title: Renacimiento veneciano

text: El artista acompaña estas resistencias a los principios dominantes de una apertura hacia un realismo más agudo en la representación de los detalles, un sentimiento más patético y una atracción por la representación de una naturaleza inquieta y misteriosa, propia de artistas nórdicos como los de la escuela del Danubio. Obras como las Matrimonio místico de Santa Catalina, el San Jerónimo Penitente o el Políptico de Recanati son ejemplos.


title: Renacimiento veneciano

text: Tiziano también hizo sus primeros pasos en el comienzo del , llamado después de la muerte de Giovanni Bellini (el "El festín de los dioses") y de Giorgione (la "Venus de Dresde") para completar algunas de sus obras. Alrededor de la década de 1510, su impregnación del arte de Giorgione estaba tan interiorizada que hizo extremadamente difícil, incluso para hoy, atribuir ciertas obras como el "Concierto campestre", a uno u otro, ahora casi unánimemente atribuida a Tiziano aunque animada de temas intelectualmente queridos a Giorgione.


title: Renacimiento veneciano

text: El estilo del pintor de Pieve di Cadore pronto se caracterizó por una mayor intensidad cromática y monumental de los personajes que son más sólidos e insertados en contextos narrativos de una comprensión inmediata, como los frescos de los "Milagros de San Antonio de Padua" en la Scuola del Santo en Padua (1511). En esas primeras obras aparecen de inmediato la eficacia dramática y un reflejo decisivo del espacio.


title: Renacimiento veneciano

text: La muerte de Giorgione luego de Giovanni Bellini, la partida de Sebastiano del Piombo y de Lorenzo Lotto, a principios del favorecieron la afirmación indiscutible de Tiziano en la escena veneciana. Rápidamente se hizo famoso, especialmente con una serie de retratos, en 1517 fue el pintor oficial de la Serenissima. De esos años también fueron sus pinturas sobre un tema secular, destinadas a los clientes más cultos, como "Las tres edades del hombre" (c. 1512) y "El amor sagrado y profano" (c. 1515). Su éxito en Venecia estaba íntimamente ligado a la posición social y política que supo dar a su arte. Entendió que la cultura había adquirido, desde los primeros años del Cinquecento, un poder que la convertía en un «tercer poder», a la par del poder económico y político. Sin duda, fue el primero en sacar todas las consecuencias prácticas. Entre 1508 y 1518 dedicó gran parte de su actividad a la xilografía. Esos grabados, a menudo con alusiones políticas, estaban destinados a una clientela popular y permitieron difundir entre el pueblo veneciano los temas de la ideología oficial de la Serenísima, sin dejar de estar impregnados de cultura clásica y de referencias a modelos prestigiosos del pasado cercano (Mantegna) o presente (Miguel Ángel).


title: Renacimiento veneciano

text: Alrededor de 1518, comenzó a medirse a distancia con Miguel Ángel y Rafael. El "retablo de la Asunción de la Virgen" despierta admiración pero también perplejidad, por el salto decisivo en el estilo, las dimensiones monumentales, los gestos elocuentes y un uso del color que transmitía una energía sin precedente, ahora bien lejos de los tranquilos ambientes del tonalismo.


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text: Su fama le valió los primeros encargos de las cortes italianas, incluidas las de Ferrara y de Mantua. Alfonso I de Este le encargó una serie de "Bacanales" para su gabinete de Alabastro, entre las que destaca "Baco y Ariadna", que mezcló referencias clásicas, un uso dinámico y muy eficiente de los colores, elegidos entre las mejores calidades disponibles en el imperio veneciano.


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text: En los retratos de esos años, Tiziano se centró en la representación de la presencia física de los protagonistas, con unas composiciones e iluminación innovadoras y con poses poco convencionales, en nombre de la inmediatez y la vivacidad. Sus retratos son sin complacencia, gritos de verosimilitud y de humanidad: Venecia era entonces la única ciudad de Italia donde no se reprimía el sentimiento de libertad civil o religiosa, y esa libertad se expresaba en la pintura. La renovación impulsada por el dogo Andrea Gritti se revela en obras como el "Retablo de Pesaro", en el que los esquemas del son definitivamente dejados de lado. La Virgen se encuentra en un trono dispuesto lateralmente, como si en la nave lateral de la iglesia, a la que estaba destinado el retablo, hubiese una abertura con un altar orientado en la misma dirección. Los gestos y las actitudes son naturales, en un esquema deliberadamente asimétrico y, por tanto, más dinámico.


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text: Tiziano se ocupa de todos los géneros. Pintor de la vitalidad, celebraba la belleza terrenal pero manifestaba un interés por todos los aspectos de la vida, incluidos sus aspectos violentos, que interpretó con gran naturalismo como en el "Suplicio de Marsyas" o en "Taquin y Lucrecia". Acompaña la renovación de la cultura antigua con sus numerosas telas sobre temas mitológicos. Lleva el desnudo reclinado inventado por Giorgione a un interior y dota su carne femenina de colores suaves y cálidos. Los pintores que siguieron buscarán encontrar la clave de ese sensual arte de la alquimia cromática. La violencia de sus esquemas y su don de simplificación eficaz lo hacían apto para obtener un amplia eco. Su genio inventivo le llevó a encontrar soluciones figurativas que estaban a la vanguardia del modernismo y de la cultura pictórica. Así, en su Asunción, impuso la evidencia de lo sobrenatural.


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text: Gracias a la amistad de Pietro Aretino que estuvo vinculada a numerosos cursos, Tiziano pudo fortalecer el carácter emprendedor de su actividad, convirtiéndose en uno de los artistas más ricos y más buscados de la península. En sus últimos veinte años, de 1556 a 1576, alternó composiciones paganas y tablas religiosas de sentimiento elevado. Su último trabajo, la "Pietà" de la Academia, acusa particularmente la elección estética por la que había optado desde sus inicios: ausencia de dibujo previo y primacía del color sobre la línea. La pintura directa, la "pittura di macchia" (pintura de manchas, los empastamientos), la textura espesa y luminosa de la pasta, se antepone a la forma. Entonces, Tiziano pintaba más con la mano que con el pincel, liberándose de los contornos netos.


title: Renacimiento veneciano

text: La obra de Tiziano reivindicaba y afirmaba el derecho de la pintura a dominar sus signos. En una cultura donde primaba lo literario, fundó un código pictórico donde el significado de la pintura pretendía ser transmitido por medios específicamente figurativos.


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text: Junto con Palma el Viejo, a menudo reducido al papel de un observador, el único pintor capaz de enfrentarse a Tiziano en la escena veneciana en los años 1520-1530 fue el Pordenone (1483-1539), un pintor originario de Friuli. Su formación comenzó con Mantegna, con los grabados de Durero y de otros maestros nórdicos, y culminó con un viaje a Roma en 1514-1515 en el que descubrió las obras de Miguel Ángel y de Rafael. Desarrolló un estilo grandilocuente, entre recuerdos clásicos y narraciones populares.


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text: Los grandes ciclos de frescos, como los de la catedral de Treviso, los de la iglesia Madonna di Campagna en Piacenza, los de la Iglesia de San Francesco en Cortemaggiore, y sobre todo, los de la catedral de Cremona, constituyeron su especialidad. Sus interpretaciones fueron a la vez discursivas y solemnes, con un notable virtuosismo en la perspectiva. Al contrario, sus retablos fueron de desigual calidad. Si el tono seguía siendo grandilocuente en los destinados a provincias, los de Venecia parecen demasiado abarrotados. Al enfatizar el aspecto culto y refinado de su pintura para integrarse mejor en el ambiente verdaderamente veneciano, el Pordenone renunció en parte a cuál era su contribución específica y que estuvo en el origen de su éxito contra Tiziano: la expresividad destinada a impresionar a los fieles. Al abandonar esa manera, perdió parte de su inspiración. Enfrentado a la dimensión «social» de su actividad, que era la base del estilo dominante de una ciudad donde fluían los encargos, el creador debía definirse en relación con un estilo determinado. Ese fenómeno esencial se confirmó hacia 1520: la cuestión del «estilo» será constitutiva de la historia del arte y objeto de una investigación consciente por parte de los artistas. La subjetividad individual se verá ligada al cuerpo social y colectivo de la creación.


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text: Con su muerte en Ferrara, misteriosa en algunos aspectos, su enfrentamiento con Tiziano llegó a su fin. Su trabajo se pasa por alto sistemáticamente en la literatura artística veneciana posterior.


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text: Paris Bordone (1500-1570), nacido en 1500 en Treviso, se formó y luego vivió en Venecia, donde siguió los pasos de Tiziano antes de pasar al retrato. Su estilo combina la paleta y la soltura de Tiziano con una cierta frialdad y una concentración en el aspecto social del modelo, todo florentino. Se fue a Francia en 1538 y a Augsburgo en 1540. Su opulencia toda veneciana tuvo alguna influencia probablemente en los pintores de la corte alemanes, como Amberger y Pencz. De hecho, su estilo era más fácil de imitar que el de Tiziano, que era más profundo. En Venecia, se convirtió en el especialista en un determinado tipo de composición alegórica en la que el retrato se combinaba con un tema simbólico para completar un gusto de helado que acerca al personaje a la naturaleza muerta. La individualidad del tema pasa entonces a ser secundaria en relación con el trabajo "di maniera" sobre los espacios y las formas.


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text: Andrea Schiavone (1510-1563), pintor dálmata de Zadar de origen italiano que murió en Venecia en 1563 después de haber estado activo allí desde 1520, fue un autodidacta que se formó imitando a Giorgione y Tiziano, así como con los grabados del Parmigianino. Introdujo en Venecia una cierta cualidad extática generalmente ausente de la pintura veneciana. Sus colores cambiantes y sus violentos efectos de "contrapposto" sugieren que el manierismo del centro de Italia había marcado su evolución.


title: Renacimiento veneciano

text: Schiavone representa uno de los más válidos ejemplos de síntesis entre las innovaciones manieristas y la tradición pictórica veneciana. Partiendo del colorido de Tiziano, lo llevó a sus últimas consecuencias, dándole un sentido meramente ornamental y meramente arbitrario. Artista de personalidad muy definida, supo utilizar su conocimiento de la obra de Parmigianino para traducirlo en un estilo más cromático y de trazos menos dibujísticos, llegando más lejos en su atrevimiento que la mayoría de sus colegas vénetos. Con el tiempo se acercará a la manera de hacer de Tintoretto, el otro gran manierista veneciano.


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text: Paolo Veronese llegó a Venecia en 1551 después de haber realizado su aprendizaje en Verona, Mantua y Parma. En 1552, obtuvo un primer encargo para la iIglesia de San Francesco della Vigna para el que produjo la "Sacra conversazione". Se instaló definitivamente en Venecia al año siguiente, donde se convierte en el «pintor de la República». Junto con Giovanni Battista Ponchini y Giovanni Battista Zelotti, creó los frescos para las salas del Consejo de los Diez en el Palacio de los Dogos. En 1555, emprendió la realización del techo de la sacristía de la iglesia de San Sebastiano. Con otros seis pintores, entre ellos Battista Franco, Giuseppe Porta, Bartolomeo Ammannati y Il Tintoretto, participó en la decoración del techo de la sala de la "" de la Biblioteca Marciana. Entre 1575 y 1577, produjo en el Palacio Ducal, el "Triunfo de Venecia" para el salón del Gran Consejo y las "Alegorías de la Virtud" para el salón del Colegio, que se encuentran entre sus grandes obras maestras. Veronese, que murió en 1588 a la edad de 60 años, está enterrado en la iglesia de San Sebastiano, en la que pintó una gran cantidad de frescos que parecen sensuales, alegres, paganos y llenos de vitalidad a pesar de sus temas.


title: Renacimiento veneciano

text: Una suerte de alegría decorativa emana de sus telas, en una atmósfera de alegría de vivir, ciertamente secular, pero melodiosa y poética. Veronese es el pintor del lujo y de la ostentación. Le gustaba pintar la multitud multicolor donde dispone a los participantes en un escenario arquitectónico de gran magnificencia. No dudaba en trasponer los temas, personajes y actitudes de la Antigüedad en escenas sagradas.


title: Renacimiento veneciano

text: Hacia 1560, decoró la Villa Barbaro de Maser, utilizando prodigios de imaginación y de fantasía. Fue el primero en pintar a gran escala la mitología o la historia sagrada en los techos. Tiene en cuenta el punto de vista del espectador, corrige la visión acortando perspectivas o abriendo un cielo y multiplica el trampantojo arquitectónico.


title: Renacimiento veneciano

text: La síntesis operada por Veronese buscaba un equilibrio de las tendencias contemporáneas: sus figuras se unen a ciertos principios del manierismo; convertidas en modelo de comportamiento social; la idea de gracia y de nobleza atempera cualquier posible violencia. El espacio pictórico escapa a la paradoja manierista al estar, muy a menudo, muy fuerte y claramente estructurado por su grandiosa arquitectura a la que se adapta la amplia y rítmica disposición de las figuras.


title: Renacimiento veneciano

text: Veronese comparece ante la Inquisición por el supuesto contenido de la "Cena" pintado en 1573 para los dominicos de los Santos Juan y Pablo. Su defensa es de orden estético: su trabajo es ser pintor y de «hacer figuras». Esta actitud ante el Tribunal de la Inquisición, flexible, pero coherente afirma la especificidad de lo pictórico y de sus leyes: la "Cena" se convierte en la Comida en casa de Levi. Veronese escapa así al conformismo que la Contrarreforma quiere introducir en las artes. Es un hombre del y su optimismo es el del humanismo clásico. Afirmando además la dignidad y la libertad del pintor, se revela también veneciano, es decir, hombre de una ciudad cuya gloria ideológica consiste precisamente en haber defendido su libertad y su "dignitas" ante los ataques de principios del siglo, luego de haber tenido este papel para toda la cristiandad en Lepanto


title: Renacimiento veneciano

text: Nacido en Venecia en 1518, ciudad de la que apenas saldrá, en el popular barrio de Madonna dell'Orto, Tintoretto trabajó brevemente en el estudio de Tiziano, pero sus verdaderos maestros fueron los protagonistas de la batalla manierista, Pordenone y Miguel Ángel. Su fuerza y novedad derivan de la libertad con la que trataba sus elementos: conseguía «con el pincel» los efectos del "disegno" manierista y buscaba la eficacia del choque visual gracias a un violento dinamismo y a una sugestión de inmensidad sensible en la amplitud de los programas que realizaba, en el tamaño de sus cuadros y en la relación que establecía entre las figuras y el espacio. Muy pronto rechazó la Antigüedad, el trampantojo, la arquitectura teatral fingida, los cortinajes, los brocados u otras balaustradas. Sobre todo, pintó escenas sobre temas religiosos. Fue el pintor de la clase media y de la espiritualidad popular. Su arte estaba en las antípodas de Veronese. Su factura rápida y abrupta ponía en tela de juicio los valores del cuidado y del acabado. Su estilo fue violento, vehemente, reinaba el movimiento en sus composiciones de atmósfera dramática. Quería combinar la paleta de Tiziano con el dibujo de Miguel Ángel, cuyas obras solo conocía a través de grabados y de copias, basándose en las obras de los dos artistas sin imitarlas nunca.


title: Renacimiento veneciano

text: Desde los años 1565-1570, Tintoretto afirmó cada vez más el papel de la luz para transformar mejor lo material en un objeto de visión espiritual. El material figurativo que utilizaba seguía siendo el de Cinquecento. El arte de Tintoretto lleva las cicatrices de la última parte del Renacimiento con las contradicciones y angustias que reflejaban las de la sociedad. Sus últimos trabajos se situaban al borde de una concepción figurativa barroca, la organización diferenciada del espacio escapando de una perspectiva de punto de vista único. Sin embargo, en su última tela, "La caída a la tumba" de 1593-1594, si bien un claroscuro dramático se combinaba con una dinámica en zigzag ascendente y descendente que será cara al barroco, ningún soporte arquitectónico fija o enmarca ya la composición, hecha sobre todo del vaivén de las figuras, y la oposición de los cuerpos de Cristo y de la Virgen no pueden describirse sino como «barrocos».


title: Renacimiento veneciano

text: Entre los numerosos críticos de arte, Jean-Paul Sartre observa a los hombres que describe Tintoretto en sus cuadros y los compara con aquellos que imagina como auténticos, captados en las calles de Venecia. La máxima expresión del ciclo pictórico del artista se puede ver en la iglesia de San Roque en Venecia.


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text: La carrera de Jacopo Bassano (1510-1592) y de su prolífico taller familiar se explica en particular por su capacidad para responder a una determinada demanda del medio veneciano. Originario de Bassano del Grappa, cerca de Venecia, llegó a la Serenissima alrededor de 1535 en el momento exacto en que las estampas del Parmesano introducían allí el grafismo manierista. Adoptó una "maniera" muy afirmada en relación con la producción de la ciudad, pero transponiendo el colorismo tizianesco en una estridente reconciliación de tonos cálidos y fríos, como en la "Decapitación de San Juan Bautista" (1548-1550), una sutil interpretación veneciana del gusto manierista. En la década de 1560 renovó su estilo orientándolo hacia lo patético y la afirmación decidida de un luminismo artificial.


title: Renacimiento veneciano

text: En su taller, la producción se hacía casi en serie para satisfacer una demanda creciente de «luminismo» al servicio de la escena del «género» bíblico o pastoral, fundada por Jacopo. Esta nueva realidad campesina estereotipada satisfacía la tradicional nostalgia de los venecianos por la Tierra Firme


title: Renacimiento veneciano

text: La grandeza de la escuela veneciana no sobrevivió a Veronese y a Tintoretto, a pesar de los intentos de Palma el Joven de reconciliar el «verismo» de los Bassano, las grandes composiciones de Veronese y el movimiento dramático de Tintoretto. Mientras el barroco triunfaba, los más grandes pintores que trabajaban en Venecia en el eran un alemán Jan Liss, un romano, Domenico Ferri, y un genovés Bernardo Strozzi. Se extinguía un ideal de libertad propio del Cinquecento veneciano, del que la pintura de la época había sido la transposición variada. Venecia nunca se identificó realmente con el manierismo. La voluntad de una relación directa y efectiva con la imagen hacía que se estuviese lejos de la distanciación y apreciación estético-elitista que la caracterizaban en otros lugares y contra la que se levantarán los cardenales postridentinos. La pintura veneciana afirmaba en la especificidad artística del siglo y la libertad relativa del pintor. Venecia aparece como la especialista en el placer de pintar. No es casualidad que nazcan la "Venus" de Tiziano y los desnudos calientes y sensuales de Veronese o del Tintoretto. En 1558, Ludovico Dolce arroja luz sobre esta afirmación en su "Diálogo sobre la pintura". Explica cómo la mutación del Renacimiento tomó su forma veneciana en las pinturas arcadias de Giorgione, y cómo finalmente esa tradición de placer por la pintura llevó a la escuela veneciana por el camino de una «pintura de pintores».


title: Renacimiento veneciano

text: Venecia adoptó tardíamente el estilo renacentista, aún permaneciendo gótica en su conjunto y a la sombra de su glorioso pasado bizantino. En los años 1460-1470, la arquitectura en Venecia dio un giro con la llegada de arquitectos del interior, de Toscana y de Lombardía. La conquista del continente promovió el contacto con las formas de arte continentales. A principios del , y especialmente en el dogato de Andrea Gritti, se ejecutan varios obras que alteraronn radicalmente el aspecto de la ciudad.


title: Renacimiento veneciano

text: Después del saqueo de Roma en 1527, Venecia, que en general escapó de guerras e invasiones, se convirtió en un refugio, especialmente para arquitectos, entre ellos, Michele Sanmicheli y Jacopo Sansovino. Las grandes diferencias entre la pintura veneciana y la del centro de Italia impidieron que los extranjeros compitiesen con los pintores locales, lo que no fue el caso de la arquitectura.


title: Renacimiento veneciano

text: El bergamasco Mauro Codussi destacó como el primero entre los arquitectos que se instalaron en Venecia. Habiendo participado en las innovaciones florentinas de Brunelleschi, Leon Battista Alberti et Michelozzo, llevó consigo un estilo renacentista revisado a la laguna, ya visible en su primera obra, la Iglesia de San Michele in Isola (1468-1479). Además del riguroso y moderno Codussi, también trabajaban en la ciudad otros arquitectos con un gusto más cargado, como Antonio Rizzo y Pietro Lombardo. El primero, formado en las obras de la Cartuja de Pavia, fue el responsable de la reconstrucción y ampliación del Palacio Ducal durante quince años. El segundo, de origen ticino, fue el creador de ciertas obras donde el uso de los órdenes clásicos se confunde con una exuberante decoración lombarda y con la apetencia local por revestir las paredes con preciosos mármoles, como el palacio de Darío y la iglesia de Santa Maria dei Miracoli.


title: Renacimiento veneciano

text: En 1527, por recomendación del cardenal Grimani, el dogo Andrea Gritti encargó a Jacopo Sansovino la restauración de la cúpula principal de la basílica de San Marcos. En 1529, se convirtió en arquitecto en jefe y superintendente de propiedades ("Protomaestro" o "Proto") de los procuradores de San Marcos, lo que lo convirtió en uno de los artistas más influyentes de Venecia. Ese nombramiento iba acompañado de un salario de 80 ducados y de un apartamento cerca de la torre del reloj de San Marcos. En un año, su salario se eleva a 180 ducados anuales..


title: Renacimiento veneciano

text: Sus principales realizaciones se encuentran cerca de la plaza de San Marcos, como la Zecca y la Loggetta que, decorada con sus esculturas, linda con el Campanile, así como diversas estatuas y relieves para la basílica de San Marcos. También contribuyó a la reconstrucción de varios edificios, iglesias, palacios e instituciones, como las iglesias de San Julian, San Francesco della Vigna, San Martino, San Geminiano (ahora destruida), Santo Spirito in Isola y la de los Incurabili. Y entre los palacios y edificios, la Scuola Grande della Misericordia (planos antiguos), Ca 'Dio, el palacio Dolfin Manin, el palacio Corner, el palacio Moro en San Barnaba y la "Fabbriche Nuove" del Rialto. Su obra maestra es la biblioteca de San Marcos (Biblioteca Marciana), una de las edificaciones renacentistas más ricamente decoradas de Venecia, que se encuentra frente al palacio Ducal. Su construcción se prolongó durante cincuenta años y costó más de 30.000 ducados.


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text: Jacopo Sansovino murió en Venecia el 27 de noviembre de 1570; su tumba se encuentra en el baptisterio de la basílica de San Marcos.


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text: Desde 1550, Andrea Palladio estuvo en Venecia donde dirigió la construcción de la Basílica de San Giorgio Maggiore. En 1570, Palladio sucedió a Jacopo Sansovino, fallecido, en el cargo de arquitecto jefe de la Serenissima; allí construyó las iglesias de San Giorgio Maggiore y del Redentor.


title: Renacimiento veneciano

text: San Michele in Isola, obra de Mauro Codussi, tiene una fachada tripartita basada libremente en el templo Malatestiano de Alberti, con dos órdenes superpuestos. La parte superior tiene un ático entre lesenas con un óculo y cuatro discos de mármol policromado rematados por un frontón curvilíneo, mientras que los lados están unidos por dos alas curvas, con finos ornamentos en relieve de conchas. En su punto de unión con la parte central se dispone una cornisa saliente, que corta por la mitad las pilastras. El interior de la iglesia se divide en tres naves, marcadas por arcos de medio punto sostenidos por columnas. Cada nave está cubierta con techos artesonados y termina con un ábside semicircular, estando el último tramo separado en los lados por mámparas y cubierto por una cúpula ciega. En el lado de la entrada, un vestíbulo queda aislado del resto de la iglesia por un «"barco"», un coro sostenido por arcadas. Sustrayendo el espacio del vestíbulo y el del presbiterio con cúpulas, Codussi obtuvo un cuerpo central perfectamente cuadrado. La catedral de Santiago (Šibenik) —Patrimonio Mundial de la Humanidad desde el año 2000—, construida por el arquitecto Giorgio Orsini, que había trabajado anteriormente en Venecia en el Palacio Ducal, es un ejemplo similar y anterior de la Iglesia de San Michele. Orsini utilizó la piedra blanca de Istria extraída en la isla de Brac que luego será empleada por Codussi. Este modelo de iglesia fue retomado a lo largo de la costa de Dalmacia.


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text: La iglesia de San Zacarías, ubicada cerca de San Marcos, fue erigida a partir de 1458 por Antonio Gambello. Está flanqueada a su derecha por un fragmento de la iglesia gótica anterior dominada por un campanario del . Mario Codussi reanudó los trabajos en 1483 y diseñó una fachada imponente. Una serie de cornisas la divide en seis niveles calados con vanos simples o múltiples, puntuados por hornacinas, pilastras o columnas dobles con capiteles corintios. El coronamiento en semicírculo y los contrafuertes curvilíneos están decorados con estatuas. La base está revestida de mármol rosa salmón y el primer piso alinea una serie de conchas de Santiago. El portal de entrada está presidido por una estatua de San Zacarias, santo patrón del lugar, realizada por Alessandro Vittoria. El estilo del interior es mixto, tanto renacentista con sus altas cúpulas, como gótico. Las naves laterales se extienden detrás del altar mayor por un deambulatorio con capillas radiantes, una estructura poco común en Venecia.


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text: Construida entre 1481 y 1484 por Pietro Lombardi y sus hijos, Santa Maria dei Miracoli es una de las primeras iglesias renacentistas de Venecia. El edificio, de tamaño modesto, está, por fuera y por dentro, totalmente cubierto de mármol, cuyo hábil juego de colores se hace eco del gusto oriental de la ciudad. La fachada tiene un gran frontón semicircular con numerosos óculos y dos rosetones en espiral muy similares a los del palacio Darío construido por el mismo arquitecto. El motivo de la cruz es omnipresente en ambos niveles. El interior es de una única nave con bóveda de cañón dividida en casetones de madera dorada que representan santos y profetas.


title: Renacimiento veneciano

text: Iniciada en 1450 por Antonio Gambello, las obras de la iglesia de San Giobbe fueron continuadas a partir de 1470 por Pietro Lombardo en un puro estilo renacentista que se manifiesta en el elegante portal de entrada, en el interior de una única nave y en el coro con imponente arco triunfal. La bóveda de la capilla Martini está adornada con terracotas esmaltadas por los hermanos Della Robbia, los únicos que tiene Venecia. Giovanni Bellini pintó para esta iglesia el "retablo de San Giobbe", hoy en la Academia.


title: Renacimiento veneciano

text: La iglesia de San Giovanni Crisostomo, última obra de Mauro Codussi, se construyó a partir de 1480 sobre una superficie reducida. Su huella es todavía bizantina con planta de cruz griega encerrada en cuadrada, con una cúpula central y cuatro cúpulas secundarias. El coro está revestido con lienzos que incluyen el r"etablo de San Jerónimo, San Cristóbal y San Luis", una de las últimas obras de Giovanni Bellini (1513).


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text: Mauro Codussi dibujó los planos de la iglesia de Santa María Formosa, erigida en 1492. Estos son bizantinos y están inspirados en la basílica de San Marcos: cúpula central y cúpulas secundarias, cruz latina con proporciones de cruz griega inscrita en un cuadrado. La luz es intensa en el centro y atenuada en los laterales, las paredes están adornadas con discretas bandas bicolor. Los elementos arquitectónicos de piedra gris se destacan sobre los yesos blancos queridos por Brunelleschi, una interpretación moderna de la tradición veneciana.


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text: La iglesia de San Salvador fue erigida a partir de 1507 en medio de las "", equidistante de San Marcos y del Rialto, según planos de Giorgio Spavento, fallecido en 1509. La obra fue continuada por Tullio Lombardo. El edificio, de planta de cruz latina, tiene una cúpula en el cruce del transepto y dos sobre la nave que es especialmente alargada. Alberga el monumento funerario del dogo Francesco Venier (1489-1556) y algunas pinturas de Giovanni Bellini, así como el último Tiziano, una "Anunciación" de 1566.


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text: La Iglesia de San Francesco della Vigna, tercera necrópolis de los dogos de Venecia, destaca por su campanario cercano al de San Marcos y por su fachada, obra de Palladio, similar a la de San Giorgio Maggiore. Reconstruida a partir de 1534 sobre un proyecto de Sansovino, los planos de este último fueron modificados por el hermano Francesco Zorzi, erudito franciscano, filósofo y humanista, que pretendía hacer reinar la armonía de las proporciones. Sus planos se sometieron a una comisión formada por el arquitecto Sebastiano Serlio, Tiziano y el humanista Fortunio Spira. Sus dimensiones (ancho y alto de la nave, ancho de las capillas y del transepto, profundidad del coro igual al ancho de la nave) se establecen de manera particularmente rigurosa. El resultado es una cruz latina de una sola nave bordeada por capillas, con un coro profundo flanqueado por dos capillas secundarias. A la izquierda del coro, la capilla de San Girolamo, toda en mármol, es una obra maestra de los hermanos Lombardo.


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text: La iglesia de San Giorgio Maggiore, erigida en 1566, ocupa una posición privilegiada frente a la "Piazzetta". Adosada a una casa benedictina acomodada, es muy rica: piedra clara de Istria, suelo de mármol con decoración de damero en rojo y blanco, estatuas de mármol blanco en los nichos de las naves laterales. Su fachada parece combinar dos templos antiguos que se superponen e interpenetran entre sí: un gran pronaos con cuatro columnas corintias está embebido en un frontón del que solo aparecen los extremos triangulares. Simone Sorella, que completó la fachada tras la muerte de Palladio, colocó los frontones del pronaos sobre altos pedestales, alterando la coherencia del conjunto. El interior es un compromiso entre un templo de la antigüedad clásica y una iglesia cristianade planta de cruz latina con tres naves. Una cúpula remata el cruce del transepto, cuyos extremos terminan en ábsides.


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text: El monasterio benedictino de San Giorgio fue completamente reconstruido en el . El primer claustro, de colores rojo y blanco, con un pórtico de columnas gemelas y una planta alta con ventanas resaltadas por frontones triangulares y curvilíneos, es obra de Palladio. El segundo claustro, llamado de los Laureles, da acceso al refectorio de Palladio, cuya muro trasero estaba adornado con "Las Bodas de Caná" de Veronese, cuadro que, creado por su pórtico, simula una abertura en el estrecho espacio arquitectónico.


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text: La Iglesia del Redentor fue erigida después de la epidemia de peste de 1576. Fue construida entre 1577 y 1592 en la isla de Giudecca. Iglesia de una única nave cuyas grandes semicolumnas sostienen un poderoso entablamento que sostiene una bóveda de cañón con grandes ventanales semicirculares divididas en tres sectores, recordatorio de la «bahía termal» de la arquitectura antigua. A cada lado, tres capillas profundas se comunican entre sí a través de idénticas ventanas termales. El ábside es un semicírculo elíptico que vuelve a recordar los baños romanos. La iglesia de las Zitelle, ubicada entre San Giorgio Maggiore y el Redentor, fue construida sobre un proyecto de Palladio. También tiene una «bahía termal» sobre el portal de entrada.


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text: En 1559, Palladio recibió el encargo de la reconstrucción de la basílica de San Pietro di Castello, sede patriarcal de Venecia desde 1451 (y hasta 1807). La fachada es de piedra de Istria, al igual que el campanario reconstruido en la década de 1480 por Mauro Codussi, una rareza en Venecia.


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text: Fue particularmente bajo los dogados de Leonardo Loredan (1501-1523) y de Andrea Gritti (1523-1538) cuando la Plaza de San Marcos y su " adquirieron su aspecto moderno. La plaza está completamente rodeada de pórticos, sin ninguna influencia aquí de Roma. Desde un principio, fue diseñada como una «sala de ceremonias» y sirvió de escenario para los ritos de la vida civil y religiosa en la República.


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text: Cuando las Procuradurías Viejas, un edificio de un único bloque construido a petición del dogo Ziani en estilo véneto-bizantino, tuvieron que ser reconstruidas tras un incendio en 1515 y fueron recrecidas en esa ocasión, se conservó su aspecto original. Esa decisión es indicativa de la renuencia de Venecia a introducir un nuevo lenguaje arquitectónico y de su apego a la tradición. Bartolomeo Bon fue el responsable de esta reconstrucción. El segundo piso está coronado por un largo friso perforado de oculi y de almenas que recuerdan a los de la basílica y el palacio ducal.


title: Renacimiento veneciano

text: Los procuradores tuvieron la idea de marcar la entrada que conduce a las ", una hilera de calles comerciales que conectan San Marcos con el Rialto, mediante una torre que tendría la apariencia de una puerta de la ciudad. La obra, iniciada en 1496, fue confiada a Mauro Codussi. Esa torre del reloj tiene cinco niveles superpuestos: en la base, un arco de medio punto da acceso a las calles de la Mercería; luego, un gran reloj circular; la tercera planta corresponde a una Virgen y el Niño al que los Reyes Magos rinden homenaje el día de la Ascensión; sobre ella, el León de San Marcos sobre un fondo de un cielo azul estrellado; y en lo alto, como coronación, dos moros cuyos mazos golpean la campana para dar las horas.


title: Renacimiento veneciano

text: Reconstruido en el , el campanile fue alcanzado por un rayo en 1489. Mientras se estaba reconstruyendo volvió a ser dañado por un terremoto en 1511. Bartolomeo Bon terminó su restauración en 1517, manteniendo muy poco de su forma original. El cuerpo principal es de ladrillo rojo sobre el que destaca la piedra blanca de la cámara de las campanas. Arriba, un ático sostiene una aguja piramidal, cuya punta está coronada por un ángel dorado esculpido por Sansovino.


title: Renacimiento veneciano

text: En 1530, los procuradores encargaron a Jacopo Sansovino la construcción de una biblioteca en el lado oeste de la Piazzetta. Se convirtió así en una especie de segundo foro. En 1557 reconstruyó la pequeña logia al pie del campanario. Encargo público, la larga fachada de la biblioteca es intencionadamente muy decorativa. Situada frente al Palacio Ducal, tiene los mismos soportales en la planta baja que las Procuradurías y forma una logia abierta continua para los puestos que siempre se han instalado en la plaza. La Zecca, junto a ella, con sus columnas salientes, sus proporciones completamente diferentes, es mucho más compacta y de apariencia deliberadamente defensiva. El objetivo era dar una apariencia de estabilidad y seguridad al lugar donde se acuñaba la moneda de la República.


title: Renacimiento veneciano

text: El rosa pálido y crema del pavimento del Palacio Ducal, el ladrillo del campanario del color de las hojas muertas, los mosaicos de la basílica, las cúpulas de cobre verde, la luz a menudo cegadora y los reflejos del agua se suman a los efectos arquitectónico para obtener una puesta en escena característica del arte veneciano, totalmente ajena a la arquitectura romana y florentina.


title: Renacimiento veneciano

text: La plaza de San Marcos adquirió su aspecto definitivo cuando, en 1580, el Senado decidió construir unos nuevos alojamientos para los Procuradores al sur, alineados en el lado norte de la Biblioteca. Vincenzo Scamozzi, discípulo de Palladio, hizo demoler el antiguo hospicio de Orseolo para empezar los trabajos. Tras serias discusiones sobre el estilo del edificio, que oponían a los proponentes del arte «a la antigua» a los de la tradición veneciana, las Nuevas Procuradurías, completadas en 1640 por Baldassare Longhena, permanecen cercanas en el espíritu de estilo de la Biblioteca de Sansovino.


title: Renacimiento veneciano

text: La alineación de los palacios abiertos al Gran Canal proporciona a la arquitectura veneciana una escenografía poco común. La planta baja, a nivel del mar, está reservada para las cocinas y las oficinas; en el primer piso, una gran estancia, en el medio del edificio, da al canal, la arteria principal de la ciudad. La escalera queda relegada a la parte trasera de la casa; las ventanas principales se agrupan en una serie de vanos con columnas que a veces aún coexisten con una forma modificada de ventana gótica.


title: Renacimiento veneciano

text: La ciudad acoge con circunspección la simplicidad equilibrada de las superficies y de las proporciones de la arquitectura antiguizante, estando la riqueza decorativa anclada en el temperamento veneciano. En el , los palacios venecianos abandonan el ladrillo por la piedra, más noble pero más fría. Favorecen la monumentalidad, la simetría y la armonía. Sus fachadas enfatizan fuertemente las horizontales y las verticales mediante cornisas, pilastras o columnas al estilo antiguo, sus ventanas renuncian a los arcos quebrados por el arco de medio punto. Lesenas y pilastras están talladas con motivos «a la Antigua», jarrones, bucranes, hojas de acanto o de laurel, figuras de animales. El arte renacentista se integra sin destruir el pasado: el gusto por los chapados y el color, de la tradición bizantina, sigue manifestándose.


title: Renacimiento veneciano

text: Uno de los primeros palacios renacentistas fue el palacio Darío, cerca de la iglesia de La Salute, construido entre 1487 y 1492 por Pietro Lombardo. Su estrecha fachada tiene una refinada decoración de mármol policromado. Entre los arcos de medio punto destacan unos rosetones de piedra en forma de espiral. Los valores decorativos siguen prevaleciendo aquí; la construcción permanece ligera gracias a las ventanas cuádruples que se repiten en los tres pisos de su fachada.


title: Renacimiento veneciano

text: El arte renacentista triunfa en el Palacio Corner Spinelli, construido a partir de 1490 por Marco Codussi para la familia Lando. Su fachada, a lo largo de la cual corren balcones, presagia la del palacio Vendramin. Se disponen, entre los huecos de los pisos, discos de mármol; los almohadillados del nivel inferior son una herencia toscana.


title: Renacimiento veneciano

text: Mario Codussi construyó entre 1502 y 1509 el palacio de Calergi-Vendramin para Andrea Loredan, quien presidía el Consejo de los Diez y que estaba relacionado con el gran dogo Leonardo Loredan, quien luego abogó por la austeridad y la abstención de gastos suntuarios tras la derrota de Agnadello. Su fachada explota y repite doce veces una «célula de base» que le da su unidad, compuesta por dos ventanas gemelas coronadas por un óculo circular y un arco de medio punto que las remata a ambas. La sucesión de los tres órdenes, dórico, jónico y corintio, se respeta en los tres niveles separados por entablamentos continuos subrayados por fuertes cornisas, convirtiéndose la última en un elegante friso de buena altura. La presencia de discos de colores en los intervalos de los vanos marca el acento veneciano.


title: Renacimiento veneciano

text: La Scuola Grande di San Rocco, construida entre 1517 y 1549, se asemeja al palacio Calergi-Vendramin por la presencia en su planta baja de las mismas ventanas compuestas «a la Codussi». Arriba, sin embargo, los vanos geminados están rematados con un frontón triangular. Columnas acanaladas, pilastras con capiteles corintios, mármoles policromados y un friso superior le confieren una gran suntuosidad. Bartolomeo Bon fue el arquitecto de la planta baja, Santo Lombardo y Scarpagnino la completaron.


title: Renacimiento veneciano

text: El palazzo Corner della Ca' Granda fue construido a partir de 1532 por Jacopo Sansovino a petición de Jacopo Cornaro. Es de dimensiones imponentes y su fachada tiene un sótano con salientes con tres arcos monumentales, así como grandes vanos entre columnas dobles en la planta superior. En el interior hay un atrio y un peristilo, que recuerdan a la Antigüedad romana.


title: Renacimiento veneciano

text: El Palacio Grimani, construido entre 1557 y 1561 por Sammicheli para el senador Girolamo Grimani, destaca por su puerta de agua, un verdadero arco de triunfo romano con tres arcos, uno grande y dos pequeños, estructura reproducida de forma simplificada en dos pisos superiores, confiriendo al edificio su unidad.


title: Renacimiento veneciano

text: La sociedad patricia veneciana se vuelve al humanismo hacia mediados del , corriente que se había impuesto en Padua desde 1405 a través de su universidad. Aparecen centros intelectuales activos, como el del monasterio de camaldulense de San Michele di Murano, que tenía una rica biblioteca. En 1408, se abre la Escuela de Rialto, escuela de lógica y de filosofía, primero privada, luego pública a partir de 1441. En 1446, se funda la Escuela de humanidades de San Marcos que enseña derecho, lógica, filosofía y teología, y fue un foco de estudio de los autores italianos. El humanismo veneciano es menos pagano o lacico que el humanismo florentino. Se guía ante todo por la cultura helenística y pretendía armonizar con el servicio del Estado, considerando que los estudios clásicos eran los más indicados para formar a políticos y diplomáticos de calidad. Las grandes familias practicantes de la ciudad dan a Venecia sus gobernantes y administradores, así como sus humanistas más eminentes.Venecia seguía siendo una ciudad tolerante, un asilo del pensamiento libre. En 1516, Pomponazzi pudo afirmar que el alma era mortal porque estaba ligada a la materia sin que eso mereciese represalias.


title: Renacimiento veneciano

text: Después de la caída de Constantinopla en 1453, los intelectuales griegos primero huyeron a Venecia, que se benefició entonces de una gran transferencia de conocimientos. Desde 1460, Jorge de Trebisonda y otros profesores eminentes como Marcus Musurus y Janus Lascaris, enseñaron en la Escuela de San Marcos. El cardenal Bessarion es uno de esos «desarraigados» que lucharon por salvar del «naufragio de la barbarie» el legado de la cultura griega. Su rica biblioteca tenía 432 códices griegos y latinos que donó en 1464 a la ciudad de Venecia, esperando que todos pudieran consultarlos. Venecia decidió entonces construir una biblioteca pública. La erección de la "Biblioteca Marciana" no se finalizará hasta 1537.


title: Renacimiento veneciano

text: Uno de los patricios humanistas más famosos fue Hermolao Barbaro (1453-1493), sobrino del dogo Andrea Vendramin, que reunía en su palacio a quienes estaban animados por la misma curiosidad por la cultura griega. Ocupó varios cargos y fue embajador en Roma. Visitó a Lorenzo el Magnífico en el momento en que Marsilio Ficino traducía a Platón y daba una enseñanza en Padua sobre Aristóteles, del que traduce y comenta los escritos.


title: Renacimiento veneciano

text: El editor Aldo Manucio se rodeó de eruditos, historiadores, geógrafos y cronistas entre los que se encontraba Marin Sanuto, autor de los "", que forman a su alrededor la Academia Aldine, donde era necesario el conocimiento del griego antiguo para convertirse en miembro. Erasmo la frecuentaba cuando fue a Venecia en 1508.


title: Renacimiento veneciano

text: En 1469, los tipógrafos alemanes Jean y Wendelin de Spire crearon la primera imprenta en Venecia. En 1471 se concedió un privilegio exclusivo de cinco años al último de ellos, pero murió un año después. Otros talleres, incluido el del francés Nicolas Jenson, se crearon de inmediato. Banqueros y fabricantes, como los Agostini y los Priuli, invirtieron en impresión. La actividad fue tan exitosa que hacia el final del , había ya casi doscientos impresores activas, garantizando a la ciudad una hegemonía tanto técnica, cultural y artísticamente. El libro respondía a las preocupaciones concretas de los venecianos porque era uno de los objetos de comercio más interesantes. Los problemas de monopolio y de plagio aparecen a partir de 1490, lo que empuja a la edición veneciana a organizarse en la poderosa corporación "Arte della stampa", cuando entran en vigor las primeras medidas tomadas para proteger los derechos de autor. Las ediciones económicas doblaban la publicación de los textos grandes, que alcanzaron grandes tiradas.


title: Renacimiento veneciano

text: A partir de 1490, Aldo Manucio publicó ediciones de alta calidad de obras clásicas y contemporáneas. Originario de Roma, consiguió el apoyo de empresarios para su empresa, académicos y cartas para la constitución de textos. Fue un profesor que hablaba griego con fluidez y un humanista que veía su actividad como un apostolado. La novela alegórica de "Hypnerotomachia Poliphili" de Francesco Colonna, publicada por Manucio en 1499, constituye una obra maestra del arte tipográfico de la época: los personajes del texto están armoniosamente ligados a las ilustraciones xilográficas y a los motivos ornamentales de una delicada inspiración clásica. Manuciopublicó textos sagrados, obras latinas e italianas, y fue el primero en publicar obras griegas en lengua oriental gracias a los manuscritos del cardenal Bessarion.


title: Renacimiento veneciano

text: La cultura griega pudo sobrevivir después de la caída del Imperio bizantino principalmente gracias a Venecia, que siguió siendo el principal centro de impresión de libros griegos hasta 1829.


title: Renacimiento veneciano

text: Los editores de la Venecia renacentista daban una versión figurada de lo que la antigüedad tenía de más amable en una forma ligera, directa y accesible. Los libros ilustrados cuentan la Fábula o la Historia Antigua de una manera agradable y popular en la que los artistas suelen encontrar su inspiración, denigrando los tratados eruditos.


title: Renacimiento veneciano

text: La música fue impresa ya en 1501 con notable perfección tipográfica por el editor Ottaviano Petrucci, que ostentaba el privilegio exclusivo de este tipo de edición.


title: Al Qaeda en Irak

text: Al Qaeda en Irak (AQI), también denominado como Al Qaeda en Mesopotamia, es un término utilizado por los medios de comunicación masivos para describir el grupo que se supone que está desempeñando un papel activo en la insurgencia iraquí. El grupo estaba encabezado por Abu Musab al-Zarqawi hasta su muerte en 2006, ahora se cree que será dirigida por Abu Hamza al Muhajir (alias Abu Ayyub al-Masri). Irak es apenas uno más de los países en los cuales Al Qaeda tiene células.


title: Al Qaeda en Irak

text: El grupo es un sucesor directo de la anterior organización de al-Zarqawi, Yama'at al-Tawhid wal-Yihad. A partir de su declaración oficial a la declaración de lealtad a la red terrorista de Osama Bin Laden (al-Qaeda), en octubre de 2004, el grupo se identifica a sí mismo como Tanzim Qaidat Al Jihad fi Bilad al Rafidayn (QJBR) ( "Organización de la Jihad en el Campo Base de la Dos Ríos ").


title: Al Qaeda en Irak

text: Sin embargo, la realidad es que la así llamada "insurgencia" presente en Irak no puede ser identificada simplemente como Al-Qaeda, siendo más bien una amalgama de grupos con diferentes liderazgos.


title: Al Qaeda en Irak

text: Se lo considera antecedente de ISIS Estado Islámico. Según la prensa occidental, ISIS sería una facción escindida de Al Qaeda en Irak. Su financiamiento es atribuido a Arabia Saudita y otros países del Golfo. También su financiamiento inicial fue atribuido a Estados Unidos por políticos como Ron Paul y Hillary Clinton, periodistas israelíes entrevistados en el programa alemán Cuadriga de la Deutsche Welle, y prensa independiente.


title: Metaxá

text: Metaxá (en griego, Μεταξά) es una bebida destilada griega creada por Spyros Metaxas en 1888. Es una mezcla de brandy y vino hecho de variedades de uvas savatiano, sultanina y corintio negro secadas al sol. Se mezcla entonces con vino moscatel añejo de las islas griegas de Samos y Lemnos. Se exporta a más de 60 países.


title: Metaxá

text: La primera producción destilada comienza con la destilación de varias variedades de vinos (principalmente savatiano y rhoditis), que, tras una destilación doble, se mantienen en bodegas en barricas nuevas pequeñas de roble francés de entre 300–350 litros. Las barricas francesas son más adecuadas que las americanas porque tienen poros más pequeños, lo que ralentiza el intercambio de sabor entre la barrica y el licor, resultado en un sabor más refinado. Algunos de los destilados se trasladan a barricas de mayor tamaño de 3 metros cúbicos de volumen para seguir su maduración y para el mezclado. La maduración varía entre 3 (Metaxa de tres estrellas) y 30 años (Gran Reserva).


title: Metaxá

text: El vino se suele preparar para el Moschatto de Alexandría y Samos de las regiones de Samos, Limnos y Patras. El vino madura durante casi dos años en barricas de Metaxa usadas. El licor toma un color caramelo profundo con fuertes aromas, desde moschatto con aromas dominantes de frutos secos, lavanda, rosas blancas y toques de varias especias. Su sabor es rico y dulce.


title: Metaxá

text: La tercera parte del proceso es el secreto mejor guardado en la compañía y sólo unas pocas personas conocen la receta con exactitud. Se prepara una mezcla de varias especias y agua destilada. A la base se le añaden los pétalos de rosa, especias y hierbas. El producto final tiene un carácter aromático único y complejo de aroma de rosas, pimienta, laurel, canela y nuez moscada. A la mezcla se le deja consolidarse durante, al menos, 6 meses y luego se congela a -6 °C durante 48 horas, y se filtra antes de su embotellamiento.


title: Metaxá

text: Las tres mezclas se adhieren en una mezcla final de forma que la calidad, el sabor, el color y los aromas del brandy se mantienen lo más constantes posibles. Finalmente, se corrige el color y el balance de los niveles de alcohol. La mayoría de ellos se mezclan con vino Moscato joven para endulzar el sabor, por ello maduran de forma muy suave si se mantienen en la botella.


title: Metaxá

text: Metaxá tiene 5 variedades principales: tres estrellas, cinco estrellas, siete estrellas, doce estrellas y Gran Reserva. El número de estrellas representa la cantidad de años que se deja madurar la mezcla. La de cinco años es más seca, lo que pronuncia el alcohol. Las de siete y doce estrellas tienen un sabor más complejo y pronunciado, si bien el de doce años es más seco, dado que no se añade vino. La Gran Reserva es la más cara y madura durante treinta años, es difícil de encontrar.


title: Metaxá

text: El fundador de la destilería, Spyros Metaxas, era originario de la isla de Cefalonia. En 1888, 50 años más tarde de la Guerra de independencia de Grecia, un joven y entusiasta hombre de negocios pensó que su taberna no era lo suficientemente buena. Buscaba más elegancia, más desafíos, por lo que decidió dedicarse a la destilación. Creó su primer brandy y participó en la fundación de la primera planta de destilación. Su sueño era una bebida que conquistara el mundo para lo cual construyó más plantas en Constantinopla (hoy Estambul) y en Odesa. En 1900 se comienza a exportar a los Estados Unidos y al brandy se le conocía como el brandy "volador". Desgraciadamente, el empresario murió joven, pero sus hijos continuaron con su labor. Ese brandy fue la única industria griega que sobrevivió las dos guerras mundiales. En 1968 se reconstruyó la planta de forma que se garantizara el sabor original.


title: Metaxá

text: La etiqueta muestra un Salaminomaho (guerrero de Salamina), una figura de un antiguo luchador griego esculpido en una moneda de aquella época que se encontró durante la excavación de la primera planta en 1888.


title: Metaxá

text: En 1989 la compañía fue adquirida por el grupo británico de bebidas Grand Metropolitan (renombrada más tarde como Diageo) y se vendió más tarde al grupo francés Remy Cointreau group.


title: Pepsi Light

text: Pepsi Light (también conocida como Diet Pepsi) es una bebida carbonatada de cola sin calorías producida por PepsiCo e introducida en 1964 como una variante de Pepsi-Cola sin azúcar. La primera prueba comercializada fue en 1963, bajo el nombre de "Patio Diet Cola", que fue renombrada como "Diet Pepsi" al año siguiente, convirtiéndose en la primera cola de dieta para ser distribuida a escala nacional en los Estados Unidos. En los años 1960s y 1970s su competencia consistía por Tab, producida por The Coca-Cola Company, y Diet Rite Soda, producido por el Royal Crown. Coca-Cola Light era un participante tardío al mercado cola de dieta; sin embargo, poco después de entrar en producción en 1982 se convirtió en el primario competidor de cola dietética de Diet Pepsi.


title: Pepsi Light

text: Aunque los EE.UU. representa el mayor mercado individual para "Diet Pepsi", se puso en marcha en el U.K. en 1983 y desde entonces ha estado disponible en una escala global. La composición de la bebida, las variaciones de sabor y empaque varía en función del país de producción. En algunos países (principalmente en Europa del Este) el producto se etiqueta y se vende bajo el nombre de "Pepsi Light". En el Reino Unido se llama "Pepsi Diet" para ponerla en línea con la versión europea, hasta 2015 cuando pasó a llamarse "Diet Pepsi" una vez más. En el resto de América está bajo del nombre de Pepsi Light.


title: Pepsi Light

text: Diet Pepsi fue creado originalmente en los EE.UU. bajo el nombre de Patio en 1963. Tras la positiva acogida atribuida a los cambiantes hábitos alimentarios y preferencias entre la generación de la posguerra en el momento, la bebida fue renombrada como Diet Pepsi al año siguiente. Se convirtió en la primera cola de dieta para ser distribuida a escala nacional en los Estados Unidos.


title: Pepsi Light

text: La distribución se extiende al U.K. en 1983, en el que también se conoce como Diet Pepsi. ya que la distribución se ha expandido a otros países de todo el mundo; aunque un nombre alternativo es utilizado en algunos países. En Italia, República Checa, América Latina, Polonia, Grecia, España, Turquía, Rusia, Ucrania, y Brasil, a bebida se conoce como "Pepsi Light".


title: Pepsi Light

text: Diet Pepsi compitió principalmente con otra cola de dieta llamado Tab en los años 1960s y 1970s; sin embargo, The Coca Cola Company introdujo Diet Coke (o Coca-Cola Light) en 1982 y desde entonces este producto ha sido el principal producto de la competencia de Diet Pepsi.


title: Pepsi Light

text: A partir de 2010, Diet Pepsi representó una participación de 5.3 por ciento de todas las ventas de refrescos carbonatados en los Estados Unidos, y fue clasificada como la marca de refrescos #7 en volumen. En el mismo año, Coca-Cola Light se registró con una cuota de mercado del 9,9 por ciento.


title: Pepsi Light

text: Variaciones adicionales de Dieta Pepsi ha sido introducido sobre los años, donde en otros sabores (como cereza salvaje, vainilla, limón, y lima) que ha sido añadido al cola. Una cafeína-versión libre de Dieta Pepsi es también produjo. La disponibilidad y la marca de identificación de variantes de sabor de Pepsi Diet varía según el país. Además de Diet Pepsi, PepsiCo produce otras colas bajas en calorías conocidos como Pepsi Max y Pepsi ONE. Estos productos, sin embargo, se comercializan por separado, y no están etiquetados bajo la marca Diet Pepsi.


title: Pepsi Light

text: En los Estados Unidos, Diet Pepsi se pone como que tiene cero calorías, mientras directrices de la FDA clasificar los productos con menos de cinco calorías por porción para ser etiquetado como "cero calorías". También se posiciona en no tener hidratos de carbono, como se representa en la consigna principal, que a partir de 2011 es "0 carbohidratos. 0 calorías. Es la cola de dieta".


title: Pepsi Light

text: Aunque Diet Pepsi está representado en todo el mundo como una bebida sin calorías o baja, los ingredientes que componen su distribución varían en algunos casos por el país de origen. En los EE.UU., sus ingredientes se registran como "agua carbonatada, color caramelo, sucralosa, ácido fosfórico, benzoato de potasio (preserva la frescura), cafeína, ácido cítrico, sabor natural; fenilcetonúricos: contiene fenilalanina". En Canadá, el listado de los ingredientes se lee:". agua carbonatada, color caramelo, ácido fosfórico, aspartamo (124 mg / 355 ml, contiene fenilalanina), benzoato de sodio, cafeína, el sabor, el acesulfame de potasio (32 mg / 355ml ), ácido cítrico, dimetilpolisiloxano". Comparativamente en el Reino Unido, Diet Pepsi aparece como un conjunto de" agua carbonatada, color (caramelo E150d), aromas (incluyendo la cafeína), ácido fosfórico, edulcorantes (aspartamo, acesulfamo K), regulador de la acidez ( citrato de sodio), conservantes (benzoato de sodio), ácido cítrico, contiene una fuente de fenilalanina".


title: Pepsi Light

text: En la composición de todas las bebidas de cola carbonatadas sin calorías, un edulcorante alternativa se utiliza en lugar de azúcar, ya que si se utiliza resultaría que el producto que contiene calorías.


title: Pepsi Light

text: La formulación inicial de Diet Pepsi se endulza con el edulcorante artificial sacarina; pero tras las preocupaciones sobre la sacarina que surgieron en la década de 1980, se provocó un cambio hacia un edulcorante alternativo, el aspartamo, que se comercializa como la marca NutraSweet, en 1983.


title: Pepsi Light

text: El aspartamo, que a partir de 2011 es el edulcorante principal en Diet Pepsi, ha sido objeto de controversia, más notablemente en 1996 en medio de un informe de 60 minutos sobre las preocupaciones que alegan que el aspartame podría estar relacionada con el desarrollo de tumores cerebrales en humanos. Los críticos del aspartamo han expresado su preocupación de que numerosos riesgos para la salud pueden estar asociados con su consumo; Sin embargo, revisadas por pares, los artículos de revisión exhaustiva y análisis independientes de los organismos reguladores gubernamentales han analizado la investigación publicada sobre la seguridad del aspartamo y lo han descrito como seguro para el consumo en los niveles actuales. El aspartamo ha sido considerado seguro para el consumo humano por las agencias reguladoras en sus respectivos países, incluyendo los EE.UU. con la Administración de Alimentos y Medicamentos (FDA), en Reino Unido por la Food Standards Agency, la Autoridad Europea de Seguridad Alimentaria (AESA) y la canadiense Health Canada.


title: Pepsi Light

text: En diciembre de 2012, un artículo de AP informó que Diet Pepsi estaba cambiando su edulcorante a sucralosa antes de una importante renovación de marca del conjunto de refresco para enero de 2013. En 2015, algunas personas en Facebook y Twitter expresaron su disgusto por la nueva fórmula.


title: Pepsi Light

text: Cuando se introdujo por primera vez en 1964, Diet Pepsi se envasa en botellas de vidrio, y también se puso a disposición en formato de lata. En 1994, Diet Pepsi se convirtió en el primer producto hacer una lista de "fecha de consumo" en cada lata individual y botella, una práctica que más tarde se convertirá en un estándar generalizado en la industria de alimentos y bebidas envasados. A partir de 2014, el producto se distribuye en fuentes de soda en botellas de plástico reciclable, latas y botellas de vidrio, así como a través de las operaciones de venta al por menor, tales como restaurantes y tiendas de conveniencia.


title: Pepsi Light

text: El logotipo utilizado en el embalaje y la publicidad de Pepsi de dieta ha cambiado varias veces desde su iteración inicial. El logotipo de vida más corta para Diet Pepsi fue en 2007-2008. En octubre de 2008, PepsiCo anunció que estaría rediseñando su logotipo y el cambio de marca de muchos de sus productos, tales como Diet Pepsi, aunque la bebida continuó utilizando el logotipo de 2007-2008 hasta hace comienzos de 2009.


title: Pepsi Light

text: En este tiempo la marca azul y rojo del globo de la marca se convirtió en una serie de "sonrisas" en la banda blanca central la formación con arcos en diferentes ángulos, dependiendo del producto. Las nuevas imágenes ha comenzado a ser utilizada. En el caso de Pepsi de la dieta, el logotipo consiste en la pequeña "sonrisa", también en algunos países el logo sigue siendo el mismo en su interior, pero su borde circular pasa a ser un corazón.


title: Galil Córdova

text: Indumil Galil Córdova es un fusil de asalto diseñado y desarrollado por la industria militar de Colombia, basado en la anterior versión, el Galil AR. Es uno de los principales fusiles de asalto de las Fuerzas Militares y la Policía Nacional de Colombia.


title: Galil Córdova

text: El Galil es la patente en armas más desarrollada que ha tenido la industria militar colombiana. Son cerca de 25 ingenieros especializados, mil operarios los que se dedican a la producción y mejoramiento del fusil para las Fuerzas nacionales y extranjeras.El Galil Córdova surge por la necesidad de modernizar 400.000 fusiles de la Fuerzas Militares de Colombia, primero se desarrolló un Kit de modernización del fusil Galil SAR, AR, de fácil montaje y se cambió el arma, para mejorar así las características actuales del mismo, permitiendo adaptar accesorios de combate táctico (miras, linternas, láser, segunda empuñadura) y mejorar la ergonomía y comodidad al usuario a través de una culata telescópica.


title: Galil Córdova

text: Una vez realizada la actualización del Fusil Galil AR con el Kit de conversión surge necesidad de realizar una segunda actualización mejorando algunas de sus características técnicas (peso, longitud de cañón, calibre, cadencia de fuego y ergonomía) convirtiéndola además en un rifle táctico de defensa urbana adaptado a las necesidades de seguridad actual de Colombia.


title: Galil Córdova

text: El fusil fue diseñado en 1969 por Yisrael Galil, de Israel, de quien lleva su nombre. El arma se basa en el fusil de asalto finlandés Valmet RK 62, que, a su vez, era una variante de gran calidad del Kalashnikov soviético; de su prototipo, Galil copia el mecanismo de funcionamiento. Asimismo, el diseño tuvo en cuenta los logros de otros modelos contemporáneos, por ejemplo, del FN FAL belga tomó la culata plegable y la bayoneta.


title: Galil Córdova

text: Con el escalamiento del conflicto colombiano, y las restricciones a las ventas de armas y repuestos desde países fabricantes, el gobierno se vio en la necesidad de encontrar un proveedor que satisficiera no solamente las demandas del conflicto, sino que además garantizara el continuo suministro de material nuevo, repuestos, pero y más importante, la transferencia de tecnología.


title: Galil Córdova

text: Finalmente, Israel decide estandarizar su armamento de infantería, en torno a los fusiles y carabinas de la familia M derivadas del diseño de Colt Arms, cediendo la producción del Galil así como equipos de ensamblaje a la empresa estatal de Colombia (Indumil) en 1994.


title: Galil Córdova

text: Sin embargo, siempre fue un deseo de la Inspección General del ejército colombiano el poder contar con un arma que adaptara muchas de las experiencias adquiridas en combate, y de las características propias del infante colombiano. Los estudios en este sentido, demostraron que las mejores opciones para ello eran el fusil Galil y la carabina Colt M4. De las particularidades de estas dos armas, así como de la experiencia y además de la capacidad de la industria militar nacional, surge finalmente en Indumil el fusil Galil ACE, cuya tasa de producción anual actualmente se cifra en 44000 unidades al año.


title: Galil Córdova

text: En el 2015 con el fin de ampliar el portafolio de productos de la Industria militar, Indumil desarrolla un prototipo, el Galil AR semiautomático, con culata retráctil de seis posiciones, innovando de tal manera que el cliente se beneficie con productos diferentes para la aplicación que requiera. Una vez realizada la actualización del fusil Galil AR con el Kit de conversión, surge la necesidad de realizar una segunda actualización al arma mejorando algunas de sus características técnicas ya criticadas por los soldados que lo han usado, tales como su peso, la longitud de cañón, el calibre, su cadencia de fuego y ergonomía y portación. Así es que entonces surge el fusil Galil Córdova.


title: Piero Maza

text: Piero Daniel Maza Gómez () es un árbitro de fútbol chileno que es árbitro internacional de la FIFA desde 2018. Debutó en la Torneo Apertura 2014 (Chile) de la Primera División el 27 de julio de 2014.


title: Piero Maza

text: Hizo noticia en abril de 2016, cuando en un partido entre Unión La Calera y Palestino, le lanzaron una empanada desde las tribunas del estadio.


title: Piero Maza

text: Maza fue nombrado por el reconocido medio español "Sport" como "El árbitro peor colocado de la historia", tras el partido entre Universidad de Chile y Unión Española, partido en que tocó el balón dos veces en cinco segundos, interrumpiendo ataques para ambos equipos.


title: Piero Maza

text: El 4 de abril de 2022, junto a otros diez jueces, fue desvinculado del arbitraje del fútbol chileno por Javier Castrilli, pero a los pocos días fueros reincorporados por presión del sindicato de árbitros, quienes entre otras cosas, pedían la salida de Javier Castrilli de su cargo.


title: Román de Antioquía

text: Román de Antioquía, o San Román de Antioquía, fue un diácono y mártir cristiano de Siria que sufrió martirio en el 303 d. C. durante las persecuciones del emperador Galerio contra los cristianos.


title: Román de Antioquía

text: En el año 302 d.C., el emperador Diocleciano ordenó que le fuera amputada la lengua para que no siguiese exhortando a convertirse a los paganos, y después le envió a prisión. Según narra Aurelio Prudencio, allí padeció torturas con potro y flagelación con látigos de plomo a manos de Asclepiades, quien había intentado arrasar su iglesia en Siria. La tradición cristiana atribuye el hecho milagroso de que San Román siguiese hablando sin la lengua. Un niño que lo presenciaba, llamado Barula (o Várulas), se puso a proclamar la divinidad de Cristo, lo cual hizo que fuese igualmente torturado y decapitado ante su propia madre. El 17 de noviembre de 303, Román fue estrangulado en la prisión.


title: Román de Antioquía

text: El proceso del martirio del santo se conoce con detalle gracias a un largo himno de Aurelio Prudencio, casi mil versos compuestos a fines del siglo IV. Otros historiadores eclesiásticos relataron el martirio con posterioridad. El milagro de seguir hablando una vez amputada la lengua fue un lugar común del martirologio cristiano, e incluso anterior, ya que la lengua se consideraba el instrumento ideal para alabar a la divinidad. A Várulas también se le considera mártir y santo.


title: Román de Antioquía

text: No hay demasiadas muestras de San Román en la iconografía cristiana. Se conserva un retablo gótico de finales del s. XV dedicado al santo en la Iglesia parroquial de Santa Bárbara de La Puebla de Castro (Huesca), pero de sin duda, la imagen conocida es la que realizó Francisco de Zurbarán en 1638 para la iglesia de San Román de Sevilla (España). En ella aparece con el niño Várulas a su lado, portando una capa pluvial, con un libro en la mano y la lengua en la otra.


title: Román de Antioquía

text: Existen bastantes santuarios, iglesias, ermitas y lugares de culto que llevan el nombre de este santo en España, la mayoría de origen medieval. Es el patrón de Lloret de Mar (Gerona), de Cobos de Cerrato (Palencia), de Ponzano (Huesca), del antiguo poblado de Castro y de la actual La Puebla de Castro (Huesca), y de Villaherreros (Palencia) y se le rinde también culto en otros lugares del Alto Aragón y en Vega de Villalobos (Zamora) donde la Iglesia del municipio está dedicada al Santo.


title: Navarro (Cali)

text: Navarro es un corregimiento en suroriente del municipio Colombiano de Cali. Limita al norte y al occidente con el área urbana de Cali, al oriente con el municipio de Candelaria y al sur con el corregimiento El Hormiguero.


title: Navarro (Cali)

text: Navarro es en gran parte dedicado a la agricultura, en especial de la caña de azúcar y es lugar del "basurero de Navarro" donde depositan residuos sólidos los municipios de Cali, Candelaria, Yumbo y Jamundí.


title: Navarro (Cali)

text: Al oriente en todo lo largo del corregimiento colinda con el Río Cauca que lo separa de Candelaria. Está compuesto de la veredas navarro Cabecera, la YE, el paso de la Barca, el Estero, Morgan, y las Malvinas. También se dedica a la extracción de arena de manera artesanal, posee un gran humedal, con una gran biodiversidad de flora y fauna, que en una pequeña parte colindante al municipio de Cali hasta el año 2008 fue depósito de residuos, lo que hoy en día es un gran parque ecológico.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: El movimiento coreano de independencia, fue una campaña militar y diplomática de Corea desde Japón. Después del tratado forzado entre Japón y Corea de 1910, la resistencia a lo largo de Corea alcanzaba su primera cumbre durante el Movimiento primero de marzo de 1919, que fue violentamente derrotada y, como resultado, los líderes coreanos huyeron a China. Los activistas formaron una alianza con el gobierno nacionalista de China que decidió apoyar al gobierno coreano provisional. Al mismo tiempo, el “ejército coreano de liberación” (KPG) bajo la comisión china de los militares avanzaba en algunas batallas contra Japón.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: Debido al estallido de la guerra del Pacífico, China sufrió una serie de batallas contra Japón y trató de asertar la cognición de KPG a los Aliados. Sin embargo, los Estados Unidos se mostraban escépticos con respecto a la unión coreana y su preparación para la independencia, porque Washington pensaba en el fideicomisario como la solución posible. Aunque la independencia coreana fue dirigida por los Aliados en la declaración del Cairo en 1943, la discordia y la ambigüedad sobre el establecimiento del gobierno coreano hasta la guerra soviético-japonesa en 1945 resultaron "de facto" en la división de Corea en las zonas soviéticas y americanas, que luego provocó la guerra de Corea.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: La fecha de la rendición de Japón (15 de agosto de 1945) es ahora un Día nacional llamado 광복절"(Gwangbokjeol)" en Corea del Sur y "조국 해방의 날 (Chogukhaebangŭi nal") en Corea del Norte.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: La última dinastía independiente de Corea, conocida como Joseon, continúa más de 500 años, al igual que el imperio de Corea. Su posición internacional y las políticas fueron practicadas por su diplomacia prudente según la dirección de China. A lo largo de la historia de Joseon, China observaba la caída de la dinastía Yuan y el establecimiento de Ming y Qing al fin. Pues, Joseon mantenía su política del confucianismo fuertemente, asegurando su control sobre los asuntos internacionales y la autonomía internacional, de modo que China era la suzeranía en aquella época. Las políticas coreanas eran efectivas para mantener no sólo la independencia, sino también la autonomía a pesar de sufrir una serie de invasiones de Japón y los Manchú.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: Sin embargo, en los siglos XIX y primer años del siglo XX, la expansión del imperialismo, fomentada por la revolución industrial y otros tipos de modas internacionales, empezó a extenderse al este de Asia y el ocaso de China resultó dejar Corea vulnerable a la invasión o la agresión extranjera.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: En esta época, aproximadamente desde 1870 hasta la anexión por Japón en 1910, aparecieron las grandes rebeliones, revueltas y otro tipo de tumultos, llevando más debilidad del gobierno. El imperio de Corea no podía ejecutar su papel, ganando la intervención desde las grandes fuerzas (incluso Rusia, Japón, China y una influencia menor desde Francia, Inglaterra, los Estados Unidos). En el momento del fin de la Primera guerra sino-japonesa en 1895, era evidente que China no pudo proteger los intereses internacionales de Corea contra unos enemigos latentes.Tampoco logró modernizar las fuerzas militares ni implementar políticas nuevas.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: Entre otros asuntos, el tratado de Shimonoseki terminó la primera guerra entre Japón y China, eliminando la suzeranía e influencia sobre Corea. Lo que significa terminar el sistema de tributo en muchos siglos. Prácticamente, la influencia extranjera fue trasferida desde China a Japón porque las fuerzas japonesas aseguraron la hegemonía a lo largo de la península coreana durante la guerra. Pues Japón pudo remover la influencia china casi completamente. El tratado de Eulsa en 1905 permitió al emperador Gojong del imperio de Corea mantener la misma autoridad que otros emperadores extranjeros a fin de cortar toda la conexión con Pekín y como un protector japonés; en 1907, el tratado entre Japón y Corea escribe que las políticas coreanas serían practicadas por un director japonés en Corea; y en 1910 Japón oficialmente hizo anuncio de su anexación sobre Corea. Todos los tratados fueron forzados bajo una fuerza, y el emperador Sunjong rechazó la confirmación sobre todos los documentos, considerándolos una falsificación sin 구속력.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: La ocupación japonesa era opresiva en gran parte, provocando el aumento de los movimientos coreanos de independencia. En el año 1919, los movimientos se opusieron a lo largo del país; el más notable fue el movimiento primero de marzo. (el movimiento de Samil).


title: Movimiento de independencia de Corea

text: La política de ocupación fue cambiando con los años. Inicialmente, era una represión fuerte en los primeros décimos. Esta época se llama “amhukki” (en hangul: 암흑기), el período oscuro, porque más de 10 000 coreanos fueron arrestados por razones políticas.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: La dureza de la ocupación japonesa aumentaba los apoyos en los movimientos para la independencia coreana. Muchos coreanos tuvieron que emigrar a otros lugares como Manchú y Japón. Hubo un grupo prominente de los comunistas coreanos con una gran limitación de su actividad en Japón.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: En parte debido a la resistencia contra las políticas coloniales, los japoneses relajaron algunas políticas duras. El heredero del último emperador coreano se casó con una princesa japonesa llamada Nashimoto. La prohibición de los periódicos coreanos se eliminó, permitiendo la publicación de "Choson Ilbo" y "The Dong-a Ilbo". Los funcionarios coreanos recibieron un sueldo igual que al de los japoneses. La flagelación fue quitada para los delitos menores, sin embargo, no para otros. Las leyes hicieron interrupción en el entierro, matanza y en las costumbres tradicionales. Además, los mercados de los campesinos fueron eliminados o reformados.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: Después de la introducción de un código sobre la seguridad en 1925, la libertad civil fue restringida. Luego, en el proceso de la invasión a China y la segunda guerra mundial, la dureza de la ocupación aumentó otra vez.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: Aunque el Imperio de Japón había invadido y ocupado el noreste de China desde 1931, el gobierno débil chino trataba evitar la declaración de guerra con Japón hasta su campaña a Pekín en 1937, provocando la segunda guerra sino-japonesa.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: Después de que los Estados Unidos anunciara la guerra contra Japón en 1941, China se opuso a los aliados, tratando demostrar su influencia a fin de apoyar el nacionalismo y antiimperialismo que incluye la rendición completa japonesa y luego la independencia coreana.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: China quería fomentar una legitimación del Gobierno provisional de la República de Corea (KPG) que fue establecido por los coreanos después de la opresión sobre el movimiento primero de marzo en 1919. En aquel momento, KPG mantenía su ideología similar con el gobierno chino porque el líder del gobierno, Kim Koo había estado de acuerdo a una oferta de Chiang Kai-shek por aceptar la doctrina, Tres Principios del Pueblo a cambio de ganar una ayuda financiera.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: Al mismo tiempo, China apoyaba un líder coreano Kim Won-bong e insistió en el apoyo a dos Kims a fin de establecer la fuerza para la liberación coreana (KLA). Pues KLA aseguró su posición de realizar operaciones a lo largo de China con el Ejército Nacional Revolucionario hasta 1945. La comisión militar nacional de China también había decidido que la independencia completa para Corea fuera una política fundamental china; además, el Gobierno provisional de la República de Corea trató de unificar unas facciones divididas.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: Sin embargo Chiang y los líderes coreanos como Syngman Rhee trataron de influenciar al Departamento de Estado de los Estados Unidos para dar apoyo sobre la independencia coreana con su confirmación de la fuerza coreana en China, la división estadounidense del extremo oriente era escéptica. Su argumento era que los coreanos "se habían enmascarado políticamente" después de unas décadas de la ocupación japonesa, mostrando la desunión extrema con su preferencia de condominio para Corea que involucró a la Unión Soviética.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: China fue claramente contra una influencia soviética en Corea por escuchar la represión soviética a los civiles polacos (1939-1946).


title: Movimiento de independencia de Corea

text: En la conferencia de El Cairo, Washington y Pekín buscaron una solución para la independencia coreana "en curso apta", con China aún presionando para que se reconociese de inmediato el Gobierno exiliado y una fecha concreta para la independencia.


title: Movimiento de independencia de Corea

text: Después de que la relación bilateral se deteriorara, el 10 de agosto de 1945, el departamento estadounidense de guerra accedió que China desembarcara sus tropas en Busan para impedir el paso de la ocupación soviética. Pese a todo, esta oportunidad era tan tarde que no obstruyó la división de Corea porque el Ejército Rojo rápidamente invadió la parte norte de Corea en el mismo mes.


title: Sulfuro de litio

text: El sulfuro de litio es un compuesto inorgánico cuya fórmula es LiS. Se cristaliza en el motivo antifluorita, descripto como la sal (Li)S. Forma un polvo sólido amarillento deliquescente. En presencia de aire, se hidroliza fácilmente para desprender ácido sulfhídrico (olor a huevo podrido).


title: Sulfuro de litio

text: El sulfuro de litio se obtiene mediante la reacción del litio con el azufre, la cual se lleva a cabo convenientemente en amoníaco anhidro.


title: Akebia quinata

text: Akebia quinata: akebi (通草, 'akebi'?). Conocida popularmente como "chocolate vine", es un arbusto nativo de Japón, China y Corea.


title: Akebia quinata

text: Las inflorescencias están agrupadas en racimos, con tres o cuatro sépalos. Los frutos son vainas presentan forma ovalada alargada que contienen pulpa comestible.


title: Akebia quinata

text: En China, se conoce como "mu tong" (Pinyin) o "mu tung" (Wade-Giles), que significa "perforamadera". También es a veces conocido como "mu Tsao" (Wade-Giles), que significa "hierba perforadora". Además es cultivada por los jardineros como planta ornamental trepadora.


title: Akebia quinata

text: Frutos comestibles. La fruta contiene una pulpa suave y dulce que se asemeja a una pitahaya blanca, que se come principalmente en Japón como un manjar de temporada. La corteza, con un ligero sabor amargo, se utiliza como verdura, por ejemplo, rellena con carne picada y frita. Las vides se utilizan tradicionalmente para la cestería.


title: Akebia quinata

text: En la farmacopea china se le atribuye propiedades terapéutica como diurético, galactogoga, antiflogístico, y analgésico. El uso principal de la hierba en China es como un remedio tradicional para la lactancia insuficiente en las madres lactantes. La parte medicinal de esta planta es el tallo leñoso, que se corta en secciones transversales y es preparado como una decocción.


title: Akebia quinata

text: "Akebia quinata" fue descrita por (Houtt.) Decne. y publicado en "Archives du Muséum d'Histoire Naturelle" 1: 195, pl. 13a. 1839.


title: Infierno, canto octavo

text: El canto octavo del "Infierno" de La Divina Comedia, la obra de Dante Alighieri, se sitúa en el quinto círculo, donde son castigados los iracundos y los perezosos. Se desarrolla en la noche entre el 8 y el 9 de abril de 1300 (Sábado Santo) o según otros comentadores entre el 25 y el 26 de marzo de 1300.


title: Infierno, canto octavo

text: El canto inicia con un verso que abrió el debate a muchas especulaciones: "Digo pues, continuando". El poeta no retoma la narración donde la había dejado en el anterior canto (la llegada a los pies de la torre) sino un tiempo antes cuando los dos poetas todavía lejos notan una señal luminosa sobre la torre, la cual es respondida por una señal análoga. Este insólito salto, unido a la fórmula de apertura, hizo suponer algunas hipótesis sobre una posible cesura entre los cantos precedentes y este.


title: Infierno, canto octavo

text: Ante todo hay que precisar que no se conoce la fecha exacta de La Divina Comedia: la escritura del Infierno se suele situar entre 1306 y 1309, considerando los hechos narrados, las "profecías" de Dante y otros factores.


title: Infierno, canto octavo

text: Giovanni Boccaccio fue el primero en suponer que los primeros siete cantos fueron escritos antes que los demás. Los indicios sobre los que se basa son débiles, pero esta teoría sobre la composición del canto fue también tomada por algunos dantistas modernos, como G. Ferretti ("I due tempi della composizione della Divina Commedia", Bari, 1935). Estos indicios son: la falta de datos sobre el exilio de Dante (junio del 1301 en la profecía anunciada por Ciacco) y el inicio más atrás en el tiempo del canto VIII como si se tratase de un trabajo interrumpido y una maduración general del estilo entre los primeros cantos y los sucesivos (explicable igualmente como una evolución natural del estilo poético que crecía con el avanzar de la obra).


title: Infierno, canto octavo

text: Boccaccio, a sostener su tesis, ilustró con riqueza de detalles una anécdota, que hoy en día es considerada falsa por los estudiosos. Según su reconstrucción cerca del 1306 un pariente del poeta encontró hurgando accidentalmente un cuaderno donde estaban transcritos los primeros siete cantos del Infierno. Después de haberlo entregado a Dino Frescobaldi, a su vez poeta, este último quedó maravillado de la belleza de los versos y envió el pliego al marqués Moroello Malaspina al Castillo de Fosdinovo, en Lunigiana, donde estaba hospedado el poeta exiliado. El marqués entonces, a su vez maravillado por la obra iniciada y abandonada, habría persuadido al poeta a que no dejase "senza debito fine sì alto principio" (sin terminar semejante obra). Según Boccaccio entonces el empalme de la obra sería reconocible desde aquel punto, aunque estudios modernos indican que son frecuentes estas retomadas de obra por parte de Dante, sobre todo en los inicios de los capítulos (Vita Nuova VI, XI y XXIX, Convivio II-10, Monarchia I-15, II-3, etc).


title: Infierno, canto octavo

text: Mientras los dos poetas se están acercando a la torre Dante nota señales luminosos desde la cumbre, a la cual responden señales análogas, apenas visibles desde una torre idéntica y más lejana. Preguntándole el significado a Virgilio, Dante recibe en respuesta que pronto lo verá él mismo en el humo del pantano del Estige.


title: Infierno, canto octavo

text: De hecho, más rápido que cualquier flecha, arriba una barca (vv. 13-16) con un solo remero ("galeoto"), que se presenta gritando a los dos peregrinos: "¡Has llegado al fin alma perversa!", al cual Virgilio responde :"¡Flegias, Flegias, mi señor le dijo, esta vez gritas en vano! Más no nos tendrás sino es pasando el lodo."


title: Infierno, canto octavo

text: Flegias(o Flegiás) es un personaje mitológico mutado de la "Eneida" y la "Tebaida"de Estacio, símbolo de la ira violenta y del fuego. De hecho, según el mito, éste incendió el templo de Apolo en Delfos para vengarse del dios que había seducido a su hija Corónide. Flegias puede también ser visto como símbolo de irreverencia hacia la divinidad. Su semblante no viene descrito y también su rol no es explicado. Si parece imposible que sea el barquero para los pecadores de los círculos inferiores, siendo las almas enviadas después del juicio de Minos, quizás podría ser aquel que toma a los iracundos y los tira al centro del pantano. En todo caso, Dante se preocupa en citar su sobreexcitación, dado por los gritos en la partida y en la llegada de la barca.


title: Infierno, canto octavo

text: Dante no deja de enfatizar que la barca es muy pesada debido a su cuerpo de hombre vivo, mientras que Flegias y Virgilio por si solos no la hacen hundir en el agua.


title: Infierno, canto octavo

text: Durante el paso un condenado se dirige a Dante. Los dos inician una disputa, enfatizada por la repetición de los mismo versos ("vieni/vegno, non rimango/ti rimani, se'/son, piango/piangere"). Dante tiene un comportamiento muy indigno con el condenado: es un claro ejemplo de aquello que él entendía como "indigno" es decir ira justa contra el mal, contrapuesta a la ira verdadera propia de los condenados.


title: Infierno, canto octavo

text: El condenado (del cual no se dijo todavía el nombre) entonces se agarra a la barca con las manos intentando darla vuelta pero viene alejado de inmediato por Virgilio, el cual después conforta a Dante abrazándolo y besándolo. En este punto hay un pasaje que dejó perplejo a los antiguos comentadores por su dureza: Dante manifiesta de querer ver esa alma que lo había atacado. Virgilio lo alaba por su deseo de venganza y le asegura que pronto será satisfecho. De inmediato todo las almas condenadas se unen todas contra aquella alma gritando "A Filippo Argenti!", el cual, loco de ira, no puede hacer otra cosa que morderse con sus propios dientes (solo en este punto viene indicado el nombre del personaje, en el momento más infame).


title: Infierno, canto octavo

text: Dante, a diferencia de los otros condenados encontrados hasta ahora, por los cuales había sentido indiferencia o sentimientos de piedad hasta hacerlo llorar (Paolo y Francesca, Ciacco) aquí manifiesta por primera vez odio y complacencia por el mal destino del otro, usando un episodio con rasgos excesivos, casi brutales, respecto a Filippo Argenti. De hecho, es con episodios como estos como se ve que Dante no se idealiza, todo lo contrario: manifiesta también sus bajezas, sus miedos, sus enojos tan humanos.


title: Infierno, canto octavo

text: Dante también será cruel con Vanni Fucci (), con Bocca degli Abati (), con Frate Alberigo y Branca d'Oria (), pero en ningún otro caso. Aquí encontraremos la clamorosa aprobación de Virgilio, que simboliza la razón, sellada por el único beso de la "Divina Comedia"


title: Infierno, canto octavo

text: Existe una obvia desproporción entre el pecado de Argenti en vida o su comportamiento en el Infierno dantesco (un ataque de ira de un espíritu que el mismo Dante define "extraño", es decir que tiene ataques de ira fácilmente) y el odio de Dante, con un episodio descrito como bajo la voluntad de perpetuar una ignominia. Por eso se pensó que entre los dos personajes existiesen hechos de carácter personal: los antiguos comentadores reportan también hechos de los cuales no existe documentación (como el episodio de una bofetada a Dante, o del hecho que Argenti cabalgase con las puntas de los pies hacia fuera golpeando una vez el rostro del poeta, el cual lo denunció y lo hizo condenar por la magistratura), mientras el odio hacia la familia de los Adimari (a los cuales Filippo Argenti pertenecía) aparece también en un pasaje del Paraíso, cuando Cacciaguida los define como esa "familiacha" que tiene la furia típica de los dragones hacia aquellos que están en dificultad.


title: Infierno, canto octavo

text: Por lo tanto estamos delante a un caso de vida florentina menor, ligado a los propios problemas y rivalidades. Varias veces se dice que los Adimari hicieron todo lo posible para que no fuese revocado el exilio de Dante o también como ellos se quedaron con los bienes confiscados a los Alighieri. Son igualmente noticias poco documentadas. Otra interpretación, apoyada por algunos comentadores más modernos, sostiene que Argenti personifica aquel tipo de persona llamada magnate-non magnanimo, dedicado a la violencia, a la ira y a la soberbia. La ira "buena" (según la ética nocimaquea aristotélica hay dos tipos de ira: la ira mala y la ira buena, esta última es llamada mansedumbre y se aplica contra las personas a las cuales es lícito enojarse) de Dante debe ser vista no solo contra Filippo sino contra esa categoría de hombres.


title: Infierno, canto octavo

text: Dante no quiere hablar más de Argenti e inicia a ver los muros de la ciudad de Dite y a escuchar los lamentos de los condenados que están encerrados. Ve torres incendiadas, que sobresalen de los muros como mezquitas. En tanto llegan a la fosa que rodea los muros, de los cuales se abre una puerta protegida por una miríada de diablos.


title: Infierno, canto octavo

text: Los diablos están sorprendidos de ver una persona viva y Virgilio pide hablar con ellos en privado. Los diablos responden que pase, pero piden que Dante vuelva atrás solo. Aquí Dante se dirige directamente al lector para manifestarle su miedo, pero inconscientemente para asegurarle que dado que ahora está escribiendo su aventura, tiene que haber terminado con la superación del obstáculo. Dante implora a Virgilio que no lo abandone, pero el "duca" lo serena y va a hablar con los diablos. Ellos como respuesta le cierran la puerta de la ciudad en la cara, y Virgilio vuelve enojado a Dante, pero le explica otra vez que su misión tiene que cumplirse, que es normal la oposición de los diablos: ellos negaron también el ingreso a Cristo cuando entró en el Infierno, y él tuvo que romper la puerta principal de los ínferos, esa donde Dante había leído la amenazadora frase "Por mi se va en la ciudad adolorida".


title: Infierno, canto octavo

text: El canto se interrumpe, pero la escena continua en el , donde además de los diablos llegan las tres Erinias a atacar a los poetas para impedir que accedan a la ciudad de Dite.


title: Veronique Peck

text: Veronique Passani (París, 5 de febrero de 1932 - Los Ángeles, 17 de agosto de 2012) fue una filántropa y periodista francesa radicada en Estados Unidos. Estuvo casada con el actor, activista político y filántropo Gregory Peck hasta su muerte en 2003.


title: Veronique Peck

text: Nacida en París, Francia, la madre de Passani era una artista y escritora, mientras que su padre era un arquitecto. Ella comenzó su carrera como periodista en "France Soir", un diario francés. Conoció a Gregory Peck, mientras realizaba una entrevista de "France Soir" en 1953. La pareja se casó el 31 de diciembre de 1955, poco después del divorcio de Peck de su primera esposa, Greta Kukkonen. Veronique Peck se convirtió en ciudadana naturalizada de los EE. UU. en 1976.


title: Veronique Peck

text: Veronique Peck murió de una dolencia cardiaca en su casa de Los Ángeles el 17 de agosto de 2012, a los 80 años. Le sobreviveron dos hijos, la cineasta Cecilia Peck, y el guionista Anthony Peck, y tres nietos, y su hermano, el Dr. Cornelius Passani.


title: Natividad Castrejón Valdez

text: Natividad Castrejón Valdez es un psicólogo, catedrático y político mexicano, nacido el 5 de septiembre de 1963.


title: Natividad Castrejón Valdez

text: Actualmente es Secretario de Educación en el Gobierno del Estado de Hidalgo. Obtuvo el master en programación neurolingüistica y la maestría en psicoterapia humanista para después obtener el doctorado en desarrollo del potencial humano.


title: Natividad Castrejón Valdez

text: Fue presidente del consejo de administración del Instituto Universitario Carl Rogers de Pachuca Hidalgo y fundador de la Universidad Humanista Hidalgo


title: Natividad Castrejón Valdez

text: El 15 de agosto de 2008 presentó su precandidatura a la presidencia municipal de Pachuca con el apoyo de la Unión de Fuerza Indígena y Campesina (UFIC), Nueva Izquierda, Fuerza Social y Progresista y la sección hidalguense del Sindicato de Electricistas de donde se derivó su candidatura a la presidencia municipal de Pachuca para las Elecciones estatales de Hidalgo de 2008.


title: Natividad Castrejón Valdez

text: A lo largo de su carrera profesional ha impartido más de cinco mil conferencias, cursos y talleres en temas relacionados con su profesión. Su participación en actividades vinculadas con la sociedad se ha dado en el Club Rotario Pachuca Sur como Presidente y Vice-Gobernador del Distrito 4170; Socio y Consejero de COPARMEX – Hidalgo; Miembro del Consejo Estatal de Profesiones – Hidalgo; Integrante del Consejo Consultivo Ciudadano – Hidalgo.


title: Natividad Castrejón Valdez

text: En el año 2022 asumió la coordinación de campaña para la Gubernatura de Hidalgo de Julio Menchaca Salazar por la coalición “Juntos Hacemos Historia” encabezada por el movimiento de regeneración nacional (MORENA) elección de la cual resultó ser el más votado en el estado, llevándose una cifra histórica en comparación a sus antecesores con la cantidad de 653 mil 181 votos la cifra más grande de la entidad y desbancando por primera vez al PRI en Hidalgo.


title: Natividad Castrejón Valdez

text: Como secretario de estado su principal actividad profesional ha estado centrada en la educación y la promoción del desarrollo humano. Naty Castrejón es esposo y padre de 4 hijas las cuales se han destacado en diferentes industrias.


title: Premio La sonrisa vertical

text: El Premio La sonrisa vertical de narrativa erótica fue un concurso literario convocado y publicado por Tusquets Editores desde el año 1979 hasta 2004. El jurado estaba presidido desde su creación por el director de cine y gran erotómano declarado Luis García Berlanga.


title: Premio La sonrisa vertical

text: En 2004 la editorial decidió suspender el galardón alegando como causa la escasa calidad de las obras presentadas a concurso y la difusión del erotismo literario en otras novelas de géneros más amplios.


title: Tom Shadyac

text: Tom Shadyac (Falls Church, Virginia, 11 de diciembre de 1958) es un director de cine, productor, escritor y cómico estadounidense de origen libanés. Es especialmente conocido por su relación profesional con el actor Jim Carrey, al que ha dirigido en películas como "Ace Ventura", "Liar Liar" o "Bruce Almighty". Otros trabajos destacados son "Patch Adams", con Robin Williams, y "El profesor chiflado", con Eddie Murphy.


title: Parque Tezozómoc

text: El Parque Tezozómoc, nombrado así en honor a un gobernador mexica nacido en 1427, está ubicado al norte de la Ciudad de México en la Alcaldía Azcapotzalco, cercano a la Unidad Habitacional El Rosario y edificado sobre terrenos que pertenecieron a la misma hacienda del Rosario.


title: Parque Tezozómoc

text: Su construcción estuvo a cargo del paisajista y arquitecto mexicano Mario Schjetnan, como parte de las obras complementarias de la línea 6 del Metro. Su diseño retoma la idea prehispánica de las ciudades. Se inauguró el 21 de marzo de 1982.


title: Parque Tezozómoc

text: Cuenta con 28 hectáreas y al centro del mismo parque hay un lago artificial e isleta, así como montículos que en conjunto recrean a escala el Valle de México en el siglo XV. Algunos señalamientos ubicados alrededor del lago indican la localización, también a escala, así como una breve historia, de los poblados asentados en la ribera del Lago de Texcoco durante la época prehispánica. Dichos montículos fueron construidos con la tierra proveniente de las excavaciones de la Línea 6 del Metro.


title: Parque Tezozómoc

text: El parque cuenta con un lago, una teatro al aire libre, zonas de juegos para niños, pista para correr, plazuelas y senderos que están abiertos a todo el público de manera gratuita.


title: Parque Tezozómoc

text: Actualmente, el parque constituye un centro de recreación en este punto de la ciudad, sirviendo como sitio de esparcimiento, ya que cuenta con andadores, ciclopistas, zonas de juegos y pista de patinaje así como canchas deportivas, lo que lo convierte en uno de los parques de gran importancia para este punto de la ciudad, además cuenta con áreas de juegos infantiles, juegos mecánicos, canchas de basquetbol y de tenis.


title: Parque Tezozómoc

text: La ciclopista tiene altos relieves, así como estaciones a todo lo largo donde se cuenta la historia del México prehispánico. Un sitio ideal para asistir con la familia, ejercitarse y recrearse sanamente.


title: Parque Tezozómoc

text: También es un lugar de alto valor ecológico, ya que en el habitan ardillas y se han sentado en el lago algunas especies migratorias, como la garza blanca y el pato cucharón, así como algunas especies de gansos e invertebrados. El lago cuenta también con diversas especies acuáticas introducidas, como la carpa de Israel y tortuga japonesa, liberadas por los ciudadanos.


title: Parque Tezozómoc

text: Recibe en promedio cinco mil personas por semana y es un punto de encuentro en la delegación Azcapotzalco.


title: Vanishing on 7th Street

text: Vanishing on 7th Street es una película de terror de 2010 dirigida por Brad Anderson y protagonizada por Hayden Christensen, Thandie Newton y John Leguizamo.


title: Vanishing on 7th Street

text: La población de Detroit está casi desaparecida, pero quedan algunas personas. Mientras la luz del sol desaparece, se dan cuenta de que la Oscuridad está llegando a ellos.


title: Vanishing on 7th Street

text: Está basada en un guion de Anthony Jaswinski, y fue producida para Herrick Entertainment. La película es la octava del director Brad Anderson y aparece Hayden Christensen, Thandie Newton y John Leguizamo en los papeles protagonistas. La grabación comenzó el 12 de octubre de 2009 en Detroit.


title: Vanishing on 7th Street

text: La película fue lanzada para Zune y Xbox Live antes del lanzamiento en cines. El lanzamiento en Estados Unidos para cines fue para la primavera de 2011.