title: Basilica della Natività

text: Tra il 2 aprile e il 10 maggio 2002, nell'ambito dell'Operazione Scudo difensivo, le Forze di difesa israeliane occuparono Betlemme e tentarono la cattura di alcuni militanti palestinesi ricercati. Decine di questi si rifugiarono nella basilica della Natività. Dopo 39 giorni fu raggiunto un accordo con i militanti, che furono condotti in Israele e quindi esiliati in Europa e nella Striscia di Gaza.


title: Basilica della Natività

text: Nel 2008 l'Autorità nazionale palestinese, con l'accordo delle tre comunità religiose (Armeni apostolici, Greci ortodossi e Cattolici rappresentati dalla Custodia di Terrasanta), nominò un comitato di esperti, presieduto dal ministro Ziad al-Bandak, con lo scopo di promuovere il restauro della Basilica. Nel 2009 il comitato incaricò un consorzio interuniversitario internazionale, sotto la guida del prof. Claudio Alessandri dell'Università di Ferrara, di verificare lo stato di conservazione dell'edificio e coordinare un programma di interventi mirati, partendo dai più urgenti. Nel 2012, in seguito all'inclusione dell'edificio nella lista UNESCO dei monumenti patrimonio dell'Umanità in pericolo, si decise di dare inizio ai lavori, affidati alla società italiana Piacenti. L'intervento iniziò nel 2013 col consolidamento del tetto ligneo, per poi procedere con la struttura architettonica del nartece, gli altri elementi lignei (in particolare la duecentesca "Porta armena"), i mosaici parietali, le pitture murali sulle colonne e, infine, i mosaici pavimentali. A seguito dei restauri, completati nel 2020, la Basilica è stata espunta dalla lista dei monumenti UNESCO in pericolo.


title: Basilica della Natività

text: Originariamente, all'esterno della struttura vi era un cortile che permetteva l'accesso all'atrio, costituito da colonne e da navate grandi un quarto rispetto a quelle della basilica. Il cortile, molto ampio, serviva da luogo di sosta per i pellegrini; per questo veniva allestito un piccolo mercato. La basilica misura 53,90 metri di lunghezza per 26,20 metri di larghezza nelle cinque navate (nel transetto invece è di 35,82 metri). Finché i pellegrini non furono molto numerosi, come per tutto il IV secolo, quando la comunità cristiana in Palestina era piccola, non vi erano problemi di spazio.


title: Basilica della Natività

text: L'accesso alla basilica è consentito solo attraverso una porta: la "Porta dell'Umiltà", più simile ad un passaggio, stretto e basso, resa così per evitare l'ingresso a cavallo come purtroppo molte volte è successo. Delle tre porte originarie è rimasta solo questa, poiché le altre due sono state murate.


title: Basilica della Natività

text: Sopra la Grotta della Natività, nel lato orientale della basilica, è situata una costruzione ottagonale rialzata di tre gradini, il "martyrium". Al centro dell'ottagono è situata una balaustra da cui, sporgendosi, si vede un ampio foro circolare; il foro, praticato nella volta della Grotta della Natività, consente ai visitatori di guardare all'interno. L'altare cerimoniale era probabilmente situato a poca distanza dalla costruzione ottagonale, nella navata centrale, per legare, come nella basilica di San Pietro in Vaticano, "martyrium" e basilica.


title: Basilica della Natività

text: La decorazione a mosaico fu eseguita tra gli anni 1165 e 1169, quando la Palestina era un regno crociato, governato dal re Amalrico I, il cui nome è citato nei mosaici. Le iscrizioni nei mosaici sono in latino e greco, segno che all'epoca vi era armonia tra le chiese cristiana e ortodossa e tra il regno latino e l'impero bizantino. I maestri che hanno lavorato sui mosaici sono siriaci e ne restano le firme: Basilios e Efrem. Gran parte della decorazione è andata perduta, ma si riconosce ancora l'impianto iconografico di base.


title: Basilica della Natività

text: Nel primo livello sono raffigurati gli antenati di Gesù fino al padre putativo Giuseppe, che era della stirpe del re Davide, secondo la genealogia dei vangeli.


title: Basilica della Natività

text: Al secondo livello, intervallati con foglie di acanto, sono rappresentati i "sette concili ecumenici" (Nicea, 325; Costantinopoli, 381; Efeso, 431; Calcedonia, 451; Costantinopoli II, 553; Costantinopoli III, 680; Nicea II, 787); i "quattro concili provinciali" (Antiochia, 272; Ancira, 314; Sardi, 347; Gangra, 340 circa) e due "sinodi locali" (Cartagine, 254; Laodicea, IV secolo). Ogni concilio è rappresentato da un edificio sacro ed è illustrato con l'aiuto di una pergamena su cui è scritta la decisione presa in quel momento per stabilire l'umanità e la divinità di Cristo. Al livello superiore della serie di mosaici si trova la rappresentazione degli angeli che avanzano reverenti in processione, vestiti di bianco e diretti verso la Grotta della Natività. Ai piedi di uno di questi angeli è stata trovata la firma dell'artista "Basilio", probabilmente di origine siriaca.


title: Basilica della Natività

text: Nel transetto della basilica si possono vedere scene tratte dai vangeli canonici: nel lato settentrionale, l"incredulità di Tommaso", l"Ascensione" e la "Trasfigurazione"; a sud, l"ingresso trionfale di Gesù a Gerusalemme". Il kerygma presentava il riassunto della fede cristiana: la morte e Risurrezione di Gesù, al centro della fede cristiana.


title: Basilica della Natività

text: I mosaici comunicano un simbolismo che serve a completarne la lettura teologica. Il bianco della veste degli angeli è simbolo della luce eterna e della grazia; il blu scuro è simbolo del mistero della vita divina e della dimora di Dio. Il rosso simboleggia l'energia divina, l'amore dello Spirito, il potere vitale del fuoco nonché il principio della vita ma anche il sangue del martirio. Il verde esprime la vita della vegetazione e quindi anche la rigenerazione dello Spirito (usato anche per re e profeti come simbolo di rigenerazione e fertilità). Il giallo appartiene alla sfera della luce; il marrone riflette la densità della materia e quindi rappresenta tutto ciò che è terrestre, mentre nelle tuniche di monaci ed asceti è segno della rinuncia ai beni terreni. Il nero è assenza di luce e la Grotta della Natività è nera poiché secondo la teologia cristiana, Cristo avrebbe salvato gli uomini assumendo una condizione umana e li avrebbe redenti attraverso la sua morte. L'oro è luce immateriale, metafisica, simbolo della presenza del divino, della Teofania.


title: Basilica della Natività

text: A fianco dell'abside centrale sono presenti due scale che consentono l'accesso alla Grotta della Natività, una cripta di forma rettangolare lunga 12,3 metri e larga 3,5 metri. Nella grotta si evidenziano due zone distinte:


title: Modello relazionale

text: In informatica il modello relazionale è un modello logico di rappresentazione o strutturazione dei dati di un database implementato su "sistemi di gestione di basi di dati" (DBMS), detti perciò "sistemi di gestione di basi di dati relazionali" (RDBMS).


title: Modello relazionale

text: Proposto da Edgar F. Codd nel 1970 per semplificare la scrittura di interrogazioni sui database e per favorire l'indipendenza dei dati, venne reso disponibile come modello logico in DBMS reali nel 1981 e ad oggi è uno dei modelli logici più utilizzati, implementato su moltissimi DBMS sia commerciali che open source. Si basa sulla teoria degli insiemi e sulla logica del primo ordine, strutturato intorno al concetto matematico di relazione (detta anche tabella) e per il suo trattamento ci si avvale di strumenti quali il calcolo relazionale e l'algebra relazionale.


title: Modello relazionale

text: L'assunto fondamentale del modello relazionale è che tutti i dati sono rappresentati come "relazioni" e manipolati con gli operatori dell'algebra relazionale o del calcolo relazionale, da cui appunto il nome.


title: Modello relazionale

text: Il modello relazionale consente al progettista di "database" di creare una rappresentazione consistente e logica dell'informazione. La consistenza è ottenuta inserendo nel progetto del database appropriati vincoli, normalmente chiamati "schema logico". La teoria comprende anche un processo di normalizzazione in base al quale viene selezionato tra le diverse alternative lo schema maggiormente "desiderabile".


title: Modello relazionale

text: Il piano di accesso e altri dettagli operativi vengono gestiti dal motore del DBMS e non dovrebbero trovare spazio nello schema logico: questo è in contrasto con la pratica corrente in molti DBMS di ottenere miglioramenti delle prestazioni attraverso modifiche dello schema logico.


title: Modello relazionale

text: La "testata" della relazione è l'insieme di attributi o campi dato, mentre il "corpo" è l'insieme di "n" "tuple" o record di dati o valori. La testata di una relazione è anche la testata di ciascuna delle sue "tuple". La "tabella" è invece la rappresentazione grafica normalmente accettata per rappresentare la "relazione" tra attributi e valori.


title: Modello relazionale

text: Il principio base del modello relazionale è dunque che tutte le informazioni siano rappresentate da valori inseriti in relazioni (tabelle); dunque, un database relazionale è un insieme di relazioni contenenti valori e il risultato di qualunque interrogazione (o manipolazione) dei dati può essere rappresentato anch'esso da relazioni (tabelle).


title: Modello relazionale

text: Il modello relazionale risponde al requisito dell'indipendenza dei dati e prevede una distinzione tra il livello fisico e il livello logico: questa capacità di astrazione ha fatto la sua fortuna nel mondo della gestione dati.


title: Modello relazionale

text: "Tabella" è il termine normalmente usato in sostituzione del termine teorico "relazione" per indicare l'insieme delle righe e delle colonne della matrice di dati. La struttura di una tabella è specificata da una lista di colonne, ciascuna delle quali ha un nome univoco (l'attributo o campo dato), un tipo di dato e un dominio, cioè un insieme di valori accettati (valori univoci non ripetuti se è una chiave primaria, oppure valori ripetibili; fra questi il valore NULL se l'attributo non è obbligatorio).


title: Modello relazionale

text: "Attributo" o campo dato è il termine usato per indicare l'intestazione iniziale di una colonna; ad esso si associa un certo tipo di dato con il suo "dominio" di possibili valori. Il tipo di dato usato nei database relazionali può essere un insieme di numeri interi, un insieme di caratteri alfanumerici, l'insieme delle date, i valori booleani "vero" e "falso" ecc... I corrispondenti "nomi di tipo", ad esempio, saranno dunque le stringhe "int", "char", "date", "boolean", etc. Da sottolineare che, da una parte, la teoria relazionale non definisce quali tipi vadano supportati, e dall'altra molti sistemi garantiscono la possibilità di definire tipi di dati definiti dall'utente cioè personalizzati, in aggiunta a quelli "standard" forniti dal sistema.


title: Modello relazionale

text: "Valore di attributo" è il dato o valore di una cella identificata da una specifica coppia riga - colonna, come ad esempio "Mario Rossi" o "2006", mentre una "tupla" è praticamente la stessa cosa di una "riga" o "record" di dati o valori.


title: Modello relazionale

text: Una "relazione" è dunque la definizione di una "tabella", cioè un insieme di colonne e righe, cioè attributi o campi dato insieme ai rispettivi dati o valori che vi compaiono. La definizione della tabella è la "testata" iniziale e i dati che vi appaiono sono il "corpo" cioè un insieme di righe.


title: Modello relazionale

text: In tale ambito, il termine "relazione" a volte si riferisce anche alle relazioni o vincoli interrelazionali che intercorrono tra una tabella primaria ("master") ed altre tabelle secondarie ("slave") attraverso l'associazione tra una chiave primaria della tabella principale e le foreign key delle altre tabelle.


title: Modello relazionale

text: Le operazioni tipiche basilari che saranno possibili su una tabella precedentemente definita e creata nella sua struttura tramite il Data Definition Language (DDL) sono quelle cosiddette di CRUD ovvero C creazione ("create") o inserimento dei record ("insert"), R lettura ("read"), U aggiornamento ("update"), D cancellazione ("delete"), attraverso il Data Query Language e il Data Manipulation Language (DML) del linguaggio standard SQL. Altre operazioni tipiche sono la definizione delle chiavi (primarie o esterne) sulle tabelle definite ed altre ancora sono definite nel linguaggio Data Control Language e nello stesso Data Definition Language.


title: Modello relazionale

text: L’integrità referenziale è un insieme predefinito di vincoli o regole che il programma (ad es. MS Access) utilizza per accettarsi che la relazione sia valida. Es:


title: Modello relazionale

text: - non consente di inserire tuple nella tabella secondaria se il valore attribuito alla chiave esterna non è uguale ad un valore della chiave della tabella primaria


title: Modello relazionale

text: Prima dell'avvento del modello relazionale, i DBMS utilizzavano altri due modelli logici di database: il modello gerarchico e il modello reticolare. Sebbene oggi la gran parte dei DBMS aderiscano (o dicano di aderire: v. le 12 regole di Codd) al modello relazionale, in alcuni centri elettronici sono ancora utilizzati DBMS gerarchici o reticolari, specialmente in casi in cui la migrazione avrebbe costi proibitivi.


title: Modello relazionale

text: Secondo alcuni autori il modello relazionale potrebbe in futuro cedere il passo a un modello object oriented, ma da una parte i DBMS "object-oriented" (OODBMS) stentano ad affermarsi, dall'altra i migliori DBMS relazionali stanno rilasciando funzionalità object-oriented, come la possibilità di definire tipi di dato "utente".


title: Mena Massoud

text: Massoud è nato a Il Cairo, in Egitto, da genitori egiziani copto cristiani. Ha due sorelle maggiori, Margo e Marian. È cresciuto in Canada, nella città di Markham, in Ontario, dove ha frequentato la St. Brother André Catholic High School. È vegano ed è autore del programma itinerante "Evolving Vegan", dedicato al cibo di origine vegetale. Massoud è conosciuto principalmente per il ruolo di Aladdin nell'omonimo film del 2019, remake live action del film d'animazione del 1992. Ha inoltre interpretato Tarek Kassar nella serie televisiva "Jack Ryan", pubblicata da Amazon Prime.


title: Pop rap

text: Il pop rap è un genere musicale che fonde il rap con il pop. Nel pop rap gli elementi più duri dell'hip hop vengono rimossi in favore di basi molto orecchiabili. Il risultato mescola il ritmo e le rime del rap con la cura del suono e le melodie ammiccanti del pop, di conseguenza tende ad essere meno aggressivo degli altri sottogeneri dell'hip hop.


title: Pop rap

text: Lo stile divenne popolare all'inizio degli anni novanta quando l'hip hop trovò finalmente il successo commerciale. I pop rapper apparivano meno "minacciosi" agli occhi del vasto pubblico giovanile, e anche per questo il genere divenne molto più popolare del gangsta rap. Artisti come Vanilla Ice poterono sfruttare l'estetica generale dell'hip hop combinata a suoni e liriche molto radiofonici.


title: Pop rap

text: Molte hit pop rap campionavano brani immediatamente riconoscibili: "U Can't Touch This" ne divenne il primo esempio, contenendo il riff del brano di Rick James "Super Freak". L'aumento della popolarità dell'hip hop all'inizio del XXI secolo si può in larga parte ascrivere allo stile maturato dal pop rap.


title: Pop rap

text: Indubbiamente, la maggior parte delle produzioni è pesantemente influenzata dal ricorso a campionamenti di brani celebri e suoni molto ballabili.


title: Pop rap

text: Il pop rap è diventato molto popolare fin dal suo inizio nei tardi anni ottanta, dopo che vari artisti hip hop cominciarono ad entrare nella scena principale. LL Cool J potrebbe essere stato il primo vero pop rapper della storia, quando raggiunse la fama nel 1985 con il suo album di debutto "Radio". Quando si associò alla Def Jam di Russell Simmons e decise di provare a fondere il rap con influenze pop e R&B, alcune persone furono scettiche sul fatto che avrebbe funzionato perfettamente. Alla fine, la ballata rap "I Need Love" (1987) di LL Cool J divenne realmente un successo. Le origini del pop rap risalgono anche ad artisti come Tone Lōc, Young MC e DJ Jazzy Jeff & the Fresh Prince che mettevano l'enfasi nella capacità di raccontare storie di buonumore per avere più successo. Ci furono dei seguaci che iniziarono a registrare similmente brani amabili e festosi. Da quando questo genere fu accettato come vera musica, altri rapper cominciarono a mischiare il rap con il pop, l'R&B e la dance.


title: Pop rap

text: Alcuni pop rapper si posero come obiettivo il campionamento di altri generi musicali per creare le proprie melodie, altri si affidarono alla propria creatività per le strumentali su cui comporre le liriche. Come risultato di questo lavoro, tali artisti venivano frequentemente portati in giudizio per questioni di diritti d'autore, pur non copiando di sana pianta il brano ma solo facendosi ispirare in determinati punti. Questi problemi iniziarono con l'arrivo sulla scena dei primi veri pop rapper come MC Hammer e Vanilla Ice negli anni novanta, che costruirono parte della loro carriera utilizzando pesanti campionamenti di brani di successo per creare nuove hit altrettanto popolari. Ciò comunque non deve far pensare ad un genere completamente segnato dall'utilizzo delle abilità musicali altrui, infatti ci sono stati moltissimi artisti pop rap capaci di avere successo costruendosi un proprio suono inconfondibile, senza necessariamente appoggiarsi al lavoro già fatto da altri in precedenza: vedi P.M. Dawn, Naughty by Nature, Das EFX, Salt-n-Pepa, House of Pain, Coolio, eccetera.


title: Pop rap

text: Verso la fine degli anni novanta, il pop rap è stato dominato da artisti che avevano saputo mescolare il rap con il soul. Spunti R&B e campionamenti facilmente riconoscibili di successi soul e pop degli anni settanta e ottanta furono lo schema classico di questo genere, che ebbe la sua consacrazione negli ultimi lavori di The Notorious B.I.G. ("Mo Money Mo Problems") e Ma$e ("Feels So Good"), e nei singoli di Jay-Z ("Can I Get a...") e Nas ("Street Dreams"). Una fetta poco consistente di questi successi musicali fu ben accolta dalla critica e dai puristi dell'hip hop, mentre lo stile "loop it and leave it" tipico di Puff Daddy, che consisteva prevalentemente nella costruzione di strumentali con materiale non originale, fu pesantemente criticato.


title: Pop rap

text: Il gangsta rap influenzato dal pop ha continuato ad avere successo anche nel XXI secolo, con artisti che hanno saputo catturare l'attenzione sia del pubblico di fede rap che di fede pop. Tra questi vanno sicuramente ricordati 50 Cent, D4L e Nelly.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Il Trionfo della Divina Provvidenza e il compiersi dei suoi fini sotto il pontificato di Urbano VIII, più comunemente noto nella forma abbreviata di Trionfo della Divina Provvidenza, è un affresco di Pietro da Cortona realizzato tra il 1632 e il 1639 nella volta del salone del piano nobile di palazzo Barberini a Roma.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Nato come esaltazione della famiglia Barberini, allora regnante sul soglio pontificio con Urbano VIII, il ciclo mostra tramite allegorie e temi classici-mitologici quelle che sono le virtù del casato per il buon governo.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: L'opera viene spesso citata come manifesto dello stile barocco in pittura, nel senso più proprio del termine, che attraverso varie esperienze parziali dei primi anni del secolo XVII, arrivò al suo culmine proprio con la figura di Pietro da Cortona. Con una superficie di circa 600 m² è il secondo ciclo di affreschi più grande di Roma dopo la cappella Sistina.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Introdotto ai Barberini dall'amico Marcello Sacchetti, Pietro da Cortona era all'epoca un valido artista che si dedicava soprattutto ai temi tratti dall'antico, ma non ancora il protagonista della scena. La prima commissione per la potente famiglia papale sono gli affreschi nella chiesa di Santa Bibiana (1624-1626), appena restaurata dal Bernini, dove il pittore inizia a primeggiare, come dimostra il confronto col conterraneo Agostino Ciampelli, pure impiegato nel ciclo, dallo stile più statico e aneddotico.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Il successo di questa commissione fece sì che il cardinale Maffeo Barberini, nel frattempo diventato papa col nome di Urbano VIII, assegnasse al pittore una commissione ancora più ambiziosa, la decorazione del salone di rappresentanza (24×14,5×18 m), l'ambiente più importante del nuovo palazzo della sua famiglia, costruito nel frattempo da Carlo Maderno e poi da Gianlorenzo Bernini (attivo proprio nel piano nobile, nella sala, che ampliò, e in buona armonia col pittore) e Francesco Borromini.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: In prima istanza la commessa, decretata da Taddeo Barberini, fu inoltrata al suo protetto, Andrea Camassei, pittore manierista toscano, già attivo a palazzo Barberini. Fu poi proprio il pontefice, stando alle parole del Passeri, a virare sul Cortona la commessa, comunque su intercessione del cardinale Francesco, a suo volta protettore del pittore: "«Don Taddeo e tutti i signori Barberini, gli assegnarono il voltone della sala grande [...] espressi per la penna del Signor Francesco Bracciolini dell'Api. Questa volta poi, per mutazione di parere e di fortuna, fu dal medesimo Pontefice collocata al sig. Pietro da Cortona: et egli nello spazio di quattordici anni la ridusse a quella bellezza che hoggi si vede [...]»".


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: La presenza di collaboratori fu limitata ad operazioni tecniche, con scarsa autonomia rispetto al maestro, al quale viene dopotutto riferita la totalità dell'autografia. Tra i presenti, citati nei documenti, ci furono Giovan Francesco Romanelli, Giovanni Maria Bottalla e Pietro Paolo Baldini, pagati dieci scudi al mese per tutto il tempo della realizzazione.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Il tema del grande affresco venne steso dal poeta ed erudito Francesco Bracciolini, un altro toscano (pistoiese) molto vicino al papa, segretario particolare del cardinal nipote Antonio Barberini, che scrisse un poema proprio in occasione dell'elezione pontificia del Barberini, "L'elettione di Urbano Papa VIII" (iniziato in un periodo immediatamente successivo alla nomina papale, ed edito nel 1628).


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: L'affresco traspone quello che è il concetto del Bracciolini, dove si celebra il trionfo della famiglia Barberini con la nomina papale di Maffeo del 1623, voluta dalla Divina Provvidenza, mediante miti, leggende ed episodi biblici, adottati come esempi per l'attuale.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Il Cortona realizzò dapprima la parte centrale della scena, quindi la cornice centrale e la "Divina Provvidenza", che interviene per l'elezione di Urbano VIII a pontefice, dopodiché procedette con la realizzazione dei quattro angoli, definendo anche la scansione del finto fregio marmoreo con telamoni, quindi il lato corto sul versante ovest, i due lati lunghi e infine l'altro lato corto sul versante est, dove sono la "Minerva" e la "caduta dei Giganti".


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Le quattro storie dei clipei, tratte da temi classici romani, sono collocate nelle colonne portanti della finta architettura affrescata a mo' di cardini su cui poggiano le virtù di Urbano VIII, mentre alla base sono altrettanti animali rappresentativi di altre virtù Barberini, quindi il leone (Fortezza), due orsi (Sagacia), il liocorno (Temperanza) e l'ippogrifo (Perspicacia). Nelle quattro scene laterali sono raffigurate scene che alludono al buon governo di Urbano VIII: le virtù militari (scena del "Trionfo della Pace"), quelle religiose e spirituali (scena del "Trionfo della Religione"), quelle della ragione (scena della "Cacciata dei vizi di Ercole") e infine quelle della giustizia (scena di "Minerva che combatte i giganti").


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Gran parte dei temi allegorici descritti dal Bracciolini, e quindi raffigurati poi dal Cortona, sono di nuova invenzione e non rimandano a l compendio iconografico di Cesare Ripa.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Le fasi del lavoro sono ben documentate: al 1630 risale il completamento strutturale della sala; dal 25 settembre 1631 a giugno 1632 si registrano lavori di falegnameria per innalzare i ponteggi e le impalcature su cui il Cortona e i suoi collaboratori avrebbero poi lavorato; il 18 novembre 1632 iniziano i lavori ad affresco; nel 1633 avviene una breve interruzione per assolvere alla commessa dei padri filippini di Santa Maria in Vallicella, per la quale furono realizzati gli affreschi con gli "Angeli che reggono i simboli della Passione" in sacrestia; nel 1637 i lavori sono interrotti a causa di un soggiorno di sei mesi a Firenze del Cortona, dove si fermò in occasione del viaggio che fece al seguito di Giulio Sacchetti, che intanto si recava a Bologna dove fu nominato legato pontificio; il 12 dicembre 1637 i ponteggi vengono momentaneamente smontati per consentire la visita illustre al cantiere di Francesco I d'Este; nel 1638 i lavori continuarono con una certa speditezza, fino alla conclusione nel 1639.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: I lunghi tempi di gestazione si spiegano dunque anche con l'attività del pittore in altri cantieri, su tutti gli affreschi in Santa Maria in Vallicella e alla prima parte della stufetta di Palazzo Pitti a Firenze, ma probabilmente anche commesse architettoniche, come il progetto per la villa del Pigneto e quello del rifacimento della chiesa dei Santi Luca e Martina a Roma.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Alla parentesi fiorentina risalgono diverse missive che consentono di avere maggiormente delineato quello che è lo stato dell'arte: Giulio Rospigliosi, futuro papa Clemente IX, all'epoca cardinale molto vicino agli ambienti Barberini, in una lettera del 5 giugno 1637 scrive circa la speranza che aveva il Cortona di riuscire a finire il "Trionfo della Divina Provvidenza" per giugno dello stesso anno; tuttavia questa evenienza fu scongiurata a seguito del viaggio in Toscana che poi interessò il pittore. Raggiunto il granducato, un'ulteriore lettera del pittore trasmessa il 20 luglio del 1637 al cardinale Francesco Barberini a Roma, racconta della commessa di Ferdinando II de' Medici sull"'Età dell'uomo", nonché la sua volontà di finirli entro agosto, così da ritornare poi nell'Urbe e completare il ciclo Barberini. Tuttavia da un'altra corrispondenza di settembre risulta che i due cicli che stava eseguendo erano ancora incompleti, e inoltre ne restavano altri due da effettuare, che a quel punto si sarebbero realizzati in un secondo momento, in occasione di un ritorno a Firenze del Cortona.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Di ritorno a Roma da Firenze, il Romanelli viene allontanato da Pietro da Cortona perché accusò i due suoi collaboratori, llui e Bottalla, di aver brigato contro il maestro durante la sua assenza, proponendosi ai committenti per la conclusione degli affreschi, forse confidando troppo nelle proprie capacità. Il Bottalla però, artista forse più docile e ossequioso, rimase tra gli aiuti del Cortona, mentre il Romanelli fu definitivamente allontanato. È comunque sicuro che il tentativo dei due non venne accolto, poiché durante l'assenza del Cortona non vennero pagati gli stuccatori per preparare gli intonaci, pertanto lasciando intendere che non si effettuò alcuna pittura. La vicenda, raccontata da Filippo Baldinucci, fu anche alla base della rottura dell'armonia di intenti tra Pietro da Cortona e Bernini, quest'ultimo che cercò invano di proteggere Romanelli.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Il 24 settembre del 1639 in una lettera inviata al suo ospitante a Firenze, Michelangelo Buonarroti il Giovane, si evince che l'opera romana è pressoché conclusa, e quindi nel marzo dell'anno nuovo il Cortona si sarebbe recato nuovamente presso la corte medicea per completare i due cicli mancanti della sala della Stufa.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Il 5 dicembre 1639 papa Urbano VIII, che secondo lo storico Joachim von Sandrart si recava quotidianamente in loco per vedere lo stato di avanzamento del cantiere, visita l'affresco terminato. Appena scoperto il successo fu straordinario, come testimoniano le numerosissime incisioni, copie e descrizioni. La sua influenza ebbe eco internazionale, con un'intera generazione di artisti che, formandosi a Roma, ne riproposero e divulgarono le soluzioni in molte imprese.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Compiuta quando il Cortona aveva 36 anni, quest'opera risulterà essere la più notevole della Roma del Seicento, capofila della grande decorazione barocca a fresco, che si sarebbe poi protratta da quel momento fino alla fine del Settecento, degna di "rivaleggiare" nel campo delle arti con gli altri grandi cicli del passato, quindi con quello dei Carracci nel palazzo Farnese, o quelli vaticani di Raffaello e Michelangelo, a cui il papa stesso paragonò la "sua" opera.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Il compenso per il lavoro svolto dal Cortona non fu elargito con uno stipendio mensile, come invece avvenne per i collaboratori, ma fu liquidato a conclusione dell'opera, per un totale di 3.910 scudi: di cui 2.000 scudi per l'opera in sé, mentre la restante parte provenivano dalla rendita per i titoli di cui fu insignito dai Barberini durante la commessa.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Il ciclo ha ricevuto nel 1971, 1981 e 1993, diversi interventi di restauro che hanno riguardato la rimozione di ridipinture precedenti eccessivamente invasive nonché di svariati fenomeni del bottaccioli.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Ampio più di 600 metri quadrati, il ciclo è diviso in uno schema fluido, dove sono assenti le nette cesure schematiche del secolo precedente, e in cui le figure dialogano e si richiamano l'un l'altra, culminando nella scena centrale. Le zone sono cinque (quattro laterali e una centrale), con una finta cornice monocroma, interrotta agli angoli da medaglioni ottagonali. Su tre lati sono raffigurati al centro del registro inferiore del finto fregio marmoreo, cartigli monocromi che descrivono i successi Barberini.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Al centro si vede la "Divina Provvidenza", dotata di scettro, e circondata da un alone luminoso che allude alla sua emanazione divina. Dietro di essa stanno sedute "Giustizia", "Pietà", "Potenza", "Verità", "Bellezza" e "Pudicizia", mentre poco sopra vola l"'Immortalità", rappresentata come Urania e reggente una corona di stelle con cui rende onore in cielo agli uomini dotti. Alludono al tema del tempo e dell'eternità "Crono", con la falce, mentre divora uno dei suoi figli, e le tre "Parche", che filano la vita degli uomini. Sopra, al culmine della rappresentazione, le tre virtù teologali ("Fede", "Speranza" e "Carità") reggono una corona d'alloro che nella forma richiama uno stemma, entro cui volano le api Barberini, componendone appunto l'emblema familiare. Altre personificazioni sono la dea Roma col triregno (allusione al papato) e la "Gloria" (secondo una parte della critica la "Religione"), con le chiavi di san Pietro. Allude al papa in carica anche il putto che, a un angolo, porge una corona d'alloro, come a incoronare le virtù di poeta di Maffeo Barberini.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Agli angoli i medaglioni sono retti da coppie di telamoni e tritoni e sono decorati da scene della storia romana a monocromo bronzeo che allegoricamente descrivono virtù morali dei Barberini, a loro volta associati agli animali rappresentati appena sotto. Sono così accoppiati la scena della "Prudenza di Fabio Massimo" e due "orsi", a simboleggiare Sagacia; la "Temperanza di Scipione" e un "liocorno" per la Temperanza; la "Storia di Muzio Scevola" e il "leone" come emblema di Fortezza; la "Giustizia di Tito Manlio" e l"'ippogrifo" per la Perspicacia.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Le quattro rappresentazioni laterali celebrano, con allusioni al "buon governo" sotto i Barberini, imprese del papa e dei suoi nipoti.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Nel primo lato lungo si trova il "Trionfo della Religione" e della "Spiritualità", con la "Scienza" che guarda in alto, affiancata dal "Divino Aiuto", la "Religione" e la "Purezza". A destra "Sileno" porge la ciotola a un ragazzo che gli versa del vino, mentre alcune ninfe si bagnano a una fonte. A sinistra la "Lascivia" si alza da un letto mentre "Cupido" viene scacciato dall"'Amor Celeste". In basso al centro della finte cornice marmorea è un cartiglio con dipinto a monocromo con un'impresa Barberini, ossia "due api che tirano un aratro e una terza che le guida con la frusta". Al lato opposto è la "Pace" in trono, consigliata dalla "Prudenza" che invia una fanciulla a chiudere le porte del tempio di Giano (che stavano aperte nell'Antica Roma durante i periodi di guerra). "Ciclopi" lavorano nelle officine per fabbricare armi, mentre il "Furore" viene disarmato dalla "Mansuetudine" e deve stare fermo su una catasta d'armi. Sul cartiglio al centro del registro inferiore del fregio è invece raffigurato il "Sole", simbolo dei Barberini.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Le pareti sui lati corti mostrano, da un lato, la "caduta dei Giganti", su cui si libra "Minerva", alludendo alla vittoria dell'intelligenza sulla forza bruta (in questa scena non v'è alcun cartiglio monocromo allusivo a imprese Barberini). Di rimpetto, nella parete finestrata della facciata principale, "Ercole" allontana i "Vizi" e le "Arpie", simbolo di avarizia, dov'è anche una giovinetta con la fascia di console allude alla "Giustizia", mentre la "Liberalità" inonda il mondo di monete, fiori e frutta dalla sua cornucopia. Sul registro inferiore del finto fregio marmoreo che incornicia quest'ultima scena è raffigurata, sempre entro un cartiglio a monocromo, la "Clava che germoglia".


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: L'intero ciclo venne prima studiato in vari disegni preparatori di cui ne rimangono solo alcuni, in collezioni pubbliche e private provenienti dalla dispersione delle collezioni Barberini: uno studio della Venere, di Ercole e le Arpie e del tempio nella scena del "Trionfo della Pace" sono agli Uffizi, altri pezzi sono invece a Londra e Oxfrord. Non ci è pervenuto il bozzetto finale, che sicuramente dovette esistere, sottoposto ai committenti per l'approvazione finale.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Gli affreschi vennero realizzati con un numero molto alto di "giornate", come si confà a un'opera di queste dimensioni. Singolare è però la disomogeneità di tali tappe, a volte molto estese, a volte ridottissime. Non si riscontrano particolari correzioni effettuate sul ciclo, o comunque grossi rifacimenti. La grande scena venne dipinta iniziando dal tracciato della cornice architettonica, per poi procedere dal basso verso l'alto nella scena centrale, terminando poi con le scene laterali. I toni impiegati variano notevolmente, dando profondità alla scena e volume alle figure: dalle tinte chiarissime degli sfondi si passa a toni più decisi per le figure in primo piano, accentuate da lumeggiature dorate ove necessario. Tipico dell'artista è il ricorso a una tecnica in parte "puntinista", dove sui toni di base sono sovrapposti tono su tono piccoli tocchi di pittura, che rendono la superficie particolarmente vibrante, a tratti cangiante. È in operazioni ripetitive come queste che si deve essere concentrato il lavoro degli assistenti.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: La struttura architettonica dipinta è continuamente attraversata da figure e decorazioni, che rompono qualsiasi staticità compositiva, creando "una grande e vibrante massa in movimento in cui l'occhio si perde, incapace di trovare un punto fermo". Oltre al movimento interno delle figure, presente già ad esempio in opere manieriste (si pensi al "Giudizio Universale" di Michelangelo), la posizione dell'affresco su un soffitto, calibrata da un'eccellente padronanza della prospettiva del "sott'in su", genera anche l'effetto sospeso, come se le figure stessero per cadere sullo spettatore, con una duplice sensazione di spinta verso l'alto e verso il basso.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: I numerosi personaggi si muovono lungo linee di forza che attraversano la scena in lungo e largo, e sono intenti alle più varie attività, secondo un gusto variato e mai ripetitivo.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Le novità dell'opera furono evidenti fin dai contemporanei, in particolare contrapponendo questo stile delle molte figure in movimento a quello più sobrio e statico di Andrea Sacchi (pure attivo in palazzo Barberini con l"Allegoria della Divina Sapienza"): teatro del dibattito era l'Accademia di San Luca, di cui Pietro da Cortona fu principe dal 1634 al 1638. Paragonando la pittura alla letteratura, per Pietro da Cortona le figure compongono un "poema epico", ricco di episodi, mentre per il Sacchi esse partecipano una sorta di "tragedia", dove unità e semplicità sono requisiti fondamentali. Anche taluni concetti iconografici allegorici erano di nuova invenzione, frutto dell'ingegno del Bracciolini e, nella trasposizione, del Cortona, che per gran parte del ciclo la sua opera risulta realizzata di getto, in gran libertà inventiva, senza l'utilizzo pedissequo dei cartoni preparatori, che comunque c'erano, procedendo in tal senso direttamente col disegno a pennello sul muro e poi via via col colorito. Eventuali correzioni, probabilmente dopo una verifica dal basso degli scorci, si effettuavano quindi con la concreta demolizione della porzione di intonaco interessata.


title: Trionfo della Divina Provvidenza

text: Pietro da Cortona, predisponendo l'enorme affresco della volta, seppe raccogliere una serie di fermenti culturali che avevano animato la scena artistica romana tra la fine del Cinquecento e l'inizio del nuovo secolo: spunti da Annibale Carracci (Galleria Farnese, 1598-1600), da cui riprende la cornice marmorea affrescata che scandisce le singole scene, seppur, a differenza dell'opera del palazzo in campo de' Fiori, qui le singole storie dialogano tra loro formando un unico ciclo narrativo, da Rubens ("Madonna della Vallicella", 1606), da Guercino ("Aurora Ludovisi", 1621, la "Gloria di san Crisogono", 1622, e la "Sepoltura e gloria di santa Petronilla", 1623) e da Giovanni Lanfranco (cupola di Sant'Andrea della Valle, 1625-1628), da cui si riprende la sfondatura della volta celeste, oltre al dinamismo spregiudicato delle sculture di Bernini.


title: Perpetua (personaggio)

text: Perpetua è la serva di don Abbondio. Dal romanzo si possono desumere le date di nascita e di morte (1588-1630). Il suo padrone le è molto affezionato, ma, nonostante la donna gli dia preziosi consigli, egli non ne usufruisce per paura delle possibili conseguenze (come accade ad esempio nel primo capitolo). È molto affezionata e devota a Don Abbondio e quando può lo aiuta. Dal romanzo emerge sia il suo tipico carattere da popolana, battagliero e verace, sia il suo difetto e punto debole: l'essere un po' pettegola.


title: Perpetua (personaggio)

text: Perpetua ha passato l'età sinodale dei quarant'anni, non si è sposata e racconta di aver avuto due pretendenti (Beppe Suolavecchia e Anselmo Lunghigna), motivando il suo essere nubile dicendo di "averli rifiutati", mentre le sue amiche dicevano che "non aveva trovato nessun cane che la volesse".


title: Perpetua (personaggio)

text: La sua fortuna dipende dagli attributi di spontaneo popolarismo che la informano. La sua indiscrezione è quella affettuosa della "serva padrona"; è donna poco docile, facile al brontolìo e alle fantasticaggini. È una colorita appendice di don Abbondio rispetto al quale mostra maggior saggezza e senso pratico, come quando suggerisce a Don Abbondio di informare l'arcivescovo delle prepotenze di Don Rodrigo o quando irride alle paure del curato affermando che "le schioppettate non si dànno via come confetti". "I pareri di Perpetua" a Don Abbondio torneranno in mente quando sarà chiamato dall'arcivescovo a render conto del suo operato. Il dialogo di Perpetua, ricco di proprietà "comaresche", è veloce, incisivo, istintivo. Ella per sfuggire dalla temibile avanzata dei Lanzichenecchi, si reca al castello dell'Innominato (divenuto benefattore in seguito alla svolta spirituale antecedente) con Agnese e Don Abbondio. Muore durante la peste di Milano. Il suo decesso viene citato nel XXXIII capitolo in una breve sequenza dialogica tra Renzo e Don Abbondio (che si limita a menzionarla).


title: Perpetua (personaggio)

text: Fino alla pubblicazione del romanzo, il termine Perpetua era solamente un nome proprio femminile. Ma grazie al grande successo del libro, la parola "perpetua" ha iniziato ad essere usata, in lingua italiana, per indicare sia la donna che lavora come domestica nella casa di un sacerdote, sia una donna particolarmente pettegola. I due significati derivano dalla mansione da lei svolta (domestica di Don Abbondio) e dalla sua natura, che si manifesta la prima volta nel secondo capitolo, nel quale si lascia scappare qualche informazione di troppo sui veri motivi per cui il suo padrone aveva rinviato il matrimonio dei protagonisti del romanzo.


title: Prosciutto

text: Il prosciutto è un taglio della carne del maiale. In campo alimentare il suo uso principale è la creazione di due salumi: il prosciutto crudo e il prosciutto cotto.


title: Prosciutto

text: Tecnicamente e più correttamente, in lingua italiana col termine "prosciutto" ci si riferisce ad un taglio di carne dell'arto posteriore del maiale, dall'anca alla prima fila delle ossa tarsali, volgarmente noto come "coscia". Sebbene in rari casi esso possa essere cucinato e servito fresco, la maggior parte dei prosciutti viene conciata o stagionata.


title: Prosciutto

text: Per questo motivo il termine "prosciutto" è usato anche per identificare il salume ricavato da questo taglio anatomico del maiale. Ci sono anche salumi (solitamente di qualità inferiore) chiamati erroneamente "prosciutti" che vengono prodotti utilizzando la spalla del suino (diffusa, ad esempio, la spalla cotta).


title: Prosciutto

text: Talvolta con il termine prosciutto ci si riferisce inoltre a prodotti ottenuti da coscia di ovino o di oca o ancora di altri animali (cervo, cinghiale, orso, bisonte, ecc.).


title: Prosciutto

text: Il termine italiano è stato adottato anche da altre lingue per identificare un preciso prodotto gastronomico del Bel paese, conosciuto in Italia come "prosciutto crudo" con riferimento a prodotti di origine (o identificazione geografica) protetta. Sono 10 i prosciutti italiani DOP e IGP più apprezzati tra cui il prosciutto di Parma e il prosciutto di San Daniele. Il termine "prosciutto" in lingue diverse dall'italiano è quindi usato anche come chiaro riferimento a quest'ultimo. Il termine viene quindi utilizzato in lingua inglese come sinonimo di "Italian ham".


title: Prosciutto

text: Le prime tracce della lavorazione di prosciutto in Italia possono ricondursi alla civiltà etrusca del VI-V secolo a.C..


title: Prosciutto

text: Catone descrive il procedimento di salatura della coscia di maiale nel "De agri cultura", attorno al 160 a.C..


title: Prosciutto

text: Ci sono rivendicazioni sull'origine cinese della prima carne salata, sebbene afferenti in epoca successiva a Catone.


title: Prosciutto

text: Questa parte del suino viene usata in tutto il mondo per creare diversi prodotti gastronomici, fra i più pregiati vi sono due prodotti italiani, molto diffusi in tutto il territorio nazionale: il prosciutto crudo, che è tra i prodotti agroalimentari italiani più famosi ed esportati nel mondo, e il prosciutto cotto, abbondantemente consumato in tutto il territorio nazionale.


title: Arte egizia

text: L<nowiki>'</nowiki>arte egizia ha origini antichissime, precedenti al IV millennio a.C., e si intreccia nei secoli con l'arte delle culture vicine (siro-palestinese e fenicia). La sua influenza arriva fino al XIX secolo e oltre. Si può suddividere in due grandi periodi: l'arte predinastica o preistorica, e l'arte dinastica.


title: Arte egizia

text: L'arte dinastica, con tre principali periodi, segue un'evoluzione non lineare, caratterizzata da alcune fasi di grande sviluppo intervallate da periodi oscuri.


title: Arte egizia

text: L'arte nell'Antico Egitto fu da sempre legata a intenti celebrativi e di propaganda del potere centrale assoluto, con complesse simbologie legate alla religione e alle tradizioni funerarie.


title: Arte egizia

text: Il termine "arte" non esisteva nemmeno nella lingua egizia, perché il compito dell'artista non era certamente quello di creare, inventare, quanto piuttosto di concretizzare i simboli della potenza terrena e ultraterrena.


title: Arte egizia

text: L'arte dinastica si caratterizzò sia per l'armonia rigorosa delle geometrie sia per la vastità dei temi descritti e per la ricchezza del pantheon divino.


title: Arte egizia

text: Fondamentale fu anche l'introduzione di un sistema morale religioso che ispirò il "Libro dei morti" e tutta l'arte conseguente.


title: Arte egizia

text: Dalla freschezza naturalistica dell'arte della III dinastia di Djoser, il percorso evolutivo giunge alla tappa dell'astrazione geometrica delle piramidi di Menfi, quindi all'umanizzazione accademica dei codici e delle norme menfite durante il Medio Regno e infine all'arte magnificente del Nuovo Regno impreziosita dalle influenze mesopotamiche e cretesi. Con le dominazioni straniere, dagli Hyksos agli assiri e persiani fino ai romani, inizia la decadenza artistica dell'Egitto.


title: Arte egizia

text: L'arte predinastica si sviluppò dal VI millennio a.C. al 3150 a.C. circa, manifestandosi con la realizzazione di incisioni rupestri diffuse lungo il corso dell'alto Nilo, che raffiguravano prevalentemente animali della savana, scene propiziatorie per la caccia, scene di vita quotidiana e di pastorizia. In questa fase storica vennero introdotti i primi strumenti musicali, quali bacchette, tavolette e sonagli, utilizzati in rituali totemici.


title: Arte egizia

text: Un capitolo a parte, sin dal periodo preistorico, è rappresentato dall'arte funebre per la venerazione dei morti, evidenziata dal fiorire di necropoli. Le sepolture erano inizialmente costituite da semplici fosse ovali, rettangolari o edifici di fango e frasche sepolti sotto tumuli di terra di riporto e cintate da palizzate o mattoni; il defunto era deposto in posizione fetale sul lato sinistro con il volto rivolto ad ovest e avvolto in teli, stuoie o pelli, il tutto completato con un piccolo corredo di vasi, statuine in avorio o pietra, armi e monili.


title: Arte egizia

text: L'arte decorativa di questo periodo era costituita da: vasi realizzati inizialmente in terra del Nilo o in pietra e in un secondo tempo in argilla, statuette in terracotta e in avorio raffiguranti uomini e animali al lavoro, tavolozze in scisto a forma di animale che col tempo passarono dal solo uso pratico, usati per la cosmesi, ad assumere un carattere votivo con l'aggiunta di raffigurazioni in rilievo.


title: Arte egizia

text: In questo periodo si diffondono i vasi a "bocca nera" o di Naqada I, dalla zona del loro ritrovamento, caratterizzati da un forte colore rosso e dall'orlo superiore di colore nero, dovuto al procedimento di cottura nel quale si posizionava il recipiente capovolto nelle braci. Successivamente, verso la fine del periodo, fanno la loro comparsa i primi vasi decorati con figure naturalistiche di animali ed esseri umani.


title: Arte egizia

text: Tra le tavolozze di questo periodo si annoverano la "Tavolozza della caccia", divisa tra il British Museum ed il Louvre, la "Tavolozza della battaglia" e la "tavoletta di Narmer", conservata al museo del Cairo che segnò, per le sue caratteristiche artistiche e culturali, il punto di passaggio fra il periodo preistorico e quello dinastico.


title: Arte egizia

text: Altri reperti sono la "Tavolozza degli struzzi", la "Tavolozza degli avvoltoi", la "Tavolozza dei tori" e la "Tavolozza del tributo libico".


title: Arte egizia

text: In tutta l'arte predinastica notevole fu l'influsso proveniente dalla Mesopotamia. Complessivamente sono giunti sino ai nostri tempi pochi reperti artistici e architettonici riguardanti il periodo predinastico.


title: Arte egizia

text: A questo periodo, detto anche Arcaico, si fanno risalire le prime forme di scrittura geroglifica e i primi centri del potere in grado di promuovere la realizzazione di grandi opere pubbliche. La prima capitale dell'Egitto unificato è Thinis, da cui il periodo prende il nome, con la necropoli reale di Abido e la seconda è Menfi con la necropoli di Saqqara.


title: Arte egizia

text: Le tombe tinite rappresentano l'evoluzione delle semplici fosse sepolcrali con tumulo di terra dell'epoca precedente. Le sepolture mostrano in superficie dei tumuli in mattoni crudi, a forma di tronco piramidale rastremati verso l'alto, con i fianchi movimentati da giochi di luce e ombre (realizzati modulando le facciate con sporgenze e rientranze). La sepoltura interna passa da un'unica fossa, dell'età predinastica, a numerose stanze funerarie ospitanti il corpo del defunto e il suo corredo (vasi, armi e suppellettili varie) collegate tra loro da stretti corridoi. Questo tipo funerario viene chiamato mastaba.


title: Arte egizia

text: L'Antico Regno è il primo dei tre principali periodi della storia egiziana antica, comprende la III-IV-V-VI dinastia. Questo periodo viene anche definito "classico", poiché in esso nascono e si definiscono tutti i concetti della futura società egizia, come la regalità divina (il faraone diviene un dio, "Figlio di Ra") e la casta sacerdotale, si sviluppa la cosmogonia divina, la scrittura, si perfeziona l'arte della mummificazione dei defunti e germogliano gli schemi, le iconografie e gli stili dell'arte, che caratterizzeranno tutta la futura produzione artistica della storia egizia, pur con qualche evoluzione e innovazione.


title: Arte egizia

text: L'espressione più nota della cultura egizia a partire dall'Antico Regno è l'architettura delle colossali piramidi: già nella III dinastia il faraone Djoser (2700 - 2650 a.C. circa) si fece costruire la prima piramide a gradoni a Saqqara, prendendo ispirazione dalle ziqqurat della Mesopotamia e da una sovrapposizione di mastabe, tombe tradizionali. Queste costruzioni includevano una cappella funebre, alcune sale, tra cui la Sala delle Nicchie, ospitante le statue del faraone e la cripta sepolcrale. La forma di queste strutture funerarie, caratterizzata da serie di pilastri, da colonne con o senza capitello, in seguito ebbe un'evoluzione indipendente con la realizzazione di piramidi con lati lisci, e fu coronata nelle celeberrime piramidi di Giza, tra le quali spicca la Piramide di Cheope (IV dinastia), uno degli edifici più antichi e impressionanti al mondo.


title: Arte egizia

text: Dal 2510 a.C. circa, inizio della V dinastia, si sviluppano i primi templi solari, come Abu Gurab, edificati per venerare la divinità più importante del pantheon egizio del periodo, Amon - Ra dio del sole, padre degli dei e creatore della vita sulla terra.


title: Arte egizia

text: Oltre all'architettura funebre regale, si diffonde anche un'architettura funebre privata con la realizzazione di tombe, da semplici mastabe a riproduzioni in miniatura delle piramide reali, per i nobili, i dignitari, i funzionari di corte, gli artigiani più agiati e le loro famiglie. La vita oltre la morte, inizialmente prerogativa della sola famiglia reale, viene assicurata a chiunque abbia abbastanza denaro per erigersi una tomba, per poterla decorare con dipinti e rilievi indicanti le istruzioni per raggiungere, attraverso la Duat, il mondo dei morti e per poter imbalsamare il proprio corpo.


title: Arte egizia

text: La grande abbondanza di materiale lapideo in Egitto determinò fin dall'Antico Regno una notevole ricchezza di opere scultore. Nella scultura a tutto tondo o ad altorilievo le figure, generalmente commemoranti i defunti, sono presentate in maniera rigidamente frontale, e sebbene siano talvolta inscenati dei movimenti di braccia e gambe, il risultato è sempre sostanzialmente statico. Grande attenzione viene di solito posta nei volti, con una maggiore delicatezza nella resa del modellato e dei lineamenti. Con il trascorrere del tempo viene instaurato un vero e proprio canone di proporzioni per la realizzazione delle varie parti del corpo umano. Al naturalismo iniziale, ben evidenziato nelle statuette di animali e di madri col bambino al collo, subentrò un maggior realismo manifestato nei simulacri regali di Djoser, per fare spazio poi alla tendenza verso un maggior idealismo e una maggiore eleganza.


title: Arte egizia

text: I materiali scelti, in questo periodo, furono dapprima l'avorio, l'osso, il legno duro, l'oro, il granito e la pietra dura, lavorati con utensili di rame e martelli di pietra.


title: Arte egizia

text: La maggior parte delle opere pittoriche in tempera vennero dipinte direttamente sulla pietra o su un intonaco costituito da uno strato di gesso, paglia e fango. Solitamente gli artisti lavoravano in gruppi, guidati da maestri, ai quali spettavano le figure più importanti e le elaborazioni dei contorni e dei dettagli, mentre i pittori riempivano gli abbozzi con pennellate colorate. I colori venivano ricavati dal ferro, dall'ocra, dal carbonio e dalla malachite, oltre che dal mescolamento con il bianco, derivato dal gesso o dalla calce. Il verde derivava dai sali di rame.


title: Arte egizia

text: L'Antico Regno termina con un periodo di sconvolgimenti sociali e tumulti che porta alla fine della VI dinastia, allo sfaldamento del potere centrale e all'ascesa dei governatori provinciali, detti nomarchi.


title: Arte egizia

text: Le testimonianze archeologiche e artistiche di questo periodo provengono per la maggior parte da tombe di governatori locali, soprattutto per quanto riguarda la pittura funeraria. L'arte rigidamente impostata nell'Antico Regno viene rivisitata con uno stile più libero, naturalistico e realistico. I modelli, gli stili e l'iconografie dell'arte di Stato viene reinterpretata in modo da divenire più accessibile ai modelli di un'arte provinciale.


title: Arte egizia

text: Grande diffusione nel corredo funebre, di modellini in legno rappresentanti guerrieri, scene di vita quotidiana e imbarcazioni; gli ushabti dovevano sostituire nell'aldilà i servitori alle dipendenze del defunto per lo svolgimento dei lavori terreni.


title: Arte egizia

text: Il faraone Mentuhotep II sovrano dell'XI dinastia, già fondata nel periodo precedente dal faraone Mentuhotep I, unifica l'Egitto e viene considerato dagli storici come il fondatore del Medio Regno. Il sovrano Amenemhat I, fondatore della XII dinastia, sposta la capitale a nord presso l'oasi del Fayyum.


title: Arte egizia

text: Nel Medio Regno si sviluppano nuove architetture che saranno d'ispirazione e da modello per la realizzazione di edifici nelle epoche successive. I templi funerari passano da semplice edificio funebre a vero e proprio palazzo per la vita ultraterrena del defunto, con vari elementi presi dalle epoche precedenti e di innovazione: assieme alle piramidi, di dimensioni ridotte, fanno la loro comparsa cortili porticati, sale colonnate, cappelle e chioschi per le processioni e i riti legati al culto del faraone defunto, viali affiancati da sfingi e obelischi posizionati agli ingressi.


title: Arte egizia

text: La scultura si divide in due stili a seconda della dinastia regnante. Sotto l'XI dinastia le masse e il modellato della figura umana risultano poderose e massicce, poiché la statua del faraone doveva esprimere forza e stabilità. Le opere di questa dinastia esprimono la concezione bellica che i faraoni avevano della loro monarchia.


title: Arte egizia

text: Nella XII dinastia le statue regali mostrano un modellato più morbido, l'espressione del viso diviene pacata e serena. Il faraone viene rappresentato come l'intermediario tra gli uomini e gli dei.


title: Arte egizia

text: Durante il Medio Regno la pittura prende il sopravvento sulle arti scultoree per la sua maggiore facilità di esecuzione.


title: Arte egizia

text: Due furono le innovazioni di questo periodo: il naturalismo delle tombe di Beni Hasan e la tendenza a dipingere il sarcofago delle mummie. Le decorazioni sono sobrie ed essenziali.


title: Arte egizia

text: La produzione di gioielleria, ricca di monili e di collane nell'antichità, visse il suo momento migliore durante il Medio Regno, ben esemplificata dai diademi, dai pettorali dorati con pietre preziose, dai braccialetti, dalle cinture ritrovati nelle tombe di Dahshur, tra le quali annoveriamo il tesoro funebre della principessa Khnumit.


title: Arte egizia

text: In questo periodo si diffuse l'utilizzo di canopi in terracotta per conservare le viscere delle mummie ed una raffinata arte del mobile (dai letti funerari ai troni).


title: Arte egizia

text: Lo sfaldamento del potere si concretizza, peraltro, nella coesistenza di due dinastie, la XIII e la XIV. Della debolezza dei sovrani egizi ne approfittano gli Hyksos, un misto di gente probabilmente semita, che invadono il paese e fondano la loro capitale nel Delta orientale, Avaris. Gli stranieri assimilano la cultura egizia e fondano la XV dinastia e la XVI; a loro si deve, inoltre, l'introduzione in Egitto del carro da guerra e del cavallo.


title: Arte egizia

text: La situazione si presenta in tale periodo caotica al punto che, in un certo momento storico (1640-1550 a.C.) si trovano a coesistere ben tre Dinastie: le due Hyksos, XV e XVI dette "degli Hiksos maggiori" e "minori", nonché la XVII costituita dai Principi tebani da cui scaturirà la guerra di liberazione del Paese.


title: Arte egizia

text: "«[…] un capo è in Avaris e un altro è in Kush, ed io siedo insieme con un asiatico ed un nubiano, e ognuno ha un suo pezzo di Egitto […]»" si legge nella "Tavoletta Carnavon" relativa alla guerra di "liberazione" ad opera di Khamose, ultimo re della XVII dinastia e appunto con la XVII che inizierà la ripresa del potere da parte dei Re locali che si consoliderà poi, successivamente, con Ahmose (forse fratello, o figlio, di Khamose) che sarà il primo Re della XVIII dinastia.


title: Arte egizia

text: Avendo gli Hyksos acquisito completamente la cultura egizia, non si hanno testimonianze artistiche e archeologiche ad essi, o al loro periodo, palesemente assegnabili o caratterizzanti, se non alcuni corredi funebri con oggettistica anche di stile siriano.


title: Arte egizia

text: Le recenti operazioni di scavo nell'area dell'attuale Tell el-Dab'a hanno consentito l'identificazione certa dell'attuale centro con quello dell'antica capitale Hyksos, Avaris. Qui sono stati di recente scoperti tre Palazzi reali (denominati "F", "G" e "J") con frammenti di affreschi di chiaro impianto minoico, sia come preparazione del fondo sia, e specialmente, per gli argomenti trattati. Si tratta infatti di scene di taurocatapsia del tutto simili a quelle più famose del Palazzo di Knossos, a Creta, o di scene di caccia in cui alcuni particolari fanno propendere per l'identificazione degli autori per artisti minoici facenti capo, molto verosimilmente, ad una colonia egea in terra d'Egitto.


title: Arte egizia

text: È interessante notare, a proposito dei legami artistici molto verosimilmente esistenti con Creta e l'Egeo, più palesi da questo periodo storico, che nella tomba della Regina Ahhotep I (forse madre dei Re Khamose ed Ahmose, o forse sposa del primo e madre del secondo), oltre a quattro "mosche d'oro" (massima onorificenza regale concessa ai soldati per azioni lodevoli in battaglia), sono state rinvenute le armi di Ahmose con decorazioni di chiaro impianto minoico.


title: Arte egizia

text: Ahmose unifica l'Egitto e da inizio alla XVIII dinastia e al Nuovo Regno. Il periodo si divide in tre grandi sottoperiodi storici e artistici:


title: Arte egizia

text: Tra il periodo amarniano e il periodo ramesside si colloca una piccola parentesi governativa e artistica, dal regno di Smenkhara al regno di Horemheb.


title: Arte egizia

text: Il Nuovo Regno vede avvicendarsi diverse capitali: Tebe, durante il periodo thutmoside; Akhetaten oggi Amarna, sotto il regno di Akhenaton; Menfi, durante i regni di Tutankhamon e Horemheb; Pi-Ramses e Tanis, nel periodo ramesside.


title: Arte egizia

text: Durante il Nuovo Regno i templi si diffondono ulteriormente, anche se la sede di quelli più famosi si conferma Tebe, l'antica ""Niwt-Imn"", ovvero Città di Amon.


title: Arte egizia

text: I complessi templari, sempre più articolati, mantengono tuttavia la tipica struttura ""a cannocchiale"" che prevede il passaggio dalla luce delle corti esterne al buio della naos contenente il simulacro del dio, e la continua "ascensione" della pavimentazione cui corrisponde un progressivo abbassamento delle soffittature.


title: Arte egizia

text: Nella sua struttura base, il Tempio egizio è preceduto da un viale d'accesso con sfingi criocefale, da un massiccio pilone esterno che introduce al peristilio (o corte Colonnata) ove è ancora ammesso l'accesso ai fedeli; seguono la sala ipostila (che con le sue numerose colonne simboleggia la palude primordiale da cui emerse il monticello primigenio con ciò giustificando il percorso ascensionale sopra delineato), quindi il vestibolo, riservato ai sacerdoti ed alla preparazione dei culti, ed il naos, la cella, il cui accesso è consentito solo al re e, in sua sostituzione, al profeta.


title: Arte egizia

text: Gli interni, seguendo gli stili precedenti, vengono impreziositi da geroglifici e decorazioni in rilievo policrome. Tipo particolare di tempio è quello ""a terrazze""; si presenta particolarmente scenografico, benché non sia tipico di questo periodo storico, ma risalente alla XI dinastia. Il più noto, quello di Hatshepsut, venne infatti costruito a ridosso del preesistente tempio funerario di Mentuhotep II proprio con l'intento di riallacciarsi ad una struttura classica in una sorta di "rinascimento" architettonico egizio.


title: Arte egizia

text: Anche il successore del re/regina Hatshepsut, Thutmose III, cui era subentrata nella tenuta del regno, si farà costruire un tempio a terrazze che si colloca, oggi, proprio tra il tempio di Mentuhotep II e quello della ""matrigna"" Hatshepsut.


title: Arte egizia

text: Sorgono templi con strutture che prevedono anche più piloni di accesso, ma la cui concezione di base resta quella sopra delineata "a cannocchiale".


title: Arte egizia

text: Il tempio del "Milione di anni" del re Amenofi III (i cui unici resti oggi ancora visibili sono i Colossi di Memnone) era ancora più imponente di quello di Amon giacché si ritiene coprisse un'area di quasi 350.000 mq; era costituito da due piloni che si susseguivano (oggi distrutti), cui faceva seguito un terzo pilone che immetteva in un viale verosimilmente chiuso da mura che, a sua volta, immetteva in una corte solare (anch'essa distrutta) ove sono state rinvenute cinque basi di statue del re particolarmente interessanti per la comprensione dell'estensione del potere egizio. Le basi recano ovali merlati (simili a cartigli) sovrapposti a prigionieri con le braccia legate, e sono evidentemente liste di toponimi, di terre, o località, o città, o popoli, sotto la giurisdizione dell'Egitto. Particolarmente interessante è la stele En, meglio nota come "stele Egea" poiché reca toponimi di città cretesi e dell'area continentale greca a riprova di collegamenti politico-commerciali con quelle aree geografiche.


title: Arte egizia

text: Una particolarità, nel panorama architettonico di questo periodo, ma anche dell'intera architettura egizia, è dato dai complessi templari di Akhetaton dedicati al culto di Aton durante il periodo della cosiddetta "eresia amarniana". Nella città voluta dal faraone "eretico" Amenhotep IV/Akhenaton, infatti, vennero eretti due templi solari dedicati al dio Aton rappresentato dal disco solare; il fatto stesso che il dio fosse così visibile (al contrario di Amon, il cui epiteto era "il Nascosto") rendeva inutile il naos chiuso e buio. In tal senso, i templi di Aton ad Akhetaton erano il trionfo della luce ed erano fondamentalmente costituiti da un susseguirsi di cortili in cui si trovavano innumerevoli "altari" giacché l'adorazione di Aton prevedeva una sorta di concelebrazione. Tale stile architettonico, come sopra evidenziato, durerà solo per il periodo dell'"eresia" dopo di che, con la restaurazione degli antichi dei sotto Tutankhamon e, soprattutto con il successore Horemhab, lo sviluppo architettonico templare tornerà agli stilemi sopra trattati.


title: Arte egizia

text: Nel Nuovo Regno vengono inaugurate la Valle dei Re e la Valle delle Regine, che per circa 500 anni saranno la dimora dell'eternità dei faraoni e delle loro famiglie.


title: Arte egizia

text: Con l'avvento della XVIII dinastia si recuperano, come nell'architettura, i canoni possenti del Medio Regno: sotto il regno di Hatshepsut e Thutmose III i lineamenti del volto assumono caratteristiche di maggiore mascolinità e tendono ad allargarsi; con Thutmose IV e Amenofi III i ritratti assumono un carattere per lo più idealizzato. Durante il periodo della rivoluzione amarniana si abbandona lo stile idealizzato del volto e del corpo, preferendo uno stile dalle sembianze più realistiche, il quale permette la riproduzione di difetti fisici e la realizzazione di sculture in pose meno ieratiche e più quotidiane.


title: Arte egizia

text: Con la XIX dinastia, abbandonati gli stili del periodo amarniano, si torna ad una rappresentazione più classica e tradizionale, ispirata a modelli del periodo thutmoside. Sotto il dominio ramesside i lineamenti del viso perdono in severità e si addolciscono, assumendo la tipica espressione sorridente riscontrabile in tutto il repertorio iconografico del regno di Ramses II.


title: Arte egizia

text: La pittura e il rilievo giungono a piena maturazione stilistica e creativa. Le innumerevoli testimonianze giunte dai templi dell'intero Paese e dalle decoratissime tombe della necropoli tebana dimostrano un alto sviluppo di queste arti che sperimentano peraltro nuove tecniche, nuovi canoni e nuovi temi, con una perfezione e una padronanza dell'uso del disegno fin nei minimi particolari mai raggiunta nei periodi precedenti.


title: Arte egizia

text: I temi si arricchiscono di scene di vita quotidiana, come nella tomba di Nebamon, mentre le ambientazioni valicano i confini dell'Egitto con la raffigurazione di flora e fauna di luoghi stranieri, dovuta all'apertura verso i paesi confinanti e l'espansione territoriale dei sovrani.


title: Arte egizia

text: In tale quadro possono essere inseriti anche i dipinti "minoici" dell'antica capitale Hyksos, Avaris (l'odierna Tell el-Dab'a) di cui già più sopra si è accennato a proposito del Secondo Periodo Intermedio. È qui, infatti, che scavi recenti compiuti dall'Istituto Archeologico Austriaco del Cairo hanno portato alla luce tre Palazzi "reali" denominati "F", "G" e "J", databili al periodo dei re Thutmosi III ed Amenhotep II della XVIII dinastia a riprova, peraltro, che mai la città di Avaris venne abbandonata anche durante il Nuovo Regno. I frammenti, che costituiscono solo il 10-15% dell'apparato originario, hanno tuttavia consentito di ricostruire affreschi che per la preparazione del fondo, nonché per i temi rappresentati, appaiono di chiara matrice minoica a dimostrazione della presenza, nel Basso Egitto, di una colonia egea verosimilmente di alto rango.


title: Arte egizia

text: Analogo stile "egeizzante" si può rilevare, tuttavia, nell'Alto Egitto in dipinti tebani di Malqata, ove sorgeva un complesso abitativo-templare del re Amenhotep III, in cui alcuni pavimenti e soffittature presentano dipinti di derivazione, ma non di mano, egea.


title: Arte egizia

text: Ancora nell'Alto Egitto, nella già citata necropoli tebana, alcune tombe sono ancora associabili a rapporti con le terre egee. Queste, infatti contengono dipinti delle cosiddette "processioni tributarie"; tra i tributari sono stati identificati (talvolta anche con esplicita indicazione) come Keftiw, ovvero abitanti delle isole egee che recano oggetti tipici della loro terra come rython in forma di testa taurina o lingotti "a pelle di bue".


title: Arte egizia

text: A parte tale parentesi di carattere antropologico, attestante infatti i contatti con altre civiltà del Mediterraneo, l'arte egizia del Nuovo Regno prosegue negli stilemi tipici della bidimensionalità, della ieraticità, e della strumentalità delle scene rappresentate e solo successivamente, durante il periodo della cosiddetta "eresia amarniana", per un periodo relativamente brevissimo della storia artistica egiziana di soli 30-40 anni, sotto il regno del faraone Akhenaton, lo stile e l'iconografia acquisiscono maggiore naturalezza e si diffondono scene di vita quotidiana (specie della famiglia reale) in uno stile espressamente definito "amarniano".


title: Arte egizia

text: Nella fase ramesside si torna ad un uso tipicamente funerario e religioso, con scene più sobrie e meno incentrate sulla vita quotidiana. Il rilievo si sviluppa in modo monumentale sulle pareti dei templi principali, esaltando la figura e le geste del sovrano, come nelle stele commemorative o politiche. Nasce il rilievo storico egiziano


title: Arte egizia

text: Il Nuovo Regno si caratterizza per la policromia della ceramica e per il gusto popolare dei manufatti.


title: Arte egizia

text: Il Terzo periodo intermedio vede la divisione del regno faraonico, con la Nubia che si autoproclama indipendente dal potere centrale, con fondazione di una propria dinastia con sede a Napata; la Libia e la Siria saranno sottratte dall'influenza egiziana dal nascente impero assiro e l'Alto Egitto si costituirà in regno dipendente, con proprie dinastie e nuove capitali.


title: Arte egizia

text: Nel 730 a.C. una dinastia di sovrani nubiani, con capitale a Kush, riunirà l'Egitto e dominerà fino al 672 a.C., data della conquista da parte degli Assiri.


title: Arte egizia

text: Il periodo tardo vede avvicendarsi al potere dell'Egitto numerose dinastie, a volte autoctone e spesso straniere. Il paese verrà conquistato dai Persiani che domineranno fino alla conquista di Alessandro Magno nel 343 a.C.. Con la conquista macedone inizia l'ultimo periodo della storia egizia, il periodo tolemaico, che si concluderà nel 31 a.C. con la sconfitta di Marco Antonio e Cleopatra ad Azio.


title: Arte egizia

text: I faraoni realizzano le loro sepolture nelle città d'origine, quasi sempre internamente al recinto sacro del maggior tempio della città per evitarne il saccheggio. Le tombe si dispongono su due livelli: superiormente vengono poste delle cappelle per l'adorazione del defunto e inferiormente viene posta la camera sepolcrale. I faraoni di Napata si fanno erigere presso la capitale delle piccole piramidi realizzate con blocchi di pietra.


title: Arte egizia

text: Il periodo tardo vede la nascita dei mammisi, ovvero dei piccoli edifici in cui si celebrava la nascita del dio principale. Questo tipo architettonico avrà grande successo e sviluppo nel periodo tolemaico.


title: Arte egizia

text: Scarse sono le testimonianze della statuaria regale, mentre sono meglio testimoniate le sculture di ambito privato (governatori, dignitari, sacerdoti). Il periodo tardo vede svilupparsi il ritratto individualizzato, ovvero la rappresentazione dei committenti con fisionomie veritiere e segnate dall'invecchiamento.


title: Arte egizia

text: Nella rappresentazione bidimensionale (bassorilievo e pittura) gli artisti egizi manifestano nell'arco di secoli una netta aderenza a una serie di convenzioni che rendono l'arte egizia unica ed immediatamente riconoscibile, immagine di una società conservatrice e stabile nel tempo.


title: Arte egizia

text: L'interesse degli artisti egizi nella raffigurazione di un oggetto o di una figura umana era quello di presentarne il più possibile la totalità fisica, senza la "scelta" di un punto di vista unico, anzi selezionando anche più punti di vista in modo da avere la migliore prospettiva per ogni singolo elemento che compone la figura, studiata quindi parte per parte e non nella sua interezza. Si ottenevano così rappresentazioni per "assemblaggio" logico, senza nessun interesse nell'illusionismo di creare figure che dessero l'idea allo spettatore di averle realmente davanti. Per fare questo, vennero utilizzati reticoli geometrici, che garantivano un preciso rapporto tra le parti del corpo.


title: Arte egizia

text: Le conseguenze di questa visione sono che in una figura umana le spalle e il busto sono di solito collocati frontalmente, il bacino di tre quarti, le gambe di profilo, di solito aperte della larghezza di una passo; il viso è di profilo, ma l'occhio è raffigurato di fronte.


title: Arte egizia

text: Sono tipiche le proporzioni "gerarchiche", cioè i personaggi più importanti raffigurati in scala maggiore; l'uomo veniva abitualmente raffigurato più grande e con carnagione più scura della moglie, posta alla sua sinistra, e la figlia del faraone veniva evidenziata maggiormente in quanto prima erede al trono. Gli uomini seduti appoggiavano il palmo della mano sulla coscia, mentre quelli in piedi, se di sesso maschile, tenevano il piede sinistro più avanzato. Tra gli animali, le lucertole e le api venivano raffigurate dall'alto ed i coccodrilli di profilo.


title: Arte egizia

text: La scelta dei colori in pittura rivestiva spesso un significato simbolico, come nel reperto di Nebamon o in quello delle Oche di Meidum, in stretta relazione con le iscrizioni in geroglifico che accompagnavano le scene.


title: The Rumble in the Jungle

text: The Rumble in The Jungle ("La rissa nella giungla") è stato uno storico incontro di pugilato, disputato il 30 ottobre 1974, allo Stade Tata Raphaël di Kinshasa nello Zaire (oggi Repubblica Democratica del Congo).


title: The Rumble in the Jungle

text: Vide contrapposti l'allora campione del mondo dei pesi massimi George Foreman contro il precedente campione Muhammad Ali: Ali cercava di riottenere il titolo dei pesi massimi, diventando così il secondo a riuscire nell'impresa dopo Floyd Patterson.


title: The Rumble in the Jungle

text: L'incontro è considerato uno dei match più importanti, se non il più importante, della storia della boxe, per il fatto che segnò la riconquista del titolo da parte di Ali contro un altro famoso campione, Foreman, che in seguito avrebbe ripreso il titolo a sua volta. L'incontro viene ancora oggi trasmesso sui canali sportivi satellitari.


title: The Rumble in the Jungle

text: King riuscì a far firmare ad Ali e a Foreman due contratti separati, promettendo di mettere in palio un premio di cinque milioni di dollari: ma, nonostante la promessa, King non possedeva ancora quella cifra, per cui dovette cercarsi un grande sponsor.


title: The Rumble in the Jungle

text: Il presidente dello Zaire Mobutu Sese Seko volle ospitare l'incontro nella sua nazione, attratto dalla notorietà che avrebbe dato a sé e al suo Paese.


title: The Rumble in the Jungle

text: Ali era stato sospeso dalla pratica del pugilato nel 1967, e dovette scontare tre anni e mezzo di squalifica, a causa del suo rifiuto di arruolarsi nell'esercito e per le sue posizioni di critica verso la Guerra del Vietnam. Ali voleva riscattarsi dopo la sconfitta contro Joe Frazier subita l'8 marzo 1971 nello "Scontro del Secolo" al Madison Square Garden e quella contro Ken Norton il 31 marzo 1973.


title: The Rumble in the Jungle

text: Foreman e Ali passarono l'estate del 1974 ad allenarsi nello Zaire, abituando i loro corpi al calore e al clima tropicale della nazione africana. L'incontro era programmato in settembre, ma durante un allenamento Foreman si ferì all'occhio destro, per cui l'incontro dovette essere rinviato ad ottobre.


title: The Rumble in the Jungle

text: L'incontro cominciò alle 4 di mattina ora di Kinshasa, per poter essere trasmesso in diretta televisiva al pubblico americano nella fascia serale (del giorno prima). La trasmissione era commentata da Bob Sheridan, mentre David Frost conduceva le interviste da bordo ring. All'incontro erano presenti numerosi divi del cinema e campioni di boxe, tra cui Ken Norton e Joe Frazier.


title: The Rumble in the Jungle

text: Il venticinquenne Foreman era dato dai bookmaker per superfavorito: la sua vittoria veniva data fino a tre volte più probabile della sconfitta. Le quote erano influenzate dalle sconfitte subite da Ali contro Frazier e Norton, e dal fatto che Foreman aveva conquistato il titolo mondiale battendo proprio Frazier, mettendolo al tappeto per ben sei volte prima di mandarlo KO, e inoltre aveva battuto sempre in soli due round Ken Norton, il pugile che aveva fratturato la mascella di Ali. Lo stesso Alì, all'epoca trentaduenne, non sembrava in grado di resistere alla potenza di Foreman.


title: The Rumble in the Jungle

text: I colpi veloci di Ali non sembravano pericolosi per un pugile di grande massa e forza come Foreman, che era di sette anni più giovane. Foreman era considerato come il pugile fisicamente più forte mai esistito.


title: The Rumble in the Jungle

text: Ali cominciò subito al primo round ad attaccare Foreman. Questa strategia era insolita per Ali, che era noto più per la velocità e la tecnica che per la potenza. Lo scontro ravvicinato avrebbe favorito la forza bruta di Foreman, che poteva contare su un potentissimo "haymaker" in grado di stendere qualsiasi avversario.


title: The Rumble in the Jungle

text: Ali sfruttò il suo diretto rapido di destro, colpendo velocemente senza proteggersi con la sinistra, per disorientare Foreman. Questa tattica sorprese Foreman, permettendo ad Ali di colpirlo duramente diverse volte, ma senza danneggiarlo seriamente.


title: The Rumble in the Jungle

text: Prima della fine del primo round, Foreman si riprese e cominciò ad assestare alcuni micidiali colpi ad Ali. Foreman era abile a impedire la fuga dell'avversario verso l'esterno del ring: Ali capì che se avesse continuato a tentare di colpire ed allontanarsi si sarebbe stancato ben prima dell'avversario per cui dovette cambiare tattica.


title: The Rumble in the Jungle

text: Ali aveva avvisato il suo allenatore Angelo Dundee che aveva un "piano segreto" per l'incontro. A partire dal secondo round, si avvicinò alle corde, appoggiandosi al bordo del ring e opponendo resistenza minima ai colpi di Foreman. Smise di tentare di colpire l'avversario. Questa strategia passiva fu in seguito denominata da Ali "rope-a-dope".


title: The Rumble in the Jungle

text: Foreman continuò a colpire con forza, nel terribile calore della mattina africana: Ali si limitava a schivare quando possibile, o a bloccare i colpi rendendoli innocui facendo sprecare energie all'avversario.


title: The Rumble in the Jungle

text: Ali opponeva poca resistenza, e cominciò ad assestare colpi diretti e precisi al viso di Foreman. I colpi erano più leggeri di quelli dell'avversario, ma il volto di Foreman in breve cominciò a mostrare i segni dei pugni di Ali.


title: The Rumble in the Jungle

text: Durante gli scontri diretti, quando i due combattenti si trovavano corpo a corpo, Ali si appoggiava all'avversario con tutto il suo peso, oppure cercava di tenergli abbassata la testa colpendo sul collo: questa mossa disorientava l'avversario, e potenziava l'effetto dei pugni sulla testa aumentando le possibilità di un knock out.


title: The Rumble in the Jungle

text: Ali inoltre durante gli "agganci" provocava continuamente Foreman, sfidandolo a dare pugni più forti, cosa che faceva imbestialire Foreman che accecato dalla rabbia metteva più energia nei colpi.


title: The Rumble in the Jungle

text: Dopo alcuni round, Foreman cominciò ad apparire stanco. Il volto era tumefatto dai rapidi pugni diretti e incrociati di Ali, e Foreman appariva sempre più stanco e lento. Foreman all'inizio del quarto round cominciò a barcollare dopo una raffica di colpi subiti, e ancora alla fine del quinto round subì una scarica che lo rese incerto sulle gambe nonostante sembrasse che si fosse ripreso in quel round.


title: The Rumble in the Jungle

text: Al sesto round Foreman appariva molto stanco. Ali continuò a provocare l'avversario, con frasi come: «è questo tutto quello che sai fare?», «mi hanno detto che sai dare pugni, George!» o «mi hanno detto che potevi colpire come Joe Louis».


title: The Rumble in the Jungle

text: All'ottavo round, Ali assestò il colpo finale, un gancio sinistro che alzò la testa di Foreman abbastanza per permettergli di tirare un micidiale diretto al viso.


title: The Rumble in the Jungle

text: Foreman si alzò quando l'arbitrò Zack Clayton arrivò a "9", secondo quanto affermato da Bert Sugar della ESPN Classics e secondo quanto compare dalle pellicole dell'incontro, ma l'arbitro terminò il conteggio fino al "10". Foreman in seguito affermò che la ragione per cui ci volle così tanto tempo per alzarsi era legata al fatto che stava aspettando un segnale dal suo allenatore, che arrivò troppo tardi.


title: The Rumble in the Jungle

text: L'incontro è considerato una delle più grandi dimostrazioni di strategia e di esecuzione tecnica mai viste in uno scontro di pesi massimi.


title: The Rumble in the Jungle

text: Ali, secondo quanto riferisce nella sua biografia "The Greatest" scritta in collaborazione con Richard Durham, comprese all'inizio dell'incontro che avrebbe potuto smorzare la potenza del campione ammortizzando i suoi pugni mentre era alle corde, giungendo così a superare i primi furiosi round, soprattutto il terzo, che sino ad allora nessun avversario di "Big George" Foreman era riuscito a superare.


title: The Rumble in the Jungle

text: Lo scontro mise in evidenza la grande capacità di incassatore di Ali e segnò un drastico cambio nello stile di combattimento del pugile: la precedente agilità impareggiabile e la grande mobilità vennero sostituite dalla tattica più passiva del "rope-a-dope".


title: The Rumble in the Jungle

text: Nell'incontro Ali mise in mostra una resistenza fisica mai vista, resistendo alle centinaia di colpi di Foreman, di cui molti a segno nella zona dei reni e alla testa, senza apparente effetto.


title: The Rumble in the Jungle

text: Foreman accusò gli allenatori di Ali di aver allentato le corde per favorire il loro campione; in seguito chiese scusa per questi ed altri commenti del dopo-incontro.


title: The Rumble in the Jungle

text: Foreman accampò anche numerose scuse nel corso degli anni per spiegare la sconfitta, arrivando ad affermare nella sua autobiografia "God in My Corner" di essere stato indebolito da una droga messa nell'acqua che "sapeva di medicina".


title: The Rumble in the Jungle

text: Solo molti anni dopo, e in seguito ad un radicale cambiamento del suo stile e della sua concezione di vita, egli riuscì ad ammettere che "almeno per quella serata, Alì era stato l'atleta migliore".


title: The Rumble in the Jungle

text: Foreman e Ali divennero amici dopo lo scontro. Alla consegna dei Premi Oscar dove Ali venne premiato per "When We Were Kings", un documentario sull'incontro in Zaire, il campione ebbe difficoltà a salire sul palco per via della malattia di Parkinson. Venne aiutato a salire i gradini da Foreman.


title: The Rumble in the Jungle

text: Al "Rumble in the Jungle" si deve anche una delle più grandi manifestazioni musicali della storia dell'Africa. L'evento fu organizzato per volere del presidente Mobutu, che aveva deciso di sfruttare la risonanza internazionale dell'incontro di Ali e Foreman per celebrare ufficialmente la nuova costituzione dello Zaire di fronte agli occhi del mondo. Questa celebrazione avrebbe avuto la forma di un grande concerto, chiamato "Zaire '74", che si sarebbe dovuto tenere immediatamente prima del "Rumble". A partecipare all'evento furono chiamati stelle della musica di livello mondiale, come BB King e James Brown, celebri artisti africani come Manu Dibango e Miriam Makeba, e diverse orchestre di soukous dello Zaire (OK Jazz, Zaïko Langa Langa, gli Stukas e altri).


title: The Rumble in the Jungle

text: Quando Foreman si ferì, era ormai impossibile rimandare questo grande concerto, che si tenne comunque, disertato però dagli spettatori stranieri, che avrebbero dovuto costituire la maggioranza del pubblico. Temendo l'umiliazione che sarebbe seguita al fallimento della celebrazione, Mobutu decise di rendere gratuito l'ingresso; di conseguenza, la popolazione di Kinshasa e dintorni affluì in massa, dando vita a una delle più grandi manifestazioni musicali mai tenutesi in Africa.


title: The Rumble in the Jungle

text: In Italia il match, che verrà trasmesso dalla RAI in differita la sera successiva - andò in onda, in presa diretta, su Radio-Capodistria; telecronista, Sandro Damiani.


title: Le streghe di Eastwick

text: Le streghe di Eastwick ("The Witches of Eastwick") è un film del 1987 diretto da George Miller, basato sull'omonimo romanzo di John Updike. Interpreti della pellicola sono Jack Nicholson, Cher, Susan Sarandon e Michelle Pfeiffer.


title: Le streghe di Eastwick

text: Nell'immaginaria cittadina di Eastwick, nel New England, vivono tre amiche molto diverse fra loro: la bruna Alexandra Medford, scultrice e vedova, la rossa Jane Spofford, timida insegnante di musica sterile e la bionda e dolce Sukie Ridgemont, giovane madre di sei figli e scrittrice per il quotidiano locale. Durante una serata insieme si mettono a fantasticare sul loro uomo ideale non sapendo di essere dotate di poteri magici innati, tramite i quali hanno involontariamente invocato il Diavolo.


title: Le streghe di Eastwick

text: Il giorno seguente infatti, arriva in città Daryl Van Horne, un misterioso individuo appena trasferitosi a villa Lenox, l'imponente magione settecentesca simbolo storico del piccolo centro rurale e tristemente nota per essere stata in passato il luogo in cui vennero messe al rogo delle streghe. Daryl è il demonio in persona e ha intenzione di avere un figlio da ognuna di loro. Le azioni e i manierismi di Daryl affascinano le tre amiche ed i cittadini della piccola Eastwick, tranne la bigotta Felicia Alden, moglie del direttore del giornale, la quale fin dall'arrivo di Daryl sarà identificata come la sua nemesi. Ciò appare evidente quando, mentre tutti sembrano non riuscire a ricordare il nome del nuovo cittadino, al solo improvviso pronunciare "Daryl" da parte di Sukie un banale incidente fa precipitare Felicia dalle scale, col risultato di fratturarle una gamba.


title: Le streghe di Eastwick

text: Daryl intanto corteggia le tre amiche, seducendole a turno e aiutandole poi a sviluppare i loro poteri. Inizialmente le donne sono gelose delle attenzioni che il nuovo arrivato riserva a turno ad una di loro, ma in seguito decidono di "condividere" Daryl. La convivenza delle donne con Daryl inizia a peggiorare i loro rapporti con il resto degli abitanti di Eastwick, fomentati soprattutto dalle parole di fuoco che Felicia, reale proprietaria del giornale cittadino, scaglia contro di loro, denunciando la condotta immorale e promiscua che regna a Villa Lenox, che lei riesce a percepire tramite delle visioni. In seguito alla lettura dell'articolo, con lo zampino di Daryl le tre amiche scagliano involontariamente una maledizione su Felicia che le fa vomitare incontrollabilmente semi di ciliegie. Alla vista di questa terribile scena, e già convinto dalle precedenti scenate che la moglie sia ormai uscita di senno, il marito decide di ucciderla per porre fine alle sue sofferenze.


title: Le streghe di Eastwick

text: L'annuncio della morte di Felicia sconvolge le tre streghe, che realizzano di essere la causa di quanto avvenuto e decidono di separarsi e di evitare l'essere che hanno capito essere l'incarnazione del male. Daryl però rifiuta di essere abbandonato e le costringe a tornare mettendole di fronte alle loro peggiori paure: fa apparire centinaia di serpenti sul letto di Alex, Jane invecchia rapidamente, mentre Sukie è afflitta da dolori insopportabili. Dopo essere stata al capezzale di Sukie presso l'ospedale locale, momento in cui le donne rivelano l'una alle altre di essere incinte, Alex decide di provare a placare la furia del demone coricandosi nuovamente con lui. Il piano funziona, e viene presto raggiunta dalle due amiche che fingono anch'esse di voler tornare alla vita da "comune" precedentemente svolta in casa di Daryl.


title: Le streghe di Eastwick

text: Il mattino dopo le tre donne mandano Daryl a fare delle compere e durante la sua assenza iniziano un rituale per sbarazzarsi di lui, costruendo la sua bambola "voodoo". Daryl viene quindi afflitto da ciò a cui le "streghe" sottopongono la bambola: dapprima viene colpito dai dolori lancinanti dovuti ai classici spilloni, poi un forte vento lo spinge nella chiesa della città nel bel mezzo di una funzione. Si rende quindi conto che le tre donne lo stanno tradendo e si sfoga in un discorso misogino prima di mettersi a vomitare semi di ciliegia come aveva fatto Felicia. Quando Daryl rientra alla villa, furioso, le streghe fanno accidentalmente cadere la bambola, spezzandola. Daryl assume così la forma di un mostruoso gigante e tenta di ucciderle, ma le tre amiche riescono a sconfiggerlo gettando la bambola nel fuoco.


title: Le streghe di Eastwick

text: Un anno e mezzo più tardi Sukie, Jane e Alex vivono insieme nella villa appartenuta a Daryl e ciascuna ha avuto un figlio, dai capelli rispettivamente biondi, rossi e corvini proprio come le madri. Mentre i neonati giocano da soli, Daryl appare improvvisamente sul maxischermo della sala TV invitandoli ad avvicinarsi per dare un bacione a "papà"; le tre amiche spengono però in tempo lo schermo con il telecomando.


title: Le streghe di Eastwick

text: "Le streghe di Eastwick" è uscito nei cinema americani il 12 giugno 1987, mentre in quelli italiani il 22 ottobre dello stesso anno.


title: Le streghe di Eastwick

text: La VHS del film uscì in diverse edizioni nel corso degli anni novanta, sia standard che per la collezione "Gli Scudi" del 1991; uscì pure un'edizione Laser disc fra il 1991 e il 1992.


title: Le streghe di Eastwick

text: È comparso per la prima volta in dvd, prodotto dalla Warner Home Video, il 19 ottobre 1999 per poi venir ristampato in diverse versioni negli anni successivi. È stato inserito nel cofanetto tre dischi Warner dedicato a Jack Nicholson insieme ai film "Qualcuno volò sul nido del cuculo" e "Tutto può succedere - Something's Gotta Give", uscito il 6 settembre 2005, per poi venir incluso anche nel cofanetto "Jack Nicholson Collection", insieme a "Shining" e "La promessa", del 20 maggio 2003.


title: Le streghe di Eastwick

text: Gli abiti di Jack Nicholson furono disegnati dallo stilista italiano Nino Cerruti del Lanificio Fratelli Cerruti.


title: Molosso (razza canina)

text: Il Molosso (; ) era una razza canina ora estinta diffusa nell'Europa Meridionale durante l'Antichità (ca. VIII secolo a.C.) per tramite del popolo dei Molossi d'Epiro che si ritiene possa essere stato il progenitore di tutti i cani molossoidi diffusisi nelle aree europee bagnate dal Mediterraneo.


title: Molosso (razza canina)

text: Fedele raffigurazione della razza si ritiene possa essere il "Jennings Dog", statua romana esposta al "British Museum"; copie si trovano anche nella Galleria degli Uffizi di Firenze e nel Museo Pio-Clementino (Sala degli Animali) dei Musei Vaticani.


title: Molosso (razza canina)

text: Nella mitologia greca, Molosso è il nome dal figlio di Andromaca e di Neottolemo (il figlio di Achille).


title: Molosso (razza canina)

text: La razza originò in tempi molto antichi dall'archetipo razziale dei "Molossoidi", grandi cani da montagna selezionati in epoca protostorica nel Medioriente (principalmente nella Mezzaluna Fertile), dove la nascente pastorizia aveva evidenziato la necessità di selezionare un grosso cane difensore del gregge, e si evolvette durante l'Età del ferro come cane da guerra o da palazzo nelle prime grandi civiltà (assiri, babilonesi, ittiti, egizi). Dalla Mesopotamia, il Molossoide si diffuse verso il Mediterraneo originando diversi ceppi locali: tutti cani accomunati da una certa tipologia caratteriale (forte, dominante, territoriale e protettiva verso la famiglia umana) ma con varianti morfologiche dovute alle diversità climatiche e del territorio.<br>


title: Molosso (razza canina)

text: L'ipotesi che il nome possa derivare dall'uso dei cani da combattimento attribuito all'antico popolo epirota dei "Molossi", anche se divenuta col tempo molto comune, è moderna e del tutto immaginosa; in verità, nessuno degli antichi autori che scrissero di cani sostiene una fantasia del genere: né Aristotele, né Plinio, né Columella, né Virgilio, né Petronio, né tanto meno Giulio Polluce, il quale, fatto poco noto, fu colui che più scrisse a proposito dei cani. Il nome deriva in realtà da un vocabolo del greco antico, "molos" ("μῶλος"), che significa "combattimento", quindi "molossi" non vuol dire altro che "cani da combattimento"; il nome dello storico popolo deriva invece da quello del suo primo re, che la tradizione vuole si chiamasse appunto "Molosso".


title: Molosso (razza canina)

text: Il molosso fu sempre usato, più che in guerra, come cane da gregge, e ne dà conferma la Suida (X sec.) che lo descriveva brevemente così:


title: Molosso (razza canina)

text: "'Molosso’ e ‘cane molosso’: grande cane pastorale (Μολοσσὸς, χαὶ Μολοττὸς κύων. ὀ ποιμενικὸς, χαὶ μέγας.)" ("Ib." P. 570.)


title: Molosso (razza canina)

text: Si è dunque sempre distinto per le sue qualità di guardiano e combattente piuttosto che per le prestazioni più prettamente venatorie del "canis laconicus" apprezzato dagli Spartani. Ai primordi dell'ellenismo, il filosofo Aristotele cita il cane molosso nella sua "Historia animalium" (parte dei libri della Fisica), apprezzandone il coraggio ed il vigore fisico.


title: Molosso (razza canina)

text: Le caratteristiche fisico-caratteriali del molosso gli garantirono ampia diffusione anche presso i Romani che apprezzarono grandemente il coraggio e la forza dell"'acrem Molossum" ("feroce Molosso"), come ebbe a definirlo il poeta Virgilio, facendone il guardiano delle loro lussuose "villae" come raccomandato da Marco Porcio Catone nel suo "De agri cultura". Virgilio, nelle "Georgiche", raccomandava inoltre di allevare i cuccioli di Molosso insieme a quelli del "Canis laconicus" per massimizzare le doti delle due razze garantendo così alla "villa" un'adeguata difesa sia contro aggressori animali sia umani. L'accoppiata "Laconicus"-Molosso era tanto diffusa che lo stesso Petronio ci presenta, nel "Satyricon", l'anfitrione Trimalcione munito di uno spaventoso molosso da guardia ed una muta di cani da caccia laconici.


title: Molosso (razza canina)

text: Catone descrive il "canis epiroticus" come scuro di mantello, pesante di testa e di corpo, a pelo raso, feroce, adatto per la guardia alla proprietà più che per le attività di pastorizia o di caccia. Due secoli dopo Catone, Lucio Giunio Moderato Columella, parlando del cane da guardia della "villa", indicato come "[canis] villaticus", descrive: "di corpo grande e grosso [...] di colore unito [...] nero [...] con il capo tanto grande che sembri la maggior parte del corpo [...] con il petto ampio e peloso, spalle larghe, zampe tozze e irte".


title: Silvia Monti

text: Debutta sul grande schermo nel 1969 in una piccola parte del film "Fräulein Doktor" di Alberto Lattuada. Nello stesso anno si fa notare in pellicole come "Metti, una sera a cena" di Giuseppe Patroni Griffi, "Il cervello" di Gérard Oury e "Sai cosa faceva Stalin alle donne?" di Maurizio Liverani.


title: Silvia Monti

text: Partecipa con ruoli importanti a molti film dal buon successo commerciale come "Il corsaro nero" (1971) di Lorenzo Gicca Palli, "Una lucertola con la pelle di donna" (1971) di Lucio Fulci, "Giornata nera per l'ariete" (1971) di Luigi Bazzoni, "Afyon - Oppio" (1972) di Ferdinando Baldi.


title: Silvia Monti

text: Ma mentre la sua carriera è sempre più proiettata verso il successo, con ruoli da comprimaria in film come "Sono stato io!" (1973) di Lattuada, "Finché c'è guerra c'è speranza" (1974) di Alberto Sordi e "" (1974) di Giorgio Stegani, decide, inaspettatamente, di abbandonare le scene.


title: Silvia Monti

text: Sposa il conte e imprenditore Luigi Donà dalle Rose con cui ha due figli, Leonardo e Una; la coppia si separa nel 1994. Il 10 luglio 1997 si risposa con l'imprenditore Carlo De Benedetti, col quale si trasferisce a vivere a Lugano in Svizzera.


title: Glutammina

text: La glutammina è un amminoacido polare. La sua molecola è chirale. L'enantiomero L è uno dei 20 amminoacidi ordinari, il suo gruppo laterale reca un gruppo "carbossammide". È l'ammide dell'acido glutammico.


title: Glutammina

text: La glutammina è coinvolta nei processi digestivi e una sua carenza può portare a facile esaurimento fisico e mentale. Oltre a essere essenziale per il metabolismo del sistema nervoso, è anche un intermedio basale delle funzioni epatiche e renali.


title: Glutammina

text: Nei neuroni viene convertita in acido glutammico dall'enzima glutaminasi. Risulta esercitare un'azione protettiva sui neuroni.


title: Glutammina

text: La glutammina è un amminoacido rivelatosi piuttosto utile in condizioni patologiche o infortunistiche, principalmente come forte attenuatore del catabolismo muscolare. Uno studio dimostrò che l'iniezione di glutammina a seguito di trattamenti con glucocorticoidi (cioè steroidi catabolici come il cortisolo) può aumentare la sintesi proteica nel sistema gastrointestinale dei cani. Tuttavia, l'eliminazione non-ossidativa di leucina, un marker della sintesi proteica, è rimasto invariato nel gruppo trattato con glutammina (Humbert et al., 2002). Esisterebbero molte interpretazioni di questi risultati, ma si può dire che la supplementazione di glutammina può migliorare la sintesi proteica in alcuni tessuti dopo il trattamento con glucocorticoidi. Infatti, il trattamento con glucocorticoidi è un campo in cui l'integrazione di glutammina può davvero rendersi utile.


title: Glutammina

text: Un altro studio sui ratti, sempre con somministrazione di corticosteroidi, sostiene questa tesi. Anche se l'infusione di glutammina non ha avuto alcun effetto sulla sintesi delle proteine muscolari nei topi non trattati con il cortisolo, c'è stato un effetto benefico nei ratti trattati con glucocorticoidi. Infatti, l'infusione glutammina ha effettivamente attenuato oltre il 70% del deperimento muscolare causato dalle iniezioni cortisolo (Hickson et al., 1995).