title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: En 1851, la pintura que se conservaba en la Academia de Bellas Artes, se trasladó al edificio que acababa de ser construido del Nuevo Hermitage, donde fue instalado en la «sala de la escuela rusa». Durante su estancia en el Nuevo Hermitage la obra fue a menudo copiada por artistas estudiantes. Después de la muerte de Alejandro III de Rusia, el museo de Alejandro III se convirtió en el Museo Ruso y es donde el lienzo se conserva. El Museo Ruso se encuentra en el Palacio Mijailovsky, y el lienzo se encuentra en la misma sala que otras pinturas de Briulov, como "El asedio de Pskov". En esta sala también se encuentran "La serpiente de Aarón" y "La muerte de Camille, hermana de Goratsia" por Fiodor Bruni, "Mártires cristianos del Coliseo" de Constantino Flavitski, "La aparición de Cristo a María Magdalena" de Aleksandr Andréyevich Ivánov, "La última cena" de Nikolai Gay, y dos o tres pinturas de Iván Aivazovsky. Cabe señalar que en el Hermitage y después de la transferencia al Museo Ruso, la pintura de Briulov "El último día de Pompeya" estaba situada justo al lado de la "Serpiente de Airain" del ruso de origen suizo e italiano Fiodor Bruni. Alexandre Benois escribió: «Los dos colosos de la pintura rusa han encontrado su lugar en la misma pared <...> como si estos gigantes fueran realmente obras hermanadas entre sí». El historiador francés Louis Réau escribió:


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: En el momento de la Segunda Guerra Mundial, algunas de las pinturas de la colección del Museo Ruso fueron evacuadas. Para pinturas de tal tamaño como "El último día de Pompeya", se prepararon troncos de árboles de 10 metros de largo y de un diámetro de 60 cm a 120 cm para envolverlas. Luego, estas telas enrolladas se protegieron en un marco de madera hecho de madera contrachapada y cubierto con piel de gamuza. El 1 de julio de 1941, los objetos del museo listos para la evacuación fueron enviados a la Estación Moskovsky (San Petersburgo) y luego por convoy especial escoltado por guardias militares a Nizhni Nóvgorod, y finalmente por el Volga y Kama a Perm. Una vez allí, las pinturas y otras obras se colocaron en la galería de arte regional del óblast Molotov, hoy llamada Galería Nacionalde Arte de Perm, ubicada en los edificios de la Catedral de La Transfiguración en Perm. Después de la ocupación y la guerra, las obras fueron devueltas al Museo Ruso en cajas de madera que llegaron el 17 de abril de 1946 a Leningrado.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: En 1995, tuvo lugar una importante restauración de la pintura. En el curso de este proyecto, el marco se duplicó en un nuevo lienzo, se reforzó la pintura al óleo, se regeneró la laca vieja y se tiñeron los tintes, se eliminaron las impurezas de los bordes y los parches adhesivos en la parte posterior del lienzo. Esta restauración tuvo lugar en el salón de columnas del edificio Benoit, donde se colocó el lienzo. El trabajo de restauración es obra de un grupo de restauradores del Museo Ruso, entre los que se encuentran la presencia de Irina Korniakova, Alexander Minine y Evgeni Soldatenkov.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: La pintura "El último día de Pompeya" se encuentra en la sala n.º 14 del Palacio Mijailovsky, donde hay otras pinturas Briullov así con unas pocas de Iván Aivazovsky como la "Novena ola".


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: La pintura representa los sucesos de Pompeya en el momento de la catastrófica erupción del Vesubio. El lugar elegido por Briulov para el desarrollo de la escena es la Calle de los Sepulcros ("Strada dei Sepolcri"), que visitó en 1827. El firmamento está cubierto de nubes de tormentas negras, y en el horizonte brilla un resplandor rojo de sangre, la oscuridad en el cielo está surcada por largos rayos penetrantes. Los terremotos provocan el derrumbe de los edificios.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: La gente está tratando de escapar de la naturaleza salvaje, en medio de gritos, oraciones y gemidos. La tragedia revela sus sentimientos y revela la esencia del alma humana en tales circunstancias. Algunos personajes se convierten en personificaciones de generosidad: ante el peligro muestran sentimientos exaltados, devoción, coraje y amor. Entre ellos, algunos hijos llevan sobre sus hombros a un padre lisiado, un joven intenta convencer a su madre de que huya con él. Una madre y sus dos hijas permanecen inmóviles: su fe en Dios es tan fuerte que ponen toda su fuerza en la oración. Junto a ellos, un sacerdote cristiano mira sin miedo lo que está sucediendo frente a él. Una familia intenta superar su miedo huyendo. Un joven novio, olvidando el peligro, mira la cara muerta de la novia. El personaje en el centro de la pintura es una mujer que se ha caído y está mortalmente herida mientras su pequeño hijo continúa a su lado. Muchos grupos de personajes están en los escalones de la tumba de Scaurus y se puede reconocer al pintor Briulov en medio de ellos, ya que quería representarse a sí mismo en el lienzo. También hay personajes negativos, como este sacerdote pagano que huye asustado y un ladrón que recoge las joyas caídas.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: A pesar de que la mayoría de los personajes están representados por Briulov semidesnudos, las ropajes juegan un papel importante en el contorno de su silueta. La ropa de tela ligera de los sujetos cae en pliegues ondulados, lo que permite delinear claramente los contornos de sus cuerpos. El uso de los pliegues de las ropajes atestigua un buen conocimiento por parte de Briulov de las obras maestras del arte antiguo; por otra parte, una serie de bocetos iniciales de la tabla muestran la influencia directa que desempeña el antiguo arte de jarrones de cerámica. En el curso de la realización de la pintura, la posición de cada personaje y la naturaleza de las vestiduras utilizadas se representaron incluso con más precisión. De acuerdo con Era Kuznetsova, «Es únicamente a través de su arduo trabajo que el artista ha logrado transmitir los sentimientos de grandeza y belleza que todavía nos seducen hoy».


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Para la construcción de la composición de su lienzo, Briulov utiliza el academicismo. Los personajes se dividen en grupos distintos que se organizan con respecto al equilibrio de acuerdo con la masa de los otros grupos. Además, según los cánones académicos, el pintor utiliza una estricta alternancia de planos: las figuras en primer plano tienen formas escultóricas convexas, que sobresalen frente a la silueta de los personajes ubicados en el fondo. Los colores también fueron elegidos de acuerdo con los mismos principios. Para el primer plano sombreado, el artista utiliza tonos densos como rojo, azul, naranja brillante, marrón. Para el fondo, usa semitonos pasados, incluyendo azul pálido, verde claro y amarillo dorado. El contraste entre las áreas sombreadas de la tabla y las iluminadas, da a la composición un cierto dinamismo. El carácter innovador de Briulov se expresa en la audacia con la que trata el problema de la representación de las llamas rojas del volcán y la luz blanca del rayo.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: En la composición de la pintura, el artista se aleja de las tradiciones y estándares del clasicismo: la acción se desarrolla no únicamente en primer plano sino también más profundamente en la pintura; no todos los grupos de personajes se encuentran en el triángulo clásico. Asume características que son antiguas, las del clasicismo y las nuevas, las del romanticismo.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: La joven que se cayó de un carro con su hijo es el grupo más central en la versión final del lienzo. Durante mucho tiempo, Briulov intentó encontrar una variante en este grupo central de composición. En una primera versión, la pintura representaba a un ladrón de Pompeya apoyado en el cuerpo de la mujer muerta para robar sus joyas. Luego, el ladrón fue reemplazado por una niña, pero en la versión final ha quedado la imagen de la madre muerta con su hijo vivo. El propio pintor describe este grupo en una carta a su hermano Teodoro en marzo de 1828: «... En medio de la pintura, una mujer que cayó al suelo y perdió el conocimiento; su bebé está cerca de su pecho, pero ya no sostiene la mano de su madre, se aferra a su ropa y mira en silencio el cuerpo sin vida; detrás vemos la rueda rota del carro del que cayó la joven». Según algunas fuentes, para representar a la mujer muerta, quien sirvió de modelo fue la condesa Yulia Samoïlova.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Según la crítica de arte Galina Leonteva, la mujer que cayó de su carro en medio de la pintura simboliza la belleza pero también el fin del mundo antiguo; al mismo tiempo, el niño que se arrastra a lo largo del cuerpo de su madre «puede ser percibido como una alegoría del nuevo mundo que debe desarrollarse sobre las ruinas del viejo mundo». La historiadora Alla Verechtchaguina remarca que el niño, con sus rizos dorados, ocupa el centro de la composición, y que su madre con su vestido amarillo brillante y su bufanda azul representa el centro de los colores del lienzo. Según Verectchaguina, «las recetas clásicas no resolverían el problema que plantea el centro de la imagen con la pareja de la madre muerta y un niño vivo», «el romanticismo revela deliberadamente la oposición entre la vida y muerte y revela las intenciones del pintor».


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: El grupo de Plinio y su madre fue tomado por el pintor bajo la influencia de la lectura del testimonio de Plinio el Joven que describe los acontecimientos de Pompeya al historiador Tácito. A pesar de que Plinio estaba en Miseno, situado a pocos decenas de kilómetros de Pompeya, para aumentar el efecto dramático de su pintura, Briulov se permite desviarlos de la verdad histórica de los hechos. Al describir este grupo en una carta a su hermano Teodoro, escribe: «... presento un episodio que le sucedió al propio Plinio: la madre de este último, debilitada por su avanzada edad, no está en un estado de huir y le ruega a su hijo que se vaya solo. Pero el hijo usa toda su fuerza para llevarla con él.» Este episodio ocurrió en Cap Misène, como dice Plinio en una carta a Tácito. Briulov lo ubicó en Pompeya a varias millas de distancia de esta capa para representar un ejemplo de amor filial entre los diferentes grupos de su lienzo.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: El grupo de Plinio y su madre es uno de los primeros en aparecer en los bocetos del pintor. En las primeras versiones de la composición, el grupo se representaba en la izquierda, mientras que en las variantes sucesivas que siguieron se mueve gradualmente más y más a la derecha. El pintor representó a Plinio el Joven tratando de persuadir a su madre exhausta para que huyera con él y si su destino es morir, morir juntos. Por un lado, un hijo arriesgando su vida que no puede abandonar a su madre a la muerte y, por el otro, una madre rogando a su hijo que salve su propia vida. Incapaz de reflejar completamente las emociones y el juego de sentimientos en el rostro de Plinio y la madre, el pintor transmite el diálogo dramático al reproducir los gestos de los personajes. El movimiento de la mano de la vieja madre empujando al hijo que quiere abrazarla es una hermosa expresión del sacrificio de una madre.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Según la crítica de arte Olga Liakovskaïa, las cabezas de Plinio y su madre están representadas con mucha naturalidad y están en la imagen de los italianos contemporáneos de Briulov. La imagen de la madre es un ejemplo típico del carácter y la energía de una mujer italiana de avanzada edad. Según Galina Leonteva, el grupo de Plinio y su madre es la escena más dramática y expresiva de la pintura.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Un grupo formado por un hijo soldado y un joven con un padre anciano apareció relativamente rápido en los bocetos de la pintura de Briulov. Al principio el grupo era muy grande, por lo que cuando el lienzo fue avanzado el artista cambió el principio de su idea. Briulov describió este grupo en una carta a su hermano Teodoro: «Entre el grupo formado por Plinio y su madre y el sacerdote pagano, vemos a dos jóvenes pompeyanos, cargando sobre sus hombros a su viejo padre...». Según la historiadora de arte Olga Liakovskaya para representar esta escena del padre llevado por sus hijos Briulov utilizó los principios de la construcción de grupo de la tela de Tintoretto "Traslación del cuerpo de San Marcos".


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Los hijos llevan a su padre inválido sobre sus hombros, olvidando su propio destino, temiendo únicamente por la vida de su padre. Aunque su cabeza está medio en las sombras, el gesto de su mano levantada con los dedos separados, expresa su miedo y compensa la ausencia de expresión en su rostro medio oculto. Los hijos que llevan a su padre hacen movimientos rápidos, como lo demuestra el espacio entre las piernas de uno de ellos durante una carrera. Sin embargo, según la crítica de arte Magdalena Rakova, en el lienzo este grupo parece congelado e inmóvil. La diferencia entre los movimientos de los dos hijos se debe al hecho de que Briulov quiere dar a cada personaje una personalidad y una actitud individual. Esto es particularmente visible en sus piernas: «musculosas, cansadas por los largos paseos que se exigen a los soldados, finamente renderizadas, las piernas de los jóvenes». Según Olga Liakovskaya, la cabeza del más joven tiene una vida excepcional: «se dibuja con un relieve extraordinario, casi en el centro del lienzo y atrae la atención del espectador con sus ojos suaves, negros y vivos».


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: El grupo de la mujer con sus dos hijas, como el de Plinio con su madre, es uno de los primeros en aparecer en los bocetos de Briulov. En las primeras variaciones de la composición, la madre alzando los brazos hacia el cielo y sus hijas estaban en el fondo y se mostraban desde atrás. Consciente de lo que este grupo de personajes podía aportar a todo el cuadro, el pintor lo trasladó al primer plano, a la vez que modificaba los gestos y la posición de la madre y de las hijas. El artista describe este grupo en una carta a su hermano Teodoro: «A la derecha, pongo a la madre y a sus dos hijas de rodillas —sus esqueletos fueron encontrados en esta posición en las ruinas—».


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: La crítica de arte Magdalena Rakova destaca la sencillez de la composición y la claridad del conflicto psicológico de este grupo madre-hijas. Según ella, este grupo se construye como un triángulo isósceles típico de la composición en el clasicismo, logrado de manera magistral sin sacrificar la precisión de los bordes del triángulo. La unificación de este grupo se logra mediante el amplio y tierno gesto de la madre de abrazar a sus hijas con sus manos. El movimiento se cierra con la mano izquierda de la niña abrazando a la hermana menor. Rakova también subraya la similitud de este grupo con el antiguo motivo de Níobe (hija de Foroneo) y sus hijos heridos con flechas por Artémisia —Diana en la mitología romana— y Apolo. ("Diana y Apolo atravesando a los hijos de Níobe con sus flechas")


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: La crítica Olga Liaskovskaya señaló que la apariencia de la madre recuerda a la de la condesa Yulia Samoïlova en cuya imagen parece haberse inspirado Briulov para varios de sus personajes femeninos. Galina Leonteva considera que los rasgos de la condesa Yulia Samoïlova se encuentran no únicamente en la apariencia de la madre sino también en la de la hija mayor. Algunos autores creen que las hijas del cuadro de Briulov podrían ser las heroínas de otra pintura de este mismo autor titulada "La amazona" (1832) que son Giovannina y Amatsilia, las hijas adoptivas de la condesa Yulia Samoïlova".


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: El grupo del novio con el cuerpo de la novia sin vida en sus brazos, se introduce entre los últimos en los temas del cuadro. Colocado en la parte derecha del lienzo de Briulov, representa una de las escenas más tristes del cuadro. Muestra que hay momentos en la vida en los que «la montaña es más poderosa que el miedo a la muerte»: sin prestar atención a los relámpagos, ni a los derrumbes, ni a los gritos de la gente que le rodea, el novio mira sin cesar el rostro pálido de la novia que acaba de morir, las flores que forman una corona en su cabello todavía no se han marchitado.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: La historiadora del arte Olga Liskovskaya señala que, a diferencia de los demás personajes, la figura de la novia está dispuesta de forma muy atrevida desde el punto de vista de la perspectiva, debido al ángulo que forma con sus hombros.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: En una carta a su hermano Teodoro, el pintor describe el grupo familiar que se encuentra al pie de las escaleras de la tumba de Scaurus de la siguiente manera:«...la familia huye para encontrar refugio en la ciudad: el marido se cubre con su capa y a su esposa. Ella sostiene a un bebé en su brazo derecho y con su mano izquierda trata de proteger al niño mayor que camina entre sus padres.»


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Este grupo apareció en una primera etapa de la realización del lienzo. Encontró el lugar que le convenía directamente en la composición, por lo que el artista no tuvo que moverlo. Sus movimientos y la expresión de su estado de ánimo son expresados con igual fuerza por el pintor. La boca del hombre permanece abierta y expresa el horror de estos momentos. El modelo prototipo de este grupo familiar se ha convertido en el lanzador de peso y jugador en Italia, Domeniko Marini. Su retrato fue pintado por Briulov en 1829 y ahora se encuentra en el Museo-reserva de Novgorod .


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Una inscripción en el reverso del lienzo en italiano indica que se trata del: «Retrato del famoso jugador Domenico Marini, pintado por Karl Briulov, pintor ruso que vivió en Roma en 1829». Magdalena Rakova señala que la figura del padre que protege a su familia con su capa debe, según la intención de Briulov, ser tomada en un rápido movimiento. Sin embargo, en el lienzo parece petrificada y en una posición de pie inestable. El hombre es representado de pie sobre su pierna derecha, como si siguiera corriendo, justo después de pasar sobre el cuerpo de una mujer en el suelo. Pero todavía parece inmóvil como los otros miembros de su familia.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: En una carta a su hermano Teodoro, Karl Briulov describe la representación del sacerdote pagano de la siguiente manera: «A la derecha de la mujer que cayó en el camino, un sacerdote quita objetos de culto y sacrificio cubriéndose la cabeza y corriendo en una dirección indeterminada...». En las primeras composiciones, Briulov había colocado el personaje de este sacerdote en los escalones del sepulcro, y luego lo había movido a la derecha. En los últimos bocetos, este sacerdote está más representado en el fondo. Su figura pierde así la importancia que tuvo en las primeras variantes de la composición.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: El sacerdote cristiano es una de las últimas figuras en la reconstrucción de la composición. Se para frente a la madre con sus dos hijas en el extremo izquierdo del lienzo, de modo que esa parte de su cuerpo queda cortada por el borde del cuadro. Su aspecto muestra una mezcla de rigidez y determinación en el movimiento que lo trajo a este lugar de la calle de los Sepulcros. Este sacerdote es «uno de los pocos personajes del cuadro que, sin miedo, vuelve su rostro y sus ojos hacia los relámpagos y la catástrofe», como si estuviera «dispuesto a entrar en un duelo contra los elementos furiosos».


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Según Alexei Savinov, las imágenes de los sacerdotes paganos y cristianos simbolizan respectivamente la puesta de sol del viejo mundo y el amanecer de los nuevos tiempos:«...no es casualidad que el sacerdote pagano huya confundido, con la cabeza cubierta, mientras que el nuevo sacerdote cristiano se dirige a los lugares del desastre con una antorcha y un quemador de incienso en las manos, satisfecho de ver las estatuas de las divinidades paganas que están cayendo».


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Karl Briulov describe esta parte de la composición en una carta a su hermano:«...al fondo del grupo de la madre y sus dos hijas, podemos ver a un grupo subiendo las escaleras que conducen a la tumba de Scaurus, protegiendo sus cabezas con un taburete, el otro con un jarrón, todos son objetos recogidos del museo». En la multitud que se encuentra en los escalones de la tumba de Scaurus, hay dos movimientos opuestos. Por un lado, los que trataron de escapar bajo el techo de la tumba y que están tratando de salir, ya que se asustaron al ver el derrumbe de los elementos del edificio al otro lado de la calle. Por otro lado, la gente se dirige hacia ellos, que, los que por el contrario, todavía están tratando de encontrar refugio en la tumba. En el rellano de arriba, donde los dos flujos opuestos de personas se empujan, un personaje medio calvo y codicioso se inclina hacia adelante y recoge monedas de oro en los escalones. Incluso en un momento tan terrible, su única meta es el atractivo de la ganancia que no puede resistir. En el lado derecho del grupo, en las escaleras, donde se detienen los movimientos opuestos de la multitud, aparece el pintor con su caja de pinceles y accesorios rodeado por dos mujeres jóvenes. Una sostiene un recipiente en sus manos y mira ansiosamente al cielo, y la otra lleva en su cabeza un pañuelo flotante de color azul claro y suelta la jarra que sostenía sobre la cabeza con ambas manos en alto.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Según la crítica de arte Galina Leonteva, la gente en las escaleras del sepulcro de Scaurus no puede ser dividida. Todos ellos forman un grupo común o todos actúan de forma concertada, pero «cada uno para sí mismo». Un pompeyano sube los escalones levantando un pesado banco sobre su cabeza con el que intenta protegerse de la caída de rocas. Otro hombre ya se ha metido por la entrada, es uno de los primeros, pero con pánico vuelve sobre sus pasos y mira el dintel que hay sobre él. A la derecha de la entrada hay tres personajes, dos mujeres jóvenes y un hombre joven. La mujer con una jarra en la cabeza es la única de los personajes del cuadro que mira a la audiencia a los ojos. Su mirada triste y conmovedora atestigua que «su destino está claro, el destino de la ciudad también, el destino de toda la gente que la rodea, baja los brazos y su jarra cae al suelo». El artista, autor del lienzo, detrás de ella mira al cielo en llamas:«...En este fatídico momento no abandonó lo que más le gustaba, a saber, su caja con sus pinceles y sus potes de colores». El artista con sus pinceles y la joven con su jarra en la cabeza son los personajes últimos introducidos en la composición del lienzo de Briulov. La historiadora de arte Olga Liaskovskaya planteó la hipótesis de que la joven mujer con jarra habría tenido como modelo para el pintor la famosa Vittoria Caldoni, que más tarde se convirtió en la esposa del pintor ruso Grigori Laptchenko. Galina Leonteva, por su parte, ve los rasgos de esta joven como los de la amiga de Briulov, la condesa Yulia Samoilova.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Madeleine Rakov observa que la imagen del artista con su caja llena de pinceles se acerca al "Autorretrato" de Brioulov de 1833 en el Museo Ruso, no únicamente por las características de la cara, sino también por la interpretación del carácter del modelo. Según Rakova, Briulov se representa a sí mismo con el mismo estado de ánimo en ambas pinturas: se encuentra en una situación tensa y esto se expresa tanto en el juego de los músculos faciales como en una iluminación muy brillante.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Según la crítica de arte Marina Choumova, la introducción del "Autorretrato" de Briulov en la composición es un detalle muy romántico, ya que «el artista se convierte de alguna manera en cómplice de la representación del acontecimiento y todo lo que sucede en el lienzo pasa por el prisma de su propia experiencia visual».


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: El jinete sobre el caballo blanco que se levanta, representado en el lado derecho del lienzo, es una de las figuras más tardías de la composición del lienzo de Briulov. Parece que el grupo fue añadido para equilibrar la composición del plano medio del lienzo. La brusca elevación de su mano izquierda refleja la exaltación de sentimientos y pasiones. Así, más que los demás personajes, está en comunión con los elementos desencadenados.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: En el centro de la composición, detrás de la mujer tendida en el suelo hay una rueda rota y el carro que sigue su camino con una única rueda con su cochero en el suelo manteniendo las riendas, mientras los caballos indefensos continúan su viaje hacia un puente.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: El Museo Ruso conserva el álbum de Briulov con sus primeros bocetos para "El último día de Pompeya", clasificados sin ningún orden por el pintor. Sin embargo, junto con los estudios, estos bocetos proporcionan información adicional sobre el trabajo de Briulov en la composición de su pintura, y sobre la posición de los diferentes grupos de personajes. Otro álbum de bocetos del artista para este cuadro se encuentra en las colecciones de la Galería Tretiakov. También se incluyen tres dibujos gráficos, fechados entre 1828 y 1830. Entre ellos uno de los primeros bocetos para el lienzo (papel bistre, pluma, 15,5 × 18,9 cm, n.º de inventario 11733), de la colección de Ilya Ostroukhov. El segundo dibujo de la colección de la Galería Tretiakov se describe como una variante de un boceto (papel, tinta, pincel, pluma, bolígrafo, 17,5 × 24,4 cm, n.º de inventario 15734), también de la colección Ostrukhov. El tercer dibujo de la Galería Tretiakov también se describe como una variante de un boceto y fue adquirido por Pável Tretiakov a más tardar en el año 1893 (papel sobre cartón, sepia, tinta, bolígrafo, grafito, lápiz, 51 × 71,9 cm, n.º de inventario 3175). Además, en las colecciones del Museo Ruso se conserva un boceto gráfico realizado con sepia, y otro en la colección del Museo Histórico de Bellas Artes de la Ciudad de Múrom (papel, lápiz, 65,5 × 89 cm, n.º de inventario М-7267.Г-176).


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Uno de los bocetos creados por Briulov antes de la realización de su pintura se conserva en el Museo Ruso (papel sobre cartón, óleo, 58 × 81 cm, n.º de inventario Ж-5081), este boceto está fechado en 1828, y Karl Briulov lo recuerda en una carta a su hermano Teodoro: «Es un boceto encargado por la condesa Razumovskaya».


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: En el Museo Ruso hay otro boceto de la pintura «una de las primeras variantes del desarrollo del tema», que data de finales de los años 1820 (papel sobre cartón, óleo, 17,5 × 19,7 cm), (n.º de inventario Ж-7867), y también una "Cabeza de modelo" (papel sobre lienzo, óleo, 17,2 × 17,2 cm, n.º de inventario Ж-11809) introducida en 1992 por V. Tarassov. En las colecciones de la Galería Tretiakov se conserva un boceto al óleo y a lápiz italiano sobre lienzo (58 × 76 cm, 1827-1828, (n.º de inventario Ж-11015), adquirido en 1929 al Museo Ilya Ostroukhov. En la Galería Nacional de Arte de Perm se conserva un boceto (del 1828 al 1986 estaba en una colección privada).


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: El escritor Nikolái Gógol en su artículo "Le Dernier Jour de Pompéi", realizado en agosto de 1834 y publicado en enero de 1835 en la serie "Arabesques", consideró esta pintura como una de las más notables de las primeras del siglo XIX «una resurrección de la pintura que había permanecido durante mucho tiempo en un estado semi-letárgico», y el propio Briulov como «el primero de los pintores donde la plástica ha alcanzado la cima de la perfección». Comparando a Briulov con sus famosos predecesores, Gógol escribe: «Sus personajes, a pesar del horror de su situación, no contienen en sí mismos su miedo, causando escalofríos, como lo hacen las criaturas severas de Miguel Ángel. Tampoco están poseídos por estos sentimientos, a la vez insondables y sutiles, para quienes todo se realiza como sujetos de los lienzos de Rafael Sanzio. Los personajes de Briulov son hermosos a pesar de todo el horror que enfrentan. Están absortos en su belleza». Es aquí donde Gógol sitúa la perfección alcanzada por el artista en que, en esta catástrofe, consigue mostrar toda la belleza del hombre y la gracia suprema de la naturaleza.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: El crítico italiano Francesco Ambrosoli, publicó en 1833 un folleto que detallaba el cuadro "Le Dernier Jour de Pompéi". Escribe que este cuadro «merecía la sorpresa que causó» en Roma y Milán y que «bastaría para establecer la gloria del gran pintor». Según Ambrosoli, la comparación del talento del pintor ruso con la maestría de sus ilustres predecesores italianos es totalmente aceptable: encontramos en su lienzo la monumentalidad de Miguel Ángel, la gracia de Fra Angelico, «a veces recuerda a Rafael Sanzio, a veces parece que vuelve a la vida Tiziano». Ambrosoli continúa diciendo que «todos sus motivos están tan bien organizados y conectados entre sí con tanto arte, tanta frescura y tan lejos de cualquier imitación servil que cada uno inconscientemente se dice a sí mismo: ¡aquí hay un pintor que domina perfectamente su arte!»


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: El pintor Fiodor Bruni, trabajó durante años en el monumental lienzo "La serpiente de Aarón", describió "El último día de Pompeya" en una carta al escultor Samuel Galberg del 17 de marzo de 1834. En homenaje a Briulov, escribe que este nuevo cuadro de su «competidor» «es muy bello, sobre todo para el público». Describiendo los efectos de la erupción volcánica y el terremoto y las figuras de los personajes corriendo en todas direcciones, Bruni también informa que la escena «es muy compleja y causa una fuerte impresión». También señala «el terrible efecto obtenido gracias al rayo, que se congela en el aire para iluminar la escena representada de una manera artística admirable». En la misma carta señala la insuficiente diversidad psicológica de los actores del lienzo y escribe: «Puedo ser un poco quisquilloso, pero me gusta ver en la pintura sentimientos profundos».


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: El publicista y escritor Aleksandr Herzen ha escrito varias veces sobre el cuadro "El último día de pompeya" en sus cartas, diarios y otras obras. En particular, en su ensayo "New Phase of Russian Literature", publicado en 1864 en el periódico "Kolokol", describe sus impresiones sobre la pintura de Briulov de la siguiente manera: «En este gran cuadro se ven grupos de personas asustadas que intentan escapar mientras otros mueren a causa del terremoto, de la erupción volcánica; caen bajo la influencia de una fuerza natural, que ataca injustamente y contra la cual toda resistencia es inútil. Esto es lo que el cuadro inspira en San Petersburgo». Hersen compara las fuerzas inevitables de la naturaleza con el poder despótico que prevalece en Rusia; por lo tanto, ve en esta pintura una alegoría y una metáfora, que tal vez no formaban parte de los objetivos conscientes de Briulov.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: El pintor y crítico Alexandre Benois en su libro "Historia de la pintura rusa del siglo XIX", cuya primera edición se publicó en 1902, escribe que para él el cuadro "El último día de Pompeya" representaba «un espectáculo de fuegos artificiales, un final de ópera prodigioso, tan perfectamente ejecutado, con todos estos hermosos extras tan bien agrupados, que debería producir un efecto sorprendente en el público». Al mismo tiempo, Benois sintió que el público y los pintores se habían entusiasmado con esta pintura porque llamaba mucho la atención «por su viejo pero violento pathos». Al mismo tiempo, el crítico felicita a los grupos de modelos representados en este lienzo y, en particular, al grupo de la escalera, algunos de los cuales intentan atravesar una puerta mientras que otros se retiran con el terror en sus rostros, y entre ellos al propio artista Briulov con sus pinceles en una caja sobre la cabeza lanzando una mirada curiosa hacia el cielo enojado.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: El crítico estadounidense George Heard Hamilton (1910-2004), en una monografía sobre arte y arquitectura en Rusia, escribe que el éxito de "El último día de Pompeya" podría explicarse por el hecho de que el espectador puede encontrar algo de su gusto en esta pintura. Según el crítico, la pintura de Briulov es una interpretación melodramática de un tema clásico con muchos detalles realistas, que incluso en nuestros días siguen golpeando por la fuerza de su impacto. Hamilton considera que desde un punto de vista artístico la pintura de Briulov es impecable con sus huellas de influencia de Rafael Sanzio, Nicolás Poussin y Jacques-Louis David y sus efectos escénicos en estilo de Horace Vernet. Por su luminosidad el lienzo supera para Hamilton las obras de los últimos representantes de la Escuela boloñesa.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Según el crítico de arte Alexei Savinov, «el gran tema» del cuadro "El último día de Pompeya" fue el cambio de época provocado por el desastre que interrumpió el curso normal de la vida. Savinov observa que Briulov, al mostrar el surgimiento espontáneo de las fuerzas de la naturaleza en la sociedad humana, «presentó una nueva comprensión de la historia para su tiempo», que no tiene lugar a través de la intervención de reyes o generales, sino a través de las fuerzas de la naturaleza. El crítico escribe que Briulov «estaba tan ansioso por ser veraz y preciso en su representación de la antigüedad que amaba, que todavía hoy le creemos, cualesquiera que sean sus ideas convencionales, sus medios artísticos y sus técnicas personales». Para Savinov, «Briullv tuvo el destino de los innovadores, desde el primer día que su trabajo fue conocido».


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: La crítia de arte Alla Verechchaguina señala que la elección del tema del lienzo de Briulov no tiene precedentes en la práctica de la pintura histórica clásica: el pintor no muestra a un héroe realizando una hazaña en un orgulloso aislamiento o rodeado de admiradores de sus acciones de brillantez. Por el contrario, el desastre que se representa afecta a muchos espectadores al mismo tiempo y ha permitido por primera vez en Rusia llevar a la gente a la pintura histórica. Briulov muestra una multitud de personajes bastante idealizados y abstractos, sin características sociales particulares, y Verechchaguina continúa señalando que es difícil estimar el valor histórico dado por el autor a su lienzo, pero se puede decir que:«... justo fue hasta él que en la pintura histórica escuchamos la voz del solista, Briulov, hizo que el coro escuchara...». Según la crítica de arte, el pintor ha llevado la pintura histórica a un nivel de conocimiento contemporáneo mientras representa el pasado. En gran medida, esto fue posible porque se sintió atraído por la verdad histórica y la fiel representación de la arquitectura, la vestimenta, así como por la apariencia nacional italiana de los héroes del cuadro. 252


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: La historiadora de arte Svetlana Stepanova observa que la pintura "El último día de Pompeya", que llegó a Rusia en 1834, no fue únicamente uno de los logros de la escuela nacional de pintura de Rusia, sino un verdadero fenómeno que aceleró la evolución del arte en Rusia. Expuesto al principio en la Academia de Bellas Artes, luego desde 1851 en el Hermitage este lienzo estaba disponible, como modelo, para una nueva generación de artistas. Según Stepanova, para realizar esta obra, Briulov necesitaba un cierto coraje, para superar los límites del academicismo estricto, «para poner en escena su composición y resolver sus problemas más complejos, tanto en lo que se refiere al color como al problema de las Artes Plásticas». El dinamismo, los efectos de la luz y el espacio que emergen de las composiciones de Briulov fueron retomados por sus discípulos y estudiantes.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: René Huyghe se preguntaba si el academicismo de Briolov podía contarse entre los románticos mientras que el pintor estaba cautivo de «un patético declamatorio», al que su cuadro "El último día de Pompeya" no escapó «tan débil es su composición y la tragedia artificial». La falta de tradición nacional en Rusia ha dejado la obra dependiente de las tradiciones occidentales. Huyghe repite la irónica cita de Iván Turguénev sobre Briulov: «Recibió el don de expresar todo lo que quería y no tenía nada que decir».


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Para el historiador francés Louis Réau la génesis de este gran cuadro de Briulov se encuentra en la ópera de Giovanni Pacini "L'ultimo giorno di Pompei", que le dio su carácter. «Es un escenario de teatro, un patético hueco, iluminación artificial y violenta...». Para este historiador, Briulov no sabe resucitar figuras del pasado como Delacroix. Ninguna emoción surge de la puesta en escena de los pompeyanos en pánico. Su pintura recuerda más a las frías reconstrucciones de Paul Delaroche o Louis Gallait. El éxito del joven pintor ruso fue sin embargo prodigioso en Italia, donde los extranjeros están celosos de buena gana. En París, en cambio, la recepción de 1834 fue más reservada. Pero la frialdad que se le dijo se atribuyó a la atmósfera política que era muy polonófila en ese momento. En Rusia, en cambio, fue un verdadero delirio, ya que su pintura es muy admirada. A la luz de las concepciones artísticas del siglo XX, el entusiasmo por esta pintura ha disminuido, casi desaparecido. Pero el éxito de "El último día de Pompeya" en su país tuvo el mérito de hacer comprender al público que el arte podía tener su importancia y contribuir a la gloria de una nación.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Aunque su producción fue abundante, Briulov sigue siendo el hombre de una única pintura que le valió una reputación europea en su época. Sin embargo, reconoce Louis Réau, Briulov ha brillado en otros campos que no sean las reconstrucciones históricas, por las que sin duda se habría sentido humillado. En sus íntimos retratos en acuarela realizados en Roma bajo la influencia de Ingres, encontramos hermosas cualidades de frescura y sinceridad: "Amazona", "Mañana italiana". Los dos retratos de la graciosa Yulia Samoilova y su hija adoptiva se encuentran entre los más atractivos del período romántico.


title: El último día de Pompeya (Karl Briulov)

text: Del mismo modo, Dominique Fernández señala que el «desempaquetado del pathos romántico» del lienzo de "Pompeya" nos parece hoy una «grandilocuencia paralizante». El "Narciso" de Briulov le revela a Fernández qué clase de pintor más conmovedor podría haber sido si no se hubiera sentido obligado a lidiar con «grandes máquinas históricas con múltiples personajes».


title: Provincia de Mariscal Cáceres

text: La provincia de Mariscal Cáceres es una de las diez que conforman el departamento de San Martín en el Norte del Perú.


title: Provincia de Mariscal Cáceres

text: Limita por el Norte con la provincia del Huallaga, por el Este con la provincia de Bellavista, por el Sur con la provincia de Tocache y por el Oeste con el departamento de La Libertad.


title: Provincia de Mariscal Cáceres

text: Debe su nombre al gran militar y estadista peruano, héroe de la Guerra del Pacífico de 1879, Andrés Avelino Cáceres.


title: Provincia de Mariscal Cáceres

text: La provincia de Mariscal Cáceres, en sus orígenes se forma básicamente por inmigrantes originarios lamistas a partir de fines del y las primeras décadas del , tiempo en que las reducciones coloniales terminan de desintegrarse con la expulsión de los Jesuitas y después con el establecimiento del estado republicano. Los hibitos y los cholones, que en su ubicación geográfica pueden ser considerados nativos mariscalenses, rápidamente se desintegraron, ya sea diseminándose entre la población mestiza o dispersándose en pequeños grupos que se alejarían más al interior de la selva. De estas etnias sólo quedan contados descendientes asimilados por completo al mestizaje y algunos vocablos derivados de su habla como llullo (bebé), cuchi (cerdo) y otros más. Los indígenas de Lamas fueron los primeros en poblar caseríos incluso más antiguos que la actual ciudad de Juanjuí, entre ellos tenemos a Huayabamba, Cayena, Balsayacu, Shepte, otros como Miraflores, Costa Rica, Capirona, Aucararca, América, etc., se originaron paralelamente poco después, con fuerte presencia lamista y conservando sus costumbres y tradiciones.


title: Provincia de Mariscal Cáceres

text: El 2 de mayo de 1940, siendo presidente del Perú el Dr. Manuel Prado y Ugarteche y senador del departamento el Dr. Víctor Manuel Arévalo Delgado, el Congreso aprobó la Ley N.º 9097. Cinco días después es promulgada creándose a través de ella la provincia de Mariscal Cáceres con su capital Juanjuí. La misma Ley establecía que los distritos de Juanjui y Pachiza, que pertenecían a la provincia de Huallaga, pasen a conformar la naciente provincia, creándose a su vez los distritos de Huicungo, Tocache y Uchiza formando parte de la nueva jurisdicción.


title: Provincia de Mariscal Cáceres

text: Cuenta con numerosas quebradas y ríos, siendo muchos de ellos navegables con embarcaciones ligeras. Estos ríos son excelentes para la pesca, al mismo tiempo facilita la comunicación entre los poblados y las provincias de mayor importancia (Tocache, Bellavista, etc.).


title: Provincia de Mariscal Cáceres

text: Así tenemos los ríos: Pachicilla, Abiseo, Gelache, Shimacache, Huabayacu, Huayabamba, que a su vez cuenta con los siguientes afluentes: Pajatén, afluente del Gelache y Porotongo, afluente del río Saposoa. Finalmente estos ríos son afluentes del río Huallaga, que se constituye en el principal de esta zona.


title: Provincia de Mariscal Cáceres

text: La Provincia de Mariscal Cáceres cuenta con una extensión de 14 498,73 km² equivalente al 60,08% del territorio del Departamento de San Martín, la que la convierte en la provincia más extensa de la región.


title: Provincia de Mariscal Cáceres

text: La principal actividad es la agricultura con un 91% de la población, seguida por la ganadería, con un 7%. Se estima que el 60% de la población son pequeños productores que poseen áreas de 1 a 10 hectáreas; el resto trabaja como jornalero en diversas actividades, como la extracción de madera, cultivos de pan llevar, etc. Un porcentaje pequeño de la población se dedica al comercio o a brindar servicios.


title: Provincia de Mariscal Cáceres

text: Los cultivos que ocupan mayor extensión en este sector son el maíz, el plátano y el café; ocupando entre los tres un 73% del área total cosechada. En la cuenca del Huayabamba el maíz ocupa el 41% y el plátano el 12%. En los centros poblados de los distritos de Huicungo y Pachiza, se localizan las mayores plantaciones de cacao. La producción de cacao y café es comercializada directamente en el mercado de Juanjuí, en donde se vende a empresas privadas y a la Cooperativa ACOPAGRO; en algunos casos el café se vende en Tocache y Tingo María. La producción de plátano es trasladada mediante balsas de topa por los ríos Huallaga, Huayabamba, Jelache y Abiseo hacia el mercado


title: Provincia de Mariscal Cáceres

text: principal, que también es Juanjuí; los intermediarios pagan de 1,5 a 2 nuevos soles por racimo. El maíz, es comprado directamente en la chacra por los intermediarios. La crianza de ganado porcino es familiar y en forma extensiva, con predominancia en Campanilla, Dos de Mayo y Pizarro. El ganado vacuno es predominante en la localidad de Campanilla.


title: Provincia de Mariscal Cáceres

text: Tiene una población aproximada de 62 000 habitantes, integrada mayormente por comerciantes, agricultores y profesionales.


title: Raúl González Rodríguez

text: Raúl González Rodríguez (China, Nuevo León; 29 de febrero de 1952) es un deportista mexicano retirado, recordado principalmente por las dos medallas que ganó en marcha atlética en los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 1984.


title: Raúl González Rodríguez

text: Nació en el pueblo de China (Nuevo León), México un 29 de febrero de 1952. En su infancia se trasladó junto con su familia a la ciudad de Río Bravo, donde pasó su adolescencia alternando su tiempo entre la escuela, el trabajo y el deporte.


title: Raúl González Rodríguez

text: En 1969 ingresó a la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL). Fue miembro del equipo atlético de su universidad en 1970 y ganó el campeonato nacional juvenil. Entró a la preselección nacional dirigida por el entrenador nacional Jerzy Hausleber en 1971.


title: Raúl González Rodríguez

text: Obtuvo muchos buenos resultados antes de los juegos de Los Ángeles 1984, en distintas competencias internacionales, como juegos centroamericanos, campeonatos mundiales, etc. Sin embargo, faltaba la medalla olímpica que coronara toda esta vida de esfuerzos.


title: Raúl González Rodríguez

text: La primera medalla que ganó en estos juegos olímpicos fue de plata en la prueba de 20 km, secundando a otro atleta mexicano, Ernesto Canto, y la segunda fue la de oro, estableciendo un nuevo récord olímpico, la mañana del 20 de agosto de 1984, en la prueba de los 50 km. Esta última fue siempre la prueba que dominó más.


title: Raúl González Rodríguez

text: Fue miembro del equipo nacional de caminata que recibió el Premio Nacional del Deporte de México en 1977. Raúl González lo recibió individualmente en 1978.


title: Raúl González Rodríguez

text: El 15 de marzo de 2018 Raúl González presentó su registro ante el INE como candidato independiente al Senado por el estado de Nuevo León y calificó el hecho como histórico. El 24 de abril del mismo año participó en un debate entre uno de los dos candidatos por partido en la UDEM.


title: Servicio Canario de la Salud

text: El Servicio Canario de la Salud (SCS) es un organismo autónomo de carácter administrativo adscrito a la Consejería competente en materia de Sanidad del Gobierno de Canarias, creado por la Ley 11/1994 de 26 de julio, de Ordenación Sanitaria de Canarias y cuya organización y funcionamiento vienen regulados en el Decreto 32/1995.


title: Servicio Canario de la Salud

text: Forma parte del Sistema Nacional de Salud español y se encarga, en Canarias, de la provisión pública del servicio sanitario, tanto asistencial como preventivo y rehabilitador.


title: Servicio Canario de la Salud

text: El Servicio Canario de Salud disponía en 2003, último año del que se tienen datos promenorizados, de 18.378 profesionales en su plantilla para ofrecer asistencia sanitaria a través de su red asistencial de atención primaria y atención especializada.


title: Servicio Canario de la Salud

text: El Servicio Canario de la Salud se estructura territorialmente en demarcaciones denominadas Áreas de Salud, una por cada isla del Archipiélago a excepción de la graciosa.


title: Servicio Canario de la Salud

text: Las Áreas de Salud son órganos desconcentrados del Servicio Canario de la Salud encargados a través de sus órganos de gobierno, de asumir la responsabilidad de la financiación de las actuaciones sanitarias en su ámbito territorial.


title: Servicio Canario de la Salud

text: Es el primer nivel de acceso de los ciudadanos al Sistema Sanitario Público de Canarias y entre sus elementos caracterizadores están, el ofrecer una atención integral de salud a través de una asistencia preventiva, curativa y rehabilitadora. También comprende la promoción de la salud, la educación en materia sanitaria y la vigilancia sanitaria del medio ambiente.


title: Servicio Canario de la Salud

text: Los servicios de atención primaria en Canarias están constituidos en distritos de atención primaria, los cuales se conocen como zonas básicas de salud, de las que en 2006 existían un total de 106. En cada una de estas zonas se ubican centros de salud y consultorios, en donde se presta la asistencia sanitaria de atención primaria a la población. Canarias cuenta con un total de 104 centros de salud y 149 consultorios.


title: Servicio Canario de la Salud

text: Ésta ofrece a la población los medios técnicos y humanos necesarios para el diagnóstico, tratamiento y rehabilitación apropiados, que no pueden solventarse en el nivel de atención primaria. Según la definición que establece la Ley de Ordenación Sanitaria de Canarias se entiende la atención especializada como "la asistencia sanitaria hospitalaria y extrahospitalaria prestada en general por indicación médicas del personal de los equipos de atención primaria, por el equipo de profesionales sanitarios del área de salud, bajo la dirección de los responsables médicos hospitalarios competentes en función de la especialidad que tiene por finalidad la curación y rehabilitación de los ciudadanos, una vez sobrevenidos procesos que requieran asistencia de mayor complejidad técnica".


title: Masacre de Washington Navy Yard de 2013

text: La masacre de Washington Navy Yard de 2013 se produjo el lunes 16 de septiembre de 2013. Durante el mismo se produjo un tiroteo masivo en un comando naval en Washington Navy Yard en el sudeste de Washington D. C.. El pistolero solitario identificado como Aaron Alexis de 34 años mató a 12 personas e hirió a otras 3. El ataque tuvo lugar en el edificio del Navy Yard 197, comenzó alrededor de las 8:20 y terminó sobre las 9:20, cuando Alexis fue abatido por la policía.


title: Masacre de Washington Navy Yard de 2013

text: Fue el segundo asesinato en masa más mortífero en una base militar de Estados Unidos, solo superado por la Masacre de Fort Hood, Texas el 5 de noviembre de 2009.


title: Masacre de Washington Navy Yard de 2013

text: Aaron Alexis trabajaba para un subcontratista para la Hewlett-Packard Alexis llegó a la zona de Washington D. C., en o alrededor del 25 de agosto de 2013 y se alojó en varios hoteles. En el momento de la masacre había estado viviendo con otros cinco contratistas civiles en un hotel de Residence Inn en el suroeste de Washington desde el 7 de septiembre.


title: Masacre de Washington Navy Yard de 2013

text: El sábado 14 de septiembre, dos días antes de la masacre, Alexis visitó una tienda de armas, en Lorton, Virginia, a 24 km (15 millas) al sur de Washington. Probó un fusil semiautomático Colt AR-15, pero no trató de comprarlo. Después de probar el fusil, Alexis preguntó sobre la compra de un arma de fuego en la tienda, pero le dijeron que la ley federal no permite que los distribuidores vendan dichas armas directamente fuera del estado a los clientes. Alexis en vez compró una escopeta Remington 870 express calibre 12 y dos cajas de cartuchos, después de pasar una verificación de antecedentes federales y estatales.


title: Masacre de Washington Navy Yard de 2013

text: El lunes 16 de septiembre, Alexis llegó al Navy Yard en un Toyota Prius alquilado alrededor de las 7:53 a. m., con un pase válido para entrar en el patio. Entró al edificio 197 con la escopeta desmontada en una bolsa sobre el hombro. Armó la escopeta en un cuarto de baño del cuarto piso, cruzó a un pasillo del área 4 del edificio Oeste, y comenzó a disparar alrededor de las 8:16 a. m. en la cabeza a corta distancia a muchas de las personas que se encontraban en el cuarto piso. Después de disparar tiros en el cuarto piso durante cuatro minutos, continuó disparando en el tercer piso y en el vestíbulo. Un empleado del lugar describe encontrarse con un hombre armado vestido todo de azul en un pasillo del tercer piso, diciendo: "Él solo dio la vuelta y comenzó a disparar". Un hombre en un callejón fue alcanzado por una "bala perdida". En algún momento, Alexis disparó y mató a un oficial de seguridad y tomó la pistola semiautomática Beretta 92 9 mm del oficial, utilizándola una vez que se quedó sin munición de la escopeta.


title: Masacre de Washington Navy Yard de 2013

text: A las 8:17 de la mañana, se hicieron las primeras llamadas al 9-1-1. El Departamento de Policía Metropolitana de DC y varias otras agencias policiales respondieron inmediatamente, las primeras unidades de la policía entraron en el edificio siete minutos después de recibir la llamada. Alexis abrió fuego contra la policía y un agente, Scott Williams, fue alcanzado en una pierna. A las 8:57 a. m., se dirigió a la tercera planta, donde inició un tiroteo contra el personal policial que duró durante aproximadamente treinta minutos. En el tercer piso Alexis fue disparado fatalmente en la cabeza a las 9:25 a. m. por Dorian DeSantis, un oficial del Equipo de Respuesta de Emergencia de la Policía DC quien también recibió un disparo en su chaleco durante el intercambio de disparos con Alexis. La muerte de Alexis fue confirmada a las 11:50 a. m..


title: Masacre de Washington Navy Yard de 2013

text: Se registraron 13 víctimas mortales, entre ellos el autor del tiroteo. Alexis y 11 de las víctimas murieron en el lugar, mientras que la víctima número 12, que recibió un disparo en la cabeza, era Vishnu Pandit de 61 años de edad, falleció en el Hospital de la Universidad George Washington. Todas las víctimas que murieron eran empleados civiles o contratistas. Otras ocho personas resultaron heridas, tres de ellos por armas de fuego. Los sobrevivientes heridos de bala (el oficial de policía Scott Williams y dos mujeres civiles) se encontraban en estado crítico en el Washington Hospital Center.


title: Masacre de Washington Navy Yard de 2013

text: Aaron Alexis (9 de mayo de 1979 - 16 de septiembre de 2013), un contratista civil de 34 años de edad, fue identificado por la policía como el único hombre armado. Alexis fue abatido en un tiroteo con la policía.


title: Masacre de Washington Navy Yard de 2013

text: Nacido en la Ciudad de Nueva York barrio de Queens, Alexis se crio en Brooklyn y fue un residente de Fort Worth, Texas.


title: Masacre de Washington Navy Yard de 2013

text: Él se unió a Armada de los Estados Unidos en 2007, y sirvió en la Flota de Apoyo Logístico de la escuadrilla 46 en la estación aérea naval conjunta Reserve Base Fort Worth. Fue dado de baja honorablemente de la Armada el 31 de enero de 2011.


title: Masacre de Washington Navy Yard de 2013

text: De acuerdo con un oficial de la Marina, Alexis fue citado en al menos ocho ocasiones por mala conducta. En 2010, fue arrestado en Fort Worth por descargar un arma dentro de los límites de la ciudad. Alexis también fue detenido en 2004 en Seattle, Washington, por daños maliciosos, después de disparar a los neumáticos del vehículo de otro hombre en lo que más tarde describió como el resultado de un "apagón" de ira alimentada; y en 2008 en el Condado de DeKalb, Georgia, por alteración del orden público. Ninguno de los arrestos de Alexis condujo a su persecución.


title: Masacre de Washington Navy Yard de 2013

text: En marzo de 2008, Alexis recibió una habilitación de seguridad del nivel secreto por validez de diez años. Esta en investigación la autorización de seguridad que se llevó a cabo por la compañía SINA, el mismo contratista que también había examinado Edward Snowden. El Departamento de Justicia ha presentado cargos de fraude contra la SINA.


title: Masacre de Washington Navy Yard de 2013

text: Desde septiembre de 2012 hasta enero de 2013, Alexis trabajó en Japón, en "los sistemas informáticos refrescantes" de la Armada del Cuerpo de Marines Intranet. Después de regresar de Japón, expresó su frustración a un ex compañero de cuarto que sentía que no le habían pagado correctamente por el trabajo que realizó. Otro compañero de piso de Alexis dijo que con frecuencia se quejaba de haber sido víctima de la discriminación.


title: Masacre de Washington Navy Yard de 2013

text: En el momento de su muerte, Alexis estaba trabajando en un título de licenciatura en aeronáutica de la Universidad Aeronáutica Embry-Riddle. Él era budista.


title: Kikuko Inoue

text: Los roles vocales de Inoue suelen ser personajes femeninos caracterizados como dignos, reservados, hermosos, amables, regios, maduros o domésticos. Por ejemplo, Belldandy, una diosa amable, compasiva y experta en tareas domésticas. Kasumi Tendo es una hermana mayor que se hizo cargo de las tareas domésticas después de la muerte de su madre, y que actúa como un contrapeso para los miembros más desquiciados de su familia. Notablemente, tanto Kasumi como Belldandy son casi paralelas entre sí debido a sus roles como empleados domésticos en un hogar que podría explotar en el caos en cualquier momento. También interpreta a Rune Venus en "El-Hazard", una princesa y líder de su país; así como Kazami Mizuho en "Onegai Teacher", una agente alienígena sensible y de corazón fuerte a cargo de observar a la humanidad que termina enamorándose de un terrícola. En el videojuego "", ella interpreta a Kirumi Tojo, alias "The Ultimate Maid", una Ultimate leal y seria que se encarga de las tareas y de los estudiantes durante el Semestre de la Escuela Killing, que cumple el dicho "deber antes que uno mismo". "; este papel muestra el amor de Kikuko por las criadas. Cuando piensa en los personajes de mucama, siempre tiende a imaginarlos como alegres, pero Kirumi es definitivamente el tipo de perfeccionista increíble cuya única credibilidad es la "devoción desinteresada". Inoue también dijo que puede estar un poco nerviosa jugando como Kirumi en el Perfil de personaje oficial de Artbook.


title: Kikuko Inoue

text: De vez en cuando toma papeles que son más sensuales, como Corvette en "Idol Project", una bailarina curvilínea que coquetea bastante intensamente con Mimu, la joven heroína. En la clínica hentai OVA "Ogenki", ella ofrece la voz de una enfermera loca por el sexo. Además, como Lust en "", fue una antagonista con la que los personajes principales tienen que lidiar más de una vez. En muy raras ocasiones, ella toma papeles masculinos, como Tsubasa Ōzora del "Captain Tsubasa ROAD to 2002", ya que ha declarado que estos roles le permiten gritar, lo que considera papel "liberador" y "maternal" en muchas series, pero también ha jugado papeles más sensuales y provocativos.


title: Kikuko Inoue

text: Se la conoce como "Onee-chan" ("hermana mayor" en japonés) y se quedó con el título en su sitio oficial y algunos álbumes debido a su papel de Kasumi Tendo en "Ranma ½"; esto se confirma en su perfil en línea. Ella cree que en su vida pasada fue un pez y, por lo tanto, utiliza el pescado como su marca registrada. Ella hizo una aparición especial en la convención de anime Animazement 2007 en Durham, Carolina del Norte para una sesión de autógrafos y preguntas y respuestas. Cuando se le pregunta su edad, a menudo responde que solo tiene 17 años, lo que se ha convertido en una mordaza en eventos y espectáculos de anime. En un panel de Otakon 2009, explicó que el número 17 era una elección estética. Después de doblar a Belldandy del anime "Aa! Megami-sama", los capítulos posteriores del manga utilizaron el estilo distintivo de Inoue como base para el personaje de Belldandy.


title: Kikuko Inoue

text: Ella ganó la Mejor Actriz de Reparto en los 4th Seiyu Awards. En 2016, en los 10th Seiyu Awards, ganó el premio "Kazue Takahashi" por "la intérprete femenina que amplía la profesión de la voz en todas las formas de medios".


title: Kikuko Inoue

text: Inoue está casada y tiene una hija llamada Honoka. Honoka usa a Inoue como su nombre artístico de "familia" y también es seiyū y cantante. Ella es la mejor amiga de la seiyū Atsuko Tanaka.


title: The Neighbourhood (álbum)

text: The Neighbourhood es el tercer álbum de estudio de la banda californiana homónima de música alternativa e indie rock. Anunciado el 9 de febrero en redes sociales y puesto en preventa ese día, su publicación fue oficialmente el 9 de marzo de 2018 a través de "Columbia Records", aunque desde el 8 de marzo se encontraba en YouTube. El álbum fue precedido por dos EP y cuatro sencillos.


title: The Neighbourhood (álbum)

text: La banda eliminó el álbum de las plataformas digitales y lo sustituyó por una versión extendida llamada "Hard To Imagine The Neighbourhood Ever Changing""."


title: The Neighbourhood (álbum)

text: El 2 de noviembre de 2018, a un par de meses de "Ever Changing", el álbum y los EP lanzados anteriormente fueron borrados de los servicios de streaming para ser sustituidos por un álbum que incluía todas las demás canciones.


title: The Neighbourhood (álbum)

text: Al lanzar el disco, se incluyeron en un nuevo EP las canciones no incluidas en el álbum. Este EP pasó a ser el disco 2 de la versión deluxe del álbum. Fue publicado el mismo día que el álbum.


title: Izquierda Italiana

text: Izquierda Italiana (en italiano: "Sinistra Italiana", abreviado SI) es un partido político italiano de izquierdas, fundado en febrero de 2017 y liderado por Nicola Fratoianni.


title: Izquierda Italiana

text: SI nació como grupo parlamentario durante la XVII Legislatura de la República italiana, antes en la Cámara de Diputados (noviembre de 2015) y luego en el Senado (marzo de 2016), a través de la fusión de Izquierda Ecología Libertad (SEL) con Futuro a la Izquierda, un grupo salido del Partido Democrático (PD) y liderado por Stefano Fassina, más algunos exmiembros del Movimiento 5 Estrellas (M5S).


title: Izquierda Italiana

text: El 19 de febrero de 2017, en la ciudad de Rímini, SI se organizó en partido político en su Congreso Fundacional, en presencia de los representantes de otros partidos de la izquierda italiana y europea, como Podemos, Syriza o Die Linke. El Congreso eligió a Nicola Fratoianni como secretario general.


title: Izquierda Italiana

text: El 3 de diciembre de 2017, SI formó junto a Posible y Artículo 1 - Movimiento Demócrata y Progresista la coalición Libres e Iguales, que compitió en las elecciones generales del 4 de marzo de 2018.


title: Phrynops hilarii

text: La tortuga sudamericana de arroyo, tortuga de laguna o tortuga campanita (Phrynops hilarii) es una especie de tortuga de la familia Chelidae. Llega a alcanzar una talla de hasta 40 cm y como todos los reptiles de hábitos anfibios bien definidos, la tortuga de laguna prefiere vivir en aguas calmas con abundante vegetación. Siempre se la encuentra asociada con poblaciones de plantas acuáticas, en especial con juncos, camalotes, lentejas y repollos de agua, donde captura gran parte de los animales que constituyen su alimentación y se protege contra sus enemigos naturales.


title: Phrynops hilarii

text: Son excelentes nadadoras debido a las modificaciones que en el curso de la evolución ha sufrido su anatomía, dotada de un diseño hidrodinámico, ya que el caparazón —considerablemente liso— se halla comprimido en su parte dorsal y ventral. También las extremidades están achatadas hacia atrás; además tienen membranas entre los dedos que al extenderse facilitan la natación.


title: Phrynops hilarii

text: Todas las actividades de las tortugas de laguna se llevan a: cabo en horas del día; no obstante, en raras ocasiones, generalmente vinculadas con la reproducción, suelen extender su actividad al crepúsculo.


title: Phrynops hilarii

text: Es de hábitos sociales bien definidos, ya que se une con los otros ejemplares de la población tanto en épocas desfavorables como en las otras.


title: Phrynops hilarii

text: La actividad reproductora de la tortuga de laguna se inicia hacia el mes de diciembre, época en que el cortejo, la cópula y la postura de huevos son claramente observables; finaliza hacia febrero, cuando los ejemplares dedican mayor tiempo a otros comportamientos no menos importantes como asolearse y buscar alimentos.


title: Phrynops hilarii

text: A pocos metros del agua, en algún sector desprovisto de vegetación -tanto en arena como en tierra- la futura madre busca un lugar con adecuada humedad e iluminación, donde los rayos solares incidan de tal modo de permitir la incubación de los huevos.


title: Phrynops hilarii

text: Usando alternativamente cada miembro posterior cava un hoyo elipsoidal de alrededor de nueve centímetros de largo por siete de ancho y aproximadamente once de profundidad, donde desova hasta 40 huevos. A continuación tapa el nido y se dedica a una severa vigilancia del mismo.


title: Phrynops hilarii

text: El tiempo de gestación de los embriones, incubados dentro del hoyo, es de 70 días si las condiciones son óptimas, pero -como ocurre con la mayoría de los reptiles-, si las características ambientales no son favorables, el nacimiento puede atrasarse significativamente. La cantidad de huevos colocados por las hembras oscila entre cinco y veintidós. Los huevos son blancos, redondos, lisos al tacto; están bien calcificados (su cáscara es dura), son casi esféricos (de unos tres centímetros de diámetro) y pesan entre 15 y 16,5 gramos. Finalmente, cuando todas las condiciones están dadas, nacen las crías, cuyo espaldar mide menos de tres centímetros y medio de largo por casi tres de ancho. De inmediato se dirigen al agua y se refugian durante su primer tiempo de vida entre la vegetación acuática donde se halla el alimento adecuado para su desarrollo -pequeños insectos, caracoles y peces-, y donde además encuentran lugar adecuado para asolearse.


title: Phrynops hilarii

text: La tortuga de laguna es carnívora; consume presas vivas y muertas. Los componentes de su dieta varían de acuerdo con la edad y la estación del año: los jóvenes se alimentan fundamentalmente con insectos, caracoles y renacuajos; los adultos consumen insectos, peces, pichones de aves y pequeños mamíferos. El tamaño de la presa y su dieta cambian a medida que crecen, cuando también aumenta su voracidad. Su período de alimentación se desarrolla, en general, entre septiembre y abril, y su tiempo de ayuno, que dura aproximadamente seis meses, está relacionado con la estación fría. En ciertas ocasiones, algunas tortugas no prueban alimentos por períodos de hasta más de un año.


title: Phrynops hilarii

text: Sus principales depredadores son reptiles (como el yacaré) y aves (como las cigüeñas), que comen huevos y ejemplares juveniles.


title: Phrynops hilarii

text: El hábitat natural de estos animales se encuentra en las lagunas y lagos que son de aguas tranquilas. Estos lugares se encuentran llenos de plantas acuáticas que le sirven de refugio contra los depredadores, y además de alimento, aunque este no es el principal. En estos lugares hay troncos flotando en los cuales suelen subirse para asolearse un rato, cosa que también hacen a orillas de las aguas en donde se encuentran.


title: Phrynops hilarii

text: P. hilarii se encuentra desde el sur de Brasil (Santa Catarina y Rio Grande do Sul) hasta Uruguay y Argentina, y posiblemente también en Paraguay y Bolivia.


title: Phrynops hilarii

text: Éste no tiene que ser un espacio pequeño, ya que les genera un estrés excesivo y se pueden enfermar y morir. Los acuarios que se pueden armar con peceras tienen que tener un tamaño de alrededor de 10 veces el tamaño del animal, lleno de agua, y siempre con un lugar para que puedan estar en reposo sin tocar el agua y puedan asolearse, o si no están en un lugar que les llegue el sol, puede éste ser reemplazado por una luz artificial, que puede ser una simple bombita de 100 W o mejor un tubo o bombita de luz solar artificial que se venden en las tiendas de acuarios o pet-shops. Para que tengan un lugar acorde a ellas es preferible que se lo ambiente con algunas plantas para que se puedan refugiar y que no les genere estrés al estar en un sitio tan despoblado. El agua no tiene que estar 100% limpia, es más, algunas personas para no tener que poner tantas plantas, le ponen un poco de lodo para que el agua no esté tan cristalina y que se sientan más cómodas, como si estuviesen en su hábitat natural. Esto en algunos casos es difícil, ya que es feo para la vista y además tienen otros animales en ese acuario, y es mejor que el agua esté limpia. Para mantenerla limpia es igual que para cualquier otra pecera, y basta con poner un aireador o filtro para que el agua se mantenga en un buen estado.


title: Diseño interactivo

text: El diseño interactivo es el arreglo de gráficos, texto, videos, fotos, ilustraciones, sonidos, animación, imágenes tridimensionales (3D), realidad virtual y otros medios en un documento interactivo. Un documento interactivo puede ser una página web con texto y enlaces a otras páginas web, o una aplicación autónoma más compleja que use tipografía, gráficos, sonido y video con controles interactivos como pueden ser botones, enlaces, etc. Ya sean simple o complejos, los mejores diseños interactivos, presentan el mensaje de manera clara y tienen una interfaz fácil de navegar , y que funciona adecuadamente con la tecnología que utilice el usuario para desplegar el documento interactivo.


title: Diseño interactivo

text: El diseño interactivo es un conjunto de disciplinas que engloba términos como el diseño de software, de interfaz de usuario, diseño centrado en el usuario, diseño de productos, diseño web, etc. Según Terry Winograd e Yvone Rogers, se refiere al diseño de espacios interactivos para apoyar la forma en que la gente se comunica e interactúa con su vida y quehacer diario. Es fundamental para todas las disciplinas, campos y afines preocupados por investigar y diseñar sistemas basados en computadora para el ser humano.


title: Diseño interactivo

text: El diseño interactivo es una derivación histórica de la multimedia interactiva con la diferencia de que ‘Multimedia Interactiva’ es un término que históricamente se relaciona con medios obsoletos como el CD-ROM y tiene connotaciones caducas, el término Diseño Interactivo por otro lado tiene una connotación más contemporánea y sus plataformas son tan variadas como lo pueden ser la Web, los teléfonos inteligentes (como el iPhone), las tabletas (como el iPad), etc.


title: Diseño interactivo

text: El diseñador interactivo diseña para Medios Interactivos a diferencia del diseñador de Interacción que diseña los comportamientos de los puntos de contacto del usuario con los productos que no necesariamente son digitales, Diseño Interactivo es una derivación del Diseño Gráfico y el Diseño de Interacción es una derivación del Diseño Industrial. A diferencia del Diseño de Interacción, el Diseño Interactivo se centra en el ‘cómo’ y el ‘qué’ mientras el primero se centra en el ‘porqué’.


title: Diseño interactivo

text: Diseño Interactivo es una área de estudio enfocada a comprender como nos relacionamos con la tecnología y como desarrollamos nuevas metodologías de diseño para crear productos y servicios que combinan estética, cultura, tecnología y las humanidades.


title: Diseño interactivo

text: El diseño interactivo o ID, por sus siglas en inglés, Interaction Design, se encuentra expuesto en todo y forma parte de la vida de cualquier persona. Las disciplinas y campos interdisciplinarios que contribuyen con el diseño interactivo y que se mencionan en el libro Interaction Design. Beyond Human-Computer Interaction, son la psicología, las ciencias sociales, las ciencias computacionales, la informática, la interacción humano-computadora, la ingeniería cognitiva, el trabajo cooperativo y soportado por computadora, los sistemas de información, etc. Las disciplinas y los campos interdisciplinarios anteriormente mencionados sobresalen en la vida de cada persona, por lo que el diseño interactivo se encuentra implícito a nuestro alrededor.


title: Diseño interactivo

text: El diseñador interactivo diseña fundamentalmente para la pantalla y en sus raíces está el Diseño Gráfico pero centrado en la interactividad. Así pues el Diseño Interactivo utiliza herramientas como pueden ser HTML, CSS, Javascript, Actionscript, PHP, Content Management Systems (CMS=Sistemas manejadores de contenidos), programas de edición de imágenes de pixel como Photoshop, editores de HTML tipo WYSIWYG como Dreamweaver, y en menor medida otros programas como Flash, Illustrator, InDesign, etc. Para crear proyectos completos y funcionales, siendo el Diseño y la Programación habilidades fundamentales del diseñador interactivo, a diferencia del Diseño de Interacción que su fin último es diseñar las interacciones para la pantalla en prototipos en papel.


title: Diseño interactivo

text: Hoy en día, el diseño interactivo es un gran negocio. Para Yvone Rogers, en la elaboración de cualquier producto debe de haber personas involucradas en todos los aspectos interactivos del producto, personas que se enfoquen en evaluar productos usando principios de usabilidad, personas que crean y estudian el diseño de sitios Web, personas que proponen ideas innovadoras y planes para crear productos interactivos, y personas que llevan a cabo investigación de campo para hacer reportes sobre el diseño de productos. Para que un producto sea exitoso, debe de pasar por diferentes áreas de conocimiento, debe de ser estudiado, y debe de pasar por el proceso del diseño interactivo, por lo que en cualquier producto el diseño interactivo se encuentra presente.


title: Diseño interactivo

text: Como el diseño interactivo abarca diferentes disciplinas y áreas de conocimiento, es muy difícil que una sola persona pueda cumplir con todas. Para Jenny Preece, el trabajar con equipos multidisciplinarios -refiriéndose a personas con diferentes antecedentes y capacitación-, trae consigo ventajas y desventajas, pero es necesario este tipo de trabajo dentro del diseño interactivo. Entre las ventajas se encuentran las diferentes perspectivas y formas de ver el producto, se generan más ideas y diseños para éste. Algunas de las desventajas puede ser la comunicación entre personas de conocimientos en distintas áreas de trabajo, y por consecuente, el lento progreso en la creación y elaboración de los productos. Aun con estas desventajas, es necesario tener un equipo multidisciplinario para que se cumpla de manera eficiente el proceso del diseño interactivo.


title: Diseño interactivo

text: Se trata de cómo las personas se sienten acerca de un producto, y su placer y satisfacción cuando lo usan, lo miran, lo sostienen, lo abren o lo cierran. Según Jesse James Garrett, la experiencia de usuario se refiere a cómo un producto se comporta y es usado en el mundo real. Cada producto, inevitablemente, cuando es usado por una persona, genera en esta una experiencia de usuario. La experiencia de usuario no es algo que se pueda diseñar, solo se puede diseñar para lograr una experiencia de usuario.


title: Diseño interactivo

text: El diseño interactivo tiene cuatro actividades básicas, y que lo vuelven un ejercicio iterativo, repetitivo. En el libro, Interaction Design. Beyond Human-Computer Interaction, los autores mencionan que la primera consiste en establecer los requerimientos del producto, la segunda en crear varios diseños alternativos, la tercera consiste en generar prototipos, y la última en evaluar. Estas actividades vuelven al diseño interactivo una actividad cíclica, pues si hay algún error en alguno de los pasos, es necesario modificar y revisar desde el comienzo que no existan más errores.


title: Diseño interactivo

text: Los principios del diseño interactivo son los requerimientos básicos con los que un producto debe de cumplir para que sea exitoso. Yvone Rogers, Helen Sharo y Jenny Preece mencionan en su libro que un producto debe de ser llamativo, fácil de aprender a usar, fácil de recordar cómo usarlo. Los principios de diseño interactivo son:


title: Presidente de la Unión Africana

text: El Presidente de la Unión Africana es el jefe ceremonial de la Unión Africana elegido por la Asamblea de Jefes de Estado y de Gobierno por un período de un año. Es rotatorio entre las cinco regiones de la Unión Africana.


title: Presidente de la Unión Africana

text: El 9 de febrero de 2020 fue elegido presidente de la Unión Africana el presidente de Sudáfrica en la 33 Sesión Ordinaria de la Asamblea de Jefes de Estado y de Gobierno, sustituyendo a Abdel Fattah el- Sisi, presidente de Egipto.


title: Presidente de la Unión Africana

text: Un candidato debe ser apoyado por al menos dos tercios de los estados miembros o por consenso. Se espera que el presidente complete el período sin interrupción; por lo tanto, los países elegibles con elecciones inminentes pueden no ser elegibles.


title: Presidente de la Unión Africana

text: El titular es el jefe ceremonial de la UA y, en esta capacidad, preside las cumbres bianuales y representa al continente en varios foros internacionales como las cumbres de la Tokyo International conference on African Development (TICAD), Foro para la Cooperación entre China y África (FOCAC), G8 y G20.


title: Presidente de la Unión Africana

text: En 2002, el presidente sudafricano Thabo Mbeki asumió el cargo de presidente inaugural de la Unión Africana. El puesto rota anualmente entre las cinco regiones geográficas de África; y a lo largo de los años ha asumido el siguiente orden: África oriental, septentrional, meridional, central y occidental.


title: Presidente de la Unión Africana

text: En enero de 2007, la asamblea eligió al presidente de Ghana, John Kufuor, en vez del presidente de Sudán, Omar al-Bashir, según algunas fuentes, debido al conflicto en curso en Darfur. El gobierno de Chad amenazó con retirar su membresía si Sudán asumía la presidencia. Algunos habían sugerido a Tanzania como un candidato de compromiso de la región de África Oriental. Por consenso, Ghana fue elegida en cambio porque estaba celebrando su 50 aniversario de independencia ese año. [5]


title: Presidente de la Unión Africana

text: En enero de 2010, el líder libio Muammar Gaddafi intentó sin éxito extender su mandato un año más, diciendo que se necesitaba más tiempo para implementar su visión de los Estados Unidos de África, de la cual él era un firme defensor. Libia era en ese momento uno de los mayores patrocinadores financieros de la UA. La elección del presidente ecuatoguineano Teodoro Obiang Nguema Mbasogo en enero de 2011 fue criticada por activistas de derechos humanos porque socavaba el compromiso de la UA con la democracia.


title: Presidente de la Unión Africana

text: El presidente de la República congoleña, Denis Sassou Nguesso, y el presidente de Zimbabue, Robert Mugabe, han dirigido la UA y su predecesora, la Organización de la Unidad Africana, durante los mandatos 1986–88 y 2006–07, y 1997–98 y 2015–16 respectivamente.


title: Presidente de la Unión Africana

text: La oficina esta formada por el presidente, cuatro vicepresidencias y un relator que se encarga de asistir al presidente. Sus miembros son elegidos para un mandato de un año durante la sesión ordinaria de la Asamblea de la Unión Africana. Sus componentes deben ser elegidos de forma rotatoria entre las regiones creadas por la Unión Africana.


title: Acanthocereus tetragonus

text: Acanthocereus tetragonus, llamado comúnmente cruceta, cardón, nopal de cruz, cruceta, jacube, jacubo o pitahaya anaranjada, es una especie de la familia de las cactáceas.


title: Acanthocereus tetragonus

text: Es un cactus rampante, de vez en cuando columnar y arbustivo, los troncos mayores se redondean. Planta erecta o arqueada, de hasta 7 m de largo, el promedio en altura es de 2 a 3 m, con frecuencia formando matorrales con múltiples tallos, de 3 a 8cm de grueso, formado de 3 a 5 costillas longitudinales, las espinas grises y asiculares, sin hojas evidentes. En lugares abiertos son decumbentes y las partes que tocan el suelo producen raíces y forman nuevas ramas. Los troncos viejos se vuelven cilíndricos de hasta 5 cm de diámetro. Areolas distantes entre sí de 3 a 5 cm. Espinas radiales al inicio de 6 a 7 y de 1 a 4 cm de longitud, espina central solitaria, más larga que las radiales. Flores de color verde claro con lana de color marrón en el exterior y color púrpura crema por dentro. Florece al final del verano y sus flores se abren durante las noches. Produce frutos comestibles de 2,5 cm de color rojo,de 14 a 25 cm de largo y cerca de 10 cm de diámetro, nocturnas, el tubo receptacular, con aréolas distantes, escamas y tricomas cafés con 1 a 2 espinas aciculares; partes sepaloides del perianto linear-elípticas, verde pálido con márgenes blanquecinos o rojizos; las partes petaloides del perianto blancas o verdosas. Frutos oblongos de color rojo o púrpura al madurar, de 10 cm de largo por 5 cm de ancho, con aréolas circulares de 2 a 5 mm de largo y terminadas en punta; semillas negras, lustrosas y numerosas.


title: Acanthocereus tetragonus

text: Es especie nativa de México, Costa Rica, Honduras, Panamá, Colombia, Venezuela y de Florida y Texas en Estados Unidos. Es una especie rara en las colecciones.


title: Acanthocereus tetragonus

text: Debido a que es una planta que se ha cultivado con fines ornamentales, se tiene una amplia distribución en México. Existe también en Texas, América Central, Norte de América del Sur, y en las Antillas. Las poblaciones silvestres se pueden encontrar en el litoral del Golfo de México en los estados de Tamaulipas y Veracruz; en la vertiente del Pacífico, en los estados de Sinaloa, Colima, Guerrero, Oaxaca y Chiapas; en la Península de Yucatán en los estados de Campeche, Yucatán y Quintana Roo y en la parte central de México en los estados de San Luis Potosí y Querétaro.


title: Acanthocereus tetragonus

text: Es frecuente en las selvas bajas caducifolias, sin embargo y de acuerdo a los reportes en donde se ha localizado, también crece y se desarrolla en selvas húmedas, su rango altitudinal varía desde el nivel de mar hasta 1450 msnm, como lo es en la Sierra Gorda de Querétaro. Sin embargo se tiene registrado que esta especie produce flores y frutos en elevaciones que no van más allá de los 400 msnm. Es una especie adaptable a la falta de agua y a las altas temperaturas.


title: Acanthocereus tetragonus

text: "Acanthocereus tetragonus" fue descrito por (L.) Hummelinck y publicado en "Succulenta (Netherlands)" 20(11): 165–170. 1938.


title: Acanthocereus tetragonus

text: Acanthocereus: nombre genérico que deriva del griego: "akantha" (que significa espinoso) y "cereus" (vela, cirio), que se refiere a su forma columnar espinosa. tetragonus: epíteto latino que significa "con 4 ángulos".


title: Acanthocereus tetragonus

text: Es una de los cactus que ha sido cultivada a nivel de traspatio por algunas comunidades indígenas desde hace ya un buen tiempo, sin que se tengan datos exactos sobre su domesticación. Es una especie multipropósito, ya que es comestible, medicinal, ornamental y para cercos vivos. De acuerdo a las norma 059 de la SEMARNAT 2010 en México, no se encuentra bajo alguna categoría de riesgo. A nivel internacional y de acuerdo a la Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza (IUCN), tampoco se encuentra bajo alguna categoría de riesgo, sin embargo, es una especie protegida del Comercio Internacional (CITES) apéndice II.


title: Bisulfuro

text: El bisulfuro es un anión inorgánico derivado del ácido sulfhídrico. Su fórmula química es HS SH. Es el tiolato más simple. Forma varias sales incoloras, caracterizadas a veces por un distintivo olor a podrido. Es una base fuerte, y las soluciones son corrosivas e irritantes en contacto con la piel. Es un compuesto químico con muchos usos industriales.


title: Bisulfuro

text: Se conocen bastantes sales, como el hidrosulfuro de sodio y el hidrosulfuro de potasio. El hidrosulfuro de amonio, un componente de las "bombas de olor" no ha podido ser aislado como un sólido puro. Algunos compuestos descritos como sales de sulfuro contienen principalmente hidrosulfuro.


title: Bisulfuro

text: El bisulfuro acuoso absorbe rayos UV de unos 230 nm de longitud de onda. El espectro UV/VIS puede servir para determinar la concentración del compuesto en el océano y en vertidos.


title: Bisulfuro

text: Debido a esto, el bisulfuro tiene un carácter básico. En solución acuosa, tiene un PKa primario de 6.9. Su ácido conjugado es el sulfuro de hidrógeno (HS). El bisulfuro es una base de Arrhenius. Una solución 1.0 M tiene un pH básico, lo que indica que la mayoría del bisulfuro es esta disasociado.


title: Bisulfuro

text: El bisulfuro experimenta las reacciones químicas típicas de los tiolato. Tratado con un ácido estándar, se convierte en ácido sulfhídrico y una sal metálica. Con ácidos fuertes, puede capturar un protón adicional y dar HS. Su oxidación tiene como resultado un sulfato. A temeraturas altas, las sales se bisulfuro se descomponen en sales de sulfuro sales y ácido sulfhídrico.


title: Bisulfuro

text: A un pH fisiológico, el HS se encuentra normalmente ionizado como bisulfuro, por lo que en contextos bioquímicos, tanto el bisulfuro commo el hidrosulfuro se denominan normalmente «sulfuro de hidrógeno». EL hidrosulfuro es un gasotransmisor, cuya función concreta y modos de interacción con otros moléculas de señalización son el foco de muchas investigaciones.


title: Bisulfuro

text: El bisulfuro forma complejos con la mayoría de iones metálicos, como, por ejemplo, [Au(SH)2] y (C5H5)2Ti(SH)2, derivados de cloruro de oro(I) y del dicloruro de titanoceno dichloride, respectivamente.


title: Bisulfuro

text: Las sales de bisulfuro son corrosivas y deben ser manejados con cuidado para evitar quemaduras en la piel, daños oculares permanentes, e irritación de las membranas mucosas. Para manipular las sales, se precisan guantes resistentes de goma de nitrilo. Los compuestos de bisulfuro deben mantenerse alejados de ácidos, peróxidos, zinc, aluminio, cobre y sus aleaciones.


title: Unión Catalanista

text: La Unión Catalanista (en catalán: "Unió Catalanista") fue un grupo político catalanista conservador formado en Barcelona en 1891, a partir de la unión de diversos sindicatos y asociaciones catalanistas que se pusieron en contacto a raíz de la resistencia contra el artículo 15 del código civil que atentaba contra el derecho civil catalán.


title: Unión Catalanista

text: En 1892 promovieron la reunión en la que se aprobaron las Bases de Manresa. En 1893 celebró asamblea en Reus, en 1894 en Balaguer y en 1895 en Olot. El 1897 modificó los estatutos y se le unieron nuevas asociaciones, agrupaciones, periódicos y particulares. La dirección se dividía en dos sectores, uno poco politizado agrupado en torno al periódico "La Renaixensa", y otro más político encabezado por Enric Prat de la Riba. Este segundo, que abogaba por la participación en el sistema político, se separó de la Unió en 1899 y creó el Centre Nacional Català bajo la presidencia de Narcís Verdaguer. El Centre Nacional Català se fusionó con la Unió Regionalista formando la Lliga Regionalista después de su candidatura unitària conocida como la candidatura dels el 1901, cuándo tuvieron un gran éxito en las elecciones.


title: Unión Catalanista

text: La Unió Catalanista convocó entonces una asamblea en Tarrasa en la que se decidió entrar en política y pedir el concierto económico. En 1903 logró la presidencia Domènec Martí i Julià, el cual orientó el partido hacia la izquierda. Martí dejó la presidencia en 1906 pero la volvió a ocupar en 1914. En 1916, Martí propuso la disolución de la organización, que no fue aceptada y abandonó el grupo. Desde entonces la Unió entró en una profunda decadencia. En las elecciones regionales de 1932 obtuvo un escaño en el parlamento de Cataluña. Continuó existiendo hasta 1936, tras el estallido de la Guerra civil.


title: Hughes H-1 Racer

text: El Hughes H-1 es un avión de carreras construido por Hughes Aircraft en 1935. Estableció el récord de aeronave más rápida del mundo y el de vuelo de oeste a este de los Estados Unidos de América. Fue el último avión diseñado y construido a título privado para un particular (aunque muy acaudalado) con la intención de superar un récord de velocidad; desde entonces, estos récords solo han sido superados por aeronaves fabricadas por grandes compañías.


title: Hughes H-1 Racer

text: Durante la dirección de "Los ángeles del infierno", Howard Hughes encargó a su amigo e ingeniero aeronáutico mantener la flota de más de 100 aviones utilizados en la producción. Los dos hombres compartían un interés común en la aviación y pensaron en construir una aeronave romperécords. Se le dieron muchas designaciones, de las cuales la más conocida era H-1. Fue el primer avión de Hughes Aircraft.


title: Hughes H-1 Racer

text: El diseño empezó en 1934 con una maqueta a gran escala (de más de 60 cm de longitud), que se probó en el túnel de viento del Instituto de Tecnología de California , revelando un potencial de velocidad de 587 km/h.


title: Hughes H-1 Racer

text: La aerodinámica fue un criterio de diseño primordial, resultando en "una de las aeronaves más elegantes jamás construida." Muchas tecnologías innovadoras se desarrollaron durante el proceso de construcción, incluyendo remaches nivelados con el fuselaje de aluminio, dejándolo totalmente liso. El H-1 también poseía un tren de aterrizaje retráctil completo, incluyendo la rueda de cola. Se equipó con el motor radial de doble estrella y catorce cilindros de 25,2 l y 825 hp (615 kW) potenciado a más de 1.000 Cv (750 kW).


title: Hughes H-1 Racer

text: Debido a las dos funciones diferentes designadas para la aeronave, se diseñaron dos conjuntos de alasː uno de poca envergadura para récords de velocidad y otro de larga envergadura para vuelos de larga distancia.


title: Hughes H-1 Racer

text: El H-1 voló por primera vez en 1935 y rápidamente rompió el récord mundial de velocidad por una aeronave terrestre con Hughes a los mandos, llegando a una media de 567,12 km/h. Aparentemente, Hughes agotó el depósito de combustible y consiguió realizar un aterrizaje de emergencia sin daños importantes en su persona ni el H-1. Al salir del H-1, en un campo de remolacha en Santa Anna, California, su único comentario fue: "lo podemos arreglar, irá más rápido". En la época, el récord mundial de velocidad por un hidroavión era de 709 km/h, establecido por un Macchi M.C.72 en octubre de 1934.


title: Hughes H-1 Racer

text: Posteriormente, Hughes realizó cambios menores en el H-1 Racer para prepararlo para un intento de récord de velocidad transcontinental. El cambio más significativo fue la instalación de unas alas de mayor envergadura, que reducían su carga alar. En el 19 de enero de 1937, un año y un medio después de su anterior récord, Hughes marcó un nuevo récord de velocidad transcontinental tras un vuelo sin escalas de Los Ángeles a Nueva York en 7 horas, 28 minutos y 25 segundos. Rompió su anterior marca de 9 horas, 27 minutos por dos horas. Su velocidad media en vuelo era de 518 km/h.


title: Hughes H-1 Racer

text: Considerando que la flota de aeronaves del Cuerpo Aéreo del Ejército de Estados Unidos (USAAC) estaba compuesta totalmente por biplanos, Hughes creyó que comprarían su diseño para crear la siguiente generación de cazas. Sin embargo, sus esfuerzos para "vender" el diseño resultaron insuficientes. En testimonio de posguerra ante el Senado, Hughes indicó que el diseño innovador era la principal razón por la cual el USAAC rechazó del H-1: "intenté vender aquel avión al ejército, pero ellos lo rechazaron porque por aquel entonces el ejército no pensó que un avión monoplano era apropiado para un caza".


title: Hughes H-1 Racer

text: Algunos historiadores de la aviación han sugerido que el H-1 Racer pudo haber inspirado a cazas con motor radial posteriores, como el Republic P-47 Thunderbolt y el Focke-Wulf Fw 190. Tras la guerra, Hughes declaró que "es obvio que el Mitsubishi Zero es una copia del Hughes H-1 Racer." Notó que ambos aviones se parecían bastante, sobre todo en las alas y la cola. Jiro Horikoshi, diseñador del Mitsubishi Zero, negó rotundamente sus declaraciones.


title: Hughes H-1 Racer

text: El H-1 Racer fue donado al Smithsonian en 1975, y se expone de forma permanente en el Museo Nacional del Aire y el Espacio.


title: Hughes H-1 Racer

text: En 1998, Jim Wright, propietario de Wright Machine Tools de Cottage Grove, Oregón, tomo contacto con el reconocido historiador, artesano y técnico en el campo de la metalurgia, Kent White fundador de la empresa, TM Technologies para participar en la creación de la primera réplica del famoso H1 Racer. Con otras personas se construyó una réplica a escala real del H-1 que voló en 2002 (véase fotografía en ficha de aeronave). Su réplica era tan cercana a la original que la FAA le concedió el número de serie 2. La noticia de su logro apareció en la mayor parte de revistas de aviación de la época.


title: Hughes H-1 Racer

text: En el 4 de agosto de 2003, Wright exhibió su réplica en la AirVenture Oshkosh, Wisconsin. De regreso a su casa en Oregón, rellenó el depósito de combustible en Gillette, Wyoming. Wright se entrevistó brevemente con reporteros locales, diciendo que la aeronave había tenido problemas mecánicos"; una hora después de despegar, la aeronave chocó al norte del Geiser Old Faithful en El Parque Nacional de Yellowstone, causándole la muerte a Wright. La réplica, originalmente pensada para ser utilizada en la película "El Aviador", resultó destruida.<nowiki>[N 3]</nowiki> El informe oficial detalló el fallo de un contrapeso en la hélice de velocidad constante.


title: We Are Never Ever Getting Back Together

text: «We Are Never Ever Getting Back Together» —en español: «Nunca Vamos a Volver a Estar Juntos»— es una canción interpretada por la cantante estadounidense Taylor Swift, incluida en su cuarto álbum de estudio, "Red", de 2012. Swift la compuso junto a Max Martin y Shellback, y estos dos también la produjeron. Big Machine Records la lanzó como el primer sencillo oficial del álbum el 14 de agosto de 2012.


title: We Are Never Ever Getting Back Together

text: El tema recibió comentarios mixtos por parte de los críticos. Carina Adly MacKenzie de Zap2it.com y Grady Smith de "Entertainment Weekly" notaron la influencia de Avril Lavigne presente en el tema, mientras que Allison Chopin de Crushable criticó negativamente su letra. Por otro lado, tuvo buena recepción comercial. Alcanzó el primer puesto de la lista "Billboard" Hot 100, lo que la convierte en la primera canción de Swift que logra esa posición. Debido a sus ventas en los Estados Unidos, la RIAA le otorgó tres discos de platino. También llegó al número 1 en Canadá y Nueva Zelanda, y se ubicó entre los diez primeros lugares de las listas de Japón, Australia, Escocia, Irlanda, Reino Unido, Noruega y España.


title: We Are Never Ever Getting Back Together

text: Su vídeo musical se estrenó el 30 de agosto de 2012 en MTV y CMT, y al día siguiente se publicó en el canal VEVO de Swift en YouTube. La cantante interpretó el tema en varios eventos, tales como los MTV Video Music Awards y los MTV Europe Music Awards. La canción y el vídeo también recibieron varias nominaciones, entre las que se destacan dos candidaturas a los World Music Awards y una nominación a los premios Grammy en la categoría de . En la última de estas, perdió ante «Somebody That I Used to Know» de Gotye con Kimbra.


title: We Are Never Ever Getting Back Together

text: Taylor Swift compuso el tema junto a Max Martin y Shellback, y estos dos últimos también lo produjeron. Respecto a su composición, Swift comentó que «escribir "We Are Never Ever Getting Back Together" fue una de las experiencias más divertidas que he tenido en el estudio porque sucedió muy naturalmente». También dijo que la canción nació mientras ella estaba en el estudio con Max Martin, Shellback y un amigo de su exnovio. Según Swift, durante ese momento «[el amigo de su ex novio] empezó a hablar sobre que ha escuchado que habíamos vuelto y ese no era el caso». Finalmente, cuando él abandonó el estudio, Martin y Shellback preguntaron a Swift sobre la verdadera historia de la ruptura con su novio, así que les contó la historia de «romper, volver a estar juntos, romper, volver a estar juntos», la cual es la trama principal de la canción. La intérprete añadió que el proceso de composición fue muy rápido y divertido. El tema habla básicamente sobre «terminar una mala relación» y según Billy Dukes de "Taste of Country" «es una canción de separación que cierra la puerta en la cara de todos los perdedores que vienen arrastrándose con disculpas y "te quieros"».


title: We Are Never Ever Getting Back Together

text: Swift presentó el tema por primera vez el 13 de agosto de 2012, en un videochat en Nashville, creado con el fin de responder las preguntas de sus seguidores sobre el disco. Se lanzó el 14 de agosto de 2012 como primer sencillo oficial de "Red" mundialmente. Bill Lamb de About.com señaló que hay cierta influencia de Katy Perry en el tema, la cual combina con la actitud de Swift y el enfoque pop de la canción, que difiere de los anteriores temas "country" de la intérprete. El mismo crítico elogió el verso «And you, will hide away and find your piece of mind with some indie record that's much cooler than mine» —en español: «Y tú, te esconderás y encontrarás tu tranquilidad con algún disco "indie" que es mucho más genial que el mío»— debido a su lírica. Otros críticos destacaron la influencia de Avril Lavigne en el tema.


title: We Are Never Ever Getting Back Together

text: El diario "Daily News" escribió que: «Es otra canción pop ligera con un coro que ni siquiera los sordos se pueden perder. Como era de esperar, este toma un poco del olor del sencillo más exitoso del año hasta la fecha, "Call Me Maybe"». Carina Adly MacKenzie de Zap2it.com dijo que: «Martin también trabajó con Avril Lavigne en cuatro canciones para su álbum "Goodbye Lullaby", así que no es extraño que la nueva canción de Swift tenga mucho sonido Avril en ella». Grady Smith de "Entertainment Weekly" también mencionó a Lavigne en su crítica y comentó que la pista «suena como una más brillante y pulida melodía de Avril Lavigne, con un innegable, instantáneamente pegadizo gancho». También, Smith señaló que «no es muy "country"» y que es «menos madura que las canciones de rompimiento de "Speak Now" como "Back to December"». Glenn Gamboa de "Newsday" reseñó: «Considerando que Swift la coescribió con Max Martin y Shellback, es increíble que todavía suena como ella —una super brillante, de ritmo orientado, versión Avril Lavigne de ella misma». David Malitz de "The Washington Post" escribió que: «El énfasis aquí está mucho más en el pop que en la parte "country" de la ecuación» y añadió que el estribillo es «pegadizo». Allison Chopin de Crushable dio una crítica negativa, en la que opinó que: «Estas letras no tienen más habilidad artística que un mensaje de texto, o una nota metida en el casillero de un estudiante de séptimo grado». Amy Sciarretto de "PopCrush" comentó: