title: Le Roi et l'Oiseau

text: Grimault retrouve enfin Prévert en 1976 pour se pencher avec lui sur le scénario de la seconde version, mais le poète, malade, meurt en , année où la réalisation a redémarré, alors que Grimault est encore à la recherche de fonds. Jusqu'à la fin, les deux coauteurs ont l'habitude de se voir chez Prévert, à Omonville-la-Petite, en Normandie, et leurs promenades en bord de mer sont autant d'occasions de discuter du film, et notamment de la dernière scène que Prévert élaborera : le plan final, dans lequel l'automate libère le petit oiseau. , se souvient Grimault. Le cas de Prévert est symptomatique du défi de taille qui attend le film : "Le Roi et l'Oiseau", qui va concilier des extraits de la première version avec de nouveaux sons et images, doit être poursuivi et achevé malgré la perte d'une partie de l'équipe initiale. Or, la fière équipe de la belle époque des Gémeaux n'existe plus. Quand ses animateurs talentueux ne sont pas disparus entre-temps, ils se sont dispersés dans nombre d'ateliers indépendants qui se font concurrence sur des projets moins prestigieux, comme dans le marché des films publicitaires, que Grimault a lui-même connu en quittant la "Bergère et le Ramoneur". Quant aux comédiens principaux, Serge Reggiani ne peut plus exprimer la jeunesse du Ramoneur et Pierre Brasseur est au nombre des disparus ; dans le rôle de l'Oiseau, qui avait été animé d'après ses enregistrements de voix, le comédien Jean Martin, issu de la compagnie Renaud-Barrault le remplace sur la suggestion de Pierre Prévert. L'entreprise est sans commune mesure avec le travail de doublage en général : les nouveaux interprètes doivent coller très précisément à l'interprétation de leurs prédécesseurs. Mais le nouveau doublage est également l'occasion d'améliorations, à l'image de Roger Blin, seul comédien ayant retrouvé son rôle, dont Grimault apprécie la voix qui se fait plus grave et émouvante.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: S'ensuivent de longues années de travail durant lesquelles le réalisateur va reprendre les scènes existantes et les pour en tirer , dessiner de nouvelles séquences et les remonter entièrement pour donner les du "Roi et l'Oiseau" face aux récupérées de "La Bergère et le Ramoneur". Les scènes qui sont les plus retravaillées sont notamment celles du mariage, des fauves, et celles se déroulant de nuit, du fait de diverses malfaçons inadéquates selon Grimault. Heureusement pour ceux qui s'attèlent à reprendre des scènes de cette première version, sa production en Technicolor a permis de conserver les couleurs dans le temps, et à partir de celle-ci, des studios londoniens vont ensuite effectuer un négatif en Eastmancolor. Grimault a de plus conservé le souvenir précis de la palette de couleurs utilisée, ce qui facilite les raccords. L'équipe compte alors une trentaine de personnes, en grande partie renouvelée, à l'image finalement de la structure inédite qu'aurait trouvée Grimault s'il était parti aux États-Unis. La continuité est néanmoins assurée par quelques anciens comme Pierre Prévert, le frère du poète disparu.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Dans un article paru dans "L'Écran fantastique", le jeune Christophe Gans relate le relatif anonymat de Paul Grimault durant ces années de silence : , . Le réalisateur travaille toujours rue Bobillot avec une nouvelle génération de collaborateurs qu'il « découvre » lui-même et qu'il contribue quelque temps à former avant de les laisser voler de leurs propres ailes, au nombre desquels se trouvent Jacques Colombat, Philippe Leclerc ou Jean-François Laguionie.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: À mesure que la seconde version avance, il devient évident que le scénario a tant évolué que les personnages principaux ont changé, et c'est tout naturellement que la Bergère et le Ramoneur laissent leur place dans le titre aux deux principaux antagonistes, le Roi et l'Oiseau. Ce changement permet aussi d'éviter tout risque de confusion avec la première version. Grimault s'occupe de monter l'image et la musique et laisse les modifications plus précises à ses associés, sans s'empêcher d'intervenir par moments auprès des comédiens, par exemple pour recommander à l'interprète de la chanson de l'Oiseau de ne pas maquiller sa voix s'il lui arrive de chanter faux. Le film, achevé en après cinq années de travail effectif, est dédié à Prévert, pour qui il a pu faire office de chant du cygne, puisque le poète a entre-temps été dégoûté du cinéma par l'échec des "Portes de la nuit".


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Le premier compositeur des ambiances du royaume de Takicardie est le Hongrois Joseph Kosma. Lors de la réalisation de "La Bergère et le Ramoneur", trois chansons (la chanson du mois de mai entendue dans une boîte à musique, la berceuse chantée par l'Oiseau à ses oisillons, et la chanson chantée par les oisillons) sont composées par lui, sur des paroles de Jacques Prévert en plus des quelques chœurs initialement prévus pour donner de l'ampleur, et dont ne subsistera dans la première version qu'un chœur de courtisans.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Il n'est cependant pas question que Kosma revienne pour la seconde version : Grimault, Prévert et lui se sont définitivement fâchés en 1950, le compositeur, malgré ses nombreuses associations précédentes avec Prévert, ayant refusé de se désolidariser de "La Bergère et le Ramoneur". Kosma arguait qu'il avait déjà achevé son travail et ne pensait plus devoir être impliqué dans le conflit qui opposait les créateurs à Sarrut, et avait livré ses compositions à la production ; ceux-ci lui reprochaient son manque de loyauté pour ne pas les avoir suivis.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Au moment de retourner travailler sur la seconde version, Grimault, qui juge par ailleurs que la contribution de Kosma est très inégale et consiste majoritairement en du répétitif, quand les sons n'ont tout simplement pas été endommagés par les ans, approche Maurice Jarre, un associé de longue date de son ami Georges Franju, sans que cela n'aboutisse à une collaboration. La recherche d'un compositeur taraude les deux auteurs jusqu'à la disparition de Prévert et Grimault fait finalement appel au compositeur polonais Wojciech Kilar, dont la partition sur "La Terre de la grande promesse" lui a fait grand effet. Kilar est francophile, grand admirateur de Prévert, et son contact avec Grimault tout à fait réussi dès leur première rencontre en .


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Paul Grimault lui confie ce travail environ six mois après la mort de Prévert et lui laisse une complète liberté dans ses choix musicaux. Kilar refuse, par respect pour son prédécesseur, de remplacer les chansons composées par Joseph Kosma pour le premier film, et les intègre telles qu'elles furent composées à la bande originale du "Roi et l'Oiseau". Certaines séquences courtes, comme la danse du petit clown ou la marche nuptiale, sont composées et enregistrées avant la réalisation du film, ce qui permet à Paul Grimault de réaliser l'animation en fonction de la musique pour une synchronisation optimale ; pour le reste, la musique est enregistrée une fois l'animation terminée, sans même que Grimault n'écoute des échantillons du travail de Kilar. Les enregistrements ont lieu durant trois jours en Pologne et la musique est interprétée par le Grand Orchestre symphonique de la radio polonaise sous la direction de Stanislaw Wislocki. Kilar remet la partition dont il juge le thème principal à Grimault le : le réalisateur va alors seulement l'entendre pour la première fois.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: La bande originale du film, éditée en CD par FGL Productions en 2011, contient les pistes suivantes :


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Un "Hymne de Takicardie" a également été imaginé et son interprétation proposée à Henri Salvador. Paul Grimault avait en fait hérité de Prévert quelques couplets d'une chanson chargés d'onomatopées et censés se superposer sur la séquence de l'usine, en harmonie avec le travail des ouvriers. Début 1978, Grimault rend donc visite au chanteur, ravi qu'on le sollicite pour mettre en musique une œuvre du poète, mais il déchante en prenant connaissance des paroles. Le projet est abandonné de part et d'autre sans rancœur.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: C’est une ballade romantique pour piano et accompagnement de cordes (2 violons, alto, violoncelle et contrebasse), dans la tonalité de Fa# mineur. Son ton mélancolique va de pair avec celui de l’introduction, présentant successivement les ruines du château de Takicardie, puis la tombe de la défunte épouse de l’Oiseau, « victime d’un accident de chasse ».


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Cette ballade sera reprise de façon assez récurrente au cours du film, sous différentes formes et tonalités.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Le thème de la Bergère et du Ramoneur, autre thème musical important du film, en reprend la structure et la forme. La première partie, en La mineur, est un dialogue entre les deux instruments interprètes : le clavecin et le violon, jouant respectivement l’accompagnement et la mélodie principale. La seconde partie, en Mi mineur, repose toujours sur la même structure, mais cette fois-ci interprétée par un piano seul avec un tempo plus rapide. Le changement de tempo soudain au milieu du morceau correspond à un changement d’atmosphère : la première partie, lente et mélancolique est le dialogue amoureux entre les deux protagonistes, et la seconde, plus dramatique et rapide, leur évasion. Le morceau s’achève sur des accords arpégés évoquant les carillons, autre morceau inclus dans la bande originale.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: On retrouve encore le thème principal sous trois autres formes, à trois reprises (le générique final est identique à celui d’introduction) :


title: Le Roi et l'Oiseau

text: La bande originale du film comprend d'autres compositions, certaines puisant leur source dans des formes musicales diverses. Ainsi "La complainte de l'aveugle" et "La polka de lions" se font écho, puisant leur inspiration dans le répertoire populaire d'orgue de barbarie pour la première composition et, comme son nom l'indique, la polka pour la seconde.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: La "Marche nuptiale" est un pastiche intentionnellement grotesque du célèbre chœur nuptial "que les bruits de la fête s'éteignent, que vos cœurs s'enivrent !" de l'opéra "Lohengrin" de Richard Wagner.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: La première version du film, "La Bergère et le Ramoneur", est primée à la Biennale de Venise en et attire dans les salles après sa sortie le .


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Le , "Le Roi et l'Oiseau" reçoit le prix Louis-Delluc alors même qu'il n'est même pas encore sorti en salles ; il reste de nos jours le seul dessin animé sacré par le Prix. Le film sort en salles le . Au , il enregistre un total de . Il aurait fait lors sa première exploitation ou au cinéma. Grimault est globalement satisfait de ce résultat commercial. Pour ses ressorties subséquentes à des restaurations, le film accueille sur en 2003 et quelque ou sur à sa ressortie en salles en 2013. Fin 2019, le film cumule depuis sa sortie.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Les retours de la presse sont généralement très positifs, notamment en Angleterre. En France, les critiques sont presque unanimes en leurs éloges et saluent le qui a permis d'aboutir à cette version. L'ensemble des reproches concerne plutôt l'harmonisation technique jugée parfois insuffisante entre les séquences de 1953 et celles de 1980. Dans "Positif", Jean-Philippe Domecq note ainsi la connivence réussie entre Prévert et Grimault, et l' du résultat. Il loue le sens de la caricature de Grimault mais remarque cependant dans les traits de la Bergère et du Ramoneur un , en admettant qu'. Un an plus tard, de nouveau dans "Positif", un journaliste voit dans le film, à l'occasion de sa présentation au festival d'Annecy, .


title: Le Roi et l'Oiseau

text: La critique la plus féroce provient des "Cahiers du cinéma" et estime que "Le Roi et l'Oiseau" est . Bien que peu relayé, l'avis est frappant par sa virulence et peine profondément Grimault ; il dénonce notamment et l'absence d'échappée poétique. S'il loue le soin apporté aux décors, le critique fustige cependant le reste des dessins, le scénario et le manque d'améliorations entre les deux versions, qui aboutissent à ce qu'il estime être un exemple de . Les manquements du scénario sont également relevés par Michel Mardore dans "Le Nouvel Observateur", selon qui . Là résiderait selon lui la faiblesse du cinéma d'animation, , et qui .


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Le bon accueil général reçu néanmoins par le film rassérène Grimault, , et prêt à se lancer sur un nouveau long-métrage, qui sera "La Table tournante".


title: Le Roi et l'Oiseau

text: "Le Roi et l'Oiseau" marque à plusieurs titres un jalon dans l'histoire du cinéma d'animation : il est certes annoncé techniquement comme le premier long-métrage du genre en France (voir plus haut), mais, surtout, le succès critique qu'il remporte le sacre comme l'un des dessins animés les plus loués aussi bien auprès des spectateurs que des professionnels du cinéma. Il est le seul dessin animé a à la fois avoir reçu le Prix Louis-Delluc et figurer (aux côtés de "Blanche-Neige et les Sept Nains") dans le classement établi en 1999 des « cent films préférés des Français » ("Le Monde"/Fnac).


title: Le Roi et l'Oiseau

text: L'influence du film ne se mesure pas qu'aux prix reçus et aux carrières inspirées : la reconnaissance publique en France du "Roi et l'Oiseau" paraît marquer, au-delà du seul dessin animé, le genre de l'animation tout entier. , estime vingt ans plus tard Grimault dans la biographie que Pagliano lui consacre. Bien souvent parents pauvres du cinéma, les animateurs viennent de réaliser une œuvre que le public estime comparable à un . Telle est l'ambition de Grimault : en faire .


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Dès la sortie de la seconde version, en 1980, la revue "Jeune Cinéma" estime qu'en matière de cinéma d'animation, . En face des courts-métrages, les longs-métrages d'animation tel que ce dernier apparaissent enfin rentables et capables d'honorer financièrement les techniciens impliqués.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Par la suite, le film est notamment présenté au Festival du film français du Portugal en 2004, au Festival du film français d'Israël en 2006, et au Festival du film français d'Hong-Kong en 2013.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: "Le Roi et l'Oiseau" exerce tout spécialement une influence sur le monde du dessin animé japonais, représenté par les fondateurs du Studio Ghibli, Hayao Miyazaki et Isao Takahata. Tous deux ont été très marqués par "La Bergère et le Ramoneur", qu'ils voient à sa sortie au Japon dans les années 1950, et Takahata eut plus tard l'occasion de rencontrer Grimault lors d'une rétrospective au Palais de Tokyo, en , et de lui faire dédicacer le catalogue de l'exposition.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Isao Takahata, diplômé de littérature française et notamment spécialiste de l'œuvre de Prévert, visionne "La Bergère et le Ramoneur" à ses vingt ans. L'étudiant d'alors parvient à emprunter chez le distributeur du film le script francophone qui servit à élaborer les sous-titres nippons. Il voit dans son , inédit aux films d'animation, des éléments proches des arts classiques japonais, et est frappé en particulier par ce que rend possible le cinéma d'animation : l'expression y repose notamment sur les décors, par le biais de jeux de perspective, et sur une caractérisation soignée des personnages, même des machines. Il rejoint en cela l'opinion de Yasuo Ōtsuka, son futur collègue du Studio Ghibli, qui y voit le . Un exemple de cette caractérisation admirée par les Japonais pourrait être la scène du portrait du Roi : lorsque le peintre présente au tyran sa représentation exacte , celui-ci semble tout d'abord ne pas lui en tenir rancune, puis, après l'avoir apparemment félicité et décoré d'une médaille, le fait tomber dans les oubliettes. Les changements subtils de traits et de comportements du Roi dénotent la complexité du personnage, de manière plus minutieuse que ce qui peut se faire dans l'animation américaine.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: L'influence de "La Bergère et le Ramoneur" (et non du "Roi et l'Oiseau", sorti bien après les débuts de ses animateurs) se ressent dans les œuvres du Studio Ghibli à maintes reprises : "Le Château de Cagliostro" (1979) de même que "Le Château dans le ciel" (1986) d’Hayao Miyazaki y contiennent ainsi de nombreuses références. Dans celui-ci, le robot issu de la technologie de Laputa détruit la forteresse dans laquelle il est retenu prisonnier. Le progrès technique et scientifique a causé la perte du royaume, tout comme le palais du Roi dans "Le Roi et l'Oiseau" est finalement démoli par son automate. Chez Grimault comme chez Miyazaki, les robots témoignent d'une civilisation disparue et accomplissent un dessein éloigné de la mission destructrice pour laquelle ils avaient été programmés.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: En 2008, une exposition "Mondes et merveilles du dessin animé : Paul Grimault, Isao Takahata, Hayao Miyazaki" est présentée à l'abbaye royale de Fontevraud. Produite avec le soutien de la famille Grimault et du Studio Ghibli, elle met en évidence la filiation artistique entre les trois artistes. Son commissariat est assuré par Jean-Pierre Pagliano, biographe de Paul Grimault, Xavier Kawa-Topor et Ilan Nguyen, spécialistes du Studio Ghibli. Elle est inaugurée en présence d'Isao Takahata et de Jeanne Moreau.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Devant la détérioration alarmante de la pellicule originale, un premier projet de restauration du film est lancé en et s'achève en , supervisé par StudioCanal. Le nettoyage numérique des pellicules est réalisé par les laboratoires Éclair, puis la restauration photochimique et numérique du film et de sa bande sonore est réalisée par une équipe de StudioCanal menée par Béatrice Valbin. Pour une raison inconnue, certains dialogues de l'Oiseau sont réenregistrés, toujours avec la voix de Jean Martin.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: La version restaurée du "Roi et l'Oiseau" est présentée en projection numérique haute définition au Festival de Cannes 2003 et son édition DVD reçoit le prix spécial du Jury DVD au Festival de Cannes 2004.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: "Le Roi et l'Oiseau" connaît une édition en cassette vidéo VHS, réalisée par Citel éditions dès 1992.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Un double DVD de la version restaurée du film sort en . Il contient entre autres "Le Roi et l'Oiseau", le film "La Table tournante" qui met notamment en scène Paul Grimault, un documentaire sur le long-métrage d'animation et une interview de son réalisateur. Une édition prestige numérotée, limitée à , est sortie simultanément ; outre des DVD au contenu identique à celui de l'autre édition, elle contient un CD audio d'extraits de la bande originale du film, un livret d'images et cinq lithographies.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Après la restauration de 2013, le film devient accessible au format Blu-ray à partir du . Une version « combo » Blu-ray + DVD de même contenu que la version double DVD est éditée et propose une version simple ou un coffret "collector" « prestige » avec livret, affiches et CD. Un DVD simple sort également en 2013, avec des témoignages croisés pour découvrir le film en sa complexité tout à fait artisanale. En 2014 est édité un coffret double DVD réunissant : "La Table Tournante" ; le documentaire "Paul Grimault image par image" de Fabienne Isartel (2003) ; des témoignages sur la genèse du film de Wojciech Kilar, Jean-Pierre Pagliano, Philippe Leclerc et Pierre Tchernia ; et un témoignage de Lionel Charpy sur l'influence de "La Bergère et le Ramoneur" dans l'animation japonaise.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: "La Bergère et le Ramoneur" connaît un destin moins brillant et reste inaccessible au public, car marqué à jamais du désaveu de Grimault. D'aucuns, comme Isao Takahata, regrettent que les deux films n'aillent pas de pair et que l'on ne reconnaisse à chacun sa propre légitimité, mais Grimault refuse d'inclure la première version dans les éditions du "Roi et l'Oiseau" et tient à marquer la différence de propriété intellectuelle entre les deux œuvres :


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Le tyran Charles-V-et-trois-font-huit-et-huit-font-seize est le roi mégalomane et solitaire de Takicardie. Bien qu'il se croie épris de la Bergère, son intérêt envers elle n'a été piqué que du fait de l'amour qui liait déjà les deux jeunes gens. Présenté par l'Oiseau comme un souverain qui et que , son royaume porte le nom d'une anomalie (l'homonyme « tachycardie »). Il fait fabriquer à la chaine des statues et portraits à son effigie, imposant un véritable culte de la personnalité (il va jusqu'à retoucher lui-même le portrait qui incorpore son strabisme) et fait disparaître les sujets qui lui déplaisent dans ses oubliettes. Pire ennemi de l'Oiseau (qui le nargue, et dont il a tué l'épouse et menace les enfants), il aime la chasse alors même qu'il tire mal à cause de son strabisme... Jean-Pierre Pagliano voit en lui , qui a d'après Jean-Philippe Domecq tourné à la , un concept d'« envahisseur intérieur » anti-conformiste déconcertant pour un public enfantin. Son pouvoir paraît cependant solide, impression que contribue à installer la voix acousmatique de l'ascenseur, qui décrit les étages d'un ton neutre participant à légitimer le régime établi et son contrôle en même temps qu'elle leur apporte une caution touristique, donc historique. Cette scène est d'ailleurs montée spécialement par Grimault ; après avoir enregistré la prise du comédien qui s'essouffle sur la cadence du texte, le réalisateur la resserre encore davantage pour la faire paraître plus mécanique et monotone.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Il hérite son nom pompeux d'un précédent roi imaginé par Prévert dans le sketch "Un drame à la Cour" : le souverain de Hongrie « cinq et trois font huit et huit font seize ». Le Takicardien gagne le prénom Charles au passage, le seul donné à un personnage dans le film. Son rôle de persécuteur envers les deux amoureux évoque également la situation du "Petit Soldat", mais ce personnage maléfique est commun dans l'œuvre de Prévert. L'inspiration pour le personnage provient des officiers entourant Benito Mussolini : D'apparence angulaire et triste, ce dictateur est une référence aux régimes autoritaires qui sévissent alors en Europe de l'Est ; la verticalité de son château évoque les ambitions architecturales du Troisième Reich et du dirigeant roumain Nicolae Ceaușescu, et les uniformes de ses soldats ceux de la Stasi. L'univers mis en place est similaire à celui de la dystopie "1984" de George Orwell, avec haut-parleurs scandant la « pensée unique » souhaitée par le pouvoir, et police d'État présente à tout endroit.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: La menace que représente le Roi redouble lorsque celui-ci se fait remplacer par son propre portrait, dont les prétentions sur la Bergère sont d'autant plus justifiées qu'il émane du même monde, le monde de l'image. L'un de ses animateurs, Philippe Landrot, y voit la différence entre : Pagliano relève cependant que : le Roi jeté aux oubliettes pâtit du régime qu'il a établi. Paul Grimault admet d'autre part que chaque personnage comporte plusieurs faces plus ou moins reluisantes (à l'image de l'Oiseau, bienfaiteur des amoureux qui ne renie pas la pire démagogie) et se refuse à condamner définitivement le Roi :


title: Le Roi et l'Oiseau

text: L’Oiseau est habitué à narguer et à ridiculiser le roi, dont il est le pire ennemi. Cet antagonisme pourrait être dû à la mort de son épouse, que l'image d'une tombe devant laquelle l'Oiseau se recueille paraît attribuer au Roi, dont les compétences à la chasse sont altérées par un strabisme. La tombe porte l'inscription suivante : « Ici repose ma chère épouse victime d'un malencontreux accident de chasse. » Sa lutte contre le Roi n'est qu'une ré-interprétation de celle de David contre Goliath, du « Bien » contre le « Mal », face auquel il lutte par un message d'amour et de poésie.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Bien qu'hirondelle dans la première ébauche du scénario et corbeau si l'on en croit les yeux de certains critiques, l'Oiseau au nom vague se révèle finalement être un grand toucan, que l'on reconnait à la palette chatoyante de ses couleurs ; celle-ci ne se retrouve d'ailleurs en héritage, parmi les enfants du toucan moqueur, que chez celui qui prend des risques et se laisse emprisonner dans la cage. Les couleurs sont ainsi mises au service de l'action. La morphologie du personnage est cependant plus délicate à établir, et Grimault fait nombre d'essais et de ratures avant d'aboutir à l'Oiseau final : tantôt trop proche d'un , tantôt trop caricatural et chargé, le chemin est long avant d'établir un personnage qui puisse apparaître harmonieux aux côtés de ses partenaires.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Celui-ci est finalement conçu d'après deux personnalités : Jean Mollet, figure des cercles mondains et ancien secrétaire de Guillaume Apollinaire, dont Prévert s'inspira pour imaginer la silhouette et le style général du personnage, et qui fournit même au réalisateur quelques photos de lui ; et l'acteur Pierre Brasseur pour son énergie et sa verve. Notable interprète de Frédérick Lemaître dans "Les Enfants du paradis", ce dernier va également doubler l'Oiseau dans "La Bergère et le Ramoneur".


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Le caractère de l'Oiseau se fait le reflet de ces deux figures : c'est par son insolence que le personnage s'élève, héros d'origine populaire par ses paroles et sa manière d'être face au tyran reclus, pour finalement soulever la masse des gens de la ville basse et surplomber le roi dans ses envolées. Sa capacité à fédérer se ressent dans son attitude : à ses envolées langagières correspond un large déploiement d'ailes qui, littéralement, déplace de l'air et rend compte de son altruisme. De tous les personnages du film, l'Oiseau est celui qui correspond le plus à une figure héroïque grâce à son combat contre le Roi ; sa démagogie et sa vantardise atténuent cependant la force du modèle.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Les deux personnages, issus de tableaux mitoyens, ne peuvent être imaginés l'un sans l'autre et leur séparation ne fait dès lors qu'annoncer les scènes les plus dramatiques. Tous deux sont des figures de convention qui ne trouvent leur utilité, au début du film, que dans les sentiments qu'ils inspirent au Roi et qui vont déclencher la suite de l'histoire : leur amour, transgressif, n'est qu'un dramatique. À force de lui tenir tête par leur amour, ces deux archétypes vont gagner en profondeur et prendre l'initiative.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: L’Automate est une machine gigantesque construite par le roi et symbolisant sa puissance. Elle est détournée par l'oiseau qui en fait une machine de destruction monstrueuse, mais sa dernière scène paraît lui conférer une âme bienveillante. Il s'agit de l'une des premières apparitions de robot géant dans l'histoire du cinéma, et la brutalité qu'il symbolise fait débat à la sortie du film en 1953 auprès du critique Jean de Baroncelli, qui se demande s'il a sa place dans un dessin animé. Son apparition sera retravaillée pour la seconde version ; la scène finale où le Robot libère le petit oiseau et écrase sa cage est d'ailleurs la dernière sur laquelle travaille Prévert avant son décès. Son action rédemptrice de libération de l'oiseau , note alors le "Canard enchaîné", et le robot fait figure d', ce robot-vaisseau dépourvu de personnalité. , explique Grimault.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Bien que masse inanimée, la machine finit par devenir le centre de l'action : sa paume se fait lorsque les personnages y convergent ou s'en font expulser (à l'image du Roi, projeté vers les étoiles), géographiquement placée à l'avant du décor qu'est le château, peut-être jusqu'au point de percer l'écran par la force acoustique de sa machinerie. Le robot devient alors même le point de centralisation des outils du cinéma : son projecteur frontal, sa bouche qui se fait soufflerie géante et l'orchestre qui se niche dans son corps et qui est dévoilé par des rideaux à l'italienne sont autant d'instruments du septième art, de même que ses bras articulés rappellent des perches télescopiques de caméra ou sa main la plate-forme mouvante sur laquelle se tient le réalisateur pour accompagner un mouvement de travelling.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Au contraire des deux bibelots du conte d'Andersen, qui finissent par abandonner leurs velléités d'évasion, les protagonistes de Grimault vont jusqu'au bout de leur rêve audacieux et font même des émules sur leur chemin, , selon Jean-Pierre Pagliano. L'automate géant, qui délivre le petit oiseau puis écrase sa cage, fait partie de ces personnages conquis par un esprit de liberté et d'émancipation. Michel Braudeau voit dans le film .


title: Le Roi et l'Oiseau

text: L'impertinence de ces personnages qui ne restent pas à leur place se perçoit également dans la scène de l'usine de portraits : lorsque l'Oiseau rompt le rythme de production et accélère le moteur, à l'image du Charlie Chaplin des "Temps modernes", la rupture dans la cadence conduit à des défauts dans les bustes créés, qu'il s'agisse de taches de peinture anodines ou de graffiti volontairement dessinés par le Ramoneur et son comparse. Cette révolte à portée politique évoque également les audaces techniques du cinéma, comme la méthode prisée au temps du muet d'accélérer des courses burlesques en les faisant passer d'une fréquence de par seconde (au tournage) à (lors du défilement de la bande).


title: Le Roi et l'Oiseau

text: À ces personnages facétieux et audacieux s'opposent ceux qui assistent au mariage truqué du Roi, qui cautionnent son pouvoir, sa fausseté, et le laissent couler. Paul Grimault, à la sortie du film, commente notamment : "Le Roi et l'Oiseau" est particulièrement plus sombre que "La Bergère et le Ramoneur", qui avait été conçu pour faire concurrence à l'animation américaine à destination des enfants :


title: Le Roi et l'Oiseau

text: La dichotomie entre le roi et le reste du monde est accentuée par la segmentation de son royaume : la population se raréfie à mesure que l'on monte vers les appartements privés du monarque, lui-même isolé dans les cimes d'une manière réminiscente de King Kong, et son environnement immédiat est finalement bien restreint par rapport à l'étendue de la ville. Celui-ci n'est qu'une tour d'ivoire qui l'isole de la ville basse, celle-là évoquant les banlieues ou même les cercles finis des Enfers de Dante. Le critique des "Cahiers du cinéma" André Bazin, témoin de la projection de "La Bergère et le Ramoneur" à la Mostra en 1952, estime qu' Si cette ville basse enfoncée dans la pénombre et la servitude par l'écrasante ville haute rappelle l'organisation sociale à l'œuvre dans "Metropolis" de Fritz Lang ou la géographie entassée du "Cabinet du docteur Caligari" de Robert Wiene, elle en diffère cependant par sa constitution, précise Grimault :


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Prévert conçoit le palais du tyran mégalomane comme . Cette vaste pièce-montée de château qui mélange majesté de monuments reconnus dans des styles classiques (telles les coupoles rococo) et architecture futuriste est notamment illustrée lorsque le roi utilise son ascenseur privé et qu'une voix lui égrène les services disponibles à chaque étage de ce grand patchwork, une énumération faisant écho au poème "Inventaire" ("Paroles") de Prévert.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Le domaine du roi est conçu dans sa verticalité, tandis que l'horizontalité ne se définit que par sa stérilité : un espace qui s'étend jusqu'à l'horizon sans aucune présence, si ce n'est la tombe de l'épouse de l'Oiseau et quelques lumières au loin dans la nuit. Le vide du paysage rappelle notamment les peintures de Giorgio De Chirico, qui représentent des places vastes mais désertes. Les mouvements horizontaux eux-mêmes se font rares, au profit des cavalcades dans les escaliers ou dans les airs, qui ne sont que des gains ou pertes d'altitude, de même que les jeux de trappes, qui rappellent par ailleurs la trappe d"'Ubu" d'Alfred Jarry. Le Palais a néanmoins cette spécificité qu'il peut parfois apparaître comme tridimensionnel, grâce à des contre-plongées qui accentuent sa perspective fuyante.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: La ville haute se fait aussi l'expression du modernisme de la société française à la même époque : jetskis des gardes, auto-tamponneuse pour le trône du roi, ascenseur en forme de fusée et trappes automatiques sont autant de témoignages d'un certain matérialisme urbain, proche de celui évoqué par l'œuvre du réalisateur Jacques Tati. Le progrès en tant que tel n'est pas critiqué, mais les problèmes de dépendance qu'il peut soulever sont illustrés par le fait qu'aucune des machines du Roi ne parvient à rattraper les fuyards. Même l'Automate, allégorie des armes de destruction massive, n'est utilisé qu'à des fins d'extermination qui n'honorent pas sa perfection technologique ; son retournement contre son propre créateur peut d'ailleurs être lu comme un avertissement contre la bombe atomique.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Le régime de monarchie absolue fait du roi le seul sujet d'art dans le royaume de Takicardie. Présidant sur une hiérarchie verticale qui segmente également la géographie de la ville, Charles V... monopolise les représentations et contrôle leur vérité. Il s'approprie les modèles d'art : "Discobole" grec, "Penseur" de Rodin ou encore "Louis XIV" de Rigaud sont autant d'œuvres fameuses dont il imite les poses tandis que l'architecture du château rappelle en partie l'univers graphique de Giorgio De Chirico, ou celui de Salvador Dalí et notamment sa sculpture du "Rhinocéros habillé en dentellière" quasiment reproduit à l'identique dans la galerie du Roi. La propagande uniformise ses portraits, obligation que va apprendre malgré lui l'artiste qui a osé représenter son strabisme, et le magnifie par des postures glorieuses, telle celle de l'homme d'action à cheval, en usant de la contre-plongée pour accentuer la grandeur du despote. Une idée plus tard abandonnée de Prévert consistait également à faire loucher servilement tous les courtisans dès lors que leur roi apparaissait. De manière générale, c'est toute la population qui est soumise à une standardisation : les masses doivent se soumettre au même moule avilissant ou bien elles sont écrasées. De fait, le dessin de ces individus croisés par les protagonistes est volontairement dénué de personnalité, en leur faisant partager des costumes et expressions identiques. Sous ce régime d'oppression, les citoyens perdent leurs repères et en oublient même ce qu'est le soleil, ou confondent lions et oiseaux.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: L'exercice du pouvoir est à l'œuvre dans la séquence de l'usine, où les ouvriers sont constamment surveillés par une présence policière. Le décalage est frappant entre ces surveillants qui prennent le temps de manger avec nonchalance et les travailleurs qui peinent à la tâche. La reproduction en masse des portraits du roi, qui obéit à une logique de productivisme, apparaît quant à elle aliénante et stérile. La mise en scène se prête d'ailleurs à cette lecture, estime l'universitaire Benjamin Delmotte, par l'usage d'une musique aux et par la ressemblance des moules des sculptures avec des obus. Et lorsque le Roi oppose à la demande de la Bergère, qui réclame la liberté de ses amis : , ses paroles évoquent de plus l'expression allemande (« le travail rend libre ») tristement célèbre pour son utilisation dans les camps de concentration.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Mais cette production à la chaîne illustre par ailleurs l'inconsistance du pouvoir du monarque : pour se présenter comme roi, il ne suffit plus finalement que d'apposer une couronne sur un buste sans cesse reproduit. L'envers des statues révèle également que leur intérieur est creux, sans fondement pour l'autorité royale. C'est à l'obscénité de ce culte de la personnalité que le Ramoneur et l'Oiseau répliquent en saccageant de manière obscène les portraits du Roi.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: L'art est magnifié comme thérapie à la violence, notamment lors de la séquence où l'Oiseau demande au musicien de jouer de son instrument, pour hypnotiser les fauves qui tournent autour de l'un des Oisillons tombé dans leur cage. La même tentative de médiation par l'art est à l'œuvre lorsqu'un petit clown vient danser devant le roi sur une mélodie fragile et légère, porté par l'espoir de l'attendrir.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: Comme vu plus haut, le robot dissimule en son sein les attributs techniques nécessaires à la création cinématographique, mais c'est en particulier la scène de l'usine qui fait office de paradigme de cette dernière, en témoignant de la . Les mécanismes de la création sont dénudés et sont exhibés aussi bien par le Ramoneur, chargé d'apposer de ses pinceaux les derniers détails de couleur, que par l'Oiseau qui actionne une roue à aube, tous deux esclaves contraints de contribuer à la création des effigies du Roi. L'Oiseau tente à un moment de causer une disruption dans la chaîne, et le Ramoneur préposé à son extrémité ne peut que constater l'emballement du passage des reproductions ; le premier, en voulant mettre fin à son surplace, semble à ce moment s'émanciper de la narration dont le rythme ne lui conviendrait pas. Peut-être devient-il alors une sorte de délégué du démiurge, tout comme le Roi qui choisit de maquiller sur son portrait le strabisme qu'un peintre avait voulu représenter fidèlement, et le double du Roi, échappé de ce même tableau pour aller remplacer son modèle.


title: Le Roi et l'Oiseau

text: L'échappée des deux jeunes protagonistes, qui fuient la toile de leurs tableaux respectifs, révèle par mise en abyme « l'animation » des images. Le spectateur se trouve face une , note l'essayiste Jean-Philippe Domecq : les capacités d'invention de la réalité sont multiples et les nombreux mirages et pièges du palais sont autant d'embûches métaphoriques de ce que l'art permet.


title: Dean Norris

text: Il s'est d'abord rendu célèbre pour ses seconds rôles dans le cinéma fantastique ("", "Total Recall", "", "Starship Troopers", "Négociateur", "Échec et Mort, La Firme," "Bienvenue à Gattaca" ou encore "Death Wish"), généralement comme policier ou militaire.


title: Dean Norris

text: Plus tard, il accède à une nouvelle reconnaissance en interprétant Hank Schrader, agent de la DEA dans les séries "Breaking Bad et Better Call Saul", puis James Rennie dans la série "Under the Dome", diffusée sur CBS.


title: Yolande Moreau

text: Elle est lauréate de trois César : meilleur premier film en 2005, pour "Quand la mer monte..." et meilleure actrice, pour le rôle d'Irène dans ce même film, et pour celui de Séraphine de Senlis dans "Séraphine", en 2009. Elle est à ce jour la seule comédienne belge à avoir gagné deux fois cette récompense.


title: Yolande Moreau

text: Elle est née en 1953 à Bruxelles. Son père, wallon, est négociant en bois ; sa mère, flamande, est femme au foyer, Yolande est la deuxième de leurs quatre filles.


title: Yolande Moreau

text: À vingt ans, seule avec deux enfants en bas âge, Yolande Moreau est embauchée dans un théâtre pour enfants de la Ville de Bruxelles. Marquée par un spectacle de Zouc, elle décide de s'adresser au public adulte. Elle se rend à Paris en 2CV Citroën où elle suit un stage animé par Philippe Gaulier (ancien élève de l'école de théâtre Jacques Lecoq), axé sur le corps, le mime et le masque. Après ce stage, elle retourne à Bruxelles et présente, en 1982, son spectacle "Sale affaire, du sexe et du crime", un one-woman-show dans lequel elle interprète, avec un masque hideux à grand nez pour accessoire, une femme qui vient de tuer son amant. Elle présente ce spectacle au Festival du rire de Rochefort (Belgique) où elle remporte le grand prix en 1982.


title: Yolande Moreau

text: Agnès Varda lui offre ses premiers rôles au cinéma dans le court-métrage "7 p., cuis., s. de b... à saisir" en 1984 puis, l'année suivante, dans "Sans toit ni loi".


title: Yolande Moreau

text: En 1989, Yolande Moreau rejoint la troupe de Jérôme Deschamps et Macha Makeïeff, dont elle devient l'un des piliers. Des spectacles "Lapin chasseur" (1989), "Les Pieds dans l'eau" (1992), "C'est magnifique" (1994) au programme télévisé "Les Deschiens" (1993-2002), elle joue un personnage fruste et loufoque.


title: Yolande Moreau

text: En 2001, elle interprète le personnage triste de Madeleine Wallace dans le film "Le fabuleux destin d'Amélie Poulain" de Jean-Pierre Jeunet, aux côtés d'Audrey Tautou.


title: Yolande Moreau

text: En 2004, elle interprète et co-réalise avec Gilles Porte, "Quand la mer monte..." où elle joue le rôle, tiré de sa propre expérience, d'une comédienne-humoriste en tournée dans le Nord de la France et en Belgique. Pour ce film, elle se voit décerner le prix Louis-Delluc du meilleur premier film puis les Césars de la meilleure première œuvre de fiction et de la meilleure actrice.


title: Yolande Moreau

text: En 2008, elle rejoue "Sale affaire, du sexe et du crime" à l'occasion du Festival international de la bande dessinée d'Angoulême, dans une nouvelle mise en scène, illustrée en direct par le dessinateur Pascal Rabaté. Elle est également l'actrice vedette de "Séraphine" de Martin Provost, biographie filmée du peintre Séraphine de Senlis. Son interprétation lui vaut, en 2009, le César de la meilleure actrice pour la seconde fois de sa carrière.


title: Yolande Moreau

text: Elle tient aussi, avec son compatriote Bouli Lanners, le haut de l'affiche de "Louise-Michel", comédie sociale et burlesque de Benoît Delépine et Gustave Kervern. Elle y joue le rôle d'une ouvrière picarde qui propose à ses collègues de réunir leurs indemnités de licenciement pour payer un tueur professionnel chargé de liquider le patron qui vient de fermer leur usine. En 2010, elle joue dans "Mammuth" des mêmes réalisateurs, aux côtés de Gérard Depardieu et apparaît également dans "Gainsbourg, vie héroïque" de Joann Sfar. En 2011, elle retrouve le réalisateur Martin Provost qui lui offre, après "Séraphine", le rôle principal d"'Où va la nuit" ; aux côtés de Pierre Moure, Edith Scob et Laurent Capelluto, elle interprète une femme battue, Rose Mayer, qui assassine son mari et part vivre avec son fils à Bruxelles. En 2012, elle interprète la mère de Noémie Lvovsky, brutalement replongée dans son adolescence des années 1980 dans le film "Camille redouble".


title: Yolande Moreau

text: En 2013, Yolande Moreau préside la des Magritte, une cérémonie annuelle pour distinguer les meilleures productions cinématographiques belges. Elle y remporte le Magritte de la meilleure actrice dans un second rôle pour "Camille redouble". Cette même année elle réalise "Henri", racontant la rencontre inattendue entre un restaurateur veuf et une handicapée mentale, présenté à la Quinzaine des Réalisateurs.


title: Yolande Moreau

text: En 2016, elle tourne le documentaire "Nulle part, en France" sur les réfugiés de la "jungle de Calais", avec des poèmes de Laurent Gaudé lus par elle au montage.


title: Yolande Moreau

text: En , Yolande Moreau enregistre un texte que Laurent Georjin a écrit pour elle, "Sept moments avec Amîn", pour La Première sur RTBF. C'est la première fois qu'elle enregistre un texte pour la radio. "Sept moments avec Amîn" est diffusé dans l'émission Par Ouï-dire le . C'est cette même année que l'actrice signera un appel de Délit Solidaire (association havraise pour l'accueil et la prise en charge des jeunes mineurs isolés issus de l'immigration).


title: Yolande Moreau

text: Fin mai 2021, Yolande Moreau termine son second film réalisé par Chad Chenouga, "Le Principal", aux côtés de Roschdy Zem.


title: Yolande Moreau

text: En 2010, l'ouvrage "Drôles de femmes" aux éditions Dargaud écrit par la journaliste Julie Birmant et illustré par Catherine Meurisse s'intéresse à Yolande Moreau, Anémone, Dominique Lavanant, Sylvie Joly, Florence Cestac, Michèle Bernier, Claire Bretécher, Tsilla Chelton, Maria Pacôme et Amélie Nothomb. Selon le magazine "Le Nouvel Observateur" : . La journaliste se rend chez Yolande Moreau qui , et Catherine Meurisse, l'illustratrice, les rencontrera aussi, pour leurs représentations dessinées.


title: Samsung Galaxy A

text: La gamme Samsung Galaxy A est une série de smartphones grand-public de la marque Samsung Galaxy. Elle est composée de smartphones Android milieu de gamme, et depuis 2018 et la fusion avec la gamme Galaxy J, d'appareils d'entrée de gamme plus compétitifs sur le plan tarifaire. Elle est, avec l'iPhone, l'une des séries de smartphones les plus vendues dans le monde : en 2019, trois des smartphones du top 5 en nombre de ventes étaient des Galaxy A. La gamme est composée d'environ 10 smartphones, aux prix allant de 100 et , avec de nouvelles versions présentées chaque année.


title: Samsung Galaxy A

text: La gamme A se destine principalement aux jeunes, aux utilisateurs de réseaux sociaux et amateurs de selfies. Pouvant être considérée comme la suite de la série Neo/New, ces appareils se remarquent par une apparence ressemblant fortement aux appareils haut de gamme de la série S, sans toutefois coûter le même prix, mais conséquemment en n'ayant pas les mêmes fonctionnalités. Par la suite, l'itération 2016 prennent un design semblable aux Galaxy S6 et Note 5, remplaçant le boitier métallique par un dos en verre Gorilla Glass 4 mais en préservant les bords en métal, et un lecteur d'empreintes digitales prend finalement place dans le bouton d'accueil, au contraire de la génération originale. Cette édition emploie des processeurs Exynos maison, au contraire de processeurs Qualcomm Snapdragon en 2015, un changement apparemment définitif pour le reste de la série. L'édition 2017 de la série reprend un design semblable au Galaxy S7 et reprend même la certification IP68 contre l'eau et la poussière, la même certification que le S7. Le haut parleur n'est plus situé aux côtés du port USB, par ailleurs étant désormais un port USB-C, mais bien sur la droite, au-dessus du bouton d'alimentation. L'actuelle série 2018 arbore un écran Infinity Display de Samsung, ainsi qu'un placement des caméras arrière ainsi que du lecteur d'empreintes digitales similaire au Galaxy S9. Les modèles A6 et A6+, eux, ont une coque en métal, au design similaire aux éditions 2017 de la série J.


title: Samsung Galaxy A

text: La série Samsung Galaxy A 2015 regroupe quatre appareils : le A3, le A5, le A7 et le A8, présentés aux grand public entre et . Leur design tout en métal s'inspire des téléphones haut de gamme de la marque, mais les caractéristiques sont équivalentes à celles d'appareils milieu de gamme. Les A3 et A5 sont équipés de Snapdragon 410 et les A7 et A8 ont un Snapdragon 615, plus performant. Le Samsung Galaxy A7 était disponible au prix indicatif de , soit de plus que le A5.


title: Samsung Galaxy A

text: Ces quatre appareils sont disponibles en déclinaison mono-SIM et dual-SIM qui offre la possibilité à l'utilisateur d'utiliser deux cartes SIM simultanément, par exemple pour deux lignes téléphoniques.


title: Samsung Galaxy A

text: La génération originelle de 2015 regroupe les téléphones intelligents les plus fins jamais fabriqués par Samsung (6,7 et d'épaisseur respectivement) qui arborent un design proche de celui du Galaxy Alpha, se distinguant de celui-ci par un boitier métallique monocorps et par le fait d'être positionnés en milieu de gamme, et non pas en haut de gamme. Le A8 diffère des autres appareils de cette génération avec un design se rapprochant du Galaxy Note 5, et troquant le dos de métal par un dos de plastique.


title: Samsung Galaxy A

text: La série 2016 de la gamme Galaxy A comprend deux appareils supplémentaires par rapport à la série 2015. En plus des A3, A5, A7 et A8, Samsung a présenté en le A9, sorti exclusivement en Chine, et le A9 Pro en mai. Une des améliorations majeures de la série est l'autonomie des appareils. Ainsi, le Galaxy A5 2016 a obtenu la première place du test d'autonomie du site "Les numériques" avec quatre heures d'avance sur le numéro deux, pour un total de 17h53 sur batterie.


title: Samsung Galaxy A

text: Parmi les autres améliorations générales apportées par la série, on peut citer le design amélioré, le processeur plus puissant ou encore un meilleur écran. Tous ces nouveaux appareils sont équipés, à leur sortie, d'Android Lollipop 5 ou 6.


title: Samsung Galaxy A

text: L'édition 2016 adopte un design proche du Galaxy S6. Sortie à partir de , cette édition introduit l'usage du verre dans le dos de l'appareil, tout comme le S6. Dans cette édition, le haut-parleur se retrouve en dessous de l'appareil, exactement comme le S6. Autre ajout notable, le lecteur d'empreintes digitales fait son entrée, et se retrouve, encore une fois exactement comme dans le S6, dans le bouton d'accueil. Le fonctionnement est aussi comme sur le S6, remplaçant le système de glissement vertical du S5/Note4. Notons la protubérance minime de la caméra comparé au Galaxy S6 et les appareils de l'édition 2015. Les A5 et A3 ont reçu des écrans de plus haute résolution, soit respectivement FHD (1080p) et HD (720p). Dans cette édition, les appareils sont plus épais qu'en 2015, en passant de à à . Les batteries ont aussi augmenté en capacité. Les processeurs ont aussi été changés, en passant des Snapdragon 410 et 615 aux Exynos 7580 Octa, 7420 Octa et Snapdragon 652.


title: Samsung Galaxy A

text: Nouvelle addition dans cette édition, le duo Galaxy A9/A9 Pro offrent des écrans de 6", plus gros que tout autre appareil sorti par la marque à ce moment, dépassant même les Note.


title: Samsung Galaxy A

text: La série A 2017 n'est constituée que de trois produits : les Galaxy A3, A5 et A7. Ces trois téléphones arborent un tout nouveau design, courbé, s'inspirant du Samsung Galaxy S7. Ils obtiennent tous la certification IP68 pour la résistance à l'eau et de meilleurs appareils photo.


title: Samsung Galaxy A

text: La série A 2018 apporte le retrait du bouton accueil, remplacé par des boutons tactiles, reprenant ainsi la caractéristique majeure du Samsung Galaxy S8. Neuf nouveaux modèles ont été présentés : les Galaxy A6, A6+, A6s, A7, A8, A8+, A8s, A8 Star et A9. La gamme est séparée en deux : les A6, A6+, A6s, A8, A8+, A8s et A8 Star qui reprennent le design du Samsung Galaxy S8 d'un côté et les A7 et A9 qui apportent un tout nouveau design. Le Galaxy A7 est aussi le premier smartphone de la marque à intégrer trois capteurs photo, et le A9 est le premier smartphone au monde à intégrer quatre capteurs photo. Les A7 et A9 ont leurs capteurs d'empreinte sur le bouton d'alimentation, une première pour Samsung, alors que le reste de la série à le capteur d'empreinte positionné sous le capteur photo.


title: Samsung Galaxy A

text: Cette édition de la série est plus étrange. Contrastant énormément avec l'aspect uniforme et contenu de la série 2017, la série 2018 contient des appareils très différents. En effet, on pourra constater une énorme disparité entre les modèles. Les Galaxy A6 et A6+ ont une conception en métal, les A7 et A9 possèdent une armature en plastique, un lecteur d'empreintes sur le côté dans le bouton d'alimentation, ainsi que plus de caméras que les autres appareils, les A8 et A8+ sont en verre avec une certification IP68 contre les éléments et le A8s est aussi grand que le A9 tout en ayant une caméra de moins et avec un lecteur d'empreintes en arrière. Finalement, le Galaxy A8s introduit le premier écran Infinity-O du monde. Le Galaxy A9 est le premier smartphone au monde équipé d'un quadruple module photo.


title: Samsung Galaxy A

text: La série A 2019 apporte de nombreuses nouveautés, dont la dénomination des smartphones. Les smartphones présentés sont : les Galaxy A2 Core, A10, A10e, A10s, A20, A20e, A20s, A30, A30s, A40, A40s, A50, A50s, A60, A70, A70s, A80 et A90 5G. Tous les modèles adoptent un écran Infinity-U ou Infinity-V, c'est-à-dire qu'ils adoptent une encoche en forme de U ou de V, à l'exception du Galaxy A80, qui adopte un triple capteur photo pouvant se retourner. Le Samsung Galaxy A90 5G est aussi le premier smartphone milieu de gamme de la marque à intégrer une compatibilité à la 5G. La plupart des smartphones de la série intègrent un capteur d'empreinte sous l'écran, mais contrairement au Galaxy S10, celui-c n'est pas ultrasonique, mais optique.


title: Samsung Galaxy A

text: Tous les smartphones de la série tournent sous Android 9.0 Pie, sauf le Galaxy A2 Core, possédant Android Go 9.0, une version plus légère d'Android optimisée pour les smartphones peu puissants.


title: Samsung Galaxy A

text: Les trois premiers appareils de la série ont été officialisés pendant l'événement Mobile World Congress 2019 en février à Barcelone. Ces appareils se distinguent de la série précédente par des encoches, un design changé, une conception en plastique et aucune protection contre les éléments. Une nouvelle nomenclature à deux chiffres est également mise en place.


title: Samsung Galaxy A

text: En , Samsung a officialisé une partie de la nouvelle gamme : les Galaxy A51 et A71 ont été présentés sur sa chaîne YouTube. Ils embarquent un écran "Infinity-O", comme le Samsung Galaxy Note 10, une batterie longue durée et quatre capteurs photo. D'ici la fin 2020, les prochains Samsung Galaxy A pourraient être équipés d'une recharge sans fil.


title: Isadora Duncan

text: Elle révolutionna la pratique de la danse par un retour au modèle des figures antiques grecques. Par sa grande liberté d'expression, qui privilégiait la spontanéité, le naturel, elle apporta les premières bases de la danse moderne européenne, à l'origine de la danse contemporaine. Influencée par son frère Raymond Duncan sur un retour à l'hellénisme et le culte du corps, elle a voulu redonner toute sa place à la beauté, à l'harmonie du corps, osant s'exhiber presque nue, dissimulée seulement par quelques voiles. Par ailleurs, son travail chorégraphique accorde une place particulière à la spiritualité.


title: Isadora Duncan

text: Isadora Duncan naît au Geary Street à San Francisco le 26 ou le , benjamine d'une famille de quatre enfants, dont Thomas Gray, un sénateur californien. Ses parents sont Charles Duncan, banquier à la Bank of California et homme des arts, et Mary Dora Gray. Peu après la naissance d'Isadora, son père perd son emploi et développe une relation amoureuse extra-conjugale. Selon un article publié sur le site du San Francisco Museum, son père aurait entretenu une relation avec Ina Coolbrith. Ses parents divorcent en 1889 et Mary Dora Gray déménage avec ses enfants à Oakland où elle travaille comme pianiste et professeur de musique. Isadora Duncan fréquente l'école dans ses jeunes années mais l'abandonne rapidement car, pour son caractère indépendant, le système scolaire se révèle bien trop contraignant. D'autre part, sa famille étant pauvre, sa sœur et elle se mettent rapidement à donner des cours de danse aux enfants du quartier afin de contribuer aux finances de la famille.


title: Isadora Duncan

text: En 1895, elle devient membre de la compagnie de théâtre Augustin Daly à New York mais est rapidement déçue par cet art. En 1899, elle décide d'aller en Europe, d'abord à Londres puis, un an plus tard, à Paris. Là, en deux ans, elle obtient le succès et la notoriété. En effet, aidée par Loïe Fuller qui avait déjà acquis beaucoup de succès et qui l'accueille dans sa compagnie en 1902, Isadora Duncan se fait remarquer dans les salons artistiques de Londres, Paris, Berlin et Munich.


title: Isadora Duncan

text: À Paris, l'effervescence de la vie de bohème de Montparnasse ne lui convient pas. Elle s'installe à l'hôtel de Biron, rue de Varenne, où elle fonde une école de danse en 1905 et y exerce jusqu’en 1908. Elle y est voisine d'Auguste Rodin, « son ami et son maître » selon son récit "Ma vie" publiée en 1927 ; elle l'avait connu à l'exposition du pavillon de l'Alma en 1900. En 1909, elle emménage dans deux grands appartements, au 5 rue Danton, où le rez-de-chaussée lui sert de logement tandis que le premier étage fait office d’académie de danse. Pieds nus, vêtue d'écharpes clinquantes et de fausses tuniques grecques, elle crée un style primitif basé sur l'improvisation chorégraphique pour aller à l'encontre des styles rigides de l'époque. Elle est particulièrement inspirée par la mythologie grecque. Elle rejette les pas de ballet traditionnel pour mettre en valeur l'improvisation, l'émotion et la forme humaine. Isadora Duncan pense que le ballet classique, avec ses règles strictes et ses codifications, est « laid et contre nature ». Un nombre très important de personnes se rallient à sa philosophie, ce qui lui permet d'ouvrir une école et d'y enseigner.


title: Isadora Duncan

text: Son importante influence inspire de nombreux artistes et auteurs dans leurs créations de sculptures, bijoux, poésies, romans, photographies, aquarelles et peintures, à l'exemple du personnage d'Élise Angel du roman de John Cowper Powys "Comme je l'entends" , danseuse librement inspirée d'Isadora Duncan et qui, dans le roman, représente l'amante (libre) du héros principal, Richard Storm, en contraste avec son autre amour, légitime et possessif, Nelly.


title: Isadora Duncan

text: Lorsque le théâtre des Champs-Élysées est construit en 1913, son portrait est gravé par Antoine Bourdelle dans les bas-reliefs situés au-dessus de l'entrée, et peint par Maurice Denis sur la fresque murale de l'auditorium représentant les neuf Muses. À cette époque, elle s'installe à Meudon Bellevue et y fonde son école de danse.


title: Isadora Duncan

text: En 1922, afin de montrer son adhésion à l'expérience sociale et politique de la nouvelle Union soviétique, elle décide de s'installer à Moscou. Sa notoriété internationale apporte une attention plus que bienvenue sur le ferment culturel et artistique du nouveau régime. Elle rencontre et épouse en le poète Sergueï Essénine son cadet de dix-huit ans. Leur relation tumultueuse qui l'épuise, et la dureté des conditions de vie sous le régime des Soviets, après la révolution, l'amènent à retourner à l'Ouest en 1924.


title: Isadora Duncan

text: Lors de sa dernière tournée aux États-Unis en 1922-1923, elle agite une écharpe rouge qu'elle porte sur sa poitrine en proclamant : . Essénine l'accompagne lors d'une tournée en Europe mais ses tendances alcooliques et les accès de rage qui s'ensuivent l'amènent régulièrement à détruire des meubles, enfoncer des portes et des fenêtres dans leurs chambres d'hôtel, créant ainsi une publicité tapageuse autour du couple. L'année suivante, il quitte Isadora Duncan et retourne à Moscou où il est rapidement victime d'une dépression nerveuse et placé dans une institution spécialisée. Il est admis qu'une fois sorti de l'hôpital, il se suicide le , à l'âge de . Les circonstances de sa mort ne sont pourtant pas claires et le doute persiste entre meurtre et suicide.


title: Isadora Duncan

text: La vie privée d'Isadora Duncan, tout comme sa vie professionnelle, fait fi de toutes les mœurs et règles de la moralité traditionnelle. Bisexuelle, ce qui n'est pas chose inhabituelle dans les cercles hollywoodiens de cette époque, elle a une longue relation très passionnée avec la poétesse Mercedes de Acosta et a été aussi probablement engagée dans une histoire amoureuse avec l'autrice Natalie Barney. Elle a notamment déclaré :


title: Isadora Duncan

text: Elle a des liaisons avec Jules Grandjouan, dessinateur et révolutionnaire connu pour ses dessins dans "L'Assiette au beurre", qui fait des dessins de sa danse ; ainsi qu'avec le compositeur André Caplet.


title: Isadora Duncan

text: Isadora Duncan a deux enfants hors mariage, Deirdre, née le , avec le décorateur de théâtre Gordon Craig, et Patrick, né le , avec Paris Singer qu'elle surnomme « Lohengrin », l'un des nombreux enfants d’Isaac Merritt Singer le fondateur des célèbres machines à coudre de même nom.


title: Isadora Duncan

text: Pour Isadora Duncan, Paris Singer fait aménager l'hôtel Coulanges de la place des Vosges : il fait transformer la salle de réception en une salle de danse avec un escalier monumental, devenant un lieu de représentation où la jeune femme peut esquisser ses chorégraphies.


title: Isadora Duncan

text: Mais le survient la noyade dans la Seine de Deirdre et Patrick lors d'un accident. Les enfants se trouvent dans la voiture avec leur nourrice Annie McKessack, de retour d'une journée d'excursion pendant qu'Isadora est restée à la maison. La voiture fait un écart pour éviter une collision. Le moteur cale, le chauffeur sort de la voiture pour faire redémarrer le moteur à la manivelle mais il a oublié de mettre le frein à main ; dès qu'il fait démarrer la voiture, celle-ci traverse le boulevard Bourdon à Neuilly-sur-Seine, dévale la pente, les deux enfants et leur nourrice meurent noyés dans la Seine.


title: Isadora Duncan

text: Le , elle accouche d'un fils qui ne vit que quelques heures, ainsi qu'elle le raconte dans son autobiographie "Ma vie" : « Je crois qu'à ce moment-là, j'atteignis le sommet de la douleur humaine, car avec cette mort il me semblait que mes autres enfants mouraient encore une fois ; c'était comme la répétition de la première agonie, avec quelque chose qui s'y ajoutait encore. »


title: Isadora Duncan

text: Après l'accident de ses deux jeunes enfants et la mort de son bébé, Isadora Duncan se retire quatre mois à Deauville, d' à . Elle loge à l'hôtel Normandy, puis loue la villa "Black and White". Elle a là une liaison avec un médecin local, le . Elle voyage ensuite à Corfou, en convalescence, avec son frère et sa sœur. Puis elle passe plusieurs semaines dans un complexe au bord de la mer à Viareggio, en compagnie de l'actrice Eleonora Duse. Le fait qu'Eleonora Duse sortait tout juste d'une relation lesbienne avec la jeune rebelle féministe Lina Poletti alimente les spéculations quant à la nature de la relation qui unit les deux femmes. Néanmoins il n'a jamais été prouvé qu'elles aient été engagées dans une relation amoureuse.


title: Isadora Duncan

text: Dans son livre autobiographique "Ma vie", Isadora Duncan raconte entre autres sa très brève rencontre, en , avec l'aviateur Roland Garros en ces termes :


title: Isadora Duncan

text: Isadora Duncan meurt tragiquement le à Nice : le long foulard de soie qu'elle porte se prend dans les rayons de la roue de l'Amilcar GS de son garagiste Benoît Falchetto. Elle est brutalement éjectée du véhicule et meurt sur le coup dans sa chute sur la chaussée. Elle est incinérée et ses cendres sont déposées à Paris au columbarium du cimetière du Père-Lachaise (case 6796) auprès de celles de ses enfants Deirdre et Patrick (respectivement cases 6793 et 6805), morts quatorze ans plus tôt.


title: Isadora Duncan

text: Isadora Duncan tire sa première idée de la danse du rythme des vagues de l'océan Pacifique, près duquel elle vécut toute sa jeunesse en Californie.


title: Isadora Duncan

text: Elle est l'une des premières à réagir à la contrainte imposée au corps par le tutu ou par les pointes. Elle danse pieds nus, voire totalement nue, et à l'extérieur. Elle est également l'une des premières à s'affranchir de la musique et à trouver sa propre musicalité interne.


title: Isadora Duncan

text: Pour elle, il s'agit en effet surtout d'un renouveau spirituel, personnel et collectif. Elle déclare être venue en Europe : . Elle pense d'ailleurs construire un temple de la danse, en plus d'une école, lorsqu'elle rencontre Alexandre Scriabine, en 1912. Et elle se produit à Vienne, Berlin et Munich en 1905, accompagnée de dix jeunes chanteurs placés sous la direction d'un séminariste byzantin.


title: Isadora Duncan

text: Antoine Bourdelle voit Duncan à la Gaîté-Lyrique, où elle se produit en 1909 sur Iphigénie en Tauride de Gluck. Le jour suivant, Bourdelle a déjà réalisé plus de cent-cinquante croquis d’elle : c’est une révélation esthétique, un coup de foudre artistique. Il la prend en modèle pour la façade du théâtre des Champs-Élysées à Paris, réalisée entre 1910 et 1912. Le sculpteur réalise plusieurs bas-reliefs en partie basse de l’édifice, de gauche à droite, cinq allégories des arts : "La Sculpture et l’Architecture, la Musique, la Tragédie, la Comédie" et "La Danse."


title: Isadora Duncan

text: En partie haute, Bourdelle exécute un ensemble sculpté avec au centre "La méditation d'Apollon," encadré de deux panneaux en symétrie : "Les Muses accourent vers Apollon." Dans la réalisation de cette commande, le sculpteur prend le théâtre comme un "Temple des Arts" sous la protection d’Apollon, entouré des neufs muses des arts libéraux.


title: Isadora Duncan

text: Le théâtre des Champs-Elysées est d’ossature de béton mais les bas-reliefs sont en marbre, matériau noble et de prédilection pour les réalisations d’architectures antiques, que Bourdelle garde blanc comme les vestiges qui nous sont parvenus (le Parthénon, le Temple d’Apollon à Bassae...). Il reprend également l’adaptation des figures au support en circonscrivant l’action afin qu’elle demande peu de hauteur mais une longueur importante. Bien que considérées comme un tout, les trois scènes sont séparées par des reliefs non sculptés, mettant en avant la tripartition de l’espace. Cette réalisation est quelque peu hybride puisque s’il s’agissait d'une reprise des métopes de la frise dorique, on aurait attendu des triglyphes plutôt que des reliefs lisses. Bourdelle se place en fin amateur de la Grèce antique et comme Duncan, il réinterprète l’antique à ses fins propres et modernes.


title: Isadora Duncan

text: En ce qui concerne les neuf muses qui accourent, Antoine Bourdelle est très transparent dans ses écrits et études préparatoires, c’est bien d’Isadora dont il s’inspire pour les sculpter. Le groupe de gauche comporte trois muses dont les masses s’équilibrent, la plus à gauche a la tête et le bassin projetés en arrière, yeux clos, le buste et les bras qui tendent vers l’avant. On sait en étude que Bourdelle a pensé à la représenter de face, mais a choisi d’ignorer complètement le spectateur de sa création. Isadora ne danse pas les yeux clos, mais ne cherche aucun contact avec le spectateur dans ses œuvres les plus intimes et personnelles. Souvent assimilée à une danseuse en transe, c’est également à cela que cette figure de marbre semble faire écho, le corps entre tension et relâchement. Les deux autres femmes de la partie gauche sont animées d’un mouvement commun, bras ouverts, la jambe gauche pliée portant le poids, et la jambe droite allongée prête à se soulever de terre. C’est une posture très duncanienne, la danseuse est suspendue dans un instant dynamique, naturel (élongation de la marche) et surtout qui n’inclue aucune finalité, dans le prolongement et l’anticipation de l’onde.


title: Isadora Duncan

text: On peut également noter la représentation du corps (au sens matériel) dansant puisque les femmes sont fortes voire trapues, les muscles saillants, à l’opposée de la silhouette filiforme d’Anna Pavlova, étoile de ballet, qui danse à la même époque. Le sculpteur simplifie certaines formes pour en mettre d’autres en avant, comme les étoffes, réduites à un simple ensemble de plis triangulaires, au profit des jambes aux muscles dessinés, réalisés en méplat en transparence. Les visages sont individualisés dans leurs expressions, mais pas leurs traits qui s’inscrivent dans un tout, comme les différentes parties d’un chœur tragique qui unissent leur individualité au service d’une harmonie eurythmique. L’eurythmieest une volonté et tentative de symbiose entre le corps et l’esprit, telle une extase dionysiaque, mentionnée par Nietzsche dans "Ainsi parlait Zarathoustra : « Par le chant et la danse, l’homme manifeste son appartenance à une communauté supérieure: il a désappris de marcher et de parler et, dansant, il est sur le point de s’envoler dans les airs. Ses gestes disent son ensorcellement. [...] il se sent dieu, il circule lui-même extasié, soulevé, ainsi qu’il a vu dans ses rêves marcher les dieux" »


title: Isadora Duncan

text: La béatitude des visages et la consonance divine du sujet répondent à ce précepte. Les cheveux sont libres de tout chignon de danse et sont traités volants au vent en plis en bec, comme les vêtements. La muse centrale du groupe de droite est seins nus, en attitude d’allégorie de la Liberté, bras et jambe écartées, regardant hors-scène. Bien qu’Isadora couvre sa poitrine, sa nudité lui est reprochée autant qu’elle est associée à la liberté. La notion de danse en dehors de la danse lui est également associée, si elle s’exécute régulièrement dans un espace clos (une scène), sa pratique ne s’enferme pas dans un décor. Elle se produit sur une scène, mais aussi dans la forêt, au bord de la mer, pour elle, son public ou ses élèves. La performance est encadrée mais pas sa danse.


title: Isadora Duncan

text: Bourdelle traduit en sculpture la puissance d’Isadora, lui donnant une force plastique et pérenne d’autant plus importante : allégorie de la Liberté, figure de muse au temple des arts et d’Apollon.


title: Isadora Duncan

text: Néologiste, Fernand Divoire nous livre en 1909 le terme d’"isadorables", désignant six danseuses les plus proches (puis adoptées) d’Isadora Duncan. Divoire est écrivain, un proche ayant côtoyé le duo des sœurs Duncan dans leurs épopées d’écoles, mais aussi les isadorables, produits de ces dernières.


title: Isadora Duncan

text: Il s’inspire de cet élan de nouveauté qu’impulsent les Duncan dans ses écrits, et dédie "« pour Miss Isadora" » sa glose "La danseuse de Diane", en complément aux "Dessins sur les danses d’Isadora Duncan", 1911, d’André Dunoyer de Segonzac. Il s’agit d’une longue prose (environ 8 pages entrecoupées de dessins) dans laquelle Divoire glorifie Isadora, tantôt pour elle-même, tantôt en l’associant à Diane. C’est un choix personnel puisque Isadora, elle, s’identifie à Vénus: « "Je suis née sous le signe de Vénus – Vénus qui naquit aussi de la mer, et, quand son étoile monte au ciel, les événements me sont toujours propices. »""," en plus des ménades et bacchantes.


title: Isadora Duncan

text: Fernand Divoire nous montre un autre regard sur la danseuse, qui n’est pas seulement belle et créatrice, mais aussi chasseresse et vierge"." Dans son style, Divoire essaie déjà de rendre compte de la rupture de la danse de Duncan. Sa prose est marquée de nombreuses figures de styles qu’il superpose, exaltant les sensations du lecteur comme Divoire l’a été face au spectacle de Duncan. "« Pour mes narines, elle parfume l’air d’encens. Pour mes yeux, elle tisse le voile léger où viendra se dessiner, dansante, la vision que j’attends. Pour ma bouche, à la fin de cette journée, elle est un exquis breuvage d’oubli, et pour mes oreilles, elle est : la Musique infinie »"


title: Isadora Duncan

text: Divoire réalise une anaphore en "pour", afin d’introduire une synesthésie ("« narines » - « parfum », « yeux » - « vision », « bouche » - « breuvage », « oreilles » - « Musique »"). Il omet le toucher, puisque s’agissant d’un spectacle c’est un sens qui n’a pas sa place. Fernand Divoire use également de l’anacoluthe, il détourne la syntaxe par une multiplication de virgules et des prépositions introduisant des compléments sans antécédent. Il personnifie en Isadora la Musique entière, par l’usage d’une majuscule. Plus que la danser, elle l’incarne. Son aisance rédactionnelle, sa prétendue brutalité et spontanéité du récit font écho à la sinuosité, non-conformité de la danseuse, ou encore les accusations d’improvisations qui lui sont faites. Fernand Divoire développe un éloge comme s’il déroulait une pelote de fil, de manière continue et sans paraître revenir en arrière pour structurer ce qu’il rédige, signalant l’infinité du langage et de ses combinaisons. À souligner que Divoire fait partie des cercles dits d’avant-garde, contemporain de la génération d’écrivains surréalistes (sans s’en revendiquer), de l’écriture automatique et autres expériences lexicales. En bref, Fernand Divoire écrit une prose très libre, en rupture avec les schémas de récit traditionnel bien qu’infiniment savante et riche stylistiquement.


title: Isadora Duncan

text: La description qu’il réalise d’Isadora Duncan est à la hauteur de sa forme : étonnante et singulière. Il s’adresse à elle « "Car tu es la danseuse de Diane. Comme elle, tu portes la tunique courte et comme les siens tes cheveux sont noués pour la course. Comme elle, tu es naïve et barbare ; comme elle, tu aimes l’effort des longues poursuites et la candeur paisible et froide des nuits bleues. Danse devant nous et devant nos compagnes ornées de dentelles et de pierres brillantes, toi qui tuas à coups de flèches les enfants de Niobé la vaine. »."C’est bien de Diane qu’il s’agit, dans sa dualité de vierge chasseresse («"naïve et barbare »"). La jeunesse et l’innocence sont souvent données à Isadora, comme Marguerite de Saint-Marceaux qui lui donne à peine dix-huit ans en 1901, lorsqu’elle en a vingt-quatre passés.


title: Isadora Duncan

text: Fernand Divoire souligne sa naïveté mais la détache aussi du commun des femmes, opposant la « "tunique courte »" aux « "dentelles »" et « "pierres brillantes »" des dames qui constituent le public avec lui. Fernand Divoire met en avant la simplicité, la pureté ou encore l’authenticité d’une féminité sans parures ni richesses. Dans ces deux extraits, l’écrivain met majoritairement l’accent sur des aspects d’Isadora qu’elle revendique, à savoir son authenticité, son association à la mythologie antique, son dépouillement, la pureté de sa danse totale et sa liberté moderne. Ces deux dernières notions, d’art total et de liberté, Divoire sait les retranscrire dans la forme même de sa glose. Il élit la prose, et se donne une liberté stylistique, ponctuée d’accès laudatifs comme un écrivain en transe, inspiré par sa muse antique. La mise en page, entourant les dessins de Dunoyer de Segonzac, est également pensée dans un souci de plénitude de l’espace du papier, laissant cohabiter deux arts pour témoigner d’un troisième.


title: Isadora Duncan

text: Fernand Divoire compose également une "Exhortation à la victoire" dédiée à Isadora Duncan, entre 1913 et 1914. Il entre dans la conception duncanienne de l’art comme symbole de vie, et lui offre un chœur tragique en soutien au deuil de ses enfants. Il met en mots des supplications d’hommes, de femmes et d’adolescents pour qu’elle se lève de sa douleur et danse à nouveau, ancrant une tragédie personnelle dans une tragédie théâtrale, antique et intemporelle. Ce flottement entre art et vie qui s’entremêlent et se nourrissent (à ne pas confondre avec l’autobiographie, même si les deux notions se nouent) est une conception forte et fondamentale qui a une vraie postérité dans la conception même de l’art, dans les générations artistiques suivantes.


title: Isadora Duncan

text: Sa carrière durant, Isadora Duncan détesta les aspects commerciaux des performances publiques ; elle voyait les tournées, les contrats, et autres aspects pratiques de son métier comme autant de distractions de sa vraie mission : la création de la beauté et l'éducation des jeunes. Pédagogue extrêmement douée, totalement non conventionnelle, elle fut la fondatrice de trois écoles dédiées à la transmission de sa philosophie à des groupes de jeunes filles — sa tentative d'y inclure des garçons se révéla toutefois un véritable échec . La première à Grunewald, en Allemagne, donna naissance à son groupe le plus célèbre d'élèves : les "Isadorables", qui prirent chacune son nom de famille — en guise de nom de scène — et dansèrent avec elle, mais aussi de façon tout à fait indépendante. La deuxième école eut une courte existence avant la Première Guerre mondiale, dans un château situé en dehors de Paris ; quant à la troisième école, elle fit partie des tumultueuses expériences menées par Isadora à Moscou pendant la révolution russe.


title: Isadora Duncan

text: L'enseignement mené par Isadora Duncan ainsi que ses élèves lui apportèrent fierté et angoisse. Sa sœur Elizabeth prit en charge l'école allemande et l'adapta à la philosophie germanique de son mari allemand. Les "Isadorables" étaient alors des danseuses à double face, imprégnées de l'énergie chorégraphique d'Isadora, mais opposées à elle par leur constante volonté de danser dans un but commercial. L'une d'entre elles, Lisa Duncan, était constamment punie pour avoir dansé dans des boîtes de nuit. Et la plus connue du groupe, Irma Duncan, qui resta en Union soviétique après le départ d'Isadora et s'occupa ensuite de faire marcher l'école de Moscou, ne cessait de provoquer la colère d'Isadora en autorisant les élèves à danser de façon trop publique et trop commerciale à son goût.


title: Pacific Rim (film)

text: Coécrit par le réalisateur Guillermo del Toro et Travis Beacham, le film met en scène des Humains utilisant des robots Mecha pour affronter des "Kaijūs".


title: Pacific Rim (film)

text: Pour combattre les "kaijus", des créatures extraterrestres sorties d'une brèche interdimensionnelle près de la faille géologique au fond de l'océan Pacifique en , un nouveau genre d’arme a été conçu : des robots géants, appelés les "" (« chasseurs » en allemand), contrôlés en simultané par deux pilotes dont les esprits sont reliés par un pont neuronal.


title: Pacific Rim (film)

text: Si les premiers modèles ont permis la victoire, les monstres reviennent plus forts et en 2020, les "Jaeger" subissent une vague de revers. À la veille de la défaite, alors que le programme Jaeger vient d’être abandonné, en 2025, les forces qui défendent l’humanité n’ont d’autre choix que se tourner vers deux héros improbables : Raleigh Becket, un ancien pilote encore traumatisé par la mort de son frère pendant un affrontement contre un "kaiju" et Mako Mori, une recrue encore jamais allée sur le terrain, ayant perdu sa famille qui a été tuée par un kaiju.


title: Pacific Rim (film)

text: En 2013, de gigantesques monstres appelés "Kaijus" émergent d'un portail interdimensionnel appelé « La Brèche » au fond de l'océan Pacifique aux alentours de Guam. Au cours des trois premières années, les "Kaijus" causent des ravages sur les villes côtières le long du Cercle de Feu, comme San Francisco, San José del Cabo, Sydney, Manille et Hong Kong. L'humanité répond en s'unissant, formant le Corps de Défense Pan Pacifique ("Pan Pacific Defense Corps"), et en construisant des robots géants appelées "Jaegers", pour lutter contre la menace étrangère. Le stress mental du pilotage de la machine étant beaucoup trop important pour un pilote seul, chaque Jaeger est piloté par deux personnes ou plus, qui sont reliées par un pont neuronal dans un processus appelé « dérive » pour partager ce stress.


title: Pacific Rim (film)

text: En 2020, "Gipsy Danger", piloté par les frères Raleigh et Yancy Beckett, lutte contre un "Kaiju" de catégorie 3 surnommé Tête Tranchante ("Knifehead"). Ils s'engagent tous deux dans le combat ; "Gipsy" semble tout d'abord avoir gagné mais le "Kaiju" est encore vivant. Ce dernier endommage de manière critique "Gipsy" et jette Yancy hors du poste de pilotage, le tuant. Raleigh parvient à piloter "Gipsy" seul, active le canon à plasma restant et tue le monstre avant de ramener le "Jaeger". Traumatisé par la mort de Yancy, Raleigh quitte le programme "Jaeger". En 2025, les gouvernements mondiaux décident de mettre fin au financement de la construction continue de "Jaegers", en faveur de la construction de murs côtiers massifs, alors que les attaques des "Kaiju" sont sans cesse plus nombreuses et les "Jaegers" détruits plus rapidement qu'ils ne sont renouvelés. Les "Jaegers" restants sont relocalisés à Hong Kong sous le commandement du Marshall Stacker Pentecost.


title: Pacific Rim (film)

text: Pentecost retrouve Raleigh devenu ouvrier sur un chantier de construction murale pour le persuader de rejoindre le programme. Ils apprennent par les infos qu'un "Kaijû" de catégorie 4 défonce sans trop de difficulté le mur côtier de Sydney en Australie, qui ne doit d'éviter la destruction qu'au "Jaeger Striker Eureka". En voyageant à la base de Hong Kong, le "Shatterdome", Raleigh est présenté à Mako Mori, directrice du programme de restauration des "Jaegers" et fille adoptive de Pentecost. Le Marshall dévoile alors son projet : détruire la Brèche en utilisant une arme thermonucléaire. Quatre "Jaegers" restent en opération : "Gipsy Danger" remis à neuf ;  "Cherno Alpha" (Russie), "Crimson Typhoon" (Chine) et "Striker Eureka" (Australie), piloté par le père (Herc) et le fils (Chuck) Hansen et qui portera la bombe.


title: Pacific Rim (film)

text: Pour trouver un nouveau copilote, Raleigh participe aux essais, et finit par affronter Mako, découvrant qu'elle est « compatible avec la dérive », mais Pentecost a des réserves. Au cours de leur premier examen, Raleigh est distrait par le souvenir de la mort de Yancy ; Mako, à son tour, est perdue dans la mémoire de l'attaque d'un "Kaiju" à Tokyo qui a fait d'elle une orpheline. L'adrénaline provoque une réaction de défense de la part du "Jaeger", et le canon à plasma de "Gipsy" menace de s'activer. Mako est promptement relevée des devoirs de pilotage et Raleigh se confronte à Pentecost et lui dit qu'il est trop protecteur. L'échec de la dérive provoque une violente altercation entre Becket et Chuck Hansen, ce dernier reprochant à Mako d'être inutile. Après une bagarre, les deux sont séparés par Herc et Stacker.


title: Pacific Rim (film)

text: Pentecost consulte les experts en Kaiju Newton Geiszler et Herman Gottlieb. Hermann affirme que la Brèche se stabilisera et que les attaques des Kaijus augmenteront en nombre, tandis que Newton suggère de « dériver » avec le cerveau d'un Kaiju pour en savoir plus sur eux. Newton poursuit son plan malgré les protestations de Herman et découvre que les Kaiju sont des armes biologiques cultivées par des colons extraterrestres qui envisagent d'éliminer l'humanité. Avec la permission de Pentecost, Newton recherche le trafiquant Hannibal Chau pour obtenir un cerveau "Kaiju" en meilleur état et s'y connecter. Cependant, il découvre rapidement que, puisque la « dérive » est un lien à double sens, l'intelligence collective des "Kaiju" a réciproquement eu accès à son esprit. Peu de temps après, deux nouveaux "Kaijus", Leatherback et Otachi, émergent simultanément pour trouver Newton.


title: Pacific Rim (film)

text: Tous les "Jaegers" sauf "Gipsy Danger" sont envoyés pour intervenir. Malheureusement, la mission devient un désastre lorsque Otachi détruit le "Crimson Typhoon" en arrachant son cockpit, tandis que Leatherback fait exploser "Cherno Alpha" et paralyse "Striker Eureka" avec une impulsion électromagnétique. Pentecost, à contrecœur, permet à Mako et Raleigh de piloter "Gipsy Danger", le seul immunisé contre l'IEM (étant analogique). Le "Jaeger" affronte et tue successivement Leatherbak et Otachi. En examinant le corps d'Otachi, Newton et Hannibal découvrent qu'elle est enceinte. Le fœtus "Kaiju" sort alors du ventre d'Otachi et dévore Hannibal, ne laissant sur place qu'une de ses chaussures. Le "Kaiju" meurt ensuite rapidement, étranglé par son propre cordon ombilical. Newton et Hermann se connectent au cerveau du fœtus et découvrent que la Brèche ne peut s'ouvrir qu'en présence de l'ADN d'un "Kaiju".


title: Pacific Rim (film)

text: Comme Herc a été blessé au cours du précédent combat (ayant été projeté contre un mur après que Leatherback ait frappé la tête du robot), Pentecost décide de piloter lui-même "Striker Eureka" avec Chuck. Accompagné de "Gipsy Danger", ils s'approchent de la Brèche, défendue par deux "Kaijûs" de catégorie 4. Prévenu de l'attaque des "Jaeger" par la nouvelle dérive, un troisième Kaiju (Slattern) en émerge, de catégorie 5, le plus grand jamais rencontré. Les "Jaegers" tuent un "Kaiju" et blessent les autres, mais "Striker Eureka" est immobilisé par le plus grand Kaiju. Pentecost et Chuck décident de faire sauter la bombe, se sacrifiant pour permettre au dernier Jeager d'aller jusqu'au portail ; cependant, la Brèche reste ouverte et le plus grand Kaiju est toujours vivant : "Gipsy" le tue et traverse la Brèche avec son cadavre, passant dans la dimension des "Kaijus". Raleigh provoque ensuite une surcharge du réacteur de son "Jaeger" et s'éjecte avec Mako à l'aide de capsules de sauvetage. Le réacteur explose, détruisant l'installation postée aux abords de la faille dimensionnelle, tuant plusieurs créatures étrangères et refermant la Brèche. Raleigh et Mako émergent de la surface de l'eau avec leurs capsules. Raleigh est cependant inconscient et ne sentant pas son pouls, Mako le supplie de ne pas mourir. Cependant, il se réveille dans les bras de la jeune femme après que cette dernière l'ait serré trop fort. Peu après, Herc Hansen ordonne la désactivation de l'horloge de guerre, indiquant la victoire de l'humanité face aux Kaijus. Raleigh et Mako, au milieu de l'océan, s'embrassent en attendant d'être récupérés par les hélicoptères.


title: Pacific Rim (film)

text: Le ventre du fœtus Kaiju mort s'agite. De l'intérieur, une lame tranche la chair. Hannibal sort la tête par l'entaille qu'il vient de faire avec son couteau et réclame sa chaussure qu'il a perdue.


title: Pacific Rim (film)

text: Les "jaeger" (de l'allemand "", « chasseur ») sont des robots géants, pilotés conjointement par connexion neuronale par deux pilotes. Ils ont été créés pour contrer les kaiju, qui étaient impossibles à battre en utilisant des armes classiques, du fait de leur stratégie changeante. Ils font au moins vingt-cinq étages de haut. Guillermo del Toro s'est inspiré de technologies déjà existantes ou en cours d'étude pour créer ses robots, afin de les rendre plus réalistes. Les jaegers du film sont :


title: Pacific Rim (film)

text: Date de lancement : - Mark 3 - et . Tueur de 10 kaijus.Destruction de la brèche et des pilotes de kaijus


title: Pacific Rim (film)

text: Les "kaijus" sont une race de créatures amphibies géantes qui ont été créés génétiquement par une race d'extraterrestres inter-dimensionnelle venue d'un monde que l'on nomme le pré-univers. Ces aliens se nomment les précurseurs. En 2013, les précurseurs ont ouvert un portail inter-dimensionnel situé au large des côtes de la Chine, près de Guam, sur le sol de la Challenger Deep de l'océan Pacifique qu'on surnomme la Brèche. Leur sang, appelé le bleu kaiju, est une substance fluorescente très toxique pour la Terre et les humains. La plupart des kaijus ont une lueur bioluminescente extérieure sur le corps et une lueur bioluminescente intérieure, dans la bouche. Les kaijus du film sont :


title: Pacific Rim (film)

text: Le scénariste Travis Beacham a eu l'idée de départ du film lors d'une balade sur une plage de Santa Monica : . Grand fan des films de "kaijū", Guillermo del Toro arrive sur le projet après l'avortement de son adaptation de la nouvelle "Les Montagnes hallucinées" de Lovecraft. Il participe alors à l'écriture du scénario avec Travis Beacham.


title: Pacific Rim (film)

text: Guillermo del Toro s'est grandement inspiré pour "Pacific Rim" du folklore moderne japonais. Les "kaijus" sont une référence aux monstres mythologiques japonais, qui constituent le centre du genre des films de "kaiju". On peut citer parmi eux Godzilla, qui en est le plus célèbre exemple. On peut noter un possible clin d'œil à ce dernier dans le film, les cris poussés par Leatherback ressemblent très fortement au célèbre cri de Godzilla. Les jaegers eux, sont inspirés des animés de mecha asiatiques des années 1970 à la fin des années 1990, tels que "Goldorak", "Evangelion", "Escaflowne" ou "Patlabor". L'inspiration du film se voit également dans son atmosphère, et ses décors, très colorés et lumineux, ainsi que les grands nombres de lieux du film, qui sont pour la plupart situés en Asie de l'est, du côté du Pacifique.


title: Pacific Rim (film)

text: Henry Cavill, Taylor Kitsch, Aaron Taylor-Johnson, Aaron Paul et Luke Bracey étaient envisagés pour le rôle de Raleigh Beckett, finalement incarné par Charlie Hunnam.


title: Pacific Rim (film)

text: Guillermo del Toro retrouve ici Ron Perlman, après "Cronos", "Blade II", "Hellboy" et "Hellboy 2 : Les Légions d'or maudites".


title: Pacific Rim (film)

text: Le tournage principal débute le , avec la caméra Red EPIC. Il a lieu aux Pinewood Toronto Studios et à Toronto au Canada.


title: Pacific Rim (film)

text: Le tournage dure 103 jours, alors que le réalisateur avait l'habitude de tourner ses films en 115 jours. Le tournage a donc eu lieu 7 jours sur 7 avec une seconde équipe très active. Guillermo del Toro a travaillé jusqu'à 18 heures par jour.


title: Pacific Rim (film)

text: Contre l'avis de Guillermo del Toro, la Warner Bros. projette de convertir le film en 3D après le tournage.


title: Pacific Rim (film)

text: La bande originale est composée par Ramin Djawadi, choisi par le studio pour son travail sur le film "Iron Man" et la série "Le Trône de fer".


title: Pacific Rim (film)

text: Sur l'agrégateur américain Rotten Tomatoes, le film récolte 72 % d'opinions favorables pour 289 critiques. Sur Metacritic, il obtient une note moyenne de pour 48 critiques.


title: Pacific Rim (film)

text: En France, le site Allociné propose une note moyenne de à partir de l'interprétation de critiques provenant de de presse.


title: Pacific Rim (film)

text: Entre 2013 et 2014, "Pacific Rim" a été sélectionné dans diverses catégories et a remporté récompenses.


title: Pacific Rim (film)

text: À la fin 2012, bien avant la sortie à l'été 2013, il est révélé que le scénariste Travis Beacham travaille sur l'écriture d'une suite. Guillermo del Toro devait la réaliser, mais il préféra se consacrer à un projet plus personnel avec "La Forme de l'eau". Il se contente donc de rester producteur sur "".


title: Pacific Rim (film)

text: Il existe une novélisation du film, écrite par Alex Irvine, éditée par et sortie en . La version française a été publiée par les éditions Bragelonne.


title: Pacific Rim (film)

text: Il existe un roman graphique intitulé "Pacific Rim: Tales From Year Zero", se déroulant 1 an avant les événements du film "Pacific Rim", et raconte l’histoire de la journaliste Naomi Sokolov, travaillant sur une rétrospective de l’histoire du programme Jaeger et de la guerre contre les Kaiju du point de vue de trois témoins: Tendo Choi, Jasper Schoenfeld et Stacker Pentecost.


title: Pacific Rim (film)

text: Le comics Pacific "Rim: Tales From The Drift", et "Pacific Rim: Aftermath" qui explore les 10 ans entre le premier film et le deuxième en introduisant des nouveaux personnages.


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: Il s'agit du premier "spin-off" de la série "Fast and Furious", dont l'histoire se centre principalement sur les personnages de Luke Hobbs (Dwayne Johnson) et Deckard Shaw (Jason Statham).


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: Deux ans après les événements de "Fast and Furious 8", l'agent fédéral Luke Hobbs et l'ex-militaire britannique, Deckard Shaw, devenu mercenaire, doivent s'allier pour mettre un terme à une nouvelle menace provenant de l'organisation terroriste Étéon et de son agent d'élite, Brixton Lore, à qui on a volé un virus à même de tuer la moitié de la population mondiale.


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: À Londres, Hattie Shaw et son équipe d'agents du MI6 tentent de récupérer un supervirus programmable nommé Snowflake ("Flocon de Neige") de l'organisation terroriste Étéon. Brixton Lore, un membre d'Étéon opérant avec des implants cybernétiques qui lui permettent de réaliser des exploits surhumains, arrive et tue tous les agents sauf Hattie, qui s'injecte Snowflake avant de s'échapper. Brixton fait accuser Hattie d'avoir tué son équipe et volé Snowflake, la forçant à s'enfuir.


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: Luke Hobbs et Deckard Shaw, le frère de Hattie, vivent leurs routines quotidiennes lorsqu'ils sont chacun informés de la disparition du virus et sont conviés à une rencontre aux locaux de la CIA à Londres. Malheureusement, la réunion est de courte durée, les deux hommes s’échangeant des insultes et refusant de travailler ensemble. Deckard quitte ensuite les lieux et se rend chez sa sœur pour obtenir des informations, tandis que Hobbs parvient à trouver Hattie et, après une brève bagarre, à l'amener au bureau de la CIA. Mais le bâtiment est ensuite attaqué et Hattie est capturée par Brixton, que Deckard reconnaît comme un ancien collègue devenu ennemi qu'il croyait avoir tué par balle. Hobbs et Deckard partent à leur poursuite et sauvent Hattie dans les rues de Londres, réussissant à échapper à Brixton qui tombe de sa moto et s'écrase contre un bus. Cependant, Brixton les fait passer tous les trois pour des traîtres par l'intermédiaire des médias mondiaux et lance le monde à leur recherche.


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: Le trio localise le professeur Andreiko, le créateur de Snowflake, qui leur propose deux solutions pour empêcher le virus de se propager: la première est de tuer l'hôte, la seconde est un dispositif d'extraction qui est actuellement dans les locaux de Étéon en Ukraine. Après avoir volé sous couverture avec de fausses identités jusqu'à Moscou et fait la connaissance d'un homme au bras long, ils rencontrent la "petite amie" de Deckard, qui va leur permettre d'atteindre le site en toute discrétion. Ils préparent alors un plan, Hattie sera livrée à Étéon pour détourner leur attention pendant que Hobbs et Shaw seront largués par avion pour infiltrer et détruire le site. Après une arrivée très tranquille, ils sont capturés par Brixton et ligotés sur une chaise électrique. Alors que ce dernier tente de la recruter, il révèle que la trahison de Shaw était en réalité un coup monté par Étéon car il a refusé de s'engager chez eux. Hattie, ayant entendu cette révélation, intervient et leur permet de se libérer avec l'aide du professeur. Ils réussissent à récupérer le dispositif d'extraction avant de s'échapper. Cependant, Andreiko est tué et le dispositif est endommagé pendant leur fuite.


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: Malgré sa réticence, Hobbs décide d'emmener le trio dans sa maison d'enfance aux iles Samoa. En arrivant sur les lieux, il est accueilli par les foudres de son frère Jonah, qui lui reproche d'avoir abandonné sa famille sans donner aucune nouvelle pendant 25 ans. Mais Jonah est finalement persuadé de les aider par leur mère. Le bataillon de fortune se prépare à l'arrivée d'Étéon en installant divers pièges sur l'île. Jonah répare avec succès l'appareil et commence l'extraction du virus tandis que Hattie trouve le moyen de retourner la technologie d'Étéon contre ses troupes. Avant la bataille, Hobbs s'excuse auprès de son frère pour l'avoir abandonné tandis que Deckard reconnait les erreurs qu'il a commis durant ces dernières années. Dans la bataille qui s'ensuit, Brixton reprend Hattie par hélicoptère, mais Hobbs, Deckard et les Samoans font crasher l'hélicoptère en contrebas d'une falaise.


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: Hobbs et Shaw se retrouvent en mauvaise posture, étant incapable de venir à bout de Brixton qui parvient à anticiper tous leurs mouvements. Cependant, alors que le cyborg met à terre Shaw, Hobbs parvient à le déstabiliser en le frappant avec une tôle. Grâce à leurs enchaînements, Hobbs et Shaw parviennent à le vaincre. Face à cet échec, le directeur d'Étéon ordonne à ses employés de déconnecter Brixton. Ce dernier finit par s'évanouir, tombe de la falaise et disparaît dans les profondeurs marines. Après la mort de ce dernier, le directeur envoie un dernier message au trio en leur disant qu'ils sont désormais ses prochaines cibles, plus particulièrement Hobbs (d'après ses propos, il serait un rival que Hobbs aurait rencontré auparavant).


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: Hobbs conduit sa fille Samantha aux îles Samoa afin qu'elle rencontre pour la première fois sa famille. De son côté, Shaw rend visite à sa mère Magdalène en prison accompagné de sa sœur Hattie. Magdalene se réjouit de les voir à nouveau ensemble. Ils lui tendent un gâteau d'anniversaire avec caché à l'intérieur une lime. Elle leur propose ensuite de s'évader, ce qu'ils acceptent, et commencent par intimider les gardes.


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: L'agent Locke se retrouve en mauvaise posture. Il informe Hobbs qu'un nouveau virus encore plus puissant que Snowflake vient d'être découvert.


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: Hobbs téléphone à Shaw pour le vanner et l'informer qu'il lui a envoyé la police, qui arrive justement sur les lieux pour l'arrêter. Shaw lui répond qu'il rappelle tout de suite avant de faire face aux forces d'intervention.


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: En , Vin Diesel révèle dans une entrevue avec "Variety" que des films d'une potentielle série dérivée de la saga "Fast and Furious" sont développés par Universal Pictures. Une date de sortie est fixée pour . Chris Morgan, à l’œuvre sur tous les films de la saga depuis "" (2006), revient à nouveau comme scénariste. Shane Black est évoqué comme réalisateur en .


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: En , il est annoncé que David Leitch est en négociations pour le poste de réalisateur. Il est confirmé en .


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: En , Vanessa Kirby rejoint la distribution dans le rôle de la sœur de Shaw, alors qu'Idris Elba sera l'antagoniste principal du film.


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: En , Dwayne Johnson annonce, via les réseaux sociaux, que son cousin Roman Reigns rejoint la distribution dans le rôle du frère de Hobbs. Il avoue cependant avoir contacté Jason Momoa pour le rôle, mais ce dernier était trop occupé par d'autres projets.


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: Pour David Leitch, Hobbs et Shaw sont des personnages tellement forts physiquement qu'il leur fallait un ennemi surpuissant pour être une menace crédible, à même de les terrasser. C'est ainsi que fut décidé d'ajouter des éléments de science-fiction dans le scénario et de faire du personnage d'Idris Elba un soldat augmenté.


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: Le tournage débute le à Londres. Des scènes sont tournées dans les studios de Shepperton. Pour recrééer le décors d'une centrale électrique datant de l'URSS, l'équipe s'est rendue sur le site de la centrale électrique d'Eggborough. En , des scènes sont tournées sur l'île hawaïenne de Kauai pour y simuler les Samoa.


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: Le film reçoit des critiques plutôt mitigées de la presse. Sur l'agrégateur américain Rotten Tomatoes, il récolte 66 % d'opinions favorables pour 282 critiques. Sur Metacritic, il obtient une note moyenne de pour 54 critiques.


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: En France, le film obtient une note moyenne de sur le site AlloCiné à partir de l'interprétation de 23 critiques de presse.


title: Fast and Furious: Hobbs and Shaw

text: Entre 2019 et 2021, "Fast and Furious: Hobbs and Shaw" a été sélectionné 28 fois dans diverses catégories et a remporté 1 récompense.