title: Suzuki GT 750

text: Nessuna novità tecnica per l'ultima versione che viene rivista solo a livello estetico, seguendo gli stilemi che caratterizzavano il resto della produzione Suzuki di quell'anno. Le colorazioni proposte erano il rosso, il nero e il blu per il serbatoio, con i fianchetti e il fanale neri. La maggiore innovazione consisteva nel nuovo parafango anteriore privo di sostegni a raggiera, ancorato ai foderi della forcella telescopica.


title: Suzuki GT 750

text: La produzione cessò nel 1977, ma il modello rimase in listino anche nel 1978, fino all'esaurimento delle scorte in magazzino.


title: Suzuki GT 750

text: Allo scopo di partecipare alle gare per derivate di serie negli Stati Uniti e del Trofeo FIM 750, la Suzuki realizzò il modello da competizione "TR 750", derivata dalla "GT 750" e costruita in 14 esemplari dal 1972 al 1974.


title: Suzuki GT 750

text: Altre due "special" semi-ufficiali vengono realizzate a partire dal 1973, in tiratura limitata, allo scopo di fornire un veicolo appetibile dalla clientela sportiva. La prima è la Suzuki-SAIAD 750 Vallelunga, progettata e costruita dalla torinese SAIAD, importatrice per l'Italia dei prodotti Suzuki. La seconda è la Suzuki GT 750 Roca, realizzata dall'importatore francese Bonnet con l'assistenza tecnica del pilota-collaudatore Jacques Roca.


title: Suzuki GT 750

text: Varie altre pregevoli "special" sono state realizzate artigianalmente, in piccolissima serie o in esemplari unici, per le competizioni o semplicemente come "Café racer".


title: Apple Newton

text: Newton è la famiglia di computer palmari prodotta da Apple. Nell'estate del 1993 Apple presentò il primo modello di palmare, il Newton Message Pad (OMP). Questo prodotto, antesignano precursore di iPhone, fu uno dei primi tra i computer palmari per come vengono definiti ad oggi.


title: Apple Newton

text: Al tempo dell'uscita del primo Newton Message Pad, Apple s'introdusse nel nuovo mercato dei computer palmari, con un prodotto dalle funzionalità innovative per l'epoca, infatti dal punto di vista software era caratterizzato dal riconoscimento della scrittura a quello vocale, dalla navigazione in internet agli applicativi base.


title: Apple Newton

text: Il Newton fu equipaggiato, nella sua versione di "punta" (ultimo modello prodotto), con processore RISC di ARM denominato StrongArm RISC a 166 MHz, con sistema in ROM da 8 MB, memoria RAM da 8 MB, fornito di touchscreen da 5" (480×320 a 16 bit) resistivo (via stilo), audio con output stereo a 16 bit e input mono, video 480×320 a 16 bit, porta seriale, PCMCIA (cardbus) e connettività ad infrarossi.


title: Apple Newton

text: L'accoglienza della stampa fu buona, il Newton prometteva la facilità d'uso combinata con un sistema di riconoscimento della scrittura e persino riconoscimento vocale (anche se solo in inglese e solo per alcuni modelli).


title: Apple Newton

text: Era uno strumento avanzato e dotato di una serie programmi che gli permettevano di integrarsi con Classic Mac OS.


title: Apple Newton

text: Fu venduto con un prezzo tra 799 e 999 dollari, quindi non economico, ma essendo stato progettato per i manager non aveva nemmeno un costo proibitivo. Una pecca del Newton era il riconoscimento della scrittura: nonostante la casa produttrice lo pubblicizzasse come facile da usare, invero era difficile. Inoltre l'utente non era mai sicuro di diventare padrone del suo uso. Sebbene le serie successive del Newton migliorassero notevolmente il sistema di riconoscimento della scrittura, la cattiva nomea che si era fatto agli esordi lo seguì fino alla fine del ciclo di produzione. Apple realizzò nel corso degli anni otto modelli diversi della serie Newton, ma nessuno di essi riuscì mai a sfondare, anzi molti di questi riportarono ingenti perdite.


title: Apple Newton

text: La tecnologia Newton venne concessa anche in licenza a sviluppatori terzi, che la utilizzarono per fare dispositivi "intelligenti", come telefoni cellulari evoluti. Il progetto Newton costava troppo e non sembrava in grado nel breve periodo di ripagarsi, Apple cercò dunque di vendere il progetto alla 3Com che, con la divisione Palm, cercava di realizzare un prodotto simile al Newton, ma questa rifiutò.


title: Apple Newton

text: Dopo 5 anni e più di 500 milioni di dollari spesi in ricerca, Apple decise di eliminare il progetto Newton e di sciogliere la divisione che se ne occupava.


title: Apple Newton

text: Nonostante la fine del progetto, il Newton continuò ad avere un certo seguito e tuttora esistono dei gruppi che si occupano di portare avanti lo sviluppo di applicazioni per il Newton.


title: Apple Newton

text: Con questo processore vennero prodotti 5 diversi modelli, di cui il primo è il Newton Message Pad (Original Newton MessagePad), seguito dal "Newton Message Pad 100", corrispondente al modello originale dotato di nuove ROM, che gestivano oltre alla lingua inglese anche tedesco e francese, erano dotate di una nuova versione del software di riconoscimento della scrittura che la rendeva più semplice e accurata; nello stesso periodo venne prodotto anche il modello "Newton Message Pad 110", dotato di una nuova serie di ROM e di una nuova forma, inoltre risulta più pesante (45 grammi) per via delle nuove batterie (AA al posto delle AAA), che ne innalzano l'autonomia. Il palmare è stato dotato anche di una maggior quantità di RAM in modo da poter eseguire un maggior numero di programmi contemporaneamente.A seguire venne introdotto il "Newton MessagePad 120", che è dotato di una quantità maggiore di memoria RAM e di una nuova versione del sistema operativo, mentre il case viene leggermente ridotto di spessore passando da 31 millimetri a 29 millimetri; per ultimo venne prodotto il "Newton MessagePad 130", dotato di una maggior memoria RAM ed è inoltre il primo palmare Apple dotato della retroilluminazione per una miglior visibilità del testo anche se l'attivazione della retroilluminazione riduce drasticamente la durata della batterie. Esteticamente è identico al precedente modello, difatti esistono versioni del MessagePad 120 con lo stesso sistema operativo del MessagePad 130 che si differenziano da questo solo per l'assenza della retroilluminazione.


title: Apple Newton

text: Con questo processore venne prodotto solo l'eMate 300, un antesignano dei moderni subnotebook, l'unico modello della Newton dotato di tastiera.


title: Apple Newton

text: Il computer era destinato ad un utilizzo scolastico infatti inizialmente fu venduto esclusivamente attraverso i canali scolastici. Il palmare si caratterizzava per le sue dimensioni generose e il suo peso elevato che lo rendevano più simile a un notebook che a un palmare sebbene, fosse dotato del sistema operativo Newton.


title: Apple Newton

text: L'eMate come hardware è costituito da un processore da 25 MHz con una cache da 8 kb, bus da 32 bit, ROM da 8 MB, RAM 3 MB (1 MB DRAM 2 MB Flash), porta esterna PCMCIA Tipo I/II/III, uno schermo LCD retroilluminato 480×320 a 16 bit (scala di grigi) montato in orizzontale a differenza del Newton originale, uscita e ingresso audio, 2 porte seriali e la possibilità di applicare un modem, mentre dal punto di vista software, si ha la versione 2.1 del sistema operativo Newton, fisicamente il dispositivo chiuso ha uno spessore di 5,3 cm, larghezza 29 cm e profondità 30,5 cm.


title: Apple Newton

text: Questa linea, avviata con il Newton MessagePad 2000 rappresenta una radicale evoluzione dei precedenti palmari prodotti da Apple, difatti rispetto ai precedenti modelli è dotato di un processore molto più veloce, di maggior memoria (ROM da 8 MB) e di uno schermo più grande, definito e con un maggior numero di toni. Il palmare era dotato anche di programmi per la navigazione su internet, per la gestione della posta e degli appuntamenti, inoltre era in grado di memorizzare delle note audio.


title: Apple Newton

text: Successivamente venne prodotta una seconda versione il "Newton MessagePad 2100" ed ultimo modello prodotto da Apple che visto gli scarsi risultati commerciali decise di cancellare l'intera linea. Il palmare era una versione migliorata del precedente "Newton MessagePad 2000" difatti rispetto al precedente modello disponeva di una maggior quantità di memoria RAM e di una porta ethernet.


title: Delizia di Belriguardo

text: La Delizia di Belriguardo era la reggia estiva della corte estense. Essendo stata costruita nel 1435 è la prima residenza estiva di una signoria in Europa. È ubicata nel territorio di Voghiera, Strada Provinciale n. 274, a circa 15 km da Ferrara. È stata anche definita la "Versailles degli estensi". L'edificio è sede del Museo civico di Belriguardo che espone reperti archeologici del territorio, dedicando anche sezioni rinascimentali e di arte moderna.


title: Delizia di Belriguardo

text: La Delizia di Belriguardo fu voluta dal marchese Niccolò III d'Este e venne utilizzata come residenza estiva di tutta la corte estense e come villa di rappresentanza. La posa della prima pietra risale al 1435, anche se la struttura subì continue rivisitazioni ed ampliamenti nel corso degli anni, ad opera dei successivi duchi di casa d'Este. Vi soggiornò sovente Lucrezia Borgia.


title: Delizia di Belriguardo

text: L'edificio venne forse costruito dietro suggerimento di Filippo Brunelleschi: la sua particolarità era di presentare un ingresso stretto (quello presente ancora oggi, sotto il torrione), il primo cortile porticato su tre lati ed il secondo cortile porticato su quattro lati: è la pianta di una villa greco-orientale edificata secondo il gusto tardo medievale.


title: Delizia di Belriguardo

text: Nella seconda metà del Cinquecento nella Delizia di Belriguardo ha dimorato anche il poeta rinascimentale italiano Torquato Tasso, il quale visse diversi anni tra questa delizia estense, dove amava ritirarsi, e Ferrara, dove risiedeva la corte.


title: Delizia di Belriguardo

text: Da notare che proprio in questa residenza estense è ambientata l'opera teatrale di Johann Wolfgang von Goethe chiamata, appunto, "Torquato Tasso".


title: Delizia di Belriguardo

text: La magnificenza della Delizia di Belriguardo subì un brusco arresto quando gli Estensi furono costretti a lasciare Ferrara nel 1598. Belriguardo fu lasciata in enfiteusi a proprietari terrieri del luogo i quali la utilizzarono principalmente come fattoria, trasformando sale affrescate dai maggiori maestri del Cinquecento ferrarese in stalle e granai. Tutto ciò che c'era di prezioso e ormai inutile al nuovo utilizzo del complesso fu venduto.


title: Delizia di Belriguardo

text: Belriguardo è giunta fino a noi malgrado progressivi crolli, riadattamenti e demolizioni grazie al fatto che venne frazionata in numerose abitazioni private. Ciò che è rimasto di Belriguardo è ancora visibile, ma la lettura del complesso originale risulta talmente compromessa da non essere quasi più individuabile. I resti dell'antica delizia ancora oggi visibili sono i seguenti: la torre al centro, dalla quale gli Estensi osservano gli spettacoli nella peschiera sottostante alimentata dall'acqua del fiume Sandalo; le sei finestre gotiche della fine del Quattrocento; la Sala della Vigna, l'unico ambiente che ha restituito qualche testimonianza dell'antico splendore.


title: Delizia di Belriguardo

text: Si accede al primo giardino attraverso una grande torre, sulla cui sommità sono presenti due angeli che portano quello che doveva essere il simbolo estense.


title: Delizia di Belriguardo

text: Abbiamo una bellissima descrizione, quasi metro per metro, di Belriguardo scritta da Sabadino degli Arienti alla fine del '400.


title: Delizia di Belriguardo

text: La Delizia di Belriguardo è stata scelta come scenario virtuale per uno dei livelli del DLC "La scomparsa di da Vinci" nel videogioco .


title: Adolescenza perversa

text: La professoressa Mirella Buzzati, reduce da un divorzio, si reca per lavoro a Perugia, ove ha ottenuto la cattedra di matematica in un liceo. Il suo odio per gli uomini, ben evidente nel corso del viaggio in treno e nei contatti con i colleghi maschi, cede prontamente di fronte alla avvenenza di Alain, alunno chiamato il bel tenebroso dalle ragazze del liceo, fidanzato alla coetanea Giorgina, nonché militante di Lotta Continua. Mirella, allo scopo di conquistare l'alunno-idolo, si fa spregiudicata nell'insegnamento, predicando la rivoluzione politica e sessuale; e rovescia pesanti critiche sulla rivale Giorgina. Dopo una breve parentesi parigina, trascorsa con una collega lesbica, la professoressa ritorna, ma non riesce a conquistare l'amore di Alain: ora il ragazzo l'ha conosciuta bene, e per questo la disprezza.


title: Overtourism

text: Il fenomeno dell'Overtourism, o "sovraffollamento turistico", è stato definito dall'Organizzazione mondiale del turismo come "l'impatto del turismo su una destinazione, o parti di essa, che influenza eccessivamente e in modo negativo la qualità della vita percepita dei cittadini e/o la qualità delle esperienze dei visitatori".


title: Overtourism

text: L'overtourism può influenzare la qualità della vita e delle esperienze attraverso i suoi effetti sul territorio. Alcuni degli effetti dell'overtourism sul territorio possono essere descritti attraverso degli esempi.


title: Overtourism

text: La città costiera di Rimini in Italia, che ogni anno è in grado di registrare fino a 7 milioni di turisti, conta nelle costiere uno sfruttamento del suolo fino al 95%.


title: Overtourism

text: La baia di Maya nell'isola di Ko Phi Phi Leh in Thailandia, divenuta famosa nel 2000 per il film "The Beach" interpretato da Leonardo DiCaprio, ha subito a causa dell'eccessivo afflusso dei visitatori una perdita di circa l'80% della barriera corallina.


title: Overtourism

text: Le isole Baleari in soli 5 anni, dal 1993 al 1998, hanno incrementato l'utilizzo dell'elettricità del 37%.


title: Overtourism

text: Per contrastare i possibili effetti negativi del sovraffollamento turistico, l'Environment Sustanibility Performance dell'Unione europea ha indicato 18 parametri per monitorare la salute ambientale in rapporto ad aria\acqua\suolo e a tutte le risorse naturali di un paese:


title: Overtourism

text: Un caso molto citato è quello di Barcellona, una delle principali mete turistiche in Europa, che ha avuto una crescita evidente soprattutto in seguito al 1992, anno in cui la città ha ospitato i giochi della XXV Olimpiade. Attraverso gli investimenti su infrastrutture, trasporti e intrattenimento è stata grado di aggiudicarsi secondo il "Mastercard’s Global Destination Cities index" il 17 esimo posto nella classifica mondiale delle destinazioni preferite dai turisti. Se da una parte il turismo ha creato entrate monetarie, dall'altra ha fatto salire i prezzi di abitazioni e locali.


title: Overtourism

text: Perdite significative della popolazione residente come quella avvenuta nel quartiere chiamato la Barceloneta, passato da 16.910 abitanti nel 2010 a 15.036 nel 2015, hanno portato alla creazione di associazioni con lo scopo di tutelare i cittadini locali dai disagi del sovraffollamento turistico. Una delle più importanti associazioni è "ABTS-Assemblea de Barris per un Turisme Sostenibile" (Assemblea di quartieri per un turismo sostenibile)


title: Overtourism

text: Ancora più emblematico è il caso di Venezia. Secondo i dati Istat le attività alberghiere ed extralberghiere hanno registrato nel 2018 fino a 9.677.150 arrivi e 36.628.419 presenze, rendendo Venezia, dopo Roma e Milano, la terza città italiana più visitata dai turisti.


title: Overtourism

text: Tali dati se da un lato fanno rilevare una situazione economica positiva, dall'altro hanno fatto emergere uno sbilanciamento della popolazione residente. Con un ammontare di 56.000 residenti del 2013 rispetto ai 175.000 del 1951, i residenti occupano solo il 30% del centro storico.


title: Overtourism

text: La capitale dei Paesi Bassi, Amsterdam, conosciuta anche per i suoi coffee-shop e per gli "hotel a luci rosse", ha applicato restrizioni e talvolta anche divieti per tutte le attività ritenute immorali e incivili.


title: Overtourism

text: Inoltre, per contrastare lo sfollamento della popolazione residente e per rendere più omogenea la distribuzione dei turisti all'interno nel territorio, il paese ha adottato politiche volte a decentralizzare l'interesse turistico, investendo quindi su zone meno conosciute ed estranee ai visitatori.


title: Overtourism

text: Nella città costiera di Ragusa, in Croazia, in seguito alla popolarità ottenuta dalla serie TV "Game of Thrones" sono stati realizzati dei piani di contenimento dell’afflusso turistico a causa della sua difficile gestione.


title: Overtourism

text: Il villaggio di Hallstatt, in Austria, che nonostante presenti poco più di 800 abitanti, è frequentato ogni anno da circa 1 milione di persone. Tali dati hanno costretto il governo a ridurre il numero di autobus in direzione del paese, con lo scopo di diminuire in maniera significativa l’arrivo dei visitatori.


title: Overtourism

text: Come soluzione per gestire e limitare il sovraffollamento turistico nelle città, l<nowiki>"</nowiki>organizzazione Mondiale del Turismo (UNWTO) ha elaborato 11 possibili strategie:


title: You're the Worst

text: You're the Worst è una serie televisiva statunitense trasmessa da FX a partire dal 17 luglio 2014. Ideata da Stephen Falk, è una commedia drammatica realizzata con tecniche di riprese a camera singola.


title: You're the Worst

text: Los Angeles. Jimmy è uno scrittore egocentrico e insensibile; Gretchen è un'addetta alle pubbliche relazioni cinica e autodistruttiva. Nonostante le loro personalità deleterie, i due cercano di instaurare una relazione sentimentale.


title: You're the Worst

text: Il 17 luglio 2013 è stata annunciata la produzione dell'episodio pilota della serie, sceneggiato da Stephen Falk. Il 19 settembre 2013 è stato invece resa nota la conclusione del casting. Il 24 gennaio 2014 il canale televisivo ha annunciato che l'episodio pilota sarebbe stato seguito da altri nove episodi, per una prima stagione di dieci episodi. Il 30 settembre 2014 la serie è stata rinnovata per una seconda stagione di 13 episodi ed è stato annunciato il trasferimento sul canale FXX. Il 2 dicembre 2015 la serie è stata rinnovata per una terza stagione. Il 28 settembre 2016 la serie è stata rinnovata per una quarta stagione, mentre il 15 novembre 2017, ottiene il rinnovo per una quinta e ultima stagione, prevista per il 9 gennaio 2019.


title: You're the Worst

text: La prima stagione della serie è stata accolta molto positivamente dalla critica. Sull'aggregatore di recensioni Rotten Tomatoes ha un indice di gradimento dell'81% con un voto medio di 7,26 su 10, basato su 31 recensioni. Il commento del sito recita ""You're the Worst usa la scrittura intelligente e la chimica palpabile delle sue stelle, per bilanciare gli elementi comici con il suo tono realisticamente pessimista"". Su Metacritic, invece, ha un punteggio di 65 su 100, basato su 20 recensioni. Si è inoltre classificato quattordicesimo nei programmi TV preferiti dalla critica del 2014. "The A.V. Club" ha elencato la serie come uno dei dieci migliori spettacoli dell'anno.


title: You're the Worst

text: Vanity Fair lo ha definito uno dei migliori spettacoli del 2014 e ha descritto la serie come: ""La perfetta storia d'amore del nostro tempo"". David Wiegand del San Francisco Chronicle l'ha definita la migliore sitcom del 2014.


title: You're the Worst

text: La seconda stagione è stata acclamata dalla critica. Sull'aggregatore di recensioni Rotten Tomatoes ha un indice di gradimento del 97% con un voto medio di 8,5 su 10, basato su 30 recensioni. Su Metacritic, invece, ha un punteggio di 82 su 100, basato su 14 recensioni.


title: You're the Worst

text: La terza stagione è stata acclamata dalla critica. Sull'aggregatore di recensioni Rotten Tomatoes ha un indice di gradimento del 100% con un voto medio di 8,24 su 10, basato su 28 recensioni. Su Metacritic, invece, ha un punteggio di 85 su 100, basato su 14 recensioni.


title: You're the Worst

text: La quarta stagione è stata acclamata dalla critica. Sull'aggregatore di recensioni Rotten Tomatoes ha un indice di gradimento del 100% con un voto medio di 8,42 su 10, basato su 11 recensioni. Il commento del sito recita ""You're the Worst rimane elegantemente idiosincratico nella sua quarta stagione, bilanciando abilmente i suoi elementi drammatici contro alcune delle risate più acute della televisione"". Su Metacritic, invece, ha un punteggio di 84 su 100, basato su 5 recensioni.


title: You're the Worst

text: La quinta stagione è stata acclamata dalla critica. Sull'aggregatore di recensioni Rotten Tomatoes ha un indice di gradimento del 100% con un voto medio di 8 su 10, basato su 6 recensioni. Su Metacritic, invece, ha un punteggio di 86 su 100, basato su 5 recensioni.


title: You're the Worst

text: La serie è stata nominata alla 20ª edizione dei Critics' Choice Awards per la miglior serie commedia. L'anno successivo viene nominata alla 21ª edizione dei Critics' Choice Awards per la migliore serie commedia, miglior attrice in una serie commedia per Aya Cash e miglior attrice non protagonista in una serie commedia per Kether Donohue. Nel 2016, viene nominata alla 32ª edizione dei TCA Awards per il Outstanding Achievement in Comedy e l'Individual Achievement in Comedy per Aya Cash.


title: Dirofilaria immitis

text: Dirofilaria immitis è un nematode appartenente, al pari di "Dirofilaria repens", alla superfamiglia dei Filariroidea, famiglia "Onchocercidae". "Dirofilaria immitis" è l'agente eziologico della dirofilariosi, una elmintiasi degli animali selvatici e domestici trasmissibile accidentalmente all'uomo.


title: Dirofilaria immitis

text: "Dirofilaria immitis" adulto è un nematode sottile e filiforme, le cui dimensioni variano da 12 a 17 cm di lunghezza nel maschio e 25–32 cm nella femmina. Il maschio presenta l'estremità caudale a forma di spirale lassa, mentre la femmina presenta la vulva posizionata caudalmente subito alla fine dell'esofago.


title: Dirofilaria immitis

text: Le Dirofilarie sono nematodi larvipari; il primo stadio larvale (L1), viene trasportato dal flusso ematico sangue dei vertebrati ospiti verso la circolazione periferica ove potranno essere ingerite dall'ospite intermedio (zanzara) durante il pasto di sangue; le larve L1 (microfilarie) misurano, circa, 300-320 μm. È stato evidenziato che le microfilarie sono in grado di concentrarsi nei vasi cutanei durante le ore notturne e le prime ore diurne per massimizzare il loro recupero da parte dell'ospite intermedio.


title: Dirofilaria immitis

text: "Dirofilaria immitis" è un parassita caratterizzato dall'avere un ciclo indiretto, ovvero non si trasmette direttamente per esempio da cane a cane ma passa attraverso un ospite intermedio in cui completa il proprio ciclo vitale; nel caso specifico gli ospiti intermedi sono zanzare appartenenti ai generi "Culex", "Aedes", "Culiseta" e "Anopheles". All'interno della zanzara le larve di stadio L1 maturano ad L3 nell'intestino e, quindi, migrano alle ghiandole salivari; durante il pasto di sangue, le zanzare iniettano, assieme alla saliva, le larve L3 nell'ospite definitivo. Le specie ricettive sono: cane (più suscettibile), gatto, furetto, lupo. Nell'ospite definitivo (per esempio, il cane) le L3 si localizzano, inizialmente nel tessuto sottocutaneo dell'ospite, dove maturano ad L5 in circa 3 mesi. Le L5, quindi, penetrano attivamente nel sistema venoso e, attraverso questo, raggiungono l'arteria polmonare dove si localizzano e mutano ad adulti infettanti maschi e femmine i quali si accoppiano. Le femmine rilasciano microfilarie che migrano attraverso il sangue e i tessuti e vengono poi risucchiate dagli insetti vettori dove completano il ciclo.


title: Dirofilaria immitis

text: Gli adulti vanno ad occupare parzialmente il lume dell'arteria polmonare, e non di rado, occupano parzialmente anche il lume del ventricolo destro. La prima descrizione del cuore destro del cane invaso da parassiti fu opera ai primi del XVII secolo dell'italiano Francesco Birago (1562-1640) in un suo trattato sulla caccia. I vermi viventi sono in genere resistenti all'azione immunitaria dell'ospite; la sintomatologia clinica (per esempio, l'eosinofilia) dipende spesso dalla risposta dell'ospite nei confronti delle microfilarie o dei parassiti morti o morenti. La prepatenza, cioè il tempo tra l'ingestione delle larve e la sintomatologia iniziale, è di 6 mesi nel cane e 8 mesi nel gatto, con una vita media del parassita di 5 anni nel cane e 3 anni nel gatto.


title: Dirofilaria immitis

text: L'ambiente umano non è adatto allo sviluppo delle larve fino allo stato adulto. Nell'uomo "Dirofilaria immitis" raramente si localizza a livello cardiaco; ma poi muore, embolizza e si insedia in una ramificazione dell'arteria polmonare. La maggior parte dei pazienti rimane asintomatica.


title: Dirofilaria immitis

text: La dirofilariosi è una patologia molto rara nel Vecchio mondo, mentre è relativamente frequente nelle Americhe e in Giappone.


title: Dirofilaria immitis

text: Va precisato che l'ospite intermedio, ossia la zanzara, tende comunque a preferire, per il proprio pasto, il sangue altri animali invece di quello dell'uomo. La diagnosi è in genere difficile e richiede l'aiuto di uno specialista. Anche la terapia medica è poco soddisfacente, anche se i risultati sono incoraggianti, e prevede l'impiego di farmaci sia per uccidere le microfilarie che per eliminare i vermi adulti.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Nato a San Pietroburgo da una famiglia di origine francese, era fratello di Aleksandr, celebre architetto. Appartenne a quella generazione di pittori russi, fra cui Sil'vestr Feodosievič Ščedrin, Fëdor Antonovič Bruni e Aleksandr Andreevič Ivanov che, tra gli anni venti e gli anni trenta dell'Ottocento, effettuarono lunghi soggiorni in Italia, studiandone la tradizione pittorica dei secoli precedenti e raffigurandone vedute di città, campagne ed elementi naturali, ed eseguendo grandi dipinti di scene storiche dal gusto neoclassico o romantico.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: In Italia dipinse la sua opera più celebre, "Gli ultimi giorni di Pompei", uno dei dipinti più noti della pittura russa del XIX secolo, conservato presso il Museo Russo di San Pietroburgo. Viaggiò molto anche in Germania, Francia, Portogallo, Grecia e Turchia. In Russia fu pittore acclamato e professore all'Accademia di belle arti di San Pietroburgo. Tornato in Italia negli ultimi anni di vita, morì a Manziana a soli cinquantatré anni.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Karl Brjullov nacque a San Pietroburgo da una famiglia ugonotta di lontane origini francesi, scappata in Russia a seguito dell'Editto di Fontainebleau, emesso da Luigi XIV di Francia nel 1685 e con il quale, revocava l'Editto di Nantes e quindi la libertà di culto in Francia. Il suo nome in francese era Charles Brüleau.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Alcuni suoi avi erano stati scultori ornamentalisti mentre il padre, Pavel, era pittore. Pittori erano anche due suoi fratelli. Un altro fratello, il celebre Aleksandr, era architetto ed anch'egli pittore, abile ritrattista.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Nella città natale il Brjullov frequentò insieme al fratello l'Accademia di Belle Arti. Karl ebbe come maestri Andrej Ivanov, Aleksej Egorov e Vasilij Šebuev. Sia egli che il fratello uscirono dall'Accademia con ottimo profitto: Karl in particolare ottenne una medaglia d'oro e un attestato di primo grado per il dipinto "L'apparizione di Dio ad Abramo alla quercia di Mambre, in aspetto di tre Angeli", soggetto noto alla tradizione iconografica medievale russa.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: In più, i due fratelli si aggiudicarono una borsa di studio di cinquemila rubli annui come contributo per il perfezionamento artistico da svolgersi all'estero per un periodo di tre anni. Fu in quell'occasione che i due fratelli russificarono il loro cognome, trasformandolo da Brüleau a Brjullov, data l'impossibilità per gli stranieri di godere di sovvenzioni economiche pubbliche.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Nel 1822 i due fratelli Brjullov partirono per l'Italia, ma una malattia costrinse Karl in Germania per alcuni mesi. Visitò le città ed i musei di Dresda e Monaco di Baviera. Giunto in Italia nel 1823, compì un lungo itinerario che toccò Venezia, Padova, Verona, Mantova, Bologna e Firenze. Giunto a Roma, si dedicò al suo primo lavoro, una copia fedele e a grandezza naturale della Scuola di Atene di Raffaello. L'opera fu spedita a San Pietroburgo, dove suscitò notevole ammirazione e gli valse l'aumento della sovvenzione economica e l'onorificenza di San Vladimir.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: I fratelli Brjullov presero quindi alloggio nel quartiere degli artisti, sul Quirinale, dove frequentarono altri ex studenti dell'Accademia di San Pietroburgo in viaggio in Italia.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: A Roma il Brjullov strinse inoltre amicizia con il pittore italiano Cherubino Cornienti, che ne ammirò il talento e trovò spesso ispirazione dalla pittura, in particolare per la tecnica del «non finito» e per le forti e drammatiche suggestioni luministiche, e ne portò in seguito avanti la «secessione» milanese degli anni quaranta.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: La città di Roma era diventata dall'inizio degli anni trenta luogo di ritrovo, oltre che di molti "pensionnaires", giovani artisti russi che, come i fratelli Brjullov, godevano di borse di studio per il perfezionamento all'estero, anche di numerosi rappresentanti dell"intelligencija" russa, in cerca di un luogo di soggiorno dove coltivare il libero pensiero ostacolato in patria.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Fu così che il Brjullov frequentò e si legò sentimentalmente alla contessa Julija Pavlovna Samojlova (1803-1875), nobildonna russa trapiantata a Milano, adottata dal conte Giulio Renato Litta, al servizio della Russia come militare e diplomatico e divenuto Ammiraglio dopo la guerra contro la Svezia (1788-1790). Non avendo figli, la contessa aveva a sua volta adottato Amacilia e Giovannina Pacini, figlie del noto compositore Giovanni Pacini, a sua volta amico del Brjullov, in quanto orfane di madre.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: La Samojlova teneva a Milano un salotto, definito austriacante, frequentato da artisti, scrittori e musicisti nel Palazzo del Borgonuovo, arricchito da una delle più preziose raccolte d'arte della città, fra le quali più avanti compariranno anche i ritratti della contessa eseguiti proprio dal Brjullov.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Un altro personaggio di cui il Brjullov divenne frequentatore fu Anatolij Nikolaevič Demidov (1813-1870), mecenate e collezionista d'arte appartenente ad una famiglia di industriali e benefattori russi trapiantati in Italia, tra Roma e Firenze, marito della contessa Matilde Bonaparte, figlia di Gerolamo e cugina dello Zar Nicola I.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Nell'estate del 1827 il pittore si recò in Campania in compagnia del fratello Alexandr, della Samòjlova e del Demidov. Là, il gruppo ebbe modo di visitare gli scavi di Pompei e di Ercolano. Fu in quei luoghi che nacque l'idea per un nuovo dipinto, "Gli ultimi giorni di Pompei": l'opera venne cominciata subito, ma fu portata a termine a Roma, dove il Brjullov era nel frattempo tornato e si era ormai stabilito, solo sei anni più tardi, nel 1833.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Alla Galleria dell'Accademia (Napoli) si conservano due sue opereː "Donna alla finestra" (olio su tela, , inventario 231) e "Ritratto", (disegno a matita, , inventario 151), che sono entrate nella collezione con la "Donazione Palizzi" del 1898.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Il "Pompei", una volta ultimato, riscosse a Roma uno straordinario successo, in seguito al quale intraprese con il suo autore una trionfale "tournée" con tappe a Milano, dove venne messo in mostra all'Accademia di Brera nel 1833, e a Parigi, dove venne esposto al Museo del Louvre, in occasione del "Salon" di quell'anno (1834). L'opera venne infine inviata in Russia, mentre il Brjullov nel 1835, dopo un breve ritorno a Milano, partì per un viaggio in Grecia e in Turchia al fine di eseguire disegni di paesaggi dei luoghi, che verranno pubblicati nel 1839-40, al suo ritorno a San Pietroburgo. In quel viaggio ebbe come allievo ed aiutante Grigorij Grigor'evič Gagarin, figlio dell'ambasciatore russo alla Corte papale, e conosciuto a Roma poco prima, il quale sarà anche il suo primo biografo.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Terminata anche questa esperienza, il Brjullov tornò in madrepatria. A Mosca conobbe Aleksandr Puškin, mentre a San Pietroburgo si dedicò ai bozzetti per le decorazioni della Cattedrale di Sant'Isacco, che tuttavia non riuscì mai a portare a termine. Nella città natale divenne inoltre professore all'Accademia di Belle Arti e si dedicò ai ritratti di molti personaggi dell'aristocrazia russa del tempo; lo Zar Nicola I lo insignì dell'onorificenza di S. Anna di terzo grado.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Nonostante la sua salute cominciasse a farsi cagionevole, nell'aprile del 1849 il Brjullov partì per degli ulteriori e impegnativi viaggi: in compagnia di alcuni allievi attraversò la Polonia, la Prussia, il Belgio, l'Inghilterra. Da lì, raggiunse il Portogallo e infine l'isola di Madera, sulla quale soggiornò qualche mese e dove all'ormai costante produzione ritrattistica si affiancò quella di paesaggi stilisticamente analoghi a quelli eseguiti anni prima in Grecia ed in Turchia. Infine, nel 1850 fu in Spagna.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Nonostante l'aggravarsi delle condizioni di salute, fece ritorno in Italia nel 1850. Divenne intimo della famiglia Tittoni, dei cui membri dipinse i ritratti e delle cui case di Roma e di Manziana divenne ospite fisso.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Le sue condizioni di salute tuttavia peggiorarono drasticamente. Il dottor De Masi, medico della famiglia Tittoni, diagnosticò poco prima della morte una «emorragia arteriosa» (aneurisma aortico); l'11 giugno del 1852 Brjullov morì nel Palazzo Tittoni di Manziana, a soli cinquantatré anni.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Il Brjullov fu sepolto al cimitero acattolico del Testaccio di Roma. La sua lapide contiene un suo ritratto in bassorilievo e una raffigurazione simbolica della vita dell'artista: sulla sinistra della scena una figura femminile rappresenta la Neva, il fiume di San Pietroburgo, città natale del pittore, mentre sulla destra un uomo barbuto rappresenta il Tevere, simbolo di Roma. Al centro si trova il pittore, circondato da figure femminili, probabilmente Muse, e da un bambino, forse Apollo. L'epigrafe, che recita «"Carolus Brulloff / pictor qui Petropolis / in imperio russiarum / natus anno MDCCXCIX / decessit MDCCCLII"», è di difficile lettura, sia per la latinizzazione del nome, sia per l'indicazione di «Petropolis», antico nome di San Pietroburgo, come città natale del pittore.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: La tomba è stata oggetto di studi da parte dell'Università della Calabria e quindi di un radicale restauro conservativo.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Al Brjullov è dedicata una via nel borgo di Manziana, mentre lapidi commemorative in sua memoria sono state poste presso il Palazzo Tittoni, sempre a Manziana, e a Roma, nel palazzo in via San Claudio dove il pittore aveva il suo studio e dove espose per la prima volta il "Pompei".


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Nei primi anni della sua carriera pittorica, l'influenza dell'arte italiana suggerì al Brjullov un originale accostamento fra tema storico e ritrattistica ufficiale, tipici dell'Ottocento romantico, e atmosfere e rivisitazioni idilliache, ricordo di un classicismo settecentesco di ispirazione greca. Gli anni trenta portarono invece per il pittore una sensibilità diversa: il tema storico, costante della pittura Brjulloviana, cominciò a perdere in idillio e ad essere interpretato sotto una luce più drammatica e catastrofica, come evidente ne "Gli ultimi giorni di Pompei". Le radici di questa svolta, personale prima ancora che pittorica, vanno ricercate anche nei particolari avvenimenti della storia russa di quegli anni, segnati dalla rivolta dei decabristi e dalle difficoltà politiche che caratterizzarono il regno dello zar Nicola I.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Quanto allo stile e alla tecnica pittorica, il Brjullov si distinse da quanto si andava affermando fra i pittori dell'epoca e in particolar modo fra quegli artisti russi trapiantati in Italia, Ščedrin su tutti: alla ricerca, da parte di quei pittori, di una morbida unità tonale, percorsa da sottili sfumature di luci e colori, creata dall'osservazione della realtà "en plen air", il Brjullov rispondeva con un utilizzo più vigoroso del colore, caratterizzato dalla creazione di grosse chiazze cromatiche dal sicuro impatto ed effetto. Questa caratteristica, evidente nelle opere del primo periodo, andò comunque scemando nella produzione più romantica e matura.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Un filone notevole della produzione artistica del Brjullov è il ritratto. La sua fama di ritrattista, la velocità di esecuzione e l'originalità nel creare ritratti «ambientati», tanto in voga nell'aristocrazia dell'epoca, gli procurarono una vasta e generosa committenza e un posto di contendente a Giuseppe Molteni per il ruolo di protagonista nella ritrattistica milanese, ruolo nel quale il Brjullov finì con l'essere consacrato dalla committenza, ancora più del Molteni, a causa delle entrature della Samòjlova e dell'abilità del pittore nel creare un sapiente equilibrio tra finito e non finito. Tuttavia la sua produzione in questo particolare ambito riscosse anche critiche negative, venendo giudicata di scarso valore.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Ad ogni modo, il Brjullov è generalmente considerato un ottimo pittore, anche se non mancano in proposito giudizi discordanti: se da un lato era definito già in vita pittore eccelso, tanto da meritarsi in patria l'appellativo di «Karl il grande», d'altra parte è stato anche criticato per un «suo freddo e compassato accademismo», tale da rendere la sua fama superiore ai suoi meriti.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Il suo grande talento di disegnatore e compositore, unito alla sua estrema fantasia creativa, gli valse un ruolo di «genio dell'arte, vertice che solo raramente raggiunse, benché l'opinione pubblica lo spingesse a credere il contrario».


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Il dipinto raffigura la tragica eruzione del Vesuvio del 79 d.C., che distrusse le città di Pompei, Ercolano e Stabia.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: L'opera venne iniziata nel 1827 durante il viaggio che i due fratelli Brjullov fecero per assistere agli scavi archeologici di Ercolano e a quelli di Pompei. Si racconta che Karl cominciò ad abbozzare l'opera dopo aver assistito alla rappresentazione teatrale "L'ultimo giorno di Pompei" dell'amico Giovanni Pacini, a Napoli nel 1827.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Il lavoro gli venne inizialmente commissionato dalla nobildonna russa M. G. Razumovskaja, che tuttavia si ritirò. Come committente rimase il Demidov.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Venne però ultimato a Roma, ben sei anni più tardi, nel 1833. È ipotizzabile che la lunga gestazione dell'opera fosse costituita più che altro da studi preparatori, ancora oggi conservati, e che il dipinto vero e proprio fosse stato realizzato poi in tempi brevi, in un momento di particolare ispirazione.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Figlio di quel nuovo sentire che caratterizzò la produzione del Brjullov negli anni Trenta, il "Pompei" presenta un felice intreccio della tematica romantica dell'impeto della natura e dello sconvolgimento dell'ambiente, con la rappresentazione di un'umanità comunque fiera ed eroica, anche di fronte alla catastrofe. Il tema storico acquista vigore non solo sul piano artistico ed emotivo, ma anche su quello del realismo descrittivo e della contestualizzazione storiografica: il pittore, recatosi a Pompei personalmente, affrontò le fonti storiche con attenzione e precisione, servendosi dei dati archeologici allora disponibili, documentandosi sui fatti e studiando la lettera di Plinio il Giovane a Tacito, in cui il primo descrisse con dovizia di particolari l'evento. Nel dipinto è infatti riprodotto uno scorcio reale dell'antica città: ad essere raffigurata è la Via dei Sepolcri, dalla Porta Ercolano alla Villa di Diomede, nella direzione della Villa dei Misteri.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Nel "Pompei" il soggetto storico è l'occasione per una riflessione del Brjullov sulle sorti dell'umanità e della sua impotenza verso la natura. Si è rilevato come questo tipo di tensione emotiva fosse ancora più accentuata negli schizzi preparatori, piuttosto che nel lavoro finale. Ad esempio, l'espressiva presenza del sacerdote pagano che, in primo piano negli studi preparatori, scappa portando via i tesori del tempio avvolto in un manto scarlatto, venne compositivamente smorzata dalla sua sostituzione con due figure simili: una, avvolta in un meno vistoso mantello bianco, dietro al gruppo di figure al centro della composizione; l'altra, a lato della composizione, sulla sinistra. Al suo posto si trova nella versione definitiva il gruppo di figure in fuga con il vecchio caricato in spalla, un richiamo alle figura di Enea ed Anchise, segno di maggior rispetto ed aderenza alla tradizione classica ed ai canoni pittorici più accademici.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: La medesima figura del sacerdote in fuga con i tesori del tempio si trova anche in un altro cartone, spostata in primo piano, ma sulla sinistra della composizione.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Del resto, lo studio dei cartoni preparatori rileva altri sviluppi della lunga elaborazione dell'opera. In essi sono infatti presenti strani effetti prospettici: una notevole profondità di campo spesso interrotta da bruschi raccorciamenti prospettici crea un effetto scenico complessivo tipico dei procedimenti compositivi barocchi.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Il soggetto storico non è tuttavia l'unico elemento romantico presente nel dipinto: più in generale, il tema della «catastrofe conclusiva» era particolarmente caro all'immaginario romantico, per il quale l'umanità sarebbe consegnata al potere cieco di un destino onnipotente; diversamente, la cultura classica e neoclassica accordava la sua preferenza a tematiche e vicende nelle quali la volontà razionale dell'uomo permette di prevedere e guidare il corso della storia. Inoltre, per la prima volta il soggetto del dramma è una folla indistinta di persone, in cui non ci sono protagonisti e in cui non spicca la personalità di nessuno: l'eroe è il popolo stesso, ma inteso qui non in quanto corpo sociale, bensì come fenomeno estetico collettivo.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Tuttavia, una marcata eredità classica guida numerose altre scelte compositive ed esecutive. Le modalità di composizione delle figure umane, sia singolarmente che nei vari gruppi, i drappeggi delle vesti e la luce fredda e artificiale che, proveniente dal davanti e contrapposta ai rossori dello sfondo, sbiadisce gli incarnati dei corpi in una bianchezza marmorea, donano ai personaggi una statuarietà ed una scultoreità di grande eleganza decorativa, tanto che «l'orrore dello spettacolo assume una dimensione manifestamente estetica e l'occhio, alla fine, non può che rallegrarsi di una fine in bellezza di questo mondo».


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Così, i temi romantici e quelli classici, sapientemente dosati ed alternati «si disturbano a vicenda, si privano di serietà e di fondamento etico, si trasformano in un gioco di talento che finisce col dare l'impressione del finale a effetto di un'opera». Il "Pompei" costituisce di conseguenza il punto più alto di quella pittura russa, rappresentata oltre che dal Brjullov, da Fëdor Antonovič Bruni ed Aleksandr Andreevič Ivanov, che in quei decenni meditava una sintesi fra la tradizione neoclassica e le nuove istanze romantiche.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: L'opera è senza dubbio la più celebre del Brjullov ed è considerata come uno dei momenti più significativi della pittura russa dell'Ottocento, nonché una delle opere di culto dell'arte romantica del tempo.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Il dipinto fu esposto, appena ultimato, nello studio del Brjullov in via San Claudio a Roma, dove suscitò l'ammirazione dei numerosissimi visitatori e ricevette gli elogi di importanti personalità dell'epoca, in quel periodo presenti in Italia, quali Walter Scott, che definì l'opera «un colosso», Stendhal e Franz Liszt. Nel giro di pochissimo tempo, la popolarità del "Pompei" si espanse in tutta Italia e valse al pittore importanti riconoscimenti: fu nominato, oltre che socio dell'Accademia di San Luca a Roma, anche membro dell'Accademia Clementina a Bologna, dell'Accademia Ducale di Parma e dell'Accademia di Brera a Milano..


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Fu proprio l'Accademia di Brera che richiese il trasferimento temporaneo dell'opera a Milano, in occasione della mostra accademica annuale. A Milano essa ottenne la stessa fama e suscitò la stessa ammirazione della stampa e del pubblico di cui aveva goduto a Roma. Tuttavia gli ambienti braidensi reagirono con una certa freddezza, se non con aperte critiche: se si esclude il positivo apprezzamento dell'accademico Ignazio Fumagalli, di cui il Brjullov realizzò in seguito un ritratto, il "Pompei" venne definito «una frittata» e il pittore russo Andrey Ivanovich Ivanov, maestro del Brjullov a San Pietroburgo, rimproverò all'allievo la «mancanza di ordine nella composizione».


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Al di là di queste riserve, oltre al primo entusiastico clamore, la presenza dell'opera a Milano provocò un vero e proprio smottamento, destinato ad incidere sulla pittura romantica italiana dell'epoca, i cui canoni stilistici erano in quegli anni fortemente legati all'accademismo e alla lezione formale di Francesco Hayez, definito da Giuseppe Mazzini, nel suo scritto londinese "Modern italian painters", «il massimo esponente della pittura storica italiana, che la coscienza nazionale vuole per l'Italia, l'artista più avanzato che noi abbiamo nel sentimento dell'Ideale che è chiamato a governare tutti i problemi dell'Europa». Grazie al "Pompei", il Brjullov divenne l'iniziatore di una nuova pittura storica definita «eretica» e il punto di riferimento di una vasta secessione dai canoni stilistici della pittura storica ufficiale dell'Hayez, ritenuta ora troppo legata alla tradizione accademica e al richiamo degli equilibri dei grandi maestri cinquecenteschi.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Fu da quel momento che la pittura romantica italiana, nello specifico quella di soggetto storico, cominciò a orientarsi verso riletture drammatiche, eroiche, tragiche e luttuose di vicende storiche nuove, come quelle bibliche, riguardanti episodi come il Diluvio universale, o quelle del martirio dei santi, prima d'allora quasi sconosciute alla pittura storica italiana ottocentesca.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Con il Brjullov assente dall'Italia (lasciò il Paese subito dopo il breve soggiorno milanese e vi sarebbe ritornato ben sedici anni dopo, poco prima di morire) a portare avanti quest'operazione di rinnovamento furono alcuni pittori a lui vicini, in particolare Carlo Arienti e Cherubino Cornienti, che fu con lui con lui nel viaggio in Oriente negli anni seguenti ma che da lì in poi rimase stabilmente in Italia. L'influenza che per tramite di questi seguaci il Brjullov esercitò a Milano segnò l'opera di tanti pittori degli anni a venire, come Giacomo Trecourt, Pasquale Massacra, Mauro Conconi e in una certa misura anche Giovanni Carnovali (detto "il Piccio"). Questi artisti ricercarono nuove rese pittoriche e nuove suggestioni emotive tramite l'uso del chiaroscuro, degli effetti di controluce e della drammatizzazione della scena e dei personaggi, incuranti della tradizione hayeziana, in seguito perpetrata da Francesco Podesti e comunque ancora autorevole per tutti gli anni Quaranta, forte dell'appoggio di solidi testi di riferimento che invece mancavano agli "eretici", lodati solo dalla stampa periodica, fino a quando, con l'inizio del nuovo decennio, lo stesso Hayez si rivolse a nuove proposte formali più adeguate all'evolversi dei tempi e dei gusti.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Il dipinto venne in seguito trasferito a Parigi, in occasione del "Salon" annuale presso il Museo del Louvre. Infine fu inviato in Russia ed esposto all'Ermitage di San Pietroburgo, per poi essere donato da parte del Demidov allo Zar, per volere del quale fu collocato al Museo russo di San Pietroburgo, dove è tuttora conservato insieme a molti disegni preparatori.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: In patria ricevette grandi lodi, fra cui quelle di Nikolaj Gogol', che gli dedicò un saggio dei suoi "Arabeschi" e che trasse probabilmente ispirazione dalla figura della donna morta con il bambino in lacrime che occupa il centro della composizione per la descrizione della strega esanime e delle madri affamate durante la scena dell'assedio di Dubno in "Taras Bul'ba" (1835). Anche Fëdor Dostoevskij parlò del "Pompei" nelle sue "Memorie dalla casa dei morti" (1861).


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Il dipinto fu inoltre una delle fonti di ispirazione per il romanzo "Gli ultimi giorni di Pompei" dello scrittore inglese Edward Bulwer-Lytton, pubblicato nel 1834.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Sull'onda del successo, al "Pompei" seguirono in breve tempo altre tre opere di soggetto storico: "La morte di Inés de Castro" (1834) l'incompiuto "Il sacco di Roma da parte di Genserico" (1836) e "L'assedio di Pskov" (1836-1837), conservati nella Galleria Tret'jakov di Mosca. Si tratta tuttavia di opere eseguite sulla falsariga del "Pompei", di minor qualità e successo.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Se il Brjullov, come visto, ebbe un ruolo di primaria importanza nel mutamento degli stilemi storicistici, altrettanto innovativa fu la sua produzione con riferimento ad un altro filone ottocentesco, quello della «pittura di genere», la quale costituì la «seconda rivoluzione romantica», insieme a quella della pittura storica, fatta di una «pittura di costume», espressione di un «vero contemporaneo», e di cui gli interpreti più celebri furono i milanesi Giuseppe Molteni (con dipinti dapprima più scherzosi e in seguito di maggior impatto emotivo), Angelo Inganni e i fratelli Domenico e Gerolamo Induno.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Se questo filone venne consacrato da questi pittori milanesi a partire dalla seconda metà degli anni trenta, fu comunque innovativa l'attenzione del Brjullov ad aspetti della realtà ad esso assimilabili già a partire dal decennio precedente.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: In particolare, soggetti ricorrenti della produzione del Brjullov di quegli anni sono quelli che danno vita al cosiddetto «genere italiano»: si tratta di scene idealizzate, dove le figure umane, di solito femminili, sono di una bellezza piacente e generosa, «immerse nella luce solare riflessa nell'acqua o filtrata dal verde delle foglie». I soggetti agresti e idilliaci e i colori pieni e caldi mostrano «un'Italia seducente, rivestita di tutti i colori dell'arcobaleno di un carnevale italiano».


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Fra le numerose opere di questo tipo, è rimasto particolarmente celebre una sorta di «trittico» degli anni venti, costituito dal "Mattino italiano" (1823), dalla "Fanciulla che coglie l'uva nei dintorni di Napoli" (eseguito durante il soggiorno campano dell'estate del 1827) e dal "Meriggio italiano" del 1828, a "pendant" rispetto al "Mattino". Mentre le due ultime opere sono oggi collocate al Museo russo di san Pietroburgo, il "Mattino italiano" è ora conservato al Kunsthalle di Kiel.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Quest'ultimo in particolare, considerato il meglio riuscito ed anche il più celebre dei tre, tanto che il pittore lo chiamava «la mia creatura» è uno dei primi dipinti del Brjullov, eseguito nel 1823 con uno stile ancora giovanile. Il quadro venne inviato a San Pietroburgo ed esposto ad una mostra d'arte nel 1825. Successivamente fu donato a Nicola I, il quale si racconta che lo avesse sistemato nel suo studio e che lì usasse contemplarlo a lungo.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Altre opere che presentano le medesime tematiche sono il doppio "Appuntamento interrotto", la "Donna che manda un bacio", la "Famiglia italiana in attesa di un bimbo", la "Donna italiana alla finestra col figlio" e la "Donna italiana che accende una lampada davanti alla Madonna".


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: La cultura romantica dei primi decenni dell'Ottocento annoverava fra i suoi temi ricorrenti quello del sogno e dell'incubo, sviluppato in antitesi al pensiero positivista francese ed inglese. Questo interesse, che sarà alla base del successivo sviluppo della psicoanalisi, venne coltivato in ambito artistico soprattutto da pittori quali William Blake, Johann Heinrich Füssli e Francisco Goya. Anche il Brjullov dimostrò interesse per questi aspetti, dipingendo numerosi dipinti di genere giocati su questi temi, tra i quali sono noti soprattutto il "Sogno di una suora", del 1831 e il "Sogno di una fanciulla", del 1833, acquarelli entrambi conservati al Museo Puškin di Mosca, nonché "I sogni della nonna e della nipote", acquarello del 1829 conservato al Museo russo di San Pietroburgo.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: In particolare, il primo fonde la componente onirica a quella erotica. La giovane suora è raffigurata dormiente, mentre due figure sognanti ed ectoplasmatiche di amanti compaiono nella scarsa luce della sera. Al lato della composizione un'altra suora, più anziana, osserva la scena come a voler vigilare e scacciare il sogno della ragazza. In questa sorta di «sogno delle generazioni» la presenza di questa seconda figura è probabilmente ispirata dalla tradizione popolare russa, in cui il sogno è una realtà quotidiana di cui le donne di casa più anziane sono consideratele le interpreti.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Il secondo dipinto descrive invece il sogno di una fanciulla, in cui la ragazza appare da bambina, stretta in un abbraccio con i genitori. La composizione e lo studio dell'interno, nonché la tematica «generazionale», sono del tutto simili al dipinto precedente. Manca invece la componente amorosa, protagonista del "Sogno di una suora", e in generale l'atmosfera della scena è resa più serena dalla luce del giorno, dai colori più vivaci, nonché dalla presenza della figura allegorica femminile che porta alla ragazza il ricordo e l'immagine dei genitori.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Nel terzo (ma primo in ordine cronologico) le medesime tematiche sono fuse assieme: quella del ricordo di tempi passati, presente nel "Sogno di una fanciulla" e qui reso dalla presenza nel sogno dell'anziana delle stesse figure raffigurate nei ritratti appesi alla parete; quelle del «sogno delle generazioni», ossia della gioventù contrapposta alla vecchiaia, e del sogno amoroso, pure presenti nel "Sogno di una suora"; infine, quella allegorica.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Tematiche in parte analoghe, al contempo allegoriche e psicanalitiche, sono pure presenti in un altro dipinto, "Diana sulle ali della notte": si tratta di uno degli ultimi lavori del Brjullov, se non forse l'ultimo, eseguito nel 1852 poco prima di morire. Rappresenta la Notte, personificata nelle sembianze di una donna, in volo su Roma, con Diana addormentata sulle sue ali. Nella veduta della città si nota il cimitero acattolico del Testaccio, indicato da un segno, quasi a voler indicare il luogo dove il Brjullov avrebbe voluto essere sepolto, come effettivamente accadde non molto tempo dopo.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: La tematica esotica ed in particolare mediorientale fu una costante della pittura dell'Ottocento e oltre, in particolare di autori francesi quali Jean-Auguste Ingres, Jean-Léon Gérôme, ma anche dell'italiano Francesco Hayez. Venuto di moda nei primi decenni del secolo, il gusto per l'oriente si protrasse, e non solo nella pittura, fino ai primi anni del Novecento, ed ebbe fra i soggetti più ricorrenti quello dell'harem e del lusso e dell'erotismo ad esso legati, nel cui ambito la figura dell'odalisca ebbe spesso un ruolo centrale.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Il Brjullov, pittore «di cultura internazionale ed eclettica», oltre che diretto conoscitore dei luoghi, avendo viaggiato in Grecia ed in Turchia fra il 1835 e il 1836, attinse a questo filone per alcuni suoi dipinti di diversa datazione: fra essi, la "Ragazza turca", la "Fontana nel Bakči Sarai" e l"Odalisca", dipinta in tre versioni.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Quella del ritratto ambientato fu una moda particolarmente diffusa tra l'aristocrazia e la borghesia del tempo, sia italiana che russa. Un ambito ricorrente era quello legato al mondo musicale e dei teatri, soprattutto nell'alta società milanese. In particolare, la tematica teatrale offriva interessanti spunti creativi alla pittura storica. A questo si aggiunga il sempre maggior desiderio dei committenti di vedersi ritrarre in circostanze e situazioni tali da sottolinearne lo stile di vita lussuoso e raffinato.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Il Brjullov si fece interprete delle richieste della committenza in alcuni dipinti che ben fondono questi diversi filoni pittorici, distinti ma collegati, del ritratto ambientato, del teatro, della rappresentazione del lusso e dell'evocazione storica.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Si pensi per esempio al "Ritratto di Giuditta Pasta nella scena della pazzia della Anna Bolena di Donizetti". Eseguito nel 1834, è uno dei numerosi dipinti di quegli anni ispirati alla figura di Anna Bolena, personaggio della celebre opera di Gaetano Donizetti, raffigurata frequentemente nella scena della pazzia, culmine del dramma. Il dipinto di Brjullov sottolinea la mimica teatrale fatta di calcate espressioni di dolore e gesti drammatici ed inconsulti. Il personaggio è raffigurato esattamente nei costumi indossati dall'attrice Giuditta Pasta nella prima a Bologna del 26 dicembre 1830. Il dipinto è conservato a Milano, presso il Museo teatrale alla Scala. L'opera è incompiuta, e questo suscitò le ire della Pasta, ma il Brjullov era ormai partito per Parigi.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Un altro esempio è costituito dal "Ritratto della cantante Fanny Tacchinardi Persiani", eseguito anch'esso nel 1834. Fanny Tacchinardi, celebre soprano, figlia del tenore Nicola Tacchinardi e moglie del direttore d'orchestra Giuseppe Persiani, è ritratta in un'atmosfera agreste e idillica, caratteristica della prima produzione del Brjullov, nei panni di Amina nell'opera "La sonnambula" di Vincenzo Bellini. L'opera, conservata al Museo dell'Accademia delle arti di San Pietroburgo, ricorda decisamente, per le atmosfere bucoliche, per l'atteggiamento assorto del soggetto e per il suo gesto di tenere in mano dei fiori, il "Ritratto della cantante Giuditta Pasta come Nina pazza per amore" eseguito qualche anno prima (1829) dal Molteni, ma superandolo forse per raffinatezza e correttezza esecutiva, nonostante la "Giuditta Pasta" sia considerata fra i più elevati risultati della ritrattistica molteniana, nonché l'opera della definitiva consacrazione del suo autore.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Fra le opere appartenenti a questo filone della produzione del Brjullov, la più celebre è però senz'altro "La contessa Julija Samòjlova con la figlia Amacilia all'uscita dal ballo". L'opera si caratterizza per la marcata unità tonale dei rossi, per lo sfoggio degli abiti lussuosi delle due protagoniste, la contessa Samòjlova e la figlia adottiva Amacilia Pacini, per il netto stacco fra i soggetti in primo piano, accuratamente eseguiti, e i cartoni scenografici di fondo, riprodotti nella loro incompiutezza e imprecisione disegnativa, soprattutto nelle linee prospettiche che attraversano i capitelli sulla destra: il "non finito", caratteristico delle opere del Brjullov, in questo dipinto non sta più nell'esecuzione del pittore, ma nel soggetto stesso. La presenza dei costumi d'epoca dà inoltre spunto al pittore per l'inserimento nell'opera della tematica storica.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: In quest'opera è maggiormente evidente la volontà del Brjullov, presente comunque in gran parte della sua produzione ritrattistica, di evitare di rendere l'appartenenza sociale la chiave di lettura del ritratto: seguendo in questo le orme di Orest Kiprenskij, nonostante i soggetti raffigurati appartengano tutti all'alta società, borghese o aristocratica, del tempo, il protagonista è solamente la persona privata e le sue qualità, non la posizione sociale o gerarchica, che è data per scontata. E, fra le qualità dei soggetti che il Brjullov coglie e fissa sulla tela, la più ricercata è sempre la bellezza, «una bellezza che si toglie letteralmente la maschera, come fa la Samòjlova nel ritratto». Non è dunque un caso che la parte più cospicua della ritrattistica brjulloviana abbia come protagoniste figure femminili. Del resto, «fermare nella memoria i volti più belli e riprodurli sulla tela» era la sintetizzazione che il Brjullov faceva della sua tecnica ritrattistica.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: È difficile ricostruire se il dipinto sia stato eseguito in Italia o in Russia (dove è oggi conservato, al Museo russo di San Pietroburgo) e di conseguenza ne è ardua la datazione. È comunque di sicuro risalente agli anni trenta o quaranta, forse precedente al 1842. Secondo altre fonti, l'opera sarebbe databile intorno al 1839-40.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: La medesima tematica musicale fu affrontata dal Brjullov nel "Ritratto della cantante A. Y. Petrova".


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Il dipinto raffigura il conte Enrico Martini (1818-1869), patriota risorgimentale, diplomatico e Deputato del Regno di Sardegna e poi del Regno d'Italia, esponente della Destra storica nonché cognato di Luciano Manara.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Più difficile dargli una datazione ed una contestualizzazione: è stato datato negli anni quaranta, quando il pittore si trovava in Russia, dove l'opera sarebbe stata dipinta, come ne suggerisce il titolo. Tuttavia l'interpretazione del soggetto non è data per certa: si è suggerito di dare all'opera il più generico titolo "Nobile con calesse", anticipando anche la datazione al decennio precedente, all'epoca del primo soggiorno del Brujllov in Italia, dove il dipinto sarebbe quindi stato eseguito.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: L'opera è conservata ed esposta presso il Museo civico di Crema e del Cremasco. La presenza a Crema, città che non sembra aver avuto legami di nessun tipo con il Brjullov, ma patria di Enrico Martini, sembra comunque confermare almeno l'identità del soggetto ritratto.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Eseguito nel 1832, si tratta del doppio ritratto di Giovannina e Amacilia Pacini, figlie del compositore Giovanni Pacini, amico del Brjullov, la cui opera "Ultimo giorno di Pompei" fu forse alla base della nascita dell'interesse del pittore verso quella vicenda storica.


title: Karl Pavlovič Brjullov

text: Il doppio ritratto rivela anche il coinvolgimento personale del Brjullov, essendo le due bambine figlie adottive della contessa Julija Samòjlova, la nobildonna russa che il Brjullov conobbe a Roma, a cui fu a lungo sentimentalmente legato e di cui eseguì altri ritratti, il più celebre dei quali ("La contessa Julija Samòjlova con la figlia Amacilia all'uscita dal ballo") la vede proprio in compagnia di una delle due bambine qui raffigurate. L'opera, conservata presso la Galleria Tret'jakov di Mosca, fu eseguita durante il primo soggiorno italiano del pittore (1823- 1834) e riproduce l'atmosfera aristocratica del tempo attraverso la raffigurazione di dettagli preziosi e raffinati.


title: Giornata internazionale dello sport per lo sviluppo e la pace

text: L'Assemblea generale delle Nazioni Unite ha deciso di proclamare il 6 aprile come "giornata internazionale dello sport per lo sviluppo e la pace" perché questa data ricorda l'inaugurazione, nel 1896, dei primi giochi olimpici dell'era moderna, ad Atene: il 6 aprile 1896 nascevano così i Giochi della I Olimpiade (i primi giochi olimpici dell'era moderna), grazie anche al contributo di Pierre de Coubertin.


text: L'Assemblea generale delle Nazioni Unite nella Risoluzione 67/296 decide di proclamare il 6 aprile la giornata internazionale dello sport per lo sviluppo e la pace. L'ONU, con questa commemorazione, "invita gli Stati, il sistema delle Nazioni Unite e in particolare l'Ufficio delle Nazioni Unite per lo sviluppo e la pace, le organizzazioni internazionali competenti e le organizzazioni sportive internazionali, regionali e nazionali, la società civile, comprese le organizzazioni non governative e il settore privato e tutti gli altri soggetti interessati a cooperare, osservare e sensibilizzare alla Giornata internazionale dello sport per lo sviluppo e la pace".


title: Ragazze d'oggi

text: Peppino Bardellotti, vedovo, vive a Milano del suo modesto lavoro di rappresentante di commercio. Ha quattro figlie, di cui tre in età da marito, seguite dalla cognata Matilde, che le incita a sistemarsi sposando un uomo ricco, e due delle ragazze, Sofia e Tilde, seguendo queste esortazioni avviano delle relazioni con due uomini facoltosi, o presunti tali. Anna, la terza figlia, è invece fidanzata con Sandro, semplice impiegato di una compagnia aerea che, a causa del suo scarso reddito e delle sue idee più moderne sul ruolo della donna, non viene ben accolto dalla famiglia.


title: Ragazze d'oggi

text: Ma i sogni di agiatezza inseguiti dalle due ragazze si infrangono contro un'amara realtà. Sofia viene illusa dal fidanzato Mongardi, che prima promette di sposarla ma poi l'abbandona cedendo al ricatto economico del padre, un ricco industriale contrario al matrimonio. Tilde si troverà coinvolta nel tentativo del losco Armando di avviarla sulla strada della prostituzione. Esse comprendono l'illusione di aver voluto entrare nel cinico mondo dei ricchi e tornano quindi, perdonate, in famiglia. Anna, invece, rifiuta una possibile strada per il successo nel cinema e sposa Sandro, partendo felice con lui per il viaggio di nozze. Subito prima della partenza di Anna, Bardellotti ha un colloquio con Mongardi padre, il cui figlio si è allontanato da lui, lavorando e dimostrando di essere maturo, e l'industriale desidera rimediare al suo operato, e se ancora possibile, riunire Sofia e suo figlio.


title: Ragazze d'oggi

text: Inizialmente il soggetto prevedeva il racconto del matrimonio di tre ragazze, figlie di un capo operaio di Sesto San Giovanni e a questa ipotesi aveva lavorato Zampa, assieme a Flaiano nel 1954, con un possibile cast formato da Sophia Loren, May Britt ed Armenia Balducci. Secondo la rievocazione di Zampa, questa idea iniziale venne poi adattata alla richiesta di Carlo Ponti di ideare una vicenda per far debuttare nel cinema due giovanissime neo attrici, la Allasio e la Cerasoli, che il produttore aveva sotto contratto assieme alla Balducci, che in questo caso compare come Bella Visconti.


title: Ragazze d'oggi

text: L'ambientazione venne trasferita dall'ambiente operaio della cintura milanese a quello della città e soggetto e sceneggiatura furono quindi elaborati dal solo Zampa in funzione di quell'esigenza produttiva. A tale scopo il regista, che affermò di aver tratto ispirazione anche delle recenti vicende del Caso Montesi, dichiarò essere sua intenzione «proporre un problema di scottante attualità: è nel lavoro che le ragazze devono trovare indipendenza, il matrimonio non è un modo per sistemarsi» <br>


title: Ragazze d'oggi

text: "Ragazze d'oggi", primo film a colori di Zampa, è l'unico dei quasi 40 a lui diretti che sia ambientato e girato, per gli esterni, a Milano, con scene riprese nella zona dei Navigli ed in piazza del Duomo. Nel film compare anche uno dei primi grattacieli di Milano, la Torre Breda di piazza della Repubblica, situata a poca distanza dalla stazione Centrale. Durante la lavorazione, che iniziò alla fine di agosto del 1955, Zampa ebbe come aiuto regista un quasi esordiente Nanni Loy, al tempo ventenne.


title: Ragazze d'oggi

text: Oltre alla tre giovanissime attrici, delle quali solo l'allora diciannovenne Allasio ebbe poi un grande successo interpretando l'anno successivo "Poveri ma belli", sono presenti anche una giovane (11 anni), ma non debuttante, Paola Quattrini, affiancata all'affermato ed esperto Paolo Stoppa. Sul set di "Ragazze d'oggi" diventa attore Mike Bongiorno; si tratta di una delle poche occasioni in cui egli non interpreta se stesso, ma uno "steward" della LAI, un'antesignana dell'Alitalia, in una prova che suscitò unanimi critiche negative. Ha un ruolo anche, in una rarissima apparizione cinematografica, Billa Pedroni (Billa Billa), una protagonista del mondo culturale milanese dei primi anni cinquanta, inizialmente attiva assieme a Franca Valeri in alcune attività teatrali, che poi lascerà per sposare Marco Zanuso.


title: Ragazze d'oggi

text: La logica della co produzione con la Francia portò alla partecipazione di alcuni affermati attori d'oltralpe, in base agli obblighi stabiliti dall'accordo italo - francese, il primo ad essere stato stipulato per regolare i rapporti in campo cinematografico. Accordi peraltro pesantemente criticati dal mondo del cinema ed infatti, secondo i commenti, anche in questo caso «non si capisce perché attori francesi di buon nome siano stati inseriti in particine senza rilievo a fianco di attrici modeste».


title: Ragazze d'oggi

text: Nonostante un tema apparentemente innocuo, "Ragazze d'oggi" ebbe qualche problema con la rigida censura del tempo, anche se il film non dovette certamente subire le vicissitudini in cui erano incorse negli anni precedenti altre opere di Zampa come "Anni facili" o "La romana". In questo caso furono imposte modifiche ad alcuni dialoghi relativi alla libertà ed autonomia femminile ed all'apertura dei costumi sessuali. Dopo questi interventi il film venne autorizzato (n.o. 20355 del 24 dicembre 1955) ed iniziò a circolare nelle sale tra la fine del 1955 ed il gennaio 1956. <br>Fu anche autorizzato all'esportazione e venne distribuito in Portogallo ("Raparigas de Hoje"), in Messico, ("Muchachas de hoy"), in Brasile ("Brotos do Século" - ""Giovani di adesso""), in Germania ("Vater, wir vollen heiraten" - "Papà, ci vogliamo sposare"),in Francia ("Jeunes filles d'aujourdhui"). Non ebbe invece seguito il progetto di realizzare una versione francese del film, che avrebbe dovuto chiamarsi "Montparnasse".


title: Ragazze d'oggi

text: "Ragazze d'oggi" suscitò commenti negativi da parte della critica del tempo, che lo definì in vario modo, da «desolante» a «facilone e superficiale», mentre secondo un altro commento «se per farsi ascoltare bisogna "fumettizzarsi" Zampa ha cercato di adeguarsi a tale livello perché ha fornito al pubblico una realtà sorretta dal luogo comune ed appagata dal convenzionale», e questa caduta di stile viene attribuita alla morte, avvenuta l'anno precedente, di Brancati, grazie ai cui soggetti Zampa aveva firmato i suoi film più corrosivi.


title: Ragazze d'oggi

text: Per quanto meno drastici, anche altri commenti furono di scarso apprezzamento. Così "La Stampa" che lo definì «un filmetto fuori dalla realtà e non ha nulla che non si addica alle ragazze di tutti i tempi [anche se] il raccontino è abbastanza piacevole», mentre secondo il "Corriere della sera" si trattava di «un film di eccellenti intenzioni [ma] che dice cose risapute».


title: Ragazze d'oggi

text: In tempi più recenti i giudizi si alternano tra «un tentativo di commedia progressista» alla «mediocre commedia di costume sul piano inclinato del sentimentalismo». In qualche caso si riconosce al film il merito di aver rappresentato il tema del lavoro inteso come via alla auto realizzazione femminile e di sostenere il diritto ad avere un marito scelto, e non imposto, o visto come una "sistemazione" anche se si evidenzia come non sia un caso che questi messaggi vengano ambientati nella Milano simbolo della modernità e dei cambiamenti.


title: Ragazze d'oggi

text: La pellicola ha incassato 299.300.000 di lire. In questo modo il film di Zampa risultò intorno al trentesimo posto della classifica d'incasso dei circa 130 film prodotti in Italia nel 1955, anno in cui il film più "ricco" risultò "La donna più bella del mondo", che superò il miliardo ed 800 milioni di introito.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: L'ahu è una piattaforma cerimoniale dell'Isola di Pasqua, nonché centro politico, sociale e (soprattutto) religioso delle varie tribù che vivevano nell'isola.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Era un luogo in cui si svolgevano molti raduni: Cerimonie, riti funebri, feste per i raccolti agricoli e la distribuzione del cibo


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Erano anche luoghi sacri dedicati al culto degli antenati. Il complesso è dotato di alto potere spirituale (mana) e di inviolabilità (tapu),


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Ha una somiglianza con i templi polinesiani chiamati "marae" ma solo che nell'isola queste piattaforme sono più "megalitiche".


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Finora, 255 Ahu sono noti per essere stati in diversi stati di conservazione sull'isola di Pasqua, 164 dei quali con una o più sculture.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Una prima, anche se molto imprecisa descrizione dell'edificio fu fornita da James Cook alla fine del XVIII secolo:“Alcune di queste piattaforme in mattoni sono lunghe 30 o 40 piedi, larghe 12 o 16 piedi e alte 3-12 piedi. Dipende dal terreno a questo riguardo, poiché di solito si trovano sul bordo di una panchina rivolta verso il mare in modo che la parte anteriore appaia alta 10-12 piedi e un'altra non più alta 3 o 4 piedi. Sono costruiti, o meglio ricoperti, con pietre squadrate di notevoli dimensioni e l'esecuzione è come il più bel pezzo di pietra piatta che abbiamo in Inghilterra. Non avevano bisogno di alcun tipo di cemento eppure le giunture sono estremamente strette, le pietre sono assemblate e incastonate in modo molto artistico. Le pareti laterali non sono verticali, ma leggermente inclinate verso l'interno, allo stesso modo in cui si costruiscono i parapetti in Europa, ma nessuna di queste cure, lavoro e maestria è riuscita a per preservare questa strana costruzione dalle tracce del tempo che consuma tutto. Le statue, o almeno molte di esse, vengono erette su queste piattaforme. Per quanto abbiamo potuto giudicare, finiscono a circa metà della loro lunghezza in una specie di ceppo nel terreno su cui si trovano".


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: -James CookNon è stato fino al XX secolo che gli scienziati hanno cercato di esaminare più da vicino il metodo di costruzione. Katherine Routledge, che ha visitato l'Isola di Pasqua ai tempi della prima guerra mondiale, divide le piattaforme cerimoniali in quattro tipi di costruzione in base al tipo di costruzione e all'estensione delle attrezzature (l'ordine è in linea di principio valido ancora oggi, ma i ricercatori successivi hanno in alcuni casi effettuato ulteriori suddivisioni):


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: È controverso se una sequenza cronologica della loro costruzione possa essere letta da questa classificazione delle strutture. Routledge considera l'ahu rettangolare, di semplice costruzione, senza statue come il più antico e l'ahu Poe Poe come la forma più giovane (forse costruita dopo l'influenza europea). Secondo i ritrovamenti più recenti, i due ultimi tipi sono principalmente ossari per la loro destinazione d'uso e provengono dalla fase tarda della cultura dell'Isola di Pasqua.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: La forma di gran lunga più comune e meglio ricercata scientificamente è l'ahu con le statue (immagine ahu). Consiste di una piattaforma rialzata e di pietre che è riempita all'interno di terra e detriti. Su alcune piattaforme, come ad a Vinapu, la muratura delle coperture è costituita da grandi blocchi, lavorati artisticamente e accuratamente montati (muro megalitico), con sistemi più semplici sono state utilizzate solo pietre allo stato naturale. È evidente che la parete posteriore rivolta verso il mare è spesso disposta più accuratamente rispetto al resto della muratura. Le pietre sono incastonate senza malta, la malta era sconosciuta sull'Isola di Pasqua. Pesanti lastre di pietra ovali sono posizionate nella parte superiore della piattaforma e fungono da fondamenta per le enormi statue di pietra. I moai, che possono pesare fino a 40 tonnellate e sono incuneati solo con piccole pietre alla base, salgono da questa con le spalle al mare.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Le piattaforme su cui poggiano le figure sono spesso estese sui lati da ali laterali leggermente più basse in pietra. La loro funzione è sconosciuta, probabilmente servivano solo a scopi rappresentativi per far sembrare l'edificio più potente. Alcuni sistemi raggiungono così una lunghezza totale fino a 145 metri.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Una rampa in terra, spesso pavimentata, conduce alla piattaforma per tutta la sua lunghezza. In alcuni "complessi, "i poro"" (ciottoli rotolanti) sporgono dalla pavimentazione, probabilmente solo come elemento decorativo.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Di fronte alla rampa c'è un piazzale rettangolare livellato, a volte fortificato, che serviva a scopi rituali tramite cerchi in pietre chiamati "Paina". La piazza cerimoniale è solitamente delimitata dall'area circostante con pietre segnaletiche. Qui si svolgevano le regolari cerimonie religiose.“Come ho scoperto, si sono affidati completamente ai loro idoli, che sono stati eretti in gran numero sulla spiaggia. Gli caddero davanti e l'adorarono. Questi idoli erano tutti scolpiti nella pietra, a forma di umano, con lunghe orecchie. La testa era ornata da una corona. Il tutto è stato fatto ad arte, cosa di cui siamo rimasti molto sorpresi. Intorno a questi idoli furono poste pietre bianche larghe da venti a trenta passi".- Carl Friedrich Behrens


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Durante gli scavi archeologici, sono state scoperte fosse murate sulla parete posteriore di alcune piattaforme, che fungevano da crematori.“Nella parte posteriore della piattaforma, abbassati di alcuni gradini su un terrazzo leggermente in pendenza, che termina con un muretto basso, si innalza un muro quadrato che sporge un po' 'sopra il livello del suolo, come se fosse collegato alla piattaforma. I resti umani riempiono la camera interna e le ossa sono sparse tra le pietre sciolte della piattaforma e le loro pendici".- William J. Thomson


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Se questi siti di cremazione siano un'aggiunta successiva o siano già stati inclusi nella costruzione dell'Ahu è controverso.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Le dimensioni e le proporzioni degli Ahu e il numero di statue non sono soggetti ad alcuna regolarità riconoscibile. Ci sono sia grandi ahu lunghe oltre 100 metri che statue di pietra alte fino a dieci metri, così come piattaforme con una sola piccola figura. La maggior parte delle piattaforme supporta solo una o due statue; quelle con più figure sono rare. La pianta più grande è l'Ahu Tongariki con una lunghezza di 145 metri e 15 moai. Si può presumere che a capo della società tribale i clan in piedi dell'Isola di Pasqua rendessero visibile il loro potere attraverso le dimensioni della piattaforma, il numero di statue e la cura dell'esecuzione.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: La maggior parte degli Ahu si trova sulla costa settentrionale dell'isola di Pasqua, ma le strutture più grandi e meglio attrezzate si trovano principalmente nel sud.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Con poche eccezioni, le piattaforme cerimoniali dell'Isola di Pasqua si trovano sulla costa, per la maggior parte entro un raggio di 500 metri dalla linea di marea. Nel periodo classico furono sempre associati a un insediamento. C'era una chiara classifica alla distanza tra gli edifici residenziali e il complesso cerimoniale, che rifletteva la società strettamente gerarchica della Polinesia. Più vicino all'ahu erano le case paenga, case particolarmente elaborate che ricordano barche capovolte (ricordiamoci che in alcuni ahu si trovavano delle rampe che portano verso il mare che venivano usate per far scivolare le canoe, ad esempio ad "ahu tahai"), dei capi e dei sacerdoti con un piazzale pavimentato e forni di terra ("umu") e le case dei polli in pietra associate ("hare moa"), Seguiti dai, particolarmente fertili campi protetti da muretti (simile ai Zocos in Lanzarote). Solo dietro di essa, più all'interno dell'isola, c'erano le case costruite più semplicemente dei membri tribali ordinari nel mezzo delle restanti aree coltivate. Questa disposizione mostra che l'ahu non serviva solo a scopi religiosi, ma anche politici di potere e rappresentativi.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Uno degli esempi di più alta qualità di muratura in pietra dell'isola di Pasqua è il muro posteriore dell'ahu a Vinapu. Realizzato senza malta modellando rocce basaltiche dure fino a 7 tonnellate per abbinarsi esattamente tra loro, ha una somiglianza superficiale con alcuni muri di pietra Inca in Sud America.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Hanno una tipica forma a "Barchetta": Una struttura rettangolare allungata e con le estremità appuntite e rialzate leggermente, come se fossero prua e poppa di una barca (canoa)


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Normalmente hanno un'avanga, una camera sepolcrale, lungo la struttura, collegata al soffitto tramite una serie di entrate.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Studi archeologici hanno dimostrato che le piattaforme cerimoniali sono state estese, ampliate o ricostruite nel corso di generazioni, spesso riutilizzando materiale più antico. Ciò rende estremamente difficile la datazione dei singoli sistemi.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Le date al radiocarbonio indicano che il primo periodo di erezione è compreso tra il 1000 e il 1100 d.C. Sono disponibili anche date precedenti, ma non possono essere collegate inequivocabilmente agli edifici. Secondo gli studi archeologici, il fulcro dell'attività di costruzione fu nel XIV e XV secolo. Probabilmente non furono costruite nuove strutture dopo il 1650 d.C.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: A un certo punto tra la scoperta dell'Isola di Pasqua da parte dell'olandese Jakob Roggeveen nel 1722 e la visita di James Cook nel 1774, iniziò la distruzione sistematica dell'Ahu da parte degli stessi isolani. A metà del XIX secolo non c'erano più piattaforme cerimoniali intatte sull'isola di Pasqua. Nonostante la ricerca intensiva, le cause sono ancora controverse oggi. I motivi addotti includono quanto segue:


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: La maggior parte dei complessi cerimoniali dell'isola di Pasqua sono ancora "distrutte", cioè con piattaforme che sono state più o meno distrutte e moai ribaltate. Alcuni ahu sono stati ricostruiti utilizzando la tecnologia moderna dagli anni '50. Particolarmente degno di nota sulla costa meridionale è l'Ahu Tongariki, ricostruito negli anni '60, con quindici moai verticali di dimensioni impressionanti, il più grande complesso cerimoniale del Pacifico. Il ben conservato Ahu Vinapu con le sue pietre accuratamente montate è un esempio particolarmente bello dell'architettura del periodo classico della cultura dell'isola di Pasqua.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Come accennato poc'anzi, "centro politico, sociale e (soprattutto) religioso delle varie tribù che vivevano nell'isola" nonché "Era un luogo in cui si svolgevano molti raduni: Cerimonie, riti funebri, feste per i raccolti agricoli e la distribuzione del cibo".


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Gli ahu come recinti mortuari, avevano restrizioni sacre ("tapu") ed erano importanti centri religiosi, politici ed economici. La popolazione più importante e di posizioni importanti nella gerarchia di questa città viveva vicino alle piattaforme, mentre il resto della popolazione viveva nell'interno dell'isola, quindi si può dedurre che gli ahu ei loro moai erano esclusivi una parte della popolazione. Nell'ahu venivano eseguiti i processi mortuari, preceduti da un sacerdote ufficiale degli ahu chiamato "timo", la cui insegna era il "rapa"(una specie di pagaia con due pale di 50 cm circa con dettagli scolpiti che simulano un volto umano), si occupava della cremazione dei corpi dietro le piattaforme per la popolazione comune dell'isola.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Nel caso di una persona di alto rango come il re, i morti erano avvolti in speciali sudari ("takapau") di fibra di mahute o un grande mantello "nua" per avvolgere il corpo del defunto. Successivamente è stato posto sulla parte anteriore della piattaforma chiamata "tahua", su una cinghia di palo ("gamma") in posizione orizzontale. Nel corso di 1-2 anni, con il lavoro di sacerdoti speciali per questo, le ossa furono separate dalla carne e depositate nelle cavità funerarie "dell'ahu" ("avanga") e poi furono ricoperte di pietre e terra. Tutto questo pronto è stato seguito con il posizionamento del moai corrispondente.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Un altro uso dato a queste costruzioni era relativo ad un orientamento astronomico, all'allineamento con l'uscita del sole o delle stelle e delle costellazioni importanti per determinare i periodi dell'anno e il luogo temporaneo per l'istituzione di divieti permanenti o stagionali dell'agricoltura, della pesca, colture e altri settori della vita quotidiana e sociale.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Secondo i moderni studi astronomici, circa 20 "ahu" erano intenzionalmente orientati con un senso astronomico, in modo che il moai guardasse l'alba o il tramonto ai solstizi o agli equinozi.


title: Ahu (Isola di Pasqua)

text: Nel calendario ancestrale rapanui l'inizio dell'anno inizia a metà giugno con il solstizio d'inverno, con l'uscita delle Pleiadi (noto come "Matariki" sull'isola di Pasqua) e con solo due diverse stagioni stagionali: inverno ("tonga") ed estate ("tempo"). Gli ahus situati all'interno dell'isola come l'Ahu Akivi (a est di Rapa Nui) e l'Huri A Urenga (vicino a Hanga Roa) svolgono queste funzioni.


title: Decalogo 5

text: Decalogo 5 è il quinto dei dieci mediometraggi realizzati dal regista Krzysztof Kieślowski per la TV ed ispirati ai dieci comandamenti.


title: Decalogo 5

text: Piotr, invece, è un uomo dai sani principi, che crede nella giustizia ma non nella pena capitale, che considera inutile: sin dai tempi di Caino, considera, nessuna pena è mai stata un valido deterrente.


title: Decalogo 5

text: Jacek, senza alcun motivo apparente se non per la propria malvagità, uccide un taxista, un uomo comunque sgradevole come lui. Viene arrestato e tocca proprio a Piotr, appena diventato avvocato, difenderlo in tribunale. Tutto è inutile, e Jacek viene condannato.


title: Decalogo 5

text: Piotr si sente in colpa: forse poteva fare di più, forse poteva aiutare quel ragazzo. Ma la condanna è decisa: pena di morte.


title: Decalogo 5

text: Prima dell'esecuzione, Jacek chiede di parlare con Piotr. L'assassino non sembra più così malvagio, chiede all'avvocato di parlare con la madre, dopo l'esecuzione, e farsi seppellire nella tomba di famiglia. Le parole sono pugnalate nel cuore di Piotr, che è ancora convinto che la pena capitale sia una barbarie. Quello che avverrà dopo, non farà che confermarglielo.


title: Decalogo 5

text: Jacek, all'ultimo secondo, infatti, si ribella all'impiccagione a cui è stato condannato: scalcia e cerca di fuggire. Tutti gli sono addosso e lo bloccano, proprio come lui era stato addosso bloccando il taxista mentre l'uccideva. Sembra non esserci alcuna differenza fra l'omicidio commesso da Jacek e quello commesso dallo Stato.


title: Emozioni (brano musicale Lucio Battisti)

text: Emozioni è un brano musicale composto da Lucio Battisti e Mogol, e interpretato originariamente dallo stesso Battisti, che lo pubblicò il 15 ottobre 1970 nel singolo "Emozioni/Anna".


text: È una delle canzoni più conosciute e apprezzate della coppia Mogol-Battisti ed è considerato un classico della musica leggera italiana.


text: La composizione di "Emozioni" fu piuttosto lunga e meditata per gli standard della coppia Battisti-Mogol, che solitamente scrivevano nuovi brani in poco tempo.


text: Le origini del brano risalgono al viaggio a cavallo da Milano a Roma che i due artisti avevano compiuto nell'estate del 1970. Fu proprio durante il viaggio che Battisti trovò l'ispirazione per la parte musicale, che fu l'unica nuova composizione nata nel corso della cavalcata. Al ritorno, Battisti registrò la musica su un nastro, che lasciò a Mogol per consentirgli di comporre il testo con maggiore calma.


text: Mogol scrisse il testo in due momenti: una prima parte in casa, composta d'impulso in un momento d'introspezione. Per la parte rimanente trovò l'ispirazione mentre era in automobile, in un momento piuttosto scomodo: Mogol era al volante, la macchina era piena (c'erano a bordo la moglie e due figli), non aveva carta dove scrivere, e non aveva né un impianto per ascoltare le cassette né qualcuno che potesse ricordargli la melodia cantandola. Dovette quindi ripetersi la melodia mentalmente, e sforzarsi di non dimenticare i versi che componeva. Solo quando arrivò a casa ebbe modo di imprimere su carta il testo che aveva ideato.


text: Mogol scriveva spesso i testi di getto, in momenti di ispirazione, e in particolare aveva composto in automobile anche "Una lacrima sul viso" ed "E penso a te".


text: Probabilmente questa circostanza influì sul risultato finale, costituito da versi lunghi e irregolari. Il testo fu ispirato inoltre dalla libertà che aveva respirato nel corso del viaggio a cavallo e dal contatto con la natura.


text: L'arrangiamento (chitarra acustica e sezione di archi) fu curato da Gian Piero Reverberi e sostanziò l'intensa emozione affettiva e la commozione estetica della composizione.


text: Nella registrazione accompagnarono Battisti il batterista Franz Di Cioccio, il chitarrista Franco Mussida e il tastierista Flavio Premoli che l'anno dopo formeranno, con altri musicisti, la Premiata Forneria Marconi.


text: Esistono due video di Battisti che canta "Emozioni". Uno è quello della partecipazione al programma televisivo di capodanno ""E tu che fai? Io stasera vado a casa di Ornella"", trasmesso il 1º gennaio 1971 sul primo canale della RAI, dove Battisti canta in playback. Tale video è stato inserito nel VHS "Le immagini più belle di un mito intramontabile" pubblicato nel 1992 e nel DVD "Il nostro canto libero" pubblicato nel 2007.


text: Un altro (soprannominato "video della draga" per distinguerlo dal precedente) è la partecipazione al programma "Il mio bar" della radiotelevisione svizzera, mandato in onda il 15 maggio 1971, nel quale Battisti canta in playback seduto su un battello-draga.


text: Una parte della canzone, inoltre, venne interpretata da Battisti e Mina, dal vivo e all'interno di un medley, a conclusione del celebre duetto avvenuto nella trasmissione televisiva "Teatro 10" il 23 aprile 1972.


text: Del brano esiste una seconda esecuzione di Battisti, che si presenta come una registrazione di prova e non definitiva, in cui il brano è eseguito in versione acustica con Battisti alla chitarra e Alessandro Colombini al pianoforte. La registrazione è rimasta inedita ed è in possesso dello stesso Colombini. Infine esiste una interpretazione con sola chitarra alla trasmissione radiofonica "Per voi giovani", registrata a dicembre 71 e andata in onda a gennaio 72. E'stata trasmessa nello speciale televisivo di Rai Due "Eventi Pop - Lucio emozioni sempre" del 5 marzo 2003, successivamente replicato più volte con il nome "Il nostro caro Lucio - antologia Battisti".


title: Lungo viaggio verso la notte

text: Lungo viaggio verso la notte ("Long Day's Journey into Night"), talvolta tradotto come Lunga giornata verso la notte, è un'opera teatrale del drammaturgo statunitense Eugene O’Neill, vincitrice del prestigioso Premio Pulitzer per la drammaturgia nel 1957. Oltre ad essere considerato il capolavoro di O'Neill, "Lungo viaggio verso la notte" è considerato uno dei massimi capolavori del teatro statunitense del XX secolo insieme con "Morte di un commesso viaggiatore" di Arthur Miller e "Un tram che si chiama Desiderio" di Tennessee Williams. Tra il 1941 ed il 1943 O'Neill scrisse anche un seguito del dramma, "Una luna per i bastardi", andato in scena per la prima volta nel 1947.


title: Lungo viaggio verso la notte

text: Il dramma, ambientato nella casa nel Connecticut dei Tyrone nell'agosto 1912, si svolge nell'arco dell'intera giornata e affronta i temi della dipendenza, nostalgia, disperazione e senso di colpa in questa famiglia disfunzionale.


title: Lungo viaggio verso la notte

text: Connecticut, agosto 1912. James Tyrone è un attore di sessantacinque anni noto soprattutto per la sua grande interpretazione nello stesso ruolo per molti anni, tanto da venire identificato dal pubblico solo in quanto interprete di quel ruolo; James è infastidito da questo fatto e sente di aver sprecato il proprio talento in un dramma mediocre invece di diventare il grande interprete shakespeariano che crede che sarebbe potuto diventare. Oltre all'amarezza per le possibilità sprecate, James è anche preoccupato per la situazione economica sempre meno stabile della propria famiglia.


title: Lungo viaggio verso la notte

text: Sua moglie Mary, più giovane di undici anni, è appena tornata dalla clinica in cui è stata curata dalla sua dipendenza per la morfina: la cura, però, l'ha fatta ingrassare e l'ha resa ansiosa e irritabile, oltre a farla soffrire d'insonnia. Una notte Edmund, il figlio più giovane, la sente entrare nella camera da letto in cui era solita nascondere le proprie scorte di morfina e, temendo che la madre abbia ricominciato a drogarsi, la affronta apertamente sull'argomento, ma Mary risponde di essere semplicemente andata a dormire in quella stanza per sfuggire al russare del marito.


title: Lungo viaggio verso la notte

text: Anche Edmund ha dei problemi: è da molto tempo che tossisce in continuazione e i genitori sospettano che si possa trattare di tubercolosi. Edmund è stato visitato a tal proposito e l'esito dovrebbe arrivare a giorni e questa situazione spinge Mary in uno stato ancora più ansioso del solito. Edmund è più preoccupato per la madre che per se stesso, temendo che la donna possa usare lo stress come scusa per ricominciare a drogarsi, ma Mary lo rassicura ancora una volta e gli fa promettere di non preoccuparsi per lei.


title: Lungo viaggio verso la notte

text: Edmund e Jamie, il fratello maggiore, parlano della possibilità di sottrarre al padre i suoi alcolici e restituirglieli annacquati; entrambi sono preoccupati per Mary: Edmund accusa Jamie di essere troppo sospettoso, Jamie ritiene che Edmund presti poca attenzione alla madre. Dopo aver parlato della dipendenza di Mary e della fragile salute di Edmund, i due uomini sono interrotti dall'arrivo della madre. Mary è preoccupata per la tosse di Edmund e accusa Jamie di essere troppo cinico (il primogenito aveva cercato di capire come mai lei fosse rimasta così a lungo da sola al piano di sopra). Jamie ammette le sue mancanze e riconosce che se ha qualche successo come attore è solamente per merito del nome del padre.


title: Lungo viaggio verso la notte

text: Mary comincia a parlare con tristezza della decadente casa di campagna a cui tutto il loro patrimonio è vincolato e i due fratelli temono che la malinconia possa incoraggiarla a prendere nuovamente la morfina. Edmund, in particolare, è molto preoccupato sia per la madre che per sé stesso e, come Mary, tollera malvolentieri le frecciatine di Jamie.


title: Lungo viaggio verso la notte

text: All'improvviso Mary si irrita con il primogenito e gli chiede come mai stia continuando a fissarla e lui risponde che lei sa perché: la madre ha gli occhi vitrei.


title: Lungo viaggio verso la notte

text: Mary e Cathleen, la giovane cameriera, sono appena tornate a casa dalla farmacia, dove hanno la morfina per Mary; la donna non vuole restare da sola e costringe Cathleen a restare con lei, mentre parla ininterrottamente di argomenti come il suo amore per la nebbia e le preoccupazioni del marito per i soldi. Racconta anche del suo passato da cattolica, da aspirante suora e come giovane promessa del pianoforte, mentre diventa sempre più evidente che ha già assunto della morfina. Mente a Cathleen e le racconta che prende la morfina solo per lenire il suo dolore alla mani.


title: Lungo viaggio verso la notte

text: Dopo che Mary si è addormentata a causa degli oppiacei, Cathleen va in cucina a preparare la cena e quando Mary si risveglia comincia a parlare di quanto fosse migliore la sua vita prima di conoscere il marito. Quando si rende conto che le sue preghiere non vengono ascoltate dalla Vergine, Mary decide di andare di sopra a prendere altra morfina, ma in quel momento James e Edmund tornato a casa ubriachi. Anche se alticci, i due si accorgono che la donna è drogata, nonostante gli sforzi di Mary per sembrare pulita. Quando poi il marito le rileva che Jamie ha deciso di non tornare a casa ma di restare fuori ad ubriacarsi per poi andare in un bordello, Mary si infuria e accusa il marito di aver rovinato il figlio, imputando l'alcolismo degli uomini della sua famiglia al sangue irlandese del marito. James e Mary si riappacificano e mentre il capo famiglia scende in cantina per prendere una bottiglia di whisky, Edmund e la madre parlano: il ragazzo ha ricevuto i risultati delle analisi e ha scoperto di avere effettivamente la tubercolosi.


title: Lungo viaggio verso la notte

text: Mary si rifiuta di crederci e accusa il Dottor Hardy di essere un incapace e il figlio di usare uno squallido trucco per aver tutte le attenzioni su di sé; Edmund risponde dicendo che anche il padre di Mary era morto di tubercolosi e che non è facile avere una drogata come madre. Rimasta sola, Mary vorrebbe prendere altra morfina e spera di morire accidentalmente di overdose (sa che se si procurasse un'overdose di proposito la Madonna non la perdonerebbe mai). Quando James torna in salotto fa notare alla moglie che Jamie ha provato a scassinare l'armadietto dei liquori, ma la donna non lo ascolta: confida al marito i suoi timori per la salute di Edmund e sostiene che il ragazzo non la ami perché è una drogata. James la vorrebbe consolare, ma Mary è inarrestabile nel suo pentimento di aver concepito Edmund, un bambino nato come rimpiazzo per un altro figlio (Eugene) morto a due anni.


title: Lungo viaggio verso la notte

text: Cathleen torna dalla cucina e annuncia la cena, che Mary declina accusando un po' di stanchezza. James si dirige da solo in sala da pranzo, consapevole che la moglie userà la scusa di andare a stendersi per qualche minuto per andare a drogarsi.