title: Le Caravage

text: L'historien de l'art italien Roberto Longhi a su le premier mettre des noms dans la culture visuelle de Caravage en étudiant ses tableaux. D'après lui, le développement du style de Caravage aurait été la conséquence de l'influence de certains maîtres lombards, et plus précisément ceux ayant travaillé dans la région de Bergame, Brescia, Crémone et jusqu'à Milan : Foppa et Borgognone au siècle précédent, puis Lotto, Savoldo, Moretto et Moroni (que Longhi qualifie de « pré-caravagistes »). L'influence de ces maîtres, à laquelle on peut ajouter celle d'Ambrogio Figino, aurait donné les bases de l'art de Caravage. Savoldo ou encore les frères Antonio, Giulio et Vincenzo Campi utilisent ainsi des techniques de contraste entre ombres et lumière, peut-être inspirées de la fresque vaticane en clair-obscur de Raphaël représentant saint Pierre en prison. Cet effet de contraste devient un élément central de l’œuvre de Caravage. D'après Longhi, le principal maître de cette école serait Foppa, à l'origine de la révolution de la lumière et du naturalisme — opposé à une certaine majesté de la Renaissance — qui sont les éléments centraux des peintures de Caravage. Enfin, Longhi ne manque pas de souligner la très probable influence de Simone Peterzano, le maître du jeune apprenti qu'est encore Caravage. Le voyage vers Rome pouvait passer, pour un peintre en particulier, par Bologne, où il a pu aussi découvrir les expériences d'Annibale Carrache, qui lui auraient été utiles lors de ses premiers tableaux pour le marché libre à Rome.


title: Le Caravage

text: Les biographes de Caravage évoquent toujours les rapports étroits entre le peintre et le mouvement de la Réforme catholique (ou « Contre-Réforme »). Le début de l'apprentissage du peintre coïncide ainsi avec la disparition d'une figure majeure de cette Réforme : Charles Borromée, qui, parallèlement au gouvernement espagnol, a exercé au nom de l'Église l'autorité juridique et morale sur Milan. Le jeune artiste y découvre le rôle essentiel des commanditaires, à l'initiative de presque toute peinture à cette époque, et le contrôle exercé par l'autorité religieuse sur le traitement des images à destination du public. Charles Borromée, cardinal puis archevêque de Milan, est l'un des rédacteurs du Concile de Trente et il s'est efforcé de le mettre en pratique en ravivant l'action du clergé auprès des catholiques et en incitant les plus aisés à s'engager dans des confréries au secours des plus pauvres et des prostituées.


title: Le Caravage

text: Frédéric Borromée, cousin de Charles et lui aussi archevêque de Milan depuis 1595, a poursuivi cette œuvre et a entretenu des liens étroits avec saint Philippe Néri, mort en 1595 et canonisé en 1622. Fondateur de la Congrégation des Oratoriens, celui-ci a souhaité renouer avec la dévotion des premiers chrétiens, leur vie simple, et il a accordé un grand rôle à la musique. L'entourage de Caravage, ses frères, et Costanza Colonna qui protège sa famille, pratiquent leur foi dans l'esprit des Oratoriens et des "Exercices spirituels" d'Ignace de Loyola afin d'intégrer les mystères de la foi à leur vie quotidienne. Les scènes religieuses de Caravage sont donc logiquement imprégnées de cette simplicité, mettant en scène des pauvres, avec leurs pieds sales, les apôtres allant pieds nus ; la fusion des costumes antiques les plus modestes et des vêtements contemporains les plus simples participe de l'intégration de la foi à la vie quotidienne.


title: Le Caravage

text: Caravage quitte l'atelier de Simone Peterzano et retourne à Caravaggio vers 1589, année de la mort de sa mère. Il y reste jusqu'au partage de l'héritage familial en , puis il part à l'été, peut-être pour Rome, cherchant à y faire carrière comme beaucoup d'artistes alors. Il n'est pas exclu, toutefois, qu'il arrive à Rome plus tôt car cette période est mal documentée ; en fait, sa trace est perdue en 1592 pour un peu plus de trois ans, jusqu'à ce qu'on puisse attester de sa présence à Rome en (et sans doute depuis la fin 1595). Rome est à cette époque une ville pontificale dynamique, animée par le Concile de Trente et la Réforme catholique. Les chantiers y fleurissent et il y souffle un esprit baroque. Le pape Clément VIII est élu le , succédant à Sixte V qui a déjà beaucoup transformé la ville.


title: Le Caravage

text: Les premières années dans la grande cité sont chaotiques et mal connues : cette période a, ultérieurement et sur des faits mal interprétés, forgé sa réputation d'homme violent et querelleur, souvent obligé de fuir les conséquences judiciaires de ses rixes et duels. Il vit d'abord dans le dénuement, hébergé par Pandolfo Pucci. D'après Mancini, c'est de cette époque que datent ses trois premiers tableaux destinés à la vente, dont seulement deux nous sont parvenus : "Garçon mordu par un lézard" et "Garçon pelant un fruit". Seules des copies subsistent de ce dernier tableau, qui est probablement sa première composition connue et constitue l'un des tout premiers tableaux de genre à l'image de ceux d'Annibal Carrache dont Caravage a pu vraisemblablement voir les œuvres à Bologne. L'hypothèse d’une ambiance homoérotique dans les peintures de cette époque fait l’objet d'âpres débats parmi les spécialistes de l'artiste depuis les années 1970.


title: Le Caravage

text: Caravage entame des relations plus ou moins solides avec divers peintres locaux : d'après Baglione, il serait d'abord entré à l'atelier du très modeste peintre sicilien Lorenzo Carli dit « Lorenzo Siciliano ». Il fait la rencontre du peintre Prospero Orsi, de l'architecte Onorio Longhi et peut-être du peintre sicilien Mario Minniti qui deviennent des amis et qui l'accompagnent dans sa réussite. Il fait également la connaissance de Fillide Melandroni, qui devient une courtisane renommée à Rome et lui sert de modèle à maintes reprises.


title: Le Caravage

text: Il est possible qu'il entre ensuite dans un atelier de meilleur niveau, celui d'Antiveduto Grammatica, mais toujours pour y produire des tableaux bon marché.


title: Le Caravage

text: Il travaille, à partir de la première moitié de l'année 1593 et durant quelques mois, chez Giuseppe Cesari. À peine plus âgé que Caravage, Cesari est chargé de commandes et, ayant été anobli, il devient le « Cavalier d'Arpin ». C'est le peintre attitré du pape Clément VIII et un artiste très en vue, bien que lui et son frère Bernardino ne jouissent pas d'une réputation de haute moralité. C'est peut-être à leur contact, néanmoins, que Caravage éprouve le besoin de s'approcher des mœurs typiques de l'aristocratie du moment. Cesari confie à son apprenti la tâche de peindre des fleurs et des fruits dans son atelier. Durant cette période, Caravage est probablement aussi employé comme décorateur d’œuvres plus complexes, mais il n'existe aucun témoignage fiable. Il aurait pu apprendre au contact de Cesari comment vendre son art et comment, pour d'éventuels collectionneurs et amateurs d'antiquités, mettre en place son répertoire personnel en exploitant ses connaissances de l'art lombard et vénitien. C'est la période du "Petit Bacchus malade", du "Garçon avec un panier de fruits" et du "Bacchus" : des figures à l'antique qui cherchent à capter le regard du spectateur et où la nature morte, depuis peu mise à l'honneur, témoigne du savoir-faire du peintre avec une extrême précision dans les détails. Semés de références à la littérature classique, ces premiers tableaux sont bientôt à la mode, comme en témoignent de nombreuses copies d'époque de grande qualité.


title: Le Caravage

text: Plusieurs historiens évoquent un possible voyage à Venise pour expliquer certaines influences typiquement vénitiennes, notamment pour "Le Repos pendant la fuite en Égypte", mais ceci n'a jamais été établi avec certitude. Il semble peu apprécier à cette époque la référence à l'art de Raphaël ou à l' (ce qui, pour les artistes du , renvoie essentiellement à la sculpture romaine) mais il ne les ignore jamais. Sa "Madeleine repentante" témoigne ainsi de la survivance d'une figure allégorique antique mais avec une vue en légère plongée qui renforce l'impression d'abaissement de la pécheresse. Ce serait la première figure entière du peintre.


title: Le Caravage

text: À la suite d'une maladie ou d'une blessure, il est hospitalisé à l’hôpital de la Consolation. Sa collaboration avec Cesari prend fin brutalement, pour des raisons mal identifiées.


title: Le Caravage

text: C'est à cette époque que le peintre Federigo Zuccaro, protégé du cardinal Frédéric Borromée, provoque d'importants changements dans le statut des peintres. Il transforme leur confrérie en une académie en 1593 : l’"Accademia di San Luca" (Académie de Saint-Luc). Ceci a pour but d'élever le niveau social des peintres en invoquant la valeur intellectuelle de leur travail, tout en orientant la théorie artistique en faveur du "disegno" (dans le sens de "dessin" mais aussi d’"intention") contre le concept de "colore" défendu par le théoricien maniériste Lomazzo. Caravage apparaît sur une liste des premiers participants.


title: Le Caravage

text: Pour survivre, Caravage contacte des marchands afin de vendre ses tableaux. Il fait ainsi la connaissance de Constantino Spata dans sa boutique près de l'église Saint-Louis-des-Français. Celui-ci le met en relation avec son ami Prospero Orsi (également connu sous le nom de Prospero delle Grottesche) qui participe avec Caravage aux premières rencontres de l’"Accademia di San Luca" et devient son ami. Il l'aide à trouver un logement indépendant, chez Fantino Petrignani, et lui fait rencontrer ses connaissances bien placées. Le beau-frère d'Orsi, le camérier papal Gerolamo Vittrici, commande ainsi à Caravage trois peintures : "Madeleine repentante", "Le Repos pendant la fuite en Égypte" et "La Diseuse de bonne aventure" — puis plus tard le tableau d'autel "La Mise au tombeau".


title: Le Caravage

text: "La Diseuse de bonne aventure" soulève l'enthousiasme du cardinal Francesco Maria del Monte, homme de très grande culture, passionné d'art et de musique qui, enchanté par cette peinture en commande bientôt une seconde version, celle de 1595 (musées du Capitole). Le cardinal avait auparavant commencé par une première acquisition : le tableau des "Tricheurs". Le jeune lombard entre alors au service du cardinal pour presque trois ans dans le palais Madame (l'actuel siège du Sénat italien) à partir de 1597. Le cardinal y a lui-même été installé par son grand ami Ferdinand de Médicis en tant que diplomate au service du Grand-duché de Toscane auprès du pape. D'après Bellori (en 1672), Del Monte offre à l'artiste un très bon statut, allant jusqu'à lui donner une place honorable parmi les gentilshommes de la maison.


title: Le Caravage

text: Tout en étant placé sous la protection du cardinal, Caravage a le droit de travailler pour d'autres commanditaires, avec l'assentiment de son protecteur et patron. Cet homme pieux, membre de l'ancienne noblesse, est aussi modeste, portant des vêtements parfois usés, mais c'est l'une des personnalités les plus cultivées de Rome. Il est passionné de musique, forme des artistes et effectue des expériences scientifiques, en particulier en optique, avec son frère, Guidobaldo, qui publie en 1600 un ouvrage fondamental sur ce sujet. Dans ce milieu, Caravage trouve les modèles de ses instruments de musique et les sujets de certains tableaux, avec les détails érudits qui en font tout le charme pour les clients ; il apprend à jouer de la guitare baroque populaire et trouve une stimulation intellectuelle pour porter son attention aux effets (notamment d'optique) et au sens de la lumière et des ombres portées. Le cardinal est coprotecteur de l’"Accademia di San Luca" et membre de la "Fabbrica di San Pietro", clé de toute commande pour la basilique Saint-Pierre et de toutes les affaires liées à des commandes en souffrance. Collectionneur des premières œuvres de Caravage (il possède huit de ses tableaux à sa mort en 1627), il recommande le jeune artiste et lui obtient une importante commande : la décoration de l'ensemble de la chapelle Contarelli à l'église Saint-Louis-des-Français de Rome. Le grand succès de cette réalisation vaut à Caravage d'autres commandes, et contribue largement à assurer sa renommée.


title: Le Caravage

text: Outre ce soutien crucial, Caravage bénéficie de bon nombre d'avantages au contact de Del Monte. Il intègre les us et coutumes de l'ancienne noblesse, comme l'autorisation de porter l'épée, qui s'étend à leur maisonnée, ou encore l'attachement aux codes de l'honneur permettant d'en faire usage ; il intègre leur dédain du faste mais aussi leur goût pour les collections et la culture, jusqu'à l'usage de l'érudition en peinture ; il fait surtout partie du réseau d'amitié de ces cercles ecclésiastiques et de leurs proches. Ainsi, le voisin de Del Monte est le banquier génois Vincenzo Giustiniani, autre commanditaire et collectionneur de Caravage. Enfin, l'influence du cardinal se ressent dans des détails d'érudition théologique qui impactent les choix picturaux du jeune peintre, tendant à prouver que ce dernier discute de ses compositions avec son protecteur. Caravage trouve donc beaucoup plus qu'un commanditaire en la personne du cardinal Del Monte : c'est pour lui un véritable mentor.


title: Le Caravage

text: Grâce aux commissions et aux conseils de l'influent prélat, Caravage change son style, abandonnant les toiles de petit format et les portraits individuels pour commencer une période de réalisations d’œuvres complexes avec des groupes de plusieurs personnages profondément impliqués dans une action, souvent à mi-corps mais aussi, parfois, en pied. Le cardinal achète plusieurs peintures qui correspondent à ses propres goûts : "Les Musiciens" et "Le Joueur de luth" avec des scènes où s'accentue la proximité avec le spectateur, jusqu'à "La Diseuse de bonne aventure" et "Les Tricheurs" où le spectateur devient quasiment un complice de l'action représentée.


title: Le Caravage

text: En quelques années, sa réputation grandit de manière phénoménale. Caravage devient un modèle pour une génération entière de peintres qui s'inspirent de son style et de ses thèmes. Le cardinal Del Monte est membre du collège des cardinaux qui surveille le chantier de la basilique Saint-Pierre, mais il suit aussi d'autres commandes semblables dans les églises romaines. Grâce à lui, Caravage se voit confier des commandes importantes à partir de 1599, notamment pour le clergé : "La Vocation" et "Le Martyre de saint Matthieu", ainsi que "Saint Matthieu et l'Ange" pour la chapelle Contarelli de l'église Saint-Louis-des-Français (dont Giuseppe Cesari a déjà peint à fresque le plafond en 1593), ainsi que "la Nativité avec saint Laurent et saint François" (aujourd'hui disparue) pour Palerme, "La Conversion de saint Paul sur le chemin de Damas" et "Le Crucifiement de saint Pierre" pour la chapelle Cerasi à l'église Santa Maria del Popolo. Des sources anciennes font état de peintures refusées ; néanmoins, cette question a été récemment revue et corrigée, prouvant que les tableaux de Caravage obtiennent au contraire un succès public malgré certains refus de la part de commanditaires ecclésiastiques. Cela concerne la première version de "La Conversion de saint Paul", "Saint Matthieu et l'Ange" (1602) ou plus tard la "Mort de la Vierge" (1606). Ces tableaux trouvent néanmoins de nombreux acquéreurs, et parmi les plus notables le marquis Vincenzo Giustiniani et le duc de Mantoue, riches amateurs d'art.


title: Le Caravage

text: Les œuvres pour la chapelle Contarelli, en particulier, font sensation lors de leur dévoilement. Le style novateur de Caravage attire l'attention par sa manière de traiter les thèmes religieux (en l'occurrence, la vie de saint Matthieu) et par extension ceux de la peinture d'histoire en s'aidant de modèles vivants. Il transpose ses modèles lombards dans des compositions qui se mesurent aux grands noms du moment : Raphaël et Giuseppe Cesari, futur Cavalier d'Arpin. Dans cette rupture, toute relative, avec les idéaux classiques de la Renaissance, et avec des références érudites prodiguées sans restriction par le cardinal Del Monte et son cercle, il humanise ainsi le divin et le rapproche du commun des croyants. Il remporte un succès immédiat (dès la première version du "Saint Matthieu et l'Ange") et étend considérablement son influence auprès des autres peintres, surtout grâce à la scène de "La Vocation de saint Matthieu". Ce tableau génère ensuite une profusion d'imitations plus ou moins heureuses, toujours avec plusieurs personnages en train de boire et manger tandis que d'autres jouent de la musique, le tout dans une atmosphère ténébreuse entrecoupée de zones de lumière vive.


title: Le Caravage

text: Les années qu'il passe à Rome sous la protection du cardinal ne sont toutefois pas exemptes de difficultés. Il se montre bagarreur, susceptible et violent et connaît plusieurs séjours en prison, comme un grand nombre de ses contemporains, les affaires d'honneur se réglant souvent au début du par un duel. Il se fait d'ailleurs plusieurs ennemis qui contestent sa manière de concevoir le métier d'artiste peintre, notamment le peintre Giovanni Baglione, virulent détracteur qui s'en prend souvent à lui, et qui contribue durablement à ternir la réputation personnelle de l'artiste dans son ouvrage "Le vite de' pittori, scultori et architetti".


title: Le Caravage

text: Caravage peint pendant cette période romaine une grande partie de ses tableaux les plus réputés et connaît un succès et une célébrité croissants à travers tout le pays : les commandes affluent, même si certaines toiles sont parfois refusées par les commanditaires les plus conventionnels lorsqu'elles s'éloignent des normes iconographiques rigides de l'époque ("La Mort de la Vierge" est ainsi refusée par les Carmes déchaussés, et néanmoins rapidement achetée par un collectionneur privé, le duc de Mantoue). Les œuvres sont nombreuses, il en réalise plusieurs par an et semble peindre directement sur la toile, d'un trait ferme et en modulant de moins en moins les passages. Néanmoins, il est probable qu'il ait réalisé des études, bien qu'aucun dessin n'ait été conservé. Vers 1597, sa fameuse "Tête de Méduse" peinte pour le cardinal del Monte est son premier travail sur le thème de la décapitation, qui se retrouve plusieurs fois dans son œuvre. Parmi les autres œuvres, on peut citer "Sainte Catherine d'Alexandrie", "Marthe et Marie-Madeleine" (la Conversion de Marie-Madeleine) et "Judith décapitant Holopherne". Son tableau "La Mise au tombeau", peint vers 1603-1604 pour décorer l'autel de l'église Santa Maria in Vallicella (entièrement reprise sous l'impulsion de Philippe Néri), constitue une de ses œuvres les plus abouties. Elle est ultérieurement copiée par plusieurs peintres, dont Rubens.


title: Le Caravage

text: Quelle que soit l'issue des commandes publiques, de nombreuses commandes privées assurent à Caravage des revenus confortables pendant sa période romaine, et témoignent de son succès. Plusieurs familles commandent des tableaux d'autel pour les installer dans leurs chapelles privées : Pietro Vittrici commande "La Mise au tombeau" pour la Chiesa Nuova ; les Cavaletti font installer "La Madone des pèlerins" dans la basilique Sant'Agostino ; et "La Mort de la Vierge" est commandée par le juriste Laerzio Cherubini pour l'église carmélite de Santa Maria della Scala.


title: Le Caravage

text: Outre les prélats collectionneurs comme les cardinaux Del Monte, Sannesi ou plus tard Scipione Borghese, ce sont souvent des financiers qui sont les premiers clients romains importants de Caravage. Ceux-ci font preuve d'une approche de la vie aussi positiviste que les savants de la nouvelle école scientifique. Le très puissant banquier Vincenzo Giustiniani, voisin du cardinal, fait l'acquisition du "Joueur de luth" ; ce tableau obtient un tel succès que Del Monte en demande une copie. Par la suite, Giustiniani passe une série de commandes pour embellir sa galerie de peintures et sculptures, ainsi que pour faire valoir sa culture savante. C'est ainsi qu'est commandé le tableau représentant "L'Amour victorieux", où Cupidon nu est accompagné de symboles discrètement imbriqués avec le minimum d'accessoires significatifs. Douze tableaux supplémentaires de Caravage font partie de l'inventaire de la succession de Giustiniani en 1638. Un autre nu renommé est destiné au collectionneur Ciriaco Mattei, un autre financier. Celui-ci, qui possède déjà une fontaine ornée de jeunes garçons dans une position assise particulière, passe commande à Caravage d'un tableau inspiré de cette base, et qui devient "Le Jeune Saint Jean-Baptiste au bélier". Ici le peintre se confronte aux "ignudi" du plafond de la chapelle Sixtine et à Annibal Carrache qui vient de peindre à Rome ce même sujet. Outre ce "Jean-Baptiste", Mattei possède au moins quatre autres tableaux de Caravage. Ottavio Costa, banquier du pape, complète cette liste : il fait notamment l'acquisition de "Judith décapitant Holopherne", "L'Extase de saint François" et "Marthe et Marie-Madeleine".


title: Le Caravage

text: Pendant ses années romaines, Caravage, qui se sait artiste d'exception, voit son caractère évoluer. Dans un milieu où le port de l'épée est signe d'ancienne noblesse et alors qu'il fait partie de la noble maisonnée du cardinal Del Monte, le succès lui monte à la tête. L'épée que l'on voit dès 1600 dans "La Vocation" et dans "Le Martyre de saint Matthieu", qui semble faire partie du décor naturel de cette époque, fait de lui un de ces nombreux criminels pour crime d'honneur, qui ont demandé grâce au souverain pontife et l'ont souvent obtenue.


title: Le Caravage

text: Cela commence en 1600 par des mots. Le , il s'en prend à un étudiant, Girolamo Spampa, pour avoir critiqué ses œuvres. Dans l'autre sens, Giovanni Baglione, ennemi déclaré et rival de Caravage, le poursuit pour diffamation. En 1600, il est également plusieurs fois emprisonné pour avoir porté l'épée et il est accusé de deux agressions, toutefois classées sans suite. En revanche, son ami et "alter ego", Onorio Longhi, subit des mois d'interrogatoires pour toute une série de délits et le premier biographe du peintre, Carel van Mander, semble avoir confondu les deux hommes, ce qui a eu ensuite pour conséquence de donner de Caravage l'image d'un homme qui provoque des troubles à l'ordre public partout où il se trouve.


title: Le Caravage

text: En 1605, le pape Clément VIII meurt et son successeur Léon XI ne lui survit que de quelques semaines. Cette double vacance rallume les rivalités entre prélats francophiles et hispanophiles, dont les partisans s'affrontent de plus en plus ouvertement. Le conclave frôle le schisme avant d'élire pape, sous le nom de Paul V, le francophile Camillo Borghèse. Son neveu Scipion Borghèse est un bon client de Caravage et le nouveau pape commande son portrait au peintre, maintenant bien connu des plus hauts dignitaires de l'Église.


title: Le Caravage

text: Caravage, qui vit tout près du Palais Borghèse, dans un logement misérable de la ruelle dei Santi Cecilia e Biagio (aujourd'hui "vicolo del Divino Amore"), passe souvent ses soirées à traîner dans les tavernes . Le plus grave incident se produit le , au cours des fêtes de rue à la veille de l'anniversaire de l'élection du pape Paul V. Ces fêtes sont l'occasion de nombreuses bagarres dans la ville. Dans l'une d'entre elles, quatre hommes armés s'affrontent de part et d'autre, dont Caravage et son partenaire Onorio Longhi qui font face à des membres et proches de la famille Tomassoni, parmi lesquels Ranuccio Tomassoni et son frère Giovan Francesco, pourtant . Pendant ce combat, Caravage tue Ranuccio Tomassoni d'un coup d'épée ; lui-même est blessé et l'un de ses camarades, Troppa, est également tué par Giovan Francesco. Il est presque certain que cette rixe a pour objet une ancienne querelle, bien qu'il ne soit pas établi avec certitude quel en a été l'objet. Des tensions entre Onorio Longhi et les Tomassoni existent depuis longtemps déjà, et il est probable que Caravage soit simplement venu assister son ami Longhi dans cette "vendetta", comme l'exige le code de l'honneur.


title: Le Caravage

text: À la suite de ce drame, les différents participants s'enfuient pour échapper à la justice ; pour sa part, Caravage entame son exil par la principauté de Paliano, au sud de Rome.


title: Le Caravage

text: Pour ce meurtre d'un fils d'une puissante et violente famille, liée aux Farnèse de Parme, Caravage est condamné par contumace à la mort par décapitation. Cela le contraint à rester éloigné de Rome. Commence ensuite un long périple de quatre années à travers l'Italie (Naples, Sicile, Syracuse, Messine) puis jusqu'à Malte. Cependant, Romain d'âme et de cœur, il s'efforce d'y revenir tout le long de sa vie — mais sans succès de son vivant malgré un pardon pontifical que son travail et ses amis et protecteurs réussissent finalement à obtenir.


title: Le Caravage

text: Après s'être réfugié dans la région du mont Albain à Paliano, et peut-être Zagarolo où la famille Colonna l'héberge, Caravage se rend ensuite à Naples — alors sous domination espagnole, et donc hors de portée de la justice romaine — en septembre ou . C'est une période de création très féconde, bien qu'il se trouve alors dans un environnement intellectuel très différent de celui de Rome.


title: Le Caravage

text: À Naples Caravage continue de peindre des tableaux qui lui rapportent de belles sommes d'argent, dont le retable "Les Sept Œuvres de miséricorde" (1606/07) pour l'église de la congrégation du Pio Monte della Misericordia. En ce qui concerne les contrastes marqués du clair-obscur («chiaroscuro») de cette peinture, se peut expliquer la lumière brillante du Caravage comme une métaphore de la miséricorde, qui « aide le public à chercher la miséricorde dans sa propre vie ».


title: Le Caravage

text: La peinture pour le riche Tommaso de Franchis "La Flagellation du Christ" connaît un grand succès. Une "Vierge à l'Enfant", aujourd'hui disparue, est sans doute aussi réalisée à ce moment, de même que "Le Crucifiement de saint André" pour le comte de Benavente, vice-roi d'Espagne.


title: Le Caravage

text: Certains tableaux à destination de prélats influents semblent être produits tout particulièrement pour hâter l'obtention de son pardon judiciaire : c'est peut-être le cas du "Saint François méditant" qui aurait pu être peint pour Benedetto Ala (président du tribunal pénal pontifical) au début de l'exil à Paliano, ainsi que d'un nouveau "David et Goliath" particulièrement sombre à destination du cardinal Scipione Borghèse, neveu du pape Paul V. Ce dernier ne tarde pas, de fait, à nommer Caravage à Malte. Michel Hilaire soutient, à la suite de Roberto Longhi, que "David avec la tête de Goliath", daté par Sybille Ebert-Schifferer de 1606-1607, aurait été réalisé .


title: Le Caravage

text: En , il quitte donc Naples, où il a séjourné une dizaine de mois, et s'installe à Malte, souhaitant être nommé au sein de l'ordre de Saint-Jean de Jérusalem. Il est courant d'être nommé chevalier après d'importantes commandes pour le pape, et cet engagement militaire contre la menace turque pouvait remplacer une sanction pénale. Il est donc présenté au grand maître, Alof de Wignacourt, dont il peint le portrait. Il produit également plusieurs autres tableaux, dont le "Saint Jérôme écrivant" commandé par le chevalier Malaspina, "Amour endormi" pour le chevalier Dell'Antella, "la Décollation de saint Jean-Baptiste", monumental tableau d'autel exceptionnellement horizontal (3,61 × ) réalisé "in situ" dans la co-cathédrale Saint-Jean de La Valette et peut-être sa seconde "Flagellation du Christ", commandés par le clergé local.


title: Le Caravage

text: En , il est fait chevalier de Malte de l'ordre de Saint-Jean de Jérusalem. Mais sa consécration ne dure pas. Dans la nuit du , il est le protagoniste d'une nouvelle affaire de violence. Au cours d'une rixe, Caravage se mêle à un groupe qui tente de pénétrer de force dans la maison de l'organiste de la cathédrale. Jeté en prison, il s'en échappe par une corde et quitte Malte. Il est en conséquence radié de l'Ordre. Il est probable, toutefois, qu'il aurait pu bénéficier d'une forme de clémence s'il avait attendu les conclusions de la commission d'enquête.


title: Le Caravage

text: Caravage débarque alors à Syracuse, en Sicile. La présence de son ami Mario Minniti n'étant pas attestée, on suppose l'influence d'une autre connaissance du peintre, le mathématicien et humaniste Vincenzo Mirabella, dans la commande de "L'Enterrement de sainte Lucie". Caravage répond en effet à plusieurs commandes pour de grandes familles et pour le clergé, dont deux retables, "La Résurrection de Lazare" et "L'Enterrement de sainte Lucie" où se retrouve, chaque fois avec la plus explicite détermination, l'effet spectaculaire d'un vaste espace de peinture laissé vide comme dans "La Décollation de saint Jean-Baptiste". Ensuite, un document signale sa présence le à Messine, et il peint alors "L'Adoration des bergers". Avec l'appui de ses protecteurs, et en peignant ces tableaux toujours inspirés par ses commanditaires profondément religieux et empreints d'une sincère humanité, il s'emploie toujours à obtenir la grâce du pape pour pouvoir rentrer à Rome.


title: Le Caravage

text: En , il retourne à Naples. Dès son arrivée, il est grièvement blessé, dans une nouvelle bagarre, par plusieurs hommes qui l'attaquent et le laissent pour mort : la nouvelle de sa mort remonte même jusqu'à Rome, mais il survit et peint encore, sur commande, plusieurs tableaux comme "Salomé avec la tête de saint Jean-Baptiste", peut-être "Le Reniement de saint Pierre", un nouveau "Saint Jean-Baptiste" et "Le Martyre de sainte Ursule", pour le prince Marcantonio Doria, qui pourrait être sa toute dernière toile.


title: Le Caravage

text: Il est envisageable, toutefois, que d'autres tableaux soient à inscrire au catalogue de cette production tardive, dont une "Marie-Madeleine" et deux "Saint Jean-Baptiste" destinés au cardinal Scipion Borghese. Un "Saint Jean-Baptiste à la fontaine", souvent copié par la suite, n'est pas attribué à Caravage avec certitude mais pourrait bien constituer sa dernière œuvre inachevée.


title: Le Caravage

text: Le contexte et les circonstances exactes de la mort de Caravage restent en grande partie énigmatiques. En , il apprend que, grâce à l'entremise du cardinal Scipion Borghese, le pape est enfin disposé à lui accorder sa grâce s'il demande son pardon. Voulant brusquer le destin, il quitte Naples, muni d'un sauf-conduit du cardinal Gonzague, pour se rapprocher de Rome. Il s'embarque alors sur une felouque qui fait la liaison avec Porto Ercole (actuellement en Toscane), "frazione" de Monte Argentario, une enclave alors espagnole du royaume de Naples. Il emporte avec lui plusieurs tableaux destinés au cardinal Borghese et en laisse d'autres à Naples. Il fait escale à Palo Laziale, une petite baie naturelle du Latium au sud de Civitavecchia sur le territoire des États de l'Église qui héberge alors une garnison. Alors qu'il est à terre, il est arrêté, par erreur ou malveillance, et jeté en prison pendant deux jours. Cet épisode advient alors que le pape lui a déjà accordé sa grâce, que Caravage espère enfin recevoir en revenant à Rome. Mais il meurt en chemin. Son décès est enregistré à l'hôpital de Porto Ercole, le . Il a . Les documents issus de la querelle suscitée par son héritage ont permis d'éclairer en partie ces événements et d'identifier son dernier domicile napolitain, mais les détails de sa mort restent encore assez obscurs.


title: Le Caravage

text: Selon une version volontairement inventée de toutes pièces, Giovanni Baglione reconstitue ainsi les derniers moments du peintre : Cette version des faits est aujourd'hui rejetée avec une argumentation précise. Giovanni Pietro Bellori, biographe ultérieur, s'est ensuite simplement appuyé sur cette version fausse. Une version antérieure précise que, désespéré, il a rejoint à pied Porto Ercole à cent kilomètres et que, dépité, perdu et fiévreux, il a marché sur la plage en plein soleil où il a fini par mourir quelques jours plus tard. Selon une version plus probable, il se serait déplacé à cheval en suivant la Via Aurelia, de Palo Laziale à Porto Ercole, avant d'y trouver la mort.


title: Le Caravage

text: Vincenzo Pacelli, spécialiste du peintre et plus particulièrement de cette époque, propose néanmoins une autre version, documents à l'appui : Caravage aurait été attaqué à Palo et cette agression lui aurait été fatale ; elle aurait été commise par des émissaires des chevaliers de Malte avec l'accord tacite de la Curie romaine — et cela en dépit du fait qu'à sa mort, il n'est plus chevalier de l'Ordre de Malte.


title: Le Caravage

text: Quoi qu'il en soit, le document précis de son certificat de décès, retrouvé en 2001 dans le registre des décès de la paroisse de Saint-Érasme de Porto Ercole, signale qu'il est mort . On peut en déduire qu'il est mort , c'est-à-dire "a priori" du paludisme, mais le saturnisme ne semble pas exclu. Il est probablement inhumé, comme tous les étrangers qui sont décédés dans cet hôpital, dans le cimetière de San Sebastiano de Porto Ercole.


title: Le Caravage

text: En 2010, les restes de Caravage auraient été retrouvés dans l'ossuaire d'une église de Porto Ercole, et identifiés grâce à des analyses au carbone 14 avec une probabilité de 85 %. Atteint d'une intoxication chronique au plomb ainsi que de la syphilis, le peintre serait mort d'un état de faiblesse générale et d'un coup de chaleur. La réalité de cette découverte est toutefois contestée par de nombreux experts scientifiques et par des historiens de l'art de premier plan.


title: Le Caravage

text: Quelques années plus tard, un travail associant des anthropologues italiens, le microbiologiste Giuseppe Cornaglia et les équipes d'un institut médico-universitaire de Marseille étudie la pulpe de plusieurs dents prélevées sur le squelette exhumé en 2010. En combinant trois méthodes de détection, les auteurs démontrent que cette personne était porteuse d'un staphylocoque doré qu'il aurait pu contracter via une blessure à la suite d'une rixe. Cette bactérie pourrait avoir causé un sepsis et la mort. L'étude est publiée dans la revue "The Lancet infectious diseases" en automne 2018 et ses auteurs estiment que les indices concordent vers sa personne et rendent crédible l'hypothèse de sa mort.


title: Le Caravage

text: L'une des caractéristiques de la peinture de Caravage, un peu avant 1600, est son usage très novateur du clair-obscur ("") où les gradations des parties éclairées jusqu'à l'ombre sont violemment contrastées ; il s'agit d'une évolution nette par rapport à ses premières œuvres : . Avec le temps, et surtout dès que les scènes religieuses deviennent très majoritaires (après les grandes toiles de Saint-Louis-des-Français) les arrière-plans de ses tableaux s'assombrissent jusqu'à devenir une grande surface d'ombre qui contraste violemment avec les personnages touchés par la lumière. Dans la plupart des cas, le rayon de lumière pénètre dans l'espace représenté sur un plan qui coïncide avec le plan du tableau, selon un axe oblique venant d'en haut depuis la gauche. Catherine Puglisi situe ainsi autour de 1600 cette évolution de l'art de Caravage : jusqu'à la fin des années 1590, le choix se porte sur un faisceau lumineux en arrière-plan, avec des ombres renforcées, puis après 1600 la lumière devient plus orientée. Elle note aussi l'usage (relativement rare pour l'époque) d'ombres portées dans l’œuvre tardive, très travaillées et plus précises que pour ses contemporains, peut-être grâce à ses connaissances dans le domaine de l'optique.


title: Le Caravage

text: Ce travail spécifique sur les ombres constitue d'abord un écho à des thèmes progressivement plus graves que dans ses œuvres de la période Del Monte : . Une grande partie du tableau étant plongée dans l'ombre, la question de la représentation « en profondeur » de l'architecture et du décor est évacuée au profit de l'irruption des figures dans un puissant effet de relief, volontairement quasi-sculptural, et qui semble surgir hors du plan du tableau jusqu'à l'espace du spectateur. Cet usage de la lumière et de l'ombre caractérise le ténébrisme ; toutefois Longhi souligne que Caravage ne l'emploie ni pour sublimer le corps humain comme Raphaël ou Michel-Ange, ni pour obtenir les effets de , mais plutôt dans une approche naturaliste qui retire à l'Homme sa fonction et pousse Caravage à scruter pendant des années .


title: Le Caravage

text: Dans la plupart des tableaux de Caravage, les personnages principaux de ses scènes ou de ses portraits sont placés dans une pièce sombre, un extérieur nocturne ou simplement dans un noir d’encre sans décor. Une lumière puissante et crue provenant d’un point surélevé au-dessus du tableau, ou venant de la gauche, et parfois sous forme de plusieurs sources naturelles et artificielles (à partir de 1606-1607) découpe les personnages à la manière d’un ou plusieurs projecteurs sur une scène de théâtre. Ces caractéristiques alimentent diverses hypothèses quant à l'organisation de l'atelier de Caravage : il serait équipé d'une lumière sommitale ; ses murs seraient peints en noir ; il serait installé de façon plus ou moins souterraine L'usage d'artifices techniques de type "camera obscura" est également probable selon Longhi (thèse reprise et développée notamment par le peintre et photographe David Hockney), bien que la faisabilité technique de cette solution reste sujette à caution et objet de débats. C'est ainsi que la lumière devient en elle-même un élément déterminant influant sur la réalité (approche que Longhi oppose là encore aux du Tintoret et aussi du Greco), comme dans "La Vocation de saint Matthieu" où l'éclat de la lumière joue un rôle clé dans la scène.


title: Le Caravage

text: Dans "Le Martyre de saint Matthieu" (1599-1600), la lumière naturelle traverse le tableau pour se déverser à flots en son centre sur le corps blanc de l’assassin et sur les tenues claires du saint martyr et du jeune garçon terrifié, contrastant avec les vêtements sombres des témoins disposés dans l’obscurité de ce qui semble être le chœur d’une église. Le saint écarte les bras comme pour accueillir la lumière et le martyre ; ainsi l’exécuteur, ne portant qu’un voile blanc autour de la taille, semble un ange descendu du ciel dans la lumière divine pour accomplir le dessein de Dieu — plutôt qu’un assassin guidé par la main du démon. Comme dans "La Vocation", les protagonistes ne sont pas identifiables au premier coup d'œil, mais l'obscurité crée un espace indéterminé dans lequel le puissant effet de présence des corps violemment éclairés, peints à l'échelle naturelle avec pour certains des costumes contemporains, invite le spectateur à revivre émotionnellement le martyre du saint. Ebert-Schifferer souligne que c'est l'orientation et la qualité de la lumière qui constituent l'innovation la plus marquante de l'art de Caravage : .


title: Le Caravage

text: Ces contrastes de lumière et d'ombre très marqués dans l’œuvre de Caravage seront parfois critiqués pour leur caractère extrême considéré comme abusif (son quasi-contemporain Nicolas Poussin lui voue une immense détestation, notamment à cause de ces contrastes violents), y compris par des critiques bien postérieurs au et qui associent souvent l'atmosphère des tableaux au tempérament supposé du peintre. Stendhal par exemple emploie ces termes :


title: Le Caravage

text: Au-delà des répartitions de l'ombre et de la lumière propres à ses tableaux, Caravage est toujours attentif à l'éclairage des tableaux commandés pour un lieu précis. C'est le cas pour "La Madone des pèlerins" et pour tous ces tableaux d'autel où Caravage prend en compte l'éclairage dont bénéficie l'autel selon le point de vue d'une personne qui entre dans l'église. Dans le cas de "La Madone des pèlerins", la lumière vient de la gauche et c'est effectivement ce qu'il a peint sur le tableau : la scène est ainsi inscrite dans l'espace réel que l'on perçoit dans l'église même. De même, dans la "Mise au tombeau", la lumière semble venir du tambour de la coupole de la Chiesa Nuova, percé de fenêtres hautes, alors que dans les tableaux destinés au marché la lumière vient, par convention, de la gauche.


title: Le Caravage

text: Très attentif aux effets lumineux et à l'impact d'une peinture sobre, Caravage réduit aussi ses moyens d'expression par la couleur. Sa palette est souvent considérée comme limitée mais cohérente dans son influence lombarde (C. Puglisi), bien que certains spécialistes la jugent assez large (S. Ebert-Schifferer), mais en tout cas de plus en plus restreinte dans ses derniers tableaux et toujours en évitant les tons purs, trop brillants ou trop lumineux. Sa maîtrise de la couleur est remarquable et provoque l'admiration de ses contemporains : il est même probable que c'est là un élément décisif dans la réforme du maniérisme et de ses couleurs superficielles.


title: Le Caravage

text: Contrairement aux pratiques en vogue à son époque, Caravage évite les dégradés à l'intérieur de chaque ton et ne craint pas de juxtaposer abruptement des couleurs saturées. Une évolution est sensible au moment de la réalisation des tableaux de la chapelle Cerasi, avec le passage d'une palette d'inspiration lombarde à une palette s'appuyant davantage sur les couleurs primaires ; l'évolution dans ce domaine tient aussi à l'affinage de la coordination entre les couleurs et son éclairage.


title: Le Caravage

text: L'intégralité de son œuvre est réalisée à la peinture à l'huile, y compris son unique fresque sur plafond. On connaît toutefois deux cas d'utilisation d'une fine couche de détrempe à l’œuf, permettant de raccourcir les délais de séchage mais aussi de gagner en brillance et en clarté. Les fonds sont traités de façon assez constante techniquement au fil de sa production, eux-mêmes liés à l'huile et demandant donc de longues périodes de séchage, mais avec une évolution sensible des teintes plus claires (marron, rouge-brun) vers d'autres plus foncées (brun foncé ou noir). L'usage fréquent de malachite (un pigment vert) intégrée aux fonds disparaît après la période napolitaine pour être remplacée par des pigments très sombres (noir de charbon, terre d'ombre brûlée notamment). Il est envisageable que la luminosité particulière aux tableaux de Caravage soit due en partie à l'emploi de certains fonds gris, ou à la réservation de zones claires lorsque les fonds deviennent plus sombres.


title: Le Caravage

text: Au moment de l'exécution finale, les blancs sont fréquemment adoucis par un fin glacis de tons sombres rendus transparents. L'outremer, dont le prix est élevé, est utilisé avec parcimonie ; le vermillon est souvent teinté de noir et apparaît beaucoup plus souvent que le bleu. Les rouges sont utilisés en larges plages de couleur. Localement, des verts et des bleus sont atténués eux aussi par des glacis de noir. Ces glacis ont pour effet de renforcer l'éclat des parties qu'ils recouvrent tout en nuançant la couleur ; pour obtenir l'effet inverse, Caravage mêle du sable très fin à ses couleurs afin de rendre telle partie mate et opaque par contraste avec les zones brillantes. Il semble que le peintre ait été stimulé par ces effets optiques durant son séjour chez le cardinal Del Monte. "La diseuse de bonne aventure" des musées du Capitole, destinée au cardinal, présente ainsi une fine couche d'un sable de quartz qui empêche les reflets indésirables. C'est peut-être aussi chez Del Monte que Caravage aurait eu accès à de nouveaux pigments : "Le Jeune Saint Jean-Baptiste au bélier" (1602) présente des traces de baryum, ce qui laisse supposer l'expérimentation de mélanges de pigments avec du sulfate de baryum (ou « pierre de Bologne ») aux effets phosphorescents. Les contours des personnages ou certaines délimitations de zones adjacentes sont souvent marqués par un fin liseré réalisé en reprenant la couleur du fond ; c'est là une technique typique de Caravage, bien qu'il n'en soit pas le seul dépositaire.


title: Le Caravage

text: Dès ses premiers tableaux, on a pensé que Caravage peint simplement ce qu'il a vu. L'artiste a contribué à conforter cette conviction du public qu'il peint d'après nature sans passer par l'étape du dessin, ce qui est très inhabituel pour un peintre italien de cette époque ; comme on n'a retrouvé aucun dessin de sa main, mais que les historiens de l'art ont du mal à envisager que Caravage ne passe pas par une phase de conception, la question reste problématique encore aujourd'hui.


title: Le Caravage

text: Il est établi que Caravage est arrêté, une nuit, en possession d'un compas. Ebert-Schifferer rappelle que l'usage du compas est alors très commun dans la préparation des peintures : il symbolise le "disegno", à la fois le dessin, comme première étape du tableau, et le projet intellectuel ou l'intention qui réside dans ce tableau. Le premier patron de Caravage à Rome, Giuseppe Cesari, s'est ainsi représenté avec un de ces compas dans un dessin situable vers 1599 ; dans "L'Amour victorieux", cet instrument est aussi représenté. Caravage aurait donc pu s'en servir pour réaliser des constructions précises, car certaines reposent clairement sur des constructions géométriques. Mais comme on n'en retrouve aucune trace sur la toile, Ebert-Schifferer suppose que Caravage aurait réalisé des dessins, qui n'ont pas été retrouvés et qui ont peut-être été détruits par l'artiste. Il a d'ailleurs nécessairement réalisé des études préparatoires qui lui ont été commandées dans trois circonstances documentées : pour la chapelle Cerasi à Santa Maria del Popolo, pour une commande perdue de De Sartis et pour "La Mort de la Vierge". Quoi qu'il en soit, Caravage pratique l’"abozzo" (ou "abbozzo") : le dessin réalisé directement sur la toile, sous forme d'une ébauche au pinceau et avec, éventuellement, quelques couleurs. Avec les techniques actuelles, on ne détecte l’"abozzo" par radiographie que lorsqu'il contient des métaux lourds comme le blanc de plomb, tandis que les autres pigments n'apparaissent pas. Le blanc de plomb a été utilisé sur des toiles préparées en sombre, et Caravage a bien utilisé des préparations plus ou moins sombres, verdâtres puis brunes, mais il n'aurait donc pas utilisé de blanc de plomb dans cette éventuelle pratique de l"'abozzo".


title: Le Caravage

text: Il est également possible, sans que cela soit établi avec certitude, que Caravage recoure à des mises en scène de groupe dans son atelier, faisant prendre la pose simultanément aux différents personnages qui composent la scène ; c'est une pratique attestée par exemple chez Barocci (d'après Bellori), et une hypothèse volontiers reprise par Derek Jarman dans son film de 1986, "Caravaggio".


title: Le Caravage

text: Il est certain en revanche que dans ses préparations, mais aussi sur la toile en cours de réalisation, Caravage porte des incisions — au stylet ou avec le manche du pinceau. Il le fait déjà pour "Les Tricheurs" et la première version de "La Diseuse de bonne aventure", puis maintient cette pratique jusqu'à ses toutes dernières toiles. Elles restent perceptibles en lumière rasante avec beaucoup d'attention. Il incise essentiellement sa peinture pour repérer la position des yeux, le segment d'un contour ou le point d'angle d'un membre. Pour les chercheurs contemporains qui sont persuadés que Caravage a directement improvisé sur le motif, ces incisions sont l'indice de marques servant à retrouver la pose à chaque séance ou pour « caler » les figures dans les tableaux à plusieurs personnages. Toutefois, Ebert-Schifferer précise qu'en dehors des œuvres de jeunesse, les incisions indiquent des contours dans la pénombre ou bien servent à délimiter une zone éclairée sur un corps, à l'endroit où tombe la lumière. Dans ces cas tout semble indiquer qu'elles servent à compléter l'ébauche esquissée au blanc sur le fond brun ; et, pour les parties dans l'obscurité, à ne pas perdre de vue les contours mangés par l'ombre au cours de la réalisation de la peinture. Ces différentes pistes montrent qu'il n'y a pas de consensus complet quant à la finalité de ces incisions.


title: Le Caravage

text: Certaines des œuvres de Caravage intègrent des tours de force techniques, et ont pu contribuer à asseoir sa réputation : c'est le cas de "Jupiter, Neptune et Pluton" représentés au plafond de la villa Ludovisi de Rome (sur sa seule fresque connue, exécutée à l'huile sur enduit), dont les raccourcis extrêmes sont particulièrement travaillés. Une grande difficulté technique est également résolue dans l’exécution de la célèbre "Méduse", dont on sait que deux versions ont été produites : la tête est représentée sur un "tondo" (bouclier de parade en bois) circulaire et convexe, ce qui oblige à déformer le dessin pour suivre l'angle du support. Au-delà de la virtuosité, cette exécution tendrait à confirmer que Caravage se base sur des dessins scientifiques, et étudie les phénomènes optiques et les miroirs chez le cardinal Del Monte. Les analyses scientifiques conduites sur la "Méduse Murtola", c'est-à-dire sur la première version que Caravage exécute, montrent d'ailleurs (par réflectographie) un travail particulièrement détaillé sur le dessin préparatoire au fusain directement sur le support préparé, puis une reprise par une ébauche au pinceau avant la peinture finale.


title: Le Caravage

text: De façon plus ponctuelle, les critiques d'art soulignent dès les premiers tableaux de Caravage la grande qualité de l'exécution de certains détails ou encore l'excellence des natures mortes, qu'elles soient autonomes ("Corbeille de fruits") ou intégrées à des compositions plus grandes ("Les Musiciens"). Caravage s'essaie ainsi à diverses formes et approches, en particulier pendant sa période romaine où il se livre à des expériences artistiques décisives, comme avec les miroirs convexes tels que celui représenté dans "Marthe et Marie-Madeleine".


title: Le Caravage

text: Roberto Longhi rappelle d'ailleurs que Caravage est réputé employer un miroir pour exécuter ses premiers tableaux ; pour Longhi, il ne faut pas le voir uniquement comme un outil ordinaire pour réaliser des autoportraits (dont on ne connaît guère d'exemple dans son œuvre de jeunesse, en dehors du "Petit Bacchus malade" et peut-être du "Garçon mordu par un lézard"), ni pour se comparer à l'art du sculpteur qui représente plusieurs aspects d'une même figure d'un seul tenant : il s'agit plutôt d'une méthode donnant .


title: Le Caravage

text: Quelles que soient les hypothèses émises quant à l'emploi des incisions, des miroirs ou encore des dessins préparatoires, il reste que la technique de Caravage est déjà jugée novatrice à son époque, mais ne présente finalement rien de réellement révolutionnaire : bien que très maîtrisée et de plus en plus perfectionnée au fil des années, c'est surtout dans la manière dont cette technique est mise en œuvre que réside sa singularité.


title: Le Caravage

text: Les compositions des toiles de Caravage forment un élément essentiel du caractère de son œuvre : il fait très tôt le choix de peindre des figures naturalistes, disposées de manière souvent complexe dans un environnement sobre et débarrassé d'accessoires inutiles. Les débats sur ses choix de composition sont relancés dans les années 1950, avec les premières radiographies des tableaux de la chapelle Contarelli qui permettent d'entrevoir certaines étapes ou repentirs dans la structuration des toiles.


title: Le Caravage

text: Pour de nombreux auteurs spécialistes de cette période, les deux termes de réalisme et de naturalisme peuvent être utilisés sans distinction pour qualifier la peinture de Caravage. Mais en restant au plus près de l'usage de l'époque, « naturalisme » semble plus précis, et évite toute confusion avec le réalisme de certaines peintures du , telles celles de Courbet, qui possèdent une dimension politique et sociale affirmée.


title: Le Caravage

text: Ainsi, dans sa préface au "Dossier Caravage" d'André Berne-Joffroy, Arnault Brejon de Lavergnée évoque le naturalisme de Caravage et il emploie cette phrase à propos des premières peintures : . Afin de préciser cette idée, il cite Mia Cinotti à propos du "Jeune Bacchus malade" (1593) qui a été perçu comme étant par Roberto Longhi, et comme par Lionello Venturi. Catherine Puglisi parle, en évoquant la réception du public de l'époque, d'une du naturalisme dans sa peinture.


title: Le Caravage

text: L'art de Caravage repose autant sur l'étude de la nature que sur le travail des grands maîtres du passé. Mina Gregori signale par exemple les références au "Torse du Belvédère" pour le Christ du "Couronnement d'épines" (vers 1604-1605) et à une autre statue antique pour "La Madone de Lorette" (1604-1605). Puglisi souligne de même que Caravage emprunte, tout au long de sa carrière, non seulement à des sources lombardes, mais également à bon nombre d'estampes inspirées d'artistes très différents les uns des autres. Bien qu'il pratique la restitution mimétique et détaillée des formes et des matières observables dans la nature, il ne manque pas de laisser des indices soulignant l'intention de ses tableaux. Il le fait en introduisant des citations bien identifiées et des poses reconnaissables par les initiés. Dans les œuvres tardives en revanche, le travail du pinceau bien visible vient contrecarrer quelque peu l'illusion mimétique.


title: Le Caravage

text: Dans le cas des tableaux de jeunesse, "Marie Madeleine repentante" (1594) et "Le Repos pendant la fuite en Égypte" (1594), les figures sont situées légèrement à distance du plan de la toile. Mais dans la plupart des cas, et dans tous les tableaux de la maturité, les figures sont dans un court espace situé contre le plan du tableau. Caravage vise clairement à établir un rapport étroit avec le spectateur, à la fois par la proximité avec le bord du tableau et par des effets de pénétration dans l'espace de ce spectateur. C'est déjà le cas du voyou au premier plan des "Tricheurs", puis des pieds des pèlerins de "La Vierge du Rosaire" ou de "La Madone des Pèlerins" ; de même, la figure de dos du soldat dans le "Couronnement d'épines" représente le spectateur, qui se retrouve ainsi intégré à la scène qu'il observe. Ce même effet de proximité est également obtenu grâce à des effets de dynamisme, à travers des jeux d'instabilité à l'avant-plan : la corbeille sur la table du "Souper à Emmaüs" comme le tabouret de "Saint Matthieu et l'Ange" semblent prêts à tomber vers l'avant et vers l'observateur. Ce dépassement virtuel du plan de la toile est comme concrétisé par des déchirures dans les tissus (manches déchirées du "Souper à Emmaüs" et de "L'Incrédulité de saint Thomas").


title: Le Caravage

text: Par ailleurs, la plupart de ces figures — surtout dans les toiles de la maturité — sont peintes à échelle un, ou très près de l'échelle humaine. Quelques exceptions sont notables, comme le bourreau de "La Décollation de saint Jean-Baptiste", dont le sur-dimensionnement peut être distingué des figures « repoussoirs » qui apparaissent au tout premier plan du "Martyre de saint Matthieu" (1599-1600) et de "L'Enterrement de sainte Lucie" (1608).


title: Le Caravage

text: Les personnages sont souvent mis en scène de manière inusitée pour l'époque : certains regardent le spectateur, tandis que d'autres lui tournent le dos : ces figures « repoussoirs » ont pour fonction de représenter, ou de tenir la place des spectateurs dans le tableau. Les spectateurs de l'époque sont censés avoir la même attitude que ces figures qui les représentent, affectivement, émotionnellement sinon physiquement, comme les pèlerins en prière devant la Vierge de Lorette. Daniel Arasse signale que les pieds de ces pèlerins figurés à l'échelle un sur le tableau d'autel se trouvent ainsi placés à hauteur des yeux des fidèles ; leur aspect devait imposer le respect, sinon la dévotion.


title: Le Caravage

text: Les peintures de Caravage se distinguent par l'absence de tout effet de perspective sur une quelconque architecture, afin de privilégier l'observation naturaliste de ses modèles. En effet, ses choix d'éclairage direct et de clair-obscur accusé peuvent revêtir un caractère particulièrement artificiel, comme l'a rappelé avant lui Léonard de Vinci : une concentration sur le modèle et non sur le décor permet de rétablir un certain équilibre naturaliste. Ainsi, "la Madone des pèlerins ou Madone de Lorette" (1604-1605) est placée à la porte d'une maison simplement indiquée par l'ouverture en pierre de taille et par un fragment de mur décrépi à dessein. Il s'agit de la porte de la sainte maison de Lorette, modeste demeure de la Vierge Marie sous son sarcophage marmoréen renaissant qui a fait l'objet du plus grand pèlerinage marial d’Occident durant trois siècles ; mais la sobriété de ce décor autorise également d'autres interprétations, comme celle de la porte du Ciel — comme dans la fresque de Raphaël située à proximité dans la même église Sant'Agostino. Des indications minimales de ce type se retrouvent dans bon nombre de tableaux, comme "La Madone du rosaire" (1605-1606), "L'Annonciation" (1608), "La Décollation de saint Jean-Baptiste" (1608), "La Résurrection de Lazare" (1609) ou encore "L'Adoration des bergers" (1609). Tous ces tableaux d'autel nécessitent l'indication d'un espace architectural. La solution de la frontalité, qui place le spectateur face au mur percé d'une ou plusieurs ouvertures, permet d'inscrire dans le tableau des lignes horizontales et verticales qui répondent aux bords de la toile et participent à l'affirmation de la composition picturale dans le plan du mur.


title: Le Caravage

text: Un autre tableau permet d'illustrer l'usage que Caravage fait des accessoires et du fond du tableau. Dans "L'Amour victorieux", le jeune garçon nu foule en riant les instruments des arts et de la politique ; il est représenté devant un fond brun, à la lumière complexe et travaillée, mais indistinct au point que le mur et le sol se confondent. Il personnifie le vers de Virgile « "" » (« L'Amour triomphe de tout »), très connu à cette époque. Le Cavalier d'Arpin a exécuté une fresque sur ce thème, qui a aussi été traité par Annibal Carrache au plafond du palais Farnèse. En travaillant au niveau du détail l'imbrication des instruments, les cordes brisées, les partitions indéchiffrables, Caravage fait sans doute allusion aux instruments brisés aux pieds de la "Sainte Cécile" de Raphaël qui symbolisent la vanité de toute chose. On en déduit que le jeune garçon est un Amour céleste qui se laisse glisser de son siège pour se dresser vers le spectateur et le défier. L'homme ne pourra gagner à ce jeu. D'ailleurs, l'Amour tient le monde sous lui : le peintre a ajouté le détail d'un globe céleste aux étoiles d'or. Mais il n'a utilisé cette matière précieuse qu'exceptionnellement, probablement à la demande expresse de son commanditaire. Il y a eu peut-être, à propos de ce globe peu perceptible, un lien plus direct avec le commanditaire. Celui-ci, Vincenzo Giustiniani, a pour pire ennemi la famille Aldobrandini — laquelle a pour armes un globe étoilé — car sa dette envers Giustiniani est considérable, ce qui a fait perdre des sommes très importantes au banquier. Giustiniani se serait ainsi vengé en présentant son « Amour », méprisant les Aldobrandini symbolisés sous lui. Ce genre d'approche ironique est commun à l'époque.


title: Le Caravage

text: D'autre part, pour la satisfaction du collectionneur, et aussi afin de rivaliser avec son presque homonyme, Michel-Ange, Caravage ne manque pas de faire allusion au "Saint Barthélemy" du "Jugement dernier" et reprend cette pose complexe aisément reconnaissable. Par ailleurs, le tableau répond à un autre enjeu : celui de devoir s'intégrer à une collection particulière. La jeunesse du corps de l'enfant doit correspondre, dans la collection de Giustiniani, à une sculpture antique représentant Éros, d'après Lysippe. Au-delà du traitement du thème, la simplicité du fond est remarquable et typique de l'approche de Caravage : bien que donnant toutes les apparences de l'inachèvement, il est très travaillé, comme le montre les choix de modulation des couleurs ; et l'absence de séparation entre le mur et le sol peut constituer un rappel de l'irréalité de la scène. Une autre absence est notable : celle des symboles des arts plastiques, qui sont ici épargnés par la dérision de l'Amour. Caravage évite donc de multiplier les accessoires mais condense une grande quantité d'informations, de symboles et de sous-entendus, en fonction de la commande qui lui est faite et des volontés de son commanditaire.


title: Le Caravage

text: À La Valette, dans le milieu culturel de l'ordre de Saint-Jean de Jérusalem, Caravage renoue avec les grands tableaux d'église qui ont fait sa renommée. Typiquement, "La Résurrection de Lazare" est d'une grande sobriété de décor et d'accessoires. Tout réside dans l'intensité des gestes qui rappellent "La Vocation de saint Matthieu". D'ailleurs le tableau se nourrit de ces références, et semble s'adresser à une élite cultivée, au courant de l'actualité d'alors. Cependant, contrairement à "La Vocation", la scène n'est plus transposée dans le monde contemporain. Les fastueux costumes des agents de change de l'époque n'ont plus lieu d'être. Les premiers chrétiens sont dépeints dans les vêtements intemporels des pauvres, depuis l'Antiquité jusqu'au . La lumière, réalité et symbole, est en revanche similaire à celle de "La Vocation". Le corps de Lazare tombe dans un geste semblable à celui du Christ dans "La Mise au tombeau". Les drapés ont pour fonction de souligner les gestes théâtraux, par leur couleur (rouge pour le Christ) ou leur valeur (tons bleu clair pour Lazare). Les expressions vont aux extrêmes : l'extrême douleur à droite, la bousculade à gauche avec l'entrée de la lumière, et au-dessus de la main du Christ, un homme qui prie intensément en se tournant vers la lumière de la Rédemption. Il s'agit du peintre même, dans un autoportrait explicite. Il n'y a aucun détail trivial, ni aucun accessoire inutile ; le crâne au sol évoque la mort du corps. Le mur nu répond au mur réel contre lequel le tableau est dressé dans l'ombre de la chapelle des Porte-Croix à Messine, où il est initialement installé.


title: Le Caravage

text: L'œuvre de Caravage soulève les passions dès son apparition. Elle est très rapidement recherchée par les meilleurs connaisseurs et collectionneurs. Néanmoins, l'image du peintre est durablement marquée par une réputation sulfureuse, tenant aussi bien à sa personnalité réputée extraordinairement violente qu'à ses déboires supposés avec ses commanditaires. La recherche récente remet pourtant bon nombre de ces points en perspective, en montrant à quel point les premiers biographes de Caravage ont été suivis jusque dans leurs approches les plus outrancières.


title: Le Caravage

text: Concernant les tableaux refusés, il est clairement établi qu'à l'époque de Caravage, les appréciations de ces tableaux sont très variables selon qu'ils sont destinés à un accrochage public ou à une collection privée. Luigi Salerno cite notamment l'exemple de "La Madone des palefreniers", refusée par le clergé mais immédiatement acquise par le cardinal Scipione Borghese.


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text: Certains tableaux se voient effectivement refusés à cause de leur audace naturaliste, mais aussi pour des raisons d'ordre théologique. Des auteurs récents comme Salvy citent les exemples de "Saint Matthieu et l'Ange", "La Conversion de saint Paul" ou "La Mort de la Vierge", soulignant d'ailleurs que ces refus sont l’œuvre de membres de l'Église peu éclairés, mais ne correspondent pas au jugement de tous : Ces tableaux refusés trouvent immédiatement de très bons acheteurs sur le marché privé, comme le marquis Giustiniani pour "Saint Matthieu et l'Ange".


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text: Ebert-Schifferer va plus loin en remettant même en question les refus de certains tableaux, suggérant qu'ils ne l'ont pas toujours réellement été. Ainsi, la première version du "Saint Matthieu et l'Ange" aurait simplement été installée de manière provisoire sur l'autel de l'église Saint-Louis-des-Français de Rome en , avant que Vincenzo Giustiniani ne l'intègre à sa collection. Le tableau, qui correspond parfaitement aux indications mentionnées dans le contrat, rappelle également des œuvres lombardes qu'il connaît dans la figure androgyne de l'ange, ainsi qu'un tableau de Giuseppe Cesari de 1597, que le milieu romain a pu admirer deux ans auparavant. Le tableau remporte un succès immédiat. Il occupe provisoirement la place d'une sculpture commandée à Cobaert qui n'a pas encore été réalisée. Lorsque cette dernière est achevée, elle ne plaît pas au clergé de Saint-Louis-des-Français. Elle est retirée et une partie de la somme, retenue sur les honoraires du sculpteur, sert à payer Caravage pour le tableau définitif, qui forme à terme un triptyque avec "le Martyre" et la "Vocation de saint Matthieu", installés de part et d'autre du retable : Caravage reçoit pour cette triple commande, une somme très importante pour l'époque. Dans le nouveau contrat, le peintre est qualifié de , d'« illustre maître ». En revanche, Giovanni Baglione, un des premiers et des plus influents biographes de Caravage, mais aussi son ennemi déclaré, fait mine de confondre la sculpture et la peinture : il prétend donc que la peinture de la première version du "Saint Matthieu et l'Ange" a déplu à tout le monde.


title: Le Caravage

text: La peinture la plus célèbre de Caravage au Louvre, "La Mort de la Vierge", connaît un destin similaire : le bruit continue de circuler que le tableau aurait déplu aux moines en raison des pieds nus et du corps trop humain de la Vierge. Selon Ebert-Schifferer, la réalité est quelque peu différente : le tableau a bien été retiré, mais il a d'abord été accroché et admiré. Son commanditaire l'a reçu et apprécié, et il est resté un certain temps en place sur l'autel. Il n'a donc pas déplu aux Carmes déchaussés, comme cela a été dit et répété. Ceux-ci ne voyaient rien à redire aux pieds nus et à la pauvreté des premiers chrétiens que l'on voit sur la toile. Ces moines ont cherché à imiter la vie de ces chrétiens qui leur a servi de modèles, comme ils ont cherché à imiter la vie de Jésus. Ils ont fait vœu d'aller pieds nus dans de simples sandales, suivant en cela l'esprit de la Réforme catholique. La Vierge apparait simplement vêtue dans le tableau, avec le corps d'une femme ordinaire, plus très jeune - ce qui est correct - ni plus très svelte, ce qui est acceptable. Et le tableau se conforme, même dans le détail, aux indications de Charles Borromée pour le geste de Marie-Madeleine qui se cache le visage. Or le bruit court, à l’époque de l’accrochage, que c'est une courtisane qui a posé pour la Vierge. Celui ou ceux qui font courir ce bruit ont tout intérêt à ce qu'on retire le tableau de l'église. Toutefois, deux collectionneurs entreprenants se présentent pour acheter l'œuvre dès qu'elle est décrochée. Cette manœuvre habile ne signifie donc pas que le tableau est scandaleux ou révolutionnaire : elle souligne bien au contraire la nouveauté très appréciée du travail de l'artiste. Il est presque inévitable que Caravage, comme tout autre peintre à Rome, a pris une courtisane comme modèle dans toutes les toiles présentant des figures féminines de manière naturaliste, car il est interdit aux Romaines « honorables » de poser. La grande majorité des peintres du qui pratiquent l'imitation de la nature, avec une idéalisation plus ou moins prononcée, utilisent des sculptures antiques comme modèles. Caravage a dû typer le modèle naturel (comme l'ont fait ses prédécesseurs, Antonio Campi par exemple) afin que celui-ci ne puisse être identifié.


title: Le Caravage

text: Salvy souligne par ailleurs l'incohérence de certains refus, notamment ceux des tableaux pour la chapelle Cerasi (dans l'église Santa Maria del Popolo) : "La Conversion de saint Paul" et "Le Crucifiement de saint Pierre". En effet, ces deux panneaux de bois peints sont rejetés mais ensuite remplacés par des toiles, cette fois acceptées ; or il apparaît flagrant que la seconde version de "La Conversion" est pourtant encore moins conventionnelle ou que la première. On peut expliquer cela par la puissance du commanditaire, , mais Salvy indique que cela tend aussi à prouver paradoxalement le succès de Caravage puisque c'est toujours à lui qu'on s'adresse pour réaliser une seconde version des œuvres contestées, au lieu de solliciter un autre peintre plus conventionnel.


title: Le Caravage

text: Les recherches poursuivies récemment par les plus grands spécialistes remettent en perspective les allégations tendant à disqualifier Caravage et sa peinture, selon une tradition qui remonte à ses contemporains et en particulier à Baglione. Ces textes anciens doivent être confrontés aux documents d'époque retrouvés dans les archives. Brejon de Lavergnée relève dans la méthode d'Ebert-Schifferer l’analyse serrée des sources (Van Mander, Giulio Mancini, Baglione et Bellori) et remarque qu’une telle analyse met en question le cliché le plus répandu concernant Caravage : son caractère violent. Celui-ci provient au départ d'un texte du Hollandais Van Mander, publié en 1604, qui fait du peintre un homme toujours prêt à se battre et à provoquer des troubles. Or, l'étude des rapports de police de l'époque laisse supposer que Van Mander a été mal informé et qu'il a pris pour Caravage ce qui est reproché à son ami et "alter ego", Onorio Longhi, qui, à la fin de l'année 1600, a bien subi trois mois d'interrogatoires pour toute une série de délits. Il est établi que les deux plaintes dont Caravage a fait l'objet ont été classées sans suite. Le fait de porter l'épée lui a été reproché, mais il s'explique en replaçant l'artiste dans son contexte social. Van Mander et Van Dijck, qui relèvent le fait, s'en étonnent car ils sont étrangers. L'œuvre a été tout autant discréditée que le peintre, et curieusement en raison même de son succès.


title: Le Caravage

text: Même s'il est certain que Caravage a effectivement commis un homicide et qu'il se montre régulièrement agressif et susceptible, il convient d'une part de remettre ses mœurs dans le contexte de l'époque, et d'autre part de faire preuve de discernement pour ne pas nécessairement assimiler son mode de vie à ses choix artistiques. Sur ce dernier point, un regard objectif sur les œuvres de la période napolitaine puis sicilienne (c'est-à-dire après avoir fui Rome) ne permet pas d'y percevoir de façon évidente ni culpabilité ni tourment intérieur. Ebert-Schifferer appuie notamment cette analyse sur l'observation de deux tableaux : le "Saint François en méditation sur le crucifix" (probablement 1606) qui suit immédiatement sa fuite, puis "La Résurrection de Lazare" (1609) réalisé à Messine. Elle montre les limites de l'hypothèse selon laquelle l'artiste signifie son repentir dans le visage souffrant de saint François : De même, en Sicile : Cela ne signifie pas non plus que Caravage ne souffre aucunement de sa situation d'exilé, ni de certains revers comme la perte de son titre de chevalier qui le trouble certainement ; mais il est sans doute abusif de vouloir interpréter son œuvre à travers ce prisme.


title: Le Caravage

text: Quant à l'attitude fréquemment susceptible et violente de Caravage — là aussi effectivement attestée par différents documents et minutes de procès —, des éléments de contexte sont tout de même à prendre en compte avant de parvenir à des conclusions hâtives sur leur caractère extraordinaire. Les mœurs de la jeune aristocratie romaine de l'époque ont pu effectivement mener à des attitudes de ce type, et ont souvent profité de la bienveillance des institutions, comme en témoigne d'ailleurs le pardon accordé par le pape à Caravage en dépit du crime de sang dont il s'est rendu coupable. Ainsi, le port illégitime de l'épée qui lui vaut à Rome des séjours en prison est à considérer comme une infraction mineure pour l'époque. Ce fait peut être rapproché des conventions et des valeurs partagées par les nobles et même les petits nobles, pour lesquels le code de l'honneur fait que l'on peut être discrédité pour la vie si l'on ne répond pas à un affront. L'époque est très violente avec une certaine fascination pour la mort. Ces codes sont largement partagés dans de nombreux pays de la chrétienté.


title: Le Caravage

text: Quoi qu'il en soit, le travail de dépréciation entrepris par les premiers biographes de Caravage (au premier rang desquels son ennemi Giovanni Baglione, repris par Bellori) porte efficacement ses fruits, et contribue sans doute à atténuer l'appréciation du rôle essentiel qu'il joue sur le monde artistique. Il faut finalement attendre le début du , et les travaux de spécialistes passionnés comme Roberto Longhi ou Denis Mahon, pour que soient reconnues l'importance de l’œuvre de Caravage et l’étendue de son influence sur les arts visuels des siècles qui suivent.


title: Le Caravage

text: Ce raccourci plaisant de Longhi, qui mérite sans doute d'être tempéré, signifie tout à la fois que Caravage parvient à créer son propre style à partir d'influences préexistantes, dépassant ainsi tout qui l'aurait guidé ou précédé, mais aussi qu'il ne constitue pas autour de lui d'école à proprement parler. Longhi préfère parler de auquel adhèrent librement des esprits tout aussi libres. Déjà du vivant de Caravage, ses idées et techniques sont reprises par une multitude de peintres de différentes origines européennes mais tous réunis à Rome, souvent regroupés sous l'appellation de caravagesques, en raison du succès des tableaux du maître ainsi que des variantes réalisées ensuite pour les collectionneurs, mais aussi en raison de leur prix élevé. Les quelques proches de Caravage et les très nombreux suiveurs se sont emparés de ce qu’ils ont perçu et que l’on a réduit sous l’appellation de « "Manfrediana methodus" », c'est-à-dire la méthode de Manfredi, un peintre dont la vie est peu documentée et qui a pu être le serviteur de Caravage pendant une partie de la période romaine. Il est également possible, sans que cela soit certain, que Mario Minniti et le mystérieux Cecco ("alias" Francesco Buoneri?) soient des collaborateurs ou des élèves directs.


title: Le Caravage

text: Le courant du caravagisme est d'une très grande richesse et d'une aussi grande variété au long du . Les tout premiers imitateurs de la manière caravagesque ne sont pas tous exempts de railleries, comme l’éprouve rudement Baglione avec sa "Résurrection", moquée par Gentileschi et par Caravage lui-même en 1603 ; d'autres intègrent avec succès des éléments caravagesques, mais de façon plus ou moins intensive. Le Flamand Rubens, par exemple, s'inspire sans l'imiter de la peinture italienne autant que de celle de Caravage ; d'autres comme le Romain Orazio Borgianni ou comme le Napolitain Caracciolo se rapprochent considérablement des intentions du maître.


title: Le Caravage

text: Après la mort de Caravage, une deuxième vague de disciples s'illustre pendant une décennie allant environ de 1615 à 1625, à la suite de Bartolomeo Manfredi en particulier, et qui comprend aussi bon nombre de Flamands comme le trop méconnu Matthias Stom, ou comme Gerrit van Honthorst (« Gérard des Nuits ») — au point qu'il se crée une école caravagesque particulière, dite ultérieurement « d'Utrecht », autour de ces différents peintres nordistes. C'est une période de diffusion considérable, dans toute l'Europe, du tableau caravagesque à usage privé, non seulement vers le Nord mais aussi vers la France et l'Espagne, "via" la région de Naples alors sous domination espagnole : le "Saint Sérapion" de l'Espagnol Francisco de Zurbarán en 1628 représente un exemple d'un vibrant hommage à l'art de Caravage.


title: Le Caravage

text: La troisième décennie constitue pour l'essentiel l'ultime période faste du caravagisme européen, avec de nouveaux venus à Rome comme les Français Valentin de Boulogne, Simon Vouet ou le tessinois Giovanni Serodine ; toutefois l'esprit du caravagisme survit à plus d'un titre, notamment chez certains peintres de petits formats à sujets rassemblés sous l'appellation de , mais aussi chez des peintres importants qui suivent le mouvement de façon plus tardive (Georges de La Tour) ou en prenant des biais très différents, qui peuvent même interroger leur intégration au caravagisme (Diego Vélasquez, Rembrandt). Une certaine ambivalence est fréquente pour de nombreux peintres au cours du siècle, entre l'attraction pour la puissance de l'art caravagesque et d'autres éléments d'attraction contemporaine comme le luminisme vénitien, le maniérisme La diversité du style de Louis Finson en témoigne de façon exemplaire, lui qui est souvent considéré comme l'un des plus proches disciples du maître Caravage.


title: Le Caravage

text: Parallèlement et après ces écoles caravagesques, l'influence de Caravage ne s'éteint pas : de nombreux peintres aussi importants que Georges de La Tour , Vélasquez


title: Le Caravage

text: , Rubens ou Rembrandt manifestent dans leurs peintures ou gravures leur intérêt pour l’œuvre de Caravage. Ensuite, on constate un affaiblissement de son importance dans la critique et l'histoire de l'art jusqu'au . Il exerce ainsi une influence évidente sur David, influence affirmée par l'artiste dont une des premières œuvres majeures ("Saint Roch intercédant la Vierge") reprend à l'identique la posture du pèlerin de "La Madone des pèlerins", tout comme son "Marat" est inspiré de la "Mise au tombeau" du Vatican.


title: Le Caravage

text: René Jullian l'évoque comme l'un des pères spirituels de l'école réaliste du : . L'approche naturaliste de Caravage, vue sous sa perspective réaliste aux yeux des artistes du apparaît ainsi en écho dans les œuvres de Géricault, Delacroix, ou encore Courbet et Manet. Roberto Longhi souligne de même les liens étroits entre Caravage et le réalisme moderne, et affirme que ; Longhi étend d'ailleurs cette influence aux natures mortes de Goya, Manet et Courbet entre autres.


title: Le Caravage

text: Certains artistes peintres importants du comme Peter Doig se réclament encore de Caravage. Dans un autre domaine d'expression artistique, nombreux sont les photographes mais aussi les réalisateurs de cinéma qui reconnaissent l'influence de Caravage sur certains de leurs choix d'expression. C'est le cas par exemple de Martin Scorsese, qui reconnaît lui devoir beaucoup, notamment dans ses films "Mean Streets" ou "La Dernière tentation du Christ" ; mais des cinéastes aussi différents que Pedro Costa, Pier Paolo Pasolini ou Derek Jarman sont également concernés. En termes de style cinématographique, le cinéma néoréaliste italien est sans doute celui qui bénéficie le plus directement de l'influence posthume de Caravage. L'historien de l'art Graham-Dixon affirme dans son ouvrage "Caravaggio: A Life Sacred and Profane" que


title: Le Caravage

text: Comme aucun dessin de Caravage n'a jamais été retrouvé, toute son œuvre connue est constituée de peintures. Lors des premiers recensements, entre le et le , on énumère plus de qui lui sont attribuées ; mais l'estimation de Roberto Longhi est beaucoup plus modeste : . Ce chiffre est tombé autour de 80 en 2014, sachant qu’un grand nombre a été perdu ou détruit. Dans ce groupe, une soixantaine d’œuvres sont reconnues unanimement par la communauté des spécialistes de Caravage, et quelques autres sont plus ou moins contestées quant à leur attribution.


title: Le Caravage

text: Comme la plupart des artistes de cette époque, Caravage ne laisse ni date, ni signature sur ses tableaux, à deux exceptions près : "La Décollation de saint Jean-Baptiste", qui est symboliquement signée avec la représentation du sang qui gicle au bas du tableau, et la première version (authentifiée en 2012) de la "Tête de Méduse". Les attributions sont compliquées par le fait qu'il est d'usage courant à l'époque, pour certains artistes, d'exécuter des copies ou des variantes de leurs tableaux à succès mais aussi que d'autres artistes peuvent se voir commander des copies de tableaux très appréciés. Des analyses stylistiques et physico-chimiques poussées (notamment par réflectographie infrarouge et par examen autoradiographique, favorisant la perception des étapes précoces ou antérieures sous la peinture finale), associées à des recherches en archives, permettent toutefois d'approcher un catalogue assez précis de l’œuvre de Caravage.


title: Le Caravage

text: Outre d'éventuelles œuvres disparues à l'époque de Caravage ou après sa mort, trois de ses tableaux connus ont été détruits ou dérobés à Berlin en 1945, à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Il s'agit de "Saint Matthieu et l'Ange" (la première version destinée à la chapelle Contarelli, exposée temporairement avant son achat privé, puis remplacée par une seconde version), du "Portrait d'une courtisane" et du "Christ au Mont des Oliviers". Par ailleurs, la "Nativité avec saint François et saint Laurent" a été volée au musée de Palerme en 1969 (sans doute par la mafia sicilienne) et jamais retrouvée depuis. Enfin, .


title: Le Caravage

text: Début 2006, une polémique a lieu au sujet de deux tableaux retrouvés en 1999 dans l'église Saint-Antoine de Loches en France. Il s'agit d'une version du "" et d'une version de "". Leur authenticité, affirmée par l'historien de l'art José Frèches, est contredite par un autre historien spécialiste de Caravage, le Britannique Clovis Whitfield, pour qui ils sont de Prospero Orsi, par Maria Cristina Terzaghi, professeure à l'université de , elle aussi spécialiste de Caravage, qui ne sait pas à qui les attribuer et par Pierre Rosenberg, ancien directeur du Louvre et Pierre Curie, conservateur à l’Inventaire et connaisseur de la peinture italienne du , qui les considèrent comme des copies anciennes du . La municipalité de Loches, tenante de l'hypothèse des tableaux réalisés par l'artiste, souligne que Caravage a souvent exécuté plusieurs versions d'un même tableau, allant jusqu'à en effectuer des quasi-copies comportant seulement quelques détails différents et qu'ils apparaissent effectivement dans un inventaire autographe de Philippe de Béthune de 1608 indiquant deux tableaux originaux de Caravage. Le blason de Béthune est d'ailleurs peint sur les tableaux. Ils sont classés monument historique depuis 2002 comme des copies.


title: Le Caravage

text: À Londres, une nouvelle œuvre de Caravage est authentifiée en 2006, puis de nouveau considérée comme copie d'une peinture perdue. Relégué dans les sous-sols de la collection royale du palais de Buckingham, ce tableau intitulé "La Vocation de saint Pierre et saint André" et jusque-là considéré comme une copie, est attribué en au peintre et exposé pour la première fois en dans une exposition consacrée à l'art italien. La toile, qui mesure de haut sur de large, sort d'une restauration. Le site de la Royal Collection indique toutefois qu'il s'agit d'une copie d'après Caravage, et propose également le titre alternatif de "Pierre, Jacques et Jean".


title: Le Caravage

text: En 2010 au Vatican, un tableau représentant le martyre de saint Laurent et appartenant aux Jésuites est affirmé comme étant de la main de Caravage. Toutefois, cette attribution ne résiste pas longtemps à l'analyse.


title: Le Caravage

text: Le , une centaine de dessins et quelques peintures réalisés dans sa jeunesse auraient été retrouvés par des experts dans une collection à l'intérieur du château Sforzesco à Milan. Cette attribution, remise en doute par la quasi-totalité des spécialistes du peintre, est très peu probable.


title: Le Caravage

text: En , deux experts révèlent qu'un tableau retrouvé par hasard deux ans plus tôt dans la région de Toulouse pourrait être de la main de Caravage. Ce tableau est une version de "Judith et Holopherne", jusque-là uniquement connu de la main de Louis Finson, identifié comme la copie d'un original perdu de Caravage. L'attribution de ce tableau à Caravage est soutenue par certains spécialistes qui se basent sur des analyses radiographiques pour affirmer qu'il ne saurait être question d'une copie mais bien d'un original, sans pour autant susciter de consensus parmi les experts. Cependant, l'importance de cette découverte convainc rapidement le ministère français de la Culture de classer ce tableau comme et de prononcer à son endroit un arrêté d'interdiction de sortie du territoire, en attente d'analyses complémentaires. Finalement, le tableau n'est pas acquis par l'État français à cause du doute sur son attribution ; mais il est vendu en 2019 à J. Tomilson Hill, un riche collectionneur américain, contre une somme qui n'est pas révélée au public mais qui serait de 96 millions d'euros (110 millions de dollars).


title: Le Caravage

text: Du au , la pinacothèque de Brera organise une exposition sous forme de confrontation entre des peintures attribuées et d'autres en débat d'attribution : « Terzo dialogo. Attorno a Caravaggio ».


title: Le Caravage

text: En , constatant la multiplication des attributions plus ou moins fantaisistes soutenues par des experts aux qualifications parfois douteuses, la galerie Borghèse de Rome annonce sa décision de lancer un institut dédié à Caravage, le "", qui doit offrir à la fois un centre de recherches sur l’œuvre du peintre mais aussi un programme d'expositions internationales. L'entreprise Fendi, spécialisée dans le luxe, s'associe à ce projet comme mécène, au moins pour le lancement et les trois premières années.


title: Le Caravage

text: Au mois d', une vente aux enchères défraie la chronique en Espagne à l'occasion de la vente d'un "Ecce Homo" : un tableau anonyme, intitulé "Le Couronnement d'épines" et attribué à , est proposé au milieu d'une vaste vente d’œuvres diverses, pour une estimation initiale de selon le catalogue de la maison d'enchères. Mais le tableau ne passe finalement pas en salle des ventes puisque l'État espagnol intervient auparavant ; en effet, cette œuvre pourrait être un nouveau tableau autographe de Caravage, selon des experts aussi notables que la professeure Maria Cristina Terzaghi qui évoque la piste d'une commande de 1605 destinée au cardinal Massimo Massimi (piste creusée en détail par le professeur Massimo Pulini, l'un des premiers à avoir identifié la touche caravagesque dans la toile). L'action du ministère espagnol de la culture bloque la vente ainsi que l'exportation du tableau dans l'attente de recherches complémentaires. Cette première étape relève d'abord de la précaution, mais après plusieurs mois d'enquête le ministère décide d'attribuer à la toile le titre de , confirmant ainsi que la question d'une attribution à Caravage est sérieuse sinon certaine. L'État espagnol se réserve par cette décision la possibilité d'user d'un droit de préemption sur une éventuelle vente de la toile.


title: Le Caravage

text: Des milliers d'ouvrages ont été écrits au sujet de Caravage, mais un seul biographe mentionne son nom dans un ouvrage publié du vivant du peintre : il s'agit du Néerlandais Carel van Mander, qui publie son "Schilder-boeck" en 1604. Dès cette première mention, les mœurs de Caravage sont jugées avec une sévérité qu'accroît la différence culturelle entre l'auteur hollandais et le milieu artistique romain. En 1615 (soit cinq ans après la mort de Caravage), son nom est à nouveau cité dans deux nouvelles publications portant sur la théorie picturale, l'une de Agucchi qui vise plutôt à défendre une peinture classique idéalisante contre l'imitation caravagesque de la Nature, et l'autre du peintre Giulio Cesare Gigli qui évoque le caractère de Caravage mais cite aussi des louanges à son propos.


title: Le Caravage

text: L'ouvrage suivant est essentiel, car il s'agit d'une première véritable biographie qui marque durablement la réputation de Caravage. C'est l’œuvre du médecin et amateur d'art de Sienne, Giulio Mancini, dont le traité intitulé "Considérations sur la peinture" est publié à titre posthume en 1619. Il témoigne du succès rencontré par Caravage à Rome, se montre admiratif de son et évoque certaines dans son attitude, mais il s'efforce de ne pas colporter de légende négative à son propos. Néanmoins, une brève note ajoutée ultérieurement et quasi-illisible fait mention d'une peine de prison d'un an pour un commis à Milan. Ce détail, dont la véracité est très douteuse, est ensuite repris et infiniment amplifié par les adversaires de Caravage. Au premier rang de ses ennemis se trouve Giovanni Baglione qui, après avoir été en conflit ouvert avec lui de son vivant, rédige aux alentours de 1625 sa propre biographie du peintre, publiée en 1642 et qui entache durablement la réputation de Caravage.


title: Le Caravage

text: Giovanni Pietro Bellori se réfère ainsi aux accusations d'immoralité dues à Baglione lorsqu'il rédige à son tour la biographie de Caravage dans son célèbre ouvrage achevé en 1645 mais publié vingt ans plus tard, "Vite dei pittori, scultori ed architetti moderni". À la suite de Agucchi, il se pose en défenseur d'une beauté idéale liée à un mode de vie irréprochable, et critique violemment Caravage, : il vise surtout en réalité les caravagesques qui l'ont suivi. Il rassemble néanmoins bon nombre d'informations utiles sur la vie, l’œuvre et les commanditaires de Caravage. D'autres ouvrages encore sont publiés au fil du , qui reprennent fréquemment les assertions accusatrices de Bellori pour confirmer le rôle qu'a joué Caravage dans la ruine supposée de la peinture (par exemple Scaramuccia en 1674, ou encore le Bolonais Malvasia quatre ans plus tard). Quelques publications, certes beaucoup plus rares, existent néanmoins qui émettent un avis plus clairement laudateur sur l'art de Caravage, dont la "Teutsche Academie" de Joachim von Sandrart.


title: Le Caravage

text: Paradoxalement, il est possible de considérer que la popularité de Caravage à partir du repose encore largement sur la manipulation de Bellori, selon le principe postromantique que le génie et la criminalité (ou la folie) sont en grande proximité.


title: Le Caravage

text: Au , l'intérêt retrouvé du public et des historiens de l'art pour Caravage doit beaucoup à Roberto Longhi qui publie à partir de 1926 des séries d'analyses sur Caravage, sur son entourage, ses prédécesseurs et ses suiveurs (en France en particulier) ; Longhi joue notamment un rôle majeur dans le rattachement du peintre à ses sources typiquement lombardes, tout comme il identifie le rôle néfaste des premiers biographes dans son destin critique : . À ses côtés ou à sa suite, nombreux sont les historiens et critiques du monde entier à s'intéresser à Caravage et à proposer de nombreuses publications à son sujet, notamment dans le "Burlington Magazine" : sans pouvoir être exhaustif, il est possible de citer parmi les plus importants les Britanniques Denis Mahon, Helen Langdon et John T. Spike, les Italiens Lionello Venturi, Mina Gregori, Maurizio Marini et Maurizio Calvesi, les Américains Catherine Puglisi et Richard Spear, les Allemands Walter Friedlaender, Sybille Ebert-Schifferer et Sebastian Schütze, l'Autrichien


title: Le Caravage

text: La Banque d'Italie imprime au cours des années 1990-1997 un billet de à l'effigie de Caravage. La République de Saint-Marin crée plusieurs pièces de monnaie en hommage à Caravage en 2010, puis une en 2018 qui reprend la scène du souper à Emmaüs.


title: Le Caravage

text: Des timbres postaux représentant des tableaux de Caravage, ou bien des portraits de Caravage lui-même, sont émis en Italie, à Malte, au Vatican et dans de nombreux autres pays.


title: Le Caravage

text: Parmi les hommages liés au de sa mort, la ville de Rome organise en 2010 une exposition exceptionnelle des tableaux de Caravage au palais du Quirinal.


title: Le Caravage

text: Un monument funéraire lui est dédié en dans le village de Porto Ercole où il trouve la mort en 1610, en dépit de vives critiques et malgré les doutes concernant l'authenticité des ossements qui y sont conservés.


title: Le Caravage

text: Entre 2015 et 2018, l'auteur de bande dessinée Milo Manara publie chez Glénat deux volumes d'une bande dessinée historique consacrée au peintre : "Le Caravage".


title: Avignon

text: Avignon est une ville du Sud de la France, située au confluent du Rhône et de la Durance. Elle est le chef-lieu de l'arrondissement d'Avignon et du département du Vaucluse, au nord-ouest de la région Provence-Alpes-Côte d'Azur, ainsi que le siège du conseil du Grand Avignon.


title: Avignon

text: Par sa population, Avignon constitue la commune de France sur les que compte le pays. Elle compte selon l'INSEE en 2020. L'aire urbaine d'Avignon est la seizième plus peuplée de France avec . Elle est l'aire urbaine qui a le plus augmenté au niveau national entre 1999 et 2010, avec une progression de 76 % de sa population et une augmentation de sa superficie de 136 %. La population de l'intercommunalité du Grand Avignon s'élève à 197 102 habitants.


title: Avignon

text: Surnommée la « cité des papes » en raison de la présence des papes de 1309 à 1423 et du fait qu'elle reste possession du Vatican au sein des États pontificaux jusqu'en 1790. Elle est actuellement la plus grande ville et la préfecture du département de Vaucluse.


title: Avignon

text: Elle est l'une des rares villes françaises à avoir conservé ses remparts et son centre historique, composé du palais des papes, de l'ensemble épiscopal, du rocher des Doms et du pont d'Avignon. Elle est classée patrimoine mondial de l'UNESCO sous les critères I, II et IV.


title: Avignon

text: La renommée de son festival des arts du spectacle, véritable vitrine artistique et culturelle de la ville, dépasse largement les frontières françaises. La ville est capitale européenne de la culture en 2000.


title: Avignon

text: Avignon comporte un cœur étudiant important, notamment grâce à son quartier étudiant (Agroparc) ainsi que de son université.


title: Avignon

text: Avignon se situe au confluent du Rhône et de la Durance, et de ce fait, est limitrophe à l'ouest du département du Gard et les communes de Villeneuve-lès-Avignon et Les Angles, et au sud avec les Bouches-du-Rhône et les communes de Barbentane, Rognonas, Châteaurenard et Noves.


title: Avignon

text: La ville se situe à proximité d’Orange (au nord), de Nîmes (au sud-ouest), d’Arles (au sud) et de Salon-de-Provence (au sud-est). Elle est également située non loin de Montpellier grâce à l'A9 et de Marseille grâce à l'A7.


title: Avignon

text: Directement accolées à l'est et au nord, on trouve les communes de Caumont-sur-Durance, Morières-lès-Avignon, Le Pontet et Sorgues.


title: Avignon

text: La région où se situe Avignon est très riche en pierres calcaires qui servirent de matériaux de construction. Par exemple, les remparts actuels, qui mesurent de long, ont été bâtis avec une pierre calcaire tendre très abondante dans la région que l’on appelle « molasse burdigalienne ».


title: Avignon

text: Ceint de remparts, le rocher des Doms, élévation calcaire de type urgonien haute de (et donc à l'abri des inondations du Rhône qu'il surplombe) est le noyau originel de la ville. Les massifs calcaires sont très présents autour de la commune (massif des Angles, Villeneuve-lès-Avignon, massif des Alpilles…) et résultent en partie de l’océanisation du bassin liguro-provençal consécutive à la migration du bloc sardo-corse.


title: Avignon

text: L'autre élévation importante de la commune d'Avignon est la colline de Montfavet, une colline boisée à l'est de la commune.


title: Avignon

text: La vallée du Rhône présente une zone d'alluvions anciennes : un dépôt meuble y couvre une grande partie du sol. Il se compose d'un limon sablonneux plus ou moins coloré de galets provenant principalement de roches siliceuses. Les îles du Rhône, dont l'île de la Barthelasse, sont nées de l'accumulation des dépôts alluvionnaires et du travail des Hommes. Le relief y est donc assez faible malgré la création de buttes permettant aux locaux de se protéger en cas de forte montée des eaux (inondations).


title: Avignon

text: Dans les terres qui se situent autour de la ville on peut noter la présence d’argile, limon, sable et calcaire.


title: Avignon

text: Le Rhône passe en bordure ouest de la ville, mais est divisé en deux bras : on parle de « petit Rhône », ou « bras mort » pour la partie Est qui touche Avignon et « grand Rhône » ou « bras vif » pour la partie ouest, celle qui touche Villeneuve-lès-Avignon dans le département du Gard, entre les deux, un chapelet d'îles dont la plus grande est l'île de la Barthelasse. En parallèle au Rhône, un canal a été créé.


title: Avignon

text: Les bords du Rhône et l'île de la Barthelasse peuvent être sujets aux inondations durant l'automne et le mois de mars. Les différents niveaux d'érosion hydrique ayant marqué les remparts et "Les inondations en France depuis le jusqu'à nos jours - recherches et documents" de Maurice Champion relatent un certain nombre d'entre elles jusqu'en 1862 ; l'inondation de 1856 ayant été l'une des plus importantes, qui détruisit une partie des remparts, mais elles n'ont jamais vraiment cessé comme le montrent les inondations de 1943-1944 ou encore et sont encore importantes de nos jours à l'image des inondations du . C'est pourquoi, une nouvelle "cartographie du risque" a été élaborée.


title: Avignon

text: La Durance, qui s'écoule en limite sud de la commune, vient se jeter dans le Rhône et marque aussitôt la limite avec les Bouches-du-Rhône. C'est une rivière dite « capricieuse » et autrefois redoutée pour ses crues (elle était appelée le de la Provence) aussi bien que pour ses étiages, la Durance est une rivière à la fois alpine et méditerranéenne à la morphologie bien particulière.


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text: On trouve sur la commune plusieurs plans d'eau naturels ou artificiels comme le lac de Saint-Chamand à l'est de la ville.


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text: De nombreuses dérivations, à l'histoire très complexe, ont été réalisées au cours de l'histoire, soit pour alimenter les douves entourant Avignon, soit pour irriguer les cultures.


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text: Au , une partie des eaux de la Sorgue d'Entraigues fut déviée et passe aujourd'hui sous les remparts pour pénétrer "intra-muros". Voir Sorgue (Vaucluse). Ce cours d'eau est appelé canal de Vaucluse, mais les Avignonnais l'appellent encore la Sorgue ou Sorguette. Il est visible "intra-muros" dans la célèbre rue des teinturiers. Il alimentait les douves des premiers remparts, puis il a alimenté les douves des nouveaux remparts orientaux de la cité (remparts du ). Au (acte signé en 1229), une partie des eaux de la Durance fut détournée pour renforcer le dispositif d'alimentation des douves, à partir de Bonpas. Ce cours d'eau fut appelé plus tard la Durançole. La Durançole alimentait les douves occidentales de la ville. Elle a aussi été utilisée pour irriguer les cultures de Montfavet. "Intra-muros", ces cours d'eau sont le plus souvent cachés sous les rues ou les habitations, et sont actuellement utilisés comme collecteurs d'égouts.