title: Spyro: Enter the Dragonfly

text: Il gameplay del gioco non subisce molti cambiamenti dai giochi precedenti. Spyro ha ancora a disposizione tutte le mosse del (nuotare sott'acqua, arrampicarsi e colpire di testa). La novità principale del gioco è una maggiore varietà di soffi oltre al fuoco, ossia il soffio di ghiaccio (presente già nel secondo gioco come potenziamento e per un intero livello in ), il soffio elettrico e il soffio bolla. Essi sono intercambiabili e utilizzabili in vari modi, usando il soffio elettrico per attivare o disattivare macchinari vari, e il soffio bolla per catturare le libellule. Un'altra nuova mossa è lo "Scudo d'ali", con la quale Spyro si protegge con le ali, respingendo alcuni proiettili. Queste abilità vengono imparate raccogliendo delle rune e portandole alla statua del drago nei Regni dei Draghi. I portali ritornano, ma solo per lasciare il livello o per accedere alle sfide: per entrare nel livello, infatti, Spyro userà vari mezzi di trasporto.


title: Spyro: Enter the Dragonfly

text: Stando al progetto originale, il gioco avrebbe dovuto veder Spyro fronteggiare Gnasty Gnorc e Ripto (cattivi rispettivamente del primo e del della serie), alleatisi appunto per eliminare una volta per tutte il draghetto viola loro nemico (una sorta d'accenno a questa possibile linea di trama la si poteva già trovare nell'epilogo di ""), e con il protagonista che sarebbe poi stato intento a salvare all'incirca 120 libellule sparpagliate tutte nell'arco di 25 livelli; lo stesso gioco poi avrebbe goduto d'un tasso di circa 60 fotogrammi al secondo, oltreché di tempi di caricamento più rapidi.


title: Spyro: Enter the Dragonfly

text: Datasi la tempistica imposta dalla Universal Interactive Studios sui ritmi di lavoro (ne venne infatti fissata la data di commercializzazione per Natale del 2002), la Check Six Studios dovette per forza di cose rivederne - seppur maldestramente - la trama, eliminando perciò Gnasty Gnorc e parecchi livelli di gioco previsti dal progetto, col risultato insoddisfacente di un titolo di soli 9 livelli e dalle sole 90 libellule trovabili; anche per quanto ne riguardava il comparto tecnico e grafico il risultato fu insufficiente, per via d'una fotografia scadente e poco curata, tempi di caricamento fin troppo lunghi, blocchi improvvisi ed altro ancora.


title: Spyro: Enter the Dragonfly

text: Il gioco ricevette recensioni miste ma in prevalenza negative, soprattutto rispetto ai predecessori. Esse erano dovute a problemi di vario genere, come lunghi tempi di caricamento, un framerate lento e inconsistente, gameplay e trama scadenti e diversi bug. Inoltre, venne criticata anche l'eliminazione dei portali, che fin dal primo capitolo della saga portavano Spyro nei livelli, e la loro sostituzione con i mezzi di trasporto. Il gioco è considerato dai fan come il peggiore della serie. IGN diede al gioco un 6, affermando che era una replica dei giochi precedenti della serie, mentre Gamespot, in una recensione molto negativa, diede un 2.8 alla versione PS2 e 3.2 a quella per Gamecube, criticando non solo i problemi con il framerate e i vari bug, ma anche la durata del gioco eccessivamente breve, e ritenne la colonna sonora l'unico punto di forza.


title: Spyro: Enter the Dragonfly

text: La versione per Nintendo Gamecube, distribuita circa una settimana dopo quella per PS2, venne altrettanto criticata perché risentiva degli stessi problemi presenti per la console Sony, a parte dei miglioramenti ai tempi di caricamento, e nel complesso, le recensioni furono complessivamente ancora più negative su GameRankings e Metacritic, essendo "generalmente sfavorevoli" complessivamente da 13 recensioni, mentre quella per PS2 ebbe recensioni "miste o medie" in base a 20 di esse.


title: Napoli spara!

text: A Napoli il giovane commissario Antonio Belli, nonostante la buona volontà e l'appoggio di una squadra speciale non riesce ad arrestare il bandito Salvatore Santoro sicuro della protezione del padrino Don Alfredo Criscuolo, boss della camorra che gestisce tutti i mercati di droga della città. Neppure il tentativo di mettergli contro una banda rivale conduce a migliori risultati, e Santoro ed i suoi continuano a mettere a segno diversi colpi e a spargere il terrore in città. Finalmente catturato e messo in prigione, Santoro ne evade per intervento dell'anziano boss. Il commissario Belli viene sospettato dai suoi superiori di amicizia con il boss. L'unico modo per incastrare Santoro sarà tendergli una trappola. Alla fine il camorrista sarà ucciso in una sparatoria alla Stazione di Napoli Centrale.


title: Napoli spara!

text: La colonna sonora è composta da Francesco de Masi e include il tema "Gangster Story" di Guido e Maurizio De Angelis, già presente in "La polizia incrimina, la legge assolve" e "Roma violenta". I brani della colonna sonora dell'edizione CD della Beat Records del 2007 sono:


title: Napoli spara!

text: Distribuito nei cinema italiani il 22 febbraio 1977, "Napoli spara!" ha incassato complessivamente 1.049.324.370 lire dell'epoca.


title: Napoli spara!

text: Il film si può considerare come una sorta di sequel di "Napoli violenta", pellicola di Umberto Lenzi realizzata l'anno prima. Infatti il commissario Belli, interpretato da Leonard Mann è il sostituto del commissario Betti, interpretato da Maurizio Merli nel film di Lenzi. Caiano decide pure di reinserire nella vicenda la figura di Gennarino, il bambino interpretato da Massimo Deda, già presente in "Napoli violenta", che in questo film, già orfano del padre, si guadagna da vivere facendo il ladruncolo, e che finirà per essere ucciso involontariamente da Santoro durante un conflitto a fuoco.


title: Napoli spara!

text: A proposito del film Massimo Pepoli ha scritto su "Il Messaggero": «Il filmetto, nonostante la banalità della trama, non mancherà però di soddisfare gli appassionati del genere, zeppo com'è di azione, di sangue e di sparatorie. Inoltre, qualche sporadica punta patetica e un montaggio velocissimo e ben congegnato, meritevole senz'altro di miglior causa, contribuiscono a distaccarlo un po' dalla squallida produzione corrente».


title: Metropolitana di Sofia

text: La metropolitana di Sofia (in bulgaro: Софийско метро, "Sofijsko metro") è la rete di trasporto rapido ferroviario urbano della città di Sofia, in Bulgaria. È la prima e unica rete del genere della nazione; consiste di quattro linee, e si estende per un totale di 48 km con 43 stazioni.


title: Metropolitana di Sofia

text: Pur essendo in progetto sin dagli anni sessanta, la costruzione della metropolitana non iniziò ufficialmente fino agli anni novanta, principalmente perché la città non aveva un bisogno urgente della rete metropolitana. Un altro fattore fu la profondità a cui dovevano essere svolti i lavori: essendo una delle città più antiche d'Europa, Sofia sorge su una grande quantità di strati geologici. Le tracce dell'antichità si possono trovare alla stazione Serdika, che comprende una serie di rovine romane e della Tracia, oltre che l'architettura moderna. Durante la costruzione del Palazzo Nazionale della Cultura nel 1982, furono costruite due stazioni della metropolitana e il tunnel che le collega.


title: Metropolitana di Sofia

text: La costruzione della metropolitana iniziò dalle aree soggette a maggior traffico, dove il flusso di passeggeri raggiunge le 40.000 unità all'ora di punta.


title: Metropolitana di Sofia

text: La prima tratta della linea 1 fu completata il 28 gennaio 1998, con 5 stazioni e una lunghezza di 6,5 km, dal viale Slivnica, attraverso Ljulin, fino al viale K. Veličkov. La stazione Opălčenska fu aperta il 17 settembre 1999 e la stazione Serdika, in piazza Sv. Nedelja seguì il 31 ottobre 2000, facendo raggiungere alla linea gli 8,1 km di estensione. Nell'aprile 2003 la tratta in servizio fu prolungata a Obelia, con l'aggiunta di 1,8 km di tracciato.


title: Metropolitana di Sofia

text: La linea 1 fu allungata nel 2005 (come definito nel 2004), da piazza Sv. Nedelja, attraverso il centro cittadino, verso Interpred a Izgrev, con 3 stazioni e 4,8 km di percorso. Nel frattempo, nel 2006, iniziò la costruzione di una nuova sezione della stessa linea da Interpred a Mladost 1, per 3,2 km con altre tre stazioni. Il completamento di tre nuove stazioni era previsto per l'autunno 2007, ma visti i ritardi, l'apertura è avvenuta l'8 maggio 2009.


title: Metropolitana di Sofia

text: La linea è stata estesa con due diramazioni: da Mladost all'Aeroporto di Sofia (11 km con 6 stazioni) e da Mladost al Parco degli Affari (4 stazioni), entrambe entrate in servizio nel 2015.


title: Metropolitana di Sofia

text: La costruzione della seconda linea da Nadežda al boulevard Černi Vrăh, passando per la Stazione Centrale e il Palazzo Nazionale della Cultura (NDK), è iniziata nel 2007 ed è stata aperta il 31 agosto 2012. Attualmente la linea 2 è lunga 11 km per 11 stazioni.


title: Metropolitana di Sofia

text: Esistono progetti per una terza linea, che effettuerebbe il percorso dal quartiere Bojana al complesso residenziale Levski per 11,6 km e 12 stazioni. I lavori per la parte principale sono cominciati tra il 2016 ed il 2017. Si prevede di inaugurare la linea nel 2020. Il progetto è totalmente finanziato dall'Unione Europea.


title: Angel-A

text: André, comico personaggio apparentemente ottimista e spensierato, vive un momento di difficoltà a causa dei suoi debiti con la malavita parigina e della sua incapacità di prendersi cura di sé. Cittadino americano unicamente grazie alla vincita alla lotteria di una Green Card, si rifugia presso l'ambasciata degli Stati Uniti, che però rifiuta di aiutarlo. Oppresso dalla propria vita e dai propri debiti, decide di buttarsi da un ponte sulla Senna, ma nello stesso istante anche un'affascinante donna, Angel-A, intende suicidarsi gettandosi proprio dallo stesso ponte. Dopo un breve dialogo, la ragazza si butta e André, compiendo l'unico atto di coraggio della sua vita, salta anch'egli giù dal ponte per salvarla.


title: Angel-A

text: Per sdebitarsi Angel-A deciderà di seguirlo e aiutarlo nelle difficili trattative con i vari creditori e nel recuperare il denaro necessario a pagare i suoi numerosi debiti. Angel-A è un angelo moderno che si prostituisce per consentire ad André di estinguere i suoi debiti e gli insegna a volersi bene, a rispettarsi, ad amare la vita e gli altri. Alla fine nasce un forte legame d'amore tra i due, che porta Angel-A a non volersi staccare da André a missione compiuta, quando André riesce finalmente a capire che Angel-A gli è stata inviata per un motivo ben preciso. La stessa Angel-A capirà di avere bisogno di André tanto quanto egli ha bisogno di lei, anche solo per poter percepire le connessioni emotive che la divinità le ha negato.


title: Angel-A

text: Il film contiene riferimenti a "Il cielo sopra Berlino", diretto da Wim Wenders nel 1987, e "La vita è meravigliosa", diretto da Frank Capra nel 1946. In particolare la scena del tentato suicidio di André e di Angel-A è una esplicita citazione dell'analoga scena di "La vita è meravigliosa" che ha per protagonisti George Bailey e l'angelo Clarence.


title: Olivetti M1

text: Olivetti M1 è stata la prima macchina per scrivere prodotta industrialmente in Italia su progetto di Camillo Olivetti. Apparentemente assomiglia ad una macchina per scrivere prodotta da Underwood, ma ha dentro di sé una lunga serie di perfezionamenti e brevetti che la rendono particolarmente originale, facendone una degna capostipite di tutta la futura produzione Olivetti.


title: Olivetti M1

text: La nascita della "M1" si deve ai due viaggi che Camillo Olivetti fece in America. Il primo viaggio, nel 1892, avvenne al seguito del suo insegnante Galileo Ferraris dopo la laurea in ingegneria elettrica. Nei due anni in cui fu assistente nel reparto di ingegneria elettrica dell'Università di Stanford, Olivetti venne a conoscenza di tutta una serie di tecnologie in rapido sviluppo, comprese quelle relative alle macchine per scrivere ed i metodi necessari per realizzarle.


title: Olivetti M1

text: Nel 1904 Olivetti, con due suoi amici Gatta e Ferrero, decise di aprire una fabbrica a Milano, fabbrica che poi trasferirà ad Ivrea nel 1908. In quell'anno Camillo Olivetti affronta un secondo viaggio in America al fine di meglio comprendere le tecnologie necessarie per la produzione delle macchine per scrivere.


title: Olivetti M1

text: In occasione dell'Esposizione internazionale di Torino del 1911, Olivetti presenta le prime due macchine modello "Olivetti M1". Nello stesso anno l'azienda vince la prima importante commessa di 100 macchine per il ministero della Marina. Nel 1912 si assicura anche una grande commessa per il ministero delle poste e dei telegrafi.


title: Olivetti M1

text: A livello pubblicitario, il primo lancio della macchina avvenne con un manifesto: creato da Teodoro Wolf Ferrari, in esso si vede in primo piano la macchina. Dietro di essa, un severo Dante Alighieri punta decisamente il dito su di essa. Lo stile del manifesto è semplice ed elegante, e si lega in modo evidente ad alcune visioni commerciali del progettista della macchina:


title: Olivetti M1

text: La "M1" porterà tutta una serie di innovazioni che accompagneranno la produzione Olivetti negli anni successivi, quali:


title: Olivetti M1

text: La Olivetti M1 è una macchina da scrivere meccanica dotata di 42 tasti, corrispondenti a 84 segni, in configurazione AZERTY. In aggiunta ai 42 tasti (disposti su 4 file) la macchina presenta 8 tasti per la tabulazione e una barra spaziatrice.


title: Olivetti M1

text: Ha un telaio portante in ghisa con lamierini di copertura, ed è stata prodotta unicamente in colore nero.


title: Olivetti M1

text: In totale sono state prodotte circa 6000 macchine nel periodo che va da 1911 al 1920 (Su queste macchine, le prime due cifre del numero di serie indicano l'anno della fabbricazione). Nel 1920 la "M1" verrà rimpiazzata dal successore modello "Olivetti M20".


title: Pittura storica

text: Pittura storica è un genere di pittura definita dal suo soggetto, piuttosto che dallo stile artistico. I dipinti storici di solito raffigurano un momento di una storia narrativa, piuttosto che un argomento specifico e statico, come in un ritratto. Il termine deriva dal più ampio senso della parola "historia" in latino, che significa "storia" o "narrativa", e significa essenzialmente "pittura su fatto storico". La maggior parte dei dipinti storici non sono costituiti da scene tratte dalla storia, in particolare per i dipinti prima del 1850. In inglese moderno, pittura storica è talvolta usato per descrivere la pittura di scene tratte dalla storia in senso stretto, in particolare per l'arte del XIX secolo, esclusi i soggetti religiosi, mitologici e allegorici, che sono inclusi nel termine più ampio di "pittura di storia" e prima del XIX secolo sono stati i soggetti più comuni per quadri di storia.


title: Pittura storica

text: I dipinti storici contengono quasi sempre un numero di figure, spesso un gran numero, e normalmente mostrano qualche tipo di azione che è un momento in una narrazione. Il genere comprende rappresentazioni di momenti di narrazioni religiose, soprattutto la "vita di Cristo" e scene narrative della mitologia oltre che allegoriche. Questi gruppi furono per lungo tempo l'argomento della maggior parte dei dipinti; opere come la Volta della Cappella Sistina Michelangelo sono quindi dipinti storici, come lo sono la maggior parte di molti grandi dipinti prima del XIX secolo. Il termine comprende grandi dipinti a olio su tela o ad affresco prodotti tra il Rinascimento e il tardo XIX secolo, dopo di che il termine non è generalmente utilizzato anche per le tante opere che ancora soddisfano la definizione di base.


title: Pittura storica

text: Pittura storica viene normalmente intercambiato con il termine "pittura di storia", che venne usato specialmente prima del XX secolo. Qualora si faccia una distinzione la "pittura di storia" è la pittura di scene tratte dalla storia laica, episodi specifici o scene generalizzate. Nella pittura storica del XIX secolo, è diventato un genere distinto. In frasi come "materiali di pittura di storia" e "storico" significano in uso prima o intorno al 1900, o una data precedente.


title: Pittura storica

text: I dipinti storici sono stati tradizionalmente considerati come la più alta forma della pittura occidentale, che occupa il posto più prestigioso nella gerarchia dei generi ed è considerata l'equivalente della poesia epica in letteratura. Nel suo "De Pictura", del 1436, Leon Battista Alberti aveva sostenuto che la pittura storica era la forma più nobile dell'arte, come la più difficile, che richiedeva padronanza in tutti gli altri generi, perché era una forma visiva della storia, e perché aveva il maggior potenziale per attrarre lo spettatore. Egli pose l'accento sulla capacità di rappresentare le interazioni tra le figure riconoscibili dai gesti e dalle espressioni dei personaggi.


title: Pittura storica

text: Questo punto di vista rimase inalterato fino al XIX secolo, quando i movimenti artistici cominciarono a lottare contro le istituzioni che avevano codificato l'arte accademica e che continuavano a seguirne le regole. Allo stesso tempo, verso la fine del XVIII secolo vi fu un crescente interesse nel descrivere nella forma di pittura di storia alcuni momenti del dramma della storia recente o contemporanea, che erano a lungo e in gran parte stati confinati nelle "scene di battaglia" e scene di "rese formali" e simili. Scene tratte dalla storia antica erano state popolari nel primo Rinascimento, e ancora una volta divennero comuni nel barocco e nel rococò, e ancora di più con il passaggio al Neoclassicismo. In alcuni contesti del XIX e XX secolo, il termine può riferirsi specificamente ai dipinti di scene dalla storia laica, piuttosto che a quelli dei racconti religiosi, della letteratura o della mitologia.


title: Pittura storica

text: Il termine non è generalmente utilizzato nella storia dell'arte nel parlare di pittura medievale, anche se la tradizione occidentale si stava sviluppando con grandi pale d'altare, cicli di affreschi e altre opere, oltre che nei codici miniati. Esso viene alla ribalta nella pittura rinascimentale italiana, nella quale furono prodotte una serie di opere sempre più ambiziose, molte ancora a carattere religioso, ma molte, soprattutto a Firenze, che rappresentavano scene storiche quasi contemporanee come il gruppo di tre enormi tele della "Battaglia di San Romano" di Paolo Uccello, della mancata " Battaglia di Cascina" di Michelangelo e della " Battaglia di Anghiari" di Leonardo, nessuna delle quali venne completata. Scene tratte dalla storia antica e dalla mitologia erano anche popolari all'epoca. Scrittori come Alberti e, il secolo successivo Giorgio Vasari nelle sue "Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori", seguirono l'opinione pubblica e artistica nel giudicare i migliori pittori soprattutto dalla loro produzione di grandi opere di pittura storica anche se in realtà l'unica opera (post-classica) descritta in "De Pictura" è l'enorme mosaico della Navicella di Giotto. Gli artisti continuarono per secoli a lottare per far crescere la loro reputazione producendo tali opere, spesso trascurando i generi a cui il loro talento era più adatto.


title: Pittura storica

text: C'era qualche obiezione sul termine, dato che molti scrittori preferivano termini come "pittura poetica" ("poesia"), o facevano una distinzione tra la "vera" "storia", che copre la storia biblica e di scene religiose, e "fabula" che riguarda i miti pagani, l'allegoria e scene di finzione, che non potevano essere considerate come vere. Le grandi opere di Raffaello sono state a lungo considerate, assieme a quelle di Michelangelo, come i migliori modelli per il genere.


title: Pittura storica

text: Nelle Stanze di Raffaello nei Musei Vaticani, allegorie e scene storiche sono miscelate e gli Arazzi di Raffaello mostrano scene dai Vangeli, tutte alla "grande maniera" che dall'alto Rinascimento rimase associata al dipinto storico. Nel tardo Rinascimento e nel barocco la pittura storica degenerò in scene di battaglia panoramiche con il monarca vittorioso o il generale arroccato su un cavallo accompagnato dal suo seguito, o scene formali di cerimonie, anche se alcuni artisti riuscirono ad ottenere un capolavoro da tale materiale poco promettente, come Velázquez con "La resa di Breda".


title: Pittura storica

text: Una formulazione influente del 1667, di André Félibien, storiografo, architetto e teorico del classicismo francese divenne la dichiarazione classica della teoria per il XVIII secolo:


title: Pittura storica

text: Dalla fine del XVIII secolo, con il declino della pittura religiosa e mitologica, vi fu un aumento della domanda di dipinti di scene tratte dalla storia antica e da quella contemporanea. Questo cambiamento venne in parte determinato dalla modifica dei fruitori delle pitture, poiché sempre più spesso la reputazione dei pittori scaturiva dalle mostre pubbliche piuttosto che dai proprietari e dai visitatori dei palazzi ed edifici pubblici. La storia classica rimase popolare, ma le scene di storie nazionali erano spesso le più apprezzate. Dal 1760 in poi, la "Società degli Artisti della Gran Bretagna" fu il primo organismo ad organizzare mostre periodiche a Londra, assegnando due premi generosi ogni anno a dipinti di soggetti dalla storia britannica.


title: Pittura storica

text: La natura non eroica del moderno abbigliamento venne considerata come una grave difficoltà. Quando, nel 1770, Benjamin West propose di dipingere la "Morte del generale Wolfe" in abiti contemporanei, egli fu fermamente istruito, da molte persone, ad usare la classica uniforme, ma egli ignorò questi commenti e mostrò la scena in abiti moderni. Anche se Giorgio III d'Inghilterra si rifiutò di acquistare il lavoro, West riuscì sia a superare le obiezioni dei suoi critici e che ad inaugurare uno stile più storicamente accurato in tale genere di dipinti. Altri artisti raffigurarono scene, a prescindere da quando si erano verificate, in abito classico e per lungo tempo, soprattutto durante la rivoluzione francese, con la rappresentazione della pittura storica spesso incentrata sul nudo maschile eroico.


title: Pittura storica

text: Alla grande produzione di dipinti di propaganda che esaltavano le gesta di Napoleone, utilizzando i migliori artisti francesi, vennero contrapposte opere che mostravano sia le vittorie che le sconfitte, dell'alleanza anti napoleonica, da artisti come Goya e J.M.W. Turner. "La zattera della Medusa" (1818-1819) di Théodore Géricault fu una sensazione, che apparve per aggiornare la pittura storica del XIX secolo, mostrando figure anonime famose solo per essere vittime di quello che allora era un disastro famoso e controverso in mare. Convenzionalmente erano vestiti di stracci a dimostrare l'azione del mare. Allo stesso tempo, la domanda di grandi quadri di storia religiosa tradizionale diminuì in maniera notevole.


title: Pittura storica

text: Nella metà del XIX secolo sorse uno stile conosciuto come storicismo, che ha segnato una imitazione formale degli stili storici e/o artisti. Un altro sviluppo nel XIX secolo è stato il trattamento di soggetti storici, spesso su larga scala, con i valori della pittura di genere, la rappresentazione di scene di vita quotidiana e aneddoti. Raffigurazioni di eventi di grande rilevanza pubblica vennero integrate con scene raffiguranti più momenti personali nella vita dei grandi o con scene incentrate su figure senza nome coinvolte in eventi storici, come nello stile troubadour. Allo stesso tempo scene di vita ordinaria con contenuto morale, politico o satirico divennero spesso il principale veicolo di interazione espressiva tra le figure di un dipinto, sia in ambiente moderno che storico.


title: Pittura storica

text: Verso la fine del XIX secolo, la pittura storica fu spesso esplicitamente respinta dai movimenti di avanguardia come l'impressionismo (fatta eccezione per Édouard Manet) e il simbolismo e secondo un recente scrittore «il modernismo era in misura considerevole costruito sul rifiuto della pittura storica... Tutti gli altri generi erano considerati capaci di entrare, in una forma o nell'altra, nel "Pantheon" della modernità, ma la pittura storica era esclusa».


title: Pittura storica

text: All'inizio i termini "pittura storica" e "pittura di storia" vennero usati in maniera intercambiabile in inglese, fino a quando Sir Joshua Reynolds, nei suoi "Discourse", usò "pittura storica", dicendo "... che dovrebbe essere chiamata poetica, come in realtà è ", che riflette il termine francese "peinture historique", un equivalente di "pittura di storia". I termini cominciarono a separarsi nel XIX secolo, con "pittura di storia" diventata un sotto-gruppo di "pittura storica", limitato a soggetti tratti dalla storia nel suo stretto senso. Nel 1853 John Ruskin chiese al suo pubblico: "Cosa significa oggi pittura storica? Oggi giorno significa il tentativo, da parte del potere dell'immaginazione, di ritrarre qualche evento storico dei giorni passati". Così, ad esempio il catalogo in tre volumi di Harold Wethey sui dipinti di Tiziano (Phaidon, 1969–75) è suddiviso tra "dipinti religiosi", "ritratti" e "dipinti storici e mitologici", anche se nelle copertine dei volumi I e III è scritto "dipinti storici". Questa distinzione è utile, ma non è affatto generalmente osservata e le due dizioni sono ancora spesso usate in maniera confusa. A causa del rischio di confusione nella scrittura l'accademica moderna tende ad evitare la frase "pittura di storia", parlando invece di "questione storica del soggetto" nella pittura storica, ma la frase è ancora usata in studi contemporanei che implicano generalmente la pittura di soggetti storici, molto spesso nel XIX secolo. "Pittura storica" può essere usato, specialmente in discussioni di tecnica pittorica in studi di conservazione, a significare "vecchio", opposto alla pittura moderna o recente.


title: Pittura storica

text: Nella scrittura inglese del XIX secolo riguardante l'arte, i termini "pittura a soggetto" o pittura "aneddotica" vennero spesso utilizzati per le opere in una linea di sviluppo che risaliva a William Hogarth con raffigurazioni monosceniche di momenti cruciali in una narrazione implicita con personaggi non identificati, come nel dipinto del 1853 di William Holman Hunt, "The Awakening Conscience" o in quello di Augustus Egg, "Past and Present", una serie di tre dipinti, rivista da Hogarth in "Marriage à-la-mode".


title: Pittura storica

text: La pittura storica fu la forma dominante di arte accademica nelle varie accademie nazionali del XVIII secolo e per la maggior parte del XIX, nelle quali dominavano soggetti sempre più storici. Durante il periodo rivoluzionario e napoleonico, il trattamento eroico della storia contemporanea in modo sfacciatamente propagandistica di Antoine-Jean Gros, Jacques-Louis David, Carle Vernet e altri fu sostenuto dal stato francese, ma dopo la caduta di Napoleone, nel 1815, i governi francesi non furono considerati idonei al trattamento eroico e molti artisti si ritirarono ulteriormente nel passato per trovare argomenti, anche se in Gran Bretagna raffigurarono le vittorie delle guerre napoleoniche per lo più dopo che erano finite. Un altro percorso fu quello di scegliere le materie contemporanee che erano di opposizione al governo, sia in patria che all'estero, e molti di quelli che erano probabilmente l'ultima grande generazione di dipinti storici rappresentarono proteste e episodi contemporanei di repressione o di oltraggi sia all'interno che all'estero: i dipinti di Goya, "Il 3 maggio 1808" (1814), di Théodore Géricault, "La zattera della Medusa" (1818-1819), di Eugène Delacroix, "Il massacro di Scio" (1824) e "La Libertà che guida il popolo" (1830). Questi dipinti erano eroici, ma mostrarono eroica sofferenza di civili.


title: Pittura storica

text: Artisti romantici come Géricault e Delacroix, e altri appartenenti a movimenti come i Preraffaelliti continuarono a considerare la pittura storica come un ideale per le loro opere più ambiziose. Altri come Jan Matejko in Polonia, Vasilij Ivanovič Surikov in Russia e Paul Delaroche in Francia divennero pittori specialisti in grandi dipinti a soggetto storico. Lo "stile troubadour" fu un termine francese derisorio per indicare i primi pittori che avevano riprese a dipingere con tecniche medievali e rinascimentali, che erano spesso piccole opere raffiguranti momenti di aneddoti piuttosto che drammatiche; Ingres, Richard Parkes Bonington e Henri Fradelle dipinsero questo genere di opere. Sir Roy Strong chiamò questo genere di pittura "intimo-romantico", e in francese fu noto come "peinture de genre historique" o "peinture anecdotique" ("pittura di genere storico" o "pittura aneddotica").


title: Pittura storica

text: Le commissioni della chiesa per le grandi scene di gruppo della Bibbia si erano notevolmente ridotte e la pittura storica divenne molto significativa. Soprattutto nei primi anni del XIX secolo, molta pittura storica raffigurava momenti specifici della letteratura storica, con i romanzi di Sir Walter Scott in Francia e in altri paesi europei tanto quanto in Gran Bretagna. Intorno alla metà del secolo ci si aspettava che le scene medievali fossero attentamente studiate, utilizzando il lavoro degli storici del costume, architettura e tutti gli elementi di arredo che stavano diventando disponibili. La fornitura di esempi e competenze per gli artisti, così come il revival del design industriale fu una delle motivazioni per la costituzione di musei come il Victoria and Albert Museum a Londra. Nuove tecniche di incisione come la cromolitografia consentirono la stampa di riproduzioni monocromatiche di buona qualità e relativamente a buon mercato e quindi molto accessibili per la gente e anche estremamente redditizie per l'artista ed editore, visto che le vendite raggiunsero numeri notevoli. La pittura storica spesso ebbe uno stretto rapporto con il nazionalismo e pittori come Matejko in Polonia potettero svolgere un ruolo importante nel determinare la narrazione storica prevalente della storia nazionale nella mente del popolo. Anche in Italia la pittura storico-romantica ha avuto suoi cultori: Massimo d'Azeglio, su suggerimento di Vittorio Emanuele II, dipinse nel 1858 "Vittorio Amedeo II di Savoia a Taormina nel 1714" e il milanese Giuseppe Mazza nel 1848 dipinse "Il giuramento di Pontida", ricostruzione storica ispirata ai versi di Giovanni Berchet. In Francia, "L'art pompier" ("arte del pompiere") fu un termine derisorio affibbiato ai pittori storici accademici, e in una fase finale, "La pittura storica degradata, scene di brutalità e il terrore, la pretesa di illustrare episodi della storia romana e moresca, erano sensazioni da Salone. Sulle pareti sovraffollate delle gallerie espositive, i quadri che gridavano più forte ottennero l'attenzione". La pittura orientalista fu un genere alternativo che offrì costumi esotico simili e arredamento, e almeno tante possibilità di rappresentare il sesso e la violenza.


title: Maria Maddalena d'Austria

text: Nel 1608 sposò l'erede al trono di Toscana, che l'anno successivo divenne granduca col nome di Cosimo II. Ferdinando I de' Medici, il padre di Cosimo, organizzò questo matrimonio per placare l'animosità della Spagna (dove la sorella di Maria Maddalena era la regina in carica) verso la Toscana, che fino ad allora aveva avuto matrimoni filo-francesi.


title: Maria Maddalena d'Austria

text: Dopo la prematura morte del marito nel 1621, si dedicò con la suocera Cristina di Lorena all'educazione dei figli, in particolare del futuro granduca Ferdinando II, ebbe inoltre in eredità il governo della città di San Miniato fino alla morte e si adoperò affinché la cittadina divenisse Diocesi.


title: Maria Maddalena d'Austria

text: Si interessò di scienze e procurò ai suoi figli un'educazione lungimirante scegliendo come precettori alcuni scienziati allievi di Galileo Galilei.


title: Maria Maddalena d'Austria

text: Durante un viaggio di stato in direzione di Vienna per incontrare il fratello, l'imperatore Ferdinando II, dopo aver visitato l'altro fratello Leopoldo a Innsbruck, Maria Maddalena morì improvvisamente a Passavia, il 1º novembre 1631.


title: Sillano Giuncugnano

text: Il comune è stato istituito il 1º gennaio 2015 per fusione dei territori comunali di Giuncugnano e Sillano. La sede comunale si trova a Sillano e una sede distaccata a Magliano. Fa parte dell'Unione Comuni Garfagnana e parte del suo territorio ricade nell'area del Parco nazionale dell'Appennino Tosco-Emiliano.


title: Doppio standard

text: Il doppio standard consiste nell'applicazione di principi di giudizio diversi per situazioni simili, o nei confronti di persone diverse che si trovino nella stessa situazione. È l'antitesi del precetto kantiano dell'autonomia della legge morale, perché attinge da situazioni concrete di interesse utilitario ("eteronomia") per negare la possibilita di una linea di condotta uguale dinanzi a situazioni uguali.


title: Doppio standard

text: Il doppio standard può prendere la forma di un giudizio morale che considera accettabile un determinato concetto (una norma sociale, una regola, una frase, un apprezzamento) se applicato da un gruppo di persone, mentre è considerato inaccettabile, o tabù, se applicato da un diverso gruppo. Ad esempio, il concetto di doppio standard è stato applicato a differenti strutture morali, sugli uomini rispetto alle donne e viceversa.


title: Doppio standard

text: Il doppio standard può essere definito, quindi, come una sorta di bias cognitivo che determina una sospensione del giudizio, moralmente ingiusta (nei confronti di un certo gruppo), di quel principio che statuisce l'uguaglianza dei singoli nella loro sfera di libertà.


title: Doppio standard

text: L'adozione di un doppio standard è ingiustificata se vista in rapporto a principi giuridici accolti in molti sistemi costituzionali, secondo cui tutti i soggetti sono considerati uguali di fronte alla legge. Il doppio standard infrange anche un principio di imparzialità della giustizia, secondo il quale un determinato standard di giudizio legale deve essere applicato indifferentemente a ogni sorta di persona, a prescindere da pregiudizi personali, da discriminazioni e favoritismi fondati sullo status e sull'appartenenza sociale, sul ruolo sociale ed etnico, sull'identità di genere, sulla confessione religiosa, sull'orientamento sessuale, sull'età o su altre distinzioni. Il doppio standard viola tale principio, in quanto permette che persone diverse siano giudicabili secondo standard differenti.


title: Doppio standard

text: In campo giuridico, del resto, il pericolo della "giustizia di classe" si è storicamente riscontrato nelle legislazioni riconducibili ad ordinamenti non pluralisti. In tali fasi c'è il serio rischio di stabilire due pesi e due misure a seconda che si debba perseguire e punire le trasgressioni delle classi dominanti o delle classi subalterne (si dice che la legge è forte con i deboli e debole con i forti): così si assiste a una depenalizzazione delle violazioni a carico dei cosiddetti colletti bianchi e un inasprimento delle misure punitive per gli stessi delitti se vengono commessi da individui delle classi inferiori.


title: Doppio standard

text: Analogamente, nelle relazioni internazionali l’invocazione di principi universalistici come linea di azione si presta all’obiezione della disparità di trattamento tra situazioni analoghe e, quindi, all’accusa che i moventi dell’azione siano assai meno nobili (ovvero maggiormente determinati dall’interesse nazionale degli Stati più potenti) di quanto si voglia far credere.


title: Doppio standard

text: Anche l'abuso del diritto riconosciuto dai trattati, da parte di chi li vìola, può dare luogo a casi di doppio standard: è il contenuto dell'accusa rivolta dal Parlamento europeo il 15 settembre 2022, quando ha stigmatizzato "che il governo ungherese ignora il principio del primato del diritto dell'Unione sancito dalla giurisprudenza della CGUE, ma si appella alla stessa quando si tratta di presentare ricorsi contro atti europei in vigore".


title: Doppio standard

text: Il sociologo Niklas Luhmann, ad esempio, rilevava la "doppiezza" di giudizio nei confronti della percezione di accettabilità del rischio: non si è disposti a correre rischi che derivino da imposizione altrui, mentre si è disposti a correre rischi elevatissimi sulla base di proprie decisioni. Ne deriva, ad esempio, che la percezione e l'accettabilità del rischio sociale sottostanno a oscillazioni così imprevedibili del giudizio, da essere praticamente sottratte a ogni valutazione condotta su basi cognitive o morali.


title: Doppio standard

text: Una doppiezza storicamente durevole si apprezza nei giudizi che attengono alla sfera del comportamento sessuale: il libertinismo e il permissivismo sono, in genere, accettati e giustificati, in materia sessuale, se messi in atto da maschi, mentre analoghe condotte sessuali libere sono disapprovate, in misura più o meno aspra, quando riguardano la sfera sessuale femminile. Un'analisi retrospettiva di trenta studi, pubblicati tra il 1980 e il 2002, ha mostrato come il doppio standard sia "influenzato da fattori interpersonali e situazionali (come l'età del campione, il livello di motivazione relazionale e il numero di partner sessuali), e che i doppi standard sono costruzioni locali, con differenze che emergono tra gruppi etnici e culturali.


title: Doppio standard

text: Altro esempio legato alla sfera sessuale è la diversa percezione dell'opinione pubblica riguardo alle violenze sessuali, che spesso sono considerate meno gravi se perpetrate da donne a danno di uomini.


title: Doppio standard

text: Esempi di doppi parametri di giudizio nella religione sono evidenti nel manicheismo e nel marcionismo, in cui esisteva una duplicità di standard nel giudizio morale basata sulla funzione: un sistema di giudizio rigoroso, dettagliato, e inflessibile, riguardava i religiosi, uno più tollerante era applicabile ai semplici credenti laici. Si tratta, in questo caso, di una disparità di trattamento basata sul ruolo assolto dalle persone.


title: Doppio standard

text: Nel lessico sociologico italiano, si parla di doppia morale cattolica con riferimento al cinismo dei rapporti intrattenuti dalla gerarchia cattolica con lo Stato italiano "quando sono in gioco i suoi interessi come istituzione di potere". La sociologa Chiara Saraceno ritiene che in questo atteggiamento sia da individuare una corresponsabilità nel degrado etico e civile nel quale si dibatte l'Italia sul finire degli anni novanta del XX secolo.


title: Vanessa A. Williams

text: Debutta nel 1990 in un episodio di "Law & Order - I due volti della giustizia", successivamente lavora in diversi episodi de "I Robinson". Nel 1992 recita nel film horror "Candyman - Terrore dietro lo specchio", nello stesso anno è una delle protagoniste del serial tv "Melrose Place", dove interpreta l'esuberante istruttrice di aerobica Rhonda Blair, ruolo che ricopre solamente per un anno.


title: Vanessa A. Williams

text: Dopo aver lasciato "Melrose Place", recita nelle serie tv "Murder One", nel film "Mamma torno a casa" e in alcuni episodi di "Chicago Hope". Tra il 2000 e il 2004 interpreta Maxine Chadway nella serie televisiva "Soul Food", mentre nel 2002 recita nel film per famiglie "Il sogno di Calvin". Nel 2009 recita nel film "Immagina che" al fianco di Eddie Murphy.


title: Occhi blu (film 2021)

text: La polizia è alle ricerca di un rapinatore che ha compiuto 33 rapine in tre mesi. Il commissario chiede aiuto ad un collega, detto Il Francese.


Il Santuario Rosa Mistica - Madre della Chiesa è un luogo di culto mariano che si trova a Montichiari, in provincia di Brescia, in località Fontanelle, sulla strada che da Montichiari porta a Carpenedolo.


title: Santuario Rosa Mistica - Madre della Chiesa

text: Fu costituito come luogo sacro il 17 aprile 1966, anno in cui la veggente Pierina Gilli sarebbe stata condotta lì dalla Madonna. La data è scritta su un'epigrafe posta sul fronte della cappella della Fonte di Grazia (popolarmente già conosciuta col nome di Fonte San Giorgio).


text: Maria si sarebbe presentata alla veggente con il nome di Rosa Mistica e Madre della Chiesa, con tre rose (una bianca, una rossa e una gialla) presenti sul manto a rappresentare rispettivamente preghiera, sacrificio e penitenza, da praticarsi dai fedeli in riparazione dei peccati specialmente delle anime consacrate a Dio.


text: Queste apparizioni non sono state riconosciute dalla Chiesa cattolica. Viene però riconosciuta la località come luogo di culto mariano intitolato a Maria Rosa Mistica. Il santuario è inoltre noto perché luogo di culto particolarmente sentito dalle persone di etnia rom e sinti.


text: A differenza di altri luoghi di culto mariani, il santuario non è strutturato come una chiesa bensì come un anfiteatro aperto, dove si trovano una cappella aperta su un lato per la celebrazione eucaristica e una cappella più piccola in muratura, a protezione di una fontana con una vasca contenente acqua ritenuta miracolosa. Per questa peculiare caratteristica il santuario è dai fedeli ritenuto una "piccola Lourdes", dove molti praticano le abluzioni rituali.


text: Nei pressi della fonte si trova la Scala Santa, che i fedeli percorrono in ginocchio dicendo un'Ave Maria per gradino. La scalinata, che conduce dalla strada alla fonte, secondo quanto riferito dalla veggente Pierina Gilli sarebbe stata percorsa dalla Madonna stessa. Il santuario è circondato da un grande parco pubblico, dove sono presenti una Via Crucis e alcune statue mariane.


text: Il 7 dicembre 2019 il luogo di culto delle Fontanelle di Montichiari è diventato Santuario Diocesano Rosa Mistica - Madre della Chiesa. La proclamazione ufficiale è avvenuta durante la concelebrazione eucaristica presieduta dal vescovo di Brescia, mons. Pierantonio Tremolada.


text: Il riconoscimento del santuario diocesano non significa automaticamente il riconoscimento delle apparizioni, ma "si tratta di un passaggio storico che [...] potrà aprire una rinnovata fase di sviluppo del culto e dello studio del complesso fenomeno spirituale e mariano sorto in questi luoghi negli anni".


text: Accanto alla "diffusione che – discretamente e silenziosamente – ha avuto e ha nel mondo intero il culto di "Maria Rosa Mistica e Madre della Chiesa", che proprio qui ha avuto inizio e ha il suo centro", ci sono molti fatti significativi: in Libano sono state trovate icone di Rosa Mistica che trasuderebbero olio profumato, in America ci sono statue che avrebbero pianto lacrime e sangue, il medesimo fenomeno si sarebbe verificato in India, dove vescovi e cardinali avrebbero visto trasudare miele un'immagine della Vergine. Sono nate almeno due congregazioni religiose ispirate a Rosa Mistica, riconosciute dai vescovi, e una miriade di associazioni religiose. Ci sarebbero state inoltre numerose conversioni e guarigioni, come per esempio quella di cui fu testimone Fratel Ettore.


title: Raymond Roussel

text: Roussel è considerato uno dei padri spirituali della Patafisica, della letteratura potenziale e della letteratura combinatoria.


title: Raymond Roussel

text: Roussel era il cadetto di una famiglia molto agiata: aveva due fratelli, Georges e Germaine, ed era figlio di Marguerite Moreau-Chaslon e di Eugène Roussel, agente di cambio. La fortuna di famiglia si costituiva dall'unione dei patrimoni provenienti dal ramo della borghesia di provincia e dal ramo dell'alta borghesia degli affari parigina.


title: Raymond Roussel

text: Roussel non fu solo un calembourista e un testardo cesellatore di parole e frasi; ebbe anche un atteggiamento dandistico nei confronti della vita, dovuto forse alla sua enorme ricchezza. Se per le opere cartacee preferiva edizioni di pregio su carta giapponese, a tiratura limitata, per le rappresentazioni delle sue opere affittava i teatri a sue spese, per tenervi poi solo poche repliche. Il suo atteggiamento nei confronti della fama era dunque duplice: da un lato ne soffriva la mancanza, dall'altro ostentava un atteggiamento snobistico nei confronti del pubblico che non la agevolava. Alcuni suoi comportamenti erano l'ostentazione della sua fortuna: consumava cinque pasti al giorno, abusava di psicotropi dell'epoca, viveva in un hotel e si circondava di opere d'arte straordinarie, pur frequentando poco la società. Quando morì aveva dissipato tutta la sua ricchezza.


title: Raymond Roussel

text: Eppure Roussel resta una personalità complessa, non liquidabile con l'etichetta di dandy: ben lo sapeva Michel Foucault quando volle indagare su questo personaggio scomparso suicida a Palermo. Roussel fu anche un appassionato scacchista, Non ammise mai la sua omosessualità, anche se il suo biografo ufficiale François Caradec vi ha implicitamente accennato a più riprese.


title: Raymond Roussel

text: I suoi primi libri, "La Doublure", "La Vue", "Impressions d'Afrique", non ebbero alcun successo e in generale la sua opera letteraria è stata ignorata dai suoi contemporanei, per poi essere riscoperta solo dopo la sua morte.


title: Raymond Roussel

text: Nel 1932 pubblicò le "Nouvelles Impressions d'Afrique", illustrate da 59 disegni di Henri-Achille Zo: come in un mosaico cesellato finemente, le tavole dei disegni si incastravano e si imponevano in punti precisi delle pagine del libro, secondo un complesso disegno progettato a priori dall'autore, seppure enigmatico per il lettore. La necessità di questa struttura per Roussel era così forte che per la stesura delle quaranta pagine del libro impiegò sette anni.


title: Raymond Roussel

text: In realtà, la tecnica letteraria usata da Roussel in "Nouvelles Impressions d'Afrique" era semplicemente l'esasperazione in complessità di un procedimento che egli aveva inventato e che applicò per tutta la vita. Questa tecnica, ignorata dai suoi contemporanei, condizionò fortemente lo stile e il contenuto dei suoi libri, rendendoli in molti punti astrusi e allucinati, di difficile lettura, come in codice.


title: Raymond Roussel

text: Nel saggio "Come ho scritto alcuni dei miei libri", uscito postumo, Raymond Roussel spiegò i meccanismi con cui progettava i suoi libri, basati sull'omofonia delle frasi e la relativa distorsione fonetica, e sullo sdoppiamento semantico del linguaggio:


title: Raymond Roussel

text: Roussel costruiva il suo rompicapo e si impegnava a risolverlo nelle pagine tra la prima e l'ultima frase.


title: Raymond Roussel

text: "Locus Solus", uscito nel 1914, è l'opera più conosciuta di Roussel. Nel 1922 venne rappresentata a teatro: la reazione del pubblico fu furibonda, similmente a ciò che accadeva per le rappresentazioni degli avanguardisti.


title: Raymond Roussel

text: Nel 1964, Gae Aulenti, prendendo ispirazione da quest'opera, realizza una serie di mobili da giardino chiamata appunto Locus Solus.


title: Raymond Roussel

text: I primi a scoprire il genio di Roussel furono i surrealisti, che dei suoi libri ammirarono soprattutto la capacità di rielaborare in modo creativo immagini e parole che venivano dall'inconscio, con uno stile descrittivo che ricordava molto la scrittura automatica. In particolare fu ammirato da André Breton, che lo definì «il più grande magnetizzatore moderno», e poi da Jean Cocteau, Louis Aragon, Michel Leiris, Paul Éluard, e successivamente da Georges Perec.


title: Raymond Roussel

text: Dopo un lungo oblio venne riscoperto negli anni Cinquanta del Novecento da Alain Robbe-Grillet, e venne considerato il precursore della "letteratura potenziale", cara alla corrente letteraria OuLiPo: l'idea fondante è che il darsi regole o schemi a priori, ossia delle costrizioni ("contrainte") artificiali, sia uno stimolo alla creatività spesso molto più efficace della "libertà", considerata comunque illusoria: poiché non è possibile prescindere da alcune imposizioni culturali, vale la pena esplorarne le potenzialità dandosi dei vincoli scelti tra i più efficaci per l'elaborazione di un'opera d'arte. Confrontando questa visione del mondo con l'approccio alla scrittura di Roussel si può vedere la somiglianza.


title: Raymond Roussel

text: Roussel influenzò anche gli autori del "nouveau roman", e nel mondo anglosassone possiamo ricordare la scuola dei poeti newyorkesi: John Ashbery, Harry Mathews, James Schuyler, e Kenneth Koch, quest'ultimo autore del magazine "Locus Solus".


title: Raymond Roussel

text: Oggi Roussel è considerato un importante sperimentatore di inizio Novecento e si pensa abbia avuto un'influenza effettiva su alcune correnti artistiche, in particolare letterarie.


title: Raymond Roussel

text: In tempi recenti, nel 1989, un faldone contenente numerosi documenti e manoscritti di Raymond Roussel è stato ritrovato: si sono scoperti testi inediti dell'autore e in particolare "La Seine", che divenne oggetto di un adattamento teatrale al Festival di Avignone, opera trasmessa in differita da France Culture.


title: Raymond Roussel

text: Segue una bibliografia parziale delle opere tradotte in italiano, per la bibliografia completa si rimanda alla voce in francese.


La prima partecipazione della Juventus Football Club nelle competizioni internazionali gestite dalla UEFA risale al 1958. La prima manifestazione internazionale a cui il club prese parte dall'avvento del professionismo in Italia fu la Coppa dell'Europa Centrale, un torneo interfederale dove debuttò nel 1929. Essa ebbe luogo dal 1927 al 1940 e il club raggiunse le semifinali in cinque occasioni. Dal 1938 al 1951, anno in cui arrivò in finale del Torneo Internazionale dei Club Campioni, la Juventus non giocò partite in quell'ambito. A partire dall'istituzione dell'UEFA nel 1954, con la conseguente creazione dei suoi primi tornei ufficiali dall'anno successivo, i bianconeri hanno preso parte a sei delle sette manifestazioni confederali, laureandosi vincitori, almeno una volta, in ognuna di esse e stabilendo un primato a livello mondiale con il trionfo in Coppa Intercontinentale nel 1985. Il primato è stato migliorato con il titolo in Coppa Intertoto UEFA quattordici anni più tardi e rimasto in vigore fino alla disputa della prima finale di UEFA Europa Conference League nel 2022.


title: Juventus Football Club nelle competizioni internazionali

text: Uno dei club più blasonati nello sport, la Juventus è la seconda squadra italiana per titoli vinti nelle competizioni internazionali, la sesta a livello confederale e la dodicesima al mondo, avendo vinto undici trofei ufficiali: due UEFA Champions League (nota in precedenza come Coppa dei Campioni), una Coppa delle Coppe, tre Europa League (nota in precedenza come Coppa UEFA), una Coppa Intertoto UEFA, due Supercoppe UEFA e due Coppe Intercontinentali. È arrivata in finale in altre nove occasioni (sette in Coppa dei Campioni e Champions League, una in Coppa UEFA e una in Coppa Intercontinentale); ed è stata inserita al quarto posto nella classifica storica delle competizioni UEFA, nonché al primo posto nel ranking confederale durante sette stagioni dalla propria introduzione nel 1979, il massimo per una squadra italiana in entrambe le graduatorie. In base a tali risultati, I bianconeri furono riconosciuti come il miglior club italiano e secondo miglior club europeo del XX secolo al termine di una serie di studi pubblicati dalla Federazione Internazionale di Storia e Statistica del Calcio (IFFHS), un organismo riconosciuto dalla FIFA, nel 2009.


text: La Juventus ha partecipato per 28 stagioni consecutive a diverse manifestazioni UEFA dal 1963 al 1991 (di cui 20 consecutive, dal 1971 al 1991), più di ogni altra formazione italiana, ottenendo sei titoli e raggiungendo la finale undici volte durante il succitato periodo.


text: Giovanni Trapattoni è l'allenatore che ha vinto più trofei in ambito internazionale (6). Durante il suo primo ciclo sotto la guida del club torinese, a cavallo tra gli anni 1970 e 1980, la Juventus divenne la prima e unica squadra italiana a vincere un torneo internazionale con una rosa composta solo da calciatori nativi del proprio Paese, la prima squadra nella storia del calcio europeo ad aver vinto le tre competizioni stagionali organizzate dall'UEFA, oltreché l'unica a farlo sotto un'unica gestione tecnica, e il primo club europeo a vincere la Coppa Intercontinentale, nel 1985, da quando fu ristrutturata dal comitato composto dalla confederazione europea e la Confederación Sudamericana de Fútbol (CONMEBOL) cinque anni prima. È stata premiata con la speciale Targa UEFA dal presidente dell'UEFA Jacques Georges il 12 luglio 1988 a Ginevra, Svizzera.


text: Le vittorie con maggior differenza reti della Juventus nelle competizioni UEFA furono quelle sul nella Coppa delle Coppe 1983-1984, sul nella Coppa dei Campioni 1986-1987 e sull' nella Champions League 2003-2004, tutte e tre per 7-0. Alessandro Del Piero vanta il record del club di partecipazioni (130) e reti segnate (53).


title: Gaddo della Gherardesca

text: Nel celeberrimo episodio narrato nell'Inferno di Dante Alighieri (XXXIII, 1-78) egli vien presentato come uno dei quattro figli di Ugolino (in verità ve ne erano soltanto due) e Dante immagina che tutti siano fanciulli per accrescere il senso tragico della storia (mentre forse lo era solo Anselmuccio).


title: Gaddo della Gherardesca

text: La sua fine per le colpe del padre, quindi da innocente, fece scrivere a Dante la crudissima invettiva contro Pisa "vituperio delle genti".


title: De Pretore Vincenzo

text: De Pretore Vincenzo è una commedia di Eduardo De Filippo rappresentata la prima volta nel 1957 e inserita dallo stesso autore nel gruppo di opere che ha chiamato "Cantata dei giorni dispari".


title: De Pretore Vincenzo

text: Il sipario si apre su una stanza al buio dove dorme De Pretore Vincenzo un giovane ladruncolo a cui piace fare una vita comoda e senza privazioni che si procura con ripetuti, piccoli furti. È una vita facile senza fatiche ma con la costante paura di essere arrestati. Dopo che la portiera lo ha svegliato portandogli la colazione entra nella stanza Ninuccia, una giovanissima serva, innamorata persa del giovane al quale confida di volerlo sposare a tutti i costi, altrimenti si ucciderà.


title: De Pretore Vincenzo

text: De Pretore racconta alla ragazza, inframmezzando il suo discorso con un cantilenante «Mi spieco? È giusto?», di avere trovato un antico prezioso anello che è convinto sia stato il destino a portare nelle sue mani. Egli crede infatti che quell'anello sia per lui come il segno della sua appartenenza ad una nobile famiglia. Il giovane racconta a Ninuccia di venire da Melizzano, un paese dell'entroterra napoletano, dove era stato allevato da una donna, Maria, che lavorava nel palazzo del signore del luogo insieme al marito, Giuseppe. Maria gli aveva sempre raccontato che era stato portato in paese da una lussuosa auto e abbandonato. Egli quindi è convinto di essere nobile, di avere diritto ad una vita corrispondente al suo rango e quindi di voler sposare una donna degna di lui e non una povera sguattera come Ninuccia, che per campare lava bottiglie in un'osteria. Anche lui ama la giovane ma la sposerà solo dopo essersi arricchito col suo "lavoro". Ma Ninuccia non vuole aspettare: vuol fare subito l'amore con il giovane ladro, che non potrà però esaudire il suo desiderio poiché arrivano i carabinieri che lo arrestano.


title: De Pretore Vincenzo

text: Il quadro successivo mostra Ninuccia che aspetta, in una piazzetta dove campeggia una statua semiabbandonata, scorticata e polverosa di san Giuseppe, il ritorno dalla galera di De Pretore. Ninuccia, animata da una sincera fede popolare, invita il giovane ad affidare la sua vita alla protezione di un santo e per convincerlo gli racconta storie di grandi miracoli. Il giovane si persuade e sceglie come santo protettore il S.Giuseppe della piazzetta e, dopo aver fatto allontanare Ninuccia, in un colloquio semiserio col santo gli promette un grande restauro se lo aiuterà nel suo mestiere di ladro. I miracoli cominciano subito: nella piazza arrivano dei turisti stranieri che il giovane deruba facilmente.


title: De Pretore Vincenzo

text: È passato del tempo: in una specie di sarabanda, nella piazza rimessa a nuovo, dove splende di luci la statua del santo, De Pretore, saltando come un invasato ruba sfacciatamente a destra e a manca, senza che nessuno se ne accorga, e contemporaneamente offre grandi ceri "per grazia ricevuta" al santo. E così continua, convinto che la sacra protezione lo renda come invisibile, sottraendo apertamente una borsa a un impiegato di banca che però reagisce sparandogli e ferendolo a morte.


title: De Pretore Vincenzo

text: Nella scena successiva appare, in una sorta di quadro popolare a forti tinte dove predomina il colore rosso delle mele e del sangue sul camicione bianco della tenuta celestiale di De Pretore, il paese di Melizzano che deve il suo nome alle mele che infatti sono ammucchiate in enorme quantità da ogni parte. De Pretore si trova, senza sapere come né perché, di fronte al palazzo del Signore della sua infanzia e chiede di entrare mostrando il suo nobile anello come segno della sua nobile discendenza. Compare anche Ninuccia, vestita signorilmente, che gli fa capire che ormai è morto. Allora, pensa De Pretore, è inutile farsi accogliere dal Signore tanto vale cercare di entrare in Paradiso. Dovrà però convincere san Pietro, e farsi accompagnare dalla Madonna, che ha l'aspetto della madre adottiva e da san Giuseppe che ha le sembianze del tabaccaio della piazzetta, anche lui truffato da De Pretore quando era in vita.


title: De Pretore Vincenzo

text: È un Paradiso-Melizzano quello che vede De Pretore, che somiglia agli splendidi presepi barocchi napoletani con tutti i classici personaggi della sacra rappresentazione. De Pretore pretende la protezione di san Giuseppe che, preso da simpatia, lo accompagna dal Signore che deve decidere se accoglierlo o meno nel suo palazzo. Impietosito dal triste destino del giovane il Signore comanda: "De Pretore Vincenzo rimarrà in casa mia... Mi spiego? È giusto?". Su questo intercalare usato spesso nel parlare da De Pretore, "mi spiego e giusto", ripetuto in coro sempre più sottovoce dai personaggi si chiude la scena.


title: De Pretore Vincenzo

text: L'ultimo quadro della commedia rappresenta una «"squallida stanzetta del pronto soccorso"» dove De Pretore sta morendo tra la disperazione di Ninuccia che chiede di riavere l'anello del giovane ad un infermiere che le domanda chi essa sia. Ninuccia risponde: "Nessuno".


title: De Pretore Vincenzo

text: In una intervista Luciano Lucignani, critico teatrale, narra come nacque questa commedia di Eduardo. Egli nel 1956 aveva letto un poemetto di Eduardo scritto nel 1948 intitolato ""Vincenzo De Pretore"" e gli era subito apparso chiaro come questo testo potesse essere facilmente tradotto in una commedia. Ne aveva parlato con lo stesso autore che stranamente aveva subito accettato l'idea.


title: De Pretore Vincenzo

text: Per una serie d'impegni di Eduardo che avevano ritardato la realizzazione del progetto i due finalmente si ritrovarono a Parigi, in un albergo del Lungosenna per scrivere il copione. Lucignani racconta che dopo aver riflettuto per pochi minuti Eduardo disse: "Atto primo scena prima", cominciando a dettare il testo della commedia come se lo avesse già completo nella sua mente. Si interrompeva solo per certe osservazioni di Lucignani, che accettava di buon grado modificando il testo che alla fine non era altro che la traduzione in prosa dei versi del poemetto. Il primo atto fu terminato in una quindicina di giorni. Nel frattempo Eduardo seguiva le prove pomeridiane della sua commedia "Questi fantasmi!" che doveva andare in scena a Parigi e quindi si lavorava alla nuova commedia solo la mattina. Dopo il grande successo della rappresentazione parigina, tornato a Roma, Eduardo concluse in una settimana il secondo atto.


title: De Pretore Vincenzo

text: Lucignani nel frattempo aveva preparato l'allestimento al teatro dei Servi a Roma di proprietà di religiosi, dove, scritto in breve tempo anche il terzo atto, la commedia andò in scena con il titolo di ""De Pretore Vincenzo"" ; titolo diverso dal poemetto, poiché Eduardo ne voleva mettere in rilievo il modo popolare, alla napoletana, di presentarsi facendo precedere il cognome al nome. Il terzo atto dava qualche preoccupazione agli impresari: secondo loro aveva qualcosa di blasfemo con quel Padreterno che era simile a un commissario di polizia e con gli angeli che lo attorniavano raffigurati come dei poliziotti. Senza considerare la "scandalosa" scena iniziale, sia pure interrotta prima della naturale conclusione, dove Ninuccia, quasi antesignana di certe tematiche femministe, accetta, messa alla prova da De Pretore che vuole saggiare la sua ingenuità, di fare l'amore con il giovane senza badare, lei sinceramente religiosa, a vincoli sacri matrimoniali.


title: De Pretore Vincenzo

text: Certo il messaggio che veniva dalla commedia non era sicuramente gradito alla gerarchia ecclesiastica: puntualmente i giornali cattolici attaccarono ferocemente la commedia, che pure aveva avuto un enorme successo. Perciò i religiosi proprietari del teatro li costrinsero ad andarsene e a trovarne uno nuovo che fu il Valle di Roma, dove però, dopo una settimana, dovettero interrompere le rappresentazioni poiché non si aveva di che pagare l'affitto.


title: De Pretore Vincenzo

text: La commedia aveva dato grandi soddisfazioni per il successo di pubblico ottenuto ma scarso fu il risultato economico. Eduardo, che era rimasto molto amareggiato da questa vicenda, fu invece difeso dalla stampa di sinistra e da quel momento incominciò a spostarsi, lui che non aveva precise idee politiche, verso l'area culturale della sinistra. In certe sue commedie successive a De Pretore Vincenzo, ancora si percepisce questo suo malanimo verso quel clero cattolico che aveva ostacolato il successo della commedia.


title: De Pretore Vincenzo

text: Egli ci racconta come fosse stato ispirato per il poemetto da cui è tratto il dramma da un avvenimento a cui a 14 anni aveva assistito al tribunale di Napoli: «"Mi viene alla memoria quando vidi in una mattinata d'inverno, quelle squallide aule della Sezione Penale: tre ragazzi napoletani, smunti, magri, laceri, sudati, sporchi, incatenati tutti e tre con catene e bracciali non so se di acciaio o di ferro, dovevano essere giudicati per dei furtarelli, penso fossero stati scippi commessi chissà quanto tempo prima. Quello che mi rimase veramente impresso fu questo: il primo ladruncolo fu giudicato e condannato, ma non poté rassegnarsi che fossero giudicati anche gli altri due incatenati con lui ... Naturalmente, tra una sentenza e l'altra passa del tempo, perché in tribunale hanno fatto l'abitudine a questi disgraziati, non fanno più pena a nessuno; ... e quindi il magistrato impartiva ordini, l'usciere parlava forte di cose sue con altre persone, c'era l'indifferenza, ecco, nei confronti del ragazzo condannato, il quale ad un certo punto si alzò e disse: «Io me ne voglio andare. Mi avete condannato fatemi portare via. Basta qua non ci voglio restare.» Non gli dettero ascolto, anzi l'obbligarono a sedersi. Improvvisamente nel giovane esplosero violente la rabbia, la ribellione; per sfogarle si batté le catene e i bracciali sulla fronte, così forte che schizzi di sangue macchiarono le pareti e il suo viso divenne una maschera di sangue. Nemmeno allora fu portato via... Il presidente fece sgomberare l'aula, tutti uscirono, e io pure fui contento di tornare a respirare aria libera. Fu un'esperienza tremenda per me"»


title: De Pretore Vincenzo

text: De Pretore è vero è un "mariuolo" ma ha una sua filosofia che lo giustifica agli occhi di Eduardo: «"Qui sulla terra... c'è tanta gente che il bene se lo butta per la faccia, che non guarda se spende dieci o mille, che se spende mille, nel momento stesso che le ha spese, non ci pensa più. Allora...se io tolgo cinquecento a quello che spende mille, quale è il male che gli faccio? Io ho rubato...così senza orientamento, alla "come succede", ma...[dice rivolto al santo della piazzetta] se voi mi fate incontrare sulla mia strada persone come quelle che vi ho detto prima, io posso prendere da loro quello che mi serve senza avere nessuno scrupolo di coscienza"» Quindi egli giustamente ruba "senza scrupolo di coscienza" perché ruba per vivere e se muore per rubare questo lo deve assolvere agli occhi del Signore.


title: De Pretore Vincenzo

text: Ma il cielo non bada a quello che è accaduto a De Pretore, neppure san Giuseppe il suo protettore (poiché c'è bisogno di protettori che ti raccomandino ai "signori" in terra e in cielo), si è accorto di nulla quando lo hanno ucciso, eppure il giovane lo ha onorato con candele e preghiere. Ma persino lo stesso Signore è lontano dalle faccende umane della povera gente. De Pretore quando gli racconta la sua vita gli deve addirittura spiegare, a lui che è onnisciente, che vuol dire "figlio di padre ignoto" anche se poi è una strana definizione questa poiché macchia la reputazione sociale dei figli innocenti e salva quella dei padri colpevoli.


title: De Pretore Vincenzo

text: Qual è la colpa di De Pretore? Di essere vissuto come un ignorante, se avesse potuto andare a scuola forse la sua vita sarebbe stata diversa. È questo un tema che stette particolarmente a cuore a Eduardo che s'interessò molto del fenomeno napoletano della delinquenza giovanile. Da senatore a vita s'impegnò per questi giovani delinquenti che aveva visitato e con cui aveva parlato all'Istituto di rieducazione dei minori del Filangieri di Napoli e che cercò di aiutare concretamente devolvendo una grande somma e i guadagni delle sue recite per questi giovani napoletani che, come dice Ninuccia, al termine della commedia, sono considerati dalla società: «Nessuno».


title: Santuario di Nostra Signora della Misericordia (Savona)

text: Il santuario di Nostra Signora della Misericordia è un santuario mariano che sorge in località "Santuario del comune di Savona", frazione di Savona. Custodisce importanti opere barocche di Borgianni, Domenichino, Bernardo Castello e un altare del Bernini.


text: La frazione è cresciuta intorno alla basilica eretta sul luogo dell'apparizione di Nostra Signora della Misericordia ad Antonio Botta, un contadino nativo della valle di San Bernardo, avvenuta secondo la tradizione nel 1536.


text: La nascita del santuario è legata a un'apparizione mariana avvenuta secondo la tradizione la mattina del 18 marzo del 1536. Antonio Botta, contadino nativo della valle di San Bernardo, dove si trova l'omonima parrocchia, avrebbe visto la Vergine Maria, vestita di bianco e attorniata da una luce abbagliante, apparire nei pressi di un ruscello, alla confluenza del torrente Letimbro, su una pietra del corso d'acqua. Il Botta riferì che la Madonna gli aveva chiesto di recarsi dal suo confessore, di comunicarsi e, tramite quest'ultimo, di esortare il popolo a fare lo stesso; la Vergine gli avrebbe chiesto inoltre di ritornare nello stesso luogo dopo quattro sabati, poiché altri messaggi dovevano essere comunicati alla curia e al popolo di Savona.


text: Il Botta si recò subito a Savona e comunicò al vescovo della locale diocesi, monsignor Bartolomeo Zabrera, le richieste ricevute. Fu creduto dalla curia e il popolo savonese accolse il messaggio mariano.


text: Diversa fu la reazione delle autorità civili, in particolare del podestà genovese Baldassarre Doria, reggente il feudo di Savona per conto della Repubblica di Genova. Quest'ultimo, temendo una possibile rivolta anti-genovese in nome della fede, convocò il contadino al castello per un interrogatorio sui fatti accaduti. Una leggenda racconta che durante il colloquio tra le autorità e Antonio Botta alcuni pescatori, al largo di Savona, videro sopra la cattedrale e il castello tre fiammelle alte nel cielo.


text: La seconda apparizione della Madonna sarebbe avvenuta, come promesso, il quarto sabato dal primo evento, 8 aprile del 1536, vigilia della Domenica delle palme. Antonio Botta riferì di aver visto, dopo la preghiera, la Vergine sempre vestita di bianco e circondata di luce abbagliante, con una corona d'oro sul capo, nello stesso punto della prima apparizione; il contadino la descrisse con le mani tese verso il basso e allargate in un gesto di misericordia. La Madonna avrebbe chiesto tre sabati di digiuno e tre processioni in onore di Suo Figlio Gesù, in riparazione dei peccati commessi, con la partecipazione della popolazione e in special modo di tutti i religiosi e della Confraternita dei Disciplinanti; la Vergine Maria avrebbe anche elogiato l'operato di tali confraternite nell'opera di divulgazione della parola di Dio. Dopo aver esortato all'osservanza della fede, la Madonna sarebbe scomparsa dicendo "Misericordia, Figlio, voglio e non giustizia".


text: La Vergine Madre sarebbe in seguito di nuovo apparsa ai savonesi in processione, per chiedere la costruzione di un santuario e di una cappella, «dove successivamente ella compartisse le sue misericordie alli bisognosi», e in cui «volle essere rappresentata in atto supplichevole e con le braccia aperte, e gli occhi alzati al Cielo», per invitare tutti a unirsi alla preghiera di supplica che «ella avanti al trono di Dio, sta sempre porgendo per nostro aiuto». Vicino al santuario fu costruito un "Hospitale" per dare assistenza a orfani, infermi e bisognosi.


text: La notizia dell'apparizione mariana nella valle del Letimbro fece ben presto affluire sul luogo dell'evento un numero sempre crescente di pellegrini e credenti, tanto che fu costituita un'apposita commissione tra i cittadini per regolarne l'afflusso. Le cospicue somme di elemosine, offerte dai pellegrini in visita, accrebbero la necessità di edificare in loco un edificio o luogo di culto per accogliere i sempre più numerosi fedeli.


text: Il primo progetto, un oratorio, fu ben presto approvato da monsignor Bartolomeo Chiabrera il 21 aprile del 1536, ma si optò per la costruzione di un'opera maggiore, un santuario con annesso un ospizio per i poveri. Il nuovo progetto fu quindi deliberato dal consiglio cittadino di Savona e dal cardinale Orazio Spinola il 24 luglio, e già l'11 agosto dello stesso anno si diede il via al nuovo edificio di culto nella valle del Letimbro.


text: Nello stesso periodo la comunità comunale savonese decretò il 18 marzo, giorno della prima apparizione mariana ad Antonio Botta, data festiva e l'intenzione di compiere annualmente in tale occasione una processione votiva al santuario che, dopo quattro anni di intenso lavoro, si presentava nel 1540 già pronto nella sua struttura muraria.


text: Il 17 maggio 2008 il santuario ha ricevuto la visita di papa Benedetto XVI, in occasione del viaggio pastorale del pontefice a Savona e Genova. L'ultimo pontefice che aveva sostato presso il santuario era stato Pio VII nel 1815: in tale occasione aveva incoronato l'effigie di Nostra Signora della Misericordia, patrona di Savona. Papa Benedetto XVI ha invece insignito il santuario dell'onorificenza della Rosa d'oro, la seconda in Italia dopo il santuario di Loreto, insignita dal pontefice Giovanni Paolo II.


text: La chiesa del santuario, costruita nel 1536 su disegno dell'architetto Pace Antonino Sormano da Osteno, è un tipico esempio di manierismo genovese. La sua struttura è costruita su tre livelli (navata, cripta e presbiterio), pare in ricordo della cattedrale romanica, che sorgeva in luogo del Priamar, distrutta dai Genovesi per lasciar spazio alla costruzione della fortezza rinascimentale. La facciata, a tre porte, in pietra del Finale, è opera di Taddeo Carlone di Rovio di Lugano. In tre nicchie sono collocate le statue di san Giovanni Battista, di san Giovanni apostolo ed evangelista e della Vergine.


text: Sul piazzale antistante la chiesa è collocata una fontana di Giacomo Antonio Ponsonelli del 1708. Attorno al santuario nel tempo sono stati edificati ospizi per anziani ed orfanotrofi, molti dei quali funzionanti fino alla seconda metà del Novecento (resta un ospizio per anziani).


text: Il santuario ha un Museo del tesoro, dove si possono ammirare ex voto di varie epoche, paramenti e oggetti sacri, tra cui un "Reliquiario della Croce" di argento dorato dell'orafo settecentesco torinese Vincenzo Belli.


text: Gli affreschi che adornano la volta, databili al XVII secolo, sono opera del pittore Bernardo Castello raffiguranti scene ed episodi tratti dal vangelo, così come sono opera dello stesso Castello i riquadri pittorici della cupola che si apre sul presbiterio e l'affresco sopra la porta d'ingresso della navata.


text: Dello scultore Onorato Toso di Genova è il pulpito del 1915 costruito in occasione del primo centenario dell'incoronazione della statua raffigurante Nostra Signora della Misericordia ad opera di papa Pio VII nel 10 maggio 1815.


text: L'altare maggiore è opera molto probabilmente dello scultore Francesco Schiaffino e fu donato al santuario dai governatori della Pia Opera. Nella parte sinistra è inoltre posizionata la statua in marmo ritraente Giovanni Battista Veretta Bava e una lapide bronzea in memoria dell'incoronazione della statua di Nostra Signora della Misericordia.


text: Il primo, intitolato alla "Madonna della Neve," conserva una pala del 1610 del pittore Bernardo Castello, poggiante su una struttura del XVIII secolo e restaurata in seguito nel 1875 da Paolo Burnengo.


text: Il secondo altare, della Visitazione della Beata Vergine Maria, si presenta con una forma a parallelepipedo con due alti piedistalli decorati con raffigurazioni di palme, gigli e rose; al suo centro è collocato il bassorilievo marmoreo della Visitazione. Secondo alcune fonti locali l'altare fu concesso nel 1636 alla famiglia Siri di Savona, mentre l'opera marmorea del 1665 è da riferirsi al noto scultore Gian Lorenzo Bernini. Uno studio dello storico Nicolò Mezzana del 1938 già avvalorava tale ipotesi che fu poi confermata in un successivo approfondimento nel 1990 delle studiose Giulia Fusconi ed Eliana Mattiauda. Quindi fu il Bernini ad eseguire il disegno nel suo intero complesso ed egli stesso eseguì l'opera di scultura della parte architettonica; la realizzazione della pala fu poi completata dal suo allievo Matteo Bonarelli di Lucca


text: Un dipinto di Bernardo Castello, raffigurante il presepe, è invece conservato nel terzo altare laterale della navata.


text: Così come la parte sinistra anche la navata destra è costituita dalla presenza di quattro altari laterali in marmo. Il primo è intitolato all'Immacolata Concezione e conserva una pala del pittore Paolo Gerolamo Brusco di Savona, allievo della scuola pittorica genovese del Settecento. Ai piedi dell'altare trova spazio il sepolcro del contadino Antonio Botta a cui la Madonna apparve il 18 marzo e l'11 aprile del 1536.


text: Alla "Natività della Vergine" è invece dedicato il secondo altare della navata dove è presente la pala del pittore caravaggesco Orazio Borgianni di Roma; di Domenico Zampieri, più noto come il Domenichino, è la pala del terzo altare ritraente la "Presentazione di Maria al tempio". Le due opere sono considerate dagli storici dell'arte i maggiori capolavori conservati nel santuario savonese.


text: Nella cripta si trova la statua della "Madonna di Misericordia", incoronata dal papa Pio VII. Venne imprigionato da Napoleone e condotto a Savona in prigionia. Qui fece voto alla Madonna che in caso fosse stato liberato, sarebbe tornato nel santuario per incoronarla. Così avvenne, nel 1815 dopo essere stato liberato dalla sua prigionia savonese, iniziata nel 1809 e durata fino al 1814.


text: Considerata il "cuore spirituale" del santuario, la paternità dell'opera potrebbe essere attribuita al figlio dell'architetto Antonio Sormano, così come attestano i libri dell'amministrazione savonese dove si annota un contratto del 1557 per una somma di 160 lire. Altri studi attribuiscono a Giovanni Battista Orsolino e al figlio Giovanni la mano delle decorazioni interne della cripta composta da tre archi a tutto sesto.


text: Stucchi decorati in oro adornano la volta così come i pannelli raffiguranti la "Santissima Trinità" e la "Madonna benedicente la comunità di Savona". Alla destra della statua è presente il tabernacolo, mentre a sinistra è collocato un crocifisso del XV secolo; nelle vetrine laterali sono esposti gli ex voto donati dai fedeli.


text: Qui si recò il pontefice Pio VII per l'incoronazione della statua in marmo di Nostra Signora della Misericordia il 10 maggio del 1815 e dove, in occasione nella visita papale a Savona e Genova di papa Benedetto XVI del 17 maggio 2008, si è svolta la solenne cerimonia di conferimento dell'onorificenza della Rosa d'oro al santuario.


text: Il 29 giugno 2011, durante l'orario di apertura del santuario, sono state rubate due antiche lampade ad olio in argento poste ai lati della statua (visibili nella fotografia).


text: La statua marmorea, secondo alcuni studi, fu commissionata nel 1560 allo scultore lombardo Pietro Orsolino, padre di Giovanni Battista Orsolino, al quale viene attribuita la paternità degli "Angeli cantori" nel frontale della cripta.


text: La costruzione del coro con sedili e spalliere in legno intarsiato avvenne nel 1644, mentre le tarsie delle spalliere furono eseguite nella seconda metà del XIX secolo ad opera dei fratelli Vincenzo e Giuseppe Garassino di Savona. Un particolare della tarsia della spalliera centrale raffigura la scena biblica dell"'Annunciazione di Maria", copia esatta del dipinto del pittore Giuseppe Agostino Ratti, mentre altre spalliere sono state decorate con la tecnica della pirografia. Del pittore Ignazio Scotto è attribuita la paternità della tarsia dietro l'altare maggiore raffigurante "Lo sposalizio della Vergine" tratto da un dipinto di Raffaello Sanzio.


text: Costruita nel 1643 la sagrestia è ubicata alla destra dell'altare maggiore in un piano rialzato sopra la cripta. Il grande armadio, facente parte di un notevole assembramento di mobili in legno di noce scolpito e intagliato, è opera del padre gesuita Orazio Grassi di Savona. Dello stesso periodo storico è risalente il leggio in mezzo alla sala.


text: Risalente al 1928 è l'organo della ditta Malvestio di Padova.Dispone di due manuali (Grand'Organo - Organo Espressivo), 25 registri reali più tutte le unioni gravi ed acute tra le tastiere e la pedaliera. Durante il completo restauro del 1982, a cura della ditta Corno di Bernate d'Arcore (MI) è stato modificato il sistema di trasmissione da pneumatico-tubolare in elettrico, sono stati ricostruiti i somieri, è stata smontata, pulita, intonata ed accordata tutta la parte fonica, è stata ricostruita la Consolle con l'installazione di una centralina elettronica per le combinazioni aggiustabili.


text: L'affresco, situato presso il catino dell'abside, è un'opera dello stesso periodo storico ed è attribuibile alla mano del pittore Eso Peluzzi e raffigurante angeli musicanti e cantori che inneggiano alla misericordia della Vergine.


text: Poiché, nel messaggio al beato Botta, la Madonna menziona espressamente le confraternite, lodando le loro pratiche di pietà, esse si sono sempre sentite legate al santuario; e non si tratta affatto di un legame che interessa soltanto le confraternite della Liguria o del basso Piemonte in considerazione del fatto che è stato eretto a santuario nazionale delle confraternite in data 18 marzo 2009, da Vittorio Lupi, vescovo della diocesi di Savona-Noli, accogliendo la richiesta dei delegati CEI per le confraternite, che lo volevano tale.


text: Ogni anno, il 18 marzo, anniversario dell'apparizione, il vescovo guida la processione fino alla basilica. Le confraternite - non solo della città, ma dell'intera diocesi - partecipano numerose, spesso portando anche i caratteristici crocifissi.


text: Per commemorare l'incoronazione della Madonna di Misericordia avvenuta ad opera di papa Pio VII nel 1815, le confraternite savonesi organizzarono una solenne processione un secolo dopo, nel 1915. Nell'occasione dei 200 anni da tale evento, nel 2015, le confraternite organizzarono la stessa processione, che partendo dal centro di Savona, si protrasse fino al santuario.


title: Morior invictus

text: Morior invictus è una locuzione latina che significa "Muoio invitto", cioè "muoio senza essere stato sconfitto". La citazione originale viene attribuita da Cornelio Nepote a Epaminonda, nella sua opera "De viris illustribus".


title: Ricky Steamboat

text: Famoso presso i fan, oltre che per le sue abilità sul ring, anche per aver interpretato il ruolo di "buono" per tutta la durata della sua lunga carriera; quando entrò a far parte della World Wrestling Federation negli anni ottanta vinse l'Intercontinental Championship, mentre nelle altre federazioni principali conquistò il WCW World Tag Team Championship e il NWA World Heavyweight Championship.


title: Ricky Steamboat

text: Il debutto nel mondo del wrestling, la grande passione di Steamboat fin da bambino, avviene nel 1976, a 23 anni. Esordisce nella AWA dove viene allenato da Verne Gagne e The Iron Sheik, prima di passare, pochi mesi dopo, nella NWA, federazione alla quale il futuro "The Dragon" leghera indissolubilmente il suo nome.


title: Ricky Steamboat

text: All'esordio, Richard Blood viene presentato come Sam Steamboat Jr. a causa della sua somiglianza con un wrestler hawaiano dell'epoca, Sam Steamboat, ma questa gimmick ha vita breve: già nel 1977, Blood decide di mantenere solo il cognome "Steamboat" al quale affiancherà il diminutivo del suo vero nome, "Ricky". Nel circuito Mid-Atlantic della NWA, Ricky si fa subito notare per il fisico compatto e per le sue straordinarie capacità tecnico-atletiche, che in poco tempo lo elevano al vertice della federazione.


title: Ricky Steamboat

text: Il 25 giugno 1977, a nemmeno un anno dal suo debutto, Steamboat vince la sua prima cintura, l'NWA Mid-Atlantic Television Title, strappandolo a Ric Flair, già eletto "rookie of the year" l'anno precedente. Proprio con il Nature Boy, Steamboat iniziera un feud durato quasi 10 anni.


title: Ricky Steamboat

text: Appena due mesi dopo la conquista della sua prima cintura, Ricky riesce a vincerne un'altra: il 22 agosto 1977, in coppia con Paul Jones, batte Flair e Greg Valentine, vincendo i titoli NWA Mid Atlantic Tag Team. La prima sconfitta però deve ancora arrivare, e giunge per mano di Baron Von Raschke, che il 15 ottobre lo priva del titolo TV. Tuttavia, Steamboat non si accontenta di possedere una sola cintura, ne vuole due, e così il 1º novembre sconfigge nuovamente Ric Flair vincendo lo United States Title, perso però poco tempo dopo, contro Blackjack Mulligan. Il 23 aprile 1978, Jones e Steamboat, campioni di coppia del circuito Mid Atlantic da ormai 8 mesi, riescono ad imporsi in un torneo contro altre 9 coppie, vincendo i titoli di coppia del mondo della NWA. A quel punto, il tag team Jones-Steamboat è costretto a rendere vacante i titoli di coppia del circuito Mid Atlantic, perché essendo i campioni di coppia del mondo NWA, non possono detenere anche altri titoli tag team. I due però non sono più la coppia affiatata di prima, qualcosa tra di loro si è rotto, probabilmente a causa della gelosia di Jones verso il compagno, ed ecco che la coppia si divide. Per un paio di mesi si affronteranno in vari match, anche violenti, vinti quasi tutti da Steamboat. Terminato il feud con l'ex compagno, Ricky torna a posare gli occhi sul suo acerrimo rivale, Ric Flair, e il 18 dicembre del 1978 lo batte, reimpossessandosi della cintura di campione degli Stati Uniti per la seconda volta in carriera. Il primo aprile del 1979 però, Flair riconquista il titolo, e da quel momento Steamboat decide di cimentarsi quasi esclusivamente in match di coppia, abbandonando per diverso tempo le contese singole. Il 23 ottobre 1979, di ritorno da un periodo di pausa, forma un nuovo tag team con "Chief" Jay Youngblood, con il quale riesce a vincere per la seconda volta il titolo di campioni di coppia del mondo NWA, e per la coppia è solo il primo di cinque titoli vinti fino al 1983. In questi 4 anni, come già detto in precedenza, la coppia Steamboat-Youngblood riesce a vincere il titolo per ben 5 volte, battendosi di volta in volta con avversari molto più quotati, come Baron Von Rashke, Paul Jones, Greg Valentine, Jimmy Snuka, Sgt. Slaughter, Ivan Koloff, Jack Brisco e Bob Orton. Tra l'altro, nello stesso periodo, Ricky trova il tempo per vincere anche il titolo NWA Mid-Atlantic, sconfiggendo Hussien Arab, perdendolo in seguito dopo cinque mesi, il 16 aprile 1981 contro Ivan Koloff, ed il titolo tag team NWA Mid-Atlatic in coppia con Dino Bravo, titoli poi persi contro gli Sheepherders. La sua carriera è ormai lanciatissima, e dopo aver fatto incetta di titoli, sembra pronto per l'alloro mondiale, ma una decisione, piuttosto inaspettata, sta per essere presa da Ricky. A Natale del 1983, Steamboat, decide di ritirarsi dal mondo del wrewstling, nonostante fosse ancora campione del mondo di coppia con Youngblood, per stare più tempo con sua moglie e suo figlio. I titoli di coppia NWA verranno dichiarati vacanti, Steamboat scomparirà dalle scene e non tornerà a combattere mai più con Chief Jay Youngbood a causa della morte precoce di quest'ultimo, che a soli 30 anni morirà a causa di un attacco di cuore occorsogli dopo un incontro disputato insieme a suo fratello Mark contro gli Sheepherders.


title: Ricky Steamboat

text: Nel 1984, Steamboat fa il suo ritorno sul ring, conquistando altri titoli minori e mettendosi in luce in due feud contro il suo ex-mentore Wahoo McDaniel e Tully Blanchard. Nel 1985 decide di lasciare la NWA per la WWF a causa di forti contrasti con l'allora booker NWA Dusty Rhodes.


title: Ricky Steamboat

text: A Stamford, Ricky assume la gimmick del dragone, diventando Ricky "The Dragon" Steamboat. Ricky riprende da dove si era fermato nella NWA, ovvero dalle vittorie. Il primo feud targato WWF è contro un altro hawaiano, Don Muraco, con il quale inscena sempre ottimi incontri. Dopo Muraco, tocca a Jack "The Snake" Roberts mettersi sulla strada del dragone. Il loro feud ha inizio quando Roberts esegue su Ricky la sua devastante finisher, il DDT, sul pavimento in cemento fuori dal ring. La loro rivalità è molto accesa, e termina con il match svoltosi il 28 agosto del 1986, dove il "dragone" sconfigge una volta per tutte il "serpente".


title: Ricky Steamboat

text: Dopo aver battuto sia Muraco che Roberts, Ricky si scontra con "Macho Man" Randy Savage, reo di averlo colpito alla gola con la campana del gong, lanciandosi dalla terza corda. In seguito a quest'avvenimento Steamboat è costretto a stare fuori qualche settimana, ritornando più agguerrito che mai e deciso a vendicarsi del suo rivale. La grande occasione arriva, ed ha luogo il 29 marzo 1987, data storica per il pro-wrestling: al Pontiac Silverdome di Pontiac, davanti a 93.176 persone, Hulk Hogan impressionò il mondo alzando un gigante di 250 kg, ma è anche la notte del match tra Ricky Steamboat e Randy Savage, definito da tutti il match più tecnico di tutti i tempi e uno dei migliori di sempre di WrestleMania. A portasi a casa match e cintura è Ricky Steamboat che interrompe il regno di Savage come campione Intercontinentale durato più di un anno. Il suo regno viene interrotto dopo appena due mesi da Honky Tonk Man e più tardi si verrà a sapere che quella sconfitta fu voluta da Vince McMahon che non aveva gradito la richiesta da parte di Steamboat di avere un permesso per stare un po' con la sua famiglia, dato che Vince aveva già programmato una serie di incontri dove Steamboat avrebbe dovuto difendere la sua cintura. A questo punto, senza cintura e senza un futuro in WWF, Ricky annuncia per la seconda volta il suo ritiro dal wrestling.


title: Ricky Steamboat

text: Ci vuole però poco meno di un anno per vederlo tornare in azione. All'inizio del 1989, Eddie Gilbert annuncia che affronterà due Horsemen, Ric Flair e Barry Windham, con un partner misterioso. Questo partner si rivela essere proprio Ricky Steamboat che finalmente torna a calcare un ring NWA. Il match si conclude con la vittoria di Gilbert e Steamboat, quando Steamboat schiena Flair. Si riaccende quindi la grande rivalità tra Flair e Steamboat, e ancora una volta Steamboat priva Flair dell'ennesima cintura, ma stavolta non si tratta di un titolo minore: a Chicago, il 20 febbraio 1989, Steamboat diventa campione del mondo NWA.


title: Ricky Steamboat

text: Ricky Steamboat è il nuovo NWA World Heighweight Champion, e riesce a difendere il titolo dai numerosi assalti dello stesso Flair, ma anche di Butch Reed e The Iron Sheik. Purtroppo per lui, il 7 maggio 1991, al ppv Music City Showdown, a Nashville, Flair si dimostra superiore e riconquista la bramata cintura. Perso il titolo del mondo, Steamboat si prende alcuni mesi di pausa, poi milita per breve tempo nella New Japan Pro-Wrestling, dove si scontra con wrestler del calibro di Hiroshi Hase e The Great Muta, per poi ritornare alla corte dei McMahon a Stamford, dove però non riuscì più a essere il glorioso wrestler che aveva vinto il titolo Intercontinentale a "WrestleMania 3". Qui infatti è costretto ad adottare un'identità differente, presentandosi semplicemente come "The Dragon", un wrestler sputafuoco con un improbabile costume da drago, gimmick fallimentare che lo vedrà perdere molti degli incontri disputati, venendo gradualmente relegato al mid-carding. A questo punto decide di lasciare definitivamente la WWF.


title: Ricky Steamboat

text: Il 19 novembre 1991 debutta in WCW con il botto: infatti, in quella stessa sera, in coppia con Dustin Rhodes, riesce a vincere i titoli di coppia battendo gli Enforcers, Arn Anderson e Larry Zbyszko. Il loro regno da campioni è positivo ma non lunghissimo, infatti dura poco più di 2 mesi e il 16 gennaio riperdono i titoli contro Arn Anderson e Bobby Eaton. Tuttavia, Steamboat continua a macinare vittorie anche nelle competizioni singole. Il 2 settembre del 1992 batte "Stunning" Steve Austin a "" e vince il titolo TV; il 18 novembre, in coppia con Shane Douglas, riesce a vincere i titoli di coppia WCW. Il regno va a gonfie vele con tante difese di successo fino a quando gli Hollywood Blondes, Steve Austin e Brian Pillman, li sconfiggono e vincono le cinture. Successivamente inizia un feud con il membro della Dangerous Alliance e campione WCW United States Heavyweight Rick Rude. I due si scontrano a SuperBrawl II dove Steamboat viene sconfitto. La loro rivalità culmina in un celebre non-title Iron Man Challenge al ppv Beach Blast (1992), vinto da Steamboat. Il 18 agosto del 1993, Steamboat batte Paul Orndorff, e si riprende il titolo TV, perso un mese dopo contro Steven Regal. Steamboat comincia quindi una faida con lo US Champion "Stunning" Steve Austin e ottiene una title shot a Bash at the Beach ma viene sconfitto. Il 24 agosto a "Clash of the Champions XXVIII", ha luogo il rematch con Austin nel quale Steamboat si infortuna alla schiena, ma riesce comunque a vincere il suo quarto titolo United States Heavyweight Championship. A questo punto inizia a sentire i vari acciacchi di una vita da combattente, ed è costretto, dopo un mese, a rendere vacante il titolo USA a causa di gravi infortuni alla schiena. Nel settembre 1994, Steamboat viene licenziato dal presidente WCW Eric Bischoff a causa del suo infortunio che non gli permette di combattere, ponendo così fine a un sodalizio durato quasi vent'anni con la federazione.


title: Ricky Steamboat

text: Da allora Steamboat si è ritirato dal wrestling combattuto, facendo soltanto sporadiche apparizioni come intervistatore nella NWA-TNA e nella ROH. Dal 2004, si ritrova in WWE come road-agent e interviene nella puntata di RAW in onore di Ric Flair. Nel 2009 viene annunciata la sua introduzione nella WWE Hall of Fame, ma quando Michael Cole lo intervista per sapere il suo commento, viene attaccato da Chris Jericho che inizia un feud contro Steamboat, Ric Flair, Roddy Piper, e Jimmy Snuka, da affrontarsi in un match handicap a WrestleMania 25. Durante il match prevale il più giovane Jericho. Tuttavia, Ricky, che nel 2009 aveva 56 anni, ha fatto comunque una prestazione maiuscola eseguendo un volo dalla terza corda su Jericho che si trovava fuori ring. La WWE chiede quindi a Steamboat di tornare ancora sul quadrato e in un match a squadre combattendo insieme a con John Cena, CM Punk, Jeff Hardy, e Rey Mysterio contro Edge, Kane, Matt Hardy, Big Show e Chris Jericho. Torna a lottare in un ppv a Backlash contro Chris Jericho, facendo ancora un'ottima prestazione ma venendo sconfitto. Successivamente combatte anche contro Drew McIntyre e Sheamus, per poi tornare al suo lavoro di road agent dietro le quinte. Il 7 maggio 2010 appare a SmackDown insieme alla security per salvare Matt Hardy dall'aggressione di Drew McIntyre.


title: Ricky Steamboat

text: Nonostante si sia ritirato di tanto in tanto si unisce in tag team col figlio in FCW, dove dimostra di avere ancora un buon fisico per il wrestling.


title: Ricky Steamboat

text: Nel 2010 la WWE ha messo in commercio il cofanetto celebrativo "Ricky Steamboat: The Life Story of the Dragon" che in tre DVD ripercorre la carriera di Steamboat.


title: Ricky Steamboat

text: Durante la puntata di RAW del 17 dicembre per gli Slammy Awards, Ricky insieme a Gene Okerlund e Jim Ross, premiano il miglior match dell'anno, che andrà a Triple H per il suo Hell in a Cell match contro Undertaker a WrestleMania XXVIII.


title: Ricky Steamboat

text: Nel 2011 Steamboat è stato inserito come personaggio giocabile nel videogame "WWE All Stars" prodotto dalla THQ. È inoltre inserito anche nel videogioco "WWE '12", "WWE 2K14", "WWE 2K16" e in "WWE 2K19".


title: Condroblasto

text: I condroblasti (dal greco "khóndros" cartilagine + "blastós" germe) sono cellule deputate alla costruzione del tessuto cartilagineo. Possono avere origine dalle cellule mesenchimali presenti nei centri di formazione della cartilagine, o dalle cellule condrogeniche dello strato interno del pericondrio.


title: Condroblasto

text: I condroblasti sono cellule basofile che hanno nel loro citoplasma tutti gli organuli necessari per la sintesi proteica. Al microscopio elettronico si evidenziano un ben sviluppato apparato del Golgi, un abbondante reticolo rugoso, numerosi mitocondri e varie vescicole di secrezione.


title: Condroblasto

text: I condroblasti secernono matrice cartilaginea fino ad esserne completamente circondati, e a questo punto sono chiamati condrociti.


title: Vado al massimo/Ogni volta

text: Vado al massimo/Ogni volta è un singolo del cantautore italiano Vasco Rossi, pubblicato il 2 febbraio 1982 da Ed. Star/Targa come primi estratti dall'album "Vado al massimo".


title: Vado al massimo/Ogni volta

text: Vado al massimo è una canzone scritta da Rossi e da lui presentata al Festival di Sanremo 1982, arrivata in finale ma classificata al quarto posto a pari merito di tutte quelle non entrate sul podio come imponeva la classifica di quell'edizione, anche se per molto tempo venne fatto passare il messaggio che fosse arrivata ultima. In realtà questa si è poi tramutata in una leggenda metropolitana. Nel testo viene fatto un riferimento al giornalista veneziano Nantas Salvalaggio (""meglio rischiare che diventare come quel tale che scrive sul giornale""), che aveva in precedenza criticato l'artista.


title: Vado al massimo/Ogni volta

text: Ogni volta, l'altro brano del singolo, è anch'esso scritto dallo stesso Vasco. La canzone fu scritta di getto una mattina da Vasco Rossi convinto di aver scritto un capolavoro ma che nessuno avrebbe mai capito. Il brano si vuole somigliante a "Insieme" di Mina ma anche questa è piuttosto una leggenda metropolitana. Il brano è stata l'ultima canzone ascoltata da Giancarlo Siani il 23 settembre 1985, poco prima di essere ammazzato sotto casa dalla camorra.


title: Vado al massimo/Ogni volta

text: Nel 2002 viene incisa in una nuova versione e inserita nell'album "Tracks". Nel 2005 Laura Pausini ne fa un accenno durante il "World Tour 2005". Nel 2014 viene inserita nella colonna sonora della serie televisiva "Braccialetti rossi".


title: Doxilamina

text: Trova impiego come sedativo a breve termine, e in combinazione con altri farmaci per dare sollievo notturno in caso di allergia o raffreddore.


title: Watergate (Washington)

text: Il Watergate ("Watergate complex") è un complesso edilizio del quartiere di Foggy Bottom, a Washington, negli Stati Uniti d'America. Il Watergate ricopre un'area di 4 ettari, è adiacente al Kennedy Center, ed è composto da sei edifici al cui interno sono presenti appartamenti, uffici e un albergo. All'interno del complesso avvenne lo scandalo Watergate che, nel 1974, portò alle dimissioni del presidente americano Richard Nixon.


title: Watergate (Washington)

text: Gli edifici del Watergate vennero costruiti fra il 1962 e il 1971 dalla Società Generale Immobiliare (Roma) su progetto di Luigi Moretti (capo architetto) e Milton Fisher (architetto associato). Oltre a essere considerati fra i più ambiti della città, erano frequentati da membri del Congresso americano e da addetti al potere esecutivo.


title: Watergate (Washington)

text: Il 17 giugno 1972, un gruppo di funzionari del partito repubblicano s'introdusse nella sede del Comitato nazionale democratico, allora situata al sesto piano del Watergate Office Building, e iniziarono a fotografare documenti privati e intercettare telefonate, per poi tentare di nascondere il loro coinvolgimento nell'operazione. Il fatto gettò un'ombra su Richard Nixon e il suo "entourage" agli occhi della nazione e portò alla scoperta di altri reati commessi dallo stesso presidente o su suo mandato. Dopo una serie di vicissitudini, Nixon si dimise dalla sua carica il 9 agosto 1974. In ambito giornalistico, il termine "Watergate" e il suffisso "-gate" iniziò ad essere usato per indicare argomenti controversi e scandali.


title: Watergate (Washington)

text: A partire dagli anni 1980, il Watergate ebbe diversi proprietari mentre, durante il decennio successivo, i singoli edifici vennero venduti separatamente ad acquirenti differenti. Oggi il complesso edilizio è sede del National Trust for Historic Preservation.


title: Acido mandelico

text: L<nowiki>'</nowiki>acido mandelico è un α-idrossiacido aromatico con formula molecolare CHCH(OH)COH. È un solido cristallino bianco solubile in acqua e nei solventi organici polari. Trova utilizzo come precursore di vari farmaci. Dato che possiede un centro chirale, si trova disponibile sia nelle due forme enantiomeriche che in miscela racemica. L'estere dell'acido mandelico è il "mandelato".


title: Acido mandelico

text: L'acido mandelico fu scoperto riscaldando l'amigdalina, un estratto delle mandorle amare, con acido cloridrico. Venne riportato la prima volta nel 1909 da J.W. Walker e V.K. Krieble. Il nome deriva dal tedesco "Mandel", che in italiano significa "mandorla". Alcuni derivati dell'acido mandelico si formano come risultato del metabolismo dell'adrenalina e della noradrenalina a opera delle monoammino ossidasi e della catecol-o-metil transferasi.