title: Star Wars: Visions

text: Initialement, 10 épisodes ont été annoncés mais finalement neuf ont été sortis. En effet, l'épisode "The Ninth Jedi" devait finalement sortir en deux parties distinctes mais elles ont fusionné pour avoir un épisode final de plus grande échelle. Les différentes histoires ne respectent pas forcément la chronologie "Star Wars" établie. L'épisode "L'ancien" se déroule « quelque temps » avant le premier film de la saga "Skywalker", "", alors que l'épisode "Lop & Ocho" se déroule pendant le règne de l'Empire Galactique, soit entre "" et "". L'épisode "Les Jumeaux" implique les vestiges de l'Empire et l'épisode "Le Neuvième Jedi" explore les derniers vestiges des chevaliers Jedi, les deux épisodes se passent après la fin de la saga, après le film "". L'épisode "Le Duel" se passe quant à lui, dans un univers alternatif mélangeant l'univers de "Star Wars" avec celui de la mythologie japonaise. Malgré tout, des personnages de la saga apparaissent dans l'épisode "Tatooine Rhapsody" comme Boba Fett ou Jabba le Hutt.


title: Star Wars: Visions

text: Le au cours de la Star Wars Celebration, la saison 2 de "Star Wars: Visions" est annoncée pour début 2023 avec des studios venant du monde entier en plus du Japon dont l'Inde, le Royaume-Uni, l'Irlande, l'Espagne, le Chili, la France, l'Afrique du Sud et ales États-Unis.


title: Star Wars: Visions

text: En juillet 2021, il a été annoncé que Kevin Penkin composera la bande originale de l'épisode "La Mariée du village" et Michiru Ōshima composera celle de "Les Jumeaux" et "L'Ancien", tandis que Yoshiaka Dewa s'occupe de celle de "Lop et Ochō" et "Tatooine Rhapsody", Keiji Inai composera la musique pour "Le Duel", A-bee et Keiichiro Shibuya composeront celle de "T0-B1", U-zhaan composera celle pour "Akakiri", et enfin, Nobuko Toda et Kazuma Jinnouchi composeront la bande pour "Le Neuvième Jedi". Les différents thèmes sortent le en numérique chez Walt Disney Records sous la forme de 9 albums, soit un album par épisode.


title: Star Wars: Visions

text: En , la maison d'édition Del Rey Books a annoncé la publication d'un roman original du nom de "Ronin" écrit par Emma Mieko Candon qui s'inspire du 1er court métrage de la série "Le Duel". Le roman est sorti le aux États-Unis et sa traduction française est parue le aux éditions Fleuve dans la collection Outre Fleuve.


title: Star Wars: Visions

text: Un "art book" est publié par "Dark Horse Comics" le aux États-Unis, comprenant des dessins de conception et des interviews des membres des équipes des différents studios d'animation. Une version Deluxe est également publiée, comprenant un étui pour le livre et un portfolio avec des illustrations.


title: Star Wars: Visions

text: La série a également droit à son adaptation avec une publication débutant le dans le magazine "Big Gangan" de l'éditeur Square Enix. Tout comme l'animé, la série prend une forme d'anthologie avec chaque mois une histoire différente reprenant un épisode de la série avec également un auteur différent à chaque fois. Le premier auteur qui inaugure la série est Kamome Shirahama avec un premier chapitre adaptant l'épisode "L'Ancien". Le chapitre deux sera réalisé par Haruichi et adaptera l'épisode "Lop & Ocho" puis ce sera au tour de Yûsuke Ôsawa de se charger de l'adaptation de l'épisode "Le neuvième Jedi"".


title: Star Wars: Visions

text: Les critiques ont été globalement favorables à la série. Le site Web agrégateur Rotten Tomatoes rapporte un taux d'approbation de 96% avec une note moyenne de 8,20/10, basée sur 49 avis. Le consensus critique du site Web se lit comme suit : « Magnifiquement animé et très créatif, "Visions" est une série d'histoires de "Star Wars" éclectique mais tout à fait agréable qui donne un nouveau souffle à la galaxie ». Concernant le site Metacritic, qui utilise une moyenne pondérée, il attribue une note de 79 sur 100 sur la base de 15 critiques, indiquant des « évaluations généralement favorables ».


title: Star Wars: Visions

text: Le site CNET France note une écriture pauvre et des épisodes s'attardant toujours sur le même thème, mais la qualité se rattrape dans ses propositions visuelles. Le site conclut par « il ouvre les horizons de Star Wars, et nous montre un futur d'histoires et de possibilités excitantes. Surtout, il nous donne envie d'y revenir, et d'y rester. Finalement, cette anthologie de courts métrages plaira tout autant aux fans de l'univers qu'aux curieux ». "Le Parisien" partage le même constat final, en indiquant que c'est une série « destinée aux jeunes fans de la saga, à la fois geeks et passionnés de mangas et de science-fiction, elle ne perdra pas les autres spectateurs en route, et pourrait même fortement les réjouir ».


title: Richard Widmark

text: Richard Widmark est né le à Sunrise (Minnesota) et mort le à Roxbury (Connecticut), est un acteur et producteur de cinéma américain.


title: Richard Widmark

text: Richard Widmark est né à Sunrise dans le Minnesota, a grandi à Princeton, et vécut également quelque temps à Henry (Illinois). Son père est Carl Henry Widmark (1892-1968), fils d'immigrés suédois, sa mère Mae Ethel Barr Nelson (1897-1956).


title: Richard Widmark

text: Il fut élève au Lake Forest College, où il étudia le métier d'acteur avant d'y enseigner une fois diplômé.


title: Richard Widmark

text: Richard Widmark débute à la radio en 1937 dans "Les Misérables" sur MBS avec Orson Welles. Licencié en sciences politiques, au début des années 1940 il tente sa chance à Broadway où il joue "Kiss and Tell" de F. Hugh Herbert. Il joue en 1946 à Chicago "Dream girl" lorsqu'il signe un contrat avec 20th Century Fox. Au cinéma le grand public le découvre en 1947 dans le film "Le Carrefour de la mort" de Henry Hathaway. Il y tenait le rôle d'un gangster psychopathe pour lequel il a été nommé à l'Oscar du meilleur acteur dans un second rôle. La scène où il pousse une infirme du haut d'un escalier dans un grand éclat de rire restera gravée dans les mémoires.


title: Richard Widmark

text: Il joue de nouveau un malfrat, cette fois ambitieux et mégalomane dans "Les Forbans de la nuit" (1950) de Jules Dassin et un pickpocket dans "Le Port de la drogue" (1952) de Samuel Fuller, deux chefs-d'œuvre du film noir. Il échappe toutefois au registre du personnage criminel dans certains de ses films. Il joue ainsi un policier intègre et consciencieux dans "Panique dans la rue" (1950) d'Elia Kazan. Dans "Alamo" (1960), il incarne une légende de l'Ouest, Jim Bowie, venu défendre la future République du Texas. Dans "Les Cheyennes" (1964) de John Ford, il est un officier de cavalerie qui prend conscience de l'injustice faite au peuple indien. Il joue en 1968 Dan Madigan, un ancien sergent de la police new-yorkaise qui mène des enquêtes criminelles en Europe dans "Police sur la ville", un rôle qu'il reprendra, pour la télévision, en 1972, dans les six épisodes de 90 minutes de la série policière "Madigan".


title: Richard Widmark

text: Après cette incursion à la télévision, Widmark retourne au cinéma, mais y tient de plus en plus souvent des rôles de second plan, comme dans "Le Crime de l'Orient-Express" de Sidney Lumet ou "Morts suspectes" de Michael Crichton.


title: Richard Widmark

text: Richard Widmark a été marié de 1942 à 1997 avec la scénariste de cinéma Jean Hazlewood. Une fille, Ann Heath Widmark, naît de cette union. Après la mort de sa première épouse, il se remarie en 1999 avec Susan Blanchard, qui fut la troisième épouse de Henry Fonda.


title: Richard Widmark

text: Il meurt le , à son domicile de Roxbury (Connecticut). Il est inhumé avec sa première épouse dans le Grand Oak Cemetery de Roxbury.


title: Philippine de Rothschild

text: Philippine de Rothschild, née le à Boulogne-Billancourt, morte le dans le de Paris, est une personnalité française du monde du vin, propriétaire avec ses enfants de Château Mouton Rothschild, Premier Cru Classé, et actionnaire majoritaire de la société « Baron Philippe de Rothschild S.A. ». Sous le nom de scène de Philippine Pascal, elle a auparavant été connue comme comédienne, principalement au théâtre (Comédie-Française), mais également, de manière plus marginale au cinéma et à la télévision. Elle est la sixième génération de la « branche anglaise » de la dynastie de financiers. En 2014, la fortune de Philippine de Rothschild et de sa famille est, selon le magazine "Challenges", de 750 millions € et se classe de France.


title: Philippine de Rothschild

text: Elle est la fille du baron Philippe de Rothschild (1902-1988) et d'Élisabeth Pelletier de Chambure (1902-1945), morte en déportation à Ravensbrück. Au moment de sa naissance, la mère de Philippine, Élisabeth Pelletier de Chambure, une aristocrate catholique française, n'est pas mariée à son père, Philippe de Rothschild, mais au baron Marc de Becker-Rémy, un aristocrate belge. Après une bataille juridique et les menaces du baron de Becker-Rémy d'enlever Philippine à sa mère, le couple divorce en 1934. Peu après, la mère et le père de Philippine se marient à Paris. En 1938, la baronne met au monde un garçon, Charles-Henri, qui meurt peu après sa naissance. L'année suivante, en raison, selon certains, de la mort de l'enfant, le couple se sépare. Philippine reste avec sa mère.


title: Philippine de Rothschild

text: En 1942, le baron Philippe rejoint le général de Gaulle à Londres. Le , alors que Paris est encore sous la botte allemande, deux officiers se rendent au domicile d'Élisabeth pour l'arrêter. Ils n'emmènent cependant pas Philippine, âgée alors de 11 ans, semble-t-il parce qu'elle ressemble à la fille de l'un des deux hommes ou, selon une autre version, parce qu'elle s'était cachée dans la cave. Élisabeth est déportée à Ravensbrück. Son convoi quitte la France en juillet 1944 dans le dernier train de déportés. Elle est le seul membre de la famille Rothschild à disparaître dans les camps de la mort nazis.


title: Philippine de Rothschild

text: Passionnée de théâtre, à 25 ans, elle passe trois fois le concours d'entrée au Conservatoire national supérieur d'art dramatique de Paris avant de parvenir à y être admise, en 1958. S'ensuit une carrière d'actrice de théâtre, sous le nom de scène de Philippine Pascal, commencée à la Comédie-Française jusqu'en 1964, et dont le point d'orgue est assurément, en 1973, son interprétation du rôle de Chasen, dans l'adaptation française, due à Jean-Claude Carrière, de la pièce "Harold et Maude", de Colin Higgins, où elle joue aux côtés de Madeleine Renaud durant six ans, dans la mise en scène de Jean-Louis Barrault (reprise pour une adaptation télévisée en 1978). Elle fait d'ailleurs partie de la Compagnie Renaud-Barrault de 1973 à 1987.


title: Philippine de Rothschild

text: Dans les années 1980, à la demande de son père, Philippine commence à se consacrer aux affaires familiales. Ainsi organise-t-elle en 1981 une exposition des œuvres peintes à partir de 1945 par divers artistes pour les étiquettes de Château Mouton Rothschild. En 1988, à la mort de son père, elle abandonne sa carrière théâtrale pour reprendre les rênes de Château Mouton Rothschild et de la société vinicole de Pauillac dans le Médoc, société dans sa famille depuis 1853 avec laquelle elle obtient des résultats enviables, puisque le chiffre d'affaires est multiplié par 2,5 entre 1988 et 2014, atteignant 188 millions d'euros. Elle modernise également la société et poursuit la tradition paternelle de faire dessiner les étiquettes des bouteilles par des artistes célèbres. Sa holding comprend Château Mouton Rothschild, Château d'Armailhac, Château Clerc Milon, Domaine de Lambert, Baron Arques, Baron Philippe de Rothschild, Mouton Cadet, Opus One en Californie et Viña Almaviva au Chili. Dans cette activité, Philippine s'entoure de diverses personnes compétentes et, au fil des années, délègue de nombreuses responsabilités à ses deux fils, Philippe Sereys de Rothschild (né en 1963) issu de son premier mariage avec le comédien et metteur en scène de la Comédie-Française Jacques Sereys dont elle a également eu une fille, Camille, née en 1961), et Julien de Beaumarchais de Rothschild (né en 1971) issu de son second mariage avec l'universitaire et écrivain Jean-Pierre de Beaumarchais.


title: Philippine de Rothschild

text: Habitant le passage de la Visitation (arrondissement de Paris), elle meurt le d'une infection pulmonaire.


title: Dialecte

text: Un dialecte (du bas latin "dialectus", du grec / , de / « parler ensemble ») est, au sens large, une variété linguistique propre à un groupe d'utilisateurs déterminés.


title: Dialecte

text: La notion de dialecte était, à l'origine, utilisée notamment pour désigner les variétés géographiques d'une langue (on parle aussi de régiolecte et de géolecte). Du point de vue de la dialectologie et de la géographie linguistique, un dialecte est un sous-ensemble géographique de variétés linguistiques présentant certains traits propres qui le caractérisent parmi les autres éléments de la même langue. Ainsi, certains linguistes refusent le caractère de dialecte proprement dit à des variétés (ou ensembles de variétés) clairement délimitées géographiquement, au motif qu'elles ne présentent pas de traits propres et caractéristiques.


title: Dialecte

text: Hormis dans le cas des situations insulaires, la division d'une langue en dialectes clairement différenciés est toutefois fréquemment malaisée. Les changements linguistiques ne se produisent pas instantanément, mais se diffusent lentement dans l'espace à partir de leurs foyers, et la plupart des langues se présentant sous la forme d'un continuum plutôt que d'une juxtaposition d'unités dialectales bien différenciées.


title: Dialecte

text: Dans un sens plus large, le terme de dialecte désigne toute modalité langagière particulière. Le concept a en particulier été étendu à celui de dialectes sociaux (ou "sociolectes"), variétés linguistiques associées à un contexte communicatif déterminé, étudiés notamment par la sociolinguistique.


title: Dialecte

text: Un autre usage du terme dialecte, relié spécifiquement aux endroits avec un langage familier comme l'Italie (voir ), la France (voir patois), et les Philippines, a un sous-entendu péjoratif et souligne le statut subordonné politique et social d'une langue non-nationale comparé à la seule langue officielle. Autrement dit, elle n'est pas dérivée de la langue politiquement dominante et elle n'en est pas une variante, mais elle est une langue séparée et évoluée de manière indépendante, quoiqu'elle soit souvent reliée historiquement ou génétiquement à la langue dominante. Cet usage du terme, contrairement au sens principal, indique que la langue standardisée ne serait pas considérée comme un « dialecte », puisqu'elle est la langue dominante dans une région, à cause de prestige linguistique, statut social ou politique (par exemple, la langue officielle), prédominance, ou la totalité de ces possibilités. Ainsi, ces « dialectes » ne sont pas des dialectes ou des variétés d'une langue particulière dans le même sens que le premier usage de ce mot.


title: Dialecte

text: Cependant, c'est possible qu'un dialecte partage ses racines avec la même sous-famille que la langue dominante et peut-être, à un degré variable, partager un peu d'intelligibilité mutuelle avec la langue dominante. Mais souvent les dialectes n'ont pas évolué étroitement avec la langue dominante, ou avec le même sous-groupe linguistique, ou la communauté de parole de la langue dominante. Le dialecte est possiblement plus adéquatement approprié pour les critères d'une langue séparée. Utilisé dans ce sens, le terme "dialecte" implique une connotation politique, souvent en référence aux langues avec moins de prestige (quoi qu'il en soit de leur degré de distance avec la langue dominante), ou aux langues sans appui institutionnel, ou aux langues perçues inadéquate pour l'écriture. Le terme "dialecte" est aussi utilisé de manière populaire en référence aux langues sans écriture ou codes de pays en développement ou isolé; les linguistes préféreraient le terme "langage familier" dans ces cas-ci.


title: Dialecte

text: Certains linguistes estiment que la distinction entre « dialecte » et « langue » n'est pas pertinente d'un point de vue linguistique. En effet, la revendication pour un idiome du statut de langue ou, au contraire, son maintien au statut de dialecte tient souvent plus à des motifs politiques (glottopolitiques) que linguistiques proprement dit. Sur le plan strictement scientifique (linguistique interne), il n'existe pas de critère universellement accepté permettant de distinguer un dialecte d'une langue. De façon générale, une connotation positive est attachée au terme de « langue » tandis que « dialecte » est considéré plus négativement, ceci ayant nui à une approche neutre et inéquivoque de la part des linguistes et favorisé les prises de positions « partiales et tendancieuses ». Des linguistes éminents (comme Ferdinand de Saussure, fondateur de la linguistique moderne) ont émis des réserves sur la validité de la distinction entre les deux notions sur le plan scientifique. Pour souligner l'arbitraire de la distinction entre langue et dialecte, le linguiste yiddish Max Weinreich a popularisé l'aphorisme « une langue est un dialecte avec une armée et une flotte ».


title: Dialecte

text: D'autres jugent néanmoins que la différence peut être considérée comme pertinente et justifiée par des facteurs sociaux ou historiques variés.


title: Dialecte

text: Une langue serait un dialecte ayant obtenu un statut officiel. En ce sens, le français envisagé comme langue standard peut être considéré comme un dialecte de la langue d'oïl qui a pris le pas sur les autres variantes.


title: Dialecte

text: Une langue serait un dialecte ayant obtenu un prestige social et culturel. Une langue peut en particulier se différencier d'un dialecte par son usage et l'existence d'une tradition littéraires ; on parle alors fréquemment de « langue de culture » ou de « langue littéraire ».


title: Dialecte

text: Dans la représentation commune, la « langue » est couramment identifiée avec la langue standard (fréquemment la langue officielle d'un ou plusieurs États), qui n'est à proprement parler qu'une des variétés de la langue. Les idiomes non standardisés, et de ce fait hors de cette norme, sont qualifiés de « dialecte » (en particulier en Alsace), « patois » (souvent par leurs locuteurs eux-mêmes, dans le Midi de la France), « rural », parfois d'un péjoratif « vulgaires ». On les désigne cependant comme langues, quand elles sont accompagnées du qualificatif « locales », « régionales » (c'est leur désignation en options du baccalauréat), « minoritaires ». De même, il peut conduire à penser que deux modalités linguistiques subordonnées à des standards différents appartiennent automatiquement à des langues distinctes. Il présente l’avantage de permettre un découpage simple des idiomes en groupes de langues, là où des critères strictement linguistiques ne permettent bien souvent pas d'établir de frontières nettes au sein de grands continuums dialectaux. L'existence d'un modèle de langue standard peut également jouer un rôle fondamental dans la cohésion d'une communauté linguistique en favorisant chez les locuteurs la conscience d'appartenance à celle-ci.


title: Dialecte

text: Sous la Troisième République, les élèves surpris à parler une langue régionale ("patois") en cour de récréation devaient parfois porter toute une journée une cloche de bois. La préoccupation de la Troisième République était en effet d'unifier la France au plus vite par une langue commune. Cette répression des parlers locaux fut cependant particulièrement peu appréciée en Bretagne (voir article Breton).


title: Dialecte

text: Une langue serait un dialecte parlé par un nombre étendu de personnes. La relativité et la subjectivité d'un tel critère le rendent toutefois d'une pertinence discutable. Par exemple, le basque ne ressemble pas du tout aux langues locales parlées dans les régions voisines et semble donc témoigner de l'existence d'un peuple ancien.


title: Dialecte

text: Un autre point de vue possible, moins subjectif mais en pratique peu fonctionnel, est d'envisager les termes de « langue » et « dialecte » sous l'angle de la linguistique historique : on pourrait parler de « dialectes » pour désigner des variétés ayant une origine commune (qui serait dans ce cas la « langue ») mais s'étant différenciées à la suite d'un processus historique. Ainsi, les langues romanes actuelles par exemple seraient considérées comme des dialectes du latin.


title: Dialecte

text: Un autre exemple important est celui des langues bantoues, qui du bassa au swahili sont devenues au cours des âges, sans doute à la suite d'une activité commerciale constante, le fonds commun d'une zone très étendue de l'Afrique tant francophone qu'anglophone, à travers des langues spécifiques très diverses.


title: Dialecte

text: La distinction entre « langue » et « dialecte » serait basée sur la possibilité d'une compréhension mutuelle, l'intercompréhension. Les locuteurs de dialectes différents se comprenant mutuellement parleraient des dialectes de la même langue. Les locuteurs qui ne se comprennent pas parleraient des dialectes de langues différentes.


title: Dialecte

text: Ce point de vue est également critiquable car il est relatif. Par exemple dans le cas de l'allemand, on sait que des variétés de bas allemand et de haut allemand ne sont parfois pas mutuellement intelligibles, bien que les locuteurs parviennent généralement à s'entendre grâce à leur connaissance de l'allemand standard (lui-même basé sur le second groupe). De même en espagnol, les locuteurs habitués au castillan standard peuvent éprouver des difficultés à comprendre des locuteurs s'exprimant dans certaines variétés andalouses particulièrement prononcées ou des variétés d'espagnol hispano-américaines.


title: Dialecte

text: En définitive, l'intercompréhension entre deux locuteurs de variétés différentes est fortement conditionnée par leur simple bonne volonté de se comprendre ou non, tout en dépendant également d'autres facteurs personnels variés (familiarité avec les autres variétés, connaissances linguistiques ou culture générale). La compréhension n'est de plus pas nécessairement réciproque : un locuteur du portugais qui n'a aucune connaissance de l'espagnol comprendra, par exemple, facilement un hispanophone dans de nombreux cas, mais la réciproque n’étant pas toujours vraie. Un italophone et un hispanophone pourront au contraire parvenir à une assez bonne intercompréhension au prix de peu d’effort bien qu’ils parlent des idiomes qui sont unanimement considérés comme des langues différentes.


title: Dialecte

text: Pour dépasser les écueils posés par la classification des idiomes en langues et dialectes, des sociolinguistes ont élaboré d'autres systèmes de classifications (voir par exemple typologie sociolinguistique des langues).


title: Boulevard du crépuscule

text: Boulevard du crépuscule ( ou ) est un film noir américain, réalisé et coécrit par Billy Wilder, sorti sur les écrans en 1950, mêlant drame et humour noir. Il tire son nom du célèbre , qui traverse Los Angeles et , bordé de villas de vedettes hollywoodiennes.


title: Boulevard du crépuscule

text: William Holden interprète le scénariste malchanceux Joe Gillis, et Gloria Swanson incarne Norma Desmond, une ancienne vedette du cinéma muet (comme elle), qui parvient à enfermer Gillis dans sa vie dominée par le fantasme d’un retour triomphant à l’écran. Erich von Stroheim, Nancy Olson, Fred Clark, Lloyd Gough et Jack Webb apparaissent dans des seconds rôles. Le réalisateur Cecil B. DeMille et la journaliste à scandales Hedda Hopper jouent leurs propres rôles, tandis qu’on peut voir une apparition fugace de vieilles du muet : Buster Keaton, H. B. Warner et Anna Q. Nilsson.


title: Boulevard du crépuscule

text: Apprécié par la critique américaine à sa sortie, "Boulevard du crépuscule" obtient onze nominations aux Oscars du cinéma, et en remporte trois. Considéré depuis comme un classique, le film est parfois cité parmi les chefs-d’œuvre du cinéma américain. C’est ainsi qu’il a été considéré comme « culturellement significatif » par la Bibliothèque du Congrès en 1989, qui l’a inclus dans sa première sélection de films pour faire partie du et y être restauré. L’ l’a, en outre, placé en douzième place de son , en 1998, puis en seizième place dans celui de 2007.


title: Boulevard du crépuscule

text: La scène d’ouverture présente le cadavre d’un homme assassiné qui flotte sur le ventre, dans une piscine. Un narrateur explique que l’homme était un scénariste raté. Commence alors un , tandis que le narrateur, un certain Joe Gillis (William Holden), criblé de dettes, décrit sa tentative de fuir deux huissiers venus le trouver pour saisir son automobile. Au cours d’une course-poursuite sur , Gillis crève un pneu et parvient presque par hasard, comme un tour de force du destin, à les semer en parquant son véhicule dans une allée privée. Il le gare dans le garage d’une villa qui semble abandonnée, mais une voix de femme l’appelle et un domestique allemand, Max (Erich von Stroheim), le fait entrer. La propriétaire, une vieille femme, le prend pour un croque-mort venu livrer un cercueil pour son chimpanzé mort. Gillis reconnaît Norma Desmond (Gloria Swanson), une vieille gloire du cinéma muet tombée dans l’oubli. Apprenant qu’il est scénariste, elle lui propose de l’employer pour mettre en forme un scénario sur Salomé, qu’elle a l’intention d’incarner pour son retour. Gillis saisit cette chance de gagner de l’argent.


title: Boulevard du crépuscule

text: Joe se retrouve bientôt totalement dépendant financièrement de Norma, qui lui offre vêtements et cadeaux. Gêné par cette situation, il ne fait cependant rien pour la changer. Le dégoût le gagne quand Norma lui révèle au soir du 31 décembre qu’elle l’aime. Repoussant ses avances, il rejoint une fête organisée par un ami et discute avec une jeune femme ambitieuse, Betty (Nancy Olson), qui se montre intéressée par l’un de ses projets. Mais lorsqu’il téléphone chez Norma Desmond pour annoncer son départ, il apprend que Norma a tenté de se suicider. Il revient en catastrophe, pour rassurer Norma, et reste finalement. Leur situation s’installe donc tandis que le travail sur "Salomé" avance, jusqu’à ce que Norma l’envoie à son ami Cecil B. DeMille (lui-même). Contactée par des collaborateurs du réalisateur, elle pense que DeMille est intéressé et se rend au studio pour le rencontrer. Là, Gillis et Max comprennent que le studio est seulement intéressé par la voiture de Norma, une antique Isotta Fraschini, pour une reconstitution. Un détail que tous passent sous silence pour ménager l’ancienne . À cette occasion, Joe retrouve Betty. Il accepte dès lors de collaborer avec elle à un scénario. Une romance naît entre eux. Lorsque Norma le découvre, elle joint Betty par téléphone pour révéler les secrets de la vie de Joe. Ce dernier découvre le stratagème, saisit le combiné et fait venir Betty pour lui montrer lui-même son cadre de vie. Il parvient à effrayer Betty. Norma crie victoire, mais Joe l’écarte et fait ses valises pour la quitter. Norma le menace d’un pistolet, il ne la prend pas au sérieux mais, lorsqu’il sort de la maison, elle tire plusieurs fois. Joe tombe mort dans la piscine.


title: Boulevard du crépuscule

text: L’explication s’achève, de même que le flashback. Le matin suivant le crime, Norma, entourée de détectives et de journalistes, semble perdue dans le fantasme d’un retour sur les plateaux de tournage. Lorsque les caméras des actualités s’installent, elle leur offre une lente descente d’escalier en croyant tourner une scène de "Salomé". La voix de Gillis signale que le rêve de Norma de retrouver la gloire des caméras s’est réalisé de la façon la plus inattendue. S’ensuit un discours de l’actrice sur son bonheur de faire un nouveau film, avec ces mots pour conclusion : . Elle s’approche alors de la caméra, le regard fixe et halluciné, et un fondu au blanc termine le film.


title: Boulevard du crépuscule

text: Le boulevard qui donne son nom au film est étroitement associé au cinéma de Hollywood depuis 1911, quand le premier studio ouvre justement sur . À cette époque, des employés, de plus en plus nombreux, vivent modestement dans le voisinage. Au cours des années 1920, l’envol des bénéfices et des salaires dans le milieu du cinéma et l’essor du amènent la construction de villas luxueuses, à la grandeur souvent incongrue. Les vedettes sont l’objet d’une fascination de la part du public du monde entier, tandis que les magazines et les journaux sont de plus en plus nombreux à relater les détails de leurs vies excessives.


title: Boulevard du crépuscule

text: Pendant sa jeunesse à Varsovie, Billy Wilder s’intéresse à la culture américaine, notamment à travers le cinéma. À la fin des années 1940, sa carrière l’ayant amené à Hollywood, et étant devenu lui-même résident de Los Angeles, il vit dans le voisinage quotidien de ces maisons prétentieuses. Beaucoup d’anciennes de l’ère du muet y vivent encore, bien que la plupart d’entre elles n’aient plus aucune activité dans la production cinématographique. Wilder se demande lui-même comment elles peuvent bien passer le temps maintenant que leur heure de gloire est passée, et imagine l’histoire d’une qui aurait perdu succès et célébrité.


title: Boulevard du crépuscule

text: Wilder et Brackett commencent à travailler sur le scénario en 1948, mais le résultat ne les satisfait pas entièrement. En , D.M. Marshman Jr., ex-journaliste pour , dont la critique de leur film "La Valse de l’empereur" avait attiré leur attention, les rejoint pour développer l’intrigue.


title: Boulevard du crépuscule

text: Pour ne pas dévoiler à la Paramount trop de détails sur l’histoire, et éviter de subir la censure sévère du code Hays, les trois auteurs divulguent le scénario au compte-gouttes, presque page après page. Wilder va jusqu’à faire croire à la production qu’ils adaptent une histoire — qui n’existe pas — qu’il intitule ("Une boîte de haricots"), cela afin que les studios leur laissent assez de liberté pour travailler comme ils l’entendent. Ils n’échappent pas cependant à la vigilance du bureau de censure de Joseph I. Breen qui exige que certaines répliques soient réécrites, comme la phrase de Gillis : (), remplacée par une expression plus sage en anglais : Seul un tiers du script est achevé lorsque le tournage commence au début du mois de mai 1949, et Wilder n’est pas encore sûr de la tournure qu’il souhaite donner à la fin du film.


title: Boulevard du crépuscule

text: Le script contient de nombreuses références à Hollywood et au monde des scénaristes, avec des commentaires très cyniques de la part du personnage de Joe Gillis. Il résume sa carrière de scénariste ainsi : Dans une autre scène, lorsque Betty lui dit : , il répond : .


title: Boulevard du crépuscule

text: Certaines répliques de Gloria Swanson sont tout autant mémorables, par exemple lorsque Gillis la reconnaît (), ou encore la conclusion (). La finesse du film est en grande partie due aux commentaires pince-sans-rire de Norma Desmond, et aux réponses sarcastiques de Gillis, qui les suivent souvent sans que Norma ne paraisse les entendre, comme si elles étaient destinées au seul public, et que Wilder effaçait la limite entre les événements et la narration de Gillis. Lorsque Norma Desmond lance que , Gillis murmure : « Je savais qu’ils avaient quelque chose de travers ». Ce type d’échange peut parfois se poursuivre, Norma prenant les répliques de Gillis au pied de la lettre, et y répondant avec le plus grand sérieux. Par exemple, lorsqu’ils parlent du scénario indigeste sur lequel Norma a travaillé, Gillis observe : , à quoi Norma répond avec aplomb : .


title: Boulevard du crépuscule

text: Dans un essai sur le film, le critique de cinéma Richard Corliss décrit "Boulevard du crépuscule" comme « le parfait film d’horreur hollywoodien », remarquant que presque chaque détail du script est « morbide ». Il fait notamment remarquer que l’histoire est racontée par un homme mort que Norma Desmond confond au début avec un croque-mort, tandis que l’essentiel du film se déroule dans « une vieille maison sombre qui ne s’ouvre qu’à des morts-vivants ». Il compare le personnage de Max, joué par Von Stroheim, au "Fantôme de l’Opéra", et Norma Desmond à Dracula, en notant que pendant qu’elle séduit Joe Gillis, la caméra se retire discrètement avec « l’attitude traditionnellement adoptée par les réalisateurs pour les séductions jugulaires » du vampire. Il signale également que les textes du narrateur contiennent trop de « sarcasmes gratuits », mais félicite tout de même les scénaristes d’avoir confié cette partie à Joe Gillis, dès lors crédible dans le rôle d’un scénariste doté d’un certain talent.


title: Boulevard du crépuscule

text: Wilder, quant à lui, préfère laisser à d’autres l’analyse de ses scénarios et de ses films. Quand on lui demande si "Boulevard du crépuscule" est une comédie noire, il répond : .


title: Boulevard du crépuscule

text: Billy Wilder, dès 1948, fait appel à Greta Garbo - disparue des écrans depuis "La Femme aux deux visages" en 1941 - pour le personnage de Norma Desmond, dans l’espoir qu’elle effectue pour lui son retour à l’écran. Elle ne se montre cependant pas intéressée. Le rôle est proposé à d’autres grandes figures du cinéma muet américain dont Mae West, qui, à se déclare trop jeune pour jouer le personnage. « Dans un moment de folie », comme l’admettra Wilder, Charles Brackett sollicite Mary Pickford. Elle se montre intéressée, quoique sur ses gardes ; elle est finalement écartée lorsqu’elle exprime des désaccords sur le récit. Pola Negri est aussi approchée et « pique une colère à la seule suggestion qu’elle pourrait jouer un rôle de ».


title: Boulevard du crépuscule

text: C’est alors George Cukor qui suggère Gloria Swanson. Selon Wilder, elle n’avait initialement pas été contactée parce que Brackett et lui la jugeaient « en quelque sorte inaccessible ». Swanson a été l’une des actrices les plus révérées de l’ère du muet, pour sa beauté, son talent, et son mode de vie extravagant. Au sommet de sa carrière, en 1925, il se disait qu’elle recevait jusqu’à d’admirateurs en une semaine. Elle a également vécu sur , dans un palais italianisant raffiné, de 1920 à la fin des années 1930. Elle a en fait plus d’un point commun avec le personnage de Norma Desmond. Comme lui, elle s’est révélée incapable d’assurer habilement sa reconversion dans le cinéma sonore. La ressemblance a toutefois une limite : Swanson, elle, a assumé la fin de sa carrière et, depuis installée à New York, elle fait de la radio et de la télévision. Elle n’est donc pas vraiment intéressée par un , mais Wilder parvient à susciter sa curiosité en lui parlant du rôle.


title: Boulevard du crépuscule

text: Gloria Swanson se montre ennuyée d’avoir à passer une audition, arguant : . Le script se fait l’écho de cette réaction, lorsque Norma Desmond déclare : . Dans ses mémoires, Gloria Swanson raconte avoir demandé à Cukor s’il pensait qu’il était déraisonnable de refuser le test. Il lui aurait répondu que Norma Desmond serait le rôle qui la ferait passer à la postérité, ajoutant : . Cet enthousiasme aurait donc contribué à convaincre Swanson. En 1975, Wilder décrit en ces termes la réaction de Swanson : .


title: Boulevard du crépuscule

text: Montgomery Clift est d’abord approché pour jouer le personnage de Joe Gillis, mais il se retire, probablement par crainte de comparaisons douteuses sur sa situation personnelle — il sortait alors avec Libby Holman, de seize ans son aînée. Fred MacMurray est ensuite pressenti mais décline le rôle. Il est enfin proposé à William Holden. Acteur remarqué à ses débuts dans (1939) et (1940), disparu des écrans durant son service militaire pendant la guerre, il accepte de jouer Gillis, après un retour modeste à la fin des années 1940.


title: Boulevard du crépuscule

text: Réalisateur légendaire du cinéma muet, Erich von Stroheim, qui a d’ailleurs dirigé Gloria Swanson dans son film (1929), est recruté pour jouer le rôle du fidèle Max, valet dévoué et protecteur de Norma. Lui qui avait été blacklisté par les studios hollywoodiens à cause de ses dépassements de budget joue ici un ancien réalisateur, à qui est donnée une nouvelle occasion de mettre en scène son actrice fétiche… même s’il s’agit des actualités (pas encore télévisées mais cinématographiques).


title: Boulevard du crépuscule

text: Enfin, pour le rôle de Betty Schaefer, Wilder souhaite une figure neuve, dont l’image saine et ordinaire puisse contraster avec la Norma obsessive et flamboyante composée par Gloria Swanson. Le réalisateur porte son choix sur Nancy Olson, pressentie peu avant par DeMille pour jouer le rôle de Dalila (finalement attribué à Hedy Lamarr), dans "Samson et Dalila" (1949).


title: Boulevard du crépuscule

text: La photographie de "Boulevard du crépuscule", typique du film noir, sombre et, naturellement, en noir et blanc, est l’œuvre de John F. Seitz. Wilder qui a travaillé plusieurs fois avec lui, se repose sur son professionnalisme, lui laissant le champ libre. Ainsi Seitz raconte avoir demandé à Wilder ce qu’il souhaitait pour la scène de l’enterrement du chimpanzé. Wilder répondit : .


title: Boulevard du crépuscule

text: Pour certaines scènes d’intérieur, Seitz arrose l’objectif de poussière pour suggérer une ambiance « moisie ». Un procédé qu’il a déjà utilisé sur le tournage d"'Assurance sur la mort" (1944). Quant à la découverte du corps de Joe Gillis, Wilder veut montrer son cadavre d’en dessous, depuis le fond de la piscine, mais rendre l’effet est difficile. La caméra est d’abord placée à l’intérieur d’une boîte spécialement conçue, et plongée sous l’eau, en vain ; le résultat se révèle décevant. On fait d’autres tentatives. La prise de vue est finalement réalisée en plaçant un miroir au fond de la piscine, et en filmant la réflexion de Holden depuis la surface, avec en arrière-plan l’image déformée des agents de police autour de la piscine.


title: Boulevard du crépuscule

text: Edith Head est la créatrice des costumes. Wilder, Head et Swanson s’accordent pour considérer que Norma Desmond est plus ou moins restée en phase avec l’évolution de la mode, et Head conçoit pour le personnage des costumes très similaires aux lignes de Dior ou de Chanel au milieu des années 1940. Quelques ajouts sont opérés pour personnaliser les vêtements et refléter le goût de Norma Desmond. Swanson raconte dans sa biographie que ses costumes étaient seulement . Head décrit plus tard ce travail comme , et explique son approche avec ce commentaire : . La costumière révèle aussi s’être reposée sur l’avis de Swanson qui .


title: Boulevard du crépuscule

text: Head élabore aussi les costumes de William Holden et des personnages secondaires à l’exception de ceux de von Stroheim et Nancy Olson, à qui il est demandé de conserver leurs propres vêtements, pour des raisons d’authenticité.


title: Boulevard du crépuscule

text: La demeure excessivement décadente de Norma Desmond est l’œuvre du décorateur Hans Dreier, dont la carrière remonte à l’ère du muet. Il a d’ailleurs conçu la décoration d’intérieur de certaines résidences de vedettes du cinéma, notamment celle de Mae West. William Haines, décorateur d’intérieur et ancien acteur, défendra plus tard le travail de Dreier en observant que .


title: Boulevard du crépuscule

text: Pendant le tournage, on remarque l’apparente jeunesse de Gloria Swanson, attentive à son hygiène de vie, ce qui instaure un contraste insuffisant avec William Holden et sa maturité certaine. Wilder exige que la différence d’âge soit soulignée et demande au responsable du maquillage, Wally Westmore, que Swanson paraisse plus âgée. Swanson s’y oppose, en avançant qu’une femme de l’âge de Norma Desmond, avec sa grande richesse et un tel culte de sa propre personne, n’aurait pas forcément l’air âgée. Elle suggère que le maquillage de Holden le rende plus jeune, ce que Wilder accepte. Cela permet à Swanson de faire de Norma Desmond une figure plus sophistiquée et dotée de plus de charme que Wilder ne l’a imaginé au départ.


title: Boulevard du crépuscule

text: La bande musicale est composée par Franz Waxman. Son thème pour Norma Desmond est basé sur un tango, inspiré par l’allusion du personnage à sa danse avec Rudolph Valentino. Ce style contraste avec le thème bebop de Joe Gillis. Waxman utilise aussi des arrangements rappelant les bandes originales du cinéma des années 1920 et 1930, pour suggérer l’état d’esprit de Norma Desmond.


title: Boulevard du crépuscule

text: Dans son attention à disséquer le monde de l’illusion hollywoodienne, Wilder est très attentif à replacer l’histoire dans un contexte aussi réaliste que possible, et fait usage de l’histoire de Hollywood. Le nom de Norma Desmond est probablement inspiré par William Desmond Taylor, assassiné en 1922, et de son associée et amie Mabel Normand, dont la carrière avait été détruite par des scandales autour du meurtre.


title: Boulevard du crépuscule

text: Swanson est considérée comme représentative du passé de Hollywood, les plus anciens admirateurs s’en souviennent avec nostalgie, mais la plupart des jeunes spectateurs ne la connaissent pas. Sa collection personnelle de photographies sert à décorer la maison de Norma Desmond, contribuant à ce que le passé fictif de Desmond ressemble à la carrière bien réelle de Swanson.


title: Boulevard du crépuscule

text: Le script multiplie les références à des films comme "Autant en emporte le vent", et à des personnalités comme Darryl F. Zanuck, D. W. Griffith, Tyrone Power, Alan Ladd, Adolphe Menjou, Douglas Fairbanks, Rudolph Valentino, Rod La Rocque, Vilma Bánky, John Gilbert, Mabel Normand, Bebe Daniels, Marie Prevost, Betty Hutton et Barbara Stanwyck. On note aussi une allusion à l’affaire du Dahlia noir. Ou encore le passage dans lequel Norma Desmond déclare son admiration pour Greta Garbo.


title: Boulevard du crépuscule

text: Wilder étend ses références hollywoodiennes à certains choix de la distribution. Erich von Stroheim bien sûr, est un réalisateur majeur de l’époque du muet. Dans le rôle de Max, il regarde un film avec Norma Desmond, et la scène qui apparaît brièvement est justement tirée de (1929), que von Stroheim lui-même a réalisé, avec Swanson dans le rôle-titre. Cecil B. DeMille, souvent considéré comme le premier à avoir fait connaître Swanson, joue son propre rôle et est pour l’occasion filmé sur le plateau de son film "Samson et Dalila", aux studios de la Paramount. Il appelle Norma , de la même manière qu’il s’adresse dans la vie à Swanson, un petit détail suggéré par DeMille lui-même.


title: Boulevard du crépuscule

text: Les amis de Norma, qui viennent jouer au bridge avec elle, désignés comme les par Gillis, sont des contemporains de Swanson : Buster Keaton, Anna Q. Nilsson et H. B. Warner, dans leurs propres rôles (comme indiqué dans le générique de fin). Hedda Hopper joue également son propre rôle en relatant au téléphone le sort de Norma Desmond, dans les derniers instants du film.


title: Boulevard du crépuscule

text: Dans une scène comique, Norma Desmond effectue une séance de mime pour Joe Gillis, imitant les Bathing Beauties de Mack Sennett, en hommage aux premiers rôles de Swanson. Elle imite également Charles Chaplin, comme elle l’avait déjà fait dans le film "" (1924).


title: Boulevard du crépuscule

text: Wilder fait par ailleurs usage de lieux authentiques. Le domicile de Joe Gillis, dans les appartements de Alto-Nido, était un véritable immeuble situé près de la Paramount, et souvent peuplé d’écrivains tourmentés. Les scènes entre Gillis et Betty Schaefer sur les plateaux extérieurs de la Paramount sont tournés sur les lieux, et à l’intérieur de , qui est minutieusement reconstitué pour les scènes qui s’y déroulent. Les scènes extérieures de la maison Desmond sont tournées près d’une vieille demeure de Wilshire Blvd., construite dans les années 1920, et qui était en 1949 la propriété de la femme de J. Paul Getty. La villa est également présente dans "La Fureur de vivre". Elle a depuis été démolie et remplacée par des bureaux.


title: Boulevard du crépuscule

text: Par crainte des réactions du public hollywoodien, il est décidé de faire l'avant-première du film à Poughkeepsie, dans l'État de New York. La première séquence du film montre alors des cadavres dans une morgue, vus à travers surimpression blanchâtre comme si on les regardait à travers le drap qui les recouvre. Ils racontent tour à tour ce qu'a été leur vie et comment ils sont morts ; le troisième d'entre eux est le personnage principal du film. Les spectateurs de l'avant-première se sont mis à rire lorsqu'il a été passé une étiquette à l'orteil du cadavre du personnage. Ce début ne permettait pas aux spectateurs de comprendre si le film était une comédie ou un drame. Il a été coupé sans être remplacé par rien d'autre pour l'avant-première suivante, à Evanston dans l'Illinois. Une troisième avant-première a confirmé l'utilité de cette coupe.


title: Boulevard du crépuscule

text: À Hollywood, la Paramount organise une projection privée pour les différents cadres du studio, et des invités spéciaux. Après avoir vu le film, Barbara Stanwyck se penche et embrasse l’ourlet de la jupe de Gloria Swanson. Celle-ci raconte plus tard avoir cherché des yeux Mary Pickford sans la trouver, et s’être vu dire : . Louis B. Mayer réprimande Wilder devant les célébrités rassemblées : L’actrice Mae Murray, contemporaine de Swanson, est choquée par le film et émet ce commentaire :


title: Boulevard du crépuscule

text: "Boulevard du crépuscule" est toutefois bien accueilli par la critique. décrivit le film ainsi : , tandis que le annonça : . James Agee, dans , fait l’éloge du film et estime que Wilder et Brackett sont . décrit Swanson comme , tandis que la félicite pour .


title: Boulevard du crépuscule

text: Certains critiques devinent que le film est appelé à un succès durable. On peut ainsi lire dans que les générations futures de "Boulevard du crépuscule", et le magazine de commenter : .


title: Boulevard du crépuscule

text: Les commentaires négatifs sont rares. On peut noter celui du , qui qualifie le film de , où ne subsisterait que . Thomas M. Pryor, plus mitigé, écrit pour le que le procédé dramatique consistant à utiliser le personnage mort de Joe Gillis comme narrateur est .


title: Boulevard du crépuscule

text: Après sept semaines à l’affiche du , le magazine annonce que le film a rapporté « environ », ce qui en ferait l’un des plus grands succès de la salle new-yorkaise. note qu'alors que le film bat des records dans les grandes villes, il fait moins bien que prévu dans le reste du pays. Pour assurer la promotion, Gloria Swanson parcourt les États-Unis en train, traversant en quelques mois. La publicité contribue à attirer du monde dans les salles, mais dans de nombreuses zones de province le film n’aura pas de succès.


title: Boulevard du crépuscule

text: Les onze candidatures de "Boulevard du crépuscule" ne sont dépassées que par les quatorze candidatures de "Ève", qui remporte six statuettes, dont celles du meilleur film et du meilleur réalisateur (Joseph L. Mankiewicz). De nombreux critiques prévoyaient que l’Oscar de la meilleure actrice serait décerné soit à Gloria Swanson, soit à Bette Davis pour "Ève", la victoire de Judy Holliday pour "Comment l’esprit vient aux femmes" de George Cukor surprenant tout le monde. Swanson raconte plus tard la réaction de la presse après qu’Holliday eut reçu sa récompense : .


title: Boulevard du crépuscule

text: Dans un entretien plusieurs années plus tard, Bette Davis explique que Swanson et elle s’étaient « neutralisées », le choix de Judy Holliday permettant de ne pas départager les deux autres. Elle avoue en 1982, dans les pages de , son admiration pour la performance de Swanson : .


title: Boulevard du crépuscule

text: "Boulevard du crépuscule" reçoit aussi plusieurs "", dans les catégories , (Swanson), (Wilder) et (Waxman). Wilder et Brackett se voient récompensés d’un prix de la (film dramatique américain le mieux écrit), tandis que la récompense Wilder dans la catégorie « œuvre cinématographique remarquable ». Le accorde au film ses récompenses pour le meilleur film et la meilleure actrice (Swanson).


title: Boulevard du crépuscule

text: "Boulevard du crépuscule" est la dernière collaboration entre Wilder et Brackett. Leur relation se serait dégradée par des disputes sur le passage dans lequel on voit Norma préparer son retour à l’écran. Le film marque à peu près le milieu de la période des plus grands succès de Wilder.


title: Boulevard du crépuscule

text: La carrière de Charles Brackett à Hollywood survit à cette rupture. Il remporte un Oscar pour son scénario de "" (1953) et écrit "Niagara" (1953), qui révèle Marilyn Monroe dans un rôle dramatique - les meilleures performances comiques de Marilyn, dans "Sept ans de réflexion" et "Certains l’aiment chaud" seront, elles, mises en scène par Billy Wilder. La carrière de Brackett décline par la suite.


title: Boulevard du crépuscule

text: William Holden se voit proposer des rôles plus importants. En 1953, il remporte l’Oscar du meilleur acteur pour "" (également de Wilder), et en 1956 il est le premier acteur du américain.


title: Boulevard du crépuscule

text: Nancy Olson apparaît aux côtés de William Holden dans plusieurs autres films des années 1950. Le duo reformé n’obtient cependant pas le succès initial. La notoriété d’Olson culmine avec "Monte là-d’ssus" (1960) et "Après lui le déluge" (1961), dans lesquelles elle côtoie Fred MacMurray. En dépit de ces réussites, la carrière de l’actrice stagne.


title: Boulevard du crépuscule

text: Gloria Swanson ne tirera pas profit de son succès dans "Boulevard du crépuscule". Des rôles lui sont proposés qui lui laissent l’impression de renouer avec de pâles imitations de Norma Desmond. Ne souhaitant pas que sa carrière l’enferme dans un rôle et l’oblige à jouer « la parodie d’une parodie », elle cesse quasiment son activité d’actrice.


title: Boulevard du crépuscule

text: En 1957, Swanson entame des négociations avec la Paramount pour adapter elle-même "Boulevard du crépuscule" en une comédie musicale : "Boulevard !". Sa version s’autorise une romance entre Gillis et Schaefer, et au lieu de tuer Gillis à la fin, Norma donne sa bénédiction au couple et les laisse partir pour vivre heureux. Swanson embauche Dickson Hughes et Richard Stapley pour la musique, qui est composée et enregistrée, et sort même en LP. Gloria Swanson interprète des extraits avec accompagnement orchestral sur le . La Paramount, qui détient les droits, encourage d’abord Swanson à poursuivre l’adaptation, avant de retirer son accord en 1959, arguant que la nouvelle mouture du scénario pourrait porter atteinte à la réputation présente et à venir du film. La maison de production autorise en revanche des adaptations pour la télévision qui restent fidèles au scénario original, pour les émissions , avec Miriam Hopkins, et , avec Mary Astor et Darren McGavin.


title: Boulevard du crépuscule

text: Après le succès d’une projection de "Boulevard du crépuscule" à New York en 1960, la Paramount organise une nouvelle sortie aux États-Unis, dans un nombre limité de salles. Les retransmissions à la télévision depuis les années 1960 ont par la suite permis de faire connaître le film aux nouvelles générations.


title: Boulevard du crépuscule

text: En 1989, le "Boulevard du crépuscule" fait partie des films considérés comme « culturellement significatifs » par la Bibliothèque du Congrès, et sélectionnés aux fins de restauration et conservation par le .


title: Boulevard du crépuscule

text: Des sondages organisés par l’ ont montré le succès durable de "Boulevard du crépuscule", et la haute estime que lui accordent les réalisateurs actuels. En 1998, le film est classé douzième d’une liste des « grands films ». En 2004, deux citations de "Boulevard du crépuscule" figurent dans un sondage sur les « plus grandes répliques de films » : () et (). En 2005, la bande originale de Franz Waxman parvient à la des musiques de films, toujours selon l’AFI.


title: Boulevard du crépuscule

text: Roger Ebert a fait l’éloge du jeu de Holden et von Stroheim, et a décrit celui de Swanson ainsi : . Selon lui, "Boulevard du crépuscule" . Pauline Kael, de son côté, estime que le film est , ajoutant qu’il est fréquent d’entendre . À la mort de Wilder, les nécrologies ont été nombreuses à évoquer en particulier "Boulevard du crépuscule", mentionnant le film comme l’un des plus importants de la carrière du cinéaste, avec "Assurance sur la mort" et "Certains l’aiment chaud".


title: Boulevard du crépuscule

text: À la fin des années 1990, la plupart des copies de "Boulevard du crépuscule" se trouvent en mauvais état. Le film ayant été l’un des derniers à avoir été tourné sur une pellicule de nitrocellulose, le négatif original est en grande partie détruit. La Paramount, estimant que le film mérite une restauration complète, lance un projet coûteux pour qu’il soit restauré selon les technologies numériques. La version restaurée est éditée en DVD en 2002. À cette occasion, en 2003, le site internet de la BBC le décrit comme « l’œuvre la plus réussie sur l’enfer narcissique que constitue Hollywood ».


title: Boulevard du crépuscule

text: Hollywood a produit nombre de films parlant de Hollywood depuis les années 1920, mais la plupart d’entre eux étaient des réalisations légères et drôles, comme "Les Travailleurs du chapeau" (1949). D’autres, comme "What Price Hollywood" (1932) ou "Une étoile est née" (1937), évoquent la face sombre de Hollywood sans la montrer explicitement. "Boulevard du crépuscule" est considéré comme le premier film à adopter un point de vue aussi cynique. Il est suivi des "Ensorcelés" (1952), de "Chantons sous la pluie" (1952) et du remake de "Une étoile est née" (1954). Si aucun de ces films ne va aussi loin dans l’autocritique, tous soulignent la facilité et la cruauté avec laquelle Hollywood peut se débarrasser d’une vedette une fois son heure passée.


title: Boulevard du crépuscule

text: "Boulevard du crépuscule" est aussi suivi d’autres films exploitant la figure de la vieille actrice s’accrochant désespérément à son passé glorieux, comme Bette Davis dans "La" (1952) et "Qu’est-il arrivé à ?", Joan Crawford dans "La Madone gitane" (1953), Geraldine Page dans "Doux oiseau de jeunesse" (1961), Susan Hayward dans "La Vallée des poupées" et Faye Dunaway dans "Maman très chère". Le lien entre une femme vieillissante et un gigolo est aussi exploité dans le cadre hollywoodien pour le synopsis de films comme "Le Visage du plaisir", avec Vivien Leigh et Warren Beatty. La descente de Katharine Hepburn dans les abîmes de la folie, dans "Soudain l’été dernier" (1959), a été comparée à la scène finale de Norma Desmond. "Le Jour du fléau" (1975) et "Le dernier nabab" (1976) montrent Hollywood avec une certaine amertume et, comme "Boulevard du crépuscule", font usage des véritables coulisses.


title: Boulevard du crépuscule

text: Parmi les films les plus récents à évoquer directement "Boulevard du crépuscule", ou à imiter certaines scènes ou certains dialogues du film, on peut citer "La télé lave plus propre" (1991), (1992), "Ni dieux ni démons" (1998) et (2005). La fin de (2000) est une parodie de la fameuse scène finale de "Boulevard du crépuscule". Plus récemment, un moyen métrage traite également de la déchéance d'une actrice vivant recluse dans son manoir, "Mrs Aylwood ne veut pas mourir" (2013) de Johann G. Louis, avec la comédienne de théâtre Geneviève Brunet, diffusé sur France 3.


title: Boulevard du crépuscule

text: David Lynch, pour qui "Sunset boulevard" est un film culte, s'en inspire dans "" (2001). Il donne le nom de Gordon Cole, l'assistant de Cecil B. De Mille, à un agent du FBI qu'il joue lui même dans sa série "Twin Peaks".


title: Boulevard du crépuscule

text: À la télévision, le film a inspiré un épisode de "La Quatrième Dimension" intitulé « Du succès au déclin », dans lequel une ancienne reine du cinéma revit ses succès passés en revoyant ses films, tout en s’isolant du monde réel.


title: Boulevard du crépuscule

text: Une adaptation en comédie musicale, également intitulée "", a été créée à Londres en 1993, avec une partition de Andrew Lloyd Webber et sur un livret de Don Black et Christopher Hampton. C’est Stephen Sondheim qui doit initialement adapter le film, mais abandonne après que Billy Wilder lui demande d’écrire un opéra plutôt qu’une comédie musicale. John Kander et Fred Ebb ont ensuite eux aussi jeté l’éponge, avant qu’Andrew Lloyd Webber ne compose finalement une comédie musicale.


title: Boulevard du crépuscule

text: L’œuvre suit fidèlement l’histoire du film, conserve l’essentiel des dialogues. La mise en scène essaye d’imiter au mieux les décors. Billy Wilder se montre enthousiaste : . Le spectacle a été monté à l’année suivante. Parmi les actrices à avoir joué le rôle de Norma Desmond figurent Patti Lupone, Elaine Paige, Betty Buckley et Petula Clark à Londres, ainsi que Glenn Close à Los Angeles et de nouveau Betty Buckley à New York.


title: Boulevard du crépuscule

text: En , le de Lloyd Webber a annoncé qu’une version cinématographique de la comédie musicale serait produite en association avec la Paramount et la Relevant Picture Company, avec Glenn Close dans le rôle de Norma Desmond et Ewan McGregor dans celui de Joe Gillis. La date de sortie était initialement prévue en 2006, mais le projet a été retardé plusieurs fois jusqu'en 2012.


title: Boulevard du crépuscule

text: Sans être un film policier, "Boulevard du crépuscule" est pourtant devenu l’un des films les plus représentatifs du film noir — courant en vogue dans les années 1940-1950 à Hollywood. Le film est d’ailleurs le troisième film noir de Billy Wilder, après "Assurance sur la mort" (1944) et "Le Poison" (1945), et peu avant "Le Gouffre aux chimères", dernière réalisation de Wilder qui répondra aux caractéristiques du style noir.


title: Boulevard du crépuscule

text: Car "Boulevard du crépuscule" ne montre ni enquête, ni détective, mais le sujet est bien le meurtre d’un homme. Et c’est le point de vue narratif adopté par Wilder qui fait de "Boulevard du crépuscule" un véritable film noir, ce que souligne Gilles Colpart dans son ouvrage sur le réalisateur :


title: Boulevard du crépuscule

text: Et c’est bien le thème de la fatalité qui caractérise avant tout le style noir, selon la définition adoptée par Patrick Brion dans son analyse de référence :


title: Boulevard du crépuscule

text: D’autres caractéristiques ancrent davantage cette appartenance au mouvement noir. Esthétiquement d’abord, la photographie de John F. Seitz, déjà présent sur "Assurance sur la mort". Mais aussi thématiquement. La figure dominante de la femme fatale, Norma Desmond. L’amour contrarié entre Joe Gillis et Betty Schaefer. Et le trio qui s’installe progressivement entre Norma, Joe et Betty, trio conflictuel dont la résolution contient la mort de Joe et la folie de Norma. Trio typique du film noir et déjà présent dans "Assurance sur la mort" (Fred MacMurray, Barbara Stanwyck et Edward G. Robinson).


title: Boulevard du crépuscule

text: Les coulisses de Hollywood sont également filmées selon le style noir : derrière les décors se cachent des destins sacrifiés, ceux des scénaristes anonymes mais aussi des plus grandes , les fantômes de Erich von Stroheim, de Buster Keaton. Plus largement, le milieu urbain sauvage et réaliste n’est pas oublié (Joe Gillis poursuivi par deux agents venus saisir son véhicule, ce qui l’amène chez Norma Desmond et déclenche l’engrenage du destin), même enrichi des éléments gothiques de la grande villa oubliée.


title: Boulevard du crépuscule

text: Enfin, l’ambiguïté morale des personnages (à commencer par celui de Joe Gillis), l’omniprésence du mensonge, des secrets (ceux de Norma, ceux de Gillis, ceux de Max), la perte des repères ressentie dès que Joe Gillis franchit le portail de Norma Desmond, et la folie finale finissent de faire de "Boulevard du crépuscule" l’un des plus grands chefs-d’œuvre du film noir.


title: La Voisin

text: Catherine Deshayes, dite la Voisin, née vers 1640 à Paris et morte sur le bûcher le à Paris, est une accoucheuse, avorteuse, considérée tueuse en série (empoisonneuse) française, prétendue sorcière, mêlée à l'affaire des poisons.


title: La Voisin

text: Née d'un milieu très modeste, La Voisin est mariée très jeune à un bijoutier de Paris, le sieur Antoine Montvoisin qui lui donna une fille Marie-Marguerite, et de qui elle devint vite veuve.


title: La Voisin

text: Entre-temps, elle amasse une fortune considérable avec ses activités de chiromancienne et de vente de poisons. Très connue par ses contemporains (principalement des femmes) pour pratiquer les avortements, on retrouvera des traces de son travail uniquement grâce au procès de l'"affaire des poisons", elle est aussi suspectée d'être à la tête d'un réseau d'environ 100 empoisonneurs qui sévirent pour le compte de la haute société à la fin du , ce qui la fit mêler à l'« affaire des poisons ».


title: La Voisin

text: La véracité historique des messes noires impliquant Mme de Montespan, décrites ci-dessous, est fortement sujette à caution, les documents issus des procès menés dans le cadre de l'affaire des poisons ayant été volontairement détruits par décision du roi [Voir article]


title: La Voisin

text: La Voisin se serait livrée à la pratique de messes noires. Selon elle, la célèbre de Montespan lui demanda d'en organiser une pour qu'elle puisse revenir dans les faveurs du roi en éliminant sa rivale, de Fontanges, La Voisin accepta et fit appel à l'abbé Étienne Guibourg pour l'aider.


title: La Voisin

text: La première fois, de Montespan les rejoignit à Villebouzin dans un châtelet isolé entre Paris et Orléans. Elle se dévêtit et se coucha sur les dalles froides et humides du château, les bras en croix, un cierge dans chaque main, et l’abbé déclama la messe sur son corps, un calice sur son ventre. Puis, Guibourg souleva un nourrisson, lui trancha la gorge et récolta son sang dans le calice. Guibourg et la Voisin récitèrent ces paroles :<br>« Astaroth, Asmodée, princes d'amour, je vous conjure d'accepter le sacrifice de cet enfant. En échange, je voudrais conserver l'affection du roi, la faveur des princes et des princesses de la cour et la satisfaction de tous mes désirs ».


title: La Voisin

text: Le deuxième office eut lieu de la même manière, mais dans les ruines d’une cabane retirée en pleine campagne.


title: La Voisin

text: Le troisième se déroula dans une maison chic de la rue Beauregard, à Paris, la demeure de la Voisin en personne. On a conservé le témoignage de la fille de la Voisin obtenu sous la torture, qui raconte comment elle aida sa mère à préparer la cérémonie. Elle étendit un matelas sur des sièges, un tabouret à chaque bout. La Voisin avait accroché des tentures sur les fenêtres, rendant la pièce sombre. Elle avait aussi disposé un ou deux chandeliers dans les coins. L’abbé Guibourg portait une chasuble blanche, brodée de pives noires. de Montespan était entrée nue et s’était allongée sur le matelas. On lui mit un napperon sur le ventre, un crucifix et un calice dessus. On raconte aussi que durant ce culte, le sang du nourrisson ne coulait pas car il était né prématurément, et Guibourg avait dû transpercer son cœur pour recueillir un peu de son sang. de Montespan en rapporta un petit peu pour en mettre dans la nourriture du roi.


title: La Voisin

text: Jugée avec 36 complices, La Voisin raconta lors des interrogatoires qu'elle avait « brûlé dans le four, ou enterré dans son jardin, les corps de plus de nés avant terme », fut condamnée à mort et brûlée vive en place de Grève le . Quant à de Montespan, elle ne fut pas inquiétée, par protection du roi, et continua à fréquenter la Cour.


title: Cinéma italien

text: Le cinéma italien, qui est le cinéma produit ou réalisé en Italie, est l'un des principaux cinémas nationaux de l'histoire du cinéma.


title: Cinéma italien

text: L’histoire du cinéma italien a commencé quelques mois après que les frères Lumière eurent présenté au public leur appareil original, le Cinématographe, le 28 décembre 1895 à Paris : ce sont eux qui l'introduisent en Italie au cours de l'année 1896. À la fin de l'après-guerre, le cinéma italien était l'un des cinémas nationaux les plus influents et reconnus au niveau mondial, avec des mouvements très forts comme celui du néoréalisme.


title: Cinéma italien

text: Le cinéma italien se déploie dans de nombreux sous-genres, dont le fameux western spaghetti ou le giallo. Souvent méprisé par la critique, le cinéma de genre italien a pourtant donné de véritables œuvres d'art et inspiré le reste du cinéma mondial.


title: Cinéma italien

text: D'un point de vue technique, le cinéma italien se caractérise par la généralisation dès l'après-guerre de la post-synchronisation, technique de doublage consistant à réenregistrer en studio "a posteriori" les dialogues d'un film. Ceci facilitera l'emploi de grandes vedettes étrangères dans les films italiens, en faisant substituer par des acteurs italiens la voix d'acteurs s'étant exprimés dans des langues différentes lors du tournage.


title: Cinéma italien

text: De très nombreuses coproductions franco-italiennes font que le cinéma italien croise souvent le chemin du cinéma français. Dans les années 2000 et 2010, c'est toujours un cinéma très actif et primé.


title: Cinéma italien

text: La technique de la projection de « vues photographiques animées » (c'est ainsi que Louis Lumière nomme ses bobineaux de pellicule impressionnés) est introduite en Italie par les Frères Lumière au cours de l'année 1896. En mars, leurs premières projections sont organisées à Rome et à Milan, en avril à Naples, en juin à Livourne, en août à Bergame, Ravenne et Bologne, en octobre à Ancône et Pérouse, en décembre à Turin, Pescara et Reggio de Calabre.


title: Cinéma italien

text: Les premiers films italiens sont documentaires et ne durent que quelques secondes. Ils immortalisent au moyen d'une caméra à manivelle des faits et personnages de leur temps : rois, empereurs et papes.


title: Cinéma italien

text: Parmi les premiers cinéastes, on peut citer Vittorio Calcina, Rodolfo Kanzler, Italo Pacchioni, Roberto Omegna, Giuseppe Filippi, Luigi Sciutto et Giovanni Vitrotti.


title: Cinéma italien

text: Les premiers films datent de 1896. Cette année, Vittorio Calcina réalise pour le compte des frères Lumière un film, aujourd'hui perdu, sur le roi Humbert et la reine Marguerite de Savoie se promenant dans le parc à Monza. Le premier film parvenu jusqu'à nous concerne le pape Léon XIII qui se recueille dans les jardins du Vatican et se retourne vers la caméra pour donner sa bénédiction ; il dure deux minutes et a été tourné en 1896 par Vittorio Calcina.


title: Cinéma italien

text: Le 28 janvier 1897, les princes Victor-Emmanuel et Hélène de Monténégro assistent à une projection organisée par Calcina, dans une salle du palais Pitti à Florence. Ceux-ci ont à leur tour été filmés pendant une cérémonie officielle par Alberini lors de la visite du baptistère de Saint-Jean à Florence. Ils ont aussi été filmés lors de leur mariage par le Français Charles Moisson pour le compte des frères Lumière, le 24 octobre 1896.


title: Cinéma italien

text: Jusqu'aux premières années du , le cinéma en Italie est considéré comme une curiosité présentée dans des spectacles ambulants. L’industrie du cinéma italien naît entre 1903 et 1909 avec la création de sociétés de production dans les villes importantes : l'Ambrosio Film, l'Aquila Film et l'Itala Film à Turin, la Cines à Rome, Milano Films à Milan, et Dora Film à Naples. En même temps apparaît un réseau de salles dans les centres urbains. La plus ancienne salle de cinéma ouvre à Pise en 1905, le « cinéma lumière », dans les locaux du Palazzo Agostini. Elle restera ouverte jusqu'au 13 février 2011.


title: Cinéma italien

text: Un sous-genre apprécié du public de l'époque est le film à sujet, historique ou non. Le premier sort en 1905 : "La Prise de Rome (20 septembre 1870)" ("La Presa di Roma"), réalisé Filoteo Alberini. Pendant une longue période du cinéma muet, ces films côtoient les documentaires, jusqu'à les remplacer presque complètement au début de la Première Guerre mondiale.


title: Cinéma italien

text: Une expérience de film parlant est conduite par avec une projection le 19 octobre 1906 au cinéma Lumière de Pise. Sa société, "Fabbrica Pisana di Pellicole Parlate", produit quelques courts métrages synchronisés de chansons et d'airs d'opéra, avant de fermer en 1919.


title: Cinéma italien

text: Entre 1910 et 1918, les premières compagnies atteignent une production de qualité et le cinéma italien commence à se vendre hors d’Italie.


title: Cinéma italien

text: Le genre du film à grand spectacle, qualifié de "kolossal", apparaît. Mario Caserini produit en 1913 un "Les Derniers Jours de Pompéi", qui est déjà un remake, de celui de Luigi Maggi et Arturo Ambrosio. La même année, Guazzoni réalise un "Marc-Antoine et Cléopâtre" très apprécié. Et l’année suivante, Giovanni Pastrone crée l’immense "Cabiria".


title: Cinéma italien

text: L'Italie est la première à porter un mouvement d'avant-garde, avec le futurisme. Le « Manifeste de la cinématographie futuriste », succédant à quelques expériences antérieures, est signé en 1916 entre autres par Filippo Marinetti, Arnaldo Ginna et Giacomo Balla. Le cinéma se prête à tous les « caprices merveilleux » des futuristes, en particulier grâce au montage et aux effets spéciaux. Plusieurs œuvres de ce mouvement ont été perdues. Une des plus significatives est "Thaïs" d'Anton Giulio Bragaglia en 1917.


title: Cinéma italien

text: C'est aussi l'époque du « film de diva », avec des actrices comme Francesca Bertini, Lyda Borelli, Leda Gys et Italia Almirante Manzini spécialisées dans les passions tragiques. Ce furent les premières « stars » de cinéma et aussi les premières actrices à être filmées partiellement nues.


title: Cinéma italien

text: D’autres genres abordaient des thèmes sociaux. En 1916, le film "Cenere" ("Braises") adapté du livre de Grazia Deledda était interprété par l’actrice de théâtre Eleonora Duse.


title: Cinéma italien

text: Enfin, à l'occasion de la Première Guerre mondiale, le film de propagande fait son apparition. Un héros, mythologique ou non, s'y immerge dans des aventures belliqueuses et s'y distingue par des actes courageux.


title: Cinéma italien

text: Après la fin de la Grande Guerre, le cinéma italien traverse une très forte période de crise, essentiellement due à la prolifération de petites maisons de production qui faisaient faillite après quelques films. Cela se manifeste par l'arrêt du développement de la technique, et la perte des marchés extérieurs. Artistiquement, le cinéma est encore dominé par la parole plutôt que par l'image.


title: Cinéma italien

text: Les drames passionnels résistent encore. Ils se limitent à reprendre des textes littéraires et des pièces de théâtre classiques. Ils sont dirigés par des spécialistes comme Roberto Roberti (le futur père de Sergio Leone). Giulio Antamoro continue à produire des "kolossal" à thème religieux. Un autre filon qui tient bon est celui du film napolitain, inspiré des représentations populaires ("sceneggiate"), des chansons, de romans sentimentaux, ou de faits tragiques survenus à Naples.


title: Cinéma italien

text: Les fascistes arrivent au pouvoir entre 1922 et 1925. Ils tentent de relancer une industrie cinématographique en déclin et fondent en 1924 l'Istituto Luce, un institut de diffusion de films à fins éducatives et surtout de propagande. En 1927, le ciné-journal doit obligatoirement être diffusé dans tous les cinémas d'Italie avant le film.


title: Cinéma italien

text: Il faut attendre la fin des années 1920 pour voir retrouver quelques films novateurs. Deux futurs représentants de l'ère des « téléphones blancs » font leurs débuts : Alessandro Blasetti, avec "Sole" (1928), et Mario Camerini, avec "Rails" ("Rotaie", 1929).


title: Cinéma italien

text: En 1930 sort le premier film parlant italien : "La canzone dell'amore" de Gennaro Righelli et interprété par Dria Paola, Elio Steiner et Isa Pola, qui deviennent par la même occasion les premières « divas » du cinéma parlant italien. Ce film obtient un grand succès et marque le début de la renaissance du cinéma italien.


title: Cinéma italien

text: Ainsi que cela s'est produit à Hollywood, avec le passage au parlant, la plus grande partie des acteurs et des actrices italiens ne trouve plus de rôles dans les nouveaux films. Certains d'entre eux, comme Emilio Ghione et Mario Bonnard, se recyclent comme réalisateurs ou producteurs. Ce mouvement laisse la place à de nombreux nouveaux interprètes.


title: Cinéma italien

text: À la même époque, le fascisme crée le Ministère de la Culture populaire. Après un incendie survenu en 1935 dans les studios de l'ancienne compagnie Cines, il suggère la création d'une structure importante pour relancer le cinéma.


title: Cinéma italien

text: Cette création est pleinement approuvée par Mussolini, qui avait affirmé dès sa prise de pouvoir en 1922 que « le cinéma est l'arme la plus forte ». Un emplacement est trouvé dans le sud-est de Rome et après deux ans de travaux, le 21 avril 1937, Cinecittà est inaugurée.


title: Cinéma italien

text: Cette « cité du cinéma » est conçue à la manière de Hollywood pour fournir tout ce qui pouvait être nécessaire au tournage d’un film : théâtres, services techniques et même une école de cinéma, le Centro sperimentale di cinematografia, une véritable pépinière pour les futurs acteurs, réalisateurs et scénaristes. De nos jours encore, de nombreux films sont tournés à Cinecittà.


title: Cinéma italien

text: En 1939, une loi interdisant en grande partie l'importation des films étrangers, et en particulier américains, entre en vigueur. Dans ce marché protégé, se développent les films tirés d'œuvres littéraires, les films historiques, les comédies des téléphones blancs et les films de propagande fasciste.


title: Cinéma italien

text: La période des téléphones blancs est relativement brève. Ce genre se caractérise invariablement (un véritable tic) par la présence de téléphones blancs dans les scènes représentées. Ils sont les signes d'une élite bien portante, au-dessus de la masse qui utilise alors majoritairement des téléphones noirs. La critique récente appelle aussi ce style "" (« comédie à la hongroise »), car l'action est souvent située en Hongrie pour contourner la censure et pouvoir parler de divorce et d'adultère, choses impensables en Italie à l'époque. Ces films contribuent à lancer certains d’acteurs qui deviendront célèbres plus tard, comme Vittorio De Sica ou Alida Valli.


title: Cinéma italien

text: Le calligraphisme est une tendance de certains films italiens des années 1940, caractérisés par la complexité expressive et les nombreuses références picturales, littéraires et cinématographiques. Ils n'ont aucune vocation réaliste ou sociale, seuls comptent le soin formel et la richesse des références. Le représentant le plus connu de cette tendance est Mario Soldati, dont les films mettent au centre de l'intrigue des personnages féminins dotés d'une force dramatique et psychologique étrangère au cinéma des téléphones blancs.


title: Cinéma italien

text: Dans les films de propagande fasciste, on exalte le régime fasciste, ses politiques, ses idéaux et ses valeurs. Les personnages de ces films proviennent quasiment toujours du peuple, se distinguent par des actes d'héroïsme, et sont unis par un sens aigu de l'honneur et de la patrie. Dans certains on exalte les actions de l'armée, dans d'autres on ridiculise les adversaires du régime. On exalte le triomphe de la Seconde guerre italo-éthiopienne, comme dans "Luciano Serra, pilote" ou "L'Apôtre du désert", parfois en mettant en scène des enfants ("Les Robinsons de la mer").


title: Cinéma italien

text: Dans les dernières années de la Seconde Guerre mondiale, l'Italie connaît les conflits sur son territoire et les destructions. C'est dans ce contexte que se développe le néoréalisme, un mouvement artistique et culturel qui touche toutes les formes d'art, et en particulier le cinéma.


title: Cinéma italien

text: Le cinéma néoréaliste représente la situation réelle du pays, la trame des films tournant souvent autour des vicissitudes des familles pauvres. Les acteurs sont fréquemment non professionnels, et connaissent donc ce quotidien qu'ils jouent. Une attention particulière est portée à la langue, avec un recours fréquent aux dialectes régionaux. Pour ce qui est de l'image, les réalisateurs se proposent de ne pas truquer la réalité : ils renoncent à l'illumination artificielle et aux prises de vue en studio. Comme Cinecittà était occupée par des réfugiés, les films furent souvent tournés à l’extérieur sur les routes dévastées du pays vaincu, ou à la maison de parents et d'amis.


title: Cinéma italien

text: "Quatre Pas dans les nuages" ("Quattro passi tra le nuvole") d'Alessandro Blasetti en 1942 est l’histoire d’un humble employé. Pour beaucoup, il est considéré comme le premier film néoréaliste.


title: Cinéma italien

text: La « trilogie de la guerre » de Roberto Rossellini ("Rome, ville ouverte", "Païsa" et "Allemagne année zéro"), entre 1945 et 1948, décrit la fin du fascisme et les gens dans la guerre.


title: Cinéma italien

text: La poésie et la cruauté de la vie sont harmonieusement combinées dans les films que Vittorio De Sica scénarise et réalise avec le scénariste Cesare Zavattini : parmi ceux-là, "Sciuscià" en 1946, "Ladri di Biciclette (Le Voleur de bicyclette)" en 1948, "Miracolo a Milano (Miracle à Milan)" en 1951 et "Umberto D." en 1952.


title: Cinéma italien

text: On peut aussi citer Luchino Visconti, Giuseppe De Santis et Pietro Germi. Federico Fellini se forme auprès de l'école néoréaliste mais en même temps est à la recherche d'une dimension esthétique qui lui permette de la dépasser. L'époque néoréaliste est aussi celle où l'on voit exploser des talents d'acteur comme celui d'Anna Magnani.


title: Cinéma italien

text: À partir du milieu des années 1950, le cinéma italien commence à s'émanciper du néoréalisme et affronte les thèmes de la vie d'un point de vue plus introspectif que descriptif. C'est un cinéma d'auteurs, marqué par le style personnel des réalisateurs.


title: Cinéma italien

text: Michelangelo Antonioni, avec des films comme "Femmes entre elles" ("Le amiche"), "Le Cri" ("Il grido") et la tétralogie "L'avventura", "La Nuit" ("La notte"), "L'Éclipse" ("L'eclisse") et "Le Désert rouge" ("Deserto rosso"), crée un cinéma existentiel, introspectif, et porte son attention à la psychologie des personnages plutôt qu'aux évènements. Sa célébrité et sa reconnaissance internationale seront consolidées par des œuvres comme "Blow-Up" et "".


title: Cinéma italien

text: Federico Fellini, avec des chefs-d'œuvre comme "Les Vitelloni", "La strada", "Les Nuits de Cabiria" et "La dolce vita", s'impose comme un des points de référence du cinéma italien. Son style inimitable est mis en valeur par le partenariat réussi avec le compositeur Nino Rota, dont les musiques entreront dans l'imaginaire collectif. Certaines scènes de ses films deviendront le symbole d'une époque entière, comme la fameuse scène où Anita Ekberg, dans "La dolce vita", se baigne dans la fontaine de Trevi. À partir des années 1960, il commence à expérimenter et à jouer avec l'onirisme, avec "Satyricon", "Amarcord", "Le Casanova de Fellini" et "La Cité des femmes".


title: Cinéma italien

text: Luchino Visconti, le grand esthète, continue à offrir au cinéma italien d'autres créations inoubliables et prestigieuses : "Senso", "Rocco et ses frères", "Le Guépard", "Les Damnés", "Mort à Venise" et "Ludwig ou le Crépuscule des dieux".


title: Cinéma italien

text: Franco Zeffirelli est un élève de Visconti. Parmi ses œuvres les plus remarquées, il y a les transpositions de William Shakespeare: "La Mégère apprivoisée" et "Roméo et Juliette".


title: Cinéma italien

text: Pier Paolo Pasolini est un autre grand nom du cinéma italien. Réalisateur, acteur, poète et écrivain, il s'oppose dans ses œuvres à la morale de l'époque. Personnage de rupture, jusqu'à son assassinat en 1975, il ne cesse de combattre sur tous les fronts (littéraire, cinématographique et politique) pour proposer ses propres valeurs contraires au conformisme et au consumérisme de la société italienne. Ses premiers films sont "Accattone" et "Mamma Roma", avec Anna Magnani dans le rôle d'une prostituée. Suivent "L'Évangile selon saint Matthieu", "Des oiseaux, petits et gros", "Œdipe roi", "Théorème", "Porcherie" et "Médée". La « trilogie de la vie ("Le Décaméron", "Les Contes de Canterbury" et "Les Mille et Une Nuits") aurait dû être suivie d'une « trilogie de la mort » commencée avec le dérangeant "Salò ou les 120 Journées de Sodome".


title: Cinéma italien

text: Le néoréalisme prend fin avec "Umberto D." de Vittorio de Sica. Le genre des films qui suivent, avec des atmosphères plus légères, peut-être plus cohérentes avec les conditions générales de vie plus satisfaisantes, a été appelé « néoréalisme rose ».


title: Cinéma italien

text: L'exemple le plus célèbre du néoréalisme rose est sans doute "Pain, Amour et Fantaisie" de Luigi Comencini.


title: Cinéma italien

text: Ce filon utilise des actrices aux formes épanouies, nommées "maggiorata", qui deviennent de vraies célébrités : Sophia Loren, Gina Lollobrigida, Silvana Pampanini, Lucia Bosé, Eleonora Rossi Drago, Silvana Mangano, Claudia Cardinale et Stefania Sandrelli peuplent l’imagination des Italiens juste avant le « boom des années 1960 ».


title: Cinéma italien

text: Bientôt, le néoréalisme rose est remplacé par la comédie à l'italienne ("commedia all'italiana"), un genre qui par le rire évoque de façon détournée, mais de manière profonde, les thèmes sociaux, politiques et culturels de l'Italie. Ce nom se réfère à un film de Pietro Germi, "Divorce à l'italienne", de 1961. Ces films décrivent les années de la reprise économique et enquêtent sur les coutumes des Italiens, une sorte de recherche auto-ethnologique.


title: Cinéma italien

text: L'humour n'a pas attendu cette période pour se manifester dans le cinéma italien. Totò, un acteur napolitain reconnu comme le plus grand comique italien, constitue un véritable phénomène qui a commencé dès 1937. Dans ses films, souvent avec Peppino De Filippo et presque toujours avec Mario Castellani, il s’exprime aussi bien avec ses manières de "guitto" (cabotin) que dans l’art du grand acteur dramatique qu’il est également. Son visage mobile unique, ses expressions et mimiques personnelles, et ses gestes créent un personnage inimitable. C’est une machine à films, avec presque cent titres, dans un répertoire fréquemment répétitif mais jamais ennuyeux.


title: Cinéma italien

text: On considère généralement que la « comédie à l’italienne » débute avec "Le Pigeon" ("I soliti ignoti") de Mario Monicelli en 1958. Il est suivi par Ettore Scola, Pietro Germi, Luigi Comencini et Dino Risi. Les acteurs Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Alberto Sordi, Claudia Cardinale, Monica Vitti et Nino Manfredi figurent parmi les stars des comédies à l'italienne.


title: Cinéma italien

text: Pietro Germi, dans "Divorce à l'italienne", expose la méthode pratique pour se séparer de sa femme qui consiste à la tuer en montant de toutes pièces un « crime d'honneur », faiblement puni. On peut aussi citer "Ces messieurs dames" de 1966, une autre comédie de mœurs acide.


title: Cinéma italien

text: En 1961, Dino Risi réalise "Le Fanfaron" ("Il sorpasso"), qui mélange le comique d'un personnage et le sérieux d'un sujet tragique. Il réalise également "Une vie difficile", "Les Monstres" et "Au nom du peuple italien".


title: Cinéma italien

text: Les films de Mario Monicelli comprennent "La Grande Guerre", "les Camarades", "L'Armée Brancaleone", "Nous voulons les colonels", "Romances et confidences" et "Mes chers amis".


title: Cinéma italien

text: On retrouve Luigi Comencini avec "Don Camillo en Russie" en 1965, "L'Argent de la vieille" ("Lo scopone scientifico") en 1971 ou "Le Grand Embouteillage" en 1978.


title: Cinéma italien

text: Ettore Scola filme la perte des illusions dans "Nous nous sommes tant aimés" en 1974 et le grotesque dans "Affreux, sales et méchants". Il participe avec Dino Risi et Mario Monicelli aux "Nouveaux Monstres". Son film "La Terrasse" de 1980 est considéré comme le dernier film du genre de la comédie à l'italienne.


title: Cinéma italien

text: L'humour ne s'éteindra pas dans le cinéma italien après cela. On peut citer par exemple les films de Roberto Benigni ou de Carlo Verdone, autour des années 1990.


title: Cinéma italien

text: Les mouvements sociaux de 1968 en Italie, impliquant des étudiants, des ouvriers et une partie de la société civile, et le militantisme de la décennie qui suit, influencent aussi le cinéma. À côté de la comédie, qui se permet souvent la satire sociale, se développe un genre impliqué socialement et politiquement de façon plus directe.


title: Cinéma italien

text: Dans ce contexte, de nouveaux réalisateurs continuent et amplifient l'œuvre commencée bien avant par Francesco Rosi, par exemple "Salvatore Giuliano" de 1961, qui raconte l'histoire du célèbre bandit sicilien, et "Main basse sur la ville" de 1963, qui dénonce la spéculation immobilière.


title: Cinéma italien

text: Parmi les films les plus importants de ce genre, figurent "Enquête sur un citoyen au-dessus de tout soupçon" (1970) et "La classe ouvrière va au paradis" (1971) d'Elio Petri, avec Gian Maria Volontè qui devient un symbole du cinéma engagé. Damiano Damiani transpose dans "La Mafia fait la loi" de 1967 avec Franco Nero et Claudia Cardinale le roman "Le Jour de la chouette" de Leonardo Sciascia.


title: Cinéma italien

text: Le sommet du film de dénonciation est sans doute "L'Affaire Mattei" de 1972, une enquête dans laquelle Francesco Rosi cherche à faire la lumière sur la mort mystérieuse de Enrico Mattei, député et patron du groupe pétrolier d'État, l'ENI, Palme d'or à Cannes.


title: Cinéma italien

text: Le film politique italien ne se limite pas à la réalité italienne. "La Bataille d'Alger" de Gillo Pontecorvo de 1966 est une reconstruction des évènements civils et militaires qui permettront à l'Algérie de s'affranchir du colonialisme français. Ce film, Lion d'or à Venise, est devenu avec le temps un des films italiens les plus connus au monde.


title: Cinéma italien

text: Le film politique fera son retour dans les années 2000 pour dénoncer l'Italie de Silvio Berlusconi avec "Viva Zapatero!" de Sabina Guzzanti, "Le Caïman" de Nanni Moretti ou "Videocracy - Basta apparire" d'.


title: Cinéma italien

text: Au cours des années 1980, le cinéma italien traverse une grave crise, qui touche aussi d'autres pays de tradition cinématographique comme le Japon ou la France. En sont victimes la comédie à l'italienne, les différents cinémas de genre et le cinéma d'auteur. Le niveau des films destinés à un public populaire baisse jusqu'à la série B. Les causes sont à chercher d'une part dans la diffusion de la télévision dans les foyers italiens, et son aspect de plus en plus commercial, et d'autre part dans l'invasion des films hollywoodiens au budget de plus en plus gros et qui monopolisent les salles italiennes et internationales.


title: Cinéma italien

text: On remarque cependant les derniers films de Federico Fellini : "Et vogue le navire...", "Ginger et Fred", "Intervista" et "La voce della luna". Ettore Scola réalise "La Nuit de Varennes", " Le Bal" et "La Famille". On n'oublie pas non plus les vastes fresques de Bernardo Bertolucci, "Le Dernier Empereur", ni de Sergio Leone, "Il était une fois en Amérique", qui sont des grandes coproductions internationales.


title: Cinéma italien

text: Nanni Moretti se fait remarquer en 1978 avec "Ecce Bombo", et réalise ensuite "Bianca" et "La messe est finie". Ermanno Olmi obtient en 1978 la Palme d'or à Cannes avec "L'Arbre aux sabots". Giuseppe Tornatore est une des autres révélations de la décennie, avec "Le Maître de la camorra" de 1986.


title: Cinéma italien

text: Sur le front de la comédie, on peut citer "Non ci resta che piangere" de Massimo Troisi et Roberto Benigni, un grand succès au box office, ou "Le Petit Diable" de Roberto Benigni, ainsi que les celles de Carlo Verdone comme "Un sacco bello".


title: Cinéma italien

text: La crise économique et créative des années 1980 s'atténue dans la décennie suivante, même si les différents films de genre, désormais sans public et incapables de lutter avec le cinéma américain, ont dans l'ensemble disparu.


title: Cinéma italien

text: Un certain nombre de réalisateurs contribuent à ramener le cinéma italien à un niveau élevé. Cette renaissance est symbolisée par "Cinema Paradiso" ("Nuovo cinema Paradiso"), le film avec lequel Giuseppe Tornatore remporte l'Oscar du meilleur film étranger en 1990. Cette récompense est décernée, deux ans plus tard, à un autre film italien, "Mediterraneo" de Gabriele Salvatores, une histoire ironique et amère sur un groupe de soldats italiens perdus sur une île grecque durant la Seconde Guerre mondiale.


title: Cinéma italien

text: Le cinéma d'auteur des années 1990 est surtout lié à Nanni Moretti, qui obtient le prix de la mise en scène à Cannes en 1994 avec "Journal intime".


title: Cinéma italien

text: Un autre réalisateur représentatif de ce nouveau cinéma d'auteur est Gianni Amelio qui cherche à prolonger le néoréalisme en le renouvelant avec des histoires contemporaines liées aux changements de la société italienne : "Les Enfants volés" ou "Lamerica".


title: Cinéma italien

text: La comédie réussit aussi à retrouver tout son éclat. Massimo Troisi et Roberto Benigni sont deux acteurs de leurs propres films. Benigni, après "Johnny Stecchino" et "Le Monstre", fait un triomphe international avec "La vie est belle", comédie aigre-douce sur les camps de concentration nazis. On remarque Leonardo Pieraccioni, qui se réclame ouvertement de Mario Monicelli, et Paolo Virzì, auteur des très appréciés "Ferie d'agosto" et "Ovosodo".


title: Cinéma italien

text: On peut aussi citer Mario Martone, Francesca Archibugi, le fils de Dino Risi, Marco, le fils de Ugo Tognazzi, Ricky, Michele Placido, Mimmo Calopresti, les deux filles de Luigi Comencini, Francesca et Cristina, Claudio Fragasso et Roberto Faenza.


title: Cinéma italien

text: Dans les années 2000, le cinéma italien se penche sur la période des Années de plomb, marquée par le terrorisme rouge et noir, et l'explore d'une manière aussi originale qu'émouvante dans des films comme "Buongiorno, notte" de Marco Bellocchio, "Nos meilleures années" de Marco Tullio Giordana ou encore "La prima linea" de Renato De Maria. Les Années de plomb servent également de toile de fond au film de Michele Placido "Romanzo criminale", qui deviendra par la suite une série pour la télévision italienne.


title: Cinéma italien

text: Aujourd'hui, les principaux réalisateurs italiens sont Marco Bellocchio ("Vincere"), Nanni Moretti ("La Chambre du fils"), Matteo Garrone ("Gomorra"), Paolo Sorrentino ("La grande bellezza") et Luca Guadagnino ("Call Me by Your Name").


title: Cinéma italien

text: En Italie a toujours existé un cinéma populaire qui s'est exprimé dans des genres très divers : film policier, western, film d'horreur… Il a été particulièrement présent de la fin de la Seconde Guerre mondiale aux années 1980, avec un pic dans les années 1960 et 1970.


title: Cinéma italien

text: Boudé par la critique qui l'évacue comme un cinéma de série B, il est pourtant très original par rapport à ses équivalents hors d'Italie : à chaque fois que le cinéma italien explore un genre, il prend une coloration particulière, se différenciant des équivalents français, américains ou d'autres pays. Très apprécié du public, en Italie comme ailleurs, il a toute sa place dans l'histoire du cinéma italien.


title: Cinéma italien

text: La critique a opposé cinéma de genre et cinéma d'auteur. Pourtant, certaines réalisations de Sergio Leone, pour prendre un exemple, sont des monuments reconnus du septième art. D'autres réalisations lui donnent raison et tombent dans le cinéma d'exploitation.


title: Cinéma italien

text: Dans la seconde moitié des années 1940 et le début des années cinquante, à côté du néorealisme, on produit de nombreux mélodrames à grand succès populaire, appelés "strappalacrime" (« arrache-larmes »), qui constitue un « néoréalisme de roman-photo ». Des couples séparés par les différences sociales ou d'autres obstacles finissent par réussir à s'unir. Le maître du genre est Raffaello Matarazzo. Ses films, grands succès commerciaux, sont interprétés par Amedeo Nazzari et Yvonne Sanson, le couple emblématique du genre. On peut aussi citer Guido Brignone, Mario Bonnard, Carmine Gallone, et bien d'autres.


title: Cinéma italien

text: À la fin des années 1960, on appelle plutôt les mélodrames des "lacrima-movie". Cette fois, le "happy end" est remplacé par une fin tragique. Des enfants victimes de parents indifférents ou en train de se séparer meurent, victimes d'un accident ou d'une longue maladie. Le chef-d'œuvre du genre est sans doute "L'Incompris" de Luigi Comencini. On peut aussi citer par exemple Ruggero Deodato ou Raimondo Del Balzo.


title: Cinéma italien

text: Ce tour d'horizon du mélodrame italien ne serait pas complet sans parler de la transposition au cinéma des "sceneggiate" napolitaines, comme ' de Ciro Ippolito (1981) ou ' de Alfonso Brescia (1982).


title: Cinéma italien

text: Le genre du péplum tire son nom de la tunique féminine de l'antiquité grecque. Les premiers péplums remontent aux films historiques des débuts du cinéma italien : "Quo vadis ?" en 1912, "Les Derniers Jours de Pompéi" en 1913.


title: Cinéma italien

text: "Quo vadis ?" inaugure les "kolossal", des films au budget imposant, aux nombreux acteurs et qui sont lancés commercialement. Il est suivi par le monumental "Cabiria" en 1914.


title: Cinéma italien

text: Dans les années 1950 et 1960, le genre revient, au travers de personnages mythologiques comme Hercule et ses travaux, Ulysse, Jason et les argonautes, Samson et Goliath ou Maciste. Ce dernier, modèle de l'homme fort, est déjà présent dans "Cabiria" et sera au centre de nombreux films sans rapport les uns avec les autres, au point qu'on a même osé un "Maciste contre Zorro" !


title: Cinéma italien

text: Quand il commence, au début des années 1960, le western, genre d'origine américaine, est déjà sur son déclin. Ce sont les Italiens qui vont lui donner une seconde jeunesse, en faisant évoluer radicalement ses codes. Le gentil héros, bien peigné après une journée à cheval, qui lutte contre les méchants Indiens ou des bandits mexicains, est remplacé par des anti-héros hirsutes, sales, violents et amoraux. L'esthétique prend une grande place, avec en particulier des angles de caméra très ouverts et des cadrages originaux. Le western spaghetti a aussi fourni quelques-unes des plus belles bandes originales du septième art composées par Ennio Morricone.


title: Cinéma italien

text: Sergio Leone a défini le genre. Parmi ses films les plus célèbres, il y a "Pour une poignée de dollars" en 1964, "Et pour quelques dollars de plus" en 1965, "Le Bon, la Brute et le Truand" en 1966, "Il était une fois dans l'Ouest" en 1968, "Il était une fois la révolution" en 1971.


title: Cinéma italien

text: Parmi les autres réalisateurs, il y a Duccio Tessari qui réalise "Un pistolet pour Ringo" en 1964, Sergio Corbucci avec "Django" en 1966, Sergio Sollima avec "Le Dernier Face à face" en 1967, Damiano Damiani avec "El Chuncho" en 1966 et Lucio Fulci avec "Le Temps du massacre" en 1966.


title: Cinéma italien

text: C'est dans des westerns mâtinés de comique que débute le duo Terence Hill et Bud Spencer, autres noms des Italiens Carlo Pedersoli et Mario Girotti. On retiendra par exemple "On l'appelle Trinita" de 1972 et "Mon nom est Personne" de 1973. Ils tourneront ensemble 18 films qui ne se cantonnent pas au domaine du western.


title: Cinéma italien

text: Enzo G. Castellari réalise le dernier grand western spaghetti, "Keoma", en 1976. Les productions ultérieures, à faible budget, ne renoueront plus avec le succès.


title: Cinéma italien

text: Le film policier remonte aux origines du cinéma italien, puisque "Corte d'Assise" (cours d'assise) de Guido Brignone a été le second film sonore italien distribué dans les salles de cinéma.


title: Cinéma italien

text: Le terme "giallo" (« jaune ») est le nom utilisé en Italie pour désigner le roman policier. Il tire son origine d'une collection de romans policiers publiés par les éditions Mondadori de 1929 jusqu'aux années 1960, à la couverture jaune. Les films qui émergent de ces livres dans les années 1960 adaptent à l'origine ces romans policiers à l'écran avant de former, grâce aux techniques cinématographiques modernes, un genre cinématographie à part entière, à la frontière entre le policier, l'horreur et le fantastique.


title: Cinéma italien

text: En 1963, Mario Bava offre "La Fille qui en savait trop". L'histoire, macabre et légèrement ironique, présente un personnage tordu et effrayant qui sème l'horreur et la mort dans les rues de Rome. Le film est considéré comme le premier du genre "giallo", ouvrant la voie à d'autres films semblables d'autres réalisateurs, avec les caractéristiques suivantes : l'invraisemblance de la situation de départ, l'importance de la mise en scène, l'atmosphère menaçante, l'accent sur les rumeurs, le fantastique, l'utilisation des lumières, et le dernier ou l'avant-dernier mort que l'on croyait être l'assassin. En 1964, Mario Bava récidive avec "Six Femmes pour l'assassin", modèle du genre, avec des éléments comme l'assassin en imperméable noir, gants et chapeau, les scènes de crime variées, élaborées et cruelles, les musiques entêtantes, et également un peu de nudité. Le genre évoluera ensuite vers le "giallo" érotique d'une part, et vers des crimes de plus en plus chorégraphiques et l'incursion dans la psyché de l'assassin d'autre part, dans un genre bientôt nommé "thrilling". Le "giallo" décline finalement dans les années 1980.


title: Cinéma italien

text: Autre axe de développement du film policier en Italie, le "poliziottesco" ou "poliziesco all'italiana" est en vogue entre les années 1970 et le début des années 1980. Ce néo-polar italien présente des enquêtes policières qui prennent souvent comme point de départ des faits divers de l'époque, en les développant avec emphase, en ajoutant souvent une critique sociale, parfois démagogique, ou dans d'autres cas avec humour. L’action et de la violence sont exacerbées et explicites, le policier est souvent un anti-héros, avec un goût pour la violence plutôt que l'intention de faire respecter la loi.


title: Cinéma italien

text: Le genre commence probablement par un petit film de Carlo Lizzani en 1968, "Bandits à Milan", avec Tomás Milián dans le rôle d’un commissaire violent et intransigeant. Il perce vraiment avec "Société anonyme anti-crime" de Steno et est codifié définitivement avec "Le Témoin à abattre", de Enzo G. Castellari. Le genre atteint sa plénitude avec le personnage du commissaire Betti, interprété par Maurizio Merli.