title: Love Bugs

text: La seconda stagione della sitcom (chiamata "Love Bugs²," da leggersi "Love Bugs alla seconda") vede protagonista ancora il commercialista Fabio, affiancato però stavolta da Elisabetta, la sua nuova fidanzata. La sua storica ragazza Michelle, infatti, dopo una trasferta di lavoro negli Stati Uniti con il suo affascinante capo, l'ha lasciato per mettersi proprio con lui. Fabio ne è uscito distrutto, ma dopo qualche mese ha incontrato Elisabetta: i due hanno iniziato a frequentarsi, e dopo un anno di fidanzamento hanno deciso di andare a vivere insieme. Elisabetta è completamente diversa da Michelle: accentua ancor di più l'aspetto "leggero" della ragazza, corrispondendo perfettamente all'archetipo della "bella ma stupida". Originaria della Sardegna, di professione gestisce un negozio di biancheria intima assieme alla sua migliore amica e a un ragazzo dichiaratamente gay, mal sopportato da Fabio.


title: Love Bugs

text: Elisabetta è molto autoritaria nei confronti di Fabio e rivela un carattere piuttosto vendicativo: ne è la prova il fatto che quando lui tenta, tra il serio e il faceto, dei dialoghi con altre ragazze, lei non solo non glielo perdona ma addirittura gli rende pan per focaccia corteggiando lei a sua volta altri uomini; altre volte non esita a sbatterlo letteralmente fuori di casa quando combina qualche malefatta. Fabio la ama, ma qualche volta si ritrova a rimpiangere la sua ex Michelle, ed Elisabetta non prende mai bene ciò. Fabio ha a che fare anche con la madre di Elisabetta, con cui non ha però il rapporto conflittuale che aveva con la mamma di Michelle, forse perché si tratta di una signora ancora giovanile e di bell'aspetto. Anche se più raramente rispetto al passato, Fabio frequenta ancora Marco, il quale si è a sua volta lasciato con Daniela, e il suo gruppo di amici, a cui però adesso si aggiunge anche Elisabetta, a sua volta un'accesa sportiva e tifosa.


title: Love Bugs

text: La terza stagione della sitcom (chiamata "Love Bugs³," da leggersi "Love Bugs alla terza") vede protagonista una nuova coppia, Emilio e Giorgia. Emilio è un quarantenne barese trapiantato ormai da molti anni a Milano e ancora molto legato alla sua terra d'origine; ne sono la prova l'amore per la buona cucina e lo sfrenato tifo calcistico per il . Lavora in una concessionaria di auto come venditore, anche se sogna di aprirne una tutta sua. Convive con la sua fidanzata Giorgia, una ragazza di circa tredici anni più giovane di lui. I due sono letteralmente agli antipodi: mentre Emilio è tranquillo, ordinato e abitudinario, Giorgia è esuberante, impulsiva e passionale.


title: Love Bugs

text: Figlia di genitori separati e inglese da parte di padre, Giorgia ha vissuto fin da piccola in un ambiente cosmopolita, vivendo mille esperienze diverse e trovando una stabilità solo quando ha conosciuto Emilio. Lui la ama alla follia, ma a volte è intimorito dalla grande differenza di età e dai tanti coetanei che girano intorno a Giorgia, di cui è molto geloso. I due cercano sempre di fare qualcosa insieme, ma con scarsi risultati: lei non riesce ad appassionarsi al pallone e ai motori, mentre lui non comprende lo spirito naturalista di Giorgia, che la porta a spendere gran parte del suo tempo libero, nonché a sacrificare anche il suo lavoro di insegnante di inglese, facendo volontariato per sostenere e promuovere le più disparate cause ecologiste.


title: Mitologia cinese

text: La mitologia cinese è la mitologia della civiltà cinese. Molte leggende cinesi risalgono all'era mitica dei Tre Augusti (三皇, "sanhuang") e dei Cinque Imperatori (五帝, "wudi").


title: Mitologia cinese

text: La mitologia cinese è conosciuta grazie a testi risalenti alla dinastia Han. Risalenti a più di duemila anni fa, possono essere considerati in un certo senso recenti. Furono redatti da letterati che rivisitarono la mitologia antica, tenendo conto delle loro concezioni filosofiche. In certi casi hanno associato le più importanti divinità a sovrani cinesi. Hanno anche associato molti dèi alle "cinque direzioni" (i quattro punti cardinali e il centro), secondo una cosmologia elaborata nella bassa antichità.


title: Mitologia cinese

text: Possiamo avere un'idea di cosa fosse la mitologia cinese originaria, comparandola con quella di altri popoli dell'Estremo Oriente. Estendendo il paragone a tutta l'Eurasia, ci si può rendere conto che gran parte della mitologia cinese è di origine indo-europea. Possiede infatti dei punti in comune con la mitologia germanica, la mitologia greca e quella dei popoli slavi e scandinavi. Questo è dovuto alla remotissima invasione della Cina da parte di un popolo indo-europeo, i Tokhariani, più di tremila anni fa. I cinesi dell'antichità li chiamavano i Quan-Rong, il termine "Rong" era applicato a tutti i barbari occidentali.


title: Mitologia cinese

text: Nell'Estremo Oriente e in Oceania, esisteva un dualismo cosmologico che metteva in opposizione due principi, da una parte la luce, il Sole e il fuoco, dall'altra il buio, la Luna e l'acqua. Il primo principio era generalmente rappresentato da un uccello. In Cina era un corvo. L'Uccello è un concetto emerso sotto la dinastia Shang, la prima attestata dall'archeologia. Il secondo principio era raffigurato da un serpente o un animale acquatico. La madre di Shun, uno dei sovrani mitici della Cina, era del clan del Serpente, il padre del clan dell'Uccello. Shun era dunque nato dall'unione dei due principi. Questo mito illustra il Totemismo dell'antica società cinese, secondo cui ogni clan aveva un animale ancestrale.


title: Mitologia cinese

text: Xie era l'ancestrale degli Shang e sua madre si chiamava Jiandi. Un giorno, mentre ella si lavava in un lago sulla Collina Oscura, un uccello nero passò con un uovo multicolore nel becco. Lo lasciò cadere, Jiandi lo prese e se lo mise in bocca, facendo nascere Xie. Si tratta di un'unione particolare di principi cosmici, in cui da una parte c'è l'acqua del lago, dall'altra l'Uccello.


title: Mitologia cinese

text: Il Sole risiede su un albero, chiamato Fusang o Kongsang. Si alza regolarmente da quest'albero, di mattina, per posarsi su un altro albero, a Ovest. In origine c'erano dieci soli. Un giorno sollevandosi tutti insieme, portarono agli uomini un calore intollerabile. Yao, ne abbatté nove con le sue frecce. Nella maggior parte dei testi è invece Yi l'arciere che abbatte i soli, su richiesta di Yao. Questo mito è la prova della correlazione tra la mitologia cinese e quelle indo-europee, il mito è infatti presente anche nella mitologia siberiana e in quella amerinda.


title: Mitologia cinese

text: La creazione del mondo fu dovuta alla fine del gigante, Pangu. Il suo soffio divenne vento e nuvole, il suo occhio destro il Sole, il suo occhio sinistro la Luna, i suoi quattro arti i quattro angoli del mondo, il suo sangue e il suo sudore il Fiume Giallo e il Fiume Azzurro, ecc. Pangu è di tutta evidenza correlato al gigante Ymir della mitologia norrena o da Purusha della mitologia indiana. Il mito è giunto in Cina tardivamente dal Tibet, già in contatto con la civiltà tokhariana.


title: Mitologia cinese

text: Ci sono differenti concezioni del cielo, e certe analogie con la civiltà dei Serbi: ci sono nove cieli, separati da porte sorvegliate da tigri e pantere e da uno dei guardiani di Shangdi. La concezione serba del cielo è conosciuta in forma cristianizzata: Dio ha chiuso ognuna delle sette porte del cielo e vi ha posizionato come guardiano un angelo.


title: Mitologia cinese

text: All'inizio della loro storia, i Cinesi, posizionano i Tre Augusti (三皇 Sān Huáng): Fuxi, Nüwa e Shennong. Fuxi è oggi chiamato Taihao. Le leggende vogliono che abbia insegnato la pesca e l'allevamento agli uomini. Aveva un ruolo di mediatore tra gli uomini e gli esseri divini. Sua sorella e sposa era Nüwa, una dea della fecondità: presiedeva ai matrimoni, come Fuxi, e alla nascita dei bambini. Shennong era invece un dio dell'agricoltura che aveva importanza anche nel commercio. Gli si attribuisce anche la scoperta delle piante medicinali.


title: Mitologia cinese

text: Le più belle raffigurazioni di Fuxi e Nüwa sono collocate nelle tombe della regione Tourfan, nell'Est della Cina. Sono datate dal IV all'VIII secolo d.C., epoca in cui la regione era tokhariana. Le due divinità hanno code di serpente. Fuxi tiene una squadra, simbolo del cielo maschile. Nüwa un compasso, simbolo della Terra, femminile. Inoltre, Fuxi e Nüwa sono accompagnati da due soli. In alcune tombe degli Ittiti datate intorno ai 4000 anni fa, si trovano raffigurazioni simili di due gemelli, maschio e femmina, accompagnati da due soli. Questi gemelli sono quelli che nei testi ittiti si identificano come dio del Sole e del Cielo e dea del Sole e della Terra.


title: Mitologia cinese

text: Un paragone tra le dee Nüwa e Atena dimostra che sono praticamente identiche. Entrambe dee della musica e della fecondità (Atena lo era in tempi arcaici). La prima era inoltre qualificata come "Imperatrice Divina" e sposa di Yu il Grande, fondatore della dinastia Xia. Atena, le leggende vogliono fosse associata a qualche sovrano. Nüwa era inoltre considerata "Grande Saggia", come Atena era la dea della saggezza.


title: Mitologia cinese

text: Secondo un famoso mito cinese, una figlia di Shennong di nome Nüwa (dove la sillaba "wa" è rappresentata da un ideogramma diverso) annegò nel mare Orientale mentre passeggiava sulla riva. Si trasformò in un uccello, il "jingwei", che somigliava a un corvo. Secondo il "Shuyi ji", opera della dinastia Tang, si sarebbe piuttosto annegata in un fiume. In effetti si conosce una certa Fufei, il cui nome significa "Sposa di Fuxi" e che è quindi identificabile con Nüwa, che si è annegata in un fiume. Si può quindi affermare che queste due Nüwa sono identiche. Secondo una leggenda greca raccontata da Ovidio, una figlia del re passeggiava su una riva quando il dio del Mare cercò di violentarla. Lei si trasformò in una cornacchia, uccello simile al corvo. Questa figlia del re era associata a Atena, la quale è stata vittima di un tentativo di stupro commesso da Héphaïstos, un dio marino. Si può notare così la parentela dei miti cinesi e greci.


title: Mitologia cinese

text: Si potrebbe obiettare che Atena non è affatto la sorella-sposa di un dio simile a Fuxi, il quale non ha alcun equivalente nella mitologia greca. Ciò si spiega con il fatto che aveva carattere sacerdotale (i testi cinesi gli attribuiscono l'invenzione del metodo di divinazione esposto nel I Ching) e che presso i Greci non esisteva alcuna classe di preti.


title: Mitologia cinese

text: I letterati della Cina antica ricordavano Huangdi, l'Imperatore Giallo, come l'antenato mitico dei Rong-Chien. I Cinesi l'hanno adottato e hanno fatto di lui il successore dei Tre Augusti, considerandolo il fondatore della loro civiltà. Aveva una residenza in cima al Monte Kunlun, una montagna da cui nascevano quattro fiumi, ma si comportava come un nomade. Si spostava con un carro e il suo vero nome, Xuanyuan, significava «Asse del Carro». Gli si attribuiscono talvolta quattro teste. Di grande intelligenza, sapeva parlare pochi giorni dopo la nascita, ed era magico e divino. Uno dei suoi ministri avrebbe inventato la scrittura. Era un guerriero, che apprese «l'uso dello scudo e della lancia», secondo lo storico Sima Qian. Sapeva anche domare le bestie selvagge. I Cinesi gli hanno associato due fratelli, Shentu e Yulei, che uccidevano i demoni.


title: Mitologia cinese

text: Huangdi condusse una lotta molto dura contro Chiyou, presentato come un figlio, un nipote o un ministro di Shennong. Era un forgiatore e un esperto nella fabbricazione delle armi, che d'altronde avrebbe inventato lui stesso. È stato venerato come dio della Guerra. Huangdi utilizzò contro Chiyou un esercito di animali selvaggi. L'episodio più famoso della battaglia è quello durante il quale Chiyou creò una nebbia fitta. Il Principe del Vento, spesso associato a Huangdi, fabbricò una statua montata su un carro che indicava sempre il sud con il suo braccio destro; ciò permise alle truppe di Huangdi di orientarsi in quella nebbia. In seguito, Chiyou provocò un uragano, con dei venti violenti e piogge torrenziali. Huangdi fece venire sua figlia Ba, che portava siccità. L'uragano fu sconfitto, ma Ba non poté più ritornare in cielo: suo padre la esiliò nei territori del nord, che lei trasformò in deserto. I testi cinesi situano frequentemente questa battaglia in un luogo chiamato Panquan, la "Sorgente del Talus".


title: Mitologia cinese

text: Secondo il Guizang, un'opera antica conosciuta soltanto attraverso delle citazioni, Chiyou si attaccò al Kongsang per impedire al sole di sorgere, lasciando la terra in un'oscurità eterna.Il mito del combattimento tra Huangdi e Chiyou trova anche un equivalente presso gli Slavi dei Balcani. Questi ultimi raccontavano che il dio del tuono doveva affrontare ogni mattino una creatura a forma di drago o serpente, che voleva catturare il sole per far cadere il mondo nelle tenebre. Questa creatura creava delle nebbie fitte e delle tempeste distruttive. Si tratta sicuramente del mito più importante per i Tokhariani, che erano legati alla loro venerazione per il sol levante. La menzione del Kongsang si spiega con la trasposizione cinese di questo mito, poiché per gli Indo - europei il sole sorgeva dal mare che circondava la terra e non da un albero.


title: Mitologia cinese

text: Siccome il combattimento tra Huangdi e Chiyou è spesso situato vicino ad una sorgente, può essere paragonato all'uccisione del serpente Pitone, che custodiva una fonte vicino a Delfi, per mano di Apollo. Un'analisi più approfondita di Huangdi e Apollo rivela che queste due divinità erano simili. Si può paragonare Huangdi al dio Lúg dei Celti o al dio Wotan dei Germani. Nella mitologia indiana, Indra è il vincitore di un serpente che cercava di trattenere il sole o le acque.


title: Mitologia cinese

text: Un'altra divinità, Xiwangmu, la Regina-Madre d'Occidente, è sempre stata associata ai territori occidentali, dove vivevano i Tokhariani. Era una dea della fecondità, con un'intensa attività sessuale. Era la guardiana dei frutti dell'immortalità. Regnava anche sui destini umani e sull'occidente, che era considerata la terra dei morti, e poteva scatenare epidemie. La si può paragonare alla dea tedesca Frija o alla scandinava Freyja. Tutte erano probabilmente personificazioni della Terra. Sembra anche che sia stata una forma di Nüwa, altra dea della fecondità, che corrispondeva alla dea "Sole della Terra" degli Ittiti. Entrambe avevano dei legami con i serpenti; Xiwangmu, come Nüwa, aveva una relazione con gli strumenti musicali a fiato.


title: Mitologia cinese

text: La somiglianza di Yi l'arciere e dell'eroe greco Eracle è stata osservata da molto tempo. Sono entrambi eroi solitari e cacciatori di mostri. Come Eracle, Yi ha affrontato un certo numero di «fatiche». Come Yi, Eracle era un arciere. Non volendo scendere sotto terra dopo la sua morte, Yi si recò presso la Regina-Madre d'Occidente e ottenne da lei delle pillole d'immortalità, ma la sua sposa Chang'e gliele rubò. Similmente, Eracle arrivò a rubare le mele dell'immortalità, che erano proprietà della dea Era, ma le restituì per ordine di Atena. Questi due eroi, che avrebbero potuto evitare la morte, ebbero una fine tragica. Secondo alcuni testi cinesi, Yi fu assassinato dalla sua sposa Fufei (citata sopra, che sarebbe quindi equivalente a Chang'e) e da Han Zhuo, l'amante di lei. Allo stesso modo, Eracle fu ucciso dalla sua sposa Deianira e dal Centauro Nesso, che aveva cercato di violentarla.


title: Mitologia cinese

text: L'immortalità è stato un concetto essenziale della religione dei Greci e dei Tocari. Da Omero, i termini «immortale» e «dio» sono sinonimi. Ugualmente, il termine tokhariano per gli dei, "ñäkte", significava probabilmente «immortale».


title: Mitologia cinese

text: È importante anche notare che le «fatiche» di Yi sono conseguenti alla lotta di Huangdi contro Chiyou. Così, Yi ha ucciso il Grande Serpente divoratore di stelle, mentre Huangdi ha vinto Chiyou, che cercava di impedire al sole di salire in cielo. È così dunque che Yi è diventato re durante una spedizione nel bacino del Tarim e che Huangdi era la "versione divina del re". Questo stesso parallelismo esiste nella mitologia greca: così come il "dio" Apollo ha ucciso il serpente Pitone vicino ad una sorgente, il "re" Cadmo ha ucciso un serpente che custodiva una sorgente nel sito di Tebe. Apollo era spesso chiamato "sovrano", il che non accadeva per suo padre Zeus.


title: Mitologia cinese

text: A differenza del pensiero contemporaneo della Cina nei confronti delle istanze LGBT la mitologia cinese è ricca di relazioni omosessuali e di tematiche transgender.


title: Edoardo Nevola

text: Dal 1954 al 1965, Edoardo Nevola è uno degli attori bambini più popolari del cinema italiano con oltre una quindicina di film, spesso in ruoli di primo piano.


title: Edoardo Nevola

text: È noto soprattutto per aver interpretato nel 1956 il personaggio di Sandrino, il figlio del macchinista, nel film "Il ferroviere" di Pietro Germi, e nel 1964 Gavroche, lo sfortunato figlio dei locandieri Thénardier, nello sceneggiato diretto da Sandro Bolchi, "I miserabili".


title: Edoardo Nevola

text: Da adulto, come musicista e attore, ha lavorato con Renato Zero, Giorgio Albertazzi, Loredana Bertè, Giancarlo Giannini, Carlo Reali, Roberto Bonanni.


title: Edoardo Nevola

text: Nel doppiaggio ha prestato la voce a Will Smith nella serie "Willy, il principe di Bel Air", per la quale ha adattato in italiano la sigla firmando il testo con Rossella Izzo e realizzato alcune canzoni. In una dialoga con Myriam Catania, che nella serie presta voce a Tatyana Ali nel ruolo di Ashley Banks, cugina del protagonista. Ha doppiato: Hal Dielrich ne "La casa", Angel David ne "Il corvo", Austin Pendleton in "A Beautiful Mind", Kevin J. O'Connor in "La mummia" e Martin Short in "Un semplice desiderio". Inoltre ha doppiato Ed, un personaggio di "Ed, Edd & Eddy", Tornado Kid in "Tornado Kid e Sonnacchia" e Cilindro in "Cuccioli".


title: Edoardo Nevola

text: Alla fine degli anni settanta ha utilizzato lo pseudonimo Yo Yokaris per la propria carriera da cantante solista, prodotto da Renato Zero.


title: Edoardo Nevola

text: Tra il 1996 e il 1997 ha partecipato, nella parte di don Andrea, alla serie televisiva "Caro maestro" diretta da Rossella Izzo con Marco Columbro ed Elena Sofia Ricci nella parte dei protagonisti.


title: Edoardo Nevola

text: Nel 1998 ha dato voce al pappagallo Paulie, nel film "Paulie - Il pappagallo che parlava troppo" (doppiato in originale dall'attore Jay Mohr).


title: Philip Morris (sigarette)

text: Philip Morris (precedentemente Diana) è una marca di sigarette prodotte e commercializzate dalla Philip Morris USA, sussidiaria della Altria Group (conosciuta precedentemente come Philip Morris Companies Inc.), negli Stati Uniti d'America, e dalla Philip Morris International, nel resto del mondo.


title: Philip Morris (sigarette)

text: Nel commercio italiano si trovavano diverse varianti. In tutte, lo slogan presente nel retro della confezione era "Diana in ogni dettaglio", ed era posto sotto la marca.


title: Philip Morris (sigarette)

text: I pacchetti avevano diverso aspetto: quello tradizionale era composto dalla scritta Diana in verticale a destra con dei piccoli rombi sparsi, altri sono stati prodotti occasionalmente, come quello per il 150º anniversario d'unità d'Italia.


title: Philip Morris (sigarette)

text: Nel 2014 il pacchetto cambia look con la scritta bianca Diana in orizzontale contornata da una "D" somigliante ad un triangolo avente il colore che corrisponde al tipo di sigaretta. Il resto del pacchetto era bianco con linee sottili grigie che girano attorno al pacchetto. Oltre alle sigarette preconfezionate, esistono due tipi di trinciati: "Philip Morris Volume Tobacco" da 30g e "Philip Morris Blue" da 30g.


title: Musica da camera

text: La musica da camera è un filone tradizionale della musica classica, nel quale rientrano composizioni in cui il ruolo del singolo strumento è sempre individuale. Mentre nella musica orchestrale sono previsti in genere gruppi di esecutori per ogni timbro strumentale (ad esempio 15 primi violini, 10 violoncelli, ecc.), in quella da camera, in genere, due diversi strumenti procedono all'unisono solo episodicamente.


title: Musica da camera

text: Le composizioni da camera sono scritte di solito per un ristretto numero di esecutori (strumentali e vocali); lo stesso nome deriva proprio da questa circostanza. Rientra così nel filone cameristico tutta la letteratura per uno strumento solista.


title: Musica da camera

text: Dai suoi inizi, del periodo medievale ad oggi, la musica da camera è stata un riflesso dei cambiamenti nella tecnologia e nella società che l'ha prodotta.


title: Musica da camera

text: Durante il Medioevo e il primo Rinascimento, gli strumenti venivano usati principalmente come accompagnamento per i cantanti. I suonatori di archi suonavano insieme alla linea melodica del cantante. C'erano anche ensemble puramente strumentali, spesso di archi precursori della famiglia dei violini, chiamati consort.


title: Musica da camera

text: Alcuni analisti ritengono che l'origine degli insiemi strumentali classici sianono state la sonata da camera e la sonata da chiesa. Si trattava di composizioni scritte per gruppi da uno a cinque o più strumenti. La sonata da camera era un insieme di movimenti lenti e veloci, intervallati da melodie da ballo; la sonata da chiesa aveva la stessa struttura, ma i balli venivano omessi. Queste forme si sono gradualmente sviluppate nel trio sonata del Barocco, due strumenti acuti e uno basso, spesso con una tastiera o un altro strumento a corde (clavicembalo, organo, arpa o liuto, per esempio) riempiendo l'armonia. Sia lo strumento basso che lo strumento a corda suonavano la stessa parte, ovvero il basso continuo.


title: Musica da camera

text: Durante il periodo barocco, la musica da camera come genere non era chiaramente definita. Spesso, le opere potevano essere suonate su qualsiasi varietà di strumenti, in formazioni orchestrali o da camera. "L'arte della fuga" di Johann Sebastian Bach, ad esempio, può essere suonata su uno strumento a tastiera (clavicembalo o organo) o da un quartetto d'archi o da un'orchestra d'archi. Anche la strumentazione delle trio sonate era spesso specificata in modo flessibile; alcune delle sonate di Händel sono scritte per "flauto tedesco, "hoboy" (oboe) o violino". Le linee di basso potevano essere suonate da violone, violoncello, tiorba o fagotto, e talvolta tre o quattro strumenti si univano all'unisono. A volte i compositori mescolavano movimenti per ensemble da camera con movimenti orchestrali. La Tafelmusik di Telemann (1733), ad esempio, ha cinque serie di movimenti per varie combinazioni di strumenti, che terminano con una sezione orchestrale completa.


title: Musica da camera

text: La musica da camera barocca era spesso contrappuntistica; cioè, ogni strumento suonava gli stessi materiali melodici in tempi diversi, creando un tessuto sonoro complesso e intrecciato. Poiché ogni strumento suonava essenzialmente le stesse melodie, tutti gli strumenti erano uguali. Nella trio sonata, spesso non c'è ascendente o strumento solista, ma tutti e tre gli strumenti condividono la stessa importanza.


title: Musica da camera

text: Il ruolo armonico svolto dalla tastiera o da altro strumento a corde era sussidiario, e di solito la parte della tastiera non veniva nemmeno scritta; piuttosto, la struttura degli accordi del brano era specificata da codici numerici sopra la linea di basso, chiamati basso figurato.


title: Musica da camera

text: Nella seconda metà del XVIII secolo, i gusti iniziarono a cambiare: molti compositori, alla complessità del contrappunto preferirono uno stile nuovo, più leggero galante, con "tessuto più sottile... e melodia e basso chiaramente definiti". Sorse una nuova usanza che diede vita a una nuova forma di musica da camera: la serenata. I mecenati invitavano i musicisti di strada a suonare concerti serali sotto i balconi delle loro case, dei loro amici e dei loro amanti. Mecenati e musicisti commissionavano ai compositori adeguate suite di danze e melodie, per gruppi da due a cinque o sei strumenti. Queste opere erano chiamate serenate, notturni o divertimenti. Il giovane Joseph Haydn venne incaricato di scrivere molte di queste composizioni.


title: Musica da camera

text: Joseph Haydn è generalmente accreditato della creazione della forma moderna di musica da camera come la conosciamo oggi. In 68 quartetti d'archi, 45 trii con pianoforte e numerosi trii d'archi, duetti e gruppi di fiati, Haydn creò lo "stile di conversazione" della composizione e la forma generale che avrebbe dominato il mondo della musica da camera per i due secoli successivi.


title: Musica da camera

text: Un esempio di questo stile è il quartetto d'archi op.20, n.4 in re maggiore di Haydn. Nel primo movimento, dopo un'enunciazione del tema principale da parte di tutti gli strumenti, il primo violino si scompone in una figura di terzina, sorretto dal secondo violino, viola e violoncello. Il violoncello risponde con la propria terzina, poi la viola, mentre gli altri strumenti giocano un tema secondario contro questo movimento. A differenza del contrappunto, dove ogni parte svolge essenzialmente lo stesso ruolo melodico delle altre, qui ogni strumento contribuisce con il proprio carattere, il proprio commento alla musica man mano che si sviluppa.


title: Musica da camera

text: Haydn stabilì anche una forma generale per le sue composizioni di musica da camera, che sarebbe diventata lo standard, con lievi variazioni, fino ai giorni nostri. Il caratteristico quartetto d'archi di Haydn ha quattro movimenti:


title: Musica da camera

text: Queste innovazioni diedero ad Haydn il titolo di "padre del quartetto d'archi", e fu riconosciuto dai suoi contemporanei come il principale compositore del suo tempo. Ma non era affatto l'unico compositore a sviluppare nuove modalità di musica da camera. Anche prima di Haydn, molti compositori stavano già sperimentando nuove forme. Giovanni Battista Sammartini, Ignaz Holzbauer e Franz Xaver Richter furono i precursori del quartetto d'archi.


title: Musica da camera

text: Se Haydn creò lo "stile di conversazione", Wolfgang Amadeus Mozart ampliò notevolmente il suo vocabolario. La sua musica da camera ha aggiunto numerosi capolavori al repertorio cameristico. I sette trii con pianoforte e i due quartetti per pianoforte di Mozart furono i primi ad applicare lo "stile di conversazione" alla musica da camera con pianoforte. I trii per pianoforte di Haydn sono essenzialmente sonate per pianoforte con il violino e il violoncello che giocano principalmente ruoli di supporto, raddoppiando le linee degli acuti e dei bassi della partitura per pianoforte. Mozart dà agli archi un ruolo indipendente, usandoli come contrappeso al pianoforte e aggiungendo le loro voci individuali alla "conversazione" nella musica da camera.


title: Musica da camera

text: Mozart ha introdotto il clarinetto, di nuova invenzione, nell'arsenale della musica da camera, con il Trio Kegelstatt per viola, clarinetto e pianoforte, K. 498, e il Quintetto per clarinetto e quartetto d'archi, K. 581. Ha anche provato altri ensemble innovativi, tra cui il quintetto per violino, due viole, violoncello e corno, K. 407, quartetti per flauto e archi e varie combinazioni di strumenti a fiato. Ha scritto sei quintetti d'archi per due violini, due viole e violoncello, che esplorano i ricchi toni del tenore delle viole, aggiungendo una nuova dimensione alla "conversazione" del quartetto d'archi.


title: Musica da camera

text: I quartetti d'archi di Mozart sono considerati l'apice dell'arte classica. I sei quartetti d'archi che dedicò a Haydn, suo amico e mentore, ispirarono il compositore più anziano a dire al padre di Mozart: "Ti dico davanti a Dio, da uomo onesto, che tuo figlio è il più grande compositore che io conosca personalmente o di reputazione. Ha gusto e, per di più, la più profonda conoscenza della composizione."


title: Musica da camera

text: Molti altri compositori scrissero composizioni da camera durante questo periodo che furono popolari all'epoca e vengono suonate ancora oggi. Luigi Boccherini, compositore e violoncellista, compose quasi cento quartetti d'archi e più di cento quintetti per due violini, viola e due violoncelli. In questo ensemble innovativo, in seguito utilizzato da Schubert, Boccherini regala assoli vistosi e virtuosistici al violoncello principale, come vetrina per il proprio modo di suonare. Il violinista Carl Ditters von Dittersdorf e il violoncellista Jan Křtitel Vaňhal, che suonavano entrambi quartetti con Haydn al secondo violino e Mozart alla viola, erano famosi compositori di musica da camera del periodo.


title: Musica da camera

text: L'inizio del XIX secolo vide enormi cambiamenti nella società e nella tecnologia musicale che ebbero effetti di vasta portata sul modo in cui la musica da camera veniva composta e suonata.


title: Musica da camera

text: Per tutto il XVIII secolo, il compositore era normalmente un dipendente di un aristocratico e la musica da camera che componeva era per il piacere di suonatori e ascoltatori aristocratici. Haydn, ad esempio, era al servizio di Nicola I Esterházy, amante della musica e suonatore dilettante di baryton, per il quale Haydn scrisse molti dei suoi trii d'archi. Mozart scrisse tre quartetti d'archi per il re di Prussia, Federico Guglielmo II, un violoncellista. Molti dei quartetti di Beethoven furono eseguiti per la prima volta con il suo mecenate conte Andrey Razumovsky al secondo violino. Boccherini compose per il re di Spagna.


title: Musica da camera

text: Con il declino dell'aristocrazia e l'ascesa di nuovi ordini sociali in tutta Europa, i compositori dovettero sempre più fare soldi vendendo le loro composizioni ed eseguendo concerti. Spesso davano concerti in abbonamento, che prevedevano l'affitto di una sala e la raccolta delle entrate dell'esibizione. Sempre più spesso scrivevano musica da camera non solo per ricchi mecenati, ma anche per musicisti professionisti che suonavano per un pubblico pagante.


title: Musica da camera

text: All'inizio del XIX secolo, i liutai svilupparono nuovi metodi per costruire il violino, la viola e il violoncello che davano a questi strumenti un tono più ricco, più volume e più potenza. Nello stesso tempo, gli archettai allungavano l'arco del violino, con un fascio di crini più spesso sotto una tensione maggiore. Questa migliore proiezione rese possibili anche nuove tecniche di arcata. Nel 1820, Louis Spohr inventò la mentoniera, che dava ai violinisti più libertà di movimento nella mano sinistra, per una tecnica più agile. Questi cambiamenti hanno contribuito all'efficacia delle esecuzioni pubbliche in grandi sale e hanno ampliato il repertorio di tecniche a disposizione dei compositori di musica da camera.


title: Musica da camera

text: Durante tutta l'era barocca, il clavicembalo era stato uno dei principali strumenti utilizzati nella musica da camera. Lo strumento usava le penne per pizzicare le corde e aveva un suono delicato. A causa del suo disegno, l'attacco o il peso con cui l'esecutore suonava sulla tastiera non modificava il volume o il tono. Tra il 1750 circa e la fine del secolo, il clavicembalo cadde gradualmente in disuso. Alla fine del 1700, il pianoforte divenne più popolare come strumento. Anche se il pianoforte fu inventato da Bartolomeo Cristofori all'inizio del 1700, non aveva avuto grande diffusione fino alla fine di quel secolo, quando i miglioramenti tecnici nella sua costruzione lo resero uno strumento più efficace. A differenza del clavicembalo, il pianoforte poteva suonare dinamiche morbide o forti e attacchi taglienti sforzando a seconda di quanto forte o piano l'esecutore suonasse i tasti. Il pianoforte migliorato fu adottato da Mozart e da altri compositori, che iniziarono a comporre pezzi da camera con il pianoforte come protagonista, che divenne sempre più dominante nel corso del XIX secolo, tanto che molti compositori, come Franz Liszt e Fryderyk Chopin, scrissero quasi esclusivamente per pianoforte solo (o pianoforte solo con orchestra).


title: Musica da camera

text: Ludwig van Beethoven attraversò questo periodo di cambiamento come un gigante della musica occidentale. Trasformò la musica da camera, elevandola a un nuovo livello, sia in termini di contenuto che di richieste tecniche per artisti e pubblico. Le sue opere, nelle parole di Maynard Solomon, erano "...i modelli rispetto ai quali il romanticismo del XIX secolo ha misurato i suoi successi e fallimenti". I suoi ultimi quartetti, in particolare, furono considerati un traguardo così scoraggiante che molti compositori dopo di lui ebbero paura di provare a comporre quartetti; Johannes Brahms compose e fece a pezzi 20 quartetti d'archi prima di osare pubblicare un'opera che riteneva degna del "gigante che marciava dietro".


title: Musica da camera

text: Beethoven fece il suo debutto formale come compositore con tre Trii con pianoforte, op. 1. Anche questi primi lavori, scritti quando Beethoven aveva solo 22 anni, pur aderendo a una matrice rigorosamente classica, mostravano i segni delle nuove strade che Beethoven avrebbe tracciato negli anni a venire. Quando mostrò il manoscritto dei trii a Haydn, suo insegnante, prima della pubblicazione, questi approvò i primi due, ma mise in guardia dalla pubblicazione del terzo trio, in do minore, in quanto troppo radicale, avvertendo che non sarebbe stato "... compreso e accolto favorevolmente dal pubblico».


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text: Haydn si sbagliava: il terzo trio divenne il più popolare dei tre e le critiche di Haydn causarono un litigio tra lui e il sensibile Beethoven. Il trio è, infatti, una partenza dalla matrice che Haydn e Mozart avevano realizzato. Beethoven realizzò radicali modifiche di tempo all'interno di frasi e movimenti. Aumentò notevolmente l'indipendenza degli archi, in particolare del violoncello, permettendogli di spaziare al di sopra del pianoforte e occasionalmente anche del violino.


title: Musica da camera

text: Se la sua op. 1, i trii, presentò al pubblico le opere di Beethoven, il suo Settetto, Op. 20, lo consacrò come uno dei compositori più apprezzati d'Europa. Il settetto, composto per violino, viola, violoncello, contrabbasso, clarinetto, corno e fagotto, fu un grande successo. Venne eseguito molto frequentemente. Venne trascritto in molte combinazioni, una delle quali, per clarinetto, violoncello e pianoforte, fu composta dallo stesso Beethoven, ed era così popolare che Beethoven temette che avrebbe eclissato le sue altre opere. Nel 1815 Carl Czerny scrisse che Beethoven "non poteva sopportare il suo settetto e si arrabbiò a causa dell'applauso universale che aveva ricevuto". Il settetto è scritto come un classico divertimento in sei movimenti, inclusi due minuetti, e una serie di variazioni. È pieno di melodie orecchiabili, con assoli per tutti gli strumenti, compreso il contrabbasso.


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text: Nei suoi 17 quartetti d'archi, composti nel corso di 37 anni, Beethoven passò da compositore classico per eccellenza a creatore del romanticismo musicale, e infine, con i suoi ultimi quartetti d'archi, trascese il classicismo e il romanticismo per creare un genere che sfidava ogni categorizzazione. Stravinsky si riferiva alla Grande fuga, degli ultimi quartetti, come "...questo brano musicale assolutamente contemporaneo che sarà contemporaneo per sempre".


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text: i Sei quartetti d'archi, Op. 18, furono scritti in stile classico, nello stesso anno in cui Haydn scrisse i suoi quartetti Op. 76. Anche qui Beethoven estese le strutture formali introdotte da Haydn e Mozart. Nel quartetto op. 18, n. 1, in fa maggiore, per esempio, c'è un lungo assolo lirico per violoncello nel secondo movimento, che conferisce a questo strumento un nuovo tipo di voce nella "conversazione" del quartetto. E l'ultimo movimento dell'op. 18, n. 6, "La Malincolia", crea un nuovo tipo di struttura formale, intrecciando una sezione lenta e malinconica con una danza maniacale. Beethoven avrebbe usato questa forma nei quartetti successivi, e anche Brahms e altri la adottarono.


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text: Negli anni dal 1805 al 1806, Beethoven compose i tre quartetti op. 59 commissionati del conte Razumovsky, che suonò il secondo violino nella loro prima esecuzione. Questi quartetti, del periodo centrale di Beethoven, furono pionieri dello stile romantico. Oltre ad introdurre molte innovazioni strutturali e stilistiche, erano tecnicamente molto più difficili da eseguire, tanto che erano, e rimangono, fuori dalla portata di molti archi dilettanti. Quando il primo violinista Ignaz Schuppanzigh si lamentò della loro difficoltà, Beethoven replicò: "Pensi che mi importi del tuo miserabile violino quando lo spirito mi ispira?" Tra le difficoltà ci sono sincope complesse e ritmi incrociati; sequenze sincronizzate di sedicesimi, trentaduesimi e sessantaquattresimi con improvvise modulazione che richiedono un'attenzione speciale per l'intonazione. Oltre all'op. 59, Beethoven compose altri due quartetti durante il suo periodo centrale: il quartetto n.10 Op. 74], il quartetto "Arpa", così chiamato per l'insolito effetto arpa che Beethoven crea con passaggi pizzicati nel primo movimento, e il quartetto n. 11 Op. 95, il "Serioso".


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text: Il "Serioso" è un'opera di transizione che inaugura il periodo tardo di Beethoven, un periodo di composizioni di grande introspezione. "Il particolare tipo di interiorità dell'ultimo periodo di stile di Beethoven", scrive Joseph Kerman, dà la sensazione che "la musica suoni solo per il compositore e per un altro ascoltatore, un origliatore sbalordito: tu". Negli ultimi quartetti, la "conversazione" del quartetto è spesso sconnessa, procedendo come un flusso di coscienza. Le melodie vengono interrotte o passate nel mezzo della linea melodica da strumento a strumento. Beethoven utilizza nuovi effetti, mai sperimentati prima nella letteratura del quartetto d'archi: l'effetto etereo e onirico degli intervalli aperti tra la corda del Mi acuto e quella del La aperto nel secondo movimento del quartetto op. 132; l'uso di "sul ponticello" (suonare sul ponte del violino) per un suono fragile e graffiante nel movimento Presto dell'op. 131; l'uso del modo lidio, raramente ascoltato nella musica occidentale per 200 anni, nell'op. 132; una melodia di violoncello suonata alta sopra tutti gli altri archi nel finale dell'op. 132. Eppure, nonostante tutta questa disarticolazione, ogni quartetto è strettamente progettato, con una struttura generale che lega il lavoro insieme.


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text: Beethoven scrisse otto trii per pianoforte, cinque trii per archi, due quintetti per archi e numerosi pezzi per ensemble di fiati. Scrisse anche dieci sonate per violino e pianoforte e cinque sonate per violoncello e pianoforte.


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text: Mentre Beethoven, nei suoi ultimi quartetti, andava nella sua direzione, Franz Schubert continuò e stabilì lo stile romantico emergente. Nei suoi 31 anni, Schubert dedicò gran parte della sua vita alla musica da camera, componendo 15 quartetti d'archi, due trii con pianoforte, trii d'archi, un quintetto per pianoforte comunemente noto come "La trota", un ottetto per archi e fiati, e il suo famoso quintetto per due violini, viola e due violoncelli.


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text: La musica di Schubert, come la sua vita, ha esemplificato i contrasti e le contraddizioni del suo tempo. Da un lato, era il beniamino della società viennese: suonò in serate che divennero note come "Schubertiaden", dove eseguì le sue composizioni leggere e garbate che esprimevano il gemütlichkeit di Vienna degli anni 1820. D'altra parte, la sua breve vita fu avvolta nella tragedia, devastata dalla povertà e dalla cattiva salute. La musica da camera era il mezzo ideale per esprimere questo conflitto, "per conciliare i suoi temi essenzialmente lirici con il suo sentimento per l'espressione drammatica all'interno di una forma che offrisse la possibilità di contrasti di colore estremi". Il quintetto per archi in Do, D.956, è un esempio di come questo conflitto si esprime nella musica. Dopo una lenta introduzione, il primo tema del primo movimento, focoso e drammatico, porta a un ponte di tensione crescente, che raggiunge il picco improvvisamente e si rompe nel secondo tema, un duetto cadenzato nelle voci più basse. L'alternato Sturm und Drang e rilassamento continua per tutto il movimento.


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text: Queste forze contrastanti sono espresse in alcune delle altre opere di Schubert: nel quartetto La morte e la fanciulla, il Quartetto Rosamunde e nel tempestoso movimento del "Quartettsatz, D. 703".


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text: A differenza di Schubert, Felix Mendelssohn ebbe una vita di pace e prosperità. Nato in una ricca famiglia ebrea ad Amburgo, si dimostrò un bambino prodigio. All'età di 16 anni aveva scritto la sua prima opera da camera importante, l'Ottetto, op. 20. Già in quest'opera Mendelssohn mostrò parte dello stile unico che avrebbe caratterizzato le sue opere successive; in particolare, la trama leggera e sottile dei suoi movimenti scherzosi, esemplificata anche dal movimento "Canzonetta" del Quartetto d'archi n. 1 op. 12, e lo scherzo del Piano Trio No. 1 in Re minore op. 49.


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text: Un'altra caratteristica della quale Mendelssohn fu pioniere è la forma ciclica nella struttura complessiva. Ciò significa il riutilizzo del materiale tematico da un movimento all'altro, per dare coerenza totale al pezzo. Nel suo Quartetto d'archi n. 2, apre il pezzo con una tranquilla sezione di adagio in La maggiore, che contrasta con il tempestoso primo movimento in La minore. Dopo l'ultimo, vigoroso movimento del Presto, torna all'Adagio di apertura per concludere il pezzo. Questo quartetto d'archi è anche l'omaggio di Mendelssohn a Beethoven; l'opera è costellata di citazioni dai quartetti medi e tardi di Beethoven.


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text: Durante la sua maturità, Mendelssohn compose due trii con pianoforte, sette opere per quartetto d'archi, due quintetti per archi, l'ottetto, un sestetto per pianoforte e archi e numerose sonate per pianoforte con violino, violoncello e clarinetto.


title: Musica da camera

text: Robert Schumann continuò lo sviluppo della scrittura ciclica. Nel suo quintetto per pianoforte in Mi bemolle, Op. 44, Schumann inserì una doppia fuga nel finale, utilizzando il tema del primo movimento e quello dell'ultimo. Sia Schumann che Mendelssohn, seguendo l'esempio di Beethoven, fecero rivivere la fuga, che era caduta in disgrazia fin dal periodo barocco. Tuttavia, invece di scrivere rigorose fughe, usarono il contrappunto come un altro modo di "conversazione" tra gli strumenti di musica da camera. Molti dei lavori da camera di Schumann, inclusi tutti e tre i suoi quartetti d'archi e il suo quartetto di pianoforte, hanno sezioni contrappuntistiche intrecciate perfettamente nella trama compositiva complessiva.


title: Musica da camera

text: I compositori della prima metà del XIX secolo erano molto consapevoli del paradigma "conversazionale" stabilito da Haydn e Mozart. Schumann scrisse che in un vero quartetto "ognuno ha qualcosa da dire... una conversazione, spesso veramente bella, spesso stranamente e torbidamente intrecciata, tra quattro persone". La loro consapevolezza è esemplificata dal compositore e violinista virtuoso Louis Spohr. Egli divise i suoi 36 quartetti d'archi in due tipi: il "quatuor brillante", essenzialmente un concerto per violino con accompagnamento di trio d'archi, e "quatuor dialog", nella tradizione "conversazionale".


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text: Durante il XIX secolo, con l'avvento della nuova tecnologia guidata dalla rivoluzione industriale, la musica stampata divenne più economica e quindi più accessibile, mentre la produzione musicale domestica ottenne una popolarità diffusa. I compositori iniziarono a incorporare nuovi elementi e tecniche nelle loro opere per fare appello a questo mercato aperto, poiché c'era un crescente desiderio dei consumatori per la musica da camera. Mentre i miglioramenti negli strumenti portarono a un maggior numero di esecuzioni pubbliche di musica da camera, questa rimase un tipo di musica da suonare in ambienti domestici. Società di quartetti amatoriali sorsero in tutta Europa, e nessuna città di medie dimensioni in Germania o in Francia ne era priva. Queste società sponsorizzavano "concerti domestici", compilavano biblioteche musicali e incoraggiavano l'esecuzione di quartetti e altri ensemble. Nei paesi europei, in particolare in Germania e Francia, musicisti affini si riunivano e iniziavano a sviluppare un forte legame con la comunità. I compositori erano molto versati nel comporre opere orchestrali e opere virtuosistiche solistiche, che costituivano la maggior parte del repertorio del concerto pubblico. Tra i primi compositori francesi Camille Saint-Saëns e César Franck.


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text: A parte i paesi austro-germanici "centrali", ci fu una fioritura della sottocultura della musica da camera in altre regioni come la Gran Bretagna. Lì la musica da camera veniva spesso eseguita da uomini della classe alta e media con abilità musicali meno avanzate in un ambiente inaspettato come gruppi informali in una residenza privata con pochi ascoltatori. In Gran Bretagna, le forme più comune di composizioni di musica da camera furono il quartetto d'archi, le canzoni sentimentali e le opere da camera per pianoforte come il trio con pianoforte, in un certo senso, descrive la concezione standard del convenzionale "fare musica vittoriano". A metà del XIX secolo, con l'ascesa del movimento femminista, anche le donne iniziarono ad essere accettate a partecipare alla musica da camera.


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text: Vennero composti migliaia di quartetti da centinaia di compositori; tra il 1770 e il 1800, vennero pubblicati più di 2000 quartetti, e il ritmo non diminuì nel secolo successivo. Per tutto il XIX secolo, i compositori pubblicarono quartetti d'archi ormai a lungo trascurati: George Onslow scrisse 36 quartetti e 35 quintetti; Gaetano Donizetti compose decine di quartetti, Antonio Bazzini, Antonín Reicha, Carl Reissiger, Josef Suk e altri scrissero a profusione per soddisfare un'insaziabile richiesta di quartetti. Inoltre, c'era un vivace mercato per gli arrangiamenti per quartetto d'archi di melodie popolari, opere per pianoforte, sinfonie e arie d'opera.


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text: Ma erano all'opera forze opposte. La metà del XIX secolo vide l'ascesa di virtuosi eccezionali, che distolsero l'attenzione dalla musica da camera verso le esibizioni da solista. Il pianoforte, che poteva essere prodotto in serie, divenne uno strumento preferito e molti compositori, come Chopin e Liszt, componevano principalmente se non esclusivamente per pianoforte.


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text: L'ascesa del pianoforte e della composizione sinfonica non era solo una questione di preferenza; era anche una questione di ideologia. Nel 1860, tra i musicisti romantici crebbe uno scisma sulla direzione della musica. Molti compositori tendevano ad esprimere la loro personalità romantica attraverso le loro opere. Per il momento, queste opere da camera non erano necessariamente dedicate a uno specifico soggetto. Famose opere da camera come il Trio per pianoforte in Re minore di Fanny Mendelssohn, il Trio in Mi bemolle maggiore di Beethoven e il Quintetto per pianoforte in La maggiore di Franz Schubert sono tutte molto personali. Liszt e Richard Wagner guidarono un movimento che sosteneva che la "musica pura" aveva fatto il suo corso con Beethoven, e quella nuova, la musica a programma, in cui la musica creava "immagini" con le sue melodie era il futuro dell'arte. I compositori di questa scuola non conoscevano la musica da camera. A questa opinione si opponevano Johannes Brahms e i suoi collaboratori, in particolare il potente critico musicale Eduard Hanslick. Questa "guerra dei romantici" scosse il mondo artistico dell'epoca, con scambi di vituperi tra i due campi, boicottaggi di concerti e petizioni.


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text: Sebbene il modo di suonare amatoriale avesse prosperato per tutto il XIX secolo, questo fu anche un periodo di crescente professionalizzazione della musica da camera. Quartetti professionisti iniziarono a dominare il palcoscenico dei concerti di musica da camera. L'Hellmesberger Quartet, guidato da Joseph Hellmesberger, e il Joachim Quartet, guidato da Joseph Joachim, eseguirono la prima di nuovi quartetti d'archi di Brahms e altri compositori. Un altro famoso quartetto fu quello di Vilemina Norman Neruda, noto anche come "Lady Hallé". Infatti, durante l'ultimo terzo del secolo, le esecutrici iniziarono a prendere posto sul palco dei concerti: un quartetto d'archi tutto al femminile guidato da Emily Shinner, e il quartetto Lucas, anch'esso costituito da tutte donne, furono due esempi notevoli.


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text: Fu Johannes Brahms a portare la fiaccola della musica romantica verso il XX secolo. Annunciato da Robert Schumann come il falsario di "nuove strade" nella musica, la musica di Brahms è un ponte tra il classico e il moderno. Da un lato, Brahms era un tradizionalista, conservando le tradizioni musicali di Bach e Mozart. Nella sua musica da camera, usa tecniche tradizionali di contrappunto, incorporando fughe e canoni in ricche trame "conversazionali" e armoniche. D'altra parte, Brahms ampliò la struttura e il vocabolario armonico della musica da camera, sfidando le nozioni tradizionali di tonalità. Un esempio di ciò è nel Sestetto per archi n. 2 di Brahms, op. 36.


title: Musica da camera

text: Tradizionalmente, i compositori scrivevano il primo tema di un pezzo nella relativa chiave, stabilendo fermamente quella chiave come tonica o chiave del pezzo. Il tema di apertura dell'op. 36 inizia sulla tonica (Sol maggiore), ma già dalla terza misura modula alla chiave non correlata di Mi bemolle maggiore. Man mano che il tema si sviluppa, spazia attraverso varie tonalità prima di tornare alla tonica di Sol maggiore. Questa "audacia armonica", come la descrive Swafford, aprì la strada a esperimenti più audaci.


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text: Non solo nell'armonia, ma anche nella struttura musicale complessiva, Brahms fu un innovatore. Sviluppò una tecnica che Arnold Schönberg ha descritto come "variazione in via di sviluppo". Piuttosto che frasi definite in modo discreto, Brahms spesso esegue frase in frase e mescola motivi melodici per creare un tessuto di melodia continua. Schoenberg, il creatore del sistema a 12 toni della composizione, fece risalire le radici del suo modernismo a Brahms, nel suo saggio "Brahms il progressista".


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text: In totale, Brahms pubblicò 24 opere di musica da camera, tra cui tre quartetti d'archi, cinque trii con pianoforte, il Quintetto per pianoforte e archi, op. 34, e altre opere. Tra i suoi ultimi lavori ricordiamo il Quintetto per clarinetto, op. 115 e un trio per clarinetto, violoncello e pianoforte. Compose un trio per l'insolita combinazione di pianoforte, violino e corno, op. 40. Compose inoltre Due canti per voce, viola e pianoforte, op. 91, riprendendo la forma della voce con archi obbligati che era stata praticamente abbandonata a partire dal Barocco.


title: Musica da camera

text: L'esplorazione della tonalità e della struttura iniziata da Brahms, proseguì con i compositori di scuola francese. Il quintetto per pianoforte in Fa minore di César Franck, composto nel 1879, stabilì ulteriormente la forma ciclica esplorata per la prima volta da Schumann e Mendelssohn, riutilizzando lo stesso materiale tematico in ciascuno dei tre movimenti. Il quartetto d'archi, op. 10 di Claude Debussy è considerato uno spartiacque nella storia della musica da camera. Il quartetto utilizza la struttura ciclica, e costituisce un definitivo divorzio dalle regole dell'armonia classica. "Tutti i suoni in qualsiasi combinazione e in qualsiasi successione sono d'ora in poi liberi di essere utilizzati in una continuità musicale", scrisse Debussy. Pierre Boulez said that Debussy freed chamber music from "rigid structure, frozen rhetoric and rigid aesthetics".


title: Musica da camera

text: L'esplorazione della tonalità e della struttura iniziò da Brahms è proseguì con i compositori di scuola francese. Il quintetto per pianoforte in Fa minore di César Franck, composto nel 1879, stabilì ulteriormente la forma ciclica esplorata per la prima volta da Schumann e Mendelssohn, riutilizzando lo stesso materiale tematico in ciascuno dei tre movimenti. Il quartetto d'archi, op. 10 di Claude Debussy, è considerato uno spartiacque nella storia della musica da camera. Il quartetto utilizza la struttura ciclica, e costituisce un definitivo divorzio dalle regole dell'armonia classica. "Tutti i suoni in qualsiasi combinazione e in qualsiasi successione sono d'ora in poi liberi di essere utilizzati in una continuità musicale", scrisse Debussy. Pierre Boulez disse che Debussy liberò la musica da camera da una "struttura rigida, retorica congelata ed esteticamente rigida".


title: Musica da camera

text: Il quartetto di Debussy, come i quartetti d'archi di Maurice Ravel e di Gabriel Fauré, crearono un nuovo colore di tono per la musica da camera, un colore e una trama associati alla musica impressionista. Il violista James Dunham, componente dei Quartetti di Cleveland e Sequoia, scrisse del Quartetto di Ravel: "Sono stato semplicemente sopraffatto dall'onda sonora, dalla sensazione dei colori che cambiano continuamente ..." Per questi compositori, gli ensemble da camera erano il veicolo ideale per trasmettere questo senso atmosferico e le opere da camera costituivano gran parte della loro produzione.


title: Musica da camera

text: Parallelamente alla tendenza a cercare nuove modalità di tonalità e consistenza, ci fu un altro nuovo sviluppo nella musica da camera: l'ascesa del nazionalismo. I compositori si rivolsero sempre più ai ritmi e alle tonalità delle loro terre d'origine per trarre ispirazione e materiale tematico. "L'Europa è stata spinta, dalla tendenza romantica, a stabilire in materia musicale i confini nazionali sempre più nettamente", scrisse Alfred Einstein. "La raccolta e il setacciamento di antichi tesori melodici tradizionali ... hanno costituito la base per un'arte-musica creativa." Per molti di questi compositori, la musica da camera era il veicolo naturale per esprimere i propri caratteri nazionali.


title: Musica da camera

text: Il compositore ceco Antonín Dvořák creò, nella sua musica da camera, una nuova voce per la musica della sua nativa Boemia. In 14 quartetti d'archi, tre quintetti per archi, due quartetti per pianoforte, un sestetto per archi, quattro trii per pianoforte e numerose altre composizioni da camera, Dvořák incorporò la musica e i modi folk come parte integrante delle sue composizioni. Ad esempio, nel Quintetto per pianoforte in la maggiore op. 81, il movimento lento è una Dumka, una ballata popolare slava che alterna un canto espressivo lento e una danza veloce. La fama di Dvořák nello stabilire una musica d'arte nazionale era così grande che il filantropo e conoscitore di musica di New York Jeannette Thurber lo invitò negli Stati Uniti, a dirigere un conservatorio che avrebbe stabilito uno stile musicale americano. Lì, Dvořák scrisse il suo Quartetto d'archi in Fa maggiore, op. 96, soprannominato "L'americano". Durante la composizione del lavoro, Dvořák osservò a lungo un gruppo di indiani Kickapoo che eseguivano danze e canti nativi, e queste canzoni potrebbero essere state incorporate nel quartetto.


title: Musica da camera

text: Bedřich Smetana, un altro ceco, compose un trio con pianoforte e un quartetto d'archi, entrambi i quali incorporano ritmi e melodie cechi nativi. In Russia, la musica popolare permeava le opere dei compositori della fine del XIX secolo. Pëtr Il'ič Čajkovskij utilizzò una tipica danza popolare russa nel movimento finale del suo sestetto d'archi, "Souvenir de Florence", op. 70. Il Quartetto n. 2 di Alexander Borodin contiene riferimenti alla musica popolare, e il lento movimento notturno ricorda i modi mediorientali che erano in voga nel mondo musulmano, in zone della Russia meridionale. Edvard Grieg utilizzò lo stile musicale della sua nativa Norvegia nel suo Quartetto d'archi in Sol minore, op. 27 e nelle Sonate per violino.


title: Musica da camera

text: In Ungheria, i compositori Zoltán Kodály e Béla Bartók aprirono la strada alla scienza dell'etnomusicologia eseguendo uno dei primi studi completi sulla musica popolare. Spaziando nelle province magiare, trascrissero, registrarono e classificarono decine di migliaia di melodie popolari. Utilizzarono questi brani nelle loro composizioni, che sono caratterizzate dai ritmi asimmetrici e dalle armonie modali di quella musica. Le loro composizioni di musica da camera, e quelle del compositore ceco Leoš Janáček, combinavano la tendenza nazionalista con la ricerca di nuove tonalità del XX secolo. I quartetti d'archi di Janáček non solo incorporano le tonalità della musica popolare ceca, ma riflettono anche i ritmi del discorso in ceco.


title: Musica da camera

text: La fine della tonalità occidentale, iniziata sottilmente da Brahms e resa esplicita da Debussy, mise in crisi i compositori del XX secolo. Non si trattava semplicemente di trovare nuovi tipi di armonie e sistemi melodici per sostituire la scala diatonica che era alla base dell'armonia occidentale; l'intera struttura della musica occidentale, le relazioni tra i movimenti e tra gli elementi strutturali all'interno dei movimenti, era basata sulle relazioni tra le diverse chiavi. Quindi i compositori vennero sfidati a costruire una struttura completamente nuova per la musica.


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text: Questo è stato unito alla sensazione che l'era che aveva visto l'invenzione delle automobili, del telefono, dell'illuminazione elettrica e della guerra mondiale avesse bisogno di nuove modalità di espressione. "Il secolo dell'aereo merita la sua musica", scriveva Debussy.


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text: La ricerca di una nuova musica prese diverse direzioni. La prima, guidata da Bartók, fu verso i costrutti tonali e ritmici della musica popolare. La ricerca di Bartók sulla musica popolare ungherese e di altri paesi dell'Europa orientale e del Medio Oriente gli rivelò un mondo musicale costruito su scale musicali che non erano né maggiori né minori, e ritmi complessi che erano estranei alla sala da concerto. Nel suo quinto quartetto, per esempio, Bartók usa un tempo in chiave di formula_1, "sorprendente per il musicista di formazione classica, ma una seconda natura per il musicista folk". Strutturalmente, inoltre, Bartók spesso inventava o prendeva in prestito da modi popolari. Nel sesto quartetto d'archi, ad esempio, Bartók inizia ogni movimento con una melodia lenta ed elegiaca, seguita dal materiale melodico principale, e conclude il quartetto con un movimento lento che è interamente costruito su questa elegia. Questa è una forma comune in molte culture di musica popolare.


title: Musica da camera

text: I sei quartetti d'archi di Bartók sono spesso paragonati agli ultimi quartetti di Beethoven. In essi, Bartók costruisce nuove strutture musicali, esplora sonorità mai prodotte in precedenza nella musica classica (ad esempio, il pizzicato a scatto, in cui l'esecutore solleva la corda e la lascia scattare sulla tastiera con un ronzio udibile), e crea modalità espressive che distinguono queste opere da tutte le altre. "Gli ultimi due quartetti di Bartók proclamano la santità della vita, il progresso e la vittoria dell'umanità nonostante i pericoli antiumanistici del tempo", scrive l'analista John Herschel Baron. L'ultimo quartetto, scritto quando Bartók si stava preparando a fuggire dall'invasione nazista dell'Ungheria per una nuova e incerta vita negli Stati Uniti, è spesso visto come una dichiarazione autobiografica della tragedia dei suoi tempi.


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text: Bartók non fu solo nelle sue esplorazioni della musica popolare. I "Three Pieces for String Quartet" di Igor Stravinsky sono strutturati come tre canti popolari russi, piuttosto che come un classico quartetto d'archi. Stravinsky, come Bartók, usava ritmi asimmetrici in tutta la sua musica da camera; la Histoire du soldat, nell'arrangiamento di Stravinsky per clarinetto, violino e pianoforte, sposta costantemente le indicazioni di tempo tra due, tre, quattro e cinque battute. In Gran Bretagna, i compositori Ralph Vaughan Williams, William Turner Walton e Benjamin Britten attinsero alla musica folk inglese per gran parte della loro musica da camera: Vaughan Williams incorporò canti popolari e suonate country nel suo primo quartetto d'archi. Il compositore americano Charles Ives compose musica che era distintamente americana. Ives diede titoli programmatici a gran parte della sua musica da camera; il suo primo quartetto d'archi, per esempio, si chiama "From the Salvation Army" e cita inni protestanti americani in diversi punti.


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text: Una seconda direzione nella ricerca di una nuova tonalità era il serialismo dodecafonico. Arnold Schönberg sviluppò la dodecafonia in alternativa alla struttura fornita dal sistema diatonico. Il suo metodo consiste nel costruire un pezzo utilizzando una serie delle dodici note della scala cromatica, permutandolo e sovrapponendolo a se stesso per creare la composizione.


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text: Schoenberg non arrivò immediatamente al metodo seriale. Il suo primo lavoro da camera, il sestetto per archi Verklärte Nacht, era per lo più un lavoro tardo romantico tedesco, sebbene fosse audace nell'uso delle modulazioni. Il primo lavoro decisamente atonale fu il Quartetto d'archi n. 2; l'ultimo movimento di questo quartetto, che include un soprano, è privo di tonalità. Schoenberg esplorò ulteriormente l'atonalità con "Pierrot Lunaire", per voce, flauto o ottavino, clarinetto, violino, violoncello e pianoforte. Il cantante usa una tecnica chiamata Sprechstimme, a metà tra il discorso e il canto.


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text: Dopo aver sviluppato la tecnica dodecafonica, Schoenberg compose una serie di lavori da camera, tra cui altri due quartetti d'archi, un trio d'archi e un quintetto di fiati. Fu seguito da un certo numero di altri compositori dodecafonici, i più importanti dei quali furono i suoi allievi Alban Berg, che compose la "Lyric Suite" per quartetto d'archi , e Anton Webern, nei "Cinque movimenti per quartetto d'archi", op. 5.


title: Musica da camera

text: sviluppò l'uso della politonalità, cioè musica in cui diversi strumenti suonano contemporaneamente in tonalità diverse. Milhaud compose 18 quartetti d'archi; i quartetti numero 14 e 15 sono scritti in modo che ciascuno possa essere suonato da solo, oppure due possano essere suonati contemporaneamente come un ottetto. Milhaud usava anche idiomi jazz, come nella sua "Suite" per clarinetto, violino e pianoforte.


title: Musica da camera

text: Il compositore americano Charles Ives usò non solo la politonalità, nelle sue opere da camera, ma anche la polimetria. Nel suo Quartetto d'archi n. 1 inserì una sezione in cui il primo violino e la viola suonano in formula_2 mentre il secondo violino e il violoncello in formula_3.


title: Musica da camera

text: La pletora di direzioni prese dalla musica nel primo quarto del XX secolo portarono a una reazione di molti compositori. Guidati da Stravinsky, questi guardavano alla musica dell'Europa preclassica per ispirazione e stabilità. Mentre le opere neoclassiche di Stravinsky, come il "Quartetto a doppio canone per archi", sono modellate su forme barocche e classiche: il canone, la fuga e la forma sonata barocca.


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text: Paul Hindemith fu un altro neoclassico. I suoi numerosi lavori da camera sono essenzialmente tonali, sebbene utilizzino molte armonie dissonanti. Hindemith compose sette quartetti d'archi e due trii d'archi, tra le altre opere da camera. In un'epoca in cui i compositori scrivevano opere di crescente complessità, al di là della portata dei musicisti dilettanti, Hindemith riconobbe esplicitamente l'importanza del fare musica amatoriale e scrisse intenzionalmente pezzi che erano alla portata dei musicisti non professionisti.


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text: Le opere che il compositore riassunse come "Kammermusik", una raccolta di otto composizioni estese, sono principalmente concertanti, paragonabili ai "Concerti brandeburghesi di Bach".


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text: Dmitri Shostakovich fu uno dei più prolifici compositori di musica da camera del XX secolo, scrivendo 15 quartetti d'archi, due trii per pianoforte, il quintetto per pianoforte e numerose altre opere da camera. La musica di Shostakovich fu a lungo tempo bandita in Unione Sovietica e lo stesso Shostakovich fu in pericolo personale di deportazione in Siberia. Il suo Quartetto d'archi n. 8 è un'opera autobiografica, che esprime la sua profonda depressione dovuta all'ostracismo, al limite del suicidio:


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text: Nel corso del secolo, molti compositori crearono opere per piccoli ensemble che, sebbene formalmente possano essere considerate musica da camera, hanno messo in discussione molte delle caratteristiche fondamentali che avevano definito il genere negli ultimi 150 anni.


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text: L'idea di comporre musica che potesse essere suonata in casa, venne in gran parte abbandonata. Bartók fu stato tra i primi a rinunciare a questa idea. "Bartók non ha mai concepito questi quartetti per esibizioni private, ma piuttosto per grandi concerti pubblici." A parte le molte difficoltà tecniche quasi insormontabili di molti pezzi moderni, alcuni di essi sono difficilmente adatti per l'esecuzione in una piccola stanza. Ad esempio, "Different Trains" di Steve Reich è composto per quartetto d'archi dal vivo e nastro registrato, che mette insieme un collage sonoro accuratamente orchestrato di parole, suoni di treni registrati e tre quartetti d'archi.


title: Musica da camera

text: Dall'invenzione dei dispositivi di telecomunicazione elettrica nel XIX secolo, i musicisti di un quartetto d'archi possono persino condurre una conversazione quando sorvolano il pubblico in quattro elicotteri separati, come nel "Helikopter-Streichquartett" di Karlheinz Stockhausen. Quando il pezzo è stato eseguito nel 1995, i musicisti avevano degli auricolari con un "click track" per consentire loro di suonare al momento giusto.


title: Musica da camera

text: Tradizionalmente, il compositore scriveva le note e l'esecutore le interpretava. Ma questo non è più il caso di molta musica moderna. In "Für kommende Zeiten" (per i tempi a venire), Stockhausen scrive istruzioni verbali che descrivono cosa devono suonare gli artisti. "Costellazioni di stelle/con punti comuni/e stelle cadenti ... Fine improvvisa" è un esempio.


title: Musica da camera

text: Il compositore Terry Riley descrive come lavora con il Kronos Quartet, un ensemble dedicato alla musica contemporanea: "Quando scrivo una partitura per loro, è una partitura inedita. Ho inserito solo una minima quantità di dinamica e segni di fraseggio ...passiamo molto tempo a provare idee diverse per dare forma alla musica, per formarla. Alla fine del processo, gli artisti "possiedono" realmente la musica. Questo per me è il modo migliore per interagire tra compositori e musicisti".


title: Musica da camera

text: I compositori cercano nuovi timbri, lontani dalla tradizionale miscela di archi, pianoforte e fiati che caratterizzava la musica da camera nel XIX secolo. Questa ricerca ha portato all'incorporazione di nuovi strumenti nel XX secolo, come il theremin e il sintetizzatore nelle composizioni di musica da camera.


title: Musica da camera

text: Molti compositori hanno cercato nuovi timbri nell'ambito degli strumenti tradizionali. "I compositori iniziano a sentire nuovi timbri e nuove combinazioni timbriche, che sono importanti per la nuova musica del XX secolo quanto la cosiddetta rottura della tonalità funzionale", scrive lo storico della musica James McCalla. Gli esempi sono numerosi: la Sonata per due pianoforti e percussioni di Bartók (1937), il "Pierrot lunaire" di Schoenberg, il "Quartertone Pieces" per due pianoforti accordati di Charles Ives. Altri compositori hanno utilizzato l'elettronica e tecniche estese per creare nuove sonorità. Un esempio è "Black Angels" di George Crumb, per quartetto d'archi elettrici (1970). I musicisti non solo utilizzano i loro strumenti amplificati, ma li percuotono anche con dei ditali, li pizzicano con graffette e suonano dalla parte sbagliata del ponte o tra le dita e il capotasto. Altri compositori hanno cercato di esplorare i timbri creati includendo strumenti che non sono spesso associati a un tipico ensemble orchestrale. Ad esempio, Robert Davine esplora i timbri orchestrali della fisarmonica quando è inclusa in un tradizionale trio di fiati nel suo Divertimento per fisarmonica, flauto, clarinetto e fagotto.


title: Musica da camera

text: Cosa significano questi cambiamenti per il futuro della musica da camera? "Con i progressi tecnologici sono arrivate questioni di estetica e cambiamenti sociologici nella musica", scrive l'analista Baron. "Questi cambiamenti hanno spesso portato ad accuse che la tecnologia ha distrutto la musica da camera e che il progresso tecnologico è inversamente proporzionale al valore musicale. La ferocia di questi attacchi sottolinea solo quanto siano fondamentali questi cambiamenti, e solo il tempo dirà se l'umanità ne trarrà beneficio.


title: Musica da camera

text: Gli analisti concordano sul fatto che il ruolo della musica da camera nella società sia profondamente cambiato negli ultimi 50 anni; eppure c'è poco accordo su cosa sia questo cambiamento. Da un lato, Baron sostiene che "la musica da camera in casa ... è rimasta molto importante in Europa e in America fino alla seconda guerra mondiale, dopo di che la crescente invasione della radio e della registrazione ne ha ridotto considerevolmente la portata". Questa visione è supportata da impressioni soggettive. "Oggi ci sono molti più milioni di persone che ascoltano musica, ma molti meno suonano musica da camera solo per il piacere di farlo", afferma il direttore d'orchestra e pianista Daniel Barenboim.


title: Musica da camera

text: Tuttavia, recenti sondaggi suggeriscono che c'è, al contrario, una rinascita del fare musica in casa. Nel programma radiofonico "I dilettanti aiutano a mantenere viva la musica da camera" del 2005, la giornalista Theresa Schiavone cita un sondaggio Gallup che mostra un aumento della vendita di strumenti a corda in America. Joe Lamond, presidente della National Association of Music Manufacturers (NAMM) attribuisce l'aumento alla crescita della produzione musicale domestica da parte degli adulti che si avvicinano alla pensione. "Guarderei davvero ai dati demografici dei [baby] boomer", ha detto in un'intervista. Queste persone "stanno iniziando a cercare qualcosa che sia importante per loro ... niente li fa sentire meglio che suonare musica".


title: Musica da camera

text: Uno studio dell'Ufficio europeo della musica, nel 1996, suggerisce che non solo le persone anziane suonano musica. "Il numero di adolescenti che oggi fa musica è quasi raddoppiato rispetto a quelli nati prima del 1960", mostra lo studio. Mentre la maggior parte di questa crescita è nella musica popolare, una parte è nella musica da camera e nella musica d'arte, secondo lo studio.


title: Musica da camera

text: Anche se non c'è accordo sul numero di suonatori di musica da camera, le opportunità di suonare per i dilettanti sono certamente cresciute. Il numero di campi e ritiri di musica da camera, dove i dilettanti possono incontrarsi per un fine settimana o un mese per suonare insieme, è cresciuto. "Music for the Love of It", un'organizzazione per promuovere l'esecuzione amatoriale, pubblica un elenco di laboratori musicali che elenca più di 500 laboratori in 24 paesi per dilettanti nel 2008. L'Associated Chamber Music Players (ACMP) offre un elenco di oltre 5.000 musicisti dilettanti in tutto il mondo che accolgono partner per sessioni di musica da camera.


title: Musica da camera

text: Indipendentemente dal fatto che il numero di musicisti dilettanti sia cresciuto o si sia ridotto, il numero di concerti di musica da camera in Occidente è aumentato notevolmente negli ultimi 20 anni. Le sale da concerto hanno in gran parte sostituito la casa come sede dei concerti. Baron suggerisce che una delle ragioni di questa impennata sono "i costi vertiginosi dei concerti orchestrali e le tariffe astronomiche richieste dai solisti famosi, che hanno messo entrambi i biglietti a un prezzo fuori dalla portata della maggior parte del pubblico". Il repertorio di questi concerti è quasi universalmente determinato dai classici del XIX secolo. Tuttavia, le opere moderne sono sempre più inserite nei programmi, e alcuni gruppi, come il Kronos Quartet, si dedicano quasi esclusivamente alla musica contemporanea e alle nuove composizioni. Ensemble come il Turtle Island String Quartet, che combinano stili classici, jazz, rock e altri per creare musica crossover. Cello Fury e Project Trio offrono una nuova svolta al classico ensemble da camera. Cello Fury è composto da tre violoncellisti e un batterista e Project Trio include un flautista, un bassista e un violoncellista.


title: Musica da camera

text: Diversi gruppi come Classical Revolution e Simple Measures hanno portato la musica da camera classica fuori dalle sale da concerto e nelle strade. I Simple Measures, un gruppo di musicisti da camera di Seattle, danno concerti in centri commerciali, caffetterie e tram. Il Providence String Quartet ha dato il via al programma "Storefront Strings", offrendo concerti e lezioni estemporanee da un negozio in uno dei quartieri più poveri di Providence (Rhode Island, USA).


title: Aliseo

text: Gli alisei sono venti, regolari in direzione e costanti in intensità, appartenenti alla Cella di Hadley cioè alla cella di circolazione atmosferica posta nella fascia intertropicale e che è una delle tre macrocelle di circolazione di cui si compone la circolazione atmosferica. Fanno parte della famiglia dei venti "sinottici" (venti legati alla situazione meteo di vaste aree geografiche).


title: Aliseo

text: Spirano nell'emisfero boreale da nord-est verso sud-ovest e nell'emisfero australe da sud-est verso nord-ovest. Sono causati dal gradiente barico orizzontale, cioè dalla regolare alternanza delle fasce di alta pressione (ovvero quelle tropicali) e quelle di bassa pressione (zone equatoriali) e vengono deviati verso ovest dalla forza di Coriolis, ovvero per effetto della rotazione terrestre e della scarsa viscosità atmosferica. Lo stesso meccanismo, per compensazione, attiva venti di direzione contraria che soffiano in quota ("controalisei").


title: Aliseo

text: Gli alisei sono stati importantissimi nella navigazione oceanica a vela, come prova il fatto che le circumnavigazioni del Globo venivano normalmente effettuate andando verso ovest. Conosciuti da lungo tempo, furono sfruttati anche da Cristoforo Colombo, per i suoi viaggi verso le Indie, che portarono alla scoperta dell'America.


title: Aliseo

text: Gli alisei sono importantissimi anche per la pesca, infatti quando spirano da terra (cioè sulle coste occidentali dei continenti) spingono le masse oceaniche superficiali verso ovest, le quali vengono rimpiazzate da acque profonde più ricche di nutrienti alla base della catena alimentare marina. Questo fenomeno è noto come upwelling e crea zone molto ricche di pesce; le aree dove queste correnti di upwelling (corrente delle Canarie, corrente del Benguela, corrente della California, corrente del Peru) si originano dagli alisei sono molto vaste e ampiamente utilizzate per la pesca commerciale.


title: Aliseo

text: Gli alisei influenzano molto i climi dei tropici, le zone (coste tropicali occidentali) dove spirano gli alisei di terra sono molto aride (es. deserto del Namib) perché contengono aria secca, viceversa nelle zone dove spirano gli alisei di mare (coste tropicali orientali) si hanno climi umidi perché sono ricchi di vapore acqueo.


title: Aliseo

text: Nella moderna lingua inglese sono chiamati "trade winds", cioè venti del commercio, tuttavia l'origine della parola è molto diversa. Deriva dalla forma antica "tread" che significava "sentiero", riferendosi appunto al fatto che questi venti soffiano sempre secondo una direzione ben precisa, quasi a tracciare un sentiero o percorso nel mare che era facile da seguire per le imbarcazioni a vela del tempo.


title: Hattori Hanzō

text: Conosciuto anche come Hattori Masanari o Hattori Masashige, salvò la vita di Tokugawa Ieyasu ed ebbe un ruolo chiave nella sua salita al potere e nell'unificazione del Giappone.


title: Hattori Hanzō

text: Figlio di Hattori Yasunaga, samurai minore a servizio del clan Matsudaira (in seguito Tokugawa), Hanzō, soprannominato "Hanzō il diavolo" () per via della sua grandissima abilità di condottiero, servì Tokugawa Ieyasu in maniera leale ed efficace. Si narra che iniziò il suo addestramento sul monte Kurama a nord di Kyoto all'età di 8 anni, divenne un guerriero esperto a 12 anni e riconosciuto come maestro samurai a 18 anni.


title: Hattori Hanzō

text: Hattori, che combatté la sua prima battaglia all'età di 16 anni, prese parte in seguito alla battaglia di Anegawa (1570) e alla battaglia di Mikatagahara (1572), ma in assoluto giunse alla fama nel 1582, a seguito della morte di Oda Nobunaga.


title: Hattori Hanzō

text: In quel tempo, Ieyasu e i suoi servi erano accampati vicino ad Osaka, quando vennero a sapere dell'assassinio giusto in tempo per evitare di essere arrestati dai soldati di Akechi Mitsuhide. Ma ancora non erano in salvo. La provincia di Mikawa era ancora molto distante e gli uomini di Akechi stavano passando al setaccio le strade in loro ricerca. Hanzō allora suggerì di prendere la strada attraverso la provincia di Iga, dove aveva legami con il samurai del posto. Inoltre, Ieyasu aveva dato riparo ai sopravvissuti dalla invasione sanguinosa di Nobunaga avvenuta in quella provincia nel 1581 e probabilmente per questo avrebbero ricevuto una buona accoglienza. Honda Tadakatsu mandò Hanzō in avanscoperta, e, come sperato, gli uomini di Iga, non solo si resero disponibili a guidarli verso la via di casa, ma provvidero a fornire anche una scorta. Alla fine, Ieyasu e i suoi uomini tornarono a Mikawa salvi. Lo stesso non si può dire per Anayama Beisetsu, nuovo del gruppo che insistette per prendere un'altra strada.


title: Hattori Hanzō

text: Il figlio di Hanzō, Masanari, succedendo al padre, prese il titolo di "Iwami-no-Kami" e i suoi uomini furono designati come guardie del castello di Edo.


title: Hattori Hanzō

text: Ai nostri giorni sono visibili di quell'epoca, riferibili ad Hanzō, il Palazzo imperiale di Tokyo, in cui è ancora presente l'Hanzō-mon (la Porta di Hanzō), che dà il nome anche alla linea della metropolitana che passa lì vicino.


title: Controcorrente (Huysmans)

text: Controcorrente ("À rebours") è un romanzo di Joris Karl Huysmans pubblicato nel 1884, noto in Italia anche con i titoli Contro corrente, A rovescio, Al contrario e A ritroso.


title: Controcorrente (Huysmans)

text: Il titolo originale "À rebours" vuol dire, alla lettera, «"a ritroso"» o «"al contrario"» (nel senso di «verso contrario», non di negazione).


title: Controcorrente (Huysmans)

text: "Controcorrente", come suggerisce il romanziere francese Guy de Maupassant, si può definire la «storia di una nevrosi» vissuta da un giovane aristocratico, Jean Floressas Des Esseintes, nella Parigi "fin de siècle". Educato dai padri gesuiti, unico erede dei beni dei genitori, di cui è rimasto orfano in giovane età, conclusi gli studi Des Esseintes si immerge nella vita parigina; tuttavia, deluso dalla frivola mondanità della vita condotta con i suoi coetanei, il giovane nobile decide in via definitiva di sciogliere ogni contatto con la società, ormai priva, ai suoi occhi, di qualunque attrattiva.


title: Controcorrente (Huysmans)

text: Si rifugia così in una villa nei pressi di un piccolo paese della campagna parigina, Fontenay, dove inizia il suo eremitaggio misantropico e misogino a distanza da qualsiasi distrazione che gli possa offrire la civiltà, evitando il più possibile i contatti con i domestici e con il mondo esterno. A Fontenay Des Esseintes si dedica a soddisfare ogni suo desiderio e ogni piacere: arreda la casa con una cura maniacale scegliendo meticolosamente i colori e gli abbinamenti che più lo soddisfano; acquista una tartaruga e, insoddisfatto dell'accostamento dei colori di questa con quelli della sua abitazione, le fa incastonare sul carapace una composizione di pietre preziose selezionate con cura, su sfondo di oro, ma purtroppo l'animale muore quasi subito; allestisce una biblioteca contenente i volumi da lui preferiti, appositamente rilegati su carte pregiate, e così via. La sua vita scorre così tra la lettura, la degustazione di alcolici e bevande, la composizione di profumi e la cura delle piante.


title: Controcorrente (Huysmans)

text: L'anelata solitudine gli permette, inoltre, di immergersi nei suoi ricordi e di abbandonarsi alla corrente di pensieri partoriti dalla sua mente isterica e inquieta. Il seme della nevrosi e della psicosi non tarda a germogliare: se dapprima la malattia di Des Esseintes si manifesta in un'eccessiva e spasmodica scrupolosità nell'arredare la casa, giorno dopo giorno dà adito alla comparsa di allucinazioni sempre più frequenti. La malattia intacca, così, sia i sensi sia la mente del giovane che, spossato, è ormai costretto, febbricitante, a letto, inerte fisicamente e spiritualmente. La consapevolezza del suo stato d'infermità lo costringe, infine, a riallacciare i legami con la società e a fare ritorno, deluso, a Parigi. Il finale pessimista pare preludere alla conversione di Huysmans, che pure Des Esseintes non riesce a realizzare:


title: Controcorrente (Huysmans)

text: Diversamente invece dal suo personaggio, lo scrittore Huysmans realizzerà effettivamente la conversione. Jules Amédée Barbey d'Aurevilly sintetizzò in una frase, in modo efficace, i contenuti del pessimismo di questo romanzo: «Dopo un libro tale non resta altro all'autore che scegliere tra la canna di una pistola e i piedi della croce»; e fu lo stesso Huysmans, che definì il libro «esca di tutta la mia opera cattolica», a rispondere a tale sentenza nella sua prefazione al romanzo scritta nel 1904 con un «già fatto», in riferimento alla conversione avvenuta alcuni anni prima (1892).


title: Controcorrente (Huysmans)

text: Sia dal punto di vista della forma, sia del contenuto, "Controcorrente" è estremamente originale. Huysmans preferisce, infatti, assumere un tono descrittivo molto marcato che denota un prolifico e vivace spirito artistico.


title: Controcorrente (Huysmans)

text: Attorno all'impalcatura scarna e asciutta della trama, l'autore dà vita a una complessa architettura compositiva. Come un pittore, definisce ogni particolare in estremo dettaglio: grazie a un vasto repertorio di vocaboli ed espressioni, apporta variazioni cromatiche ai suoi periodi, fa di aggettivi e avverbi i tocchi di classe con cui realizzare proposizioni fluide, dense, colorite: l'opera di Huysmans pone dinanzi al lettore un'interminabile sequela di descrizioni, citazioni e virtuosismi narrativi, che veicolano al lettore raffinate sensazioni e permeano l'atmosfera di misticismo cosparso di fumi d'incenso, in cui si intravedono gli interessi futuri di Huysmans, l'occulto e il cattolicesimo.


title: Controcorrente (Huysmans)

text: Interessante è anche il messaggio contenuto nel romanzo di Huysmans. La fuga da Parigi di Des Esseintes va interpretata come segno di un'epoca in cui l'uomo, insofferente della società borghese e ormai industrializzata, stanco del rapporto continuo ed estenuante con i suoi simili, intende rescindere ogni forma di relazione, per rifugiarsi, con una scelta drammatica, in una dimensione solitaria e fuori dal tempo.


title: Controcorrente (Huysmans)

text: La necessità di appartarsi coincide con il bisogno di ritrovare il proprio “Io”: questa tensione all'intimismo è caratteristica del XIX secolo, dato che il disorientamento originato dalla Rivoluzione scientifica, guarito in parte dall'Illuminismo, è in quell'epoca accentuato dal crollo degli ideali settecenteschi. L'uomo, affetto dal “male di vivere”, ipocondriaco e pessimista, cerca riparo e aiuto nel suo stesso spirito, ormai sfiduciato dagli insuccessi della civiltà e della scienza, incapaci di trovare soluzioni ai suoi più grandi enigmi. L'insicurezza, inoltre, non è solo la causa della proiezione dell'individuo nella nuova realtà più intima e profonda di sé stesso, ma ne costituisce anche l'effetto.


title: Controcorrente (Huysmans)

text: Congedatosi dalla società parigina, Des Esseintes crede, infatti, di trovare riparo dalla sconfinata quantità di ingannevoli verità, di volgarità, e di false credenze, dedicandosi, appartato, alle sue eccentriche e anodine attività.


title: Controcorrente (Huysmans)

text: Nondimeno, proprio dal “sottosuolo” (per utilizzare il termine dostoevskiano) in cui si è rifugiato tanto fiduciosamente, vengono alla luce i primi sintomi di quella malattia. Comprende, così, che l'origine della “nevrosi” che lo colpisce risiede, in realtà, nella stessa natura umana, covo delle passioni, dei desideri, degli interrogativi, delle angosce e dei timori d'ogni individuo.


title: Controcorrente (Huysmans)

text: Des Esseintes non riesce laddove ce l’hanno fatta eremiti ed asceti perché il suo desiderio non è quello di abbandonare istinti e vizi; non si allontana mai davvero dalla società che tanto disprezza, bensì ne ricrea una più conforme alla sua realtà personale.


title: Controcorrente (Huysmans)

text: Egli semplicemente si estranea, seguendo uno stile di vita completamente schiavizzato all’arte del bello. Al punto che ossessionato dagli incubi della sua mente, il fisico non regge più la complessità del pensiero e proprio quel bello di cui si circonda, diviene il suo demone persecutore. Disilluso e amareggiato, al fine non resta che anelare al cattolicesimo, visto come unica panacea, ma la conversione non è possibile per lo spirito inquieto di Des Esseintes.


title: Controcorrente (Huysmans)

text: Considerato dalla società contemporanea come uno spirito anomalo, insano, Joris-Karl Huysmans riversa la propria malattia interiore nelle pagine di "Controcorrente": già da numerosi lavori precedenti il burocrate francese ha manifestato il male di vivere che collassa dentro di sé e, senza dubbio, segni ancora più evidenti sono contenuti in questo romanzo.


title: Controcorrente (Huysmans)

text: In seguito alla prima pubblicazione di "À rebours", nel 1884, in piena età vittoriana, l'autore viene immediatamente attaccato dalla critica, sconcertata dall'immoralità dell'opera, che viene condannata, oltretutto, per la mancanza d'originalità della trama. In effetti, anche Oscar Wilde, riferendosi a "Controcorrente", parla di un «romanzo senza intreccio, con un solo personaggio", in cui "tutto si concentra nello studio psicologico di un giovane parigino che consacra la propria vita a impregnarsi di tutte le passioni» e che riassume in sé «le diverse mentalità attraverso cui lo spirito umano è passato» ("Il ritratto di Dorian Gray"), nonché "iperrealistico studio" della "natura umana"; l'esteta irlandese apprezza lo stile di Huysmans e ne rimarrà fortemente influenzato, una reazione dovuta soprattutto allo “shock” di un'opera così nuova sulla mentalità moralistica e puritana imperante verso la fine del XIX secolo.


title: Il mondo dei robot

text: Precursore del tema della macchina che si ribella all'uomo, viene da molti considerato un "cult". Il film si avvale dell'icona western del Pistolero interpretato da Yul Brynner, citazione del suo personaggio nel celebre "I magnifici sette" (1960).


title: Il mondo dei robot

text: "Il mondo dei robot" viene sovente accreditato come il primo film realizzato anche con l'ausilio della grafica computerizzata per alcuni effetti speciali. Si ritiene inoltre che proprio in questo film sia stata usata per la prima volta la definizione di "virus" in relazione al malfunzionamento della rete di computer.


title: Il mondo dei robot

text: Il film ebbe un seguito nel 1976: "Futureworld - 2000 anni nel futuro" diretto da Richard T. Heffron; nel 1980 fu realizzata la miniserie di 5 puntate "Alle soglie del futuro" ("Beyond Westworld"); nel 2016 la HBO ha prodotto la serie "Westworld - Dove tutto è concesso" ("Westworld").


title: Il mondo dei robot

text: Nell'anno Duemila, futuribile al tempo della realizzazione, lo sviluppo tecnologico permette la produzione di androidi, ovvero robot antropomorfi, in grado di imparare, mostrare emozioni e interagire con gli esseri umani. Si è creato Delos, un parco di divertimenti a tema per turisti facoltosi, la cui retta giornaliera è di mille dollari, dove si possono vivere a scelta le vicende storiche - o meglio dettate dalla cinematografia - dell'Antica Roma, del Medioevo e del Far West, nelle rispettive ambientazioni curate nel dettaglio. Degli androidi interagiscono con i turisti assecondandoli completamente, anche intimamente, per garantire loro il divertimento senza rischi. I robot sono monitorati costantemente da esseri umani di una sala controllo, dotata di macchinari informatici d'avanguardia.


title: Il mondo dei robot

text: Due turisti americani, John Blane e Peter Martin, giungono presso "Westernlandia" dove presto si scontrano a duello con un "pistolero". Essi hanno in dotazione armi autentiche, sebbene dotate di un sensore che le disattiva istantaneamente in caso si punti una persona in carne ed ossa. Dalla sala controllo tuttavia si segnalano guasti e malfunzionamenti in crescendo. In una riunione con il Direttore, i tecnici dichiarano di ignorare il funzionamento e lo schema dei nuovi androidi, in quanto programmati da computer, iniziando a dubitarne l'affidabilità .


title: Il mondo dei robot

text: Le prime avvisaglie di pericolo si hanno quando un robot-serpente morde Blane ed una cortigiana-robot del padiglione medievale respinge vivacemente la seduzione di un turista, il quale a sua volta resta ucciso in un duello con un cavaliere androide. È solo l'inizio di una serie di disfunzioni a catena, che si diffondono nel sistema come un virus, rendendosi conto che per qualche ragione sconosciuta, i robot sono andati fuori controllo.


title: Il mondo dei robot

text: Il pistolero-robot ucciderà Blane e, contemporaneamente, nel padiglione romano, i robot daranno vita a una carneficina che dalla sala controllo sarà impossibile fermare, nonostante il distacco progressivo di tutte le fonti di energia. Saranno proprio i tecnici della sala a farne le spese perché gli ingressi e gli impianti di ventilazione si bloccheranno, condannandoli alla morte per soffocamento. Martin, l'unico superstite, riesce a neutralizzare il pistolero dopo essere sfuggito a un lungo inseguimento che lo aveva portato dapprima nella zona dell'antica Roma, e infine nel mondo medievale.


title: Il mondo dei robot

text: Il soggetto fu rifiutato da tutte le compagnie cinematografiche: solo la MGM era interessata al soggetto, ma impose drastici tagli agli effetti speciali, concedendo a Crichton solo 6 settimane di tempo. Durante le riprese, un colpo a salve ustionò la cornea di Yul Brynner, che dovette rinunciare a portare le lenti a contatto lucide che davano lo sguardo speciale al robot del suo personaggio, così la produzione si dovette fermare per diverse settimane.


title: Il mondo dei robot

text: L'unico effetto al computer fu quello ottenuto da John Whitney (esperto di effetti speciali) con le immagini in soggettiva del Robot/Brynner. Questo procedimento, molto difficoltoso per l'epoca, richiese mesi di lavoro per poche decine di secondi di girato.


title: Il mondo dei robot

text: Finite le riprese, il primo montaggio a detta della produzione era un disastro e non distribuibile. Venne così chiamato David Bretherton (premio Oscar per "Cabaret") e con l'apporto di nuove scene il film fu pronto per la distribuzione. Nonostante questo i dirigenti della MGM non erano soddisfatti del lavoro svolto ma fecero uscire ugualmente il film, che a dispetto di tutto ebbe un grande successo commerciale.


title: Il mondo dei robot

text: Il film fu trasmesso per la prima volta nel Maggio 1978 in seconda serata sulla allora Rete Due RAI, riscuotendo successo di ascolti ed il plauso degli spettatori.


title: Il mondo dei robot

text: Nonostante il contenuto palesemente fantastico (non sono ancora stati realizzati androidi con le capacità ipotizzate nel film), il tono cupamente drammatico che aleggia fin dall'inizio sul film lo rende inquietante: vent'anni prima di "Jurassic Park" (dal romanzo dello stesso Crichton), lo spettatore è disturbato dal pensiero che una macchina creata dall'uomo possa prenderne il sopravvento, e non basta il finale sommariamente positivo a rassicurarlo, perché il fatto che la ribellione sia accaduta una volta non esclude che possa ripetersi. Crichton rielabora il tema classico della ribellione delle macchine mettendola in relazione con la complessità dei sistemi informatici, introducendo numerosi elementi che saranno poi citati in opere successive dello stesso genere (fra tutte "Terminator"), come l'idea di macchine progettate da macchine, che suggerisce un processo evolutivo che può andare fuori controllo e rivoltarsi contro gli esseri umani. Anche esplicitamente citata in "Terminator" è la sequenza finale dell'inseguimento, con riprese in soggettiva dal punto di vista del robot e la distruzione progressiva del robot (in particolare del suo volto) che ne rivela le interiora meccaniche e la sostanziale alienità.


title: Il mondo dei robot

text: Il film è rimasto fortemente impresso nella cultura popolare - soprattutto americana - ed è ampiamente citato; si pensi per esempio alla band britannica Westworld o ai numerosi riferimenti al film nella serie animata "I Simpson" e "Futurama". Anche un episodio di Scooby-Doo è esplicitamente ispirato all'ambientazione e alla trama di questo film. Lo scrittore della serie horror per ragazzi "Piccoli brividi", R.L. Stine, si è ispirato a questo film per realizzare il trentaseiesimo racconto della serie, "Gli orrori di Shock Street".


title: Avorio

text: L'avorio è un materiale che si ricava dalle zanne degli elefanti e che veniva lavorato per farne oggetti di vario uso quali gioielli, suppellettili e oggettistica per la casa.


title: Avorio

text: L'avorio è sostanzialmente dentina solidificata. In linea di principio questo materiale è ricavabile in piccole quantità dai denti di molti animali, come l'ippopotamo e il cinghiale o anche dai resti degli antichi mammuth rinvenuti nel permafrost. Si parla invece impropriamente di avorio quando ci si riferisce al materiale di cui sono composti i corni del rinoceronte in quanto questi sono composti da cheratina, la stessa sostanza di cui sono fatte le unghie umane. Anche alcuni mammiferi marini, come il capodoglio, il narvalo o il tricheco coi suoi denti simili a zanne venivano uccisi per sottrarre loro i denti che forniscono una sostanza simile all'avorio. È fatta di polvere di avorio la cosiddetta "avorina".


title: Avorio

text: Non si è trovato alcun materiale che fosse pari per bellezza ed elasticità all'avorio fornito dagli elefanti, neanche quello che si trova nel sottosuolo della Russia e dell'Alaska e che apparteneva ai grandi mammuth vissuti in quelle zone quarantamila anni or sono ed ora fossilizzati. Di questo tipo d'avorio fossile si fa oggi un uso copioso. Dopo tanti millenni di fossilizzazione ha sviluppato la vivianite, una sostanza assente nell'avorio nuovo che sottoposta ai raggi ultravioletti diventa rossa e altera il colore dell'avorio antico di mammuth, che già di rado è chiaro perché col tempo è diventato verde, nero, blu o rossastro.


title: Avorio

text: Conosciuto e adoperato sin dall'antichità dagli egizi, dai greci, dagli indiani, dai cinesi e dai giapponesi, ha avuto una considerevole diffusione nei tre continenti del mondo antico. Tuttavia il suo uso ha comportato una continua e sempre più ingente soppressione degli elefanti, dei quali oggi rimane un numero limitato tanto che ne è stato vietato l'abbattimento se non in rarissimi casi. Ciò ha determinato sul mercato una diminuzione dell'offerta a fronte di un aumento crescente della domanda che ormai interessa quasi solamente l'Asia e l'Africa.


title: Avorio

text: Fra tutti i materiali con cui si è tentato di sostituire l'avorio originale si annoverano l'avoriolina, l'ivorina, la plastica e anche la porcellana, il vetro e il cosiddetto avorio vegetale, ossia un materiale ricavato dai durissimi semi di due tipi di palma, il corozo e la dum, che in ogni modo possono servire solo per imitare i chicchi delle collane o per realizzare piccoli oggetti. Tuttavia il colore, la grana, la lucidità dell'avorio originale non sono facilmente riproducibili con comuni imitazioni.


title: Avorio

text: Ritrovamenti archeologici europei indicano che l'avorio delle zanne di mammuth fosse utilizzato in tempi preistorici come materiale per creare piccoli oggetti scolpiti, raffiguranti animali e talvolta figure umane, in particolare famose sono alcune veneri paleolitiche rinvenute in scavi in grotte.


title: Avorio

text: Alcuni bracciali appartenenti ad un gruppo di reperti presumibilmente risalenti al 4000 a.C. sono considerati i più antichi tra gli oggetti del passato, rinvenuti per lo più nel corso di scavi archeologici operati nel bacino del Mediterraneo. Ritrovati a Mostagedda, in una tomba dell'Egitto predinastico, i bracciali, piuttosto piccoli, potrebbero essere stati ornamento di donne o bambini, forse come oggetti di distinzione sociale o tribale.


title: Avorio

text: In India sono stati rintracciati reperti di lavorazioni con avorio a Taxila, risalenti al II secolo a.C.


title: Avorio

text: Fiorente fu l'arte cretese dell'avorio come testimoniato dalle statuine rinvenute nel Palazzo di Cnosso, e da qui si trasferì sul continente.


title: Avorio

text: Documenti scritti testimoniano l'uso dell'avorio in Grecia, dove lo scultore Fidia realizzò magnifiche ed enormi statue delle divinità tra cui quella di Zeus, statua composita da elementi in oro ed avorio, dette crisoelefantina, che non sono giunte sino a noi, ma di cui l'antichità era a conoscenza. Le donne greche e romane usavano collane, bracciali, pettini, spille, fermacapelli in avorio, materiale usato anche nelle decorazioni degli interni delle case e anche delle navi da parata. Una spilla per capelli, ritrovata nella Britannia romana, testimonia della diffusione dell'avorio sino ai margini del mondo mediterraneo.


title: Avorio

text: Anche in Etruria non mancarono esempi di produzioni di statuette e tavolette in stile fenicio e nel mondo romano si diffuse ampiamente l'arte eburaria che raggiunse il suo massimo splendore durante la sua epoca finale, confermata dai dittici come quello di "Probiano" e di "Stilicone".