopin escribió entonces a un amigo que había compuesto unos pocos ejercicios para piano que quería mostrarle. Cuando se publicaron, Chopin tenía 23 años y ya era famoso como compositor y pianista en los salones de París, donde conoció a Franz Liszt. Posteriormente le dedicaría todo el Op. 10: "à son ami Franz Liszt".


title: Estudios (Chopin)

text: Esas primeras versiones son contemporáneas de sus primeros "Nocturnos" y de las "Canciones Op. 74", y fueron maduradas y perfeccionadas al mismo tiempo que los "Nocturnos Op. 9", el "Op. 15", el "Scherzo en si menor" y la "Balada n.º 1" durante un viaje a Viena.


title: Estudios (Chopin)

text: Habiendo viajado a Italia, el compositor se enteró de la sangrienta represión a un levantamiento que se había producido en Varsovia contra la milicia rusa: es posible que el iracundo y temperamental n.º 12 de este opus (el célebre "Estudio Revolucionario") haya sido consecuencia de sus sentimientos en estas graves circunstancias.


title: Estudios (Chopin)

text: El segundo conjunto de estudios de Chopin fue compuesto entre 1832 y 1836 y se publicó en 1837. Estaba dedicado a la amante de Liszt, la Condesa d'Agoult (Marie d'Agoult), por lo que se ha especulado sobre ellos.


title: Estudios (Chopin)

text: Los "Trois nouvelles études" fueron compuestos en 1839 como una contribución al "Méthode des méthodes de piano", un libro para el aprendizaje del piano de Ignaz Moscheles y François-Joseph Fétis. No se les dio un número de Opus como sí sucede con los doce del Opus 10 y los otros doce del Opus 25. A pesar de que no son tan difíciles técnicamente como los otros veinticuatro estudios, estos tres estudios mantienen la fórmula original de Chopin de equilibrio armónico y estructural. También son mucho más breves que los otros estudios.


title: Estudios (Chopin)

text: El primero de estos estudios se centra en la práctica de polirritmias (concretamente, seis negras en la mano derecha y ocho en la mano izquierda en cada compás) y no muestra la dificultad del los del Op. 10 y los del Op. 25. Está escrito en la tonalidad de Fa menor.


title: Estudios (Chopin)

text: El segundo de los "Trois nouvelles études", escrito en la tonalidad de La bemol mayor, también está basado en polirritmias. En este caso, ésta consiste en seis corcheas en la mano derecha por cuatro de la izquierda en cada compás. Mientras que la mano izquierda, que se ocupa del acompañamiento, toca únicamente una nota; la derecha va tocando los acordes de tres o cuatro notas que conforman la melodía. Como curiosidad, ésta fue la última pieza que se le escuchó a Franz Liszt en vida.


title: Estudios (Chopin)

text: El tercer y último de estos estudios sin número de opus está escrito en la tonalidad de Re bemol mayor y es posiblemente el más difícil de los "Trois nouvelles études", aunque sigue siendo mucho más asequible que la gran mayoría de los "Estudios Op. 10" y "Estudios Op. 25". Desarrolla polifonía, independencia de distintas voces. La melodía debe ser tocada bastante "legato". Es secundada por un acompañamiento con fuerte "staccato". En ocasiones, algunas de las amplias extensiones que hay que cubrir con las manos pueden suponer una gran dificultad para pianistas con las manos pequeñas.


title: Estudios (Chopin)

text: Antes de analizar la relación de Chopin con el piano, y especialmente a través de sus estudios, es necesario conocer en líneas generales la evolución histórica de este instrumento musical.


title: Estudios (Chopin)

text: El piano del era un instrumento totalmente diferente de aquel para el cual había escrito Mozart. Transformado, ampliado a siete octavas, provisto de martillos recubiertos de fieltro y fortalecido por placas y abrazaderas de metal, era capaz de producir un sonido pleno y firme a cualquier escala dinámica, de responder perfectamente a las exigencias tanto de expresividad como de un arrollador virtuosismo. Los primeros referentes de este nuevo instrumento fueron Muzio Clementi y Johan Nepomuk Hummel y este último tuvo cierta influencia sobre el joven Chopin.


title: Estudios (Chopin)

text: Además hay que tener en cuenta que un factor que favoreció al piano fue la posibilidad de abarcar cualquier tipo de composición (ópera, sinfonía, canciones…) mediante los arreglos o “versiones para piano” .


title: Estudios (Chopin)

text: Con esto surgieron diversas escuelas de ejecución y composición. La elegancia, el sentimiento, la luminosidad y la nitidez, caracterizaban la escuela que más influyó en Chopin. Así lo expresan los primeros testimonios acerca del estilo de tocar de Chopin provenientes de su primera gira, en Viena, donde se admiró «la extraordinaria delicadeza de su pulsación, una indescriptible perfección técnica, su completa gama de matices, fiel reflejo todo ello del más profundo sentimiento» (en el Allgemeine Musikalische Zeitung, 1829).


title: Estudios (Chopin)

text: Sin embargo, también se le criticó su poco volumen esto puede deberse a que Chopin tenía un gusto especial de tocar en salones con poco público y en un ambiente más intimo lo opuesto a Franz Liszt o Sigmund Thalberg ambos pianistas de estilo de bravura. Uno de los testimonios más destacados lo ofreció Robert Schumann en 1837, cuando escribió:


title: Estudios (Chopin)

text: Los "Estudios" de Chopin suponen la fundación de un nuevo sistema de la técnica de tocar el piano. Esta nueva técnica fue algo sumamente innovador y revolucionario cuando apareció. Los "Estudios" son unas de las piezas más desafiantes y complicadas, y al mismo tiempo evocadoras y emocionantes, de todas las obras del repertorio para piano. Su música continúa siendo muy conocida y es a menudo tocada tanto en conciertos como en escenarios privados. Esta gran popularidad ha provocado que a muchos se les hayan asignado subtítulos, siendo posiblemente el más conocido el del Estudio Op. 10 n.º 12, "Revolucionario". Ninguno de los apodos de los "Estudios" de Chopin es oficial, pero crean un ambiente de inspiración y animan a componer obras encarnadas por estos "Estudios".


title: Estudios (Chopin)

text: La totalidad de los "Estudios" de Chopin fue publicada durante su vida (1810-1849). El primer conjunto de estudios, el Op. 10, fue escrito en el periodo de 1829 a 1832 y se publicó en Francia, Alemania e Inglaterra en 1833. El Op. 25 es inmediatamente posterior en el tiempo, pues se compuso entre 1832 y 1836. Al igual que el Op. 10, fue publicado en Francia, Alemania e Inglaterra; pero cuatro años más tarde, en 1837. Los tres últimos estudios, sin número de Opus, fueron compuestos en 1839. Al contrario que los otros veinticuatro estudios, no fueron publicados simultáneamente en esos tres países, sino que aparecieron primero en Francia y Alemania en noviembre de 1840 y en Inglaterra en enero del año siguiente. Las primeras copias de estas primeras ediciones iban acompañadas normalmente de varios manuscritos autógrafos de Chopin de un único estudio y copias adicionales hechas por su amigo Jules Fontana (a quien dedicó el "Impromptu Fantasía") y ediciones del alumno de Chopin Carl Mikuli.


title: Estudios (Chopin)

text: Los primeros "Estudios" del Op. 10 fueron compuestos cuando Chopin era prácticamente todavía un adolescente. Se encuentran, junto con las primeras obras de Mendelssohn, entre raros ejemplos de composiciones extremadamente juveniles que son consideradas como innovadoras y dignas de inclusión dentro del canon del resto de las obras "maduras". Los "Estudios" de Chopin superan la pura forma musical de unos ejercicios útiles y llevan la forma de estas piezas y a ellas mismas a convertirse en grandes obras maestras del arte. En un concierto en el que Chopin interpretó su Op. 25, Robert Schumann dijo ""A la Chopin"", es decir, a la manera de Chopin.


title: Estudios (Chopin)

text: La mayoría de los estudios tienen un tema principal, una variación en la sección central y una vuelta al tema principal, por lo que presentan una forma binaria en la que se repite la primera parte. Todos los "Estudios" son bastante cortos, pues cada uno se puede tocar en menos de cinco minutos. El más corto de todos es el "Estudio Op. 25 n.º 9", que dura menos de un minuto.


title: Estudios (Chopin)

text: A pesar de que los conjuntos de ejercicios para piano habían sido comunes desde finales del , como por ejemplo todos los numerosos estudios firmados por la mano de Carl Czerny, los "Estudios" de Chopin no sólo presentaron desafíos técnicos completamente nuevos a los pianistas, sino que además fueron los primeros en convertirse en parte habitual del repertorio de los conciertos.


title: Estudios (Chopin)

text: Sus "Estudios" son considerados como los primeros en combinar el sentimiento musical con las dificultades técnicas para llegar a ser una forma artística completa. Se les tiene en gran consideración como el producto de la maestría de aunar sentimiento y dificultad, ya que anteriormente técnica y emoción musical debían seguir caminos separados. Esto se ve muy claramente al comparar los de Chopin con los estudios de Czerny, que son calificados de "vacíos de sentimiento" por los críticos modernos.


title: Estudios (Chopin)

text: El efecto de los "Études" en los contemporáneos de Chopin, como Franz Liszt fue considerable, si se contempla la revisión que hizo Liszt de sus estudios de concierto ("Trois Études de Concert") después de conocer a Chopin. Además, Schumann, Debussy, Prokófiev, y Rajmáninov, otros de los mayores compositores para piano después de Chopin, compusieron todos ellos estudios con el estilo de Chopin, con melodías épicas y forma binaria.


title: Estudios (Chopin)

text: El musicólogo polaco coetáneo Tadeusz A. Zielinski escribió, acerca del Op. 10, que "no sólo se convirtieron en una manifestación metódica de un nuevo estilo con sus fórmulas peculiares, sino también en un ennoblecimiento artístico de este estilo."


title: Estudios (Chopin)

text: Los "Estudios" de Chopin también han llegado a influir en la actualidad. Varios de los estudios se han colado en música popular, en películas o en programas de televisión. Por ejemplo, el "Estudio Op. 10 n.º 3" se utiliza a menudo como una canción de amor, por su naturaleza íntima. Takayuki Ishikawa (DJ Taka), popular artista de música dance, hizo un "remix" del "Estudio Revolucionario" llamado "kakumei" para el Beatmania IIDX.


title: Estudios (Chopin)

text: El compositor polaco nacionalizado estadounidense Leopold Godowski hizo sus propios estudios basados en los "Estudios" de Chopin. Son 54 estudios, aunque a menudo se dice que son 53, pero el "Estudio Op. 25, n.º 2" presenta dos versiones diferentes en la misma página. En veintidós de estos estudios de Godowski la parte que toca la mano derecha en los de Chopin pasa a la izquierda. Esto es sólo un ejemplo de la enorme dificultad que entrañan los Estudios de Godowski sobre los estudios de Chopin.


title: Estudios (Chopin)

text: Al contrario que el resto de estudios anteriores, que pretendían practicar y conseguir la independencia de la acción de los dedos dirigida desde la muñeca, los estudios de Chopin requieren el uso de todo el brazo, desde el hombro hasta abajo. Por ejemplo, el "Estudio Op. 10 n.º 1" consiste en una serie de acordes rotos cuya extensión es inalcanzable para una mano, por lo que es necesario utilizar el brazo para guiar a la mano y a los dedos de nota a nota. Asimismo, el "Estudio Op. 25 n.º 10" es un estudio con octavas en ambas manos que exige movimientos poderosos y flexibles desde los hombros.


title: Estudios (Chopin)

text: Abby Whiteside, pedagoga ya del , cuyas opiniones sobre la independencia de los dedos son quizás las más duras y críticas en materia de técnica de piano, hizo de estos "Études" de Chopin el centro de todos sus escritos. Para Whiteside, eran la prueba definitiva de la total inutilidad de cualquier intento de delegar fuerza o dirección a los músculos más débiles de entre los implicados al tocar el piano.


title: Caché (película)

text: Caché es una película de 2005 escrita y dirigida por el director de cine austríaco, Michael Haneke. Está protagonizada por Daniel Auteuil y Juliette Binoche, quienes interpretan a Georges y su esposa Anne, un matrimonio burgués amenazado por unas extrañas cintas de video grabadas justo enfrente de su casa.


title: Caché (película)

text: El largometraje, filmado en francés, es una coproducción entre Austria, Francia, Alemania e Italia. Se estrenó el 14 de mayo de 2005 en el Festival Internacional de Cannes, donde Michael Haneke recibió el galardón como mejor director. Posteriormente consiguió cinco premios del cine europeo, incluyendo mejor película, mejor director y mejor actor.


title: Caché (película)

text: Georges (Daniel Auteuil), de profesión periodista, empieza a recibir vídeos rodados a escondidas en la calle, en los que se le ve con su familia, acompañados por extraños e inquietantes dibujos difíciles de interpretar. No sabe quién se los manda. Poco a poco, el contenido de los vídeos se hace más personal. Georges empieza a pensar que se trata de alguien que le conoce desde hace mucho tiempo. Siente que tanto él como su familia están amenazados. Por desgracia, dicha amenaza no es explícita y la policía rehúsa tomar cartas en el asunto.


title: Caché (película)

text: La filmación tuvo lugar en París y Viena. Es la primera película de Haneke en la que utiliza cámaras de video de alta definición. No tiene film score.


title: Pintura de Rusia

text: Dado que no han llegado a nuestros días ejemplos de tradición pictórica entre los pueblos eslavos precristianos, la historia de la pintura rusa comienza con la cristianización del Jaganato de Rus, ocurrida en torno al 860, cuando el intercambio cultural con el Imperio bizantino llevó allí la tradición de la pintura de iconos. Hasta el el género predominante fue la pintura religiosa. La occidentalización del país por Pedro el Grande, creó, en menos de medio siglo, una escuela de pintura enteramente nueva, de carácter profano, relacionada con los finales del Barroco que se desarrollaba en el resto de Europa. La pintura rusa se integró en la evolución general del arte europeo, asimilando nuevas tendencias. A mediados del surgió una nueva escuela nacional. La pintura rusa contribuyó de manera trascendente al arte de Occidente con ocasión de las vanguardias de principios del , cuando pintores como Kandinski o Malévich fueron los precursores de la pintura abstracta. Cerca de una década después de la Revolución de 1917, las vanguardias quedaron proscritas y los pintores fueron obligados por el Estado a seguir una estética figurativa populista, originando el estilo conocido como Realismo socialista, que sólo perdió fuerza cuando comenzó a liberalizarse el régimen político a finales del . Un grupo de artistas "underground" comenzaron a contestar las fórmulas de arte oficial e introdujeron conceptos contemporáneos en la pintura rusa, diversificando sus horizontes y abriendo el arte local al mundo.


title: Pintura de Rusia

text: De la Edad Media quedan frescos, miniaturas y, sobre todo, iconos. Existe una fuerte influencia bizantina en el arte de esta época. A veces se transmite directamente por medio de artistas de origen griego como Máximo y, sobre todo, Teófano o Teófanos el Griego (), pintor de frescos e iconos.


title: Pintura de Rusia

text: La tradición de la pintura de iconos en Rusia fue importada del Imperio bizantino, que dotó al estado recién cristianizado con los materiales necesarios para la liturgia, incluyendo las representaciones religiosas de santos y mártires de la religión.


title: Pintura de Rusia

text: Surgen las primeras escuelas nacionales en torno a la elaboración de iconos. El centro de cultura de entonces era Kiev, hoy perteneciente a Ucrania, y posiblemente los primeros pintores activos en esta ciudad fueran griegos o eslavos bizantinizados, que sirvieron de maestros para la formación de una escuela local de pintura. La primera producción de la que se llamó escuela de Kiev seguía estrechamente el estilo bizantino, pero luego pasó a tener características propias, evidentes en la selección de los colores y en la dimensión de las imágenes, así como en la expresividad de las figuras, de las cuales el Cristo Pantocrator, uno de los modelos formales más importantes de esta época, fue presentado con un aspecto más benevolente y humano que en el patrón original. Obra maestra de la iconografía rusa es la "Virgen de Vladímir", conservada en Moscú. Representa a la la Virgen María con el Niño Jesús que, aun siendo de origen bizantino (fue regalada al gran duque Yuri Dolgoruki de Kiev en torno al año 1131 por el Patriarca griego Lucas Chrysoberges), luego se volvió modelo para incontables copias y variaciones, definiendo una de las tipologías más populares de toda la iconografía sacra rusa y siendo hasta hoy una de las imágenes más veneradas en todo el país. En 1240 Kiev fue tomada y completamente incendiada por los mongoles, y la actividad artística principal se trasladó a Nóvgorod.


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text: La escuela de Nóvgorod, activa ya en el vivió su mejor época entre el y el XIV. Ajena a la ocupación mongola, se convirtió en el principal centro artístico del país antes de ser suplantada por Moscú. Su primera fase prefirió iconos en frescos, de los cuales los ejemplos más antiguos están en la Iglesia del Salvador en Nereditsa y en la Iglesia de San Jorge en Stáraya Ládoga. La escuela de Nóvgorod se distingue por la intensidad de los colores, aplicados sin mezcla o gradaciones de tonos, un sombreado mínimo, el dibujo enérgico y preciso, y una preferencia por la composición clara con una simbología simple y fácilmente legible por el pueblo. En el cambia el estilo: los colores se suavizan, la composición gana en dinamismo y espontaneidad y predomina más el aspecto gráfico que lo pictórico. A diferencia de Kiev, más bizantina, la escuela de Nóvgorod asimila elementos del arte folclórico local, el aspecto de sus figuras es menos hierático y más humanizado, parecidas a la gente rusa. Su mirar fijo y penetrante establecía un contacto directo con el espectador, logrando una expresión más soñadora, indirecta e introspectiva.


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text: En el también se formaron otras escuelas regionales en Vladímir, Súzdal, Yaroslavl y Pskov (abadía de Mirozhski, ligadas a la tradición bizantina. En el la invasión mongola devastó Rusia y rompió sus lazos históricos con Bizancio, arruinando muchos de los centros productores de iconos, salvo Nóvgorod y Pskov, donde continuó viva la tradición de pintura de iconos. Menos sofisticada que Nóvgorod, considerada su «hermana mayor», la escuela de Pskov se distinguió por la iconografía formalista y arcaizante, por la intensa expresión emocional de sus figuras y por el uso de tonalidades de color diferenciadas, en especial por lo que se refiere al verde, al naranja y el rojo.


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text: La escuela de Moscú se vio impulsada, junto con otros maestros locales, por Teófano el Griego (h. 1330-h.1410), formado en Constantinopla. Los orígenes de esta escuela se ven oscurecidos por la casi completa inexistencia de ejemplos primitivos, pero se sabe que surgió aproximadamente junto con Nóvgorod y que cuando Teófano llegó ya había una significativa actividad artística. Él, junto con el notable Andréi Rubliov, aunque poseían estilos muy diversos, llevaron esta escuela a su primer florecimiento importante en el , en la época en que la influencia de Moscú crecía, tras la expulsión de los mongoles, y se convertía en el centro de la ortodoxia religiosa. Rubliov, nacido hacia el año 1360 y muerto en Moscú h. 1430, es un artista de cuya vida poco se sabe. Se formó en Moscú con Projor de Gorodets y Teófanes el Griego. Vivió como monje en el monasterio de San Sergio. De su obra destaca el icono de la "Trinidad" (actualmente en la Galería Tretiakov de Moscú). Fechado en torno al año 1430, se considera que es el más importante icono bizantino de la escuela rusa. Representa a la Trinidad a través de la escena bíblica llamada «visión de Mambré»: tres ángeles se aparecen al patriarca Abraham. Se caracteriza por el aire melancólico, de intensa espiritualidad. El ángel del centro, con túnica roja, se cree que representa a Cristo con un árbol al fondo. El de la izquierda sería Dios Padre y el de la derecha, el Espíritu Santo. La perspectiva es típica del tipo bizantino, es decir, inversa, abriéndose las líneas conforme se alejan de los ojos del espectador.


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text: A estos artistas de la escuela de Moscú se debe la definición del iconostasio: una pared cubierta de iconos que se elevó hasta el punto de ocultar completamente el altar, aislándolo de la congregación. Es una alteración significativa respecto al modelo de altar bizantino, y fue introducida en las obras que realizaron en la Catedral Blagoveshchenski de Moscú en torno a 1405.


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text: La expulsión de los mongoles posibilitó que la tradición de los iconos resurgiese o se iniciase en otras ciudades, como Tver, Suzdal, Rostov o la lejana Kargopol. Entre esos centros menores merece destacarse la escuela de Tver, que se diferenció por el uso de tonos exóticos de azul y turquesa en una paleta más clara.


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text: La pintura de iconos se mantuvo durante toda la Edad Moderna, tomando como referencia estética los caracteres de la pintura bizantina clásica, que se impone a las influencias italianas. A principios del destacó como iconógrafo en Moscú Dionisio o Dionisios (h. 1440-1510). El abad de Volotsk le escribió una carta defendiendo los iconos que se hizo famosa: «Carta a un iconógrafo». A Dionisio y sus discípulos se deben los frescos de la Catedral de la Dormición del Kremlin, además de retratos del zar.


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text: En el siglo siguiente destacó Simon Ushakov (1626-1686) primer grabador ruso, que trabajó en Moscú, creando un estilo nuevo junto con Vladímirov, en el que se conserva la tradición y la aúna con las novedades de la pintura occidental. Dionisio y Ushakov renovaron el concepto de espacio pictórico, prestaron atención a sutilezas cromáticas y enfatizaron el misticismo en su arte, en detrimento del aspecto dramático. La influencia de la pintura occidental se nota en el uso, especialmente visible en algunas de las obras de Ushakov, de un discreto claroscuro para acentuar la ilusión de tridimensionalidad. Otro elemento distintivo es la aparición del retrato profano, conocido con el nombre de "parsuna," también influido por Occidente pero regido por las convenciones de la pintura religiosa.


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text: A pesar de estas innovaciones, el arte de iconos fue decayendo en los siglos XVII y XVIII. Cada vez son más realistas y narrativos; la orfebrería decorativa, elemento secundario de los iconos, cobra cada vez más protagonismo, ocupando mayor superficie pictórica. Se pierde contenido místico en favor de lo decorativo. Se prefiere la miniatura, una diversificación de los temas sacros debido a la influencia del florecimiento literario del país, y aparece en la misma ciudad de Moscú la escuela Stróganov.


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text: Esta escuela prefirió la miniatura, por sus colores y el gran refinamiento y detalle en las imágenes. Dentro de sus maestros estuvieron Prokopii Chirin, Nikifor e Istoma Savin. La escuela Strogánov, cuyo nombre deriva de la rica familia Stróganov, que la patrocinaba, influyó hasta finales del , cuando el arte profano apoyado por el Estado y la nobleza se convirtió en el centro de nuevas tendencias pictóricas.


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text: Entre las últimas escuelas regionales de iconos estaba la que floreció en torno al Monasterio de la Trinidad y de San Sergio, en Jolui, que inició sus actividades en el y rápidamente ganó mucho prestigio en el norte del país. En 1882 su producción fue organizada por la Hermandad Alejandro Nevski. Iniciaron una gran producción de iconos y frescos en las principales ciudades, de la más alta calidad. Cuando se implantó en Rusia el comunismo, dentro del marco más amplio de la persecución religiosa, se cerró la escuela de Jolui. No obstante, su refinada técnica no se perdió y la escuela de Jolui fue reabierta en 1943, dirigida entonces por un graduado en la Academia de Leningrado, U. A. Kukuliev. Se transformó en una oficina de artes aplicadas, centrada en la producción de miniaturas laqueadas. La rehabilitación de la Iglesia Ortodoxa en Rusia posibilitó el renacimiento de la pintura de iconos, practicándose en la propia Jolui y otros centros como Palej.


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text: Las más completas colecciones de iconos rusos se encuentran en la Galería Tretiakov de Moscú y en el Museo Pushkin de Moscú.


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text: En la Edad Media se pintaron frescos y también miniaturas. En las de carácter popular, como el Psalterio de Kludov (Moscú) abundan las representaciones marginales; en las aristocráticas las miniaturas ocupan toda la página. La tradición de los manuscritos iluminados se inició en Kiev y se desarrolló en paralelo a la pintura de iconos, con la que tiene puntos estilísticos en común. A pesar de depender en gran medida del arte bizantino, están presentes también influencias anglo-normandas, carolingias y otonianas, que llegan a Rusia a través de las rutas comerciales medievales entre Rusia y el resto de Europa. El ejemplo sagrado más antiguo que se conserva es el "Evangeliario de Ostromir", compuesto en torno al año 1056 por el diácono Gregor y su taller, para el patrono Ostromir de Nóvgorod. En sus páginas como ilustraciones se percibe claramente la influencia de modelos bizantinos, que demuestra el elevado nivel que la cultura local había alcanzado por entonces, apenas setenta años después de la introducción de la escritura en la región.


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text: Otras obras medievales importantes son la "Miscelánea de Sviatoslav", del , el "Evangeliario Siiski", de 1339, con diversas escenas en un estilo elegante, el "Evangeliario Fiódorovski", de 1327, o el "Psalterio de Kiev", de 1397, con trescientas tres miniaturas que tratan temas variados, sacros y profanos, animales y vegetales, y el "Evangeliario de Nóvgorod", de 1575, con figuras de los evangelistas e iniciales decoradas.


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text: Pero existen igualmente miniaturas de gran importancia sobre textos profanos, como la gran "Crónica Radzivill", la más antigua y una de las más preciosas en su género, una narrativa ricamente decorada que narra la historia de Rusia entre los siglos V y XIII, producida en el . También posee bellas ilustraciones la crónica "Licevoy svod", de 1480, con escenas de batalla.


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text: A diferencia de lo ocurrido en Europa Occidental, la tradición de manuscritos iluminados se prolongó en Rusia durante la Edad Moderna. Así, cabe citar el manuscrito de "La leyenda de la derrota de Mamai", del , un romance histórico, y el "Libro de los títulos de los Zares", de 1672, con una serie de retratos regios y decoraciones realizados por artistas del Kremlin en el . La tradición de miniaturas comenzó a decaer a finales del con su sustitución por libros impresos, aunque puedan encontrarse ejemplares aislados aún en el .


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text: Se produjo un cambio radical en el arte ruso con la subida al trono de Pedro el Grande. En su proyecto de modernizar el país y equipararlo culturalmente a las grandes naciones europeas, las artes tuvieron un especial relieve como forma de ilustrar los avances de la civilización. Atrajo a Rusia a artistas extranjeros y envió a jóvenes rusos con talento para que estudiasen en Italia, Francia, Inglaterra y los Países Bajos. Entre los artistas extranjeros que viajaron a Rusia en el estuvieron Jean-Baptiste Perronneau, Jean-Baptiste Le Prince, Stefano Torelli, Heinrich Buchholz, Johann Baptist von Lampi, el Viejo, Pietro Rotari, Jean-Louis Voille, Louis Caravaque y Élisabeth Vigée-Le Brun, quien después del arresto de la familia real francesa durante la Revolución huyó del país con su hija menor Julie. En Rusia, le fue muy útil su experiencia tratando con clientela aristocrática. Fue recibida por la nobleza y pintó a numerosos miembros de la familia de Catalina la Grande. Estando allí, Vigée-Le Brun fue nombrada miembro de la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo. Para consternación de Vigée-Le Brun, Julie se casó con un noble ruso.


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text: Ya antes existía alguna tímida influencia de Occidente, como se ve en los "parsuna" y en autores sacros como Karp Zolotariov, que mezcló de forma original la escuela barroca italo-neerlandesa con la tradición ruso-bizantina. Pero el impacto occidental en el reinado de Pedro no tuvo precedentes; se adoptó la estética barroca en la pintura, ahora casi toda ella dedicada a los temas profanos, sin sombra alguna de arcaísmo bizantino pero también con unos pocos rasgos de identidad propia. Los artistas rusos formados en el exterior comprendieron perfectamente los principios técnicos y estilísticos en la pintura occidental.


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text: El primer pintor educado totalmente fuera de Rusia fue Andréi Matvéyev, que estudió en Flandes y en los Países Bajos durante once años. Cuando regresó a Rusia, se convirtió en una de las figuras destacadas en la renovación de la pintura rusa. Iván Nikitin estudió con Tommaso Redi en Florencia, y Alekséi Antrópov con Louis Caravaque. Nikitin y Antrópov ilustran la transición entre la tradición de los "parsuna" y el retratismo típicamente occidental.


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text: La occidentalización se acentúa en los reinados posteriores. Catalina II (reinó 1762-1796), que era una francófila, amante de las artes y ávida coleccionista, estimuló la pintura creando el Museo del Hermitage y otros. Se pasó del Barroco al Rococó, y aparecen signos de la ilustración neoclásica. La pintura occidentalizada se integró desde entonces plenamente en la cultura de las élites. En particular, el retrato elogia a la nobleza, a la que representa a través de posturas y decoraciones típicas. Entre los retratistas rusas destacaron Fiódor Rokotov (1736-1808), Dmitri Levitski (1735-1822) y Vladímir Borovikovski (1757-1825); demostraron originalidad en relación con sus modelos extranjeros y evidenciaron un altísimo grado de calidad a que llega en relativamente poco tiempo la pintura rusa de tradición occidental. Levitski, concretamente, destacó como retratista de Catalina II, aunque murió en la pobreza. También se desarrolló el paisajismo, con Fiódor Alekséyev (1754-1824) y Fiódor Matvéyev (1758-1826), paisajistas pioneros en Rusia, que habían viajado por Italia. Y comienza a tener influencia el «gran estilo» de la pintura de historia. Otros pintores de la misma generación fueron: Alekséi Belski, Iván Argunov, Semión Shchedrin y Antón Losenko.


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text: En 1757 Se creó la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo, que Catalina II llamó luego «Academia Imperial de las Artes».


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text: Este departamento del gobierno supervisaba todo el sistema artístico en Rusia, organizaba la enseñanza, distribuía premios y becas, contrataba maestros extranjeros, creaba una colección propia con obras extranjeras para ilustración de los alumnos y estimuló el Neoclasicismo. El histórico edificio de la Academia sobre el río Neva en San Petersburgo alberga hoy el "Instituto Académico de San Petersburgo para la Pintura, Escultura y Arquitectura «Iliá Repin»", pero aún informalmente se le conoce como la Academia de Arte de San Petersburgo.


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text: Después de la importación casi literal de estéticas extranjeras en el siglo anterior, en el XIX los avances estilísticos e ideológicos conllevan el establecimiento de una escuela de arte genuinamente rusa. A principios de siglo la Academia Imperial tuvo su apogeo bajo la dirección de Aleksandr Strogánov. El Neoclasicismo también entró en su fase más brillante, siendo la influencia más fuerte la de Ingres, pero luego perdió su fuerza y en seguida se suceden con rapidez, y a lo largo de todo el siglo, las diversas tendencias: Romanticismo, Naturalismo, Realismo y Simbolismo.


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text: El romanticismo propugna la flexibilización del canon neoclásico. Prefirió retratos intimistas de caracterización psicológica, paisajes mediterráneos idílicos que los artisttas academicistas conocen al viajar por Italia o escenas históricas dramáticas. El arte, en general, se extiende a círculos más amplios, alejados de la corte. Silvestre Cedrin (1791-1830) pintó vistas de ruinas clásicas. Karl Briullov (1799-1853), profesor en la Academia, cultivó diversos géneros, pero se le conoce sobre todo por su pintura de historia, siendo muy conocida su "Último día de Pompeya". Aleksandr Ivánov es conocido sobre todo por una obra religiosa a la que dedicó veinte años de su vida: "Aparición de Cristo al pueblo". Otros nombres de transición del neoclasicismo al romanticismo son Maksím Vorobiov, Vasili Tropinin, Orest Kiprenski y Alekséi Venetsiánov.


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text: La Revuelta de Pugachov de 1773-74, que buscó, sin éxito, abolir la servidumbre. Con motivo de las Guerras Napoleónicas, las clases medias, en particular los oficiales del ejército, conocieron mejor la dura realidad del pueblo, y presenciaron el heroísmo de los soldados. Estas circunstancias hicieron que la vida de las clases inferiores fuera un tema aceptable para el «gran arte». Eso sí, en principio debía presentarse de forma idealizada, diluyendo la cruda realidad de los siervos y campesinos en un bucolismo gentil. Por los mismos motivos, prolifera la escena de género que muestra escenas domésticas de la clase burguesa. La majestosa geografía del país y los tipos humanos y costumbres típicamente locales, llamaron la atención de los artistas, de manera que el retrato y el paisaje fueron haciéndose, poco a poco, más objetivos y naturalistas. Además, surge un nuevo interés por los temas de historia de Rusia, sus batallas y figuras centrales, la vida de los antiguos boyardos, la mitología y religiosidad populares; como resultado, se crean cuadros que reconstruyen visualmente la vida nacional del pasado, pero en una interpretación romántica y medievalista.


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text: Intelectuales de la época como Nikolái Dobroliúbov y Nikolái Chernishevski sostenían que el arte no debía apartarse de la realidad, sino explicarla y juzgarla. Los pintores consideraron entonces que el arte era algo más que la afirmación de la supremacía de la clase dominante o el retrato ameno y sin compromiso de la vida popular, y que debía usarse para educar moral y socialmente a un público más vasto. Surgió así un arte de crítica social, realista, que los pintores deseaban poder cultivar sin la dirección de la Academia. Así apareció, a mediados de siglo, un nacionalismo artístico que representa el primer momento realmente original de la pintura rusa desde la consolidación de las escuelas de iconos medievales. Esta pintura se centraba en representar al pueblo y el paisaje rusos.


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text: De esta primera mitad de siglo destaca Pável Fedótov (1815-1852), pintor moscovita que retrata con realismo pero irónicamente la sociedad burguesa de su época en obras como "La petición de matrimonio" y "La joven viuda". Un paisajista a medio camino entre el romanticismo y el realismo fue Lev Lvovich Kamenev (1831-1886), en cuyos cuadros destaca el estudio de la luz sobre la superficie del agua. La nueva pintura fue apoyada por el influyente crítico .


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text: No obstante, la Academia Imperial seguía atada a convenciones rígidas; prefería los temas históricos y mitológicos, los paisajes italianizantes y los retratos convencionales de la nobleza. Era un arte que empezaba a estar desfasado, aunque hubo maestros de talento entre sus filas, como Aleksandr Litóvchenko. Académicos extranjeros visitantes como Franz Xaver Winterhalter y dejaron en Rusia algunas de sus mejores obras, especialmente en el campo del retrato. La Academia, dada su íntima relación con el poder constituido, no podría abrazar una causa que era en esencia populista y burguesa, aunque entre los nuevos artistas no se observe una disminución de la calidad técnica en relación con los academicistas.


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text: En 1863, trece artistas, liderados por Iván Kramskói (1837-1887), insatisfechos con la línea académica, crearon la llamada "Peredvízhniki" (Sociedad de exposiciones ambulantes), que pretendía recuperar cierta tradición pictórica rusa, en particular la pintura de iconos, pero con un tratamiento naturalista. Tuvo un enorme éxito y llegaron a un público mucho más amplio. En sus primeros veinticinco años de actividad, la Sociedad de Ambulantes atrajo la atención de los principales artistas rusos, produjo más de tres mil obras y alcanzó a un público de un millón de personas en cerca de quince ciudades. No sólo la pintura profana se vio afectada por las innovaciones de los Ambulantes. También el arte sacro de Mijaíl Vrúbel (1856-1911), Iván Kramskói y mostró la asimilación de sus principios. Vrúbel perteneció al Círculo de Abrámtsevo; fue un dibujante de gran originalidad, que se enmarca en la transición del realismo al simbolismo; trató temas inspirados por la religión ortodoxa rusa, en particular con la figura del demonio. La influencia de la Sociedad de los Ambulantes fue tanta que obligó a la propia Academia a revisar sus posiciones: aceptó la tendencia, a la que llamó realismo ideológico, y más tarde contrató a algunos de sus miembros como profesores. La Sociedad luchó por un arte nacionalista que fuese también un arma de denuncia de las injusticias sociales; fue la avanzadilla de las vanguardias del momento hasta que ella misma, conquistada ya la aceptación de sus ideales por la Academia, comenzó a hacerse más rígida, proscribiendo las experimentaciones más radicales del Modernismo. Aun así, proporcionó la base para la posterior formación del Realismo socialista.


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text: El más destacado de los Ambulantes fue Iliá Repin (1844-1930), a quien se atribuye la introducción del realismo en la pintura rusa. Se formó como pintor de iconos y luego pasó por la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo. En sus minuciosos lienzos describió la sociedad de su época, con sus desigualdades ("Los sirgadores del Volga", "Procesión de Pascua en la región de Kursk"), y también episodios de la historia rusa; destacó igualmente como retratista de compositores y escritores. A este grupo de los Ambulantes pertenecieron también Vladímir Makovski (1846-1920), que empezó con escenas sociales y fue adoptando temas cada vez más políticos; Fiódor Vasíliev (1850-1873), uno de los mejores realistas rusos, que realizó numerosos paisajes; Isaac Levitan (1860-1900), el paisajista más destacado de la época, influido tanto por Alekséi Savrásov (1830-1897) como por Camille Corot y que encontró en escritores como Chéjov y Tolstói a grandes defensores de su arte; Valentín Serov (1865-1911), alumno de Repin y de formación académica, cultivó tanto el paisaje como el retrato, y fue escenógrafo para los Ballets rusos de Serguéi Diáguilev. Otros miembros notables de la sociedad de los ambulantes fueron: Abram Arjípov, Nikolái Bogdánov-Belski, Mijaíl Clodt, Nikolái Kasatkin, Arjip Kuindzhi, Rafaíl Levitski, Vasíli Maksímov, Grigori Miasoyédov, Vasili Perov, Illarión Priánishnikov, Konstantín Savitski, Iván Shishkin, Vasili Súrikov, Víktor Vasnetsov y Nikolái Yaroshenko.


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text: A finales del , hubo quienes defendieron unas ideas más liberales que los "Peredvízhniki" (Ambulantes), más abiertas a la influencia del arte occidental. Entre ellos estuvo el grupo llamado Mundo del Arte ("Mir Iskusstva"), fundado en 1889 por el pintor y escenógrafo Léon Bakst (1866-1924), Serguéi Diáguilev y Alexandre Benois. "Mir Iskusstva" es también el nombre de la revista que editaban. Atacaban la obsolescencia de los "Peredvízhniki" (Sociedad de exposiciones ambulantes) y el carácter antinatural de la sociedad industrial, y promovían la individualidad creativa y el espíritu Art Nouveau bajo una bandera positivista. Deseando hacer un arte accesible a todos, escogieron materiales más baratos como el "gouache" y la acuarela y redujeron la escala de sus trabajos. Konstantín Korovin, que además fue decorador y escenógrafo, (1861-1939) formó parte tanto del Círculo de Abrámtsevo como del Mundo del Arte; cultivó el género del paisaje y del retrato. Alumno de Repin fue Borís Kustódiev (1878-1927) que fue miembro del Mundo del Arte, la Sota de Diamantes y, tras la Revolución, de la Asociación de Artistas de la Rusia Revolucionaria. Realizó ilustraciones satíricas para periódicos como "Ádskaya Pochta". Al grupo Mundo del Arte perteneció igualmente (1875-1958), quien había expuesto con los Peredvízhniki, que tuvo una importante labor crítica y teórica; a partir de 1925 se integró en la Asociación de Artistas de la Rusia Revolucionaria. Kuzmá Petrov-Vodkin (1878-1939) también fue miembro del Mundo del Arte, con una obra muy original pionera en la pintura de vanguardia. El grupo Mundo del Arte se disolvió y fue sustituido por la Unión de Artistas Rusos, para después reaparecer con el antiguo nombre.


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text: A principios del , la cultura rusa se encontraba en un estado de febril efervescencia. Se adoptaron estilos modernos como el simbolismo o el impresionismo, y también revisitaron estilos históricos a través del neoprimitivismo, neogótico o neorromanticismo. Así, artistas como Konstantín Bogaevski, Nikolái Krýmov, Víktor Borísov-Musátov, Piotr Subbotin-Permiak, Natalia Nésterova, Vasili Denísov, Konstantín Korovin, Mijaíl Nésterov y Abram Arjípov crearon un puente entre la figuración académica y las artes visuales modernas, incluyendo importantes cambios en la técnica pictórica. Después penetraron en Rusia el cubismo, el expresionismo y el futurismo, que se combinaron con elementos nacionalistas para dar lugar a una nueva estética, hacia 1910, a la que se llama vanguardia rusa. En este momento, es la pintura rusa la que contribuye de manera trascendental al arte occidental a través de experiencias como el constructivismo, el suprematismo o el rayonismo, además de contribuir significativamente al nacimiento y teorización de la pintura abstracta con Kandinski.


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text: En Vítebsk (hoy Bielorrusia) nació Marc Chagall, en el seno de una familia judía. Estudió en San Petersburgo y, después de la revolución, fue comisario de arte en Vítebsk. Tuvo un estilo muy original que mezclaba la influencia del judaísmo y la pintura rusa de iconos. Pasó la mayor parte de su vida en Francia, cuya nacionalidad adoptó y donde murió.


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text: La obra de Vasili Kandinski ((Moscú, 1866-Neuilly, 1944) ilustra la llamada abstracción lírica. Estudió en Múnich, y su trabajo se incluyó después en el movimiento "Der Blaue Reiter". Cuando estalló la Primera Guerra Mundial volvió a Moscú. En la URSS organizó la Academia de Ciencias Artísticas. De nuevo en Alemania, impartió clases en la Bauhaus (1922-1932) hasta que la llegada del nazismo le llevó a vivir a Francia, donde vivió hasta su muerte. La obra inicial de Kandinski estuvo dominada por el impresionismo, el fovismo y el cubismo. Pero en torno al año 1910 su obra se hizo cada vez más abstracta, combinando simplemente formas y colores, de manera geométrica. Se reputa a Kandinski ser el fundador de la pintura abstracta, pues se le atribuyen las primeras pinturas occidentales enteramente abstractas. Sus ensayos contribuyeron al desarrollo teórico de la pintura abstracta: "De lo espiritual en el arte" (1910), "Del problema de la forma" y "Punto y línea sobre la superficie" (1926).


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text: Aleksandr Ródchenko (1891–1956), tras haber pintado sus tres monocromos ("Amarillo puro, Azul puro, Rojo puro", 1918) y El Lissitzky, aprovecharon su conocimiento de la forma para ir avanzando hacia una concepción utilitaria del arte. Ródchenko creó el movimiento no-objetivista (1915), análogo al suprematismo. Lázar Lissitzky, llamado El Lissitzky (1890-1941) ilustró libros, luego, inspirado por el constructivismo y el suprematismo, realizó obras de vanguardia como los "Proun." Paralelamente, Vladímir Tatlin (1885-1953) creó con sus relieves abstractos una de las primeras formulaciones de lo que se llamaría el constructivismo. Partió de las formas cubistas, para desarrollar una obra abstracta en tres dimensiones. Otras figuras de renombre serían Vladímir Maiakovski, Varvara Stepánova y Liubov Popova.


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text: Con Kandinski estudió Aristarc Lentulov (1882-1943), quien formó parte del grupo la Jota de Diamantes y expuso con el Mundo del Arte. En los años treinta, bajo las teorías artísticas de estalinismo dejó la abstracción y se orientó hacia lo figurativo.


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text: El cubismo está representado por Aleksándr Archipenko (Kiev, 1887- Nueva York, 1964), quien inventó la «archipintura», pinturas móviles; desde los años veinte vivió y trabajó en los Estados Unidos.


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text: Por su parte, Mijaíl Lariónov (Tiraspol, cerca de Odesa, 1881-Fontenay-aux-Roses, 1964) y Natalia Goncharova (1881-1962), compañeros sentimentales que trabajaron juntos, llevaron hasta la abstracción pura su método de transcripción del fenómeno luminoso, al que denominaron rayonismo y que empezó en Rusia en el año 1910. El rayonismo partía de otras tendencias precedentes, en particular el cubismo, el orfismo y el futurismo.


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text: Tras haber sido el principal representante del cubo-futurismo, Kazimir Malévich (Kiev, 1878-Leningrado, 1935) rompió radicalmente con todas las viejas concepciones del arte al pintar en 1915 "Carré noir", que dio lugar al suprematismo. Pasó por el postimpresionismo, el neoprimitivismo, el cubismo y luego contactó con el futurismo y "Der Blaue Reiter". Escribió el "Manifiesto del suprematismo" (1915), así como "Del cubismo al suprematismo". En los años treinta abandonó la abstracción y volvió a la pintura figurativa. Las propuestas suprematistas son las más radicales de la vanguardia rusa, pues llevaron la abstracción geométrica a extremos de simplificación en obras radicales como "Cuadrado negro sobre fondo blanco". Otros participantes fueron Aleksandra Ekster, Olga Rozanova, Nadezhda Udaltsova, Anna Kagan, Iván Kliun, Liubov Popova, Nikolái Suetin, Iliá Chashnik, Lázar Khidekel, Nina Genke-Meller, Iván Puni y Ksenia Boguslavskaya.


title: Pintura de Rusia

text: El gran público no recibió con facilidad estas obras, acostumbrado como estaba al arte académico y a un modernismo moderado. Estos movimientos de vanguardia buscaban no sólo una nueva sensibilidad sino también un arte con función social positiva, libre de las convenciones del arte burgués. Por eso, cuando estalló la Revolución de 1917 los apoyó tanto el gobierno revolucionario a través de Anatoli Lunacharski, que encabezaba el Comisariado Popular de Educación, como los movimientos literarios que deseaban colocar el arte al servicio del proletariado, como el Proletkult. En la primera década posterior a la Revolución se originó un extraordinario movimiento de vanguardia en todas las artes, los artistas tuvieron una amplia libertad de acción, el debate sobre el nuevo papel de las artes permanecía candente y la tónica fue el experimentalismo. Pero llegó un momento en que el apoyo oficial cesó. El Partido Comunista, ya firmemente instalado en el poder, consideró necesario crear nuevas reglas para el arte nacional. En 1928 todas las instituciones culturales independientes fueron cerradas, Lunacharski fue destituido y se inició la elaboración de un nuevo programa oficial para la cultura rusa.


title: Pintura de Rusia

text: Una vez establecido el nuevo régimen, las innovaciones artísticas de la vanguardia rusa se vieron con sospecha, al haber surgido antes de la Revolución, y se consideraba que posiblemente era arte decadente y burgués. Además, muchos miembros del PCUS, como gran parte de la población, no apreciaban las estéticas de vanguardia, rechazaban una abstracción que no comprendían y que no les parecía útil como ilustración doctrinaria. Es significativo que la última exposición de vanguardia se celebrase en Leningrado entre noviembre de 1932 y mayo de 1933: Malévich presentó en ella obras figurativas muy esquematizadas, personas privadas de rostro contra paisajes vacíos.


title: Pintura de Rusia

text: La nueva política se oficializó en 1932 cuando Stalin promulgó el decreto "Sobre la reconstrucción de las organizaciones literarias y artísticas". Sus directrices se impusieron incluso con violencia, castigándose severamente al que se rebelara. Las restricciones hicieron que muchos intelectuales y artistas emigraran a otros países. Tras la Segunda Guerra Mundial, el arte de Occidente fue declarado de nuevo nocivo y varios pintores enviados al exilio a Siberia. Aunque tras la muerte de Stalin se atenuó el rigor, incluso en los setenta podía, sin previo aviso, clausurarse una exposición y destruirse las obras expuestas.


title: Pintura de Rusia

text: Lo que se pretendía era glorificar la lucha del proletariado por el progreso y el logro de una sociedad socialista ideal. Según el "Estatuto de la Unión de Escritores Soviéticos", de 1934, el realismo socialista debía ser una representación artística históricamente fiable de la realidad en su desarrollo revolucionario. Debía tener un carácter educativo de transformación ideológica de los trabajadores en el espíritu del socialismo. Gorki, decretó que la obra socialista debía tener cuatro características esenciales. Sería:


title: Pintura de Rusia

text: Como el proletario era el centro de esa nueva sociedad, se volvió de nuevo un objeto digno de estudio, como en la época romántica o la de los "Ambulantes". También el líder de ella debía ser elogiado y representado de manera exaltada, junto con ambientes fabriles y campesinos. Siendo ahora el Estado el único mecenas, todo artista se volvía un empleado de la maquinaria estatal, y la pintura, asociándose a las artes gráficas, frecuentemente fue reproducida en gran escala en carteles propagandísticos.


title: Pintura de Rusia

text: El realismo socialista fue figurativo y de talante optimista. En cuanto a su veracidad histórica, es más bien irreal, incurriendo en excesos a la hora de representar la fuerza, las virtudes o la alegría y contentamiento del proletario. Las opciones eran limitadas, y el estilo pronto se hizo repetitivo, decayendo su calidad. No había lugar a las obras experimentales, que se proscribían por ser consideradas decadentes, obscenas, vulgares, formalistas, pesimistas o degeneradas, y por lo tanto, desde el principio, anti-comunistas.


title: Pintura de Rusia

text: Muchas son las críticas que se le han hecho al realismo socialistas: la destrucción de la cultura nacional, imponiendo una artificial; la abolición de los lazos orgánicos entre el creador y la obra, sustituidos por un programa apriorístico; la obligatoriedad de tratar unos temas determinados; el aislamiento del arte ruso respecto a las tendencias contemporáneas en el resto de Europa; la supresión de la espontaneidad e individualidad creadora. Pero, por encima de todo, se condena la represión a aquellos que se desviaban de la norma: pequeños detalles podían llevar a un artista al exilio o la muerte.


title: Pintura de Rusia

text: No obstante, parte de este arte alcanzó un alto nivel, tanto estético como ético y técnico. Muchos de los pintores habían sido formados en la Academia, y muchos también se adhirieron a estos principios de buena voluntad, por encontrarse en sus ideales individuales. Entre sus representantes más típicos estabam Izaak Brodski, Kuzmá Petrov-Vodkin, Georgi Riazski, Borís Ioganson, Aleksándr Gerasimov, Aleksándr Moravov, Iván Vladímirov, Borís Vladímirsky, Karp Trojimenko, Tarás Gaponenko, Aleksándr Laktionov, Piotr Dobrinin, Alekséi Nesterenko, Valentín Lisenkov, Vasili Ivánov, Vladímir Krijatski, Mijaíl Bozhie, Vasili Saicenko y Nikolái Terpsijorov.


title: Pintura de Rusia

text: A la muerte de Stalin en 1953, el realismo socialista comenzó a ser atacado por el propio Partido Comunista en aspectos como el culto a la personalidad. Artistas que hicieron carrera siguiendo sus dictámenes, como Aleksandr Gerásimov, autor de retratos idealizados de Iósif Stalin, perdieron sus cargos oficiales, y otros que habían sido proscritos, como Kuzmá Petrov-Vodkin, fueron rehabilitados. Pero esta nueva atmósfera de libertad no logró grandes avances, y el realismo socialista siguió siendo la directriz principal en pintura.


title: Pintura de Rusia

text: Los artistas disidentes, que fueron conocidos como los inconformistas, siguieron trabajando en gran medida en la oscuridad y el aislamiento, aunque en ese momento se sintieron unidos en torno de un propósito común. No eran un grupo organizado ni tenían una propuesta estética unificada. Pero tenía un objetivo común: desmitificar el idealismo artificial y autoritario del arte estatal, que no reflejaba la realidad como pretendía. Hubo grupos inconformistas en Moscú, San Petersburgo y otras ciudades. En los setenta las autoridades los aceptaron, si bien de manera limitada. No había mercado para ellos, y sólo una mínima parte de sus trabajos lograba exponerse. El coleccionista estadounidense Norton Dodge, con ayuda de diplomáticos extranjeros y autoridades locales tolerantes, adquirió clandestinamente un gran acervo de más de diecisiete mil obras entre 1956 y 1986, que instaló en el Museo de Arte Jane Voorhees Zimmerli de la Universidad de Rutgers, en los Estados Unidos. Entre los inconformistas estuvieron , Lidia Masterkova, Koriún Nahapetián, Vladímir Nemujin, Aleksándr Rappoport, Yevgueni Rujin, Vasili Sítnikov, Oleg Vasíliev, Vladímir Yankilevski y Anatoli Zvérev. En esa misma década de los setenta surgieron los conceptualistas rusos, centrados en Moscú, que trabajaban los principios del arte conceptual. Entre ellos estaban el ya mencionado Erik Bulátov, , , Andréi Monastyrski y Víktor Pivovárov.


title: Pintura de Rusia

text: Con la apertura gradual de la política de la Unión Soviética en los ochenta, que finalmente condujo a la desintegración de todo el bloque comunista, todo el programa oficial de arte también se derrumbó. Artistas como R. Bichuns, P. Torda, D. Zhilinski, E. Shteinberg, M. Romadin, M. Leis y V. Kalinin fueron ampliamente reconocidos. Se abrió definitivamente Rusia a los avances del arte occidental contemporáneo y hubo una rápida expansión en el panorama de la pintura rusa, un fenómeno que continúa hasta hoy en día.


title: Pintura de Rusia

text: Existen en Rusia otras tradiciones pictóricas, apartadas de la pintura convencional, como las miniaturas laqueadas y la pintura primitiva o folclórica.


title: Pintura de Rusia

text: Las miniaturas laqueadas surgen en el en torno a la ciudad de Fedóskino, de ahí que también se las conozca como «». Se trata de pinturas, normalmente sobre papel maché, utilizando no sólo óleo sino ricos pigmentos como madreperla, polvo de metales preciosos, de manera que crea el efecto de un brillo plateado. Su momento álgido fue el . Los temas son variados: paisajes, escenas de caza, composiciones florales y retratos, pero sobre todo se preferían escenas de leyendas rusas y escenas de género locales, como bebedores de té con samovares, troikas y escenas de la vida campesina rusa. Otros importantes centros de producción además de Fedóskino son Jolui, Zhóstovo, Mstiora y Pálej. La pintura de Fedóskino contemporánea conserva los rasgos típicos del arte folclórico ruso.


title: Pintura de Rusia

text: Luego hay una pintura popular, primitiva, ingenua y folclórica que comenzaron a aparecer a principios del . Los artistas primitivos, anónimos, que estaban fuera de las escuelas estatales, repetían modelos formales precedentes, usando técnicas tradicionales. Tenían algún conocimiento del arte por trabajar muchas veces para la nobleza rural, quienes deseaban imitar a la nobleza urbana dotando de obras de arte sus mansiones. Desarrollaron un retrato derivado de la tradición de los "parsunas".


title: Pintura de Rusia

text: Estos artistas populares pueden distinguirse, aunque no con facilidad, de los ingenuos o «naïf», quienes eran artistas cultos, no del pueblo, pero que creaban un estilo único y extravagante que luego repetían como una fórmula. Los naïf aparecen a finales del y la llegada del comunismo tuvo un fuerte impacto sobre ellos, multiplicándose este tipo de obras.


title: Pintura de Rusia

text: Todos estos artistas al margen del arte oficial, los primitivos y los naïf, han recibido recientemente mayor atención del gobierno y los coleccionistas, con museos dedicados a la preservación y difusión de estos trabajos.


title: Ciconiiformes

text: Los ciconiiformes (del latín "ciconia" 'cigüeña' y "-formis" 'forma': «los que tienen forma de cigüeña») son un orden de aves neognatas cuya amplitud y composición ha sido muy discutida durante años. Los últimos avances taxonómicos sugieren que solo debería incluir la familia Ciconiidae. Los cicónidos se conocen vulgarmente como cigüeñas. Son aves de cuello largo, zancudas y acuáticas que habitan en las regiones templadas y cálidas del mundo. Su dieta consiste en ranas, peces y pequeñas aves o mamíferos. Se distribuyen principalmente en Europa, Asia y África, con solo tres especies en América.


title: Ciconiiformes

text: Tras el último Congreso Ornitológico Internacional, a raíz de la convención de 2010 de la American Ornithologists' Union, se ha llegado al consenso de que las familias Ardeidae, Threskiornithidae, Scopidae, Balaenicipitidae deben clasificarse en el orden Pelecaniformes, con lo que el orden Ciconiiformes solo debe incluir la familia Ciconiidae.


title: Sociedad limitada nueva empresa

text: Una sociedad limitada nueva empresa (SLNE) es una especialidad de la sociedad de responsabilidad limitada. Este tipo de sociedades mercantiles ha sido creado por la legislación española en el año 2003 para facilitar la constitución de las sociedades que cumplan una serie de requisitos.


title: Sociedad limitada nueva empresa

text: Se puede constituir de manera presencial o telemática, a través del CIRCE (Centro de Información y Red de Creación de Empresas).


title: Sociedad limitada nueva empresa

text: Está regulada por el Real Decreto Legislativo 1/2010, del 2 de julio, por el que se aprobó el texto refundido de la Ley de Sociedades de Capital.


title: Sociedad limitada nueva empresa

text: Los socios fundadores podrán incluir en el objeto social cualquier actividad singular distinta de las indicadas anteriormente. Si la inclusión de dicha actividad singular diera lugar a una calificación negativa del registrador mercantil de la escritura de constitución de la sociedad, no se paralizará su inscripción, que se practicará, sin la actividad singular en cuestión, siempre que los socios fundadores lo consientan expresamente en la propia escritura de constitución o con posterioridad.


title: Sociedad limitada nueva empresa

text: En ningún caso podrán incluirse en el objeto social actividades para las cuales se exija forma de sociedad anónima ni aquellas cuyo ejercicio implique objeto único y exclusivo.


title: Sociedad limitada nueva empresa

text: No podrán constituir ni adquirir la condición de socio único de una sociedad nueva empresa quienes ya ostenten la condición de socios únicos de otra sociedad nueva empresa.


title: Sociedad limitada nueva empresa

text: Así, en la escritura de constitución de la sociedad nueva empresa unipersonal o en la escritura de adquisición. se hará constar por el socio único que no ostenta la misma condición en otra sociedad nueva empresa.


title: Sociedad limitada nueva empresa

text: La declaración de unipersonalidad de la sociedad nueva empresa podrá hacerse en la misma escritura de la que resulte dicha situación.


title: Sociedad limitada nueva empresa

text: Siempre que se utilicen los estatutos sociales orientativos oficiales, el registrador mercantil deberá calificar e inscribir, en su caso, la escritura de constitución en el plazo máximo de veinticuatro horas, a contar desde el momento del asiento de presentación o, si tuviere defectos subsanables, desde el momento de presentación de los documentos de subsanación.


title: Sociedad limitada nueva empresa

text: La administración podrá confiarse a un órgano unipersonal o a un órgano pluripersonal, cuyos miembros actuarán solidaria o mancomunadamente. Cuando la administración se atribuya a un órgano pluripersonal, en ningún caso adoptará la forma y el régimen de funcionamiento de un consejo de administración.


title: Sociedad limitada nueva empresa

text: La representación de la sociedad y la certificación de los acuerdos sociales corresponderá, caso de existir un administrador único, a éste; caso de existir varios administradores solidarios, a uno cualquiera de ellos; y en el supuesto de existir varios administradores mancomunados, a dos cualesquiera de ellos.


title: Sociedad limitada nueva empresa

text: En la sociedad nueva empresa, sólo podrán llevarse a cabo modificaciones en la denominación, en el domicilio social y, dentro de los límites fijados en la ley, en el capital social.


title: Botifler

text: Una posible etimología es la expresión francesa "beauté fleur" (‘la bella flor’), en referencia a la flor de lis dorada sobre fondo azul que compone el escudo de armas del linaje borbónico. No obstante, en la primera mención al apodo, que se halla en las "Narraciones históricas" del austracista Francisco de Castellví y Obando, este constata que en 1703 en Barcelona, tras las noticias llegadas a la capital catalana de las batallas de Nimega (1702) y Eckeren (1703), se motejaba a los seguidores de la Casa de Borbón con una palabra derivada del apellido del mariscal Louis François de Boufflers.


title: Botifler

text: Los lingüistas Pere Labèrnia Esteller, Francesc de Borja Moll y Joan Corominas sostienen que la palabra "botifler" guarda la misma raíz ("botir": ‘hinchar’, ‘hincharse’) que el término "botiró", usado por primera vez en Centellas durante la revuelta de los Barretines de 1689 para referirse a los soldados del rey. Un origen que parece confirmar un documento de 1707 que afirma que la palabra "botifler" procedía de Vich. Así "botifler" y "botiró", según el historiador Joaquim Albareda, «podrían tener la misma connotación de persona arrogante, presumida, orgullosa».


title: Mermaid Saga

text: Mermaid Saga, o La saga de la sirena en español, es un manga creado por Rumiko Takahashi, de la cual fue uno de sus primeros trabajos; la serie se divide en tres partes: "Mermaid Forest" ("El bosque de la sirena"), "Mermaid's Scar" ("La cicatriz de la sirena") y "Mermaid's Gaze" ("La mirada de la sirena"). Se han realizado dos adaptaciones animadas de la serie: una en formato de 2 OVAs y otra en formato de serie TV que consta de 13 episodios.


title: Mermaid Saga

text: Hay una leyenda que dice que quien consuma carne de sirena conseguirá inmortalidad pero esto es solo la mitad de la verdad, la otra mitad de la verdad es que no todos son aptos para consumir esa carne y de esta forma el que no es apto para consumirla y la come se convierte en un monstruo sin conciencia.


title: Mermaid Saga

text: "Mermaid Saga" apareció en Japón en agosto de 1991 y enseguida llegó a EE. UU., distribuida por Central Park Media y Viz Comics en "Rumik World" . Dentro del cómic "Rumik World" llegó a Europa con "Diana Risueña" y "Trampa de fuego".


title: Mermaid Saga

text: Mana es arrollada por un camión y muere, pero el doctor Shiina recupera lo que cree su cadáver antes de que Yuta la rescate. Quiere usar a Mana para operar a Towa, una extraña chica con una mano deforme que permanece joven mientras que su hermana gemela, Sowa, ya es una mujer anciana.


title: Mermaid Saga

text: Yuta y Mana, de paso en un pueblo costero, conocen a la joven Yukei, que les explica que en una mansión cercana pasan cosas extrañas: se rumorea que su dueña volvió de la muerte, y un extraño cuerpo deforme apareció flotando en la bahía. Yuta se interesa por el caso y va en busca del hijo de la viuda.


title: Mermaid Saga

text: Yuta es el protagonista de la serie manga y anime Mermaid Saga. Tiene apariencia de un chico de 17-18 años, aunque en realidad podría tener más de 500 años. Su historia es sencilla, proveniente de una familia pesquera, comió una vez junto a sus compañeros, la mítica carne de sirena, que se dice lleva a la inmortalidad. Pero mientras que a él sí se le concedió la inmortalidad, sus compañeros murieron rápidamente o se convirtieron en "almas perdidas" (monstruos deformes e irracionales). Yuta siguió con su vida hasta descubrir la segunda parte de la maldición: la inmortalidad y la juventud eterna. Después de varios siglos de vida errante, lo que más desea es encontrar algún método para volverse mortal de nuevo, sin embargo él se rehúsa a morir cortándose la cabeza (única forma de perecer). Entonces, viaja en busca de las sirenas, pues cree que son las únicas que podrán quitarle la inmortalidad.


title: Mermaid Saga

text: Ella es un ser inmortal y la compañera de Yuta, la cual tiene quince años cuando gana la inmortalidad al comienzo de la serie. Fue criada por un grupo de ancianas que la mantuvieron cautiva e incapacitada en una choza. Una vez que llega a la adolescencia, las ancianas se disponen a consumir la carne humana de Mana a fin de recuperar su juventud. Pero Mana viaja con Yuta después de que él la rescata. La misma, desarrolla un gran sentido de la lealtad y sentimientos hacia él, pero debido a su naturaleza un tanto ingenua y en mal estado, ella no parece darse cuenta de la verdad de sus emociones hacia él, pues pueden ser amor o solo simple afecto.


title: Camilo Zapata

text: Ramón Arnoldo Zapata Zúñiga, más conocido como Camilo Zapata (Managua, 25 de septiembre de 1917 - 23 de junio del 2009), fue un compositor y cantautor nicaragüense considerado el creador del Son nica, ritmo musical propio y característico de Nicaragua, siendo uno de los músicos y compositores más importantes de la música vernácula popular nicaragüense.


title: Camilo Zapata

text: Camilo Zapata nació en Managua el 25 de septiembre de 1917, de madre jinotepina y padre chinandegano.


title: Camilo Zapata

text: Su vida artística inició a la edad de quince años (1932) cantando como solista en la emisora "Rubén Darío" de la capital; mientras sus compañeros Francisco Fiallos, Juan Ramón Bermúdez y David Loáisiga, debutaban en la emisora "YNOP". En ese tiempo estaban de moda los paseos a la costa del Lago Xolotlán. Mucha gente se reunía en el sector de Miralagos, lo que aprovechaba Camilo y otros jóvenes para tocar la guitarra, cantar y dar a conocerse.


title: Camilo Zapata

text: Después de graduarse de Bachiller en Ciencias y Letras en el Colegio "Bautista", estudió topografía por correspondencia.


title: Camilo Zapata

text: Luego del terremoto del 23 de diciembre de 1972 que destruyó la capital, se afincó en la ciudad de Chinandega.


title: Camilo Zapata

text: Su fulgurante aparición en el mundo musical de Nicaragua hay que ubicarla en su momento histórico, cuando se compromete en la búsqueda y la afirmación de la identidad nacional nicaragüense, tras las negativas consecuencias culturales que había dejado la ocupación norteamericana (1927-1933) en su país. Por eso no resulta arbitrario relacionar la publicación en 1934 de Poemas Nicaragüenses de Pablo Antonio Cuadra, con "Caballito Chontaleño" de Camilo Zapata, canción escrita ese mismo año, en compás de seis por ocho, constituyendo la partida de nacimiento del Son nica.


title: Camilo Zapata

text: Con este nombre se ha identificado ese ritmo popular y típico esencialmente "nicaragüense" iniciado por Zapata, conforme a lo dicho por el mismo:


title: Camilo Zapata

text: Después estrena "El Nandaimeño", "El Solar de Monimbó" y "El Ganado Colorado", por citar tres de sus piezas consagratorias, que se ejecutan en un "ritmo" que José Francisco Borgén propuso denominar con acierto "rascado" y que, erradamente, se le difundió como "Canción folklórica". El mismo Borgén describió a Zapata cuando participaba en los programas en vivos de la Radio "La voz de la América Central"


title: Camilo Zapata

text: Su humildad le atrae simpatías; pero, más que su humildad, el hecho de llevar al micrófono melodías frescas de nuestros campos" y también de nuestros pueblos y ciudadelas, como lo revelará en sus canciones "Nindirí", "Ticuantepe" y "Callecita Colonial".


title: Camilo Zapata

text: Camilo Zapata se había graduado en México de Ingeniero Topógrafo con especialidad en Sistemas de Riego y Conservación de Suelos, profesión que le condujo a conocer, palmo a palmo, buena parte del territorio nacional y a crear en palabras del poeta Pablo Antonio Cuadra:


title: Camilo Zapata

text: Integra junto con Erwin Krüger y Tino López Guerra el Trío de Oro (trilogía) de la música típica o vernácula popular de Nicaragua. Además, fue el primer nicaragüense que grabá en disco de acetato el Son nica con "Caballito chontaleño" y "El solar de Monimbó", prensado por la RCA de México, cuando los discos eran de 78 revoluciones por minuto (rpm); y el primero en internacionalizarse. Sus composiciones fueron interpretadas por los Hermanos Silva (chilenos), Los Diamantes (peruanos), Los Quipus (ecuatorianos) y otros más quien se interesaron por la majestuosa obra de cantautor.


title: Camilo Zapata

text: Según el folclorista Bayardo Ortiz, en ""El solar de Monimbó"" el compositor se inspiró al ver bailar a grupos de danzantes en el solar de Miguel Bolaños, frente a la iglesia María Magdalena de Monimbó, Masaya.


title: Camilo Zapata

text: Sin embargo, su producción no se limitó a la tendencia vernácula. Su "Pregón del Paletero", popularizado en los años 40 del siglo XX, no era un aire nicaragüense, sino que estaba tocado de cubanismo.


title: Camilo Zapata

text: Por lo demás, fue autor de melodías de toda índole: valses, tangos, pasillos, boleros, pregones y villancicos. En este último género tuvo repercusión su "Campanitas de Navidad".


title: Camilo Zapata

text: El 16 de abril de 1994, la Casa del Artista le brinda un homenaje al insigne compositor. Varias cuadras se cerraron para que la gimnasia rítmica del Instituto Nacional "Miguel Ramírez Goyena" de Managua y por lo menos cinco mil personas dijeran adiós al gran compositor pinolero que se marcha de su amada Nicaragua, para residir en los Estados Unidos de América.


title: Camilo Zapata

text: Carlos Garzón -orfebre de renombre- impuso la "Distinción en Oro", seguido de la entrega de un "Pergamino de Honor" por parte de la Compañía Cervecera Nacional (CCN). La "Casa del Artista Nacional" entregó también un reconocimiento.


title: Camilo Zapata

text: Una centena de artistas rindió homenaje al gran compositor; los grandes Jorge Isaac Carvallo, Otto de la Rocha y Mario Montenegro, la actriz Eveling Martínez y el Trío "Los Andes", entre otros. Participaron también poetisas, fonomímicos, guitarristas, representantes de ENIGRAC, diputados de la Comisión de Educación y Cultura de la Asamblea Nacional de Nicaragua, el coreógrafo Bayardo Ortiz y miembros honorarios de la Casa del Artista Nacional.


title: Camilo Zapata

text: En este homenaje Camilo Zapata inauguró, junto con Gilberto Guzmán, el mural que está situado a la entrada de la Casa del Artista Nacional, obra del caricaturista y pintor Luis Cuadra, mejor conocido en el ambiente artístico como "ARCHI NICA".


title: Camilo Zapata

text: El 29 de agosto de 1998, el Ballet Folklórico Nicaragüense, le brindó un homenaje a "El Clarinero Mayor" con la puesta en escena del tema musical "Minga Rosa Pineda", se seleccionó este tema por ser uno de los más conocidos de Camilo Zapata, dijo el director del grupo, Ronald Abud Vivas.


title: Camilo Zapata

text: Camilo Zapata vivió rodeado de trofeos, diplomas y condecoraciones que, el gobierno de Nicaragua y extranjeros, e tributaron en reconocimiento a su labor artística.


title: Camilo Zapata

text: Entre otras, Camilo Zapata tiene muchas canciones de las cuales solamente una pequeña parte se logró grabar para el pueblo Nicaragüense.


title: Primera Liga de Eslovenia

text: La Primera Liga de Eslovenia (), conocida también como Prva Liga Telemach por motivos de patrocinio, es la máxima categoría del sistema de ligas de fútbol de Eslovenia. Comenzó a disputarse en la temporada 1991-92, coincidiendo con la independencia del país, y es organizada desde 2012 por la Asociación de Fútbol de Eslovenia.


title: Primera Liga de Eslovenia

text: Antes de contar con una liga organizada, los equipos eslovenos formaron parte del sistema de ligas yugoslavo. Desde 1920 hasta 1941 existió una liga regional organizada por la Subasociación de Fútbol de Liubliana, integrada en la Federación Yugoslava. Con la constitución de la República Federal de Yugoslavia se creó una tercera categoría reigonal, la Liga de la República de Eslovenia (en esloveno: "Slovenska republiška nogometna liga"), al mismo tiempo que los mejores clubes podían ascender a las dos divisiones federales. Los únicos clubes de la zona que han jugado en la Primera Liga de Yugoslavia han sido el NK Olimpija Ljubljana, el NK Maribor y el Nafta Lendava.


title: Primera Liga de Eslovenia

text: Con la independencia de Eslovenia en 1991, la Asociación de Fútbol de Eslovenia se desligó de la yugoslava y pasó a organizar sus propias competiciones. El Olimpija, por aquel entonces el único con estructura profesional, se proclamó campeón de las cuatro primeras ediciones. A partir de 1995-96 se redujo el número de participantes a diez para mejorar el nivel competitivo. El ND Gorica se hizo ese año con el título, convirtiéndose en el primer vencedor que no procedía de la capital, y a partir de 1997 el NK Maribor se consolidó como la mayor potencia del fútbol esloveno con siete títulos consecutivos.


title: Primera Liga de Eslovenia

text: En 2001 la organización de la Primera Liga quedó en manos de los clubes participantes a través de la asociación "Združenje 1. SNL". Sin embargo, diversos problemas han provocado que la Federación Eslovena retomase la gestión del torneo en 2012.


title: Primera Liga de Eslovenia

text: En la década de 2010, el NK Maribor se convirtió en el equipo más laureado del país pero ha afrontado una mayor competencia de otros clubes nacionales, tales como el SDNK Olimpija Ljubljana —una refundación del equipo original—, el NK Domžale y el NS Mura.


title: Primera Liga de Eslovenia

text: La Primera Liga de Eslovenia es la máxima categoría del sistema de ligas nacional, bajo organización de la Asociación de Fútbol de Eslovenia. La competición se disputa anualmente, desde agosto hasta mayo del año siguiente, y consta de diez participantes. Siguiendo un sistema de liga, los clubes se enfrentarán todos contra todos en cuatro ocasiones —dos en campo propio y dos en el del rival— hasta disputar un total de 36 jornadas. El orden de los encuentros se decide por sorteo antes de empezar la competición.


title: Primera Liga de Eslovenia

text: La clasificación final se establece con arreglo a los puntos totales obtenidos por cada equipo al finalizar el campeonato. Los equipos obtienen tres puntos por cada partido ganado, un punto por cada empate y ningún punto por los partidos perdidos. Si al finalizar el campeonato dos equipos igualan a puntos, existen mecanismos de desempate:


title: Primera Liga de Eslovenia

text: El equipo que más puntos sume al final del campeonato será proclamado campeón de Liga y obtendrá el derecho automático a participar en la primera ronda clasificatoria de la Liga de Campeones de la UEFA. El segundo y tercer clasificado obtienen una plaza en la primera ronda clasificatoria de la Liga Europa Conferencia de la UEFA, mientras que el campeón de la Copa de Eslovenia disputará el mismo torneo desde la segunda ronda.


title: Primera Liga de Eslovenia

text: El último clasificado desciende a la Segunda Liga de Eslovenia y, de esta, ascenderá recíprocamente el campeón de la división inferior. El penúltimo disputa una promoción a ida y vuelta contra el segundo clasificado de la división inferior.


title: Cinta perforada

text: La cinta perforada es un método obsoleto de almacenamiento de datos, que consiste en una larga tira de papel en la que se realizan agujeros para almacenar los datos. Fue muy empleada durante gran parte del para comunicaciones con teletipos, y más tarde como un medio de almacenamiento de datos para miniordenadores y máquinas herramienta tipo CNC.


title: Cinta perforada

text: Las primeras cintas perforadas se emplearon en los telares mecánicos y bordados, donde tarjetas con instrucciones simples acerca de los movimientos solicitados de la máquina fueron primero alimentadas individualmente, después controladas por otras tarjetas de instrucciones y más tarde fueron como una sucesión de tarjetas adheridas. (Ver telar Jacquard).


title: Cinta perforada

text: Esto llevó al concepto de comunicar la información no como una sucesión de tarjetas individuales sino como una "tarjeta continua", o cinta. Muchos operadores de bordado profesional se siguen refiriendo a las personas que crean los diseños y patrones mecánicos como "perforadores", aunque tanto las tarjetas como las cintas perforadas dejaron de usarse, tras muchos años, hacia la década de 1990.


title: Cinta perforada

text: Los datos estaban representados por la presencia o ausencia de un agujero en la cinta en una posición determinada. Las cintas originales tenían cinco filas de agujeros para los datos. Cintas posteriores tuvieron 6, 7 y 8 filas. Una fila extra de agujeros consecutivos más pequeños servía para arrastrar la cinta, generalmente con una rueda dentada. El texto se codificaba de varias maneras. El estándar de codificación de caracteres más primitivo fue el de Baudot, que se remonta al y tenía 5 agujeros. Estándares posteriores, tales como el Fieldata y el Flexowriter, tenían 6 agujeros. A comienzos de la década de 1960, la Asociación Americana de Estándares ("American Standards Association", ASA) llevó a cabo un proyecto para desarrollar un código universal para el procesamiento de datos, que sería conocido como ASCII. Este código de 7 niveles fue adoptado por algunos fabricantes de teletipos, como AT&T (Teletype). Otros, como Télex, siguieron empleando el Baudot.


title: Cinta perforada

text: Una variación de la cinta perforada fue el dispositivo llamado "Impresora Troqueladora" ("Chadless Printing Reperforator"). Esta máquina era capaz de marcar las señales de teletipo recibidas en una cinta y de imprimir el mensaje sobre ella al mismo tiempo, usando un mecanismo de impresión similar al de una impresora de páginas corriente. El marcado, en lugar de perforar completamente los habituales agujeros redondos, realizaba unos cortes con forma de pequeñas U en el papel, de modo que no se producían lentejuelas; el "agujero" seguía estando relleno con una pequeña trampilla de papel. Al no estar completamente perforado el agujero, la impresión en el papel permanecía intacto y legible. Esto permitía a los operadores leer la cinta sin necesidad de descifrar los agujeros, lo que facilitaba la retransmisión del mensaje hacia otras estaciones de la red. Naturalmente, tampoco tenía una "caja para lentejuelas" que hubiera que vaciar de tanto en tanto. La única desventaja de este mecanismo era que la cinta troquelada, una vez marcada, no se recogía correctamente, debido que a las aletitas sobresalientes del papel solían engancharse en la siguiente vuelta de la cinta, y por eso no se podía enrollar en un solo plano. Otra desventaja, como se vería con el tiempo, era que no había un modo fiable de leer las cintas troqueladas por los medios ópticos empleados por los sistemas de lectura de alta velocidad posteriores. De todas maneras, los lectores mecánicos empleados en los equipos de velocidad más estándar no tenían problemas con las cintas troqueladas, ya que detectaban los agujeros mediante pernos con resorte, que fácilmente apartaban las aletitas de papel del camino.