title: Étretat

text: On enterre alors la petite rivière qui circule dans le Grand Val qui devient une rivière souterraine qui s'écoule aujourd'hui directement dans la mer et que l'on peut observer à marée basse. De plus comme on peut le constater en se rapportant à la carte de Cassini, la ville gagne sur la mer, sur le "perrey", empêchant celle-ci d'entrer dans le val à marée haute. De plus en plus, le lieu prend des allures de rendez-vous touristique international, stimulé par la célébrité des falaises popularisées par les toiles de Claude Monet, dont la cote n'a jamais été aussi élevée, et de Gustave Courbet. La proximité de Paris, du Havre et de Rouen, grâce aux moyens de transport modernes, ne sont pas étrangères au succès de l'endroit. Finalement, une ligne de chemin de fer et une gare en 1890 achèveront de désenclaver ce lieu de villégiature déjà reconnu.


title: Étretat

text: Les Reines d'Espagne Marie-Christine de Bourbon-Sicile et sa fille Isabelle II viennent séjourner régulièrement l'été jusqu'en 1880 dans la résidence du Prince Lubomirski (1838-1911), grand Chambellan du tsar Nicolas. Le temple protestant d'Étretat est inauguré en 1883 par les architectes Émile Bénard et Charles Letrosne, dans une architecture caractéristique du pays de Caux, en brique et silex.


title: Étretat

text: Si le site naturel d'Étretat reste inchangé, bien que la biodiversité et la qualité des eaux soient menacées, ce sont surtout les aménagements et l'atmosphère même du bourg qui ont subi une grande mutation au par rapport au siècle précédent, déjà prodigue en bouleversements.


title: Étretat

text: Confiée à l'architecte de la Ville de Fécamp Emile Mauge, l'urbanisation de la ville se voit transformer, avec la construction de bâtiments à colombage, imitant le style normand : le Manoir de la Salamandre, les Halles, le Clos Lupin, l'Orfraie, la Villa Arthus, ou le casino sur le front de mer aujourd'hui détruit.


title: Étretat

text: Étretat devient, pendant la Première Guerre mondiale, une base arrière et l'hôpital général des armées britanniques et du Commonwealth, puis "Base Hospital Unit" de l'armée américaine dont témoignent aujourd'hui les 564 tombes du cimetière britannique et américain, une plaque commémorative sur la Halle et un banc de granit sur le Perrey sur lequel on peut lire ; « A Etretat, - General Presbyterian HOSP.B.E.F - Souvenir 1917-1918 ».


title: Étretat

text: En 1922 est fondée l'association des Amis d'Étretat afin de soutenir son électrification. Beaucoup de Parisiens comptent alors une résidence secondaire dans ce village de pêcheurs.


title: Étretat

text: La Seconde Guerre mondiale met un frein à la croissance du tourisme, favorisée en partie par de meilleures conditions de vie et une plus grande facilité de transport. Le front de mer est mutilé par l'occupant allemand, qui détruit le casino et les villas pour améliorer la défense du site en cas de débarquement allié. Les villas sont occupées et pillées. Plusieurs batailles navales ont lieu devant Étretat. Le à , le bateau allemand VP1501 de de long est coulé par deux torpilles anglaises. Il repose par de fond. Puis, dans la nuit du à le chasseur de sous-marin UJ1433 de de long est coulé par le torpilleur La Combattante des Forces Navales Françaises Libres. L'épave allemande dite « patrouilleur de Bénouville » repose par de fond. La ville est un lieu de « repos du guerrier » pour les troupes allemandes jusqu'à sa libération en septembre 1944, grâce à la division des Highlanders. Après la guerre, la façade maritime fait l'objet d'une reconstruction moderne dans laquelle le béton domine. La villa de Jean-Baptiste Faure qui avait fait la réputation d'Étretat au , devenue un hôtel-pension tombé en ruines, est rasée en 1978.


title: Étretat

text: L'institution des congés payés a marqué, comme ailleurs, le début d'une ère nouvelle. En cela, elle permit d'appliquer à la lettre les propos d'Alphonse Karr selon qui, s'il devait faire découvrir à un ami la mer, « ce serait à Étretat ».


title: Étretat

text: On peut situer ce tournant après la Première Guerre mondiale. En effet, une grande partie de l'intelligentsia parisienne, des écrivains, artistes et hommes politiques qui le fréquentaient l'été, a alors déserté ce lieu de villégiature pour des cieux plus cléments et pour échapper au tourisme de masse. Cependant, la « classe des estivants » subsiste toujours dans les années 1960-1980. Ces estivants sont des familles originaires le plus souvent de Paris et de sa région. Ils possèdent parfois une résidence à Étretat depuis plusieurs générations et les rapports avec les « autochtones » n'ont pas toujours été des plus cordiaux.


title: Étretat

text: Si depuis les années 1960, les "clinques" ou "clincarts" improprement appelées « caïques » (l'Abbé Cochet n'utilise d'ailleurs pas ce mot dans son ouvrage sur Étretat) avaient été complètement supplantées par des bateaux plus modernes, la pêche traditionnelle disparaît totalement dans les années 1990, le dernier pêcheur ayant cessé son activité professionnelle à cette époque.


title: Étretat

text: Plusieurs fois entre le (il y eut une victime) et surtout le dans les deux cas au cours d'une grande marée de tempête, le cordon de galets qui protège la digue en empêchant les vagues de s'y briser a été emporté par la mer en amont. Toute la ville basse est en dessous du niveau de la mer à marée haute. Elle est construite en fait dans l'estuaire du Grand Val au , soit plusieurs centaines de maisons, ont été inondées sur à partir du littoral. La mer reprenant son lit naturel dans le Val, comme lors des grandes inondations du , et empêchant pendant plusieurs jours l'écoulement de la rivière souterraine qui a dégorgé. Et en fait s'arrêtant devant les maisons les plus anciennes du . Le président de la République de l'époque, François Mitterrand, viendra lui-même se rendre compte sur place le . La ville a été déclarée en état de catastrophe naturelle 8 fois entre 1984 et 1999 pour inondations, coulées de boues et action des vagues. Dans les années 2000 se sont terminés les travaux de reconstruction et de consolidation de la digue-promenade, le "perrey" et du casino, qui a retrouvé un cachet perdu jadis. Et la protection des galets, qui protègent la digue « le perrey » et la ville est un enjeu pour la municipalité. Le réseau des canalisations d'eau potable et de son captage par une source dans la nappe phréatique, datant du , est rénovée depuis 2005. Débarrassé des boues d'alluvions, il donne une très bonne qualité d'eau en 2015.


title: Étretat

text: Le tourisme de masse engendre un véritable problème de cohabitation entre les piétons et les automobiles dans les rues étroites, au moment des week-ends en saison et des vacances d'été. Les autorités locales ont construit de grandes aires de stationnement visant à réduire le trafic en centre-ville et à délester les zones saturées de véhicules. Elles sont situées rue Guy-de-Maupassant, près du petit temple protestant d'Étretat où s'est marié en 1895 André Gide, autre célébrité d'Étretat, et à côté de la résidence pour personnes âgées Germaine-Coty. Plus récemment, un grand parking a été construit sur la route du Havre.


title: Étretat

text: Elle faisait partie depuis 1793 du canton de Criquetot-l'Esneval. Dans le cadre du redécoupage cantonal de 2014 en France, cette circonscription administrative territoriale a disparu, et le canton n'est plus qu'une circonscription électorale.


title: Étretat

text: Étretat était membre de la communauté de communes du canton de Criquetot-l'Esneval, un établissement public de coopération intercommunale (EPCI) à fiscalité propre créé fin 2001.


title: Étretat

text: Dans le cadre de l'approfondissement de la coopération intercommunale prévu par la loi portant nouvelle organisation territoriale de la République (Loi NOTRe) du , cette intercommunalité a fusionné avec la communauté de communes Caux Estuaire et la communauté de l'agglomération havraise pour former, le , la communauté urbaine dénommée Le Havre Seine Métropole, dont Étretat est désormais membre.


title: Étretat

text: L'économie d'Étretat repose essentiellement sur le tourisme de courte durée qui engendre un commerce local florissant à la belle saison mais demeure en grande difficulté le reste de l'année. En effet, la ville perd des habitants depuis 2000, entrainant la fermeture de classes et le transfert des cabinets médicaux dans les communes limitrophes.


title: Étretat

text: Les villas des estivants « parisiens », traditionnellement transmises dans les familles de génération en génération sont transformées en maison d'hôtes. En effet, la ville se hisse au tout premier rang des sites touristiques haut-normands les plus visités avec le palais Bénédictine à Fécamp, la cathédrale de Rouen et les jardins et maison de Claude Monet à Giverny avec des visites à la journée. Le site et la ville accueillent entre de visiteurs par an suivant les statistiques et les années. Un casino, un golf, 40 restaurants, un camping, 14 hôtels et une vingtaine de maisons et chambres d'hôtes sont présents dans la ville. Le site est classé au titre de la loi de 1930 et comporte plusieurs zones Natura 2000 et espaces naturels sensibles, propriétés du Conservatoire du Littoral au titre de la protection de sa biodiversité. Les falaises reçoivent en moyenne visiteurs par jour en été, ce qui crée des problèmes de développement durable et de protection de l'environnement.


title: Étretat

text: En 2013, pour les 900 foyers fiscaux, le revenu moyen mensuel à Etretat est inférieur à , mettant la ville au niveau de vie le plus bas de la communauté de communes. Par ailleurs, 44 % de la population y est retraitée.


title: Étretat

text: Le tourisme est essentiellement constitué de nordistes et picards des Hauts-de-France, de Belges, de Hollandais, d'Allemands et d'Anglais. L'organisation du tourisme dépend de la ville, mais aussi du ministère du Développement durable, Opérations Grands Sites, du département, de la Région, du ministère de la Culture et de celui des Affaires Étrangères dans le cadre d'opération comme Festival Normandie Impressionniste.


title: Étretat

text: Le budget de la ville est évalué à d'euros couvert par les recettes provenant à 36 % par le stationnement automobile, 31 % par les impôts, 4 % par la taxe de séjour, 19 % par le casino (chiffres 2015).


title: Étretat

text: Elle est située à l'écart du centre du bourg. C'est un grand édifice comparativement à l'importance du village autrefois, qui peut s'expliquer par sa dépendance ancienne de la puissante abbaye de Fécamp. Sa construction remonte aux . Il a été remanié au et classé au titre des monuments historiques.


title: Étretat

text: Les halles d'Étretat sont une reconstitution de halles traditionnelles en bois, exécutée en partie avec des matériaux anciens, qui proviendraient pour certains d'une grange de Brionne, par des charpentiers originaires de la Manche, conçues par l'architecte Emile Mauge en 1926.


title: Étretat

text: Le site est associé au mythe populaire d'Arsène Lupin, gentleman-cambrioleur d'après les romans de Maurice Leblanc, autographes ou apocryphes, leurs pastiches et dans ces innombrables adaptations cinématographiques et télévisées, en bandes dessinées, en mangas, ou en chansons, qui cache ses butins dans l'aiguille.


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: Salò ou les 120 Journées de Sodome () est un film italien réalisé par Pier Paolo Pasolini en 1975. Prévu comme le premier épisode de sa Trilogie de la mort, il s'agit du dernier film du cinéaste, assassiné moins de deux mois avant sa sortie en salle à Rome. Il n'a d'ailleurs pas eu le temps d'en finir le montage, d'où une dernière partie écourtée (à la suite d'une disparition ou d'un vol de bobines).


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: C'est une libre adaptation, transposée au , de l’œuvre du marquis de Sade (1740-1814), "Les Cent Vingt Journées de Sodome", dont l’action se passait, elle, à la fin du règne de Louis XIV (mort en 1715).


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: L'action commence à Salò, ville près du lac de Garde où, en , les nazis installèrent Benito Mussolini, qu'ils venaient de libérer. Quatre notables riches et d'âge mûr y rédigent leur projet macabre. Elle se poursuit par la capture de 9 jeunes garçons et 9 jeunes filles dans la campagne et quelques villages alentour.


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: Les quatre notables, le "Duc", l’"Évêque", le "Juge" et le "Président", entourés de divers servants armés et de quatre prostituées, ainsi que de leurs femmes respectives (chacun ayant épousé la fille d'un autre au début du film), s'isolent dans un palais des environs de Marzabotto, dans la république de Salò.


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: Le film se divise en quatre tableaux, comme dans l'œuvre du marquis de Sade, qui prennent le nom de cercles infernaux, comme dans l'œuvre de Dante Alighieri :


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: L'actrice incarnant la première victime parmi les neuf filles (qui implore madame Castelli de l'aider à s'échapper au début du film, qui tente de se défenestrer durant le premier récit de madame Vaccari et qui finit égorgée dans l'autel religieux) n'est pas créditée au générique ; son prénom n'est pas mentionné au cours du film.


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: Les actrices françaises Hélène Surgère et Sonia Saviange ont été choisies par Pier Paolo Pasolini parce qu'il les avait remarquées dans le film "Femmes femmes" (1974) de Paul Vecchiali : ces deux actrices reprennent (toujours en français) le sketch « Femmes femmes » dans "Salò ou les 120 journées de Sodome", sketch qu’elles interprétaient déjà dans le film homonyme. Hormis ce sketch, le rôle de Sonia Saviange est muet.


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: La version originale parlant italien et sous-titrée en français (VOSTF) est la seule qui soit sortie sur grand écran en France. Conformément aux habitudes de production italiennes, certains rôles sont doublés dans cette version originale parlant italien. Une version « officielle » parlant français et due à Jean-Claude Biette a été éditée par la suite en DVD. Biette a précisé dans le générique de cette version « officielle » :


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: Dans la quatrième partie, on entend à la radio une œuvre d’Ezra Pound (1885-1972), poète américain qui trahit son pays au profit de Mussolini.


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: Le film est inspiré de l'œuvre du marquis de Sade (1740-1814) "Les Cent Vingt Journées de Sodome" et des événements qui se sont déroulés dans la ville de Salò, au nord de l'Italie, à la fin de la Seconde Guerre mondiale, lorsque Mussolini y est installé par les nazis et y fonde une république fasciste fantoche, la République sociale italienne.


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: C'est le film le plus sombre et le plus désespéré de Pasolini. Il est minutieusement construit comme une descente progressive à travers différents cercles de la perversité, à l'image de l'œuvre de Sade. Selon Jean-Luc Douin, dans "Le Monde", après avoir réalisé une série de films exaltant la sexualité dans l’allégresse ("Trilogie de la vie"), Pasolini considère la libération sexuelle comme une tromperie. Il s’élève contre la société de consommation et le capitalisme, qui asservissent la sexualité, qui devrait être libératrice, et expose les vies privées. Il dénonce dans son film, une nouvelle fois, les horreurs de la société bourgeoise : la sexualité, auparavant vue comme une grâce pour l’humanité, devient une marchandise à consommer, sans égard pour la dignité humaine. Les dernières scènes, particulièrement difficiles à soutenir, sont vues à travers des jumelles, afin d’installer une distance.


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: Le film fait scandale lors de sa sortie. Il est interdit ou censuré dans de nombreux pays pendant plusieurs années, y compris en Italie. En , sa projection est interdite à Zurich, en Suisse, à la suite de plaintes (la polémique éclate après que le journal gratuit "20 Minuten" a stigmatisé la programmation de "Salò" dans une église de Zurich dans le cadre d'une rétrospective consacrée au cinéaste italien ; le film devait être projeté dans le temple protestant en raison des travaux de rénovation du cinéma Xenix). Finalement, quelques jours plus tard, la censure est levée sous la pression des défenseurs de la liberté d'expression.


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: Toujours interdit de diffusion à la télévision publique française, hormis une diffusion sur FR3 à la fin des années 1970, "Salò" fait l'objet d'un véritable culte ; il a longtemps été projeté dans une salle « Art et Essai » du Quartier latin de Paris.


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: Réservé à un public averti, il a toutefois été diffusé en France sur CinéCinéma Classic à l'occasion d’une intégrale Pasolini fin 2008 et sur Paris Première.


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: Encore aujourd’hui, des réalisateurs comme Gaspar Noé et Claire Denis avouent, dans un supplément du DVD paru en 2009, leur malaise au visionnage du film.


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: Il est resté un sommet pour de nombreux cinéastes, dont R.W. Fassbinder, qui, pourtant, avait vu la projection en France de son film "Maman Küsters s'en va au ciel" perturbée le lors du festival de Paris, la foule envahissant la salle de cinéma avant l'heure pour être sûre d'avoir une place pour "Salò", le film suivant.


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: Michael Haneke le considère comme l'un de ses films préférés même si, selon ses dires, il n'a jamais pu le revisionner.


title: Salò ou les 120 Journées de Sodome

text: Les réhabilitations postérieures font qu'il est récompensé du prix Venezia Classici du meilleur film restauré à la Mostra de Venise 2015.


title: Mulholland Drive (film)

text: Le film, à l'origine destiné à être un pilote de série télévisée, est en grande partie tourné en 1999, Lynch ayant alors la volonté de laisser la fin ouverte dans l'éventualité d'une série. Cependant, après le visionnage de la version, les responsables de l'audiovisuel le rejettent. Lynch dote alors le projet d'une fin le transformant en long métrage. Le résultat, hybride entre pilote et long métrage, couplé au style si particulier de Lynch, laisse le sens général des événements dépeints dans l’œuvre sujet à interprétation. Le public, les critiques et même l'équipe de tournage en sont réduits à spéculer sur la signification du film après le refus du réalisateur de définir ses intentions sur son récit. Lynch s'en tient à résumer son œuvre comme .


title: Mulholland Drive (film)

text: Classé dans le genre des thrillers psychologiques, est salué par de nombreux critiques et offre à son réalisateur le prix de la mise en scène au festival de Cannes 2001 ; Lynch est également nommé pour l'Oscar du meilleur réalisateur lors de la cérémonie de l'année suivante. Ce film propulse les carrières de Naomi Watts et de Laura Harring alors qu'il marque la fin de celle d'Ann Miller, l'actrice y interprétant son dernier rôle. est régulièrement considéré comme l'un des meilleurs films de David Lynch aux côtés d"'Eraserhead" (1977) et de "Blue Velvet" (1986). En 2012, la revue britannique "Sight & Sound" réalise un sondage réunissant plusieurs centaines de critiques au cours duquel est cité parmi les plus grands films de l'histoire du cinéma. En France, les "Cahiers du cinéma" l'élisent meilleur film de la décennie 2000. Le critique du "New York Times", A. O. Scott, qualifie l’œuvre de .


title: Mulholland Drive (film)

text: Une nuit, à Hollywood, une jeune femme, Rita (Laura Harring), devient amnésique à la suite d'un accident de voiture sur la route de . Elle fait ensuite la rencontre de Betty (Naomi Watts), un jeune espoir de Hollywood qui vient d'arriver à Los Angeles. Ensemble, elles vont chercher des réponses à leurs interrogations dans une aventure onirique, entre rêve et réalité.


title: Mulholland Drive (film)

text: Avant même l'apparition du générique, le film débute par une scène onirique représentant des jeunes gens dansant le swing sur un fond mauve ; une femme (Naomi Watts), accompagnée d'un couple âgé, s'avance pour recevoir les applaudissements. Un lit aux draps rouges d'où sort une respiration haletante est aperçu. Un nom de rue apparait : Mullholland Drive.


title: Mulholland Drive (film)

text: Une limousine conduit en pleine nuit une mystérieuse femme aux cheveux noirs (Laura Harring) mais s'arrête avant d'atteindre sa destination : ses chauffeurs menacent la passagère avec une arme quand une autre voiture, conduite par des jeunes gens ivres, les percute violemment. Seule rescapée de l'accident, la femme, devenue amnésique, erre sur la route sinueuse, par et à Hollywood ; cette route domine l'agglomération éclairée de Los Angeles. Elle s'étend sous les buissons d'une villa.


title: Mulholland Drive (film)

text: Sur les lieux de l'accident, les enquêteurs trouvent une boucle d'oreille ; elle leur donne à penser qu'une passagère s'est enfuie vers la ville. À l'aube, celle-ci se glisse dans l'appartement qu'une femme rousse plus âgée s'apprêtait à quitter. Dans un , nom d'une chaîne de fast-food, Dan (interprété par Patrick Fischler) raconte à son ami le cauchemar composé d'un horrible personnage derrière le bâtiment. Quand ils examinent les lieux, le personnage apparaît et Dan s'évanouit d'effroi. Alors que la femme aux cheveux noirs dort, plusieurs appels téléphoniques énigmatiques sont entendus, suggérant que quelqu'un est à sa recherche.


title: Mulholland Drive (film)

text: Betty Elms (personnage interprété par Naomi Watts), venue de Deep River au Canada, débarque à l'aéroport de Los Angeles : elle souhaite devenir actrice et bavarde avec un couple âgé rencontrés dans l'avion ; ce trio est celui aperçu à la fin de la séquence d'ouverture. Betty arrive à la villa Havenhurst où loge sa tante Ruth, actrice partie en tournage au Canada. Elle est accueillie par la propriétaire, Coco (Ann Miller), qui lui laisse les clés de l'appartement. C'est dans cet appartement que la femme aux cheveux noirs s'est réfugiée après l'accident ; la découvrant nue dans la douche, Betty suppose qu'elle s'y est installée avec l'accord de sa tante. La femme brune, l'esprit confus et ne se souvenant plus de son véritable nom, choisit celui de « Rita » après qu'elle aperçoit une affiche du film "Gilda", dans lequel joue Rita Hayworth.


title: Mulholland Drive (film)

text: Dans les bureaux d'un producteur de cinéma, deux hommes d'affaires mafieux font pression pour qu'un réalisateur hollywoodien du nom d'Adam Kesher (interprété par Justin Theroux) embauche leur protégée pour tenir le rôle-titre du film : c'est une actrice inconnue appelée Camilla Rhodes (personnage interprété par Melissa George). Le réalisateur refuse. Après avoir quitté la salle de réunion, il fracasse le véhicule des gangsters avec un club de golf puis s'enfuit. Alors qu'il est au volant, il reçoit un appel de sa secrétaire qui l'informe que Ray, son directeur de production, a licencié toute son équipe. Elle le supplie de se rendre au bureau pour régler la situation, mais Adam préfère finalement rentrer chez lui. Une fois arrivé, il découvre que sa femme est au lit avec le nettoyeur de la piscine, un nommé Gene (interprété par Billy Ray Cyrus). Sous le coup de la colère, Adam s'empare d'un pot de peinture rose et le verse sur les bijoux de sa femme ; elle se met à le frapper et il la plaque au mur. Gene, plus fort que lui, le jette hors de sa maison. Peu après, des hommes de main envoyés par les mafieux surgissent et, prenant Gene pour Adam, le passent à tabac ainsi que la femme.


title: Mulholland Drive (film)

text: Réfugié à l'hôtel, Adam apprend peu après que sa banque a fermé son compte ; il est par conséquent ruiné. Sur conseil de son agent, il accepte de rencontrer un mystérieux personnage appelé Le Cowboy : celui-ci l'exhorte à embaucher Camilla Rhodes pour son propre bien.


title: Mulholland Drive (film)

text: Dans un autre bureau du centre-ville, Joe Messing (interprété par Mark Pellegrino), un tueur à gages maladroit, tue l'homme visé mais abat aussi une femme qui se trouvait dans un bureau voisin, puis un homme de ménage qui fait irruption, déclenchant le signal d'alarme à incendie. Le tueur s'enfuit en emportant un carnet avec une liste de numéros de téléphone.


title: Mulholland Drive (film)

text: Pour aider Rita à recouvrer la mémoire, Betty lui suggère de chercher une pièce d'identité dans son sac à main : elles y trouvent une somme de plusieurs milliers de dollars et une étrange clef bleue. Afin d'en savoir plus sur l'accident de Rita, elles se rendent au restaurant où une serveuse du nom de Diane prend leur commande ; cela déclenche chez Rita le souvenir du nom de « Diane Selwyn ». Après une recherche dans l'annuaire téléphonique, elles appellent la seule femme qui porte ce nom, mais personne ne décroche. Rita aide Betty à répéter la scène d'essai qu'elle doit jouer devant les producteurs. Elle l'interprète de façon maladroite, en victime mélodramatique, et a l'impression de courir à l'échec. Cependant, lorsqu'elle est devant les producteurs, elle retourne complètement sa prestation et en fait, avec une totale assurance, une scène violente et érotique. Les producteurs, éblouis, l'engagent aussitôt.


title: Mulholland Drive (film)

text: Un agent l'emmène voir le plateau du film que réalise Adam : "L'histoire de Sylvia North". C'est au tour de Camilla Rhodes de passer l'audition pour le rôle-titre du film, Adam annonce : . Presque immédiatement après avoir engagé Camilla, Adam se retourne et regarde fixement Betty. Les deux se regardent comme envoûtés, mais Betty s'enfuit avant de rencontrer Adam en expliquant qu'elle avait promis de retrouver quelqu'un. Elle rentre à la villa et s'entend avec Rita pour partir à la recherche de Diane Selwyn.


title: Mulholland Drive (film)

text: Betty et Rita arrivent à l'appartement présumé de Diane Selwyn et questionnent une voisine. Cette dernière leur dit que celle-ci a disparu depuis quelques jours et qu'elle doit passer récupérer des affaires laissées chez Diane. Les deux amies frappent à la porte de Diane, sans succès, puis pénètrent dans l’appartement par une fenêtre qui n’était pas verrouillée. Dans la chambre, elles découvrent le cadavre d'une femme morte depuis plusieurs jours. Terrifiées, elles retournent à la villa et Betty coiffe Rita d'une perruque blonde. Cette nuit-là, Betty invite Rita à partager le lit avec elle au lieu de dormir sur le canapé. Rita se met au lit, nue, et après quelques instants, les femmes se retrouvent à faire l'amour. Betty dit à Rita qu'elle l'aime.


title: Mulholland Drive (film)

text: Rita réveille Betty à deux heures du matin en parlant espagnol ; elle insiste pour que toutes deux se rendent à une salle de spectacle, à l’atmosphère inquiétante, du nom de Club Silencio. Sur scène, un homme explique dans un mélange de langues que tout n'est qu'illusion. Son spectacle est suivi de celui d'une femme (Rebekah Del Rio) qui chante le titre "Crying" de Roy Orbison en espagnol et . Alors qu'elle paraissait chanter de tout son cœur, elle s'évanouit mais le chant se poursuit : il s'agit de . Betty ouvre son sac à main et en sort une boîte bleue dont la serrure semble correspondre à la clef de Rita. De retour à l'appartement, Rita retrouve la clef mais Betty a disparu. Elle se décide à déverrouiller la boîte qui tombe à terre. Ruth entre à ce moment, cherche la provenance du bruit mais ne voit personne.


title: Mulholland Drive (film)

text: Le Cowboy se montre à la porte de la chambre de Diane Selwyn, lui intimant de se réveiller. Diane Selwyn (interprétée par Naomi Watts) se réveille dans son lit. Enfilant un peignoir sale, elle se rend dans la pièce principale pour répondre. C'est la même voisine que Betty et Rita ont rencontrée, toujours impatiente de récupérer le reste de ses affaires dans l'appartement de Diane. La voisine rassemble ses affaires ; elle mentionne, en sortant, le passage de deux détectives, toujours à sa recherche. À ce moment-là, Diane remarque une clef de couleur bleue, sur sa table basse. Elle voit ensuite Camilla Rhodes (jouée par Harring) dans la cuisine, ravie, puis réalise son état d'hallucination. Diane se rend alors sur le plateau du film où Adam dirige Camilla. Celui-ci profite d'une scène pour embrasser Camilla devant Diane, bouleversée. Invitée par Camilla, Diane se rend à une fête organisée chez Adam, sur Mulholland Drive. La limousine qui la conduit s'arrête avant d'atteindre la maison (à l'endroit de l'accident du début du film). Camilla apparaît dans les buissons et lui fait emprunter un raccourci à travers le jardin. Adam semble amoureux de Camilla. Au cours du repas, Diane explique être venue à Hollywood après le décès de sa tante qui y travaillait, avec l'argent de son héritage ; elle dit aussi avoir rencontré Camilla lors d'une audition pour "L'Histoire de Sylvia North" dont le réalisateur est Bob Brooker. Une autre femme (jouée par Melissa George) embrasse Camilla : toutes deux se retournent vers Diane et lui sourient. Adam et Camilla s'apprêtent à faire une annonce importante (leur mariage), mais ils n'y parviennent pas et s'éparpillent en rires et baisers ; Diane les observe en pleurant.


title: Mulholland Drive (film)

text: Diane rencontre le tueur à gages au restaurant : elle lui donne une photo grand format de Camilla et une importante somme d'argent. La serveuse chargée de la table porte un badge au nom de Betty. Le tueur à gages explique à Diane que, une fois le travail fait, elle trouvera une clef bleue. Diane lui demande ce qu'ouvrirait cette clef, le tueur à gages se contente d'éclater de rire. En levant les yeux, Diane remarque Dan : il se tient debout au comptoir. Derrière le restaurant, un sans-abri, est montré en possession de la boîte bleue. La clef bleue posée sur la table en face d'elle, Diane est terrorisée par des hallucinations montrant le couple de personnes âgées. Elle court jusqu'à son lit en hurlant puis se tire une balle dans la tête. Le visage du sans-abri apparaît alors dans la chambre. Dans la scène finale, une femme auparavant aperçue au club murmure .


title: Mulholland Drive (film)

text: Conçu à l'origine pour être une série télévisée, doit initialement prendre la forme d'un pilote de produit pour Touchstone Television et distribué sur le réseau du groupe ABC. Tony Krantz, l'agent qui était responsable du développement de "Twin Peaks", est à l'idée de faire une autre série télévisée. David Lynch vend le projet aux cadres du groupe en s'appuyant uniquement sur un scénario dans lequel Rita survit à un accident de voiture, elle possède en liquide dans son sac à main et une clef bleue ; le personnage de Betty tente de l'aider à découvrir qui elle est. Un cadre d'ABC se souvient : . Lynch montre à ABC un premier montage du pilote. La personne qui l'a vu, selon Lynch, le regarde à six heures du matin, prend un café et se lève. Il déteste le pilote et ABC l'annule immédiatement. Pierre Edleman, l'ami parisien de Lynch, lui rend visite et commence à lui parler de la possibilité de faire du film un long métrage. Edleman retourne à Paris. Canal+ souhaite donner de l'argent à Lynch pour en faire un long métrage et les négociations durent un an.


title: Mulholland Drive (film)

text: Lynch dépeint l'attrait qu'exerce l'idée d'un pilote, malgré la connaissance des contraintes du médium télévisuel : . Le scénario comprend des éléments profondément ancrés dans le monde réel et d'autres appartenant au genre fantastique ; c'était déjà le cas dans la précédente série de Lynch, "Twin Peaks". Un travail préparatoire est finalement lancé pour l'élaboration d'arcs narratifs comme le mystère de l'identité de Rita, la carrière de Betty et le projet de film d'Adam Kesher. L'actrice Sherilyn Fenn déclare dans un entretien que l'idée originale de est venue au cours du développement d'une série dérivée dédiée à son personnage d'Audrey Horne issu de la série "Twin Peaks".


title: Mulholland Drive (film)

text: Lynch sélectionne Naomi Watts et Laura Harring grâce à des photographies d'elles. Il les invite séparément à venir effectuer des entretiens d'une demi-heure et leur explique qu'il n'a vu aucun de leurs précédents travaux au cinéma ou à la télévision. Alors qu'elle se rend à cet entretien, Harring est impliquée dans un accident sans conséquence, elle y voit un caractère fatidique en apprenant plus tard que son personnage lui-même serait impliqué dans un accident de voiture dans le film. Lors du premier entretien, Watts portait un jean et était arrivée par avion de New York : Lynch lui demande de revenir le lendemain en . Deux semaines plus tard, il lui propose le rôle. Lynch a expliqué le choix de cette actrice :


title: Mulholland Drive (film)

text: Justin Theroux rencontre également Lynch à sa descente d'avion. Après un long vol et sans avoir beaucoup dormi, Theroux se présente vêtu de noir et avec les cheveux en désordre. Lynch apprécie cette apparence et décide de conserver des vêtements similaires et la même coiffure pour le personnage d'Adam. Le jeune acteur refuse un rôle dans la série télévisée "Wasteland" et choisit plutôt le projet de Lynch. Au total, la directrice de casting Johanna Ray attribue cinquante rôles parlants rien que pour le pilote.


title: Mulholland Drive (film)

text: Le tournage pour le pilote s'effectue à Los Angeles et dure six semaines à partir de . Mais les producteurs ne sont finalement pas satisfaits du résultat obtenu et décident de ne pas programmer sa diffusion. Parmi les objections figurent le scénario non linéaire, Naomi Watts et Laura Harring sont considérées comme trop vieilles, le fait que le personnage d'Ann Miller fume n'est pas apprécié, enfin des excréments de chien filmés en gros plan achèvent de dissuader les producteurs d'accepter le projet. Lynch se rappelle : .


title: Mulholland Drive (film)

text: Après l'abandon du projet par ABC, Pierre Edelman de la société française Studiocanal rencontre Lynch et lui demande s'il peut visionner la cassette du pilote. Celui-ci est d'abord réticent, mais accepte finalement. Edelman revient voir Lynch et se dit prêt à en faire un long métrage. Après de nombreuses tractations étalées sur une année et « des tonnes de fax », les droits sont obtenus par Studiocanal. Le studio français finance alors le film à hauteur de sept millions de dollars. Ce choix d'une production française à travers Studiocanal et Alain Sarde pourrait également refléter la volonté du réalisateur de s'éloigner du système hollywoodien. Le script est réécrit et détaillé afin de se conformer aux exigences d'un long métrage. Du passage d'un pilote à fin ouverte vers un film demandant la résolution des trames, Lynch dit : . Le résultat consiste en dix-huit nouvelles pages de script qui comprennent la relation amoureuse entre Betty et Rita ainsi que les événements se déroulant après l'ouverture de la boîte bleue. Watts exprime son soulagement de l'abandon du projet par ABC : elle trouvait le personnage de Betty unidimensionnel sans la partie plus sombre du film qui fut ajoutée par la suite. Le réalisateur considère lui aussi qu'ABC a eu un rôle majeur en refusant le pilote, il s'agissait selon lui d'une étape nécessaire. La reprise du tournage est difficile : beaucoup de décors, de costumes et d'accessoires ont été égarés, Lynch doit également faire face à une panne d'inspiration. Cependant, les problèmes rencontrés entraînent l'apparition d'idées inédites qui n'auraient peut-être jamais vu le jour autrement. Les nouvelles scènes, d'une longueur cumulée de , sont tournées en .


title: Mulholland Drive (film)

text: Theroux déclare avoir abordé le tournage sans comprendre entièrement de quoi retournait l'intrigue : . Theroux affirme que la seule réponse que Lynch lui a donnée concernant le personnage de réalisateur hollywoodien est qu'il n'entretenait pas de lien autobiographique avec Lynch. Watts déclare avoir essayé de flouer Lynch en lui faisant croire qu'elle avait résolu l'intrigue, et que lui-même se délectait de la frustration des acteurs. , déclare Laura Harring au sujet du tournage de la scène de sexe entre les personnages d'elle et Watts. .


title: Mulholland Drive (film)

text: La bande originale de est supervisée par Angelo Badalamenti ; ce dernier a déjà travaillé avec Lynch à plusieurs reprises : au cinéma, ils collaborent sur les films "Blue Velvet", "Sailor et Lula", "Twin Peaks", "Lost Highway" et "Une histoire vraie" ; Badalamenti réalise également la bande originale de plusieurs projets télévisuels de Lynch. La collaboration entre Lynch et Badalamenti est qualifiée de « tandem », comparable à ceux formés par Nino Rota et Federico Fellini, Bernard Herrmann et Alfred Hitchcock, ou bien Sergueï Prokofiev et Sergueï Eisenstein. Sur "AllMusic", la critique Heather Phares considère que cette bande originale est meilleure que celle de "Lost Highway". Grâce à son travail sur , Badalamenti est nommé pour différents prix. L'American Film Institute, lors de sa remise de prix, le place parmi les quatre compositeurs de l'année ; il est également nommé au BAFTA de la meilleure musique de film. Badalamenti effectue par ailleurs un caméo au cours du film dans le rôle de Luigi Castigliane, gangster aux goûts très affirmés en matière d'expresso.


title: Mulholland Drive (film)

text: Les critiques remarquent que la partition inquiétante de Badalamenti, qualifiée comme , contribue à l'impression de mystère, alors que s'ouvre le film sur la limousine de la femme aux cheveux noirs. Cela contraste avec les sonorités éclatantes et pleines d'espoir jouées lors de l'arrivée de Betty à Los Angeles : la composition . Daniel Schweiger, journaliste spécialiste des musiques de film, observe que la participation de Badalamenti à la bande originale alterne entre , où . Badalamenti décrit un procédé particulier de design sonore appliqué à ce film : il fournit à Lynch des pistes à tempo lent de dix à douze minutes de long qu'ils appellent ; Lynch . Dans "Télérama", Louis Guichard compare la bande originale à une .


title: Mulholland Drive (film)

text: David Lynch fait figurer deux chansons des années 1960, l'une après l'autre ; elles sont jouées alors que deux actrices auditionnent en effectuant du playback. Selon Mark Mazullo, après analyse de la musique employée dans les films de Lynch, les personnages féminins de ses différentes œuvres sont souvent incapables de communiquer à travers les canaux habituels et sont réduits au playback, ou bien sont étouffés dans leur communication. Le titre ' de Connie Stevens est joué alors que la caméra effectue un plan panoramique vers l'arrière et révèle ainsi plusieurs illusions ; la reprise de la chanson ' par Linda Scott est entendue lors de l'audition de la première Camilla Rhodes ; le spécialiste du cinéma Eric Gans considère que cette chanson symbolise la prise d'autonomie de la jeune actrice. À l'origine composé par Jerome Kern pour être chanté en duo, ce second morceau interprété par Linda Scott prend une connotation homosexuelle dans le film selon Gans. Contrairement à ', des parties de ' sont déformées pour suggérer de Camilla. Au moment où la chanson est jouée, Betty vient d'entrer dans le studio d'enregistrement où Adam auditionne des actrices pour son film. Elle voit Adam, lui fait les yeux doux et s'enfuit brusquement après qu'Adam déclare à propos de Camilla, évitant ainsi son inévitable rejet.


title: Mulholland Drive (film)

text: Au cours de la scène se déroulant en pleine nuit dans l'étrange théâtre Club Silencio, un acteur déclare : ; l'acteur parle tour à tour anglais, espagnol et français dans la version originale mais seulement en espagnol et en français dans la version française. L'interprétation a cappella et en espagnol de (qui devient ") par Rebekah Del Rio est qualifiée de ; cette interprétation est . Lynch avait souhaité utiliser la version de "Crying" par Roy Orbison pour "Blue Velvet", il avait cependant changé d'avis après avoir écouté le titre "In Dreams" du même artiste. Del Rio, qui a popularisé la reprise en espagnol et qui a reçu son premier contrat d’enregistrement grâce à cette chanson, explique que Lynch s'est déplacé à Nashville où elle vivait ; elle a chanté ce morceau pour lui sans savoir qu'il l'enregistrait. Lynch lui crée alors un rôle dans le film et emprunte la version qu'elle avait chantée à Nashville. La chanson est utilisée lors de la scène du club, Betty et Rita l'écoutent envoûtées et en larmes, peu avant que leur idylle ne prenne fin et soit remplacée par la relation difficile entre Diane et Camilla. Selon un spécialiste du cinéma, la chanson et l'ensemble de la scène de théâtre marquent la désintégration des personnalités de Betty et de Rita, ainsi que de leur relation. Avec l'utilisation de plusieurs langues et d'une chanson pour dépeindre des émotions aussi primaires, un critique de cinéma affirme que Lynch affiche sa méfiance à l'égard du discours intellectuel et choisit de transmettre son message par les images et les sons. L'effet désorientant de la musique, qui joue alors que del Rio n'est plus là, est décrit comme .


title: Mulholland Drive (film)

text: Le film est présenté en avant-première au Festival de Cannes 2001 au sein de la sélection officielle ; il y reçoit un accueil très favorable. Lynch reçoit le prix de la mise en scène à égalité avec Joel Coen pour "The Barber". La sortie nationale a lieu le aux États-Unis : le film est projeté dans lors du premier week-end d'exploitation, puis dans au cours de la semaine suivante. Au Canada, la sortie a lieu le , le en France et le en Belgique.


title: Mulholland Drive (film)

text: En Amérique du Nord, le film est vu par plus de aux États-Unis et par environ au Québec ; en Europe, les meilleurs résultats sont effectués en France où il attire plus de . rapporte finalement au box-office mondial pour un budget estimé à .


title: Mulholland Drive (film)

text: Depuis sa sortie, a selon les universitaires Jay Lentzner et Donald Ross. Sur le site d'agrégation de critiques Rotten Tomatoes, le film obtient un taux d'approbation de 84 % sur la base de , avec une note moyenne de 7,7/10. Le consensus critique du site indique que . Sur Metacritic, le film obtient une note moyenne pondérée de sur la base de , ce qui indique une « acclamation universelle ».


title: Mulholland Drive (film)

text: De nombreux critiques saluent le film : Roger Ebert du "Chicago Sun-Times", qui avait jusque-là proposé des avis mitigés ou négatifs sur les précédents films de Lynch, donne quatre étoiles sur quatre à . Il écrit : . En , Ebert place dans sa liste de "". Dans le "New York Times", Stephen Holden dit que le film . Il ajoute que l’œuvre, quand elle est observée avec légèreté, présente une facette de mais qu'approchée avec plus de gravité elle devient une . Dans le "San Francisco Chronicle", Edward Guthmann évoque un film et ajoute qu'. Toutefois, l'auteur estime que reste inférieur à "Blue Velvet".


title: Mulholland Drive (film)

text: Dans le magazine "Rolling Stone", Peter Travers écrit que . James Hoberman de "The Village Voice" qualifie le long-métrage de et en fait .


title: Mulholland Drive (film)

text: Bien qu'il reçoive une large majorité de critiques positives, rencontre aussi ses détracteurs. Ainsi, Rex Reed officiant au "New York Observer" affirme qu'il s'agit du plus mauvais film qu'il a visionné au cours de l'année 2001 : il le qualifie d'. Dans le magazine "New York", Peter Rainer n'est pas beaucoup plus convaincu : . Rainer souhaite également un renouvellement dans les thèmes choisis par le réalisateur. Desson Howe du "Washington Post" y voit une œuvre incohérente et prétentieuse. Dans "Variety", Todd McCarthy est plus partagé : s'il apprécie , il regrette en revanche la plongée dans le monde imaginaire de Lynch () qui coïncide avec la disparition de la cohérence narrative dans les minutes. Le critique américain James Berardinelli accuse le réalisateur de tromper son public : . Le théoricien du cinéma Ray Carney associe les failles narratives, les retournements de situation, et les doubles à l'absence de profondeur des personnages.


title: Mulholland Drive (film)

text: La presse francophone partage en général des avis très positifs. Dans les "Cahiers du cinéma", le critique Thierry Jousse évoque la naissance d'une . Louis Guichard de "Télérama" parle de . Dans "Le Soir", Philippe Manche qualifie le film de . En Suisse, "L'Express" évoque une . Sur le site francophone Allociné, les de presse réunies donnent une note de .


title: Mulholland Drive (film)

text: Lynch est nommé à l'Oscar du meilleur réalisateur pour . Le film est nommé à quatre reprises aux Golden Globes, dans les catégories du meilleur film dramatique, de la meilleure réalisation et du meilleur scénario. Il est nommé au prix du meilleur film au New York Film Critics Circle 2001 et par la Online Film Critics Society.


title: Mulholland Drive (film)

text: Le DVD du film sort en aux États-Unis et au Canada, et en septembre de la même année en France. Cette édition est dépourvue de chapitrage Lynch considérant que cela l’œuvre, au même titre que les commentaires audio. Malgré les craintes du réalisateur quant à une potentielle démystification, un feuillet contenant « Les de David Lynch pour percer les secrets du film » est inséré dans la boîte ; selon un critique ces indices pourraient en fait être de « fausses pistes ». L'idée d'incorporer ce feuillet dans le DVD revient au distributeur Studiocanal ; Lynch a accepté après avoir l'assurance que ces indices seraient suffisamment abstraits. La qualité de l'image et du son est louée, mais l'absence de contenu supplémentaire est parfois regrettée. Les versions suivantes disposent d'un chapitrage, d'une interview du réalisateur à Cannes et une vidéo des moments forts de la première ; une édition HD DVD sort en en France.


title: Mulholland Drive (film)

text: La version Blu-ray du film est disponible en en zone B, et est éditée par Studiocanal. Du contenu inédit accompagne cette édition : une introduction vidéo de Thierry Jousse ; un documentaire de intitulé ', qui présente une analyse du film par plusieurs réalisateurs et acteurs ; deux documentaires de chacun s'apparentant à des making-of (' et ') ; une interview de la productrice Mary Sweeney et deux du compositeur Angelo Badalamenti ; un livret de contenant l'essai ' d'Adam Woodward. Cette collection avait déjà accueilli un précédent film de David Lynch : "Elephant Man".


title: Mulholland Drive (film)

text: En , le film est proposé en format DVD et Blu-ray dans la prestigieuse Criterion Collection dans une version restaurée en résolution 4K sous la direction du réalisateur et du directeur de la photographie Peter Deming. Cette nouvelle édition inclut des interviews inédites avec des membres de l'équipe de tournage, des scènes supprimées et un extrait de l'ouvrage "" de Chris Rodley. La grande qualité de cette édition est saluée, la méticulosité de Lynch vis-à-vis des éditions en vidéo étant évoquée comme l'une des raisons possibles de cette réussite. Cette restauration 4K est ensuite exploitée en France en DVD et Blu-ray par Studio Canal, en , avec des bonus reprenant en grande partie ceux du Blu-ray 2010 mais aussi deux interviews de l'édition Criterion 2015.


title: Mulholland Drive (film)

text: Le , Criterion annonce que six films vont bénéficier d'une sortie en 4K Ultra HD, parmi lesquels "Mulholland Drive". Criterion précise que chaque titre sera disponible dans un combo pack 4K UHD+Blu-ray comprenant un disque 4K UHD du long métrage ainsi que le film et des bonus sur le Blu-ray d'accompagnement. Criterion confirme le que "Mulholland Drive" va sortir le sous forme de pack de disques 4K et Blu-ray.


title: Mulholland Drive (film)

text: En qualifiant succinctement son film d', David Lynch se refuse à proposer des commentaires quant à la signification et au symbolisme de l’œuvre : cela entraîne de nombreux débats et des interprétations multiples. David Sterritt, critique au "Christian Science Monitor", s'accorde avec Lynch pour dire que le réalisateur , contrairement à certains films plus anciens de Lynch. Néanmoins, Justin Theroux suppose que Lynch apprécie la variété des significations que les spectateurs perçoivent : . Le critique du "New York Times" Anthony Oliver Scott écrit que l’œuvre agit comme une .


title: Mulholland Drive (film)

text: Une des premières interprétations du film s'appuie sur l'analyse des rêves afin d'expliquer que la première partie de l’œuvre est rêvée par la véritable Diane Selwyn : celle-ci a trouvé dans l'innocente et prometteuse « Betty Elms » son alter ego onirique ; elle reconstruit son histoire et sa personnalité à la manière d'un vieux film hollywoodien. Dans le rêve, Betty trouve le succès, elle est séduisante et mène l'existence fantasmée d'une actrice appelée à devenir célèbre. Le dernier cinquième du film expose la morne, mais véritable vie de Diane : elle connaît un échec à la fois personnel et professionnel. Elle organise l'assassinat de Camilla, son ancienne amante, mais incapable de faire face à la culpabilité, elle l'imagine à nouveau comme la femme dépendante, malléable et amnésique qu'est Rita. Cependant, des indices sur cette inévitable disparition ne cessent d'apparaître au cours de son rêve.


title: Mulholland Drive (film)

text: Cette interprétation est similaire à celle que Naomi Watts a formulée dans un entretien : . Les premières expériences de Watts à Hollywood forment un parallèle à celles de Diane. Avant de connaître le succès, elle a essuyé des échecs sur le plan professionnel effectué des auditions pour des rôles qu'elle pensait inaccessibles et rencontré des gens ne respectant pas leurs engagements. Elle se souvient : .


title: Mulholland Drive (film)

text: Le journal britannique "The Guardian" a interrogé six critiques de renom pour connaître leur propre interprétation du sens général de . Neil Roberts du "Sun" et Tom Charity de souscrivent à la théorie selon laquelle Betty est la représentation par Diane d'une vie plus heureuse. Roger Ebert et Jonathan Ross semblent accepter cette interprétation, mais tous deux hésitent à surinterpréter le film. Ebert spécifie : . Ross remarque que certaines intrigues sont des impasses : . Philip French de "The Observer" considère une allusion à la tragédie de Hollywood, tandis que Jane Douglas de la BBC repousse la théorie de la vie de Betty comme rêve de Diane ; elle avertit également du risque de trop analyser.


title: Mulholland Drive (film)

text: La sociologue Siobhan Lyons rejette également la théorie du rêve, affirmant qu'il s'agit d'une . Lyons pense plutôt que Betty et Diane sont en fait deux personnes différentes qui se ressemblent, un motif courant parmi les vedettes hollywoodiennes. Une interprétation similaire encore fait exister Betty et Rita d'une part, Diane et Camilla d'autre part dans des univers parallèles qui communiquent parfois entre eux. Une autre théorie est que la narration représente un ruban de Möbius, une bande subissant une torsion et qui ne présente ni commencement ni fin. Cette référence géométrique avait déjà été utilisée pour décrire la structure narrative de "Lost Highway". Ou bien alors le film dans son ensemble est un rêve, mais le rêveur est inconnu. La répétition de renvois à des lits, à des chambres et au sommeil symbolise la forte influence des rêves. Rita s'endort à plusieurs reprises ; ces moments d'endormissement sont séparés par des scènes sans rapport visible : les clients qui discutent au restaurant , l'arrivée de Betty à Los Angeles, la scène du tueur à gages incompétent. Cela pourrait suggérer que Rita rêve ces passages. Le plan d'ouverture du film zoome sur un lit occupé par un dormeur inconnu : cela nécessite, selon la spécialiste de cinéma Ruth Perlmutter, de s'interroger sur le rapport à la réalité de ce qui suit. Kelly Bulkeley, professeur d'étude des rêves, affirme que la première scène au restaurant, qui est la seule où le rêve est explicitement mentionné, illustre . L'être monstrueux du rêve, sujet de la conversation des hommes au restaurant, apparaît à nouveau à la fin du film, juste avant et juste après que Diane se suicide. Bulkeley soutient que cette seule discussion sur les rêves dans cette scène offre une ouverture vers . Lynch explique que l'idée de ce personnage de clochard effrayant lui est venue des qu'il ressentait quand il prenait son petit-déjeuner au , qui renvoie au Denny's Restaurant sur Sunset Boulevard.


title: Mulholland Drive (film)

text: Le philosophe et théoricien du cinéma Robert Sinnerbrink constate, de façon similaire, que les images suivant le suicide apparent de Diane ébranlent l'interprétation « rêve et réalité ». Après que Diane a tiré, le lit est recouvert de volutes de fumée, puis Betty et Rita se sourient mutuellement. Une femme perchée sur le balcon du Club Silencio murmure ensuite « "Silencio" » alors que l'écran redevient noir. Sinnerbrink écrit que , il évoque aussi la possibilité que cette . Le théoricien du cinéma Andrew Hageman, se référant à cette même séquence, expose l'idée que .


title: Mulholland Drive (film)

text: Un autre théoricien du cinéma, David Roche, écrit que les œuvres de Lynch ne racontent pas simplement des histoires policières, mais qu’elles forcent plutôt le spectateur à se faire enquêteur afin de donner un sens à la narration. Ainsi , comme les autres films de Lynch, frustre . Avec les films de Lynch, le spectateur est toujours et par conséquent . Roche remarque également que de nombreux mystères soulevés dans le film demeurent sans réponse par les personnages qui sont confrontés à des impasses, comme Betty et Rita, ou bien qui cèdent à la pression comme Adam. Même si le public continue à chercher un sens à l'histoire, les personnages n'essaient plus de résoudre leurs mystères. Roche en conclut que est un film à énigme non pas parce qu'il permet au public de trouver la solution à un problème, mais parce que le film lui-même est un mystère qui forme un ensemble du film.


title: Mulholland Drive (film)

text: Malgré la prolifération de théories, les critiques remarquent qu'aucune explication n'est satisfaisante au vu de tous les détails lacunaires et des interrogations surgissant du film. Pour Stephen Holden du "New York Times", . James Hoberman de "The Village Voice" fait écho à ce jugement et qualifie le film d'.


title: Mulholland Drive (film)

text: Le critique Gregory Weight avertit le spectateur d'une interprétation cynique des événements racontés dans le film : selon lui, Lynch montre plus que . Si Lynch met en avant la tromperie, la manipulation et les mauvais prétextes dans la culture hollywoodienne, il insuffle également une dimension nostalgique au film et reconnaît que le véritable art provient de ce cinéma conventionnel auquel il rend hommage à travers le choix d'acteurs chevronnés comme Ann Miller, Lee Grant et Chad Everett. Il dépeint aussi Betty comme une actrice extraordinairement talentueuse dont les compétences sont découvertes par des gens puissants de l'industrie du divertissement. Steven Dillon effectue un commentaire comparant les positions contrastées entre la nostalgie perceptible dans le film et la putréfaction de Hollywood : il affirme que est une critique de la culture hollywoodienne en tant que condamnation de la « cinéphilie », c'est-à-dire la fascination de la création cinématographique et de l'imaginaire associé.


title: Mulholland Drive (film)

text: Les relations entre Betty et Rita et entre Diane et Camilla divisent les critiques : certains ont été véritablement émus par la sincérité qui s'en dégage alors que d'autres n'en font que peu de cas. Glenn Kenny, rédacteur de la critique du film pour l'édition américaine de "Première", déclare que la relation entre Betty et Rita est ; Thierry Jousse des "Cahiers du cinéma" écrit que l'amour entre ces deux femmes est . Le critique Philip Lopate indique que le rôle central de l'interlude romantique entre Betty et Rita est d'autant plus émouvant et délicat que Betty . Une autre critique indique que . La chaîne de télévision américaine Independent Film Channel a choisi Betty et Rita comme couple romantique emblématique du cinéma des années 2000. Charles Taylor explique ce choix : .


title: Mulholland Drive (film)

text: Certains théoriciens du cinéma affirment que Lynch insère l'homosexualité dans la dimension esthétique et thématique du film. Le film non linéaire est , comme l'affirme Lee Wallace, . La présence de miroirs et de sosies tout au long du film . La codépendance dans la relation entre Betty et Rita a été comparée aux relations féminines dans deux films similaires, "Persona" (1966) d'Ingmar Bergman et "Trois femmes" (1977) de Robert Altman ; ces films dépeignent également les identités de femmes vulnérables qui s'emmêlent, s'échangent et finissent par fusionner : . Lynch rend directement hommage à "Persona" dans la scène où Rita porte une perruque blonde, coiffée exactement comme les cheveux de Betty. Rita et Betty se regardent ensuite dans le miroir, . Le miroir et le dédoublement, qui sont des thèmes proéminents tout au long du film, servent à rendre encore plus étranges la forme et le contenu du film.


title: Mulholland Drive (film)

text: Plusieurs théoriciens reprochent à Lynch de perpétuer les stéréotypes et les clichés sur les lesbiennes, les bisexuelles et les relations lesbiennes. Rita (la femme fatale) et Betty (l'écolière) représentent deux personnages lesbiens classiques. Heather Love identifie deux clichés clefs utilisés dans le film : . En même temps, il présente le triangle lesbien tragique, , perpétuant ainsi le stéréotype de la bisexuelle qui . Maria San Filippo reconnaît que Lynch s'appuie sur les archétypes classiques du film noir pour développer la trahison finale de Camilla : ces archétypes . Pour Love, le désir exclusivement lesbien de Diane se situe si elle est rejetée. Diane constitue le cliché de la lesbienne tragique qui se languit du bisexuel dans la relation hétérosexuelle. Dans son analyse, Love note la réponse particulière des médias au contenu lesbien du film : . Elle souligne que le film emploie un thème classique en littérature et au cinéma dans sa peinture des relations lesbiennes : Camilla est terriblement belle et abordable, elle rejette Diane et lui préfère Adam. La réaction commune au film suggère que les relations contrastées entre Betty et Rita d'une part, et entre Diane et Camilla d'autre part sont alors que . La relation lesbienne modifie également l'image de femme fatale prêtée au personnage de Rita puisqu'elle semble perdre ses capacités destructrices vis-à-vis des hommes en leur préférant les femmes.


title: Mulholland Drive (film)

text: L'hétérosexualité comme élément primaire est importante dans la dernière moitié du film, car la fin ultime de la relation de Diane et Camilla découle du mariage du couple hétérosexuel. Lors de la fête d'Adam, ils commencent à annoncer que Camilla et Adam vont se marier ; à travers des rires et des baisers, la déclaration est retardée, car elle est évidente et attendue. La fermeture hétérosexuelle de la scène est interrompue par un changement de scène. Comme le suggère Lee Wallace, en planifiant un coup contre Camilla, . Pour Joshua Bastian Cole, le personnage d'Adam sert de faire-valoir à Diane, ce qu'elle ne pourra jamais être, ce qui explique pourquoi Camilla la quitte. Dans son fantasme, Adam a sa propre intrigue secondaire qui mène à son humiliation. Si cette intrigue secondaire peut être comprise comme un fantasme de vengeance né de la jalousie, Cole soutient qu'il s'agit d'un exemple du regard transgenre de Diane : . Le contact visuel prolongé de Diane avec Dan au est un autre exemple du regard transgenre. Pour Cole, et leurs noms similaires (Dan/Diane), ce qui n'est pas une erreur. Il souligne que la compréhension lesbienne du film a éclipsé les interprétations trans potentielles ; sa lecture du regard trans de Diane est une contribution à la narration lesbienne du film.


title: Mulholland Drive (film)

text: Naomi Watts et Laura Harring se sont exprimées dans différents médias quant à la relation qu'entretiennent leurs personnages à l'écran, mais leurs propos sont divers, voire contradictoires. Watts dit de la scène d'amour : . Cependant, dans une autre interview, Watts a déclaré . Harring a aussi donné sa vision de la scène : . Heather Love s'accorde plus ou moins avec la perception de Harring puisqu'elle déclare que l'identité dans n'atteint pas l'importance du désir : .


title: Mulholland Drive (film)

text: Comme "Boulevard du crépuscule" de Billy Wilder, tire son nom d'une route importante de Los Angeles. David Lynch se sert de l'imaginaire et des fantasmes produits par la ville et rendus indissociables de la ville elle-même pour construire l'idée d'une ville du rêve, d'une « ville-studio ». L'identité cinématographique de Los Angeles témoigne d'une hypertrophie de Hollywood qui agit comme une : Hollywood est en effet le cadre principal de l'intrigue, le lieu principal du tournage et le cadre symbolique et historique utilisé par le film. Dans le récit, Hollywood reflète la nostalgie d' qui correspond à peu près à l'époque du tournage de "Sunset Boulevard". Cette nostalgie est ainsi visible lors des deux auditions que passe Betty : la première se déroule dans le cadre contemporain d'un gratte-ciel du "" alors que la seconde prend place dans le microcosme des studios Paramount ; ces ellipses spatio-temporelles révéleraient donc des . De la même façon, la traversée des lieux emblématiques de la ville participe à cette construction de la ville fantasmée par Betty à son arrivée à l'aéroport, notamment lorsqu'elle regarde avec admiration la pancarte "".


title: Mulholland Drive (film)

text: Mais cette ville du fantasme mise en place par le réalisateur ne dure qu'un temps. Lynch procède en effet à la déconstruction du rêve dans la seconde moitié du film. Il brise pour cela la réalité spatiale entre les différents lieux qui composent l'ensemble urbain en suggérant la distance ou la proximité grâce à l'utilisation de certains plans. La rencontre entre Adam Kesher et Le Cowboy est explicite à ce titre : après avoir reçu un appel téléphonique lui enjoignant de rejoindre Le Cowboy dans un ranch, Adam est montré effectuant un trajet de nuit en voiture, puis a lieu la rencontre proprement dite. Le plan suivant cette scène survient sans transition, il s'agit d'un survol panoramique du panneau Hollywood, de jour. Cette absence de transition suggère que le ranch et le panneau Hollywood appartiennent à des univers distants spatialement et symboliquement. Cependant, la distance insinuée par le film n'existe pas puisque le ranch est en réalité situé au pied du panneau.


title: Mulholland Drive (film)

text: La déconstruction du mythe de Los Angeles utilise aussi le rapprochement des lieux. La villa de la tante Ruth est dépeinte de la même façon que l'univers des studios : la caméra effectue un zoom lent sur la porte de la villa puis sur celle des studios Paramount ; Betty est s'enfuie en courant des studios, puis Betty et Rita quittent Havenhurst en courant aussi. Lynch rapproche spatialement et symboliquement la villa du monde factice des studios : le bonheur de Betty a déjà quelque chose de faux. Encore une fois, cette distance n'est pas celle de la réalité géographique de la ville.


title: Mulholland Drive (film)

text: Le réalisateur a aussi recours à la banalisation des lieux mythiques pour déconstruire le fantasme. Cela se traduit par la sobriété d'effets lors des scènes montrant ces endroits : il y a une économie des mouvements de caméra, la musique angoissante est souvent absente. Encore une fois, l'exemple de l'audition de Betty dans les studios est parlant : les acteurs sont médiocres, le scénario est insipide, la musique est absente, même les félicitations de l'équipe semblent surjouées.


title: Mulholland Drive (film)

text: L'unité urbaine et sociale rêvée se déconstruit peu à peu. Le modèle urbanistique de la ville est dit « postmoderne », c'est-à-dire composé de lieux discontinus ce qui se traduit dans la narration par la somme de récits subjectifs issus de personnages aux identités plurielles. La fragmentation spatiale se double d'une fragmentation sociale symbolisée par les nombreux appels téléphoniques au cours du film : . Néanmoins, ces tentatives téléphoniques n'aboutissent pas à recréer des liens comme en témoigne l'échange infructueux entre Adam et sa secrétaire à propos des problèmes de tournage.


title: Mulholland Drive (film)

text: Une lecture possible de l'espace angelin dans le film se rattache à la dimension dantesque, c'est-à-dire aux symboles de l'enfer, du purgatoire et du paradis tels que mis en scène dans la "Divine Comédie". La villa du serait ce . Dans la véritable Los Angeles, les numéros d'Havenhurst Drive ne dépassent pas 1436. La disparition de la villa dans la seconde partie du film conforte cette idée : le paradis étant maintenant constitué par la villa d'Adam qui surplombe Los Angeles. Cependant, Diane n'a pas sa place dans ce paradis puisqu'il s'agit du lieu où elle avoue son échec professionnel et son échec amoureux : cette réception est organisée pour les fiançailles d'Adam et Camilla et Diane confie enchaîner les rôles sans importance. La villa du réalisateur s'associe alors au traumatisme de Diane et la phrase peut s’entendre comme un euphémisme, l'accident en question est affectif. Ainsi, la Los Angeles de la fin du film décrirait une sorte de descente aux enfers en montrant la ville et la population qui ne participent pas à la "" rêvée au début du film : il s'agit du fast-food avec le clochard monstrueux, ou bien encore des maisons décrépies de Sierra Bonita où le cadavre est découvert.


title: Mulholland Drive (film)

text: Betty Elms est la nouvelle venue à Los Angeles. Cette jeune femme chaleureuse et talentueuse est à la fois mais aussi . Sa façon intrépide et presque enjouée de venir en aide à Rita car il s'agit de la bonne chose à faire peut rappeler l'héroïne de romans policiers Alice Roy (Nancy Drew en version originale).


title: Mulholland Drive (film)

text: Au début du film, tout son personnage repose sur le cliché de la fille naïve issue d'une bourgade. Mais c'est pourtant l'identité de Betty, ou la perte de celle-ci, qui est l'un des points centraux de l’œuvre. Selon la critique Amy Taubin, le rôle de Betty est de personnifier le conscient et l'inconscient du film lui-même. Pour interpréter son personnage, Naomi Watts s'est inspirée de Doris Day, de Tippi Hedren et de Kim Novak ; elle remarque que Betty est une adepte de sensations fortes, une femme qui . Une théorie propose ainsi que puisque Betty s'est insérée dans le système hollywoodien naïvement, mais avec avidité, elle est devenue une ayant l'a détruite.


title: Mulholland Drive (film)

text: Amy Taubin suggère que Betty puisse être une réincarnation de Sandy de "Blue Velvet", un précédent film de Lynch : Deep River, en Ontario, est la ville d'origine de Betty, c'est également le nom de l'immeuble d'appartements dans lequel vit Dorothy, la femme fatale de "Blue Velvet". S'étant libérée des contraintes de la petite ville, Sandy renaît en tant que Betty, elle est attirée par une femme brune et mystérieuse, et comme Dorothy, elle tombe amoureuse d'elle et s'égare.


title: Mulholland Drive (film)

text: Malgré ce que pourrait suggérer le caractère de son personnage, Betty fait preuve d'une grande ampleur et fait forte impression lors de son audition. La scène d'abord répétée en échangeant les répliques avec Rita est et . Lors de cette répétition, Betty joue aussi faiblement que le texte est écrit. En entrant dans la pièce étroite où se tient l'audition, Betty est nerveuse, mais une fois face à son partenaire de jeu (Chad Everett), elle transforme le texte en une scène de puissante tension sexuelle qu'elle parvient à contrôler et à transmettre à tous ceux présents dans la pièce. Quand la scène se termine, la dimension sexuelle disparaît instantanément ; Betty se tient debout et attend timidement les commentaires. L'analyse du critique George Toles explique que la révélation de la capacité cachée de Betty vole la vedette au personnage de Rita en s'arrogeant sa dimension mystérieuse ; cet élément indiquerait aussi le goût de Lynch pour les personnages trompeurs. Selon Ruth Perlmutter, les capacités d'actrice de Betty incitent à se demander si elle ne joue pas le rôle de Diane dans un rêve ou dans une parodie de film qui se retourne finalement contre elle.


title: Mulholland Drive (film)

text: Le personnage de Rita est à la fois celui qui s'apparente à la victime sans défense et mystérieuse, mais il s'agit aussi du stéréotype de la femme fatale à la beauté sombre. Ainsi, le critique Roger Ebert est si impressionné par la performance de Laura Harring qu'il déclare : . Rita est l'objet de désir, en opposition directe avec l'assurance affirmée de Betty. Elle est aussi le premier personnage auquel le public peut s'identifier : étant montrée dans un état de confusion et de peur, ne sachant pas qui elle est réellement et ne comprenant pas ce qui se passe autour d'elle, elle pourrait symboliser le désir de donner du sens au film à travers la quête de son identité. Sans utiliser la menace, Rita parvient à ce que Betty la couve, la console et lui apporte son aide. Son amnésie en fait un personnage évidé qu'un critique qualifie de . Puisqu'elle a perdu la mémoire et ne peut pas se reposer sur un cadre référentiel pour savoir comment se comporter, l'analyse de ce personnage montre que ce sont ses actions qui sont les plus sincères de la première partie de l’œuvre. Cependant, Todd McGowan, auteur d'un ouvrage sur les thèmes dans les films de Lynch, considère que la première partie de peut s'entendre comme issue de l'imagination de Rita, jusqu'à ce que survienne Diane Selwyn ; Betty est alors vue comme un objet permettant à Rita de dépasser son anxiété vis-à-vis de sa perte d'identité. Selon l'historien du cinéma Steven Dillon, Rita est la transformation imaginée par Diane d'une ancienne colocataire : une scène fait état d'un conflit entre Diane et ladite colocataire, cette dernière ramasse ses effets personnels avant de s'en aller, et cela coïncide avec l'arrivée de Rita dans la villa.


title: Mulholland Drive (film)

text: Lorsque Rita et Betty découvrent le corps en décomposition, elles s'enfuient de cet appartement et l'image se trouble puis se recompose à plusieurs reprises. David Roche estime que l'absence d'identité de Rita entraîne une rupture qui . Elles rentrent immédiatement chez la tante de Betty. Rita se coupe les cheveux et enfile une perruque blonde afin de se déguiser, mais cela augmente aussi considérablement sa ressemblance avec Betty. Cette transformation peut être envisagée comme le mélange des deux identités. Des indices visuels viennent étayer cette hypothèse, comme certains angles de caméra qui approchent leur visage au point qu'ils n'en forment presque qu'un seul. Un autre élément s'accorde à cette théorie ; après la scène d'amour, la personnalité de Rita est plus affirmée qu'auparavant, c'est bien elle qui insiste pour se rendre au Club Silencio à deux heures du matin. Cette position de supériorité serait alors un signe avant-coureur de la domination totale qu'exerce plus tard Camilla.


title: Mulholland Drive (film)

text: Diane Selwyn est une femme dépressive et passablement frustrée : elle vit dans l'ombre de Camilla qu'elle idolâtre et aime, mais qui ne lui rend pas son affection. Elle est la plupart du temps considérée comme la version réelle de la trop parfaite Betty, ou bien il pourrait s'agir d'une version décadente de Betty après avoir vécu trop longtemps à Hollywood. Selon Steven Dillon, le scénario du film , mais puisque Rita est elle-même vide, Diane , ce qui l'entraîne dans une forme de dépression puis la pousse à se suicider. Diane est alors vue comme la personnification de l'insatisfaction comme l'illustre la scène de masturbation où elle ne parvient pas à atteindre l'orgasme. Cette scène montre . Le dévouement de Diane envers Camilla pourrait aussi s'apparenter à une manifestation de narcissisme, puisque Camilla incarne tout ce que souhaite Diane et tout ce qu'elle veut être. Jeff Johnson, auteur d'un livre sur la morale dans le cinéma de Lynch, affirme que même si elle est présentée comme une femme faible et une véritable ratée, Diane est le seul personnage dont le code moral reste intact dans la seconde partie du film. Son sentiment de culpabilité et ses remords transparaissent dans son suicide et dans certains éléments de la première partie du film : l'effroi que ressent Rita, le cadavre en décomposition et le jeu d'illusions au Club Silencio indiquent que quelque chose va de travers dans le monde de Betty et de Rita. En s'émancipant vis-à-vis de Camilla, Diane meurt de son conditionnement moral.


title: Mulholland Drive (film)

text: Camilla Rhodes ne se résume pas à un nom et à un visage sur une photo que des mafieux menaçants veulent faire figurer dans le film d'Adam. Un critique qualifie Camilla de , elle est en effet presque invisible dans la première partie de , quand Melissa George incarne le personnage. Mais après l'ouverture de la boîte bleue, le rôle est interprété par Laura Elena Harring et Camilla prend une nouvelle ampleur : elle symbolise désormais , elle constitue l'objet de la frustration de Diane. Camilla contraste fortement avec Diane, la première est plus sensuelle que jamais et semble avoir . Juste après avoir avoué à Diane qu'elle la rend folle, Camilla lui explique qu'elles doivent cesser leur relation. Lors d'une séance de tournage, Adam donne ses indications quant à la forme que doit prendre une scène de baiser entre Camilla et un autre acteur. Il demande que les différents techniciens évacuent le plateau, mais, à la demande de Camilla, Diane est autorisée ou invitée à rester. Adam embrasse alors Camilla afin de montrer à l'autre acteur comment procéder, mais le baiser prend le pas sur le tournage quand Adam demande d'éteindre les projecteurs. Au lieu de se venger de la terrible humiliation que lui a fait subir Camilla, comme cela est suggéré dans la conversation que Diane tient avec le tueur à gages incompétent, un critique considère Rita comme la représentation vulnérable issue du désir de Diane pour Camilla.


title: Mulholland Drive (film)

text: Adam Kesher est présenté sous la forme d'un réalisateur à succès qui subit des humiliations les unes après les autres. Justin Theroux déclare à propos de son rôle : . En effet, après la perte du contrôle artistique de son film, sa femme le trompe avec l'homme chargé de nettoyer sa piscine (interprété par Billy Ray Cyrus), puis Adam se fait jeter de sa demeure surplombant Hollywood. Il se rend alors dans un hôtel miteux où il paie en espèces. Cependant, le tenancier vient bientôt frapper à sa porte et lui explique que son paiement par carte bancaire n'a pas été accepté par la banque qui a dépêché deux employés. Pompeux et vaniteux, Adam est le seul personnage dont la personnalité semble plus ou moins rester la même tout au long du film. Il est en même temps l'une des personnifications de Hollywood, et un maillon soumis au sein de ce système. Une analyse du personnage d'Adam affirme que puisqu'il a capitulé en acceptant de prendre Camilla Rhodes pour son film, la gaieté de Betty et sa capacité à aider Rita disparaissent : la responsabilité de son déclin incombe alors aux représentants des studios. Michel Chion souligne combien, dans la filmographie de David Lynch, .


title: Mulholland Drive (film)

text: D'autres personnages de moindre importance ont fait pression sur Adam pour qu'il inclue Camilla Rhodes dans son film : il s'agit du Cowboy (joué par Monty Montgomery, crédité en tant que Lafayette Montgomery), des Frères Castigliane (Dan Hedaya et Angelo Badalamenti), ainsi que de Mr. Roque (Michael J. Anderson). Pour plusieurs universitaires du cinéma, ces personnages incarnent la mort de la créativité et dépeignent . Ann Miller qui tient le rôle de Coco, la propriétaire qui accueille Betty dans sa nouvelle résidence, s'apparente à la vieille garde hollywoodienne qui protège la nouvelle venue dans la première partie de l’œuvre. Au contraire, à la fin du film, Ann Miller interprète la mère d'Adam Kesher qui réprimande Diane pour être arrivée en retard à la réception et qui l'écoute à peine lorsque celle-ci raconte ses débuts en tant qu’actrice.


title: Mulholland Drive (film)

text: Le style cinématographique de David Lynch fait l'objet de nombreuses publications qui utilisent des qualificatifs tels que , et . Todd McGowan écrit : . La juxtaposition de différents éléments tels que les cauchemars et les fantasmes, les situations et personnages surréalistes ou stéréotypés, les scénarios non linéaires, le travail de la caméra, le son et l'éclairage permet à Lynch de mettre le spectateur au défi de ne pas croire à ce qu'il est en train de vivre. De nombreux personnages de sont des archétypes qui ne peuvent être perçus que comme des clichés : le nouvel espoir hollywoodien, la femme fatale, le réalisateur non conformiste et les agents de pouvoir louches que Lynch ne semble jamais pleinement explorer. En mettant en scène ces personnages rebattus dans situations sinistres et inquiétantes, Lynch confère à ces scènes des propriétés oniriques et étranges. Puisque le scénario dans lequel évoluent ces personnages fait explicitement références aux rêves, aux fantasmes et aux cauchemars, c'est au spectateur de décider si ce qu'il voit est la réalité ou non. Une analyste de cinéma, Jennifer Hudson, écrit à son sujet : .


title: Mulholland Drive (film)

text: David Lynch a recours à plusieurs méthodes pour tromper le spectateur dans . Le personnage mystérieux de M. Roque, qui semble contrôler les studios de cinéma, est interprété par l'acteur nain Michael J. Anderson (également présent dans "Twin Peaks"). Anderson, qui n'a que deux répliques et est assis dans un énorme fauteuil roulant en bois, est équipé de prothèses de bras et de jambes en mousse surdimensionnées afin de donner l'impression que sa tête est anormalement petite. Pendant la fête d'Adam et Camilla, Diane voit Camilla (jouée par Laura Harring) avec Adam à son bras, se pencher et embrasser profondément la même femme qui est apparue comme Camilla (Melissa George) avant l'ouverture de la boîte bleue. Les deux femmes se retournent ensuite et sourient à Diane. Le critique de cinéma Franklin Ridgway écrit que la représentation d'un tel acte délibéré, , ne permet pas de savoir si Camilla est aussi capricieuse qu'elle le semble, ou si la paranoïa de Diane ne permet au public que de voir ce qu'elle ressent. Dans une scène qui suit immédiatement l'audition de Betty, le film montre une femme qui chante sans accompagnement visible, mais lorsque la caméra recule, la salle se révèle être un studio d'enregistrement. La caméra poursuit son recul et il s'avère finalement qu'il s'agit d'un plateau de tournage sur lequel Betty vient d'arriver pour rencontrer Adam. M. Ridgway insiste sur le fait qu'un tel leurre mis en place par ce cadrage astucieux de la caméra fait douter le spectateur de ce qui lui est présenté : .


title: Mulholland Drive (film)

text: Selon Stephen Dillon, les différents choix de mise en scène effectués tout au long du film, à l'instar du recours à la caméra à l'épaule, permettent au spectateur de . Toutefois, Lynch, à certains moments, , si bien que les multiples perspectives empêchent les différentes situations de se rejoindre, ce qui perturbe considérablement . Andrew Hageman note également que le travail de la caméra dans le film , comme dans la scène de où . Ce choix de mise en scène fait que . L'universitaire Curt Hersey identifie quant à lui plusieurs techniques d'avant-garde utilisées dans le film, notamment les différentes fréquences d'images, les mouvements de caméra non traditionnels, la brutalité des transitions , mais aussi l'usage d'effets spéciaux numériques, d'images non diégétiques, d'une narration non linéaire et d'intertextualité.


title: Mulholland Drive (film)

text: La première partie du film, qui établit les personnages de Betty, Rita et Adam, est mise en scène de façon classique et rationnelle pour un film de Lynch. La seconde partie du film, qui représente la réalité aux yeux de nombreux spectateurs, est toutefois réalisée très différemment, ce qui lui confère une dimension tout aussi surréaliste que la première partie. Les scènes de Diane présentent un montage plus haché et un éclairage plus sombre qui symbolisent son appauvrissement physique et spirituel. Ces caractéristiques contrastent avec la première partie du film où Betty et Rita brillent de lumière, où les transitions entre les scènes sont fluides et où . Dans la première partie du film, les scènes se succèdent par le biais de plans panoramiques des montagnes, des palmiers et des immeubles de Los Angeles. Dans la partie la plus sombre du film, le son permet de passer à la scène suivante sans référence visuelle à l'endroit où elle se déroule. Lors de la fête de Camilla, au moment où Diane est le plus humiliée, on entend le bruit de la vaisselle qui s'écrase, ce qui nous amène immédiatement à la scène où la vaisselle est jetée dans le restaurant et où Diane parle avec le tueur à gages. Sinnerbrink note également que plusieurs scènes du film, comme celle où Diane hallucine de Camilla après son réveil, celle où on aperçoit la créature derrière le après le suicide de Diane, ou encore la dans la première partie du film, créent l'effet étrange où les spectateurs sont confrontés à des personnages ou des situations familiers dans un contexte différent. Similairement, Hageman juge la première scène chez comme , car c'est une scène où . L'auteur Valtteri Kokko identifie trois groupes de : le doppelgänger de plusieurs personnages joués par les mêmes acteurs, les rêves et un objet quotidien qui déclenche la disparition de Rita et la vie réelle de Diane.


title: Mulholland Drive (film)

text: Un autre élément récurrent dans les films de Lynch concerne ses expérimentations avec le son. Il déclare ainsi dans une interview : . Dans la scène d'ouverture du film, lorsque la femme aux cheveux noirs trébuche sur , le son suggère qu'elle est maladroite. Après que Lynch y ajoute , la maladresse de Laura Elena Harring se transforme en terreur. Lynch introduit également de discrets grondements dans certaines parties du film qui, selon les critiques, renforcent la peur et l'inquiétude. Hageman souligne l'existence d'un , et ajoute que la scène où l'homme s'effondre derrière le est particulièrement intéressante de ce point de vue. En effet, le son normal est étouffé par un vrombissement, bruit qui . La fin de "Mulholland Drive" avec la femme du Club Silencio qui murmure est autre un exemple des tromperies sonores et des choix surréalistes de Lynch, selon Ruth Perlmutter, qui écrit : . Michel Chion insiste sur ce point : .


title: Mulholland Drive (film)

text: aborde des thèmes récurrents dans le cinéma de David Lynch. Comme dans "Lost Highway" (1997) puis dans "Inland Empire" (2006), la structure narrative témoigne d'une certaine complexité qui laisse une forte place à l'interprétation et qui joue en quelque sorte avec le spectateur. Ce dernier pourrait être invité à reconstituer au fur et à mesure des visionnages pour en proposer une version plus conforme à ce qui est attendu.


title: Mulholland Drive (film)

text: La que l'on voit exprimée dans est présente dans "Inland Empire", "Lost Highway", "Blue Velvet", ou encore "Twin Peaks". Le cinéma est au cœur du film en tant qu'objet singulier ; Thierry Jousse parle d'une relation post-maniériste, . Ainsi, les références cinématographiques sont omniprésentes et plus ou moins évidentes dans les films de Lynch : pour , une liste non exhaustive cite "Boulevard du crépuscule" (1950) de Billy Wilder, "Gilda" (1946) de Charles Vidor, "Persona" (1966) d'Ingmar Bergman ainsi que "Le Magicien d'Oz" (1939) de Victor Fleming. Les renvois au premier film sont effectués à travers un panneau indiquant "Sunset Boulevard", le thème des espoirs déçus à Hollywood est partagé ; une affiche du film de Charles Vidor est visible dans la villa et Rita choisit son nom en référence à Rita Hayworth ; partage avec "Persona" les thèmes du handicap féminin et de l'entraide féminine, la question de l'identité est primordiale dans le film de Bergman ; enfin, de nombreuses références autant visuelles que diégétiques sont faites au "Magicien d'Oz" : la scène du "jitterbug" en ouverture renverrait par exemple à la danse ensorcelée dans le "Magicien d'Oz".


title: Mulholland Drive (film)

text: Enfin, le dualisme est une caractéristique habituelle de l'œuvre de Lynch. Ce qui semble bon possède souvent un revers négatif, voire horrible. Contrairement à la première partie dépeignant une vision idéalisée de Hollywood, le rêve de Diane, puis ce qui est considéré comme la réalité donne à voir une suite d'échecs menant à la mort.


title: Mulholland Drive (film)

text: Plusieurs organisations, journaux et sites web spécialisés font de le meilleur film de l' puis de la : c'est le cas de la Los Angeles Film Critics Association, des "Cahiers du cinéma", du site Indiewire, de "Slant Magazine", de "Reverse Shot", de "The Village Voice" et "Time Out New York", qui pose la question rhétorique suivante en référence aux attentats du 11 septembre 2001 : . Il est également élu meilleur film de la décennie par deux sondages du magazine "Film Comment", l'un réalisé auprès de et l'autre auprès des lecteurs du magazine. Le film figure sur de nombreuses listes des dix meilleurs films de la décennie, en troisième position pour "The Guardian", le journal canadien Journal Pioneer, Peter Travers du magazine "Rolling Stone" et le critique Scott Mantz d"'Access Hollywood". En 2010, est nommé deuxième meilleur film d'art et d'essai de tous les temps par "The Guardian". En 2008, plusieurs auteurs et journalistes écrivant dans les colonnes du "Los Angeles Times" établissent un classement des films ayant le mieux réussi à retranscrire à l'écran Los Angeles depuis les années 1990 ; s'y trouve à la onzième position. Le magazine "Empire" place quant à lui au rang de sa liste des cinq cents plus grands films jamais réalisés. Il est aussi classé sur la liste des à voir avant de mourir établie par Channel 4. Un article de 2011 du magazine en ligne américain "Slate" range parmi les « nouveaux classiques » de la décennie passée ; la critique Dana Stevens loue notamment la capacité du film à entraîner de long débats dix ans après sa sortie.


title: Mulholland Drive (film)

text: En 2012, un ensemble de plusieurs centaines de critiques et de réalisateurs réunis par la revue britannique "" place parmi les cinquante plus grands films de l'histoire du cinéma à la place. Ayant reçu de critiques, il est l'un des deux seuls films du à figurer dans cette liste avec "In the Mood for Love" (2000). Dans un sondage réalisé par la BBC en 2015, il est classé meilleur film américain de tous les temps. L'année suivante, arrive premier du classement des meilleurs films des seize premières années du de la BBC. En , le film est présenté dans la section Cannes Classics au Festival de Cannes 2021.


title: Jean-Pierre Mocky

text: Jean-Paul Adam Mokiejewski, dit Jean-Pierre Mocky, né le <ref name="telerama_10/8/2019"> : </ref><ref name="slate_9/9/2019">.</ref> à Nice et mort le à , est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur de cinéma français. Son œuvre compte plus de soixante longs métrages et quarante épisodes de série pour la télévision.


title: Jean-Pierre Mocky

text: Il débute en tant qu'acteur au cinéma et au théâtre. Il joue notamment dans "Les Casse-pieds" (1948) de Jean Dréville, "Orphée" (1950) de Jean Cocteau ou "Le Gorille vous salue bien" (1957) de Bernard Borderie. Mais c'est surtout en Italie qu'il devient célèbre, notamment grâce à son rôle dans "Les Vaincus" de Michelangelo Antonioni.


title: Jean-Pierre Mocky

text: Après avoir travaillé comme stagiaire auprès de Luchino Visconti pour "Senso" (1954) et de Federico Fellini pour "La strada" (1954), il écrit un premier film, "La Tête contre les murs" (1959) et projette de le réaliser lui-même, mais le producteur préfère confier cette tâche à Georges Franju. Il passe à la réalisation l'année suivante avec "Les Dragueurs" (1959). Depuis lors, il n'a jamais cessé de tourner. Dès les années 1960, il touche un vaste public avec des comédies déjantées comme "Un drôle de paroissien" (1963) ou "La Grande Lessive (!)" (1968). Après Mai 68, il se tourne vers le film noir avec "Solo" (1969), dans lequel il montre un groupe de jeunes terroristes d'extrême gauche, puis "L'Albatros" (1971), qui dénonce la corruption des personnalités politiques.


title: Jean-Pierre Mocky

text: Dans les années 1980, il renoue avec le succès avec un film dénonçant, un an avant le drame du Heysel, les dérives de certains supporters de football ("À mort l'arbitre", 1984) puis une comédie dénonçant les hypocrisies autour du pèlerinage de Lourdes ("Le Miraculé", 1987). Dans les années 1990 et 2000, ses films rencontrent moins de succès mais Jean-Pierre Mocky continue de tourner avec autant d'enthousiasme.


title: Jean-Pierre Mocky

text: Son cinéma, souvent satirique et pamphlétaire, s'inspire généralement de faits de société. Il travaille avec peu de moyens et tourne très rapidement. Il a notamment tourné avec Bourvil ("Un drôle de paroissien", "La Cité de l'indicible peur", "La Grande Lessive (!)" et "L'Étalon"), Fernandel ("La Bourse et la Vie"), Michel Simon ("L'Ibis rouge"), Michel Serrault (douze films dont "Le Miraculé"), Francis Blanche (cinq films dont "La Cité de l'indicible peur"), Jacqueline Maillan (cinq films), Jean Poiret (huit films) et avec les vedettes Catherine Deneuve ("Agent trouble"), Claude Jade ("Bonsoir"), Jane Birkin ("Noir comme le souvenir"), Jeanne Moreau ("Le Miraculé") et Stéphane Audran ("Les Saisons du plaisir").


title: Jean-Pierre Mocky

text: Il reçoit en 2010 le prix Henri-Langlois pour l'ensemble de sa carrière et le prix Alphonse-Allais en 2013. Le festival international du film Entrevues à Belfort en 2012 et la Cinémathèque française en 2014 lui consacrent une rétrospective intégrale.


title: Jean-Pierre Mocky

text: Jean-Pierre Mocky naît le (date officielle) ou le (propos non vérifiés de Jean-Pierre Mocky) à Nice. Son père, Adam Mokiejewski (1896-1956), est un Juif aux racines en Pologne venu de l'oblast du Terek, en Tchéchénie actuelle et sa mère, Janine Zylinska (1897-1968), une Polonaise de confession catholique. Ses parents s'étaient installés à Nice en 1922. À noter que selon l'acte de naissance de Jean-Pierre Mocky, son père, ancien lieutenant-colonel dans l'armée française à titre étranger, chevalier de la Légion d'honneur, est né le 9 avril 1881 à Varsovie et sa mère le 30 mai 1891 à Varsovie.


title: Jean-Pierre Mocky

text: Lorsque la Seconde Guerre mondiale éclate, en 1939, la famille Mokiejewski, qui vit grâce à la fortune polonaise de sa mère, doit vendre sa villa du mont Boron à Nice ; elle s'installe à Grasse. Jean-Pierre Mocky raconte qu'en 1942, pendant l'occupation allemande, son père cherche à le protéger des persécutions contre les Juifs et souhaite l'envoyer chez son oncle, en Algérie. Jean-Pierre Mocky est trop jeune pour prendre le bateau seul. Pour le vieillir, son père aurait alors fait avancer sa date de naissance au . Il renonce finalement à ce voyage et envoie simplement son fils à la ferme. La même année, Jean-Pierre Mocky fait une première apparition au cinéma comme figurant dans "Les Visiteurs du soir" de Marcel Carné. Lorsqu'il est collégien, il fréquente le collège municipal de Grasse. L'été, il travaille comme plagiste à l'hôtel Carlton à Cannes. À l'époque, ses parents sont gardiens d'une propriété. Il se marie le 14 août 1947 avec Monique Bodin qu'il avait mise enceinte mais leur union ne dure que quatre mois. Ils ne divorceront cependant que le 29 juin 1964.


title: Jean-Pierre Mocky

text: En 1946, il interprète le rôle d'un milicien dans "Vive la Liberté" de Jeff Musso. Installé à Paris en 1947, il joue au cinéma comme figurant dans quelques films comme "L'Homme au chapeau rond". Il gagne sa vie comme chauffeur de taxi, et rencontre, dans son véhicule l’acteur Pierre Fresnay. C'est grâce à lui qu'il décroche un premier rôle au théâtre dans "Pauline ou l'Écume de la mer" de Gabriel Arout. Pierre Fresnay le prend sous sa protection et le loge chez lui à Neuilly-sur-Seine. Jean-Pierre Mocky est ensuite admis au Conservatoire national supérieur d'art dramatique où il suit les cours de Louis Jouvet. Il y rencontre Jean-Paul Belmondo avec qui il sympathise. C'est pour se différencier de Belmondo qu'il prend alors comme prénom Jean-Pierre. Il obtient un premier grand rôle au cinéma avec "Le Paradis des pilotes perdus" (1948).


title: Jean-Pierre Mocky

text: En 1952, il rencontre Michelangelo Antonioni et joue dans "Les Vaincus", qui remporte un grand succès en Italie. Il est alors engagé comme acteur par les studios Ponti-De Laurentiis. Il tourne en 1953 dans "Le Comte de Monte-Cristo", sorti en 1954 en Italie et en 1955 en France. Il travaille ensuite comme stagiaire de Federico Fellini sur "La Strada" (1954) et comme stagiaire de Luchino Visconti pour "Senso" (1954). Il joue dans de nombreux films italiens comme "Graziella" de Giorgio Bianchi et "Les Égarés" ("Gli sbandati") de Francesco Maselli en 1955. En tant qu'acteur en Italie, il devient vite célèbre. Dans un entretien donné à la revue "Cinéma" en 1982, il explique :


title: Jean-Pierre Mocky

text: De retour en France, en 1956, il est engagé par le metteur en scène Raymond Rouleau pour jouer au théâtre de Paris avec Ingrid Bergman la pièce "Thé et sympathie". Raymond Rouleau se désiste au dernier moment pour réaliser le film "Les Sorcières de Salem". Il est remplacé par Jean Mercure qui renvoie Jean-Pierre Mocky de la distribution pour le remplacer par un de ses amis. Jean-Pierre Mocky porte plainte et remporte son procès. Avec les qu'il a gagnés, il crée une petite maison de production pour produire "La Tête contre les murs".


title: Jean-Pierre Mocky

text: Il rencontre Claude Chabrol, François Truffaut et Jean-Luc Godard en 1958 et sympathise avec eux, mais bien qu'il soit de la même génération que ces cinéastes, il ne fait pas partie de la Nouvelle Vague. Il ne partage pas les indignations des critiques des "Cahiers du cinéma" contre l'académisme du cinéma français de l'après-guerre.


title: Jean-Pierre Mocky

text: Certains membres de la famille de son père, de confession juive, sont internés dans des asiles après leur sortie des camps de concentration. Jean-Pierre Mocky a été marqué par leur témoignage et souhaite faire un film sur les asiles. Il découvre le roman d'Hervé Bazin, "La Tête contre les murs" et ce dernier lui cède gratuitement le droit d'adapter son livre. Il travaille sur le scénario avec François Truffaut, puis confie les dialogues à Jean-Charles Pichon. Il rassemble notamment Pierre Brasseur, Paul Meurisse, Charles Aznavour et Anouk Aimée, dont il est éperdument amoureux, mais les producteurs ne lui font pas confiance et préfèrent confier la réalisation à quelqu'un de plus expérimenté. Jean-Pierre Mocky contacte alors Alain Resnais, puis Georges Franju, qui réalise alors le film. Jean-Luc Godard, alors critique de cinéma, signe un article dans l'hebdomadaire "Arts" et deux articles dans les "Cahiers du cinéma" pour défendre le film. Dans le premier article, il écrit : Et Godard salue à la fois le scénario de Jean-Pierre Mocky et Jean-Charles Pichon et le jeu des acteurs : Le film est remarqué dans les festivals et remporte douze prix, mais fait très peu d'entrées ().


title: Jean-Pierre Mocky

text: Après l'échec de "La Tête contre les murs", Jean-Pierre Mocky réalise son premier film, "Les Dragueurs" en 1959. L'idée du film vient de son expérience personnelle. Il avait lui-même pris l'habitude d'aborder les filles sur l'avenue des Champs-Élysées avec quelques amis et le terme « draguer » avait été inventé par l'un d'entre eux. Il souhaite d'abord donner le premier rôle à son ami du conservatoire Jean-Paul Belmondo mais la production lui impose Jacques Charrier. Le second dragueur, Joseph, est interprété par Charles Aznavour. Au départ, il conçoit une fin pessimiste dans laquelle Freddy (Jacques Charrier) va au bordel avec une femme qui ressemble à Jeanne, la femme idéale incarnée par Anouk Aimée. Les producteurs préfèrent laisser ouvert l'avenir de ce personnage et amputent le film de cette dernière scène. Le film est exporté dans 63 pays et rencontre un grand succès public (1,5 million d'entrées). Le terme même de « dragueur » aurait été popularisé par le film. À la suite d'un désaccord avec son producteur, Joseph Lisbona, sur le partage des bénéfices des "Dragueurs", il crée en 1960 sa propre société de production, Balzac films.


title: Jean-Pierre Mocky

text: Inspiré par sa relation avec l'actrice Véronique Nordey, Jean-Pierre Mocky souhaite faire un film sur ce qui se passe dans un couple quand le désir se fait moins fort. Pour écrire "Un couple" (1960), Mocky se tourne vers Raymond Queneau qui introduit un esprit de dérision dans le film. Le couple est incarné par Juliette Mayniel et Jean Kosta. Mocky a du mal à trouver des distributeurs et le film tourné au début de l'année 1960 ne sort sur les écrans français qu'en . Il divise la critique. Queneau fait appel à ses connaissances dans "Le Monde des Lettres". Françoise Sagan soutient le film dans "L'Express" et la revue "Les Cahiers du cinéma" lui consacre la une du numéro 115 de .


title: Jean-Pierre Mocky

text: Après un succès ("Les Dragueurs") et un échec ("Un couple"), le cinéaste décide de passer pour de bon à la comédie satirique avec "Snobs !". Pour ce film, tourné en , il s'entoure de Francis Blanche, Michael Lonsdale, Élina Labourdette et Véronique Nordey. Certaines scènes doivent être coupées pour satisfaire la censure. Le film sort sur les écrans en et fait peu d'entrées en France (). À l'exception de quelques critiques dont Jean-Louis Bory et Michel Mardore, la presse est défavorable au film. Dans les "Cahiers du cinéma", Michel Mardore loue le sens de la démesure du film :


title: Jean-Pierre Mocky

text: Pour "Les Vierges" (1962), Jean-Pierre Mocky reprend l'idée des "Dragueurs" et s'intéresse cette fois-ci aux femmes. Sur les conseils de Jean Anouilh, il fait passer dans le magazine "Ici Paris" un appel à témoignage des femmes sur la manière dont elles ont perdu leur virginité. Parmi les témoignages retenus, les scénaristes, parmi lesquels figure la romancière Catherine Claude, dégagent cinq catégories et chacune de ces catégories fait l'objet d'un des cinq sketches du film. Le film sort en . Henri Gault, passé à la postérité comme critique gastronomique, signe dans "Paris-Presse-L'Intransigeant" un article au vitriol intitulé « On devrait coller 20 ans à Mocky ». Il lui reproche d'avoir Un an après la sortie du film, François Truffaut, sous le pseudonyme d'Antoine Doinel, sans être enthousiaste, défend le film et plus généralement la manière de Jean-Pierre Mocky : Dans son entretien à la revue "Midi Minuit Fantastique" en 1967, Jean-Pierre Mocky se défend d'avoir voulu provoquer et voit au contraire "Les Vierges" comme un film romantique et .