Le 28 juin 1975, Paul McCartney et Wings grimpaient au sommet des charts avec Venus and Mars. A cette occasion, voici notre guide ultime de ses plus grands hits post-Beatles, entre pépites psychédéliques, punk, folk, disco et pléthore de « silly love songs »
1 – « Maybe I'm Amazed », McCartney, 1970
Paul McCartney a composé cette chanson d'amour toute simple sur son piano, dans sa demeure du 7 Cavendish Avenue dans le centre de Londres – où, au vu de l'avenir incertain des Beatles, il passait en revue plusieurs idées sur son nouvel enregistreur quatre pistes Struder. Tandis que plusieurs des titres phares de son premier album solo (« Junk », « Teddy Boy ») avaient été enregistrés des mois voire des années plus tôt en vu d'une potentielle utilisation par les Beatles, ce morceau était totalement nouveau. Il reflétait à la fois le sentiment de perdition qui hantait McCartney alors que son groupe, l'œuvre de sa vie, se décomposait et l'importance que le soutien de son épouse Linda avait pour lui.
« Maybe I'm Amazed » étant indéniablement un morceau unique, le musicien avait préféré laisser de côté le fait-maison pour enregistrer sa dernière composition en studio. Après s'être introduit à Abbey Road sous un faux nom, il avait enregistré le morceau presque entièrement seul. S'il jouait de tous les instruments et mixait les pistes lui-même, Linda avait néanmoins ajouté quelques harmonies. « On s'est beaucoup amusés, » confiait-il à l'époque. « On avait décidé de garder ce qu'on faisait secret. C'était parfait. »
« Maybe I'm Amazed » est le joyau d'un McCartney sorti plusieurs semaines avant le film Let It Be. Malgré une large diffusion en radio, il n'a étonnamment jamais été pressé en vinyle. Une version live enregistré lors de la tournée Wings Over America s'est néanmoins hissée jusqu'au Top 10 en 1997. Bien que McCartney ait atteint les sommets dans les années et les décennies qui ont suivis, ce premier triomphe demeure sa marque de fabrique. Bien que sous-estimé, il s'agit d'une entrée en matière parfaite pour une seconde carrière remarquable.
2 – « Band on the Run », Band on the Run, 1973
Si quelqu'un se demandait encore si McCartney pouvait s'en sortir en solo, « Band on the Run » a mis les choses au clair une bonne fois pour toutes. Il s'agit d'un morceau audacieusement complexe à propos d'une évasion rocambolesque dans laquelle McCartney fait entrevoir son souhait d'échapper à son passé. (George Harrison avait laissé échapper la phrase « If we ever get out of here » lors d'une réunion.) Mais même lorsque McCartney chante le conflit et l'enfermement, il se laisse emporter par le contentement. Le monde entier avait alors décidé de s'enfuir avec lui et avait propulsé la chanson au sommet des charts américains. Plus personne ne le prendrait pour un poids léger à l'avenir.
3 – « Too Many People », Ram, 1971
A la sortie de son deuxième album solo, McCartney avait toutes les raisons d'être furieux : son groupe adoré s'était dissout et tout le monde le lui reprochait. Il laissait alors libre cours à sa frustration dans un morceau surprenamment mordant, enregistré à New York. « Voilà ta première erreur / Prendre tout ce que tu avais et le briser, » chantait-il, pointant John Lennon du doigt. « Il s'était fait donneur de leçons et ça m'énervait, » déclarait McCartney en 1984. La mélodie incroyablement douce de « Too Many People » est néanmoins la preuve que le chanteur pouvait se servir à sa guise de son charme comme d'une arme. « Ce ne sont que quelques piques, » déclarait-il en 2001. « Ça n'a rien de bien méchant. »
4 – « Live and Let Die », Single, 1973
Un des morceaux les plus loufoques de Wings figure sur la bande-originale de la huitième aventure de James Bond, Vivre et laisser mourir. Producteur historique des Beatles, George Martin avait été chargé de sa composition. Artisan d'une composition vertigineuse, il l'avait assorti d'arrangements reggae pour faire retomber la pression. Bien que certains membres de la presse avaient critiqué le choix de Macca de se frotter à 007, « Live and Let Die » est devenu l'un de ses plus grands succès tant au Royaume-Unis qu'aux Etats-Unis. Encore aujourd'hui, c'est le point d'orgue de concerts gigantesques à grand renfort d'effets pyrotechniques renversants.
5 – « Uncle Albert/Admiral Halsey », Ram, 1971
Le premier numéro un de McCartney est un tour de force. Amas de chansons et d'effets sonores d'une durée inférieure à cinq minutes, ses multiples transitions le font paraître bien plus long. Inspiré par l'oncle de McCartney, Albert Kendall, et orchestré par George Martin et le Philarmonique de New York, il n'était pas sans rappeler les Beatles. Même Lennon, qui avait détesté Ram, avait dû admettre qu'il appréciait la chanson.
6 – « Jet », Band on the Run, 1973
Dans les années 70, tous les rockeurs se devaient de se mesurer à David Bowie. Mais seul McCartney pouvait le surpasser avec un tube comme celui-ci. Enregistré au Nigéria, « Jet » s'ouvre sur des cuivres majestueux avant de laisser place à des guitares glam rock, des synthés pleins de charme et un refrain plus qu'efficace. Il s'avère que « Jet » était le nom d'un des chiens de McCartney. De jeux de mots sur la conquête spatial au droit de vote des femmes, le reste des paroles est plus obscur. « Je ne sais pas vraiment quoi en dire, » confiait-il. « C'était plutôt fun, donc ça m'a plu. »
7 – « Junk », McCartney, 1970
« Junk » aurait tout d'abord dû se trouver sur le White Album. Une démo figure d'ailleurs sur l'Anthology 3. Pourtant, il a davantage sa place sur le premier album solo de McCartney. Un jeune homme contemple la vitrine d'un brocanteur et s'imagine vieux et oublié de tous. L'ambition de McCartney de faire ce qu'il lui chante est palpable. « J'aime assez l'idée de ne rien retravailler, » déclarait-il à RS en 1974. « On entend la porte s'ouvrir et quelques ricanements à l'arrière-plan. »
8 – « Hi, Hi, Hi », Single, 1972
McCartney a savamment entaché son image proprette avec cette célébration sans gêne du sexe, de la drogue et des guitares. Le single a été interdit de diffusion par la BBC. Même Macca ne pouvait pas s'en tirer en invitant des jeunes femmes à « s'étendre sur le lit, prêtes à accueillir un gros fusil. » McCartney protestera pourtant, répliquant que la BBC a confondu « body gun » et « polygon ». Ça change tout ! Selon lui, le refrain « We're gonna get hi, hi, hi » pouvait d'ailleurs être envisagé au premier degré. Personne ne l'a cru, mais ça demeure une des chansons de Macca les plus appréciées.
9 – « Another Day », Single, 1971
McCartney écrivait tellement de bonnes chansons à la fin des Sixties qu'un tube de cette qualité pouvait rester dans ses placards pendant des années. Bien qu'il l'ait joué une première fois alors que les Beatles enregistraient Let It Be, il n'a jamais été enregistré avant que Macca commence à travailler sur Ram. Il avait alors décidé d'en faire son tout premier single solo. Classique parmi les classiques, le batteur Denny Seiwell l'avait d'ailleurs surnommé la « Eleanor Rigby de New York City, » les harmonies de Linda contribuant à donner vie à sa jeune protagoniste.
10 – « Venus and Mars » / « Rock Show », Venus and Mars, 1975
« L'objectif de Wings était d'être sur les routes, » confiait McCartney à Rolling Stone en 1976. « On est juste un groupe, pas un mythe. » Rien de ce que le chanteur faisait à l'époque ne passait pourtant inaperçu. Le diptyque par lequel le groupe entamait chaque concert de la tournée Wings Over America était quelque chose ! De cette introduction acoustique à ce crescendo rugissant, « Venus and Mars » / « Rock Show » casse tout sur son passage, y compris une des plus grandes stars de l'époque, Jimmy Page.
Par Jon Dolan, Simon Vozick-Levinson, Will Hermes, Rob Sheffield
Traduit et adapté par Jessica Saval
« The Dirt » : dans l'enfer de Mötley Crüe
Quatre ans après avoir raccroché les gants, le groupe Mötley Crüe refait parler de lui grâce à un biopic déjanté, The Dirt.
8 février 1961 : naissance de Vince Neil, chanteur de Mötley Crüe
Adaptation étonnamment fidèle d'une des biographies les plus scandaleuses jamais publiées, The Dirt met en lumière les hauts et les bas de la carrière de Mötley Crüe. De leurs excès en tout genre à leurs accès de violence, en passant par leurs fulgurances les plus étonnantes, rien ne vous sera épargné !
Décennie chevelue à souhait, les années 80 ont vu une nouvelle jeunesse déchaînée se réveiller. Criminellement décomplexés, punks et metalleux enchaînent les pires stupidités pour se prouver que l'alcool brûle, que les couteaux coupent… ou que la vie mérite d'être vécue, allez savoir ! Parmi eux se trouvaient quatre « putains d'idiots » prénommés Mick, Nikki, Tommy et Vince… The rest is history !
Brillamment interprétés par Iwan Rheon (Game of Thrones), Douglas Booth (Mary Shelley), le rappeur Machine Gun Kelly et Daniel Webber (The Punisher), les quatre membres naviguent dans un Los Angeles savamment grainé sous l'œil d'une caméra subjective dont les qualités immersives tendent vers le voyeurisme.
Plus qu'un biopic, c'est donc une courageuse proposition filmique menée tambours battants par un casting au talent évident. Booth et MGK rendant particulièrement justice à leurs personnages tantôt innocents tantôt terrifiants, mais toujours touchants.
Produit d'une époque toute en démesure, Mötley Crüe n'a selon toute vraisemblance jamais voulu prétendre être un groupe scandaleux. Il était le scandale. Bouffi d'honnêteté, The Dirt n'a rien d'un coup d'œil nostalgique vers un passé glorieux, c'est une nouvelle page dans l'histoire d'un des plus grands groupes de hard rock de l'histoire. En témoignent les quatre chansons inédites qui accompagnent sa sortie. « Donne-moi ce que je veux jusqu'à ce que ça me fasse mal » exultent les musiciens… Il ne manque donc plus que Netflix invente un bouton « Repeat » !
Jessica Saval
Raw Power : La force brute de The Stooges
Il y a 50 ans jour pour jour, The Stooges sortaient leur légendaire troisième album studio. Retour sur ce disque influent et incontournable.
Né du chaos, Raw Power d'Iggy Pop and the Stooges en est l'expression musicale la plus pure et reste un exemple du genre malgré son grand âge. En effet, le 7 février 1973 sortait ce disque, impressionnant et varié, qui marque une étape marquante dans l'histoire du rock.
Après deux albums au succès commercial limité, le label Elektra décide de lâcher le groupe, argumentant qu'il « ne va nulle part », notamment après la direction prise sur Fun House (1970). The Stooges se séparent ensuite. Iggy Pop rejoint cependant James Williamson à Detroit et le désormais classique « Penetration » y prend forme. Le ton est donné et le projet a désormais une direction à suivre.
Reformation à Londres
Sous les conseils de David Bowie, Iggy Pop s'envole à Londres avec James Williamson dans ses valises. « Très peu de gens ont reconnu la qualité de composition de The Stooges, pourtant très méticuleuse. La seule personne, parmi mes proches et musiciens professionnels à le remarquer était [David] Bowie » déclare Iggy Pop en 1997.
Les deux musiciens, sous l'impulsion de David Bowie et de son manager Tony DeFries, tentent de recréer l'alchimie de The Stooges de l'autre côté de l'Atlantique. Cependant, « Ils n'étaient pas des musiciens vraiment agressifs », selon Iggy Pop. James Williamson suggère alors de faire revenir Scott Asheton. Le chanteur conclut ainsi qu'il devrait en être de même pour Ron Asheton. Ce dernier devra cependant troquer sa guitare contre une basse, faisant ainsi des Stooges un groupe à quatre membres.
Le groupe enregistre donc Raw Power en moins de deux semaines à Londres. « Cela nous a pris 10 ou 12 jours seulement » se souvient Iggy Pop. « Je n'ai pas souvenir d'une seule visite de DeFries. Bowie n'est jamais entré non plus. » Si on retrouve quelques artifices, comme une tentative de reproduction d'un duel à l'épée sur « Search and Destroy » ou l'utilisation d'un célesta sur « Penetration », l'album porte bien son titre. « Tous les compteurs sont au rouge, c'est un mix très violent. […] La preuve est là. » affirme Iggy Pop.
Le chaos à tous les étages
Si l'enregistrement bouillonne de violence et d'énergie brute, les relation avec le management se détériorent dès l'arrivée du duo au Royaume-Uni. « Je ne vous laisserai jamais sortir une chose pareille, ce n'est pas de la musique ! » s'est insurgé Tony DeFries après avoir entendu une démo de « Search and Destroy ». Cette énergie se retrouve à presque tous les étages du disque. Qu'il s'agisse de l'agressif « Your Pretty Face Is Going To Hell », ou du bien nommé « Raw Power », les excès en tout genre sont sur bande. Même « Gimme Danger » et « I Need Somebody », qui pourraient s'apparenter à des ballades, gardent ce qu'il faut de rugueux et d'âpre pour maintenir la tension.
« J'ai rendu quelques mixes assez extrêmes, comme ceux qu'on pouvait entendre chez les groupe de punk hardcore indépendants des années 80, quand les groupes commençaient à tout faire eux-mêmes. Cela sonnait très amateur. » déclare Iggy Pop. Devant un tel résultat, Tony DeFries refuse de le sortir tel quel et demande à David Bowie de le remixer. En une seule journée. Si plusieurs éléments satisfont l'iguane, le manque d'énergie se fait ressentir, selon lui. Ce problème sera plus ou moins gommé dans le remix CD de 1997. « Je ne pense pas pouvoir surpasser le mix très créatif de David Bowie. Mais c'est le mix simple et direct d'un groupe puissant. »
L'héritage
Raw Power reste à ce jour l'une des pierres angulaires de ce qu'on appelle maintenant le proto-punk. Steve Jones (Sex Pistols) affirme avoir appris la guitare avec ce disque. Johnny Marr de The Smiths et Kurt Cobain de Nirvana le citent comme leur album préféré et ne renie pas l'inspiration apportée par James Williamson. Thurston Moore de Sonic Youth affirme également que ce Raw Power l'a marqué à vie. John Frusciante (Red Hot Chili Peppers) et CeeLo Green ne tarissent pas d'éloges à son égard, tout comme Nikki Sixx, bassiste et leader de Mötley Crüe.
Pierre angulaire du rock, Raw Power continue de charmer et d'électriser, même un demi-siècle après sa sortie. Un disque essentiel et fondateur, qui reste passionnant aussi bien en son cœur que dans son histoire.
Tracklist :
- Search and Destroy
- Gimme Danger
- Your Pretty Face Is Going to Hell
- Penetration
- Raw Power
- I Need Somebody
- Shake Appeal
- Death Trip
Mathieu David
Un jour une histoire – Bob Marley au Lyceum Theatre, à Londres
A l'occasion de deux soirées dans le somptueux théâtre londonien, Bob Marley éléctrisait la scène et son public, propulsant sa musique à des stades jusqu'alors non atteints. Flashback
6 février 1945 : naissance de Bob Marley.
Au Royaume-Uni, à la mi-1975, une grande majorité des jeunes professait une foi musicale, celle de rock progressif. Genesis, Yes et leurs longues suites instrumentales, manière de pacte de fer entre le rock et classique, et des thèmes et des textes puisés dans les racines des mythes celtiques. Le rock en était là, après la grâce des années 1960 avant son effondrement dans la première partie de la décennie. Puis sa renaissance. Le rock s'était transformé en un vaisseau spatial baroque et électrique mais peu nombreux étaient alors ceux qui voulaient monter à bord. Mais ces instrumentaux, ces vols oniriques ont été oubliés en seulement deux concerts, par un autre rêve collectif et un autre voyage, assorti de rites magiques. Son jeune prêtre, venait de Trench Town, en Jamaïque, une ancienne possession du Royaume Uni. Les 17 et 18 Juillet 1975, le chant de Bob Marley venait de tracer une nouvelle route.
Sa musique rédemptrice est née ce jour de juillet, à Londres.
Cet après-midi en Juillet, une seule chose est certaine : personne n'a jamais vu ces « étranges » personnes dans le centre de Londres, devant le Théâtre Lyceum, l'un des plus beaux lieux de la capitale anglaise. Trois mille Jamaïcains mêlés à de jeunes Anglais viennent écouter ce qu'ils considèrent comme leur père spirituel. Presque personne n'a de billet, mais tout le monde veut y assister. La police essaie d'intervenir, mais rien à faire : deux portes sont arrachées de leurs gonds et la foule libre, peut enfin entrer. Reste aujourd'hui le brillant témoignage de ce concert mémorable, un album live, enregistré par le studio d'enregistrement mobile des Rolling Stones.
Spiritual father
Bob Marley est alors à son apogée. Il vient juste de publier Natty Dread, l'album qui le consacre star internationale. L'atmosphère cette soirée est indescriptible. Dennis Morris, un photographe de concert, raconte : « Ce soir-là, toutes les personnes présentes ont décidé de devenir rastafari. » « Lively Up Yourself » et « No Woman No Cry » amènent le public et la musique populaire vers un nouveau territoire – exotique et non contaminée. Le rock vient de découvrir ce que signifie le mot sainteté; et s'est transformé en entrée du paradis dans le cœur de l'Occident qui trouvera ses disciples en Angleterre. Sans ce concert, le Clash, Police et des dizaines d'autres groupes n'auraient tout simplement jamais existé.
Mais il ne s'agit pas seulement de faire découvrir le reggae aux jeunes occidentaux. Dans ces deux concerts, Bob Marley semble presque quitter sa propre histoire et ses origines. Il a réussi – et c'est ce qui le rend magique – à recouvrir ses chansons d'une couche de peinture fraîche, les transformant en journal d'un rebelle racontant un voyage à une vocation œcuménique. Voici l'exploit réalisé par Marley ces deux soirs à Londres. En ajoutant une très forte dose d'électricité très rock au son son de son groupe d'une part, et, d'autre part, en mettant en scène un « appel et réponse » avec les I-Threes, ses trois choristes.
Nouveau lendemain
Ici, il ne s'agit plus d'addition, mais d'une pure alchimie. Marley est capable d'extraire de tous les genres musicaux qu'il a traversé, tous les éléments qui sonnent « messianique ». Il les absorbe et il les injecte dans un tout nouveau tissu musical. Le rock prendra l'avenir de l'humanité l'un de ses sujets de prédilection, et mieux, comme le meilleur moyen d'atteindre la terre promise, sans naïveté, dogme ou canons. Sa musique rédemptrice est née ce jour de juillet, à Londres.
Belkacem Bahlouli
Alice Cooper fête ses 75 ans
Icone internationale du rock, Alice Cooper fête ce 4 février 2023 son 75e anniversaire. Retour sur sa carrière.
Alice Cooper a marqué le début des années 70 avec un look outrancier et une attitude théâtrale ainsi qu'un style musicale qui rassemble le hard rock, le glam rock, le heavy metal et le punk. Alice Cooper, de son vrai nom Vincent Damon Furnier ce samedi son 75e anniversaire.
« C'est toute la réalité de la classe moyenne américaine que nous voulons refléter, mais de façon monstrueuse. Nous les faisons jouir. Et si leur plaisir vient de ce que nous leur pissons dessus, tant mieux.«
Il débute avec le groupe The Earwings en compagnie des guitaristes Glen Buxton et Michael Bruce, du bassiste Dunaway et du batteur John Spear. Vers la fin des année 60, le groupe tente sa chance en partant à Los Angeles, où ils engagent le batteur Neil Smith. Ils changent leur nom et deviennent The spiders puis The Nazz. Au final, ils choisissent Alice Cooper.
Alice Cooper serait le nom d'une sorcière du XVIIe siècle qui lui aurait parlé pendant une séance de spiritisme et lui aurait dit qu'il était sa réincarnation. Au final, Furnier a avoué que cette histoire de rencontre avec l'au-delà ne serait qu'une simple plaisanterie.
« Les hippies voulaient de la paix et de l'amour. On voulait des Ferraris, des blondes et des couteaux.«
La séparation a lieu en 1974. Vincent Furnier se lance dans une carrière solo sous le nom… d'Alice Cooper. Il s'entoure de Dick Wagner (guitare), Steve Hunter (guitare), Johnny Badanjek (batterie), Josef Chirowski (piano, orgue) et Prakash John (basse) avec lesquels il monte l'étonnant spectacle Welcome to My Nightmare. Le spectacle est filmé en concert à Londres en septembre 1975 et un film, lui aussi titré Welcome to My Nightmare, sort dans les salles l'année suivante.
« He's Back (the Man Behind the Mask) »
El 1986, Alice Cooper sort l'album « Constrictor » dont est extrait « He's Back (the Man Behind the Mask) », le thème du film d'horreur « Jason le Mort Vivant ».
« Poison »
Produit par Desmond Child, l'album « Trash » est sorti en 1989. Des artistes comme Jon Bon Jovi, Richie Sambora et des membres d'Aerosmith y ont participé. L'album s'est classé numéro 2 en Angleterre et s'est positionné à la 7e place aux États-Unis.
« I am Made Of You »
En 2001, Alice Cooper renoue avec Bob Ezrin afin de donner une suite au mythique « Welcome to my Nightmare » avec « Welcome 2 my Nightmare ». Les membres du groupe se réunissent sauf Glen Buxton décédé en 1997.
Bruce Springsteen – High Hopes
Bruce Springsteen sort High Hopes, son 18e album. Quand le Boss fait les fonds de tiroirs, on en redemande…
3 février 2014 : High Hopes est n°1 aux États-Unis
Entre l'effet de surprise et la redécouverte d'un répertoire englouti, Bruce Springsteen ne savait plus que choisir. Au final, il optera pour les deux: sortir de ses archives des chansons oubliées et/ou jamais enregistrées en studio et faire venir une guest star, qui, loin de jouer les faire-valoir, apportera au nouvel opus du Boss un son renouvelé. Tom Morello, guitariste de Rage Against The Machine, dont le jeu illumine littéralement les compos de Springsteen, nous emmène loin, très loin même. Très précisément à ce moment où le son du Boss, à nouveau entouré du E Street Band, ne savait plus comment faire tourner cette machine de guerre. Bref, au cœur des années 90. Une sorte de "on la refait mais en mieux".
Ainsi sont revus et corrigés certains de ses meilleurs titres et/ou reprises : de sa version hallucinée et hallucinante de "The Ghost Of Tom Joad" et ses sublimes solos "scratch" signés Morello, en passant par le tonitruant "High Hopes", une reprise des Havalinas que Bruce avait gravé en son temps lors de la reformation de son groupe historique ; ou bien sûr le poignant "American Skin (41 Shots)". Mieux encore, devenu roi de la cover, il livre une sublime et touchante version de "Dream Baby Dream" de Suicide, dans une version morriconienne où les couches de matière sonores se superposent et donnent un volume irréel à cette chanson au départ minimaliste. Si, sur le papier, on aurait pu s'attendre à un album toutes guitares dehors du fait de son invité de marque, l'approche de Springsteen sur High Hopes est toute autre. Bien quil ne soit pas revenu à ses premières amours avec un son à base de mélange orgue/piano, les textures sonores sont désormais très cuivrées – mais sans l'exagération qu'on aura noté lors de ses concerts –, et d'une rare richesse… et sobriété.
De même, l'utilisation des boucles de batterie reste créative apportant un groove novateur à certains titres. Compositions soignées, orchestrations amples et profondes, loin de certains excès voire boursouflures de ses récents albums passés où le son semblait se noyer sous des couches de matière sonore indéfinissable, High Hopes se déroule avec une élégance certaine. Ici, le son est juste, net et la production de l'album, par l'entremise de Ron Aniello qui avait déjà produit son précédent travail, Wrecking Ball, et Brendan O'Brien, qui s'était occupé du son du Boss la décennie précédente, prend une toute autre dimension.
Belkacem Bahlouli
Tracklist :
- High Hopes
- Harry's Place
- American Skin (41 Shots)
- Just Like Fire Would
- Down In The Hole
- Heaven's Wall
- Frankie Fell In Love
- This Is Your Sword
- Hunter Of Invisible Game
- The Ghost of Tom Joad
- The Wall
- Dream Baby Dream
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