title: Death/doom

text: Durante la primera etapa del "death/doom", este nuevo subgénero logró expandirse a todo el mundo, al menos en el terreno "underground" y recibir amplia cobertura de la prensa, como de MTV, canal que transmitía durante la primera parte de la década de los noventa vídeos en vivo y entrevistas de Anathema, My Dying Bride y The Gathering, entre otros. Sin embargo, con el cambio editorial sufrido en aquel canal en la mitad de esa década, enfocándose a la telerrealidad y al "pop punk", el metal en general desapareció de la cartelera del canal, y con el tiempo las bandas pioneras del subgénero comenzaron a experimentar con otros sonidos, dejando sin una base identitaria al "death/doom". Para 1998, My Dying Bride lanzaba "34.788%... Complete", disco que se puede encajar dentro del metal industrial. A su vez, Paradise Lost había lanzado un año antes "One Second", que se alejaba completamente de sus raíces metaleras introduciéndose en el "rock" gótico con base en Sisters of Mercy, y Anathema estrenaba lo que sería su último material con Peaceville Records, "Alternative 4". Aquel disco sería el penúltimo en poseer rastros de metal pues botaba totalmente las voces guturales y abrazaba elementos suaves del "rock" progresivo de Pink Floyd.


title: Death/doom

text: Por otro lado, Jonas Renkse (Katatonia) había perdido su capacidad de hacer guturales luego de su EP "For Funerals To Come", así que luego de la ayuda provista por el vocalista y guitarrista de Opeth Mikael Åkerfeldt en "Brave Murder Day", el grupo se decidió a hacer un brusco cambio estilístico hacia un "rock" gótico cercano a The Cure, pero conservando las guitarras pesadas de su disco anterior.


title: Death/doom

text: The Gathering había iniciado como una banda de "death/doom" atmosférico, pero luego de la salida del grupo de su vocalista Bart Smits, y del olvidado experimento con voces venidas del punk en Almost A Dance, el grupo logró salvar su carrera al contratar a la potente vocalista Anneke van Giersbergen, lo que los llevó a ser una de las primeras bandas con "riffs" lentos y que solo contaba con una vocalista, prescindiendo de un vocalista varón.


title: Death/doom

text: Quizá uno de los casos más emblemáticos a la hora de la "transición" sea el de Pyogenesis, banda que en sus inicios tocaba "death metal" cercano a Morbid Angel, pasando luego por un "death/doom" gótico melódico, pero dando un violento giro hacia el "pop punk" con su primer LP "Sweet X-Rated Nothings", fenómeno que se acentuaría con su segundo disco "Twinaleblood".


title: Death/doom

text: Todo este abandono del "death/doom" dejó a muchos seguidores del género con una sensación ambivalente: por un lado, había un gran aprecio por los clásicos, pero resentimiento contra las bandas que habían crecido escuchando. Tendría que llegar el nuevo milenio para que se renovase el movimiento del "death/doom" de la mano de estos mismos seguidores de su primera etapa.


title: Death/doom

text: Actualmente, de las bandas que dieron vida a este subgénero, solo My Dying Bride se ha mantenido cercana a sus raíces, conservando parcialmente las voces guturales, las guitarras pesadas, y en el año 2009 agregando nuevamente una violinista (Katie Stone, aunque solo duró en el grupo un año, fue oportunamente reemplazada por el joven Shaun MacGowan).


title: Death/doom

text: A pesar de esto, el legado de las primeras bandas fue lo suficientemente potente como para que perdurara en los jóvenes que habían visto aquellos actos. Esto se tradujo en que luego del nuevo milenio, el "death/doom" se rearticulara y actualizara en bandas como Swallow The Sun, Draconian, Daylight Dies, Rapture, Ablaze in Hatred, Mar de Grises, entre otras.


title: Death/doom

text: El sonido, en general, ha resultado ser mucho más limpio que las producciones de antaño, y también son muchas las nuevas bandas cuyos contratos con sellos discográficos les han permitido salir a flote comercialmente, con mayor cantidad de entrevistas y videoclips de sus temas. Esto cristaliza en que el "death/doom" pierda en parte su característica inicial de ser "underground".


title: Death/doom

text: El concepto del death/doom suave o soft death/doom surge ante la necesidad de clasificar a las bandas que inician sus andanzas musicales dentro del género del "death/doom", pero poco a poco, por diversos motivos, comienzan a experimentar para ampliar su registro musical terminando muchas veces en veredas estilísticas con poco y nada que ver con el "death/doom". El "death/doom" suave no podría considerarse incluso un subgénero, ya que habla de una etapa intermedia de estas bandas, antes de abandonar parcial o totalmente el género. La prensa especializada al no haber previsto tal fenómeno, solo logró categorizarlo llamándolo metal gótico, lo cual es un error, ya que este "período intermedio" apenas comparte características con bandas relevantes de tal género como Tristania o Sirenia (guitarras punzantes al estilo del "black metal", con ritmos más acelerados que los del "doom", voces soprano).


title: Death/doom

text: No se puede entrar a particularizar el fenómeno, pero sí se puede hablar, en términos generales, de un distanciamiento de las guitarras pesadas venidas del "death metal", al igual que las voces guturales. Aparecen las voces limpias (como en el caso de Anathema o Katatonia) o barítonas (como Lacrimas Profundere), al igual que guitarras acústicas y suaves, o en otros casos (como el de Paradise Lost) se propone el uso masivo de sintetizadores. Los ritmos, por su parte, pueden variar según la dirección musical del grupo.


title: Death/doom

text: Pruebas de este transición son los discos "The Silent Enigma" y "Eternity" de Anathema; "" de Lacrimas Profundere; el EP "Sounds of Decay" de Katatonia; "One Second" de Paradise Lost, así como sus últimos dos discos; "The Angel and The Dark River" de My Dying Bride, al igual que muchos otros discos de su carrera debido a la constante experimentación del grupo dentro de los reinos del "doom metal"; "Aegis" de Theatre of Tragedy.


title: Michelle McLean

text: Michelle McLean (nacida el 30 de julio de 1972 en Windhoek, Namibia) fue coronada Miss Universo en 1992.


title: Michelle McLean

text: Tenía 19 años de edad cuando representó a Namibia y se convirtió en la primera y única mujer de Namibia en ganar la corona de Miss Universo.


title: Michelle McLean

text: Antes de convertirse en Miss Universo, McLean compitió en Miss Mundo 1991. En la competición preliminar, que estaba atada en el segundo lugar con una puntuación de 51, junto con Miss Sudáfrica, detrás de la eventual ganadora, de Venezuela Ninibeth Leal.


title: Michelle McLean

text: En el certamen de Miss Universo 1992, que terminó de segunda en la preliminar con una puntuación de 9,147, justo detrás de Carolina Izsak de Venezuela, quien había ganado los tres competencia preliminares.


title: Michelle McLean

text: Sin embargo, el calor de McLean y amor hacia los niños, así como su elevada estatura, ayudaron a que se quedara con la corona ganándole a Izsak, Paola Turbay de Colombia y Madhushri Sapre de India.


title: Michelle McLean

text: En 1992, Michelle fundó Michelle McLean niños, confianza en Namibia, que se centra en la educación y cuidado de los niños desfavorecidos.


title: Gémula

text: La gémula (latín gemmula: yema pequeña) es un mecanismo de supervivencia de los poríferos, de esponjas de agua dulce como las familias Spongillidae, Potamolepidae y Metanidae. Las gémulas son la respuesta biológica a condiciones desfavorables del ambiente, por lo que constituyen estadios de resistencia. Dichas gémulas se producen durante el periodo de lluvias en las regiones tropicales, de manera que al llegar el periodo de sequía y la colonia muere por desecación, la misma se desintegra, caen las gémulas al sustrato o suelo y allí permanecen toda la estación seca esperando la llegada de las lluvias para comenzar el proceso de regeneración de la colonia. Es de notar que aunque el proceso de formación de gémulas es muy común en especies de agua dulce, en las especies marinas se produce con menor frecuencia.


title: Gémula

text: Las gémulas se originan en el mesénquima o mesohilo de la esponja, cuya estructura es diferenciada en el proceso de constitución de una masa de células embrionarias denominadas arqueocitos. Posteriormente se asocian a éstos otras células de carácter migratorio denominadas amebocitos, las cuales se degradan y son fagocitadas por los arqueocitos. Luego otro tipo de células mesenquimales se encarga de originar una cubierta de espongina, consolidada por las espículas producidas por los esclerocitos. Es de tener en cuenta que, como ya se mencionó, este proceso ocurre durante la estación lluviosa o invierno.


title: Dún Laoghaire

text: Dún Laoghaire ( doon LEER-ee, [d̪ˠuːn̪ˠ ˈl̪ˠe(i)ːɾʲə] en irlandés: "Dún Laoghaire-Ráth an Dúin", algunas veces llamado "Dún Laoire"; anglicanizado como "Dunleary") es una ciudad suburbana de la costa y puerto de tamaño medio. Centro administrativo del condado administrativo de Dún Laoghaire-Rathdown, Irlanda. Localizada a 12 kilómetros al sur del centro de la ciudad de Dublín.


title: Dún Laoghaire

text: El nombre del municipio deriva de Lóegaire mac Néill, Gran Rey de Irlanda del siglo V, que eligió el lugar como puerto para comunicarse con Gran Bretaña y Francia. "Dún" es una palabra celta que significa "fuerte", y restos de una fortificación de aquel periodo han sido encontrados en la costa. El Rey Laoghaire es famoso por haber permitido a San Patricio viajar a Irlanda y predicar el cristianismo.


title: Dún Laoghaire

text: La población fue oficialmente renombrada como "Kingstown", en 1821 en honor de la visita del Jorge IV, pero volvió a su antiguo nombre por resolución del Concejo municipal en 1921, un año después de la independencia de Irlanda.


title: Dún Laoghaire

text: El asentamiento original se encontraba al norte del actual centro de la población, pero cayó en desuso tras la decisión de construir un puerto principal, punto de entrada del barco de correo, en los inicios del siglo XVIII.


title: Dún Laoghaire

text: Hay un ancla, recuperada del pecio del barco correo RMS Leinster que fue torpedeado en 1918, con la pérdida de más de 500 vidas, localizado junto al Muelle de embarque Carlile, pertenece al Museo Nacional Marítimo de Irlanda.


title: Dún Laoghaire

text: Dún Laoghaire formó el distrito municipal de Dún Laoghaire, y era la única ciudad en Irlanda en tener su propio Comité de Educación Profesional. Es considerado parte del Gran Dublín.


title: Dún Laoghaire

text: Dún Laoghaire fue golpeado por una bomba vaga alemana durante la Segunda Guerra Mundial, la bomba que aterrizó cerca del Peoples Park en los Rosmeen Gardens. El daño de la bomba fue limitado para los edificios.


title: Dún Laoghaire

text: El puerto, uno de los más grandes en el país, y la base para una ruta principal de transporte de coches al Reino Unido, es notable por sus dos muelles de embarque de granito. El muelle de embarque del este East Pier es en particular popular entre los paseantes, y fue destacado en la película del año 1996 " Michael Collins ", donde Liam Neeson (como Collins) y dos de sus coprotagonistas son vistos andando a lo largo de un paseo de la playa, que es en realidad él es el East Pier de Dún Laoghaire. En la cinta aparece también un quiosco de música en esta escena de película, y este es el quiosco de música real que hay sobre el East Pier. En julio de 2007, este quiosco de música fue retirado por la empresa Dún Laoghaire Abrigan, que inició la restauración del mismo.


title: Dún Laoghaire

text: Llevó 42 años para construir el puerto, a partir de 1817 hasta 1859. El obelisco del puerto, cerca de la antigua terminal de ferris conmemora la construcción de este puerto.


title: Dún Laoghaire

text: Hay un faro al final del East Pier, mientras la nueva oficina central del General Lighthouse Authority for Ireland (la Autoridad General de Faros para Irlanda) se localiza sobre Harbour Road.


title: Dún Laoghaire

text: Al Sur del puerto se encuentra la Bahía del Escocés, donde había en el área de la playa un complejo Victoriano, con paseos, refugios y baños. Los paseos y refugios están en gran parte intactos pero los “Dún Laoghaire Baths” han sido abandonados hace muchos años. Los proyectos para la restauración de esta área son muy discutidos, y algunas ideas más ambiciosas han sido sumamente polémicas.


title: Dún Laoghaire

text: El Museo Marítimo Nacional de Irlanda se presenta en la "Mariners' Church" (iglesia de los Marineros ", que anteriormente sirvió a la Marina británica, y está situado en el centro de ciudad, junto a un paseo espiral, el estanque y una bolera sobre terreno público. La "Mariners' Church" actualmente sufre una restauración general. A new central library will be built alongside it.


title: Dún Laoghaire

text: Una “Carnegie public library”, con una ampliación moderna, se localiza en la “Library Road”, y alberga los libros oficiales del Concejo Municipal.


title: Dún Laoghaire

text: Un tradicional parque de estilo Victoriano, el “People's Park”, se encuentra al final de George's Street, incluye salones de té que todavía funcionan.


title: Dún Laoghaire

text: Al menos un tradicional "refugio del taxista " sobrevive - estos eran pequeños edificios construidos para los conductores de taxis tirados por caballos.


title: Dún Laoghaire

text: Las instalaciones de atención pública de la comunidad incluyen, el Centro municipal Boylan, Dun Laoghaire Scout Den, y un servicio de información de comunidad en la torre de la iglesia de St. Michael.


title: Dún Laoghaire

text: Hay una torre del Martello en el cercano Sandycove, conocida) como la Torre de James Joyce y el conteniendo de un pequeño museo. "


title: Dún Laoghaire

text: Tiene conexión de ferry con Holyhead en Anglesey, en el norte de Gales; ésta es una de las rutas principales para pasajeros viajando a través del Mar de Irlanda con Gran Bretaña. El puerto ha ganado popularidad en viajes de un día, gracias a las líneas de ferry, con naves más rápidas.


title: Dún Laoghaire

text: El puerto de Dún Laoghaire es casa de seis yacht clubs. Desde el Norte (West Pier) al Sur (East Pier) encontramos: el Dún Laoghaire Motor Yacht Club, el Sailing In Dublin Club, el Royal Irish Yacht Club, el Royal St. George Yacht Club, el Royal Alfred Yacht Club, y el National Yacht Club.


title: Dún Laoghaire

text: El área situada al norte del West Pier es usada intensivamente año tras año por practicantes de windsurfers como punto de encuentro, y ocasionalmente es empleada por escuelas de iniciación a la vela.


title: Dún Laoghaire

text: La población tuvo club de golf desde 1909 a 2007, pero sus miembros estuvieron de acuerdo en vender el campo para edificar y trasladarse a Ballyman Road, cerca de Enniskerry en Co. Wicklow. El traslado ocurrió el 1 de agosto de 2007, "to a purpose-built 96-acre site, with spectacular views over the Wicklow countryside including the Sugarloaf mountain. The new course is one of the finest in the Dublin area, with some people dubbing the course "The D Club", in reference to Kildare's spectacular K Club."


title: Dún Laoghaire

text: En el área de Dún Laoghaire existen cuatro establecimientos de educación de tercer grado; el Colegio universitario para los dos últimos años en el centro de ciudad, que dentro de poco se moverá a Blackrock. Dún Laoghaire Instituto de Arte, Diseño y Tecnología, Dún Laoghaire Instituto de formación profesional enb la Calle Cumberland e Instituto de formación profesional Sallynoggin.


title: Dún Laoghaire

text: Dún Laoghaire ha perdido varias de sus escuelas secundarias en las dos décadas pasadas, debido a desplazamientos demográficos a áreas periféricas. Tres escuelas que cerraron son, Christian Brothers Eblana en la Avenida, fundada en 1856 y activo hasta 1992, la escuela de las muchachas de Convento dominicana, que se cerró un año antes en 1991 y el Colegio de Presentación Glasthule fundado en 1902, que funcionó hasta 2007.


title: Dún Laoghaire

text: Dún Laoghaire tiene una calle principal donde hacer compras, la Calle de Jorge, así como dos centros comerciales: el Centro Comercial Dún Laoghaire y Bloomfields, el más antiguo de 1977. Los años recientes, han visto una expansión del comercio desde George Street, hacia los cines y el teatro Pavilion en la zona frente al ayuntamiento.


title: Dún Laoghaire

text: Existe amplia oferta de establecimientos públicos para comer, así como cerca de un centenar de tiendas y comercios.


title: Dún Laoghaire

text: En la población se encuentran las oficinas centrales de uno de los mayores supermercados de Irlanda, Tesco Ireland, que posee los dos centros comerciales más grandes de todo Irlanda. Hay también otras casas matrices de diferentes empresas, como pueden ser Bord Iascaigh Mhara y Berlitz Ireland.


title: Dún Laoghaire

text: El mayor número de visitantes a la población inicialmente venía desde Dublín, y hoy la población dispone de un hotel grande, remodelado en 2007, el "Royal Marine", junto a algunos hoteles pequeños y algún bed-and-breakfasts.


title: Dún Laoghaire

text: En Dún Laoghaire hay 11 bares y 4 night clubs, la mayoría ubicados a lo largo de la calle principal Georges Street Upper. Entre ellos algunos “traditional Irish bars” como Walters, Scotts, Wiers & Dunphys y otros más modernos tipo Café Bar como Lime Café Bar.


title: Dún Laoghaire

text: Dún Laoghaire dispone del "St. Michael's Hospital" así como algunas clínicas privadas, terapeutas y practicantes.


title: Dún Laoghaire

text: Dún Laoghaire tiene conexión con algunas figuras sobresalientes de la cultura, entre los más notables James Joyce y Samuel Beckett. La estancia de Joyce con Oliver St. John Gogarty en la Torre Martello en el cercano Sandycove la inmortalizó posteriormente en el capítulo inicial del Ulysses. Samuel Beckett vino del cercano Foxrock y se dice que, experimentó una Epifanía artística, (ha aludido a ella en su obra La Última Cinta de Krapp), estando sentando el final de uno de los muelles de embarque de Dún Laoghaire. Una placa de bronce señala el lugar.


title: Dún Laoghaire

text: Dún Laoghaire celebra un Festival Mundial de las Culturas, de tres días de duración está dedicado a la música de todos los rincones del planeta. Es uno de los mayores festivales de música de Irlanda, y atraé a cerca de un cuarto de millón de personas un fin de semana de agosto.


title: Dún Laoghaire

text: Un nuevo rumbo se marcó para el teatro con la apertura del "Pavilion", en 2000. Sobre el "Kingstown Pavilion" de 1903, Es el teatro del Condado de Dún Laoghaire-Rathdown, y en él se celebra algunos de festivales importantes incluyendo el Festival Internacional De la marioneta, y recientemente, el Festival de Teatro de Dublín. "


title: Trojan Records

text: Trojan Records es un sello discográfico británico fundado en 1968. Se especializa en ska, skinhead reggae, reggae y dub. Pertenece al grupo Sanctuary Records. El nombre "Trojan" viene del camión utilizado para transportar en Jamaica el sound system de Duke Reid. El camión llevaba un emblema pintado en los lados que rezaba "Duke Reid - The Trojan King of Sounds", y la música que Reid ponía en este sound system se llegó a conocer como "Trojan Sound". En el año, 1974 se asocia con la multinacionaL discográfica jamaicana Planet Music International.


title: Trojan Records

text: Trojan Records fue fundado en 1968 por Lee Gopthal, quien había llevado previamente una tienda de discos llamada Musicland, y anteriormente había colaborado con Chris Blackwell de Island Records en la venta por correo. Hacia 1970, los artistas que publicaban en Trojan Records y que habían alcanzado el éxito en las listas incluían a los Upsetters de Lee Perry, Bob & Marcia, The Cimarons, Desmond Dekker, Bruce Ruffin, Nicky Thomas y Dave and Ansell Collins. La principal función de Trojan no era desarrollar nuevos artistas, sino servir como un sello hermano para Island Records. El éxito económico lo trajo la publicación de música jamaicana ofrecida por productores como Duke Reid, Byron Lee y Leslie Kong, en una serie de recopilatorios de precio popular entre los que estaban "Tighten Up", "Club Reggae" y "Reggae Chartbusters". La música era especialmente popular entre diferentes subculturas de jóvenes de Gran Bretaña, como los mods, los skinheads y los suedeheads.


title: Trojan Records

text: En 1972 Island Records canceló su acuerdo con Trojan Records. En la misma época comenzó a declinar el interés de los jóvenes ingleses por la música de Jamaica, quienes comenzaron a interesarse por otros géneros, en especial los que tenían letras rastafaris y tempos más lentos. En 1974, Trojan trataba de acercarse hacia una forma de reggae más cercana al gusto inglés a través de la remasterización y el overdubbing de los arreglos de cuerda de las grabaciones originales. También pasaron a contar con más artistas de reggae británicos, como Symarip y Greyhound. No obstante, el sello seguía estando fuera de los gustos de la audiencia inglesa, especialmente en relación con los sonidos rasta y lovers rock. Entre 1974 y 1975 se llevó a cabo la compra de Trojan por Saga, una empresa dedicada a la venta de LP baratos.


title: Trojan Records

text: En 1985, Colin Newman compró Trojan Records a Marcel Rodd, el CEO de Saga. Hacia finales de los años 1980, Trojan pasó a centrarse en desenterrar y compilar producciones de ska, rocksteady y reggae, reeditándolas de nuevo por primera vez en 25 años. Después comenzaron la popular serie Trojan Box Set, que solía contener 50 canciones en 3 CD (o discos de vinilo) dentro de una sencilla caja de cartón. En 2001, el grupo Sanctuary Records compró Trojan Records. En junio de 2007, Universal Music compró Sanctuary Records.


title: Trojan Records

text: Existe un tipo de skinhead conocido como Trojan skinhead o traditional skinhead, muy influenciado por la cultura skinhead tradicional de los años 1960, cuya denominación deriva del sello Trojan Records para remarcar la influencia de la música jamaicana negra y del estilo rude boy dentro de la subcultura skinhead. Esta designación enfatiza las diferencias respecto tanto de los skinheads de los años 1980, más influidos por el punk rock y el Oi!, como sobre todo de los skinheads nazis. El logo de los Skinheads Against Racial Prejudice (SHARP) está basado en el logo de Trojan Records, aunque el casco aparece en la dirección contraria.


title: Distorsión de la perspectiva

text: En el campo de la fotografía y la cinematografía, la distorsión de perspectiva es una deformación o transformación de un objeto y su área circundante que difiere significativamente del aspecto que el objeto presentaría con una longitud focal normal, debido a la escala relativa de los objetos próximos y distantes. La distorsión de perspectiva viene determinada por las distancias relativas a las cuales la imagen es capturada y vista, y esto es debido al ángulo de visión de la imagen (mientras esta se obtiene) resultando más ancho o más estrecho que el ángulo de visión con el que vemos la imagen. Por lo tanto, las distancias relativas aparentes difieren del resultado esperado. Relacionada con este concepto está la magnificación axial -- la profundidad percibida de objetos a partir de una magnificación dada.


title: Distorsión de la perspectiva

text: La distorsión de perspectiva toma dos formas: "distorsión de extensión" y "distorsión de compresión", también llamadas "distorsión de angular" y "distorsión de" "lente larga" o "teleobjetivo", cuando hablamos sobre imágenes con la misma medida de campo. La extensión o distorsión de ángulo ancho puede ser vista en las imágenes tomadas de cerca utilizando una lente angular (con un ángulo de visión más ancho que una lente normal). Los objetos cerca de la lente parecen anormalmente grandes en relación con objetos más distantes, y los objetos distantes parecen anormalmente pequeños y por lo tanto más alejados. Las distancias aparentes son, por lo tanto, aumentadas. La compresión, o distorsión de lente larga o teleobjectivo, puede ser vista en las imágenes tomadas a larga distancia utilizando una lente de foco largo o el más común teleobjetivo (con un ángulo de visión más estrechado que una lente normal). Los objetos a diferentes distancias parecen tener aproximadamente la misma medida, puesto que los objetos más próximos parecen anormalmente pequeños, y los objetos más distantes anormalmente grandes, y como consecuencia el espectador no puede distinguir las distancias relativas entre objetos a diferentes distancias. Por lo tanto, las distancias aparentes son comprimidas.


title: Distorsión de la perspectiva

text: Nótese que los cambios de perspectiva lineal son causados por la distancia, no por la lente en si – dos fotografías de la misma escena desde la misma distancia exhibirán una geometría de perspectiva idéntica, independientemente de las lentes utilizadas. Aun así, al tener las lentes angulares un campo más ancho de vista, son generalmente utilizadas de más cerca, mientras que las lentes de teleobjetivo tienen un campo más estrechado de vista y son generalmente utilizadas de más lejos. Por ejemplo, si se está a cierta distancia de forma que una lente normal captura la cara de alguien, una fotografía con una lente angular o teleobjetivo a la misma distancia mostrará exactamente la misma geometría de perspectiva lineal en la cara, aunque la lente de ángulo ancho puede encabir el cuerpo entero en la imagen, mientras que el teleobjetivo captará solo la nariz. Aun así, los recortes de estas tres imágenes con la misma cobertura mostrarán la misma distorsión de perspectiva – la nariz tendrá las mismas proporciones en las tres. Por el contrario, si las tres lentes son utilizadas desde distancias diferentes porque la cara llena el campo de visión, el angular será utilizado de más cerca, haciendo la nariz más grande comparada con el resto de la foto, y el teleobjetivo será utilizado de más lejos, haciendo la nariz más pequeña comparada con el resto de la foto.


title: Distorsión de la perspectiva

text: La distorsión por extensión en la fotografía de exteriores es familiar para muchos a través de los retrovisores laterales y las mirillas, aunque estas a menudo utilizan un objetivo ojo de pez, mostrando una distorsión diferente. La distorsión de compresión es más familiar mirando a través de prismáticos o telescopios, y en miras telescópicas, mientras un efecto similar es visto en la fotografía de tira, por ejemplo una foto finish, donde toda captura es paralela a la captura, eliminando completamente la perspectiva (una vista de lado).


title: Distorsión de la perspectiva

text: La distorsión de perspectiva es influida por la relación entre dos factores: el ángulo de vista con el cual la imagen es capturada por la cámara y el ángulo de vista con la cual fotografía del motivo es presentada o vista.


title: Distorsión de la perspectiva

text: Cuando las fotografías son vistas "a la distancia de visionamiento normal", el ángulo de vista en el cual la imagen se capturó es responsable de toda aparición de distorsión de perspectiva. La suposición general de que las fotografías no adulteradas no pueden distorsionar una escena es incorrecta. La distorsión de perspectiva se da particularmente en los retratos cogidos con lentes angulares a corta distancia respeto el modelo. Generalmente dan una impresión desagradable, haciendo que la nariz parezca demasiado grande en comparación con el resto de la cara, y distorsionando la expresión facial. Enmarcando el mismo sujeto de forma idéntica utilizando un teleobjetivo moderado o una lente de foco largo (con un ángulo de vista estrechado) da a la imagen una perspectiva más aplanada. Es por esta razón que, por una cámara de 35 mm, las lentes con longitudes focales de aproximadamente entre 85 y 135 mm son generalmente consideradas lentes adecuadas por un retrato. Aun así hay una diferencia, si la fotografía es cogida con lentes para paisaje o retrato. Una lente de 50mm es adecuada para fotografiar personas cuando está orientada al paisaje. Por el contrario, utilizando lentes con longitudes focales mucho más largas para retratos resulta en un aplanamiento más extremo de las características faciales.


title: Distorsión de la perspectiva

text: Las fotografías son normalmente vistas a una distancia aproximadamente igual a su diagonal. Cuando se observan a esta distancia, los efectos de distorsión creados por el ángulo de visión de la captura son aparentes. Aun así, teóricamente, si uno ve las fotografías que muestran distorsión por extensión (angular) a una distancia más próxima, ensanchando así el ángulo de vista de la presentación, entonces el fenómeno aparece en menor medida. De manera similar, viendo las fotografías que muestran distorsión por compresión (teleobjetivo) desde una distancia más grande, estrechando así el ángulo de visión de la presentación, el efecto también se reduce. En ambos casos, a cierta distancia, la distorsión aparente desaparece completamente.


title: Distorsión de la perspectiva

text: En la mayoría de los casos, se puede asumir que el espacio de imagen y el espacio de objeto existen en el mismo medio. Así, para un objeto enfocado, la distancia entre la lente y el plan de imagen formula_1, la distancia entre la lente y el objetoformula_2, y la longitud focal formula_3 están relacionadas por


title: Distorsión de la perspectiva

text: varía. Para un objeto de profundidad finita, uno puede entender la media de magnificación axial como la proporción entre la profundidad de la imagen y la profundidad del objeto:


title: Distorsión de la perspectiva

text: Uno puede ver que si la magnificación se mantiene constante, una lente focal más larga o próxima al teleobjetivo se traduce en una magnificación axial menor, y una longitud focal más corta o próxima al gran angular comporta una magnificación axial mayor.


title: Distorsión de la perspectiva

text: Por lo tanto, cuando se ajusta progresivamente una longitud focal más larga o próxima a la posición de teleobjetivo mientras la cámara/lente se aleja del objeto manteniendo en todo momento la misma magnificación M, los objetos parecen perder profundidad, y las distancias axiales entre objetos en diferentes profundidades parecen acortarse. El contrario—el aumento de la magnificación axial—se produce cuando se ajusta progresivamente una longitud focal más corta o próxima al gran angular mientras la cámara/lente se acerca al objeto. En este caso los objetos parecen adquirir más profundidad, y las distancias axiales entre objetos situados a diferentes profundidades parecen alargarse a medida que movemos la longitud focal y la cámara/lente.


title: Distorsión de la perspectiva

text: "Las fotografías tomadas utilizando una cámara de 35 mm con lentes de 100 mm, 70 mm, 50 mm, y 28 mm, a distancias diferentes del motivo."


title: Distorsión de la perspectiva

text: A pesar de que distorsión de perspectiva a menudo resulta molesta cuando no se busca, es también intencionadamente utilizada con fines artísticos. La distorsión por extensión propia del gran angular es a menudo implementada por emfatizar algún elemento de la escena haciéndolo parecer más grande y separado en el espacio respecto a los otros elementos. La distorsión por compresión propia del teleobjetivo es a menudo utilizada para dar la sensación de distancia comprimida entre objetos distantes, como edificios o automóviles para sugerir un sentimiento de congestión. Las lentes largas magnifican más el sujeto, aparentemente comprimiendo la distancia y (cuando se enfoca el primer término) empañando el fondo debido a su menor profundidad de campo. Las lentes más anchas tienden a magnificar la distancia entre los objetos permitiendo más profundidad de campo.


title: Distorsión de la perspectiva

text: Otro resultado de utilizar una lente de ángulo ancho es una distorsión de perspectiva aparente más grande cuando la cámara no está alineada perpendicularmente al tema: las líneas paralelas convergen al mismo índice mientras que con una lente normal convergen más debido al campo total más ancho. Por ejemplo, los edificios parecen estar cayendo hacia atrás mucho más severamente cuando la cámara está apuntando hacia arriba desde el nivel de tierra que si se fotografía con una lente normal a la misma distancia del tema, porque más parte del edificio es visible en la imagen tomada con el angular.


title: Distorsión de la perspectiva

text: Como las lentes diferentes generalmente requieren una distancia diferente entre la cámara y el sujeto para preservar la medida del motivo, cambiar el ángulo de vista puede distorsionar la perspectiva indirectamente, cambiando la medida relativa aparente del sujeto y el fondo. Si una medida de campo idéntica es mantenida, el gran angular hace parecer más grande el motivo introduciendo diferencias de medida con las líneas convergentes mencionades arriba, y hace que las habitaciones y los espacios alrededor del tema parezcan más vastos aumentando la distancia entre sujeto y fondo (perspectiva expandida).


title: Distorsión de la perspectiva

text: El efecto en el estado anímico de la distorsión de perspectiva conseguida por las lentes de gran angular rectilíneo es que la imagen resultante parece grotesca e inquietante, a pesar de que no parecen tan irreales como un objetivo ojo de pez curvilíneo que muestra una distorsión de barril. El efecto es especialmente marcado cuanto más próxima la cámara está al tema, puesto que su medida aumenta cuanto más corta sea la longitud focal a la misma medida de campo.


title: Distorsión de la perspectiva

text: Un director notable que frecuentemente empra lentes de gran angular rectilíneo para conseguir un estilo visual propio definido por la distorsión de perspectiva extrema es Terry Gilliam. También Stanley Kubrick (en "Paths of Glory", y "", entre otros) así como Orson Welles (en "El Juicio"), Sam Peckinpah (en "Perros de paja"), y Sidney Lumet (en "El Delito") ocasionalmente han hecho lo mismo, aunque mayoritariamente con moderación, en secuencias o imágenes aisladas, mientras Gilliam casi nunca utiliza ninguna lente más larga que 14mm, lo cual ha dado a las lentes de esta longitud focal particular el apodo informal "The Gilliam" entre los cineastas. Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro, dos realizadores franceses influidos por Gilliam, adoptaron su fotografía de angular  en sus películas "Delicatessen" y "La ciudad de los niños perdidos". "El Juicio" de Orson Welles es notable por haber influido fuertemente el estilo de Gilliam años antes de que el expatriado americano se uniera al grupo cómico Monty Python, a pesar de ser una característica estilística única dentro de la obra de Welles.


title: Distorsión de la perspectiva

text: Debido al efecto grotesco e inquietante propio de las lentes de gran angular, las películas que hacen uso de tal distorsión de perspectiva a menudo pueden ser colocadas dentro de una de estas dos categorías: Sátira o fantasía grotesca y surrealista, también con un cierto punto de comedia negra (Gilliam, Jeunet & Caro o Stanley Kubrick en "Doctor Strangelove") por un lado; y  películas más realistas y serias con un cierto toque de crítica social en el otro, donde las convenciones sociales, la sociedad colectiva, y/o las figuras y los actos de los dirigentes son retratadas como grotescas y absurdas, y a menudo también presentan características tiránicas con valores conformistas que actúan de una manera extremadamente hostil y perjudicial hacia individualistas y gente fuera de la norma ("Paths of Glory"," Perros de paja", "El Delito").


title: Distorsión de la perspectiva

text: En el otro lado del espectro de la longitud focal, Leni Riefenstahl utilizaba lentes de teleobjetivo extremo para comprimir grandes multitudes en"Triumph des Willens", mientras que el "Führer" Adolf Hitler era visto a través de lentes normales y a menudo en contrapicado para parecer alto en comparación.


title: Distorsión de la perspectiva

text: En el lenguaje cinematográfico, la distorsión de la perspectiva también tiene efecto en el efecto especial de cámara conocido como dolly zoom, donde una lente de zoom se aleja mientras la cámara se acerca al motivo, de tal manera que el motivo se mantiene con la misma medida en el marco mientras el fondo cambia de tamaño en comparación. Este efecto fue popularizado en las películas "Vertigo" y "Jaws." Otro ejemplo de este efecto puede ser visto en la primera película de "El Señor de los Anillos", justo antes de que el Jinete Negro llegue por el camino. El dolly el zoom es utilizado crear un efecto de compresión del camino.


title: Chikan (contacto corporal)

text: En psicología clínica, este deseo se llama frotismo. Aunque las mujeres en los trenes abarrotados en Japón son los objetivos más frecuentes del chikan, los depredadores sexuales en Japón también pueden aprovecharse de personas de ambos sexos en otras situaciones. Una de esas situaciones (se advierte en el cartel que se muestra a la derecha) es en estacionamientos para bicicletas, donde un abusador esperará hasta que una mujer o un hombre se inclinen, al desbloquear el candado de sus bicicletas y luego tocarles por detrás. El chikan a menudo aparece en la pornografía japonesa, junto con otros temas no consensuales. Como parte del esfuerzo para combatir el chikan, algunas compañías ferroviarias han designado vehículos de pasajeros exclusivos para mujeres.


title: AgustaWestland AW149

text: El AgustaWestland AW149 es un helicóptero desarrollado la compañía Leonardo (anteriormente AgustaWestland, que se fusionó con la nueva Finmeccanica, que se ha cambiado el nombre en Leonardo a partir de 2017) a partir del AW139, para uso militar. Se trata de un helicóptero de tamaño medio, bimotor y polivalente. Del AW149 existe una variante para el mercado civil, conocida como AW189.


title: AgustaWestland AW149

text: El lanzamiento del AW149 tuvo lugar durante el Farnborough Air Show de 2006. Se trataba de un derivado del AW139, con la diferencia de que el AW149 disponía de un fuselaje de mayor tamaño y unos motores de mayor potencia, lo que se traducía en que era un helicóptero con mayor capacidad para transporte que el original.


title: AgustaWestland AW149

text: El prototipo realizó su primer vuelo el 13 de noviembre de 2009, desde la planta de AgustaWestland ubicada en Vergiate, al norte de Italia. Un segundo prototipo, el primero que montaba los motores de la versión de producción, realizó su primer vuelo el 26 de febrero de 2011.


title: Johnny Logan

text: Seán Patrick Michael Sherrard, más conocido como Johnny Logan (13 de mayo de 1954, Melbourne, Australia), es un cantante y compositor australiano nacionalizado irlandés. Es especialmente conocido por ser el único cantante en ganar en dos ocasiones el Festival de Eurovisión, además de conseguirlo en una tercera ocasión como compositor.


title: Johnny Logan

text: En 1980 representó a Irlanda en Eurovisión con el tema "What's Another Year?" obteniendo el primer puesto y consiguiendo el número 1 en ventas en Irlanda y en Reino Unido, además de otros países. En 1984 volvió al festival como compositor de "Terminal 3", que defendió Linda Martin, acabando en segunda posición. En 1987 compone y canta el tema "Hold Me Now" con el que vuelve a ganar el festival, en esta ocasión como cantautor. Fue número 1 en Irlanda, Israel y Bélgica, y 2 en Reino Unido, Alemania, Suecia y Noruega. Por último, en 1992 vuelve al festival, en esta ocasión sólo como compositor, con el tema "Why me?", de nuevo de la mano de la cantante Linda Martin, consiguiendo otra victoria.


title: Johnny Logan

text: Además de su éxito en el Eurofestival, ha grabado 17 álbumes, 10 recopilatorios y más de 60 sencillos que han tenido especial repercusión en, principalmente, los países escandinavos e Irlanda. En 2007 publicó "The Irish Connection", con el que certificó varios discos de oro y platino en varios países. Participó también en la ópera musical "Which Witch" en Noruega. En 2022 participó en el conocido concurso de televisión "The Masked Singer" en Bélgica.


title: Johnny Logan

text: En 2005, su canción "Hold me now" fue elegida en el show "" (donde fue presentado por Massiel) como la tercera mejor de la historia de Eurovisión (quedando por debajo de "Waterloo" de ABBA y "Nel blu dipinto di blu (Volare)" de Domenico Modugno). Por su parte, "What's another year", en la misma votación, se clasificó como la duodécima mejor canción, siendo el único intérprete con dos canciones elegidas entre las 14 mejores de la historia del festival. Ha sido nombrado por sus fanes como "Mr Eurovision" y es asiduo de eventos relacionados con el festival europeo.


title: The Children (película)

text: The Children (Los niños en español) es una película de terror británica dirigida por Tom Shankland y protagonizada por Eva Birthistle y Hannah Tointon.


title: The Children (película)

text: Casey, una adolescente rebelde, viaja con su madre Elaine, su padrastro Jonah y sus dos hermanastros menores Miranda y Paulie para pasar el año nuevo en la casa de la hermana de Elaine, Chloe. Chloe, su esposo Robbie y sus dos hijos pequeños, Nicky y Leah, dan la bienvenida a sus visitantes. Poco después de llegar, Paulie empieza a vomitar y los adultos creen que se enfermó durante el viaje.


title: The Children (película)

text: A medida que avanza la noche, Nicky y Leah también empiezan a mostrar síntomas de la enfermedad. El vómito de Leah tiene una bacteria extraña. Cuando todos van a dormir, el gato de la familia, Jinxie, desaparece. Casey, en el bosque, mientras hace un plan con su amiga Lisa para escapar y asistir a una fiesta, escucha el maullido de Jinxie, pero no lo puede encontrar. Al día siguiente, todos los niños se infectan. En la cena, Miranda empieza a ponerse agresiva arañando a Chloe y arruinando la comida. Mientras Jonah trata de confortar a Miranda, Robbie lleva a los niños a jugar en la nieve. Nicky pone un rastrillo en el camino de Robbie cuando este se está deslizando en un trineo, causando que su cabeza se rompa en el impacto. Los niños gritan, llamando la atención de Casey y los adultos. Elaine llama a una ambulancia, pero Robbie muere rápidamente a causa de sus heridas.


title: The Children (película)

text: Paulie ataca a Jonah con un cuchillo y sale corriendo antes de atraer a Elaine a un marco de escalada y romperle la pierna. Casey la rescata y se refugian en el invernadero, el cual es atacado por los niños. Paulie intenta asesinarlas, pero Casey defiende a su madre y la convence de que hay algo malo con los niños. Chloe encuentra el cadáver de Robbie junto a juguetes mutilados dentro de la carpa de los niños, donde Leah intenta atacarla, pero es salvada por Casey. En pánico, Chloe acusa a Casey por lo que está sucediendo antes de huir a la casa mientras Casey regresa al invernadero y salva a Elaine, quien a su vez salva a Casey matando a Paulie. Jonah encuentra a Paulie muerto. Dentro de la casa, Chloe acusa a Casey y Elaine de volverse locas cuando Casey les dice que su madre tuvo que matar a Paulie para salvarla a ella. Jonah y Chloe las abandonan y van a buscar a Nicky y a Leah. Casey empieza a cerrar todas las puertas de la casa y Jonah y Chloe se separan en el bosque. Chloe es atacada por sus hijos, quienes la matan incrustándole un crayón en el ojo. Casey le dice a su madre que puede llamar a su amiga Lisa para pedirle ayuda. Al buscar el teléfono, Casey encuentra a Miranda con el cuerpo del gato muerto en la habitación y destruyendo el teléfono. Casey la ataca y Miranda engaña a Jonah diciendo que su hermanastra la atacó, y él encierra a Casey para escapar con Miranda en el auto. En la casa, Elaine es atacada por Leah y Nicky, pero es incapaz de lastimarlos, ya que son niños.


title: The Children (película)

text: Casey rompe la puerta de la habitación y mata a Nicky, salvando a Elaine mientras Leah huye al bosque. Casey y Elaine dejan la casa y encuentran a Jonah muerto y el auto estrellado contra un árbol. Cuando Casey baja a investigar, Miranda se acerca a atacarla, pero Elaine la atropella matándola. Elaine nota que Casey vomita. Mientras conducen, varios niños infectados, incluyendo a Leah, aparecen en el bosque. Mientras Elaine entra en pánico, Casey comienza a mirar al espacio de manera extraña como los niños infectados, acabando la película y dejando a la audiencia pensando si Casey también se infectó.


title: The Children (película)

text: La película tuvo críticas generalmente positivas de críticos del Reino Unido. El escritor de "The Guardian" Phelim O'Neill dijo, «la violencia es suficientemente hábil para hacerte pensar que ves mucho más de lo que realmente haces y los aspectos fundamentalmente perturbadores y espeluznantes sobre este caos aleatorio e impredecible centrado en los niños siempre están presentes, sin importar cuán ridículamente intensas y oscuras son las cosas divertidas.» La revista "Time Out" le dio a la película cuatro de cinco estrellas y dijo: «Esta película destructora de tabúes recurre a miedos primarios sobre la desconocida capacidad de los niños, su nieve virgen manchada de sangre y terror insidioso que recuerda crueles cuentos de hadas y películas de niños demoníacos como "La profecía".»


title: The Children (película)

text: En los Estados Unidos, las críticas fueron igualmente positivas. "Bloody Disgusting" dijo «"The Children" lo tiene todo y garantiza que complacerá incluso al fanático del horror más difícil de satisfacer». "IGN" dijo sobre la película «"The Children" es una película de terror perfectamente montada que sabe exactamente cómo asustar a su audiencia.»


title: The Children (película)

text: En febrero de 2011, el sitio web Rotten Tomatoes le dio 79% de aprobación, basado en un total de 14 críticas.


title: The Children (película)

text: La película se estrenó en el número diez del Reino Unido y recaudó solo £ 98.205 en 132 cines. En las semanas posteriores a su lanzamiento, la película bajó al puesto trece y luego nuevamente al puesto veintidós .


title: Mirtha

text: Mirtha es un nombre propio de origen griego que proviene del arbusto llamado mirto, arrayán o murta, considerado en la antigüedad símbolo del amor y la belleza ya que estaba consagrado a Afrodita, diosa del amor.


title: Fusibilidad

text: Fusibilidad es la facilidad con que un material puede derretirse o fundirse. Es la propiedad que permite obtener piezas fundidas o coladas.


title: Fusibilidad

text: Algunos tipos de materiales, en ciertos tipos de soldadura, requieren un bajo punto de fusión de forma que cuando el calor es aplicado al material, el material aportado a la soldadura se derrite antes que el material a soldar siendo esto, una "alta fusibilidad del material aportado" con respecto al material a soldar.


title: Fusibilidad

text: Por otra parte, existen otros materiales que son utilizados en instrumentos (como algunos hornos especiales)que se les aprovecha su baja fusibilidad. Los materiales que sólo se derriten a temperaturas muy altas se les llama materiales refractarios. Y también son compuestos y químicos


title: Bedtime Story

text: «Bedtime Story» es una canción interpretada por la cantante estadounidense Madonna, incluida en su sexto álbum de estudio, "Bedtime Stories" (1994). Las compañías Maverick, Sire y Warner Bros. Records la publicaron como el tercer sencillo del disco —tras «Secret» y «Take a Bow»— el 13 de febrero de 1995 en Europa y Australia y el 11 de abril en Estados Unidos. Seis años después, figuró en el grandes éxitos "GHV2" (2001). Fue compuesta por Nellee Hooper, Björk y Marius de Vries; Björk no se consideraba admiradora de la cantante, pero aceptó la propuesta de escribirle una canción. Tras entregar a de Vries y Hooper una maqueta titulada en su momento «Let's Get Unconscious», estos dos últimos reescribieron varias partes y, junto con Madonna, se encargaron de la producción, que llevó por título «Bedtime Story».


title: Bedtime Story

text: Es una balada de géneros electrónica y "trance" con influencias de la música "acid" y "minimal trance", la cual destaca por apartarse del sonido de las otras canciones de "Bedtime Stories", que estaban más orientadas al R&B y "new jack swing". La letra es un himno a las alegrías de la inconsciencia. En términos generales, obtuvo reseñas positivas de los críticos y periodistas musicales, quienes elogiaron la producción experimental y la consideraron una de las mejores del disco, así como una de las más subestimadas en la carrera de Madonna. Desde el punto de vista comercial, alcanzó el puesto 42 de la lista "Billboard" Hot 100, por lo que pasó a ser el primer sencillo de su carrera que no logró ingresar a los cuarenta principales en más de diez años, aunque obtuvo una recepción más favorable en Australia, Finlandia, Italia y Reino Unido, donde estuvo entre los diez primeros lugares, y llegó a la primera posición en el conteo estadounidense Dance Club Songs.


title: Bedtime Story

text: Mark Romanek dirigió el videoclip, que en su momento de producción fue el con un presupuesto de 5 millones USD. Presenta escenas surrealistas y "new age" influenciadas principalmente por las obras de artistas como Remedios Varo, Frida Kahlo y Leonora Carrington. Recibió elogios de críticos y académicos y se exhibe permanentemente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Madonna interpretó el sencillo en los en febrero de 1995, para lo cual lució un vestido plateado de Versace y una peluca larga rubia; la revista "Marie Claire" calificó la presentación como uno de los treinta mejores momentos en la historia de la premiación. Nueve años después, se usó una remezcla como vídeo interludio en la gira Re-Invention World Tour (2004). «Bedtime Story» ha sido descrita como la canción que introdujo el uso de la música electrónica en los trabajos posteriores de Madonna, especialmente en su séptimo álbum de estudio, "Ray of Light" (1998).


title: Bedtime Story

text: De acuerdo con la biógrafa y autora Lucy O'Brien, Madonna quería «impactar» en la música "soul", por lo que decidió trabajar con productores reconocidos del género R&B. No obstante, también quiso incursionar en el mundo de la música británica, cuyos géneros como el "club" o el "dub" habían ganado popularidad con artistas como la cantante islandesa Björk y las bandas Massive Attack y Soul II Soul, de manera que colaboró con compositores y productores europeos especializados en la música electrónica, entre ellos Nellee Hooper, a quien escogió por su «sensibilidad europea», y Marius de Vries. Los tres se reunieron en Los Ángeles y las sesiones de grabación tuvieron lugar en los estudios Chappell, en Encino, durante el verano boreal de 1994.


title: Bedtime Story

text: Vries, Hooper y Björk compusieron «Bedtime Story». Madonna se inspiró en el álbum "Debut" (1993) de esta última, según Mark Pytlik en su libro "Björk: Wow and Flutter" (2003) y, a través de sus conexiones con Hooper y de Vries, se contactó con ella y le propuso escribir una canción para "Bedtime Stories", aunque inicialmente rechazó la oferta porque no le había parecido correcto. Sin embargo, luego se sintió «intrigada» y creyó que era una buena oportunidad para que sus palabras «salieran de los labios de Madonna», por lo que finalmente aceptó, en parte también como un favor hacia Hooper. Admitió que al comienzo creía que era una especie de persona del «hemisferio izquierdo», es decir, muy dirigida por la lógica y un poco calculada. La letra que escribió, titulada en su momento «Let's Get Unconscious», empezaba con los versos "Today is the last day that I'm using words, they've gone out, lose their meaning, don't function anymore" («Hoy es el último día que voy a usar palabras, se han ido, perdieron su significado, no funcionan más»), una crítica por parte de Björk hacia la estética de la estadounidense. De esta manera, creó la letra a partir de esas frases y con Madonna en mente; en una entrevista, aclaró: «Cuando me ofrecieron escribir[le] una canción, realmente no podía imaginarme haciendo una que se adaptara a ella... Pero pensándolo bien, decidí escribir las cosas que siempre había querido escucharla decir [pero] que nunca dijo». Madonna había mostrado interés por trabajar con Björk, pero ambas nunca llegaron a conocerse personalmente por decisión de esta última, quien prefirió mantener distancia e incluso declinó cantarla a dúo porque habría sido «un error».


title: Bedtime Story

text: Entregó una maqueta a Hooper y de Vries, quienes reorganizaron la composición —por lo que los tres recibieron créditos como autores— y la versión final se llamó «Bedtime Story». La producción quedó a cargo de estos dos últimos junto con Madonna, aunque de Vries no figuró en los créditos del álbum. La masterización tuvo lugar en los estudios Sterling Sound, ubicados en Nueva York, y entre los músicos que participaron se incluyen Colin Wolfe y la rapera Meshell Ndegeocello en bajo, el productor Dallas Austin en batería y teclado, Tommy Martin en guitarra y el compositor Babyface en sintetizadores y programación de batería, bajo la dirección de Susie Katiyama y Jessie Leavey. Este último y Craig Armstrong fueron los responsables del arreglo, mientras que Alvin Speights, Brad Gilderman, Darin Prindle, Mark «Spike» Stent y Michael Fossenberg de la ingeniería. Por último, Speights y Jon Gass realizaron la mezcla. Björk luego confesó que Madonna había cantado mal algunas líneas: la original que decía "Learning logic and reason" («aprendiendo de la lógica y la razón)», la cantó como "Leaving logic and reason" («abandonando la lógica y la razón»); no obstante, le pareció un «error interesante». La maqueta original volvió a grabarse bajo el título «Sweet Intuition», que apareció como el lado B del sencillo de Björk «Army of Me», mientras que una remezcla se incluyó en «It's Oh So Quiet».


title: Bedtime Story

text: «Bedtime Story» es una balada de géneros electrónica y "trance" que destaca por su sonido alternativo y experimental, diferente a las otras canciones del álbum, cuya producción está más orientada al R&B y al "new jack swing". A diferencia del trabajo melódico de la artista, esta es más lenta y «más atmosférica», pero con una estructura rítmica compleja que se respalda a través de "loops" rítmicos «silenciosos». Al no haber mucha melodía, Madonna canta de manera «apagada». Descrito como un número "ambient" y "dance", tiene un ritmo «vibrante», «profundo y burbujeante» con un arreglo de sintetizador «esquelético», y presenta influencias del "minimal trance" y la música "acid". Según Eduardo Viñuela, editor del libro "Bitch She's Madonna: La reina del pop en la cultura contemporánea" (2018), es un viaje a la cultura oriental. Los instrumentos sintetizados producen el carácter electrónico de la canción, que constan de cajas de ritmos, palmadas, órganos y cuerdas, así como un coro «homofónico» y voces alteradas digitalmente. Según la partitura publicada en Musicnotes por Alfred Publishing Co., Inc., se establece en un compás de con un "tempo" moderado de 108 pulsaciones por minuto. Está compuesta en la tonalidad de "sol" menor y toda la primera estrofa sigue una progresión armónica de "sol" menor.


title: Bedtime Story

text: «Bedtime Story» está conectada con el final de «Sanctuary» —la anterior del disco— y termina de manera abrupta. Dicho final se mezcla con el sintetizador principal que se mueve en la imagen estéreo, y a lo largo de la canción la voz de la cantante gime y susurra varios "ah", mientras en el fondo se percibe apenas un "breakbeat" para luego reemplazarse por ritmos y "samples" «ligeros». Según el autor Santiago Fouz-Hernández, en "Madonna's Drowned Worlds: New Approaches to Her Cultural Transformations" (2004), se escucha una voz «espesa», producto de la manipulación tecnológica, y una música que implica una referencia etérea o incluso «cosmológica» por su estructura desarticulada. Víctor Amaro Vicente, en su libro "The Aesthetics of Motion in Musics for the Mevlana Celal Ed-Din Rumi" (2007), observó que la melodía se asimila a las estéticas del "new age" y de la música sufí y tiene más en común con el mantra «Mevleví-Sufi Relaxation», mientras que la estructura rítmica «constante y continua» ha sido comparada con la música utilizada en ceremonias "zikr", presente también cuando la cantante repite con su voz alterada digitalmente la sílaba "ah" de forma intermitente, pero especialmente en la introducción. Este particular estilo ha sido acreditado a Björk; al respecto, De Vries recalcó que «[ella] tiene un enfoque tan particular e idiosincrásico para la construcción de letras y frases [que] Madonna capturó [esa] atmósfera maravillosamente». En un capítulo de "Music and Technoculture" (2003), escrito por Charity Marsh y Melissa West, se afirma que durante el tema se puede escuchar la «inconfundible» influencia de Björk en la voz de Madonna.


title: Bedtime Story

text: Rikky Rooksby, autor de "The Complete Guide to the Music of Madonna" (2004), señaló que la letra es un himno a las alegrías de la inconsciencia y un rechazo de las supuestas limitaciones de la razón y el lenguaje, de ahí el «ataque» a las palabras en el verso "Words are useless, specially sentences, they don't stand for anything, how could they explain how I feel?" («Las palabras son inútiles, especialmente las oraciones, no representan nada, ¿cómo pueden explicar cómo me siento?»). De manera similar, Larry Flick de "Billboard" aseguró que se trataba de una «conmovedora petición por el escape y el gozo inconsciente», expresada con angustia y determinación, y para el autor Francesco Falconi representaba un viaje «en la estética y en el subconsciente». Sumado a ello, Amaro Vicente observó subtextos dentro de su significado. En este sentido, señaló que la letra abordaba la meditación y la relajación, así como una temática posmodernista y de "new age", en relación con la incapacidad para expresar verbalmente y comprender la verdad y el significado. Además, calificó de «cliché» las líneas "honey" («cariño») y "longing and yearning" («anhelando y añorando»), y agregó que las connotaciones sexuales sobre estar «húmedo por dentro» no tenían que ver con el amor «secular» sino con poesía sufí. Concluyó que la cantante, «literal, repetida y, quizás, inconscientemente», alude a conceptos de movimiento «centrales» para la filosofía sufí, como «lograr "fanaa" a través del "samá" ("perderse" y dejar "la lógica y la razón en los brazos de la inconsciencia")».


title: Bedtime Story

text: Las compañías Maverick, Sire y Warner Bros. Records publicaron «Bedtime Story» como el tercer sencillo del álbum —tras «Secret» y «Take a Bow»— en los siguientes formatos físicos: vinilos de 7" y 12", CD y casete. Los fotógrafos Paolo Riversi y Mike Penn crearon la portada, mientras que Greg Ross realizó el diseño. La primera fecha de lanzamiento ocurrió el 13 de febrero de 1995 en Australia y Europa, cuando salió a la venta un maxi CD de cinco pistas que incluyó una versión editada de la canción, de cuatro minutos y ocho segundos, más cuatro remezclas. Dos meses después, el 11 de abril, estuvo disponible en Estados Unidos. «Sanctuary», también de "Bedtime Stories", apareció como lado B en las ediciones en casete, 7" y CD, en tanto que algunas remezclas de «Secret» se añadieron a un CD de edición limitada de «Bedtime Story» en Reino Unido. Las remezclas que acompañaron el lanzamiento estuvieron a cargo del DJ Junior Vasquez y del dúo británico Orbital, las cuales figuraron en los maxi CD de Australia, Estados Unidos y Europa, así como en el vinilo de 12" publicado en Reino Unido. Seis años después de su distribución, «Bedtime Story» figuró en el segundo disco de grandes éxitos de Madonna, "GHV2" (2001).


title: Bedtime Story

text: Según Jose F. Promis de Allmusic, las remezclas daban «una dirección completamente diferente» al sencillo. Agregó que «Junior's Single Edit» de Vasquez, que es una edición de «Junior's Wet Dream Mix», era «más accesible y apta» para las radios que la original, mientras que la producción de «Orbital Mix» era «más soñadora» que las de Vasquez y «Junior's Sound Factory Mix» mucho más «profunda, como si por momentos se pareciera a una marcha». El crítico resaltó que las remezclas, «a veces agresivas, a veces etéreas, a veces incluso en trance», eran «material puro» para las pistas de baile. Larry Flick de "Billboard" destacó la mezcla «Wet Dream» y señaló que todas las versiones «alucinantes diseccionan y expanden de manera astuta la melodía de la canción mientras agregan una ilustración intensamente rítmica de la letra». Concluyó que era «una experiencia esencial tanto para el cuerpo como para la mente». «Junior's Sound Factory Mix» y «Orbital Mix» se incluyeron posteriormente en el maxi CD de «Human Nature», el cuarto sencillo de "Bedtime Stories".


title: Bedtime Story

text: En términos generales, «Bedtime Story» obtuvo reseñas positivas de académicos, críticos y periodistas musicales, quienes elogiaron la producción experimental y la consideraron una de las mejores canciones del álbum, así como una de las más subestimadas en la carrera de Madonna. Tal es el caso de Stephen Thomas Erlewine, de Allmusic, que la reconoció como una de las más destacadas del disco, o Sal Cinquemani de "Slant Magazine", que afirmó que se trató de uno de sus sencillos más «desaprovechados». El mismo autor le otorgó una «A» en su comentario al recopilatorio "GHV2" y agregó que pudo haber sido el siguiente «Vogue» (1990), pero «incluso los valientes programadores de las radios pop [lo] ignoraron». El periodista Larry Flick de "Billboard" reseñó el tema en tres oportunidades. En una primera crítica antes del lanzamiento comercial, lo nombró un «himno "trance"/"house" oscuro» que se encuentra entre los «más fuertes del álbum, ideales para las discotecas». Luego de su publicación, lo describió como uno de sus temas pop «más atrevidos y experimentales» y destacó los ritmos «"dance"-"trance" vanguardistas» y el «gancho intrigante». Por último, en su reseña a «Human Nature», reconoció que había sido «magnífico y brillantemente concebido que voló sobre las cabezas de muchos». Jose F. Promis de Allmusic le dio tres estrellas de cinco y lo nombró uno de sus sencillos «más aventureros y menos comerciales», que se mantuvo fiel a su origen, es decir, «la música "dance" pura y sin adulterar». Peter Galvin de "The Advocate" resaltó el sonido "techno", que recuerda a su «otro himno al éxtasis, "Rescue Me" (1991)». Amaro Vicente escribió que, gracias a su «textura rítmica compleja», se convirtió en una «favorita de las pistas de baile a mediados de la década de 1990». Alejandra Torrales, del sitio mexicano Sopitas, la calificó como «una joya que está colocada casi al final del álbum como si fuera una forma de encontrar la perla, tomarla y dejarte llevar por ella hasta el final». De "Rolling Stone", Barbara O'Dair distinguió el sonido bajo «palpitante» de la canción, que «renuncia al idioma a favor del entumecimiento». En "Enciclopedia Gay" (2012), Ignacio D'Amore y Mariano López la describieron como «intensísima y submarina».


title: Bedtime Story

text: Algunos otros críticos notaron la influencia de la cantante islandesa. Por ejemplo, Charity Marsh y Melissa West, en "Music and Technoculture" (2003), compararon los primeros cuarenta segundos de la canción con «Possibly Maybe», incluida en el disco de Björk "Post" (1995), y observaron que era «evidente que imita [su] técnica vocal, al utilizar un tono íntimo y susurrante». Chris Wade, autor de "The Music of Madonna" (2016), declaró que aunque fue compuesta por la islandesa, Madonna se «adueñó de ella al añadir una extraña somnolencia que la convirtió en una de sus canciones más inusuales, extravagantes y desafiantes». James Servin de la revista "Nylon" la caracterizó como «de ensueño, atmosférica y vibrante», y mencionó que «colocó a Madonna en un contexto "dance" intelectual, el terreno de Björk, al cantar sobre su decisión de no usar más palabras, descartar el lenguaje y ceder por completo a los sentimientos». En la "Encyclopedia Madonnica 20" (2016), Matthew Rettenmund lo catalogó como uno de sus sencillos más inusuales y lo describió como «un viaje hipnótico, casi alucinógeno, a través de un estado mental idealizado». Sin embargo, opinó que el hecho de que fuese publicado después de «Take a Bow» «disminuyó su potencial». Quentin Harrison, de Albumism, la llamó «hipnótica» y elogió a la cantante por saber «mantenerla en línea con el R&B dominante» del álbum. En reseñas menos favorables, Eduardo Viñuela sintió que no terminaba de cuajar y que el resultado no era superior a lo esperado. Aunque elogió la mezcla, afirmó que quizás «se anticipó a su tiempo». Rooksby, que la comparó con el sonido de la banda Everything but the Girl, sostuvo que era una de las «pistas más artificiales» de la artista y que «debió haber sido más larga y psicodélica». En su opinión para "Pitchfork", el músico Owen Pallett la calificó de «inconcebiblemente decepcionante, estéril y estática» y el «primer fracaso realmente vergonzoso de Madonna». La comparó negativamente con «Violently Happy» de Björk y concluyó que el enfoque de esta última hacia una canción de amor, «que funciona tan bien cuando se combina con su propia estética mística islandesa, no funciona con el consumismo entusiasta de Madonna».


title: Bedtime Story

text: En comentarios retrospectivos, Mary von Aue de "Vice", en un artículo por el vigésimo aniversario del álbum, dijo que «Bedtime Story» y «Human Nature» probaron que «era dueña de su sexualidad y que no iba dejar que la eclipsara». Samuel R. Murrian de "Parade" destacó que creaba «una deslumbrante experiencia diferente a cualquier otra cosa en el canon de Madonna» y lo incluyó en la posición 43 de sus 100 mejores sencillos. Bianca Gracie de Idolator, que la calificó como la mejor del disco, resaltó su «atmósfera psicodélica» que «te absorbe con sus patrones de batería vibrantes tomados directamente de la música "trance", lo que crea un ambiente etéreo». Además, observó que fue una de las principales inspiraciones de «Breathe on Me» (2003), de Britney Spears. En el conteo de sus 100 mejores canciones, Louis Virtel de NewNowNext la ubicó en el 49.º puesto y escribió que «Bjork podría haber guardado esta odisea de la inconsciencia para ella misma, pero encontró una sucesora digna en Madonna». El personal de "Rolling Stone" la ubicó en la posición 47 y dijo que era una «exploración de sentimientos atmosféricos tan profundos que trascienden el lenguaje». Jude Rogers de "The Guardian" la ubicó en el lugar 53 y mencionó que si bien era «magníficamente hipnótica», sonaba «demasiado» a Björk. Mayer Nissim del periódico en línea "PinkNews" la eligió como su decimotercera mejor canción y la llamó un «clásico "dance pop ambient" insólito». Para Guillermo Alonso, de la edición española de "Vanity Fair", fue el 40.º tema más sobresaliente de su discografía, y para Matthew Jacobs de "HuffPost" el más «hipnótico» de Madonna. Michael Slezak de "Entertainment Weekly" lo nombró uno de los temas más infravalorados de su carrera. Andrew Unterberger, de "Billboard", consideró la remezcla «Junior's Wet Dream Mix» como el 44.º mejor tema de Madonna: «El pulso central [de la canción] tenía cierto atractivo, y el DJ Junior Vasquez lo sacó con su remezcla "Wet Dream", que encontró el hedonismo implícito en el gancho y determinó que uno no tenía que elegir entre el dormitorio y la pista de baile».


title: Bedtime Story

text: «Bedtime Story» ha sido descrita como la canción que introdujo el uso de la electrónica en trabajos posteriores de Madonna, particularmente en "Ray of Light" (1998). Sobre este último, Amaro Vicente opinó que «le debía su carácter contemplativo y "techno" "rave" electrónico a "Bedtime Story"», y el autor italiano Francesco Falconi la llamó «una joya» que representó «el primer paso hacia el giro electrónico de la artista en 1998», opinión que compartió James Servin de "Nylon". Promis de Allmusic admitió que, en lugar de encajar con el «cálido ambiente "urban"-adulto contemporáneo» de "Bedtime Stories", se asemejaba más al material de "Ray of Light", dado sus «matices electrónicos». Para Lucy O'Brien, autora de "" (2008), la canción «pareció liberar algo» en ella; al respecto, De Vries declaró: «Empezó a querer soltarse de la correa y encontrar otros idiomas para hablar. Fue un momento embrionario que fue mucho más allá en los siguientes álbumes». Sal Cinquemani la consideró «el germen que la inspiraría a conquistar la electrónica y trabajar con figuras como William Orbit y Mirwais Ahmadzaï». En el conteo de sus sesenta mejores sencillos, Chuck Arnold de "Entertainment Weekly" recalcó que fue importante en su catálogo, ya que significó «un punto de partida para la electrónica vanguardista de "Ray of Light"», comentario que Owen Pallett, Quentin Harrison y Richard LeBeau de Medium coincidieron.


title: Bedtime Story

text: En Estados Unidos, «Bedtime Story» debutó el 22 de abril de 1995 en el puesto 74 de la lista "Billboard" Hot 100, y a la semana siguiente alcanzó el número 42. Según Promis de Allmusic, se convirtió en el primer sencillo de Madonna desde su debut «Everybody» (1982) que no logró ingresar a los cuarenta primeros, y puso fin a una serie de 32 sencillos que llegaron a los cuarenta primeros de manera consecutiva desde 1983 con «Holiday». Si hubiera estado entre los cuarenta primeros, habría sido la tercera artista femenina en la «era del "rock"» con la mayor cantidad de éxitos en los cuarenta principales, por detrás de Aretha Franklin con 42 y Connie Francis con 35. El periodista Fred Bronson de "Billboard" explicó que la pérdida de ventas y de "airplay" impidieron que el tema ascendiera de lugares. Permaneció en total siete semanas, y en las listas de ventas físicas y de radios —componentes del Hot 100— alcanzó los puestos 27 y 68, respectivamente. Logró un mejor recibimiento en la categoría "dance", al llegar el tercer puesto en Dance Maxi-Singles Sales y el primero en Dance Club Songs; en este último conteo, fue el tercer sencillo más exitoso de 1995. Por último, ingresó a la posición 38 en Mainstream Top 40 y a la 40 en Rhythmic.


title: Bedtime Story

text: En Canadá, ingresó a las listas oficiales de las revistas "RPM" y "The Record": en la primera, alcanzó el número 42 el 15 de mayo de 1995, mientras que en la segunda logró una recepción más favorable al ocupar la decimoséptima posición. En Australia, estuvo en el quinto puesto tres semanas seguidas, de un total de nueve, y se situó en el número 91 para fin de año. En Nueva Zelanda la recepción fue mucho más baja, ya que logró el lugar 38 y solo estuvo catorce días en general. En Reino Unido, debutó en la cuarta posición en la lista oficial y en la sexta en la de música "dance". También se ubicó en el cuarto lugar en la lista de Escocia, elaborado por la Official Charts Company, y en el de Finlandia, elaborado por la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI), así como en el octavo en "Musica e dischi" de Italia. En el resto de los mercados europeos, alcanzó el puesto 12 en Polonia, 19 en Irlanda, 38 en Bélgica y 46 en Países Bajos. Finalmente, ingresó a la listas de "Music & Media" Eurochart Hot 100 Singles y European Hit Radio Top 40 en las posiciones 16 y 33, respectivamente.


title: Bedtime Story

text: El vídeo musical de «Bedtime Story» se grabó del 5 al 11 de diciembre de 1994 en los estudios Universal, en Universal City (California), bajo la dirección de Mark Romanek —quien ya había trabajado anteriormente con Madonna en «Rain» (1993)— y la producción de Larry Perel para Propaganda Films. Rodado en película de 35 mm, el resto del personal incluyó a Tom Foden en diseño de producción y Harris Savides en cinematografía. Debido a los «elaborados» efectos visuales, tuvo un presupuesto de cinco millones USD, lo que significó el más caro realizado en ese momento; para agosto de 2014, ocupó el cuarto lugar de . La cantante había solicitado anteriormente a Romanek que dirigiera «Bad Girl» (1993), de su álbum "Erotica", aunque finalmente pasaría a manos de David Fincher, por lo que cuando ella y su equipo volvieron a contactarse con él para «Bedtime Story», este supo que había encontrado una manera de demostrar lo que llamó «surrealismo pictórico». Para ello, investigó sobre la vida y obra de varias pintoras surrealistas como Leonora Carrington y Remedios Varo, a quienes se les rinde homenaje. Romanek se puso en contacto con el artista Grant Shaffer para que creara el guion gráfico; este ya había trabajado con Madonna en «Deeper and Deeper» (1992) y «Rain». El 10 de agosto de 1994, semanas antes de que el disco se publicara, se reunió con Romanek en Spot Welders, una compañía de edición ubicada en Venice Beach y, tras escuchar el tema, el director le enseñó unas fotografías de la cantante que se habían tomado para la portada de "Bedtime Stories", pero que luego habían sido descartadas. Estas imágenes, inspiradas en el surrealismo, mostraban a una Madonna «mística» con el cabello blanco y ondulado; Romanek quería que el videoclip capturara este mismo aspecto. En una entrevista con la revista "Aperture" en 1999, Madonna explicó:


title: Bedtime Story

text: Romanek explicaba a Shaffer con detalles cada idea que él y Madonna habían planteado, y luego dibujaba unos veinte guiones gráficos, de un total de 120, y los enviaba al director por fax «a cualquier hora del día y de la noche»; en una entrevista con la revista "Icon", declaró que «[Mark] tenía visiones específicas en su mente, si era la apariencia de Madonna o los detalles del paisaje onírico, y fue muy incesante hasta que lo hicimos exactamente bien». Por su parte, la intérprete, que estuvo involucrada en cada proceso de la producción, llamaba a Shaffer desde Florida y, junto con Romanek, le describían cada aspecto del vídeo, desde el presupuesto hasta el concepto. Casi cien personas trabajaron durante el rodaje, para el cual se crearon sets y accesorios «futurísticos» y «góticos». En el primer día, el 5 de diciembre, Shaffer descubrió que todos los dibujos del guion gráfico estaban pegados en pizarras gigantes junto con el calendario de cada toma escrito debajo de cada uno, y notó que muchas de sus ideas habían evolucionado desde que inició el trabajo en agosto, pero conservaron el concepto central. En la misma entrevista, admitió que «siempre es un viaje para mí observar cómo una idea intangible cobra vida usando guiones gráficos como plataforma. Es como tener un sueño sobre un lugar u objeto en particular y luego verlo materializarse a la realidad».


title: Bedtime Story

text: Para restar menos tiempo y que Madonna pudiese prepararse para la siguiente parte, se utilizó una doble durante las tomas preliminares. Cada escena se filmó dos veces, y la artista cambiaba completamente de estilo: por ejemplo, para una secuencia lucía una peluca victoriana blanca con un vestido largo, y para la siguiente cambiaba por otra peluca lacia y blanca hasta los tobillos y un vestido blanco, o portaba un traje plateado futurista y zapatos de plástico transparentes, al estilo "Logan's Run" (1976), con el cabello más corto peinado hacia atrás. Cabe señalar que a lo largo del rodaje surgieron algunas complicaciones: la producción tuvo que detenerse un par de horas por un breve sismo; debido a que permaneció demasiado tiempo en el agua azul de una piscina, la piel de Madonna quedó teñida de ese color del pecho hacia abajo; otros problemas técnicos llevaron a cancelar la grabación de una toma en la que abre su cavidad torácica y expone sus órganos internos. Por último, una escena donde se acuesta en el regazo de un esqueleto tuvo que posponerse ya que el modelo a escala era demasiado pequeño y debió reconstruirse por completo unas horas antes de que se filmara otra vez. La última escena que se grabó fue una que muestra a la intérprete durmiendo en un laboratorio, ataviada con un vestido «futurista». Debido a la gran cantidad de efectos digitales, la posproducción duró varias semanas.


title: Bedtime Story

text: El 10 de marzo de 1995, el vídeo se estrenó como un cortometraje musical en tres diferentes salas de cine de Odeon Cineplex: en el Broadway Cinema de Santa Mónica (California), en el Chelsea Theater de Manhattan y en el Biograph Theater de Chicago. Según Abbey Konowitch, vocero de Maverick, Madonna decidió aliarse con Odeon Cineplex porque su intención era que el videoclip «trascendiera la pantalla de televisión» y que el público tuviera la oportunidad de verlo de una manera innovadora y «antes que nadie». En una entrevista con "Billboard", agregó: «Cuando gastas el tiempo, la energía creativa y el dinero para reinventar el medio visual y a ti mismo, tienes que buscar diferentes formas de exponer el trabajo y que llegue a las personas de una manera no tradicional». Por su parte, Freeman Fisher, vicepresidente de relaciones de estudio de Odeon, explicó que dicho evento no podría organizarse con cada lanzamiento porque ocasionaría problemas con las inversiones. Además, se limitó a esos cines porque así tendrían la mayor variedad de espectadores y que, por ser temporada baja, el estreno ayudó a que se vendieran más entradas y fuese visto como una «experiencia única». Finalizó: «Durante cuatro minutos, el público ve sorprendentes imágenes cinematográficas en una producción de primera clase, digna de un largometraje». En Nueva York, la estación de radio Z100 promocionó el proyecto teatral en Manhattan al ofrecer a los oyentes pases gratis de películas y copias del CD de "Bedtime Stories", mientras que en Santa Mónica fue tal el número de llamadas recibidas por la gerencia del local que resultó en un «intenso nivel de interés en la promoción». Para el estreno en la televisión, el 18 de marzo el canal MTV y Z100 transmitieron un especial titulado "Madonna's Pajama Party", llevado a cabo en el Webster Hall de Nueva York ante 2000 personas. La cantante arribó con un abrigo con estampado de leopardo y el cabello rizado, para luego revelar un camisón de seda blanco. En el evento se exhibió el videoclip y Junior Vasquez, quien también participó del especial como DJ, dio a conocer sus remezclas "tribal"/"trance" del sencillo. Para el final, ella leyó ante el público el cuento infantil "Miss Spider's Tea Party" (1994) recostada en una enorme cama. Posteriormente, se incluyó en los recopilatorios "" (1999) y "" (2009).


title: Bedtime Story

text: El vídeo representa un viaje onírico e ilustra el lema de la canción, "Let's get unconscious". Inicia con una pantalla azul que muestra el Ojo de Horus y debajo un mensaje dentro de un monitor en el que puede leerse «Welcome – subject: Ciccone, M». Madonna, aparentemente sujeto de un experimento, está postrada en un laboratorio futurista; la luz intensa del lugar brilla a través de su cuerpo pálido, que se desvanece en su entorno. Una sustancia líquida le es inyectado en su brazo, y de esa manera se sumerge en un sueño logrando entrar en su subconsciente. Las imágenes en esta escena han sido comparadas con el hermetismo y la nueva era, en el sentido de que su cuerpo pálido parece casi liviano y ya no está atado a la tierra. El vídeo progresa en una secuencia de sueños en la que aparecen símbolos místicos, surrealistas, futuristas, egipcios, sufíes y de la nueva era, así como representaciones del agua, la luna y varias aves. Se intercalan tomas en las que canta frente a un girasol gigante que ondea sus pétalos a su alrededor y otra donde derviches giradores flotan y bailan en un gran salón. A continuación, se la ve dentro de un pozo con cráneos de seres extraños, mientras que un hombre la observa desde las alturas y habla con un aparato extraño, y posterior a ello otro hombre hace levitar un cubo giratorio donde se ve el rostro de la artista en blanco y negro. Seguidamente, una Madonna embarazada luce un vestido blanco y sus manos acarician su vientre; poco después, levanta los brazos y en ese momento su vestido se abre dejando salir a muchas palomas blancas de su interior. La siguiente toma la muestra durmiendo y acostada en el regazo de un esqueleto que la abraza. De repente, flota por un pasillo con un largo vestido blanco, a la vez que su cabello rubio ondea por la acción del viento. A medida que la música se vuelve más dramática, el sueño se vuelve más intenso: se entremezclan cuadros de calaveras y cicatrices y de la cantante volando por el espacio o con expresión asustada. Hacia el final, su rostro aparece deformado, con los ojos y la boca cambiados de lugar, y al último despierta del sueño y mira hacia la cámara.


title: Bedtime Story

text: En "Madonna's Drowned Worlds" (2004), Santiago Fouz-Hernández señaló que la música y la imagen tienen una función «representativa», con mayor importancia en la imagen visual. En este sentido, notó referencias a las obras de René Magritte y a las pinturas "Mi nacimiento" (1932) de Frida Kahlo —en la escena en la que da a luz a palomas— y "Los amantes" (1963) de Remedios Varo. Además, agregó que las influencias y referencias a las obras de artistas surrealistas y de la nueva era daban a entender el concepto de una «sociedad ideal» y «una llave al mundo de imágenes de Madonna», es decir, un «mundo nuevo» lleno de magia y símbolos «del que [ella] no necesariamente forma parte, pero al que, sin embargo, parece sentirse atraída». En el mismo libro, Corinna Herr opinó que podían encontrarse «tradiciones alquímicas y de hermetismo», en particular los conceptos de androginia y mascarada. Falconi también distinguió un homenaje a Kahlo, específicamente cuando su rostro aparece desfigurado. Amaro Vicente declaró que, al mezclar de manera compleja la realidad y los sueños, la ciencia y la fe, el realismo y lo absurdo, el tacto y la abstracción, el vídeo se establece «como un producto de la posmodernidad y la nueva era». Asimismo, sostuvo que se basa en las creencias y símbolos de varias religiones mundiales; en relación con esto, percibió jeroglíficos antiguos, una representación de la muerte y símbolos Mevleví e hindúes, este último particularmente en la secuencia cuando la artista saca la lengua al tiempo que una luz clara emana de su frente como si fuera un tercer ojo, lo que, según el autor, representa a Kali, diosa de la destrucción. James Steffen, de "The Cinema of Sergei Parajanov" (2013), indicó que la toma en la que un niño lee un libro y hace mover con su mente varios jarrones a lo largo de una gran mesa hasta arrojar uno al suelo, es un homenaje a la cinta "Stalker" (1979) de Andréi Tarkovski. Igualmente, otra secuencia en la que aparece una escritura en árabe tapada por un racimo de uvas y un pie, que luego las aplasta, hace referencia al filme de 1969 "El color de la granada", dirigido por Serguéi Paradzhánov. El autor expresó que estas alusiones reflejaban la atmósfera general de ensueño y mística, y además notó que incorpora otras «exóticas imágenes orientales como los derviches giratorios». Eduardo Viñuela subrayó el carácter onírico y afirmó que es aquí donde ella «realmente despliega toda la artillería de referencias iconográficas». Concluyó que era una obra que se alejaba de las «convenciones del videoclip para aproximarse al videoarte».


title: Bedtime Story

text: El videoclip resultó ser importante dentro de la obra de Madonna y es considerado una de sus producciones más artísticas y experimentales. En reseñas retrospectivas, O'Brien lo llamó uno de los más «experimentales» de la intérprete, así como una «épica Dalí-esca» que le permitió establecerse en el mundo de las bellas artes. Jake Hall de la revista inglesa "Dazed" afirmó que «estableció la base» para el «futurismo» de la segunda mitad de la década de 1990, y concluyó que la cantante evitó lo «obvio» a favor de la imagen generada por computadora. Mary von Aue de "Vice" lo definió como el primer ejemplo de lo que se convertiría en el «largo historial» de la artista en la búsqueda espiritual, y agregó que «no podría haber experimentado mejor el inconsciente colectivo si hubiera sido dirigido por Carl Jung». Sumado a lo anterior, la crítica notó influencias del vídeo en las cintas de Tarsem Singh "The Cell" (2000) y "The Fall" (2006), así como en la portada del disco "Bionic" (2010) de Christina Aguilera y en el videoclip del sencillo «Hold It Against Me» (2011) de Britney Spears. Los autores Ignacio D'Amore y Mariano López comentaron que anticipó las escenas «más voladas» de "The Cell" y también presentó a la Madonna «menos conectada con el "mainstream" en años», al emular el tono «élfico» de Björk, disfrazarse de «moderna» y dedicarse a explorar su inconsciente. Fue exhibido en varias galerías de arte y museos, entre los que destaca la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, y forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de la ciudad por su «su valor artístico y sus inspiraciones surrealistas».


title: Bedtime Story

text: En 2012, "Billboard" pidió a los seguidores de la intérprete que eligieran sus diez vídeos más sobresalientes, y «Bedtime Story» quedó en el quinto lugar. También figuró en la misma posición de la lista elaborada por Samuel R. Murrian de "Parade", quien escribió: «Uno de los factores clave en la inigualable longevidad de Madonna es su voluntad de experimentar, una y otra y otra vez. Este videoclip es un testimonio de eso. Un logro cinematográfico asombroso, es como caminar dentro de una pintura de Salvador Dalí». De modo similar, Louis Virtel de NewNowNext lo clasificó en la octava posición de los 55 más destacados de la cantante, y lo llamó «el "Mulholland Drive" de [su] videografía, un sueño febril viviente y convulsionado». Mike Nied, de Idolator, lo ubicó en la decimotercera posición de los veinticinco mejores de la artista y lo llamó «apropiadamente surrealista y sorprendente». Christopher Rosa de VH1 lo incluyó dentro de los diez vídeos más infravalorados de su carrera, y lo llamó «un sueño psicodélico y, a veces, completamente perturbador».


title: Bedtime Story

text: En febrero de 1995, Madonna interpretó una de las remezclas de Vasquez en la de los premios Brit. Lució un atuendo «sofisticado» que consistió en un vestido blanco confeccionado por Versace y una larga peluca rubia que le llegaba hasta la cintura; esta apariencia era similar a la campaña publicitaria de la casa de modas que estaba promocionando en ese momento. La artista había invitado a Björk a que apareciera con ella en la presentación, pero esta rechazó la propuesta; al respecto, declaró: «Se suponía que iban a darme su número personal y yo iba a llamarla, pero simplemente no me sentí cómoda. Me encantaría conocerla accidentalmente, muy borracha en un bar. Es toda la formalidad la que me confunde». Durante la actuación, una máquina de viento soplaba constantemente el vestido y cabello de la cantante, mientras dos bailarines realizaban varios movimientos detrás de ella. "Marie Claire" ubicó la actuación en la cuarta posición de su lista de los 30 momentos más destacados de la entrega de premios. En su reseña, la revista expresó que era el mejor número de apertura y que «[Madonna] puso todo de su parte, al deleitar al público con un espectáculo de luces y [...] bailarines vestidos de satén». El "Huffington Post" opinó que se trataba de una de sus mejores presentaciones y que marcó el momento en el que la cantante «pasó de "material" a etérea».


title: Bedtime Story

text: En 2004, se utilizó la versión «Orbital Mix» como vídeo interludio para la gira Re-Invention World Tour. La actuación contó con tres trapecistas que realizaban acrobacias en columpios colgados del techo al estilo Cirque du Soleil, mientras las pantallas de fondo intercalaban tomas de Madonna vestida de blanco cantando frente a un espejo y sobre un escáner, y otras de un caballo blanco corriendo por el desierto. Este vídeo se filmó en los Culver City Studios, ubicados en Los Ángeles, bajo la producción de la compañía Veneno, Inc. y la dirección de Dago González, quien ya había trabajado en 2001 en el Drowned World Tour. En una entrevista, comentó que se hizo un trabajo «en equipo» para que tanto la actuación en el escenario como el vídeo crearan una «experiencia congruente» para los espectadores. En este sentido, detalló que durante los ensayos se reunió con la cantante, Jamie King —coreógrafo y director de la gira— y las bailarinas y revisaron cada sección de la canción con la aportación de todos para crear la actuación. Antes de elegir a «Bedtime Story», King y Madonna consideraron otras pistas e incluso en un primer momento no estuvo en los planes crear un vídeo interludio. González había escuchado previamente la remezcla, y a partir de allí armó varios conceptos y primeras ideas que analizó y discutió con la artista. El objetivo principal era que ella tuviera contacto visual con el público, aunque en realidad no estuviera en el escenario. Para ello, quería que todo se viera «de blanco», tanto su vestuario —confeccionado por la diseñadora Arianne Phillips— como el fondo, dado que dicho color representa la divinidad en la Cábala, disciplina que había empezado a practicar anteriormente. El vídeo guarda similitudes con el original de Romanek, cuando canta sobre el escáner, o también cuando baila dentro de una caja, que es una referencia al de «Human Nature», dirigido por Jean-Baptiste Mondino.


title: Bedtime Story

text: Madonna grabó sus tomas un domingo, dado que era su único día libre en medio de los ensayos y preparativos, por lo que el día anterior al rodaje se grabaron otras escenas sin su presencia, al tiempo que se trabajaban en los vídeos para los otros números de la gira. González admitió que fue un trabajo «increíblemente ambicioso y muy preciso», ya que todo había sido ensayado previamente y se aseguró de que el equipo supiera la función que debía cumplir, para que así el rodaje pudiera «fluir con precisión militar». Originalmente iba a incluirse un pájaro en el vídeo, pero habría sido dificultoso al no verse muy cinematográfico, por lo que en su lugar se decidió añadir el caballo blanco, que según el director representaba el «espíritu animal» y el «espejo» de Madonna, un ser «hermoso, fuerte, indomable y elegante». Por momentos la cantante y el animal aparentan estar «estrechamente vinculados» cuando sus ojos se muestran en un primer plano. El director señaló que «los ojos fijos al final se vinculan con el concepto de que todos somos parte de la misma unidad, de la misma energía. Y encontrar el camino de regreso a los orígenes es el objetivo final». Como reseñas a la actuación, Glenn Gamboa del "Newsday" comentó que la «danza atlética» de las trapecistas durante el interludio «dio a la canción una gracia que nunca se hubiera visto en una actuación directa». Anthony J. Sanfilippo del "Delaware County Daily Times" afirmó que «las tres trapecistas ondularon en perfecta sincronía mientras volaban peligrosamente sobre los espectadores». Por su parte, Mick Lynch del sitio Cluas.com, en su crítica al concierto de Irlanda, señaló que temas como «Lament» —de la banda sonora "Evita" (1996)— y «Bedtime Story» resultaron «desconocidos» para el público.


title: Bedtime Story

text: Créditos adaptados de Tidal y de las notas del álbum "Bedtime Stories" y del maxi sencillo en CD de «Bedtime Story».


title: Aikatsu!

text: , abreviatura de Aidoru Katsudō!" (アイドルカツドウ) lit. "Actividades idol", es un juego de cartas coleccionables de Bandai. El juego gira en torno al uso de cartas coleccionables que ofrecen varias prendas de ropas para ayudar a las idols aspirantes a pasar las audiciones. Una adaptación al anime, realizada por Sunrise, comenzó a emitirse el 8 de octubre de 2012. Además se han desarrollado videojuegos para Nintendo 3DS, mangas y novelas ligeras basadas en este juego."


title: Aikatsu!

text: La serie tiene lugar en la , una prestigiosa escuela femenina donde se imparte tanto educación secundaría como bachillerato/preparatoria, donde las chicas se entrenan para convertirse en idols y participar en diversas actuaciones. Para participar en estas actuaciones, las chicas usan tarjetas Aikatsu, tarjetas especiales que contienen vestidos y accesorios digitalizados de varias marcas que son utilizados para vestirse en sus actuaciones. Qué lo hagan bien depende, a menudo, de la combinación adecuada de estas cartas. En los videojuegos, el jugador toma el papel de una nueva estudiante, que debe entrenar para convertirse en una idol y llegar a la cima.


title: Aikatsu!

text: La serie de anime sigue a una chica llamada Ichigo Hoshimiya, quien gracias a la actuación de la famosa y exitosa idol Mizuki Kanzaki, decide matricularse en la Academia Starlight junto a su mejor amiga, Aoi Kiriya. Junto con su compañera de clase, Ran Shibuki, Ichigo y Aoi pasan cada día entrenando para las actuaciones, con el objetivo de convertirse en las mejores idols. La historia sigue con la segunda temporada donde aparece una academia nueva para idols llamada Academia Dream donde estudian nuevas idols como Seira Otoshiro, Ki Saegusa, Sora Kazesawa y Maria Himesato. La tercera temporada sigue a Akari Ozora como nueva protagonista y a las nuevas idols de Escuela Starlight, Sumire Hikami y Hinaki Shinjo. La cuarta temporada se centra en que Luminas (Akari Ōzora, Sumire Hikami y Hinaki Shinjō) hacen un tour recorriendo todo Japón, durante esta nueva aventura conocerán a nuevas idols.


title: Aikatsu!

text: Un anime de televisión producido por Sunrise comenzó a emitirse en TV Tokyo el 8 de octubre de 2012, reemplazando a Yu-Gi-Oh! Zexal en su horario inicial.


title: Aikatsu!

text: El juego de arcade "Aikatsu!" de Bandai comenzó a aparecer en las máquinas recreativas japonesas en octubre de 2012. El juego gira en torno al uso de cartas coleccionables para ayudar a las idols a pasar sus actuaciones. El videojuego, , fue lanzado para la Nintendo 3DS el 15 de noviembre de 2012 en Japón. Un segundo videojuego para Nintendo 3DS, llamado salió a la venta el 21 de noviembre de 2013. Un tercer videojuego para Nintendo 3DS, llamado "Aikatsu! 365 Idol Days"' salió a la venta el 4 de diciembre de 2014.


title: Aikatsu!

text: La música principal y la mayoría de las canciones están compuestas y arregladas por Monaca. Algunas de las canciones también han sido escritas por Saori Codama y uRy. Se han puesto a la venta varios discos con las canciones del anime.


title: Confederación Europea de Voleibol

text: La Confederación Europea de Voleibol (siglas: CEV) es la organización que se dedica a regular las normas del voleibol en Europa, así como de celebrar periódicamente competiciones y eventos. Es una de las seis organizaciones continentales que conforman la Federación Internacional de Voleibol.


title: Confederación Europea de Voleibol

text: La CEV fue fundada el 21 de octubre de 1963 y tiene su sede actual en la Ciudad de Luxemburgo. Cuenta, en 2021, con la afiliación de 56 federaciones nacionales. El presidente en funciones, desde el año 2015, es el serbio Aleksandar Boricic.


title: Confederación Europea de Voleibol

text: El primer organismo internacional del gobierno del voleibol fue la Federación Internacional de Voleibol (FIVB), fundada en 1947; 10 de los 14 miembros fundadores eran países europeos (Bélgica, Checoslovaquia, Francia, Italia, Países Bajos, Polonia, Portugal, Rumania, Yugoslavia y Hungría).


title: Confederación Europea de Voleibol

text: Entre 1948 y 1949 se disputaron los primeros Campeonatos Europeos de la historia: el torneo masculino fue organizado en Roma en 1948 y fue ganado por , el torneo femenino en Praga y coronó campeona la selección de la Unión Soviética.


title: Confederación Europea de Voleibol

text: En el año 1960, se disputó la primera edición de la Copa de Campeones entre equipos masculinas y el año siguiente el torneo femenino, ganados respectivamente por el CSKA Moscú y el Dinamo Moscú.


title: Confederación Europea de Voleibol

text: El 21 de octubre de 1963 se formó en Bucuresti la Comisión Europea de los Deportes ("European Sports Commision"), precursora de la CEV, guiada por el belga Max Wasterline hasta el 1969 cuando fue elegido presidente el ruso Vladimir Savvin. En 1970 fue introducida la fórmula de la "final four" para determinar el campeón de las copas europeas y en la temporada 1972/1973 fue instituida la Recopa de Europa (actual Copa CEV), tanto el torneo masculino como el femenino.


title: Confederación Europea de Voleibol

text: Después de haber introducido el voleibol en los por primera vez (torneo ganado por la Unión Soviética), en 1972 el congreso de la FIVB decidió que las comisiones deportivas continentales debían ser transformadas en confederaciones continentales.


title: Confederación Europea de Voleibol

text: El 9 de septiembre de 1973 en La Haya fue oficialmente instituida la Confederación Europea de Voleibol ("Confédération Européenne de Volleyball") y el italiano Giancarlo Giannozzi fue elegido primer presidente.


title: Confederación Europea de Voleibol

text: En la temporada 1980/1981 fue organizada la primera edición de la actual Challenge Cup, la tercera competición europea entre clubes por importancia y fue nombrada Copa CEV.


title: Confederación Europea de Voleibol

text: Entre 1987 y 2000 se disputó también la Supercopa de Europa de voleibol masculino mientras que el torneo femenino solo fue organizado en 1993 y 1997; debido a la programación internacionales y a los torneos entre selecciones la Supercopa de Europa fue cancelada definitivamente en 2001.


title: Confederación Europea de Voleibol

text: A partir de la temporada 2000-2001, la Copa de Campeones fue renombrada Liga de Campeones, la Recopa de Europa se convirtió en la Top Teams Cup y la Copa CEV en Challenge Cup; por fin en la temporada 2006/2007 la Top Teams Cup fue nombrada Copa CEV.


title: Metroid II: Return of Samus

text: Metroid II: Return of Samus es el segundo videojuego de la saga "Metroid" desarrollado y publicado por Nintendo para Game Boy y posteriormente para Nintendo 3DS. Fue lanzado en 1991 en América y al año siguiente en Japón y Europa. Es además, el primer juego de la serie en salir en una consola portátil. El juego trata de la cazarrecompensas Samus Aran en su misión de exterminar a la especie extraterrestre Metroid de su planeta de origen antes de que los Piratas Espaciales puedan obtenerlos y usarlos como armamento biológico.


title: Metroid II: Return of Samus

text: El desarrollador original de videojuego "Metroid", Nintendo R&D1/Intelligent Systems y el productor Gunpei Yokoi regresaron para desarrollar "Metroid II", aunque no se encontraba Yoshio Sakamoto en el equipo creador.


title: Metroid II: Return of Samus

text: El juego recibió principalmente valoraciones positivas y fue remasterizado en 2016 por fanes de la serie bajo el nombre "AM2R" ("Another Metroid 2 Remake"). En 2011, el juego fue relanzado para la consola portátil Nintendo 3DS en formato digital a través del servicio de Consola Virtual presente en dicha plataforma y después, en 2017, Nintendo lanzó el "remake" oficial para la misma consola bajo el nombre "".