title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Des éléments de l'arc narratif rappellent, de plus, des passages d'autres films de Demy, comme l'épisode de la bague cachée sciemment par la Princesse dans le « d'amour », qui fait référence à la tradition des fèves dans la Galette des Rois, également au centre d'une scène entre les personnages de Geneviève (Catherine Deneuve) et de sa mère, Émery (Anne Vernon), dans les "Parapluies de Cherbourg". L'usage des chansons cimente aussi les films entre eux, à l'instar d"Amour, Amour", que les deux jeunes protagonistes partagent sans s'être déjà rencontrés et qui nous apprend qu'ils sont destinés l'un à l'autre, tout comme c'est le cas de Delphine et Maxence (Deneuve et Perrin) dans les "Demoiselles".


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: La technique de transition qu'utilise parfois Demy pour passer d'une scène à une autre, la « fermeture à l'iris », a déjà été utilisée dans ses précédents films : elle marque la fin des "Demoiselles" lorsque le convoi traverse le pont transbordeur puis s'éloigne de la ville, et « ouvre » à l'inverse les films "Lola" et "Les Parapluies". Dans "Peau d'âne", elle est employée à trois reprises, pour délimiter trois espaces qui tentent de s'appeler l'un vers l'autre :


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Si le parti pris visuel du film est l'une des composantes qui lui a permis d'acquérir un statut culte, il ne fut pas toujours aussi éclatant et joyeux. Une première version du scénario consistait en effet pour Demy à peupler le royaume de "Peau d'âne" de pendus, de squelettes et de pestiférés, pour élargir la féérie. Il les mettra finalement en scène dans son adaptation de conte suivante, "Le Joueur de flûte".


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: L'esthétique du film tient de la transgression. Par ses couleurs vives (habituelles à l'œuvre de Demy) et ses costumes démesurés, elle se nourrit des références psychédéliques du monde hippie, et notamment des mouvements et exotiques pour l'Europe et que Jacques Demy avait découverts aux États-Unis où il venait de passer deux ans. Il garde aussi le souvenir des "" (fêtes médiévales) chères aux Américains, qui reconstituent les temps d'autrefois en respectant le folklore, les costumes, et où l'on croise des jeunes filles aux longs cheveux de princesse. Il emprunte des éléments aux films de Walt Disney Productions (en particulier à "Blanche-Neige et les Sept Nains") et à Andy Warhol ainsi qu'à Gustave Doré et Leonor Fini. L'affiche dessinée par Jim Léon en est l'exemple.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Les couleurs, qui imprègnent bien plus d'éléments que les films traditionnels, des chevaux jusqu'à la peau des gardes, sont à rattacher au style vif et aux couleurs tranchées d'Andy Warhol. La symbolique en est également riche : le bleu du château d'où provient Peau d'âne rappelle, en plus du conte de Barbe bleue et du danger qu'il représente pour la gent féminine, le « sang bleu », c'est-à-dire le sang de la nobilité qui régnait dans les temps féodaux, ainsi que la consanguinité, qui peut exister dans les familles nobles et que ne renie pas le Roi bleu lorsqu'il propose à sa fille de l'épouser. C'est un royaume clos sur lui-même et endogame, à l'image de son château tourné vers la cour intérieure. Le rouge du royaume où Peau d'âne se réfugie évoque au contraire une dimension révolutionnaire : c'est là que la jeune Princesse peut échapper à la volonté de son géniteur et de son roi, et là que le Prince daigne quitter sa réserve pour s'enquérir d'elle bien qu'elle ne soit plus princesse, mais souillon, et s'indigne de sa condition dans une réplique aux tendances socialisantes. Le blanc de l'innocence et de l'harmonie, qui sacre la résolution de tous les conflits, nimbe tous les personnages à la fin : la Princesse et le Prince, unis dans le mariage, le Roi rouge et la Reine rouge, qui se réjouissent de voir leur fils guéri, et le Roi bleu et la Fée des lilas, nouvellement fiancés et au sujet desquels on devine que la tension amoureuse a été résolue. Le violet, associé à la fée des Lilas, obtenu en mélangeant le bleu et le rouge, agit comme tampon entre les deux royaumes : la fée est celle qui permet à l'inceste de ne pas avoir lieu, dans un premier temps en venant en aide à la princesse car elle lui permet de s'enfuir, puis en calmant les ardeurs du roi en l'épousant.Le blanc, qui est le résultat de l'addition de toutes les couleurs du prisme, est ainsi également la couleur de transition et d'unification qui fait le lien entre les personnages, à l'image du carrosse argenté tiré par des chevaux blancs et rempli de plumes, qui mène la Princesse du royaume bleu au royaume rouge. Dans les films de Demy plus particulièrement, le blanc est aussi la couleur de l'amour sublimé, de l'idéal poursuivi et du rêve.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: La distinction entre les deux royaumes se poursuit dans les décors. Le château du Roi bleu apparaît comme une forteresse féodale imposante, tournée exclusivement vers la cour intérieure où la Princesse fait de la musique, tandis que celui du Prince paraît plus ouvert - le mariage prenant place à l'extérieur - et plus symétrique. Le domaine du Roi bleu est envahi par le végétal et l'animal, qu'il s'agisse des murs couverts de lierre, des statues vivantes ou du trône que constitue un gros chat blanc ; cette même atmosphère désordonnée baigne la clairière de la Fée des lilas, envahie de fragments de pierre qui cohabitent avec une végétation omniprésente. Au contraire, le château rouge est plutôt celui de l'ordre, de la soumission à l'homme et à son industrie, et du minéral : la pierre du château est nue et s'offre peu aux décorations, à l'exception de tableaux psychédéliques, similaires à ceux du château bleu, qui associent ainsi les deux royaume et peuvent annoncer plastiquement leur union finale.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Demy est profondément influencé par l'univers du cinéma de Cocteau, notamment par son adaptation du conte "La Belle et la Bête", sorti en 1946.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Tous deux se connaissaient depuis 1957. Le tournage de "SOS Noronha", où Demy était assistant, a permis au jeune cinéaste de parler à Jean Marais de son désir de rencontrer le poète et, sur ses conseils, il parvient à approcher l'artiste qui a l'habitude de « recevoir » et se montre . Par la suite, le rapprochement entre les deux artistes et l'influence de Cocteau sur Demy seront souvent reconnus par les critiques. Durant la préparation du film, Demy visionne de nombreuses fois la "Belle et la Bête" avec le directeur artistique Agostino Pace.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Le choix de Jean Marais pour le rôle du Roi bleu, lui qui incarnait la Bête chez Cocteau, est d'ailleurs lié à cette référence. Les deux rôles tenus par l'acteur présentent des similitudes vestimentaires, avec des manteaux aux manches bouffantes, et incarnent l'objet du désir transgressif de l'héroïne : chez Cocteau, Belle ne voit la bête se transformer en homme qu'à regret, et chez Demy la Princesse présente une moue de désappointement en apprenant que son père a des projets de remariage avec la Fée. Sur le plan esthétique, la végétation qui envahit l'intérieur du château du Roi bleu n'est pas anodine ; de même, les statues animées dont le regard suit les protagonistes ainsi que les gardes immobiles et comme fondus dans les murs, tels des cariatides, rappellent dans la "Belle et la Bête" les objets vivants à apparence humanoïde. La chambre de la Princesse ressemble également à celle de Belle dans le château de la Bête, et l'idée des bougies qui s'allument toutes seules est empruntée à Cocteau, tout comme les portes qui s'ouvrent toutes seules. Le miroir magique dont se sert Peau d'âne pour espionner la réaction de son père rappelle aussi celui de la Belle, et la réplique de la marraine : fait écho à celle de Cocteau : . La course de peau d’âne reste aussi un hommage au cinéaste: une fois habillée de la peau de bête la princesse, désormais nommée peau d'âne, s’enfuit de chez son père en courant, dans une scène filmée au ralenti qui rappelle la scène de l’arrivée de la jeune Belle au château de la Bête. Ailleurs, le plan qui montre au spectateur le Prince s'approchant de face de la masure de Peau d'âne et se heurtant à une paroi invisible est très similaire au plan extrait du film "Orphée" (1950) dans lequel le poète, également joué par Jean Marais, se trouve incapable de traverser un miroir magique ; ce même film partage avec "Peau d'âne" le motif du reflet de soi dans une mare, saisi par Jean Marais chez Cocteau et par Catherine Deneuve chez Demy. Toujours dans la forêt, la rose que le Prince rencontre sur son chemin peut certes évoquer la Rose du "Petit Prince", qui engage un dialogue philosophique avec le petit garçon tout comme procède celle de Demy avec le jeune homme, mais surtout rappeler la main du film "Le Sang d'un poète" (1930), qui elle aussi est dotée d'une bouche par laquelle elle peut s'exprimer. Enfin, l'hélicoptère nuptial de la Fée des lilas paraît faire écho dans le domaine anachronique aux motos funèbres qui ferment le film "Orphée".


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Fille du Roi bleu et désormais orpheline de mère, la Princesse est la seule à correspondre aux critères que respecte son père pour trouver une nouvelle épouse. Elle est ainsi la cible de son projet d'inceste, et Jacques Demy la présente comme un . La présence récurrente de colombes à son entour, dans la cour du château ou dans sa chambre, exalte son innocence et sa pureté face à l'immoralité du projet de son père. Mais, par une mise en abyme des principes des contes de fée, Peau d'âne décide de ne pas attendre le secours d'un prince charmant et choisit de prendre sa destinée en main : Ce n'est d'ailleurs que lors de son départ du château qu'elle obtient enfin un véritable nom, « Peau d'âne », elle qui auparavant n'était désignée que par son titre et son lien avec son père. Elle fait preuve d'une force d'esprit inhabituelle aux princesses des contes de fées, notamment lorsqu'elle oppose à sa marraine sa volonté réelle d'épouser son père ou lorsqu'elle poursuit le Prince de ses avances, en l'éblouissant d'un éclat lumineux par son miroir ou avec la ruse de l'anneau dans le . Et au contraire d'une princesse qui serait éveillée par la venue de son prince charmant, c'est bien la Princesse qui tend la main au Prince et le libère de son enveloppe charnelle avant de l'emporter en songe.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Marraine de la Princesse, c'est elle qui lui souffle des subterfuges pour échapper à l'inceste. Au contraire du stéréotype de la fée marraine, qui est souvent la plus haute instance morale dans un conte, la Fée des lilas a beau distiller des bons conseils, elle n'est pas exempte d'arrière-pensées et n'agit que pour parvenir à ses propres fins : on apprend à la fin du film qu'elle va épouser elle-même le roi, et que ses stratagèmes visaient donc à éloigner une rivale de l'homme désiré et à assouvir une revanche personnelle, d'autant plus cruelle qu'elle l'a fait traîner en longueur sur plusieurs épreuves, le sacrifice de l'âne banquier en étant le point culminant. Elle constitue de fait le personnage le plus subversif du film, surtout par rapport à son équivalent dans le conte : ici, c'est elle qui introduit les anachronismes. En plus de ceux présents dans sa vie quotidienne comme le téléphone ou l'usage du concept de , c'est elle qui donne le recueil de au Roi bleu ; elle se rend au mariage en hélicoptère ; et elle porte une coiffure à la Jean Harlow du style des années 1930, bien éloignée des perruques Louis XV des fées plus classiques, et elle trahit le modèle de moralité qu'elle est supposée incarner. Elle semble en fait mêler les caractéristiques de plusieurs femmes merveilleuses : à la fois fée marraine et prophétesse, puisque le Roi bleu loue sa , la Fée est un personnage en dehors du temps, peut-être perdue entre passé et futur, en tout cas dépendante de la foi que les hommes ont en elle. Sa couleur lilas, c'est-à-dire violette, représente également les et les . Sa vivacité et surtout sa coquetterie semblent en partie héritées de l'adaptation du conte en vaudeville dans les années 1860-1870 : dans les deux œuvres, la Fée se plaint d'être surprise par sa filleule alors qu'elle n'a pas encore achevé sa toilette, puis lui conseille d'éviter les larmes pour préserver sa beauté. Jacques Demy avait d'abord envisagé de proposer le rôle à Anouk Aimée, qu'il avait déjà dirigée dans "Lola" quelques années plus tôt, mais le rôle échoit finalement à Delphine Seyrig, dont Demy reconnaît en jouant , . L'actrice est d'ailleurs une figure importante de l'émancipation féminine en France et paraît de la sorte faire écho au personnage de la Fée, très indépendante et en avance sur son temps.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: À peine son veuvage entamé, le Roi bleu doit trouver une nouvelle épouse pour assurer un héritier au royaume. Ignorant l'intérêt que lui porte la Fée des lilas, il se rend compte que la seule femme du royaume qui réponde aux critères de sa défunte épouse n'est autre que sa propre fille. Généreux et résolu, il ne lui refuse aucun cadeau, même lorsqu'elle lui demande la peau de l'âne qui rend son pays si prospère. Lui-même paraît profiter du complexe d'Électre de sa fille : jusqu'à ce que la Princesse reçoive les conseils de sa marraine, elle ne semble pas opposée à l'idée d'un mariage, et lors de leurs retrouvailles à la fin du film, la nouvelle que son père prévoit d'épouser la Fée paraît provoquer chez la jeune fille une moue de déception. À la différence du roi du conte, dont il est cyniquement dit qu'il pleure sa femme , son homologue chez Demy est un amoureux passionné qui bannit tout d'abord sa fille de sa vue afin que rien ne lui rappelle le souvenir de la défunte reine. Il est en réalité le seul à incarner, parmi les personnages, un désir physique de possession (au contraire du couple naïf que la Princesse va former avec le Prince), ce que manifestera un dernier regard lubrique lors des retrouvailles avec sa fille.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Prince d'un royaume voisin à celui du château bleu, le Prince cherche l'amour véritable. Cette quête apparaît pourtant à plusieurs égards comme un caprice d'enfant : il feint une maladie que les médecins ne parviennent pas à soigner afin de pouvoir rester au lit en permanence et rêver à la Princesse qu'il a furtivement aperçue dans les bois. Il n'hésite pas à user de la bonne volonté de ses parents, prêts à tout pour rétablir sa santé inquiétante, en exigeant que Peau d'âne lui cuisine un et que soit organisée une séance d'essayage de la bague pour toutes les jeunes filles du royaume, y compris les domestiques au travail, alors même qu'il sait déjà que le bijou ne peut appartenir qu'à Peau d'âne. Là est d'ailleurs le paradoxe : c'est en imposant par caprice la cérémonie de l'essayage, qui semble profondément ennuyer ses parents, que le Prince pourra faire reconnaître officiellement la Princesse et ainsi ne pas être taxé de caprice. La rêverie qu'il partage avec la Princesse est d'ailleurs de l'ordre du rêve enfantin : alors même qu'ils sont émancipés de toute surveillance des adultes et de toute responsabilité liée à leur rang dans leur royaume respectif, les deux jeunes gens choisissent de poursuivre leurs jeux d'enfants, en roulant dans l'herbe ou en se gavant de pâtisseries. Jacques Demy a d'ailleurs fait supprimer certaines répliques au sous-entendu érotique, initialement prévues dans les paroles de la chanson "Rêves secrets d'un prince et d'une princesse", qui donnaient aux rêves des deux jeunes gens une dimension plus adulte : .


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Mais le réalisateur se réclame avant tout d'un , qui comporterait des personnages aux réactions crédibles pour que le merveilleux intervenant dans ce contexte soit plus étonnant.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: La critique américaine Anne E. Duggan, qui a écrit un ouvrage sur la dimension du genre dans l'œuvre de Demy, voit également dans "Peau d'âne" une volonté de défier aussi bien les canons esthétiques que les normes hétérosexuelles, illustrée notoirement par le thème de l'inceste.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Le thème de l'inceste, qui fait l'originalité du conte de Perrault, est préservé dans la relecture plus moderne de Demy, qui reconnaît son aspect , ce pourquoi . Mais au contraire du conte, si ici le Roi prend, seul, la décision d'épouser sa fille, celle-ci n'y répugne pas et oppose aux arguments de sa marraine son propre amour pour son père, poussant ainsi certains critiques à évoquer le complexe d'Électre au sujet de l'attirance d'une fille pour son père. Demy lui-même, sans pousser l'exégèse, peut faire allusion à la thèse du psychanalyste Carl Jung lorsqu'il place des idées identiques dans la bouche d'un personnage. Anne E. Duggan voit dans ce personnage une distanciation des princesses des contes de fées classiques, qui n'existent que par rapport à leur prince et font preuve de passivité ; contrairement à ces dernières, la Peau d'âne de Demy n'hésite pas à faire valoir ses sentiments pour son père et semble manipuler magiquement le Prince pour l'apercevoir d'un angle avantageux, lors de la scène de la masure. Le Prince est d'abord bloqué par un mur invisible puis n'a d'autre choix que de grimper vers une lucarne, ce qui permet à la Princesse de contrôler la façon dont elle lui apparaît et de l'observer à son aise avec son miroir. Elle se montre ainsi active dans la poursuite du Prince, l'éblouissant d'un éclat lumineux et glissant délibérément sa bague dans le (ruse néanmoins déjà présente dans le conte). Elle est en position de force par rapport aux héroïnes classiques et apparaît comme une figure de la transgression des règles du genre. L'inceste même n'apparaît pas condamnable : les deux personnages concernés sont favorables au mariage et, si la Fée des lilas décourage sa filleule, c'est au nom de , non pas au nom de la décence. L'amour n'est pas vraiment distinct de la dépravation, estime la critique Amy Herzog, en particulier au sujet de la scène durant laquelle la Princesse chante "Amour, Amour" tandis que son père la contemple d'une fenêtre du château : la reprise risible du refrain par le perroquet et les paroles qui scellent l'amour comme une expression de la folie () concourent à cette analyse.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Le Prince, quant à lui, est à la recherche du grand amour et se voit guider par une rose sensuelle aux lèvres charnues et érotisées (personnifiée à l'image des femmes-fleurs de Grandville) qui lui indique le chemin pour trouver la Princesse. Pourtant, les interactions entre la Princesse et le Prince eux-mêmes sont peu romantiques et semblent davantage relever d'un amour fraternel, en partie incestueux ; et à la fin de l'histoire, au contraire de Perrault qui laisse les deux personnages se réjouir seuls du mariage de la Princesse, Jacques Demy fait du Roi bleu et de la Fée des lilas des amants. Les paroles ambigües de la Fée, au moment où elle conseille à sa filleule de fuir le Roi, prennent alors tout leur sens : sa motivation à aider sa filleule tenait aussi et surtout d'un empressement à éloigner une rivale prétendant aux affections du Roi, et la Fée apparaît alors pourvue d'immoralité, déjouant le stéréotype établi dans les contes. La moue qu'adopte la Princesse à la nouvelle de ces fiançailles paraît alors exprimer sa déception face à la perte du véritable homme aimé, déception identique à d'autres dans les films de Demy (tels "Lola" ou les "Parapluies de Cherbourg") : selon Anne E. Duggan, avec ce mariage contracté par pures considérations sociales envers un homme ayant une bonne situation, la fin de l'histoire ne satisfait pas nécessairement les désirs non conventionnels de l'héroïne. La sempiternelle ritournelle propre aux contes de fées, qui assure bonheur et stabilité au couple de héros, est ainsi remise en question. Les passions intimes sont refoulées : , estime Jean Douchet dans les "Cahiers du cinéma", entre la brutalité du désir du Roi bleu, les manigances de la Fée marraine, la société moqueuse de la ferme, les caprices du Prince qui obtient ce qu'il veut, et la Peau d'âne-souillon qui commande à la Peau d'âne-princesse lors de la scène du . Le laid est transfiguré et le beau promulgué au nom de .


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Le miroir, instrument du reflet et du doute, est un motif qui revient à plusieurs reprises tout au long du film comme pour interroger l'exactitude des personnages. La sincérité des sentiments est en effet un thème central de l'œuvre : Peau d'âne se demande si son attachement pour son père est suffisant pour l'épouser, le Prince se désespère de ne pas trouver le véritable amour, la Fée masque derrière son souci de protection de sa filleule une passion jalouse pour le Roi bleu, et ces recherches de la vérité se heurtent au parti pris de Demy, qui joue avec la fausseté assumée des décors et des anachronismes. Le perroquet lui-même, qui reprend les refrains de la chanson "Amour, Amour", risquerait de déformer la réalité par effet de psittacisme, et la constante confrontation entre le merveilleux et l'anachronique ne contribue pas à la compréhension. Le miroir, célébration de frivolité et de superficialité par laquelle on vérifie son apparence, apparaît notamment lorsque la Princesse rend visite à sa marraine, qui la réprimande pour l'interrompre dans sa toilette avant même qu'elle ne soit présentable. La subséquente crise de larmes de la Princesse élicite chez la Fée un comportement qui illustre encore davantage sa coquetterie : après lui avoir déconseillé de pleurer, les larmes étant selon elle néfastes pour la beauté du visage, elle finit sa toilette par quelques essais de robes dont elle fait varier la couleur. Mais Demy semble valoriser cet aspect du personnage, qui accorde ainsi davantage d'importance aux apparences qu'à la question morale de l'inceste. Le miroir se fait encore voir lorsque la Princesse obtient les trois robes qu'elle a demandées comme défis auprès de son futur époux : elle se regarde elle-même et se fait regarder par les tailleurs. Il en est de même lorsqu'elle revêt la peau de l'âne : c'est un miroir qui lui sert à déplorer sa transformation. Un miroir apparaît encore pour lui permettre de se coiffer les cheveux ; puis plus tard, à l'instar de Narcisse, la jeune fille aperçoit dans la forêt son reflet dans une mare. Cette dernière scène a d'ailleurs été tournée avec une glace : pour rendre hommage à une gravure particulière de Gustave Doré, une pièce d'eau a été créée de toutes pièces à l'aide d'un miroir recouvert d'eau teintée.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Mais, s'il sert de moyen de glorification, le miroir est aussi le support de la désillusion, illustrant la différence entre la jeunesse virginale de la Princesse et l'âge plus avancé de sa marraine à la manière du miroir de "Blanche-Neige", qui annonce à la reine maléfique qu'elle a été surpassée en beauté. Il tend ainsi à renvoyer davantage le reflet de la jeune fille que celui de la Fée des lilas : lors de la première apparition de celle-ci, c'est Peau d'âne qui remplit le cadre du miroir, et il en va de même lorsque la Fée mentionne le déclin de ses charmes, qu'elle compare à des batteries usées. La ressemblance entre la Fée et la belle-mère maléfique de l'adaptation par Disney est accentuée par d'autres similitudes comme la composition chromatique de l'image et la collerette de la robe. Un col identique apparaît par ailleurs à la fin du film sur la tenue de mariée de la Princesse, cette fois-ci, comme pour signifier qu'avec son choix de mariage conventionnel, ayant refusé de céder à la tentation de l'inceste, l'héroïne s'expose au risque de se voir par la suite défiée en beauté par de plus jeunes rivales. D'autre part, le miroir magique dans lequel apparaît brièvement le Roi bleu lorsque sa fille l'épie constitue la seule apparition du personnage entre le moment où elle le quitte et celui où il la rejoint pour les noces finales. Une telle disparition et cette mise hors-fiction pourraient être à imputer aux exigences de la Princesse, qui a initialement réclamé la peau de l'âne, soit l'équivalent métaphorique de la puissance du roi, et l'a ainsi sacrifié comme en réponse à l'inceste.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Le miroir est enfin un moyen de communication équivoque, qui met en relations des univers pour qui sait comment y regarder. C'est dans celui de la Princesse que la Fée apparaît pour la première fois à l'intérieur du château, ayant quitté son repaire forestier. C'est d'un autre miroir dont l'héroïne se sert, depuis sa cabane, pour observer la réaction de son père une fois qu'elle a fui le château. La rencontre avec le Prince a aussi lieu par miroirs interposés, chacun n'apercevant l'autre que par son reflet, lui dans le grand miroir grâce auquel elle fait sa toilette, et elle dans le petit qu'elle utilise plus discrètement. Mais le jeune homme paraît aveuglé par cette image de la Princesse dans sa robe du soleil, si bien qu'il ne lui reste qu'à détourner les yeux et s'enfuir. Il ne paraît pas encore prêt à la rencontrer. La fin du film semble néanmoins proposer une résolution positive sur le plan des sentiments : lorsque l'héroïne retire sa peau puis marche avec le Prince vers le trône, face à la caméra, la scène suivante les observe de dos s'éloignant vers leurs témoins, comme s'ils avaient enfin franchi le miroir et achevé leur métamorphose.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Deux types d'apparences priment dans le film : le noble et le vulgaire, ou le beau et le laid. Dès le début du conte, le vulgaire se mêle au noble : c'est grâce à l'âne qui pond de l'or que le Roi bleu est prospère en son royaume, un miracle qui a des relents de scatophilie. Et si la richesse du royaume bleu et du royaume rouge est bien transmise par l'opulence des décors et des costumes, Peau d'âne la souillon fréquente un monde de laideur, obéissant à une femme qui crache des crapauds et chargée des auges des cochons. Ce sont d'ailleurs des blanchisseuses qui sont les premières à se moquer de l'apparence de la jeune fille. Et pourtant, le monde ne semble exister que pour le beau : les déjections de l'âne sont valorisées pour ce qu'elles représentent aux yeux du roi, la robe « couleur de temps » demandée sans davantage de précision est confectionnée de sorte à représenter le « beau temps », et la première action de Peau d'âne en entrant dans son nouveau logis est de faire le ménage.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: Cette dualité est à son paroxysme pendant la scène dite « du d'amour », lorsque la caméra présente aux fourneaux une héroïne dédoublée, à la fois princesse en tenue de soleil et souillon parée d'une Peau d'âne, mélangeant l'or de sa robe à la crasse de la dépouille animale. C'est en fait le lieu même de la masure qui incarne la liminarité, où se côtoient indifféremment le propre et le sale, à travers les objets que l'héroïne a fait apparaître avec sa baguette magique. Cette domestication du taudis reflète, selon la chercheuse Kristen Ross, un comportement social propre à l'époque des Trente Glorieuses en France et que Walt Disney avait par ailleurs incorporé dans sa version de Blanche-Neige, dont Jacques Demy dit qu'elle lui venait à l'esprit à chaque fois qu'il pensait à la conception de cette scène. L'héroïne de Disney est ainsi une domestique en haillons qui cherche à marier la bonne gestion de son foyer et le maintien de son noyau familial, constitué par les sept nains. Demy paraît dans cette perspective proposer une relecture comique voire parodique de cette scène, magnifiant le fossé entre la Princesse vêtue d'une robe splendide mais peu pratique et son double drapé d'une peau de bête.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: La scène du , qui fait coexister la princesse et la souillon dans un lieu dépourvu du bleu ou du rouge, marque également le milieu du voyage de la jeune fille, momentanément bloquée entre les deux châteaux qui lui sont tous deux inaccessibles, et donc entre deux identités inachevées. Il n'y a aucun point de rencontre entre ces trois lieux, et si la masure semble située au milieu du voyage de l'héroïne, elle n'en apparaît pas moins détachée du reste, comme détachée dans le temps : les mouvements se font au ralenti, les habitants de la ferme sont suspendus comme dans une dilatation de l'instant, et le Prince parvenu jusque-là est empêché d'approcher par une muraille invisible. Elle apparaît et permet de regarder ou bien en arrière ou bien en avant (le Roi puis le Prince apparaissent ainsi tour à tour dans les miroirs). Tout déplacement, exprimé par l'intermédiaire des changements de décors, tient davantage de la mutation d'une enveloppe et du récit que du passage d'un plan à un autre, puisque ses thématiques changent avec lui. Serge Daney prend l'exemple de la transition du propre au sale : l'héroïne ne quitte son identité de Princesse que lorsqu'elle revêt la peau de l'âne, brisant de la sorte la chaîne « or-âne-château » ; cela n'avait précédemment pas pu être obtenu par la Fée lorsqu'elle avait tenté d'empêcher l'union du Roi et de la Princesse par l'épreuve des robes somptueuses, qui appartiennent à la série du propre. La masure, elle, accueille chaque élément du film à la fois dans la série du propre et dans celle du sale : y coexistent en même temps les meubles luxueux que la Princesse a fait apparaître et les éléments misérables d'une cabane au beau milieu d'une forêt.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: La rêverie des deux amoureux, au son de la chanson "Rêves secrets d'un prince et d'une princesse", dissimule un manifeste hippie et un appel à enfreindre les interdits dans ses paroles équivoques : . Nombreux sont les critiques, et même Rosalie Varda, la fille de Demy, qui voient derrière cette des , alors en vogue dans les milieux que fréquentaient Demy et Agnès Varda pendant leur séjour américain. L'expérience hippie du réalisateur imprègne en effet le film, cette rêverie tout particulièrement : les champs sont parsemés de curieuses fleurs colorées, la boisson coule à flots sur la table de banquet, les deux jeunes gens font vœu de rébellion () puis se laissent glisser au fil de l'eau en fumant le narguilé... Même la barbe du Roi rouge, homme peu disert mais à l'apparence bonhomme, évoque le (« pouvoir des fleurs ») du mouvement hippie. Le que réclame le Prince, utilisant le terme anglais désignant un gâteau, est l'un des nombreux exemples d'ambiguïté : d'aucuns choisissent d'y voir un , pâtisserie contenant du cannabis que la famille Demy-Varda avait eu l'occasion d'expérimenter en Californie.


title: Peau d'Âne (film, 1970)

text: "Peau d'âne" apparaît ainsi comme un , profondément ancré dans la contre-culture des années 1960 déjà représentée dans "Model Shop", le précédent film de Demy.


title: Télérama

text: Télérama est un magazine culturel français à parution hebdomadaire. Il a été fondé en 1947 par Georges Montaron, et appartient au groupe le Monde depuis 2003. Malgré sa vocation de publier les programmes de télévision, ceux-ci ne constituent pas l'essentiel de sa pagination (contrairement à ses concurrents français de la presse de télévision, comme "Télé 7 jours", "Télé poche", "Télé Star", "Télé Z"). Il paraît chaque mercredi et donne les programmes du samedi au vendredi suivant.


title: Télérama

text: En , la revue fait partie, avec "Première" et les sites Allociné et SensCritique, des quatre plates-formes choisies par le CNC comme partenaires dans le lancement de son moteur de recherche listant les offres VàD.


title: Télérama

text: Peu après son arrivée à "Témoignage chrétien" en 1947, Georges Montaron, dont la mission consiste à réanimer les éditions Témoignage chrétien alors déclinantes, a l'idée de lancer, parallèlement à "Témoignage chrétien", un autre hebdomadaire. Il lui apparaît rapidement que la radio, le cinéma et la télévision, alors débutante, doivent être les vecteurs de la nouvelle culture de l'après-guerre. L'idée lui vient alors d'un magazine consacré à ces médias. Il faut, dit-il alors, un journal qui, plus qu'un simple programme des émissions radiophoniques, . "Témoignage chrétien" bénéficie alors d'une structure culturelle impressionnante : ses chroniqueurs s'appellent François Mauriac, Antoine Goléa, Pierre Debray-Ritzen, Michel de Saint Pierre. De leur côté, le père Pichard et le père Avril, dominicains, qui produisent des émissions de radio, souhaitent disposer d'un organe de presse écrite qui puisse prolonger leur action. Ainsi paraît, le , le premier numéro de "Radio-Loisirs". Ses directeurs étaient les pères Avril et Pichard et son équipe permanente est formée de Jean-Guy Moreau, Maurice Lorton et Yves Coste. Les principaux collaborateurs sont : Jean-Pierre Chartier, Roger Fressoz, Jean Marcillac (pour le sport), François Pouget, Maurice Cazeneuve, Paul Gilson.


title: Télérama

text: La maquette du numéro zéro contient déjà tous les ingrédients du contenu du futur "Télérama" : des programmes d'émissions classés par chaîne de radio et par heure, les horaires des bulletins d'informations, les longueurs d'onde des différents émetteurs, des critiques des émissions passées et des articles sur les émissions « à écouter », des critiques de films et de livres, un appel pour une participation des lecteurs ("Nos lecteurs ont la parole").


title: Télérama

text: Le premier numéro contient une critique du film "Arsenic et vieilles dentelles" signée de Roger Fressoz, futur directeur du "Canard enchaîné". Dès son numéro 5, il remplace sa une par une simple photo pleine page que seuls viennent troubler une accroche et le bandeau du titre.


title: Télérama

text: 1947 marque une année terrible pour la presse française. On observe de très longues grèves dans l'imprimerie et une crise fatale pour les Messageries de la Presse. De très nombreux journaux disparaissent. Soumis à la grève de son imprimerie et à une restriction de papier, "Radio-Loisirs" s'arrête après une parution de (dernier numéro : le numéro 23 daté du 3 au ). Georges Montaron, élu gérant des Éditions Témoignage chrétien le , décide de s'associer avec Ella Sauvageot (directrice de "la Vie catholique)", et les Éditions du Cerf (propriété des Dominicains), afin de prolonger "Radio-Loisirs". Le apparut le nouveau magazine "Radio-Cinéma-Télévision".


title: Télérama

text: L'acte fondateur est signé en entre Ella Sauvageot pour "La Vie catholique" dont le fondateur est Francisque Gay, le Révérend Père Pierre Boisselot pour les Dominicains et Georges Montaron pour "Témoignage chrétien". Il hérita du titre "Radio-Loisirs " et de ses abonnés dont la liste est fournie par "Témoignage chrétien". Et il s'installe dans les locaux des Éditions du Cerf, Boulevard de La Tour-Maubourg, avant de déménager pour la rue Saint-Dominique (VIIe arrondissement de Paris).


title: Télérama

text: Cinq ans plus tard, son tirage atteint . Le il change de nom pour devenir "Télévision-Radio-Cinéma". Le , le numéro 559 de ce qui est devenu "Radio-Cinéma-Télévision" (puis "Télévision-Radio-Cinéma") change son nom en "Télérama" (contraction syllabique des trois mots télévision, radio et cinéma).


title: Télérama

text: En 1976, "Télérama" rachète le titre et les lecteurs de "La Semaine Radio Télé" qui n'a pas su passer de l'âge de la radio à celui de la télévision et a perdu une bonne partie de son lectorat.


title: Télérama

text: En , Médiapart révèle que à la suite d'une enquête interne, deux figures du journal, Aurélien Ferenczi et Emmanuel Tellier, sont licenciés, accusés d’agissements sexistes et de harcèlement. Les deux hommes contestent cette sanction et font l'objet d'un débat contradictoire avec leur employeur aux Prud'hommes. En octobre 2020, "Marianne" révèle que certains salariés se sont plaints d'une instruction menée uniquement « à charge ». Selon "Le Figaro", cette affaire est symbolique de la méthode expéditive déployée par Caroline de Haas qui a été chargée de l'audit interne qui a abouti à ces deux licenciements. Le , "Télérama" est condamné à verser 90 000 euros de dommages et intérêts à Emmanuel Tellier pour « licenciement sans cause réelle et sérieuse ». La direction du journal annonce son intention de faire appel.


title: Télérama

text: Vers la fin des années 1970, "Télérama" a lancé une campagne provocante : une photo d'un homme jouant avec son jeune fils commentée du seul slogan : « On peut très bien passer une excellente soirée sans télévision ». Le message est que l'hebdomadaire entend rappeler sa "sélectivité", mettant l'accent sur les émissions et films qui, selon lui, méritent le dérangement… ou non, et ne se contentant pas de simplement donner des programmes. Lorsque deux points de vue divergents existent dans la rédaction, alors les deux sont publiés, double vision qui donne du relief au magazine. À noter aussi le net marquage à gauche du magazine, qui s'est détaché de son étiquette de « catho de gauche » pour passer à une orientation « humaniste ».


title: Télérama

text: Le magazine, au moment du traité de Maastricht (1992), se lance dans une campagne partisane en faveur du « oui ». Cela créera quelques polémiques exprimées pendant plusieurs semaines dans le courrier des lecteurs.


title: Télérama

text: Après avoir été un des fleurons du groupe de presse "La Vie catholique" (PVC), le titre est depuis 2003 une des publications du groupe Le Monde, après la prise de participation majoritaire de celui-ci dans PVC.


title: Télérama

text: En 2006, David Angevin, un ancien journaliste de "Télérama", décrit dans un roman transparent et humoristique intitulé "Boborama", les présupposés politiques de ses anciens collègues : des « réacs de gauche » qui pensent que « José Bové est le nouveau Che Guevara », qui « soutiennent n’importe quel régime totalitaire pourvu qu’il soit anti-impérialiste ». Pour le héros du roman, les journalistes du magazine sont « des ultra gauchistes qui servent la soupe aux Palestiniens ». Le journal est encore présenté comme le « club américanophobe des cathos progressistes et des marxistes ».


title: Télérama

text: L'image « catho de gauche » est remplacée dans les années 2000 par une image « bobo écolo » dont une chanson de Vincent Delerm est représentative : « Tes parents ce sera peut-être/Des professeurs de lettres/Branchés sur France Inter/Et qui votent pour les Verts/Chez tes parents dans ce cas-là/Y aura Télérama ». Un lectorat composé d'enseignants est une autre caractéristique du journal avec une moyenne d'âge des lecteurs qui se situe en 2012 à .


title: Télérama

text: Autour des habituels programmes de télévision, la rédaction publie des reportages et entrevues sur les faits significatifs de société, l'impact et la "lecture" de l'actualité politique nationale et internationale, et les actualités culturelles telles que les musiques classique et actuelles, la littérature, les programmes des chaînes de radio (il est l'un des seuls titres à proposer des programmes détaillés), le théâtre, l'art, etc. "Télérama" publie pour la région parisienne un supplément hebdomadaire gratuit : "Sortir", couvrant les programmes et l'actualité culturels (théâtre, expositions, concerts, restaurants, enfants, cinéma).


title: Télérama

text: Valérie Hurier est la directrice de la rédaction, nommée en en remplacement de Fabienne Pascaud qui occupait ce poste depuis 2006. Ludovic Desautez, directeur adjoint de la rédaction, pilote les activités numériques. Valérie Hurier, directrice adjointe de la rédaction, pilote pour sa part les activités magazine.


title: Télérama

text: La rédaction en chef est assurée par Valérie Lehoux (débats et reportages), Yasmine Youssi (culture), Samuel Douhaire (cinéma et écrans), Laurent Abadjian (photo), Loran Stosskopf (direction artistique) et Cédric Brette (édition).


title: Télérama

text: En 1950, le magazine propose dix notations, de « Ah non ! » à « Bravo », en passant par « Si vous aimez pleurer », « Faute de mieux », « Réveillez-moi »… incarnées par un petit personnage, créé par le dessinateur Omer Boucquey qu’il appelle "Ulysse".


title: Télérama

text: Il existe aussi, au départ, les carrés noirs de la Centrale catholique de cinéma, signifiant ses « importantes réserves » voire sa « demande que l’on s’abstienne de voir » tel ou tel film. Ces carrés noirs ont disparu des pages télé en 1994, et de la page récapitulative mensuelle des meilleurs films en 2009.


title: Télérama

text: Les mentions globales des critiques cinémas, livres, arts et spectacles, sont symbolisées par des lettres « T » (télé), ou par le personnage "Ulysse" relooké en 1972, en 1981 par l'illustrateur Thierry Dalby, en , et en par un nouveau visage dessiné par Riad Sattouf plus ou moins souriant .


title: Télérama

text: En 2022, la mascotte Ulysse cède sa place à "Pénélope", dessinée par Pénélope Bagieu , qui se décline en 5 visages, et la notation en "T" s'harmonise pour correspondre à ces 5 catégories :


title: Télérama

text: La "note maximale" s'établissant à trois « T » jusque là, un film noté "T" avant passe donc à "TT" et ainsi de suite.


title: Télérama

text: De la même façon, des clés « Forte » de notations musicales sont utilisées pour les critiques de disques.


title: Télérama

text: Parmi les journalistes qui ont collaboré ou collaborent à ce magazine : Emmanuelle Anizon, Louis-Marie Barbarit, Philippe Barbot, Henriette Bichonnier, Rosita Boisseau, Patrick Brion (critique de films à la TV sous le pseudonyme d"'André Moreau", le héros de "Scaramouche"), Emmanuel Carrère, David Carzon, Hugo Cassavetti, Olivier Céna, Marie Colmant, Michel Contat, Nicolas Delesalle, Jean-Luc Douin, Aurélien Ferenczi, Christine Ferniot, Michèle Gazier, Louis Guichard, Xavier de Jarcy, Marine Landrot, Martine Laval, Luc Le Chatelier, Thierry Leclère, Valérie Lehoux, Michel Lengliney, Pierre Lepape, Jean-Marc Loubier, Jacques Marquis, Francis Mayor (qui en fut le rédacteur en chef puis le directeur de la rédaction durant 26 ans), Olivier Milot, Pierre Murat, Anne-Marie Paquotte, Frédéric Péguillan (rédacteur en chef délégué de "Télérama Sortir"), Antoine Perraud, Philippe Piazzo, Alain Rémond, Laurent Rigoulet, Gilbert Salachas, Richard Sénéjoux, Jacques Siclier, Emmanuel Tellier, Pierre Tellier ("Télérama Sortir"), Claude-Marie Trémois, Thierry Voisin (rubrique Mix dans "Télérama Sortir").


title: Télérama

text: En 1994, sa diffusion totale payée est de : l'hebdomadaire est alors le magazine d'information le plus diffusé, devant "L'Express", "Le Nouvel Obs" et "Le Point".


title: Télérama

text: En 2013, "Télérama" est le cinquième titre de la presse le plus subventionné au numéro par l'État, avec 0,336 € de subvention par exemplaire.


title: Bidonville

text: Un bidonville, comme défini par le Programme des Nations unies pour les établissements humains, est la partie défavorisée d'une ville caractérisée par des logements très insalubres et construits par les habitants avec des matériaux de récupérations, une grande pauvreté et sans aucun droit ou sécurité foncière. D'après les Nations unies, le pourcentage de citadins qui vit dans des bidonvilles est passé de 47 à 37 % dans les pays en développement entre 1990 et 2005. Cependant, à cause de l'accroissement de la population mondiale et surtout de la population urbaine, le nombre d'habitants des bidonvilles est en augmentation. Un milliard de personnes sur la planète vivaient dans des bidonvilles en 2008 et les prévisions sont de deux milliards pour 2030.


title: Bidonville

text: Le mot « bidonville » a été employé pour la première fois par un médecin dans "La Voix du Tunisien" à propos d'habitats précaires à Tunis pour désigner des « maisons en bidons », c'est-à-dire un ensemble d'habitations construites par des travailleurs installés dans la ville, avec des matériaux de récupération, cependant, la première attestation de Bidonville en tant que toponyme remonte à un article paru dans la revue "L'Exportateur français" où la vue d'ensemble de Bidonville est exposée sur une carte postale de Casablanca datant de 1932. Pour illustrer l'ambiguïté qui demeure encore aujourd'hui entre le toponyme d'origine et le générique, la même carte postale est reproduite dans un ouvrage de Mohammed Nachoui en 1998, mais la légende en fait tout simplement : « un bidonville ». Ce mot a progressivement pris une signification plus large pour rejoindre les termes anglais ' et '. Ce dernier a été forgé au début du , probablement par l'écrivain pour décrire les taudis de Dublin, mais signifiait davantage « racket » ou « commerce criminel » à l'époque ; "shanty town" signifie littéralement « quartier/ville de taudis ».


title: Bidonville

text: D'autres noms existent, propres à chaque langue, voire à chaque pays ou chaque ville comme les "maquis" de Paris à la fin du . On trouve ainsi les « bidonvilles » dans les pays francophones, mais pas seulement comme le montre l'exemple des "mapane" ou "matiti" au Gabon. Il existe une grande variété de noms locaux : les "achwayates" en Algérie, les "gecekondus" en Turquie, les "favelas" au Brésil, les "musseques" en Angola, "jhugi" ou "bustee" en Inde, "kachi abadi" au Pakistan, "slum", "kijiji" ou "korogocho" au Kenya, "mudduku" au Sri Lanka, "imijondolo"/"township" en Afrique du Sud, "karyane" et "brarek" au Maroc, "bairro de lata" au Portugal, "lušnynai" en Lituanie ou encore "kartonsko naselje" en Serbie. Dans les pays hispanophones, on trouve "barrio" en République dominicaine, "ranchos" au Venezuela, "asentamientos" au Guatemala, "cantegriles" en Uruguay, "ciudades perdidas" ou "colonias" (mais ce terme peut aussi s'appliquer à des quartiers chics) au Mexique et dans le sud du Texas, "invasiones" en Équateur et Colombie, "poblaciones callampas", "poblas" ou "campamentos" au Chili, "chacarita" au Paraguay, "chabolas" en Espagne, "pueblos jóvenes" ou "barriadas" au Pérou, "villas miseria" en Argentine ou "precario"/"tugurio" au Costa Rica.


title: Bidonville

text: Les premières définitions des bidonvilles remontent au , en particulier sous l'impulsion du chercheur et philanthrope britannique Charles Booth, auteur de "". Le bidonville y est vu comme , incluant ainsi une dimension morale.


title: Bidonville

text: Cette dimension morale va diminuer au cours du , en réalisant que les habitants des bidonvilles sont plus souvent victimes que générateurs de la criminalité et sont dans des situations différentes d'appréhension du problème par les urbanistes d'état et de villes selon le pays. Chaque pays, voire chaque ville utilise une définition différente, avec des critères adaptés à la situation locale.


title: Bidonville

text: Il n'y a pas actuellement de « définition universelle » des bidonvilles. Une définition très simple telle que proposée par le Programme des Nations unies pour les établissements humains (ONU-Habitat) est :


title: Bidonville

text: Cette définition inclut les éléments de base de la plupart des bidonvilles : surpeuplement, habitat de mauvaise qualité, et pauvreté. Mais face aux diverses définitions générales, l'ONU-Habitat a eu besoin d'une définition opérationnelle, utilisable par exemple pour recenser le nombre d'habitants des bidonvilles ; elle a donc recensé les caractéristiques communes des bidonvilles, d'après les définitions existantes :


title: Bidonville

text: Afin de pouvoir effectuer un recensement global, l'UN-Habitat a ainsi retenu une définition opérationnelle, adoptée officiellement au sommet des Nations unies de Nairobi en 2002. Elle s'en tient aux dimensions physiques et légales des implantations, et laisse de côté les dimensions sociales, plus difficile à quantifier. Les critères retenus sont :


title: Bidonville

text: Un « bidonville », au sens des Nations unies, est donc une zone urbaine présentant certains de ces aspects. Des seuils ont été définis, comme 20 litres d'eau potable par jour et par personne provenant d'une source « améliorée », ou une surface minimale de par personne ; sur le terrain, ces seuils sont toutefois adaptés à la situation.


title: Bidonville

text: Selon un rapport sur l'« urbanisation mondiale durable » de 2007 par l'Institut Worldwatch (ONG, organisme de recherche indépendant), alors que la part de l'argent consacrée au logement ou au loyer ne cesse d'augmenter, plus de la moitié des 1,1 milliard de personnes censées s'ajouter à la population mondiale d'ici 2030 (environ 70 millions de personnes supplémentaires par an pour les années 2000) pourrait vivre dans des bidonvilles si l'on ne reconsidère pas les priorités de développement global.


title: Bidonville

text: Selon un rapport des Nations unies de juin 2006, près d'un citadin sur trois habite déjà dans un bidonville. En Afrique, la croissance de ces quartiers précaires atteint 4,5 % par an. Dans les pays développés, 6,4 % de la population totale vit dans des bidonvilles ou des taudis.


title: Bidonville

text: Les bidonville-ghettos se retrouvent essentiellement dans les grandes villes d'Asie du Sud et du Sud-Est. Ils sont symptomatiques de ces mégapoles en devenir qui ont pensé l'urbanisation pour leur hypercentre mais n'ont pas pu anticiper ce qui se passerait dans leurs faubourgs. À Jakarta, par exemple, les ONG estiment que chaque année, rejoignent des bidonvilles. À New Delhi, ils seraient . À Manille, Jakarta, Phnom Penh, Calcutta et même Hô Chi Minh-Ville, les zones de précarité ont pris une telle ampleur qu'elles atteignent le centre-ville mais ne jouissent d'aucune des infrastructures disponibles.


title: Bidonville

text: La majeure partie des bidonvilles, à leur début, sont dépourvus de toute infrastructure (électrification, écoulement des eaux usées, ramassage des ordures, écoles, postes de santé…). La pauvreté, la promiscuité, le manque d'hygiène réunissent les conditions de développement de foyers infectieux, pouvant être source de pandémies futures.


title: Bidonville

text: De nombreuses associations agissent pour améliorer cette situation et parfois des États, en rendant légale l'occupation des sols, ont investi dans l'infrastructure.


title: Bidonville

text: Cependant, dans la majeure partie des pays du monde, la « résorption des bidonvilles » a consisté à repousser toujours plus loin du centre-ville les familles et groupes habitant ces bidonvilles. En dispersant ainsi les personnes, les réseaux de survie, fondés sur les relations entre les gens, se trouvent cassés, rendant plus aléatoire encore la possibilité de se sortir de cette situation.


title: Bidonville

text: Dans les pays en développement, la plupart des bidonvilles sont situés en périphérie, mais les habitants cherchent cependant à se rapprocher le plus possible de lieux où ils pourraient trouver du travail.


title: Bidonville

text: Les bidonvilles sont des zones bondées, dues à l'exode rural et aux statuts économiques faibles des personnes y résidant qui ne leur permet pas d'avoir un logement classique. La plupart du temps, dépourvus de toute infrastructure (électrification, écoulement des eaux usées, ramassage des ordures, écoles, postes de santé...), les bidonvilles sont des foyers infectieux permettant la prolifération de nombreuses maladies. Au commencement, les nombreux ruraux allant vers les villes dans l'espoir d'y trouver un travail, sont souvent accompagnés de leurs animaux de ferme porteurs de maladies alors inconnues pour la ville.


title: Bidonville

text: Parallèlement au problème de la surpopulation, les bidonvilles sont majoritairement construits dans des sites dangereux, que ce soit sur le plan géologique ou sur le plan sanitaire. En effet, certains sont construits à flancs de collines et d'autres sur des décharges publiques. Les habitations des bidonvilles sont construites avec des matériaux de récupération tels que la ferraille et le plastique. Ces logements sont très petits et non adaptés aux nombreuses personnes qui y vivent. Cette proximité entre les individus multiplie fortement les risques de propagation des maladies. Outre les maladies infectieuses, les habitants des bidonvilles développent de nombreuses maladies respiratoires telles que l'asthme, en raison de l'absence de fenêtres en nombre suffisant et plus généralement d'ouvertures sur l'extérieur.


title: Bidonville

text: Le manque d'eau est un problème récurrent dans les bidonvilles. Ce problème entraîne une mauvaise hygiène corporelle et également une mauvaise hygiène de vie qui provoque de nombreuses infections et maladies telles que le choléra ou la galle. En effet, les habitants des bidonvilles sont généralement contraints de boire et de cuisiner avec de l'eau contaminée. Quant à l'eau potable, elle reste un bien de luxe, vendue à des tarifs inaccessibles pour cette population.


title: Bidonville

text: Le manque d'eau potable est responsable de plus de 5 millions de morts chaque année et de centaines de millions de maladies hydriques.


title: Bidonville

text: Très peu de bidonvilles disposent de systèmes d'évacuation des eaux usées ou des déchets solides. Les habitants sont donc obligés de les jeter à même le sol ce qui signifie qu'ils vivent entourés de déchets, de matières fécales et d'eaux polluées qui constituent un terrain favorisant le développement d'insectes porteurs de maladies telles que la malaria. En ce qui concerne les infrastructures sanitaires telles que les toilettes et les douches, elles sont absentes ou en nombre nettement insuffisant. Dans les bidonvilles du Kenya, différentes solutions sont mises en œuvre afin d'améliorer la qualité des toilettes. Cela reste cependant, à l'échelle de la planète, des initiatives touchant peu de personnes. De plus, les déchets, en se consumant, dégagent des vapeurs toxiques. Celles-ci s'ajoutent aux rejets toxiques provenant des usines, ce qui dégrade d'autant plus la qualité de l'air, entraînant une augmentation considérable des infections respiratoires. Selon une étude de l'OMS, on dénombre chaque année dans les pays en voie de développement 50 millions de cas de problèmes respiratoires, cardio-vasculaires et de cancers directement en lien avec la pollution de l'air.


title: Bidonville

text: L'accès aux soins est fortement inégal. Il y a une corrélation entre l'accès aux soins et le statut socio-économique : seuls les plus nantis fréquentent les infrastructures de soins. Les habitants des bidonvilles n'ayant pas de couverture sociale suffisante pour accéder aux soins, le corps médical n'y est pas suffisamment présent.


title: Bidonville

text: Au Canada, en Australie, aux États-Unis, comme dans les autres terres colonisées par la Grande-Bretagne, le terme historique de « "township" » est perçu comme un campement de colons organisé sous le système cantonal de partage des terres. Le terme est cependant resté et reste aujourd'hui associé aux villes et villages bâtis sur les campements d'origine.


title: Bidonville

text: Après la Seconde Guerre mondiale, du fait de la destruction de certaines cités, du niveau de pauvreté, de l'exode rural et de la venue de main-d'œuvre étrangère, se pose un problème crucial de logement pour les sans-abri. Les bidonvilles de Nanterre (situé à l'emplacement actuel de la préfecture des Hauts-de-Seine) et de Noisy-le-Grand furent les plus notoires en périphérie de Paris. Il faudra attendre presque la moitié des années 1970 pour que la politique de résorption des bidonvilles impulsée par le premier ministre Jacques Chaban-Delmas porte totalement ses fruits et que ces bidonvilles disparaissent avec le relogement des familles qui y vivaient. L'abbé Pierre sera l'un de ceux qui porteront assistance aux habitants des bidonvilles, surtout pendant l'hiver 1954, qui fut particulièrement froid. Avec l'argent rassemblé à la suite de son appel à la radio, il fera construire des cités d'urgence (dont celle de Noisy-le-Grand ressemble à un bidonville car elle s'inspire du projet de l'architecte américain Martin Wagner, les bâtiments sont en forme de demi-bidon métallique). Ces cités appelées à être provisoires se transformèrent progressivement, dans le meilleur des cas, en cités HLM. Selon l'état des lieux des bidonvilles en France métropolitaine effectué en juillet 2018 par la Délégation interministérielle à l'hébergement et à l'accès au logement (DIHAL), personnes habitent dans 497 sites en France dont plus d'un tiers en Île-de-France (33 %).


title: Bidonville

text: Dans les années 1960, de nombreux immigrés portugais constituèrent le bidonville de Champigny-sur-Marne, qui compta jusqu'à .


title: Bidonville

text: Au début du , en France, perdurent de micro-bidonvilles, généralement cachés à la vue, le long de voies de communication ou dans des friches industrielles :


title: Bidonville

text: De plus en plus, aux Philippines, la population se concentre dans les métropoles. Dans cette région de l'Asie du Sud-Est, le taux de croissance des bidonvilles est de 1,34 % par an.


title: Bidonville

text: Vivre dans ce milieu a de nombreux impacts nocifs sur la vie d'un individu. Les « "urban poors" » (citadins pauvres), vivant dans des habitats de la solidité d'une cabane sur des terrains non propices à la construction, sont à chaque fois les premiers touchés par les catastrophes naturelles. Chaque année, les Philippines sont traversées par une trentaine de cyclones.


title: Bidonville

text: Dans les grandes villes, plus particulièrement dans les bidonvilles où bien souvent des déchets se consument dégageant des vapeurs toxiques, la qualité de l'air est médiocre. Plus de 60 % des infections respiratoires y sont liées. Le sol et l'eau, pollués par les déchets et rejets des humains et des industries contaminent les personnes qui l'exploitent. Autre problématique : celle de l'accès à l'eau et la potabilité de celle-ci. Le manque d'eau potable est responsable de plus de 5 millions de morts chaque année et de centaines de millions de maladies liées à l'eau.


title: Bidonville

text: En 2000, l'Organisation des Nations unies avait pour objectif de sortir 100 millions de personnes des bidonvilles en vingt ans. L'institution dit avoir dépassé ce cap.


title: Bidonville

text: Le nombre de personnes vivant dans des bidonvilles augmente dans le monde à un rythme de 30 à 50 millions de personnes par an.


title: Bidonville

text: D'ici à 2050, la population des bidonvilles et des taudis, dans le monde pourrait atteindre 1,5 milliard en 2020, et 3 milliards en 2050, (soit un tiers de la population mondiale) si rien n'est fait pour enrayer la tendance.


title: Princesse malgré elle

text: Princesse malgré elle ou Le Journal d'une princesse au Québec est un film américain de Garry Marshall sorti en 2001, adapté du roman de Meg Cabot "Journal d'une princesse" et de ses premières suites.


title: Princesse malgré elle

text: Mia Thermopolis (Anne Hathaway), une jeune Américaine timide et mal dans sa peau, vit seule avec sa mère Helen à San Francisco. C’est alors qu’une rencontre inattendue vient bouleverser sa paisible existence : celle de Clarisse Renaldi (Julie Andrews), la mère de son défunt père venue d’Europe. En faisant sa connaissance, la jeune fille va découvrir qu’elle est l’unique héritière de la couronne d’un petit pays, le royaume de Génovie. Mia, qui connaît déjà bien des difficultés à l’école, notamment avec ses camarades, ne se sent pas prête à assumer de telles responsabilités. Mais c’est sans compter la reine Clarisse qui semble bien déterminée à faire de sa petite-fille une princesse.


title: Princesse malgré elle

text: La jeune fille, terriblement complexée et empotée, va petit à petit se découvrir belle et pleine d'assurance grâce aux cours de maintien et de beauté dispensés par sa grand-mère. La reine Clarisse, de son côté, va progressivement apprendre à vivre de manière plus frivole sans oublier pour autant son titre de couronne. Mia arrivera-t-elle à conjuguer son titre de princesse et sa réputation, tout en gardant son amitié intacte avec Lily (Heather Matarazzo), son amie de toujours ?


title: Princesse malgré elle

text: Il s'agit d'une adaptation libre, et le film diffère en tous points du livre. Les deux différences les plus notables sont que la grand-mère de Mia, Clarisse Renaldi, est présentée comme un être particulièrement exécrable dans les livres, alors que son personnage filmique est plein de gentillesse et de bonté, et que dans les livres, personne ne propose à Mia d'accepter ou non le trône de Génovia, elle n'a pas le choix. De plus le déroulement scénique des livres n'est pas du tout suivi, ce qui s'explique en partie parce que le film a amalgamé les 4 ou 5 premiers tomes, en supprimant les trois quarts des péripéties (pour simplifier, le film suit le premier livre tout en lui ajoutant l'histoire d'amour qui n’apparaît que dans le troisième tome). D'autres différences sont notables :


title: Princesse malgré elle

text: Dans la suite des romans de Meg Cabot, Mia écrit qu'elle a visionné ces films et s'en moque ouvertement.


title: Stade anal

text: Le stade anal désigne en psychanalyse la deuxième phase de l'évolution psycho-sexuelle d'un bébé humain. Selon Freud, il succède au stade oral et se caractérise par une focalisation de l'enfant sur la région rectale.


title: Stade anal

text: Selon la théorie freudienne, cette période se joue de 2 à 3 ans en moyenne. L'enfant découvre le plaisir que lui procure le fait de retenir les matières fécales (rétention) ou de les expulser (défécation). C'est aussi, à cet âge, la période d'opposition. Dans le stade anal et selon la théorie, la perte des excréments est assimilée, par le jeune enfant, à la perte d'une partie de son corps ; l'enfant peut en être angoissé.


title: Stade anal

text: Vers deux ans, l'enfant commence à maîtriser ses sphincters, et l'anus devient, selon la théorie du stade anal, une zone érogène sous l'influence de l'exigence de propreté exprimée par les parents. L'anus, zone de passage entre l'intérieur du corps et le monde extérieur, est soumis à la volonté de l'enfant qui s'aperçoit qu'il peut empêcher l'expulsion et en retire donc un plaisir de rétention découlant de l'application de sa volonté. Il prend progressivement conscience du soulagement lié au fait de laisser sortir : c'est la découverte du plaisir d'expulsion. Selon cette théorie, il est fréquent que l'enfant s'intéresse à ses selles et les manipule, les explore ou les exhibe (comme il le fait également avec ses jouets).


title: Stade anal

text: Le boudin fécal stimule la zone érogène, et est perçu par l'enfant, selon cette théorie, comme une partie de son corps qu'il perd. Cette partie est valorisée et peut donc servir de monnaie d'échange. Aimer signifie à ce stade donner et garder, la possessivité est l'un des aspects dominants du stade anal. L'enfant peut satisfaire sa mère en laissant sortir à l'endroit et au moment où celle-ci le souhaite. Il peut également s'opposer à elle en retenant, c'est le développement d'un sentiment de toute-puissance chez l'enfant. C'est la mère qui imprimera la notion de saleté et le sentiment de dégoût, créant chez l'enfant l'assimilation de ses rejets à un plaisir défendu, à l'interdit. L'enfant peut concevoir la rétention comme une opposition à la mère. L'expulsion est une expression de l'agressivité.


title: Stade anal

text: C'est une transition vers un niveau affectif plus complexe durant laquelle l'enfant passe de l'expérimentation du clivage (succession / alternance de sentiments opposés vis-à-vis d'un même objet) à celle de l'ambivalence (mélange de sentiments opposés ressentis simultanément de manière entremêlée).


title: Stade anal

text: Karl Abraham divise le stade sadique-anal, marquant nettement la différence entre le plaisir de déféquer, et celui de la rétention propre à l'enfant après apprentissage de la propreté. Il nommera le premier « stade d'expulsion » et le second « stade de rétention ». Ces deux sous-organisations du développement libidinal infantile seront fortement liées à l'aspect de destructivité inhérent au sadisme qui est le second penchant de ce stade d'après Freud.


title: Stade anal

text: Selon la théorie freudienne, le stade anal est impliqué plus particulièrement dans la paranoïa et dans la névrose obsessionnelle. Karl Abraham y inclut la mélancolie au même titre que la névrose obsessionnelle.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: Tonnerre sous les tropiques ("") est un film américano-anglo-allemand réalisé par Ben Stiller, sorti en 2008. Il raconte le tournage de l'adaptation de l'autobiographie d'un vétéran de la guerre du Viêt Nam par un metteur en scène dépassé par ses vedettes. Sa tentative de reprendre le tournage en main dans un style cinéma-vérité plonge les acteurs dans un conflit réel.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: "Tonnerre sous les tropiques", le livre de John « Feuille de trèfle » Tayback, un vétéran de la guerre du Viêt Nam dont les mains, arrachées par une grenade, ont été remplacées par des crochets, est adapté au cinéma. À l'exception du jeune comédien débutant Kevin Sandusky, les autres acteurs (Tugg Speedman, vedette de film d'action sur le déclin ; Kirk Lazarus, comédien australien multi-récompensé adepte de la méthode "Actor's studio" ; Jeff Portnoy, star droguée du cinéma comique ; et Alpa Chino, gangsta-rappeur cliché) font leurs caprices de stars. Le réalisateur du film, le Britannique Damien Cockburn, est incapable de gérer les égos surdimensionnés de ses acteurs vedettes pendant le tournage d'une scène importante et, cinq jours après le début du tournage, le retard est déjà d'un mois. Cockburn est sommé par son producteur, le grossier Les Grossman, de remettre le tournage sur la bonne voie. Tayback propose alors au réalisateur une nouvelle expérience de tournage de style cinéma-vérité : Cockburn et lui déposent les cinq acteurs et une équipe réduite dans la jungle, où ont été installés des mini-caméras et des explosifs, simulant les effets des grenades, pour faire un film de style guérilla. Ils leur laissent le strict minimum : une carte et la liste des scènes. L'équipe ignore qu'elle a été déposée involontairement au cœur du Triangle d'or, dans le périmètre de trafiquants de drogue qui se font appeler les « Dragons flamboyants ». Cockburn marche dès l'arrivée sur une mine et meurt dans l'explosion. Tugg Speedman, convaincu qu'il ne s'agit que d'effets spéciaux, persuade ses quatre co-vedettes de poursuivre ce qu'il considère toujours comme un tournage et ils entament ensemble leur périple dans la jungle.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: Cherchant à localiser le corps de leur metteur en scène, Cody, le spécialiste des effets spéciaux, et Tayback se font capturer par les « Dragons flamboyants ». Cody découvre que « Four Leaf » n'a pas perdu ses mains et que l'histoire du livre n'est que pur mensonge, le soi-disant vétéran ayant fait son service militaire au département sanitaire des douanes, sans avoir jamais quitté les États-Unis. Pendant ce temps, Sandusky et Lazarus s’aperçoivent que Speedman, qui prétend les guider avec la carte, les a menés dans la mauvaise direction. Fatigués de marcher et espérant du secours, ils abandonnent Speedman qui, laissé à lui-même, tue malencontreusement un panda et se fait lui aussi capturer par les trafiquants de drogue. Transporté dans leur camp, Speedman s'imagine qu'il s'agit d'un décor et continue à interpréter son personnage. Les trafiquants découvrent qu'il est également la star de leur film préféré, "Simple Jack" – qui a connu un échec critique et public aux États-Unis – dans lequel il incarne un handicapé mental, et le forcent à rejouer leurs scènes favorites sur une petite scène de théâtre plusieurs fois par jour. Pendant ce temps, à Los Angeles, l'agent et meilleur ami de Speedman, Rick, se rend chez Grossman pour lui faire respecter une clause du contrat dans lequel il est spécifié que la star doit disposer d'un TiVo. C'est alors que les « Dragons flamboyants » l'appellent avec le téléphone de Speedman et exigent une rançon. Grossman refuse de négocier avec eux, les insultant et les injuriant copieusement à plusieurs reprises. Il essaye de convaincre Rick d'abandonner Speedman et d'encaisser l'assurance, essayant de le corrompre en lui promettant un jet privé et son équipage au complet.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: Chino, qui a involontairement révélé son homosexualité à ses collègues, Portnoy, qui est en manque, Lazarus, plus que jamais immergé dans son personnage de noir américain au bord du cliché qui agace Chino, et Sandusky découvrent la planque des trafiquants, en train de torturer Speedman. Ils improvisent une mission de sauvetage basée sur le scénario de "Tonnerre sous les tropiques". Lazarus se fait passer pour un agriculteur, ayant fait « prisonnier » Portnoy, afin de distraire les gardes pour qu'Alpa et Kevin localisent les captifs. Ils sont démasqués à cause des incohérences de l'histoire de l'acteur australien. Ayant tenus un moment les trafiquants en respect avec leurs armes chargées à blanc, les acteurs sont bientôt les cibles de ripostes à balles réelles. Ils localisent Tayback, Cody et Speedman, les libèrent, récupèrent des explosifs et s'échappent pour rejoindre l'hélicoptère qui les attend de l'autre côté d'un pont. Speedman, dont la raison a été ébranlée par sa captivité, décide de rester avec les trafiquants, où il s'imagine avoir trouvé un fils adoptif et une raison de vivre, mais il comprend qu'il s'est lourdement trompé et essaye de rejoindre le reste de l'équipe, poursuivi par tous les trafiquants. Tayback fait sauter le pont et ils décollent. Le chef des « Dragons flamboyants », un gamin énervé d'une douzaine d'années, essaye de les pulvériser au lance-roquettes, mais Rick, qui a rejoint l'équipe, les sauve grâce au TiVo adroitement lancé entre la roquette et l'hélicoptère.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: L'équipe, de retour à Hollywood, avec les images tournées par les caméras disséminées dans la jungle, monte un film qui va connaître un énorme succès critique et commercial. Speedman, dont la carrière est relancée, se voit récompensé, pour la première fois, par l'Oscar du meilleur acteur. Tous ses amis sont présents à la cérémonie : Chino, en couple avec Lance Bass (ancien membre du boys band N'Sync), Sandusky qui sort avec Jennifer Love Hewitt, Portnoy et, enfin, Lazarus, qui lui remet le trophée.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: Ben Stiller a développé l'idée de "Tonnerre sous les tropiques" pendant le tournage d"'Empire du soleil", dans lequel il tenait un rôle secondaire.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: Par la suite, Stiller s'est associé à Justin Theroux, mais ils furent bloqués à la « "fin du premier acte" ». Ils ont attendu cinq ans et l'arrivée d'Etan Cohen pour réussir à écrire ce qui allait donner ce film. Le script final a été développé pour faire une satire de films de guerre sur le Vietnam, tels que "Apocalypse Now", "Platoon", "Full Metal Jacket", "Hamburger Hill" ou "Voyage au bout de l'enfer". Les dialogues, en partie improvisés par le storyboard, furent développés sur le plateau par les acteurs.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: Etan Cohen a écrit le rôle de Kirk Lazarus pour tourner en dérision les acteurs qui se jettent dans leur rôle jusqu'à un point extrême. Le rôle est confié à Robert Downey Jr., qui fut contacté par Stiller pendant des vacances à Hawaï. Downey a accepté le rôle, mais ne savait pas comment commencer la construction du personnage d'Osiris (le personnage qu'incarne Lazarus dans le film en tournage). Il a réussi à trouver un modèle de discours, puis a auditionné pour la voix de Lazarus par téléphone. Stiller a approuvé immédiatement. L'acteur a également révélé qu'il s'est inspiré des acteurs Daniel Day-Lewis, Colin Farrell et Russell Crowe. Le personnage de Lazarus était irlandais dans le script initial, mais fut modifié car Downey a déclaré qu'il lui était plus facile d'improviser avec un accent Australien, comme il avait déjà fait pour "Tueurs nés". Le maquillage de Downey nécessitait deux heures de maquillage.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: Tom Cruise, initialement pressenti pour incarner le rôle de l'agent Rick Peck, suggéra d'ajouter un personnage de producteur, idée qui fut incorporée au script. Cruise et Stiller ont travaillé ensemble sur le personnage de Les Grossman, homme d'affaires d'âge moyen. Le rôle demande que Cruise porte un fatsuit pour lui donner de l'embonpoint, de grosses mains prothétiques et un bald cap, pour la calvitie. De plus, son personnage danse sur la musique "Low" de Flo Rida, notamment au moment où Grossman essaie d'acheter Rick Peck avec de l'argent qui coule à flot et des voyages en avion. Son rôle de « gros chauve » devant rester secret jusqu'à la sortie du film, la Paramount avait refusé de livrer des photos de Cruise en costume et maquillé. Malgré tout, un paparazzi qui avait réussi à en prendre fut poursuivi afin de les faire retirer, même celles diffusées sur Internet.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: Le rôle de Jeff Portnoy, star du cinéma comique pétomane et drogué, est inspiré de l'acteur Chris Farley et fut écrit pour Jack Black, ami de Ben Stiller et membre du Frat Pack, comme ce dernier.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: L'acteur Owen Wilson devait incarner Rick Peck mais dut renoncer au tournage à la suite d'une hospitalisation. Le rôle fut finalement confié à Matthew McConaughey.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: Ben Stiller incarne Tugg Speedman, qui est partiellement basé sur Sylvester Stallone et Brandon T. Jackson incarne la star du rap Alpa Chino, dont le rôle fut initialement pressenti pour Mos Def.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: Le tournage a lieu du 9 juillet à . Après avoir brièvement envisagé de tourner les extérieurs en Californie, les producteurs de "Tonnerre sous les Tropiques" jetèrent leur dévolu sur l'île de Kauai, ayant déjà servi de décor à de nombreux films, dont "Jurassic Park". Certaines scènes du film furent tournés à Los Angeles et à Universal Studios, en Californie.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: L'album Tropic Thunder: Original Motion Picture Soundtrack contient des chansons de divers artistes comme The Temptations, MC Hammer, Creedence Clearwater Revival, Edwin Starr. Le single "Name of the Game" de The Crystal Method est un remix exclusif.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: Plusieurs titres apparaissant dans le film sont cependant absents de l'album : "Cum On Feel the Noize" de Quiet Riot, "Sympathy for the Devil" de The Rolling Stones, "For What It's Worth" de Buffalo Springfield, "Low" de Flo Rida & T-Pain et "Get Back" de Ludacris.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: "Tonnerre sous les tropiques" a obtenu les éloges de la critique, avec 83 % de critiques favorables sur le site Rotten Tomatoes et sur le site Metacritic, basé sur 39 critiques. Le site Allociné lui attribue une moyenne de , à partir de 25 critiques collectées.


title: Tonnerre sous les tropiques

text: Sorti dans 3 319 salles aux États-Unis, "Tonnerre sous les tropiques" prend directement la première place du box-office avec de recettes engrangées le premier week-end d'exploitation. Il est parvenu à déloger "The Dark Knight", resté en tête durant quatre semaines. En première semaine complète, il totalise de recettes. Il reste en première place durant les deux semaines suivantes avec un cumul de .


title: Jacques Sapir

text: Il enseigne à l'université Paris-Nanterre, avant de devenir maître de conférences puis directeur d'études à l'EHESS, directeur du Centre d'études des modes d'industrialisation (CEMI-EHESS) et responsable de formation doctorale. Spécialiste de l'économie russe et des questions stratégiques, ainsi que théoricien de l'économie, il se fait connaître par ses positions hétérodoxes très marquées sur divers sujets et son engagement politique, d'abord à gauche puis proche de l'extrême droite. Ses thèses sont étudiées par la mouvance souverainiste, tendance politique dont il se rapproche avec le temps.


title: Jacques Sapir

text: Favorable à la « démondialisation », il plaide pour la sortie de la France de l'euro et la dissolution de la monnaie unique.


title: Jacques Sapir

text: Considéré comme un soutien de Vladimir Poutine, Jacques Sapir est élu membre (à titre étranger) de l'Académie des sciences de Russie en .


title: Jacques Sapir

text: Né en 1954, Jacques Sapir est le fils du psychanalyste Michel Sapir (1915-2002) et de Marie-Thérèse Roubaud. Son père est né à Moscou dans une famille de la bourgeoisie juive qui avait quitté la Russie après la Révolution d'Octobre. Sa mère était la fille d'un pharmacien de Vence. Ses parents se sont rencontrés à Nice en 1943, dans la résistance.


title: Jacques Sapir

text: Il est élève du lycée Buffon (Paris). Diplômé de l'Institut d'études politiques de Paris en 1976, il soutient, en 1980, une thèse de doctorat de à l'EHESS sous la direction de Charles Bettelheim.


title: Jacques Sapir

text: En 1986, il passe une thèse d'État en économie à l'université Paris-Nanterre, sous la direction de Michel Aglietta, intitulée « Rythmes d'accumulation et modes de régulation de l'économie soviétique : essai d'interprétation des cycles d'investissement et de main d'œuvre en URSS de 1941 à nos jours ».


title: Jacques Sapir

text: Après avoir commencé sa carrière comme professeur d’économie au lycée Ernest Couteaux de Saint-Amand-les-Eaux, de 1977 à 1979 au Lycée Félix Faure de Beauvais (Oise) de 1979 à 1982 il enseigne l'économie à l'université Paris-Nanterre de 1982 à 1990, comme assistant puis comme maître de conférences (1986). Il entre à l'EHESS en 1990 avant d'y devenir directeur d'études en 1996. C'est à cette date qu'il prend la direction du Centre d'études des modes d'industrialisation de l'EHESS, et est le responsable de la formation doctorale « Recherches comparatives sur le développement » de 1996 à 2006. Il enseigne également au Haut Collège d'économie à Moscou de 1993 à 2000. Il enseigne à l' ("Moskovskaïa Chkola Ekonomiki") en même temps qu'à l'EHESS de Paris.


title: Jacques Sapir

text: S'intéressant depuis longtemps aux problèmes stratégiques, il a été chercheur à la Fondation pour les études de Défense nationale de 1988 à 1991 et a travaillé avec cette institution de 1986 à 1992 dans le cadre de divers contrats. Il a été par la suite consultant pour le ministère de la Défense nationale.


title: Jacques Sapir

text: Jacques Sapir a exercé une fonction d'expert sur les problèmes de la transition dans l'ex-Union soviétique. Il est le cofondateur et l'un des animateurs du « Séminaire franco-russe sur les problèmes de la transition en Russie », qui fonctionne depuis 1991 en alternance en France et en Russie. Il a aussi été conseiller technique au ministère de la Recherche entre 1989 et 1992 et il a participé au lancement des appels d'offres concernant les recherches sur la transition.


title: Jacques Sapir

text: Il est un collaborateur régulier de la ' (revue électronique, intitulée ' depuis 2008) ainsi que de la "Revue d'études comparatives Est-Ouest", de ' (ex-', revue publiée conjointement par l'Université de Berkeley en Californie et le "") et de "Problemy Prognozirovania" ("Problèmes de prévision", revue de l'Académie des sciences de Russie). Ses ouvrages sont traduits dans de nombreuses langues étrangères (anglais, allemand, espagnol, italien, japonais, portugais), mais Jacques Sapir a aussi développé une production théorique originale en russe depuis 2000.


title: Jacques Sapir

text: En reconnaissance de ses travaux, il est élu, le , à l'Académie des sciences de Russie comme membre étranger.


title: Jacques Sapir

text: Il soutient en 2008 le Front de gauche, qui regroupe le Parti communiste français et le Parti de gauche, signant en particulier une pétition publique. Depuis la crise de 2008, il concentre ses efforts pour faire du protectionnisme et de la sortie de la zone euro des thèmes essentiels de la gauche radicale, à l'instar de Frédéric Lordon et d'Aurélien Bernier. En , sa critique des hésitations de Jean-Luc Mélenchon sur la question de l'euro conduit le site "Arrêt sur images" à organiser un débat entre les deux hommes sur cette question. Pour Jacques Sapir, Mélenchon et le Front de gauche commettent une faute majeure en laissant au Front national le monopole du discours anti-euro.


title: Jacques Sapir

text: En politique internationale, il considère que le succès des nationalismes en France et dans le monde s'inscrit dans un contexte de « retour des nations » et de la "realpolitik" classique. En 2013, dans un article publié dans "Izvestia" et repris par le forum politico-économique "Valdaï Discussion Club", il fait l'analyse que le Front national, en passe de devenir pour l'opinion , manifeste un : cela montre que , alors que le Front national reste un parti toujours ().


title: Jacques Sapir

text: Ses positions sur la réhabilitation de la souveraineté et de la nation l'ont conduit à engager un dialogue avec le courant chevènementiste. Il a ainsi été à l'origine d'une polémique au début du mois de avec une note publiée sur son carnet ("RussEurope") où il présentait l'hypothèse d'un choix possible par François Hollande de Jean-Pierre Chevènement à la suite des défaites électorales que le Parti socialiste et le président pourraient subir au printemps 2014.


title: Jacques Sapir

text: Le , sur le plateau de l'émission télévisée "Mots croisés", le ministre de l'Économie Pierre Moscovici, face à Marine Le Pen, qualifie Jacques Sapir d'économiste provoquant une vague d'indignation parmi les militants de la gauche radicale. Jacques Sapir répond le lendemain à ces attaques dans un billet de son blog et reçoit à cette occasion de nombreux soutiens à gauche. Peu de temps après, un de ses proches collaborateurs, Philipe Murer rallie le Front national. Il y occupe les fonctions de conseiller économique de Marine Le Pen jusqu'en décembre 2017. Le journal "Sud Ouest" affirme que , .


title: Jacques Sapir

text: En 2015, Jacques Sapir émet l'idée d'une large union incluant le Front national, afin de mettre en place ce qui selon lui est une priorité : le . "Courrier international" rapporte les propos du quotidien italien "Corriere della Sera", qui déclare que Michel Onfray et Jacques Sapir , et "Courrier international" ajoute : .


title: Jacques Sapir

text: Lors de l'élection présidentielle de 2017, Jacques Sapir ne soutient aucun des candidats en présence, tout étant très critique de François Fillon et d'Emmanuel Macron, qu'il qualifie de . Pour les élections législatives qui suivent, il appelle les électeurs à faire en sorte qu'En Marche n'obtienne pas une majorité absolue de sièges à l'Assemblée nationale.


title: Jacques Sapir

text: En 2022, à la suite de l'invasion de l'Ukraine par la Russie, Jacques Sapir suspend sa participation à RT France et à Sputnik. Il dénonce une attaque « injustifiée et inadmissible » de la Russie, tout en soulignant la légitimité de la méfiance russe envers l'extension de l'OTAN. Il propose comme solution au conflit une Ukraine « indépendante et neutre », sur le modèle de la Finlande après 1945 ou de l'Autriche après 1955.


title: Jacques Sapir

text: Plusieurs observateurs et média, dont "L'Express" et "Libération" le classent alors également parmi les « pro-russes » français, voire parmi les relais de la , de même que Desk-Russie, qui le décrit comme un « fidèle soutien » du régime de Vladimir Poutine ayant évolué vers l'extrême droite.


title: Guignol

text: Guignol est une marionnette à gaine française créée à Lyon vers 1808 par Laurent Mourguet. Le terme désigne également par métonymie le théâtre de marionnettes comique dont Guignol est le personnage principal, formant avec Gnafron et Madelon le trio récurrent des pièces du répertoire classique.


title: Guignol

text: À l'origine, ce théâtre déroule un canevas improvisé non écrit servant de gazette locale à caractère comique. Le répertoire écrit original comporte près d'une cinquantaine de pièces. Les premières, relevées par Victor-Napoléon Vuillerme-Dunand pour cause de soumission obligatoire à la censure de la Deuxième République, datent de 1852. Suivent le recueil du magistrat Jean-Baptiste Onofrio dont la première version anonyme date de 1865 et les manuscrits Durafour.


title: Guignol

text: Le spectacle se pratique dans un castelet, selon la technique du "burattino" ou « marionnette à gaine » dont les particularités impliquent une gestuelle spécifique et des accessoires disproportionnés donnant lieu à un comique de situation caractéristique de la commedia dell'arte.


title: Guignol

text: Emblème de la ville de Lyon, Guignol est tout à la fois l'héritier des traditions du , chantre du parler lyonnais et support vivant des traditions théâtrales du spectacle français de la marionnette. Guignol est à l'origine de salles de spectacle, de compagnies, d'une littérature et d'une historiographie abondantes, d'une imagerie populaire comique et sert de support à divers types de médias et spectacles dont la publicité et une émission de télévision, les Guignols de l'info.


title: Guignol

text: Il existe plusieurs hypothèses sur l'origine du nom de Guignol. Les historiens évoquent ces hypothèses sans qu'aucun n'attribue à Laurent Mourguet la paternité d'une création pure.


title: Guignol

text: Dans son recueil de pièces intitulé "Théâtre lyonnais de Guignol" datant de 1865, Jean-Baptiste Onofrio évoque un voisin de Mourguet, venu tester ses plaisanteries, qui disait, « "c'est guignolant" ». Mourguet aurait repris cette expression durant ses spectacles, et le public aurait nommé la marionnette en transformant "guignolant" en "guignol". L'historien Paul Fournel conteste cette version et s'étonne que le nom de la marionnette ait pu être donné par le public et insiste sur le fait que "guignolant" n'a pas toujours voulu dire drôle, ce qui rend peu probable cette étymologie. Selon l' "Encyclopédie Larousse", Guignol était le nom d'un canut lyonnais, que Mourguet donna à sa poupée.


title: Guignol

text: Desvernay estime que le mot vient de "Guign'œil", mais les yeux de la marionnette ne montrent aucune malformation particulière et on apprend dans la pièce "Le pot de confiture" que Guignol ne louche pas. En 1927, Jean Toneli évoque "Nitouche et Guignolet", une pièce de Dorvigny que Mourguet connaissait ou encore l'installation du théâtre de Guignolet sur l'avenue des Champs-Élysées à Paris en 1818, qui aurait pu inspirer le nom du théâtre et celui de la marionnette. Toutefois, cette hypothèse est peu probable en raison de l'année 1808, retenue par l'historien Tancrède de Visan pour dater la création de la marionnette.


title: Guignol

text: Une dernière hypothèse semble l'emporter chez les historiens qui reprennent Onofrio. Elle évoque un personnage réel nommé Guignol qui aurait servi de modèle à la marionnette. Le patronyme est attesté dans la région lyonnaise mais demeure rare. Il pourrait provenir du nom d'un village lombard Chignolo. Le glissement onosmatique sur la base d'un toponyme étant un phénomène courant à cette époque, Guignol viendrait de Chignol, une graphie attestée dans le recueil d'Onofrio. A existé à Paris un théâtre du Grand-Guignol qui présentait des pièces sanglantes et macabres étudiées pour épouvanter les spectateurs et spécialement les spectatrices. Dans la langue populaire, « guignol » signifiait théâtre populaire peu réaliste, tandis que "guignolo" (d'après le personnage de Jean-Paul Belmondo, dans le film de Georges Lautner) désigne une sorte d'escroc vaudevillesque.


title: Guignol

text: Dès la Renaissance, les marionnettes accompagnent les vendeurs ambulant pour attirer le chaland et deviennent au le principal conservatoire des personnages comiques, popularisés par la commedia dell'arte. Le théâtre de marionnettes se voit refuser l'entrée des théâtres royaux en France, ce qui a pour conséquence la création de spectacles sur les boulevards parisiens. Jean Brioché importe Polichinelle et créé de nouveaux textes pour animer ses spectacles du pont Neuf. Les interdits royaux sur la parole provoquent l'émergence d'une littérature consacrée au théâtre de marionnettes, portée par des auteurs comme Fuzelier, Lesage ou d'Orneval, séduits par une liberté d'expression retrouvée. Au , le théâtre d'ombre de Séraphin (1745-1800) et la passion de la duchesse du Maine pour cet art permettent la survivance de cette tradition avant l'explosion créatrice du . La Révolution française marque une ère nouvelle qui voit la naissance de nombreuses marionnettes dont les personnages spécifiques sont « issus des conjonctures provinciales ». Laurent Mourguet, créateur de Guignol est l'un des précurseurs de ce foisonnement créatif qui voit naître Kasperle en Allemagne, Kašpárek en Europe centrale, Tchantchès en Belgique ou Lafleur en France.


title: Guignol

text: Laurent Mourguet naît en 1769 à Lyon dans une famille de canuts. Il reçoit pour seule formation celle du métier de ses parents : le tissage de la soie. Marié en 1788 avec Jeanne Esterle dont il aura dix enfants, il baigne dans un milieu où la culture est importante, bercé par le théâtre et le goût des livres bien qu'il ne sache pas écrire et n'apprendra jamais. À la Révolution, la pénurie de travail guette les ouvriers de la Fabrique et nombre d'entre eux doivent se reconvertir. Mourguet quitte la ville pour la campagne et se fait marchand ambulant de bricoles, "picarlats", remèdes et aiguilles. Il découvre l'univers des vogues de campagne, des cabarets et du patois local. Il ne quitte pas Lyon pour autant et déménage à deux reprises. En 1795, il se fixe dans le quartier de Saint-Paul, au 2, place de la Boucherie, logement qu'il ne quittera qu'en 1840 pour Vienne où il termine sa vie.


title: Guignol

text: Ce qu'il a fait à la campagne, il va le faire à Lyon et s'installe en 1797 comme arracheur de dents sur les places de la ville. Afin d'attirer sa clientèle, il monte un spectacle de marionnettes, poursuivant une tradition bien ancrée depuis le . Sur une base textuelle improvisée et selon l'humeur du marionnettiste et l'actualité du jour, le spectacle remplit une fonction de gazette et se dresse en souriant contre les injustices que subissent les petites gens. Il utilise les marionnettes à gaine du "burattino" italien sur la base du théâtre classique de Polichinelle et les trames de la commedia dell'arte. Il devient marionnettiste professionnel dès 1804 et monte un premier théâtre rudimentaire dans la grande allée des Brotteaux au milieu du jardin du "Petit Tivoli". Ses improvisations sur la base du répertoire italien attirent les promeneurs.


title: Guignol

text: Il s'adjoint les services de Lambert Grégoire Ladré dit "père Thomas". Selon une des hypothèses avancées par les historiens de Guignol, la marionnette de Gnafron, maillon essentiel de la naissance du théâtre de Guignol, aurait été créé par Mourguet au départ de Thomas pour garder le souvenir de son inestimable compagnon, gouailleur quoique trop porté sur le vin du Beaujolais. Les deux amis se réunissent de nouveau lorsque Mourguet s'installe au rez-de-chaussée de son logis pour monter un spectacle au déroulé classique : monologue de Polichinelle, scène d'improvisation théâtrale accompagnée de musique et théâtre d'ombres.


title: Guignol

text: Peu après, Mourguet entre à la crèche de la rue Noire, une des innombrables qu'abrite Lyon. De simple appariteur de décors, Mourguet commence à manipuler les marionnettes et apprend le répertoire du théâtre : lors de la première apparition de Guignol que l'on date traditionnellement du , la marionnette porte le costume du "Père Coquard" (jaquette de bure marron haut collet et boutons jaunes, un nœud papillon rouge et bicorne de cuir noir aux bords rabattus qui laisse dépasser une couette en queue de souris), un des personnages qu'il a appris à jouer, un homme du peuple apportant un peu de simplicité et de bonne humeur, dans la veine du théâtre traditionnel des mystères. La tête est une copie de celle de Mourguet lui-même : visage rond et fossettes qui encadrent un large sourire.


title: Guignol

text: Né de cette tradition de simplicité, Guignol apparaît comme le porte parole des petites gens, prenant la place d'un Polichinelle qui lasse le public dans le courant individualiste et libertaire du Premier Empire. La marionnette est attestée de façon certaine vers 1818, période à laquelle la collaboration déjà rare du père Thomas s'arrête définitivement. Mourguet déménage à plusieurs reprises mais reste propriétaire des endroits où il monte ses représentations. Les années fastes du café-théâtre viendront bien plus tard.


title: Guignol

text: Petit à petit le répertoire s'épuise et Mourguet doit jouer plusieurs personnages à la fois, ce qui le pousse à faire appel à d'autres manipulateurs : en 1820, des dix enfants nés de son mariage, Étienne (né en 1797) et Rose-Pierrette (née en 1804) forment avec leur père le noyau de la troupe, vite rejoints par l'époux de Rose-Pierrette, Claude Louis François Josserand, connu sous le nom de Louis Josserand I.


title: Guignol

text: Des dix enfants de Laurent Mourguet, deux perpétuent la tradition familiale au : Étienne (né en 1797) et Rose-Pierrette (ou « Rosalie », née en 1804). Celle-ci épouse Louis Josserand, qui hérite de la direction de son théâtre.


title: Guignol

text: Plus tard encore, ce sont les deux enfants de Rosalie et Louis Josserand, Louis et Laurent qui reprennent, l'affaire familiale. Laurent épouse la fille de Vuillerme-Durand.


title: Guignol

text: Après la célébration du premier centenaire en 1908, le Guignol lyonnais des frères Pierre et Ernest Neichthauser connut un très grand succès national et même international. Éléonore Josserand, la femme de Pierre Neichtauser étant la fille de Laurent. Cette gloire du Théâtre du Gymnase du quai Saint Antoine allait s'estomper après la guerre de 39/45, pour s'achever avec la rénovation du quartier Mercière.


title: Guignol

text: La famille Neichthauser s'installe en 1966 au Théâtre Le Guignol de Lyon dans le Palais Bondy jusqu'en 1983.


title: Guignol

text: À partir des années 1960, c'est la troupe du Petit Bouif qui allait tenir le haut du pavé dans son théâtre de la rue Saint Georges, et sous l'impulsion de Jean-Guy Mourguet (1929-2012), descendant à la cinquième génération du créateur de Guignol, dont il reprenait le nom. Il prendra la direction du Théâtre le Guignol de Lyon de 1983 à 1990.


title: Guignol

text: Après un ultime spectacle de la troupe fin des années 1990, germera chez Jean-Guy Mourguet qui souffrait d’arthrose et ne pouvait plus lever les bras, l’idée de léguer sa collection de marionnettes, accessoires, documents… au village de Brindas où il habite, et où les Neichthauser ont vécu, avec la perspective d’y ouvrir un musée. Ce sera chose faite en avec l’aide de la CCVL, communauté de communes des Vallons du Lyonnais avec l'ouverture à Brindas du Musée-théâtre Guignol.


title: Guignol

text: En 1929 Marius (le père) crée « La compagnie Streble », aujourd'hui toujours animée par Daniel Streble (le fils). Sous la houlette de ce dernier, Guignol s’est installé en au sein du « complexe de la Ficelle » à la Croix Rousse. Le théâtre « Guignol, un gone de Lyon » de la Compagnie Daniel Streble, était né !


title: Guignol

text: En 1965, le théâtre La Maison de Guignol ouvre et propose maintenant des spectacles toute l'année à l'endroit même du plus célèbre décors de Guignol, la montée du Gourguillon à Saint Georges.


title: Guignol

text: En 1998, la Compagnie des Zonzons s'est vu confier le Guignol du Théâtre Le Guignol de Lyon soutenu par la Ville de Lyon, successeur du Théâtre des Neichthauser et de Jean-Guy Mourguet. En plus des spectacles pour enfants, ils essaient de renouer avec une tradition plus adulte en commentant l'actualité dans les bistrots.


title: Guignol

text: En 2017, la compagnie M.A prend le relais. C'est au sein de ce théâtre, au 2 rue Louis Carrand que l'on peut retrouver près de deux cent cinquante marionnettes historiques, inscrites au Patrimoine de la Ville de Lyon.


title: Guignol

text: En 2008, la ville de Lyon célèbre le bicentenaire de la naissance de Guignol. Des nombreuses manifestations sont prévues au cours de l'année. Le premier week-end de , la majeure partie des « Guignolistes » français se sont retrouvés au jardin d'acclimatation à Paris pour célébrer les 200 ans de ce symbole hexagonal.


title: Guignol

text: C’est dans la salle consacrée à Guignol du musée des arts de la marionnette que se trouve la plus ancienne marionnette de Guignol connue. Cette marionnette à gaine en bois et en toile appartenait à Laurent Mourguet lui-même. Transmise de génération en génération, elle est donnée aux musées Gadagne en 1949 par Pierre Neichthauser, descendant par alliance des Mourguet.


title: Guignol

text: Un musée-théâtre abritant une importante collection de marionnettes données par Jean-Guy Mourguet (descendant de Laurent Mourguet), a ouvert ses portes à Brindas cette même année.


title: Guignol

text: En 2015, à la suite des attentats de Charlie Hebdo, la Compagnie des Zonzons et le collectif Foutou'art organisent l'exposition "Y'a ceux qui disent" autour de Guignol et de la Liberté d'Expression. L'exposition nous rappelle que la marionnette n'a pas fait qu'investir les théâtres, elle fût également une figure importante de la satire politique dans la presse lyonnaise dès 1865.


title: Guignol

text: Bien que d'origine Lyonnaise, le théâtre Guignol s'est développé grâce à ses interventions parisiennes. Les deux plus anciens Guignol de Paris sont « le vrai Guignolet » de Pierre Guentleur en 1818 et « le vrai Guignol » de Pierre Dumont (un Lyonnais monté à Paris) en 1836, tous deux situé à l'origine sur les champs Élysées. Le développement de parcs et jardins par la mairie de Paris allaient donner naissance à de nombreuses concessions et Guignol y trouva refuge. Certaines ont disparu comme le guignol du jardin des Tuileries, d'autres se créent. On compte aujourd'hui à Lyon pour plus d'une douzaine à Paris où le style est plus interactif et le répertoire enrichi de nombreuses adaptations d'histoires et contes populaires.


title: Guignol

text: Les personnages évoluent selon la technique du "burattino". Ce terme italien aurait deux origines possibles : de "buratto", l'étoffe grossière servant à tamiser la farine dont on confectionne le costume de la marionnette ou du personnage Burattino de la commedia dell'arte. Le burattino est synonyme de marionnette à gaine.


title: Guignol

text: La tête est en bois, généralement en tilleul, plus rarement en peuplier en hêtre ou en pin. Elle doit être robuste pour supporter les chocs. Elle mesure , les yeux et les cheveux sont sculptés dans la matière sauf pour le sarcifis de Guignol en laine. Les membres sont généralement disproportionnés. Les bras sont rendus rigides par des manchons en papier ou en cuir prolongeant les mains en bois afin de permettre à la marionnette de porter des accessoires lourds. La gaine mesure une cinquantaine de centimètres au total.