title: Cinema africano

text: Benché il cinema sia giunto in Africa fin dalla fine del XIX secolo, e il continente africano sia stato usato come ambientazione cinematografica fin dai primi del secolo successivo, la produzione cinematografica africana (come peraltro quella letteraria) ha iniziato a svilupparsi solo dopo la seconda guerra mondiale, nel periodo immediatamente precedente la progressiva decolonizzazione del continente.


title: Cinema africano

text: Le poetiche del cinema d'autore africano nascono indubbiamente in relazione alla tradizione orale africana basata sulla parola, è dunque nella dimensione della narrazione condivisa che si devono rintracciare le origini dell'esperienza cinematografica per questi registi: a questo proposito è importante considerare il ruolo e il senso dell'arte in questi contesti culturali in cui, pur essendoci un'idea forte e chiara dell'estetica, il concetto dell'arte per l'arte è piuttosto assente. Come sottolineava Paulin Soumanou Vieyra già nel 1973, l'Africa entra in scena con i suoi valori culturali ed appare come una manifestazione surreale dell'invisibile. Il cinema è “un mezzo meraviglioso per la descrizione e la satira sociale”. Attraverso la risata, si ricrea una dimensione umana di grande valore sociale per queste culture. In particolare, è interessante rilevare come il cinema per molti di questi autori attribuisca valore primario ai concetti di tempo e di movimento.


title: Cinema africano

text: Anche il griot, con la sua presenza teatrale e mimica e la sua conoscenza storica e mitologica, compie un viaggio nel tempo attraverso il movimento: la differenza sta nel fatto che l'opera cinematografica limita l'immaginazione del pubblico, in certo senso la può pilotare più precisamente rispetto alla performance del griot. La circolarità del tempo risulta essere invece un elemento comune ad entrambe le arti, ma che viene espresso con propositi differenti: le immagini della tradizione orale sono concrete ma al tempo stesso associative ed intuitive, congiungono la realtà tangibile dell'uomo alla misteriosa entità dell'universo al fine di ripristinare un ordine che è stato sovvertito; allo stesso modo, il linguaggio cinematografico africano molto difficilmente sceglie una dimensione astratta o intellettualistica, ma si sofferma su un luogo, su un fatto o episodio riprendendo altri luoghi ed altri fatti che in un primo momento sembravano essere molto marginali. Infine, si chiude il cerchio proponendo un nuovo ordine o una netta avversità all'ordine stesso. Un importante bagaglio di ispirazione per questi registi è costituito dal corpus delle fiabe e dei racconti tradizionali: anche in questo caso, l'obiettivo è divertire attraverso le suggestioni che l'elemento magico produce. La produzione cinematografica africana abbonda di esempi come il film dell'angolano Rui Duarte "Nelisita" del 1982 che trae origine dai racconti orali Nyaneka che vedono l'eroe fondatore Nelisita, l'uomo nato già adulto, che salva la sua gente prima afflitta dalla siccità e in seguito dal consumismo importato dall'Occidente, e l'opera di Moustapha Dao che nei suoi film "Le neveu du peintre" del 1989 e "L'oeuf" del 1995 mette in scena i personaggi umani e animali della tradizione orale burkinabé; anche "Le geste de Ségou" di Mambaye Coulibaly del 1989 è un lavoro che parte dalla tradizione orale e dal teatro popolare delle marionette e che si avvale della musica tradizionale come colonna sonora. Anche Gaston Kaboré presenta una versione cinematografica dei racconti e dei miti di fondazione nel suo Wênd Kuuni del 1982 mentre Paulin Soumanou Vieyra utilizza a sprazzi la favola e il mito come espedienti per raccontare le lotte e le contraddizioni della società senegalese: "Une nation est née" del 1961 è tra le opere più rappresentative di questo pioniere del cinema africano, tra l'altro il primo africano ad essersi laureato all'IDHEC (Institute des Hautes Etudes Cinématographiques) di Parigi. Il suo cinema è il luogo in cui teatro, favole, riti, racconti e lotte rivoluzionarie si intrecciano.


title: Cinema africano

text: I rapporti tra cinema e parola si sviluppano anche in un'altra direzione, che vede la letteratura africana nel ruolo di tramite e referente reciproco. Molti registi africani sono anche scrittori e autori di saggi (l'esempio per eccellenza è costituito da Ousmane Sembène) e spesso i soggetti dei film sono tratti da romanzi o da racconti dei principali esponenti della letteratura africana contemporanea: è il caso di "N'Diongane" del 1965 di Vieyra, tratto da un racconto dello scrittore Birago Diop. Anche Idrissa Ouédraogo ha dedicato un'opera alla tradizione orale ed in particolare alla fiaba: "Yaaba" del 1988 riproduce il linguaggio semplice e metaforico delle fiabe e narra la storia di una donna molto anziana, Sana, della sua quotidianità e dei suoi rapporti con gli altri abitanti del villaggio. Anche le opere di Sarah Maldoror, "Monangambee" e "Sambizanga", sono entrambe tratte dai testi dello scrittore angolano Luandino Vieira.


title: Cinema africano

text: Diawara sostiene che l'utilizzo di canzoni e danze della tradizione popolare ha lo scopo, per i cineasti africani, di ampliare l'effetto di “realtà oggettiva”. Questa considerazione si riferisce, ad esempio, alle sequenze iniziali del film "Xala" del 1975 di Ousmane Sembène che presentano delle ambivalenze evidenti: da un lato, si cerca di sferrare un attacco alla nuova classe dirigente che ha dimenticato le proprie origini e dall'altro sembra quasi voler parodiare la rappresentazione eurocentrica stereotipata dell'africano fannullone, sempre dedito alle danze e al divertimento. Anche "No tears for Ananse" del 1967 di Sam Aryeetey, regista e direttore della Ghana Film Industry Corporation, narra delle avventure dell'eroe Akan attraverso danze, canti e racconti della tradizione orale. Nel caso dell'ivoriano Desiré Ecaré, la danza e le arti tradizionali del canto e della musica africana in genere sono invece i principali motori dell'azione filmica in "Visages de femmes" del 1985. Grande rilevanza in particolare alla danza e ai canti è riscontrabile anche nell'opera del nigeriano Oumarou Ganda e in "Muna Moto" (1976) di Jean-Pierre Dikongue-Pipa che esalta al massimo nel montaggio gli aspetti della danza Ngondo e del movimento come vera e propria forza narrativa altamente simbolica capace di rinsaldare i legami sociali, soprattutto fra i più giovani, frantumati dal dilemma fra tradizione e innovazione. Il cinema nigeriano, in particolare quello di Ola Balogun, sin dai suoi esordi dedica molta attenzione alle potenzialità cinematografiche delle danze, dei canti e delle tradizioni performative molto radicate soprattutto nella cultura Yoruba.


title: Cinema africano

text: La musica e i canti hanno avuto e svolgono tuttora un ruolo fondamentale: l'immagine è in stretta relazione con la colonna sonora che viene cantata, ballata, suonata spesso in presa diretta, nutrendo il cinema africano e diventando segno di lotta e di resistenza. Non si mette in scena solo la tradizione musicale e coreutica dei villaggi ma in moltissime cinematografie africane, la musica, il canto e la danza sono creazioni artistiche della contemporaneità: è il caso del cinema del Sudafrica ma anche delle opere di video-artisti dell'ultima generazione.


title: Cinema africano

text: La figura teatrale rappresentativa della tradizione in Africa è il griot, al centro di numerose produzioni cinematografiche africane: già in "Borom Sarret" del 1963 e in "Ceddo" del 1977, Sembène pone al centro della sua opera questo personaggio centrale nella cultura dei paesi dell'Africa sub-sahariana, in una accezione critica e demistificatrice. Il signore della parola nei film del regista senegalese è una figura negativa che domina la narrazione e ostenta il suo potere politico e sociale. In "Djeli" del 1980 di Fadika Kramo Lanciné il tema sociale dominante è quello della gerarchia delle caste: attraverso il griot, di cui si esaltano le capacità artistiche e il talento innato, si tenta di rompere questa rigidità a favore di una maggiore elasticità tra i ruoli sociali. Anche il maliano Cheick Oumar Sissoko dedica una prima opera alla demistificazione del griot in "Nyamanton" (1986) e riprende il medesimo tema in "Guimba" (1995): il protagonista Sambou è un mendicante agli occhi delle nuove generazioni, asservito al suo signore, non più maestro della parola ma vedette del potere politico; al contrario, in "Jom" (1981) del senegalese Ababakar Samb-Makharam troviamo il griot immortalato come sapiente narratore, garante assoluto della verità e sempre impegnato per portare avanti la rivoluzione del popolo.


title: Cinema africano

text: Dani Kouyaté propone una rielaborazione culturale della figura del griot nel suo "Keita!" del 1995: il film ricostruisce la fase liminale di apprendimento da maestro a discepolo, cercando di evocare il più possibile la dimensione affascinante e misteriosa del racconto orale. Dani è il figlio di Sotigui Kouyaté, appartiene cioè ad una delle dinastie più antiche dell'Africa occidentale sub-sahariana; suo padre, uno degli ultimi griot di raffinata bravura, è riuscito a tenere viva la sua arte perfezionandosi come attore e collaborando in particolare con il regista inglese Peter Brook nella sua messinscena teatrale e cinematografica del poema epico indiano “Mahābhārata”. Allo stesso modo il figlio tenta di rivitalizzare questo mestiere così prezioso della tradizione attraverso il cinema e il suo linguaggio diretto e aperto.


title: Cinema africano

text: Il viaggio è un tema assai frequente nella cinematografia africana e generalmente è inteso come spostamento “forzato” dal villaggio verso la città; questo percorso a volte si conclude con un ritorno ma in molti altri casi si risolve in un ossessivo vagheggiamento di ciò che si aveva e che si è perduto inesorabilmente.


title: Cinema africano

text: Il viaggio intrapreso da Kalifa e Fanta in "Nyamanton" di Sissoko è tra due luoghi simbolici: la casa, ovvero la dimensione interiore dei due co-protagonisti e la città, il mondo esterno fatto di pericoli e di imprevisti. È nel percorso casa-città che i due giovani comprendono le ingiustizie del mondo e diventano consapevoli delle loro rispettive responsabilità. Anche in "Ceddo" (1977) di Sembène il viaggio è funzionale alla presa di coscienza dei protagonisti, in questo caso però il finale non è necessariamente dato dal ritorno ma lascia una prospettiva aperta ed inquietante.


title: Cinema africano

text: Il viaggio può essere anche un percorso iniziatico e spirituale come nel caso di "Sankofa" (1993) di Hailè Gerima: Sankofa in lingua akan significa “ritornare al passato per volgersi al futuro”. Il film comincia con l'invito da parte del guardiano del Castello di Cape Coast a compiere un viaggio nel tempo attraverso la memoria per recuperare la propria identità. L'uccello che volteggia sopra le teste dei protagonisti serve a ricordare il legame che si ha con il proprio passato che bisogna conoscere e tramandare; Mona-Schola, modella afro-americana che si trova in Ghana per un servizio fotografico, scopre che si tratta del medesimo luogo dove venivano tenuti prigionieri gli schiavi prima di essere imbarcati verso le Americhe. All'improvviso gli spiriti degli antenati si impossessano di lei che, trasportata dall'uccello sulle sue ali, potrà compiere il suo viaggio nella memoria e ritornare finalmente libera alla sua terra d'origine. Il viaggio nel tempo e nella storia è al centro dell'opera del regista etiope emigrato negli Stati Uniti, Hailè Gerima, che sceglie la dimensione epica per tenere viva la memoria e ricostruire la propria identità e il suo cinema si avvale per questo degli espedienti del documentario.


title: Cinema africano

text: Anche il protagonista di "Buud Yam" (1997) di Gaston Kaboré intraprende un lungo viaggio all'interno del suo paese per trovare le cure che guariscano una sua cara amica. L'espediente serve all'uomo, ormai diventato adulto rispetto al precedente lavoro di Kaboré, "Wend Kuuni" (1982), per dimostrare il suo valore agli anziani del villaggio che nutrono dei pregiudizi su di lui.


title: Cinema africano

text: Il tema del viaggio porta con sé i concetti di tempo e di spazio: abbiamo già analizzato seppur brevemente la concezione ciclica del tempo in questi autori. Resta da sottolineare l'importanza attribuita anche allo spazio, che nel cinema africano è sempre ben definito e riconoscibile.


title: Cinema africano

text: Da set cinematografico per i registi occidentali, l'Africa diventa scenario dei suoi stessi cineasti che rappresentano i luoghi dell'agire umano. La musica, i dialoghi e i ritmi consentono di individuare facilmente il contesto in cui sta svolgendo l'azione cinematografica: i luoghi che appaiono in "Borom Sarret", opera prima del grande regista senegalese Ousmane Sembène, oltre ad avere una funzione drammatica legata alla storia, costituiscono un percorso di cui il regista si riappropria, come nel caso del mercato di Sandaga che risulta essere estremamente riconoscibile e familiare per qualunque africano, molto meno anche per il più attento spettatore occidentale. Raramente, gli autori del cinema africano scelgono il paesaggio come protagonista assoluto dei loro film, eccezion fatta per i documentari: al contrario, invece, l'Europa e gli spazi extra-africani sono estremamente evidenziati dal cineocchio come nel caso del cartello stradale con l'indicazione per Antibes nel celebre film "La noire de..." (1966) di Sembène, considerato uno dei primi lungometraggi della storia del cinema nel continente.


title: Cinema africano

text: Il lavoro con cui esordisce Vieyra nel 1955 è considerato all'unanimità il primo cortometraggio di un regista africano: il tema di "Afrique-sur-Seine" è facilmente deducibile dal titolo.


title: Cinema africano

text: In questi primi anni di vita per il cinema dell'Africa nera, gli autori/registi attribuiscono molta importanza e valore alle immagini che devono permettere all'Africa di riscattarsi dalla condizione di miseria, di corruzione politica e di sottomissione all'Occidente, perpetuatasi per secoli. Pressoché tutti i cineasti “delle origini” intendevano denunciare attraverso le immagini la realtà della decolonizzazione e promuovere una presa di coscienza da parte dei concittadini. Il nigerino Moustapha Alassane, già assistente di Jean Rouch, esordisce in questi anni con il suo primo cortometraggio a soggetto etnografico sul tema della preparazione tradizionale ad un matrimonio ("Aouré" 1961) e immediatamente dopo con i primissimi film d'animazione, "Le piroguier" e "La pileuse de mil", entrambi del 1962.


title: Cinema africano

text: Ousmane Sembène, come si è già visto, è il primo regista di un film girato completamente in Africa, a Dakar ("Borom Sarret" 1963), opera che influenzerà molto la nascita della corrente Nouvelle Vague in Francia: da questo momento in poi nasce effettivamente il cinema dell'Africa e per l'Africa a livello globale, come emerge chiaramente dalle parole di Frank Ukadike: "“Con la proiezione di Borom Sarret si ebbe la sensazione di una vera produzione cinematografica africana. Al Festival Internazionale di Tours del 1963 il film passò alla storia come prima opera cinematografica africana vista da un pubblico pagante di spettatori di tutto il mondo.”"


title: Cinema africano

text: Anche il Niger lega la nascita del suo cinema alla storia europea, in particolare a Rouch e ai suoi amici e collaboratori Alassane e Ganda; entrambi questi autori hanno saputo esprimere con grande originalità le potenzialità del mezzo filmico, affrontando sperimentazioni e percorsi teorici sull'immagine molto complessi.


title: Cinema africano

text: Gli sviluppi della produzione cinematografica, seppur affrontati con grandi difficoltà soprattutto di ordine economico, portano alla nascita nel 1969 del FESPACO (Festival Panafricain de Cinéma de Ouagadougou) e nel 1970 della FEPACI (Federation Panafricaine des Cinéastes) che riuniva 33 dei paesi del continente promuovendo misure governative di protezione per la distribuzione e attività di incremento della produzione cinematografica africana.


title: Cinema africano

text: Il Senegal, in cui nasce e opera in quegli anni la Société Nationale de Cinéma (1973-1976), risulta particolarmente produttivo in questo periodo: sicuramente i film più importanti del periodo ad opera di registi senegalesi sono "Kaddu Beykat" di Safi Faye (la prima donna regista africana), dedicato alla vita delle contadine e al faticoso lavoro nei campi, e "N'Diagane" e "Garga M'Bossé" di Mahama Traoré, realizzati entrambi nel 1974 e considerati gemelli per i forti temi in comune: nel primo caso il protagonista è un bambino, dapprima costretto a frequentare la scuola coranica ed in seguito a fare l'elemosina per poi morire di stenti, e nel secondo caso è invece una coppia a costituire l'asse della storia che si sviluppa a partire dal tema dello spostamento villaggio-città. Djibril Diop Mambéty, il poeta del cinema africano, attore, autore e regista anche di teatro, aveva esordito con i corti degli anni 1968/69 "Contras City" e "Badou Boy", girati a Dakar, ma è nel ‘73 che realizza il primo capolavoro assoluto del cinema africano dell'epoca: "Touki Bouki", in cui la capitale senegalese e il suo mare fanno da scenario alle speranze e alle illusioni di un giovane pastore e di una studentessa che sognano di imbarcarsi per Parigi.


title: Cinema africano

text: Nello stesso periodo, anche Costa d'Avorio, Mali e Camerun dimostrarono una grande creatività in ambito cinematografico con le opere divulgative di Henry Duparc ("Abusuan" del 1972 e "L'herbe sauvage" del 1977) e con registi quali Roger Gnoam M'Bala ("Le Chapeau", 1975) e Timité Bassori ("La femme au couteau", 1970); ma è soprattutto Désiré Ecaré ad emergere in questo periodo con "A nous deux, France!" del 1970 (rititolato dalla distribuzione francese "Femme noire, femme nue"), straordinario manifesto poetico e politico sulla bellezza delle donne, e il già citato "Visages de femmes" (iniziato nel 1973 e finito nel 1985): in quest'opera, il regista inserisce una delle rarissime scene erotiche, peraltro molto lunga e sensuale, del cinema africano di quell'epoca. Daniel Kamwa e Jean-Pierre Dikongue-Pipa emergono in questi anni e insieme a loro si affaccia sul panorama uno dei più grandi registi dell'Africa francofona, Souleymane Cissé, che realizza le sue prime opere sul tema del conflitto generazionale e dell'opposizione fra tradizione e modernità ("L'homme et les idoles", 1965 e "L'aspirant", 1968) e sulle pratiche rituali d'interesse etnografico, come l'attraversamento annuale del fiume Niger compiuto dalle mandrie di bufali al raduno dei pescatori della zona tra canti e danze tradizionali ("Degal à Dialloubé", 1970 e "Fete du Sanké" del 1971), per approdare ad una poetica degli elementi assai complessa e dalla storia difficile.


title: Cinema africano

text: È interessante notare come progressivamente questi autori scelgano la lingua indigena veicolare del loro paese (bambara in Mali, woolof in Senegal, yoruba e ibo in Nigeria etc.) sostituendola alle lingue nazionali degli ex Stati coloniali.


title: Cinema africano

text: Nel 1979 Senegal, Mali, Mauritania, Costa d'Avorio, Burkina Faso, Guinea, Niger, Togo, Benin, Camerun, Gabon, Ciad e Repubblica Centrafricana costituirono il "CIDC" (Consortium Interafricain de Distribution Cinématographique), cercando con esso di creare un mercato comune per la distribuzione dei film prodotti nei paesi aderenti: il successo di pubblico riscontrato soprattutto nelle edizioni del Fespaco datate 1979 e 1982 aiutò le piccole e medie case di produzione africane a svincolarsi dal sistema di distribuzione occidentale.


title: Cinema africano

text: Nel 1982, a Niamey in occasione della celebrazione dei funerali di Oumarou Ganda, numerosi membri della Fepaci, guidati da Sembène e da Vieyra, parteciparono ad un seminario ponendosi come obiettivo l'elaborazione collettiva di un bilancio del cinema africano fino ad allora prodotto: i cineasti riuniti raggiunsero l'accordo di lavorare congiuntamente per la creazione di un mercato cinematografico di produzione e distribuzione di tipo nazionale.


title: Cinema africano

text: I buoni propositi espressi dal Cidc ebbero vita breve: già dal 1985, la grande distribuzione dei film realizzati in Africa tornò nelle mani dei paesi occidentali, soprattutto Francia, Inghilterra e Stati Uniti.


title: Cinema africano

text: I paesi lusofoni (Angola, Mozambico, Capo Verde, Guinea-Bissau, São Tomé e Príncipe) hanno proposto attraverso le singole opere cinematografiche il tema della lotta per l'indipendenza e l'impegno politico per ricostruire governi ed amministrazioni; le difficoltà incontrate per emanciparsi dal dominio portoghese sono ampiamente documentate nei film di questi paesi in cui si afferma un vero e proprio “cinema di guerriglia”. In Angola, spesso i cineasti mettono a disposizione le loro competenze per documentare le attività dello "MPLA" (Movimento Popolare per la Liberazione dell'Angola). Sarah Maldoror, guadalupana, è l'esponente principale per l'Angola ma anche il portoghese Rui Duarte lavora molto in questo paese dove gira uno dei suoi lungometraggi più noti, "Nelisita" (1982). Togolese è invece una delle registe più promettenti del cinema africano, Anne Laure Folly, che realizza documentari e cortometraggi militanti e su temi di genere e che, affascinata dalla figura della Maldoror, le dedica nel 1998 un film, "Sarah Maldoror ou la nostalgie de l'utopie". Anche i registi del Mozambico, come Fernando d'Almeida e Silva, condividono l'impegno politico a fianco del "FRELIMO" (Fronte di Liberazione del Mozambico) nella lotta armata contro la potenza coloniale portoghese, documentando le azioni di rivolta e le tappe storiche della storia dell'indipendenza del paese. In particolare, si segnala inoltre l'opera del regista brasiliano-mozambicano Ruy Guerra, direttore dell'Istituto Nazionale del Cinema, che nel 1979 realizza "Mueda, memoria e massacre", film-documento sulla commemorazione teatrale messa in scena dagli stessi locali del massacro di Mueda, avvenuto nel 1960 in rivolta all'occupazione coloniale portoghese.


title: Cinema africano

text: Ola Balogun è il regista ed autore principale del cinema nigeriano che vede l'esplosione negli anni settanta del fenomeno teatro-cinema: registi come Hubert Ogunde e attori comici come Moses Olaiya Adejumo (noto come Baba Sala), Adayemi Folayan (detto Ade Love), Duro Ladipo si convertono alla settima arte, trasfondendovi le caratteristiche principali del teatro e della drammaturgia del periodo. Lo stesso Balogun è regista ma anche scrittore, giornalista, drammaturgo e produttore. L'ibo, molto diffuso in Nigeria, è la lingua parlata nel primo film di Balogun, "Amadi" (1974) ma è con "Ajan Ogun", in lingua yoruba, che nasce il musical cinematografico nigeriano.


title: Cinema africano

text: Il Burkina Faso vive la sua âge d'or cinematografica negli anni di presidenza del compianto Thomas Sankara (1983-1987) che sostiene e promuove le attività del Fespaco; dunque è a partire da questi anni che il cinema burkinabé si sviluppa ad opera di illustri esponenti come Gaston Kaboré e Idrissa Ouédraogo: "Wênd Kuuni" di Kaboré e i corti di Moustapha Dao si ispirano, come abbiamo visto, ai miti di fondazione e ai racconti popolari, ma è il genere della commedia grottesca che rende moltissimo in questi autori, da "Pawéogo" che racconta l'abbandono delle campagne a "Desebagato" del 1987 per la regia di Emmanuel Sanon, co-produzione Burkina Faso-Cuba.


title: Cinema africano

text: Il Congo-Brazzaville è il paese che annovera il primo film d'amore ad opera di un regista africano: si tratta di "Kaka-Yo" (1966) di Sébastien Kamba mentre autori come David Pierre Fila e a Jean-Michel Tchissoukou raccontano i conflitti sociali e religiosi ed i contrasti tra passato e presente. Nell'ex Zaire (oggi Repubblica Democratica del Congo), la propaganda di Mobutu assorbe totalmente le risorse di produzione cinematografica e culturale in genere. In un suo contributo, Pierre Haffner, profondo conoscitore del cinema congolese, afferma chiaramente come la televisione sostituì qualunque altro tipo di intrattenimento. Nel 1976 Kiese Masekela Madenda presenta il suo primo lungometraggio, "Le hasard n'existe pas", mentre Mambu Zinga Kwami sceglie una poetica dell'impegno politico e sociale, dedicando un film all'emarginazione delle donne africane in Europa, "Moseka" (1972), e un altro lavoro al tema dell'aborto clandestino ("N'Gambo", 1984). Anche Mweze Ngangura realizza film di riflessione e per certi versi educativi, come il lucido ritratto filmico di Kinshasa in "Kin Kiesse" (1982) e le commedie sociali "La vie est belle" (1986) e "Pièces d'identités" (1988). Negli anni novanta, la commedia e la satira diventano i generi prevalenti di questo cinema che vede tra i maggiori esponenti Joseph Kumbela e Zeca Laplaine, apolidi come molti altri. I corti di Kumbela mettono in scena situazioni e conflitti infidamente razziali come in "Colis postal" (1997) e "Feizhou laowai" (1998) mentre Laplaine sceglie storie intricate e affollate di personaggi, come in "Macadam Tribu", girato a Bamako nel 1996, insieme a "Le clandestin", elaborando una dialettica di interazione emotiva con lo spazio, come nello struggente "Paris: xy" del 1999, storia di un dramma coniugale tra un africano e una francese che vivono a Parigi.


title: Cinema africano

text: Il cinema del Ghana, la prima nazione africana a raggiungere l'indipendenza nel 1957, esordisce con il film di Sam Aryeetey sull'eroe fondatore akan e si sviluppa negli anni settanta con le commedie musicali di Egbert Adjesu ("I told you so" del 1970) e di Bernard Odidja ("Doing their thing" del 1971), mentre King Apaw ambienta il suo primo lavoro sul tema del razzismo in Germania ("They call it love", 1972) e solo in seguito, negli anni ottanta, realizza film in Africa ambientati nei villaggi, sul tema del conflitto sociale e del contrasto fra tradizione e modernità ("Kukurantumi" 1983 e "Juju", 1986 co-regia di Ingrid Metner). Nei primi anni ‘80 vengono prodotti anche i lungometraggi di Kwaw P. Ansah ("Love brewed in the african pot" e "Heritage Africa"); in seguito il cinema ghanese non ha più trovato finanziamenti e autori di cui disporre e a partire dalla seconda metà degli anni ottanta sono emersi molti autori promettenti ma in ambito londinese: Koffi Zokko Nartey e Kwame Bob Johnson ma soprattutto John Akomfrah, che realizza le opere più prestigiose. Il suo è un cinema meticcio e indipendente in cui si incontrano molteplici linguaggi dell'arte visiva in diversi formati (film, video, prodotti multimediali) all'insegna di un totale superamento della divisione netta tra fiction e documentario (tra le sue opere principali: "Handsworth songs" 1986, "Testament" 1988, "A touch of the tar brush" 1991, "Last angel history" 1996, "Speak like a child" 1998).


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text: Il Benin e il Gabon iniziano a produrre lungometraggi negli anni settanta; il pioniere dell'ex regno del Dahomey è senz'altro Pascal Abinkalou che dopo una serie di documentari girati nella seconda metà degli anni sessanta esordisce con il lungometraggio "Sous le signe du voudou" nel 1974, in cui emerge ancora una volta la contraddizione profonda tra le pratiche della tradizione e le pressioni della modernità nei contesti urbani. Negli anni ottanta esordisce François Okioh con un film di denuncia sulla corruzione della classe politica ("Ironou", 1985) ma è solo negli anni novanta che il cinema beninese comincia ad affermarsi con "Falsche Soldaten" di Idrissou Mora-Kpai in cui due ragazzi emigrati in Germania si fingono afro-americani per conquistare due giovani tedesche, e "Barbecue-Pejo" (1999) di Jean Odoutan, commedia grottesca e disincantata che ha per protagonista un contadino povero e isolato che si inventa lavori per diventare ricco e farsi una famiglia. La perdita dei valori della tradizione e del senso d'identità sono al centro del primo lungometraggio gabonese, "Les tams-tams se sont tus" del 1972 del regista, autore e attore Philippe Mory. Tra i protagonisti degli anni settanta e ottanta ricordiamo Louis Menale, Simon Auge, Charles Mensah e Pierre-Marie Dong. Quest'ultimo, in particolare, ha realizzato quattro lavori notevoli negli anni settanta: "Identité", storia di un intellettuale che vive in prima persona il conflitto interiore tra cultura europea e cultura africana, "O'Bali" e "Ayouma" diretti insieme a Mensah, sul tema delle donne e della loro condizione nella società, ed infine "Demain, un jour nouveau" che racconta l'ascesa al potere del presidente Omar Bongo. Mensah dirige anche l'originale "Ilombé" in collaborazione con il regista francese Christian Gavary: il protagonista è un giovane uomo ossessionato dalle visioni di una donna bellissima.


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text: Un altro lavoro molto particolare del cinema gabonese è "Orega" del 1999, primo lungometraggio di Marcel Sanja. Film in tre episodi, narra la storia sentimentale tra un'etnologa africana e un giovane studente, entrambi interessati alla musica tradizionale.


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text: L'autore più rappresentativo del cinema prodotto nei paesi del Corno d'Africa (Etiopia, Eritrea, Somalia e Gibuti) è Hailè Gerima che come Ecaré avvia la sua carriera all'estero, negli Stati Uniti. La sua formazione teatrale è evidente nei primi lavori ("Hour glass" 1971, "Child of resistence" 1972, "Bush Mama" 1976). Il tema della schiavitù e della deportazione degli africani nelle Americhe fa da sottofondo a tutto il suo cinema che sceglie il viaggio nella storia per tenere viva la memoria sul passato.


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text: Joseph Akouissonne, uno dei pochi registi della Repubblica Centrafricana nonché abile documentarista, ha dedicato tre film agli autori e agli eventi del cinema in Africa: "Burkina cinéma" nel 1986, "Fespaco images" nel 1987 e "Africa cinéma" nel 1989.


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text: Il cinema keniota, che ha potuto contare sull'aiuto della Germania che aveva contribuito negli anni ottanta all'apertura di una scuola di cinema a Nairobi, si caratterizza tristemente per la mediocrità e i toni moralistici: dopo un esordio affidato a registi provenienti da altre nazionalità (come gli indiani Ramesh Shah e Sharad Patel) e un lungo periodo di produzione a carattere documentaristico, come "Cooperation for the progress" di Ingolo Wakeya del 1983 e "Women in development" di Mwero Wamkalla del 1984, i lungometraggi prodotti in seguito risultano piuttosto banali e didascalici: è il caso di "Saikati" (1992) di Anne Mungai e del suo sequel "Saikati the Enkabaani" (1998) o de "The battle of the sacred tree" (1994) di Wanjiru Kinyanjui.


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text: In Tanzania, i primi film risalgono agli anni ottanta: "Watoto Wana Haki" (1984) è una fiction di Hamie Rajab sulle avventure e disavventure familiari di un perdigiorno; "Muama Tumaini" (1986) è il primo mediometraggio di Martin M'Hando ed è dedicato alle donne che lottano contro la burocrazia: M'Hando svilupperà le sue capacità nei film successivi "Yomba Yomba" (1987) e soprattutto "Maangamizi: the ancient one" (1998): co-diretto assieme a Ron Mulvihill, è uno dei film più raffinati della cinematografica del continente e propone interessanti chiavi di lettura della concezione di spiritualità e di essere umano.


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text: Léonce Ngabo è uno degli autori più interessanti del cinema burundese: il suo primo lavoro, "Gito, l'ingrat" (1991), è una commedia divertente che racconta la vendetta di due ragazze, una francese e l'altra africana, che si scoprono fidanzate al medesimo giovane, Gito per l'appunto, studente burundese a Parigi, interpretato da uno straordinario Joseph Kumbela. Un importante contributo al cinema di documentazione è stato offerto anche da Joseph Bitamba nei lavori "Ikiza: unité et guerre civile au Burundi" (1993) e "Les oubliés vivants" (1995). Il cinema rwandese non ha ancora elaborato un vero e proprio percorso anche se fin dagli anni settanta Gaspar Habiyambéré ha lavorato su temi di interesse etnografico, per conto dell'Ufficio Rwandese dell'Informazione, con "Amélioration de l'habitat rural au Rwanda" (1975) e "Manirafashwa, enfant rwandais" (1986).


title: Cinema africano

text: Il Sudafrica presenta una storia del cinema molto lunga e complessa: una storia dolorosa e inevitabilmente segnata dall'esperienza dell'apartheid che ha di fatto ostacolato la produzione di film autoctoni. Questa profonda ambiguità traspare nelle opere cinematografiche di questo paese. Il 1910 è l'anno del primo lungometraggio a soggetto, prodotto dalla Springbook Films: "The Kimberly Diamond Robbery" cui seguono, dal 1916 all'inizio degli anni trenta, una cinquantina di realizzazioni. Nel 1949, esordisce Donald Swanson con un musical, "Jim comes to Jo'burg" e l'anno seguente esce "The Magic Garden", anch'esso incentrato sulla musica urbana; anche "Zonk" (1950) di Hyman Kirstein e "Pennywhistle Boys" (1960) di Kenneth Law utilizzano la musica locale come colonna sonora. A partire dagli anni cinquanta, il regime cerca di incrementare la produzione di film afrikaans ma gli effetti dell'introduzione di sussidi economici a favore di autori neri in molti casi portano alla realizzazione di film scadenti e ambigui, per non dire dichiaratamente razzisti ("Kaptein Kaprivi", 1972 di Albie Venter). Con il pretesto di girare un film sulla musica popolare della capitale sudafricana, il newyorkese Lionel Rogosin realizza quasi clandestinamente il suo capolavoro "Come back, Africa!" (1959) che si muove ra realtà e fiction, raccontando le sofferenze e i drammi della popolazione nera durante il regime ma anche la grande vitalità e forza espressa sintomaticamente dalla produzione musicale locale. Il protagonista Zachariah Mgabi che, giunto nella capitale per trovare lavoro, tenta di eludere il problema della scadenza del permesso di soggiorno passando da una occupazione all'altra; i suoi excursus in miniera piuttosto che presso famiglie agiate bianche dove svolge i più svariati compiti, permettono a Rogosin di raccontare storie collettive, con sguardo appassionato e coinvolgente. Quest'esperienza cinematografica ha ispirato i tre principali cineasti di questo paese, costretti a lavorare altrove fino agli inizi degli anni novanta: si tratta di Lionel N'Gakane, originario di Pretoria, che realizza i primi due lavori in Gran Bretagna, "Wukani awake" (1964) e "Jemina & Johnny" (1965). Entrambi dedicati alla questione razziale tra bianchi e neri, questi lavori cercano di smuovere le coscienze degli individui senza suggerire soluzioni o atteggiamenti da seguire, ma semplicemente tentando di creare un ponte tra esseri umani e di diffondere un messaggio di uguaglianza e di pace; la militanza di questo regista diventerà sempre più evidente e inequivocabile, soprattutto con i film documento degli anni ottanta e novanta, "Struggle of a free Zimbabwe" (1972) e "Nelson Mandela" (1985).


title: Cinema africano

text: Gibsen Kente è il primo cineasta nero a girare un film nel suo paese, "How long (must we suffer…?)" del 1976 nasce durante le rivolte di Soweto ed è immediatamente censurato dal governo. Al contrario, Simon Sabela, che dirige "u-Deliwe" (1975), è appoggiato dal regime. L'esule Nana Ma Homo realizza diversi film-documento, tra cui "Phela Ndaba" (1970) e "Last grave at Dimbaza" (1974); tra i lavori più significativi del cinema di resistenza sudafricano, spicca il lavoro collettivo del 1990 intitolato significativamente "Fruits of defiance", presa di coscienza politica di un giovane delinquente, interpretato dallo scrittore e drammaturgo, nonché co-sceneggiatore Thomas Mogotlane. Tra i registi dell'opera, figura Jimi Matthews che è anche l'autore di "How I'd love to Feel Free in My Land" (1989), un viaggio nella musica nera degli anni ottanta. Michael Hammon esordisce nel 1991 con un thriller elaborato e complesso, "Wheels & deals", interamente girato a Soweto, che racconta di un sindacalista apparentemente integerrimo, coinvolto in un traffico di auto rubate.


title: Cinema africano

text: Molto interessante e apprezzato risulta essere il film di Warren Wilensky del 1994, "The cage", storia di un bianco e di un nero che condividono la cella in carcere nei primi mesi dopo la fine dell'apartheid. Particolarmente prolifico è il cineasta William Kentridge, autore di film perlopiù di animazione, in cui propone la sua personale visione dell'apartheid e del post-regime (tra i suoi lavori più significativi, "Johannesburg, 2nd Greatest City After Paris", 1988 "Monument", 1990 e "Felix in exile" del "1994"). Anche in Zimbabwe, il cinema ha saputo dare voce a diversi autori locali e non, raccontando storie di vita nella più ampia cornice della storia nazionale ed internazionale: tra i principali autori, si annoverano senz'altro Michael Raeburn ("Rhodesia Countdown", 1970 e "The grass is singing", 1982) e Albert Chimedza, autore del mediometraggio "Fight for Indipendance" del 1981 e del documentario "Jazztales '97", prodotto dalla Rai per documentare la tournée estiva di un ensemble di suonatori di m'bira, lo strumento lamellofono della tradizione locale, ospiti del Festival musicale italiano “Umbria Jazz”.


title: Cinema africano

text: Si è visto come il cinema africano si sia sviluppato nel tempo e nello spazio, utilizzando diversi formati e avvalendosi di molteplici supporti: come qualunque altra cinematografia, anche questa ha dato molto spazio ad alcuni generi (la commedia sociale in primis, ma anche il musical e il film-documento) e ha prodotto, soprattutto dagli anni settanta, un numero considerevole di opere di grande spessore. I film drammatici traggono generalmente il soggetto da miti, racconti orali e dalle pratiche della tradizione culturale e della storia dell'incontro con gli europei, quelli comici e satirici mettono in scena i problemi della società e della famiglia, dalla vita matrimoniale poligamica alla condizione della donna e ai conflitti generazionali tra gli anziani della tradizione e i giovani della modernità, ma non mancano contaminazioni e sperimentazioni in certi casi molto efficaci. Lo spazio del villaggio e i problemi della vita rurale sono al centro di diversi capolavori del continente: "Wend Kuuni" (1982) e "Rabi" (1991) di Kaboré ma anche "Yaaba" (1989) e "Tilai" (1990) di Ouédraogo, "Mossane" (1995) di Safi Faye, così come le dinamiche di vita nella realtà urbana e le difficoltà connesse sono affrontate da autori importanti, con risultati davvero considerevoli: è il caso di film come "Zan Boko" (1988) di Kaboré e "Macadam Tribu" (1996) di Laplaine. Più raramente, incontriamo film di ispirazione religiosa, pur essendoci numerosissimi rimandi al sacro, alle sue forme e alle sue pratiche in riferimento al cristianesimo come ai culti tradizionali animisti; appare forse diversa la relazione con l'islamismo, soprattutto nelle aree dove esso esercita una notevole pressione sociale.


title: Cinema africano

text: Il rito d'iniziazione è uno dei temi più frequenti, a volte in accezione di viaggio personale e spirituale ("Tiyabu-biru", 1978 di Moussa Yoro Bathily), più spesso in forma critica come in Sembène ("Emitai", 1971 e il recentissimo "Moolaadé") e in Cissé ("Finyé", 1982): questi autori, pur enfatizzando la potenzialità suggestiva delle pratiche tradizionali e dei comportamenti umani ad esse collegati, cercano di proporre una visione più ampia della realtà. Una visione precisa e molto ironica del fanatismo religioso africano è presente nel film dell'avoriano Gnoan M'Bala "Au nom du Christ" del 1993, in cui si mettono in scena i problemi legati alle sette religiose. Il tema della magia e della stregoneria è presentato spesso in modo ambivalente dagli autori del cinema africano: lo stregone viene ridicolizzato, ridotto alla stregua del ciarlatano in "Yaaba" di Ouédraogo, del 1989, così come il suo potere sulla gente comune genera contrasti e litigi in "Xala" (1975) di Sembène, mentre in opere come "Le medecin de Gafiré" di Moustapha Diop del 1983, la figura dello stregone presenta una connotazione totalmente positiva e benefica, capace di trasformare la tradizione mettendola in relazione alla contemporaneità.


title: Cinema africano

text: La ricchezza e la complessità dei rituali africani è un altro tema rinvenibile in moltissime opere a partire da "Yeelen" di Cissé, del 1987, dedicato alla società d'iniziazione Komo presso i Bambara, e a finire con un altro lavoro molto apprezzato, "Ta Dona" (1991) di Adama Drabo. Meno frequenti invece i film dedicati al tema dell'amore o a quello della morte.


title: Cinema africano

text: Questa cinematografia si occupa molto del tema dell'identità e della nazionalità, incorrendo spesso nella censura: è il caso di "Baara" di Cissé, "Réou-Takh" (1972) di Traoré, "Kaddu Beykat" (1975) della Faye e i due film di Jean-Marie Teno "Afrique, je te plumerai" (1992) e "La tête dans les nuages" (1994), e sviluppa molteplici poetiche sul viaggio, inteso come viaggio iniziatico ma soprattutto viaggio d emigrazione dal villaggio alla città.


title: Cinema africano

text: Le immagini e i personaggi del cinema africano sono spesso ambivalenti, come si è visto per il griot, lo stregone, l'uomo di potere, ma anche gli elementi della natura (acqua, vento, pioggia, alberi) vengono rappresentati in forma doppia ed in funzioni metaforiche.


title: Cinema africano

text: Férid Boughedir ha individuato le "grandi tendenze" del cinema di autori africani che ha classificato come segue:


title: Cinema africano

text: All'origine di queste cinque principali caratteristiche ci sarebbe l'eterna opposizione tradizione/modernità esplicitata nei contrasti villaggio/città, medicina moderna/medicina tradizionale, ecc. Alla prima tendenza fanno riferimento quei registi che si impegnano progressivamente a prendere in esame nei loro lavori i problemi sociali, politici ed economici in cui lo scontro tra vecchio e nuovo si manifesta come lotta per il potere. Si tratta di un cinema di denuncia che lotta contro l'oppressione risvegliando le singole coscienze degli spettatori. Boughedir cita in particolare l'opera di Sembène, di Hondo, di Traoré e di Teno.


title: Cinema africano

text: Gli autori dalla tendenza morale o moralistica descrivono duramente la realtà in contrapposizione dell'Africa decolonizzata ed esprimono un favore nei confronti della tradizione, vista come guscio protettivo rispetto al mondo caotico e degenerato della modernità: si tratta di film come "F.V.V.A." (1972) di Alassane o Etoile noire (1976) di Maiga, mentre la tendenza narcisistica è ascrivibile secondo il critico cinematografico ad autori che non prendono una posizione precisa e perpetuano la crisi dell'identità africana, senza spingere verso alcun cambiamento o trasformazione, come Pierre-Marie Dong ("Le nouveau venu" 1976) e Richard De Medeiros ("Silence et feu de brousse", 1972).


title: Cinema africano

text: Un cospicuo numero di autori si dedica invece alla tendenza culturale, traendo ispirazione dalle pratiche tradizionali e ai loro risvolti nella società attuale. L'esponente più autorevole di questa corrente è Gaston Kaboré che ritiene di non dover rimanere nostalgicamente legato al passato ma neanche di lasciarsi assorbire completamente dal moderno: è nella via di mezzo in cui si recuperano gli elementi fondamentali della propria identità integrandoli con le nuove istanze vigenti che si può sperare di progredire e di migliorare le situazioni contingenti dell'Africa.


title: Cinema africano

text: Allo stesso modo, Dikongue-Pipa proponeva già nel 1976 in "Muna Moto" precisi gesti, oggetti e pratiche formali necessarie a mantenere saldo il culto degli antenati senza lasciare che fosse esso a sopprimere la vita delle donne. Alla tendenza culturale appartengono anche tutte le opere dedicate alla figura del griot o ad altri esponenti della tradizione, i film ispirati al mito e alle favole, quelli che descrivono i comportamenti, le aspirazioni e le idee delle persone comuni: si tratta di opere che esplorano diversi livelli di lettura e che non possono essere incasellate in maniera troppo schematica. Autori come Ouédraogo, Sissoko, Cissé, Kaboré, Sembène, Mambéty presentano delle poetiche molte complesse e variegate, che si sviluppano nel tempo e dovrebbero essere trattate singolarmente.


title: Cinema africano

text: Infine, la tendenza commerciale poco sviluppata dalla cinematografia africana raggruppa film e video per il cinema ma anche prodotti televisivi e documentari esplicitamente a scopo d'intrattenimento come "Cameroon Connection" (1986) di Alphonse Béni e "L'appât du gain" (1981) di Jules Tackam. Secondo Boughedir, il cinema africano anglofono, in particolare quello della Nigeria e del Ghana, ha sviluppato questa corrente, segnando un profondo dislivello rispetto alle altre arti molto sviluppate e apprezzate come la letteratura, il teatro, la poesia, le arti figurative e la musica, eccezion fatta per il grande autore nigeriano Ola Balogun.


title: Cinema africano

text: Come nota acutamente Francesca Colais, nel cinema del continente africano manca quasi totalmente la figura dell'eroe d'azione: quest'assenza è dovuta ad una caratteristica precisa del concetto di arte africana nella sua accezione più ampia. Lo scopo ultimo di qualunque opera in questi contesti è generalmente quello di trasmettere il patrimonio culturale a vantaggio della collettività. Come sottolinea Jacques Binet:


title: Cinema africano

text: "“Gli individui sono raramente messi in vista; ciò che conta è la famiglia, il villaggio. Ciascuno deve imparare a piegarsi al gruppo, a rispettare il ruolo che gli viene assegnato. Per parte loro, i bambini sono educati a non compiacersi nell'individualismo, a comportarsi in funzione degli altri. Farsi notare, uscire dalla media è mal visto e genera diffidenza. Tutto ciò non favorisce certo la nascita dell'eroe.”"


title: Cinema africano

text: Soprattutto i cineasti della prima generazione hanno sempre dichiarato di voler promuovere attraverso la loro creatività una educazione critica delle masse, superando il limite determinato da questa impronta realistica e a volte di denuncia ma sviluppando contemporaneamente un cinema altamente dotato di senso estetico e formale. Kaninda considera in stretta relazione l'uso della figura eroica e la poetica ideologica dell'autore/regista: se c'è conflitto tra i personaggi protagonisti e il gruppo, questo corrisponde ad una contestazione di chi è dietro la camera da presa, al contrario se c'è accordo tra i protagonisti e la società in cui vivono, ciò significa che anche il regista/autore ha una visione positiva della realtà. Inoltre, con le dovute eccezioni riscontrabili in alcuni film, Kaninda sottolinea il fatto che generalmente l'eroe rappresenta l'elemento sovversivo, mentre l'autorità politica e sociale è all'interno del gruppo antagonista. Grande importanza è accordata agli anziani, considerati i detentori del sapere e della saggezza perché più vicini al mondo degli antenati rispetto ai giovani; il rapporto tra le classi d'età è assai indagato dal cinema d'autore africano, pur essendo basato più sul dialogo che sull'azione. A questo scopo, i cineasti africani elaborano una rappresentazione delle sedute sotto i grandi alberi in cui si incontrano vecchi e giovani utilizzando prevalentemente scene d'insieme e riducendo al minimo i movimenti della macchina da presa. "Yaaba" è l'esempio principe: basato sulla storia del rapporto tra Bila e sua nonna, relegata ai margini della società, il film presenta la vita del villaggio tra le azioni rapide e veloci dei giovani come Bila e i movimenti lenti e morbidi della vecchia nonna. Gli anziani come fonte di riflessione e sapienza, sono i personaggi chiave nel cinema africano, attraverso d loro si muove il resto del mondo: quest'aspetto si riflette nella presenza molto diffusa di protagonisti collettivi come nel caso di "Finzan" (1989) di Sissoko o di "Neria" (1992) di Godwin Mawuru, in cui due donne rifiutano, una volta rimaste vedove, di sposare i fratelli dei loro mariti, e il film si sviluppa in maniera tale che i diritti delle protagoniste e delle donne in generale vengono via via percepiti come diritti del gruppo e della società intera. I protagonisti collettivi sono ben rintracciabili anche nel film ad episodi "Seye Seyeti" (1998) di Safi Faye, in "Jom" di Makharam e in "De Ouaga a Douala en passant pour Paris" (1987) di Teno, in cui i protagonisti sono gli africani di oggi, dai colti e intellettuali che si incontrano nei caffè parigini a parlare di un'Africa lontana e vaga, a quelli che vivono a Yaoundé o in Sudafrica, ai vecchi di villaggio che fabbricano a mano le loro calebasse. La positività o negatività di un personaggio è difficilmente comprensibile dalle caratteristiche fisiche: il cinema africano si basa prevalentemente su ciò che i personaggi fanno. Questo porta lo spettatore a identificare come protagonista ora l'uno ora l'altro, il che permette a questi autori di presentare una comunità che agisce, più che il singolo dominante sul resto della società. Un'altra grande “assenza” nel cinema africano è costituita dalla mancanza di suspense. L'osservazione è stata elaborata da Pierre Haffner che analizza due opere rilevanti a questo proposito: "Guelwaar" di Sembène e il già citato "Neria". Quest'ultimo racconta le vicende di una donna rimasta vedova che rifiuta la tradizione culturale per cui dovrebbe sposare il fratello maggiore del marito, cui spetterebbero anche tutti i beni. Neria non rivendica suoi diritti attraverso azioni ad effetto in cui si verificano trappole o prove da superare, come sarebbe comune nella tradizione cinematografica occidentale: al contrario, la sua vittoria si realizza semplicemente attraverso i fatti, le azioni mai spettacolari ma concrete e dirette. Nel caso di "Guelwaar", invece, che rappresenta una delle opere più mature del regista senegalese, il protagonista, che è figlio di Guelwaar ormai scomparso, dopo una dura lotta per l'indipendenza del suo paese viene coinvolto in un affare molto complesso e losco che sarà risolto solo grazie all'intervento della polizia. Lo spettatore non è portato quindi ad immedesimarsi nel protagonista, che è solo il tramite per mezzo del quale si realizza una giustizia più grande. Lo stesso discorso può essere applicato a "Sankofa" di Gerima: la storia della deportazione viene narrata per creare nello spettatore un coinvolgimento emotivo più che una tensione sull'azione.


title: Cinema africano

text: L'arte di arrangiarsi che Sembène definì "mégotage" più di trent'anni fa è ancora molto importante, se non fondamentale, per il cinema nel continente africano.


title: Cinema africano

text: Il problema è di natura economica ma non solo; spesso le produzioni nazionali usufruiscono del sostegno di case di produzione e distribuzione internazionali che condizionano certamente i risultati di diffusione e fruizione da parte del pubblico africano, soprattutto per quanto riguarda le opere dei registi delle ultime generazioni. Le difficoltà del cinema in Africa sono testimoniate dalle esperienze di Cissé e di Djingarey, per citare i casi più noti. Dei 149 film presentati al Fespaco nel 1995, solo due sono stati proiettati in festival importanti al di fuori del continente: "Le cri du coeur" di Idrissa Ouédraogo e "Le Grand Blanc de Lambaréné" di Bassek Ba Kobhio.


title: Cinema africano

text: Boughedir ha sottolineato come le richieste e le necessità dei cineasti africani siano state molto presto dimenticate e di come la diffusione della televisione costituisca un pericolo ulteriore per queste cinematografie, come era già emerso durante il seminario di Niamey.


title: Cinema africano

text: Un aspetto nuovo e ancora poco trattato del cinema africano riguarda gli autori della diaspora nera nei Caraibi e nel Pacifico e le sempre più numerose presenze afro-americane. Dal 1992, Los Angeles ospita uno dei Festival Internazionali più importanti di questo cinema ed è proprio in queste occasioni che sta emergendo sempre più chiaramente il senso di appartenenza culturale ad un cinema panafricano mondiale. Nell'edizione del 1995 del Festival d'Afrique di Bruxelles è stato addirittura presentato il cinema della Papua Nuova Guinea, associato a quello africano per le caratteristiche sociali e culturali emerse dall'elaborazione critica: la questione del cinema panafricano richiede un'analisi molto più precisa e dattagliata in relazione al macrofenomeno del Panafricanismo e alla sua diffusione nei Caraibi e nelle isole del Pacifico.


title: Cinema africano

text: Dalla fine degli anni novanta, il rapporto qualità-quantità della distribuzione cinematografica tra area francofona e area anglofona è di circa tre quarti delle produzioni a favore della prima; un caso a parte è costituito dalla Nigeria, in cui la distribuzione è nelle mani di case soprattutto statunitensi e libanesi, mentre i paesi dell'area lusofona stentano ancora ad incrementare le loro produzioni.


title: Cinema africano

text: L'ormai cinquantenne cinema africano ha visto svilupparsi negli ultimissimi anni quelle tendenze già affermate: l'istanza dominante resta infatti quella dell'ambientazione urbana, cui si lega il tema dell'identità, che è ancora al centro di molte opere importanti.


title: Cinema africano

text: Nel 1998 è morto uno dei geni assoluti del cinema africano, Djibril Diop Mambéty che impiegò ben 19 anni per completare il suo lungometraggio "Hyènes" e che negli ultimi tempi aveva realizzato alcune opere davvero significative: "Le franc" del 1995 e "La petite vendeuse de soleil" del '98 fanno parte di una trilogia sulla gente comune rimasta incompiuta. Nel 2007 se n'è poi andato Ousmane Sembène: la sua ultima opera, "Moolaadé", nel 2004 fu l'unico film dell'Africa sub-sahariana selezionato al festival di Cannes. Continua invece l'attività cinematografica di grandi nomi della cinematografia africana come Kaboré ("Buud Yam", 1997), Ouédraogo ("Kini&Adams", 1997), Cissé ("Waati" uscito a Cannes nel 1995), Med Hondo ("Watani", 1997) e Sissoko ("Guimba", 1995), mentre si sta affermando una cinematografia africana al femminile, dalla regista senegalese Safi Faye ("Mossane" è del 1996) a Sarah Maldoror che realizza il suo ultimo film-documentario nel 1995 ("Léon G. Damas") al giovane Flora Gomes, praticamente l'unico esponente del cinema in Guinea-Bissau ("Po di sangui", 1996) e alla scrittrice Tsitsi Dangarembga che ha partecipato all'edizione del 1996 del Fespaco con "Everyone's child". Questa tendenza è stata istituzionalizzata già nel '91 con la creazione in Burkina Faso dell"'UNAFIB" (Unione Nazionale delle Donne Professioniste dell'Immagine). La produzione al femminile riguarda soprattutto video e cortometraggi, come sta emergendo dalle edizioni di Festival del Cinema africano degli ultimi anni. Sono considerate particolarmente promettenti registe come Valérie Kaboré ("Kado ou la bonne à tout faire", 1997) e Martine Ilboudo Condé ("Un cri dans le Sahel", 1994 "Le chant des fusils" 2000), Paola Zerman che promuove film sulla cultura e musica di Cabo verde.


title: Somoza (famiglia)

text: Alcuni membri della famiglia divennero presidenti del Nicaragua governando il paese in modo dinastico direttamente o imponendo governanti fantoccio dal 1934 al 17 luglio 1979 e accumulando una delle più grandi fortune del continente. Il regime dei Somoza fu rovesciato dai guerriglieri del Fronte Sandinista di Liberazione Nazionale (FSLN) durante la Rivoluzione sandinista. La maggioranza della famiglia continua a risiedere al di fuori del Nicaragua.


title: Visions (Stratovarius)

text: Visions è il sesto album della band power metal finlandese Stratovarius. È da molti considerato il capolavoro della band per completezza, ricchezza e profondità dei brani. Si tratta di un concept album su Nostradamus.


title: Lixus (città antica)

text: Lixus o Lisso (anche Λίξ e Λίγξ, Λίξος, Λίξα; e Lixos) è un'antica città del Marocco, situata poco a nord dell'attuale porto di Larache sul fiume Luccus. Si trattava di una delle principali città della provincia romana di Mauretania Tingitana.


title: Lixus (città antica)

text: L'antica Lixus si trova sul colle Tchemmich, sulla riva destra del Loukkos, poco a nord di Larache. Il sito si trova nel perimetro urbano di Larache, e circa tre chilometri nell'entroterra partendo dalla foce del fiume e dall'oceano Atlantico. Dai suoi 80 metri di altitudine, domina il territorio paludoso nel quale scorre il fiume. A nord Lixus è circondata da colline contornate a loro volta a nord ed est da foreste di querce.


title: Lixus (città antica)

text: Tra le rovine vi sono bagni, templi sconosciuti, mura del IV secolo, un pavimento a mosaico e i resti della collina del Campidoglio.


title: Lixus (città antica)

text: Antica città della Mauretania Tingitana, Lixus fu colonizzata dai Fenici nel VII secolo a.C., ed in seguito annessa da Cartagine. Lixus faceva parte della catena di insediamenti fenicio-cartaginesi lungo la costa atlantica di quello che oggi è il Marocco. Gli altri importanti insediamenti, situati più a sud, erano Chella e Mogador. Quando Cartagine cadde sotto il controllo romano, Lixus, Chellah e Mogador divennero avamposti imperiali romani.


title: Lixus (città antica)

text: Le fonti antiche concordano nel ritenere Lixus in origine anti-fenicia, il che è confermato dalla scoperta archeologica di materiale databile all'VIII secolo a.C. Crebbe gradualmente d'importanza, prima di passare sotto il dominio cartaginese. Dopo la distruzione di Cartagine, Lixus passò sotto il controllo romano e divenne una colonia imperiale, raggiungendo l'apice durante il regno dell'imperatore Claudio (41-54).


title: Lixus (città antica)

text: Alcuni antichi scrittori greci posizionano a Lixus il mitologico giardino delle Esperidi, custodi delle mele d'oro. Il nome della città era spesso citato dagli scrittori, da Annone il Navigatore al geografo di Ravenna, e confermato dalla leggenda riportata sulle sue monete e nelle inscrizioni. Gli antichi credevano anche che Lixus contenesse un santuario di Ercole, quello in cui Ercole raccolse le mele d'oro, più antico di quello di Cadice in Spagna. Non esistono però le basi per poter credere che Lixus sia stata fondata alla fine del II millennio a.C. Il posto rimase abitato fino alla conquista omayyade del Nord Africa, come dimostrato dalla presenza di una moschea e di una casa con patio e mura ricoperte di stucco colorato.


title: Lixus (città antica)

text: Il sito fu scavato con continuità dal 1948 al 1969. Negli anni sessanta Lixus fu restaurata e consolidata. Nel 1989, in seguito ad una conferenza internazionale a cui parteciparono numerosi scienziati, specialisti, storici ed archeologi del Mediterraneo, il sito fu parzialmente chiuso. Vennero studiati i mosaici del sito, che costituivano una vera ricchezza e sono ora conservati al museo archeologico di Tetuan. Lixus copre una superficie di circa 75 ettari, di cui la zona scavata costituisce il 20% circa.


title: Lixus (città antica)

text: Il sito è stato proposto come nuovo patrimonio dell'umanità dell'UNESCO il 1º luglio 1995, per la sua importanza culturale.


title: Take It Off (Kesha)

text: Take It Off è un brano musicale della cantautrice Kesha, incluso nell'album di esordio "Animal" ed estratto come quarto singolo promozionale. È stato pubblicato il 13 luglio 2010 dall'etichetta discografica RCA e scritto dalla stessa Kesha, Lukasz Gottwald e Claude Kelly e prodotto da Dr. Luke.


title: Perossido di magnesio

text: Il perossido di magnesio (MgO) è un composto chimico che si presenta come una polvere fine inodore di colore che va dal bianco al biancastro.


title: Sindrome di Aarskog

text: La sindrome di Aarskog è una malattia genetica correlata al cromosoma X e quindi caratterizzata da ereditarietà eterosomica dominante.


title: Michael Frayn

text: Noto in Italia per le commedie "Miele selvatico" e "Rumori fuori scena", quest'ultima portata in scena in Italia per la prima volta nel 1983 da Attilio Corsini e dalla sua compagnia Attori e Tecnici, ha iniziato la sua carriera come giornalista per The Guardian e poi per The Observer.


title: Take It Off (Kesha)

text: La canzone è ampiamente basata sulla celebre melodia araba, e più precisamente, nella versione utilizzata nell'opera del 1893 "The Streets of Cairo or the Poor Little Country Maid" dello showman statunitense Sol Bloom, messa poi sotto copyright dal compositore irlandese James Thornton nel 1895.


title: Perossido di magnesio

text: È simile al perossido di calcio perché il perossido di magnesio rilascia anche ossigeno scomponendosi a una velocità controllata con l'acqua. In commercio, il perossido di magnesio esiste spesso come composto di perossido di magnesio e idrossido di magnesio.


title: Michael Frayn

text: Nel gennaio 1990, ancora per la regia di Attilio Corsini, viene rappresentata al Teatro Vittoria di Roma "Spettattori" ("Look Look") in prima mondiale, in presenza dello stesso Frayn. Anche "Spettattori" è una commedia di teatro nel teatro, nella quale pubblico e interpreti si specchiano e si confrontano.


title: Take It Off (Kesha)

text: Il brano è entrato nelle classifiche di Stati Uniti, Canada e Regno Unito prima di essere annunciato come singolo, grazie alle forti vendite digitali dell'album "Animal". Escludendo queste apparizioni promozionali, subito dopo la pubblicazione ufficiale, ha fatto il suo ingresso tra le prime venti posizioni di Australia, Irlanda, Nuova Zelanda e Stati Uniti. È stato certificato disco di platino negli Stati Uniti per aver venduto più di un milione di copie il 23 settembre 2010.


title: Perossido di magnesio

text: È stato determinato che la struttura del perossido di magnesio è di forma triangolare con la molecola di ossigeno (O) che si lega lateralmente al magnesio. Questa disposizione è il risultato della donazione di una carica da parte del magnesio, che diventa Mg, all'ossigeno e della creazione di:


title: Michael Frayn

text: Autore televisivo per la BBC, saggista, romanziere, è autore del dramma teatrale "Copenaghen", sua tredicesima opera teatrale.


title: Take It Off (Kesha)

text: Il video ufficiale è stato presentato su VEVO il 3 agosto 2010. È diretto da Paul Hunter e Dori Oskowitz.


title: Perossido di magnesio

text: Il legame tra O e l'atomo di magnesio ha un'energia di dissociazione approssimativamente di formula_1


title: Michael Frayn

text: Scritto nel 1998, Copenaghen ha assunto un notevole rilievo nella comunità letteraria e ancor più scientifica, in quanto tratta in maniera vivacissima dei fatti realmente svoltisi intorno allo sviluppo, mancato, della bomba atomica nazista, durante gli anni della seconda guerra mondiale. In particolare il lavoro descrive l'incontro avvenuto nel 1941 tra Niels Bohr, famoso fisico teorico danese e il suo allievo più brillante e amato, Werner Karl Heisenberg, ai vertici del progetto tedesco di sviluppo nucleare. I fatti reali, e gli schieramenti storici degli uomini in gioco sono tuttora controversi, ma Frayn nel suo dramma fa emergere il fattore umano, a dispetto dei temi spesso infinitamente grandi che mette in gioco.


title: Take It Off (Kesha)

text: Il 7 ottobre 2010 viene pubblicato sul canale YouTube di Kesha una versione alternativa del video, non ufficiale, chiamata "Take It Off (K$ n' Friends)", in cui la cantante canta e balla insieme ai suoi amici che vediamo trasformarsi in animali. In questa versione del video, inoltre, Kesha si scontra in un duello di ballo e canto contro il cantante androgino Jeffree Star.


title: Perossido di magnesio

text: Allo stato solido, il perossido di magnesio ha una struttura cristallina cubica di tipo pirite e la previsione evolutiva della struttura cristallina è una transizione di fase a una struttura tetragonale quando viene esercitata una pressione di 53 GPa. In condizioni normali il perossido di magnesio è un composto metastabile (meno stabile di <chem>MgO \ + \ \frac{1}{2}O2</chem>); a pressioni superiori ai 116 GPa si prevede che diventi termodinamicamente stabile nella fase tetragonale. Questa previsione teorica è stata confermata sperimentalmente tramite sintesi in una cella a incudine di diamante riscaldata al laser.


title: Take It Off (Kesha)

text: La versione originale del video musicale fu pubblicata su VEVO il 10 agosto 2010. Il video è stato diretto da Paul Hunter e Dori Oskowitz. Durante un'intervista Kesha ha rivelato la trama spiegando che nel video sarebbe comparsa con degli amici all'interno di un hotel su un altro pianeta, e che alla fine tutti si sarebbero dissolti in una "polvere stellare". Ha dichiarato inoltre un suo pensiero al riguardo, "Una volta perso tutto, le inibizioni, i vestiti, siamo tutti fatti alla stessa maniera." Ha poi spiegato che non voleva che il video fosse semplicemente una promozione, che il video non implicasse solo togliersi i vestiti e rotolarsi nel glitter, ma che parlasse anche di come perdere le inibizioni, e rimanere nudi e veri.


title: Perossido di magnesio

text: il perossido di magnesio può essere prodotto mescolando ossido di magnesio (MgO) con perossido di idrogeno (HO) per creare perossido di magnesio e acqua. Trattandosi di una reazione esotermica dovrebbe essere raffreddata e mantenuta intorno ai 30-40 gradi Celsius. È anche importante rimuovere quanto più ferro possibile dall'ambiente di reazione a causa della capacità del ferro di catalizzare la degradazione del perossido. L'aggiunta di stabilizzanti dell'ossigeno come il silicato di sodio (NaSiO) possono essere utilizzati anche per aiutare a prevenire la degradazione prematura del perossido. Indipendentemente da ciò, una buona resa di questa reazione è solo del 35% circa:


title: Take It Off (Kesha)

text: Il video comincia con delle inquadrature di Kesha su una motocicletta. Continua ad avanzare insieme a degli amici che la seguono, fino ad arrivare a un motel. Appena incomincia il ritornello, Kesha e i suoi amici cominciano a correre per il motel ballando e festeggiando. Gli amici si riuniscono attorno a una piscina vuota e incominciano a togliersi i vestiti a vicenda. Mentre tutto questo accade si evince che i personaggi siano di un altro pianeta. Ora Kesha si rotola nella sabbia. Lentamente i suoi amici incominciano a toglierle i vestiti di dosso, e cominciano a rotolarrsi in una sabbia glitter. Il gruppo incomincia a danzare all'interno della piscina e alcuni elementi cominciano a scoppiare, diventando polvere colorata. Il resto degli amici continua a festeggiare nella piscina, che ormai è coperta da polvere. Intanto alcune parti dei loro corpi esplodono tramutandosi in polvere. Il video finisce quando Kesha è l'ultima persona rimasta, e il suo corpo incomincia a trasformarsi in polvere.


title: Perossido di magnesio

text: Rese più elevate sono ulteriormente complicate dal fatto che il perossido di magnesio reagisce con l'acqua per degradare il perossido in idrossido di magnesio (Mg(OH)), noto anche come "latte di magnesia".


title: Take It Off (Kesha)

text: Il secondo video fu pubblicato sull'account YouTube di Kesha. Ha svelato il suo nuovo video dicendo: "Heyy fans! Dunque, io e i miei amici ci annoiavamo un po', quindi abbiamo selezionato delle ispirazioni anni ottanta ("Tron", David Bowie in "Labyrinth", e "La rivincita dei nerds") e abbiamo fatto questo nuovo video per "Take It Off". È stato molto divertente. Spero che voi lo apprezziate". Il video fu diretto da SKINNY.


title: Perossido di magnesio

text: Il perossido di magnesio è un composto stabile che rilascia ossigeno, utilizzato nelle industrie agricole e ambientali. Viene usato per ridurre i livelli di contaminanti nelle acque sotterranee e nel biorisanamento del suolo contaminato, migliorando la qualità del suolo per la crescita e il metabolismo delle piante. Viene anche utilizzato nel settore dell'acquacoltura per il biorisanamento.


title: Take It Off (Kesha)

text: Il video comincia con una scena che vede protagonista un leopardo con gli occhi blu camminare in un vicolo. L'animale, tramutatosi in Kesha, cammina per il vicolo con due uomini che ne afferrano un altro. Kesha gli disegna il simbolo "$" sul petto, quindi i tre arrivano a una festa dove mostrano il simbolo del dollaro tatuato sul polso per poter entrare. Una volta entrati, ognuno incomincia a festeggiare, e le facce dei festaioli si trasformano in animali differenti gli uni dagli altri. Nella scena seguente, Kesha siede su una sedia con due uomini a fianco. Jeffree Star si avvicina a Kesha. Kesha e Star incominciano quindi una gara di ballo, poi Star colpisce Kesha con un raggio laser, ma lei lo evita grazie al suo bracciale, Kesha risponde quindi sparando un laser dalle sue mani, uccidendo Star. Il video si conclude con Kesha che beve un drink blu e torna a essere un leopardo.


title: Perossido di magnesio

text: Per scopi igienico-sanitari, il perossido di magnesio viene spesso utilizzato come fonte di ossigeno per gli organismi aerobici nel trattamento e nello smaltimento dei rifiuti biologici. Poiché la scomposizione degli idrocarburi nel suolo è solitamente più rapida in condizioni aerobiche, il perossido di magnesio può essere aggiunto anche ai cumuli di compost o nel suolo per accelerare le attività microbiche e ridurre gli odori prodotti nel processo.


title: Perossido di magnesio

text: In alcune circostanze è stato anche dimostrato che il perossido di magnesio inibisce la crescita dei batteri. In particolare, la crescita di batteri solforiduttori può essere inibita in un ambiente contenente perossido di magnesio. Mentre l'ossigeno si dissocia lentamente, si teorizza che possa agire per spostare il solfato, che normalmente agisce come accettore terminale di elettroni terminale nella catena di trasporto degli elettroni.


title: Perossido di magnesio

text: Il perossido di magnesio è un irritante che può causare arrossamento, prurito, gonfiore e può bruciare la pelle e gli occhi in caso di contatto. L'inalazione può anche causare irritazione a polmoni, naso e gola, oltre a provocare tosse. L'esposizione a lungo termine può portare a danni ai polmoni, mancanza di respiro e irrigidimento del torace. L'ingestione infine può causare numerosi effetti avversi tra cui: gonfiore, eruttazione, dolore addominale, irritazione della bocca e della gola, nausea, vomito e diarrea.


title: Perossido di magnesio

text: Dal punto di vista ambientale, il perossido di magnesio non è un composto naturale e non è noto che persista nell'ambiente per tempi prolungati o che si bioaccumuli. La degradazione naturale del perossido di magnesio porta a idrossido di magnesio, ossigeno molecolare (O) e acqua. Se versato, il perossido di magnesio dovrebbe essere contenuto e isolato da tutti i corsi d'acqua, scarichi fognari e dovrebbe essere isolato da materiali combustibili o sostanze chimiche tra cui carta, stoffa e legno.


title: Perossido di magnesio

text: Il magnesio esiste nell'alta atmosfera in diverse forme molecolari. A causa della sua capacità di reagire con l'ossigeno comune e semplici composti carbonio-ossigeno, il magnesio può esistere in composti ossidati tra cui per l'appunto il perossido di magnesio, OMgO, ossido di magnesio e OMgO. Reazioni che danno tra i prodotti finali il perossido di magnesio sono le seguenti:


title: Within You Without You

text: Within You Without You è un brano musicale in stile tradizionale indiano composto da George Harrison, pubblicato come prima traccia del secondo lato dell'album "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" dei Beatles uscito nel 1967.


title: Within You Without You

text: Si tratta della seconda composizione di George Harrison secondo gli stilemi della musica classica indiana, dopo "Love You To", e fu ispirata dal suo soggiorno di sei settimane in India presso il suo mentore e maestro di sitar, Ravi Shankar, nel settembre-ottobre 1966. Registrata a Londra senza l'apporto degli altri Beatles, la canzone contiene vari strumenti tradizionali indiani quali sitar, dilruba e tabla, e venne incisa da Harrison insieme a membri dell'Asian Music Circle. La registrazione segnò un significativo distacco dai precedenti lavori dei Beatles; musicalmente, il pezzo evoca la tradizione devozionale indiana, mentre la spiritualità del testo riflette la totale immersione di Harrison nella filosofia Indù e negli insegnamenti dei Veda. Anche se la traccia fu l'unica sua composizione inclusa in "Sgt. Pepper's", l'influenza dell'adesione di Harrison alla cultura indiana si riflette nell'inclusione di yogi come Paramahansa Yogananda tra i personaggi sulla copertina dell'album.


title: Within You Without You

text: Grazie all'enorme successo riscosso dall'album in tutto il mondo, "Within You Without You" introdusse alla musica indiana una nuova generazione di pubblico occidentale e contribuì al massimo picco di popolarità del genere a livello internazionale. Inoltre, il pezzo influenzò la direzione filosofica di molti degli ammiratori di Harrison durante l'epoca idealista della "Summer of Love" degli anni sessanta. Il brano ha ricevuto pareri discordanti da parte della critica musicale; mentre alcuni definirono "Within You Without You" noiosa e pretenziosa, altri ammirarono la sua autenticità musicale e dissero di considerare il messaggio filosofico insito nel testo il più significativo di "Sgt. Pepper's". Scrivendo su "Rolling Stone", in una recensione postuma, David Fricke descrisse la traccia "allo stesso tempo magnifica e severa, un ipnotico sermone sul materialismo e le responsabilità comuni nel mezzo di un disco votato a una gentile anarchia in Technicolor".


title: Within You Without You

text: Composto dal solo George Harrison, il pezzo testimonia l'interesse che egli aveva per l'India e la religione induista.


title: Within You Without You

text: La canzone fu l'ultima composizione a essere ultimata per "Sgt. Pepper's", la sua inclusione sull'album avvenne dopo che il primo brano proposto da Harrison in precedenza, "Only a Northern Song", venne ritenuto dal gruppo non sufficientemente buono per l'inclusione sul disco. Nella musica, ispirata alla tradizione musicale indiana sono presenti vari strumenti orientali come i tabla e il sitar. Il testo si ispira alla tradizione religiosa indiana e all'idea che grazie all'amore universale si possa salvare il mondo. Per la seduta di registrazione furono appositamente convocati in studio parecchi musicisti indiani al fine di ricreare un autentico sound "mistico".


title: Within You Without You

text: Al termine della canzone furono successivamente aggiunti dei suoni di risate tratte dalla nastroteca di effetti sonori degli Abbey Road Studios, per stemperare l'atmosfera del brano, che lo stesso George Harrison riteneva un po' troppo pesante e seriosa.


title: Within You Without You

text: George Harrison iniziò la stesura di "Within You Without You" all'inizio del 1967 mentre si trovava a casa del musicista ed artista Klaus Voormann, nel sobborgo londinese di Hampstead. L'immediata ispirazione per la canzone venne a Harrison da una conversazione avuta a cena con Voormann, riguardo allo spazio metafisico che ottunde agli individui la percezione delle forze naturali che uniscono il mondo. Seguendo la discussione, Harrison si mise a lavorare su melodia ed armonia del pezzo impiegando un harmonium e scrisse la prima strofa: "«We were talking about the space between us all»".


title: Within You Without You

text: Sin da quando aveva registrato "Love You To" nell'aprile 1966 per l'album "Revolver", Harrison aveva proseguito a guardare oltre il proprio ruolo di chitarrista dei Beatles, applicandosi allo studio del sitar, in parte sotto la guida del maestro Ravi Shankar. Egli disse che la struttura di "Within You Without You" gli era venuta dalla pratica metodica di esercizi musicali chiamati "sargam", che usano le stesse scale tonali che si trovano nei raga indiani.


title: Within You Without You

text: "Within You Without You" è la prima di molte altre canzoni nelle quali Harrison espose dei concetti spirituali induisti nelle liriche del testo. Avendo incorporato elementi di filosofia orientale in "Love You To", George era rimasto affascinato dagli antichi insegnamenti indù dopo essere andato con la moglie, Pattie Boyd, a far visita a Shankar in India nell'autunno 1966. Interessato allo studio del sitar, Harrison dapprima si unì agli altri studenti di Shankar a Bombay, fino a quando la stampa e i fan locali non si accorsero del suo arrivo. Nel tentativo di celare la propria identità, dietro suggerimento di Shankar, Harrison si era fatto crescere i baffi – un cambiamento di immagine che gli altri Beatles avrebbero imitato alla fine del 1966. Harrison, Boyd, Shankar e la compagna di quest'ultimo, Kamala Chakravarty, si trasferirono quindi in una casa galleggiante sul lago Dal a Srinagar, nella regione del Kashmir. Lì, Harrison ricevette gli insegnamenti personali di Shankar mentre leggeva testi religiosi come "Autobiografia di uno Yogi" di Paramahansa Yogananda e "Raja Yoga" di Swami Vivekananda. Questo periodo coincise con la sua iniziazione alla meditazione trascendentale.


title: Within You Without You

text: Harrison e Pattie Boyd tornarono in Gran Bretagna il 22 ottobre, e continuarono a condurre uno stile di vita ispirato all'induismo praticando yoga, meditazione e dandosi al vegetarianesimo, nella loro residenza di Esher. Gli insegnamenti appresi da Harrison in India, nello specifico riguardo all'illusoria natura del mondo materiale, si collegavano alle esperienze da lui avute sperimentando la droga allucinogena LSD (comunemente nota come "acido") e confluirono nel testo di "Within You Without You". Avendo già preso in considerazione l'idea di uscire dai Beatles al termine del loro ultimo tour statunitense, il 29 agosto 1966, George invece acquisì una prospettiva filosofica sugli effetti della fama internazionale della band. Successivamente attribuì la scrittura di "Within You Without You" al suo essere "caduto sotto l'influsso dell'incantesimo indiano" dopo aver sperimentato la "pura essenza dell'India" attraverso la guida di Ravi Shankar.


title: Within You Without You

text: Concettualmente, "Within You Without You" contrasta l'individualismo occidentale con il monismo orientale. Il testo contiene i concetti base della filosofia Vedānta, particolarmente in riferimento al concetto del "Māyā" (la natura illusoria dell'esistenza), nella strofa: "«And the people who hide themselves behind a wall of illusion / Never glimpse the truth»". L'accademico religioso Joshua Greene parafrasò il messaggio della canzone nel seguente modo: "un muro illusorio che ci separa l'uno dall'altro ... che tramuta l'amore verso il prossimo in fredda indifferenza. La pace arriva quando impariamo a guardare oltre l'illusione delle differenze e capiamo che siamo una cosa sola... ". La soluzione proposta da Harrison è quella di vedere oltre se stessi e cercare un cambiamento interiore, poiché "ogni anima è potenzialmente divina. Il traguardo è manifestare questa divinità... ". Secondo l'etnomusicologo David Reck, oltre il riferimento al Māyā, le parole del testo contengono accenni a concetti filosofici indiani quali advait (l'unica realtà essenziale), satya (la percezione della verità) e, nella strofa: "«With our love we could save the world»", all'amore universale.


title: Within You Without You

text: Allo stesso tempo nel testo, Harrison si distanzia da chi vive nell'ignoranza di queste verità apparenti – cantando: "«If they only knew»" ("se solo sapessero") e chiedendo all'ascoltatore in maniera inquisitoria: "«Are you one of them?»" ("sei uno di loro?"). In un testo pieno di riferimenti all'induismo questa è invece una citazione dal Vangelo di Marco ("Non sanno, non capiscono. Sei uno di loro?"). Nell'ultima strofa, egli si lamenta di quanti "conquistano il mondo ma perdono la propria anima". Il critico musicale Ian MacDonald difese il tono "accusatorio" della canzone, spesso preso di mira dai detrattori, scrivendo come all'interno dell'ideologia dell'emergente controcultura degli anni sessanta, "questo era un segno di ciò che allora si sentiva essere una rivoluzione in atto: una rivoluzione interiore contro il materialismo".


title: Within You Without You

text: Inoltre il testo fa riferimento alla dottrina induista del dharma, che insegna come l'amore può cambiare il mondo. Nella seconda strofa della canzone si introduce l'idea centrale del dharma, l'etica dell'induismo: l'amore può salvare il mondo dalla distruzione. Secondo questa antica filosofia orientale l'universo ha una natura ciclica. Ogni ciclo si chiama Yuga, alla fine di ogni Yuga il dharma sparisce ed il mondo deve essere distrutto per rinascere nuovamente. Solo con l'amore si può salvare il mondo dalla distruzione. L'ultimo verso della strofa, "«no one else can make you change»" ("nessun altro può farti cambiare"), si riferisce alla visione orientale della ricerca spirituale interiore, in opposizione all'idea di un Dio esterno salvatore, tipica delle religioni occidentali. La quarta strofa descrive la quarta era del ciclo, la Kali Yuga, in cui l'Amore (Dharma) è assente.


title: Within You Without You

text: La tematica trascendentale del testo scritto da Harrison è in sintonia con la filosofia della "Summer of Love" del 1967, vale a dire, la ricerca dell'universalità e di un'esistenza senza ego. Lo scrittore Ian Inglis considera la frase del testo "«With our love we could save the world»" essere un "convincente riflesso" dell'ethos della Summer of Love, anticipando l'utopistico messaggio presente in "It's All Too Much", una successiva canzone di George, o in "All You Need Is Love" di John Lennon.


title: Within You Without You

text: Harrison registrò "Within You Without You" per "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" dei Beatles, un album basato sull'idea di Paul McCartney di una band fittizia che avrebbe svolto la funzione di alter ego dei Beatles, dopo la decisione presa dal gruppo di non andare più in tournée. Harrison era poco interessato al concetto di McCartney; e successivamente ammise che, dopo essere tornato dall'India, "il suo cuore era ancora laggiù", e lavorando nuovamente con i Beatles "si sentiva come se stesse tornando indietro". George presentò la canzone ai compagni dopo che questi avevano rifiutato "Only a Northern Song", incisa dai Beatles nel febbraio 1967, non ritenendola adatta per l'inclusione in "Sgt. Pepper's". In confronto a "Revolver", dove erano apparsi tre brani composti da Harrison, "Within You Without You" fu l'unica sua composizione a finire sull'album.


title: Within You Without You

text: La registrazione contiene il contributo musicale del solo Harrison, nessun altro dei Beatles prese parte attivamente alle sessioni, e George convocò appositamente un gruppo di musicisti indiani di Londra. Come per i musicisti indiani che suonarono in "Love You To", Harrison si avvalse dell'apporto dell'Asian Music Circle, e non presenziò ad una sessione di registrazione dei Beatles per assistere a un concerto londinese di Shankar, assenza che gli servì come parte della preparazione psicologica per l'incisione di "Within You Without You".


title: Within You Without You

text: MacDonald descrisse la canzone "stilisticamente ... la cosa più lontana dalle consolidate sonorità dei Beatles in tutta la loro discografia". La traccia base fu registrata il 15 marzo 1967 presso lo studio 2 di Abbey Road a Londra. I partecipanti alla seduta sedettero su un tappeto indiano appositamente steso sul pavimento dello studio, che venne inoltre decorato con arazzi indiani alle pareti, con luci abbassate e bruciatura di incenso per creare l'atmosfera adatta. Harrison e Neil Aspinall suonarono ciascuno un tambura, mentre i musicisti indiani contribuirono con tabla, dilruba, tanbur e swaramandala. L'identità di questi musicisti rimase ignota per decenni, fino a quando una ricerca effettuata dal dipartimento di studio musicale della University of Liverpool identificò quattro di essi come Anna Joshi, Amrit Gajjar (entrambi dilruba), Buddhadev Kansara (tanbur) e Natwar Soni (tabla).


title: Within You Without You

text: Alla seduta in studio presenziarono anche Lennon, l'artista Peter Blake, e John Barham, un pianista inglese di musica classica, anch'esso studioso del sitar presso Shankar, che condivideva con Harrison il desiderio di promuovere la musica indiana in occidente. Nel ricordo di Barham, Harrison "aveva già in mente l'intera struttura della canzone" e cantò la melodia del brano al suonatore di dilruba che lo seguiva passo passo.


title: Within You Without You

text: La prima delle due sessioni di sovraincisione effettuate per "Within You Without You" si svolse a Abbey Road il 22 marzo. Due ulteriori parti di dilruba furono aggiunte quel giorno, dopo di che venne eseguito un mix di prova, per consentire ulteriori sovraincisioni sulla registrazione a quattro tracce.


title: Within You Without You

text: Il produttore George Martin si occupò quindi dell'arrangiamento dell'orchestrazione, scritto per otto violini e tre violoncelli, basandosi sulle indicazioni di Harrison. I due lavorarono molto insieme sull'arrangiamento, assicurandosi che la partitura di Martin imitasse il caratteristico andamento del suono delle dilruba. Le parti orchestrali, eseguite dai membri della London Symphony Orchestra, furono aggiunte il 3 aprile. Durante la stessa seduta di registrazione, Harrison incise la traccia vocale e la sua parte di sitar. Inoltre, effettuò la sovraincisione di qualche occasionale interiezione di chitarra acustica.


title: Within You Without You

text: Il 4 aprile, mentre stava preparando il missaggio audio definitivo della traccia, sia stereo che mono, Harrison aggiunse alla fine del pezzo il suono delle risate prendendolo da un nastro di effetti sonori proveniente dalla nastroteca di Abbey Road. Martin e Geoff Emerick erano entrambi contrari a questa aggiunta ma lasciarono decidere Harrison, che in seguito disse come le risate fornissero un "tocco di sdrammatizzazione", aggiungendo: «si doveva comunque ascoltare la reazione del pubblico che assisteva allo show del Sergente Pepper». Prima che Harrison incidesse la traccia vocale il giorno precedente, il brano era stato sottoposto a edit e poi velocizzato in modo da ridurne la durata da 6:25 a 5:05. Nel processo, la chiave della canzone venne alzata di un semitono, passando da Do a Do diesis minore.<ref name="Fontenot/About"></ref>


title: Within You Without You

text: In Gran Bretagna "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" venne pubblicato il 26 maggio 1967, con "Within You Without You" posizionata come traccia d'apertura della seconda facciata del vinile. Il musicologo Joshua Greene fece notare come per molti ascoltatori all'epoca, la canzone fornisse il "primo significativo approccio al suono meditativo". Desideroso di separare il messaggio della canzone dall'esperienza con l'LSD in un'epoca dove la cultura delle droghe per "aprire la mente" era in forte ascesa di popolarità ed influenza, Harrison dichiarò a un intervistatore: «Non ha niente a che fare con le pillole ... È solo nella tua testa, la vera realizzazione».


title: Within You Without You

text: Sebbene in seguito Harrison abbia parlato in termini denigratori di "Sgt. Pepper's" e della sua importanza storica, egli ammise di essersi divertito durante le sessioni di registrazione dell'album e di gradire l'iconica copertina del disco. A riguardo della stessa, il contributo di Harrison fu chiedere a Blake di inserire le sagome di quattro guru indiani – Yogananda, Mahavatar Babaji, Lahiri Mahasaya e Sri Yukteswar – nel gruppo di personaggi che affollano la copertina, e un ulteriore dettaglio, una statuetta della dea indiana Lakshmi. Nei testi stampati sul retro della copertina, il posizionamento delle parole "Without You" sopra la testa di McCartney venne in seguito interpretato come un indizio circa la leggenda della morte di Paul McCartney.


title: Within You Without You

text: Nel 1971 la canzone venne pubblicata in Messico come title track di un EP. L'EP include anche "Love You To", "The Inner Light" e "I Want to Tell You", tutti brani composti da George Harrison. Nel 1978 "Within You Without You" apparve come B-side del 45 giri "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band/With a Little Help from My Friends Medley", pubblicato in alcune nazioni europee. Nel 1996 una versione strumentale della traccia, a velocità e tonalità originali, è stata inclusa nella compilation "Anthology 2".


title: Within You Without You

text: Riguardo alla canzone, nel suo libro "The Beatles Diary", Barry Miles scrisse: "Alcuni pensano che sia un capolavoro, altri uno dei primi esempi di chiacchiere finto-filosofiche. Ad ogni modo, era puro Harrison". David Griffiths del "Record Mirror" elogiò l'ambito musicale e lirico dell'album, aggiungendo: ""Within You Without You" di George Harrison è un'affermazione di una verità Yoga meravigliosamente riuscita ed avventurosa in una canzone pop". Il critico musicale di "The Times of India", disse di ammirare i Beatles per la loro voglia di sperimentare e descrisse la composizione di Harrison una traccia "memorabile". In una delle poche recensioni negative di "Sgt. Pepper's", Richard Goldstein, scrivendo sul "The New York Times", disse che la canzone era "musicalmente notevole" e l'apice del disco, sebbene considerasse il testo "tetro" e "pieno di luoghi comuni". Allen Evans di "NME" trovò nel "profondo e variegato ritmo delle tabla" la parte più accattivante del brano, anche se si lamentò di come fosse difficile decifrare le parole del testo perché si fondono con la musica del sitar troppo da vicino".


title: Within You Without You

text: Secondo il biografo ufficiale dei Beatles, Hunter Davies, alcuni recensori contemporanei specularono sul fatto che l'esplosione di risate alla fine del brano fosse stata inserita dagli altri membri dei Beatles per prendere in giro Harrison e la sua canzone. Davies smentì questa credenza dichiarando: "Fu un'idea completamente di George". In una recensione pubblicata cinque mesi dopo l'uscita di "Sgt. Pepper's", "Hit Parader" azzardò l'ipotesi che l'album non sarebbe durato bene nel tempo come i precedenti lavori dei Beatles, e riguardo a "Within You Without You" scrisse: "Harrison ha prodotto un suono rilassante, sinuoso ed esotico per "Within You Without You". Ma anche se la sua ripetitiva esposizione della più elementare filosofia orientale è probabilmente intesa a riflettere l'infinità dell'universo, diventa presto un po' monotona. Le risate alla fine sembrano sgonfiare la pretenziosità del testo".


title: Within You Without You

text: La canzone ha continuato nel corso degli anni a ricevere giudizi contrastanti. Tra i commenti più sfavorevoli, nel 1998 il critico Tim Riley liquidò "Within You Without You" definendola una canzone "senza direzione", aggiungendo come fosse difficile concepire che frasi del testo tipo: "«Life flows on within you and without you»" ("la vita scorre dentro di te e senza di te") potessero essere prese veramente sul serio da qualcuno. Egli inoltre scrisse che la canzone era "il pezzo più datato e noioso del disco; ... [e] che avrebbero potuto benissimo lasciarlo fuori dall'album senza che l'opera ne risentisse". In una recensione datata 2009, Alex Young di "Consequence" inserì la canzone tra i brani meno riusciti di "Sgt. Pepper's". Al contrario, Ian Inglis considera il brano "assolutamente centrale ed affine nella forma e nei contenuti a "Sgt. Pepper's"", e Ian MacDonald lo definì la "coscienza stessa del disco". Il musicologo Russell Reising scrisse che la canzone di Harrison era un'eccezione in "Sgt. Pepper's", dove altrimenti i Beatles dipinsero liricamente delle vignette prevalentemente banali, occasionalmente ridicole e spesso triviali". Lo scrittore e critico musicale Kenneth Womack descrisse "Within You Without You" come "l'anima etica dell'album".


title: Within You Without You

text: Scrivendo per "Rough Guides", Chris Ingham lodò la traccia in quanto "magnificamente costruita"; egli la descrisse allo stesso tempo "una delle musiche più esotiche mai pubblicate dai Beatles" e una "meditazione filosofica sulla vita e sull'amore oltre se stessi; ... [che], una volta assimilitata, diviene parte centrale dell'esperienza del "Pepper"". Nel suo libro sulla storia della musica ambient, Mark Prendergast incluse "Within You Without You" tra le tre migliori tracce di "Sgt. Pepper's" e la accreditò come "il pezzo più intramontabile di psichedelia dronale mai registrato". Il recensore di AllMusic Richie Unterberger lodò la melodia del brano, ma lo considerò anche piuttosto noioso e potenzialmente offensivo e presuntuoso a causa del suo tono accusatorio.


title: Within You Without You

text: Nel 2002, David Fricke su "Rolling Stone" incluse "Within You Without You" nella sua lista dei "25 migliori brani di George Harrison". Egli descrisse il pezzo la "più pura escursione dei Beatles nel raga rock", e "bellissimo e severo allo stesso tempo". Nella sua recensione dell'edizione speciale di "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" in occasione del 50º anniversario della pubblicazione, Mikal Gilmore scrisse che solo "Within You Without You" e "A Day in the Life" di Lennon trascendono l'eredità di un disco che è "un corpo unico, più grande della somma delle sue parti".


title: Within You Without You

text: L'interesse di Harrison nei confronti della cultura indiana venne presto adottato dai suoi fan e dal pubblico giovanile in generale. Lo scrittore Simon Leng scrisse: "["Within You Without You"], e la leadership di Harrison nei Beatles riguardo alla filosofia Vedica, diffusero la fascinazione per l'oriente presso milioni di persone e diede il via a migliaia di pellegrinaggi in Kashmir... " Juan Mascaró, un professore di Sanscrito presso la Cambridge University, scrisse una lettera a Harrison dopo l'uscita della canzone, complimentandosi per la stessa, ed allegando una copia del suo libro "Lamps of Fire". Gli suggerì inoltre un passaggio del libro dove aveva tradotto un capitolo del "Daodejing" come possibile materia di una canzone. Harrison lo usò come fonte di ispirazione per la composizione di "The Inner Light", suo terzo ed ultimo brano nei Beatles in stile indiano.


title: Within You Without You

text: Secondo il giornalista del "New Yorker" Mark Hertsgaard, il testo di "Within You Without You" "contiene l'espressione più evidente dell'album circa la credenza condivisa dai Beatles verso la consapevolezza spirituale e il cambiamento sociale". La fascinazione di Harrison nei confronti della filosofia orientale dominò le attività extra musicali della band nella metà del 1967, e la sua influenza sul gruppo continuò a crescere. Questo portò i Beatles a sperimentare la meditazione trascendentale, e, agli inizi del 1968, a partire per il loro celebre soggiorno in India presso il ritiro spirituale del Maharishi Mahesh Yogi a Rishikesh, circondati da una cassa di risonanza mediatica di portata planetaria.<ref name="Rabey/HuffPost"></ref>


title: Within You Without You

text: Tra i musicisti rock contemporanei, Stephen Stills rimase così colpito dalla canzone che volle far scolpire il testo del brano su una lastra di pietra nel suo giardino. Anche John Lennon era tra gli ammiratori del pezzo, e disse di Harrison: «La sua mente e la sua musica sono chiare. Questo è il suo talento innato, è riuscito a unire le due cose insieme». Inoltre, nel corso di un'intervista del 1973, Lennon dichiarò che "Within You Without You" era la sua canzone preferita di Harrison. Anche Ringo Starr disse nel 2000: «"Within You Without You" è brillante. La amo!» David Crosby, che aveva introdotto George Harrison alla musica di Ravi Shankar nel 1965, descrisse la traccia "di qualità non comune", e aggiunse: «La scrisse magnificamente e con molto tatto; ... La fece al meglio delle sue possibilità, e rimasi estremamente orgoglioso di lui per questo».


title: Within You Without You

text: Nel 2017, in occasione del 50º anniversario della pubblicazione di "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra (RLPO) organizzò l'evento "George Harrison Within You Without You: The Story of The Beatles and Indian Music" presso la Liverpool Philharmonic Hall. Mentre conducevano delle ricerche per questo progetto, degli studiosi della University of Liverpool e della University of Sheffield scoprirono l'identità di alcuni dei musicisti indiani presenti nella registrazione originale del 1967, rimasti per decenni senza identità. I due musicisti ancora in vita, Buddhadev Kansara e Natwar Soni, furono tra quanti si esibirono nel corso dell'evento promosso dalla RLPO.


title: Gocce di cioccolato

text: Le gocce di cioccolato o pepite di cioccolato sono piccoli pezzetti di cioccolato generalmente zuccherato, usati in cucina come ingrediente per numerosi dolci, come ad esempio biscotti, muffin e torte. Sono solitamente prodotte con la tipica forma a goccia (o lacrima) a base piatta, ma alcune varietà vengono create a forma rettangolare o quadrata.


title: Gocce di cioccolato

text: Le gocce di cioccolato sono state create casualmente da Ruth Graves Wakefield, proprietaria della locanda Toll House Inn di Whitman, nel 1930 quando aggiunse ad un impasto per biscotti alcune scaglie di cioccolato di una tavoletta Nestlé, creando così per la prima volta i biscotti con gocce di cioccolato. I biscotti riscontrarono talmente tanto successo da portare ad un accordo tra la Wakefield e Nestlé che consisteva nel far stampare la ricetta dei biscotti sulla confezione delle tavolette di cioccolato Nestlé in cambio di una scorta a vita di cioccolato. Nel 1939 l'azienda iniziò inoltre a produrre le gocce di cioccolato così come le conosciamo noi oggi, ossia con la classica forma a lacrima.


title: Gliceraldeide-3-fosfato deidrogenasi (NADP+)

text: La gliceraldeide-3-fosfato deidrogenasi (GAPDH) è un enzima appartenente alla classe delle ossidoreduttasi, che catalizza la seguente reazione:


title: Sherry Lansing

text: Iniziò la sua carriera come attrice, per poi passare alla Metro-Goldwyn-Mayer come supervisore di sceneggiature come "Sindrome cinese" e "Kramer contro Kramer". Divenne la prima donna a capo di uno studio di Hollywood quando nel 1980 assunse la direzione della 20th Century Fox. A capo della Jaffe/Lansing Productions, produsse il film "Attrazione fatale", con il quale ricevette nel 1988 la nomination all'Oscar per il miglior film.


title: Computer a programma memorizzato

text: Il computer a programma memorizzato è una tipologia particolare di computer la quale si contraddistingue per funzionare in base ad un programma memorizzato su un supporto di memoria, contrapponendosi al computer a programma cablato.


title: Sherry Lansing

text: In seguito passò alla Paramount Pictures, contribuendo alla produzione di classici come "Forrest Gump", "Braveheart" e "Titanic". Nel 1996 divenne la prima donna nominata "Pioniere dell'Anno" dalla "Foundation of the Motion Picture Pioneers", nonché la prima donna dirigente di uno studio cinematografico a ricevere la stella sulla Hollywood Walk of Fame. Nel 2007 ha ricevuto il Premio Oscar umanitario Jean Hersholt.