10.13125/2039-6597/4208
application/pdf
2039-6597
4208
20
fr
urn:nbn:it:unica-26950
Francesca Manzari
http://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Between
« La plus noble peinture est un poème peint » : traduire pour peindre. Dante Gabriel Rossetti lecteur de Dante
Text.Serial.Journal
https://ojs.unica.it/index.php/between
10
Intermedial Dante: Reception, Appropriation, Metamorphosis
2020-11-30
2020-07-15
2020-11-30
2020-12-07
222-243
1
Francesca Manzari
2020/11/30
10.13125/2039-6597/4208
222
Aix Marseille Univ, CIELAM, Aix-en-Provence
2039-6597
20
fr
243
urn:nbn:it:unica-26950
« La plus noble peinture est un poème peint » : traduire pour peindre. Dante Gabriel Rossetti lecteur de Dante
https://ojs.unica.it/index.php/between/article/download/4208/4547
10
                «The noblest painting
        is a painted poem»: translating to paint.
        Dante Gabriel Rossetti reading Dante

                               Francesca Manzari



     «Life imitates Art far more than Art imitates Life», Oscar Wilde said.
Dante Gabriel Rossetti’s translation of Dante Alighieri’s poetry may be read as
a seminal life experience, which sets the pattern and method of a process of
imitative self-creation. One might say that Rossetti lived his Dante. This study
would suggest that Rossetti inverted the traditional ut pictura poesis into a
dynamics of writing, in poetry and painting alike, aiming at faithfulness not to
the subject matter but to the “new life” of the emerging virtual self. Elizabeth
Siddal was Rossetti’s real-life Beatrice, and love transcended and transformed
their lives into art. This study is an attempt to examine another form of two-
way transmediality: between life and art, βιός and τέχνη, as the epitome of
inspiration lived as pneumatic circulation or spiritual exaltation (Aristote,
Agamben). In an attempt to suggest a different approach to Rossetti’s life and
work as life-creation, this paper pays all due respect to previous Rossetti
scholarship, although it cannot afford the space to synthetize them all.




Keywords
     Dante Gabriel Rossetti, Dante Alighieri, Vita Nova, Pre-Raphaelites, life,
art, biography, Giorgio Agamben, Aristote, John Ruskin, Elizabeth Siddal.

Between, vol. X, n. 20 (Novembre/November 2020)
ISSN 2039-6597
DOI: 10.13125/2039-6597/4208
Francesca Manzari, «La plus noble peinture est un poème peint»




         «La plus noble peinture
est un poème peint»: traduire pour peindre.
  Dante Gabriel Rossetti lecteur de Dante
                                     Francesca Manzari


     Dans l’introduction à la deuxième section de son anthologie, intitulée, The
Early Italian Poets from Ciullo d’Alcamo to Dante Alighieri (1100-1200-1300) in the
Original Metres, Together with Dante’s Vita Nuova (Rossetti 1914), Dante Gabriel
Rossetti écrit de la Vita Nuova que des particularités personnelles au poète,
unies aux beautés exquises et intimes de l’œuvre, qui font surgir des
questionnements et des hypothèses, trouvent leur meilleure réponse dans les
mots que Beatrice elle-même est poussée à prononcer dans la Commedia:
“Questi fù tal nella sua vita nuova” [Purgatorio, C. xxx.]» (ibid.: 145)1. Rossetti
souligne cette expression: «ainsi en effet fut-il le jeune Dante» et formule son
projet traduisant: «tout ce qu’il semblait possible d’accomplir ici pour ce
travail était de traduire [la Vita Nova] dans une forme aussi libre et claire que
possible tout en restant fidèle au sens de l’œuvre» (ibid.: 145-146)2».
     Sans doute alors Rossetti trouve-t-il refuge dans une utopie connue des
traducteurs littéraires, une croyance en la coïncidence de la fidélité au sens
d’une œuvre et en la clarté du texte traduit qui jouirait ainsi d’une certaine



1       «Wedded to its exquisite and intimate beauties are personal peculiarities
which excite wonder and conjecture, best replied to in the words which Beatrice
herself is made to utter in the Commedia: “Questi fù tal nella sua vita nuova”». La
traduction est la nôtre ainsi que celle de tous les autres passages tirés de ce texte.
2       «Thus then young Dante was. All that seemed possible to be done here for the
work was to translate it is as free and clear a form as was consistent with fidelity to
its meaning».


222
                                                   Between, vol. VIII, n. 15 (Maggio/May 2015)



liberté de la forme3. En 1923, Walter Benjamin s’oppose à cette position
théorique dans son introduction à la traduction allemande des Tableaux
Parisiens de Baudelaire:

        Fidélité et liberté – liberté de la restitution conforme au sens et, au
     service de cette liberté, fidélité au mot – voilà les concepts traditionnels de
     toute discussion sur la traduction. […] Assurément, leur acception
     traditionnelle n’appréhende ces concepts qu’au prix d’un clivage
     insoluble. En effet, comment évaluer avec exactitude la véritable incidence
     de la fidélité dans la restitution du sens? […] Car ce sens, conformément à
     la signification investie dans la poétique de l’original, ne s’épuise pas dans
     ce qui est visé, mais acquiert précisément cette signification du fait que
     dans un mot déterminé le visé est lié au mode de viser (Benjamin 1997: 23-
     24).

      Mais clarté et liberté sont à entendre autrement dans la vie et dans
l’œuvre de Rossetti. Elles occupent une place centrale dans la poétique de
l’artiste anglais qui invoque tour à tour, ou à la fois, la composition poétique et
le geste pictural pour en expliciter le sens.
      Les mots que Dante fait prononcer à Beatrice, «Questi fù tal nella sua vita
nuova», se trouvent dans le chant XXX du Purgatoire (v. 115). C’est le moment
de la Comédie où Virgile s’éloigne de Dante et une dame apparaît, la partie
haute du corps dans un nuage de fleurs, habillée en rouge et couverte d’un
manteau vert:

        così dentro una nuvola di fiori
        che da le mani angeliche saliva
        e ricadeva in giù dentro e di fori,

        sovra candido vel cinta d’uliva
        donna m’apparve, sotto verde manto
        vestita di color di fiamma viva. (Purg., XXX, 28-33)4



3
        Voir aussi sur ce point l’analyse proposée par Fabio Camilletti dans l’ouvrage
intitulé The Portrait of Beatrice (Camilletti 2019: 149-150).


                                                                                          223
Francesca Manzari, «La plus noble peinture est un poème peint»



     Dante ne peut encore voir son visage, mais il reconnaît le sentiment de la
présence de Beatrice. Il se tourne en cherchant Virgile pour lui dire son
bouleversement, mais le guide a disparu et le poète pleure son éloignement (v.
49-54). Beatrice lui parle alors et l’exhorte à retenir ses larmes pour plus tard.
Aux anges qui demandent à la dame les raisons de sa sévérité à l’égard du
poète (v. 96), elle répond que Dante avait reçu à la naissance grâce divine et
faveur des cieux, qu’il était destiné – ‘virtuellement’ est le mot du poème – à
accomplir des gestes d’une haute valeur morale. Toutefois, le poète n’a su
cultiver les dons qu’il avait reçus. Tant que Beatrice était en vie, son visage
avait aidé le poète à élever son âme en lui montrant le droit chemin, mais sa
mort a plongé Dante dans l’oubli qui l’a fait se donner à une autre dame:

         Questi fu tal ne la sua vita nova
         virtüalmente, ch’ogne abito destro
         fatto averebbe in lui mirabil prova.

         Ma tanto più maligno e più silvestro
         si fa ‘l terren col mal seme e non cólto,
         quant’elli ha più di buon vigor terrestro.

         Alcun tempo il sostenni col mio volto:
         mostrando li occhi giovanetti a lui,
         meco il menava in dritta parte vòlto.

         Sì tosto come in su la soglia fui
         di mia seconda etade e mutai vita,
         questi si tolse a me, e diessi altrui. (Purg., XXX, 115-126)5




4
        «C’est ainsi que dans un nuage de fleurs / qui des mains angéliques s’élevait /
et retombait dedans à l’extérieur, // sous un voile blanc, couronnée d’olivier /
m’apparut une dame, ses vêtements couleur de flamme vive de vert voilés» (Nous
citons dans cet article la traduction de Danièle Robert 2018).
5       «Celui-ci, quand sa vie était en fleur, / fut si doté que tout heureux penchant /
eût dû en développer la valeur. // Mais d’autant plus inculte et plus méchant /
devient un sol mal semé et sans soin / qu’il était riche d’un potentiel puissant. // Un


224
                                                   Between, vol. VIII, n. 15 (Maggio/May 2015)



      Précisément, ce que Dante fut dans sa vie nouvelle est ce qui
virtuellement l’aurait entraîné vers la contemplation des étoiles et donc vers la
connaissance de la vérité. Lorsque Rossetti parle ici de la consistance de la
fidélité au sens, les mots paraissent avoir une signification autre que celle que
l’on attribue d’habitude aux signifiants de la dichotomie sens/forme. Ce qui est
virtuel est la possibilité qui est conféré à Dante d’être fidèle à son propre
chemin. Le poète fut virtuellement, dans sa jeunesse, en puissance de faire
mûrir les dons reçus directement de Dieu (Stefanini 1991: 90-104). Beatrice le
rappelle, elle a ici une fonction d’accompagnement de l’‘epimeleia heautou’ de
Dante, comme celle que Socrate exerce à l’égard d’Alcibiade et qui est
minutieusement analysée par Michel Foucault dans les premières séances du
cours L’Herméneutique du sujet (Foucault 2001: 43-59):

        La question que pose Socrate, et qu’il essaie de résoudre, n’est pas: tu
     dois t’occuper de toi ; or tu es un homme ; donc je pose la question: qu’est-
     ce que c’est qu’un homme? La question posée par Socrate est beaucoup
     plus précise […]. Elle est: tu dois t’occuper de toi ; mais qu’est-ce que c’est
     que ce soi-même (auto to auto), puisque c’est de toi-même que tu dois
     t’occuper? (ibid.: 39)

     Or ce soi-même ressemble au soi virtuel auquel fait référence Beatrice. Ce
n’est pas le fait de demeurer fidèle au sujet en tant qu’essence pure propre et
identique à elle-même, mais d’être fidèle à la virtualité, à la puissance du soi
tel qu’il fût dans la vie nouvelle. La fidélité invoquée par Rossetti prend, à
chaque fois, cette connotation virtuelle. Il s’agit d’une fidélité à la ‘différance’,
à ce qui dans l’avancée du temps ne demeure pas le même, mais se révèle
reconnaissable parce que autre. Il serait possible de le dire au sujet des poèmes
que Rossetti traduit. Le geste est profondément benjaminien, parce que ses
traductions répondent à la virtualité de l’original: la traduction fait partie de la
vie de l’original, elle est mûrissement de l’original:



temps, c’est mon visage qui le soutint: / ce sont de jeunes yeux qu’il lui montra / et je
l’emmenai sur le droit chemin. // Dès que ma vie sur le seuil s’arrêta / du second âge,
qu’en l’autre je passai, / il me délaissa, à autrui se donna.»


                                                                                          225
Francesca Manzari, «La plus noble peinture est un poème peint»



         En elle [la traduction] l’original croît et s’élève dans une atmosphère en
      quelque sorte plus haute et plus pure du langage, au sein de laquelle il ne
      peut sans doute pas s’assurer une vie durable, de même qu’il ne l‘atteint
      pas, et de loin, dans toutes les composantes de sa figuration, mais vers
      laquelle néanmoins il ne laisse de faire signe avec une prodigieuse
      insistance, comme vers le royaume promis, interdit de la réconciliation et
      de l’accomplissement des langues. Il n’y parvient jamais totalement, mais
      c’est en lui que demeure ce par quoi une traduction est bien davantage
      qu’un exercice de communication (Benjamin 1997: 20).

      Dans la préface à son anthologie, Rossetti écrit clairement que son travail
est de confier les poèmes traduits en d’autres mains: «Qu’il y a beaucoup de
défauts dans ces traductions, ou que leur plus haut mérite est leur défaut, soit
qu’elles n’ont aucun mérite, mais seulement des imperfections, ce sont là des
découvertes si certaines […] que je peux sans problème les laisser en d’autres
mains»6 (Rossetti 1914: xiv). Ici, la fidélité à l’original est exprimée dans le
sens, encore benjaminien, de la traduction comme instant de la vie d’un texte,
comme passage et comme adresse au lecteur à venir. Il serait également
possible de dire qu’il existe une fidélité à la vie de l’œuvre poétique et
picturale de Rossetti, comme celle que le poète évoque lorsqu’il décrit son
projet traduisant. Son œuvre est une transposition qui ne restitue pas la vie du
texte comme une imitation, mais qui en assure la survie par un mouvement
‘différanciel’. La production du poète maintient un rapport virtuel, potentiel
avec la vie, elle assure la vie grâce à une constante traduction qui est une
promesse d’avenir, d’accomplissement à venir de la vie par l’écriture ou par le
geste pictural. Ainsi la vie du poète, confiée à jamais à la peinture et à la
poésie, sera-t-elle toujours virtuellement fidèle à son original absent parce que
toujours déjà projetée vers les possibles de sa transposition artistique.
      La mise en exergue du chant XXX du Purgatoire permet d’emblée de
relever des éléments importants de la poétique du poète anglais. Quelque
chose lie la poésie à la vie de Rossetti. Cela se rapporte à la fidélité ou encore à


6       «That there are many defects in these translations, or that the above merit is
their defect, or that they have no merits but only defects, are discoveries so sure to be
made if necessary […], that I may safely leave them in other hands».


226
                                                   Between, vol. VIII, n. 15 (Maggio/May 2015)



ce que John Ruskin appelle la sincérité des Préraphaélites en référant ce mot à
l’expression, ou au trait artistique, comme si la sincérité en peinture pouvait
être atteinte seulement par la connaissance d’une forme de vie vraie. À ce
propos, dans le pamphlet intitulé Pre-Raphaelitism (1851) Ruskin défend les
jeunes Préraphaélites qui font l’objet de véhémentes critiques parce que, à la
différence des peintres fidèles aux canons établis par la Royal Academy,
William Holman Hunt et John Everett Millais ont suivi à la lettre un conseil
donné aux jeunes artiste d’Angleterre dans le premier volume de Modern
Painters en 1843: «Ils devraient aller vers la nature en toute unicité de cœur, et
avancer avec elle, laborieux et confiants, n’ayant d’autre pensée que celle de
pénétrer le mieux son sens, sans rien rejeter, sans rien sélectionner, sans rien
mépriser» (Ruskin 1981: iii)7. Les Préraphaélites entretiennent une justesse
dans le rapport à la création qui leur donne la liberté d’être sincères. Liberté
qui n’est pas une activité de tout repos. Les biographies des Préraphaélites
témoignent des difficultés que cette liberté leur imposa. Condition que Fabio
Camilletti décrit en empruntant une expression à Percy Shelley et citant Hand
and Soul, texte sur lequel nous reviendrons plus loin:

        Unacknowledged legislators of their own time […] these painters/poets
     have witnessed the failure of their own very private revolutions, through a
     combination of “circumstances” and the “extraordinary purpose of
     fortune born with the lives of some few” who, by gaining preeminence in
     official historiographies of literature and art, have unavoidably
     condemned “any who went before” to be “remembered as… shadows…,
     and the voices which prepared [their] way in the wilderness”. 8 (Camilletti
     2019: 69)




7       1851 est l’année de la préface citée. «They should go to nature in all singleness
of heart, and walk with her laboriously and trustingly, having no other thought but
how best to penetrate her meaning, rejecting nothing, selecting nothing, and scorning
nothing». La citation se trouve dans John Ruskin, Modern Painters vol. I, Londres,
George Allen, 1904 [1843]: 448.
      8 «Législateurs non reconnus de leur époque […] ces peintres/poètes ont vu
l’échec de leurs révolutions très privées, par une combinaison de “circonstances” et


                                                                                          227
Francesca Manzari, «La plus noble peinture est un poème peint»



      Camilletti montre comment les trajectoires de vie marginales dans
l’histoire de la littérature et des arts qui furent celles des Préraphaélites
motivent le rapport que ceux-ci entretiennent avec l’œuvre de Giorgio Vasari.
Dante Gabriel Rossetti critique la narration de l’histoire des arts accomplie par
Vasari. Celle-ci aurait empêché l’art italien précédant Cimabue d’être
considéré à sa juste valeur. Vasari aurait en effet masqué son foisonnement
sous l’expression réductrice de «vecchia maniera greca», style grec ancien
(Camilletti 2019: 103-113). Prenant le contre-pied de Vasari, Rossetti abolit la
Renaissance pour revivre le Moyen-Âge9.
      Se présentant lui-même comme un poète avant tout, «a poet, primarily»
(Doughty 1975: 849), Dante Gabriel Rossetti vit le rapport à la poésie de Dante
et du Doux Style Nouveau, Dolce Stil Novo, comme un héritage culturel qui
d’emblée fera de lui une exception dans le milieu artistique anglais. Fils d’un
poète italien émigré à Londres, Gabriele Pasquale Giuseppe Rossetti, et de
Frances Polidori, la fille d’un homme de lettres toscan, Gaetano Polidori, qui
partit vivre à Londres après avoir été, pendant quelques années, le secrétaire
de Vittorio Alfieri, Dante Gabriel Rossetti, ses deux sœurs, Maria Francesca,
Christina Georgina et son frère, William Michael, grandissent dans l’amour de
la poésie toscane des XIIIe et XIVe siècles. Maria Francesca, deviendra critique
littéraire et écrira un ouvrage sur Dante, The Shadow of Dante ; William Michael
traduira l’Inferno10. Quelque chose qui est de l’ordre d’une trajectoire de vie lie
Rossetti à Dante. Cette trajectoire est choisie puisque le poète inverse l’ordre
de ses prénoms pour faire figurer celui de Dante avant Gabriel. Ce choix est un


“l’extraordinaire volonté de la fortune née avec les vies de rares élus” qui, en
accédant au premier plan dans les historiographies officielles de la littérature et des
arts ont inévitablement condamné “tous leurs prédécesseurs” à n’être que “le
souvenir… des ombres… et des voix qui préparaient [leur] venue dans le désert”».
9
        Comme le remarque justement Giuliana Pieri, l’intérêt des artistes anglais
pour le Moyen Âge italien et de façon particulière pour l’œuvre de Dante remonte à
une époque précédant celle des Préraphaélites. Ce sont en effet les Préromantiques
qui se passionnent pour l’œuvre de Dante et qui inaugurent une tradition qui n’est
toujours pas tarie (Pieri 2007: 110).
10      En 1865, mais déjà en 1861, Dante Gabriel cite les traductions de son frère
dans son anthologie.


228
                                               Between, vol. VIII, n. 15 (Maggio/May 2015)



choix de vie et Rossetti consacre à la vie des poètes toscans du Doux Style
Nouveau une étude approfondie, sous la forme de microbiographies, qu’il
publie en introduction de sa propre traduction de la Vita Nuova. L’intention est
ouvertement biographique: le poète considère qu’une présentation de la vie de
Dante et de ses amis permettra d’éviter les notes explicatives qui alourdissent
toutes les éditions, italiennes ou anglaises, de la poésie médiévale toscane: les
poèmes sont confiés, «bien que dans un idiome nouveau» (Rossetti 1914:
145)11, libérés de notes et d’alourdissements, dans une forme qui puisse être
comprise seulement en connaissance des épisodes saisissants de la vie des
poètes qui les composèrent. Rossetti ne se cantonne pas aux références
biographiques données par Boccaccio, il étudie La Chronique des événements
survenant à son époque de Dino Compagni et le Pecorone de Giovanni
Fiorentino. L’idée est de mettre en avant le lien indissoluble qui unit les
trajectoires de vies des poètes étudiés et la valeur de leur expression poétique,
de façon à ce qu’il soit possible de parler d’un premier niveau de traduction
intersémiotique, comme le passage des événements de la vie à la composition
de poèmes traduits du toscan vers l’anglais et faisant revivre le souffle de la
poésie toscane des XIIIe et XIVe siècles.
      La vie de Rossetti connaît également une double traduction, en poésie et
en peinture. Toujours dans l’introduction à sa traduction de la Vita Nuova, il
écrit: «d’un bout à l’autre de la Vita Nuova, existe une tension comme le
premier murmure tombant qui rejoint l’oreille dans un champ reculé, et qui
nous prépare à regarder la mer» (ibid.: 146)12. C’est ainsi que le poète anglais
décrit ce que la jeunesse est à la vie: tension vers un murmure qui prépare à
regarder l’horizon. Il ne s’agit pas d’une claire indication, la jeunesse n’a pas
l’assurance de la bonne direction à suivre. L’oreille tendue pour percevoir le
murmure restitue autrement l’affirmation de Beatrice, dans le chant XXX du
Purgatoire: la Vita Nuova murmure la direction à suivre pour parvenir à la mer.
Ce murmure est virtuellement la vie et la poésie à venir, justement parce qu’ici



11    «Though in a new idiom».
12    «Throughout the Vita Nuova there is a strain like the first falling murmur
which reaches the ear in some remote meadow, and prepares us to look upon the
sea».


                                                                                      229
Francesca Manzari, «La plus noble peinture est un poème peint»



le signifiant ‘vita’, vie, est pour Dante le récit de ce qui lie la vie à la poésie.
Bien que Boccaccio raconte que Dante avait honte de cette œuvre de jeunesse,
pour Rossetti, «il est vrai que la Vita Nuova est un livre que seule la jeunesse
aurait pu écrire, et qui doit essentiellement demeurer sacré auprès des jeunes
gens» (ibid.)13.
      Rossetti décide de traduire les poètes toscans cinq ans avant de rencontrer
Elizabeth Siddal en 1850. En effet, comme l’affirme Jerome McGann dans le
commentaire qui accompagne l’anthologie de D. G. Rossetti, dans The Rossetti
Archive, le travail de préparation à la traduction commence en 1845, peut-être
même dès 1843, sans objectif programmatique, mais il devient très rapidement
le fondement du projet préraphaélite. D. G. Rossetti écrit une longue lettre à
Leigh Hunt, traducteur de littérature italienne et pour cela source
d’inspiration pour Rossetti, dans laquelle il illustre le programme artistique
qui trouve son origine en la traduction de textes de poètes toscans du Moyen
Âge. Il paraît toutefois important de souligner que D. G. Rossetti épouse
Elizabeth Siddal en 1860, et que l’anthologie paraît en 1861 comme s’il
s’agissait de l’accomplissement d’une double traduction, du toscan à l’anglais
et de la poésie à la vie. Le travail sur la Vita Nuova pourrait être conçu comme
transposition d’une période particulière de la vie de Rossetti qui a trouvé sa
Beatrice et en fait part à ses confrères. La rencontre avec Lizzy change la vie du
poète à un point tel qu’il est désormais possible de réécrire la Vita Nuova dans
un nouvel idiome, parce que les mots du poème ne sauraient être sincères sans
être vécus. Le lien indissoluble entre la vie et l’œuvre, la nécessité pour l’artiste
de traduire la vie en œuvre est déjà décrit comme idéal esthétique à la fin des
années 1840.
      Hand and Soul est le titre d’une nouvelle écrite par Rossetti en 1949, un an
avant la rencontre avec Lizzy, et publiée en 1869 à compte d’auteur pour les
amis. Le texte a été défini par la critique comme le manifeste du mouvement
préraphaélite, en ceci qu’il contient les éléments les plus saisissants de
l’esthétique du poète et de la Confrérie. Outre les interprétations célèbres de
Hand and Soul, parmi lesquelles la lecture de Jerome McGann pour qui le texte



13    «It is true that the Vita Nuova is a book which only youth could have
produced, and which must chiefly remain sacred to the young […]».


230
                                                 Between, vol. VIII, n. 15 (Maggio/May 2015)



est «entre autres, une critique incisive des Vies des artistes de Vasari14»
(McGann 2004: 180), il serait possible d’avancer l’hypothèse que la nouvelle
soit un récit autobiographique. Il s’agit d’une écriture autobiographique, plus
exactement ‘autographique’: une tentative de vivre-écrire, d’accéder à la «vraie
vie» par la création artistique. Le narrateur et le personnage de la nouvelle
sont tous les deux des doubles du poète, le narrateur est un contemporain de
Rossetti, le personnage un artiste nommé Chiaro, qui vit à Pise au XIII e siècle.
Le premier raconte l’histoire de la vie d’un peintre qui est son précurseur et
qui incarne, au XIXe siècle, l’idéal de l’artiste du Moyen-Âge. Rossetti qualifie
de «métaphysique» cette histoire qui permet de comprendre ce que les
Préraphaélites appellent «Truth to Nature» et qui n’a justement rien à voir
avec le réalisme. Rossetti donne forme, par le dispositif de la nouvelle, à sa
condition d’artiste vivant le XIXe siècle avec un cœur du XIIIe, et comme au
XIIIe siècle le mot cœur n’est pas ici une métaphore (Agamben 1998: 207-219).
      L’histoire raconte les années de jeunesse de Chiaro dell’Erma, un peintre
si sensible qu’il s’évanouit devant la beauté d’un coucher de soleil, qui ne
trouve pas de maître à la hauteur de son idéal artistique et s’aperçoit, après
des années d’enfermement, de solitude et de dur labeur, qu’il a poursuivi une
vaine beauté. Il se tourne alors vers son âme et décide de suivre un idéal de
perfectionnement moral qui élèverait ceux qui poseraient les yeux sur ses
peintures. L’abstraction l’éloigne alors du monde. Il perd ses admirateurs. Les
critiques continuent de l’aimer, mais à tort – dit le narrateur – parce que sa
main manque de passion. Un jour de fête religieuse à Pise, alors que tous les
habitants de la ville sortent dans les rues pour les festivités, Chiaro assiste de
sa fenêtre à un violent affrontement entre deux familles rivales de la ville. La
confusion causée par le bruit des épées et le sang versé fait surgir un
questionnement dans l’esprit de l’artiste sur la possibilité que son âme soit
habitée par un diable sans qu’il s’en aperçoive. Soudain, alors qu’il pleure,
replié sur lui-même, souffrant de sa condition, un émerveillement surgit en
lui, il lève les yeux et aperçoit une dame dans sa chambre, habillée en vert et
gris selon la mode de l’époque:




14
      «Among other things, a trenchant critique of Vasari’s Lives of the Painters».


                                                                                        231
Francesca Manzari, «La plus noble peinture est un poème peint»



         It seemed that the first thoughts he had ever known were given him as
      at first from her eyes, and he knew her hair to be the golden veil through
      which he beheld his dreams. Though her hands were joined, her face was
      not lifted, but set forward ; and though the gaze was austere, yet her
      mouth was supreme in gentleness. And as he looked, Chiaro's spirit
      appeared abashed of its own intimate presence, and his lips shook with
      the thrill of tears ; it seemed such a bitter while till the spirit might be
      indeed alone. She did not move closer towards him, but he felt her to be as
      much with him as his breath. He was like one who, scaling a great
      steepness, hears his own voice echoed in some place much higher than he
      can see, and the name of which is not known to him. As the woman stood,
      her speech was with Chiaro: not, as it were, from her mouth or in his ears ;
      but distinctly between them. ‘I am an image, Chiaro, of thine own soul
      within thee. See me and know me as I am’. (Rossetti 1869: 15)

      La dame-âme invite le peintre à chercher «sa propre conscience (non pas
celle de [son] esprit, mais celle de [son] cœur)» (ibid.: 14).
      L’histoire contient des citations de trois épisodes de la vie de Dante telle
que le poète la raconte dans la Vita Nova et dans la Comédie. Nous
reconnaissons l’épisode du chant XXX du Purgatoire décrit plus haut, le
sentiment de la présence de la dame, le regard sévère de celle-ci, les mots
exhortant le poète à poursuivre un idéal de noblesse de cœur. L’apparition de
la dame dans la chambre du poète renvoie à l’épisode de l’apparition de la
«dama gentile» dans la Vita Nova (§ 24). Les mots prononcés par la dame-âme
de Chiaro sont une transposition de la problématique du sonnet Gentil pensero
che parla di vui (§ 27.5) de la Vita Nova où Dante présente la dichotomie
âme/cœur, à savoir raison/appétit:

         In questo sonetto fo due parti di me, secondo che li miei pensieri erano
      divisi. L’una parte chiamo core, cioè l’appetito ; l’altra chiamo anima, cioè
      la Ragione ; e dico come l’uno dice coll’altro. E che degno sia di chiamare




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                                                    Between, vol. VIII, n. 15 (Maggio/May 2015)



     l’appetito cuore, e la Ragione anima, assai è manifesto a coloro a cui mi
     piace che ciò sia aperto.15 (Dante 2016)

     La dame-âme invite Chiaro à suivre le cœur, l’appétit, ὄρεξις, le cordis
appetitus qui est mentionné dans le commentaire de l’Anonime Giele (Corti
1983: 22) au De anima d’Aristote. Cet appétit, qui est «une sorte de désir»
(Aristote 2010: III, x, 25), est παρὰ τὸν λογιςμόν, parfois opposé à la raison,
comme dans la dichotomie proposée par Dante dans le sonnet Gentil pensero
che parla di vui, et qui était connue des initiés aux théories médico-
philosophiques, «coloro a cui piace che ciò sia aperto». Pendant que Chiaro
pleure dans les cheveux d’or de la dame âme, celle-ci lui dit «work from thine
own heart, simply», «travaille à partir de ton cœur, simplement» (Rossetti
1869: 17). En d’autres mots, le travail doit être accompli dans une fidélité au
désir. Or dans le De anima, Aristote juxtapose désir et imagination, φαντασία,
lorsqu’il dit que si l’intellect, la raison, est toujours juste, «le désir et
l’imagination peuvent être droits ou erronés» [«Νοῦς μὲν οὖν πᾶς ὀρθός ἐστιν·
ὄρεξις δὲ καὶ φαντασία καὶ ὀρθὴ καὶ οὐκ ὀρθή» 433a]. Au sujet de
l’imagination, Aristote décrit une opposition analogue:

        428a Εἰ δή ἐστιν ἡ φαντασία καθ' ἣν λέγομεν φάντασμά τι ἡμῖν
     γίγνεσθαι καὶ μὴ εἴ τι κατὰ μεταφορὰν λέγομεν, <ἆρα> μία τις ἔστι
     τούτων δύναμις ἢ ἕξις καθ' ἃς κρίνομεν καὶ ἀληθεύομεν ἢ ψευδόμεθα ;
     τοιαῦται δ' εἰσὶν αἴσθησις, δόξα, ἐπιστήμη, νοῦς.

        428a Si donc l’imagination est la faculté en vertu de laquelle nous
     disons qu’une image se produit en nous, et si nous laissons de côté tout
     usage métaphorique du terme, nous dirons qu’elle est seulement une




15
       «Dans ce sonnet je représente moi-même en deux parties, suivant la manière
dont mes pensées étaient divisées. J’appelle cœur l’une de ces parties, à savoir
l’appétit ; l’autre, je l’appelle âme, à savoir la Raison ; et je dis comment l’un dispute
avec l’autre. Et qu’il soit juste d’appeler cœur l’appétit, et âme la Raison, c’est
suffisamment manifeste pour ceux auxquels il me plaît que ce le soit» (Traduction de
Jean-Charles Vegliante 2011).


                                                                                           233
Francesca Manzari, «La plus noble peinture est un poème peint»



      faculté ou un état par quoi nous jugeons et pouvons être dans la vérité ou
      dans l’erreur. (Aristote 1846)

      Dans Stanze, Giorgio Agamben cite le Colliget d’Averroès pour rappeler
que le lieu de l’imagination est le cœur: «le lieu et la racine du sens commun
sont dans le cœur, il s’ensuit que le lieu de la vertu imaginative est
nécessairement dans le cœur» (Averroès 1552, ch. X). Agamben rappelle que
dans le Philèbe, l’imagination, φαντασία, peint dans l’âme des «icônes» qui
sont également appelées φαντάσματα, des fantasmes, «peintures dans l’âme»
(Agamben 1998: 124-125)16. La dame âme demande à Chiaro de peindre son
appétit, son désir. Agamben montre que, déjà chez Platon, «ni plaisir ni désir
ne sont possible sans “cette peinture dans l’âme”» (ibid.: 124-125). Chiaro est
invité à peindre ses φαντάσματα et donc la dame qui lui apparaît dans sa
chambre.
      Certains vers de Dante, tirés du chant XXIV du Purgatoire de la Divine
Comédie fonctionnent tels une introduction à la poétique du Dolce Stil Novo. Au
poète lucquois Bonagiunta Orbicciani qui lui demande si c’est bien lui qui
composa les rimes ‘nouvelles’ qui commencent par «Dames qui avez
intelligence d’Amour» «Donne ch’avete intelletto d’amore», Dante répond «I’
mi son un che, quando / Amor mi spira, noto, e a quel modo / ch’e’ ditta
dentro vo significando» – «Je suis homme qui, lorsque / souffle Amour, prends
en note, et de la sorte / vais signifiant ce qu’il dicte en mon âme» (vv. 52-54)
(ibid.: 218). À quoi Bonagiunta répond:

         “O frate, issa vegg’io”, diss’elli, “il nodo
         che ‘l Notaro e Guittone e me ritenne
         di qua dal dolce stil novo ch’i’ odo!
         Io veggio ben come le vostre penne
         di retro al dittator sen vanno strette,
         che de le nostre certo non avvenne ;
         e qual più a gradire oltre si mette,


16     Sur la question des icônes, voir l’étude de Fabio Camilletti qui montre le lien
entre la Figura mistica de Chiaro dell’Erma et le caractère mystique des icônes
byzantines (Camilletti 2019: 117-120).


234
                                                  Between, vol. VIII, n. 15 (Maggio/May 2015)



       non vede più da l’uno e l’altro stilo” ;
       e, quasi contentato, si tacette.

      Les mots prononcés par Dante sonnent tellement clairs aux oreilles du
poète lucquois, qu’immédiatement il dit percevoir la distance qui sépare le
Notaire, Jacopo da Lentini, poète sicilien, Guittone D’Arezzo, poète toscan et
lui-même des poètes du Doux Style Nouveau. Bonagiunta comprend que les
plumes des poètes «modernes» écrivent littéralement, «s’en vont serrées», ce
que leur dicte Amour. Il n’en va pas de même dans la poésie des «anciens» qui
tombe «dans l’abus d’une vaine rhétorique et d’un langage rude et
conventionnel» (Bec 1993: 8), qui demeure dans la tradition provençale et
empêche la distinction entre les styles des différents poètes. Celui qui
outrepasse ce partage ne voit aucune différence supplémentaire17.
      Selon Agamben, le tercet des vers 52 à 54, amplement commenté dans la
tradition philologique occidentale, recèle la clé d’interprétation non seulement
de la poétique du Doux Style Nouveau, mais également du rapport que le
désir entretient avec la composition poétique en Occident, à condition de lire
les signifiants qui le composent pour leur sens littéral. Celui-ci précède en effet
les acceptions métaphoriques que le mot spirare, inspirer, a progressivement
acquises dans les langues européennes modernes: «Dante caractérise […]
l’expression poétique comme une dictée prise sous l’“inspiration” de l’amour.
Il ne s’agit pas là simplement d’une intuition personnelle, ni d’un art poétique:
[…] Dante replace la théorie du langage à l’intérieur de [la] doctrine pneumo-
fantasmatique» (Agamben 1998: 22) qui jouait un rôle fondamental dans la
poésie lyrique. Ici, le verbe ‘spirare’ renvoie à la circulation pneumatique. La
parole poétique du Doux Style Nouveau est le lieu où le désir tendant vers son
objet «peut trouver un apaisement» par réciprocité du désir. L’objet est peint
dans l’âme du poète, ainsi «la pratique poétique permet en effet à Narcisse de
s’approprier son image et de satisfaire son “fol amour”, le fantasme générant
le désir» (ibid.: 216). Comme le souligne Enrico Fenzi dans un texte sur La



17      Fabio Camilletti appelle la problématique de la rencontre entre Bonagiunta
Orbicciani et Dante «the dialectic between forerunners and later poets», «la
dialectique des précurseurs et des successeurs» (Camilletti 2019: 109).


                                                                                         235
Francesca Manzari, «La plus noble peinture est un poème peint»



Canzone d’amore di Guido Cavalcanti, à partir des paragraphes 15 et 16 de la Vita
Nova, «le personnage d’Amour disparaît, parce que, à partir de là, Beatrice en
prend directement la place, de telle sorte que la passion [le désir] coïncide
désormais avec l’objet et l’agent de la passion même» (Fenzi 2015: 28-29)18.
Dante hypostasie Amour en Beatrice, et de même Rossetti en Elizabeth: la
nature d’amour en la nature de l’objet aimé (ibid.: 29).
      Ainsi la nouvelle Hand and Soul permet-elle de comprendre l’expression
Truth to nature, qui caractérise le geste pictural et poétique préraphaélite, dans
un sens qui est proche de la philosophie naturelle médiévale et non pas de
celui du réalisme du XIXe siècle. Il faut entendre ici l’expression comme
l’attribut de ce qui est ‘unvarnished’, sans vernis, honnête, d’une honnêteté
venant du cœur qui place les artistes préraphaélites au service des autres et
avant tout au service de la Confrérie et de tous ceux qui aiment l’art. C’est
ainsi que l’art acquiert une fonction sociale, en produisant la rencontre avec
l’âme qui est en nous. La conclusion de la nouvelle explicite cette idée de
Rossetti. Le narrateur, qui se trouve à Florence, en 1847 au Palazzo Pitti, est ravi
par un tableau de petites dimensions. Celui-ci est placé juste au-dessous d’un
célèbre Raphaël, le Berrettino19:

         The picture I speak of is a small one, and represents merely the figure of
      a woman, clad to the hands and feet with a green and grey raiment, chaste
      and early in its fashion, but exceedingly simple. She is standing: her hands
      are held together lightly, and her eyes set earnestly open.
         The face and hands in this picture, though wrought with great delicacy,
      have the appearance of being painted at once, in a single sitting: the
      drapery is unfinished. As soon as I saw the figure, it drew an awe upon
      me, like water in shadow. I shall not attempt to describe it more than I



18       La traduction est la nôtre: «il personaggio di Amore scompare, perché, da qui
in avanti, Beatrice ne prende direttamente il posto, si che la passione è ormai fatta
coincidere con l’oggetto e l’agente della passione stessa».
19
         Le tableau bien entendu n’existe pas, mais Fabio Camilletti a retrouvé dans
l’un des catalogues de la Galerie Pitti, celui de la chambre Prométhée, une «Testa
virile con berretto rosso», «Tête d’homme au béret rouge» et un «Ritratto femminile»
«Portrait de femme», les deux par des artistes non identifiés (Camilletti 2019: 97).


236
                                                 Between, vol. VIII, n. 15 (Maggio/May 2015)



     have already done ; for the most absorbing wonder of it was its literality.
     You knew that figure, when painted, had been seen ; yet it was not a thing
     to be seen of men. This language will appear ridiculous to such as have
     never looked on the work ; and it may be even to some among those who
     have. On examining it closely, I perceived in one corner of the canvass the
     words Manus Animam pinxit, and the date 1239. (Rossetti 1869: 19).

      Par la formule d’une main qui peindrait l’âme, Rossetti transpose les vers
du chant XXIV du Purgatoire. Le peintre aimait dire «la plus noble peinture est
un poème peint», mais pour atteindre un accomplissement semblable, le poète
peintre doit trouver son âme, la regarder pour la peindre. C’est ce qui explique
que Rossetti ait dit, en rencontrant Elizabeth Siddal, qu’il ne peindrait plus
qu’elle, dont il reconnaissait le visage pour l’avoir déjà peint dans son âme.
      Au sujet de la séparation entre cœur et intellect, Agamben explique qu’il
ne faut pas se méprendre au sujet d’une prétendue séparation rigoureuse dans
la culture médiévale entre l’amour, situé dans la partie sensitive, et l’intellect
possible : en effet, les deux ne sont pas séparés en ceci que l’intellect possible
s’unit à l’individu par l’intermédiaire du fantasme qui est aussi origine et objet
de l’expérience amoureuse: «ce n’est que dans la culture médiévale que le
fantasme apparaît au premier plan comme origine et objet d’amour, et le
domaine de l’éros se déplace alors de la vision à l’imagination» (Agamben
1998: 137).
      Origine et objet, dit Agamben, dans le fantasme qui est, tout à la fois,
copule entre l’individu et l’intellect possible et origine d’amour. En rappelant
le célèbre passage du Philèbe où il est question du «peintre, qui vient après
l’écrivain et dessine dans l’âme les images correspondant aux paroles » [39a]
(Platon 1941), Agamben rappelle que cet artiste est l’imagination, φαντασία.
Or, comme cela a déjà été dit plus haut, dans le Philèbe, ces images acquièrent
aussi le nom de «fantasmes » φαντάσματα, [40a] (Agamben 1998: 122-124).
Agamben cite un passage du De memoria qui résume la théorie platonicienne
de la peinture dans l’âme et attire l’attention sur le fait que le mot employé ici
par Aristote est ζωγράφημά qui vient de ζωγράφέω et qui veut dire «peindre
d’après nature». Ce qui conforte encore l’interprétation, qui est ici formulée,
selon laquelle l’expression préraphaélite Truth to Nature recèle une acception
dantesque et, via Dante, aristotélicienne:



                                                                                        237
Francesca Manzari, «La plus noble peinture est un poème peint»



         450a Δῆλον γὰρ ὅτι δεῖ νοῆσαι τοιοῦτον τὸ γιγνόμενον διὰ τῆς
      αἰσθήσεως ἐν τῇ ψυχῇ καὶ τῷ μορίῳ τοῦ σώματος τῷ ἔχοντι αὐτήνοἷον
      ζωγράφημά τι [τὸ πάθος] οὗ φαμεν τὴν ἕξιν μνήμην εἶναι· ἡ γὰρ
      γιγνομένη κίνησις ἐνσημαίνεται οἷον τύπον τινὰ τοῦ αἰσθήματος͵
      καθάπερ οἱ σφραγιζόμενοι τοῖς δακτυλίοις.

         450a Évidemment on doit croire que l'impression qui se produit par
      suite de la sensation dans l'âme, et dans cette partie du corps qui perçoit la
      sensation, est analogue à une espèce de peinture, et que la perception de
      cette impression constitue précisément ce qu'on appelle la mémoire. Le
      mouvement qui se passe alors empreint dans l'esprit comme une sorte de
      type de la sensation, analogue au cachet qu'on imprime sur la cire avec un
      anneau (Aristote 1847).

      Rossetti commence, immédiatement après avoir rencontré Elizabeth
Siddal, Lizzy, en 1851, de dessiner des croquis d’elle en Beatrice. Ceux-ci
deviendront par la suite la célèbre série Beata Béatrix. C’est pour le peintre
poète l’accomplissement d’un rêve, celui de redoubler l’expérience
biographique de Dante par la sienne, dans une union indissoluble de l’âme et
de la peinture, selon la formule «manus animam pinxit»20. Elizabeth meurt en
1862, d’une dose excessive de laudanum. Le poète retrouve les croquis et
commence le tableau après sa mort. Sa première version sera terminée en
187021. Il en existe six versions, différentes les unes des autres, dont la plus
célèbre est celle qui fut réalisée pour William Graham, qui se trouve au Art
Institute of Chicago. Un poème du recueil The House of Life accompagne le
tableau.
      Beatrice est assise sur le balcon de la demeure de son père à Florence. Elle
est peinte à contre-jour, les yeux fermés, le menton relevé et la tête légèrement
en arrière. L’observateur est placé à l’intérieur de la chambre qui ouvre sur la
ville qu’on aperçoit au loin, avec le pont sur l’Arno. Beatrice a posé le dos de


20      Pour l’interprétation de cette formule, voir également l’étude accomplie par
Fabio Camilletti (Camilletti 2019: 139-150).
21      Les études pour le tableau commencent très probablement en 1856 (The
Rossetti Archive).



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                                                 Between, vol. VIII, n. 15 (Maggio/May 2015)



ses mains sur ses genoux. Elles retombent sur la robe rouge et semblent
accueillir de façon involontaire des coquelicots rouges qu’une colombe au
plumage rose lui apporte. Ses ailes se replient, comme si l’oiseau était sur le
point de se poser sur le manteau vert que la dame porte par-dessus la robe
rouge. Les coquelicots, fleurs de pavot, symbolisent à la fois la raison de la
mort d’Elizabeth et la chasteté de Beatrice. Dans l’arrière-plan, Dante regarde
Amour. Celui-ci serre dans les mains un cœur en flammes. Il se dirige vers
l’extérieur du tableau et semble suggérer au poète de le suivre.
      Rossetti figure la mort de sa bien-aimée, «comme un transfert d’un état à
un autre» (Roussillon 2008: 158). Les mains abandonnées, les paupières
lourdement fermées et la bouche ouverte symbolisent le passage de Beatrice à
une vie céleste, mais aussi, la série de Beata Beatrix fonde un nouveau départ
dans l’art du poète. Elle annonce le passage à «un art total qui englobe
peinture et poésie, et définit les nouveaux rapports entre l’art et le monde que
Rossetti tente de tisser à partir de la publication de ses poèmes en 1870» (ibid.:
161), comme l’écrit Laurence Roussillon-Constanty. Le sonnet composé pour
accompagner le tableau n’est pas ici une transposition du portrait, ni sa
didascalie, mais il fonctionne comme extension du dispositif pictural. Il
indique l’accomplissement de l’idéal artistique. L’âme peinte est celle à
laquelle on revient.

       THE PORTRAIT

       Lord of all compassionate control,
     O Love! let this my lady's picture glow
     Under my hand to praise her name, and show
     Even of her inner self the perfect whole:
     That he who seeks her beauty's furthest goal,
     Beyond the light that the sweet glances throw
     And refluent wave of the sweet smile, may know
     The very sky and sea-line of her soul.

     Lo! it is done. Above the long lithe throat
     The mouth's mould testifies of voice and kiss,
     The shadowed eyes remember and foresee.
     Her face is made her shrine. Let all men note


                                                                                        239
Francesca Manzari, «La plus noble peinture est un poème peint»



      That in all years (O Love, thy gift is this!)
      They that would look on her must come to me.

          Dante Gabriel Rossetti, «The Portrait»

      Le poète s’adresse à Amour et le supplie de faire resplendir l’image de la
dame sous son pinceau pour que celui-ci compose la louange de son nom et
dévoile la perfection de son intériorité. Celui qui cherche à percevoir le dessein
ultime de sa beauté au-delà de la douceur enchanteresse de son regard pourra
connaître le ciel et l’horizon de son âme. Mais c’est déjà fait: «it is done!» Le
peintre y est parvenu. La forme de la bouche restitue la voix et les baisers. Le
visage de Beatrice devient son sanctuaire. Ainsi, de tous temps, les hommes
qui souhaiteront la regarder devront-ils se tourner vers le poète.
      L’accomplissement de l’idéal poétique et pictural décrit dans le sonnet est
celui du programme qui avait été annoncé par la dame âme à Chiaro dans la
nouvelle Hand and Soul. La dame invite le peintre à regarder et à reconnaître sa
propre âme («I am an image, Chiaro, of thine own soul within thee. See me
and know me as I am»). Le sonnet The Portrait invite désormais l’observateur à
chercher auprès de lui la beauté de son âme. En cela consiste le don d’Amour
(«O Love, thy gift is this!»), en la possibilité pour le poète de reconnaître, en
l’objet de son désir, le poème peint dans son âme, à savoir celui que lui seul est
en mesure d’écrire et qui est sa propre contribution authentique à l’idéal
artistique et intellectuel.




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                                                Between, vol. VIII, n. 15 (Maggio/May 2015)




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Francesca Manzari, «La plus noble peinture est un poème peint»



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                                             L’autrice
Francesca Manzari

Francesca Manzari, Maître de conférences en littérature générale et comparée,
spécialiste de poésie médiévale et contemporaine, notamment dans les domaines
italien, français et américain, s'intéresse plus particulièrement aux relations entre
littérature et philosophie, telles qu'elles se sont nouées en Toscane au XIIIe siècle, et
renouées dans la poésie moderniste du XXe siècle. Auteur d'une thèse qui porte sur




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                                                  Between, vol. VIII, n. 15 (Maggio/May 2015)



l'ensemble de l'œuvre de Derrida, elle mène son travail d'enseignement et de
recherche dans l'héritage de la French Theory et de la psychanalyse.
Elle dirige à l'université d'Aix-Marseille le master de traduction littéraire et
codirige le master de Littérature et Psychanalyse (parcours LIPS du master Lettres).

Email: francesca.manzari@univ-amu.fr



                                     L'article
Date sent: 15/07/2020
Date accepted: 20/10/2020
Date published: 30/11/2020



                         Comment citer cet article
Manzari, Francesca, “«La plus noble peinture est un poème peint»: traduire
pour peindre. Dante Gabriel Rossetti lecteur de Dante”, Transmediality /
Intermediality / Crossmediality: Problems of Definition, Eds. H. J. Backe, M. Fusillo,
M. Lino, with the focus section Intermedial Dante: Reception, Appropriation,
Metamorphosis, Eds. C. Fischer and M. Petricola, Between, X.20 (2020),
www.betweenjournal.it




                                                                                         243
