Lo Score: un algoritmo per investigare la Body Knowledge
10.6092/issn.2036-1599/4987
Sia in teatro che fuori dal teatro, cioè sia per il performer che per l’essere umano ordinario, il lavoro sul corpo, con il corpo in movimento rappresenta il primo e principale aspetto del lavoro su se stessi e, allo stesso tempo, costituisce la prima imprescindibile tappa nel cammino verso l’azione cosciente, quella che in teatro è l’“azione nella percezione”, il pensare-in-movimento. Questo pensiero cosciente, che nella sua elaborazione e per il suo significato coinvolge l’intero background della persona, è un azione che emerge solo quando il performer è presente e allo stesso tempo dinamicamente coinvolto interamente nell’ambiente: è quella coscienza percettiva che supera – perché integra - la pianificazione dell’azione con l’esecuzione della suddetta azione. Il pensare-in-movimento è un processo dinamico che non è possibile codificare: è un linguaggio che chiede di essere vissuto per poter essere compreso e appreso. Dunque, che cos’è lo Score? Un concetto, un metodo di movimento, uno strumento digitale? Forse è ognuna di queste cose. Lo score è un algoritmo necessario per leggere la danza dell’essere umano, acquisire informazioni e trasferirle in modo da procedere e far evolvere la conoscenza contenuta nella pratica coreutica. Lo score è il medium nel quale si edifica la tensione strutturante dell’uomo: un sito alternativo per comprendere l’istigazione potenziale del corpo umano e l’organizzazione delle sue azioni residuali. In questo articolo leggerò lo score come un cristallo: metafora del dinamismo formante insito nel movimento espressivo. Esporrò come tale cristallo sia il canale necessario per fa sì che si realizzi il contrappunto coreografico. Esplorerò cosa ciò significa per i coreografi coinvolti in Motion Bank - William Forsythe, Deborah Hay, Jonathan Burrows e Matteo Fargion – analizzando la connessione somatica tra i processi di dance-making e score-creation.
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2036-1599
4987
it
Letizia Gioia Monda
Danza e ricerca. Laboratorio di studi, scritture, visioni
Lo Score: un algoritmo per investigare la Body Knowledge
Text.Serial.Journal
https://danzaericerca.unibo.it/
Sessione V
2015-03-27
2015-03-27
2015-03-30
2016-04-07
133-146
danzaericerca
Letizia Gioia Monda
2015/03/27
10.6092/issn.2036-1599/4987
133
Università di Roma “La Sapienza”
2036-1599
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146
Lo Score: un algoritmo per investigare la Body Knowledge
https://danzaericerca.unibo.it/article/download/4987/4757
Dossier “La danza nei dottorati di ricerca italiani”




                                                  Letizia Gioia Monda



             Lo Score: un algoritmo per investigare la Body Knowledge



      Adottando il punto di vista “panoramico” dell’evoluzionismo, assumendo
che il performer è la metafora per eccellenza dell’essere umano, il mio progetto di
ricerca - dal titolo La Comunità Motion Bank. La Body Knowledge nella Danza e
nella Coreografia244 - si è posto l’obiettivo di esaminare e spiegare la Body
Knowledge che il performer contemporaneo esperisce attraverso le forme d’arte
della danza e della coreografia. Un’indagine pragmatica, portata avanti sul
campo, grazie al supporto e all’attività della Comunità Motion Bank, in un dialogo
creativo con i performers, i coreografi, gli artisti e gli scienziati coinvolti in questo
progetto.
      Attraverso un approccio metodologico interdisciplinare, e un lavoro di due
anni svolto sul campo, lo scopo di tale ricerca è stato quello di analizzare la
comunicazione che si realizza a teatro per mezzo della relazione performer-
performer durante la performance dal vivo.
      La scelta di conseguire un’indagine pragmatica riflette il nodo cruciale che
interessa la questione metodologica inerente agli studi teatrali, ossia quello
costituito da teoria e pratica.
      Ritenendo che la condizione necessaria, per far sì che vi sia un reale
avanzamento scientifico nei termini di indagine relativa all’arte performativa,
stia nel reale connubio tra teoria e pratica – ovvero, in una ricerca
interdisciplinare e pragmatica che metta in dialogo la conoscenza pratica e
quella teorica del lavoro del performer - ho voluto contestualizzare il mio lavoro
all’interno di una realtà performativa unica nel suo genere: Motion Bank,
l’ultimo progetto interdisciplinare di William Forsythe che dal 2010 al 2013 ha
provveduto a creare uno spazio d’indagine nella pratica coreutica. Grazie
all’utilizzo di nuove tecnologie, e soprattutto grazie all’interdisciplinarità della
sua realizzazione, Motion Bank sta fornendo preziosissimi dati che arricchiranno
244
   La ricerca si è svolta presso La Sapienza Università di Roma nell'ambito del dottorato in
“Tecnologie digitali e metodologie per la ricerca sullo spettacolo”, tutor Luciano Mariti (tesi di-
scussa il 23 luglio 2014).

                                                “Danza e Ricerca. Laboratorio di studi, scritture, visioni”, anno VII, numero 6, 2015
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in maniera determinate i termini del sapere teorico-pratico inerenti alle arti
performative dell’essere umano.
   Il progetto di ricerca, dunque, si è basato sull’utilizzo di studi e metodologie
d’analisi, materiale documentaristico e interviste. Per quello che riguarda il
lavoro sul campo, mi sono trasferita a Frankfurt am Main nel febbraio 2012 per
seguire lo sviluppo dei digital scores e degli eventi teorico-pratici del progetto
Motion Bank presso il Frankfurt Lab. Questi eventi sono stati: i Motion Bank
Workshops; le Guest Performances; e i Dance Engaging Science Interdisciplinary Research
Workshops.
   Il filo rosso che lega la spiegazione del complesso oggetto di studio - ossia
la Body Knowledge nella danza e nella coreografia - è il concetto di Score.
   L’argomento centrale dell’indagine Motion Bank è lo Score. Come i crittografi
cercano di decifrare un codice ignoto, così gli artisti e gli scienziati coinvolti in
Motion Bank si sforzano di penetrare il codice usato dall’essere umano per
rappresentare metaforicamente attraverso l’arte il mondo esterno. Che cos’è lo
Score? Un concetto, un metodo di movimento, uno strumento digitale? Forse è
ognuna di queste cose. Lo Score è un algoritmo necessario per leggere la danza
dell’essere umano, acquisire informazioni e trasferire queste informazioni per
procedere e far evolvere la conoscenza contenuta nella pratica coreutica.
   Gran parte delle riflessioni e delle terminologie presenti in questa ricerca
derivano dal dialogo diretto (per mezzo di interviste e meeting) e indiretto (per
mezzo degli eventi teorico-pratici) con coloro che formano la Comunità Motion
Bank. In particolare questo dialogo si è svolto con: William Forsythe; Scott
deLahunta (leader del progetto); i performers della The Forsythe Company,
Nicole Peisl, Fabrice Mazliah, Riley Watts; il Prof. Wolf Singer (Direttore del
Max Plank Institute for Brain Research a Frankfurt am Main) per ciò che
riguarda gli studi neuro-cognitivi; il filosofo Alva Noë (Professore presso l’UC
Berkeley); i coreografi ospiti del progetto Deborah Hay, Jonathan Burrows e
Matteo Fargion; il performer della The Forsythe Company e programmatore
informativo David Kern; il programmatore informatico Martin Streit; e gli
artisti digitali del progetto Florian Jenett e Amin Weber, per quel che riguarda
l’analisi e la decodifica dei processi di produzione e archiviazione dei Motion
Bank Digital Scores.
Dossier “La danza nei dottorati di ricerca italiani”                                                                              135



      In questo articolo presenterò un’indagine basata sull’interdisciplinarietà delle
fonti leggendo lo score come un cristallo: metafora del dinamismo formante
insito nel movimento espressivo. Esporrò come tale cristallo sia il canale
necessario per fa sì che si realizzi il contrappunto coreografico. Esplorerò cosa ciò
significa per i coreografi coinvolti in Motion Bank - William Forsythe, Deborah
Hay, Jonathan Burrows and Matteo Fargion – analizzando la connessione
somatica tra i processi di art-making and score-creation.


      Il tempo è un’entità intangibile che è possibile comprendere solo attraverso
l’azione: o meglio il moto della persona nello spazio.
      Sin dalle origini l’essere umano ha iniziato a danzare per riconoscersi come
identità all’interno di un ambiente 245. La percezione (comprensione) dello
spazio precede quella del tempo, quindi l’essere umano intuendo, attraverso
l’azione e il movimento del corpo, lo spazio avvertiva il tempo e iniziava ad
essere: ad essere all’unisono con quel ritmo cosmico che governa i fenomeni
naturali246.
      Luciano Mariti ha scritto:

                  Pensare il tempo è un’impresa teoretica complessa soprattutto
               perché il tempo non è solo la forma in cui ci appaiono i fenomeni,
               ma è anche la modalità con la quale ciascuno conosce e
               comprende se stesso, dato che ognuno di noi non solo ha
               memoria, ma è anche la memoria di se stesso.247


245
    Come afferma Silvana Sinisi la danza è un linguaggio universale che nasce dal movimento, la
manifestazione primaria di vita dell’essere umano. Questo linguaggio trova il suo radicamento
nel profondo delle strutture antropologiche e accompagna il cammino evolutivo dell’uomo sin
dalle origini con caratteri e funzioni diverse secondo gli stadi di civiltà e dello spirito del tempo.
«Ancor prima di formulare un linguaggio organizzato e comunicare attraverso la scrittura,
l’uomo ha imparato a danzare, ritrovando nel suo corpo e nella sua anima, la vibrazione di quel
ritmo che governa i fenomeni naturali, i cieli, le costellazioni. Non a caso molti miti cosmogo -
nici fanno scaturire l’origine del mondo dalla danza» (Sinisi, Silvana, Storia della danza occidentale.
Dai Greci a Pina Bausch, Roma, Carocci, 2005, p. 13).
246
    Siegfried Giedion nel suo libro sull’eterno-presente (Giedion, Siegfrid, L’eterno presente: le ori-
gini dell’arte. Uno Studio sulla costanza e il movimento, Milano, Feltrinelli, 1965), ha esplorato il mon-
do delle forme del Paleolitico ricercandovi le origini del pensiero umano e il nascere delle “ca -
tegorie”. Secondo Giedion anche se lo spazio, così come il tempo, è intangibile pure può essere
intuito attraverso l’azione e il movimento del corpo. Rispetto tali studi Ruggero Pierantoni
chiarisce che «L’attitudine verso il mondo determina la concezione spaziale di un periodo, con-
cezione che non è altro che la proiezione grafica di questa attitudine» (Pierantoni, Ruggero, For-
ma Fluens. Il movimento e la sua rappresentazione nella scienza, nell’arte e nella tecnica, Torino, Bollati Bo-
ringhieri, 1986, pp. 13-14).
247
    Mariti, Luciano, Sullo spettatore teatrale oltre il dogma dell’immacolata percezione, in Meldolesi, Torgeir
e altri attori, numero monografico di «Teatro e Storia», vol. 31, nuova serie II, 2010, p. 19.

                                                “Danza e Ricerca. Laboratorio di studi, scritture, visioni”, anno VII, numero 6, 2015
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      Molti scrittori hanno individuato l’inquietudine causata dal tempo nel cuore
del soggetto. Per esempio - commentando l’idea kantiana dell’auto-affezione del
tempo come la più originale forma di consapevolezza - Maurice Merleau-Ponty
concluse che «al tempo è essenziale essere non soltanto tempo effettivo o
fluente, ma anche tempo consapevole della propria esistenza»248.
      Un importante contributo sul problema del tempo, in relazione alla
soggettività si deve, come è noto, a Henri Bergson, che osservò
opportunamente - nel suo Saggio sui dati immediati della coscienza (1889) - che il
tempo fisico non coincide con quello della coscienza. Il tempo come unità di
misura dei fenomeni fisici, infatti, si risolve in una spazializzazione, in un
orologio materiale, in cui ogni istante è oggettivamente rappresentato e
qualitativamente identico a tutti gli altri. Il tempo originario, invece, si trova in
quel livello della coscienza animale, istintiva, che lo conosce mediante
intuizione. Un tempo organico in cui ogni istante risulta qualitativamente
diverso da tutti gli altri.
      L’essere umano non possiede una nozione di tempo assoluto. La percezione
e la misurazione della realtà sono processi selettivi soggettivi. La questione
critica riguarda il fatto che oltre ad essere l’animale intelligente l’essere umano è
anche l’animale sociale. Ciò significa che abbiamo bisogno di comunicare la
nostra presenza nel mondo. E la comunicazione si realizza nel presente: per
comunicare abbiamo bisogno di essere presenti. Essere presente significa superare
lo scarto temporale della percezione, arrivare a quel punto in cui mente e corpo
sono in contatto all’unisono nello spazio circostante, in sincronia temporale
con gli altri soggetti coinvolti in questo spazio. Ma come afferma Proust: «la
vita è vera per tutti ma differente per ciascuno» 249, perché ognuno di noi vive
soggettivamente lo spazio-tempo. La parola, il linguaggio ci orientano verso il
mondo esterno, perché strutturano il nostro tempo soggettivo attraverso un
sistema metrico organizzato che è quello del linguaggio. Ma questo non ci
permette di penetrare il processo della coscienza che primordialmente parte dal
movimento. Il pensare-in-parola non basta per esprimere il nostro sé, abbiamo
bisogno di agire per comunicare gli impulsi che scaturiscono dalle emozioni e

248
   Merleau-Ponty, Maurice, Fenomenologia della Percezione, Milano, Bompiani, 2003, p. 544.
249
   Proust, Marcel, cit. in Mariti, Luciano, Sullo spettatore teatrale oltre il dogma dell’immacolata perce-
zione, cit., p. 21.
Dossier “La danza nei dottorati di ricerca italiani”                                                                              137



dalle sensazioni, abbiamo bisogno di pensare-in-movimento250 e di interagire in una
sincronia cosciente per superare la barriera che ci separa dalla soggettività altrui.
Questo è il motivo per il quale l’arte è così importante per l’essere umano,
consente il contatto a quel livello prelinguistico e precognitivo che ci accomuna
tutti.
      Come si realizza dunque la sincronia cosciente? E come può essere indagato
tale processo di comunicazione umana se il tempo che fonda la coscienza
percettiva della persona è soggettivo?
      L’unico modo per indagare l’essere presente è comprendere l’arte vivente del
performer. Per analizzare il pensare-in-movimento e comprendere come si realizza la
sincronia cosciente nella comunicazione, è necessario entrare nel luogo che non
contiene il tempo ma che è tempo: il teatro come luogo di incontro delle
esperienze soggettive che attraverso il training cercano di mettersi in dialogo per
trascendere tali soggettività e arrivare a quel punto di transito in cui si è in
nessun luogo e in ogni luogo sincronicamente allo stesso tempo, per arrivare a
quel momento in cui si è in contatto primordialmente all’unisono.
      Il pensare-in-movimento è un linguaggio che non è possibile codificare: è un
linguaggio che chiede di essere vissuto per poter essere compreso e appreso.
Questo pensiero cosciente, che nella sua elaborazione e per il suo significato
coinvolge l’intero background della persona, è un’azione che emerge solo quando
la persona è presente e allo stesso tempo coinvolta, nella sua totalità,
dinamicamente nell’ambiente: è quella coscienza percettiva che supera - perché
integra - la pianificazione dell’azione con l’esecuzione della suddetta azione.
      Assumendo che il tempo può essere diviso in forme diverse, e che la
percezione umana del tempo è caratterizzata storicamente e culturalmente,
risulta opportuno indagare il tempo della performance come dimensione della
soggettività umana, considerando che tale dimensione è direttamente
proporzionale al potere decisionale del performer che agisce in relazione ad altri
individui coinvolti nello spazio d’azione.
      Si possono trovare molti esempi di come il tempo sia visibile nel corpo in
movimento coinvolto in un’azione performativa. Dall’educazione fino al


250
    Laban, Rudolf, L'arte del movimento, a cura di Eugenia Casini Ropa e Silvia Salvagno, Macera-
ta, Ephemeria, 1999.

                                                “Danza e Ricerca. Laboratorio di studi, scritture, visioni”, anno VII, numero 6, 2015
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processo creativo il tempo è l’elemento fondante dell’arte coreutica dal quale si
parte per strutturare la bio-meccanica del corpo-mente.
      Nella danza il tempo è una dimensione sempre presente che si esperisce
attraverso un evento all’unisono con la partitura psico-fisica dell’esecutore.
      Nella   coreografia     il   tempo       è    diviso,    è    in-inprovisation,      ossia
nell’improvvisazione, intendendo con ciò che nell’attuazione coreografica è
necessario che i performers prendano decisioni costantemente, in uno stato
conscio e inconscio, in relazione ai diversi modi in cui viene intesa e percepita,
nel momento presente, la temporalità dell’azione. Un performer deve tenere
conto: di quanto tempo un movimento necessita per essere sviluppato (ossia,
della propria unità temporale psico-fisica); del modo in cui i tempi si
sviluppano a loro volta all’interno del movimento (ossia, della scansione
tempo-ritmica del movimento); questi due fattori vengono determinati a loro
volta tenendo in considerazione le unità temporali psico-fisiche e la scansione
tempo-ritmica del movimento degli altri esecutori che agiscono nell’hic et nunc
dell’evento teatrale.
      Il performer è già scored (come dice William Forsythe251) - ossia articolato,
accordato temporalmente - e durante una performance deve confrontarsi con altri
e diversi livelli di dinamica temporale. Vi sono una molteplicità di informazioni
tempo-ritmiche che fluiscono nelle performances, la responsabilità del performer è
scegliere costantemente a quale livello della struttura coreografica complessa
deve rispondere.
      Ciò ha condotto il danzatore contemporaneo a considerare il tempo-ritmo
interno al suo corpo: un orologio interno che funge da pacemaker
nell’esecuzione del movimento coreografato. L’attenzione, lo sguardo,
l’ampliamento delle facoltà sensoriali del corpo - già implicate nella pratica del
balletto per il mantenimento della diacronia nel movimento - diventano, così,
fattori determinanti coinvolti nel processo di creazione sincronico della
coreografia contemporanea.




251
   Forsythe, William, in Burrows, Jonathan, Interview with William Forsythe and Dana Caspersen,
Frankfurt, 6 marzo 1998, www.jonathanburrows.info/#/text/?id=61&t=content (u.v. 13 otto-
bre 2014).
Dossier “La danza nei dottorati di ricerca italiani”                                                                              139



      La geometria dell’esperienza252 altro non è che la trasformazione in movimenti
dell’universo intuitivo ed emotivo del performer, e la struttura temporale che il
corpo performativo crea è un’esperienza in cui l’altro viene rivelato da
meccanismi che provocano e sostengono reazioni oggettive e coadiuvano chi le
crea.
      Il linguaggio coreo-grafico si rivela come la somma di più elementi, ovvero: del
corpo o dell’azione del singolo, che articola ciò che sa e ciò che è, in quanto
individuo, attraverso il suo corpo scenicamente costruito; e del corpo
performativo, ossia del lavoro che una compagnia realizza, il quale può essere
visto allo stesso modo come un corpo che è composto dalla somma dei
pensieri collettivi, e dai diversi modi di pensare dei corpi individuali.
      Questi “corpi” si rivelano durante la performance grazie all’organizzazione
metodica e organica del contrappunto coreografico253.
      L’intenso training permette ai performers di sviluppare una abilità
propriocettiva molto acuta, grazie alla quale l’intero corpo assume una
consapevolezza di sé che permette ai performers di capire intuitivamente e
organicamente in che modo i many-timed body experiences si connettono con gli
altri, e come queste sincronizzazioni possono agganciarsi ancora ad altre
temporalità.
      Il danzatore contemporaneo arriva a quel punto di transito in cui spezza i
legami tra spazio e tempo. Spazio e tempo si fondono all’unisono ed il corpo
del performer diviene il medium nel quale scorre il flusso di energia: l’intero corpo è
uno.
      Dice Nicole Peisl, performer della The Forsythe Company:

                   When you are really in balance and other things are
               integrating: your instinct can work in a certain way, because
               it is in connection with the cerebrum, in connection with
252
    La nozione di “geometria dell’esperienza” compare per la prima volta durante Architecture In-
termundium, un laboratorio didattico sperimentale fondato e diretto dall’architetto Daniel Libe-
skind a Milano dal 1986 al 1989. Cfr. anche Baudoin, Patricia, – Gilpin, Heidi, Proliferazione e
Perfetto Disordine: William Forsythe e L’Architettura della Dissolvenza, in Guatterini, Marinella (a cura
di), William Forsythe. Reggio Emilia Festival Danza, Reggio Emilia, Fondazione I Teatri di Reggio
Emilia, 1989, 4 voll., vol. II, Il disegno che non fa il ritratto. Danza, Architettura, Notazioni, p. 11.
253
    Storicamente, il contrappunto è una tecnica compositiva ed esecutiva che consiste nell’asso-
ciazione, in un complesso armonico, di due o più parti melodiche, più o meno autonome che
se sovrapposte formano assonanze. Il contrappunto può essere inteso come un modo di far in-
teragire ogni tipo di tema, tono, motivo, ritmo: un modo per far interagire il tempo soggettiva-
to per mezzo dell’azione cosciente dell’uomo.

                                                “Danza e Ricerca. Laboratorio di studi, scritture, visioni”, anno VII, numero 6, 2015
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            your ratio and your thinking. You pendulate between your
            instinct and your ratio.254

      Cercando di spiegare il più chiaramente possibile la conoscenza pratica del
corpo attraverso una terminologia teorica è possibile assumere che il danzatore
per poter realizzare lo stato di flusso ha bisogno di integrare mente e corpo. In
questo stato di balance255 il danzatore si pone l’obiettivo di strutturare lo spazio-
tempo dell’azione. Il performer crea la sua soggettiva dimensione spazializzando
il tempo. Ponendo in dialogo corpo istintivo e mente razionale, la coscienza del
performer si apre alle infinite non-possibilità del tempo-spazio. La connessione tra
mente e corpo diviene estremamente chiara nell’azione: le decisioni divengono
istintive. Corpo e mente sono in dialogo armonico: sono in sincronia nella
middle line256. In questo stato l’articolazione del corpo diviene fluida, veloce, ed
estremamente chiara. La percezione di sé è fluid spectrum. Nel flusso il danzatore
non ha bisogno più di essere concentrato, non c’è controllo ma solo pratica.
      I danzatori acquisiscono il visceral thinking257 (come lo chiama William
Forsythe), e incorporando il campo d’azione diventano il medium attraverso il
quale l’energia scambia in-form-azioni con l’ambiente e con i corpi coinvolti
nell’evento.
      Il performer smette di essere una soggettività e ne diventa molteplici allo
stesso tempo.
      In questo modo, il pensiero-in-movimento diviene un principio “selettivo”.
Questa legge selettiva del tempo è una volontà che si deve volere. Pierre



254
    L’intervista inedita con Nicole Peisl, dal titolo Interview in two steps with Nicole Peisl, è materiale
di ricerca da me curato per la redazione della tesi di dottorato. L’intervista è stata realizzata in
due momenti, la prima volta a Frankfurt am Main il 20 gennaio 2013, la seconda volta tramite
una conversazione via skype il 12 febbraio 2013.
255
    Nello stato di balance il performer amplifica “attivamente” il suo universo: organizza se stesso
in modo da produrre un continuo movimento ascensionale delle azioni e delle reazioni tra la
sfera fisica e quella psichica. L’improvvisazione diviene organica quando il performer è in grado
di armonizzare percezione e propriocezione, input e output, consentendo all’esperienza somatica
di informarlo sugli impulsi che scaturiscono da questo stato di connessione.
256
    Middle line: è uno stato di balance del corpo-mente. Line si riferisce al modo in cui il performer
visualizza il processo dinamico ed energetico che sta compiendo. Middle si riferisce allo stato di
connessione che si realizza per mezzo di questo processo, ossia il rapporto armonico tra corpo
e mente nel mezzo dei tempi e tra gli spazi. Questo stato di balance si rivela in un grande sche-
ma fisico che articola la polarità tra mente e corpo. Attraverso tale processo il danzatore incor-
pora lo spazio arrivando a quel punto di transito in cui esso gli appartiene.
257
     Forsythe, William – Kaiser, Paul, Dance Geometry (Forsythe), intervista online, 1998,
http://openendedgroup.com/writings/danceGeometry.html (u.v. 13 luglio 2014).
Dossier “La danza nei dottorati di ricerca italiani”                                                                              141



Klossowski, infatti, dice - e proprio per questo si dimostra il principale
promotore del circolo vizioso di cui parla Nietzsche - che:

                  Nel momento della rivelazione, io cesso di essere io hic et nunc e
               sono suscettibile di diventare infiniti altri, sapendo che tra breve
               dimenticherò questa rivelazione, non appena avrò perduto la
               memoria di me stesso… E la mia coscienza attuale non si sarà
               stabilita che nell’oblio delle mie altre possibilità. 258

      Volendo spiegare questo evento in termini fisici potremmo dire che il
tempo di un osservatore è uguale a quello di un altro osservatore quando viene
moltiplicato rispetto un certo fattore che dipende dalla velocità relativa dei due
osservatori. Quindi soggetti diversi esperiscono la stessa temporalità per mezzo
della velocità che si instaura nel rapporto dinamico tra i due soggetti. Ciò
chiarisce che la comunicazione teatrale si realizza a partire dalla relazione
performer-performer, e avviene per volontà dall’accordo spaziale dei tempi
soggettivi.
      Il tempo soggettivato nella performance attraverso l’architettura spaziale della
coreografia si traduce nell’azione del corpo performativo il quale agisce in un
luogo dove si svolge una rappresentazione a sua volta organizzata. Il risultato
di questo algoritmo259 che nel luogo teatrale fa confluire l’azione del corpo
performativo e la reazione del pubblico si manifesta nella magia dell’evento, in
cui l’arte precede, e sopravvive ciò che va al di là dell’arte stessa: la coscienza
umana.
      Il tempo risulterebbe impossibile da indagare, a meno che questo non venga
organizzato in una nuova struttura. Occorre mettere il tempo in musica per
comprendere la melodia, come questa porti un messaggio e come questo
messaggio arrivi a coloro che ascoltano. E per mettere il tempo in musica
occorre uno score con leggi che regolano l’organizzazione del corpo-mente nel
tempo-spazio. Questo “score estetico” organizzando il tempo realizzerà lo
spazio d’azione. Allora l’inevitabile soggettività si risolverà in una relativa


258
   Klossowski, Pierre, Nietzsche e il Circolo Vizioso, Milano, Adelphi, 2013, p. 97.
259
    Come chiarisce Yiannis N. Moschovakis in What is an algorithm?, in Engquist, Björn - Sch-
mid, Wilfred (a cura di), Mathematics Unlimited — 2001 and beyond, Springer, 2001, pp. 919–936,
una definizione del concetto di algoritmo che sia formale e non tecnica manca tutt’ora e si è
pertanto costretti ad accontentarsi dell’idea intuitiva di algoritmo come: una sequenza ordinata
e finita di passi (operazioni o istruzioni) elementari che conduce ad un ben determinato risulta -
to ( in questo caso la performance dal vivo) in un tempo finito.

                                                “Danza e Ricerca. Laboratorio di studi, scritture, visioni”, anno VII, numero 6, 2015
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estetica oggettiva, e questo ci permetterà di indagare e comprendere la Body
Knowledge.
    Nelle performance di coreografia contemporanea – di coreografi quali William
Forsythe, Deborah Hay, Jonathan Burrows e Matteo Fargion - si può osservare
dividere il tempo e il ricordo che si svela attraverso strutture temporali. Il
contrappunto coreografico, che si realizza nell’hic et nunc della performance, si svela in
quel magico momento in cui i tempi di tutti i soggetti coinvolti nell’attuazione
sono armonicamente soggettivati dall’azione del corpo performativo che li
traduce attraverso un’unica forma sincronica, in clock, cioè tempi visibili. Quel
punto è dove si smette di pensare e si inizia a vivere: in nessun luogo e in ogni luogo
allo stesso tempo.
    L’intento di William Forsythe nel guidare la sua compagnia è proprio far sì
che durante la performance questa forma temporale venga bloccata visivamente,
creare nuclei visivi di riferimento260, fare in modo che durante la performance dagli
allineamenti spazio-temporali scaturisca un’immagine-tempo, si visualizzi un oggetto
sincronico coreografico. Quella stessa “immagine-tempo” di cui parla Gilles
Deleuze, che concepisce la temporalità negli stessi termini di Henri Bergson 261.
Nelle performances le immagini-tempo, che riescono a rendere evidente questa
struttura temporale facendo pressione sullo spettatore, sono i punti di
cristallizzazione: il tempo si vede nel cristallo: nel contrappunto coreografico che
permette di catturare nell’hic et nunc il funzionamento interno del tempo stesso.
    Dice William Forsythe:

              Visual counterpoint in dance is quite obvious when you see it,
           but describing it in concise language that adequately expresses its
           function, lets say, like an algorithm, is another matter. The
           definition evolved slowly from “kinds of alignment in time” to
           “coincidence of attributes” and finally to “a field of action in
           which the coincidence of attributes of an organizations properties
           produces an ordered interplay”. […] If everyone is in the same
           position (form/shape) and are all changing at the same rate, you

260
    Rebecca Groves, Motion Bank: Investing in Dance Knowledge, in Gehm, Sabine – Husemann,
Pirkko - Wilcke, Katharina (a cura di), Knowledge in Motion. Perspectives of Artistic and Scientific Re-
search in Dance, New Brunswick and London, Transaction Publishers, 2007, p. 91.
261
    Deleuze, Gilles, Cinema 2. L’immagine-tempo, Milano, Ubulibri, 2006, p. 97: «Le grandi tesi di
Bergson sul tempo si presentano così: il passato consiste col presente che è stato; il passato si
conserva in sé, come passato in generale (non-cronologico); il tempo si sdoppia a ogni istante
in presente e passato, presente che passa e passato che si conserva». Proprio questo è ciò che
avviene per mezzo del corpo scored del performer: il passato si conserva attualizzandosi in un flui-
do presente inconclusivo.
Dossier “La danza nei dottorati di ricerca italiani”                                                                              143



               have good old unison. But alter just one of the parameters of that
               state [velocity, position, direction] and the phenomenon of
               counterpoint starts to emerge. So to make it fairly simple,
               counterpoint emerges when some properties of unison are
               shared, but not all and not always. What makes counterpoint most
               striking are the moments when each different attribute
               intermittently reverts predominantly to unison. Unison functions
               as a base state from which to compare all further change and
               seems to provide some kind of instinctive visual gratification. 262

      Il lavoro di Deborah Hay consiste nel dis-attach263 dagli impulsi di
movimento notando tutto il corpo in una volta come suo insegnante,
assumendo l’intelligenza cellulare del suo corpo.
      La nostra coreografa da quarant’anni lavora riconfigurando il suo corpo
tridimensionale all’interno di un corpo cellulare.
      Durante la realizzazione del digital score Using the Sky264 per il progetto
Motion Bank, Hay racconta:

                   For 40 years when I am dancing I am reconfiguring my 3
               dimensional body into a cellular body. […]
                   If I am listening to the feedback from 380 trillion cells at once
               I can’t hear one thing. There is no one thing. There is a
               multiplicity of experiences and it goes […] I am served by that
               non-linear feedback. And that’s the core of this material. […]
                   Just what if where I am is what I need and I notice the
               feedback from that. And it’s changing every second. What if every
               cell in my body could perceive time passing? Time is passing, so
               what if every cell could perceive time passing? 265




262
    Forsythe, William, Synchronous Objects, online: http://synchronousobjects.osu.edu/content.-
html#/CounterpointTool (u.v. 13 luglio 2014).
263
    Des-attachement (non-attaccamento): la pratica performativa di Deborah Hay è un des-attachment
dalla continuità della discontinuità del suo corpo coreografato. Il lavoro di Deborah Hay consi-
ste nel dis-attaching il suo sé dall’impulso del movimento considerando tutto il corpo in una volta
come suo maestro. Il suo metodo conduce a rimuovere il comportamento istintivo e le tenden-
ze di movimento dalla struttura della danza. Per mezzo di questa rimozione, di questo dis-atta-
ching, lo spazio e il tempo sono sempre visibili. Come chiarisce in una nota nello score cartaceo
di No Time to Fly, Hay usa la parola dis-attach, invece che detach, perché a suo avviso nel corso del
tempo detach è diventato un concetto generalizzato, che ora spesso conduce a perdere di vista
l’esperienza personale nella pratica. Dis-attach richiede più attenzione dal punto di vista di colui
che pratica. In questo modo il performer è in grado di soddisfare la necessità di riconoscere dove
è prima di poter dis-attach se stesso da quello stato.
264
          Motion          Bank,        Hay,      Deborah,       Using      the      Sky,      online;
http://scores.motionbank.org/dh/#/set/sets (u.v. 13 luglio 2014).
265
    Hay, Deborah, Talking to Motion Bank score creation team, Frankfurt am Main, febbraio 2011.
Materiali inediti presentati e distribuiti alla fine di un workshop Motion Bank.

                                                “Danza e Ricerca. Laboratorio di studi, scritture, visioni”, anno VII, numero 6, 2015
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      Per Deborah Hay il lavoro sul tempo sta nel chiedersi: «What if every cell of
my body at once has the potential to perceive time passing, here and gone, here
and gone, here and gone?»266.
      Come le potenzialità del corpo consentono l’esperienza di essere nel
momento: «What if every cell of my body has the potential to perceive my
movement as music? […] In this way, time is in your hands, your perception of
time is personal while your perception of space is temporal» 267.
      Il corpo, il suo insegnante, gli mostra il poetico contrappunto di spazio e
tempo.
      La necessità della percezione spaziale sta nell’allargare la “presenza” e
realizzare il balance tra spazio e tempo: la percezione del tempo originale e la
percezione dello spazio che si lega a questa percezione.
      «The performance of the material I gather to make a dance is what informs
the choreography of that dance. My practice of performance is how I learn
without thinking. My practice involves the continuity of discontinuity of my
choreographed body»268.
      Dice Deborah Hay nello score cartaceo di No Time to Fly:

               If I can manage my perception of time and space to inform
            my body, then I do not have to think about what movement to do
            next. What I mean by my perception of time is that it is passing.
            And what I mean by my perception of space is that include it in
            my dancing so that I am not seduced by the intelligence, post
            experiences, patterns, limitations, and/or sensuality of my moving
            body.269

      Forse il lavoro del coreografo Jonathan Burrows e del compositore Matteo
Fargion è quello che chiarisce meglio il concetto di contrappunto coreografico, in
quanto le loro opere si presentano come il perfetto risultato dell’impollinazione
incrociata delle due arti gemelle: danza e musica.
      Per Matteo Fargion: «Time is something really relative with which you can
produce a different sort of experiences»270.
266
    Hay, Deborah, The Continuity of Discontinuity, intervento presentato in occasione del TanzKon-
gress, Dusseldorf, 7 giugno 2013, (registrazione, sbobinatura e note a cura dell’autore).
267
    Ibidem.
268
    Ibidem.
269
    Hay, Deborah, No Time to fly. A solo dance score written by Deborah Hay, New York, 2010, p. 8.
270
    L’intervista inedita con Matteo Fargion, dal titolo Interview with Matteo Fargion, è materiale di
ricerca da me curato per la redazione della tesi di dottorato. L’intervista è stata realizzata a
Frankfurt am Main il 17 aprile 2013.
Dossier “La danza nei dottorati di ricerca italiani”                                                                              145



      Per Burrows il lavoro con Fargion inizia per comprendere quali siano le
differenze nella composizione di musica e danza, infatti, scrive: «The desire of
contemporary dance to assert itself as an art form in its own right, separate
from the music, has led it to let go of pulse as an organizing principle of
time»271.
      Il linguaggio coreografico di questi due artisti si sviluppa a partire dallo score
cartaceo, che continua ad essere presente con loro in scena. La loro abilità
artistica sta nel leggere la musica mentre eseguono la coreografia. Nei loro Sette
Duetti272 il tempo concepito in termini musicali viene strutturato spazialmente
nello score coreografico.
      Come dice Jonathan Burrows lo score può essere inteso come timeline:
consente il dialogo tra queste due forme d’arte, consente il dialogo tra tempo e
spazio. Lo score dà libertà, questo permette al performer di comprendere in che
consiste la relazione: che la relazione è anche non-relazione. Lo score consente di
percepire come si rivela l’intuizione, come l’idea si esperisce attraverso l’azione-
nella-percezione273.
      Dice Jonathan Burrows che nel campo della danza e della performance ciò che
è interessante è la comprensione che nasce mettendo in relazione gli opposti.
Oggi la vera domanda è: «what is scoreble and what is unscoreble? What can we
put in the score and what we cannot?»274.
      Il lavoro comincia quando il performer inizia ad essere in vita: presente. La
relazione nel tempo e nello spazio del corpo del performer permette di realizzare
il contrappunto.
      Il corpo del performer così esperisce un tempo multiplo, ed è la strutturazione
dello score che gli permette di agire sincronicamente in tempi multipli.



271
    Burrows, Jonathan, A Choreographer’s Handbook, London & New York, Routledge, 2010, p.
125.
272
    Motion Bank, Burrows, Jonathan e Fargion, Matteo, Seven Duets, http://scores.motion-
bank.org/jbmf/#/set/sets (u.v. 13 Luglio 2014).
273
    Noë, Alva, Action in Perception, Cambridge, The MIT Press, 2004. In quest’opera il filosofo
Alva Noë definisce e chiarisce l’approccio enattivo alla percezione. L’azione-nella-percezione nella
mia ricerca viene intesa come pensiero-in-movimento quando percepire per il performer significa
implicitamente comprendere: il modo in cui la stimolazione sensoriale si manifesta nel corpo-
mente; e l’effetto che tale stimolazione ha sul movimento.
274
    Burrows, Jonathan, in Writing Dance, V workshop Motion Bank, Frankfurt am Main, Frank-
furt Lab, 16-18 aprile 2013 (note a cura dell’autore).

                                                “Danza e Ricerca. Laboratorio di studi, scritture, visioni”, anno VII, numero 6, 2015
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      Una necessità intrinseca nell’essere umano, perché come dice Burrows:
«human beings like to share a beat»275.
      Dicono Burrows e Fargion: «Counterpoint can be a formal way to orientate
yourself in relation to time by means of shared rhythm. ‘Counterpoint assumes
a love between the parts’ […]»276.
      Il contrappunto coreografico, esplorando forme complesse di parallelismo e
sincronicità d’azione, permette di visualizzare ciò che percettivamente avviene
a livello temporale durante una performance, perché integra il livello astratto
mentale e il livello concreto fisico della body knowledge del performer:
«Counterpoint provides a way of writing or recognizing a detailed connection
in time and space between events»277.
      Lo “score estetico”, che il performer ha incorporato dall’educazione al training
al processo creativo, viene utilizzato come una finestra temporale che viene
ripetutamente aperta e chiusa. Lo score coreografico, poi, produce una foto
incorniciata di un insieme di individui che, sollecitati da un complesso
strutturato di segnali (uditivi e visivi che istigano gli eventi), si muovono
organicamente insieme nello spazio scenico. Tale score lega insieme i tempi-
ritmi dei vari soggetti coinvolti nell’azione, questi vengono rielaborati dalle
intuizioni-azioni del corpo performativo, che produce un’azione che a sua volta
scandisce una struttura temporale, la quale di volta in volta si ricrea nuova nella
performance. La simultaneità di diversi flussi di immagini in movimento
garantisce la possibilità, non solo di avere immagini complesse e stratificate a
livello temporale, ma anche intricate costellazioni e giustapposizioni a livello
spaziale.
      La performance di fatto diviene un ciclo iter-attivo. Un sistema organizzato, una
struttura di controllo, in cui l’algoritmo dello score è eseguito per mezzo del
corpo a loop. All’interno di questo loop si verifica l’eccezione, la danza si esprime
spontaneamente: la coreografia diviene geometria dell’esperienza.




275
    Burrows, Jonathan, A Choreographer’s Handbook, cit., p. 127.
276
    Ivi, p. 139.
277
    Ivi, p. 140.
