title: Louise Labé

text: Ses œuvres s'inscrivent dans les débats contemporains sur la valeur de langue française par opposition au latin, puisque l'époque opposait la langue vernaculaire à la langue savante et poétique (c'est notamment le sujet de "la Défense et illustration de la langue française", 1549, de Du Bellay ), ainsi que dans la « Querelle des Amyes » qui, dans l'héritage de la querelle lancée au Moyen Âge par le "Roman de la rose", débat vers 1540 de la valeur de l'amour et de la femme, qu'ils impliquent un simple « commerce » avec des créatures vénales ou une relation permettant une émulation morale et esthétique dans un héritage platonicien. Avec "Le Débat de folie et d'Amour", Louise Labé prend vigoureusement position contre la façon dont Jean de Meung achève le travail interrompu de son prédécesseur Guillaume de Lorris, en passant d'un récit mythique et symbolique à des descriptions bien plus terre à terre, et même sensiblement misogynes ; et contre ses héritiers, tels que Bertrand de la Borderie avec son "Amie de Court", qui présente les jeunes filles comme des êtres vains et impudiques ne demandant que d'être admirés. L’œuvre de Louise Labé est souvent envisagée comme un modèle d'écriture proto-féministe, en ce qu'elle incite ses contemporaines à faire valoir leur droit à être reconnues :


title: Louise Labé

text: Dans ses écrits, elle se concentre sur l'expérience féminine de l'amour, et réhabilite des figures de femmes émancipées, comme l'héroïne du "Roland furieux" de L'Arioste, l'Arachné des "Métamorphoses" d'Ovide, ou Sémiramis.


title: Louise Labé

text: Au milieu du , la « belle cordière » souffre d'une réputation sulfureuse en raison de sa liberté d'esprit, que l'on associe à une liberté de mœurs. Certains contemporains l'assimilent à une prostituée, comme Philibert de Viennes qui la compare à Laïs, célèbre courtisane de l'Antiquité, et elle fait l'objet de chansons médisantes anonymes. À l'inverse, de nombreux contemporains rendent hommage à sa beauté et à ses talents d'écrivaine dans les « Escriz de divers poëtes à la louenge de Louïze Labé Lionnoize » : Estreines, à dame Louïze Labé


title: Louise Labé

text: Au , Jean de La Fontaine a trouvé dans "Le Débat de Folie et d'Amour" le sujet de l'une de ses fables, "L'Amour et la Folie".


title: Louise Labé

text: Au , les nombreuses rééditions de l’œuvre de Louise Labé suscitent un grand engouement : ses écrits sont réhabilités en tant qu'ils seraient l'expression authentique de la passion d'une femme amoureuse, laquelle serait aussi pure qu'intense.


title: Louise Labé

text: On ne connaît que très peu d'éléments de sa vie. Ceux que l'on peut lire sont parfois le fruit de l'imagination des critiques à partir de ses écrits : Louise Labé chevalier, Louise Labé lesbienne, Louise Labé lyonnaise, Louise Labé prostituée, etc.


title: Louise Labé

text: Certains spécialistes du avancent une thèse audacieuse : Louise Labé ne serait qu'une fiction élaborée par un groupe de poètes autour de Maurice Scève (le nom de Louise Labé viendrait du surnom d'une prostituée lyonnaise, « La Belle Louise »). L'ouvrage de l'universitaire Mireille Huchon, publié en 2006, développe cette thèse. Daniel Martin a cherché à réfuter cette thèse dans son article publié en 2006 : « Louise Labé est-elle une créature de papier ? ». De même, Michel Jourde, en 2011.


title: Louise Labé

text: Mireille Huchon affirme que, dans le portrait de Pierre Woeiriot, la présence d'une petite Méduse assimile Louise Labé à la créature mythologique (ce qui ne va pas de soi), on ne saurait en déduire que la décrire ainsi est « "dévalorisant, à coup sûr" ». « Le mythe de Méduse, prototype de la cruauté féminine, est souvent utilisé par les poètes pétrarquistes [...] depuis Pétrarque. Ronsard cherche-t-il à dévaloriser Cassandre dans les sonnets 8 et 31 des "Amours" ? » (). Daniel Martin conteste que le retrait de Jacques Peletier des "Escriz" dénonce une supercherie. Il fait remarquer () qu'il Il fait en outre remarquer que, dans ses "Opuscules", il publie un texte à la louange de Louise Labé. On trouvera dans cet article d'autres arguments (Les témoignages de Rubys et de Paradin ; le rôle de Maurice Scève).


title: Louise Labé

text: Aucun des arguments avancés n'emporte une conviction absolue. La thèse de Mireille Huchon en faveur de l'imposture que constituerait l’attribution des Œuvres à Louise Labé a cependant reçu l'approbation de Marc Fumaroli dans "Le Monde" du .


title: Louise Labé

text: Les « "Élégies" » de Louise Labé sont séparées en trois sections ("Élégie I", "Élégie II" et "Élégie III") qui correspondent à trois étapes dans la chronologie du sentiment amoureux.


title: Louise Labé

text: Selon le théoricien Bruno Roger-Vasselin, les verbes employés reflètent cette tripartition. Par exemple, l’usage du passé simple, dans les "Élégies", permet de comprendre la blessure de l’amour que vit soudainement le personnage. Les verbes conjugués au présent de l’infinitif, de leur côté, représentent le présent de l’attente amoureuse. Ensuite, l’imparfait et le conditionnel sont utilisés afin de faire renvoyer le lecteur à une période ancienne pour démontrer la durée ainsi que la persistance de la passion de l’amour.


title: Louise Labé

text: Selon le critique François Lecercle, les "Élégies" forment un « schéma d’enchâssement » de "canzonière".


title: Louise Labé

text: Enfin, les "Élégies" se retrouvent au centre des Œuvres complètes. Elles sont situées entre le Débat et les "Sonnets". Sa position centrale est significative. Selon Kenneth Vardy, professeur et spécialiste en littérature, sa position au centre « artistique » du Débat et des Sonnets, soit la légèreté de la prose ainsi que l’intensité des vers dominant, permet de créer une tournure d’un pont entre les deux.


title: Louise Labé

text: Pour ce qui est des règles de composition de l'élégie, Louise Labé reprend le schéma formel défini par Thomas Sébillet avec des décasyllabes à rimes plates qui alternent entre rimes féminines et masculines.


title: Louise Labé

text: Le thème de la gloire est assez présent dans les "Élégies". Le sujet lyrique féminin, soit celui de l’amante, se transforme en poétesse pour chanter sa douleur, et en tire sa gloire auprès des gens d’esprit en gagnant le pays à l’amour poétique, soit celui de Pétrarque, dans l’"Élégie II" : « Comme plusieurs gens savans par le monde/M'ont fait à tort, ce croy je, estre estimée.» ("Élégie" II, vers 58-59). De plus, il ne s’agit pas seulement de la gloire d’une amante, mais bien aussi de celui d’une jeune femme aux prises avec les tentations de l’écriture.


title: Louise Labé

text: Un deuxième thème principal retrouvé dans les "Élégies" serait celui de l’"innamoramento". Il s’agit d’un effet de la vengeance de l’Amour d’une femme qui adoptait auparavant l'attitude traditionnelle d’une dame pétrarquiste, mais qui reste maintenant insensible à la douleur amoureuse . L’"innamoramento" est représenté, dans l’Élégie I, sous la forme d’un souvenir que l’amante fait renaître après avoir demandé l’aide d'Apollon, dieu grec : « Je sen desja un piteus souvenir, Qui me contreint la larme à l'œil venir. » ( "Élégie I", vers 23-24). De plus, ce thème permet à l’amante de se présenter comme « victime de la vengeance d’amour dans un surprenant renversement du topos pétrarquiste».


title: Louise Labé

text: Enfin, un troisième thème utilisé par Louise Labé serait celui de l’écriture féminine. Le sujet lyrique, dans les "Élégies", représente la figure de l’écriture poétique. En quelque sorte, Labé démontre les problèmes de l’écriture ainsi que celui du statut social de la femme . Il s’agit d’une communion entre lecteur et auteur dans la valorisation de la femme par l’encouragement de l’écriture féminine, soit par le désir de parler à celles-ci. Ce thème est bien représenté dans les "Élégies I" et "III", dans lesquelles on encourage les dames à se faire entendre.


title: Louise Labé

text: Louise Labé tente d’élaborer une image plutôt revendicative de la féminité autant au niveau social qu’au niveau de l’amour par son écriture. Comme présentée dans le thème de l’écriture féminine, elle crée toute une nouvelle image de la femme. Celle-ci, perçue auparavant comme étant virile par les hommes, détient une image complètement différente. Louise Labé tente de faire sortir les femmes de leur image traditionnelle afin de les représenter comme étant plutôt réalistes, n'ayant aucune peur de faire face aux douleurs de l’amour. D’ailleurs, c’est également une raison pour laquelle elle va tenter de rejoindre certaines créatrices italiennes qui la précédaient afin de donner à l’écriture poétique au féminin, ses lettres de noblesse françaises.


title: Louise Labé

text: Dans l'œuvre de Louise Labé se trouvent 24 sonnets composés en quatre strophes de deux quatrains et deux tercets. Le sonnet I, rédigé en vers hendécasyllabes, est en langue italienne et les vingt-trois autres, qui sont en décasyllabes, en langue française. Contrairement à celle de 1555, certaines éditions incluent une traduction française du premier sonnet, dont le choix et l’agencement des mots varient d’une édition à l’autre, que ce soit en vieux français, en français moderne ou en français contemporain. Par exemple, le vers 7, « "Di cibo et di calor gia tuo ricetto" », est traduit « Où tu recouvres la nourriture et la chaleur » par Bernard Jourdan en 1953, puis « Déjà proie et séjour de ta flamme » par Karine Berriot en 1985 . Les traductions sont parfois soit en décasyllabes (vieux français), en alexandrins (F. Rigolot) ou en prose (K. Berriot).


title: Louise Labé

text: Le titre de chaque sonnet est basé sur la numérotation romaine, de I jusqu'à XXIV. Le sonnet IV, tel que l'écrivent les éditions plus contemporaines, était écrit IIII dans l'édition d'origine.


title: Louise Labé

text: Les champs sémantiques les plus récurrents sont celui de l'amour (désirs, passions), de la tristesse (pleurs, larmes, sanglots, soupirs), de la souffrance (mal, calamité, douleurs) et du danger (feu, flèches, mort).


title: Louise Labé

text: Plusieurs figures de style sont employées dans les "Sonnets" dont des figures d'opposition, d'insistance et d'analogie. Dans les figures d'opposition, l'antithèse est omniprésente, notamment dans le sonnet VIII, opposant des éléments comme la vie et la mort (v. 1), le chaud et le froid (v. 2), la joie et la tristesse (v. 5), et la sécheresse et la verdoyance (v. 8). Dans le même sonnet, au vers 6, se trouve aussi un oxymore : « Et en plaisir maint grief tourment j'endure ». Il s'en trouve d'autres ailleurs comme dans le sonnet XII (« doux mal », v. 14) et le sonnet XIV (« noircir mon plus clair jour », v. 14). Dans les figures d'insistance, l'anaphore est présente surtout dans le sonnet avec l'usage répété de l'interjection « O » en début de vers, mais également dans le sonnet XIV avec les vers 1 et 5 qui débutent par « Tant que [...] » et le sonnet XVIII avec les vers 2 et 3 : « Donne m'en un de tes plus savoureux / Donne m'en un de tes plus amoureux ». Il se trouve aussi des accumulations comme dans le sonnet XVII (« Je fuis la ville, et temples, et tous lieux » au vers 1 et « Masques, tournois, jeux, me sont ennuyeux » au vers 5) ainsi que des hyperboles comme le dernier vers du sonnet XIX : « Et les tirant, me fit cent et cent brèches ». Dans les figures d'analogie, la personnification paraît notamment avec le luth de la poétesse, qu'elle qualifie dans le sonnet XII de « compagnon de [sa] calamité ». Elle lui attribue une personnalité et des émotions humaines compte tenu du fait qu'au vers 4 il soit écrit : « Tu as souvent avec moi lamenté ». Les sonnets comportent aussi des métaphores dont une au sonnet III : « A engendrer de moi maintes rivières, / Dont mes deux yeux sont sources et fontaines ! » (v. 3-4). Une allégorie se présente dans les "Sonnets" avec « Amour ».


title: Louise Labé

text: Dans les "Sonnets" se trouvent des figures de la mythologie grecque tel qu'Ulysse (I), Endymion (XXII) et Adonis (XXIV), ainsi que des figures de la mythologie romaine, à savoir Vénus (V), Flore et Aurore (VI), Phébus (XVI), Diane (XIX), Mars, Mercure et Jupiter (XXII), ainsi que Vulcain (XXIV). Des références géographiques sont également mentionnées comme l'Euripe en Grèce dans le sonnet XIII, Caucase et le « Parthe » de l'Empire parthe (XVI). Il se trouve de plus des termes qui inspirent le divin comme « Cieux » et « Astre », et des objets qui renvoient aux Dieux dont le « laurier vert », symbole d'Apollon.


title: Louise Labé

text: Les "Sonnets" marquent une continuité dans l'évolution des sentiments du sujet amante. Cela débute avec les manifestations de l' dans les premiers sonnets. Il y a une élévation de la beauté de l'amant par la description. Le premier sonnet, aux vers 2 et 3, lui attribue d'abord un « "nivino aspetto,/ Pien di gratie, d'honor et di rispetto" ». Le sonnet II poursuit la description plus longuement avec les membres du corps (« ô front, cheveux, bras, mains et doigts ! », v. 9). Les sonnets III et IV commencent à relater les douleurs qu'entraîne l'amour (« O cruautés, ô durtés inhumaines », III, v. 5) tout en faisant mention du désir (III, v. 1) et du moment où l'amante devint amoureuse (« Depuis qu'Amour cruel empoisonna/ Premièrement de son feu ma poitrine », IV, v. 1-2). Les vers suivants, « Toujours brûlai de sa fureur divine,/ Qui un seul jour mon cœur n'abandonna », témoignent d'un amour qui se poursuit à travers le temps et les peines. Bien qu'il soit plus loin, le sonnet XX affiche également l' des deux amants avec une plus grande clarté, relatant plus de détails concernant leur rencontre, qui relève d'une prédiction, et les circonstances de l'amour naissant entre eux deux.


title: Louise Labé

text: Des sonnets comme le V et le VII marquent un sentiment de solitude et d'abandon, d'abord car l'amante se retrouve seule, dans son lit, « toute cassée », et car il lui manque une part d'existence, c'est-à-dire l'âme, qu'elle assigne à l'amant éloigné. Le sonnet XII présente le luth de la poétesse amante comme étant le « compagnon de [sa] calamité » (v.1), représentation personnifiée initiée par la femme elle-même pour se sentir moins seule. Puis, au sonnet suivant, elle commence à se créer des illusions concernant la présence auprès d'elle de l'amant, allant jusqu'à imaginer des paroles et des gestes pour la soulager de son abandon. L'amante cherche ensuite à s'éloigner de toute chose afin de se délivrer de l'emprise de l'amant absent sur elle. Elle se fait aussi des réflexions au sonnet XXI sur l'Autre sexe concernant ses attributs.


title: Louise Labé

text: Les derniers sonnets, par exemple XXIII et XXIV, marquent la résignation de l'amante qui, bien qu'elle se questionne quant aux intentions de l'amant, accepte son sort et souhaite qu'il « souffres de martyre » autant qu'elle. Le tout dernier sonnet appelle à la sympathie et à la solidarité entre femmes en s'adressant directement à elles par le nom propre « Dames ». Elle les avertie des difficultés en amour et leur défend de devenir « plus malheureuses » qu'elle.


title: Louise Labé

text: Il se trouve également des sonnets qui témoignent d'un conflit intérieur en ce qui concerne ses sentiments pour l'amant tel que le montre les deux quatrains du sonnet XI. En effet, le premier met de l'avant, une fois de plus, la beauté de l'amant, alors que le deuxième relate de sa cruauté, de la souffrance auquel il la condamne.


title: Louise Labé

text: D'abord, elle inaugure les "Sonnets" avec un poème écrit en italien, renvoyant alors aux origines de cette forme poétique, à savoir le "" italien apparu au début du . Des thèmes, des procédés stylistiques et des "topoi" sont repris de la poésie pétrarquiste comme cela est écrit dans un ouvrage consacré à Louise Labé : « Elle puise dans le répertoire poétique du temps, reprend métaphores, antithèses, lieux communs pétrarquisants : flèches du regard, poison, blessures, […] ».


title: Louise Labé

text: De plus, il se trouve une optique d'imitation très forte pendant cette période de la Renaissance. Plusieurs auteurs, dont Louise Labé, s'approprient des vers pour les adapter à leur façon. Pour citer un exemple, dans le sonnet LXXXIX de Pétrarque (traduit en langue française) se trouve la phrase suivante : « et je tremble et j’espère, et je brûle, et je suis comme une glace ». Louise Labé, dans son sonnet VIII, écrit : « Je vis, je meurs ; je me brûle et me noie ». Bien que certains mots ne soient pas les mêmes, il s'y trouve tout de même une grande ressemblance dans le choix et la composition.


title: Louise Labé

text: Les "Sonnets" relatent des divers états de l'amour au féminin. On y perçoit l'admiration que suscite la beauté de l'autre chez l'amante, et à la fois le désir physique et spirituel dans des sonnets comme le XVIII (« Baise m'encor, rebaise-moi et baise », v. 1) et le VII (« Où es-tu donc, ô âme bien-aimée ? », v. 4). Le désir est accompagné d'une passion qui paraît néfaste, comparée par endroits à un poison, à un feu, et qui a comme sujet une amante blessée, symboliquement criblée de flèches (XIX), brûlée ou noyée (VIII). Il y a également les thèmes de l'abandon et de la solitude qui reviennent souvent, de pair avec la déception et la résignation.


title: Louise Labé

text: Bien que les thèmes aient été maintes fois exploités, Louise Labé apporte une inflexion nouvelle au modèle pétrarquiste en adaptant le rôle de l’amant poète au féminin. Dans la tradition du sonnet d’amour à cette époque, initiée par Pétrarque et suivie par des auteurs français comme Du Bellay ("L'Olive") et Ronsard ("Les Amours"), la femme aimée ne partage pas les sentiments du poète comme l’atteste l’ouvrage "La Renaissance au féminin" de François Rigolot : « Dans la grande tradition lyrique amoureuse la règle qui gouverne l’intrigue veut que l’homme s’éprenne le premier de la femme et que l’indifférence de celle-ci soit la source de ses maux ». La poétesse des "Sonnets" se distingue de cette règle en tombant amoureuse de celui qui l’aurait séduite. Elle incarne avec un « je » lyrique féminin la femme qui, aimée puis délaissée par l’amant, continue d’aimer et de souffrir de son malheur amoureux.


title: Louise Labé

text: De plus, dans la poésie amoureuse lyrique menée par Pétrarque avec son œuvre, le féminin ne possède pas de voix pour mettre de l’avant ses sentiments. L’indifférence, voire le dédain des femmes aimées, se fait connaître par ce qui relève du silence, des non-dits et du regard. Laure, par exemple, le montre dans le sonnet XXIX du "Canzoniere" : « Vous me voyez déchiré de mille morts, et pourtant pas une larme n’est encore descendue de vos beaux yeux, mais bien le dédain et la colère ». Le sujet féminin dans les "Sonnets" de Louise Labé, en écrivant ce qu’elle ressent, donne une voix à la féminité. Elle n’est plus seulement un objet d’admiration dépersonnalisée par l'amant, mais un sujet actant qui se définit par lui-même. Elle définit également la figure de l'amant dans le sens où elle lui attribue des gestes et des paroles qu'elle aimerait recevoir de lui dans le sonnet XIII.


title: Louise Labé

text: Selon Marie Madeleine Fontaine, le "Débat de Folie et d’Amour" met de l’avant une philosophie naturaliste qui prône la liberté de l’expression amoureuse dans les relations sociales. Le texte exploite et réunit deux thèmes prédominants de la littérature européenne : celui de la folie et celui de la maladie d’amour. Il s’agirait d’une sorte de « manuel de séduction ». Louise Labé se montre lucide et prudente dans sa réflexion sur l’amour, témoignant d’un respect pour l’ordre social de son époque. Ainsi, au début du Discours V, Apollon rappelle que « le sommaire de [son] oraison sera conserver [la] grandeur [de Jupiter] en [son] intégrité » et que « quand on ha ofensé ceus, desquels depend la conservacion de plusieurs, les peines s’aigrissent, les loix s’arment de severité, et vengent le tort fait au publiq ». Louise Labé adhérerait donc à ce principe d’"", c’est-à-dire d’un amour auquel seuls les héros et les personnes d’importance peuvent goûter, ce qui n’est pas rare pour les personnes de son rang, desquelles les paysans et bergers sont éloignés.


title: Louise Labé

text: Malgré cela, ce qui intéresse surtout Labé dans le "Débat", c’est de réfléchir sur le rapport entre les lois générales de l’amour, qui régulent toutes les interactions unissant la société humaine, et les lois particulières de l’amour, qui réguleraient la relation entre deux amis par exemple. Elle propose alors deux conceptions de l’amour universel et de l’amour individuel, en en attribuant une à Apollon et l’autre à Mercure. Dans les deux cas, elle témoigne d’une intention de justifier les torts et les travers de l’amour individuel en inversant en valeurs positives des comportements jugés néfastes au développement des sociétés humaines, dont elle fait de Folie, plutôt que d’Amour, la responsable. Il s’agit là d’une forme de réalisme qui consiste à se satisfaire de la réalité telle qu’elle est. Dans la genèse que raconte Apollon, ce dernier s’intéresse tout d’abord à la naissance d’Amour, qu’il décrit comme une solidarité bienveillante entre les humains, une « benivolence, qui les fait vouloir bien l’un à l’autre ». Il pose ensuite Amour comme la condition nécessaire à la connaissance de soi et d’autrui, connaissance qui permet de plaire à l’autre. Cet art de la séduction permettrait alors au plus grand des plaisirs d’exister, soit le parler d’amour : « Brief, le plus grand plaisir qui soit après amour, c’est d’en parler ». Quant à Mercure, il pose la libre compétition plutôt que la solidarité comme cause de tout ce qui est positif dans la société. Néanmoins, il ne contredit pas tout à fait Apollon puisqu’il finit par faire l’apologie du couple, l’unité la plus bénéfique pour toute société humaine.


title: Louise Labé

text: Par ailleurs, quand Apollon traite de l’insuccès en amour, il pose Folie comme la cause d’une certaine inégalité sociale : « Car ou Amour voudra faire cette harmonie entre les hautes et les basses personnes, Folie se trouvera pres, qui l’empeschera ». Pour Apollon, cette harmonie naturelle de l’Amour réside dans les unions amoureuses de personnes de beauté, d’esprit et de rang égaux. En permettant à des belles d’aimer des laids, des nobles d’aimer des paysans, Folie serait la source d’une sorte d’injustice. Or pour Mercure, Folie permet à l’amour d’être sélectif et de ne se poser que sur une personne en particulier, ce que la sagesse n’aurait pas permis : « Elle lui diroit, qu’il ne faudroit aymer l’un plus que l’autre : et seroit à la fin Amour ou aneanti, ou devisé en tant de pars, qu’il seroit bien foible. » La combinaison des discours d'Apollon et de Mercure révèle la psychologie d'amour de Labé, une psychologie qui permet l’inégalité pour ensuite la présenter comme une égalité de la profondeur de l’amour devant laquelle la dissemblance multiple devient finalement indifférenciée.


title: Louise Labé

text: Pour Françoise Charpentier, l’indissociabilité de Folie et d’Amour s’oppose à l’amour pétrarquiste et idéaliste en dépeignant l’amour non pas comme une sage entreprise contemplative et idéaliste, mais comme un sentiment réaliste et passionnel. Le plaidoyer de Mercure, dans le Discours V, critique d’ailleurs l’"innamoramento" pétrarquien, qui passe par le regard des amants, dans un passage plutôt narquois et explicite : « Dire que c’est la force de l’œil de la chose aymee, et que de là sort une sutile evaporacion, ou sang, que nos yeus reçoivent, et entre jusques au cœur : ou, comme pour loger un nouvel hoste, faut pour lui trouver sa place, mettre tout en desordre. Je say que chacun le dit : mais, s’il est vray, j’en doute. » Si l’amour ne naît pas que du regard et des charmes physiques, il est indubitablement lié à une certaine dose de folie : « Exprimez tant que voudrez la force d’un œil : faites le tirer mile traits par jour : n’oubliez qu’une ligne qui passe par le milieu, jointe avec le sourcil, est un vray arc : que ce petit humide, que l’on voit luire au milieu, est le trait prest à partir : si est ce que toutes ces flesches n’iront en autres cœurs, que ceus que Folie aura preparez. » Labé s’éloigne de l’amour idéaliste par cette mise à distance aux intonations satiriques et réalistes afin de proposer une conception nouvelle de l’amour, démythifiée et éloignée de l’effusion émotionnelle et doloriste trop souvent associée à la perspective féminine. Ultimement, elle pose l’acceptation du désir comme le fondement premier de l’amour : « Car le plus grand enchantement, qui soit pour estre aymé, c’est aymer. »


title: Louise Labé

text: L’"Épître Dédicatoire", en plus d’être au centre du questionnement philosophique et politique de la poétique de Louise Labé, semble aller à l’inverse de l’écriture spécifiquement féminine qu’ont théorisée plusieurs écrivains dans la deuxième moitié du XX siècle. Ce que l’écriture de Labé a de plus étrange, c’est qu’elle témoigne d’une conscience aiguë des conventions liées au sexe et, dans l’"Épître" surtout, d’une grande lucidité par rapport à la portée politique du langage. Comme dans le "Débat de Folie et d’Amour", où l’égalité entre les hommes et les femmes est présentée jusque dans le titre par le genre des noms de « folie » et d’« amour », mais aussi par leur opposition et leur complémentarité, l’"Épître Dédicatoire" se place contre l’essentialisation de l’écriture féminine et pour une égalité des sexes. L’"Épître" est divisée en trois parties : en premier lieu, une revendication féministe, ensuite une présentation de la poétique labéenne, et pour finir, un appel à l’indulgence et à la bienveillance de la destinataire, ce qui est courant dans les écrits liminaires. La première partie souligne l’équivalence des hommes et des femmes depuis que ces dernières ont acquis la possibilité de s’éduquer : « […] les sévères loix des hommes n’empeschent plus les femmes de s’apliquer aus sciences et disciplines […] ». Elle exhorte alors les femmes à « eslever un peu leurs esprits par-dessus leurs quenoilles et fuseaus », à mettre « leurs concepcions par escrit » et à participer à la vie politique. Dans la deuxième partie, Labé réfléchit sur l’acte d’écriture en posant véritablement Clémence de Bourges comme dédicataire du volume qui suit. Ce faisant, elle entre dans une perspective initiatique et devient une sorte de guide pour la jeune dédicataire, incitant cette dernière à s’adonner à l’étude des sciences et des lettres : « Pource, nous faut il animer l’une l’autre à si louable entreprise : De laquelle ne devez eslongner ny espargner votre esprit, jà de plusieurs et diverses graces acompagné […] ». Dans la dernière partie de l’"Épître", Labé défend son œuvre sous le couvert de la modestie attendue d’une femme. Or Daniel Martin estime qu’« en dépit des formules de modestie dictées par les lois du discours préfaciel, il apparaît que la publication du volume des "Euvres" est ressentie par la poétesse comme un titre de gloire ». Labé écrit d’ailleurs, au début de l’"Épître" : « Et si quelcune parvient en tel degré, que de pouvoir mettre ses concepcions par escrit, le faire songneusement et non dédaigner la gloire […] ».


title: Louise Labé

text: L’"Épître" annonce aussi, de manière plus générale, un programme pédagogique humaniste. Dans la deuxième partie du texte, le « je » employé au début de la lettre devient un « nous » qui annonce la création d’une communauté d’entraide et d’échanges littéraires : « […] le plaisir que l’estude des lettres ha acoutumé donner nous y doit chacune inciter […] ». Plus loin dans la lettre, ce « nous » fait abstraction du sexe et englobe tous les lecteurs susceptibles de goûter au plaisir des études littéraires et de l’écriture, ce qui sous-tend une élimination de l’antagonisme entre les hommes et les femmes au profit de la mise en place d’un réseau d’échanges intellectuels qui profiterait à la créativité féminine et masculine.


title: Louise Labé

text: Les "Élégies" reprennent plusieurs éléments déjà annoncés dans l’"Épître". Dans l’adresse aux dames des "Élégies" se retrouve, en écho, cette communauté de femmes à laquelle s’adresse Louise Labé dans l’"Épître" quand elle l’engage à se mettre à l’écriture et à la réflexion. De même, l’invitation que tend Labé à Clémence de Bourges à la surpasser (« et vous inciter et faire venir envie en voyant ce mien euvre rude et mal bati, d’en mettre en lumiere un autre qui soit mieus limé et de meilleure grace ») se prolonge jusque dans les "Élégies" alors qu’elle incite les dames à écrire et à « raconter » : « […] Dames, qui les lirez,/De mes regrets avec moy soupirez./Possible, un jour je feray le semblable,/Et ayderay votre voix pitoyable/A vos travaus et peines raconter, ». Cette incitation peut aussi se traduire par une peur de la rencontre avec le public, que l’"Épître" énonce déjà : « Et pource que les femmes ne se montrent volontiers en publiq seules, je vous ay choisie pour me servir de guide. » Ainsi, il est à comprendre qu’au vu du danger social que représente l’écriture pour les femmes, Labé cherche la solidarité afin de ne plus être la seule à porter le « faix de l’écriture ».


title: Daltonisme

text: Le daltonisme est une anomalie de la vision affectant la perception des couleurs (ce trouble de la vision des couleurs étant appelé dyschromatopsie). D'origine généralement génétique elle a alors pour cause une déficience d'un ou plusieurs des trois types de cônes de la rétine oculaire.


title: Daltonisme

text: Habituellement classé comme une infirmité légère, il existe des situations où les daltoniens peuvent avoir un avantage sur les individus ayant une vision normale. Cela peut être une explication évolutive de la fréquence étonnamment haute de daltonisme rouge-vert congénital.


title: Daltonisme

text: Le physicien et chimiste britannique John Dalton publie sa première étude scientifique sur ce sujet en 1798 intitulée « Faits extraordinaires à propos de la vision des couleurs », après avoir découvert son propre trouble des couleurs. À la suite des études faites par Dalton, la condition est désormais nommée « daltonisme » en France (dans les pays anglophones, elle est nommée "colo(u)r blindness").


title: Daltonisme

text: Cette anomalie survient parfois à la suite d'une lésion nerveuse, oculaire, cérébrale, ou peut encore être due à certaines substances chimiques, mais généralement une origine génétique en est la cause. Cependant, aucune évolution n'est présente durant la vie de l'individu atteint, hormis le déclin de perception des couleurs normalement lié à l'âge chez tout être humain.


title: Daltonisme

text: Il existe plusieurs formes de dyschromatopsie partielle, la plus fréquente étant la confusion du vert et du rouge. Les autres formes de daltonisme sont nettement plus rares, comme la confusion du bleu et du jaune, la plus rare de toutes étant la déficience totale de la perception des couleurs (achromatopsie), où le sujet ne perçoit que des nuances de gris.


title: Daltonisme

text: Dans les faits, la vision des couleurs et leur distinction varient d’un individu à l'autre, car, même pour les personnes ayant une perception des couleurs dite normale, il existe un mélange des différents types d'anomalie, par la présence fréquente à la fois des pigments normaux et de pigments dotés de la mutation, et une variabilité de la quantité relative de cônes porteurs de chacun de ces pigments. D’autre part, les taux relatifs de cônes porteurs de chaque pigment peuvent varier au cours de la vie de l’individu, notamment durant l’enfance lorsque la rétine se développe en taille et la proportion relative de certains types de cône peut augmenter au détriment des autres. Ces proportions peuvent aussi être affectées par certaines maladies ou infections car l’œil est fortement irrigué.


title: Daltonisme

text: Enfin, chaque œil dispose de sa propre capacité de discernement avec une vision légèrement différente, et de même, certaines zones de la rétine n’ont pas une distribution uniforme des différents pigments ; toutefois, dans ce cas, le cerveau, qui commande aussi des mouvements de l’œil, donne une interprétation commune et gomme ces différences locales, la sensibilité aux différences de couleurs augmentant alors avec la durée d'exposition.


title: Daltonisme

text: Il est question d'anomalie seulement lorsque certains seuils minimums ne sont pas atteints pour les cônes porteurs des pigments normaux. Ainsi, il existe pratiquement toujours entre deux personnes des paires de couleurs que l'une distingue et l'autre pas. Ceci explique que les cas de deutéranomalie soient, de loin, les plus fréquents (et sans doute même plus fréquents que ce qu’ont pu mesurer les tests usuels basés sur un jeu limité de planches normalisées). En revanche, les cas d'anopie réelle sont extrêmement rares, et sont même aujourd’hui contestés : les sujets ne sont que rarement dénués de la vision de certaines couleurs, et parfois même savent disposer certaines dans un espace tridimensionnel, car ils sont quand même porteurs de plusieurs types de cônes dotés de pigments différents, même si l'un d’eux est trop prédominant sur tous les autres, ce qui rend cette distinction plus difficile, et l’apprentissage par des méthodes comparatives (ou une modification de l’ambiance lumineuse) permet d’augmenter leur sensibilité.


title: Daltonisme

text: C’est pourquoi des recherches sont menées pour créer des tests plus fiables et plus précis, capables de mesurer les anomalies directement par inspection du fond de la rétine par exposition à des impulsions lasers colorées de très faible puissance et la mesure de la sensibilité des différentes zones rétiniennes par détection de l’effet de fluorescence produit sur leurs pigments. D'autres méthodes utilisent des séquences d'images ajustables par le spectateur pour déterminer les seuils à partir desquels ils ne ressentent plus certaines différences, mais ces tests dynamiques se heurtent à la rémanence rétinienne qui fausse certains résultats. Mais elles améliorent nettement la précision des anomalies et permettent aussi de donner un profil plus complet de la sensibilité rétinienne aux couleurs. Certains de ces tests ont été faits pour établir des modèles colorimétriques calibrés utilisés dans l’industrie (par exemple, en photographie, télévision et systèmes d’impression) pour offrir à la population une palette plus riche de couleurs.


title: Daltonisme

text: Plusieurs types de test peuvent être pratiqués pour le dépistage. Les daltoniens ne perçoivent pas une ou plusieurs couleurs. Pour déceler ce trouble de la vision, des tests basés sur les couleurs n’étant pas perçues sont dès lors utilisés. Plusieurs dizaines de tests sont recensés, dont les plus importants et les plus connus sont :


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text: Certains métiers nécessitent de déterminer correctement certaines couleurs (par exemple les pilotes de ligne, les contrôleurs aériens, les agents de sûreté opérateur en imagerie radioscopique de sûreté, les contrôleurs ferroviaires). Il est souvent cru, à tort, que ces métiers sont purement interdits aux daltoniens. La réalité est plus nuancée : pour accéder à ces métiers, il faut passer des tests de vision des couleurs que certains daltoniens peuvent réussir ; tout dépend en fait de la profondeur de leur trouble. Un daltonien a donc tout intérêt à se renseigner précisément au moment de son orientation professionnelle sur la nature des tests effectués, ceci afin de déterminer réellement son aptitude à exercer ce métier.


title: Daltonisme

text: Certains animaux possèdent moins ou pas de cônes (la plupart des mammifères, comme le chat sont ainsi dichromates, ne possédant que 2 types de cônes, mais le rat est monochromate avec un seul type de cônes), et d'autres en possèdent autant ou plus que les humains (la plupart des oiseaux sont trichromates, avec des exceptions comme le pigeon par exemple qui est pentachromate grâce à 5 types de cônes).


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text: Le daltonisme est souvent vu comme un handicap, mais dans certaines situations spéciales, c'est l'inverse. Comparés au chasseur « banal », certains chasseurs daltoniens (suivant le type du daltonisme) repèrent mieux leurs proies dans un environnement confus. Les militaires ont découvert également que des daltoniens peuvent parfois détecter un camouflage qui illusionnerait n'importe qui d'autre. . De plus, en contrepartie de l'absence de sensibilité aux couleurs, la sensibilité à la lumière, meilleure que chez un individu non atteint, améliorerait la vision nocturne.


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text: Il existe d'ailleurs des variantes « inverses » des tests d'Ishihara que seules des personnes atteintes de daltonisme peuvent résoudre. Ils sont basés sur des différences de contraste des points composant l'image (et non sur des différences de teinte entre ces points comme dans les tests d'Ishihara). Un individu atteint de daltonisme voit quelque chose, pensant que ce qu'il voit est de la même couleur. Mais pour un individu non daltonien, les différentes teintes sont plus évidentes que des contrastes proches, c'est la raison pour laquelle il déclare ne rien voir.


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text: Le daltonisme est généralement découvert vers l'âge de six à douze ans, lorsque l'enfant devient plus communicatif. Il arrive même que des personnes ne s'en rendent compte que bien plus tard.


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text: Le daltonisme n'est généralement pas un problème pour l'individu qui en est atteint. C'est exactement comme ne voir ni les ultraviolets ni les infrarouges, personne n'a conscience de leur existence. Il devient gênant lorsque l'individu atteint doit faire une distinction entre les couleurs, parfois pour se conformer aux distinctions établies par les personnes non atteintes (conventions de couleurs dans différents domaines, par exemple en électronique, ce qui est toutefois de moins en moins une faculté nécessaire à cause de la miniaturisation et l'automatisation des processus de fabrication qui demande de recourir de toute façon à des instruments).


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text: Il peut cependant être gênant dans certaines industries ou en biologie médicale pour le contrôle visuel par exemple avec certains réactifs ou révélateurs chimiques colorés : là encore le seul contrôle visuel n'est souvent plus suffisant, même avec une vision normale, et on recourt à des instruments de mesure plus précis dont les résultats peuvent être lus sans problème par quiconque a une vision seulement acceptable, même partiellement corrigée et ne nécessitant pas l'interprétation des couleurs. Là où cela peut encore être gênant, c'est lorsque l'automatisation ou l'instrumentation n'est pas économiquement avantageuse ou pourrait trop dénaturer les produits, par exemple pour certains contrôles visuels de qualité dans les industries agroalimentaires (sélection des fruits mûrs, détection des traces de moisissures, maturation des fromages...).


title: Daltonisme

text: Pour la vie courante, des efforts de clarification des éléments visuels importants (comme la signalisation routière ou la conception cartographique) ont été faits pour permettre une distinction correcte des éléments importants, mais de nombreux efforts restent à faire, notamment en termes d'infographie statistique ou dans l'étiquetage des produits de consommation qui, parfois, abusent des distinctions colorées signifiantes non expliquées autrement. Bien des concepteurs n'ont pas conscience que leur choix de palette de couleurs n'est pas lisible pour un grand nombre, ou qu'ils imposent leur préférences personnelles sur des critères non objectifs de « beauté » en se basant sur le fait qu'ils n'ont, eux-mêmes, aucune difficulté à percevoir les distinctions de couleurs appliquées pourtant sur des détails infimes : ils méconnaissent des règles admises sur l'accessibilité pourtant souvent simples à mettre en œuvre ou vérifier.


title: Daltonisme

text: Il existe des applications pour téléphones intelligents pouvant aider les individus atteints de daltonisme avec des activités de la vie courante ; citons un exemple au Japon qui permet de choisir la couleur des chaussettes qui s'harmonise avec l'ensemble vestimentaire voulu à l'aide de la caméra du téléphone.


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text: L'injection d'un vecteur contenant le gène non-déficient dans la rétine de singes atteints a permis la correction de leur daltonisme.


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text: Il est néanmoins possible d'utiliser des verres colorés ou certaines applications pour améliorer la vision des couleurs.


title: Daltonisme

text: Il existe aussi depuis 2004 en Europe et depuis 2009, en France, un système de correction optique des daltonismes de type « rouge-vert ». Ce système permet de mettre en évidence le type de daltonisme, le degré et de déterminer la meilleure compensation optique, grâce à la boite d'essai de verres spéciaux et au livre de tests Atlas explorateur. Depuis 2019, cette compensation de la perception des couleurs existe en lentilles de contact spéciales, avec filtre centré sur l'iris.


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text: Les gènes codant les récepteurs du rouge et du vert se situent sur le chromosome X tandis que les récepteurs du bleu sont codés par un gène situé sur le chromosome 7.


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text: La dyschromatopsie du bleu (tritanopie et tritanomalie) est répartie également entre personnes XX et personnes XY puisque le gène codant les informations du récepteur du bleu est situé sur le chromosome 7. Une mutation de ce récepteur entraîne la « tritanomalie ».


title: Daltonisme

text: La dyschromatopsie du rouge (protanoptie et protanomalie) est due à la mutation du gène du chromosome X codant les récepteurs du rouge. Ce chromosome X étant un chromosome sexuel, la répartition de la population touchée par la dyschromatopsie du rouge n'est pas égale entre les individus porteurs des chromosomes XX et les individus porteurs des chromosomes XY.


title: Daltonisme

text: La dyschromatopsie du vert (deutéranoptie et deutéranomalie) est due à la mutation du gène du chromosome X codant les récepteurs du vert. De même, la répartition de la population touchée par la dyschromatopsie du vert n'est pas égale entre les individus XX et les individus XY.


title: Daltonisme

text: L'allèle impliquant le daltonisme étant récessif, il ne s'exprime que si l'autre allèle présent est lui aussi récessif. Ainsi, les personnes qui ont deux chromosomes X ne seront daltoniennes que si leurs deux chromosomes X portent cette mutation, tandis que les personnes qui n'ont qu'un seul chromosome X seront atteintes dès lors que leur chromosome X l'est. Cette anomalie atteint donc principalement les personnes qui n'ont qu'un chromosome X, comme la plupart des humains mâles (XY). En effet, les individus mâles ne possèdent généralement qu'un seul exemplaire du chromosome X tandis que les personnes femelles en possèdent généralement deux (XX). Ainsi, les individus ayant deux chromosomes X sont donc plus prédisposés à posséder 3 types de cônes, ce qui permet une vision complète en trichromie.


title: Daltonisme

text: On appelle « porteur sain » un individu qui porte l'allèle muté sans en être affecté. Cet allèle muté peut être transmis à la génération d'après. Ainsi, une personne XX peut être porteuse de l'allèle récessif du daltonisme et le transmettre à ses enfants, sans pour autant être atteinte de ce trouble, elle est dans ce cas qualifiée de « conductrice ».


title: Daltonisme

text: Ces pourcentages sont bien sûr donnés à titre d'estimation, ils ne peuvent être rigoureusement exacts. Les décimales ne servent qu'à donner un total de 100 %. Enfin, ils ne tiennent pas compte des dyschromatopsies complètes ni des déficiences liées au bleu (ces affections sont rares et ne dépendent pas du sexe), ni des cas particuliers.


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text: Parmi la population nord-américaine, approximativement 10 % des personnes XY souffrent d'une forme ou d'une autre de déficience dans la perception des couleurs. En France, la proportion de daltoniens est d'environ 8 % chez les hommes et de 0,4 % chez les femmes ; 15 % des femmes sont cependant vectrices.


title: Daltonisme

text: Bien que rare à l'échelle mondiale, la dyschromatopsie complète (vision monochrome, ou achromatopsie) est très commune sur l'atoll de Pingelap (Ponape, Micronésie) : 5 à 10 % de la population en est affecté.


title: Daltonisme

text: Le daltonisme est également plus fréquemment retrouvé sur les côtes italiennes qu'à l'intérieur des terres. Une hypothèse est qu'il donnerait un avantage aux pêcheurs leur permettant de mieux distinguer les poissons par une plus fine discrimination des tons bleu-gris.


title: Daltonisme

text: Contrairement à une croyance populaire, les daltoniens pour la plupart (deutéranopes) savent parfaitement distinguer la plupart des verts et des rouges et disposent bien d'une vision trichromatique, seulement un peu différente, la confusion n'existant que pour certaines couleurs intermédiaires et mal contrastées (par exemple dans les beiges teintés entre le vert et l'orange ; ce qui peut amener à une détection précoce de la deutéranopie quand un enfant dessine un arbre au surprenant feuillage orange, à condition qu'on lui demande pourquoi les feuilles sont de cette couleur et qu'il ne réponde pas que c'est simplement plus joli pour lui) mais avec souvent aussi une meilleure distinction d'autres couleurs (notamment dans les bleus et surtout dans les gris et « noirs » où ils perçoivent souvent des nuances bleutées, violacées ou brunes que la plupart des autres personnes ne peuvent pas voir).


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text: La déficience deutéranope réside en effet principalement dans un décalage vers l'orange et le rouge du pic de sensibilité du pigment le plus vert (la totale absence, par la non-expression totale du gène récessif, ou la non sensibilité à la lumière visible de ce pigment étant finalement très rare), ce qui n'empêche pour autant pas de distinguer une bonne partie des verts et des rouges. En effet la palette des couleurs observées dans le monde réel est beaucoup plus riche que celle obtenue par la vision trichromatique humaine avec seulement trois pigments principaux (et d'autres animaux comme les insectes et même des vertébrés peuvent observer le monde avec davantage de pigments, pour voir par exemple une gamme d'infrarouges ou d'ultraviolets). De plus, le décalage de sensibilité permet de mieux distinguer d'autres couleurs dans le spectre dit « visible ». Enfin il existe dans l'œil humain également d'autres pigments plus minoritaires (plus ou moins concentrés selon les individus) donnant à chacun une vision personnelle des couleurs.


title: Daltonisme

text: Il est souvent inapproprié de parler de "déficit" ou d"'anormalité" chez les personnes daltoniennes car :


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text: Enfin, même pour des personnes dites "normales" possédant les trois pigments ayant leur pic de sensibilité aux longueurs d'onde les plus courantes, il existe aussi une variabilité de la vision des couleurs liée à des différences de taux relatif de concentration de ces pigments dans les cellules sensibles de la rétine, et dans la distribution relative de ces cellules sur la surface de la rétine par exemple pour la vision centrale et la vision périphérique. Des accidents ou maladies oculaires (pas seulement sur l'iris mais aussi dans la cornée) peuvent aussi modifier la vision des couleurs par les autres pigments parasites (par exemple les pigments des cellules sanguines, ou les pigments résiduels dans la lymphe) qui viennent filtrer ou modifier la lumière transmise.


title: Daltonisme

text: Au , le daltonisme est dépisté très tôt chez les jeunes Français, à l'école, lors des visites médicales obligatoires. Il est détecté grâce aux tests d'Ishihara, qui consistent en une série d'images représentant des groupes de gros points colorés. Un nombre est inclus dans l'image, dessiné sous la forme d'une série de points d'une couleur légèrement différente du reste de l'image. Ce nombre peut être vu avec une perception complète des couleurs, mais pas lorsqu'un individu possède une déficience de celle-ci. Chaque nombre teste une déficience chromatique précise et l'ensemble de ces tests permet de déterminer le type de la déficience chromatique. Ces tests de détection peuvent également être réalisés en utilisant la lanterne de Beyne.


title: Ingmar Bergman

text: Ingmar Bergman est un metteur en scène, scénariste et réalisateur suédois, né le à Uppsala et mort le sur l'île de Fårö.


title: Ingmar Bergman

text: Il s'est imposé comme l'un des plus grands réalisateurs de l'histoire du cinéma en proposant une œuvre s'attachant à des thèmes métaphysiques ("Le Septième Sceau"), à l'introspection psychologique ("Les Fraises sauvages", "Persona") ou familiale ("Cris et Chuchotements", "Fanny et Alexandre") et à l'analyse des comportements du couple ("Scènes de la vie conjugale").


title: Ingmar Bergman

text: Récompensé plusieurs fois, il remporte notamment au cours de sa carrière l'Ours d'or à Berlin, un Lion d'or pour sa carrière à Venise, le Prix du jury et le Prix de la mise en scène à Cannes, et à trois reprises l'Oscar du meilleur film en langue étrangère. Il est également l'unique cinéaste distingué d'une « Palme des Palmes », remise lors du Festival de Cannes 1997.


title: Ingmar Bergman

text: Ernst Ingmar Bergman naît en 1918. Il est le fils cadet d'une famille de trois enfants : un frère aîné, Dag, et une sœur plus jeune, Margareta, qui vient au monde quatre ans plus tard. Le jeune Ingmar Bergman vit une enfance tourmentée ; ses relations avec sa mère et son frère sont contrariées par les manipulations et les chantages affectifs. Le père est un pasteur luthérien ambitieux. Le presbytère où vit la famille est ouvert à tous les paroissiens et se doit d'être modèle. Sans doute cédant à cette pression sociale, le père soumet sa famille à une discipline extrêmement rigide. Les enfants sont élevés dans la traque obsessionnelle du péché et du repentir. Les punitions corporelles sont courantes et ritualisées. Le traumatisme de cette éducation rigide affleure dans certaines de ses œuvres.


title: Ingmar Bergman

text: Il passe le meilleur de son enfance chez sa grand-mère à Uppsala qui l'emmène au cinéma, Ingmar Bergman se découvre une passion précoce pour cet art. Lors d'un Noël, une riche parente offre aux enfants un appareil de projection. La bobine se tourne à la main et permet de voir un petit film en boucle. Ce cinématographe agit comme la madeleine de Proust pour le futur réalisateur – il baptisera plus tard sa société de production "Cinematograph". Lorsqu'il a 12 ans, son père obtient qu'il puisse visiter les studios cinématographiques suédois de Råsunda, en banlieue de Stockholm. C'est, pour lui, comme « "entrer au paradis" ».


title: Ingmar Bergman

text: Quant au théâtre, dans lequel il fait aussi carrière, il s'y rend régulièrement depuis tout jeune. Ingmar Bergman a l’occasion de l’observer en coulisse grâce à un musicien qui joue derrière la scène pour une mise en scène du "Songe" d’August Strindberg, un de ses auteurs préférés, et qu’il mettra lui-même en scène à plusieurs reprises. Ses lectures s'ouvrent aussi à Dostoïevski, Balzac, Flaubert, Nietzsche…


title: Ingmar Bergman

text: Dans le cadre d’un programme d’échange, il part en Allemagne, dans la région de Thuringe, en . Le pays est dirigé par le national-socialisme, sa famille d’accueil l'emmène voir une prestation d'Adolf Hitler dans un stade de Weimar. Le jeune homme est fasciné par le discours du Führer. À son retour en Suède, son milieu essentiellement germanophile s'est imprégné de l’idéologie nazie, son frère faisant partie des fondateurs et des membres actifs du parti national-socialiste suédois. Le traumatisme de la découverte des camps de concentration le conduira par la suite à prendre ses distances avec la politique. Ingmar Bergman évitera dans son œuvre les messages politiques.


title: Ingmar Bergman

text: Ingmar Bergman s'inscrit en 1937 en Histoire et Littérature à l'université de Stockholm, il y suit les cours de Martin Lamm, un professeur réputé, spécialiste de Strindberg et d’Emanuel Swedenborg. Ses études, cependant, sont contrariées par un emploi du temps chargé, presque entièrement consacré au théâtre. Il participe en effet bien vite au programme théâtral d’une maison des jeunes, le Mäster Olofsgården, où il met en scène des pièces de Strindberg, de Shakespeare, de Suttone Vane et de Doris Rönnqvist. On lui offre épisodiquement la possibilité de travailler avec des professionnels au sein du Studio dramatique. Un temps acteur, il finit par définitivement se tourner vers la mise en scène. Il assure aussi la direction de plusieurs pièces données au théâtre des étudiants dont "Le Pélican" de Strindberg. Il noue à cette occasion une relation amoureuse avec une jeune actrice érudite. Cette liaison parvient à la connaissance de ses parents, qui réprouvent la vie tumultueuse de leur fils. À la suite d’une explication violente, Ingmar Bergman quitte définitivement le foyer familial et s’installe avec sa maîtresse. Cette relation tourne court lorsque Ingmar Bergman se voit proposer une tournée en province qui le conduit par la même occasion à précipiter la fin de ses études.


title: Ingmar Bergman

text: Au printemps 1939, dans la nécessité de trouver un emploi, il tente sans succès de se faire embaucher au Théâtre dramatique royal de Stockholm, et doit se contenter d'un poste d’assistant à la mise en scène pour l’Opéra royal, où il est occasionnellement souffleur. Il y fait ses armes, notamment aux côtés de Ragnar Hyltén-Cavallius, à la fois cinéaste et metteur en scène reconnu. La Seconde Guerre mondiale éclate quand Ingmar Bergman doit accomplir son service national, mais il est aussitôt démobilisé à cause d'un ulcère. En repos chez sa grand-mère en Dalécarlie, province du centre de la Suède, il écrit une douzaine de pièces de théâtre et un opéra. Il met en scène l’une d’elles, "La Mort de Polichinelle", largement inspirée de pièces de Strindberg. À la fin de la représentation, il est approché par Carl Anders Dymling, directeur de la Svensk Filmindustri, et Stina Bergman, directrice du service des scénarios, qui lui proposent un emploi pour écrire et revoir les scénarios produits par la société.


title: Ingmar Bergman

text: Intégré dans une équipe de six scénaristes, il est parfois envoyé sur des tournages pour corriger des dialogues. Les méthodes d’écriture sont empruntées aux méthodes américaines alors en vogue, Ingmar Bergman leur préfère pourtant celles des films français de l’époque, de Jean Renoir, de Marcel Carné, ou de Julien Duvivier. Il fait la connaissance de Gustaf Molander à qui il fait lire un scénario inspiré de ses années d’études. Celui-ci en recommande l'adaptation à la production qui en confie la réalisation à Alf Sjöberg. Ingmar Bergman insiste pour assister au tournage et obtient un poste de "script-boy". Impatient et ambitieux, il tente à plusieurs reprises de s’immiscer dans le travail du réalisateur. En vain. Le jeune scénariste est remis à sa place. "Tourments" ("Hets") sort en 1944. Le film est suffisamment remarqué pour faire partie de la sélection de la Mostra de Venise.


title: Ingmar Bergman

text: Dans le même temps, la commune de Helsingborg cherche à sauver son théâtre municipal et propose sa direction à Ingmar Bergman. Le théâtre est en piteux état, mais il accepte. Il est alors marié à une jeune danseuse et chorégraphe, Else Fischer, qui a accouché d’une enfant à la fin de l’année 1943. Le bébé et sa mère sont atteints de la tuberculose et Ingmar Bergman enchaîne mises en scène et scénarios pour faire face aux frais d’hospitalisation. En 1945, la "Svensk Filmindustri" lui commande l’adaptation et la réalisation d’une pièce de théâtre. Ingmar Bergman est enthousiaste, mais il pèche par orgueil et son manque d'expérience est encore trop grand. Le tournage a lieu en été dans des conditions catastrophiques. Il se brouille avec le chef opérateur, davantage porté sur le documentaire, et peine à maîtriser ses troupes. Le mauvais temps gâche les extérieurs, le laboratoire gâche les pellicules, et la production du film souffre d’un accident du travail lors d’une prise en studio. Tout au long de cette épreuve, Bergman reçoit les conseils du cinéaste Victor Sjöström et ceux de son monteur expérimenté, Oscar Rosander, qui l’aide à remettre le film sur pied – il collaborera par la suite à tous les films d’Ingmar Bergman jusqu’au "Visage". "Crise" ("Kris"), premier film réalisé par Ingmar Bergman, sort en 1946.


title: Ingmar Bergman

text: Ingmar Bergman poursuit son travail au théâtre municipal de Helsingborg et continue à écrire des scénarios pour la "Svensk Filmindustri". Il monte l’une de ses pièces, "Rachel et l’ouvreuse de cinéma", adaptée plus tard pour "L'Attente des femmes". Sa femme, qui devait initialement occuper un poste de chorégraphe au sein du théâtre, doit être remplacée en raison de sa maladie. Elle lui recommande une amie : Ellen Lundström avec laquelle il noue une liaison qui conduit les époux à divorcer. À l’automne 1946, le jeune couple déménage pour Göteborg où Ingmar Bergman obtient un poste de metteur en scène au théâtre municipal dont le directeur Torsten Hammarén devient son mentor et lui enseigne des techniques de mise en scène pour une pièce d’Albert Camus, "Caligula", avec le comédien Anders Ek.


title: Ingmar Bergman

text: Après l’échec de "Crise", la Svensk Filmindustri hésite à renouveler l’expérience de la réalisation avec Ingmar Bergman. C’est donc avec le producteur Lorens Marmstedt, qu’il dirige ses trois films suivants : "Il pleut sur notre amour" ("Det regnar på vår kärlek", 1946), "L'Éternel Mirage" ("Skepp till India land", 1947) et "Musique dans les ténèbres" ("Musik i mörker", 1948). Ces premiers films sont empreints de l’influence du cinéma français des années 1930 et notamment de Marcel Carné. Il s’en dégage une violente révolte contre la religion et la famille. À l’exception de "Musique dans les ténèbres", ses films sont rejetés par la critique qui les trouve subversifs et immatures. Il écrit encore le scénario de "La Femme sans visage" ("Kvinna utan ansikte", 1947), pour Gustaf Molander et entame une activité de metteur en scène à la radio avec un texte original, "La Ville" (1951), inspiré d’une virée dans Berlin, lors de son séjour en Allemagne.


title: Ingmar Bergman

text: Dans le cadre d’un nouveau contrat avec la "Svensk Filmindustri", Ingmar Bergman part en 1949 à Cagnes-sur-Mer avec le comédien Birger Malmsten pour y écrire un scénario. Le réalisateur est parvenu à réintégrer le giron de la célèbre société. Il a pour la première fois signé la réalisation ainsi que le scénario du film "La Prison" ("Fängelse", 1949) et gagne en assurance. Son activité artistique est débordante, alternant mises en scène théâtrales et cinématographiques ainsi que des allers-retours constants entre Stockholm et Göteborg, aux dépens de son couple avec Ellen Lundström qui bat de l’aile. Le séjour dans la ville de la Côte d'Azur est solitaire ; Birger Malmsten est absorbé par une relation sentimentale. Ingmar Bergman écrit seul son scénario. "Vers la joie" ("Till glädje", 1950) est tourné durant l’été. Au cours du tournage, il reçoit la visite d'une journaliste d’une revue cinématographique, Gun Hagberg. Immédiatement séduit, le réalisateur, sitôt le film achevé, s’envole avec elle à Paris, et rompt avec son épouse. À son retour, il s’installe avec sa nouvelle maîtresse à Stockholm. La vie du couple connaît des hauts et des bas. Les enfants du précédent mariage de Gun Hagberg les rejoignent à la fin de l’année 1950 tandis qu’un autre naît de leur union. Ingmar Bergman doit ainsi entretenir trois familles. Or, les engagements manquent.


title: Ingmar Bergman

text: Durant l’été 1950, l’industrie cinématographique suédoise s'est mise en grève pour obtenir de meilleures conditions de travail. Le mouvement s’éternise, Ingmar Bergman traverse alors de graves difficultés financières et doit solliciter un important prêt à la "Svensk Filmindustri" qui consent en échange d’une exclusivité sur plusieurs scénarios et des honoraires à la baisse. Il accepte de réaliser des films publicitaires et une œuvre de commande, "Une telle chose ne se produirait pas ici". Ce n’est qu’au printemps 1951 que la grève cesse. Le réalisateur enchaîne alors deux tournages, celui de "L'Attente des femmes" ("Kvinnors väntan", 1952) avec des extérieurs à Paris, et celui d"'Un été avec Monika" ("Sommaren med Monika", 1953) dans l’archipel de Stockholm. Le premier rôle de ce dernier film est confié à Harriet Andersson, une jeune danseuse de revue. Le tournage se prolonge à cause d’ennuis techniques et Ingmar Bergman tombe sous le charme de l’actrice. La liaison ne dure pas, mais suffit à briser son ménage. Il doit quitter le foyer familial et redevient célibataire.


title: Ingmar Bergman

text: Au théâtre, Ingmar Bergman, nommé directeur artistique du Théâtre municipal de Malmö en 1952, assure plusieurs mises en scène, certaines pour le répertoire classique ("Peer Gynt", "Le Misanthrope"), des opérettes ("La Veuve joyeuse") ainsi que deux de ses propres pièces : "Peinture sur bois" et "Meurtre à Bajärna". Il poursuit aussi ses adaptations radiophoniques avec des pièces de Strindberg et les "Noces de sang" de Federico García Lorca (1952). Le travail théâtral de l’auteur se double d’une intense activité cinématographique. Il tourne successivement "La Nuit des forains" ("Gycklarnas afton", 1953), "Une leçon d'amour" ("En Lektion i kärlek", 1954) et "Rêve de femmes" ("Kvinnodröm"). À l’automne 1955, après le tournage de "Sourires d'une nuit d'été" ("Sommarnattens leende", 1955), victime du surmenage et d’un ulcère qui le fait souffrir depuis de nombreuses années, il est hospitalisé.


title: Ingmar Bergman

text: Avec "La Prison", la maturation du cinéma de Bergman est, à la veille de la réalisation du "Septième Sceau", déjà accomplie. L’influence du cinéma français d’avant-guerre s’est estompée au profit d’un style plus personnel. "Ville portuaire" ("Hamnstad", 1948) ou "Monika", sont encore influencés par le cinéma italien néoréaliste, mais son style personnel s’affirme. On trouve dans les films qu’il dirige entre 1948 et 1955 nombre de caractéristiques de l’empreinte personnelle du réalisateur : interrogations métaphysiques sur la vie et la mort ("La Prison"), érotisme prégnant ("Monika", "L’Attente des femmes", "La Nuit des forains"), désillusion conjugale ("L’Attente des femmes", "Une leçon d’amour", "Sourires d’une nuit d’été"), le spectacle ("La Prison", "Vers la joie", "La Nuit des forains")… Sa vision de la féminité notamment étonne. Son langage cinématographique se positionne davantage du côté de la femme ; c’est au travers de leur regard que l’attitude des hommes est brocardée : les personnages féminins sont nuancés quand les personnages masculins sont au contraire typés.


title: Ingmar Bergman

text: "Sourires d’une nuit d’été" sélectionné au Festival de Cannes en 1956 assied la réputation d’Ingmar Bergman au-delà des frontières suédoises. Le film, réalisé dans la douleur, crée la surprise et obtient d'ailleurs un « prix de l'humour poétique ». Et l’année suivante, "Le Septième Sceau" fait sensation. Ce film, plus grave, adapté de l’une de ses pièces en un seul acte, "Peinture sur bois", est une allégorie de la mort et du jugement dernier. L’accueil critique est enthousiaste. Pour "Les Fraises sauvages", l'Ours d'or du meilleur film au Festival de Berlin lui est attribué.


title: Ingmar Bergman

text: La reconnaissance d’Ingmar Bergman a plusieurs conséquences. La critique suédoise, jusque-là très réservée, s'est adoucie. Les studios suédois lui laissent les coudées franches et une pleine liberté de création. Le réalisateur reçoit aussi des sollicitations de plusieurs pays pour venir tourner des films. Néanmoins, il préférera continuer à tourner en Suède. Ingmar Bergman a désormais pris l’habitude d’alterner le théâtre, dans le courant de l’année, et le cinéma, pendant l’été. Il aime s’entourer de sa propre équipe et redoute le sort de certains de ses compatriotes, tels Victor Sjöström ou Mauritz Stiller qui, expatriés aux États-Unis, tombèrent en désuétude.


title: Ingmar Bergman

text: En août 1958, dans les studios suédois de Råsunda, Ingmar Bergman tourne son vingtième film, "Le Visage" ("Ansiktet", 1958) dans lequel il explore à nouveau le monde de la représentation. En dépit du talent qui lui est désormais reconnu, les films suivants, "La Source" ("Jungfrukällan", 1960) et "L'Œil du diable" ("Djävulens öga", 1960) sont peu appréciés par la critique. Il faut attendre "À travers le miroir" ("Såsom i en spegel", 1961), pour que le cinéaste regagne ses lauriers. Le film a des résonances métaphysiques, cherchant l'existence de Dieu par le truchement de la folie de son personnage principal, Karin, interprété par Harriet Andersson. Il est aussi initialement annoncé par Ingmar Bergman comme le premier opus d'un triptyque de « films de chambre », complété par ses deux films suivants : "Les Communiants" ("Nattvardsgästerna", 1962) et "Le Silence" ("Tystnaden", 1963). Mais le cinéaste revient plus tard sur cette intention de constituer une trilogie. "À travers le miroir" marque selon lui la fin d'un cycle et "Les Communiants", une rupture. Ce dernier film, très inspiré de la figure de son père, règle ses comptes avec Dieu au travers d’un pasteur qui perd la foi ; l’existence de Dieu se trouve brusquement ébranlée et le monde apparaît aux yeux du personnage dans toute sa crudité. "Le Silence" ne contient aucun thème religieux, contrairement aux deux précédents films. Il traite de la relation trouble qu’entretiennent deux sœurs sur fond d’état de siège dans un pays inconnu. Si, par ailleurs, le film choque une partie de l’opinion à cause de scènes explicites, il reçoit les éloges de la critique et fait figure de chef-d’œuvre.


title: Ingmar Bergman

text: Ingmar Bergman retrouve alors une bonne situation financière. Il épouse une pianiste professionnelle, Käbi Laretei, dont il a un enfant, et s’installe à Djursholm. Couronnement de sa carrière théâtrale, il est nommé directeur du Théâtre dramatique royal de Stockholm en , et entre dans ces nouvelles fonctions en juillet. Il y met en scène "Qui a peur de Virginia Woolf ?" d’Edward Albee. La première de la pièce coïncide d’ailleurs avec la sortie du "Silence" et, à cause de sa thématique sulfureuse, participe à son tour à la polémique provoquée par le film. Suivent "La Légende" de Hjalmar Bergman, "Trois couteaux de Wei" écrite par le poète suédois Harry Martinson et "Hedda Gabler", pièce du célèbre dramaturge Henrik Ibsen, avec l’actrice Gertrud Fridh. Il dirige encore le "Dom Juan" de Molière dont une captation télévisuelle sera faite pour une chaîne pédagogique. D'une manière générale, le travail théâtral qu'il accomplit à cette époque ne satisfait pas Ingmar Bergman qui s'estime beaucoup trop accaparé par ses fonctions de directeur. Ses mises en scène ont toutefois meilleur succès que son premier long métrage en couleur, "Toutes ses femmes" ("För att inte tala om alla dessa kvinnor", 1964), qui s'avère un échec cuisant. Le film, qui se veut une comédie légère, déçoit. Il est, de l’aveu même d’Ingmar Bergman, un ratage complet.


title: Ingmar Bergman

text: Le tournage de" Persona", l’un des films les plus importants de la filmographie de Bergman, démarre en sur l’île de Fårö. Découverte lors du tournage d’"À travers le miroir", l’île est devenue l’endroit de prédilection du cinéaste. Il y fait d’ailleurs bâtir une maison qui sera sa retraite jusqu’à sa mort. Initialement, l’auteur avait l’ambition de répondre à une commande de la Svensk Filmindustri en dirigeant un film à gros budget intitulé "Les Cannibales" ayant pour sujet des artistes mangeurs d’hommes. Mais il tombe sérieusement malade et, contraint de revoir ses ambitions à la baisse, s’attaque à un scénario plus simple comprenant seulement deux personnages. Le script s’inspire de la ressemblance entre les actrices Bibi Andersson et Liv Ullmann – cette dernière est à cette époque une étoile montante de la scène norvégienne. La première incarne une infirmière ; elle veille sur la seconde, une comédienne de théâtre qui s’est murée dans un mutisme soudain. Les deux femmes se retrouvent dans une maison isolée. Cette confrontation amène l’une et l’autre à éprouver leur identité.


title: Ingmar Bergman

text: « Persona » est le terme latin pour « masque », celui porté par les comédiens dans les tragédies antiques. Le film joue sur une dualité de l’individu, écartelé entre son moi en représentation dans la société, et son moi intime et authentique. Le schéma intellectuel rappelle les concepts de Carl Gustav Jung qui précisément utilise la notion de persona pour l’opposer à l’âme ou psyché. L’œuvre explore aussi le silence, l’incommunicabilité et, précisément, défend l’idée d’une nécessaire communication entre les individus. Le film bouleverse la critique par sa richesse et la sobriété de son traitement. Elle salue le travail abouti du réalisateur.


title: Ingmar Bergman

text: "Persona" sort en 1966. Fait exceptionnel dans la carrière d’Ingmar Bergman, il faut attendre deux ans la sortie d’un nouveau long métrage du réalisateur. Dans l’intervalle, il participe à un film à sketches, "Stimulantia", dans lequel il rend hommage à son fils, Daniel. Son activité, au cours de ces deux ans, est surtout vouée à la direction de son théâtre, à la tête duquel il essuie le feu nourri de la critique suédoise. Le mouvement de mai 1968 en Suède rejette Ingmar Bergman comme une figure du passé. Il se retrouve marginalisé dans le milieu culturel et chassé du Conservatoire suédois d’art dramatique où il enseigne. Il monte des représentations théâtrales à l’étranger : "Six personnages en quête d'auteur" à Oslo en 1967 et "Hedda Gabler" à Londres en 1968. L’emprise de son travail pèse sur sa vie privée, son mariage s’érode peu à peu jusqu’à la rupture ; le cinéaste entretient par ailleurs une liaison avec Liv Ullmann depuis le tournage de "Persona". Après seulement trois ans et demi à la direction du Théâtre national de Stockholm, il finit par quitter ses fonctions.


title: Ingmar Bergman

text: "L'Heure du loup" ("Vargtimmen", 1968) est, dans la lignée de "Persona", un film intimiste centré sur deux personnages, une femme et un homme, isolés sur une île. L’axe est plus particulièrement porté sur le personnage masculin, l’artiste, dont le réalisateur nous montre les fantasmagories et les turpitudes. À cette fin, il recourt à des séquences oniriques plastiquement fortes et habitées. Les deux films suivants, "La Honte" ("Skammen") et "Une passion" ("En Passion", 1969), sont interprétés par les mêmes acteurs, Liv Ullmann et Max von Sydow. Au travers de l’odyssée de deux artistes dans un monde en guerre – qui n’est pas sans évoquer celui qu’il a connu pendant la Seconde Guerre mondiale –, "La Honte" dénonce l’indifférence et l’absence d’implication des individus dans ces évènements qui bouleversent l'humanité. "Une passion" se recentre sur le couple, la vie conjugale et ses déchirements, thème qu’il reprend aussi dans "Le Lien" ("Beröringen", 1970), une coproduction internationale en langue anglaise. Il tourne encore "Le Rite" ("Riten", 1969), un moyen métrage destiné à la télévision, et écrit le scénario du téléfilm "Le Mensonge", qui sera l’objet de pas moins de trois adaptations pour le petit écran – par le réalisateur suédois ("Reservatet", 1970), le Britannique Alan Bridges ("The Lie", épisode de la série "Play for Today", 1970) et l’Américain Alex Segal ("The Lie", 1973).


title: Ingmar Bergman

text: De même que les films, au théâtre, la mise en scène qu’il élabore du "Songe" de Strindberg obtient un certain retentissement qui emmène la troupe dans une tournée européenne. 1970 marque aussi le décès du père d’Ingmar Bergman et celui de son ex-épouse Gun Hagberg. Sa liaison avec Liv Ullmann dont est née une fille, Linn, se détériore et prend fin.


title: Ingmar Bergman

text: « "Chers amis, nous allons faire un film ensemble. Comme il va être différent de tout ce que nous avons fait jusqu’à présent, le scénario que voici est aussi d’un genre inhabituel." ». C’est en ces termes que courant 1971, Ingmar Bergman s’adresse à chacun des interprètes de son prochain film, "Cris et Chuchotements". La lettre qui fait office de scénario décrit des impressions, des personnages et des indications scéniques. Le texte insiste sur la couleur rouge comme couleur dominante et sur la lumière naturelle qui sera la seule employée. Pour les besoins du futur tournage, le cinéaste et son chef-opérateur habituel, Sven Nykvist, se sont rendus trois semaines en repérage dans le manoir près de Mariefred qui sera le décor du film, pour étudier la façon dont la lumière pénètre dans les pièces. Le tournage a lieu en septembre 1971 et dure huit semaines. Les financements sont modestes. L'auteur obtient de Sven Nykvist et des interprètes qu’ils mettent leur salaire en participation. Pour compléter le budget, l'Institut Suédois du Film lui accorde une subvention, ce qui déclenche une polémique ; la légitimité d’Ingmar Bergman à recevoir des fonds est contestée, compte tenu de sa notoriété et de sa stature internationale. Pour autant, la production se déroule dans de bonnes conditions et parvient à son terme. En revanche, en dépit de son succès par la suite, le film a beaucoup de mal à trouver un distributeur. C'est grâce à Roger Corman, producteur réputé de séries B, que le film d'Ingmar Bergman trouve une salle à New York pour sa première mondiale le . Ce n'est qu'en mars 1973 qu'il est enfin projeté devant le public suédois.


title: Ingmar Bergman

text: L'action se déroule dans le huis clos du manoir familial, où Agnès n'en finit plus d'agoniser dans des souffrances atroces. Ses deux sœurs et leur bonne sont à son chevet, impuissantes. La tension exacerbe les passions et révèle les relations ambiguës qu'elles entretiennent entre elles. L'une, Karin, est enfermée dans un enfer névrotique, refusant le contact, répugnant à toute forme d’abandon. L'autre, Maria, est volontiers manipulatrice, jouant et se jouant des règles sociales. Toutes deux se trouvent dans l’incapacité de faire face à la souffrance de leur sœur quand la servante, Anna, au fond plus intuitive, sait accompagner les derniers instants d'Agnès avec le plus d'humanité. À cet égard, le plan demeuré célèbre, qualifié de « pietà », réunissant Agnès et la bonne, est le point culminant du film. Ingmar Bergman explore l'arbitraire de la souffrance, de la mort et ce qu'elles projettent sur autrui : terreur, rejet, compassion… "Cris et Chuchotements" est accueilli comme une œuvre sublime et déroutante. Elle constitue sans doute le point d’orgue de la carrière du réalisateur.


title: Ingmar Bergman

text: Ingmar Bergman n'attend pas l'achèvement de la post-production de "Cris et Chuchotements" dont le traitement de la couleur en laboratoire s'éternise, pour s'attaquer à un nouveau projet ambitieux : "Scènes de la vie conjugale", une série télévisée de six épisodes de 50 minutes qui raconte en huis-clos la longue et sûre érosion d’un couple incarné par Liv Ullmann et Erland Josephson. L’œuvre rencontre un succès important. Trois millions de téléspectateurs suivent les derniers épisodes, soit plus du tiers de la population suédoise de l'époque. Elle devient un phénomène de société, le feuilleton trouve des échos inattendus dans l’opinion publique ; la presse relaye, au travers d’enquêtes, l’inquiétude des couples modernes. Le créateur de la série "Dallas" prétendra même s’en être inspiré. Ingmar Bergman en fera un nouveau montage de deux heures et demie pour le cinéma. Il réalise ensuite deux mises en scènes pour la télévision : une adaptation du "Misanthrope" ("Misantropen", 1974) de Molière et une autre de "La Flûte enchantée" ("Trollflöjten", 1975) de Mozart.


title: Ingmar Bergman

text: Ingmar Bergman a épousé Ingrid von Rosen en novembre 1971 – elle reste sa femme jusqu’à sa mort en 1995. Il fait un séjour avec elle à Los Angeles pour diriger un séminaire sur le cinéma. Il y rencontre des cinéastes comme William Wyler et Billy Wilder. Il y fait également la connaissance du producteur Dino de Laurentiis dont la société coproduit "Face à face" ("Ansikte mot ansikte", 1976) qu'Ingmar Bergman, si ce n'est l'interprétation de Liv Ullmann, considère en définitive comme peu inspiré. Toutefois, la réussite de ses films précédents a suffisamment remis à flot sa société de production Cinematograph qui jouit d’une bonne situation financière. Il songe à en développer l'activité aux États-Unis afin d’obtenir de meilleures conditions de production.


title: Ingmar Bergman

text: Cependant, un contrôle fiscal de l'entreprise met un terme brutal à ses projets, et va jusqu'à entraîner l'arrestation du cinéaste le . Inculpé de fraude fiscale, le metteur en scène alors en pleine répétition d'un spectacle, est emmené par la police pour un interrogatoire. Il est relâché une fois l'entretien terminé. L'événement fait la une des journaux. Choqué, le cinéaste se cloître chez lui ; sous l'impulsion de sa femme, il est conduit à l'hôpital psychiatrique quelques jours après. Ingmar Bergman apprend que les poursuites à son encontre sont finalement abandonnées un mois plus tard, tandis qu'il se repose dans sa maison sur l'île de Fårö. Le , il publie par voie de presse une lettre ouverte dans laquelle il s'explique de ses démêlés avec le Trésor public et annonce qu'il quitte la Suède. Il se rend d'abord à Paris, mais la pression médiatique dont il y fait l'objet l'engage à changer ses plans. Il s'installe finalement à Munich.


title: Ingmar Bergman

text: Ingmar Bergman est accueilli à bras ouverts par la ville bavaroise, il y reçoit diverses distinctions, et le théâtre de la ville, le Residenztheater, ne tarde pas à lui proposer un poste de metteur en scène. La collaboration avec les comédiens allemands n'est néanmoins pas aisée du fait de la barrière de la langue. Les relations avec l'administration du théâtre sont elles aussi difficiles. Ingmar Bergman, fort de la reconnaissance acquise y compris en Allemagne – il obtient le prix Goethe en 1976 –, commet des impairs en partie dus à son ignorance des usages locaux. Il est même remercié en juin 1981, pour être réintégré six mois plus tard après la démission du directeur. Il réussit néanmoins à monter onze spectacles. Leur succès est variable, la presse se montre sévère, mais Ingmar Bergman s'estime satisfait d'une partie d'entre eux. Il monte des pièces de Strindberg, "Le Songe" et "Mademoiselle Julie", ainsi que des pièces contemporaines, dont "Le Naufrage du Titanic" de Hans Magnus Enzensberger. Ses mises en scène ne sont pas dénuées d'audace. L'une d'elles, "Le Marchand de Venise" de Shakespeare, est projetée au public et se termine dans le camp de concentration de Dachau après un trajet en car.


title: Ingmar Bergman

text: Les effets de la brouille avec la Suède durent plusieurs années. "L'Œuf du serpent" ("The Serpent's Egg", 1977) devait être originellement tourné en Suède. À la demande de l'auteur, Dino de Laurentiis accepte de le produire à Münich. "Sonate d'automne" ("Höstsonaten", 1978) est, quant à lui, tourné à Oslo. Il met en scène Liv Ullmann et surtout Ingrid Bergman qui avait personnellement sollicité le cinéaste quatre ans plus tôt tandis qu'elle était juré au festival de Cannes, et qu'il venait y présenter "Cris et Chuchotements". Néanmoins, la seule véritable production allemande reste, pour Ingmar Bergman, "De la vie des marionnettes" ("Aus dem Leben der Marionetten", 1980). Le film entièrement écrit et réalisé en langue allemande, est considéré par son auteur comme un de ses meilleurs en dépit de la critique hostile.


title: Ingmar Bergman

text: Le séjour allemand dure finalement neuf années. Ingmar Bergman retisse progressivement des liens avec la Suède. Il y retourne passer des vacances et effectue notamment une mise en scène du "Roi Lear" au Théâtre dramatique de Stockholm en 1983. Il est contraint d'y poser sa caméra pour le film "Fanny et Alexandre" ("Fanny och Alexander", 1982) inspiré en partie de souvenirs d'enfance.


title: Ingmar Bergman

text: "Fanny et Alexandre" est la plus ambitieuse et la plus coûteuse production d'Ingmar Bergman. Le budget approche des six millions de dollars, le film comprend une soixantaine de comédiens et un millier de figurants. Le cinéaste se tourne d'abord vers le Britannique Sir Lew Grade qui a coproduit "Sonate d'automne" mais celui-ci se retire quand il apprend que le film pourrait durer plus de deux heures et quart. C'est Jörn Donner, directeur de l'Institut suédois du film, qui propose de prendre en charge la production à la condition que le film soit tourné en Suède, ce que l'auteur accepte. La production suggère deux versions, l'une cinématographique de trois heures, et une autre, la plus exhaustive, pour la télévision, de cinq heures. Le cinéaste ne reconnaît véritablement que cette dernière version et demeure contrarié par la version sortie en salle. Le film est toutefois plébiscité et salué comme un chef-d'œuvre.


title: Ingmar Bergman

text: "Fanny et Alexandre" est dès le départ envisagé comme une somme de l'œuvre d'Ingmar Bergman et l'aboutissement de sa carrière. Il est aussi une rupture car l'auteur aborde l'enfance, un thème inédit dans sa longue filmographie. L'angle choisi est le regard de son jeune héros, Alexandre, et de sa sœur cadette, Fanny, qui vivent et subissent le remariage de leur mère avec un prédicateur tyrannique. Les aspects initiatique et picaresque du film comme le dénouement féérique de l'intrigue participent à sa singularité dans la carrière du cinéaste mais aussi de son caractère testamentaire. L'issue est en définitive la sublimation des tourments au travers de l'imaginaire de l'enfant, soit de la création.


title: Ingmar Bergman

text: Ingmar Bergman prend sa décision de se retirer du cinéma au cours du tournage. La retraite annoncée reste pourtant active. La suite de sa carrière depuis lors se concentre, certes à un rythme moins soutenu qu'auparavant, au théâtre et à la réalisation de téléfilms.


title: Ingmar Bergman

text: Une partie des téléfilms font l'objet de sortie en salle, mais contre la volonté du réalisateur, pour qui ces œuvres audiovisuelles sont uniquement destinées au petit écran. C'est le cas notamment d"'Après la répétition" ("Efter repetitionen", 1984) que d'aucuns ont considéré comme un post-scriptum à "Fanny et Alexandre" mais qui, selon le réalisateur, ne se situe pas dans la continuité de son œuvre cinématographique. Il s'agit d'un hommage à l'actrice suédoise Gertrud Fridh réunissant Erland Josephson, Ingrid Thulin et Lena Olin – fille du comédien Stig Olin qui a joué dans plusieurs des premiers films du cinéaste. À l'origine, Ingmar Bergman imagine une correspondance entre une comédienne et son metteur en scène. Il reprend le script pour en faire un dialogue et évoquer son travail de metteur en scène. La production peine car, selon le cinéaste, Ingrid Thulin s'identifie trop au rôle et Erland Josephson, débordé, a du mal à retenir ses textes ; il coupe près de vingt minutes de séquences au montage.


title: Ingmar Bergman

text: Afin cette fois de déjouer une sortie cinématographique, il tourne "Les Deux Bienheureux" ("De Två saliga", 1986) en vidéo. L'œuvre obtient d'ailleurs un prix dans la catégorie télévision à la Mostra de Venise. Il supervise aussi plusieurs captations télévisuelles de ses propres mises en scène telles "La Marquise de Sade" ("Markisinnan de Sade", 1992), "Les Bacchantes" ("Backanterna", 1993), "Sista skriket" (1995), "Bildmakarna" (2000) ainsi qu'une mise en scène d'Alf Sjöberg, "L'École des femmes" ("Hustruskolan", 1983), en son hommage, après le tragique accident de la route qui l'a emporté. En 1997, il écrit et réalise un nouveau téléfilm, "En présence d'un clown" ("Larmar och gör sig till"), qui ne connaît pas de sortie cinématographique, sinon des projections ponctuelles, notamment dans la sélection Un certain regard au festival de Cannes.


title: Ingmar Bergman

text: S'il ne revient pas à proprement parler à la réalisation cinématographique, Ingmar Bergman s'autorise l'écriture de plusieurs scénarios. Ainsi en est-il des "Meilleures Intentions" ("Den Goda viljan", 1992), adapté avec succès par le réalisateur danois Bille August – également publié sous forme de roman. Le film raconte un épisode de la vie des parents Bergman ; il obtient la Palme d'or au festival de Cannes 1992. La même année, il écrit un scénario pour son fils Daniel Bergman, "Les Enfants du dimanche" ("Söndagsbarn"), puis deux autres pour Liv Ullmann, "Entretiens privés" ("Enskilda samtal", 1996) et "Infidèle" ("Trolösa", 2000).


title: Ingmar Bergman

text: Le cinéaste s'attache très nettement à distinguer son œuvre cinématographique qu'il estime achevée avec "Fanny et Alexandre", de son œuvre télévisuelle qui perdure. Reste que cette dernière emprunte les mêmes thèmes et questionnements et, à cet égard, il est difficile de s'empêcher de les mettre en perspective. Les téléfilms qu'Ingmar Bergman réalise, évoquent par exemple, comme d'autres films, le processus créatif et s'inspirent de sa propre histoire. Si l'on exclut l'idée d'une continuité, ils peuvent sans doute être vus comme une forme de résonance des thèmes et intrigues de ses films, comme une réflexion sur son œuvre cinématographique. Ainsi, "En présence d'un clown" pousserait plus loin – et jusqu'au grotesque – la représentation de la mort. "Sarabande" (Saraband), dernier film d'Ingmar Bergman, peut aussi, dans cette idée, être présenté comme un développement de "Scènes de la vie conjugale". Il se présente d'ailleurs comme une suite de ce dernier : les personnages se retrouvent trente années après s'être séparés. Ce dernier opus, tourné en numérique haute définition, sort en 2003.


title: Ingmar Bergman

text: Depuis 1995, l'année où sa femme Ingrid décède d'un cancer de l'estomac, le cinéaste estime avoir perdu le goût de la vie. Il en fait l'aveu en 2000, lors d'un entretien télévisé en compagnie d'Erland Josephson : Après la sortie de "Sarabande", Ingmar Bergman cesse toute activité artistique.


title: Ingmar Bergman

text: Il meurt le à l’âge de 89 ans dans sa maison à l’île de Fårö, le même jour que Michelangelo Antonioni. La nouvelle de sa mort est rapportée par la presse du monde entier, unanime sur la disparition d'« un maître du cinéma ». Une cérémonie intime a lieu à l'église de Fårö et il est enterré au cimetière de l'église.


title: Ingmar Bergman

text: Ingmar Bergman est aussi le père de Linn Ullmann, romancière et critique norvégienne, née le de sa relation avec l'actrice Liv Ullmann.


title: Ingmar Bergman

text: Pièces jouées au Théâtre dramatique royal de Stockholm ("Kungliga Dramatiska Teatern" en suédois, abrégé "Dramaten") comme metteur en scène, sauf mention contraire :


title: Habeas corpus

text: , plus exactement "", est une notion juridique qui énonce une liberté fondamentale, celle de ne pas être emprisonné sans jugement, contraire de l'arbitraire qui permet d'arrêter n'importe qui sans raison valable. En vertu du principe, toute personne arrêtée a le droit de savoir pourquoi elle est arrêtée et de quoi elle est accusée. Ensuite, elle peut être libérée sous caution, puis amenée dans les jours qui suivent devant un juge.


title: Habeas corpus

text: Ses origines remontent à la Rome antique avec la "provocatio", qui en est le précurseur, et son principe moderne naît dans l’Angleterre du Moyen Âge. Depuis, elle a été renforcée et précisée de façon à apporter des garanties réelles et efficaces contre la détention arbitraire par l’" " (« la loi d’ ») de 1679. Devenue un des piliers des libertés publiques anglaises, elle s’applique dans les colonies et reste au présente dans la plupart des pays qui appliquent la ". Aux États-Unis, elle a valeur constitutionnelle, ne pouvant être suspendue qu’en temps de guerre. En revanche, au Royaume-Uni, elle est restée strictement anglaise, ne s’appliquant ni en Écosse, ni en Irlande du Nord.


title: Habeas corpus

text: On traduit souvent le latin ' par « sois maître de ton corps », qu’on interprète comme l’énoncé d’un droit fondamental à disposer de son corps, compris comme la protection contre les arrestations arbitraires. Cette traduction est erronée, car la phrase complète ' signifie littéralement : « que tu aies le corps pour le soumettre » ; elle s’adresse donc au geôlier et non au prisonnier, afin qu'il produise le détenu devant la Cour (« Aie le corps [la personne du prisonnier], [avec toi, en te présentant devant la Cour] afin que son cas soit examiné »). Pour justifier le subjonctif présent " (« que vous ayez », en traduction vouvoyante), on peut considérer comme sous-entendu : .


title: Habeas corpus

text: Depuis le bas Moyen Âge, un homme libre d’Angleterre ne peut subir un emprisonnement arbitraire ou vexatoire. Obtenue par les barons anglais, la ' ("Grande Charte") du signée à Runnymede, à du château de Windsor, par le roi Jean d’Angleterre, dit Jean sans Terre, leur donne, ainsi qu’aux bourgeois des villes et aux ecclésiastiques, des garanties contre la puissance royale. Elle pose, entre autres, les bases du droit au juge, notamment dans son : . C’est cependant dans la direction inverse qu’apparaît l’' : comme un contrôle royal sur les actes des barons.


title: Habeas corpus

text: Les juges royaux, qui élaborent progressivement la ' (jurisprudence commune et uniforme), et le roi lui-même, qui peut juger en dernier ressort, offrent un recours contre l’arbitraire féodal. Pour cela, le roi ou les juges peuvent recourir à un certain nombre d’ ('), dans des formes définies et limitées afin de ne pas empiéter sur les pouvoirs des justices seigneuriales.


title: Habeas corpus

text: Parmi celles-ci, plusieurs ordonnances d’" sont définies et sont toutes destinées à amener une personne détenue devant un tribunal royal, pour des motifs différents :


title: Habeas corpus

text: En l’absence de charges réelles, le juge fait libérer la personne. Sinon, il peut autoriser la libération sous caution (") dans l’attente du procès. L’existence de cette ordonnance est attestée pour la première fois sous le règne d’, pendant le dernier quart du .


title: Habeas corpus

text: À l’origine prérogative exclusive du roi, l’ordonnance peut, par la suite, être mise en œuvre par les cours royales de ', surtout le Banc du roi pour la justice criminelle, mais aussi la Cour des plaids communs (') chargée de la justice civile et, lorsqu’elles apparaissent, les cours d’' : Cour de chancellerie (') ou Cour de l’échiquier ('). Pendant les périodes Tudors puis Stuarts, alors que la féodalité a presque disparu et que le monarque est au sommet de sa puissance, les cours de ' commencent à utiliser l’' pour contrôler les actions des officiers de la Couronne, voire pour s’opposer aux cours d’', plus proches du souverain, en particulier la Chambre étoilée (') qui, sous les premiers Stuarts et jusqu’à son abolition par le Parlement en 1641, organise la répression politique dans les conditions les plus arbitraires. En effet, l’interférence des instances locales ou gouvernementales dans l’exercice ordinaire de la justice, la vulnérabilité des magistrats qui ne sont pas inamovibles, sont soumis à des influences et à des pressions diverses, ainsi que le rôle surtout politique du chancelier, bien plus ministre que chef judiciaire, le tempérament autoritaire des monarques expliquent les difficultés à appliquer l’'.


title: Habeas corpus

text: C’est en 1629 que le Parlement britannique se saisit de la question de la possibilité pour le roi de faire incarcérer ses sujets sans motifs. contourne l’obligation traditionnelle du consentement à l’impôt (les impôts doivent être approuvés par le parlement) en recourant à un emprunt forcé.


title: Habeas corpus

text: En 1627, un nommé Darnel, et quatre autres personnes refusent d’y souscrire et sont arrêtés par ordre du roi. Sur une ordonnance d’', le Banc du roi se saisit de l’affaire (l’affaire Darnel, ', ou affaire des cinq chevaliers, "). L’arrêt, rendu en 1628, est ambigu et confirme la détention jusqu’au procès. La Cour aurait pu examiner les motifs de l’arrestation s’ils avaient été donnés, mais à défaut, elle reconnaît que le roi peut faire emprisonner ses sujets comme il le souhaite.


title: Habeas corpus

text: Le Parlement réagit en présentant au roi la Pétition des droits (') qu’il accepte après beaucoup d’hésitation, le . Sous la forme respectueuse d’une supplique au roi, il rappelle la règle du consentement à l’impôt, la ' dont il cite l’ (voir ci-dessus), se plaint de violations récentes de ces principes et demande au roi d’y mettre fin. Pour les parlementaires, le monarque ne peut emprisonner ses sujets sans motifs ni sans respecter les formes d’un procès. Charles donne sa sanction à la Pétition, qui devient un des documents majeurs de la tradition constitutionnelle anglaise. Mais le Parlement est dissous l’année suivante et n’est plus réuni pendant onze ans. Puis la guerre civile tout comme la dictature de Cromwell sont peu propices aux respect des droits. La question revient en force après la restauration des Stuarts en 1660, avec une opposition de plus en plus vive entre le parlement et la Couronne.


title: Habeas corpus

text: Le combat politique est vif entre un parlement jaloux de ses prérogatives et, comme la majorité de la population, vivement anti-catholique, et , admirateur de l’absolutisme français et montrant au moins de la sympathie pour le catholicisme ; l’héritier présomptif, le duc d’York, frère du roi et futur est catholique.


title: Habeas corpus

text: La Couronne ordonne nombre d’arrestations arbitraires et diverses manœuvres, comme le déplacement des personnes de prison en prison, voire la déportation outre-mer, hors du ressort des tribunaux anglais, permettant de soustraire les personnes visées à leur juge. Encore faut-il aussi que le juge soit disposé à s’opposer au roi, ce n’est pas toujours le cas. Quand la crise se noue, en 1679, lord Shaftesbury, le chef du parti Whig, parvient à faire voter la "Loi sur l’" le dernier jour de la session du Parlement, que le roi vient de renvoyer.


title: Habeas corpus

text: Son intitulé est « une loi pour mieux assurer la liberté du sujet et pour la prévention des emprisonnements outre-mer ». Le bref exposé des motifs explique les moyens par lesquels l’" est rendu inopérant, après quoi le texte fixe la nouvelle procédure :


title: Habeas corpus

text: Des sanctions sévères sont prévues en cas de violation de l’acte. L’" contraint les juges mais leur assure en même temps la sécurité nécessaire. La révolution de 1688, qui renforce la limitation du pouvoir exécutif sur le judiciaire, accroît l’indépendance des juges. Le texte contribue ainsi à ôter aux instances politiques, policières ou administratives tout pouvoir de juridiction criminelle. C’est un acte important dans la lutte pour les libertés individuelles.


title: Habeas corpus

text: Cette notion est généralement admise par les juridictions modernes comme une liberté fondamentale, y compris au-delà des pays de common law. Ainsi, un arrêt de la cour constitutionnelle belge de 2021 dispose que « [l]’habeas corpus est un aspect à ce point essentiel de la liberté du citoyen, en toute circonstance, que toute personne physique se trouvant sur le territoire belge possède un intérêt permanent à ce que les règles relatives à la privation de liberté [...] garantissent la liberté individuelle." ».


title: Habeas corpus

text: Toutefois des législateurs visent à sa restriction. Ainsi, l'habeas corpus en vigueur aux États-Unis fut amendée par le "Detainee Treatment Act", voté par le Congrès des États-Unis en 2005, qui stipule qu’aucun tribunal américain n’a juridiction pour entendre un bref d’habeas corpus soulevé par un étranger détenu à Guantanamo Bay.


title: Cuisine française

text: La cuisine française fait référence à divers styles gastronomiques dérivés de la tradition française. Elle a évolué au cours des siècles, suivant ainsi les changements sociaux et politiques du pays. Le Moyen Âge a vu le développement de somptueux banquets qui ont porté la gastronomie française à un niveau supérieur, avec une nourriture décorée et fortement assaisonnée par des chefs tel Guillaume Tirel. Au , les habitudes ont changé, avec une utilisation moins systématique des épices et avec le développement de l'utilisation des herbes aromatiques et de techniques raffinées, initiées par François Pierre de La Varenne. Au , de somptueux banquets avec des dizaines de plats sont servis à la Cour de France à Versailles. C'est également vers la fin de ce siècle que naît Marie-Antoine Carême, futur chef de renommée internationale.


title: Cuisine française

text: La cuisine française a été codifiée au , par Auguste Escoffier, pour devenir la référence moderne en matière de grande cuisine. Elle est aujourd'hui encore considérée comme une référence dans le monde en raison de son aspect culturel. L'œuvre d'Escoffier a toutefois laissé de côté une grande partie du caractère régional que l'on peut trouver dans les provinces françaises. L'essor du tourisme gastronomique, avec l'aide notamment du Guide Michelin, a contribué à un certain retour aux sources des gens vers la campagne au cours du et au-delà.


title: Cuisine française

text: La diversité des traditions régionales rend la cuisine française multiple plutôt qu'unifiée. De nombreux plats régionaux se sont développés au point d'être connus et reconnus au niveau national, donnant parfois naissance à des variations d'une région à l'autre.


title: Cuisine française

text: Les produits agricoles comme le fromage, le vin, la viande, etc., occupent une place d'exception dans la cuisine française, de nombreuses productions régionales arborant, lorsqu'elles sont commercialisées, le label de préservation de l'environnement Agriculture Biologique (AB), des marques de certification collectives liées à l'agriculture durable comme Demeter, Bio Cohérence, ou une préservation d'appellation d'origine comme Appellation d'origine protégée (AOP) ou encore une préservation d'indication géographique comme Indication géographique protégée (IGP).


title: Cuisine française

text: Le , suivant la proposition faite par l'Institut européen d'histoire et des cultures de l'alimentation, a été ajouté à la liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l'humanité de l'UNESCO le . Avec la cuisine mexicaine et la diète méditerranéenne, inscrites le même jour, c'est la première fois que des traditions culinaires sont enregistrées dans cette liste.


title: Cuisine française

text: La cuisine française a énormément évolué au cours des siècles. À partir du Moyen Âge, une cuisine nationale unique et créative a commencé à émerger. Cet élan initié par plusieurs grands chefs est la conséquence des différents mouvements sociaux et politiques. Au fil des années, différents noms ont été donnés aux styles de cuisine français qui ont été codifiés par différents maîtres-cuisiniers. Tout au long de leur vie, ces chefs ont été tenus en haute estime pour leurs contributions à la culture du pays. La cuisine française s'est principalement développée dans la ville de Paris avec les chefs de cuisine royaux, mais elle s'est finalement étendue à tout le pays et a même été exportée par delà les mers.