title: Casa Greyjoy

text: Soprannominato "Capelli Bagnati", è il minore dei fratelli di Balon. Un tempo era un giovane allegro, dedito alle bevute e alle donne, capitano della nave "Tempesta Dorata", che fu affondata durante la rivolta dei Greyjoy. Allora, Aeron annegò, ma rinacque dal mare e da allora divenne sacerdote del Dio Abissale, il dio della sua gente. Da allora va sempre a piedi nudi, lasciandosi crescere barba e capelli intrecciandoli con alghe marine, beve acqua di mare e non dorme mai; ora nessuno riesce ad intimorirlo ed è il sacerdote più importante delle Isole di Ferro. Odia l'ordine dei Maestri per due motivi: innanzitutto, non condivide l'idea che un uomo possa trascorrere una vita di servitù; inoltre, fu un maestro a provocare la morte di suo fratello Urrigon nel tentativo fallimentare di ricucirgli le dita che quest'ultimo aveva perduto giocando alla danza delle dita con Aeron stesso.


title: Casa Greyjoy

text: Nelle prime fasi della guerra dei Cinque Re, Aeron viene mandato ad accogliere il nipote Theon appena tornato a Pyke per discutere con il padre un'alleanza con Robb Stark. Aeron accoglie freddamente il nipote e lo battezza per risvegliare in lui la fede del Dio Abissale. Quando Balon rifiuta l'offerta di Robb e attacca il Nord, Aeron viene incaricato di accompagnare Theon a saccheggiare la Costa Pietrosa come diversivo. Dopo la prima razzia, Theon decide di attaccare Grande Inverno, Aeron continua le razzie e prosegue verso il villaggio successivo. In seguito, torna alle Isole di Ferro, dove riprende i suoi doveri sacerdotali fino a quando non viene a sapere della morte di Balon e del ritorno del fratello Euron, che avanza i diritti di successione sul Trono del Mare. Temendo che Euron potrebbe portare alla rovina degli uomini di ferro, Aeron usa la sua influenza di sacerdote del Dio Abissale per invocare un'Acclamazione di Re e scegliere il successore di Balon. Aeron spera così di incoronare il fratello Victarion che seguirà le vie tradizionaliste e conservative di Balon. Il piano però fallisce dato che Euron riesce a salire sul trono. Aeron allora promette a Victarion che proverà a far ribellare gli uomini di ferro per detronizzare “l'infedele” Euron e scompare il giorno dopo l'Acclamazione.


title: Casa Greyjoy

text: Nella serie televisiva "Il Trono di Spade", tratta dai romanzi, è interpretato da Michael Feast e doppiato in italiano da Stefano Oppedisano.


title: Casa Greyjoy

text: Lontano cugino detto "Dagon l'ubriacone", prende il nome dal suo ben più celebre antenato. Muore ucciso durante l'assedio a Deepwood Moote, dall'esercito di Stannis Baratheon.


title: Casa Greyjoy

text: Altro lontano cugino, capitano di una nave sua. Muore durante l'assedio a Deepwood Moote, dall'esercito di Stannis Baratheon.


title: Casa Greyjoy

text: Alannys Harlaw è la moglie di lord Balon Greyjoy, signore delle Isole di Ferro. Non appare mai direttamente, ma viene descritta da Asha come una donna dai lunghi capelli bianchi e i lineamenti duri. Il suo matrimonio con lord Balon non fu mai felice, a cominciare dal momento in cui Alannys lasciò l'isola di Harlaw per fare ingresso a Pyke, quando il suo futuro marito non si scomodò a venire a prenderla, delegando il compito a suo fratello Victarion. Nonostante i dissapori, la coppia generò quattro figli, ma, in seguito alla fallimentare ribellione dei Greyjoy, i due figli maggiori, Rodrik e Maron, morirono, mentre il più piccolo, Theon, fu preso come ostaggio da lord Eddard Stark. Tale tragedia minò gravemente la salute mentale e fisica di Alannys: la donna iniziò a vagare per il castello di notte alla ricerca dei figli scomparsi chiamandoli a sé. Nel romanzo "Il banchetto dei corvi", Alannys si trova ad Harlaw, ospitata da suo fratello lord Rodrik. A parte Rodrik e sua figlia Asha nessuno sembra più fare caso a lei.


title: Casa Greyjoy

text: Lord Vickon Greyjoy è stato il primo lord delle Isole di Ferro dopo la guerra di conquista. Dopo la morte di Harren il Nero Aegon il Conquistatore diede alle casate nobiliari delle Isole di Ferro la possibilità di eleggere la Casa dominante. La scelta cadde su Casa Greyjoy.


title: Casa Greyjoy

text: Vickon permise ai septon di tornare alle Isole di Ferro a predicare il loro culto, facendo infuriare i sacerdoti del Dio Abissale ma lui li ignorò temendo maggiormente i draghi della Casa Targaryen.


title: Casa Greyjoy

text: Figlio di Vickon continuò a servire fedelmente i Targaryen per paura dei loro draghi. Sventò una goffa cospirazione che voleva mettere al trono delle isole la dinastia Volmark e durante il regno di Aenys I Targaryen uccise un uomo che si diceva mandato dal dio Abissale per regnare al posto di Aenys mandando a quest'ultimo la sua testa. In cambio, Aenys gli permise di espellere i Septon dalle isole di ferro.


title: Casa Greyjoy

text: Dalton Greyjoy, conosciuto come la Piovra Rossa, era Lord di Pyke e capo della Casa Greyjoy durante il regno di Viserys I Targaryen e nella danza dei draghi guidò le Isole di Ferro nella guerra fratricida tra i primi Targaryen.


title: Casa Greyjoy

text: Da giovane andò con suo zio a saccheggiare le città dei pirati delle isole Basilisco, e tolse una spada d'acciaio Valyriano a uno di loro.


title: Casa Greyjoy

text: A quindici anni vide uccidere lo zio e lo vendicò; emerse dalla lotta inzuppato di sangue, guadagnandosi il soprannome Piovra Rossa. Lo stesso anno morì suo padre, e lui tornò a casa per rivendicare il Trono del Mare e, appena preso il potere, si costruì subito una flotta e armò uomini.


title: Casa Greyjoy

text: Re Aegon II gli offrì alleanza promettendogli in cambio molti onori, ma lui volle prima ascoltare l'offerta di Rhaenyra Targaryen che gli propose di attaccare i Lannister, che erano più vicini alle Isole di Ferro e vulnerabili, così si alleò con lei.


title: Casa Greyjoy

text: Quando re Aegon III gli ordinò di cessare le razzie, lui lo ignorò e continuò, finché la sua amante Tess non lo uccise nel sonno.


title: Casa Greyjoy

text: La Piovra Rossa non aveva mai preso moglie, così alla sua morte la Casa Greyjoy affrontò una grave crisi di successione.


title: Casa Greyjoy

text: Dagon Greyjoy era signore di Pyke e delle Isole di Ferro durante il regno di re Aerys I Targaryen, quasi cento anni prima degli eventi de "Le Cronache del Ghiaccio e del Fuoco".


title: Casa Greyjoy

text: Intorno 211 D.C., lord Dagon e i suoi uomini di ferro compirono numerosi saccheggi lungo il Mare del Tramonto e la costa occidentale di Westeros, finché lord Beron Stark non fece causa comune con il signore di Castel Granito contro di lui.


title: Casa Greyjoy

text: Dopo la sua morte gli uomini di ferro non hanno mai più attaccato l'Altopiano fino all'incoronazione di Euron.


title: Casa Greyjoy

text: Padre di Balon, Euron, Victarion, Aeron e Urrigon è considerato uno dei più saggi Greyjoy. Era alto sei piedi e mezzo, ed era forte e veloce. Quellon combatté corsari e schiavisti nel Mare dell'estate da giovane e si batté con coraggio nella Guerra del Re dai Nove Soldi.Assalì la flotta di Lord Farman e saccheggiò Belcastello durante il dominio del debole, Tytos Lannister. Quellon cercò di modernizzare le Isole di Ferro e integrarle con il resto dei Sette Regni liberando schiavi, vietando più le razzie, scoraggiando la pratica delle mogli di sale, favorendo i matrimoni con le Terre Verdi, e portando maestri sulle Isole di Ferro. La sua salute peggiorò durante la Ribellione di Robert, e fu solo dopo la battaglia del Tridente che i figli maggiori lo convinsero a unirsi alla lotta. Condusse una cinquantina di navi lunghe contro l'altopiano, mantenendo la maggior parte degli uomini sulle isole Lannister. Morì in mare e il contributo delle Isole di Ferro alla rivolta fu minimo


title: Casa Greyjoy

text: Urrigon è uno dei fratelli minori di Balon. Quando Urrigon aveva quattordici anni, si tagliò tre dita della mano mentre giocava alla danza delle dita con il fratello Aeron. Invece che curare la ferita seguendo l'Antica Via degli uomini di ferro, venne affidato ad un maestro che spergiurava di essere in grado ricucire le dita mutilate con impacchi e pozioni. Ma, accadde che invece di guarire, la mano di Urrigon si infettò e lui morì di febbri.


title: Pipin Ferreras

text: Francisco Ferreras, conosciuto con lo pseudonimo di "Pipín" assegnatogli durante la sua infanzia, nacque il 18 gennaio 1962 in una grande casa costruita sul promontorio della baia di Matanzas, un piccolo villaggio sulla costa settentrionale dell'isola di Cuba.


title: Pipin Ferreras

text: Dichiarò di aver imparato a nuotare ancor prima di camminare, solamente ad otto mesi riusciva, infatti, già a galleggiare. Fino all'età di cinque anni il suo gioco preferito era la pesca subacquea in apnea che imparò grazie all'insegnamento di un cordiale vicino rimasto colpito dalla sua abilità natatoria. Successivamente, nell'età adolescenziale, la caccia subacquea divenne un'attività molto redditizia e con il suo socio, nonché il migliore amico Tata Lanza, riuscivano a scendere a profondità incredibili, poiché spinti dalla voglia di pescare pesci sempre più grossi.


title: Pipin Ferreras

text: Nel frattempo, Pipín venne iscritto dalla madre al collegio di Varadero, gestito dal ministero dello Sport e che aveva lo scopo di sfornare atleti per umiliare i paesi capitalisti con una medaglia d'oro alle Olimpiadi. In quegli anni perfezionò le sue capacità natatorie e partecipò ai campionati nazionali dove vinse per due anni nelle specialità di stile libero e farfalla. Entrò successivamente in nazionale con la quale partecipò per due volte ai campionati europei di nuoto. Al giovane e ribelle Pipín, tuttavia, essere costretto ad imparare a memoria la dottrina Marxista-leninista e a dichiarare la sua fedeltà alla causa del paese non piaceva e così cominciò a marinare sempre più la scuola per andare a fare quello che gli piaceva di più: la pesca subacquea con il suo socio. Insieme parteciparono a numerose gare di pesca subacquea, ed in una di queste riuscirono a pescare duecentosettantadue chili di pesce in cinque ore di tempo, facendosi notare dalla nazionale cubana di pesca subacquea. Francisco incominciò, così, a frequentare gli atleti della nazionale mettendosi in mostra per le sue incredibili abilità ed imparando nuove tecniche. Diventò, in seguito, socio con uno di questi, “El Ronco”. I due, tutte le mattine all'alba andavano a pescare e a mezzogiorno tornavano carichi di pesce, che poi vendevano al mercato nero.


title: Pipin Ferreras

text: Nel 1982, quando Pipín aveva vent'anni, arrivò a cuba un fotografo italiano che chiese al ragazzo di fargli da guida per cinquanta dollari. I due diventarono amici e Vincenzo, il fotografo italiano, introdusse a Ferreras l'apnea a livello sportivo. Nei mesi successivi arrivarono pacchi dall'Italia contenenti riviste di apnea che appassionavano sempre più Pipín.


title: Pipin Ferreras

text: Nel 1987 iniziò finalmente la vera carriera del ragazzo cubano. Egli seppe che il governo intendeva aprire un albergo a Cayo Largo del Sur, e che nel programma era inclusa anche una gara subacquea. Era l'occasione giusta per lui, e seppe sfruttarla: in meno di due minuti stabilì il nuovo record mondiale di 67 metri in assetto costante. Entrò così a far parte della piazza internazionale dell'apnea, e giornalisti di tutta Europa cominciarono a citarlo in riviste importanti. Anche il governo cubano, che in precedenza considerava l'apnea come uno sport di poco conto, incominciò a prendere sul serio l'atleta, offrendogli un lavoro al centro immersioni El Pelicano, all'albergo di Cayo Largo dove si era esibito. Il record del 1987 fu il primo dei 21 record che Pipín stabilirà durante l'intera durata della sua carriera.


title: Pipin Ferreras

text: Da quel momento trascorse vario tempo in Italia, per poi approdare in Florida, negli Stati Uniti. Durante gli anni Novanta stabilì una lunga serie di record mondiali, spesso in contrapposizione a quelli dell’italiano Umberto Pelizzari, fino a raggiungere, nel 2000, la profondità di 162 metri, superando così Pelizzari di 12 metri. Nel 2001 La rivalità tra Pipín e Umberto divenne argomento della produzione IMAX "Ocean Men: Extreme Dive", diretta dal fotografo subacqueo Bob Talbot. Nel 1996 Pipín fondò l’associazione sportiva IAFD (International Association of Freedivers) in contrapposizione diretta con l’organizzazione AIDA. L'associazione verrà chiusa nel 2004.


title: Pipin Ferreras

text: Nel 1996 Pipín, già sposato due volte e con una figlia, conobbe la francese naturalizzata messicana Audrey Mestre a Cabo San Lucas, una località all'estrema punta della penisola della Baja California, dove si trovava per portare a -130 metri il record mondiale di immersione in assetto variabile assoluto No Limits. I due si conobbero nelle settimane che precedono l'immersione, quando Audrey Mestre, all'epoca studentessa di biologia marina all'università di La Paz, Baja California, volle incontrare Pipín per fargli qualche domanda. Nel 1999 si sposarono, e divennero in poco tempo la coppia dei record nell’ambito del mondo dell’apnea.


title: Pipin Ferreras

text: A fianco di Pipín, Audrey conobbe, infatti, l'apnea agonistica, diventando in breve un'atleta di livello mondiale: nel 2000 stabilì il suo primo record di -125 metri nella specialità No Limits. Nei seguenti anni scese poi a -130 e -166, rimanendo sempre al fianco del marito Pipín Ferreras.


title: Pipin Ferreras

text: Il 12 ottobre del 2002, Audrey Mestre morì in un incidente nelle acque di Bayahibe, Repubblica Dominicana, durante il tentativo di superare il record mondiale in assetto No Limits stabilito da Tanya Streeter con -160 metri pochi mesi prima. In seguito all’incidente molte critiche furono rivolte a Ferreras, accusato di aver affrettato la preparazione dell’evento e anticipato la data dell’immersione: quel giorno lo staff di sommozzatori era limitato, non era presente alcun dottore né equipaggiamenti di sicurezza. Pipín, tuttavia, raccontò la sua versione dei fatti nel suo libro intitolato "Nel profondo blu" pubblicato per la prima volta in Italia nel 2005. Anche Carlos Serra, stretto collaboratore di Pipín Ferreras durante gli anni che precedettero l'incidente di Audrey, scrisse nel 2006 un libro intitolato "The Last Attempt", nel quale raccontò la sua versione dei fatti completamente in disaccordo con quella di Pipín. Un anno dopo la morte di Audrey Mestre, Ferreras portò a compimento il record tentato dalla moglie raggiungendo la profondità di -171 metri, in un'immersione commemorativa.


title: Pipin Ferreras

text: Dieci anni dopo la morte di Mestre, nel 2012, Pipín sposò la canadese Juscelina Melo, conosciuta nell'ambiente delle immersioni come "Nina Ferreras".


title: Pipin Ferreras

text: Dopo l’incidente di Audrey, Ferreras scrisse "The Dive" ("Nel blu profondo"), in collaborazione con Linda Robertson, che divenne un bestseller internazionale. James Cameron acquisì i diritti per produrre un film: nel 2015 venne annunciato che la regia sarebbe stata affidata a Francis Lawrence, mentre l'attrice Jennifer Lawrence avrebbe interpretato il ruolo di Audrey. L'uscita era prevista per il 2017, ma le riprese non sono mai iniziate.


title: Pipin Ferreras

text: L’ultimo record di Pipín risale al 2003, alla profondità di 171 metri. Da quel momento in poi si rifiutò di ritentare alcun record o scendere ulteriormente, decise che voleva raggiungere quell’esatta profondità per onorare la moglie. Si raccolse quindi in un periodo di lutto.


title: Ziz

text: Ziz è un termine che nella tradizione mitologica ebraica indica un uccello gigante, la creatura più straordinaria del cielo, simile a un grifone. In altri racconti viene indicato col nome Bar Juchne o Bar-Yuchnei.


title: Ziz

text: Lo Ziz corrisponde al Behemoth e al Leviatano, le creature più straordinarie rispettivamente della terra e del mare. All'arrivo del Messia queste tre creature verrebbero arrostite per il banchetto escatologico.


title: Ziz

text: Secondo gli studiosi, lo Ziz è il prodotto dell'inculturazione ebraica di altre tradizioni mitologiche e in particolare dello Anzû sumero e assiro-babilonese.


title: Ziz

text: Il termine compare due volte nei Salmi (Sal 50,11 e 80,13-14 o secondo la numerazione della Vulgata: Sal 49,11 e 79,13-14) e viene tradotto in italiano con perifrasi. Per esempio: "moltitudine degli animali della campagna" o "quel che si muove per la campagna" oppure "tutto ciò che si muove nei campi".


title: Ziz

text: Il nome Ziz, o anche "Ziz saddai" (oppure Ziz saday, Ziz sadhay, Zīz śāday), compare nel Talmud babilonese (trattato Bava Batra), ma lo Ziz è indicato anche con altri appellativi, fra cui "ben netz" (figlio di falco), per cui viene immaginato come un gigantesco rapace. Il nome "Bar Juchne" è utilizzato in un altro racconto talmudico.


title: Ziz

text: Lo Ziz è un animale unico, ma secondo alcuni racconti esso depose all'inizio dei tempi un uovo che si schiuderà nel giorno del Giudizio. Altre versioni affermano che lo Ziz rinasca come la Fenice, ma grazie all'uovo e non al fuoco.


title: Flo Sandon's

text: L'idea che Flo sarebbe diventata una cantante iniziò per caso nel 1944, con il debutto in uno spettacolo per la Croce Rossa organizzato durante la Seconda guerra mondiale, a Roma, dalla V Armata Americana. L'originale nome d'arte "Sandon's" nacque da una svista tipografica sull'etichetta del primo disco della cantante, nel 1947, quando incise "Love letters". La popolarità le arrivò nel 1951 grazie al film "Anna", diretto da Alberto Lattuada e interpretato da Silvana Mangano, Vittorio Gassman e Raf Vallone. La Sandon non compariva nel film, ma doppiava la voce della Mangano in due motivi della colonna sonora, "Non dimenticar (che t'ho voluto bene)" di Redi-Galdieri e "El Negro Zumbón" di Armando Trovajoli. Entrambe le canzoni ebbero grande successo. Nel 1955 sposò il cantante Natalino Otto.


title: Flo Sandon's

text: "Non dimenticar" vendette 1.000.000 di copie in Italia e venne premiato con il primo Disco d'Oro; all'estero furono ben 10 i milioni di dischi venduti. Verso la fine degli anni Cinquanta piacque anche a Nat King Cole, che la incise dando un suo ottimo contributo alla fama del brano che, insieme a "Volare" di Modugno, rappresenta un momento musicale felice e di grande respiro della musica italiana nel mondo. Flo Sandon's partecipò a diversi Festival di Sanremo, vincendone uno nel 1953 con "Viale d'autunno", in coppia con Carla Boni. Nel 1960 vinse il Festival di Napoli con "Serenata a Margellina". Dopo la morte del marito Natalino Otto, avvenuta nel 1969, si ritirò dalle scene, preferendo rimanere un'ospite gradita in diverse trasmissioni televisive e radiofoniche.


title: Flo Sandon's

text: Invece accettò, nel 1994, di partecipare alla commedia musicale "Gli uomini sono tutti bambini" di Pietro Garinei, con testi di Enrico Vaime e le musiche di Claudio Mattone: impersonava la "mamma" di Gianfranco D'Angelo, accompagnato da Wilma Goich quale "moglie", Simona Patitucci quale "figlia" e Laura Di Mauro quale "amante". La commedia ebbe grande successo di pubblico e regalò, ancora una volta, belle melodie scritte da Mattone. Flo, che ballava e cantava in una commedia per la prima volta, diede un ottimo esempio di come a settant'anni si possano accettare nuove sfide. Tutto questo prima che l'Alzheimer la inghiottisse nel tunnel della malattia, iniziata nel 2000 e durata fino al novembre 2006. Nella sua carriera Flo Sandon's spesso interpretò brani tratti da film, come ad esempio "Autunno a Roma" dal film "Stazione Termini" di Vittorio De Sica (1954), con Jennifer Jones e Montgomery Clift, "Sadie Thompson'song" dal film "Pioggia" di Curtis Bernhardt (1953), con Rita Hayworth e Josè Ferrer, e anche un film del 1957 di Antonio Pietrangeli, "Souvenir d'Italie" con Gabriele Ferzetti e June Laverick, la cui melodia era firmata da Lelio Luttazzi.


title: Flo Sandon's

text: Nel 1953 Flo Sandon's partecipò per la prima volta al Festival di Sanremo e lo vinse con la canzone "Viale d'autunno". interpretata in coppia con Carla Boni. Le due, entrambe al debutto sanremese, riuscirono a battere la grande favorita Nilla Pizzi. La stampa lanciò velate accuse di "combine": pare che "Viale d'autunno" fosse stato inizialmente offerto a Nilla Pizzi, ma che poi le fosse stato tolto, forse per ripicca o gelosia, ed affidato al duo Sandon's - Boni. In seguito Flo Sandon's si presentò ad altre cinque edizioni del Festival di Sanremo - fino al 1963 -, ma non riuscì più a bissare il successo della prima partecipazione, classificandosi al quinto posto nel 1954 con "Non è mai troppo tardi". Ottenne invece il primo posto al Festival di Napoli nel 1960, con il brano "Serenata a Margellina". Altre canzoni celebri del repertorio della Sandon furono "Verde luna", "I love Paris", "Never let me go", "Concerto d'autunno", "Domani", "Que sera sera", "Arrivederci".


title: Flo Sandon's

text: Nel 1959 Flo Sandon's ebbe modo di cantare insieme al Quartetto Radar in un illuminante esperimento con musiche africane, unico nel suo genere, che anticipò tutta una serie di suoni e canti che poi ritroveremo nelle musiche composte successivamente da artisti americani negli anni Settanta.


title: Flo Sandon's

text: Il 2 giugno del 1955 sposò il cantante Natalino Otto lavorando spesso con lui alla Rai (Radio e TV) ed esibendosi insieme, per un periodo, sia in Italia che all'estero. Alla coppia va anche il merito di aver scoperto uno dei più grandi talenti della musica italiana, Mina. Era il 24 settembre 1958 e in una sala da ballo di Cremona suonava un complesso di studenti di ragioneria. Otto e la Sandon's, presenti in sala, rimasero molto colpiti dalla voce solista del gruppo e vollero conoscerla per proporle un provino discografico. Un mese dopo usciva il primo disco di Mina. Sempre nel 1958 la cantante vicentina vinse la prima edizione del Burlamacco d'Oro.


title: Lynx pardinus

text: La lince pardina (Lynx pardinus ()) è una specie di lince originaria della penisola iberica, attualmente in pericolo di estinzione.


title: Lynx pardinus

text: Secondo il gruppo di conservazione SOS Lynx, se questa specie si estinguesse, si tratterebbe della prima estinzione di felino dai tempi della scomparsa dello "Smilodon" 10 000 anni fa. In passato gli studiosi erano soliti considerarla una sottospecie della lince comune ("Lynx lynx"), ma ora la ritengono una specie separata. Entrambe le specie erano diffuse in Europa centrale durante il Pleistocene, non entrando, però, mai in competizione tra loro, dato che vivono in habitat differenti. Si ritiene che la lince pardina si sia evoluta da "Lynx issiodorensis".


title: Lynx pardinus

text: Sotto molti aspetti la lince pardina ricorda altre specie di linci: presenta una coda corta, i ciuffi di pelo al di sotto del mento ed i caratteristici pennacchi sulle orecchie. Mentre, però, la lince comune è ricoperta di macchie piuttosto pallide, la pardina presenta una serie di caratteristiche macchie, simili a quelle del leopardo, che spiccano sul pelo color grigio chiaro o bruno-giallastro chiaro. Anche la pelliccia è molto più corta di quella delle altre linci, adattatesi generalmente a vivere in ambienti più freddi. Alcune popolazioni occidentali erano prive di macchie, ma si sono estinte recentemente.


title: Lynx pardinus

text: La lunghezza testa-corpo è di 85 – 120 cm, mentre quella della coda, piuttosto corta, è di 12 – 30 cm; l'altezza al garrese si aggira sui 60 – 70 cm. I maschi, più grandi delle femmine, pesano massimo 25 kg, sebbene alcuni esemplari abbiano raggiunto i 26,8 kg; le femmine, invece, raramente superano i 15 kg; le dimensioni della specie, quindi, sono inferiori rispetto a quelle della lince europea che raggiunge in media una lunghezza di 120-150 cm e un peso che supera tranquillamente i 30 kg e raggiungendo in casi eccezionali anche i 40 kg.


title: Lynx pardinus

text: Come tutti i felini, la lince pardina ha quattro gruppi di vibrisse: due sulle orecchie e due sul mento. Esse vengono utilizzate per individuare le prede. I ciuffi di pelo sulle orecchie consentono alla lince di percepire meglio le fonti sonore; se privata di esse, il suo senso dell'udito diminuisce enormemente. I margini dei piedi sono ricoperti da peli molto lunghi che le permettono di muoversi silenziosamente su qualunque superficie.


title: Lynx pardinus

text: La lince pardina è più piccola della sua parente europea settentrionale e generalmente caccia animali di dimensioni piccole o medie, solitamente non più grandi di una lepre. Anche l'habitat in cui vive è differente: abita infatti nelle macchie aperte e non nelle foreste come la lince comune.


title: Lynx pardinus

text: Al crepuscolo va a caccia di mammiferi (compresi roditori ed insettivori), uccelli, rettili ed anfibi. La sua preda principale è costituita dal coniglio selvatico ("Oryctolagus cuniculus"; 79,5 - 86,7% del totale); lepri ("Lepus granatensis"; 5,9%) e roditori (3,2%) sono meno comuni. Un maschio necessita di almeno un coniglio al giorno, mentre una femmina con i piccoli ne deve catturare almeno tre.


title: Lynx pardinus

text: Dal momento che in Spagna e Portogallo le popolazioni di conigli sono molto diminuite a causa di un'epidemia di mixomatosi, la lince pardina è spesso costretta ad attaccare con maggior frequenza del solito daini, caprioli, mufloni ed anatre. Compete per le prede con la volpe rossa, la mangusta ("Herpestes ichneumon") ed il gatto selvatico, carnivori sui quali questo predatore sembra contribuire anche ad una sorta di funzione di controllo delle popolazioni, dato che anch'essi possono diventare sue prede. È un animale solitario che difende il proprio territorio con una certa tenacia ed aggressività; non insegue quasi mai le sue prede, ma caccia all'agguato o attende per ore dietro ad un cespuglio o una roccia che le passino sufficientemente vicino per balzar loro addosso in pochi attimi.


title: Lynx pardinus

text: Questo animale, soprattutto se in compagnia di esemplari più giovani, si sposta molto e può compiere spostamenti che superano i 100 km. Il territorio (di circa 10 – 20 km²) dipende strettamente dalla disponibilità di cibo. Tuttavia, una volta stabilitone i confini, spesso costituiti da strade e sentieri costruiti dall'uomo, il territorio tende a mantenere le stesse dimensioni per molti anni. La lince lo marca con l'urina, con mucchi di escrementi deposti tra la vegetazione o con vistosi graffi sulla corteccia degli alberi.


title: Lynx pardinus

text: Durante la stagione degli amori la femmina lascia il proprio territorio alla ricerca di un maschio. Il periodo di gestazione dura di norma circa due mesi; i piccoli nascono tra marzo e settembre, con un picco delle nascite in marzo ed aprile. La cucciolata tipica comprende due o tre piccoli (più raramente uno, quattro o cinque) che pesano 200 - 250 g.


title: Lynx pardinus

text: Essi diventano indipendenti a 7 - 10 mesi d'età, ma rimangono con la madre fino a 20 mesi. La loro sopravvivenza dipende in gran parte dalla disponibilità di prede. In natura sia i maschi che le femmine raggiungono la maturità sessuale a un anno d'età, sebbene in pratica è raro che si riproducano fino a quando non si sono stabiliti in un proprio territorio; è noto il caso di una femmina che non si riprodusse fino a quando non morì sua madre, quando ormai aveva già cinque anni. La longevità massima in natura è di 13 anni.


title: Lynx pardinus

text: I fratelli diventano sempre più violenti gli uni con gli altri tra i 30 e i 60 giorni d'età, raggiungendo un massimo di aggressività intorno ai 45 giorni. Non è raro che un unico piccolo uccida tutti gli altri fratelli in questi combattimenti brutali. Il motivo di questi scoppi di aggressività non è ben chiaro, ma molti studiosi ritengono che vada collegato ad un cambiamento ormonale che avviene quando i piccoli smettono di succhiare il latte della madre per iniziare a nutrirsi di carne. Altri ritengono che vada interpretato come una forma di gerarchia e di «sopravvivenza del più forte». Non sapendosi spiegare il perché, i conservazionisti devono tenere separati tra loro i piccoli fino a quando non hanno raggiunto i 60 giorni d'età.


title: Lynx pardinus

text: Fino alla metà del XIX secolo questa lince era diffusa in tutta la penisola iberica, ma ora il suo areale è ristretto ad alcune aree molto piccole e si riproduce in due sole zone dell'Andalusia, nella Spagna meridionale. La lince pardina predilige ambienti eterogenei costituiti da distese erbose aperte miste a macchie più fitte di corbezzolo, lentisco, ginepro e di alberi di leccio e di sughera. Al giorno d'oggi quasi tutti gli esemplari sopravvissuti si sono ritirati in zone montane, e nelle foreste di pianura o nella fitta macchia mediterranea si incontrano ormai solo pochi sparuti gruppi.


title: Lynx pardinus

text: Studi effettuati nel marzo del 2005 hanno stimato una popolazione inferiore ai 100 esemplari, rispetto ai circa 400 del 2000 ed ai 4.000 del 1960. Se la lince pardina si estinguesse si tratterebbe della prima specie di grande felino a scomparire dai tempi dell'estinzione dello "Smilodon" 10 000 anni fa.


title: Lynx pardinus

text: Le uniche popolazioni riproduttive vivono in Spagna e si ritiene che sopravvivano soltanto nel Parco nazionale di Doñana e sulla Sierra di Andújar (Provincia di Jaén). Tuttavia, nel 2007, le autorità spagnole hanno annunciato la scoperta di una popolazione rimasta sconosciuta nel territorio di Castiglia-La Mancia (Spagna centrale). Successivamente tale popolazione è stata stimata a 15 esemplari.


title: Lynx pardinus

text: La lince pardina e gli habitat in cui vive godono della più completa protezione e anche la caccia legale è ormai vietata da lungo tempo. Le minacce che più gravano su di lei sono la distruzione dell'habitat, l'avvelenamento, gli incidenti stradali, i cani rinselvatichiti ed il bracconaggio. La distruzione dell'habitat è dovuta soprattutto all'aumento delle infrastrutture ed allo sviluppo di centri urbani e di villeggiatura, nonché di monocolture, i quali vengono sempre più a frammentare l'areale della lince. Inoltre, va ricordato anche che le popolazioni di conigli, prede fondamentali della lince, sono notevolmente diminuite in seguito alla diffusione di malattie come la mixomatosi e la polmonite emorragica.


title: Lynx pardinus

text: Il 29 marzo 2005 Saliega, la prima lince pardina ad essersi riprodotta in cattività, dette alla luce tre piccoli in piena salute al Centro di Riproduzione di Acebuche E1, nel Parco Nazionale di Doñana (Provincia di Huelva, Spagna). Sempre nello stesso luogo, ne partorì altri tre il 2 marzo del 2008. Questi piccoli nacquero dopo una gestazione di 64 giorni. Uno di loro venne rifiutato dalla madre e la Giunta del Dipartimento dell'Ambiente dell'Andalusia annunciò il 24 marzo che il piccolo era morto.


title: Lynx pardinus

text: Nell'area della Sierra Morena, appena a nord di Andújar, in Andalusia, nel 2008 vennero individuati 150 esemplari, rispetto ai 60 del 2002. Con il risultato di questo incremento numerico, la zona di Andújar-Cardeña ha probabilmente raggiunto la sua capacità portante e così potrebbe venire utilizzata in futuro come serbatoio per prelevare esemplari da reintrodurre altrove. Oltre a questi successi di conservazione "in situ" sulla Sierra Morena, se ne sono avuti altri dovuti al buon andamento del programma di riproduzione "ex situ", con la nascita di 52 esemplari, 24 dei quali a sua volta riprodottisi in cattività. La popolazione "ex situ" fornirà 20 - 40 esemplari ogni anno che verranno utilizzati per un programma di reintroduzione in natura che inizierà nel 2010. In ultimo, nel Parco nazionale di Doñana, la popolazione di linci sembra essere rimasta stabile negli ultimi anni: tra il 2002 ed il 2008, infatti, ogni anno sono stati censiti intorno ai 50 esemplari. Il 20 marzo 2009 è stata annunciata la nascita di altri tre piccoli nel Centro di Riproduzione del Parco. I progetti di reitroduzione della lince pardina sono già iniziati nel 2009 nel Guadalmellato, ed altri nel Guarrizas sono già in programma per il 2010 - 11. Il 10 giugno 2013 è stato fotografato un maschio di lince pardina a Vila Nova de Milfontes sulla costa del Portogallo sud-occidentale ed è stata portata all'ICNF (istituto portoghese per la conservazione della natura e delle foreste). Il maschio di due anni, soprannominato, Hongo proviene dal parco nazionale di Donana in Andalusia.


title: Lynx pardinus

text: Nel 2015 l'IUCN ha classificato la specie come in pericolo con una popolazione di circa di 156 esemplari nel 2012, il triplo rispetto ai 52 esemplari del 2002.


title: Lynx pardinus

text: La popolazione è considerata in aumento. Secondo un censimento fatto nel 2015, sembra che il numero delle linci pardine abbia superato i 400 esemplari; considerando, però, la natura schiva dell'animale e la paura dell'uomo che avrà sviluppato negli anni in cui è stata perseguitata, è plausibile pensare che ne esista un numero maggiore.


title: Lynx pardinus

text: Il censimento della lince iberica conferma questo suo areale: degli oltre 400 esemplari di cui si è potuto confermare l'esistenza, 361 si trovano in Andalusia. In particolare, si dividono fra l'area di Doñana-Aljarafe e la Sierra Morena. Altri esemplari si trovano nella provincia di Badajoz (Estremadura), valle del Guadiana (Portogallo), Monti di Toledo.


title: Lynx pardinus

text: Ha fatto discutere la decisione della giunta regionale dell'Andalusia di abbassare il livello di rischio della specie, da “specie a rischio di estinzione” a “vulnerabile”. Secondo alcuni esperti è ancora troppo presto per considerare scampato il pericolo della scomparsa di questo carnivoro dal territorio iberico ed europeo.


title: Lynx pardinus

text: Nel 2018 si è stimata una popolazione di oltre 650 esemplari, mentre con il censimento del 2020 si è evidenziata una crescita della popolazione fino ad oltre 1.100 esemplari, di cui almeno 240 femmine in età riproduttiva. Secondo gli esperti, se la popolazione continua a crescere di questo ritmo, entro vent'anni si stima che la specie possa addirittura non essere più considerata a rischio estinzione.


title: Lynx pardinus

text: SOS Lynx è un'organizzazione conservativa con base in Portogallo che opera per scongiurare l'estinzione della lince pardina.


title: The Moody Blues

text: I Moody Blues sono stati un gruppo rock, originario di Birmingham in Inghilterra, fondato nel 1964 e attivo sino al 2018.


title: The Moody Blues

text: Sulla fortunata onda beat generata da gruppi come i Beatles, Rolling Stones e The Who, anche i Moody Blues fecero parte della cosiddetta British invasion, ponendo inizialmente le loro radici nel rhythm and blues per poi giungere successivamente al rock psichedelico e a quello progressivo, grazie ad un sound caratterizzato dall'uso del mellotron. Questo fu il marchio di fabbrica della band nel periodo che va dal 1967 al 1974.


title: The Moody Blues

text: Rispetto ad altri gruppi definiti "progressivi", i Moody Blues prediligono una forma "canzone" con melodie ad ampio respiro. Esempio calzante è il loro più grande successo "Nights in White Satin" del 1967.


title: The Moody Blues

text: Al 2018, anno del ritiro del batterista Graeme Edge, sono stati una delle rock band più longeve della storia, con oltre 55 anni di attività live e tra i 70 e gli 80 milioni di dischi venduti.


title: The Moody Blues

text: Con la morte di Graeme Edge, avvenuta l'11 novembre 2021, il gruppo, di fatto inattivo sin dal 2018, venne dichiarato definitivamente sciolto.


title: The Moody Blues

text: I Moody Blues hanno origine a Birmingham, Inghilterra nei primi anni sessanta. A quel tempo Ray Thomas, John Lodge e Michael Pinder erano parte del gruppo "El Riot & the Rebels", una band popolare a livello regionale. Quando gli "El Riot & the Rebels" si sciolsero, John Lodge decise di terminare gli studi presso un istituto tecnico e Michael Pinder si arruolò nell'esercito. Pinder si riunì poi a Ray Thomas per formare il gruppo Krew Catse, con il quale i due ottennero un moderato successo. Il duo si unì al chitarrista Denny Laine, al batterista Graeme Edge e al bassista Clint Warwick, apparendo con il nome di The Moody Blues Five, (semplificato poi in The Moody Blues) per la prima volta a Birmingham nel 1964. Si era di fatto formato, come affermò Thomas in seguito, un "supergruppo" locale.


title: The Moody Blues

text: Nel 1964 la band firma un contratto con la Decca Records e lancia il singolo "Steal Your Heart Away", che però non ha grande successo. La cover di Bessie Banks "Go Now", invece, pubblicata nello stesso anno, diviene un successo mondiale (UK numero 1, USA numero 10, OLA numero 8, SVE numero 17), superando il milione di copie vendute.


title: The Moody Blues

text: Nel 1965 i Moody Blues pubblicano quindi il loro primo album dal titolo "The Magnificent Moodies", disco dal sound con fortemente R&B. L’album composto per lo più da cover, spazia da James Brown a George Gershwin. Il gruppo vive un momento di grande popolarità, esibendosi come gruppo spalla di artisti del calibro dei Kinks e dei Beatles.


title: The Moody Blues

text: Ma complice una mal gestita pubblicità negli USA, il gruppo non riesce a bissare il successo di "Go Now". I successivi singoli fanno timide apparizioni nelle classifiche inglesi e vengono del tutto ignorati negli States.


title: The Moody Blues

text: Denny Laine e Mike Pinder diventano gli autori delle canzoni, e nonostante un cambiamento di stile (merita menzione il singolo di quel periodo "Boulevard De La Madelaine", ispirato ad un quartiere a luci rosse, un pastiche di chitarre spagnole e fisarmoniche in stile francese), il gruppo sembra in parabola discendente, fino a ridursi a fare concerti in piccoli club. Le registrazioni per un secondo album non verranno pubblicate (fino al 2015) e Clint Warwick decide di lasciare la band, sostituito da Rodney Clarke.


title: The Moody Blues

text: Nell'ottobre 1966 Clarke e Laine lasciano la band, sostituiti da John Lodge al basso e dal chitarrista Justin Hayward, (precedentemente nel gruppo Wilde Three e successivamente autore di due singoli a proprio nome, di scarso successo). Hayward fu presentato a Mike Pinder dal cantante degli Animals Eric Burdon, che lo aveva visionato per un'audizione non ritenendolo idoneo allo stile della band.


title: The Moody Blues

text: La nuova formazione comprende presto che lo stile rhythm and blues non rende molto e decide quindi di svilupparne uno proprio soprattutto attraverso l’uso del mellotron di Mike Pinder, e flauto traverso di Ray Thomas. Tutto questo si concretizza nei 2 singoli della primavera del 1967: la psichedelica "Fly me high" di Hayward, e la ballata "Love and Beauty" scritta da Pinder, ed in quello considerato uno dei primi concept-album: "Days of Future Passed" (1967). Argomento del disco è "un giorno nella vita dell'uomo comune, dall'alba alla notte". Il fatto che ogni membro del gruppo è autore e interprete delle proprie canzoni, determina una varietà di stili differenti di difficile definizione.


title: The Moody Blues

text: Nel 1967 la Deram Records (un'etichetta discografica sperimentale del gruppo London/Decca) commissiona al gruppo una versione rock della Sinfonia n.9 "Dal nuovo mondo" di Antonín Dvořák. I Moody Blues inizialmente accettano l'incarico, ma poi premono per una libertà artistica senza troppe supervisioni. Nasce così nell'autunno del 1967, "Days of Future Passed", album composto di canzoni e poemi narrati, con intermezzi orchestrali a cura della London Festival Orchestra condotta da Peter Knight.


title: The Moody Blues

text: Terminato il disco, i dirigenti della Deram sono inizialmente scettici circa il potenziale commerciale del concept album e del singolo "Nights In White Satin", considerato troppo lento per le classifiche (come ricorderà Hayward qualche anno più tardi). L’album però diventerà uno dei maggiori successi commerciali di tutti i tempi, sostando 103 settimane consecutive nelle classifiche americane. "Days of Future Passed" (numero 27 UK, numero 3 USA), e i suoi due singoli, "Nights in White Satin" (UK numero 19, OLA numero 1, BEL numero 6, GER numero 18, FRA numero 1) e "Tuesday Afternoon" (USA numero 24), entrambe di Hayward avranno eco in Europa è in USA. Con "Days of Future Passed" viene spesso indicata la data di nascita del progressive rock (anche se sono ancora evidenti influenze del tardo beat). Il singolo "Nights in White Satin" diventerà il loro brano più rappresentativo, entrando in classifica in Uk dal 1968 al 1979 nella top 20 in tre diverse occasioni. Tradotto in italiano col titolo di "Ho difeso il mio amore", viene inciso nel 1968 dai Nomadi e dai Profeti, con discreto successo.


title: The Moody Blues

text: Il successo diventa maggiore per il disco successivo dal titolo "In Search of the Lost Chord" del 1968 (UK numero 5, USA numero 23). Ispirandosi nel titolo ad una trasmissione della BBC degli anni ‘50, in questo album il gruppo rinuncia all'accompagnamento orchestrale avvalendosi sempre più del produttore Tony Clarke (soprannominato il sesto " Moody ") e dell'ingegnere del suono Derek Varnals. Fa il suo esordio come illustratore di copertine Philip Travels (che collaborerà agli altri 5 album della band fino al primo scioglimento). "In Search Of the Lost Chord" risente delle atmosfere hippy tipiche del 1968, nell'uso di strumenti come tabla e sitar ("Om" di Pinder, "Visions Of Paradise" di Hayward - Thomas), negli effetti di "pan - pot" dei canali della stereofonia ("Best Way To Travel" di Pinder), e nei giochi psichedelici del mellotron e del flauto che echeggiano un po' ovunque. Tra i brani più rappresentativi, "Legend Of A Mind" del flautista Thomas (tributo a Timothy Leary), che il gruppo suonerà dal vivo per quasi 35 anni e la mini-suite "House Of 4 Doors" di Lodge. A questi si aggiungono i singoli di successo "Ride my See-Saw" di Lodge (UK numero 42, USA numero 63, OLA numero 16, FRA numero 15), brano di chiusura dei loro concerti fino al 2018 e "Voices in the Sky" di Hayward (UK numero 23). L'album fu accolto molto bene dalla critica e divenne disco d'oro. Dopo la pubblicazione, i Moody Blues partono per la prima tournée americana.


title: The Moody Blues

text: La musica dei Moody Blues progredisce in maniera sempre più complessa e sinfonica. Questo album venne considerato un punto di riferimento per gruppi come Genesis e King Crimson, che evolveranno negli anni a venire il concetto di musica progressiva. La parte trainante del disco è la suite finale composta da un poema e da 4 brani, molto innovativa per l'epoca. Il tema ricorrente del disco è incentrato sull'"esplorazione dei sogni". La confezione molto curata, completa di un ricco libretto interno, creò qualche tensione con la Deram per problemi di budget. Problemi superati con il piazzamento in classifica (UK numero 1, USA numero 20), e conseguente disco d'oro. I Moodies diventano un nuovo fenomeno anche in America. Nella sola zona di Hollywood il disco in pochi giorni vende copie. Oltre a "Have You Heard" - "The Voyage" (suite finale scritta da Pinder), i punti salienti del disco sono il pop psichedelico di "Lovely to see You" di Hayward (brano di punta nelle radio americane) e la caustica "Dear Diary" di Thomas. Il singolo "Never Comes The Day" (UK numero 91), sempre di Hayward (una ballata di stampo folk) fu il primo flop nelle classifiche a 45 giri. Lodge dichiarò nel 1991 che I Moody Blues dopo questo disco ebbero la sensazione di aver creato qualcosa di veramente nuovo, tesi avvalorata dalle vendite e dalle recensioni dell'epoca.


title: The Moody Blues

text: Stabilitisi in pianta stabile a Cobham, nel Surrey, i Moodies pubblicano "To Our Children's Children's Children" a 7 mesi di distanza dal precedente album. Viene sancita la nascita della nuova etichetta discografica di loro proprietà, la " Threshold " (nome ispirato dal titolo del loro disco precedente), che consente al gruppo di avere il totale controllo sul proprio lavoro e di produrre altri artisti (la leggenda dice che Hayward ed Edge fecero un'audizione ai neonati King Crimson, decidendo poi di non scritturarli). Il primo gruppo a incidere realmente su Threshold, fu The Trapeze di Glenn Hughes (futuro Deep Purple), che pubblicò ben 4 album per l'etichetta (di cui i primi 2 prodotti da Lodge). "To Our Children's Children's Children" è un album di matrice folk, che abbandona a sorpresa il filone progressive, per rituffarsi in una tarda - psichedelia (lontana però dalle atmosfere Flower-Power di "In Search Of The Last Chord"). Diventa disco d'oro in poche settimane (UK numero 2, USA numero 14), ma nonostante la fluidità nell'ascolto viene considerato un disco di transizione. Secondo la critica inglese non aggiunge nulla di nuovo da un punto di vista musicale. È un concept album basato sulle celebrazioni del primo sbarco dell'uomo sulla luna. Spiccano le ballate del bassista Lodge ("Eyes of the Child" e "Candle of Life"), "Gypsy", rock evocativo scritto da Hayward, e una diffusa sensazione di solitudine cosmica ("Eternity Road" di Thomas, "Beyond" di Edge, "Out and In" di Pinder). Unico singolo estratto, la meditativa "Watching and Waiting" di Hayward - Thomas, che fallì l'ingresso nelle classifiche inglesi e americane. Le radio si orientarono sulla trasmissione di Gypsy. Il fatto causò sfiducia nello stesso Hayward.


title: The Moody Blues

text: Dopo la pubblicazione di "To Our Children's" il gruppo trova qualche difficoltà nell'eseguire dal vivo i brani dell'album e così decide per il successivo LP di comporre canzoni più facili da eseguire in concerto.


title: The Moody Blues

text: Nell'incisione di "A Question Of Balance" vengono limitati al minimo gli effetti altisonanti di studio a favore di un suono più immediatodi matrice folk-rock, supportato sempre dal flauto di Thomas e dal mellotron di Pinder. Il disco nasce da un ritiro di tre settimane nelle campagne del Surrey e fu grande successo di vendite (UK numero 1, USA numero 3), divenendo a breve disco di platino. È anche l'album del gruppo più venduto in Italia, arrivando terzo nelle classifiche della hit parade.


title: The Moody Blues

text: Indicativo anche del crescente successo della band in America, il singolo estratto, "Question" di Hayward, sfata il tabù del mancato hit a 45 giri, sfiorando il primo posto in Inghilterra (UK numero 2, USA numero 21, GER numero 9, BEL numero 9, OLA numero 1).


title: The Moody Blues

text: Sulla scia del successo, viene pubblicato in Europa, in Sud America e in Medio Oriente un secondo singolo di successo, "Melancholy Man", di Pinder, che ottenne risultati lusinghieri (FRA numero 1). Entrambi i brani divennero dei classici nelle scalette dei concerti. "Question" in particolare, viene eseguita ininterrottamente per tutta la carriera. Entrambe vennero tradotte in italiano e registrate da complessi nostrani. "Melancholy Man" divenne "Un uomo qualunque" nella versione dei Camaleonti, "Question" invece fu tradotta in "Milioni di domande", in una versione meno riuscita dal gruppo La Verde stagione.


title: The Moody Blues

text: Da "Question Of Balance" emergono inoltre le ballate "Dawning Is The Day" di Hayward, "And The Tide Rushes In" di Thomas, e la potente "Tortoise And the Hare" di Lodge, che nei cori e nei falsetti ricorda da vicino la celebre "Ride My See-Saw". La critica inglese è divisa, quella americana, invece sembra spalancare le porte del mercato al gruppo di Birmingham.


title: The Moody Blues

text: In concomitanza con la pubblicazione dell'album, i Moody Blues si esibiscono al festival dell'isola di Wight davanti ad una folla di 600 000 persone, toccando così il loro apice in patria. Il concerto esce per la prima volta in versione DVD nel 2007. Durante lo svolgimento del tour, Edge dichiara che è in preparazione un album di musica elettronica in coppia con Pinder. Voci non confermate girano a proposito di un album a 4 mani di Thomas e Hayward, in stile folk. Entrambi i progetti, non vedranno mai luce. Nel dicembre dello stesso anno fu fissata a Torino l'unica data italiana del gruppo, poi annullata per una tonsillite che colpì il tastierista Pinder.


title: The Moody Blues

text: Nel loro successivo album, "Every Good Boy Deserves Favour" (1971), il gruppo sta attraversando una crisi interna e a dispetto di un successo americano di grandi proporzioni, parte della stampa inglese è diventata ormai ostile. L'accusa è quella di produrre dischi in modo impeccabile, seguendo però un cliché troppo consolidato. I testi vengono tacciati di autoindulgenza, e di una ingenua filosofia. È il 1971, e la scena rock inglese sta cambiando rapidamente con la nascita del movimento Glam. In questo contesto, I Moodies decidono di cambiare studio di registrazione, e di modificare leggermente il suono, mettendo in minoranza il mellotron, privilegiando il synth, il piano e l'organo hammond. Edge sperimenta (tra i primissimi nella scena rock) il suo set di batterie elettroniche. L'album (le cui iniziali EGBDF, non sono altro che l'accordo di mi minore 7/9 dim, in lingua inglese), risulta uno dei più cupi, ma anche dei più amati del catalogo Moody Blues. Disco di platino (UK numero 1, USA numero 2), rimane in classifica inglese per 21 settimane, in quella americana per 43. Arriva anche nella top - ten italiana, riscontrando buone vendite. Produce un hit mondiale con "The Story In Your eyes" di Hayward (USA numero 23, BEL numero 30, OLA numero 11), divenuto anch'esso un classico nel repertorio live della band fino ai nostri giorni. L'album parte con "Procession", firmata dal gruppo al completo (una introduzione dalle atmosfere più disparate: dai suoni tribali, ad accenni barocchi di clavicembalo, passando per atmosfere bucoliche, giungendo alla "Toccata e Fuga" di Bach) e si conclude con "My Song" di Pinder, una breve suite di stampo progressivo, che ricalca la parte finale di "On The Threshold..." con il mellotron in bella evidenza. Ma è il canto del cigno di un "progressive" che di lì a poco verrà abbandonato dal gruppo. Altro pezzo cardine dell'album è "One More Time To Live" di Lodge, una ballata sul tema dell'evoluzione, che riprende il tema musicale di "Procession". "Every Good Boy Deserves Favour" è il primo album dei Moodies a non contenere poemi narrate, e la copertina è tra le migliori della loro discografia. Il gruppo parte per una nuova tournée negli States, in Arene da 10.000 posti in su. Sul finire dell'anno, Pinder collabora con gli Asgaerd, gruppo progressive scritturato dalla Threshold, producendo un brano dell'omonimo primo e unico album, che avrà scarsi riscontri di vendita.


title: The Moody Blues

text: "Seventh Sojourn" (1972) è l'ultimo lavoro del periodo d'oro, l'ultimo album della serie "Classic Seven", come viene definita dai fan americani. Il disco esce alla fine del 1972, posticipato di 6 mesi, perché le vendite del lavoro precedente non accennavano a diminuire.


title: The Moody Blues

text: Rientra in classifica anche "Days Of Future Passed", e arriva a toccare il secondo posto a 5 anni dalla sua uscita. Il gruppo, nonostante il successo planetario, sembra non uscire dalla crisi profonda. Come racconterà Hayward 30 anni dopo: "Più cresceva la fama, più il gruppo si sentiva piccolo. Così piccolo, da decidere di registrare il nuovo album nel garage di Mike Pinder!" Lo stesso Pinder mette in disparte il mellotron a favore del Chamberlin, una tastiera qualitativamente superiore. Otto mesi prima dell'uscita dell'album, viene pubblicato il singolo di successo "Isn' t Life strange" di Lodge (UK numero 13, USA numero 29). Giudicato troppo commerciale, viene stroncato dalla critica inglese. Al momento dell'uscita di "Seventh Sojourn", i Moody Blues sono di nuovo in tournée negli States. L'album esce a dicembre (UK numero 5, USA numero 1), e dà al gruppo il primo numero uno americano. Se il disco da una parte segna una crescita naturale nell'evoluzione del gruppo, dall'altra si discosta sempre più da quelle atmosfere che avevano reso celebri i Moodies degli albori. Risultava quindi più fruibile al grande pubblico, ammiccando al pop con ballate melodiche e con brani rock dal gusto radiofonico. Il secondo singolo estratto fu "I'M Just A Singer (in a R&R band)" sempre di Lodge (UK numero 36, USA numero 12, BEL numero 16, OLA numero 4), a tutt'oggi pezzo di punta nelle esibizioni live. Altri brani dell'album che meritano menzione sono le ballate "New Horizons" e "Land of Make - Believe" di Hayward, e la sofferta "When You're a Free Man" di Pinder. Il tour promozionale del disco batté nuovi record, come quello della vendita dei biglietti al Madison Square Garden di New York, in un solo giorno. L'accoglienza di critica e pubblico fu trionfale. Dennis Hunt, dalle colonne del "Los Angeles Time" definirà le loro canzoni "Rapsodie enigmatiche altamente ritmiche" e la loro musica "misteriosa e spaziale, che crea un'atmosfera di nervosismo e di desolazione pur con rispetto della melodia, perché le loro canzoni sono tra le più melodiche di tutto il rock". Le date andranno avanti fino al 4 febbraio del 1974, ultimo concerto con Pinder in formazione. Nel frattempo il gruppo era rientrato in sala per il disco successivo, ma decise di interrompere le registrazioni dopo un solo brano (l'evocativa "Island", che vide luce 30 anni più tardi in una riedizione in cd). Era tempo di una pausa. Si era giunti al 1973 e altri gruppi stavano emergendo. "The Dark Side Of The Moon" era alle porte, per un simbolico passaggio di consegne.


title: The Moody Blues

text: Il tour si rivela massacrante, come dichiarerà il batterista Edge in più occasioni. Testimonianza di questo periodo sono le numerose registrazioni dei concerti, dove il gruppo appare spesso sottotono. I membri si guardano intorno per cercare nuovi stimoli, ma non viene annunciato nessuno scioglimento ufficiale. Nel 1974 il chitarrista Hayward, riceve in premio un prestigioso Ivor Novello, per la categoria "cantautori". Come ricorderà lo stesso Hayward, era in cantiere un album a 4 mani con Pinder, ma tutto si risolse con un nulla di fatto per via delle distanze (Hayward viveva in Inghilterra, Pinder si era trasferito in America).


title: The Moody Blues

text: Il chitarrista si ritrovò con una manciata di nuove composizioni, e insieme al bassista Lodge, diede vita al progetto "Blue Jays", dapprima titolo dell'album, successivamente nome del duo. Edge incontrò Adrian e Paul Gurvitz (già membri fondatori del trio Gun, Three Man Army, e insieme all'ex - Cream, Ginger Baker, dei Baker - Gurvitz Army) e con loro formò la Graeme Edge Band. Il flautista Thomas creò invece un team di lavoro col cantautore Nicky James, (già scritturato per l'etichetta Threshold che ne pubblicò 2 album, e artista - spalla durante il tour di "Seventh Sojourn"). Pinder, acquistato un ranch a Malibu, in California, lavorò all'album del cantautore Stephen Freelight, e registrò canzoni per il suo album solista.


title: The Moody Blues

text: Alla fine dell'anno, la Decca immette sul mercato un doppio antologico, dal titolo "This Is The Moody Blues" (numero 14 UK, numero 11 USA), che raccoglieva il meglio dei 7 album pubblicati.


title: The Moody Blues

text: Nel 1977 viene pubblicato postumo il primo album dal vivo della band, dal titolo "Caught Live + 5", contenente un concerto tratto dal tour di "To Our Children's Children's Children", registrato nel 1969 alla Royal Albert Hall di Londra. La registrazione, sebbene non approvata per la pubblicazione dai membri del gruppo, ritrae la band nel suo momento migliore, col suono del mellotron in grande evidenza. Di ottima qualità sonora considerando l'epoca, il live non viene pubblicato integralmente, durando complessivamente meno di 60 minuti e fa spazio a cinque inediti di studio, tratti dalle session dei primi 3 album. Brillano tra questi, per intensità, "King And Queen" e "What Am I Doing Here", che mettono in risalto il talento compositivo di Hayward. Tra le tracce live spiccano la suite finale di "On The Threshold Of A Dream", più spoglia e più aggressiva dell'originale, e il primo brano "Gypsy", dove nell'intro, la chitarra distorta sostituisce quella acustica. La pubblicazione dell'album fu una mossa della London / Decca per rimettere in circolazione il nome Moody Blues in attesa del rientro programmato per il 1978. Ottimo il responso del pubblico (USA numero 37).


title: The Moody Blues

text: "Octave" è l'album del ritorno. Un disco controverso, uscito dopo diverse sedute di incisione alquanto tempestose, fatte di ripensamenti, catastrofi e abbandoni. I 4/5 del gruppo, insieme a Clarke, partono per la California per raggiungere Pinder, stabilitovisi definitivamente. Dopo un breve periodo di prove, i "Moodies" registrano al Record Plant che verrà abbandonato, in seguito ad un incendio, a favore degli Indigo Studios di Pinder. Poco dopo, lo stesso Pinder lascia le registrazioni per problemi personali, seguito a ruota dal produttore Clarke, nel mezzo di una crisi coniugale. Hayward, Lodge, Edge e Thomas si ritrovano a completare l'album da soli, incidendo loro stessi le parti di tastiera lasciate in sospeso da Pinder. Nonostante tutto, l'album esce nel giugno 1978, e risulta un successo mondiale (UK numero 6, USA numero 13), diventando multi - platino, a dispetto della scena musicale radicalmente trasformata dal "Punk" e dalla "Discomusic". I due singoli estratti, "Steppin In A Slide Zone" (numero 39 USA) di Lodge, e "Driftwood" (USA numero 56) di Hayward, risulteranno tra i pezzi migliori, divenendo degli evergreen in concerto. Risaltano anche la suggestiva "I'm Your Man" di Thomas, e le ballate "Had To Fall In Love" (OLA numero 18, BEL numero 24) e "The Day We Meet Again", entrambe di Hayward. Il disco non ottenne grandi consensi di critica, soprattutto in Inghilterra, dove ormai da tempo i "Moodies" ne avevano perso i favori. La cupezza derivata dalla tensione interna, ne fa un album sofferto, apprezzato da una parte dei fans, ma ritenuto deludente dall'altra, se si considera l'aspettativa dopo i 6 anni di pausa, e il paragone col precedente "Seventh Sojourn". In particolare, i brani, sembrano uscire dal repertorio solista dei singoli componenti e assemblati insieme per l'occasione, più che risultare un lavoro d'insieme. Anche gli arrangiamenti risentono della superproduzione: quel sottile senso della misura, prerogativa dei primi album, lascia il posto ad un affollamento di tastiere e chitarre, come ad esempio su "I'll Be Level With You" di Edge, o sulla già citata "The Day We Meet Again" (nonostante ci sia un'evoluzione del loro suono con l'uso del Synth polifonico, in sostituzione del Mellotron). Subito dopo l'uscita dell'album, Pinder rinuncia al tour mondiale, e sancisce di fatto la sua separazione dalla band dopo 14 anni, venendo rimpiazzato dall'ex tastierista degli Yes, lo svizzero Patrick Moraz, per la tournée 1978-1979, che avrà un enorme successo. Alla fine del 1979 esce "Out Of This World", una nuova compilation che comprende materiale dal 1967 al 1978. Dello stesso anno è il singolo di Hayward "Marie" (brano registrato 7 anni prima e finito in un cassetto), che verrà quasi completamente ignorato dal pubblico.


title: The Moody Blues

text: Gli anni ottanta si aprono quindi all'insegna della novità e del successo. Nonostante lo scetticismo sulla tenuta della band, espresso dallo stesso Hayward qualche anno più tardi, i 4 "Moodies" si ritrovano in studio all'inizio del 1980, con il tastierista Moraz, ormai membro ufficiale del gruppo. La prima novità è il cambio di produttore: l'album viene affidato a Pip Williams, che sostituisce così Tony Clarke dopo 15 anni. I motivi del travolgente successo di LDV, sono da ricercare in una concomitanza di eventi. La qualità delle canzoni innanzi tutto. Il gruppo propone in una veste aggiornata lo stile che lo rese celebre, a partire dalla notevole copertina del disco. Al contrario di "Octave", l'album risulta deciso e limpido negli arrangiamenti e nella produzione, e ripropone in veste anni ottanta, la sintesi delle atmosfere tipiche dei Moody Blues. Suoni maestosi, batteria potente, e vocalizzi che toccano livelli mai raggiunti prima. Trainato da 2 grandi hits, "The Voice" (USA numero 15) di Hayward e "Gemini Dream" (USA numero 12), scritta da quest'ultimo a 4 mani con Lodge (entrambi dischi d'oro, risulteranno i più venduti dai tempi di "Nights In White Satin"), l'album esce nel luglio 1981, e dopo poche settimane raggiunge la vetta in America (USA numero 1), dove rimane per 5 settimane consecutive diventando subito disco di platino. Riconquistando il successo di pubblico a livello planetario, LDV vende soprattutto in Europa (UK numero 7), e risulterà il più grande successo del gruppo insieme a "Seventh Sojourn". Molto ispirate le ballate di Hayward, "In My World" e "Meanwhile", così come "Talking Out Of Turn" (USA numero 65) di Lodge, introdotta da un abile gioco di sequencer di Moraz, e la misteriosa "22.000 Days" di Edge. Ma il momento culminante dell'album rimane la suite finale di Thomas, con tanto di poema narrato (l'ultimo esempio fu "The Balance" nel 1970), che si conclude con "Veteran Cosmic Rocker", un R&B dove armonica a bocca, flauto in stile indiano, e un synth spaziale di Moraz, danno vita ad uno dei migliori momenti musicali della band. La canzone diviene manifesto del gruppo, vista la non più giovane età dei membri, ormai intorno ai 40. Parte la tournée in America, in arene che toccano i 30.000 posti, sold out in Inghilterra e nel resto d'Europa, a coronamento di un anno solare eccezionale. Qualche mese più tardi, esce un singolo di Hayward in duetto con Marty Webb, dal titolo "Unexpected Song", che sarà un buon successo in patria.


title: The Moody Blues

text: La popolarità di Hayward & co. cala, però, con l'album successivo, dal titolo "The Present" (UK numero 15, USA numero 26), uscito nell'autunno del 1983. Album di transizione, ricalca da vicino la formula del precedente, compresa la produzione di Pip Williams.


title: The Moody Blues

text: Nonostante la buona qualità della prima parte del disco, "The Present" cala alla distanza e non riesce così a raccogliere ampi consensi. Le leggendarie orchestrazioni del gruppo lasciano il posto all'elettronica, che invade in modo crescente anche le ritmiche di basso e batteria in gran parte dei brani. Motivo questo, di divisione tra il trio Hayward / Lodge / Moraz (a favore di arrangiamenti più al passo coi tempi) e il duo membro fondatore Edge / Thomas (più fedeli alle sonorità tipiche del gruppo). L'album è uno spartiacque tra le melodie ad ampio respiro e la svolta Synth - Pop anni ottanta. La scelta dividerà i fans, creando però nuovi proseliti, che permetteranno alla band di sopravvivere fino ai giorni nostri. Il disco presenta tre hit che godono di un moderato successo: l'intensa "Blue World" di Hayward (UK numero 35, USA numero 62, GER numero 50), il R&R elettronico "Sitting at the Weel" di Lodge (USA numero 27) e la ballad "Running Water", firmata anch'essa da Hayward. Meritano inoltre menzione i brani "Going Nowhere" di Edge, affidato alla voce di Thomas e guidato magistralmente dal synth di Moraz, e la mini - suite finale "I Am" - "Sorry", firmata dallo stesso Thomas. Sarà l'ultimo vero contributo del flautista ad un album dei Moody Blues. Sebbene rimarrà membro del gruppo per altri 20 anni, diraderà sempre più le sue apparizioni in sala di incisione. Dopo l'uscita del disco, il gruppo parte per l'ennesimo tour mondiale, riscuotendo il solito successo di pubblico.


title: The Moody Blues

text: Trascorsi tre anni, i Moody Blues si ripresentano con un'immagine molto rinnovata. Lo stile musicale cambia radicalmente, tanto da farli risultare irriconoscibili ai più. L'impressione è che il gruppo punti molto al pubblico americano, che li vuole scattanti e giovanili, più al passo coi tempi. In questo nuovo contesto, c'è un cambio di produzione, con Pip Williams sostituito dall'americano Tony Visconti (già produttore negli anni settanta dei T. Rex e di David Bowie, tra gli altri e dell'album "Movin' Mountains " di Hayward, pubblicato l'anno precedente). Ray Thomas risulta molto defilato (praticamente inesistente il suo apporto all'album, dove per la prima volta dal 1967 non firma alcun brano). Ma è il cambio di sound a stupire. Scompaiono il flauto dello stesso di Thomas, molte delle chitarre di Hayward, il basso di Lodge e quasi completamente la batteria di Edge, a favore di sequencers, batterie elettroniche, e suoni sintetizzati. Il pubblico sembra premiare questa scelta decretando all'album un notevole successo di vendite (UK numero 24, Usa numero 9), portandolo fino al disco di platino. I due singoli di Hayward "The Other Side Of Life" (USA numero 58) e "Your Wildest Dreams" (USA numero 9, Ger numero 4), sono delle hit di successo, con quest'ultima che guadagna il premio MTV come miglior videoclip del 1986, risultando il singolo più venduto della band dai tempi di "Nights in white satin". Sembra un nuovo anno di grazia: Lodge afferma che con TOSOL è nata la terza generazione di fan dei Moody Blues. Oltre ai brani citati, meritano menzione "It May Be A Fire" di Lodge e il brano "The Spirit", scritto a quattro mani da Edge e Moraz. In generale, la grande quantità di tastiere rende il disco molto legato al periodo Synth - pop '80, periodo che qualche anno dopo verrà molto ridimensionato da Hayward e addirittura sconfessato da Edge in una intervista del 1999. Parte una nuova tournée fino alla primavera 1987, con date sold out in USA e in Inghilterra. Qualche mese dopo esce l'interessante singolo "It Won't Be Easy" di Hayward in collaborazione con Visconti, che avrà buon riscontro in patria.


title: The Moody Blues

text: Il successo viene confermato anche dal successivo disco, "Sur la mer" del 1988 (UK numero 21, USA numero 38), che viene concepito sulla falsariga del precedente. Thomas ed Edge finiscono sempre più ai margini del progetto, Visconti figura accreditato come membro del gruppo alla produzione e alla programmazione del computer. La cosa creò non pochi problemi a Moraz, determinando un certo distacco dal resto della band, che si concretizzò 3 anni più tardi con la fuoriuscita del musicista svizzero dopo 13 anni.


title: The Moody Blues

text: Il singolo estratto "I Know You're Out There Somewhere" di Hayward (UK numero 52, USA numero 30, GER numero 29), seguito ideale di "Your Wildest Dreams", ottenne un buon successo di classifica, e fu definita dallo stesso Hayward, la migliore canzone da lui scritta per i Moodies. Col suo andamento easy listening, e una melodia molto evocativa, divenne da quel momento un cavallo di battaglia nei concerti, e fu insieme a "Night in White Satin" l'unico brano ad essere inciso in lingua spagnola. Sullo stesso genere, viene pubblicato anche il successivo singolo "No More Lies" di Hayward, che però non entra in classifica. Il resto dell'album viaggia su un binario commerciale - elettronico, nonostante questo filone volgesse ormai al termine. Meritano un discorso a parte la pinkfloydiana "Braking Point" di Lodge e Hayward e il brano di chiusura, l'epica "Deep", scritta dallo stesso Hayward, che anche grazie al lungo assolo di chitarra (sulla falsariga di "Blue Guitar"), ritorna alle atmosfere progressive degli anni settanta. Entrambi i brani, con arrangiamenti meno elettronici, avrebbero forse ottenuto migliore fortuna. L'anno successivo esce "Greatest Hits", compilation di discreto successo, che comprende solo brani di Hayward e Lodge, tra cui le nuove versioni dei 2 classici "Question" e "Isn't Life Strange", accompagnate da un'orchestra sinfonica. I Moody Blues fine anni ottanta di fatto sono ridotti ad un duo. Ovvero, ai Blue Jays.


title: The Moody Blues

text: A tre anni dall'ultimo album, esce "Keys of the Kingdom", disco controverso che riscuote poco successo. Quello che la stampa critica al gruppo è una svolta verso un genere ibrido, a metà tra rock ed elettronica, lontano da quel suono che caratterizzò il loro passato glorioso. L'album è segnato dall'abbandono di Patrick Moraz, che viene accreditato in sole 3 canzoni (seguiranno dispute legali tra lui e il resto band, per i diritti di appartenenza come membro del gruppo; dopo anni egli riuscì ad ottenere la vittoria a scapito degli altri). Ridotti a quartetto, "Keys of the Kingdom" vede la produzione di Visconti in soli 5 brani e per il resto, la presenza di Alan Tarney e Christopher Neil. I musicisti sembrano un po' avanti con gli anni per inseguire l'immagine costruita in America per la generazione di "MTV", e tuttavia sembrano deludere critica e fan storici, con albums pop, proprio di stampo giovanile. Il singolo scelto è "Say It With Love" (di Hayward), un incalzante rock, in linea con la filosofia "Peace and Love" delle note di copertina. Non riscuotendo gran successo di vendite, il gruppo pubblica un secondo estratto, la melodica "Bless The Wings", (anch' esso scritto da Hayward), ma il risultato sembra marcare il declino a livello di popolarità e di vendite, cosa confermata dall'album, che ottiene a malapena la Top 100 americana per 5 settimane (USA numero 94, UK numero 46), nonché piazzamenti bassi in Europa e nel Resto del Mondo. Ma il disco rivela anche qualche curiosità': prima fra tutte il ritorno alla composizione e al canto dopo 8 anni, del flautista Thomas, che oltre a firmare la ballata in stile irlandese "Celtic Sonant" (con tanto di strofe narrate), firma a 4 mani con Hayward il brano di chiusura "Never Blame The Rainbow For The Rain", con un testo metaforico e di sicuro effetto. Degni di menzione sono inoltre "Hope And Pray" di Hayward, (da lui definito come seguito e chiusura ideale di "Your Wildest Dreams" e "I Know You're Out There Somewhere"), e "Lean On Me" di Lodge, brano melodico a forti tinte ritmiche, eseguito per molti anni durante i concerti. Dal cd-single di "Say It With Love", emerge "Highway" (scritta da Hayward e Lodge), vera perla di queste sessions di registrazione. Con uno stile a metà tra il folk e il progressive, non avrebbe sfigurato nei "Classic 7", e proprio per questo appare quantomeno azzardata la sua esclusione dall'album (negli anni a venire, infatti, sarà inserita in varie raccolte). Da registrare infine la presenza di un altro batterista, il noto session-man Andy Duncan, che sostituisce Edge su 2 brani. "Keys of the Kingdom" è l'ultimo album in studio dei Moody Blues ad essere stampato in formato vinile. Intervistato a proposito dell'album, Visconti racconta di aver proposto alla band di coinvolgere Mike Pinder su un paio di brani, per provare a dare smalto al disco. Al di là della reazione molto fredda e del conseguente rifiuto del gruppo, colpisce l'idea di Visconti che evidentemente avvertiva un'aria un po' stantia. Ennesimo nuovo tour di sold-out negli Stati Uniti, con l'aggiunta di tappe europee al festival Jazz di Montreaux, Germania, Francia, Paesi Bassi, Inghilterra, durante tutto il 1991. Dal vivo, Paul Bliss sostituirà Moraz alle tastiere, ed Edge si farà affiancare alla batteria da Gordon Marshall, che rimarrà fino al 2013. Poco prima della pubblicazione dell'album, esce in formato VHS "Legend of a Band", che racconta per la prima volta la storia della band, attraverso interviste agli stessi membri. Un anno dopo esce in una compilation natalizia il brano "What child is this?", con l'accompagnamento di un'orchestra sinfonica.


title: The Moody Blues

text: Nonostante lo scarso successo commerciale di "Keys of the Kingdom", viene organizzato un grande tour, di cui resta celebre il concerto tenuto alle Red Rocks in Colorado, accompagnati dalla Colorado Symphony Orchestra. Questo show, tenutosi il 9 settembre 1992, è stato immortalato in un album/video dal titolo "A Night at Red Rocks with the Colorado Symphony Orchestra" (1993).


title: The Moody Blues

text: Nel 1999, dopo ben otto anni dal lavoro precedente, viene pubblicato "Strange Times". Questo disco, che presenta l'italiano Danilo Madonia alle tastiere, non genera molto interesse, se non nei fan più estremi. È l'ultimo album in studio che vede la partecipazione del membro fondatore Ray Thomas.


title: The Moody Blues

text: Tratto dal tour di "Strange Times", nel 2000 viene pubblicato il CD/DVD "Hall of Fame", concerto tenuto alla Royal Albert Hall di Londra, il 1º maggio del 2000, accompagnati dalla World Festival Orchestra, condotta da Larry Baird.


title: The Moody Blues

text: Nel 2001 esce "Journey into Amazing Caves", Original Sound Track del film documentario omonimo "Journey into Amazing Caves", diretto da Stephen Judson. La colonna sonora del film è composta da canzoni basate sulle musiche dei Moody Blues. Justin Hayward e Danilo Madonia sono tra i vari musicisti presenti nel disco.


title: The Moody Blues

text: Gli anni duemila vedono i Moody Blues ridurre di molto i loro tour. Nel 2002, il membro fondatore Ray Thomas esce dal gruppo, lasciando come nucleo base della band i tre storici componenti Justin Hayward, John Lodge e Graeme Edge. I tre con Madonia alle tastiere e Norda Mullen al flauto pubblicano, nel 2003, un album dal tema natalizio dal titolo "December". Le canzoni includono brani nuovi e cover, come "Happy Xmas (War Is Over)" di John Lennon.


title: The Moody Blues

text: L'11 giugno del 2005 Justin Hayward, John Lodge e Graeme Edge, accompagnati da Norda Mullen al flauto e chitarra, Paul Bliss e Bernie Barlow alle tastiere e Gordon Marshall alla batteria, si esibiscono dal vivo al Greek Theatre di Los Angeles. Dalla registrazione di questo concerto viene pubblicato il CD/DVD "" (2005).


title: The Moody Blues

text: Nel 2008 esce il disco "Live at the Isle of Wight Festival 1970". L'album presenta l'esibizione che i Moody Blues, con la classica formazione, composta da Hayward, Lodge, Pinder, Thomas ed Edge, tennero nel 1970, accanto a molti altri gruppi rock, tra cui i "" al Festival sull'isola di Wight. I brani fanno parte del tour dell'album "A Question of Balance".


title: The Moody Blues

text: Nel corso del 2017 in occasione del 50º anniversario di "Days of Future Passed", i Moody Blues portano in tour la riproposizione dal vivo dell'intero disco, con la partecipazione dell'attore Jeremy Irons in qualità di oratore delle poesie presenti nell'album. Nello stesso anno vincono le votazioni per l'introduzione nel 2018 nella Rock and Roll Hall of Fame.


title: The Moody Blues

text: Il 23 marzo 2018 venne pubblicato il disco "Days of Future Passed Live", registrazione del concerto tenuto nel 2017 al Sony Centre for the Performing Arts di Toronto, Canada.


title: The Moody Blues

text: Il 14 aprile 2018 il gruppo è stato introdotto nella Rock and Roll Hall of Fame, nella formazione comprendente Graeme Edge, Justin Hayward, Denny Laine, John Lodge, Mike Pinder e Ray Thomas.


title: The Moody Blues

text: L'11 novembre 2021 il batterista e membro fondatore Graeme Edge è deceduto, sancendo lo scioglimento definitivo della band.


title: Ceramica a figure nere

text: La ceramica a figure nere è una delle tecniche che venivano impiegate per la decorazione della ceramica greca e di quella dell'Antica Roma. Benché il termine indichi propriamente la tecnica, esso viene usato, in ambiente anglosassone utilizzando le convenzionali iniziali maiuscole, anche per indicare lo stile ceramografico tipico del VI secolo a.C., che di questa tecnica si avvalse prevalentemente. Le figure nere furono introdotte a Corinto all'inizio del VII secolo a.C. Ad Atene la nuova tecnica venne adottata senza riserve solo intorno alla metà del VII a.C., si sviluppò pienamente nell'ultimo quarto (dal 625 a.C.) e raggiunse il suo apogeo nel secolo successivo. A partire dal 530 a.C., fu gradualmente sostituita dalla tecnica detta a figure rosse.


title: Ceramica a figure nere

text: Le figure venivano dipinte sulla superficie argillosa del vaso con un impasto di acqua e argilla arricchita di ossidi di ferro; a questa prima fase della lavorazione si aggiungevano in un momento successivo, tramite incisione con strumenti appuntiti, i dettagli delle figure, che venivano ad essere costituiti dall'emergere del colore proprio del fondo. Altri particolari potevano essere aggiunti tramite pigmenti rossi o bianchi. L'ultima fase era il processo di cottura, con la quale gli ossidi di ferro assumevano un colore nero lucido. Si veniva così a determinare uno schema a quattro colori, ma l'unico elemento che la caratterizza e che giustifica l'identificazione della tecnica stessa è la presenza delle incisioni. A Corinto dopo l'introduzione delle incisioni vennero subito aggiunti i dettagli rossi, mentre il bianco divenne comune molto più tardi; ad Atene, alla metà del VII secolo a.C., in epoca protoattica, il bianco era già presente in modo diffuso, mentre il rosso venne introdotto solo nel terzo quarto del VII secolo a.C.


title: Ceramica a figure nere

text: All'inizio del VI secolo a.C., dopo il periodo orientale, le figure ricomparvero a Corinto, anche sotto l'influsso della ceramica attica. Lo stile policromo era stato sostituito da un disegno privo di profondità in cui si affermava la tecnica delle figure nere e dove il solo colore aggiunto era ancora il rosso. Corinto restava per lo più legata al fregio animale, ma nella decorazione di superfici più ampie si riscontrava il crescente utilizzo di soggetti mitologici; molte di queste scene tuttavia risultavano generiche, prive di un vero interesse narrativo relativo a eventi mitici o umani. La decorazione figurativa dei vasi Corinzi si interruppe intorno alla metà del VI secolo a.C., la produzione successiva, di qualità e quantità elevate, si caratterizzava per una decorazione semplice e priva di figure che rimarranno in uso per i piccoli altari in argilla e nei rivestimenti per edifici. Questo cambiamento nella produzione corinzia favorì enormemente la ceramica ateniese.


title: Ceramica a figure nere

text: Intorno al 625 a.C. la ceramica protoattica si formalizzava nello stile a figure nere, dando inizio ad un nuovo periodo "classico", come lo era stato il geometrico, costituito da una tecnica consolidata e da uno stile ben impostato, che perdendo in freschezza e spontaneità acquisiva, grazie alla nuova tecnica, la precisione e l'accuratezza dei contemporanei vasi corinzi.


title: Ceramica a figure nere

text: Prima della fine del VII secolo a.C., sempre attingendo al patrimonio corinzio, anche gli schemi rappresentativi si erano condensati in poche e ponderate forme, capaci di esprimere attività e atteggiamenti di uomini e animali. Questo modo di rappresentare il visibile tramite convenzioni facilmente riconoscibili portò alla creazione di personaggi tipici come il satiro, l'uomo anziano con i capelli bianchi, l'atleta, l'ubriaco, l'adolescente, fino all'applicazione regolare, dopo il 570 a.C., del colore in funzione simbolica: il bianco per le carni femminili, il nero per quelle maschili.


title: Ceramica a figure nere

text: È possibile che l'influenza dalla ceramica corinzia nella prima metà del VI secolo a.C. ad Atene fosse dovuta alla presenza di vasai corinzi immigrati; la grande quantità di nuove forme vascolari poteva derivare da prodotti importati, ma l'imitazione di stili e soggetti pittorici porta a considerare attendibile quanto riferiscono le fonti sul legislatore Solone, il quale avrebbe favorito e incoraggiato l'immigrazione di artigiani ad Atene.


title: Ceramica a figure nere

text: Un'importante figura di passaggio dallo stile protoattico alle figure nere è stata probabilmente quella del Pittore del Pireo. Il suo vaso eponimo, l"anfora del Pireo", è un vaso a figure nere dove è stato fatto largo uso di incisioni e dettagli sovradipinti in bianco e porpora. L'immagine principale è ancora una volta una sfilata di carri e lo stile dei cavalli non è molto distante da quello protoattico; significativo è invece il leone sotto l'ansa che, con il suo collo massiccio e le grosse zampe, insieme ai limpidi ornamenti di riempimento e alle piante ornamentali, discende da modelli protocorinzi. L'anfora mostra l'abilità del vasaio nell'armonia e nell'equilibrio delle forme, ma anche la minore perizia nell'esecuzione delle figure dipinte, ossia l'assunzione ancora acerba di una tecnica e la ripetizione di forme non personalmente rielaborate. Allo stesso tempo, come altre opere ricondotte alla stessa mano, rappresenta un anello importante nello sviluppo della ceramica attica che da questo momento consolida una durevole attitudine a distinguere tra grandi campi destinati alle figurazioni e fasce decorative destinate a sostenere o alleggerire la parete del vaso.


title: Ceramica a figure nere

text: Il primo artista attico a figure nere la cui personalità sia abbastanza chiara è il Pittore di Nesso; il suo nome deriva da una delle iscrizioni presenti su una monumentale anfora funeraria conservata ad Atene. È suo il primo vaso attico trovato in Italia, un territorio che era stato fino a questo momento monopolio commerciale corinzio; il frammento che ci è giunto è conservato a Lipsia, ed è stato trovato a Cerveteri, in Etruria. Inizia in questo momento la competizione commerciale tra ceramica attica e corinzia che sarebbe durata mezzo secolo.


title: Ceramica a figure nere

text: Il Pittore di Nesso, insieme al Pittore della Gorgone, è anche uno degli ultimi esponenti della ceramica monumentale, la cui produzione termina in questi anni probabilmente in seguito alle riforme di Solone. All'inizio del VI secolo a.C. Atene affrontò una profonda crisi sociale ed economica di cui è specchio la decadenza della ceramica del periodo, evidente nella mancanza di opere di primo piano. In questo panorama il Pittore della Gorgone emerge con il suo capolavoro, il dinos del Louvre; benché la forma del vaso si prestasse alla decorazione a zone vi dominano le sfilate di animali e i fregi ornamentali; le figure si trovano solo nella fascia superiore dove i due temi rappresentati si susseguono senza soluzione di continuità. Dopo il 580 a.C. la maggior parte dei vasi di pregio ateniesi prenderà la via dei mari occidentali e anche il dinos del Pittore della Gorgone, come tutta la migliore produzione attica di questo periodo, è stato trovato in Etruria.


title: Ceramica a figure nere

text: Ancora legato al Pittore della Gorgone e alle sue radici corintizzanti appare Sofilo, il primo autore di cui ci sia giunto il nome; benché non sia stato un buon disegnatore la sua immaginazione narrativa e le sue scene affollate furono importanti nello sviluppo della pratica compositiva in ambiente attico, rendendolo antecedente immediato di Kleitias. Entro la decorazione del suo dinos frammentario ritrovato in Tessalia Sofilo inserì, in modo originale, una sorta di didascalia che informava sul soggetto della scena rappresentata; dopo il 570 a.C. le iscrizioni sui vasi diventarono pratica corrente e a volte dotata di funzione esclusivamente decorativa.


title: Ceramica a figure nere

text: Il vaso François è stato trovato a Chiusi in Etruria ed è firmato da Ergotimos e Kleitias; il suo vasto repertorio di soggetti lo rende un compendio dei vasi attici dipinti intorno al 570 a.C. Molto nel vaso François è derivato da Corinto, ma giunge ormai incorporato nella tradizione attica di cui Kleitias è erede. A partire da questo vaso sarà la ceramica corinzia ad imitare la ceramica attica cercando di ricrearne il colore dell'argilla attraverso una tecnica detta "a sfondo rosso", cioè coprendo la terra chiara con un secondo ingubbio aranciato. Inoltre, da questo momento la ceramica attica iniziò ad essere importata dalla stessa Corinto.


title: Ceramica a figure nere

text: Intorno al 580 a.C. in Attica apparve la forma a coppa detta kylix, che rimase da allora una delle forme più popolari; le coppe di questa prima fase sono chiamate Coppe dei comasti e coprono la produzione fino al 550 a.C. circa. Forma e decorazione sembrano derivare da Corinto dove una coppa simile era divenuta popolare all'inizio del VI secolo a.C., ma la serie include altre forme di derivazione corinzia come il kotyle e la lekane. L'esponente principale del Gruppo dei comasti è il Pittore KX (dove K sta per "komast"). Alle Coppe dei comasti seguirono le Coppe di Siana, il cui nome deriva dal villaggio di Siana a Rodi, luogo di ritrovamento di due esemplari molto noti. La differenza più importante, rispetto alla forma precedente, consisteva nell'introduzione del tondo dipinto interno, con una o due figure generalmente racchiuse entro un bordo decorativo; l'innovazione diede luogo, benché vi fossero stati alcuni antecedenti, ad una tradizione che rimase viva per circa due secoli. Le personalità più note tra i decoratori delle Coppe di Siana sono il Pittore C e il Pittore di Heidelberg, con i quali si inizia una tradizione che porterà alla separazione tra pittori di grandi vasi e pittori di coppe. Le Coppe di Siana si datano al secondo quarto del VI secolo a.C., si sovrappongono alle ultime Coppe dei comasti e alle prime Coppe dei Piccoli maestri, restando in produzione fino al 520 a.C. Alcuni esemplari sono stati trovati anche a Corinto.


title: Ceramica a figure nere

text: Dopo Kleitias, la nuova generazione tornò a prediligere le composizioni ampie e la scena principale assunse nuovamente la stessa importanza che aveva avuto nel protoattico.


title: Ceramica a figure nere

text: Tra il 560 e il 550 a.C. la ceramografia attica attraversò un periodo di transizione; le coppe di Siana, che erano state il tipo dominante di coppa nel secondo quarto del VI secolo a.C., vennero sostituite dalle coppe dei Piccoli maestri, sulle quali più che altrove sopravviveva lo stile elegante e delicato di Kleitias, ed entro le quali si distinguono tre tipologie principali, benché fossero frequenti soluzioni intermedie: lip cup, band cup e Droop cup.


title: Ceramica a figure nere

text: Contemporaneamente, alla base della formazione di Exekias, in assoluto il più grande artista delle figure nere, colui che ne condusse lo stile ai massimi livelli di espressione, non troviamo questi maestri miniaturisti nati dall'esempio di Kleitias, ma una figura opposta ad essi e tendente al monumentale come il Pittore dell'Acropoli 606. Tra questi due estremi si pongono alcune personalità più versatili, come Nearchos, che riusciva a combinare sui vasi grandi la delicatezza di Kleitias e un nuovo concetto di umanità quale si può vedere nel frammentario kantharos, conservato ad Atene, con la preparazione del carro di Achille (Museo archeologico nazionale, Acr. 612). Da queste tendenze nacquero intorno al 550 a.C. le personalità di Exekias e del Pittore di Amasis. Il nome di Lido con le sue robuste qualità deve essere aggiunto a questi due, benché sia un po' più anziano.


title: Ceramica a figure nere

text: Exekias fu ottimo disegnatore e uno dei pochi ceramisti nel cui lavoro sia possibile riscontrare un così parallelo progredire della forma e dello stile pittorico. All'inizio della sua carriera si trovano prevalentemente anfore a collo distinto, talvolta con zone di decorazione secondaria. Più tardi la forma si fa più conica e predominano le anfore a profilo continuo. All'inizio lo stile di Exechias è convenzionale e vicino al Gruppo E, ma negli anni quaranta del VI secolo a.C. un'anfora a collo distinto, ora conservata a Berlino (Antikensammlung F1720), già mostra quelle che saranno le sue future qualità individuali. Gli anni trenta sono gli anni della maturità dei quali è esempio l'anfora a profilo continuo del Vaticano (Museo Gregoriano Etrusco 16757 = 344), che mostra su un lato un idillio domestico e sull'altro Aiace e Achille armati e impegnati in un gioco da tavolo; l'intensità della loro concentrazione investe l'intera immagine che acquisisce una sorta di valore universale. L'atmosfera sospesa e carica di tragica grandezza che Exekias ha restituito al suicidio di Aiace rappresentato sull'anfora a profilo continuo di Boulogne-sur-mer (Musée Communal 558) informa persino il Dioniso dell'anfora a collo distinto del British Museum (B210). L'influenza di Exekias sui contemporanei, nello stile pittorico come nelle forme vascolari, fu profonda e duratura ed è dal lavoro di Exekias che nacquero lo stile del Pittore di Andocide e dei primi ceramografi a figure rosse.


title: Ceramica a figure nere

text: Dalla metà del secolo si diffuse la pratica, già presente in Lido e nel Pittore di Heidelberg, di impiegare nella decorazione figure astanti, osservatori, indipendentemente dalle necessità del racconto. È un tratto formale molto utilizzato dal Pittore di Amasis, un pittore che, in opposizione allo stile di Exekias, si atteneva a rappresentazioni già tipiche del fregio figurato, con due figure contrapposte, o una inserita al centro di un gruppo più numeroso, con composizioni simmetriche in cui mai si narrava un evento interiore o intimo e sempre si prediligeva la staticità del quadro. Leggermente più mosse appaiono le frequenti rappresentazioni di Dioniso e del suo seguito, ma le divinità del Pittore di Amasis, di solito raffigurate in atteggiamenti gentili e misurati, vestite ed acconciate con molta cura, vivono in un mondo indifferente a quello umano, e anche l'anfora al Cabinet des médailles 222 dimostra l'intento sostanzialmente decorativo del suo esecutore.


title: Ceramica a figure nere

text: Il cambiamento nei soggetti fu in parte conseguenza della forma vascolare maggiormente utilizzata e in parte delle aumentate capacità tecniche e del desiderio di esprimere sentimenti o stati d'animo. La scena tipica sull'anfora a collo continuo non conteneva più di cinque o sei figure e il soggetto era unico, per queste ragioni non si trovano in questi anni le corse dei carri o le centauromachie, ma si diffondono rappresentazioni come la partenza del soldato o Dioniso in compagnia di pochi intimi. Le figure, più grandi nella decorazione a pannello, erano sottoposte ad una osservazione più accurata favorendo un disegno anatomico maggiormente coerente e naturale, benché ancora si evitassero gli scorci. Anche il drappeggio iniziava ad essere studiato e variato entro schemi costruiti attorno ai tre costumi principali: il peplo come lunga e pesante veste piana e decorata, il chitone come abito leggero e mosso da ondulate linee verticali e l'himation indossato come un mantello corto che finiva con pieghe definite in modo formale. L'ornamento secondario perdeva molta dell'importanza che aveva avuto in passato. L'hydria, rimodellata intorno al 550 a.C., aveva comunemente una scena figurata sulla spalla piatta e un ampio pannello sul ventre, bordato ai lati con foglie d'edera. L'anfora a collo continuo veniva decorata con un pannello sul ventre sormontato da una stretta fascia di fiori di loto e palmette. L'anfora a collo distinto poteva avere una scena figurata secondaria intorno alla spalla, decorazioni fitomorfe sul collo, fasce con semplici meandri sotto la scena principale e, dopo la metà del secolo, volute intorno alle anse.


title: Ceramica a figure nere

text: L'introduzione della tecnica a figure rosse viene datata intorno al 530 a.C.; le figure sui primi vasi nei quali la tecnica si presenta ancora incerta sono state riconosciute stilisticamente affini alle raffigurazioni dei fregi orientale e settentrionale del Tesoro dei Sifni a Delfi, datato con certezza ad un periodo immediatamente antecedente al 524 a.C. L'accurata decorazione incisa sui mantelli e sulle armi di Aiace e Achille, nell'anfora del Vaticano, sembra porsi come una volontà di affermazione, da parte di Exekias, della vecchia tecnica contro la nuova, che si serviva del pennello e non del bulino per determinare i particolari delle figure.


title: Ceramica a figure nere

text: Lungi dall'essere immediatamente sostituite dalla nuova tecnica, le figure nere resistevano forti di una tradizione e di una competenza non facilmente sostituibili, malgrado l'attrattiva esercitata dalle figure rosse. Anfore a collo distinto a figure nere continuarono ad essere prodotte nel primo quarto del V secolo a.C.; in seguito la vecchia tecnica verrà applicata quasi esclusivamente a vasi di piccole dimensioni e si ritiene estinta entro la metà del secolo. L'unica eccezione consiste nelle ufficiali e tradizionali anfore panatenaiche, assegnate come premio ai vincitori dei giochi atletici che si tenevano in occasione delle grandi feste Panatenee ogni quattro anni.


title: Ceramica a figure nere

text: I primi decenni di compresenza delle due tecniche furono caratterizzati da un evidente eclettismo. Oltre al Pittore di Andocide, colui che viene indicato come probabile inventore della tecnica a figure rosse, si annoverano, tra gli ultimi autori a figure nere, Psiax e l'insieme dei ceramografi anonimi riuniti sotto il nome di Gruppo di Leagros, i quali evidenziano un'altra delle caratteristiche della ceramografia degli ultimi due decenni del VI secolo a.C.: l'animazione e la vivacità, opposte allo stile tipico delle figure nere classiche. Le composizioni nelle figure nere del tardo arcaico sono più dense, con rapporti tra le figure più elaborati; anche atteggiamenti ed espressioni sono più pieni e meno trattenuti. Le hydriai del Gruppo di Leagros si distinguono per i grandi riquadri rettangolari sui quali indifferentemente si presentano scene tratte dal mito come scene tratte dal quotidiano. Tipiche del periodo, e riflesso della grande impressione effettuata sugli ateniesi dalla costruzione, ad opera dei Pisistratidi, della grande fontana monumentale chiamata Enneakrounos, sono le hydriai raffiguranti scene di donne che attingono l'acqua alla fontana o di atleti ed efebi che vi si bagnano. Queste scene quotidiane all'aperto facilitarono l'avvicinamento ad elementi paesaggistici i quali, anche se divennero presto schematici e secondari, svolsero nei pittori di vasi a figure nere di questi anni una funzione di rinnovamento tematico con esiti anche singolari, come avvenne in alcune opere del Pittore di Antimene. Un elemento tipico di questa corrente naturalistica era il grande uso del bianco, lo si trova ad esempio sulla parete esterna della coppa firmata dal ceramista Nikosthenes (Louvre, F 123) la quale, malgrado la forma e la tipologia tipiche della generazione precedente, si distingue per una minore attenzione alla figura umana. Molto diffuso nella bottega di Nikosthenes era anche l'uso del bianco come fondo per la decorazione (vedi tecnica a fondo bianco), una tecnica già introdotta da Nearchos ma non utilizzata dai suoi contemporanei, che continuerà ad essere impiegata, seppure non in modo massivo, dai pittori di vasi a figure nere fino ai primi del V secolo a.C.


title: Ceramica a figure nere

text: La ceramica corinzia continuò a reggere la concorrenza nella prima metà del VI secolo a.C., anche emulando le narrazioni ateniesi e approfondendo gli effetti cromatici. La ceramica laconica raggiunse nel VI secolo a.C. il livello delle officine attiche adottando la tecnica a figure nere soprattutto per la produzione delle coppe, in cui si distinse il Pittore della caccia il quale trattava la decorazione interna come un oblò, tagliando le scene e le figure e astenendosi dall'adattarle alla forma del tondo. Un'altra forma vascolare cui si applicò in Laconia una notevole decorazione figurata fu l'idria, ma la ceramica laconica, al contrario della ceramica attica, tendeva a privilegiare una decorazione ornamentale che mettesse in evidenza soprattutto la forma del vaso; vi si produssero invece grandi quantità di vasi interamente neri, o con sottili fasce decorative a motivo astratto presso l'imboccatura o presso il piede.


title: Ceramica a figure nere

text: In Beozia, regione completamente estranea al commercio marittimo, nel VI secolo a.C. si producevano ancora vasi appartenenti alla tradizione subgeometrica, come le coppe a uccelli, di origine greco-orientale, ad uso locale; le officine con produzione a figure nere che comparvero nel secondo quarto del VI secolo a.C. impiegarono immigrati da Corinto e Atene. In Eubea la produzione era totalmente atticizzante.


title: Ceramica a figure nere

text: Nella ceramica greco-orientale le figure nere vengono impiegate a partire dall'inizio del VI secolo a.C. In questo ambito si distingue la ceramica chiota con una produzione di vasi ricoperti da ingubbiatura bianca e decorati sia a contorno con tecnica policroma, sia con la tecnica a figure nere. Le coppe prodotte dai ceramografi riuniti sotto il nome di Piccoli maestri ionici sono in parte collegate alla tecnica a risparmio della ceramica di Fikellura e in parte dipendenti dalle contemporanee coppe attiche a figure nere. Lo stile tardo delle capre selvatiche quale si sviluppa nella Ionia settentrionale dà luogo ad una produzione a figure nere di derivazione corinzia dalla quale si sviluppa la ceramica clazomenia.


title: Ceramica a figure nere

text: Una delle maggiori scuole a figure nere è rappresentata dalla ceramica detta calcidese il cui nome deriva dall'alfabeto calcidese presente su alcuni vasi attribuiti a questo stile, ma sulla cui zona di produzione si è sempre discusso - una colonia calcidese della Sicilia o della Magna Grecia è l'ipotesi maggiormente sostenuta.


title: Gioco di ruolo sessuale

text: Un gioco di ruolo sessuale è una forma erotica di gioco di ruolo in cui due o più persone interpretano un determinato ruolo mettendo in pratica una fantasia sessuale. In relazione agli specifici interessi e al grado di coinvolgimento dei partecipanti si può dare vita a scenari particolarmente elaborati, a cui si aggiunge l'utilizzo di appositi abiti e costumi contestualizzati agli stessi scenari.


title: Gioco di ruolo sessuale

text: Il gioco di ruolo può essere usato come preliminare per stimolare l'eccitazione sessuale oppure può rientrare all'interno di un rapporto BDSM. Prima di iniziare si stabiliscono di comune accordo i limiti e una safeword per interrompere in qualunque momento il gioco qualora non ci si trovi più a proprio agio. Oltre a essere messo in atto nella realtà, il gioco di ruolo può essere vissuto pure in modo virtuale con il cybersesso.


title: Gioco di ruolo sessuale

text: Uno dei classici giochi di ruolo è quello in cui un partner interpreta il ruolo del dottore mentre l'altro partner assume il ruolo del paziente. Tramite questi giochi si crea una certa intimità che può favorire il successivo rapporto sessuale, quando gli stessi atti sessuali non siano direttamente parte integrante del gioco di ruolo. Altre volte uno dei due partner mantiene la propria identità mentre l'altro partner assume il ruolo di un personaggio famoso (attore, cantante, politico, ecc.) o fittizio.


title: Gioco di ruolo sessuale

text: Un gioco di ruolo sessuale può implicare anche uno scambio di potere tipico del BDSM, dove il partner dominante assume il ruolo di master o mistress mentre il partner sottomesso rappresenta lo slave. Il dominante può applicare il bondage, punizioni corporali, umiliazioni verbali e fisiche, con o senza l'ausilio di giocattoli sessuali. In questo ambito sono di comune utilizzo abiti o costumi composti da materiali quali la pelle, il latex e il nylon in ottemperanza all'estetica fetish. Nell'umiliazione pubblica il sottomesso viene sottoposto a pratiche degradanti e umilianti davanti a una moltitudine di persone. Coloro che adottano lo stile di vita Gorean fanno uso di un mondo completamente immaginario.


title: Gioco di ruolo sessuale

text: In Giappone, negli imekura, le prostitute sono solite indossare abiti da scolara e costumi cosplay per soddisfare le fantasie sessuali dei loro clienti.