title: Loudness war

text: Agli inizi degli anni novanta, alcuni ingegneri del mastering decisero di fare un ulteriore passo e trattare i livelli dei CD esattamente come se fossero i livelli di un nastro analogico, equiparando il fondo scala digitale al punto di saturazione analogica, con registrazioni che suonavano forte abbastanza da raggiungere a ogni picco (o in tutti), vicino ai 0 dBFS o proprio su quel limite. Sebbene ci fossero stati alcuni casi all'inizio (come l'album omonimo dei Metallica del 1991), i dischi masterizzati in questo modo generalmente non apparvero fino al 1992. L'album "Dirt" degli Alice in Chains e "Angel Dust" dei Faith No More sono alcuni degli esempi di quell'anno. Il volume dei CD di questo periodo variano molto, a causa delle differenti filosofie degli ingegneri e di chi era coinvolte nel processo di mastering. Questo stile "caldo" del mastering divenne comune nel 1994, sebbene con alcune eccezioni come l'album "Superunknown" dei Soundgarden pubblicato quello stesso anno.


title: Loudness war

text: Il concetto di rendere un CD "più caldo" iniziò ad attrarre le persone dentro l'industria, soprattutto in relazione a quanto i CD suonassero sensibilmente più forte e in parte basandosi sul concetto che i clienti preferivano CD dai volumi più alti. Ingegneri, musicisti ed etichette svilupparono ognuno le proprie idee. Nel 1994, il limitatore digitale "brickwall" con funzione "look-ahead" fu il primo prodotto di massa. Mentre il volume dei CD aumentava gradualmente negli anni novanta, alcuni spinsero il supporto al limite, come nell'album degli Oasis, "(What's the Story) Morning Glory?", che raggiunse una media di −8 dBFS su molte tracce, un evento raro, specialmente nell'anno in cui fu pubblicato (1995). Nel 1997, Iggy Pop partecipò al remissaggio e alla rimasterizzazione dell'album del 1973 "Raw Power" della sua ex band The Stooges, creando un album che attualmente è forse il più "rumoroso" disco rock mai registrato; con una media di −4 dBFS, inconsueto persino per gli standard di oggi, benché sia divenuto un livello sempre più comune.


title: Loudness war

text: Gli standard del "loudness" raggiunsero il limite negli anni 2000. −10 dB fu lo standard per parecchi anni, livello spesso spinto fino a −9 dB. Tuttavia, un livello tra −6 e −5 dBFS è comune nel rock, nel pop e nella musica rap. Livelli sonori più "tranquilli" oggi sono rari. L'ultima pubblicazione del 2008 ha raggiunto una media di −3 dBFS, come in I-Empire degli Angels & Airwaves, che suona quasi 30 volte più forte delle registrazioni standard THX (−20 dBFS).


title: Loudness war

text: Il modo di vedere l'effetto della "guerra del loudness" è altamente soggettivo. I sostenitori dei CD "rumorosi" dichiarano che i clienti preferiscono questi CD e che sono i più adatti all'ascolto in ambienti affollati. I compact disc contenenti un gran numero di distorsioni sono perciò riprodotti a più basso volume rispetto a quelli non "clippati" data l'eccessiva asprezza del suono. In molti sostengono che solo una manciata di album sono da biasimare, come l'album dei Red Hot Chili Peppers, "Californication" (un CD funestato da un così eccessivo numero di clipping digitali ad alta frequenza, che gli appassionati di audio lo hanno ritenuto "inascoltabile"), mentre altri ancora credono che qualsiasi CD che utilizzi il fondo scala digitale dovrebbe essere considerato inaccettabile. Alcuni ascoltatori non gradiscono proprio sentire album masterizzati sulle basi della "loudness war". Viceversa, altri potrebbero non percepirne gli effetti o considerarli solo una seccatura minore. Ugualmente, molti ingegneri del mastering credono che uno standard del volume debba comunque essere implementato: comunemente i livelli proposti variano tra lo standard THX (−20 dBfs) per i film e il livello che generalmente è possibile raggiungere senza clipping quando si masterizza da un nastro da 1/4" (−14 dBfs).


title: Loudness war

text: Molte registrazioni sono state ripubblicate sotto forma di rimasterizzazioni. Registrazioni precedenti gli LP possono essere rimasterizzate usando il "Computer Enhanced Digital Audio Restoration" (CEDAR): un restauro digitale dell'audio. Questi strumenti sono concepiti per migliorare la larghezza di banda delle registrazioni e ridurre il rumore di fondo. La risposta critica alle rimasterizzazioni è varia. Alcune volte un'estensione della risposta in frequenza è ben accolta, dato che ciò può migliorare trasparenza e tridimensionalità della registrazione. Altre volte, questo miglioramento può essere controbilanciato da un innaturale ed eccessivo stridore della registrazione.


title: Loudness war

text: Molte etichette discografiche possono decidere di incrementare il volume medio delle registrazioni con l'aiuto della compressione, della limitazione e/o del clipping. Ciò è pratica comune in molti remaster di musica pop. Le due immagini accanto, relative a "One of Us" degli ABBA, dimostrano questo effetto.


title: Loudness war

text: La prima immagine è stata ricavata dal CD originale della Polydor; la seconda è ricavata dal remaster del 2005 (parte del Box Set "The Complete Studio Recordings", da non confondere con il remaster Universal/Polydor del 2001).


title: Loudness war

text: Come si può notare, la compressione dell'audio è molto pesante, tale da compromettere la dinamica e il "brio" della traccia originale.


title: Loudness war

text: Per fare un esempio italiano, si possono mettere a confronto due versioni della canzone "Bollicine" di Vasco Rossi. Si può notare la differenza tra la prima versione del 1983 (Album "Bollicine") e la stessa identica canzone rimasterizzata nel 2003 per la raccolta "Sarà migliore".


title: Loudness war

text: Attualmente, la "loudness war" affligge per lo più CD audio e di conseguenza qualsiasi MP3 o altra copia ricavata da questi dischi.


title: Loudness war

text: Alcune pubblicazioni recenti in vinile non subiscono lo stesso tipo di "mastering loudness", benché presente tuttora su molti dischi. Ciò è dovuto in parte alle limitazioni tecniche del supporto e in parte al fatto che il vinile è adesso un prodotto di nicchia, scelto da un piccolo numero di appassionati dell'alta fedeltà—lo stesso ruolo avuto dai CD nella metà degli anni ottanta.


title: Loudness war

text: Alcuni SACD e DVD-Audio presentano lo stesso problema. Tuttavia, quasi tutti i DVD-audio contengono anche una traccia Dolby Digital (AC3) o DTS per permettere al disco di essere riprodotto sui primi lettori DVD. Dolby Digital ha un livello medio di volume (−20 dBFS) ben definito e calibrato, così come la traccia DTS. Perciò la traccia ad alta risoluzione del DVD-Audio verrà riprodotta, di norma, allo stesso livello di riferimento.


title: Loudness war

text: Col diffondersi dei formati ad alta risoluzione nel mercato audiofilo, la masterizzazione "loudness" quasi certamente diverrà controproducente, vista l'attenzione che questo target di mercato pone nella qualità del suono e nella dinamica.


title: Soldier (film)

text: Soldier è un film di fantascienza del 1998 diretto da Paul W. S. Anderson e interpretato da Kurt Russell.


title: Soldier (film)

text: In un prossimo futuro dei neonati vengono selezionati alla nascita e cresciuti come soldati facenti parte di un nuovo programma di reclutamento e addestramento militare (Progetto Adamo). Durante la fase di estremo allenamento mentale e fisico, essi diventano dei veri sociopatici, incapaci di concepire qualsiasi cosa al di fuori della routine militare e della guerra. Priorità del condizionamento di questi soldati sono il divieto di parlare se non interrogati e il loro obbligo di rispondere a qualsiasi loro interlocutore, anche qualora si tratti di una donna, concludendo la frase con la parola ""Signore"".


title: Soldier (film)

text: All'età di 38 anni, Todd è un veterano temprato dalle molte battaglie, ma lui e la sua unità stanno per essere rimpiazzati. Il colonnello Mekum infatti introduce un nuovo gruppo di soldati geneticamente modificati e potenziati, progettati per avere capacità fisiche superiori a quelle dei normali esseri umani e con una totale mancanza di emozioni (fatta eccezione per l'aggressività).


title: Soldier (film)

text: L'ufficiale comandante dell'unità di Todd, il Capitano Church, insiste affinché si testino le abilità dei nuovi soldati contro le sue. Ma Todd, il soldato migliore dell'intera squadra, non può competere con Caine 607. Nella prova finale, una lotta tra Caine e tre soldati "normali", due dei camerati di Todd rimangono uccisi e lo stesso Todd viene sconfitto, non prima di aver cavato un occhio a Caine. Todd apparentemente muore cadendo da grande altezza, ma il corpo di un soldato morto gli attutisce la caduta, e perde semplicemente i sensi. Mekum ordina che i loro corpi siano smaltiti come spazzatura, ed i rimanenti "vecchi" soldati vengono retrocessi a umili ruoli di supporto.


title: Soldier (film)

text: Todd e i suoi compagni morti vengono così gettati sulla superficie di Arcadia 234, un pianeta per lo smaltimento dei rifiuti con velocità dei venti pericolosamente alte. Nonostante sia gravemente ferito, Todd zoppica fino a una colonia di umani che si erano schiantati dodici anni prima, che erano sopravvissuti e avevano creato una società tra le onnipresenti montagne di rifiuti del pianeta.


title: Soldier (film)

text: Malgrado essi cerchino di accoglierlo, Todd ha grandi difficoltà ad adattarsi alla comunità a causa del suo estremo condizionamento. Il precedente addestramento di Todd che gli imponeva di non parlare a meno che non fosse interrogato (e in generale le sue abilità sociali volutamente poco sviluppate) gli rendono difficile rispondere alle domande se non in modo secco, ed iniziare una conversazione per lui è impossibile. Molti dei coloni hanno paura di lui, ma si rifugia da un uomo di nome Mace e sua moglie Sandra. Todd sviluppa una silenziosa amicizia con Nathan, il figlio muto della coppia, che è stato traumatizzato fisicamente e mentalmente da un morso di serpente. In un successivo conflitto con un serpente, Todd insegna a Nathan a fronteggiare l'animale e a reagire per difendersi. Tuttavia, i suoi genitori fraintendono la lezione, e rimangono incerti su come agire riguardo all'apparente instabilità di Todd.


title: Soldier (film)

text: Todd presto comincia ad avere dei flashback che gli ricordano il suo passato militare, e scambiato inavvertitamente uno dei coloni per un nemico, arriva quasi ad ucciderlo. I coloni decidono che Todd è troppo pericoloso per lasciarlo vivere tra di loro, e così gli danno dei viveri e l'ordine di lasciare l'insediamento. Al di fuori della colonia, Todd versa delle lacrime (sembra non capire cosa esse siano, lasciando intendere che questa è la prima volta che piange). Poco dopo Mace e Sandra vengono attaccati da un altro serpente, ma vengono salvati dall'intervento di Nathan, che aveva usato la tecnica appresa da Todd. Mace si rende quindi conto che Todd ha un ruolo importante da svolgere nella comunità, e decide così di partire da solo per trovarlo e riportarlo indietro.


title: Soldier (film)

text: Ma poi i nuovi soldati arrivano per compiere un esercizio di addestramento. Dal momento che il pianeta è classificato come disabitato, il colonnello Mekum decide che la presenza dei coloni è illegale, e ordina ai soldati di sterminarli per fare pratica. Mace viene ucciso subito dopo aver trovato Todd, che nonostante sia privo di equipaggiamento o armi, grazie all'esperienza di anni di battaglia e alla sua conoscenza del pianeta riesce a tornare alla colonia e ad uccidere la squadra che stava attaccando i coloni.


title: Soldier (film)

text: Indispettito dal fatto che una forza nemica molto più grande possa confrontarsi con loro, il capitano Church ordina ai soldati di ripiegare e di ritornare con artiglieria pesante. Usando tattiche di guerriglia, Todd supera in strategia e sconfigge tutti i soldati rimanenti.


title: Soldier (film)

text: Appena i coloni sopravvissuti escono dalle case distrutte, si scopre che un ultimo “super” soldato è rimasto in vita: è Caine 607. Todd lo affronta in un combattimento corpo a corpo e lo sconfigge.


title: Soldier (film)

text: Preso dal panico, Mekum ordina all'equipaggio della sua nave, composto dalla vecchia squadra di Todd, di attivare un ordigno nucleare in miniatura abbastanza potente da distruggere l'intero pianeta, poi decolla prima che essi siano tornati a bordo. Quando il capitano Church obietta, Mekum gli spara, uccidendolo a sangue freddo. Ma prima di poter decollare come previsto, compare Todd, e i suoi vecchi camerati per effetto del loro condizionamento mentale ora lo riconoscono come più alto in grado, a causa della morte di Church e della loro destituzione da parte di Mekum. Silenziosamente, si trovano dalla parte di Todd contro l'esercito che li ha scartati. Insieme prendono il controllo della nave, gettano Mekum e i suoi aiutanti sul pianeta, ed evacuano i rimanenti coloni proprio mentre la bomba sta per esplodere.


title: Soldier (film)

text: Todd ordina così di impostare la rotta per le Trinity Moons, la destinazione originale dei coloni, poi prende Nathan e punta verso la loro nuova meta, guardando la galassia.


title: Soldier (film)

text: Kurt Russel si ruppe la caviglia durante la prima settimana di riprese, così fu necessario riprogrammare l'intera produzione. Gli operatori prima girarono le scene che coinvolgevano Kurt Russel che giaceva al suolo, seguite da scene in cui era seduto, in cui stava in piedi ma non si muoveva, e così via.


title: Soldier (film)

text: "Soldier" fu un flop al botteghino. Girato con un budget di 75 milioni di dollari, ne guadagnò solo 15 in tutto il mondo. Il film fu stroncato dalla critica, in parte a causa dei dialoghi scialbi: il protagonista, Todd, nell'arco di tutto il film, pronuncia solo 79 parole, 11 delle quali sono "Signore".


title: Soldier (film)

text: Per sua stessa ammissione, considera questo film come un successore spirituale di "Blade Runner". "Soldier" cita alcuni elementi presenti nelle novelle di Philip K. Dick, o adattamenti cinematografici delle stesse. Tra i cumuli di rottami del pianeta si può vedere un "veicolo Spinner" presente in "Blade Runner". "Soldier" è ambientato nello stesso universo di "Blade Runner", dal momento che la sceneggiatura del film fa riferimento ad alcuni dei luoghi misteriosi citati da Roy Batty nel suo monologo finale, ossia le "Porte di Tannhauser" e i "Bastioni di Orione", nei quali Todd ha combattuto due delle sue battaglie.


title: Soldier (film)

text: Il film fu distribuito in DVD il 2 marzo 1999, in un disco a doppio lato, che include la versione widescreen su un lato e la versione a schermo intero sull'altro con incluso un commento del film. Inoltre è stato pubblicato in Blu-Ray negli USA il 26 luglio 2011. Il film non fu mai distribuito in Italia.


title: Chris Potter (attore)

text: Ha recitato in numerose serie televisive, tra cui "" (1992), "Due poliziotti a Palm Beach" (1996-1999) e "Queer as Folk" (2000).


title: Chris Potter (attore)

text: Per il cinema ha invece partecipato ai film "Arachnid - Il predatore" (1991) e "Missione Tata" (2005).


title: Chris Potter (attore)

text: Potter è il maggiore di tre figli, nato a Toronto in Canada; suo padre Ron è un ex giocatore di football, sua madre Judith è un'ex cantante. Potter è cresciuto a London in Canada.


title: Chris Potter (attore)

text: Visti i suoi ottimi risultati negli sport negli anni del liceo, decide di intraprendere una carriera come atleta, ma suo padre glielo impedisce. Così, lascia gli studi, e forma un gruppo rock.


title: Chris Potter (attore)

text: In seguito scopre la passione per la recitazione e diventa un attore di teatro professionista. Nel 1980 diventa doppiatore di vari spot televisivi e recita nella serie della CBS "Material World", che segna il suo debutto nella televisione. Nel 2001 ottiene visibilità grazie al ruolo del dottor David Cameron nella serie televisiva "Queer as Folk". Successivamente ottiene il ruolo di Peter Caine nella serie "Kung Fu - La leggenda", ruolo che ricopre per tutte e quattro le stagioni, e recita in "Due poliziotti a Palm Beach" dove interpreta Tom Ryan nelle stagioni 6, 7 e 8. Nel 2005 partecipa al film "Missione tata" al fianco di Vin Diesel, per la regia di Adam Shankman.


title: Dylan Bruno

text: Durante la sua carriera, iniziata nel 1998, ha interpretato svariati ruoli per il cinema e la televisione; è noto principalmente per il ruolo di Colby Granger, un agente dell'FBI, nella serie televisiva "Numb3rs".


title: Dylan Bruno

text: Figlio Giuseppe e Michelina Bruno, anche suo fratello Chris lavora come attore. Il suo bisnonno e la sua bisnonna paterni erano siciliani. Sposato con Emmeli Hultquist e padre di due bambini, al liceo era un lottatore a livello nazionale e si è classificato più volte nei Junior giochi olimpici. Durante il periodo di permanenza al college ha fatto il linebacker per la squadra di football americano, e nel 1994 ha conseguito una laurea in ingegneria ambientale all'università del Massachusetts Institute of Technology.


title: Dylan Bruno

text: Mentre lavorava come modello per Calvin Klein, Bruno ha debuttato in TV nel 1995 e nel 1997 ha debuttato al cinema. Nel 1998 ha ottenuto un ruolo nel film "Salvate il soldato Ryan". Nel 1999 è stato coprotagonista nel film "Carrie 2 - La furia", mentre a partire dal 2005 entrò a far parte del cast di "Numb3rs". Nel 2010 è comparso anche nella serie "NCIS", mentre l'anno successivo è comparso nel quindicesimo episodio, intitolato "Oro rosso", della terza stagione di "The Mentalist". Nel 2015 ha anche recitato in un episodio della serie "Narcos".


title: Undercut: l'oro di legno

text: Undercut: l'oro di legno è un programma televisivo prodotto da "GiUMa Produzioni" e trasmesso su DMAX.


title: Undercut: l'oro di legno

text: La serie segue l'attività di quattro team di boscaioli (due trentini e due veneti) impegnati nel compito di recuperare più legna possibile nelle foreste del Trentino e dell’Altopiano di Asiago, travolte dalla tempesta Vaia nell'ottobre 2018.


title: Undercut: l'oro di legno

text: I team, seguiti dalla troupe per otto settimane, sono denominati "Team Giacomelli", "Team Morandini", "Team Sambugaro", "Team Zoppè" e "Team Z-Holz". .


title: Canaro

text: Canaro ("Canàr" in veneto) è un comune italiano di abitanti della provincia di Rovigo in Veneto, situato a sud-ovest del capoluogo.


title: Canaro

text: Canaro è situato nella parte sud occidentale del Polesine. L'abitato sorge sulle sponde del Po. A nord, confina con Frassinelle e Fiesso Umbertiano, a est con Polesella e a ovest con Occhiobello, mentre a sud il fiume Po segna il confine con Ferrara. Il territorio comprende 3 frazioni: Paviole, Garofolo, Vallone. E 13 località: Baruchella, Boccalara, Ca' Benvenuto Tisi, Ca' Matta, Ca' Mella, Ca' Ruggieri, Croce del Sud, Giaretta, La Frattina, Mezzavia, Tenasi, Valiera , Viezze.


title: Canaro

text: Benché le prime testimonianze storiche legate a Canaro risalgano all'XI secolo, la vicinanza dell'abitato al fiume Po ed al Poazzo, al tempo uno dei suoi rami principali, fa ragionevolmente presupporre un insediamento abitativo precedente legato alle opportunità che i vicini corsi d'acqua offrivano agli abitanti, sia per le risorse ambientali, come la pesca e la raccolta di legname che garantivano il sostentamento alla piccola comunità, sia per il commercio, che vedeva nel Po una via di comunicazione prioritaria.


title: Canaro

text: Nei secoli medievali tutto il Polesine rientrava nell'orbita ferrarese, come parte del più vasto sistema di possedimenti dei conti di Canossa, che comprendevano anche le zone dell'Oltrepò mantovano, del Modenese e del Reggiano. Alla morte di Matilde di Canossa, la città di Ferrara mantenne il controllo sul territorio, noto come Transpadana Ferrarese, che comprendeva anche l'abitato di Canaro.


title: Canaro

text: La prima documentazione storica risale comunque al 1082 quando la località viene citata in un atto nel quale si attesta la donazione da parte del Vescovo di Ferrara a Gerardo di Grazioso. La vita della comunità fu scandita dalle frequenti rotte ed esondazioni delle quali vi è testimonianza indiretta dalla scomparsa di un importante centro nelle sue vicinanze, Villa Lerizza, avvenuta nel 1168. Un successivo manoscritto del 1178 la inserisce tra i possedimenti del monastero benedettino di Pomposa.


title: Canaro

text: Il controllo del Ducato di Ferrara favorì la prosperità del centro e la sua crescente importanza fino al XIV secolo data la sua posizione strategica, in quanto permetteva di controllare parte del Po che oltre ad essere considerato un confine naturale continuava ad evolversi come una delle primarie vie di comunicazione e commerciali della zona. Nel 1482 lo scoppio della Guerra di Ferrara, citata anche come Guerra del sale, ebbe conseguenze disastrose per Canaro. La sua particolare posizione determinò la necessità di conquista da parte delle truppe della Repubblica di Venezia che nelle vicende belliche durate fino al 1484 causarono alle sue strutture gravi danneggiamenti.


title: Canaro

text: Il conflitto, vinto dai veneziani, si risolse con la pace di Bagnolo ed il territorio di Canaro ed in generale il Polesine passo sotto il controllo della Serenissima fino al tardo XVIII secolo.


title: Canaro

text: La caduta della Repubblica di Venezia del 1797 ad opera della Grande Armata, l'esercito che Napoleone Bonaparte schierò a partire dal 1805, segnò una nuova annessione del territorio. Le clausole del Trattato di Campoformio consegnarono Canaro e tutto il territorio veneziano all'Austria che però rimase sovrana per un tempo limitato. Già dal 18 marzo 1805, con la firma del trattato di Presburgo, l'Austria cedette la Provincia Veneta austriaca alla Francia: il successivo 26 maggio Napoleone, da poco divenuto Imperatore dei francesi, si incoronò Re d'Italia a Milano, cingendo la Corona Ferrea. Canaro tornò così sotto il controllo francese nella nuova identità nazionale, il Regno d'Italia napoleonico.


title: Canaro

text: Il secondo dominio francese durò fino alla caduta di Napoleone. Il 20 aprile 1814 il Veneto, ed anche Canaro, venne restituito agli asburgici e con la caduta del Regno, quello stesso mese, la città e l'intero Veneto tornarono all'Impero d'Austria, che incorporò,dal 1815, i territori nel Regno Lombardo-Veneto. Nel 1838 Canaro viene elevato a municipio e tale rimase fino alla sua annessione al Regno d'Italia.


title: Canaro

text: In seguito Canaro seguì le vicissitudini storico politiche legate al Polesine ed al suo capoluogo Rovigo.


title: Canaro

text: Lo stemma del Comune di Canaro è stato concesso con decreto del Presidente del Consiglio dei ministri del 19 gennaio 1959.


title: Canaro

text: Le principali feste di Canaro e delle sue frazioni sono il Carnevale di Canaro, la Fiera delle Brogne, il concorso di poesia "Cosmo d'Oro" ed il Palio di Ca' Naro (quest'ultimo si svolge entro l'ultima domenica di settembre), la biciclettata per le vie del paese che si svolge ogni prima domenica di giugno.


title: Canaro

text: Lo statuto comunale di Canaro non menziona nessuna frazione. In base al 14º Censimento Generale della Popolazione e delle Abitazioni, i principali centri abitati sono:


title: Canaro

text: Altre località abitate sono: Baruchella, Boaria Vanzelli, Boccalara, Ca' Matta, C.Mella, Croce del Sud, Crociara, C Ruggieri, Giaretta, La Frattina, Mezzavia, Paparinetto, Paviole, Tenasi, Valiera, Viezze.


title: Etica DIY

text: Con etica DIY (acronimo di Do It Yourself, equivalente dell'italiano fai da te) ci si riferisce ad un'etica anticonsumista dell'autosufficienza che prevede lo svolgimento di attività senza l'aiuto di un esperto pagato. L'etica del fai-da-te promuove l'idea che chiunque sia in grado di acquisire le conoscenze richieste per svolgere una certa varietà di compiti invece di affidarsi a dei tecnici. Il termine può riferirsi a una varietà di discipline, tra cui il miglioramento della casa, il primo soccorso, alcune attività politiche o i lavori creativi.


title: Etica DIY

text: Piuttosto che sminuire o mostrare disdegno per coloro che si dedicano al lavoro manuale o ai mestieri qualificati, il fai-da-te sostiene l'individuo medio alla ricerca di tali conoscenze e competenze. Al centro dell'etica è l'empowerment degli individui e delle comunità, incoraggiando l'impiego di approcci alternativi di fronte a ostacoli burocratici o sociali per raggiungere i loro obiettivi.


title: Etica DIY

text: Il DIY è un'etica nata e diffusa all'interno della cultura punk, che propugna il rifiuto per le major della distribuzione musicale, ritenute capitaliste, espresso nello slogan "DIY not EMI", e la formazione di etichette indipendenti con cui pubblicare i propri album. Tra le etichette più importanti nate da quest'etica Flat Earth Records, Loony Tunes Records, Profane Existence e Crass Records, mentre tra i gruppi più noti si segnalano Black Flag, Crass e Fugazi.


title: Etica DIY

text: Quest'etica è diffusa principalmente nell'anarcho punk e nell'hardcore punk, e l'e etichette "simbolo" possono essere considerate la SST Records e la Crass Records, che ha pubblicato moltissimi gruppi anarcho punk degli anni '80 fra cui Flux of Pink Indians, Rudimentary Peni e Conflict. Dall'autoproduzione dei dischi poi l'etica del DIY si è anche espansa, per abbracciare sempre più aspetti della vita quotidiana e della commercializzazione.


title: Etica DIY

text: Un altro aspetto importante del DIY è la produzione e distribuzione di fanzine, ossia giornali autoprodotti, che cercavano di diffondere notizie e idee della scena punk. Col tempo poi si è arrivati anche a magliette, toppe, spille e beni di consumo materiali, quali saponi e oggetti per la cura del corpo.


title: Etica DIY

text: Grazie all'hardcore americano dei primi '80, il DIY ha avuto una larghissima diffusione tra i gruppi e i giovani, fino a diventare una vera e propria scelta non solo musicale, ma anche di vita.


title: Sport Lisboa e Benfica 2021-2022

text: Questa voce raccoglie le informazioni riguardanti il Sport Lisboa e Benfica nelle competizioni ufficiali della stagione 2021-2022.


title: Sport Lisboa e Benfica 2021-2022

text: Per questa stagione Fly Emirates rimane lo sponsor ufficiale del Benfica e Adidas continua ad essere fornitore e sponsor tecnico della compagine.


title: Kris Evans

text: Kris ha esordito all'età di 18 anni nel settore del porno gay, dove ha firmato il suo primo contratto con la BelAmi. A quel tempo, Kris disse che era eterosessuale e vergine. Dal suo primo colloquio con G. Duroy ha aspettato due anni prima di decidere di girare la sua prima scena. Durante questo periodo, ha lavorato come agente di polizia in Ungheria, e per evitare uno scandalo la BelAmi gli aveva più volte consigliato di lasciare quel lavoro. Nel 2010 ha dovuto lasciare il suo lavoro nella polizia perché nella sua città natale di 12.000 abitati avevano scoperto che faceva film porno gay. Secondo alcune fonti, un concittadino "geloso" di Kris e della sua nuova macchina di lusso comprata con i soldi guadagnati con il porno, ha fatto la spia. Kris si è licenziato come agente di polizia prima che potessero licenziarlo loro. Nei primi anni della sua carriera nella pornografia, non aveva intenzione di diventare famoso, ma lo scandalo, le dimissioni e lo stipendio migliore dato dal porno lo hanno spinto a continuare. Anche se era in conflitto con la sua famiglia a causa della sua carriera nel mondo del porno, ha continuato per affrontare la crisi economica che c'era in Ungheria in quegli anni. Inoltre, gli piaceva il suo lavoro.


title: Kris Evans

text: Per la BelAmi ha girato il mondo in paesi come l'Australia, la Germania, gli Stati Uniti, l'Italia e il Sud Africa. Kris ha girato soprattutto scene da attivo ("Top") e raramente da passivo ("Bottom").


title: Kris Evans

text: Nel 2011 ha recitato nel primo film 3D di BelAmi, "BelAmi 3D". Nello stesso anno fu annunciato un contratto con la linea di sex toys Fleshjack. Nel 2012 l'artista Ross Watson ha raffigurato Kris nello stile di Michelangelo Merisi da Caravaggio, e ha venduto il dipinto per $50.000 a un collezionista privato di New York.


title: Kris Evans

text: Nel 2015 ha partecipato a una campagna pubblicitaria per il marchio "Addicted", in cui ha fatto da modello per la nuova collezione di costumi da bagno e la nuova linea di biancheria intima maschile primavera e inverno, insieme con altri attori della BelAmi.


title: Kris Evans

text: Nel 2016, suo cugino, con lo pseudonimo di Andy Smith è stato messo sotto contratto dalla BelAmi. Nello stesso anno BelAmi annuncia il ritiro di Kris, rilevando che ha già girato un numero indefinito di scene, e che saranno pubblicate nel corso degli anni successivi.


title: Kris Evans

text: Sebbene si sia ritirato dall'industria del porno del 2016, è stato il secondo attore porno gay più ricercato su internet nella metà del 2018. Nello stesso anno è stato annoverato tra i dieci più influenti pornostar gay nel decennio del 2010.


title: Kris Evans

text: Nel 2017 ha fatto un'intervista su YouTube con Fit Media Channel, il video è stato intitolato The Body of a Super Hero (Il Corpo di un Super Eroe).


title: Kris Evans

text: Egli è eterosessuale ed ha svolto la sua esclusiva carriera nel porno gay solo secondo il concetto di gay-for-pay.


title: Skittles

text: Le Skittles® sono un prodotto di confetteria alla frutta distribuiti dalla Wrigley Company, una divisione della Mars.


title: Skittles

text: Hanno gusci duri di zucchero che portano la lettera S e sono costituiti per lo più da zucchero, sciroppo di mais, olio idrogenato di palma e succo di frutta.


title: Skittles

text: La loro particolarità sta nel fatto che la S che si trova sopra ogni caramella è fatta con un inchiostro idrosolubile e viene attaccata con una colla edibile; se messe a contatto con l’acqua (o con un altro liquido) la S si stacca e inizia a galleggiare.


title: Campionato Esordienti

text: Il Campionato Esordienti di calcio è un torneo giovanile provinciale organizzato dalla Federazione Italiana Giuoco Calcio e riservato ai ragazzi di 11 e 12 anni di età. Si svolge su un campo di circa 90x65 m e una partita dura 60 minuti (strutturata in tre tempi da 20 minuti ciascuno). Sono previste le normali regole del gioco del calcio con in aggiunta delle regole speciali:


title: Valgoglio

text: Valgoglio ("Algòi" "Valgòi" in dialetto bergamasco) è un comune italiano di abitanti della provincia di Bergamo in Lombardia. Anticamente la popolazione parlava il gaì, antico linguaggio usato dai pastori, quasi completamente scomparso.


title: Valgoglio

text: Posto ad un'altezza di , presenta le caratteristiche di un borgo alpino con una natura circostante pressoché intatta. Il paese si sviluppa lungo la valletta formata dal torrente Goglio, posta lateralmente ad ovest della Val Seriana, distante dal capoluogo di provincia.


title: Valgoglio

text: Il nome del paese deriva dalla valle in cui esso è inserito, la quale a sua volta deve il nome al torrente che la bagna.


title: Valgoglio

text: Il Goglio, che sfocia nel fiume Serio nel territorio di Gromo, etimologicamente deriva da "goi", che in dialetto bergamasco sta ad indicare un corso d'acqua con gole e forre profonde.


title: Valgoglio

text: Il paese di Valgoglio, unitamente alle frazioni di "Colarete" e di "Novazza", ha una storia con pochi eventi di rilievo, legati per lo più alle vicende della Val Seriana e del vicino comune di Gromo. Nel 774 il re dei Franchi, Carlo Magno, donò i territori dell'Alta Val Seriana al Monastero di San Martino di Tours ed a quello di "Saint Denis De Paris". In questo periodo però molte furono le famiglie di Bergamo che occuparono i territori montani sfruttandone le miniere, e a Valgoglio risulta fosse presente la famiglia dei "Della Crotta". Solo nel 1026 l'Episcopato di Bergamo con il vescovo Ambrogio II se ne riappropriò in cambio di altri poderi, riservandosi il diritto sui ricavi della estrazione e lavorazione di argento e di ferro sicuramente presenti in valle, dando inizio a un periodo di gravi controversie tra il potere laico, rappresentato dal feudatario, e il potere ecclesiastico, rappresentato dal Vescovo.


title: Valgoglio

text: La ricchezza di minerali ha da sempre fornito una sussistenza più che dignitosa per gli abitanti del luogo fin dai tempi del medioevo.


title: Valgoglio

text: In quel tempo quando gran parte delle armi, armature e corazze era prodotta con il ferro qui estratto, e forgiate nelle fucine della frazione Colarete, così come le monete della zecca di Bergamo, coniate con l'argento di Gromo. Unitamente a questi materiali veniva estratto anche l'oro, documentato dal 1500, forse mai in quantità sufficientemente rilevanti. La frana del 1º novembre 1666 che lambì la frazione Novazza, ma che distrusse gli opifici dalla frazione di Colarete fino a quelli sulla contrada del Goglio di Gromo, cambiando drasticamente l'assetto economico del paese, che dovette tornare a dedicarsi alla pastorizia.


title: Valgoglio

text: Recentemente, in una miniera dismessa nella frazione Novazza, sono state rinvenute modeste quantità di uranio, tanto da ipotizzare l'apertura di una miniera per l'estrazione di questo minerale da molti considerato pericoloso. Per questo motivo gran parte della popolazione, anche dei paesi circostanti, ha manifestato un forte dissenso, facendo rientrare il progetto. Il paese vive grazie allo sfruttamento delle risorse che offre la natura, quali il turismo, l'industria idroelettrica e, in qualche caso, di pastorizia, risorse che non garantiscono a tutti un posto di lavoro, molti sono i pendolari che devono quotidianamente spostarsi verso la città di Bergamo per recarsi nelle industrie e nelle attività commerciali della bassa Val Seriana.


title: Valgoglio

text: Il 17 luglio 2014, con seduta straordinaria il Consiglio Comunale approva lo "Statuto Costitutivo" dell'Unione di Comuni dell"'Alto Serio" con Gromo, Gandellino e Valbondione, per poter affrontare la situazione economica di criticità.


title: Valgoglio

text: La chiesa parrocchiale del capoluogo, edificata nel XVII secolo, ma rifatta due secoli più tardi, è intitolata a Santa Maria Assunta, e custodisce affreschi e sculture di buona fattura, opere di Marinoni risalenti ad un periodo compreso tra il XIV ed il XV secolo, la Cappella dei morti alla Ca' Nöa con affreschi di Antonio Brighenti, e un polittico della bottega di Pietro Bussolo.


title: Valgoglio

text: La chiesa della frazione Novazza, dedicata ai santi Pietro e Paolo e risalente al XIX secolo, possiede un ciclo di affreschi sulla vita di san Pietro, eseguito da Ponziano Loverini. Infine merita menzione pure la chiesa di Colarete, dedicata a san Michele, con affreschi del XV e del XVI secolo.


title: Valgoglio

text: Notevoli sono le escursioni che si possono compiere sul territorio comunale, adatte ad ogni tipo di utenza: si va dalla semplice passeggiata ad itinerari riservati a persone più esperte. Tra questi vale la pena segnalare la Val Sanguigno ed il cosiddetto "Giro dei cinque laghi", che tocca i laghi artificiali di Aviasco, Nero, Campelli, Sucotto e Cernello, ed include anche due rifugi alpini: la Baita Cernello e la Baita Lago Nero.


title: Società Ginnastica Roma

text: La S.G. Roma è stata fondata il 5 giugno 1890 da Menotti Garibaldi, figlio di Giuseppe Garibaldi, in seguito alla prima gara di ginnastica tenutasi a Roma nel 1889. Inizialmente vennero organizzati dei corsi di ginnastica da Ettore Calori, in seguito si aggiunsero i corsi di tennis, bocce, pattinaggio, podismo, tamburello, tiro a segno, velocipedismo e passeggiate ginnastiche.


title: Società Ginnastica Roma

text: Nel 1891 viene concesso alla società, direttamente dal ministro Luigi Pelloux, uno spazio per costruire un padiglione da adibire a sede. Lì si allenano gli atleti che nel 1892 e nel 1895 partecipano ai concorsi internazionali a Genova e a Roma. Dopo l'esibizione di Roma la Federazione Ginnastica Nazionale Italiana (FGNI) invita le società affiliate a formare sezioni per il “giuoco del calcio” ed il “giuoco della palla vibrata”. Nel novembre 1895 la Ginnastica Roma, che in quel periodo è presieduta da Ernesto Nathan, comincia, dunque, le esercitazioni (anche se in modo episodico) nella disciplina del calcio ginnastico, una versione autarchica, praticata sino al 1903, del football del Regno Unito.


title: Società Ginnastica Roma

text: Nel 1897 un incendio distrugge la sede, che viene ricostruita da Cesare Bazzani l'anno successivo. Nel maggio del 1899 la Ginnastica Roma, assieme ad altri due sodalizi, il "Football Club Roma" e lo "Sporting Club Roma", dà vita ad un torneo di calcio ginnastico: il cosiddetto Campionato di Calcio del Lazio, disputato a Roma in quel di Villa Pamphili. La Società Ginnastica Roma vince il torneo con la seguente formazione: Cesare Tifi, Mario Fabris, Fortunato Celli, Enrico Brignoli, Mario de Fiori, Vibo Bruti, Attilio Serafini, Raoul Dal Mulin, Guido Ottier, Enrico Cremonese, Gregorio Pocobelli. Il successo sarà replicato l'anno seguente.


title: Società Ginnastica Roma

text: All'inizio del nuovo secolo la società capitolina prende parte a varie competizioni di ginnastica prima del primo conflitto mondiale (Torino 1898, Bologna 1901, Milano 1902, Venezia (1907), Torino (1911), Varese (1912), Milano (1913), Genova (1914)), tra cui spiccano i Giochi olimpici intermedi ad Atene del 1906. Alfredo Pagani, stella della squadra di atletica, viene anche convocato per le Olimpiadi di Stoccolma 1912.


title: Società Ginnastica Roma

text: In ambito calcistico, nel 1908 la sezione football dà vita al club capitolino Ardor, scioltosi nel 1911. Nel 1915 la Ginnastica Roma ricostituisce la sezione calcio, che vince il campionato di Promozione FIGC e nel 1916 contribuirà alla fondazione dell'Unione Sportiva Romana.


title: Società Ginnastica Roma

text: Con la guerra l'attività si ferma, ma alla ripresa la squadra è più forte di prima. Ha una nuova sede (un'ex discarica a Muro Torto) e, dal 1921, si dedica ad altri sport quali pallacanestro, calcio (a livello ufficiale), Jūdō, sollevamento pesi, pugilato, volata.


title: Società Ginnastica Roma

text: Nel ventennio fascista, la pallacanestro inizia ad imporsi a livello nazionale. La S.G. Roma vince i campionati maschili 1928, 1931, 1933 e 1935 e organizza gli europei femminili nel 1938.


title: Società Ginnastica Roma

text: Intanto, la S.G. Roma continua ad ottenere degli ottimi risultati in Italia e all'estero (la squadra disputa dei tornei anche a Colmar, Bruxelles e Anversa) e riesce ad ottenere l'organizzazione dei campionati assoluti di ginnastica maschili e femminili nel 1931.


title: Società Ginnastica Roma

text: Dopo la seconda guerra mondiale, la squadra stenta a riprendersi e alla fine deve sospendere l'attività agonistica.


title: Società Ginnastica Roma

text: Nel ventunesimo secolo la S.G. Roma ha istituito l'organizzazione di un Centro Tecnico Regionale di preparazione alla ginnastica aerobica competitiva.


title: Vasculite leucocitoclastica

text: La vasculite leucocitoclastica è una forma di vasculite presente nei piccoli vasi. Nella pratica clinica è una delle più comuni forme di vasculiti.


title: Vasculite leucocitoclastica

text: Essa non è una patologia a sé stante: il termine si riferisce ad una manifestazione dell'infiammazione causata dalla presenza di immunocomplessi che possono essere la conseguenza di una patologia pre-esistente o idiopatici. La formazione di immunocomplessi è molto simile a quella osservata nella Reazione di Arthus: il termine "leucocitoclasia" deriva anche dal danno causato dai leucociti (es. frammenti di nucleo di neutrofili infiltranti) nei piccoli vasi o attorno a questi.


title: Vasculite leucocitoclastica

text: Le strutture vascolari ad essere infiammate sono di solito le venule post-capillari (venulite leucocitoclastica cutanea) delle papille dermiche presenti nel derma papillare.


title: Vasculite leucocitoclastica

text: Le cause sono dovute principalmente ad infezioni, vasculiti dei piccoli vasi (crioglobulinemia mista, porpora di Schönlein-Henoch, orticaria vasculite) comparse di masse tumorali, ma anche come effetto di alcuni farmaci come il cefoperazone.


title: Vasculite leucocitoclastica

text: Fra i sintomi e i segni clinici ritroviamo poliartralgia e febbre. La sua comparsa può portare ad alcune lesioni cutanee (la principale è porpora palpabile).


title: Vasculite leucocitoclastica

text: Come esami diagnostici l'immunofluorescenza si dimostra efficace, ma una diagnosi certa viene effettuata con la biopsia cutanea,


title: Vasculite leucocitoclastica

text: La terapia, se le condizioni si aggravano, consiste nella somministrazione di corticosteroidi e immunosopressori


title: Tommy e Tuppence

text: Compare in quattro romanzi completi e una serie di racconti, e l'arco temporale copre circa mezzo secolo, dalla fine della prima guerra mondiale al periodo della guerra fredda degli anni sessanta.


title: Tommy e Tuppence

text: La coppia si compone dei coniugi Thomas "Tommy" Beresford e Prudence "Tuppence" Cowley; apparve per la prima volta nel 1922 e fu protagonista dell'ultimo lavoro originale di Christie, scritto nel 1973: "Sipario" e il postumo "Addio Miss Marple", infatti, pur pubblicati posteriormente, erano stati scritti più di trent'anni addietro.


title: Tommy e Tuppence

text: Tommy e Tuppence sono i personaggi di Agatha Christie l'ambientazione delle cui storie copre il più ampio lasso di tempo: infatti le ultime avventure sia di Hercule Poirot che di Miss Marple sono ambientate a ridosso della fine della seconda guerra mondiale o nell'immediato periodo post-bellico.


title: Tommy e Tuppence

text: I romanzi che li hanno come protagonisti non sono classici romanzi gialli, ma hanno un'ambientazione da romanzo di spionaggio, ad eccezione di "Sento i pollici che prudono".


title: Poliritmia

text: Nella teoria musicale, la poliritmia in musica consiste nell'impiego simultaneo di ritmi diversi tra le voci di una composizione e si differenzia dal semplice impiego di gruppi irregolari (es. terzine) in una sola voce che produce soltanto una diversione melodica. Una poliritmia, per essere detta tale, richiede che l'impiego simultaneo dei ritmi nelle diverse parti produca una ricchezza di varietà ritmica, piuttosto che semplicemente melodica.


title: Poliritmia

text: Gli esempi più frequenti di poliritmia coinvolgono ritmi pari e dispari o comunque non multipli della stessa unità temporale, in modo da ottenere figure ritmiche diverse da quelle già presenti in ognuno dei ritmi presi singolarmente.


title: Poliritmia

text: Una comune poliritmia è il "tre contro due" (3:2) corrispondente all'esecuzione simultanea di terzine e duine, rappresentato in figura. Analogamente possono essere costruite poliritmie 3:4, 5:4, 7:4. All'ascolto esse suonano come segue:


title: Poliritmia

text: Impiegata occasionalmente in ogni ambito musicale, la poliritmia è stata però usata estensivamente da alcune tradizioni musicali popolari, soprattutto in quelle Africane (soprattutto per quello che riguarda la musica per percussioni). Da queste, la poliritmia ha trovato spazio anche in ambiti musicali più moderni quali jazz, jazz-fusion, musica latina, math rock e progressive metal. In ambito rock e metal, gruppi come i Meshuggah hanno sovrapposto tempi dispari particolarmente insoliti (9/16 - 13/16 - 17/16 - 27/16 ecc..) su una base ritmica ostinata in 4/4.


title: Ritratto di Paolo III

text: Il Ritratto di Paolo III è un dipinto olio su tela (113,7×88,8 cm) di Tiziano Vecellio eseguito nel 1543 e conservato presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli.


title: Ritratto di Paolo III

text: Si tratta di uno dei più vigorosi ritratti papali della storia dell'arte, nonché il primo in assoluto di Papa Paolo III eseguito da Tiziano. Pietro Aretino alla visione del dipinto affermò che il ritratto eseguito fosse un "«miracolo fatto dal vostro" [di Tiziano] "pennello [...]»".


title: Ritratto di Paolo III

text: L'opera fu eseguita da Tiziano in occasione dell'incontro che Paolo III ebbe con il re Carlo V d'Asburgo a Ferrara nel 1543, in un clima di forte tensione ed incertezza politica dovute al fatto che il pontefice stesse avviando i primi tentativi di conciliazione, poi falliti, che avrebbero portato poi, negli anni successivi, al concilio Tridentino.


title: Ritratto di Paolo III

text: Tiziano, già noto come eccelso ritrattista nelle corti europee, fu chiamato dal nipote del papa, il cardinale Alessandro Farnese, con l'auspicio di eleggerlo pittore di corte della famiglia e anche per chiedergli di eseguire un ritratto al papa che, stando ai documenti d'archivio comprovanti il pagamento dell'opera, risulta eseguito con una certa celerità (il pittore infatti raggiunse la terra emiliana il 22 aprile e giusto un mese dopo, il 22 maggio, l'opera risulta spedita al committente). Tiziano aveva già riscosso i dovuti successi presso la "famiglia Farnese" con il "Ritratto di Ranuccio", nipote di Paolo III e fratello di Alessandro, compiuto nel 1542 a Venezia (oggi al museo di Washington).


title: Ritratto di Paolo III

text: Con il ritratto del papa il pittore consolida a pieno il suo ruolo e la sua arte presso la casa papale, al punto che paio di anni dopo, durante il soggiorno romano, furono eseguiti in successione altri celebri ritratti della nobile famiglia: il "Ritratto di Pier Luigi Farnese" (1545-1546), il "Ritratto di Paolo III con i nipoti Alessandro e Ottavio Farnese" (1545-1546), il "Ritratto di Paolo III con il camauro" (1545-1546) ed il "Ritratto del cardinale Alessandro Farnese" (1546 circa).


title: Ritratto di Paolo III

text: Il Vasari cita l'opera dentro alla guardaroba del cardinale Alessandro, che la acquisì verosimilmente in eredità. La tela risulta nel palazzo Farnese di Roma fino al 1653; successivamente è registrata nel palazzo del Giardino di Parma fino al 1680, ignorando in che contesto sia avvenuto il trasferimento dalla capitale pontificia alla città emiliana. Nel Settecento compare poi nel palazzo della Pilotta con altri sette ritratti eseguiti da Tiziano alla famiglia Farnese (tra cui quello di "Pier Luigi Farnese", di "Paolo III con il camauro", e di "Alessandro Farnese", tutti confluiti successivamente nelle raccolte napoletane), seppur è l'unico menzionato nella "Descrizione" dei cento capolavori della galleria del 1725.


title: Ritratto di Paolo III

text: Il dipinto fu quindi ereditato assieme a gran parte della collezione Farnese, dapprima da Elisabetta, madre di Carlo di Borbone, e poi da quest'ultimo, che condusse con sé tutta la raccolta farnesiana a Napoli nel 1734. Durante i moti rivoluzionari contro il regno borbonico che partirono con la Repubblica napoletana del 1799 e che portarono al decennio francese di Giuseppe Bonaparte e Gioacchino Murat tra il 1806 e il 1815, l'opera fu tra quelle poche (circa una decina assieme alla "Danae" e al "Ritratto di Paolo III con i nipoti", e la "Maddalena penitente", tutte di Tiziano) che "meritarono" una tutela speciale da parte di Ferdinando IV di Borbone, il quale decise di condurla con sé a Palermo in occasione della fuga da Napoli sottraendola così da possibili prelievi delle nuove case regnanti.


title: Ritratto di Paolo III

text: L'opera si presenta come un capolavoro assoluto della ritrattistica, tanto è vero che fu apprezzato ben presto anche dal capostipite dei Farnese, nonché committente della stessa. Paolo III, dopo l'esecuzione della pittura, entusiasta del lavoro svolto da Tiziano, chiese di conseguenza allo stesso di entrare a far parte degli uomini al servizio papale a Roma, offrendogli l'ufficio della piombatura delle bolle pontificie, fino ad allora affidato a Sebastiano del Piombo. L'invito ebbe tuttavia lo stesso esito di quello avanzato da Leone X nel 1513; fu infatti rifiutato dal maestro, che preferì rimanere a Venezia.


title: Ritratto di Paolo III

text: Il dipinto raffigura con particolari di assoluto realismo (come i dettagli sulle mani, le fosse scavate sulle guance o la folta barba bianca) un anziano Paolo III, già settantacinquenne, caratterizzato da uno sguardo lucido, più di uomo politico che di chiesa. La posa di tre quarti assunta dal papa rispecchia l'iconografia classica di questo genere di rappresentazioni, già adottate in precedenza nel "Ritratto di Giulio II" eseguito da Raffaello, o in quello di "Clemente VII" di Sebastiano del Piombo, ma che verrà ripreso anche successivamente, con il sontuoso "Ritratto di Innocenzo X" di Diego Velazquez.


title: Ritratto di Paolo III

text: Lo stile si confà al livello della committenza, particolarmente prestigiosa che portò il Tiziano a realizzare il ritratto nei minimi particolari, con pennellate sottili sui ritagli di barba, delle sopracciglia fin anche ai bordi dell'abito o della tappezzeria della sedia. I preziosi particolari si riscontrano anche nelle mani ossute del papa, con la destra che poggia su una borsa, che denota l'attenzione ai beni terreni, all'epoca non del tutto fuori luogo per i pontefici, sul cui dito anulare fa bella mostra l'anello papale.


title: Ritratto di Paolo III

text: Dello stesso dipinto esistono diverse copie di epoche successive che testimoniano il successo che l'opera ebbe sin dall'origine, tra queste una di Scipione Pulzone nella Galleria Spada di Roma, mentre un'altra versione sempre di Tiziano che differisce dalla prima redazione per l'aggiunta del camauro sul capo del papa, databile un anno dopo quella in esame, quindi al 1545-1546, fu eseguita per il cardinale camerlengo Guido Ascanio Sforza di Santa Fiora, nipote anch'egli di Papa Paolo III, ed è identificabile con la tela anch'essa giunta al Museo di Capodimonte.


title: Ritratto di Paolo III

text: Sempre nello stesso museo napoletano è, infine, conservato il "Ritratto ad Alessandro Farnese, futuro papa Paolo III", all'età di circa quarant'anni, quand'era ancora cardinale, eseguito da Raffaello intorno al 1510.


title: Damietta

text: Damietta () è una città e porto dell'Egitto, capoluogo del governatorato omonimo. Si affaccia sul Mar Mediterraneo, sul delta del Nilo, circa 200 km a nord del Cairo.


title: Damietta

text: Damietta dà il nome al ramo orientale del delta del Nilo, che anticamente era noto come "ramo Fatnitico".


title: Damietta

text: In tempi moderni, la realizzazione di un canale che la collega al Nilo l'ha resa un porto non meno importante rispetto al passato, quando in epoca classica islamica essa era il secondo porto egiziano, dopo Alessandria ma prima di Tinnīs.


title: Damietta

text: Il nome della città è inoltre citato da Dante al v. 104 del XIV canto dell'Inferno durante il racconto di Virgilio sul Veglio di Creta.


title: Damietta

text: Nell'antico Egitto la città era nota come Tamiat; divenne meno importante nel periodo ellenistico, dopo la costruzione di Alessandria.


title: Damietta

text: Damietta fu importante nel XII e XIII secolo, durante le Crociate. Nel 1169 una flotta del Regno di Gerusalemme, col sostegno dell'Impero bizantino, attaccò il porto, ma venne sconfitta da Saladino.


title: Damietta

text: Durante i preparativi per la Quinta crociata, nel 1217, venne deciso che Damietta doveva essere al centro dell'attacco. Il controllo del porto significava il controllo del Nilo, e da lì i Crociati ritenevano di essere in grado di conquistare l'Egitto; dall'Egitto avrebbero quindi potuto attaccare la Palestina e riconquistare Gerusalemme. Damietta venne assediata e occupata nel 1219, ma per il 1221 i Crociati erano stati sconfitti, fuori dal Cairo e cacciati dall'Egitto.


title: Damietta

text: Damietta fu anche l'oggetto della Settima crociata, guidata da Luigi IX di Francia. La sua flotta vi giunse nel 1249 e conquistò rapidamente il forte, anche se si rifiutò di cederla al re nominale di Gerusalemme, cui era stata promessa durante la Quinta crociata. Comunque, anche Luigi alla fine venne sconfitto in Egitto dall'intelligente resistenza attuata da Baybars, futuro sultano mamelucco, che ruppe le dighe circostanti e trasformò in un pantano il campo da battaglia, obbligando alla resa le forze cristiane che furono costrette a rinunciare all'impresa. A causa della sua importanza per i Crociati, Baybars distrusse la città e la ricostruì con fortificazioni più robuste a pochi chilometri dal fiume.


title: Damietta

text: Damietta viene ricordata anche nella biografia di san Francesco d'Assisi: il santo, imbarcatosi il 24 giugno 1219 dal porto di Ancona con 11 compagni, giunse in prossimità della città egiziana dov'era il campo crociato degli assedianti. Sorretto da una precisa concezione missionaria, chiese il permesso al legato pontificio Pelagio di avventurarsi con i suoi confratelli nel territorio musulmano, il che Pelagio gli concesse a malincuore solo dietro forti pressioni. Il suo scopo era di predicare i valori della fede cristiana al sultano al-Malik al-Kamil ed ai suoi uomini, e convertirli al cristianesimo, facendo così cessare le ostilità. Ricevuto con grande cortesia dal Sultano, ebbe con lui un lungo colloquio, al termine del quale Francesco dovette tornare nel campo crociato.


title: Damietta

text: Intorno a questo evento storico sono fiorite diverse leggende riguardanti il santo e la sua straordinaria capacità di convincere e convertire, anche se al-Malik al-Kāmil, pur apprezzando l'aura di santità che promanava da Francesco ed elargendogli dei doni in segno di stima, rimase musulmano.


title: Museo internazionale delle ceramiche in Faenza

text: Il Museo Internazionale delle Ceramiche (MIC), situato a Faenza, è la raccolta di arte ceramica più grande al mondo.


text: Nelle sale espositive sono raccolte le opere delle officine di ceramica italiana dal Medioevo all'Ottocento; del Vicino Oriente Antico; di area mediterranea in epoca ellenistica; precolombiana e islamica. Un'ampia sezione è dedicata alla ceramica moderna e contemporanea.


text: Dal 1963 il museo promuove, con scadenza biennale, un concorso internazionale sulla ceramica artistica, che gli ha consentito di ampliare le sue raccolte con opere provenienti da tutto il mondo.


text: Tutto ebbe origine con l’"Esposizione Internazionale di Faenza" del 1908 dedicata al terzo centenario della nascita di Evangelista Torricelli. Un intero quartiere della città fu attrezzato per il prestigioso evento che vide confluire a Faenza gli artisti più noti nel campo delle cosiddette Arti Applicate. Fu un successo e Gaetano Ballardini, animatore della manifestazione e ideatore del nascente Museo delle ceramiche, poté raccoglierne i frutti iniziando a collocare, nelle sale dell'ex convento di San Maglorio, la raccolta delle ceramiche. Sensibilizzò collezionisti privati ed enti pubblici ottenendo, dagli uni e dagli altri, donazioni e riconoscimenti istituzionali: fra i personaggi dell'epoca che aderirono al comitato per la fondazione del Museo, vi fu il forlivese Tito Pasqui.


text: Gaetano Ballardini non volle per il suo museo soltanto l'incremento e la diversificazione tipologica dell'antica ceramica italiana ed estera; si preoccupò sin dall'inizio di stabilire saldi rapporti con le scuole di formazione tecnica e artistica, garantendo alle stesse un background valoriale con cui implementare la produzione artigianale e industriale. Fu promotore di mostre nazionali e internazionali, fino a dar vita alla rivista specializzata "Faenza". Figlio di quel territorio che aveva dato lustro all'arte della ceramica, volle essere testimone di questa secolare vocazione per trasmetterla alle generazioni future.


text: Così l'identità del Museo si riconobbe nella Scuola di Ceramica, oggi Istituto Statale d'Arte per la Ceramica G. Ballardini, nel recupero scientifico delle tecniche antiche della ceramica e nella successiva promozione e vendita dei prodotti ceramici del tempo. Unico nel suo genere, il Museo faentino acquisì sempre maggior prestigio a livello internazionale e già nel 1926 comprendeva, oltre alle collezioni antiche, anche una sezione dedicata alle celebri fabbriche di ceramica europea e ai più qualificati ceramisti contemporanei.


text: Durante la seconda guerra mondiale il Museo fu pesantemente bombardato; particolarmente disastroso fu il bombardamento del 13 maggio 1944 che provocò gravissimi danni alle strutture. Anche allora Ballardini, nonostante la non più giovane età, si mise all'opera, raccogliendo fondi, sensibilizzando il mondo dell'arte e le istituzioni così che già dal 1949 poté riaprire le prime sale espositive. Fu allora che l'amore per la ceramica di grandi artisti, come Picasso, Leger, Matisse e Chagall, li portò a donare importanti opere al museo.


text: Nel dopoguerra iniziarono le donazioni di intere collezioni private e grande eco ebbero, nel mondo del collezionismo, quelle che ne integrarono magnificamente il già cospicuo patrimonio: Merenghi, Benini, Ugolini, Rusconi, fino a quelle più recenti di Cora, Fanfani e Cantagalli. A oggi il Museo vanta un corpus di oltre 40.000 reperti ceramici.


text: L'esposizione permanente del MIC si snoda attraverso due itinerari che separano la parte dedicata alla ceramica antica, collocata negli spazi ristrutturati dell'ex quadrilatero conventuale, da quella del Novecento ospitata nelle nuove ali edificate alla fine del secolo scorso. Con questa scelta il museo ha voluto evidenziare il fecondo rapporto fra i caratteri dei vari stili e il "fare ceramica" attraverso i secoli, fino ai giorni nostri.


text: I primi reperti di ceramica faentina risalgono ai primi secoli dopo l'anno 1000. Gli artigiani poterono giovarsi delle terre locali, utili alla lavorazione dei manufatti principalmente per uso domestico e, nella foggiatura delle forme e i decori, seppero mediare con originalità la cultura lombardo veneta e quella della vicina Toscana.


text: Faenza infatti, sin dall'alto medioevo, ricadeva in un'area attraversata dagli intensi traffici che provenivano sia dalla via Emilia, sia dalle arterie transappenniniche che dalla Toscana conducevano al nord est della penisola e lì s'incrociavano.


text: Per la maiolica, sul biscotto di prima cottura si poteva applicare lo smalto e decorarlo a pennello oppure, per i manufatti chiamati "graffiti", l'oggetto ancora crudo veniva rivestito d'ingobbio e poteva essere graffiato con una punta per poi essere cotto, successivamente decorato e infine rivestito da una vetrina trasparente.


text: Per i decori la ceramica si avvalse del coevo repertorio delle arti minori in cui campeggiavano, nei tessuti, nelle miniature e l'oreficeria, sia il bestiario medievale con i suoi motivi fitomorfi e gli animali fantastici, sia i temi araldici atti a dar lustro alle varie casate che hanno contraddistinto la storia faentina di questo periodo, come per i Manfredi signori di Faenza dal 1313 al 1505.


text: Interessante il recupero, nella fine del Trecento, anche di temi leggendari tratti dalla classicità. Ne è testimonianza, su un boccale della fine del XIV secolo, una decorazione con "Aristotele cavalcato da Filide" che rievoca l'allegoria, diffusa dal XIV al XVI secolo, della supremazia della donna sull'uomo.


text: È lo stile arcaico che tradurrà, anche in quest'arte minore, l'immaginario medioevale traghettandolo fino alle soglie del XV secolo.


text: Agli inizi del Quattrocento, al termine della fase arcaica, le ceramiche faentine cominciano a distinguersi per il candore, la corposità degli smalti e l'adozione di nuovi pigmenti colorati.


text: La produzione si caratterizza per la serialità dei temi ornamentali, senza eccessive divagazioni stilistiche. In questo che viene definito stile severo si compendiano in due successive fasi una serie di famiglie decorative principali.


text: Nella prima i maestri faentini elaboreranno i temi dello stile arcaico ispirandosi nell'ornato ai decori bizantini, come nella famiglia della "zaffera", dall'arabo al-safra=cobalto, in cui raggiungono una rara perfezione esecutiva ove su un plateau particolarmente bianco campeggia lo smalto a spessore cobalto intenso o per la famiglia "italo/moresca", subendo l'influenza delle maioliche ispano moresche provenienti dall'isola di Maiorca e dalla Spagna quando, attraverso l'accostamento dei colori blu e giallo (il cobalto si diluisce e si attenua ingrigendosi e il giallo si avvicina al citrino), si imiterà gradevolmente la "nouance" dorata del loro lustro metallico.


text: Nella seconda fase, ai temi cari al tardo gotico, floreale o "flamboyant", a cui appartiene per eccellenza il motivo della "foglia accartocciata", si affiancherà l'elaborazione degli stili decorativi giunti, con le porcellane introdotte in Europa lungo la via della seta, dalle regioni orientali e dalla Cina.


text: Sono le famiglie ad "occhio di penna di pavone", "palmetta persiana", e con decoro "alla porcellana" ripreso dalle prime ceramiche cinesi importate in occidente durante il primo periodo della dinastia Ming.


text: Unitamente ai manufatti smaltati si affianca, fino alla metà del Quattrocento, ceramica graffita ingobbiata e invetriata, dai caratteristici decori stilizzati fito zoomorfici in bicromia verde (ramina) e bruno giallastra (ferraccia).


text: Nella seconda metà del XV secolo si affermò la produzione di ceramica graffita e di maiolica dipinta, sia su tematiche simboliche sensibili alle istanze neoplatoniche, sia con il genere amatorio o la rappresentazione di volti virili e femminili dalla delicata purezza formale.


text: Ne sono esempi la diffusione di ciotole, ingobbiate, graffite e invetriate, o maioliche smaltate, con effigiato il volto della persona amata. Se ne tramanda l'uso “gentile” per consacrare le unioni, da cui il nome per queste ceramiche di "Gameli", e con gli sposi che bevendo nella stessa coppa confermavano così la comunione d'intenti matrimoniale. È altresì testimoniato l'uso di questi oggetti per distribuire i confetti agli invitati al termine dei festeggiamenti nuziali.


text: Un'altra interessante produzione si distingue nell'ultimo quarto del XV secolo. Sono le piccole plastiche maiolicate policrome, a tutto tondo o a bassorilievo, a soggetto sacro e profano dal connotato quasi fiabesco. I soggetti traggono spunto dalle opere monumentali a cui si era ispirato il repertorio dei maestri plasticatori di area padana.


text: Fra le rappresentazioni a carattere profano la più diffusa sarà quella a forma di calamaio con il "Giudizio di Paride", come nell'opera qui riprodotta, e con i classici personaggi disposti intorno a una fonte: Mercurio, Paride, Venere, Giunone e Minerva. La dea dell'amore vinse la gara e anche in questa riproduzione plastica l'allegoria individua nell'eros, trasfuso nell'inchiostro, la fonte dell'afflato che deve ispirare e nobilitare lo scrivere.


text: Continua per tutto il primo quarto del Cinquecento la produzione di maiolica decorata alla "porcellana" con orcioli, boccali, piatti, vassoi e albarelli anche con anse tortili; i colori sono diffusamente in monocromia turchina, con accenni di arancio, rosso, verde e giallo, nei cartigli e nelle rappresentazioni araldiche.


text: In questo inizio di secolo le officine faentine raggiungono una propria autonomia linguistico decorativa, unitamente a un'alta qualità tecnica, con l'affermarsi degli ornati caratteristici del nostro pieno Rinascimento.


text: Ritroveremo sulle maioliche delicate rappresentazioni della figura umana pur restando circoscritte alle tipologie di singoli personaggi, come paggi, dame, musici o figure allegoriche fino al tema, comune a diverse manifatture dell'area centroitalica, delle cosiddette “belle donne” o “bellone”, vivacemente dipinte, dai generosi "décolleté", sontuose vesti, copricapi, e dai molti nomi: Julia bella, Eugenia bella, Laura bella, Bernardina bella, Maria bella, Diana bella, Laura bella, come osserverà Giulio Castellani nel suo poemetto cinquecentesco dedicato alle "Belle di Faenza".


text: Inoltre la ricerca iconografica, sensibile alle richieste di una committenza sempre più esigente e colta induce i maestri faentini a esprimersi attraverso un virtuosismo decorativo di rara bellezza.


text: È il caso delle pitture a grottesche su fondi azzurri (tipologia berrettina) quando, sulla scorta delle scoperte dei resti della Domus Aurea Neroniana chiamate “grotte”, si era affermato dalla metà del Quattrocento, nella grafica, nella pittura e quindi nella ceramica, il tema delle grottesche, con il suo immaginario decorativo.


text: Campeggeranno così sulle maioliche, fra delicati girali fogliati, animali fantastici e mostruosi, cornucopie, trofei d'armi antiche, busti e ritratti anche a cornice di stemmi araldici e figurine intere.


text: Una decorazione sempre più complessa fino a raggiungere intorno al secondo quarto del XVI secolo un'ottima compiutezza formale e narrativa con la rappresentazione di temi tratti dalla mitologia e dall'Antico e Nuovo Testamento.


text: Sarà questo il tempo dello Stile istoriato in cui si esprimeranno maestri d'indiscusso valore come Pietro Bergantini, Baldassarre Manara e Pirotto Paterni capostipite della Ca' Pirota.


text: Famose nelle collezioni del Museo: la "coppa" della bottega di Pietro Bergantini (dono Galeazzo Cora), qui rappresentata, con l’"istoria", dipinta su fondo berrettino (azzurrino), del leggendario "sacrificio di Marco Curzio", all'interno di un'animata scena ricca di pathos; al recto della coppa l'iscrizione "Fat in Faensa i labotega D M Piere Bergatio MCCCCC 1529 adi i7 dt zugno". il piatto, sempre di Pietro bergantini con la raffigurazione del Parnaso; la coppa istoriata con l"'Adorazione dei pastori" di Baldassarre Manara, fedele riproduzione da un'incisione di Raimondi che si ispirava al soggetto del Francia; il piatto con "Atteone mutato in cervo", solo per citarne alcuni.


text: Le grottesche spesso contorneranno le istorie, arricchendosi di festoni con foglie e frutti, anche d'ispirazione robbiana, e nell'esempio della coppa Bergantini, forse la più affascinante opera conservata dal Museo, ai trofei d'armi si aggiungeranno strumenti musicali come Chiarine, Cetre, Viole e Tamburi.


text: Durante la metà del Cinquecento si affermerà nella maiolica destinata agli Speziali, anche il decoro a "quartieri", con colori brillanti, partiture lineari e curve che, su fondo giallo, verde, arancio, rosso, raccolgono le forme decorative delle grottesche, come delfini, girali fogliati, ali, foglie di acanto stilizzate e guerrieri o personaggi leggendari, tratti dalla letteratura rinascimentale.


text: Spesso i soggetti si rifaranno agli eroi dei poemi di Matteo Maria Boiardo e Ludovico Ariosto, centrati al di sopra dei vari cartigli medicinali come nel vaso globulare in cui è dipinto il busto di Agramante al di sopra del cartiglio medicinale.


text: Le forme saranno quelle del repertorio destinato alle farmacie: pilloliere, albarelli, brocche, versatoi, grandi vasi globulari e fiasche.


text: Poco oltre la metà del Cinquecento si registra nella produzione faentina di maioliche un mutamento d'orizzonte stilistico e formale.


text: Al virtuosismo pittorico, alle vivaci combinazioni cromatiche, ai temi narrativi dell'istoriato, ai virtuosismi delle più elaborate partiture geometriche, in cui i maestri avevano ottenuto grande fama e successo, fa all'improvviso da contrappunto, la necessità di operare una catarsi che individua nell'esaltazione del bianco, la verginale tela su cui scrivere una nuova pagina e proiettarsi così verso rinnovati orizzonti.


text: Sarà il tempo del bianco, che privilegerà la ricerca formale a quella del colore tanto che la maiolica nei "bianchi di Faenza", dal denso color latteo, si ammanterà di tenuissime e aeree ghirlande a contornare amorini dalle forme berniniane, cavalieri, figure femminili e guerrieri turchi.


text: Emergerà una tavolozza che diluirà il colore, blu, giallo o arancio, fino quasi a svelarlo applicandolo sui candidi manufatti dalle forme sinuose e traforate. Per questo sarà chiamata "Tavolozza languida" e, per il leggero tratto pittorico che compendiava il tutto, a questo lungo periodo verrà dato il nome di Stile compendiario.


text: Il motivo della grottesca transita nelle nuove forme: le saliere saranno sorrette da arpie e delfini, i rinfrescatoi sostenuti da piedi a foggia zoomorfica a cui si aggiungeranno obelischi e calamai, le coppe (crespine) saranno umbonate o traforate, il tutto nel netto superamento dei canoni celebrativi rinascimentali e interpretando con virtuosismo esecutivo il Manierismo e il passaggio al Barocco.


text: La nuova produzione riscosse un così grande successo che le officine faentine l'adottarono fino alla fine del Seicento quando assumerà una veste quasi seriale. I bianchi di Faenza furono esportati in tutt'Europa incontrando un tale favore che fu coniato il termine "faĭence" per indicare la maiolica legando così, nei secoli a seguire e fino a oggi, il nome di Faenza a qualunque manufatto in maiolica.


text: Fautori e massimi esponenti di questo genere di maioliche, furono i ceramisti Virgilio Calamelli con la sua fiorente bottega, Leonardo Bettisi detto Don Pino e i Dalle Palle o Giangrandi, che operarono dalla metà del Cinquecento fino ai primi decenni del Seicento.


text: Grazie anche alle pregiate raccolte di Galeazzo Cora e Angiolo Fanfani, donate al Museo, la sezione presenta un vasto repertorio di opere delle altre officine italiane del periodo bassomedievale, rinascimentale e manierista.


text: Il percorso si snoda per regione iniziando dal Lazio per il quale sono esposte opere di protoceramica medievale risalenti al periodo tardo-romano. È un vasellame semplicemente invetriato chiamato “Forum Ware” a cui fa seguito un gruppo di ceramiche di area viterbese risalenti al XIV-XV secolo, con decori stilizzati, prima in bicromia verde ramina (anche a spessore) e bruno manganese, poi a zaffera a spessore e diluita, diffusi in quel periodo in tutto il centro-nord Italia.


text: Le fogge sono quelle tipiche della maiolica arcaica con ciotole anche carenate, tazze biansate, piatti, bacili e boccali, comprese le “panate”, dal becco molto pronunciato, per servire la zuppa di pane.


text: Anche i decori si uniformano a quelli comuni a tutta la penisola: con stilizzazioni geometrico-fitomorfiche, stemmi araldici, busti femminili e maschili (con acconciature, copricapi e vesti del periodo), uccelli fantastici e draghi alati.


text: Anche per la ceramica prodotta nel nord del Lazio l'uso della zaffera a spessore o diluita, per decorare il vasellame, godrà di notevole fortuna fino a tutto il XV secolo.


text: L'arte ceramica in Abruzzo è attestata con reperti di uso corrente sin dal quattrocento, ma è nel secondo decennio del Cinquecento che si inizia a produrre maiolica di grande qualità, grazie alla fornace della famiglia Pompei in Castelli, in cui emerge la figura di Orazio con la sua prestigiosa committenza.


text: È il caso del celebre e monumentale corredo per la farmacia Orsini Colonna con una tipologia dalle fogge originali e fastosamente decorate, dalle cromie vivaci ed eleganti. Unitamente a questa ritroviamo nella ceramica di Castelli, della metà del cinquecento, anche vasellame dalle forme mosse e raffinati decori che interpretano con grande coerenza l'evolversi stilistico dal Rinascimento al Manierismo.


text: Ne sono eccellenti esempi i manufatti in blu lapislazzulo, di gusto eccentrico e ricercato, dalle fogge baccellate e arricchite nelle plastiche da mascheroni, sfingi alate e zampe di leone, come per il vasellame compendiario. Questa produzione s'ispirerà agli argenti del periodo tardo rinascimentale e nella sezione si può ammirare il rinfrescatoio riprodotto a fianco, un esemplare eccezionale di cui si conosce un gemello nelle collezioni dell'Ermitage, entrambi facenti parte del celeberrimo servizio commissionato dal cardinale Alessandro Farnese (1520-1589).


text: Un rinfrescatoio da tavola decorato da finissimi arabeschi in oro su fondo lapislazzuli e stemma del cardinale, chiamato “vasca Farnese”, che dimostra come i maestri di Castelli avessero acquisito una notevole capacità tecnica ed esecutiva, raggiungendo la resa immaginale dei vetri classici del periodo alessandrino.


text: L'itinerario prosegue con la raccolta delle ceramiche umbre a partire dal periodo arcaico, con un repertorio simile, almeno per la vasta produzione di Orvieto, a quello di area viterbese.


text: Più tardi verso la fine del Quattrocento anche nelle altre officine umbre, fra cui primeggiano quelle di Deruta e Gubbio, attive sin dalla fine del Duecento, oltre a quella minore di Gualdo Tadino profondamente influenzata dalla vicina Gubbio, si annovereranno i temi cari al periodo tardo gotico riprodotti su vasellami perlopiù destinati ai corredi da farmacia. Ne faranno parte, dipinti con vivace policromia: animali fantastici, festoni, nastri, palmette, cornucopie, delfini, grottesche e stemmi araldici.


text: Ma è nei primi decenni del Cinquecento che la produzione umbra assurge ai fasti del pieno Rinascimento, anche con maioliche di notevoli dimensioni, conquistando fama e onori nell'ambito delle officine ceramiche del tempo.


text: Compariranno infatti grandi piatti da pompa e servizi da tavola, “credenze”, dipinti in monocromia blu o in vivace bicromia giallo/blu e resi preziosi dall'aggiunta del lustro metallico con i suoi riflessi rosso rubino, giallo dorato e più raramente argentei. Esso si applicava inoltre alle ceramiche dipinte a temi istoriati, e ""anche su grottesche, trofei musicali e d'armi antiche, motivi a candeliere, ecc"."


text: L'officina più famosa fu quella di Mastro Giorgio Andreoli a Gubbio e i suoi lustri a riflesso dorato o argentato e soprattutto (per l'unicità) rosso rubino, rimarranno insuperati. Ne è un pregevole esempio, fra quelli proposti lungo il percorso e qui riprodotti una coppa ricavata da una medaglia dell'orafo-incisore Sperandio de' Savelli mantovano (1425-1495). Attorno, sull'intera superficie è dipinta una corona di perle alternate a bacche, in rilievo. Si presenta come uno dei primi modelli tratti fedelmente e in ingrandimento dalla pregevolissima medaglia di un ottimo orafo incisore.


text: Un'altra tipologia di derivazione raffaellesca è ben rappresentata in un'altra opera: un piatto dipinto e lustrato a riflesso dorato, con un amorino nel cavetto e a grottesche, su fondo turchino, nella larga tesa. Le delicate grottesche includono teste di uccelli fantastici, una sirena, mascheroni, coppelle, e in alto la scritta SPQR a ricordare i fasti dell'antica Roma.


text: Molti i ceramisti eugubini che si cimentarono con grande perizia nella tecnica del lustro metallico, tra questi i Traversi, i Floris e Giacomo di Paoluccio. Inoltre alle officine di Gubbio e alla loro maestria faranno riferimento anche i grandi maestri urbinati, come Giulio da Urbino, Xanto Avelli e altri, per impreziosire con l'aggiunta dei riflessi metallici le loro opere istoriate ottenendo un risultato di tale bellezza che le farà annoverare fra i capolavori dell'arte ceramica di tutti i tempi.


text: Altrettanta fortuna ebbero i grandi piatti da pompa e i vasi, spesso biansati, decorati anche con l'aggiunta di lustro metallico, prediligendo il dorato, prodotti nelle officine derutesi fino a tutta la prima metà del Cinquecento.


text: Nell'esempio riprodotto a lato, dipinto in bicromia gialla e blu, il lustro dorato conferisce alla rappresentazione di Giuda Maccabeo, scelto tra le figure più rappresentative delle tre ere della storia della salvezza individuate da Agostino, una rara eleganza. Vestito con una preziosa armatura monta un cavallo bardato, dai raffinati finimenti, lanciato nell'impresa.


text: Nel cartiglio la scritta "ISO.LORE.IVDA.MACHABEO.CRUDELE". L'immagine deriva probabilmente da una serie di incisioni di ambito tedesco con raffigurazioni di personaggi illustri; uno degli attributi di Giuda Maccabeo è costituito da tre uccelli rapaci, che nel piatto compaiono sullo scudo.


text: Nelle opere con policromia priva di lustro, la decorazione appare ugualmente vivace ed elegante allo stesso tempo, con ricche baccellature dipinte in rosso e blu, animali fantastici, girali fogliati d'ispirazione raffaellesca, decori fitomorfici e particolarmente su albarelli e boccali, ritroviamo la rappresentazione della figura umana espressa nelle tipologie di paggi e dame iconograficamente simili a quelle dipinte sulle ceramiche faentine dello stesso periodo.


text: Al contrario sul retro dei piatti derutesi compariranno nuove forme decorative come quella detta “petal back” con petali dipinti in sequenza e disposti a raggiera,


text: Per quanto attiene alla produzione istoriata a cui Deruta non appare particolarmente vocata, un posto d'eccezione è occupato verso la metà del Cinquecento da Giacomo Mancini detto “El Frate”, con i suoi grandi piatti “da pompa” più volte impreziositi da “lustro” metallico.


text: Nella sua produzione le istorie campeggiano a tutto campo per raccontare episodi tratti dai poemi epici e cavallereschi, scene tratte dalle "Metamorfosi di Ovidio" e tematiche affrontate dai grandi artisti rinascimentali, con particolare attenzione all'opera di Raffaello.


text: Emblematico è il frammento di un bacile da acquereccia riprodotto a lato. Istoriato con la scena di combattimento fra Bradamante e Marfisa (Orlando furioso, canto 36º) tratta dall'edizione del 1542 di Gabriele Giolito de' Ferrari a Venezia e firmato sul reto ""J Druta El frate pensittj"".


text: Agli inizi del Cinquecento l'orizzonte delle officine ceramiche marchigiane risulta profondamente influenzato dalla koiné culturale umanistica propria all'alta borghesia e alla grande nobiltà del tempo.


text: I maestri ceramisti, più che sensibili a quelle istanze, si cimenteranno con grande successo in "un filone figurativo sempre più gradito e richiesto dalla stimolante pressione di una committenza colta e ansiosa di manifestare un'erudita frequentazione di testi letterari molto in voga: il "Sogno di Polifilo", le "Metamorfosi" di Ovidio, le "Deche" di Tito Livio, le "Figure della Bibbia" ".


text: Ritroveremo così nelle opere ceramiche i temi narrativi dell'istoriato ispirati alle opere dei maestri rinascimentali e in particolare a Raffaello e a tutta la produzione incisoria di Marcantonio Raimondi, riferitasi in quel periodo alle opere dell'urbinate.


text: Ne è pregevole testimonianza il vasto corpus di opere presenti nelle raccolte del museo in cui è ampiamente descritto il passaggio dal primo al secondo e più compiuto periodo istoriato, proprio a tutta l'area marchigiano metaurense con le officine di Pesaro e Casteldurante (poi Urbania).


text: Nella sezione si possono ammirare veri e propri capolavori iniziando dall'arte ceramica urbinate rappresentata superbamente dalle opere dei grandi ceramisti: Nicola da Urbino (Niccolò Pellipario) e Francesco Xanto Avelli da Rovigo attivo a Urbino intorno al 1530, di Guido Durantino e di suo figlio Orazio, della celebre bottega dei ceramisti Fontana, e nell'ultimo quarto del cinquecento fino al 1630 circa della fiorente officina di Alfonso e Antonio Patanazzi.


text: Nicola da Urbino risulta particolarmente sensibile all'opera di Raffaello, come nell'esempio della targa con "La salita al Calvario" dipinta nella sua bottega. L'opera s'ispira alla stampa intitolata "La caduta sotto la croce" di Marcantonio Raimondi, che aveva conosciuto il capolavoro di Raffaello (oggi al Museo del Prado) probabilmente attraverso una copia di Agostino Veneziano.


text: L'animata scena, delimitata con una quinta architettonica da cui si apre un delicato paesaggio fluviale, è detta "Lo spasimo" come si deduce dall'improvviso deliquio che coglie la Vergine Maria, sorretta dalle pie donne, durante il Calvario di Gesù e su cui è incentrata l'intera raffigurazione.


text: Tra i motivi decorativi primeggeranno per tutto il Cinquecento fino ai primi decenni del Seicento le grottesche che si trasformeranno, grazie alle pitture affrescate nelle Logge Vaticane da Raffaello, in "raffaellesche" per contornare le partiture istoriate di brocche, coppe, crespine, piatti da pompa, vasi e grandi rinfrescatoi, spesso arricchiti da plastiche con animali fantastici e cariatidi di tutte le fogge.


text: Inoltre in omaggio al duca Francesco Maria I Della Rovere mecenate di artisti, letterati e delle officine ceramiche del suo territorio (a cui Francesco Xanto Avelli dedicherà un poemetto letterario), avrà una certa diffusione la decorazione a "cerquate", quale stilizzazione della foglia di quercia in riferimento al nome della potente famiglia urbinate.


text: Numerose furono le commissioni, delle più importanti famiglie nobili del XVI secolo ai ceramisti di Urbino e di grande eco, al tempo suo, fu la "credenza" commissionata per celebrare il matrimonio tra Federico II Gonzaga duca di Mantova e Margherita Paleologa, marchesa di Monferrato; il servizio trova il suo limite cronologico fra il 1531, data delle nozze, e il 1540, anno della morte di Federico II e il piatto qui rappresentato costituisce una degli istoriati più pregevoli all'interno del percorso museale.


text: Altrettanto nota fu anche la pomposa "credenza" composta di centinaia di pezzi di tutte le fogge realizzata da Antonio Patanazzi per il terzo matrimonio di Alfonso II d'Este con Margherita Gonzaga, dove su ogni singola opera si trova dipinta, all'interno delle "istorie" o tra le raffaellesche, l'impresa "ardet æternum", a significare l'amore eterno tra Alfonso e la giovane nipote Margherita.


text: Della "credenza" commissionata dal Duca di Mantova il museo possiede un piatto dipinto da Nicola da Urbino con lo stemma Gonzaga-Paleologo sul quale è posta una corona ducale sorretta da un amorino; il manufatto è istoriato con la raffigurazione del carro di Marte; il Dio seduto sul carro viene trainato fra le nubi da due Dee, mentre una terza si appresta a cingergli il capo con una corona d'alloro; al centro della raffigurazione vi è Cupido colto nell'atto dello scoccare una freccia.


text: A Casteldurante (poi Urbania), la ceramica si produceva sin dagl'inizi del XV secolo ma è con il pieno Rinascimento e grazie al mecenatismo colto dei duchi di Urbino, Francesco Maria I e Guidobaldo II della Rovere, che le sue officine ceramiche produrranno opere di altissimo rilievo, sulla scia del fermento artistico che coinvolgeva tutta l'area metaurense "nutrita dal "raffaellismo", dai grandi modelli della pittura e dalla cultura degli umanisti di corte". Ne sono testimonianza le ceramiche dipinte, a temi istoriati e splendide grottesche, da Simone Colonnello, Zoan Maria Vasaro, il "Pittore di Casteldurante, Sebastiano Marforio, i Picchi e tanti altri.


text: Fra le opere esposte un esempio è il vaso con decoro a grottesche riprodotto a fianco appartenente al periodo maturo dell'attività della fiorente bottega di Simone da Colonnello, alla cui maestria dovette ispirarsi la produzione durantina del periodo.


text: In questa pregevole opera è sintetizzata tutta l'esperienza decorativa della grottesca rinascimentale, con tutte le sue suggestioni fantastiche e, nel trapasso verso forme decorative manieriste più dilatate nella campitura del disegno, dalle calde cromie, e dai morbidi e sfumati chiaro scuri su fondo azzurro, gli artisti di Casteldurante ottengono un risultato di sapiente equilibrio formale e stilistico.


text: Le figure delle grottesche perderanno via via la propria intensità iconografica, a cui era sottesa ogni valenza allegorica di riferimento, e nonostante entrino definitivamente a far parte di uno stilema decorativo quasi seriale, conservano fino a tutto il Cinquecento un grande fascino decorativo.


text: A Pesaro si produceva maiolica sin dalla prima metà del Quattrocento in aderenza allo stile arcaico. Successivamente combinando le influenze gotiche con quelle provenienti dalla cultura moresca si realizzeranno maioliche di ottima qualità appartenenti alle famiglie ad "occhio di penna di pavone", "foglia accartocciata" e "alla porcellana" oltre ai vari temi tipici del primo Rinascimento.


text: Fra gli esempi lungo il percorso espositivo esemplificativo è un albarello da farmacia ornato dal motivo tardo gotico della "foglia accartocciata" e dipinta sul fronte una figura di uomo con stampelle, forse uno storpio o reduce dalle battaglie, che sormonta la dicitura farmaceutica "ELTM.HAMEC" (Electuarium Hamec).


text: Nella prima metà del Cinquecento unitamente ai decori a quartieri, alle belle donne, alla raffigurazione di singoli personaggi maschili e femminili, ai fastosi trofei d'armi e musicali dai caldi color ocra, ai festoni e alle rare maioliche a lustro, fiorirà nelle officine pesaresi uno stile istoriato di notevole qualità pittorica grazie all'opera di maestri ancora non individuati e che prendono il nome da gruppi di ceramiche stilisticamente diverse tra loro: il Pittore del pianeta Venere, il Pittore di Argo, il Pittore di Zenobia.


text: Fra i maestri conosciuti emergono quelli di Sforza di Marcantonio e Girolamo Lanfranco delle Gabicce unitamente alla vasta produzione della sua bottega.


text: In Romagna, oltre a Faenza, si produceva maiolica sin dall'epoca etrusca nella vicina Forlì e sin dal Basso Medioevo a Rimini, città favorite dalla presenza nel loro territorio di un'ottima argilla a uso ceramico, con tematiche volte prevalentemente a celebrare le rispettive signorie: gli Ordelaffi, Girolamo Riario e Caterina Sforza a Forlì; i Malatesta a Rimini, ritrovandone così, sulle diverse fogge dei prodotti, gli stemmi e le loro imprese araldiche. Anche la ceramica forlivese e riminese sarà pervasa dagli stilemi caratteristici propri alla produzione ceramica italiana fra Quattro e Cinquecento: foglia gotica e accartocciata, palmetta persiana e occhio di penna di pavone, profili virili e di donna (le "belle donne"), grottesche, trofei e piatti decorati a lustro metallico con i motivi decorativi tipici del primo Rinascimento.


text: Per l'istoriato, Rimini invece vanta una produzione attestata sin dagli inizi del Cinquecento, in cui eccelle la figura di Giulio da Urbino che realizza, verso il 1535 nella bottega di maestro Alessandro in Rimini, una serie di opere di grande qualità, datandole e firmandole "in Ariminio" (in Rimini). Le sue opere appartengono al periodo della sua maturità quando soggiornò in Rimini e rivelano una sapiente elaborazione grafico-pittorica di temi perlopiù profani, cari alla cultura urbinate in cui si era formato.


text: A Ferrara si produceva sin dal Basso Medioevo terracotta invetriata, ingobbiata e graffita con decorazioni simili a quelle delle altre aree della pianura padana: motivi vegetali, fitomorfici, geometrici, animali fantastici, temi araldici e religiosi. Ma fu grazie al raffinato mecenatismo dei duchi d'Este (Ercole I, Alfonso I, Ercole II, Alfonso II) che s'incrementò notevolmente la produzione ceramica tanto che, unitamente alla presenza dei grandi artisti del Rinascimento e del Manierismo, giunsero a Ferrara maestri maiolicari provenienti da Urbino e Faenza.


text: La lavorazione della maiolica estense sarà principalmente graffita, con soggetti figurati maschili e femminili, e influenzata iconograficamente dai poderosi cicli pittorici estensi. A questa si aggiunsero le plastiche (calamai) a tutto tondo con il soggetto preponderante di "San Giorgio che uccide il drago" unitamente a quello largamente diffuso delle figure femminili allegoriche.


text: Le officine ceramiche toscane si distinguono per una precoce produzione attestata, almeno in area pisana, sin dall'ultimo quarto del XII secolo. Prevalentemente si tratta da un vasellame arcaico ingobbiato di ottima qualità esecutiva che con lo sciamare dei maestri "fornaxari" toscani in molte aree della penisola, avrà una funzione propulsiva per tutta la storia della ceramica tardo medievale italiana.


text: Le prime produzioni di maiolica inizieranno intorno alla metà del Duecento nel territorio pisano, dove già campeggiavano nelle facciate delle chiese i bacini ceramici a lustro importati tra la fine del x secolo e la prima metà dell'XI dalla Spagna, dal Marocco, dalla Tunisia, dalla Sicilia e dall Egitto, Pochi decenni dopo si apriranno fornaci in Montelupo Fiorentino e in area senese con una produzione ceramica che si dividerà fra ingobbio e maiolica fino alla fine del Trecento e con i temi decorativi tipici dello stile arcaico.


text: Successivamente sia nell'area fiorentina, in cui primeggeranno le fornaci di Bacchereto vicino Carmignano, sia nel comprensorio del Valdarno con le numerose botteghe di Montelupo, Pontorme, Empoli e nel territorio senese, si realizzeranno sin dagli inizi del Quattrocento maioliche di alta qualità sulla scia dei grandi fermenti artistici e letterari propri all'umanesimo toscano. Nella sezione dedicata sono infatti presentate opere eseguite a "zaffera" a rilievo, mutuate per alcuni dagli esempi vetrari bizantini e per altri dai motivi dei ricchi tessuti del XV secolo presenti sia nell'abbigliamento sia nell'arredo civile e religioso, e poi rappresentati nelle opere pittoriche dei grandi maestri toscani del periodo


text: Ai ceramisti dell'area fiorentina, in cui eccelle l'affermata bottega dei Giunti in Bacchereto e che ebbe in Giunta di Tugio, trasferitosi a Firenze, il massimo esponente, si devono le raffinate produzioni realizzate con la tecnica della zaffera a spessore, detta anche a goccioloni o nella variante diluita, commissionate dalle spezierie fiorentine e toscane, presenti copiosamente nelle collezioni del Museo grazie ai lasciti Cora-Fanfani. Fra le commissioni celebri vi fu quella a Giunta di Tugio per ""la fornitura di molte centinaia di pezzi, che, secondo i documenti, si può far risalire al 1431, contrassegnati dall'emblema della gruccia, per la “spezieria” dell'Ospedale di Santa Maria Nuova"", di cui il museo conserva alcuni pregevoli esempi.


text: Il tema prediletto per il decoro a zaffera sarà quello della foglia di quercia stilizzata dipinta su ampie partiture per contornare perlopiù singole figure zoomorfe, fitomorfiche, animali fantastici, o stemmi ed emblemi volti a distinguere, in quest'ultimo caso, le spezierie committenti. Le forme sono principalmente quelle destinate all'uso farmaceutico, come orci spesso biansati e brocche.


text: Un discorso a parte meritano le celeberrime “terrecotte invetriate”, di Luca della Robbia, le “Robbiane” per antonomasia, prodotte fino alla metà del Cinquecento dai suoi ottimi discendenti e seguaci.


text: Luca, allievo di Nanni di Banco, è ritenuto fra gli antesignani del Rinascimento, assieme a Donatello, Masaccio, Brunelleschi e Ghiberti tanto che Leon Battista Alberti lo citerà nel suo “De Pictura” del 1436.


text: Uomo di notevole cultura e sperimentatore sagace di nuove tecniche, sulla scia del fervore artistico e letterario caratterizzante i primi decenni del Quattrocento fiorentino, intorno al 1435 c. lasciò la scultura su marmo per dedicarsi completamente a sperimentare le tecniche per produrre opere scultoree in terracotta invetriata.


text: Non solo vi riuscì ma ebbe un tale successo che gli furono commissionate sculture per chiese, palazzi, edicole stradali, in Firenze e in altre città della Toscana. A lui successe il nipote Andrea, che con spirito imprenditoriale seguì le orme dello zio, diffondendo ancor più le “robbiane”.


text: Dopo di lui continuarono la produzione cinque dei suoi dodici figli fra cui emerge, a cavallo fra quattro e cinquecento, la figura di Giovanni della Robbia unitamente a quella dei fratelli Santi e Benedetto Buglioni che avevano aperto un'officina in concorrenza con i Della Robbia, con i quali, dopo oltre un secolo, si concluse la stagione che aveva fatto assurgere la "terracotta policroma invetriata" ai vertici della grande arte maggiore della scultura.


text: In realtà molte anonime officine continuarono per tutto il Cinquecento, in veste quasi seriale, a produrre opere alla “robbiana” ma ormai, come scrisse il Vasari, con la metà del Cinquecento “"restò l'arte priva del vero modo di lavorare degli invetriati"”


text: Lasciando la parentesi "robbiana" per tornare alla maiolica, la sezione procede cronologicamente con un ricco repertorio di opere dai classici decori appartenenti alle famiglie decorative della seconda metà del Quattrocento: "italo moresca" con il decoro detto "Santa Fina", "foglia di prezzemolo", "foglia gotica accartocciata", "occhio di penna di pavone", "palmetta persiana" e "alla porcellana" realizzate nelle officine ceramiche di Cafaggiolo, Montelupo e Siena.


text: Altri temi caratteristici introdurranno all'interno dei decori, grandi cartigli con scene tratte dalle opere del Petrarca, figure femminili e di paggi, rappresentazioni allegoriche.


text: Nella prima metà del Cinquecento anche in Toscana e particolarmente nell'officina di Cafaggiolo, voluta da Lorenzo di Pierfrancesco de Medici alla fine del Quattrocento all'interno del complesso della sua villa assoldando mestranze di Montelupo, si assiste a una produzione istoriata di alta qualità stilistica e formale, con tematiche comuni alle officine Urbinati e marchigiano metaurensi, oltre a una rara produzione di "lustri" attestata da pochi reperti conosciuti e probabilmente eseguiti a opera di maestranze derutesi o eugubine fatte giungere a Cafaggiolo.


text: Della eccellente produzione istoriata il museo conserva alcuni esemplari fra cui uno eccezionale: un grande boccale con effigiato Papa Leone X e siglato con una Sp, la magistrale bottega di Jacopo di Stefano in Cafaggiolo.


text: L'opera fu realizzata probabilmente durante il breve soggiorno del Pontefice nella Villa medicea di Cafaggiolo per ritemprarsi dopo i fasti della sua prima visita a Firenze del 1515. Il volto del Papa, dal forte tratto caratteriale, è ingentilito dai raffinati paramenti dipinti con miniata dovizia di particolari: il Triregno, l'operata veste rosata, e il prezioso fermaglio, derivato dai modelli dell'alta oreficeria del tempo. Infine il busto di papa Leone X è dipinto su un fondo color lapislazzuli. Il retro del boccale è decorato con il motivo "alla porcellana" largamente diffuso sui vasellami toscani e faentini nel primo quarto del Cinquecento.


text: Nell'ultimo quarto del Cinquecento, dopo aver raggiunto, grazie a Jacopo di Stefano, livelli artistici paragonabili a quelli dei grandi ceramisti urbinati, la fabbrica di Cafaggiolo andrà declinando verso una produzione seriale per concludere la sua attività intorno ai primi decenni del Seicento.


text: Dovremo attendere tuttavia soltanto pochi decenni per vedere nuovamente un Medici protagonista indiscusso sulla scena dell'arte ceramica. Furono infatti le ambizioni del granduca Francesco I Medici, nutrite dal fascino per le porcellane cinesi importate dall'oriente durante la dinastia Ming a produrre il grande evento. Mecenate e cultore egli stesso di lettere, scienze e arti, in lui, contrariamente al ramo Medici di Cafaggiolo e al padre Cosimo I, la maiolica non aveva mai suscitato particolare interesse. Amava gli studi propri alle ardite investigazioni degli umanisti fiorentini e all'arte metallica in particolare. Sperimentatore egli stesso di alchimia e sensibile alle opere dei maggiori alchimisti del tempo, volle a ogni costo che fosse risolto il problema degli impasti per produrre porcellane, e nel Casino di San Marco in Firenze, sotto la direzione del Buontalenti, mise all'opera gli "arcanisti", partecipando egli stesso alle sperimentazioni.


text: I tentativi ebbero successo e intorno al 1575 vedranno la luce le prime opere di porcellana a pasta vitrea (una via di mezzo tra la porcellana a pasta tenera e quella dura) mai realizzate in occidente, la cosiddetta "Porcellana dei Medici", dipinta rigorosamente in blu su fondo bianco, e con temi decorativi ripresi da quelli cinesi. Di quella produzione, durata per una ventina di anni, sono conosciute soltanto una cinquantina di opere, vere "perle" esposte nei più importanti musei del mondo, e anche il museo di Faenza può vantare nelle sue collezioni un esemplare.


text: A Montelupo per tutto il XVI secolo continuano le forniture di maiolica alle ricche Officine farmaceutiche degli ospedali toscani e alle più importanti famiglie nobili, con decori legati al primo Rinascimento, oltre a una vivace produzione per uso domestico.


text: È il caso delle famiglie decorative "palmetta persiana", "girali fogliati" e "a raffaellesche" a cui si aggiungerà una rara produzione istoriata, grazie al transito nel valdarno di maestri ceramici faentini, durantini e urbinati. Fra i nuovi temi decorativi comuni all'area faentina, di Urbania e Pesaro elaborati alla fine del cinquecento compare, anche a Montelupo, quello della "foglia azzurra bipartita" che adornerà i vasellami montelupini fino alla fine del seicento.


text: Il periodo aureo della produzione di Montelupo può circoscriversi agli anni dal 1470 c. al 1530 c. quando nella maiolica si riscontreranno intensi accostamenti cromatici e un sapiente tratto grafico-compositivo. In questo periodo, fra le riconosciute botteghe degne di menzione, emerge quella dei Marmi, una famiglia di ottimi maestri maiolicari che lavorarono anche per i Medici. Le opere di questa eccellente fornace raggiungono un'alta qualità stilistica e formale e in alcuni casi sembrano ispirarsi ai coevi modelli in porcellana medicea sfornati dall'officina del Casino di San Marco, avvicinandosi al loro ineguagliabile fascino.


text: Nell'area pisana dove sin dalla fine del XII secolo si produceva ceramica ingobbiata, e successivamente maiolica, sono attestate molte fornaci fino alla fine del Trecento, con la produzione di vasellame semplice anche graffito per uso domestico e farmaceutico. Dopo la conquista di Firenze la produzione ceramica subì un'implosione per riaffiorare solo nell'ultimo quarto del cinquecento grazie alla fornace di Niccolò Sisti dove si realizzeranno maioliche di alta qualità, con esiti molto simili se non superiori a quelli della bottega dei Patanazzi di Urbino.


text: E come per i Patanazzi predominerà nei decori il tema della raffaellesca su fogge simili a quelle urbinati. Perfettamente esplicativo della somiglianza con le officine urbinati è il vaso qui riprodotto, da confrontarsi con quello sopra dei Patanazzi. La fabbrica pisana di cui ancora non si ha probante documentazione d'archivio, cesserà la sua produzione con i primi anni del Seicento.


text: L'area senese si distingue per una precoce produzione di ceramiche che se la unisce cronologicamente a quella fiorentina e pisana, la distingue per una ricca fantasia decorativa non riscontrabile nella predominanza geometrica dei decori pisani, e nemmeno nel più semplice immaginario figurativo fiorentino.


text: A Siena e Montalcino si produceva ceramica sin dalla metà del XIII secolo, ma anche in altri centri minori risultano testimonianze di una produzione ceramica smaltata: Asciano, Montepulciano, Buonconvento, Roccastrada e San Gimignano.


text: Dopo una prima fase di ceramica arcaica seguì l'adozione dell'ingobbio del bistugio che consentiva una smaltatura sempre più bianca, e questo sarà il tratto distintivo di tutta la maiolica senese del XV secolo. Il notevole uso della tecnica dell'ingobbio fu certamente favorito dalle ampie falde ad argilla caolinica presenti abbondantemente in tutto il territorio senese.