title: En l'absence des hommes

text: Premier roman de Besson, il envoie son manuscrit par la poste à sept ou huit éditeurs. Les Éditions Julliard et Albin Michel se montrent intéressés mais cette dernière lui demande de prendre un pseudonyme car elle édite déjà Patrick Besson, si bien que le jeune romancier signe avec Julliard.


title: Diplôme supérieur d'arts appliqués

text: Les titulaires du DSAA sont de futurs professionnels capables d'exercer des responsabilités de pilotage de projet au service de l’innovation. Il élabore des stratégies de design et de métiers d’art, en interaction avec les multiples acteurs qui interviennent en amont, au cœur et en aval du processus de création.


title: En l'absence des hommes

text: Durant l’été 1916, le narrateur, un adolescent de 16 ans, vit une intense histoire d’amour avec un soldat en permission et se lie d’amitié avec Marcel Proust.


title: Diplôme supérieur d'arts appliqués

text: Le DSAA s’attache à préparer les publics en formation tant à l’insertion professionnelle directe qu’à la poursuite en cycle de recherche vers l’obtention d’un diplôme de niveau 8.


title: En l'absence des hommes

text: L’auteur situe l’action le temps d’un été de la Première Guerre mondiale. Dans ce temps d’extrême tension, la passion entre les deux hommes apparaît comme une délivrance. Le texte concis, érotique et violent se lit en regard de l’œuvre de Proust "À la recherche du temps perdu". Le roman appelle le questionnement sur la nécessité d’écrire et sur la transmission via l’écriture.


title: Diplôme supérieur d'arts appliqués

text: En formation initiale, le passage en deuxième année est acquis lorsque l'étudiant a obtenu, lors de la première année, une moyenne égale ou supérieure à 10 sur 20 à chaque domaine de formation et une note égale ou supérieure à 8 sur 20 à chacun des modules de connaissances qui le constituent. Le DSAA est un diplôme à finalité professionnelle délivré par l'État. Il porte la mention d'une spécialité. Il atteste que son titulaire maîtrise les savoirs technologiques, artistiques et généraux, les techniques et savoir-faire relevant de la spécialité et permettant d'exercer des fonctions requérant une haute compétence en matière de conception.


title: Diplôme supérieur d'arts appliqués

text: Le diplôme supérieur d'arts appliqués (DSAA design) est inscrit au niveau 7 dans la nomenclature interministérielle des niveaux de formation (fiche RNCP36846) du répertoire national des certifications professionnelles.


title: They Might Be Giants

text: They Might Be Giants est un groupe de pop et rock alternatif américain, originaire de Brooklyn, à New York. Formé en 1982, il s'est fait principalement connaître en Europe avec le célèbre générique de la série américaine "Malcolm" intitulé "Boss of Me".


title: They Might Be Giants

text: Deux adolescents portant le même prénom, John, se rencontrent à l'université de Lincoln, Massachusetts. Ils commencent alors à faire quelques chansons. Leur groupe prend le nom de They Might Be Giants en référence au film du même nom sorti en 1971. Leurs vrais débuts se font en 1985, avec l'enregistrement de leur premier album éponyme et quelques concerts qu'ils donnent dans leur quartier, à New York. En 1982, ils avaient déjà enregistré quelques morceaux sur cassette audio.


title: They Might Be Giants

text: Durant cette période, They Might Be Giants n'est encore qu'un duo. En 1982, ils commencent à écrire et jouer leur propre musique dans leur quartier de New York, avec Flansburgh à la guitare et Linnell à l'accordéon et au saxophone. Ils sont accompagnés d'une boîte à rythme, d'une batterie électronique et d'une bande son instrumentale enregistrée sur cassette audio. Leur instrumentation atypique, leur originalité, tant dans leur musique que dans leurs paroles (sujets inhabituels, jeux de mots inattendus…) attire beaucoup l'attention des habitants de leur quartier. Sur scène, ils versent parfois dans le comique absurde et portent des costumes trop grands pour eux, avec parfois des têtes en carton représentant William Allen White. Ils ont utilisé ces mêmes têtes dans leur premier clip, "Don't Let's Start", en 1986.


title: They Might Be Giants

text: Le duo a dû mettre quelque temps son aventure entre parenthèses, Linnell s'étant cassé le poignet dans un accident de vélo et Flansburgh ayant retrouvé son appartement cambriolé un soir. Durant cette pause, ils commencent à enregistrer leurs chansons sur une boîte vocale et publient le numéro de téléphone associé dans des journaux locaux comme le "Village Voice", utilisant le terme . Ils enregistrent également des morceaux sur cassette audio, ce qui leur a valu un article dans le magazine "People". Cet article attire l'attention de Bar/None Records, qui signe peu de temps après avec They Might Be Giants pour un enregistrement.


title: They Might Be Giants

text: C'est ainsi que TMBG enregistre en 1986 leur premier album, "They Might Be Giants", qui devient vite un succès. Le clip de "Don't Let's Start", réalisé au New York Pavilion dans le Queens, devient un tube sur MTV. Grâce à cette médiatisation, la musique de TMBG attire de plus en plus de fans. En 1988, ils sortent "Lincoln", leur second album, nommé ainsi en référence à la ville où se sont rencontrés les deux John. Cet album est porté par le single "Ana Ng", classé numéro 11 de l'US Modern Rock.


title: They Might Be Giants

text: En 1989, TMBG signe avec Elektra Records et publie "Flood" en 1990. "Flood" devient disque d'or, porté par les singles "Birdhouse in Your Soul" et "Istanbul (Not Constantinople)" classés respectivement numéro 3 et 5 à l'US Modern Rock Charts. Un regain d'intérêt se fait sentir pour le duo lorsque "Istanbul (Not Constantinople)" et "Particle Man" sont utilisées par Warner Bros pour "Les Tiny Toons".


title: They Might Be Giants

text: En 1991, Bar/None Records publie "Miscellaneous T" (en français : "Divers T"), une compilation de faces-B. Ce titre réfère au rayon des magasins de disques où les albums de TMBG étaient rangés, mais aussi à la nature éclectique, diversifiée, des chansons du duo. Au début de 1992, TMBG sort "Apollo 18". Le thème de l'espace est relatif à la nomination des deux John nommés comme ambassadeurs musicaux pour l'Année Internationale de l'Espace. Les singles issus de cet album sont "The Statue Got Me High", "The Guitar (The Lion Sleeps Tonight)", "I Palindrome I" et "My Evil Twin". "Apollo 18" est connu pour être un des premiers albums à avoir été mixé de sorte à simuler la fonction « lecture aléatoire » des lecteurs CD. En effet, le morceau "Fingertips" comprend vingt-et-un sous-morceaux — de courts extraits qui ne sont pas assemblés pour faire une seule chanson, mais qui sont joués de façon aléatoire, pouvant ainsi être dispersés parmi les autres morceaux de l'album. À cause d'erreurs de mixage, les versions britannique et australienne d"'Apollo 18" ne bénéficient pas de cet effet, ainsi le morceau "Fingertips" est lu comme une simple suite de courts extraits.


title: They Might Be Giants

text: Après "Apollo 18", Flansburgh et Linnell décident de changer la configuration de leur duo, en place depuis 1982, pour monter un groupe avec de vrais musiciens pour les concerts et non plus des bandes sonores. Ainsi, après 1992, TMBG compte parmi ses membres Kurt Hoffman, claviériste des Ordinaries, Tony Maimone, bassiste de Pere Ubu et le batteur Jonathan Feinberg. TMBG enregistre "John Henry" en 1994. C'est le premier album des deux John enregistré avec un groupe. Influencé par une pop-rock un peu plus conventionnelle, cet album marque un changement de style, avec des guitares bien plus présentes.


title: They Might Be Giants

text: L'album suivant, "Factory Showroom", est réalisé en 1996. Le groupe arbore un autre style, différent de "John Henry", et retrouvant diverses sonorités de leurs trois premiers albums, malgré la présence de deux guitaristes, Flansburgh et le nouveau, Eric Schermerhorn, jouant plusieurs solos guitare sur l'album.


title: They Might Be Giants

text: TMBG quitte Elektra Records après avoir refusé une tournée de promotion et quelques désaccords, entre autres. En 1998, le groupe sort un album live, "Severe Tire Damage", avec un enregistrement studio, "Doctor Worm".


title: They Might Be Giants

text: Durant les années 1990, TMBG ont utilisé Internet de manière très innovante et ce dès 1992. En 1999, le groupe devient le tout premier groupe à réaliser un album au format mp3 exclusivement à la vente sur Internet. Il s'agit de "Long Tall Weekend" commercialisé via Emusic. Toujours en 1999, le groupe compose ". Evil" pour le film "". En plus de leur carrière, TMBG contribue de nombreuses fois à des bandes originales de films ou séries télé, notamment "The Oblongs", "Brave New World" et "Ed and His Dead Mother", "Resident Life", "Higglytown Heroes", et la plus connue en France, le générique de la célèbre série "Malcolm".


title: They Might Be Giants

text: Durant cette période, TMBG travaille en parallèle sur un projet pour McSweeney's, une compagnie éditant un journal littéraire. Le morceau "Boss of Me", le générique de la célèbre série "Malcolm in the Middle", aiguille encore une nouvelle vague de curieux vers TMBG. Mais il ne s'agit pas de la seule chanson du groupe utilisée dans les épisodes de cette série, par exemple les morceaux "Pencil rain" et "Till my Head Falls off", parmi d'autres. Grâce à "Boss of Me", le groupe est classé au Top 40 britannique, participe à un numéro de "Top of the Pops" et remporte le Grammy Award en 2002, dans la catégorie .


title: They Might Be Giants

text: En 2001, TMBG publie "Mink Car" sous le label Restless Records. L'enregistrement de cet album, est filmé pour un documentaire supervisé par AJ Schnack, intitulé "Gigantic (A Tale of Two Johns)". Ce film, sorti en DVD en 2003, est salué par la critique, remporte plusieurs prix et a figuré dans une dizaine de festivals cinématographiques. En 2002, TMBG réalise "No!", son premier album « pour toute la famille ». Cet album au format CD-Rom inclut une animation interactive pour la plupart des morceaux. En 2003, le groupe publie son premier livre "Bed, Bed, Bed", un livre illustré pour enfants, vendu avec un CD au format EP.


title: They Might Be Giants

text: En 2004, le groupe lance l'EP "Indestructible Object". Il est suivi de l'album "The Spine", et d'un autre EP, "The Spine Surfs Alone". Pour le premier single de l'album, "Experimental Film", TMBG s'associe avec les créateurs de Homestar Runner, Matt et Mike Chapman pour créer un clip animé. Ils enregistrent plus tard une nouvelle chanson pour Strong Bad, où Linnell fournira la voix pour les Poopsmith.


title: They Might Be Giants

text: TMBG contribuera aussi à la compilation "Future Soundtrack for America". Ils contribuent aussi à "Tippecanoe and Tyler too" une compilation publiée par Barsuk, et qui fait participer des groupes comme Death Cab for Cutie, The Flaming Lips, et Bright Eyes. L'argent sera reversés à des organisations comme Music for America et MoveOn.org. La même année, le groupe est invité à doubler dans la sitcom "Home Movies" de Cartoon Network.


title: They Might Be Giants

text: En 2005, ils reprennent la chanson "Through Being Cool" de Devo dans le film de Disney, "L'École fantastique". En 2006, ils enregistrent 14 chansons pour la campagne "America Runs on Dunkin" de Dunkin' Donutsdont "Things I Like to Do", "Pleather", et "Fritalian". Ils enregistrent aussi "There's a Great Big Beautiful Tomorrow" pour le film "Bienvenue chez les Robinson" et jouent la chanson du "Drinky Crow Show". Le groupe est recruté pour enregistrer la bande-son du film d'animation "Coraline", mais sera renvoyé leur chanson n'étant pas assez . Seule une chanson, intitulée "Other Father Song", est gardée pour le film.


title: They Might Be Giants

text: Leur douzième album, "The Else", est publié le , chez Idlewild Recordings (et distribué par Zoë Records pour la version CD). Les copies sont distribuées aux chaines de radio à la mi-. L'album est produit par Pat Dillett (David Byrne) et les frères Dust (Beck, Beastie Boys). Le , They Might Be Giants jouent la chanson "The Mesopotamians" de l'album au "Late Night with Conan O'Brien".


title: St. Louis Blues

text: Saint-Louis Blues est une chanson composée par William Christopher Handy (1873-1958), publiée en 1914, enregistrée en 1916, et reprise un très grand nombre de fois. C'est une des premières chansons de blues dont la partition a été publiée.


title: St. Louis Blues

text: La version chantée par Bessie Smith en 1925 est considérée comme un « enregistrement classique du blues ». La NARAS lui a décerné un Grammy Hall of Fame Award en 1993, et la Blues Foundation l'a intronisée au Blues Hall of Fame en 2019.


title: St. Louis Blues

text: "St. Louis Blues" est devenue un standard de jazz popularisé notamment par Louis Armstrong. Armstrong l'a enregistrée plusieurs fois, et la NARAS a décerné à sa version de 1929 un Grammy Hall of Fame Award en 2008.


title: St. Louis Blues

text: Plus de enregistrées de "St. Louis Blues" sont recensées dans le seul domaine du jazz. Parmi ces versions, quinze ont été classées dans les charts entre 1921 et 1953.


title: St. Louis Blues

text: D'après l'ASCAP, il s'agit de . On va parfois jusqu'à dire qu'il s'agit de « la chanson la plus souvent enregistrée de tous les temps après "Silent Night" ». C'est sans doute exagéré ("St. Louis Blues" n'est pas répertoriée dans le classement des dix premiers titres les plus repris au monde effectué par le magazine Rolling Stone). Mais cette exagération reste crédible, tant les traces de la chanson dans la culture populaire (dans d'autres chansons, dans des films, des bandes dessinées, et même dans le sport) sont nombreuses.


title: St. Louis Blues

text: En 1903, W.C. Handy a quitté son poste de professeur de musique dans l'une des rares universités de l'Alabama alors ouverte aux Noirs, l'Alabama Agricultural and Mechanical University. Il s'est installé à Clarksdale dans le Mississippi où il dirige un petit orchestre, les Knights of Pythias. Avec eux, il fait "la tournée des petites villes et communautés rurales" du Delta, une des régions où le blues est apparu vers la fin du . C'est à l'occasion de cette tournée qu'il découvre à la fois ce genre musical et sa propre vocation de compositeur. En 1909, Handy quitte la région du Delta pour s'installer un peu plus au Nord, à Memphis dans le Tennessee. Là, il publie les partitions des morceaux composés à partir des chansons qu'il a pu entendre.


title: St. Louis Blues

text: En 1912, quand il publie "The Memphis Blues", Handy a codifié le blues sous la forme d'une structure en douze mesures. Mais c'est en 1914, avec "St. Louis Blues", qu'il adapte cette structure à l'écriture des paroles ainsi qu'à la mélodie sur laquelle on doit les chanter. Les paroles se présentent en couplets de trois phrases, chacune de quatre mesures - la "phrase maîtresse" (A), sa reprise plus ou moins identique (A), et la phrase de commentaire (B). Depuis "St. Louis Blues", on a tendance à réduire le blues à cette forme : "demandez à n'importe quel musicien de jazz ou de pop de jouer un blues, et c'est ce que vous obtiendrez - un blues en douze mesures (trois séquences de quatre mesures, du type AAB)."


title: St. Louis Blues

text: Seul le premier thème est structuré en trois séquences de quatre mesures. Bien qu'il s'agisse aussi d'un blues, le troisième thème n'est pas structuré ainsi. C'est une reprise du thème de "The Jogo Blues", un morceau instrumental que Handy a publié en 1913.


title: St. Louis Blues

text: Quant au second thème, ce n'est pas un thème de blues. La plupart des commentateurs s'accordent pour dire qu'il est écrit sur un rythme de habanera. Certains d'entre eux affirment que Handy se serait familiarisé avec ce genre musical lors des concerts qu'il avait donnés à la Havane en 1892, lorsqu'il était membre des Mahara's Minstrels. Si ces commentateurs ont raison, il ne s'agit pas d'un "rythme sud-américain" comme l'écrivent Panassié et Gautier, mais d'un rythme cubain. Pourtant, lorsqu'il évoque ce thème dans son autobiographie, Handy parle de tango et non de habanera, ce qui donnerait raison à Panassié et Gautier. Mais Handy associe explicitement habanera et tango : "le rythme de la habanera, qui contient le rythme du tango", écrit-il dans son autobiographie ; "la habanera, mère du tango", écrivait Borges dans "Histoire universelle de l'infamie".


title: St. Louis Blues

text: La succession des trois thèmes est précédée par une introduction de neuf mesures. Elle n'a rien de blues, mais anticipe le second thème et doit être jouée sur le même rythme - habanera ou tango.


title: St. Louis Blues

text: À l'inverse, d'autres comme T-Bone Walker ont pu lui reprocher de ne pas s'en tenir aux douze mesures, mais d'insérer une habanera au milieu d'un blues :


title: St. Louis Blues

text: Ces reproches permettent de comprendre pourquoi "St. Louis Blues" fait rarement partie du répertoire des musiciens de blues. Il reste à comprendre pourquoi la chanson est devenue un standard de jazz.


title: St. Louis Blues

text: "St. Louis Blues" est devenue un standard de jazz en raison des partis pris que les bluesmen peuvent reprocher à Handy.


title: St. Louis Blues

text: D'abord la codification. Par sa rigueur, elle rend possible l'improvisation collective qui sera pratiquée dans le jazz :


title: St. Louis Blues

text: Ensuite, l'insertion de la habanera. Quand il compose "St. Louis Blues", Handy cherche à dépasser le ragtime. Selon lui, le ragtime a sacrifié la mélodie à l'ivresse de la syncope. Aussi Handy se fixe-t-il comme but de concilier syncope et mélodie. De là son recours au blues et à la habanera (ou, comme il l'écrit, au tango). Handy justifie également son choix du "tango" par des raisons rythmiques.


title: St. Louis Blues

text: Dans les premières années du , d'autres musiciens cherchent également à dépasser le ragtime. Ces tentatives aboutiront au jazz à la fin des années 1910.


title: St. Louis Blues

text: Jelly Roll Morton est l'un de ces musiciens qui ne se satisfaisaient pas du ragtime. Il prétend qu'une composition doit nécessairement, pour relever du jazz, contenir une "nuance espagnole" (ou une "teinte espagnole"). À la Nouvelle Orléans, dit-il, on pouvait entendre à cette époque beaucoup de chansons espagnoles. Il donne comme exemple "La paloma", une habanera. Selon lui, c'est aussi sous l'influence de ces chansons que le jazz a pu se développer à la Nouvelle Orléans.


title: St. Louis Blues

text: On peut donc affirmer, si Jelly Roll Morton a raison, que "St. Louis Blues" est aussi devenue un standard de jazz parce qu'elle contenait, sous la forme d'une habanera, cet "assaisonnement jazzistique essentiel" : la "teinte espagnole".


title: St. Louis Blues

text: À en croire Handy, c'est un souvenir qui est à l'origine des paroles de "St. Louis Blues". En 1893, alors qu'il voyageait avec un quartet en quête de concerts, il échoua à Saint-Louis, dans le Missouri, où il fit l'expérience de la misère et de la faim. Là, il vit un soir une femme dans une situation encore plus misérable que la sienne. Ivre, "trébuchant dans une rue mal éclairée, elle marmonnait en marchant : "Ma man's got a heart like a rock cast in de sea [Mon homme a le cœur comme une pierre jetée dans la mer]."


title: St. Louis Blues

text: Une vingtaine d'années plus tard, Handy écrit les paroles de "St. Louis Blues" en imaginant une situation à partir de cette phrase. La chanson est la plainte d'une femme : l'homme qu'elle aime l'a abandonnée, séduit par une femme habitant la ville de Saint-Louis.


title: St. Louis Blues

text: Handy reprend la phrase entendue en 1893 presque telle quelle pour les paroles qu'on doit chanter lors de la première occurrence du troisième thème. Il la met en valeur en l'associant à une autre phrase, la seule dans laquelle le titre de la chanson apparaît : "Got de St. Louis blues, jes as blue as Ah can be./ Dat man got a heart lak a rock cast in the sea./ Or else he wouldn't have gone so far from me. [J'ai le cafard de Saint-Louis, ça peut pas être pire./ Cet homme a le cœur comme une pierre jetée dans la mer./ Sinon, il serait resté au lieu de partir si loin.]" La phrase est donc donnée comme une explication du titre de la chanson.


title: St. Louis Blues

text: Dans son autobiographie, Handy met en rapport la détresse amoureuse qui s'exprime dans "St. Louis Blues" avec la misère sociale qu'il a lui-même vécue :


title: St. Louis Blues

text: Handy a écrit d'autres passages à partir des souvenirs de ce qu'il a pu entendre, notamment lors de ses tournées dans le Delta. Par exemple, la première phrase de la chanson ("I hate to see de ev'nin' sun go down") pourrait bien être l'inversion de la première phrase d'un chant de travail chanté par les métayers du Mississippi : "But I'm glad to see the evenin' sun go down,/ So I can go back home and lay back down. [Mais je suis content de voir venir le soir et le soleil se coucher,/ Car comme ça je peux rentrer à la maison et m'allonger.]" Dans "La signification du blues", un article qu'il a écrit en 1919, Handy mentionne un autre chant de travail dont le sens est proche :


title: St. Louis Blues

text: Handy inverse le sens des paroles pour connoter, par opposition au travail rural, le mode de vie urbain de ses personnages. Mais en gardant la trace des chants de travail dans ses paroles, il met en rapport, là encore, la détresse amoureuse avec une forme de misère sociale.


title: St. Louis Blues

text: De même qu'il a retranscrit les musiques populaires qu'il a pu entendre dans le Sud des États-Unis, Handy a collecté les bribes de paroles et les phrases qui lui ont paru significatives. Il a ensuite utilisé les paroles et musiques recueillies pour écrire ses propres chansons. Dans son autobiographie, il justifie cette utilisation par son intérêt pour la culture afro-américaine et par sa volonté d'en donner une image fidèle.


title: St. Louis Blues

text: Comme il l'écrit dans son autobiographie, Handy mêle délibérément l'authenticité des matériaux qu'il a recueillis aux conventions des "coon songs". Cela lui permet de tempérer par l'humour l'expression de la plainte amoureuse, conformément à sa conception du blues. Pour lui en effet, les blues sont des chansons fondamentalement insouciantes, à la différence des chants religieux des esclaves afro-américains - chants dans lesquels la tristesse s'exprime vraiment.


title: St. Louis Blues

text: Ce mélange de convention et d'authenticité le conduit à brouiller les registres du naturalisme et du pittoresque. En témoigne sa tentative pour restituer le ton et le style, dans lesquels s'expriment alors les Noirs du Sud des États-Unis : Handy multiplie les "expressions idiomatiques" et les "altérations orthographiques par rapport à la norme anglaise".


title: St. Louis Blues

text: Handy choisit des personnages dont il accentue la couleur de peau : la femme abandonnée présente l'homme qu'elle aime comme étant l'homme "le plus noir de Saint-Louis", "plus noir encore que minuit". Le sociologue Erwan Dianteill remarque que l'accentuation de la couleur noire, loin d'être présentée comme un défaut, est "exaltée comme un sommet de la beauté". Dianteil s'appuie sur un proverbe cité par Handy dans les paroles : "Blacker de berry, sweeter is the juice [Plus noire est la mûre, plus sucré est son jus]". Il n'est pourtant pas sûr que ce "proverbe du folklore nègre" fasse référence à la beauté de la peau noire : Wallace Thurman, dans son roman de 1929, "Plus noire est la mûre", donne au proverbe une connotation plus sexuelle qu'esthétique lorsqu'il le place dans la bouche d'Alva, un des nombreux personnages qui partagent "le préjugé intra-racial en matière de couleur". Ce qui est sûr, en revanche, c'est que la femme délaissée de la chanson ne partage pas ce préjugé.


title: St. Louis Blues

text: Dianteill affirme également que les paroles présentent "un reflet négatif de la morale des églises protestantes", par "le catalogue du monde du péché" qu'elles dressent : l'infidélité, la vanité de la séduction, le goût de l'alcool et des jeux de hasard, la violence et la révolte des fils contre les pères. Dans "St. Louis Blues", écrit Dianteill,


title: St. Louis Blues

text: Handy met l'accent sur l'importance de la sexualité dans les rapports entre ses personnages. Il évoque la frustration sexuelle de la femme abandonnée, d'abord de manière implicite dans la première phrase ("I hate to see de ev'nin' sun go down") puis, plus tard, de manière explicite : "Cause I'm most wile 'bout ma Jelly Roll". "Jelly Roll" est une expression argotique "désignant, selon l"'Oxford English Dictionnary", "les parties génitales femelles ou vagin"". Selon Nick Tosches, Handy aurait été le premier à employer l'expression dans une chanson. Quant à l'emprise sexuelle de la séductrice sur l'homme aimé, Handy l'évoque par la métaphore de la bonne cuisinière : "St. Louis Woman wid her diamon' rings/ Pulls dat man roun' by her apron strings [Cette femme de Saint-Louis avec ses bagues de diamants/ Mène mon homme par les cordons de son tablier.]"


title: St. Louis Blues

text: Dans leur intégralité, les paroles écrites contiennent dix-sept couplets. Elles correspondent à l'enchaînement des trois thèmes répété trois fois et suivi du dernier thème répété deux fois.


title: St. Louis Blues

text: Les paroles écrites par Handy ont été très rarement chantées sur disque dans leur intégralité. Elles ne l'ont peut-être même jamais été. Chanteurs et chanteuses prennent des libertés par rapport aux paroles originales non seulement en omettant de nombreux passages, mais aussi en introduisant de nouvelles paroles. Parfois, ils modifient même totalement ce qu'a écrit Handy. C'est le cas du banjoïste et chanteur dans les différentes versions qu'il a enregistrées.


title: St. Louis Blues

text: Quand ils restent plutôt fidèles aux paroles écrites, les chanteurs et les chanteuses atténuent, pour la plupart d'entre eux, l'imitation de la parole populaire - un des effets que recherchait Handy. Aussi n'utilise-t-on pas, lorsqu'on retranscrit les paroles chantées, d'altérations orthographiques ou grammaticales par rapport à la norme anglaise.


title: St. Louis Blues

text: "St. Louis Blues" étant écrite du point de vue d'une femme, les versions des chanteuses sont généralement les plus fidèles aux paroles de Handy. Souvent elles chantent les cinq premiers couplets (les paroles qui accompagnent le premier enchaînement des trois thèmes) qu'elles complètent par le couplet commençant par "I love that man like a schoolboy loves his pie". C'est le cas notamment de Marion Harris et de Billie Holiday. Bessie Smith chante une version encore plus courte, en se limitant aux cinq premiers couplets. Elle modifie aussi la troisième phrase du premier couplet : "It makes me feel I'm on my last go 'round [Ca me donne l'impression de faire mon dernier tour de piste]", chante-t-elle au lieu de l'habituel "'Cause my baby, he's done left this town".


title: St. Louis Blues

text: Les versions les plus fidèles interprétées par des chanteurs contiennent plus de modifications. Gene Austin et Bing Crosby chantent les mêmes couplets que Marion Harris. Crosby se contente de remplacer "that man" par "that girl" et "the man I love" par "the girl I love", ce qui donne au troisième couplet une connotation lesbienne inattendue : "St. Louis woman with her diamond rings/ Pulls that girl around by her apron strings [Cette femme de Saint-Louis avec ses bagues de diamants/ Mène cette fille par les cordons de son tablier.]" Austin résout le problème de manière plus attendue, en chantant : "St. Louis woman with her diamond rings/ Pulls me around by her apron strings [Cette femme de Saint-Louis avec ses bagues de diamant/ Me mène par les cordons de son tablier.]"


title: St. Louis Blues

text: Par sa composition, qui oscille entre blues et habanera, et par ses paroles, tantôt tristes, tantôt amusantes, "St. Louis Blues" est une chanson ambiguë.


title: St. Louis Blues

text: On a pu remarquer que la chanson jouait sur l'opposition de deux archétypes féminins, "l'amoureuse abandonnée et la tentatrice qui rivalisent pour attirer l'attention d'un homme irresponsable". Cette opposition produit aussi de l'ambiguïté : "St. Louis Blues" peut exprimer la plainte de l'amoureuse abandonnée, ou le triomphe de la tentatrice.


title: St. Louis Blues

text: La fréquente utilisation de la chanson dans les films hollywoodiens des années 1930, même lorsqu'il n'y est pas question d'une rivalité entre deux femmes, témoigne de cette ambiguïté. Dans la bande-son de ces films, c'est souvent le second thème, le thème joué sur un rythme de habanera, qui sert à exalter le triomphe de la tentatrice. On l'entend, par exemple, dans "Liliane" ("Baby Face") d'Alfred E. Green, à chaque fois que Lily Powers (Barbara Stanwyck) séduit un homme et gravit un échelon de la hiérarchie dans la banque où elle est employée. L'ambiguïté de la chanson est surtout manifeste au début du film, lorsque, à deux reprises, on entend un personnage chanter "St. Louis Blues", a cappella et en situation. C'est Chico (Theresa Harris), une jeune femme noire qui travaille dans le bar clandestin tenu par le père de Lily. La première fois, on l'entend chanter le premier thème ("Feeling tomorrow like I feel today...") comme une complainte, pendant qu'elle fait la vaisselle. La seconde fois, on l'entend chanter le second thème ("St. Louis woman with her diamond rings...") dans un wagon de marchandise tandis qu'elle observe Lily séduire un agent de la compagnie ferroviaire afin de "payer" leur voyage vers New York.


title: St. Louis Blues

text: L'utilisation de la chanson dans la bande dessinée "Terry et les pirates" témoigne également de cette ambiguïté. Milton Caniff, l'auteur de la BD, fait de "St. Louis Blues" un signal indiquant la présence d'un personnage féminin : Burma - "notre menace blonde", comme la surnomme affectueusement l'un des héros avant de pointer son ambiguïté en affirmant qu'elle a "toujours de bonnes intentions et de mauvaises fréquentations".


title: St. Louis Blues

text: W.C. Handy publie la partition en 1914 et joue "St. Louis Blues" avec son orchestre dans les salles de bal. Mais il ne l'enregistre pas avant 1922.


title: St. Louis Blues

text: Dès 1914, le chanteur noir Charles Anderson interprète la chanson dans les salles de "vaudeville" réservées aux artistes et aux spectateurs noirs. Anderson est un yodleur et un acteur travesti, spécialisé dans les rôles de "mamans de couleur". D'après un journaliste qui fit, dans les années 1910, la recension d'un de ses spectacles :


title: St. Louis Blues

text: Anderson avait déjà chanté un blues ("Baby Seals Blues") l'année précédente, travesti en maman. Quand il interprète "St. Louis Blues", il maintient très probablement, d'une part le point de vue féminin de la chanson (contrairement à ce que feront la plupart des hommes qui la chanteront par la suite) et d'autre part son esprit humoristique (comme le feront après lui des chanteurs amuseurs, "blackface" à l'instar d'Al Bernard et d'Emmett Miller, ou non à l'instar d'Eddie Peabody). Quatorze ans après l'avoir créée sur scène, Charles Anderson enregistrera sa version de "St. Louis Blues" pour le label Okeh.


title: St. Louis Blues

text: Le premier enregistrement de "St. Louis Blues" date du . Il s'agit d'une version instrumentale interprétée par le Prince's Band, l'un des orchestres dirigés par . Publié par Columbia, le disque parvient à la quatrième place des charts en 1916.


title: St. Louis Blues

text: En , le Ciro's Club Coon Orchestra, un orchestre afro-américain qui anime le Ciro's Club de Londres (et qui restera en Angleterre jusqu'à la fin de la Première Guerre mondiale), enregistre pour la branche anglaise du label Columbia une version de la chanson. Il s'agit du premier enregistrement d'une version chantée de "St. Louis Blues". Composé principalement d'instruments à cordes (banjos, mandoline et contrebasse), le Ciro's Club Coon Orchestra est dirigé par le pianiste Dan Kildare. Cette interprétation est, selon Tim Brooks, "extrêmement énergique".


title: St. Louis Blues

text: En 1917, sur le territoire des États-Unis, plusieurs chanteuses noires interprètent "St. Louis Blues" sur scène. A baltimore : Ethel Waters sous le nom de scène Sweet Mama Stringbean, d'abord en solo puis avec les Hill Sisters, sous le nom de groupe : The Hill Sisters Featuring Sweet Mama Stringbean, Singing St. Louis Blues. A Chicago : Alberta Hunter, et Lucille Hegamin sous le nom de scène Georgia Peach. Aucune d'entre elles n'enregistre le titre à cette époque (c'est seulement en 1920 qu'une chanteuse noire, Mamie Smith, a pu enregistrer pour la première fois un disque aux États-Unis). D'après Giles Oakley qui se base sur les enregistrements qu'elles réaliseront quelques années plus tard, ces chanteuses "se reconnaissent à une certaine perfection de la diction, à une grande clarté de l'articulation", et à leur style "très soigné", proche de la musique de variétés.


title: St. Louis Blues

text: La chanteuse blanche Sophie Tucker ajoute le titre à son répertoire, peut-être sous l'influence d'Alberta Hunter. Sophie Tucker est alors l'une des plus grandes stars du "vaudeville". Elle est connue sur tout le territoire des États-Unis pour ses chansons et ses commentaires "osés" et "très drôles". Depuis 1916, elle est accompagnée sur scène par un orchestre de jazz, The Five Kings of Syncopation. Quelque temps après, à New York en 1919, une autre chanteuse blanche, Gilda Gray, chante "St. Louis Blues" sur scène en dansant le shimmy. Gilda Gray avait été découverte et lancée, l'année précédente, par Sophie Tucker.


title: St. Louis Blues

text: On lit parfois que Sophie Tucker aurait été la première à enregistrer la chanson, en 1917. Mais elle n'a rien enregistré entre et . Il est donc très probable que la première version chantée de "St. Louis Blues" à avoir été enregistrée sur le territoire des États-Unis soit celle du chanteur blanc Al Bernard comme l'affirment Tim Gracyk et Frank Hoffmann.


title: St. Louis Blues

text: L'enregistrement d'Al Bernard date de , et est publié en 1919 par le label Aeolian-Vocalion. Par la suite, le chanteur "ne devait pas cesser d'enregistrer" la chanson. Il l'enregistre notamment avec l'Original Dixieland Jazz Band (ODJB) en 1921. Cette version, publiée par le label Victor, parvient à la troisième place des charts.


title: St. Louis Blues

text: D'après la notice que consacre à la chanson Elliott S. Hurwitt dans "Encyclopedia of the Blues", aucune de ces premières interprétations de "St. Louis Blues" ne serait jouée sur un tempo lent. C'est que la chanson est née "à l'époque du ragtime, quand l'Amérique était folle de danse". Les années 1910 voient en effet le succès du tango et des danses à la mode - two-step, "one-step", foxtrot et shimmy : "Déferlement des danses rapprochées et trépidantes, alors que s'éteignent, de mort naturelle, les danses [...] courtoises : mazurkas, polkas, valses, quadrilles..." Et comme le rappelle W.C. Handy dans son autobiographie, "St. Louis Blues" est une chanson écrite pour la danse - une chanson qui a "électrisé" les danseurs des années 1910.


title: St. Louis Blues

text: En 1920, la chanteuse blanche Marion Harris est, d'après Elliott S. Hurwitt, la première à chanter le standard sur un tempo lent, comme une complainte. Son interprétation annonce celles qu'en donneront les crooners une dizaine d'années plus tard : Gene Austin en 1928 et Bing Crosby en 1932. Publiée sur le label Columbia, c'est la seule version de "St. Louis Blues" qui a atteint la première place des charts.


title: St. Louis Blues

text: Cette nouvelle manière d'interpréter le standard atteint, pour reprendre les termes employés par Hurwitt, "son apothéose" dans les versions "lugubres" de Bessie Smith : la version de 1925 où elle est accompagnée par Fred Longshaw à l'harmonium et Louis Armstrong au cornet, et celle de 1929 qu'elle enregistre, avec orchestre et chœur, pour le cinéma - deux interprétations sur un tempo encore plus lent que celui de l'interprétation de Marion Harris.


title: St. Louis Blues

text: "Très lente, accablée, désespérée", la version de 1925 est un enregistrement à part. Elle se distingue des versions des autres chanteuses par "l'accent tragique" de Bessie Smith et par son style vocal, "primitif", "puissant" et "sensuel" - un style auquel on a pu reprocher à ses débuts d'être "trop rugueux". Elle se singularise aussi par l'accompagnement musical. Le choix de l'harmonium à la place du piano et la manière dont Fred Longshaw en joue "donnent un caractère quasi religieux à cet enregistrement". Au cornet, Armstrong semble dialoguer avec Bessie Smith et, par les "contrechants" qu'il "brode", transforme "ce qui devait être un simple vocal en un magnifique duo". Les musiciens suppriment l'introduction sur un rythme de habanera : comme pour signaler qu'il ne s'agit plus d'une chanson faite pour danser, Longshaw remplace l'introduction par "un simple accord d'harmonium d'environ une mesure, hors tempo, sur lequel Armstrong pose une note qu'il joue crescendo". En écho à cette suppression, Bessie Smith et ses musiciens atténuent la rupture qu'introduit le second thème et donnent ainsi "une simplicité classique" à la chanson. Style vocal, accompagnement musical, atténuation des ruptures et des rythmes de danse contribuent à l'effet d'ensemble : une "expression plus intérieure que spectaculaire", comme Boris Vian le remarquera à l'occasion de la réédition française de 1959. Publié par le label Columbia, cet enregistrement est resté six semaines dans les charts en 1925, et a atteint la troisième place.


title: St. Louis Blues

text: Très différente de la version dépouillée de 1925, la version pour le cinéma de 1929 est supervisée par W.C. Handy. Bessie Smith est accompagnée par un orchestre (avec James P. Johnson au piano) et par le Hall Johnson Choir (les arrangements du chœur sont de Handy et de Rosamond Johnson). Handy ne revient pas sur la suppression de l'introduction qu'il avait initialement écrite. Il la remplace, non par un simple accord joué sur un instrument, mais par un chant a cappella de Bessie Smith : "My man's got a heart like a rock cast in the sea". Cette nouvelle introduction lui permet de mettre en exergue la phrase qui est à l'origine de la chanson et qu'il avait entendue à Saint-Louis, dans la bouche d'une femme ivre. Handy semble ainsi s'approprier la nouvelle manière d'interpréter "St. Louis Blues". Pourtant il ne renonce pas totalement à la danse : au milieu de la chanson, il introduit un long break instrumental sur un tempo rapide, pendant qu'à l'image les danseurs se déchaînent. Handy ponctue la fin du break par une citation de Rhapsody in Blue de Gershwin, et enchaîne sur "St. Louis Blues" repris sur un tempo lent.


title: St. Louis Blues

text: À partir de 1929, Louis Armstrong dirige des ensembles de dix musiciens et plus. C'est dans ce contexte qu'il enregistre à plusieurs reprises "St. Louis Blues", un standard qu'il avait laissé de côté lorsqu'il dirigeait des petites formations (les Hot Five et les Hot Seven).


title: St. Louis Blues

text: En , quelques semaines après le krach boursier, il en enregistre deux versions instrumentales et une version chantée pour le label Okeh. Tommy Rockwell, "dur et agressif directeur des enregistrements chez Okeh", lui impose pour l'occasion l'orchestre de Luis Russell (avec, notamment, Henry "Red" Allen à la trompette, J.C. Higginbotham au trombone et George "Pops" Foster à la contrebasse). Armstrong préférait celui de Carroll Dickerson avec lequel il avait enregistré pendant les mois précédents. Pourtant, des historiens du jazz comme Lucien Malson considèrent que l'orchestre de Russell est le meilleur de ceux qui l'ont accompagné durant cette période.


title: St. Louis Blues

text: La version chantée de "St. Louis Blues", la seule des trois versions publiée à l'époque, fait date. Armstrong y prend le contre-pied de la version de Bessie Smith à laquelle il avait participé : il choisit un tempo plus rapide et restaure l'introduction sur un rythme de habanera. Il ne chante que sur le troisième thème, comme le faisait Al Bernard dans la version de l'ODJB, et conclut par une succession de quatre chorus à la trompette. Selon Lucien Malson :


title: St. Louis Blues

text: Selon Hugues Panassié, "le swing de cette interprétation est indescriptible". Cette version atteint la onzième place des charts en 1930.


title: St. Louis Blues

text: Armstrong enregistre ensuite, avec d'autres orchestres, trois versions sur un tempo plus rapide encore : la version instrumentale d' pour le label Victor, et les deux versions chantées qu'il enregistre à Paris en pour le label Brunswick. En 1958, à l'occasion de la réédition d'une des deux versions parisiennes, Boris Vian écrit :


title: St. Louis Blues

text: La remarque de Vian montre qu'en France, en 1958, beaucoup identifient "St. Louis Blues" à la seule interprétation de Bessie Smith et par conséquent ignorent ou oublient les autres versions qui, pour la plupart, commencent sur un rythme de habanera (en particulier les versions antérieures d'Armstrong). Cette remarque s'inscrit également dans la querelle liée à la réception du Be Bop en France. En effet, l'introduction de rythmes cubains ou sud-américains, sensible notamment chez Dizzy Gillespie, est l'une des raisons pour lesquelles Hugues Panassié affirmait que "le Be Bop est une musique distincte du jazz".


title: St. Louis Blues

text: En 1954, le producteur commande à Armstrong un album des chansons de Handy pour le label Columbia. Avakian :


title: St. Louis Blues

text: Le LP "Louis Armstrong Plays W.C. Handy" s'ouvre par la version coupée de "St. Louis Blues". Elle dure environ sept minutes. La version non coupée ne sera publiée qu'en 1997, sur la deuxième édition du CD. Elle est jouée sur un tempo lent sans pour autant être une complainte. Armstrong et ses musiciens commencent par une interprétation instrumentale : ils jouent la totalité du morceau mais modifient l'ordre de succession des thèmes. Après cette longue introduction, Velma Middleton chante les quatre premiers couplets, en reprenant la modification que Bessie Smith avait introduite dans les paroles mais en évitant le ton tragique. Au cinquième couplet, Middelton prend beaucoup plus de libertés avec les paroles d'Handy. C'est alors qu'Armstrong intervient pour chanter le couplet rarement chanté dans lequel le personnage mentionne son "jelly roll", puis la chanson devient un dialogue entre les deux chanteurs. Les libertés prises avec les paroles et avec la partition visent à retrouver l'esprit humoristique qu'Handy avait insufflé à sa composition. D'après Boris Vian, il s'agit d'une des interprétations "les plus belles" de "St. Louis Blues". Elliott S. Hurwitt considère également qu'il s'agit d'une des meilleures versions du standard. Il attire notamment l'attention sur le solo de clarinette de Barney Bigard, peu après la cinquième minute.


title: St. Louis Blues

text: Le au de New York, Armstrong interprète "St. Louis Blues" accompagné par les All Stars ainsi que par un orchestre, composé de quatre-vingt huit musiciens du New York Philharmonic et dirigé par Leonard Bernstein. Cette version, entièrement instrumentale, est très différente de celle de 1954, bien qu'elle dure également près de huit minutes et soit jouée sur un tempo lent. Le concert est filmé et intégré dans le documentaire "Satchmo the Great", produit par Edward R. Murrow et sorti en 1957. On y voit, parmi les spectateurs, W.C. Handy.


title: St. Louis Blues

text: Dans son autobiographie, W.C. Handy affirme que "St. Louis Blues" a été jouée "devant le palais d'Haïlé Sélassié comme une sorte d'Hymne de bataille du Lion de Juda [Battle Hymn of the Lion of Judah]". Par cette allusion à "The Battle Hymn of the Republic", Handy suggère que les Ethiopiens ont fait de sa chanson un usage patriotique et guerrier. C'est en effet dans le contexte de la seconde guerre italo-éthiopienne que "St. Louis Blues" a, dit-on, été joué par des musiciens de l'armée éthiopienne. Que ce soit une légende ou une réalité, Handy a pu en entendre parler car, aux Etats-Unis, la guerre a attiré l'attention de l' ainsi que de plusieurs groupes au sein de la communauté noire - groupes qui se sont mobilisés en faveur des civils et des réfugiés éthiopiens.


title: St. Louis Blues

text: Le bombardement de Pearl Harbor n'a pas encore eu lieu quand Handy écrit son autobiographie. Peu de temps après l'entrée en guerre des Etats-Unis, Glenn Miller qui dirige l'un des orchestres de danse les plus populaires du moment, s'engage dans l'armée. Trop vieux pour combattre, il demande à être placé à la tête d'un orchestre afin de moderniser la musique militaire. Il obtient le grade de capitaine, dirige le Army Air Forces Training Command Orchestra à partir d', réunit une équipe d'arrangeurs, et demande à d'arranger "St. Louis Blues" pour en faire une marche militaire. L'enregistrement de "St. Louis Blues March" est édité en 1943 sur l'un des premiers V-Discs de Miller.


title: St. Louis Blues

text: Miller meurt en . L'orchestre qu'il avait dirigé entre 1938 et 1942 est à nouveau réuni à partir de 1946, sous la direction du saxophoniste et chanteur Tex Beneke. En 1947, Beneke et l'orchestre de Glenn Miller enregistrent "St. Louis Blues March". Le titre est publié en single par RCA Victor et atteint la cinquième place des charts en 1948.


title: St. Louis Blues

text: "St. Louis Blues", qui au début des années 1930 était souvent utilisée dans le cinéma hollywoodien pour connoter la débauche, la prostitution ou la trahison, est devenue au cours des années 1940 une chanson patriotique, au point d'être immédiatement identifiée avec les Etats-Unis. Langston Hughes le remarque au début du chapitre qu'il consacre à Handy dans "Famous American Negroes", un recueil de portraits écrit pour la jeunesse et publié en 1954 :


title: St. Louis Blues

text: Trois d'entre elles sont écrites par J. Russel Robinson, qui fut arrangeur et parolier pour W.C. Handy, et membre de l'Original Dixieland Jazz Band.


title: St. Louis Blues

text: D'abord, "St. Louis Gal" en 1922. Cette chanson reprend un personnage de la chanson originale : la séductrice de St. Louis. Bessie Smith interprète "St. Louis Gal" quelques mois avant d'interpréter "St. Louis Blues". On a pu écrire que la version de 1929 par les Cotton Pickers, un groupe de "minstrels", était une parodie de "St. Louis Blues". C'est une erreur : il s'agit en fait d'une parodie des versions antérieures, sérieuses, de "St. Louis Gal".


title: St. Louis Blues

text: Ensuite, "The Ghost of the St. Louis Blues" et "There Will Never Be a Melody Like the St. Louis Blues" en 1929, deux chansons plus explicitement en rapport avec "St. Louis Blues" que la précédente. "The Ghost of the St. Louis Blues" est interprétée par Emmett Miller en 1929"" (un an plus tôt, il avait interprété "St. Louis Blues"), par Leon Redbone sur l'album "Sugar" en 1990, et par Maria Muldaur & her Garden of Joy sur l'album "Good Time Music for Hard Times" en 2009"." En revanche, il est difficile de trouver les traces d'une interprétation de "There Will Never Be a Melody Like the St. Louis Blues".


title: St. Louis Blues

text: En 1935, le Quintette du Hot Club de France enregistre une version de "St. Louis Blues" - selon Daniel Nevers, "un pur chef-d'œuvre" : "L'introduction faussement hésitante de Django [Reinhardt], son long solo sur le rythme de la habanera, l'intervention d'une maîtrise parfaite de Grappelli, contribuent à en faire une des plus belles versions, à égalité avec celle, dix ans plus tôt, de Bessie Smith [...]."


title: St. Louis Blues

text: En 1937, Django Reinhardt enregistre une nouvelle version du standard, en trio cette fois (avec Louis Gasté à la guitare et Eugène d'Hellemmes à la contrebasse).


title: St. Louis Blues

text: En 1938, Jean Wiéner enregistre "St. Louis Blues" dans un arrangement au clavecin : "une version pour le moins insolite", selon Martin Pénet.


title: St. Louis Blues

text: Dans "La Rage de vivre" ("Really the Blues"), son autobiographie publiée en 1946, Mezz Mezzrow raconte que son ami Hugues Panassié a défié l'autorité nazie en diffusant, dans l'émission de radio qu'il animait, une version de "St. Louis Blues" par Armstrong :


title: St. Louis Blues

text: Quand le censeur allemand venait fourrer son nez dans les programmes pour voir ce que Hugues passait, on leur montrait sur l'étiquette du disque des titres comme "La tristesse de Saint Louis" et Hugues expliquait obligeamment qu'il s'agissait d'une complainte écrite en l'honneur de ce pauvre Louis XIV, enfin un machin historique vieux comme Hérode et aussi respectable. Mais ce que le limier de la Kultur ignorait, c'est que sous cette étiquette, il y en avait une autre de la maison Victor, mentionnant le nom de l'instrumentiste : Louis Armstrong, et le vrai titre "Saint Louis Blues".La complainte inventée par Panassié aurait été un "machin historique" encore plus vieux et respectable que ne le dit Mezzrow, puisque Saint Louis est le nom par lequel on désigne communément Louis IX (et non Louis XIV).


title: St. Louis Blues

text: L'anecdote est reprise en 1954 par Langston Hughes. Mais elle pourrait n'être qu'une légende : selon Daniel Nevers, « cette "Tristesse de Saint Louis" [...] n'a jamais été mentionnée sur la moindre étiquette de disque ».


title: St. Louis Blues

text: Mezzrow a peut-être confondu avec le titre de la version italienne de "St. Louis Blues", enregistrée par le Trio Lescano en 1941 : "Le tristezze di San Luigi".


title: St. Louis Blues

text: S'il n'existe aucune "Tristesse de Saint Louis" sur un disque pressé en France pendant l'Occupation, il existe un enregistrement titré "Saint-Louis Pelouze". Il s'agit d'une version instrumentale de "St. Louis Blues" enregistrée en 1943 par Léo Chauliac et son orchestre. Le titre fait « allusion à la rue Pelouze, quartier des Batignolles, où se trouvait un petit studio d'enregistrement ». Cette version, restée inédite à l'époque, n'a été publiée pour la première fois qu'en 1990 dans la compilation "Swing & Occupation", 1940-1943, vol. 1.


title: St. Louis Blues

text: Dans le livret de la compilation "Les Zazous - Swing Obsession 1938-1946", Eric Rémy se demande si les titres des standards de jazz ont été modifiés pendant l'Occupation à cause de la censure ou en raison d'une volonté de les franciser. Il semble pencher pour la seconde hypothèse : « Les difficultés de prononciation des Français notoirement nuls en langues ont permis qu"'I Got Rhythm" devienne "Agatha rythme" et "St. Louis Blues", "Saint-Louis Pelouze" ».


title: St. Louis Blues

text: En 1947, Simone Alma enregistre, accompagnée par Jacques Hélian, "Mon âme pleure", une adaptation de "St. Louis Blues". Elle en a écrit les paroles françaises sous le pseudonyme d'Hélène Simon. Le disque est publié par Pathé.


title: St. Louis Blues

text: Onze ans plus tard, Simone Alma enregistre à nouveau le standard, accompagnée cette fois par Pierre Brachet. La nouvelle version est plus rock, mêlant les paroles anglaises aux françaises. Elle est publiée par le label Teppaz sur le EP "Simone Alma n. 2".


title: St. Louis Blues

text: Le de la même année, Simone Alma produit et présente "Jazzorama", une émission de télévision réalisée par Jean-Christophe Averty. À la fin de l'émission, elle rend hommage à W.C. Handy (mort quelques semaines plus tôt, le ) et chante en anglais "St. Louis Blues", accompagnée par Claude Bolling et Sidney Bechet.


title: St. Louis Blues

text: Plusieurs écrivains de la Renaissance de Harlem entretiennent des relations avec W.C. Handy : en 1927, Langston Hughes écrit des paroles pour une de ses chansons : "Golden Brown Blues" ; en 1941, Arna Bontemps édite chez The MacMillan Company "Father of the Blues", son autobiographie. Seront ici mentionnées les références à "St. Louis Blues" dans les seules œuvres de fiction des écrivains de la Renaissance de Harlem.


title: St. Louis Blues

text: Selon certains commentateurs, "Plus noire est la mûre: roman de la vie nègre", que Wallace Thurman publie en 1929, tirerait son titre d'un extrait (rarement chanté) des paroles originales de "St. Louis Blues". Mais Thurman donne une autre source : un "proverbe du folklore nègre". Et rien n'interdit de penser que Thurman ait connu ce proverbe indépendamment de la chanson de Handy.


title: St. Louis Blues

text: On trouve des références beaucoup plus explicites à "St. Louis Blues" dans d'autres œuvres associées à la Renaissance de Harlem :


title: St. Louis Blues

text: Court métrage de fiction, produit par Dick Currier et W.C. Handy, avec Bessie Smith dans le rôle principal (c'est l'unique film dans lequel elle apparaît). D'une durée de 16 minutes et intégralement interprété par des acteurs noirs, le film est moins une illustration qu'une mise en situation de la chanson :


title: St. Louis Blues

text: Bessie (Bessie Smith) surprend Jimmy (Jimmy Mordecai), l'homme qu'elle aime et qu'elle entretient, dans les bras d'une autre femme. Elle chasse brutalement la femme. Jimmy frappe Bessie, fait sa valise et la quitte en riant. Elle reste seule, effondrée, dans son appartement. Sans se redresser, elle saisit un verre et une bouteille, boit, et commence à chanter : "My man's got a heart like a rock cast in the sea". Fondu au noir. Bessie est maintenant accoudée au comptoir d'un bar clandestin, un verre de bière à la main. Elle semble ivre et triste. Elle continue de chanter la même phrase. Quand elle cesse, la caméra la quitte et on découvre qu'elle est dans une boîte de nuit. L'orchestre commence à jouer, lentement, accompagné par les voix des clients attablés. Sur la musique de l'orchestre, Bessie, toujours accoudée au comptoir, chante "St. Louis Blues". Soudain, le tempo accélère et des clients se lèvent pour danser. Comme mise à l'écart par la musique, Bessie s'est tue. Mais voici Jimmy qui entre dans la boîte de nuit. Il retrouve Bessie qui tombe dans ses bras. La musique prend un rythme plus langoureux. Les deux amants, apparemment réconciliés, dansent, serrés l'un contre l'autre. Jimmy en profite pour prendre l'argent que Bessie conserve dans ses bas, rejette brutalement sa partenaire vers le comptoir, compte ostensiblement les billets, et s'en va, hilare. Accablée, Bessie reprend sa chanson.


title: St. Louis Blues

text: Le film a d'abord été distribué par la RKO avant d'être repris par Sack Amusement Enterprises, une compagnie spécialisée dans la production et la distribution de "race films".


title: St. Louis Blues

text: Au début du parlant, les grands studios hollywoodiens produisent des courts métrages musicaux afin de remplacer les "coûteuses représentations scéniques" (les attractions) qui avaient lieu pendant les séances, avant la projection du film. Au fil des ans, ces courts-métrages deviennent plus sophistiqués, intégrant souvent les numéros musicaux au sein d'un récit de fiction. La liste qui suit recense les courts métrages musicaux, disponibles en streaming ou sur DVD, dans lesquels "St. Louis Blues" est interprétée. La liste n'est pas exhaustive.


title: St. Louis Blues

text: "Astérix chez les Belges", de René Goscinny et Albert Uderzo (1979) : Saintlouisblus est le nom d'un légionnaire romain en garnison en Belgique. Pour comprendre le rapport entre un Romain qui fait bouillir de l'huile et un standard de jazz souvent associé au style hot, il faut lire la seule réplique du personnage : "Ça chauffe !" (planche 21).


title: St. Louis Blues

text: Les Blues de Saint Louis, l'équipe professionnelle de hockey sur glace de la ville de St. Louis dans le Missouri, tirent leur nom de la chanson.


title: St. Louis Blues

text: Dans cette liste, certains noms apparaissent plusieurs fois. Ce sont ceux des artistes qui ont enregistré le standard à plusieurs reprises (Al Bernard, Marion Harris, Louis Armstrong, Eddie Peabody, Duke Ellington, Sidney Bechet, Sun Ra...).


title: Serdar Gürler

text: Serdar Gürler, né le à Haguenau (Bas-Rhin), est un footballeur international turc évoluant au poste d'ailier droit à İstanbul Başakşehir.


title: Serdar Gürler

text: En 2006 il fait partie de la sélection des 14 ans de la Ligue de Franche-Comté. Formé au FC Sochaux, il joue son premier match professionnel lors de la saison 2009-2010, en entrant en jeu contre l'AS Saint-Étienne à la place de Marvin Martin. En trois saisons, Serdar ne prend part qu'à trois matchs professionnel dont seulement deux en Ligue 1 et décide de quitter le club franc-comtois pour la Turquie et le club d'Elazığspor.


title: Serdar Gürler

text: Il y joue deux saisons complètes avant de rejoindre Trabzonspor pour trois saisons, mais ne reste que six mois, avant de quitter le club après seulement onze matchs et deux buts. Il signe alors en faveur de Kayseri Erciyesspor. Après une demi-saison au club, il voit son club être rétrogradé en seconde division turque, après avoir terminé à l'avant dernière place du championnat.


title: Syngué sabour. Pierre de patience (film)

text: Syngué sabour. Pierre de patience () est un drame franco-germano-afghan réalisé par Atiq Rahimi, d'après son roman homonyme, sorti en 2012.


text: Le film retrace les quelques semaines que passe une jeune femme au chevet de son mari, inconscient parce que blessé à la nuque par une balle. L'histoire se passe dans une ville en proie à la guerre civile, qui pourrait être Kaboul. Livrée à elle-même dans un univers hostile, la jeune femme se réfugie avec ses deux filles chez sa tante, une femme indépendante. Mais elle revient quotidiennement dans sa maison prendre soin de son mari. Ces longs moments de veille, entrecoupés par les bruits de la guerre, l'intrusion de miliciens, la visite du mollah, seront l'occasion pour la jeune femme de confier ses états d'âme à son mari et petit à petit de lui livrer ses plus lourds et intimes secrets. Le blessé devient malgré lui "", la pierre de patience à qui l'on confie ses souffrances, ses désirs et ses secrets.


text: Le film a été tourné en 6 semaines, une à Kaboul pour certaines scènes d'extérieur de jour et cinq au Maroc, dans une ancienne cimenterie du quartier des Roches noires à Casablanca. Le choix du Maroc a été guidé par des impératifs de sécurité, une optimisation des coûts et des difficultés techniques.


title: Petit Poilu

text: Petit Poilu est une série de bandes dessinées muettes pour enfants de Pierre Bailly et Céline Fraipont publiée depuis 2007.


title: Petit Poilu

text: Le premier tome de la série, "La Sirène gourmande", est publié en 2007 par les éditions Dupuis. Le personnage est imaginé par Céline Fraipont et mis en image par Pierre Bailly. Chaque histoire de la série se présente sous la forme d'une bande dessinée muette, accessible dès trois ans.


title: Petit Poilu

text: En 2019, la série fait l'objet d'une exposition à la Cité internationale de la bande dessinée et de l'image d'Angoulême.


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: Judith et Holopherne est une statue en bronze (hauteur hors socle) réalisée par Donatello entre 1453 et 1460. Depuis 1988 elle est conservée "Sala dei Gigli" de Palazzo Vecchio à Florence.


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: La sculpture en bronze "Judith et Holopherne" créée par Donatello à la fin de sa carrière, peut être vue dans la Sala dei Gigli du Palazzo Vecchio à Florence, Italie. Une copie se trouve dans l'un des emplacements d'origine de la sculpture sur la Piazza della Signoria, en face du Palazzo Vecchio. La statue dépeint l'assassinat du général assyrien Holopherne par Judith.


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: La statue a été commandée par Cosme de Médicis comme décoration pour la fontaine dans le jardin du Palais Medici-Riccardi. Elle se trouvait dans ce palais avec le "David". Ces deux œuvres sont parmi les premières statues en bronze de la Renaissance italienne conçus pour être observées « "alla rotonda" » (de tous côtés).


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: Judith est considérée comme le symbole de la liberté, de la Vertu et de la Victoire pour une cause juste, celle du faible sur le fort. Elle se tient altière avec l'épée levée, tenant la tête d'Holopherne par les cheveux. La statue était dorée à l'origine. Pour faciliter la dorure le bronze a été coulé en onze parties. La base de la sculpture ressemble à un coussin, un dispositif naturaliste déjà utilisé par Donatello pour son "Saint Marc" d'Orsanmichele.


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: Cette statue est une métaphore des règles des Médicis, comme défenseurs de la liberté florentine, semblables à Judith, défenderesse du peuple, tueuse du tyran Holopherne.


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: Deux inscriptions disparues figuraient sur le piédestal de granite. La première, « Les royaumes tombent par la Luxure, les villes s'élèvent par la Vertu ; voici le cou de la Fierté coupé par la main de l'Humilité » et la seconde : « Pierre, fils de Cosme de Médicis, dédie la statue de cette femme à la liberté et au courage que donne à la République l'esprit d'invisible résolution de ses citoyens. »


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: En 1495, la sculpture a été placée sur la "Piazza della Signoria", en face de la porte principale du "Palazzo Vecchio", en mémoire de l'expulsion de Piero di Lorenzo de'Medici de Florence et de l'introduction de la République florentine sous Girolamo Savonarole. L' inscription sur le piédestal rappelle ce fait : « Cet exemple de salut présenté aux citoyens en 1495 ».


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: La statue a ensuite été transférée dans la cour à l'intérieur du Palazzo Vecchio, puis dans la Loggia dei Lanzi. En 1919, elle a été placée sur le côté gauche du Palazzo Vecchio puis remplacée en 1988 par une copie en bronze. L'original, après restauration, a été installé à sa place définitive dans la Sala dei Gigli à l'intérieur du Palazzo Vecchio.


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: La scène, qui est issue de l'Ancien Testament ("Livre de Judith", 13:8-11), représente la jeune et belle veuve Judith qui, après avoir séduit le général assyrien Holopherne, l'assassine pour sauver son peuple du tyran pendant le siège de Béthulie.


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: L'épisode très populaire dans les représentations artistiques depuis le Moyen Âge symbolisait la victoire de la Vertu sur le Vice, l"'Humiltas" (l'Humilité) vainquant le péché capital de la "Superbia" (l'Orgueil).


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: L'œuvre n'a pas été créée pour être observée d'un seul point de vue et de nombreux indices invitent à « tourner autour » afin de l'observer de tous les côtés. La structure de l'œuvre est pyramidale avec au sommet le visage de Judith et la lame de l'épée tenue par la main et le bras droit de l'héroïne plié à angle droit. La tête d'Holopherne est l'autre point de fuite vers lequel convergent les diagonales du groupe.


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: Les textes reportent que Judith porta deux coups pour détacher la tête d'Holopherne, le moment exact de l'action est le moment entre les deux coups comme le démontre la blessure déjà présente sur le cou de la victime.


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: Holopherne est nu et modelé selon les règles de l'anatomie, tandis que Judith est couverte entièrement par ses habits qui amplifient son physique gracieux. Sa tête est complètement couverte ne laissant apparaître même pas une mèche de cheveux tandis que la chevelure d'Holopherne est longue et indisciplinée. Son identification avec le « Vice » est confirmée par toute une série d'attributs dont le médaillon qui a glissé sur son échine sur lequel est représenté un cheval emballé. Les scènes bacchanales sur le sabot en forme de prisme, rappellent l'ivresse et le vice du tyran comme décrits dans la Bible.


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: Le corps d'Holopherne sans force tombe tenu seulement par la main de Judith qui pose de manière éloquente son pied droit sur les parties génitales de la victime tandis que l'autre pied immobilise son avant bras. Le genoux couvre à moitié le médaillon allégorique.


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: Judith se lève triomphante l'épée levée. Le drapé de la robe de Judith, et tout particulièrement celui des manches reproduit celui des statues romaines. Son habit est composé d'une étoffe, plissée dans un complexe panneggio, décoré de figurines contrastant avec le modelé parfaitement lisse du jeune visage dont l'expression transmet une série d'émotions : concentration, décision et force.


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: À l'inverse, le visage d'Holopherne est brut et défiguré, yeux fermés, bouche ouverte, cou tendu. Il est posé sur un coussin tourné par rapport au piédestal de façon que les angles ne coïncident, créant un effet de mouvement.


title: Judith et Holopherne (Donatello)

text: La signature de Donatello figure sur le coussin : "" (Travail. Donatello. Florentin). Il s'agit du seul travail restant signé par l'artiste.


title: Informatique centralisée

text: L'informatique centralisée ou l'architecture centralisée rassemble les ressources nécessaires à un traitement sur un hôte central, généralement à l'aide de terminaux qui sont connectés à un ordinateur central. Cet ordinateur peut lui-même contrôler directement tous les périphériques (s'ils lui sont physiquement connectés) ou ils peuvent être gérés par un serveur de terminal. Si les terminaux en ont la capacité, ils peuvent être en mesure de se connecter à l'ordinateur central directement depuis un réseau informatique. L'ordinateur central peut être un serveur central dans le cas d'une architecture client-serveur. Les terminaux peuvent être de type passif ou actif, ils peuvent afficher des environnements CLI, TUI ou GUI, il peut s'agir d'une console système, d'une imprimante d'un client léger ou d'un client plus important par exemple.


title: Informatique centralisée

text: Cette informatique centralisée offre une plus grande sûreté que l'architecture distribuée parce que tout le traitement est contrôlé dans un emplacement central. En outre, si un terminal tombe en panne, l'utilisateur peut simplement aller sur un autre terminal et se connecter à nouveau, et tous ses fichiers seront de nouveau accessibles. Selon le système, cette architecture peut même être en mesure de reprendre une session au point où elle s'était interrompue, comme si rien ne s'était passé.


title: Informatique centralisée

text: Toutefois, ce type d'agencement présente aussi certains inconvénients. L'ordinateur ou le serveur central exécute les fonctions informatiques et les commandes des terminaux distants. Ce système repose totalement sur un ordinateur ou serveur central, si celui-ci tombe en panne, le système entier « descendra » (c'est-à-dire qu'il sera amputé de la majeure partie de ses services).


title: Informatique centralisée

text: Un autre inconvénient est que le traitement central repose fortement sur la qualité de l'administration et des ressources fournies à ses utilisateurs. Si l'ordinateur ou le serveur central est insuffisamment soutenu, l'utilisation du système peut souffrir de problèmes diverses (taille d'annuaire trop importante, dysfonctionnement concernant son administration, etc. ). Cependant, la situation inverse (c'est-à-dire, un système qui supporte mieux vos besoins) est l'un des principaux avantages de l'informatique centralisée.


title: Informatique centralisée

text: Plusieurs fabricants et leurs successeurs ont produit des ordinateurs centraux de la fin des années 1950 jusqu'au début du XXIe siècle, avec une diminution progressive en termes de quantité sur le marché et une progressive transition vers la simulation sur puces Intel plutôt que sur du matériel propriétaire. Le groupe de fabricants américains était d'abord connu sous le nom de "IBM and the Seven Dwarfs", avec comme principaux concurrents Burroughs, UNIVAC, NCR, Control Data, Honeywell, General Electric et RCA. À la suite des départs de General Electric et de RCA, "IBM and the Seven Dwarfs" s'est peu à peu imposée sur son marché et se fit appelé IBM et BUNCH. La domination d'IBM s'est développée à partir de leur série 700/7000 et, plus tard, au travers du développement des mainframes de la série 360. Cette dernière architecture a continué d'évoluer pour devenir les mainframes zSeries actuels qui, avec les mainframes Burroughs et Sperry (aujourd'hui Unisys) basés sur MCP et OS1100, sont parmi les rares architectures mainframes encore existantes pouvant retracer leurs racines à cette période. Alors que les zSeries d'IBM peuvent toujours exécuter du code System/360 24 bits, les serveurs CMOS zSeries 64 bits et System z9 n'ont rien de commun physique avec les anciens systèmes (non rétrocompatibilité du système).


title: Informatique centralisée

text: En dehors des États-Unis, les principaux fabricants étaient Siemens et Telefunken en Allemagne, ICL au Royaume-Uni, Olivetti en Italie et Fujitsu, Hitachi, Oki et NEC au Japon. L'Union soviétique et les pays du Pacte de Varsovie ont également fabriqué des copies rapprochées des ordinateurs centraux IBM pendant la guerre froide ; la série BESM et Strela sont des exemples d'ordinateurs soviétiques conçus indépendamment.


title: Informatique centralisée

text: La baisse de la demande ressentie et la concurrence féroce ont commencé à secouer le marché au début des années 1970, notamment par des acquisitions et cessions d'entreprises, remodelant le marché des mainframes. La firme RCA a été vendue à UNIVAC et GE a vendu ses activités à Honeywell. Entre 1986 et 1990, Honeywell a été rachetée par Bull et UNIVAC est devenue une division de Sperry, qui a ensuite fusionné avec Burroughs pour former Unisys Corporation en 1986. Au cours des années 1980, les systèmes à base de mini-ordinateurs sont devenus plus sophistiqués et ont été capables de déplacer le bas de gamme des ordinateurs centraux. Ces ordinateurs, parfois appelés ordinateurs ministériels, étaient typifiés par le DEC VAX.


title: Informatique centralisée

text: En 1991, AT&T Corporation a brièvement détenu NCR. Au cours de la même période, les entreprises ont constaté que les serveurs basés sur la conception de micro-ordinateurs pouvaient être déployés à une fraction du prix d'acquisition et offrir aux utilisateurs locaux un contrôle bien plus grand sur leurs propres systèmes, étant donné les politiques et pratiques informatiques de l'époque. Les terminaux utilisés pour interagir avec les systèmes mainframes ont été progressivement remplacés par des ordinateurs personnels. En conséquence, la demande s'est rapidement effondrée et les nouvelles installations d'ordinateurs centraux ont été limitées principalement aux services financiers et au gouvernement.


title: Informatique centralisée

text: Au début des années 1990, les analystes de l'industrie s'entendaient généralement pour dire que l'ordinateur central était un marché en voie de disparition, les plateformes d'ordinateurs centraux étant remplacées au fur et à mesure par des réseaux informatiques personnels. Stewart Alsop, d'InfoWorld, a malheureusement prédit que le dernier ordinateur central serait débranché en 1996 ; en 1993, il a cité Cheryl Currid, analyste de l'industrie informatique, qui disait que le dernier ordinateur central "cessera de fonctionner le 31 décembre 1999", une référence au problème prévu de l'an 2000.


title: Informatique centralisée

text: Cette tendance a commencé à s'inverser à la fin des années 1990, lorsque les entreprises ont trouvé de nouvelles utilisations pour leurs ordinateurs centraux existants et que le prix des réseaux de données s'est effondré dans la plupart des régions du monde, ce qui a encouragé une tendance vers de informatique plus centralisé. La croissance du commerce électronique a également augmenté de façon spectaculaire le nombre de transactions traitées par les logiciels de l'ordinateur central ainsi que la taille et le débit des bases de données. Le traitement par lots, comme la facturation, est devenu encore plus important avec la croissance du commerce électronique, et les ordinateurs centraux sont particulièrement habiles au traitement par lots à grande échelle. Un autre facteur qui augmente actuellement l'utilisation des mainframes est le développement du système d'exploitation Linux, qui est arrivé sur les mainframes d'IBM en 1999 et qui est généralement exécuté en scores ou jusqu'à environ 8000 machines virtuelles sur un seul mainframe. Linux permet aux utilisateurs de tirer profit des logiciels libres combinés à des RAS matériels pour mainframes. L'expansion et le développement rapides dans les marchés émergents, en particulier en République populaire de Chine, stimulent également d'importants investissements dans l'informatique centrale pour résoudre des problèmes informatiques exceptionnellement difficiles, par exemple en fournissant des bases de données de traitement des transactions en ligne unifiées et à très haut volume à un milliard de consommateurs dans de multiples secteurs (banque, assurance, solvabilité, services gouvernementaux, etc.)


title: Informatique centralisée

text: Fin 2000, IBM a introduit 64 bits z/Architecture, acquis plusieurs sociétés de logiciels comme Cognos et introduit ces produits logiciels sur le mainframe. Les rapports trimestriels et annuels d'IBM dans les années 2000 ont généralement fait état d'une augmentation des revenus de l'ordinateur central et des livraisons de capacité. Toutefois, les activités d'IBM dans le domaine des ordinateurs centraux n'ont pas été à l'abri du récent ralentissement général du marché des serveurs ou de la modélisation des effets de cycle. Par exemple, au quatrième trimestre de 2009, les revenus de matériel System z d'IBM ont diminué de 27 % d'un exercice à l'autre. Mais les expéditions de MIPS (millions d'instructions par seconde) ont augmenté de 4% par an au cours des deux dernières années Alsop se fait photographier en 200.


title: Pointe-à-Callière

text: La Pointe-à-Callière est le lieu de fondation de Ville-Marie qui deviendra Montréal. Cette pointe de terre, au nord de laquelle coulait une petite rivière, prit le nom de celui qui y fit construire son château : le gouverneur Hector de Callière.


title: Pointe-à-Callière

text: De nos jours, le site est occupé par Pointe-à-Callière, cité d'archéologie et d'histoire de Montréal. Inauguré le dans le cadre de la célébration du 350e anniversaire de Montréal, celui-ci a pour objectif de conserver et mettre en valeur le patrimoine archéologique de Montréal.


title: Pointe-à-Callière

text: Si l'édifice triangulaire appelé l'Éperon occupe la Pointe-à-Callière, le complexe muséal comprend également, au nord, la Place Royale, l'édifice de l'Ancienne-Douane et la Maison-des-Marins.


title: Pointe-à-Callière

text: L'architecture de l'Éperon est inspirée de l'édifice de la "Royal Insurance Company", auparavant au même endroit, utilisé à partir de 1870 par la douane.


title: Regula Mühlemann

text: Regula Mühlemann est née à Adligenswil, en Suisse. En 2010, elle étudie le chant avec Barbara Locher à l'Académie de musique de Lucerne. Ses premières apparitions sur la scène lyrique incluent les rôles suivants : Maturina dans "Don Giovanni Tenorio de" Gazzaniga, Barbarina dans "Les Noces de Figaro" (Susanna sera chantée en 2017-2018), Papagena dans "La Flûte enchantée", ainsi que Doralice dans "Il trionfo dell'onore" de Scarlatti. Elle s'est notamment produite sur des scènes telles que celles de Salzbourg, Berlin, Paris, Zürich, Lucerne et Genève.


title: Regula Mühlemann

text: Dans le documentaire de Bernard Weber de 2018 "" elle montre un aperçu de son travail et de sa relation au chant.


title: Regula Mühlemann

text: Elle obtient de nombreuses bourses telles que celles de la fondation Friedl-Wald, du Pour-cent culturel Migros, de la fondation Elvira-Lüthi-Wegmann, de la fondation Armin Weltner et de la fondation Jmanuel et Evamaria Schenk.


title: Regula Mühlemann

text: Dans la version cinématographique "Hunter's Bride" de l'opéra "Der Freischütz" de Weber, dirigée par Jens Neubert, Regula Mühlemann joue le rôle de Ännchen et est saluée par la critique. La "Neue Zürcher Zeitung" la voit comme .


title: La Parisienne (course)

text: La Parisienne est une course à pied réservée aux femmes organisée à Paris en septembre (généralement de 2e dimanche du mois) chaque année depuis 1997, sur une distance de l’ordre de . Depuis 2002 son parcours est tracé en plein cœur de Paris. La mairie de Paris, partenaire institutionnel de l’épreuve, apporte son soutien à l’organisation de la course par l’intermédiaire de ses différents services.


title: La Parisienne (course)

text: Cette course connaît depuis sa création une fréquentation croissante (jusqu’à inscrites en 2014), dont une bonne part participent avec leurs collègues de travail, en portant les couleurs de leur entreprise. Elle a développé un état d’esprit qui, plutôt que la compétition, privilégie le plaisir du sport, le bien-être, la féminité et le partage. Autour de la course se tiennent des entraînements, une préparation mentale et physique, de nombreuses animations sur plusieurs jours dans un « village » de stands, et la distribution de cadeaux. Chaque édition est généralement placée sous le parrainage d’une personnalité féminine, la « marraine ».


title: La Parisienne (course)

text: Depuis 2001 la Parisienne soutient la recherche médicale sur le cancer du sein. Elle permet depuis 2006 à la Fondation pour la recherche médicale de mettre en place des actions de collecte auprès des coureuses et des entreprises inscrites à la course. Les fonds versés à ces organisations sont constitués des ventes de rubans à 1 € que les participantes peuvent faire le choix d'acheter, ou des séances d'entrainement également à 1 €, les droits d'inscription (qui s'élèvent de 40 € à 50 € pour participantes) n'étant pas reversés.


title: The Lox

text: The Lox, stylisé The LOX, est un groupe de hip-hop américain, originaire de Yonkers, dans l'État de New York. Le groupe se compose des rappeurs Sheek Louch, Styles P et Jadakiss. Ils sont à l'origine signés sur le label Bad Boy Records de Sean Combs en 1995, avant de se joindre à Ruff Ryders Entertainment en 1999. Ils ont depuis lancé leur propre label, D-Block Records. Le nom de D-Block représente le collectif du label, qui inclut J-Hood (alias Jae Hood), Team Arliss, et le président de D-Block Records, Supa Mario


title: The Lox

text: Jason Phillips, David Styles, et Sean Jacobs, lancent leur carrière musicale dans leur ville natale de Yonkers. Étudiants, ils forment un groupe appelé The Bomb Squad, jouent sur la scène locale et produisent leur propre démos. En 1994, ils participent au titre ' de Main Source, extrait de l'album '. Tandis que la scène hip-hop est dominée par des groupes et artistes comme Raw Rome, Lord Devon et le jeune DMX, le groupe se popularise de par son style lyrique et par sa capacité à raconter les faits divers. Le groupe change de nom pour celui de The Warlocks, et continue à développer sa popularité underground à l'aide de mixtapes. Mary J. Blige est, à cette période, l'une de leurs admiratrices. Mary fait écouter l'une des démos du groupe au CEO du label Bad Boy Records, Sean Combs qui les contacte et les signe. À la demande de Combs, The Warlocks changent de nom pour The L.O.X, un acronyme pour ".


title: The Lox

text: The LOX se popularise à l'échelle nationale en 1997 grâce à leur collaboration avec Sean Combs sur le single ', peu après la publication de leur titre ' dédié à The Notorious B.I.G.. Le trio participe par la suite à une multitude de titres à succès comme ' de Ma$e, ' de Mariah Carey, et ' de Jennifer Lopez. Le premier album du groupe, ', est publié le , et se classe troisième du classement Billboard 200. En 1999, l'album est certifié disque de platine par la Recording Industry Association of America (RIAA).


title: The Lox

text: En été 1999, le trio ne se trouve pas satisfait de son parcours musical chez Bad Boy, et tente de rompre son contrat pour se joindre au tout nouveau label Ruff Ryders/Interscope. Bad Boy est connu pour ses titres dance et ses vidéos à haut budget, malgré le fait que The LOX s'investisse dans le rap hardcore. Le groupe signe finalement au label et publie son deuxième album, ", le . L'album se classe cinquième du Billboard 200.


title: The Lox

text: En 2003, le groupe fonde le label D-Block Records, officiellement lancé durant la publication de l'album solo de Sheek, ". Le nom de D-Block représente le collectif du label, qui inclut J-Hood (alias Jae Hood), Team Arliss, et le président de D-Block Records, Supa Mario. De nombreuses mixtapes et de nombreux CD de D-Block atteignent alors les top 40 des albums R&B et hip-hop depuis 2006.


title: The Lox

text: Un album collaboratif avec le Wu-Tang Clan est publié en 2012 et intitulé '. En , Jadakiss explique au magazine ' que de nombreux labels, dont Bad Boy et Maybach Music Group, ont fait leurs offres pour la publication du nouvel album de LOX. Le , le groupe publie un extended play (EP) surprise intitulé ", sur iTunes. L'EP débute du Billboard 200, et se vend à exemplaires lors de sa première semaine de publication.


title: The Lox

text: Le , The LOX annonce un concert international, nommé d'après leur EP '. Le , The LOX continue la publication de nouvelles chansons avec le titre ', diffusée par Funkmaster Flex. ' reprend le titre de Biggie Smalls ' en featuring avec Lord Tariq. Le , The LOX publie le clip de son titre ', extrait de son EP '. Le , le clip du titre " est mis en ligne.


title: The Lox

text: En 2012, The LOX avait annoncé la sortie d'un nouvel album intitulé ". Début 2014, Jadakiss donne plus de détails sur ce nouvel album de The LOX.


title: Chutes Livingstone

text: Les chutes Livingstone, nommées d'après l'explorateur David Livingstone, sont une suite de rapides sur le cours inférieur du fleuve Congo en aval du Pool Malebo en République démocratique du Congo. Le fleuve s'est creusé un lit à travers la chaîne des Monts de Cristal.


title: Chutes Livingstone

text: Les chutes assurent une différence de dénivelé de 270 mètres sur une distance de 350 kilomètres. Elles prennent fin aux environs de Pioka, puis un bief est navigable sur une centaine de kilomètres entre Pioka et Sangila puis les chutes reprennent jusque Matadi .


title: Chutes Livingstone

text: La présence de ces chutes sur le fleuve a justifié à la fin du la construction du chemin de fer Matadi-Léopoldville.


title: Chutes Livingstone

text: C'est au cours de la descente Africa-Raft de ces rapides que Philippe de Dieuleveult et six de ses coéquipiers disparurent le au niveau des chutes d'Inga.


title: Équipe de Suède de hockey sur glace

text: L'équipe de Suède de hockey sur glace représente la sélection nationale de Suède regroupant les meilleurs joueurs de hockey sur glace lors des compétitions internationales. Elle est communément appelée "" ("Trois couronnes" en français) et fait partie des nations occupant les premières places du classement international de l'IIHF.


title: Équipe de Suède de hockey sur glace

text: L'équipe est classée au classement IIHF en 2021 et évolue sous la tutelle de la Fédération de Suède de hockey sur glace aussi appelé en suédois "".


title: Équipe de Suède de hockey sur glace

text: La première participation de l'équipe de Suède a eu lieu en 1921. Certaines années, le classement du championnat d'Europe est déterminé par un tournoi (Jeux olympiques ou Championnats du monde).


title: Équipe de Suède de hockey sur glace

text: Les Jeux olympiques d'hiver tenus entre 1920 et 1968 comptent également comme les championnats du monde . Durant les Jeux Olympiques de 1980, 1984 et 1988 il n'y a pas eu de compétition du tout.


title: Fatou Fanny-Cissé

text: Fatou Fanny-Cissé, née Fatoumata Touré-Cissé en et morte le , est une écrivaine, universitaire et éco-féministe ivoirienne.


title: Fatou Fanny-Cissé

text: Elle effectue ses études à l'Université Félix-Houphouët-Boigny où elle obtient une maîtrise en sciences de la communication, puis un doctorat en lettres modernes, avant de devenir enseignant-chercheur dans le même département de l'université. Elle a également travaillé pour les Nouvelles Editions Ivoiriennes, ainsi que pour le magazine Planète Jeunes.


title: Fatou Fanny-Cissé

text: L'écrivaine entre dans le milieu littéraire en 2000, et écrit plus d'une douzaine de livres au cours de sa carrière, les plus connus étant : « Une femme, deux maris », « Maeva » et « Madame la présidente ». Elle publie à la fois des romans, des nouvelles, des œuvres sentimentales ou encore de la littérature jeunesse. Son dernier livre, "De mère en fille", est publié à titre posthume en 2019.


title: Fatou Fanny-Cissé

text: La cause féminine est l'un des principaux thèmes de ses ouvrages, tel que cela peut se percevoir à la lecture des titres de ses livres.


Le Parti communiste du Népal (marxiste-léniniste unifié) ou PCN(MLU) ou ML ( ou CPN-UML, CPN(UML) ou UML) est un parti politique népalais. Malgré son idéologie officielle, le PCN(MLU) est considéré comme un parti de centre gauche.


title: Parti communiste du Népal (marxiste-léniniste unifié)

text: Depuis la restauration du Parlement par le roi Gyanendra en , le PCN(UML) participe aux deux gouvernements intérimaires successifs dirigés par Girija Prasad Koirala.


text: Dans le cabinet nommé le , le PCN(UML) est représenté par six ministres, dont une femme, Sahana Pradhan, qui détient le portefeuille des Affaires étrangères. En 2017, le Parti marxiste-léniniste unifié forme l'Alliance de gauche pour la stabilité et la prospérité avec les maoïstes. Aux élections législatives et régionales de , le Parti marxiste-léniniste unifié obtient 49 % des voix et le parti maoïste 22 %, ouvrant la voie à un gouvernement commun.


text: Entre 2018 et 2021, le PCN(MLU) fusionne avec le Parti communiste unifié du Népal (maoïste) au sein du Parti communiste du Népal.


text: Le PCN-MLU dispose, dans l'Assemblée constituante mise en place à la suite du scrutin du , de 108 sièges (sur 601) :


text: L'un de ses dirigeants, Subash Chandra Nemwang, a été le seul élu à se porter candidat aux fonctions de président de l'Assemblée constituante, le , recevant le soutien de 14 partis sur les 25 représentés à l'assemblée, et a été élu à l'unanimité.


text: Entre 2009 et 2011, durant une période d'instabilité politique, plusieurs cadres du Parti communiste du Népal (marxiste-léniniste unifié) ont été Premiers ministres, gouvernant en coalition avec le Congrès népalais. Après le scrutin de 2013, le PCN(UML) participe à nouveau au gouvernement, cette fois dirigé par le Congrès népalais.


title: Ramata Diakité (chanteuse)

text: Ramata Diakité est une chanteuse malienne, née en 1976 au Wassoulou et morte le à Ouagadougou (Burkina Faso).


title: Ramata Diakité (chanteuse)

text: Ramata Diakité débute comme choriste auprès de sa tante chanteuse Djénéba Diakité. En 1995 elle est révélée dans une émission de la télévision malienne. En 1996, elle produit sa première chanson dénommée "Artiste". Elle y fait l’éloge des musiciens maliens sur une mélodie hindoue. C’est un succès populaire. En 1997, elle enregistre un album produit par MaliK7 intitulé "Na" (qui est d’ailleurs l’album le plus vendu en 98 au Mali) . L’année suivante, elle participe à l’enregistrement de l’album de Toumani Diabaté et Taj Mahal "Kulunja". En 2000, elle enregistre un nouvel album, "confirmation" puis en 2004, elle enregistre aux États-Unis l’album "Djonya" ("L’esclavage"). Le clip de cette chanson, tournée sur l’Île de Gorée, obtient le « Tamani du meilleur clip de l’année » en 2005. En 2006, Ramata Diakité produit un nouvel album, "I Danse", qui lui vaut le «Tamani de la meilleure artiste féminine ».En 2007, elle produit un nouvel album "maban" puis en 2008 elle sort son dernier album intitulé "burutumu". La même année (2008) , le Bureau malien des droits d’auteur (BUMDA) lui décerne le prix de la meilleure artiste du Mali. Elle meurt en à cause d’une longue maladie. .


title: Facteur Stuart

text: Le facteur X, aussi connu par l'éponyme, facteur Stuart ou facteur de Stuart-Prower est une enzyme () de la cascade de coagulation. Il s'agit d'une protéase à sérine (peptidase du groupe S1).


title: Facteur Stuart

text: Le facteur X peut être activé soit par le facteur IX (et son cofacteur VIII), soit par le facteur VII (et son cofacteur le facteur tissulaire). Il est par conséquent le premier facteur impliqué dans la voie finale commune de la cascade de coagulation.


title: Facteur Stuart

text: Le facteur Xa est la forme activée du facteur X, par son action clivante il active la prothrombine (facteur II) en thrombine (facteur IIa). Couplé à la forme activée du facteur V, il forme la prothrombinase.


title: Facteur Stuart

text: Le déficit congénital en facteur X est une maladie héréditaire rare et de sévérité variable pouvant se manifester par des hémorragies à tout âge de la vie.


title: Facteur Stuart

text: Le facteur Xa est inhibé par certains anticoagulants oraux directs tels que le rivaroxaban, l'apixaban ou l'edoxaban.


title: Le Livre de la mort (anonyme)

text: Le Livre de la mort (titre original : "") est un roman policier, paru de manière anonyme en 2012directement dans sa traduction française aux éditions Sonatine, traduit par Diniz Galhos. Une version en langue originale a ensuite été publiée par les éditions Black Shadow Press en 2014. Il s'agit du quatrième volume de la série "Bourbon Kid".


title: Le Livre de la mort (anonyme)

text: L'action reprend là où le lecteur l'avait laissée dans "L'Œil de la Lune", deuxième volume de la série (l'action du troisième se situant avant celle du premier). Alors qu'on pensait le Bourbon Kid, héros récurrent des précédents opus, définitivement disparu, le voilà contraint de revenir d'entre les morts, au risque de dévoiler sa nouvelle identité, pour sauver son amour de jeunesse, Beth, et empêcher par la même occasion qu'un massacre général n'anéantisse la petite ville de Santa Mondega, bien connue des lecteurs de la série.


title: Tour Total (Michelet)

text: La tour Michelet est un gratte-ciel de bureaux situé dans le quartier d'affaires français de la Défense (précisément à Puteaux). Elle accueille notamment la société Total. Dès sa création, elle a été le siège de la société Kodak Pathé.


title: Boucle d'induction magnétique

text: Une boucle d'induction magnétique (BIM) est un système électromagnétique de communication ou de détection. Il utilise un aimant mobile pour induire un courant électrique dans une boucle adjacente. Les boucles d'induction magnétique sont utilisées pour la transmission et la réception de signaux de communication, ou pour la détection d'objets métalliques par des détecteurs de métaux, ou des indicateurs de présence de véhicule. On utilise également les boucles d'induction magnétique pour fournir une aide auditive aux personnes malentendantes utilisatrices d'appareils auditifs via une boucle auditive.


title: Boucle d'induction magnétique

text: Le système de boucle d'induction magnétique d'une antenne émettrice peut consister en une ou plusieurs boucles d'un élément conducteur.


title: Boucle d'induction magnétique

text: Les dispositifs industriels courants possèdent une seule grosse ou plusieurs boucles, sous la forme d'un complexe formé de multiples lobes, le plus souvent positionné au-dessus de l'aire de détection considérée.


title: Boucle d'induction magnétique

text: Le récepteur est typiquement une très petite bobine à noyau de fer, bien que l'entreprise anglaise Rediffusion utilisait un prototype se basant sur l'effet Hall dans son système PLL FM.


title: Boucle d'induction magnétique

text: On utilise souvent un amplificateur de puissance couplé à la faible impédance de la boucle de transmission. La transmission est préférée directe plutôt que superposée ou modulée par une porteuse, bien que des systèmes multi-canaux aient été implantés, utilisant la FM.


title: Boucle d'induction magnétique

text: Les boucles d'induction magnétiques sont utilisées pour détecter les véhicules arrivant ou passant par un certain point, par exemple un feu de circulation, et sur les autoroutes, à gérer le trafic. Une boucle conductrice isolée est installée dans la chaussée. Les composants électroniques transmettent l'information dans les câbles à des fréquences comprises entre et , selon les installations.


title: Boucle d'induction magnétique

text: Ce système se comporte comme un circuit oscillant dans lequel la boucle et le câble d'arrivée font office d'éléments inductifs. Lorsqu'un véhicule passe ou est à l'arrêt sur la boucle, le véhicule induit des courants de Foucault dans la boucle, ce qui fait baisser leur inductance. Cette diminution actionne le relais de sortie, ce qui envoie un signal au système de régulation du trafic, signifiant le passage ou la présence d'un véhicule.


title: Boucle d'induction magnétique

text: Les parkings pour automobiles peuvent avoir de tels systèmes. Les chemins de fer peuvent utiliser une boucle d'induction magnétique pour détecter le passage des trains à un point donné. Cela permet de tracer le parcours ou le retard de ceux-ci sur les moniteurs de surveillance.


title: Boucle d'induction magnétique

text: Généralement assez efficaces pour la détection de véhicules, ces capteurs sont assez répandus dans les parkings pour compter le nombre de places vacantes. Cependant, la première limite de ces capteurs provient de l'effet de peau, qui peut rendre difficile la détection d'un véhicule.


title: Boucle d'induction magnétique

text: Une autre sorte de boucle d'induction magnétique est utilisée dans les détecteurs de métaux, dans lesquels une grande bobine, qui fait partie d'un circuit résonant, est décalée en phase à proximité d'un objet conducteur. Ce peut être un objet métallique (détection de câbles et métaux) ou un objet conducteur (détecteur de montants).


title: Boucle d'induction magnétique

text: Ces équipements peuvent utiliser deux ou plusieurs bobines de réception, et l'objet détecté modifie le couplage inductif ou modifie l'angle de phase de la tension induite dans les bobines réceptrices par rapport à la bobine émettrice.


title: Boucle d'induction magnétique

text: Une application de plus en plus courante se situe dans la prothèse auditive. Une boucle ou une série de boucles, appelées boucles auditives, est utilisée pour fournir un champ magnétique oscillant selon la fréquence des sons qu'on cherche à émettre, dans une zone où un porteur d'une prothèse auditive est présent. Beaucoup de ces prothèses contiennent une bobine appelée « Telecoil » qui permet de capter le champ magnétique et le transformer en son tout en supprimant le signal audio provenant du microphone de la prothèse.


title: Boucle d'induction magnétique

text: Une boucle de détection de sous-marins était un appareil utilisé pour détecter les sous-marins et les navires de surface en utilisant des câbles immergés spécifiques connectés à un galvanomètre.


title: Boucle d'induction magnétique

text: Dans le cadre de la mise en conformité des blocs opératoires avec les nouvelles normes de radioprotection, on installe des prises de courant dédiées aux appareils mobiles de radioscopie munies de boucles de détection de courant. Le dispositif permet ainsi d'activer un signal lumineux situé au-dessus des portes d'accès à la salle et indiquant l'utilisation des rayons X dès la mise sous tension de l'appareil.


title: Boucle d'induction magnétique

text: L’installation de boucles d’induction magnétique est obligatoire au regard de la loi dans certaines catégories d’ERP. En effet, les personnes malentendantes ont le droit d’accéder aux établissements recevant du public, comme n’importe quel visiteur.


title: Boucle d'induction magnétique

text: Ces obligations concernent : les ERP remplissant une mission de service public, les ERP de 1er (effectif admissible de plus de 1 500 personnes) et 2 ème catégorie (effectif admissible entre 701 et 1 500 personnes). Les guichets d'accueil des ERP de 3ème et 4ème catégories neufs ou faisant l'objet d'un aménagement (Depuis le seulement).


title: Hôpital de la Marine de Rochefort

text: L'hôpital de la Marine de Rochefort, ou hôpital maritime, est un ancien hôpital militaire du formant un ensemble monumental de bâtiments, de cours et de jardins ouvrant sur l'avenue Camille-Pelletan et le cours d'Ablois à Rochefort, dans le département français de Charente-Maritime. Il est le premier hôpital de France de conception pavillonnaire.


title: Hôpital de la Marine de Rochefort

text: L'hôpital de la Marine est d'abord implanté à Tonnay-Charente en 1666. En 1683, il est transféré sur le quai aux Vivres de Rochefort. En 1788, il trouve son site définitif au lieu-dit la Butte. Le pavillon sud-ouest du nouvel établissement accueille l'école de médecine navale de Rochefort, fondée plus tôt, la première au monde. Elle devient en 1890 une école annexe, préparant au concours de l'école principale de Bordeaux. Elle ferme en 1964.


title: Hôpital de la Marine de Rochefort

text: L'hôpital ferme à son tour en 1983. Il est acheté en 1989 par une société immobilière. En 1998, le pavillon sud-ouest devient le musée national de l'Ancienne École de médecine navale.


title: Hôpital de la Marine de Rochefort

text: Cet ancien hôpital de la Marine ne doit pas être confondu avec l'établissement voisin, l'ancien hôpital civil Saint-Charles, construit lui aussi au , démoli, reconstruit de façon moderne en 1972, et désaffecté en 2011.


title: Hôpital de la Marine de Rochefort

text: Dès la création de l'arsenal de Rochefort voulu par Louis XIV, un hôpital royal de la Marine est fondé pour soigner les ouvriers chargés des travaux. Il ouvre le dans le prieuré Saint-Éloi, à Tonnay-Charente. Ce lieu exigu étant éloigné de Rochefort, l'ordonnance du prescrit la création d'un hôpital à Rochefort même.


title: Hôpital de la Marine de Rochefort

text: Transformé par la suite en logis, le bâtiment du prieuré Saint-Éloi existe toujours, rue De-Lattre-de-Tassigny, à Tonnay-Charente.


title: Hôpital de la Marine de Rochefort

text: Ce n'est que dix ans après l'ordonnance, en , que le transfert s'effectue. Le nouvel établissement, appelé hôpital-Charente, ouvre à Rochefort sur le quai aux Vivres, dans le prolongement du magasin aux vivres, au bord d'un chenal alors malsain. Il se compose au départ d'un corps de logis et de deux petits pavillons. À sa tête se trouve un commissaire, désigné par l'intendant de la Marine. En 1693, il a une capacité de , répartis en quatre salles. De 1697 à 1710, il est doté d'un premier jardin botanique. Les soins infirmiers sont alors dispensés par des religieuses de l'ordre de Saint Vincent de Paul.