title: Eddie Edwards

text: En "Fear" el 10 de diciembre, Edwards y Richards se reunieron para derrotar al Super Smash Brothers (Player Uno y Stupefied). Edwards recibió su primera oportunidad por el Campeonato Mundial de la PWG el 17 de marzo de 2012, en "World's Finest". Tenía programado luchar contra el campeón El Generico en una revancha de su encuentro en "All Star Weekend 8"; la lucha se convirtió en un three-way que incluyó a Kevin Steen, quien posteriormente cubrió a Edwards y recuperó el campeonato. Edwards hizo su regreso a "Battle of Los Angeles" el 1 y 2 de septiembre. Derrotó a Kyle O'Reilly en la primera ronda, antes de ser eliminado en los cuartos de final por Adam Cole, quien finalmente ganó el torneo. En "Mystery Vortex", que tuvo lugar el 1 de diciembre, Edwards hizo equipo con Roderick Strong bajo el nombre de "Dojo Bros" y ganaron consecutivamente dos luchas en parejas; primero derrotando a The Young Bucks en el combate inaugural y luego a los Campeones Mundiales en Parejas de la PWG Super Smash Brothers en un combate no titular. El 23 de marzo de 2013, los Dojo Bros recibieron una oportunidad por el Campeonato Mundial en Parejas de la PWG, poseído ahora por The Young Bucks, pero fueron derrotados por los campeones defensores. El 21 de diciembre, los Dojo Bros derrotaron a Fox AR y Rich Swann en la lucha de despedida de Edwards de la PWG.


title: Eddie Edwards

text: El 16 de enero de 2014, Edwards y Richards aparecieron en la primera semana de especial "Genesis" de "Impact Wrestling" como The Wolves. Como parte de la trama de su debut, revelaron que habían firmado contratos con un nuevo inversor en TNA en un segmento tras bastidores con Dixie Carter; el inversor más tarde fue revelado en ser MVP. The Wolves hicieron su debut en el ring en un six-man Tag Team Match, haciendo equipo con Samoa Joe para derrotar a The BroMans (Robbie E, Jessie Godderz y Zema Ion). El 23 de febrero, The Wolves ganaron el Campeonato Mundial en Parejas de la TNA por primera vez al derrotar a The BroMans. Después de un reinado de una semana, The Wolves perdieron el campeonato ante The BroMans en el evento de WRESTLE-1 "Kaisen: Outbreak" en Tokio, Japón en un Three-Way Match, que también incluyó a Team 246 (Kaz Hayashi y Shūji Kondō). El 27 de abril en "Sacrifice", The Wolves recuperaron el campeonato al derrotar a Robbie E, Godderz y DJ Z en un . El 15 de junio de 2014 en "Slammiversary XII" Edwards compitió en un Six-Way Ladder Match por el Campeonato de la División X de la TNA, que fue ganado por Sanada. The Wolves volvieron a WRESTLE-1 el 6 de julio, defendiendo con éxito el Campeonato Mundial en Parejas de la TNA contra Junior Stars (Kōji Kanemoto & Minoru Tanaka). También retuvieron el campeonato en luchas contra Bram y Magnus y The Hardys (Matt & Jeff Hardy). En las grabaciones del 19 de septiembre de "Impact Wrestling", Edwards y Richards perdieron el campeonato ante The Revolution (James Storm y Abyss). pero recuperaron los títulos de ellos el 30 de enero de 2015.


title: Eddie Edwards

text: El 15 de febrero, Edwards sufrió un talón roto durante un partido especial contra su compañero Davey Richards en las grabaciones de "One Night Only X-Travaganza", y requirió cirugía. Como consecuencia de la lesión, The Wolves dejaron vacante el Campeonato Mundial en Parejas de la TNA en las grabaciones del 13 de marzo. En el episodio en vivo del 8 de mayo de 2015 de "Impact Wrestling", regresó, y él y Davey Richards lanzaron un reto a Bobby Roode y Austin Aries a una serie del mejor de 5 series por Campeonato Mundial en Parejas de la TNA. The Wolves ganaron las 2 primeras luchas y Dirty Heels ganaron las dos siguientes. En "Slammiversary", Aries derrotó a Richards, por lo que eligió la estipulación para la última lucha de la serie, un "Iron Man match" de 30 minutos. El 25 de junio de 2015 (emitido el 1 de julio de 2015), The Wolves derrotaron a Dirty Heels para ganar los campeonatos en parejas. Con esta victoria, The Wolves compartieron con Beer Money, Inc. el récord por la mayor cantidad de reinados, con cuatro. El 28 de julio (emitido el 2 de septiembre), perdieron los títulos ante Brian Myers y Trevor Lee. The Wolves recuperaron los títulos a la semana siguiente en una revancha. Después de un breve feudo con Decay (Abyss & Crazzy Steve), The Wolves perdieron los títulos ante Beer Money, Inc. en Londres. Richards se lesionó en la lucha, y Edwards se embarcaría en una carrera individual. Empezó un feudo con Trevor Lee y Gregory Helms, desafiando a Lee a una lucha por el Campeonato de la División X de TNA, en una lucha en la que también participó DJ Z. El 12 de junio en "Slammiversary", Edwards derrotó a Lee, DJ Z y Andrew Everett para ganar el Campeonato de la División X de TNA, marcando su primer título individual en TNA.


title: Joe Ball

text: Joseph Douglas (Joe) Ball (7 de enero de 1896 - 23 de septiembre de 1938) fue un asesino en serie norteamericano, conocido con el sobrenombre de El carnicero de Elmendorf. Confesó haber matado al menos 20 mujeres en la década de los 30. Su existencia siempre se ha considerado una simple leyenda, aunque es una figura habitual en el folclore de Texas.


title: Joe Ball

text: Después de servir en Europa durante la Primera Guerra Mundial, Ball empezó su carrera como licorero en plena Ley Seca. Después del fin de la prohibición, abrió un salón llamado "Sociable Inn" en Elmendorf (Texas). Construyó un lago donde contenían cinco aligatores e invitaba a la gente a verlos en el momento de la comida, un manjar que constaba sobre todo de perros y gatos vivos.


title: Joe Ball

text: Poco después, se informó de la desaparición de una joven de la zona. Posteriormente llegaron empleadas del bar y dos de sus esposas. En septiembre de 1937, los parientes de Minnie Gotthardt advirtieron a las autoridades policiales de Elmendorf. La chica desaparecida de 22 años había trabajado para Ball, pero el asesino declaró que la chica se había ido para trabajar en otro sitio.


title: Joe Ball

text: Una explicación dejó satisfechos a las autoridades aunque la desaparición de otra camarera (Julia Turner) volvió a poner en alerta a los sheriffs del condado. La respuesta de Ball fue la misma, aunque esta vez no contaba que los policías encontraran las ropas de la desparecida. Aun así, Joe aún salió airoso al argumentar que la salida de Julia fue tan precipitada que ni tan solo pudo recoger su equipaje.


title: Joe Ball

text: Los crímenes se fueron sucediendo y, dos meses después, dos nuevas chicas desaparecieron. Una de ellas, Hazel Brown, había abierto una cuenta antes de desaparecer. Fue el momento en el que los Rangers de Texas entraron en caso, registrando las empleadas "desaparecidas" de Ball. Algunas se encontraron sanas y salvas, pero una docena de ellas continuaban desaparecidas, incluyendo la segunda y la tercera esposa del propietario del bar. A ello, se le unió la declaración del vecino de Ball que declaró que había visto a Ball descuartizar el cuerpo de una mujer, lanzando fragmentos a sus hambrientas mascotas.


title: Joe Ball

text: Esto fue suficiente para encausar a Ball. En 24 de septiembre de 1938, los Rangers entraron en el "Sociable Inn" para examinar el lago de Joe. Mientras realizaban el registro, Ball cogió una pistola y se pegó un tiro en la cabeza. Los caimanes fueron donados al Zoo de San Antonio.


title: Joe Ball

text: Hay multitud de escritos al respecto de los crímenes de Ball. Así, sería el periodista Michael Hall el que investigaría a fondo la historia en 2002, y escribió los sucesos en el diario "Texas Monthly".


title: Sweet Victory

text: «Sweet Victory» es una canción interpretada, producida y compuesta por David Eisley y Bob Kulick. La compañía discográfica APM Music la publicó en 1997 en el álbum "Bruton Music Library American Games". La canción se usó en el episodio de la serie animada Bob Esponja «Band Geeks», la cual aumento su popularidad enormemente. Fue lanzada más tarde en el álbum de la banda sonora de la serie "SpongeBob SquarePants: The Yellow Album" el 15 de noviembre de 2005. «Sweet Victory» pasó de ser una pista musical de producción, en gran parte desconocida, a vender trescientas mil descargas de iTunes en un año después de su exposición en el programa.


title: Sweet Victory

text: Después de la muerte del creador de la serie de Bob Esponja, Stephen Hillenburg el 26 de noviembre de 2018, se creó una petición de Change.org que solicitaba que la NFL le rindiera homenaje poniendo «Sweet Victory» durante el espectáculo de medio tiempo para el Super Bowl LIII. Este disparo nuevamente su popularidad brevemente durante el 2019 e hizo que apareciera en las listas "Hot Rock Songs" de Billboard en los Estados Unidos.


title: Sweet Victory

text: Cuando el artista de storyboard Greenblatt, con los escritores, estaba haciendo storyboard «Band Geeks», pensaron en «un gran número» al final, donde todos se reunirían para Calamardo. Greenblatt dijo: «El esquema de la historia requería convertirlo en una secuencia de banda de marcha realmente genial, y generalmente ayuda tener la música antes de tiempo para abordar, así que comenzamos a buscar». Los escritores pudieron encontrar música, ya que Nickelodeon tiene una biblioteca de música libre de regalías. Los escritores escucharon varias melodías de la banda de música. Sin embargo, Greenblatt dijo: «Cuanto más escuchábamos, no parecía terriblemente gracioso que el final fuera solo ellos tocando bien la música de la banda de marcha».


title: Sweet Victory

text: Sin embargo, la canción de David Glen Eisley «Sweet Victory» se destacó de las otras pistas de la biblioteca. Greenblatt dijo: «Era diferente de lo que estábamos buscando, pero fue tan increíble que sabíamos que teníamos que usarlo. Así que abordamos la secuencia con la música, y se sintió como un final mejor que cualquier canción que pudiéramos haber escrito por nuestra cuenta». Los escritores le dieron una toma de fotograma congelado para el final. La parte favorita de Greenblatt fueron los dibujos del director Springer de Patricio en la batería eléctrica y Bob Esponja diciendo: «Es la emoción de una muerte más» (un extracto de «Sweet Victory»).


title: Sweet Victory

text: Después de la muerte del creador de la serie Stephen Hillenburg el 26 de noviembre de 2018, se creó una petición de Change.org que solicitaba que la NFL le rindiera homenaje jugando «Sweet Victory» durante el espectáculo de medio tiempo para el Super Bowl LIII. Para el 11 de enero de 2019, la petición recibió más de 1.1 millones de firmas. El 12 de diciembre de 2018, el Mercedes-Benz Stadium, el estadio anfitrión del Super Bowl LIII, publicó una escena del episodio en su cuenta oficial de Twitter, insinuando un posible éxito de los esfuerzos de la petición. El 13 de enero, el acto principal, Maroon 5 también lanzó un video con un segundo de Bob Esponja, lo que fomentó la especulación.


title: Sweet Victory

text: Durante el espectáculo de medio tiempo el 3 de febrero, un breve clip de Calamardo y un fragmento de la escena de actuación del estadio de burbujas del episodio de «Band Geeks» se utilizaron para anunciar al cantante invitado Travis Scott, a quien Calamardo describió como «un verdadero genio musical que no necesita presentación». Muchos usuarios de las redes sociales criticaron el hecho de no incluir la canción «Sweet Victory» y encontraron que el breve segmento animado era un tributo inadecuado a Hillenburg. CBS News informó que la respuesta de los fanáticos de Bob Esponja fue mixta y señaló la respuesta positiva de la cuenta oficial de Twitter del programa animado. A pesar de la recepción mixta del programa, las transmisiones bajo demanda de «Sweet Victory» aumentaron un 566% después del Super Bowl, pasando de 46,000 transmisiones el 1 y 2 de febrero a 310,000 el 3 y 4 de febrero. Esto llevó a la canción a entrar en la lista Hot Rock Songs de los Estados Unidos de "Billboard" en el número veintitrés.


title: Sweet Victory

text: El día después del partido, la página de Twitter de los Dallas Stars subió una versión modificada de la secuencia completa de «Sweet Victory», en la que los uniformes de la banda fueron alterados de rojo a verde para que coincidieran con los colores de las Estrellas, con el título «El show de medio tiempo del #SuperBowl que los fans esperaban». El video de Dallas Stars había sido mostrado previamente durante su juego del 1 de febrero contra los Minnesota Wild.


title: Sweet Victory

text: En febrero de 2021, el clip de Bob Esponja interpretando la canción del episodio apareció en el comercial del Super Bowl LV para promover el lanzamiento de ViacomCBS del servicio de transmisión Paramount+. El comercial y su uso de la canción recibieron una recepción positiva, y muchos creyeron que la inclusión de la canción se hizo para compensar el hecho de no incluirla en el espectáculo de medio tiempo dos años antes.


title: Brusque (Brasil)

text: La ciudad originalmente se llamaba Colônia Itajahy, pero el 17 de enero de 1890 fue renombrada a Brusque por el expresidente de la provincia de Santa Catarina, Francisco Carlos de Araújo Brusque.


title: Wipeout (serie)

text: Wipeout (comúnmente estilizado como wipEout o WipEout) es una serie de videojuegos de carreras antigravitacionales futuristas desarrollados por Sony Studio Liverpool (anteriormente conocido como Psygnosis).


title: Wipeout (serie)

text: La serie es conocida por su juego de ritmo rápido, diseño visual en 3D que se ejecuta en la resolución completa de la consola del juego y su asociación con electronic dance music (principalmente techno y trance), así como su colaboración continua con artistas electrónicos (The Chemical Brothers , Leftfield, CoLD SToRAGE, Kraftwerk, Orbital, DJ Fresh, Noisia y otros). La serie es notable por su identidad distintiva de diseño gráfico, proporcionada por The Designers Republic para los primeros tres juegos.


title: Wipeout (serie)

text: El concepto de "Wipeout" se discutió por primera vez durante una conversación en un pub, cuando un miembro del personal de Psygnosis, Jim Bowers, imaginó la idea de crear un juego de carreras futurista que presentara naves antigravedad. Algunos elementos del juego se inspiraron en "Matrix Marauders", un juego de Amiga lanzado por el estudio Liverpudlian en 1990. Apareció una versión beta de Wipeout en la película de culto "Hackers", en la que los protagonistas jugaban el juego en un club nocturno. La aparición del juego en la película llevó a Sony a comprar el estudio en los siguientes meses después de su lanzamiento.


title: Wipeout (serie)

text: La franquicia de Wipeout ha sido bien recibida por los críticos, con "Wipeout 2097", en particular, como uno de los mejores juegos de PlayStation. "Wipeout 2048" fue el último juego desarrollado por Studio Liverpool antes de su cierre en agosto de 2012. La serie fue revivida posteriormente, con "Wipeout Omega Collection" lanzada en 2017.


title: Wipeout (serie)

text: Los juegos "Wipeout" son una serie de carreras futuristas que involucran a jugadores que pilotan naves antigravitacionales a través de varias formas de carreras. La serie es conocida por su velocidad extrema, variedad de bandas sonoras de electronic dance music y dificultad consiguiente.


title: Wipeout (serie)

text: Los potenciadores vienen en forma de armamento ofensivo o defensivo, desde ametralladoras, misiles, minas y cohetes hasta escudos de energía, pilotos automáticos y turbo. Estos potenciadores generalmente se recolectan volando sobre plataformas de colores en forma de X en pistas de carreras. Las almohadillas de velocidad con forma de Chevron también se destacan en las pistas de carreras: una vez sobrevoladas, la nave del jugador recibe un impulso momentáneo.


title: Wipeout (serie)

text: Cada nave que aparece en un juego es propiedad de un equipo de carreras diferente, aunque el número de equipos y naves variará a lo largo de los juegos. Cada nave tiene diferentes características: por ejemplo, los barcos variarán en manejo, empuje, velocidad máxima, fuerza de escudo y ocasionalmente potencia de fuego. Cada nave está equipada con un escudo obligatorio que absorbe el daño sufrido durante una carrera; la energía se pierde cuando la nave del jugador choca o es golpeado por armas de fuego. Si el daño es sostenido después del agotamiento del escudo, la nave en cuestión explotará y el piloto se eliminará de la carrera.


title: Wipeout (serie)

text: Los modos de campaña de los juegos suelen consistir en carreras individuales, contrarreloj y torneos.


title: Wipeout (serie)

text: "Wipeout" (estilizado como "wipEout" ") es un videojuego de carreras futurista desarrollado y publicado por Psygnosis. Es el primer juego de la serie y se lanzó originalmente para PlayStation y PC con MS-DOS en 1995 y para Sega Saturn. el año siguiente. También fue un título de lanzamiento para la PlayStation en Europa y América del Norte. En el año 2052, los jugadores compiten en la liga de carreras antigravitacionales F3600, pilotando una de las selecciones de embarcaciones en carreras en varias pistas diferentes en el mundo.


title: Wipeout (serie)

text: Único en su momento por su ambiente futurista, Wipeout contó con la música de reconocidos artistas tecno como CoLD SToRAGE, Leftfield, The Chemical Brothers y Orbital. Una versión prototipo del juego apareció en la película de culto adolescente "Hackers" (1995), en la que ambos protagonistas jugaban el juego en un club nocturno. Una campaña de marketing creada y lanzada por Keith Hopwood y el estudio de diseño gráfico The Designers Republic incluyó un afamado póster promocional en el que aparece una DJ de Radio 1, Sara Cox, que fue especulada por algunos representantes de una sobredosis de drogas.


title: Wipeout (serie)

text: "Wipeout 2097" (estilizado "wipE'out"2097"; lanzado como "Wipeout XL" en América del Norte) es el segundo juego de la franquicia y es una secuela directa del juego original. Se lanzó por primera vez en todo el mundo en 1996 para la PlayStation y para la Sega Saturn en el año siguiente. Ambientado en el año 2097, el juego gira en torno a jugadores que compiten en la liga de carreras antigravitacionales F5000. El juego se dio a conocer al público en forma de una demostración pre-alfa en la Electronic Entertainment Expo en mayo de 1996. La música se grabó principalmente en el equipo de música interno de Psygnosis, CoLD SToRAGE, para versiones lanzadas fuera de PlayStation.


title: Wipeout (serie)

text: "Wipeout 64" es la tercera entrega de la serie y es el único título de "Wipeout" que no se lanzará en una consola de Sony. Fue lanzado exclusivamente para la Nintendo 64 en noviembre de 1998 para América del Norte, y más tarde en 1999 para Europa. El juego se desarrolla un año después de los eventos de Wipeout 2097 y comparte la misma liga de carreras antigravedad.


title: Wipeout (serie)

text: "Wipeout 64" reutiliza la mayoría de las pistas de carreras que aparecen en los juegos anteriores, aunque con diseños duplicados y diferentes ubicaciones.


title: Wipeout (serie)

text: Wipeout 3 (estilizado como wip3out en Europa y Japón) es el cuarto título de la franquicia y se lanzó por primera vez en septiembre de 1999 para la PlayStation, donde los jugadores compiten en la liga F7200. Una edición mejorada titulada Wipeout 3 Special Edition se lanzó exclusivamente en Europa el 14 de julio de 2000; presentando cambios menores en el juego, como la física de diferentes embarcaciones, la carga automática de partidas guardadas y las correcciones de errores de inteligencia artificial. Al igual que con los dos primeros juegos, Psygnosis una vez más contrató a The Designers Republic para ayudar en el desarrollo. La compañía con sede en Sheffield, conocida por sus portadas de álbumes de techno underground, proporcionó "golosinas visuales" a los gráficos de Wipeout 3, diseñando los íconos, carteles y combinaciones de colores del juego.


title: Wipeout (serie)

text: El juego también contó con música de Propellerheads, y con The Chemical Brothers y Orbital, que regresaron del primer Wipeout. Psygnosis seleccionó a DJ Sasha para servir como el director musical del juego.


title: Wipeout (serie)

text: "Wipeout Fusion" (estilizada como "wipEout fusion") es la quinta entrega de la serie y se lanzó por primera vez en PlayStation 2 en 2002. El juego fue el primero en ser desarrollado por el recientemente renombrado Sony Studio Liverpool. Se establece en el año 2160 y gira en torno a jugadores que compiten en la corrupta liga de carreras anti-gravedad F9000. Después del éxito de los juegos anteriores, el equipo de desarrollo quiso apuntar a Wipeout Fusion a una "multitud más vieja y sabia", destacándola de la serie "F-Zero", con la que algunos críticos la habían comparado a menudo.


title: Wipeout (serie)

text: "Wipeout Pure" (estilizado como "wipE'out pure") es el sexto juego de la serie y se lanzó simultáneamente con el lanzamiento de la PlayStation Portable en 2005. El juego tiene lugar en el año 2197, exactamente 100 años después de "Wipeout 2097", y se centra en Jugadores que compiten en la liga de carreras antigravitacionales FX300.


title: Wipeout (serie)

text: El desarrollo del juego comenzó en agosto de 2003 y duró hasta principios de 2005. A lo largo de la producción, el estudio Liverpudlian creó nuevas interfaces de usuario y otros algoritmos que ayudaron a acelerar el proceso de desarrollo a tiempo para el lanzamiento de la PlayStation Portable. El juego fue notable por mostrar las capacidades gráficas de la PlayStation Portable, y marcó la primera vez que un juego "Wipeout" presentó contenido descargable, un aspecto que tenía el potencial de atraer más ingresos para Studio Liverpool.


title: Wipeout (serie)

text: "Wipeout Pulse" (estilizado como "wipEout pulse") es la séptima entrega y se lanzó por primera vez para PlayStation Portable en 2007. Un puerto para PlayStation 2 se lanzó exclusivamente en Europa en junio de 2009, con gráficos mejorados y todo el contenido descargable del juego. El juego se lleva a cabo un año después de los eventos de "Wipeout Pure" y los jugadores compiten en la liga de carreras antigravedad FX400. El desarrollo del juego se centró en centrarse en los comentarios dejados por los fanáticos en el juego anterior, con muchos fanáticos quejándose de la dificultad de "Wipeout Pure", lo que llevó a Studio Liverpool a mejorar aspectos en los que pensaron que habían fallado. El juego cuenta con dieciséis canciones con licencia de artistas de techno, incluyendo Kraftwerk, DJ Fresh y Skream.


title: Wipeout (serie)

text: Wipeout HD (estilizado como WipEout HD) es el octavo título de la franquicia y el primero que se lanzó en PlayStation Network en todo el mundo en 2008, aunque una versión comercial se lanzó más tarde en exclusiva en Europa el próximo año. Un importante paquete de expansión titulado "Wipeout HD Fury" fue lanzado en todo el mundo a través de PlayStation Network en julio de 2009. Esta vez, los jugadores compiten en la liga de carreras antigravitacionales FX350, establecida un año antes de la liga FX400, con un puñado de pistas de carreras de "Wipeout Pure" y "Wipeout Pulse" (aunque todo el contenido se ha actualizado para mostrar imágenes de 1080p en 60 cuadros por segundo).


title: Wipeout (serie)

text: Según el director del juego, el equipo tomó la decisión de lanzar el juego como un título exclusivo de PlayStation Store antes del desarrollo para enfatizar que el contenido descargable no tenía que centrarse en "juegos pequeños".<ref name="Tech Interview: WipEout HD/Fury"></ref> "Fury", el paquete de expansión de "Wipeout HD", recibió controversia sobre su publicidad en el juego, con muchos jugadores quejándose de los tiempos de carga extendidos, así como la consternación sobre la adición retroactiva de publicidad en un juego que ya había sido pagado. Los anuncios se eliminaron poco después de que los jugadores presentaran varias quejas. El juego también fue elegido como una oferta gratuita de PlayStation Store como parte del programa "Welcome Back" de Sony debido a la interrupción de la PlayStation Network en 2011.


title: Wipeout (serie)

text: "Wipeout 2048" es el noveno de la serie y el último que desarrolló Studio Liverpool antes de su cierre en el agosto de 2012. El juego fue lanzado como un título de lanzamiento para PlayStation Vita a principios de 2012 y se centra en jugadores que compiten en Campeonatos de carreras antigravedad. Se establece en el año 2048 y actúa como una precuela del primer juego de "Wipeout". "Wipeout 2048" se desarrolló junto con la consola PlayStation Vita y actuó como un "banco de pruebas" para el dispositivo. Cuando el personal del estudio Liverpudlian recibió kits de desarrollo para lo que luego se denominó un "portátil de última generación", se creó un grupo dentro del equipo para intercambiar ideas. Entre ellos se incluye la propuesta de un dispositivo de pantalla táctil, que aún no había sido concebido por Sony en ese momento, y dos sticks analógicos: ambas características finalmente llegaron a la consola.


title: Wipeout (serie)

text: "Wipeout Omega Collection" (estilizado como "WipE'out" OMEGA COLLECTION") es un remaster de los dos títulos anteriores de la serie "Wipeout": "Wipeout HD" (con su expansión "Wipeout HD Fury") y "Wipeout 2048". "Wipeout HD" contenía contenido de "Wipeout Pure" y "Wipeout Pulse". El juego fue desarrollado por Clever Beans, EPOS Game Studios y XDev. "Wipeout Omega Collection" se anunció en diciembre de 2016 y se lanzó en junio de 2017. Fue diseñado para funcionar a 1080p en la PlayStation 4 y 4K en la PlayStation 4 Pro, ambas a 60 fotogramas por segundo.


title: Wipeout (serie)

text: Todos los juegos de la franquicia "Wipeout" fueron desarrollados por Sony Studio Liverpool. La conceptualización de "Wipeout" giró en torno a la idea del diseñador de Psygnosis Nick Burcombe de crear un juego de carreras con los mismos tipos de vehículos antigravedad de su experiencia con "Powerdrome", un título primero lanzado en el Atari ST en 1988. Los diseños de vehículos futuristas del juego se basaron en Matrix Marauders, un juego de estrategia basado en cuadrícula Amiga 3D de 1994, cuyo concepto fue desarrollado por su compañero de Psygnosis Jim Bowers. El nombre "Wipeout" se decidió durante una conversación en un pub, y se inspiró en la canción instrumental Wipe Out de The Surfaris.


title: Wipeout (serie)

text: Después de que apareció la versión beta de "Wipeout" en la película de culto "Hackers", Sony expresó interés en Psygnosis basándose en el "trabajo impresionante" que habían producido con gráficos en 3D. En septiembre de 1995, Sony compró la empresa con sede en Liverpool en su totalidad. El desarrollo posterior de "Wipeout 2097" abarcó siete meses, y se organizó una gira en un club nocturno junto con Red Bull para ayudar a anunciar el juego. Tanto el arte del juego, la marca en el juego y el empaque fueron hechos por The Designers Republic, con sede en Sheffield.


title: Wipeout (serie)

text: Para el desarrollo de "Wipeout 3", Psygnosis una vez más contrató a The Designers Republic para ayudar en el desarrollo. El artista principal Nicky Westcott quería que el juego pareciera un "futuro creíble" para mantener una sensibilidad creíble. Wipeout 3 fue también el primer juego en beneficiarse de las palancas analógicas de la PlayStation, que se utilizaron para ofrecer un control más suave del oficio del jugador.


title: Wipeout (serie)

text: La preproducción de "Wipeout Pure" comenzó en agosto de 2003 y la producción total comenzó en octubre de ese año. El equipo recibió los kits de desarrollo de la próxima PlayStation Portable el año siguiente, y se le informó que "Wipeout Pure" iba a ser un título de lanzamiento para esa consola. Durante el desarrollo, Studio Liverpool creó interfaces de usuario y complementos personalizados para software de gráficos 3D por computadora completamente desde cero para ayudar a acelerar el proceso.


title: Wipeout (serie)

text: "Wipeout HD" se anunció por primera vez durante el E3 de 2007, y se reveló que era un título descargable. El director del juego, Tony Buckley, dijo en una entrevista retrospectiva que el estudio tomó la decisión de lanzar el juego como un título exclusivo de PlayStation Store antes del desarrollo. Hubo un retraso significativo cuando surgieron informes de que el Modo de zona del juego había fallado las pruebas de epilepsia, y que tendría que ser rediseñado antes de que pudiera ser lanzado.


title: Wipeout (serie)

text: "Wipeout 2048" se desarrolló en paralelo con la propia PlayStation Vita y actuó como un "banco de pruebas" para la consola. El desarrollo del juego influyó en el diseño de la propia consola; El personal del estudio Liverpudlian fue enviado para intercambiar ideas con la alta gerencia de Sony. Entre estas ideas se incluye la propuesta de un dispositivo de pantalla táctil, que aún no estaba concebido en ese momento, así como la inclusión de dos palos.


title: Wipeout (serie)

text: El 8 de agosto de 2012, Sony cerró oficialmente Studio Liverpool como parte de un esfuerzo por centrarse en planes de inversión alternativos. En el momento de su cierre, el estudio estaba trabajando en un futuro título de "Wipeout" para la PlayStation 4, que se informó estuvo en desarrollo durante 12 a 18 meses.


title: Wipeout (serie)

text: La serie "Wipeout" ha sido bien recibida por la crítica. Su juego de ritmo rápido, imágenes de alta calidad y bandas sonoras de techno prominentes se han citado como sellos distintivos de la serie. De acuerdo con los agregadores GameRankings y Metacritic, el juego con la calificación más alta en la serie es "Wipeout 2097", mientras que el puntaje más bajo es "Wipeout 2048". Tras su lanzamiento, el primer juego de "Wipeout" fue ampliamente elogiado por su banda sonora electrónica, originalidad y visuales excepcionales; sin embargo, un crítico en ese momento cuestionó su longevidad y potencial para mantener una larga vida útil en comparación con el "Super Mario Kart". En retrospectiva, "Wipeout" fue descrito como sinónimo del hardware de juego debut de Sony y como un escaparate temprano para gráficos 3D en juegos de consola. El juego también aumentó la conciencia de la comunidad del techno underground en Inglaterra, ya que fue uno de los primeros juegos que incluyó música con licencia.


title: Wipeout (serie)

text: La segunda entrega de la serie, "Wipeout 2097", fue lanzada con gran éxito de crítica. Los revisores elogiaron unánimemente su innovación, gráficos y una mezcla única de música techno. IGN lo clasificó como el 13º mejor juego de PlayStation de todos los tiempos en 2002, y "" lo nombró como el quinto mejor en 1997. Además, "Wipeout 2097" también se ubica como el cuarto mejor juego de PlayStation de todos los tiempos en GameRankings. "Wipeout 64" recibió revisiones generalmente positivas, con algunos críticos que afirmaron que era un juego superior al "F-Zero X" en lo que respecta a gráficos, atmósfera y diseño de pistas, aunque otros notaron que no alcanzó los estándares de su predecesor, "Wipeout 2097".


title: Wipeout (serie)

text: La cuarta entrega de la serie, "Wipeout 3", fue recibida positivamente en el momento del lanzamiento; los críticos elogiaron los gráficos, el juego de ritmo rápido y la música, aunque muchas críticas consideraron que la pronunciada curva de aprendizaje del juego fue una falla importante. "Wipeout Fusion" fue recibido más negativamente por los críticos; los gráficos recibieron respuestas mixtas, y un crítico dijo que parecía un "juego PS2 de primera generación", a pesar de que otros opinaron que las imágenes habían mejorado en todos sus predecesores. En el momento del lanzamiento de "Wipeout Fusion" en 2001, los críticos reconocieron el hecho de que la música tecno era una parte integral de la serie.


title: Wipeout (serie)

text: "Wipeout Pure" y "Wipeout Pulse" recibieron críticas muy positivas al momento de su publicación, y los críticos elogiaron sus efectos visuales, la atención al detalle y el diseño de las pistas. "Wipeout HD", junto con su paquete de expansión "Fury", también recibió críticas muy positivas, y muchos críticos estuvieron de acuerdo en que ofreció la mejor representación visual de cualquier juego de "Wipeout" debido a que se elevó a 1080p y se representó en 60 cuadros por segundo. Fue nominado para la categoría de "Logros sobresalientes en diseño de sonido" en la 12a. Edición de los premios Interactive Achievement Awards y también fue nominado en la categoría de carreras para la 28a entrega de los Golden Joystick Awards. La última entrega de la franquicia desarrollada por Studio Liverpool, "Wipeout 2048", recibió críticas generalmente positivas a pesar de ser el juego con la clasificación más baja en general. Los críticos elogiaron los gráficos y las imágenes, y también lo consideraron un escaparate de la potencia de PlayStation Vita.


title: Ana Requena

text: Ana Requena Aguilar (Madrid, 1984) es una periodista española. Fue confundadora en 2012 de eldiario.es donde desde septiembre de 2018 es redactora jefa de Género. En 2014 creó el blog "Micromachismos" por el que ha recibido varios premios. Escritora y autora del libro "Feminismo Vibrante. Si no hay placer no es nuestra revolución"


title: Ana Requena

text: Nació en Madrid pero se crio en Albacete. Regresó a la capital para estudiar periodismo en la Universidad Complutense de Madrid donde realizó su tesina final sobre periodismo con perspectiva de género. Licenciada en 2005 realizó sus primeras prácticas en Radio Nacional de España en Albacete, en 2006 trabajó en el equipo de comunicación de INSTRAW en República Dominicana, en De 2007 a 2008 fue redactora de AmecoPress, una agencia de información con perspectiva de género de la Asociación de Mujeres de los Medios de Comunicación (AMECO). En julio de 2008 se incorporó al diario Público como redactora de la sección de economía, donde trabajó hasta 2012 cuando dejó de publicarse su edición en papel. En agosto de 2012 participó en la fundación del diario.es donde en un principio trabajó como redactora de economía. Durante los últimos años se ha dedicado a cubrir asuntos relacionados con el mercado de trabajo, la conciliación y los cuidados, la violencia machista, los derechos sexuales y reproductivos o las relaciones personales con perspectiva de género. En febrero de 2014 lanzó el blog ""Micromachismos"" para hablar de machismo diario y denunciar situaciones de desigualdad y discriminación del que es coordinadora.


title: Ana Requena

text: En marzo de 2018 fue una de las impulsoras del movimiento "Las periodistas paramos" creado en torno a la convocatoria del Paro Internacional de Mujeres del 8 de Marzo.


title: Ana Requena

text: En septiembre de 2018 fue nombrada redactora jefa de Género de eldiario.es un nuevo cargo en el diario digital para coordinar e impulsar la información sobre igualdad, género y feminismo.


title: Ana Requena

text: En la actualidad es coordinadora de Nidos, la sección sobre nuevas familiar, crianza, cuidados y conciliación de eldiario.es.


title: Fuga de gas

text: Una filtración de gas o fuga de gas se refiere a una filtración de gas natural u otro producto gaseoso, desde una tubería u otra conducción o contención, a cualquier área donde el gas no tendría que estar presente. Debido a que una filtración pequeña puede gradualmente convertirse en una concentración explosiva de gas, las filtraciones son muy peligrosas.


title: Fuga de gas

text: Además de causar incendios y explosiones, las filtraciones pueden matar la vegetación circundante al área donde se produce la fuga de gas, incluyendo árboles grandes. Una fuga de gas puede liberar potentes gases quemadero o invernadero a la atmósfera.


title: Fuga de gas

text: Las filtraciones o fugas gasistas catastróficas, como el desastre de Bhopal, han sido bien reconocidas como problema, pero los efectos más sutiles de fugas crónicas de baja intensidad son más difíciles de ser reconocidas como un problema.


title: Fighter

text: «Fighter» —en español: «Luchador»— es una canción interpretada por la cantante estadounidense Christina Aguilera, quien la compuso junto al productor Scott Storch, para su segundo álbum de estudio, "Stripped" (2002).


title: Fighter

text: El tema cuenta con influencias de la banda Guns N' Roses y con la colaboración del guitarrista Dave Navarro. Su letra alude, entre otras cosas, el maltrato infantil que Aguilera recibió por parte de su padre, un exsargento de la Armada de los Estados Unidos.


title: Fighter

text: La canción antes de su lanzamiento ya había logrado ubicarse en la lista "Billboard Hot 100" por sus altas ventas y logró descender al "Top 20" en la misma lista antes mencionada. Fue certificado disco de oro por vender más de 500 000 copias en dicho país. En Canadá logró ubicarse en el puesto número 3 de la lista "Canadian Hot 100". En cuanto a Europa logró posiciones altas en Reino Unido, Irlanda y Países Bajos en el número 3, 4 y 5 respectivamente. En Hungría alcanzó el número 8. En Austria y Bélgica entró al número 14, brevemente alcanzando el 12 y 11. En Noruega, Suecia y Suiza alcanzó el listado de las quince más escuchadas, permaneciendo en un promedio de dos semanas en su posición mayor, en el listado del continente se posicionó en el número ocho y se mantuvo dos semanas en él. Aunque en la lista Europea del "Billboard" la canción llegó al número 3, y por países del continente de Oceanía como Australia y Nueva Zelanda logró ubicarse en el 5 y 14 respectivamente.


title: Fighter

text: El vídeo musical fue dirigido por la productora de cine y televisión Floria Sigismondi, el vídeo debutó en la cadena MTV, después de un especial dedicado a él en el programa "Making the Video", poco después alcanzó el sexto puesto del conteo ofrecido por el programa, "Total Request Live", más tarde logró el primer puesto, permaneciendo cuatro días en él. Su estadía fue de tres semanas. además recibió varios galardones, tales como el premio Juno,


title: Fighter

text: Por otro lado, «Fighter» tuvo gran impacto en la cultura popular. Fue varias veces interpretada por los concursantes de los reality shows "X Factor" y "American Idol", entre otros. También fue usada por la asociación NBA para un comercial de televisión, en la sección de «Love It Live». El anuncio publicitario incluía la participación de Michael Jordan, Kobe Bryant y Shaquille O'Neal, entre otros. En 2008, la revista "Rolling Stone" eligió a Christina Aguilera como una de las «leyendas musicales» y «mejores cantantes de todos los tiempos», en la misma reseña de la publicación seleccionó a «Fighter» como una de las mejores canciones de Aguilera. En 2012, "Glee" versionó la canción, tiempo después Aguilera interpretó la canción junto a su equipo llamado #TeamXtina de su programa de canto "The Voice".


title: Fighter

text: «Fighter» fue escrita y producida por Christina Aguilera y el compositor Scott Storch. Su composición fue relacionada con el maltrato infantil que la artista recibió por parte de su padre, escribiéndole «I'm Ok» y «Fighter», ambas pistas de "Stripped". Por otra parte, la canción se basó en el tema «November Rain» de la banda estadounidense Guns N' Roses. A su vez, Christina Aguilera trabajó con el exguitarrista de la banda Red Hot Chilli Peppers, Dave Navarro. Como ella misma declaró, «Fighter» es una de sus canciones favoritas en el álbum, prefiriendo a los sencillos «Beautiful» y «Can't Hold Us Down». Su lanzamiento como sencillo fue pensado como un «regreso» después de sus sencillos antecesores «Dirrty» y «Beautiful». De acuerdo con las declaraciones que presentó, Aguilera concluyó que:


title: Fighter

text: «Fighter» es una canción rock compuesta en compás de 4/4 y en la tonalidad de "sol mayor", está escrita en el formato estribillo-verso-estribillo y los instrumentos que sobresalen en su melodía son el piano, el violín, el chelo, los tambores y la guitarra eléctrica. En «Fighter», la voz de Aguilera abarca dos octavas, desde "si" 3 a "si" 5. Las notas más altas están en melisma y son usadas como ambientación de pista, mientras que solo dos manejan el estilo de vibrato.


title: Fighter

text: La letra está escrita, en gran parte, al padre de Aguilera, un sargento de la armada de los Estados Unidos. Sin embargo no solo incluye frases a él, también incorpora contenido relacionado con su ex-mánager Steve Kurtz. El tema habla de una traición por parte de los dos, el primero por la infancia de Aguilera con él y el segundo por su estafa artística emprendida en 2000.


title: Fighter

text: La introducción de la canción es un poema que de agradecimiento por Aguilera que dice «me hiciste más fuerte». El primer verso señala que la cantante «creía» que conocía a ese hombre y que pensaba que era «fiel», concluyendo que la decepcionó y que ya no queda tiempo para arreglarlo, según ella, «ya soporté lo suficiente». El segundo verso comienza a relacionar un agradecimiento por la actitud de su padre y su desempeño personal. Argumenta que «tal vez creas que te guardo rencor», diciendo que no hay alguno y finalizando con «gracias».


title: Fighter

text: El estribillo está escrito en rima consonante y concluye el agradecimiento dado en el verso anterior. En él, se habla de que la hizo más «fuerte», «trabajar más duro», y concluye que «me convertiste en una luchadora». Del mismo modo dice que «hiciste mi piel más gruesa» y «mucho más inteligente». El siguiente verso relaciona las declaraciones que hizo el padre de Aguilera para un futuro encuentro de ellos, a lo que ella le contestó que no. Allí es metafórico y ella le dice que «te estás haciendo la víctima», según la pista, «para aprovechar algo bueno». Sin embargo, Christina dice que él no puede decir que ella es la culpable, concluyendo que «cavaste tu propia tumba».


title: Fighter

text: El penúltimo verso es un poema escrito, como agradecimiento, que introduce al estribillo. La canción concluye con una serie de preguntas hechas por Aguilera, entre las cuales sobresale la inicial, que señala «¿cómo pudo este hombre, al que creía conocer, ser tan injusto y cruel?», pero finaliza con que nadie la detendrá en su desarrollo personal.


title: Fighter

text: El video musical fue dirigido por la productora de cine y televisión Floria Sigismondi, quien concedió una entrevista al canal MTV y dijo que en él, «Aguilera se verá como nunca antes». También relacionó a la canción con la naturaleza, diciendo que ambas tratan de metamorfosis y evolución. Al respecto, Sigismondi diseñó un video que manejara como elemento principal las mariposas nocturnas.


title: Fighter

text: La relación de las mariposas con la interpretación de Aguilera se encuentra desde el inicio del video, que la muestra en un cajón de vidrio, asemejándose a una pupa. La cantante rompe la vitrina y la abandona. Mientras camina, deja líquido negro, vistiendo un kimono de terciopelo que forma una burbuja en su espalda, relacionándose al estado de oruga. Poco después sufre su última metamorfosis vistiendo de blanco y con varias mariposas alrededor de ella. La escena final consiste en una intervención vocal de Aguilera, inspirando su maquillaje y vestuario en la cultura del extremo Oriente. Por otra parte, el video incluye flashbacks de bailarinas de ballet y diversas imágenes de las mariposas.


title: Fighter

text: Todo el vídeo fue producido y rodado, en dos días, en los estudios de Universal en Los Ángeles, California. Durante el primero fueron grabadas las escenas de la última transformación de Aguilera. El segundo fue usado para la grabación de las escenas que la incorporaban con el pelo negro. Por otra parte, el uso de las mariposas fue vigilado por la organización PETA y fueron donadas y manipuladas por el científico Steve Kutcher.


title: Fighter

text: El vídeo musical de «Fighter» debutó en la cadena MTV, después de un especial dedicado a él en el programa "Making the Video". Poco después alcanzó el sexto puesto del conteo ofrecido por el programa, "Total Request Live". Más tarde logró el primer puesto, permaneciendo cuatro días en él. Su estadía fue de tres semanas. En el canal de videos musicales de Canadá, "Much Music", tuvo un éxito pasajero. Entró en el número veintinueve y solo escaló hasta el doce. Sin embargo, su estadía en el repertorio fue por más de diez semanas. Por otra parte, el video fue premiado varias veces en diferentes ceremonias. Los premios Juno, de 2004, le otorgaron el reconocimiento de «mejor vídeo musical», y la asociación de producción de vídeos musicales lo galardonó como «mejor cinematografía».


title: Fighter

text: «Fighter» recibió críticas generalmente positivas de los críticos de música. David Brownie de "Entertainment Weekly" lo llamó "más osado de lo que cabría esperar de una maldita pista de baile que le encanta hacer alarde del poder de pulmón". En otra revisión, Brian Hiatt de "Entertainment Weekly" comparación «Fighter» con «Black Cat» de Janet Jackson. TJ para "Neon Limelight" elogió «Fighter» como una "obra maestra", mientras que Nick Levine de "Digital Spy" llamó un "pavoneándose arena de rock", y Nick Butler, de "" llamó "genial". "New York Times", con la editora Kelefa Sanneh fue positiva hacia el significado de la pista, que calificó de "valiente" y "lleno de retórica ligeramente rebelde". Andrew Unterberger de la revista "Billboard" escribió que «Fighter» y «Can't Hold Us Down» son dos temas que muestran el lado diferente de Aguilera, que es "ampliar las expectativas del público de su imagen y sonido", en contraste con su álbum de debut homónimo. con la editora Jacqueline Hodges llaman la canción "hilarante", mientras que Jancee Dunn de la revista "Rolling Stone" escribió que la canción "es una incursión en la roca estéril".


title: Fighter

text: «Fighter» se ubicó rápidamente entre los mejores materiales de Christina Aguilera. Nana Ofori-Adwoa de AOL puso a «Fighter» en el número tres en la lista de las mejores canciones de Aguilera, mientras que Bill Lámpara para puso la canción en el número seis en la misma lista, que calificó de "primer sencillo de Aguilera como una roca fuerte de elementos que trata de la único pop común". Y continúa: "Sin embargo, el giro único es la canción celebra los tiempos difíciles para la creación de un "Fighter". Yahoo! clasificó a la pista en el número nueve en la lista de los diez materiales de Aguilera, fue positiva hacia la melodía y la letra de la canción, escribiendo que la canción "hace que todos se detenga y preste atención" y "'Fighter' fue la primera vez que Aguilera mostró su lado sin sentido fuerte y que era una mujer fuerte e independiente que no iba a ser derribado por nadie y nunca perdió esa imagen".


title: Fighter

text: «Fighter» tuvo un rendimiento moderadamente exitoso en las listas musicales. Fue muy popular en América, donde alcanzó el listado de las diez canciones más escuchadas de Canadá y Estados Unidos. Gracias a las descargas digitales del tema, «Fighter» logró certificarse un disco de oro, dos años después de su lanzamiento como sencillo.


title: Fighter

text: En Europa fue exitosa en algunos países. Logró posiciones altas en Reino Unido, Irlanda y Países Bajos, siendo el tercero, cuarto y quinto puesto respectivamente. En Hungría alcanzó el octavo lugar. En Austria y Bélgica entró en el número catorce, brevemente alcanzando el doce y once. Su estadía fue corta, permaneciendo menos de quince semanas en las listas. En Noruega, Suecia y Suiza alcanzó el listado de las quince más escuchadas, permaneciendo en un promedio de dos semanas en su posición mayor. En el listado del continente se posicionó en el número ocho y se mantuvo dos semanas en él. Al pasar trece, el sencillo abandonó la lista. Aunque en la lista Europea del Billboard la canción llegó al tercer lugar.


title: Fighter

text: Por otra parte, en Oceanía y en la lista mundial, el sencillo obtuvo muy buenas posiciones. llegó hasta el número cinco del listado de Australia, permaneciendo trece semanas en él. La empresa de certificaciones discográficas del país, ARIA, le otorgó el reconocimiento de disco de oro. En Nueva Zelanda solo escaló hasta el puesto catorce, no obstante se mantuvo diez semanas en lista.


title: Fighter

text: Aguilera interpretó «Fighter» en una serie de actuaciones. La cantante interpretó la canción por primera vez en la ceremonia de los premios MTV de 2003, celebrada en el Radio City Music Hall en Nueva York el 28 de agosto de 2003, en un popurrí con «Dirrty». La actuación contó con Redman como artista invitado, y Dave Navarro como guitarrista. «Fighter» también se realizó en la gira de verano de 2003, "Justified and Stripped Tour", de Christina Aguilera con la compañía de Justin Timberlake, con el fin de apoyar al álbum "Stripped" y el álbum de Timberlake titulado "Justified". A finales de 2003, Aguilera interpretó la canción durante la gira mundial, "Stripped World Tour", esta vez sin Justin Timberlake. La actuación está incluida en el primer DVD de larga duración de la cantante titulado "Stripped Live in the UK" (2004). El 1 de junio de 2007, durante la promoción de su álbum "Back to Basics", Aguilera interpretó «Fighter», junto con «Ain't No Other Man», «Hurt» y «Candyman» en los Premios de 2007. Más tarde, durante la gira mundial de 2006-07 titulada "Back to Basics Tour" de Aguilera, interpretó la pista que se llevó a cabo como la última canción en el encore. Barry Walters de la revista "Rolling Stone" calificó a «Fighter» como "terminado el show en un hard-rock de alta calidad". Esa parte de la gira se incluyó en el lanzamiento del vídeo de DVD de la gira "" (2008).


title: Fighter

text: El 8 de junio de 2010, la cantante cantó el tema con otras cuatro canciones, «Bionic» , «Not Myself Tonight», «Beautiful» y «You Lost Me» en The Today Show. sElla se presentó con "medias de brillantes" y "mini-shorts rojos". James Dinh para "MTV News" lo nombró "agresivo", mientras que Erika Brooks Adickman para "Idolator" llama el desempeño de una "un caliente lío de espectáculo del vestuario". El 11 de junio de 2010, Aguilera interpretó «Fighter», «You Lost Me» y «Not Myself Tonight» junto con un popurrí de «Genie in a Bottle» y «What a Girl Wants» en "The Early Show". Más tarde ese año, el 13 de junio, Aguilera interpretó todos sus éxitos en "VH1 Storytellers", incluyendo «Fighter». Antes de realizar la canción, Aguilera reveló a la multitud: "Cuando era más joven y que había un montón de personas, como he mencionado antes, que eran una especie de mi alrededor, por las razones equivocadas. Siempre hay algo positivo para esos momentos negativos, porque a través de ella se sale mucho más fuerte y más sabio". Ese mismo año, durante la gira "" en manos de Justin Timberlake, el 24 de octubre de 2010 en Las Vegas, Nevada Aguilera fue invitada por Justin Timberlake a realizar varias de sus éxitos, entre ellos «Beautiful», «Fighter» y «Ain't No Other Man». Al principio de la gira, Timberlake declaró: "No hay competencia, la mejor vocalista de mi generación (refiriéndose a Christina Aguilera)". El 16 de abril de 2012, Aguilera interpretó «Fighter» de nuevo en la segunda temporada del programa de Estados Unidos, The Voice, en la que es uno de los jueces y entrenadores, con su "Team Xtina" y con High School Crenshaw como coro. Ella uso un "bustier deslumbrado con unos mini-shorts", Jonathan Hofmann llamó el rendimiento "loco y extraño con sonidos".


title: Fighter

text: «Fighter» tuvo gran impacto en la cultura popular. Fue varias veces interpretada por los concursantes de los reality shows "X Factor" y "American Idol", entre otros. También fue usada por la asociación NBA para un comercial de televisión, en la sección de «Love It Live». El anuncio publicitario incluía la participación de Michael Jordan, Kobe Bryant y Shaquille O'Neal, entre otros. En 2008, la revista "Rolling Stone" eligió a Christina Aguilera como una de las «leyendas musicales» y «mejores cantantes de todos los tiempos». La publicación seleccionó a «Fighter» como una de sus mejores canciones.


title: Fighter

text: La cantante Jordin Sparks interpretó la canción en el final de la sexta temporada de "American Idol", haciéndole ganar el concurso. El 12 de marzo de 2010, concursante Anna "Feroe" Nygaard interpretó la canción en la primera temporada de Factor X (Dinamarca). El 2 de noviembre de 2011, la concursante Margarita Aleksieva interpretó la canción en la tercera temporada de Factor X (Bulgaria). El 16 de abril de 2012, en "The Voice", Aguilera y su equipo "TeamXtina" interpretaron la canción. Una versión de la canción fue hecha por la serie de televisión Glee en el episodio de "Big Brother" (en español: Hermano mayor), emitido el 10 de abril de 2012, y Darren Criss con su personaje Blaine fue quien interpretó la canción en una actuación en solitario, ya que encuentra una salida para ventilar sus frustraciones con la llegada de Cooper Anderson. La versión alcanzó en la lista de popularidades en Digital Songs en el número 58 y en el Canadian Hot 100 en el número 85. Participante de The X Factor (Estados Unidos) Cece Frey, hizo una versión de la canción. Sylvia Yacoub del equipo de Cristina (TeamXtina) en "The Voice", también interpretó y grabó una versión de estudio de la canción. Deniece Pearson también realizó una versión para su audición a ciegas durante la temporada uno de "The Voice UK" y como resultado exitosamente ganó un lugar en el equipo de Tom Jones.


title: Leyes de afinidad

text: Un cambio en el tamaño del diámetro del impulsor o de la velocidad del eje afecta al flujo volumétrico o a la velocidad al primer orden; la presión estática al segundo orden; y la potencia eléctrica del motor de la bomba al tercer orden.


title: Leyes de afinidad

text: Ley 1c. La potencia eléctrica absorbida por el motor de la bomba es proporcional al cubo de la velocidad del eje:


title: Leyes de afinidad

text: Ley 2b. La variación en la presión estática es proporcional al cuadrado de la relación entre los diámetros del impulsor:


title: Leyes de afinidad

text: Ley 2c. La variación en la potencia eléctrica absorbida por el motor de la bomba es proporcional al cubo de la relación entre los diámetros del impulsor:


title: Leyes de afinidad

text: Esta ley presupone que la eficiencia de la bomba o ventilador permanece constante, es decir, formula_12. Tratándose de bombas, las leyes funcionan bien en los casos en que el diámetro del impulsor sea constante y la velocidad sea variable (Ley 1), pero se ajustan menos a la realidad cuando se trata de los casos en que la velocidad sea constante y el diámetro del impulsor sea variable (Ley 2).


title: Georges Prêtre

text: Georges Prêtre (Waziers, Norte-Paso de Calais; 14 de agosto de 1924-Navès, Occitania; 4 de enero de 2017) fue un director de orquesta francés. Dirigió en el Royal Opera House, Covent Garden, en la Ópera del Metropolitan, Nueva York, y el Teatro de La Scala, Milán. Trabajó con Maria Callas en varias ocasiones, y realizó grabaciones de "Carmen" y "Tosca" con ella, siendo su director musical favorito. Por un tiempo fue director musical de la Ópera de París.


title: Georges Prêtre

text: Además de la ópera, Prêtre es muy conocido por sus interpretaciones de música francesa. Está especialmente asociado con Francis Poulenc, habiendo dado el estreno de su ópera "La voix humaine" en la Opéra-Comique en 1959, en sus "Sept répons des ténèbres" en 1963. En 1999 dio una serie de conciertos en París para celebrar el centenario del nacimiento de Poulenc.


title: Georges Prêtre

text: En 2008, a la edad de 83 años, se convierte en el primer director francés y el más longevo en dirigir el Concierto de Año Nuevo de Viena, conocido mundialmente y seguido por millones de personas, récord que batió él mismo en 2010 al dirigirlo con 85 años.


title: Georges Prêtre

text: Nacido en el departamento del Norte, estudió armonía con Maurice Duruflé en el Conservatorio de Douai y, a continuación, en el Conservatorio de París con André Cluytens.


title: Georges Prêtre

text: Después de su graduación como trompetista comenzó a dirigir en varios teatros de ópera franceses, a veces bajo el seudónimo de Georges Dherain, antes de debutar en 1956 en la Opéra-Comique de París con la obra de Richard Strauss, Capriccio y dirigir allí hasta 1963. En 1960, se lleva a cabo la primera actuación en el Teatro Nacional de la Opera-Comique con Vuelo de noche (ópera) de Luigi Dallapiccola. En el Grand Théâtre de Ginebra en la temporada 1953/1954 dirige La bella Helena, en 1956, Los cuentos de Hoffmann, en 1959 Eugene Onegin y Samson et Dalila.


title: Georges Prêtre

text: El debut en la Ópera de Viena fue en 1962 con Capricho con Lisa Della Casa y Walter Berry, a continuación dirigió Carmen (ópera) y Rigoletto, en 1963 Faust (ópera) con Wilma Lipp y Madama Butterfly y La Bohème con Luciano Pavarotti y Carlo Cava en 1964 y también Otello.


title: Georges Prêtre

text: En octubre de 1964 hizo su debut en el Metropolitan Opera House de Nueva York con Samson et Dalila. Fue uno de los directores favoritos Maria Callas, con quien colaboró, tanto en el teatro como en el estudio de grabación, en algunas representaciones históricas, como las de Carmen y Tosca. En el Metropolitan en 1965 dirige Fausto con Nicolai Gedda, Gabriella Tucci, Cesare Siepi y Robert Merrill, Arabella (ópera) y Il trovatore, y en 1966 Parsifal (ópera) con Régine Crespin, La Traviata con Anna Moffo y Tristán e Isolda con Birgit Nilsson. En conjunto el maestro dirige 101 actuaciones hasta 1977.


title: Georges Prêtre

text: En las repetidas ocasiones actuó, desde 1966, en el Teatro alla Scala de Milán, en Fausto con Gedda, Nicolaj Ghiaurov y Mirella Freni, en 1968 Turandot con Renato Capecchi y La Valquiria, en 1969 Roméo et Juliette, en 1970 Samson y Dalila con Shirley Verrett, en 1972 Carmen, con Fiorenza Cossotto y José van Dam, en 1973 Pelléas et Mélisande (ópera), en 1975 La bohème con Pavarotti, Rolando Panerai e Ileana Cotrubaş, La damnation de Faust con Frederica von Stade y L'Heure espagnole, L'enfant et les sortiléges, y Dafnis y Cloe de Ravel, en 1976 Werther (ópera) con Alfredo Kraus, en 1977 El martirio de San Sebastián de Claude Debussy, en 1978 Madama Butterfly, un concierto con Yvonne Minton y música de Berlioz y Manon Lescaut con Domingo, en 1980 dos conciertos, en 1981 Cavalleria rusticana (ópera) con Domingo y Pagliacci (ópera) con Domingo y Juan Pons, en 1982 un concierto y Los Troyanos con Angelo Nosotti, en 1984 tres conciertos, en 1987, cuatro conciertos, en 1988 un concierto con música de Gershwin, en 1990 un concierto con Aldo Ciccolini, en 1991 tres conciertos, tres conciertos en 1993, en 1995 un concierto transmitido por la Red 4 y tres conciertos con música de Richard Strauss, en el 1999 El martirio de San Sebastián, en 2005 un concierto difundido por Rete, en 2006 un concierto con la Staatskapelle de Dresde, en 2009 la Sinfonía núm. 5 (Mahler) y un concierto con la Filarmónica de Viena, y en 2010 y 2011 un concierto.


title: Georges Prêtre

text: Para el Gran Teatro La Fenice de Venecia en 1967 y en 1970 dirigió un concierto, en 1971 Roméo et Juliette y un concierto con Alexis Weissenberg y en 1973 un concierto con música de Ravel con Martha Argerich en el Teatro Grande (Brescia), en el Teatro Municipal Mario del Monaco y en la Iglesia de los Eremitani de Padua y Venecia, El martirio de San Sebastián con Lucia Valentini Terrani, Don Carlo con Ghiaurov, Katia Ricciarelli y con Fiorenza Cossotto, Pelléas et Mélisande.


title: Georges Prêtre

text: Prêtre también es conocido como director de orquesta sinfónica, con afición por los autores franceses, y en particular para Francis Poulenc, para el que dirigió el estreno de la ópera La Voix Humaine en la Opéra-Comique de 1959 y sus Répons ténèbres en 1963.


title: Georges Prêtre

text: En 1971, dirigió la primera actuación de radio en el auditorio de la Rai de Nápoles del Caballero de la rosa con Cotrubas.


title: Georges Prêtre

text: En 1980 dirige Otelo con Piero Cappuccilli y Margaret Price en Ginebra y L'Enfance du Christ de Hector Berlioz con Valentini Terrani en la Iglesia de San Esteban (Venecia).


title: Georges Prêtre

text: En Venecia, en La Fenice, en 1981 dirige la Sinfonía núm. 8 de Anton Bruckner, Manon (Massenet) y dos conciertos y en 1982 Don Quichotte de Massenet con Ruggero Raimondi.


title: Georges Prêtre

text: En 1989 inauguró la Ópera de la Bastilla y en Salzburgo dirige Tosca con Anna Tomowa Sintow y la Filarmónica de Viena y la Gran Messe des Morts de Berlioz.


title: Georges Prêtre

text: En Venecia en 1992 dirigió dos conciertos y el concierto de gala para el Bicentenario en 1993 y La Damnation de Faust.


title: Georges Prêtre

text: En 1994 dirigió a la nueva Orquesta Sinfónica Nacional de la RAI, unificada en Turín, y en 1999 llevó a cabo una serie de conciertos en París para celebrar el centenario del nacimiento de Poulenc. En 1988 Marcel Landowski le ha dedicado su cuarta sinfonía.


title: Georges Prêtre

text: De 1986 a 1991, fue director titular de la Sinfónica de Viena, sucediendo Gennady Rozhdestvensky; de ese periodo, artísticamente muy productivo, quedan algunos testimonios de registros importantes para las etiquetas Orfeo y Erato. En 1990, en Viena, dirige Samson et Dalila con Plácido Domingo y Agnes Baltsa y el estreno del Concierto para 15 solistas y orquesta de Jean Françaix.


title: Georges Prêtre

text: La Fenice en 2001 dirigió un concierto en Pala Fenice Tronchetto y en 2004 en el Teatro La Fenice. El 31 de diciembre de 2004 y 1 de enero de 2005, dirige el Concierto de Año Nuevo de Venecia y el 30 y el 31 de diciembre de 2008 y 1 de enero de 2009 volvió a dirigir el Concierto de Año Nuevo de Venecia.


title: Georges Prêtre

text: En 2004 dirige un concierto en Salzburgo. En 2005 dirige Carmen con la Orquesta de la Academia Nacional de Santa Cecilia en el Auditorium Parco della Musica.


title: Georges Prêtre

text: El 1 de enero de 2008 fue el primer director francés llamado a dirigir el concierto tradicional de Año Nuevo en Viena, proponiendo una serie de obras con fuertes referencias a su tierra natal (incluyendo el himno "La Marsellesa "). El año anterior, que había dirigido el Concierto de Año Nuevo en Venecia en el Gran Teatro La Fenice, expresó su deseo de dirigir el Concierto de Año Nuevo de Viena, y su deseo se cumplió de inmediato; en 2009 dirigió nuevamennte en Venecia y en 2010, por segunda vez en pocos años, en Viena.


title: Georges Prêtre

text: Prêtre murió en Francia el 4 de enero de 2017, a los 92 años. Tenía una casa en Navès (Tarn), cerca de Castres.


title: Gualdim Pais

text: Gualdim Pais (Amares, 1118 - Tomar, 1195), cruzado portugués, fraile templario y caballero de Alfonso I de Portugal, fue el fundador de la ciudad de Tomar.


title: Gualdim Pais

text: Hijo de Paio Ramires y de Gontrode Soares, combatió al lado de Alfonso I contra los moros, viniendo a ser ordenado caballero por el soberano en la batalla de Ourique (1139).


title: Gualdim Pais

text: Partió después para Palestina, donde militó durante 5 años como caballero de la orden del Temple, habiendo participado del cerco a la ciudad de Gaza.


title: Gualdim Pais

text: Al retornar, fue ordenado como cuarto Gran Maestre de la Orden en Portugal (1157), entonces acogida en Soure, donde tenían castillo desde 1128 por donación de Teresa de León. Fundó, el castillo de Tomar y el convento de Cristo (1160), que se hizo el cuartel general de los templarios en el país, dando fuero a la nueva villa el año 1162.


title: Gualdim Pais

text: También fundó los castillos de Almourol, Idanha, Ceres, Monsanto y de Pombal. Dio fuero a Pombal en el 1174.


title: Gualdim Pais

text: Cercado en 1190 en Tomar por las fuerzas almohades bajo el mando del califa Abu Yaqub Yusuf al-Mansur, consiguió defender el castillo contra ese efectivo numéricamente superior, deteniendo así el avance almohade hacia el norte del reino desde esa posición.


title: Gualdim Pais

text: Falleció en Tomar el año 1195, y allí se encuentra sepultado, en la Iglesia de Santa María del Olival.


title: Motín carcelario de Brasil de 2017

text: El motín carcelario de Brasil de 2017 fue una serie de enfrentamientos entre organizaciones criminales en el país dividido en dos partes a finales de los años 2010. Los enfrentamientos han sido encabezados por el primer comando de la capital (PCC) y comando rojo (CV), en lados opuestos y apoyado por sus aliados, con episodios dentro de las prisiones y las periferias de las ciudades. Su aparición está vinculada a los métodos de la PCC para conquistar nuevos territorios para el narcotráfico, que involucra la colección de la centralización económica y segura y cuya organización rígida falso-estado es resistencia fuerte a las organizaciones criminales, con organización regional descentralizada predominante.


title: Motín carcelario de Brasil de 2017

text: La confrontación ha tomado la forma de levantamientos de la prisión terminó en masacres. A finales de 2016,6 la primera rebelión en Roraima con muertos de los internos. En 1° enero de 2017, 56 reclusos fueron asesinados después de una estampida se produjo en el complejo de prisión Anísio Jobim (Compaj) en Manaos, en Amazonas, en el norte del país. Miembros de dos bandas rivales del narcotráfico, el primer comando de la capital (PCC) y la familia del norte (FDN), combinado con el comando vermelho (CV), se enfrentaron en lo que se considera la masacre más violenta en la historia del sistema carcelario brasileño desde la masacre de Carandiru (1992). Cinco días más tarde, 33 reclusos murieron en la penitenciaría agrícola de Monte Cristo, situado en la campiña de Boa Vista, Roraima, también en el norte. Según la Folha de s. Paulo, el sacrificio en Roraima fue una respuesta del PCC a la rebelión liderada por FDN en el estado de Amazonas.


title: Motín carcelario de Brasil de 2017

text: El 1 de enero de 2017, hasta 56 presos fueron asesinados cuando estalló un motín en el Complejo Penitenciario Anisio Jobim en Manaus entre dos bandas de traficantes. Los disturbios estallaron entre miembros de la Familia do Norte y Primer Comando da Capital. Por lo menos 56 muertos en Brasil de la cárcel sobre el césped de la droga. Los amotinados mantuvieron rehenes a diecisiete guardias de prisiones durante 17 horas. Muchos de los prisioneros que fueron asesinados fueron decapitados.


title: Motín carcelario de Brasil de 2017

text: Alrededor de 60 personas murieron en un atentado en la cárcel de Antonio Trindade de la ciudad amazónica de Manaos. Se informó que los cadáveres decapitados de miembros de pandillas de drogas fueron arrojados sobre las paredes de la prisión. Otros 100 reclusos también fueron escapados de la prisión. No mucho después, estallaron disturbios en prisiones por todo Brasil, lo que resultó en la muerte de al menos 41 personas más. Hubo tres disturbios importantes, dos de ellos ocurrieron en Manaos y otro ocurrió en la ciudad cercana Boa Vista.


title: Motín carcelario de Brasil de 2017

text: Según Pedro Florencio, el Departamento de Administración Penitenciaria del Estado (SEAP), los detenidos que se habían rebelado ayudar a los reclusos de régimen semiabierto. Ellos han hecho un agujero en la pared ya través de él, entregado las armas a los presos cuatro pistolas, una escopeta calibre 12 y varias armas improvisadas fueron capturados. La rebelión comenzó en la tarde del 1, cuando los cuerpos de seis personas fueron arrojados fuera de la prisión sin sus cabezas. Las negociaciones con los prisioneros comenzaron a las 20:30 (hora local) el día 1 y fueron realizadas por el Presidente de los Derechos Humanos de la OAB-AM Comisión Epitácio Almeida, y el juez del Tribunal de la ejecución penal, Luiz Carlos de Valois, escribió en su página de Facebook: "vi muchos cuerpos, parece que murieron entre 50 y 60 prisioneros (personas), pero difícil de decir, porque muchos fueron masacrados". A las 20:50 hora local, el SSP-AM confirmó que 12 funcionarios de prisiones fueron retenidos como rehenes. Otros funcionarios locales habían logrado escapar. A lo largo de la noche, decenas de personas fueron a la puerta de la prisión en espera de información de familiares de los presos; otros asistieron a la sede del Instituto Médico Legal (IML) de Manaos, pero se prohibió la entrada de familiares y periodistas en el lugar. Según Almeida, los prisioneros liberados los últimos siete rehenes en la mañana del 2 de enero Hicieron entrega de sus armas y se rindieron a las 8:40 a.m. horas de Manaos.


title: Motín carcelario de Brasil de 2017

text: Durante la rebelión, 112 reclusos Compaj han huido de la prisión. El mismo día, ellos también se han producido disturbios en otras dos prisiones en Manaos: el Instituto Penal Antonio Trindade (IPAT) y la Unidad de prisión Puraquequara (UPP). Información sobre la revuelta en la UPP no han sido confirmados por el gobierno de Amazonas, pero, según la información oficial, el 72 IPAT de los detenidos había huido y cuatro UPP había muerto, la adición de 60 personas muertas en el sistema penitenciario de Manaos, en un solo día. El gobierno de Amazonas no ha aclarado la razón de las muertes en la UPP, pero dijo que "la unidad está en condición estable." En cuanto a los fugitivos, el gobierno dijo que 40 de ellos habían sido capturados por la policía hasta las 17:00 horas del día 2 de enero.


title: Motín carcelario de Brasil de 2017

text: Según las fuentes, los presos muertos eran miembros del PCC y los presos condenados por violación. "Todo indica que el ataque fue una facción más grande en contra de un menor de edad para eliminar la competencia", dijo. El Secretario de Seguridad Pública Amazonas dijo que las fuerzas de seguridad han optado por no entrar en el Compaj teniendo en cuenta que las consecuencias serían impredecibles. Para UOL, fuentes dijeron que la entrada de la policía militar en Compaj podría haber causado una matanza como la de 1992 en Carandiru, en Sao Paulo. Llamó a la situación "bajo control", pero dijo que temía represalias por parte de PCC.


title: Motín carcelario de Brasil de 2017

text: El 16 de octubre de 2016, durante un motín en la penitenciaría agrícola de Monte Cristo, en Boa Vista, Roraima, miembros del PCC asesinaron a 10 miembros de la familia del norte (FDN). Unas horas más tarde, en la penitenciaría dos Santos Pinheiro, en Porto Velho, Rondônia, ocho miembros del PCC de Ernie fueron gaseados durante un incendio provocado por miembros de la FDN.


title: Motín carcelario de Brasil de 2017

text: En 1 de enero de 2017, aproximadamente 56 miembros de la PCC y otros descontentos fueron asesinados por miembros de la FDN en una rebelión en el complejo prisión Anísio Jobim, en Manaos, Amazonas. Después de la rebelión, el gobierno del estado transfirió los 284 miembros del PCC a la cárcel de la ciudad de Juez Raimundo Vidal Pessoa, en el centro de Manaos, que se deshabilitó hubo 3 meses. En 8 de enero de 2017, los miembros de la organización han provocado una rebelión en esta unidad, cuando asesinaron a 4 presos. En 6 de enero de 2017, miembros del PCC ejecutan a aproximadamente 33 miembros de la FDN en la penitenciaría agrícola de Monte Cristo, en Boa Vista, Roraima. El 14 de enero de 2017, 26 miembros de la COSUDE-RN (Complejo Penitenciario de Alcaçuz), aliado del comando rojo, fueron ejecutados por miembros del PCC en regaliz penitenciaría del estado, en Natal, Rio Grande do Norte.


title: Motín carcelario de Brasil de 2017

text: El día 14 de enero de 2017, 26 presos fueron asesinados en la penitenciaría del estado de regaliz, en Nísia Floresta, en Rio Grande do Norte. Según el gobierno de Rio Grande do Norte, la rebelión comenzó alrededor 17:00 (18:00 en la hora del este), cuando los presos 5 pabellón, llamado el Presidio Rogério M. Coutinho, invadió el pabellón 4 para matar a sus rivales. La rebelión no ha alcanzado los pabellones 1, 2 y 3. Los líderes del motín pertenecen al PCC y fueron trasladados a otras cárceles en el estado. El gobernador del estado, Robinson le informó que pedirá al gobierno federal para fortalecer la fuerza de seguridad nacional efectiva "para solucionar la crisis en el sistema penitenciario". Pidió "una audiencia con el presidente Michel Temer para tratar sobre la situación". Fueran enviados 116 agentes de la fuerza nacional y llegaron a Rio Grande do Norte en 9 de marzo, el Ministerio de Justicia ha autorizado la prorrogación de la permanencia del estado durante 60 días. Junto con Porto Alegre y Aracaju, Natal en integra a la lista de tres ciudades capitales, fue elegido para el comienzo de la Plan de Seguridad Nacional (PNS), preparado por el gobierno federal con la ayuda de los Estados. Según el gobierno, los "asuntos de la prisión" han llevado a un aumento en el número de asesinatos en la segunda mitad del año pasado.


title: Elecciones municipales de 2021 en La Serena

text: Las elecciones municipales de La Serena de 2021 se realizaron el sábado 15 y domingo 16 de mayo de 2021, así como en todo Chile, para elegir a los responsables de la administración local, es decir, de las comunas. En el caso de la capital regional de la Región de Coquimbo, esta eligio a su alcalde y a 10 concejales.


text: Estas elecciones fueron las terceras elecciones municipales realizadas bajo la Ley de inscripción automática y voto voluntario, y fueron realizadas paralelamente a la Elección de gobernador regional, cargo creado por la Ley 21073 de 2018, y que fueron elegidos por primera vez.y los miembros de la Convención Constitucional también fueron elegidos en forma paralela a las elecciones municipales y de gobernadores.


text: Originalmente estas elecciones estaban previstas para el domingo 25 de octubre de 2020, pero fueron postergadas debido a la pandemia de enfermedad de coronavirus, quedando para el 4 de abril de 2021. Sin embargo dicha fecha coincidía con las celebraciones de Semana Santa, por lo que fueron aplazadas nuevamente en una semana, quedando fijadas definitivamente para el 11 de abril de 2021. Debido a la pandemia, el 11 de marzo fue aprobada la ley que determinó que la votación se realizaría en dos jornadas: el sábado 10 y domingo 11 de abril, convirtiéndose en la primera elección en Chile que se realizaría en más de un día. Finalmente, las elecciones fueron nuevamente postergadas para el 15 y 16 de mayo de 2021, mediante una reforma constitucional, dictando al efecto la Ley 21324.


text: En febrero de 2020, surgió el nombre de Jocelyn Lizana, concejala de Evopoli, como el primer nombre del sector. En marzo, más de cien militantes de Renovación Nacional de todo el país solicitaron a la ex-gobernadora del Elqui, Daniela Norambuena, aceptar el desafío de competir por el sector. En julio, el presidente regional de la Unión Demócrata Independiente, Juan Carlos Aguirre, dejó entrever que la colectividad miraba con buenos ojos al exfutbolista, Victor Hugo Casteñeda, ex-director técnico de Club de Deportes La Serena y locutor de una radio local, como candidato a alcalde por La Serena, dicha posibilidad se desvaneció luego que el propio entrenador habría señalado que privilegiará su carrera deportiva y profesional, por lo que se descartó su candidatura.


text: Sin embargo a finales del año la UDI inició conversaciones con el exfutbolista quien aceptó convertirse en su candidato independiente. En enero del 2021, tras haberse bajado los nombres del sector, recibió el apoyo oficial del resto de los partidos de la coalición Chile Vamos (Evopoli, el PRI y RN) convirtiéndose oficialmente en el candidato edilicio del sector.


text: Ya en 2018, el presidente regional del Partido Radical, Raúl Godoy Barraza, expresó que desde el partido levantarían la candidatura del militante y Alcalde en ejercicio, Roberto Jacob, quien si bien en un primer momento descartó presentarte nuevamente, posteriormente a nivel interno había mostrado su intención de volver a ser re-electo para un tercer periodo.


text: En 2019, En el Partido Socialista sonaron con fuerza algunos nombres, como el concejal Robinson Hernández, el expresidente del Consejo Regional, Eduardo Alcayaga y Hassan Adaro, el presidente comunal del partido, pero ninguno prosperó. Finalmente en 2020, se levantaron las precandidaturas de José Manuel Peralta, ex-seremi de Economía, y Erika Rojas, ex-seremi de Planificación. Desde la Democracia Cristiana, si bien en un principio se propuso al concejal Pablo Yáñez, quien descartó la posibilidad de competir contra el alcalde actual, finalmente el consejo nacional proclamó al ex-seremi del MINVU, Erwin Miranda, como su abanderado por el sillón comunal.


text: Finalmente, el 11 de enero de 2021, los partidos de Unidad Constituyente (PS, DC, PPD, PR, PRO, Ciu) inscribieron ante el Servel al Alcalde Jacob como candidato único del sector por el pacto "Unidad por el Apruebo".


text: A comienzos del 2021, el Frente Amplio anunció que el arquitecto Alex Garrido, del partido Comunes, sería la carta de la coalición de izquierda por segunda vez consecutiva. Posteriormente el Partido Comunista también mostró su adhesión a la candidatura, de la misma manera que el FA lo hizo con su candidato a Gobernador Regional, Javier Vega.


text: Juan Carlos Thenoux, ex comunicador, concejal, ex militante del Partido Radical, renunció a su asiento en el Concejo Comunal en julio de 2019 y anunció en febrero del 2020, que buscaba estar en la papeleta de las elecciones a Alcalde de La Serena como independiente, en octubre comenzó la campaña de recolección de firmas, el 11 de enero entró en la nomina del Servel de los candidatos cuyas firmas habían sido aceptadas.


title: Sporran

text: Sporran (en Gaélico escocés, 'monedero' o 'bolso') es un complemento tradicional del traje típico de las Tierras Altas de Escocia, similar a la faltriquera o a un zurrón, una especie de riñonera para los tradicionales kilts, que carecen de bolsillos. Fabricados de cuero o pelo, suelen tener una ornamentación más o menos elaborada de plata. Se lleva colgado de una cadena o cinturón sobre el kilt, normalmente cubriendo las ingles de quien lo lleva. Algunos estudios sostienen que se trata de la herencia medieval del bolso europeo, sustituido por los bolsillos, que se conserva en las Highlands debido a la falta de estos accesorios en su traje tradicional.


title: Sporran

text: El "sporran" cuelga justo por debajo de la hebilla del cinturón; y se hace un gran esfuerzo para combinar su estilo y diseño. La hebilla puede tener una elaborada ornamentación, y puede contener unos motivos similares a los encontrados en los sgian dubh. Cuando se está conduciendo, bailando, tocando algunos instrumentos o realizando alguna actividad en la que un bolso pesado pueda molestar a quien lo lleve, el "sporran" puede desplazarse hacia una cadera, quedando colgado de una manera un tanto curiosa.


title: Sporran

text: La parte frontal del kilt, de hecho, se compone de dos alas que se sobreponen entre sí. El sporran tiene más a levantarse como un volante por un movimiento circular enérgico debido a su pobre sujeción en esta zona y su mayor inercia. De todas formas, el sporran hace un peso sobre el kilt en el momento de sentarse con las piernas abiertas, aunque el kilt está diseñado para realizar esta tarea sin ayuda.


title: Sporran

text: El 'delantal' con tachuelas del «balteus» de la Antigua Roma suele ser llamado sporran, o protección de ingles; algo irónico, ya que esta defensa era simplemente decorativa.


title: Sporran

text: Ya que los sporrans se hacen de piel animal, su producción, transporte internacional y posesión pueden ser regulados por la legislación para poder controlar el comercio de especies protegidas o amenazadas. Un estudio realizado por la BBC en 2007, y presentado por el Ejecutivo Escocés afirmó que los propietarios de un sporran podrían necesitar una licencia que demostrara que los animales usados en su construcción estuvieran sujetos a las leyes.


title: Sporran

text: De todas formas, varias especies listadas en el artículo no están cubiertas por la ley, y del alrededor de un centenar de ellas protegidas por ley, solo algunas, como la nutria, ha estado alguna vez relacionada con la elaboración de "sporrans".


title: Carol Weld

text: Carol Weld (19 de marzo de 1902– 31 de marzo de 1979) fue una periodista que colaboró con Frank Buck en un libro, "Animals Are Like That".


title: Carol Weld

text: Carol Weld (de soltera, Florence Carol Greene) era hija de Sonia Greene y por tanto hijastra de H. P. Lovecraft. Rompió toda relación con su madre cuando Sonia no la dejó casarse con su tío, y dejó el apartamento de Sonia en cuanto pudo, tras cursar tres años de instituto. Estuvo casada con un periodista, John Weld, de 1927 a 1932. John Weld era reportero para el "New York Herald Tribune" en París y el "New York American" y "New York World" en la ciudad de Nueva York, escribía guiones para Columbia y Universal, así como libros de ficción y no ficción.


title: Carol Weld

text: Carol Weld trabajó en el personal local del "American" y el "New York Herald Tribune" antes de ir a París en los inicios de los años 1930. En un artículo de 1928 para el "New York Times", ella lamenta que el automóvil haya reemplazado mayoritariamente al herrero, cuyo trabajo consistía “principalmente en diseñar y reproducir bisagras de hierro forjado, candelabros del siglo XII, lámparas y accesorios para fumar y otros objetos que una vez en su tiempo eran utilitarios. Un herrero encuentra comparativamente sencillo ser artístico a la manera americana temprana por estudiar en las revistas de arte.”


title: Carol Weld

text: Cuándo Weld llegó a París en los últimos años 1920, el periodismo extranjero no estaba bien pagado. Ella subsistió con un salario exiguo y la venta de algunos de sus dibujos de la vida americana a Arthur Moss, editor de una revista de arte, "Gargoyle". Weld trabajó para The Universal Service, International News Service y United Press. Uno de sus más memorables artículos fue "King Bites Dog", en que adelanta la teoría de que la abdicación de Eduardo VIII se debió a objeciones conservadoras a su "color político" más que a su idilio con la señora Wallis Simpson. La mejor parte es cuando narra cómo conoció al príncipe de Gales, en un vagón de tren de segunda clase que transportaba parte de su propio equipaje.


title: Carol Weld

text: "Fue en pleno verano de 1934 cuándo cubrí la salida del Príncipe y la Señora Simpson para Biarritz. En la "Gare d'Orsay" el tren de lujo de la tarde partió con un silbato de hojalata pero ninguna señal de realeza o una mujer de Baltimore. Ric, mi fox terrier, que era mucho mejor disfraz para celebridades tímidas que un par de falsos bigotes (...), tiraba de su correa, y corría hacia el tren "deuxième classe". La realeza viaja en segunda? Tuve mis dudas, pero Ric me arrastró a la plataforma. (...) Delante de mí el Príncipe de Gales venía de una puerta y desaparecía en la siguiente, llevando una pieza de equipaje. El hombre muerde al perro, pensé. En el tren tenía que haber ayudas de cámara, su asesor de campo, el entonces Mayor [General John] Aird [el caballerizo real], y los detectives de Scotland Yard. Aun así vi al Príncipe moviendo su equipaje. En tales tendencias democráticas se encuentra alimento para un perro más grande. (...). Cuanto más grande el hombre, más grande el perro. Antes de que Ric pudiera girar, el futuro Rey y Duque de Windsor emergió otra vez y chocamos en el estrecho pasaje."


title: Carol Weld

text: Weld fue miembro fundador del Overseas Press Club. Cuándo el periódico de París, el "Tribune", cerró en 1934, víctima de la Depresión, Weld, con el reportaje "Girl Reporter Tells It All on Last Day," recordó cariñosamente a algunos de sus colegas con "identificaciones de conversaciones": Ralph Jules Frantz: "consigues la historia? Marejada!" Louis Atlas: "Estoy harto. Dónde quedamos para comer?", May Birkhead: "En cuanto pueda ...", B. J. Kospoth: "Qué es aquello? He estado en la embajada toda la tarde. Pero no hay ninguna historia allí.", Edmond Taylor: "Llámame arriba si cualquier cosa se rompe.", Wilfred Barber: "Aquello era el 2 de julio de 1887 a las 3:10 de la madrugada, y llovía, porque ...", Robert Sage: "Aquí no hay bastante aire, deja abierta una ventana.", Alex Small: "Mi socio querido! No sabes? Por qué naturalmente, Luis XIV, cuando construyó el palacio de Versalles, dijo . . .", Robert L. Stern: "no puedes escribir aquello! Tienes que tener una nueva pista.", Mary Fentress: "Hospital americano? Alguien ha muerto?"


title: Carol Weld

text: Weld fue relaciones públicas para Buck, en particular para su exposición de 1939 Worl's Fair Jungleland, y también manejó su publicidad en la costa oeste.


title: Carol Weld

text: En 1940-42 Carol Weld trabajó para el Cuerpo británico-americano de Ambulancias. Además, organizó y sirvió como presidenta del cuerpo para el Comité de la Costa Oeste del Cuerpo de Ambulancias de Voluntarios americanos en Francia (en 9710 y 11716 Santa Monica Bulevar, Los Ángeles). De 1943 a 1948 fue representante de prensa para la RKO Radio. En 1951, con un colega, Dickson Hartwell, Carol Weld escribió un artículo de admiración sobre el Taborian Hospital en Mound Bayou, Misisipi. Cuando el hospital fue abierto en 1942, los pacientes afroamericanos del delta podían, por primera vez, entrar por la puerta principal del centro médico en lugar de por una lateral marcada para gente "de color". Hasta 1967 el Taborian Hospital y su rival amistoso en Mound Bayou, la Friendship Clinic, la cual había sido fundada en 1948, proporcionaron servicios médicos a miles de  afroamericanos del Misisipi. En 1954 Weld trabajó como editora para el "New Smyrna Times" en New Smyrna, Florida.


title: Carol Weld

text: Weld se retiró en Florida (1512 Glencoe Road, Winter Park) y trabajó como escritora freelance. Murió en Miami después de una larga enfermedad.


title: Rock Steady

text: Rock Steady es el quinto álbum de estudio de la banda estadounidense No Doubt, publicado el 11 de diciembre de 2001 por la compañía Interscope Records. No Doubt comenzó a trabajar en el disco en enero de 2001, con grabaciones iniciadas en San Francisco. Tiempo después, los integrantes viajaron a Inglaterra y a Jamaica para colaborar con varios compositores y productores, entre ellos Steely & Clevie, Sly & Robbie, Ric Ocasek y Nellee Hooper.


title: Rock Steady

text: En términos generales, "Rock Steady" recibió reseñas positivas de los críticos musicales, quienes se refirieron como un disco pop clásico elegante y afirmaron que era el mejor álbum en el que trabajaron. No obstante, uno de los puntos que la crítica recalcó fue la variedad de estilos que la banda incorporó en "Rock Steady", lo que le valió tanto comentarios positivos como negativos. Obtuvo una nominación a los , en la categoría de . Sumado a ello, diferentes medios de comunicación lo reconocieron como uno de los mejores discos, entre los que se destaca la revista "Rolling Stone", que lo ubicó en el puesto 316 de los .


title: Rock Steady

text: Desde el punto de vista comercial, "Rock Steady" solo llegó a los diez primeros puestos en Noruega y en Estados Unidos, en las posiciones ocho y nueve, respectivamente. No obstante, recibió diferentes certificaciones en Australia, Canadá, Estados Unidos y Reino Unido. Para su promoción se publicaron cuatro sencillos comerciales: «Hey Baby», «Hella Good», «Underneath It All» y «Running», de los cuales el primero y el tercero le otorgaron a No Doubt dos premios Grammy a la . No Doubt se embarcó en la gira promocional Rock Steady Tour, que recorrió Norteamérica, Europa, Australia y Asia.


title: Rock Steady

text: Todas las noches, en la gira en apoyo a su cuarto álbum de estudio "Return of Saturn" (2000), No Doubt realizaba fiestas posteriores, donde personas bailaban música "dancehall" de Jamaica. Durante una discusión durante la cena a finales de 2000, los miembros de la banda decidieron que querían explorar ritmos del estilo "dancehall" para su siguiente álbum. Inspirándose en artistas como Bounty Killer, Cutty Ranks y Mr. Vegas, la banda comenzó a trabajar en el álbum en enero de 2001 al crear "beats" en Pro Tools en el apartamento del guitarrista Tom Dumont. El grupo trató con frecuencia recreando ritmos de otros archivos de canciones en la computadora, que dio lugar a versiones modificadas de los ritmos originales. Trabajaron con el productor Philip Steir en los estudios Toast, en San Francisco durante este tiempo, donde surgieron los principios de «Hey Baby». Al escribir las letras de los discos anteriores, Stefani normalmente leía las obras de Sylvia Plath, que la haría deprimida «o encontrar diferentes palabras que me inspiran». En cambio, para "Rock Steady", la cantante compuso las letras más rápido y en el lugar para cumplir con el objetivo de escribir una canción al día. Muchos de los "demos" grabados durante estas primeras sesiones fueron utilizados en las pistas finales, en lugar de volver a trabajar completamente las canciones. La banda vio esto como una forma de preservar la «chispa inicial» de cuando fueron concebidas las canciones.


title: Rock Steady

text: El mes siguiente, Stefani dejó Los Ángeles para visitar a su entonces novio, Gavin Rossdale, en Londres. Por consiguiente, los demás miembros de la banda viajaron con la cantante para terminar de grabar «Detective». Allí, trabajaron con el exmiembro de Eurythmics, David A. Stewart, y compusieron la canción «Underneath It All» en solo diez minutos. En marzo, No Doubt viajó a Jamaica, en Blue Lagoon, Port Antonio. La banda «pasó la mayor parte del tiempo nadando y quemándose por el sol, bebiendo, fumando y grabando un poco de música», según Dumont. El grupo solía tener cervezas Red Stripe o Cubalibre con alimentos para el desayuno; en una ocasión, Dumont se desmayó del consumo excesivo de alcohol durante la grabación de una pista. Comenzó a trabajar en la media tarde y trabajó en la noche con una fiesta después de la sesión. El grupo ha colaborado con Sly & Robbie, que produjo «Underneath It All» y «Hey Baby», y colaboró con Lady Saw y Bounty Killer, quienes proporcionaron "toastings" en las canciones antes mencionadas. Además, el dúo Steely & Clevie se encargó de producir «Start the Fire».


title: Rock Steady

text: La banda regresó de Jamaica y continuó trabajando en junio de 2001, donde colaboró con los productores Nellee Hooper y Timbaland. La canción de este último, titulado «It's a Fight», y una producida por Dr. Dre, llamada «Bad Days», fueron excluidas del álbum, debido a que sus sonidos de "hip hop" no funcionaban bien. La banda trabajó entonces con el productor y exlíder de la banda The Cars, Ric Ocasek, a finales de junio. Stefani comentó que No Doubt trabajó con tantas personas para el disco, porque no estaban disponibles durante el tiempo necesario para hacer un LP, pero que le hubiera gustado trabajar más con Ocasek. La banda y su gerente de A&R Mark Williams eligieron colaboradores basados en qué tan bien pensaban que la persona encajaría en la personalidad de la canción que No Doubt había escrito. A finales de agosto, la banda regresó a Londres para que Mark «Spike» Stent puliera las canciones con la mezcla de audio.


title: Rock Steady

text: En términos generales, "Rock Steady" obtuvo reseñas positivas de los críticos musicales. En Metacritic, el álbum obtuvo una calificación promedio de 69 sobre 100, lo que indica «críticas generalmente favorables». De este modo, Rob Sheffield de "Rolling Stone" dijo que fue «impresionante escuchar a No Doubt convocar la imaginación musical de trascender la fórmula que utiliza para aprisionarlos. En "Rock Steady", No Doubt consigue su yin y yang en equilibrio, y después de la confusión finamente forjada de "Return of Saturn", suena como un alivio». Stephen Thomas Erlewine de Allmusic se refirió a "Rock Steady" como un «buen y elegante disco pop clásico». Por su parte, David Browne, de "Entertainment Weekly", comentó que había «algo extrañamente débil» en No Doubt, que le impedía convertirse en un hito en la música pop, pero que «las fiestas lanzadas de la banda mejoran con cada nueva reunión». Además, señaló que resulta ser el mejor álbum que alguna vez han tramado. Por otro lado, Colleen Delaney de Stylus Magazine le otorgó al álbum una puntuación de «C», sostuvo que la banda sonaba como si tuviese «dolores de crecimiento» y, aunque indicó que los miembros son músicos y compositores talentosos, no estaba seguro de su lugar en el "mainstream rock and roll". No obstante, elogió la voz de Stefani, al decir que ha madurado realmente como cantante en este álbum. «Está más segura ahora. Su voz flota junto con las canciones». Concluyó prediciendo que No Doubt o bien se convierte en una banda de sencillos, «o y hacen un álbum de vanguardia-"jazz"-"electro"-"acid funk"-polca». Por su parte, "Entertainment.ie" llamó al disco «ambicioso» e «inesperadamente entretenido, repleto de sencillos potenciales exitosos y una reinvención que incluso podría hacer que Madonna sienta celos». "Billboard" indicó que «para convencer a los incrédulos y ganar nuevos admiradores, el disco ruge con el tipo de incendio raramente visto de un grupo con cuatro álbumes en su haber».


title: Rock Steady

text: Una de las reseñas más positivas la dio el sitio web Kidzworld, que comentó que el disco parece mucho más alegre y más feliz que su último esfuerzo, "Return of Saturn". Además, señaló que tiene un ambiente fresco y va a tener al suelo rebotando en poco tiempo. Asimismo, Sal Cinquemani de Slant Magazine también le otorgó una respuesta favorable; le dio al disco cuatro estrellas y media de cinco, y afirmó que la banda produjo su mejor trabajo hasta la fecha con "Rock Steady". Además, indicó que abunda el tipo de canciones que evocan imágenes vívidas en la mente del oyente, y eso es un testamento a la música de la banda y las letras de Gwen. «"Rock Steady" es un álbum tan consistente (y tan agradable de escuchar) cuando uno puede esperar de una banda que se niega a quedarse quieta». Jenni Haygood de "Orlando Sentinel" elogió el sonido inconfundible de los teclados y la guitarra eléctrica, lo que da al álbum una calidad divertida y provocadora, y eso lo hace estar separado del resto. Finalizó su reseña diciendo que «si estás buscando un CD que te ayudará en el alma, entonces "Rock Steady" no es para ti. Todo el álbum tiene un estilo "funky" y optimista que hará que te hagas levantar y bailar. No hay ninguna profundidad [o] significados subyacentes que mediten sobre las grandes preguntas de la vida, solamente la letra y la música. A menudo se considera arriesgado en el negocio de la música de cambiar de estilo [en la] mitad de tu carrera. Sin embargo, No Doubt ha realizado con éxito la transición». Ericka Sóuter, Kyle Smith y Sona Charaipotra de "People" sostuvieron que "Rock Steady" es un recordatorio de lo que esta talentosa compositora [Stefani] es capaz, si solo se quedará ahí. Concluyeron su revisión al afirmar que era «sin duda agradable». Stephen Thompson de "The A.V. Club" notó que el resultado de "Rock Steady" es todo lo que su predecesor no fue: dinámico, alegre, fresco y prácticamente cautivador. Por su parte, en su reseña al disco, Matt Parks de "Fazed" sostuvo que «No Doubt ha entregado un álbum que es un surtido de estilos que van desde el "dancehall, dub, ragga, ska, hip hop, funk, techno, new wave" y pop. "Rock Steady" resulta [ser] como un álbum de fiesta tan diverso que casi suena más como una mezcla de cintas [de] un DJ [...] que un disco pop dinámico, cálido, divertido e inmediatamente cautivador —pero finalmente olvidable— de una gran compañía discográfica [Interscope]». Aidin Vaziri de "Vibe", en la revisión del álbum, comentó: «Habiendo dado toda pretensión de sobriedad artística, No Doubt ha encontrado su razón de existencia: para hacer el tipo de discos raros y arriesgados», como "Rock Steady". Por otro lado, el sitio Ultimate Guitar Archive tuvo en cuenta varias cosas del material, entre ellas, la diversidad de géneros que «[lo] hacen sorprendente», las letras, que, a diferencia de "Tragic Kingom" y "Return of Saturn", no habla sobre Gwen teniendo problemas graves, y los temas de "Rock Steady", que lo calificó con siete puntos de diez. Finalmente, le otorgó 7,3 puntos. Denise Duval de Common Sense Media, una organización sin fines de lucro que estudia los efectos que tienen los medios de comunicación y la tecnología en los usuarios jóvenes, calificó al álbum con cuatro estrellas de cinco y recomendó escucharlo a partir de la edad de 12 años. Además, elogió el desempeño de Stefani, al llamarla «valiente, elegante y atrevida», como así también su voz «intensa». Por el contrario, AbsolutePunk criticó la falta de entusiasmo evidente desde la primera pista. Además, recalcó que hay un déficit de espíritu, y concluyó que «lamentablemente con No Doubt, nos quedamos con un exceso de "tal vez" y "si". "Tal vez si [hubiesen] lanzado su álbum debut años más tarde, habrían tenido más éxito", por ejemplo. O mejor aún, "si "Rock Steady" fue una decepción para todo el mundo, Gwen Stefani probablemente habría reconsiderado esa carrera en solitario"». En la misma vena, Joe Costa de Sputnikmusic sintió que era uno de los discos más decepcionantes que ha escuchado personalmente, especialmente cuando sigue de la obra maestra de "Tragic Kingdom" (1995) y la sólida de "Return of Saturn" (2000). Además, lo llamó el peor trabajo de No Doubt. Continuó: «Es muy difícil creer que una banda como No Doubt que mostró tanta promesa, tuvo que ir y hacer un disco tan mediocre como "Rock Steady". [...] Como lo sugiere el título, mucho del nuevo disco está llenado hasta el borde con influencias jamaicanas, algo que podría considerarse un cambio agradable por algunos fanáticos, si se realiza bien. Por desgracia, en lugar de incorporar una influencia importante de "reggae" o "rocksteady", No Doubt tomó la decisión perjudicial de incorporar la mayoría, influencias del "dancehall". [...] El resto del álbum es real e ineludiblemente mediocre. Las influencias "dancehall", que son bastante frecuentes en este álbum, son totalmente monótonas. La mayoría de las canciones de "Rock Steady" se dividen en dos categorías: o son los mismas temas con influencias "dancehall" redundantes, o suenan como lados B de Gwen Stefani». Finalmente, le dio dos estrellas y media de cinco. Anthony Carew de Neumu tampoco quedó satisfecho con el material; al respecto, comentó: