title: Indicateur économique

text: L'Empreinte écologique est un indicateur visant à mesurer les pressions économiques sur l'environnement. L’empreinte écologique d’une population est la surface de la planète, exprimée en hectares, dont cette population dépend compte tenu de ce qu’elle consomme. Les principales surfaces concernées sont consacrées à l’agriculture, à la sylviculture, à la pêche, aux terrains construits et aux forêts capables de recycler les émissions de CO. Il s’agit d’un indicateur synthétique, qui « convertit » en surfaces utiles de multiples pressions humaines sur l’environnement, mais pas toutes.


title: Indicateur économique

text: On peut calculer cette empreinte pour une population allant d’un seul individu à celle de la planète, et par grands « postes » de la consommation. Par exemple, la consommation alimentaire annuelle moyenne d’un Français exige 1,6 hectare dans le monde ; son empreinte totale (alimentation, logement, transports, autres biens et services) est de 5,3 hectares. Pour un Américain, on obtient 9,7 hectares : le record du monde.


title: Indicateur économique

text: Or l’empreinte par personne « supportable » par la planète aujourd’hui, compte tenu des rythmes naturels de régénération des ressources était de 2,9 hectares en 1970, et elle ne cesse de diminuer sous l’effet de la progression de la population, de la régression des terres arables, des forêts, des ressources des zones de pêche, etc. Elle est passée à 2 hectares en 1990 et elle n’est plus que de 1,8 hectare en 2001. Si tous les habitants de la planète avaient le mode de vie des Américains, il faudrait 5,3 planètes pour y faire face. Si tous avaient le niveau de vie moyen des Français, il en faudrait près de trois.


title: Indicateur économique

text: De nombreux rapports ont déjà été produits, dont ceux particulièrement documentés et fiables du "Global environmental conservation organization" (soit le "World Wide Fund for Nature" ou WWF). Mais leurs conséquences sont limitées compte tenu de la faible visibilité dans la sphère publique de ce problème, ses conséquences négatives sur la vie quotidienne ne touchant pas encore vraiment les acteurs économiques, politiques et médiatiques dominants et les nations les plus favorisées même si leur empreinte écologique est pourtant de loin la plus importante. De ce fait, elles peuvent croire encore dans les bénéfices d’une croissance matérielle soutenue et indéfinie, les indicateurs des limites de notre planète matériellement finie étant difficiles à percevoir.


title: Indicateur économique

text: L'empreinte écologique est un indicateur abstrait et synthétique qui ne traduit qu'une faible part des conséquences du dérèglement du climat et des dégradations des écosystèmes. La comparaison de l'empreinte de l'Afrique et de l'Europe montre certes que les pays les plus pauvres ont encore, pour quelque temps, une empreinte écologique par personne très supportable par la planète, ce qui permet aux pays favorisés d'utiliser bien plus que leur surface. Ainsi, les dommages restent au faible niveau des premiers signes que nous observons actuellement. Selon le WWF, ce résultat traduit une dette écologique des pays riches par rapport aux pays pauvres : les premiers « empruntant » aux seconds d’énormes surfaces de ressources naturelles, terres arables, forêts, aux pays du Sud. Tout se passe comme s'ils y exportaient leur pollution, au moins celle qui ne connait pas de frontière, à commencer par celle des gaz à effet de serre.


title: Indicateur économique

text: Mais l'empreinte écologique est limitée car elle ne permet d'illustrer que très indirectement l'importance des conséquences du réchauffement climatique :


title: Indicateur économique

text: L'importance et la diversité de ces catastrophes à venir suggère qu'il faudrait compléter l'empreinte écologique par une batterie d'indicateurs d'inégalités économiques et sociales afin d'évaluer en quoi certaines populations plus pauvres sont davantage touchées par ce que les populations riches nomment les « aléas » climatiques. La moitié de la population mondiale vit ainsi dans des zones côtières qui risquent d'être submergées si le niveau des mers s’élevait d’un mètre, évolution possible pour le siècle à venir selon le Groupe d'experts intergouvernemental sur l'évolution du climat (GIEC) si les tendances actuelles persistent.


title: Mohammed Dib

text: Mohammed Dib (en ) né le à Tlemcen et mort le à La Celle-Saint-Cloud, est un écrivain algérien d'expression française, auteur de romans, de nouvelles, de poésie, de théâtre et de contes pour enfants.


title: Mohammed Dib

text: Mohammed Dib naît le dans une famille de la petite bourgeoisie tlemcénienne. Son père, comme l'écrivain plus tard, a exercé plusieurs métiers : commerçant, menuisier-ébéniste, courtier dans l'immobilier. Son grand-père et son grand-oncle paternels furent au début du siècle des maîtres de la musique arabo-andalouse de la ville, à la tête de leur propre orchestre.


title: Mohammed Dib

text: Selon le choix paternel, il fait ses études dans les écoles françaises, sans fréquenter l'école coranique.


title: Mohammed Dib

text: En 1931, son père décède alors que ses affaires ont périclité, laissant sa famille dans une situation précaire. Sans être autobiographiques, les premiers romans de l'écrivain porteront l'empreinte de cette période difficile. Il poursuit malgré tout sa scolarité au collège de Tlemcen, puis au lycée d'Oujda, au Maroc, où vit sa tante maternelle. C'est à cette époque qu'il commence à écrire, mais aussi à peindre.


title: Mohammed Dib

text: Au sortir du lycée, en 1938, Mohammed Dib occupe un poste d'instituteur pendant une année au lieu-dit Zoudj Beghal, situé dans une région aride à la frontière algéro-marocaine. Il reviendra sur cette expérience dans un chapitre de "Simorgh", « Incertaine enfance ».


title: Mohammed Dib

text: En 1940, il est requis civil au Génie militaire à Tlemcen puis, en 1942, interprète-rédacteur français-anglais au Service Prêt-Bail à Alger. De retour à Tlemcen en 1944, Mohammed Dib exerce, jusqu'en 1947, différents métiers : comptable, dessinateur et fabricant de tapis, précepteur.


title: Mohammed Dib

text: Il publie en 1946 — sous le nom de Diabi — un premier poème, « Été », dans la revue "Lettres", fondée à Genève pendant Seconde Guerre mondiale par Pierre Jean Jouve, puis en 1947, le poème « Véga » dans la revue "Forge" dirigée à Alger par Emmanuel Roblès.


title: Mohammed Dib

text: Il participe en 1948 aux Rencontres de Sidi Madani, organisées près de Blida par les Mouvements de Jeunesse et d'Éducation populaire. Il y fait la connaissance notamment d'Albert Camus, de Louis Guilloux, de Brice Parain, de Jean Cayrol (qui publiera ses premières œuvres au Seuil), de Jean Sénac (poète), avec lesquels il se liera d'amitié. Il a déjà écrit sous forme de nouvelles la plupart des textes qui lui serviront à élaborer ses premiers romans. Il effectue cette même année son premier voyage en France métropolitaine.


title: Mohammed Dib

text: De 1950 à 1952, Mohammed Dib vit à Alger et travaille comme journaliste à "Alger républicain", journal proche du Parti communiste algérien. Il fait des reportages sur les mouvements sociaux en Algérie, écrit des articles engagés sur les conditions de vie des Algériens sous domination coloniale, et des chroniques culturelles. Il a pour collègue Kateb Yacine. Dans le même temps, il publie des poèmes et des nouvelles dans les revues de ses amis Jean Sénac et Emmanuel Roblès.


title: Mohammed Dib

text: Il se marie à Alger en 1951 avec Colette Bellissant, la fille de son ami Roger Bellissant, un instituteur progressiste de Tlemcen.


title: Mohammed Dib

text: Après avoir quitté en 1952 "Alger républicain", Mohammed Dib fait un nouveau séjour en France alors que paraît aux Éditions du Seuil "La Grande Maison", premier volet de sa trilogie "Algérie". Malgré l'accueil réservé de la presse coloniale, ce premier roman est soutenu par la presse française, notamment par Louis Aragon et André Malraux. Les deux autres volets, "L'Incendie" et "Le Métier à tisser", paraissent en 1954, année du déclenchement de la guerre, et en 1957. Les trois romans témoignent de la misère des villes et des campagnes sous la colonisation française, des grèves des ouvriers agricoles, des revendications nationalistes naissantes.


title: Mohammed Dib

text: Il publie en 1956 son premier recueil de nouvelles, "Au Café", chez Gallimard, puis en 1958 aux éditions La Farandole, "Baba Fekrane", un album de contes pour enfants.


title: Mohammed Dib

text: Jusqu'à son départ d'Algérie en 1959, Mohammed Dib est employé dans la correspondance et la comptabilité commerciale. Arrivé en France, après un séjour en famille de quelques mois au Maroc pour un projet de film qui tourne court, il se fixe à Mougins, dans les Alpes-Maritimes, près de ses beaux-parents désormais retraités. Plusieurs voyages en Europe de l'Est.


title: Mohammed Dib

text: En 1961, paraît son premier recueil de poésie, "Ombre gardienne", préfacé par Aragon qui le soutient depuis les premiers romans, et avec lequel il a gardé des liens amicaux, publiant régulièrement dans Les Lettres françaises que dirige le célèbre poète français.


title: Mohammed Dib

text: Parution des romans "Qui se souvient de la mer" (1962) puis "Cours sur la rive sauvage" (1964), qui marquent un tournant de son écriture vers le fantastique et l'allégorique.


title: Mohammed Dib

text: Mohammed Dib s'installe en Région parisienne, à Meudon en 1964, puis à La Celle-Saint-Cloud en 1967. Son second recueil de nouvelles, "Le Talisman", paraît en 1966.


title: Mohammed Dib

text: Un nouveau cycle romanesque voit le jour avec "La Danse du roi" (1968), "Dieu en Barbarie" (1970) et "Le Maître de chasse" (1973) qui explorent le devenir de la société algérienne post-indépendance, avec les désillusions qui déjà apparaissent. En 1970, sort au Seuil son deuxième recueil de poésie, "Formulaires".


title: Mohammed Dib

text: En 1972, la télévision algérienne tire un feuilleton de douze épisodes des deux premiers romans de la trilogie « Algérie » sous le titre « El Harik » (l'incendie), interprété en arabe dialectal.


title: Mohammed Dib

text: À partir de 1975, il se rend régulièrement en Finlande où il collabore, avec Guillevic, à des traductions d'écrivains finlandais. Ses séjours lui inspireront une « trilogie nordique » publiée à partir de 1989 : "Les Terrasses d'Orsol", "Neiges de marbre", "Le Sommeil d'Ève", suite complétée en 1994 par "L'Infante maure".


title: Mohammed Dib

text: En alternance avec son travail de romancier, il publie des recueils de poèmes, "Omneros" en 1975, "Feu beau feu" en 1979, célébrations de l'amour et de l'érotisme.


title: Mohammed Dib

text: Sa pièce de théâtre, "Mille hourras pour une gueuse" (1980), la seule éditée, est présentée au Festival d'Avignon en 1977. Mohammed Dib en reprendra les personnages dans le roman "La Danse du roi" (1968), postérieur à la pièce mais paru bien auparavant.


title: Mohammed Dib

text: De 1983 à 1986, Mohammed Dib est professeur associé au Centre international d'études francophones de la Sorbonne (Paris). Il y enseigne l'écriture littéraire.


title: Mohammed Dib

text: Son œuvre continue à s'enrichir de nouveaux titres dans les différents genres auxquels s’est adonné l’écrivain tout au long de son travail littéraire : poésie, romans, nouvelles, essais, contes. L’inspiration de Mohammed Dib se renouvelle jusqu’au terme de son parcours : l’année de sa disparition, "Simorgh", un ouvrage mêlant nouvelles, pensées et courts essais, est publié chez Albin Michel, et "L. A. Trip", roman en vers inspiré par son séjour californien en 1974, chez La Différence.


title: Mohammed Dib

text: Mohammed Dib a reçu de nombreuses récompenses pour son œuvre, notamment le prix Fénéon en 1953 pour son premier roman "La Grande maison", le prix René Laporte en 1962 pour le recueil de poésie "Ombre gardienne", le prix de l’Association des Écrivains de Langue Française en 1977 pour le roman "Habel", et plusieurs prix de l'Académie française pour la poésie ou les romans. En 1994, il reçoit le Grand Prix de la Francophonie décerné par l'Académie française, attribué pour la première fois à un écrivain maghrébin ; en 1998, le prix Mallarmé est attribué à son recueil de poésie "L'Enfant jazz" et le Grand Prix du Roman de la Ville de Paris à l'ensemble de son œuvre romanesque ; en 2001, le Prix des Découvreurs de la Ville de Boulogne/Mer récompense l'ensemble de son œuvre poétique.


title: Mohammed Dib

text: « Cet homme d'un pays qui n'a rien à voir avec les arbres de ma fenêtre parle avec les mots de Villon et de Péguy ».


title: Mohammed Dib

text: « C'est l'écrivain de la précision dans les termes, de la retenue et de la réflexion. L'air qu'il fait entendre sur son clavecin est une musique intérieure qui parle au cœur. Écrivant en français, sans complexe et assumant sa double culture, l'auteur ne se livre pas purement et simplement au lecteur. Sa création littéraire demande souvent plusieurs lectures pour pénétrer jusqu'au sens. »


title: Mohammed Dib

text: « L'œuvre littéraire de Mohammed Dib, commencée à la fin des années dix neuf cent quarante, est aujourd'hui la plus importante de la production algérienne en langue française. Selon Naget Khadda, elle est aussi celle qui manifeste un renouvellement constant des formes et des thèmes en même temps qu'une grande continuité et une indéniable unité. ».


title: Mohammed Dib

text: Colette Dib, épouse de Mohammed Dib, a donné à la Bibliothèque nationale de France un fonds d'archives que son époux a laissé à sa mort à la Celle-Saint-Cloud. Ce fonds contient une grande partie des œuvres de l'écrivain, mais non celles du début de sa carrière. Il se compose de 30 volumes et de 41 boites d'archives, en bon état général, lisible. Ce fonds est accessible aux personnes accréditées.


title: Plaine du Pô

text: La plaine du Pô est une région naturelle située en Italie septentrionale. C'est une zone rendue particulièrement fertile par la présence du fleuve Pô et de ses multiples affluents. Le Pô se termine par un delta en mer Adriatique.


title: Plaine du Pô

text: Le toponyme « Plaine du Pô » ("Val Padana" ou "Pianura Padana" ou "Pianura del Pò" ou "Padania" en italien), désigne une région géographique de l'Italie septentrionale qui coïncide avec le bassin hydrographique du fleuve Pô et du delta du Pô, et couvre une partie importante des régions administratives du Piémont, de Lombardie, d'Émilie-Romagne et de Vénétie. Souvent utilisé comme synonyme de « plaine padane » ou « basse plaine ».


title: Plaine du Pô

text: La « Plaine du Pô » est à différencier du « bassin du Pô » qui, lui, comprend en plus les régions autonomes du val d'Aoste et du Trentin.


title: Plaine du Pô

text: Sa superficie, près de , s’étend sur un tiers environ (33,5) du territoire national, comprend 36 provinces, communes et 4 régions : Piémont, Lombardie, Vénétie, Émilie-Romagne.


title: Plaine du Pô

text: La Plaine du Pô est une vaste plaine du Nord de l’Italie. Elle s’étend des Alpes occidentales jusqu’à la Mer Adriatique. On y trouve les grandes villes de Turin (limite Ouest), Milan, Pavie, Parme, Modène, Rovereto (limite Nord), Vérone, Bologne, Padoue, Ravenne, Rimini (limite Sud), Venise, Vicence, Trévise, Udine et entre autres Trieste (limite Est) qui peut également être considérée comme étant une ville des Balkans.


title: Plaine du Pô

text: Étant située à l'intérieur du continent européen, la plaine du Pô est sujette à un climat continental humide à été chaud, codé « Cfa » selon la classification de Köppen avec des caractéristiques climatiques comparables aux villes de Washington, D.C. ou encore Baltimore aux États-Unis même si ces dernières ont des étés encore plus chauds et étouffants.


title: Plaine du Pô

text: La plaine est concernée par une humidité marquée tout au long de l'année avec des hivers froids et brumeux et des étés chauds voire très chauds et orageux.


title: Plaine du Pô

text: Voici un aperçu des normales saisonnières de la ville de Crémone, en plein milieu de la plaine du Pô.


title: Plaine du Pô

text: La plaine du Pô occupe une bonne partie de l'Italie septentrionale, des Alpes occidentales à la mer Adriatique, elle a la forme d'un triangle d’une superficie de ; la longueur la plus grande avoisine les , la largeur moyenne varie de 80 à et augmente progressivement vers la mer, avec un front de . Presque au centre de la ligne côtière débute le delta du Pô. Les côtes sont basses et sablonneuses.


title: Plaine du Pô

text: Le Pô, "Bodinens" en celte, "Eridan" en grec et "Padus" en latin, d’où dérive l'adjectif de la "plaine padane" traverse la plaine d’ouest en est.


title: Plaine du Pô

text: Les cours d'eau en descendant des montagnes entraînaient d’énormes quantités d'alluvions. Ceux-ci se déposèrent et s'accumulèrent sur le fond de la mer, jusqu'à combler ce qui, 5 millions d’années auparavant, était un grand golfe de la mer Adriatique. Le Pô charrie plus de d’eau à la seconde en arrivant à Ferrare (début du delta du Pô). Le processus d'ensablement, lent mais inexorable, continue depuis des millions d'années.


title: Plaine du Pô

text: Le delta du Pô () continue d'avancer chaque année vers l'Adriatique, même si un tel processus est contrarié par la présence de barrages qui retiennent les alluvions des fleuves. , il était recouvert de forêts dans sa partie plus humide (de la basse plaine) et de bruyères dans celle plus aride (haute plaine). Les limons et sédiments fluviaux accumulés depuis des millénaires ont rendu les terres très fertiles, avec la présence dans le sous-sol de la région de Ravenne, y compris au large des côtes, d’importantes nappes de gaz naturel (méthane découvert en 1949 par Enrico Mattei, puis du pétrole).


title: Plaine du Pô

text: De fait, il constitue tout un ensemble avec : au nord-est, la plaine vénitienne, dite « plaine du Pô vénitien », d'origine alluviale créée par l'Adige ; au sud, la petite plaine romagnole, également d'origine alluviale, qui est due aux cours d'eau qui se jettent dans la mer Adriatique, à partir du Montone et les suivants en allant vers l’est.


title: Plaine du Pô

text: Ces deux zones diffèrent nettement non seulement par l'altitude, mais aussi par la nature des sols, le régime des eaux et la végétation.


title: Plaine du Pô

text: Cette zone qui comprend les territoires de la "Bassa padana" et de la "Bassa parmense" s’étend depuis le Taro, dans la province de Parme, à l’ouest, jusqu’à la côte Adriatique à l'est, est limitée au nord par le Pô et l’Adige, au sud par les Apennins et représente la Romagne (partie de l’Émile-Romagne), ancienne contrée des États pontificaux jusqu’au Risorgimento.


title: Plaine du Pô

text: Les débordements du Pô, des rivières et des torrents qui ravinent depuis les Apennins, ont rendu marécageux toute la zone, antiquement nommée Valle Padusa (de "Padus", nom romain du Pô). Puis, peu à peu (en un million d’années), les alluvions et les sédiments ont comblé naturellement une partie en fertilisant les sols. Les Romains ont joué un rôle important dans l’assainissement des terres en créant la Via Emilia, en creusant des canaux de drainage et pratiquant la « centuriation » et les grands centres urbains de Forlimpopoli, Forlì, Imola, Reggio Emilia, Césène, Faenza et Fidenza.


title: Plaine du Pô

text: La centuriation romaine est une technique d'arpentage qui a été employée par les Romains en général pour affecter des terres à des colons. Conjointement, des travaux hydrauliques (construction de fossés) et de desserte (construction de routes et chemins d'accès) étaient réalisés.


title: Plaine du Pô

text: Il est remarquable de constater que, plus de 2000 ans plus tard, ces formes perdurent, au moins en partie, dans le tracé des fossés, des haies et des routes actuels. Les réseaux de centuriation sont des vestiges archéologiques au même titre que d'autres restes bâtis ou inscriptions.


title: Plaine du Pô

text: Le quadrillage réalisé par les arpenteurs romains s'affranchit des implantations et infrastructures préexistantes. La forme, générée à l'aide de l'instrument de mesure appelé "groma", est basée sur des axes orthogonaux. Leur orientation est variable (en Romagne, le plus souvent 29°E par rapport au Nord géographique). Sur les lignes principales sont construites des routes bordées de fossés.


title: Plaine du Pô

text: La carte ci-contre (IGM 1/25000 début ) représente la division romaine de terres qui se situent entre les villes de Cervia et de Césène. Aujourd'hui, ces parcelles ont été fusionnées en propriétés plus importantes, mais les routes et les fossés existent toujours.


title: Plaine du Pô

text: Le niveau du sol et la pente influent sur l’écoulement des eaux dans les zones agricoles. Bologne, située à (à vol d'oiseau) de la mer, n'est qu'à d’altitude. Ferrare à , Ravenne à (aujourd’hui) et Comacchio à (en moyenne).


title: Plaine du Pô

text: En Lombardie, dans le Piémont, en Émilie-Romagne ; pour les plus grands producteurs, mais aussi sur tout le territoire pour des productions locales.


title: Plaine du Pô

text: Situées principalement dans la région du Piémont et in province de Pavie, les rizières couvrent la majorité des surfaces cultivables. L’agencement des rizières, dessinée par Léonard de Vinci, permet une exploitation intensive du riz avec quelque producteurs de riz sur hectares et une production annuelle de tonnes, soit 30 % de la production européenne. Le voyageur qui traverse la région par l’autoroute de Novare à Gênes ou Turin-Savone, pourra constater l’étendue de ces cultures.


title: Plaine du Pô

text: Plus de kilomètres d’autoroutes, dont certaines à deux fois quatre voies (Milan-Bergame, Modène-Bologne). Les plus anciennes, construites avant guerre par Mussolini, reliaient Milan au lac Majeur ( à Sesto Calende), aux lacs de Côme et de Garde pour des besoins de prestige politique de Mussolini et pour joindre entre eux les grands centres industriels de Milan, Bologne, Turin, Venise, Trieste. Puis pour répondre au trafic croissant dû au tourisme, le réseau s’est développé dans tous les sens. Développement par des entreprises privées, pour les autoroutes payantes, et par l’État pour les autoroutes gratuites.


title: Plaine du Pô

text: L'Italie développe un réseau de train à grande vitesse reliant les principales villes du pays. les lignes forment une sorte de « T » reliant les villes de Turin - Milan - Venise et Milan - Bologne - Florence - Rome - Naples. La ligne Milan-Gênes est en phase d'études définitives.


title: Plaine du Pô

text: Le tunnel du Fréjus, actuellement en construction, devrait relier Lyon à Turin d'ici 2016 et permettra un désenclavement de l'Italie au reste du réseau européen à grande vitesse.


title: Plaine du Pô

text: La plaine du Pô est une des régions les plus densément peuplées d'Europe. Les trois-quarts de l'activité économique de l'Italie s'y sont développés avec les conséquences que cela implique pour l'environnement.


title: Plaine du Pô

text: Il y a notamment les problèmes posés par les eaux du Pô et de ses affluents, chargés de la pollution urbaine et de la pollution issue de l’agriculture (nitrate, lisier...). Ces pollutions, en arrivant dans le delta du Pô, favorisent le développement d’algues (algues brunes).


title: Plaine du Pô

text: 1986, l'année de l'algue brune fut un coup terrible pour l'environnement et l'économie touristique de la côte Adriatique, de Venise à Ancône. Depuis cette catastrophe, les autorités ont drastiquement réduit l'utilisation des pesticides et autres produits chimiques, et les nouvelles normes environnementales européennes pour l'industrie ont réduit les effets catastrophiques.


title: Plaine du Pô

text: Problèmes également dans les grands ports maritimes comme Ravenne ou Venise, où la raffinerie de Mestre joue un grand rôle dans la pollution et l'envasement de la lagune.


title: Plaine du Pô

text: Le parc naturel du Pô est le seul en Europe à protéger dans son intégralité et sur toute sa longueur un fleuve de cette taille. Les affluents les plus importants, par exemple le Tessin, sont eux aussi inclus dans ce parc. Le reboisement des berges et la destruction des digues permettent au fleuve de se développer naturellement et d'abriter aujourd'hui une faune très variée.


title: Plaine du Pô

text: La plaine du Pô est très exposée à la pollution. Des villes comme Milan, Turin et Padoue affichent des taux de pollution de l'air bien supérieurs aux taux européens autorisés.


title: Plaine du Pô

text: La plaine du Pô est considérée la pire région d'Europe pour la qualité de l'air. En mars 2019, l'Agence spatiale européenne (ESA) a publié des images prises à partir de leurs satellites. Ces images montrent une grande tache, faite de dioxyde d'azote et de particules fines, située au-dessus de la région de la plaine du Pô, qui comprend la ville de Milan, Turin et Bologne. Milan et Turin partagent des niveaux élevés d'ozone et d'oxydes d'azote, qui sont principalement produits par les moteurs diesel et essence des voitures. La grande tache analysée par l'ESA est la principale raison pour laquelle les niveaux de pollution de l'air dans la plaine du Pô sont si élevés qu'il est aujourd'hui considéré comme la pire région d'Europe pour la qualité de l'air. Pour faire la lumière sur le danger pour les humains de vivre dans des environnements pollués, le Chicago Energy Policy Institute a récemment développé l'Air Quality Life Index (AQLI), un système capable d'analyser la pollution de l'air dans le monde entier. Selon les résultats de l'AQLI, la pollution de l'air dans la vallée du Pô affecte si durement les habitants qu'elle coupe environ une demi-année de leur espérance de vie. Les principales raisons pour lesquelles il y a une grande tache de pollution atmosphérique dans la plaine du Pô sont strictement liées au bétail et aux usines. Les soi-disant « engrais NPK », composés d'azote, de phosphore et de potassium, ainsi que les émissions de fumier provenant de l'élevage intensif et les niveaux élevés de dioxyde d'azote libéré par les moteurs diesel et essence sont tous responsables de cette condition d'air désastreuse dans le nord de l'Italie. La région de Lombardie produit également de grandes quantités de déchets animaux, un grand contributeur à la pollution. Elle fournit plus de 40 pour cent de la production laitière italienne, par exemple, tandis que plus de la moitié de la production porcine italienne est située dans la vallée du Pô. [21]


title: Plaine du Pô

text: Selon une étude publiée dans The Lancet Planetary Health en janvier 2021, qui estime le taux de mortalité associé à la pollution par les particules fines (PM2,5) et le dioxyde d'azote (NO2) dans 1000 villes européennes, Brescia et Bergame en Lombardie ont le taux de mortalité par particules fines (PM2,5) le plus élevé d'Europe. Vicenza (Vénétie) et Saronno (Lombardie) occupent respectivement la quatrième et la huitième place dans un top dix sur dix villes. Turin et Milan sont également en tête du classement européen - respectivement et - en termes de mortalité accrue due au dioxyde d'azote, un gaz qui provient principalement du trafic et en particulier des véhicules diesel, tandis que Vérone, Trévise, Padoue, Côme et Venise se classe respectivement onzième, quatorzième, quinzième, dix-septième et vingt-troisième.


title: Plaine du Pô

text: Les données montrent que de nombreuses villes de la vallée du Pô subissent l'impact le plus grave au niveau européen en raison de la mauvaise qualité de l'air, tout d'abord la zone métropolitaine de Milan, treizième du classement en termes d'impact des particules fines, où chaque année prématurés - environ 9 % du total.


title: Plaine du Pô

text: Plages larges de sable fin, surtout dans la zone Rimini à Ravenne avec peu de fond ( d’eau à du rivage). Plages plus étroites et sable plus grossier dans la zone Ravenne à Venise.


title: Lundi

text: Le lundi est le jour de la semaine qui succède au dimanche et qui précède le mardi. Traditionnellement le deuxième jour de la semaine, il est considéré comme le premier jour de la semaine par la numérotation ISO depuis 1988.


title: Lundi

text: En français, comme dans la plupart des langues romanes, le mot « lundi » est issu du latin "lunae dies" signifiant « jour de la Lune ». Ainsi dit-on ' en italien, ' en espagnol (castillan), "luni" en roumain, avec inversion des mots : ' en catalan, ' en occitan, mais "segunda-feira" en portugais.


title: Lundi

text: Les langues celtiques ont parfois emprunté cette appellation au latin : gallois "Dydd Llun", vieux breton et locutions "Dez Lun", breton "Lun" (un lundi & durée) ou "Lunvezh" (contenu), irlandais "Dé Luain", etc.


title: Lundi

text: Dans les langues germaniques, il est apparenté à Máni, le dieu germanique (nordique) de la Lune, dieu masculin (d'où le genre masculin du mot "Mond" « lune »). On a ainsi en islandais "Manudagur", forgé sur le vieux norrois "máni" « lune » ; en anglais ' forgé sur le vieil anglais "mōna" > ' ; en néerlandais ', forgé sur ' (féminin dans cette langue), en allemand "" forgé sur le vieux haut allemand "māno" > "Mond" « lune », etc. Ils procèdent tous d'un germanique commun "*mænan-", probablement apparenté au nom du mois "*mænōÞ" > islandais "mánuð", anglais "month", allemand "Monat", etc. Le mot germanique désignant le mois est apparenté au latin "mensis" > mois, gaulois "*mids", gallois "mis", breton "miz", irlandais "mi" « mois ». Même relation entre le grec "meis, men" « mois » et "mene" « lune ». Ils remontent tous à une base indo-européenne "*mē" que l'on retrouve dans le mot « mesure » en français, la lune étant considérée comme la mesure du temps.


title: Lundi

text: En Asie, plusieurs langues expriment le lundi comme « le premier jour ». En chinois par exemple, il est nommé "xingqi yi", ce qui signifie « jour 1 de la semaine ».


title: Lundi

text: Au Japon, il s'écrit 月曜日 ("getsuyoubi"), mais la prononciation courante du premier kanji 月 est "tsuki", et il a pour sens la lune.


title: Lundi

text: Au contraire, en arabe, arménien, géorgien, grec, hébreu, persan, portugais et vietnamien, la traduction littérale du terme désignant le lundi est « deuxième jour ».


title: Lundi

text: Actuellement, beaucoup de cultures considèrent le lundi comme le début de la semaine travaillée, juste après le week-end.


title: Lundi

text: Dans la plupart des pays d'Europe, en Australie, en et dans certains pays d'Afrique et d'Asie, le lundi est considéré comme le premier jour ouvrable de la semaine. La norme ISO 8601 considère également que la semaine débute par le lundi.


title: Lundi

text: Dans d'autres endroits, le lundi est considéré comme le deuxième jour de la semaine. C'est le cas au Royaume-Uni, au Canada, aux États-Unis, en Amérique du Sud et au Japon.


title: Lundi

text: Les pays du Moyen-Orient débutent la semaine de travail le samedi, Israël le dimanche (he : "yom rishon", Premier jour [de la semaine]).


title: Nom (grammaire)

text: En grammaire, le nom, également appelé substantif, est une des principales natures de mots dans lesquelles se classent les lemmes (unités autonomes du lexique) d'une langue. Les noms forment une classe ouverte qui peut librement s'enrichir de nouveaux mots. Comme les autres natures de mots, le nom peut être défini à la fois sur des critères sémantiques, morphologiques et syntaxiques, à des degrés divers suivant les langues et les théories linguistiques.


title: Nom (grammaire)

text: D'un point de vue sémantique, les noms désignent le plus typiquement des entités en soi, indépendamment de la temporalité. Il peut s'agir d'êtres ("fille", "maçon", "chat", "arbre"...), de choses ("maison", "pierre", "feu", "livre"...), de sensations ("lumière", "peur", "musique", "goût"...), de notions ("force", "idée", "âge", "style"...), etc.


title: Nom (grammaire)

text: L'opération de dérivation lexicale qui consiste à transformer en nom un lemme d'une autre nature s'appelle la "nominalisation" ou "substantivation". Une dérivation qui part d'un nom produit à son tour un "dénominal" ou "dénominatif".


title: Nom (grammaire)

text: Le terme de « nom » a eu, au cours de l’histoire, un sens plus large, ce terme ayant désigné aussi bien les substantifs que les adjectifs. On a ainsi parlé de « noms substantifs » et de « noms adjectifs ». Cependant, cette terminologie n’est plus vraiment en usage actuellement.


title: Nom (grammaire)

text: À l'instar des autres mots pleins (adjectif, verbe et adverbe), le nom produit du sens, mais c'est en outre la seule catégorie (à l'exception toutefois de certains pronoms et de certains adverbes) à pouvoir être associée à un référent (ou référence), c'est-à-dire, à un objet de la réalité extralinguistique.


title: Nom (grammaire)

text: C'est pour cette raison que le nom est également appelé "substantif", puisqu'il désigne la substance des personnes, des animaux, des choses, mais également, des idées, des sentiments, des qualités, des actions, etc. à laquelle le discours fait référence.


title: Nom (grammaire)

text: Pour que la fonction référentielle du nom soit effective, il faut généralement que le nom soit actualisé par un déterminant, faute de quoi, il reste "virtuel". Tel est le cas, par exemple, des noms se trouvant dans le dictionnaire. Les linguistes ont d'ailleurs coutume de dire à ce propos « "qu'il n'y a pas de référent dans le dictionnaire" ».


title: Nom (grammaire)

text: Analysons par exemple le statut du nom « "biscuit" » dans les deux syntagmes suivants, « "une boîte à biscuits" » et « "une boîte pour mes biscuits" ». Ce nom est "virtuel" dans le premier syntagme : en effet, le nom « "biscuit" » ne possédant pas de déterminant, on ne peut donc l'identifier puisqu'il n'a pas de référent propre. Au contraire, ce même nom est "actuel" dans le second syntagme : en effet, le nom « "biscuit" » étant alors précédé du déterminant « "mes" », on peut à présent l'identifier puisqu'il possède son référent propre, distinct de celui du nom « "boîte" » (par exemple, il s'agit peut-être des biscuits que j'ai achetés ce matin au supermarché…).


title: Nom (grammaire)

text: La figure de style appelée antonomase permet d'employer des noms propres comme des noms communs, ou, à l'inverse, des noms communs pour des noms propres.


title: Nom (grammaire)

text: Les noms sont généralement catégorisés en fonction de critères sémantiques, syntaxiques ou morphologiques, et sont ainsi associés à des classes nominales. Il ressort de ces catégorisations un certain nombre d'oppositions, souvent canoniques : « noms masculins », « noms féminins » et « noms neutres », « noms massifs » et « noms comptables », « noms concrets » et « noms abstraits », « noms animés » et « noms inanimés », etc.


title: Nom (grammaire)

text: Certains noms peuvent avoir des propriétés liées au sexe de la réalité qu’il représentent. Ils définissent alors un genre grammatical. Cependant, cette notion est surtout grammaticale. En effet, d’une part, la répartition des genres, masculin, féminin et neutre, ne correspond pas toujours à des critères sémantiques, et peut, de ce fait, être perçue comme arbitraire dans de nombreux cas. D’autre part, dans certaines langues, comme en polonais et en slovène, d’autres distinctions peuvent être prises en compte pour la définition des genres, si bien que la distinction entre « classe grammaticale » et « genre » est même parfois contestée.


title: Nom (grammaire)

text: En français, certains noms communs, comme "lait" ou "acier", s'utilisent le plus souvent au singulier, tandis que d’autres, comme "chat" et "ensemble", s'utilisent aussi bien au singulier qu'au pluriel. De plus, les noms comme "lait" peuvent être précédés par les déterminants comme "du" et "un peu de", mais plus difficilement par "chaque", "des", "plusieurs" ou un nombre (sauf dans certains emplois, quand on veut parler de plusieurs types de laits, ou de commandes à un bar, par exemple). Les noms comme "chat", au contraire, peuvent être utilisés aussi bien avec les déterminants comme "des" ou "plusieurs" qu’avec les nombres ; mais ils sont plus difficilement combinables avec "du" ou "un peu de". Ces noms ont été respectivement appelés noms massifs et noms comptables.


title: Nom (grammaire)

text: Dans de nombreuses langues, notamment les langues romanes et germaniques, l’on peut de même identifier deux sous-classes morpho-syntaxiques de noms communs, celle des noms ayant un nombre grammatical invariable et celle des noms admettant le singulier et le pluriel.


title: Nom (grammaire)

text: Un nom concret désigne toute substance pouvant être perçue par l'un de nos cinq sens (vue, ouïe, odorat, goût et toucher) : La maison, une fleur, le chat, un ami, l'odeur, une musique, la saveur, le froid…


title: Nom (grammaire)

text: Un nom abstrait désigne toute substance réelle ou figurée qui ne tombe pas sous nos sens et que seules nos "facultés cérébrales" peuvent appréhender : l'habitat, une floraison, l'amitié, un courage, la sagesse, la musicalité, l'admiration…


title: Nom (grammaire)

text: Diverses langues distinguent grammaticalement les objets animés et inanimés. La distinction peut aussi s'opérer entre « humain » et « non humain ».


title: Nom (grammaire)

text: Un nom animé désigne un être vivant, humain, animal, ou assimilé, réel ou imaginaire. Seul un nom concret peut désigner un animé (personne, animal, être surnaturel, dieu…) : Charlemagne, un fermier, un renard, un lutin, une licorne, les lares, Neptune…


title: Nom (grammaire)

text: Un nom inanimé désigne soit une chose concrète, soit une idée abstraite. Naturellement, les noms abstraits sont tous des inanimés : la paresse, la bonté, le courage, la course…


title: Nom (grammaire)

text: Un nom individuel désigne un référent unique : une personne, une brebis, la pierre, un euro, l'étoile, le client, un employé, un outil…


title: Nom (grammaire)

text: Un nom collectif, quoique singulier, désigne un ensemble de référents : une foule, un groupe, un tas, un million, une infinité, la clientèle, le personnel, le mobilier…


title: Nom (grammaire)

text: Dans certains cas, un nom collectif employé avec un complément de nom, peut servir de déterminant indéfini, plus précisément, de quantificateur nominal : un troupeau de brebis.


title: Nom (grammaire)

text: Dans ce syntagme nominal, on peut considérer que le noyau est, soit le nom « troupeau », complété par « brebis » (complément de nom), soit le nom « brebis », déterminé par « un troupeau de », adjectif indéfini ou quantificateur. Selon le noyau pris en considération, l'accord du verbe sera modifié en conséquence : Une multitude d'oiseaux le ciel. / Une multitude d'oiseaux le ciel.


title: Nom (grammaire)

text: Un nom peut être constitué uniquement d’un lexème, mais également, selon un procédé de formation des mots, à partir de mots de natures diverses, notamment par dérivation. Des noms peuvent ainsi être formés, par exemple :


title: Nom (grammaire)

text: Un nom simple, par opposition aux noms composés, obtenus par composition, est un nom constitué uniquement d’un item lexical ou bien dérivé d’un item lexical par un autre procédé que la composition (par exemple, par conversion ou par construction).


title: Nom (grammaire)

text: Un nom composé peut être constitué de mots réunis au moyen de trait d'union ou d'apostrophe : abat-jour, arc-en-ciel, chef-d'œuvre, cure-dent, tout-à-l'égout, presqu'île…


title: Nom (grammaire)

text: Un nom composé unifié est constitué de mots soudés (ou agglutinés), c'est-à-dire, réunis sans espace ni trait d'union : bonhomme, monsieur, passeport, portefeuille, contrevent, vaurien…


title: Nom (grammaire)

text: Dans certaines langues, appelées langues flexionnelles, les noms peuvent comporter des marques de flexion. Les flexions des noms sont appelées déclinaisons. Chacune des formes fléchies du nom donne alors des indications diverses, selon les langues, sur leur cas, genre et nombre.


title: Nom (grammaire)

text: Le substantif peut se décliner en genre et en nombre. Par exemple : les trois "girafes" ou les "parlers" provençaux. "Parlers" est alors un substantif masculin pluriel.


title: Nom (grammaire)

text: Le nom forme, avec les déterminants et les adjectifs qui se rapportent à lui, un syntagme ou groupe nominal.


title: Nom (grammaire)

text: En français, le noyau du syntagme nominal est toujours un nom qui impose normalement son genre et son nombre à ses satellites déterminants et qualificatifs et plus généralement aux mots auxquels il se rapporte : l'attribut mais aussi et surtout le verbe dont il est le sujet. Typiquement, le groupe nominal occupe une fonction de sujet, de complément d’une préposition ou de complément d’un verbe.


title: Nom (grammaire)

text: Le nom en français est le plus souvent précédé d'un déterminant. Cependant, le substantif peut également se trouver sans déterminant, notamment au vocatif : « Homme libre, toujours tu chériras la mer » livre ainsi un exemple de substantif, "homme", sans déterminant. Et la nature du lexème ne peut pas non plus toujours être déduite de la fonction qu’il occupe dans la phrase. Ainsi, dans « "marcher" fait du bien », le sujet, "marcher", n’est pas précédé d’un déterminant et n’est ni un substantif, ni un verbe substantivé, mais un verbe à l'infinitif.


title: Nom (grammaire)

text: Le substantif ne forme pas toujours à lui seul une unité de sens. Ainsi, pour former un nom, d’après la définition sémantique et non grammaticale de ce terme, le substantif nécessite parfois d’être complété. Le substantif ainsi complété forme alors une locution nominale ; on parle également de syntagme nominal figé ou lexicalisé. Une telle locution est constituée de mots séparés par au moins une espace. Le mot principal d'un tel ensemble est nécessairement un substantif : de fer, crème, pompon, chiches, de terre…


title: Nom (grammaire)

text: Certains syntagmes nominaux sont réduits pour former des sigles et des acronymes, ces réductions affectant l'orthographe et la prononciation. Cependant, même si le sigle ou l'acronyme représente un syntagme nominal, rien n'empêche qu'il soit employé comme une autre catégorie, en tant qu'adjectif ou adverbe… : par exemple, « des gens très BCBG » pour signifier « des gens très on hic on enre » où « BCBG » est un syntagme nominal à valeur d'adjectif épithète.


title: Jumia Maroc

text: L'entreprise qui dirige le site a été fondée en 2012 par une équipe comprenant Jérémy Hodara, Sacha Poignonnec, Taïbi Benhima et Sami Louali.


title: Génesis Rodríguez

text: Génesis Rodríguez est la fille de « El Puma », célèbre chanteur et acteur vénézuélien, et Carolina Perez, un modèle cubain. Elle a deux demi-sœurs, et . Elle a étudié à l'École Carrollton du Sacré-Cœur à Miami. Elle a étudié au Lee Strasberg Theatre and Film Institute.


title: Génesis Rodríguez

text: Elle commence sa carrière en 2004 avec des telenovelas américaines : "Prisionera," "Dame chocolate" (2007) et "Doña Bárbara" (2008), avant de se faire connaître en 2010 avec la série "Entourage."


title: Génesis Rodríguez

text: En 2012, elle fait ses débuts au cinéma dans "Dos au mur" avec Jamie Bell, Sam Worthington et Elizabeth Banks et "Ce qui vous attend si vous attendez un enfant" (où elle retrouve Elizabeth Banks).


title: Génesis Rodríguez

text: On la retrouve dans plusieurs films en 2013 : le drame "Hours" avec Paul Walker, la comédie "Arnaque à la carte" avec Jason Bateman et Melissa McCarthy et le film d'action "Le Dernier Rempart" avec Arnold Schwarzenegger, Forest Whitaker et Jaimie Alexander.


title: Génesis Rodríguez

text: En 2014, elle joue dans "Tusk" de Kevin Smith, et prête sa voix au film d'animation "Les Nouveaux Héros". Elle retrouve Kevin Smith en 2016 pour le film "Yoga Hosers".


title: Génesis Rodríguez

text: En 2017, elle tient un des rôles principaux dans la série "Time After Time", mais cette dernière se retrouve annulée après une courte saison. Cette même année, elle prête sa voix aux séries d'animations "Elena d'Avalor" (lors d'un épisode) et "Baymax et les Nouveaux Héros", jusqu'en 2020.


title: Génesis Rodríguez

text: En 2018, elle joue aux côtés de Topher Grace et Patricia Clarkson dans "Delirium" de Dennis Iliadis et "Icebox" de Daniel Sawka. Elle prête également sa voix à la série "She-Ra et les princesses au pouvoir", jusqu'en 2020 et tourne dans deux épisodes de "New York, unité spéciale".


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: L'âge d'or de la peinture néerlandaise est la peinture des Pays-Bas durant le siècle d'or néerlandais, une période de l'histoire de ce pays qui correspond à peu près au . Les Provinces-Unies forment alors la nation la plus prospère d'Europe et dominent le commerce, l'art et la science du continent. Les provinces ayant constitué ce nouvel État sont des centres artistiques moins importants que les villes de Flandre, mais les bouleversements et les migrations de populations dus à la guerre de Quatre-Vingts Ans, ainsi que la rupture avec les traditions culturelles monarchiste et catholique, font que l'art néerlandais a besoin de se réinventer entièrement, une tâche qu'il accomplit avec succès.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: Bien que la peinture néerlandaise de l'âge d'or soit contemporaine de la peinture baroque flamande, et partage plusieurs de ses caractéristiques, elle est en grande partie dépourvue de l'idéalisation et de l'amour de la splendeur typiques de l'art baroque, qui inclut la peinture flamande de Pierre Paul Rubens, Antoine van Dyck et Jacob Jordaens. La plupart des œuvres néerlandaises de cette période se situent dans le prolongement de la tradition réaliste héritée de l'art primitif flamand. Un signe distinctif de cette période est la prolifération de divers genres picturaux, la majorité des artistes se spécialisant dans un genre en particulier. La période se situant entre la fin des années 1620 et l'invasion française de 1672 est considérée comme étant le cœur de l'âge d'or de la peinture néerlandaise.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: L'un des traits marquants de cette période, comparée à la période précédente, est le faible nombre de peintures religieuses. En effet, le calvinisme néerlandais interdit les peintures religieuses dans les églises et, bien que les sujets bibliques soient tolérés au sein des édifices privés, très peu sont réalisés. Les autres genres traditionnels que sont la peinture d'histoire et le portrait sont présents, mais l'âge d'or néerlandais est surtout remarquable pour sa très grande variété dans les autres genres, eux-mêmes subdivisés en de nombreuses catégories spécifiques, telles que les scènes de la vie paysanne, les vues urbaines, les paysages avec des animaux, les scènes de batailles maritimes, et des natures mortes de différents types. Le développement de la plupart de ces genres de peintures a été influencé de façon décisive par les artistes néerlandais du .


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: La théorie de la hiérarchie des genres dans la peinture, par laquelle certains types de peintures sont considérés comme plus prestigieux que d'autres, a conduit un certain nombre de peintres à vouloir produire des peintures d'histoire. Toutefois, ces peintures étaient les plus difficiles à vendre, même Rembrandt en a fait l'expérience. Beaucoup de peintres étaient donc contraints de réaliser des portraits ou des scènes de genre, qui se vendaient plus aisément. En ordre décroissant de statut, les catégories de cette hiérarchie étaient :


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: Les peintres néerlandais de l'âge d'or se sont concentrés en très grandes parties sur les catégories les moins prestigieuses, sans rejeter pour autant le concept de hiérarchie. La plupart des toiles sont de dimensions relativement modestes, le seul type de peintures de grandes dimensions étant les portraits de groupe. La peinture murale n'existe quasiment pas car, quand l'espace mural d'un édifice public nécessite d'être décoré, une toile encadrée adaptée est généralement utilisée. Pour une plus grande précision sur une surface dure, beaucoup d'artistes continuent d'employer des panneaux en bois, même après que le reste de l'Europe occidentale les ont abandonnés, alors que d'autres utilisent des plats en cuivre, en recyclant principalement des plats utilisés pour les estampes. Le nombre de toiles provenant de l'âge d'or néerlandais a été réduit de façon notable par les peintres des siècles suivants qui en ont utilisé un grand nombre pour réaliser leurs propres peintures par-dessus, car elles étaient meilleur marché qu'une toile et un cadre neufs. Il y a très peu de sculptures réalisées durant cette période, on en trouve principalement dans les monuments funéraires et les édifices publics, car on leur préfère alors l'argenterie et les céramiques en tant que décorations pour les habitations privées. Les carreaux décorés en faïences de Delft sont peu coûteux et très répandus, bien que rarement de très bonne qualité, et, en dehors de cette exception, les plus grands efforts des artistes néerlandais sont produits dans les domaines de la peinture et de l'estampe.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: Une énorme quantité d'œuvres d'art est produite durant l'âge d'or, et un grand nombre de peintures sont vendues dans de grandes foires organisées spécialement. Il a été estimé que plus de peintures ont été réalisées durant la période entre 1640 et 1660. Seulement 1 % de ces toiles existent toujours au début du et, . L'énorme volume de toiles produites signifie que les prix étaient relativement bas, sauf pour les œuvres des artistes les plus connus, mais il y a eu dans les siècles suivants une élévation rapide des prix concernant les peintures des artistes les plus à la mode.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: Les peintres qui ne bénéficiaient pas d'une grande réputation, ou démodés, tels que Johannes Vermeer, Frans Hals ou Rembrandt dans ses dernières années, ont eu beaucoup de difficultés à vivre de leur art et plusieurs sont morts dans la pauvreté, même s'ils sont désormais considérés comme faisant partie des plus grands. Beaucoup de peintres avaient un autre travail ou ont abandonné l'art afin de subvenir à leurs besoins.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: L'invasion française de 1672 entraîna une sévère dépression dans le marché de l'art, qui ne s'en remis pas. La diffusion des peintures est très large, et un voyageur anglais note en 1640 que . Il y a pour la première fois dans l'histoire beaucoup de marchands d'art professionnels, et plusieurs d'entre eux, comme Johannes Vermeer et son père, Jan van Goyen et Willem Kalf, sont également des artistes importants. Les paysages sont les œuvres non commissionnées les plus faciles à vendre.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: La technique des artistes néerlandais est généralement excellente, et la plupart d'entre eux suivent la vieille méthode médiévale d'apprentissage auprès d'un maître. Les ateliers sont plus petits qu'en Flandre et en Italie, avec seulement un ou deux apprentis étudiant à la fois, leur nombre étant souvent restreint par les règlements des guildes. L'agitation régnant durant les premières années d'existence des Provinces-Unies, avec un nombre important d'artistes venant des Pays-Bas espagnols et la perte de marchés traditionnels tels qu'un travail pour la cour ou pour l'église, conduit à la résurgence de guildes artistiques, souvent appelées guildes de Saint-Luc. Dans bien des cas, celles-ci impliquent des artistes se dégageant eux-mêmes de groupements médiévaux où ils partageaient une guilde avec plusieurs autres commerces. Quelques nouvelles guildes sont créées pendant cette période : à Amsterdam en 1579, Haarlem en 1590, Gouda, Rotterdam, Utrecht et Delft entre 1609 et 1611. Les autorités municipales de Leyde se méfient des guildes et n'en autorisent pas avant 1648, tandis qu'à La Haye, des peintres peu satisfaits par la guilde de Saint-Luc locale créent leur propre organisation en 1656. Plus tard dans le siècle, il devient évident à de nombreux artistes que la vieille idée d'une guilde contrôlant à la fois la formation et les ventes ne fonctionne plus, et les guildes sont peu à peu remplacées par des académies qui se focalisent sur la formation de nouveaux artistes. À l'exception des portraits, la plupart des peintures néerlandaises sont réalisées sans commande spécifique, ce qui était alors la norme dans les autres pays, le marché de l'art néerlandais étant un précurseur dans ce domaine comme dans nombre d'autres.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: Il y a plusieurs dynasties d'artistes, et nombre d'entre eux se marient avec la fille de leur maître ou d'autres artistes. Beaucoup de peintres sont originaires de familles aisées qui paient pour leur apprentissage, et Rembrandt et Jan Steen ont tous deux été inscrits à l'université de Leyde pendant un temps. Plusieurs villes ont des styles et des sujets de peintures bien distincts, et Amsterdam est le plus grand centre artistique du pays, en raison de la grande prospérité de la ville. Des villes comme Haarlem et Utrecht sont plus importantes dans la première moitié du siècle, tandis que d'autres villes, comme Leyde, émergent après 1648 et qu'Amsterdam attire progressivement de plus en plus d'artistes.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: Les artistes néerlandais sont beaucoup moins préoccupés par la théorie artistique que ceux de beaucoup d'autres nations, et sont moins enclins à discuter de leur art. Les milieux intellectuels et le grand public sont également beaucoup moins intéressés par la théorie artistique qu'en Italie à la même époque. Presque toutes les commandes et les ventes sont privées, et les bourgeois sont moins bien documentés qu'ailleurs. Mais l'art néerlandais est une source de fierté nationale et les biographes majeurs sont une source précieuse d'informations. Parmi eux, Carel van Mander, dont "Le Livre des peintres" (1604) traite essentiellement du siècle précédent, et Arnold Houbraken ("Le Grand Théâtre des artistes et peintres néerlandais", 1718–1721). Tous les deux ont suivi l'exemple de Giorgio Vasari, et l'ont même dépassé, en incluant un grand nombre de biographies d'artistes, plus de 500 dans l'ouvrage de Houbraken, et sont généralement considérés comme fidèles dans leur relation des faits. L'artiste allemand Joachim von Sandrart a travaillé plusieurs années aux Pays-Bas, et son "Deutsche Akademie" traite de beaucoup d'artistes néerlandais qu'il a connu. Le maître d'Houbraken, et l'élève de Rembrandt, était Samuel van Hoogstraten, dont l'ouvrage "Introduction à l'école supérieure de la peinture" (1678) est plus critique que biographique et compte parmi les plus importants traités picturaux de cette période. Comme d'autres travaux néerlandais sur la théorie artistique, ces ouvrages exposent beaucoup de lieux communs de la Renaissance et ne reflètent pas entièrement l'art néerlandais de cette époque car ils se concentrent souvent sur la peinture d'histoire.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: La peinture d'histoire inclut les peintures d'événements historiques mais aussi celles de scènes allégoriques ou inspirées de la Bible, de la mythologie ou d'œuvres littéraires. Les événements historiques récents n'en font pas partie et sont traités de manière réaliste, mêlant opportunément les genres du portrait et du paysage. Les grandes compositions représentant des scènes historiques ou bibliques sont produites moins fréquemment que dans les autres pays car il n'y a pas de marché pour l'art d'église et peu de grandes résidences aristocratiques à décorer. De plus, la population protestante des grandes villes a été exposée à des utilisations particulièrement hypocrites d'allégories maniéristes dans le cadre de la propagande peu fructueuse faite par les Habsbourg pendant la guerre de Quatre-Vingts Ans, ce qui a provoqué en réaction une méfiance envers les rhétoriques visuelles grandioses et un attrait pour le réalisme. La peinture d'histoire est donc très minoritaire, même s'il y a en contrepartie un intérêt relativement important envers les imprimés de sujets historiques.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: Plus que dans les autres genres, les peintres d'histoire néerlandais continuent à être influencés par la peinture italienne. Des impressions et des copies de chefs-d'œuvre italiens circulent et inspirent certains arrangements de composition. La maîtrise néerlandaise croissante de rendre la lumière provient de styles originaires d'Italie, et notamment celui du Caravage. Certains peintres néerlandais ont également voyagé en Italie, bien que de façon moins fréquente que leurs contemporains flamands, comme le montrent les adhésions à la confrérie des Bentvueghels de Rome.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: Dans les premières décennies du , plusieurs artistes maniéristes formés durant le siècle précédent continuent à travailler, jusqu'en 1630 dans les cas de Abraham Bloemaert et Joachim Wtewael. Beaucoup de peintures d'histoire sont de petites dimensions, et le peintre allemand (basé à Rome) Adam Elsheimer a une plus grande influence que le Caravage sur des peintres néerlandais tels que Pieter Lastman, le maître de Rembrandt, et Jan et Jacob Symonsz. Pynas. Par rapport aux peintres d'histoire baroques des autres pays, ils partagent néanmoins l'inclinaison des autres peintres néerlandais pour le réalisme, et la narration directe, et sont parfois connus sous le nom de pré-rembranesques, car les premières compositions de Rembrandt sont dans ce style.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: L'École caravagesque d'Utrecht est un important groupe d'artistes qui réalisent des peintures d'histoire et de grandes scènes de genre dans un style italianisant, et qui font souvent une grande utilisation du clair-obscur. Utrecht, qui était avant la révolte des gueux la ville la plus importante du pays, présente alors la caractéristique exceptionnelle de compter une population catholique d'environ 40 % au milieu du siècle, et plus encore parmi les milieux les plus aisés. On peut compter parmi les peintres catholiques néerlandais du Abraham Bloemaert, Gerrit van Honthorst, Jan Steen et Paulus Bor, ainsi que Vermeer qui s'était probablement converti à son mariage. Les principaux représentants de cette école sont Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst et Dirck van Baburen, et l'école est active jusque vers 1630, même si van Honthorst continue sa brillante carrière dans les cours anglaise, néerlandaise et danoise jusqu'en 1650, bien que dans un style plus classique.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: Rembrandt a commencé sa carrière avec des peintures d'histoire, avant de connaître le succès financier comme portraitiste, et n'a jamais abandonné ses ambitions dans ce domaine. Un grand nombre de ses eaux-fortes représentent des scènes religieuses, et l'histoire de la dernière toile qu'il a peinte dans ce genre, "La Conjuration de Claudius Civilis" (1661), commande pour laquelle il ne fut jamais payé, illustre à la fois son engagement dans le genre et les difficultés qu'il avait à trouver des acquéreurs. Plusieurs artistes, ses élèves pour la plupart, essaient de reprendre son style, et Govert Flinck est celui qui obtient le plus de succès. Gérard de Lairesse compte également parmi ceux-ci avant de tomber sous l'influence du classicisme français et de devenir le principal partisan néerlandais de ce style à la fois en tant qu'artiste et que théoricien.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: La représentation de la nudité est le domaine réservé des peintres d'histoire, même si certains portraitistes déguisent leurs nus occasionnels (et quasiment toujours féminins) sous un titre classique, comme l'a par exemple fait Rembrandt avec sa "Bethsabée au bain". Les peintres de genre se sont quant à eux contenté de suggestivité, révélant rarement plus qu'un décolleté généreux ou une cuisse, généralement en peignant des prostituées ou des paysannes.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: Le portrait est un genre florissant dans les Provinces-Unies du , en raison de la présence d'une classe marchande importante qui est encline à passer des commandes de portraits. Les estimations de la production totale de portraits durant l'âge d'or varient entre et . Rembrandt connaît sa période de plus grand succès financier en tant que jeune portraitiste d'Amsterdam, mais comme d'autres artistes, trouve ces commandes de portraits par des bourgeois de plus en plus fastidieuses, , selon Carel van Mander.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: Les portraits néerlandais évitent la rhétorique excessive et fanfaronne du courant baroque aristocratique qui sévit dans le reste de l'Europe du . L'habillement sombre des sujets et le sentiment calviniste que l'inclusion de possessions ou de terres à l'arrière-plan serait un péché de vanité conduit à une indéniable similitude de beaucoup de portraits néerlandais réalisés durant cette période, en dépit de leurs qualités techniques. Même les poses debout sont généralement évitées, car également vues comme un signe de vanité. Les poses sont très peu démonstratives, particulièrement celles des femmes, même si l'on permet aux enfants plus de libertés. Le mariage est un moment classique pour une commande de portrait, les deux époux faisant néanmoins souvent l'objet de deux peintures séparées. Les portraits postérieurs de Rembrandt se distinguent par leur force de caractérisation, ainsi que, parfois, un élément narratif, mais même ses premiers portraits peuvent être décourageants quand ils sont vus d'un bloc, comme dans la salle des premiers Rembrandt du Metropolitan Museum of Art de New York.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: L'autre grand portraitiste de l'âge d'or est Frans Hals, dont le travail au pinceau et la capacité à peindre des sujets assis paraissant détendus et souriants ajoute de l'intérêt à ses modèles les moins prometteurs, même si la pose nonchalante qu'il a fait prendre à Willem Heythuijsen, un riche marchand de textile qui avait déjà passé une commande à Hals dix ans auparavant, reste exceptionnelle pour la période. Jan de Bray encourage ses modèles à poser en costumes en tant que personnages historiques, mais un grand nombre de ses portraits sont ceux de sa propre famille. Thomas de Keyser, Bartholomeus van der Helst et Ferdinand Bol, parmi d'autres, font également de leur mieux pour rendre vivants les travaux les plus conventionnels. Le portrait, moins affecté par les effets de mode que les autres genres de peintures, reste une valeur sûre pour les artistes néerlandais.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: D'après le peu que l'on sait des procédures alors en vigueur, il semble que, comme ailleurs en Europe, le visage soit dessiné et peut-être peint lors d'une ou deux séances de pose initiales. Le nombre typique de séances de pose demeure quant à lui assez flou, et on a trouvé dans des documents des exemples allant jusqu'à 50 séances de pose. Les vêtements sont laissés à l'atelier de l'artiste et sont souvent peints par des élèves, ou achetés à un spécialiste en la matière, même si, ou parce que, ils sont considérés comme une partie très importante de la peinture. Les femmes mariées et les célibataires peuvent être distinguées grâce à leur tenue, mettant en évidence le fait que très peu de femmes célibataires ont fait l'objet de portraits, excepté dans des portraits familiaux de groupe. L'exactitude concernant les vêtements portés à l'époque est assez variable car, bien que des vêtements rayés ou à motifs étaient portés, les artistes les représentaient rarement afin de s'éviter un travail supplémentaire. Les dentelles et les fraises sont très en vogue à l'époque et représentent un véritable défi pour les peintres soucieux de réalisme. Rembrandt met au point une méthode plus efficace pour peindre les dentelles, étendant de larges garnitures de blanc avant de peindre légèrement en noir pour mettre en évidence les motifs. Une autre façon de faire est de peindre en blanc par-dessus une couche de noir et de gratter le blanc avec l'extrémité de la brosse pour représenter les motifs.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: À la fin du siècle, une mode lancée en Angleterre par Antoine van Dyck dans les années 1630 consiste à peindre les modèles dans une tenue semi-fantaisiste, connue sous le nom de tenue « pittoresque » ou « romaine ». Les aristocrates et les membres d'une milice se permettent plus de libertés, posant dans des tenues plus claires et de façon plus démonstrative que les bourgeois, les affiliations religieuses affectant également probablement beaucoup de compositions. Vers la fin du siècle, les valeurs aristocratiques se répandent parmi la bourgeoisie et les poses deviennent plus décontractées.


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text: Un genre distinctif de peinture, combinant des éléments du portrait, de la peinture d'histoire et de la scène de genre, est le tronie. Il s'agit généralement d'une partie d'un personnage représenté seul pour laquelle l'artiste s'est employé à représenter une expression faciale ou un état d'esprit peu habituel. L'identité des modèles n'est pas supposée être importante mais ils peuvent représenter un personnage historique ou être dans une tenue exotique ou antique. Frans Hals, Jan Lievens et Rembrandt, dont beaucoup de ses autoportraits sont également des tronies (notamment ses eaux-fortes), comptent parmi ceux qui ont développé ce genre.


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text: Les portraits de famille ont tendance, comme en Flandre, à être placés dans des jardins, mais sans une vue étendue à l'arrière-plan comme plus tard en Angleterre, et à être relativement informels au niveau des tenues et des postures. Les portraits de groupe, invention en grande partie néerlandaise, sont populaires parmi le grand nombre d'associations civiques qui constituent une part importante de la vie sociale de l'époque, telles que les officiers d'une milice citoyenne, ou les administrateurs et les régents de guildes ou d'associations charitables. Dans la première moitié du siècle, ces portraits sont des compositions très formelles et rigides. Les groupes sont souvent assis autour d'une table, tous les sujets regardant en direction du peintre. Une grande attention est portée aux détails des tenues ainsi qu'à l'ameublement et aux autres signes de la position sociale des sujets représentés. Plus tard, les portraits de groupe deviennent plus vivants et les tenues se font plus colorées. "Le Syndic de la guilde des drapiers", de Rembrandt, constitue un bon exemple du traitement d'un groupe autour d'une table.


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text: Les scientifiques posent souvent avec leurs instruments ou l'objet de leurs études autour d'eux. Les médecins posent quelquefois rassemblés autour d'un cadavre, dans ce qui est appelée une « leçon d'anatomie », la plus célèbre étant "La Leçon d'anatomie du docteur Tulp" (1632). Les administrateurs préfèrent donner une image d'austérité et d'humilité et posent dans des tenues sombres (qui témoignent par leur raffinement de leur position éminente dans la société) souvent assis autour d'une table avec des expressions solennelles sur leurs visages. La plupart des portraits de groupe de milices urbaines sont commandés à Haarlem et à Amsterdam et sont beaucoup plus flamboyants et décontractés, ainsi que de plus grandes dimensions, que les autres types de portraits. Les premiers exemples de ces portraits les représentent en train de dîner, mais ils sont représentés plus tard dans des compositions plus dynamiques. "La Ronde de nuit" (1642) est ainsi une tentative ambitieuse de dépeindre un groupe en action, au cours d'une patrouille, et innove en évitant le format très large typique de telles œuvres.


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text: Le coût d'un portrait de groupe est généralement partagé par ses sujets, bien que de façon inégale. Le montant payé détermine la place de chaque personne dans le tableau, d'une position centrale au premier plan et de pied en cap au simple visage à l'arrière-plan. Les membres du groupe payent parfois tous une somme égale, ce qui est susceptible de conduire à des querelles concernant la position des sujets au sein de la composition. À Amsterdam, la plupart de ces peintures ont fini en possession du conseil municipal, et beaucoup sont désormais exposées à l'Amsterdams Historisch Museum. Il n'y a pas d'exemples significatifs de telles peintures de groupe en dehors des Pays-Bas.


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text: La peinture de genre figure des scènes de personnes auxquelles aucune identité spécifique ne peut être attachée, ce ne sont ni des portraits, ni des représentations de personnages historiques. Le développement et l'immense popularité de la peinture de genre, ainsi que celle du paysage, est le trait le plus distinctif de la peinture néerlandaise de l'âge d'or, même si elle est également très populaire dans la peinture flamande. Beaucoup de ces peintures représentent des personnages seuls, comme "La Laitière", alors que d'autres figurent des groupes, voire des foules, assemblés à l'occasion d'un événement social. On peut distinguer plusieurs sous-types à l'intérieur de ce genre : personnages seuls, familles paysannes, scènes de taverne, de marché, de caserne, fêtes, femmes au travail, scènes villageoises, avec des chevaux ou des animaux de ferme, dans la neige, nocturnes, etc. La plupart ont d'ailleurs des appellations spécifiques en néerlandais, alors qu'on ne trouve pas d'équivalent néerlandais au terme « peinture de genre » ; elles étaient appelées « drôleries » par les Anglais jusqu'à la fin du . Les artistes tendent à se spécialiser dans un sous-type en particulier, notamment à partir de 1625, et, en avançant dans le siècle, les dimensions des peintures de genre se réduisent.


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text: Bien que les scènes de genre fournissent des renseignements sur la vie quotidienne de la population du , leur justesse ne peut pas être toujours tenue pour acquise, notamment celle des tenues dans les œuvres de l'École caravagesque d'Utrecht ainsi que les créations architecturales. Beaucoup de ces œuvres sont en effet seulement réalisées dans le but d'illustrer des proverbes néerlandais et de transmettre des messages moralisateurs dont la signification, même si certains sont suffisamment clairs, peut désormais avoir besoin d'être déchiffrée par des spécialistes en histoire de l'art. Certains artistes prennent également plaisir à dépeindre des scènes d'intérieur désordonnées ou des scènes de lupanars tout en fournissant une interprétation morale, les tableaux de Jan Steen, qui était également aubergiste, en étant de bons exemples. L'équilibre entre ces deux éléments est encore débattue par les historiens de l'art du début du . Les titres donnés plus tard à ces peintures font souvent la distinction entre tavernes, auberges et lupanars mais, en pratique, c'étaient souvent les mêmes établissements ( était un proverbe néerlandais).


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text: La tradition, venant de la Renaissance artistique, des livres d'emblèmes s'est transformée dans les Provinces-Unies du en œuvres vulgarisatrices et moralisatrices souvent basées sur des proverbes populaires, tels que les écrits de Jacob Cats et de Roemer Visscher. Les illustrations de ces proverbes sont souvent référencées directement sur des peintures et, depuis le début du , les historiens de l'art ont pu rattacher des proverbes, devises et dictons à un grand nombre de peintures de genre. Les calembours visuels utilisant un grand nombre de termes d'argot néerlandais du domaine sexuel est une autre forme de représentation très utilisée dans le genre, le vagin pouvant être par exemple représenté par un luth ("luit"), le sexe par un oiseau ("vogelen"), et les chaussures, les becs et les cruches sont également d'autres exemples de symboles visuels.


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text: Les mêmes artistes ont souvent peint, dans un esprit très différent, des femmes au foyer ou sur leur lieu de travail, leur représentation excédant de beaucoup celle des hommes. La représentation d'hommes à leur travail est d'ailleurs notablement absente de la peinture néerlandaise de l'âge d'or, comme on le voit aussi dans les paysages souvent peuplés de voyageurs ou d'oisifs mais rarement par des laboureurs. Le traitement du sujet des femmes au foyer ou au travail est une invention néerlandaise, qui reflète les préoccupations culturelles de ce temps, et a été adopté par des artistes d'autres pays, et notamment français, durant les deux siècles suivants.


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text: La tradition de réalisme et de souci du détail d'arrière-plan héritée de peintres tels que Jérôme Bosch et Pieter Brueghel l'Ancien, qui ont été parmi les premiers à en faire leurs sujets principaux, repose également sur l'utilisation de proverbes. Willem Pietersz. Buytewech, Frans Hals et Esaias van de Velde, tous trois de Haarlem, sont d'importants peintres représentant cette tradition au début du siècle. Buytewech représente des « joyeuses compagnies » de jeunes gens richement habillés, avec une signification morale cachée dans les détails. Van de Velde, qui est également un paysagiste, peint des scènes de jardins de maisons de campagne, et Hals est surtout un portraitiste mais réalise également des peintures de genre de personnes seules au début de sa carrière. Le peintre flamand Adriaen Brouwer, qui a longtemps travaillé dans les Provinces-Unies, et Adriaen van Ostade sont quant à eux les maîtres des scènes paysannes et de tavernes, le second avec une approche plus sentimentale. Avant Brouwer, les paysans étaient essentiellement représentés dans des scènes d'extérieurs alors que lui les place dans des intérieurs simples et obscurs, et que van Ostade les place parfois de manière ostentatoire dans d'immenses fermes décrépites.


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text: Van Ostade, ainsi que les caravagistes d'Utrecht dans leurs peintures de genre, peint aussi bien des groupes qu'une personne seule, et les groupes restreints de deux ou trois personnes, notamment ceux qui représentent une femme et ses enfants, deviennent de plus en plus communs au cours du siècle. Judith Leyster, la femme peintre la plus connue de cette période, se spécialise dans ce genre de scènes avant que son mari, Jan Miense Molenaer, ne lui fasse abandonner la peinture. Les peintres de l'École de Leyde des fijnschilders sont renommés pour leurs toiles, souvent dans le même genre, de petites dimensions au riche travail de finition. Parmi eux, les plus célèbres sont Gérard Dou, Gabriel Metsu, Frans van Mieris de Oudere et son fils Willem, Godfried Schalken et Adriaen van der Werff.


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text: Cette génération postérieure, dont le travail paraît maintenant trop raffiné comparé à celui de leurs prédécesseurs, réalise également des portraits et des peintures d'histoire et compte parmi elle les peintres les plus considérés et récompensés de la fin du siècle, leurs œuvres étant recherchées dans toute l'Europe. La peinture de genre reflète la prospérité croissante de la société néerlandaise, et les toiles représentent de plus en plus le confort et l'opulence comme le siècle avance. En dehors de l'École de Leyde, d'autres artistes peignent des scènes de genre dans un style plus intime, notamment Nicolas Maes, Gerard ter Borch et Pieter de Hooch, dont l'intérêt pour la lumière dans les scènes d'intérieur est partagé par Johannes Vermeer, un personnage longtemps anonyme qui est désormais reconnu comme le plus grand peintre de genre du siècle.


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text: Le paysage est considéré au comme un genre majeur, les paysages flamands du siècle précédent servant de référence, bien que n'étant pas particulièrement réalistes car souvent peints en atelier d'après la propre imagination de l'artiste et utilisant une vue semi-aérienne dans la lignée des paysages de Joachim Patinier, Henri Bles et Pieter Brueghel l'Ancien. Les paysagistes néerlandais développent un style de paysage plus réaliste, vu depuis le sol et se basant souvent sur des dessins réalisés en extérieur, avec des lignes d'horizon basses qui permettent de mettre l'accent sur d'impressionnantes formations nuageuses (typiques du climat du pays) projetant une lumière particulière. Parmi les sujets récurrents, on peut citer des dunes côtières, des rivières bordées de grandes prairies où paît le bétail, avec souvent une ville à l'arrière-plan, et des paysages hivernaux avec des canaux gelés. La mer est également un sujet très présent car les Provinces-Unies en dépendent pour commercer, et luttent à la fois contre elle, pour gagner de nouvelles terres, et sur elle, contre d'autres nations.


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text: Les peintres importants dans ce tournant vers un plus grand réalisme sont Esaias van de Velde et Hendrick Avercamp, tous deux mentionnés également comme peintres de genre, les mêmes peintures pouvant être classées dans les deux catégories dans le cas d'Avercamp. À partir de la fin des années 1620 commence la « phase tonale » de la peinture de paysages, les artistes adoucissant ou brouillant leurs contours et se concentrant sur un effet atmosphérique, avec une grande prééminence donnée au ciel et des personnages humains généralement absents ou petits et éloignés. Les compositions basées sur une diagonale à travers l'espace pictural deviennent populaires, et l'eau est souvent représentée. Les peintres les plus connus de cette période sont Jan van Goyen, Salomon van Ruysdael et Pieter de Molyn, une étude de 1991 listant plus de 75 artistes ayant travaillé dans le style de Van Goyen durant cette période.


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text: À partir des années 1650 débute une « phase classique », qui conserve l'aspect atmosphérique mais donne lieu à des compositions plus expressives avec des contrastes de lumières et de couleurs beaucoup plus forts. Ces compositions représentent souvent un arbre isolé, un moulin ou une tour. L'artiste dominant de cette période est Jacob van Ruisdael, qui produit une grande quantité d'œuvres variées en utilisant tous les sujets typiquement néerlandais, et notamment des paysages sombres et dramatiques comprenant des forêts de pins, des torrents tumultueux et des chutes d'eau. Meindert Hobbema, l'élève de van Ruisdael, est surtout connu pour son atypique "L'Allée de Middelharnis" (1689), qui se démarque de ses scènes habituelles de moulins et de chemins forestiers. Albert Cuyp et Philips Koninck sont deux autres artistes aux styles plus personnels, et dont les meilleures toiles sont de plus grandes dimensions. Cuyp fait usage d'une lumière méditerranéenne dans des scènes crépusculaires incluant des groupes de personnages au premier plan avec une rivière ou un grand espace ouvert derrière eux. Les meilleures œuvres de Koninck sont des vues panoramiques, par exemple depuis une colline, sur de vastes terres agricoles, avec un ciel immense.


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text: Les paysages romantiques à l'italienne, se situant généralement dans des régions plus montagneuses que celles que l'on trouve aux Pays-Bas, avec une lumière et quelquefois des ruines ou des personnages méditerranéens, est un autre type de paysages réalisés durant les phases tonale et classique. Jan Both, qui a voyagé à Rome et a travaillé avec Claude Gellée, dit le Lorrain, contribue à développer ce sous-genre et influence le travail de plusieurs paysagistes, comme Albert Cuyp, qui ne sont quant à eux jamais allés en Italie. Nicolaes Berchem réalise également beaucoup de toiles dans ce style, ses œuvres étant d'ailleurs plus souvent reproduites pour des gravures que celles de n'importe quel autre artiste de la même période, les paysages italiens étant aussi très populaires dans l'imprimerie. Hercules Seghers compose quant à lui des œuvres très personnelles, souvent des paysages montagneux, dans un style inspiré de celui des peintres flamands du siècle précédent.


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text: Les paysages incluant des animaux au premier plan constituent un sous-genre bien distinct qui est notamment représenté par Paulus Potter, Albert Cuyp, Karel Dujardin et Philips Wouwerman, ce dernier étant spécialisé dans la peinture de chevaux et de cavaliers. La vache, symbole de prospérité pour les Néerlandais, est, en dehors du cheval, de loin l'animal le plus représenté dans la peinture de l'âge d'or, alors que les chèvres sont représentées dans les paysages à l'italienne. "Le Taureau", de Paulus Potter est une toile célèbre et monumentale, emmenée à Paris par Napoléon avant d'être restituée plus tard, dont le spécimen représenté au premier plan a été analysé par des spécialistes des bovins qui ont conclu, d'après les différentes parties de son anatomie, qu'il était le résultat de six animaux différents d'âges très variés.


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text: L'architecture, et celle des églises en particulier, fascine également les peintres de l'époque. Au début du siècle, le courant principal est la représentation de palais fantaisistes et des vues de villes à l'architecture maniériste et inventée. Par la suite, un plus grand réalisme commence à apparaître, et les intérieurs et les extérieurs de bâtiments réels sont reproduits, bien que pas toujours fidèlement. La compréhension du rendu approprié de la perspective se développe et la méthode est alors appliquée avec enthousiasme. Quelques artistes se spécialisent dans les intérieurs d'églises, notamment Pieter Jansz Saenredam, dont le père gravait de sensuelles déesses à la façon maniériste, qui peint des vues d'églises gothiques désertes et blanchies à la chaux. Saenredam met l'accent sur la lumière et la géométrie, avec peu de représentation des textures de surfaces, et son style s'oppose à celui d'Emanuel de Witte qui dépeint les fidèles, les planchers inégaux, les contrastes de lumière et le mobilier des temples calvinistes. De Witte, influencé par la peinture de Gerard Houckgeest, complète la vue traditionnelle le long de l'axe principal de l'église par des vues diagonales qui ajoutent de l'intérêt. Gerrit Berckheyde se spécialise quant à lui dans les vues de rues principales, places et édifices publics principaux des villes, alors que Jan van der Heyden préfère dépeindre des scènes plus intimes de rues paisibles d'Amsterdam, avec souvent des arbres et des canaux, vues réelles qu'il n'hésite pas à modifier pour un effet de composition.


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text: Les Provinces-Unies ayant fondé leur richesse sur le commerce maritime et ayant connu diverses guerres navales, notamment contre la Grande-Bretagne et l'Espagne, il n'est pas étonnant que les marines soient énormément populaires dans ce pays et que les artistes néerlandais aient porté ce genre vers de nouveaux sommets. Les peintures de batailles navales livrées par la marine néerlandaise, alors au faîte de sa gloire, ne manquent pas mais ce sont de nos jours les peintures de scènes plus tranquilles qui sont les plus estimées. Comme pour les paysages, le passage d'une vue élevée artificielle à un point de vue plus bas est une étape essentielle, réalisée par le premier grand spécialiste de marines néerlandais, Hendrick Cornelisz Vroom. Les navires sont généralement représentés en mer, alors que les scènes de docks sont étonnamment absentes.


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text: Un nombre important de marines comportent également une partie terrestre, généralement une plage ou un port, ou l'estuaire d'un fleuve. D'autres artistes se spécialisent dans les scènes de rivières, depuis les petits tableaux de Salomon van Ruysdael, avec de petits bateaux et des rivages de roseaux, jusqu'aux grands paysages italiens d'Albert Cuyp, où le soleil se couche ou se lève au-dessus d'une rivière. Le genre partage beaucoup de caractéristiques communes avec le paysage, beaucoup de paysagistes ayant également peints des scènes de plages ou de rivières, et tous deux se sont développés ensemble avec la retranscription du ciel. Les peintres de marines les plus connus sont Jan Porcellis, Simon de Vlieger, Jan van de Cappelle, Abraham Storck, et surtout Willem van de Velde l'Ancien et son fils qui ont tous deux tendance à faire du navire le sujet principal de leurs compositions alors que leurs prédécesseurs mettaient plus l'accent sur la mer et les conditions météorologiques. Tous deux partent pour Londres en 1672, à la suite de l'effondrement du marché artistique néerlandais, laissant leur place dominante au peintre d'origine allemande Ludolf Bakhuizen, maître des scènes de haute mer. Reinier Nooms, un ancien marin, se spécialise dans des scènes de batailles et de réparations portuaires très fidèles, les deuxièmes étant peu courantes et présentant un intérêt historique, et s'intéresse moins aux effets de lumière et aux conditions météorologiques. Il est également à noter que Rembrandt a peint une seule marine dans sa carrière, "Le Christ dans la tempête sur la mer de Galilée", œuvre puissante qui a été volée au musée Isabella Stewart Gardner en 1990 et n'a pas été retrouvée depuis lors.


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text: Les natures mortes représentent une grande opportunité de démontrer son aptitude à peindre des textures et des surfaces de façon très détaillée et avec des effets de lumière très réalistes. De la nourriture de toutes sortes disposée sur une table, des couverts en argent, des motifs complexes et des plis subtils sur une nappe, un bouquet de fleurs, sont de véritables défis pour un peintre. Différents sous-genres ont eu droit à leurs propres appellations; ainsi le "banketje" est le nom donné aux peintures de pièces d'un banquet, alors que "ontbjtjes" est celui donné pour de simples petits déjeuners. Quasiment toutes les natures mortes comportent un message au sens moralisateur, concernant généralement la brièveté de la vie, thème connu sous le nom de vanité et parfois appuyé par un symbole évident tel qu'un crâne, d'autre fois par un symbole plus subtil tel qu'un citron à demi-épluché (doux en apparence mais au goût amer). De même, les fleurs se fanent, la nourriture pourrit, et l'argent n'est d'aucune utilité à l'âme. Néanmoins, la force de ce message se fait moins ressentir dans les compositions plus élaborées de la seconde moitié du siècle.


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text: À l'origine, les objets représentés dans les natures mortes sont presque toujours communs mais, à partir du milieu du siècle, les "pronkstilleven" (natures mortes ostentatoires), dépeignant des objets plus coûteux et exotiques, deviennent plus populaires. Les phases pré-réaliste, tonale et classique du paysage trouvent leur équivalent dans la nature morte. Willem Claeszoon Heda et Willem Kalf sont les deux peintres qui assurent cette transition vers des compositions plus raffinées, alors que Pieter Claesz préfèrent peindre de simples "ontbjtjes" ou des vanités assez explicites. Les couleurs utilisées par ces peintres sont souvent très ternes, avec une dominance de brun, notamment au milieu du siècle. Jan Davidszoon de Heem, peintre qui passe une partie importante de sa carrière à Anvers, fait exception à cette règle et ses compositions s'étendent en longueur pour former des peintures oblongues inhabituelles aux Pays-Bas, bien que Heda ait peint quelques tableaux verticaux. Les peintres de natures mortes ont tendance à créer des dynasties, telles que les de Heem, les Bosschaert et les Heda, alors que Pieter Claesz est le père de Nicolaes Berchem.


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text: Les compositions florales constituent un sous-groupe à part comprenant ses propres spécialistes, dont quelques femmes, comme Maria van Oosterwijk et Rachel Ruysch, et les artistes néerlandais dominent également l'Europe dans le domaine des dessins et des illustrations de livres concernant la botanique. En dépit du grand réalisme atteint par ces peintures, elles sont habituellement composées d'après des études individuelles ou même des illustrations de livres, et des fleurs de saisons différentes sont fréquemment incluses dans la même composition. Il y a également un côté irréaliste dans ces bouquets de fleurs reposant dans des vases car ceux-ci n'étaient pas du tout communs à cette époque, même les familles les plus riches arrangeant leurs fleurs une par une dans des tulipières en faïence de Delft.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: La tradition néerlandaise de la nature morte commence avec Ambrosius Bosschaert, peintre d'origine flamande qui s'installe aux Pays-Bas à la fin du et fonde une dynastie de peintres. Son beau-frère, Balthasar van der Ast, est un précurseur dans le domaine des natures mortes de coquillages et des peintures florales. Ses premières œuvres sont éclairées très vivement et ses bouquets de fleurs sont arrangés de manière relativement simple. Les compositions tendant plus vers le baroque, et sur un fond plus foncé, deviennent plus populaires à partir du milieu du siècle, avec notamment les œuvres de Willem van Aelst.


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text: Les peintres de Leyde, de La Haye et d'Amsterdam excellent particulièrement dans la nature morte. La volaille et le gibier en train de faisander constitue un autre sous-genre de la nature morte, de même que les poissons morts, le poisson étant la nourriture de base aux Pays-Bas, et Jan Weenix et Abraham van Beijeren ont réalisé beaucoup de peintures dans ces deux sous-genres. Contrairement au style flamand, les artistes néerlandais ne sont pas enclins à mélanger des éléments de nature morte à d'autres styles de peintures, cela aurait été vu comme de l'orgueil, ni à collaborer entre spécialistes sur des éléments différents d'une même œuvre, mais le cas s'est quelquefois produit, Philips Wouwerman étant de temps en temps employé pour transformer un paysage en scène de chasse ou d'escarmouche en y ajoutant des hommes et des chevaux, et Nicolaes Berchem et Adriaen van de Velde pour ajouter des personnages ou des animaux de ferme.


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text: "Le Livre des peintres" de Carel van Mander se veut être non seulement une liste de biographies, mais aussi une source de conseils pour les jeunes artistes. Il devient ainsi une lecture de travail classique pour des générations de jeunes artistes néerlandais et flamands tout au long du . Le livre conseille aux peintres de voyager, notamment à Florence et à Rome et, ainsi, beaucoup d'artistes visitent l'Italie. Toutefois, il est à noter que les figures les plus marquantes de la peinture néerlandaise de l'âge d'or, telles que Rembrandt, Vermeer, Frans Hals, Jan Steen et Jacob van Ruisdael, n'ont jamais entrepris un tel voyage.


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text: Beaucoup de peintres néerlandais et flamands travaillent à l'étranger ou exportent leurs œuvres; l'estampe est également un important marché d'exportation, et c'est par ce moyen que Rembrandt devient célèbre à travers l'Europe. Les peintres anglais sont fortement influencés par leurs confrères néerlandais, et Peter Lely et Godfrey Kneller développent l'école anglaise du portrait d'après un style établi par le flamand Antoine van Dyck avant la première Révolution anglaise. Les Van de Velde père et fils, peintres de marines, font partie des plusieurs artistes néerlandais qui quittent les Provinces-Unies lors de l'invasion française de 1672, invasion qui provoque l'effondrement du marché artistique. Ils s'installent à Londres, et l'école paysagiste anglaise est fondée par quelques peintres néerlandais moins prestigieux, comme Hendrick Danckerts. Les Bamboccianti forment une colonie de peintres néerlandais qui introduisent la peinture de genre en Italie. Jan Weenix et Melchior d'Hondecoeter se spécialisent dans la peinture de gibier et d'oiseaux, morts ou vivants, et leurs services sont demandés à travers toute l'Europe du Nord. Le paysagiste Frans Post et le peintre de natures mortes Albert Eckhout sont envoyés dans la colonie, à la brève existence, de Nouvelle-Hollande, au Brésil, et y peignent de nombreuses œuvres, alors que les colonies des Indes orientales néerlandaises, bien plus importantes, sont beaucoup moins bien représentées sur le plan artistique.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: L'énorme succès de la peinture néerlandaise du a de loin surpassé celui rencontré par les générations postérieures, et aucun peintre néerlandais du et du n'est bien connu en dehors des Pays-Bas en dehors de Vincent van Gogh. Dès la fin du siècle d'or, les artistes se plaignaient que les acheteurs étaient plus intéressés par les œuvres des peintres morts que par celles des vivants.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: Les peintures néerlandaises de l'âge d'or ont toujours constitué une importante partie des collections de tableaux antérieurs au , notamment en raison de l'énorme quantité d'œuvres produites. Il y a par exemple plus de 60 tableaux de Philips Wouwerman à la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde et plus de 50 toiles du même artiste au musée de l'Ermitage. Les artistes de cette période ont été diversement appréciés suivant les époques, le seul facteur constant quasiment tout le temps étant l'admiration pour Rembrandt, notamment durant la période romantique. D'autres peintres ont connu des changements radicaux concernant leur succès critique et le prix de leurs toiles; les fijnschilders avaient par exemple d'excellentes réputations à la fin du mais, à partir du milieu du , d'autres œuvres réalistes de genres divers ont été bien plus appréciées. Johannes Vermeer a été tiré de l'oubli le plus total durant le , plusieurs de ses œuvres ayant été avant cela attribuées à d'autres peintres. Toutefois, le fait qu'autant de ses toiles se trouvaient déjà dans d'importantes collections, même en étant attribuées à d'autres, prouve que la qualité de ses peintures était reconnue même si son œuvre collective était inconnue. D'autres artistes ont été redécouverts plus tard encore, le paysagiste Frans Post au début du , et le peintre de natures mortes Adriaen Coorte seulement dans les années 1950.


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text: Les peintures de genre ont été pendant longtemps populaires mais peu considérées. Joshua Reynolds, chef de file anglais de la peinture académique du , a formulé plusieurs commentaires sur l'art néerlandais très indicatifs à cet égard. Il était impressionné par la qualité de "La Laitière" et le rendu très vivant des portraits de Frans Hals, regrettant que celui-ci manquait de patience pour une finition plus appropriée, et se lamentait que Jan Steen ne fut pas né en Italie et formé durant la Haute Renaissance afin qu'il ait pu faire meilleur usage de son talent. L'aspect moralisateur de la peinture de genre n'était plus compris du temps de Reynolds, même aux Pays-Bas, comme le montre le titre donné au tableau de Gerard ter Borch, "La Remontrance paternelle", œuvre qui fut saluée par Goethe pour le soin pris à dépeindre cette « scène entre un père et sa fille », alors que la plupart des experts modernes s'accordent à penser qu'il s'agit en fait d'une scène de proposition dans un lupanar.


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: Dans la seconde moitié du , le réalisme terre-à-terre de la peinture néerlandaise était associé au parti whig en Angleterre et au rationalisme éclairé et aux aspirations de réforme politique en France. Durant le , période de respect quasi-universel pour le réalisme et du déclin final de la hiérarchie des genres, les peintres ont commencé à emprunter aux peintres de genre leur côté réaliste et leur utilisation d'objets dans un but narratif et ont peint des sujets similaires, et tous les genres dans lesquels les peintres néerlandais avaient été des précurseurs commencèrent à apparaître sur des toiles aux dimensions bien plus grandes (à l'exception des natures mortes).


title: Âge d'or de la peinture néerlandaise

text: Dans le domaine du paysage, les peintres italiens ont été les plus influents et les mieux considérés durant tout le , mais John Constable et d'autres romantiques ont dénoncé leur côté artificiel, leur préférant les artistes néerlandais de l'âge d'or. Par la suite, les deux écoles ont été aussi influentes et populaires l'une que l'autre durant le .


title: Ziak

text: Ziak est un rappeur anonyme français originaire d'Évry dans l'Essonne. Il a pour particularité de toujours apparaitre masqué et de ne divulguer aucune information sur son identité, créant ainsi un personnage très singulier. Il est l'un des principaux représentants de la Drill française avec Gazo, Freeze Corleone ou Ashe 22.


title: Ziak

text: Le , ce dernier sort son premier album solo, intitulé "Akimbo", certifié disque de platine. Le succès de son album en fait l'une des plus grosses révélations françaises de l'année 2021.


title: Ziak

text: Le rappeur sort son premier single intitulé "Double Dash" le et connaît un relatif succès sur YouTube avec des paroles devenues emblématiques : « "Libérez tous mes copains !" ». Toujours au mois de janvier, le single "Raspoutine" sorti le 31 janvier 2020, accompagné d'un clip où des couteaux semblent suspendus au-dessus du sol. Ce clip apportera une certaine visibilité à Ziak et fera de lui un rappeur notable.


title: Ziak

text: Le , il sort son premier single certifié single de diamant qui lui permet de se faire un nom dans le rap français : "Fixette" (46 millions de vues), qui est à ce jour son plus gros succès commercial. Ce single lui a permis, en mai 2021, de signer dans le label Millenium (Universal).


title: Ziak

text: D'autres clips intitulés "123 Soleil" et "Flocko" connaissent le succès sans pour autant obtenir de certification.


title: Ziak

text: Trois mois après la sortie de "Flocko", le , Ziak sort son nouveau single "Galerie" qui fait plus de quinze millions de vues. Il est certifié single d'or par la SNEP.


title: Ziak

text: Après avoir sorti son troisième morceau lui ayant valu un single d'or, "Akimbo", son premier album du même nom sort le 12 novembre 2021 et comporte 17 pistes dont une collaboration avec le rappeur Maes. Ziak annonce par la même occasion un concert à La Cigale pour mai 2022. Mais voyant l'engouement autour de cette annonce ( en 24 heures), il dévoile l’"Akimbo Tour", cette fois ci au Zénith de Paris à partir du à Paris jusqu'au à Bruxelles. L'album est certifié disque d'or un mois après sa sortie.


title: Ziak

text: Après une ascension fulgurante dans le milieu du rap, Ziak ressort deux singles en avril et en mai ("Dans les règles" et "You know") faisant moins parler que ses précédents clips mais s'oriente plutôt vers ses concerts. L'album "Akimbo" est certifié disque de platine 7 mois après sa sortie. Dans l'un de ses derniers concerts, il annonce qu'il prépare un deuxième album.