title: Mon curé chez les Thaïlandaises

text: Le film, dont une grande partie de l'action est censée se dérouler en Thaïlande, a été entièrement tourné en France. On peut reconnaître la Mer de sable d'Ermenonville, les tours du quartier d'Italie 13 dans le de Paris, ou encore le Château de Blandy-les-Tours.


title: Alfred Velpeau

text: Alfred-Armand-Louis-Marie Velpeau, né le à Brèches et mort le à Paris, est un anatomiste et chirurgien français, inventeur du bandage qui porte son nom, la « bande Velpeau ».


title: Alfred Velpeau

text: Fils d’un maréchal ferrant, qui devait, au besoin, comme tous ses confrères de la campagne, exécuter les pratiques les plus simples de l’art vétérinaire, Velpeau apprit d’abord à ferrer les chevaux et passa sa première jeunesse à aider son père dans son métier. Ayant appris presque seul à lire et à écrire et désirant s’instruire, il avait trouvé chez son père un ancien "Traité d’hippiatrique" et "le Médecin des pauvres" avec lequel il parvint à acquérir quelques notions de médecine pratique, se faisant peu à peu une sorte de réputation par plusieurs cures heureuses opérées dans son village tourangeau. Un voisin, à qui sa passion pour l’étude avait inspiré de l’intérêt, lui ayant procuré les moyens de la satisfaire, ses progrès furent rapides, et il fut envoyé, en , à Tours où la rencontre de Pierre Bretonneau, fondateur de l’école de médecine de Tours, décida de sa carrière.


title: Alfred Velpeau

text: Attaché à l’hôpital de Tours, il dut reprendre toutes ses études par la base et se mit à étudier à la fois le latin, le français, la géographie, l’histoire, l’anatomie, la physiologie et toutes les branches de la médecine, au milieu des privations que lui imposait la modicité de ses ressources. À force d’application au service de l’hôpital, il se fit admettre comme élève interne, et, au bout de quinze mois, fut reçu officier de santé. Nommé premier élève, en 1818, avec d’appointements, il y joignit le revenu d’une petite clientèle, qui lui permit de faire les économies nécessaires pour monter à Paris pour y poursuivre ses études où, son assiduité au travail, ses aptitudes, l’ayant rapidement fait distinguer parmi les autres étudiants de l’hôpital de Tours, son professeur l’aida de ses conseils, de ses recommandations et de sa bourse.


title: Alfred Velpeau

text: À peine arrivé à Paris, avec de très précaires ressources, Velpeau eut à affronter le besoin et les difficultés d’une éducation première tout à fait insuffisante, pour ne pas dire absente, car il possédait à peine les premiers éléments de la langue française, et il savait tout juste de latin ce qu’un pauvre desservant de village avait pu lui apprendre. En 1820, il était déjà le premier aide de , médecin de la duchesse de Berry. Couronné au concours de l’École pratique en 1821, il réussit néanmoins, à force de travail, à devenir successivement aide d’anatomie, faisant plusieurs cours qui eurent un grand succès, puis docteur, en , puis chirurgien des hôpitaux, puis agrégé en médecine à la Faculté, puis enfin professeur de clinique chirurgicale après une brillante série de concours.


title: Alfred Velpeau

text: En 1830, il fut nommé chirurgien de la Pitié et, en 1835, professeur de clinique chirurgicale. Exerçant comme chirurgien dans plusieurs hôpitaux parisiens, il occupa la chaire de chirurgie clinique à la Faculté de médecine de Paris de 1833 à 1867.


title: Alfred Velpeau

text: Il fut élu membre de l’Académie de médecine en 1832 et de l’Académie des sciences en 1843, en remplacement de Dominique-Jean Larrey. En 1860, il présenta les travaux de James Braid sur l'hypnose à l’Académie des sciences.


title: Alfred Velpeau

text: Velpeau avait la main droite mutilée, par suite d’un accident, s’étant, au début de sa carrière, fait au doigt une piqûre en disséquant, une « piqûre anatomique », dont il a failli mourir, mais il fut quitte pour une incurable rigidité de l’index. Privé de l’index de la main agissante, il opérait néanmoins, avec les quatre doigts qui lui restaient, avec une sureté, avec une précision, avec une rapidité vraiment merveilleuses.


title: Alfred Velpeau

text: Quant à son caractère, de prime abord dur, brutal, il devenait, peu à peu, d’une bonté parfaite. Un de ses anciens élèves le décrit, dans "le Figaro", comme « un vieillard de petite taille, sec, vert et très vif encore. Il marchait à petits pas dans une attitude raide, comme s’il avait la colonne vertébrale, ankylosée. »


title: Alfred Velpeau

text: À l’âge de 72 ans, alors qu’il était encore complètement immergé dans son travail, ne voyant sa femme, sa fille et ses petits-enfants dans sa maison de campagne d’Antony que le weekend, il a attrapé la grippe mais refusé de diminuer ses activités. Il en est mort quelques jours après avoir effectué sa dernière opération. À l’issue d’obsèques à l’église Saint-Thomas-d’Aquin, il a été inhumé au cimetière du Montparnasse. Il avait été promu, le , commandeur de la Légion d’honneur.


title: Alfred Velpeau

text: En , il déclara à l’Académie des sciences que l’on guérit le plus souvent du choléra malgré des remèdes à la prétendue efficacité et des traitements sans valeur administrés, déclaration qui émut le public.


title: Alfred Velpeau

text: Il a donné son nom à un pansement, la bande Velpeau. Il est également connu pour avoir tenté une expérience controversée sur la mémoire : il a demandé au docteur condamné à mort, Désiré Couty de la Pommerais, médecin ayant empoisonné ses patientes pour toucher leur assurance-vie, de lui faire un triple clin d’œil une fois que sa tête serait coupée. La parole de Velpeau, comme professeur, était claire, abondante, facile ; c’était le professeur classique par excellence. Outre ses ouvrages, on lui doit un grand nombre de "Mémoires" insérés dans les "Bulletins de l’Académie de médecine" et de "Communications" faites à cette société sur les altérations du sang, le cancer, les hémorragies, la résorption purulente, sur le Traitement du docteur Vriès, 1859, etc. qui attestent la sûreté et la variété de ses connaissances physiologiques et médicales. Il a eu Simon Noël Dupré et Antonin Jean Desormeaux pour élèves.


title: Alfred Velpeau

text: Velpeau est l’auteur de nombreuses publications sur la chirurgie, l’embryologie, l’anatomie et l’obstétrique, parmi lesquelles un "Traité élémentaire de l’art des accouchements" paru en 1830. Ses trois ouvrages les plus importants sont, sans contredit, son "Traité d’anatomie chirurgicale", son "Traité de médecine opératoire", et surtout son "Traité des maladies du sein" où se rencontrent les qualités qui le caractérisent véritablement comme écrivain. Il fut, avec Roux, un des défenseurs les plus résolus et les plus convaincus du chloroforme, dès que celui-ci fit son apparition.


title: CZ P-09

text: Le CZ P-09 est un pistolet semi-automatique fabriqué par Česká Zbrojovka. C'est une arme de conception moderne en polymère chambrée en 9x19mm (capacité 19+1) et en .40 S&W (capacité 15+1) produite depuis 2009.


title: CZ P-09

text: Le CZ P-09 est une arme de format standard (canon de 115 mm) , sa version compacte étant le CZ P-07 (canon de 95 mm).


title: CZ P-09

text: Ce pistolet fonctionne en mode simple action et double action et fonctionne selon le principe du percuteur frappé avec chien externe (marteau). Il est livré avec deux dispositifs de sécurité interchangeables après démontage de l'arme : pour un fonctionnement en "decocking" (désarmement du chien) ou un fonctionnement en sécurité manuelle.


title: CZ P-09

text: le CZ P-09 possède deux sécurités passives : une sûreté de chien qui empêche les rebonds et les départs involontaires et une sûreté de percuteur qui bloque celui-ci tant que la détente n'est pas pressée.


title: CZ P-09

text: Il dispose d'organes de visée standard : une hausse réglable en dérive dans une queue d'aronde et un guidon fixe mais interchangeable.


title: CZ P-09

text: Comme la plupart des armes de conception moderne, le CZ P-09 possède un rail Picatinny pour accueillir sous le canon de nombreux accessoires, en particulier des torches ou des lasers tactiques.


title: CZ P-09

text: Plusieurs versions de couleurs différentes du polymère de la poignée ont été ou sont produites : vert tactique, sable, noir.


title: Massif des Baronnies

text: Le massif des Baronnies est un massif des Préalpes du Sud situé principalement dans le département de la Drôme.


title: Massif des Baronnies

text: Ce territoire montagneux se confond en grande partie avec celui des Baronnies, région naturelle et historique du Dauphiné.


title: Massif des Baronnies

text: Il est entouré par le massif du Diois au nord de l'Eygues, le Bochaine au nord-est du Buëch, les Préalpes de Digne à l'est de la Durance et l'ensemble mont Ventoux-montagne de Lure des monts de Vaucluse au sud.


title: Massif des Baronnies

text: Le massif comporte une succession de chaînons assez étroits et de dépressions plus ou moins larges, d’orientation générale ouest-est ; les formations représentées s’étalent du Jurassique supérieur (Oxfordien) au Crétacé (Coniacien).


title: Massif des Baronnies

text: Ce territoire est composé de moyennes montagnes marno-calcaires. La plupart des sommets ont une altitude comprise entre et m. Les petites vallées parfois creusées en gorges par les cours d’eau sont orientées en tous sens. L’ensemble crée un relief très compartimenté.


title: Massif des Baronnies

text: Les espèces végétales, sauvages ou non, les plus répandues du massifs sont la lavande, le sapin, les chênes verts et les chênes pubescents, ainsi que de très nombreuses espèces d’orchidées. La rarissime pivoine s’épanouit dans les éboulis calcaires ou sur les crêtes tandis que le Sabot de Vénus se cache sous les hêtres. L’euphorbe et la catananche poussant au soleil du midi, la gentiane de Koch et les hélianthèmes colorent les pelouses d’altitude que les chamois ne manquent pas de fréquenter.


title: Massif des Baronnies

text: Des espèces animales parmi d'autres typiques de la région sont le vautour fauve, le chevreuil et le sanglier, le hibou grand-duc, le lézard vert, le lièvre voire le chamois, le lynx et le loup (vu dans la vallée du Jabron), etc.


title: Caumont-l'Éventé

text: Caumont-l'Éventé est une ancienne commune française, située dans le département du Calvados en région Normandie, peuplée de habitants.


title: Caumont-l'Éventé

text: Depuis le , elle a le statut de commune déléguée, au sein de la commune nouvelle de Caumont-sur-Aure.


title: Caumont-l'Éventé

text: La commune se trouve à la limite entre le Bessin et le bocage virois, à l'ouest du département du Calvados. Situé sur une colline, son bourg est à à l'est de Saint-Lô, à au sud de Bayeux, à au nord de Vire et à à l'ouest de Caen.


title: Caumont-l'Éventé

text: Le point culminant (247/) se situe à l'est du bourg, au pied du château d'eau. Le point le plus bas () correspond à la sortie du ruisseau du Vey du territoire, au nord-ouest. En dehors de sa partie urbaine, la commune est bocagère.


title: Caumont-l'Éventé

text: Le toponyme est un descriptif de la topographie : ' est l'équivalent normando-picard de '. Il est issu du latin "calvus mons" et signifie « mont chauve », décrivant donc une colline sans végétation ligneuse.<br>


title: Caumont-l'Éventé

text: Le déterminatif évoque la situation de la localité sur une hauteur exposée à tous les vents, expliquant le qualificatif d’"éventé" ajouté en 1955.


title: Gravures de Rembrandt

text: Les gravures de Rembrandt sont l'ensemble de la production de Rembrandt comme graveur. Grand maître de l'eau-forte du , il s'appuie également sur d'autres techniques telles que la pointe sèche et le burin pour effectuer des retouches.


title: Gravures de Rembrandt

text: La carrière de Rembrandt comme graveur commence réellement à Leyde en 1628, où il produit un grand nombre de dans un style linéaire basique, même s'il est séduit par la possibilité de multiplier les croquis et petites illustrations qu'offre la gravure. En 1632, il s'installe à Amsterdam, dans l'atelier de Hendrick van Uylenburgh. En 1639, Rembrandt — qui n'a pas fait le traditionnel Grand Tour — découvre le tableau "Baldassare Castiglione" de Raphaël, et en reste profondément marqué : il est par la suite en perpétuelle recherche technique et artistique, aussi bien en peinture qu'en gravure. Les effets de lumières, particulièrement, marqueront cette recherche, comme en témoignent des estampes comme "Les Trois Arbres" et "La Pièce aux cent florins".


title: Gravures de Rembrandt

text: Rembrandt a plusieurs maîtres à Leyde : Jacob van Swanenburgh (de 1621 à 1623, chez qui il apprend le dessin à la plume) et Joris van Schooten.


title: Gravures de Rembrandt

text: Mais ce qui est déterminant dans sa formation est son séjour de six mois à Amsterdam en 1624, chez Pieter Lastman et Jan Pynas : Rembrandt y apprend le dessin au crayon, les principes de la composition et le travail d'après nature. Il aborde principalement les mêmes thèmes bibliques et antiques que Lastman et les traite avec la même . Ce dernier lui transmet aussi l'influence d'artistes qu'il avait côtoyés à Rome : Adam Elsheimer et le Caravage, tandis qu'il découvre l'œuvre de Rubens dans son atelier. Rembrandt s'approprie ainsi le clair-obscur pour en faire un langage propre . L'animation et l'art d'Amsterdam marquent son œuvre de jeunesse et il fait la connaissance de peintres flamands, dont Hercule Seghers.


title: Gravures de Rembrandt

text: Rembrandt ne fait pas le Grand Tour et s'établit à Leyde en 1625. Son ami Jan Lievens, également élève de Lastman et de van Schooten, rejoint son atelier. À cette époque, leur talent et leur style sont si proches qu'il est difficile pour les historiens de l'art de les distinguer. André-Charles Coppier parle d'une époque où la production de Rembrandt est jusque-là limitée à une surproduction d'estampes à vocation commerciale , associé aux peintres Jan Lievens, Gérard Dou, Hendrick Cornelisz. van Vliet et Jacques des Rousseaux.


title: Gravures de Rembrandt

text: Mais ses œuvres deviennent plus intimes et (, ). Il trouve rapidement un style très libre et personnel pour l'autoportrait et les visages.


title: Gravures de Rembrandt

text: Il semble qu'il ait commencé à pratiquer l'eau-forte dès 1625-1626 , bien que ses premières gravures datées le sont de 1628. Sa technique et son style d'alors sont très proches de ceux de Lievens, qui l'a probablement instruit. Mais Rembrandt lui laisse les effets sculpturaux pour étudier surtout ceux de la lumière. Il perçoit la gravure comme un art expérimental et étranger : il se contente au début de dessiner (, ). Il fait évoluer son style en aérant davantage ses planches et en choisissant des compositions plus grandes, même s'il produit encore de petites scènes fouillées (, ). On sait que Rembrandt possédait une collection de gravures de Callot et qu'il s'est fortement inspiré de la série des "Gueux" (, ). Il suit cependant les thèmes typiques de son époque aussi bien en peinture qu'en gravure, avec des sujets bibliques, des têtes de vieillards et des autoportraits.


title: Gravures de Rembrandt

text: Rembrandt s'installe à Amsterdam en 1631 et ouvre son atelier chez son ami, l'éditeur et marchand d'art Hendrick van Uylenburgh. Il épouse la nièce de ce dernier, Saskia, qui bénéficie d'un intéressant réseau social dans la bourgeoisie locale.


title: Gravures de Rembrandt

text: Il obtient un premier succès avec la toile "La Leçon d'anatomie du docteur Tulp" (1632). À noter qu'il réalise plusieurs autoportraits de 1631 à 1634 qui se rapprochent des codes baroques de son style pictural de cette époque (, ). Fort de ce succès, Rembrandt cherche à s'imposer sur le marché de l'art que domine Rubens. Il essaie de retranscrire l'imagination dont il fait preuve sur ses peintures dans ses eaux-fortes, où il étudie la manière de reproduire les effets d'une peinture en grisaille (, , , ) sans succès jusqu'à l’"Annonciation aux bergers" (). Il parvient cependant déjà à saisir la réalité sur le vif avec une grande qualité : "Grande mariée juive" () et "Faiseuse de koucks" (), qui


title: Gravures de Rembrandt

text: Il collectionne de nombreuses œuvres d'art — notamment d'Annibal Carrache et d'Antonio Tempesta — qui ne manquent pas de l'inspirer, comme on peut le constater dans "Sainte Famille" () et "Joseph et la femme de Putiphar" ().


title: Gravures de Rembrandt

text: 1636 est une année charnière, pour Rembrandt : il a une plus grande maturité dans le traitement des autoportraits (), choisit une représentation humaniste — quoique plus classique — des sujets bibliques (, ), tout en ayant une expression dramatique et baroque exacerbées. Il prend aussi mieux la mesure des moyens techniques de la gravure : il fait des tailles plus précipitées et syncopées dans certaines () mais est beaucoup plus tendre et nuancé dans d'autres, comme dans ses études de Saskia (, , ) ou dans "Jeune couple et la mort" (). Il commence à exploiter la pointe sèche avec une première réussite, "Mort de la Vierge" (), mais n'utilise les deux pour une même plaque qu'à partir de 1641-1642.


title: Gravures de Rembrandt

text: En 1639, Rembrandt découvre le tableau "Baldassare Castiglione" de Raphaël, une révélation qui opère chez lui .


title: Gravures de Rembrandt

text: C'est dans les années 1640 que germe ce qui deviendra le style de Rembrandt : l'union de la technique, du style et de la poésie. Il abandonne l'exubérance du baroque pour une expression plus classique ; les premiers spécialistes attribuent ce changement vers l'introspection, l'intimité et le retour à un contenu plus religieux — il intensifie les effets lumineux — dans ses scènes bibliques aux drames vécus par l'artiste à cette époque (Saskia meurt en 1642 et il a de graves problèmes économiques), tandis que les auteurs du relativisent cette théorie et se montrent plus pragmatiques. Rembrandt produit d'ailleurs peu d’œuvres entre 1642 et 1648 et la recrudescence de ses problèmes personnels n'intervient qu'en 1650, période qui marque justement le début d'une période de grande productivité.


title: Gravures de Rembrandt

text: Il découvre à 40 ans l'œuvre de Léonard de Vinci et d'Andrea Mantegna, qui ont une grande influence sur son travail à venir (respectivement, notamment sur "La Pièce aux cent florins" ( et , notamment). Malgré ses déboires personnels, Rembrandt évolue de par ses expériences plus humaines et ses préoccupations esthétiques calées sur « les tendances générales de son temps ».


title: Gravures de Rembrandt

text: Rembrandt entreprend ainsi une étude , plusieurs années après avoir abordé le thème en peinture. D'une , ses paysages bénéficient d'un qui évoquent avec fraîcheur les détails de l'immensité du paysage néerlandais (, ). Rembrandt a progressé dans ce genre grâce à sa faculté à aller voir lui-même ses sujets et à sentir la qualité atmosphérique du paysage. On peut dès lors apprécier dans le reste de tout son œuvre qui va suivre le clair-obscur plus doux et une meilleure intégration du sujet dans son environnement. Il s'intéresse aussi aux « sujets libres », avec l'idylle pastorale () et à l'érotisme pur, avec un couple dans une attitude très sensuelle (), mais délaisse le portrait de commande, exception faite de ses clients bourgeois (). Ses œuvres de ce genre bénéficient cependant de compositions beaucoup plus réfléchies et monumentales, délaissant les effets en trompe-l'œil, et ce aussi bien pour ses portraits peints que gravés ().


title: Gravures de Rembrandt

text: Comme en peinture, Rembrandt change sa manière d'aborder ses sujets : il ne représente plus le moment le plus pathétique, mais celui , comme dans "La petite résurrection de Lazare" () et "Abraham et Isaac" (). Le choix des scènes bibliques se porte lui sur les scènes les plus lyriques — voir "L'ange disparaît devant la famille de Tobit" () — et il travaille aussi davantage les scènes nocturnes, comme dans "Le Maître d'école" (), "Le repos pendant la fuite en Égypte" () ou encore "Saint Jérôme dans une chambre obscure" ().


title: Gravures de Rembrandt

text: Sa technique d'aquafortiste s'est : il abandonne le traitement minutieux des textures qui lui était si cher — on peut le voir dans "Le Persan" () ou dans "La Liseuse" () — pour se concentrer sur la structure des objets et les effets lumineux, comme dans "Mendiants recevant l'aumône à la porte d'une maison" (). Il exploite ainsi davantage la pointe sèche, et "La Pièce aux cent florins" (1649) représente de par l'harmonie obtenue par l'exploitation des différentes techniques.


title: Gravures de Rembrandt

text: La période la plus créative de Rembrandt est aussi celle de son style le plus personnel, le plus libéré et pur artistiquement.


title: Gravures de Rembrandt

text: C'est aussi une période très difficile pour lui, économiquement et socialement (avec notamment cette accusation par l'Église de sa compagne et mère de son enfant en 1654 pour concubinage, un épisode particulièrement humiliant pour Rembrandt). Il subit les effets d'une période de crise économique pour la Hollande, des conséquences du "" britannique, et ne peut rembourser la totalité de sa maison, les dettes d'achat d'œuvres de collection, et ses tableaux lui rapportent moins qu'avant. C'est ainsi qu'en 1656, il officialise sa faillite et requiert à la Haute Cour que l'on fasse l'inventaire de ses biens (voir encadré) pour rembourser ses créanciers. Sa compagne Hendrickje et son fils Titus fondent en 1658 une association pour continuer le commerce d'œuvres d'art qu'ils avaient commencé avant ces événements et obtiennent l'exclusivité du commerce de celles de Rembrandt en contrepartie de l'obligation d'entretenir Rembrandt toute sa vie.


title: Gravures de Rembrandt

text: En 1663, Hendrickje meurt et son fils se marie, laissant Rembrandt complètement seul. Ces événements marquent ses contemporains, et Joost van den Vondel, le grand poète national, fait comme ceux-ci le rapprochement avec ses œuvres, jugées plus obscures qu'avant, en le décrivant comme .


title: Gravures de Rembrandt

text: Les critiques de son époque, tels Joachim von Sandrart ("Teutsche Academie", 1675), Samuel van Hoogstraten ("", 1677), Arnold Houbraken ("Le Grand Théâtre des peintres néerlandais", 1718-1721) et Gérard de Lairesse ("Le Grand Livre des peintres, ou l'Art de la peinture considéré dans toutes ses parties, et démontré par principes ... auquel on a joint les Principes du dessin", 1787) louaient son génie mais réprouvaient . Rembrandt avait suivi l'évolution du baroque international vers une phase plus classique, mais alors que son style personnel arrivait à son paroxysme, il s'éloignait de celui de ses contemporains, plus proche des Van Dyck voire de ses élèves ou anciens compagnons d'ateliers (Govaert Flinck et Jan Lievens).


title: Gravures de Rembrandt

text: Malgré une image de solitaire incompris, Rembrandt a continué à recevoir des commandes : de particuliers, notamment Jan Six () ; de corporations, comme l'atteste le fameux tableau "Le Syndic de la guilde des drapiers" (1662) ; et même à l'international, puisqu'un noble italien lui commanda un philosophe et reçut "Aristote contemplant le buste d'Homère" (1653) et plus tard "Alexandre le Grand" (1661) et "Homère" (1663), ainsi que 189 eaux-fortes en 1669. Il continuait par ailleurs à avoir des élèves, notamment Philips Koninck et Aert de Gelder.


title: Gravures de Rembrandt

text: Lors de ses huit dernières années, Rembrandt n'a produit qu'une seule gravure : un portrait () de commande . Cette mise à l'écart de cet art de prédilection ne s'explique pas par un quelconque empêchement lié à la vieillesse, mais, selon Sophie de Brussière (Petit Palais), parce que Rembrandt avait déjà terminé l'exploration des techniques de la gravure — et en parallèle réussi à obtenir ce qu'il avait recherché pendant toute sa carrière de peintre, la « lumière-couleur » —, et n'y accordait plus d'attention.


title: Gravures de Rembrandt

text: Edme-François Gersaint (1694-1750) est le premier à publier un catalogue de gravures de Rembrandt, en 1751 (à titre posthume) : le "Catalogue raisonné de toutes les pièces qui forment l’œuvre de Rembrandt". Gersaint choisit dans cet ouvrage de classer les œuvres non pas dans un ordre chronologique, mais suivant le sujet — et il sera en ceci suivi par la plupart de ses successeurs — qui sont : portraits de Rembrandt ; Ancien Testament ; Nouveau Testament ; sujets pieux, pièces de fantaisie ; mendiants, sujets libres ; paysages ; portraits d'hommes ; têtes de fantaisie ; portraits de femmes ; études.


title: Gravures de Rembrandt

text: Adam von Bartsch (1757-1821), également aquafortiste, écrit un ouvrage référence dans ce domaine : "Catalogue raisonné de toutes les Estampes qui forment l'Œuvre de Rembrandt, et ceux de ses principaux Imitateurs". Il y établit ce qui est devenu le système de numérotation définitif, sur son propre nom (par exemple « Bartsch 17 » ou « B. 17 »), pour les gravures à l'eau-forte de Rembrandt et les copies de beaucoup d'autres artistes, système encore employé dans ce domaine.


title: Gravures de Rembrandt

text: Ignace Joseph de Claussin (1795-1844), aquafortiste et marchand d'estampes, est pris d'une passion pour Rembrandt en essayant de rassembler toutes les estampes de celui-ci dans un catalogue raisonné, dans lequel il inclut ses propres gravures d'après le maître néerlandais, dont la qualité tromperont certains spécialistes. Il publie finalement en 1824 "Catalogue raisonné de toutes les estampes qui forment l'œuvre de Rembrandt, et des principales pièces de ses élèves" puis en 1828 "Supplément au Catalogue de Rembrandt", le premier faisant référence, notamment pour Charles Henry Middleton qui le cite abondamment dans "" (1878), un autre ouvrage de référence.


title: Gravures de Rembrandt

text: Un peu avant ce dernier, Charles Blanc (1859-1861) avait entrepris l'ambitieux "L'Œuvre complet de Rembrandt, catalogue raisonné de toutes les eaux-fortes du maître et de ses peintures" (en deux tomes), en 1859-1861. Cependant, André-Charles Coppier (voir plus bas), émet une critique forte sur cet ouvrage : il affirme que Blanc a calqué lui-même des faux à l'étranger pour les faire graver à l'eau-forte par Léopold Flameng afin d'illustrer son troisième catalogue avec de prétendus fac-similés.


title: Gravures de Rembrandt

text: En 1986, le Petit Palais s'appuie, pour réaliser la monographie en 2 volumes "Rembrandt : Eaux-fortes", sur l'ouvrage d'Eugène Dutuit "Œuvre gravé de Rembrandt" (1883), qui est Ce est basé sur l'étude de sa propre collection et de celles de la bibliothèque nationale de France et du British Museum. Il suit globalement les catégories de ses prédécesseurs pour étudier 363 pièces (dont 80 sont désormais rejetées). Dutuit avait une grande sensibilité esthétique, ainsi que le révèle le grand nombre d'estampes de grande qualité (beaux supports, parchemin, papier japon ou oriental) et très bien conservées. Il donna les 375 pièces au musée du Petit Palais en 1902, et "Rembrandt : Eaux-fortes" présente 175 eaux-fortes de ce fonds.


title: Gravures de Rembrandt

text: Arthur Mayger Hind est un spécialiste britannique de la gravure, en particulier italienne, mais qui a publié plusieurs ouvrages sur les gravures de Rembrandt : ' (1900), ' (1907), ' (?) et ' (1921), le premier faisant référence.


title: Gravures de Rembrandt

text: À noter enfin "Les eaux-fortes authentiques de Rembrandt" d'André-Charles Coppier, publié en 1929, également cité par le Petit Palais, qui explique que s'il est assez incomplet, il


title: Gravures de Rembrandt

text: Les spécialistes catégorisent les gravures de Rembrandt selon que tous les états sont de Rembrandt ; qu'elles ont été reprises et achevées par une main étrangère ; qu'on ne les connaît que grâce à un état retravaillé par un élève ; et celles qui sont rejetées. Si on exclut cette dernière catégorie — dans laquelle sont principalement les estampes réalisées au début des années 1630, quand il débutait à son atelier —, Hind en compte 293; Gersaint, 341 ; Bartsch, 375 et Middleton et Dutuit, 329. André-Charles Coppier exclut 140 pièces de la liste de Bartsch, rejetant — soit un tiers des pièces cataloguées par Bartsch en 1797 et par Charles Blanc en 1873 — ; il rejette également les estampes que Woldemar von Seidlitz a ajoutées dans son catalogue de 1895.


title: Gravures de Rembrandt

text: Les catalogues raisonnés de l'œuvre gravé de Rembrandt présentent fréquemment un tableau de correspondance des différentes notations dans chacun des catalogues raisonnés de référence :


title: Gravures de Rembrandt

text: La notation choisie pour cet article est la notation Bartsch, étant la référence la plus communément — et parfois la seule — utilisée. Lorsqu'une œuvre n'a pas été connue ou reconnue par Bartsch, la deuxième notation utilisée est celle de Seidlitz (1895). Cette notation est très souvent incluse dans les tableaux de correspondance des notations des estampes de Rembrandt. Un tableau de correspondance entre les notations d'Edme-François Gersaint (Gersaint-Yver-Daulby), d'Adam von Bartsch et d'Ignace Joseph de Claussin, trié par sujet, est réalisé et consultable sur l'ouvrage de Thomas Wilson, ' (1836), à partir de la page 242 ; un autre, plus étendu encore, a été fait par Hind dans ', à partir de la page 133.


title: Gravures de Rembrandt

text: En produisant de nombreux états de ses estampes, tout en conservant une attitude exclusive, Rembrandt savait susciter l'intérêt des collectionneurs autour de lui et de son œuvre, ainsi que le rapporte Arnold Houbraken dans "" (en français « Le Grand Théâtre des peintres néerlandais », 1718–1721) : Parmi les estampes acquises par Dutuit, beaucoup portaient les marques de collections des plus prestigieuses, comme John Barnard.


title: Gravures de Rembrandt

text: Ami de Rembrandt — ce dernier en réalise d'ailleurs un portrait gravé () qui est l'une de ses plus belles pièces — et grand acteur du marché de l'art de l'époque, Clement De Jonghe accumule de très nombreux cuivres, dont 74 eaux-fortes de Rembrandt, qui seront vendus deux ans après sa mort à Amsterdam en 1679.


title: Gravures de Rembrandt

text: Les collectionneurs n'hésitent pas à les exposer publiquement, à l'image d'Eugène Dutuit, qui a prêté quelques-unes de ses plus importantes estampes de Rembrandt à des expositions prestigieuses où gravitent de nombreux collectionneurs comme celles du Burlington Club celle des estampes du Cercle de la Librairie et à l'exposition de l'Union centrale . Depuis que Dutuit a donné ses estampes au musée du Petit Palais, peu d'expositions ont été faites des gravures de Rembrandt, lesquelles étaient en plus présentées en petit nombre. Parmi les plus notables, l'« Exposition des estampes de Rembrandt et de Dürer » en 1933, une autre au Louvre en 1969 à l'occasion du tricentenaire de la mort de Rembrandt et enfin celle du Petit Palais en 1986.


title: Gravures de Rembrandt

text: La renommée des eaux-fortes de Rembrandt a perduré par-delà les siècles, plus que ses peintures ; cela est d'autant plus remarquable qu'il était actif au , le siècle d'or de l'eau-forte néerlandaise, et que cette technique n'est que l'une de celles que l'artiste a employées, avec plus de quatre cents peintures et des milliers de dessins. Cela s'explique en partie parce qu'il est le premier à véritablement l'exploiter avec une telle maîtrise technique et artistique, alors que la technique existe depuis le et n'a pas changé depuis le .


title: Gravures de Rembrandt

text: La quasi-totalité des gravures de Rembrandt sont exécutées à l'eau-forte, dont le processus — celui de Rembrandt — est détaillé ci-dessous. Cependant, il utilise d'autres techniques telles que la pointe sèche et le burin pour effectuer des retouches.


title: Gravures de Rembrandt

text: La technique chimique de l'eau-forte a été développée au Moyen-âge par les armuriers arabes afin de décorer leurs armes. Elle a connu un fort essor au au sud de l'actuelle Allemagne, où les premières estampes ont été imprimées vers la fin de ce siècle. Au début du , des artistes néerlandais tels qu'Esaias van de Velde l'Ancien, Jan van de Velde le Jeune et Willem Buytewech expérimentent avec la technique. Ils cherchent un meilleur ton et comment créer un effet d'atmosphère dans leurs estampes de paysage ; ils rompent ainsi avec les longues lignes de contour pour les dessiner avec de petits traits et avec des points. Hercules Seghers expérimente à son tour avec l'eau-forte mais pour des raisons différentes : il essaie de reproduire un effet de peinture en imprimant sur du papier en couleur ou sur toile ; de plus, il retravaille l'estampe après impression avec un pinceau enduit de peinture de couleur, ce qui rend chaque estampe unique.


title: Gravures de Rembrandt

text: Rembrandt a rapidement été très intéressé par ces développements, et a poussé très loin la technique. Dans ses mains, l'eau-forte est devenue un art à part entière qui l'a occupé toute sa vie. Il a ainsi produit près de 300 gravures, se voulant toutes des œuvres d'art originales. La maîtrise de la pointe sèche et le noir profond unique de ses eaux-fortes étaient célèbres de son vivant et son œuvre gravé a été particulièrement recherché par les collectionneurs de son temps.


title: Gravures de Rembrandt

text: On peut rehausser une eau-forte au moyen d'une pointe sèche et d'un burin, en gravant directement sur la plaque mais le trait peut être grossier et l'effet perdu après le passage de la presse. Rembrandt ne rehaussait jamais ses eaux-fortes au début ; mais à partir de 1640, il s'intéresse un peu plus à ces techniques, en particulier l'effet de velours produit par la pointe sèche : on peut en voir un exemple dans "Saint Jérôme écrivant sous un arbre" (). Il grave d'ailleurs quelques estampes exclusivement à la pointe sèche (, , ).


title: Gravures de Rembrandt

text: Quand l'artiste corrige la plaque après impression, on parle d'un nouvel « état ». Pratiquement toutes les estampes de Rembrandt existent dans plusieurs états .


title: Gravures de Rembrandt

text: Il est également possible d'introduire des variations en encrant différemment : l'artiste peut choisir de laisser plus ou moins d'encre sur la plaque avant qu'elle passe sous la presse. On peut observer cette technique dans "Les Trois Croix" (), où Rembrandt cherche à accentuer les contrastes et obtient un effet très sombre en laissant beaucoup d'encre dans certaines zones de la plaque. Il emploie également la technique du afin de donner une plus grande profondeur aux ombres, comme dans "La femme à la flèche" (), ou pour donner un effet d'atmosphère dans ses paysages, comme dans "Le paysage à la tour carrée" (). Il est d'ailleurs notable que Rembrandt faisait lui-même ses impressions , justement pour avoir la liberté d'encrer selon l'effet recherché.


title: Gravures de Rembrandt

text: Enfin, Rembrandt a également utilisé la technique de la contre-épreuve pour effectuer des corrections minimes, en particulier pour "Les Trois Croix".


title: Gravures de Rembrandt

text: Par ailleurs, on a longtemps considéré "Philosophe avec un sablier" () comme étant la seule gravure sur bois connue de Rembrandt. Très rare, on ne sait si le dessin original est de Rembrandt ou de Lievens, mais tous les spécialistes la classaient au crédit de Rembrandt, et Charles Blanc le justifiait en estimant qu' et que son ami était plutôt son imitateur que son élève. Pourtant, elle est désormais définitivement attribuée à Lievens par le "Hollstein".


title: Gravures de Rembrandt

text: Rembrandt n'aurait jamais utilisé de calque ou de points de repère avant de tracer directement son dessin sur le vernis.


title: Gravures de Rembrandt

text: En eau-forte, le vernis sert à protéger la plaque de la morsure de l'acide qui s'infiltre là où le graveur a retiré le vernis avec sa pointe. La composition de ce vernis a évolué, et cela a un impact sur l'esthétique de la gravure. Rembrandt fait le choix d'un "vernis mol" (ou vernis mou), qui permet plus de souplesse et de liberté à la main, en opposition au vernis dur, emprunté aux luthiers de Florence et de Venise et utilisé notamment par Jacques Callot. Sa composition est connue depuis 1660 et la publication du traité "" :


title: Gravures de Rembrandt

text: Pourtant, selon le "Dictionnaire technique de l'estampe" d'André Béguin, qui cite Abraham Bosse ("De la manière de graver à l'eau forte et au burin", 1645, revu par Charles-Nicolas Cochin en 1745), cette composition est celle de la formule d'un vernis tiré d'un manuscrit de Callot. Il propose une autre formule, appelée « Vernis de Rimbrandt » dont la composition est la suivante :


title: Gravures de Rembrandt

text: Il s'agissait ensuite, selon la manière traditionnelle, de vernir au tampon et à chaud le cuivre, avant de l'enfumer à la torche.


title: Gravures de Rembrandt

text: Une fois le vernis posé et le dessin effectué sur celui-ci, on plonge la plaque dans de l'acide afin que celui-ci morde la plaque aux endroits où le vernis a été retiré.


title: Gravures de Rembrandt

text: On sait que Rembrandt faisait lui-même ses encrages et ses impressions, sur deux presses à taille-douce — l'une en « bois des îles », l'autre en bois de chêne — qu'il avait chez lui, ce qui permet d'étudier avec d'autant plus de précision l'évolution de ses plaques.


title: Gravures de Rembrandt

text: Pour rechercher des effets plus picturaux, Rembrandt n'essuie pas complètement sa plaque : il laisse parfois un léger voile d'encre sur certaines parties lisses afin d'obtenir une forme de « teinte ».


title: Gravures de Rembrandt

text: Plusieurs types de papier (européen, japonais, chinois, etc.) et papiers vélin peuvent être utilisés : ils varient en couleur et en grain (type de surface). L'artiste peut ainsi choisir celui qui lui convient selon l'effet recherché.


title: Gravures de Rembrandt

text: Rembrandt cherche tout le temps à exploiter les différentes possibilités que chaque support peut lui offrir. Ainsi, il n'utilise d'abord que du papier de fabrication française (Troyes et Angoulême), les moulins hollandais ne produisant pas de papier propre à l'impression des estampes avant la fin du . Dans ce papier français, la particularité vient de l'intégration aux treillis du « filigrane » : une marque de laiton laissant une trace plus claire, le papier devenant moins épais. Cette information permet une meilleure identification d'une estampe ancienne, mais les différents filigranes qu'ils produisaient selon les besoins de leurs clients hollandais varient notamment aussi en motifs (, , , , , ), même si deux filigranes étaient exclusifs aux clients hollandais : la Tête de fou avec cinq ou sept boules (, , , , , , , , ) et les Armes d'Amsterdam. Vers la fin des années 1640, en pleine recherche d'une certaine richesse de ton, Rembrandt varie la qualité de ses supports, quitte à utiliser du papier de qualité très inférieure, comme le papier ' (pour les Hollandais ; papier ' pour les Anglais), un papier .


title: Gravures de Rembrandt

text: Il se fournit également en Asie, en utilisant fréquemment le papier japon, un papier sans vergeures ni pontuseaux ni filigranes, proposé en plusieurs grammages et textures, et de couleurs variable : du blanc opalin ou doré presque tan. Rembrandt appréciait sa chaleur, sa couleur jaunâtre, ce qui était très efficace pour ses paysages ou scènes d'extérieur (, ) ; la surface très fine et douce de ce papier permettait d'exploiter à fond l'effet produit par la pointe sèche.


title: Gravures de Rembrandt

text: Il emploie aussi un papier que l'on appelle de façon erronée « chinois » ; c'est un papier très fin, parfois doublé, de couleur perle grise (ex : , ). Enfin, Rembrandt utilise un papier jaune pâle d'aspect similaire à celui des miniatures indiennes (on suppose qu'il vient de ce pays).


title: Gravures de Rembrandt

text: Une plaque peut être retouchée de diverses manières, afin de corriger des défauts ou de donner un effet recherché ; ainsi, l'artiste peut utiliser le grattoir ou le brunissoir, notamment, ou bien jouer sur le support en changeant l'encrage ou le type de papier. À chaque étape, l'artiste peut effectuer une impression pour voir le résultat intermédiaire ou potentiellement définitif : à chacune de ces épreuves correspond ainsi un état de l'estampe. L'observation de la succession de ces états permet de suivre l'avancement du travail, et c'est ainsi qu'on peut imaginer l'avancement de Rembrandt dans l'élaboration de son estampe : on peut y constater les corrections, les évolutions préméditées ou non, ou encore la recherche de variation.


title: Gravures de Rembrandt

text: Les gravures de Rembrandt sont « traditionnellement » triées par thèmes dans les catalogues raisonnés, suivant leur propre classification. Voici les gravures ayant fait l'objet des études les plus poussées dans ces catalogues raisonnés.


title: Gravures de Rembrandt

text: Selon le musée du Petit Palais en 1986, on connaît soixante-dix-neuf plaques originales encore existantes de Rembrandt. Dans "" d'Erik Hinterding (1995), l'auteur fait une étude des plaques existantes, les liste et décrit toutes (à l'exception de "Jan Uytenbogaert" (B. 281) et "Première tête orientale" (B. 286), auxquelles il n'a pas eu accès) et s'attache à faire une liste exhaustive de tous les propriétaires de ces plaques tout au long de l'histoire.


title: Gravures de Rembrandt

text: Jan Six, collectionneur d'art néerlandais s'est vu faire l'une des plus belles gravures de Rembrandt, "Portrait de Jan Six" (), qui est aussi, selon le musée du Petit Palais, la plus belle plaque. En 2013, Claude-Jean Darmon qualifie Jan Six (1647) de , ajoutant que . Elle fait partie de la collection Six, célèbre en son temps pour ses peintures, gravures et dessins.


title: Gravures de Rembrandt

text: Le premier inventaire connu est celui réalisé à partir de la collection de Clement De Jonghe en 1679 (deux ans après sa mort) ; de Hoop Scheffer et Boon et Hinterding s'accordent sur l'authenticité et la paternité de toutes les plaques identifiées lors de cet inventaire, avec de très légères modifications. Cependant, certaines notes manquent de précision pour permettre l'identification des plaques. Grâce au tableau de Hinterding, il est possible de tracer la provenance complète de chaque plaque, et de noter ainsi qu'après la vente de la collection de De Jonghe, c'est la vente de De Haan en 1767 qui est la plus importante, où Pierre Fouquet a acheté de nombreuses plaques qui sont ensuite passées à Watelet, tandis que toutes les autres ont été disséminées entre de nombreux propriétaires ou ont disparu.


title: Gravures de Rembrandt

text: Ainsi, Claude-Henri Watelet acquiert en 1767 quatre-vingt-une plaques de cuivre originales, mais, lui-même étant aquafortiste, il en retravaille quelques-unes (, , , ) ou reprend à l'aquatinte (, , , , , , , , , ). Lors de la vente aux enchères de la collection Watelet en 1786, Pierre-François Basan achète la totalité des plaques qu'il possédait (le nombre exact est incertain, mais Hinterding en calcule quantre-vingt-trois) et publie dans la foulée "Recueil de quatre-vingt-cinq estampes originales... par Rembrandt", ouvrage qui sera édité pendant plus d'un siècle. Henry-Louis Basan, le fils du premier, publie la liste des plaques en sa possession en 1803, qui sont au nombre de quatre-vingt-quatre, dont cinq ne sont plus acceptées comme étant de Rembrandt. André-Charles Coppier critique vivement les actions de Watelet et Basan ainsi que de Baillie (voir plus bas) et Norblin de La Gourdaine, qui ont tous les cuivres originaux qu'ils possédaient pour en faire leurs propres états — il exclut ainsi toutes les eaux-fortes provenant de ces plaques et les états de celles qui ont été tirées de façon posthume de ses études.


title: Gravures de Rembrandt

text: Tandis que ces différents inventaires sont étudiés avec beaucoup d'attention par les spécialistes, par la suite, le devenir des plaques de Rembrandt est très clair, car les propriétaires suivants ont acquis les collections de plaques en bloc : Auguste Jean (ca. 1810) ; Veuve Jean (1820) ; Auguste Bernard (1846) ; Michel Bernard (ca. 1875). En 1906, l'éditeur Alvin-Beaumont achète à son tour les plaques originales, et effectue des tirages à partir de celles-ci, qu'il publie dans "Les cuivres originaux de Rembrandt" ; son ami Robert Lee Humber les acquiert et les dépose au North Carolina Museum of Art de Raleigh. En 1956, à l'occasion du de la naissance de Rembrandt, le musée organise une exposition montrant ces plaques ainsi que des eaux-fortes prêtées par la National Gallery of Art de Washington et les tirages d'Alvin-Beaumont. Seules deux ont été perdues entre-temps : "La Mort de la Vierge" (B. 99) et "Le Christ se disputant avec les docteurs : petite plaque" ().


title: Gravures de Rembrandt

text: Soixante-dix-sept plaques ont ainsi survécu et sont conservées par la famille de Robert Lee Humber, auxquelles il faut en ajouter trois, "Jan Uytenbogaert" (, collection Rosenwald, à Philadelphie), "Jan Six" () et "Première tête orientale" (, bibliothèque de l'université de Göttingen) pour constituer le corpus des plaques connues par Hinterding en 1995 (soixante-dix-neuf plaques connues par le musée du Petit Palais en 1986).


title: Gravures de Rembrandt

text: En 1775, le capitaine William Baillie, officier de l'Armée de terre britannique et imprimeur irlandais, achète la plaque originale de "La Pièce aux cent florins", déjà assez usée par les impressions successives, au peintre et graveur américain John Greenwood, et en imprime une centaine d'épreuves qu'il a lui-même largement retravaillées directement sur la plaque de cuivre originale. Il finit par couper la plaque en quatre morceaux pour en faire des épreuves séparées, qu'il retravaille à nouveau plus tard, individuellement ; il a notamment ajouté le cadre d'une arche au fragment contenant le Christ.


title: Gravures de Rembrandt

text: Cette initiative a été très polémique à l'époque, certains la jugeant indigne, d'autre bienvenue, la plaque étant en mauvais état. Ces épreuves finales sont publiées par John Boydell.


title: Gravures de Rembrandt

text: Les gravures de Rembrandt ont été abondamment copiées par des artistes, et certains historiens de l'art ont même fait la liste des gravures d'après Rembrandt.


title: Gravures de Rembrandt

text: Au début du , Lucien Monod fait un compte-rendu de la valeur des estampes de Rembrandt sur le marché. Il les définit comme étant de , et leur estimation varie entre 18 et ("La Pièce aux cent florins", vendue à New York en 1922 à Harlowe et Cie).


title: Gravures de Rembrandt

text: En , les organisateurs du championnat des Pays-Bas de football annoncent qu'à l'occasion de l'année Rembrandt (2019 étant l'année des 350 ans de la naissance de l'artiste), un ballon spécial va être utilisé pour la saison 2019-2020 : la « "" » affiche des gravures de l'artiste, dont des paysages et des autoportraits. Le ballon a été présenté au Rijksmuseum Amsterdam.


title: Saison 2021-2022 du Stade rochelais

text: Lors de la saison 2021-2022 de la Champions Cup le Stade rochelais fait partie de la poule A et est opposé aux anglais de Bath Rugby et aux écossais des Glasgow Warriors.


title: Saison 2021-2022 du Stade rochelais

text: Pour la deuxième édition du Supersevens (édition annulée la saison précédente) la compétition de rugby à 7 se déroule en quatre étapes. Trois étapes qualificatives en août dans trois villes différentes :


title: Saison 2021-2022 du Stade rochelais

text: Les vainqueurs d'étape et les meilleures équipes du classement général de cette tournée estivale se retrouvent forment un top 8 pour ensuite se disputer le titre de champion de France lors de la grande finale organisée le 13 novembre 2021 à la Paris La Défense Arena. Les 14 équipes du Top 14 participent au tournoi ainsi que les Barbarians français et Monaco rugby sevens.


title: Saison 2021-2022 du Stade rochelais

text: C'est le manager des espoirs, Sébastien Morel, qui sera à la tête de l'équipe pendant le tournoi du Supersevens.


title: Saison 2021-2022 du Stade rochelais

text: À l'issue de la première étape du tournois, le Stade rochelais se classe à la place du classement général.


title: Saison 2021-2022 du Stade rochelais

text: Le club termine cette manche en position. À l'issue de la deuxième étape du tournois, le Stade rochelais se classe à la place du classement général.


title: Saison 2021-2022 du Stade rochelais

text: Le club termine cette manche en position. À l'issue de la troisième étape du tournois, le Stade rochelais se classe à la place du classement général. Le club est donc qualifié pour l'étape finale du Supersevens 2021 à Paris La Défense Arena (Nanterre) le 13 novembre 2021.


title: Saison 2021-2022 du Stade rochelais

text: À l'issue de l'étape finale du tournois, le Stade rochelais se classe à la place du classement finale de l'édition 2021 du Supersevens.


title: Palmarès et statistiques de Gustavo Kuerten

text: Cet article traite des différents résultats (palmarès et statistiques) obtenus par Gustavo Kuerten, joueur Brésilien de tennis, au inclus.


text: Il réalise sa meilleure performance lors de l'édition 2000 en remportant la compétition après avoir dominé Pete Sampras et Andre Agassi, ce qui constitue une première sur un même tournoi. Il conquiert à l'issue de cette victoire la première place mondiale.


text: Gustavo Kuerten a remporté cinq Masters 1000 au cours de sa carrière sur deux surfaces de jeu différentes (quatre sur terre battue et un sur dur).


text: En véritable spécialiste, il fait partie au même titre que Ivan Lendl, Marcelo Ríos, Rafael Nadal et Novak Djokovic des joueurs qui ont remporté les trois Masters 1000 sur terre battue.


text: Il devient en 2003 le premier joueur non américain à atteindre la finale des quatre Masters 1000 nord-américains sur dur. Il sera rejoint ensuite par Roger Federer, Rafael Nadal, Andy Murray et Novak Djokovic.


text: Finaliste de sept Masters 1000 sur neuf, Kuerten se situe au niveau du Britannique Andy Murray et des Américains Pete Sampras et Andre Agassi. Seuls Nadal, Djokovic et Federer ont fait mieux en disputant la finale des neuf Masters 1000.


text: Kuerten considère sa victoire au Masters Series de Cincinnati en 2001 comme la plus difficile de sa carrière. Au cours de ce tournoi, il ne domine que des joueurs classés dans les vingt-cinq meilleurs mondiaux dont deux anciens (Patrick Rafter et Ievgueni Kafelnikov) et un futur (Andy Roddick) au classement ATP.


text: Gustavo Kuerten a disputé 23 rencontres de Coupe Davis entre 1996 et 2007 au sein de l'équipe du Brésil. Véritable pilier de son équipe, il a remporté 34 victoires (simple et double comprises) pour 18 défaites et a contribué aux bons parcours du Brésil entre 1999 et 2001.


text: Lors de l'année 1999, il réalise son plus important fait d'arme en Coupe Davis en éliminant quasiment à lui tout seul l'équipe d'Espagne sur la terre battue de Lérida, une rencontre au cours de laquelle il remporte ses deux simples contre les et mondiaux Carlos Moyà et Àlex Corretja ainsi que le double aux côtés de Jaime Oncins. Un an plus tard, Kuerten atteint avec le Brésil la demi-finale pour la première fois depuis 1992 mais est dominé sèchement sur le gazon de Brisbane par l'Australie. Une nouvelle défaite la saison suivante à nouveau contre l'Australie sur la terre battue de Florianópolis où Kuerten est dominé nettement par Lleyton Hewitt marque la fin du Brésil compétitif dans le groupe mondial.


text: Kuerten continue à jouer pour le Brésil par la suite mais lui et ses coéquipiers n'ont plus la chance d'intégrer l'élite.


text: Gustavo Kuerten a remporté trente-huit victoires face à des joueurs classés dans le top 10 mondial de 1997 à 2004. Il remporte son premier succès sur un mondial en 1999 contre Ievgueni Kafelnikov et en dominera deux autres dans sa carrière (Andre Agassi en 2000 et Roger Federer en 2004).


text: Paradoxalement, pour un spécialiste de terre battue, sur ses trente-huit victoires sur un membre du top 10, seulement 42,10 % sont obtenues sur terre battue. Kuerten a donc remporté la majorité de ses matchs contre l'élite sur des surfaces rapides, preuve de sa faculté d'adaptation aux différentes surfaces.


text: Confrontations lors des différents tournois ATP depuis 1997 avec ses principaux adversaires (minimum dix confrontations). Mis à jour le .


title: Nathaniel de Rothschild

text: Nathaniel de Rothschild (, Londres - , Paris), est un banquier, homme d'affaires et propriétaire viticole.


title: Nathaniel de Rothschild

text: Fils de Nathan Mayer Rothschild, il s'installe à Paris en 1859 pour travailler dans le affaires bancaires de son oncle, James de Rothschild.


title: Nathaniel de Rothschild

text: En 1853, il acquiert le château Brane Mouton, un vignoble de Pauillac, en Gironde, auprès du banquier parisien Thuret, qui l'avait déjà acheté du baron Hector de Branne en 1830. Rothschild paye pour les de Brane-Mouton ( de vignobles et renomme le domaine, Château Mouton Rothschild, qui deviendra l'un des vignerons les plus connus au monde.


title: Nathaniel de Rothschild

text: En 1868, son oncle James acquit le vignoble voisin de Château Lafite. Ce prestigieux premier cru (plus de trois fois la taille de Château Mouton) a créé une rivalité familiale. Dans le classement officiel des vins de Bordeaux en 1855, Château Mouton a été classé deuxième, ce qui a beaucoup contrarié son propriétaire. En réponse, il a composé la devise : Premier ne puis, second ne daigne, Mouton suis. ("D'abord je ne peux pas être, ensuite je ne choisis pas d'être, Mouton je suis.").


title: Nathaniel de Rothschild

text: En 1842, il épouse sa cousine Charlotte de Rothschild (1825-1899), fille de James de Rothschild. Ils ont eu les enfants suivants:


title: Nathaniel de Rothschild

text: En 1856, Nathaniel et son épouse achètent l'hôtel particulier située au 33, rue du Faubourg-Saint-Honoré à Paris au duc Decrès. À l'époque, il avait été loué à l'ambassade de Russie, mais lorsque le bail expire en 1864, il avait rénové le bâtiment et en avait fait sa résidence municipale. Cédé à son fils Arthur de Rothschild, il le vend en 1918 au Cercle de l'Union interalliée. En 1878, la veuve de Nathaniel rachète l'ancienne abbaye des Vaux-de-Cernay, dans la vallée de Chevreuse. À l'époque, il ne restait que les ruines d'une abbaye cistercienne construite en 1118. Elle entreprit d'importants travaux de restauration et de nouvelles constructions la propriété au bord du lac dans une maison de campagne de luxe.


title: Nathaniel de Rothschild

text: La propriété de Château Mouton Rothschild sera transmise à son fils James Nathan et, par son intermédiaire, à son arrière-petit-fils, Philippe de Rothschild.


title: Ascenseur à bateaux des Fontinettes

text: Lascenseur des Fontinettes ou ABF est un ancien ascenseur à bateaux situé sur le canal de Neufossé à Arques (Pas-de-Calais). Il ne fonctionne plus depuis 1967, mais il est conservé à titre historique, comme le seul ascenseur à bateaux situé en France. Après avoir été inscrit Monument historique par arrêté du , il a été classé par arrêté du .


title: Ascenseur à bateaux des Fontinettes

text: Sa construction s'est déroulée entre 1881 et 1887 et il a été inauguré le . Il s'agissait à l'époque de trouver une alternative aux 5 écluses qui permettaient de franchir le dénivelé de entre le bassin de l'Aa et celui de la Lys en utilisant le canal de Neufossé sur une longueur totale de et un dénivelé total de .


title: Ascenseur à bateaux des Fontinettes

text: Le trafic de péniches se faisait en alternance, sur une semaine, avec les quatre premiers jours pour la montée qui durait en moyenne quatre-vingt-dix minutes, puis les trois derniers jours pour la descente, qui durait en moyenne une heure et dix minutes.Ces longues durées de manœuvre s'expliquent par l'obligation de devoir toujours laisser à vide un sas entre deux bateaux. Ce qui générait de longues files d'attente induites par un trafic de plus en plus dense au cours du et durant la première moitié du . Ainsi, certaines péniches qui arrivaient en milieu de semaine pour monter étaient parfois obligées d'attendre le début de semaine suivante avant de pouvoir passer !Cela s'explique par le fait que le canal de Neufossé est un point de passage important pour les villes de l'intérieur (Lille, Douai, Lens...) pour accéder à la mer du Nord et au port de Dunkerque.


title: Ascenseur à bateaux des Fontinettes

text: Inspirés par l'exemple de l'ascenseur à bateaux d'Anderton, mis en service quelques années auparavant en Angleterre, les Ponts et Chaussées décidèrent la construction d'un ouvrage similaire. Pour cela, le directeur de l'époque, M. Bertin, prit contact avec Mr Edwin Clark, l'architecte de l'ascenseur à bateaux anglais. Les parties métalliques de l'ouvrage ont été réalisées par la Société des anciens établissements Cail. Le suivi du chantier et les plans ont été réalisés par George Penin.


title: Ascenseur à bateaux des Fontinettes

text: De 2009 à 2013, d'importants travaux ont été réalisés pour permettre la navigation des bateaux à grand gabarit de la classe Va (5a) sur le canal Dunkerque-Escaut. Pour rendre cette navigation possible, il a été nécessaire de relever le pont ferroviaire qui permet le franchissement du canal par la ligne de Saint-Omer à Hesdigneul. Cette opération a des conséquences sur l'ascenseur car cette voie ferrée toujours en exploitation doit conserver un tirant d'air permettant la circulation des trains. Sur l'ascenseur, il faut relever les sous-poutres des cuves de côté aval et de côté amont. Du fait qu'il s'agit d'une intervention sur un ouvrage inutilisé mais protégé, il est inclus également une remise en état et un entretien des éléments modifiés. Dans le détail, ces travaux sur l'ascenseur consistent à enlever l'amiante des cuves, à procéder au vérinage des cuves, à remplacer les appareils d'appui existants par des nouveaux, à la remise en état des parements extérieurs des culées...


title: Ascenseur à bateaux des Fontinettes

text: Cet ascenseur est constitué de deux bacs remplis d'eau (appelés également sas), capables d'emporter chacun une péniche au gabarit Freycinet ( de longueur et de largeur, de tirant d'eau).


title: Ascenseur à bateaux des Fontinettes

text: À fonctionnement totalement hydraulique et reposant sur des pistons, les réservoirs s'équilibraient mutuellement. L'un descendait tandis que l'autre montait. Cela dit, pour que le basculement puisse se réaliser, il fallait ajouter une certaine quantité d'eau dans le bac supérieur. Pour cela, après que le bateau eut pris place dans le bac supérieur, il fallait fermer et séparer les portes faisant la jonction entre le bief amont du canal et le bac. Puis il fallait le laisser descendre de et recoller, puis remonter les portes pour faire rentrer une lame d'eau de (soit ) qui permettait de réaliser le basculement total. Ensuite, après une nouvelle manœuvre sur les portes (du bief et du bac) pour les séparer, le bac supérieur reprenait sa place initiale pour engager le basculement. En effet, si le bac supérieur ne reprenait pas sa place initiale, lors du basculement, le bac qui était initialement en bas s'arrêterait trop bas pour la sortie du bateau.


title: Ascenseur à bateaux des Fontinettes

text: Sans cette manœuvre préalable, les bacs s'équilibreraient et s'arrêteraient au milieu de l'oscillation.


title: Ascenseur à bateaux des Fontinettes

text: Au cours de l'oscillation, un boudin en caoutchouc était gonflé dans le but d'éviter les pertes d'eau entre les biefs amont et aval et les portes qui les séparaient des bacs. Ainsi, l'eau consommée pour franchir le dénivelé de était équivalente à une chute d'eau d'un mètre dans une écluse.


title: Ascenseur à bateaux des Fontinettes

text: La manœuvre totale comprenant l'entrée de chaque bateau dans les sas, la fermeture et la séparation des portes, la descente de du bac supérieur, le repositionnement de ce bac à sa position initiale, puis l'oscillation et enfin l'ouverture des portes pour la sortie des bateaux duraient une vingtaine de minutes.


title: Ascenseur à bateaux des Fontinettes

text: Durant l'exploitation de l'ascenseur qui a duré 80 ans, l'échelle d'écluses a été conservée car elle était utilisée pendant les mois d'août lorsque l'ascenseur était en maintenance. Elle a été détruite en 1963.


title: Ascenseur à bateaux des Fontinettes

text: C'est donc le coût de son entretien et le changement de gabarit du canal en 1960 qui entraînèrent l'arrêt de l'exploitation de l'ascenseur. Afin de le remplacer, on construisit en amont, à l'emplacement de l'échelle d'écluses, une grande écluse qui porte le nom d'écluse des Fontinettes, mise en service le et franchissable en 20 à 30 minutes. Les dimensions de cette écluse sont : de long, de large et de profondeur. Elle permet donc de faire passer en un temps égal à l'ascenseur à bateaux, un total de six péniches de type Freycinet contre seulement deux pour l'ascenseur. Cette écluse est donc aussi bien utilisée par les mariniers que par les plaisanciers.


title: Ascenseur à bateaux des Fontinettes

text: Aussi lorsque le trafic le permet, la longueur de cette écluse peut être réduite d'un ou deux tiers. Mais cette réduction de longueur ne peut se faire que si l'écluse est vide. En effet, si l'écluse est remplie, les portes intermédiaires ne peuvent être fermées. Cependant, la taille actuelle des bateaux oblige très souvent les éclusiers à "sasser" l'écluse entière.


title: Ascenseur à bateaux des Fontinettes

text: Après avoir été sauvé de la démolition par une association locale créée en 1979, soit douze ans après le dernier passage de bateaux, il est possible de visiter les annexes de l'ascenseur des Fontinettes depuis 1984. La visite comprend une salle présentant l'histoire du site (ascenseur, canal de Neufossé, écluse des Fontinettes, halage), un atelier de réparation datant de l'époque de l'exploitation du site (maintenance) et une salle audiovisuelle (ancienne forge et pièce de stockage) où est diffusée une vidéo de l'ouvrage en fonctionnement datant de 1967, vidéo tournée seulement quelques semaines avant la fermeture définitive du site.


title: Ascenseur à bateaux des Fontinettes

text: Ce musée est ouvert au public chaque année du avril au de 10h00 à 12h00 et de 14h00 à 18h00 en semaine et de 14h00 à 18h00 les samedis, dimanches et jours fériés (billetterie ouverte jusqu'à 11h15 et 17h15) pour des visites libres.


title: Ascenseur à bateaux des Fontinettes

text: Le musée de la batellerie et des voies navigables à Conflans-Sainte-Honorine dispose de la maquette au 1/20 de l'Ascenseur à bateaux des Fontinettes (réalisée pour le service des Ponts et Chaussées). https://www.musee-batellerie-conflans.fr


title: Les Grenouilles qui demandent un Roi

text: Les Grenouilles qui demandent un Roi est la quatrième fable du livre de Jean de La Fontaine situé dans le premier recueil des "Fables de La Fontaine", édité pour la première fois en 1668.


title: Olivier Martineau

text: Ayant lancé son tout premier one man show éponyme en , sa tournée de 2018 se termine avec 60 000 billets vendus.


title: Les Grenouilles qui demandent un Roi

text: Il s'agit d'une réécriture de la fable 66 d'Ésope, qui fut déclinée en une autre version par Phèdre (I-2) et enfin par La Fontaine. Chaque réécriture en complète la narration et la description. Alors que le texte d'Ésope était dépourvu de la moindre description, Phèdre ajoute des détails vivants.


title: Olivier Martineau

text: Cumulant, depuis, des animations et des présences aux Galas ComediHa et Juste pour rire, Olivier a assuré la première partie d’humoristes de renom tels que Jerry Seinfeld, Gad Elmaleh, Jamel Debbouze et Anthony Kavanagh. Au fil des années, il est aussi passé de l’autre côté de l’Atlantique, pour se produire à Paris au Jamel Comedy Club et au festival L’Humour en Capitales, à Liège au Voo Rire et au Maroc, dans le cadre du Marrakech du Rire.


title: Olivier Martineau

text: Récipiendaire du Nez d’or Révélation du Festival Grand Rire de Québec 2012, il a également remporté le premier prix et le prix du public du Concours de la relève du Festival d'humour de l'Abitibi-Témiscamingue, à Val-d’Or, en plus du prix Victor : Mention spéciale du jury, lors de l’édition 2016 du festival Juste pour rire.


title: Olivier Martineau

text: Co-animateur, depuis 2016, à l’émission "Buzz", avec Jérémy Demay, sur les ondes de Musique Plus et à TVA, avec la captation de son premier one man show, à "Z" comme animateur de l’émission "Comédie sur mesure" et dans le cadre d’une campagne publicitaire pour "Toyota".


title: Olivier Martineau

text: Assurant le rôle de porte-parole du Festival d’humour d’Abitibi-Témiscamingue en 2017, il a fait ses débuts à la radio pendant la période des fêtes de cette même année et ce, en tant qu’animateur à l’émission Le Boost sur les ondes d’Énergie. Il assure la co-animation de l’émission en plus de présenter sa chronique tous les vendredis matin.


title: Amschel Mayer Rothschild

text: Le baron Amschel Mayer von Rothschild, né à Francfort au sein de la famille Rothschild le et décédé le , est un banquier allemand.


title: Amschel Mayer Rothschild

text: À la mort de son père en 1812, Amschel Mayer succède à la tête de la banque à Francfort-sur-le-Main, ses frères ayant été envoyés pour établir des banques à Paris, Londres, Naples et Vienne.


title: Amschel Mayer Rothschild

text: Amschel Mayer mourut sans enfant et les fils de ses frères (Anselm, fils de Salomon, et Mayer Carl et Wilhelm Carl, fils de Carl) assumèrent la responsabilité de l'entreprise à partir de 1855.


title: Saga des Courtney

text: La Saga des Courtney est une suite romanesque de treize romans écrits par Wilbur Smith entre 1964 et 2009, mettant en scène le destin d'une famille sur une période de 350 ans, du au . Chacun des romans est centré sur l'un des personnages-clef de la famille et sur une période-charnière de la famille. Les actions se déroulent essentiellement en Afrique et notamment en Afrique du Sud.


title: Saga des Courtney

text: Les romans racontent l'histoire de membres de la famille Courtney (orthographiée « Courteney » dans la traduction française), qui au sont des marins et des corsaires travaillant pour la Compagnie britannique des Indes orientales. Certains d'entre eux quittent l'Angleterre pour s'établir en Afrique du sud, d'abord au Cap puis dans le Natal. Ils participeront à toutes les guerres ensanglantant de pays, depuis la Guerre des Boers jusqu'à la Seconde Guerre mondiale, et même la guerre d'indépendance du Mozambique. Ils prendront position par rapport à l'apartheid.


title: Saga des Courtney

text: L'auteur présente des personnages aux caractères nettement tranchés, jusqu'à la caricature : les héros sont toujours courageux, sincères et loyaux tandis que les « méchants » sont toujours cruels, menteurs et déloyaux. Plusieurs romans présentent des femmes aux désirs sexuels exacerbés.


title: Saga des Courtney

text: "Les romans sont listés en fonction de la chronologie narrative, et non en fonction de leur date de sortie."


title: Chrysiridia rhipheus

text: Chrysiridia rhipheus, parfois appelé Uranie de Madagascar et Uranie rhiphée, est une espèce de lépidoptères de la super-famille des Geometroidea, de la famille des Uraniidae et du genre "Chrysiridia." Bien qu'appartenant à la super-famille des Geometroidea, composée majoritairement d'espèces nocturnes, il s'agit d'une espèce diurne. Ce lépidoptère est l'une des deux seules espèces du genre "Chrysiridia" avec "C. croesus", très proche physiquement. "C. rhipheus" est considéré comme l'un des plus beaux papillons du monde. Ce papillon se distingue par ses couleurs vives et iridescentes et ses nombreuses queues qui rappellent les espèces du genre "Papilio" avec lesquelles il n'a pourtant aucun lien phylogénétique. Ses couleurs sont aposématiques et préviennent les prédateurs de sa toxicité.


title: Chrysiridia rhipheus

text: "Chrysiridia rhipheus" est endémique de Madagascar. Ses chenilles consomment les plantes du genre "Omphalea", puis se changent en chrysalide dans des cocons composés d'un réseau de soie peu dense. Les adultes effectuent des migrations entre les différentes populations de leurs plantes hôtes, de la côte ouest à la côte est. L'espèce a été décrite pour la première fois par Dru Drury en 1773 sous le nom de "Papilio rhipheus", à partir d'un spécimen incomplet qu'il croyait originaire de Chine. Un spécimen complet fut décrit par Pieter Cramer en 1779, mais il faudra attendre le siècle pour que le spécimen de Drury et celui de Cramer soient définitivement identifiés comme deux individus de la même espèce et que celle-ci soit localisée à Madagascar. Ce lépidoptère fut placé dans le genre "Chrysiridia" par Jakob Hübner en 1823. Les Malgaches le nomment Loloadriana ou Adrianalolo ce qui peut se traduire par "noble papillon", "esprit noble", "papillon royal" ou encore "esprit royal", et pensent que l'esprit des ancêtres se manifeste sous la forme d'un papillon.


title: Chrysiridia rhipheus

text: L'imago de cette espèce est parfois considéré comme l'un des plus beaux papillons du monde. Son envergure varie entre 70 et et peut atteindre exceptionnellement . Les spécimens de haute altitude, entre 900 et 1080 m ont une envergure moyenne de 70 mm tandis que ceux de basse altitude sont plus grands, avec une envergure moyenne de 90 mm.


title: Chrysiridia rhipheus

text: Le dessus des ailes antérieures est vert iridescent avec une aire basale et des zébrures noires, tandis que ses ailes postérieures ont une aire basale noire, une aire médiane blanche, dorée et rouge, ainsi que six queues.


title: Chrysiridia rhipheus

text: Le revers des ailes antérieures est bleu clair marqué de noir, celui des postérieures comporte une petite portion basale vert doré et une large bande dorée puis rouge et rose iridescent dans la partie anale. Les queues sont bleu clair et blanches. Les ailes postérieures sont bordées de longues écailles blanches à l'aspect plumeux. Le dessin des ailes peut varier selon la température à laquelle la chrysalide a été exposée et il arrive que le papillon soit asymétrique, cette asymétrie étant causée par un choc thermale durant la nymphose.


title: Chrysiridia rhipheus

text: Les antennes sont filiformes. Le dessus du corps est noir et le dessus et les flancs de l'abdomen peuvent présenter une couleur verte irisée. Le dessous de l'abdomen et du thorax sont jaunâtres.


title: Chrysiridia rhipheus

text: Contrairement à la plupart des papillons, les couleurs des ailes de "Chrysiridia rhipheus" ne viennent pas de pigments. Elles proviennent de la diffraction de la lumière sur la microstructure particulière des écailles qui couvrent les ailes du papillon. Il s'agit donc de couleurs structurelles et non de couleurs pigmentaires. Ces caractéristiques font que les espèces du genre "Chrysiridia" et les espèces apparentées du genre "Urania" sont fréquemment étudiées par la science optique.


title: Chrysiridia rhipheus

text: Les couleurs de "Chrysiridia rhipheus" sont produites par la conjonction de deux phénomènes optiques, causés par la structure des écailles et par leur forme.


title: Chrysiridia rhipheus

text: La couleur renvoyée par l'aile dépend de la combinaison entre ces deux effets. Les couches de chitine étant disposées en rangée, l'effet du second type de réflexion et la couleur du papillon dépendent de la polarisation de la lumière. Certaines espèces de papillon, comme "Heliconius cydno," utilisent les couleurs structurelles polarisées pour la communication intersexuelle. Il est possible qu'il en aille de même pour "Chrysiridia rhipheus".


title: Chrysiridia rhipheus

text: Comme les œufs des autres espèces d'uranides, les œufs de "Chrysiridia rhipheus" sont bombés et côtelés. Un œuf pèse environ 1 milligramme et comporte 17 côtes, parfois 18 ou plus rarement 16.


title: Chrysiridia rhipheus

text: Les chenilles sont blanc crème avec des macules noires et des poils noirs en forme de spatule, tandis que le thorax est noir et que la tête et les pattes sont rougeâtres. Elles possèdent cinq paires de fausses pattes situées sur les segments 3 à 6 et sur le segment 10, et trois paires de vraies pattes à l'avant du corps. Elles sont toxiques grâce au latex toxique de leurs plantes-hôtes.


title: Chrysiridia rhipheus

text: Le cocon est constitué d'un réseau de fil de soie assez lâche. Il est parfois situé dans la canopée, entre les feuilles, mais le plus souvent près du sol, au milieu de mousses et d'écorces.


title: Chrysiridia rhipheus

text: Contrairement à la plupart des hétérocères "Chrysiridia rhipheus" est un papillon diurne. Ses couleurs vives sont aposématiques et avertissent les prédateurs de sa toxicité, une stratégie utilisée par de nombreux rhopalocères, ou papillons diurnes. Au repos ce papillon maintient ses ailes à la verticales, tout comme les espèces diurnes et contrairement aux espèces nocturnes qui maintiennent leurs ailes à l'horizontale. Ce papillon vole habituellement au-dessus de la canopée et dans les clairières. Les adultes migrent depuis les trois espèces de plantes-hôtes présentes dans la forêt sèche de l'ouest ("O. ankaranensis", "O. occidentalis" and "O. palmata") jusqu'aux populations de l'espèce présente dans la forêt équatoriale de l'est ("O. oppositifolia"). Au cours de la migration les papillons se regroupent pour passer la nuit.


title: Chrysiridia rhipheus

text: "Chrysiridia rhipheus" n'a pas de diapause mais les populations sont plus nombreuses de mars à août, ce qui correspond à l'automne et à l'hiver dans son aire de répartition, et moins nombreuses d'octobre à décembre, ce qui correspond au printemps. Les femelles repèrent les sites de pontes visuellement et pondent leurs œufs entre la fin de l'après-midi et la tombée de la nuit. Les œufs sont pondus par groupe de 60 à 110, le plus souvent sur la face inférieure des feuilles d’"Omphalea", parfois sur la face supérieure.


title: Chrysiridia rhipheus

text: Les jeunes chenilles mangent uniquement les parties de la feuille situées entre les nervures, ou parenchyme. Cela leur permet d'éviter le latex toxique et collant qui coule dans les nervures. À l'âge de 3-4 jours les chenilles commencent à manger aussi les fleurs, fruits, vrilles, pétioles et jeunes tiges, au point de défolier complètement la plante. Elles apprécient particulièrement les glandes situées à la base des feuilles. Les chenilles se déplacent sur la soie qu'elles filent avec leur bouche au fur et à mesure qu'elles avancent, en faisant avec leur tête un mouvement en forme de 8. La soie leur permet de rester bien accrochées à la surface lisse des feuilles et de remonter sur la plante si elles tombent. Néanmoins de fortes pluie peuvent les faire tomber à terre.


title: Chrysiridia rhipheus

text: La phase larvaire comprend quatre stades et dure en tout deux mois pendant la saison chaude et deux mois et demi à trois mois pendant la saison froide.


title: Chrysiridia rhipheus

text: Parvenue à la fin du stade finale, la chenille fabrique un cocon en soie assez lâche, parfois situé dans la canopée, entre les feuilles, mais le plus souvent près du sol, au milieu de mousses et d'écorces. Pendant la saison chaude la fabrication du cocon prend 10 heures, la transformation en chrysalide a lieu 29 heures plus tard et dure 6 minutes, mais toutes ces étapes prennent plus de temps pendant la saison froide. La nymphose dure 17 jours en novembre, le mois le plus chaud, et 23 jours en juillet, le mois le plus froid. Les motifs des ailes deviennent visibles cinq à six jours avant l'éclosion. L'imago émerge pendant la nuit, par la partie supérieure de la chrysalide. Une fois sorti, le papillon se suspend par les pattes à une surface horizontale. Il déploie ses ailes 10 minutes plus tard en envoyant de l'hémolymphe dans les nervures. Le papillon bat des ailes à plusieurs reprises, les laissent durcir 45 min, puis bat à nouveau des ailes. Il prend son envol 1 heure et demi à deux heures plus tard.


title: Chrysiridia rhipheus

text: Jusqu'au début du les entomologistes croyaient que la plante-hôte de cette espèce était le Manguier, probablement parce que les femelles venaient butiner les fleurs de cette plante et semblaient y pondre leurs œufs. Il a depuis été découvert que les chenilles de "Chrysiridia rhipheus" se nourrissent uniquement des arbres et arbustes du genre "Omphalea" présents à Madagascar, à savoir "O. ankaranensis", "O. occidentalis", "O. palmata" et "O. oppositifolia" :


title: Chrysiridia rhipheus

text: Toutes ces espèces sont endémiques de l'île. Les plantes hôtes ont développé plusieurs mécanismes de défense contre les chenilles. Les "Omphalea", comme d'autres membres de la famille des "Euphorbiaceae", produisent du nectar au niveau des feuilles ce qui attirent des hyménoptères parasites des jeunes chenilles. Le nectar des feuilles attire aussi les fourmis, qui le plus souvent protègent la plante hôte et consomment à la fois le nectar et les insectes qui vivent sur la plante. Toutefois les fourmis ignorent en général complètement les chenilles de "Chrysiridia", il est donc vraisemblable que les chenilles émettent un répulsif chimique pour se défendre contre les fourmis. Ce répulsif vient de la plante-hôte elle-même. Les espèces du genre "Omphalea" contiennent en effet des alcaloïdes, qui se retrouvent dans le corps de la chenille, de la chrysalide et du papillon adulte et les protègent des prédateurs. Les plantes hôtes de "Chrysiridia rhipheus" présentent également d'importantes variations dans la forme des feuilles, ce qui pourrait avoir pour but de rendre la plante plus difficilement repérable par les femelles, qui repèrent les sites de ponte visuellement. Enfin les "Omphalea" peuvent modifier leurs substances nutritives pour augmenter leur toxicité ce qui provoque la mort de la plus grande partie des larves. Les "Omphalea" qui ne sont pas endommagées par les chenilles ont une toxicité plus faible.


title: Chrysiridia rhipheus

text: Il est possible que les migrations de "C. rhipheus" soient rendues nécessaires par ces changements chimiques chez les plantes hôtes attaquées par les chenilles. Ces éléments pourraient expliquer pourquoi la population de "C. rhipheus" connait des augmentations locales suivies d'effondrements soudains. Toutefois le lien entre migrations et changements chimiques des plantes hôtes n'est pas entièrement démontré.


title: Chrysiridia rhipheus

text: Les adultes préfèrent butiner les fleurs blanches ou jaunes, ce qui indique qu'ils utilisent la vue pour repérer leur source de nourriture. La plupart des fleurs qu'ils choisissent présentent des inflorescences ou des petites fleurs. Cependant toutes les fleurs blanches n'attirent pas les adultes : ainsi les belles fleurs blanches de "Omphalea oppositifolia" ne sont pas butinées par les adultes. Parmi les fleurs utilisées par "Chrysiridia rhipheus" comme source de nectar figurent, entre autres :


title: Chrysiridia rhipheus

text: Toutes ces fleurs sont blanches, à l'exception de Camelia sinensis dont les fleurs ont un cœur jaune.


title: Chrysiridia rhipheus

text: Drury, qui décrit l'espèce en 1773 à partir d'un spécimen donné par May of Hammersmith, croyait que ce papillon venait de Chine. Pieter Cramer, qui se procura un autre spécimen, pensait au contraire que l'espèce venait de Chandernagor au Bengale. Il a depuis été découvert que "Chrysiridia rhipheus" est endémique de Madagascar. "Chrysiridia rhipheus" est présent presque partout sur l'île, sauf dans le sud-ouest et dans l'extrême sud semi-désertique des Androy où sa plante hôte est absente. Il se reproduit dans les zones où existe encore la forêt originelle de l'île (moins de 10%) et où poussent des "Omphalea".


title: Chrysiridia rhipheus

text: Les trois espèces occidentales d’"Omphalea (Omphalea ankaranensis, Omphalea occidentalis et Omphalea palmata)" se trouvent principalement dans des zones protégées. En revanche l'espèce orientale "Omphalea oppositifolia" ne bénéficie d'aucune protection et se trouve dans des zones menacées par la déforestation. "Omphalea oppositifolia" étant la seule espèce hôte sempervirente, elle est probablement cruciale pour la survie de "Chrysiridia rhipheus". L'espèce jamaïcaine "Urania sloanus", également classée parmi les uranides, s'est probablement éteinte après la disparition de l'une de ses plantes hôtes.


title: Chrysiridia rhipheus

text: L'espèce "Chrysiridia rhipheus" a été décrite par l'entomologiste britannique Dru Drury en 1773, à partir d'un unique spécimen qu'il avait obtenu du capitaine May of Hammersmith. En raison de la ressemblance de l'espèce avec les papillons du genre "Papilio", Drury le classa dans cette famille, sous le nom de "Papilio rhipheus". Drury n'a pas précisé l'origine du terme "rhipheus" dans sa description. Il est possible que ce soit une allusion à "Montes Rhipheus", un nom latin désignant des montagnes identifiées à la chaîne de l'Oural, ou encore à Rhipheus, "le plus juste de tous les troyens" dans l’"Énéide". Toutefois, le spécimen de Drury, ou le dessin qui en a été fait, a été modifié, la tête, manquante, étant remplacée par celle d'un papillon aux antennes en massues, caractéristiques des rhopalocères. Les queues étaient également manquantes. Pieter Cramer décrit à son tour cette espèce en 1779, à partir d'un spécimen entier de la collection de Gigot d'Orey. Cramer émet déjà l'hypothèse que ce spécimen appartient à la même espèce que celui de Drury mais plusieurs entomologistes continuèrent à considérer les deux spécimens comme appartenant à des espèces différentes. L'espèce fut ensuite placée dans le genre "Urania" par Lesson en 1831 C'est Jakob Hübner qui la plaça dans le genre nouvellement décrit "Chrysiridia" en 1823, sous le nom de "Chrysiridia riphearia" mais ce nouveau genre ne s'imposa que tardivement. De plus Hübner pensait toujours avoir affaire à une espèce différente du "Papilio rhipheus" de Drury. Il en fut de même de William Swainson qui en 1833 renomma le "Papilio rhipheus" de Drury "Rhipheus dasycephalus" et l'espèce du spécimen de Cramer "Leilus orientalis".


title: Chrysiridia rhipheus

text: "Chrysiridia rhipheus" se nomme "Adriandolo" ou "Lolonandriana" en malgache, de "lolo" "esprit" ou "papillon" et de "andriana" qui signifie "noble" ou "roi". Le nom du papillon en malgache peut donc se traduire par "noble papillon", "esprit noble", "papillon royal" ou encore "esprit royal". L'espèce est aussi appelée "Lolovolamena", "volamena" se traduisant par "or". "C. rhipheus" se nomme "Madagascan sunset moth" ou "sunset moth" en anglais, le mot "sunset", qui signifie "coucher de soleil" faisant référence aux couleurs des ailes postérieures du papillon, qui rappellent un coucher de soleil. En français il est parfois nommé "Uranie riphée" et "Uranie de Madagascar". Le terme "uranie" est la francisation de "urania", le nom du genre dans lequel ce papillon fut un temps classé. Le terme "urania" vient probablement du grec "ο υ ̓ ρ α ́ ν ι ο ς" "merveilleux", "prodigieux", "très grand".


title: Chrysiridia rhipheus

text: Ce papillon est considéré comme l'un des plus beaux insectes de l'ordre des lépidoptères. Il figure dans la plupart des beaux livres de photographies consacrés aux papillons et a été représenté sur des objets décoratifs. Très recherché par les collectionneurs, il fait l'objet d'élevage pour le commerce et ses ailes sont utilisées pour faire des bijoux.


title: Chrysiridia rhipheus

text: Dans la culture malgache, l'âme des morts apparaît sous la forme de papillons et les détruire serait détruire les ancêtres. En effet en malgache le terme "lolo" peut se traduire aussi bien par "papillon" que par "esprit" ou "âme", probablement parce que la chrysalide ressemble à un cercueil et que le papillon qui émerge de la chrysalide rappelle l'âme qui quitte le corps.


title: Chrysiridia rhipheus

text: Dans son roman Le Premier Siècle après Béatrice, Amin Maalouf évoque au chapitre T "Urania rhipheus" comme une espèce présente sur plusieurs continents et sujette à des suicides collectifs, dont le protagoniste principal du roman, entomologiste, se passionne dans le cadre de sa reconversion dans les lépidoptères.


title: Red Band Society

text: C'est l'adaptation américaine de la série catalane dramatique "Les Bracelets rouges" d'Albert Espinosa.


title: Red Band Society

text: Lorsque Jordi, victime d'un cancer, arrive à l'Ocean Park Hospital, il a pour voisin de chambre Leo, amputé et malade lui aussi. Il y fait la rencontre d'Emma, une jeune fille anorexique, de Dash, qui souffre de la mucoviscidose, et de Kara, qui a besoin d'un cœur. Charlie, lui, est dans le coma : il ne voit rien, mais entend tout et commente chaque scène. Dena et Brittany les encadrent alors, aux côtés du docteur McAndrew.


title: Red Band Society

text: Un remake de la série "Les Bracelets rouges" ('), avait initialement été développé pour ABC en 2011 par la co-créatrice de ', Marta Kauffman mais la chaîne avait fait le choix de ne pas aller plus loin que les premières étapes de la production.


title: Red Band Society

text: En , la Fox annonce un nouveau projet d'adaptation de la série télévisée catalane aux États-Unis, cette fois-ci par Margaret Nagle.


title: Red Band Society

text: Le casting principal débute le mois suivant, dans cet ordre : Griffin Gluck, Octavia Spencer, Charlie Rowe, Rebecca Rittenhouse et Zoe Levin, Ciara Bravo et , et Dave Annable.


title: Red Band Society

text: Parmi les acteurs récurrents et invités annoncés : Mandy Moore, Andrea Parker, Daren Kagasoff, Jes Macallan, John Allen Nelson et Adrian Lester.


title: Red Band Society

text: Le , la Fox commande quatre scripts supplémentaires malgré des audiences décevantes. La série est retirée de l'horaire après la diffusion du en décembre, sa case horaire est occupée en janvier par la série "Empire".


title: Red Band Society

text: Le , la Fox annonce officiellement l'annulation de la série. Elle diffusera tout de même les trois derniers épisodes, le samedi pour le 11 et le samedi pour le 12 et le 13.


title: Red Band Society

text: Charlie Hutchison est le narrateur de la série. Il introduit, développe, et conclue chaque épisode sur un même thème. Il est dans le coma à la suite d'un accident de voiture qu'il a eu avec son père deux mois auparavant. Son père a interdiction d'aller le voir mais se fait passer pour un volontaire jouant de la guitare aux enfants malades. Après cet accident, ses parents, Mandy et Nick, se séparent. Charlie a la capacité de parler aux patients lorsqu'ils sont sous anesthésie.


title: Red Band Society

text: Leo Roth est le créateur de la bandes des Bracelets Rouges. Amputé d'une jambe, il se déplace souvent à l'aide d'une béquille ou en fauteuil roulant du fait de sa tumeur : l'ostéosarcome. Désormais chauve, il est à l'hôpital pour se faire soigner et a dû renoncer à intégrer une équipe de football, sa passion. Il est sorti avec Emma et est toujours amoureux d'elle. Il partage la chambre de Jordi, le petit nouveau.


title: Red Band Society

text: Jordi Palacios est un nouveau patient arrivant du Mexique dans le premier épisode. Il est venu seul et est atteint d'un cancer dans sa jambe, c'est pourquoi, il pense, comme Leo, la perdre. Il n'a apparemment pas de parents et vit avec sa grand-mère, très croyante. Plus tard, il souhaite s'émanciper et devient dealer. Il admire le docteur McAndrew et lui offre sa confiance entière. Jordi tombe amoureux d'Emma, une patiente, et devient alors jaloux de Leo.


title: Red Band Society

text: Emma Chota est une jeune fille studieuse anorexique qui porte régulièrement un chapeau. Elle note chaque calorie ingérée - quand elle mange. Elle est sortie avec Leo et est perdue dans ses sentiments, notamment à cause de Jordi, amoureux d'elle. Elle triche lors de la pesée et se cache derrière des sourires. Les rapports entre elle et sa mère sont troubles : alors qu'elles étaient comme des meilleures amies auparavant, elle n'est venu la voir qu'au début de son séjour à l'hôpital. On en sait plus lors des derniers épisodes. Emma a par ailleurs une petite sœur.


title: Red Band Society

text: Kara Souders est une blonde, le cliché même de la pom-pom girl du lycée, populaire et aimée/détestée de tous. Mais lors d'un entraînement, elle tombe au sol et découvre qu'elle a des problèmes cardiaques. En réalité, ses problèmes sont dus à une prise excessive de drogue. Elle est transférée à l'hôpital où elle attend un cœur, en tant que dernière de la liste, et n'hésite pas à jouer la peste, notamment avec l'infirmière Jackson. Elle est en mauvais terme avec sa mère, lesbienne et remariée à leur ancienne femme de ménage. Elle rencontre par la suite Hunter Cole, de qui elle tombe amoureuse.


title: Red Band Society

text: Dashiell "Dash" Hosney est le "lover" de la bande qui court après les filles (plutôt pour le sexe). Atteint de mucoviscidose, rien ne l'empêche de fumer et de faire des graffitis. Il aime briser les règles avec son meilleur ami, Leo, et n'aime pas le voir malheureux. Dash ne le quitte jamais et ne quitte jamais non plus sa casquette.


title: Red Band Society

text: L'infirmière Dena Jackson peut tout d'abord apparaître un peu stricte mais au fond d'elle se cache une âme brisée qui adore les enfants. Avant de travailler à l'Ocean Park Hospital, elle était chanteuse professionnelle dans un trio. Elle élève seule sa nièce après la perte de sa sœur et prend soin de ses patients, en particulier Charlie, à qui elle a fait une promesse. Son principal ami est Kenji, l'infirmier, et elle entretient des rapports ami/ennemi avec Brittany, la nouvelle infirmière, et le docteur McAndrew, son employeur.


title: Critérium international de la route

text: Le Critérium international de la route est une course cycliste française créée en 1932 et supprimée après l'édition 2016. Elle était disputée le dernier week-end du mois de mars. De 2001 à 2009, elle s'est déroulée à Charleville-Mézières, dans les Ardennes. De 2010 à 2016, elle a eu lieu autour de Porto-Vecchio, en Corse.


title: Critérium international de la route

text: Le Critérium national est créé en 1932 à l'initiative du journaliste sportif de "Paris-Soir" Gaston Blénac. Il s'agit alors d'une course en ligne, disputée dans la vallée de Chevreuse et s'achevant au vélodrome du Parc des Princes. Elle est réservée aux coureurs français. De 1941 à 1943, deux courses ont lieu chaque année : l'une en zone occupée et l'autre en zone libre.


title: Critérium international de la route

text: À partir de 1959, le Critérium national quitte la vallée de Chevreuse. Sa localisation change tous les ans. L'édition 1960 a lieu à Oran, alors en Algérie française. De 1963 à 1966, le Critérium national est disputé sous forme de course par étapes. Cette formule est adoptée de nouveau à partir de 1978. Cette année-là, la compétition s'ouvre aux coureurs étrangers membres d'équipes françaises. Le Néerlandais Joop Zoetemelk, alors membre de l'équipe Gan-Mercier, est le premier vainqueur étranger en 1979.


title: Critérium international de la route

text: À partir de 1981, l'épreuve accueille les coureurs étrangers, y compris membres d'équipes étrangères, et devient le Critérium international.


title: Critérium international de la route

text: En 1997, un cheval s'enfuit de son enclos en sautant par-dessus la clôture et rejoint le peloton, courant à travers le peloton des coureurs. Il laisse le peloton à seulement 20 km de la ligne d'arrivée, sans causer d'incidents. Cette scène est brièvement montrée dans le film Le Fabuleux Destin d'Amélie Poulain et elle est souvent confondue à tort avec une étape du Tour de France.


title: Critérium international de la route

text: De 2001 à 2009, le Critérium international se déroule autour de Charleville-Mézières, dans les Ardennes.


title: Critérium international de la route

text: En 2010, l'épreuve est organisée en Corse dans la région de Porto-Vecchio. La première étape mène les coureurs au col de l'Ospedale. La deuxième a lieu sur une boucle autour de Porto-Vecchio, puis la troisième est un contre-la-montre dans la ville côtière. En novembre 2010, ASO annonce que l'épreuve se déroulera en Corse jusqu'en 2013.


title: Critérium international de la route

text: Depuis 2005, il fait partie de l'UCI Europe Tour, en catégorie 2.HC - la plus haute catégorie des courses par étapes du calendrier continental. De 2004 à 2009, le classement général est remporté chaque année par un des coureurs de l'équipe ProTour dirigée par Bjarne Riis (CSC, puis Saxo Bank). Parmi eux, l'Allemand Jens Voigt, déjà vainqueur en 1999, s'est imposé à quatre reprises durant cette période (2004 et 2007 à 2009). Il est avec Émile Idée et Raymond Poulidor, l'un des trois coureurs ayant gagné cinq fois le Critérium international.


title: Critérium international de la route

text: Le 18 novembre 2016, ASO annonce la fin de ce criterium en raison de la baisse du nombre de coureurs présents.


title: Critérium international de la route

text: Le Critérium international associe une première étape en ligne (qui a lieu le samedi et donne lieu à des bonifications) à une course de côtes (qui ne donne pas de bonifications) qui a lieu le lendemain matin. Il se termine le dimanche après-midi par un contre-la-montre individuel. En 2010, l'étape en ligne est de la moyenne montagne et la demi-étape du dimanche est une étape de plaine.


title: Walter Van Beirendonck

text: , né le à Brecht, Belgique, est un styliste faisant partie du groupe des "Six d'Anvers". Il est connu pour un style à la fois humoristique, et quelquefois sombre et sado-masochiste. Il utilise beaucoup les couleurs et graphiques, et prend son inspiration dans des contextes très divers. C'est un partenaire de Dirk Van Saene. Il a réalisé les costumes de scène de Bono et U2, pour leur tournée mondiale "Popmart".


title: Walter Van Beirendonck

text: En 1982, il lance la marque portant son propre nom "Walter Van Beirendonck". En 1985, il enseigne à son tour à Académie royale des beaux-arts d'Anvers. Lors de l'exposition internationale de Tsukuba, au Japon, il est retenu pour l'uniforme des hôtesses du pavillon belge.


title: Walter Van Beirendonck

text: En 1988, il lance "Walter Worldwide". En 1989-1990, il crée des maillots cyclistes pour la Ronde de Belgique Tourhot/ Werchler. Au début des années 1990, il lance une ligne plus jeune, "Wild And Lethal Trash" (W&LT). Il travaille chez Gianfranco Ferré créant la ligne de sport jusqu'en 1992. En 1996, il habille les coursiers à vélo de l'entreprise parisienne « Messenger Bike ».


title: Walter Van Beirendonck

text: La collection W&LT hiver 1998, ", a été inspiré par l'artiste française ORLAN, une artiste qui n'hésite pas à se transformer en utilisant la chirurgie plastique, pour explorer esthétiques. Il collabore avec le maquilleur anglais Geoff Portass pour créer des prothèses, tel que le menton et le nez, mises en place sur les visages des mannequins pour donner l'effet des bosses atypiques. Van Beirendonck a dit « je voulais montrer une proposition pour un maquillage de l'avenir - une idée tout à fait novatrice de la prothèses comme esthétique ».


title: Pietro Ferrero (chef d'entreprise, 1963-2011)

text: Pietro Ferrero, né le à Turin en Italie et mort le à Camps Bay en Afrique du Sud, est un chef d'entreprise italien, coprésident de la société italienne de confiserie Ferrero de 1997 à sa mort.


text: Pietro Ferrero est né à Turin, il est le fils aîné de Michele Ferrero, qui a transformé Ferrero en leader international. En 1985, il commence à travailler dans la société, et en 1992 il devient responsable opérationnel pour l'Europe. Lorsque Michele Ferrero prend sa retraite en 1997, Pietro et son frère Giovanni lui succèdent.


title: Selene (Underworld)

text: Selene est un personnage de fiction de la série de films "Underworld". Jouée par Kate Beckinsale, elle est le personnage principal de la série.


title: Selene (Underworld)

text: Dans le premier volet, Selene est un Serviteur de la Mort, entrainée pour chasser les lycans. Mais à la suite de sa liaison avec l'hybride Michael Corvin et au meurtre d'un aîné, elle devient une paria et se voit obligée de fuir les vampires tout en affrontant les lycans. Lors du cinquième volet, elle devient l'un des membres du Conseil des Vampires et acquiert de nouveaux pouvoirs.


title: Selene (Underworld)

text: Née au Moyen Âge, Selene, initialement humaine, vivait apparemment au sein d'une famille d'artisans. Son père était, selon le peu d'informations disponibles dans le deuxième volet, le chef des travaux ainsi que le créateur de la prison de William Corvinus, premier des Lycans et frère jumeau de Markus, le premier vampire.


title: Selene (Underworld)

text: Des années plus tard, afin de protéger le secret de l'emplacement de la prison de William, Viktor assassina toute la famille de Selene mais épargna cette dernière et la transforma en vampire, lui conférant de ce fait l'immortalité. La clémence de Viktor à son égard provient de la ressemblance de Selene avec Sonia, la fille biologique de Viktor, qu'il condamna lui-même à mort pour avoir aimé un Lycan, Lucian.


title: Selene (Underworld)

text: Selene devint alors un Serviteur de la Mort, assassins chargés de débusquer les Lycans et de les éliminer. Selene vécut ainsi pendant six siècles, ignorant tout de son passé, croyant, sur les dires de Viktor, que sa famille avait été anéantie par les Lycans et que ce dernier lui avait sauvé la vie, lui permettant de venger sa famille.


title: Selene (Underworld)

text: Après avoir passé six siècles de sa vie d'immortelle à se consacrer entièrement à la traque des Lycans, elle rencontre un humain, Michael Corvin, dernier descendant direct d'Alexander Corvinus, père des immortels, qui va modifier à jamais sa vision du monde.


title: Selene (Underworld)

text: Michael est traqué par Lucian, chef des Lycans. Michael étant un descendant des Corvinus, il est porteur de la souche Corvinus qui permet de lier le sang des deux espèces et de créer des hybrides. Éprise malgré elle d'amour pour lui, elle lui sauvera la vie en le mordant après son empoisonnement par l'argent. Michael s'étant aussi fait mordre par Lucian, il deviendra à la suite de cette morsure le premier être hybride : Mi-vampire, mi-Lycan, plus fort que les deux espèces réunies. La souche Corvinus va en effet mélanger les deux sang.


title: Selene (Underworld)

text: Prête à trahir les siens pour protéger celui qu'elle aime, elle tuera Viktor, son ancien protecteur, pour l'empêcher de mettre un terme à la vie de Michael et avoir appris qu'il était le seul responsable du massacre de sa famille.


title: Selene (Underworld)

text: À la suite du meurtre de Viktor, Selene et Michael deviennent des parias et doivent fuir les vampires qui veulent se venger tout en évitant les Lycans.


title: Selene (Underworld)

text: Lorsque le dernier des aînés encore vivant, Markus, apprend que Selene connait l'emplacement de la cellule de son frère, William, celui-ci lui donne alors la chasse. En effet, Selene se souvient d'avoir été sur les lieux. Il suffirait donc à Markus de la mordre pour voir ses souvenirs.