title: Gilbert Bécaud

text: En 1986 se déroule un événement important pour Gilbert Bécaud : la création mondiale de sa nouvelle comédie musicale "Madame Roza". Inspiré du roman La Vie devant soi, d'Émile Ajar (alias Romain Gary), ce spectacle est finalisé depuis 1983, ont obligé Bécaud à attendre trois ans avant de pouvoir enfin monter sa nouvelle création sur une scène. C'est aux États-Unis que le spectacle est créé. Gros succès à Baltimore, puis à Los Angeles. Mais à Broadway le , c'est un échec, le rideau tombe au bout de dix jours. Le spectacle ne sera jamais présenté en France, malgré l'adaptation française de Claude Lemesle et Didier van Cauwelaert.


title: Gilbert Bécaud

text: En 1988, pour son vingt-sixième Olympia, Gilbert Bécaud met au point deux séries de concerts, le spectacle rouge et le spectacle bleu, qu'il donne en alternance. À chaque soirée correspond un répertoire différent d'une trentaine de titres. Cette même année, Bécaud quitte sa maison de disques EMI pour intégrer BMG, qui rachète la quasi-totalité de son répertoire. C'est donc chez BMG, sous le label Ariola, qu'il publie un nouvel album en 1989, "Fais-moi signe". Pour les textes, en plus de Pierre Delanoë et de Louis Amade, Bécaud est entouré de Claude Lemesle pour "Quand la musique s'arrête" et de Didier Barbelivien pour "Après toi c'est la mer".


title: Gilbert Bécaud

text: En 1991, la mère de Gilbert Bécaud meurt à l'âge de . Cette année-là, le chanteur donne deux cent quarante-neuf concerts à travers le monde, dont plusieurs à l'Olympia où il s'installe du au . .


title: Gilbert Bécaud

text: Pourtant, dès 1992, il retrouve le chemin des studios et enregistre une troisième version de son opéra réalisée par son fils, Gaya. En outre, il écrit avec Pierre Delanoë et Louis Amade, un nouvel album qui, en seize titres, résume la vie du chanteur. Enregistré aux États-Unis sous l'égide du producteur Mick Lanaro, "Une vie comme un roman" sort le , quelques mois après la disparition d'un de ses auteurs fétiches et amis proches, Louis Amade. Du 2 au , Gilbert Bécaud retrouve son public sur la scène du Palais des congrès de Paris.


title: Gilbert Bécaud

text: De 1992 à 1996, Gilbert Bécaud prend du temps pour se remettre en forme. Le tabac est encore un problème et c'est entre la Corse, le Poitou et la péniche sur laquelle le couple s'est installé en 1992 à Paris que le chanteur se repose. Cela ne l'empêche pas de travailler avec ses auteurs, Delanoë, Claude Lemesle, Pierre Grosz, Franck Thomas ou Jean-Michel Bériat. On commence à reparler de la comédie musicale "Madame Roza" qui pourrait bien être enfin montée en France. La chanteuse Annie Cordy est pressentie pour le rôle vedette. En 1996, l'auteur dramatique Didier van Cauwelaert commence à travailler sur une adaptation qui serait mise en scène par Jérôme Savary.


title: Gilbert Bécaud

text: Le sort l'album "Ensemble," écrit au cours de ces années sabbatiques, avec en outre un titre de sa comédie musicale "Madame Roza". Puis il repart en tournée à travers le monde : Belgique, Italie, Tunisie (en décembre), Japon (en janvier), Turquie (en mars).


title: Gilbert Bécaud

text: 1997 est l'année de ses . Cet anniversaire est célébré lors de son trentième Olympia du 13 au , le récital à l'Olympia d'autant plus exceptionnel que Gilbert Bécaud en fait la réouverture après la destruction de l'immeuble contenant la salle, puis déplacée quelques mètres plus loin, avec la reconstruction de la célèbre salle. À la suite de cette série de récitals, le chanteur repart en tournée à travers la France et le monde, dont le Canada en .


title: Gilbert Bécaud

text: Au mois d', la saison lyrique du Grand Théâtre de Tours s'ouvre sur l'Opéra d'Aran, de retour sur une scène française. Ce spectacle, qui se passe en Irlande, rassemble principaux, et une cinquantaine de musiciens. Avant de revenir en France, il avait été présenté dans de nombreux pays d'Europe.


title: Gilbert Bécaud

text: Gilbert Bécaud, en 1999, sort un nouvel album intitulé "Faut faire avec..." réalisé par André Manoukian et dirigé par Jean Mareska qui a travaillé avec Jean-Jacques Goldman. Le disque, très acoustique, est enregistré avec une petite formation. Pierre Delanoë y signe six des douze textes qui composent l'opus, Didier Barbelivien, deux. Bécaud chante en duo avec sa fille Emily un titre écrit par Luc Plamondon, "La Fille au tableau". "Faut faire avec..." est le dernier album du chanteur à paraître de son vivant.


title: Gilbert Bécaud

text: En , Gilbert Bécaud retrouve sa scène fétiche l'Olympia pour un lever de rideau. Malade, grossi, atteint d'un cancer, il trouve cependant l'énergie de chanter. Le public le soutient et l'encourage. Le tout dernier concert de sa carrière a lieu en Allemagne, à Fribourg-en-Brisgau, le . Gilbert Bécaud voulait faire un dernier spectacle à l'Olympia, en octobre 2001, sur trois jours, pour « célébrer le nouveau millénaire » et aussi, sans doute, pour clôturer sa carrière, mais assez rapidement, à partir de l'été 2001, de sérieux problèmes de santé vont l'empêcher de faire un dernier passage dans sa salle fétiche et, en août 2001, ce projet sera définitivement annulé.


title: Gilbert Bécaud

text: Gilbert Bécaud enregistre un ultime album, avant de mourir d'un cancer du poumon, le , chez lui à Boulogne-Billancourt, sur sa péniche nommée "Aran". Toute la profession lui rend hommage le vendredi lors de ses obsèques en l'église de La Madeleine à Paris.


title: Gilbert Bécaud

text: Son dernier album sort "post mortem" le . Son fils Gaya a sélectionné, parmi une trentaine, onze chansons enregistrées sur les thèmes de la mort et de Dieu. Un de ces titres est un duo avec Serge Lama, "Le Train d'amour". Le disque contient également deux extraits de la comédie musicale "Madame Roza", interprétés par Annie Cordy.


title: Gilbert Bécaud

text: Gaya Bécaud fait paraître en 2005 un second album posthume, "Suite", comprenant trois inédits, un duo virtuel avec la chanteuse Fella et six anciens morceaux dans une nouvelle version réorchestrée.


title: Gilbert Bécaud

text: En 2011, année de la commémoration de sa disparition, sort chez EMI, "Bécaud, le coffret essentiel", recueil de 267 chansons en douze CD : albums originaux, 45 tours rares, 38 chansons enregistrées lors de 13 passages à l’Olympia, trente-deux titres inédits en CD.


title: Gilbert Bécaud

text: L’Olympia est étroitement associé à la carrière de Gilbert Bécaud. Il figure en première partie lors de sa réouverture par Bruno Coquatrix en , dans un programme où les têtes d'affiche sont Lucienne Delyle et son mari Aimé Barelli. En , Coquatrix propose d'offrir le spectacle de Bécaud aux étudiants. Plus de se pressent alors que la salle ne contient que . Les adolescents sont pris de frénésie et s'emballent jusqu'à casser des fauteuils.


title: Gilbert Bécaud

text: Gilbert Bécaud inaugure la réouverture du lieu après sa reconstruction en , quelques années après avoir écrit la chanson "Il est à moi L'Olympia".


title: Gilbert Bécaud

text: Le jour de ses obsèques, alors que le corbillard passe sur le boulevard des Capucines pour se rendre à l'église de La Madeleine, le fronton du music-hall affiche en lettres de feu "Salut Gilbert Bécaud".


title: Gilbert Bécaud

text: Gilbert Bécaud épouse Monique Nicolas (1929-2002) en 1952. Le couple se sépare dans les années 1960 mais ne divorce qu'une quinzaine d'années après. Leur premier fils, Gilbert dit « Gaya », est né le et mort le . Un deuxième fils, Philippe (pour lequel il composera "Pilou Pilou Hé"), voit le jour en 1957, puis une fille, Anne naît en 1965 (elle meurt le dans l'incendie de son domicile) .


title: Gilbert Bécaud

text: Toujours en 1965, Gilbert Bécaud a une fille, Jennifer avec Janet Woollacott, alors épouse de Claude François dont elle est séparée depuis 1962.


title: Gilbert Bécaud

text: En 1972, naît Emily de sa relation avec Cathryn Lee St. John, dite « Kitty », mannequin américain de l'agence Catherine Harlé rencontrée en 1965 et épousée en 1976. Le couple adopte Noï, une enfant laotienne, en 1993.


title: Gilbert Bécaud

text: En 1996, Brigitte Bardot révèle avoir eu une liaison avec Gilbert Bécaud. En 1983, une chanson, "Désirée", fait référence à l'actrice luxembourgeoise Désirée Nosbusch.


title: Gilbert Bécaud

text: Gilbert Bécaud a vécu au Chesnay (Yvelines) dans les années 1950 et 60, puis dans la tour France à Puteaux dès 1973, y faisant transporter son piano par une grue avant la construction du toit. Par la suite, il s'installe dans une ferme du Poitou sur la commune de La Bussière (Vienne), qu'il quitte régulièrement pour sa péniche "Aran" amarrée au pont de Saint-Cloud à Paris.


title: Gilbert Bécaud

text: Grand fumeur et amateur de whisky, ayant mené une vie effrénée, il meurt sur sa péniche le 18 décembre 2001 à , des suites d'un cancer du poumon opéré plusieurs fois.


title: Gilbert Bécaud

text: Il est inhumé à Paris au cimetière du Père-Lachaise (division 45, transversale 1), voisin de Sophie Daumier, de Marie Trintignant, d'Alain Corneau et de Daniel Toscan du Plantier.


title: Gilbert Bécaud

text: Depuis 2010, Kitty Bécaud gère la société de production et d'éditions musicales "Nouvelles Éditions Rideau Rouge", créée par Gilbert Bécaud, et s'occupe de la mémoire et de l’œuvre de son mari.


title: Gilbert Bécaud

text: Mais aussi avec Charles Aznavour, Frank Thomas, Pierre Grosz, Serge Lama, Claude Lemesle, Didier Barbelivien, Luc Plamondon, etc.


title: Gilbert Bécaud

text: Gilbert Bécaud se produisait toujours sur scène avec le même piano, qui avait une particularité : il était légèrement incliné vers l'avant. En effet, Gilbert tenait à voir la salle lorsqu'il était assis au piano et, pour cela, il avait demandé à Jacques Dinnat (son régisseur) de faire couper et raccourcir le pied avant de l'instrument afin de lui donner l'inclinaison nécessaire, ce qui a été réalisé par un menuisier de la région parisienne. Cette inclinaison, à peine visible pour un œil non averti, était suffisante pour obtenir le résultat voulu, sans être gênante pour son jeu ou celui de Gilbert Sigrist, pianiste qui l'accompagnait alors régulièrement.


title: Gilbert Bécaud

text: Cette cravate à pois, tissu de la société des tissus "Buche" dans les années 1950, était pour lui un fétiche et un porte-bonheur, car elle avait une histoire : encore jeune pianiste, Bécaud cherche du travail. Il se présente pour faire un essai dans un piano-bar qui recrute un pianiste remplaçant (le pianiste habituel étant Jacques Datin). Le patron refuse de lui laisser passer une audition en justifiant que, compte tenu de l'image de marque de son établissement, il faut porter une cravate pour pouvoir y travailler. Or, Bécaud n'en portait pas à ce moment-là mais était heureusement accompagné de sa mère. Celle-ci sacrifie la robe bleue à pois blancs qu'elle portait, en découpant le bas de son vêtement, improvisant ainsi une cravate de fortune qu'elle remet à son fils. Ainsi cravaté, Bécaud retourne voir le patron du bar, qui le laisse enfin jouer, puis l'embauche dans la foulée. Depuis ce jour, Gilbert Bécaud s'est toujours présenté sur scène avec une "vraie" cravate à pois, sans jamais changer de modèle, en souvenir de ce premier épisode de sa carrière et en hommage à sa mère.


title: Gilbert Bécaud

text: En 1970, il forme un duo avec Monsieur Pointu (de son vrai nom Paul Cormier), un « violoneux » autodidacte traditionnel du Québec, pour enregistrer la chanson "La vente aux enchères". Ce duo fit plusieurs tournées en France. Dès le début de leur association, Bécaud est allé quelques fois dans les fêtes de la famille Cormier.


title: Gilbert Bécaud

text: La carrière discographique française de Gilbert Bécaud s'est étalée sur 54 années, comprenant 27 albums studios, 20 albums live et plus d'une cinquantaine de 45 tours ou CD single, sortis en partie par La Voix de son Maître ainsi que de nombreux albums et singles en anglais, allemand, italien et espagnol.


title: Gilbert Bécaud

text: Sa carrière s'étend à l'étranger où ses chansons sont adaptées : "Let It Be Me" aux États-Unis, "Am Tag als der Regen kam" en Allemagne, "A Little Love and Understanding" en Angleterre, etc.


title: Gilbert Bécaud

text: Les adaptations de ses chansons ont été interprétées par Elvis Presley, Shirley Bassey, Bob Dylan, Nina Simone, George Harrison, Marlene Dietrich, Julio Iglesias, Bing Crosby, Frank Sinatra, James Brown…


title: Karin Viard

text: Après des débuts difficiles dans les années 1980, l'actrice connaît une ascension rapide durant la décennie suivante, passant de petits rôles remarqués, comme dans "Tatie Danielle" (1990) et "Delicatessen" (1991), à des rôles de premier plan dans des films comme "La Nage indienne" (1993) ou "Les Randonneurs" (1997), qui lui valent ses deux premières nominations aux Césars. Mais c'est le premier rôle poignant dans le drame "Haut les cœurs !" (1999), qui assoit définitivement son talent et lui permet d'obtenir le César de la meilleure actrice et le Lumière de la meilleure actrice en 2000.


title: Karin Viard

text: Deux ans plus tard, suite à "Embrassez qui vous voudrez" (2002), qui lui vaut cette fois le César de la meilleure actrice dans un second rôle, elle multiplie les seconds rôles, dans des registres divers : le drame "Paris" (2008), la comédie "Potiche" (2011) et la comédie dramatique "Vingt et une nuits avec Pattie" (2015) lui valent ainsi d'autres nominations aux Césars dans cette catégorie. Mais c'est le drame "Les Chatouilles" qui lui permet d'emporter une seconde fois la récompense.


title: Karin Viard

text: Ses performances dans "Le Rôle de sa vie" (2004), "Polisse" (2011), "La Famille Bélier" (2014) et "Jalouse" (2017), lui valent d'autres nominations aux César de la meilleure actrice.


title: Karin Viard

text: Karin Michèle Viard est la fille d'un directeur de plate-forme pétrolière et elle passe ses premières années à Oran en Algérie où son père travaille. Elle a quatre ans quand ses parents divorcent. Elle est envoyée avec sa sœur Nadège à Sainte-Marguerite-sur-Duclair, près de Rouen, chez ses grands-parents maternels, tapissiers-décorateurs à la retraite. Ils élèvent les deux filles, même si elles retrouvent leur mère pendant les vacances.


title: Karin Viard

text: Enfant, Karin Viard n'a pas d'admiration spéciale pour les actrices mais adore des acteurs comme l'Américain Spencer Tracy. Elle est marquée par le rôle de Quasimodo tenu par Anthony Quinn dans "Notre-Dame de Paris" de Jean Delannoy. Son rêve de devenir comédienne est alimenté par ses grands-parents qui l’emmènent voir des opérettes. Étant tapissiers, ils avaient d'ailleurs travaillé pour le Théâtre des Arts de Rouen. À 14 ans, Karin Viard participe à l'atelier théâtre du Club Med où sa mère est employée.


title: Karin Viard

text: Elle prend des cours de théâtre au Conservatoire d'arts dramatiques de Rouen aux côtés, notamment de Valérie Lemercier, Alexis Desseaux et Franck Dubosc, sous la direction de Jean Chevrin. Ensuite, elle décide de partir étudier la comédie à Paris à 17 ans, une fois son bac littéraire obtenu avec mention à l’institution privée Rey de Rouen. Pendant cette période, elle fait des petits boulots alimentaires, comme vendeuse aux "Galeries Lafayette" ou serveuse dans un "Burger King".


title: Karin Viard

text: Karin Viard a souvent abordé la période difficile qu'elle a connue à l'adolescence et lorsqu'elle était jeune adulte. Ayant très peu confiance en elle, elle a connu la boulimie de 17 à 28 ans. Elle s'est affranchie de ses complexes après la naissance de ses deux filles.


title: Karin Viard

text: De 1992 à 2017, Karin Viard vit avec Laurent Machuel, directeur de la photographie, cadreur et ingénieur du son ; de cette union sont nées deux filles, Marguerite (1998) et Simone (2000).


title: Karin Viard

text: Depuis 2019, elle est en couple avec Manuel Herrero, réalisateur et producteur de films documentaires sur le sport, qu’elle épouse en juin 2022.


title: Karin Viard

text: Remarquée dans plusieurs films engagés comme "Ma part du gâteau" et "Les Invités de mon père", elle se définit comme étant de gauche mais elle refuse d'étaler publiquement ses convictions politiques ou de prendre des engagements car elle a le sentiment de ne pas assez maîtriser le sujet pour le faire.


title: Karin Viard

text: En 2018, à la suite de la démission de Nicolas Hulot, elle signe avec Juliette Binoche la tribune contre le réchauffement climatique intitulée « Le Plus Grand Défi de l'histoire de l'Humanité », qui paraît en une du journal Le Monde, avec pour titre "L'appel de 200 personnalités pour sauver la planète".


title: Karin Viard

text: À Paris, Karin Viard suit les cours de théâtre de Vera Gregh et de Blanche Salant, et commence sa carrière de comédienne dans des courts métrages et au théâtre avec des rôles comiques. Elle peine cependant à trouver suffisamment de rôles pour gagner sa vie et doit effectuer à côté divers petits boulots pendant sept ans. Elle est ainsi tour à tour vendeuse, serveuse ou télémarketeuse pour un parti politique.


title: Karin Viard

text: En 1989, Karin Viard obtient tout de même un rôle pour la télévision dans un épisode de la série "Les Enquêtes du commissaire Maigret". Elle joue ensuite un personnage plus important dans un épisode de la nouvelle série "Maigret" avec Bruno Cremer en 1992. En 1989 également, elle est remarquée par Étienne Chatiliez lors d'une audition pour "Tatie Danielle". Il lui offre son premier rôle au cinéma.


title: Karin Viard

text: Karin Viard enchaîne ensuite avec un autre second rôle dans un autre film à succès, "Delicatessen" de Jean-Pierre Jeunet et Marc Caro. "Tatie Danielle" et "Delicatessen" lui permettent de jouer le même type de femme pulpeuse et rigolote, mais l'actrice souhaite s'illustrer avec des personnages plus complexes. En 1993, son vœu est exaucé avec les premiers rôles de "La Nage indienne" de Xavier Durringer, et "Emmène-moi", de Michel Spinosa. Le premier film lui vaut d'être nommée au César du meilleur espoir féminin en 1994. Ce sont ces deux œuvres qui lancent véritablement sa carrière d'actrice et lui assurent la tête d'affiche dans de nombreux autres films.


title: Karin Viard

text: Au cours des années 1990, Karin Viard est sollicitée par de nombreux réalisateurs comme Nicole Garcia, Philippe Harel ou Catherine Corsini. Elle obtient le premier rôle féminin de nombreux films au registre souvent léger : "Adultère (mode d'emploi)" en 1995, "Les Randonneurs" en 1997 ou "La Nouvelle Ève" en 1999. Sa notoriété décolle avec le succès des "Randonneurs", réalisant 1,5 million d'entrées, , portée par des , contraints de , dans les montagnes du GR Corse, le plus sportif des sentiers de grande randonnée, le personnage de Karin Viard y rêvant de son théâtre et d'une idylle dans la langueur d'un club de vacances en bord de mer.


title: Karin Viard

text: Elle joue aussi dans plusieurs courts métrages ainsi que des films plus graves comme "Les Victimes" en 1995. Sa participation au premier film de Sólveig Anspach en 1999 affirme son statut de nouvelle égérie du cinéma d'auteur. "Haut les cœurs !", film difficile dans lequel elle incarne une femme atteinte d'un cancer, lui apporte définitivement la consécration et lui permet de remporter le César de la meilleure actrice en 2000.


title: Karin Viard

text: L'actrice demeure très active dans les années 2000. En 2003, elle fait partie du jury du festival de Cannes et elle remporte le César de la meilleure actrice dans un second rôle pour "Embrassez qui vous voudrez" de Michel Blanc. Néanmoins, elle n'est pas jugée suffisamment « bankable » pour jouer dans "Bon voyage" de Jean-Paul Rappeneau et le rôle pour lequel elle était pressentie est offert à Isabelle Adjani.


title: Karin Viard

text: En dehors de certains rôles complexes comme sa prestation dans "Les Ambitieux" en 2007, Karin Viard privilégie les films simples et populaires au cours des années 2000, comme "Les Enfants" en 2005. De son propre aveu, elle se trouve mauvaise et insignifiante dans des films peu intéressants qui ne lui plaisent pas. Elle est particulièrement déçue par "Les Randonneurs à Saint-Tropez". L'actrice décide alors de mieux choisir ses contrats.


title: Karin Viard

text: En 2008, elle revient au théâtre qu'elle avait quitté depuis ses débuts et joue dans "La Estupidez" de Rafael Spregelburd. Au cinéma, elle n'accepte de travailler qu'avec de bons réalisateurs, même si les rôles proposés sont secondaires. Elle joue ainsi dans "Potiche" de François Ozon, "Polisse" de Maïwenn ou encore "Paris" de Cédric Klapisch dans lequel elle campe une boulangère raciste, un rôle bref mais jubilatoire pour la comédienne. Elle retrouve Klapisch pour "Ma part du gâteau", film engagé dans lequel elle a le premier rôle. Elle précise apprécier ce genre de film militant tout en ayant aussi envie de participer à de gros succès populaires qui lui permettent financièrement de se diversifier vers des films plus confidentiels.


title: Karin Viard

text: Depuis "Haut les cœurs !", Karin Viard a été nommée trois fois pour le César de la meilleure actrice : en 2005 pour "Le Rôle de sa vie", en 2012 pour "Polisse" et en 2015 pour "La Famille Bélier". Selon Le Figaro, elle est la quatrième actrice française la mieux payée en 2012. Très présente dans le cinéma français, elle n'a néanmoins pas eu d'ambitions internationales car elle ne parle pas anglais et rares sont ses films à s'être exportés.


title: Karin Viard

text: En 2019, elle remporte pour la seconde fois le "César de la meilleure actrice dans un second rôle" pour sa prestation dans l'acclamé drame "Les Chatouilles".


title: Karin Viard

text: Karin Viard est une actrice connue pour sa spontanéité et son caractère gouailleur. Nicolas Duvauchelle, son partenaire dans "Parlez-moi de vous", a dit qu'« on se sent tout de suite à l'aise avec elle. Elle ne minaude pas, elle est vraie, simple et très drôle. » Étienne Chatiliez, qui lui a offert son premier rôle au cinéma, déclare quant à lui : « il y a de la vie chez Karin ! C'est quelqu'un de sain, d'abordable, elle nous raconte un peu tous. »


title: Karin Viard

text: Karin Viard se distingue aussi par sa capacité à évoluer entre des films totalement différents et à pouvoir jouer une vaste panoplie de personnages sans montrer d'effort apparent. Elle excelle tout aussi bien avec les personnages drôles, décalés ou burlesques, que les personnages sombres ou antipathiques. L'actrice préfère en général les personnages complexes qui ont beaucoup de potentiel comique ou dramatique et peut travailler très longtemps pour préparer un rôle. Sa métamorphose d'un film à l'autre est parfaitement visible dans "La Nouvelle Ève" et "Haut les cœurs !", sortis la même année et qui ont marqué sa consécration. Dans le premier, elle incarne une femme burlesque, désinvolte et imprévisible, et dans le second, elle est enceinte, atteinte d'un cancer et le crâne rasé.


title: Karin Viard

text: En raison de sa facilité à changer de registre, et pour son aptitude à se rendre immédiatement reconnaissable et accessible pour le spectateur, Karin Viard est parfois comparée à Meryl Streep. Comme l'actrice américaine, Viard partage aussi au spectateur et au réalisateur son goût et son plaisir du jeu. En cela, Cédric Klapisch la rapproche aussi de Jeanne Moreau, Catherine Deneuve et Isabelle Huppert. Le réalisateur, qui a tourné à trois reprises avec l'actrice, pense également qu'elle .


title: Tony Scott

text: Anthony Scott, dit Tony Scott , né le à North Shields dans le North Tyneside en Angleterre et mort le à San Pedro (Californie) aux États-Unis, est un réalisateur, producteur, acteur, scénariste et cadreur britannico-américain.


title: Tony Scott

text: Il est révélé en 1986 au grand public par le succès mondial de "Top Gun", tandis que quelques-uns de ses échecs commerciaux, comme "Les Prédateurs" (1983), "Le Dernier Samaritain" (1991) ou "True Romance" (1993), obtiennent beaucoup plus de succès après leur sortie en vidéo.


title: Tony Scott

text: Au début des années 2000, il signe deux succès du cinéma d'espionnage hollywoodien : "Ennemi d'État" (1998) et "" (2001).


title: Tony Scott

text: Il a aussi dirigé à cinq reprises l'acteur Denzel Washington dans "USS Alabama" (1995), "Man on Fire" (2004), "Déjà vu" (2006), "L'Attaque du métro 123" (2009) et "Unstoppable" (2010).


title: Tony Scott

text: Il est le frère de Ridley Scott, avec qui il a fondé la société de production Scott Free Productions en 1995, et l'oncle des réalisateurs Jake, Luke et Jordan (également romancière).


title: Tony Scott

text: Diplômé en arts graphiques de la Sunderland Art School et du Royal College of Art de Londres, il se passionne pour le cinéma lors d'études complémentaires au Leeds College of Art and Design.


title: Tony Scott

text: Son moyen-métrage "Loving Memory" est présenté à la 10e Semaine de la critique, durant le Festival de Cannes 1971.


title: Tony Scott

text: En 1973, il dirige un plan de "Barry Lyndon" de Stanley Kubrick. La même année, il fonde avec son frère Ridley la compagnie de production publicitaire RSA.


title: Tony Scott

text: Durant plus de dix ans, chacun réalisera des centaines de publicités et développera un , qui n'est cependant pas exempt de .


title: Tony Scott

text: En 1982, Tony Scott passe au long métrage avec "Les Prédateurs", film de vampire hyper-stylisé éreinté par la critique, malgré la présence de Catherine Deneuve et David Bowie. C'est avec le temps que le film deviendra culte. Le succès commercial, le cinéaste le connaît de façon fulgurante quatre ans après, avec "Top Gun". Réussite phénoménale au box-office (plus de 175 millions de dollars de recettes pour les seuls États-Unis), consécration de Tom Cruise au panthéon des vedettes hollywoodiennes, et première association avec le duo de producteurs Don Simpson-Jerry Bruckheimer.


title: Tony Scott

text: En 1987, il réalise le clip de "One More Try" de George Michael, extrait de l'album "Faith". La même année, il retrouve le duo Don Simpson-Jerry Bruckheimer pour une suite, "Le Flic de Beverly Hills 2" et en 1990 pour "Jours de tonnerre", qui marque ses retrouvailles avec Tom Cruise. En 1990 toujours, il dirige Kevin Costner dans "Vengeance", cette fois un échec critique et commercial.


title: Tony Scott

text: Tony Scott entame la décennie avec deux films décevants au box-office, mais amenés à faire l'objet d'un culte. Tout d'abord, il s'affranchit de Jerry Bruckheimer pour rejoindre Joel Silver, l'autre producteur de films d'action en vogue à Hollywood, le temps de réaliser "Le Dernier Samaritain", avec Bruce Willis et Damon Wayans.


title: Tony Scott

text: Deux ans après l'échec commercial de ce "buddy-movie", il met en scène un film noir à petit budget, "True Romance", écrit par Quentin Tarantino et Roger Avary. Il s'agit probablement de l'œuvre la moins conventionnelle du réalisateur, si l'on exclut son premier long-métrage. Les critiques sont excellentes, mais le box-office décevant. Ce film aussi deviendra culte.


title: Tony Scott

text: Il retourne ensuite à des projets plus commerciaux : en 1995, il rencontre un beau succès critique et commercial avec un film de sous-marin, "USS Alabama". Ce film marque ses retrouvailles avec Bruckheimer, mais constitue aussi le début d'une collaboration fructueuse avec l'acteur Denzel Washington. Il y dirige aussi Gene Hackman et James Gandolfini. Avec son frère aîné, le réalisateur Ridley Scott, il crée la société de production cinématographique Scott Free Productions.


title: Tony Scott

text: Le thriller psychologique situé dans le milieu du sport, "Le Fan" (1996), avec Robert De Niro et Wesley Snipes, est quant à lui un échec critique et commercial.


title: Tony Scott

text: C'est avec Jerry Bruckheimer qu'il renoue avec le box-office : en 1998, le thriller d'espionnage "Ennemi d'État", opposant la star Will Smith à Gene Hackman est un carton critique et commercial. Il reste dans l'espionnage en 2001 pour le plus cérébral "", où il dirige cette fois Brad Pitt et Robert Redford.


title: Tony Scott

text: Les années 2000 vont être marquées par des films plus violents et noirs : tout d'abord, le thriller "Man on Fire", qui marque sa seconde collaboration avec Denzel Washington, et remake du film français éponyme d'Élie Chouraqui de 1987. Ce film vaut au cinéaste un bel accueil critique qui le place parmi le peu de réalisateurs ayant rapporté plus d'un milliard de dollars de recettes.


title: Tony Scott

text: En 2005, il poursuit dans cette veine avec le thriller d'action "Domino", porté par la performance de Keira Knightley dans le rôle-titre, et scénarisé par Richard Kelly. Ce projet sommeille depuis dix ans et constitue le surprenant portrait de la chasseuse de primes Domino Harvey, fille de l'acteur Laurence Harvey. Tony Scott, fasciné par cet être étrange et profondément libre dont il était très proche, dédie son film à Domino Harvey, décédée quelques mois avant la sortie du film. Le film est un flop critique et commercial. Peu importe, Scott s'est déjà attelé à un troisième projet avec Denzel Washington, le thriller d'action mâtiné de science-fiction, "Déjà Vu", un succès critique et commercial de l'année 2006. Il s'agit aussi de sa cinquième et dernière production Bruckheimer.


title: Tony Scott

text: En juillet 2009, sa quatrième collaboration avec Denzel Washington est pour le film d'action "L'Attaque du métro 123", remake du classique hollywoodien "Les Pirates du métro" (1974). Pour l'occasion, Scott retrouve aussi James Gandolfini et dirige pour la première fois John Travolta. En 2010, il reste fidèle à Denzel Washington et aux trains pour "Unstoppable", avec aussi la valeur montante Chris Pine. Ce seizième long-métrage basé sur des faits réels est son dernier.


title: Tony Scott

text: Le , Tony Scott se suicide en sautant du pont Vincent-Thomas, à San Pedro, près de Long Beach, à l'âge de 68 ans.


title: Tony Scott

text: Certaines sources évoquent qu'une maladie incurable serait la cause de ce suicide. Certaines sources évoquent une tumeur au cerveau inopérable.


title: Tony Scott

text: En , son frère Ridley Scott déclare dans une interview pour "Variety" que sa mort est mais il ajoute :


title: Tony Scott

text: Tony Scott est inhumé au cimetière Hollywood Forever Cemetery le , au 6000 Santa Monica Boulevard à Hollywood (district de Los Angeles, Californie).


title: Tony Scott

text: Le premier épisode de la mini-série "" et le premier épisode de la saison 4 de "The Good Wife" sont dédiés à sa mémoire. Son frère Ridley lui dédie par ailleurs deux longs métrages : "Cartel" (2013) et "" (2014) et lui rend hommage lors des Golden Globes 2016, juste après avoir reçu le Golden Globe du meilleur film musical ou de comédie.


title: Tony Scott

text: Tony Scott a été marié trois fois. En 1967, il épouse la costumière (1944–2007). Ils divorcent en 1974. Il se marie en 1986 avec Glynis Sanders, qui travaille dans la publicité. Ils divorcent un an plus tard.


title: Tony Scott

text: En 1990, il rencontre Donna Wilson, de vingt-quatre ans plus jeune que lui, sur le tournage de "Jours de tonnerre". Ils se marient en 1994. Elle donne naissance à des jumeaux, Frank et Max, en 2000.


title: Tony Scott

text: Tony Scott est aussi l'oncle des réalisateurs Luke Scott, Jake Scott et Jordan Scott, laquelle est également romancière.


title: Tony Scott

text: Tony Scott choisit souvent des acteurs récurrents, comme Denzel Washington, Donna W. Scott et Steve Gonzales, un de ses acteurs fétiches, avec qui il a collaboré cinq fois.


title: Jean-Paul Rouve

text: Il s'impose durant les années 2000 comme un second rôle récurrent du cinéma français, dans des genres différents. Ainsi, il remporte le César du meilleur espoir masculin en 2003 pour sa performance dans le drame historique "Monsieur Batignole", de Gérard Jugnot, puis est nommé pour le César du meilleur acteur dans un second rôle en 2005 pour son incarnation d'un sosie de Michel Polnareff dans la comédie "Podium", de Yann Moix. En 2006, il joue un directeur de colonie de vacances dans la comédie "Nos jours heureux", d'Éric Toledano et Olivier Nakache, avant d'incarner Louis Gassion dans le film biographique "La Môme" (2007), d'Olivier Dahan.


title: Jean-Paul Rouve

text: Durant les années 2010, il s'impose surtout dans le rôle de Jeff Tuche, dans la série de comédies à succès "Les Tuche" mise en scène par Olivier Baroux. Il poursuit également une carrière de réalisateur de films à sensibilité plus dramatique, avec "Quand je serai petit" (2012), "Les Souvenirs" (2014) et "Lola et ses frères" (2018).


title: Jean-Paul Rouve

text: Fils unique, Jean-Paul Rouve grandit à Dunkerque, et s'initie au théâtre durant sa scolarité. Il suit des cours au centre dramatique national du Nord-Pas de Calais et fonde une troupe de théâtre amateur. Après son baccalauréat, il part à Lille afin d'étudier les sciences de l'information et de la communication. En 1989, grâce à l'une de ses amies, Emmanuelle Lepoutre, il assiste à un cours donné par Isabelle Nanty dans une école de théâtre, le cours Florent, et décide de rester à Paris afin d'étudier la comédie. Il vit en effectuant de petits boulots.


title: Jean-Paul Rouve

text: En tournée dans le Nord avec une troupe de théâtre, il est remarqué par le réalisateur belge Pierre Joassin, ce qui lui permet d'apparaître dans un téléfilm. Il décroche ensuite le rôle du brigadier Éric Léveil dans le feuilleton télévisé "Julie Lescaut".


title: Jean-Paul Rouve

text: Rouve fonde la troupe des Robins des Bois avec Marina Foïs, Maurice Barthélémy et Pierre-François Martin-Laval, jeunes acteurs rencontrés au cours Florent, bientôt rejoints par Élise Larnicol et Pascal Vincent. En 1997, la troupe joue "Robin des Bois d'à peu près Alexandre Dumas" dans une grange à Fontainebleau. L'intervention de Dominique Farrugia, qui assiste à leur spectacle, leur permet de monter la pièce au théâtre de la Gaîté-Montparnasse, puis au Splendid. Elle totalise . La troupe participe ensuite à "La Grosse Émission" sur la chaîne "Comédie !", créée à l'initiative de Farrugia.


title: Jean-Paul Rouve

text: En 1998, Rouve se produit dans un registre différent dans "Karnaval", film d'auteur réalisé par Thomas Vincent. Au cinéma, il tient des seconds rôles. Il interprète notamment l'avocat dans "Tanguy" d'Étienne Chatiliez et le collabo Pierre-Jean Lamour dans "Monsieur Batignole", rôle pour lequel il obtient le César du meilleur espoir masculin en 2003.


title: Jean-Paul Rouve

text: Le succès de ces interprétations l'entraîne vers des rôles plus importants comme dans "Un petit jeu sans conséquence" (où il retrouve Marina Foïs, sa comparse des Robins des Bois), "Podium" avec Benoît Poelvoorde, "Bunker Paradise" de Stefan Liberski. Il tourne dans deux films réalisés par Éric Toledano et Olivier Nakache, "Je préfère qu'on reste amis...", où il partage l'affiche avec Gérard Depardieu, et surtout "Nos jours heureux", comédie à succès de l'été 2006, qui le propulse chef d'une bande composée notamment de Marilou Berry, Omar Sy et Joséphine de Meaux. Il interprète ensuite Louis Gassion, le père d'Édith Piaf, dans un film biographique retraçant sa vie : "La Môme" réalisé par Olivier Dahan.


title: Jean-Paul Rouve

text: Il tente de confirmer comme tête d'affiche en 2007 avec la comédie "Ce soir je dors chez toi", d'Olivier Baroux, mais le film n'a pas le succès escompté. Il continue donc surtout à défendre des seconds rôles, comme dans "La Jeune Fille et les Loups" de Gilles Legrand.


title: Jean-Paul Rouve

text: Il passe à la réalisation en 2008 avec "Sans arme, ni haine, ni violence", un film biographique consacré à Albert Spaggiari, qui lui permet de se confier de nouveau un premier rôle, mais le film reçoit un accueil mitigé. Autres essais de premiers rôles en 2011, avec la comédie policière "Poupoupidou" puis le polar "Légitime défense", écrit et réalisé par Pierre Lacan.


title: Jean-Paul Rouve

text: Finalement, durant les années 2010, c'est avec une franchise de comédies populaires qu'il parvient à s'imposer comme une valeur sûre : en incarnant Jeff Tuche dans "Les Tuche", et "Les Tuche 3", de 2011 à 2017, sous la direction d'Olivier Baroux, il atteint les sommets du box-office français. Parallèlement, comme réalisateur, il creuse une veine plus intimiste et sensible avec les comédies dramatiques "Quand je serai petit" (2012), "Les Souvenirs" (2014) et "Lola et ses frères" (2018), ces deux derniers étant co-écrits avec le romancier à succès David Foenkinos.


title: Jean-Paul Rouve

text: En juillet 2019, il est président du jury du Festival du film de Pauillac, succédant à Eric Altmayer.


title: Jean-Paul Rouve

text: Il apparaît également dans les films tels que "Donne-moi des ailes" (2019) et "Je voudrais que quelqu'un m'attende quelque part" (2019)"."


title: Jean-Paul Rouve

text: Début 2020, on apprend que Jean-Paul Rouve incarnera le personnage principal du roman Soumission écrit par Michel Houellebecq et qui sera adapté au cinéma au cours de l'année et réalisé par Guillaume Nicloux. Jean-Paul Rouve va donc interpréter le rôle d'un universitaire d'abord apolitique qui épouse ensuite les idées du nouveau président de la république élu en 2022 et appartenant au parti de "La fraternité musulmane".


title: Jean-Paul Rouve

text: En 2021, l'acteur césarisé est notamment apparu dans "Les Fantasmes", comédie romantique de David et Stéphane Foenkinos et a joué les papas sévères dans "Le Trésor du Petit Nicolas". Le 8 décembre, il retrouvera par ailleurs le rôle de Jeff Tuche dans le quatrième opus de la franchise à succès "Les Tuche 4", coécrite et réalisée par Olivier Baroux.


title: Jean-Paul Rouve

text: Jean-Paul Rouve a vécu plusieurs années avec la romancière Bénédicte Martin ; en 2007 le couple a eu un fils, Clotaire. En 2019, il fait participer son fils au tournage de l'émission "Burger Quiz" sur TMC.


title: Jean Anouilh

text: Jean Anouilh () est un dramaturge et scénariste français né le à Bordeaux (Gironde) et mort le à Lausanne (Suisse). Son œuvre théâtrale commencée en 1932 est particulièrement abondante et variée : elle est constituée de nombreuses comédies souvent grinçantes et d'œuvres à la tonalité dramatique ou tragique comme sa pièce la plus célèbre, "Antigone", réécriture moderne de la pièce de Sophocle.


title: Jean Anouilh

text: Anouilh a lui-même organisé ses œuvres en séries thématiques, faisant alterner d'abord "Pièces roses" et "Pièces noires". Les premières sont des comédies marquées par la fantaisie comme "Le Bal des voleurs" (1938) alors que les secondes montrent dans la gravité l'affrontement des « héros » entourés de gens ordinaires en prenant souvent appui sur des mythes comme "Eurydice" (1941), "Antigone" (1944) ou "Médée" (1946).


title: Jean Anouilh

text: Après la guerre apparaissent les "Pièces brillantes" qui jouent sur la mise en abyme du théâtre au théâtre ("La Répétition ou l'Amour puni" en 1947, "Colombe" en 1951), puis les "Pièces grinçantes", comédies satiriques comme "Pauvre Bitos ou le Dîner de têtes" (1956). Dans la même période, Jean Anouilh s'intéresse dans des "Pièces costumées" à des figures lumineuses qui se sacrifient au nom du devoir : envers la patrie comme Jeanne d'Arc dans "L'Alouette" (1953) ou envers Dieu comme Thomas Becket ("Becket ou l'Honneur de Dieu" en 1959). Le dramaturge a continué dans le même temps à servir le genre de la comédie dans de nombreuses pièces où il mêle farce et ironie (par exemple "Les Poissons rouges ou Mon père ce héros" en 1970) jusque dans les dernières années de sa vie.


title: Jean Anouilh

text: Jean Anouilh a également adapté plusieurs pièces d'auteurs étrangers, Shakespeare en particulier. Il a aussi mis en scène certaines de ses œuvres (par exemple "Colombe" en 1974), en même temps qu'il travaillait à des scénarios pour le cinéma ou à la télévision.


title: Jean Anouilh

text: Jean-Marie-Lucien-Pierre Anouilh est le fils de François Anouilh, tailleur, et Marie-Madeleine Soulue, professeur de piano et pianiste d'orchestre à Arcachon. C'est en 1923 au lycée Chaptal que son amour pour le théâtre se manifeste. C'est également là qu'il fera la connaissance de Jean-Louis Barrault. Des rencontres littéraires essentielles interviennent. Tout d'abord, vers 1926, celle de Jean Cocteau avec "Les Mariés de la tour Eiffel". Jean Anouilh relate lui-même cette découverte en ces termes :


title: Jean Anouilh

text: À cette époque, Anouilh se nourrit des lectures de Paul Claudel, Luigi Pirandello et George Bernard Shaw. Deuxième grande découverte celle de Jean Giraudoux en 1928, au poulailler de la comédie des Champs-Élysées, à travers sa pièce "Siegfried", qu'Anouilh finit par apprendre par cœur.


title: Jean Anouilh

text: Après avoir travaillé quelques semaines au bureau des réclamations des Grands Magasins du Louvre puis pendant deux ans dans l'agence de publicité Étienne Damour avec, entre autres, Jacques Prévert, Georges Neveux, Paul Grimault et Jean Aurenche, Anouilh, succédant à Georges Neveux, devient entre 1929 et 1930, le secrétaire général de la comédie des Champs-Élysées, que dirige alors Louis Jouvet. Anouilh est chargé de rédiger des notes sur les manuscrits reçus et de composer la salle pour les générales. La collaboration entre Anouilh et Jouvet est houleuse, Jouvet sous-estimant les ambitions littéraires de son employé. Ni Anouilh lui-même, qu'il surnomme « le miteux », ni son théâtre ne trouveront grâce aux yeux de Jouvet. Après la lecture de "La Sauvage", il déclare à Anouilh :


title: Jean Anouilh

text: En , Jean Anouilh est mobilisé et part faire son service militaire à Metz puis à Thionville. Après deux mois de service, il est réformé temporaire et revient à Paris. Anouilh vit alors, dans un atelier à Montparnasse puis dans un appartement rue de Vaugirard, meublé avec l'aide de Jouvet, avec qui il s'est provisoirement réconcilié. Il emménage avec la comédienne Monelle Valentin, qui créera entre autres le rôle-titre d"'Antigone" en 1944, et dont il aura une fille, Catherine, (1934-1989), et qui deviendra elle aussi comédienne (elle créera la pièce que son père écrira pour elle "Cécile ou l'École des pères" en 1954). Le couple se sépare en 1953 et Anouilh épouse la comédienne Nicole Lançon qui deviendra sa principale collaboratrice et avec laquelle il aura trois enfants : Caroline, Nicolas et Colombe.


title: Jean Anouilh

text: En 1932, Jean Anouilh fait représenter sa première pièce, "Humulus le muet", écrite en collaboration avec Jean Aurenche en 1929. C'est un échec. Quelque temps après, il propose "L'Hermine" à Pierre Fresnay qui accepte immédiatement de la jouer. Le a lieu la création de "L'Hermine", au théâtre de l'Œuvre, mise en scène par Paulette Pax. 90 représentations seront données. L'adaptation cinématographique de "L'Hermine" lui procure francs de droits qui lui permettent de faire déménager ses parents . Les deux pièces qui suivent, "Mandarine", créée en 1933 au théâtre de l'Athénée, et "Y'avait un prisonnier" en 1935 au théâtre des Ambassadeurs (dans une mise en scène de Marie Bell), sont des échecs. Ce sont à nouveau les droits cinématographiques de "Y'avait un prisonnier", acquis par la Metro Goldwyn Mayer, qui permettent à Anouilh de vivre convenablement pendant un an en Bretagne, avec Monelle Valentin et sa fille, période au cours de laquelle il retravaille "La Sauvage" et écrit "Le Voyageur sans bagage". C'est en 1935 également que Jean Anouilh rencontre pour la première fois Roger Vitrac, avec qui il se lie d'amitié et dont il reprendra, en 1962, la pièce "Victor ou les Enfants au pouvoir".


title: Jean Anouilh

text: En 1936, Louis Jouvet, à qui Anouilh espère confier la création du "Voyageur sans bagage", le . Furieux lorsqu'il apprend que Jouvet préfère finalement monter "Le Château de cartes" de Steve Passeur, Anouilh transmet le jour même son manuscrit à Georges Pitoëff, directeur du théâtre des Mathurins. Il raconte :


title: Jean Anouilh

text: Créé le dans une mise en scène de Georges Pitoëff, "Le Voyageur sans bagage" est le premier grand succès d'Anouilh, avec 190 représentations. Les acteurs principaux sont Georges et Ludmilla Pitoëff. Darius Milhaud en écrit la musique de scène, sous forme d'une "Suite pour violon, clarinette et piano" (op.157b). Dès lors, Anouilh gardera toute sa vie une réelle affection pour les Pitoëff et notamment Georges, celui qu'Anouilh décrit comme l' et à propos duquel Jouvet avait dit « Je n'aime l'Arménien que massacré ».


title: Jean Anouilh

text: En 1938, il obtient deux nouveaux succès critiques et publics avec deux pièces écrites au début des années 1930 et retravaillées à plusieurs reprises au cours des années suivantes : "La Sauvage" (créée le au théâtre des Mathurins, à nouveau dans une mise en scène de Georges Pitoëff et avec une musique de scène de Darius Milhaud) et "Le Bal des voleurs" (créée le au théâtre des Arts), pièce par laquelle Anouilh inaugure sa collaboration avec André Barsacq, qui dirige alors la compagnie des Quatre-Saisons et qui sera son principal interlocuteur et metteur en scène, pendant plus de quinze ans. L'accueil de la critique est très favorable pour ces deux pièces, reconnaissant unanimement Anouilh comme un grand dramaturge, "La Sauvage" générant toutefois des oppositions idéologiques plus fortes, principalement en raison de la place occupée par la religion dans la pièce. Colette écrit en 1938 :


title: Jean Anouilh

text: Cette même année 1938, Anouilh participe à la création de la revue "La Nouvelle Saison" avec notamment Jean-Louis Barrault, René Barjavel et Claude Schnerb, qui publie "Humulus le muet" (jamais publiée depuis sa création en 1932), avec des dessins de Raymond Peynet, ainsi que sa nouvelle "Histoire de M. Mauvette et de la fin du monde". Toujours la même année, il rencontre Robert Brasillach (dont il demandera la grâce en 1945) « dans les coulisses, chez Pitoëff ». Anouilh décrira ainsi cette rencontre en 1955 dans "Défense de l'Occident" :


title: Jean Anouilh

text: En , Anouilh est rappelé en service auxiliaire et affecté à la garnison d'Auxerre, comme secrétaire d'un commandant. Fait prisonnier en juin, il est finalement libéré grâce à l'oubli du tampon sur son livret militaire lors de son incorporation, faisant croire à son arrestation comme civil, alors qu'il se rendait à une visite médicale dans sa garnison. Anouilh rejoint alors à Paris sa femme et sa fille.


title: Jean Anouilh

text: En , "Le Bal des voleurs" est repris par André Barsacq qui vient de succéder à Charles Dullin à la direction du théâtre de l'Atelier. Suivent en l'espace de quelques mois, deux nouveaux succès pour Anouilh. Le premier, grâce à "Léocadia", montée au théâtre de la Michodière par Pierre Fresnay, qui appréciait le talent d'Anouilh depuis le succès du "Voyageur sans bagage". La création a lieu le avec Yvonne Printemps et Pierre Fresnay dans les premiers rôles, sur une musique de Francis Poulenc (op.106) et dans des décors et des costumes d'André Barsacq. Brasillach rappelle alors à Anouilh sa promesse et obtient la publication de "Léocadia" dans "Je suis partout", étalée sur cinq numéros. Le second, avec "Le Rendez-vous de Senlis", créé au théâtre de l'Atelier par André Barsacq le . Les deux pièces font chacune l'objet d'environ 170 représentations.


title: Jean Anouilh

text: À l'été 1941, Anouilh et sa femme se réfugient à Salies-de-Béarn, où ils resteront jusqu'en ; Anouilh y travaillera à ce qui sera sa prochaine pièce, "Eurydice". Tous deux tentent de protéger Mila, femme juive d'origine russe d'André Barsacq. Ils l'hébergeront plusieurs mois dans leur appartement de l'avenue Trudaine à leur retour à Paris.


title: Jean Anouilh

text: C'est en pleine Occupation allemande qu'Anouilh fait jouer deux "Pièces noires", tout d'abord "Eurydice", créée le , puis "Antigone", créée le , toutes deux au théâtre de l'Atelier dans une mise en scène, un décor et des costumes d'André Barsacq, avec Monelle Valentin dans le rôle-titre.


title: Jean Anouilh

text: Au sujet d'une potentielle portée politique aux deux pièces, et tout particulièrement à "Antigone", Anouilh n'a officiellement pris position ni pour la Collaboration ni pour la Résistance et il est vraisemblable qu'il n'ait eu, jusqu'à la création d"'Antigone", qu'une vague idée de ce qu'était réellement la Résistance. Pour autant, un faisceau d'éléments amène à voir dans "Antigone" une forte allusion aux excès ou aux drames de la Collaboration, du moins plus qu'à une apologie de la Résistance. Plusieurs dizaines d'années plus tard, Anouilh donne des explications allant dans ce sens. Ainsi, il écrit dans "La vicomtesse d'Eristal n'a pas reçu son balai mécanique" :


title: Jean Anouilh

text: Toujours à l'appui de cette thèse, la de couverture d"'Œdipe ou le Roi boiteux" (écrite par Anouilh en 1978 et publiée en 1986) indique :


title: Jean Anouilh

text: Malgré cela, quelques critiques et résistants ont voulu voir au contraire dans "Antigone" une apologie de la collaboration. Parmi les faits reprochés à Anouilh à la Libération : son amitié pour Pierre Fresnay, les textes publiés dans des journaux collaborationnistes et son soutien actif à la demande de grâce en faveur de Brasillach. Parmi les ennemis d'Anouilh figuraient Armand Salacrou et le journal clandestin "Les Lettres françaises" qui écrivit : . Anouilh restera très longtemps marqué par ces accusations, qu'il considérait comme profondément injustes.


title: Jean Anouilh

text: "A contrario", pour les tenants de l'interprétation anti-collaborationniste, la plus couramment adoptée et répandue aujourd'hui, le personnage d’Antigone, inspiré du mythe antique, mais en rupture avec la tradition de la tragédie grecque, devient l'allégorie de la Résistance s'opposant aux lois édictées par Créon / Pétain qu'elle juge iniques. Si l'allégorie est réelle, le parti de l'auteur n'était vraisemblablement, lui, acquis à aucun des deux camps. Le personnage de Créon, oncle de l'héroïne Antigone, rappelait le maréchal Pétain qui tentait, sans succès, de ramener à la raison la résistante courageuse, si ce n'est téméraire, et devait, malgré lui, faire appliquer à l'égard de sa nièce la sentence de mort comme à toute autre personne qui contreviendait à son commandemant, serait-il inique.


title: Jean Anouilh

text: Les « deux » premières d'Antigone, celle antérieure à la Libération de Paris le , comme celle postérieure le , furent toutes deux des succès. La pièce est jouée 226 fois en un peu moins d'un an.


title: Jean Anouilh

text: À la Libération, Anouilh s'érige contre l'épuration. Tentant de sauver la tête de Robert Brasillach, au même titre que 50 personnalités dont Albert Camus, François Mauriac, Paul Valéry ou Colette, il participe activement au recueil des signatures. Anouilh n'est revenu qu'assez tardivement sur ces épisodes, qui ont toutefois constitué une réelle blessure :


title: Jean Anouilh

text: En 1945, Anouilh contribue indirectement à la création des éditions de la Table ronde en confiant "Antigone" à son jeune fondateur Roland Laudenbach, neveu de son ami le comédien Pierre Fresnay. L'année suivante, alors qu"'Antigone" est jouée à New York avec Katharine Cornell dans le rôle-titre, "Roméo et Jeannette" est mise en scène par André Barsacq au théâtre de l'Atelier ; il s'agit de la première pièce interprétée par Michel Bouquet qui deviendra l'acteur-fétiche d'Anouilh, mais aussi par Jean Vilar, Suzanne Flon et Maria Casarès. Malgré cette distribution et 123 représentations, Anouilh qualifie cette pièce de "four mémorable". En 1947, Anouilh s'installe en Suisse, à Chesières, près de Villars-sur-Ollon, dans le canton de Vaud. Renouant avec les "Pièces roses", il écrit "L'Invitation au château", montée la même année, toujours par Barsacq, et avec une musique de scène de Francis Poulenc (op.138). La pièce reste à l'affiche pendant plus d'un an, accueillie quasi-unanimement par la critique et le public réunis. Elle sera reprise plusieurs fois, notamment en 1953 avec Brigitte Bardot, qui fera ses débuts à la scène.


title: Jean Anouilh

text: Par la suite, la fécondité de l'auteur ne tarit plus. La carrière d'Anouilh sera accompagnée de nombreux succès pendant une trentaine d'années. En , sa première pièce, "Humulus le muet", qui n'avait jamais été montée, est créée au théâtre de la Cité universitaire de Paris. 1948 est aussi l'année d'une rencontre importante, celle de Jean-Denis Malclès qui deviendra son décorateur attitré jusqu'aux dernières pièces, à l'occasion de la création à la comédie des Champs-Élysées de "Ardèle ou la Marguerite" (classée par son auteur parmi les "Pièces grinçantes") et de "Épisode de la vie d'un auteur", mises en scène par Roland Piétri. C'est aussi, à l'occasion de ces deux pièces, qu'Anouilh s'éloigne du théâtre de l'Atelier et d'André Barsacq, plus orientés vers le théâtre d'avant-garde (même si "Colombe" en 1951 et "Médée" en 1953 y seront montées). En 1948, Anouilh rencontre aux cours Simon celle qui sera sa seconde épouse, Nicole Lançon. En , c'est la naissance de Caroline, la première des trois enfants issus de son union avec Nicole. La même année, il adhère à l'Association des amis de Robert Brasillach.


title: Jean Anouilh

text: Chaque année qui passe voit la création d'une pièce et l'écriture de la suivante : "La Répétition ou l'Amour puni" en 1950, "Colombe" en 1951, "La Valse des toréadors" en 1952 (qui sera reprise avec Louis de Funès en 1973), "Médée" (dernière collaboration avec André Barsacq) et "L'Alouette" en 1953, "Cécile ou l'École des pères" en 1954 (dont le rôle-titre est joué par la propre fille de Jean Anouilh, Catherine) et "Ornifle ou le Courant d'air" en 1955. Toutes sont des succès et sont accompagnées d'une réception critique plus ou moins enthousiaste, mais jamais négative.


title: Jean Anouilh

text: En 1952, Anouilh s'installe avec Nicole, leurs deux enfants (Nicolas, son fils, est né en ) et Catherine, sa première fille, dans une maison à Montfort-l'Amaury. À la fin de l'année 1953, Catherine se marie avec Alain Tesler, assistant réalisateur (notamment sur "Deux sous de violettes" et "Le Rideau rouge", films dans lesquels joue Monelle Valentin et aux dialogues desquels a travaillé Jean Anouilh). Le , Anouilh épouse Nicole en Angleterre. Leur troisième enfant naîtra deux ans plus tard. Toute la famille s'installe en 1954 à Paris, rue de Furstenberg dans le ,


title: Jean Anouilh

text: Créée le au théâtre Montparnasse-Gaston Baty, dans une mise en scène conjointe de Roland Piétri et d'Anouilh lui-même, avec notamment Michel Bouquet, Pierre Mondy et Bruno Cremer, "Pauvre Bitos ou le Dîner de têtes" imagine un dîner dont les protagonistes sont déguisés en personnages de la Révolution française. Le convive qui joue Robespierre, Bitos, est un ancien camarade de classe des autres convives, celui qui raflait tous les premiers prix, le seul roturier de la bande, mais également celui devenu procureur qui a requis, après la guerre, contre tous les collaborateurs ou ainsi présumés.


title: Jean Anouilh

text: Anouilh dénonce ainsi à nouveau, sous la figure des excès de la Terreur, ceux de l'épuration d'après-guerre, dans un contexte français de montée de la violence en Algérie. Il règle ses comptes, en quelque sorte, avec ceux qui, dix ans plus tôt, l'accusaient d'avoir collaboré. Au-delà, la pièce est un manifeste contre tous les exercices abusifs du pouvoir, quels qu'ils soient, et les critiques contemporains s'accordent sur une vision plus intemporelle de la pièce que celle qui a prévalu à sa création.


title: Jean Anouilh

text: Tandis que la générale laisse supposer un échec (silence tout au long de la pièce, quelques applaudissements à la fin, un timide rappel, fureur et bagarres à la sortie), la pièce connut un réel succès auprès du public (308 représentations). De même, dès le lendemain les critiques se déchaînent, accablant Anouilh et voyant notamment dans "Pauvre Bitos" un pamphlet contre la Résistance. Des voix contraires s'élèvent (notamment dans la presse d'extrême-droite, mais pas seulement), certains autres journaux « comptant les points » et recensant les pour et les contre.


title: Jean Anouilh

text: L'année 1959 est une année importante dans la carrière de Jean Anouilh. Il reçoit le prix Dominique de la mise en scène et fait monter trois nouvelles pièces : "L'Hurluberlu ou le Réactionnaire amoureux", "La Petite Molière" et "Becket ou l'Honneur de Dieu". Fidèle à son habitude, Anouilh change plusieurs fois d'avis dans le choix des comédiens pour "L'Hurluberlu" et fait finalement appel à Paul Meurisse. Les trois pièces remportent l'adhésion du public et de la critique.


title: Jean Anouilh

text: Écrite en 1959, "Becket ou l'Honneur de Dieu" est créée au théâtre Montparnasse-Gaston Baty le , toujours dans une mise en scène de Roland Piétri et de l'auteur lui-même, et toujours également avec des décors de Jean-Denis Malclès. Daniel Ivernel y joue le rôle de Henri II et Bruno Cremer celui de Thomas Becket. La pièce reste presque deux ans à l'affiche et fait immédiatement l'objet de reprises et de tournées. Très rapidement, elle est créée à l'étranger, notamment au Royaume-Uni et aux États-Unis, avec le même succès. En 1964, elle fait l'objet d'une adaptation cinématographique avec Peter O'Toole et Richard Burton dans les rôles principaux, avant de rentrer au répertoire de la Comédie-Française en 1971. Louée quasi-unanimement par la critique, "Becket" restera comme l'un des plus grands succès de Jean Anouilh.


title: Jean Anouilh

text: La création de la pièce suivante, "La Grotte", est vécue comme un échec par Anouilh. Bien qu'ayant tenu l'affiche quatre mois, elle reçut en effet un accueil plutôt négatif de la critique.


title: Jean Anouilh

text: Pendant les six années qui suivent, Anouilh n'écrira plus ou presque. Du moins, aucune des pièces qu'il commencera pendant cette période ne sera montée, les deux pièces qui sont créées en à la comédie des Champs-Élysées, "L'Orchestre" et "La Foire d'empoigne", ayant été écrites les années précédentes. Il se consacre principalement à la mise en scène et à des traductions et adaptations de pièces étrangères. Ainsi, en 1960, il monte Tartuffe avec, en lever de rideau, un impromptu de sa composition "Le Songe du critique". En 1962, il adapte "L'Amant complaisant" de Graham Greene avec sa femme Nicole. La même année, il met en scène au théâtre de l'Ambigu "Victor ou les Enfants au pouvoir" de Roger Vitrac, créé en 1929 par Antonin Artaud et qui rencontre enfin le succès, alors que la pièce n'en avait pas réellement eu jusque-là. En 1963, c'est "L'Acheteuse" de Stève Passeur qu'Anouilh monte à la comédie des Champs-Élysées. Puis, en 1964, "Richard III" de Shakespeare au théâtre Montparnasse-Gaston Baty. À cette époque, "Pauvre Bitos" est montée à l'étranger avec des fortunes diverses : succès en Angleterre, 17 représentations seulement aux États-Unis.


title: Jean Anouilh

text: À l'occasion du procès de Jacques Laurent en 1965, condamné pour offense au chef de l'État (Charles de Gaulle) en raison de son pamphlet "Mauriac sous de Gaulle", Anouilh signe avec une vingtaine d'écrivains, parmi lesquels Jules Roy, Emmanuel Berl, Jean-François Revel ou son ami Marcel Aymé, une pétition contre son inculpation. "L'Ordalie ou la Petite Catherine de Heilbronn" de Heinrich von Kleist, qu'Anouilh traduit et monte en 1966 au théâtre Montparnasse, est un échec, qui signera la fin des adaptations et de la mise en scène des pièces des autres. Anouilh se consacrera de nouveau à l'écriture et à la mise en scène de ses propres pièces pour l'essentiel.


title: Jean Anouilh

text: L'année suivante, au cours de l'été, Anouilh écrit 47 fables, dans l'esprit de celles de La Fontaine, dont certaines seront montées sous forme de spectacle de marionnettes au théâtre de la Gaité-Montparnasse en 1968 sous le titre de "Chansons Bêtes". Jean Anouilh se sépare de Nicole à cette époque.


title: Jean Anouilh

text: Le est créée à la comédie des Champs-Élysées "Le Boulanger, la Boulangère et le Petit Mitron". Tous les partenaires des succès passés (et futurs) sont là : Roland Piétri pour la mise en scène, Jean-Denis Malclès pour les décors et les costumes, Michel Bouquet dans le rôle principal (dont ce sera toutefois le dernier rôle dans une création d'Anouilh). Comme cela aura fréquemment été le cas avec Anouilh, la critique est partagée, mais l'accueil du public est favorable.


title: Jean Anouilh

text: En 1969, sa nouvelle compagne, Ursula Wetzel, une jeune femme suisse, donne à Jean Anouilh son cinquième enfant : une fille, Anouk.


title: Jean Anouilh

text: Les pièces se succèdent : "Cher Antoine ou l'Amour raté" en 1969 (avec Jacques François et Hubert Deschamps), "Les Poissons rouges ou Mon père ce héros" en 1970 (avec Jean-Pierre Marielle et Michel Galabru). En l'espace de deux ans, Anouilh se voit descerner le prix de la Critique dramatique pour la meilleure création française ("Les Poissons rouges"), le prix mondial Cino del Duca pour son message « d'humanisme moderne » et le prix du Brigadier de l'Association des régisseurs de théâtre. Toujours en 1971, Anouilh entre au répertoire de la Comédie-Française à l'initiative de Pierre Dux avec "Becket", jouée par Robert Hirsch et Georges Descrières. Comblé et malgré les approches de ses confrères, Anouilh refusera l'idée d'entrer à l'Académie française.


title: Jean Anouilh

text: Les succès se poursuivent avec "Ne réveillez pas Madame" en 1971, qui tient l'affiche à la comédie des Champs-Élysées pendant presque deux ans (600 représentations) ou "Le Directeur de l'Opéra" en 1972 avec Paul Meurisse. Créations et reprises alternent au théâtre Antoine, au théâtre des Mathurins et à la comédie des Champs-Élysées. En 1973, il remonte sur le nom de Louis de Funès "La Valse des toréadors", une pièce en laquelle il croit beaucoup mais qui avait été assassinée par la critique en 1952. Ayant beaucoup apprécié son Machetu dans "Ornifle" en 1956, il avait tenté vainement d'écrire une pièce pour de Funès pendant plusieurs années. La manière dont Anouilh met en scène sa pièce déroute l'acteur : il dirige les répétitions de façon trop distante, avec peu d'indications, données une fois la pièce entière jouée, alors que le comédien préfère la méthode de Raymond Rouleau de reprendre chaque réplique. Par ses inventions, qui plaisent au dramaturge, Louis de Funès allonge la durée de pièce. La pièce est un triomphe critique et commercial et tient , jusqu'à ce que le comédien, épuisé, soit rattrapé par des problèmes de santé.


title: Jean Anouilh

text: En 1974, Anouilh soutient la création de la première (et unique) pièce de son gendre, Franck Hamon de Kirlavos (mari de Caroline). Bien qu'il ne vive plus à leurs côtés, Anouilh conserve des relations aussi bien avec Monelle Valentin (dont il se préoccupera de la santé jusqu'à sa mort) qu'avec Nicole Lançon, à qui il confie les mises en scène de "Monsieur Barnett" et de "Vive Henri IV ! ou la Galigaï" en 1977. "Chers zoiseaux", "Le Scénario" et "Le Nombril" seront ses trois derniers plus grands succès à la fin des années 1970 et au début des années 1980.


title: Jean Anouilh

text: Anouilh est à nouveau récompensé, par le Grand prix du théâtre de l'Académie française en 1980 et par le Grand prix de la Société des auteurs et compositeurs dramatiques en 1981.


title: Jean Anouilh

text: En 1980, Anouilh est atteint d'une maladie virale qui lui détruit la thyroïde. En 1983, il est victime d'une crise cardiaque. Très affaibli, il se retire de manière définitive en Suisse, où il vit auprès d'Ursula. Ses pièces continuent à être jouées à Paris, mais Jean Anouilh ne peut plus participer à leur mise en scène. Il écrit jusqu'en 1986 ses souvenirs dans un récit autobiographique "La vicomtesse d'Eristal n'a pas reçu son balai mécanique". En 1987, il reprend son scénario de "Thomas More ou l'Homme libre", qui sera publié quelques mois après sa mort. Au début du mois d', il entre à l'hôpital de Lausanne pour une transfusion et renoue avec son fils Nicolas, avec qui il s'était brouillé, avant de mourir le .


title: Jean Anouilh

text: À partir de 1942, Jean Anouilh a classé la majeure partie de son œuvre dramatique par qualificatifs : "Pièces roses", "Pièces noires", "Pièces brillantes", "Pièces grinçantes", "Pièces costumées", "Pièces baroques", "Pièces secrètes" et "Pièces farceuses".


title: Jean Anouilh

text: En 1942, Anouilh étrenne ses séries « thématiques » avec les "Pièces roses" qu'il fait alterner avec les "Pièces noires". Ce sont des comédies savoureuses, où l'auteur se laisse aller à sa fantaisie.


title: Jean Anouilh

text: Dans l'univers « rose » d'Anouilh, il y a deux catégories de personnages : « les marionnettes », qui sont pour la plupart des vieux ridicules et inconsistants et « les amoureux », des jeunes gens sincères qui croient à leur amour.


title: Jean Anouilh

text: Après la Libération, la production dramatique d'Anouilh est marquée par les "Pièces grinçantes" (depuis "Ardèle ou la Marguerite" jusqu'au "Nombril"). Son cadre de prédilection y est celui de la comédie satirique, où se meut surtout la race plus ou moins vulgaire des « gens de tous les jours ».


title: Jean Anouilh

text: La race des « héros » réapparaît dans deux "Pièces costumées" publiées après la Libération, "L'Alouette" et "Becket", ainsi que dans "Thomas More ou l'Homme libre" sa dernière pièce publiée en 1987, mais on n'y retrouve plus l'univers angoissant de ses premières "Pièces noires".


title: Jean Anouilh

text: Jeanne d'Arc ("L'Alouette"), Thomas Becket et Thomas More sont des figures lumineuses qui acceptent de se sacrifier non pas pour des raisons existentielles, mais au nom du devoir : envers la patrie (Jeanne) ou envers Dieu (Becket et More).


title: Jean Anouilh

text: Outre son travail d'auteur, Jean Anouilh a aussi travaillé au théâtre comme metteur en scène, le plus souvent en collaboration.


title: Jean Anouilh

text: L'œuvre littéraire de Jean Anouilh comprend un recueil de fables, quelques récits, plusieurs livrets d'opéra ainsi que de nombreux scénarios et adaptations cinématographiques et télévisuelles.


title: Jean Anouilh

text: Il est aussi le créateur de la revue "La Nouvelle Saison" avec Jean-Louis Barrault et René Barjavel en 1939.


title: Symbolisme (art)

text: Le symbolisme est un mouvement artistique européen qui se développe dans les années 1870 et qui atteint son apogée dans les années 1890. Il apparaît d'abord en poésie avant de gagner la peinture, la musique et le théâtre.


title: Symbolisme (art)

text: Il est difficile de définir clairement un style symboliste, puisque le mouvement a réuni de nombreuses tendances différentes. Un certain nombre de thèmes sont cependant communs à tous les artistes : un fort pessimisme, une attirance pour le rêve et l'ésotérisme, et une atmosphère générale de mélancolie. Le symbole de la femme fatale, très souvent interprété par les symbolistes, s'accompagne d'une forte misogynie dans le mouvement. Enfin, la recherche d'une synthèse des arts donne lieu à de nombreux échanges entre des artistes de différents domaines, et le symbolisme se répand dans tous les genres.


title: Symbolisme (art)

text: Le symbolisme apparaît à la fin du , alors que l'Europe connaît un essor scientifique et industriel important, qui entraîne un recul de la spiritualité. Dans les années 1870, une partie de la jeune génération artistique, qui ne se retrouve pas dans ce contexte social et rejette le naturalisme, rejoint le décadentisme porté par Paul Verlaine. Puis, à partir de 1885, de plus en plus de ces poètes quittent le décadentisme pour rejoindre la sphère d'influence de Stéphane Mallarmé, dont le style poétique est à la base des théories symbolistes.


title: Symbolisme (art)

text: En 1886 sont publiés plusieurs textes fondateurs pour le mouvement, écrits par Teodor de Wyzewa, René Ghil et Jean Moréas, dont le « manifeste symboliste » paru dans "Le Figaro" impose durablement son nom au mouvement. Ces différents textes participent à élaborer le style symboliste : opposition au naturalisme, intérêt pour la métaphysique, poésie obscure et difficilement compréhensible, culte de « l'Idée » et de la suggestion. Une culture symboliste se met en place, fondée notamment sur "Les Poètes maudits" de Verlaine et "À rebours" de Joris-Karl Huysmans, avec pour principaux modèles Verlaine, Mallarmé, Charles Baudelaire, Richard Wagner, Odilon Redon, Félicien Rops, Pierre Puvis de Chavannes et Gustave Moreau. Par la suite, entre 1886 et 1890, les revues dédiées au symbolisme se multiplient, et publient d'autres manifestes, dont des manifestes picturaux. Celui du critique d'art Gabriel-Albert Aurier, paru en 1891, fait de Paul Gauguin le « fondateur » du symbolisme en peinture, bien que d'autres peintres aient élaboré des théories similaires avant lui, notamment les Nabis et Émile Bernard. Cette profusion de manifestes donne lieu à des querelles d'artistes, qui cherchent à s'imposer comme inventeurs : Gauguin et Bernard en peinture, Gustave Kahn et Marie Krysinska en poésie.


title: Symbolisme (art)

text: Dans les années 1890, le symbolisme atteint son apogée en Europe. Il se répand dans tous les domaines artistiques : roman, peinture, sculpture, musique, théâtre, et obtient du crédit auprès des critiques et de la presse. Joséphin Péladan, écrivain très en vue dans les milieux symbolistes, met en place une série d'expositions entre 1892 et 1897, les Salons de la Rose+Croix, qui réunissent des artistes complètement représentatifs du mouvement. L'influence de Péladan se fait sentir dans toute l'Europe, et principalement en Belgique, aux Pays-Bas, en Scandinavie et en Finlande.


title: Symbolisme (art)

text: Le symbolisme s'estompe à partir de 1900. Verlaine meurt en 1896, puis Mallarmé, Gustave Moreau et Puvis de Chavannes en 1898, et la plupart des jeunes poètes délaissent voire rejettent le symbolisme. Néanmoins, des peintres modernes comme Piet Mondrian, Pablo Picasso et František Kupka, ainsi que les surréalistes, sont très influencés par le symbolisme.


title: Symbolisme (art)

text: Le terme symbolisme apparaît en français vers 1830. Il est employé pour la première fois pour décrire une œuvre d’art en 1876, de manière péjorative, dans une critique d’Émile Zola à l’égard du tableau "Salomé dansant devant Hérode" de Gustave Moreau, puis Jean Moréas impose ce nom au mouvement dans son « Manifeste » de 1886. À part symbolisme, d'autres noms ont été utilisés au cours des années 1880-1890, par des artistes ou des critiques d'art : synthétisme, idéisme, idéalisme ou néo-traditionnisme. La définition et les bornes chronologiques du mouvement varient selon les auteurs. On considère généralement que le symbolisme désigne une partie de la production artistique franco-belge puis européenne entre 1880 et 1914, avec un premier manifeste en 1886, et dont l'apogée se situe dans les années 1890. Il se développe d'abord en littérature dans les années 1880, puis en peinture, au théâtre et en musique dans les années 1890.


title: Symbolisme (art)

text: Il est difficile de définir strictement un style symboliste, les artistes se retrouvant plutôt dans un certain nombre de thèmes, un imaginaire et des références communes : rejet du naturalisme et du positivisme, retour à des thèmes mythologiques et sacrés, une forme d'élitisme, et une explication du monde par la spiritualité voire l'occultisme. Les artistes rattachés au symbolisme sont nés majoritairement entre les années 1850 et 1870, et prennent pour modèles des artistes plus âgés : les peintres Pierre Puvis de Chavannes, Gustave Moreau, Arnold Böcklin, Odilon Redon et les préraphaélites, les écrivains Stéphane Mallarmé, Paul Verlaine, Edgar Allan Poe, Charles Baudelaire et Jules Barbey d’Aurevilly, et le compositeur Richard Wagner.


title: Symbolisme (art)

text: Le symbolisme se développe en réaction au contexte social et politique de la fin du en Europe : opposition aux cours impériales dans les pays germaniques et au modernisme de la République en France, et plus généralement à l'industrialisation et au recul de la spiritualité face aux avancées scientifiques et au positivisme. La défaite française de 1870 et la répression sanglante de la Commune marquent fortement une partie de la génération née dans les années 1860, qui y voit la fin de la « grandeur française » et perd foi dans le progrès. Sur le plan artistique, les mouvements modernes dominants sont le naturalisme, représenté par Zola qui décrit « scientifiquement » son époque ; l'impressionnisme, dont les principaux sujets sont des scènes de la vie moderne et urbaine ; et le Parnasse, groupe de poètes fondé en 1866. Une rupture a lieu dans le champ poétique en 1876, lorsque le Parnasse refuse de publier des poèmes de Verlaine, Charles Cros et Mallarmé. Mallarmé fait éditer son poème, "L'Après-midi d'un faune", dans une édition limitée luxueuse illustrée par Manet, et attire quelques jeunes poètes qui voient en lui un maître opposé aux canons dominants du Parnasse. De leur côté, Cros et Verlaine rejoignent des groupes décadents.


title: Symbolisme (art)

text: C'est du milieu décadent, qui se développe en Belgique et en France au cours des années 1870, que viennent la plupart des poètes qui définissent le symbolisme. Auteurs marginaux, pessimistes et qui cultivent un esprit de dérision, leurs œuvres sont peu diffusées en dehors de leurs cercles : la publication des "Chants de Maldoror" d'Isidore Ducasse, dit Lautréamont, est stoppée à sa mort en 1869, Tristan Corbière meurt en 1875, deux ans après avoir publié "Les Amours jaunes", Rimbaud abandonne la poésie peu après avoir écrit "Une saison en enfer", alors inconnue du public, et les œuvres de Verlaine et Mallarmé sont quasiment inaccessibles. Des groupes anticonformistes se retrouvent dans des cabarets, le plus célèbres étant "Le Chat noir", à Montmartre, où se réunissent notamment Gustave Kahn, Marie Krysinska, Jules Laforgue, Maurice Maeterlinck et Jean Moréas, tous futurs symbolistes.


title: Symbolisme (art)

text: Verlaine est une figure majeure du décadentisme, mais refuse d'être considéré comme un symboliste. Il reste cependant un modèle pour les symbolistes, principalement après la publication des "Poètes maudits" en 1884. La même année est publié "À rebours", roman de Joris-Karl Huysmans, qui rompt avec le naturalisme dont il est issu. Il y raconte le quotidien d'un esthète vivant reclus dans une villa, où il s'entoure de livres et d'œuvres d'art . Ces deux textes participent à donner une culture commune aux symbolistes, dont le mouvement prend forme à partir de ce moment. Après la publication des "Poètes maudits" et "À rebours", les peintres Odilon Redon et Gustave Moreau et les poètes Tristan Corbière et Stéphane Mallarmé deviennent des sources d'inspiration majeures pour les symbolistes. L'illustrateur Félicien Rops a aussi un grand succès auprès des décadents puis des symbolistes, illustrant dès les années 1870 des livres de Verlaine et Barbey d'Aurevilly, et plus tard de Mallarmé et Joséphin Péladan.


title: Symbolisme (art)

text: À partir de 1885, de plus en plus de jeunes artistes se rendent aux « mardis de Mallarmé », une réunion hebdomadaire dans l'appartement du poète. Ce genre de réunions hebdomadaires chez des écrivains ou poètes sont courantes au , mais dans les années 1880-1890, les « mardis » imposent peu à peu leur influence, et deviennent l'un des principaux lieux d'élaboration du symbolisme. L'influence croissante de ces réunions participe à scinder les décadents et les symbolistes : les décadents autour de Verlaine, les symbolistes autour de Mallarmé. Les deux camps s'opposent stylistiquement, mais aussi socialement et géographiquement : les décadents, sur la rive gauche, sont plutôt issus des classes populaires ; les symbolistes, sur la rive droite, sont issus de la noblesse ou de la bourgeoisie. Des écrivains, musiciens et artistes français et étrangers s'y retrouvent, réunis par leur admiration commune pour leur « Maître », Mallarmé. Durant ces réunions, ce sont surtout les divagations de Mallarmé qui captivent l'auditoire, et l'écrivain Francis de Miomandre décrit . Ce mutisme désole Mallarmé qui aimerait discuter au lieu de monologuer, mais les « disciples » entretiennent strictement leur silence et critiquent sévèrement ceux qui se permettent d'interrompre ou de faire des remarques à leur « Maître ». En 1885, la mort de Victor Hugo inspire à Mallarmé son essai "Crise de vers", où il imagine un renouveau de la poésie après la mort de celui qui, selon lui, « était le vers personnellement, [qui] confisqua chez qui pense, discourt ou narre, presque le droit à s'énoncer ». Mallarmé devient un modèle pour les poètes modernes, qui revendiquent ses valeurs poétiques et s'en inspirent, voire les imitent.


title: Symbolisme (art)

text: À partir de la loi du 29 juillet 1881 assurant la liberté de l'imprimerie en France, les revues se multiplient, assurant aux milieux d'avant-garde de nouveaux moyens d'expression. L'essor des « petites revues », c'est-à-dire des revues peu diffusées, peu coûteuses et généralement éphémères, est notable dans le développement du symbolisme. Elles permettent aux artistes marginaux de s'exprimer et surtout de se fédérer, et publient des manifestes et des textes théoriques qui définissent le symbolisme pour la critique et le public. Parmi ces petites revues, quelques-unes ont une plus grande diffusion et jouent un rôle majeur dans la diffusion des théories symbolistes : la "Revue wagnérienne" (1885-1888), "La Vogue" (1886-1900), "La Revue blanche" (1889-1903), "La Plume" (1889-1914) et le "Mercure de France" (1890-1965). La du symbolisme débute en 1886, année où paraissent aussi pour la première fois "Les Illuminations" et "Une saison en enfer" de Rimbaud dans "La Vogue", rendant ces œuvres enfin accessibles aux symbolistes.


title: Symbolisme (art)

text: L'année 1886 voit la parution de plusieurs textes théoriques importants. Dans la "Revue wagnérienne", Teodor de Wyzewa publie une série d'articles consacrés à « l'Art wagnérien », où il présente "L'Après-midi d'un faune" de Mallarmé comme exemple de la nouvelle poésie, et insiste sur la fonction métaphysique de l'art et la nécessité, selon lui, d'une synthèse entre les différents domaines artistiques . Puis il publie dans "La Vogue" une étude consacrée à Mallarmé, et définit la poésie symboliste : . L'obscurité des poètes symbolistes, moquée par la critique, devient un signe de ralliement pour Wyzewa comme pour René Ghil, qui publie la même année son "Traité du Verbe" préfacé par Mallarmé. Ce "Traité" et surtout sa préface apportent une nouvelle fois un socle théorique pour le symbolisme : l'intérêt pour la métaphysique, la suggestion au lieu de la description et la musicalité de la poésie.


title: Symbolisme (art)

text: Le , après les traités de Wyzewa et Ghil, c'est Jean Moréas qui s'impose comme chef de file du symbolisme, grâce à un article paru dans le supplément littéraire du "Figaro". Son article, moins théorique et avant-gardiste que ceux de ses prédécesseurs, a cependant la plus grande influence pour la critique et le grand public, puisqu'il est publié dans un journal à grand tirage. Alors que les poètes appartenant au mouvement sont encore nommés "décadents" par la presse, Moréas insiste sur le terme "symbolisme". Pour l'historien de l'art Jean-Nicolas Illouz, . Après avoir expliqué le choix du nom, Moréas met en avant les poètes qui sont, selon lui, les principaux modèles du symbolisme : . Il y définit le symbolisme comme un mouvement idéaliste opposé au romantisme et au Parnasse. Ce manifeste impose durablement l'appellation "symbolisme", et Moréas fonde, avec Gustave Kahn, la revue "Le Symboliste" en octobre 1886.


title: Symbolisme (art)

text: Dès 1888, le symbolisme trouve un pendant en peinture avec le groupe des Nabis, des étudiants de l'Académie Julian qui rejettent autant l'art académique que l'impressionnisme. Se retrouvant à Pont-Aven, ils expérimentent des manières de peindre complètement nouvelles pour l'époque, et cherchent surtout un retour de la spiritualité en art. Nabi signifie prophète en hébreu ; ils choisissent le nom de leur groupe probablement d'après "Les grands initiés" d'Édouard Schuré, ouvrage ésotérique paru en 1889 et très diffusé parmi les artistes symbolistes. Cependant leurs contemporains ne les appellent pas Nabis, mais ou . Un de leurs membres, Maurice Denis, ancien élève de Gustave Moreau et influencé par Puvis de Chavannes et Redon, publie en 1890 une définition du symbolisme en peinture, qu'il nomme , dans le journal "Art et critique". Il s'y oppose à la peinture telle qu'elle est enseignée par les maîtres académiques , et prend comme modèles . Paul Gauguin, plus âgé que les Nabis d'une vingtaine d'années, s'intéresse à leurs théories et exerce sur eux une forte influence, mais ne fait pas partie du groupe. En 1889, il organise avec des peintres de l'École de Pont-Aven une exposition au Café Volpini, à Paris. Plus tard, en 1896, le critique d'art André Mellerio considère que cette exposition marque le début du en peinture.


title: Symbolisme (art)

text: Le principal manifeste du symbolisme en peinture date de 1891 : le critique Gabriel-Albert Aurier publie, dans le "Mercure de France", un article qu'il intitule « Le symbolisme en peinture : Paul Gauguin ». Entre 1889 et 1891, Gauguin fréquente assidûment les milieux symbolistes parisiens, où il se fait connaître comme « le » peintre symboliste auprès des critiques. Aurier souligne dans son article la rupture de Gauguin, et des jeunes artistes modernes en général, avec l'impressionnisme qui ne vise selon lui que : . Le manifeste d'Aurier présente Gauguin comme le seul créateur du symbolisme pictural, en prenant l'exemple de son tableau "La lutte de Jacob avec l'ange", peint en 1888 et décrit en détail au début de son article. Or Gauguin aurait pris pour modèle les "Bretonnes dans la prairie" d'Émile Bernard, un jeune peintre présent à Pont-Aven et ayant lui aussi participé à l'exposition Volpini, qui l'aurait conseillé sur l'usage de la couleur. Aurier ne fait aucune mention de Bernard dans son manifeste. Furieux, le jeune peintre rompt avec Gauguin et les milieux symbolistes, et ne cesse de revendiquer son rôle à la fois d'inventeur du symbolisme en peinture et de chef de file de l'École de Pont-Aven. Camille Pissarro, ancien mentor de Gauguin, regrette son orientation vers le symbolisme, jugeant qu'il suit une mode pour obtenir le succès, en trahissant la cause de l'impressionnisme.


title: Symbolisme (art)

text: Cette période d'effervescence contribue à faire connaître le symbolisme. Cependant, les premiers théoriciens du mouvement s'en éloignent rapidement : René Ghil renie le mouvement dès 1888 ; Jean Moréas publie en 1891, dans "Le Figaro", le manifeste de l'École romane, qui entend renouer avec la tradition latine et , . Des querelles éclatent entre certains artistes : Émile Bernard et Gauguin au sujet de l'invention du symbolisme en peinture, mais aussi Gustave Kahn et Marie Krysinska sur l'invention du vers libre, qui aboutit à l'exclusion de Krysinska de la revue "La Vogue" dirigée par Kahn. Malgré ces ruptures et querelles, le symbolisme va atteindre son apogée dans les années 1890, avec la spécialisation de certaines revues qui acquièrent une plus grande influence, l'importance accordée au mouvement par la critique, et son expansion en Europe.


title: Symbolisme (art)

text: Dans les années 1890, le symbolisme, jusqu'alors plutôt restreint à la poésie, se répand dans quasiment tous les domaines artistiques : prose (les romans "Sixtine" de Remy de Gourmont en 1890 ou "Bruges-la-Morte" de Georges Rodenbach en 1892), peinture, musique ("Prélude à l'après-midi d'un faune" de Claude Debussy en 1894), théâtre ("Pelléas et Mélisande" de Maurice Maeterlinck en 1893), sculpture (avec notamment Auguste Rodin, Camille Claudel, Jean-Joseph Carriès ou Sigrid af Forselles). La critique accorde une importance nouvelle au mouvement, des revues comme "La Plume, Le Mercure de France" ou "L'Ermitage" se spécialisent dans la publication de poèmes symbolistes, et le rayonnement artistique de Paris qui attire de nombreux jeunes artistes européens contribue à répandre le symbolisme en Europe.


title: Symbolisme (art)

text: Joséphin Péladan, écrivain et critique d’art, est un personnage emblématique du symbolisme, très à la mode dans les années 1880-1900. Il se fait connaître en 1884, lorsqu'il publie son roman "Le Vice suprême", préfacé par Barbey-d'Aurevilly. Artistiquement, il s’oppose au naturalisme de Zola, à l’impressionnisme, aux sujets de la vie moderne et urbaine, et prône un retour aux grands maîtres de la Renaissance italienne : Giotto, Fra Angelico, de Vinci, Michel-Ange et Raphaël. Il est aussi connu pour son ésotérisme : en 1889, il participe à la fondation de l’Ordre Kabbalistique de la Rose+Croix avec Stanislas de Guaïta, puis en 1890 il fonde son propre ordre, l’Ordre de la Rose+Croix du Temple et du Graal, dont il se proclame grand maître sous le nom de Sâr Mérodak Péladan. L’Ordre est avant tout esthétique, et cherche à attirer le plus grand nombre d’artistes pour la victoire du « rêve contre le réel, [de] l’idéal contre le laid ». Les artistes contemporains Gustave Moreau, Pierre Puvis de Chavannes, Edward Burne-Jones, George Frederic Watts et Arnold Böcklin, tous invités par Péladan pour parrainer son mouvement, refusent de s’y associer.


title: Symbolisme (art)

text: Péladan tente néanmoins de donner vie à son Ordre à travers six expositions entre 1892 et 1897, les « Salons de la Rose+Croix », qui accueillent de jeunes artistes symbolistes. Le premier a lieu en 1892 à la Galerie Durand-Ruel à Paris, avec une musique spécialement écrite par Erik Satie, les "Sonneries de la Rose+Croix." L'exposition permet de faire découvrir de jeunes artistes, notamment Alexandre Séon (illustrateur attitré de Péladan), Jean Delville, Émile Bernard, Carlos Schwabe (qui réalise l’affiche du premier salon) ou Jan Toorop. La critique garde ses réserves sur les expositions et sur les goûts de Péladan, qui donne parfois plus d’importance aux sujets intellectuels et ésotériques qu’à la valeur picturale des œuvres. Après l'exposition de 1897, Péladan arrête soudainement ses Salons de la Rose+Croix. Entre-temps, certains artistes s’étaient aussi fait une place au Salon des Artistes français, l'exposition d'art officielle en France, notamment des élèves de Gustave Moreau.


title: Symbolisme (art)

text: Les Salons de la Rose+Croix n’ont pas contribué à former un style nouveau, mais ont réuni des artistes complètement en phase avec les tendances du symbolisme, notamment des thèmes issus des opéras de Wagner, les figures androgynes, et les signes ésotériques cachés dans les fleurs, les animaux ou les objets représentés. Plusieurs peintres de la Rose+Croix ont un style très proche de leurs maîtres contemporains : Alphonse Osbert et Alexandre Séon se rapprochent de Puvis de Chavannes ; Edgard Maxence, Georges Rouault, Charles Milcendeau et Antonin Bourbon sont, parmi d'autres, élèves de Gustave Moreau à l’École des Beaux-Arts.


title: Symbolisme (art)

text: Au cours des années 1890, le symbolisme devient le principal mouvement d'avant-garde européen. Il s'implante peu aux États-Unis, dont les jeunes artistes qui étudient en Europe restent à l'écart des avant-gardes. On compte seulement quelques représentants, comme Elihu Vedder, Arthur Bowen Davies et Albert Pinkham Ryder, qui vit en ermite dans son atelier de New-York et a la réputation de ne sortir que pour écouter Wagner. Il se développe assez peu en Europe du Sud, mais on peut citer Giovanni Segantini, Gaetano Previati, Adolfo Wildt et comme principaux symbolistes italiens. En revanche, il domine la scène artistique en Europe centrale et du nord, ainsi qu'en Russie.


title: Symbolisme (art)

text: De 1883 à 1893, Bruxelles accueille l’avant-garde européenne au Salon des XX, exposition annuelle dirigée par le critique Octave Maus et très ouverte au symbolisme. Parmi les exposants réguliers, James Ensor et Fernand Khnopff sont les symbolistes belges les plus connus. L’influence de Khnopff, à la fin du siècle, est considérable en Europe, à l’égal de Rodin, Puvis de Chavannes ou Böcklin. Khnopff participe en outre aux Salons de la Rose+Croix, et illustre de nombreux livres de Péladan. Péladan jouit d’un intérêt soutenu en Belgique, aux Pays-Bas et en Suisse, où il fait de nombreux adeptes, comme Émile Fabry, George Minne, Jan Toorop ou Jean Delville, qui fonde en 1896 un équivalent des Salons de la Rose+Croix à Bruxelles. Ferdinand Hodler, qui expose à la Rose+Croix dans les années 1890, peu remarqué en France, jouit d’un grand succès dans les pays germaniques.


title: Symbolisme (art)

text: Arnold Böcklin est considéré, dans les pays germaniques, comme un rempart aux théories artistiques françaises et peut être vu comme un équivalent de Gustave Moreau en France. Son influence se fait sentir sur toute une lignée de jeunes artistes, notamment Max Klinger. En Allemagne et en Autriche, des groupes d'artistes se fondent avec la volonté de réformer les arts visuels et décoratifs : la Sécession munichoise en 1892, fondée entre autres par Franz von Stuck, puis la Sécession viennoise en 1897, présidée par Gustav Klimt. La Sécession viennoise se dote d'une revue luxueuse, "Ver Sacrum" (« Printemps sacré »), et a pour but de . La première exposition du groupe, en 1898, voit la participation des figures majeures du symbolisme : Puvis de Chavannes, Rodin, Khnopff, Böcklin, von Stuck, Segantini et Mucha, entre autres. Ces groupes, par leurs productions et leurs philosophies, sont assimilables au symbolisme et contribuent fortement à son développement en Europe centrale.


title: Symbolisme (art)

text: À partir des années 1880, Paris devient un centre artistique important pour les jeunes artistes nordiques, qui viennent y parfaire leur enseignement, aux Beaux-Arts ou dans des académies privées. L’Europe du Nord voit se développer le romantisme national, un courant qui réinterprète les mythes, légendes et paysages nordiques d’une manière profondément influencée par le symbolisme. En Suède, les principaux représentants de ce courant sont Richard Bergh et Ernst Josephson, tous deux influencés par l’écrivain August Strindberg. Strindberg, admirateur de Péladan, Puvis de Chavannes et Gauguin, est aussi un grand ami d’Edvard Munch, qui s’installe à Paris en 1889. Le peintre norvégien y est influencé par Rops, Böcklin et Maeterlinck, et ses premières œuvres sont imprégnées par les thèmes de la mort, la mélancolie, la solitude et la femme fatale. Les artistes danois, pour leur part, sont influencés en grande partie par Gauguin . Les influences de l’École de Pont-Aven sont visibles dans les paysages, bretons ou scandinaves, du Danois Jens Ferdinand Willumsen. Parmi les sculpteurs, on compte des élèves de Rodin, dont le Norvégien Gustav Vigeland.


title: Symbolisme (art)

text: Le symbolisme se développe plus fortement en Finlande que dans les autres pays nordiques, notamment à cause de sa volonté d’indépendance vis-à-vis de la Russie. En 1894, l’influente écrivaine Minna Canth constate le recul du réalisme au profit du symbolisme. Dans un contexte de grande ferveur nationale, plusieurs artistes mettent en effet à profit les apports du symbolisme français pour interpréter l’épopée nationale du "Kalevala", comme Akseli Gallen-Kallela, ou les légendes populaires, comme Hugo Simberg. Beda Stjernschantz, Ellen Thesleff et Magnus Enckell, qui arrivent à Paris en 1891, adoptent tout de suite un style visiblement influencé par Puvis de Chavannes, qui intéresse déjà Helene Schjerfbeck et Maria Wiik depuis les années 1880.


title: Symbolisme (art)

text: Le sculpteur Ville Valgren participe au premier Salon de la Rose+Croix, qui a un grand retentissement dans la presse parisienne. Il est notamment visité par Beda Stjernschantz et par Gallen-Kallela. Ce dernier regrette amèrement l’évolution du Paris artistique : . Ses œuvres des années 1890, comme "Symposium" et "Ad Astra", sont cependant influencées par l’univers esthétique de la Rose+Croix, notamment par l’emploi de titres en latin, l’androgynie et la symbolique des couleurs. L'occultisme et la métaphysique sont aussi présents dans les œuvres de Sigrid af Forselles.


title: Symbolisme (art)

text: En Russie, Mikhaïl Vroubel est considéré comme le premier peintre symboliste. Il reste en marge du groupe des Ambulants et est principalement influencé par l'art médiéval, mais n'a aucun contact avec les milieux symbolistes européens. Il influence Victor Borissov-Moussatov, qui étudie à Paris, dans l'atelier de Gustave Moreau, en 1895. Par la suite, un groupe d'artistes surnommé Mir Iskousstva fonde une revue du même nom. Une première exposition a lieu en 1897, et le groupe participe à diffuser le symbolisme russe en Europe. À l'international, les symbolistes russes se font surtout connaître pour leurs décors de théâtres et leurs mises en scène, réalisés notamment par Serge de Diaghilev et Léon Bakst.


title: Symbolisme (art)

text: Un symbolisme teinté de patriotisme se développe en Pologne qui, comme la Finlande, voit s'intensifier la russification. L'écrivain et critique d'art Stanisław Przybyszewski, grand admirateur d'Edvard Munch, a une forte influence sur les artistes de son pays. Les principaux peintres symbolistes polonais sont Jacek Malczewski, Wojciech Weiss, Władysław Podkowiński et Boleslas Biegas, qui fréquente la Sécession viennoise.


title: Symbolisme (art)

text: Alfons Mucha, connu pour ses affiches Art nouveau qui sont surtout un moyen de gagner sa vie, se lasse de ce style à la fin des années 1890. Par la suite, il se consacre à des œuvres pleinement symbolistes et à des thèmes métaphysiques, comme son commentaire illustré du "Pater Noster" et son immense "Épopée slave".


title: Symbolisme (art)

text: Le symbolisme s'achève, en France et en Belgique, vers 1900. Les deux maîtres en poésie que sont Verlaine et Mallarmé meurent respectivement en 1896 et 1898, Mallarmé laissant inachevée "Hérodiade" ; Gustave Moreau et Puvis de Chavannes, modèles pour les peintres symbolistes, meurent eux aussi en 1898. Dès 1895, le symbolisme reçoit des critiques très négatives : Adolphe Retté, critique d'abord élogieux à l'égard de Mallarmé, s'en prend à son obscurité et à son influence qu'il juge néfaste sur les jeunes poètes, dans une série d'articles parus dans "La Plume". Parmi les jeunes écrivains, André Gide et Paul Valéry, d'abord fervents symbolistes, s'éloignent rapidement du mouvement. Marcel Proust, proche des milieux symbolistes à ses débuts, les fustige en 1896 dans son article « Contre l'obscurité », qu'il fait paraître dans "La Revue Blanche". D'autres poètes plus âgés, sans rejeter le symbolisme, publient peu ou s'écartent du mouvement : c'est le cas de Gustave Kahn, Francis Vielé-Griffin, Stuart Merrill, Henri de Régnier et Émile Verhaeren. Le culte du rêve et de l'irréalité disparaît au profit de l'amour de la vie et de la nature, la simplicité et la clarté. Autour de 1900, des mouvements poétiques comme le naturisme, fondé par Maurice Le Blond et Saint-Georges de Bouhélier, se forment résolument contre le symbolisme. Cependant quelques jeunes poètes tentent de faire revivre le mouvement, en développant le néo-symbolisme : principalement Tancrède de Visan et Jean Royère, ainsi que Paul Fort et Robert de Souza, qui fondent la revue "Vers et Prose" en 1905. La revue se présente avec le but de .


title: Symbolisme (art)

text: La « période bleue » de Picasso, dans les premières années du , montre une influence du symbolisme chez le peintre, qui découvre Puvis de Chavannes, Eugène Carrière et Gauguin lors de séjours en France. Après 1905, l’émergence du cubisme et du fauvisme mettent un terme au symbolisme en peinture. Mais son influence reste forte chez plusieurs artistes de l’art moderne : Vassily Kandinsky théorise l’art abstrait dans un ouvrage intitulé "Du Spirituel dans l’art" (1912), qui montre l’importance de la théosophie, de Péladan, de Böcklin ou encore de Giovanni Segantini chez l’auteur. František Kupka et Piet Mondrian sont eux aussi profondément influencés par le symbolisme à leurs débuts.


title: Symbolisme (art)

text: Les surréalistes ont une dette importante à l’égard du symbolisme, qu’ils contribuent à remettre à la mode. André Breton est marqué, dans sa jeunesse, par Huysmans, Jarry, Gustave Moreau et Gauguin, et les paysages nocturnes de William Degouve de Nuncques ont vraisemblablement inspiré René Magritte. Si le symbolisme littéraire reçoit une attention continue, le symbolisme pictural en revanche ne se fait une place dans l’histoire de l’art qu’à partir des années 1960, notamment grâce aux surréalistes. Il faut attendre les années 1970 pour voir apparaître les premières expositions sur le symbolisme pictural : "" en 1972 (à Londres, Liverpool et Barcelone) puis "Le symbolisme en Europe" en 1975-76 (à Rotterdam, Bruxelles, Baden-Baden et Paris).


title: Symbolisme (art)

text: Les œuvres symbolistes suggèrent généralement un monde mélancolique, onirique et sombre, dominé par la solitude. La plupart des symbolistes sont pessimistes, et plus ou moins obsédés par l’idée de la mort et de la douleur. On trouve donc un certain nombre d’œuvres, parfois monumentales, liées à ces thèmes : "La vie de l’Humanité" de Gustave Moreau, mêlant la Genèse et le mythe d’Orphée, se conclut sur le meurtre de Caïn ; le "Triptyque de la Nature" de Giovanni Segantini s’achève sur le panneau de la mort ; l’œuvre entier d'Edvard Munch, qu’il conçoit comme une « frise de la vie », est dominé par l’angoisse ; les sculptures de Camille Claudel expriment l’angoisse de la séparation. Mis à part quelques artistes profondément catholiques, comme Maurice Denis ou Jan Verkade (qui devient moine en 1897), la plupart des symbolistes s’intéressent à l’occultisme ou au spiritisme.


title: Symbolisme (art)

text: En 1885, Édouard Dujardin et Houston Stewart Chamberlain fondent la "Revue wagnérienne", qui diffuse autant les thèmes chers à Wagner que sa théorie de la "Gesamtkunstwerk", littéralement "œuvre d'art totale". Ce concept aboutit, dans le symbolisme, à la recherche de la synthèse des arts : les artistes cherchent à faire communiquer les différents domaines artistiques (littérature, peinture, sculpture, musique, arts décoratifs). Outre les écrits de Wagner, d'autres textes influencent cette théorie de la synthèse des arts : les "Correspondances" de Baudelaire, "The Present Conditions of Art" de George Frederic Watts et « Art poétique » paru dans "Jadis et naguère" de Verlaine. Dans un des premiers traités théoriques sur le symbolisme, le "Traité du Verbe", René Ghil propose sa propre version de la synthèse des arts, en s'appuyant sur le poème "Voyelles" de Rimbaud et sur les apports de Wagner, Verlaine et Mallarmé. La musique prend une place prépondérante dans les théories symbolistes. Mallarmé, René Ghil ou Marie Krysinska lui donnent une place importante dans leurs poèmes, composés comme des mélodies. Krysinska, par ailleurs compositrice, met en musique des poèmes de Baudelaire, Verlaine et Cros et joue avec Debussy, qui compose en 1894 le célèbre "Prélude à l'après-midi d'un faune", reprise musicale du poème de Mallarmé. Un exemple d'œuvre d'art totale est montré lors de l'exposition de la Sécession viennoise en 1897 : il s'agit d'une salle entière dédiée à Beethoven, avec une statue du compositeur par Max Klinger, posé devant une fresque de Gustav Klimt représentant la Symphonie.