title: Nicolas Penneteau

text: En 2009-2010, le gardien corse connait un début de saison difficile. Expulsé lors de la première journée, il se blesse ensuite gravement à l'entraînement. Victime d'une rupture du ligament antérieur du genou droit, il est suppléé par Ndy Assembe et ne retrouve les terrains qu'en . Au cours de sa convalescence, il se noue d'amitié avec Mickaël Landreau qui s'est blessé en même temps. Quelques années plus tard, il n'hésite pas à prendre la défense du gardien du LOSC après que celui-ci a subi une cinglante défaite.


title: Nicolas Penneteau

text: En , il prolonge son contrat dans le Hainaut jusqu'en . Il s'inscrit alors durablement avec son club d'adoption.


title: Nicolas Penneteau

text: Refusant de diminuer son salaire à la suite de la relégation du club en 2014, il est licencié par le VAFC. En , le club sera condamné pour licenciement abusif et devra lui verser les salaires non-perçus.


title: Nicolas Penneteau

text: À la suite de la relégation du VAFC à l'issue de la saison 2013-2014, le club rencontre de grave ennuis financiers. Durant l'intersaison, il est annoncé à Bastia où Makelele voulait le transférer, mais il est barré par les dirigeants du club corse. Le , il signe finalement un contrat de deux ans avec le club belge du Sporting de Charleroi. Le , il prolonge son contrat au Sporting pour deux saisons supplémentaires, plus une en option. Durant la saison 2015-2016, il dispute la Ligue Europa et garde les cages du club belge en alternance avec Parfait Mandanda. À 36 ans, sous les ordres de Felice Mazzu, il réalise encore des prestations convaincantes.


title: Nicolas Penneteau

text: En , le gardien se blesse au ménisque et laisse les cages à Parfait Mandanda. À l'aube de la saison 2018-2019, il voit arriver Rémy Riou comme nouveau concurrent à son poste puis reprend sa place de titulaire. À la suite de la blessure du capitaine Javier Martos, Penneteau hérite du brassard.


title: Nicolas Penneteau

text: Pour la saison 2019-2020, il signe un nouveau contrat d'un an assorti d'une option pour une saison supplémentaire. Rémy Riou étant parti à Caen, il voit arriver comme nouveau concurrent à son poste le jeune Rémy Descamps (23 ans), en provenance du PSG. Le , après une saison perturbée par la pandémie de Covid-19, il prolonge son contrat d'une année supplémentaire.


title: Nicolas Penneteau

text: Le , il annonce sur le site internet du club, via une lettre destinée à ce dernier, au staff et aux supporters, qu'il quitte le Sporting après sept saisons passées en terres carolos.


title: Nicolas Penneteau

text: Il occupera le poste de 3e gardien et aura surtout pour mission de pousser le numéro 2, Yehvann Diouf, à devenir le numéro 1.


title: Nicolas Penneteau

text: Le , il honore sa première sélection avec la Corse à seulement 17 ans. La Squadra Corsa s'incline alors 1-0 face au Cameroun. Il compte actuellement 8 capes avec la sélection insulaire.


title: Laurie Anderson

text: Laurie Anderson, née Laura Phillips Anderson, le à Glenn Ellyn dans l'Illinois, est une artiste expérimentale et musicienne américaine, connue pour ses performances multimédia et une œuvre prolifique.


title: Laurie Anderson

text: Laurie Anderson est diplômée de Barnard College (1969) et de l'université Columbia (1972) en histoire de l'art et en sculpture. Dès les années 1970, elle réalise des performances à New York, notamment à The Kitchen, dont certaines sont reprises dans des œuvres ultérieures. En 1981, elle enregistre la chanson "" de manière confidentielle sur le label One Ten Records. Le disque est apprécié et relayé par John Peel. C'est un succès important, puisque cette composition parvient à la deuxième position des ventes en Angleterre. Ce succès la fait sortir du statut d'artiste d'« avant-garde » et lui procure un début de notoriété en France. Peu après, Laurie Anderson signe avec la Warner ; cette chanson est incluse dans son album "Big Science" ainsi que dans son œuvre maîtresse, "United States Part One to Four", performance-fleuve de huit heures qui fait, en 1983, l'objet d'un enregistrement partiel, "United States Live Volumes 1 to 4".


title: Laurie Anderson

text: Par la suite, la carrière de Laurie Anderson se poursuit avec de très nombreuses performances, expositions, disques, collaborations diverses. La liste des artistes avec lesquels elle travaille est importante, incluant : William Burroughs, John Giorno, Arto Lindsay, Ian Ritchie, Peter Gabriel, Perry Hoberman, David Sylvian (ancien chanteur du groupe Japan), Jean-Michel Jarre, Brian Eno, Nona Hendryx, Bobby McFerrin, Dave Stewart, Hector Zazou, Andy Kaufman, Philip Glass, Ryūichi Sakamoto, Lou Reed, Trisha Brown. Ses thèmes de prédilection sont la technique et ses effets sur les relations humaines.


title: Laurie Anderson

text: La musique de Laurie Anderson illustre plusieurs films de Wim Wenders, dont "Les Ailes du désir" en 1987, "Jusqu'au bout du monde" en 1991, "Si loin, si proche !" en 1993


title: Laurie Anderson

text: En 2001, elle effectue une tournée à travers les États-Unis. La date du concert à New York tombe le , quelques jours seulement après les attentats du 11 septembre 2001. Le concert est maintenu, mais les paroles apocalyptiques de "O Superman" (« Voici les avions… Ce sont des avions américains… ») y prennent une consonance toute particulière. Le concert est enregistré et le disque, "Live in New York" sort en 2002.


title: Laurie Anderson

text: En 2003, Laurie Anderson est la première artiste en résidence à la NASA, ce qui se concrétise par la performance "The End of the Moon".


title: Laurie Anderson

text: Le , Laurie Anderson épouse son compagnon de longue date, Lou Reed, ancien meneur du Velvet Underground, au cours d'une cérémonie intime à Boulder, dans le Colorado. Le couple vit à New York jusqu'au décès de Lou Reed en 2013.


title: Ordre des chanoines réguliers de Prémontré

text: L'ordre des chanoines réguliers de Prémontré, appelé couramment prémontrés, plus rarement norbertins, est un ordre canonial catholique fondé par saint Norbert de Xanten au début du . La désignation O.Praem. ("Ordo Praemonstratensis") est apposée à la suite des noms des religieux prémontrés.


text: Quant aux personnes physiques ecclésiastiques, les abbés prémontrés, dont l'habit est entièrement blanc, ont coutume de timbrer leur blason du chapeau prélatice d'argent.


text: En 1120, l'évêque de Laon, Barthélemy de Jur donne à Norbert de Xanten un terrain dans la forêt de Voas (aujourd'hui la forêt de Saint-Gobain dans l'Aisne) au lieu-dit « Presmontré » pour y fonder une abbaye. Norbert y installe une communauté de chanoines réguliers, soumis à la règle de saint Augustin, ainsi qu'une communauté de femmes. Plus tard ces chanoines réguliers seront appelés "Prémontrés" ou "Norbertins". Dès l'origine, les prémontrés ont une structure triple : un ordre d'hommes, un ordre de femmes et un tiers-ordre, ajouté en 1122 par Norbert, de laïcs voulant s'associer à la spiritualité de l'ordre.


text: Les prémontrés ont une double mission : l'apostolat, en tant que clercs, c'est-à-dire l'action auprès des fidèles dans les paroisses, et l'Office divin, comme les moines. Cette double mission répond à la devise augustine "sanctitatem et clericatum (de sainteté et d'apostolat)". Ils sont parfois considérés comme des précurseurs des ordres mendiants.


text: En 1130, les prémontrés sont déjà cinq cents frères et plus de mille religieuses. Quatre ans plus tard, Norbert meurt.


text: Les établissements prémontrés sont regroupés en circaries. Au début du , en Lorraine d'abord, l'abbé de Sainte-Marie-au-bois, Servais de Lairuelz, est l'initiateur de la réforme de l'ordre, appelée également « réforme de Lorraine », et entraîne dans sa « Communauté de la primitive rigueur » une quarantaine d'établissements de prémontrés dont l'abbaye Sainte-Marie-Majeure de Pont-à-Mousson sera l'abbaye mère.


text: À Haguenau (Alsace), notamment, après l'occupation de la ville par les troupes françaises en 1635, les prémontrés du monastère d'Allerheiligen en Forêt-Noire, rachètent l'église et le couvent et reprennent leur service à l'église Saint-Nicolas ; ils la conserveront jusqu'à la Révolution française de 1789.


text: À la Révolution française la plupart des abbayes disparaissent ; comme les autres religieux, les prémontrés doivent quitter leurs abbayes. Leurs biens sont confisqués et vendus comme « biens nationaux ». Certains s'exilent, d'autres deviennent curés de paroisse.


text: En 1858, les premières restaurations d'abbayes prémontrées ont lieu à Mondaye dans le Calvados et à Frigolet dans les Bouches-du-Rhône. Après les lois d'expulsion du début du siècle, les prémontrés sont de retour dans les abbayes en 1921.


text: Les prémontrés portent l'habit et le scapulaire blancs. Les chanoines avaient adopté le costume canonial - surplis de lin et chape de laine noire et l'aumusse, un capuchon de fourrure que les moines se mettaient sur la tête durant les offices en hiver.


title: Mitsou Gélinas

text: Mitsou Gélinas, née le à Québec, Canada est une animatrice, femme d'affaires, chanteuse et actrice canadienne. Après avoir joué dans l'émission "Terre humaine", elle devient chanteuse sous le nom de Mitsou au cours des années 1980 et 1990 durant lesquelles elle aura du succès au Québec et au Canada.


title: Mitsou Gélinas

text: Mitsou Annie Marie Gélinas naît le dans le quartier Loretteville dans l'arrondissement La Haute-Saint-Charles à Québec. Elle est la petite-fille de l'acteur et dramaturge québécois Gratien Gélinas ainsi que la sœur d'Abeille Gélinas et de Noémie Gélinas. Le nom « Mitsou » vient de la francisation de "Mitsu", qui signifie « miel » en japonais.


title: Mitsou Gélinas

text: Elle fait ses premiers pas à la télévision à l'âge de cinq ans dans la publicité. De 9 ans à 11 ans, elle obtient le rôle d'Anouk dans le feuilleton télévisé "Terre humaine".


title: Mitsou Gélinas

text: Mitsou commence à chanter dès son adolescence. En 1988 à 17 ans, elle enregistre son premier album, "El Mundo", dont est extrait un premier "single", "Bye Bye Mon Cowboy". Ce titre connait un très grand succès au Québec, ainsi que dans le reste du Canada, ce qui est très rare pour une chanson en français. L'album est lui-même un succès dans tout le Canada. Les extraits "Les chinois", "La corrida" et "Los amigos" suivent, obtenant un large succès au Québec.


title: Mitsou Gélinas

text: En 1990, elle publie un second album, "Terre des Hommes", lancé lors d’un événement monstre aux Foufounes électriques, temple montréalais de la culture alternative.


title: Mitsou Gélinas

text: La première chanson, "Mademoiselle Anne", ne lui assure pas une même reconnaissance pancanadienne, mais le second extrait de cet album, "Dis-Moi, Dis-Moi", connaît un succès fracassant, entre autres grâce à un clip controversé en raison de nudité. Ce clip, lancé seulement quelques mois après "Justify My Love" de Madonna, se voit interdit par MuchMusic (sauf lors d'une émission spéciale, "Too Much 4 Much", qui faisait visionner tous les clips bannis avec un forum et un groupe de discussion). MusiquePlus, la station québécoise, soutient Mitsou en diffusant le clip très souvent. Les autres extraits de l'album sont "A Funny Place (The World Is)" et "Lettre à un cow-boy" qui fut surtout populaire en radio.


title: Mitsou Gélinas

text: En 1992, paraît l'album "Mitsou", destiné au marché anglophone nord-américain, sorte de compilation de 10 succès de la chanteuse (dont certaines nouvelles chansons : "Deep Kiss", "Heading West"…). Le même concept sera plus ou moins reproduit sous la forme de l'album "Heading West", compilation destinée, elle, au marché québécois (incluant un remix de la chanson "Bye bye mon cow-boy").


title: Mitsou Gélinas

text: La même année, Mitsou est en tête d’affiche dans les films "Coyote" et "Prince Lazure", sortis simultanément.


title: Mitsou Gélinas

text: En 1993, l’album "Tempted", son premier disque anglophone, paraît au Canada. Plusieurs grands noms de la pop américaine, Narada Michael Walden, Dereck Bramble et RuPaul, entre autres, prennent part à sa création. Malheureusement, un changement de responsables à la direction d’Hollywood Records empêche la sortie de l’album aux États-Unis ; un recentrage qui affecte plusieurs artistes affiliés à la compagnie. En 1994 parait "Le Yaya" avec un succès mitigé.


title: Mitsou Gélinas

text: Sensible à la cause du SIDA, Mitsou se soumet à un test de dépistage en direct dans le cadre de l’émission Studio libre. Elle multipliera ensuite les interventions médiatiques dans le but de sensibiliser le grand public à ce fléau mondial.


title: Mitsou Gélinas

text: Mitsou participe cette même année à une campagne publicitaire sur les nouveaux modèles de Golf. Elle lance également la vidéo "En forme avec Mitsou".


title: Mitsou Gélinas

text: En 1994 – 1996, elle fait ses débuts en tant qu’animatrice et chroniqueuse, d’abord aux côtés de Jean-Michel Dufaux, qui anime avec elle l’émission estivale "C’est chaud", diffusée sur les ondes de TQS, puis aux côtés du vétéran Jean-Pierre Coallier, en tant que chroniqueuse, à l’émission "Les Amuse-gueules" sur le réseau TVA.


title: Mitsou Gélinas

text: En 1996, elle lance un album de Noël et met fin à sa collaboration avec son gérant et producteur de la première époque, Pierre Gendron des disques Tox.


title: Mitsou Gélinas

text: En 1997, elle fonde "Dazmo Musique". Cette PME se spécialise dans la création, la réalisation et la production d'effets sonores pour des publicités, des films et des musiques d'émissions de télévision. Elle crée ensuite Vidéo Assist et Vidéo M.T.L., spécialisé dans le service et la location d'équipement de caméras vidéos.


title: Mitsou Gélinas

text: L'album personnel "Mitsou" (différent de celui de 1992) est lancé en 1999 sans remporter de succès populaire, mais recueillant plusieurs critiques élogieuses pour son audace et son raffinement. Cet album, dont Mitsou signe la plupart des textes, comprend les extraits "Ouvre-moi", "Les ronces", "Si tu m'aimes encore", "La vie sera" et "Les vieux".


title: Mitsou Gélinas

text: En 2000, Mitsou se joint à l’équipe d’animation du "Morning Show" d’NRJ 94.3. Le "Morning Show" fait fureur auprès des 18-34 ans, qui l’élisent leur émission numéro un du matin pendant près de 12 ans. Automne 2012, la station Rythme FM en fait l'animatrice de son émission du retour à la maison, "Heureux! Montréal", aux côtés de Sébastien Benoît.


title: Mitsou Gélinas

text: En 2002, Mitsou produit l'album "Mitsouvibe" qui connut un bref succès grâce à un remix de la chanson "À toi (You & I)" dont l'original se trouvait sur l'album "Mitsou" de 1999. Cet opus, qui représente la dernière incursion de Mitsou dans le milieu de la musique, rassemble des remix de quelques-uns des plus grands succès de l’interprète et plusieurs compositions de Mitsou, Karl Wolf et Georges Acogny.


title: Mitsou Gélinas

text: De 2005 à 2007, elle anime l'émission de télévision "Au Courant" sur la chaîne CBC Newsworld. L'émission a d'ailleurs reçu une nomination en 2006 aux Gemini Awards dans la catégorie "Best Talk Series".


title: Mitsou Gélinas

text: En 2009, elle décroche le rôle de Vivianne Jobin, maîtresse du pianiste André Mathieu, dans le film sur la vie d'André Mathieu réalisé et scénarisé par Luc Dionne. Plus tard dans l'année, elle animera une émission hebdomadaire de cuisine santé sur les ondes de Radio-Canada en compagnie du Richard Béliveau nommée: "Kampaï ! À votre santé !". Également, devient le nouveau visage et porte-parole de la maison de cosmétiques Lise Watier.


title: Mitsou Gélinas

text: Mitsou entamera une « conversation musicale » avec ses fans en lançant des singles au gré de ses inspirations sur son site internet. La chanson "On vole", une collaboration de Mitsou et Creature, sera la première envolée. Elle pourra être téléchargée sur Mitsou.com et sur iTunes à la mi-.


title: Mitsou Gélinas

text: À partir du , la tournée "Clin d’œil Rock & Rose" parcourt le Québec. Les six chanteuses qui en font partie, dont Mitsou, Nadja, France D'Amour ou Stéphanie Bédard, ont pour but de divertir mais aussi de sensibiliser et informer les gens à la cause du cancer du sein.


title: Mitsou Gélinas

text: En 2012 elle a aussi chantée sur le premier album du groupe pop électronique Québécois Qualité Motel sur la chanson "Honey Cruller". En 2017 Mitsou chante "As-tu vu le Père Noël ?" en duo sur l'album d'Émilie-Claire Balow intitulé Lumières Diver.


title: Mitsou Gélinas

text: Depuis ses débuts en 1997, elle fonde avec son conjoint l'entreprise d'effet sonore "Dazmo Musique" pour la télévision et le cinéma. Par la suite, elle se spécialise en location d'équipement de caméras avec "Vidéo Assist" et "Vidéo M.T.L.".


title: Mitsou Gélinas

text: En 1994, le vidéoclip "J'ai Toujours Envie d'Aimer" aborde le terme de l'amour hétérosexuel que homosexuel. Ceci l'amènera à parler du sida qui attira l'attention des médias.


title: Mitsou Gélinas

text: Mitsou Gélinas a marqué la musique québécoise des années 1980 et 1990 avec les chansons "Bye bye mon cowboy", "Dis-moi, dis-moi" et plusieurs autres. Au fil de sa carrière, elle s'est diversifiée en passant par le cinéma, la télévision et la radio.


title: Mitsou Gélinas

text: Alors en pleine ascension comme chanteuse, Mitsou proposa un style provocateur et sensuel qu'elle qualifia de « révolution ». Avec le vidéoclip "Dis-moi, Dis-moi" paru en 1990 soit quelques mois après celui de "Justify My Love" de Madonna, il fut à son tour banni des ondes de MuchMusic qui fera jaser qu'aux États-Unis à l'émission Entertainment Tonight la qualifie de Madonna québécoise.Je n'essais pas d'être Madonna numéro 2, je veux juste être Mitsou. - Mitsou Elle a marqué l'imagination des québécois dans le film "Coyote" pour une scène de sexe entre elle et l'acteur Patrick Labbé et la qualifiera de sex-symbol.


title: Mitsou Gélinas

text: Mitsou se spécialisait dans la musique pop et dance. Dans les années 1990, elle tente de conquérir le marché anglophone avec les albums "Heading West" et "Tempted" qui n'ont malheureusement jamais paru aux États-Unis à cause d'un recentrage chez Hollywood Records.


title: Mitsou Gélinas

text: Mitsou est la conjointe de Iohann Martin (le fils du défunt producteur de disques Yves Martin) depuis 1997. Le couple s'est marié le à Montréal. Elle est la belle mère de Kaia Watkins et la mère de Stella-Rose (2003) et Mila (2007).


title: Mitsou Gélinas

text: Lors de la cérémonie des prix Félix de 1988 que Gélinas est élu découverte de l'année. La chanteuse choque avec sa robe et le plus choquant avec ses remerciements au micro.J'avais peur de pas gagner. - Mitsou


title: Mitsou Gélinas

text: À la suite de son exclusion en 1990 pour des raisons de nudité par MuchMusic, sa station sœur au Québec (MusiquePlus) diffuse le vidéoclip sur ses ondes sous l’insu du réseau canadien en guise de soutien à l'artiste, ce qui entraînera une querelle entre les deux stations.


title: Mitsou Gélinas

text: L'année suivante, MuchMusic diffuse l'émission spéciale "A Question of Taste" dans laquelle Mitsou se défendra devant des spécialistes de l'industrie de la presse écrite et de la télévision donc les dirigeants des communications et de la programmation de MuchMusic.


title: 5 Seconds of Summer

text: 5 Seconds of Summer (5SOS) est un groupe de pop rock australien, originaire de Sydney. Formé en 2011, le groupe se compose de Luke Hemmings (chant, guitare), Michael Clifford (guitare, chant), Calum Hood (basse, chant), Ashton Irwin (batterie, chant).


title: 5 Seconds of Summer

text: Le groupe est d'abord composé de Luke Hemmings, Michael Clifford et Calum Hood, qui étudiaient tous dans la même école, le Norwest Christian College à Riverstone, en Australie. Ils décident de se réunir afin de poster des vidéos d'eux-mêmes sur YouTube, réalisant des reprises de chansons célèbres (leur reprise de la chanson de Chris Brown et Justin Bieber, "Next to You" dépasse à cette période les ). Jugeant leur groupe « incomplet », ils font passer des auditions à quelques jeunes, et c'est ainsi qu'Ashton Irwin (batteur), les rejoint le , et que le groupe 5 Seconds of Summer est formé.


title: 5 Seconds of Summer

text: Le groupe attire l'intérêt de grands labels et éditeurs de musique et signe alors un contrat d'édition avec Sony ATV Music Publishing. Bien que n'ayant eu aucune promotion à part celle venant des réseaux Facebook et Twitter, leur première réalisation, un EP nommé "Unplugged", atteint la troisième place du classement iTunes en Australie, et le Top 20 en Nouvelle-Zélande et en Suède. La popularité du groupe s'accroît significativement lorsque Louis Tomlinson, membre du boys band anglais One Direction, poste le lien de la vidéo YouTube de leur chanson "Gotta Get Out", affirmant qu'il était fan de 5 Seconds of Summer. Le groupe fut une nouvelle fois le sujet d'intérêt de One Direction : après la sortie de leur premier single, "Out Of My Limit", le , Louis Tomlinson tweete le lien du clip de cette chanson.


title: 5 Seconds of Summer

text: 5 Seconds of Summer passe alors la seconde moitié de 2012 à écrire et enregistrer leur musique avec Christian Lo Russo et Joel Chapman du groupe australien Amy Meredith, avec qui ils ont écrit deux des chansons figurant sur l'EP "Somewhere New" - "Beside You" et "Unpredictable". Cet EP est également coproduit par Joel Chapman. Le clip de "Out Of My Limit" reçoit plus de dans les premières après sa parution. En , le groupe passe un séjour à Londres afin d'écrire de nouvelles chansons. Ils écrivent alors avec de nombreux artistes comme le groupe McFly, Roy Stride du groupe Scouting for Girls, Nick Hodgson de Kaiser Chiefs, Alex Gaskarth du groupe All Time Low, Jamie Scott, Jake Gosling, Steve Robson et James Bourne du groupe Busted.


title: 5 Seconds of Summer

text: Le , 5 Seconds of Summer annoncent qu'ils soutiendront One Direction lors de leur tournée mondiale "Take Me Home Tour". La tournée débute à l'O2 Arena de Londres le et 5 Seconds of Summer assurent la première partie de One Direction pour les concerts en Angleterre, aux États-Unis, au Canada, en Australie et en Nouvelle-Zélande, incluant sept concerts à l'Allphones Arena à Sydney, ville d'origine du groupe. Cette tournée mondiale se termine le . Pendant les pauses du "Take Me Home Tour", le groupe rentre en Australie où part en tournée indépendante et toutes les dates se vendent en quelques minutes. Le , le groupe annonce qu'ils avaient signé à Capitol Records et travaillent sur leur premier album.


title: 5 Seconds of Summer

text: Début 2014, font une tournée à guichets fermés en Angleterre, puis organisent le " qui consiste à donner cinq concerts en cinq jours dans cinq villes d’Europe (Stockholm, Berlin, Paris, Rome et Madrid) du au .


title: 5 Seconds of Summer

text: Le lien entre 5SoS et One Direction mène les médias à considérer le groupe comme un boys band. Le , ils sortent leur premier mini album ' incluant le single ', ainsi que les titres ', ' et ' pour la première version de l'EP, ' interprété par Ashton, puis le même titre interprété par Michael et ', qui est une reprise du groupe The Romantics. En deux jours, le single se classe dans 39 pays. Après avoir eu du succès en Europe, ils annoncent leur tournée nord-américaine incluant une dizaine de concerts du 11 au . Puis le groupe enchaîne avec sa tournée australienne nommé ' qui inclut six concerts, dont un à Sydney. Leur EP " sort également le . La première version contient "Don't Stop", "Try Hard", "Rejects" et "If You Don't Know". La seconde version, quant à elle comprend "Don't Stop", interprété par Calum ainsi que "Wrapped Around Your Finger".


title: 5 Seconds of Summer

text: Leur premier album, intitulé ', sort le en France. Ils ont l'occasion de jouer et de chanter ces titres lors de la tournée "Where We Are Tour" de One Direction, lorsqu'ils en font la première partie. En , ils annoncent le nom et les dates de leur nouvelle tournée mondiale '. participent à l'iTunes Festival de Londres le où ils interprètent des chansons de leur album homonyme et de leurs EP sortis quelques mois plus tôt. Leur EP "Amnesia" sort le , il contient "Amnesia", "Daylight", "American Idiot" et "Amnesia (Live at Wembley)". Leur EP "Good Girls" qui contient les titres "Good Girls", "Just Saying", "Long Way Home (Acoustic)" et "Good Girls (Live from the iTunes Festival)" sort également le . Le , ils publient leur album "LIVESOS" qui contient la version live de certaines de leurs chansons de l'album "5 Seconds Of Summer" et également des EPs "She Looks So Perfect", "Don't Stop" et "Amnesia".


title: 5 Seconds of Summer

text: En 2015 a lieu leur tournée mondiale "Rock Out With Your Socks Out Tour". Elle commence en Europe (Portugal, Espagne, Italie, Suisse, Danemark, Suède, Norvège, Allemagne, Pays-Bas, Belgique, France, Irlande et Royaume-Uni) du au , puis continue en Océanie (Nouvelle-Zélande et en Australie) du 18 au et se termine en Amérique du Nord (États-Unis et Canada) du au . Cette tournée dure cinq mois et compte soixante-huit concerts. Tout au long de la tournée, ils sortiront des chansons via les radio australiennes comme "Fly Away", "Money", les futurs singles "She's Kinda Hot", "Jet Black Heart" et "Hey Everybody!" qui seront présents dans leur prochain album.


title: 5 Seconds of Summer

text: En , 5 Seconds of Summer annoncent leur nouvel album studio "Sounds Good Feels Good", qui sortira en octobre et leur deuxième tournée mondiale "Sounds Live Feels Live," qui commencera en . Le groupe jouera dans des lieux où ils n'ont jamais été comme l'Amérique du Sud, l'Asie, l'Amérique du Nord et l'Europe. Après quelques mois d'attente, l'album sort enfin le . Avec "Fly Away", "Money", "She's Kinda Hot", "Jet Black" "Heart" et "Hey Everybody!" dans la liste des titres, l'album est dit par le groupe lui-même car il contient des chansons qui traitent de sujets plus graves comme la dépression, le divorce et la solitude. Le sort leur DVD live "How Did We End Up Here?". Dans ce DVD on retrouve l'intégralité de leur concert à Wembley (12-13-) ainsi qu'un documentaire retraçant le parcours du groupe depuis sa formation en 2011 jusqu'à l'écriture de leur deuxième album en 2015.


title: 5 Seconds of Summer

text: Le sort "Want You Back", un single issu du nouvel album à paraître, ainsi qu'une tournée dans l'année. Le clip du single sort le . Le groupe interprète également d’autres morceaux en live tels que ', ', ' ou '. La version studio de "" est sortie ainsi qu'une version acoustique interprétée par Luke à la guitare et au chant.


title: 5 Seconds of Summer

text: Leur nouvel et troisième album, ', est premièrement annoncé pour le mais les membres décident de surprendre les fans et d'avancer la date de sortie pour le . Ils annoncent aussi leur "Meet You There tour" qui sera de moins grande envergure que leur tournée de 2016. À peine une demi-heure après la sortie de ', ils sont déjà au deuxième rang des meilleurs albums iTunes au Canada, après Christina Aguilera.


title: 5 Seconds of Summer

text: Le 5 février 2019, le groupe partage des teasers pour leur prochain single "Who Do You Love", une collaboration avec le duo américain The Chainsmokers. Le single sort le 7 février. En mars, le groupe interpète "Who Do You Love", avec The Chainsmokers, dans The Tonight Show avec Jimmy Fallon. Le clip officiel est publié le 25 mars 2019. Le groupe est également en tournée avec eux lors de leur tournée "North American World War Joy" aux côtés de Lennon Stella fin 2019. Le 23 mai 2019, ils sortent le titre "Easier" comme single principal de leur quatrième album studio à venir. "Teeth", de la saison 3 de la série Netflix "13 Reasons Why", sort le 21 août 2019. Le 5 février 2020, ils annoncent leur quatrième album studio "Calm" (acronyme des premières lettres de chaque prénom de chaque membre : Calum, Ashton, Luke, Michael), sorti le 27 mars 2020, et sortent "No Shame", le troisième single de l'album, en même temps. Le 16 février 2020, le groupe s'est produit à Fire Fight Australia, un concert télévisé au stade ANZ de Sydney, recueillant des fonds pour les secours contre les feux de brousse. Leur prestation, qui était la première en direct de "No Shame", a été largement saluée. Le 21 février, ils sortent le titre "Old Me" en single promotionnel avant de le diffuser à la radio comme quatrième single de l'album le 6 mars. Le 25 mars, ils sortent leur cinquième single, "Wildflower".


title: 5 Seconds of Summer

text: CALM débute numéro 1 en Australie et au Royaume Uni. Par ailleurs, à cause d'une erreur d'entrepôt, 11 000 exemplaires ont été vendus aux États-Unis une semaine avant la sortie officielle de l'album. CALM a donc débuté au Billboard 200. Il est ensuite remonté à la deuxième position du classement. Cette erreur a provoqué l'indignation des fans car sans cette dernière le quatrième album du groupe australien aurait, selon eux, été classé premier du Billboard 200. #billboardcountthe10k a été en tendance Twitter et de nombreuses radios comme Sirius XM Hits 1 ont exprimé leur soutien au groupe.


title: 5 Seconds of Summer

text: Le groupe cite comme influences Blink-182, All Time Low, Good Charlotte, Paramore, Mayday Parade, Boys Like Girls, Busted, Green Day et Fall Out Boy.


title: 5 Seconds of Summer

text: Toutes les musiques du groupe 5 seconds of summer n’ont pas été composées seulement par les 4 membres, même s’ils participent grandement à la composition de toutes leurs œuvres.


title: 5 Seconds of Summer

text: 5 Seconds of Summer remportent le le prix de l'artiste australien de l'année (le "Oz Artist Award") organisé par Channel [V] (chaîne de télévision musicale australienne), ce qui constitue leur première récompense en tant que groupe. Peu de temps après, le , leurs fans leur ont fait remporter le prix MTV du meilleur groupe révélé en 2013. Ils remportent aussi un EMI Music Australia Award en grâce au single "She Looks So Perfect" puis le prix du meilleur clip lyrique en pour "Don't Stop". Les récompenses de l'année 2014 se poursuivent puisqu'ils gagnent le American Music Award du nouvel artiste de l'année, le Teen Choice Award de la révélation groupe de l'année ainsi que le Teen Choice Award du meilleur groupe de l'été et pour finir, ils gagnent trois MTV Europe Music Award pour le : meilleur(e) artiste MTV PUSH, meilleur(e) nouvel(le) artiste, et meilleur(e) artiste australien(ne).


title: The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars

text: , souvent abrégé en Ziggy Stardust, est le cinquième album studio de l'auteur-compositeur-interprète britannique David Bowie. Il est généralement considéré comme son chef-d’œuvre. Enregistré de à aux studios Trident de Londres avec le guitariste Mick Ronson, le bassiste Trevor Bolder et le batteur Mick Woodmansey, il paraît le sur le label RCA Records.


text: Il s'agit d'un concept album à la trame assez vague. Bowie y incarne Ziggy Stardust, rock-star androgyne extraterrestre envoyée sur Terre avant une apocalypse imminente. Après un succès fulgurant au sein de son groupe les "Spiders from Mars", Ziggy tombe en disgrâce, dévoré par son ego. De grandes thématiques qui domineront l’œuvre de Bowie s'y concrétisent : l'espace et les créatures extra-terrestres comme métaphores des sommets et de la solitude de la « staritude », l'androgynie, la dissociation de la personnalité


text: Archétype du glam rock et du protopunk, l'album reflète les influences de musiciens alors proches de l'auteur : Lou Reed et le Velvet Underground, Marc Bolan de T. Rex, Iggy Pop et ses Stooges.


text: Précédé par le single "Starman", le culmine au du classement au Royaume-Uni. L'interprétation vocale de Bowie et le jeu de guitare de Mick Ronson sont unanimement salués. La célébrité du chanteur est propulsée au zénith par ce disque, considéré rétrospectivement comme l'un de ses meilleurs opus et régulièrement cité dans les listes des plus grands albums de tous les temps.


text: Aiguillonné par sa femme Angie, Bowie crée autour de l'album et du personnage un ensemble artistique cohérent : costumes avant-gardistes et unisexes conçus par Freddie Burretti puis Kansai Yamamoto, coiffure orange composée par Suzi Fussey, maquillage pâle de Pierre Laroche orné d'un disque doré sur le front, sexualité tapageuse, confusion des genres et des orientations sexuelles, spectacles mêlant musique, mime et théâtre Le chanteur emmène Ziggy et les d'apparitions télévisées en concerts dans près de dix-huit mois de tournées au Royaume-Uni, aux États-Unis, au Canada et au Japon, qui le laissent aux portes de l'épuisement physique, de la confusion mentale et de la drogue. Le , à la fin d'un ultime concert au Hammersmith Odeon, il stupéfie ses fans en annonçant la disparition définitive de Ziggy.


text: Au début des années 1970, David Bowie n'est qu'un chanteur anglais parmi d'autres, dont le style oscille entre le folk et le psychédélique. Sa notoriété auprès du grand public repose sur un unique succès, le ", qui a atteint la cinquième place des britanniques en .


text: En , il rentre en Angleterre après une tournée promotionnelle en Amérique. Dans la maison victorienne qu'il habite avec sa femme Angie Barnett à Haddon Hall, hybride de laboratoire expérimental et de baisodrome où le couple tient porte ouverte pour leurs amis artistes, il compose une quarantaine de chansons. C'est dans ce fond que seront puisées les pistes des albums ' et . Bowie enregistre dès une première version de certaines (', ") avec le groupe éphémère Arnold Corns qu'il a créé pour contourner le contrat d'exclusivité qui le lie à Mercury Records.


text: Pour "", les sessions d'enregistrement commencent en aux studios Trident de Londres. Ken Scott, ingénieur du son pour ses deux albums précédents et qui a travaillé avec les Beatles, est choisi comme producteur. Bowie s'est entouré du guitariste Mick Ronson, du bassiste Trevor Bolder, du batteur Mick Woodmansey et du pianiste Rick Wakeman. Mais le groupe prend conscience que ces titres ne se prêtent guère à une interprétation en concert, et décide de poursuivre les sessions pour enregistrer d'autres morceaux.


text: Les séances du cinquième album de David Bowie débutent donc le , toujours aux studios Trident. Elles impliquent les mêmes musiciens, à l'exception de Rick Wakeman qui a préféré rejoindre le groupe de rock progressif Yes. L'équipe commence vers , pour finir entre et du matin. Bowie est très impliqué dans le processus, donne des indications aux musiciens, allant jusqu'à fredonner à Mick Ronson les solos qu'il souhaite l'entendre jouer. Le travail s'effectue de manière très rapide : le groupe enregistre un morceau, le réécoute immédiatement et effectue une autre tentative si le son ne correspond pas à ses attentes. Plus de neuf fois sur dix, la piste vocale définitive est la première prise.


text: Le premier jour, les musiciens enregistrent des versions de ' et ', mais le résultat ne les satisfait pas. Ils effectuent une deuxième tentative sur ces deux chansons trois jours plus tard, le , et enregistrent également ', ', ' et '. Le lendemain, ils effectuent deux prises de ', ' et ' (un morceau déjà paru sur '), ainsi qu'un essai de '. Le , c'est au tour de ' et de versions inachevées de ' et '. Une liste provisoire de morceaux est ébauchée le même jour : elle comprend des reprises de ' de Chuck Berry et d’"Amsterdam" de Jacques Brel, ainsi qu'une nouvelle version de ' et ', mais pas '. Le titre de travail de l'album est alors "" ; il le reste au moins jusqu'au .


text: Après le , le travail est interrompu pendant les fêtes de fin d'année. Les musiciens se retrouvent le pour répéter aux studios Underhill à Blackheath en prévision des dernières séances. Ils interprètent quelques-unes de leurs nouvelles chansons pour l'émission de radio ', qui marque la première apparition du nom "The Spiders from Mars", avant de retourner aux studios Trident pour travailler sur les morceaux ' et '. Lorsqu'un cadre de RCA Records se plaint que l'album ne contient aucun potentiel, Bowie écrit ', qui remplace "in extremis" la reprise de '. Les séances prennent fin le avec l'enregistrement des versions finales de ', ' et '.


text: Après avoir négocié la terminaison de l'engagement de Bowie avec Mercury Records, son manager Tony Defries présente les bandes de ' à plusieurs labels aux États-Unis : le , c'est Dennis Katz, pour RCA Records de New York, qui signe avec le chanteur un contrat pour ses trois prochains albums. ' paraît le . Malgré des critiques très favorables, il ne parvient pas à entrer au classement britannique des meilleures ventes en partie à cause d'un mauvais marketing de RCA, déconcerté par la rumeur d'un changement d'image de l'artiste pour son disque suivant.


text: Le coming out de Bowie qui confie en janvier 1972 au magazine "Melody Maker" qu'il est homosexuel et qu'il l'a toujours été, posant pour l'article en costume de Ziggy Stardust, braque les projecteurs sur l'artiste, suscitant l'attente de son prochain album. Si l'enthousiasme se limite à quelques milieux gays (le magazine "Gay News" le décrit alors soudainement comme et ), elle attire l'attention de la presse sur ses dates de tournée et son prochain album.


text: RCA sort le ' le , avec ' en face B. Ses ventes ne sont pas spectaculaires, mais il reçoit de nombreuses critiques positives. ' paraît le en Grande-Bretagne avec le numéro de catalogue SF 8287. s'en vendent dans le royaume la première semaine et il entre au "top 10" la suivante. Le , l'émission pour les jeunes ' sur ITV diffuse après l'heure de l'école une version de ' enregistrée le dans ses studios par Bowie, ses et le claviériste Nicky Graham : elle est vue par des milliers d'enfants britanniques. Le ' se hisse à la du , ce qui vaut à Bowie une invitation à se produire dans l'émission de télévision de la BBC "Top of the Pops".


text: Le , Bowie et son groupe jouent ' sur les plateaux de la BBC. Le chanteur a revêtu une combinaison arc-en-ciel aux couleurs vives et des bottes d'astronaute. Il arbore sa longue coupe mulet de cheveux rouges. Les et Graham portent des vêtements de velours bleu, rose, écarlate et doré. Pendant la session, Bowie, détendu et confiant, entoure de son bras l'épaule de Ronson. La diffusion de "Top of the Pops" le lendemain est une révélation et un séisme : à une heure de grande écoute, devant près de vingt millions de téléspectateurs, l'ambivalence sexuelle jouée de Bowie et Ronson scandalise la vieille Angleterre, sidère les jeunes et attire l'attention du public sur l'album. De nombreux fans datent de ce jour leur conversion à tout ce qui concerne Bowie. Bono, le chanteur de U2, déclare ainsi en 2010 . ' est propulsé à la dixième place des "charts" britanniques et au aux États-Unis.


text: Fin 1972, du 33 tours se sont vendus au Royaume-Uni. Après un fléchissement dans le classement en fin d'année, les ventes recommencent à croître et il atteint la en .


text: À sa sortie ' est accueilli avec tiédeur par les critiques spécialisés. James Johnson de "New Musical Express" juge l'album que les précédents opus et concède que les chansons sont . Sur "Melody Maker" Michael Watts observe que "Ziggy Stardust " n'a et mentionne . Dans "Rolling Stone", si Richard Cromelin convient que l'album est bon, il doute qu'il suscite un intérêt durable : . "Sounds", qui avait pourtant fait l'éloge de ', écrit . Dans "The Times", Richard Williams juge le personnage superficiel, incarné sans conviction par Bowie. Même Nick Kent dans "Oz", qui pourtant apprécie l'album, juge que le personnage de Ziggy est peu cohérent, et que Bowie se surévalue. Ces verdicts négatifs sont courants chez les spécialistes qui ont apprécié les précédentes compositions de l'auteur, qu'ils ne retrouvent pas dans la .


text: Certains critiques cependant sont convaincus par l'album. Pour le magazine "Circus" c'est une , . Jack Lloyd dans "The Philadelphia Inquirer" déclare que . Dans l’"Evening Standard" Andrew Bailey partage cet avis et loue à la fois les textes, le spectacle et une musique « digne d'un opéra ». Robert Hilburn dans le "Los Angeles Times" compare favorablement "Ziggy" au "Tommy" des Who de 1969, avec sa musique . C'est au disque des Rolling Stones ' que Jon Tiven compare quant à lui l'album dans "Phonograph Record", estimant que Bowie, , mériterait de devenir une star . Dans "Creem", qui classe fin 1972 l'album en tête de sa liste de favoris, Dave Marsh pronostique : . Le "New York Sunday News" lui aussi choisit "Ziggy Stardust" comme le meilleur album de l'année devant ' des Stones ; Lillian Roxon y qualifie Bowie d'.


text: La tournée "Ziggy Stardust Tour" commence au Royaume-Uni du au . Le retentissement d'un spectacle donné au pub "Toby Jug" dans la banlieue de Londres le catapulte le chanteur au rang de star, créant comme le décrit Buckley, un « culte de Bowie ». En , les poursuivent la tournée aux États-Unis. Totalement immergé dans son persona, Bowie commence à ne plus pouvoir distinguer hors de la scène son propre soi de Ziggy. Il déclare plus tard : . De fait, la tournée a un impact négatif sur le psychisme de Bowie et marque le début de sa longue dépendance à la cocaïne. De peur que sa carrière ne se résume à l'extra-terrestre, il imagine un nouvel alter-ego pour son album suivant, "Aladdin Sane", écrit et enregistré de à entre les étapes de la tournée. Cet Aladdin Sane, qu'il décrit comme , est un personnage beaucoup moins optimiste, adepte d'activités sexuelles violentes et de drogues dures.


text: Prolongeant la durée de la tournée à dix-huit mois, la troupe sillonne les États-Unis et le Canada et voyage jusqu'au Japon. À la fin de l'ultime concert, le au Hammersmith Odeon à Londres, Bowie annonce à la surprise générale que , compris plus tard comme signifiant qu'il abandonnait le personnage de Ziggy. Ken Scott, qui enregistre le concert à bord d'un camion garé derrière la salle, est stupéfait par l’annonce du chanteur. déclare t-il. La performance de Bowie a été documentée par le cinéaste D. A. Pennebaker dans un film-concert, monté en 1979 et commercialisé en 1983 sous le nom de ', avec une bande originale intitulée '. Il existe un autre enregistrement d'un spectacle de la tournée, la captation du concert de Santa Monica en Californie, le , d'abord sorti en version pirate puis officiellement publié en 2008 sous le nom de "Live Santa Monica '72".


text: Dans les semaines qui suivent l'enregistrement de l'album, Bowie écrit ' pour Mott the Hoople, que ceux-ci enregistrent en . Bowie produit d'ailleurs leur cinquième album, nommé d'après la chanson. Les jouent le titre lors de la tournée Ziggy Stardust et Bowie en enregistre sa propre version pendant les sessions d’".


text: Pendant la tournée il mène d'autres projets qui contribuent à son épuisement progressif : en il coproduit avec Ronson ' de Lou Reed. En il mixe à Hollywood l'album ' des Stooges.


text: En , Bowie évoque dans une interview en duo avec William Burroughs l'idée d'une comédie musicale dérivée de l'album : . Le projet échoue, mais deux des chansons composées spécifiquement dans ce cadre (' et ') paraissent en 1974 sur le disque ".


text: Des décennies plus tard "Ziggy Stardust" est toujours acclamé par la critique, qui le considère comme l'album le plus révolutionnaire de Bowie, son très probable chef-d’œuvre et l'un des albums de rock les plus importants de l'histoire. Son impact culturel est pointé unanimement. Intemporel, historique, révolutionnaire sont les qualificatifs qui reviennent le plus fréquemment :


text: Comme Mark Paytress pour "Record Collector" en 1998, Barney Hoskyns pour "The Independent" en 2002 souligne que si Marc Bolan avait su devenir quelques mois avant Bowie la première star du glam rock, seul celui-ci a su, par son adaptabilité permanente, se maintenir tout au long de sa carrière au sommet de la célébrité où l'avait propulsé "Ziggy". Pour Chris Jones sur BBC Music en 2002, Bowie a façonné avec cet album le modèle de la « pop star vraiment moderne » d'une façon qui n'a encore pas été égalée.


text: Pour Paul Trynka en 2011, la magie du disque fonctionne encore à merveille des décennies plus tard, et chaque auditeur devient un membre du public de Ziggy.


text: Nicholas Pegg estime en 2016 que . Les membres du groupe de rock gothique anglais Bauhaus par exemple, racontent en 2020 combien le ' de Bowie diffusé sur ' a constitué .


text: Avec le même recul, Joe Lynch dans "Billboard" estime en 2021 que "Ziggy Stardust" et "Aladdin Sane" ont transcendé le glam rock, se hissant au niveau de « classique du rock ».


text: Le , l'album revient dans les "charts" britanniques au milieu de l'ère des Nouveaux Romantiques que Bowie a contribué à inspirer et y culmine au rang 73. Après la mort du chanteur en 2016, il atteint la du américain, son plus haut classement.


text: Fin 2011 avec 7,5 millions d'exemplaires écoulés dans le monde, il est le deuxième album le plus vendu de Bowie.


text: ' est fréquemment retenu dans les listes de . En 1987 la revue ' le place ainsi au de son « top 100 des vingt dernières années ». Dix ans plus tard le sondage ' au Royaume-Uni le classe disque de l'histoire. Le critique anglais Colin Larkin le classe puis dans les deuxième et troisième éditions de son ouvrage '. ' lui attribue la de sa liste des 500 meilleurs albums en 2003 et en 2012, puis le reclasse en 2020. Il figure en 2004 dans les listes des plus grands disques des années 1970 de "Pitchfork" en 2004 et de en 2015. En 2006, les lecteurs du magazine Q l'élisent album de l'histoire et "Time" le retient dans sa sélection similaire. En 2013 enfin ' lui attribue la des meilleurs disques de tous les temps.


text: Sur la base des apparitions de "Ziggy Stardust" dans les classements et les listes professionnels, le site Web agrégé " le classe comme le le plus acclamé de 1972, le des années 1970 et le de l'histoire.


text: En , l'album est sélectionné pour être conservé dans le " des États-Unis en tant qu'enregistrement sonore ayant eu un impact culturel, historique ou esthétique important dans la vie américaine.


text: L'album marque des générations entières d'artistes et de fans, qui s'identifient à la personnalité troublée de l'avatar de Bowie. Les reprises de telle ou telle de ses chansons sont innombrables.


text: En 1978 par exemple, dans le monde francophone, Michel Berger et Luc Plamondon s'inspirent très largement de l'album en déclinant dans leur opéra-rock Starmania plusieurs thématiques (solitude de la gloire, célébrité et disgrâce), dans un hommage que le surnom d'un de leurs personnages, le chanteur homosexuel Ziggy, rend explicite.


text: En 2004, le chanteur brésilien Seu Jorge enregistre plusieurs chansons de "" pour la bande originale de "La Vie aquatique" de Wes Anderson et les interprète à la guitare sèche dans le film, dans une version saluée par Bowie lui-même. S'ensuivent un album studio et en 2016 une tournée mondiale.


text: En , une espèce de guêpe éteinte au Crétacé dont un fossile vient d'être découvert est nommée "Archaeoteleia astropulvis" en référence à Ziggy Stardust ( est le latin pour ).


text: La couverture de l'album fait partie des dix choisies par le pour l'ensemble de timbres-poste émis en janvier 2010. En , une plaque commémorative est dévoilée par Gary Kemp sur le mur du 23 Heddon Street, décor de la photographie de la pochette, en présence des anciens Woody Woodmansey et de Trevor Bolder. C'est l'une des rares au Royaume-Uni qui soit consacrée à un personnage fictif, en l'occurrence Ziggy. Le site est toujours un lieu de pèlerinage populaire auprès des fans.


text: Même si certains critiques ont qualifié le disque d'« opéra rock », il s'agit moins d'une narration continue que d'une . , explique son coproducteur Ken Scott. En effet, à l'origine, Bowie n'imagine pas le disque comme une histoire cohérente, si bien que plusieurs morceaux sont écrits après l'enregistrement des principaux titres pour compléter le narratif : "Star" (initialement intitulé '), ' et '. À l'inverse, ' n'a rien à voir avec le récit global, alors que des textes comme "Velvet Goldmine" et " auraient pu bien s'inscrire dans la narration mais n'ont pas été retenus en partie sans doute à cause de leurs paroles provocantes.


text: Le personnage principal de " (en français : "L'Ascension et la chute de Ziggy Stardust et les Araignées de Mars") est une superstar du rock, extraterrestre et bisexuelle, nommée Ziggy Stardust. Avec lui, Bowie inaugure une série de personas dans la peau desquels il se glisse pour la suite de sa carrière et qui lui permettent de vaincre sa timidité et de se libérer du poids du regard du public. Une petite amie se souvient que Bowie , et à son retour en Angleterre, il déclare son intention de créer un personnage . Des échos d'une nouvelle de Robert Heinlein sont perceptibles dans le texte.


text: Deux chanteurs anglo-saxons sont présentés comme les sources d'inspiration principales de l'histoire. Vince Taylor d'une part qui, quand Bowie fait sa connaissance, se rétablit difficilement d'une période de confusion mentale où il croyait être un croisement entre un dieu et un extraterrestre et un nouveau messie. Iggy Pop d'autre part, le chanteur du groupe proto-punk The Stooges, dont Bowie s'est récemment entiché, qui l'influence à la fois pour la musique et les paroles. Ziggy emprunte des traits à d'autres idoles de Bowie : comme Jimi Hendrix, le guitariste est gaucher, comme Marc Bolan son allure est androgyne, etc.


text: Selon une déclaration de Bowie en 1990, le héros éponyme tire son prénom de l'enseigne d'une boutique de tailleur qui capte son attention de la fenêtre d'un train, "Ziggy's". Le mot lui plaît, à cause de l'assonance avec le prénom de son ami bien sûr mais aussi parce que, désireux de s'éloigner du denim et des hippies des années 1960, il envisage un tourbillon de vêtements de scène, en ligne donc avec l'idée de tailleur. Quant à son patronyme , il fait référence au pseudonyme d'un musicien américain alors sous contrat avec la même maison de disque que lui, The Legendary Stardust Cowboy, chanteur psychobilly sans grand succès mais dont les textes parlent d’astronautes. La chanson " de Hoagy Carmichael et la fascination de Bowie pour les paillettes sont aussi mentionnées.


text: En 2015, Tanja Stark émet l'hypothèse, cohérente avec la fascination de Bowie pour l'ésotérisme et la pensée de Carl Jung, que Ziggy pourrait être un néologisme formé sur le concept grec et gnostique de syzygie, avec ses connotations de conjonction de l'homme et de la femme et d'union de corps célestes : « Syzygy Stardust » serait une construction hermaphrodite qui préfigure par exemple le mannequin à deux têtes du vidéoclip de la chanson de Bowie " (2013).


text: Le morceau d'ouverture, ', révèle qu'il ne reste que cinq ans avant que la Terre ne soit détruite par une catastrophe apocalyptique. Lui succède le plus apaisé ', où différents personnages évoquent l'amour avant la catastrophe imminente, dans une ambiance plus que " et emplie d'une .


text: Ziggy profite que " lui donne enfin la parole pour se décrire : il est tout à la fois , un ou une , , .


text: Dans "", Ziggy apporte à la radio un message d'espoir pour les jeunes Terriens : le salut par un extraterrestre, "Starman".


text: ', qui ouvre la seconde face du disque, est un conte inachevé, , où l'androgynie de Ziggy est soulignée. Se regardant dans un miroir, Ziggy s'interroge dans ' sur les vertus de vivre . " met Ziggy face à une foule, dans une métaphore qui fait aller le rock du sexe à l'épanouissement, puis revenir au sexe : Ziggy envisage de renoncer au plaisir sexuel pour atteindre la célébrité, ce qui conduit finalement à sa chute.


text: ' est la pièce centrale du récit. La chanson offre une . Ce devient célèbre avec son groupe . Mais son ego prend progressivement le contrôle, lui aliénant ses fans et éloignant ses musiciens. Contrairement à ', " dépeint l'ascension et la chute d'un personnage très humain. Le narrateur n'en est pas déterminé : il peut s'agir d'un spectateur évoquant rétrospectivement Ziggy, d'un des membres du groupe () ou de de Ziggy lui-même.


text: ", qui clôt l'album, montre Ziggy après sa disgrâce, , criant aux auditeurs qu'ils , les implorant de avant de périr sur scène.


text: Sur le plan musical, l'album est en général classé dans les genres glam rock et protopunk. Certains des morceaux comportent des éléments de rock et de pop des années 1950 (' et '), de pop et de jazz ('), de heavy metal (') et d'un punk rock précurseur de la fin des années 1970 ("). Des teintes de blues, de garage rock et de stadium rock sont aussi mentionnées. Bowie lui-même a comparé les sonorités de l'album à la musique d'Iggy Pop.


text: Par rapport aux œuvres précédentes du compositeur, la musique est , riche en accroches mélodiques et harmoniques. Même si la chanson ' et l'arrangement des cordes pour ' présentent des similitudes stylistiques avec le 33 tours précédent ', le départ du groupe du claviériste Rick Wakeman et l'arrivée du guitariste Mick Ronson conduisent à des orchestrations où la guitare éclipse désormais le piano. Le jeu de guitare électrique de Ronson domine ainsi largement les titres ', ', ' et '. Sa sonorité est obtenue en intercalant une pédale wah-wah Cry Baby calée sur une tonalité grave entre sa guitare Les Paul et un ampli Marshall 100 watts. Quand il s'installe au piano (', '), son jeu préfigure les compétences qu'il met en valeur quelques mois plus tard sur l'album ' de Lou Reed. Ces talents de musicien hors pair ne font cependant pas d'ombre au jeu de guitare acoustique et rythmique de Bowie, bien mis en valeur dans ce disque et notamment sur '. La batterie de Woodmansey quant à elle n'est à sa demande davantage mise en avant que sur '.


text: Des morceaux au rythme rapide, comme ', côtoient des arrangements minimalistes (' et ') dominés par la voix de Bowie dont l'intensité se renforce au fil de leur exécution. ' se caractérise par un rythme de batterie évoquant le battement d'un cœur ; ', tout d'abord acoustique, bascule dans une orchestration luxuriante soutenue par un orchestre, si bien que Pegg l'a comparé au ' des Beatles. La chanson se conclut en effet par un accord de violon, de la même manière que la coda du titre des Beatles, qui se termine par un accord final de piano. L'album comporte également quelques expérimentations : des bongos, un rythme marqué par des battements de mains et un solo de saxophone de Bowie peuvent être entendus sur '. Rick Wakeman et Dana Gillespie, tous deux non crédités, interviennent respectivement au clavecin et aux chœurs dans '. " enfin contient une des toutes premières expérience de Bowie au synthétiseur ARP, qui devient plus tard une pierre angulaire de sa trilogie berlinoise.


text: Beaucoup des titres composés à Haddon Hall s'inspirent des genres musicaux en vogue outre-Atlantique. Lou Reed, chanteur et guitariste du Velvet Underground, est considéré comme une des principales sources, au point que des critiques ont vu dans l'album une fusion du personnage d'Iggy Pop et de la musique de Lou Reed qui aurait produit « l'idole pop ultime ». L'est également Marc Bolan, très proche de Bowie à l'époque et autre apôtre du glam rock avec son groupe T. Rex.


text: Des influences spécifiques sont mentionnées pour certaines chansons : celles d'Elton John, de Marc Bolan et du poète Lord Alfred Douglas pour '), de Little Richard pour '), du titre ' du film de 1939 Le Magicien d'Oz pour ' du Velvet Underground pour ' et ', d'Eddie Cochran et Chuck Berry pour les rocks plus classiques ' et ', de Jimi Hendrix pour ", ou encore du groupe de rock progressif King Crimson.


text: S'éloignant résolument du style des concerts de rock de l'époque, Bowie entend entremêler sur scène la musique avec la danse, la pantomime, le kabuki et le cabaret, fort de sa formation de mime auprès de Lindsay Kemp et de ses expériences dans son éphémère groupe « multimédia » "The Feathers" avec Hermione Farthingale. Ses concerts incorporent des éléments théâtraux, avec un scénario approximatif et plusieurs changements de maquillages et de costumes. Il les veut divertissants et scandaleux.


text: Sous l'impulsion d'Angie, sa femme depuis deux ans, Bowie met au point l'apparence de Ziggy. Il veut que son persona et les aient une allure androgyne, déjà testée par Bowie depuis quelques mois : deviennent leur credo. Freddie Burreti, jeune tailleur homosexuel ami du couple, conçoit dans leur maison de Haddon Hall les tenues de scène. Il est notamment le créateur du justaucorps porté par Bowie sur la photographie de pochette du disque et de l’ensemble matelassé doré à motifs bleu et orange arboré sur scène par Ziggy. Certains membres du groupe hésitent à se montrer dans ces accoutrements, mais changent rapidement d'avis quand ils prennent conscience du succès qu'ils leur valent auprès des fans féminines. Plus tard dans la tournée, Bowie revêt sur scène des kimonos créés spécialement par Kansai Yamamoto.


text: À sa coiffeuse Suzi Fussey, il fait créer sa nouvelle coupe de cheveux rouge flamboyant, inspirée de celle d'un modèle, Marie Helvin, vu par Bowie dans un magazine. C'est selon Angie : . Il confie le maquillage de Ziggy au Français Pierre Laroche : visage pâle, paupières fardées de doré, disque d'or pailleté sur le front et lèvres cerise, inspiré par le film "Orange mécanique".


text: La couverture de l'album est une photographie monochrome de Brian Ward, recolorée par l'illustrateur Terry Pastor. Celui-ci travaille au studio de design "Main Artery" à Covent Garden avec l'ami d'enfance de Bowie, George Underwood ; Ward et Pastor ont déjà collaboré pour la pochette de ".


text: Contrairement à la plupart des couvertures de disques de Bowie, celle-ci ne représente pas un gros plan du chanteur en studio : . La séance de pose est organisée le au studio Ward's à Londres, dans une ruelle proche de Regent Street. Quelqu'un suggère qu'on fasse quelques photos à l'extérieur avant que la lumière naturelle ne disparaisse. Le temps est maussade, et il se met à pleuvoir quand Bowie sort, alors que les préfèrent rester à l'abri. Grippé, ne voulant pas aller trop loin, il prend la pose devant l'immeuble des fourreurs « K. West » au 23 Heddon Street.


text: Le chanteur tient à la main une guitare Gibson Les Paul. Sa combinaison et sa chevelure sont repeints, ce qui renforce l'illusion que le personnage vient d'un autre monde.


text: Pastor presse le lettrage par Letraset, puis le peint à l'aérographe en rouge et jaune et l'incruste d'étoiles blanches. Au verso en bas, il inscrit en lettres majuscules .


text: Une réédition paraît le , avec cinq titres bonus, remastérisée pour Rykodisc / EMI par Toby Mountain à Southborough dans le Massachusetts à partir des bandes maîtresses originales. Elle reste quatre semaines au "UK Albums Chart", où elle atteint la .


text: EMI / Virgin sort le pour le trentième anniversaire de l'album une version en deux CD complétée par un livret rédigé par David Buckley. Le second disque contient douze pistes, dont la plupart avaient déjà été publiées sur CD en tant que bonus dans les rééditions précédentes :


text: Pour les quarante ans, le , paraît chez EMI / Virgin une nouvelle édition remastérisée par Ray Staff, l'ingénieur du son d'origine des studios Trident, en versions CD, vinyle et de DVD. Le DVD inclut des remix effectués par Ken Scott en 2003 (' (instrumental), ', ' et '). Dans cette remastérisation l'album est réédité séparément en 2015-2016, en formats CD, vinyle et numérique puis par Parlophone le sur vinyle 180 g et le en LP en édition limitée pressé sur vinyle doré.


text: La remastérisation de 2012 et le remix de 2003 sont inclus dans le coffret de Parlophone "Five Years (1969–1973)", sorti le .


title: Rubber Soul

text: <dfn>'</dfn> est le sixième album des Beatles, paru le au Royaume-Uni, et trois jours plus tard aux États-Unis. Produit par George Martin sous le label Parlophone, l'album est publié moins de trois mois après la sortie de '. Enregistré en seulement quatre semaines entre le et le aux studios EMI de Londres, l'album est pourtant le fruit d'un important travail d'écriture et de composition du duo Lennon/McCartney. En effet, alors que la Beatlemania est en pleine expansion, le groupe planifie trois tournées américaines sur deux ans et fait des rencontres déterminantes au cours de celles-ci. Les Beatles font ainsi la connaissance de Bob Dylan durant l'été 1964, qui les initie à la consommation de cannabis, mais aussi d'Elvis Presley et du groupe The Byrds, qui influencent significativement leur travail. George Harrison montre également un intérêt grandissant pour la culture indienne et la musique de Ravi Shankar.


title: Rubber Soul

text: ' se compose de quatorze chansons inédites dans sa version britannique. Il est ainsi le deuxième album des Beatles à ne comporter aucune reprise, après "A Hard Day's Night". Deux chansons supplémentaires, ' et ', sont éditées en "single" « double face A » le même jour que la sortie de l'album. Publié sur le marché américain par Capitol Records, ' est réparti sur deux disques : l'un portant le même nom, mais avec douze chansons dont deux provenant de l'album ', et l'autre ayant pour titre ', sorti six mois plus tard, comprenant le hit ', et plusieurs chansons de l'album suivant, '.


title: Rubber Soul

text: ' se caractérise par une évolution significative de la musique des Beatles, avec l'introduction de nouveaux instruments, comme le sitar ou l'harmonium. Les textes écrits par le groupe font par ailleurs l'objet d'importants progrès, puisque les trois auteurs John Lennon, Paul McCartney et George Harrison écrivent des chansons plus matures et personnelles par rapport aux disques précédents. Les Beatles abordent différents thèmes comme l'amour, l'amitié ou la mort, l'adultère ainsi que les psychotropes de manière détournée. ' de Lennon, quatrième titre sur la face A du 33 tours original, est par ailleurs la première chanson du groupe à ne pas aborder le thème des filles et de l'amour.


title: Rubber Soul

text: À sa sortie, ' est unanimement salué par la presse musicale. L'œuvre se hisse en première position des classements musicaux dans plusieurs pays, dont le UK Albums Chart au Royaume-Uni, le Billboard 200 aux États-Unis et remporte un succès immense auprès du public. L'album figure également dans de nombreux classements musicaux, et occupe notamment la cinquième place des 500 plus grands albums de tous les temps selon "Rolling Stone". Plusieurs chansons se distinguent, comme la ballade "Michelle", qui remporte un Grammy Awards, ', ' ou encore ' et dans un genre plus rock, en ouverture de l'album, "Drive My Car". Considéré comme l'album de transition de la carrière musicale des Beatles, "" marque profondément l'histoire du rock, influence de nombreux artistes et préfigure l’avènement du mouvement hippie et du rock psychédélique.


title: Rubber Soul

text: En 1964, Brian Epstein, le manager des Beatles, organise une série de deux tournées aux États-Unis afin de promouvoir la formation. La Beatlemania, qui a débuté au Royaume-Uni, se poursuit de l'autre côté de l'Atlantique. À cette époque, les Beatles ont un rythme de production soutenu, enchaînant les tournées et enregistrant deux albums par an. Le succès du groupe est tel qu'une protection policière massive est nécessaire pour chaque déplacement ou concert. , déclare John Lennon. Brian Epstein négocie un double passage dans l'émission , en , qui attire une audience record de 73 millions de téléspectateurs américains. Le groupe est confronté à des situations délicates face aux paparazzi ou à des fans hystériques, qui leur jettent par exemple des objets pour attirer leur attention. Les Beatles se lassent rapidement de cette agitation qu'ils qualifient de , profitant de rares moments privés. Par la suite, le groupe fait une rencontre bouleversante dans sa carrière, puisqu'il fait la connaissance de Bob Dylan à New York, à l'occasion de la deuxième tournée américaine d'. Paul McCartney et John Lennon sont déjà des fans de Dylan avant de le rencontrer et écoutent régulièrement ses albums. Le , le célèbre chanteur de folk initie les Beatles à la consommation de cannabis. Cette rencontre marque leurs esprits, notamment celui de Lennon, et elle fait partie de leurs influences majeures dans l'écriture et la composition de futures chansons. Le groupe rencontre d'autres artistes comme Fats Domino, Chuck Berry, ou Carl Perkins au cours de divers concerts de l'année 1964. La fin de l'année marque la sortie de l'album en . Le cliché de la pochette confirme l'épuisement et la lassitude du groupe face à la Beatlemania.


title: Rubber Soul

text: En avril 1965, John Lennon et George Harrison sont initiés au LSD, à leur insu, par un dentiste londonien. Au cours d'une soirée dans un club de Londres, l'homme glisse en effet de l'acide lysergique, une substance en vente libre, dans les cafés des deux musiciens et de leurs femmes. Lennon décrit cette expérience comme . Le guitariste vit cependant une période difficile, supportant mal la célébrité et regrettant sa vie d'avant. Les premiers changements s'opèrent ainsi dans la musique et les textes du groupe, l'album exprimant le mal-être du musicien à travers ses compositions. Les influences de Bob Dylan sont présentes, notamment dans la chanson . Les Beatles participent également au tournage du film associé à l'album. Le groupe révèle que sont détruits en raison de leurs fous rires réguliers durant le tournage, à cause de leur consommation journalière de cannabis.


title: Rubber Soul

text: En , une nouvelle tournée aux États-Unis, plus courte que la précédente, est organisée. Le groupe se produit au Shea Stadium de New York, devant près de , le , un record pour l'époque. La formation fait une nouvelle rencontre notable en faisant connaissance avec Elvis Presley à la fin du mois d', avant de terminer sa tournée par un concert à San Francisco. Paul McCartney déclare que De son côté, George Harrison précise que Harrison élargit par ailleurs ses influences musicales grâce à son fort intérêt pour la culture indienne et l'apprentissage du sitar. Le guitariste s'intéresse également à la musique folk rock à la suite de sa rencontre avec les membres du groupe The Byrds en . Ringo Starr attend quant à lui son premier enfant avec son épouse Maureen Cox. Après leur retour au Royaume-Uni au mois de septembre, le groupe profite de quelques semaines de congés, mais le producteur George Martin et Brian Epstein souhaitent maintenir un rythme de travail soutenu et publier un nouvel album avant Noël 1965. À l'automne 1965, le duo Lennon/McCartney se réunit régulièrement pour écrire et composer les chansons du futur album, organisant des séances de répétitions chez l'un ou chez l'autre. Cependant, la succession des tournées et leur rythme de travail effréné laisse planer le doute sur la qualité des compositions avant la sortie de l'album.


title: Rubber Soul

text: Pour la première fois dans sa carrière, le tandem Lennon/McCartney ne dispose que de quelques semaines pour produire afin que l'album puisse paraître début .


title: Rubber Soul

text: Les deux musiciens admettent toutefois le caractère de la tâche et multiplient les séances de travail chez l'un et chez l'autre. Bien que le temps soit compté, John Lennon jouit d'une expérience riche sur les deux dernières années et de nombreuses rencontres, qui lui permet de trouver l'inspiration. Lennon publie également deux livres en plus de son travail de musicien, comprenant un ensemble d'histoires courtes, de poèmes et d'illustrations. En , il obtient une entrevue avec le journaliste et écrivain Kenneth Allsop, pour parler du premier d'entre eux, "En flagrant délire". L'homme questionne Lennon sur une éventuelle composition davantage personnelle, ce qui le marque profondément. Le guitariste écrit d'abord un poème sur les lieux qui ont marqué son enfance à Liverpool, puis change l'orientation des paroles en se concentrant sur ses amis et relations amoureuses d'adolescence, ce qui donne la chanson . Lennon se sert également de son expérience en couple avec son épouse Cynthia Lennon pour écrire , un titre relatant ses différents adultères avec ses nombreuses admiratrices. Le morceau, composé en , raconte une aventure extra-conjugale dans laquelle le guitariste ne se cite pas lui-même dans le but de brouiller les pistes. Lennon compose sur le même thème la chanson , qui représente .


title: Rubber Soul

text: De son côté, Paul McCartney vit à l'époque avec l'actrice Jane Asher. Son couple traverse cependant des moments difficiles, ce qui n'empêche pas sa compagne d'avoir une forte influence sur ses compositions, comme avec le titre . McCartney souhaite qu'Asher abandonne sa carrière d'actrice, mais celle-ci refuse. Deux autres chansons permettent au musicien d'évoquer ses problèmes de communication avec la jeune femme, et . McCartney puise également dans ses souvenirs de jeunesse pour élaborer la chanson "Michelle". Le morceau naît en effet d'une parodie d'un étudiant interprétant une chanson française à Liverpool. Lennon l'incite par la suite à en créer une chanson. Pour écrire les paroles, McCartney demande de l'aide à une professeur de français, épouse d'un ancien camarade de classe, Ivan Vaughan :


title: Rubber Soul

text: Michelle Phillips, la chanteuse de The Mamas and the Papas est parfois citée pour avoir également inspiré McCartney. Lennon apporte sa contribution à la chanson en s'inspirant de de Nina Simone.


title: Rubber Soul

text: Malgré son expérience, le duo Lennon/McCartney manque parfois d'inspiration pour achever certains textes et partitions. C'est le cas de la chanson , dont la mélodie est trouvée par McCartney, mais dont les paroles laissent à désirer dans un premier temps. La chanson est tout de même terminée en , juste avant la séance d'enregistrement, avec l'aide de Lennon. Ce dernier rencontre aussi des difficultés avec le titre , dont il trouve les paroles après plus de cinq heures de réflexion.


title: Rubber Soul

text: Lennon s’inspire aussi de la chanson d'Arthur Gunter, parue en 1955, pour écrire juste avant le début de l'enregistrement. est également composée dans l'urgence et reflète l'influence du cannabis et du LSD dans les compositions du groupe, tout comme le titre . Pour compléter l'album, plusieurs chansons sont sélectionnées au dernier moment. C'est le cas de , initialement enregistrée pour l'album puis rejetée, et finalement reprise ici, de même que "What Goes On", présentée deux ans auparavant devant George Martin puis oubliée. Cette dernière est marquée par la participation de Ringo Starr à l'écriture d'un couplet, ce qui lui permet d'être crédité pour la première fois sur une chanson du groupe. George Harrison signe pour sa part deux compositions, comme sur l'album , avec les titres et .


title: Rubber Soul

text: En 1965, les Beatles ont déjà plusieurs années d'expérience de travail en studio. Le groupe prend de plus en plus plaisir à y travailler et aborde les séances d'enregistrement avec enthousiasme.


title: Rubber Soul

text: Le groupe investit donc les studios EMI de Londres le mardi à . George Martin officie en tant que producteur, Norman Smith est l'ingénieur du son principal, assisté du second ingénieur Ken Scott. Les Beatles effectuent cinq prises de la chanson et terminent la journée, vers , par l'enregistrement de la piste de base de . Trois autres prises sont effectuées le , avec l'introduction, pour la première fois, du sitar de George Harrison. Norman Smith admet que l'instrument est difficile à enregistrer, en précisant que sa . Le , le groupe termine les paroles de la chanson et enregistre quatre prises. Après deux jours de repos, le groupe reprend le avec l'enregistrement et le re-recording de . Le même jour, la formation s'affaire sur l'unique prise de .


title: Rubber Soul

text: Le lundi , le groupe commence l'enregistrement de , qui est effectué en trois prises. Seul le pont de la chanson est laissé vacant, faute d'idée pour l'instrumentaliser. La chanson est terminée le vendredi suivant, le pont étant comblé par un solo de piano de George Martin. Sa première idée est d'utiliser un orgue Hammond, mais le résultat ne lui convient pas. Sa technique consiste finalement à jouer sur un piano classique en ralentissant la bande de moitié et en jouant à l'octave inférieure pour donner un effet de clavecin baroque lorsque la bande est rejouée à vitesse normale.


title: Rubber Soul

text: Par la suite, les Beatles alternent les séances d'enregistrement et de re-recording à des horaires variables, les séances ayant lieu généralement l'après-midi. La semaine du n'est consacrée qu'au mixage audio de la plupart des titres, sauf le vendredi où le groupe effectue une séance importante d"'overdubs" sur . La chanson demande en effet un travail considérable de re-recording, puisque les bandes totalisent 525 minutes d'enregistrement. Un harmonium, joué par Lennon, est notamment ajouté, et le pont de la chanson est changé en valse d'après une idée de George Harrison. Les Beatles profitent d'une courte absence des studios le et sont reçus au Palais de Buckingham pour être nommés membres de l'Ordre de l'Empire britannique par la reine Élisabeth II.


title: Rubber Soul

text: Le est marqué par l'enregistrement de la ballade "Michelle". Les Beatles décalent leurs horaires de travail, et bien que certaines séances commencent toujours à , d'autres débutent beaucoup plus tard, comme le avec l'unique prise de et le long travail sur l'instrumental , dont la session se termine à du matin. Ce dernier n'est finalement pas gardé pour figurer sur l'album, mais il est remixé à la fin du mois pour être distribué aux membres du groupe sous la forme d'un disque en acétate pour leur collection privée. Le est également consacré à une séance nocturne, avec la prise de , dont le titre de travail est . Le groupe passe le reste de la soirée à travailler sur leurs habituels "enregistrements de Nöel", qu'ils effectuent chaque année depuis 1963. Alors que l'échéance de la sortie de l'album arrive à grands pas, le mixage audio se poursuit la semaine du au sein de la salle n°65 et du studio . Deux jours plus tard, le groupe finalise les dernières séances d'enregistrement et de re-recording avec les chansons , et . Le morceau , enregistré pour l'album est overdubé au dernier moment pour finaliser l'album. Le mixage audio mono et stéréo final est réalisé par Norman Smith le au sein de la salle de contrôle du studio et se termine à . Ringo Starr note que les séances d'enregistrement donnent lieu à sous l'influence des drogues. Les Beatles consomment en effet beaucoup de marijuana et de LSD, mais ils évitent de le faire en studio durant les séances d’enregistrement. Ringo Starr et George Harrison admettent que nuit à la qualité de jeu du groupe, les rendant parfois malades. George Martin se montre patient et compréhensif, étant présent en permanence pour le groupe. Sa culture musicale et ses nombreuses connaissances techniques sont des atouts majeurs pour le quatuor, ce qui renforce sa cohésion. Le producteur souligne la bonne ambiance qui a régné au sein des studios et déclare : .


title: Rubber Soul

text: ' marque un tournant dans la musique des Beatles, qui recherchent de nouvelles sonorités et à perfectionner leur techniques d'enregistrement. , déclare George Martin. Chaque musicien utilise le même matériel que sur l'album '. John Lennon et George Harrison jouent sur deux Fender Stratocaster de modèle "Sonic Blue". Quant à Paul McCartney, il utilise son habituelle basse et se dote d'un nouvel amplificateur Fender, également utilisé par Harrison. Le groupe expérimente une multitude de genres musicaux, guidé par ses influences rock'n'roll et folk, comme Bob Dylan, The Byrds, et Elvis Presley, rencontrés lors de leurs tournées américaines.


title: Rubber Soul

text: La musique indienne de Ravi Shankar a également une puissante répercussion sur le travail de George Harrison, qui introduit pour la première fois l'utilisation du sitar sur la chanson . Harrison décrit à ce sujet un placard de la régie au-dessus de la salle des studios EMI, dans lequel sont rangés une multitude de vieux instruments et accessoires que le groupe sélectionne parfois pour effectuer un re-recording. C'est le cas notamment pour la chanson , dans laquelle Paul McCartney expérimente une "fuzz box" sur sa guitare basse. Cette méthode, testée deux ans plus tôt par Phil Spector, est à l'origine de sa technique du mur de son. La chanson est par ailleurs influencée par le thème musical de ' des Rolling Stones, parue quelques mois plus tôt. Bien que le groupe ne soit pas un adepte du jazz, il introduit exceptionnellement un pont "jazzy" de forme ternaire sur la chanson sous l’impulsion de George Harrison. Paul McCartney et John Lennon utilisent pour la première fois un vieil harmonium, qu'ils jouent à tour de rôle sur le morceau. L'instrument est réutilisé sur le titre ' et '. est harmoniquement une variation autour de l'accord de la majeur, et pour ce faire, Harrison place un capodastre sur la septième frette de sa guitare ; il réutilisera le même procédé pour '. De son côté, Ringo Starr joue de la batterie sur l'ensemble des morceaux, des maracas sur ' et ', de l'orgue Hammond et des percussions sur .


title: Rubber Soul

text: La culture musicale et la formation classique de George Martin sont également des atouts pour le groupe. Le producteur n'hésite pas à jouer lorsque c'est nécessaire, comme sur la chanson , où le groupe manque d'inspiration pour instrumentaliser le pont. Le solo de piano effectué par Martin donne au titre un genre musical se rapprochant d'une ballade folk aux influences baroques. Lennon déclare à ce propos : Le producteur compose par ailleurs le solo de guitare de "Michelle" joué par McCartney. Le groupe est en outre influencé par plusieurs guitaristes pour la composition de certains riffs de guitares ou les lignes de basse. C'est le cas de la chanson ', dont le riff est inspiré de la chanson de Bobby Parker. La ligne de basse de est proche de celle d'Otis Redding et de sa chanson selon Harrison. Le jeu de Chet Atkins influence Paul McCartney dans la composition de la mélodie de "Michelle" et du solo de style country de '.


title: Rubber Soul

text: La musique de ' repose également sur l'importance du chant. Les voix de McCartney et Lennon sont doublées sur la plupart des chansons, parfois soutenues par les chœurs de George Harrison. Le titre va dans ce sens et met l'accent sur les harmonies vocales, le groupe oubliant même d'introduire un solo de guitare aux profits des voix. Le chant sur , dont les influences évoquent une ballade des années 1950, est intensifié par la respiration de Lennon, qui utilise un compresseur spécial. L'ingénieur du son a également triplé la voix du chanteur pour que celle-ci résonne davantage. La chanson comporte des influences de musique grecque, George Harrison utilisant un bouzouki vers la fin du morceau, probablement inspiré par la bande originale du film "Zorba le Grec", composée par Marcello Minerbi. Ringo Starr est en outre crédité pour la première fois en tant que chanteur sur le titre . Lennon conclut, à propos de l'évolution de la musique sur ' : .


title: Rubber Soul

text: À l'instar de la musique, les paroles des chansons marquent de profonds changements dans les thèmes abordés par les Beatles. Alors que le groupe est habitué à traiter de la relation simple entre un homme et une femme depuis l'album "", John Lennon et Paul McCartney écrivent des chansons davantage personnelles et plus matures.


title: Rubber Soul

text: L'album aborde différents thèmes comme l'amour, l'amitié, l'adultère, la consommation de drogues ou la mort, entre autres. Bien que le groupe a l'habitude de chanter en anglais, le titre "Michelle" introduit l'utilisation de quelques mots en français chantés par McCartney. La chanson n'est toutefois pas un hommage à la France selon son auteur, qui veut simplement s'amuser à employer la langue de Molière. ' traite à la fois de l'histoire d'une jeune femme qui manipule le chanteur et aborde le thème de la consommation de drogues et leurs influences grandissantes. ' dépeint les problèmes de couple de Jane Asher et Paul McCartney, qui souhaite que l'actrice abandonne sa carrière pour le suivre. La chanson exprime le souhait de McCartney que sa petite amie change de point de vue et admette qu'il a raison. Il surenchérit avec ' et ', qui dépeignent sa possessivité envers la jeune femme. ' est la première chanson du groupe à aborder le thème du machisme, sur le ton de l'humour : un homme aborde une femme pour la draguer, mais c'est elle qui prend l'ascendant en assurant qu'elle deviendra une vedette de cinéma, et d'ici là, il peut toujours lui servir de chauffeur. ' exprime l'emprise psychologique d'un personnage féminin sur Lennon, qui l'humilie et le manipule. La chanson est aussi une critique du christianisme et de l'accès au paradis, qui selon Lennon nécessite d'être torturé pour l'atteindre. Le groupe glisse par ailleurs des allusions sexuelles discrètes : l'expression "" est elle-même connotée sexuellement (par rapport au levier de vitesses), et les chœurs de "Girl" sont ponctués de "tit, tit, tit" (nichon, nichon, nichon) sans que personne ne le remarque.


title: Rubber Soul

text: ' évoque le thème de l'adultère et décrit un jeu de séduction avec une des nombreuses liaisons entretenues par John Lennon durant son mariage avec Cynthia Lennon. Bien qu'il s'agisse d'une histoire imaginaire selon McCartney, Pete Shotton admet que la jeune femme en question est une journaliste que Lennon connaît. ' décrit pour sa part la vie d'un homme venant de nulle part qui doit . De même, ' est, selon Lennon, . Le guitariste exprime à travers la chanson à quel point l'amour est important et qu'il s'agit . Les paroles inspirent par ailleurs de nombreux admirateurs du mouvement hippie. ', de George Harrison, explore aussi le thème de , tout en étant une chanson contestataire, probablement destinée au gouvernement. Harrison écrit en outre ", inspiré par le groupe The Byrds et qui s'adresse à sa compagne Pattie Boyd.


title: Rubber Soul

text: ' est une des chansons les plus autobiographiques de l'album, traitant exclusivement de la vie de John Lennon. Les paroles traitent d'abord des lieux que fréquente l'auteur durant sa jeunesse. Lennon précise que certains lieux emblématiques de son enfance ont disparu, ou que d'autres ont été remaniés. Puis, le texte se concentre sur les relations amicales et amoureuses du musicien. Lennon confie à son ami Pete Shotton qu'une partie des paroles est un double hommage à lui-même et Stuart Sutcliffe, membre éphémère des Beatles et mort trois ans plus tôt. La chanson aborde ainsi les thèmes de la mort et des effets du temps qui passe. Alors que le groupe manque de temps pour compléter l'album, ', ancienne composition des Quarrymen, est ajoutée et réinterprétée par Ringo Starr. Le batteur précise que sa contribution se limite à et que la chanson a été écrite pour satisfaire leurs fans américains. ' clôture ' et exprime la jalousie, le machisme et la colère d'un personnage envers une jeune femme infidèle. Écrite par John Lennon, la chanson emprunte deux vers de la chanson d'Arthur Gunter. Les paroles vont à l'encontre totale du thème de l'amour puisque le personnage souhaite la mort de la jeune femme. Selon Barry Miles, la chanson est une confession, bien que l'auteur utilise la troisième personne afin de brouiller les pistes. Lennon écrit le titre précipitamment et admet ne l'avoir jamais apprécié.


title: Rubber Soul

text: Les Beatles choisissent le titre de l'album sur une idée de Paul McCartney, qui est un jeu de mots entre , qui signifie « semelle en caoutchouc », et , qui se traduit par « âme en caoutchouc ». McCartney déclare : . John Lennon déclare pour sa part : .


title: Rubber Soul

text: La pochette est l’œuvre de Robert Freeman ; le cliché a été pris dans le jardin de la propriété de Lennon à Weybridge.


title: Rubber Soul

text: Le résultat plaît au groupe et le photographe utilise un objectif à courte focale afin de déformer les visages des quatre membres du groupe, le nom de l'album étant inscrit en orange dans le coin supérieur gauche. Le design du titre est l’œuvre de l'artiste londonien Charles Front, approché par Freeman. " est le premier disque des Beatles à ne pas arborer le nom du groupe, mais seulement le titre. George Harrison précise que la pochette de l'album est la première sur laquelle les Beatles perdent leur et explique concernant la photo des Fab Four qui l'orne : . Lennon va dans le même sens en notant .


title: Rubber Soul

text: ' paraît le au Royaume-Uni sous le label Parlophone et contient quatorze titres. Le même jour, les chansons ' et ' sortent en "single" double face A. Il s'agit d'une première pour le groupe (et presque inédit dans l'histoire du rock), qui jusque-là proposait comme tout le monde une face A et une face B sur ses 45 tours. Cette fois, John Lennon ne voulait pas que ' soit éclipsée par "", même si celle-ci était jugée plus commerciale. Ce format double face a des répercussions sur la promotion et l'établissement des hit-parades, et sera repris pour d'autres disques du groupe. Enfin, les deux "singles" sont accompagnés par trois clips musicaux qui en font la promotion, réalisés le aux Twickenham Film Studios.


title: Rubber Soul

text: Le , la version américaine est publiée par Capitol Records, et compte douze chansons. Les titres ', ', ' et ' n'y figurent pas, mais ' et ' sont ajoutés, précédemment sortis sur la version britannique de l'album '. Cette version permet à Capitol Records de combler les attentes du marché du disque américain, en sortant un album totalement orienté folk rock, dans la lignée des compositions de Bob Dylan et The Byrds. Elle conserve également la forme standard d'un album américain à douze titres au lieu de quatorze. Par ailleurs, conformément au souhait de Brian Epstein, l'album est publié juste avant les fêtes de Noël, le groupe ayant tenu les délais d'enregistrement. Les chansons écartées (', ', ', ' ainsi que ' et ') sortent quant à elles six mois plus tard sur l'album ', côtoyant des titres issus de ' pour une parution exclusivement destinée au marché américain. Ce dépeçage de leur œuvre, que les Beatles réprouvent, semble être mis en abîme par une pochette restée célèbre : la ', où ils posent vêtus de blouses de bouchers, recouverts de morceaux de viande, d'un dentier et de poupées décapitées. John Lennon raconte même à ce propos : « Ma première idée était de décapiter Paul. Mais il n'a pas voulu ! ». de " sont éditées et commercialisées, mais la pochette fait immédiatement scandale. Capitol Records fait machine arrière et décide de le retirer de la vente et les unités revenues à l'usine de Jacksonville sont détruites. Le problème est résolu lorsqu'une pochette plus sobre est utilisée par-dessus l'image controversée, imprimée par les usines de Los Angeles et de Scranton. Les fans s'amuseront dès lors, comme le raconte Ringo Starr, .


title: Rubber Soul

text: Le disque britannique ' connaît un succès commercial immense auprès du public. L'album fait son entrée au sein des classements musicaux au Royaume-Uni dès le et remplace ' en tête du hit-parade. L'album passe quarante-deux semaines au sein du UK Albums Chart, dont neuf en première position. L'album est remarquablement bien accueilli par le public américain, totalisant soixante-dix semaines au sein du Billboard 200 et atteignant la première place le . Les ventes de " sont exceptionnelles puisque l'album totalise un million huit cent mille unités vendues en 1965 aux États-Unis. "Yesterday and Today" atteint également la première place du Billboard en .


title: Rubber Soul

text: Les deux titres du 45-tours connaissent également un franc succès, ' arrivant en tête du Billboard Hot 100 en . La chanson de Paul McCartney a davantage de réussite que ', qui n'atteint que la cinquième position du classement aux États-Unis. Plus d'un million de copies du disque sont vendues au Royaume-Uni, où les deux singles montent à la première place. En 1967, à l'occasion de la 9e cérémonie des Grammy Awards, le groupe remporte le trophée de la meilleure chanson de l'année pour "Michelle". Le succès commercial se poursuit dans les décennies qui suivent, puisque " est certifié six fois disque de platine par la Recording Industry Association of America en 1997, soit six millions d'unités vendues aux États-Unis.


title: Rubber Soul

text: En , les Beatles entament leur dernière tournée en Grande-Bretagne. Le groupe réalise que les chansons travaillées en studio sur ' sont trop complexes pour être jouées en concert. Évoluant sur scène dans leur formule classique, deux guitares, une basse et une batterie, ils ne sont pas en mesure d'interpréter certaines de leurs chansons les plus récentes, et ils jouent en concert des standards du rock'n'roll comme ' ou ' jusqu'au bout. Cette limite technique marque une première étape dans leur décision d'arrêter les tournées en . déclare Neil Aspinall, leur '. John Lennon souligne la que le studio procure, tandis que Ringo Starr met en avant la engendrée par les tournées pour justifier cette décision. Le batteur ajoute que .


title: Rubber Soul

text: ' a des conséquences sur la maturité du groupe, mettant davantage en avant leurs qualités artistiques au lieu de leur simple image commerciale. Paul McCartney admet en effet que les débuts du groupe ont été davantage commerciaux. . ' marque la montée en puissance des compositions de Paul McCartney, ainsi que la naissance de premières tensions entre lui et George Harrison concernant le leadership du groupe. Harrison déclare à ce propos :


title: Rubber Soul

text: Les Beatles abandonnent par ailleurs les costumes sombres pour des vestes en daim, considérées comme à la mode, à l'instar de la pochette de l'album. Le groupe effectue son dernier concert de l'année le à Cardiff. Début 1966, les musiciens et l'équipe technique s’octroient deux mois de repos afin de compenser le rythme de travail des trois dernières années. Les Beatles passent du temps avec Brian Epstein ou encore les Rolling Stones. Paul McCartney admet que leurs relations avec le groupe de Mick Jagger sont mais . Fatigué par la pression médiatique et la routine du groupe, George Harrison se marie avec Pattie Boyd le et se retire à la Barbade. John Lennon et Ringo Starr passent leurs vacances ensemble à la Trinité. De son côté, l'ingénieur du son Norman Smith, promu producteur par EMI Group cesse sa collaboration avec les Beatles. George Martin ne souhaite pas que Smith occupe à la fois les fonctions d'ingénieur et de producteur, au risque d'être relégué au second plan. Ce dernier est remplacé par le jeune Geoff Emerick dès 1966.


title: Rubber Soul

text: ' est unanimement salué par la presse musicale à sa sortie. L'utilisation de nouveaux instruments comme le sitar ou l'harmonium, les influences folk rock de Bob Dylan et la musique indienne de Ravi Shankar, ainsi que l'évolution des textes font que ' est considéré comme un album de transition dans l'histoire du groupe. Allen Evans, journaliste au ' écrit sa critique le jour de la sortie de l'album et commente : Le lendemain, ' va également dans ce sens en soulignant que Plus récemment, Steve Turner, biographe du groupe, analyse que . Pour Nicolas Dupuy, auteur de l'ouvrage des "100 meilleurs albums de rock", déclare que . Pour Mark Lewisohn, spécialiste du groupe, . Tim Hill va également dans ce sens et considère l'album comme . Pierre Merle écrit pour sa part que . Le critique musical Robert Christgau déclare à propos de l'album que .


title: Rubber Soul

text: Richie Unterberger, du site AllMusic attribue la note maximale de cinq étoiles sur cinq et considère que . Pour le magazine "Rolling Stone", qui classe l'album cinquième parmi les 500 plus grands albums de tous les temps, . Le site de "Pitchfork" attribue la note de dix sur dix et déclare que ' est . La revue "ultimateclassicrock" aborde l'évolution des paroles des chansons par rapport aux albums précédents et salue particulièrement le travail de John Lennon. Certaines de ses chansons, qui ne sont pourtant pas parues en "single", sont particulièrement encensées par la critique musicale. C'est le cas de ', qui figure à la première place du classement des 100 plus belles chansons de tous les temps, établi par le magazine "Mojo" en 2000. "Rolling Stone" va également dans ce sens et considère ' comme la cinquième des 100 meilleures chansons des Beatles. Neil McCormick, du "Daily Telegraph", écrit que et vante les qualités des chansons de Lennon, déclarant que le guitariste . Enfin, le magazine "Paste" attribue la note de 97 sur 100 et relève l'importance des influences de la musique indienne à travers l’utilisation du sitar ainsi que l'inspiration du groupe The Byrds pour des titres comme '.


title: Rubber Soul

text: ' marque dans un tournant au sein de l'histoire du rock. L'album est en effet considéré comme un des meilleurs albums de l'histoire de la pop. Les Beatles poussent ainsi le rock dans ses retranchements, et grâce à un important travail en studio, l'expérience et la technicité de George Martin ainsi qu'une consommation de LSD qui stimule la créativité des musiciens, le groupe fait un pas vers le rock psychédélique dès 1966 avec la chanson "Rain". L’avènement du psychédélisme se confirme l'année suivante avec la chanson ', qui constitue une œuvre majeure en la matière. L'engouement pour ce genre musical inspire plusieurs groupes en Angleterre comme Pink Floyd, Donovan, The Incredible String Band ou encore Traffic. "" repousse également les limites de l'utilisation des instruments traditionnels du rock'n'roll, comme la guitare et la basse, grâce à l'utilisation de la distorsion. Le jeu de sitar de George Harrison conduit, selon Ravi Shankar, à la popularisation de son utilisation au sein du reggae rock et du rock psychédélique. Le son produit permet ainsi d'apporter une influence exotique à la musique.


title: Rubber Soul

text: ' inspire notamment Brian Wilson, des Beach Boys dans l'écriture et la composition de ' en , et considéré comme un des meilleurs albums des années 1960. Wilson est en effet impressionné par le travail des Beatles et reconnaît à propos de que . Après la parution de , Paul McCartney reconnaît à son tour que ' est sa chanson préférée de tous les temps et ajoute qu'il a acheté une copie de l'album à chacun de ses enfants pour leur éducation musicale. L'album inspire également d'autres musiciens de l'époque, comme Pete Townshend du groupe The Who, Ray Davies, membre de The Kinks et Keith Richards des Rolling Stones. La période de sortie de ' coïncide en outre avec l'émergence du mouvement hippie, dont John Lennon devient une icône dans les années qui suivent. Le succès de l'album a par ailleurs une retombée sur les studios EMI de Londres, qui deviennent les lieux d'enregistrement les plus prisés pour les groupes britanniques. Le travail des Beatles dans son ensemble influence par la suite de nombreux autres artistes internationaux comme The Killers, Dave Grohl, Green Day ou encore The Smashing Pumpkins.


title: Rubber Soul

text: À l'occasion des cinquante ans de la sortie de l’œuvre, le magazine "Rolling Stone" souligne les qualités uniques des quatre musiciens qui ont conduit à une telle production, de la créativité des trois compositeurs au jeu de batterie de Ringo Starr. La même année, ' note pour sa part que ' est un des premiers albums de rock à être considéré comme une œuvre à part entière, à un moment où l'industrie du disque s'intéresse davantage à la commercialisation de singles en 45 tours. L'auteur Tim Hill déclare à ce propos :


title: Rubber Soul

text: La plupart des chansons de ' sont sélectionnées pour figurer sur plusieurs compilations du groupe. Six d'entre elles figurent sur ', sorti en 1973 et quatre sur ', paru en 1977. Certains morceaux font l’objet de nombreuses reprises par différents artistes et dans plusieurs genres musicaux. C'est le cas de ', réinterprétée par Bette Midler, Cilla Black, Miriam Makeba, Johnny Cash et Keith Moon, entre autres. George Martin réenregistre la chanson sur son album ', qui comprend diverses versions orchestrées de plusieurs chansons des Beatles. Le producteur déclare que le titre et rend hommage à John Lennon. ' fait également partie des morceaux les plus repris, inspirant notamment Buddy Rich dans une version jazz. Stevie Wonder interprète quant à lui une version funk de '. La ballade de Paul McCartney "Michelle" bénéficie également de nombreuses reprises. Par ailleurs, plusieurs chansons de ' sont remixées en 1997 par plusieurs artistes jamaïcains, sur l'album "Reggae Tribute to the Beatles", à l'occasion du réenregistrement d'une partie de la discographie du groupe en version reggae.


title: Rubber Soul

text: ' est remastérisé par George Martin en stéréo en 1987, à l'occasion des rééditions des disques des Beatles. L'album est réédité en CD le , avec les mixages effectués à l'époque par Capitol Records, dans la collection "The Capitol Albums Volume 2" et, en , cette fois avec les mixages de la réédition de 2009, dans la collection "The U.S. Albums". Parallèlement, le , l'ensemble de la discographie des Beatles, dont ', est disponible en téléchargement légal sur la plateforme iTunes.


title: Antisémitisme en France

text: L’antisémitisme en France est la traduction par une idéologie, des actes ou des écrits, d'une haine des Juifs sur le territoire français. Avant le , il est plus difficile qu'aujourd'hui de dissocier, dans l'analyse, l'hostilité aux Juifs d'un point de vue communautaire et culturel — l'antisémitisme — de celle en raison de leur religion — l'antijudaïsme ; et ce, parce que religion et politique étaient plus imbriquées qu'aujourd'hui et que c'est la version racialiste de l'antisémitisme qui a surtout été étudiée. L'antisémitisme « moderne », comme idéologie raciste, date de la seconde moitié du . En France, la propagation d’idées antisémites et les actes inspirés par cette idéologie sont punis par la loi.


title: Antisémitisme en France

text: La conversion au christianisme des Wisigoths et des Francs rendit difficile la condition des Juifs : une succession de conciles diminua leurs droits jusqu'à ce que les force à se convertir ou à quitter la France en 633. Lors des conciles d'Elvira (305), de Vannes (465), des trois conciles d'Orléans (533, 538, 541), avec le concile de Clermont (535), l'Église interdit aux Juifs de faire des repas en commun avec des chrétiens, de faire des mariages mixtes et proscrit la célébration du "shabbat", le but étant de limiter l'influence du judaïsme sur la population.


title: Antisémitisme en France

text: Parallèlement, il faut noter le rôle de protecteur des juifs que les papes jouent. C'est ce dont témoignent les papes "dit Le Grand" en 602 et en 1199, qui réprouvent à la fois le judaïsme et les conversions forcées.