title: Edward Elgar

text: Durant les années 1890, la réputation d'Elgar comme compositeur augmente progressivement, principalement pour des œuvres pour le grand festival choral des Midlands. "The Black Knight" (1892) et "King Olaf" (1896), tous deux inspirés par des poèmes de Longfellow, ainsi que la "Lumière de la Vie" (1896) et "Caractacus" (1898) remportent un succès modéré, et Elgar est publié par Novello and Co. Il compose d'autres œuvres durant cette décennie comme la "Sérénade pour cordes" (1892) et les "Trois danses bavaroises" (1897). Elgar est suffisamment réputé localement pour qu'il recommande le jeune compositeur Samuel Coleridge-Taylor au "Three Choirs Festival" ce qui lance la carrière du jeune homme. Elgar attire l’attention de critiques éminents, mais leurs commentaires sont plus polis qu'enthousiastes. Bien que les festivals le demandent comme compositeur, il accepte ces demandes uniquement dans un but financier et il se sent peu apprécié. En 1898 il dit qu'il « se sent écœuré de la musique » et espère obtenir le succès avec une œuvre plus importante. Son ami August Jaeger essaye de lui remonter le moral : « une journée de déprime… n’enlèvera pas ton désir, ton besoin, qui est d'exercer ces facultés créatrices que la providence t'a données. »


title: Edward Elgar

text: En 1899 cette prédiction se réalise. À l'âge de 42 ans Elgar compose les "Variations Enigma" dont la première a lieu à Londres sous la direction du chef d'orchestre allemand Hans Richter. Elgar dit lui-même « J'ai esquissé quelques variations à partir d'un thème. Les variations m'ont amusé car je les ai nommées avec les surnoms de certains mes amis… c'est-à-dire que j'ai écrit les variations pour que chacune d'entre elles corresponde à l'humeur d'une personne… et j’ai écrit ce que je pense qu'ils auraient écrit — s'ils étaient assez bêtes pour composer ». Il dédie l’œuvre « à mes amis dépeints à l’intérieur ». La variation la plus connue est probablement "Nimrod", qui représente Jaeger. Des considérations purement musicales poussent Elgar à abandonner les variations représentant Arthur Sullivan et Hubert Parry n'ayant pas pu, malgré ses essais, incorporer les styles dans les variations. Cette œuvre est acclamée pour son originalité, son charme et son professionnalisme, et établit Elgar comme compositeur britannique prééminent de sa génération.


title: Edward Elgar

text: Les variations sont initialement intitulées "Variations sur un thème original", le mot "Enigma" n'apparait qu'après six mesures. L'énigme est que, bien qu'il y ait quatorze variations sur le "thème original", il y a un autre thème global, jamais désigné par Elgar, qui selon le compositeur « parcourt l’œuvre entière » mais n'est jamais entendu. Des commentateurs ont observé que bien qu'Elgar soit de nos jours vu comme un compositeur anglais caractéristique, sa musique orchestrale et les "variations Enigma" en particulier ont plus de points communs avec la musique de l'Europe centrale de l'époque personnifiée par exemple par la musique de Richard Strauss. Les "variations Enigma" sont bien accueillies en Allemagne et en Italie et font toujours de nos jours partie du répertoire international.


title: Edward Elgar

text: Le biographe d'Elgar, Basil Maine, commente « quand Sir Arthur Sullivan meurt en 1900, il devient évident pour beaucoup qu'Elgar, bien que compositeur d'une autre trempe, est son successeur en tant que premier musicien du pays. » L’œuvre suivante d'Elgar est attendue avec impatience. Pour le Festival triennal de musique de Birmingham de 1900, il met en musique le poème du Cardinal John Henry Newman "The Dream of Gerontius" pour solistes, chœurs et orchestre. Richter dirige la première qui est interprétée par un chœur mal préparé chantant mal. Elgar est très déçu, mais les critiques reconnaissent la grandeur de la pièce malgré les défauts de l'interprétation. "The Dream of Gerontius" est joué à Düsseldorf, en Allemagne, en 1901 et en 1902, dirigé par Julius Buths, qui a aussi dirigé la première européenne des "Variations Enigma" en 1901. La presse allemande est enthousiaste. La "Gazette de Cologne" écrit « Dans les deux parties nous rencontrons des beautés impérissables… Elgar est sur les épaules de Berlioz, Wagner et Liszt dont il s'est libéré des influences. Il est l'un des meneurs de l’art musical des temps modernes. » "The Düsseldorfer Volksblatt" écrit « Une représentation mémorable! Depuis l'époque de Liszt, aucun oratorio n'a été composé… qui atteint la grandeur et l’importance de cette cantate sacrée. » Richard Strauss, alors généralement considéré comme le premier compositeur de cette époque, est si impressionné par la présence d'Elgar qu'il propose un toast au succès « du premier musicien progressiste anglais, Meister Elgar. » Des représentations à Vienne, Paris et New York suivent et "The Dream of Gerontius" devient rapidement autant apprécié au Royaume-Uni. Selon Kennedy « c'est sans aucun doute le plus grand oratorio britannique… [cela] ouvre un nouveau chapitre dans la tradition chorale anglaise et la libère de sa préoccupation Haendélienne. » Elgar, en tant que catholique, est très ému par le poème de Newman sur la mort et la rédemption du pécheur, mais quelques membres influents de l'Église anglicane ne sont pas d'accord. Son collègue, Charles Villiers Stanford se plaint que cette œuvre « pue l'encens ». Le Dean de Gloucester bannit "Géronte" de sa cathédrale en 1901, et comme Worcester fait de même l'année suivante, le doyen demande des expurgations avant d'autoriser la représentation.


title: Edward Elgar

text: Elgar est probablement connu principalement pour la première des cinq marches "Pomp and Circumstance" qui sont composées entre 1901 et 1930. Cette marche est jouée chaque année lors de la diffusion devant des milliers de spectateurs de la dernière nuit de The Proms. Lorsque le thème de la section lente du milieu de la première marche (appelée techniquement "trio") est imaginé par Elgar, il dit à son amie Dora Penny, « j'ai une mélodie qui va frapper les esprits. » Lorsque la marche est jouée pour la première fois en 1901 au "London Promenade Concert", elle est dirigée par Henry Wood qui décrit plus tard le public comme « criant… la première et unique fois dans l'histoire des "Promenade Concerts" qu'une œuvre orchestrale reçoit deux "rappels". » Pour célébrer le couronnement d'Édouard VII, une commande est faite à Elgar pour mettre en musique la "Coronation Ode" de A. C. Benson pour un concert de gala au Royal Opera House en . Le roi approuve cette commande et Elgar se met au travail. La contralto Clara Butt le persuade que le trio de la première marche "Pomp and Circumstance" pourrait avoir des paroles correspondant à la musique et Elgar propose à Benson de les écrire. Elgar incorpore la nouvelle version vocale dans l’Ode. Les éditeurs de la partition reconnaissent le potentiel de l’œuvre vocale "Land of Hope and Glory" et demandent à Benson et Elgar de travailler sur une future version pour publier ce morceau séparément. Ce morceau est très populaire et est maintenant considéré comme l'hymne britannique non officiel. Aux États-Unis, le trio, connu simplement sous le titre "Pomp and Circumstance" ou "The Graduation March" a été adopté dès 1905 pour la remise de diplômes de presque tous les lycées et universités.


title: Edward Elgar

text: En , un festival de trois jours a lieu à Convent Garden sur les œuvres d'Elgar, un honneur jamais donné à aucun compositeur britannique. "The Times" commente « il y a quatre ou cinq années si quelqu'un avait dit que l’opéra serait plein du sol au plafond pour écouter l'oratorio d'un compositeur anglais, il aurait été considéré comme fou. » Le roi Édouard et la reine Alexandra assistent au premier concert où Richter dirige "The Dream of Gerontius", et reviennent le lendemain pour le second concert, la première londonienne de "The Apostles" (la création avait eu lieu l’année précédente au "Birmingham Festival"). Le concert final, dirigé par Elgar, est orchestral dans sa première partie, à part un extrait de "Caractacus" et "Sea Pictures" dans son intégralité (chanté par by Clara Butt). Les œuvres orchestrales jouées sont "Ouverture Froissart", les "Variations Enigma", l’"Ouverture Cockaigne", les deux premières (et lors du concert les deux seules composées) marches "Pomp and Circumstance" et la première de "In the South (Alassio)" inspirée par un voyage en Italie.


title: Edward Elgar

text: Elgar est anobli au palais de Buckingham le . Le mois suivant, Elgar et sa famille déménagent à Plas Gwyn, dans une grande maison surplombant la rivière Wye aux alentours de Hereford, où ils vivent jusqu'en 1911. Entre 1902 et 1914, Elgar est, selon Kennedy, au zénith de sa popularité. Il fait quatre voyages aux États-Unis, dont une tournée comme chef d'orchestre, et gagne d'importants honoraires de l’exécution de sa musique. Entre 1905 et 1908, il occupe la chaire de professeur de musique à l’Université de Birmingham. Il accepte le poste à contrecœur, pensant qu'un compositeur ne doit pas diriger une école de musique, ce qui le met mal à l'aise dans ce rôle ; ses cours créent des controverses avec ses attaques contre les critiques et contre la musique anglaise en général : « La vulgarité va souvent de pair avec le manque de créativité… mais l'esprit banal ne pourra jamais être que banal. Un Anglais vous emmènera dans une grande pièce, magnifiquement proportionnée, et vous fera remarquer que la pièce est blanche — toute blanche — et quelqu'un dira "quel goût exquis". Vous savez dans votre propre esprit, dans votre propre âme que ce n’est pas du tout du goût, que c'est le désir de goût. La musique anglaise est blanche. » Il regrette la controverse et se réjouit lorsque le poste est repris par son ami Granville Bantock en 1908. Sa nouvelle vie de célébrité est une bénédiction mitigée pour le très nerveux Elgar car la célébrité dérange son intimité ; de plus, il est souvent malade. Il se plaint à Jaeger en 1903 « ma vie est une perte constante de petites choses que j'aime. » W. S. Gilbert et Thomas Hardy souhaitent travailler avec Elgar durant cette décennie, ce qu'il refuse. Lui aurait souhaité collaborer avec George Bernard Shaw si ce dernier l’avait désiré.


title: Edward Elgar

text: La composition principale d'Elgar en 1905 est l’"Introduction et Allegro pour cordes" dédiée à Samuel Sanford, professeur à l'Université Yale. Elgar voyage aux États-Unis en 1905 pour diriger sa musique et accepte un doctorat de Yale. Sa grande œuvre suivante est la suite de "The Apostles" – l'oratorio "The Kingdom" (1906). Cet oratorio est bien reçu mais ne touche pas l'imagination du public comme "The Dream of Gerontius" l'avait fait et continue de le faire. Cependant, selon les amateurs d'Elgar, "The Kingdom" est parfois préférée aux œuvres précédentes : l'ami d'Elgar Frank Schuster dit au jeune Adrian Boult : « comparé à "The Kingdom", "Gerontius" est le travail d'un amateur. » Alors qu'Elgar approche de la cinquantaine, il commence à travailler sur une symphonie, un projet qu'il avait en tête sous diverses formes depuis presque dix ans. Sa première symphonie (1908) est un triomphe national et international. Quelques semaines après la première, la symphonie est déjà jouée à New York sous la direction de Walter Damrosch, à Vienne sous la direction de Ferdinand Löwe, à Saint-Pétersbourg sous la direction d'Alexander Siloti et à Leipzig sous la direction d'Arthur Nikisch. Des représentations ont lieu à Rome, Chicago, Boston, Toronto et dans quinze villes britanniques. En une année, la symphonie a été jouée des centaines de fois au Royaume-Uni, en Amériques et en Europe continentale.


title: Edward Elgar

text: Son concerto pour violon (1910) est commandé par Fritz Kreisler, un des meilleurs violonistes internationaux de l’époque. Elgar l'écrit durant dans l’été 1910, avec l'aide de W. H. Reed, le leader de l'Orchestre symphonique de Londres, pour des points techniques. Elgar et Reed démarrent une amitié qui durera jusqu'à la mort d'Elgar. La biographie de Reed, "Elgar As I Knew Him" (1936), révèle de nombreux détails sur les méthodes de composition d'Elgar. L’œuvre est créée par le Royal Philharmonic Society avec Kreisler et l'Orchestre symphonique de Londres (LSO), dirigés par le compositeur. Reed se rappelle « le Concerto est un triomphe complet, le concert est brillant et inoubliable. » L'impact du concerto est si grand que le rival de Kreisler, Eugène Ysaÿe, passe beaucoup de temps avec Elgar à étudier l’œuvre. La déception est grande quand des difficultés contractuelles empêchent Ysaÿe de le jouer à Londres.


title: Edward Elgar

text: Le concerto pour violon est le dernier triomphe populaire d'Elgar. L'année suivante, il présente sa Seconde Symphonie, mais il est déçu par la réception du public. Reed, qui joue lors de la première, écrit qu'Elgar est rappelé plusieurs fois sur scène pour recevoir les applaudissements, « mais n'a pas ce sentiment immanquable perçu lorsqu'un public, même anglais, est complètement touché, comme lors de la représentation du concerto pour violon ou de la première symphonie. » Elgar demande à Reed « Qu'est ce qui se passe avec eux Billy ? Ils sont assis comme un ramassis de cochons farcis. » L’œuvre est, selon les critères standards, un succès avec vingt-sept représentations les trois premières années mais n'atteint pas la "fureur" internationale de la première symphonie.


title: Edward Elgar

text: En , lors de célébrations entourant le couronnement du roi George V, Elgar reçoit l'ordre du Mérite, un ordre exclusif qui ne comprend que vingt-quatre titulaires. L'année suivante les Elgar déménagent à Londres dans une grande maison à Netherhall Gardens, à Hampstead, conçue par Norman Shaw. Elgar y compose ces deux dernières grandes œuvres d'avant-guerre, le choral "The Music Makers" (pour le "Birmingham Festival", 1912) et l'étude symphonique "Falstaff" (pour le "Leeds Festival", 1913). Ces deux œuvres sont reçues poliment, mais sans enthousiaste. Même le chef d'orchestre Landon Ronald, à qui est dédié "Falstaff", confesse en privé qu'il « trouve cette pièce sans queue ni tête » tandis que le spécialiste de la musique Percy Scholes écrit de "Falstaff" que « c'est une grande œuvre », mais « un échec en comparaison de l’appréciation du public. » À partir de 1911, il devient chef principal de l"'Orchestre symphonique de Londres" avec lequel il crée nombre de ses propres œuvres.


title: Edward Elgar

text: Lorsque la Première Guerre mondiale éclate, Elgar est horrifié par la perspective du carnage, mais ses sentiments patriotiques néanmoins se réveillent. Il compose "A Song for Soldiers" qu'il retire plus tard. Il s'engage en tant que "special constable" dans la police locale et rejoint plus tard le "Hampstead Volunteer Reserve of the army". Il compose des œuvres patriotiques, "Carillon", un récit pour orateur et orchestre en l’honneur de la Belgique, et "", une pièce orchestrale en l'honneur de la Pologne. "Land of Hope and Glory", déjà populaire, le devient encore plus et Elgar souhaite en vain que la chanson ait de nouvelles paroles moins nationalistes.


title: Edward Elgar

text: Les autres compositions d'Elgar durant la guerre incluent une musique de scène pour une pièce de théâtre pour enfant, "The Starlight Express" (1915) ; un ballet, "The Sanguine Fan" (1917) ; et "The Spirit of England" (1915–17, poèmes de Laurence Binyon), trois pièces chorales de caractères très différents tirées du patriotisme romantique de sa jeunesse. Sa grande composition pendant la guerre est "The Fringes of the Fleet", sur des vers de Rudyard Kipling, jouée avec un grand succès populaire à travers le pays, jusqu'à ce que Kipling pour des raisons inexpliquées interdise l'exécution de cette œuvre dans les salles. Elgar dirige un enregistrement de "The Fringes of the Fleet" pour la Gramophone Company.


title: Edward Elgar

text: Elgar est en mauvaise santé vers la fin de la guerre. Sa femme pense qu'il est préférable pour lui d'aller à la campagne et elle loue Brinkwells, une maison près de dans le Sussex, au peintre Rex Vicat Cole. Elgar y retrouve ses forces et en 1918 et 1919 il compose quatre pièces importantes. Les trois premières sont de la musique de chambre : la Sonate pour violon en mi mineur, le Quintette pour piano en La mineur et le Quatuor à codes en mi mineur. En écoutant ces œuvres en composition, Alice Elgar écrit dans son journal « E. écrit de la nouvelle musique merveilleuse. » Les trois pièces sont bien reçues. "The Times" écrit « la sonate d'Elgar contient plus que ce que nous avons écouté précédemment sous d'autres formes, mais comme nous ne voulons pas du tout qu’il change et devienne quelqu'un d'autre, c'est ce qui devrait être. » Le quatuor et le quintette sont créés au Wigmore Hall le . "The Manchester Guardian" écrit « ce quatuor, avec ses apogées énormes, ces curieux raffinements de rythmes dansants, sa parfait symétrie, et le quintette, plus lyrique et passionné, sont des exemples parfaits de musique de chambre de même que les grands oratorios le sont de leur forme musicale. »


title: Edward Elgar

text: Par contraste, la quatrième pièce, le Concerto pour violoncelle en mi mineur d'Elgar, a une première désastreuse lors du concert d'ouverture de la saison 1919-1920 de l'Orchestre symphonique de Londres en . Excepté le concerto d'Elgar, dirigé par le compositeur, le reste du concert est dirigé par Albert Coates, qui augmente son temps de répétition au détriment de celui d'Elgar. Lady Elgar écrit « ce goujat malappris, égoïste et brutal… a poursuivi sa répétition. » Le critique de "The Observer", Ernest Newman, écrit « Il y a eu des rumeurs durant la semaine de répétitions inadéquates. Quelle que soit l'explication, la triste réalité est que jamais, selon toute probabilité, un si grand orchestre n'a jamais fait une aussi lamentable exposition de lui-même… l’œuvre elle-même est une belle chose, très simple — cette riche simplicité qui est arrivée sur le travail d'Elgar ces deux dernières années — mais avec une profonde sagesse et beauté sous-jacente à cette simplicité. » Elgar ne blâme pas son soliste, Felix Salmond qui jouera encore pour lui plus tard. En comparaison des centaines de représentations de la première symphonie la première année, le concerto pour violoncelle n'a été joué qu'une seconde fois à Londres l'année suivant sa création.


title: Edward Elgar

text: Bien que la musique d'Elgar ne soit plus à la mode dans les années 1920, ses admirateurs continuent à présenter ses œuvres lorsque c'est possible. Reed mentionne une représentation de la seconde symphonie en dirigée par « un jeune presque inconnu du public », Adrian Boult, pour avoir « apporté la grandeur et la noblesse à cette œuvre » à un public plus grand. Également en 1920, Landon Ronald présente un concert de musique d'Elgar au Queen's Hall. Alice Elgar écrit avec enthousiasme sur l'accueil de la symphonie, mais c'est une des dernières fois qu'elle écoute de la musique d'Elgar en public. Elle meurt, rapidement, d'un cancer du poumon le à l'âge de 72 ans.


title: Edward Elgar

text: Elgar est anéanti par la mort de sa femme. Sans commande de nouvelle pièce et privé du soutien et de l’inspiration constante d'Alice, il se désintéresse de la composition. Sa fille écrit plus tard qu'Elgar a hérité de son père sa réticence à « se mettre au travail sérieusement alors qu’il peut sans problème travailler des heures sur des entreprises parfaitement inutiles et complètement non rémunératrices », un trait de caractère qui s'affirme avec la mort de sa femme. Durant le reste de sa vie, Elgar a plusieurs violons d'Ingres : la chimie, le football et les courses hippiques. Tout d'abord, il a été tout au long de sa vie un amateur de chimie, utilisant parfois un laboratoire au fond de son jardin. Ensuite, il apprécie le football, il soutient Wolverhampton Wanderers F.C. pour qui il a composé un hymne, "He Banged the Leather for Goal" ; enfin, dans ses dernières années, il fréquente souvent les courses hippiques. Ses protégés, le chef d'orchestre Malcolm Sargent et le violoniste Yehudi Menuhin, se rappellent les répétitions où Elgar se convainc rapidement que tout va bien et s'en va aux courses. Dans ses plus jeunes années, amateur enthousiaste de bicyclette, il avait acheté des Royal Sunbeam bicycles pour lui et sa femme en 1903 (il l'appelle son ". Phoebus"). Désormais veuf, il apprécie être conduit dans la campagne par son chauffeur. En 1923, il voyage en Amérique du Sud sur l'Amazone. Presque rien n'a été noté des évènements ayant eu lieu durant son voyage, ce qui donne au romancier historien James Hamilton-Paterson une grande latitude pour écrire "Gerontius", un récit de fiction du voyage.


title: Edward Elgar

text: Après la mort d'Alice, Elgar vend la maison d'Hampstead et après avoir vécu quelque temps dans un appartement de St. James's dans le cœur de Londres il retourne dans le Worcestershire, dans le village de Kempsey, où il vit de 1923 à 1927. Il n'abandonne pas complètement la composition durant cette période. Il fait de grands arrangements symphoniques d’œuvres de Bach et Haendel et écrit son "Empire March" et huit chansons "" pour la British Empire Exhibition de 1924. Peu après la publication de ces pièces, Elgar est nommé "Master of the King's Musick" le à la suite de la mort de Walter Parratt.


title: Edward Elgar

text: À partir de 1926, Elgar procède à une série d'enregistrements de ses propres œuvres. Elgar, qui est décrit par l'écrivain Robert Philip comme « le premier compositeur à prendre le gramophone au sérieux », a déjà enregistré une grande partie de sa musique pour "His Master's Voice (HMV)" depuis 1914, mais l'arrivée des microphones électriques en 1926 transforme le gramophone de nouveauté en un vrai moyen de reproduction de la musique chorale et orchestrale. Elgar est le premier compositeur à profiter pleinement de ces avancées technologiques. Fred Gaisberg de HMV, qui produit les enregistrements d'Elgar, organise une série de sessions pour capter sur disque les interprétations du compositeur de ses principales œuvres orchestrales dont les "Variations Enigma", "Falstaff", la première et la seconde symphonie et les deux concertos pour violon et violoncelle. Pour la plupart de ces enregistrements, les morceaux sont interprétés par le "London Symphonic Orchestra" sauf les "Variations" qui sont jouées par le "Royal Albert Hall Orchestra". Dans d'autres enregistrements plus récents, Elgar dirige également deux nouveaux orchestres, le BBC Symphony Orchestra de Boult et le London Philharmonic Orchestra de Sir Thomas Beecham.


title: Edward Elgar

text: Les enregistrements d'Elgar sont publiés sur 78 tours par HMV et RCA Victor. Après la Seconde Guerre mondiale, l'enregistrement de 1932 du concerto pour violon, avec pour soliste le jeune Menuhin, est toujours disponible en 78 tours puis en LP, mais les autres œuvres sont sorties du catalogue pour plusieurs années. Lorsque EMI les remet en vente en LP dans les années 1970, elles surprennent beaucoup de monde par leur tempo rapide en contraste avec les tempo plus lents adoptés par de nombreux chefs d'orchestre après la mort d'Elgar. Les enregistrements ont été ensuite disponibles en CD dans les années 1990.


title: Edward Elgar

text: En , Elgar est filmé par Pathé pour un film d'actualité présentant un enregistrement de la marche "Pomp and Circumstances" lors de l'ouverture des studios d'Abbey Road d'EMI à Londres. Il semble que cela soit le seul film sonorisé qui ait été conservé d'Elgar ; celui-ci fait un bref commentaire avant de diriger l'Orchestre symphonique de Londres en demandant aux musiciens de « jouer cette mélodie comme si vous ne l'aviez jamais entendue auparavant. » Une des dernières pièces d'Elgar, la "Nursery Suite", est un exemple précoce de création en studio, la première ayant eu lieu dans les studios d'Abbey. Pour cette œuvre, dédiée à la femme et aux filles du duc d'York, Elgar s’inspire encore de ses esquisses de jeunesse.


title: Edward Elgar

text: Dans ses dernières années, Elgar vit un renouveau musical. La BBC organise un festival sur ses œuvres pour célébrer son soixante-quinzième anniversaire en 1932. Il s'envole pour Paris en 1933 pour diriger le concerto pour violon avec Menuhin comme soliste. Lors de son séjour en France, il rend visite à son compatriote le compositeur Frederick Delius dans sa maison de Grez-sur-Loing.


title: Edward Elgar

text: Il est très demandé par les jeunes musiciens tels qu'Adrian Boult, Malcolm Sargent et John Barbirolli qui défendent sa musique alors qu'elle n'est plus à la mode. Il commence à travailler sur un opéra, "The Spanish Lady", et accepte une commande de la BBC, sa troisième symphonie. La maladie l'empêche de les terminer. Il s'inquiète de ces œuvres inachevées. Il demande à Reed de s'assurer que personne ne « bricole » ses esquisses et ne tente de terminer sa symphonie, mais à d'autres moments il dit « si je ne peux pas terminer ma troisième symphonie, quelqu'un le fera – ou en écrira une meilleure. » Après la mort d'Elgar, Percy M. Young, en coopération avec la BBC et Carice, la fille d'Elgar, produit une version de "The Spanish Lady", qui sort en CD. Les brouillons de la troisième symphonie sont transformés en partition complète par le compositeur Anthony Payne en 1998.


title: Edward Elgar

text: Un cancer de l'intestin inopérable est découvert durant une opération le . Elgar meurt le à l'âge de soixante-seize ans et est enterré avec sa femme au cimetière de l'église St. Wulstan de Little Malvern.


title: Edward Elgar

text: Conservateur et patriote, Elgar mit ses talents de musicien au service de l'impérialisme britannique, notamment dans les années 1900/1910, en donnant ses lettres de noblesse à la forme musicale de la marche au Royaume-Uni. Ainsi, certaines de ses œuvres connurent immédiatement un grand succès populaire et accédèrent très rapidement au statut d'hymnes non officiels de l'empire britannique, notamment "Pump and Circonstances" (joué pour la première fois en 1901) et "Land of Hope and Glory" (créé en 1902).


title: Edward Elgar

text: Elgar méprise la musique folk et éprouve peu d'intérêt ou de respect pour les premiers compositeurs anglais, il appelle William Byrd et ses contemporains des « pièces de musée ». Concernant les compositeurs anglais suivants, il pense qu'Henry Purcell est le plus grand d'entre eux et il affirme qu'il a beaucoup appris techniquement en étudiant les écrits d'Hubert Parry. Les compositeurs continentaux qui ont le plus influencé Elgar sont Händel, Dvořák et, à un certain degré, Brahms. L'influence de Wagner est visible dans son chromatisme mais le style individuel d'orchestration d'Elgar tient plus de la clarté des compositeurs français du , Berlioz, Massenet, Saint-Saëns et particulièrement Delibes dont la musique a été dirigée et jouée par Elgar à Worcester et qu'il admirait énormément.


title: Edward Elgar

text: Elgar commence à composer alors qu'il est enfant et toute sa vie durant il utilise ses premières compositions pour chercher des thèmes et de l'inspiration. L'habitude d'assembler ses compositions, même les plus importantes, à partir de bouts de thèmes écrits au hasard le suivra toute sa vie. Ses premières compositions d'adulte comprennent des pièces pour violon et piano, des musiques pour quintette à vent qu'il joue avec son frère entre 1878 et 1881, et des musiques de différents types pour l'orchestre de l'asile de Powick. Diana McVeagh dans le "Grove's Dictionary" trouve beaucoup de nuances embryonnaires elgariennes dans ces pièces mais peu d'entre elles sont régulièrement jouées à l'exception de "Salut d'Amour" et (tel qu'arrangées des décennies plus tard en suites de "The Wand of Youth") certaines de ses esquisses d'enfance. La seule œuvre notable d'Elgar durant son premier séjour à Londres en 1889–91, l'ouverture "Froissart", est un morceau romantique influencé par Mendelssohn et Wagner mais montrant également de futures caractéristiques d'Elgar. Il compose ensuite des œuvres orchestrales durant les années qui suivent dans le Worcestershire dont "Sérénade pour cordes" et "Trois danses bavaroises". Pendant cette période, et aussi plus tard, Elgar écrit des chants et des chants de chorale. W. H. Reed a des réserves sur ces œuvres mais fait l'éloge de "The Snow", pour voix féminines, et "Sea Pictures", un cycle de cinq chants pour contralto et orchestre.


title: Edward Elgar

text: Les premières œuvres conséquentes d'Elgar sont pour chœurs et orchestre et sont composées pour des festivals comme le "Three Choirs" : "The Black Knight", "King Olaf", "The Light of Life", "The Banner of St George" et "Caractacus". Il compose également un "Te Deum" et un "Benedictus" pour le Festival d'Hereford. McVeagh commente favorablement ces pièces pour leur grande orchestration et l'utilisation innovante de leitmotivs, mais il est plus défavorable concernant la qualité des textes. McVeagh fait remarquer que comme ces œuvres des années 1890 sont restées peu connues pendant plusieurs années (et peu jouées), la maitrise de son premier grand succès, les "variations Enigma", apparait comme une transformation soudaine de la médiocrité vers le génie, alors que les talents d'orchestration d'Elgar se sont améliorés progressivement pendant une décennie.


title: Edward Elgar

text: Les œuvres les plus connues d'Elgar, la plupart écrites pour orchestre, sont composées pendant les 21 ans entre 1899 et 1920. Reed écrit, « Le génie d'Elgar s'élève au plus haut dans ses œuvres orchestrales » et cite le compositeur en disant que, même dans ses oratorios, la partie orchestrale est la plus importante. Les "variations Enigma" font connaitre Elgar nationalement. La forme de variation est idéale pour lui à cette étape de sa carrière alors que sa complète maitrise de l'orchestration est toujours en contraste avec sa tendance à écrire ses mélodies en phrases courtes, parfois rigides. Ces œuvres orchestrales suivantes, "Ouverture Cockaigne ", une ouverture de concert (1900–1901), les deux premières marches "Pomp and Circumstance" (1901) et le calme "" (1902) sont toutes courtes : la plus longue, "Cockaigne", dure moins de quinze minutes. "In the South (Alassio)" (1903–1904), bien que désigné par Elgar comme une ouverture de concert, est, selon Kennedy, réellement un poème symphonique et la plus longue pièce continue purement orchestrale écrite par Elgar. Il la compose après avoir mis de côté une première tentative de symphonie. L'œuvre révèle ses progrès continus d'écriture de thèmes soutenus et de lignes orchestrales bien que certains critiques, dont Kennedy, trouve qu'au milieu de la pièce « l'inspiration d'Elgar brûle au plus bas de son brillant. » En 1905 Elgar complète l’"Introduction et Allegro pour cordes". Cette œuvre n'est pas basée, contrairement à la plupart des compositions d'Elgar, sur une profusion de thèmes mais sur seulement trois. Kennedy l'appelle « une composition maitrisée, égalée dans les compositions anglaises pour cordes uniquement par la "Fantaisie sur un thème de Thomas Tallis" de Vaughan Williams. » Néanmoins, durant moins d'un quart d'heure, ce n'est pas selon les standards de l'époque une longue œuvre. La septième symphonie de Gustav Mahler, composée à la même époque, dure plus d'une heure.


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text: Cependant, durant les quatre années suivantes, Elgar compose trois pièces majeures de concert, qui, bien que plus courtes que les œuvres comparables des compositeurs européens contemporains, sont parmi les plus importantes des compositeurs anglais. Ce sont la première symphonie, le concerto pour violon et la seconde symphonie qui durent toutes entre quarante-cinq minutes et une heure. McVeagh dit des symphonies qu'elles « sont de hauts rangs, non seulement dans le répertoire d'Elgar, mais aussi dans le répertoire anglais. Les deux symphonies sont longues et puissantes avec seulement des indices et des citations pour indiquer le drame intérieur dans lequel elles tirent leur vitalité et leur éloquence. Les deux sont basées sur une structure classique mais en diffèrent dans la mesure où… elles ne sont pas considérées comme prolixes et certains critiques les trouvent construites mollement. »


title: Edward Elgar

text: Le concerto pour violon et le concerto pour violoncelle d'Elgar sont considérés « non seulement parmi ses meilleures œuvres mais également parmi les meilleurs concertos pour violon et violoncelle ». Ces deux concertos cependant diffèrent énormément. Le concerto pour violon, composé en 1909 alors qu'Elgar atteint le sommet de sa popularité, et écrit pour l'instrument le plus cher à son cœur, est lyrique avec des passages rhapsodiques et brillants. Le concerto pour violoncelle, composé une décennie plus tard, immédiatement après la fin de la Première Guerre mondiale, semble, selon Kennedy, « appartenir à un autre âge, un autre monde… la plus simple des grandes œuvres d'Elgar… également la moins grandiloquente. » Entre ces deux concertos se situe l'étude symphonique "Falstaff" qui a divisé l'opinion, même parmi les plus grands admirateurs d'Elgar. Donald Tovey voit Falstaff comme « une des plus grandes choses de la musique », avec une énergie « identique à celle de Shakespeare », alors que Kennedy critique l'œuvre pour « se reposer trop fréquemment sur des marches harmoniques » et pour sur-idéaliser la description des personnages féminins. Reed pense que les thèmes principaux sont moins distingués que ceux de certaines des premières œuvres d'Elgar. Elgar lui-même pense que "Falstaff" est le point culminant de ses œuvres purement orchestrales.


title: Edward Elgar

text: Les trois grandes œuvres pour solistes, chœurs et orchestre, "The Dream of Gerontius" (1900), les oratorios "The Apostles" (1903) et "The Kingdom" (1906) ainsi que deux odes plus courtes, la "" (1902) et "The Music Makers" (1912) constituent les principales œuvres pour chœur et orchestre des vingt-et-une années intermédiaires de la carrière d'Elgar. La première des odes, en tant que "pièce d'occasion", a rarement été rejouée après son succès initial, avec le point culminant qu'est "Land of Hope and Glory". La seconde est, pour Elgar, inusuelle en qu'elle contient plusieurs extraits de certaines de ses premières œuvres, comme Richard Strauss le fait dans "Une vie de héros". Les œuvres chorales sont toutes un succès bien que la première, "Gerontius", était et reste la plus appréciée et la plus jouée. Les trois grandes œuvres chorales ont une structure classique avec des parties pour solistes, pour chœur et pour les deux ensemble. L'orchestration remarquable d'Elgar, ainsi que son inspiration mélodique, le portent à un niveau plus haut que ses prédécesseurs britanniques.


title: Edward Elgar

text: Elgar a également composé durant cette période intermédiaire de la musique de scène pour "", une pièce de George Moore et W. B. Yeats (1901) et pour "The Starlight Express", une pièce basée sur une histoire d'Algernon Blackwood (1916). Yeats pense que la musique d'Elgar pour "Grania et Diarmid" est « merveilleuse dans sa mélancolie héroïque. »


title: Edward Elgar

text: Il a également écrit durant cette période prolifique un certain nombre de chants sur lesquelles Reed écrit « on ne peut pas dire qu'il a enrichi le répertoire vocal comme il l'a fait avec le répertoire orchestral. »


title: Edward Elgar

text: Le concerto pour violoncelle constitue la dernière œuvre importante d'Elgar. Il fait des arrangements de morceaux de Bach, Haendel et Chopin, dans une orchestration clairement elgarienne, et encore une fois utilise ses cahiers d'enfance pour composer la "Nursery Suite" (1931). Ses autres compositions de cette période n'ont pas eu de place dans le répertoire courant. Durant la plus grande partie du reste du , il est généralement accepté que l'impulsion créatrice d'Elgar a cessé après la mort de sa femme. Le travail d'Anthony Payne sur la troisième symphonie d'Elgar a amené à reconsidérer cette supposition. Elgar laisse l'ouverture de la symphonie terminée et complètement orchestrée et ces pages, avec d'autres, montrent que son orchestration change de façon marquée par rapport à la richesse de ses œuvres d'avant-guerre. "The Gramophone" décrit cette ouverture comme quelque chose de « passionnant… d'inoubliablement triste. » Payne joue également une version des brouillons d'une sixième marche "Pomp and Circumstance" lors de the Proms en . Les brouillons d'Elgar datant de 1913 pour un concerto pour piano sont retravaillés par le compositeur Robert Walker et sont joués pour la première fois en par le pianiste David Owen Norris. L'arrangement a depuis été grandement retravaillé.


title: Edward Elgar

text: La réputation d'Elgar a varié durant les décennies qui ont suivi les premiers succès de sa musique au début du . Richard Strauss a salué Elgar en tant que compositeur progressiste ; cependant hostile, le critique de "The Observer", trouve son orchestration « magnifiquement moderne. » Hans Richter l'évalue comme « un des meilleurs compositeurs modernes », et le collègue de Richter, Arthur Nikisch, considère la première symphonie comme « un chef-d'œuvre de premier ordre » à classer avec les grandes symphonies de références – celles de Beethoven et de Brahms. » À l'opposé le critique , au milieu du parle des « symphonies de l'armée du salut d'Elgar » et Herbert von Karajan dit des "variations Enigma" qu'elles sont du « Brahms de seconde main. » L'immense popularité d'Elgar n'est pas de longue durée. Après les succès de sa première symphonie et de son concerto pour violon, sa seconde symphonie et son concerto pour violoncelle sont reçus avec politesse mais sans l'enthousiasme sauvage des œuvres précédentes. Pour le public, sa musique appartient à l'époque édouardienne ; ainsi, après la Première Guerre mondiale Elgar ne passe plus pour un compositeur progressiste ou moderne. Au début des années 1920, même la première symphonie n'est jouée qu'une seule fois à Londres en trois ans. Henry Wood et les jeunes chefs d'orchestre comme Boult, Sargent et Barbirolli défendent la musique d'Elgar, mais elle n'est plus beaucoup présente dans les catalogues d'enregistrement et dans les programmes de concert du milieu du .


title: Edward Elgar

text: En 1924, le musicologue Edward J. Dent écrit un article pour un périodique musical allemand dans lequel il identifie quatre caractéristiques du style d'Elgar qui offensent une partie de l'opinion britannique (Dent indique clairement les universitaires et les snobs) : « trop émotionnel », « pas tout à fait sans vulgarité », « pompeux » et « trop délibérément noble dans l'expression ». Cet article est republié en 1930 et crée une controverse. Plusieurs années après, un renouveau, au moins en Grande-Bretagne, d'intérêt apparait pour la musique du compositeur. Les caractéristiques qui ont par le passé offensé le goût pour l'austérité de l'entre-deux-guerres sont alors vues sous une perspective différente. En 1955, le livre de référence "" écrit de l'époque édouardienne durant le sommet de la carrière d'Elgar :


title: Edward Elgar

text: À partir de 1960 une vision moins sévère de l'époque édouardienne apparait. En 1966 le critique Frank Howes écrit qu'Elgar reflète la dernière explosion d'opulence et de vie avant la Première Guerre mondiale. Selon Howes il y avait une touche de vulgarité dans cette époque et dans la musique d'Elgar mais « un compositeur doit être jugé par la postérité pour ses meilleures œuvres. […] Elgar est historiquement important pour avoir donné à la musique anglaise le sens de l'orchestre, pour avoir exprimé ce que ça fait de vivre pendant l'époque édouardienne, pour avoir donné au monde au moins quatre chefs-d'œuvre formidables, et pour avoir rétabli l'Angleterre parmi les nations musicales. »


title: Edward Elgar

text: En 1967, le critique et analyste David Cox se penche sur la problématique de la supposée "anglicité" de la musique d'Elgar. Cox note que le compositeur n'aime pas les "folk-songs" et ne les utilise jamais dans ses œuvres, optant pour un idiome essentiellement allemand, auquel s'ajoute une légèreté venant des compositeurs français comme Berlioz ou Gounod. Comment alors, demande Cox, pourrait-il être « le plus anglais des compositeurs » ? Cox trouve la réponse dans la personnalité même d'Elgar « qui peut utiliser des idiomes étrangers d'une telle façon qu'il en fait une forme vitale d'expression qui est sienne et seulement sienne. Et la personnalité qui transpire de sa musique est anglaise. ». Cette façon qu'Elgar a de transmuter ses influences ont déjà été évoquées auparavant. En 1930 "The Times" écrit « Quand est arrivée la première symphonie d'Elgar, quelqu'un a essayé de prouver que le thème principal sur lequel repose l'œuvre est similaire au thème du Graal dans Parsifal. […] mais ces essais sont infructueux car tout le monde, même ceux qui n'aiment pas la symphonie, ont instantanément reconnu ce thème comme typiquement "elgarien", alors que le thème du Graal est typiquement "wagnérien". D'autres compositeurs reconnaissent cette "anglicité" d'Elgar : Richard Strauss et Stravinsky en font référence, et Sibelius l'appelle « la personnification du vrai caractère anglais en musique […] une personnalité noble et un aristocrate né. »


title: Edward Elgar

text: Les admirateurs d'Elgar ne sont pas d'accord sur les œuvres à considérer comme des chefs-d'œuvre. Les "variations Enigma" sont généralement considérées comme telles. "The Dream of Gerontius" est aussi très bien considéré parmi les "Elgariens", ainsi que le concerto pour violoncelle. Certains pensent que le concerto pour violon est du même niveau mais d'autres non ; Sackville-West l'omet de sa liste de chefs-d'œuvre d'Elgar dans le "The Record Guide", et dans un long article paru dans "The Musical Quarterly". "Falstaff" divise également l'opinion. Il n'a jamais été un succès populaire, et Kennedy et Reed y trouvent des lacunes. Au contraire, lors du symposium de "The Musical Times" de 1957 pour le centenaire de la naissance d'Elgar, organisé par Vaughan Williams, plusieurs participants partagent le point de vue de Eric Blom que "Falstaff" est la plus grande œuvre d'Elgar.


title: Edward Elgar

text: Les deux symphonies partagent encore plus durement l'opinion. Mason note faiblement la seconde pour son « schéma rythmique trop évident » mais appelle la première « le chef-d'œuvre d'Elgar. […] Il est difficile de comprendre comment un étudiant candide pourrait nier les grandeurs de cette symphonie. » Cependant, lors du symposium de 1957, plusieurs admirateurs de premiers rang émettent des réserves sur une ou sur les deux symphonies. La même année Roger Fiske écrit dans "The Gramophone" « Pour certaines raisons peu de personnes semblent aimer les deux symphonies à la fois ; chacun a sa préférée et souvent ils sont plus qu'ennuyés par l'autre symphonie. Le critique John Warrack écrit .


title: Edward Elgar

text: Malgré l'appréciation fluctuante des œuvres d'Elgar au cours du , le répertoire du compositeur dans son ensemble a été redécouvert au début du : ainsi, "The Record Guide" en 1955 liste un seul enregistrement disponible de la première symphonie, aucun de la seconde, un du concerto pour violon, deux du concerto pour violoncelle, deux des "variations Enigma", un de "Falstaff" et aucun de "The Dream of Gerontius". Depuis de nombreux enregistrements de ses pièces ont été réalisés. Plus de trente enregistrements ont été faits de la première symphonie depuis 1955 et plus d'une douzaine de "The Dream of Gerontius". De même, dans les salles de concert, après une période d'oubli, Elgar est de nouveau fréquemment joué.


title: Edward Elgar

text: Elgar est fait chevalier en 1904 et il reçoit l'Ordre du Mérite en 1911. Il reçoit en 1920 la Croix de Commandeur de l'Ordre de la Couronne. Il est fait en 1924 Master of the King's Musick et l'année suivante il reçoit la médaille d'or de la Royal Philharmonic Society. Il est fait en 1928 "Knight Commander" du Royal Victorian Order (KCVO). Entre 1900 et 1931 Elgar reçoit des diplômes honoraires des universités de Cambridge, de Durham, de Leeds, d'Oxford, de Yale (États-Unis), d'Aberdeen, de Pittsburgh (États-Unis), de Birmingham et de Londres. Il devient membre de la "Regia Accademia di Santa Cecilia" de Rome, de l"'Accademia del Reale Istituto Musicale" de Florence de l'Académie des beaux-arts de Paris, de l'Institut de France et de l'. En 1931 il est fait Baronnet, de Broadheath dans le comté Worcester. Il est promu en 1933 "Knight Grand Cross" (GCVO) du "Royal Victorian Order". Selon Kennedy « il a honteusement cherché à obtenir une pairie », mais en vain.


title: Edward Elgar

text: La maison de Lower Broadheath où est Elgar est né, est maintenant l' ("musée du lieu de naissance d'Elgar"), musée présentant sa vie et son œuvre. Sa fille, Carice a aidé à la fondation du musée en 1936 et a légué au musée la plus grande partie de sa collection de lettres et de documents de son père à sa mort en 1970. Elle a aussi laissé des partitions à des universités de musique : "The Black Knight" au Trinity College of Music, "King Olaf" à la Royal Academy of Music, "The Music Makers" à l'université de Birmingham, le concerto pour violoncelle au Royal College of Music, "The Kingdom" à la Bodleian Library et d'autres manuscrits au British Museum. L' dédiée au compositeur et à ses œuvres est créée en 1951. La collection spéciale de l'université de Birmingham contient dans ses archives une partie de sa correspondance.


title: Edward Elgar

text: La statue d'Elgar au bout de la rue principale de Worcester fait face à la cathédrale, près du lieu où se situait la boutique de son père. Une autre statue du compositeur faite par se trouve en haut de "Church Street" à Malvern, surplombant la ville et donnant aux visiteurs la possibilité de s'assoir près du compositeur à l'ombre des collines qu'il a souvent contemplées. En , une troisième statue sculptée par Jemma Pearson est dévoilée près de la cathédrale d'Hereford en l'honneur de ses nombreux liens musicaux ou autres avec cette ville. Cette statue le représente avec son vélo. L'abbaye de Westminster a un mémorial à lui. De 1999 jusqu'à début 2007, un portrait d'Elgar apparait sur de nouveaux billets de vingt livres sterling. Le retrait de son visage a causé une controverse, particulièrement parce que 2007 est le anniversaire de sa naissance. Depuis 2007 les billets Elgar sont progressivement retirés, cessant d'avoir un cours légal le .


title: Edward Elgar

text: Il y a environ 65 rues nommées Elgar au Royaume-Uni, dont six dans les comtés du Herefordshire et du Worcestershire. Il y a parmi ces voies sept "avenues Elgar", dont une à Malvern, Worcestershire, et une autre près de la maison où il vécut, Plâs Gwyn à Hereford. Une rue à North Springfield (Virginie) et une autre à Box Hill, Melbourne, sont aussi nommées Elgar. Elgar a trois locomotives nommées en son honneur. La première, "Sir Edward Elgar" est une locomotive de classe "Bulldog", numéro 3414 ; elle a été construite en 1906 et retirée du service en 1938. La seconde est une "Great Western Railway Castle" ; construite en 1946 et retirée du service en 1964, son nom original a été remplacé par "Sir Edward Elgar" en 1957. La troisième est une diesel "Brush type 47" dont les plaques nominatives ont spécialement été fabriquées dans le style "Great Western Railway". Le , cette locomotive est officiellement nommée "Sir Edward Elgar" à la gare de Paddington à Londres par Simon Rattle, alors chef d'orchestre du City of Birmingham Symphony Orchestra.


title: Edward Elgar

text: La vie et la musique d'Elgar ont inspiré des œuvres littéraires dont le roman "Gerontius" et plusieurs pièces de théâtres. "Elgar's Rondo", une pièce de 1993 de David Pownall, présente le fantôme de Jaeger offrant des avis sur le développement musical d'Elgar. Pownall a écrit également une pièce radiophonique, "Elgar's Third" (1994). La pièce radiophonique d'Alick Rowe, "The Dorabella Variation" (2003). L'épisode "Penda's Fen" de la série TV "Play for Today" de produit par la BBC (1974) aborde les thèmes de sexualité et d'adolescence, d’espionnage et de snobisme avec la musique d'Elgar, principalement "The Dream of Gerontius", en fond sonore. Dans une scène un Elgar fantôme murmure le secret de la mélodie d"'Enigma" à un jeune personnage central avec l'ordre de ne pas le dévoiler. "Elgar on the Journey to Hanley", un roman de Keith Alldritt (1979), raconte l'attachement du compositeur à Dora Penny, plus tard Mrs Powell ("Dorabella" dans les "variations Enigma"), et couvre les quinze années entre leur rencontre au milieu des années 1880 jusqu'à la genèse du concerto pour violon où, dans le roman, Dora est supplantée dans l'affection d'Elgar par Alice Stuart-Wortley. L'œuvre peut-être la plus connue sur le compositeur est le film télévisé de 1962 de Ken Russell produit par la BBC, "Elgar", tourné alors que le compositeur est encore complètement passé de mode. Ce film d'Elgar contredit la vision d'un Elgar chauvin et ampoulé comme compositeur et évoque le côté plus pastoral et mélancolique du personnage et de sa musique.


title: Jeanne II de Navarre

text: La paternité de Jeanne reste toutefois douteuse car sa mère a été impliquée dans l'affaire de la tour de Nesle, mais reconnaît sa fille peu avant sa mort. Cependant, les barons de France sont opposés à l'idée de voir une femme accéder au trône et élisent roi de France , frère de . Les nobles navarrais rendent également hommage à Philippe. La grand-mère de Jeanne, Agnès de Bourgogne, ainsi que son oncle, , essaient sans succès de récupérer pour Jeanne les comtés de Champagne et de Brie, qui lui reviennent de droit. Après avoir épousé une des filles de et reçu les deux comtés en dot, Eudes renonce au nom de Jeanne à ses revendications sur la Champagne et la Brie en échange d'une compensation en . Jeanne épouse Philippe d'Évreux, membre de la famille royale de France.


title: Jeanne II de Navarre

text: Décédé en 1322, est remplacé sur les trônes de France et de Navarre par son autre frère, . À la mort de Charles en 1328, les Navarrais expulsent le gouverneur français et proclament Jeanne reine de Navarre. En France, Philippe de Valois est couronné roi. Il conclut un accord avec Jeanne et son époux où, en échange de la renonciation de Jeanne sur la Champagne et la Brie, il l'accepte comme souveraine de Navarre. Jeanne et son époux sont couronnés ensemble à la cathédrale de Pampelune le . Le couple royal coopère étroitement pendant leur règne conjoint, mais Philippe d'Évreux est plus actif. Cependant, ils résident la plupart du temps dans leurs domaines en France. La Navarre est alors administrée par un gouverneur en leur absence.


title: Jeanne II de Navarre

text: Jeanne est la fille unique de et de sa première épouse Marguerite de Bourgogne. Elle naît le , plus de six ans après le mariage de ses parents. Son père est alors le fils aîné et héritier du roi de France . Il est déjà roi de Navarre depuis 1305.


title: Jeanne II de Navarre

text: Marguerite et ses deux belles-sœurs, Jeanne et Blanche de Bourgogne, sont arrêtées en , sous l'inculpation d'adultère avec les chevaliers Philippe et Gauthier d'Aunay. Après avoir été torturé, l'un des chevaliers confesse qu'ils ont tous deux été amants de Marguerite et Blanche pendant trois ans. Les frères d'Aunay sont exécutés et Marguerite et Blanche incarcérées à Château-Gaillard. Marguerite y meurt un an plus tard, sans doute à cause des mauvaises conditions dans lesquelles elle est détenue. À la suite de ce scandale connu sous le nom d'affaire de la tour de Nesle, la légitimité de Jeanne devient douteuse, compte-tenu des relations adultérines de sa mère. Toutefois, il paraît peu probable que ces relations aient pu durer trois ans entre 1311, année de conception de Jeanne, et 1314, sans avoir été éventées, dans un milieu aussi surveillé que celui de la famille royale.


title: Jeanne II de Navarre

text: Les relations adultérines de Marguerite, Jeanne et Blanche de Bourgogne donneront lieu à nombre de légendes. Depuis François Villon, en 1460, Alexandre Dumas en 1832 avec sa pièce de théâtre "La Tour de Nesle", et Maurice Druon avec ses "Rois maudits", de nombreuses histoires romancées sont venues compléter la réalité historique. Les seuls faits avérés par les archives de l'époque sont que l'adultère de Marguerite et Blanche a été reconnu et que les frères d'Aunay ont été suppliciés pour cela.


title: Jeanne II de Navarre

text: Clémence donne naissance à un fils le , qui est proclamé roi sous le nom de . Ce nourrisson meurt au bout de quatre jours. L'oncle maternel de Jeanne, , qui se trouve alors à Paris, entame des négociations avec Philippe de Poitiers, frère cadet de , afin de protéger les intérêts de Jeanne. Philippe ne répond pas aux requêtes d'Eudes et se fait lui-même sacrer roi de France à Reims le . Les états généraux de 1317, convoqués par le suivant, statuent sur les droits de Jeanne à la couronne de France. Cumulant les inconvénients d'être mineure et de ne pouvoir défendre sa cause, d'être une fille et de pouvoir par mariage faire échoir le royaume de France en des mains étrangères, et de légitimité douteuse, Jeanne est évincée de la succession au trône par l'assemblée qui conclut au « principe de masculinité ». Ce principe n'a pas de rapport avec la loi salique, qui ne sera réinventée qu'en 1358 par l'entourage de Charles V, précisément afin de contrecarrer les ambitions de Charles II de Navarre, fils de Jeanne. Se faisant reconnaître roi, Philippe fait main basse sur la Champagne et la Brie, lésant les droits de sa nièce Jeanne. Ce n'est qu'en juin 1319 et de mauvaise grâce, que les Navarrais consentirent à envoyer à Paris une délégation de procureurs y reconnaître Philippe comme leur roi.


title: Jeanne II de Navarre

text: La grand-mère maternelle de Jeanne, Agnès de Bourgogne, envoie des lettres aux principaux barons de France dans lesquelles elle considère comme illégal le sacre de "l'usurpateur" mais conserve le trône sans grande opposition. Les lettres adressées par Agnès aux seigneurs de Champagne les pressent de refuser de rendre hommage à Philippe et de protéger les droits de Jeanne. Dans une autre lettre, affirme que le déshéritement de sa nièce va à l'encontre du . Leur hostilité à est brisée lorsque l'oncle de ce dernier, Charles de Valois, un des plus influents grands féodaux, affirme soutenir les arguments de son neveu.


title: Jeanne II de Navarre

text: Philippe et Eudes parviennent à un accord le . Philippe offre en mariage à Eudes sa fille aînée Jeanne, à laquelle il accepte de transmettre en héritage les comtés de Bourgogne et d'Artois. Par ailleurs, propose le mariage de la jeune Jeanne de Navarre avec son cousin Philippe d'Évreux, pour une dot de et le droit d'hériter de la Champagne et de la Brie si le roi Philippe vient à mourir sans descendant mâle. accepte enfin que Jeanne renonce à ses droits sur la France et la Navarre à l'âge de 12 ans. Il n'existe pourtant de nos jours aucune preuve que cette renonciation ait eu lieu. Le mariage entre Jeanne de Navarre et Philippe d'Évreux est célébré le . Jeanne est ensuite confiée à la garde de la reine Marie de Brabant, la grand-mère de Philippe d'Évreux qui vit retirée dans son douaire à Mantes. Bien qu'ils vivent alors l'un près de l'autre, Jeanne et Philippe ne sont pas élevés ensemble en raison de leur différence d'âge. Leur mariage n'est consommé qu'en 1324.


title: Jeanne II de Navarre

text: Profitant des morts successives de et de Marie de Brabant en , de Bourgogne soustrait sa nièce du pouvoir royal afin de veiller à ses droits. La mort de remet l'arrangement de 1318 en question et permet à Jeanne d'entrer en possession de ses biens puisqu'elle n'a pas encore atteint sa douzième année. Toutefois, est remplacé sur le trône par son frère , qui retient l'apanage de sa nièce. Avec le même argument de la masculinité concernant la Navarre, il est couronné roi de France et de Navarre. En 1323, Charles exige un renouvellement du traité concernant la dévolution de la Champagne et augmente la compensation financière de Jeanne, ce qui la prive définitivement d'une réclamation ultérieure sur la Champagne. Néanmoins, l'arrivée au pouvoir de ne satisfait guère les barons de Navarre, qui refusent de lui rendre hommage. En représailles, Charles refuse de leur confirmer les "Fueros" (libertés).


title: Jeanne II de Navarre

text: meurt le , ce qui conduit à une nouvelle crise de succession. La veuve du roi, Jeanne d'Évreux, est enceinte, ce qui précipite la convocation des pairs et des barons du Royaume à Paris pour y élire un régent. La majorité des barons reconnaît que Philippe de Valois détient la meilleure revendication pour obtenir le poste, car il est le plus proche parent mâle de . Pendant ce temps, les Cortes de Navarre se rassemblent à Puente La Reina le et cessent de reconnaître le gouverneur et les officiers français. Courant mars, ils nomment à la place deux régents et des officiers navarrais à tous les postes importants du royaume. Avant même cela, le pouvoir français se délite et, dès le 6 mars 1328, des émeutes anti-juives éclatent dans certaines villes de Navarre.


title: Jeanne II de Navarre

text: La veuve de Charles donne naissance à une fille, Blanche, le . La naissance de Blanche confirme la fin de la lignée des Capétiens directs. Jeanne de Navarre et son époux peuvent alors revendiquer le trône de France car ils descendent tous deux de rois de France, mais il existe au moins cinq autres concurrents, dont le régent Philippe de Valois. Les représentants des différents prétendants à la couronne se réunissent à Saint-Germain-en-Laye pour conclure un compromis. En Navarre, le principe de masculinité ne peut être invoqué, car le royaume est parvenu dans la famille capétienne par la reine . Philippe, sur suggestion de son grand conseil et conscient qu'il ne pourrait se faire reconnaître en Navarre, cède ses droits au royaume le jour même à Jeanne de France et Philippe d'Évreux. La nouvelle de la naissance de Blanche ne parvient en Navarre que le 18 avril 1328.


title: Jeanne II de Navarre

text: Philippe de Valois est couronné roi de France à Reims le . Il n'a finalement aucune revendication sur la Navarre, la Champagne et la Brie car il ne descend pas de la reine de Navarre. Pour renforcer sa mainmise sur le trône de France, de Valois reconnaît en juillet à Jeanne et son époux le droit de régner sur la Navarre, déclarant le fief . Philippe les persuade cependant de renoncer à la Champagne et la Brie en échange des comtés de Longueville, de Mortain et d'Angoulême, car il veut contrôler la région stratégique autour des foires de Champagne. Des lettres du roi et de la reine de Navarre confirment cet engagement par le traité de Villeneuve-lès-Avignon en 1336.


title: Jeanne II de Navarre

text: Les Cortes navarraises se réunissent le 16 avril à Puente la Reina, puis le premier mai à Pampelune. Ils y décident que, parmi les prétendants au trône de Navarre, Jeanne est celle qui doit en hériter, en tant que fille du dernier roi ayant prêté serment devant les Navarrais, ainsi que l'exige le for de Navarre. Deux messagers sont envoyés le 4 mai annoncer en France la nouvelle à Jeanne et Philippe.


title: Jeanne II de Navarre

text: Au même moment, le roi d'Angleterre Édouard III envoie son sénéchal en Guyenne Raymond Durand communiquer en Navarre et dans le sud de la France qu'il va revendiquer les deux royaumes de France et de Navarre, mais cette démarche reste alors sans suite.


title: Jeanne II de Navarre

text: L'avènement de Jeanne et Philippe met fin à l'union personnelle entre la Navarre et la France créée par le mariage en 1284 de de Navarre et le Bel. Pendant les mois qui suivent, Jeanne et son époux mènent des négociations avec les Cortes, surtout en ce qui concerne le rôle que va jouer Philippe d'Évreux dans le gouvernement du Royaume. Bien que les Navarrais n'aient reconnu qu'à Jeanne son droit d'hériter du royaume, Philippe revendique et obtient le droit de gouverner au nom de son épouse.


title: Jeanne II de Navarre

text: Jeanne et Philippe d'Évreux envoient deux seigneurs français, Henri de Sully et Philippe de Melun, les représenter en Navarre pendant les négociations. Les Navarrais se montrent d'abord réticents à l'idée d'accepter Philippe comme roi. Les délégués de l'assemblée générale déclarent d'abord que Philippe sera autorisé à prendre part au gouvernement du Royaume au cours d'une réunion à Roncevaux en . Toutefois, ils précisent que les éléments traditionnels du couronnement se feront aux côtés de Jeanne. Pour souligner le droit de Philippe de régner dans le royaume de son épouse, Henri de Sully se réfère à Paul de Tarse, qui avait affirmé que dans sa première épître aux Corinthiens. Sully affirme par ailleurs que Jeanne a consenti à renforcer la position de son époux.


title: Jeanne II de Navarre

text: Jeanne et Philippe se rendent en Navarre au début de l'. Ils sont couronnés à la cathédrale de Pampelune le . Ils sont tous deux élevés sur un bouclier et jettent de l'argent au cours de la cérémonie. Les deux époux signent le serment du couronnement, qui établit leurs prérogatives royales. La charte souligne que Jeanne est de Navarre, mais déclare également que . Le 15 mai 1329, Philippe et Jeanne organisent leur succession au royaume de Navarre. Les Cortes de Navarre acceptent de leur rembourser


title: Jeanne II de Navarre

text: les frais de recouvrement du trône, estimés à livres, mais Jeanne et Philippe devront renoncer à la couronne lorsque leur héritier au trône aura 21 ans. En outre, ils devront restituer la somme de livres si aucun de leurs héritiers n'accepte de leur succéder sur le trône de Navarre.


title: Jeanne II de Navarre

text: et de Navarre coopèrent étroitement pendant leur règne. En dehors des royaux préservés pendant cette période, ont été promulgués en leurs noms. Pourtant, les sources suggèrent que Philippe était plus actif dans certains domaines du gouvernement, en particulier la législation. Il signe seul, sans en référer à son épouse. Seuls six documents ont été promulgués exclusivement au nom de Jeanne.


title: Jeanne II de Navarre

text: Après leur couronnement, le couple royal confirme les sanctions qui avaient été prises dès 1328 par les régents à l'encontre des meneurs des émeutes anti-juives ainsi que le paiement d'amendes .


title: Jeanne II de Navarre

text: En 1330, Jeanne et Philippe font moderniser des lois navarraises ou fors, recueils écrits de lois s'appliquant du roi au simple paysan. L'amélioration concerne de nombreuses lois, et en particulier l'âge de la majorité pour certains actes, le régime des donations, les lois sur l'usure, les contrefaçons et même la réglementation de la chasse aux perdrix selon l'époque dans l'année.


title: Jeanne II de Navarre

text: Les forteresses royales sont réparées pendant leur règne. Le système d'irrigation dans les champs arides autour de Tudela est construit avec le soutien financier du couple.


title: Jeanne II de Navarre

text: Afin de collecter les livres des frais de leur couronnement, Jeanne et Philippe font également procéder en 1330 à un recensement détaillé de la population de Navarre.


title: Jeanne II de Navarre

text: Jeanne et Philippe veulent également maintenir des relations pacifiques avec les États voisins. Un traité de paix est signé à Salamanque le avec la Castille. Ils entament par ailleurs des négociations autour des fiançailles de leur fille aînée Jeanne avec Pierre, héritier du trône d'Aragon, dès 1329. épouse finalement Marie, sœur cadette de Jeanne qu'il préfère. Pour permettre ce mariage, Jeanne se fait religieuse à l'abbaye de Longchamp en 1337 à l'âge d'onze ans et renonce l'année suivante à ses droits sur le royaume de Navarre au profit de sa sœur. Elle reçoit en dédommagement une rente de , assise sur la seigneurie de Mantes.


title: Jeanne II de Navarre

text: Jeanne et Philippe quittent la Navarre en . L'historienne Elena Woodacre remarque que le , ce qui les conduit à alterner les séjours entre leurs différents domaines. Jeanne et Philippe pouvaient difficilement être accoutumés aux , selon l'historien José María Lacarra, ce qui explique aussi leurs absences régulières. Pendant leurs séjours en France, des gouverneurs français administrent la Navarre : Henri de Sully occupe ce poste jusqu'à sa mort en 1336, puis Saladin d'Anglure le remplace.


title: Jeanne II de Navarre

text: Un conflit frontalier éclate avec la Castille en 1335, en ce qui concerne la possession du monastère de Fitero. d'Aragon soutient les Navarrais et un nouveau traité de paix est signé avec la Castille le . Jeanne et Philippe retournent en Navarre en . Cette seconde visite dure jusqu'en . Par la suite, Philippe visite à deux reprises la Navarre, mais sans que Jeanne ne l'accompagne.


title: Jeanne II de Navarre

text: meurt en . Jeanne remplace rapidement Philippe de Melun, qui a administré quelque temps la Navarre, par Guillaume de Brahe. Elle démet aussitôt Brahe et nomme à sa place Jean de Conflans. Ces changements reflètent selon Elena Woodacre les désaccords avec Philippe concernant l'administration de la Navarre. Selon Bruno Ramirez de Palacios, ils témoignent d'une volonté de reprise en mains du royaume, et aussi de conforter son indépendance vis-à-vis du voisin français.


title: Jeanne II de Navarre

text: En 1344, une copie des "Fueros" de Navarre est réalisée pour la reine en navarro-aragonais, à laquelle est ajoutée une colonne vide pour y apposer la traduction en langue d'oïl. On en déduit ainsi que la reine parlait sans doute le français, même pour s'occuper des affaires concernant la Navarre. Jeanne établit en 1345 le couvent de Saint-François à Olite.


title: Jeanne II de Navarre

text: Jeanne décide de retourner en Navarre, mais n'accomplit pas son souhait, probablement en raison de la possibilité de l'invasion de ses domaines français pendant la guerre de Cent Ans. Jeanne et son époux avaient initialement soutenu contre , qui a revendiqué la couronne de France au nom de sa mère Isabelle, elle-même tante paternelle de Jeanne.


title: Jeanne II de Navarre

text: Mais à partir de 1339, ils distendent progressivement leurs liens avec la famille royale française et cherchent à renforcer leur royaume et son indépendance.


title: Jeanne II de Navarre

text: En 1346, toutefois, Jeanne est profondément déçue par les échecs militaires de . En novembre, elle accueille chaleureusement le comte de Lancastre Henri de Grosmont, qui commande l'armée d', et le laisse traverser son comté d'Angoulême en échange de la protection de ses terres. Elle promet par ailleurs de ne pas construire de nouvelle fortification ou d'autoriser l'armée de Philippe à utiliser les siennes. , empêtré dans le siège de Calais, ne peut agir en représailles contre Jeanne.


title: Jeanne II de Navarre

text: Quatre jours avant sa mort, le 2 octobre 1349, alors qu'elle est sans doute déjà malade, Philippe VI de Valois lui fait signer une renonciation au comté d'Angoulême en échange de trois villes, Pontoise, Beaumont-sur-Oise et Asnières-sur-Oise, que ni elle ni ses héritiers ne parviendront à récupérer.


title: Jeanne II de Navarre

text: Les diverses spoliations des biens de Jeanne opérés par les rois de France successifs seront à l'origine du ressentiment et des conflits qui opposeront son fils et héritier, dit « le Mauvais » au trône de France. Il deviendra de ce fait l'un des grands opposants aux rois de France au début de la guerre de Cent Ans.


title: Jeanne II de Navarre

text: Dans son testament, elle demande à son fils et successeur Charles II de Navarre de financer la construction d'une chapelle à Olite. Elle est enterrée à la basilique de Saint-Denis, bien que son cœur soit déposé au couvent des Jacobins de Paris aux côtés de celui de son époux.


title: Jeanne II de Navarre

text: Le , Jeanne épouse , prince de sang royal français, fils de Louis d'Évreux et de Marguerite d'Artois. Mariée au château du Séjour du Roy à Charenton, elle y habite jusqu'à sa mort. Ils eurent neuf enfants :


title: Château des Sforza

text: Le château des Sforza ("Castello Sforzesco" en italien), situé dans le centre-ville de Milan en Italie, est une forteresse construite au par Francesco Sforza, duc de Milan, sur les ruines d'une citadelle édifiée au même endroit par Galéas II Visconti. Il est aujourd'hui transformé en musée.


title: Château des Sforza

text: Une première forteresse, connue sous le nom de "Castello di Porta Giovia", fut édifiée par Galéas II Visconti au , plus par crainte de son frère, Barnabé, avec qui il s'était partagé Milan, que d'agressions extérieures. Un siècle plus tard, le règne de la dynastie des Visconti s‘interrompait avec la mort, le , de Philippe Marie Visconti. La République ambrosienne qui lui succéda décida de détruire la forteresse. C’est sur ses ruines que Francesco Sforza, devenu le nouveau duc de Milan, entreprit de construire le Castello Sforzesco, qui devint la résidence des ducs de Milan, en dépit de toutes le promesses faites aux Milanais de ne pas reconstruire ce qu'ils considéraient comme un symbole de la tyrannie. A l'époque où les chroniques mesurent la quantité de terres conquises au nombre de châteaux pris, ce nouvel édifice symbolise l'avènement d'une nouvelle dynastie.


title: Château des Sforza

text: Il s'agit d'un quadrilatère, entouré de douves, et flanqué, côté ville, de deux tours rondes, qui abritaient des citernes d'eau, et côté campagne (à l'époque) de deux tours carrées. Le château était divisé en deux parties, séparées par un fossé, le "fosso morto". Côté ville, un vaste champ de manœuvre auquel étaient adossées les casernes. Côté campagne, la cour ducale et la Rocchetta, forteresse à l’intérieur de la forteresse, où demeurait le duc. Le trésor ducal était conservé à l'intérieur d'une des deux tours carrées, la "Torre Castellana". L'architecte florentin le Filarète fut appelé à Milan pour construire la tour centrale, côté ville, la tour du Filarète. Elle servit à entreposer la poudre à canon, et fut détruite par une explosion en 1521. C'est seulement au début du , lors de la campagne de restauration menée par Luca Beltrami, qu'elle fut reconstruite.


title: Château des Sforza

text: Véritable ville dans la ville, il abrite la cour et de nombreux serviteurs et officiers avec ses cuisines, ses boulangeries, ses greniers, ses armureries, sa prison, ses quartiers pour les gardes, les bureaux du gouvernement, ses immenses halls de réception, ses petites pièces pour les audiences privées et les appartements du prince.


title: Château des Sforza

text: Ludovic le More employa quelques-uns des plus grands artistes alors présents à Milan pour embellir le château. Léonard de Vinci peignit l’enchevêtrement de troncs d'arbres de la "Sala delle Asse" (1496-1497), Bramantino, son "Argos" pour la Salle du Trésor (1490-1493) et Bramante conçut la "Ponticella di Ludovico il Moro", une passerelle couverte reliant les appartements du duc aux remparts extérieurs.


title: Château des Sforza

text: À la mort de Francesco II Sforza en , Milan passa sous domination espagnole. Une ligne de fortification en forme d’étoile fut construite autour du château. Elle fut détruite pendant l'occupation napoléonienne (1802-1814).


title: Château des Sforza

text: À partir de , le Château des Sforza servit de caserne aux troupes autrichiennes. Lors des cinq journées d'insurrection contre l'occupation autrichienne (18-), le général autrichien Radetzky ouvrit le feu sur les insurgés depuis le château.


title: Château des Sforza

text: Le , les autorités militaires rendirent le Château des Sforza à la Commune de Milan. Sa démolition fut envisagée, mais elle fut écartée grâce à l’intervention passionnée de Luca Beltrami. La restauration qu’il entreprit était destinée à faire du château un musée et une institution culturelle. Le fonds du musée était constitué de donations faites par de riches familles milanaises et du fonds communal.


title: Château des Sforza

text: Le château abrite aujourd'hui les "Musei Sforzeschi", dont le musée des instruments de musique, le musée de la sculpture et la pinacothèque. Grâce à la bibliothèque Trivulziana, c'est également un dépôt exceptionnel d'archives, de manuscrits et de livres.


title: Château des Sforza

text: Le rez-de-chaussée présent un ensemble de sculptures comprenant une "Déposition" de Guglielmo Della Porta, une "Allégorie" d'Agostino di Duccio, et surtout, la "Pietà Rondanini" de Michel-Ange, sa dernière œuvre, restée inachevée, acquise par le musée en 1952. On trouve aussi des œuvres marquantes à la fois pour leur valeur artistique et pour l’histoire de Milan :


title: Château des Sforza

text: La Pinacothèque occupe le premier étage. Elle donne un large aperçu des peintres de l’école lombarde, Bernardo Zenale, Bernardino Luini ("la Madone aux fleurs"), Bramantino ("Noli me tangere"). Cesare da Sesto, (six panneaux du polyptyque de San Rocco), Giampietrino, Vincenzo Foppa ("la Madone au livre") pour les peintres du début du , Giovanni Battista Crespi, dit Il Cerano ("l‘archange saint Michel"), Giulio Cesare Procaccini ("le martyre de sainte Agnès", "la Sainte Famille adorée des anges"), il Morazzone ("la Pentecôte") pour le .


title: Château des Sforza

text: Les peintres des autres écoles italiennes y sont également représentés, Lorenzo Veneziano, (La Résurrection du Christ), Filippo Lippi ("la Madone Trivulzio"), Carlo Crivelli ("Saint Barthélemy", "Saint Jean"), Antonello da Messina ("Saint Benoît"), Andrea Mantegna (le "Retable Trivulzio"), Lorenzo Lotto ("Portrait d'un jeune homme"), le Corrège ("la Vierge à l’Enfant avec saint Jean Baptiste"), Alessandro Magnasco ("le Marché"), Francesco Guardi (deux "Capricci").


title: Château des Sforza

text: Ces dernières années le musée a continué à enrichir ses collections. C’est ainsi qu’il a fait l’acquisition des deux tableaux de Canaletto, Le "môle vers la Zecca, avec la colonne San Teodoro", et "Le môle vers la rive degli Schianoni, avec la colonne Saint Marc", et en 1998 du "Palazzo dei Giureconsulti e il Broletto" de Bernardo Bellotto.


title: Château des Sforza

text: Ces collections, qui dépendent du musée archéologique de Milan dont le siège est situé au monastère maggiore di San Maurizio, se répartissent en deux ensembles :


title: Laura Harring

text: Laura Elena Herring , dite Laura Harring, est une actrice américano-mexicaine, née le à Los Mochis (Sinaloa) au Mexique.


title: Laura Harring

text: Elle débute dans le métier d'actrice dans les années 1980 sous différents pseudonymes : « Laura Elena Harring », « Laura Martínez Harring », « Laura Herring » ou « Laura Elena Herring » (ce dernier étant son nom de jeune fille).


title: Laura Harring

text: Sa participation à la série "Sunset Beach" dans le rôle de Paula Stevens lui accorde une notoriété limitée, mais c'est son rôle dans "Mulholland Drive" en 2001, sous la direction de David Lynch, qui lui permet d'avoir la reconnaissance de ses collègues et celle du public.


title: Laura Harring

text: En 1987, Laura Harring épouse le comte Carl-Eduard von Bismarck-Schönhausen, arrière-arrière-petit-fils d'Otto von Bismarck. Même si elle a divorcé de celui-ci en 1989, elle a gardé le titre de comtesse von Bismarck-Schönhausen.


title: Constante de temps

text: En physique, une constante de temps est une grandeur, homogène à un temps, caractérisant la rapidité de l'évolution d'une grandeur physique dans le temps , particulièrement lorsque cette évolution est exponentielle .


title: Constante de temps

text: La constante de temps est liée à l'étude de la réponse impulsionnelle d'un système. La durée nécessaire au retour à l'équilibre après la disparition d'une perturbation est appelée temps de relaxation.


title: Constante de temps

text: Si dans un système l'évolution temporelle d'une grandeur est exponentielle après un échelon de 1 à 0 intervenant au temps "t" = 0, sa valeur est par la suite


title: Constante de temps

text: On appelle "constante de temps" la grandeur "τ", de dimension homologue à un temps, qui caractérise le système. La valeur 0 est asymptote, c'est-à-dire qu'elle ne serait atteinte qu'au bout d'un temps infini.


title: Constante de temps

text: Un système de premier ordre réagit à une excitation en échelon (d'amplitude 100) comme suit (avec B=0 sur ce graphe) :


title: Constante de temps

text: On a représenté en bleu l'évolution de la donnée de sortie du système. En rouge, on a la tangente en formula_3.


title: Constante de temps

text: On emploie la constante de temps pour l'étude des systèmes susceptibles d'une réponse impulsionnelle et d'une réponse fréquentielle. La fréquence de coupure est égale à formula_5.


title: Constante de temps

text: Quand ce n'est pas le cas, on utilise le plus souvent une grandeur plus directement reliée à la décroissance exponentielle. On peut donner la proportion de décroissance par unité de temps, ou le temps nécessaire pour que la grandeur diminue d'une proportion donnée. Dans le cas de la décroissance radioactive, la convention est d'exprimer la décroissance de la concentration d'un isotope instable par la demi-vie, c'est-à-dire le temps nécessaire à la division par deux de la grandeur.


title: Constante de temps

text: On peut la mesurer graphiquement de deux façons différentes grâce à la courbe caractéristique du dipôle, de type exponentielle :


title: Constante de temps

text: Pour un signal d’entrée formula_11 fixé, les réponses en tension et en courant des circuits RC et RL ne dépendent que des paramètres respectifs formula_7 et formula_13 (représentant les constantes de temps des circuits). Où :


title: Constante de temps

text: La sortie atteint 99,3 % de sa valeur en régime permanent après 5"τ". Dans l'industrie, on utilise souvent le temps de réponse à 95 % qui correspond à une durée de 3"τ".


title: Monsieur Ibrahim et les Fleurs du Coran

text: Monsieur Ibrahim et les Fleurs du Coran est un récit de l’écrivain franco-belge Éric-Emmanuel Schmitt publié aux éditions Albin Michel qui relate une enfance dans les années 1960 à Paris, et le lien entre un épicier musulman et un adolescent juif. Il l’a écrit pour Bruno Abraham-Kremer, metteur en scène et comédien de la pièce à la création.


title: Monsieur Ibrahim et les Fleurs du Coran

text: "Monsieur Ibrahim et les Fleurs du Coran" est le récit autobiographique fictif de la vie d'un jeune Parisien, dont les parents se sont séparés et qui vit chez son père. L'auteur s’inspire de l'enfance de Bruno Abraham Kremer pour le personnage de Moïse, ainsi que de son propre grand-père pour M. Ibrahim, qui tient l'épicerie du coin. Le narrateur est Momo, devenu adulte, qui se remémore son enfance.


title: Monsieur Ibrahim et les Fleurs du Coran

text: En 1999, l'histoire est écrite pour Bruno Abraham-Kremer comme un volet de sa Trilogie de l'Invisible qui a pour sujet les religions. Elle paraît aux éditions Albin Michel en 2001, à l’occasion du Festival d’Avignon, et constitue le deuxième volume du Cycle de l'invisible d’Eric-Emmanuel Schmitt.


title: Monsieur Ibrahim et les Fleurs du Coran

text: Certains aspects de "Monsieur Ibrahim et les Fleurs du Coran" évoquent le roman "La Vie devant soi "de Romain Gary.


title: Monsieur Ibrahim et les Fleurs du Coran

text: En 2001 le monologue est interprété et mis en scène par Bruno Abraham-Kremer (plus de 600 représentations).


title: Monsieur Ibrahim et les Fleurs du Coran

text: En 2003, le récit a été adapté pour le cinéma par le réalisateur François Dupeyron. Omar Sharif a reçu le César du meilleur acteur en 2004 pour le rôle de monsieur Ibrahim. Voir : "Monsieur Ibrahim et les Fleurs du Coran".


title: Monsieur Ibrahim et les Fleurs du Coran

text: En 2004, ce récit connaît une édition visant le public scolaire français (classes de en collège et de lycée professionnel). En Allemagne, il est devenu un livre d'école, en français langue étrangère, dans une édition annotée pour le vocabulaire.


title: Monsieur Ibrahim et les Fleurs du Coran

text: En 2007, le récit a également fait l'objet d'une reprise théâtrale en Belgique avec Michel Kacelenenbogen.


title: Monsieur Ibrahim et les Fleurs du Coran

text: En 2012, Francis Lalanne interprète le monologue dans une mise en scène d'Anne Bourgeois au Théâtre Rive Gauche. Eric-Emmanuel Schmitt le remplace quelques soirs et interprète régulièrement ce rôle en France et à l'étranger jusqu'en 2019.


title: Patrick Huard

text: En 1997, Patrick Huard accepte de jouer le rôle de Ti-Guy dans "Les Boys". Ce rôle le positionnera par la suite devant plusieurs nouvelles opportunités dans le monde du cinéma. Il tourne d’ailleurs plus d’une dizaine de films entre 1997 et 2005, dont "J'en suis !", "La Vie après l’amour", "Nez rouge", "Sur le seuil", "Maman Last Call" et "Monica la Mitraille".


title: Patrick Huard

text: En 2005, il propose à la blague un film où deux policiers, l’un Ontarien, l’autre Québécois, doivent travailler ensemble pour résoudre une série de meurtres. Ce film, de façon indirecte, expose la confrontation entre les cultures anglophone et francophone vivant au Canada. Cette idée, superficielle au départ selon lui, parvient à intéresser plusieurs de ses collègues ; Érik Canuel réalise "Bon Cop, Bad Cop", et Patrick joue le rôle du policier québécois, alors que Colm Feore joue le policier ontarien Martin Ward. À ce jour, "Bon Cop, Bad Cop" a battu un record historique en devenant le film le plus populaire de l’histoire cinématographique canadienne avec des recettes aux alentours de de dollars canadiens.


title: Patrick Huard

text: Depuis, il a joué dans "Cadavres", "Funkytown", "Mommy", Omertà du scénariste et réalisateur Luc Dionne, "Starbuck" (le film québécois le plus populaire de l’année 2011, distribué dans plus de 20 pays). Omerta fait revivre la série télé culte, 11 ans après la diffusion de la . Huard a eu le bonheur de tourner, entre autres, avec Michel Côté, Rachelle Lefevre, Stéphane Rousseau et René Angelil.


title: Patrick Huard

text: À la télévision, il a tenu différents rôles – des bons, des méchants et même une Drag Queen – pour des séries telles "Music Hall", "Cover Girl", "Fortier", "Au nom de la Loi" et "Taxi 0-22" pour laquelle il a endossé, pendant 4 saisons, le rôle de Rogatien, son célèbre chauffeur de taxi irrévérencieux. Huard a d’ailleurs remporté le trophée Artis 2008 et 2009 dans la catégorie "Artiste d’émissions d'humour" pour ce rôle. Le public lui a également témoigné son affection en lui permettant deux fois de suite de remporter le trophée "Personnalité masculine de l’année" en 2009 et 2010. En 2012, en plus d’effectuer son retour sur scène, Huard a fait partie de l’émission Star Académie, à TVA. Après avoir marqué de son empreinte l’édition 2009 avec son exceptionnelle capacité à transmettre son savoir, il a retrouvé, avec plaisir, son poste de professeur d’interprétation de la populaire émission. Malgré le nombre de spectacles donnés à titre d’humoriste, il affirme qu’il est timide, surtout face à ses idoles. Par exemple, à quatre reprises, il a été incapable de s’adresser directement à Yvon Deschamps. En 2006, il commence le tournage de sa nouvelle série .


title: Patrick Huard

text: En août 2009 se tient "L’événement Patrick Huard 20/40", un spectacle hommage aux 20 ans de carrière de Patrick ainsi qu’à ses 40 ans de vie. Plusieurs artistes participent à ce spectacle, dont les humoristes Martin Matte et Stéphane Rousseau, les comédiennes Dominique Michel et Denise Filiatrault, le chanteur Éric Lapointe, et les chanteuses Diane Dufresne et Nicole Martin, venues toutes les deux pour interpréter une des chansons de leur immense répertoire, soit respectivement « » pour Diane Dufresne et pour Nicole Martin, deux titres que Huard a toujours beaucoup aimé. France Castel, Louise Richer et Guillaume Lemay-Thivierge sont aussi du spectacle.


title: Patrick Huard

text: Patrick Huard est aussi animateur. On l’a vu à la barre de plusieurs Galas Juste pour rire, le Gala de l’ADISQ, la Soirée des Jutra, une série d’humour à Radio-Canada et plusieurs émissions quotidiennes à la radio.


title: Patrick Huard

text: On le retrouve aussi de plus en plus fréquemment derrière la caméra. Il a produit et réalisé l’émission "Taxi 0-22" (les quatre saisons ont été diffusées à TVA), en plus de réaliser des vidéoclips, des publicités, un documentaire pour le Canal D, son premier long-métrage, "Les 3 P'tits Cochons" (le plus grand succès du Box Office québécois en 2007) et "Filière 13".


title: Patrick Huard

text: De plus, en collaboration avec Vidéotron et Sid Lee, Huard a mis sa grande créativité et sa polyvalence au service de la chaîne mobile Lib tv, dont il célèbre la première année d’existence cet été. Il en est l’ambassadeur, le directeur des programmes, le coproducteur (avec sa compagnie Jessie Films) en plus d’y travailler en tant que concepteur, réalisateur et acteur. Tribune par excellence des créateurs d’ici, Lib tv permet de repousser les limites de la création et d’expérimenter de nouveaux concepts.


title: Patrick Huard

text: En 1997, il a une fille, Jessie, avec la chanteuse Lynda Lemay. Il a été en couple avec Véronique Cloutier à la fin des années 1990 et au début des années 2000 ensuite avec Mahée Paiement. Il est marié depuis le avec la chanteuse Anik Jean avec qui il a eu un fils, Nathan.


title: Bell AH-1 Cobra

text: Le Bell AH-1 "Cobra", aussi appelé "HueyCobra", "Cobra", "SeaCobra", "Super Cobra", "Whiskey Cobra", "Zulu Cobra", "Viper" ou "Snake", en fonction du modèle, est un hélicoptère d'attaque conçu par Bell Helicopter Textron. Avant qu'il ne subisse plusieurs refontes, cet hélicoptère avait les mêmes moteur, transmission et rotor principal que le Bell UH-1 Iroquois. Cet hélicoptère n'est plus utilisé de nos jours dans l'"US Army" qui l'a remplacé par l'AH-64 Apache mais est encore utilisé dans l'"US Marine Corps" et dans quelques pays (voir les pays utilisateurs).


title: Bell AH-1 Cobra

text: L'AH-1 Cobra doit son développement au UH-1 Huey et à la guerre du Viêt Nam. En effet, lors des débarquements de troupes au sol par les hélicoptères, ces derniers ne pouvaient pas riposter aux attaques des Việt cong. Les premières tentatives pour régler ce problème furent réalisées en 1962, lorsque des "Hueys" armés escortèrent des H-21, mais les règles d'engagement empêchaient les tireurs d'ouvrir le feu les premiers.


title: Bell AH-1 Cobra

text: Pour régler ce problème, Bell prit l'initiative en 1962 de construire un hélicoptère sur mesure pour l'"US Army" pour la guerre du Viêt Nam.


title: Bell AH-1 Cobra

text: Cet hélicoptère avait pour rôle de protéger les troupes lors des débarquements, et d'être capable de se défendre seul contre les attaques ennemies. Il fut conçu autour d'un Sioux modèle 47 modifié, et pris le nom de . Il prit son premier envol en juillet 1963.


title: Bell AH-1 Cobra

text: Cet hélicoptère avait toutes les caractéristiques des hélicoptères modernes : équipage en tandem, ailettes pour les armes et une mitrailleuse montée à l'avant. Malgré cela, l'"US Army", après évaluation en 1964, estima que ce modèle était trop petit, pas assez sophistiqué et trop fragile.


title: Bell AH-1 Cobra

text: En réponse aux imperfections du Sioux, l'US Army lança une compétition dans le but de trouver un appareil plus adapté au combat. Cette compétition donna naissance au Lockheed AH-56 Cheyenne, un hélicoptère lourd, qui malheureusement s'avéra trop ambitieux, trop complexe et trop cher. Ce projet fut annulé en 1972, après dix ans de développement. Le programme Cheyenne permit néanmoins de développer des technologies novatrices et fit preuve de grandes capacités. S'il n'était pas conçu comme un hélicoptère d'attaque fonctionnel, il souligna tout de même l'importance cruciale pour ce genre d'engin de disposer d'un bon rapport entre vitesse, maniabilité et armement.


title: Bell AH-1 Cobra

text: Malgré la préférence de l'"US Army" pour le programme AAFSS, Bell développa seul son propre hélicoptère d'attaque avec la philosophie de la société, c'est-à-dire petit et léger. En janvier 1965, Bell investit 1 million de dollars US pour créer le nouvel hélicoptère. Le résultat fut le modèle 209, qui fusionnait la transmission, le système de rotor et le moteur Lycoming T53, tous issus du UH-1 Huey, et le concept innovant du "Sioux".


title: Bell AH-1 Cobra

text: Pendant ce temps au Viêt Nam, les évènements commençaient à rendre nécessaire le modèle 209, car les attaques contre les forces américaines augmentaient.


title: Bell AH-1 Cobra

text: Après l'échec du programme AAFSS, l´"US Army" se retrouvait dans la même situation qu'au départ. Elle lança un appel à cinq sociétés pour trouver une solution. Les réponses furent le Boeing-Vertol CH-47A, le Kaman UH-2, le Piasecki 16H Pathfinder, le Sikorsky S-61 et le Bell 209.


title: Bell AH-1 Cobra

text: Le , Bell présenta son prototype, qui fit son premier vol d'essai quatre jours plus tard, huit mois seulement après le lancement du projet.


title: Bell AH-1 Cobra

text: Le Bell 209 remporta l'appel d'offres de l'armée américaine et, en 1966, l'"US Army" signa un contrat pour une première production de 110 appareils.


title: Bell AH-1 Cobra

text: Le premier vol d'essai eut lieu le , et le premier AH-1G "HueyCobra" fut livré en juin 1967. Entre 1967 et février 1973, plus de machines furent construites pour l'armée américaine.


title: Bell AH-1 Cobra

text: Appelé au départ "AH-1H", le « A » pour « Attack » s'imposa rapidement et lorsque le UH-1D prit le nom de UH-1H, le "Huey Cobra" prit la dénomination de AH-1G.


title: Bell AH-1 Cobra

text: Deux raisons majeures font que le "Cobra" est encore en opération dans l'USMC (Corps des Marines). D'une part, sa maintenance est plus simple que celle de l'AH-64 Apache, d'autre part, il est moins large que l'AH-64 avec, pour les premières versions un fuselage de seulement de large (Eurocopter EC665 Tigre : ). Son étroitesse en fait une cible très difficile à toucher de face ou de dos par les canons antiaériens. Il est principalement utilisé contre des forces blindées.


title: Bell AH-1 Cobra

text: L'AH-1 "Cobra" fut utilisé lors de la guerre du Viêt Nam à partir d'août 1967, et notamment lors de l'offensive du Tết. À la fin de l’année 1968, 337 Cobras étaient en action sur ce théâtre des opérations. La version G a accumulé heures de vol sur ce théâtre d'opérations. Sur les AH-1G Cobra construit, il y eut environ 300 pertes au Vietnam, dont environ les deux tiers dans des accidents opérationnels. En 1980, près de 1080 Cobra étaient en parc dans l'US Army et l'USMC.


title: Bell AH-1 Cobra

text: Durant l'invasion de la Grenade, en 1983, les "Cobra" furent utilisés pour soutenir les "Marines" au sol.


title: Bell AH-1 Cobra

text: Durant l'opération Tempête du désert des "Cobra" et des "SeaCobra" étaient déployés, avec pour mission de soutenir les troupes au sol. Environ 78 d'entre eux ont participé à plus de sorties. Aucun appareil n'a été perdu au combat, le seul "Cobra" manquant à l'appel ayant été détruit lors d'un accident.


title: Bell AH-1 Cobra

text: L'armée de l'air israélienne a utilisé le "Cobra" lors de l'opération Paix en Galilée. Lors de cette opération, plus d'une douzaine de véhicules blindés ont été détruits, dont des T-72.


title: Bell AH-1 Cobra

text: Lors de la guerre Iran-Iraq, l'Iran a utilisé ses "SeaCobra" lors de combats aériens. Lors de ces combats, en 8 ans de guerre, 10 "SeaCobra" iraniens ont été abattus, et 6 Mi-24 irakiens ont subi le même sort. Le , deux MiG-23 des Forces aériennes soviétiques en détruisent deux lors de la guerre d'Afghanistan.


title: Bell AH-1 Cobra

text: L'AH-1 est encore utilisé dans des conflits modernes, comme en Irak, ou depuis août 2016, dans la Deuxième guerre civile libyenne. Il est aussi encore utilisé par les forces israéliennes, lors de leurs opérations.


title: Bell AH-1 Cobra

text: Après que l'armée américaine a vendu ses surplus de pièces détachées, de nombreux civils et sociétés privées les ont rachetées afin de reconstruire des machines en état de marche pour les tournages cinématographiques. Depuis, l'armée a détruit ses stocks afin d'éviter ce genre de marché.


title: Système traditionnel des noms espagnols

text: Les noms de personnes en Espagne comme dans la plupart des pays hispanophones se composent d'un prénom ("nombre") et de deux noms de famille ("apellidos"): traditionnellement le premier nom de famille du père (patronyme), suivi du premier de la mère, même si, en Espagne, la loi sur l'égalité des sexes de 1999, autorise désormais n'importe quel ordre. Dans un contexte informel, on utilise le plus souvent le prénom suivi du premier "apellido". Le nom au complet sert dans le cadre juridique, formel, et documentaire.


title: Système traditionnel des noms espagnols

text: En Espagne, les gens ont deux noms de famille, et un prénom — soit simple, comme "Juan" , ou composé, tel que "Juan Pablo" ; néanmoins, dans le prénom composé, "Pablo" n'est pas un deuxième prénom (concept inexistant en Espagne), mais fait bien partie du prénom "Juan Pablo". Traditionnellement, le premier nom de famille est le premier du père ("apellido paterno"), suivi du premier de la mère ("apellido materno"). Les lois contemporaines sur l'égalité des sexes permettent la transposition des composants du nom de famille, à condition que tous les enfants d'un même foyer soient nommés identiquement, nom qui sera inscrit dans le "Registro Civil" ; et là encore il existe des exceptions légales.


title: Système traditionnel des noms espagnols

text: Par conséquent, on parle de José Antonio Calderón Barras en tant que "Señor Calderón" (Monsieur Calderón), et non "Señor Barras", parce que "Calderón" est son nom paternel. Qui plus est, M. Calderón peut être cité comme (ⅰ) "José Antonio" (Joseph-Antoine), (ⅱ) "José", (ⅲ) "Pepe", (ⅳ) "Antonio", ou (ⅴ) "Toño". Parmi les anglophones, certains Espagnols adoptent le trait d’union pour lier les composants de leur nom de famille, pour éviter toute confusion, comme : M. José Antonio Calderón-Barras. À noter qu'un tel assemblage des noms de famille par le trait d’union, tel que le cas de "-Llanos", n’est pas une marque de noblesse.


title: Système traditionnel des noms espagnols

text: Les parents choisissent le prénom de leur enfant, qui doit être inscrit dans le "Registro Civil" pour établir son identité légale. Moyennant quelques restrictions, les parents peuvent choisir un prénom à leur guise, le plus souvent selon leur goût, ou en l'honneur d'un parent, ou choisi dans la liste des saints catholiques, ou de noms traditionnels de l'Espagne. La législation espagnole sous Francisco Franco avait limité la possibilité de nommage aux prénoms chrétiens et aux noms espagnols typiques (Antonio, Laura, etc.). De nos jours, la seule limitation qui reste est celle de la protection de la dignité de l'enfant, à qui ne peut être imposé un prénom qui le diminuerait auprès des autres, ni qui soit offensif au public. Par exemple, des limitations sur variantes d'hypocoristiques, familières, non reconnues en tant qu'un prénom, et sur ; toutefois, la loi actuelle 3/2007 : "Identidad de género" (« Identité du genre ») accepte désormais les diminutifs.


title: Système traditionnel des noms espagnols

text: Les filles catholiques étaient souvent prénommées "María", en l'honneur de la vierge Marie, et ajoutant en suffixe soit le nom d'un lieu saint ou d'un sanctuaire, soit d'un concept religieux, soit un vocable, à "María". Dans la vie de tous les jours, ces femmes omettent le préfixe nominal "Marie de la…", et se servent de la partie suffixe ("avocación") comme identité publique, sauf dans les affaires administratives, juridiques, et solennelles.


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text: Par conséquent, les filles qui portent les prénoms mariaux "" (Marie des Anges), "María del Pilar" (Marie du Pilier), et "María de la Luz" (Marie de la Lumière), se font souvent appeler "Ángeles" (Anges), ' (Pilier), et "Luz" (Lumière) ; cependant, toutes peuvent être appelées familièrement "María" (Marie) ; également, les parents peuvent baptiser une fille d'un simple “María” sans autre spécificité. De même, le prénom officiel d'un garçon peut inclure "María", lorsque précédé d'un nom masculin, comme José María Aznar (Joseph-Marie Aznar) ; à l'inverse, le prénom officiel d'une fille peut être "María José" (Marie-Joseph), ce qui devient familièrement "Marijosé" (Marie-Jo), en l'honneur de saint Joseph. Enfin, le prénom "María" est souvent abrégé en M. (José M. Aznar), Ma. (José Ma. Aznar), ou Mª (José Mª Morelos).


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text: Le "Registro Civil" enregistre officiellement l'identité d'un enfant en un prénom (simple ou composé) et les deux noms de famille ; toutefois, un enfant peut être baptisé de plusieurs prénoms, comme le fils de l'infante Elena, "Felipe Juan Froilán de Marichalar y de Borbón" ; cependant, de tels nommages sont généralement pratique royale et de noblesse, sans sanction légale.


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text: En Espagne, lors du mariage, la femme ne change pas ses noms pour prendre ceux de son mari, vu que la coutume espagnole ne connaît pas le concept de nom de jeune fille — ainsi, lorsque "Leocadia Blanco Álvarez" épouse "Pedro Pérez Montilla", elle conserve son nom original "Leocadia Blanco Álvarez". Dans le chapitre V de la du classique "Don Quixote" (1605, 1615), Teresa Panza aborde ce sujet en rappelant à son époux Sancho que l’on devrait s’adresser à elle comme "Teresa Cascajo", par son "patronyme", et non pas son "nom d’épouse", à savoir :


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text: Dans la transmission générationnelle des noms de famille, la préséance du nom paternel élimine par la suite le nom maternel de la lignée familiale. Toutefois, le droit contemporain assure l'égalité des sexes en permettant la transposition du nom de famille maternel à la première place, mais la majorité suit l'ordre traditionnel patronyme-matronyme. Ainsi, la fille et le fils d"'Ángela López Sáenz" et de "Tomás Portillo Blanco" pourraient être "Laura Portillo López" et "Pedro Portillo López", quoiqu'ils pourraient aussi se nommer "Laura López Portillo" et "Pedro López Portillo". Quel que soit le choix fait par la famille, tous leurs enfants doivent conserver le même ordre adopté au départ, une fois inscrit dans le Registre civil.


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text: La transmission du patronyme n'a pas toujours été la norme : jusqu'au milieu du , les sociétés hispanophones pratiquaient la transmission du matronyme, baptisaient les enfants du nom de famille maternel, et parfois, dotaient l'enfant du nom de famille d'un grand-parent (pourtant porté par aucun des deux parents) pour le prestige, ou dans un but intéressé, flattant la matriarche ou le patriarche dans l'espoir d'hériter de ses terres. Comme pour les noms catalans, la coutume espagnole inclut l'option de joindre les noms de famille avec la conjonction y (« et »), par exemple "José Ortega y Gasset" et "Tomás Portillo y Blanco", un usage aristocratique ancien ; les noms catalans utilisent i à la place de y.