text:
Ho tradotto l'articolo.....scusate se non l'avevo fatto prima! Non ho
riletto...però...
Zazie, tra una buca del métro e l'altra, magari, dacci un occhio, che
è meglio!!! :-)
Graziella Contratto: "Salvare la classica è più importante del
problema delle donne direttori d'orchestra"
(07/12/2005 12:07)
Il canale satelittare Mezzo consacra il 19 dicembre alle ore 20.50 un
ritratto di Graziella Contratto, direttore stabile dell'Orchestra della
Savoia. Assistente di Claudio Abbado alla Filarmonia di Berlino e una
delle rare donne a dirigere un ensemble in Francia, ha risposto alle
nostre domande.
A 39 anni, la Svizzero-tedesca Graziella Contratto è la sola donna a
dirigere, dal 2003, una struttura permanente francese, l'Orchestra
della Savoia. Si avvia alla sua terza stagione.
Pianista, musicista da camera e professoressa di storia della musica di
formazione, è stata assunta da Claudio Abbado nel 1998 come assistente
musicale alla Filarmonia di Berlino così come al Festival di Pasqua di
Salisburgo. Nel 2000? è stata eletta all'unanimità come direttore
residente dell'Orchestra Nazionale di Lione sotto la direzione di David
Robertson.
Il canale satellitare Mezzo le consacra il 19 dicembre alle ore 20.50
un ritratto, "Graziella Contratto, tra grazia e maestria".
Graziella Contratto ha risposto alle domande di Abeilleinfo.
- Con quale bilancio uscite da queste due stagioni con l'Orchestra
della Savoia?
- Graziella Contratto :
Mi aspettavano al varco: ora si vede che avevo un "piano" per
quest'orchestra e che l'ho messo in pratica!
Il primo anno è stato consacrato a comprendere i bisogni del pubblico,
eseguendo delle opere di tutte le epoche musicali per vedere dove
l'orchestra dava il meglio. Il secondo anno è stato dedicato
all'apertura regionale e nazionale dell'Orchestra della Savoia,
invitando da noi grandi solisti come il contralto Anna Larsson.... e
come sempre una stretta collaborazione con i grandi solisti francesi
come Anne Gastinel, Emmanuelle Bertrand, Michel Portal, Raphaël Oleg,
Patricia Petibon o ancora i Solisti di Lione - Bernard Tetu.
Questa terza stagione sarà quella dell'apertura totale! Parteciperemo
a numerose collaborazioni con altre forme artistiche come questo mese
con il tango o proponendo delle opere rare come in gennaio "Der Kaiser
von Atlantis" che Viktor Ullman ha scritto in campo di concentramento.
Ho iniziato una nuova consuetudine, quella del "discorso prima dei
concerti": tre quarti d'ora prima di dirigere, prendo la parola
davanti agli spettatori per spiegare il programma che andranno a
sentire. Racconto le domande che l'orchestra ed io ci siamo fatti. È
un successo!
Amo il suono di questa orchestra. Ho avuto un colpo di fulmine con essa
quando ho suonato, per la mia candidatura, l'Adagietto della quinta
sinfonia di Mahler. Sono sempre alla ricerca di quella sensazione
fisica di armonia tra il gioco dei musicisti e i movimenti del mio
corpo. Idealmente, è come un incontro amoroso.
- Lei è stata assistente di Claudio Abbado. Che cosa avete imparato da
lui?
- Graziella Contratto : Prima di tutto è stato per me un grande salto
nel vuoto andare a Berlino. Lasciavo la Svizzera dove avevo sempre
vissuto e rinunciavo a numerose proposte professionali.
Abbado rappresenta una generazione di transizione tra Karajan e Rattle.
Quello che conservo è la visione spaziale e temporale che Abbado aveva
di un'opera. Anche nel Simon Boccanegra, un'opera di Verdi con una
drammaturgia complessa e una durata di più ore, Abbado aveva coscienza
già dalle prime note di tutto il processo musicale che si sarebbe
svolto fino all'ultima nota. È una visione globale e intelligente che
richiede una maturità che ammiro molto e che - alla mia età -
invidio pure.
Frustrante anche il ruolo di bibliotecaria (bisogna dire la verità) di
cui è fatto il ruolo di assistente! Aver preparato fino alle quattro
del mattino le parti per l'orchestra, ritrovarsi in quinta fila nella
fossa durante le prove e Abbado che si gira verso di voi: "Graziella!
Manca un mezzo piano!". È il destino di tutti gli assistenti ma non
critico il sistema: questo mi ha dato la voglia molto forte di
lanciarmi, di dirigere io stessa. Bisognava avere un carattere ben
temprato.
Ho anche appreso moltissimo durante le registrazione e nelle
discussioni estetiche con la Deutsche Grammophon. Ho aiutato a
scegliere le versione che sarebbero state pubblicate e quando sento un
disco posso dire se è la versione che io avevo selezionato oppure no!
E poi, essere immersi nella sonorità della Filarmonica di Berlino è
una esperienza meravigliosa. Quest'orchestra è un ideale sonoro, un
suono così profondo. E soprattutto ho conosciuto l'attitudine dei
musicisti: sono seduti "sul bordo della sedia" come si dice in
tedesco: sono pronti a partire, a suonare. Mi fa male oggi vedere dei
musicisti che sono seduti nel fondo delle loro sedie, disillusi. Non so
se ciò sia dovuto al sistema o a una frustrazione individuale.
- Il 22 ottobre scors, ha risposto al giornale "Le Monde", a
proposito della difficoltà di essere donna alla testa di un'orchestra.
Qual è la vostra opinione e attitudine personale?
- Graziella Contratto : Sono stata delusa che l'articolo abbia concluso
con "Le orchestre nonamano essere dirette da donne". Credo che
l'immagine cambi più velocemente di quanto non pensiamo e che è una
questione generazionale. Le donne di cui parlava l'articolo hanno tra i
50 e i 60 anni (Marin Aslop e Claire Gibault, 59 anni, NDR). Credo che
sia meno dura per la mia generazione. È sbagliato concentrarsi nella
generazione precedente e dire che le donne direttori non hanno il loro
posto in orchestra.... di puntare sulla generazione delle deluse.
Bisogna riconsocere ed essere rispettosi della lotta condotta dalle
generazioni precedenti ma ho voglia di scuotere le donne musiciste
d'oggi e di dire loro che è colpa nostra se la nostra carriera non
decolla. Non bisogna incolpare senza sosta gli uomini o la società. E
gli uomini sono spesso più perseveranti di noi. Mi ricordo al
conservatorio, nella classe di piano, ci davano spesso un'opera più
impegnativa rispetto al nostro livello. Avevamo rapidamente i tendini
delle mani che ci facevano molto male. Noi ragazze, ci fermavamo
dicendo che era troppo duro mentre gli uomini continuavano liberamente
a farsi tanto male!
Abbiamo, noi uomini e donne, un problema più grave da risolvere:
bisogna salvare la musica classica e attirare nuovo pubblico (all'OPS
consacriamo il 40% del nostro programma ai giovani). È molto più
importante che il problema delle donne in orchestra. Bisogna smetterla
di lamentarsi e di avere, come diceva Nietzsche a proposito di Brahms,
"la melanconia dell'impotenza".
Personalmente, prima ero molto diplomatica (è il mio lato svizzero!)
ma ho imparato arrivando in Francia che la disputa ha un aspetto quasi
ludico, è un afida intellettuale. Non è necessario avere una pura
armonia per fare un buon lavoro.
- Che cosa vi manca?
- Graziella Contratto : forse la possibilita di fare un programma
folle! Devo rispettare il mio pubblico, che pur essendo molto colto ha
a volte paura dello sconosciuto. Sogno un concerto a mezzanotte, una
notte intera dedicata alla musica classica o in un luogo diverso come
una grotta o un pattinaggio!


title: Graziella Contratto: "Salvare la musica classica è più importante delle donne direttori d'orchestra"

author: Lucio PERES

text:
On 9 Dec 2005 05:12:33 -0800, "Lulu" <
papage...@libero.it
> wrote:
>mi piacerebbe sapere che cosa ne pensate voi
leggerò la traduzione dell' art ke hai mandato oggi
>se la conoscete e se l'avete sentita dirigere.
Io l' ho sentita dirigere a Milano la OSM Verdi, ancora al Teatro
Lirico, mi pare nel 1998: mi par di ricordare ke nel programma ci
fosse Les Preludes di Liszt ed un pezzo di un autore slavo
contemporaneo...
LUX


title: [OT]sito per musicisti classsici (e non solo!)

text:
Forse sono OT,
però quanti di voi cercano qualcuno per poter suonare o cantare insieme?
Su
www.musixart.com
vi è offerta la possibilità (gratis!) di lasciare una inserzione per far
sapere agli altri musicisti della tua città (o di dovunque in Italia tu stia
cercando qualcuno) che sei disponibile per collaborazioni musicali.
E' presente una sezione totalmente dedicata alla musica classica strumentale
ed una alla classica vocale.
Provate, è veramente facile e veloce registrarsi e lasciare
un'inserzione....e poi non vi costa nulla.
Grazie molte
mX
PS:è il primo sito "politicamente corretto"!!


title: La storia di Frans Brüggen - prima puntata

author: Teseo

text:
Qualche tempo fa, un critico musicale defini' Frans Brüggen un "musicista
mediocre". Per me, che suono il flauto, e per molti altri musicisti
dilettanti e professionisti, Brüggen e' invece quasi un semidio, il Richter
o l'Ojstrakh del flauto dolce e traverso. Oltre ad essere stato
probabilmente uno dei piu' grandi virtuosi di questi strumenti, Brüggen  ha
dato a tutti i musicisti che iniziavano a occuparsi di musica antica negli
anni Sessanta, l'idea di come ci si dovesse accostare alla musica dei grandi
compositori del periodo Rinascimentale e Barocco, grazie soprattutto alla
collaborazione con Gustav Leonhardt. Ecco allora un breve resoconto in due
(corte) puntate della vita di Brüggen (non e' ancora morto, per fortuna, ma
ha smesso di suonare il flauto) affinche' si possa valutare appieno tutta la
sua "mediocrita' ".
Frans Brüggen nasce ad Amsterdam nel 1934, ultimo di nove figli. I suoi
primi approcci al flauto dolce risalgono alla Seconda Guerra Mondiale,
durante i periodi di chiusura delle scuole. Le prime lezioni gli vengono
impartite dal fratello Hans, studente di legge e suonatore di oboe. Il suo
primo vero insegnante di flauto e' Kees Otten, col quale il giovane Frans
studia sia privatamente sia all'Amsterdam Muzieklyceum. Si diploma nel 1954,
uno dei primi studenti a completare un corso regolare di flauto dolce come
strumento principale [tali corsi, in Italia, sono stati attivati solo
quarant'anni dopo...]. All'epoca studia anche flauto traverso moderno e
musicologia all'Universita' di Amsterdam. Entra quindi a far parte
dell'Amsterdams Blokfluit Ensemble, un gruppo di quattro musicisti diretti
da Kees Otten.
Come solista, Brüggen si trova nella condizione di dover reperire sia musica
interessante da suonare sia flauti dolci di buona qualita'. A meta' degli
anni '50 trascorre quindi qualche tempo in Austria e in Italia, rovistando
nelle biblioteche e nei musei, in cerca di materiale adatto e di strumenti.
Al ritorno ad Amsterdam conosce Gustav Leonhardt, di ritorno anch'egli in
Olanda dopo un periodo di studi e di insegnamento a Basilea e Vienna. E'
questo un incontro importantissimo, che segna la nascita di un sodalizio che
durera' per decenni - coinvolgendo anche il violoncellista Anner Bylsma - e
che avra' un'influenza decisiva sulle nuove tendenze interpretative della
musica dei secoli XVII e XVIII.
Nel 1959, a soli 25 anni, Brüggen diventa professore al liceo musicale di
Amsterdam e al Conservatorio Reale dell'Aia, incarichi che manterra' fino
all'inizio degli anni '70. Brüggen diventa il primo suonatore di flauto
dolce a combinare intelligenza artistica - e profonda cultura musicale - con
una tecnica immacolata, che rasenta la perfezione. E, soprattutto, diventa
il primo vero solista di uno strumento  che fino ad allora era stato
relegato ad un ruolo del tutto secondario rispetto al flauto traverso
moderno e all'oboe, e gli restituisce il posto che gli compete sulla scena
concertistica mondiale.
Convinto assertore dell'innovazione in campo musicale e artistico, Brüggen
non solo si dedica al recupero della letteratura solistica per flauto, ma
convince anche molti compositori contemporanei, tra cui Luciano Berio, Louis
Andriessen, Makoto Shinohara e Maki Ishii, a scrivere nuova musica per
flauto dolce [il repertorio contemporaneo per flauto dolce vanta oggi
centinaia di composizioni per ogni combinazione di flauti, voci e altri
strumenti].
Nel 1962 inizia a registrare per la Teldec quello che viene considerato il
suo piu' importante lascito discografico, apparso nella leggendaria collana
"Das Alte Werk". Le sue prime incisioni delle sonate di Handel e Telemann -
con Leonhardt al cembalo e Bylsma al violoncello - ricevettero l'accoglienza
entusiastica del pubblico e della critica dell'epoca e ancora oggi
costituiscono un modello di stile interpretativo e di tecnica strumentale.
Nel frattempo il costruttore di flauti Hans Coolsma, di Utrecht, aveva
sviluppato, su invito dello stesso Brüggen, un nuovo modello di flauto
dolce, considerevolmente piu' accurato e sofisticato di quelli allora
disponibili. Fino alla meta' degli anni Sessanta gli sforzi dei musicisti
che si occupavano di musica antica erano diretti piu' che altro allo studio
dei manoscritti e dei trattati antichi, al fine di eseguire la musica del
periodo rinascimentale e barocco nel modo stilisticamente piu' appropriato.
In quel periodo, pero', inizio' a farsi strada la convinzione che anche
l'uso degli stumenti musicali antichi o di loro copie accurate fosse
indispensabile per mettere in pratica le intenzioni dei compositori il piu'
fedelmente possibile.
Nel 1962, Gustav Leonhardt invita il costruttore Martin Skowroneck, di
Brema, a costruire copie di clavicembali antichi, e Brüggen, da parte sua,
lo spinge a occuparsi anche di flauti dolci. Il coronamento di questi sforzi
e' la costruzione di un flauto dolce soprano modellato sulla base di un
originale di Terton conservato al Gemeentemuseum dell'Aia e di un flauto
contralto copia di uno strumento costruito da Bressan e conservato nella
collezione privata di Edgar Hunt. La realizzazione di queste copie (1966)
segna l'inizio di una nuova era nell'esecuzione di musica antica sul flauto
dolce.
(continua)
--
Nuova moderazione in fase di test - perdonate i disagi


author: Cesare

text:
"Teseo" <
col...@tin.it
> ha scritto
cut
> Qualche tempo fa, un critico musicale defini' Frans Brüggen un "musicista
> mediocre". Per me, che suono il flauto, e per molti altri musicisti
> dilettanti e professionisti, Brüggen e' invece quasi un semidio, il
Richter
> o l'Ojstrakh del flauto dolce e traverso. Oltre ad essere stato
> probabilmente uno dei piu' grandi virtuosi di questi strumenti, Brüggen
ha
etc etc
Ma per piacere. Bruggen è un pifferaio.
Ma quale virtuoso.
Stai parlando di uno strumento che si insegna ai bambini alla
scuola media!
Il *flauto* è un'altra cosa:
è in metallo ed è traverso, con tanto di chiavi.
Un oggetto prodotto con la tecnologia del 2000.
Saluti



author: Rodrigo vincer se stesso

text:
Cesare scrive:
>Ma per piacere. Bruggen è un pifferaio.
>Ma quale virtuoso.
>Stai parlando di uno strumento che si insegna ai
>bambini alla scuola media!
>Il *flauto* è un'altra cosa: è in metallo ed è
>traverso, con tanto di chiavi.
>Un oggetto prodotto con la tecnologia del 2000.
un post così non merita nemmeno una replica
Rodrigo
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author: ric domenichini

text:
In article <8q8idi$5mv$
1...@lacerta.tiscalinet.it
>,
  "Cesare" <a@b.c> wrote:
> Il *flauto* č un'altra cosa:
> č in metallo ed č traverso, con tanto di chiavi.
Ti sbagli, quello e' il tubo del gas.
[r]
--
==============================================================
La voce e' come una coperta, se la tiri da una parte ti scopri
dall'altra
[Anita Cerquetti]
==============================================================
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http://www.deja.com/
Before you buy.



author: Roberto Maria Avanzi Mocenigo

text:
Cesare wrote:
>
> Ma per piacere. Bruggen è un pifferaio.
> Ma quale virtuoso.
> Stai parlando di uno strumento che si insegna ai bambini alla
> scuola media!
> Il *flauto* è un'altra cosa:
> è in metallo ed è traverso, con tanto di chiavi.
> Un oggetto prodotto con la tecnologia del 2000.
> Saluti
>
> --
> Nuova moderazione in fase di test - perdonate i disagi
Pare proprio che la nuova moderazione sia una "public beta"
e che qualche falla ci sia, se passano pure i post dei troll.
IL flauto Dolce, o Flautino, Blockflöte, Recorder, ecc ecc
e' uno strumento di straordinaria nobilta' e non solo e'
usato per eseguire la musica antica (e non va confuso con
il Traversiere, antenato del Flauto moderno), ma sta vivendo
una seconda giovinezza, visto che numerosi compositori
scrivono nuova musica per esso, e che le sue capacita'
vengono tutt'ora esplorate...
saluti
 Roberto
--
/_/  Roberto Maria Avanzi Mocenigo  <><
_/  Institut für Experimentelle Mathematik / Universität Essen
/  finger
de...@zoy.org



text:
Cesare <a@b.c> wrote in message 8q8idi$5mv$1...@lacerta.tiscalinet.it...
> Ma per piacere. Bruggen è un pifferaio.
> Ma quale virtuoso.
> Stai parlando di uno strumento che si insegna ai bambini alla
> scuola media!
Evidentemente hai bisogno anche tu di qualche lezione, come i bambini della
scuola media. Sono disposto a dartene, gratis naturalmente.
Teseo



text:
Roberto Maria Avanzi Mocenigo <
moce...@exp-math.uni-essen.de
> wrote in
message 39C8D6FA...@exp-math.uni-essen.de...
> ma sta vivendo
> una seconda giovinezza, visto che numerosi compositori
> scrivono nuova musica per esso, e che le sue capacita'
> vengono tutt'ora esplorate...
e' proprio vero. Giusto per dare un'idea, riporto di seguito il programma di
musica contemporanea per flauto dolce che si e' tenuto quest'estate a Urbino
(l'anno prossimo ci faro' un pensierino, quest'anno ho preferito volare
basso...). Magari conosci qualche composizione/compitore citati.
FLAUTO DOLCE / RECORDER
Gerd Lünenbürger
Il corso è dedicato a allievi di livello avanzato che desiderano avere un
primo approccio con il repertorio contemporaneo per flauto dolce o che,
avendo già esperienza, desiderano approfondirne i diversi aspetti e lavorare
su specifici brani.
Il corso sarà composto da lezioni individuali e collettive e dedicherà
particolare attenzione a tecnica, notazione, analisi, estetica e
interpretazione.
Strumenti necessari:
- flauto contralto (la=415 Hz.)
- flauto soprano, contralto e tenore (la=440 Hz.)
- se possibile: flauto basso e sopranino (la=440 Hz.) e contralto mod.
Ganassi
This course is offered to students and advanced players who:
- have little or no experience in performing contemporary music and who are
searching for a first approach;
- have collected some experience in contemporary performance practice and
who would like to deepen their knowledge, work on particular pieces etc.
The course will offer individual and group lessons with a focus on
technique, notation, analysis, aesthetics and interpretation.
Required instruments (besides the instrument/s needed for the chosen
composition/s):
- alto at a = 415 Hz
- soprano, alto and tenor at a = 440 Hz
- if possible: bass and sopranino at a=440 Hz; Ganassi-type alto;
Composizioni proposte / List of proposed compositions:
Solo:
* Georg Nußbaumer, Weiße Flugversuche* (1996; tenor; Ariadne Verlag, Wien)
Alex Arteaga, Témenos* (1996; bass and tape; manuscript)
Gerhard Stäbler, Zeichnung* (1995; Sino/S/A/T/B/GroßB; manuscript)
Gabriel Brncic, que no desorganitza cap murmuri* (1994; baß and tape;
manuscript)
Stuart Saunders Smith, Wind in the Channel* (1994; tenor / perc.; Smith
Publications)
Calliope Tsoupaki, Charavgi (1994; alto, Ganassi-type; Moeck 1567)
* Isang Yun, Four Chinese Pictures (1993; various types of recorders; Bote &
Bock)
* Tobias Jacob, Ludus Nivis (1992; tenor; Heinrichshofen N 2388)
Gabriela Ortiz, huítzitl* (1992; soprano, Ganassi; Ed. Mexicanas de Musica)
Maki Ishii, east.green.spring (1992; tenor; Moeck 1551)
Franco Donatoni, Nidi II (1992; tenor; Ricordi 135900)
* Barbara Polacchi, Memoria* (1991; alto; Moeck 1578)
Marco Lasagna, Nervi* (1991; alto; manuscript)
Robert Heppener, Toonladder (1991; alto; Donemus, Don 0178)
* W.Hekster / K.v.Steenhoven / W.Eisma, 3 Solos (1991; alto; Moeck 2817)
Guus Janssen, Largo (1989; tenor; Moeck 1552)
* Ton-That Tiët, Kim Cô´ (1988; alto; Ed. Zurfluh)
Axel D. Ruoff, "sich entfernen"* (1987; alto; Mieroprint EM 1006)
Mario Lavista, Ofrenda (1986; tenor; Flautando Ed. Karlsruhe, FE A-025)
* Roland Moser, Alrune (1979; alto; Hug11464)
Heinz Marti, Ombra (1979; bass; Hug 11416)
Maki Ishii, Black Intention (1975; 2 sopranos / tenor / tamtam; Zen On)
Mauricio Kagel, Atem (1969/70; for 1 player and tape; Universal Edition
14981)
* Makoto Shinohara, Fragmente (1968; tenor; Schott TMR 3)
Luciano Berio, Gesti (1966; alto or tenor; Universal Edition 15627)
* Rob du Bois, Pastorale VII (1964; alto; Moeck 1522)
Louis Andriessen, Sweet (1964; alto; Schott TMR 2)
Ensemble:
* Gabriel Brncic, Concierto gótico (1997; 3 rec. and tape; manuscript)
* Ron Ford, Steps (199?; 3 tenor rec.; manuscript)
* Stefan Thomas, Veränderungen (1993; 3 bass rec.; Moeck 1556)
Hans-Jürg Meier, Presso il passo di cristallina* (1993; 2 players;
Carciofoli, Zürich)
Kunsu Shim, peripatetic exercise* (1992; 3 tenor rec.; manuscript)
Mischa Käser, Dupuy Tren (1991; 3 to 6 players; Moeck 1550)
Vivienne Olive, In Context (1988; 4 players; Furore Edition, Kassel)
* Hans Ulrich Lehmann, flautando (1981; 3 players; ed. gravis)
John Cage, Composition for three voices (1934; 3 players; Peters)
Nota bene / Please note:
Altre proposte da parte dei partecipanti sono bene accette. I titoli
contrassegnati con un asterisco sono consigliati per un primo approccio con
il repertorio contemporaneo. Copie delle musiche, ulteriori informazioni
sugli editori e sulle eventuali registrazioni di alcuni brani possono essere
chieste direttamente prima del corso a:
Gerd Lünenbürger, Wielandstr. 36, D-12159 Berlin; Germany
 Tel.
+49 30 859 33 46
 - Fax
+49 30 851 95 14
Chi avesse già scelto i brani che desidera eseguire è pregato di inviare una
breve comunicazione con nome, indirizzo, numero di telefono e elenco dei
brani prescelti all'insegnante prima dell'inizio dei corsi



author: ©Scaccomatto®

text:
"Rodrigo vincer se stesso" <
jas...@yahoo.it
> ha scritto
> un post cosě non merita nemmeno una replica
Allora ti sei contraddetto.



author: Roberto Dillon

text:
Teseo wrote in message <8q8ciu$pjn$
7...@nslave2.tin.it
>...
>Qualche tempo fa, un critico musicale defini' Frans Brüggen un "musicista
>mediocre". Per me, che suono il flauto, e per molti altri musicisti
>dilettanti e professionisti, Brüggen e' invece quasi un semidio,
Ma chi ha scritto un'idiozia simile???
Complimenti per la biografia di Bruggen (puoi anche togliere il "semi"
dall'ultima parola!!), a quando la seconda parte?
Roberto Dillon
http://radillon.tripod.com



text:
Roberto Dillon <
roberto...@elsag.it
> wrote in message
8qabv9$7f0$1...@e3k.asi.ansaldo.it...
> Ma chi ha scritto un'idiozia simile???
un'italiano, ovviamente. Non ne faccio il nome perche' qui ha i suoi
estimatori e non voglio innescare flames esplosivi...
> Complimenti per la biografia di Bruggen (puoi anche togliere il "semi"
> dall'ultima parola!!), a quando la seconda parte?
c'e' gia', e grazie per i complimenti.
Scrivici, ogni tanto.
Teseo



author: Felix

text:
>
> > Ma chi ha scritto un'idiozia simile???
>
> un'italiano, ovviamente. Non ne faccio il nome perche' qui ha i suoi
> estimatori e non voglio innescare flames esplosivi...
Francesco Maria Colombo :-)
Non ci ripeteremo, ne abbiamo già scritto :)
Felix



author: Montezuma

text:
©Scaccomatto® ha scritto nel messaggio
<8qahok$25r$
1...@pegasus.tiscalinet.it
>...
>
>"Rodrigo vincer se stesso" <
jas...@yahoo.it
> ha scritto
>
>> un post così non merita nemmeno una replica
>
>Allora ti sei contraddetto.
Bisogna vedere però cosa intendeva dire con "replica": infatti una risposta
seria - questo per me era il senso dell'affermazione di Rodrigo - quel post
non la meritava.
Montezuma
°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°
Purcell is my God!



author: Paolo Borgonovo

text:
Eccomi di ritorno per associarmi al biasimo.
L'idiozia è spaventosa. Al massimo Brueggen è un grandissimo musicista prima
che un flautista. E' facile (ma non così facile in fondo) adesso avere
qualcosa da ridire sul suono del suo traversiere (dopo quattro decenni di
studenti che si sono formati a partire dal suo esempio e che certo hanno
segnato dei progressi - non sempre). Ma non sulla sua musicalità, che
traspare anche dalla sua opera di direttore.
Da parte mia lodi a Brueggen, Harnoncourt e Leonhardt, e biasimi contro chi
analizza adesso con impietoso microscopio le tracce di questi e di altri
grandi pionieri.
Saluti.
--
- Paolo -


text:
Paolo Borgonovo <
paolobo...@allegroassai.com
> wrote in message
96987860...@tango.comm2000.it...
> Da parte mia lodi a Brueggen, Harnoncourt e Leonhardt, e biasimi contro
chi
> analizza adesso con impietoso microscopio le tracce di questi e di altri
> grandi pionieri.
Sai, non e' un problema di traversiere, ma di mentalita'. Se sei di vedute
ristrette l'unica cosa che puoi fare di fronte a cio' che non capisci, e'
criticare a sproposito. Per fortuna l'eredita' di Bruggen non riposa sulle
penne dei critici.
Bentornato.
Teseo


title: Biglietti Balletto Amarcord / La strada del 29 Giugno alla Scala

text:
La disponibilità è questa:
Palco N° 15 Ordine III 6 posti: Lit 270000
Palco N° 16 Ordine IV 6 posti: Lit 205000
Platea: E 9 E 10 U7 U8 U9 U10: Lit 50000 cd
Galleria I posti N° 7, 8, 9 e 10: Lit 17500 cd
Galleria II posti 39 e 40: Lit 25000 cd
Data limite acquisto : Venerdì 16 Giugno (ma presumibilmente tutti i
biglietti non verranno acquistati subito, quindi anke la settimana
prossima...)
Se a qualcuno interessa me lo faccia sapere e mi mandi i soldi x l'
acquisto: mica xkè non mi fido, ma xkè se no vado in rosso col conto!...
Siccome io ho già il mio biglietto, acquistato via Internet 2 mesi fa, non
mi prendo stavolta la briga di organizzare un palco: ki lo compra dovrà
premurarsi di trovare tutti i suoi occupanti!
LUX
--
Posted from
ns.eni.it
 [151.86.79.10]
via Mailgate.ORG Server -
http://www.Mailgate.ORG


title: CD Novità da Agorà: oratorio di A. Scarlatti

author: ezio

text:
Ho una ghiotta novità per baroccofili: andrà in distribuzione in questi
giorni l'oratorio
    " DAVIDIS PUGNA ET VICTORIA" di A. Scarlatti
        interpreti: Cappella Palatina (dir.G.B. Columbro)    AGORA' ( AG
249 )
        date concerti:     27.09.2000  ore 20.45 Chiesa di S.Giovanni Ev.
Brescia
                                  1.10.2000   ore 20     S.Maria degli
Angeli  Roma
                                            buon ascolto a tutti
Ezio
--
Nuova moderazione in fase di test - perdonate i disagi


text:
Ezio ha scritto
>Ho una ghiotta novità per baroccofili: andrà in
>distribuzione in questi giorni l'oratorio
>" DAVIDIS PUGNA ET VICTORIA" di A. Scarlatti
un altro oratorio ... si sa che A. Scarlatti ha
composto un sacco di opere, ma la discografia insiste
a proporre di lui solo gli oratori: tu sai se esistono
incisioni di opere?
Rodrigo
______________________________________________________________________
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title: Il Giulio Cesare al Comunale di Bologna

author: Rodolfo Canaletti

text:
Come ho gia' affermato in un altro post, una delle mie macerazioni
mentali e' quella di non apprezzare le opere di Handel, o per dirla
tutta, le opere del barocco che qualcuno chiama debordante.
Fedele al principio che se una cosa che ha tanti ammiratori entusiasti
non mi piace, ci deve essere per forza alla base una mia incomprensione,
ho deciso (soffrendo non poco) di ascoltare molto barocco. E ho
cominciato con Handel, e soprattutto con quello che viene da molti
definito il suo capolavoro, il Giulio Cesare.
L'ho ascoltato e riascoltato in diverse interpretazioni (Mackerras,
Fischer, Mortensen e soprattutto Minkowski) e poi, visto che se ne
presentava l'occasione, ho deciso di andare a vedere l'opera a Bologna
sotto la direzione di Alessandrini.
A che punto sono giunto?
Prima di tutto, continuo a rimanere fermo nella mia idea che la
drammaturgia in queste opere sia praticamente assente. Ma anche (e
questo potrebbe essere considerato un passo avanti) che in queste opere
(almeno nel Giulio Cesare, ma presumibilmente non solo in quella) si
trova della musica bellissima.
La drammaturgia. Una cosa che sembra sostenere il mio scetticismo e' il
tipo di ascolto che si faceva nel settecento. Queste opere sono
generalmente lunghissime, in media una quarantina di numeri
inframmezzati da recitativo. Ebbene, ho scoperto (bella scoperta!
qualcuno dira') che il pubblico di allora non andava a teatro come
andiamo noi, seduti nella nostra poltrona, fermi, immobili per lunghe
ore, in ascolto. Al contrario il pubblico del settecento era un pubblico
molto "indisciplinato". A teatro si faceva di tutto (mangiare, bere,
chiacchierare, giocare e tante altre cose) magari ogni tanto, in
presenza di un cantante particolarmente virtuoso, o di un'aria
particolarmente bella, ci si fermava un attimo ad ascoltare, ad
applaudire o a fischiare. Insomma, il teatro aveva una prevalente
finalita' che era quella proprio di intrattenere. Ricordiamo come erano
costruiti i teatri: i palchi sulle pareti erano tutti di proprieta' dei
nobili, ed erano dotati di retrocamerino ben arredato per le diverse
bisogne, mentre la platea, riservata a chi non possedeva palchi, non
aveva posti a sedere, e ciascuno, se poteva, si portava dietro le sedie,
o qualunque altra cosa, oppure se ne stava in piedi entrando e uscendo a
proprio piacimento.
E' chiaro che in un ambiente del genere, le opere potevano durare anche
quattro-cinque ore che nessuno se ne sarebbe lamentato. Anzi!
In queste condizioni mi pare abbastanza naturale che il discorso sulla
drammaturgia non avesse molto senso, e che invece largo spazio venisse
lasciato alle esibizioni. Ecco allora come le arie finissero per
assumere un ruolo particolare. La tripartizione in ABA rispondeva molto
bene allo scopo. Una prima parte per esporre l'aria, una seconda per
creare una specie di "tridimensionalita'" e infine il "da capo variato"
nel quale il tema dell'aria veniva ripetuto (fissandosi cosi' meglio
nella memoria dell'ascoltatore) ma nella quale anche tutto il
virtuosismo dell'esecutore poteva esaltarsi al massimo, e offrirsi
all'ascolto estasiato del pubblico.
Oggi il tipo di ascolto e' molto diverso. E coloro che propongono in
teatro un'opera barocca devono fare i conti con questo diverso pubblico.
E Alessandrini, in un'intervista alla radio, ha espressamente citato il
problema dandone la sua soluzione. Non tutte le arie devono essere
eseguite, e tagli abbondanti devono essere fatti nei recitativi. Questo
per non stancare (annoiare) lo spettatore con uno spettacolo di
eccessiva lunghezza
Il risultato, nel Giulio Cesare da lui diretto e' stato che delle 33
arie solistiche ne sono state tagliate 9. La durata complessiva e'
stata, minuto piu' minuto meno, di 3 ore. In realta' per "compensare" i
tagli eseguiti, le arie sono state quasi tutte eseguite con dei "da
capo" variati spesso di notevole lunghezza. Questo secondo me non ha
affatto alleggerito l'ascolto. Se il "da capo" variato era una prassi
esecutiva dell'epoca, credo che questo rispondesse a delle ragioni ben
precise (cioe' la natura esibizionistica di queste arie).
 Se si fa un paragone col GC diretto da Minkowski a Palais Garnier
nell'ottobre del 2002, si vede un modo molto diverso di interpretazione.
I tagli di arie sono stati ridotti al minimo (1 o 2, mi pare), e cosi' i
recitativi, mentre non sono state effettuate variazioni, se non minime,
negli "a capo". L'opera e' durata circa 15 minuti di piu' di quella di
Bologna, ma a me e' parsa piu' variata ed ha consentito di poter
ascoltare arie molto belle come "Se in fiorito, ameno prato" di Cesare
col il bel dialogo col violino solista, che invece a Bologna e' stata
tagliata.
La messa in scena. Da una parte ho ammirato l'abilita' di Ronconi, che
in un ampio spazio, definito simbolicamente da qualche colonna e qualche
testa di sfinge come egiziano, ha costruito le numerose scene dell'opera
con pochissimi mezzi: una biga che viene trasportata da un paio di
comparse per significare l'autorita' si Cesare generale vittorioso, un
piccolo trono con qualche gradino che viene portato rapidamente in scena
all'occorrenza, simbolo del regno egiziano, una conchiglia (di sapore
botticelliano) nell'aria del Parnaso di Cleopatra, una scena della
battaglia fra soldati di Tolomeo e quelli di Cleopatra, con guerrieri
che immobili incrociano le loro spade e che alla fine della sinfonia
cadono tutti a terra dove resteranno immobili fino alla fine dell'opera,
e cosi' via. Gli spostamenti dei diversi arredi avvengono o per
scorrimento da dietro le quinte, o da sopraelevazione di aree del
pavimento, che si alzano e si abbassano. Il tutto con la finalita' di
rendere la scenografia il meno statica possibile.
Sul fondo giganteggiano due schermi dove si alternano proiezioni che non
hanno alcuna finalita' narrativa, ma solo quella di arricchire il sapore
e il colore ambientale.
Insomma una scenografia molto economica in quanto a mezzi, ma molto
efficace nell'identificare luoghi e ambienti.
I costumi rifuggono dalla sontuosita' che si e' soliti vedere nelle
rappresentazioni in stile settecentesco. Le comparse egiziane vestono
costumi "egiziani". Cesare indossa una divisa grigio-verde un po'
fantasiosa, e i soldati romani una specie di divisa bianca con tanto di
fez. Non sono mancati, fra capo e militari, scambi di saluti romani. I
costumi delle donne sono vestiti semplici, ma molto eleganti. Nireno,
viene visto come una specie di mezzano, con tanto di fez rosso di sapore
marocchino. Tolomeo e Sesto, come due ragazzi poco piu' che adolescenti.
I movimenti scenici, purtroppo, secondo me, sono stati il lato debole
della regia. Ronconi evidentemente ha dato istruzioni, ma che movimenti
puo' fare un cantante quando nell'aria ripete per dieci venti volte la
stessa frase? Ogni fantasia qui trova il suo limite. E qui, secondo me,
torna a cascare l'asino della scarsa drammaturgia di queste opere.
Il Rinaldo, di cui ho parlato in un mio precedente post, potrebbe essere
una soluzione. Cercare di sopperire alla continua cesura
recitativo-aria-recitativo, con movimenti di scena che, iniziati nel
corso del recitativo, si possono prolungare nel corso dell'aria. Ma
questo e' possibile solo inserendo nella vicenda una forte componente
ironica, che per molti potrebbe significare una denaturazione
dell'opera. Tuttavia questo non mi pare sia stato il caso della regia di
Ronconi.
Personaggi ed interpreti.
Della direzione di Alessandrini ho detto all'inizio. Dal punto di vista
esecutivo mi e' sembrata buona. Non credo che l'orchestra del teatro
comunale abbia usato strumenti originali. Tuttavia, personalmente non ne
ho sentito la mancanza. C'e' da dire che l'orchestra non e' nella sua
buca naturale, ma era sullo sfondo della scena, in una ampia nicchia in
parte coperta da uno degli schermi delle proiezioni. Il clavicembalo,
col suo violoncello, come continuo, sono invece in una buca nella parte
anteriore del palcoscenico. La piccola orchestra che accompagna l'aria
del Parnaso e' invece proprio sul palcoscenico. L'impasto che ne esce
e', almeno dal mio punto di osservazione, omogeneo e ben calibrato con
le voci.
Gli interpreti principali sono tutti femminili (mi e' venuto da
sorridere pensando a un Giulio Cesare decisamente matriarcale).
La Barcellona, nel ruolo del titolo, ha sfoderato non solo la sua
bellissima voce, ma anche una grande agilita' e una grande padronanza
del fiato. Occorre sapere che questa e' la sua prima interpretazione
Handeliana, e che le sue arie, soprattutto le due arie iniziali che si
susseguono a distanza molto ravvicinata, sono due arie molto difficili,
che Alessandrini oltretutto ha arricchito con molti vocalizzi. Molto
brava e' stata anche nell'aria piu' celebre dell'opera, quella
dell'astuto cacciatore, con quel bellissimo dialogo col corno, che,
detto fra parentesi, ha molto ben figurato; e nei due interventi
maggiormente riflessivi, il recitativo accompagnato "Alma del gran
Pompeo" e il recitativo con aria del terzo atto, quando, bagnato
fradicio, riesce a salvarsi, la sua bella voce ha saputo creare vera
emozione
Molto brava anche la Sara Mingardo nella parte di Cornelia. Le sue arie
sono tutte manifestazioni di dolore, che la sua voce contraltile ha
saputo rendere in modo veramente emozionante: Penso alla sua aria di
sortita "Priva son d'ogni conforto", o allo stupendo duetto "Son nata a
lacrimar" che chiude il primo atto, condotto magnificamente con la
Bacelli nel suolo di Sesto.
Straordinaria e' stata anche la Bayo, nella parte di Cleopatra. Qui la
coloritura ha il suo campo vincente, soprattutto nell'ultima sua aria
"Da tempeste il legno infranto", ma grande emozione ha saputo dare anche
nelle due stupende arie "Se pieta' di me non senti" e "Piangero' la
sorte mia", due arie di straordinaria bellezza. Nelle altre ha sfoderato
la vivacita' e la malizia proprie del personaggio, come nelle belle arie
"Non disperar chissa'" o "Vi adoro pupille", l'aria del Parnaso.
Nel ruolo di Sesto oltre a quello stupendo duetto che chiude il primo
atto, mi e' piaciuta molto l'aria dell'angue offeso, mentre la Santafe'
ha interpretato un Tolomeo piu' che crudele, direi discolo capriccioso.
In conclusione lo spettacolo mi e' piaciuto, e mi ha dato anche momenti
di intensa emozione, soprattutto nei passaggi che ho citato. Inoltre mi
ha fatto capire meglio la logica del teatro barocco. E questo per me e'
un fatto positivo.
Chiedo scusa per la lunghezza e per le stupidaggini che sicuramente gli
esperti del barocco mi faranno rilevare.
Un saluto a tutti
Rudy


title: Il Giulio Cesare al Comunale di Bologna

text:
On Sat, 12 Apr 2003 06:53:14 +0000 (UTC),
rodolfo....@tin.it
(Rodolfo Canaletti) wrote:
>La messa in scena. Da una parte ho ammirato l'abilita' di Ronconi
>:::::::::::::::::::::
>:::::::::::::::::::::::::::::::
>In conclusione lo spettacolo mi e' piaciuto, e mi ha dato anche momenti
>di intensa emozione, soprattutto::::::::::::::::::
>:::::::::::::::::::::::::
Ah, ma allora ci 6 stato! Io invece temo debba rinunciare: avevo in
animo d' andarci domani, ma sn senza biglietto, dovrei arrivare la
mattina prasto x fare la fila x  1 dei 53 posti di loggione, i treni
EuroStar costano 1 sbandello e c' è pure lo sciopero dei
capi-stazione!...	:-(((
LUX


title: Il Giulio Cesare al Comunale di Bologna

author: Arsace

text:
"Lucio PERES" <
lucio.S...@fastwebnet.it
> ha scritto nel messaggio
>Ah, ma allora ci 6 stato! Io invece temo debba rinunciare: avevo in
>animo d' andarci domani, ma sn senza biglietto, dovrei arrivare la
>mattina prasto x fare la fila x  1 dei 53 posti di loggione, i treni
>EuroStar costano 1 sbandello e c' è pure lo sciopero dei
>capi-stazione!... :-(((
Pensa invece, io c'ero ma mi sono ben guardato dall'entrare a vedere la
prima, visto il cast, le voci di strumenti non originali e la scenografia
non Debordante, bollino necessario - ache se non sufficiente - per una buona
resa: è inutile parlare di nuove regie, di attualizzazioni delle opere
Barocche: in REALTA' i Budget Odierni non possono ricoprire lo splendore del
Fasto che regnava a Teatro: per cui si copre questa mancanza con
arrangiamenti che alcuni vedono come un "miglioramento" della resa
drammaturgica.
Ora scopro che c'erano pure i tagli: passi pure a degli snellimenti al
recitativo - che comunque visivamente è molto meno pesante che in cd, e
anche di un'opera di stampo ottocentesco ritengo, dal momento che lì c'è un
monoblocco musicale che finisce per diventare rumore di sottofondo.... - ma
non posso passare sopra a tagli di arie: spero lo abbia fatto su arie di
intercambio delle differenti versioni di Giulio Cesare....
Non mi espimo ancora negativamente sui cantanti, dal momento che camminando
per le vie Bolognesi, ho saggiato qualcosa tramite la radio del walkman, ma
c'è chi ha registrato tutto: una volta avuta copia, ognuna riceverà giusta
mercede, se se la merita.
Arsace
_________________________
Il Teatro è il Trono della Musica.
(Pietro Metastasio)
Arsace
___________________
Handel Forever!


title: Il Giulio Cesare al Comunale di Bologna

author: Almaviva

text:
Di questo Giulio Cesare se ne potrà vedere un piccolo assaggio martedì a
"Prima della prima"
Ciao, @lm@viv@


title: Il Giulio Cesare al Comunale di Bologna

text:
Almaviva <
alma...@inwind.it
> wrote in message
b79d4q$4f0$1...@attila.bofh.it...
> Di questo Giulio Cesare se ne potrà vedere un piccolo assaggio martedì a
> "Prima della prima"
Ci sono stato oggi, assieme ad altri di IAMCM. Spettacolo musicalmente molto
bello (Alessandrini ha compiuto un vero miracolo, pur con un'orchestra non
ideale per questo repertorio) con la Mingardo in gran forma, tanto che,
almeno per quanto ha riguardato la recita odierna, ha colto un vero e
proprio successo personale. Ma bravi anche tutti gli altri. In sostanza mi
trovo d'accordo con Canaletti a questo proposito.
La parte scenica, invece, non mi è piaciuta neanche un po'. Pazienza, direi
comunque che vista la rarità con cui le opere di Handel vengono proposte in
Italia, è andata bene così.
Teseo


title: Il Giulio Cesare al Comunale di Bologna

text:
On Sun, 13 Apr 2003 22:03:33 +0000 (UTC), "Teseo"
<
teseo19...@libero.it
> wrote:
>Ci sono stato oggi, assieme ad altri di IAMCM.
Certo ke potevi anke dirmelo!
Nn hai letto il mio post di ieri??...  :-(((
>Spettacolo musicalmente molto
>bello (Alessandrini ha compiuto un vero miracolo, pur con un'orchestra non
>ideale per questo repertorio) con la Mingardo in gran forma
Giudizio opposto sul Sole 24 Ore: Carla Moreni scrive ke, a parte la
Mingardo e la Bacelli, erano tutti stonati, pure la Barcellona, forse
xkè l' ork di Alessandrini era situata in 1 nikkia sul palcoscenico,
di spalle ai cantanti e nn li orientava a dovere!?....
>La parte scenica, invece, non mi è piaciuta neanche un po'.
Invece la Moreni dice: "Grazie, Ronconi"...
LUX


title: Il Giulio Cesare al Comunale di Bologna

text:
On Sat, 12 Apr 2003 14:12:27 +0000 (UTC), "Arsace"
<
tiri...@libero.it
> wrote:
>Pensa invece, io c'ero ma mi sono ben guardato dall'entrare a vedere la
>prima, visto il cast, le voci di strumenti non originali e la scenografia
>non Debordante
Caro Arsace, nn si può pretendere ke l'opera barocca, in particolare
quella di GFH, faccia il suo ingresso nelle stagioni d' opera
"normali" con tutto il bagaglio di filologia, specializzazione vocale
e sontuosità scenografica proprie di ribalte dedicate ad un pubblico
specifico come Gottingen!
IMVHO x rinnovare il repertorio operistico dei Ns teatri va bene
procedere x piccoli gradi: oggi 1 delle opere + note, magari tagliata,
con Alessandrini,  bene o male 1 specialista di musica antica..., con
strumenti e regia moderna, domani gli strumenti antiki, poi magari l'
invito a voci + specializzate, e via andare....
>in REALTA' i Budget Odierni non possono ricoprire lo splendore del
>Fasto che regnava a Teatro
ma il Teatro del' 700 nn era x tutti, o cmq era finanziato dalle
rikkezze spropositate dei monarki assoluti...
>per cui si copre questa mancanza con
>arrangiamenti che alcuni vedono come un "miglioramento" della resa
>drammaturgica
Resto dell' opinione ke le regie "moderne" di  Alcina da me vista a
Parigi e di Agrippina a Brussels siano tra le cose + belle andate in
scena nel mondo in questi ultmi anni...
>non posso passare sopra a tagli di arie: spero lo abbia fatto su arie di
>intercambio delle differenti versioni di Giulio Cesare....
forse qcuno lo spiegherà, ma se Alessandrini li ha avallati vuol dire
ke considerava troppi "daccapo" esiziali x il pubblico medio...
>c'è chi ha registrato tutto: una volta avuta copia, ognuna riceverà giusta
>mercede, se se la merita.
Parliamone: anzi, parlatene, visto ke io nn ci sn andato...	:-(((
LUX


title: Il Giulio Cesare al Comunale di Bologna

text:
Lucio PERES <
lucio.S...@fastwebnet.it
> wrote in message
b7dk91$hsa$1...@attila.bofh.it...
> Certo ke potevi anke dirmelo!
> Nn hai letto il mio post di ieri??...  :-(((
sorry, sono stato lontano dal PC per un po'....
> Giudizio opposto sul Sole 24 Ore: Carla Moreni
nulla di strano: ho notato che i miei giudizi e quelli della Moreni sono
sempre diametralmente opposti. Comunque qualche nota calante c'era
davvero.
Teseo


title: I Trovatore scaligero. Mie considerazioni sulla drammaturgia

author: Rudy

text:
Hi!
Finalmente ho potuto vedere il Trovatore scaligero, dopo aver letto
tanti post, aver assistito a tante polemiche di varia natura che
riguardavano la scelta se fare o non fare il famoso "do", i tempi, la
direzione di Muti, le voci... e chi piu' ne ha piu' ne metta.
E dopo aver scritto un post su un'opera diametralmente opposta come
l'Anacreon, ora provo a dire anch'io la mia sul Trovatore scaligero.
Ma come e' mio costume cerchero' di non esprimere giudizi analitici
sull'esecuzione (anche perche' non me ne sentirei in grado), ma di
partire da una valutazione di tipo drammaturgico.
E dico subito che l'impianto generale, registico e musicale, mi ha
convinto che il personaggio chiave del Trovatore sia Azucena. E' vero
che dal punto di vista dell'impegno interpretativo gli altri tre
personaggi sono altrettanto se non piu' importanti. Ma il dramma regge
tutto su questa figura centrale: potrei dire che il Trovatore e' il
dramma della vendetta sublimata. Mi e' venuta alla mente un'altra opera,
che ha un taglio drammaturgico simile (anche se la realizzazione e'
molto differente, e direi molto piu' complessa), ed e' la Juive di
Halevy. In questa opera il personaggio centrale e' Eleazar, e anche in
essa tutto il piano drammaturgico converge su una vendetta che ha
caratteristiche quasi identiche a quella del Trovatore: in entrambi i
casi essa e' compiuta dai due personaggi chiave attraverso la morte
della persona da loro piu' amata e la propria morte; ma determina
nell'oggetto della vendetta un dolore piu' grande della perdita della
vita stessa. Una vendetta quindi che, sia pure a prezzi
incommensurabili, colpisce l'oggetto non fisicamente, ma negli affetti,
nel sentimento, e che si dimostra essere infinitamente piu' atroce di
qualsiasi altra punizione.
Questo filone narrativo centrale si sviluppa su un terreno di passioni
umane, possibili o impossibili, che nel Trovatore, ma anche nella Juive,
sono il terreno necessario affinche' la vendetta si compia ed abbia il
senso tragico che sappiamo.
Il libretto del Trovatore e' da punto di vista letterario e
drammaturgico piuttosto scadente, ma la musica di Verdi, ne sa estrarre
gli aspetti decisivi, e sa metterli in evidenza con straordinaria
efficacia. E, tanto per riferirci allo spettacolo scaligero, regia e
direzione d'orchestra hanno saputo cogliere molto bene questo aspetto,
la genialita' verdiana.
La scenografia di Da Ana e' una scenografia rozza, quanto e' rozzo lo
sviluppo musicale dell'opera, che di fatto assegna all'orchestra solo un
ruolo di accompagnamento, mentre attribuisce alla voci tutto il peso
dell'espressione. Ambienti cupi, tetri, costituiti da forme
architettoniche appena accennate, soprattutto colonne ritorte, rozzi
muraglioni, che richiamano l'architettura gotica, e che, spostandosi a
vista e prendendo diversi reciproci rapporti, con l'aggiunta di pochi
altri elementi, disegnano le scene. E' l'espressione visiva della famosa
"tinta" verdiana. De Ana ha una grande sensibilita' visuale, e le sue
realizzazioni sono dal punto di vista dell'immagine, molto raffinate
(anche se questa puo' sembrare una contraddizione con la rozzezza
dell'ambiente descritto). E la sensibilita' visuale di De Ana, secondo
me raggiunge l'apice, anche dal punto di vista drammaturgico, all'inizio
della Seconda parte, col coro degli zingari. La scena richiama da vicino
un quadro che potrebbe essere di Goya. Nei colori prevale un ocra
aranciato, reso mosso dai policromi costumi. Il coro degli zingari, dopo
l'inizio, si ammassa tutto sulla parte destra del palcoscenico, assume
una immobilita' completa, con posture differenti delle singole persone,
mentre sulla sinistra da sola appare la figura di Azucena, che canta
"Stride la vampa". Quest'aria non e' un racconto, ma una visione, un
sogno, un viaggio della mente allucinata della zingara a tempi lontani,
quando si e' consumato il dramma terribile che conosciamo. La stessa
aria ha un andamento allucinato, efficacissimo (per me e' stupenda!).
Ecco, de Ana con questo colpo di teatro, o di regia, se vogliamo, ha
dato il segno della chiave drammaturgica. Azucena e la', sola, unico
personaggio a muoversi in un quadro si assoluta immobilita'. E questa
presentazione viene fortemente ripetuta proprio nell'ultimissima scena,
quando ella, quasi coperta dagli ultimi accordi orchestrali, pronuncia
la frase conclusiva "Sei vendicata o madre!". La sua persona riempie il
palcoscenico, tutto passa in secondo piano, e la zingara viene
illuminata da una luce livida, e non (come spesso accade) dalle becere
"fiamme" che dovrebbero simulare il rogo. Non e' tanto l'orrore del rogo
il punto cruciale dell'opera e della sua conclusione, ma la vendetta, ai
prezzi che sappiamo.
L'unico appunto a questa regia, che non mi vede completamente d'accordo,
e' la scelta di simboleggiare la torre della prigione nell'ultima parte
con una ammasso, un grande cumulo di armi (?), o di corpi di soldati
morti (come a me e' sembrato) nelle posture piu' macabre; cio' mi
ricorda le scene che si vedono nel Macbeth durante il preludio, nel film
da lui diretto. E' un gusto dell'orrido, del macabro che trovo
eccessivo, e soprattutto senza una chiara necessita' drammaturgica.
Il personaggio di Manrico. De Ana e Muti non ne fanno un eroe, ma un
personaggio dolce, completamente avvinto da due affetti: quello per la
madre, e l'amore per Leonora. E' un trovatore, un poeta, un cantante,
non un guerriero. Certo, e' in guerra, ma questo e' sullo sfondo, non
l'aspetto principale. E direi che Muti ha saputo cogliere molto bene
questa sua caratteristica. Il suo canto non e' mai eroico, ma sempre
appassionato. La stessa aria, che tradizionalmente gli viene imposta
come un vestito eroico e guerriero, "Di quella pira", non e' un canto di
guerra, ma un canto di intensissima emozione, di orrore, di dolore, di
rabbia: gli stanno bruciando la madre! L'animo del poeta, che ha cantato
"Deserto sulla terra, col rio destino in guerra", o, un attimo prima
"Amor... sublime amore" ora e' sconvolto e canta "Era gia' figlio prima
d'amarti... Madre infelice, corro a salvarti". C'e' proprio da chiederci
come la conclusione dell'aria sul "do" possa essere coerente con questa
impostazione! E De Ana ha seguito l'impostazione di Muti, facendogli
cantare l'aria (finalmente!!!) senza la spada in pugno. Licitra, secondo
me, ha una bella voce, un tono appassionato nel cantare, ma forse non ha
saputo delineare fino in fondo questo carattere molto bello di Manrico;
e anche con le movenze sceniche (per la verita' piuttosto infelici),
tendeva piu' a risolverne l'aspetto eroico, che non l'aspetto
appassionato. Comunque a me il messaggio e' giunto chiaro e forte.
C'e' da dire che, nel dirigere le movenze, De Ana mi e' piaciuto
moltissimo. In tutta la quinta scena, il rapporto di Manrico con Leonora
e' trattato in modo dolcissimo. L'intenso e tenero amore fra i due (a
differenza di quello del Conte che e' un amore violento) e' reso dalle
movenze di lei, assolutamente studiate e precise, che esprimono affetto,
tenerezza, com-passione per il dolore di Manrico alla notizia orribile,
e che proseguiranno quasi senza soluzione di continuita' all'inizio
della quarta scena, dove tutta l'assurdita' della situazione trova
proprio una giustificazione in cio' che si e' manifestato nella scena
precedente.
Il controllo delle movenze De Ana lo ha esteso praticamente a tutta
l'opera, ed e' apparso notevole, soprattutto nel dirigere i movimenti
delle masse corali, che si spostavano, eseguivano movimenti sempre con
l'intento di creare figure sceniche accuratamente studiate e di
bellissimo effetto.
Leonora e' un personaggio dolce e impaurito (gia' l'errore di persona
che commette nella quarta scena della prima parte ne delinea il
carattere). Leonora ha due momenti cruciali nell'opera: la seconda scena
della prima parte, e  tutta la quarta parte. L'aspetto tenero, dolce,
innamorato, finisce alla fine per far prevalere in lei la decisione piu'
istintiva ma anche meno efficace: salvare il proprio amore al prezzo
della propria vita. Sappiamo come va a finire. E il canto di Leonora ci
rivela proprio questo personaggio.
Il Conte di Luna  nutre per Leonora una passione violenta, ben lontano
dal sentimento delicato che lega Manrico e la donna. Ed e' tuttavia un
sentimento cosi' intenso da fargli rinunciare alla vendetta pur di
poterlo soddisfare. Qui ritorna il tema della vendetta, ma in chiave
speculare rispetto ad Azucena: questa sacrifica tutto, proprio tutto, se
stessa, l'unico grande amore per cui ha vissuto, il figlio (non-figlio),
alla vendetta; il Conte sacrifica la vendetta alla propria passione e
libera Manrico, l'oggetto sul quale vuole vendicare il supposto delitto
di Azucena, la supposta morte del fratello. Il canto del Conte di Luna
e' sempre un canto cupo, mai addolcito, mai sorridente. E' un uomo a una
sola dimensione, truce guerriero.
Ed e' da notare tuttavia come De Ana abbia concesso aspetti guerreschi
solo all'inzio della Terza parte, quando l'esercito del conte e'
schierato per dare l'ultimo assalto al castello di Castellor. E' l'unica
occasione nella quale la guerra viene portata in primo piano, ed e'
l'unica occasione in cui De Ana vi fa riferimento. Non voglio fare
confronti con altre (celebri) esecuzioni da me viste in video, in cui
armature, spade, guerrieri, sono disseminati un po' dovunque per tutta
l'opera, a partire dalla prima scena, rischiando quindi di diluire
l'intensita' dell'intreccio drammaturgico.
Il coro. Potrebbe essere il quinto protagonista, tanti sono i suoi
interventi, che a mio avviso, dal punto di vista drammaturgico, hanno
l'importante funzione di mantenere la tinta cupa, fosca dell'opera, e
musicalmente puo' essere considerato la piattaforma, il terreno sopra il
quale la vicenda sembra poggiare.
L'orchestra. L'orchestra, secondo me, nel Trovatore ha un ruolo
subordinato al canto. Nella maggior parte dei casi ha una funzione di
accompagnamento, o al massimo di sottolineatura. In alcuni casi
raggiunge una certa efficacia espressiva (per esempio, gli archi bassi
quando Ferrando evoca la scena del fantasma della zingara bruciata sul
rogo, oppure l'andamento di un ritmo quasi singhiozzante che accompagna
il canto di Leonora, rivelandone l'intima agitazione, quando ella si e'
resa conto dell'errore di persona a cui e' stata tratta dall'oscurita',
e cerca, nella quinta scena, di spiegarlo a Manrico).

Con un solo personaggio l'orchestra assume un ruolo espressivo ben
preciso e molto efficace. E, manco a dirlo, si tratta di Azucena. Il
racconto che ella fa a Manrico "Condotta ell'era in ceppi" ha un
accompagnamento semplicissimo, ostinato, di due note acute (oboe e
violini) che e' un terribile lamento, un singhiozzo interiore che
esprime in modo magistrale l'emozione della zingara al ricordo.
Semplicissimo e geniale. Altre occasioni di intervento eloquente
dell'orchestra si hanno nel corso del racconto della zingara "Quand'ecco
agli egri spiriti" e nell'ultimo suo duetto con Manrico in prigione.
Quando ella, piena di terrore, evoca il rogo, l'orchestra accompagna
questo stato d'animo col riprendere la linea dell'aria "Stride la
vampa", affidata soprattutto ai violini, con grande efficacia
descrittiva del tumulto dei sentimenti che agitano Azucena.
Ma il Trovatore e' un'opera bella? Secondo me si', molto bella, e lo
dico anche se le mie preferenze in genere vanno alle opere nelle quali
l'orchestra ha un ruolo determinante, e non solo quello di
accompagnamento. In questo caso tuttavia il canto ha una tale forza
espressiva, un tal vigore, una tale capacita' di "rapire" l'attenzione,
di commuovere la sensibilita' che l'effetto drammaturgico e' comunque
assicurato.  E in questo gioca, penso, anche una unitarieta' di stile
veramente straordinaria. Io sono del parere che l'esecuzione scaligera
abbia avuto proprio questo merito: di aver saputo fare emergere una
drammaturgia che, proprio per la sua stessa natura, e le natura del
canto che vi svolge un ruolo fondamentale, e' a rischio di essere
travolta o quanto meno trascurata, proprio come purtroppo credo che
succeda spesso.
Saluto cordiale a tutti i pazienti NGisti che sono arrivati fin qui, che
da me ricevano anche i piu' fervidi auguri di Buon Natale e Buon anno.
Rudy
====================================================
If the doors of perception were cleansed every
thing would appear  to man as it is: infinite.
William Blake
====================================================


author: Duccio C.

text:
Rudy <
rud...@libero.it
> wrote in message
1elynpb.1i1p6ilpoo3teN%rud...@libero.it...

Bravo Rudy,
mi sembra invece che ti intenda anche di musica.Bella la tua analisi.
Però attento, non è proprio vero che il Conte di Luna sia un personaggio ad
una sola dimensione e che il canto non è mai addolcito: il Balen del suo
sorriso è musica invece, dolcissima, e rispecchia un lato del carattere
appassionato, e anche per certi versi "languoroso".
Inoltre la dimensione vendicativa/ appassionata ne fa un personaggio non
sbiadito, ma anzi a forti tinte e la sua importanza drammaturgica lo pone
più volte al centro dell'azione con Leonora e Manrico ( finale Atto I,
concertato atto II, atto IV).
Il Trovatore è opera difficile proprio perchè l'orchestra fa un passo
indietro rispetto al canto e pertanto l'opera necessita di 4 cantanti
co-protagonisti, con una estensione vocale notevole.Per fare un esempio,
pensa che il conte di L. canta con una estensione tenorile, ma anche con
note quasi da basso.
Ricorda anche che i tre dei 4 protagonisti sono molto giovani, circa
ventenni e quindi a quell'età il sangue bolle più forte dell'età adulta.
Per il resto ti posso dire, secondo me, che quella di Muti è una bellissima
interpretazione e riascoltata dopo la prima, dove le cose ancora non erano
del tutto a posto e c'era comprensibile nervosismo, acquista ancora più
valore.Malgrado le critiche che hai visto in questo NG, dove non tutti sono
obiettivi.
Anche Nucci alla prima stentava e Licitra non sempre era intonato, adesso
alle repliche questi due cantano meglio.
Ciao Auguri,
Duccio


author: Giuseppe Sottotetti

text:
"Rudy" <
rud...@libero.it
> ha scritto nel messaggio
news:1elynpb.1i1p6ilpoo3teN%rud...@libero.it...
> Il personaggio di Manrico. De Ana e Muti non ne fanno un eroe, ma un
> personaggio dolce, completamente avvinto da due affetti: quello per la
> madre, e l'amore per Leonora. <snip> C'e' proprio da chiederci
> come la conclusione dell'aria sul "do" possa essere coerente con questa
> impostazione!
Per la cronaca segnalo su Opera-List un articolo di Albert Innaurato che
riprende e giustifica - partitura alla mano - la tua medesima osservazione.
--
Giuseppe Sottotetti
gso...@libero.it


text:
> >
>
> Bravo Rudy,
> mi sembra invece che ti intenda anche di musica.Bella la tua analisi.
> Però attento, non è proprio vero che il Conte di Luna sia un
personaggio ad
> una sola dimensione e che il canto non è mai addolcito: il Balen del
suo
> sorriso è musica invece, dolcissima, e rispecchia un lato del
carattere
> appassionato, e anche per certi versi "languoroso".
assolutamente falso:se fai caso peraltro agli arpeggi lugubri del
clarinetto (timbro non scelto casualmente e neanche "mozartianamente")
nell'accompagnamento di quest'aria puoi notare che nell'apparente
dolcezza del brano Verdi invece vuol dare significazione di
ambiguità,di perfidia recondita al personaggio(anche i piani che usa
servono non ad esprimere dolcezza ma diabolicità).La stesso espediente
lo userà nell'Aida (ma anche in altre opere) per la figura di
Amneris,specie nei dialoghi del personaggio con Aida.
buone feste a tutti.
Pamilton
Sent via Deja.com
http://www.deja.com/


text:
<
pamil...@my-deja.com
> wrote in message 91tuam$suv$1...@nnrp1.deja.com...
>
> assolutamente falso:se fai caso peraltro agli arpeggi lugubri del
> clarinetto (timbro non scelto casualmente e neanche "mozartianamente")
> nell'accompagnamento di quest'aria puoi notare che nell'apparente
> dolcezza del brano Verdi invece vuol dare significazione di
> ambiguità,di perfidia recondita al personaggio(anche i piani che usa
> servono non ad esprimere dolcezza ma diabolicità).La stesso espediente
> lo userà nell'Aida (ma anche in altre opere) per la figura di
> Amneris,specie nei dialoghi del personaggio con Aida.
>
>
> buone feste a tutti.
> Pamilton
>
Meno male che ci sei tu che sai interpretare alla perfezione Assoluta, il
pensiero, le intenzioni e l'opera di Verdi.........
Scherzi a parte, intendevo dire che, secondo me, i personaggi di Verdi sono
abbastanza sfaccettati, e anche il Conte di Luna personaggio tutto sommato
malvagio, ha comunque qualcosa di positivo ( il suo amore ardente, il suo
attaccamento alla famiglia, il senso dell'onore) anche se tutto ciò è
rivolto alla vendetta, e quindi in negativo e non al senso civico o
cristiano che avrebbe dovuto costituire un valore di un nobile spagnolo di
quel tempo.
Verdi uomo di teatro, come pochi altri si rendeva conto, di questo sono
sicuro, che anche negli uomini malvagi vi sono taluni aspetti positivi,
anche se questi sono impiegati per compiere gesti iniqui.
Sono giuste le osservazioni sulla "tinta" dei personaggi: basta pensare che
Verdi pensava addirittura prima di scrivere le note delle opere, al colore,
alle tinte che doveva avere quell'opera o quel personaggio.
Auguri,
Duccio


text:
Duccio C. <
cuc...@tiscalinet.it
> wrote:
> non è proprio vero che il Conte di Luna sia un personaggio ad
> una sola dimensione e che il canto non è mai addolcito: il Balen del suo
> sorriso è musica invece, dolcissima, e rispecchia un lato del carattere
> appassionato, e anche per certi versi "languoroso".
Con il chiamarlo personaggio ad una dimensione non volevo negare
l'esistenza del suo amore per Leonora. Volevo sottolirnearne la
violenza, che pure nell'aria che citi si manifesta: "Sperda il sole d'un
suo sguardo la tempesta del mio cor!"
> Inoltre la dimensione vendicativa/ appassionata ne fa un personaggio non
> sbiadito, ma anzi a forti tinte
Non ho mei detto che e' sbiadito. Al contrario, ne ho sottolineato
l'intensita', che, a mio avviso, tuttavia, ha poche sfumature.
> Il Trovatore è opera difficile proprio perchè l'orchestra fa un passo
> indietro rispetto al canto e pertanto l'opera necessita di 4 cantanti
> co-protagonisti, con una estensione vocale notevole.Per fare un esempio,
> pensa che il conte di L. canta con una estensione tenorile, ma anche con
> note quasi da basso.
Questo e' vero.
> Per il resto ti posso dire, secondo me, che quella di Muti è una bellissima
> interpretazione e riascoltata dopo la prima, dove le cose ancora non erano
> del tutto a posto e c'era comprensibile nervosismo, acquista ancora più
> valore.Malgrado le critiche che hai visto in questo NG, dove non tutti sono
> obiettivi.
Anche qui, siamo d'accordo.
Ciao



text:
In article <91vkq7$j0e$
1...@lacerta.tiscalinet.it
>,
  "Duccio C." <
cuc...@tiscalinet.it
> wrote:
>
> <
pamil...@my-deja.com
> wrote in message
91tuam$suv$1...@nnrp1.deja.com...
> >
>
> > assolutamente falso:se fai caso peraltro agli arpeggi lugubri del
> > clarinetto (timbro non scelto casualmente e
neanche "mozartianamente")
> > nell'accompagnamento di quest'aria puoi notare che nell'apparente
> > dolcezza del brano Verdi invece vuol dare significazione di
> > ambiguità,di perfidia recondita al personaggio(anche i piani che usa
> > servono non ad esprimere dolcezza ma diabolicità).La stesso
espediente
> > lo userà nell'Aida (ma anche in altre opere) per la figura di
> > Amneris,specie nei dialoghi del personaggio con Aida.
> >
> >
> > buone feste a tutti.
> > Pamilton
> >
>
> Meno male che ci sei tu che sai interpretare alla perfezione
Assoluta, il
> pensiero, le intenzioni e l'opera di Verdi.........
la mia non è ostentata interpretazione assoluta,caso mai è deduzione
personale:l'espediente compositivo della falsa dolcezza Verdi,come ho
già scritto,lo riproporrà anche in seguito.Penso ad esempio al primo
dialogo tra Aida e Amneris:quando Amneris pronuncia "vieni
diletta,appressati" la melodia suona assai dolce,senonchè in essa si
insinuano perfidamente i violoncelli che fanno da controcanto.Anche le
ultime parole,nel rappresentare quest'ambiguità si avvalgono di un
espediente analogo."svela il segreto a me":sono dolci nell'andamento ma
sprofondano nel registro grave del personaggio per rappresentare
appunto la falsità di quest'ultimo.Cose del genere erano all'ordine del
giorno nel teatro di Gluck e successori:come massimo esempio mi viene
in mente l'aria di Danaus nelle Danaides di Salieri:il protagonista
canta "juissez du destin propice" con aria apparentemente affettuosa e
amorevole,ma tutti i timbri scelti (fagotti,violoncelli)e le idee
armoniche fanno presagire in tutto la sua ipocrisia
>
> Scherzi a parte, intendevo dire che, secondo me, i personaggi di
Verdi sono
> abbastanza sfaccettati, e anche il Conte di Luna personaggio tutto
sommato
> malvagio, ha comunque qualcosa di positivo ( il suo amore ardente, il
suo
> attaccamento alla famiglia, il senso dell'onore)
non voglio apparire cocciuto (non prenderla come "volontà di
interpretazione assoluta",ma semplicemente come divergenza di idee)ma
io credo che i personaggi di Verdi,almeno nel trovatore,siano
tutt'altro che sfaccettati.Anzi,uno delle principali
debolezze drammaturgiche di quest'opera è proprio la mancanza di
sfaccettatura,di poliedricità in essi (laddove si escluda ovviamente,ma
solo in parte,il personaggio di Azucena,potrei farti tanti
esempi).Quelle che tu vedi come sfaccettature sono,a mio parere,delle
deduzioni drammaturgiche derivanti unicamente dal libretto,o dalla
vicenda o da  considerazioni generali:
la musica al contrario esprime idee fisse,schematiche.La poliedricità
espressiva si ritrova nel teatro di Gluck,di Salieri,di Spontini
soprattutto,di Cherubini,autori che 50 anni prima che Verdi scrivesse i
suoi "capolavori" già avevano compiuto nella musica indagini
drammaturgiche alle quali Verdi sarà in grado di avvicinarsi solo nelle
ultime opere.
> Verdi uomo di teatro, come pochi altri si rendeva conto, di questo
sono
> sicuro, che anche negli uomini malvagi vi sono taluni aspetti
positivi,
> anche se questi sono impiegati per compiere gesti iniqui.
 questa è osservazione molto interessante ,ma il fatto che releghi
Verdi nell'olimpo della drammaturgia è del tutto contrario alle mie
idee.
Spontini,almeno 50 anni prima di Verdi riusciva a ricreare nella musica
sviluppi di psicologie che Verdi semplicemente si sognava.Inutile
parlare del carattere di Amazily,ma vorrei invece puntare l'attenzione
sul Sommo Pontefice della vestale,che è appunto un cattivo per
eccellenza:la musica nell'inseguire l'evoluzione psicologica del
personaggio in relazione agli sviluppi della vicenda è a dir poco
incredibile e il personaggio,secondo la musica,viene coinvolto in una
serie di sfaccettature espressive che Verdi mai e poi mai avrebbe reso
ad un "cattivo".Lì,veramente si scruta in profondità l'animo di un
malvagio che,a seconda della situazione,ha paura,si
eccita,trionfa,deride,si incazza,diventa macchina da guerra,trama,si
insinua e così via.E queste sono tutte cose che si deducono dalla
MUSICA che è un vero e proprio fluire incessante di psicologie in
evoluzione,non dal libretto....sembra che ogni nota serva a Spontini
per aggiungere qualcosa di nuovo drammaturgicamente ai suoi
personaggi,anche quando il libretto non lo suggerisce.Cose del
genere,ripeto,Verdi 50 anni dopo se le sognava.
ciao e auguri



author: MarcoCla

text:
> Anche Nucci alla prima stentava e Licitra non sempre era intonato, adesso
> alle repliche questi due cantano meglio.
Su questo devo darti ragione: io che alla prima ero stato uno dei più accesi
stroncatori, alla replica ho notato che molte cose erano andate a posto
(soprattutto Nucci). Devo però dire anche che le repliche i cantanti le
hanno affrontate in modo molto più di tradizione (ascoltare le arie di Nucci
e della Frittoli), un pò come se passata la prima e il rigore (o
testardaggine) Mutiano attenuatasi, il direttore abbia un po' allargato le
redini con il risultato che dal punto di vista canoro le cose sono andate
molto meglio.
Sulla regia invece ho qualche perplessità: cioè De Ana mi è sembrato uno
buon scenografo e un ottimo costumista, come regista ha fatto solo quello
che fanno tutti gli altri. Bella regia, ma che non mi si venga a parlare di
regia innovativa.
Saluti e auguri, Marco


author: Lucio PERES

text:
On Sun, 24 Dec 2000 15:48:19 GMT, "MarcoCla" <
cab...@libero.it
>
wrote:
> De Ana mi č sembrato uno
>buon scenografo e un ottimo costumista, come regista ha fatto solo quello
>che fanno tutti gli altri. Bella regia, ma che non mi si venga a parlare di
>regia innovativa.
Infatti non l' ha detto nessuno (mi pare...).
Poi se x "innovativa" intendi una di quelle modernissime regie
"geniali" alla Vick o alla  Arias con cubi in scena tutto il tempo  o
i pettini ke scendono dal cielo meglio cosě!
Del resto i tedeski non l' hanno definita una regia "all' italiana"?
E non siamo in Italia?...
Cmq far fare all' intero coro degli armigeri dei movimenti lentissimi,
quasi coreutici come quelli preparati da Leda Lojodice, mentre i
protagonisti cantano regolarmente  la loro parte e la musica fluisce
vertiginosa io non l ho mai visto fare da altri registi.
LUX


text:
MarcoCla <
cab...@libero.it
> wrote:
> Sulla regia invece ho qualche perplessità: cioè De Ana mi è sembrato uno
> buon scenografo e un ottimo costumista, come regista ha fatto solo quello
> che fanno tutti gli altri. Bella regia, ma che non mi si venga a parlare di
> regia innovativa.
Non mi e' chiaro che cosa tu intenda per regia innovativa, e soprattutto
non mi e' chiaro il senso di quel termine.
De Ana ha fatto un *regia*, non solo una scenografia. Ha diretto i
movimenti di scena, ha creato ambienti, ha evidenziato stati d'animo, ha
interpretato la drammaturgia musicale, cercando di dare rilievo a
momenti o episodi che drammaturgicamente rivestono, secondo lui (e in
questo caso anche secondo me), importanza.
Per me e' stata un grande regia, nel senso che, oltre ad immagini molto
belle, ha chiarito alcuni aspetti della drammaturgia che molto spesso
(almeno nelle edizioni del Trovatore che ho avuto occasione di vedere)
erano trascurati.
Ad esempio il ruolo di Azucena e la sottolineatura che ne ha fatto nella
scena della vampa. Generalmente questa scena viene risolta con gli
zingari che si affollano attorno a lei per sentire raccontare la storia.
Qui Azucena invece viene messa da sola, contrapposta agli zingari, il
suo canto assume, anche visivamente, l'aspetto di un delirio. Tutta la
scena poi e' di un eleganza favolosa, richiamando le forme di un pittore
visionario quale e' il Goya. E analogamente il finale, che sottolinea
non il supplizio, l'orrore del rogo, ma la vendetta. In altre edizioni
si vedono le fiamme che avvolgono Azucena, o le mannaie che tagliano la
testa di Manrico.
Pure su Manrico, ci sono molte osservazioni da fare, sulle sue posture,
e su quelle di Leonora, nell'espressione di un amore dolce, poetico, che
non viene meno neppure alla notizia della cattura e della minaccia del
rogo alla madre. Il fatto di far cantare Manrico senza spada ha un
significato drammaturgico ben preciso, come la scelta di Muti di non
fargli fare il do.
Altri hanno adottato soluzioni simili? Puo' darsi, come puo' darsi che
altri registi abbiano travestito il Conte di Luna da nazista e Manrico
da partigiano. Non so. Forse sono queste le regie innovative? potrebbero
esserlo, come potrebbero non esserlo. Secondo me non dipende tanto daio
costumi o dall'ambientazione, ma dall'interpretazione drammaturgica.
Tuttavia in quelle edizioni di cui possiedo il video (MET 88 e Firenze
90) la regia e' ben lontana da queste soluzioni, e si dimostra una regia
piatta, priva di sottolineature, veramente quello che si direbbe
solamente una messa in scena.
Quindi, secondo cio' che io conosco delle messe in scena del Trovatore,
quella di De Ana mi e' sembrata proprio una regia innovativa, cme
innovative sono state le scelte musicali di Muti. Poi, certo, qualcuno
mi puo' smentire, esempi alla mano. Ma resta il fatto che De Ana,
secondo me, non ha fatto solo una bella scenografia, ma ha fatto anche
una grande regia.
Ciao



text:
On Thu, 21 Dec 2000 06:13:56 GMT,
rud...@libero.it
 (Rudy) wrote:
>E dico subito che l'impianto generale, registico e musicale, mi ha
>convinto che il personaggio chiave del Trovatore sia Azucena.
2° quanto asserito dal M° Ettore Napoli nella Guida all' ascolto ke ha
tenuto alla CdL di Milano il giorno 13 Dic, Verdi voleva in un primo
tempo intitolare l' opera, appunto, Azucena (come pure sembra volesse
kiamare Otello Jago).
>Questo filone narrativo centrale si sviluppa su un terreno di passioni
>umane, possibili o impossibili, che nel Trovatore, ma anche nella Juive,
>sono il terreno necessario affinche' la vendetta si compia ed abbia il
>senso tragico che sappiamo.
Eppure io colgo un accenno di rimpianto quando Azucena comunica al
Conte di Luna "Egli era... tuo fratello!": in fondo l' aveva allevato
come un figlio, no? A rigor di logica la "tarda vendetta, ma quanto
fiera" avrebbe potuto compierla in ogni momento: ke senso ha ke sia +
valida  xkè è il fratello ignaro a far decapitare il proprio fratello?
Ma certo la logica nelle opere... e poi in questa...
>Il libretto del Trovatore e' da punto di vista letterario e
>drammaturgico piuttosto scadente
Su questo non sono poi così d' accordo: il libretto di Cammarano (ke
fu completato da un certo Bardare a causa della morte dello stesso
Cammarano) ha dei pregi anke poetici non indifferenti. Dove me li
trovi dei versi così sintetici ed illuminanti come "Tacea la notte
placida " (e non dirmi  ke somiglia ad "Era una notte buia e
tempestosa" di Snoopy...	;-))) o "Deserto sulla terra col rio
destino in guerra..." o "Tu vedrai che amor in terra mai non fu del
mio più forte..." o lo stesso "Di quella pira l' orrendo foco..."
A me piace specialmente la "dichiarazione" di Azucena dopo ke è
arrestata: "D' una zingara è costume muover senza disegno il passo
vagabondo, ed è suo tetto il cielo, sua patria il mondo.": in 4 righe
e neanke 20 parole è spiegato tutto il destino d' un popolo nomade!
Dove lo trovi un altro capace di tanto?
Certo i libretti d' opera non sono in genere godibili alla sola
lettura, senza la Musica, come lo sono le poesie ed i drammi dei
grandi poeti. Ma questa è vexata quaestio: con tutti i poeti e
scrittori geniali ke ha avuto l' Umanità, da Dante a Shakespeare, se
fosse stato possibile mettere in Musica direttamente i loro scritti
non sarebbero certo mancati i compositori altrettanto geniali, da WAM
a Beethoven a Verdi..., in grado di farlo. Eppure non è stato così: di
Dante conosco solo un paio di composizioni, di Donizetti e Verdi, in
cui sono state messi in Musica i suoi versi integrali: seppur
interessanti, non sono le migliori composizioni di questi 2 Autori...
I drammi di Shakespeare sono stati musicati, ma attraverso una
riduzione librettistica... Quale il motivo? Forse xkè in fondo la
poesia è già Musica di per sè?  Agli esperti l' ardua sentenza...
> ma la musica di Verdi, ne sa estrarre
>gli aspetti decisivi, e sa metterli in evidenza con straordinaria
>efficacia. E, tanto per riferirci allo spettacolo scaligero, regia e
>direzione d'orchestra hanno saputo cogliere molto bene questo aspetto,
>la genialita' verdiana.
Sono xfettamente OK! Di fronte a cotanto risultato  globale passano in
2° piano gli eventuali errori filologici e la imperfezione delle voci,
peraltro stavolta scelte da Muti con grande coraggio tra le migliori e
le + giovani (con la sola eccezione di Nucci, ma a Febbraio ci sarà
Gazale...) sulla piazza.
IMHO x esprimere un giudizio pacato su questo Trovatore bisognerà
aspettare una decina d' anni.
LUX


text:
Lucio PERES <
lucio...@inwind.it
> wrote in message
3a47759a...@news.libero.it...
> On Sun, 24 Dec 2000 15:48:19 GMT, "MarcoCla" <
cab...@libero.it
>
> wrote:
> > De Ana mi è sembrato uno
> >buon scenografo e un ottimo costumista, come regista ha fatto solo quello
> >che fanno tutti gli altri. Bella regia, ma che non mi si venga a parlare
di
> >regia innovativa.
>
> Infatti non l' ha detto nessuno (mi pare...).
Solo De Ana stesso e il divino: peraltro di solito io ADORO le regie di De
Ana (Nabucco, Barbiere).
> Poi se x "innovativa" intendi una di quelle modernissime regie
> "geniali" alla Vick o alla  Arias con cubi in scena tutto il tempo  o
> i pettini ke scendono dal cielo meglio così!
Per regia innovativa parlavo di un modo nuovo di avvicinarsi ad un'opera di
tradizione; su Arias non so che dirti, ma sicuramente la GENIALE regia di
Vick del Macbeth (unica cose veramente buona di quell'allestimento) o le
regie di Svoboda (almeno quelle che ho visto ad esempio il Macbeth) possono
essere un esempio.
In ogni caso non voglio fare qui una difesa delle regie innovative, anche
perchè non posso dire che non mi piacciano quelle di tradizione. Anche per
la regia ritorno alla questione che in fondo mi ha più infastidito di questo
trovatore: cioè che tutti PRIMA  di farlo abbiano detto di fare qualcosa di
nuovo. In realtà anche dal punto di vista registico è stata una produzione
come tutte le altre, bella, ma sicuramente non nuova. Pizzi, Ronconi,
Strheler avevano già fatto in altre opere quello che De Ana ha fatto ora.
L'unica differenza è che loro hanno aspettato che fossero gli altri a dire
che erano idee geniali e non erano loro stessi a dirlo a priori.
Probabilmente, ma questa è una mia cattiveria, De Ana si è accorto che Muti
già prima del debutto gli stava letteralmente rubando la scena e allora ha
calcato un pò la mano nelle interviste.
> Cmq far fare all' intero coro degli armigeri dei movimenti lentissimi,
> quasi coreutici come quelli preparati da Leda Lojodice, mentre i
> protagonisti cantano regolarmente  la loro parte e la musica fluisce
> vertiginosa io non l ho mai visto fare da altri registi.
Io ad esempio non ho mai visto cantare Azucena senza la vampa, ma ognuno è
libero di fare quello che vuole...
Saluti, MC
>


text:
Lucio PERES <
lucio...@inwind.it
> wrote:

> Su questo non sono poi cosě d' accordo: il libretto di Cammarano (ke
> fu completato da un certo Bardare a causa della morte dello stesso
> Cammarano) ha dei pregi anke poetici non indifferenti. Dove me li
> trovi dei versi cosě sintetici ed illuminanti come "Tacea la notte
> placida " (e non dirmi  ke somiglia ad "Era una notte buia e
> tempestosa" di Snoopy...      ;-))) o "Deserto sulla terra col rio
> destino in guerra..." o "Tu vedrai che amor in terra mai non fu del
> mio piů forte..." o lo stesso "Di quella pira l' orrendo foco..."
> A me piace specialmente la "dichiarazione" di Azucena dopo ke č
> arrestata: "D' una zingara č costume muover senza disegno il passo
> vagabondo, ed č suo tetto il cielo, sua patria il mondo.": in 4 righe
> e neanke 20 parole č spiegato tutto il destino d' un popolo nomade!
> Dove lo trovi un altro capace di tanto?
Hai ragione. la debolezza e' soprattutto drammaturgica. I versi,
effettivamente, quelli che hai citato hanno una loro dignita'.
Il problema della vendetta di Azucena e' appunto la sublimazione della
vendetta. Ella non puo' uccidere Manrico, non sarebbe una vendetta,
sarebbe solo autolesionismo, poiche' essa ama Manrico. Deve fare
uccidere Manrico dal fratello. Ma questo non e' un progetto; e' una
situazione che nasce dalle cose, e le cose fanno nascere stati d'animo,
che poi si prolungano ancora una volta nelle cose, etc. Forse nella
Juive il progetto di Eleazar e' definito un po' piu' chiaramente, sia
pure con continui tentennamenti, finche' nella giovane nasce il
desiderio del martirio, che avverra' appunto per opera del padre,
ignaro.
Sono situazioni di grande delicatezza emotiva, oltre che di grande
crudelta', e che, secondo me sono appunto il centro drammaturgivo di
entrambe le opere.
Ciao



text:
On Mon, 25 Dec 2000 20:51:57 GMT, "MarcoCla" <
cab...@libero.it
>
wrote:
>> >regia innovativa.
>>
>> Infatti non l' ha detto nessuno (mi pare...).
>
>Solo De Ana stesso e il divino: peraltro di solito io ADORO le regie di De
>Ana (Nabucco, Barbiere).
Se De Ana ha rilasciato un' intervista  affermando ciò, l' ho persa.
E'  anke ovvio ke ha sbagliato, in quanto  un artista x quanto grande
non può giudicarsi da solo...
Io cmq conosco solo l' intervista a Leonetta Bentivoglio nello
Speciale di Repubblica sull' apertura della Scala in cui il regista
afferma testualmente: "Non bisogna inventare nulla, non serve
rivoluzionare. Lo spettacolo è lì: implicito, ammaliante. Va
rintracciato il senso di quelle parole...".
>Per regia innovativa parlavo di un modo nuovo di avvicinarsi ad un'opera di
>tradizione; su Arias non so che dirti, ma sicuramente la GENIALE regia di
>Vick del Macbeth (unica cose veramente buona di quell'allestimento)
Evidentemente stiamo agli antipodi come gusti: x me il cubo del
Macbeth è stata la + "grossa" (sic!) idiozia mai vista su un
palcoscenico d' opera e le cose + valide di quella produzione sono
state l' ork ed il coro. Finora l' unica cosa buona di Vick ke abbia
visto è l' Outis di Berio.
Circa Arias dubito ke avresti apprezzatro il suo Barbiere col vulcano
ke caracolla sul palco mentre si canta "E' un vulcano la mia
mente..."...
> o le regie di Svoboda (almeno quelle che ho visto ad esempio il Macbeth) possono
>essere un esempio.
Di Svoboda non ricordo d' aver visto niente o se sì l' ho dimenticato.
>In ogni caso non voglio fare qui una difesa delle regie innovative, anche
>perchè non posso dire che non mi piacciano quelle di tradizione.
2° me dipende dalla bontà delle idee profuse: ho visto 2 regie
"moderne" (di Carsen e Mc Vicar) di opere di GFH ke erano deliziose,
quelle sì davvero geniali.
>questione che in fondo mi ha più infastidito di questo
>trovatore: cioè che tutti PRIMA  di farlo abbiano detto di fare qualcosa di
>nuovo
A quanto mi consta ciò è  parzialmente vero nei riguardi di Muti sulla
questione del lunar-mozartiano, ke poi alla prova dei fatti s' è
rivelata infondata...
>Probabilmente, ma questa è una mia cattiveria, De Ana si è accorto che Muti
>già prima del debutto gli stava letteralmente rubando la scena e allora ha
>calcato un pò la mano nelle interviste.
Ripeto ke io queste interviste non le conosco... Dove le hai lette?
>Io ad esempio non ho mai visto cantare Azucena senza la vampa, ma ognuno è
>libero di fare quello che vuole...
nel film di Carmine Gallone di cui proiettano uno spezzone alla mostra
"D' amor sull' ali rosee" a Palazzo Marino di vampe e fuochi vari ce
n' è a bizzeffe... Forse alla Scala, visti i tempi, temevano un'
incendio...
LUX


text:
>
> >Per regia innovativa parlavo di un modo nuovo di avvicinarsi ad un'opera
di
> >tradizione; su Arias non so che dirti, ma sicuramente la GENIALE regia di
> >Vick del Macbeth (unica cose veramente buona di quell'allestimento)
>
> Evidentemente stiamo agli antipodi come gusti: x me il cubo del
> Macbeth è stata la + "grossa" (sic!) idiozia mai vista su un
> palcoscenico d' opera e le cose + valide di quella produzione sono
> state l' ork ed il coro.
Il problema è proprio questo: il cibo non era la regia, ma la scenografia.
Era un pretesto per trovare una regia effiacace. La scenografia di Vick
poteva non essere perfetta, ma la regia sì. I movimenti della Guleghina, il
vecchio Bruson a fare un Macbeth leggermente (e non poi così tanto)
alienato, la danza delle streghe, le apparizioni. Invece de Ana ha fatto una
splendida scenografia, ma la regia era quanto di più banale possa esserci ai
giorni nostri. I cantanti avevano gli stessi atteggiamenti scenici e gli
stessi movimenti (ad esempio l'uso ridicolo dei gesti delle braccia di
Leonora) che si vedono nelle foto di Gigli o nei video degli spettacoli Rai
degli anni '70.
 Finora l' unica cosa buona di Vick ke abbia
> visto è l' Outis di Berio.
> Circa Arias dubito ke avresti apprezzatro il suo Barbiere col vulcano
> ke caracolla sul palco mentre si canta "E' un vulcano la mia
> mente..."...
>
> > o le regie di Svoboda (almeno quelle che ho visto ad esempio il Macbeth)
possono
> >essere un esempio.
>
> Di Svoboda non ricordo d' aver visto niente o se sì l' ho dimenticato.
Ad esempio la Butterfly di Macerata che hanno trasmesso anche in TV.
>
> >In ogni caso non voglio fare qui una difesa delle regie innovative, anche
> >perchè non posso dire che non mi piacciano quelle di tradizione.
>
> 2° me dipende dalla bontà delle idee profuse: ho visto 2 regie
> "moderne" (di Carsen e Mc Vicar) di opere di GFH ke erano deliziose,
> quelle sì davvero geniali.
>
Esatto. Secondo me la regia moderna deve essere diversa da quella di
tradizione solo per le idee profuse, ma che siano buone idee, non solo
stupidaggini messe lì per fare scalpore. Un esempio. le regie di Ronconi
(alcune) sono veramente stupide, quelle di Krief sono sempre interessanti,
anche se non possono, e credo che nemmeno vogliano, piacere a tutti.
>
> A quanto mi consta ciò è  parzialmente vero nei riguardi di Muti sulla
> questione del lunar-mozartiano, ke poi alla prova dei fatti s' è
> rivelata infondata...
>
> >Probabilmente, ma questa è una mia cattiveria, De Ana si è accorto che
Muti
> >già prima del debutto gli stava letteralmente rubando la scena e allora
ha
> >calcato un pò la mano nelle interviste.
>
> Ripeto ke io queste interviste non le conosco... Dove le hai lette?
>
Corrierone, alcuni giorni prima della recita.
>
> nel film di Carmine Gallone di cui proiettano uno spezzone alla mostra
> "D' amor sull' ali rosee" a Palazzo Marino di vampe e fuochi vari ce
> n' è a bizzeffe... Forse alla Scala, visti i tempi, temevano un'
> incendio...
O forse era difficile riuscire a fare una fiamma blu?
Saluti, MC


text:
> Il problema è proprio questo: il cibo non era la regia, ma la scenografia.
> Era un pretesto per trovare una regia effiacace. La scenografia di Vick
> poteva non essere perfetta, ma la regia sì. I movimenti della Guleghina,
il
> vecchio Bruson a fare un Macbeth leggermente (e non poi così tanto)
> alienato, la danza delle streghe, le apparizioni. Invece de Ana ha fatto
una
> splendida scenografia, ma la regia era quanto di più banale possa esserci
ai
> giorni nostri. I cantanti avevano gli stessi atteggiamenti scenici e gli
> stessi movimenti (ad esempio l'uso ridicolo dei gesti delle braccia di
> Leonora) che si vedono nelle foto di Gigli o nei video degli spettacoli
Rai
> degli anni '70.
Conosco un po' il modo di lavorare di De Ana, in quanto ci ho lavorato in
diverse produzioni.
De Ana sa che certi movimenti da certi cantanti o da certi cori non li
otterrai mai (se non pagando loro una congrua e apposita indennità :-)),
quindi rinuncia a montarli.
Io ricordo il suo Samson et Dalila di Macerata, dove Dalila doveva
cimentarsi con un complesso gioco di pose delle braccia: la mezzosoprano ha
eseguito tutto alla perfezione, e l'effetto era veramente suggestivo. Ho
riconosciuto in Leonora un tentativo di costruzione della stessa gestualità,
ma... non so se per cattiva volontà della Frittoli (magari lei non era
d'accordo con De Ana) o che so io... gli stessi movimenti sembravano solo
accennati, e quindi non convincevano.
Anche per quanto riguarda il coro... cori come quelli di Milano o Roma sono
ben più difficili da far muovere che non altri (sempre parole di De Ana).
Nella Turandot, sempre di Macerata, il coro era sempre in movimento, per lo
più con uno sgabello in mano: alla Scala il coro era lì, bello piazzato,
lasciando ai mimi l'onere di muoversi un po' in scena. De Ana ha saputo
capire benissimo che, onde evitare litigate con Muti per possibili problemi
musicali, e magari con gli stessi coristi, il coro era meglio lasciarlo
dov'era.
Ergo: De Ana sa quando è il caso di "osare" e quando no.
Alla Scala evidentemente non era il caso.
Rimango sempre convinto, vista l'impostazione drammaturgica del Trovatore,
che trovare qualcosa di convincente e non stereotipato, dal punto di vista
registico, in quest'opera... è veramente dura.
> >
> > Di Svoboda non ricordo d' aver visto niente o se sì l' ho dimenticato.
>
> Ad esempio la Butterfly di Macerata che hanno trasmesso anche in TV.
In Butterfly Svoboda non c'era, anche se in un primo momento doveva essere
coinvolto nel progetto.
In TV passò un Rigoletto di Svoboda (sempre di Macerata), un anno prima del
Rigoletto di Bruson alla Scala.
Ma produzioni da conoscere sono la Traviata (con uno specchio a 45 ° sul
palcoscenico e scene dipinte su tela stese sul palco), e una Lucia, con un
enorme rete che attraversa il palco, che lavora sia in trasparenza che come
schermo per proiezioni.
Confesso di non conoscere le vecchie produzioni di Svoboda, e delle ultime
conosco solo quelle che mi sono passate sotto il naso, appunto a Macerata.


title: CD Classica di febbraio

author: Teseo

text:
Intervista a Gunter Wand, ultimo erede (sono tutti ultimi, a una certa
eta'...) della tradizione tedesca.
Incontro col mezzosoprano Angelica Kirchschlager
Incontri con Helene Grimaud, Kristian Zimerman, Stefano Bagliano, Emilio
Maggini, Adriano Paolini
News
Le nuove emissioni dell'etichetta Orfeo dedicate alle grandi serate del
Festival di Salisburgo
Una cantata inedita di Rossini
Busoni su Hyperion
Recensioni, recensioni e ancora recensioni (tra cui il disco della Bartoli
dedicato a Vivaldi e di cui a lungo si e' parlato. Giudizio: ECCEZIONALE).
CD allegato da non perdere,. con tre capolavori di Telemann: la suite in la
minore per flauto dolce e archi, il concerto per flauto dolce e fagotto e il
concerto per flauto dolce e viola da gamba. Solista e direttore Stefano
Bagliano. Molto buona la qualita' della presa del suono. Tra le
interpretazioni della suite in la minore in mio possesso, quella di
Bagliano la metterei, personalmente, al secondo posto subito dopo quella di
Bruggen e Harnoncourt.
Mi viene pero' il sospetto che nella guida all'ascolto l'onnipresente
Zignani confonda il flauto dolce col traverso (che c'entrano Quantz e
Federico II di Prussia, che erano virtuosi del traversiere, caro Zignani,
dimmi, che c'entrano ?).
Teseo


title: CD Classica di febbraio

author: Achille Maccapani

text:
Teseo wrote:
> Intervista a Gunter Wand, ultimo erede (sono tutti ultimi, a una certa
> eta'...) della tradizione tedesca.
> Incontro col mezzosoprano Angelica Kirchschlager
> Incontri con Helene Grimaud, Kristian Zimerman, Stefano Bagliano, Emilio
> Maggini, Adriano Paolini
Già letti. Peccato solo che le interviste a Zimerman, alla Grimaud ed a Wand
siano già state pubblicate, nei mesi scorsi, da Répertoire.
Mi limito a rilevare la sincerità della frase riportata nell'intervista a
Zimerman, quand'egli afferma: "Negli ultimi undici anni ho presentato in
concerto quattordici programmi differenti,
e di questi in disco non è stato conservato niente, ad eccezione di
Debussy".
Ho ancora nella memoria un memorabile concerto di Zimerman al Palazzo del
Parco di Bordighera (Imperia), con la Sonata n. 3 di Chopin e le Sonate
"Appassionata" e "Waldstein" di Beethoven: composizioni, queste, non
immortalate su disco dall'interessato. Sigh...
ciao
Achille


title: concerto on line

text:
Salve, ho il piacere di segnalarvi che gli Amici Cantores di Milano
hanno un po' artigianalmente (con qualche clic o coda) messo on line una
buona incisione del  concerto tenuto il 23/11/2002, quando hanno
festeggiato i 15 anni esatti di fondazione, proprio a S. Pio X. Per
l'occasione hanno cantato  anche tanti ex cantori rientrati per
preparare il concerto di festeggiamento. In totale trenta cantori.
Se avete una connesione rapida v'invito a scaricarlo,
http://digilander.libero.it/amici.cantores/
è riuscito veramente bene e il programma rinascimentale è di tutti pezzi
grossi:
Viadana-Exsultate justi in Domino
Palestrina- Incipit oratio Jeremiae
Palestrina-Jerusalem da Incipit (bis)
De Victoria- Vere languores nostros
De Victoria- Caligaverunt
De VIctoria- Ave Maria a 8
Palestrina- Sicut cervus
Palestrina- Exsultate Deo
gregoriano + De Victoria (attribuito)- Jesu dulcis memoria
De Victoria- O magnum mysterium
De Victoria- Taedet
Amici Cantores - Quam pulchri sunt
Josquin Desprez- Ave Maria
Amici Cantores - Alma Redemptoris Mater
Josquin Desprez - Tu solus qui facis mirabilia
Buon Natale da Stefano Torelli


title: Dvorak/Requiem

author: Giuseppe

text:
Ho preso per pura curiosità il cofanetto  in oggetto ( edizione Supraphon/Sawallisch).
Non avevo mai ascoltato prima d'ora questa composizione.
Sono rimasto molto, ma molto soddisfatto.
Un capolavoro.
Bravo Dvorak!!
G.


title: Dvorak/Requiem

author: Massimiliano Cammarata

text:
"Giuseppe" <
merl...@libero.it
> ha scritto nel messaggio
news:hlpwNB.A....@idam.kicks-ass.net...

Lo so che merita un apllauso ;-)
Hai mai ascoltato lo Stabat Mater?
--
Ciao
Massimiliano


title: Dvorak/Requiem

author: Riccardo

text:
> Un capolavoro.
> Bravo Dvorak!!
Pensa che qualche tempo Paolo Isotta lo defini' "un compositore di serie
B".
Ciao,
Riccardo.
--
Posted via Mailgate.ORG Server -
http://www.Mailgate.ORG


title: Dvorak/Requiem

author: Moosbrugger

text:
"Riccardo " <
ken...@tiscalinet.it
> ha scritto nel messaggio
> Pensa che qualche tempo Paolo Isotta lo defini' "un compositore di serie
> B".
L' ennesima sparata di Isotta, fra un panegirico a Muti e le reprimenda ai
"gravissimi errori di solfeggio" (....) nell' esecuzione del Don Giovanni di
Harnoncourt a Salisburgo. Che bisogna dire ?
Ciao
Moosbrugger
--
"Cosa dificile qui ?!? Se io avevo questa prima vista in Mosca mandavano me
Siberia !!"
Pavel Vernikov


title: Dvorak/Requiem

text:
"Riccardo " <
ken...@tiscalinet.it
> ha scritto nel messaggio
news:imFrPC.A....@idam.kicks-ass.net...
> > Un capolavoro.
> > Bravo Dvorak!!
>
> Pensa che qualche tempo Paolo Isotta lo defini' "un compositore di serie
> B".
>
> Ciao,
> Riccardo.
>
>
 Da quel che ho sentito non mi sembra proprio.
Ciao
G.


title: Dvorak/Requiem

text:
"Moosbrugger" <
bass_des...@yahoo.it
> ha scritto nel messaggio
news:kwRbGD.A....@idam.kicks-ass.net...
>
> "Riccardo " <
ken...@tiscalinet.it
> ha scritto nel messaggio
>
> > Pensa che qualche tempo Paolo Isotta lo defini' "un compositore di serie
> > B".
>
>
> L' ennesima sparata di Isotta, fra un panegirico a Muti e le reprimenda ai
> "gravissimi errori di solfeggio" (....) nell' esecuzione del Don Giovanni di
> Harnoncourt a Salisburgo. Che bisogna dire ?
>
> Ciao
>
> Moosbrugger
>
Errori di solfeggio?
Di che si tratta?
Grazie
G.


title: Dvorak/Requiem

text:
"Giuseppe" <
merl...@libero.it
> ha scritto nel messaggio news:
> Errori di solfeggio?
> Di che si tratta?
> Grazie
Non si sa, e probabilmente non si saprà mai. Di fronte ad una accusa di
questo genere, che sarebbe pesante anche per un direttore di coro
parrocchiale, ci si aspetterebbe una descrizione circostanziata degli errori
stessi. Invece, nell' articolo in questione ( recuperabile con una ricerca
su Google, a suo tempo fu postato integralmente su IAMC ), Isotta non spiega
nulla di più, lasciando nel lettore l' impressione che Harnoncourt sia un
mezzo dilettante che non è neppure in grado di far eseguire uno spartito in
maniera scolasticamente corretta : il che, per chi conosca anche minimamente
il musicista Harnoncourt, è perlomeno ridicolo e profondamente offensivo.
Ciao
Moos



title: Dvorak/Requiem

text:
 Isotta non spiega
> nulla di più, lasciando nel lettore l' impressione che Harnoncourt sia un
> mezzo dilettante che non è neppure in grado di far eseguire uno spartito
in
> maniera scolasticamente corretta : il che, per chi conosca anche
minimamente
> il musicista Harnoncourt, è perlomeno ridicolo e profondamente offensivo.
Isotta, alcuni anni fa, sempre in un articolo sul CorSera, recensendo un
allestimento salisburghese del Cosi' fan tutte, defini' Harnoncourt "un
cialtrone".
Saluti,
Riccardo.


title: Dvorak/Requiem

text:
"Riccardo" <
nos...@please.org
> ha scritto nel messaggio news:
> Isotta, alcuni anni fa, sempre in un articolo sul CorSera, recensendo un
> allestimento salisburghese del Cosi' fan tutte, defini' Harnoncourt "un
> cialtrone".
Non entro nel merito di giudizi di questo genere : chi li formula ( con nome
e cognome ) sul più autorevole quotidiano nazionale si prende le proprie
responsabilità, e sarebbe ingiusto disconosciergliele. Per quanto mi
riguarda, sugli articoli di Isotta faccio senz' altro mia l' opinione qui
già espressa in passato da un autorevole niusgruppista : " Nel quadro di un
programma di eliminazione dalla mia vita
delle cose inutili che fanno perdere tempo, non leggo piu' articoli di
Paolo Isotta."



title: Dvorak/Requiem

text:
"Moosbrugger" <
bass_des...@yahoo.it
> ha scritto nel messaggio
news:cbl7pD.A....@idam.kicks-ass.net...
>
> "Giuseppe" <
merl...@libero.it
> ha scritto nel messaggio news:
>
> > Errori di solfeggio?
> > Di che si tratta?
> > Grazie
>
>
> Non si sa, e probabilmente non si saprà mai. Di fronte ad una accusa di
> questo genere, che sarebbe pesante anche per un direttore di coro
> parrocchiale, ci si aspetterebbe una descrizione circostanziata degli errori
> stessi. Invece, nell' articolo in questione ( recuperabile con una ricerca
> su Google, a suo tempo fu postato integralmente su IAMC ), Isotta non spiega
> nulla di più, lasciando nel lettore l' impressione che Harnoncourt sia un
> mezzo dilettante che non è neppure in grado di far eseguire uno spartito in
> maniera scolasticamente corretta : il che, per chi conosca anche minimamente
> il musicista Harnoncourt, è perlomeno ridicolo e profondamente offensivo.
>
> Ciao
>
> Moos
>
Bhe....sicuramente Harnoncourt per quel che ho letto su di lui, ( e sentito) non è
certamente un principiante:-))))))
Ma è mai possibile che questo critici possano dire qualsiasi cosa gli passi per la mente?
Bho
Ciao
G.


title: Dvorak/Requiem

text:
"Riccardo" <
nos...@please.org
> ha scritto nel messaggio
news:iwNZw.A.k...@idam.kicks-ass.net...

Scusate ma chi**********è questo Isotta?
E il Maestro non ha fatto nessuna replica?
Anche se recentemente è stata chiesta l'archiviazione per una persona che aveva dato del "
cialtrone" ad un noto uomo politico ( il nostro pres. del consiglio) tanto per non far
nomi, durante una visita al Tribunale di Milano in veste di imputato.
Ciao
G.


title: Dvorak/Requiem

text:
> E il Maestro non ha fatto nessuna replica?
Giuseppe, se ogni direttore dovesse rispondere alle critiche piu'o meno
aspre che riceve assisteremmo ad un continuo ping-pong di "opinioni" in
occasione di ogni rappresentazione recensita..
Del resto personalmente non sono "contro" una critica anche aspra e
"cattiva" purche' motivata.
Ciao,
Riccardo.


title: Dvorak/Requiem

text:
"Riccardo" <
nos...@please.org
> ha scritto nel messaggio
news:pH49lB.A....@idam.kicks-ass.net...

Anche questo che dici è vero:-))
Ma siccome io ho un carattere abbastanza " sanguigno".....non so se avrei resistito a
certe critiche  " aspre", anche se motivate:-))
Ciao
G.