Spaced out. Narrating space with images
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Between si avventura nel campo, vasto e insidioso, dello studio dei fumetti. Lo fa dando spazio, per la progettazione e la cura di questo numero, alla collaborazione, attiva dal 2015 in questo ambito di ricerca, tra studiosi dell’Università di Cagliari, dell’Università di Bologna, dell’Université Paris Nanterre e dell’Accademia delle Belle Arti di Bologna. Nella condivisione di interessi, prospettive di studio e pratiche creative, i membri di questo piccolo sodalizio hanno tratto di che alimentare una vivace attività di ricerca e hanno saputo dare vita ad alcune importanti occasioni di incontro e di confronto dedicate al fumetto, come le giornate di studio Storie lievi, nel 2015 e nel 2016.
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it
Lucia Quaquarelli
Between
Spaced out. Raccontare lo spazio con le immagini
Text.Serial.Journal
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Introduction
2018-05-30
2018-12-13
2018-07-10
2018-12-13
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Lucia Quaquarelli
2018/05/30
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Raccontare lo spazio con le immagini1
 Giovanni Vito Distefano - Marina Guglielmi - Lucia Quaquarelli


1. Con il numero che vi apprestate a leggere Between si avventura nel
campo, vasto e insidioso, dello studio dei fumetti. Lo fa dando spazio,
per la progettazione e la cura della rivista, alla collaborazione, attiva dal
2015 in questo ambito di ricerca, tra studiosi dell’Università di Cagliari,
dell’Università di Bologna, dell’Université Paris Nanterre e
dell’Accademia delle Belle Arti di Bologna.
      Sarebbe anacronistico rivendicare per le attività di questo sodalizio
di ricerca, così come per l’interesse di Between in questa direzione,
intenzioni programmaticamente innovative, mirate a sancire la dignità
e l’autorevolezza del fumetto quale ‘serio’ oggetto di studio accademico.
Le iniziative dedicate ai fumetti nell’ambito della ricerca accademica
(progetti e gruppi di ricerca, convegni, pubblicazioni) e dell’attività
istituzionale universitaria (corsi e insegnamenti; biblioteche e altri enti
di conservazione e diffusione) sono infatti oggi (anche) in Italia
numerose. Tanto da non rendere conveniente, in questa sede, alcun
bilancio complessivo, per quanto di massima o provvisorio.

      Nel loro insieme, i saggi raccolti in questo numero dimostrano la
stretta inerenza dello studio dei fumetti a una ricerca di impostazione
comparatistica, caratterizzata ‘per statuto’ da un orizzonte ampio e
diversificato di oggetti di studio e di approcci metodologici. Aspetti



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       Questa introduzione deve considerarsi il frutto di un lavoro comune; in
ogni caso la prima parte e la quarta parte sono state scritte da Giovanni Vito
Distefano, la seconda da Lucia Quaquarelli, la terza da Marina Guglielmi.



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Distefano - Guglielmi - Quaquarelli, Spaced out



rilevanti dello studio dei fumetti e tali da incrociare direttrici d’indagine
tipiche della letteratura comparata sono ad esempio:

    • alcuni problemi aperti di ordine teorico, sia in merito alla
      semiotica del fumetto (come viene semiotizzato lo spazio della
      pagina? esistono paradigmi alternativi a quello basato sulla
      sequenza di vignette?), sia relativi al sistema dei generi e delle
      forme (il dibattito annoso sulla definizione di graphic novel; la
      configurazione rigida o cangiante del sistema dei generi di
      fumetti);
    • la frequenza delle pratiche cross- e transmediali di tipo adattivo,
      intertestuale e interdiscorsivo tra fumetti e opere letterarie,
      cinematografiche e visive;
    • la produttività nello studio dei fumetti di approcci ‘classici’ della
      comparatistica, quali, tra gli altri, la tematologia, la narratologia o,
      appunto, l’indagine della dimensione spaziale, scelta come
      argomento monografico della rivista.

      Tuttavia, se la comparatistica costituisce una porta di ingresso
privilegiata, altre discipline e altri sguardi sono chiamati in questo
numero a indagare lo spazio del/nel fumetto. Anzitutto perché
l’interrogazione dello spazio, anche nella sua articolazione discorsiva e
grafico-pittorica, taglia diagonalmente altri campi e altri saperi e, anche,
perché il fumetto si inserisce oggi più che mai in un paesaggio narrativo
complesso e in gran parte transmediale che, rinegoziando e riscrivendo
i rapporti tra i media, ci chiede di aggiornare i nostri strumenti di analisi
e forzare le barriere disciplinari.

      In un saggio del 1984, meno noto di altri ma capace di tracciare in
pochi precisi cenni i termini dello sviluppo storico dello studio dei
fumetti, Umberto Eco delineava le caratteristiche essenziali di una
scrittura critica sui fumetti che fosse finalmente “maggiorenne”, avendo
superato, o scartato, sia l’interesse “pionieristico” e “apologetico” per il
‘medium’ in quanto tale, sia la valorizzazione dei fumetti in quanto
reperti di interesse storico-sociale. Una critica maggiorenne, auspicava


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Eco, pratica un “quarto tipo” di scrittura, nella quale si parla di fumetto
senza «discutere sulle virtù o i vizi del medium-scrittura» e puntando
«l’attenzione sul “genere” (interno al medium: lirica, romanzo storico,
tragedia…) e, oltre il genere, sull’opera singola» (Eco 1983).
«Dimenticare che esiste un genere detto fumetto – concludeva Eco – e
andare alla ricerca dell’evoluzione di generi, temi, tecniche e motivi
nell’universo del medium-fumetto» (ibid.). L’orizzonte di una critica del
“quarto tipo”, che accoglie naturalmente una pluralità di differenti
prospettive di indagine, metodi e orientamenti disciplinari, facendosi
eminentemente transdisciplinare, è quello nel quale e a partire dal quale
si dispiega il contributo specifico che vi apprestate a leggere.
      Gli studi che qui presentiamo mettono “alla prova del fumetto”
alcuni approcci teorico-critici di matrice letteraria tanto quanto
semiotica o geocritica, tradizionalmente applicati ad altri oggetti di
indagine. I concetti cardine del discorso critico non specificamente
relativo al fumetto vengono dunque “sperimentati” nell’ambito della
produzione fumettistica per testarne la produttività, l’apertura di
ulteriori livelli di interpretazione, in una parola la tenuta complessiva.
Si tratta di concetti chiave quali cronotopo, rizoma, genere o serie - per
citarne solo alcuni – che convivono qui con approcci spiccatamente
intermodali e transmediali, dando vita a un panorama quanto mai
diversificato di possibilità di studio del mondo del fumetto, aperto al
complesso dei nostri sistemi culturali e alla profondità della sua
evoluzione storica.
      In alcuni casi, la potenzialità euristica di tale atteggiamento
metodologico – rigoroso, plurale, aperto – è risultata decisiva per la
stessa riflessione teorico-metodologica. Il confronto con fumetti di ricca
polisemicità e sostanziale innovatività si è rivelato infatti una
formidabile occasione per un’attenta verifica dei presupposti teorici
della ricerca, nonché uno spunto per la revisione dei paradigmi
concettuali e l’affinamento degli strumenti critici. Così accade, ad
esempio, di fronte alla costruzione sperimentale della tavola in alcune
opere di Gianni De Luca, nelle quali sono attivi meccanismi semiotici
che sopravanzano i termini della teoria mccloudiana della ‘closure’; o
ancora, di fronte a opere nelle quali il fumetto in senso stretto è parte di


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Distefano - Guglielmi - Quaquarelli, Spaced out



una progettualità complessa e compiutamente transmediale, come in
Sens di Marc-Antoine Mathieu o in Building Stories di Chris Ware.

2. Mettere alla prova e aggiornare i propri strumenti di lettura a partire
da nuovi oggetti di studio e farlo entro il quadro largo della circolazione
di temi, forme e nuclei narrativi che costituiscono oggi il paesaggio delle
storie, ci permette, con Matthieu Letourneux, di rintracciare la presenza
di “espaces-types”, caratteristici di un genere (il western nel suo caso),
costruiti su un repertorio fisso di stereotipi spaziali che alimentano e
fondano il patto seriale, sancendone l’autonomia rispetto allo spazio
‘reale’, e attraversano diversi media (fumetto, cinema, televisione,
romanzo) disegnando un universo narrativo composito.
      Il fumetto Sens di Marc-Antoine Mathieu (2014), preso in esame da
Adrien Frenay nelle sue relazioni (diegetiche, formali ed
epistemologiche) con il video-gioco S.E.N.Svr, – che del fumetto
costituisce insieme un seguito e un’espansione – rivela poi la capacità
che alcune opere hanno di interrogare la dimensione convenzionale
della rappresentazione dello spazio mettendone a nudo le strategie
grafico-discorsive. Il motivo della freccia, che attraversa l’intero volume
svolgendo di volta in volta funzioni diverse (titolo, indicatore di tempo,
indicatore di direzione spaziale, codice linguistico…) prolunga la sua
azione spaesante nella dimensione allargata del videogioco diventando
il segno della nostra interrogazione sui meccanismi ottici (e culturali) che
guidano, mediano e informano di sé la nostra percezione dello spazio e
la nostra maniera di raccontarlo.
      Sono molte le opere che tendono non solo a interrogare, ma anche
a      decostruire,    riscrivendole,     le    tradizionali      coordinate
‘rappresentazionali’ dello spazio. Mario Tirino e Lorenzo di Paola hanno
lavorato sul caso di Building Stories (2012) di Chris Ware, mettendone in
risalto l’aspetto materico, corporeo, partecipativo e multidirezionale, che
tende a stravolgere le abitudini di lettura obbligando il lettore a un corpo
a corpo con una varietà di formati e modalità di accesso alla/e storia/e
che sembra mettere in scacco, una volta per tutte, uno dei tratti distintivi
del racconto per immagini: la sequenzialità. La natura sequenziale della
narrazione grafica è problematizzata anche da Paul Fisher Davis, che


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propone un percorso attraverso diverse opere contemporanee per
mostrare, grazie a una strumentazione che gli proviene dalla semiotica
sociale, quanto sia piuttosto la stratificazione e la ripetizione (il ricorso)
dei segni grafici a costituire il fondamento narrativo intorno e sulla base
del quale i fumetti costruiscono e raccontano gli spazi. Posizione che
sembra risuonare con l’uso che la neuroscienza fa dei fumetti per la
comprensione del funzionamento del cervello umano, di cui parla
Micaela Morelli. La natura verbo-visiva della narrazione a fumetti
sembra infatti avvicinarsi più di altre alle modalità cognitive del cervello
umano, inserendosi in maniera congiunta e ricorsiva nella più larga rete
della memoria semantica.

3. Gli spazi eterotopici teorizzati da Michel Foucault ricorrono in più
interventi come chiave teorica di lettura delle rappresentazioni di luoghi
“di crisi”, in cui si rivela particolarmente complesso distinguere tra lo
stato di separatezza dal mondo che prevede l’eterotopia e lo stato
emotivo dei personaggi che in quei luoghi riconoscono la loro residenza.
      La rappresentazione dello spazio nel fumetto si interseca tanto con
elementi tematici quanto con le questioni di genere letterario. Un
esempio paradigmatico di sinergia creativa tra fumetto francofono, temi
di guerra e autobiografia è rappresentato qui dagli album dell’autrice di
origine libanese Zeina Abirached, indagati da Margareth Amatulli. Lo
spazio è letto nella prospettiva tragica della guerra e diventa un risorsa
visiva e narrativa per veicolare diversi messaggi. Il microcosmo
domestico è spazio salvifico per le persone che lo abitano e che assistono
alla riduzione progressiva delle zone abitabili della casa o ancora
percorribili della città. La pianta della casa o della città si altera
progressivamente in base al criterio della sicurezza e della
sopravvivenza dal tiro dei cecchini. Le opere grafiche dell’autrice (38, rue
Youssef Semaan, 2006; (Beyrouth) Catharsis, 2006; Mourir partir revenir. Le
Jeu des hirondelles, 2007; Je me souviens. Beyrouth, 2009; Le piano oriental,
2015) ben rappresentano come la diminuzione dello spazio sia
direttamente proporzionale alla possibilità di sopravvivenza: più è
ristretto e minore è il rischio di morire. Inversamente, con la rarefazione



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di stanze e di strade sulla tavola, sostituite da spazi bianchi, si accentua
il potenziale narrativo ed evocativo delle immagini.
      Le mappe disegnate – o mutilate – assumono nella narrazione un
alto valore simbolico e narrativo, indagato nel lavoro di Giada Peterle.
Qui l’autrice si concentra sulla ricezione che fa procedere il lettore nel
linguaggio visivo del fumetto come attraverso la lettura di una mappa.
Nell’ipotesi dell’autrice convivono diversi approcci teorici mirati
all’intersezione tra ‘comic studies’ e studi cartografici come apertura a
nuove interpretazioni del fumetto. Il campo di ricerca delle ‘comic book
geographies’ si rivela infatti proficuo per lo studio tanto delle geografie
nel fumetto quanto del fumetto. Accanto a tale prospettiva si allinea
quella delle ‘comic book cartographies’ e in particolare della cartocritica
del fumetto, che riconosce come “pratiche mappanti” le pratiche stesse
di scrittura e di lettura del fumetto. Fra i diversi ‘case studies’ proposti,
quelli di Claudio Calia (Kurdistan. Dispacci dal fronte iracheno, 2017), di
Marco Tabilio (Marco Polo. La via della seta, 2015) e di David Mazzucchelli
(Discovering America, 2017) che, come Zeina Abirached, introducono uno
sguardo critico sulla relazione tra l’apparente fissità della mappa e la
fluidità delle esistenze che vi si rappresentano. Si ribadisce così la
fertilità critica del nesso tra cartografia come visualizzazione di una
certezza ma anche come rappresentazione fluida di un’incognita
emotiva, quella degli esseri che sulla carta disegnano i loro percorsi
esistenziali e identitari.
      Della relazione fra spazio e autobiografia si occupa anche Ana
Micaela Chua Manansala studiando il nesso che il graphic novel
filippino Trese (2008-2017) instaura fra lo spazio rappresentato
graficamente, la realtà urbana della città di Manila e le modalità di
interazione dei personaggi con lo spazio. In particolare vengono
focalizzati criticamente tre tipi di eterotopia: il cimitero abitato da umani
e da ‘zombies’, gli alloggi per studenti e i sofisticati quartieri residenziali.
All’interno di queste situazioni/luoghi gli ambienti si configurano nella
tensione sociale tra privato e pubblico, resa simbolicamente
nell’opposizione tra verticalità oppositive che tendono verso l’alto
oppure verso il basso. La peculiare marginalità propria delle eterotopie



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convive nella serie Trese con la necessità di vita collettiva che ognuna
delle classi sociali esige.
      Appartiene al mondo contemporaneo adolescenziale lo spazio
eterotopico privato della stanza in cui si rinchiudono volontariamente
gli ‘hikikomori’ e i NEET indagati da Lisa Maya Quaianni e Simone
Marchisano. Anche qui la resa grafica narrativa dei luoghi domestici
pone la questione della corrispondenza con gli spazi extradiegetici,
ponendo a livello di micromondo le medesime complessità di resa del
reale affrontate dal discorso su narrazione e cartografia. Lo spazio
domestico rappresentato dagli autori giapponesi (Oiwa Kendi; Oku
Hiroya; Asanio Ino) o italiani (Zerocalcare; Raffaele Sorrentino) da una
parte determina le relazioni fra il dentro/fuori dei luoghi in cui si
muovono i personaggi e dall’altra contiene le tematiche giovanili, dalla
sessualità alla precarietà lavorativa e all’incertezza identitaria, ponendo
il suo stato di separatezza come soglia simbolica con ciò che sta oltre la
barriera protettiva della casa.
      Al contesto urbano concepito come geografia da acquisire più che
come diritto implicito dedica il suo intervento Beatrice Seligardi. La
conquista sociale degli spazi urbani da parte delle prime donne
viaggiatrici di fine Ottocento pone questioni affini che riguardano il
riconoscimento di una potenzialità del poter ‘andare’ liberamente nel
mondo. La ‘flâneuse’ è allora l’esploratrice trasgressiva di luoghi
‘inadatti’ alla donna che procede nel mondo conoscendo e attuando una
pratica sensoriale aptica, del tatto, più che della vista. Trieste e Parigi
sono qui le città simbolo della perlustrazione al femminile delle
protagoniste di due graphic novel di Vanna Vinci (Aida al confine, 2001;
Chats Noirs, Chiens Blancs, 2009), nella tensione tra storia collettiva e
storia personale dell’autrice.
      Al genere autobiografico in relazione al valore strutturale della
nozione di spazio si dedica anche Thomas Faye concentrandosi su
Beltran e Seguy, autori del Bildungsroman grafico Historias del barrio
(2011). Faye indaga le modalità grafiche e diegetiche con cui gli autori
mettono a punto una narrativa dello spazio in cui i riti di passaggio del
protagonista dall’adolescenza all’età adulta sono posti all’interno di



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precise coordinate topografiche e spaziali che investono tanto il mondo
esterno quanto l’architettura personale degli spazi dell’intimità.

4. In un numero sullo spazio nel fumetto trova naturale collocazione un
gruppo di contributi dedicati all’immaginario geografico, realistico o
liberamente reinterpretato, di una delle più celebri, o più ‘fragorose’,
patrie del fumetto mondiale. Luoghi chiave dell’auto-rappresentazione
degli Stati Uniti d’America sono indagati nei saggi di Nicola Paladin e
Giorgio Busi Rizzi, sugli spazi urbani, e in quelli di Marco Petrelli e
Matteo Pollone, sullo spazio mitico del West e della frontiera.
      Nicola Paladin esamina la dimensione narratologica dell’opera di
Eisner (The Spirit, 1940-1952; Dropsie Avenue, 1995) in un’applicazione
metodologicamente rigorosa del cronotopo bachtiniano. Trova in esso lo
strumento concettuale più adatto per mostrare come la trasfigurazione
di New York in Central City riconfiguri la città nei termini di
«un'estensività spaziale astratta», allo stesso tempo protagonista viva e
mutevole del racconto e scenario di grande duttilità narrativa. Due altri
dispositivi cronotipici ‘forti’ sono individuati da Andrea Bernardelli in
unastoria (2013) di Gipi. Il primo, un grande e frondoso albero,
costituisce un “ponte spazio-temporale” che permette alle due storie che
si intrecciano nel volume, e si svolgono in tempi diversi, di ricucirsi
intorno allo spazio della natura e della “sopravvivenza”. Il secondo, un
distributore di benzina, sembra invece ritmare i momenti di crisi
identitaria del protagonista (Silvano) e rinviare, simbolicamente e in un
gioco di specchi, alla modernità e alla tecnica.
      Lo ‘sprawl’ indistinto di Ghost World (Daniel Clowes, 1997) è invece
uno dei centri di interesse dell’articolo di Giorgio Busi Rizzi, il quale ne
mette in luce il crescente valore simbolico entro l’immaginario
contemporaneo con un articolo che tenta ecletticamente di considerare
complessivamente le numerose scelte espressive che fanno un graphic
novel di grande valore. Con questo intento, l’analisi si muove con
disinvoltura su piani differenti, da quello editoriale (formati, edizioni,
traduzione) a quello visuale (copertine, riquadri, disegno, colori),
dall’analisi diegetica a quella tematologica, secondo un approccio
metodologico vicino a quello di Micheal Chaney (cfr. Chaney 1917).


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      Sulla base di una solidissima ricostruzione storica e con una
dettagliata perizia documentaria – non priva di puntuali riferimenti alle
altre arti dell’immaginario collettivo, dal cinema, alla letteratura,
all’opera – Matteo Pollone ricostruisce il lento processo di emersione,
nell’ambito della prima produzione italiana del genere Western (fino al
rivoluzionario albo bonelliano di metà anni ‘60), di una sensibilità
spaziale tale da non subordinare più al racconto il luogo, a lungo ridotto
invece a mera ambientazione, priva di dettaglio e stereotipata. Le
decisive valenze mitologiche e identitarie dello spazio del West, sul
quale si proiettano ideali e incubi della coscienza nazionale statunitense,
sono al centro del contributo che Marco Petrelli dedica a Manifest Destiny
(Dingess, Roberts, Gieni, 2013-2018) e alla rielaborazione ‘fantasy’ e
orrorifica del mito della frontiera.
      Segue un gruppo di studi omogenei nel presentare, pur rispettando
la focalizzazione del numero sulle tematiche spaziali, alcuni casi di
intreccio tra fumetto e letteratura, secondo più rodate prospettive
investigative di studio degli adattamenti intersemiotici e d’indagine sui
talenti plurimi. Una prima coppia di contributi è dedicata alla
produzione shakesperiana di Gianni De Luca, da parte di Eleonora Fois
e di Matteo Rima; una seconda al graphic novel ante literam di Dino
Buzzati (Poema a fumetti, 1969), da Roberta Coglitore e Andrea Cannas. I
contributi sugli adattamenti shakespeariani affrontano un’ampia varietà
di questioni, da quelle di ordine storico-culturale, sulla canonicità di
Shakespeare e sulla funzione degli adattamenti, a quelle mediologiche,
sul rapporto tra le strutture della rappresentazione teatrale e quelle della
rappresentazione a fumetti, e incrociano proficuamente valutazioni di
ordine generale e passaggi di lettura critica più circoscritti e puntuali.
Entrambi gli studi convergono, significativamente, nell’indicare il
grande valore, non ancora pienamente riconosciuto dalla critica, dei
risultati raggiunti nei suoi adattamenti shakespeariani da Gianni De
Luca (La tempesta, 1975; Amleto, 1975; Romeo e Giulietta, 1976). Un valore
tanto maggiore per quanto in esse si pone come sperimentazione ancora
attuale di inesplorate possibilità espressive del linguaggio del fumetto,




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ben al di là dell’uso più consueto della griglia e della ‘closure’, come
bene illustra Rima nel suo contributo2.
      La proteiforme categoria della ‘soglia’ accomuna, infine, i due
contributi su Buzzati. Nella ricca polisemanticità del concetto di spazio,
soglie di ordine diverso operano delimitando e strutturando i luoghi del
racconto, rendendoli in questo modo accessibili/inaccessibili e
continui/discontinui. La potenzialità euristica del concetto di soglia è
manifesta nelle “cornici concentriche”, strutturanti la diegesi e la
raffigurazione buzzatiana, indagate da Roberta Coglitore; lo è anche
nell’attivazione, con cui si cimenta Andrea Cannas, di quelle soglie più
implicite, ma non meno decisive per un’accurata critica dell’opera, che
perimetrano l’opera di Buzzati nello spazio dell’intertestualità, i
numerosi affacci che si aprono in direzione di una pluralità di opere
letterarie, cinematografiche, musicali.

      Infine, siamo lietissimi di presentare in questo numero una
riflessione per immagini, che in poche tavole e con un tratto davvero
essenziale scandaglia i rapporti profondi che intercorrono tra lo spazio
e il segreto più profondo delle grandi narrazioni, i loro personaggi, la
forza di una mitopoiesi iniziata in chissà quale isola greca migliaia di
anni fa e che un fumetto di poche densissime pagine è in grado di
rigenerare qui e ora. “Il posto” è il regalo che Sara Colaone, affermata
autrice del fumetto italiano e studiosa attiva nella didattica e nella ricerca
sul fumetto, ha voluto, da par suo, fare alla redazione e ai lettori di
Between.




      2
       A riprova dell’attuale interesse per un’ampia rivalutazione critica della
produzione di De Luca, valga considerare le recenti iniziative editoriali di rac-
colta e pubblicazione integrale della sua opera, da parte di Mondadori (Il com-
missario Spada, 2017) e quella in ben venticinque volumi annunciata nel 2018
dall’editore Nicola Pesce.



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                               Bibliografia
Chaney, Michael A., Reading Lessons in Seeing: Mirrors, Masks, and Mazes
    in the Autobiographical Graphic Novel, Jackson, University Press of
    Mississippi, 2016.
Eco, Umberto, “Quattro modi di parlare di fumetti”, Claire Bretécher: il
    disegno del fumetto, Ed. Daniel Arasse, Firenze, Institut Français de
    Florence, 1983 (online http://www.fucinemute.it/1999/10/ quattro-
    modi-di-parlare-di-fumetti/, ultimo accesso 21/05/2018).
Foucault, Michel, Spazi altri. I luoghi delle eterotopie, Ed. Salvo Vaccaro,
    Milano, Mimesis, 2001.



                                Gli autori
Giovanni Vito Distefano

       Giovanni Vito Distefano ha conseguito nel 2015 il Dottorato di
ricerca in Italianistica presso l’Università di Cagliari, con una tesi sulla
filosofia della poesia di Leopardi. Nell’ambito dello studio del fumetto
si è occupato in particolare dello studio degli adattamenti di argomento
dantesco in vari medium e contesti e ha pubblicato il volume Le grandi
parodie Disney, ovvero I Classici fra le Nuvole (2013, con Pier Paolo Argiolas,
Andrea Cannas, Marina Guglielmi).

      Email: gianvito.distefano@gmail.com




Marina Guglielmi

      Marina Guglielmi è professore associato di Letteratura comparata
all’Università di Cagliari. Nell’ambito del fumetto e del graphic novel fa
parte del gruppo di ricerca che ha promosso questo numero, ha
pubblicato alcuni saggi e il volume Le grandi Parodie Disney ovvero i


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classici fra le nuvole (con P.P. Argiolas, A. Cannas e G.V. Distefano), 2013.
Si occupa di geocritica, di psicanalisi e di letteratura di genere. I suoi
titoli recenti sono Sorelle e sorellanza nella letteratura e nelle arti (con
Claudia Cao), 2017; Raccontare il manicomio. La macchina narrativa di
Basaglia fra parole e immagini, 2018.

        Email: marinaguglielmi@unica.it




Lucia Quaquarelli

      Lucia Quaquarelli è professore associato all’Université Paris
Nanterre, dove co-dirige il Centre de Recherches Pluridisciplinaires
Multilingues (CRPM-EA 4418). Le sue ricerche portano sulle forme della
narrazione contemporanea e sulla dimensione culturale e politica della
traduzione. Tra le sue pubblicazioni recenti figurano: Bande à part 2.
Fumetto e transmedialità (con Giuliana Benvenuti e Sara Colaone),
Morellini, Milano 2018; Bande à part. Graphic novel, fumetto e letteratura
(con Sara Colaone), Morellini, Milano 2016; Narrazione e migrazione,
Morellini, Milano 2015.



        Email: lquaquarelli@parisnanterre.fr



                                       L’articolo
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Data pubblicazione: 30/05/2018




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                                       Between, vol. VIII, n. 15 (Maggio/May 2018)




                  Come citare questo articolo
Distefano, Giovanni Vito - Guglielmi, Marina - Quaquarelli, Lucia,
“Spaced out. Raccontare lo spazio con le immagini”, Spazi tra le nuvole.
Lo spazio nel fumetto, Eds. G.V. Distefano, M. Guglielmi, L. Quaquarelli,
Between, VIII.15 (2018), http://www.betweenjournal.it.




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